Marvin 97

DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO ANGELIKA BARBEYTTO angelika@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y CONTENIDO WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com CONTENIDO WEB DANIEL PATLÁN patlan@revistamarvin.com APOYO WEB VICTORIA KARMIN karmin@revistamarvin.com APOYO WEB ALEXANDRA STEVENS alexandra@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com COLABORAN EN ESTE NÚMERO Juan Álvarez, Luis Arce, Jorge Arias, Chuy Baca, Manu Charritton, Gabriela Conde, Erick Estrada, Arthur Alan Gore, Alejandro González Castillo, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Yuri Herrera, Juan Carlos Hidalgo, Carlos Jaimes, “El Jergas”, Alejandro Mancilla, Paul Medrano, Hugo García Michel, Leonora Milán, Marco Antonio Patiño, César Daniel Rojas, Carmen Ruiz, Jesús Serrano, Paola Tinoco, Rafael Toriz, Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Rettally, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp.

C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaajr@hotmail.com

MVN

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WILCO

APOCALIPSIS

DICIEMBRE 2011 / ENERO 2012

CARTA editorial Hay algunos libros que son como fantasmas: su mensaje nos deja cicatrices imborrables.

Es muy probable que la mayoría de nosotros hayamos escuchado sobre el Apocalipsis a muy temprana edad, cuando los demonios internos se encuentran en etapa de gestación. También es posible que si leiste el último libro del Nuevo Testamento, su mensaje se haya revelado críptico e inverosímil. Más tarde durante la adolescencia, esa edad en que somos proclives a tragarnos cualquier charlatanería televisiva, bien pudimos engancharnos con algún “profeta” de moda, sin sospechar que el verdadero Apocalipsis es consecuencia de la estupidez humana. O ¿no somos nosotros mismos quienes apresuramos el colapso de la Tierra? El fin del mundo no es un problema real, por la sencilla razón de que es imposible anticiparlo con precisión, y en ese sentido, dejar de preocuparnos por el mensaje de personajes dizque iluminados resulta una alternativa prudente. Preparamos una edición que aborda el tema del fin del mundo con ánimo irónico y desmitificador, si no me creen, vayan directamente a la página 80 y saquen sus propias conclusiones. Para cerrar el año, creemos que Wilco es una gran portada por lo siguiente: se trata de una banda poco valorada en México, a la que sería pecaminoso no escuchar antes de que el fin del mundo nos alcance.

- Vicente Jáuregui

PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com

CONTACTO MARVIN

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com www.marvin.com.mx MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD. IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

Titulo de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte / Editor Responsable Luis Vicente Jáuregui Chagollán.

Edición 96 correspondiente a: DICIEMBRE 2011 - ENERO. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Titulo y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO

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38 WILCO TOD O

EL

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BUENAS NUEVAS Noticias de música, cine y arte.

GADGETS Lo último en tecnología.

ESTILO Tendencias actuales.

Música

Coordenadas Nuevos talentos musicales.

Les Mentettes. Música sin fronteras.

The Notwist. Simplicidad e iconografía religiosa.

Entrevistas con Kid Koala y Murcof.

The Roots. El flow callejero de Philly.

The Black Keys. El lado ruidoso y áspero del blues.

Mazzy Star. El regreso de la ternura perversa.

Feist. De la angustia juvenil a la madurez orquestal.

Un soundtrack para el Apocalipsis.

Los mejores discos del año.

Planeta Terra Festival 2011 DE CULTO Y cuando desperté, el Apocalipsis ya estaba aquí.

CINE

46 Lars von Trier presenta Melancholia. La funesta tristeza.

48 Los Muppets. Entrevista con Jason Segel y Kermit.

64 DE CULTO El cine del Apocalipsis.

ARTE

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45

54 Siete mini ficciones sobre el Apocalipsis.

56 CÓMIC 58 Galería de arte apocalíptico.

Ofra Lapid y Omero Leyva.

66 DE CULTO ¡Cuidado: BiohazArt!

DE FONDO

34 Antes que caiga el telón.

36 Escatología (o por qué todo se va ir a la mierda).

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MODA EcoBici

COLUMNAS

Malincheando De Twitter y algunas de sus consecuencias.

Juan Cristóbal Rubio.

Bajo presupuesto De profecías mayas y otras jaladas. Por Hugo García Michel.

Off The Record El fin del mundo para Héctor. Por Arthur Alan Gore.

El cuaderno amargo Cómo empacar una maleta para ir a la FIL Guadalajara. Por Paola Tinoco.

RESEÑAS

MÚSICA 68/ CINE 74/ Libros 76/ Gamer 77/ Links 78 80

EL PILÓN Rodolfo Tinoco y Rodríguez.

ESENCIA Paul Collins B E I T U T

( D J

S E T )

MARVIN REY

PILA

Fotos, reseña, podcast y videopodcast en

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Antoine Reverb

C

F O T: : D a n i e l Pat l á n .

omo ya es tradición, el primer miércoles de cada mes celebramos la fiesta Esencia Marvin en nuestra segunda casa, El Imperial. Este mes coincidió con el festejo del Día de Muertos, y qué mejor manera de honrar a los que se nos adelantaron que con dos grandes bandas mexicanas y un invitado de lujo. Los encargados de abrir la pista fueron los tapatíos de Antoine Reverb, quienes sorprendieron con un sonido que le hace honor a su nombre. Capas y capas de guitarras y teclados llenos de reverb y delay, guiados por una batería precisa y aderezados con tres voces que permiten el flujo natural de las canciones. Su setlist estuvo basado en tracks de su recién estrenado álbum, Everything is a Foreign Language to Me (Arts&Crafts México, 2011), un disco por demás recomendable.

El segundo turno fue para Rey Pila, quien subió al escenario para hacer lo que mejor sabe hacer: tocar en vivo. Sus "en vivo" son directos y sin miramientos, generalmente las guitarras son muy distorsionadas, los bajos fuertes y la batería impecable.

"No. 114", "No Longer Fun" y "Sordo" fueron las consentidas el público.

Para cerrar con broche de oro, Paul Collins (bajista de Beirut) ofreció un DJ set altamente influenciado en el sonido Motown. Cuando hablamos con Collins, nos platicó que trata de juntar los gustos de la banda en el set, por ello el recurrente uso de tracks a lo Motown, pues Zach Condon es un ferviente amante de este género.

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BUENAS

a c i s ú m

NUEVAS

D JAZZ UV Un festival de la “A” a la “Z”

el 3 al 13 de noviembre pasados se llevó acabo la cuarta edición del Festival Internacional de Jazz UV en Xalapa. Marvin estuvo ahí para presenciar uno de los más completos festivales de jazz de nuestro país, y es que además de contar con una lista de talento internacional envidiable, Jazz UV sigue apoyando al talento nacional; en uno de sus más grandes aciertos, el festival organizó tocadas en pequeños cafés, donde alumnos y maestros de la universidad compartían escenario con algunas de las figuras más importantes del cartel. La sensación que este encuentro te deja es poderosa, ya que pocas veces se pueden recorrer lugares tan bellos como Coatepec, Veracruz, en busca de una presentación de Alain Brunet.

Las locaciones para el festival eran en verdad majestuosas: en la Ceiba

Gráfica –una vieja hacienda abandonada y ahora convertida en escuela de grabado y litografía– , se llevaron a cabo conferencias y obras teatro; el paisaje y paz de este lugar es sobrecogedor.

Es difícil encontrar un soundtrack tan perfecto para los paisajes de Xalapa y Coatepec como el jazz, y si a las caminatas por calles empedradas le sumamos la voz de Gretchen Parlato o el piano de Kenny Barron, obtenemos un experiencia maravillosa.

Y para cerrar estos días de música, el festival tuvo la increíble idea de programar, al filo de la medianoche, jam sessions donde músicos –tanto nacionales como internacionales– se reunían para tocar sin límite de tiempo hasta que la noche muriera. Para más información visita: www.uv.mx/jazzuv

Checa la entrevista completa en

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La música chingona Entrev i s ta

D

esde su formación por allí del 2007, los Mamastróficos han venido a sacudir la tan viciada escena musical con su extraña mezcla de géneros, que van desde el funk hasta el rock más clásico. Este año fue lanzado su primer disco En formato normal, 08

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c o n

M ama s t r ó f i cos

mismo que fue producido por Maurimix de Los Amigos Invisibles.

Tanto en su sonido como en su discurso, la intención de Mamastróficos es sólo una: hacer música chingona.

Canciones que no suenen a nada, y que puedan serlo todo. Tuvimos la

oportunidad de platicar con Jesús Mora (tecladista de Mamastróficos). Lee la entrevista exclusiva, donde ningún tema estaba prohibido. Escanea el código o ingresa a: www.marvin.com.mx/mas

Cer v ez aI ndi o Nes t orE mi l i oSa l a z a rCuel l a r( RE GGAE )

C l a v eS S A : 1 1 3 3 0 0 2 0 1 A 2 2 0 4

@c er v ez a i ndi o

F O T: : D ANIEL PATLÁN .

Sto n e

Temple

El pasado 9 de noviembre, Scott Weiland se contoneaba en el escenario con gracia, elegancia y buen humor, exigiendo a su garganta alcanzar las notas más altas de su tesitura. Lo suyo es plantarse firme y demostrar que es uno de los mejores frontmans de los últimos veinte años.

Pilots

BEIRUT

Durante su presentación en México, el 4 de noviembre, Zach Condon y compañía se apoderaron del escenario. Dando un show emotivo con canciones como "Nantes", "Elephant Gun", "Gulag Orkestar", entre otras.

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BUENAS

NUEVAS

cine

CUT OUT FEST 2011 Tercera edición del festival Cine de Animación en México.

Disfruta de los cortos de este festival

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T X T: : M a n ú C h a rr i t t o n .

L

a ciudad de Querétaro, además de ser un buen sitio para pasear y apreciar la arquitectura colonial, alberga este particular festival dedicado exclusivamente al cine de animación. Entre el 10 y 12 de noviembre se llevó a cabo su tercera edición, con la participación estelar de Canadá como país invitado. Llegamos a Querétaro en coche, listos para disfrutar tres días de animaciones, mi género favorito dentro de los festivales de cine. Este año el festival contaba con casi 10 sedes, de las que destacaban el TEC de Monterrey Querétaro (para

las conferencias) y el Teatro Rosalío Solano (para las proyecciones). Entre tantas actividades, pudimos meternos a muchas proyecciones de la selección oficial de cortos, y algunos de ellos podrán encontrarlos en nuestra página web (unos cuantos no traen subtítulos, perdón). También, este festival contó con la participación de David O’Reilly (ganador en el Festival internacional de Guanajuato en la categoría de animación por “The External World”), Julia Pott, Tokyo Plastic, Fluorescent Hill y Matt Lambert, quienes compartieron sus conocimientos y trabajo en varios

Festival Internacional de globos de León Guanajuato 1 0

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a ñ o s

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d e

v u e l o

y

f o r m a

Y

talleres y conferencias. Si eres fan de la animación, o quieres dedicarte a ella, tienes que visitar el Cut Out Fest, ya que ver a estos cracks en acción es imperdible.

A lo largo del festival me sorprendió la buena organización, el trato hacia el público y a los medios, que era bastante relajado. Fueron varios días de mucho caminar, pasear, pero sobre todo, una oportunidad para entender mejor este fantástico género, donde todo es posible.

Si escaneas el código o entras a www. marvin.com.mx/mas puedes ver algunos de los mejores cortos que este festival nos dio en su edición 2011.

a son diez años desde que este festival llena el cielo de Guanajuato con enormes y poliformes globos aerostáticos. Con una propuesta espectacular, este festival internacional es sin duda, una de las ofertas más originales que se vivieron este puente del 20 de noviembre, y es que además de ver todos los globos, hubo eventos simultáneos entre los cuales se encuentra la Noche Mágica, donde los globos fueron iluminados y musicalizados, creando un paisaje para todos los sentidos.

Marvin tuvo la oportunidad de asistir y experimentar la sensación de volar en uno de estos globos; y lo que se ve y se siente en un paseo sobre uno de éstos, es inimaginable.

Ninguna fotografía llega a describir la sensación tan desconocida de ver objetos tan grandes llenos de color y vida, en un viaje donde los visuales espléndidos contagian la belleza de ver el mundo desde arriba.

BUENAS

NUEVAS

arte

Croma Fest El festival mexicano de animación

U

n nuevo festival de animación ha surgido en nuestro país, debido al creciente interés que esta manifestación visual genera aquí y en Latinoamérica.

CROMAfest, es un festival mexicano dedicado a la industria de la animación, efectos visuales y videojuegos. Aunado a ello se lanza la convocatoria al Primer Concurso Internacional CROMA de Animación y Efectos Visuales, el cual tiene como objetivo impulsar el talento local, además de difundir la producción de cortos animados y las técnicas de

Sitac X

efectos visuales empleadas con fines comerciales en México y el extranjero.

La convocatoria está abierta para profesionales de la industria, estudiantes y artistas, así como para el público en general, y se podrá participar en las siguientes categorías: animación y efectos visuales para publicidad.

El ganador en la sección de animación será invitado a Segovia, España, para presentar su trabajo en el Mercado Internacional 3D, y en el caso de efectos visuales el primer lugar viajará a La Coruña al festival Mundos. Para más información sobre este concurso ingresa a www.cromafest.com

Vértigo Galería presenta: Tzompantli Gráfico Entrevista con Alejandro Magallanes y alumnos de CENTRO

El f ut uro: d e v u e lta a l a c u e n ta larga

Lee la entrevista completa en

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E

l patronato de Arte Contemporáneo celebra la décima edición del Simposio Internacional de Teoría Sobre Arte Contemporáneo, bajo la dirección del curador y artista digital y de nuevos medios, Shuddahabrata Sengupta, quien guiará una reflexion sobre el futuro a partir del arte. En esta edición participarán especialistas y profesionales de diversas disciplinas (literatura, cine, arquitectura, ciencia y arte), entre quienes destacan Oscar Niemeyer, David Adjaye, Pedro Reyes, Julieta Aranda y Molly Nesbit. No te pierdas todo lo que el SITAC 2012 tiene para ofrecer del 9 al 11 de febrero, en el Teatro Julio Castillo. Para más información visita www.pac.org.mx

F o t : D a n i e l Pat l á n .

E

l pasado mes de noviembre, Vértigo Galería inauguró la exposición TZOMPANTLI GRÁFICO, muestra que es el resultado de juntar 50 visiones distintas sobre la muerte, entre ellas la de Alejandro Magallanes (diseñador gráfico y profesor de la escuela CENTRO) y la de cinco de sus alumnos.

Todos ellos intervinieron calaveras –símbolo icónico de nuestra perspectiva cultural de la muerte– , y nos permitieron echar un vistazo al nuevo y valioso talento que se está desarrollando en México. Para leer la conversación completa escanea el código o visita www.marvin.com/mas

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GADGETS::

Nikon

La cámara sin espejo

Participa para ganarte alguno de esos gadgets en

MARVIN TE REGALA

Nikon presenta sus dos primeras c‡maras sin espejo: la Nikon 1 J1 y la Nikon 1 V1. Ambos modelos cuentan con objetivos intercambiables que permiten grabar video Full HD y sacar fotos RAW a 12 bits de profundidad de color. Como si esto fuera poco, su sistema AF h’brido de alta velocidad cuenta con 73 puntos de detecci—n. En resumen, esta compacta c‡mara es un ejemplar revolucionario y poderoso.

Brazalete Bluetooth

con Caller ID

Redlemon trae a M xico este pr‡ctico brazalete, que adem‡s de funcionar como reloj, se conecta con tu celular por medio de Bluethooth. De este modo, si te encuentras manejando o tu celular est‡ lejos, podr‡s saber cu‡ndo y qui n te llama con tan s—lo mirar el brazalete.

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iRig

Haz de tu iPod un amplificador ÀCu‡ntas veces te ha pasado que est‡s practicando a todo volumen con tu guitarra y alguien te dice que le bajes?

Para todos los adictos a la distorsi—n y los decibeles, el iRig es un adaptador con interfaz de manejo sencillo, que te permite conectar tu guitarra o bajo a un iPod, iPhone o iPad, y utilizar cualquiera de estos dispositivos para jammear con tus aud’fonos... sin molestar a nadie.

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Bocinas Slim ZX para iPhone y IPod

Skullcandy

Agent Shoe White

Marvin te regala

Tener un dock ya no es un lujo, sino una necesidad. Para ello, nada mejor que estas bocinas que brindan gran calidad de sonido y cuentan con una bater’a recargable de dos horas.

Adem‡s, para disfrutar de este dock ni siquiera tienes que tener iPod, gracias a su entrada de audio de 3.5mm, que te permitir‡ conectar MP3, MP4, DVD, PC, laptop y muchos aparatos m‡s. Ll vate uno cortes’a de Redlemon.

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MARVIN TE REGALA

Skullcandy tiene algunas de las mejores opciones en headphones disponibles, prueba de esto es su modelo Agent Shoe White. Marvin y Skullcandy te regalan uno.

ESTILO::

MINI COPUÉ

Gánate una taza en

El nuevo MINI Cooper

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El pasado mes de noviembre, Mini Cooper present— al m‡s nuevo y deportivo miembro de su familia: el MINI Coup . En cuatro distintos modelos (Mini Cooper Coup , Mini Cooper S Coup , Mini John Cooper Works Coup y el Mini Cooper SD Coup ) este auto es mucha potencia en poco tama–o. Cuenta con opciones de cuatro cilindros y Auto Start-Stop, adem‡s de ofrecer desde 122 CV hasta 211 CV. Para m‡s informaci—n visita www.mini.com.mx

Hugo Boss

Jared Leto: Just Different

Para ver el comercial y el making of entra a

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Con un estilo urbano y moderno llega Just Different, la nueva fragancia para hombres de Hugo Boss.Y como no se puede vender un pastel sin velitas, la imagen designada para este lanzamiento es Jared Leto.

Nescafé

Te regala una taza y obra de arte Durante todo el mes de octubre, sobre el Paseo de la Reforma se exhibieron 12 tazas gigantes (de dos metros de altura por dos metros de ancho) intervenidas por distintos artistas, cada una con una personalidad espec’fica. Ahora Nescaf sacar‡ una edici—n sœper especial de estas tazas, las cuales te servir‡n para Òdespertar a la vidaÓ cada d’a con un poco de arte en tu caf . Marvin y Nescaf tienen para ti.

Ray Ban y Johnny Marr Una gran pareja del rock Desde las ic—nicas gafas de Elvis Costello hasta los lentes oscuros de Bob Dylan, Ray Ban siempre ha tenido una cercana relaci—n con la mœsica, en especial con el rock. Ahora, con la ayuda de Johnny Marr (The Smiths, Modest Mouse y The The) Ray Ban presenta un modelo especial dise–ado por el ic—nico guitarrista, pero como estamos hablando de un rockstar, esta colaboraci—n no pod’a limitarse al dise–o, por lo que se desarroll— un proyecto de colaboraci—n musical llamado Raw Sound Project, en el que Beast Coast, Tom Vek, Au Revoir Simone y Mona crearon canciones con poemas y citas. Para escuchar estos tracks y conocer m‡s de esta fruct’fera colaboraci—n, escanea el c—digo.

Videos y canciones de esta colaboración

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COORDENADAS::

T X T : alejandro M ancilla

Este proyecto inicia en el 2010, cuando Oscar Ceceña (ex-integrante de Pastilla) convoca a varios amigos músicos con el fin de darle forma a sus canciones evocadoras. Sin caer en los clichés del rock actual, el sonido del grupo tiene ecos del britpop más juguetón (por llamarlo de algún modo); suena a lo que Volován o Jumbo debieron hacer en sus últimos discos, y que no pudieron lograr. Atomix recupera ese sentimiento un tanto nerdy que hace tiempo no escuchábamos, y recurriendo al rock más elemental, logra algo complicado en el panorama actual: hacer buenas canciones, con sentido melódico y –como diría Wilfred y La Ganga– en español.

Redes Sociales:

@atomixrock

/oscarceceña

Su primer acercamiento con la música fue en la infancia, cuando su papá disfrutaba de sus acetatos mientras tomaba una copa. Marla Project indaga en los sueños, lo mágico y lo fantástico para sacar a la gente de su realidad, hasta hacerla viajar a paisajes sonoros de color.

Con elementos de pop experimental, postrock y shoegaze (le laten M83 y Chapterhouse), se trata de un proyecto de Cholula, Puebla, que crea murallas luminosas de sonidos ensoñadores.

Sonidos que van de lo alegre a lo triste, dejando tu cerebro sin tiempo para asimilarlo.

Redes sociales:

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Influencias musicales: The Beatles, New Order, Sonic Youth, The Cure, The Rentals, Weezer y muchísimas más.

Siente afinidad con: Jumbo, Chetes (con o sin Zurdok) y los Bunkers.

Atomix es diferente a Pastilla porque: “Lógicamente aprendí mucho de Pastilla, me curtió bastante porque nunca tocamos las rolas como van en los discos, pero Atomix tiene estilos diferentes”.

Sus tres discos favoritos de toda la vida: White Album de The Beatles OK Computer de Radiohead Hombre sintetizador de Zurdok Se ha presentado al lado de: Chromeo y Crystal Castles.

