Revista Marvin 62:: Organico by Revista Marvin

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Muchas veces escuchamos a la gente nostálgica por los 80s y pensamos en la famosa frase: “es la década que todos quisiéramos borrar”. Se cometieron errores terribles, pero mucho más allá de las claras aberraciones contra la música y el estilo, el mayor desatino de esa década fue ignorar a las tenues voces que nos alertaban sobre la mala salud del planeta. Durante esos años, estaba de moda hablar de Greenpeace y ver fotos tomadas desde el espacio, para apreciar la belleza del Planeta Azul. En algún momento eso se diluyó en indiferencia. Ahora que los daños ya hacen mella directa en la Tierra y en nuestras vidas, el tema regresa con toda la fuerza que no supimos escuchar. Tuvimos que ser víctimas de los primeros efectos del calentamiento global, para asumir la conciencia de nuestro inaplazable deber ante la emergencia de escuchar a nuestro planeta. El problema nos concierne a todos, es por ello que tenemos que hablar un poco al respecto. En nuestra edición orgánica, queremos mostrarte algunas de las opciones que hay para intentar hacer algo (por mínimo que parezca). Creemos que nada resulta peor que permanecer indiferentes ante la problemática. También encontrarás información sobre la gente que ya se encuentra involucrada. Te llevamos desde los escasos jardines de las ciudades hasta los tiraderos de basura. Damos un viaje con una de las sustancias orgánicas por excelencia y te damos algunos consejos prácticos para cuidar la ecología. En música traemos a The Raveonettes, Groove Armada, Midnight Juggernauts, Von Südenfed, Los Bunkers, Midnigth Oil, The Beatles, Los Radares y Curanderos. En cine: La escafandra y la mariposa, La Sangre Iluminada, La Gran Venta y los documentales de Leonardo DiCaprio y Al Gore. En arte, entrevistas con la joven escritora Aixa de la Cruz, con el productor de Fuerzabruta y con el artista plástico brasileño Vik Muniz. Este número incluye un especial sobre el festival Coachella. En portada hemos preparado un artículo y una entrevista con Sigur Rós, la banda islandesa cuya propuesta tocará las fibras más sensibles de sus fans en las tres fechas (Guadalajara, Tijuana y Tepoztlán) programadas para nuestro país. Por supuesto, entrevistamos a stellastarr*, quienes visitaron México para festejar el séptimo aniversario de Marvin. Vicente Jáuregui Ingrid Constant

música

26 Música Nueva Curanderos. Rock melódico, simple y honesto. 28 Los Radares. Conectando más allá de las fronteras. 30 Los Bunkers. Melancolía contra el silencio. 32 The Raveonettes. Camino a la lujuria. 34 Groove Armada. Reviviendo el rave. 36 The Beatles. Remasters: un sueño hecho realidad. 38 Midnight Juggernauts. 2008: Una Odisea del espacio. 40 Wacken. Más orgánico, imposible. 52 A la una, a las dos y a las tres: Coachella 2008. 56 En Portada

Sigur Rós. En busca del lenguaje universal.

76 De Culto

arte

72 Cuando fuimos los mejores. Novela de formación para el siglo XXI 74 Fuerzabruta. Impacto multisensorial. 80 Arte de Culto Vik Muniz. Sampling orgánico para los ojos.

de fondo

42 La ciudad y los jardines. 44 Malas costumbres, soluciones simples. 46 Reciclaje y supervivencia. 50 Tejer humos cognitivos (con la marihuana).

Midnight Oil. Pioneros ecológicos.

82 Alter Ego

Von Südenfed: el estridente encuentro entre Mouse on Mars y The Fall.

cine

66 Sótano The Big Sellout de Florian Opitz. 68 La escafandra y la mariposa. Síndrome del cautiverio. 70 La Sangre Iluminada. Historias de inspiración poética. 78 Cine de Culto Cómo el cambio climático transformó Hollywood.

otros

12 Buenas Nuevas Noticias de música, cine y arte. 20 Estilo Especial orgánico. 24 Gadgets Especial orgánico. 62 Moda Cuando el desierto se convierte en pasarela. Reseñas 3x1 86 ¡Viene bien-eh! 88 Música 93 Cine 94 Comics. El cómic de luchadores. 96 Museos 98 Educación 100 Gamer Los mejores videojuegos. 102 Agenda Los eventos del mes. 104 Hastatras Grupedsac.

Vicente Jáuregui

Procuro encontrarme en cosas sencillas como hacer música, andar en bici, leer un poco de Ciorán, encontrar algún buen disco o película, disfrutar del silencio, dar de comer a mi gata, escribir, salir con amigos a recorrer bares, cantinas, tugurios y antros de mala muerte. Hace un rato dejé de creer que nuestro país vaya a ser mejor cuando el “góber precioso”, Gordillo, Beltrones, Ahumada etc., pierdan su poder: la megalomanía es parte de la condición humana.

Carlos Meza

Nací en 1982. A los 4 años me di cuenta de que me apasionaba dibujar porque le rompía la nariz a mis compañeros del kinder para que me “castigaran” encerrándome en el salón con muchos colores y cartulinas…

Carlos Gutiérrez

Estudió la carrera de ingeniería en electrónica, sin embargo se ha dedicado a escribir acerca de dos grandes pasiones que ha tenido desde que tiene uso de la memoria: la tecnología y los juegos de videos. Amante del Internet, tiene un pequeño grupo de blogs temáticos que junto con varios amigos actualizan todos los días (www.thewiredblog.com). Es fanático de la fotografía y carga su Nikon D40 a donde puede. Le fascina el mundo, y ya sea por trabajo o placer, con gusto lo recorre. Actualmente sigue perdido en Liberty City (del juego GTAIV) y en las guitarras de Guitar Hero. Nunca aprendió a tocar una de verdad.

B U E N A S N U E VA S stellastarr*

De regreso a México para festejar nuestro séptimo aniversario

TXT:: Tony Romay. FOT:: Pedro Velasco.

El cuarteto neoyorquino de indie rock llegó a la Ciudad de México para festejar con nosotros el séptimo aniversario de la revista Marvin. Antes de su presentación conversamos con ellos para saber cómo se sentían de volver a nuestro país después de tres años. ¿Cómo se sienten de venir a tocar por segunda vez a México? Michael: Me encanta. Amanda: Muy bien. Shawn: Estupendo. Arthur: Muy felices. Am: Respuestas cortas (risas), eso es todo lo que obtendrás. S: Sís y Nos. Y “quizás” (risas). S: Esa respuesta la diremos una sola vez quizá: ¿cómo se sienten de venir a tocar por segunda vez a México? ... Quizá. (risas). Am: Estamos emocionados, pero sólo estaremos un día, por lo que no podremos hacer mucho. La vez pasada fuimos al mercado, a la catedral, a los museos, etc. Esta vez nos la hemos pasado con la prensa, sólo tendremos unas cuantas horas mañana para intentar visitar las ruinas, pero nos han comentado que son dos horas manejando, entonces no sé si lo logremos. Nos vamos mañana a las tres de la tarde. ¿Qué esperan del show de esta noche? S: ¿Qué podemos esperar? 12 | MARVIN

Talvez muchos gritos. Am: Espero no poder escuchar la música por el griterío. S: Ojalá todo mundo se quite la ropa. Am: Sí, topless, mujeres y hombres. S: Esperamos que haya mucho alcohol. Am: Eso es bueno para nosotros. S: Nosotros somos una de las mejores bandas cuando estás borracho (risas). Am: Somos la mejor banda de la historia. M: Pero tienes que estar bien, bien borracho (risas).

Shawn, ¿te escucharemos cantar diferente a como lo haces en los discos? Lo digo por los problemas que has tenido con tu garganta. S: Un poco. Estos problemas no han tenido nada que ver con mi forma de cantar, pero he decidido cambiarla un poco para que me sea más fácil. Ahora que hicimos el tercer disco, los sets tienden a ser un poco más largos, por eso quise modificar mi manera de cantar para que puedan durar más. Siempre he considerado a la parte vocal como un personaje, así que para este nuevo disco quise experimentar y mostrar otra faceta. No será como en “Warchild”, que es la canción nueva que tenemos en MySpace en donde mantengo, de cierta manera, mi usual manera de cantar. Será un poco más aguda, con un registro más alto, aunque no será así en todas las canciones del disco. ¿Es cierto que tocarán canciones de su nuevo disco por primera vez? M: ¿Dónde escuchaste eso? Am: Talvez toquemos seis canciones nuevas, sólo talvez.

M: Tiene mucho desde la última vez que venimos y queremos tocar cosas que la gente ya conoce, pero por otro lado, nos hemos esforzado mucho en escribir el material nuevo y nos emociona mucho la idea de al fin poder tocarlo en vivo, queremos ver cómo responde el público y eso también nos da la oportunidad de ver cómo nos sentimos nosotros con las canciones nuevas. ¿Dónde están mezclando el disco, en Brooklyn? Am: Sí. No, no es cierto, en Queens. S: Las actividades de stellastarr* por lo general se llevan a cabo en Brooklyn, los ensayos, las grabaciones, etc. Esta es la primera vez que se harán cerca de mi casa, estoy muy emocionado. De hecho voy a irme en bicicleta a los Universal Studios, es una cosa que nunca he hecho. ¿Cuándo va a salir a la venta el disco? Am: Esperamos que para otoño, todavía no hay una fecha específica. S: Posiblemente en el 2014. (risas) ¿Tardarán tanto como Guns ‘N Roses? S: Lo que vamos a hacer es sacar

nuestro cuarto, quinto y sexto álbum al mismo tiempo (risas). ¡Nadie ha hecho eso! M: Después de eso vamos a sacar nuestro tercer disco. Para que la gente se confunda mucho (risas). ¿Cómo es su proceso creativo? S: Es diferente dependiendo el escenario, hay canciones que salen a partir de una línea de teclado, hay otras que salen a partir de un riff de guitarra o bajo. Muchas veces me inspiro de alguna cosa que alguien más creó, ya sea teclado, guitarra o bajo, y me llevo la idea a casa para darle un formato y ver qué puedo hacer con ella. También, aunque raramente pasa, estamos improvisando cualquier cosa y de repente todo se junta y encaja. Por lo general entre todos le damos formato a la canción, dependiendo de algún riff que nos inspire a construirla completa, decidimos qué riff es el que nos gusta y alrededor de él la construimos.

¿Improvisan mucho? S: Lo hacemos cuando componemos, pero muchas veces los resultados no van a ningún lado. Por cada canción que

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MÚSICA mucha música nueva, sigo escuchando a Arcade Fire, The Shins, Death Cab for Cutie, Postal Service. No estoy al tanto de la música más nueva, siempre acabo escuchando clásicos la mayor parte del tiempo. M: Hay muchas bandas chicas saliendo de Nueva York y Brooklyn que son bastante buenas, Wakey! Wakey! y The Papercuts son muy divertidas. Tengo una sobredosis con el último disco de LCD Soundsystem.

“Muchas veces los resultados no van a ningún lado, por cada canción que terminamos, tiramos cuatro a la basura.”

terminamos, tiramos cuatro a la basura. Am: Sí, no sabemos cómo terminarlas o cómo comenzarlas correctamente, se nos complica.

¿Cómo ha evolucionado su sonido desde su primer disco? M: Cuando empezamos, solíamos tocar en vivo frecuentemente, así que nuestras canciones eran muy rockeras, nos divertíamos mucho tocando en vivo. Para el segundo disco nos volvimos más introspectivos e intentamos crear atmósferas. Este tercer disco retoma la fórmula del primero, pero busca revivir las atmósferas que creamos en el segundo disco. Aprendimos a tocar juntos, a distinguir cuáles eran las partes importantes, y ahora hemos juntado todo eso. Te puedo decir que el tercer disco suena más bailable a los anteriores. Esta es, probablemente, nuestra extraña forma de hacer un disco dance. Aunque realmente no es un disco dance (risas), es un disco de rock, pero ya sabes. ¿Cuáles son sus influencias? S: Hay muchas respuestas para esa

pregunta. Yo crecí con la peor música que te puedas imaginar, con el peor heavy metal, lo que yo pensaba que era rock. Cuando entré a la universidad empecé a escuchar mucho a Bob Dylan, The Zombies, Simon and Garfunkel, mucha música de los 60s, The Beatles, Rolling Stones, Led Zeppelin, cosas así. Después le empecé a entrar a Pixies, David Bowie y al brit pop. M: Yo crecí escuchando mucho punk rock después de entrarle a Pink Floyd. Crecí en los suburbios y lo único que podías encontrar era rock clásico, por lo que me encantaba Pink Floyd. Después tuve un amigo en secundaria con peinado mohawk (risas), se llamaba Mark, él me introdujo al punk rock: The Ramones, The Jesus and Mary Chain, Velvet Underground. En ese momento me percaté que existía ese tipo de música.

¿Tienen algún proyecto distinto a stellastarr*? Ar: Yo hago diseño gráfico y escribo mucha música para mí. Mi mejor amigo se va a casar y estoy escribiendo una canción de boda para su primer baile. Estaban muy interesados en que yo les escribiera algo original, talvez sea la canción con la que caminen al altar, será una boda poco ortodoxa. M: Yo he estado escribiendo canciones por varios años y las he empezado a subir a Internet, a MySpace. También he hecho remixes para algunas personas y he trabajado en soundtracks para cortometrajes, cosas así.

Marvin es revista de culto. ¿A qué o quién le rinden culto? S: Mi artista favorito es Egon Schiele, pintor austriaco post expresionista, alumno de Gustav Klimt. Sólo pintó figuras y retratos de personas por ocho años. Murió a los 27 años, tres días después de que muriera su esposa, también de 27 años, por una fiebre que a su vez mató a dos millones de personas. Am: A la autora Joan Didion. Ha cambiado mi mundo, es una escritora muy, muy oscura. M: El director de cine Wong Kar-wai, que ha hecho películas como In the mood for love, Fallen Angels y Chungking Express. Tiene una manera hermosa de traducir personalidades y emociones a través de movimientos muy sutiles, los ángulos de cámara y su forma de editar son increíbles. Los colores siempre se ven muy vivos, todo es muy brillante, es muy divertido ver sus películas. Ar: A Food Network. En Estados Unidos tenemos un canal en cable llamado así. Admiro a muchos chefs que cocinan ahí. Entre ellos está el chef italiano Mario Batali y el chef japonés Morimoto, que tiene muy buenos cuchillos, muy afilados.

¿Qué escuchan actualmente? Am: He estado escuchando el último disco de Art Brut, y a Band of Horses. S: Yo he estado escuchando a Shout Out Louds, realmente no escucho MARVIN | 13

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MÚSICA

Séptimo aniversario de Marvin taba repleto con un público todavía no acostumbrado a no poder fumar en una fiesta. En el interior la decoración aludía a la década de los 60s: lonas con la portada número 60 de Marvin mostraban el rostro de Elvis, enormes pelotas con luces colgaban desde el techo, viniles. Una de las mayores virtudes de Expo Reforma es su vista panorámica. Contemplar el poniente de la ciudad desde ahí crea un ambiente de preámbulo magnífico para la fiesta. Los primeros en subir al escenario fueron Carmen Costa, quienes con rolas como “Adrenalínico” lograron ir

Carmen Costa TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Rodrigo Jardón. El pasado mes de abril Marvin llegó a su edición 60, un número muy importante que representa siete años de publicar la revista de manera ininterrumpida. Para festejar nuestro aniversario, era muy importante celebrar con una gran fiesta, y que toda la gente que hace posible su existencia estuviera presente: colaboradores, artistas, amigos, y especialmente los lectores. Después de mucho deliberar, se definieron las cosas: el grupo principal sería la banda de Nueva York stellastarr*. Además tendríamos a No

Somos Machos PSM, Carmen Costa, Fancy Free y al DJ Dabid Hernández (Ibero 90.9). El lugar elegido fue la Expo Reforma, un sitio que resultaba ideal para la cantidad de gente que esperábamos recibir. Los boletos volaron, y el 30 de abril nuestras expectativas fueron superadas. Desde muy temprano la gente comenzó a nutrir una fila que para las 9 p.m., ya poblaba de manera descomunal la Avenida Morelos. La gente comenzó a entrar al edificio conforme los elevadores (rotulados en rojo brillante con el logo de Marvin) lo permitían. De repente el lugar es-

“My Coco” y “Jenny”, por mencionar las más coreadas de la noche. El grupo lucía emocionado, entregado a los fans que fueron a escucharles. No sé que decir de los músicos, pero la bajista realmente lucía sexy en el escenario. La euforia de la noche iba in crescendo. El tequila, el ron, el vodka y el whisky ya hacían efecto en las 2,300 personas que asistieron. Pasada la media noche seguía el turno de No Somos Machos PSM, quienes resultaron ideales para mantener bien altos los ánimos de la fiesta. La gente se conectó muy bien con la música electrónica de este dúo. Para cerrar, la música que

Fancy Free

stellastarr* calentando al público. Luego tomarían el escenario los Fancy Free, quienes tocaron canciones de todos sus discos con el tratamiento peculiar que hacen entre el sonido psicodélico y cierto rock de los 60s. Después vendría el turno de la banda más esperada de la noche: stellastarr*, el cuarteto de Brooklyn, Nueva York que en cuanto subió al escenario, hizo bailar a todos con ese sonido indie rock que tantos fans les ha ganado en el mundo. Su presentación duró más de hora y media, y en ella pudimos escuchar todos sus éxitos: ahí estuvieron rolas como

tocó el DJ Dabid Hernández mantuvo a la gente bailando hasta pasadas las 4 de la madrugada, hora en que se comenzó a despejar el piso del lugar. Mención especial para Axe, cuya participación en el evento fue indispensable. La buena nueva es que esta fiesta es el preámbulo para otros festejos. Para finales de verano, Marvin estará organizando una gira por algunas ciudades como Tijuana, Monterrrey, Guadalajara y Puebla. Para estar al tanto de esta y otras noticias, visita nuestra página: www.revistamarvin.com.

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Apparat en Plaza de la Liberación 13 de mayo TXT:: Álvaro Sepúlveda. El festival de mayo en Guadalajara es un evento esperado por muchos. Cada año se invita a un país diferente para exponer su valor cultural. Este año como expositor invitado estuvo Alemania, y el proyecto que lo representó

musicalmente fue Apparat, que tocó ante más de 2,000 personas durante una hora y quince minutos. Tocó temas del disco Walls, un excelente trabajo de Apparat. Tracks como “Arcadia”, “Holdon” y “Over and Over” estuvieron en el repertorio de la noche en el tercer concierto del festival de mayo. En-

MÚSICA cabezado por Sasha Ring, el trío Apparat Band, ofreció un show esperado por muchos. Fue sin duda un excelente concierto lleno de armonías suaves y sonidos inteligentes. Gracias al Ayuntamiento de Guadalajara, Apparat regresó a enseñarnos su sonido electrónico de una manera análoga. No tocaron ninguna rola de sus discos pasados; el concierto estuvo enfocado al 100% en su disco que salió a la venta en 2007 bajo el sello Shitkatapult. El cambio de guitarras, sintetizadores y secuencias llenó a Guadalajara de música.

Señor Coconut en guadalajara 11 de mayo Texto: Karla Gudiño. Foto: Diego Bonffil. Jalisco parió por undécima vez su Festival de Mayo con un concierto gratuito en pleno centro tapatío. Cerca de tres mil personas se dieron cita para bailarle al más insólito exponente del pop electrolatino: el gravísimo Señor Coconut, acompañado de la cos-

mopolita Yellow Magic Orchestra y Argenis Brito en la voz. Uno tras otro, sus experimentos technoguapachosos sobre temas de Kraftwerk, Michael Jackson, Sade y The Doors, entre otros, empataron con la temperatura de una multitud que se movió como sólo en Latinoamérica sabemos hacerlo. La fiesta se reprodujo el día 13 en el Teatro de la Ciudad de México. ¡Sssaborrrrr!

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MÚSICA

SOUND:CHECK XPO WSDG la industria de la música y el espectáculo TXT:: Vicente Jáuregui. Por sexto año consecutivo se celebró en el WTC de la Ciudad de México, del 27 al 29 de abril, la feria más grande en lo que refiere a la industria musical y del espectáculo en general. 182 stands, cuatro show rooms y demo rooms respectivamente, dos pabellones de exhibición, encuentros de bandas escolares, además del auditorio para 500 asistentes por presentación, y un auditorio con capacidad de 400 asistentes para clínicas, son los elementos que articularon esta enorme expo. Durante tres días, el interior del World Trade Center vio circular músicos de todo tipo: estaban desde Moderatto y Zoé, hasta Eugenio Toussaint o Elizabeth Meza, además de empresarios, cientos de estudiantes

uniformados, vendedores, dueños de disqueras, editores de revistas, etc., etc. El hecho de que la asistencia sea tan florida como nutrida (alrededor de 18,000 asistentes) no es algo gratuito: pocas veces se reúnen en un sólo recinto conciertos tan buenos como el de Troker de Guadalajara, o LaBA con su peculiar manera de encarar la experimentación musical, Los Músicos de José con un sabroso funk jazz, rock para niños con Patita de Perro, Los Gatos con un divertido rockabilly, además de un buen número de músicos virtuosos que todo el día ofrecen clínicas y demostraciones para promocionar los productos más nuevos de la industria musical. También se ofrecieron conferencias sobre temas de interés general tanto para

Tributo a The Ramones

Colección JOHnny Ramone de Vans TXT:: Sandra Aída. Para rendir tributo a la legendaria banda The Ramones, agrupación que a finales de los años 70s alimentó la sed musical de miles de fans en todo el globo, Vans lanza la colección Johnny Ramone, cantante y guitarrista de la agrupación más influyente de la historia del punk. A manera de homenaje, la prestigiada marca Vans se vio motivada para lanzar una línea de artículos que todo fan debe tener. La camiseta tiene al frente una foto clásica de Los Ramones y por la espalda el sello presidencial que la banda utilizó como logotipo. Los skinny jeans mantienen el clásico estilo punk y están

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hechos de mezclilla strech vintage en color gris deslavado. Los slip-on negros tienen más imágenes de Johnny y su firma. Los artículos ya están disponibles en todas las tiendas Vans, y si quieres lucir como todo un rockstar, deberás de apresurarte pues se trata de una colección temporal.

músicos como técnicos, ingenieros de audio o productores. Incluso acudir sencillamente como fan puede ser atractivo. Para ese caso hay sesiones de firmas de autógrafos con reconocidos y famosos músicos. Como bien lo dice su nombre, la feria no sólo fue para músicos, también había programados espectáculos y proyecciones que, más allá de buscar el mero goce audiovisual, fueron planeados para evidenciar los avances tecnológicos más avanzados del mundo. Una exposición de primer nivel, sin lugar a dudas la más importante en México en lo que a materia de audio se refiere. Hay que destacar que estuvo tan bien organizada que seguramente tendrá muchas ediciones más durante los años subsiguientes.

TXT:: Vicente Jáuregui. .Walters-Storyk Design Gropus (WSDG) es un grupo de diseño acústico arquitectónico. Su historia se remonta a los años 60s, cuando John Storyk diseñó el estudio Electric Lady para Jimi Hendrix. Con un debut de ese calibre, su futuro era más que promisorio: su grupo lleva más de treinta años trabajado para crear, diseñar, construir y asesorar cientos de espacios y clientes. No importa si se trata de una sala para disfrutar del mejor audio en tu departamento, construir un auditorio para conciertos, una sala para conferencias, cines, teatros, un estudio de grabación o el mejor sonido para una iglesia. La buena noticia es que esta innovadora firma ahora ya está trabajando en México para conjugar lo mejor de la arquitectura, de manera que puedas resolver cualquier necesidad acústica, sin importar su magnitud. Para mayor información visita: www.wsdg.com.

Gánate un disco de Babasónicos autografiado Marvin y Universal Music te regalan el disco Mucho de Babasónicos, autografiado por todos los miembros de la banda. Sólo tienes que llamar al 01 800 9901 700. Menciona que llamas para ganar la trivia de la Revista Marvin. Después di la palabra clave: Cuchara. Si tu llamada es la número 66, ¡ya ganaste!

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CINE

2º Festival de Cine Latinoamericano en Oaxaca ¿Cine de tercer mundo? TXT:: Silvia Gutiérrez. FOT:: cortesía Argenmex Films. El apoyo al cine con miras en Latinoamérica y/o hecho en ella, a través de un festival cuya sede sea una ciudad que más allá de céntrica o grande sea tan representativa de una cultura propia y autónoma como la de Oaxaca, es una tarea osada. Bajo la producción de Argenmex Films se realizó la segunda edición de este evento aún pequeño pero con una dirección y un empuje tan claros que bien atina desde ahora en sus objetivos. Algunas de las películas en el programa son prueba de que un presupuesto elevado no es indispensable

para hacer una auténtica película, menos en estos días. Entre ellas se encuentra la ganadora Orlando Vargas (Juan Pittaluga, Uruguay), los documentales Costa Rica, S.A. y Tocar y luchar (Alberto Arvelo, Venezuela), la brasileña Ó Paí,Ó (Monique Gardenberg), y las mexicanas La vida inmune (Ramón Cervantes) y Cobrador, in God we trust (Paul Leduc). Y no es que el cine latinoamericano siga los pasos de la satanizada industria hollywoodense, pero sí aspira a obtener cada vez más subvenciones, sobre todo provenientes de sus gobiernos, como se expresó en un sentir general durante la conferencia “Experiencias y evolución de los directores

de cine y posibilidades de desarrollo en los países que representan” impartida por Arnold Antonin (Haití), Luis Vera (Chile), Katya Paradis (Francia) y Hernan Gaffet (Argentina). Los organizadores no dejaron de considerar la necesidad de debatir acerca de la distribución que este cine en especial requiere, por lo que se encargaron no sólo de organizar dos rondas de negocios para los productores, músicos, directores, actores y demás asistentes al festival partícipes del cine; sino también de preparar una mesa sobre “Cine y televisión” a la que fueron invitados medios locales y extranjeros. Hubo quienes no acudieron a ella y echaron de menos el intercambio de ideas sobre la comercialización de un producto que no necesariamente sea entretenimiento puro, en comparación con lo que muchos consideran que es Hollywood, al llamarlo sin reparo “el

enemigo”. Cada quien júzguelo como lo crea conveniente, siempre y cuando no se salte pasos indispensables como comparar las distintas escuelas de cine para ver por sí mismo los talones de Aquiles de proyectos que tratan de ser propositivos y se quedan atrás, como Lo bueno de llorar (Matías Bize, Chile) y ¿Tiene SIDA el presidente? (Arnold Antonin), en un intento por quizá ser experimentales. Demandemos que el “tercer mundo” tenga cuidado de no ir por el mal camino. No sólo por los financiamientos, el cine tampoco existe sin una técnica. Un aplauso a quienes facilitan dicho objetivo con muestras y competencias como las que conformaron este festival, esperemos que los contratiempos de logística se reduzcan cada vez más para que no nos quedemos con ganas de ver filmes como Argentina Beat (Hernán Gaffet) que no llegó a la sala para su función.

Cuba en la pantalla grande TXT:: Juan Patricio Riveroll. El estreno mundial de dos películas, El argentino y Guerrilla, sobre la vida de Ernesto “Che” Guevara, fueron sin duda uno de los hitos del Festival de Cannes, que excepcionalmente las ha unificado como una sola obra de más de cuatro horas y media. Este largamente gestado proyecto en el que al principio Steven Soderbergh sólo estuvo como productor y finalmente ha dirigido también, concursó por la Palma de Oro al lado de una veintena de otros títulos, sobre todo franceses y norteamericanos. En una entrevista publicada por Allo Cine, el cineasta avanza conceptos sobre el esperado film que Benicio del Toro protagonizó, filmado en España, México, Puerto Rico y Nueva York. Por otra parte, Alina Fernández, la llamada “hija rebelde” del ex presidente cubano Fidel Castro, asesorará la adaptación de su autobiografía al cine, que correrá a cargo de Bobby Moresco, coguionista y productor de la cinta ganadora del Oscar Crash. Hija natural del dirigente revolucionario, Fernández, quien rompió ideológicamente con su padre, huyó de Cuba con un pasaporte falso primero a España y luego a Miami. El Hollywood Reporter informa que la cinta contemplará además las diversas posiciones respecto del régimen castrista, y la propia interesada, ex modelo y ahora escritora, ha dicho a la publicación que lleva 20 años intentando dar a conocer a los norteamericanos la realidad de su país natal: “cuán gloriosos somos y cuántas dificultades tenemos que enfrentar. Son nuestros vecinos, pero saben muy poco sobre nosotros. Espero que esta película sea una oportunidad de mostrárselos”. MARVIN | 17

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COMEX: EXPOSICIONES, INTERVENCIONES Y CELEBRACIONES

TXT:: Saúl Bravo. FOT:: Isabel Rodríguez. Las actividades que Comex ha realizado en los últimos meses, han sido tan variadas como atractivas por el interés que muestran por apoyar distintos grupos sociales, así como distintas expresiones urbanas. Por esas razones, Marvin ha estado al pendiente de sus eventos. Primero Comex estuvo presente en la exposición titulada De lo ordinario... a lo extraordinario, llevada a cabo en el museo León Trotsky, en la zona sur de la Ciudad de México. La cita fue el 24 de abril, cuando un grupo de siete graffiteros y cuatro grupos de DJs, nos

introdujeron a una colección de más de 40 obras. El evento no sólo contó con la participación de jóvenes, también estuvieron presentes varias autoridades públicas de la Delegación Coyoacán. Unos días después, el 1 de mayo, se celebró en el parque de diversiones Six Flags México el Día del Pintor Comex 2008, una ocasión destinada para festejar a los pintores mexicanos y a sus familias. Comex logró completar muy bien su cometido, al convocar un gran número de familias que subsisten gracias al oficio de pintor. Por último, los pasados 17 y 18 de mayo Comex estuvo presente para apoyar al graffiti en el marco de la Expo Rock Show, en el Palacio de los Deportes. Las actividades de Comex seguirán durante los siguientes meses, y creemos que vale la pena estar al tanto de sus fechas.

Festival Mundial de la Tierra

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FEMACO Feria México Arte Contemporáneo

TXT:: Saúl Bravo. Por quinto año consecutivo se presentó la Feria México Arte Contemporáneo. Durante cinco días (del 23 al 27 de abri), el Centro Banamex fue la sede de la única feria de arte contemporáneo en México. Cada vez son más los asistentes y las galerías que buscan integrarse a la feria, gracias a que el mercado del arte está creciendo de manera considerable en nuestro país. Como consecuencia del creciente interés por coleccionar arte, ha habido

cia. De forma adicional, se organizan actividades con sedes en 25 países del mundo, incluyendo a México. El festival surgió en 2004. Fue una iniciativa de la renombrada asociación parisina Terralliance para crear una conciencia sobre la fragilidad de nuestro planeta. Los padrinos de la edición

un fortalecimiento del factor económico que paulatinamente ha ubicado a la FEMACO como un referente no sólo a nivel Latinoamérica, sino en el mundo entero. La edición del 2008 fue muy significativa: por una parte, este año fue el debut de Japón como participante, hecho que revela el interés por diversificar lo que ofrece la feria, también cabe decir que más de 80 galerías mostraron las expresiones y movimientos más relevante del arte actual. Coleccionistas, artistas, representantes de instituciones y simples curiosos nos dimos cita a FEMACO para comprobar que su público aumenta en proporción con su calidad.

Campaña de Reciclaje de celulares Nokia y Movistar

TXT:: Ingrid Constant. Si las baterías no se desechan correctamente, pueden contaminar de forma grave el agua y los suelos. Es por eso que Nokia y Movistar lanzan en México la campaña de reciclaje de baterías de celulares, donde se recolectan los teléfonos usados de forma gratuita. Ambas empresas han incursionado en este tipo de campañas antes. Nokia se ha mantenido a la vanguardia de iniciativas medioambientales por más de una década, con acciones en 85 países. Telefónica tiene varios proyectos en apoyo a la biodiversidad y cuenta con un sistema de gestión ambiental. Este programa recolecta los teléfonos usados y somete a las baterías y

La Embajada de Francia en México informa TXT:: Mariana Villanueva. Francia se ha caracterizado desde hace muchos años por formar parte de iniciativas en pro del medio ambiente. Este año, y por cuarta ocasión, organiza el Festival Mundial de la Tierra.Del 16 al 22 de junio se celebrará en varias ciudades de Fran-

ARTE

del 2008 serán la navegante Maud Fontenoy y el ecologista Jean Marie Plet. Paralelo al festival se realizan actividades didácticas y manifestaciones en pro de la ecología. El Festival Mundial tiene actividades en pro de la paz mundial, de la preservación de la ecología, especiales para crear conciencia en los niños y desde luego, la parte musical. Visita www.festivaldelaterre.org para mayor información.

a los dispositivos a procesos especiales, como la fundición de los metales usando como combustible el material plástico mientras se neutralizan las emisiones tóxicas. Los materiales se reusan como material reciclado, de construcción o como energía aditiva en otros procesos. Nokia planea incrementar en un 50% el ahorro de energía de su empresa a nivel mundial antes del 2010. Además los teléfonos Nokia son entre un 65 y 80% hechos de material reciclable. Las empresas colocaron 88 centros de acopio en el país, en los Centros de Atención a clientes Movistar y en los Nokia Care Centers. Para que la campaña tenga éxito, involúcrate y deposita los teléfonos que ya no uses en los centros de acopio.

Levi’s Eco Línea ecológica

Levi’s presenta su nueva línea, elaborada enteramente con algodón orgánico. Levi’s fue la marca que le dio al mundo la prenda que revolucionó la moda para siempre: los jeans. Los consumidores demandamos cada vez más productos que causen poco impacto en el medio ambiente. Levi’s consiguió conjuntar en un par de jeans ecología y estilo. Estos jeans están hechos de 100% algodón orgánico, y están disponibles en varios modelos y con distintos acabados.

Acabados orgánicos

El patch tiene la imagen de los caballos. Está hecho de tejido orgánico e impreso en tinta a base de soya. Los botones y remaches están hechos a base de fibras y cáscaras de coco. Los bordados en las bolsas traseras tienen hilos verdes. Puedes identificar los jeans ecológicos por el tab, que es blanco y con el nombre Levi’s en color verde. También tienen un pequeño bordado con una letra “e” dentro de uno de los bolsillos delanteros o en la parte inferior derecha.

¿Qué es el algodón orgánico?

Hay prácticas de agricultura ecológica que pueden usarse para el cultivo de fibras naturales, como el algodón. Las semillas no son modificadas genéticamente, ni tratadas con pesticidas. El control de la maleza se hace de forma manual, por cultivos de trampa y algunos otros métodos biológicos. En lugar de que los agricultores recogan el cultivo a mano, con máquinas o procesos químicos, se opta por procesos naturales. Cada país regula los procesos orgánicos de cultivo y recolección de acuerdo a sus propios estándares.

