영감의 원천 _One Inspiration

One Inspiration The Very First Ideas from Korean Tradition and Culture Kang, Un Kim, Bum Su Kim, Sung Bok Kim, Seung Young Kim, Chang Kyum Nam, Kyung Min Yang, Dae Won Yoo, Hyun Mi Lee, Gil Rae Sung, Dong Hun The Korean Cultural Centre 2019. 11. 22 (Fri) – 2020. 02. 14 (Fri) Gallery 101 2019. 11. 23 (Sat) – 2020. 02. 14 (Fri)

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목차

4

인사말

선조의 기원 – 전설과 종교 10

유현미

18

김성복

26

김승영 선조의 생활 – 삶의 정취

36

남경민

46

김창겸

54

이길래

62

김범수

72

성동훈 선조의 발명 – 한글과 한지

82

양대원

90

강운

98

작가 약력

108

참고문헌

CONTENTS 4

Foreword

The Origin of Ancestors – Myth and Religion 10

Yoo, Hyun Mi

18

Kim, Sung Bok

26

Kim, Seung Young Life of Ancestors - Flavor of Life

36

Nam, Kyung Min

46

Kim, Chang Kyum

54

Lee, Gil Rae

62

Kim, Bum Su

72

Sung, Dong Hun Inventions of Our Ancestors - Hangeul and Hanji

82

Yang, Dae Won

90

Kang, Un

98

Biography

108

Reference

인사말

〈One Inspiration – 한국 전통문화에서 찾은 최초의

It is a great pleasure for us to present the exhibition 〈One Inspiration〉 in Ottawa, the capital of Canada.

아이디어〉 전을 캐나다 오타와에 소개하게 되어 진심으로 기쁘게 생각합니다.

Serving as “a network hub connecting Korea with the world through culture,” the Korean Foundation for International Cultural Exchange (KOFICE) has been dedicated to promoting mutual understanding at the cultural level and contributing to global cultural development at large, while enhancing the diversity and creativity of Korean culture. Our foundation was created to support Korean arts exhibitions and performances overseas in cooperation with Korean Cultural Centers abroad, encouraging international exchanges on the basis of long-term collaborations.

To this end, KOFICE has initiated “the Traveling Korean Arts” project with a view to establishing a solid foundation for sustainable cultural exchanges by connecting various organizations in Korea and around the world.

한국국제문화교류진흥원은 ‘문화로 한국과 세계를 잇는 네트워크 허브’로서 다양한 문화교류로 국가 간 상호 문화에 대한 이해를 증진하고 우리 문화의 다양성과 창의성을 높여 세계문화 발전에 기여하기 위해 노력하고 있습니다. 그 중에서도 특히 국내외 다양한 주체를 연결하여 지속가능한 문화교류의 기반을 만들고 있는 ‘트래블링 코리안 아츠(Traveling Korean Arts)’는 재외 한국문화원과 협력하여 한국의 전시와 공연 프로그램의 해외순회를 지원하고, 장기적 협업 과정 중심의 교류를 장려하고자 기획된 사업입니다.

본 사업의 일환으로 캐나다 오타와에 소개되는

We have prepared this special exhibition, 〈One Inspiration〉 featuring the artists and creative works from SAVINA Museum, with the aim of introducing the source of inspiration in everyday life through cultural heritage. This event is all the more meaningful in that it sheds new light on the Korean artists in collaboration with the Gallery 101. It is my hope that 〈One Inspiration〉 will prove to be a highly memorable experience for both Canadian and Korean residents in Ottawa.

사비나미술관의 〈One Inspiration – 한국 전통문화에서 찾은 최초의 아이디어〉 전은 한국을 대표하는 작가들이 한국의 전통문화에서 최초의 아이디어를 얻어 선보이는 전시로, 창조의 비밀은 전통과 현대성을 수용하여 아름답게 재창조함에서 비롯됨을 상기시키는 전시입니다. 특별히 오타와 Gallery 101과 함께 본 전시를 소개하게 되어 더욱 뜻깊게 생각합니다. 모쪼록 본 전시가 캐나다 오타와 시민과 우리 교민께 깊은 감동을

KOFICE will continue to support and devote its attention to promoting more active international exchanges that reach across borders through cultural and art events. Finally, I wish to extend my sincere gratitude and appreciation to H.E. Maengho Shin, Ambassador of the Republic of Korea to Canada, Director Kim Yongsup of the Korean Cultural Center Canada Ottawa, President Lee Myeong Ok of SAVINA Museum and all those who have provided their invaluable support toward ensuring the success of this meaningful exhibition.

전할 수 있길 바랍니다.

우리 진흥원은 앞으로도 문화예술을 통해 더 능동적인 국제교류가 이뤄질 수 있도록 아낌없는 지원과 관심을 이어가겠습니다. 주캐나다 대한민국 대사관 신맹호 대사님과 주캐나다 한국문화원 김용섭 원장님, 사비나미술관 이명옥 관장님을 비롯하여, 뜻깊은 전시가 열릴 수 있도록 힘써주신 모든 분들께 진심으로 감사드립니다.

Kim Yongrak President, Korean Foundation for International Cultural Exchange

한국국제문화교류진흥원 원장 김용락

4

주캐나다 한국문화원에서 〈One Inspiration – 한국

On behalf of the Embassy of the Republic of Korea, I am pleased to introduce the new Korean Cultural Centre (KCC) Gallery exhibition titled, ‘One Inspiration: The Very First Ideas from Korean Tradition and Culture.’

전통문화에서 찾은 최초의 아이디어〉전시회를 개최하게 된 것을 진심으로 기쁘게 생각합니다.

이번 전시회는 한국국제문화교류진흥원이 전 세계에

With the objective of highlighting Korean art, the ‘Traveling Korean Arts Program,’ funded by the Korean Foundation for International Cultural Exchange (KOFICE), aims to showcase ten highly recognized Korean contemporary artists’ works to international audiences around the globe.

한국문화를 알리기 위해 운영하는 ‘트레블링 코리안 아츠’사업의 일환으로, 한국을 대표하는 10명의 작가들이 한국의 전통문화를 현대적으로 재해석한 작품을 선보이고 있습니다. 전통과 현대성을 접목하여 아름다운 예술로 재창조하신 뛰어난 작가 여러분들을 환영합니다.

Inspired by the philosophical and aesthetic practices of Korea, these ten ground breaking artists have merged the traditional with the modern; and in so doing, have created beautiful artworks that, I believe, will resonate deeply with Canadians from all walks of life.

이번 전시에서 소개하는 도깨비, 소나무, 반가사유상과 같은 소재는 캐나다에 아직 크게 알려지지 않은 한국의 전통적인 소재이지만, 포용성과 다양성을 중시하는 캐나다인들에게 친숙하게 다가갈 수 있는 내용이라고 생각합니다.

Additionally, Gallery 101, the renowned contemporary art gallery in the heart of Ottawa, has agreed to showcase pieces from the collection as well –

또한 이번 전시는 오타와의 저명한 갤러리 중 하나인

concurrently with the KCC exhibition. This will broaden the opportunity for newcomers to see and experience the best of Korean art.

Gallery 101에서도 동시에 열리게 되어 한국전통에 기반을 둔 한국 현대미술을 캐나다에 소개하는 뜻 깊은 자리가 될 것입니다.

With that said, I would like to express my deep and abiding gratitude to the President of KOFICE, Mr. Kim Yongrak, the Director of Savina Museum, Ms. Lee Myung Ok, and the Director of Gallery 101, Ms. Laura Margita, as well as everyone involved in the exhibition, for their hard work and dedication in bringing this exhibition to Canada’s capital city.

아무쪼록 이 전시회가 현대미술분야에 있어 한국과 캐나다간의 교류를 보다 활성화하는 계기가 되길 기원합니다. 마지막으로 이번 전시회 개최를 위해 힘써주신 한국국제문화교류진흥원 김용락 원장님, 사비나미술관

I sincerely hope that this will be another opportunity for further exchange between Korea and Canada, particularly as it pertains to art and culture.

이명옥 관장님과 Gallery 101 로라 마지타 관장님, 그리고 훌륭한 전시를 위해 노력해 주신 관계자 여러분들께 진심으로 감사의 말씀을 드립니다.

Maengho Shin Ambassador of the Republic of Korea to Canada

주캐나다 대한민국대사관 대사 신맹호

5

인사말

I am Lee Myung-ok, the director of the Savina Museum of Contemporary Art. I am pleased to cohost this exhibition, entitled One Inspiration – The

사비나미술관장 이명옥입니다. 먼저 한국국제문화교류진흥원에서 주최하는 〈One Inspiration – 한국 전통문화에서 찾은 최초의

Very First Ideas from Korean Tradition and Culture, with the Korean Foundation for International Cultural Exchange and the Korean Cultural Center of the Embassy of the Republic of Korea to Canada as well as Gallery 101. It is significant that ten established artists reveal the creative process - from the finding of their very first ideas in traditional Korean culture to the production of their artwork which fuses tradition and modernity. This international art event also includes video materials which allow audiences to appreciate the artworks on display in combination with their sources for inspiration from traditional cultural resources. The Savina Museum of Contemporary Art was motivated to put on this exhibition by our intention to provide a successful example of cultural ‘glocalism’. Glocalism is a relatively new term reflecting new concepts, combining globalism and localism. We conceived the exhibition as a strategy for the international promotion of Korean culture, globalizing the aesthetics of Korean tradition and simultaneously maintaining the identity of Korean art. In other words, this exhibition can be seen from the perspective of the expansion of culture embracing both the local speciality and global universality of Korean art. The Savina Museum of Contemporary Art aims to build an international cooperative system in the field of art and culture and develop exemplary cases of cultural exchange and collaboration not only with this exhibition but also in the future. Finally, I would like to express my gratitude to the participating artists and everyone else who has worked hard to make this exhibition possible.

아이디어〉전시회를 주캐나다 한국문화원, G101과 공동으로 개최하게 된 것을 진심으로 기쁘게 생각합니다. 이번 전시는 한국 미술계를 대표하는 10명의 작가들이 한국 전통문화자원에서 최초의 아이디어를 얻어 전통과 현대성을 융합한 작품이 탄생하게 된 창작과정을 발표하는데 큰 의미가 있습니다.

그 뿐만 아니라 영감의 원천인 전통문화자원과 출품 작품을 상호 비교 분석한 영상 자료도 공개되는 뜻 깊은 국제 미술행사입니다.

사비나미술관이 본 전시를 기획하게 된 동기는 문화적 글로컬리즘(glocalism)의 성공적인 사례를 만들겠다는 목표를 실현하기 위해서였습니다. 글로컬리즘은 세계통합주의(globalism)와 지역중심주의(localism)가 결합해 탄생한 새로운 개념의 용어입니다.

한국의 전통미를 세계화하는 동시에 한국 미술의 정체성을 유지하는 '한국 문화 글로벌 확산 전략', 즉 한국 미술의 지역적 특수성과 국제적 보편성을 아우르는 문화 확장의 관점에서 기획된 전시입니다. 이번 전시를 포함하여 앞으로도 사비나미술관은 세계 각국 문화예술계와 협력 체제를 구축하고 문화교류의 모범적 협력사례를 함께 발굴해 나가고자 합니다. 끝으로 성공적인 전시회 개최를 위해 작품을 출품해주신 작가들, 노력해주신 관계자 여러분께 감사의 말씀을 드립니다.

Lee Myung Ok Director Savina Museum of Contemporary Art

사비나미술관 관장 이명옥

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선조의 기원 – 전설과 종교 The Origin of Ancestors – Myth and Religion 유현미 김성복 김승영

인간은 존재 자체의 불완전성, 불확실성으로부터 자유로울 수 없다. 이러한 이유로 다양한 상(像)을 만들고 주술적인 능력을 기대하며 행복과 평안을 기원해왔다. 기원(祈願)의 행위는 구석기시대 동굴 벽화에서부터 유래를 찾을 수 있을 정도로 오랜 역사를 가지고 있으며 한국에서도 다양한 기원의 역사를 찾아볼 수 있다. 불로장생(不老長生)에 대한 염원이 담긴 상징물 ‘십장생(十長生)’은 왕실의 병풍에서부터 서민들의 생활소품에 이르기까지 널리 쓰였다. 유현미는 조각, 회화, 사진 등 다양한 매체가 혼합된 작품을 통해 십장생을 현대적인 길상(吉祥)으로 재탄생 시킨다. 도깨비는 인간의 기원을 충족시켜주는 신앙의 대상이자 조선시대 서민들의 삶을 어루만져주는 친근한 존재였다. 부(富)를 가져다 주는 행운의 표식인 도깨비방망이는 김성복의 손에서 한국 현대사회의 모습을 투영한 새로운 의미의 작품이 되었다. 불교는 한국인의 정서와 사상에 깊이 자리하고 있으며 수많은 한국 문화유산의 원천이다. 이번 전시에서는 국보 83호 〈반가사유상〉을 모티브로 인간의 감정에 대한 깊은 사유를 담은 김승영의 조각을 만나볼 수 있다.

Yoo, Hyun Mi Kim, Sung Bok Kim, Seung Young

Humans are not free from their own existential fallibility and uncertainty. Thus, humans have constantly created various imageries, assuming that they could have the magical power to bring happiness and peace to human lives. The act of prayer has a long history as its origin is attested in cave murals as early as Paleolithic times. And so, in Korea, prayers and wishes have long been expressed in a variety of forms. There are ten longevity symbols that are widely used as an expression of the wish for eternal youth. They appear everywhere from screens belonging to the royal family to ordinary items that everyone uses. Yoo Hyun Mi renews these traditional symbols, known as ‘Sipjangsaeng’, as contemporary auspicious symbols, incorporating sculpture, painting and photography. Goblins, known as ‘dokkaebi’, were worshipped as benign beings in Joseon since it was believed that they could grant wishes and provide comfort. Dokkaebi’s club is regarded as a lucky symbol which brings wealth and, in the hands of Kim Sung Bok, became an art work which consoles those suffering hardships in contemporary life with hope.

Buddhism, deeply embedded in Korean sentiments and philosophies, has provided a rich source for Korean cultural heritage. Inspired by Pensive Bodhisattva (National Treasure No. 83), Kim Seung Young created a sculpture which conveys his deep contemplation on human emotions.

유현미 Yoo, Hyun Mi

“컴퓨터 그래픽을 통한 이미지 변형 없이, 미술의 지극히 아날로그적이며 전통적인 방식을 이용해 완성된 저의 작품에는 건축·조각·회화·사진·영상 등 여러 매체와 관련된 행위와 과정이 누적되어 있습니다. 작업은 꿈과 현실의 경계가 모호한 사진으로 완성되며, 조각과 회화, 사진의 프로세스를 모두 거치며 장르를 넘나드는 환영을 보여줍니다.”

“I use only analogue and traditional ways to complete a work of art, without manipulation involving computer graphics. The work contains all processes and activities relating to various media such as architecture, sculpture, painting, photography and moving images. After going through phases of sculpting, painting, and photographing, the final results emerge in the form of photography. It blurs the boundaries between dream and reality and creates an illusion crossing different genres.”

Yoo Hyun Mi has presented original works, combining different media: sculpture dealing with actual objects; painting allowing surrealistic expression; and photography and moving images suited to representation. She creates a backdrop space wherein her sculpted objects are installed.

Painterly materiality is emphasized, the constructed space becomes surrealistic in the course of being photographed and filmed. Crossing the borders between photography and painting, the twodimensional and the three-dimensional, her work

유현미는 실존하는 사물을 다루는 조각, 초현실적 표현이 가능한 회화, 재현에 탁월한 사진과 영상 등 여러 장르가 혼합된 독창적인 작품을 선보여왔다. 작가는 배경이 되는 공간을 만들고, 조각한 오브제들을 설치한다. 채색으로 회화적 질감을 살리고, 사진을 찍거나 영상 촬영을 하는 과정을 거쳐 초현실적인 공간을 만들어낸다. 작품은 사진과 그림, 평면과 입체의 경계를 넘나들며 혼돈을 불러 일으킨다. 이번 전시에는 한국의 자연물 숭배사상과 신선사상, 도교를 근원으로

engenders chaos. In this exhibition, Yoo presents a series of The Ten Traditional Symbols of Longevity which expresses wishes for health and longevity, based on Korean philosophical and religious traditions such as nature worship, belief in godlike hermits, known as ‘sinseon’, and Taoism. The set of ten longevity symbols is one of the characteristic lucky symbols in Korea which illustrates the desire for eternal youth. In Yoo’s work entitled Good Luck -

불로장생(不老長生)을 기원하는 〈십장생(十長生)〉 연작이 소개된다. 한국의 역사 속에서 불로장생에 대한 꿈과 희망을 상징적으로 표현한 대표적인 길상(吉祥)이 바로 십장생이다. 〈십장생 No.1〉에서는 수천 년을 사는 영물로 불린 사슴이 초록색 사다리 위 사슴 뿔로 표현되었고, 해와 달은 바닥에 흩어진 공으로 단순화 되었다. 구름과 물은 몽환적인 색감의 배경으로 처리되어 십장생

The Ten Traditional Symbols of Longevity No. 1 , deer antlers on top of a green ladder suggest a deer as an auspicious animal living for thousands of years, and balls scattered over the floor simply represents the sun and stars. Clouds and water, embodied as part of the background in a hazy, dreamlike color tone, call attention to the artist’s contemporary translation of the ten longevity symbols. In Good Luck - The Ten Traditional Symbols of Longevity and Books No. 1 , the iconography of ten longevity symbols are represented as contemporary objects in an unusual composition: clouds as illustrated clouds in a calendar, water as water in a bottle, a crane as a paper crane, and a peach as a peach floating in the air. These motifs, being so deeply rooted in Korean heritage, sentiment and philosophy, will certainly stimulate audiences’ curiosity and imagination.

도상들의 현대적 해석이 돋보인다. 〈책가도 No.1〉에서도 구름은 달력 그림으로, 물은 생수 병으로, 학은 종이 학으로 표현되었고, 복숭아는 공중에 떠있어 십장생의 도상이 현대적인 오브제로 재상징화 되는 독특한 구성을 연출했다. 한국인의 정서와 사상에 깊이 자리한 전통유산인 십장생 모티브는 관람객들의 호기심과 상상력을 자극할 것이다.