Discografía: Su primer disco homónimo. El primer sencillo es “El duelo” y está por publicarse.

En Twitter dice que es “mujeriego”, pero se conformaría con estas tres chicas:Jennifer Love Hewitt "soy harto fan" Rachel Nichols "uff " (salió en la película de Conan).

Mary Elizabeth Winstead "con esta me quedo, le ponía casa y le seria fiel".

Su canción para recibir el fin del mundo: “The Long and Winding Road¨ de The Beatles.

/ facebok.com/marlaproject

marlaproject

@/marlaproject

Si eres vegetariano te gustará: “Ensalada de vegetales verdes”, track incluido en Picnicolor (2010).

Tracks recomendados: “Atmósfera Sendak” y “Efecto sándwich”.

Ha colaborado con artistas como: Dop Acústica, Iz Saru, Colectivo Planeador y Natalia Lafourcade.

Algunos de sus discos favoritos: Classics de Ratatat Mer de Noms de A Perfect Circle Live in Africa de Fania All Stars Sobre la música independiente actual en México: “Lo que realmente está sobrevalorado, son las estaciones de radio comercial basadas en el poder y el compadrazgo”.

Canción para recibir el fin del mundo: “ 'Milk' de Marla Project, porque me hace caminar de buenas y con mucho ánimo, sin importar el destino al que me dirija”.

Discografía: The Born of (demo) Long Way EP Aerbeus the Masloloi EP Picnicolor EP Compilados básicos : Antojitos Mexicanos vol.

6 y Placeres Sintéticos.

Escuché este proyecto solista nombrado Piyama Party en un festival en Tamaulipas, donde demostró que los 90 son su década favorita –aunque utilizaba brillantemente recursos de la electrónica casera actual–. Entre canción y canción, tocó una versión imperdible del “intro” de He-Man y los amos del universo.

Lo cierto es que su música es bien divertida, clavada y original.

Además, sus letras rinden homenaje lo mismo a Carcass (“Fan de Carcass” es su mayor hit hasta ahora, según sus propias palabras) que a Inés Sainz, la rubia conductora de deportes. Piyama Party es una especie de “diario” hecho música, concebido por este personaje oriundo de Monclova, Coahuila, quien para sus presentaciones cuenta con diferentes colaboradores. Sin duda, uno de los proyectos a seguir.

Discografía básica: Más mejor, 2009 Michael está vivo, 2010 Plásticos y etéreos Vol. 1 (Compilado de la revista plástica de España) Su programa favorito no es He-man, es: Los años maravillosos y Ren & Stimpy.

El disco que más lo ha influenciado es: Nevermind de Nirvana.

Canción con la que le gustaría recibir el fin del mundo: “This Guy’s In Love With You” de Herb Alpert.

Redes sociales:

/ piyamaparty

/piyamaparty

@PiyamaParty Te gustará si: “Estás aburrido de escuchar el mismo tipo de rock nacional” comenta el grupo.

Ambos creen firmemente que: “Para poder hacer buena música, no es necesario tener un grupo en el sentido tradicional de la palabra”.

Su nuevo disco está influenciado por: Al Green, Jim Sullivan, Spiritualized, Graham Nash, Cohen, Super Furry Animals, Flaming Lips y Wilco.

Discografía: Playhouse Of Your Mind (Intolerancia, 2010).

I’m Holding On To A Thread (del que ya se puede escuchar el single homónimo).

Canción del fin del mundo…

Andrés Torres: “Astronauts” de Cranes.

Para Wayne: “Rainbird representa el orquestador de un universo que había decidido mantener en secreto”.

Rainbird está integrado por dos personas: Wayne Holtzman, un músico con 30 años de experiencia originario de Austin (Texas, no TV); y Andrés Torres, un guitarrista y productor mexicano muy clavado del audio (adivinen cuál de los dos es el de la foto). Con colaboraciones de bandas afines como Robota, Los Fancy Free, Suave as Hell o Los Dorados, hacen un rock atemporal que se nutre de las influencias de ambos: folk, soul, kraut e incluso shoegaze, todo aunado a la sombra de songwriters de la estirpe de Leonard Cohen. El grupo realmente se toma en serio la dualidad estudio/concierto, lo cual hace muy distinta la experiencia de escucharlos en vivo a la de poner sus discos… y no, no se llaman así por la canción de Love and Rockets.

Redes sociales:

rainbirdcontact@gmail

chronicshowsmexico@gmail.com

www.rainbirdsound.com

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MÚSICA::

Música sin fronteras El rock urbano –o barrial– hace conciertos en estadios en Argentina, y la música indie local no. ¿A qué se debe? ¿Qué sientes al respecto?

AR: Es un tema sumamente cultural, el estilo del "rock de barrio" está ligado al estilo de vida de la mayoría de la gente, no estoy de acuerdo con algunas posturas del rock barrial, pero otros grupos me parecen simpáticos.

T X T : : M an ú C harr i t t o n .

DESPUÉS

de las décadas doradas de los 80 y 90, la escena del rock argentino se vio muy devaluada, en gran parte por la crisis económica del 2001. Más tarde, el underground casi fue destruido en el año 2004, a causa del trágico accidente en el club Cromagnón, donde murieron 194 personas durante un concierto de Callejeros. A partir de ahí, el gobierno estipuló nuevas normas para los conciertos en la ciudad de Buenos Aires, lo que hizo casi imposible organizar una tocada. Dentro de esas condiciones nació Les Mentettes, un grupo que canta en inglés, toca con instrumentos acústicos y eléctricos, además de tener arreglos orquestales. En Argentina, la banda ha sido comparada con Arcade Fire (más por su formato de banda que por su música), aunque ellos no estén muy de acuerdo. Yo los acercaría más a of Montreal, Beach Boys y al folk americano, aunque no sólo suenan a eso.

Pude conversar con Adrián Rivoira, líder de la banda, para ponernos de acuerdo acerca de este atípico grupo surgido en las pampas.

Cuéntame acerca de sus inicios…

Adrián Rivoira: El grupo comenzó como un juego de compañeros de la infancia; algunos de nosotros fuimos a la escuela primaria juntos y teníamos una banda con la que tocábamos en la escuela. No todos hicimos la escuela juntos, pero cuando decidimos armar el grupo, la idea fue juntarnos con nuestros amigos más cercanos, incluso familiares. ¿Cómo decidieron meterse en la estética folk? ¿Qué tan presente está eso en Argentina?

AR: Nosotros no nos consideramos una banda folk, aunque sí creo que tenemos ciertos recursos también utilizados en la

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música folk, como la guitarra acústica bien al frente y el formato de canción. Quizás lo anterior nos dio una cercanía estética al folk, pero más que el folk me gustan David Bowie y The Kinks. ¿Sientes que cantar en inglés en Latinoamérica hace que tu techo este un metro más abajo?

AR: No lo creo así, yo pienso que la música, cuando es sincera, no tiene fronteras.

Si digo que su segundo disco fue un remake del anterior, pero tocando con una orquesta, ¿estoy en lo correcto? ¿Cómo fue la experiencia? Dame lo peor y lo mejor de haberlo hecho.

AR: Sí, así es. Nuestro segundo disco es una remake del primero en versión orquestal, con algunas canciones extras y como 25 músicos extras también. La experiencia fue inolvidable: grabamos un disco totalmente en vivo con una orquesta a nuestra disposición, en uno de los estudios más míticos de la ciudad de Buenos Aires; ahí han grabado desde Sandro "el gitano" (Sandro de América) hasta Diego Armando Maradona (no sé qué es lo que habrá grabado “El Diego” ahí). Lo mejor fue haber encarado ese trabajo de forma independiente, sin compañías discográficas, todo a pulmón, hecho a mano.

Eso es lo más lindo. ¿Lo peor? Los tiempos muertos en el estudio mientras afinaba la orquesta, entre la ansiedad y el aburrimiento de no estar activo… esos ratos se hacían eternos.

Nómbrame tres nuevos grupos argentinos que no deberíamos dejar de escuchar.

AR: Los Hermanos McKenzie, Pablo Malaurie y Cosmo.

Acaban de lanzar su tercer disco, titulado Songs For An Imaginary Film. ¿Cuáles son sus influencias actuales? ¿Cómo es la respuesta del público local a su estilo musical?

AR: Mientras estábamos haciendo las canciones de Songs For An Imaginary Film, yo estaba escuchando mucho a los Flaming Lips, los acababa de ver tocar en Chile y Buenos Aires; además, estaba muy obsesionado con Van Dyke Parks. El disco de Alexander Ebert fue bastante compañero en esos momentos, Grizzly Bear y Department of Eagles también, no sé si son influencias directas, pero era la música que estaba escuchando en el momento. ¿En dónde han tocado hasta hoy? ¿Con qué bandas les ha tocado compartir escenario?

AR: En Buenos Aires hemos tocado en casi todos lados. Compartimos escenario con Jonathan Richman, Moreno Veloso (hijo del brasileño Caetano Veloso), Tahiti Boy and the Palmtree Family, entre otros. La próxima semana vamos a tocar en el Festival de Cine de Mar del Plata –que sin dudas es el más importante del país en cuanto a cine–, y en enero iremos a Chile para visitar la capital del país vecino.

De las comparaciones que pudieran surgir, ¿con qué banda sienten ustedes que tengan más cosas en común?

AR: Mmm… la verdad no lo sé. En Buenos Aires no creo que haya alguna banda parecida a la nuestra. Alguna que otra vez nos han comparado con Arcade Fire, pero a mí no me gustan. ¿Qué sabes de México?

AR: Nunca he estado en México, pero sé que comen muy rico, comida bien picante, y que la cerveza está bien sabrosa; también que dicen "wey" como aquí decimos "ché", además, que tienen uno de los festejos más interesantes del planeta –el día de los muertos– y que son descubridores de una de mis golosinas preferidas: el chocolate. M

A GIOS I L E FÍA R A R G O ICON E D CIDA I L P S I M mena G ó me z TXT:

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Ji

1989, los hermanos Archer crearon una banda que bien podríamos definir como grunge a secas, muy distina a lo que ahora entendemos como The Notwist.

Por más de veinte años, la banda alemana nos ha entregado música contundente, letras poderosas y sonido complejo. Aquí una conversación con Markus Archer acerca de música, Dios y hip-hop.

manejaba las cosas, dirigiendo lo que queríamos lograr… y a veces no salía muy bien (risas).

¿Estás emocionado por tu presentación en México?

Mark Acher: ¡Sí, claro!

Tienen una banda con Themselves (un grupo de avant garde hip-hop), 13 & God ¿cómo se dio este proyecto?

MA: El hip-hop siempre ha sido un interés mío. Antes de conocer a Themselves, yo había escuchado un disco editado por Anticon, lo curioso es que cuando vinieron a tocar a Múnich, un amigo me invitó, y descubrimos que ellos habían estado escuchando a The Notwist. Así nació una colaboración y una gira muy caótica, que nos llevó a grabar un disco juntos.

¿Te sorprende tener tantos fans en lugares como México, o Latinoamérica?

MA: No sé cuantos fans tenemos, nunca hemos tocado allá, así que veremos cómo nos va (risas), espero que bien. Estamos muy contentos con cada fan que tenemos; es gente que de verdad le gusta lo que hacemos, ya sean cinco personas, 50 o 500.

Su sonido ha cambiado mucho con el tiempo ¿estás satisfecho con el estilo al que han llegado, o todavía podemos esperar más cambios?

MA: Siempre hemos hecho música que nos ha parecido interesante, y eso va cambiado; antes nos interesaba el hard punk, el punk rock, las guitarras eléctricas y el ruido (risas).

Ahora tenemos intereses más amplios, pues todo tipo de música tiene facetas atractivas.

Además, ahora podemos trabajar mucho mejor en el estudio. Antes no teníamos idea, sólo rentábamos un estudio con un tipo que

¿Qué música te interesa ahora?

MA: Escuchamos todo tipo de música, nuestros gustos son muy diversos: electrónica, música vieja, jazz… y todo se mezcla al final (risas). No podría citar un grupo o tipo de música que todos en la banda escuchemos.

¿Tenían alguna idea de cómo querían que sonara esta banda?

MA: La verdad no teníamos idea, esperábamos que funcionara, pero no sabíamos qué íbamos a obtener de esta mezcla. Al final todo encajó y fue una experiencia muy placentera grabar juntos, pues nos convertimos en otra banda.

Tocar en vivo fue genial también.

Leí que el nombre 13 & God venía de los 12 apóstoles más Jesús…

MA: El nombre viene del título de una canción; la letra habla de ser joven, de tener

13 años y pensar en Dios, en el mundo, y por otro lado, de tener 30 años y sentirte un Dios. A todos nos gustó porque significa varias cosas: como número, el 13 tiene muchas connotaciones, desde buena o mala suerte, hasta Dios o el Diablo.

El primer disco fue grabado en Baviera, un lugar muy católico, con muchas iglesias, santos e imágenes religiosas. Aunque ninguno de nosotros es muy religioso, Adam (Drucker) estaba bastante impresionado por toda la iconografía, así que finalmente toda esa carga religiosa nos influenció.

Me parece que han llegado a un punto muy esencial en su sonido, sus canciones tienen una simpleza engañosa y una complejidad precisa…

MA: Me hace feliz que tú digas eso, ya que es algo que busco conseguir. Con las letras, siempre trato de simplificar para llegar a las líneas esenciales. Lo mismo pasa con la música al hacer un álbum: tratamos de quedarnos con los tracks que transportan mejor. Me gustan las ideas simples que puedan decir mucho, que tengan distintas direcciones. Algunas veces grabamos muchas canciones y luego invitamos amigos a escucharlas, las editamos, cortamos muchas… así logramos los últimos dos discos. Tocar en vivo nos ayuda para saber qué funciona mejor, y justo ahora es lo que más disfrutamos hacer. Tenemos un nuevo baterista y es una nueva dinámica; finalmente, The Notwist es una gran banda para tocar en vivo. M

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MÚSICA::

T X T : : C arl o s J a i mes .

F O T : : da n i el patl á n

Diez

años han pasado desde que Fernando Corona decidió salir de las filas del colectivo Nortec –como Terrestre–, para explorar los caminos de una electrónica minimalista, íntima y reflexiva bajo el nombre de Murcof. Poco más de dos años han transcurrido desde que unió fuerzas con el colectivo francés AntiVJ, para dar lugar a una instalación que conjunta su música con visuales micro y macro cósmicos, los cuales generan atmósferas espaciales, llenas de vida tanto en su origen como en su evolución, hasta alcanzar horizontes más allá de lo imaginado.

La versión más reciente de este trabajo fue presentada por primera vez en nuestro país, el pasado 29 de octubre, para cerrar de forma contundente la edición más completa y emotiva hasta ahora del festival MutekMX. Aquella noche, fuimos testigos de una de las mejores instalaciones que el brazo en México de este festival con sede en Montreal nos ha traído. Si presentaciones como la de de Robert Henke y Christopher Bauder con Atom, o la interactiva Period en Cibeles, habían significado un espectáculo fuera de este mundo, Murcof y AntiVJ

o d n u m l a Salvar oop en un l con Tyondai Braxton Como

ta Entrevis

diría mi amigo Chavo: “cuando tu papá te despertaba en las mañanas con música de Coltrane, en su etapa más ácida, lo único que queda por hacer es convertirte en un genio musical". Esa es la mejor introducción para Tyondai Braxton –hijo del gran compositor de free jazz, Anthony Braxton– con quien tuvimos oportunidad de platicar.

Cuéntanos un poco sobre la experiencia de trabajar con una orquesta real en tu álbum Central Market, ¿cómo fue el proceso de hacer este disco, desde la composición hasta la interpretación y grabación?

Tyondai Braxton: Realmente todo empezó de manera muy primaria, todas las piezas de Central Market empezaron como demos que yo T X T y F ot : : D a n i el Patl á n .

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hice solo en mi estudio. Hice pequeñas líneas de ideas que tenía en la cabeza y después las junté todas en Pro Tools. Lo divertido fue al momento de orquestarlo ya que tenía que hallar una forma de materializar estos loops, y hacer que parecieran piezas completas y no solamente un montón de loops (risas).

Después de que hallé la forma de hacerlo, transcribí esas secuencias para que pudiera ser interpretado por una orquesta real.

Grabamos en pedazos los instrumentos, realmente nunca se grabó a la orquesta completa y nunca la escuché interpretar los temas. Todo fue en partes; primero los chelos, luego los bajos, violas, violines, etc. La primera vez que escuché todo el álbum interpretado por la orquesta fue a principios de este año

plasmaron la delicadeza de la vida en su forma más pequeña –con bacterias y microorganismos–, así como la inhóspita tranquilidad del cosmos, por medio de tres pantallas en las que Simon Geilfus (AntiVJ) redireccionaba las señales de audio mandadas por Murcof para dejar a la concurrencia boquiabierta.

Desde Martes (2002), hasta las Versailles Sessions (2009), Fernando Corona ha dejado muy en claro que sus metas van mucho más allá de lo comercial, en pos de una música sensible en todas sus formas. Pareciera incluso que aquella última producción brilla por ser la más arriesgada de sus entregas, tiene que serlo al haber sido creado como un encargo para musicalizar uno de los jardines de Versalles, pero que resultó tan rico que al sello Leaf le interesó lanzarlo como una pieza más de su catálogo.

De este inquieto artista mexicano, sólo podemos esperar más sorpresas agradables. Con AntiVJ, continuará tocando hasta finales de este 2011. Además planea nuevos proyectos visuales con Erik Truffaz (Versailles Sessions), así como la grabación en Tijuana de una idea que incluye músicos huicholes.

cuando lo presentamos en Lincoln Center y fue una gran emoción. Si la gente supiera lo básico que empezó este proyecto, sólo conmigo y mi guitarra, y llegar a verlo con la orquesta completa de la BBC en Londres… es algo impresionante, una bellísima experiencia.

Tu música en solista y en Battles es muy precisa, dentro de esta exactitud musical, ¿tienes espacio para la improvisación?

TB: De hecho me encanta, el set que estoy presentando es totalmente improvisación.

Estoy buscando un nuevo set up y la mejor manera de hacerlo es improvisar y encontrar algo mientras lo haces. Nunca sabes si será bueno o malo, pero siempre encuentras algo interesante. Como músico es sumamente importante improvisar. A veces es aterrador, pero es necesario someterme a este tipo de situaciones, te hacen más fuerte.

Tu padre es un músico y compositor muy reconocido, ¿cuál fue el mayor aprendizaje que te dejó como músico?

TB: Hacer las cosas a mi manera, no importa lo que pase y saber que la gente no siempre amará lo que haces y no siempre lo odiará. Tienes que mantener el curso y hacer lo que amas.

Alguna vez dijiste que preferías las tornamesas a tocar un instrumento, ya que te daba la posibilidad de improvisar, ¿cómo lo logras con música ya estructurada en una canción?

Kid Koala: Comencé estudiando piano clásico, y en los recitales todo era muy estricto: no podía expresarme a mí mismo. Cuando descubrí las tornamesas sentí que era el momento de que algo pasara. Era una filosofía completamente diferente, se trataba de conseguir algo fresco, y aunque tomo canciones de alguien más, siempre se trata de modificar el pitch de una nota de la canción para crear una melodía distinta. Además, siempre traigo distintas melodías en la cabeza, de manera que esa melodía aún no existe, a menos que yo decida scratchearla de esa manera.

Entonces, realmente usas las tornamesas como un instrumento musical.

KK: Para mí fue algo natural. Cuando empecé sólo quería hacer los ruidos más raros, que fueran lo menos musical posible y que sonaran como procedentes de otro mundo.

Con el tiempo, al escuchar discos de jazz, cosas de Sly Stone o música para cine me preguntaba: ¿qué tiene esta música que mueve a tanta gente y de qué manera puede ese sentimiento ser reinterpretado por una tornamesa? Esa pregunta me dirigió hacia otra dirección. Pero no tomo crédito de esa idea, pues yo sólo trataba de tocar en la tonalidad, simplemente, creo que fui inspirado por música inspiradora, punto. No tenía que ser un disco de hip-hop, podía ser una ópera que me diera una imagen para contar una historia con las tornamesas. Aunque toco un poco de piano, contrabajo y un poquito de guitarra, las tornamesas siempre se sienten como estar en casa. ¿Cómo escoges los samples que usas?

KK: Me voy por cosas que me son familiares, como un show de T.V. que normalmente haya visto, o música que escuchaba desde pequeño. Además de que me inspira, eso me da una idea visual para implementar las imágenes a la melodía; también me permite encontrar las notas o palabras que quiero agregar y en qué momento meterlas.

Me imagino que por eso ilustras, por las imágenes que te vienen a la cabeza, ¿cierto?

Cuéntame sobre el proyecto Mosquito.

KK: Dependiendo del proyecto, a veces las imágenes vienen antes que la música y viceversa. Con The Mosquito Book fui inspirado por el jazz. Se trata de un mosquito que quiere tocar jazz, todo está hecho con maquetas, es

n ó i ac

s i v o

r p Im

T X T : : C arme n R u i z .

F O T : : D a n i el patl á n .