Más información en www.levi.com.mx

22 Unificando moda, deporte y medio ambiente TXT:: Tony Romay. FOT:: cortesía de adidas.

La celebración por la originalidad significa buscar acercar el arte a los espacios publicos con artistas nacionales y extranjeros. Sam Flores de San Francisco y Saner de la Ciudad de México intervinieron el mercado Michoacán con sus creaciones, inspiradas en el espíritu de la nueva colección de adidas Originals Grün.

Jorge Matute y Martha Treviño

Hace unos días Marvin tuvo la oportunidad de hablar con Jorge Matute y Martha Treviño, responsables de la marca adidas, para que nos contaran sobre su nueva colección Originals Grün (verde en alemán). La finalidad de esta línea es mejorar el medio ambiente con el uso eficiente de los recursos de nuestro planeta, de manera que los productos de esta línea son fabricados bajo los siguientes lineamientos: productos hechos de materiales reciclados, naturales, que finalmente se reintegran al medio ambiente. Respecto de la nueva línea de tenis, Jorge nos dijo: “Adidas Grün es una iniciativa global. Todas las organizaciones de este tipo tienen muchos años detrás para hacerse. Tiene como dos años que Grün fue concebida, pensando en cómo lograr un producto adidas orgánico. El compromiso de adidas, al final del día, es hacer de éste un mundo mejor a través del deporte y el fashion. El deporte se asimila por la gente, sean o no deportistas. Ya desde los 70s gente como Bob Marley o Run–D.M.C. en los 80s, adoptaron tenis, playeras, etc., al poco tiempo la gente común que encontramos en la calle también lo hizo”. Martha agregó: “Una tendencia de adidas es valorar la originalidad, además, es muy importante aprender a ver distinto a nuestro mundo. Ya le hemos hecho mucho daño, y vamos a cambiarlo a través de los jóvenes. Para ellos tenemos una gama muy amplia de artículos, y con ellos se puede conjugar el fashion con cosas reciclables: el skate, la música alternativa, la de playa… Nuestra línea Grün es permanente, comienza con esta temporada primavera–verano, e incluye las siluetas clásicas como el Forum basketball y el ZX 500 runner; todos hechos de materiales reciclados y naturales. Después continuaremos durante otoño–invierno y la primavera del 2009. Entonces hay que destacar que sin importar cuál es tu estilo, lo importante aquí es el deseo de cambiar nuestra relación con el mundo”. El compromiso de adidas con el medio ambiente es grande, y este es tan sólo el inicio de las actividades “verdes” que la marca alemana estará impulsando en los siguientes meses, y qué mejor si lo hacemos logrando que moda, deporte y medio ambiente convivan de manera armónica.

Saner de la Ciudad de México

Sam Flores de San Francisco

Mejor en bici TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: cortesía Mejor en Bici. El mejor y más sencillo motivo para andar en bici es el mismo que inspiró a Einstein, Lennon, Da Vinci o Syd Barrett a pedalear una: un placer inigualable que estimula la creatividad. Siguiendo ese argumento resulta adecuado que surjan proyectos como el de Mejor en Bici, una iniciativa que busca generar una nueva cultura en el uso de la bicicleta. A partir del 9 de mayo habrá 90 bicicletas en tres centros de acopio en las colonias Roma (Plaza Luis Cabrera) y Condesa (Parque México y España). El servicio es gratuito y sólo hay que presentarse con una identificación y 200 pesos que serán utilizados como garantía. Además, los usuarios podrán encontrar biciestacionamientos en varios puntos de ambas colonias. Una ciudad con más bicis y menos autos sería mucho mejor para todos. No es mera especulación optimista, sólo basta con observar los beneficios que varios países, sobre todo europeos, han logrado con el uso de bicicletas.

Mesa para café B-52 Spinner

Las piezas de decoración recicladas pueden tener mucho estilo. Al comprar una, sabrás que tienes algo único y que has contribuido a una buena causa. Aquí te mostramos una mesa para el café que salió de la nariz de un jet Pratt & Whitney J-57.

Bici fluorescente Puma Una muy buena forma de ponerte la camiseta verde es comprar una bicicleta, y sobre todo, usarla lo más que puedas. Con una buena bici ahorrarás dinero en gasolina, contribuirás a la conservación del aire y te sentirás más saludable. La Puma fluorescente además te da mucha seguridad: con su glow-in-the-dark todos te verán en la noche. Está disponible en colores crema, verde, dorado y naranja.

24 Washup Escusado-Lavadora Sevin Coskun

Para los que tengan una preocupación genuina por el desperdicio del agua, se diseñó este curioso gadget que une en uno solo a la lavadora y al escusado. Cuando se lava la ropa, litros de agua son desechados; pero ahora se puede aprovechar al menos una vez más en el baño. La lavadora almacena el agua usada en el lavado hasta que sea necesaria para el uso del baño. Además, es una buena opción para aprovechar espacios en la casa. Como extra, no necesitas agacharte para meter la ropa a la máquina.

Eco TV Phillips

Ahora ya puedes tener la televisión más avanzada y ser amigable con el medio ambiente. Gracias a que cada vez hay más demanda por productos verdes, Phillips lanza esta tele LCD, de pantalla plana de 42 pulgadas y hasta 1080p de resolución HD. Tiene un sistema inteligente que automáticamente hace menos brillante la luz negra en las escenas oscuras. De ese modo se ahorra mucha energía y al mismo tiempo se obtiene mayor contraste. También mide la iluminación de la habitación y ahorro de energía que consigue mantener el consumo de poder alrededor de 75 watts, casi lo mismo que un foco promedio. Además usa el mínimo de componentes tóxicos para el ambiente: será un aparato fácil de reciclar.

Cargador solar para iPod y celular

No necesitas tomar medidas drásticas para ayudar a la conservación del medio ambiente. Por eso te mostramos este panel solar, que además de tener un sofisticado diseño, ofrece la mejor tecnología. Puedes recargar las baterías de tu celular o tu iPod con este panel solar en menos de tres horas. Incluye cables mini USB y para adaptar a iPods (Apple, Shuffle, nano, Mini) y es compatible con casi todos los teléfonos.

Obra maestra de música 3G Nokia 5610 XpressMusic El próximo gran paso en música móvil estará en tu celular 5610, otro miembro de la línea XpressMusic. Nunca había sido más fácil deslizarse dentro de la música, el estilo, la calidad de sonido, entretenimiento, imagen y video. Diseño: su amplia pantalla de 2.2” tiene una ventana muy resistente a prueba de rayones. Enseguida se distingue por sus acabados afilados y botones de acceso en el centro. Navi Slider: su tecla de música icónica te permite acceder a la música con un simple toque. Audio: gracias al chip de audio, tendrás una calidad limpia, cristalina: HiFi. Cámara: su cámara de alta calidad de 3.2 megapíxeles tiene LED flash de dos tiempos y auto-focus. 3G: la mejor tecnología para descargas rápidas y video llamadas. Puedes disfrutar los videos con calidad DVD, a 30 cuadros por segundo.

Especificaciones técnicas

Red: WCDMA850/2100. GSM 850/900/1800/1900 Forma: deslizante Dimensiones: 98.5x48.5x17.1 mm Peso: 108 gramos Tiempo de llamada: hasta 3 horas Tiempo de música: 24 horas Pantalla: QVGA 2.2”. Hasta 16 millones de colores Memoria: 64MB, hasta 4G con MicroSD Audio: Radio FM con RDS

Nuevos servicios de Internet Nokia Ovi La combinación entre dispositivos físicos y virtuales representa un horizonte impredecible de posibilidades. Consciente de ello, Nokia acaba de lanzar una nueva plataforma de servicios: www.ovi.com. Marvin estuvo presente el pasado 14 de mayo, día en que Michael Halbherr, Vicepresidente de Servicios de la empresa, presentó los nuevos servicios en un autobús equipado con la más alta tecnología. Entre los objetivos de la conferencia de Software y Servicios, se habló de la novedosa posibilidad de intercambiar foto, video, juegos, música, etc. Entre los servicios móviles que ya están disponibles en México, tenemos el N–Gage (plataforma de juegos Nokia) y el Share on Ovi, que permite compartir archivos de video, foto, experiencias de Internet, y hasta la posibilidad de ver televisión con tu celular. Por si fuera poco, también se presentó la versión 2.0 de Mapas de Nokia, un dispositivo muy útil para la navegación de peatones y conductores, gracias a la integración de Guías Turísticas multimedia que incluyen fotografías, videos y archivos de audio de las principales ciudades del mundo. El sistema tiene la gran ventaja de que puede ser personalizado. Con él podrás guardar las rutas, viajes personales y lugares que podrás compartir con otros usuarios. Los modelos compatibles con el Nokia Maps 2.0 son el Nokia N95, Nokia N82 y Nokia N81 de 8 GB. Sólo necesitas entrar a www.nokia.com/betalabs/maps para obtener la versión beta. Con todas las nuevas prestaciones que te ofrece Nokia, comenzamos una nueva era en cuanto a tecnología y comunicación se refiere, al grado de que hoy resulta innecesario llevar tu laptop a todos lados.

Nokia inició de forma reciente una campaña para reciclar los celulares. Además de que los teléfonos desechados se convierten en basura, el residuo de las baterías pueden ser altamente contaminantes. Además, cada teléfono Nokia está hecho entre un 65 y un 80% de material reciclable.

Curanderos Rock melódico, simple y honesto TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Cortesía de Curanderos.

Los orígenes de Curanderos se encuentran cimentados en la mitad de la década de los 90s, en la ciudad de Los Ángeles, California. Más de diez años de constancia y rock han sido necesarios para grabar su disco debut, un álbum que recoge las influencias de casi 15 años de trayectoria. El pasado mes de abril visitaron la Ciudad de México para ofrecer varios conciertos en los foros más importantes de la ciudad, y la respuesta del público fue bastante positiva. Entre conciertos, afters, tacos y tequila, Curanderos se dio un tiempo para visitar las oficinas de Marvin y hablar de su disco homónimo. Dejemos que Mario Lomar (voz), Diego Palacios (batería), Jesús Rauda (bajo), Rodrigo Madero y Alberto García (guitarras), nos platiquen sus impresiones sobre la música. ¿Cuánto tiempo tienen tocando juntos? Mario: Comenzamos con mi hermano allá por 1995, teníamos un grupo de punkabilly, pero también nos gustaba la onda del rock en español. Después se añadió Diego en la batería, y Jesús a los dos años en el bajo. Después se unieron Rodrigo y Alberto de España. ¿Cómo le describirían su música a la gente que nunca los ha escuchado? M: Yo creo que en gran medida el sonido alternativo que escuchamos cuando crecíamos en Los Ángeles, yo por mi parte lo consideraría chicano alternativo, indie rock. Crecí con la influencia de los 80s y 90s, grupos como Jane’s Addiction, Pixies, The Smiths.

www.myspace.com/curanderos

Diego: Yo también crecí con los 80s. Me gustan cosas de los Killers, Interpol. A parte me gusta y respeto mucho el trabajo de algunos músicos de rock en español, como lo que hace Gustavo Cerati, Enanitos Verdes. Lo importante es que al final entran las influencias de todos en este grupo. Rodrigo: Yo crecí escuchando mucho metal, y ya después me gustó mucho el rock progresivo, que es mi género favorito, también la fusión y el jazz. M: Rodrigo y Alberto vinieron a añadir cierta complejidad con sus influencias, pero en esencia lo que hacemos es rock melódico, melancólico, simple y honesto. Ya en vivo suena con más punch, antes yo tocaba la guitarra y no podía interactuar con el público, ahora lo puedo hacer porque ellos están en las guitarras. ¿Qué contiene su disco? D: Este disco homónimo trae 12 temas, seis en inglés, cinco en español, y un tema bilingüe que estamos promocionando ahora y se llama “Tonight”. Como dice Mario, es un rock con mucho punch, y la parte en inglés hace referencia a un indie pop muy similar al sonido de Killers, lo que cantamos en español es medio “jaguaresco”, o algo así medio Manu Chao. Tenemos todo tipo de temas, algunos tranquilos, y otros más movidos como para bailar en un antro o escuchar en tu auto. Buscamos que te hagan sentir bien. Yo creo que mucha gente se puede identificar con lo que hacemos. ¿Y ustedes (Rodrigo y Alberto), cómo se integraron a la banda? Tengo entendido que son de España. ¿Ya conocían la música de Curanderos? R: No, todo fue porque vimos un anuncio en la red, llamamos e hicimos una audición para la banda. M: Habíamos audicionado como a siete guitarristas antes, pero ellos nos gustaron mucho, son unos genios. Alberto: Nosotros llevábamos como año y medio en Los Ángeles, estudiando en una escuela de música contemporánea, pues en España no hay escuelas muy reconocidas, y tampoco en Los Ángeles, pero siempre es mejor estudiar en un lugar donde hay mucha actividad musical.

¿Y qué onda con el nombre de la banda? M: Pues básicamente lo elegimos por ser un nombre que consideramos mágico. En Latinoamérica se conoce mucho qué es un curandero. En realidad no tiene nada que ver con la imagen o la música, pero si se pudiera comparar diría que nuestra música te aliviana de la melancolía, del desamor, de lo que te atormenta en la vida cotidiana. La anécdota del nombre es curiosa: hace unos años el hermano de un amigo trabajaba en una aseguradora médica. En alguna ocasión pidió que un seguro le cubriera limpias de curandero, y pues eso allá no existe (risas). Entonces investigó el significado y lo sugirió como el nuevo nombre de la banda, y al final se quedó. Si buscas en Internet, sólo encontrarás a una banda de Texas que tiene el mismo nombre, pero su estilo es muy distinto del nuestro. ¿Es su primera vez en México? ¿Cómo los ha recibido el público de aquí? D: Ya es nuestra cuarta vez, pero ahora es la primera que llegamos con un disco armado, circulando en las tiendas. Entonces el público ya está respondiendo bien, no nos han bajado (risas), nos aplauden. M: Una anécdota: el otro día tocamos en el Chango’s, éramos nosotros con Los Bunkers y obviamente iban a verlos a ellos, la gente los conoce bien. El lugar estaba repleto. Después de que tocamos la primer rola, la gente gritaba: “Bunkers, Bunkers”. Pasó lo mismo con el segundo tema, pero ya para el cuarto o quinto los estábamos convenciendo. Para el final del set la gente gritaba: “Curanderos, Curanderos”. Son satisfacciones y obstáculos que uno tiene que ir venciendo, sobre todo con el público mexicano que es muy exigente. Consideramos que México es un trampolín, hay mucha escena, está más prendido. ¿Y qué tal la experiencia de grabar un primer disco? D: El proceso de grabación fue como de tres meses, y lo más difícil fue sacarlo. Tardamos como dos años y al final lo hicimos con la disquera Suave Records. Tuvimos muy buen presupuesto, grabamos en un estudio muy bueno en Hollywood que se llama Hanoi Studios. Ahí han grabado Stevie Wonder y Green Day. Fue una experiencia surreal estar en esas cabinas, con un equipo súper profesional, con ingenieros de grabación muy profesionales, ganadores de Grammys. En la producción estuvo Leo Muñoz,

y como guitarrista invitado estuvo El Vampiro de los Jaguares. Los temas de la banda son todos escritos por Mario, y ellos respetaron mucho sus ideas. Les gustó, lo apoyaron mucho. Marvin es una revista de culto, ¿a qué le rinde culto Curanderos? D: A mí me gustan mucho las películas de Alejandro Jodorowsky, me gusta el cine freaky, y también le rindo culto a los Pixies. M: Mi banda de culto es Soda Stereo, suenan muy bien y siempre la tirada es convertirnos en una banda tan buena como ellos; me parece la mejor banda de rock de la historia. R: Hombre pues rendirle culto a algo pues no, me gusta mucho el cine, la literatura, la música y ya. ¿En España conocían ya a Soda Stereo? ¿Qué suena por allá de Latinoamérica? A: No, no los conocíamos, y pues suena el reggaeton (risas), por todas partes. También se escucha Maná, Molotov, Vicente Fernández. R: Un día estaba en un sitio muy pequeño llamado Canaria. Molotov fue a tocar ahí, llenaron una plaza de toros (tampoco era tan grande, es más grande el toro que la plaza), y yo recuerdo haber escuchado el recital desde afuera en el bar (risas). M

Los Rad

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Conecta ndo más allá de las fr onteras

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…Ese disco salió en 2005 y me acuerdo de que en una vieja portada de Marvin, de los White Stripes, hay una reseña del mismo.

Estamos en comunicación telefónica con Abie directo desde Los Ángeles. Antes de iniciar la entrevista nos cuenta sobre su primer disco solista, Lotus, y de cómo llegó hasta su nuevo proyecto. Abie continúa su introducción… Luego, en el 2007, saqué el segundo disco solista llamado Relativity. Con este trabajo inicia un sello, estudio-concepto que se llama Toca 75, a través del cual comencé a hacer mis proyectos de forma independiente, a un lado del formato tradicional de la disquera, arriesgando un poco más con la música para hacer proyectos experimentales con propuestas alternativas. Estos dos primeros discos son muy distintos al que estoy por lanzar, que se llama Los Radares. Los discos anteriores eran rock en inglés un poco experimental, mientras que en Los Radares hago rock en español. Compuse música y letra, grabé en mi propio estudio, produje el disco con músicos invitados, influenciado en King Crimson que planteaba una alineación variable. Esto me da un poco de libertad para presentar el proyecto de forma variable. La mayoría de los grupos acaban por separarse; en cambio, de esta forma se puede mantener el concepto del proyecto con la seguridad de que no acabaremos por pelearnos. Cuando los músicos se involucren en la sintonía de Los Radares, se convierten en un radar por sí solos. Sería un poco como representar una obra de teatro, en donde se puede improvisar en vivo. La producción del disco estuvo orientada hacia rescatar valores de producción que fueron inspiración detrás de mi música, como son The Beatles o Pink Floyd. Usamos instrumentos vintage o retro para intentar emular lo más posible esa vibra, explotando también los recursos de la tecnología. Ya que hablas de la producción, cuéntanos, ¿cómo es trabajar con Mark Plati? En los dos discos anteriores había trabajado en la mezcla con él. Mark es un productor/ingeniero que ha sido bastante reconocido por trabajar con David Bowie, The Cure, Robbie Williams y Brazilian Girls. Es un cuate que siempre está mezclando en todas partes del mundo. Hemos logrado hacer una

amistad y una buena relación a lo largo de trabajos pasados. A mí se me hacía interesante ver el enfoque de un ingeniero que está acostumbrado a mezclar rock foráneo, y llevarle música en español para que pueda aportar dándole un sonido distintivo a Los Radares. Todo estuvo orientado a poder emular los instrumentos de la era de los Beatles, los amplificadores, las guitarras, los sonidos e incluso la misma vibra. Intenté hacer un disco muy influenciado por el rock británico, pero tomando las cualidades del lenguaje español, que no exploté en los discos anteriores. En el pasado fui parte de un grupo llamado Coma que estuvo en EMI Music. Cuando la disquera nos recortó por completo del presupuesto, me llevó a pensar que mi camino no era el rock en español y me alejé. Pero con este disco volví a conectarme con escribir y encontrar la lírica y métrica en español, para luego adaptarla a un pop que está siempre inspirado en la música en inglés. Te das cuenta de que es un reto mucho más grande lograr una buena melodía en español que en inglés. ¿Quién participó en el disco? Hernán Hecht grabó las baterías, Marco Rentería el bajo, participaron un par de coristas, y el resto lo hice yo: guitarras, programaciones, sintetizadores y voces. Pero el disco se desarrolló para que las canciones puedan ser tocadas con una guitarra junto a una fogata. Creo que varias de las canciones podrían ser nominadas, a mi gusto, como sencillos radiables, aunque vivimos en una época de crisis radial. ¿Por qué crees que hay una crisis radial? Porque es triste que a pesar de que ha pasado el tiempo y pensamos que hay más canales y opciones, nos damos cuenta que es lo contrario. Hay muy pocas estaciones que pueden tocar y apoyar al rock en español. Y para esas pocas estaciones hay una sobrepoblación de grupos. No quedan muchas opciones para difundir la música. El Internet ha ayudado de cierta forma, pero no es como la radio tradicional. Para 100 millones de habitantes, México tiene una sola estación que difunde el rock en español. Eso no habla muy bien de la evolución de la radio. ¿Cómo defines el concepto musical de Los Radares? Podría definirlo como rock en español, y dentro de eso diría que es rock clásico

con tintes avant garde. Canciones con mezcla de estilos del rock progresivo: Pink Floyd, Bowie, Beatles e incluso The Cure. Uso estos términos para encasillar el rancho en el que entra el estilo. Siento que las palabras siempre te limitan. La música habla por sí sola. La sensación que te daba escuchar un disco de Led Zeppelin y escuchar los primeros acordes; te conectabas automáticamente con algo que no tiene una explicación en lenguaje. Creo que eso es lo que provoca este disco. Empiezas a escuchar sonidos que te remiten a algo más, pero a la vez son nuevos y te enganchan a disfrutar el disco no sólo por las canciones sino también por las texturas y el mensaje, incluso el arte de la tapa. Es un disco bastante conceptual, pero cada canción tiene su propia personalidad. ¿En dónde vives? En Los Ángeles. ¿Y cuál sería tu conclusión de hacer un versus entre hacer música allá y hacer música en México? Respecto a hacer rock en español, México sigue siendo el rey. En Los Ángeles, el rock en español es un efecto secundario de lo que pasa en el mainstream mexicano o incluso el underground mexicano. Los mismos grupos de Los Ángeles que hacen rock en español, han preferido y optado por ir a México a intentar otra salida, porque aquí todavía no está desarrollada la infraestructura, la seriedad y la organización para tener una industria. Además, la coyuntura de las grandes disqueras y sus recortes de presupuestos están haciendo que la escena sea más confusa. Ahora, hablando de confusión, me confunde un poco que me digas que Estados Unidos no tenga desarrollada una industria para este rock. ¿Será que a ellos en realidad no les interesa el rock en español o tiene que ver con otra cosa? Si comparas la industria del rock en español con la industria anglo, te das cuenta de que hay una diferencia en el nivel de jerarquía, de las cifras. Lo anglo está mucho más organizado. El rock en español sigue siendo algo completamente subdesarrollado. Uno depende casi exclusivamente de su país para poder hacer un poco de ruido. En Estados Unidos no está muy organizado. Hay algunas disqueras y gente haciendo cosas. Hay un underground y además todo mundo tiene su disco en iTunes, pero si no estás buscando rock en español, no lo vas a ver en los displays de las tiendas. Como que no existe, realmente tienes que ser un fan y buscarle. Así como existe una sección de música clásica, también hay una sección de rock en español en donde podrás encontrar los cinco o diez artistas mainstream, o conectados a la pequeña mafia que maneja lo poco que hay. ¿Cómo sigue esta historia para Los Radares? Los Radares representan como una conciencia colectiva, de conectar a la gente a través de la música, y romper el esquema de que la gente tiene que comprar o robar la música. Este disco, que salió en Marvin del mes pasado, trae los dos primeros tracks del disco que estará a la venta a partir de junio en Mixup, Tower Records y algunas otras tiendas. Estaremos presentándonos en vivo a partir del mes de julio. La primer fecha parece que será en el Club Imperial y en septiembre haremos una presentación en el Lunario del Auditorio Nacional, ambas en la Ciudad de México. Mi última pregunta: ¿por qué la gente tiene que escuchar Los Radares? Tiene que escucharnos para darse cuenta del potencial que tiene el rock en español como medio de comunicación, de conexión entre uno y otro. Es un disco que puede unir lo mejor de los dos mundos, tanto para la gente a la que le gusta la calidad en la música, como para la que le gusta el rock sin importar las edades. M www.myspace.com/losradares

Es triste que a pesar de que ha pasado el tiempo y pensamos que hay más canales y opciones, nos damos cuenta que es lo contrario. Hay muy pocas estaciones que pueden tocar y apoyar al rock en español. No quedan muchas opciones para difundir la música. Abie Toiber

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Los Bunkers, Álvaro López (voz, guitarra, pandero, maracas), Gonzalo López (bajo), Mauricio Durán (guitarras, coros), Francisco Durán (guitarras, teclados, voz) y Mauricio Basualto (batería) lanzan su nuevo disco en junio (aún sin título anunciado), cambian de disquera y se mudan a la Ciudad de México. Álvaro y Gonzalo platicaron con nosotros sobre sus planes, su música, Chile y la música en Latinoamérica. Existe una leyenda que dice que su banda se formó por un gusto común por The Beatles, ¿es cierto? Álvaro: En parte. Los Bunkers se forma de dos bandas anteriores que se juntan. Una de ellas era una banda tributo a The Beatles, pero el amor por ellos, lo tenemos todos desde muy pequeños. Nos conocíamos desde antes como amantes de los Beatles, pero no es que nos juntáramos por ello. Cada quien empezó a hacer música propia y en el fondo se fueron quedando en

los dos grupos los que querían hacer algo más profesional. Al final eso fue lo que hizo que nos uniéramos, porque a un grupo le faltaba un vocalista, al otro un baterista y entonces quedamos nosotros. De ahí nos fuimos a Santiago y empezamos a tocar. Todo fue como muy natural y vertiginoso a la vez. Gonzalo: Aplicábamos la ley de la primera vez. A: Claro, les decíamos, déjanos tocar en tu lugar, y si les gusta, nos van a llamar otra vez y te vamos a cobrar (risas). Pero no te preocupes, porque vamos a llenar el lugar, y nos va a ir bien. Y sí nos volvían a llamar. Como de boca en boca empezó a aparecer gente en los conciertos. Tocábamos en un antro bastante oscuro pero histórico a la vez. G: Ahí llegaba la gente a vernos. Entonces en realidad tuvieron la suerte de encontrar química entre sus integrantes, además de con el público. G: Manejamos el mismo lenguaje. A los cinco nos gusta el mismo

Ingrid

formato de canción, y eso hace que nos pueda gustar por igual una canción de Madonna, otra de Roberto Carlos, de Silvio Rodríguez o de Pandora (risas). Eso hace que todo sea mucho más fluido, como lo es nuestra comunicación. No tenemos problemas, incluso es sencillo para la gente que no nos conoce cuando queremos explicarles lo que queremos hacer, porque todos sabemos de lo que hablamos. A: Claro, no somos una mezcla extraña de la que nadie sabe de dónde vino, ni cómo explicarla. Al contrario, como dice Gonzo, manejamos los mismo códigos. Somos dos pares de hermanos dentro del grupo, lo que hace que las discusiones sean de trabajo y exista una base de amor, de familia que mantiene al grupo unido y nos ayuda a enfrentar las adversidades. Eso se vio reflejado cuando ustedes produjeron uno de sus propios discos. A: Sí, el disco que lanzamos este año es el tercero que producimos nosotros.

G: El primer disco lo produjo Mauricio Mero, que es el guitarrista de un grupo mítico en Chile que se llama Santos Dumont. Fue algo casual: el ingeniero de un estudio nos dio permiso de quedarnos tres días más de lo planeado. Al segundo ya fue algo mucho más preparado, y elegimos a Álvaro para la producción. Después los demás observamos de qué se trataba la producción, y para el tercero estábamos muy conscientes de lo que necesitábamos y podíamos hacer. Entonces tomamos la producción en nuestras manos. Ha sido muy fácil la comunicación con nuestro ingeniero, que no hemos querido cambiar desde el primer disco. Ustedes han colaborado con bandas chilenas tan importantes en México como Los Tres. Me gustaría que comentaran algo sobre la música que se hace en Chile, y qué tan difícil es pasar de su país al resto del continente. G: Somos de una ciudad al sur de Santiago que se llama Concepción,

Cuando llegamos por primera vez al Vive Latino, ya había mucha gente que nos conocía, y eso nos dio mucho orgullo. Nunca hemos tenido que hacer triquiñuelas para llegar a los oídos de la gente.

que es como el Manchester o el Liverpool chileno. De ahí salió ese grupo emblemático, los Santos Dumont, Los Tres, nosotros… y siguen saliendo grupos con marcado estilo rocanrolero y formados por la melodía. Eso nos marca el sonido, al menos en Chile. Siempre habíamos querido salir de nuestro país, pero no teníamos el apoyo logístico. Fue gracias a Meme y Joselo de Café Tacvba que llegó un disco nuestro a México. A: Ellos fueron invitados a un festival chileno que se llama la Jane Fonda, y a ellos les pasamos el Día de Perros ya terminado. Ellos nos ofrecieron traerlo a México. G: Nos dijeron que de primera impresión le gustó mucho al público. Eso no fue algo planeado ni nada, se dio natural. Pero si no fuera por eso, quizá las cosas se hubiesen dado distinto. A: Para nosotros siempre ha sido una prioridad llegar al mayor número de gente posible. G: Estábamos muy orgullosos de que con el Día de Perros habíamos logrado un material que podía pelear fuera de la frontera. Cuando llegamos por primera vez al Vive Latino, ya había mucha gente que nos conocía, y eso nos dio mucho orgullo. Nunca hemos tenido que hacer triquiñuelas para llegar a los oídos de la gente. Platíquennos un poco de las participaciones que han tenido en soundtracks de películas. G: Hemos grabado para muchas películas. Nos han pedido canciones para películas sobre el movimiento revolucionario de la Educación

Secundaria en los 80s, sobre los niños inconscientes que se fueron contra la dictadura sin saber que los podían matar. Trabajamos en la película Actores Secundarios; en otro documental sobre los campos de concentración militares de los 70s; otra se usó al final de un documental para El Detenido. La única vez que nos han pedido hacer una canción especial para la película, fue Machuca, que fue instrumental. Siempre estamos abiertos para hacer música incidental para películas. Sé que es difícil hablar al respecto, pero me interesa saber cómo pueden proyectar como músicos el dolor tan grande que ha sufrido Chile tras la dictadura. A: Hemos tenido una educación de música folclórica revolucionaria, contestataria de izquierda que se escuchaba mientras la Unión Popular estuvo en el gobierno con Allende. Para qué decirte que con la dictadura, se dio el momento más sano de la música chilena. Ahí tenemos nuestra crianza musical. Eso murió en el ‘73, cuando se mató a Víctor Jara que era el padre. Y estos músicos se fueron al exilio. G: Justo después murió Pablo Neruda. A: En el fondo siempre tratamos de hacer un nexo con esa música, que no era tan conocida, pero el primer rock en castellano. G: Era música colérica. A: Nos llamamos Los Bunkers por el tipo de bandas que surgió en ese entonces, como Los Darks, Los Sonics, por hacer la vista gorda con los 17 años de dictadura militar,

que en el fondo fueron años de silenciamiento. Nuestros padres nos mantenían como alejados de eso, pero fuimos descubriendo los discos de Víctor Jara, de todo eso. El trabajo de reconstrucción en Chile sigue hasta ahora. Con 17 años de silencio era imposible llevar la música más allá; por eso ahora tenemos tanta fuerza, para tratar de explicar a esta nueva juventud a la cual ya ni siquiera pertenecemos. Somos una generación de gente con ganas de gritar, de honestidad. En los 80s en los medios se hacía todo como si fuera muy feliz, como el Festival de Viña, cuando en realidad había una depresión económica muy grande. Ahora cuéntenos sobre su cambio de disquera. A: Nos mudamos a México. Era algo necesario. G: Estamos viviendo un momento bastante saludable. Tocamos solos en el Metropólitan, después del show que se transmitió en directo para Chile, en el camerino firmamos nuestro nuevo contrato y de ahí han sido puras maravillas. Era un paso natural. Nos fuimos a Santiago a los 17 años para vivir de la música, lo que era una locura. Un acto de amor máximo de parte de nuestros padres también. A: Es lo que hay que hacer y se acabó. Su nuevo disco me parece sumamente melancólico. ¿A qué se debe? A: Nunca hemos sido particularmente alegres. El Día de Perros era especialmente sufrido. Había un sentimiento que recorría de forma

clara todas las canciones. Este disco mantiene la línea melancólica; así nos salen las letras. Se suele decir que porque somos del sur de Chile, donde llueve más, es más frío. Tenemos ese tipo de aire. G: Es una ciudad aislada. A: Pero no es una melancolía barata, tratamos de mantener una línea introspectiva fuerte. Decimos que algo nos está moliendo a palos y eso duele: puede ser alguien con su pareja, en el trabajo, o los mexicanos que tratan de saltar el muro y los tratan inmisericordemente en Estados Unidos, pero es la misma melancolía. ¿Para quién es su música? A: Tratamos de no limitarnos. Puede ser para una señora de 40 años o para un púber emo. No sabemos ni siquiera qué tipo de música somos. En el escenario nos gusta ver todo tipo de gente. Nos gusta disfrutar lo que logramos con el público, ya sea en el Estadio Azteca o en el peor de los tugurios. ¿A quién o a qué le rinden culto? A: Al diablo (risas). Como agrupación tenemos la mente fija en las buenas canciones. Ese es nuestro norte, la línea que atraviesa nuestros discos. G: A la buena canción. Siempre le vamos a rendir culto a las buenas canciones. A: A Raphael, a Roberto Carlos, ABBA, a los Beatles. G: Nos gustan las canciones de los 30s, hasta de Linkin Park si encontráramos una buena, pero no lo hemos hecho (risas). No nos limitamos estéticamente. M http://www.myspace.com/losbunkers

Camino a la Lujuria según The Raveonettes: líbranos de todo bien TXT:: Adrián Orozco Guzmán. FOT:: cortesía Søren Solkaer Starbird.

De acuerdo a la Real Academia Española, “lujuria” se refiere a un vicio consistente en el uso ilícito o en el apetito desordenado de los deleites carnales. Describir Lust Lust Lust de los Raveonettes es casi imposible: sería como intentar describir un orgasmo. Y aunque el disco esté en ese vaivén de ritmo lento y rápido, escucharlo con el volumen alto es un deber. Lust Lust Lust es el cuarto álbum de los daneses, totalmente escrito y producido por Sune Rose Wagner en Nueva York, Los Angeles y Copenhague. El material está plagado de letras sobre deseo, amor y sobre todo una obsesión hacia esa persona a la que puedes sentirte atraído. Con un sonido más simple que las producciones anteriores, este álbum se mantiene en la línea shoegaze, haciéndonos imaginar un trío sexual entre The Zombies, The Jesus and Mary Chain y My Bloody Valentine. Después de su presentación en el Independent en San Francisco, California (con localidades agotadas como en la mayor parte de su gira), Marvin tuvo la oportunidad de platicar con Sune Rose sin rodeos, en una noche de invierno Californiano llena de pecados pasionales. Nos contó que están muy ansiosos de visitar el país y empalagar a quien se deje con sus melodías pegajosas. Tenemos 12 tracks, 11 preguntas a Sune, y una mórbida lujuria hacia Sharin.

¿Por qué The Raveonettes? Sé que el nombre es una mezcla entre la banda The Ronettes y la canción “Rave On” de Buddy Holly, pero ¿cuál es la razón detrás de eso? Es un buen nombre. Es sólido, un nombre diferente; destaca.

Con el progreso de sus grabaciones, han logrado dirigir, controlar y adoptar un sonido muy personal. ¿Cómo describirías el proceso? Seguir haciendo lo que más te gusta y apegarte a eso.