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십장생 No.1 (사슴, 물, 구름, 해, 달), C-print, 148 x 175 cm, 2011 Good Luck - The Ten Traditional Symbols of Longevity No.1, C-print, 148 x 175 cm, 2011

십장생 책가도 No.1 (거북이, 불로초, 물, 산, 구름, 학, 해, 달, 사슴), C-print, 110 x 98 cm, 2011 Good Luck - The Ten Traditional Symbols of Longevity and Books No.1, C-print, 110 x 98 cm, 2011

거북이, 비디오, 1분 29초, 2011 Turtle, Video, 1min 29sec, 2011

십장생 No.5 (해, 달, 바위, 불로초), C-print, 90 x 131 cm, 2011 Good Luck - The Ten Traditional Symbols of Longevitys No.5, C-print, 90 x 131 cm, 2011

십장생, 불로장생을 꿈꾸다 Sipjangsaeng, The Dream of Eternal Youth

십장생(十長生)은 ‘불로장생(不老長生)’을 상징하는 열

Sipjangsaeng refers to a set of ten animals and objects which signify a long life. The sun, moon or clouds, mountains, water, rocks, cranes, deer, turtles, pine tree, and mushroom-of-immortality are mostly regarded as ten symbols of longevity but sometimes bamboo and peach are included.

In eastern philosophies, the number ten signifies perfection and eternity as it completes other numerals. It is not difficult to assume that iconography of ten longevity symbols has a long history: a poem about sipjangsaeng is included in an anthology entitled Mogeunjip by Lee Saek, an academic and official in the late Goryeo period; images regarding sipjangsaeng are found in a tomb mural from Goguryeo1). Paintings of sipjangsaeng have intense colors to portray theatrically the world of sinseon (godlike hermits). Auspicious animals like deer, turtles, and cranes roam free, peaches and mushrooms-of-immortality grow with the sun, moon, clouds, mountains and rocks in the background. In the court of Joseon, these ten longevity symbols were often painted, praying for health and longevity for the nation and the king, and also given by the king to courtiers as a new year’s gift. Later this iconography was introduced to commoners and widely used in woodcraft, needlework, architecture and more. This is still present as original Korean cultural heritage.

가지 사물을 뜻한다. 해, 달 또는 구름, 산, 물, 바위, 학, 사슴, 거북, 소나무, 불로초를 꼽지만 대나무와 복숭아가 포함되기도 한다. 동양사상에서 십(十)은 모든 수를 갖추는 숫자이므로 완전함, 영원성도 나타낸다. 고려 후기 문신인 이색(李穡)은 『목은집(牧隱集)』에 장생을 기원하는 ‘십장생시(十長生詩)’를 남겼으며, 고구려 고분벽화에도 십장생 도상들이 발견되는 것으로 미루어보아 오랜 역사를 가졌음을 짐작할 수 있다. 십장생도(十長生圖)는 화려한 색채를 사용하여 신선들의 세계를 보다 극적으로 형상화했다. 해, 달, 구름, 산, 바위 등을 배경으로 하고 사슴, 거북, 학 등 상서로운 동물들이 뛰놀거나 복숭아, 불로초 등이 표현되었다. 조선시대 궁중에서는 나라와 임금의 만수무강을 기원하며 십장생도를 그렸으며, 새해를 맞이하여 왕이 중신들에게 선물하기도 했다. 십장생도는 점차 민간에도 전해져 목공예품, 자수품, 건축물 등에 광범위하게 사용되며 한국의 고유한 문화유산으로 이어져 왔다.

1) [translator’s note] One of three ancient kingdoms of the Korean Peninsula.

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〈십장생도병풍(十長生圖屛風)〉, 19세기 - 20세기 초반, 비단에 채색 병풍 185.7 x 339.2 cm, 그림 132.8 x 329.4 cm, 국립고궁박물관 소장 〈Folding Screen with Paintings of Ten Longevity Symbols〉, 19th – early 20th century, Korea, Colors on Silk, Fold Screen 185.7 x 339.2 cm (screen), 132.8 x 329.4 cm (painting), National Palace Museum of Korea

십장생의 상징적 의미

Symbolism of Sipjangsaeng

해: 만물의 근원, 항상성

Sun: the origin of all things, constancy

달: 순환의 원리, 항상성

Moon: the principle of cycle, constancy

구름: 이상향, 초월의 경지

Clouds: utopia, the state of transcendence

산: 이상향, 절개와 지조, 항상성

Mountains: utopia, constancy

물: 영원한 생명력, 풍요로운 생산성

Water: life, fruitfulness, abundance

돌: 불변성, 항상성

Rocks: permanence, constancy

거북: 만년을 사는 신령한 동물

Turtles: auspicious animals living as long as ten thousand years

학: 신선이 타고 다니는 상서로운 동물

Cranes: auspicious animals as a means of transport for sinseon

사슴: 신선의 벗인 상서로운 동물

Deer: auspicious animals as a friend of sinseon

소나무, 대나무: 영생과 불변, 절개와 지조

Pine trees and bamboo: immortality, constancy

복숭아: 신선계(神仙界)의 열매

Peach: fruits in the world of sinseon

불로초: 신선계(神仙界)의 풀

Mushroom-of-immortality: growth in the world of sinseon

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김성복 Kim, Sung Bok

“한국의 도깨비는 해학적입니다. 남을 괴롭히기보다는 같이 노는 친근한 이미지죠. 도깨비 방망이는 부를 상징합니다. 돼지는 동양적으로 부를 상징하고 이를 쌓은 형상이 부의 축적을 의미하는 것처럼 일상의 희망적인 내용을 조각으로 표현하고 있습니다.”

“Korean goblins, known as dokkaebi, are witty. They appear to be friendly enough to play with people rather than distressing them. The dokkaebi’s club signifies wealth. The pig also stands for wealth in the East, so a herd of pigs suggests the growth of wealth. I am interested in expressing hopes in our everyday lives through sculpture.”

Kim Sung Bok presents humorous sculptures inspired by legendary creatures in Korean mythology such as dokkaebi, haetae, and dragons. In Korean folk beliefs, dokkaebi is a familiar being who offers help with material needs and grants wishes to people, and dokkaebi’s club brings wealth. Dreams of Dokkaebi , a wood sculpture, began with stories from the dreams of people at various ages ranging from a five-year-old child to an eighty-year-old man.

Dream Spoon merges a club with a spoon and is based on the artist’s observation on current social issues in Korea around particular terms such as ‘soilspoon’ and ‘gold spoon’. Kim conceived this piece to

김성복은 한국의 전설이나 신화 속에 존재하는 도깨비, 해태, 용 등에서 영감을 받아 해학적인 조각을 선보인다. 한국의 민속신앙에서 도깨비는 물질적인 필요나 기원을 충족시켜주는 친근한 존재이며, 도깨비 방망이는 부(富)를 가져다 주는 행운의 표식이다. 작품 〈도깨비의 꿈〉은 5세 아이부터 80세 노인에 이르는 다양한 사람들의 ‘꿈’을 듣고 영감을 받아 제작한 나무조각이다. 도깨비 방망이와 숟가락이 결합된 〈꿈수저〉는 한국의 사회적 이슈인 ‘금수저’, ‘흙수저’ 키워드에서 착안했다. 손잡이를 눌러 흔들리게 해도 오뚝이처럼 다시 일어서는

encourage young people struggling to get closer to their dreams. Like a roly-poly toy, the piece is tilted every time someone pushes its handle but rights itself. Myth represents a sacred imaginary animal, known as haetae, with a tail shaped like a dokkaebi club. Haetae is a guardian capable of judging good and evil and Kim increases the vividness by painting colorful traditional patterns, known as ‘dancheong’, onto the face of his haetae.

작품을 통해 꿈을 실현하기 힘든 젊은 세대들에게 용기를 주고자 한다. 〈신화〉는 도깨비 방망이 꼬리와 수호의 동물인 해태 얼굴에 화려한 색감의 전통 단청문양이 더해진 생동감 넘치는 작품이다.

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도깨비의 꿈, 나무에 채색, 26 x 220 cm, 2018 Dokkaebi’s Dream, Painted on Wood, 26 x 220 cm, 2018

꿈수저, 스테인리스 스틸, 70 x 45 x 187 cm, 2018 Dream Spoon, Stainless Steel, 70 x 45 x 187 cm, 2018

신화, 나무에 채색, 60 x 50 x 30 cm, 2018 Myth, Painted on Wood, 60 x 50 x 30 cm, 2018 신화, 나무에 채색, 57 x 50 x 25 cm, 2018 Myth, Painted on Wood, 57 x 50 x 25 cm, 2018

가깝고도 먼 존재, 도깨비 Dokkaebi, A Close and Distant Creature

Dokkaebi is a mystical creature familiar to Koreans.

There are many tales of dokkaebi transmitted by word of mouth but it is difficult to define formalized aspects of them. ‘Dotgabi’ – an old version of the word appears for the first time in Seokbosangjeol1), a book published in the period of Sejong the Great, the fourth king of Joseon. ‘Dot’ denotes fire or grain which represent fruitfulness, ‘abi’ means an adult man. Therefore, the combination of these two words signifies a man who brings abundance. The ancients believed that dokkaebi had sacred power, and dokkaebi rites praying for a good harvest and a big catch are still held in some regions of Korea. Images of dokkaebi were often used on roof tiles and door handles as it was thought they could prevent disaster and disease.

도깨비는 한국인에게 친근하면서도 신비로운 존재다. 도깨비 이야기는 구전으로 전해져, 정형화된 모습을 규정짓기가 어렵다. 조선 4대왕 세종대왕 때의 간행물 『석보상절(釋譜詳節)』에 처음으로 도깨비의 옛말인 ‘돗가비’가 등장한다. ‘돗’은 생산력을 상징하는 불이나 곡식의 씨앗을 뜻하고, ‘아비’는 남자를 뜻한다. 즉 풍요를 가져다 주는 사람이라는 의미가 있다. 고대인들은 도깨비를 신성한 능력을 지닌 존재로 여겼고, 지금까지도 한국의 지방에서는 풍년이나 풍어를 기원하는 도깨비 제사가 이어지고 있다. 도깨비 문양은 기와나 문고리 등에 많이 사용되어 재앙과 질병 등을 막아내는 기능을 하기도 했다.

조선시대에는 도깨비의 구체적인 모습들이 만들어졌다.

Further detailed features of dokkaebi were developed in the Joseon period. The goblins were reborn as a character who likes millet tteok2), buckwheat jelly, and alcoholic drinks, and sometimes plays tricks and at other times brings good fortune.

After dark, they look like a human but during the day they transform themselves into ordinary objects such as a cooking pot or a pestle and mortar.

Dokkaebi consoled commoners who had hard lives by criticizing aristocrats. The only pictorial image of dokkaebi is found in a painting from the Filial Piety of a Devoted Son from the Chae Family series by Heo Ryun, a painter from Joseon. This painting illustrates an episode involving a man named Chae Hongnyeom: One day Chae got caught in a rainstorm on a mountain. He cried out, and then dokkaebi fire appeared and guided him in the right direction. In this painting, dokkaebi fire is depicted as a goblin resembling a short man who carries a burning torch.

수수떡, 메밀묵, 술을 좋아하며 장난꾼이자 재물을 안겨주는 존재로 재탄생 했다. 해질녘에는 사람의 모습이다가 낮에는 솥, 절구 등 물건으로 변신하고, 양반사회를 풍자하여 서민들의 힘든 삶을 어루만져주는 존재로 인식되었다. 유일한 그림 형상은 조선시대 화가인 허련의 〈채씨효행도〉 에서 찾아볼 수 있다. 채홍념이 산길에서 비바람을 맞아 통곡하니 도깨비불이 나타나 길을 이끌어주었다는 내용으로 작은 사람 모양의 도깨비가 횃불을 든 모습이다.

1) [translator’s note] A life story of Buddha 2) [translator’s note] Tteok is Korean rice cake, made by steaming powdered rice. Steamed rice powder can also be pounded or shaped.

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〈도깨비무늬기와〉, 통일신라, 흙, 27.7 x 23.3 x 4.6 cm, 국립경주박물관 소장 〈Roof Tile with Dokkaebi Design〉, Unified Silla period, Clay 27.7 x 23.3 x 4.6 cm, Gyeongju National Museum

허련, 〈채씨효행도〉, 1869, 견본담채, 23 x 31.7 cm, 개인소장, 한국데이터진흥원 제공 Heo Ryun, 〈Filial Piety of a Devoted Son from the Chae Family〉, 1869, Light Color on Silk 23 x 31.7 cm, Private Collection, Courtesy of Korea Data Agency

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김승영 Kim, Seung Young

“나는 감정의 죄수다. 자신의 이야기를 해야만 하고, 잊어야만 하고, 용서해야만 한다. 그것만이 나를 자유롭게 한다’고 말한 루이스 부르주아(Louise Bourgeois)의 말처럼 제 작업은 나와 타자와의 소통의 방식이자 정신적 고통을 덜어주는 수단입니다. 삶을 삶 되게 하는 것, 인간을 인간이게 하는 것은 결국 감정입니다.”

“I am a prisoner of my emotions. You have to tell your story, and you have to forget your story. You forget and forgive. It liberates you.”1) As Louise Bourgeois said, art is a way of communicating with others for me and a means of diminishing my psychological pain. What makes a life life and a man human in the end is emotions.”

1) Jerry Gorovoy and Pandora Tabatabai Asbaghi, eds., Louise Bourgeois (Milan: Fondazione Prada, 1997), back cover.

Kim Seung Young uses natural materials such as water, stones and moss, and media including sound, light and machines to make installations. He has constructed a self-reflective and consoling art world.

As a creative power, Kim takes emotions which arise in relationships with others such as pain and sadness, and creates pieces that allow the audience to experience these feelings. Sadness was inspired

by Pensive Bodhisattva (Korean National Treasure No.83), which is an important Buddhist sculpture of East Asia in 6th – 7th century. Kim embodied sadness and distress in a sublime smile of liberation, and changed the pensive pose into a posture of wiping a tear from the eye. Thus, by the artist’s interpretation, the pensive bodhisattva became a human bearing the weight of life. Mind portrays human emotions which are constantly in motion and within. The surface of water in a large cylinder remains still while water in a smaller inner cylinder swirls continuously.

It offers the viewer a chance to look towards and reflect on truthful feelings.

김승영은 물, 돌, 이끼 등 자연물과 사운드, 빛, 기계장치 등의 매체를 이용한 설치작업으로 자아성찰과 위안을 주는 작품세계를 구축해온 작가다. 타인과의 관계에서 발생하는 고통, 슬픔 등의 감정을 작업의 동력으로 삼아 관람객이 직접 경험하고 느낄 수 있게 한다. 작품 〈슬픔〉은 6-7세기 동아시아의 대표적인 불교 조각품으로 손꼽히는 국보 83호 〈반가사유상〉을 모티브로 했다. 해탈의 미소는 슬픔과 고뇌를 담고, 깊은 사유에 잠긴 자세는 눈물을 닦으려는 듯한 자세로 바꾸면서 삶의 무게가 가득한 한 인간의 형상으로 재해석했다. 〈마음〉은 내면에서 수없이 흔들리고 있는 인간의 감정을 보여주는 작품이다. 큰 원통의 물의 표면은 미동 없이 잠잠하지만 가운데 작은 통 속의 물은 쉬지 않고 소용돌이 치고 있다. 관람객들은 본 작품을 통해 내면의 진실된 감정과 마주해보고 성찰해보는 시간을 가지게 될 것이다.

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슬픔, 브론즈, 88 x 50 x 42 cm, 2016

Sadness, Bronze, 88 x 50 x 42 cm, 2016

마음, 물, 검은색 안료, 스테인리스 스틸, 교반기, 85 x 55 x 55 cm, 2018

Mind, Water, Blacker Pigment, Stainless Steel, Agitator, 85 x 55 x 55 cm, 2018

Detailed cut

한국의 미소, 반가사유상 Korean Smile, Pensive Bodhisattva

〈반가사유상〉, 국보 83호, 삼국 7세기 전반, 금동, 높이 93.5cm, 국립중앙박물관 소장 〈Pensive Bodhisattva〉, National Treasure No. 83, Three Kingdoms Period; early 7th century Gilt-bronze, 93.5 cm (height), National Museum of Korea

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반가사유상(半跏思惟像)은 삼국시대 6-7세기에

Pensive bodhisattva is a type of statue that gained great popularity particularly in 6th – 7th centuries of the Three Kingdoms Period. It is a statue of a bodhisattva in pensive pose seated with his right leg resting on his left, and the fingers of his right hand touching his cheek. This kind of statue commonly had some form of crown with jewels, necklaces and bracelets, a garment formed with a waistband, and a lotus leg rest. Pensive Bodhisattva epitomized the ideal of every part of the body in organic harmony and is a precious art piece exemplifying the height of artistic techniques and the aesthetics in ancient Korean sculpture.

걸친 한정된 시기에 성행했다. 좌대에 앉아 왼쪽 다리는 수직으로 내리고 오른쪽 다리를 걸쳐 올린 반가좌(半跏坐)의 자세에 오른쪽 손을 뺨에 댄 채 생각에 잠긴 사유형(思惟形)의 보살상이다. 보관(寶冠)을 쓰고 목걸이나 팔찌를 착용하며 치마는 허리에서 띠를 묶어 고정하고 연화 족좌(足座)를 밟고 있는 것이 공통적인 형식이다. 반가사유상은 신체의 각 부분이 유기적으로 조화를 이루어야 하기 때문에 한국 고대 조각의 뛰어난 주조기술과 조형미를 보여주는 귀중한 자료다.

Sophisticated casting techniques practiced in the Three Kingdoms Period allowed Pensive Bodhisattva to reproduce a well-proportioned body, lifelike folds in clothing, and a simple yet elegant smile. The slightly upturned toes of the right foot supporting the elbow and the twisting of the arm to touch the cheek with bent fingers demonstrate outstanding expertise in this field. Rounded eyebrows joined to the bridge of the nose and small but slightly raised eyes provide neat and well-defined facial features.

The bodhisattva’s smile is completed with moderately raised mouth combined with those calmly closed lips.

There is a very similar wooden sculpture from 7th century of the Asuka period, which is a Japanese National Treasure and many exhibitions have been held to compare them. Academic researches and debates continue regarding the introduction of Buddhist sculpture from Korea to Ancient Japan and Pensive Bodhisattva is a very important subject in exploring this issue.