Antes de su presentaci—n en el MUTEK, Carmen Ruiz (tecladista de Natalia Lafourcade), entrevist— a uno de sus mœsicos favoritos: Kid Koala. De pianista a pianista, aqu’ lo que conversaron para Marvin. algo que he trabajado con mi amiga Louisa y mi esposa durante muchos años. A veces nos quedamos o sin tiempo o sin dinero, pero es algo que hacemos cuando podemos y poco a poco ha ido agarrando forma. Space Cadet nos tomó ocho años, espero que ahora no pase tanto tiempo.

Leí que presentaste Space Cadet en vivo, cuéntame de esa experiencia…

KK: Sí, hemos tenido tres presentaciones, dos en el Museo de Arte Contemporáneo en Massachussetts, y una en el Biosphere Museum de Montreal. Mi idea era diseñar un show lo más alejado de las pistas de baile, que es a lo que estoy acostumbrado.

Así llegamos a la idea de que toda la gente estuviera acostada (mi esposa diseñó unos sillones inflables) y con audífonos. Era natural ya que la música de Space Cadet es muy tranquila, como un canción de cuna.

Por otro lado, teníamos a Travis haciendo visuales en vivo, y era casi como hacer animación en vivo. Además, yo toqué en vivo el piano y múltiples tornamesas.

Ya que estamos hablando sobre ilustración, cuéntame sobre “Music to Draw to”…

KK: Es un evento que organizamos en el invierno: todos los lunes por la noche damos chocolate caliente y un lápiz por cinco dólares. Colocamos mesas de trabajo, así que

toda la gente entra y rápidamente se ponen a trabajar. Al principio pensamos que toda la gente iba a estar platicando, pero es muy interesante que la gente enseguida se pone a dibujar. No es como un show, yo literalmente estoy escondido en una esquina scratcheando o poniendo música que me gusta y hasta comienzo a dibujar también. Es una actividad divertida apoyada por la comunidad de arte de Montreal.

Después del invierno sacarás nuevo disco, ¿cómo va el proceso?

KK: Son dos. Primero será el nuevo disco para Ninja Tune, llamado 12 Bit Blues, y también un nuevo disco Deltron 3030 con Del the Funky Homosapiens y Dan the Automator para la primavera. Poco a poco se ha ido cocinando y creemos que tiene que salir pronto… ¡ya estamos cansados de vivir con eso! (risas). ¿Cómo te sientes en esta, tu segunda vez en México?

KK: Estoy muy emocionado. La primera vez que vine estaba observando todo, siempre que voy a un nuevo país lo hago. Sentía que me limitaba un poco el idioma, ya que no hablo español, pero después del show me sorprendí mucho que el público siempre está muy efusivo. Ahora espero interactuar más con la gente, estoy muy feliz de volver a México. M

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MÚSICA::

TH

E

E L F LOW C A L L E J E R O D E P H I L LY T X T: : A L E JA N D R O G O N Z Á L E Z C A ST I L LO.

Entre Nueva York y Washington se encuentra Philly, la ciudad que alberga las instalaciones del Philadelphia High School for Creative Performing Arts, la instituci—n donde se conocieron Ahmir Khalib Thompson y Tariq Trotter. El encuentro ocurri— en 1987, y desde entonces aquel par decidi— que sus d’as ser’an ocupados haciendo mœsica; el primero tom— las baquetas y tras los tambores se hizo de una nueva personalidad: ?uestlove. Mientras tanto, el segundo adopt— el mote de Black Thought para encargarse del micr—fono. Influido por los modos de Stetsasonic, el entonces dœo decidi— manufacturar un rap construido totalmente por mœsicos en escena, es decir, con largos sampleos. Para conseguirlo, la dupla se hizo de un bajista, Leon Hubbard, y un MC m‡s: Malik B.

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LA

reputación del cuarteto pronto fue más allá del torrente del río Delaware.

De las banquetas, el grupo pasó a las tablas de los clubes locales, hasta que de pronto Filadelfia se transformó en un sitio demasiado pequeño para sus ambiciones. Con las maletas hechas para viajar a Alemania y un álbum editado por ellos mismos, Organix, que pasaba de mano en mano, las ofertas de sellos trasnacionales no tardaron a aparecer.

Quien finalmente ganó la firma fue DGC, sello que puso a la venta Do you want more?!!!??! en 1995, un álbum que llevaría al combo a presentarse en Lollapalooza. Con el boom, la banda se hizo de una reputación en el circuito de escuchas, quienes abrieron un espacio entre sus discos de NAS, De La Soul y Snoop Dog al conjunto de argumentos convincentes: “hacemos música orgánica en su estado más silvestre, sin aditivos ni preservativos”.

Rahzel The Godfather of Noyze y Scott Storch se integraron al grupo después para grabar Illadelph Halflife, un segundo intento por ganarse el foco mediático que, sin embargo, no llegaría hasta el arribo de la dupla de discos integrada por Things Fall Apart (1999) y Phrenology (2002), donde las divagaciones propias del spoken word y los bocetos instrumentales en forma de jam, finalmente se concretaron en un discurso fluido, listo para ser esparcido por la radio.

Para entonces, las bases rítmicas se anunciaban imbatibles (la producción ponía acento especial en los tambores de ?uestlove), ayudadas de la guitarra de Ben Kenney y un entramado lírico que iba más allá del flow rapero, para ceder paso a melodías vocales.

Desafortunadamente, el sello disquero no celebró del mismo modo el cambio de piel, y su relación con los de Filadelfia llegó a su fin con The Tipping Point. De tal separación surgiría Okayplayer Company y un nuevo contrato discográfico, esta vez con Def Jam, el cual ha arrojado cuatro álbumes a la fecha: Game Theory (2006), Rising Down (2008), How I Got Over (2010) y Undun (2011), que saldrá a la venta el próximo seis de diciembre.

Para The Roots, las rimas se encuentran rolando por la calle, sólo basta observar y escuchar “a la gente interactuando con el flujo del tráfico y los objetos inanimados”.

Y muy probablemente, en largas caminatas fue que se toparon con la historia de Redford Stephens (1974-1999), cuyo diálogo interno con los momentos más significativos de su propia vida conforman el eje temático del más reciente álbum del grupo: Undun.

Vale la pena aclarar que para esta ocasión, la narrativa del discurso transita

“El 90% de la mierda que se escucha en la radio o en los clubes carece de originalidad; todo es reciclado. Nadie está haciendo música original”.

-Black Thought

de modo inverso, de tal manera que el primer track del plato retrata la escena en la cual Redford se encuentra a sí mismo sin expectativas de salvación. ¿Un álbum conceptual con rutas dislocadas? Sí, ¿por qué no?. Y es el grupo quien abunda al respecto: “en este punto de nuestra carrera queríamos un trabajo con un tema unificador de cualidades experimentales”. Con la historia de Stephens, un criminal que nace limpio y muere embarrado de fango y que, además, no puede ser calificado como “héroe ni víctima”, se escucha la aproximación más descarnada que ?uestlove y el resto han hecho sobre la condición humana y, por si fuese poco, lo llevan a cabo de forma cinemática: “no queremos que nuestros discos sean escuchados como un mixtape; sino que cuenten una historia que funcione

dentro del formato de álbum y de paso sea útil a la gente”.

¿Qué puede esperarse de éste, el nuevo proyecto de tipos que durante años ha procurado darle vueltas a ese tornillo afilado llamado hip-hop? Si se atienden las palabras de despedida de su líder, Black Thought, las expectativas son altas, porque el hombre no escatima saliva si de denostar a la competencia se trata: “el 90% de la mierda que se escucha en la radio o en los clubes carece de originalidad; todo es reciclado.

Nadie está haciendo música original. Cuando escuchas algo, de inmediato sabes de dónde proviene y regularmente reconoces que la fuente original era mucho mejor que la copia. Esto significa retroceso, cuando los principios del hip-hop tratan justamente de lo contrario, de adición”. M

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MÚSICA:: Se ha repetido incontables ocasiones, pero la frase sigue sin agotarse: "el sue–o de la raz—n produce monstruos". Si pensamos en los Estados Unidos como una tierra que tuvo un sue–o de libertad y democracia, es f‡cil llegar a la conclusi—n de que tal ambici—n se torn— en una horrible pesadilla. Su "maravilloso" contrato social ten’a demasiadas l’neas peque–as que torcieron dicho pacto hasta llevarlo al delirio.

Tales desviaciones convirtieron a EU en la tierra de los asesinos seriales, de los fan‡ticos religiosos y de la clase pol’tica m‡s hip—crita.

S Y

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

PIENSO

en este contexto a propósito de una banda como The Black Keys, ya que este dúo hace una versión desmadrada, sucia y torcida del blues rock típico. No es difícil imaginarlos en el garage de la casa paterna, dándole a una música chirriante que durante los años de existencia de la banda, ha pasado del más estricto lo fi a un sonido más profesional, con mucho groove, pero sin perder el gusto por la podredumbre y los bajos fondos.

Cada vez que escucho el proyecto de Dan Auerbach y Patrick Carney, no puedo evitar acordarme de Blues Spencer Blues Explosion –una banda muy chatarrera y distorsionada también–, así como en Beck y The Blood Brothers. Quizá sólo sean asociaciones mentales estrictamente personales, pero me dan vuelta al momento de abordar las composiciones de los autores de álbumes como Attack and Release (2008) y Brothers (2010). Al editor de Marvin no le falta entusiasmo para con este dueto, al que cree poco valorado en estas tierras, aún cuando en el plano internacional goza del favor de figuras importantísimas: Robert Plant , Billy Gibbons de ZZ Top, Thom Yorke y Jonny Greenwood (Radiohead), Kirk Hammett (guitarrista de Metallica), J Mascis

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E

K

de Dinosaur Jr. y Matt Helders, baterista de Arctic Monkeys.

En fin, se trata de señalar qué elementos los distinguen del resto de la oferta musical actual. Me apoyo entonces en la siguiente idea: el lugar en que creces influye definitivamente en el modo en que interpretas las cosas (así sea para distanciarse de la tendencia imperante). Dan y Patrick son de Akron, Ohio; una ciudad que se destaca por su

historia ligada al caucho y la industria llantera.

En 1869, B.F. Goodrich comenzó allí la primera compañía de goma. Luego llegó el almacén más grande de General Tire. Con los años y la presencia de Goodyear la población se ganó a pulso el apelativo de "la capital mundial del caucho". En la actualidad, también Bridgestone se encuentra establecida allí. No se puede negar ese gran pasado manufacturero, aunque luego el mercado se desplomara.

EL

Y LUE SOL B O ID DE U R RO O E D P LA ÁS

Entonces, ¿qué tipo de personajes pueden surgir de una ciudad como esa? Descubro que Bill W, el fundador de Alcohólicos Anónimos es nativo, pero también lo son, nada menos que el cineasta Jim Jarmusch y Maynard James Keenan, quien también ama los sonidos pesados y densos.

¿Se sentirán Patrick y Dan parte de esos renglones torcidos de Dios?

Quizá. No en vano tomaron su nombre del

S

vocabulario que utilizaba uno de sus amigos que padecía esquizofrenia, y que usaba el término para todas esas personas que “no estaban bien del todo”.

Por eso se dedican al lado más ruidoso y áspero del blues, con un directo potente y despatarrado. En su carrera todo ha ido en ascenso: comenzaron con una trilogía fuerte (The Big Come Up (2002), Thickfreakness (2003) y Rubber Factory (2004)). No les fue nada

mal con la prensa, incluso fueron incluidos en uno de los recuentos de la revista Time, aunque, pese a todo, no se han convertido en un asunto de masas. Algunos medios quisieron compararlos con los White Stripes, pero ellos mismos se deslindaron de eso. Ahora su casa disquera subraya como dato importante que los produce Danger Mouse –en Attack and Release, un corte de Brothers y El camino, su más reciente producción–. El contacto con esta figura de postín llegó cuando el hombre preparaba un disco de temas nuevos de Ike Turner, malogrado por la muerte de aquella figura del soul. Aunque no conocían a la súper estrella que es Brian Burton, ni tampoco sus haceres detrás de la consola, el click se dio de inmediato, como lo cuenta Dan: “creo que tenemos mucho en común. A los dos nos gusta el sonido orgánico y crudo, las baterías funky y hacer las cosas a pelo. Incluso cuando añadimos capas de sonido con varios instrumentos, cada cosa se puede escuchar perfectamente”.

Pero aunque han formado un buen equipo, la premisa fue que su séptimo LP, El camino (Nonesuch Recordings) se distanciara del sonido habitual para llegar a otra parte.

Sin dejar de lado a su amado blues y habiendo pasado por un rock bien ponchado, ahora se arriman a un psychobilly que revela su filiación con The Cramps, aunque ellos cuenten que también pensaron en The Clash mientras componían: “las nuevas canciones son las más rápidas que hemos tocado. El disco no tiene esa vibra abierta de soul del anterior. Es más acelerado y los tempos son más rápidos”.

Hicieron un clip promocional (protagonizado por Bob Odenkirk) en el que un vendedor de autos anticipa la llegada del disco; mientras “Lonely Boy” –el primer sencillo– se deja sentir con un groove fiestero que pasa por los Rolling Stones, Primal Scream y llega hasta aquí, no en vano, un negrillo baila como poseso en el video. La llegada de El camino es inminente –aparecerá casi con el mes de las posadas–, pero mientras lo hace, Auerbach adelanta que “Little Black Submarines” es una canción que “empieza con una guitarra acústica y voces, y termina sonando como Black Sabbath”.

The Black Keys no son un dueto ordinario: no les gustan los convencionalismos, pero ello no les impide conocer bien su origen y esencia: “seguimos viviendo en un pueblo pequeño y nos sentimos una banda underground, débil en cierto modo.

Cada día es distinto, pero hay cosas que no cambian y por eso hay que trabajar duro, un poco más que otros. Creo que ya hemos ganando algo más de respeto”. M

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MÚSICA::

DE O S E R G E EL R

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L

ERSA V R E P A R A TERNU

Cuando volteamos a la d cada de los ochenta y nos detenemos en, por ejemplo, la concurrida Sunset Strip de Los Angeles, puede aparecer en algœn rinc—n de la memoria colectiva el movimiento de metal pop que abanderaron bandas como Mštley CrŸe, Ratt, y toda la serie rocker que endulzaba al metal con excesos de maquillaje y toneladas de spray para pelo.

T X T : : M A R C O A N T O N I O PAT I Ñ O .

PERO

si escudriñamos en lo que sucedía en el subterráneo angelino en esos años –hijos del naciente MTV–, aparecerá el movimiento Paisley Underground de California, que se conformó con bandas de espíritus musicales distintos, pero unidas por un lazo de amistad. De aquí, la única banda que logró cierta fama comercial fueron las Bangles. Su sencillo “Manic Monday” fue escrito por Prince, uno de los músicos que se dejaron influenciar por esta movida de la costa oeste.

Otro grupo que se reconoce como parte de este movimiento fue Rain Parade, que en cambio reflejó su éxito en la radio colegial y su vocalista y guitarrista, David Roback, tuvo la misma suerte con su siguiente banda, Opal –que formó con Kendra Smith– quien decidió abandonarlo en la gira europea en 1987. Su reemplazo consistió en una joven angelina de origen mexicano: Hope Sandoval. Entonces, Opal se convirtió a la postre en Mazzy Star.

LA LENTITUD ES LA NUEVA ESTRELLA

Cuando aparecen sonidos de bandas como Beach House, Dum Dum Girls e incluso los provenientes desde la belleza de Lana del Rey, el espíritu sonoro de Mazzy Star deambula por el nuevo siglo, a pesar de que su aparente último álbum salió en 1996, y de que su presentación en vivo más reciente data de 2003. Lento, es siempre mejor, parece ser siempre su premisa.

Desde su álbum debut She Hangs Brightly, el sonido de Mazzy Star luce intacto; la guitarra de David Roback

acompaña a la enigmática Hope Sandoval, quien logra seducirnos, siempre, de modo implacable con psicodelia endulzada y folk con gotas extras de melancolía. Así llegó, en 1993, So Tonight I Might See, que nos guiaba por una carretera eterna hacia la nostalgia, y que brillaba con extrañeza en las listas de popularidad; el sencillo “Fade into You”, musicalizaba a una generación que sobrevivía rumbo al futuro, a los 120 minutos dominicales de MTV.

En 1996, la producción discográfica de Mazzy Star pareció detenerse repentinamente con Among my Swan. Años más tarde, la aparición de Hope Sandoval and the Warm Inventions con el estupendo Bavarian Fruit Bread, una gira y dos EP’s, además de las magníficas colaboraciones de Sandoval con The Jesus and Mary Chain, Chemical Brothers, Air o Death in Vegas, entre otros, parecían confirmar que el viaje de Mazzy Star había terminado.

Pero dos nuevos fantasmas en el camino nos recuerdan que nunca hay prisa, que el tiempo es relativo: “Common Burn” y “Lay Myself Down”, dos nuevas canciones, que pueden encontrarse ya en versión digital, pero que se editan también en versión de vinil de color y anuncian la llegada de un nuevo disco en el 2012 (que todavía no tiene título) y de una gira que, podemos apostar, llegará a varios de los grandes festivales. Esperemos confiados que la belleza del sinuoso sonido de Mazzy Star nos alcance tarde o temprano, así se desplace a una velocidad mínima. La lentitud también rinde buenos dividendos. M

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MÚSICA::

Pocos

LA E

ANGUSTIA

IL

saben del pasado de esta chaparrita que ahora es consentida de hipsters, fresas, melómanos y hasta mirreyes, gracias a aquel comercial de la manzana en el que usaron su canción "1, 2, 3, 4". Antes de ese salto, Feist había editado dos álbumes llenos de canciones memorables: Monarch -Lay Your Jewelled Head Down- (independiente, 1999) y Let it Die (EMI, 2004). Si nos vamos aún más atrás, veremos que Feist empezó su carrera musical en una banda de punk rock; pero cazar una imagen de la bella y dulce Feist armando el mosh-pit es complicado, aunque si tomamos en cuenta lo que ella nos contó acerca de la música que escucha –y en su caso, la que hace– y cómo ésta funge como soundtrack de su vida, entonces quizá todo tenga sentido.

Hace unas semanas platicamos brevemente con Feist sobre su próxima visita a la Ciudad de México; al momento de la entrevista no habían salido a la venta los boletos y Feist no tenía idea de que sus dos primeras fechas estarían sold-out en cuestión de días. Hablamos sobre cine silente, acerca del soundtrack que cada uno hacemos a la película de nuestras vidas, sobre el documental Look What The Light Did y el porqué ahora sus canciones dejaron la distorsión y la furia del punk para convertirse en pop orquestal de proporciones divinas.

N E V JU

D

A LA MADUREZ ORQUESTAL T X T : : D A N I E L PAT L Á N F O T : : A R T S & C R A F T S M É X I C O .

En alguna entrevista que The Mars Volta dio, Omar y Cedric dijeron que el verdadero significado de ser punk era ser humilde y sencillo. Partiendo de este punto, Leslie Feist sigue siendo fiel a sus ideales punk, y con gran sencillez y humildad platic— con nosotros, al grado de que nos agradeci— por prestarle parte de nuestro tiempo para que ella pudiera hablar sobre su mœsica.

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Después de cinco álbumes y una gran cantidad de tours y singles, ¿quién es Feist en este momento de tu vida?

Feist: ¡Buena pregunta! No estoy segura (risas), soy una amalgama de esos álbumes y todos esos tours, de muchos años de prueba y error. Ahora soy mucho más consciente de mí misma como nunca lo había estado, sobre todo en un nivel musical, con lo que hago como cantante y como músico. Me siento más "yo".

Metals (Universal, 2011) podría ser el soundtrack de una película celestial que hablara sobre “el cielo” o “la muerte”; tiene arreglos orquestales de proporciones épicas, montones de melodías y mucha pasión, ¿cuál es la historia detrás de este álbum?

F: Es la primera vez que escribo todo un álbum al mismo tiempo, empecé el proceso en agosto del año pasado y lo terminé de escribir en noviembre. Este álbum está muy influenciado por el hecho de haberse escrito en un periodo muy corto de tiempo.

Antes solía escribir durante la gira o durante varios años, en este caso fue al revés. Metals lo escribí en un periodo de tiempo en el que

tenía todo el tiempo disponible para hacerlo, había dejado de tourear y sólo me dediqué a componer. Creo que fue como un flashazo o como una chispa, todo fue muy rápido.

Cuéntanos un poco cómo fue tener cámaras filmando el proceso de tu álbum anterior The Reminder (Arts & Crafts, 2007), lo que dio como resultado el documental Look What The Light Did, ¿afectó de alguna manera el proceso o fueron simplemente unas cámaras filmando?

F: Es algo chistoso y tramposo (risas), realmente tuvimos cámaras en el estudio como dos o tres días, y durante un par de semanas en el tour. Después de eso se dedicaron a compilar las entrevistas.

Realmente el documental se filmó al revés: de atrás para adelante. Así que las cámaras no afectaron mucho el proceso, ya que no estuvieron en el estudio tanto tiempo como pareciera en el documental (risas).

Tú comenzaste en la música con un grupo de punk rock y ahora haces canciones de pop orquestal, ¿cuáles han sido los acontecimientos más importantes en tu vida que te llevaron a este cambio?