¿Con qué director de cine te gustaría trabajar para componer la banda sonora de su próximo filme? David Lynch.

¿Cómo describirías el sonido de Lust Lust Lust? Oscuro, amplio y crudo. ¿Qué te inspira a componer? Libros, literatura y la vida per se. ¿Qué música escuchas en estos momentos? The Animals y Chet Baker. Cuando no estás dando shows o haciendo música, ¿qué haces para matar el tiempo? Dormir, caminar, comer y leer. Si pudieras ser un personaje de película, ¿quién serías? Jerry Lundegaard.

por la guitarra de Wagner. Al parecer Aly podría ser hombre o mujer, pero el significado radica en que no puedes dejar de pensar en él/ella. “Hallucinations”. Las mismas características del nombre de la banda: buena melodía, sonido sólido, voces que destacan. La canción suena más a un viaje en ácido, todo se ve distorsionado, enfocar se siente eterno, como luces distantes y el sonido lejano, bajo el efecto de algo raro. “Lust”. Sune ha explicado el sonido del álbum y la canción que le da título por tres. Se siente como andar vagando en una pista recta que parece no tener fin: buenos/malos tiempos, la obsesión te lleva de un lugar a otro, esperando en una estación de tren por esa persona, pero un error del pasado no la traerá de vuelta. Engañar no es la opción. “Dead Sound”. Una vez más el ritmo básico y pegajoso de la batería, synths catchy como antesala a la guitarra que al final en conjunto hacen flotar al más amargado. La vida sobrevalorada del rockstar... después de todo, ni sus movimientos, ni sus mentiras los harán sentir realmente acompañados. “Black Satin”. Melodía melosa, letra mortal... El contraste funciona de formas misteriosas. La muerte luce como una mujer vestida en satén negro y los excesos siempre le benefician para anotarse a alguien más en su lista. “Blush”. Sonido que sonroja de principio a fin. “Cosa de una noche” explicaría mejor la letra, sin ataduras, diversión pura en la cama. Al menos escuchar cantar a Sharin provoca brincar con ella mientras la piel se ruboriza. “Expelled From Love”. Track sacado de un filme negro. Narra la historia de un hombre que ha sido seducido por una chica y sus trucos de perversión. Es expulsado del amor y llega a un callejón sin salida.

De entre todas las bandas con las que han tocado en vivo, ¿cuál es tu favorita? Interpol. ¿Con qué banda te gustaría compartir escenario? The Rolling Stones. Si pudieras estar en un “trío” musical, ¿a quién incluirías? The Black Angels y The Black Ryder. Después de todo el balbuceo y farfulle del periodismo, se llega a una conclusión: todos tenemos obsesiones, y es obvio que el amor no ayuda: siempre tan difícil de encontrar, de lidiar... Y cuando probablemente se tiene, nunca hay satisfacción total. A veces buscamos simplemente auto-boicotearnos para no ser felices. Finalmente la vida consiste en buscar indefinidamente lo que nos haga sentir completos, o al menos bien. Lust dicho una vez es lujuria, Lust a la tercera potencia son The Raveonettes y sin duda, el pecado capital favorito de todos: “La lujuria es una cosa de todos los días... nada del otro mundo.” Amén, Sune.

Lust Lust Lust

“Aly, Walk With Me”. Ritmo lento seductor a la strip club. La cadencia va de lo tenue a lo caótico con un bajo y batería que nublan la tarde soleada con un sonido oscuro, para tornarse en una tormenta de truenos auspiciados

“You Want The Candy”. Los temas rápidos describen el sonido que ha perfeccionado esta banda a lo largo de los años, lo mismo que las letras con doble sentido: una combinación que les ha sentado maravillosamente. Distorsión y estática. Probablemente se refiera a alguna droga, pero al escuchar el ritmo de esta pista, dulce es el sabor de la lujuria. “Blitzed”. El final de la canción anterior y ésta se conectan, sólo que aquí el amor termina y ya no hay tanta esperanza de revivir la flama de la pasión. S.O.S. El amor está siendo bombardeado. “Sad Transmission”. Una transmisión radiofónica con bastante interferencia. Las despedidas nunca son divertidas pero esta canción sí. “With My Eyes Closed”. El término “Lujuria” hace más sentido. Al parecer, nada le importa a estos daneses. El exceso en lastimar al otro pierde sentido y el efecto se duplica al escuchar una tonada lenta para bailar mientras te rompen el corazón. “The Beat Dies”. Mucho drama para el final, una voz suave que da esperanzas acompañada de una guitarra que pide una segunda oportunidad y una batería que solloza repetidamente. Pero nada es para siempre y el beat de este álbum tiene que morir. M

Para ver videos de los Raveonettes, incluyendo el de su presentación en el Independent de San Francisco, California, visita www.revistamarvin.com

Groove Armada Reviviendo el rave TXT:: Tony Romay. FOT:: Pedro Velasco. El dueto inglés que ha hecho bailar a medio mundo por más de diez años, por fin se presentó con todo su armamento en nuestro país el pasado mes de abril. Minutos antes de su presentación en la Ciudad de México, pudimos entrevistar a Tom Findlay, quien estaba algo preocupado por la lluvia que amenazaba con caer justo a la hora del show, pero que por suerte, no llegó. Esto es lo que nos comentó acerca de su larga y vasta experiencia en el mundo de los beats, baile y harta fiesta. ¿Ya han estado en México antes? Sí, una vez, pero sólo de paso. Viajamos a Canadá, Estados Unidos y México en un día. Fue una pesadilla. Hace un par de días tocamos en Monterrey, estuvo bueno. Estamos muy emocionados por tocar hoy, lo único que me preocupa es el clima, parece que no tendremos suerte con él. ¿Qué esperas que suceda esta noche? Siento que va a ser un buen show, nos gusta el hecho de que sea en un espacio abierto. Seguro la pasaremos muy bien, esperamos que los fans también lo hagan a pesar del clima, ojalá no afecte. Han sido parte de la escena electrónica por más de 10 años, ¿cómo han visto la evolución de este tipo de música? Creo que ha tenido sus altibajos como todo, pero ha crecido y cambiado, es bueno verla saludable. La escena se ha vuelto sexy de nuevo, con la influencia del indie rock ha adquirido el estilo y actitud de este género, y eso ha permitido que aparezcan grandes bandas como LCD Soundsystem, Klaxons, New Young Pony Club. Ahora la gente ve a los grupos tocando electrónica pero con esencia rock, así es como ha cambiado. ¿Qué piensas de estos nuevos grupos electro que mencionaste como Klaxons y LCD Soundsystem? Me gustan todos y creo que son muy diferentes. LCD Soundsystem es uno de mis grupos favoritos; me fascinan y creo que su trabajo de producción es excelente. Justice me encanta, entiendo por qué la gente se emociona mucho con su

música, los efectos que usan provocan muchas emociones al igual que lo hace LCD. En cuanto a Klaxons, la primera vez que escuche el disco no me gustó nada, tuve que escucharlo más veces hasta que lo entendí y comenzó a gustarme. Me encanta el carisma y estilo que tienen, espero que duren por muchos años. ¿Qué has aprendido en todo este tiempo de componer y tocar música? He aprendido a abrir botellas con encendedores (risas), lo aprendí en las giras. No sé, uno aprende mucho, mejoras las cosas que haces. Hay varias lecciones que he aprendido, no recuerdo una en particular. ¡Ah sí! siempre empaca tu portafolios antes de irte de un lugar, sino vas a perder todo el trabajo que has hecho (risas). ¿Cuál es el proceso creativo de Groove Armada para componer canciones? Sucede de distintas maneras. A veces surgen muchas ideas cuando estamos tocando en vivo o cuando vamos de camino a algún lugar en las giras. Escribimos mucho en el hotel, camión o avión en el que estamos. Siempre cargo conmigo mi laptop, bocinas y teclado, me pongo a crear y modificar canciones, es cuando tengo tiempo para hacerlo. También escribimos mucho así porque Andy vive en Barnsley y yo en Londres. No somos precisamente vecinos, así que tenemos que hacernos tiempo para juntarnos. El año pasado lanzaron tres discos: uno de greatest hits, uno de rarezas y uno nuevo, el Soundboy Rock, éste después de cinco años desde Lovebox. ¿Por qué lo hicieron de esta forma? Soundboy Rock es simplemente un disco con material nuevo, necesitábamos hacerlo después de cinco años de no sacar nada. El best of nos lo pidió la disquera y nos gustó la idea porque era el último disco que planeábamos hacer con

Si te perdiste la última presentación de Groove Armada, o si quieres verlos de nuevo, no pierdas la oportunidad de escucharlos el próximo 29 de agosto en la Plataforma B-live de Bacardi.

Hemos vendido una cantidad considerable de discos pero no somos una banda muy popular y no ganamos mucho dinero, entonces a veces tenemos que ganarlo de otra manera para mantener a la familia. A veces escogemos cosas buenas, otras no: es un volado. Tom Findlay ellos. Básicamente dijeron que hiciéramos el disco y nos podíamos ir. El de rarezas salió por que ya habíamos sacado otro best of dos años antes, entonces ni modo de sacar un best of del best of (risas). Entonces se nos ocurrió sacar el de rarezas, que ni siquiera lo son; es material que grabamos a lo largo de 10 años. ¿Qué instrumentos y aparatos traen en vivo? Tenemos un baterista, que toca una mezcla de pads, ritmos tribales y acústicos. Todos los ritmos que escuchas en el show vienen de él, a veces quieres que los ritmos se escuchen sampleados, para eso usa los pads. Tenemos un percusionista, un bajista que tiene como cuarenta y ocho mil pedales (risas), está obsesionado con la creación de sonidos, es increíble. Tenemos un guitarrista, un trombón, una chica que canta y un MC. Como puedes ver somos varios. ¿Visualmente? Visualmente tenemos tres pantallas, luces que salen de todo el escenario, tenemos un software que las programa de acuerdo al ritmo de las canciones. Hay también una persona que se encarga de sincronizar todo. También traemos unos cuantos láser, que son muy caros pero muy divertidos. Han colaborado con varios artistas, cuéntanos de tu trabajo favorito. Me gustó mucho trabajar con Neneh Cherry. Antes de trabajar con ella, yo ya sentía gran admiración por su trabajo. Cuando era pequeño, ella ya estaba en los primeros lugares de las listas de popularidad, es una estrella y cuando la conocimos resultó ser una persona muy agradable y natural, una increíble mujer; definitivamente es mi trabajo favorito. Otro trabajo fue el que hicimos con Richie Havens, quien tocó en Woodstock en 1968. El tipo es una leyenda, nos contó historias increíbles de esa época. Estas dos personas, Neneh y Richie, nos llevaron a proyectos muy diferentes. Ambos poseen grandes talentos y son muy humildes, son muy buenas personas.

¿Tienen planeada una colaboración próximamente? Sí, varias, pero no creo que ninguna tenga que ver con algún artista de renombre. Toda esta nueva generación de artistas MySpace me atrae mucho, hay mucho talento. Prefiero trabajar con ellos. Sus canciones se han usado para comerciales, películas, series de televisión y videojuegos. Están haciendo historia también en estos géneros. ¿Cómo te sientes acerca de esto? Depende de cuál sea la película, hemos salido en películas muy malas (risas). Pero a veces salimos en alguna buena como Collateral, en la que usaron una canción nuestra por cuatro minutos y los personajes hablan de ella. Se siente bien, te sientes parte de la cultura. Pero en el anuncio de la comida Marks & Spencer, en la que llega una mujer con un tipo grande y le habla con voz sexy mientras le pone salsa al atún y de fondo está nuestra canción, no se oye nada bien (risas). Hemos vendido una cantidad considerable de discos pero no somos una banda muy popular y no ganamos mucho dinero, entonces a veces tenemos que ganarlo de otra manera para mantener a la familia. A veces escogemos cosas buenas, otras no: es un volado. ¿Cómo fue la alianza con Bacardi B-live? Fue bueno para nosotros, dejamos nuestra disquera Sony BMG lo cual es genial, no los extrañamos para nada (risas). Conocimos buenas personas ahí, lo que no extrañamos son las políticas de una disquera grande, gente que constantemente te presiona y te dice que no estás esforzándote lo suficiente. Me da gusto la relación con Bacardi, nos dan todo su apoyo, no nos restringen nada y arman muy buenos shows. Marvin es revista de culto. ¿A qué o quién has rendido culto? Es una buena pregunta. Probablemente a Prince, ha hecho música increíble y ha vivido su vida con mucho estilo, es genial. En cine admiro a Tony Curtis, me encantan sus películas, tiene cierto encanto que me gusta mucho. Muchas gracias Tom. Suerte en su presentación. M

www.myspace.com/groovearmada

s e l t a e : B s r e e hT uRnesmueansiotdahdecho er al

TXT:: Francisco Zamudio. FOT:: cortesía EMI Music. Los Beatles nacieron bajo el candor y la simplicidad del blanco y negro. Por mera equivalencia generacional, su personalidad sónica fue cincelada en vinilo con un halo de luz monoaural durante sus primeros álbumes. Esto está por cambiar: uno de los anhelos de millones de fans alrededor del orbe, el oírlos con la mejor calidad de sonido posible, completamente remasterizado, se encuentra en vísperas de hacerse realidad. De esto y más platicó en exclusiva con Marvin el señor Mario Hernández, Director de Strategic Marketing de EMI Music México, discográfica que administra el legado beatle en nuestro país.

Del vi n yl al CD y l o s pl a nes de la remasterizacion Los Fab Four cruzaron la frontera hacia el CD en febrero de 1987. Trece álbumes fueron editados originalmente en Inglaterra. Se fotografiaron sobre papel digital, pero su sonido no recibió ningún tratamiento extra. Los primeros cuatro: Please Please Me, With The Beatles, A Hard Day’s Night y Beatles For Sale están incluso prensados en monoaural. Podría pensarse que con los avances tecnológicos, el proceso de remasterización del catálogo Beatle pudo haberse realizado antes que los álbumes de Lennon y McCartney en solitario, aunque la idea no es nueva, según explica el Sr. Hernández: “El plan de pasar todo su catálogo a esta versión remasterizada no es algo nuevo. Llevan ya varios años trabajando en esto. De hecho, fue uno de los proyectos que todavía fue iniciado y trabajado durante mucho tiempo por Neil Aspinall (1), que dejó de manejar Apple Records hace un año. Como todos los proyectos de The

(1) Director de Apple Records durante muchos años. Gran amigo de George Harrison y Paul McCartney desde la escuela. Falleció el pasado 23 de marzo en Nueva York.

Beatles, esto no es algo que salió al vapor. Cuando en Apple dicen “lanzamos la serie el mes que entra”, ya hay años detrás de ese proyecto. En este caso pasa lo mismo”, dijo. Las cintas originales de Los Beatles han salido de su caja fuerte en algunas ocasiones durante estos años. Hacia 1999 por ejemplo, al cumplirse tres décadas de la película Yellow Submarine, el Ingeniero Peter Cobbin, asistido de Paul Hicks y Mirek Stiles, remezcló las cintas originales del soundtrack aparecido en 1969. El mismo Hicks, Guy Massey y Alan Rouse retomaron Let It Be en el 2003 y lo transformaron en Let It Be… Naked, tras eliminar las orquestaciones y el mítico proceso Wall of Sound que Phil Spector había superpuesto en el disco de 1970. Ahora, ¿quién habrá sido el elegido para remasterizar la memoria beatle por completo? Esto es lo que nos comentó el Sr. Hernández: “Normalmente todo lo que tiene que ver con los Beatles siempre se le encarga a George Martin. Seguramente él y su hijo estuvieron a cargo, junto con el ingeniero de sonido que vino aquí a hacer la presentación del disco Love hace más de un año. Seguramente ellos fueron los que se encargaron nuevamente de las cintas originales y de hacer todo este transfer a digital”, manifestó.

Mas por tu dinero Venus And Mars (1975) de McCartney, se remasterizó y relanzó en 1993 con “The Zoo Gang”, “Lunch Box/Odd Sox” y “My Carnival” a manera de cortes adicionales, mejor conocidos como bonus tracks. Lo mismo pasó con John Lennon/Plastic Ono Band (1970) de Lennon, cuya segunda aparición en el mercado hacia el 2000 incluyó en dicho renglón “Power to the People” y “Do the Oz”. Teóricamente eso no pasará con Los Beatles, y sólo saldrán los álbumes tal y como fueron concebidos, según el Director de Strategic Marketing de EMI Music México. Aunque por otro lado parece ser que sí habrá algún material extra: “Van a traer fotos inéditas y algunas notas acerca de las grabaciones”. También va a haber una versión digipack. Y eso lo sé porque nos han preguntado si para nosotros va a ser fácil hacer este tipo de empaque. Va a ser un digipack en un papel especial, ecológico (2)”, adelantó.

Tomorrow never knows?

37 (2) Un papel es ecológico cuando en su proceso de fabricación se han tomado las medidas concretas para evitar el impacto ambiental. Los criterios que marcan si un papel puede considerarse ecológico están basados en el impacto ambiental del ciclo de vida del producto, que contempla un análisis del uso y consumo de los recursos naturales y de la energía, de las emisiones al aire, agua y suelo, la eliminación de los residuos y la producción de ruidos y olores durante la extracción de las materias primas, la producción del material, la distribución, el uso y su destino final como residuo. (Fuente: www. reciclapapel.org) PD: La versión de lujo del nuevo álbum de Lenny Kravitz fue realizada con papel ecológico. M

En términos románticos, Los Beatles representan la historia de amor más grande escrita entre una banda de rock y la raza humana. Por supuesto que dicho idilio inspirará muchos más proyectos. ¿Y después de la remasterización, qué?, sería “la” pregunta, a lo cual el Sr. Hernández refiere que: “En algún tiempo se habló de un Beatles Unplugged. Ese se me hacía un gran proyecto. Está pendiente el lanzamiento de Let It Be (la película), que iba a salir junto con Let It Be… Naked y después se pospuso. Pero salió Help! (el filme) que no teníamos contemplado. Así es Apple Records. EMI siempre está generando proyectos y quisiera que salieran, pero finalmente es Apple quien tiene que estar convencida y dar luz verde. Yo como fan quisiera que saliera el Live At The Hollywood Bowl, que es un disco que debería estar en CD, y ahora con todos los avances tecnológicos, creo que podrían hacer una buena versión de ese disco”. Para que dichas ideas y las que vengan puedan cristalizarse, también es necesario contar con un público interesado en ellas. Por el lado de los jóvenes músicos de rock parece que la continuidad del Sonido Beatle está más que asegurada. Al parecer en el extremo que ocupan los fans el mañana también es esperanzador: “En cada generación Los Beatles tienen un grupo amplio de seguidores. Hace poco una estación de radio hizo un festival de cine de rock en la Cineteca, y me quedé muy sorprendido cuando pasaron Beatlemania. El 98% de la asistencia eran chavos de 13 a 18 años. Por ejemplo, hicimos una promoción para el lanzamiento de Help! con MySpace, y el público también fue muy joven. Con esto te puedes dar cuenta de que la música de Los Beatles está llegando a las nuevas generaciones, que sí está teniendo aceptación entre los jóvenes”, observó el Sr. Hernández. A más de un año de la edición de Love, The Beatles Remasters, los 13 discos de la banda que cambió el curso de la música del siglo xx, es un paquete diamantado que se espera desde hace tiempo. Programados para lanzarse por todo lo alto el pasado mes de abril, han visto postergada su salida desde los headquarters de Apple Records en Londres aunque, como bien expresa el Sr. Hernández: “Creo que ahora es el momento. Este año debemos tener la colección remasterizada”. Y lo dice alguien con más de 25 años en la industria discográfica mexicana, muchos de ellos tutelando la música del Cuarteto de Liverpool. Por supuesto que nos unimos a su pensamiento.

os mánticos, Lto o r s o in m r En té n la his ria ta n e s e r p e r Beatles más grande escrita de amor banda de rock y la entre una za humana ra

Midnight Juggernauts 2008: una odisea del espacio TXT:: Tony Romay. FOT:: cortesía EMI Music.

Power pop trio: Andy Juggernaut se moría de la risa y me permitió categorizarlos así, pero seguramente no habrá problema en que los defina más bien como un electro indie power trio con David Bowie en las vocales. La primera vez que escuché una canción de ellos pensé que era un nuevo sencillo de Bowie y me sorprendí de buena forma. Al ver que no lo era, no me decepcioné y quise escuchar más de esta banda. Ahora tuve la oportunidad de entrevistar a uno de sus miembros y esto es lo que me comentó acerca de su música y su gusto por lo espacial. Andy, ¿cómo estás? ¿Dónde se encuentran ahora? Muy bien, estamos en París. Hemos estado de gira por Europa alrededor de un mes. Llevamos en París un par de días, tenemos un show aquí mañana en la noche. Pronto iremos a Norteamérica.

Siempre es emocionante escuchar lo que alguien más ha hecho con tu música. Pero me parece más divertido remezclar a otros artistas, te da la oportunidad de ser creativo, es como otra forma de escribir música.

Nunca le pregunto a las bandas sobre sus nombres, pero voy a hacer una excepción con ustedes. ¿Por qué Midnight Juggernauts? Es una buena pregunta (risas). Estábamos buscando un nombre verdaderamente original, que ninguna otra banda tuviera. Midnight Juggernauts es una fuerza indestructible a la mitad de la noche, pensamos que encaja bien con nuestra música. También si escribes el nombre en Google no vas a encontrar otra referencia que no sea nuestra banda (risas). Aunque también podría sonar a una banda de punk. Les gusta mucho la onda espacial. ¿Alguna razón en particular? Nos gusta mucho la parte visual, sobre todo lo que aparecía en las películas de ciencia ficción de antes. El misterio de aquellas películas crea un sentimiento nostálgico y nosotros lo asociamos a nuestra música, porque de cierto modo, refleja las texturas y el ambiente que buscamos darle a nuestras composiciones, los sonidos que generamos pueden parecer que vienen del espacio.

¿Star Wars, Star Trek o “Ziggy Stardust”? (Risas) Somos grandes fans de David Bowie, por lo que podría ser un empate entre Star Wars y “Ziggy Stardust”. Además de Bowie, ¿qué otros artistas han influenciado su música? Nos gusta música muy diferente a cada uno, pero en general nos gusta mucho la música de los 60s y 70s. De los 60s grupos como The Kinks y The Beatles, de los 70s David Bowie, Supertramp, Pink Floyd, Blondie. También escuchaba metal como Slayer y Metallica. La banda favorita de nuestro baterista Daniel es Pixies y le gusta mucha música de los 90s. Como puedes ver es muy variado, de cosas más actuales nos gusta Daft Punk. Hay muchas influencias. Ahora que mencionas a The Pixies, ustedes tocaron con ellos. Lo hicimos en un festival en Tasmania, que es una isla muy pequeña al sur de Australia. No es el tipo de lugar que tiene muchos conciertos pero es muy bello, con muchas montañas y paisajes magníficos. The Pixies tocaron, lo cual fue increíble, Daniel es muy fan, así que estaba muy emocionado y nervioso de poder estar cerca de ellos y le daba mucha pena hablarles, no se sentía digno de hacerlo (risas). Sí, fue una muy buena experiencia. Sacaron el álbum Dystopia con su propia disquera Siberia en Australia, pero lo están lanzando internacionalmente con EMI Capitol. ¿Por qué decidieron ayudarse de un sello mayor para distribuir su música? Siempre hemos sido independientes y nos gusta trabajar de esa manera. Creamos Siberia para lanzar el álbum en Australia, que es un lugar pequeño donde podemos hacer todo por nuestra cuenta y donde tenemos el control creativo de lo que hacemos. Ahora las cosas se están haciendo más grandes y hemos llegado a un punto en donde necesitamos apoyo para distribuir nuestra música y que llegue a todas partes. Habíamos tratado con varias disqueras antes pero nunca nos sentimos bien. Ahora nos sentimos cómodos en todos los sentidos: tenemos el apoyo que necesitábamos y nosotros seguimos haciendo el arte y la parte creativa. Básicamente lo mismo que antes, sólo que con un distribuidor grande como socio, así que ha funcionado bien. ¿Tienen planes para producir o firmar más artistas con Siberia? Sería bueno producir discos a otros artistas y algún día tener una auténtica disquera y hacerla crecer, que sea una disquera verdaderamente funcional. Pero creo que eso será en el futuro. ¿Cómo decidieron incluir la batería en vez de seguir usando cajas de ritmos? Cuando empezamos sólo tocábamos en fiestas por diversión, no pensábamos en incluir un baterista simplemente porque no lo teníamos y usábamos cajas de ritmos. Pero conforme crecimos y evolucionamos nos dimos cuenta que en algún momento íbamos a necesitar un baterista. Anteriormente tocamos en bandas de rock, con batería, así que se nos hizo muy natural integrarla y tocar de esta forma. De cierto modo su presencia ha cambiado la dinámica de la banda; Daniel aporta mucha energía a nuestras presentaciones en vivo. Vernos tocar es una experiencia completamente distinta a la de escuchar nuestros discos, tratamos de darles enfoques diferentes a las canciones, les cambiamos la introducción o hacemos una improvisación a mitad de alguna canción. Es divertido cambiar las canciones. ¿Entonces ahora se consideran un power trio? Son tres y suenan poderosos (risas). Power trio (risas), talvez nos gusta pensar eso, bromeamos con ser una banda de metal de estadios. Nuestro show está planeado para lugares grandes, nos

pasamos mucho tiempo diseñando cosas para nuestras presentaciones en vivo, props para el escenario, luces, proyecciones, etc. Desgraciadamente no siempre podemos llevar todo a los lugares donde tocamos porque es difícil. Pero sí, creo que nos puedes llamar un power pop trio (risas), es gracioso. ¿Qué está pasando en la escena musical australiana? ¿Puedes recomendarnos algunas bandas? Sí, hay muchas cosas buenas y está creciendo mucho. Por un tiempo el rock que se hacía era un poco más tradicional, lo podrías llamar pop rock tipo AC/ DC. Ahora se está desarrollando mucho la escena dance, hay muchos estilos. Actualmente muchos grupos están saliendo de Australia como es el caso de Cut Copy, que es una muy buena banda. Sí, hace unos días tocaron aquí en México. Sí, ellos están haciendo cosas muy buenas. Creo que vale mucho la pena lo que está saliendo de Australia. Justice los invitó a participar en su tour por Norteamérica el año pasado. ¿Cómo es su relación con ellos? Nos llevamos muy bien, somos amigos. Los conocimos el año pasado en Australia pero ya conocíamos su música y ellos la nuestra. Luego nos reencontramos en París y ahí fue cuando nos invitaron a la gira por Norteamérica. Desde entonces nos hemos vuelto buenos amigos y nos apoyamos mutuamente. ¿Cocinaron para ellos? (Risas) Sí lo hicimos, pero sólo una vez. ¿Qué les prepararon? No me acuerdo (risas), creo que fue pasta o algo así, o talvez algo vegetariano, no sé si fue exactamente lo que ellos querían, teníamos quesos y vino. Escuchamos música toda la noche, fue muy agradable (risas). ¿Qué es más divertido? ¿Remezclar canciones de otros artistas o escuchar tus canciones remezcladas por alguien más? Siempre es emocionante escuchar lo que alguien más ha hecho con tu música. Pero me parece más divertido remezclar a otros artistas, te da la oportunidad de ser creativo, es como otra forma de escribir música. Definitivamente es más divertido remezclar. ¿Tienen planes u ofertas para venir a tocar a México? Sí, espero que podamos ir muy pronto. Íbamos a ir el año pasado pero al final no se pudo. Estoy seguro que este año iremos, a todos nos encantaría poder ir a tocar a México. Marvin es revista de culto. ¿A qué o quién has rendido culto? Crecí escuchando trash metal y solía idolatrar a Slayer, es interesante porque suena muy diferente a lo que hago ahora. Cuando aprendí a tocar guitarra compré libros de tablaturas para poder tocar sus canciones (risas). Todavía me gustan, talvez no tanto como antes pero aún los escucho. Muchas gracias por la entrevista, espero verlos pronto por aquí. Yo también espero estar por allá pronto. ¡Muchas gracias! M www.myspace.com/midnightjuggernauts

Wacken

Mas organico, imposible TXT::: Chico Migraña.

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En este espacio se ha escrito en abundancia sobre la experiencia de vivir Wacken Open Air, el festival más grande del mundo en el ámbito del heavy metal. Este año se llevará a cabo su decimonovena edición. Habrá como siempre grandes bandas, ansiadas reuniones, viejos referentes, decibeles, pirotecnia, tianguis, espectáculos de striptease, disfraces, 70 mil vagabundos de todo el mundo, cientos de miles de litros de cerveza, comida, fogatas, gritos y sonrisas. Digamos que esos son los elementos de siempre. Este año destacan las presentaciones de Iron Maiden, Avantasia, Carcass, At The Gates, Children of Bodom, Opeth, Grave, Cynic, Exodus, Lordi, Kreator, Nightwish y Obituary. Sin embargo, también existen otras circunstancias que se deben considerar y que cada año son parte importante en la planeación del festival. Un sitio en el cual convivirán, comerán, dormirán y beberán 70 mil almas durante una semana, o por lo menos los tres días del festival, requiere de una exhaustiva planeación en cuanto a servicios sanitarios. Suena feo, y podría oler peor de lo que suena, pero la realidad es que Wacken se ha establecido como un verdadero modelo a seguir. El año pasado se instalaron 450 gabinetes con escusado de dispositivo manual (que se les puede jalar pues), repartidos en cinco campamentos con regaderas. Además se instalaron poco más de mil gabinetes con escusado tipo letrina (no se le puede jalar), cifra que supera cualquier otro festival de este tipo en el mundo. Todos los gabinetes se limpian tres veces al día, durante todo el tiempo que dura el festival. Parece imposible, pero la realidad es que pagando un euro y medio (cerca de 22 pesos) es posible entrar a un baño limpio, siempre con papel higiénico y dadas las condiciones, bastante privado. Claro, la higiene también es negocio y este año se vende un paquete de cuatro días por 120 euros (cerca de dos mil pesos) que consiste en una llave, un candado y un gabinete privado. Es decir, un baño que solamente podrá ser usado por el teniente de la llave. Incluye lavabo, dispensador de jabón, papel higiénico, atomizador con olor a esencias herbales y tres limpiezas diarias. Nada mal, sobre todo para el visitante europeo que puede gastarse esa cantidad sin muchos problemas. Otro aspecto que ha variado con el tiempo son los urinales. En años anteriores y debido a las impresionantes cantidades de cerveza que se consumen, una vista común era que las cercas que delimitan espacios solían estar siempre “atendidas” por caballeros en necesidad de orinar. En algo que en principio es un acto de civismo, los hombres no usan los gabinetes sanitarios (ni siquiera los gratuitos) para orinar, lo cual favorece enormemente a las mujeres. Ante tal

Open Air bizarra visión, los organizadores decidieron colocar larguísimos urinales en las mencionadas vallas. Una breve inclinación y las formas naturales del terreno, además de la gravedad, facilitan el trabajo de conducir la orina a depósitos especiales, evitando estancamientos. ¿Alguien escuchó alguna vez el término “primer mundo”? Y eso no es todo: un festival de esa magnitud genera basura en cantidades similares a las de una pequeña ciudad. Para ayudar un poco, los organizadores entregan a la llegada de cada visitante un paquete llamado “Full Metal Bag”. Se trata de una bolsa negra con el logotipo del concierto en blanco, acompañada de diversos souvenirs. La idea es sacar los recuerdos y usar la bolsa como contenedor de basura. Al final del festival, cada persona que entrega una bolsa llena, recibe tres euros. Y si bien la cantidad es simbólica, el gesto de conservación y conciencia orgánica es lo que realmente importa. Por si fuera poco, la manera en que se construyen las áreas del festival dependen en gran medida de las condiciones climatológicas. En el 2007, por ejemplo, cayeron en la zona 350 litros de lluvia por metro cuadrado de terreno. Eso, en términos prácticos, es casi una inundación en una zona que en los días que no hay concierto es utilizada para el pastoreo. Con la finalidad de hacer del área un lugar seguro en el cual se pudieran movilizar 70 mil personas y 48 tráilers que llevaron 350 toneladas de acero, además de cables y equipo para que funcionaran los escenarios, se requería secar en la medida de lo posible y rellenar el terreno. Para el secado se usaron durante tres días dos helicópteros que volaban a 60 centímetros del suelo para liberar agua, además de 1,500 toneladas de laminitas de madera y 500 pacas de paja que se usaron para establecer un suelo de mejores condiciones que el lodo. Son algunos detalles de lo que se necesita para llevar a cabo un festival como este. Otros podrían tener menos conciencia ecológica y evitarse la molestia de recolectar basura de forma interactiva, u ofrecer condiciones de higiene de altísimo nivel. Talvez podrían no secar el área y cubrirla, exponiendo a los visitantes a infecciones y condiciones insalubres. Por eso Wacken Open Air es la meca; por eso los metaleros tienen conciencia ecológica. Puede no ser Live Earth, pero genera mucha más conciencia, sin tanto glamour. Wacken es un festival 100% orgánico. M

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La ciudad y los jardines

Y Dios plantó un huerto en Edén, al oriente; y puso allí al hombre que había creado. Gen.2.8

La “naturaleza”, esa célebre desconocida, no es sólo una remembranza mítica o un paraíso exclusivo de la provincia: la naturaleza existe más allá de las peceras, las macetas y las tortuguitas chinas.