〈반가사유상〉은 삼국시대의 정교한 주조기술을 바탕으로 균형 잡힌 신체, 생동감 있는 옷 주름, 부처의 고졸한 미소를 표현했다. 오른쪽 무릎을 살짝 위로 들어 팔꿈치를 받치고, 팔은 비스듬히 꺾어 구부린 손가락이 뺨에 닿는 구성은 뛰어난 기술을 보여준다. 콧대로 이어지는 부드러운 눈썹과 작지만 살짝 올라간 눈이 시원하고 또렷한 인상을 준다. 입 꼬리가 살짝 올라가면서도 단정하게 다물어져 부처의 신비로운 미소가 완성되었다. 아스카시대 7세기 일본 국보인 목조 반가사유상과 형상이 유사해 비교하는 전시가 종종 기획되며, 한국 불상의 고대 일본 전래와 관련하여 많은 학술연구와 논의가 이루어지고 있는 중요한 작품이다.

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선조의 생활 – 삶의 정취 Life of Ancestors – Flavor of Life 남경민 김창겸 이길래 김범수 성동훈

조선시대 선비들은 유교사상을 바탕으로 인격완성을 위해 학문을 탐구하고 서화를 즐겼다. 이러한 삶의 정취는 선비들의 방인 문방(文房)에 잘 드러난다. 남경민이 그린 공간에는 학문을 사랑하고 풍류를 즐기던 선조들의 정신이 담긴 민화와 생활소재가 등장한다. 이는 현대를 사는 작가를 상징하는 물건들과 뒤섞이며, 과거와 현대의 예술과 학문을 사랑하는 사색가가 나누는 시대를 초월한 교감을 보여준다. 예로부터 선조들의 마당과 정원에는 물확이라고 하는 석물(石物)이 놓고 물에 비친 자연을 보며 사색의 시간을 가졌다. 김창겸은 물확 위에 한국의 사계절 풍경을 담은 영상을 투사하여 이미지와 실재, 재현에 대해 생각해보는 시간을 갖게 한다. 사계절 내내 푸르른 소나무는 곧은 절개, 장수를 상징하며 한국의 나무로 불릴 만큼 한국인의 삶과 깊이 연관되어 있다. 역사 속 다양한 예술작품에 영감을 주기도 한 소나무는 이길래의 회화적 조각으로 재탄생 했다. 한국전통의 조각보는 서민들이 자투리 천을 모아 사용했던 생활용품으로써, 점차 배색과 패턴에 대한 감각을 발전시키며 독창적인 자신만의 조각보를 만드는 한 시대의 문화로 발전했다. 김범수는 버려지는 영화 필름을 색깔 별로 구분해 재배열함으로써 전통 조각보의 패턴을 연상시킨다. 작가는 전통적인 패턴을 모티프로 동시대 사람들의 이야기를 마주하게 한다. 성동훈은 한국의 불교적 표현양식과 자신의 경험, 동물형상을 결합하는 실험을 선보인다. 실험의 결과물은 전통과 현대, 강함과 부드러움이 혼재된 현시대를 나타내는 새로운 창조물이다. 작가는 불협화음 같은 상이한 재료로 화음을 일궈 현실 속 일그러진 초상을 폭로하고 무분별하게 공존하는 삶을 역설적으로 표현한다.

Nam, Kyung Min Kim, Chang Kyum Lee, Gil Rae Kim, Bum Su Sung, Dong Hun

Scholars of Joseon, known as ‘seonbi’, pursued learning and enjoyed painting and calligraphy as a means to cultivate the self and virtue according to the teachings of Confucianism. This lifestyle is well reflected in scholars’ studies, called ‘munbang’.

Nam Kyung Min mingles contemporary items symbolizing herself with traditional objects and folk paintings containing the spirit of our ancestors who appreciated learning and scholarship and delighted in the arts. Her pictorial space delivers transcendental conversations between thinkers who share a love of art and learning yet belong to different times – the past and the present. Traditionally ‘mulhwak’, a stone vessel, was placed in the garden or yard, and our ancestors spent time in contemplation, gazing at the images of nature reflected in the water within this stone vessel. Kim Chang Kyum projects moving images of landscapes of the four seasons in Korea onto a stone vessel and allows the viewer to ponder about image, the real, and representation. Evergreen pine trees which symbolize constancy and longevity are deeply connected to Koreans’ lives - so much so that they are called the tree of Korea. These pine trees which have been an inspiration for many art works in history are reborn as painterly sculpture by Lee Gil Rae. Traditional Korean patchwork called ‘jogakbo’ was an everyday item made by commoners with leftover fabrics and as the skills of arranging colors and designs evolved, jogakbo became a dominant culture: people made their own individual style of jogakbo. Kim Bum Su rearranges and assembles discarded film strips by colors, evoking the process of making jogakbo. Using the traditional motif, the artist tells a story of his contemporaries.

Sung Dong Hun brings together Buddhist expression, his personal experience and imageries of animal to represent the current world where traditional and modern, hard and soft are mingled. Harmony made out of disparate materials ironically portrays the distortions and turbulence of our times.

남경민 Nam, Kyung Min

“도서관과 서가를 거니는 것은 마음의 위안을 준다. 조선시대 르네상스 시기의 왕 정조가 충분히 매료될 만큼 우리나라 책가도도 격조와 품위가 충만하다. 책가도와 있을 때, 일상의 나의 내면과 다른 자아를 깨닫게 되고 그것에 귀를 기울이는 과정을 통해 내가 무엇을 갈망하는지 좀 더 알게 된다. 보이지 않는 또 하나의 깊고 고요하지만 무한한 낙관과 순수의 세계에 발을 내딛게 해준다.”

“Wandering around bookshelves in a library comforts me”. The ruler during the ‘renaissance’ period of Joseon, King Jeongjo was attracted to the elegance and refinement of Chaekgeori1) – traditional still-life painting of books and associated things.

Looking at Chaekgeori, I see the other side of me which is different from how I am in everyday life and by listening to the sound of my other self, I come to realize what I am longing for. It leads me to walk in the world of optimism and of purity, which is invisible, deep and serene.”

1) [translator’s note] Chaekgeori literally means books(‘chaek') and associated things (geori).

Nam is known for a series of works depicting the rooms and ateliers of masters in the history of art including Gogh and Rembrandt. Grounded in her own extensive research, she captures both their artistic identities and her own. Since 2012, she has explored masters from Korean traditional art, such as Jeong Seon and Kim Hongdo, as well as traditional culture like ‘munbang’ and ‘chaekgeori’.

In A Great King’s Desk , the artist attempts to communicate across time with Jeongjo the 22nd king of Joseon (1752-1800). King Jeongjo was an advocate of the arts; he himself enjoyed painting and had an intimate knowledge of art. Nam creates a surrealistic space by placing a sand clock, a statue of Jesus, and some other objects that represent herself, onto the King’s ‘seoan’ – a writing desk. This exhibition introduces her new work involving everyday items used by both scholars and commoners in Joseon. These items include chaekgeori reflecting a deeply rooted enthusiasm for scholarship in Korea, ‘hwajodo’ – a painting of flowers and birds – expressing the wish for happiness, and a candlestick with a poem capturing the aesthetic sensibility of the time. Each motif, in harmony with the hallmarks of the artist herself, becomes part of a meditative space beyond reality.

남경민은 고흐, 렘브란트 등 서양 미술사 대가들의 아뜰리에를 담은 〈화가의 방〉 연작으로 알려져 있다. 대가들에 대한 방대한 자료연구를 바탕으로 탐구한 그들의 정체성과 작가 본인의 독창적인 예술성을 동시에 담아낸다. 2012년부터 정선, 김홍도 등 한국 전통미술의 대가, 조선시대 문방(文房), 책거리(冊巨里) 등 전통문화를 주제로 한 작품들을 선보이고 있다. 〈어느 위대한 왕의 서안〉은 작가와 조선 22대왕 정조(1752 - 1800)간의 시대를 초월한 교감을 보여준다. 정조는 많은 예술가를 후원하고 직접 그림을 그리는 등 예술에 대한 조예가 깊었다. 글을 읽거나 쓰기 위한 가구인 왕의 서안(書案) 위에 모래시계, 예수 그리스도상 등 남경민 작가를 상징하는 오브제들이 혼재하는 초현실적인 공간이 표현되었다. 이번 전시에 소개되는 신작에는 조선시대 선비들과 서민들이 생활 가까이에 두고 사용했던 전통 소재들이 등장한다. 한국인의 뿌리에 놓인 학문에 대한 열정을 보여주는 〈책가도(冊架圖)〉와 행복에 대한 기원을 담은 〈화조도(花鳥圖)〉, 그리고 풍류를 즐길 줄 아는 여유를 보여주는 〈시(時)가 적힌 촛대〉가 대표적이다. 각 모티브들은 작가 본인을 은유하는 상징물들과 어우러져 초현실적인 사색의 공간으로 재탄생한다.

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책가도와 경상이 있는 방에서의 사유를 즐기다, 린넨에 유채, 각 117 x 91 cm (2ea), 2019 〈The Pleasure of Contemplation: A Room with Chaekgeori and Desk〉, Oil on Linen, Each 117 x 91 cm (2ea), 2019

어느 위대한 왕의 서안, 린넨에 유채, 97 x 130 cm, 2018 〈A Great King’s Desk〉, Oil on Linen, 97 x 130 cm, 2018

선비의 그림, 책가도 Chaekgeori, Scholar’s Painting

18세기 후반 중국의 보물이 그려진 다보각경(多寶各景)이

The introduction of Chinese paintings depicting valuable possessions in the late 18th century engendered the development of chaekgeori in Joseon where Confucianist ideology was much pursued. Scholars in Joseon expressed their reverence for scholarship by displaying chaekgeori representing a bookshelf filled with books and ‘munbangsau’ – the brush, ink, paper, and inkstone they used. In an earlier style, the entire picture plane was often dominated by a large bookshelf filled with slipcases, books, incense burners, munbangsau, ceramics, and – later – drinking glasses, tobacco pipes, and Go boards were added. It was after the 19th century that chaekgeori was made available to commoners and further developed into folk painting in which, instead of a large book shelf, a smaller table or furniture, flowers and fruits were illustrated, being suited to smaller screens. While bilateral symmetry and accurate balance were pursed in the earlier style, liberal composition and multiple colors were used in later chaekgeori painting which established itself as a central genre of folk painting.

유입된 뒤, 문치(文治)를 추구한 조선에서 책가도로 발전하였다. 선비들은 책장 속의 책과 문방사우1)가 그려진 책가도를 사랑방에 놓아, 글 읽기를 즐기고 학문의 길을 추구하던 마음을 보여주고자 했다. 초기에는 화면 전체를 채우는 책장 속 책갑, 서책, 향로(香爐), 문방사우(文房四友), 도자기 등이 소재로 등장하였으며, 이후 여가생활을 보여주는 술잔, 담뱃대, 바둑판 등도 나타난다. 19세기 이후에는 민간으로 확산되어 병풍의 크기는 작아지고, 책장 없이 작은 탁자나 가구, 화훼(花卉)와 과물(果物)이 함께 등장하는 민화로 발전되었다. 또한 좌우 대칭과 정확한 균형을 추구하던 초기의 형태에서 자유로운 배치와 화려한 색채로 변화하여 민화의 핵심적인 주제로 자리 잡는다.

1) 문방사우(文房四友)란 문인들이 서재에서 쓰는 붓, 먹, 종이, 벼루 네 가지 도구를 일컫는다.

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〈호피장막도(虎皮帳幕圖)〉, 8폭 병풍, 19세기, 종이에 채색, 128 x 355 cm, 삼성미술관 리움 소장, 사진제공 『한국의 채색화』 (다할미디어) 〈Painting of Tiger Skin〉, Eight-panel Folding Screen , Painted on Paper, 128 x 355 cm, 19th Century Courtesy of Leeum(Samsung Museum of Art) © 『Chaesaekhwa Polychrome Painting of Korea』, Dahal Media

〈책가도(冊架圖)〉, 8폭 병풍, 18세기 후반 - 19세기 전반, 종이에 채색, 139.3 × 369 cm, 개인 소장, 사진제공 『한국의 채색화』 (다할미디어) 〈Chaekgeori〉, Eight-panel Folding Screen, 18 - 19th Century, Painted on Paper, 139.3 × 369 cm, Private Collection © 『Chaesaekhwa Polychrome Painting of Korea』, Dahal Media

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백성의 그림, 민화 People’s Painting, Folk Painting

With images believed to bring health and happiness, folk painting decorated the commoner’s everyday space. Employing the themes and forms of Court painting or ‘Muninhwa’ (paintings by scholars and writers), folk painting created not only the aesthetic world mirroring the tastes and sentiments of commoners but also a distinctive style with satiric overtones. Folk painting embraces ‘hwahwedo’ portraying flowers, ‘hwajodo’ in which flowers and birds are depicted together, ‘chochungdo’ butterflies and bees, and ‘youngmodo’ birds and other

민화(民 )는 일반 백성들이 건강과 행복을 기원하며 일상생활공간을 장식하기 위해 그린 그림이다. 궁중회화, 문인화의 주제와 기법을 활용하지만, 서민들의 취향과 정서를 반영하여 독특한 조형세계와 해학적인 해설을 통해 개성적인 예술을 창조했다. 종류로는 꽃을 그린 화훼도(花卉圖), 꽃과 새를 그린 화조도(花鳥圖), 나비와 벌이 등장하는 초충도(草蟲圖), 새와 동물을 그린 영모도(翎毛圖) 등이 있다. 특히 이 중 화조도는 꽃과 새가 사이 좋게 어우러져 있는 정경을 그린 그림을 말한다.

animals. Hwajodo which represents a pair of birds flying together over a field of flowers symbolizes abundance. Birds are always in pairs in folk painting, signifying a married couple in conjugal harmony.

꽃밭에 암수 한 쌍으로 의좋게 노니는 새의 모습은 풍요로운 느낌을 준다. 특히 민화에서 새는 반드시 암수 한 쌍으로 그려지며 부부가 화합하고 금슬이 좋다는 것에 비유된다.

〈화조도(花鳥圖)〉, 8폭 병풍, 19세기 말 - 20세기 초, 종이에 채색, 각 52 x 32.1 cm, 김세종 소장, 사진제공 『한국의 채색화』 (다할미디어) 〈Hwajodo〉, Eight-panel Folding 19 - 20th Century, Painted on Paper, Each 52 × 32.1 cm Kim Se Jong Private Collection © 『Chaesaekhwa Polychrome Painting of Korea』, Dahal Media

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마음과 취향을 비추는 촛대 A Candlestick to Illuminate One’s Mind and Sensibility

Our ancestor’s sophisticated craft techniques can be admired even on such an ordinary practical item as a candlestick. Unlike the standard ritual candlesticks, those for everyday life were shaped like bats, butterflies, plantains among other things.

They were also easily dismantled and reassembled.

In the late Joseon period, silver inlay craft techniques evolved in which iron or brass plates were inlaid with silver wires. Designs often used poetry, the ten popular longevity symbols such as deer and pine trees and so on, reflecting the discerning taste of our ancestors.

실생활용품인 촛대를 보면, 선조들의 우수하고 섬세한 공예기법에 감탄하게 된다. 양식이 정해진 의식, 의례용 촛대와 달리 일상생활용 촛대는 박쥐, 나비, 파초 등의 형태로 분해와 조립이 가능하게 제작되었다. 조선 후기에는 특히 철이나 놋쇠로 만든 판에 은실을 이용해 문양을 넣는 은입사(銀入絲)세공기법이 발달하여 사슴, 소나무 등의 십장생 무늬나 시(詩)를 장식하는 등의 선조들의 세밀한 취향을 엿볼 수 있다.

시가 새겨진 철제 촛대, 높이 8cm, 받침지름 25.7cm, 국립중앙박물관 소장 〈Candlestick〉, H. 8 cm, (bottom) D. 25.7 cm, National Museum of Korea

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김창겸 Kim, Chang Kyum

“물 안을 들여다보면 낯선 사람이 지나가거나 관람객과 마주 본다. 간혹 그림자가 등장하여 상황을 바꾸기도 한다. 그림자라는 것은 일상에서 홀로 존재할 수 없다. 그러나 작품에 나오는 사람들의 그림자는 진짜 같으나 그 주인을 알 수 없다. 진짜인 듯 보이면서 작품 스스로 가짜임을 드러내기도 한다.”

“I look into the water and see strangers passing by or the face of a member of the audience. Sometimes a shadow appears and changes the scene. A shadow cannot be cast alone in reality.

The shadows of people in my work look real, but we don’t know who they belong to. They appear to be real but simultaneously the work itself reveals they are fabrications.”

Kim Chang Kyum poses endless questions about illusion, image, the real, and representation. He uses video installation and composite photography to show artificial realities. By layering virtual images onto virtual objects such as a polyurethane mirror and a plaster dish, he breaks the boundary between the real and the fictional and challenges our perception and prejudice regarding image. In Water Shadow Four Seasons 2 , images of Korean natural landscapes are projected onto a plaster reproduction of a mulhwak, a traditional stone vessel which has a long history in Korean culture. The viewer is immersed in the speedy flow of images beautifully depicting the four seasons in Korea, projected onto the calm surface of the water. However, when the projection comes to an end and a white plaster sculpture is revealed, the viewer might wonder if what they have seen is really real. In Water Shadow & Flower 3, images of natural landscapes are displayed on a round white plate as if they are a reflection on the surface of water, and Korean traditional motifs emerge. Swallows fly over lotus flowers in a Korean folk painting and a woman appears and looks towards the viewer. Butterflies fly up freely from a painting and at the end, the artist’s signature comes into sight revealing that everything else was virtual.

김창겸은 이미지와 실재 사이의 환영, 재현에 대한 끊임없는 질문을 던진다. 그의 작품은 비디오 설치와 합성사진 등의 이미지로 인공화된 현실을 보여준다. 폴리우레탄 거울, 석고접시 같은 가상의 오브제 위에 가상의 영상을 투사하여, 실제와 허구의 경계를 허물고 이미지에 대한 선입견과 편견을 흔들어 놓는다. 〈Water Shadow Four Seasons 2〉는 한국 고유의 석물(石物)인 ‘물확’을 석고로 재현해 한국의 자연풍경 영상을 위에 투사하는 작품이다. 물확은 돌절구를 뜻하는데, 오랜 역사를 가진 한국의 문화유산이다. 잔잔한 수면 위에서 한국의 아름다운 사계절을 감상하던 관람객들은 빠른 전환으로 진행되는 영상에 몰입하게 되지만 투사된 영상이 끝나고 하얀 석고 조각만 남게 되면서 우리가 보고 있는 것이 과연 진짜인지 의문을 가지게 된다. 〈Water Shadow Four Seasons 3〉는 원형의 흰색 접시 위에 물에 비친 자연풍경이 투사되고 한국 전통문양이 등장한다. 전통 민화인 연화도 속 연꽃 위로 제비가 날아가고, 한 여인이 등장하여 관람객과 마주본다. 화접도 속 나비가 자유롭게 날아다니다 마지막에는 작가의 낙관이 등장하며 모든 것이 가상의 상황이었음을 일깨워준다.