F: La gente generalmente escucha música con la que se identifica, según la etapa o las cosas que están viviendo en su vida, y en ese preciso momento ello conforma el soundtrack para la película de tu vida. Cuando haces música es lo mismo, escribes música que sirve como soundtrack de lo que estás viviendo. Cuando tenía 16 años, el punk hardcore era exactamente el soundtrack que necesitaba. Ahora soy mucho más compleja, soy un adulto y a veces soy un poco naive también. Conforme vas creciendo te das cuenta de que algunas cosas son más sencillas de lo que pensabas cuando eras joven (risas). La música que hago es un reflejo de la película de mi vida en estos momentos.

estará el nombre (risas), pero seguramente está muerto.

de poder traer a su banda, ya que ellos nunca han estado en esta ciudad:

Al momento de despedirnos, Feist nos pide que invitemos a nuestros amigos a los shows, que serán en un lugar muy pequeño e íntimo (las presentaciones serán en el exótico Teatro Fru-Fru). Dice también que es un experimento que ella nunca ha hecho, por lo cual se siente muy emocionada. Además, declara que está perdidamente enamorada de la Ciudad de México –a pesar de que sólo ha estado aquí tres veces–, siente que es un lugar increíble y está muy contenta de terminar su gira aquí,

“La gente de Arts & Crafts México me ha hecho entender el poder que representa la Ciudad de México, me emociona mucho ir a tocar cuatro noches en un sólo lugar, es algo que nunca he hecho y espero que salga bien, a ver qué pasa”.

Respira profundo Leslie, tus primeros dos shows están completamente sold-out, y estamos seguros de que los demás estarán igual. M

F E I S T E N E L A P OC A L I P S I S Sé que puede sonar un poco loco lo que voy a decir, pero no creo tener un estéreo en mi casa en esos momentos, me gustaría escuchar lo que está pasando a mi alrededor, y tratar de entender por qué el mundo se está terminando. Probablemente esté más interesada en lograr una conexión con la gente que esté conmigo en ese cuarto, que tratar de salirme de mí escuchando algún tema musical. Además, puede ser bastante orquestal escuchar y ver cómo se está terminando el mundo… ese sería un tipo de soundtrack en sí mismo.

Si Feist fuera un filme, ¿quién sería el director?

F: Oh, muy buena pregunta, me pusiste a pensar (risas). Creo que la respuesta es… estoy tratando de recordar el nombre, tengo un problema de memoria (risas). Acabo de ver una de las primeras películas que se hicieron en la historia del cine y claro, no recuerdo el nombre del director, pero es básicamente una película silente de los 20, en blanco y negro, de cuando las películas eran muy rápidas, llenas de simbolismo y la actuación era buenísima. No recuerdo el nombre del director. De cualquier manera, si puedes buscar a los directores de cine silente ahí

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S O U N DT R AC K MÚSICA::

is s p i l a c o p A l e imaginario d

Imaginar el fin del mundo es un ejercicio inherente a la condici—n humana, y aunque no sabemos c—mo ser‡ ni cu‡ndo llegar‡, al menos podemos elegir una canci—n para esperar el Apocalipsis. Le preguntamos a varios mœsicos qu rola elegir’an para ello... te presentamos un soundtrack de alcances apocal’pticos.

voz y guitarra "Wade in the Water" The Golden Gate Quartet Me gustaría recibir el fin del mundo con un gospel, la versión de Golden Gate Quarter se me hace apropiada.

KID KOALA pianista y DJ “Cabaret” Louis Armstrong Si nos vamos, es mejor que nos vayamos sonriendo.

Claudio Valenzuela

voz y guitarra de Lucybell “Misa de Réquiem” Mozart Creo que el fin del mundo no será rápido. “El Réquiem” es una de las obras musicales más conmovedoras que existen, sería muy apropiado para el fin del mundo.

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Joe Volume

Camilo Castaldi “Tea Time”

voz Los Tetas/Funkattack/ Criminal Jazz "My Way" Criminal Jazz El ambiente y la melodía me remontan a cómo desvanecería la tierra. Es como si la mano de la muerte fuera una suave seda que me encamina al principio de todo, como si el fin y el principio se entremezclaran poniendo en duda la verdadera forma de la existencia.

Claudio Pérez

voz de Radio Kaos y Botas Negras "Gracias a la vida” Violeta Parra No me puedo imaginar cómo será el Apocalipsis, puede ser el final de una pesadilla para entrar a un mundo nuevo, o en su defecto, como una película de Hollywood donde todo es un caos terrible.

Sólo quisiera darle las gracias a Dios por la vida.

Juan Cirerol

voz y guitarra “Where Do My Bluebird Fly” The Tallest Man on Earth Supongo que en el fin del mundo escucharía esto o algo de Iggy Pop.

Arturo Tranquilino

voz y guitarra de Yokozuna “Say Hello to Heaven” Temple of the Dog Fue la primera canción que me aprendí completa en guitarra y la última que quiero escuchar.

Esta maravilla interpretada por la legendaria all star band del grunge, no es una canción de despedida, es una canción de bienvenida a un lugar mejor.

Sergio Arau

voz y guitarra de Botellita de Jerez "Me siento bien pero me siento mal" Jaime López Es la rola especial para recibir el Apocalipsis, pero interpretada por Cecilia Toussaint. Me parece la rola más simple y la más profunda al mismo tiempo, ¡la más chida pues!

Daniel Zlotnik

saxofonista de Los Dorados “Black Rainbow” St. Vincent Tiene la vibra de un fin del mundo y el principio de uno, a la vez.

Markus Acher

Hugo García Michel

músico y periodista "Days" The Kinks Porque es la mejor manera de dar las gracias por haber vivido.

Uili Damage

voz y guitarra de Los Esquizitos “Where is my Mind” Pixies Este mundo ha sido prestado al hombre por demasiado tiempo ya.

Para lo único que Dios nos regalo la inteligencia, es para podernos asombrar de lo riata que está todo lo demás, y por generaciones se nos ha educado a ignorarlo todo. Un final feliz tendría que ser ambientado con una rola así de épica (no con clones como Arcade Fire, The Naked and Famous, Joy Formidable). Pixies tuvo la mezcla perfecta y Fincher el…

Alex Otaola

guitarra de Santa Sabina, La Barranca y San Pascualito Rey “Köln Concert” Keith Jarrett Al ser una improvisación que un músico se 'sacó de la manga' un día de su vida, representa la musicalidad más pura a la que podría aspirar una persona. Con saber que un ser humano pudo hacer algo así, ya nos podemos ir tranquilos.

Sandra Michel

voz y guitarra de Descartes a Kant “El fin del mundo” Gloria Trevi La rola dice todo no lo puedo explicar.

Rob Bloomfield

Baterista de Does It Offend You, Yeah?

"I Only Have Eyes for You" Frank Sinatra Es la canción más hermosa jamás escrita y me gustaría irme con esa melodía.

Tyondai Braxton

Sebastián Samaniego

Pascual Reyes

voz y guitarra de San Pascualito Rey “Watermelon in Easter Hay” Frank Zappa Siempre he querido que esta rola sea la que suene en mi funeral... si va a llegar el 2012, a darnos en la madre sin previo aviso. ¡Que suene ésta canción mientras todo se desmorona!

voz y guitarra de The Notwist “Orphan Gilr” Gillian Welch Es una canción sobre muerte y fe. Es una pieza genial, ya que es muy triste pero esperanzadora.

Habla de no temer a la muerte con un estilo muy típico de gospel. La persona que canta la canción cree en Dios, lo cual para mí despierta sensaciones fuertes. Yo no creo en Dios –pero a momentos me gustaría– y aún así esta canción me da la sensación de no tener miedo.

voz en The Hong Kong Blood Opera “3,000 Light Years By The Way of the Spacehawk” An Albatross An Albatross combina el hardcore con la psicodelia. Siendo una rola épica de seis minutos que combina géneros inverosímiles, es perfecta para un suceso inverosímil como el fin del mundo. Comienza tranquila, se toma su tiempo y de pronto se convierte en caos, y así me imagino un Apocalipsis.

Músico y compositor “La Mer” Debussy ¡Wow! He estado muy metido en la música de orquesta en los últimos años, hay una pieza que me parece bellísima. Es un tema de Debussy, él los llama sketches orquestales, "La Mer". Es una pieza hermosa, me encantaría morir con esa pieza, ¿a ustedes no?

Paul Collins

Bajista de Beirut "Dayton, Ohio" Randy Newman Es una canción sobre partidas. Es una canción que mi padre amaba y solamente es Randy en su piano.

Es una canción muy nostálgica que habla sobre lo que para él sería un mundo perfecto. Y para él es un pequeño pueblo en Ohio (risas). Puede que no sea la mejor canción escrita en la historia pero sin duda es la canción que refleja toda la historia de mi vida

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D I S C O S

MÚSICA::

Sabemos que el a–o todav’a no termina, pero con eso del fin del mundo, nos apuramos antes de que el Apocalipsis nos alcance. Por ello, les presentamos lo que a juicio de nuestros colaboradores son los mejores discos del a–o.

Para hacer las cosas de manera democr‡tica, cada uno envi— su top ten, y con ello elaboramos esta pir‡mide donde escalonamos los discos a partir de la cantidad de votos que cada uno tuvo. Adem‡s, en la columna derecha les presentamos los discos por los que ustedes votaron en nuestro sitio www.marvin.com.mx

The Horrors Terrícolas Imbéciles

Gloss Drop

James Blake

Let England Shake

Biophilia

Bad as Me

Hardcore will Never Die, But You Will

The Whole Love

Blood Pressures

Pj Harvey Island Records, Universal

Bon Iver

Bon Iver Jagjaguwar, 4AD

1

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Wilco Decibels per Minute

2

Skying

Björk One Little Indian, Universal

The Kills Domino Records

3

Battles Warp Records

Tom Waits ANTI

Smoke Ring For My Halo

Kurt Vile Matador Records

4

James Blake Atlas

Mogwai Matador Records, Arts & Crafts México

Hurry Up, We're Dreaming M83 Näive

d e l

a ñ o

LOS MEJORES DISCOS SEGÚN TÚ INTERNACIONALES Angles The Strokes Sony BMG

Angles

The Strokes Sony BMG

Strange Mercy St. Vincent 4AD

Circuital

My Morning Jacket ATO

Go Tell Fire to the Mountain Wu lyf LYF Records

Strange Mercy

Girls Arts & Crafts México

Metals Feist Universal

The King of Limbs Radiohead

Pala Friendly Fires Terrícolas Imbéciles

St. Vicent 4AD

Father, Son, Holy Ghost

In The Grace Of Your love The Rapture DFA Records, Universal

The King Of Limbs Radiohead

Timber Timbre Creep On Creepin' On Arts & Crafts México

Skying The Horrors Terrícolas Imbéciles

NACIONALES Diamantes Columpio Asesino Terrícolas Imbéciles

Bella Época Torreblanca Arts & Crafts México

Helplessness In The Grace Degeneration Slave Blues Of Your Love Street Ambient Fleet Foxes Arts & Crafts México

The Rapture DFA Records, Universal

The Dears Arts & Crafts México

5

The War on Drugs Secretly Canadian

Sistema Solar Disco Ruido EMI

Valiente San Pascualito Rey Terrícolas Imbéciles

Futura Vía Bam Bam Arts & Crafts México

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CONCIERTOS:: Beady Eye

Interpol

A T E N A L P

1 1 0 2

Broken Social Scene

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Gang Gang Dance

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White Lies

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Bombay Bicycle Club

Goldfrapp

Toro y Moi

Una

hilera de motociclistas acaba de rebasar el taxi que nos conduce del aeropuerto al hotel. Dos minutos más tarde pasa lo mismo, y en diez minutos la experiencia ya se adivinaba eterna. Me habían dicho que Sao Paolo era como el DF sudamericano, y en cierto sentido lo es, con la diferencia de que en aquella ciudad de rascacielos infinitos y precios exorbitantes, la riqueza no se distribuye de manera tan injusta: el trabajo de Lula es palpable por todos lados y rebasa el de cualquier gobierno mexicano; al menos la desigualdad parece desvanecida en esa ciudad orgullosamente nacionalista y empresarial.

Pero estamos aquí para hablar de música, específicamente del Planeta Terra 2011, un festival organizado por cinco años consecutivos con notables aciertos, el primero de ellos, hacerlo en el Parque de atracciones de Sao Paolo Playcenter.

Por otra parte, mientras en México ya nos mal acostumbraron a que sólo las bandas principales tengan un audio decente (y eso, si bien nos va), Terra no escatimó en producción y todas las bandas fueron tratadas con el debido respeto y profesionalismo. Y aquí vale hacer la primera distinción: Terra no busca abarrotar el festival sólo para engordarse la cartera (el cupo fue de 20,000 personas), The Strokes

sino que la transmisión en línea les reditúe en clicks para convertirse en una plataforma de conciertos transmitidos en tiempo real, y lo lograron: este año batieron récord con 4,6 millones de eternautas caseros. Y no es que esté mal ganar dinero con los festivales, por el contrario, es lógico que el objetivo sea lucrar, pero no a costa de que quienes paguen su boleto terminen defraudados.

En el caso de Terra, la preocupación por ofrecer una experiencia de primer nivel es palpable; no importa qué tan lejos del escenario quieras estar, tanto el sonido como las enormes pantallas garantizan apreciar al 100% todos los actos, pero sin empujones o pisotones incluidos, o de hacer cola durante media hora para comprar una chela o entrar al baño.

Quizá lo único extraño fue la relativa apatía del público brasileño: no importó que White Lies, Beady Eye, Interpol, Goldfrapp, Gang Gang Dance, Bombay Bicycle Club, Broken Social Scene o Toro Y Moi dieran lo máximo en los dos escenarios, la gente los disfrutaba con la energía contenida, pues todo mundo esperaba ansiosamente a The Strokes, y fue hasta que los chicos ricos de Nueva York tomaron el escenario que el público se volvió loco. La strokemanía coronó un festival que ya se antoja repetible, y que para el siguiente año promete un cartel sin precedentes. M

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DEFONDO::

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Otra cosa que podremos tener por cierta al respecto del Apocalipsis, además de recordar entre aturdidos y maravillados el boletín que le fue revelado a un individuo de nombre Juan (no confundir con el apóstol) en la Isla de Patmos hace más o menos dos mil años, es que en un país como el nuestro la hecatombe ya ha tenido lugar, lo que reafirmaría una de las profecías más lúcidas del evangelista Carlos Monsiváis (aunque no sean pocos los que disientan del protestante).

TXT: : R A FA E L TORI Z .

ILU ST:: V ICTORIA KA RM IN .

El mar estaba cubierto por una densa faja de nubes negras.

Parecía conducir directamente al corazón de las tinieblas Joseph Conrad

Y

es que nuestra circunstancia actual coincide con la exactitud de una sombra –sólo en el plano de la alegoría, nunca en el alto patetismo e iracunda belleza que contiene el Grand finale de la Biblia– con las desgracias que habrían de acaecer sobre los hombres: muerte, hambre, enfermedad y malevolencia. Entre nosotros, el llamado libro de las revelaciones tiene la misma vigencia que el noticiero vespertino. Para muestra unas heridas: “Y sus cadáveres quedarán expuestos a las miradas de los hombres de todos los pueblos, razas, lenguas y naciones”; “adoraron al monstruo porque había entregado el imperio a la bestia y también adoraron a la bestia”; “el tercer ángel vació su copa sobre los ríos y las fuentes, que se convirtieron en sangre”; “la ciudad grande se partió en tres pedazos, mientras se derrumbaban las ciudades de las naciones”.

No deja de sorprender que un presidente como el nuestro, tan consecuente con la voluntad de la iglesia y practicante del catolicismo más estólido, no repare en las semejanzas de escenografía entre el apocalipsis y el país que (des)gobierna. En una de tantas madrugadas de insomnio, abatido por el desconsuelo, he llegado a pensar que el michoacano es una suerte de Leprechaun, duende malvado que cumple los designios de una entidad oscura, a la manera de Saurón, gobernando desde las tinieblas.

Lo que es indudable, y aquí habría que corregirle la plana Monsiñor, es que la realidad nacional, en la mayor parte de este sexenio, no es tanto lo que quedó después del día de mañana (sus ruinas y derrelictos) sino el clímax, ese instante de máximo patetismo en el que se libran las batallas más sangrientas y la desesperanza corroe el país como un cáncer fulminante.

Siempre es aventurado y hasta impertinente ofrecer predicciones y toda suerte de auspicios, sin embargo no hay que ser muy avispado para comprender que, de seguir por este camino, lo único que resta es la extinción de los mexicanos.

Por ahora, para nuestro pesar, no se vislumbran horizontes promisorios ni parece que esté pronta a terminar la noche. Por el contrario, si algo podemos suscribir amargamente son las palabras del libro revelado, que ejemplifica perfectamente el temple de nuestras autoridades y criminales, a menudo indistinguibles: “no se arrepintieron de sus crímenes, ni de sus brujerías, ni de su inmoralidad sexual, ni de sus robos”.

APOCALIPSTICK

El apocalipsis es una estación de paso Monsiváis

“Se informa a los habitantes del planeta Tierra: a consecuencia del cambio climático muy pronto se iniciará el conteo regresivo y la humanidad entrará en su fase terminal. Sin embargo, y por fortuna, en vísperas de la catástrofe les ofrecemos la gran oportunidad: el lipstick que hará que se enamoren del color como casi nunca lo hubiera visto, un color incendiario por sus pigmentos puros y con la sensación cremosa que deja su néctar de miel nutritivo. ¿Qué más quieren? Y todo esto a unas horas de que la humanidad se desvanezca. Acudan al fin de la especie con labios flamígeros, los propios del beso de la despedida".

Estas palabras, que a primera vista pudieran parecer fortuitas y sazonadas en un estilo bastante conocido, no dejan de provocar e imponerse con la consistencia de un clásico (en algo parecidas, por decir algo, a cuando comemos mole). Empero, manifiestan una legítima opción que no podía escapársele al cronista, tan atento al ingenio civil y los milagros municipales. Me parece que alcanzo a atisbar la moraleja (o cuando menos a sugerirla): puesto que no dejará de cargarnos la chingada –y no parece probable que otra cosa suceda– al menos podemos ponernos colerete y agarrarnos a besos con el frenesí de los calientes, los desesperados y los nerviosos, esa volición que suele campear entre quinceañeras, marineros y gente de teatro.

Se trata de gozar porque el mundo se va a acabar; de llevar la revolución de alegría hasta sus últimas consecuencias puesto que la vida pasa de prisa y por eso mismo no vale la pena dejar para mañana lo que pudimos vivir hoy. Entiendo que este diálogo dionisíaco resulte un cliché demasiado manido, pero en atención a la verdad, y dadas las inclemencias del tiempo, lo veo como una apuesta simbólica y hasta política para no perecer de sentimiento.

Hace ya algunos años hice un viaje a Medellín, Colombia, que me cambió la vida. Siempre he sido una persona inquieta y trasnochadora pero definitivamente no me encontraba preparado para la potencia de una región que, pese a múltiples embates, conserva intacta la alegría. La persona más animada que conocí era un narrador que trabaja como sepulturero por las mañanas, escribía por las tardes y daba clases de Antropología de la muerte a universitarios por las noches.

En aquel entonces no pude verbalizar lo que veía –todo era una cascada de sensaciones nuevas y contradictorias, desopilantes y atípicas– pero luego de un tiempo entendí que se trataba de la vida de una sociedad en guerra que parece que no está en guerra. La gente caminaba, compraba, iba a la escuela, a los cafés, sonreía, bailaba y paseaba por las calles, pero una tensión sesgada –como ese miedo helado que para instalarse sólo necesita un grito– una mirada que se revela plenamente cuando un militar golpea a un inocente, explotaba con la furia de una ráfaga, haciendo sentir el peso fatal de la violencia, pero dejando lugar a la certeza de que es posible vivir pese al conflicto.

En una escena absolutamente memorable de ese instante de occidente que es Apocalypse Now, Kurtz sostiene, para estremecimiento de la tierra: “he visto horrores que no has visto nunca, pero no tienes derecho a llamarme asesino. Puedes matarme, pero no tienes derecho a juzgarme.

Es imposible para las palabras describir lo esencial para aquellos que no saben lo que el horror significa. El horror tiene un rostro… y debes hacerte amigo del horror”.

Desde luego, no se trata de resignarnos ante el espanto (eso es algo que no debemos ni podremos hacer), sino de pararnos ante él de otra manera, bajo otra perspectiva. Se trata de apostar, precisamente porque resulta imposible, por la alegría, ensayando una mueca no histérica ni enajenada ante la injusticia y el naufragio. Se trata de inventar una salida.

Probablemente, por un tiempo, nos siga llevando el carajo. Por eso mismo, con la sabiduría de los antiguos, al menos cantos, al menos flores. M

DEFONDO::

( o p o r q u é t o d o se v a i r a la mie r da ) T X T : : J imena G ó me z .

El término escatología viene de la palabra griega éskhatos, que quiere decir último, de manera que esta se refiere al estudio teológico y filosófico de las últimas cosas. Desde que el hombre habita en la tierra, ha dedicado mucho tiempo y esfuerzo a reflexionar sobre las circunstancias del final de la humanidad, sobre los eventos finales de la vida y de la historia.