Desde tiempos muy antiguos los jardines han sido espacios encantados, circundados por un aura que oscila entre lo maravilloso y lo terrorífico, entre la belleza y el espanto. Los jardines, en cualquiera de sus modalidades, han sido la negación del rugido estrepitoso de la naturaleza y la expresión triunfal de la voluntad del ser humano que domina a discreción el medio que lo rodea. La variedad y el simbolismo del jardín han cambiado sustancialmente a lo largo de la historia. Así, los jardines han sido vistos como espacios de regocijo (persas), reflexión y zona de culto (griegos), sustento (egipcios), como paraíso (musulmanes), como territorio de contemplación y recogimiento (chinos), como testimonio barroco de suprema vanidad (franceses) y como prolongación del paisaje romántico (ingleses). Para los romanos los jardines representaban, además de sitios de recreo, la posibilidad de estudiar las particularidades de las plantas, lo que derivaría con el tiempo –merced de los jardines medievales– en los contemporáneos jardines botánicos. Para los japoneses, por otra parte, el jardín ha sido el espacio posible para hacer del universo una estancia minimalista a través de bonsáis, piedras y el flujo del agua con intenciones profundamente alegóricas y como lugar para la meditación más que para el paseo desenfadado o el escarceo libidinoso. El jardín, al ser una empresa humana, se difracta en posibilidades casi tan extensas como los hombres mismos: ningún jardín es sólo un jardín. El jardín contemporáneo Es a partir del siglo xix –con la transformación radical de la economía y las prácticas sociales derivadas de la revolución industrial– que el concepto de ciudad cambió de manera estrepitosa, ocasionando por primera vez en la historia la conciencia del individuo enfrentado a una metrópoli que lo rebasa y nulifica, debido al ensanchamiento de las distancias originado por los medios de transporte y la acumulación de bienes, servicios y conflictos de las capitales. La ciudad, imán de voluntades, se tornará un territorio agreste del que es necesario escindirse o al menos esconderse para no difuminarse ante el espesor de su grandeza. Aparecerá entonces, como síntoma inequívoco de la nueva geografía urbana, el concepto de parques y jardines que hasta la fecha conservamos: un lugar para el refugio. Los jardines son esa suerte de maqueta que nos ubica en un espacio de verdura refrescante, puertas a un campo encuartelado y obediente. Las ciudades contemporáneas, es un hecho, devoran todo lo que encuentran a su paso, suscitando gravísimos problemas en la mayor parte del globo. Las consecuencias de la demencial densidad poblacional de ciudades como México, Nueva York o Tokio, ocasionan contaminación del aire, escasez de agua, estrés auditivo y visual, deforestación, intoxicación, cancerogenicidad, erosión, basura y un sinuoso etcétera. La Ciudad de México, debido a la desecación de los mantos freáticos, sigue hundiéndose por su propio peso. Bajo este influjo, más tarde o más temprano la ciudad será una gigantesca chinampa anegada por el fango de sus propias inmundicias. De allí la importancia de los parques, oasis urbanos que vuelven habitable la vida citadina. Sitios como el Central Park, los Bosques de Palermo o el Bosque de Tlalpan, a la vez que fungen como purificadores del ambiente otorgan también la ilusión de que la “naturaleza”, esa célebre desconocida, no es sólo una remembranza mítica o un paraíso exclusivo de la provincia: la naturaleza existe más allá de las peceras, las macetas y las tortuguitas chinas. Los parques y jardines son la transfiguración del locus amoenus en la medida en que cumplen la función de una naturaleza acogedora y comprensiva. Queda claro que el jardín como lo conocemos es una respuesta moral a la opresión de la urbe. El arriate, en su discreción, es un válido rezongo.

Varias han sido las tentativas de urbanistas, ecólogos y sociólogos para contrarrestar, a través de la integración de los jardines al espacio social, los problemas que afectan a las ciudades. Uno de ellos fue Ebenezer Howard, quien desarrollo el concepto de ciudad jardín en 1902. De acuerdo con esta perspectiva las ciudades deben ser comunidades pequeñas que permitan descentralizar las metrópolis, combatir el hacinamiento y aumentar la eficiencia en la mayoría de los procesos vitales de la población. Siguiendo esta visión, los asentamientos urbanos deberían estar rodeados por un cinturón vegetal. La ciudad entonces, en perfecta simbiosis, estaría encerrada en el jardín y no a la inversa. Un ejemplo impresionante de la articulación de los jardines con la ciudad es el caso de Curitiba, capital del estado de Paraná en Brasil. Curitiba posee una población aproximada de dos millones de habitantes, menos del diez por ciento de la que posee la Ciudad de México (fue Gombrowicz quien expresó que “veinte millones de personas en todas las combinaciones posibles es demasiado para la vida singular de una persona”). Su transporte público es uno de los mejores del mundo –nuestro metrobús está inspirado en los diseños del urbanista Jaime Lerner–, sus parques y áreas verdes ocupan buena parte de la ciudad, y en opinión de la UNESCO Curitiba es la ciudad modelo para orientar la reconstrucción de las ciudades de Afganistán diezmadas a partir de 2001. El sujeto en los jardines Por ventura del ocio y el azar he tenido la oportunidad de conocer y comparar distintos jardines del planeta, razón por la que he percibido, siquiera sesgadamente, la importancia que juegan los jardines en las distintas dinámicas sociales. El jardín, en su estatismo, deviene puro movimiento. He podido disfrutar del impresionante silencio del Real Jardín Botánico y del Parque del Retiro en Madrid, donde pude observar un espectáculo inmejorable de improvisación teatral, y darme cuenta de que ambos paseos están planeados para el disfrute matutino y desobligado. Malgasté horas de mi vida leyendo los Cuentos de la Alhambra de Washington Irving y aun invertí un poco más intentando descifrar por qué ante un espectáculo esplendoroso como los jardines de Granada era posible escribir algo tan inmensamente aburrido. Lloré mi desamor bajo las invernales nieves del jardín de las Tullerías y quedé horrorizado ante la perfección marcial de los jardines de Versalles, esa extraña geometría que invita al retrato desangelado pero no a la caminata. He pasado, por el contrario, días enteros en la cálida y perenne romería de Chapultepec intentando comprender un bosque vestido de feria. He abominado la grisura polvorienta del Parque de los Venados y he aplicado la caricia aventurera en la Plaza de la Conchita. He temido por mi vida a media noche en la Alameda y he visto la luz dorada más bella del mundo en Coyoacán y sus viveros. Sonrío al evocar los parques de Los Tecajetes y Los Berros de mi niñez en Xalapa y no puedo sino recordar el pintoresco parque Vondel de Ámsterdam, donde por influjo de una pasión adolescente pasé mi noche triste a la sombra de un abeto comiendo un Snickers ante la imposibilidad amorosa de fumar cualquier tipo de hierba (en este momento las autoridades holandesas debaten la posibilidad de mantener prácticas sexuales en los rincones apartados del parque por las noches). Me parece que los parques y jardines ejemplifican no sólo nuestra necesidad de regresar al país natal, sino que también exteriorizan uno de nuestros principales miedos: la sospecha de que el mundo de colores que se vive en las montañas, los lagos, la tundra o los desiertos acabe por perderse entre los muros de concreto y quedemos finalmente confinados, como Neo frente a la Matrix, a vivir en el subsuelo. M TXT:: Rafael Toriz. ILUST:: Carlos Meza. Visita su blog: lun471c0.blogspot.com

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La supervivencia de un organismo vivo o de una sociedad depende de las condiciones en las que se desarrolló. El comportamiento de nuestra sociedad no asegura un futuro sustentable. La generación desproporcionada de basura y la alta tasa de crecimiento poblacional son condiciones que propician la contaminación de agua, aire y suelo, además de contribuir significativamente a la pérdida de biodiversidad. Todas estas situaciones a la larga terminarán por dañar nuestros ecosistemas de manera irreversible. Solemos pensar que no tenemos nada que ver, o que no podemos hacer nada para remediarlo. Aquí te pasamos unos tips para que empieces.

Me parece que deberíamos... Agua Hay una tendencia errónea a creer que el agua siempre estará disponible. La explotación irregulada de los mantos acuíferos nos ha llevado a usar más agua de la que puede ser regenerada naturalmente. Las actividades diarias provocan gran demanda del líquido. Por ejemplo, limpiar es una actividad que resulta altamente tóxica para el ambiente, pues lo que se va por el drenaje tiende a acabar en y con el ambiente, igual que en el caso de los químicos usados en la elaboración de jabones, detergentes, etc. Todos los días, el uso del jabón contamina millones de litros de agua, contribuyendo al daño de los ecosistemas marinos (entre muchos otros). Por lo regular, los jabones incluyen ceras y otros derivados de aceite, así como grasas animales que se van acumulando en el ambiente. Algunas de las sustancias que se usan para aromatizar los jabones causan daños prenatales y daños en el hígado de varios animales acuáticos. Los jabones de origen vegetal no contienen sustancias derivadas de animales. Para su fabricación se utilizan aceites vegetales y fragancias naturales que no dañan el ambiente. Generalmente su precio es más bajo que los otros jabones, y los puedes encontrar en cualquier supermercado. Cuando laves la ropa, aplica vinagre o bicarbonato de sodio en manchas de desodorante o aquellas que sean difíciles de quitar antes de meter la prenda a la lavadora. Dentro de la lavadora utiliza un detergente biodegradable sin colorante o fragancias. Si necesitas un blanqueador, media taza de jugo de limón servirá para blanquear tu ropa. Recuerda lavar la ropa con agua fría para reducir el consumo de energía. Al elegir el detergente para platos es necesario revisar que los niveles de fosfato sean bajos, porque esta sustancia llega a ríos, lagos y mares contribuyendo al crecimiento de algas y fitoplancton. El florecimiento de estas especies bloquea la luz solar y provoca un desequilibrio en la presencia de oxígeno. También es preferible que los platos se laven a mano, de esta manera el consumo de energía, agua y la generación de desechos no reciclables es menor.

Ahorra Energía Los actuales patrones de consumo son responsables de nuestra actual crisis energética (producción de combustibles, electricidad y otros recursos naturales). El uso de energía desmesurado y la situación mundial sobre los impactos que ha tenido en nuestros ecosistemas (calentamiento global), ha despertado una conciencia ambiental que nos obliga a la búsqueda de alternativas ambientalmente amigables. Sin embargo, los altos costos para implementar estos nuevos modelos impiden que se vuelvan una alternativa viable para todos. Para darnos una idea: un sistema de paneles solares de uso casero tiene un costo aproximado de $35,000 pesos. Los actuales métodos de generación de energía son altamente contaminantes y comienzan a provocar un déficit en el suministro, por lo tanto es importante comenzar a medir y ahorrar nuestro consumo diario para asegurar uno futuro. Utiliza un tendedero en vez de la secadora. Si secaras al aire libre la ropa la mitad del año, se reduciría en 320 kilos la emisión de dióxido de carbono al año. En lugar de usar el aire acondicionado, utiliza un ventilador. Aunque el ventilador no reduce la temperatura del aire, el movimiento del aire evapora el sudor y provoca que te sientas más fresco. El transporte privado es una de las actividades que libera más emisiones de gases

tóxicos a la atmósfera. Usa menos el coche compartiéndolo, camina o usa la bicicleta. El transporte público evita la emisión de 230 kilos de dióxido de carbono al año. Reusa antes de reciclar. Aunque reciclar sea una actividad con alto impacto benéfico para el ambiente, también es una industria que requiere de mucha energía. Desenchufa los aparatos y cargadores cuando no los estés usando. El 75% de la electricidad que se gasta en casa, proviene de aparatos apagados pero que al estar conectados siguen jalando energía. Compra frutas y verduras de temporada, de preferencia que sean 100% orgánicas. De esta manera evitas consumir productos que para llegar al supermercado han viajado por avión (contribuyendo al uso de energía fósil), han sido empacados especialmente para que no se dañen en el transcurso del viaje (desperdicio por empaques), impactan negativamente la economía regional y usan pesticidas.

Basura: separa y recicla Residuo: material sobrante de un bien que tuvo una utilidad. Desecho: cuando el residuo es dispuesto de tal manera que no se pueda aprovechar. Basura: mezcla de desechos. En México se producen 1.3 kg de basura por habitante al día en el medio urbano, mientras que se acumula 1 kg por habitante cada día en el medio rural. En el D.F. se producen 12 mil toneladas diarias de basura y en la zona metropolitana son más de mil toneladas diarias. La contaminación de aire y suelo es afectado por los lixiviados (escurrimientos que salen de la basura en temporadas de lluvias y acarrean los materiales y compuestos químicos que llegan a mantos acuíferos y al suelo). La única solución verdadera al problema de la basura es no hacer basura. No significa que no se generen residuos o desechos, sino que no se produzca basura (que no se mezclen los residuos y desechos). Separa los desechos, reciclables y no reciclables de material inorgánico, plástico, metal, papel, etc. Cuando se trata de materia orgánica, haz una composta.

¿Qué hacer con los electrónicos? La industria de la tecnología nos ha llevado a simplificar nuestras vidas y ha generado empleos, pero también contribuye en gran parte del deterioro ambiental. Para darnos una idea, la vida aproximada de un aparato, ya sea celular, computadora, agenda electrónica, etc., es de aproximadamente 18 meses. Después de eso, los aparatos son tirados a la basura o abandonados en algún rincón de la casa. El problema es que contienen varios químicos (entre otras cosas) tóxicos para el ambiente, como plomo, mercurio, cadmio y arsénico. Cuando se tiran en basureros, los componentes llegan a filtrarse al suelo y más tarde al agua. Además de ser muy agresivos, suelen actuar como bioacumulativos (una vez almacenados en el suelo y el agua, el ambiente los absorbe afectando a animales y plantas). Dónalos o véndelos. Dale un uso al aparato en lugar de tirarlo. Si los donas puedes darle la oportunidad a alguien que no puede costear el aparato. Recicla sus partes, muchas veces se pueden reutilizar. De esta manera evitas la acumulación de desechos. Compra aparatos que puedan ser actualizados, con ello no necesitarás comprar nuevos. Los monitores usan mucha energía, pero ¿sabías que dependiendo el color se gasta más o menos energía? El color blanco es el que más gasta (74 watts) mientras que el negro es el que menos (59 watts). Ajusta los monitores de tu casa para ahorrar energía. M Nos interesa saber qué ideas tienes para cuidar el medio ambiente. Visita nuestro foro en www.revistamarvin.com/ecologia y platica con nosotros.

Mientras la moda ecológica se extiende en el planeta y los productos orgánicos adquieren cada vez mayor valor en el mercado, en México el negocio del reciclaje sigue siendo una cadena subterránea. Al margen de la economía formal, su principal eslabón está integrado por pepenadores y cartoneros que defienden con todo su territorio, bajo la aridez de la pobreza. Conforme se avanza hacia el oriente del Valle de México, la tierra se agrieta y la ausencia de edificios da paso a un cielo azul y deslumbrante. Las tolvaneras parecen avanzar secándolo todo en una carrera de remolinos que van y vienen por las calles de terracería. Al fondo, entre las últimas casas de tabique y lámina, se puede observar una larga cordillera de desechos que serpentea hacia las aguas del lago de Texcoco. Así es el paisaje de la pobreza que caracteriza al municipio de Chimalhuacán, donde existe un tiradero en el que la basura se degrada a cielo abierto. A unos cuantos kilómetros de distancia del Bordo de Xochiaca –el que fuera el relleno sanitario más grande de Latinoamérica–, se encuentra el tiradero de Chimalhuacán. En este lugar, trabajan alrededor de 200 personas en condiciones insalubres: niños, mujeres y hombres que descargan, pepenan y comercian entre toneladas de desperdicio, generadas por las colonias aledañas, en una de las zonas con mayores índices de marginación del país.

TXT:: Mayte G. Bonilla. FOT:: Arturo Lara.

Reciclaje y supervivencia

Un “bisne” bajo el suelo Como la mayoría de los pepenadores, Benito se inició desde niño en el negocio del reciclaje. Tenía seis años cuando ya laboraba junto con su madre y su hermana mayor en este terreno. Sin embargo, en ese entonces la basura apenas comenzaba a acumularse en pequeños montículos. “Juntábamos la lata, el papel, el cartón y el vidrio”, recuerda Benito sobre lo que hacía en aquella época de 1991, cuando tuvo que despedirse de los juegos infantiles para integrarse al trabajo. La suya era una de las pocas familias que pepenaban en los alrededores de lo que entonces era un pequeño municipio del Estado de México. Pero las cosas cambiaron de pronto cuando apareció el líder de la llamada “organización”, la cual se encargó de agrupar, según el entrevistado, alrededor de unos 80 cartoneros, como se les conoce a quienes recolectan la basura de casa en casa. Poco a poco los integrantes de la organización invadieron las calles, por las que más tarde tendrían que pagar, pues el líder no tardó en venderles las zonas que su misma gente había ganado para él. “El líder nos empezó a robar; a él se le debía pagar para poder trabajar en las calles, y de ahí sacar la papa del diario.” Pero ellos no fueron los únicos que se vieron obligados a comprar su espacio laboral. “A los pepenadores también se nos empezó a cobrar una cuota semanal por estar en el tiradero”, cuenta Benito que, a muy temprana edad, fue integrado a un sistema tan hostil como común en México. La existencia de este tipo de agrupaciones (conformadas por cartoneros y pepenadores) no es ningún secreto en el negocio del reciclaje. Estas son dirigidas por unas cuantas personas, a la sombra de la ilegalidad y el olvido del

“¿Y qué piensas de todo esto, Mayte?”, Benito me asalta con una pregunta que le es arrebatada por las rachas de polvo e insectos. Luego, viene mi silencio que es ahora lo único que se arremolina en la escasa planicie de este universo.

48 gobierno. Y son precisamente los líderes quienes se llevan la mejor tajada del pastel. Nada mejor que la versión de un pepenador para confirmarlo: “todo el material que se sacaba de ahí, se le debía entregar al líder de la organización, quien lo vendía por tonelada”. Además de las ganancias que generaba el cobro de uso de suelo –por llamarlo de algún modo–, el dinero de la venta de material reciclable también se quedaba en manos del líder. Así, “mientras él sacaba unos 20 mil pesos a la semana, gracias a nuestro sudor, nosotros teníamos que conformarnos con uno o dos varos que la gente nos daba por llevarnos su basura.” Sin embargo, pasado algún tiempo, las cosas cambiaron: “cuando los compañeros se armaron de huevos y se rebelaron. Después de los madrazos, el líder se fue a chingar al reclusorio.” A la de Dios y sin permiso Benito hace un cálculo rápido: “yo tenía once años más o menos, cuando mi madre al fin pudo juntar los 15 mil pesos que nos pidieron por una zona”, la primera de las tres áreas que la familia posee hoy en día. Actualmente, Benito trabaja como cartonero y se reparte con su hermano menor las aproximadamente 20 calles que les corresponden. A diario, recolecta en su carreta la basura que generan decenas de hogares, algunas escuelas, una iglesia y un mercado. Luego, se dirige al tiradero donde realiza la selección final; vidrio, papel, PET, cobre, aluminio y fierro, entre otros materiales reciclables que posteriormente vende por tonelada a los compradores de desperdicios industriales. De esta manera, se conserva el negocio familiar, el medio de supervivencia más factible cuando se vive en extrema pobreza. Y aunque las condiciones de trabajo son deplorables, aquí no hay tiempo para las quejas, la vida también parece degradarse al aire libre. “Uno crece a la de Dios”, sintetiza quien ha visto la expansión de esta formación artificial pero tan natural en las sociedades del tercer mundo. Remolino de silencio Las bolsas de plástico vuelan junto a las aves, ofreciendo un inasible espectáculo de color, sobre los montones de basura que conforman al tiradero de Chimalhuacán. Cientos de personas van y vienen en busca de los últimos desechos, justo como lo hacía Benito hace más de una década. Ahora tiene 23 y una gran habilidad para escalar en ese suelo movedizo y putrefacto que por momentos huele a todo, que de repente huele a nada. A primer golpe de vista, puedo descubrir algunas casas de cartón y pequeños refugios construidos con chatarra; es difícil atreverse a mirar con detenimiento estos lugares donde los niños juegan y descansan a la suerte de “chemo”, cemento o Resistol. “¿Y qué piensas de todo esto, Mayte?”, Benito me asalta con una pregunta que le es arrebatada por las rachas de polvo e insectos. Luego, viene mi silencio que es ahora lo único que se arremolina en la escasa planicie de este universo. “Sí, este mundo es muy duro, no te lo voy a negar”, dice el chico irrumpiendo mi mutismo. Luego me guía hacia el voladero, pues a pesar de los pocos minutos que hemos estado ahí, la visita puede ser tan notoria como riesgosa. El precio que la gente ha tenido que pagar por este territorio se defiende a toda costa de ajenos e intrusos, incluso de los mismos compañeros. Es que “en esta chamba también

hay sus pros y sus contras: lo bueno es que siempre hay trabajo pa’ sacar un dinerito, lo malo es que hay que estarse partiendo la madre a cada rato.” Sí, las confrontaciones en el tiradero y en sus alrededores son bastante cotidianas; las invasiones están a la orden del día en esas calles a las que apenas empiezan a llegar los servicios del gobierno, un gobierno que, por cierto, hasta hace muy poco las tenía en el olvido. Ahora pepenadores y cartoneros encuentran en los carros oficiales de basura una nueva competencia, y en las autoridades del ayuntamiento a la peor de sus amenazas: “nos están quitando la chamba, y con la gente del ayuntamiento tenemos todas la de perder”. Aún así y ante los rumores que anuncian desde la llegada de una planta china de reciclaje, hasta el cierre definitivo del tiradero por parte del gobierno, Benito protege sus cuadras con la única arma que posee ante la incertidumbre, así como su trabajo, para el cual ya tiene bastante colmillo: “no hay que soltar las calles, uno debe ‘chambiarlas’ a diario. Además hay que ser atento con la gente de nuestra zona, y estar con los compañeros cuando a uno se le requiere.” De esta manera, explica, “los colonos, te dan el apoyo pa’ seguir trabajando y tu gente le va entrar con todo a la hora de los madrazos. Pero por ahora hay que llevársela tranquila”, recomienda mi amigo para después insistir con la misma pregunta: “dime ahora, ¿qué piensas, May?”. Esta vez opto por la broma y respondo: “me pregunto qué chingados voy a escribir de ti”. Por fortuna, la risa aplaca la curiosidad de mi acompañante, así que continuamos nuestro camino por la orografía de la inmundicia. Es momento para descender de esos cerros y dejar atrás las hondonadas de lodo y porquería entre las que ha crecido Benito, y en donde tuvo que convertirse en hombre a muy temprana edad. Eso es motivo de orgullo y una buena razón para asegurar: “los mejores momentos de mi vida los he vivido en la basura, en medio de toda esta suciedad.” M

50 Tejer Humos Cognitivos

(Con la marihuana)

El tema de la marihuana ha sido abordado desde diversos campos. Muchos de ellos, pienso, no han sido debidamente TXT:: Willy Heisinger Ojeda. valorados desde la política, como para que ésta emita un juicio sensato respecto a la polémica de la legalización (usos, Colaboración especial de producción a gran escala, cultivo individual y comercialización), aun cuando de este juicio dependan muchas otras cosas, se Guy Robert vean o no. De ahí que se le considere un tema urgente y que se presione cada vez con mayor insistencia. Mientras no se desarrollen criterios más amplios e inteligentes para conocer y sostener determinadas tesis, ya sea en contra o a favor, poco se conseguirá. Se trata de totalizar y balancear, en la medida de lo posible, el conocimiento, pero sobre todo de que las decisiones sean tomadas en nombre del bien común, porque no pocas veces el prohibicionismo da de qué hablar y parece contradecir su propia lógica y consignas. Algunas investigaciones antropológicas, etnológicas y hasta etológicas, por citar algunos ejemplos, ofrecen en cierto modo perspectivas alternas y complementarias, y no parecen tan tendenciosas como las efectuadas por la medicina y la psicología, que a veces sólo confunden más y más. Asimismo, está el tema del grado de veracidad de los datos arrojados por entidades gubernamentales. Respecto a la etología, G. Samorini ha encontrado que no sólo el hombre ha utilizado drogas, sino que también muchas otras especies animales, lo cual, de entrada, cambia el panorama bajo el cual se plantea la pregunta acerca del consumo. Una de las teorías que surgen a raíz de esto es que quizá la drogas sirvan a las especies para evolucionar. Alex Grey, artista norteamericano, plasma en varias de sus obras la infinita expansión que experimenta el hombre bajo los efectos de sustancias psicoactivas, y así, la posibilidad de trascender un estado regular de conciencia, como lo hicieran los griegos al encaminarse a Eleusis. Resulta curioso que en nuestro organismo ya existen de manera natural cannabinoides endógenos, como la anandamida. De tal modo que el THC, sustancia activa de la marihuana, pasa a los receptores de cannabinoides, y cataliza así los procesos de la conciencia. La marihuana es tratada por los medios de comunicación con la vulgaridad que les caracteriza, y eso es probablemente más nocivo que mantenerla en el folder de tabúes sociales. Quizá sea muy temprano aún para pronunciarse abiertamente en tal o cual postura (Holanda y sus famosos coffee shops, laboratorios y quizá hasta hospitales, seguramente, serán un buen comienzo para poder estudiar este asunto y sus consecuencias, por lo menos, estadísticamente). Opiniones respecto a la peligrosidad, beneficios y virtudes de la cannabis, abundan. Pero los argumentos a los que se aduce son deficientes, ingenuos. Como consecuencia, tenemos una especie de penoso maniqueísmo en donde apologetas y conservadores se montan en su burro. Parece que esto se debe en gran parte a que los efectos producidos por la marihuana pueden ser muy disímiles e imprevistos, no sólo entre distintos individuos, sino incluso en uno solo, lo cual depende mucho del estado anímico previo de cada persona (set), así como del contexto bajo el cual se consume la droga (setting). No todos los organismos reaccionan igual ni todos los individuos tienen las mismas experiencias. No bastarían cifras para poder diagnosticar sus consecuencias. Por eso mismo es tan difícil y arriesgado asumir una postura. No obstante estos divergentes efectos, que van desde una sensibilidad exquisita hasta una insufrible angustia paranoica, existe la posibilidad de generalizarlos. Si es a la juventud, por ejemplo, a quien contempla y registran las cifras, es obvio, entonces, que los estudios van a depender de los datos que de este específico grupo social deriven, mismo que cuenta con esquemas más o menos tipificables para subsumir y arremeter la realidad, específica también, en que se mueven.

Decir que el uso de drogas es una forma de evadir la realidad no es del todo atinado, ya que muchas veces pasa que los problemas, al contrario, pueden magnificarse y envolvernos. De hecho se dice que las drogas, incluyendo la marihuana, no hacen sino amplificar las características de nuestro yo.

Para aprender más sobre la droga orgánica por excelencia, lee Marihuana. La medicina prohibida de Lester Grinspoon y James B. Bakalar. Paidós Ibérica.

b b Bajo la lógica de que ante la inevitabilidad del consumo (por lo menos a corto plazo), es mejor hablar sobre él que hacerse pato, algunas personas han promovido la política de la —reducción de daños— (discurso que toma como punto de partida el hecho de que el consumo es innegable), para así poder al menos informar o advertir acerca de sus efectos, y en consecuencia, hacer más responsables y conscientes a los consumidores. Implantar estas medidas es, en apariencia, algo horroroso, pero en el fondo rescatable. La respuesta a la pregunta de por qué se prohíbe tanto esta sustancia tiene que ver con que resulta a veces totalmente incompatible con el sistema, y con el hecho de que quienes la consumen, subsiguientemente, quedan al margen de él, como seres introspectivos o espectadores críticos de una realidad que ha perdido su sentido y su autoridad. Otros estudios, sin embargo, revelan que los consumidores eventuales son los mejor adaptados, y que el uso de drogas no es en sí la causa del desajuste personal y social, sino más bien un síntoma de ello. La marihuana es una sustancia orgánica de uso cultural milenario, proveniente de Asia central. Pertenece a la familia de las Cannabaceae y el género Cannabis. De ella ya podemos encontrar rastros desde que se forjaron las primeras religiones del paleolítico (chamanismo), cuyas deidades eran principalmente animales y plantas. El nombre marihuana viene del náhuatl malli, que significa planta, y hahuana, borracho. O sea, planta que embriaga. Se dice que las hembras son las más fuertes, por producir resina en elevadas proporciones, la cual les sirve para protegerse del calor y la humedad. Las plantas más potentes se desarrollan en climas cálidos, como los de México, Oriente Medio y la India. Se dice también que es un enteógeno (de en: dentro, teo: dios y génico: generador), término inventado por Robert Gordon en 1978, y por un grupo de científicos

b b que consideraban que hablar de la marihuana sólo como una droga alucinógena, reducía su significación cultural. Algunos yoguis la consideran una de las plantas de la diosa Shiva, y la utilizan para sus rituales y ejercicios. Incluso se ha llegado a utilizar como vía alterna para acceder a niveles de conciencia superior: ausadi. Entre huicholes y rastafaris, para citar otros ejemplos, la marihuana también ha tenido un significado un poco más profundo. Para ellos, esta planta no distorsiona la realidad, sino que depura las percepciones. Como se ve, existe un gran contraste entre el uso que esta planta tiene en otras culturas, y el carácter profano que ha adquirido hoy en día. Decir que el uso de drogas es una forma de evadir la realidad no es del todo atinado, ya que muchas veces pasa que los problemas, al contrario, pueden magnificarse y envolvernos. De hecho se dice que las drogas, incluyendo la marihuana, no hacen sino amplificar las características de nuestro yo. Los COEXS (condensed experience sistems) son sistemas en donde se ordenan los pensamientos, y a veces pueden tomar un rumbo hostil y volverse autónomos si es que algo más nos remite a experiencias traumáticas. Por lo tanto, se está de cierto modo a merced del azar en la medida en que no se sepa cómo controlar la situación, y dependiendo de qué tan fuerte o hábil sea la mente ante las visiones. Por eso mismo, se recomienda que si se va a consumir marihuana o cualquier otra droga, esto se haga por lo menos bajo condiciones propicias, debido a que no puede determinarse bien a bien qué tanta predisposición o no tengamos para desarrollar una patología o librarnos de todo riesgo. Por lo demás, si no se entiende que el riesgo es un elemento implícito en el consumo de drogas, y si no se siente gusto por él, de entrada, sería mejor abstenerse. M

A la una, a las dos y a las tres: Coachella TXT:: Andrés Díaz. FOT:: Arturo Lara.

Axe y Marvin en Coachella 2008 Axe llevó a los ganadores de un concurso al Festival Coachella 2008. Marvin tuvo la oportunidad de convivir con ellos en las actividades que se organizaron antes y después del festival. La fiesta comenzó mucho antes de que sonaran los primeros acordes en Indio, California. Desde el principio, nos consintieron en grande. El primer día, nos llevaron a conocer los lugares más famosos de Los Ángeles. Nos detuvimos a hacer algunas compras en un centro comercial y una tienda de discos. Después, al llegar a Coachella, ofrecieron una de las legendarias pool parties californianas. Ahí disfrutamos de mucha y muy buena comida, bebida, y todo lo que puede esperarse de una fiesta pre-festival. Después de todo el ajetreo de los tres días de música, para relajarnos nos llevaron a las playas de Santa Mónica.

Ganadores del concurso de Axe

A principios de año, el responsable de Coachella, Paul Tollett, dio a conocer por primera vez en la historia del festival el line up en México. Muchos estábamos desilusionados por no ver grandes nombres, a excepción de Portishead. Tiempo después se fueron destapando uno a uno los carteles de los demás festivales y eran muy similares, sin contar con la aparición de grandes bandas como R.E.M., debido a que apenas lanzarían su nuevo material discográfico en el primer semestre de este año. Pero ya echándole un segundo vistazo, el cartel de Coachella no era malo, y de nueva cuenta me vino a la mente una playera que vendían el año pasado que decía: “I came for the smaller bands”, ya que había muchas bandas que ni siquiera estaban en otros festivales. Pero si lo comparábamos con el año pasado, saltaban nombres como el reencuentro de Rage Against The Machine o Björk. Total que al ver que el nombre de Jack Johnson como headliner y que nada más los boletos no se vendían, tuvieron que agregar a Goldfrapp, Aphex Twin y Serj Tankian, y tampoco jaló. Fue hasta que (según Perez Hilton) ofrecieron 4.8 millones de dólares para contratar a Prince que se agregó la pieza faltante para que por lo menos los gringos se motivaran a ir. Curiosamente muchas personas decidieron no ir por todos estos motivos. Ahora que ya pasó, debo decirles a aquellas personas que no fueron que se perdieron de un festival en donde la nostalgia y la investigación fueron las constantes.

Portishead

Día 1

Entrando a los detalles del festival, desafortunadamente me perdí a la novedad australiana de Midnight Juggernauts (por culpa de los babosos de la entrada). Luego vi a Battles, uno de los representantes del math rock (junto con Foals, que sí se estarán presentando en Lollapalooza). La verdad Battles son muy buenos en vivo por la complejidad de su música. Luego llegó la novedad inglesa de Black Kids, cuyo sencillo “I’m Not Gonna Teach Your Boyfriend How To Dance” llegó al top ten en Inglaterra. Tenían una vibra muy ñoña pero “buena ondita” por así decirlo, y a pesar de que sonaban bien, se nota que aún siguen verdes en cuestiones de tocar en vivo. Después vi a Busy P, que puso a todos como changos a bailar al samplear el principio de “Thriller” de Michael Jackson. También vi a Les Savy Fav, que para muchos era una joyita del festival, pues el vocalista en sí es todo un show: bajó con el público, le quitó el calcetín a un espectador y subió hasta la cima del escenario. Dan Deacon hizo una dinámica bien rara con el público: consiguió que se formara un círculo en el Gobi Tent (el cual recibió a las mejores pequeñas bandas del festival) y puso a una persona a dar vueltas para que luego metiera a alguien más en el círculo, y así sucesivamente. Jens Lekman sonó muy bonito gracias al acompañamiento de una violinista. Fue muy melodioso y armónico en medio de tanto guitarrazo en pleno desierto. The Breeders estuvieron muy flojos; parecía que estaban haciendo el soundcheck en su presentación en vivo, y más porque su último disco está malón. Todos tenían una expectativa alta con respecto a Vampire Weekend, ya que muchos (incluyendo a la revista Spin) ya los consideran como la banda del año. En vivo suenan casi igual que el disco, y estrenaron una nueva canción que sonaba un poco más electrónica por las secuencias. Múm, como es muy tranquilo y ambiental, logró que los presentes se sentaran a un lado del escenario. Para mi suerte se sentó junto a mí el vocalista de Café

Goldfrapp

Tacvba y me dijo que estaba muy emocionado por ver cómo sería la reacción de la gente durante su concierto, que se realizaría un día después. Dan le sac Vs Scroobius Pip le soltaron una pedrada a los organizadores de Coachella al burlarse porque tenían de headliner a Jack Johnson. De Goldfrapp sólo pude ver “A&E” y una canción de su primer disco Felt Mountain, que es muy bueno por cierto. De The Raconteurs sólo vi un par de canciones… Jack White es todo un virtuoso en la guitarra, no por nada salió en la portada de la Rolling Stone gringa al lado de Mick Jagger y Keith Richards. Uno de los grandes motivos por los que fui a Coachella era para ver a Aphex Twin. Pero fue una desilusión verlo sólo pinchando discos que hacían referencia a su etapa post ravera y hip hopera. Por su culpa me perdí a Santogold, novedad que a todo mundo trae loco, como hace un año nos traía M.I.A. Spank Rock no sonó tan sucio como en su último EP junto a Benny Blanco donde los “pussy” y “whore” abundan, ya que antes de subir al escenario enfermó y se lo llevaron al hospital, siendo suplido por su misma banda. Para cerrar el día estuvo Fatboy Slim, que llenó el Dance Tent, comprobando que fue un grave error llevar a Jack Johnson. Muchos dicen que Norman Cook es el mejor DJ hoy en día. Estuvo bien, sólo que su sonido, para mi gusto, sí sonaba muy noventero. Pero que más da, escuchar “Praise You” o ¨Right Here, Right Now” fue una delicia. Love & Rockets

Prince

Café Tacvba

M.I.A.