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Water Shadow Four Seasons 2, 비디오 설치, 14분, 100 x 140 x 20 cm, 2013-2014 Water Shadow Four Seasons 2, Video Installation, 14min, 100 x 140 x 20cm, 2013-2014

Water Shadow & Flowers 3 비디오 설치, 4분 30초, 135 x 240 x 23 cm, 2018 Water Shadow & Flowers 3 Video Installation, 4min 30sec, 135 x 240 x 23 cm, 2018

물확, 사색의 시간을 갖다 Mulhwak, Spending Time in Contemplation

Mulhwak is also called seok-hwak, which refers to a stone mortar: hwak means the cavity of the mortar.

It is evident that these tools were already in use during the Three Kingdoms Period since an image of one was found in a mural of an ancient tomb – Anak tomb no. 3 from the Goguryeo Kingdom – and its use was indicated by the Chinese letter ‘碓’ (treadmill).

This stone vessel was for grinding grains but later came to be enjoyed as a garden ornament. People used to fill it with water to wash away grain residues, then noticed its aesthetic value, seeing fallen leaves floating and skies reflected in the water. Ancestors meditated contemplating a mulhwak, often placed near a tall building without walls, known as a ‘nugak’

물확은 석확(石確)이라고도 불리며, 돌절구의 움푹 파인 구멍을 확(確)이라 하여 원래는 돌절구를 나타내는 말이었다. 고구려 안악 제3호분의 벽화 속 돌절구에

‘碓(디딜방아)’라 쓰여있어 삼국시대에 이미 사용되었음을 알 수 있다. 곡식을 빻는 도구였으나 잔여물을 씻기 위해

담아 놓은 물에 하늘이 비치고 나뭇잎이 떨어지면서 미적 정취를 느끼게 되자 뜰에 놓는 석물로 자리잡게 되었다. 선조들은 물확을 보통 사랑채나 누각 주변에 놓아두고 사색과 명상의 시간을 가졌다.

(pavilion), or outside an annexe used by the man of the house and his guests.

물확(돌절구), 양구선사박물관 소장 〈Mulhwak (stone mortar)〉 Yanggu Prehistory Museum

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도자기, 전통 문양을 담다 Porcelain Embracing Traditional Motifs

Traditional Korean designs employed symbols carrying wishes for a utopian life: designs incorporating pomegranates and grapes symbolize the wish for a son and peonies were an expression of wishing for wealth. During the Joseon dynasty, designs with letters – letters written in a square or a circle – or those with the ten longevity symbols were preferred. Buncheong ware has a more experimental and practical form than celadon or white porcelain and a variety of decorative modes such as stamping and inlaying were applied. Different designs and motifs were used according to each decorative mode. Blue-and-white porcelain, which is a type of white porcelain decorated with cobalt blue, was first produced around the 15th century during the Joseon dynasty. Since a limited amount of cobalt ore was imported, only the rich enjoyed them.

Naturally, landscape, portrait, and the so-called Four Gentlemen1) were often painted on the porcelain.

However, the range of designs was expanded to include expressions of wishes for longevity and good fortune, and this suggests white-and-blue porcelain was also enjoyed by other classes in later times.

아들의 탄생을 소망하는 석류와 포도, 부귀(富貴)에 대한 소망이 담긴 모란 문양처럼 한국의 전통 문양은 상징적 기호로 이상적인 삶에 대한 기원을 담고 있다. 조선시대에는 글자를 사각형이나 원형 안에 써넣은 문자문양, 불로장생을 기원하는 십장생문양 등이 선호되었다. 분청사기는 청자나 백자 보다 자유분방하고 실용적인 형태로 인화문기법(印花文技法), 상감문기법(象嵌文技法) 등 여러 가지 기법이 있으며 각 기법에 어울리는 문양을 넣었다. 백자에 푸른색 안료로 문양을 그리는 조선시대 청화백자(靑 白瓷)는 15세기경 처음 제작되었다. 코발트 안료는 소량만 수입되었기 때문에 부유층만 제한적으로 향유했다. 산수, 인물, 사군자 등이 그려졌으나, 나중에는 장수와 복을 기원하는 문양이 널리 확대되어 여러 계층에서 향유되었음을 보여준다.

1) [translator’s note] Four Gentlemen refers plum blossom, orchid, chrysanthemum, and bamboo.

청화백자불수목문접시, 조선시대

「장흥고」 명분청사기인화문대접, 15세기

높이 2.4 cm, 입지름 16.2cm, 바닥지름 8.5cm

분청사기, 높이 6.8cm, 입지름 13.2cm

국립중앙박물관 소장

국립중앙박물관 소장

〈Blue-and-White Porcelain Plate with

〈Buncheong Bowl with Stamped Design and Inscription of ‘Jangheunggo’〉

Horned Orange Tree Design〉 Joseon dynasty, 2.4 cm (height), 16.2 cm (diameter) 8.5 cm (diameter-base) National Museum of Korea

15th Century, Buncheong Ceramics 6.8 cm (height) 13.2 cm (diameter-mouth) National Museum of Korea

2) [translator’s note] A procurement office to supply items to the court in the Goryeo and Joseon dynasty.

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이길래 Lee, Gil Rae

“수많은 동파이프 단면들이 물성화 과정을 통하여 영원히 죽지 않는 소나무를 만들고, 나는 이 땅 위에 그것을 식수해 나가고 싶다. 이것이 내가 자연을 사랑하는 방법이며 그 일부인 내 자신을 사랑하는 방법이기도 하다. 나의 영원한 스승인 자연에게 경의를 표한다.”

“A number of cross sections of copper pipe makes an immortal pine tree. I want to plant these trees in this land. This is my way to love nature and a way to love myself as part of nature.

I express my reverence for nature which is my teacher eternally.”

이길래는 소나무를 주제로 ‘회화적 조각’을 선보인다.

Lee Gil Rae creates ‘painterly sculpture’ focusing on the pine tree as a subject. Pine trees are closely related to the lives of Korean people, thus they appear in literature, painting, and many other art forms as a source of inspiration. Lee began to address pine trees in his art as a way of expressing nostalgia for nature maintaining purity in this industrialized world. He organically connects numerous oval copper pipe rings as if they are cells and systematically welds them. By doing so, he obtains that particular texture of pine trees in Korea which resembles a turtle shell. Through the labor-intensive production process, the many hours of delicate work imbue this piece with the vitality and cohesion fundamental to regenerative nature.

The artist hopes that humanity and nature can unite through the symbolism of the pine tree which remains green even in the harshest lands. Bearing in mind how long it took to make, the work provides the viewer with an opportunity to ruminate on their own lifetime.

소나무는 한국의 나무로 불릴 만큼 한민족의 삶과 밀접한 관계를 맺고 있으며 예술분야에 깊은 영감을 주어 문학, 명화 등에 다양한 모습으로 나타난다. 이길래는 산업화 시대 속에서 순수함을 간직한 자연에 대한 동경으로 소나무 연작을 시작했다. 타원형 동 파이프 고리는 하나의 세포가 되어 유기적으로 연결된다. 수백, 수천 개의 고리를 조직적으로 용접하여 한국 소나무인 금강송(金剛松) 특유의 거북이 등껍질 같은 느낌이 살렸다. 노동집약적인 제작방식을 통해 작품 속에는 시간이 누적되고, 자연물의 생성원리인 응집과 생명력을 구현한다. 척박한 땅에서도 생명력을 유지하는 소나무의 상징적 의미를 통해 인간과 자연이 하나가 되기를 바란다. 또한 시간이 켜켜이 누적된 작품을 마주한 관람객들에게는 지나온 삶을 돌아보는 계기가 될 것이다.

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천년 – 소나무 2019-3, 동 파이프, 동선 산소용접, 290 x 220 x 16 cm, 2019 Millennium – Old Pine Tree 2019-3, Copper, Welding, 290 x 220 x 16 cm, 2019

천년 – 노송 2019-4, 동 파이프, 동선 산소용접, 110 x 180 x 8 cm, 2019 Millennium – Old Pine Tree 2019-4, Copper, Welding, 110 x 180 x 8 cm, 2019

Detailed cut

천년 – 노송 2019-5, 동 파이프, 동선 산소용접, 110 x 180 x 8 cm, 2019 Millennium – Old Pine Tree 2019-5, Copper, Welding, 110 x 180 x 8 cm, 2019

한국의 소나무 The Tree of Korea

The evergreen pine tree stands for constancy and fidelity in Korea. It is also one of ten longevity symbols, known as sipjangsaeng. Our ancestors celebrated a birth by hanging a straw rope with pieces of pine tree at the entrance to the house and used pine tree furniture throughout their whole lives. After death, they rested in a pine coffin and were buried in a grave under pine trees. In Korea, pine trees are often called ‘Geumgang-song’1) since Geumgang Mountain is a famous habitat. Sometimes they are called ‘Jeok-song’2) due to the trunks being tinged with red. Pine trees growing in Korea are typically very tall, and the timber they provide is particularly strong and long-lasting. One of the largest habitats in Korea is located near a small town called Sogwang-ri (Uljin-gun, Gyeongsang province).

This habitat, protected by a special preservation program, is the ‘Geumgang Pine Tree Forest Walkway’ and more than 1.6 million pine trees live here.

사계절 내내 푸르른 소나무는 한국의 역사 속에서 절개와 의지를 상징한다. 또한 장수를 상징하여 십장생(十長生)의 하나로 삼기도 했다. 선조들은 금줄에 소나무로 달아 탄생을 축하하고, 평생 소나무 가구를 사용하며, 소나무 관이 묻힌 무덤 주변을 소나무가 지키는 삶을 살았다. 한국 소나무는 금강산에서 많이 자생하여 금강송(金剛松), 줄기가 붉은색을 띄어 적송(赤松)이라고도 불리며 키가 크고 재질이 단단하고 잘 썩지 않는 특징이 있다. 경상북도 울진군 소광리에 위치한 ‘금강소나무 숲길’은 한국 최대의 금강송 군락지로 160여만 그루의 금강송이 현재까지도 특별 보존 관리되고 있다.

1) [translator’s note] ‘Song’ refers to pine tree.

2) [translator’s note] ‘Jeok’ means red, so ‘jeok-song’ means red pine tree.

‘울진 금강소나무 숲길’, 울진군청 제공 〈Geumgang Pine Tree Forest Walkway in Uljin〉, Courtesy of Uljn County Office

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예술적 영감의 원천이 되다 Source of Artistic Inspiration

The pine tree has served as source of artistic inspiration for literature, painting, and craft. Scholars with A Pine Tree by Jeong Hong-rae depicted scholars in conversation in a wooded valley, rendering an everyday landscape in which pine trees are always around and much appreciated. In Walsong Pavilion , Jeong Seon demonstrated his unique painterly techniques by portraying pine trees to great effect. He placed a dense forest of pine trees in the middle of the picture plane and painted the treetops with blurred outlines so as to resemble clouds.

소나무는 문학, 회화, 공예 작품의 예술적 영감을 주는 원천이기도 하다. 정홍래의 〈소나무와 선비〉 는 계곡 옆에서 담소를 나누는 선비들의 모습을 통해 소나무를 가까이 두고 아꼈던 선조들의 삶의 정취를 보여준다. 조선시대 화가 정선의 〈월송정(越松亭)〉에는 한국의 소나무를 효과적으로 그리기 위해 개발한 독특한 기법을 찾아볼 수 있다. 빽빽한 소나무 숲이 화폭 중앙에 놓이고, 먹의 풍부한 번짐 효과를 담은 표현법으로 소나무 잎을 구름처럼 표현했다.

정선, 〈월송정〉

정홍래, 〈소나무와 선비〉

1738, 지본담채, 32.3 x 57.8 cm

18세기, 비단에 엷은 채색, 30.8 x 22.5 cm

간송미술관 소장

국립중앙박물관 소장

Jeong Seon, 〈Walsong Pavilion〉 Ink and Color on Paper, 32.3 x 57.8 cm, 1783 Kansong Art Museum

Jeong Hongrae, 〈Scholars with A Pine Tree〉 Ink and Color on Silk, 30.8 x 22.5 cm, 18th Century National Museum of Korea

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김범수 Kim, Bum Su

“영화에서 감독이 갖던 상상력, 어렸을 때의 상상력, 이런 것들이 자연스럽게 필름으로 재편집을 된다는 생각으로 모으고 또 모아서 한 작품을 만듭니다. 문양이나 전체적인 것이 주인공의 이야기, 하나의 영화, 인생의 주제가 모두 될 수 있도록 이야기를 모아서 편집을 한다는 생각으로 작업을 했습니다.”

“What a filmmaker could have imaged for his film, and what I imagined in my childhood, all these can be woven into a new film. Also any designs and an entire outlook could be an inspiration for a story, a film, a theme to discuss life. With this thought, I collect things and make a work from them as if I am an editor.”

Incorporating the characteristic narrative structure of a film as well as multiple colors which change depending on the lighting, Kim Bum Su creates lattice structures in different sizes and organic designs using superimposed geometric motifs. Inspired by traditional Korean patchwork ‘jogakbo’ and coloring, known as ‘dancheong’, found in old palaces, Kim developed his own symmetric designs and lattice structures by adding his contemporary touches. One work, completed by attaching each film fragment to an acrylic structure and furnishing lights in it, pushes the boundaries between the two-dimensional and the three dimensional, and painting and sculpture.

Making use of discarded films in various sizes such as 8mm and 16mm, Kim concocts visual patterns of film stories in our memory. The Hidden Emotions series experiments with materials using interactions between matter and light. Previously viewed or discarded documentary, theatrical, and cinematic films are organically reformed by the hand of the artist, and render history, culture, and love as a new assemblage. Fantastic light effects allow the viewer to encounter our colorful lives through work exploring an endless extension of stories, sacred energy, and the completion of a narrative.

김범수는 영화 필름의 고유한 서사적 구조와 빛에 따라 변화되는 화려한 색감을 사용하여, 크고 작은 격자구조와 중첩된 기하하적 문양의 유기적 패턴을 선보인다. 한국의 전통 조각보, 고궁의 단청에서 영감을 얻은 작가는 현대적인 감각을 더해 자신만의 고유한 대칭적 패턴과 격자문양으로 확장시켰다. 아크릴 판으로 만든 구조물 위에 필름 조각들을 하나씩 붙이고, 조명을 장착한 작품제작으로 평면과 입체, 회화와 조각의 경계를 넘나든다. 8mm, 16mm 등의 다양한 크기와 내용의 버려진 필름을 사용하면서 우리에게 기억된 영화 속 이야기를 시각적으로 패턴화 한다. 〈숨겨진 감성〉 연작은 물질과 빛의 상호작용에 의한 재료의 실험과 가능성을 보여준다. 이미 상영되었거나 용도 폐기된 다큐멘터리, 공연, 영화필름은 작가의 손에 의해 재조립 되어 유기적으로 변화된 형태를 보여줌과 동시에 새롭게 조합된 역사와 문화, 사랑을 보여준다. 관람객들은 환상적인 빛의 효과를 이용하여 무한히 확장되는 이야기, 신성한 에너지, 서사의 완성을 표현한 김범수의 작품을 통해 우리들의 다채로운 삶을 마주할 수 있을 것이다.

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숨겨진 감성, 영화필름, 아크릴박스, LED, 45 x 90 x 10 cm, 2018 Hidden Emotion, Movie Film, Acrylic Box, LED, 45 x 90 x 10 cm, 2018

Detailed cut

숨겨진 감성, 영화필름, 아크릴박스, LED, 각 45 x 45 x 10 cm (2ea), 2019 Hidden Emotion, Movie Film, Acrylic Box, LED, 각 45 x 45 x 10 cm (2ea), 2019

한국의 색, 오방색 Five Traditional Korean Colors

There are five traditional Korean colors called ‘Obangsaek’. They are based on the concepts of and belief in Yin and Yang as well as the Five Elements: Yin and Yang became earth and sky, then five elements – fire, water, wood, metal, earth – are generated. This idea relates five colors to five directions and gave meanings to them. Yang colors – Blue, red, yellow, white, and black – are associated with the four cardinal directions plus the center and they are fundamental colors. In between those five fundamental colors are Yin colors – green, dark blue, bright red, sulphur yellow, and purple. Red corresponds to fire and the south, where all life grows. It signifies the sun, fire, blood, passion, enthusiasm. Black corresponds to water and the north, and signifies human wisdom. Blue is associated with wood, the east, and represents creation and life. This color was believed to have power to exorcise evil spirits and was used when wishing for luck. White stands for metal, the west, truth, life, and purity. This is one reason why Korean people often wore white clothes. Yellow corresponds to earth and signifies the center of the universe. As a noble color, yellow fabric was only granted to the king.

한국의 전통색을 오방색(五方色)이라 한다. 음과 양의 기운이 하늘과 땅이 되고 화(火), 수(水), 목(木), 금(金), 토(土)의 오행을 생성하였다는 음양오행사상을 기초로 하며 5가지 색과 방위를 연결하고 의미를 부여하여 사용했다. 청(靑), 적(赤), 황(黃), 백(白), 흑(黑) 5가지 색은 동서남북과 중앙의 다섯 방위와 연결되며 이는 양색(陽色)으로써 기본색(正色)으로 불린다. 반면 다섯 방위 사이에 놓이는 사이색(間色)은 녹색, 벽색(짙은 푸른색), 홍색, 유황색, 자색으로 음색(陰色)이라 칭했다. 적(赤)은 오행 가운데 화(火)에 상응하며 만물이 무성한 남쪽과 연결된다. 태양, 불, 피 등 정열, 적극성을 뜻한다. 흑(黑)은 오행 가운데 수(水)에 상응하며 북쪽과 연결되어 인간의 지혜를 의미한다. 청(靑)은 목(木)으로써 동쪽에 해당하고 창조, 생명을 상징한다. 귀신을 물리치고 복을 비는 색으로 사용되었다. 백(白)은 금(金)으로 서쪽에 해당하고 진실, 삶, 순결 등을 뜻하며 우리민족이 흰 옷을 즐겨 입는 원인이기도 하다. 황(黃)은 토(土)로 우주의 중심이자 가장 고귀한 색으로 인식되어 임금만이 황색 옷을 입을 수가 있었다.