Esta obsesión por predecir el más sombrío de los futuros, no

es sólo un testimonio de lo “emo” que es la raza humana, sino también de nuestra constante necesidad de controlar nuestro contexto, al punto de predecir que nuestro fin vendrá con batallas épicas de dragones y demonios, pestes o extraterrestres, en lugar de resignarnos simplemente a la idea de que no sabemos a ciencia cierta cómo vamos a morir. Pero como lo que no se sabe se inventa, he recopilado una breve –e incompletísima– lista de algunas de las teorías (clásicas y modernas) de nuestro fin. Una agradable lectura navideña, sin duda.

EL APOCALIPSIS SEGÚN JUAN

¿Cómo?

En el último libro del Nuevo Testamento, se habla del Apocalipsis, una sucesión de eventos que llevan al fin del mundo como lo conocemos. Cuatro

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jinetes, cada uno montado en un caballo de distinto color, traerá al hombre distintas plagas (victoria, guerra, hambre y muerte); después llegará el día del Juicio Final y habrá una batalla entre las fuerzas del bien y el mal, en la cual el Anticristo caminará sobre la Tierra y eventualmente se creará la Nueva Jerusalén. ¿Qué tan probable es?

Las señales del inicio del Apocalipsis, principalmente la de los jinetes, son bastantes precisas; el mundo ya está sumergido en la guerra, pobreza, muerte y enfermedad, de modo que la única manera de percatarnos de que el fin del mundo viene sería –literalmente– ver a los caballos trotar… todo lo demás ya está en su lugar. ¿Qué tan improbable es?

La Biblia señala que esto ocurrirá cuando nadie lo espere… así que mientras sigamos pensando en ello, menos probable será.

El final Musulmán

¿Cómo?

Según el Islam, el final tiene muchas señales –algunas mayores y otras menores–, y entre ellas se destaca el regreso del profeta Muhammad, quien a su vez dio a conocer algunas señales que hay que esperar: “cuando la honestidad se acabe, cuando se les dé la autoridad a aquellos que no la merecen, entonces espera el día del Juicio Final” dijo Muhammad a Abu Hurairah. En otra narración, Muhammad advierte más eventos: cuando el esclavo sea patrón, cuando el consumo de alcohol y la fornicación aumente muchísimo, cuando dos países se peleen y maten ambos reclamando la misma causa; en el momento en que la población de mujeres aumente, mientras que la de hombres diminuya, cuando el hombre más perverso

de la tribu se vuelva líder, y el hombre sea respetado a través del miedo y del mal que haga, y todo el liderazgo le pertenezca a la gente que no lo merece, cuando llegue Dajjal (el Anticristo) y tres lugares en el mundo se hundan y sean tragados por la tierra –uno en el oriente, otro en el poniente y otro en la península arábica–, entonces llegará el día del Juicio Final. ¿Qué tan probable es?

Bastante, y es que además de dar signos precisos del Apocalipsis, Muhammad también tuvo la prudencia de no dar fechas –sean siglos o milenios–, sólo una larga lista de señales que pueden o no seguir un orden, y pueden o no presentarse todas juntas. Además, sobra decir que actualmente fornicamos y bebemos mucho, y a reserva de lo que diga el último censo, da la impresión de haber más mujeres. En resumen, no es mal momento para darle una leidita al Corán. ¿Qué tan improbable es?

Bastante, ya que varios de los eventos que tendrían que suceder, ya han ocurrido y el mundo sigue. Otros –como el hundimiento de regiones– podrían tardar millones de años en pasar, y quizá para ese momento, otra profecía de fin del mundo –a más corto plazo– ya se haya cumplido; como la de los Mayas.

El 2012 según los Mayas

¿Cómo?

Hace más de 3,000 años la avanzada civilización Maya creó varios calendarios, cada uno con un propósito en específico; el Tzolkin para calcular los tiempos de cultivos, el Haab sigue los ciclos del Sol, y la Larga Cuenta lleva el conteo del Gran Ciclo, que es aproximadamente 512,536 años. Este ciclo acaba el primero de diciembre del 2012, además, esta fecha coincide con el solsticio de invierno, cuando el Sol se alineará con el centro de la galaxia llamada la Vía Láctea. Según algunos estudiosos, cuando esto pase los polos de la Tierra se invertirán y el planeta se verá azotado por desastres naturales de todo tipo, hasta llegar a un punto de devastación que acabe con la Tierra. ¿Qué tan probable es?

Los calendarios Mayas son reconocidos por su precisión y por calcular y dividir el paso del tiempo en maneras claras y útiles. Por estas razones, se desconfía poco de sus cuentas. ¿Qué tan improbable es?

Muy improbable, muchos estudiosos señalan que el fin de la Larga Cuenta sólo significa el inicio de otro Gran Ciclo, no del tiempo en sí. De este modo, existe la posibilidad de que los Mayas hayan tenido en mente varios ciclos de tiempo, uno sucesivo a otro. Respecto al cambio en los polos, no hay evidencia científica que respalde esta parte de la teoría, ya que estrictamente hablando, este hecho sólo significa que la Tierra estará a gran distancia del Sol.

El final cibernético

¿Cómo?

En los noventa, cuando Internet era el Dios y todos nos haríamos millonarios con él, un grupo de entusiastas programadores crearon Webbot, un software que permitía analizar patrones del flujo de información de Internet y hacer predicciones para la bolsa de valores. Hasta ahí todo bien, pero en el 2001 nació la idea de que si este programa podía predecir este tipo de eventos, también podría predecir el fin de los fines. Una de sus predicciones anticipaba la llegada de guerras nucleares, que desatarían una serie de eventos para destruir el mundo en algún momento del año 2012. ¡Tun tun tuuun! ¿Qué tan probable es?

A Web-bot se le atribuye la correcta predicción del Huracán Katrina y la caída de las Torres Gemelas. ¿Qué tan improbable es?

La manera en que Web-bot funciona, limita mucho su capacidad de predecir el futuro, y es que este programa analiza los temas, palabras y números discutidos en Internet, de modo que si un número lo suficientemente grande de

personas habla de un evento en particular, Web-bot lo tomará como cierto. Es el equivalente de querer predecir el fin del mundo utilizando los TT de Twitter.

El fin según Nostradamus

¿Cómo?

Pocas figuras tienen tanto street cred en el mundo de las profecías como Nostradamus, mucho se ha hablado de su predicciones, aciertos y desaciertos, y todos la hemos pasado de lo lindo estudiando sus teorías. Pero Nostradamus está muerto y ya no puede hacer más profecías para nuestro gozo… ¿o sí? En 1982 se publicó un manuscrito de su autoría encontrado en Roma. Su tema central es la intersección de la Divina Cruz –una imagen conformada por los ángulos de nuestro centro galáctico y el ecuador celestial–, y la Cruz Terrenal –los ángulos que crean nuestros equinoccios y solsticios–. Este cruce sólo sucede cada 13,000 años, más o menos, y supuestamente ocurrirá en el 2012. Dentro de su predicción nos encontramos que el fin del mundo puede acontecer en algún momento entre 1992 y 2012, primero habrá tres eclipses solares –seguido por uno lunar–, y eventualmente el mundo llegará a su fatal destrucción por medio de una inundación enorme. ¿Qué tan probable es?

Nostradamus se ha hecho de bastante fama prediciendo eventos como la bomba atómica o la Segunda Guerra Mundial, sin embargo, dentro de sus predicciones tiene una larga lista de errores. ¿Qué tan improbable es?

Entre el 2007 y 2008, hubo tres eclipses solares y uno lunar, y sin embargo, el mundo no se ha acabado. Además, hace falta señalar que este “nuevo” manuscrito no ha sido autentificado, y en el momento de su “descubrimiento” estaba tan dañado que fue necesario hacer una copia para tratar de recrear el contenido del “original”. En resumen: hay demasiadas comillas en este párrafo como para tomarse en serio esta teoría.

El fin del mundo según Camping

¿Cómo?

El pasado 21 de mayo, fue un día de incomparable relevancia para la humanidad. Por un lado estaba la teoría de que el mundo iba a acabar, y por otro, el festival por el 10 aniversario de Marvin tomaba lugar. De la mente del ex ingeniero Harold Camping, nació la teoría de que la fecha y hora exacta del Apocalipsis sería el sábado 21 de mayo del 2011 a las 18:00 hrs.

La exactitud de la predicción fue obtenida a través de una serie de cálculos matemáticos; según el Teorema del Fin del Mundo de Camping, ese sábado se cumplían 722,500 días del día de la crucifixión de Cristo, y esta cifra era importante porque es el resultado de la multiplicación de varios números sagrados. Además, tomando en cuenta que en las escrituras se señala que: “Para el Señor, un día es como mil años, y mil años como un día", y el hecho de que tres es un número impar y… bueno muchas otras cosas, llevó a este predicador de Oakland a decir que en punto de las seis de la tarde un grupo de hombres (los creyentes) serían llevados al cielo y los demás a ‘otro lugar’ . ¿Qué tan probable era?

Si tomamos en cuenta que en 1994, el mismo Harold Camping ya había fallado en la predicción del final del mundo… no mucho. ¿Qué tan improbable era?

Muy improbable: además de tener dos strikes en su carrera de profeta, Camping es básicamente un loco con una Biblia y una calculadora a la mano.

Reloj del Apocalipsis

El fin del mundo llegará, pero eso no quiere decir que debamos aguardar por él, de hacerlo, nuestra vida se convertiría en una simple sala de espera repleta de revistas viejas. Sean meses, días o milenios, la humanidad – como todo tipo de vida– es finita, y el cómo y cuándo de nuestro fin se antoja irrelevante; pero si quieres llevar una cuenta precisa, sólo basta con mirar el reloj: en 1947, en la Universidad de Chicago se creó un reloj simbólico que representa el fin de la humanidad como la llegada de la medianoche.

En un principio, este reloj cuantificaba la amenaza de una guerra nuclear, sin embargo, con el paso de los años, aspectos tecnológicos, climáticos y ambientales son tomados en cuenta para calcular la “hora” en la que nos encontramos respecto del fin del mundo. De acuerdo al último ajuste en el Reloj del Apocalipsis, estamos a seis minutos de medianoche. M

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ENPORTADA::

T O D O

E L

A M O R

T X T : : J ua n C arlos H i dal g o .

F O T : : Z ora n O rl i c .

Debemos entender que en los Estados Unidos hay una tendencia a comercializarlo todo. Lo que comienza en un traspatio o en un garaje podría acabar como una trasnacional innovadora (Apple dixit). Sobran las historias de artistas urbanos que pasaron de dormir en las calles, a ser reconocidos con creces en el circuito del arte –no olvidemos a Jean-Michel Basquiat y Keith Haring–. Pero hay distintas maneras de experimentar el proceso de comercialización, y allí es donde se expresa la ética: algunos renuncian muy pronto a sus ideales (Eminem, uno entre muchísimos), y son excepcionales los casos en que la fama no representa la única forma del éxito.

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ieles a la última opción, Wilco es un grupo que destaca por su congruencia. Jeff Tweedy, su líder, ha tenido el suficiente convencimiento para que sea la música lo que se imponga: al interior de la banda no hay una atracción por el glamour, sino por el ejercicio serio de una profesión.

Además, ponen por delante las canciones y se aferran a ser gente común, que claro, experimenta problemas y dificultades.

Este grupo de Chicago se originó gracias a un conflicto de personalidades: mientras tocaba con Uncle Tupelo, Tweedy no coincidía con Jay Farrar, quien se marchó para crear Son Volt. El resto de la banda se mantiene, y toma por nombre un término sacado de las comunicaciones de radio de los pilotos (Will Comply), lo cual es toda una ironía, ya que no son muy dados a cumplir órdenes. Su debut surge con A.M. (1994), un disco donde siguien las pautas del country alternativo, mismas que Jeff ya pretendía trascender. Antes de la llegada de Being There (1996) se incorporó el multiinstrumentista Jay Bennet, quien a pesar de sumar talento, condujo al grupo a una zona de tensión que provocó más cambios de personal (a la fecha, el único otro miembro original que se mantiene es el bajista John Stirratt).

Mientras preparaban Summerteeth fueron contactados por Billy Bragg, figura clave del folk británico que tenía la idea de grabar juntos temas del combativo trovador Woody Guthrie –cuya guitarra era “un arma para matar facistas”–. Juntos recrearon su repertorio, pero al final no se ponían de acuerdo sobre el tipo de mezcla que necesitaba. Finalmente apareció Mermaid Avenue en 1998, y a pesar de la gran acogida por parte de la crítica, careció de una gira promocional. Con los años ha crecido la apreciación de este espléndido álbum tributo, que en el 2000 tuvo una segunda parte.

Mientras se abría un compás de espera para volver a componer, Jim O’Rourke (colaborador de Sonic Youth) le presentó a Tweedy al baterista Glen Kotche, y el trío terminó grabando como Loose Fur. Luego revisaron los demos existentes y concluyeron que Wilco necesitaba un nuevo baterista. En enero de 2001, Kotche sustituyó a Ken Koomer, y la nueva alineación crea Yankee Hotel Foxtrot, quizá su obra más grande hasta la fecha. Con O’ Rourke en la producción, asumen el reto de experimentar con la música de raíz, de tender puentes entre la tradición y la actualidad. Musicalmente era un desafío ambicioso que se complicaba con los problemas neurálgicos de Jim, gracias a los cuales debía estar fuertemente medicado bajo un estado de ánimo irritable.

Al final se desató una batalla entre el guitarrista Jay Bennett y el resto del grupo, debido a un desacuerdo sobre el sonido que quería lograr en la mezcla. Lamentablemente, Bennett fue expulsado de la banda y más tarde falleció en 2009. El documentalista Sam Jones registró la grabación del disco y lanzó I Am Trying to Break Your Heart: A Film About Wilco en 2002, al que Tweedy culpa por la difusión de su mal carácter y personalidad inestable. Tiempo después decidió someterse a tratamientos médicos que lo curaron sin la necesidad de usar fármacos. Aun así, la relación con los medios ha sido tirante: da poquísimas entrevistas y es muy escueto o críptico en sus respuestas –tanto con Wilco, como cuando gira en solitario–.

Pero los capítulos de lucha de Yankee Hotel Foxtrot no habían terminado. Con el disco completo, Reprise se negó a publicarlo por falta –según ellos– de sentido comercial. A mediados de 2001 deciden salir de la disquera, y tomaron la decisión de colgar el álbum entero en su página web con espléndidos resultados, al grado que Nonesuch –otra filial de Warner– se interesó lo suficiente para editarlo. A la postre, todo esto puso en evidencia la estupidez habitual de las disqueras, ya que el disco vendió alrededor de 700 mil copias, y la revista Q lo consideró uno de los mejores 100 álbumes de la historia.

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"El amor estรก bien, pero el secreto de una larga relaciรณn es odiar las mismas cosas".

-Jeff Tweedy

Siguiendo con el excelente trance creativo, Wilco repitió tándem para crear A Ghost is Born (04), donde una vez más, las melodías dulces y los sonidos folk se intercalan con pasajes abstractos, ruido y elusividad.

De hecho, incluye la canción “Less Than You Think”, que con un interludio de quince minutos de sonidos electrónicos y sintetizadores, resulta un antecedente de la maravillosa “Art of Almost” de su reciente disco The Whole Love. El hecho de que este tema experimental exista, así como el sentido total del disco, lo explica Jeff de la siguiente manera: “quería hacer un álbum sobre la identidad, y entre eso está la idea de un poder superior, la idea del azar y que todo puede suceder sin poderlo controlar”.

A Ghost is Born es el trabajo que mejor ha recibido el gran público (incluso ganó el Grammy 2005 a mejor álbum alternativo y estuvo en el Top 10 estadounidense). Antes de promoverlo, Tweedy recibió el tratamiento definitivo para alejarse de los calmantes, y a la par el grupo reclutó al guitarrista avant garde, Nels Cline. En seguida aparecen The Wilco Book (con escritos, demos y dibujos), así como la biografía de Greg Kot Wilco: Learning How to Die y el doble en directo Kicking Television: Live in Chicago, grabado en el Vic Theater, ya con una alineación más estable: Nels Cline (guitarra), Glenn Kotche (batería), John Stirrat (bajo) y los multiinstrumentistas Pat Sansone y Mikael Jorgensen.

Es un hecho que los discos Sky Blue Sky (2007) y Wilco (The álbum) (2009) han sido más reposados, con canciones más accesibles, pero esto no demerita a uno de los actos en vivo más impactantes de la música contemporánea. Sus juegos de guitarras son impresionantes, en ellos abunda el virtuosismo, pero se imponen las canciones; sus intensas metáforas, su manejo de lenguaje, sus referencias artísticas y, por

supuesto, la genial personalidad de Jeff Tweedy ayuda a ello.

Para The Whole Love –su octavo disco de estudio y primero para su propia disquera– han retomado la vitalidad y la capacidad de riesgo. “Art of almost” es una odisea de siete minutos: hay electrónica crepitante, pasajes orquestales y un final de guitarreo desbordado. No extraña pues que alterne con material más relajado como “I Might” y “Black Moon”.

La historia de Wilco aún sigue abierta. Se encuentran en plenitud y Jeff reconoce que todavía le quedan cosas por decir: “Puedes enviar el mismo mensaje una y otra vez hasta el final de los tiempos (...) todo está dicho, pero no todo el mundo lo ha dicho. Envías un mensaje incluso con la melodía. Los mensajes se cruzan en tu camino y las palabras ocurren, sólo tienes que rendirte ante ellas”. M Más de Wilco en

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CANCIONES MEMORABLES “Heavy metal drummer” “I Am Trying to Break Your Heart” “Jesus, Etc.” “Art of Almost” “Ashes of American Flags” “At Least That's What You Said” “Spiders (Kidsmoke)” “Via Chicago” “Impossibly Germany” “Misunderstood” (con letra de Woody Guthrie)

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Jeff Tweedy EN SUS PROPIAS PALABRAS Nació en 1967 en Beleville (Illinois), Jeff Tweedy es hijo de un empleado de ferrocarriles y una diseñadora de cocinas. Practica la música desde el colegio. Es padre de dos hijos adolescentes y está enamorado de la misma mujer desde hace 20 años: Sue Miller. En el New York Times lo presentan como a un hombre de familia que prepara barbacoas en su jardín. Intenta ser un hombre sencillo que ha salido bien librado de las peleas con sus propios demonios, cosa que no lo exenta de la polémica. He aquí algunos extractos de las contadas entrevistas que ha concedido.

"El amor está bien, pero el secreto de una larga relación es odiar las mismas cosas".

“Si tuviera que decir exactamente de qué van las letras inhibiría toda la amplitud de interpretaciones que deben estar ahí, abiertas para cada uno”.

“Entro a ciegas al estudio. Presento las canciones lo mejor que puedo, pero todo es muy colectivo. Todas las ideas son bienvenidas y de alguna forma llegamos a un consenso. Pero no me preguntes cómo lo hacemos porque somos seis personas y es realmente increíble que lo logremos. Ha habido veces que me ha costado más llegar a un acuerdo siendo sólo dos”.

“No me gusta esquematizar la información sobre cómo se crean las canciones porque cada vez ocurre de un modo diferente. Si entras en esta dinámica acabas creyendo que las cosas se pueden provocar y no es así.

Cada vez te preguntas: ¿cómo demonios lo hice? Y eso es lo bueno. Olvidas cómo la compusiste y crees que no serás capaz de repetirlo. Y cuando vuelves a intentarlo has de asegurarte de que es algo real: que lo haces tú.

Aunque sea algo superior a ti, ya que procede de un lugar remoto”.

“Sigo teniendo migrañas, pero ya no tengo miedo de ellas. He aprendido a llevarlas conmigo. La enfermedad y el sufrimiento contienen un camino y lo muestran. Puedes interiorizar los problemas o utilizar narcóticos para lidiar con ellos”.

“En este momento de mi vida no me importa cómo nos pueda llamar alguien. No tiene por qué significar nada. ¿Alternativa a qué? ¿Al silencio?

Es un nombre un poco tonto, igual que country-alternativo. Música folk sí que creo que es un buen término, aunque pienso que toda la música es folk, como dijo Louis Amstrong: ‘Nunca he visto a un caballo tocar una canción’ o lo que fuera”.

“Creo que Wilco siempre ha atraído a un público más mayor, porque lo que hacemos son álbumes que están diseñados para ser oídos de principio a fin, lo cual es algo que las generaciones más jóvenes que nosotros no hacen tanto. Era la única manera de escuchar música cuando estabas creciendo.

Ponías un disco y lo escuchabas entero”.

“Una gran canción de pop puede cambiar tu percepción en tres minutos, y una gran obra musical puede tardar lo que sea en decir lo que necesite decir. Para mí es algo así como la diferencia entre el oficio y el arte. Creo que hacer una gran canción de pop es arte, no me malinterpretes –porque no es algo fácil de hacer–, pero creo que hemos empezado a mirar la música de un modo más impresionista. Queremos ver qué le ocurre a la percepción durante un periodo de tiempo más largo”.

"No ha habido demasiada estabilidad en el grupo, eso es cierto, pero esta formación ha permanecido más tiempo que ninguna anterior. No lamento ninguna de las cosas que nos han llevado a este punto. Créame, necesito el trabajo en equipo y soy bastante democrático".