Día 2

El segundo día lo más interesante fue MGMT. Fue hasta que se echó un combo de “Time To Pretend”, “Electric Feel” y “Kids” donde hizo clic con el público inmediatamente. Bonde Do Role estrenó dos vocalistas que suplen el hueco que dejó Marina. St. Vincent estuvo increíble, si no la conocen youtubeen su video “Jesus Saves, I Spend”. A Café Tacvba no le fue nada mal, ya que aparte de la banda chilanga había uno que otro gringo que “washa washeaba” sus canciones. El highlight del día fue Hot Chip, que sonó mucho más dancy al hacer continuas las canciones con toques más bailables. La gente bailó y gritó, una sorpresa si consideramos que los gringos normalmente son más fríos con los artistas. Death Cab For Cutie me encanta porque tanto pueden tocar una canción tranquilita como una rocker; a eso súmenle la increíble voz de Ben Gibbard. Curiosamente, la vocalista de Postal Service, Jenny Lewis, estaba tocando con su banda Rilo Kiley en otro escenario. Ellos tienen la virtud de gustarle lo mismo a algunos chavos indie como a alguien que escucha Mix

Dean Deacon

FM. Kraftwerk tocó casi el mismo show que en su DVD en vivo, sólo algunos visuales cambiaron y metieron una canción llamada “Computerlove” que tenía un sampleo de una canción de Coldplay. M.I.A. estuvo igual que dispersa que en el MXBEAT. El plato fuerte del festival fue Portishead. Además de que son unos excelentes músicos en vivo, Beth Gibbons se desgarra al cantar. Sólo pude escuchar las últimas canciones de Calvin Harris, que a pesar de que no haber tenido tanta audiencia debido a Portihsead, le fue bien. El plato fuerte del día fue Prince, que sonó primero como concierto de medio tiempo de Súper Tazón por meter ese sonidito big band a Las Vegas en donde un par de negros cantaban mientras Prince tocaba virtuosamente la guitarra. Prince dijo (y tenía toda la razón) que estábamos en el lugar más cool del planeta en ese momento. En su repertorio se echo cosas más viejitas como “1999”, “Let’s Go Crazy”, “Cream” y “Seven” y un increíble cover de “Creep” de Radiohead. Por momentos sonaba a rock latino a la Santana.

Día 3

En el último día lo interesante fueron las pequeñas bandas, como Annuals. Perry Farrell, cabeza de Lollapalooza, se presentó media hora más tarde de lo que decía el programa, pero estuvo bien. Shout Out Louds sonó muy bien, sobre todo “Tonight I Have To Leave It”, al igual que Stars, que estuvieron tranquilones. Holy Fuck fue para mí otro de los descubrimientos: es una banda que recomiendo para echarle una buena oída. Does It Offend You, Yeah? era una de las bandas que tenía ganas de ver porque en muchos blogs dicen que en vivo son una maravilla. Gogol Bordello es una gran banda en el escenario, llevaron una gran cantidad de músicos y pusieron a bailar a la gente. Metric dio un muy buen show. Kidsister, una de las amigas cercanas a Kanye West estuvo muy bien, aparte de que había mucha chavita fresa californiana que se siente más negra que la Aunt Jemima. El show de Sons & Daughters estuvo casi vacío, una lástima porque es una buena banda. Una de las sorpresas fue Sia, que extrañamente no suena para nada a las niñas pop de Estados Unidos como Hillary Duff. Roger Waters sonó un poco distinto a su concierto de México. Hay rumores de que terminando su gira se reunirá nuevamente con David Gilmour. Por supuesto aprovechó la oportunidad para poner en el cerdo volador un “Vote For Obama” . Por el lado electrónico estuvo Simian Mobile Disco, que en live set suenan puerquísimos, tanto como Justice.

Rilo Kiley

Kraftwerk

En general fue un buen Coachella y más porque estamos en una época en que las pequeñas bandas están sobrepasando a las legendarias. Así que en un futuro no muy lejano si estas bandas de la vieja guardia no buscan cómo captar la atención de la gente, veremos festivales con una alineación muy parecida al Coachella de este año… y sí, para los que no fueron, la verdad se perdieron de algo muy bueno. M

Si estuviste en Coachella, cuéntanos tus experiencias en www.revistamarvin.com.

Sigur Rós En busca del

lenguaje universal

TXT:: Sofía Téllez. FOT:: cortesía EMI Music Recuerdo la angustia que me provocaba no poder cantar canciones en inglés cuando era chica. A los siete años llenaba cuadernos con letras de canciones “como se pronunciaban”, por lo necesario que resultaba para mí imitar lo que la banda estaba diciendo. Imitar, no entender. Sentir, no conocer. Así comencé a garabatear shi-lovs-yus y lov-mi-dús. Un deseo profundo por ser parte de la música que me gustaba, por conjugarme con ella, me orilló a buscar alternativas a la comprensión y el dominio de un lenguaje: más allá de eso, logré tener lo que en ese entonces no conocía como experiencia estética, sino como sensaciones incomprensibles en la piel y el alma. La sensación volvió hace unos años cuando escuché por primera vez una canción de Sigur Rós. Recuerdo las circunstancias perfectamente, pero eso a nadie le importa. Baste decir que la infantil angustia regresó: no comprendía una palabra. Sin embargo, ¿por qué su música se sentía tan cercana, tan familiar, tan propia? Sucede de forma intuitiva: buscamos significados, sentidos. Rastreamos con desesperación una razón por la que los hechos son como son y no de otra manera. Pasamos horas y días justificándonos frente al mundo, afirmando que lo que ha pasado necesariamente tiene sentido. Pero de vez en cuando, de forma deliciosamente esporádica, sucede algo que nos arranca del torrente de la razón y nos entrega a un placer genuino; uno en el que no nos preocupamos por el significado de lo que sucede alrededor, ni por su relevancia racional. También de vez en cuando y de manera deliciosamente esporádica, conocemos a una banda como Sigur Rós. En Reykjavik, Islandia, alrededor de diciembre de 1994, Jón Þór Birgisson y Ágúst Ævar Gunnarsson (que después abandonaría la banda) formaron Sigur Rós. Este nombre no es otra cosa que una sencilla adecuación: la hermana del vocalista Jón Þór Birgisson nació por la misma época en la que ellos nacieron como banda. Ella fue nombrada Sigurrós y ellos aprovecharon para bautizarse Sigur Rós, que puede traducirse como Rosa de la Victoria. Aunque comenzaron a componer rápidamente, su primer disco tardó tres años en realizarse, entre otras razones, por los problemas económicos que tenían; para pagar al estudio donde grabaron tuvieron que pintar sus instalaciones. Finalmente, Von vio la luz en septiembre de 1997, con un éxito moderado; al siguiente año aparecería von brigði, con remixes del álbum anterior. Este disco tuvo éxito en Islandia, quizá en parte porque la ayuda de Gus Gus estaba de por medio.

57 En 1999 Sigur Rós llegó a un punto de popularidad significativo: con su álbum Ágætis byrjun alcanzaron su segundo disco de platino. En un país como Islandia, quiere decir que una de cada quince personas lo tiene. También en este año comenzaron a llegar a oídos americanos y muchas disqueras pelearon por la publicación de Ágætis byrjun. Pero fue hasta el 2001 que el disco se editó en Estados Unidos; después de recibir numerosos reconocimientos en muchas partes del mundo. Ágúst Ævar Gunnarsson renunció como baterista de la banda para seguir un objetivo artístico distinto y fue reemplazado por Orri Páll Dýrason. Sigur Rós continuó con su exitosa carrera, por un lado invirtiendo el dinero obtenido en la construcción de su propio estudio (Alafoss) en Islandia, y por otro realizando una extensa gira por Estados Unidos. La siguiente entrega de Sigur Rós sería un desafío contra todo lo establecido. Carente el álbum de título, carentes de título las canciones, resultaba difícil referirse a él: ( ). La propuesta no deja de ser impresionante: la gente debe completar la obra; el que escucha es parte del proceso creativo. El booklet incluido en el disco consta de hojas totalmente en blanco, que según los

propios integrantes de Sigur Rós, pueden ser llenadas de dibujos, letras; ( ) no es una obra acabada. Así la banda puso al alcance de los que reciben su arte la posibilidad de formar parte del proceso creativo. Pero el experimento no se queda ahí: no hay un lenguaje concreto utilizado en el disco. Algunos afirman que la banda creó el suyo propio, pero lo cierto es que el disco está plagado de balbuceos y sonidos vocales que funcionan como un instrumento más. Dicho “lenguaje” recibió el nombre de volenska (o hopelandic) porque la primera canción en la que Jón Þór lo ocupó, años atrás, fue Von. ( ) no fue recibido con la misma aceptación y entusiasmo que Ágætis byrjun. Diversas críticas tacharon a los islandeses de pretenciosos; quizá esto se deba a una mala lectura de lo que el disco realmente representa. ( ) es la posibilidad del regreso a la inocencia primitiva del ser humano, leyéndose esta afirmación como la capacidad de comunicarse por medio de balbuceos y expresiones

58 aparentemente sin sentido; poseer la sabiduría de un niño. La portada del disco es la representación de esta libertad: un par de paréntesis entre los cuales puede escribirse cualquier cosa. No hay nada definido, no hay nada establecido, pasen al mundo del juego de recreación continua. En este momento Sigur Rós ya podía fácilmente definirse como una de las bandas más importantes a nivel internacional. Para cuando apareció Takk… en el 2005, todo el mundo esperaba escuchar lo que tendría que ser forzosamente un clásico. Dudo que alguien hubiera quedado decepcionado. Si aquel regreso a los juegos infantiles había quedado sugerido como posibilidad en ( ), Takk… llegó para marcar contundentemente que la libertad de un niño puede obtenerse en cualquier momento. “Hoppípolla”, una de las canciones del disco de mayor alcance (quizá debido a su toque profundamente popero, pero no por eso menos dramática), muestra en su conmovedor video a un grupo de ancianos jugando a ser niños. “Glósóli”, por su parte, retrata la travesía de (otra vez) un grupo de niños que se dirigen a un espacio abierto y liberador. Estos dos videos

son ejemplos claros de la importancia que los miembros de Sigur Rós conceden a la representación visual de su música; no es de sorprenderse que el arte de cada uno de sus discos sea tan cuidadoso como bello. Takk… trajo consigo una extensa gira; hacia el 2006 Sigur Rós regresó a su lugar de origen, Islandia, para hacer una serie de presentaciones gratuitas. El resultado: el primer DVD en vivo de la banda (que incluye además entrevistas y material visual impresionante). El nombre que recibió fue Heima. Así, con un regreso al hogar, nos hacen partícipes de aquello que consideran como propio, su patria, su lugar de origen. Y es que muy probablemente seamos incapaces de hablar o entender islandés o hopelandic; pero cuando se está frente a lo que va más allá de las palabras, los significados y los sentidos, el lenguaje verbal es lo que menos importa. La música que te vuelve uno solo con el mundo flota al alcance de todos los que estén dispuestos a adoptarla como propia y convertirla en su patria y su lugar de origen.

Entrevista con Georg “Goggi” Hólm bajista de Sigur Rós

TXT:: Cristina Miranda. En un país cada vez más acostumbrado a los buenos conciertos, las expectativas y emociones por la presencia de artistas legendarios se ven apaciguadas. Sin embargo, hay ciertos casos en que la presencia de tal o cual banda pareciera tan improbable, que un mero rumor logra desencadenar todo tipo de reacciones. Hace algunos meses pasó con la falsa noticia de que Radiohead regresaría a nuestro país luego de su mítica visita a principios de los 90s. La presencia en México de un grupo que parece tan lejano como Sigur Rós, sufrió de un fenómeno similar, y pocas veces en varios años se ha visto tanta emoción con la noticia de un concierto. La buena nueva se volvió oficial cuando la banda anunció su visita a través de su página de Internet. Sigur Rós tocando tres fechas en la República Mexicana: Guadalajara, Tijuana y Tepoztlán serían los escenarios afortunados para recibir la belleza de la música de estos islandeses. Anticipando su visita, Marvin preparó la siguiente entrevista con Georg Hólm. ¿Cuando creas música, cuáles son tus aspiraciones e intenciones? ¡Wow! (risas). No creo que tengamos en realidad ninguna meta o intención previa cuando estamos creando música, ¿sabes?

¿Entonces lo hacen más por ustedes mismos? Sí, por nosotros y por el gusto de hacer música. No tenemos una agenda a la hora de componer. ¿Qué es lo que esperas del público? Absolutamente nada (risas). Claro, va con la idea de hacer la música para ustedes mismos. En una entrevista hablaron de estar cansados de una gira de tres años, y que era difícil lanzar un disco en esas condiciones. ¿Cómo se sienten con el nuevo álbum? Creo que esa entrevista ya tiene algún tiempo. Fue cuando estábamos lanzando el álbum sin título. Que por cierto, fue el álbum que nos costó más trabajo hacer. Aunque ya habíamos escrito las canciones, nos fue muy difícil grabarlo debido a que nunca teníamos tiempo para ir al estudio. A la hora de grabarlo nos cansábamos de oír las canciones tantas veces, porque ya las habíamos estado tocando en la gira. En ese tiempo estuvimos de gira por mucho tiempo. Sacamos dos álbumes mientras estábamos en ese tour, así

59 que mucho de lo que se escucha en el disco sin título fue escrito durante los viajes, después de sacar el disco azul, el Ágætis byrjun. Creo que después de la gira del álbum Takk… no tuvimos un show por casi dos años. Con el nuevo disco pasó algo muy similar: han pasado casi dos años desde nuestro último show. Así que estamos muy lejos de sentirnos cansados por irnos de gira (risas). ¿Disfrutas el estar de gira y conocer diferentes países? Sí, por supuesto. Siempre es muy interesante visitar países diferentes, tocar ante distintas audiencias, y ver sus reacciones. ¿Cuál es el país en el que más has disfrutado tocar? En verdad no podría decirte, porque cada uno es muy diferente. Pero siempre resulta muy interesante visitar lugares a los que jamás pensaste que llegarías. Por ejemplo, la primera vez que visité Japón, fue asombroso. Cada país tiene su propio encanto. Uno de nuestros lugares favoritos es Dublín, en Irlanda. Tiene que ver con la mentalidad de la gente, está un poco loca, se parecen mucho a los islandeses (risas). ¿Has visitado México? No, nunca. Ni siquiera de vacaciones. ¿Conoces alguna banda mexicana? Por nuestro amigo Luis (que es mexicano) hemos escuchado algo. Creo que el pertenecía a una banda de San Diego llamada Album Leaf. No sé si sea suficientemente cercano a una banda mexicana (risas). ¿Cómo fue estar de gira con Radiohead? ¿Cuáles son tus impresiones sobre la banda? Lo mejor de esa gira es que en realidad nunca habíamos estado en una gira muy grande; en ese momento habíamos hecho sólo una o dos pequeñas. ¿Aún son amigos de Radiohead? Supongo que puedes decir eso. A las dos bandas nos gusta la música de la otra, pero no nos llamamos cada semana (risas). Es más que sus managers hablan con los nuestros. No es una relación cercana. Pasemos a hablar un poco más sobre su música. ¿Cómo se les ocurrió incluir un arco para tocar la guitarra? Fue sólo un experimento.

¿Están tratando de incluir nuevos instrumentos para este disco? Creo que siempre estamos abiertos a experimentar con todos los instrumentos. En este álbum no hay muchas guitarras con arco. Ahora hay más guitarras acústicas, no necesariamente en canciones acústicas, pero sí se tiene ese sonido. Así que hemos experimentado con varios instrumentos en distintas canciones, pero también buscamos meter los instrumentos que ya sabemos usar a nuevas canciones y crear atmósferas distintas. Muchas bandas han trabajado con Flood como productor. ¿Cómo fue para ustedes trabajar con él? Ha sido fantástico. Es un gran tipo. Trabajar con él ha sido encontrar a un nuevo amigo, no sólo a un socio de negocios (risas). Ha sido en verdad una experiencia muy agradable. También ha sido algo muy diferente, porque no sólo decidimos trabajar con Flood, sino que nos ayudó a darle un enfoque distinto al nuevo disco, ya que tuvimos que grabar lo más rápido posible. Casi todas las canciones se grabaron durante dos semanas en Nueva York. ¿Por qué decidieron grabar el disco en tan poco tiempo? Queríamos cambiar la manera en la que siempre trabajamos, decidimos grabar el disco rápidamente y ver cómo salía. No sabíamos si iba a resultar algo bueno o malo, sólo decidimos hacerlo rápido y ver qué sucedía. No queríamos prolongar el proceso por años y años. Entonces grabamos en dos semanas, y la mezcla tomó un mes. Todo el proceso, incluso escribir las canciones, no tomó más de una o dos semanas. Así que si contamos todo el tiempo que pasamos haciendo el disco, serían únicamente de dos meses. ¿Cómo es su proceso creativo? ¿De dónde sacan la inspiración? Es una pregunta muy difícil. No creo que podamos señalar y responsabilizar a alguien o algo en particular. Es interesante la manera en la que trabajamos juntos. Empezamos a tocar y casi de inmediato sabemos si será una buena canción o no. Si creemos que es buena, comenzamos a improvisar y al trabajar sobre la improvisación decidimos qué cambios o giros queremos darle a la canción. No es un proceso muy largo; se da de manera muy natural. ¿Por qué decidieron grabar un documental en su gira por Islandia sin hacer ningún tipo de promoción? Fue una idea que traíamos desde hace mucho tiempo. Por un lado queríamos hacer un pequeño video de nuestra música, y por otro, queríamos documentar la manera en la que hacemos nuestros tours. Llevamos siete años de hacer giras y a lo largo de todo este tiempo hemos cambiado y en cierto modo evolucionado. Lo que buscamos con este material era guardar una memoria y seguir con lo que viene. Entonces, como te digo, fueron dos ideas que chocaron: la de grabar la gira y la de hacer un pequeño video. En cuanto a las locaciones, surgieron porque primero pensamos: “bueno, podemos grabar un par de

conciertos en Londres o en Nueva York”, pero después pensamos: “¿por qué no hacer algo completamente diferente?”. Fue cuando surgió la idea de grabarlo en Islandia. En 1999 hicimos una gira por el país y nos gustó mucho su respuesta. Sin embargo, esta vez no queríamos que los fans nos estuvieran siguiendo por todo el país y que aparecieran una y otra vez en el mismo video. Queríamos algo distinto y más puro. Por eso fue que no hicimos ninguna promoción. Nos agradaba la idea de que en el público apareciera gente local y que cada vez fuera muy diferente. ¿Qué música escuchas? Mmm… Buena pregunta… me acabo de comprar un disco de Woody Guthrie. Es muy bueno, como country norteamericano de hace varios años. En el coche me gusta mucho escuchar Hot Chip, es buena música para manejar. ¿Qué esperan de su visita a México, conocen algo del país? No sé, me emociona mucho porque no tengo idea de lo que pueda pasar. Espero que sea un país muy bonito, todos estamos muy emocionados y esperamos que la gente también lo esté. Estamos muy estresados porque han pasado dos años desde la última vez que tocamos. Hemos estado ensayando mucho y haciendo los preparativos para que salga bien el concierto.

La banda puso al alcance de los que reciben su arte la posibilidad de formar parte del proceso creativo. Pero el experimento no se queda ahí: no hay un lenguaje concreto. Algunos afirman que la banda creó el suyo propio; los balbuceos y sonidos vocales que funcionan como un instrumento más.

¿No se cansan de tocar las mismas canciones una y otra vez en una gira? (Risas). Sí, la verdad es que nos cansamos. Depende mucho del humor en el que estemos. Sin embargo, esta gira va a ser distinta: empieza en junio y dura aproximadamente siete meses. Traemos mucho material nuevo que no hemos tenido la oportunidad de tocar en vivo o no tan frecuentemente. Claro que tocaremos canciones viejas, talvez no las que tocamos siempre, pero sí material pasado. Han desarrollado una manera distinta de crear música. No sólo han creado un sistema verbal para un disco, sino que también su experimentación ha roto cánones del rock convencional. ¿Cómo crees que esto afecta o afectará a la historia de la música? (Risas) ¡Wow! Eso espero, esa es la meta de cualquier artista. Pero creo que nadie puede esperar a llegar a ese punto en donde realmente cambias algo… no sé, no me parece tan irreal pensar en que, lo que haces, si lo haces con el corazón, puede fomentar un cambio histórico. Es como que a partir de tus procesos de creatividad se generen cambios en los procesos creativos de los demás, sobre todo en la gente que escucha tu música.

Tienen muchos seguidores alrededor del mundo, es un hecho de que sólo un pequeño porcentaje de ellos entiende islandés o el hopelandic. Ellos tratan de seguirlos ya sea balbuceando o tarareando. ¿Crees que esta es una manera más inocente, primitiva y sincera de acercarse a su música? Creo que la razón por la cual componemos en Hopelandic es muy simple: principalmente porque somos de Islandia. La música tiene un lenguaje universal, no hay que orientarla a ningún idioma o darle ninguna explicación. En cuanto a las letras, es más fácil crear algo que nos haga felices. Hemos tratado de crear música en otros idiomas, pero se nos complica mucho, sobre todo a Jónsi que tiene que cantarlas (risas). ¿Cómo fue que decidieron que la gente participara en su proceso creativo, al dejarlos interpretar libremente su música, como es el caso del disco ( )? Fue un proceso muy largo. Cuando llegamos al momento de escribir las letras, lo único que podíamos sacar eran conceptos; no encontrábamos palabras para describirlos o englobarlos y se nos dificultó mucho. Lo discutimos muchas veces en la gira y luego algo curioso pasó: encontramos muy interesante que la gente, en nuestras presentaciones, estaba cantando canciones nuestras que no tenían letra y nos dimos cuenta que las letras sobraban; ellos entendían nuestras canciones y les daban significado sin necesidad de las letras. Entonces decidimos no escribir nada y que ellos mismos lo interpretaran. No creo que lo volvamos a hacer, pero fue interesante.

Marvin es una revista de culto. ¿A qué le rindes culto? Mmm… me gusta mucho mi perro (risas). Es broma, la verdad es que no sé. Es una pregunta muy difícil. Hay gente con mucho talento y grandes artistas, pero nadie es perfecto; entonces no creo tener ningún ídolo. Hasta las buenas bandas y los buenos directores tienen sus imperfecciones, nosotros incluidos, a veces fallamos en lo que hacemos. Creo que lo que trato de hacer, es que en vez de clavarme con algo o alguien, trato de disfrutar el momento, ya sea leyendo u observando algo bueno. M

Coachella 2008: El desierto se convierte en pasarela.

El binomio rock–moda tiene su origen básicamente desde los inicios del género musical: pensemos en las lentejuelas de los trajes de Elvis, los colores psicodélicos que usaron Los Beatles, las licras de Axl Rose, el cuero negro de los Ramones, la franela de Kurt Cobain y Eddie Vedder, etc. Como herencia directa de innumerables atuendos, ha surgido una estética muy peculiar para cientos de subgéneros musicales. Miles de fans en todo el mundo adoptan un “disfraz” que les permite acudir a conciertos y festivales. Como cualquier fenómeno humano, la moda evoluciona, y la única constante es que cada vez encontramos gente ataviada con ropajes cada vez más extravagantes. El festival de Coachella se ha caracterizado no sólo por ofrecer una excelente selección musical, sino también por ser un lugar de encuentros para artistas de todo tipo, y para quienes cada año encuentran una manera de expresión a través de la moda. A continuación te presentamos una serie de fotografías de algunos exóticos personajes que entran en esta última categoría. M

TXT:: Juan Patricio Riveroll. FOT:: Canana Films

Lo que se ha hecho en nuestro país en los últimos 20 años es quebrar empresas públicas, para que una vez privatizadas, dicha acción tenga una razón de ser. De esa manera, si una rama gubernamental funciona mal, entonces parecería lógico ponerla en manos de la iniciativa privada.

El tema del documental alemán The Big Sellout de Florian Opitz, arremete de una manera frontal y personal contra uno de los grandes problemas del mundo contemporáneo: la privatización generalizada de compañías originalmente públicas, que según una gran cantidad de expertos, deben de permanecer así. Funciona a la perfección como complemento al atinadísimo The Corporation de Mark Achbar y Jennifer Abbott, uno de los grandes pilares del contracapitalismo en nuestros días. Este último se acerca al tema de una manera digamos más científica, mientras que Opitz decide a plena conciencia ver el aspecto humano del problema de la privatización. A través de una serie de entrevistas en las que analiza casos prácticos a partir de los damnificados, este inusual realizador profundiza en lo más básico del problema, lo más elemental: el ser humano, a fin de cuentas el principal afectado, la última cadena del eslabón. En entrevista para Marvin, Opitz habló de una gran cantidad de casos parecidos, teniendo que escoger los más significativos para llevar a cabo este trabajo. Tanto de manera metafórica como real se ve la cara humana de un problema enfocado generalmente desde el ángulo económico, desde las estadísticas, desde los números. Esa gran abstracción, esa gran arma del capitalismo, a fin de cuentas esa gran mentira. Quienes abogan por la privatización argumentan la “eficientización” de las empresas gubernamentales, el paso de la administración pública a la privada en favor de un mejor servicio al público, al consumidor, al ciudadano. Estas opiniones sesgadas son abordadas y rebatidas con precisión en The Corporation. Lo que hace The Big Sellout es quitar el telón estadístico que nos separa de los principales afectados, ya se trate de

los empleados de estas compañías o los usuarios de tal o cual servicio. Lo obvio: la corporación privada responde a los accionistas, a la ganancia, a la alza en el precio de las acciones cotizadas en la bolsa —si es el caso—, o con mayor precisión en las ganancias netas de la empresa, dejando totalmente de lado el aspecto humanitario. La gente que aparece frente a la cámara de Opitz nos avisa del error que va dirigiendo al mundo. Es un aullido que grita a todo pulmón: “DETÉNGANSE”. Para detener la masacre que en gran medida también está relacionada a catástrofes como el calentamiento global, el daño irreversible a la capa de ozono y la contaminación de cielo, mar y tierra, es necesario, para empezar, dejar de vender al mejor (o al peor) postor las empresas públicas. Un segundo paso que hoy parece lejano sería expropiar empresas privadas para que regresen a manos del gobierno, es decir, del pueblo. Porque a pesar de que nuestros gobernantes sean en muchos casos ineficientes y corruptos, cuando una empresa es pública existe la posibilidad de volverla eficiente, favoreciendo así al país entero y no sólo a un puñado de accionistas. Lo que se ha hecho en nuestro país en los últimos 20 años es quebrar empresas públicas, para que una vez privatizadas, dicha acción tenga una razón de ser. De esa manera, si una rama gubernamental funciona mal, entonces parecería lógico ponerla en manos de la iniciativa privada. Lo que se necesita hacer es lograr que funcionen cada vez mejor desde adentro y no darla como regalo a quienes ya de por sí controlan la economía nacional. Por lo general estas empresas constituyen un monopolio, y quien las adquiere a precios risibles se vuelve dueño de una empresa sin competencia. Así “los ricos se hacen millonarios”,

como diría un verso del nuevo disco de los Poncho Kingz. La gran tragedia multinacional es que esta tendencia fue anunciada en el siglo xix por Karl Marx, pero como el terrible comunismo ruso se encargó de ensuciar su nombre, su teoría económica es hoy descartada sin más, de un plumazo y sin siquiera conocerla. La verdad es que desde aquel entonces, con sólo analizar el funcionamiento matemático del capitalismo, Marx anunció los monopolios y los grandes conglomerados económicos décadas antes de que hicieran su aparición. Su premisa, que hoy no sólo se sostiene sino se comprueba conforme avanza la historia, argumenta que ese es el cáncer que acabará con el sistema económico en el que vivimos. Puede ser un proceso muy duro si ignoramos las advertencias que se van develando a raudales, como se manifiestan en The Big Sellout. También existe otra posibilidad: el camino que está siguiendo la raza humana es inevitable. La caída, o más bien el desplome vertiginoso del sistema no se puede esquivar. Lo que duele de esta posible realidad es que para que eso suceda el sufrimiento de miles de vidas escalará cada vez con mayor profundidad, con mayor velocidad hasta llegar al punto de quiebra, momento en que nos salpicará a todos. Ya lo estamos viendo con los cambios climáticos y las catástrofes naturales, que dejan a su paso una estela de horror. A simple vista parecería que no están relacionadas a la economía, pero no es así. Todo está relacionado, y el monstruo corporativo en el que se ha convertido el capitalismo no se detendrá hasta haber sido aniquilado. ¿O sí? ¿Podemos hacer algo al respecto? Para empezar, habría que dejar de vender el mundo. M

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del Ra

Un ojo se abre. Apenas puede distinguir algunas siluetas. No entiende lo que pasa a su alrededor: parece que está en un hospital. Este es el fabuloso inicio de una de las mejores películas del año pasado que, después de haber sido estrenada en prácticamente todo el mundo, y de haberse llevado el codiciado premio al mejor director en el Festival de Cannes 2007 para Julian Schnabel, llega tarde a México. Le Scaphandre et le Papillon es un viaje a la mente, al sufrimiento, y al mismo tiempo a la dicha (perdida pero luego recuperada a través de la imaginación) de un hombre. El filme, que en México lleva el título, mucho menos sutil y desvergonzadamente cursi de El llanto de la mariposa, está basado en la autobiografía de JeanDominique Bauby, y en él narra, entre otras cosas, el proceso mismo de su escritura. Hasta 1995 Bauby era el prestigiado editor de la famosa revista Elle. En ese año un ataque lo dejó paralizado casi totalmente. Sólo se salvó su párpado izquierdo, gracias al que pudo comunicarse con el mundo, e incluso escribir el libro que adeudaba para una editorial.

Uno de los mayores aciertos en Le Scaphandre es el punto de vista elegido, además de un extraordinario trabajo del polaco Janusz Kaminski en la cámara (colaborador habitual de un infantil Spielberg), que encuentra aquí un material base perfecto. Narrada en primera persona, y en gran parte con una cámara subjetiva (es increíble la secuencia donde uno de los párpados es cosido), logra transmitir fielmente los sentimientos de Bauby (su desesperación, su enojo, e incluso su lujuria) de una manera plástica y muy bella. Por supuesto que mucho se debe también a la adaptación del guionista Ronald Harwood (The Pianist, The Browning Version) y al uso de la voz en off. Parece que Schnabel está obsesionado con las biografías trágicas y recientes. Primero fue el pintor en Basquiat (1996), luego Reynaldo Arenas en Before Night Falls (2000), y ahora Bauby. Un tanto al margen de su carrera como artista plástico neoexpresionista de grandes ligas, Schnabel ha alcanzado ahora su mayor logro cinematográfico. Su última entrega está llena de soluciones inesperadas en la dirección, así como de actuaciones virtuosas: Mathieu Almaric está muy bien (físicamente intenso, pero sin pasarse ni llegar al azote), al igual que Max von Sydow, Isaach De Bankolé, Marie-Josée Croze, e incluso Emmanuelle Seigner, quien parece haber dejado atrás sus papeles de histérica o femme fatale. La mujer de Roman Polanski logra interpretar a una esposa creíble y sobre todo entrañable, que aguanta estoica una humillante escena cerca del final. En la película también hay una pequeña aparición de Jean-Pierre Cassel, así como de Niels Arestrup, este último en una escena bastante conmovedora. Otro de los grandes logros de Schnabel y compañía fue lograr un personaje principal complejo cuya empatía, si bien parte de los ojos de un Bauby, revela una persona poco simpática. Lejos de la “facilona” y tramposa estrategia hollywoodense del modelo inspiracional-moralista, se presenta a un hombre de carne y hueso, de luces, miedos y sombras. Con ello se traspasa lo puramente cinematográfico para convertirse, entonces sí, en un modelo de reflexión. Más aciertos. La película está hablada en francés. Claro, la mayor parte del dinero viene de ese país, pero eso en el pasado no ha sido motivo suficiente para dejar de restregarnos en la cara la superioridad mercadotécnica del idioma anglosajón, como en las típicas superproducciones con reparto multinacional y llenas de acentos dispares. En este caso, Schnabel peleó por hacerla en el idioma original del libro (aunque el guión se escribió en inglés) y el resultado le da la razón, sin duda alguna. Por último, pero no menos importante, la música. Una gran banda sonora, que no rompe nunca con lo que está acompañando. Bueno, hasta U2 se escucha bien en esta cinta. La película tiene canciones extraordinarias montadas en momentos precisos, como en la ruptura con una amante, en la que se escucha “Don’t Kiss Me Goodbye”, en la voz de la mismísima Seigner con su grupo Ultra Orange & Emmanuelle, Tom Waits, The Velvet Underground, The Dirtbombs, una hermosa canción sobre créditos del último grupo del desaparecido ex-Clash Joe Strummer (And The Mezcaleros): “Ramshackle Day Parade”, y la muy utilizada y reconocible “La Mer” de Charles Trenet. M

La Sangre Iluminada

TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: cortesía de La Sangre Iluminada.

Historias de inspiración poética

La Ciudad de México y Zacatecas, seis historias enlazadas por el fenómeno de la transmutación, desconcierto y desaliento, mensajes, recuerdos y objetos como asidero de la memoria son algunos de los elementos que hilan la trama de La Sangre Iluminada, la nueva película del premiado director zacatecano Iván Ávila Dueñas, quien concedió una entrevista a Marvin para hablarnos sobre ella.

La trama de la película es muy peculiar dentro del contexto del cine hecho en México, platícanos un poco de dónde y cómo surgen las distintas ideas que le dan vida. Esta historia la co–escribí con José Ignacio Valenzuela y hay dos rutas básicas que guiaron el trabajo desde el principio: por un lado el libro Relación de los Hechos de José Carlos Becerra, y por otro la obra y la vida de Fernando Pessoa. Queríamos escribir una película que tuviera una atmósfera parecida a las que produce la lectura de un poema de Becerra. Esos ambientes, esos paisajes que hay en el libro nos dieron una guía. Por otro lado estaba el Libro del desasosiego escrito por Bernardo Suárez, uno de los heterónimos de Fernando Pessoa. Este libro fue otra guía importante, sobre todo por lo que habla del dolor existencial. De esto y de la vida misma de Pessoa surge la anécdota: una persona que es varias a la vez. Creo que es claro tu interés por mostrar algunos aspectos de la condición humana. ¿Puedes comentar al respecto? Me gusta mucho trabajar a partir de los estados de ánimo de los personajes, más que de acciones o grandes sucesos. Me gustan más las historias que hablan de las pequeñas preocupaciones cotidianas y las recurrencias que marcan el carácter de la gente, que las películas que hablan de grandes acciones o hazañas fuera de lo ordinario. Me gusta formar las historias a partir de pequeños fragmentos donde pase muy poco o de preferencia nada y sin embargo la vida del personaje vaya sufriendo mínimas transformaciones. La película toma riesgos, y uno de ellos es enfrentar lo que escapa al mundo de la racionalidad occidental. Lo interesante es que abordas lo “inexplicable” con

personajes y lugares ordinarios. Me gusta trabajar a partir de realidades alternas donde las cosas suceden igual que en la vida real, en el contexto mexicano contemporáneo, pero donde al mismo tiempo hay algo que trastoca el orden y enfrenta a los personajes con sus preocupaciones. Esta condición inexplicable, casi siempre secreta, lo debe llevar al límite de sus capacidades hasta dejarlo sentado de frente ante sus mayores miedos. Al trabajar a través de estas realidades paralelas se puede hablar de manera menos directa sobre el hombre cotidiano y la realidad actual de nuestro país. En el caso de La Sangre Iluminada, hablamos de un grupo de personas que es víctima de un extraño fenómeno de transmutación en vida. Son gentes que parecerían afectadas por esa antigua enfermedad llamada melancolía. La trama se desenvuelve a través de varios años, y ello no se puede leer sino poniendo atención a ciertos detalles. Queríamos que fuera una información adicional apenas perceptible, que la época no fuera protagónica, pero que existieran mínimos detalles que la definieran. La dirección de arte la hizo Ivonne Fuentes y trabajamos durante mucho tiempo en buscar las referencias, los detalles y objetos mínimos que podían producir en un espectador nacional una mínima reacción de memoria y de preferencia, de nostalgia, porque ese era el tema principal. El objetivo era que existiera una sensación de paso del tiempo, pero que no fuera claro cuántos años pasaron realmente. Porque es una información que debía estar dosificada en la película. Además de que la ruta de la dirección de arte estaba muy basada en el concepto de la atemporalidad, en la decoración de la clase media mexicana, sobre todo de la provinciana.