ⓒ Young Hyundai 이윤정

ⓒ KBS 한국방송 [한국의 유산 162회 ‘오방색’] 방송자료

ⓒ Young Hyundai Lee Yoon jung

ⓒ KBS(Korean Broadcast) [Heritage of Korea E.162 'Obangsaek’] Broadcasting Data

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한국의 지붕, 한국의 기둥 The Roof of Korea, The Pillar of Korea

‘Dancheong’ refers to the use of traditional coloring with ‘obangsaek’ in various designs on wooden structures. The main purpose of ‘dancheong’ is

단청은 오방색을 기본으로 하여 목조 건축물에 여러 가지 무늬와 그림을 그려 놓은 것을 말한다. 건물에 단청을 올리는 가장 큰 이유는 장엄하고 아름답게 장식하여

to enhance the grandeur and sacred mood of the architecture, and secondarily to protect the wood and cover any defects. This traditional coloring, used on murals in tombs during the Three Kingdoms period, gained its popularity in Korea, China and Japan in conjunction with the acceptance of Buddhism.

However, only in Korea is this tradition still practiced.

Styles and designs of ‘dancheong’ vary, for example there are ‘gachil-dancehong,’ ‘geutgi-dancheong,’ ‘moru-dancehong,’ and ‘geum-dancheong’1) which

신성한 공간으로 조성하기 위함이며, 둘째로 목재의 보존과 단점을 보완하게 위함이다. 단청은 삼국시대 고분에서부터 발견되며 이후 불교의 수용과 함께 한국·중국·일본에서 유행했으나, 오늘날까지 단청문화의 전통이 계승되는 나라는 우리나라뿐이다. 종류는 가칠, 긋기, 모로, 금단청으로 나뉘며 금단청이 가장 화려하다. 우리나라 단청은 색이 맑고 밝은 특징이 있으며 강한 원색으로 되어 있다. 노송과 같은 붉은색으로 기둥을

is the most splendid. Clear and bright colors are characteristic of Korean ‘dancheong’. It accomplishes dramatic harmony with surrounding nature by assigning red which resembles the color of old pine wood to columns and using green on eaves which recalls pine leaves. This reflects naturalism and the cheery disposition of Koreans who have lived in harmony with nature as a central value of life.

칠하고, 소나무 잎을 연상시키는 녹색으로 처마를 칠하는 등 주변 자연과 극적인 조화를 이룬다. 이는 자연과의 조화를 삶의 근본으로 삼고 살아온 우리 민족의 맑고 밝은 성정(性情)과 자연주의가 투영된 결과이다.

1) [translator’s note] Gachil-dancehong – Coloring with a single color without any patterns or designs.

Geutgi-dancheong – Drawing one or two lines after executing ‘gachil-dancheong’.

Moru-dancehong – Painting patterns in colors only on edges of the members of the architecture.

Geum-dancheong’ – Adding geometric patterns and/or particular designs to ‘moru-dancehong’.

창덕궁 존덕정 모로단청

울진 불영사 대웅보전

ⓒ 창덕궁

ⓒ 문화재청 국가문화유산포털

ⓒ 창덕궁

Changdeokgung(Palace) Jondeokjeong Pavilion ⓒChangdeokgung Palace Management Office

Uljin Bulyoungsa(Temple)

Changdeokgung(Palace) Lotus Dancheong (Man of Virtue in Confucianism) ⓒChangdeokgung Palace Management Office

Daeungbojeon Hall ⓒCultural Heritage Administration

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창덕궁 연화단청(유교에 따라 군자를 의미)

만인의 작품, 조각보 Work of Everyone, Korean Patchwork

The early use of wrapping cloth is not clearly documented but presumably it began to be used for keeping things safe and for easy transportation.

Korean wrapping cloth is called ‘bojagi’ and corresponds to the Chinese letter ‘袱’(bog). Back then, this Chinese letter was often associated with its homonym ‘福’(bog) meaning good fortune. Such a secular belief that ‘bojagi’ can maintain good fortune accelerated the development of this type of cloth.

‘Bojagi’ were widely used by all classes of Korean society. Commoners could not have exquisitecolored cloth according to the social norms of that time. They only got scraps of leftover fabrics from aristocrats and made a larger wrapping cloth by sewing them together. We still see many patchwork fabrics, known as ‘jogakbo’, kept in good condition as many were made especially for ‘hope chests’ and often handed down in families. It began with the purpose of recycling and became a culture, enriching the senses of color arrangement and designs.

Natural dyes from plants such as Cape jasmine, indigo, and safflower fostered the development of ‘jogakbo’. Commoners could make their own ‘jogakbo’ by dyeing with accessible materials such as persimmons, soil, and ink. A unique Korean tradition, ‘jogakbo’ with typically bright multiple colors still continues today.

보자기의 초기 사용 시기는 명확히 알 수 없으나 물건의 안전한 보관과 간편한 이동을 위해 생긴 것으로 추측된다. 보자기의 한자어 ‘복(袱)’은 ‘복(福)’과 뜻이 통하는 것으로 믿어졌으며, 보자기에 싸두면 복이 간직된다는 속신이 발달을 활성화시켰다. 모든 계층이 폭 넓은 용도로 보자기를 사용했는데, 한국의 전통사회에서는 사회 규율에 따라 평민들은 색(色)이 있는 귀한 천을 지닐 수 없었기 때문에 평민들은 양반들이 짓고 난 여러 가지 색의 자투리 천을 이용해 자신들만의 조각보를 만들게 된다. 특히 혼수품으로 제작된 조각보들은 후손들에게 대물림 되어, 잘 보존된 상태로 현재에도 만날 수 있다. 일종의 재활용으로 시작된 조각보는 배색과 패턴에 대한 감각을 발전시키며 하나의 문화로 형성되고, 쪽, 치자, 홍화 등 자연 염료로 색색으로 염색하며 더욱 발전했다. 서민들도 감물과 황토, 먹물처럼 쉽게 구할 수 있는 염료로 조각보를 완성하여 우리 민족 특유의 밝고 환한 색색의 조각보를 이어오게 된다.

작자미상, 47 x 47 cm, 국립민속박물관 소장

작자미상, 76 x 76.5 cm

Unknown Artist, 47 x 47 cm Collection of National Folk Museum of Korea

오죽헌시립박물관 소장 Unknown Artist, 76 x 76.5 cm Collection of Ojukheon & Municipal Museum

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성동훈 Sung, Dong Hun

“강함과 부드러움, 근원적인 것과 인공적인 것, 진실과 위장이 혼재된 세상, 즉 사실과 진실, 둘 다 진실을 뜻하지만 서로 같지 않은 이상한 상황, 역설적 왕국, 그것이 내가 바라보는 세상이다.”

“Hardness and softness, the original and the artificial, truth and fabrication exist together in the world. Both facts and truths tell the real story but they say different things. I see this strange situation, a kingdom of paradox.”

Travelling through deserts and remote areas in Mongolia, India, China and elsewhere, Sung Dong Hun creates surrealistic and experimental figures, drawing inspiration from the nomadic life style as well as through artistic imagination. The artist’s experience, in combination with expressions acquired from foreign cultures, contributed to his characteristic portrayal of figures such as Don Quixote fighting against injustice and animals speaking on behalf of humans. A religious figure included in this exhibition is surely one result, rendering the artist’s exploration and reinterpretation of the spread of Buddhism which began in India and continued to Tibet, China, Korea, and Japan. Various cultural icons, their environment and the reality inherent in them are symbolically transformed into religious objects beyond time and space – statues of Buddha from India and China, and Korean bells.

They are also integrated into animal imageries and colors of Korean celadon. Celadon beads used in his work emit airy light, speaking for the enthusiasm of artisans and the artistic spirit which once drew breath in Korea, a long time ago. In a series of works entitled The New Case for Time , Sung unfolds his thoughts about yin and yang in harmony and the current time when nature and civilization, traditional and modern, reality and the surreal are mixed.

성동훈은 몽골, 인도, 중국 등의 사막이나 오지를 탐험하며 유목민적 삶과 예술적 상상력을 통해 초현실적이고 실험적인 캐릭터를 창조해왔다. 작가의 경험은 타문화의 표현양식과 결합하여 불의에 맞서는 돈키호테, 인간의 본질을 대변하는 동물의 형상으로 표현된다. 대표적으로 이번 전시의 작품 속에 등장하는 종교적 형상은 인도에서 시작되어 티베트, 중국, 한국, 일본으로 이어진 불교의 흐름을 작가만의 탐구와 성찰로 다시 해석된 직관적 결과물이다. 다양한 문화 아이콘과 그 환경 속에서 내재되어 있는 현실이 시공간을 초월한 각각의 다양한 종교적 오브제(인도 불상, 중국 불상, 한국의 종)와 동물 형상으로 상징화 되고 한국 전통의 청자 빛 속으로 스며들었다. 작품에 사용된 청자 구슬은 오래 전 한국의 땅에서 숨 쉬었던 예술의 혼과 장인들의 열정을 대변하며 은은한 빛을 발한다. 〈시간의 귀환〉 연작을 통해 작가는 음과 양의 조화, 자연과 문명, 전통과 현대, 현실과 초현실이 혼재된 현시대를 말하고자 한다.

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시간의 귀환 – I, 브론즈, 120 x 45 x 70 cm, 2018 The New Case for Time – I, Bronze, 120 x 45 x 70 cm, 2018

시간의 귀환 – II, 청자, 스테인리스 스틸, 철, 브론즈, LED, 102 x 28 x 34 cm, 2019

The New Case for Time – II, Celadon, Stainless Steel, Iron, Bronze, LED, 102 x 28 x 34 cm, 2019

아름다운 빛, 고려청자 Beautiful Color, Goryeo Celadon

Initially influenced by greenware techniques from Zhejiang, China, Goryeo celadon wares were first made in Korea in the 9th or 10th century during the Goryeo dynasty. The artisans of Goryeo reinterpreted these techniques according to local ideas of beauty and diversified designs and decorations accordingly. Thus, they achieved a highly distinctive quality in celadon. In particular, the exquisite jade color is a manifestation of the originality and aesthetic of Goryeo celadon. This enigmatic color, often considered to be that of a kingfisher’s feathers, perfectly combines shades of green and blue with a translucent quality. Taiping Laoren, a Chinese scholar from the Song dynasty, highly acclaimed the uniqueness of Goryeo celadon, describing “the secret color of celadon from Goryeo”, along with “flowers from Luoyang and silk from Shu” as “the first under heaven” in his book Xiuzhonggin .

Goryeo celadon wares were made in a variety of forms. The most common subjects are from nature such as ducks, melons and bamboo shoots as well as Buddhist motifs often representing Buddha and the lotus and Taoist themes such as a monkey with a peach and a phoenix. Various decorative techniques were applied including incised relief, shallow relief, inlay known as ‘sanggam’ and openwork.

Celadon wares were produced for everyday dishes, incense burners, ritual vessels and roof tiles. The development of a new style of these wares shaped as animals and plants brought Goryeo celadon to the peak of its popularity. Goryeo celadon had demonstrated the advanced science and technology, the level of culture and the artistic spirit of that period in Korea but its production declined towards the end of the Goryeo dynasty (late 14th century).

The tradition passed to Buncheong ware which was simultaneously beginning to be produced across the country.

고려청자는 고려시대(9-10세기 경) 중국 절강성의 도자 제작기술의 영향을 받아 최초로 제작되었으나, 고려인의 미의식을 바탕으로 재해석되고 무늬와 장식기법이 다채로워지면서 독보적으로 발전했다. 무엇보다 고려청자의 비색은 기법과 더불어 고려청자의 독창성과 아름다움을 가장 잘 보여준다. 비색(翡色)은 물총새의 깃털 색이라 해석되는데, 녹색빛과 푸른빛 그리고 투명함이 절묘하게 공존하는 색의 스펙트럼이다. 중국 송나라의 태평노인(太平老人)은 시 〈수중금(袖中錦)〉에서 “낙양의 꽃, 촉 지방의 비단,… 고려 비색…은 모두 천하제일이다.”라고 언급하며 고려청자의 특출함을 칭송했다. 고려 상형청자는 원앙, 참외, 오리, 죽순 등의 자연적 소재와 불상, 연꽃 등 불교적 소재, 그리고 복숭아를 든 원숭이, 봉황 등 도교적 소재가 주로 사용되었다. 형태는 음각, 양각, 상감, 투각 등 다양한 장식기법을 사용하였다. 일상생활 그릇을 비롯한 향로, 제기, 기와, 타일 등을 제작됐으며, 동식물의 모습을 그대로 살리는 상형청자가 만들어지며 절정기를 맞이한다. 한국인의 높은 과학기술과 문화적 역량, 예술혼이 고스란히 담겨 있는 고려청자는 고려 후기(14세기 말) 전국 각지에서 만들어진 분청사기로 그 전통이 계승되며 쇠퇴의 길을 걷는다.

〈청자 참외 모양 병〉, 국보 94 호 높이 22.7cm, 입지름 8.8 cm, 바닥지름 8.8 cm, 몸통지름 9.6 cm 국립중앙박물관 소장 〈Celadon Melon-shaped Bottle〉, National Treasure No. 94, H. 22.6 cm, (mouth) D. 8.4 cm, (bottom) D. 7.4 cm National Museum of Korea

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백성에게 전하는 소리, 에밀레종 The Sound Gifted to People, Emille Bell

The Divine Bell of King Seongdeok the Great, known as the Emille Bell1), is a magnificent temple bell which epitomizes artistic quality in the golden age of Unified Silla. The largest bell in Korea, it was commissioned by King Gyeongdeok, the 35th king of Silla, to honor his father, and completed in the 7th year of the King Hyegong’s reign (771 CE). At the top of the bell, the ornamentation of the suspension loop is in the shape of dragon bending its neck and trying to grasp the bell with its mouth, and clinging powerfully with its legs. The shoulder, ‘yugwak’2), ‘dangjwa’3) and the mouth – part of the body of the bell – are adorned with ‘bosangdangcho’ motifs4), lotus flowers, and Buddhist nymphs. There is also an inscription of 1,037 Chinese letters symmetrically written on the body, which claims that hearing the bell ring brings freedom from suffering, good fortune, and enlightenment and thus, with this gift, King Seongdeok will live in heaven. This Divine Bell was built using the scientific techniques of Korean traditional bell making. The beeswax casting method is complicated and requires a high degree of skill and a long production time. However, its ability to attain delicate designs, smooth and elegant surfaces and stunning sounds is incomparable. Its use had been discontinued after the Joseon dynasty. Then, Won Gwang Sik, a master artisan of bronze casting (Living National Treasure No. 112), after more than ten years of investigation, eventually recreated this traditional method in 1997.

에밀레종으로 알려진 성덕대왕신종은 한국에 남아있는 최대의 거종으로 통일신라시대 극성기 예술을 대표하는 화려한 범종1)이다. 성덕대왕을 기리기 위하여 신라 제35대 왕인 경덕왕(景德王)이 제작을 시작하였고, 그 아들인 혜공왕 7년(771년)에 완성되었다. 종의 정상에는 한 마리 용이 목을 구부리고 입을 벌려 마치 종을 물어 올리는 형상을 취하고 양다리는 종의 천판(天板)을 힘차게 누르고 있다. 몸체인 상대, 유곽(乳廓), 당좌(撞座), 하대는 보상당초문(寶相唐草文), 연꽃, 공양천인상으로 장식되어 있다. 또한 1,037자의 글이 대칭으로 새겨져 있으며, 종소리를 들으면 백성들이 괴로움에서 벗어나, 복을 받게 되며 진리를 깨달아 그 공덕으로 성덕대왕이 극락에 편히 계시게 된다는 내용을 담고 있다. 성덕대왕신종은 한국의 과학적인 전통주종공법을 보여주는 작품이기도 하다. 전통 밀랍주조 공법은 공정이 복잡할 뿐만 아니라 고도의 기술을 필요로 하기 때문에 많은 제작기간이 소요된다. 타공법과는 비교할 수 없는 섬세한 문양과 깨끗한 표면, 그리고 아름다운 소리를 얻을 수 있다는 특징을 가지고 있다. 조선시대 이후 그 맥이 단절되었던 것을 성종사 원광식 대표(인간문화재 제112호)가 10여 년간의 연구 끝에 1997년 재현에 성공하여 명맥을 이어오고 있다.

1) 범종: 절에서 시간을 알리거나 사람들을 모을 때, 또는 의식을 행하고자 할 때 쓰이는 종

1) Temple bells are called ‘beomjong; the ringing of this bell signals the start of a ritual.

2) [translator’s note] Yugwak refers to four square designs, each having nine circular knobs, covering the bell’s shoulder.

3) [translator’s note] Dangjwa refers to a point to be hit to make the bell ring.

4) [translator’s note] The Bosang-dangcho motif is a plant design which combines a fictional flower ‘bosang’ with ‘dangcho’ (vines). ‘Bosang’ is an idealized design made splendid by combining peony and lotus flowers.

〈성덕대왕신종〉, 국보 제029호 높이 3.75m, 입지름 2.27m, 두께 11 - 25cm, 무게 18.9t, 국립경주박물관 소장 ⓒ한국학중앙연구원, 한국민족문화대백과사전 〈The Divine Bell of King Seongdeok〉, National Treasure 29, H. 3.75 m, (mouth) D. 2.27 m, (thickness) 11～25 cm, (weight) 18.9t, Gyeongju National Museum

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선조의 발명 – 한글과 한지 Inventions of Our Ancestors – Hangeul and Hanji 양대원 강운

한글은 창제 원리와 과정이 기록되어 있는 유일한 언어다. 조선 4대왕 세종대왕은 우리말과 한자가 달라 사용하기 어려운 백성들의 고충을 헤아려 1443년 한글을 완성하고 ‘백성을 가르치는 올바른 소리’라는 뜻의 훈민정음(訓民正音)이라고 이름 붙였다. 이후 한글 창제목적과 설명을 담은 ‘훈민정음해례본(訓民正音解例本)’을 편찬하고 목판으로 제작하여 한국의 고유한 종이인 한지(韓紙)에 인쇄하였는데, 한지 또한 선조들이 남긴 우수한 유형문화유산 중 하나다. ‘지천년견오백(紙一千年絹五百)’이라는 말처럼, 한지는 밀도가 높고 매우 견고한 특징을 가지고 있다. 양대원의 〈문자도〉 연작은 한글의 형태 연구를 바탕으로 한 새로운 조형미를 만나볼 수 있으며, 우리가 과연 문자의 진정한 의미를 실행하며 살아가고 있는지 되돌아보게 한다. 강운은 작은 한지 조각을 수없이 중첩해 나가면서 공기의 흐름과 겹을 담은 구름의 형상을 만든다. 삶과 죽음이 순환하는 인생의 모습을 소멸과 탄생이 반복되는 자연의 모습에 투영하여 삶에 대한 본질적인 질문을 던진다.