"No comparto la idea de que la creatividad nazca del tormento. Mucho del gran arte ha sido creado a pesar de la miseria y no gracias a ella. No estoy feliz todo el tiempo, pero tampoco permanentemente sufriendo. Me parece que la gente compra esas terribles historias acerca de mí porque hacen que las cosas suenen más heroicas".

"Estamos más obsesionados con la juventud que ninguna generación precedente. Si hay algo revolucionario acerca de Wilco es la idea de que nos importa una mierda ser maduros. Hay algo sensacional en descubrir que no te embarga la mala actitud de la juventud. Ese todo o nada, esa tendencia a despreciar a la porción de la humanidad que escucha a Tom Jones. Además, no encuentro demasiadas bandas jóvenes que se esfuercen en ser honestas. La mayoría sólo suena como una versión chunga de algún artista de los ochenta”.

COLUMNAS::

MALINCHEANDO:: TXT:: JUAN CRISTÓBAL RUBIO BADAN.

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL .

Twitter: @delamalinche www.loshijosdelamalinche.com

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

I L U S T : : D AV I D G A M I Ñ O

DE TWITTER Y ALGUNAS DE SUS CONSECUENCIAS

Ya decía Guillermo Sheridan sobre Twitter: “esa cosa es como la santificación del tartamudeo. Es como leer estornudos”. Mi lamentación del asunto tiene dos registros básicos; el primero es que las redes sociales se llenan, más veces que menos, de las tonterías más desharrapadas y adocenadas que yo haya visto nunca, de tal suerte que siempre me estoy enterando, como quien no quiere la cosa, de que a la Fufis se le acabó el papel de baño y de que Chente encontró un pelo en su comida. Humo y pavadas. El segundo reparo tiene que ver con el engorro de no saber —por más que lo intento— leer Twitter, pero ése ya es punto aparte.

Sucede que, desde hace rato, sólo se sabe hablar bondades de las redes sociales, y yo, más térreo que de costumbre, no quiero creérmelo (vaya de antemano que soy nuevo en estos parajes). No cuesta ningún trabajo escuchar decir, por ejemplo, que las redes sociales propician una discusión pública que sería complicado tener en otra circunstancia. Las redes sociales llegaron para coordinar y facilitar la cooperación social, y ésta, a veces, tiene resultados muy afortunados. Pero en todo lo bueno hay algo de malo, y en este caso, creo, la historia va atestada de malo.

Las cosas ocurren más o menos de esta manera: si exageramos un poco, en las redes sociales cualquiera tiene licencia para escribir con cualquier motivo y para cualquier cosa. Unos coloridos, otros más bien nimios, quienes opinan en Twitter parecen tirar al tuntún sin darle a nadie.

Pero no es así. Las redes sociales son un elemento indispensable en la vida de muchas personas, como son también elemento menor o, de plano, ausente en la de otras. El caso es que la información, parte fundamental de la democracia, es hoy suministrada, en no pocos casos, por las redes sociales; y aquí el asunto se vuelve problemático. Estamos enfrentados a un medio de información hecho —casi exclusivamente— de clichés, consignas y frases hechas; muy pocas palabras, porque no hay lugar para más. Cuando se piensa que las cosas se entienden de maravilla en esos términos, estamos en apuros. Es bien fácil, por ejemplo, percibir una realidad distorsionada por binariedades, con malos que son malísimos y buenos de los que se escribe otro tanto; bien fácil que el diálogo, presumiblemente crítico y directo, no sea sino un intercambio de sentencias perfectamente vulgares y baldías. Twitter y su improbable utilidad como explicación no son análisis, no son realidades; lo preocupante es que pueden parecerlo. Anótese, pues, para que este largo farfullar no haya sido en vano, que valdría la pena —hoy más que nunca, a la luz de las potenciales consecuencias de las redes sociales— diferenciar entre argumentos y cacareos; entre un descuidado intercambio de ideas y el debate robusto; entre el diálogo y la incitación a la violencia.

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BAJO PRESUPUESTO::

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DE PROFECÍAS MAYAS Y OTRAS JALADAS Al menos de dos o tres años para acá, muchos locos nos han venido fastidiando con el sonsonete oligofrénico de que en diciembre del año próximo se va a acabar el mundo, “porque así lo dicen las profecías mayas”.

Lo aseveran con una seguridad pasmosa, digna de mejores causas.

La mayoría jamás ha visto las dichosas profecías, pero ahí están, como murga, dale y dale con lo del próximo fin de la humanidad y pecados que la acompañan.

El delirio de estos “enterados” se ha extendido de tal manera, que mucha gente se ha dejado influenciar por el anuncio de que a partir del veintitantos de diciembre de 2012 nos vamos a tener que ir de aquí todos en bola. Claro, muchos le buscan el lado positivo al asunto y sonríen satisfechos al pensar que dado que nos queda un año de estancia en la Tierra –más o menos–, no tendrán que pagar sus deudas (“¿te imaginas la cara de los cobradores de las tarjetas de crédito?”, comentan divertidos) y podrán darle duro a la hilacha de aquí a doce meses (sin intereses).

No hace mucho, un viejillo gringo, de esos a los que les da por inventar religiones, nos avisó amablemente que en marzo o en mayo (no me acuerdo bien) de este año se iba a acabar el mundo. Como llegó la fatídica fecha y todos seguimos tan campantes, en lugar de aceptar que aquello había sido una mamadencia de su parte, dijo que se había equivocado en sus cálculos y que en realidad el Apocalipsis sería en octubre. Pues resulta que ya pasó octubre (escribo esto justo en el primer día de noviembre) y nanay.

El otro día vi en Discovery (juro que no soy de esos snobs –posers se les llama ahora– que dicen odiar a la televisión y dizque sólo ven Once TV, el Canal 22 y Discovery Channel) un documental sobre esto del fin del mundo y las profecías mayas. Muy bien producido y lo que ustedes manden, pero jamás mostraron un dato convincente acerca de todo ese rollo. Porque en realidad no lo hay y todo se basa (es un decir) en suposiciones, inventos, interpretaciones chafas y ganas de perder el tiempo. Pero ahí están los profetas caguengues, duro y dale con su cantaleta: el mundo se va a acabar en 2012. Ajá.

Ahora, tampoco se trata de negar que las cosas en el planeta están del cocol y que además de las guerras, la violencia, el hambre y la crisis económica, el problema ambiental se nos muestra cada vez más grave, con el radical cambio climático que estamos padeciendo y que hace que los fenómenos de la naturaleza (huracanes, tormentas, sismos, sequías, etcétera) sean más extremos e implacables conforme pasan los años. Eso con profecías mayas, incas, babilónicas o tepiteñas… o sin ellas.

En la música en general y el rock en particular, han sido varias las canciones que nos hablan de una u otra manera acerca del fin del mundo.

La más conocida tal vez sea “It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)” de R.E.M., pero hay otras curiosidades al respecto. Ya en los años treinta, el mítico bluesero Robert Johnson nos hablaba del tema en “If I Had Possession Over Judgement Day”, mientras que en los sesenta los Carpenters nos deleitaban con “The End of the World” y diez años después, Elvis Costello hacía lo propio con “Waiting the End of the World”.

Ahora que si de lo que se trata es de buscar señales del Apocalipsis, yo di con una hace pocos meses. Me encontraba en una tienda de discos, cuando de pronto empezó a sonar una música en verdad horrenda, irritante, escalofriante. De las bocinas surgía, a todo volumen, una voz increíblemente desafinada y estridente que gritaba (porque no cantaba) algo así como “¡quiero que te vengas a vivir todos los días conmigoooooo…!”.

Alarmado, me acerqué a uno de los empleados del lugar para preguntarle qué demonios era aquello. “Es el disco de Enjambre”, me respondió. “Se está vendiendo muy bien”.

Si la gente es capaz de consumir tamaña inmundicia musical es porque quizá nos merecemos que las profecías mayas se cumplan implacables y a la brevedad posible. ¿Para qué esperar hasta dentro de un año?

OFF THE RECORD::

EL CUADERNO AMARGO

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

T X T : : PA O L A T I N O C O .

Playboy, periodista de rock y escritor de ficción.

Twitter: @arthuralangore

Escritora Twitter: @paolaticono

Cómo empacar una maleta para ir a la FIL Guadalajara

ILUST:: CARLA MÁRQUEZ GONZÁLEZ

EL FIN DEL MUNDO PARA HÉCTOR

Hay una canción de Morrissey que se llama “First of the Gang to Die”. En ella, el coro dice, textualmente: “Héctor fue el primero de la palomilla en morir”. Para mis amigos de la prepa y yo, la rola incluida en el disco You are the Quarry del 2004, cobró un significado especial cinco años después de esa fecha, cuando en efecto, Héctor fue el primero de nosotros en morir.

Nunca supe las causas con claridad. Me dijeron que fue un infarto el que segó su vida cuando apenas tenía 30. Cuando lo conocí, Héctor era un destacado estudiante de cuarto de preparatoria, que se vestía de camisa planchada, llegaba temprano a casa y nunca bebía ni tomaba drogas. Era campeón de básquet.

Por azares del destino, en la preparatoria coincidimos en la misma bola de amigos. Juntos comenzamos a experimentar con la mariguana, a llegar tarde a casa, a utilizar pantalones rotos e ir a tocadas de rock, pero al final éramos unos buenos muchachos bohemios que no se metían con nadie. Héctor se dejó crecer el cabello, abandonó el básquetbol y se convirtió en un clon de Jim Morrison. Le empezó a gustar el arte, los libros de William Blake y las películas de Cronenberg. Dibujaba como pocos y de hecho aprendió a hacer modelismo y artesanías.

Cuando salimos de la prepa, a cada uno nos atrapó el sistema –en mayor o menor medida–. A unos menos, como yo, que sigo escribiendo en revistas de rock, y a otros más, como quienes van a trabajar de corbata, tienen una esposa, dos hijos, un perro y una casa con techo de dos aguas.

Eso no está mal si es lo que deseas, pero la mayoría lo hizo por inercia, porque es lo que debía ser.

A Héctor nunca lo absorbió la máquina. Botó la escuela, se volvió trotamundos y supe que peinó el planeta entero de mochilazo. En algún momento vivió en una cabaña en el campo donde, cuentan las leyendas, no tenía luz eléctrica simplemente porque no quería. Además, se dedicaba a pintar cuadros cuando no estaba de viaje junto a la mujer que en ese momento lo acompañara.

Una vez, en la prepa, él y yo nos agarramos a golpes por una chica, pero terminamos abrazados y carcajeándonos. No es la primera vez que lo digo: admiro a Héctor porque hizo de su vida un papalote. En la fotografía de perfil que hay en su huérfano Facebook, aún aparece sonriendo. Héctor siempre estaba sonriendo. No había tarjetas de crédito, ni colegiaturas de hijo que se lo quitara. Él viajaba ligero, como si supiera que viviría poco.

“Pobre Héctor” suelen decir los amigos de la prepa cuando nos reunimos hoy en día y nuestro amigo sale a colación. Ahora que todo mundo habla del fin del mundo, pienso que más bien son pobres quienes no tuvieron el valor de hacer con su vida lo que quisieron, antes del Apocalipsis.

Héctor sí, y aunque haya sido el primero de la pandilla en morir, también fue el primero en vivir auténticamente.

1.- La maleta debe ser grande. Y no precisamente por la cantidad de ropa que hay qué llevar a Guadalajara para asistir a cada una de las fiestas en honor a escritores, editores y lectores. El espacio extra es para los libros que regresan con nosotros toda vez que ponemos un pie en la Expo, recinto que se convierte en la librería más grande de Latinoamérica durante diez días una vez al año.

2.- La maleta debe incluir antiácidos, aspirinas, sal de uvas y gotas para ojos irritados. Por lo menos, los primeros cinco días va a haber fiesta tras fiesta y lo mejor es ir preparándose. El primer sábado de la feria arranca el maratón de celebraciones con el coctel en honor al Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances, este año otorgado al escritor colombiano Fernando Vallejo. Los que conocemos a Vallejo más allá de sus magníficos libros, hacemos apuestas acerca de qué asociación dedicada a la protección de perros de la calle va a llevarse el dinerito del premio, ya que este escritor es conocido por su generosidad y desmedido amor por los caninos en situación callejera.

3.- Sería importante cargar con un diccionario español-alemán, porque este año, además de celebrar los 25 años de la FIL, tiene como país invitado a Alemania. Siempre termina uno hablando en inglés, pero al menos deberíamos decirles willkommen (bienvenidos) o prost (salud).

4.- Hay que empacar zapatos cómodos. El recinto ferial es amplio y los pasillos bautizados con nombres de escritores y géneros literarios son largos. Habrá quién logre recorrerlos todos, pero nadie que se salve de una ampolla si lleva mocasines o zapatos de tacón.

5.- Podría incluirse en el equipaje una caja de pañuelos desechables, por si les emociona hasta las lágrimas asistir a la apertura del salón literario, con dos escritores que cuentan el Premio Nobel en su haber: Herta Müller y Mario Vargas Llosa. Los pañuelos servirán también para secar el sudor si además de asistir a esta conversación entre “nóbeles”, deciden acercarse al famoso baile del salón Veracruz, donde lo mismo puede verse a los editores españoles bailando, o bien a algún agente literario holandés echando un palomazo musical e incluso a los vendedores, promotores y lectores de libros acabando con las reservas de tequila de todo Jalisco.

6.- Imposible olvidar guardar un bolígrafo. Aunque haya quien asegure que su timidez le impedirá solicitar un autógrafo a alguno de sus escritores favoritos, acá en la FIL se pasean como cualquier hijo de vecina y es probable que los tímidos caigan en la tentación. Yo lo haría: se rumora que Peter Stamm andará por ahí y no volveré sin que me firme su nueva novela Siete años.

7.- Sin duda será necesario llevar un poco de paciencia. Las filas para entrar al concierto de Stereo Total en la explanada no serán cortas. Porque no sólo de letras vive la FIL, una dosis de electro-punk amenizará la fiesta del libro y las bodas de plata con la literatura en México. 609,251 personas que asistieron el año pasado no pueden equivocarse, la FIL es uno de los más grandes aciertos de este país.

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CINE:: L A R S

V O N

T R I E R

P R E S E N T A

La funesta tristeza

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Ver filmes cuyo propósito ineludible es la destrucción del planeta, ya es algo habitual.

Alienígenas invasores, desastres naturales, guerras de todos colores o enfermedades devastadoras son algunos motivos que se han retomado en el cine, sobretodo con la utilización de los complejos y cuasi-reales efectos visuales actuales.

En la mayoría de los casos, los cataclismos fílmicos se aderezan con algunos sobrevivientes que reflejan, de alguna forma, lo valiosa que es la vida humana… a menos, claro, que te llames Lars von Trier y afirmes –como ocurre en Melancholia– que la vida en la Tierra es maligna y por lo tanto indefendible.

TXT:: JORGE ARIAS.

AUNQUE el choque de un planeta interestelar y la inminente destrucción total de

nuestra amada Tierra, no fueron considerados de primer momento por el cineasta danés, la idea general del filme tiene su origen en las sesiones de terapia donde von Trier se descubrió a sí mismo como melancólico, un estado anímico asociado con la depresión que incluye bajos niveles de entusiasmo e impaciencia ante las actividades físicas. La melancolía pues, sería el punto central de la trama y aparece en dos momentos significativos, representados respectivamente por dos hermanas: Justine y Claire.

Guardadas todas las distancias, el inicio de Melancholia se asemeja al de Antichrist –su trabajo previo– en donde una cámara súper lenta nos muestra algunas escenas que parecen hermosas fotografías con un sutil movimiento: una lluvia de pájaros muertos con el rostro desencajado de Justine (Kirsten Dunst) en primerísimo plano, mientras Claire (Charlotte Gainsbourg) cruza el hoyo 19 de un campo de golf con su hijo a cuestas. Los pasos de Claire se hunden en la grama, cuando un caballo que se doblega en el campo anuncia la danza fatídica entre los planetas Melancholia y Tierra, que culmina en un choque apocalíptico. Los primeros minutos bien podrían ser el resumen de las sesiones de terapia de Lars von Trier, y bastan para entender de qué va la película, al menos en términos generales.

MELANCOLÍA EN PROGRESO

Lars expresa así dos momentos claramente melancólicos. De entrada nos presenta a la primera hermana, Justine –bella, inteligente, dañada– casándose en una ceremonia tan ostentosa como macabra. Los invitados no dudan en actuar de una forma tan inapropiada que, para una personalidad volátil –según el director, este personaje está basado en él mismo–, resulta peligroso y terminará por desencadenarle una profunda depresión en plena luna de miel.

La melancolía conduce a Justine hacia un estado impaciente y demencial. Lo que para ella significaría el comienzo de una nueva vida a través del matrimonio, resulta un panorama distinto para el espectador, que conforme observa lo que ocurre en la pantalla es invadido por una mezcla de sinsabores, risas nerviosas y otras reacciones, que en todo caso dejan en evidencia que estamos por contemplar el ocaso de la tristísima hermana.

La enfermedad de Justine, que para muchos es la pandemia de nuestra época, consume poco a poco una vida que presumiblemente sería hermosa en otras circunstancias. El trastorno anímico toma la batuta en la personalidad del personaje interpretado soberbiamente por Dunst, quien rechaza definitivamente lo que sería el amor verdadero, reaccionando visceralmente contra el “deber ser” social, al poner el broche final a una boda que estaba destinada al fracaso.

CLAIRE HASTA EL FIN

La segunda hermana, Claire, ve la melancolía de frente; imponente, magnífica, astral. Le teme, lo cual es natural si tomamos en cuenta que la vida, con todo lo que implica el término, está siendo amenazada por el planeta Melancholia, cuyo nombre no deja espacio a la duda sobre lo que ocurrirá a continuación.

Claire es la representación del miedo a perder todo por culpa de la melancolía, que vista como la metáfora del planeta homónimo, deja en claro que nunca pasará de largo, sino todo lo contrario: nos impactará de forma brutal y absoluta, acabará con todo lo que damos por sentado y con lo que apreciamos; se trate de la familia, las comodidades, los lujos y lo que se entiende como el buen vivir.

Como buena tristeza, Melancholia se deja ver primero de forma sutil, logrando que las emociones de amor-odio se mezclen. En estas condiciones, Claire admira su grandeza estelar mientras se rodea de sus seres más queridos: esposo, hijo y su dañada hermana, quien aparece completamente consumida por su profunda e incurable tristeza.

En un momento parece que Melancholia, en efecto pasará de largo: se hace pequeña en el firmamento y nos brinda, por un momento, un remanso de paz. Claire parece aliviada, pero es sólo un momento, antes de darse cuenta que la desesperanza cataclísmica aparece de nuevo, anunciando de forma omnipresente el final de todo, sin exageraciones.

Al final, las hermanas se encontrarán. Sabedora de la acción devastadora de la melancolía, Justine permanece calmada ante el final e intenta consolar a Claire, que hasta el último momento se resiste a perder todo, incluyendo la vida misma. En el momento crucial, cuando lo inminente se magnifica y la tristeza se convierte en pánico, los personajes se aíslan en sí mismos buscando la paz y la quietud perdidas. Tal vez lo puedan conseguir por un momento, el suficiente para dejar escuchar el ruido ensordecedor, dejar de sentir el viento en sus cuerpos, o el fuego que los consumirá sin miramientos. En todo caso, el fin se revela inminente, apocalíptico y desolador. M

Video de la entrevista

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CINE:: Los Muppets y sus amigos Mucha gente increíble participó (Dave Grohl, Ricky Gervais, Emily Blunt, etc.) y lo más extraño es que no tuvimos que buscar a nadie, todos simplemente llegaron en la madrugada a la casa de Jason pidiendo ser parte del proyecto.

La gente ama a los Muppets, especialmente los comediantes. Los Muppets suelen ser la primera cosa cómica que ves; así que todos estaban muy emocionados por ser parte de la película.

Una canción genial…

Hay muchas buenas canciones en la película, amo “Everything is Great”, es alegre y maravillosa, creo que la gente la estará cantando por mucho tiempo.

Yo también creo que “Everything is Great” es genial, todo es genial en “Everything is Great”.

M A n o r M uppet: entre v i sta c o n J as o n S egel y K erm i t T X T : : J i mena G ó me z .

Han pasado 12 años desde la última película de los Muppets; generaciones han ido y venido, y el recuerdo de estos personajes parecía haberse almacenado en algún lugar recóndito de la memoria colectiva, pero basta una buena broma o buen número musical para hacernos recordar que todo lo que amábamos de estas afelpadas criaturas, sigue vivo, tanto en ellos como en nosotros.

¿Qué

sería necesario para regresar a los Muppets a toda su verde gloria? Un gran guión, un soundtrack preciso y verdadera pasión. Todo esto lo tiene la nueva película y sólo hay un hombre al cual agradecerle: Jason Segel, (actor y guionista) quien llevaba más de cuatro años trabajando en este proyecto, con la inquebrantable determinación de revivir una de las pocas cosas en Hollywood que valían la pena revivir.