Iván Ávila Dueñas.

Zacatecas, Zac. 14 de junio de 1965. Largometrajes (Guión y dirección) La Sangre Iluminada 2007 Adán y Eva (todavía) 2004

Cortometrajes. (Guión y dirección) Tríptico 2002 Hormigas en mi taza 2001 Vocación de Martirio 1999 Esa muerte más suave que el sueño 1995 Escaleras 1993

En el caso de La Sangre Iluminada, hablamos de un grupo de gentes que son víctima de un extraño fenómeno de transmutación en vida. Son gentes que parecerían afectadas por esa antigua enfermedad llamada melancolía. Hay actuaciones muy buenas en La sangre iluminada. ¿Cuál es tu proceso para saber quién será el actor adecuado? El primer paso es buscar modelos o referentes en la vida cotidiana y conocerlos, fotografiarlos. Seleccionar a las personas que encuentras que podrían ser el personaje, sus matices: cómo viven, qué hacen, etc. Cuando comienza la selección del reparto, hay una guía de los tipos físicos que andas buscando, pero hacemos pruebas muy específicas, trabajando con textos cercanos al carácter de los personajes, pero que no son el guión en sí mismo, porque el guión es cerrado para los actores, sólo lo conocerán cuando estemos filmando. Se trabaja con textos largos y complicados para ver la capacidad de memorización y el rango que cada actor tiene, pero sobre todo, el nivel de comunicación que puede haber entre actor y director. Cuando encontramos al grupo de actores con los que creemos que podemos hacer la película, viene un proceso de ensayos en los que perfilamos a los personajes y les damos el volumen que requieren, creamos su historia y trabajamos sus características principales. Aquí vuelve a aparecer el proceso de investigación previo para complementar la información de los actores y paralelamente trabajamos la parte visual con vestuario, arte y maquillaje, para darle contexto al personaje. Para apoyar su desarrollo filmamos en orden cronológico, de esta manera el actor siempre tendrá el referente de la secuencia anterior.

La música de Fernando Corona juega un papel muy importante, crea la tensión que piden las escenas. ¿Por qué decidiste encargar la música a él? Considero a Fernando Corona uno de los compositores contemporáneos mexicanos más importantes de esta generación. Su trabajo personal me gusta mucho y se volvió un referente para el equipo de trabajo durante el proceso de preparación. Me sorprende cómo logra crear atmósferas completas en cada disco. Esa característica era muy importante para esta película, porque esa era la sensación que queríamos crear. Para mí su música es como una especie de trance. Cada uno de sus discos es un viaje particular y me interesa mucho cómo está haciendo ese proceso casi narrativo en sus trabajos. Me parecía que él podía lograr complementar el viaje mismo de la película de llevar de un lado a otro al espectador. Me gusta muchísimo lo que hizo. Además, el proceso de trabajo fue muy agradable y satisfactorio.

¿Cuál es tu apreciación sobre los premios en la industria del cine? ¿Alguna vez esperaste recibir tantos? Creo sinceramente que tenemos la infraestructura necesaria para reflexionar sobre el cine que estamos haciendo, es decir, la generación anterior originó una industria cinematográfica nacional y la hizo redituable e incluso creó unos reconocimientos internos para incentivarla. Desgraciadamente pienso que la academia se ha quedado por detrás de lo que los directores están generando. Fuera de algunas excepciones, han ignorado el cine más interesante, el más preocupado de hablar de identidad nacional. Por el momento, no hay que tomarlo demasiado en serio, sobre todo si ellos mismos no lo hacen.

Platícanos qué andas haciendo en estos días. Contesto esta entrevista desde Mulegé, Baja California Sur, en medio del rodaje de El Cometa, Astronomía por México. Es un largometraje documental sobre un par de maestros jubilados que viajan en una casa rodante por los lugares más apartados de México, enseñando astronomía de manera gratuita en las escuelas públicas de los pueblos más lejanos, por el puro gusto de compartir el conocimiento. Somos un equipo muy pequeño: Ivonne Fuentes en la dirección, Alejandro Cantú en la fotografía, Pedro Jiménez en el sonido, en la producción Isaac Montecillo y yo. Estamos viajando detrás de estos maestros por toda la Baja California, de pueblo en pueblo, a veces acampando, parando donde sea. Es un proyecto increíblemente estimulante. M

¿Qué películas mexicanas disfrutas más? Me gusta mucho la historia del cine mexicano y disfruto mucho el cine clásico. Emilio Fernández, Julio Bracho, Gabaldón, Alcoriza y sobre todo la filmografía mexicana de Buñuel. Veo lo más que puedo del cine que se está produciendo actualmente, cortos, largos, ficción y documental. Hay cosas que me gustan mucho de lo que está pasando actualmente en el cine mexicano.

72 TXT:: Juan Carlos Hidalgo. En la última estrofa de uno de los temas más emblemáticos de Loquillo, figura del rock español, se escucha: “Cuando fuimos los mejores/ y la vida no se pagaba en todas las esquinas/ nuestra juventud se suicidaba”. Esta pieza refleja la combustión espontánea de aquellos que desean vivir al límite teniendo de fondo un rock and roll épico. El título de este himno callejero sirvió a Aixa de la Cruz, con apenas 19 años, para nombrar a su primera novela, que narra el entorno de una adolescente bilbaina que se debate entre el conocimiento del mundo, de la mano de una familia disfuncional y una especie de cómplice-mejor amiga. Una obra iniciática en la que: “un realismo somete, sin ironías ni falsas tribulaciones, a sus personajes”, según apunta el dramaturgo Enrique Olmos, compañero de estudios de la autora en la Fundación Antonio Gala de Córdoba, España, donde se gestó el texto. Cuando fuimos los mejores (Almuzara) está llena de personajes sumidos en su ordinaria locura: tías alucinadas, una abuela que no para de leer y se evade del mundo; la madre padeciendo depresión crónica y una vida escolar no exenta de sexo, drogas, alcohol, sangre y meditaciones existenciales; todos elementos propios del subgénero. Kattalin, la protagonista, es un personaje que no cae en la conmiseración ni en el lamento, posee un temple admirable y conmovedor. Tal construcción de personajes, acompañada de eficientes recursos narrativos, han valido para que la prensa española reciba con entusiasmo un trabajo (distribuido en México) que si bien aborda asuntos propios de jóvenes y a ellos se dirige, no acusa, en modo alguno, de adolescencia escritural. Conversamos con una novel autora que no cayó en la tentación de imitar el realismo sucio de Bukowski, ni hacer un retrato social del Bilbao en que creció, y que más bien hubiese interesado a sociólogos. Aixa se preocupa por hacer buena literatura, y si en el camino la novela de formación puede tomar un nuevo aire, pues qué mejor. Entrevistamos a Aixa sobre su nuevo libro. Las novelas de iniciación juvenil tienen en El Guardián entre el centeno uno de sus momentos más logrados. ¿Qué tan cómoda te sentías al incursionar en tal territorio literario? Escribí el borrador de la novela como mero ejercicio, sin plantearme siquiera en qué terreno me adentraba. Fue cuando llegaron las correcciones que adquirí conciencia de lo que había escrito. Para entonces tenía poco sentido dejar que Salinger o el asesino de Lennon me intimidaran. A veces, supongo, la ignorancia nos permite escribir doscientas páginas sin remordimientos ni vergüenza. ¿Qué tanto hay de autobiográfico en la novela? ¿Cómo se fueron equilibrando las anécdotas personales y la ficción? Si por autobiográficas entendemos las anécdotas que he vivido en propia carne, la novela tiene poco que ver conmigo. En cualquier caso, sí me gusta pensar que Cuando fuimos los mejores es una ficción autobiográfica porque en ella he explorado mi yo hipotético, he llevado hasta sus máximas consecuencias ciertas experiencias que sólo pasé rozando, filtrándolas, además, por medio de personajes tan dispares como opuestos a mi realidad. En la información curricular disponible se dice que: “tus influencias abarcan desde la novela romántica del siglo xix hasta escritores latinoamericanos contemporáneos como García Márquez y Vargas Llosa”. ¿Qué es lo que te llama la atención de la tradición literaria americana? Ese currículo y yo apenas nos conocemos, pero sí considero que los hallazgos más importantes que experimentó la narrativa en castellano durante el siglo xx se llevaron a cabo en el continente americano, mientras España seguía arrastrando la decadencia de una tradición caduca. A veces tengo la impresión de que Latinoamérica encumbró a Cortázar a la vez que España cerraba el siglo considerando a Camilo José Cela el gran genio de su narrativa. Es imposible no desviarse hacia la tradición americana.

Cambié el teclado del piano por el del ordenador, puesto que resulté ser una intérprete mediocre. Ahora, mi frustración se plasma en todo lo que escribo. Aixa de la Cruz

73 ¿Bilbao ejerce una influencia definitiva en la novela? Simplemente era el escenario que necesitaba mi historia. Tenía que ocurrir allí porque más allá de los jardines, las reformas y los museos de la última década, Bilbao sigue conservando la esencia de monstruo gris, de industria abandonada en la que mis personajes adoran recrearse. Ellos también adoptan la apariencia de fachadas rehabilitadas. Como estudiosa de la música que eres, ¿tratas de llevar las estructuras y recursos de esta disciplina a la literatura? Cambié el teclado del piano por el del ordenador, puesto que resulté ser una intérprete mediocre. Ahora, mi frustración se plasma en todo lo que escribo. Al estar contaminada de música, me resulta difícil recrear ambientes en los que no aparezca una canción determinada, ayudando a delinear la representación mental que estoy trabajando. Además, según apunta la neurociencia cognitiva, la música tiene mucho que ver con la evocación de recuerdos y también con su creación. Ahora trabajo en una obra que pretende analizar el comportamiento del lector cuando se ve forzado a añadirle a su trabajo de comprensión un nuevo nivel informativo: el contexto musical. En un portal de Internet alguien preguntaba si tu nombre no era un seudónimo de Loquillo, ¿te molesta la confusión? Para nada. Mis entradas en Google se han multiplicado. Sólo me molesta que Loquillo no se haya pronunciado al respecto. ¿Cómo fue que optaste por la canción de Loquillo para titular tu novela? Supongo que los autores que no sabemos construir títulos tendemos al plagio. Me pareció más adecuado elegir un tema de Loquillo que un salmo de la Biblia. Cuando menos desde la lejanía se percibe que escritores como Lolita Bosch o Kiko Amat tienen una postura menos pretenciosa con relación a figuras solemnes y consagradas. ¿Cómo ves a la actual literatura española? Tengo la impresión de que el caos territorial español está marcando su literatura. Tras varios años de represión contra las minorías culturales de la península es ahora, tardíamente, cuando los diferentes grupos abordan la tarea de crear una identidad propia y esto, en la mayoría de los casos, deviene en el peor de los regionalismos. Claro que siempre encontramos autores que escapan de estos grupúsculos endogámicos, como son Félix de Azúa y Enrique Vila-Matas en Cataluña; Menéndez Salmón en Asturias; el exiliado Joseba Sarrionandia en Euskadi, y otros. ¿Qué es lo que ha aportado a tu trabajo tu etapa de becaria, más allá de proveerte de las condiciones propicias para escribir? He logrado difundir mi novela gracias a la Fundación Antonio Gala, y sobre todo he descubierto lo útil que es vivir con cocinera, lavandera y tiempo gratis para escribir. ¿Cómo combinas temor, nostalgia y fascinación en tu concepto de adolescencia? Son componentes del mismo coctel, lo importante es la sensación de mareo. He tratado de trasladar ese desequilibrio interior a cada uno de mis personajes, fueran o no adolescentes, y lo importante es que sigue habiendo diferencias. Mi protagonista se distingue de su madre en que su apatía no es verdadera. La inercia llega con los años, aunque la adolescencia puede prolongarse toda una vida. M

T:: cortesía OCESA. TXT:: Sandra Aída. FO

Desde sus más tempranos orígenes, las artes escénicas siempre han tenido el cometido de involucrar al espectador de forma directa e inmediata con la acción. Desde hace varios años, las tendencias han llevado esta intención a terrenos novedosos. Es lo que pasa con Fuerzabruta, el espectáculo que te sorprenderá de muchas formas. La compañía creó un espectáculo único donde se exploran nuevas formas de aprovechar el sonido, los colores y los sentidos, y las interpretaciones finales corren a cargo del espectador. Para que conozcas más sobre este espectáculo, entrevistamos a Oscar López, productor de la puesta en escena.

Entonces pasemos a nuestro tema. ¿Cómo fue que te involucraste con el proyecto de Fuerzabruta? Es una historia muy fuerte. Yo conocí a Diqui James hace 20 años, haciendo La Negra, un espectáculo que se presentaba en el Palladium, un lugar en Buenos Aires. Después cuando vi De la Guarda me gustó mucho. Cuando vi Fuerzabruta me morí, me encantó. Pensé enseguida en llevarla a México, y después pensar cómo llevarla a otros países. Emprendí la misión de hacerla en México. Yo entré con CLAOS Entertainment, se nos unieron MVS, Lemon Live y Ocesa en la parte operativa.

Platícanos un poco sobre ti mismo y tu trayectoria como productor musical. Soy una muy mala persona a la que le gusta el rock and roll (risas). Llevo muchos años haciendo música, siempre a lado de la historia del rock en español. Empecé a los 17 años en Argentina, me fui a España y luego llegué a México. En México armé el Rock en tu idioma: Caifanes, Fobia, Maldita Vecindad… Después me pongo un poco más profesional, que no sé si sea la palabra correcta. Pero me puse a producir discos diferentes. Me dieron a José José. Para mí fue un reto muy grande, porque José era como uno de los tipos más importantes de México. Primero pensé que no sabía hacer discos por encargo, pero me di cuenta de que lo podía hacer. Después trabajé con Mijares, Guadalupe Pineda, grupos de España. Trabajé muchos años produciendo, pero me mantuve siempre haciendo teatro también. Sobre todo en Buenos Aires hice teatro no convencional, ya fuera Juglares, La Furia dels Baus, Yerma, o siempre puestas raras. Hasta 1994, cuando fui de los primeros que trajo grandes bandas al Palacio de los Deportes: INXS, Sting, Billy Joel, Mexico Jazz Festival. ¿Qué más te puedo decir? Veo pasar los años, y me siento muy viejo, ya no te puedo decir más (risas).

¿Tu trabajo se centra más en la parte musical o en la producción general? Yo estoy como productor general. La música es de Gaby Kerpel, quien también hizo la música de De la Guarda. Como productor general, hago lo mismo que hice cuando traje a Peter Gabriel: coordiné la gira en toda Latinoamérica. En Fuerzabruta soy productor y a veces promotor, lo que pasa es que hago discos y música también. Pero tengo que elegir entre ponerme la camisa de músico-productor o ponerme el saco de productor y convertirme en un gran empresario. Hablemos un poco de México. Es un buen momento para traer Fuerzabruta, porque de algún modo el público ya está preparado para recibir propuestas alternativas, ¿no es así? Totalmente. Cuando llegué a México en el 86’ u ’87, empecé a trabajar con Caifanes, Maldita; traje a Charly García, a Soda Stereo y toda esa historia. Confié en el mercado, en la gente. Siempre me iba a las universidades y por supuesto donde hay fiesta ahí me aparezco (risas). Así que siempre tuve la intuición de que hay una gran fuerza contracultural en México; mucha gente a la que le gusta este tipo de espectáculo. Por eso estoy trabajando en proyectos así.

Los actos en Fuerzabruta rompen con los convencionalismos. Diqui James pensó en el acto “El Corredor” tras sufrir un ataque de pánico en la fila de un banco. En él vemos a un hombre suspendido en el techo, que corre mientras su cuerpo, literalmente, atraviesa toda clase de obstáculos en una carrera que parece no tener final. Quizá la parte más impactante está en el acto “Mylar”, donde por encima de tu cabeza verás a varias mujeres en una piscina gigante, representando, mientras juegan con el agua, la sensualidad de lo femenino. ¿Crees que en México exista ya una nueva generación de artistas? Yo creo que cada vez somos más. Cada vez hay más gente con la misma inquietud. México es un semillero alucinante en artesanía, arte, música, arte callejero. Tengo la fantasía, que es a la vez un proyecto (porque cada proyecto mío tiene una dosis de fantasía, pero que trato de cumplir) de armar una compañía de Fuerzabruta con actores mexicanos; una compañía azteca que viaje por el mundo. ¿Cuál es el papel de México frente a las nuevas artes escénicas? No es casualidad que existan compañías como el Cirque du Soleil, que empezó siendo callejero, y donde por cierto podemos encontrar artistas mexicanos. En muchas producciones contraculturales hay mexicanos. Fuerzabruta tenía que venir a México y montar el espectáculo de la forma en la que lo hicimos. En Nueva York fuimos a verlo y sí es maravilloso, pero tiene otra estructura; no tiene la forma de lounge que hay en México. Eso tiene que ver con un compromiso que yo tengo con mis producciones. Dentro de mi idea inmediata se incluía hacer audiciones en México e iniciar una tercera o cuarta compañía. La demanda de Fuerzabruta es muy grande a nivel mundial. Nos la están pidiendo de Brasil, de España y de muchos otros lugares. No alcanza una sola compañía en Nueva York y la que vino a México, que es la que viene de Europa: Londres, Edimburgo y demás. La demanda ya exige que se haga otra compañía y queremos que se haga con mexicanos y latinos. ¿Qué debe esperar la gente al ir a ver el espectáculo? Pienso que en realidad Fuerzabruta es tan libre, que debes venir y sentirte así: lleno de libertad. Dejarse fluir; no estar atado a conceptos previos. Mi forma de definirlo es que al salir eres una mejor persona, porque tu parte interior se cuestiona muchos cosas. Gracias a la dinámica y a la interacción propias del show, puedes replantearte y cuestionarte muchas cosas sobre ti mismo. Eso es lo que me tiene atrapado. Por último, nos gusta preguntar: ¿a qué o quién le rindes culto? Al amor, a la vitalidad. M

Fuerzabruta: Gran Carpa Santa Fe. Martes a Viernes, 21:00 horas. Sábados, 19:00 y 22:30 horas. Domingos, 19:00 horas. www.ticketmaster.com.mx www.ocesa.com.mx

TRIVIA

Marvin y Fuerzabruta te regalan cinco pases dobles para el espectáculo. Sólo manda tus respuestas al correo promocion@revistamarvin.com: ¿Cómo se llaman los cinco actos de Fuerzabruta? ¿Qué canción de De la Guarda obtuvo tres nominaciones a los premios MTV?

Midnight Oil

76 TXT:: Andrés Sánchez-Juárez. FOT:: cortesía Sony Music.

Pioneros ecológicos

En medio de la noche, en un bosque de acacias en la tierra de Arnhem, en el norte australiano, un grupo murngin danza y canta sobre figuras espirales y geométricas trazadas en la arena solapados con el retumbar de los tambores y los sonidos desbordantes e hipnóticos del didjeridoo. Alumbrados por las estrellas de las constelaciones australes y las lámparas de resina o aceite, el midnight oil de los mineros aborígenes del uranio, esperan la salida del sol. Con Midnight Oil me pasó lo que a todos los melómanos nos ha sucedido alguna vez. Enciendes el radio y escuchas una rola empezada que llama tu atención especialmente. ¿Quiénes serán? Esperas ansiosamente su final para enterarte y resulta que el locutor no dice nada. Gran frustración. Dos años después de la desilusión y como una agradable sorpresa, volví a oír la canción en el tocacintas del coche de un amigo, en un camino de terracería camino a Bonampak, Chiapas. “Power and The Passion”, es un sencillo desprendido del excelente acetato 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 (1982), el cuarto de catorce en la discografía de esta banda de hard rock de Sydney, Australia. Lo primero que hice al regresar de mi viaje fue comprar este LP junto con el Place Without A Postcard, que le antecedió en el ‘81. Algunos años después, el celebérrimo Diesel And Dust (1987) provocó que Jim Moginie, Andrew James, Bones Hillman, Peter Garrett, Rob Hirst, Martin Rotsey y Peter Gifford se asomaran con autoridad y prestancia a la escena mediática del rock global. ¿Quién no ha escuchado “Beds Are Burning”? Conocer previamente a los que de súbito se convierten en súper famosos, nos da la oportunidad de sentir una cierta sensación de superioridad perversa.

El inicio de los avatares musicales no resultó sencillo. Los originalmente llamados Farm en 1971, recorrieron un largo camino en busca de una de identidad propia, que encontraron en 1975 cuando un estudiante de leyes de casi dos metros de estatura y cabeza rapada se les unió como vocalista: Peter Garrett. Tras innumerables intentos desafortunados por firmar con un sello disquero, optaron por crear el propio, llamado Powderworks. De ese modo, auto editaron su primer disco homónimo con un sonido crudo, intenso, a veces apasionado, enérgico, mordaz. Las letras eran agresivas pero elegantes; viscerales y a la vez cerebrales, provocativas y directas; todas ellas con un contenido social profundo, reflexivo y anárquico. Muchos artistas de todo género se han valido de las depredaciones ecológicas y desgracias humanas —guerras, invasiones, despojos, epidemias, discriminaciones, contaminación, deforestación, explotación, corrupción— para salir a la palestra comercial y mediática, con el propósito de lucrar y mendigar fama en forma oportunista e impúdica con las fatalidades e injusticias que se suceden a diario en nuestro planeta. ¿Quién antes que los Oils se ocupó de las desgracias que sufren los mineros del uranio? “De mi sudor bebe la mina y la esperanza es una migaja en mis bolsillos rotos pero si trabajo todo el día habrá comida en mi mesa por la noche...” Hirst, Moginie, Gifford, Hillman, James y Garrett se comprometieron desde un principio con una expresión musical de denuncia, delatora a veces, plena de compromiso, frescura y furia auténticas, pero sin las pretensiones cursis o rebuscadas de los impostores posers ávidos de reconocimiento. Todo ello a bordo de su sonido potente y descarnado de garage, tan asociado como armonizado con la melodía y diluido en la melancolía, los propósitos y las propuestas. Su misión no quedó ahí. El primer intento de Garrett por un puesto en el parlamento australiano sucedió poco después de la aparición de Red Sails In The Sunset (1984), pero no llegó por un puñado de votos. Una buena parte de las regalías de todos sus discos y presentaciones, las han donado a los lugares en donde antes habían colocado su lengua, como asociaciones de ayuda a indígenas de diversas partes del plane-

Un soni descarndo potente y asociad ado de garag con la mo como armo e, tan melanco elodía y diluinizado las prop lía, los propó do en la si uestas d e la bantos y da.

ta, especialmente —claro está— a los aborígenes australianos, a fondos de soporte de movimientos reivindicatorios y proyectos de defensa y conservación ecológica. Como detalle, los booklets de sus CDs están editados en papel reciclado. Además, los fondos obtenidos de su concierto de protesta frente a las oficinas de Exxon por los perjuicios ambientales consecuencia de sus extracciones de crudo en Alaska, fueron donados íntegramente a Greenpeace. La banda continuó en el gran escenario del rock global por algún tiempo con sus siguientes producciones Blue Sky Mining (1990), Screaming In Blue (1992) grabado en vivo en diferentes escenarios de la isla continente y el más íntimo y personal Earth and Sun And Moon (1993), para retornar con Breath (1996) y Redneck Wonderland (1998) a los senderos alternativos del underground severo y en ocasiones destemplado del que habían surgido más de veinte años antes. Capricornia (2002) fue su despedida y desbandada. Garrett deja el grupo en buenos términos ese mismo año para dedicarse de lleno a la política. Esta vez la suerte le sonrió: fue elegido como representante de Kingsford Smith en las elecciones federales del 2004, por el Partido Laborista Australiano. En noviembre de 2007, el nuevo Premier Kevin Rudd lo nombró Ministro de Ambiente, Cultura y Artes. Misma lucha, cambio de trinchera. Sometimes you’re beaten to the call Sometimes you’re taken to the wall But you don’t give in Sometimes you’re shaken to the core Sometimes the face is gonna fall But you don’t give in Andrés Sánchez-Juárez conduce El Visisonor los domingos a las 21.00 horas por Ibero 90.9 FM. elvisisonor@hotmail.com M

Cómo el cambio climático transformó Hollywood I’m Al Gore, I used to be the next president of the United States of America… (Al Gore en una entrega de premios Oscar) ¿Qué hacer cuando pierdes la carrera presidencial en Estados Unidos? Talvez reinventar tu persona y dirigir una cruzada para crear conciencia sobre el calentamiento global. Esto fue precisamente lo que hizo Al Gore con la producción de su documental La Verdad Incómoda. En este número especial de Marvin dedicado al tema orgánico, hablaremos de dos documentales que han sido pioneros en lo que parece ser un nuevo capítulo dentro de la historia de la producción en Hollywood: los documentales destinados a hacer reflexionar a la audiencia ante la crisis natural. La verdad incómoda Decepcionado del ambiente político, Al Gore, líder por naturaleza, inicia una cruzada ecológica a través de la producción de un documental meramente informativo que registra con datos escandalosos el crecimiento del calentamiento global. El fenómeno de La Verdad Incómoda inicia a finales de la década de los ochenta, justo cuando Gore cumplía los treinta y ocho años y pasaba por una dura crisis familiar debido a un terrible accidente en el que casi pierde la vida su hijo Albert. Gore empezó a recolectar una serie de filminas que retrataban la alarmante erosión de hielo en el Polo Norte. El político combinaba su entonces ascendente carrera política con exposiciones en universidades de su muy peculiar colección de fotografías. La presentación consistía en una sencilla proyección a través de un carrusel en un antiquísimo proyector, por lo que debido a las constantes demandas de la conferencia por todo el mundo, dicha presentación resultó completamente obsoleta. Persuadido por una influyente productora de Hollywood, Gore expuso su conferencia ante un grupo de importantes ejecutivos de la industria en la que, por mera casualidad, se encontraba Lawrence Bender (productor de filmes como Pulp Fiction y Voces Inocentes entre muchas otras), quien inmediatamente vio el potencial comercial de la conferencia, y así convence a Gore del posible tratamiento cinematográfico que podría tener La Verdad Incómoda. La pregunta es: ¿estaba el público preparado para recibir un documental con alarmantes cifras y datos con una conferencia filmada convencionalmente? La respuesta fue un rotundo sí. La cinta costó aproximadamente un millón de dólares. Su recaudación en Estados Unidos fue de 20 millones de dólares y otros 15 en el resto del mundo. Hasta la fecha es el cuarto documental más exitoso en la taquilla de Norteamérica, y uno de los filmes mejor recibidos en el circuito de festivales a nivel global. En Japón, por ejemplo, rompió el récord de entradas en un solo cine, logrando recaudar en un fin de semana la estratosférica cantidad de 850,000 dólares.

La banda sonora tuvo el mismo impacto: la cantante activista Melissa Etheridge ofreció a Gore una composición de su autoría para incluirla en la cinta de nombre I Need to Wake Up, la cual incluso estuvo nominada a un Oscar como mejor canción del año. La edición en formato DVD también fue muy exitosa. Su lanzamiento consistió en un singular empaque hecho totalmente de papel reciclado y en donde se evitó a toda costa la inclusión de materiales como lámina y plástico, comunes en las presentaciones de estos productos. Sin embargo, la controversia ha rondado la cinta. Varios especialistas en la materia la han criticado al considerarla como alarmista y de ser meramente un producto propagandista. Varios blogs se han visto inundados de comentarios que desmienten los hechos que Gore plantea en la cinta, acusándolo de manipulación de información y de exagerar cifras para construir una película escandalosa. Hay quienes incluso aseguran que el filme es un vehículo para que Gore retome su carrera política. Lo cierto es que Gore ganó el Nobel de la Paz en el 2007 por su labor informativa respecto del cambio climático, un codiciado galardón que se le escapó de las manos en otros años a Lady Di o a Bono. Independientemente de todo esto, La Verdad Incómoda ha provocado una serie de consecuencias importantes dentro de la industria: se ha recuperado el medio cinematográfico como factor para hacer meramente conciencia en el espectador. También se comprobó que la audiencia está lista para ver filmes de carácter informativo. ¿Cuál podría haber sido la fórmula del éxito de esta película? Probablemente el dinamismo que le imprimió su director David Guggenheim, el carisma de Al Gore o simplemente el controvertido y alarmante tema que abordaba.

La pregunta es: ¿estaba el público preparado para recibir un documental con alarmantes cifras y datos con una conferencia filmada convencionalmente? La respuesta fue un rotundo sí.

La onceava hora El 7 de marzo del 2008 se estrenó en México The 11 th Hour, cinta documental distribuida por Warner Bros., en la que Leonardo DiCaprio instaba a la audiencia a tomar conciencia de la situación ecológica en el planeta. A diferencia de La Verdad Incómoda, la película recopila una serie de testimoniales de importantes científicos, líderes de opinión y expertos en la materia (entre ellos se encuentran Stephen Hawking y Mikhail Gorbachev, por mencionar algunos) que expresan su preocupación ante los alarmantes datos y las cifras expuestas. Más que una conferencia informativa, el documental está realizado de manera que las nuevas generaciones tomen cartas en el asunto; digamos que es una llamada de atención a la juventud por parte de unos de los rostros más populares del cine. La aventura de DiCaprio como ambientalista nace en el año 2000 cuando acepta la invitación para entrevistar al presidente Clinton en un especial para la cadena de televisión ABC titulado EarthSpecials. La experiencia motivó al histrión a seguir investigando sobre la erosión forestal, la extinción de especies y el calentamiento global. Pronto la estrella se convertiría en uno de los principales portavoces de campañas ecologistas, por lo que su asociación con Leila Corrers Petersen y Nadie Corrers para crear el documental, no extrañó a nadie. Las directoras propusieron a DiCaprio la producción de un filme que reuniera personalidades como al ganador del premio Nobel Wangari Maathai y al periodista Paul Hawken entre una larga lista de pensadores y analistas del material.

La película abrió en el Festival de Cannes del 2007 con una gran campaña publicitaria que respalda el lanzamiento del documental, para después iniciar su corrida comercial. La onceava hora abrió sólo en cuatro salas WN el primer fin de semana en Estados Unidos, recaudando la modesta suma de 60,853 dólares, nada en comparación con las entradas de La Verdad Incómoda. Al igual que el filme anterior, la cinta de DiCaprio tampoco se salvó de las críticas y comentarios negativos por parte de los especialistas en la materia, quienes argumentaron que la cinta presenta un panorama mucho más negativo que el real y que se sentía un pesimismo implícito en toda la proyección, logrando un efecto contrario en el espectador. El diario The Vancouver Sun, por ejemplo, citó que los métodos que proponía para la reforestación resultaban inoperativos y disfuncionales, que las cifras eran exageradas, y que todo era para darle un tinte morboso a la problemática planteada. En México ambos documentales tuvieron una recepción tibia. Ambos fueron lanzados con un número muy limitado de copias, y la recuperación de sus respectivos lanzamientos fue muy difícil. Sin embargo, se tienen datos de una excelente renta y venta en DVD de La Verdad Incómoda, que al parecer encontró su público en este formato. Todavía está por verse el caso de La onceava hora que saldrá este año. Lo innegable es que ambas cintas marcaron un parteaguas en la historia del cine hollywoodense. La industria abrió un espacio (más por conciencia que por negocio), para que naciera la cinematografía ambientalista. M

Vik Muniz Sampling orgánico para los ojos Una de las más importantes muestras de este año en Ciudad de México es la retrospectiva del artista brasileño Vik Muniz (Sao Paulo, 1961). Muniz ha logrado establecer un lenguaje visual propio basado en una manera de pensar consistente e inteligente que hace de sus fotos piezas profundas, enigmáticas y al mismo tiempo accesibles y disfrutables por todo tipo de persona. Conversamos con él sobre música, tecnología e historia, tres obsesiones presentes en su trabajo.