Yang, Dae Won Kang, Un

Hangeul is the only writing system for which the principles and process of its creation have been clearly documented. It was completed in 1443

by King Sejong the Great, the fourth king of the Joseon dynasty. At that time Chinese characters were used to write Korean. The king understood that commoners were struggling due to ultimate differences in structure between the Korean and Chinese languages. Sejong gave the name Hunminjeongeum to this new writing system which means “proper sounds to instruct the people”. He then compiled the Haerye edition of Hunminjeongeum which details the development and the Haerye (Commentaries), later explanations of Hangeul. This edition was printed from woodblock on hanji, which literally means Korean paper. Hanji is one of the exceptional tangible cultural heritages gifted by our ancestors. There is an old saying that paper endures a thousand years and fabric endures five hundred. In other words, hanji is famous for its durability and strength. Yang Dae Won’s Munjado (literally “letter drawing”) series brings in a new aesthetic based on his research into formal aspects of Hangeul. The viewer is invited to ruminate on the true meaning of each letter represented in the series, and to ruminate on their individual lives. Kang Un depicts clouds which evoke the flow and layers of the air by superimposing countless fragments of Korean traditional paper. He asks fundamental questions about life by projecting aspects of human life — and death onto the cycle of birth and extinction that is nature.

양대원 Yang, Dae Won

“개인적으로는 ‘이별’과 ‘시련’과 같은 아픈 사랑의 추억, 사회적으로는 ‘빈부의 격차’와 같은 사회 문제, 국가적으로는 ‘전쟁의 아픔’ 등 과거의 모든 기억과 사건들을 눈물의 형상과 글자의 형상을 조합해 조형적으로 표현했습니다. 과거의 들추고 싶지 않은 기억과 시간을 다시 한 번 되돌아보는 계기가 돼 눈물로 상징화된 아픔들이 다시는 반복되지 않기를 바랍니다.”

“Hurt experienced on a personal level through a relationship, for example parting from a loved one; on a social level, the gap between the poor and the rich; on a national level, the suffering in war. I represent these memories and circumstances in a variety of visual expressions combining tears and letters. I hope to provide an opportunity to look back on the past, even though it hurts. The miseries that I symbolize as tears should not happen again.”

Yang Dae Won has extended his scope from dwelling on his identity to society and nation, to include human suffering from wars, and poverty.

He approaches memories and circumstances with sympathy and understanding. The artist has invented his own unique form embodying moderate shapes and colors, finishing so fine as to be close to perfection, and the minimal and symbolic expression of abstract painting. The Munjado series began with Yang’s inner reflection that every misfortune is caused by words. He surveyed scientific principles in the creation of Hangeul and the script’s aesthetic quality and found original beauty in the shapes of different consonants and vowels of Hangeul. For this series, he composed them in various aesthetic forms. Words depicts three swords representing two consonants ‘ㅁ’(mieum) and ‘ㅅ’(siot) to connote how dangerous and sharp our words can be. Yang’s translation of a writing system into visual language suggests the multiplicity of meanings that a word can deliver.

양대원은 자신의 정체성에 대한 고민으로부터 사회와 국가, 인류가 겪고 있는 전쟁, 빈곤 등 역사적 문제로 의식의 범위를 확장해오고 있다. 작가는 과거의 모든 기억과 사건들을 연민과 이해의 태도로서 접근하며 눈물과 글자의 형상으로 표현한다. 절제된 형태와 색감, 완벽에 가까운 마감으로 추상회화의 단순하고 상징적인 표현을 담고 있으면서도 작가만의 독창적인 형상을 만들어 냈다. 〈문자도〉 연작은 모든 불행은 언어에서 비롯된다는 작가의 내면 성찰에서 시작되었다. 양대원은 한글의 과학적인 원리와 조형성을 탐구한 후 한글의 자음과 모음의 형태에서 고유한 추상적 아름다움을 발견했다. 그리고 그 형상을 다양하게 조합하고 조형적으로 구현했다. 작품 〈말씀〉에는 자음인 미음(ㅁ)과 시옷(ㅅ)을 형상화환 칼 세 자루가 놓여있어, 우리가 하는 말이 얼마나 위험하고 날카로운 수 있는지를 상징적으로 보여준다. 문자로 전해 내려오는 역사와 법에 대해 의구심을 갖는 작가는 가슴으로 듣는 사람들의 이야기에 귀 기울이고자 한다. 관람객들에게 우리가 과연 문자(언어)의 진정한 의미를 실행하며 살아가고 있는지 질문을 던진다.

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삶, 광목천 위에 한지, 아교, 아크릴 물감, 토분, 커피, 린시드유, 147.7 x 103.5 cm, 2014

Life, Korean Paper, Acrylic, Soil, Glue, Coffee and Linseed Oil on Cotton, 147.7 x 103.5 cm, 2014 앎, 광목천 위에 한지, 아교, 아크릴 물감, 토분, 커피, 린시드유, 147.5 x 106.3 cm, 2014

Awareness, Korean Paper, Acrylic, Soil, Glue, Coffee and Linseed Oil on Cotton, 147.5 x 106.3 cm, 2014

꽃, 광목천 위에 한지, 아교, 아크릴 물감, 토분, 커피, 린시드유, 126 x 148 cm, 2016

Flower, Korean Paper, Acrylic, Soil, Glue, Coffee and Linseed Oil on Cotton, 126 x 148 cm, 2016

책, 광목천 위에 한지, 아교, 아크릴 물감, 토분, 커피, 린시드유, 147.5 x 120.5 cm, 2015

Book, Korean Paper, Acrylic, Soil, Glue, Coffee and Linseed Oil on Cotton, 147.5 x 120.5 cm, 2015

사랑, 광목천 위에 한지, 아교, 아크릴 물감, 토분, 커피, 린시드유, 77.5 x 73.5 cm, 2014

Love, Korean Paper, Acrylic, Soil, Glue, Coffee and Linseed Oil on Cotton, 77.5 x 73.5 cm, 2014 말씀, 광목천 위에 한지, 아교, 아크릴 물감, 토분, 커피, 린시드유, 126 x 148 cm, 2016

Words, Korean Paper, Acrylic, Soil, Glue, Coffee and Linseed Oil on Cotton, 126 x 148 cm, 2016

백성을 가르치는 바른 소리, 한글 Hangeul — Proper Sounds to Instruct People

조선4대 왕 세종(1418-1450)은 1443년, 말하고자 하는

King Sejong the Great (1418-1450) invented Hangeul, “proper sounds to instruct people” for the many commoners who could not communicate in writing.

The Haerae edition of Hunminjeongeum, made of 33 leaves and printed from woodblocks, explains in detail the purposes and the origin of Hangeul. It includes how to pronounce and use 28 alphabetic letters from Hangeul. The commentaries were written by scholars from the Hall of Worthies, known as Jiphyeonjeon, on Sejong’s order. It took 3 years to complete this book. Hunminjeongeum is a unique example of a writing system whose development has been fully documented in a book, including by whom, when, and how it was invented. There is only one in existence. Registered as a ‘Memory of the World’ by UNESCO, it is highly regarded and recognized to be an important piece of international cultural heritage.

바가 있어도 제 뜻을 펼 수 없는 많은 백성들을 위해 ‘백성 을 가르치는 바른 소리’인 한글을 만들었다. 『훈민정음해 례본(訓民正音解例本)』은 33장의 목판본으로 28자의 각 각의 소리와 쓰는 방법 등 한글의 창제 원리를 상세하게 기록한 것이다. 세종대왕의 명으로 집현전 학자들에 의해 해설서의 편찬이 시작되었으며 3년이 걸려 완성되었다. 전 세계 문자 중에 제작자, 제작시기, 제작원리 등의 모든 기록이 책으로 남아있는 것은 훈민정음이 유일하다. 유네 스코 세계 기록 유산으로 등재되어 세계인류 문화유산으 로 중요하게 평가 받고 있다.

〈훈민정음해례본(訓民正音解例本)〉, 국보 제70호 반곽 23.3 x 16.6 cm, 1446, 간송미술관 소장 〈Hunminjeongeum Haerye〉, 23.3 x 16.6 cm (ban-gwak) National Treasure No. 70, 1446 Courtesy of Kansong Art Museum

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자음과 모음이 만나다, 과학적인 한글 Consonants Meet Vowels — Scientific Hangeul

Hangeul is a scientifically created script established on principles and philosophies around phonetics.

Currently, Hangeul has 24 alphabetical letters including 14 consonants and 10 vowels, however it had 28 letters in the beginning. The early Hunminjeongeum had 4 more letters: ‘∙’ (vowel, under-‘ah’), ‘ㆆ’ (consonant, weak-sound ‘heeut’), ‘△’ (consonant, half ‘siot’), ‘ㆁ’ (consonant, old ‘ieung’).

한글은 소리를 발음하는 원리와 철학을 바탕으로 만든 과학적인 글자다. 현재 사용하는 한글은 자음 14자, 모음 10자를 합해 모두 24자이지만 최초의 훈민정음은 모음 ‘•(아래아)’, 자음 ‘ㆆ(여린히읗), △(반시옷), ㆁ(옛이응)’을 더해 28자였다. 자음 ‘ㄱ, ㄴ, ㅁ, ㅅ, ㅇ’ 다섯 자는 목구멍에서 숨이 나올 때 어금니, 혀, 입술, 이, 목구멍 등 발음기관에 닿으면서 만들어지는 소리를 과학적으로

Based on the survey of sounds, produced when our breath interacts with different vocal organs such as the tongue, lips, vocal cords and teeth, five consonants were born: ‘ㄱ’(giyeok), ‘ㄴ’(nieun), ‘ㅁ’ (mieum), ‘ㅅ’ (siot), and ‘ㅇ’ (ieung). There are three

분석하여 만들었다. 모음 세 자는 ‘하늘(•), 땅(ㅡ), 사람(ㅣ)’의 모양을 본떴는데, 하늘은 해와 같은 양성을, 땅은 달과 같은 음성을, 사람은 중성을 뜻한다. 위 여덟 자를 기본으로 훈민정음의 28자가 만들어졌다.

vowels visually imitating sky (∙), earth (ㅡ), and man (ㅣ): sky signifies yang like the sun, earth yin like the moon, and man neutral. These eight elements are the foundation of all 28 letters of Hunminjeongeum.

ㄱㄴㄷㄹㅁㅂㅅㅇ ㅈㅊㅋㅌㅍㅎㆆㆁㅿ

자음 17자 Consonant Letters (17) 28자

ㆍㅏㅑㅓㅕㅗㅛㅜㅠㅡㅣ

자음 기본자 (ㄱ,ㄴ,ㅁ,ㅅ,ㅇ)

모음 기본자 (하늘, 사람, 땅)

Basic Consonant Letters

Basic Vowel Letters

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Total 28 Letters 모음 11자 Vowel Letters (11)

강운 Kang, Un

“우리가 눈으로 구름을 볼 때는 마치 솜 같은 형태로 보이죠. 하지만 실상은 끊임없는 순환 구조의 반복으로 이뤄지고 있어요. 땅을 적신 비가 흘러 개울, 강, 바다로 가죠. 작은 물방울들이 증발해서 하늘 위에서 끊임없이 순환하며 구름을 이뤄요. 물방울들은 다시 비의 형태로 땅에 내려오죠. 이 순환 구조에서 삶과 죽음이 계속해서 이뤄지는 우리네 인생사를 느꼈어요. 청년기에 마주한 구름이 마음에 품은 꿈과 방랑이었다면, 장년기의 구름은 인간이라는 미약한 존재로서의 고백과 겸손입니다.”

“Clouds might look like cotton candy to our eyes. But they are, in reality, produced through endless circulation. Rains wet the earth then run into a stream, river, and sea. Small water droplets evaporate, and condense into clouds. Water falls back down to earth again in the form of precipitation. This circulation brings to mind the path of human life in which birth and death continually occur. If a cloud encountered in youth tells of dreaming and wandering, a cloud met in manhood tells of confession and humility in an insubstantial human being.”

[translator’s note] ban-gwak refers to the size of printed space on each page of a book printed from woodblocks.

‘구름’ 연작으로 알려진 강운은 삶과 죽음이 순환하는

Known for a series of works with the theme of ‘clouds’, Kang Un portrays human life using metaphors of natural phenomena in which the cycle of birth and death recurs. One day, the artist came across some Korean paper by chance in a custom picture-framing shop. Since then he has conducted a variety of experiments with hanji as the medium: this is native Korean paper which traces its history back over a thousand years. In the Air and Dream series, he depicts clouds by superimposing diamond or square shaped fragments of dyed hanji on untreated canvas. Kang captures the flow and layers of the air, persistently repeating the process of scattering, layering and overlaying bits of hanji.

The paper’s durability, softness in particular when wet, and variety in coloration enable the artist to try a number of variations. He endeavours to lessen daily anxiety and embrace nature through prayer and performance during which he cuts out and attaches each tiny thin piece of hanji.

인생사를 소멸과 탄생이 반복하는 자연현상에 빗대어 표현하고자 한다. 강운은 우연히 표구사를 지나다가 한지(韓紙)를 마주하게 된 이후 천 년이 넘는 역사를 가지고 있는 한국의 고유한 종이인 한지를 이용해 다양한 매체실험을 하고 있다. 〈공기와 꿈〉연작에서는 염색 한지를 코팅되지 않은 캔버스 위에 붙이고 마름모, 정사각형 모양의 한지 조각을 중첩해 나가면서 구름의 형상을 만든다. 한지 조각들은 흩어지고, 겹쳐지고, 포개지는 과정을 수없이 반복하며 공기의 흐름과 겹을 담아낸다. 한지의 견고성, 물과 닿으면 부드러워지는 유연성, 색을 입히면 변하는 다양성을 바탕으로 변주를 시도한다. 작고 얇은 한지 조각을 오리고 붙이는 수행과 기도의 과정을 통해 일상의 고뇌를 덜어내고 자연을 끌어안으려 한다.

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공기와 꿈, 캔버스 위에 염색한지, 한지, 112 x 162 cm, 2016

Air and Dream, Korean Paper, Dyed Paper on Canvas, 112 x 162 cm, 2016

공기와 꿈, 캔버스 위에 염색한지, 한지, 112 x 162 cm, 2016

Air and Dream, Korean Paper, Dyed Paper on Canvas, 112 x 162 cm, 2016

공기와 꿈, 캔버스 위에 염색한지, 한지, 112 x 162 cm, 2016

Air and Dream, Korean Paper, Dyed Paper on Canvas, 112 x 162 cm, 2016

한지의 기원과 역사 The Origin and History of Hanji

“지일천년견오백(紙一千年絹五百)” 비단의 수명은 오백년

“Paper endures a thousand years and fabric endures five hundred.” This is a well-known expression by Sin Wi, a literary person in Joseon, published in a book entitled Gyeongsudang-jeongo.

에 불과하지만, 한지는 천년이 지나도 변치 않는다.”

- 『경수당전고』, 신위(조선시대 문인) -

Hanji is traditional Korean paper produced through unique ways of papermaking using a bamboo screen.

Since its main material is from the paper mulberry tree, known as the ‘dak’ tree, it is often called dak paper. It has many other names such as ‘changhoji’, ‘ganji’, and ‘baejeopji’ depending on its use. As its strength and exceptionally fine quality was recognized in neighbouring countries, hanji was also known as the paper of Goryeo and later of Joseon. In Nihon Shoki (Chronicles of Japan) there is a record of a Goguryeo monk teaching crafts and the making of paper and ink in Japan around 610, suggesting that papermaking had already spread throughout the Korean peninsula. The Great Dharani Sutra, the oldest woodblock print in the world, which is believed to be 1200 years old, is exemplary in demonstrating hanji’s high durability and density and therefore its excellence as a significant cultural legacy.

한지(韓紙)는 ‘외발’이라는 도구를 이용해서 뜨는 한국 고 유의 제조법으로 만든 전통 종이다. 닥나무를 원료로 사용 하여 닥종이, 닥지로 불리거나 용도에 따라 창호지, 간지, 배접지 등으로 불렀다. 인접국가에서 견고하고 뛰어난 품 질을 인정받으며 고려지, 조선지로 불리기도 했다. 『일본 서기』에 610년경 고구려 승려 담징이 일본에 건너가 종 이, 먹, 공예 등을 만드는 법을 가르쳤다고 하는 기록이 남 아있으며 그 이전에 제지법이 일반화 되어 있었다고 볼 수 있다. 세계에서 가장 오래된 목판 인쇄물인 『무구정광대 다라니경(無垢淨光大陀羅尼經)』은 약 1200년이 지났지 만 종이의 밀도가 높고 견고하여 한지의 우수성을 잘 보여 주는 중요한 문화유산이다.

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한지와 한국인의 삶 Hanji and the Life of Koreans

From cradle to grave, Koreans have lived with hanji.

They fixed hanji on a straw rope which was used to announce a birth, and to exchange letters prior to a wedding. The family of the groom would send a letter to the family of the bride with the horoscope of the groom, known as ‘sajudanja’, and another letter, known as ‘honseo’, along with wedding gifts. When someone died, Koreans cleaned and dressed the deceased with hanji and spread fake money made of hanji during the funeral procession. Hanji was mainly used for painting and writing, and later its use was extended to various hanji crafts ranging from artistic objects for royalty to everyday objects in common use. Today hanji is popular not only in the art world but also in many other industries such as fashion and architecture, drawing attention to its breathability, moisture absorption and antimicrobial properties as an eco-friendly material.

예로부터 한국인은 태어나면서부터 죽을 때까지 한지와 함께 생활했다. 출생을 알리는 금줄에 한지를 꽂았으며, 결혼할 때 한지로 만든 사주단자와 혼서지를 주고 받는다. 생을 마감할 때에는 한지로 염을 했고 장례행렬에서는 한지로 만든 종이 돈을 뿌려주기도 했다. 과거에는 그림과 글씨를 쓰기 위한 용도부터 궁중에서 쓰던 지장 공예품, 서민들이 사용하던 생활용품까지 다양한 한지공예가 발전해 왔고, 오늘날에는 예술분야뿐만 아니라 통풍, 방습, 항균 작용이 뛰어난 친환경적 특성이 주목 받으며 의류, 건축 등 다양한 산업분야에서 활용되고 있다.