Con Kermit y toda la pandilla de la mano se filmó esta cinta que no sólo complace al nostálgico espectador sino que también fascinará al nuevo público. Tuvimos la oportunidad de hablar con Kermit y Jason Segel de esta nueva cinta, de Hollywood y claro, de la secuela.

La idea surgió de…

Presentar a los Muppets a una nueva generación es la fuerza detrás de todo el proyecto y la historia. El personaje de Walter representa en parte eso, es alguien que está conociendo a los Muppets por primera vez.

Y la verdad es que no fue difícil, lo que los Muppets saben hacer mejor que nada es dar un show, y después sólo necesitábamos una gran historia con un buen villano, en este caso el malvado magnate petrolero Tex Richmond.

Todos los elementos se unieron solos.

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El quehacer de una década Durante todo ese tiempo libre hice muchas cosas, ahora tengo mi casa en el pantano que fue muy fácil de hacer, es decir, sólo es agua y palos.

También pasamos mucho tiempo viajando con Miss Peggy, no quiero entrar en detalles, no todo salió muy bien. En el ámbito profesional hemos hecho varios proyectos, hicimos una versión Muppet de “Bohemian Rhapsody” .

Hemos estado ocupados desarrollando nuevos proyectos.

Kermit y Jason He trabajado con muchos actores durante mi carrera, pero sin duda Jason es el más alto. Eso puede ser particularmente difícil ya que yo soy muy pequeño.

Sí, pase mucho tiempo sentado en la película, especialmente mientras actuaba.

Hollywood no es verde Cuando eres verde y pequeño puede ser difícil conseguir trabajo.

Además hay competencia, está esa rana de Warner Brothers de la cual no nos gusta hablar.

Creo que yo les abrí las puertas a las ranas de Hollywood. ¡Y sin duda eres la mejor!

Podría ampliar mi rango, hacer distintos papeles… como de villano. Creo que puedo resultar bastante intimidante. ¿Tú crees?

No, en realidad no… ¡Tal vez si fuera una rana gigante! ¡la rana gigante que se comió a la ciudad de México!

Yo escribiría ese guión, absolutamente. ¡Ya tenemos nuestra secuela! M

muy buenas razones para ver Muppets the Movie Dave Grohl aparece tocando la batería como Animal en una banda de tributo a los Muppets.

Todo el soundtrack es buenísimo, y la canción “Man or Muppet” es una gran oda al existencialismo muppeniano .

Una palabra: Muppet Man (véanla y lo entenderán).

MODA::

Francisco Cardigan: RVCA (Shelter) Pantalones: Levis Jann Blusa: Blood is the new black (LemZur) Jeans: Levis Chaqueta: Buffalo (Lemur) Danny Blusa: Simple (Lemur) Pantalones: Goodbye Folks Bolsa: Brantano

Bolsa: Lesportsac

Tacรณn y bici, una combinaciรณn perfecta.

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Francisco Camisa: Prest (Sicario) Chaqueta: Levis Botas: Brantano Sombrero: Levis Gafas: Maykita (Dr. York) Jann Leggins: American Apparel Bolsa: Brantano Chaqueta: Wesc (Sicario) Danny Falda: American Apparel Chaqueta: Wesc (Sicario) Zapatos Brantano Gafas Voyage Voyage (Dr. York)

Danny Vestido: Wesc (Sicario) Chaqueta: Wesc (Sicario) Leggins: American Apparel Zapatos: Brantano Anteojos: l.a. eyeworks (Dr. York) Francisco Camisa: American Apparel Anteojos: Whiteout & Glare (Dr. York)

A tu tiempo, siempre a tiempo.

FotografĂ­a: Pedro Velasco Asistente de fotĂłgrafo: Alexandra Stevens Maquillaje y Peinado: Elba M. Cisneros

Modelos: Francisco - Bang! Management www.bang-management.com Danny y Jann - Wanted Model Management www.wantedmodelmanagement.com

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LITERATURA::

Las visiones apocalípticas no son exclusivas de profetas o clarividentes, también la literatura ha constituido un gran acervo al respecto. Es por ello que pedimos siete mini ficciones a siete escritores, de manera que plasmaran en pocas líneas su manera de entender el Apocalipsis.

2012 JUAN CARLOS HIDALGO

Apocalipsis Juan Álvarez

Escritor y periodista (Pachuca, Hidalgo)

Escritor (Colombia) @_JuanAlvarez_

Abro una gruesa puerta de madera y entro a un amplio salón. En el centro está Stephen Hawkins rodeado por polvo espacial. Detrás de mí entra un arcángel que se dirige al científico. –Lo siento, se ha equivocado; si quiere ver la nave en la que viajamos los enviados divinos tome, oprima enter en este mini-ordenador. Trato de mirar por encima del hombro del alado. Estoy dentro de algo parecido a la aplicación del Biophilia de Björk e intento escuchar al cosmos, pero todo es silencio. Me tocan la espalda y salto cuando veo que es Enrique Vila-Matas quien me susurra: “Dios mueve al jugador y este la pieza…”. Me sé el resto de la frase. Se detiene la música. Estoy en el comedor de mi casa bebiendo con los amigos de tantos años. Servimos otra ronda de tragos y apuramos a beberlos mientras los ventanales comienzan a ser cubiertos por un halo gigante de un rojo total.

Suculentos Yuri Herrera

Nubes negras Gabriela Conde

Escritor (Actopan, Hidalgo)

Escritora (Tlaxcala, Tlaxcala)

Hacía mucho que la tierra ya no era redonda, sino un cascajo flotante y carcomido. No quedaba nada, salvo los que la habían dejado así: humanos como él, humanos que comían humanos, hasta que ni eso fue posible porque la carne de alguno se volvió tóxica. Ahora, sólo los que no habían sido mordidos por un tóxico eran comestibles.

Llevaba días escondiéndose en una alcantarilla. De nada serviría morderse a sí mismo: si la mordida era en un brazo, una pierna —cualquier lugar al alcance de sus dientes—, los otros sabrían que él mismo se la había hecho.

Oía sobre su cabeza los pasos agonizantes de la muchedumbre.

Moriría de hambre en ese hoyo infecto o subiría pronto a dejar que lo acabaran de una vez. Escuchó un ruido, un sonido imposible hacía tanto: un animal escurriéndose sobre el suelo. Se volvió ansiosamente y la vio. Era hermosa, una rata escuálida mirándolo con sus ojos rojos como si estuviera también infinitamente agotada. Se acercó, la agarró sin que se resistiera, comenzó a salivar. De pronto, vio que se había quedado dormida en su mano. La miró mucho tiempo, la puso en el suelo y se sentó a esperar.

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Ya no recuerdo qué año fue. Pero sí la primera esquirla: un voto en blanco masivo; seis meses de clavarlo en sus caras. En Angola. Con el puño de los campesinos griegos. Desde las barriadas de madera y latón en las altas urbes ecuatorianas. Ya no recuerdo qué.

El deseo en cambio de provocarles miedo sí; la última voluntad popular planetaria: echarles papeletas marcadas en sus urnas democráticas, igual que sangre contagiada, igual que fuego pringoso. Ya no recuerdo qué año fue.

Las altas montañas del sur sí. Los científicos de raza mixta y mandíbulas cosidas, esos sí. Los lánguidos ejércitos asegurando filas. La disciplina insulsa en medio de la tristeza. La nada. El sol naranja de mi Orinoquía arrasada. El dulce vaho de una selva eliminada. La nada.

Ya no recuerdo por qué, ni qué año fue. Ni mi cara pendeja. Ni el rigor del número exacto que me convertía en elegido de un destino que ya no recuerdo qué. Esta trinchera. Su insufrible oscuridad. Ya no recuerdo qué año fue.

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Desde hace días el cielo está lleno de nubes negras que chocan y estallan. Cuando Ramiro nos lo advirtió, no le creímos. Él siempre fue un tipo gris, gritar profecías tontas en las calles era lo único que hacía.

Al estallar la primera nube, a todos en el pueblo nos salieron líneas turquesas en las manos, semejantes a los signos de una escritura extranjera. Aterrorizados, fuimos al hospital, a la iglesia, pero no sirvió de nada. Ayer un rugido parecido a una voz se esparció desde el cielo y las líneas en las manos se movieron para formar palabras. Buscamos a Ramiro. Él, sonriente, magnánimo, pidió a la turba que lo siguiera. Nos guió hasta una montaña; horas sin comer, sin dormir, sin parar. En la cima, Ramiro dijo: aquí será mejor, y se sentó sobre una piedra.

Esperamos más, pero Ramiro no pronunció otra cosa. El tiempo corría. Confundidos, cansados, temerosos, nos fuimos sobre él hasta matarlo.

Ahora no sabemos qué hacer. Hemos colocado el cuerpo de Ramiro en la misma piedra. No nos movemos de la cima. Han pasado horas, seguimos mirándonos en silencio. Ansiosos, deseamos que a alguien se le ocurra algo.

Siempre Tarde Ricardo Cartas

El ombligo de Sandra Arthur Alan Gore

Escritor (Puebla de Zaragoza)

Escritor, periodista y manager (México D.F.)

Tarde y en el peor momento. Tarde a la repartición de cerebros, familia. ¿Amor? Cuando más enamorado estaba, escuché un mal consejo y lo tiré por la borda. Me llegaron los boletos para asistir al fin del mundo (todo era show en la época) y salté de felicidad; no cualquiera iba a tener ese privilegio, sólo los que habían pagado a tiempo (curiosamente) sus impuestos y la luz. La cita sería en la montaña, según los físicos y videntes, ahí iniciaría el final. Tomé mis precauciones.

Iría dos días antes. A pesar de esta previsión ya había miles de personas.

La policía detenía a los revendedores y el acceso estaba suspendido. Algo había pasado y no se aseguraba la calidad del espectáculo. Horas después las puertas se abrieron. Pasé veinticuatro horas trepado a un árbol hasta que por fin se comenzó a ver algo detrás de la montaña. La gente estaba excitada mientras se asomaba una especie de hongo nuclear idéntico al de Hiroshima. Yo estaba indignadísimo. ¡Veinticuatro horas trepado como chango para ver esa porquería! Cinco minutos después comenzaron los créditos: Adán, Eva, Serpiente, Caín… ¡Ese final es de Groucho! –les gritaba mientras sentía una extraña y apocalíptica comezón.

@NASA 16 min [Image of the Day] San Andres fault opens tinyurl.com/3pmh8b9 11300 + recent retweets

Con el smartphone la mano en Paul Medrano Escritor (Chilpancingo, Guerrero) @Toño_Ochoa 21 min Muy tranquilo el DF. Hasta da miedo t.co/D0x4kZYz @Sismologicomx 20 min TERREMOTO 10.8 Richter 15 km al Noreste de Manzanillo, Lat 19.12 Lon -104.20 Alerta de tsunami @PP_Mancera 19 min Tiembla en el DF. Qué pedo #temblor 1200 + recent retweets @Sismologicomx 17 min ALERTA ALERTA SEGUNDO TERREMOTO 12.5 Richter 88 km al Sureste de San Marcos, Gro Lat 16.03 Lon -99.17 Se abre falla de San Andrés

@PP_Mancera 15 min RT [Image of the Day] San Andres fault opens tinyurl.com/3pmh8b9 #findelmundo @Elpecas 14 min No mames, @Toño_Ochoa está bien cabrona la imagen de la NASA sobre la falla de San Andrés @Tono_Ochoa Ya la vi. No mames @Elpecas @SEGOB_mx 13 min RT ALERTA ALERTA SISMO 12.5 Richter 88 km al Sureste de San Marcos Gro Lat 16.03 Lon -99.17 Se abre falla de San Andrés 25600 + recent retweets @morita_hd 12 min Otro temblor. #tengomiedo @SEGOB_mx 11 min Temblores abren falla de San Andrés en el pacífico. Población costera, aléjese del mar. Alerta de tsunami

El ombligo de Sandra es el ojo que me guiña el resto de su cuerpo. Un túnel diminuto que me transporta desnudo en el tiempo, que me susurra historias fantásticas cuando recargo mi oído en su vientre.

Tobogán diminuto para deslizarme en medio de un alud de vampiros hacia el Lado B del universo. Sepulcro de carne en el que doy sagrada sepultura a mis besos. Orificio en el que mi lengua juega a ser avestruz. Abismo de bolsillo que absorbe luminosas galaxias de hielo, cometas de dulce y pterodáctilos tuertos. Devora estos versos y escupe duendes siniestros. Por su culpa, hace tres vidas que no duermo de filo, de saliva me escurren tres hilos y quiero volverme pelusa escarlata para invadir la boquita ninfómana de su ombligo, que esta noche me traga enterito. Hoy el mundo se acaba y estoy seguro –por eso escribo esta carta que meteré dentro como mensaje en la botella de un náufrago– que después del Apocalipsis sólo quedará en pie el ombligo de Sandra.

@JulianSolo 11 min RT Temblores abren falla de San Andrés en el pacífico. Población costera, aléjese del mar. Alerta de tsunami 100,000 + recent retweets @Sismologicomx 10 min Alerta máxima: Olas gigantes se dirigen costas del pacífico tinyurl. com/3nxqmlw 50,000 + recent retweets @cholo_escuincle 9 min Los mayas tenían razón.

Arrepiéntanse de sus pecados #findelmundo #tengomiedo @morita_hd 8 min No me hacen gracia con su TT de #findelmundo cuando hay gente en peligro @PP_Mancera 7 min RT Ola gigante se acerca a Puerto Vallarta tinyurl.com/44th3sa #findelmundo 25,000 + recent retweets @Toño_Ochoa 6 min No mames. Alerta roja, Alerta roja. Alerta roja #findelmundo #tengomiedo

@Elpecas 5 min Alerta roja. Necesito un kotex. #findelmundo #tengomiedo @Sismologicomx 3 min Alerta. Olas gigantes en Los Cabos tinyurl.com/3q6cxtj @NASA 3 min Special report: Giant waves invade Mexico tinyurl.com/3lldjhy 70,000 + recent retweets @SEGOBmx 2 min Alerta: Olas gigantes invaden estados costeros del pacífico. Se teme que lleguen al centro del México @toño_ochoa 1 min No mames, @Elpecas es agua lo que asoma por El Ajusco??? #tengomiedo @Elpecas 4 sec Me ah...

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CÓMIC::

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Valiente / Tinta sobre papel / 27X 38 cm / 2010

ARTE::

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Narco-corrido / Tinta sobre papel / 210X150 cm / 2008

Valiente I / Tinta sobre papel / 210X150 cm / 2008

Sin título / Tinta sobre papel / 210X150 cm / 2008

59 En distintos formatos, a diversas escalas y con diferentes intenciones, mi obra– principalmente pintura y dibujo– juega con imágenes iconográficas como las trocas, la Virgen de Guadalupe, el Sagrado Corazón y el Diablo entre otras, y reflexiona sobre temas como la emigración y las manisfestaciones populares como el corrido, leyendas de la región, y las distintas maneras en que la gente se distrae de la vida cotidiana: los jaripeos y las peleas de gallos que, aunado a las creencias y rituales religiosos, afectan la existencia de las personas.

Estudié Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda" y he expuesto en diversas muestras colectivas en EUA, Austria, España y México obteniendo diversos premios, entre los que destacan el Premio de adquisición en el Encuentro Nacional de Arte Joven, Premio de Adquisición en la Tercera Bienal Nacional de Dibujo Sylvia Pawa, Beca Jóvenes Creadores (FOECA), Beca Jóvenes Creadores (FONCA), de Conaculta. Algunas de mis piezas son parte de distintas colecciones como: Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, Pinacoteca Universitaria del Estado de Guerrero; Colección México- Israel, entre otras.

omeroleyva.blogspot.com

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Nací en 1982, en Tel Aviv, Israel. Mi trabajo constantemente trata con la idea del hogar y los elementos y connotaciones que lo rodean. Para la serie “Broken Houses” el punto de inicio son imágenes que encuentro en internet, lugares que existen y que en algún momento dieron hogar a muchas personas y ahora están destruidos.

Con estas fotográfias como referencia, construyo modelos a escala, uniendo cada pieza destruida hasta crear imágenes de estos modelos sobre fondo gris, removiéndolos de su entorno natural.

ofralapid.com

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On through the dead of night With the Four Horsemen ride Or choose your fate and die Metallica

DECULTO::MÚSICA

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

Dentro de la Biblia, en el capítulo sexto del libro del Apocalipsis se habla de Los Cuatro Jinetes, quienes montados en sus caballos brotan de un místico pergamino con siete sellos abierto por Jesús.

Cada uno dirige un corcel de distinto color y representan a la Victoria, la Guerra, el Hambre y la Muerte, respectivamente. A continuación, una libre interpretación de la historia sagrada aplicada a la música en periodos pre apocalípticos.

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VICTORIA: HASTA LA INDEPENDENCIA SIEMPRE

La victoria radica en la independencia. Hartas de los abusos y malos manejos de las grandes compañías discográficas, que con el tiempo han visto resquebrajada su endeble estructura yendo inevitablemente hacia el derrumbe final, las bandas y los artistas optaron por caminar por el sendero de la emancipación comercial. No fue el primero en intentarlo, pero sin lugar a dudas Radiohead puso el mal ejemplo (desde la óptica de las grandes corporaciones) cuando en el año 2007 lanzó el disco In Rainbows, que se vendió de forma digital al precio que sus fanáticos decidieran pagar. Según la información que se dio a conocer después del lanzamiento en octubre de ese año, el disco vendió 1.2 millones de copias el día de su estreno. Un tercio de quienes lo descargaron no pagó nada, pero quienes lo hicieron aportaron una media de cuatro libras esterlinas. El triunfo del autogobierno en los terrenos de la música provocó que una nueva estrategia comercial que otras agrupaciones hicieran suya: regalar canciones. Igual que los dealers lo hacen con las drogas, agrupaciones como The Offspring, Moby, Blonde Redhead, Pixies, Klaxons o Disclosure, han obsequiado pequeñas dosis de su talento para que los escuchas nos “enganchemos” con su sonido, y así nos volvamos sus más incondicionales adictos. Mark Stoermer, bajista de The Killers, imitó el modelo “de cooperación voluntaria” de Radiohead. Su primer disco solista, Another Life, se obsequió durante un tiempo breve en Internet para después venderse en formato físico. A las grandes disqueras jamás se les hubiera ocurrido arrancar si quiera una fruta de los jardines que con su desaforada avaricia cosechaban, por eso, viene sobre ellas un ineludible Apocalipsis.

GUERRA: DESTROZAOS LOS UNOS A LOS OTROS

“Cuando abrió el segundo sello, oí al segundo ser viviente que decía: ‘Ven’.

Entonces salió otro caballo, rojo, al que lo montaba se le concedió quitar de la tierra la paz para que se degollaran unos a otros; se le dio una espada grande”, dice el 6,3-4 del libro del Apocalipsis. Así, en los terrenos de la música, la batalla se ha desatado de una forma descarnada para captar la mayor cantidad de público. Las promotoras, por ejemplo, se lanzan una a otra a la yugular. OCESA, el gigante, suele colocar conciertos que jalen al público cuando alguno de sus competidores enanos consigue amarrar alguna contratación decente. Además, arrastra auténticas hordas de melómanos hacia sus dos grandes festivales, el Vive Latino y el Corona Capital. Los grupos nacionales, virtualmente se despedazan por aparecer en sus carteles. Hace una década las grandes disqueras libraron una batalla legal contra Napster, el sitio de intercambio P2P, hasta que lograron que bajara su cortina. Ahora, ellas mismas pelean igual que tortugas panza para arriba contra la piratería y las filtraciones. Importantes lanzamientos que tendrían lugar en 2011, como el Mylo Xyloto, de Coldplay o el homónimo de Evanescence, estuvieron disponibles para su descarga ilegal mucho antes de su salida al mercado. Hasta 200 mil dólares anuales pierden las productoras gracias a la piratería, lo cual representa estocadas directo en sus órganos vitales. Otras corporaciones, igual de avaras pero con mucho más suerte para chupar como vampiros a sus víctimas, ganan sus propias guerras. Quizá la más significativa fue la que libró Pearl Jam al acusar a Ticketmaster de prácticas monopólicas. ¿El resultado? Hace muy poco, la banda de Seattle se presentó en el Foro Sol y los boletos se cotizaron hasta en 1,500 pesos de manera legal. Con la reventa, casi era necesario ofrecer un riñón a cambio de una entrada.

63 HAMBRE: I CAN’T GET NO SATISFACTION (OF EXPERIMENTATION)

Entre los creadores prevalece una necesidad imperante e irrefrenable por explorar nuevas vetas de inspiración. La canción verso-coro-verso, que en otros tiempos hizo la delicia de los oídos que permanecían pegados a la radio en espera de aprenderse algún nuevo y pegajoso estribillo, luce como dinosaurio extinto. Basta echarle un ojo (o una escuchada) a cada uno de los discos de Björk, en especial al Medúlla (2004), en el que prescindió de instrumentos y aprovechó las posibilidades de la voz, o al más reciente, Biophilia, que fue parcialmente desarrollado en un iPad y que se ofreció como una serie de aplicaciones para el artefacto. El apetito por experimentar nos ha dejado paladear extraños sonidos, como los que en su momento brotaron de los monitos virtuales de Damon Albarn en Gorillaz, o del ahora tan controvertido disco Lulu, realizado en colaboración entre Metallica y Lou Reed. De hecho, existen formaciones que rompen con la estructura convencional de las bandas de rock: desde aquellas que se olvidaron de incluir un bajo, como Yeah Yeah Yeahs, No Age o White Stripes, hasta quienes se valen únicamente de las vocales y las baterías, como el grupo originario de California OM, integrado por Al Cisneros y Emil Amos, quienes emulan las formas musicales de los antiguos monjes tibetanos.