Es interesante que México va a conocer tu trabajo por primera vez en una retrospectiva, es decir, va a ver toda tu obra, desarrollada por años, de una sola vez. Te vas a exponer completamente. Es interesante y a la vez es un privilegio. No se trata de una ciudad pequeña. Poder mostrar tu trabajo completo en una de las tres ciudades más grandes del mundo es definitivamente un privilegio. ¿Es intensa la relación con Latinoamérica en tu trabajo? Todo mi desarrollo profesional se dio a mediados de los 80, cuando ya vivía en Nueva York. Por eso creo que la mayor influencia en mi vida viene del arte norteamericano y europeo de los años 60 y 70, con el que tengo mucha complicidad. Pero aun con estas influencias, yo soy un hombre brasileño. La óptica, la perspectiva desde la que veo las cosas cambia bastante por el hecho de mi identidad latinoamericana. Un ejemplo claro: cuando yo era adolescente viví la dictadura militar en Brasil. Era una atmósfera donde no podías decir lo que querías. Tenías que encontrar maneras distintas de decir las cosas, todo lo que escuchaba debía ser sometido a un discernimiento, había una especie de cinismo ideológico en relación a los medios. Aprendí a percibir y aplicar una elasticidad en los mensajes, desarrollé una especie de cinismo, y además toda una idea de la metáfora. En la música, por ejemplo, había canciones que hablaban aparentemente de amor, pero nosotros sabíamos leer codificadamente, entre líneas, fuertes mensajes políticos. Muy tempranamente pude entender este “mercado negro semántico”. ¿Te refieres a la música de Caetano Veloso, de Chico Buarque? Sí. La música era la forma de arte más influyente en esa época. Todo era muy codificado, un mensaje traía muchos significados, todo era muy negociado. Ahora que lo pienso, talvez esa es la influencia más importante en mi formación

TXT:: Humberto Polar. FOT:: cortesía Colegio San Ildefonso. intelectual. Me beneficié mucho de esa atmósfera represiva. Soy un hijo perfecto de la dictadura militar. Muchos de esos músicos son ahora mis amigos. Caetano era mucho más sutil que Chico Buarque. Cuando pienso en influencias latinoamericanas en mi trabajo, la mayoría viene de artistas que no son artistas plásticos. ¿Sientes que en tu trabajo se siente el peso de los artistas brasileños más influyentes de esa época, como Helio Oiticica o Ligia Clark? Es interesante que esta lectura del arte brasileño de los años 60 fue más bien redescubierta en los años 90. El problema es que había muchos otros. Helio o Ligia Clark son embajadores de lo que se hacía en Brasil de esta época, pero en realidad cuando yo vivía en Brasil el concretismo a mí no me decía nada. Era un tipo de arte que parecía ignorar la realidad social del país. Hacer pinturas abstractas en una época de extrema represión política parecía una especie de escapismo. La música tenía una capacidad de comunicación y expresión mucho más eficiente. Como todos los chicos de esa época, me volvía loco la música que venía de E.U. y Europa. En 1975 yo amaba Jamaica, Lee “Scratch” Perry, el ska, el punk. Había un bar en Sao Paulo llamado Napalm donde iba todas las noches. Yo era un root boy (risas). Entonces tomas la opción de ir a vivir a Nueva York y empiezas a procesar todas estas influencias... Sí. Me beneficié mucho de tomar distancia. En Nueva York descubrí algo con respecto a la representación: la fusión entre la fotografía documental y la de arte. Además, por un background que tengo en teatro, el performance, la acción. Los documentos hacen que el performance permanezca, así como en el caso de Beuys las reliquias son la huella de su trabajo. En mi caso, hago performances que duran muy poco, aunque la preparación, el ensayo duren mucho tiempo. Eso es algo que me distingue y me aísla un poco de otros artistas de mi época. En mi estancia en Nueva York había una comunidad de artistas muy participativa. Conocí de cerca a Jeff Koons y otros que trabajaban directamente sobre el concepto de

Vik Muniz usa en sus obras materiales como polvo, jarabe de chocolate, recortes de revistas para collages, alambre y tierra. La selección de estos materiales comunican en gran medida algunos aspectos psicológicos, así como la narración misma del proceso creativo. realidad y la influencia de los medios. En mi trabajo siempre he tratado de pasar el mensaje de una manera fácil, fluida, como lo hace la música. La fotografía me encantó por su carácter leve, efímero. Algo que me influyó muchísimo fue la cultura del sampling. Yo estaba allí cuando Afrika Baambata presentó por primera vez “Planet Rock”. El hip hop era algo increíble, aunque ahora se volvió insoportable. Viví el inicio de la música electrónica en Manhattan, y esta cultura de los DJs me enseñó que el fin último del trabajo era hacer que la gente bailara, pero gente como DJ Shadow lo hacía con una profunda erudición. Estos músicos tenían una cultura musical inmensa y yo quise también volverme un erudito, pero en imágenes. Para hacer una fotografía inteligente, capaz de causar una impresión perceptual y física muy fuerte, como la música, tenía que estar siempre adaptando la idea fotográfica a un universo tecnológico más actual. ¿Dirías que tu trabajo visual es entonces un equivalente del sampling? Muchísimo. No todo mi trabajo, pero hay buena parte de él que está hecho como la música de DJ Shadow, de miles de partículas tomadas de otras partes, y por las que no me pueden procesar porque son “menores que un segundo”. La cultura es tan efímera hoy por causa del avance de los medios tecnológicos que la presentan. Y esto tiene una relación directa con la paranoia sobre la propiedad intelectual. ¿Qué es la propiedad intelectual? Cuando yo sé una cosa, la continúo sabiendo. La idea de transmisión y reutilización de mensajes es fundamental para el ejercicio de la civilización. Si toda la cultura, la llamada propiedad intelectual, se queda en manos de unos pocos para siempre, es el fin de la cultura. El aprendizaje se basa en la copia y la transformación de lo que has visto antes. ¿Crees que el cambio tan radical que enfrenta hoy la industria de la música por causa de la tecnología podría suceder en el mundo del arte visual? Ya está pasando en términos de cultura visual. Lo que vemos en los muros, las paredes, la idea del objeto fuera de los círculos elitistas. Hiciste la carátula para el primer disco de Tribalistas, que fue como llevar tu trabajo a un entorno masivo... Fue divertido. En Italia un día vi en la calle 40 CDs piratas con mi carátula. Marisa (Monte) estaba indignada, ¡pero a mí me pareció buenísimo! (risas). La diferencia entre el músico y el artista visual ... Y en este sentido, ¿no te incomoda que tu trabajo tienda a estar mucho más en galerías y museos? ¿No quisieras una forma más masiva de distribución? Claro que quisiera. Pero esas son imágenes de imágenes. Hay una diferencia con las imágenes que van al muro. Cuando vas a un museo, las imágenes no te

bombardean, vas a ellas. Por ejemplo, las carátulas de CD son un espacio muy pequeñito, muy limitado. Aun los libros son muy limitados. En cambio el tamaño de mis fotos en la galería son muy importantes en mi concepto. Una de las primeras obras tuyas que vi en vivo fue la foto hecha en chocolate sobre Pollock. Pienso que esa foto es un muy buen descriptor de tu trabajo en general. El chocolate es una sustancia industrial y cultural llena de concepciones muy complejas. Cuando dibujas con chocolate hay una gran tensión semántica. Al usar la imagen de Pollock hubo una buena combinación. Una vez traté de escribir un texto sobre la pintura de mi mujer, y ponía allí que es muy diferente verla pintando a ver solamente la pintura terminada. La acción es tan importante como el resultado de ella misma. Esta obra de Pollock es muy querida para mí. Hay obras que plantean muy buenas preguntas. Esta plantea muy buenas respuestas (risas). Siendo un fanático de la tecnología, ¿usas software o sigues trabajando más en lo minuciosamente manual? No, para mí los computadores son herramientas cognitivas. Tengo 15 computadoras en mi casa, soy adicto a ellas, pero sigo trabajando manualmente para crear mis imágenes. Estoy investigando junto con una empresa cómo hacer impresiones digitales más grandes en alta resolución. Pero la imagen manipulada no. Para mí el Photoshop traza la línea entre la historia y la posthistoria. El momento donde aprendemos a contar mentiras en lugar de contar la verdad. Es muy complicado. Durante la historia, el arte sirvió para contar lo sedimental de los sucesos. Así ha sido desde el arte rupestre hasta la invención de la fotografía. Somos dependientes de la imagen para la construcción de la historia. La popularización de los medios de manipulación fotográfica trae un problema muy serio. Manipular tus arrugas en una foto familiar no permite una sedimentación de tu historia. Esto lleva a problemas éticos muy grandes, porque puede llevar a que toda la historia se disuelva. Podría llevarnos a un caos histórico. M

Vik Muniz: Reflex

De martes a domingo, 10:00 a 17:30 hrs. Hasta el 14 de septiembre Antiguo Colegio de San Ildefonso. Justo Sierra 16, Centro Histórico.

Von Südenfed:

el estridente encuentro entre Mouse on Mars y The Fall TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: Domino Records.

Smith se muestra como un manifestante, un predicador del caos o un poeta de la anarquía, que no desperdicia ni un instante para increpar al escucha. El disco de Von Südenfed contiene ritmos quebrados, una telaraña de efectos de sonido y ruido, letras que estallan cual botellas de vidrio.

Se ha intentado explicar el sonido del trío como si se tratara de un sound-system o una banda. Jan explica: “queríamos que el álbum tuviera la misma energía que imaginamos en una banda híbrida, futurista que toca grime o ska como en una estación de radio pirata”.

Siento que ahora no importa, no es importante a qué década estés haciendo referencia, o si tienes el break o el truco electrónico más cool. Es sólo la energía lo que cuenta.

Quizá en nuestro país nos diga poco el nombre de Mark E. Smith (1957). Pero en su calidad de músico ha desempeñado un papel crucial como creador y eje central de una de las bandas que más es señalada, generación tras generación, como referente de artistas realmente avezados y conocedores. The Fall es una constante en las influencias de gente talentosa. Smith fundó el grupo en 1977 en pleno estallido del punk británico, y atravesó la coyuntura sin amilanarse. Se sabía de sobra un tipo rudo y bragado, que no necesitaba poner prendedores a su chamarra y hacerse una cresta. Desde Manchester supo hacer canciones agresivas e hirientes. Pocos como él para aplicar el sarcasmo en las letras, lo que le valió para que el legendario locutor de la BBC, John Peel, lo convirtiera en uno de sus favoritos. A través de los años, Mark no ha hecho sino convertirse en alguien más mañoso y seguro de su búsqueda. De hecho, por la agrupación han desfilado una centena de músicos en calidad de acompañantes (entre ellos su ex mujer). El tipo sabe lo que quiere, y así lo ha plasmado en canciones como “White Lighting” o “Reformation”. Los círculos oficiales del rock no han revindicado su legado como es debido, ni aun cuando sin su estilo y desplantes no hubiesen surgido grupos como The Smiths u Oasis. Se trata de un vocalista inclasificable, ejemplo puro de la bravura, autor de álbumes a lo largo de cuatro décadas como Dragnet (1979), Hex Enduction Hour (1982), Cerebral Caustic (1995) y Post-Reformation TLC (2007). Smith ha buscado que la esencia de lo que él entiende como rock no se domestique ni pierda lo filoso; se ha preocupado por encontrar nuevos espacios donde la música siga siendo un vehículo para la crítica y la reflexión, por eso ha firmado discos como Perverted by Language (1983). En ese sentido, no resulta impensable que su búsqueda por encontrar otros ambientes y canales de expresión le llevara hasta los terrenos de la electrónica.

Tal pareciera que Mark anticipó los planteamientos del Critical Art Ensemble, colectivo que en el texto The Electronic Disturbance, publicado a finales de los noventa, aseveraba: “que habiéndose fugado el poder a la esfera digital, al espacio liso de los flujos, la resistencia en la calle había dejado de tener sentido. Luchar en la calle, en el espacio urbano tradicional, donde sólo permanecían los búnkers del poder fluidificado y nómada, era como dar palos a un muñeco de trapo”. Era momento para hacer algo de política sobre una pista de baile. La puerta de entrada para ingresar al universo de los sintetizadores y las cajas de ritmo se abrió en Alemania, país en el que radican Jan St. Werner y Andi Toma, conocidos en la escena como Mouse on Mars, un dueto orientado a devolver la soltura y la libertad a la electrónica. Desde 1993 se muestran como una máquina de reciclaje que funciona a partir de residuos de techno, ambient, música disco, sonidos kitsch, e incluso procesando el machacón trance. En vivo, utilizan instrumentos convencionales del rock como batería, bajo y guitarra, además de un arsenal de sintetizadores análogos. Su disco debut Vulvaland (1994), editado por el sello británico Too Pure, marcó un punto de inflexión para acuñar el término post-rock o redefinir lo experimental en la electrónica. Luego vino Iaora Tahiti (1995), un muestrario de tendencias y estilos. Durante el 2004, sus especulaciones estéticas les llevaron a interesarse por sumar una voz estridente, que procediera del punk primigenio, y el elegido fue su admirado Mark E. Smith, a quien contactaron por medio de su esposa. El resultado fue “Wipe That Sound” incluido en el EP Radical Connector, que tuvo un pequeño tiraje. Al no encontrarlo suficientemente distribuido, fue el propio Mark quien les pro-

84 pusiera hacer algo más ambicioso: trabajar un álbum completo; ahora titulado Tromatic Reflexxions y firmado como si fueran una entidad debutante: Von Südenfed. Como trío hacen variaciones mutantes de techno funk sobre las que el “gritante” aplica su aguardientosa y destemplada voz. Nada es predecible, las estructuras se diversifican dando cabida a letras que no acusan cansancio alguno en su intención permanente de prender fuego al mundo. Doce piezas en que Smith se muestra como un manifestante, un predicador del caos o un poeta de la anarquía, que no desperdicia ni un instante para increpar al escucha. “Fledermaus Can´t Get It”, la canción que abre, es la síntesis de esta obra: ritmos quebrados, una telaraña de efectos de sonido y ruido, letras que estallan cual botellas de vidrio. Y aun así el resultado se puede bailar, según los lineamientos del punk funk al estilo de !!! y Prefuse 73, o bien llevado un paso adelante de lo que hace The Rapture. Las críticas más ácidas alaban este disco, diciendo que es lo que LCD Soundsystem ha tratado de hacer sin conseguirlo. Consignan que la brillantez de “Flooded” debe estar matando de envidia a James Murphy. En fin, Von Südenfed no carece de canciones sobresalientes; ahí están “Family Freud” (con una pátina de R&B) y “The Rhinohead” (con aires melódicos un tanto pop).

Los años pasan y Mark Smith se escucha tan fresco y vital como en The Infotainment Scan (1993) y el Middle Class Revolt (1994). Incluso se jacta de ser el DJ de este proyecto, editado con el prestigiado sello Domino. Presumen de un poderoso rock electrónico que amplía el campo de trabajo, de por sí vasto, de los Mouse On Mars. Tomas y St. Werner, acostumbrados a experimentar, han colaborado con Stereolab o producido a Yamo, el proyecto de Wolfgang Flür, ex Kraftwerk, hasta agregar al baterista Dodo Nkishi, con quien lanzaron su primer álbum en vivo llamado Live 04, para crear posteriormente su propia disquera, Sonig. Von Südenfed es todo nervio, un vertiginoso túnel hacia un sitio impredecible, en el que impera la innovación musical y la incorrección discursiva. “Can’t Get Enough” y la revisión de “That Sound Wiped” son evidencias de que la colaboración intergeneracional y estilística se dio con gran fortuna. ¿Qué significa ser un artista verdaderamente joven y propositivo? Mark E. Smith conoce el secreto y lo ha transmitido a sus buenos amigos alemanes. M

¡Viene bien-eh! Domino Records The Last Shadow Puppets Age of the Understatement Clinic Do it! www.dominorecordco.us

Black Records 4ad The Breeders Mountain Battles www.4ad.com

Mute Records M83 Saturday = Youth www.mute.com

Astralwerks The B–52’s Funplex www.astralwerks.com

LL Recordings Lykke Li Youth Novels www.discogs.com/label/

Lickingfingers El Perro del Mar From the Valley to the Stars www.lickingfingers.com

The Bookhouse Boys The Great Scape www.myspace.com/ blackrecordindustries

The Null Corporation Nine Inch Nails The Slip

música 3x1

88 The Tallest Man on Earth

Shallow Graves Gravitation ★★★★

El hombre más alto de la tierra (The Tallest Man On Earth) es el nombre de batalla de Kristian Matsson, que como dato curioso, es sueco. Esto es muy desconcertante porque la música que toca es un tipo de country folk totalmente norteamericano, en realidad es un sonido que suena mucho a las raíces profundas de la música country. Pero hay que dejar las cosas en claro: cuando hablamos de country no estamos hablando de Kenny Rogers. En el caso de Matsson tiene un sentido y una intención mucho más indie, más de rescate y con una actitud más cercana a una búsqueda interesante. También hay que decir que es un disco que no gustará a los recién iniciados en el folk, ya que tiene un sonido muy clásico: sólo guitarra, banjo y voz. Fue tocado de una manera muy elemental y rústica, pero es justo ahí donde está el encanto, es un trabajo verdaderamente adorable. La voz nos recuerda mucho a Bob Dylan, es de esas voces que se basan más en el sentimiento que en una gran técnica. La guitarra y el banjo están tocados a la vieja usanza, de una manera magistral. TXT:: Micro.

Samamidon: All Is Well. Viejas canciones country con arreglos contemporáneos impecables, referente del género. José González: Veneer. Otro cantautor de folk sueco de padres argentinos, con un corte mucho menos country. Bob Dylan: The Times They Are A-Changin’. Todo lo que tiene que ver con el folk tarde o temprano se relacionará con Dylan.

The Style Council

Animal Collective

Our Favourite Shop (Deluxe Edition)

Water Curses EP

The Style Council es un dúo integrado Mike Talbot y Paul Weller, quien anteriormente fuera vocalista de la mítica banda punk The Jam, el proyecto fue formado con la intención de hacer música pop con claras influencias de música negra como r&b, soul, funk y ciertos toques de jazz. Our Favourite Shop fue editado por primera vez en 1985, y con el paso del tiempo se ha convertido en una referencia obligada del pop británico. En esta nueva edición de lujo podemos escuchar el disco original remasterizado. Además tiene un buen número de extras que como siempre, es el tipo de material que resulta más atractivo para fans con mixes, demos, canciones inéditas, algunas en vivo y otras que fueron lados b de singles que difícilmente se pueden encontrar actualmente. Es el disco más importante en su trayectoria, llegó al primer lugar en las lista británicas, tiene canciones clásicas como “Walls Come Tumbling Down”, “The Lodgers” y el disco cierra magistralmente con “Shout To The Top” que se había editado un año antes como single. TXT:: Micro.

Animal Collective, como su nombre lo indica, es un colectivo de músicos; es decir, no hay una formación rígida, en algunas rolas intervienen unos y en otras la formación puede ser diferente. Cada uno de sus cuatro integrantes toca el instrumento que se le ocurra en ese momento. Talvez sea por esto que tienen esa inventiva y cada disco puede llegar a sonar o explorar terrenos tan diferentes. Han lanzado 12 discos en ocho años, pero lo sorprendente es que todos sean buenos. Este EP está hecho con tres canciones que no entraron en Strawberry Jam, su último álbum. Son de un corte más psicodélico experimental, llenas de texturas que se entremezclan con gritos y sonidos extraños, todo mezclado para llegar a un resultado que no deja de sorprendernos ni de llenarnos los oídos. Water Curses fue escrita especialmente para este disco, con un estilo menos confuso del que nos tienen acostumbrados, pero sin perder su esencia experimental. Seguramente Animal Collective quedará como uno de los grandes proyectos musicales de la década. TXT:: Micro.

Style Council: Cafe Blue. También recomendable a ojos cerrados, en E.U. se editó con el nombre de My Ever Changing Moods. Everything But the Girl: Baby, the Stars Shine Bright. Paul Weller se declaró fan y estuvo a punto de formar parte del grupo. Ejemplo de extraordinario pop inglés. Prefab Sprout: Steve McQueen. Recientemente lanzado en edición de lujo con extras de canciones acústicas.

The Ruby Suns: Sea Lion. Un extraordinario disco también con un sonido psych-folk-avant garde-noise. Evangelicals: The Evening Descends. Aunque con un estilo menos folk, sí tiene los mismos niveles de experimentación y psicodelia. Animal Collective: Strawberry Jam. Las canciones que conforman este EP son las que no entraron a este magnífico LP.

Universal UK ★★★★★

Domino ★★★★

Patrick Watson

Scout Niblett

Close to Paradise V2

An England Story: the Culture of the MC in the UK 1983-2008 Soul Jazz

★★★★ Me resulta difícil asociar este tipo de música negra a UK, porque típicamente se relaciona a los Estados Unidos. Por supuesto hay bandas importantísimas de músicos negros en Inglaterra. También está la referencia de que grupos de punk como The Clash tuvieron una influencia crucial del reggae, pero más bien proveniente de Jamaica. Es increíble darte cuenta de la calidad y variedad que tiene esta música de MC en Inglaterra. MC son las siglas de Master of Ceremony, aplicado al rap es una forma de llamar al estilo de cantar, y este disco está lleno de esto. Los estilos que encontramos son sorprendentemente variados, pasando por rap, algunos destellos de soul y por momentos puede aparecer el ahora tan explotado reggaeton. Sin importar el ritmo, mantiene siempre un carácter muy peculiar y ese saborcito especial a roots muy marcado. Esta es una recopilación básica para cualquier DJ que guste de la música negra. TXT:: Micro.

Varios: An England Story: the Culture of the MC in the UK 1983-2008. Inmediatamente sacaron el volumen dos de este disco, sólo se ha editado en disco de vinyl. The Streets: Original Pirate Material. Este disco es el resultado de la historia de la música negra en Inglaterra, hay muchos momentos muy similares en las raíces. Massive Attack: Blue Lines. Referencia obligada en la música para bailar del Reino Unido con tendencias de MC.

This Fool Can Die Now

★★★★

Too pure

El cuarteto al que Patrick Watson presta su nombre, en la pasada entrega de los premios Polaris (los Mercury canadienses), se impuso sobre Arcade Fire y Junior Boys, entre otros. Con ello, el país de la hoja de Maple confirma que, más allá del hype, se trata de uno de los territorios de los que emana gran cantidad de la música más interesante y propositiva de lo que va del siglo. Grabado también en una Iglesia de Montreal, este pianista de formación clásica, inquietudes jazzísticas y gustoso de la electrónica plasmó toda su sapiencia acerca de la melodía sobre un álbum, que en términos muy amplios se entiende como art-rock. Son 13 canciones que se enredan con distintos conceptos de belleza. Aunque no falta la presencia de un poco de épica a lo Arcade en “Giver”, “Luscious life” y “Drifters”. Lo que inició como un proyecto para musicalizar fotografías submarinas tomadas por su novia, saltó a la autoedición y de allí a mayores ambiciones. Fineza y sensibilidad que reposa en el pop y da cabida a cortes folk, además de recibir gustoso pinceladas vocales jazzy (“Slip into your skin” o “Sleeping beauty”). En los momentos cumbres coquetea con lo que hace Thom Yorke, cuando se pone fresa se acerca a Jaime Cullum o Coldplay. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

★★★★

Rufus Wainwright: Release the Stars. Otro dotado vocalista, capo de los arreglos y además canadiense. Aaron: Artificial Animals Riding On Neverland. Elegante cruce entre música clásica y electrónica. Sufjan Stevens: Illinois. Maestro de la belleza frágil y algunos de los paisajes sonoros más hermosos.

Cat Power: The Greatest. Primer disco donde esta cantante no incluye covers. P.J. Harvey: Stories from the City, Stories from the Sea. El disco donde Harvey se consolida como cantante y compositora, a través de una intimista y poderosa colección de grandes canciones. Janis Joplin: Cheap Thrills. La tímida personalidad de Joplin se trasfigura para rozar la gloria que su voz evoca, influenciando a las nuevas generaciones.

Scout Niblett es una sacerdotisa suprema. Casi siempre se acompaña con lo mínimo (guitarra y batería rústica). Todo lo demás lo concentra en lo que puede hacer con el trabajo vocal. En su cuarto álbum plasma la magia en “Kiss”, brillante joya tallada a detalle, y en la que a dueto con Will (Bonnie Prince Billy) Oldham desparraman belleza lírica: “Oh cariño, déjame soñar, porque en algún sitio dentro de mí he estado esperándote tan pacientemente”. A una entrega tan generosa duele ponerle el calificativo de folk, canción de autor o lo que sea menester. Lo que Scout ofrece posee la reciedumbre y la altura de otras femmes fatales como Cat Power, P.J. Harvey, Liz Phair y Janis Joplin. Aquí se muestra en un estado de gracia para componer, y con una pasión interpretativa que no sabe escatimar. Ahí están “Moon Lake”, “Baby Emma” y “River Of No Return” que popularizara Marilyn Monroe, aquí acompañada por violines en una solvente producción (como ya es costumbre), de Steve Albini. This fool can die now es un disco desgarrador, intimista y excéntrico, quien lo dude, puede seguir la senda de estas líneas: “Un beso podría haberme matado de no haber sido por la lluvia”. TXT:: J.C.H.

música 3x1

Varios

Isobel Campbell y Mark Lanegan Madonna

The Ting Tings

Hard Candy

We Started Nothing

★★★

★★★★

2008: el año que la Reina del Pop por fin encuentra un castillo más: el Salón de la Fama del Rock and Roll. Pero esperen un momento… acaba de lanzar un disco, fenómeno rimbombante inmediato en todas las pistas de baile del mundo, bajo la batuta de los productores fabricantes de hits más importantes del mundo (Pharell, Timbaland) dejando atrás la tendencia europea que traía en cuanto a producción (William Orbit, Mirwais y Stuart Price). El resultado es justamente eso: un disco con el sello de los productores que pisotean lo distintivo de Madonna (aunque algunos tracks tranquilos sí tienen a la Madonna de siempre) para que su sello perdure como en los discos de Nelly Furtado y Justin Timberlake, que por momentos son déjà vus constantes, obviamente en versión 2008 con experimentaciones fallidas (aunque “Candy Shop” se salva). En general es un disco para vender, pero a estas alturas quién compra discos. Tristemente, como está pasando con U2, su visión empresarial está sobrepasando la artística. Recordemos que hace un año se coló el track “The Beat Goes On”, motivo por el cual firmó con Live Nation. Las críticas prematuras decían que era una canción mala. En este disco aparece casi la misma versión, resultando una crítica parecida. TXT:: Andrés Díaz.

Actualmente los medios de comunicación buscan divas, y mientras unos rastrean el pasado oculto de algunas o le dan un seguimiento sarcástico a las vidas de Amy Winehouse o Britney Spears, aparece el dueto más “pop” que se podría encontrar en la actualidad, en donde la frontwoman es tan carismática con un guiño ladeado de ojo de Kylie o tan misteriosa como Blondie. Su nombre es Katie White, que con una voz que podría ser tan melosa como una Jewel o tan rocker como Beth Ditto, canta una de las mejores canciones del año: “Great DJ” que desde finales del año pasado llamó la atención por su melodía pegajosa y canto gutural. La otra mitad es Jules De Martino, quien después de estar en una fallida boy band en los 80s, decide enfocarse como creador musical. El primer sencillo en Inglaterra fue “That’s Not My Name” canción igual de buena que su antecesora basada en una experiencia que tuvo Katie, al igual que el otro sencillo “Shut Up and Let Me Go”, musicalizó el nuevo comercial de iPod, dándoles suficiente exposición al mercado norteamericano. Lo que se podría decir que está mal del disco, es que el resto no supera la grandeza de los sencillos, pero igual son buenas canciones dance-indie-punk. TXT:: A.D.

Nelly Furtado: Loose. De ser un chica exótica con ascendencia portuguesa, pasó a ser una pop star. Justin Timberlake: Future Sex/Love Sounds. El mejor disco de pop de la década. Kanye West: Graduation. Un ejemplo de cómo una buena producción puede hacer que te guste lo que sea.

Santogold: Santogold. A pesar de las comparaciones con M.I.A., realizó un disco que va por otros caminos. Yelle: Pop-Up. Es como Alizée pero con más onda. Sia: Some People Have Real Problems. La ex cantante de Zero 7 lanzó un disco solista pop y auténtico.

música 3x1

Sunday At Devil Dirt V2

★★★★ Tal pareciera que en la actualidad la música no tuviera raíces y surgiera de forma espontánea, pero afortunadamente no es así. A veces pertrechados en las sombras, ciertas figuras de culto se reúnen para concebir algunas de sus mejores obras. Isobel Campbell, quien fuera chelista, segunda voz y compositora de Belle & Sebastian (perfecto ensamble escocés de pop de alcoba), ha vuelto a convocar a Mark Lanegan, un vocalista de profundo calado, ex líder de los Screaming Trees y colaborador de Nirvana, Mudhoney, Queens Of The Stone Age y Soulsavers, para realizar juntos un disco cuyo resultado y sonido resulta cuando menos estremecedor. Campbell compone los temas, hace los arreglos, canta y hasta produce. Lanegan (ahora también embarcado en The Gutter Twins) se concreta a sumar su cavernosa voz. La experiencia sensible que estas piezas causan es intensa y promiscua. Hay espacio para juegos de voz que evocan dulzura, pero en las partes de mayor peso hay una veta orientada al dolor, el desamor y ese tipo de asuntos, relativos a la pérdida y el infortunio. Un esquema temático tan maleable que se ajusta al country rock, pasajes de blues, folk y jazz obscuro, hasta llegar a las baladas de buena y mala muerte. Poseer un disco como este distingue a los hombres de los niños. TXT:: J.C.H.

The Gutter Twins: Saturnalia. El espeso y magnífico proyecto junto a Greg Dulli, cantante de los estridentes Afghan Whigs. Tom Waits: Beautiful Maladies. Referencia obligada del canto desgarrado y master de la perversidad. Baby Dee: Safe inside the day. Una mujer que también interpreta desde las profundidades de la noche y conoce sus misterios y secretos.

Warner Music

Columbia

No Age

Air Ladytron

Nouns Sub Pop

Moon Safari (10th Anniversary Reissue)

Velocifero

★★★★

Astralwerks

¿Recuerdan por qué en los noventas las primeras bandas de grunge fueron tan populares? Una de las tantas causas fue porque hacían una ruptura con el pasado musical y lo reformaban por medio de un rock con mucha actitud; pero sobre todo porque en su música se escuchaba a una generación ansiosa por crear música. Justo este retrato de sensaciones tiene No Age, quienes provienen del plástico y desangelado Los Ángeles, escena que ha dejado de producir bandas interesantes. Después de lanzar cinco EPs, en donde cada uno fue editado por una disquera distinta, decidieron lanzar un acoplado con lo mejor de estos cortos materiales, formando así el primer rompecabezas llamado Weirdo Rippers, en el que mostraban un punk garashero muy esquelético y simple, pero con esa actitud que sólo los buenos grupos en vivo reflejan. Ahora lanzan su primer material discográfico en forma, en el que los bloggers que alguna vez le apostaron como uno de las mejores propuestas, se estarán regocijando al saber que tienen la razón. Nouns tiene todo: energía, ambientes, excelentes canciones rockeras, sencillos radiables y amistosos, experimentaciones ruidosas que caen en el terreno “nadie me comprende”. En fin, una gama de colores creadas por sólo dos personas, que es lo más impresionante. TXT:: A D.

★★★

Nettwerk

Toda celebración implica muchas sonrisas y rememorar es signo indiscutible de traer de vuelta lo más significativo de un pasado. Eso es lo que representa la edición especial del Moon Safari a propósito de su décimo aniversario. Considerado el primer álbum del dueto francés Air –Premiers Symptômes es apenas un bosquejo de sus inicios–, permanece intacto a través del tiempo justo por ese enfoque retro-futurista que le imprimieron Nicolas Godin y JeanBenoît Dunckel con el objeto de colgarlo en el gancho del impasse eterno, de la graciosa inmovilidad de los objetos, casi un acto de criogenización sonora. Es así como evita su envejecimiento o al menos lo retarda. En esta ocasión un segundo disco y un DVD acompaña al original que incluye versiones alternas de “Kelly Watch the Stars” –una versión en vivo de la BBC, otra tomada del demo y una más con el Moog a todo poder–. Mientras que “Trente Millions D’Amis” (grabada en los estudios de KCRW en 1998) parece sacada de un soundtrack que pudo haber sido de Odisea Burbujas y la interpretación en ese mismo lugar de “You Make It Easy” es sencillamente estupenda. Apto para seguidores y coleccionistas que además tiene como bonus un documental, videos y gráfica inédita del diseñador Mike Mills. TXT:: Benjamín Acosta.

★★★★

Air: Talkie Walkie. Para conocer el después de la dupla de Versalles y notar la progresión de su música. Club 8: The Boy Who Couldn’t Stop Dreaming. En definitiva más acústico pero indudablemente igual de confortables. Portishead: Dummy. Desde el umbral, la mezcla electrónica que continúa provocando suspiros.

Human League: The Very Best Of. Viejos tiempos, buenos tiempos. Techno básico donde la presencia femenina resulta crucial. Client: Heartland. Más dirigida hacia lo histriónico, cálidas voces sobre una base sintetizada. Chicks on Speed: 99 Cents. Más placer pecaminoso con buen ritmo y anécdotas reveladoras.

Foals: Antidotes. El único grupo inglés que lucha contra la nueva invasión norteamericana de música. Holy Fuck: Holy Fuck. Una de las joyas descubiertas en el pasado festival de Coachella. Prinzhorn Dance School: Prinzhorn Dance School. Una maqueta que muestra esqueléticamente cómo funciona un dueto de art rock.

Ladytron está de vuelta y lo hace con mayor acidez y profundidad en su adictiva estética techno que los caracteriza. Es por eso que un tema como “Ghosts” resulta inmejorable justo por ese halo fantasmagórico que cubre a una buena parte de Velocifero, título por demás sugerente. Y mientras la respuesta que parece dar “I’m Not Scared” –track más revolucionado pero no por ello de poca luminosidad– es con “Runaway” que por un momento el cielo se despeja al escuchar a este cuarteto instalado en los tiempos de 604, su primer disco editado en 2001. Es entonces cuando la música de Ladytron propone un balance que llevan al final de trece temas, número cabalístico aunque ellos digan que sólo se trata de una casualidad. El cuarto disco del grupo de Liverpool en todo caso no resulta más “digerible” que los anteriores, como tampoco termina enlodándose en un cripticismo atroz. Sorprenden canciones como “Black Cat” y “Kletva” (cantadas en búlgaro), la última con un arreglo de teclados casi barroco que se entremezcla con un loop percusivo que asemeja un tornado en medio de la campiña de Europa del este. Y justo derivado de esa feroz sonoridad es que el título refleja la esencia que este disco encierra. TXT:: B.A.

música 3x1

James

música 3x1

Movus

Led Zeppelin

Hey Ma

Mercury London

★★ Cuando el pop se torna épico, como el caso de esta reaparición de James, se recomienda que los niveles personales de ánimo alcancen uno de sus máximos grados. No se exagera cuando decimos que desde “Bubbles”, la canción de apertura de este disco, el sonido de esta resucitada banda de Manchester procura envolver con su energía las almas que penan en medio de una metrópolis hambrienta. Hey Ma no se queda atrás cuando la voz de Tim Booth se eleva junto con el resto de la instrumentación que da señales tan esperanzadoras como irrealizables. Las historias de James flotan al lado de plegarias, junto con la trompeta constante de Andy Diagram, en un mundo que se despedaza no obstante a estos cantos de buena voluntad. Es un hecho que tanto artística como ideológicamente, la música de James pertenece a otro momento, una época cuando nadie hacía referencia al calentamiento global y la única preocupación constante eran las constantes invasiones estadounidenses al resto del mundo y en esa medida una canción como “On My Heart” en los años noventa seguro habría emocionado. Sembrando optimismo en tierras estériles: esa es la sensación que causa escuchar a James en estos días. TXT:: B.A.

Movus 3er Piso

The song remains the same

★★★★

Warner Home

Esta banda de Guadalajara formada en el año 2004 nos presenta su disco lanzado bajo el sello 3er piso en el 2008, bajo el mismo nombre de la banda. Movus, una excelente agrupación conformada por cinco personas que nos muestran su sonido post-rock y experimental. Movus es un disco lleno de diferentes formas de música alternativa contemporánea. Estamos ante una producción instrumental en su totalidad, con una base rítmica llena de poder, acompañada con guitarras bañadas de delays, reverbs y distorsiones. Al escucharlo con detenimiento, te darás cuenta de que se trata de un disco con muchas influencias del sonido del jazz. El disco de Movus es una historia contada con sonidos y no con palabras. El resultado final es un sonido experimental con una narrativa instrumental. Un grupo con una excelente propuesta musical. TXT:: Álvaro Sepúlveda.