한지, 국립민속박물관 소장 Hanji, Courtesy of National Folk Museum of Korea

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작가 약력 Biography

Yoo, Hyun Mi (b.1964)

유현미 (b.1964)

1992

NYU 대학원 졸업 (창작미술 전공), 미국

1987

서울대학교 미술대학 조소과 졸업, 한국

1992

M.A, New York University, New York, USA

1987

B.F.A, Seoul National University, Korea Selected Solo Exhibitions

주요 개인전

2019

Soft Chaos (Buk-Seoul Museum of Art, Seoul, Korea)

2019

소프트 카오스: 공간 상상 (북서울미술관, 서울, 한국)

2017

2017

Eyes of Number (Savina Museum, Seoul, Korea)

수의 시선 (사비나미술관, 서울, 한국)

2016

The Library in My Mind (Kyobo Art Space,

2016

내 마음속의 서재 (교보 아트스페이스, 서울, 한국)

2014

Physical Numerics (갤러리 분도, 대구, 한국)

2013

COSMOS (일우 스페이스, 서울, 한국)

Seoul, Korea) 2014

Physical Numeric (Gallery Bundo, Daegu, Korea)

2013

COSMOS (Ilwoo space, Seoul, Korea) Cosmos in Cosmos (Trunk Gallery, Seoul, Korea)

Cosmos in Cosmos (트렁크갤러리, 서울, 한국)

Selected Group Exhibitions

외 다수 2017

Fudong (MMCA, Seoul, Korea)

주요 기획전 2017

Turning Myself into a Painting (MMCA Children's Museum, Gwacheon, Korea)

삼라만상: 김환기에서 양푸동까지 (국립현대미술관, 2016

서울, 한국)

Daegu Photo Biennale (Daegu Arts Center,

한국)

Daegu, Korea) 2015

공간의 발견 (경기도미술관, 안산, 한국)

Photography, Moscow, Russia)

환영과 환상 (국립현대미술관, 서울, 한국)

New Future (Art Space Art 1, Jakarta, Indonesia)

The Treachery of Images (Gallery of Classic

2014

Multifarious Appearances of Ten Thousand

Photography, 모스크바, 러시아)

Things -From Things to Beings (Seoul Museum

New Future (Art Space Art 1, 자카르타,

Of Art, Seoul, Korea) Inhabiting the World (Busan Biennale,

인도네시아) 2014

Illusion and Fantasy (MMCA, Seoul, Korea) The Treachery of Images (Gallery of Classic

대구사진비엔날레 (대구문화예술회관, 대구, 한국) 2015

The Discovery of Space (Gyeonggi Museum of Modern Zrt, Ansan, Korea)

그림이 된 나 (국립현대미술관 어린이미술관, 과천,

2016

Smaramansang: From Kim Whanki to Yang

Busan, Korea)

만물상-사물에서 존재로 (서울시립미술관

Russia International Photo Festival (Novosibirsk

남서울생활미술관, 서울, 한국)

State Art Museum, Novosibirsk, Russia)

세상 속에 거주하기 (부산비엔날레, 부산, 한국) 러시아 국제사진페스티벌 (노보시빌스크

Kim, Sung Bok (b.1964)

국립연방미술관, 노보시빌스크, 러시아) 외 다수 1993

M.F.A, Dept. of Sculpture, Graduate School of Fine Art, Hongik University, Korea

1990

김성복 (b.1964)

1993

홍익대학교 대학원 조소과 졸업, 한국

1990

홍익대학교 미술대학 조소과 졸업, 한국

Selected Solo Exhibitions 2018

Dream of Dokkaebi (Savina Museum,

2010

Kim Sung Bok Solo Exhibition (Jang-Eun-Sun

Seoul, Korea) Gallery, Seoul, Korea)

주요 개인전 2018

도깨비의 꿈 (사비나미술관, 서울, 한국)

2010

김성복 개인전 (장은선갤러리, 서울, 한국)

2006

김성복 조각전 (Gallery Tomos, 도쿄, 일본)

2005

김성복 개인전 (사호갤러리, 도쿄, 일본) 외 다수

B.F.A, Dept. of Sculpture, Hongik University, Korea

2006

Kim Sung Bok Solo Exhibition (Gallery Tomos, Tokyo, Japan)

2005

Kim Sung Bok Solo Exhibition (Gallery Saho, Tokyo, Japan)

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Selected Group Exhibitions

주요 기획전 2018

2018

경기아카이브_지금 (경기도미술관, 안산, 한국)

Ansan, Korea)

세종대왕과 음악, 황종 (대통령기록관, 세종, 한국)

2017

Gyeonggi Archive_Now (Gyeonggi Museum, King Sejong and Music-Hwang Jong (Presidential

욕망의 귀환 3인전 (중랑아트센터, 서울, 한국)

Archives, Sejong, Korea)

갤러리 자운제 개관기념 특별전 (갤러리 자운제, 고양,

Return of Desire (Jungnang Art Center, Seoul, Korea)

한국)

2017

경기 옛 이야기 특별전 (경기도박물관, 용인, 한국)

Special Exhibition of the Opening -Gallery Jaunje (Gallery Jaunje, Goyang, Korea)

Image and Other’s Eye (서산문화예술회관, 서산,

Traditional Fairy Tale (Gyeonggi Museum,

한국)

Ansan, Korea)

하이쿠 조각전 (조시비미술관, 가나자와, 일본)

Image and Other’s Eye (Cultural Center of

2016

돌조각의 방법 (모란미술관, 남양, 한국)

2013

서울 미술협회 초대작가전 (한전아트센터 갤러리,

Seosan, Seosan, Korea) Haiku Sculpture Exhibition (Josibi Museum, Kanazawa, Japan) 2016

서울, 한국)

In the Manner of Korean Stone Sculpture (Moran Museum, Namyang, Korea)

붉은 수수밭 사이로 (경(鏡)갤러리, 베이징, 중국)

2013

외 다수

Seoul Art Association's First Writers' Exhibition (Kepco Art Center, Seoul, Korea) Through a Field of Red Sorghum (Jìng(鏡)Gallery, Beijing, China)

김승영 (b.1963) Kim, Seung Young (b.1963)

2006

홍익대학교 미술대학원 조소과 졸업, 한국

1992

홍익대학교 미술대학 조소과 졸업, 한국

2006

Fine Art, Hongik University, Korea 1992

주요 개인전 2018

Reflection (김세중미술관, 서울, 한국)

2017

Knock (김종영미술관, 서울, 한국)

2016

Reflections (사비나미술관, 서울, 한국)

2011

WALK (사비나미술관, 서울, 한국)

2009

Traces (CEAAC, 스트라스부르, 프랑스)

2008

흔적 (공간화랑, 서울, 한국)

Selected Solo Exhibitions 2018

Reflection (KIMSECHOONG Museum, Seoul, Korea)

2017

Knock (KIM CHONG YUNG Museum, Seoul, Korea)

2016

Reflections (Savina Museum, Seoul, Korea)

2011

WALK (Savina Museum, Seoul, Korea)

2009

Traces (CEAAC, Strasbourg, France)

2008

Traces (SPACE Gallery, Seoul, Korea)

2019

Selected Group Exhibitions and Project Five Hundred Arhats of Changyeong-sa Temple

창령사 터 오백나한- 당신의 마음을 닮은 나한 (국립중앙박물관, 서울, 한국) 시치프스의 땅 (A-L갤러리, 서울, 한국)

2018

B.F.A, Dept. of Sculpture, Hongik University, Korea

주요 기획전 및 프로젝트 2019

M.F.A, Dept. of Sculpture, Graduate School of

Site: Reflection of Our Hearts(National Museum

신라를 다시본다 (국립경주박물관, 경주, 한국)

of Korea, Seoul, Korea) Land of Sisyphus (A-Lounge, Seoul, Korea)

AA프로젝트: 공간의 경계와 틈 (사비나미술관, 서울,

2018

한국)

Contemporary Arts Reflection an Ancient Kingdom Silla (Gyeongju National Museum,

Source of inspiration (주일한국문화원 갤러리MI/

Gyeongju, Korea)

시로타갤러리, 도쿄, 일본)

Art & Architecture Project (Savina Museum,

강릉국제비엔날레-악의사전 (강릉녹색도시체험센터,

Seoul, Korea)

강릉, 한국)

One Inspiration (Gallery MI/ Shirota gallery

2017

오늘프로젝트 (서울시청광장, 서울, 한국)

2004

Picnic on the Ocean Performance, P.S.1

Tokyo, Japan) The Dictionary of Evil (Gangwon International Bienale, Gangneung, Korea)

97

(MOMA, 뉴욕, 미국) 2002

The Voice of The People (Seoul Plaza,

2004

Picnic on the Ocean, P.S.1 (MOMA,

2002

Picnic on the Ocean Performance (7.29.2002,

Seoul, Korea)

Picnic on the Ocean Performance (2002년7월29일 대한해협 공해, 한국)

New York, USA)

2001 배 Project (Nakatsue Village, Oita, 일본) 2000

2017

The Strait Korea)

종이비행기 Project (Harlem, 뉴욕, 미국) 2001

Ship Project (Nakatsue Village, Oita, Japan)

2000

Paper Plane Project (Harlem, New York, USA)

남경민 (b.1969) Nam, Kyung Min (b.1969)

1997

덕성여자대학교 예술대학 서양화과 졸업, 한국

1999

덕성여자대학교 대학원 미술학과 서양화과 졸업, 한국

1999

M.F.A, Dept. of Painting, Graduate School, Duksung Women’s University, Korea

1997

B.F.A, Dept. of Painting, College of Fine Arts, Duksung Women’s University, Korea

주요 개인전 2016

두개의 풍경 (에스플러스갤러리, 부산, 한국)

2014

풍경 속에 머물다 (사비나미술관, 서울, 한국)

2010

2016

Duel Scenery (S Plus Gallery, Busan, Korea)

풍경을 거닐다 (갤러리 현대 강남, 서울, 한국)

2014

Staying in the Mindscape (Savina Museum,

2006

남경민전 (영은미술관, 광주, 한국)

2005

화가의 작업실 (레인팩토리, 서울, 한국)

2010

Walking on the Mindscape (Gallery HYUNDAI

2000

창, 빛 그리고 기억의 편린들 (조흥갤러리, 서울, 한국)

2006

Nam Kyung Min (Youngeun Museum,

2005

Gwangju, Korea) Artists’ Atelier (Brain Factory, Seoul, Korea)

Selected Solo Exhibitions

Seoul, Korea) Gangnam Space, Seoul, Korea)

주요 기획전 2019

2000

깨어있는 꿈 (모란미술관, 남양, 한국) The Forest (갤러리조은, 서울, 한국)

2018

Window, Light and the Fragments of Memory (Joheung Gallery, Seoul, Korea) Selected Group Exhibitions

그리하여 마음이 깊어짐을 느낍니다 (사비나미술관, 2019

서울, 한국)

A Wakeful Dream (Moran Museum, Namyang, Korea)

영감의 원천 (구하우스미술관, 양평, 한국) ONE INSPIRATION (주일한국대사관 한국문화원,

2018

The Forest (Gallery Joeun, Seoul, Korea) Enlightened Mind - The Artists' Way to Meditation

시로타갤러리, 도쿄, 일본)

(Savina Museum, Seoul, Korea)

안양: 오늘의 온도 (안양아트센터, 갤러리미담, 안양,

ONE INSPIRATION (Koo House museum, Yangpyeong, Korea)

한국)

ONE INSPIRATION (Korean Cultural Center

2017

한 공간 네 느낌 (일호갤러리, 서울, 한국)

Korean Embassy, Shirota Gallery, Tokyo, Japan)

2016

G-SEOUL 2016 INTERNATIONAL ART FAIR

Anyang: Dream and Reality (Anyang Art Center,

특별전 (동대문 DDP프라자, 서울, 한국)

Gallery MiDam, Anyang, Korea)

2015

미술, 책 에 들다 (교보아트스페이스, 서울, 한국)

2014

읽어버린 시간을 찾아서 (갤러리 로얄 ,서울, 한국)

2013

House& Home: 나를 찾다 (제주도립미술관, 제주,

One Sensation, Four space (Ilho Gallery,

2016

Seoul, Korea) G- SEOUL INTERNATIONAL ART FAIR SPECIAL SHOW (DDP PLAZA, Seoul, Korea)

한국)

2015

Art, Enter into a Book (Kyobo Art Space,

2014

In Search of Lost Time (Gallery Royal,

Seoul, Korea)

코리아 투모로우 (예술의전당, 서울, 한국) 2012

2017

Seoul, Korea)

회화의 예술 (학고재, 서울, 한국) 2013

토포스 - 은유의 장소 (모란미술관, 남양, 한국)

House & Home (Jeju Museum of Art, Jeju, Korea) Korea Tomorrow (Seoul Art Center, Seoul, Korea)

맥락의 재조명, 아트 인 앰버시 프로그램 (미국

2012

대사관저 하비브 하우스, 서울, 한국)

The Art of Painting (Hakgojae, Seoul, Korea) Topos – Metaphor (Moran Museum, Namyang, Korea)

98

Context Revisited, Art in Embassies Program

김창겸 (b.1961)

(HABIB House, Seoul, Korea)

1995

뒤셀도르프 아카데미 수학, 독일

1994

까라라아카데미 조소과 졸업, 이탈리아

1987

세종대학교 회화과 졸업, 한국

Kim, Chang Kyum (b.1961) 1995

Studied at Kunstakademie Düsseldorf by

주요 개인전 2019

1994

꽃길을 걷다 (미디어338, 광주, 한국)

1987

Accademia di Belle Arti di carrara, Sculpture, Italy B.F.A, Se-Jong University, Painting, Korea

2018

Shadow in the Garden (우리미술관, 인천, 한국)

2015

김창겸 개인전 (타치바나갤러리, 오사카, 일본)

2014

Mythos (Space 22, 서울, 한국)

2019

Walk through the Flower Way (Media 338,

2018

Shadow in the Garden (Uri Museum,

Kounellis, Germany

Solo Exhibitions Gwangju, Korea)

花-片(화편) (이베 갤러리, 부산, 한국) 외 다수

Incheon, Korea)

주요 기획전 2019

우리 모두는 서로의 운명이다 (사비나미술관, 서울ㅍ Feel Art (GS칼텍스 예울마루, 여수, 한국)

2018

2015

Solo Exhibition (Tachibana Gallery, Osaka, Japan)

2014

Mythos (Space22, Seoul, Korea) 花-片 (Ibae Gallery, Busan, Korea)

平窓 : Peace Over Window (평창의 6개 지역, 평창, 한국)

2019

One Inspiration (시로타갤러리, 도쿄, 일본)

Seoul, Korea)

제 2회 조아성 국제 뉴미디어 페스티벌 (충칭, 중국) 2017

Feel Art (GS Caltex Yeul Maru, Yeosu, Korea) 2018

INSIDE AFRICA (다카르 현대미술관, 다카르,

2015

平窓 : Peace Over Window (Pyoungchang, Korea) One Inspiration (Sirota Gallery, Tokyo, Japan)

세네갈) 2016

Selected Group Exhibitions We are Each Other’s Destiny (Savina Museum,

The 2nd Diaoyu Fortress International New Media

불확실성, 연결과 공존 (수원시립아이파크미술관,

Art Festival 2018 (Chongqing, China)

수원, 한국)

2017

INSIDE AFRICA (Dakar museum, Dakar, Senegal)

런던 아트페어 (한미갤러리, 런던, 영국)

2016

Uncertainty, Connection, Coexistence (Suwon

2015

London Art Fair (Hanmi Gallery, London, UK)

Ipark Museum of Art, Suwon, Korea)

Momentum (토탈미술관, 서울, 한국) AHAF 홍콩 2015 (Marcopolo Hotel, 홍콩)

Momentum (Total Museum, Seoul, Korea)

Links- Locality and Nomadism (갤럭시현대미술관, 충칭, 중국) 외 다수

AHAF HK 2015 (Marcopolo Hotel, Hongkong) Links-Locality and Nomadism (The Galaxy

이길래 (b.1961)

Lee, Gil Rae (b.1961)

1993

경희대학교 대학원 미술학과 졸업 (조소전공), 한국

1989

경희대학교 미술대학 미술교육학과 졸업, 한국

Museum of Contemporary Art, Chongqing, China)

1993

M.A, Dept. of Sculpture, Kyunghee University, Korea

1989

Graduated from Dept. of Art Education, Kyunghee University, Korea

주요 개인전 2019

제11회 개인전 (오페라갤러리, 싱가포르)

2017

제10회 개인전 (오페라갤러리 뉴욕, 미국)

2015

제 9회 개인전 (겸재정선미술관, 서울, 한국)

2012

제 8회 개인전 (갤러리bk, 서울, 한국)

2010

제 7회 개인전 (사비나미술관, 서울, 한국)

Selected Solo Exhibitions 2019

The 11th Solo Exhibition (Opera Gallery, Singapore)

2017

The 10th Solo Exhibition (Opera Gallery, New York, USA)

2015

The 9th Solo Exhibition (Gyumjaejungsun

2012

The 8th Solo Exhibition (Galerie bk, Seoul, Korea)

Museum, Seoul, Korea)

99

2010

주요 단체전 2019

Seoul, Korea)

Gate Avenue (오페라갤러리, 두바이) Asian Art (오페라갤러리, 뉴욕, 미국)

Selected Group Exhibitions

The Monaco Masyers Show (오페라갤러리, 모나코) 2018

The 7th Solo Exhibition (Savina Museum,

2019

Gate Avenue (Opera Gallery, Dubai) Asian Art (Opera Gallery, New York, USA)

From Nature to Culture (오페라갤러리, 파리,

The Monaco Masyers Show (Opera Gallery,

프랑스)

Monaco)

현대용접조각전 불로-장생 (성남큐브미술관,

2018

From Nature to Culture (Opera Gallery,

성남, 한국)

Paris, France)

경기아카이브 지금 (경기상상캠퍼스, 수원, 한국)

Welding For Longevity (Cube Art Museum, Seongnam, Korea)

One Inspiration (주일한국문화원, 갤러리MI,

Gyeonggi Archive Now (Gyeonggi Museum,

도쿄, 일본)

Suwon, Korea)

Made in Asia (오페라갤러리, 뉴욕, 미국)

One Inspriation (Korea National Cultural Center in Japan, Tokyo, Japan)

Transcending Matter (오페라갤러리, 홍콩)

Made in Asia (Opera Gallery, New York, USA)

The Daily Look From Art (오페라갤러리, 싱가포르)

Transcending Matter (Opera Gallery, Hong Kong)

The Art of Matter (오페라갤러리 모나코)

The Daily Look From Art (Opera Gallery,

Korean Contemporary (오페라갤러리, 서울, 한국)

Singapore) The Art of Matter (Opera Gallery, Monaco)

부산국제아트페어 (백스코, 부산, 한국)

Korean Contemporary (Opera Gallery,

한중일 삼국미감전 (삼탄마인 현대미술관, 정선, 한국)

Seoul, Korea) Busan International Art Fair (Bexco, Busan, Korea) Korea, China, Japan,

김범수 (b.1965)

1991

홍익대학교 미술대학 조소과 졸업, 한국

1998

(Master of Fine Art) School of Visual Arts,

SamKukMiGam (SamTanMine Modern Museum, JeongSun, Korea)

Kim, Bum Su (b.1965)

New York, 미국 1998

주요 개인전 2019

2012

KIM BUM SU/SACRED CINEMA (Pontone

Selected Solo Exhibitions

우이신설역 문화예술 철도 (우이신설 미술관,

Gallery, London, UK)

서울, 한국) 2016

2019

KIM BUM SU/SACRED CINEMA (Pontone Gallery, 런던, 영국)

2018

1991

M.F.A, Dept. School of Visual Art, New York, USA B.A, Dept. of Fine Arts Hong-Ik, university, Korea

2018

Emotional City (Uiartstation Museum,

2016

KIM BUM SU (Gallery KHAN, Goyang, Korea)

2012

Emotional City (Jangheung Art Park, Blue Space,

2010

Analog Emotional Space (Gallery Pakyoung,

2010

R.MUTT 1917 Exhibition 8th (R.MUTT, Chun-Cheon, Korea)

Seoul, Korea)

필름의 구성 (갤러리 KHAN, 고양, 한국) Emotional City (장흥아트파크 불루스페이스, 양주, 한국)

2010

Analog Emotional Space (갤러리 박영, 파주, 한국)

2010

R.MUTT1917 초대전 (R.MUTT, 춘천, 한국) 외 다수

Yangju, Korea) Paju, Korea)

주요 기획전 2018

십년감수 展, 갤러리박영 개관 10주년 (파주출판단지,

Selected Group Exhibitions 2018

파주, 한국)

10th ANNIVERSARY (Gallery Paryoung, Paju, Korea)

AA 프로젝트-공간의 경계와 틈 (사비나미술관,

AA Project(Art&Architecture) (Savina Museum,

서울, 한국)

Seoul, Korea)

One Inspiration (구하우스 미술관, 양평, 한국)

One Inspiration (Koo House Museum,

100

2017

Yang-pyeong, Korea)

THE PASSION, 개관6주년기념 (양평군립미술관, 양평, 한국)

2016

2015

동시대적사랑 (리각 미술관, 천안, 한국)

2016

Contemporary Love (Ligak Museum, Cheonan, Korea)

ART로 STEAM展 (포스코 갤러리, 포항, 한국)

As the Moon Waxes and Wanes (National

한-불 수교 기념전, THE FUTURE IS NOW

Contemporary Museum, Gwacheon, Korea)

(라프리쉬 벨드베, 마르세유, 프랑스)

Gallery, Pohang, Korea)

THE MEETING OF ART AND SCIENCE (Posco 2015

The Future is now (La Friche belle de mai, Marseille, France)

한-이탈리아 수교 130주년 기념, THE FUTURE IS

Lllusion bite(Gallery Orchard, Seoul, Korea)

NOW (국립로마현대미술관, 로마, 이탈리아) 2013

THE PASSION (Yang-pyeong Art Museum, Yang-pyeong, Korea)

달은, 차고, 이지러진다 (국립현대미술관, 과천, 한국)

illusion bite 환상 깨물기 (갤러리 오차드, 서울, 한국) 2014

2017

휘황찬란- 라이트 아트展 (포항시립미술관,

2014

The Future is now (MAXXI, Rome, Italy)

2013

Light Art (Pohang Museum of Steel Art,

포항, 한국)

Pohang, Korea)

뉴미디어 소장품전-미래는 지금이다

The Future is now (National Contemporary

(국립현대미술관, 과천, 한국) 외 다수

Museum, Seoul, Korea)

Sung, Dong Hun (b.1967)

성동훈 (b.1967) 1991

1991

University, Korea

중앙대학교 예술대학 조소학과 졸업, 한국 2017

주요 개인전 2017

The New Case of Time (Museum of Goa, Goa, India)

고아, 인도)

2016

For My Sincerity (Art Space Anygol, Ilsan, Korea)

For My Sincerity (Anygol 아트스페이스,

2016

Don Quixote come to Jeju (Gallery Nori,

2015

Fake of the Kingdom (Savina Museum,

2014

The Sonance of Iron Furnace (Dong Ho Steel

Jeju, Korea)

일산, 한국) Don Quixote Come to Jeju (갤러리 노리, 제주) 2015

Fake of the Kingdom (사비나미술관, 서울, 한국)

2014

통곡-용광로의 쇠울림 (동호철강파운데이션, 대만)

Seoul, Korea) Foundation, Taiwan)

외 다수

Selected Group Exhibitions 2019

2019

(Seosongmun History Museum, Seoul, Korea)

한국현대조각의 단면展 (서소문역사박물관,

Tangshan International Urban Sculpture Symposium (Delong Steel Co Ltd, Tangshan, China)

탕산국제조각심포지엄 (탕산대롱철강회사,

2018

Art in Public (Iksan Arts Center Museum,

탕산, 중국)

Iksan, Korea)

일상의 조각 (익산예술의전당 미술관, 익산, 한국)

Fire Art Festa 2018 (Olympic Winter Games PyeongChang, Gangneung, Korea)

파이어아트페스타(평창동계올림픽, 강릉, 한국)

Hommage to Posco (Posco Museum,

포스코 창립 50주년 기념특별전 (포스코미술관,

Seoul, Korea) 2017

서울, 한국) 2017

Section of Korean Modern Sculpture

주요 기획전

서울, 한국)

2018

Selected Solo Exhibitions PLAS 2017-Contemporary Art Show (COEX, Seoul, Korea)

조형아트서울 2017-특별 초대전 (코엑스, 서울, 한국) The New Case for Time (고아현대미술관,

2016

B.F.A, College of fine Art (Sculpture), Chung-Ang

Sea Art Festival (Busan Biennale, Busan, Korea) India Art Fair 2017 (Kailash Colony Market,

바다미술제〈Ars Ludens: 바다+미술+유희〉

New Delhi, India)

(부산비엔날레, 부산, 한국)

2016

India Art Fair 2017 (Kailash Colony Market,

The 1st Anniversary of Asian Cultural Center 〈Hope Tree〉 (Asia Culture Center,

101

2016

뉴델리, 인도)

Gwangju, Korea)

아시아문화원 1주년 기념 〈소망나무〉

National Assembly Art Exhibition (National Assembly of the Republic of Korea, Seoul, Korea)

(아시아문화전당, 광주, 한국)

2015

2015

Busan, Korea)

서울, 한국)

Nakdonggang: A Plural Art Festival (Daesan Art

부산 퍼블릭 아트전 (낙동강문화관, 부산, 한국)

Museum, Changwon, Korea) Pungryu Southam Art Project (Heangchon Art

제5회 낙동강 다원미술제 현대미술 특별기획전

Museum, Haenam, Korea)

(대산미술관, 창원, 한국)

2014

Art Fair in Taipei (ToSee Art Gallery, Taipei, Taiwan)

풍류남도아트프로젝트 (행촌미술관, 해남, 한국) 2014

Busan Public Art (Nakdong River Museum,

국회조형전-야외조각프로젝트 (국회의사당,

New Scenes #2 (Buk Seoul Museum of Art,

타이페이아트페어 (ToSee Art Gallery, 대만)

Seoul, Korea)

장면의 재구성#2, 서울시립미술관 개관전 II부

The International Fire Sculpture in Jeongseon (Samtan Art Mine, Jeongseon, Korea)

(북서울미술관, 서울, 한국) 정선 국제 불조각축제 (삼탄아트마인, 정선, 한국) 외 다수

Yang, Dae Won (b.1966) 1996 1993

1996

세종대학교 대학원 미술학과 졸업 (서양화 전공), 한국

1993

세종대학교 자연과학대학 화학과 졸업, 한국

B.A, Dept. College of Natural Sciences(Chemistry), Sejong University, Korea Selected Solo Exhibitions

주요 개인전

2019

密語-Doubt (Urbanart, Seoul, Korea)

2016

密語(A confidential talk) (DongSanBang Gallery, Black Star (Dam Gallery, Seoul, Korea) Long-standing Tears (Savina Museum,

Seoul, Korea)

2019

密語-의심 (어반아트, 서울, 한국)

2015

2016

밀어 密語 (동산방갤러리, 서울, 한국)

2013

2015

검은별 (갤러리담, 서울, 한국)

2013

오래된 눈물 (사비나미술관, 서울, 한국)

Seoul, Korea) Long-standing Tears (Usine Utopik, Normandy, France)

오래된 눈물 (Usine Utopik, 노르망디, 프랑스) 2010

M.A, Dept. Graduate School of Fine Arts(Painting), Sejong University, Korea

양대원 (b.1966)

2010

Doubt II (DongSanBang Gallery, Seoul, Korea)

2019

KIAF (Urbanart, Seoul, Korea)

의심 ll (동산방갤러리, 서울, 한국) 외 다수 Selected Group Exhibitions

주요 기획전 2019

Pleasure of this moment (Vidi Gallery,

KIAF (어반아트, 코엑스, 서울, 한국)

Seoul, Korea)

이 순간이 주는 즐거움 展 (비디갤러리, 서울, 한국)

From Halla to Baekdu (Insa Art Plaza,

한라에서 백두까지 회화33인전 (인사아트플라자,

Seoul, Korea) 2018

서울, 한국) 2018

선의기세 (아트레온 갤러리, 서울, 한국)

LA Art Show (Los Angeles Art Center, LA, USA) 2017

SCOPE (Miami 아트페어, 마이애미, 미국)

Perfect beauty with no trace of artifice (Vidi

로스엔젤레스, 미국)

Gallery, Seoul, Korea)

레드 닷 한국화 (나무 모던 앤 컨템포러리 아트갤러리,

2016

The Scene in Between (Art Gangnam Gallery,

2015

Seoul, Korea) Mid-fielder (Gallery All, Seoul, Korea)

서울, 한국) 천의무봉 (비디갤러리, 서울, 한국) 2016

RedDot Hankukhwa (NaMu Modern Art Gallery, Seoul, Korea)

LA Art Show (Los Angeles Art Center, 2017

Power of Line (Artreon Gallery, Seoul, Korea) SCOPE (Miami Art Fair, Miami, USA)

Shall We Dance (Gallery Dam, Seoul, Korea)

사이의 풍경 -김선두·양대원 2인전 (아트 강남 갤러리

2013

Korean Contemporary Art Exhibition (SeMA Gyeonghuigung, Seoul, Korea)

앤 컴퍼니, 서울, 한국)

102

2015

2012

미드필더 (갤러리올, 서울, 한국)

Taches Taches (St. Lô Stadium, Saint-Lo, France)

쉘 위 댄스 (갤러리담, 서울, 한국) 2013

자유아재 (서울시립미술관 경희궁미술관, 서울, 한국)

2012

Taches Taches (St. Lô Stadium, 생로, 프랑스)

Kang, Un (b.1966) 1990

외 다수

Fine Art, College of Arts, Chonnan National University, Korea Selected Solo Exhibitions

강운 (b.1966)

2019

Wound, Healing (Shinsegae Gallery, Busan, Korea)

1990

전남대학교 예술대학 미술학과 졸업, 한국

2019 2017

Sky, Touch the air (프랑수아 리비넥 갤러리, Play : Pray (사비나미술관, 서울, 한국)

2012

물, 공기 그리고 꿈 (포스코 미술관, 서울, 한국)

2005

순수형태 - 소만(小滿) (광주시립미술관 금남로 분관,

Play : Pray (Savina Museum, Seoul, Korea)

2012

Water, Air and Dream (Posco Museum,

2005

Pureness Form–Soman (Gumnamno Branch

1998

Artist of Tomorrow (Sungkok Museum,

Gallery, Gwangju Museum, Gwangju, Korea) Seoul, Korea) Selected Group Exhibitions

광주, 한국) 1998

2016

Seoul, Korea)

파리, 프랑스) 2016

Sky, Touch the air (Francoise Livinec, Paris, France)

주요 개인전 상처, 치유 (신세계 갤러리, 부산, 한국)

2017

2019

DMZ (Culture station Seoul284, Seoul, Korea)

2018

ONE INSPIRATION (Korean Culture Center

내일의 작가전 (성곡미술관, 서울, 한국) 외 다수

Japan, Shirota gallery, Tokyo, Japan)

주요 기획전

Museum, Seoul, Korea) Time + Time ’ Korea Contemporary Art Now (Da

The Mysterious Landscape of Steel (POSCO Art

2019

DMZ (문화역 서울284, 서울, 한국)

2018

ONE INSPIRATION (주일한국대사관 한국문화원,

2017

Xiang Art Space, Taichung, Taiwan) Ailleurs est ici (École des filles, Bretagne, France) 2016

시로타화랑, 도쿄, 일본)

Art Museum of GAFA, Guangzhou, China)

제철비경 (포스코미술관, 서울, 한국) 2017

Gwangju Biennale 2016 (Asia Culture Center,

Time + Time' Korea Contemporary Art Now

Gwangju, Korea)

(Da Xiang Art Space, 대만)

2015

200 Years of the Namdo Art (Busan Museum,

중한 현대미술 20인전 (UCITY Art Museum of

Busan, Korea)

GAFA, 광저우, 중국)

2014

(아시아문화전당 문화창조원, 광주, 한국)

Seoul, Korea)

구름과 비행 (대전시립미술관, 대전, 한국)

2013

남도미술 200년 (부산시립미술관, 부산, 한국) 2014

All About Korea (White Box Gallery, Munich, Germany)

Heritage, Legacy and Light (유네스코 본부, 파리, 프랑스) 코리안 뷰티-두개의 자연 (국립현대미술관, 서울, 한국)

2013

Heritage, Legacy and Light (UNESCO Headquarters, Paris, France) Korean Beauty -Two Kinds of Nature (MMCA,

광주비엔날레 특별전- 빛, 생명, 물질

2015

Clouds and Flight (Daejeon Museum, Daejeon, Korea)

Ailleurs est ici (에꼴 데 피, 부르타뉴, 프랑스) 2016

Contemporary Art 20 of China and Korea (Ucity

All About Korea (White Box Gallery, 뮌헨, 독일) 외 다수

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참고문헌

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ONE INSPIRATION The Very First Ideas from Korean Tradition and Culture

주캐나다 한국문화원 2019. 11. 22 (금) – 2020. 02. 14 (금) 150 Elgin Street, Unit 101, Ottawa, ON, K2P 1L4 T. 613-233-8008 canada.korean-culture.org Gallery 101 2019. 11. 23 (토) – 2020. 02. 14 (금) 280 Catherine Street, Ottawa, ON, K1R 5T3 T. 613-230-2799 gallery101.org

주최

한국국제문화교류진흥원, 트래블링 코리아 아츠

주관

주캐나다한국문화원, 사비나미술관

후원

문화체육관광부

협력

Gallery 101

기획

사비나미술관

관장

이명옥

학예실장

강재현

큐레이터

이꼬까

어시스턴트 큐레이터

박제언

에듀케이터

황지선

전시해설사

이채리

인턴 큐레이터

이민진, 한상익

테크니션

유니아트

디자인

물질과 비물질

번역

손세희

번역 감수

Adrian Rogerson, 최문선

발행처

사비나미술관

발행인

이명옥

본 도록은 한국국제문화교류진흥원의 '2019 트래블링 코리안 아츠' 지원으로 제작되었습니다. 본 도록에 실린 글과 도판은 사비나미술관과 참여작가의 동의없이 무단전재 및 복제할 수 없습니다.

Ⓒ 2019 Savina Museum of Contemporary Art

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ONE INSPIRATION The Very First Ideas from Korean Tradition and Culture Korean Cultural Centre 2019. 11. 22 (Fri) – 2020. 02. 14 (Fri) 150 Elgin Street, Unit 101, Ottawa, ON, K2P 1L4 T. 613-233-8008 canada.korean-culture.org Gallery 101 2019. 11. 23 (Sat) – 2020. 02. 14 (Fri) 280 Catherine Street, Ottawa, ON, K1R 5T3 T. 613-230-2799 gallery101.org

Hosted by

KOFICE(The Korean Foundation for International Culture Exchange), Traveling Korean Arts

Organized by

Savina Museum of Contemporary Art, The Korean Cultural Centre Canada

Sponsored by

Ministry of Culture, Sports and Tourism

Collaborated with

Gallery 101

Produced by

Savina Museum of Contemporary Art

Director

Lee, Myung Ok

Chief Curator

Kang, Jae Hyun

Curator

Lee, Kko Kka

Assistant Curator

Park, Je Un

Educator

Hwang, Ji Seon

Exhibition Commentator

Lee, Chae Ri

Curatorial Intern

Lee, Min Jin / Han, Sang Ik

Installation

Uniart Crew

Graphic Design

waterain

Translation

Shon, Sei Hee

Proofreader

Adrian Rogerson / Choi, Moon Sun

Published by

Savina Museum of Contemporary Art

Publisher

Lee, Myung Ok

This catalogue was published in connection with the exhibition One Inspiration held from Nov 22, 2019 to Feb 14, 2020 at the Korean Culture Centre and Gallery 101, as part of the “2019 Traveling Korean Arts” project.

No part of this publication can be reproduced in any manner without permission in writing from each copyright holder: Savina Museum of Contemporary Art, the artists, respective authors and other copyright holders. © 2019 Savina Museum of Contemporary Art and The Artist

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03310 서울시 은평구 진관1로 93 93, Jingwan 1-ro, Eunpyeong-gu, Seoul 03310, Republic of Korea www.savinamuseum.com T. +82 2.736.4371