★★★ Led Zeppelin, la legendaria banda de culto, se ha caracterizado por sus influencias de blues, soul y hard rock. El cuarteto inglés formado en 1968 por Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham es conocido por chicos y grandes, no sólo debido a su extensa carrera, sino por el sonido que los caracteriza como la gran banda que son. The song remains the same es un disco originalmente grabado en 1973 durante el tour de la banda en Nueva York. El disco es en realidad la compilación de su gira. En el 2007, bajo el sello Warner Home sale a la venta un box set con la película, además de dos discos con las rolas remasterizadas. Acompañadas de unas pistas extras, podrás encontrar “Whole Lotta Love”, “Stairway to heaven” y “Black dog” entre otras. Este disco es edición limitada y lo puedes encontrar en las tiendas de Mr. CD. TXT:: Á.S.

Mr. CD y Marvin te regalan un

James: Seven. Un tema como “Born of Frustration” continúa siendo uno de los tops en toda la historia del grupo. U2: The Joshua Tree. Obedeciendo a su momento, canciones de redención y búsqueda. Tim Booth: Booth and the Bad Angel. Un lado más sombrío del cantante junto con la discreta majestuosidad de Angelo Badalamenti.

Sigur Rós: ( ). Un excelente disco lleno de sonidos instrumentales y coros. Mogwai: Mr Beast. Post-rock instrumental acompañado de largas guitarras. Pink Floyd: Animals. Rock progresivo… ¡Pink Floyd!

disco doble de Led Zeppelin: The song remains the same del sello Swan Song Records. Para más información, entra a www.revistamarvin.com

Las hermanas Bolena The Other Boleyn Girl

Un plan brillante

estrenos cine

Flawless

Dirección: Justin Chadwick Reparto: Natalie Portman, Scarlett Johansson, Eric Bana, Kristin Scott Thomas Género: Historia / Drama / Romance País: E.U./ Inglaterra Año: 2008 Este proyecto cinematográfico tiene todos los atributos como para haber sido un verdadero éxito crítico y sin embargo ese no fue precisamente el resultado. De entrada el elenco es de primera línea: Natalie Portman y Scarlett Johansson juegan los papeles de las hermanas Anne y Mary Boleyn (serían Ana y María Bolena en español), quienes compiten por el afecto del rey Enrique viii en la época del siglo xvi. Eric Bana es Henry Tudor y Kristin Scott Thomas es Lady Elizabeth Boleyn. Basada en la novela de Philippa Gregory, fue adaptada por Peter Morgan, responsable en últimas fechas de los guiones para The Last King of Scotland (Kevin Macdonald, 2006) y The Queen (Stephen Frears, 2006). Así, el director Justin Chadwick tenía frente a él un sueño de película, siendo el eslabón más flojo de la cadena al ser esta su primera incursión en el cine, pero con una larga trayectoria en la dirección de series televisivas, cosa que puede ser un punto a su favor, pero no necesariamente. De cualquier forma, una incursión hacia el pasado con semejante equipo de trabajo siempre traerá sorpresas y entretenimiento. TXT:: Juan Patricio Riveroll.

Dirección: Michael Radford Reparto: Demi Moore, Michael Caine Género: Crimen / Drama País: Inglaterra / Luxemburgo Año: 2007 El director Michael Radford (Il Postino, B. Monkey, The Merchant of Venice) se involucra esta vez con el género del crimen con un poco de suspenso e intriga, en una película ambientada en la década de los sesenta en Londres. Su trama comienza cuando un miembro del equipo de limpieza de la London Diamond Corporation convence a una ejecutiva estadounidense de ayudarle a robar un puñado de diamantes. La brillante participación y combinación de Demi Moore y Michael Caine es lo que le da a Flawless su fuerza y su atracción, mientras que la perversión psicológica que se deriva del guión es un aderezo muy bienvenido a un género gastado por una y otra producción hollywoodense cuyos desenlaces son previsibles desde las primeras escenas. Las vueltas de tuerca típicas de esta veta cinematográfica se van acumulando, y aunque banales, logran cautivar al espectador. Se podría decir que es una buena manera de dominguear. TXT:: J.P.R.

El Cómic de Luchadores

TXT:: Oscar G. Hernández. Sin duda alguna, uno de los cómics con mayor tradición en México es el de luchadores. Estos cómics eran muy populares en los 50s y 60s, e iban de la mano con el cine de ese género. El argumento de los cómics imitaba al del cine: enmascarados que aparecían como superhéroes o agentes tipo James Bond que debían evitar una conspiración mundial, luchar contra vampiros, monstruos, extraterrestres, etc. El éxito de estas historietas se debió en gran medida a la popularidad de la lucha libre. Los realizadores creaban historias que convivían con el género y el público que asistía a las luchas demandaba productos de esta índole. El ambiente estaba dado para que surgiera este tipo de expresión gráfica. Hoy, con el boom o renacimiento que tiene la lucha libre, el género toma un nuevo impulso que nos lleva a ver alianzas trasnacionales como la de Warner Brothers con el CMLL (Consejo Mundial de Lucha Libre), donde la Warner pretende crear una serie de productos como cómics, series animadas y juguetes de los luchadores más famosos, con el fin de aprovechar un mercado en ebullición. Parte de la alianza se debe al éxito que ha tenido la serie animada que se trasmite por Cartoon Network: Mucha Lucha, de la cual se anunció el lanzamiento de una tercera temporada. También vimos aparecer películas como Nacho Libre, todo un éxito de taquilla; la serie animada de El Santo, y toda una cadena de fenómenos que rinden culto a la lucha libre y de la cual el cómic de luchadores es uno de sus pilares más importantes. A continuación te presentamos un compilado tanto de los cómics de luchadores más clásicos, como de los que se están produciendo actualmente.

cómics

Blue Demon Jr. El Legado

Ka-Boom Estudio De las pocas figuras que tienen la estatura del Santo, está el luchador Blue Demon. Para la realización de su cómic convocaron a uno de los colectivos más exitosos en México: el Estudio Ka-Boom. Ellos muestran a Blue Demon Jr. en una búsqueda de sí mismo, y de cómo deberá encontrarse con el camino que llevó a su padre a ser un grande de la lucha, para después poder seguir sus pasos, dejar de ser un simple luchador para ser un héroe y combatir a los malos. La gráfica está hecha al más puro estilo norteamericano, y en momentos tiene demasiadas referencias a superhéroes como Batman y Spawn. Un trabajo que sin ir más allá, se limita a cumplir con el esquema del cómic de luchadores, agregándole tintes de actualidad.

Místico. El Príncipe de Plata y Oro Repúblika Lucha

Grupo Editorial Acervo Una de las propuestas más novedosas del cómic de luchadores que están circulando actualmente es Repúblika Lucha. Con un argumento que parece ser tomado de X-Men, nos presentan un país infestado por la lucha libre donde todo mundo quiere ser luchador, y dos líderes se enfrentan para instaurar su visión del tipo de convivencia que deberán tener los luchadores con los civiles. La gráfica y el formato son de estilo norteamericano con una fuerte influencia manga.

Editorial Toukán El Místico, es quizá hoy día uno de los luchadores que ha generado un fenómeno similar al que tuvo El Santo en su época. Lo vemos aparecer en videoclips, telenovelas y toda una serie de eventos que hacen que se le reconozca como uno de los luchadores más populares del momento. Debido a esta gran popularidad no podía faltar su cómic, probablemente el de mayor circulación en el país. Su argumento es muy básico y nada propositivo: un tipo de héroe más que combate a peligrosos criminales, los cuales normalmente son parodias de películas exitosas del momento como Spiderman, Lord of the Rings, etc. Su gráfica es muy simple y se limita a continuar con el género clásico.

Santo. La Leyenda de Plata

Carol Editores El cómic del Santo es indudablemente pionero del género y es el de culto por excelencia. Con más de diez ediciones en su haber, es el cómic que construyó la escuela que seguirán muchos de los que desarrollan y desarrollaron este tipo de historietas. Sus argumentos están escritos al más puro estilo del cine del Santo: el enmascarado se enfrenta constantemente a peligros y misterios que acechan a la humanidad, trabaja del lado de la policía y es asesorado por un profesor súper sabio. La gráfica, sin ser pretenciosa, se limita a seguir con la tradición ya instaurada en las décadas anteriores, de modo que logra conservar la fórmula que daría tanta popularidad al ídolo de la lucha libre.

Remedios Varo. cinco llaves

Abelardo López. El Horizonte

96 Guillermo Kahlo/ Henry Greenwood Peabody

museos 3x1

Dos Miradas a la Arquitectura Monumental

Remedios Varo nació en España hace 100 años, para celebrar su natalicio, el Museo de Arte Moderno presenta una nueva muestra sobre su obra, conformada por cerca de 50 piezas, provenientes tanto de la colección del museo como de préstamos de piezas nunca antes vistas por el público. En la muestra se exhibirán pinturas, dibujos, gouaches, cadavre exquis, escultura, objetos, manuscritos y documentos. Teresa Arcq, la curadora de la exposición, se inspiró para el guión de curaduría en el libro de la autora, mismo que se presentará simultaneo a la muestra. El eje temático busca ofrecer al público cinco llaves o cinco posibilidades de interpretación de la obra de Remedios, todas ellas basadas en investigaciones recientes. En sintonía con lo anterior, la exposición está dividida en cinco temas: la relación de Remedios con el movimiento surrealista; la arquitectura como metáfora de la condición humana (como espacios del inconsciente); la relación de sus pinturas con la literatura y la poesía, (a partir del estudio de los libros que integraban su propia biblioteca); la semejanza entre los sueños que escribió y preservó, con algunas de sus obras; y por último, la influencia de los místicos rusos Gurdjieff y Ouspensky en la transformación y la temática de la obra de Varo. Hasta el 24 de Agosto. Museo de Arte Moderno, Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec, Tel. 5553.6313. TXT:: Vicente Jáuregui.

Gabinete de Estampas. A propósito de la técnica. 23 muestras provenientes del rico acervo del museo que conmemora 40 años de vida. Museo de San Carlos, Puente de Alvarado 50, Col. Tabacalera. Tel. 5566.8085. De paisajes y sueños. Luis Nishizawa 1918-2008. La muestra ofrece alrededor de 32 obras realizadas en diferentes técnicas, las cuales están distribuidas en dos núcleos temáticos. Museo de San Carlos. Exposición de Arte Europeo. Con nueva museografía se presenta la exposición de las piezas más importantes del acervo de arte europeo de finales del siglo XIV a principios del XX que resguarda el museo. Museo de San Carlos.

Como parte del gran acervo cultural de la colección del alemán Guillermo Kahlo, el Antiguo Colegio de San Ildefonso exhibe una de las series que le fueron encargadas por el gobierno mexicano, con el objetivo de mostrar los templos más importantes del país, al momento en que se comenzó a tener conciencia de su valor histórico como tesoros nacionales. Tenemos entonces un inventario arquitectónico que nos muestra a través de la mirada de Kahlo, parte del enorme acervo nacional mexicano. Por otra parte, el estadounidense Henry Greenwood Peabody nos ofrece una recopilación de la arquitectura colonial mexicana. Su valor reside en que nos revela una visión, a manera de estudio, sobre un diseño que no simpatizaba con el afrancesamiento que nació en el porfiriato. La exposición tendrá especial interés a todo aquel interesado en sumergirse en la historia de la arquitectura mexicana de finales del siglo xix, mediante la estaticidad que revela una buena fotografía. TXT:: V.J.

Artur Barrio. Registros fotográficos, objetos e instalaciones que usan medios de materiales efímeros, y acciones en espacios públicos. Museo Rufino Tamayo, Paseo de la Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec, Tel. 5286.5839 y 5286.6519. Gabriela Toledo. Arqueología del Desechable. Serie de imágenes fotográficas en película blanco y negro que buscan manifestar el origen de lo desechable. Todo ello retratado sin interferencia con relación a la situación en que fueron encontrados. Centro de Estudios Brasileños, Paseo de la Reforma 455, Col. Cuauhtémoc. Dibujos. Ray Herrera. Colección de dibujos del artista plástico Ray Herrera. Café la Gloria, Vicente Suárez 41, Col. Condesa, Tel. 5211.4185.

La obra del oaxaqueño Abelardo López, originario de la población de San Bartolo, ha protagonizado más de 50 exposiciones individuales y colectivas, tanto en México como en los Estados Unidos. La muestra intenta acercarnos a un autor que rinde tributo a la tierra sureña donde desató la vitalidad de su mirada, esa visión propia de un autor único, original. De su obra podemos leer un desapego frente a la vanguardia o la semejanza con otros, para en su lugar resguardar la pretensión de ser él mismo. El autor aborda en sus pinturas, apegado a cierto lenguaje poético, el horizonte que habita su estado, montañas y cielos, huisaches que asemejan la solitaria existencia de los hombres, maizales verdes y carrizales que habitan silenciosos valles. La obra paisajística de Abelardo funciona como cierto recordatorio de nuestra fragilidad. Además, nos llama la atención sobre cómo el entorno nos rodea sin pertenecernos, y nos demuestra de paso que pintar paisajes no conlleva necesariamente venderse o refugiarse en un arte considerado como pasado de moda por muchos críticos de arte. La aparición de un artista con tanta calidad es invaluable cuando su trabajo reivindica los atributos de una tendencia descartada a priori en el mundo del arte. Centro de Cultura Casa Lamm, Avenida Álvaro Obregón 99, Col. Roma. Tel. 5511.0899. TXT:: V.J.

Mario Núñez. Puntos Suspensivos. Hasta el 12 de junio. Universidad del Claustro de Sor Juana, Izazaga 22, Col. Centro. Tel. 5130.3300. León Ferrari. 1976–2008. Videos, fotocopias, cucharas de plástico, ojos de vidrio, papeles y un sinfín de materiales conforman la exposición del artista argentino. Museo de Arte Carrillo Gil, Av. Revolución 1608, Col. San Ángel. Tel. 5550.6260. Mario Torres Peña. En esta instalación, la mezcla de varios materiales nos llevan a un tiempo letárgico y estático de entresueños. Museo del Chopo, Dr. Enrique Gonzáles 10, Col. Santa María de la Ribera, Tel. 5546.1245.

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Clases de canto y voz

Si deseas cantar o tu oficio está relacionado de alguna manera con la voz, como en el caso de maestros, actores o locutores, conocer Estudio Allaire te puede ser de gran utilidad. Se trata de una escuela revolucionaria, con un método profesional y novedoso en el cual aprender a respirar de forma adecuada te llevará directo hacia donde quieres llegar. Los profesores Mauricio Jiménez, Melina Castillo, Mitzy Chávez, Sandra Cuevas y la directora del Estudio, Ericka Bañuelos, a pesar de su juventud, tienen una amplia experiencia. La técnica fue desarrollada por Ulises Martínez y Ericka Bañuelos quienes investigaron cómo desarrollar al máximo las capacidades vocales de la persona y asegurar una longevidad como cantante, además de rehabilitar hábitos dañinos. En el Estudio Allaire trabajan con el alumno de forma integral considerando la parte mecánica del canto (producción del sonido) y la condición en que se encuentra la persona. Los resultados son asombrosos y artistas como Natalia Lafourcade, Emmanuel del Real de Café Tacvba, Luis Arce de Chikita Violenta, Sebastián de Bengala (alumnos de la directora del Estudio) entre otros, agradecen los resultados. La enseñanza es profesional y amigable. Conócelos. Estudio Allaire. Miguel Ocaranza 127. Col. Merced Gómez. Tel. 5593.5216. ensambleallaire@gmail.com, www.estudioallaire.com. TXT:: Jano Mendoza.

Curso de Locución. Aprende en sólo dos semestres, dos horas a la semana. Escuela para Locutores. Guadalajara. Tel. 0133.1057.0284. agencia_api@yahoo.com, escueladelocutores.galeon.com. Periodismo y locución. Cursos diversos de periodismo, incluyendo el radiofónico. Escuela de Periodismo Carlos Septién García. Basilio Vadillo No. 43 Colonia Tabacalera. Delegación Cuauhtémoc. Tel. 5510.4900 al 03. epcs@septien.edu.mx, www.septien.edu.mx. Locución. Cursos y diplomados en locución. Ruff HD. Film, dub, recording arts& media center. Tel. 5658.0024, 5554.9213. www.ruff-hd.com.

Relaciones Internacionales

Yoga

La Universidad del Valle de México ofrece entre sus licenciaturas la de Relaciones Internacionales, una excelente opción para todos aquellos que tengan gustos por varias carreras, pues en realidad es una carrera multidisciplinaria. Con Relaciones Internacionales serás un experto en todos los asuntos que conciernen al ámbito internacional, ya sea en el sector público o privado. Al finalizar la carrera estarás preparado para contribuir al desarrollo del país, pues estarás lo suficientemente preparado para analizar los problemas y aportar propuestas y soluciones viables. Al estudiar esta licenciatura, tendrás una formación sólida y sobre todo muy rica. Aprenderás varios idiomas, estarás listo para actividades de negociación, aumentarás tu potencial de autoconfianza, seguridad y serás capaz de asimilar información importante sobre los negocios y relaciones internacionales. El campo laboral es también amplio: puedes desarrollarte profesionalmente en la dirección y planeación estratégica internacional, en Secretarías de Estado, instituciones bancarias o financieras, en agencias aduanales, centros de investigación, y lo que para muchos es lo más atractivo, en embajadas o consulados. Universidad del Valle de México. Varios planteles. Tel. 01800.0000 UVM (886), www.uvmnet.edu. TXT:: Sandra Aída.

En estos tiempos de tensión total, una excelente opción para liberar el estrés y ejercitar el cuerpo, es acudir a una buena escuela de yoga. Al contrario de lo que mucha gente piensa, esta práctica no es sólo para mujeres, ni es un ejercicio de segunda clase. Yoga significa unión, y los expertos aseguran que se consigue la armonización del cuerpo, la mente y las emociones. Cuando te ejercitas con yoga, trabajas en el bienestar de todo tu cuerpo, empezando por aprender cómo respirar. En realidad, es una tradición antigua de la India con más de cinco mil años, pero los ejercicios que conocemos hoy han llegado a nosotros por un rescate de los textos Vedas hecho recientemente. Un buen yogui cuida su alimentación, y consigue tener un control asombroso sobre su cuerpo. En las prácticas más avanzadas, no se limita a conseguir posturas difíciles, sino que se hacen ayunos y ejercicios especiales para el funcionamiento de cada órgano del cuerpo. Lo mejor es que mientras más avanzas, tu cuerpo se vuelve más flexible, te sientes con mayores energías y mucho más relajado. Hay varios tipos de yoga, pero los más famosos son el Jivamukti, Ashtanga, Anusara o Kundali. Yoga en Movimiento. Paseo del Pedregal 206, Col. Jardines del Pedregal. Tel. 5568.8737, www.yogaenmovimiento.com.mx. TXT:: S.A.

Licenciatura en Relaciones Internacionales. Programa dividido en áreas de estudio. Universidad Autónoma de Guadalajara. Av. Patria 1201, Lomas del Valle, 3a. Sección. Tel. (0133).36488, www.uag.mx, uag@uag.edu. Relaciones Internacionales. Opción a titulación con tan sólo cubrir la totalidad de los créditos. Universidad Iberoamericana. Prolongación Paseo de la Reforma 880, Lomas de Santa Fe. Tel. 5950.4000, www.uia.mx. Relaciones Internacionales. Planta académica con profesores de diversas nacionalidades. ITAM. Río Hondo 1, Col. Tizapán San Ángel. Tel. 5628.4000.

Kundalini Yoga. Enfoque más meditativo que orientado hacia el desarrollo de posturas. Sikh Center. Pachuca 159-b, Col. Condesa. Tel. 5286.2790, www.sikhcentermexico.org. Yoga y Pilates. Aquí podrás practicar pilates, y yoga Iyengar, Ashtanga y Tantra. Namaste Yoga & Pilates Studio. Nápoles 39, Col. Juárez. Tel. 5207.1349, www.namaste.com.mx. Yoga y meditación. Incluye cursos para todas las edades de yoga y meditación. Yoga Sukha. Nueva York 67 C-1, Nápoles. Tel. 5543. 3651, www.yogasukha.com.mx.

100 Secret Agent Clank Guitar Hero: Aerosmith Consolas: Xbox 360, PS3, PS2, Wii. Distribuidor: Activision. Género: Musical. Fecha de salida: junio 2008. Clasificación: Teen.

★★★★ El género musical en los juegos de video ha llegado para no irse jamás, quizás a manera de lo que el rock and roll en su momento vivió. Ahora un nuevo capítulo de la exitosa franquicia ha llegado, sólo que después de tres capítulos, la saga ha decidido dar un giro y poner a una banda real al frente del juego. Es así que Guitar Hero: Aerosmith nos deleitará y por supuesto, nos hará rockear una vez más. En este nuevo capítulo, te pondrás los zapatos de Perry, Whitford y Hamilton —guitarras y bajo de Aerosmith— para acompañar a la batería de Krammer y a Steven Tyler. El título ha sido actualizado y desde que colocamos el disco en la consola nos daremos cuenta de ello, lo cual se agradece, pues no se trata de una expansión que busca sacarle más dinero a los fans de la buena música. Como ya sabrán, el estilo del juego es el de tocar la guitarra o el bajo con un control que simula dichos instrumentos y presionar las secuencias que aparecen en pantalla. Suena sencillo, pero la verdad tiene su reto y sobre todo un factor de diversión que invita a subirle el volumen. Aunque el juego presenta a Aerosmith como la banda principal, también habrá canciones de otros artistas. Cada sesión está estructurada para tener dos actos de artistas alternos, seguidos de tres canciones de la popular banda. El juego, de hecho, sigue la carrera de Aerosmith con entrevistas y videos especiales incluidos. Algunos de los artistas que estarás tocando incluyen a Cheap Trick, Joan Jett and the Blackhearts, The Kinks y muchos más que seguro serán de tu agrado. Este Guitar Hero incluye más de 40 canciones, la mayoría versiones originales. Las animaciones han sido mejoradas en esta ocasión, y la captura de movimiento corrió a cargo de Aerosmith, por lo que podemos olvidar a ese baterista tan tieso del pasado Guitar Hero. Ya sea solo, acompañado o en línea, es hora de tomar esa guitarra, conectar el amplificador y ponerte a tocar como toda una estrella de rock.

Consolas: PSP. Distribuidor: SCEA. Género: Aventura. Fecha de salida: junio 2008. Clasificación: Everybody.

★★★★

No cabe duda de que la serie de Ratchet & Clank, se ha consolidado como una de las más fuertes de esta época. Tenemos por ejemplo para PS2, Ratchet & Clank Size Matters, y más recientemente para PS3, Ratchet & Clank Tools of Destruction. Todos ellos han sido éxitos, sin embargo, ya es hora de que Clank deje de ser el patiño, (¿o quizá la inteligencia?) detrás del equipo, y tenga ahora su propio título. Se llama simplemente Secret Agent Clank. Como su nombre lo dice, ahora Clank tiene el rol de protagonista en la primera entrega de lo que muy bien podría convertirse en una serie. La historia cuenta que mientras Ratchet y Clank estaban investigando un caso, de alguna forma Ratchet fue culpado injustamente de haber cometido un crimen. Acto seguido, Ratchet es enviado a prisión, donde todos los bandidos que Ratchet & Clank capturaron ahora se pelean por ser los primeros en querer darle la bienvenida a Ratchet. Ahora todo depende de Clank. Para lograr salvar a Ratchet, Clank tendrá que infiltrarse como espía en los escondites de los enemigos, haciendo uso de todos los artefactos de alta tecnología que tienen a su disposición. Clank por fin podrá poner a prueba sus nuevos movimientos de artes marciales, que él simplemente llama “Clank Fu”. Por el aspecto gráfico, es un agrado revisar los juegos de esta serie, ya que de alguna forma siempre logran sacar lo mejor de la consola en la que fue desarrollada. En este caso aunque su desarrollo corrió a cargo de otra compañía llamada High Impact Games, trabajaron muy de cerca con Insomniac Games, los creadores originales de la saga. Por lo tanto la calidad gráfica es casi impecable. Los escenarios de mundos futuristas, así como las armas y los enemigos, lucen como si fueran de PS3, pero tiene las limitantes del PSP. Las gráficas dan la impresión de estar manipulando una caricatura. La variedad de los artefactos que encontramos para utilizar durante el juego son bastante ingeniosos y casi salidos de las películas de James Bond, en donde por ejemplo pudimos usar unas mancuernillas que en realidad son bombas, y otros artefactos clásicos como el famoso Holo Disfraz. Las melodías por su parte fueron tomadas de otros capítulos de ambos personajes, así que si eres muy atento lograrás reconocer una que otra canción. Este juego que se perfila como una buena opción para el PSP, sobre todo si te gusta ver una vez más a los personajes que ya se han convertido en favoritos de toda una generación.

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The Incredible Hulk Kung Fu Panda Consola: Xbox 360, PS3, Wii, PS2, Nintendo DS. Distribuidor: Activision. Género: Aventura. Fecha de salida: junio 2008. Clasificación: Everybody.

★★★ Uno de los grandes éxitos de la pantalla grande de este verano es sin duda Kung Fu Panda, película de Dreamworks animada por computadora que cuenta con las voces de Jack Black y Jackie Chan entre muchos otros artistas reconocidos. Esta película cuenta la historia de Po, un panda gordo y flojo que de acuerdo con la leyenda, es el elegido para convertirse en el máximo guerrero de las artes marciales. Obviamente, como sucede con las producciones cinematográficas importantes, tendrá su juego de video. En este título de acción y aventura controlarás a Po a través de niveles basados e inspirados en la película. Te enfrentarás contra diversos rivales, resolverás acertijos y tendrás que aprender diversas técnicas de Kung Fu. De esta manera tendrás que evitar la pereza del Panda trabajando duro para verlo convertirse en el Dragon Warrior. Todo para tener el poder suficiente para vencer a su enemigo Tai Lung. Algo que llama la atención es que mientras el jugador avanza a través de los trece niveles, podrá controlar a Po y también a otros personajes de la película que fueron inspirados en el famoso horóscopo chino, cada uno con sus habilidades y ventajas. Por ejemplo, tendrás a tu disposición la fuerza y velocidad de un tigre, la posibilidad de volar como un ave, la agilidad de un simio y el poder morder como una serpiente, entre muchas otras formas de ataque. Además del modo principal que desarrolla la historia de la película, también te encontrarás con un modo cooperativo para que un amigo se una a ti y juntos logren los objetivos. El modo frente a frente permite combates entre los diversos personajes. Sin duda es una buena opción para quienes gustan de juegos de acción sencillos pero divertidos.

Consola: Xbox 360, PS3, Wii, PS2, Nintendo DS. Distribuidor: SEGA. Género Acción. Fecha de salida: junio 2008. Clasificación: Teen.

★★★ Los desarrolladores de la compañía Terminal Reality, más conocidos quizás por sus juegos de BloodRayne, se propusieron a ofrecer un título a la altura del personaje. Para hacerlo, recurrieron a la editorial Marvel, que es la responsable del cómic. Marvel los apoyó de innumerables formas, ya fuera dándoles acceso a los diseños del personaje y hasta asesorándolos para que se pudieran hacer capítulos exclusivos que no estuvieran en la película en la que se basó. Y es que aceptémoslo, no siempre es divertido jugar una adaptación fiel a una película en la que ya sabes en qué va a terminar todo. Es por esto que en The Incredible Hulk, encontramos varias partes que son fieles al cómic original, mientras que el resto será como la película. Al igual que la misma, la historia se centra en el Dr. Banner, que sabiéndose afectado por los efectos de la radiación y su consecuente transformación en su alter ego súper desarrollado, ahora ha centrado esfuerzos en tratar de encontrar una cura mientras se refugia en Mongolia. Sin embargo al poco tiempo es capturado por los rusos, quienes se dedican a torturar y a hacerle todo tipo de pruebas, hasta que logran aislar una parte del ADN de Hulk. Hulk logra escapar del lugar en el que lo tienen cautivo. Por supuesto, a los rusos no les hace gracia y con la parte del ADN que lograron extraer de Hulk, desarrollan a otro ser que será conocido como la Abominación. Él debe perseguir a Hulk para llevarlo de vuelta, sin importar lo que cueste. Una de las mejores características es que cuenta con las voces de los actores de la película que incluyen al protagonista Edward Norton, Tim Roth y Liv Tyler entre muchos otros. En títulos pasados, los gráficos ciertamente habían desilusionado un poco, pero ahora se ven mejorados, ya que se beneficiaron de las propiedades que cada consola podía ofrecer, luciendo más en el PlayStation 3 y el Xbox 360. Incluye sonido en Dolby Digital, perfecto para escuchar los gritos de furia de Hulk y las batallas de proporciones épicas que tendrá que sostener contra la Abominación. Hay poco que agregar como conclusión para describir a The Incredible Hulk, y creo que lo más propio sería decir que al igual que la película, este juego ha cambiado de dirección en todos los sentidos, dejándonos por fin un juego digno de la bestia favorita de muchos, mejor conocida como Hulk.

arte

música SIGUR RÓS Lugar: Calle 2, Guadalajara, Jalisco Fecha: 5 de junio, 20:00 Costo: $495 FESTIVAL COLMENA – SIGUR RÓS Lugar: Tepoztlán, Morelos Fecha: 7 de junio, 11:00 Costo: $580

WARPED TOUR Lugar: Autódromo Hermanos Rodríguez, D.F. Fecha: 14 de junio Costo: Por definir

OVEJA NEGRA. MUESTRA DE MURAL GRAFFITI Y BLACK BOOKS Lugar: Galería José María Velasco Fecha: Hasta el 8 de junio

MEGADETH Lugar: Vive Cuervo Salón, D.F. Fecha: 18 de junio, 21:00 Costo: $440 Lugar: Arena Santa Lucía, Monterrey, N.L. Fecha: 21 de junio, 20:30 Costo: $450

LAS REGLAS DEL BUEN VIVIR EN LA SOCIEDAD MODERNA Lugar: Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque Fecha: Hasta el 15 de junio (jueves y viernes 20:00, sábados 19:00, domingos 18:00) Costo: $150 SONI(C)LOUD Lugar: Laboratorio de Arte Alameda Fecha: Hasta el 15 de junio FRAGMENTACIONES Lugar: Axis Mundi Galería Fecha: Hasta el 28 de junio

D-TOWN TIJUANA – SIGUR RÓS + MSTRKRFT Lugar: Planeta Tijuana, B.C. Fecha: 6, 7 y 8 de junio Costo: US $55 3day pass XIMENA SARIÑANA Lugar: Lunario del Auditorio Nacional, D.F. Fecha: 12 de junio, 22:00 Costo: $350 JUMBO Lugar: Vive Cuervo Salón, D.F. Fecha: 13 de junio, 21:00 Costo: $250

CAFÉ TACVBA Lugar: Centro de Convenciones Tlalnepantla, Edo. de México Fecha: 20 de junio, 17:00 Costo: $300 DATAROCK Lugar: Pasagüero, D.F. Fecha: 20 de junio, 22:00 Costo: $200 GUILLOTINA Lugar: Teatro Metropolitan, D.F. Fecha: 26 de junio, 20:00 Costo: $100 - $250

teatro

BRAVE NEW WORLDS Lugar: Galería de Fundación/ Colección Jumex Fecha: Hasta el 25 de julio JAMES PATTERSON Lugar: Museo Tamayo Arte Contemporáneo Fecha: Hasta el 17 de agosto ARTUR BARRIO Lugar: Museo Tamayo Arte Contemporáneo Fecha: Hasta el 24 de agosto REFLEX – VIK MUNIZ Lugar: Antiguo Colegio de San Ildefonso Fecha: Hasta el 14 de septiembre

MEMORIA Lugar: Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque Fecha: Hasta el 15 de junio (jueves y viernes 20:00, s ábados 19:00, domingos 18:00) Costo: $150 EL PARKING PLACE DEL DESEO Lugar: Centro Cultural Helénico Fecha: Hasta el 21 de julio (lunes 20:30) Costo: $150 NO TOCAR Lugar: Centro Cultural Helénico Fecha: Hasta el 23 de julio (miércoles 20:30) Costo: $120 EL OESTE SOLITARIO Lugar: Centro Cultural Helénico Fecha: Hasta el 24 de julio (jueves 20:30) Costo: $120 CON LA P EN LA FRENTE Lugar: Centro Cultural Helénico Fecha: Hasta el 25 de julio (viernes 20:30) Costo: $200

JUNIO

cine CONTROL Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 3 al 12 de junio

CICLO HAROLD LLOYD Presenta: The Freshman, Safety last, The Kid Brother, Speedy, Movie Crazy, The Milky Way Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 19 al 29 de junio MARTES DE CINEBAR Presenta: El Imperio Lugar: Lunario del Auditorio Nacional Fecha: 10 de junio, 19:30 / 21:30 Costo: $50 GOODBYE AMERICA Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 10 al 22 de junio

MARTES DE CINEBAR Presenta: En un lugar de África / La princesa Masai Lugar: Lunario del Auditorio Nacional Fecha: 3 de junio, 19:30 / 21:30 Costo: $50 LA GRAN VENTA Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 6 al 19 de junio

AUTO DE LUJO Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 13 al 18 de junio MARTES DE CINEBAR Presenta: Camina sin mí / Caminando sobre el agua Lugar: Lunario del Auditorio Nacional Fecha: 17 de junio, 19:30 / 21:30 Costo: $50

AL ESTE DE BUDAPEST Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Del 20 al 29 de junio MARTES DE CINEBAR Presenta: La novia siria / Satín rojo Lugar: Lunario del Auditorio Nacional Fecha: 24 de junio, 19:30 / 21:30 Costo: $50 CICLO ÉPICAS DE LA ERA DIGITAL Presentando: Gladiador, El tigre y el dragón, El señor de los anillos I, II y III, Héroe, Capitán de mar y guerra, El último samurai, El Rey Arturo, Troya, Alejandro Magno, La casa de los cuchillos Lugar: Cineteca Nacional Fecha: Hasta el 29 de junio

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GRUPEDSAC: Grupo para promover la educación y el desarrollo sustentable

GRUPEDSAC es una organización civil, sin fines de lucro, con 21 años de trabajo continuo. Su labor principal es atender a campesinos e indígenas para encontrar soluciones sobre el campo, la pobreza y el deterioro ambiental. La idea es brindar a las personas las herramientas que permitan poder desarrollarse en forma integral, por ello utiliza una metodología de enseñanza participativa (aprender haciendo). Así, quienes se benefician de sus talleres adquieren conocimientos para resolver problemas de abasto de agua, vivienda digna, alimentos sanos y energía. De sus talleres destacan los de asentamientos humanos sustentables, el de agricultura orgánica, los de cultivos biointensivos, restauración de suelos erosionados, reforestación y la construcción de la vivienda ecológica. Puedes apoyar de muchzas maneras esta iniciativa. Entra a www.grupedsac.org y entérate. M