Van Canto es una banda alemana de metal que en lugar de guitarras, se vale de un conjunto de cinco vocalistas para que cada uno haga el sonido de un instrumento. La experimentación no conoce límite alguno, por lo que resulta muy emocionante imaginar qué escucharán nuestros nietos en el postapocalipsis. Si hoy en día es prácticamente imposible hablar de géneros puros (trans-psicodelic-urban-mathematical-jungle-pyscho-speedfolk-acoustic), después de la destrucción del mundo será casi imposible acomodar discos (que seguramente habrán desaparecido) en los estantes de las tiendas.

MUERTE: R.I.B (REST IN BYTES)

En los terrenos de la música, la muerte llega cada vez que una nueva tendencia, moda o conducta adquiere más simpatizantes. Unos dicen que sí, otros que no, pero es un hecho que el disco compacto, como formato de comercialización musical, está más que nunca cercano a desaparecer.

El MP3 y la digitalización ofrecen cualidades que ningún círculo de policarbonato de plástico tiene. De entrada, el iPod mandó al cementerio a los Discman. Poco falta para que no se consigan reproductores para esas esferas obsoletas que ya ni en los autoestéreos tienen cabida –hace mucho que quienes conducen con música de fondo, prefieren aquellos con puerto USB–. En los reproductores de MP3, el viajero puede almacenar mucha más música de los que nuestros abuelos soñaron atesorar en sus entrañables fonógrafos, pero en los terrenos de la música, existen muchas más cosas que podemos identificar como enfermos terminales. Aquellos legendarios e interminables conciertos en los que como entrada pagaba uno con un kilo de arroz, son piezas de museo, pero más allá de eso, ¿alguien ha intentado comprar un boleto en una taquilla? La tendencia apunta hacia las tarjetas de crédito e Internet como únicas formas de acceder al Paraíso de la Música en Vivo. Es probable que los Cuatro Jinetes aguarden por nosotros a la vuelta del siguiente tweet. M Más de este tema en

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DECULTO::CINE

Una vez más la fecha se acerca. Después de tantos intentos de la humanidad por deshacerse de ella misma, de haberlo imaginado una y otra vez tanto en libros proféticos como de charlatanes, revistas, reportajes y películas, la forma se transformó multiplicando sus posibilidades: el 2012 está a la vuelta de la esquina, y de nueva cuenta, el fin del mundo será experimentado por los hombres. ¿Cuántas veces hemos visto el fin de los finales en una película? Muchas más de las que podemos recordar de inmediato.

TXT:: ERICK ESTRADA.

LA HECATOMBE NUCLEAR

El día después (1983, Nicholas Meyer).

Un año antes de que las profecías de George Orwell fueran confirmadas –o desechadas–, durante los últimos años de la Guerra Fría apareció esta película hecha para la televisión, que materializó los miedos más grandes de la época: no morir en un ataque nuclear para ver lo que ocurriría 24 horas después. En esos años nadie podía dejar de hablar de ella, ya fuera en el recreo de la primaria o en el trabajo... aunque no la hubieran visto.

Dr. Strangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964, Stanley Kubrick).

Incluso directores de la talla de Kubrick se han ocupado del tema. En este caso, se trata de una comedia negra y corrosiva que retrata la estupidez militarista que gobernaba al mundo en la década de los sesenta, y que tuvo a la humanidad varias veces al borde del abismo. Es probablemente el fin del mundo con más humor y desesperanza que se haya filmado, en una mezcla que como la bomba del título es completamente explosiva.

Mad Max (1979, George Miller).

Al principio de la cinta, un letrero nos indica que entramos a un terreno peligroso, y muy poco después nos enteramos de que ese mundo que vemos, donde la violencia es igual a la supervivencia, es obra de una catástrofe nuclear. En el mundo de Mad Max, lo único que vale es matar para no morir, no importan las razones. Si hubo una película que rompió con el mito de un futuro mejor e hipertecnologizado –antes de las fechas orwellianas–, fue esta.

Terminator (1984, James Cameron).

Una máquina llega del futuro seguida de una especie de caballero andante que viene a pelear con ella. ¿El botín? La vida de una mujer que dará a luz a aquel que puede salvar a la humanidad, de un mundo post-explosión nuclear en el que las máquinas gobiernan el planeta. Ahora, el futuro no solamente no es luminoso y alegre, sino que está ubicado en un presente decadente y poco esperanzador.

El planeta de los simios (1968, Franklin J. Schaffner).

Todo está de cabeza: los simios hablan, los humanos no; los simios gobiernan, los humanos obedecen. La razón de todo se descubre al final –en uno de los mejores desenlaces en la historia del cine–, cuando los hombres son presa de una guerra nuclear. No hay nada tan fuerte y desconsolador que derrotar y contrarrestar en una película, al teórico sobre el que se basa toda la cultura evolucionista del hombre actual: al mismísimo Charles Darwin.

Miracle Mile (1988, Steve De Jarnatt).

De paseo por los famosos pozos de brea en Los Ángeles, un joven distraído recibe casi por accidente un aviso que puede convertirlo en héroe o en el último humano sobre la tierra: Estados Unidos y la Unión Soviética comenzarán una guerra nuclear en menos de media hora. La película colocó al miedo al fin del mundo en una alberca de dudas muy humanas, ¿te salvas tú?, ¿salvas a tu gente?, ¿salvas a todo mundo? Este dilema la hizo dar vuelta por las casas de todos tus compañeros del colegio.

LA VENGANZA DEL UNIVERSO

Impacto profundo (1998, Mimi Leder).

La leyenda de un meteorito golpeando a la Tierra, ha sido la pesadilla de más de uno de nosotros, y de prácticamente todos los gobernantes del mundo. ¿Qué se hace cuando la posibilidad aparece? Aquí no hay salvación posible, pero en este caso vale la pena echar un vistazo, ya que logró excluir el miedo de la fórmula, para insertar en su lugar el sentido común, pero sin cierta dosis de Apocalipsis: destrucción previa al impacto, saqueos, cosas que ya hemos visto.

Sunshine, alerta solar (2007, Danny Boyle).

Una nave espacial es enviada al Sol para tratar de reactivarlo. La energía se ha agotado y por ello la Tierra está envuelta en un invierno profundo, sin posibilidad de que las cosas mejoren, claro, a menos que el Sol comience a funcionar de nuevo. Ignorada en su momento, hoy se han señalado referencias teológicas, mitológicas y claro, hasta la ciencia encuentra que esa situación puede ser factible. ¿Profética? Por eso es hoy la favorita de los cine clubes de barrio.

La noche del cometa (1984, Thom Eberhardt).

Para las antiguas civilizaciones, la aparición de los cometas era signo de malas épocas, de catástrofes y desgracias. Aquí, para dos chicas es la señal de que el mundo terminará casi de golpe, y que ellas tendrán que lidiar con muchos de los salvajes sobrevivientes. Es la mezcla de dos temores fundamentales: la soledad y el caos post caída de la civilización. Pero también es un mensaje de girl power y de anti machismo, así que, ¡a revisarla cuanto antes!

Armageddon (1998, Michael Bay).

Otro meteorito se dirige en dirección a la Tierra, pero ahora hay que enviar una misión espacial que lo intercepte, lo divida y trate de aminorar el impacto. El ejército toma el mando, los gobernantes no saben qué hacer, y al parecer no hay escape –por lo menos no para todos–. Sí, el discurso es pro-militarista y patriotero a morir, pero los romántico-heroicos la aman justo porque es romántico-heroica… y porque la rola famosa es de Aerosmith… romántico-heroicos indiscutibles.

Meteoro (1979, Ronald Neame).

Otra enorme roca viene hacia nosotros, pero ahora y dada la época en que se filmó esta película, las dos grandes potencias (Estados Unidos y la Unión Soviética), deciden unir fuerzas para tratar de evitar la colisión. Además del reparto multiestelar, podemos considerarla clásica del tema y pionera en sus soluciones: plantea el trabajo coordinado de varios países, además de que en su momento entregó instantes de emoción pura. Entre el kitsch y el clásico B. La invasión de los usurpadores de cuerpos (1978, Philip Kaufman).

Nadie sabe por qué, nadie sabe cómo, pero de repente los seres extraterrestres comienzan a apoderarse de las conciencias de los hombres, y el exterminio inicia poco a poco. Están entre nosotros y parece que no Más de este tema en

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hay otro escape que volverse loco de terror. Se trata de una visión muy politizada y precisamente por eso es considerada todo un clásico. Paranoica y acusadora, su conclusión es tremenda como pocas.

LA VENGANZA DEL PLANETA

El día después de mañana (2004, Roland Emmerich).

El cambio climático no era una tomada de pelo: a través de la televisión, la humanidad atestigua cómo una gigantesca ola polar congela el hemisferio norte, aniquilando a millones de personas. Estábamos advertidos. La propuesta visual llega a tal ridículo, que justo por eso resulta una de las favoritas de la gente. Su exageración es tan descarada, que ya es un deleite visual incluido dentro de los mejores videos en VH1 Clásico. Imperdible por absurda.

2012 (2009, Roland Emmerich).

Profecías más, profecías menos, la Tierra ve el año en el calendario y sabe que es hora de sacudirse a los humanos de encima. Tragedia tras tragedia los hombres van muriendo y un arca de Noé peculiar salvará solamente a los más poderosos, pero de nuevo Emmerich lo consiguió: un malabarismo visual abigarrado e improbable hizo de esta una de las películas más exitosas en su año. Es casi de culto (a la mala) porque cuando el mundo se termina la verán y se darán cuenta que era imposible que ocurriera así.

El libro de los sueños (2010, Albert Hughes, Allen Hughes).

Algo ocurrió en la Tierra: aunque parece que hubo un ataque nuclear, el planeta está seco, contaminado y moribundo gracias a la sobre explotación.

No hay nada que ver, de ahí la importancia de que un hombre salve a un misterioso libro que todos los demás quieren poseer. Cuando una película hace que su héroe conserve y reanime un iPod clásico primera generación –a pesar de que el mundo se ha terminado–, debe considerársele una referencia obligada… y eso ocurre aquí.

Niños del hombre (2006, Alfonso Cuarón).

Llegamos al límite, alcanzamos la frontera. La naturaleza toma acción y decide que los humanos no podemos reproducirnos más. Sobrepoblación, sobre explotación, violencia y caos, son el reflejo de esa enorme venganza de la naturaleza. Niños del hombre tiene su lugar asegurado en el anaquel, no sólo porque en parte es mexicana, sino porque consigue uno de los planos secuencia mejor logrados de la década, claro, obra del señor Emmanuel Lubezki.

Soy leyenda (2007, Francis Lawrence). Omega Man (1971, Boris Sagal).

Ambas películas, a su manera, cuentan la misma historia. Una extraña enfermedad ha convertido a la mayor parte de la humanidad en vampiros, o algo similar, y el último hombre –el omega man que se convertirá en leyenda–, trata de averiguar por qué. Las dos son referencias obligadas –no por ser precisamente buenas–, sino porque confirman que el novelón escrito por Richard Matheson (Soy leyenda) en el que ambas se basaron, es demasiado para ser plasmado en una película… o dos.

Cuando el destino nos alcance (1973, Richard Fleischer).

Los recursos naturales son el nuevo petróleo. Nada alcanza y la civilización decide no solamente aceptar la eutanasia, sino alentar a la gente a que muera cuando ella decida. La comida escasea y el alimento más popular, el soylent green, esconde un caníbal y terrorífico secreto. En esos años era un disparate hablar de un futuro desolado, con políticos ejerciendo secretamente el mal en contra de sus gobernados. Por eso, la película llenó salas y alimentó sobremesas, aunque no con soylent green.

WALL-E (2008, Andrew Stanton).

Exprimimos al planeta. La vegetación y todo signo de vida está enterrado en ese afán de la civilización por poseer más, por inventarse necesidades para luego satisfacerlas a como dé lugar. La solución: abandonar la Tierra para olvidar ese ridículo ciclo de vida. Una película animada que habla en contra de las grandes conspiraciones, del consumo por el consumo, del triste futuro del cuerpo humano y de que la falsa felicidad, no es cosa de

todos los años. WALL-E habla de todo ello, pero sin decir una sola palabra al respecto. Su discurso visual es realmente genial y sorprendente.

The Road (2009, John Hillcoat).

Otro invierno eterno parece provocado por una guerra, pero en realidad es consecuencia de la sobre explotación y de la contaminación. En venganza, el planeta se ha llevado todo, incluida la esperanza en un futuro. Se trata –y este es su punto fuerte–, una adaptación de la novela de Cormac McCarthy, autor también de No Country For Old Men y All The Pretty Horses, así que ya imaginarán el poder detrás de las imágenes.

EL VIRUS UNIVERSAL

El planeta de los simios (R)evolución (2011, Rupert Wyatt).

Replanteando lo que la versión de 1968 narraba, en este Planeta de los simios se complementa la desgracia nuclear, gracias a la expansión de una enfermedad originada en el tronco que hace a los simios más inteligentes.

La ecuación de menos hombres y simios más brillantes, conduce al fin del mundo como lo conocemos. ¿Será de culto? Seguramente. Respeta a todas las anteriores, las reimpulsa, encaja en la saga y al mismo tiempo está metidísima en el siglo XXI, un viaje en el tiempo, total y absoluto.

Doce monos (1995, Terry Gilliam). ¿Qué fue lo que pasó? Un virus mortal aniquiló a millones de personas en la Tierra, y la humanidad es forzada a vivir en el subsuelo mientras la enfermedad desaparece... pero no lo ha hecho. Doce monos significó uno de los primeros discursos verdes alrededor del mundo, pero sin necesidad de regañar a nadie, de dar sermones o de ponerse cursi. Lo anterior, solamente lo consigue un director admirado y respetado como Terry Gilliam, quien se basó en un corto ya de culto: La Jetée, de Chris Marker.

28 días después (2002, Danny Boyle).

Un hombre despierta en la mesa de operaciones, está solo, y al abandonar el hospital se da cuenta de que no hay nadie en la ciudad. Poco después se entera también que los humanos restantes se contagian de una enfermedad que los convierte en animales sanguinarios. Tan solo, la escena inicial mostrando un Londres deshabitado, solitario y desolado, vale para que se le recuerde en cualquier compilación de cine de terror, por no hablar ni de su gran soundtrack, en el que Danny Boyle dejó claro que no necesitaba hacer otro Trainspotting, ni nada parecido.

Contagio (2011, Steven Soderbergh).

El murciélago equivocado contamina al cerdo equivocado, y de repente, se desata una epidemia mundial que al matar a millones de personas, evidencía también lo peor de los hombres ante una catástrofe. Lo más impactante, es que algo similar ha ocurrido varias veces en el mundo real. Contagio no se enfoca en el desastre, sino en la humanidad que parece amar esos desastres… y hasta provocarlos.

Cualquier hipocondríaco se sentirá mal a los tres minutos de la historia.

Epidemia (1995, Wolfgang Petersen).

Desde tierras tropicales llega un pequeño mono, portador de una extraña enfermedad mortal para los humanos, quienes al verse infectados, tratan de ubicar al animal para fabricar la vacuna que pueda detener la enfermedad. No solamente colocó a Dustin Hoffman como al salvador de la humanidad, o asesinó a Rene Russo (bueno casi), además, con el duelo de órdenes a un piloto militar hacia el final de la historia, entra en la lista de las más absurdas. Por eso merece estar en este conteo.

The Stand (1994, Stephen King).

Se trata más bien de una serie de televisión, en la que un virus mortal muy volátil aniquila a casi toda la población del planeta. Los sobrevivientes, agrupados en dos bandos, tienen que enfrentase para ver cuál de los dos conservará la vida. La serie está basada en un libro de Stephen King del mismo nombre, una obra que es revisada constantemente. Esa batalla entre el bien y el mal nunca ha podido ser llevada al cine de manera tan convincente y poco obvia, en ese sentido, The Stand representa todo un logro. M

DECULTO::ARTE ienvenidos al estudio del artista de vanguardia, aquí no hay pinceles ni lienzos ni botellas de whisky medio vacías; en su lugar hay probetas, guantes de látex y cultivos de células. El taller no está en el barrio de moda de la ciudad, sino en alguna unidad del MIT —Instituto de Tecnología de Massachusetts— o en el laboratorio de una universidad.

“Somos activistas aguerridos que buscan la transformación infinita, vencer a la muerte y explorar el universo”, reza el manifiesto del movimiento artístico transhumanista. Esta corriente, que une arte y ciencia pura, nació en 1982, liderada por la artista estadounidense Natasha Vita-More.

Su objetivo es lograr la vida eterna por medio de la mejora de nuestras capacidades, lo cual culminaría en una nueva generación de “posthumanos”, seres con las facultades del androide más avanzado, fuerte e inteligente.

HOMBRE, MUJER O QUIMERA

Y esa entidad ya existe, por lo menos en la mente de Natasha, que diseñó el prototipo en 2005 y lo llamó “Primo Human”.

La artista, actualmente candidata a un doctorado por la Universidad de Plymouth, en Inglaterra, lo visualiza capaz de cambiar de sexo y de regenerarse por completo (por dentro y por fuera), tres veces más inteligente que un humano, optimista a toda prueba y, por si fuera poco, sexy (natasha.cc/primoguide.htm). Pero no crean que se fumó un churro y empezó a dibujar, no, al menos 12 especialistas de diferentes ramas, como nanotecnología, gerontología, nanomedicina y robótica intervinieron en su diseño. Quizá su obra esté aún muy lejos de la realidad, lo cierto es que ya utilizamos pastillas para modificar nuestro comportamiento, prótesis para reemplazar nuestros órganos o miembros, y ya hay robots capaces de hablar e incluso de cuidar a un ser humano enfermo.

En lo que va del siglo, la fusión del arte y la ciencia ha dado frutos tangibles y bastante polémicos. Las exploraciones artísticas han ido más allá de los ideales del transhumanismo para explorar otros seres y temas.

La incorporación de la robótica, la genética, la astronomía, la cibernética, la neurociencia y la biotecnología al mundo del arte ha derivado en otras corrientes, como el bioarte, el arte híbrido y el arte espacial.

EL HOMBRE DE LAS TRES OREJAS TXT:: REGINA ZAMORANO.

Si el fin del mundo se acerca, la salvación podría estar en el lugar menos pensado. Hay artistas creando carne artificial, orejas cultivadas, preservando especies o modificándolas. No es ciencia ficción, es el arte del siglo XXI. Más de este tema en

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Si Van Gogh hubiera sido nuestro contemporáneo, su oreja tasajeada no hubiera sido problema. Podría haber tomado un avión a Londres y visitado a Stelarc, el artista australiano que se implantó una oreja de células cultivadas en el brazo, en 2003. Por medio de Bluetooth, internautas de todos los rincones del planeta pueden captar lo que ese pedacito extra del artista “oye”, aunque ha tenido algunas infecciones causados por los micrófonos miniatura.

A pesar de ello, Stelarc planea que su tercer oído funcione como una especie de teléfono. La oreja en su brazo sería el auricular, y su cabeza la bocina. Así, si abre la boca y hay una persona cerca de él, ésta podría

escuchar la voz del que llama, si la cierra, Stelarc escucharía la voz en su cabeza al más puro estilo de Being John Malkovich. Esta obra explora el tema de la otredad, al tiempo que aumenta sus capacidades, porque para él, “el cuerpo humano es obsoleto” y “no está bien organizado. Necesita estar conectado a Internet de una manera más íntima”. El artista también se fabricó una tercera mano y un brazo robotizados, controlados a distancia por Internet, los cuales utiliza en sus performances.

ESCULTURAS SEMIVIVAS Y CARNE ARTIFICIAL

¿Dónde fabrican esas maravillosas orejas que hubieran sido la delicia de Van Gogh?

En Symbiotica, un laboratorio artístico y tecnológico, anexo a la Universidad de Australia Occidental, donde comenzó el “Tissue Culture and Art Project” (tcaproject.org).

Oron Catts y Ionat Zurr, dos artistas-científicos, desarrollaron la biotecnología que permitió generar la oreja de Stelarc con sus propias células. En el año 2000, con la misma técnica, habían creado unas muñequitas semivivas de tejido cultivado, las cuales se exhibieron en el Electronica Arts Festival, en Austria.

Fueron las primeras esculturas vivas, fabricadas a mano a partir de polímeros biodegradables (moldes alrededor de los cuales crece la “piel”) y suturas quirúrgicas. Están basadas en unas artesanías guatemaltecas: las muñequitas de los pesares, esas que vienen en una cajita y les cuentas tus penas antes de dormir. Pero las preocupaciones que Catts y Zurr querían aliviar eran mayores: el capitalismo, la eugenesia, los dilemas de la biotecnología y la demagogia.

En 2003, presentaron “Disembodied Cuisine” (Cocina desencarnada), en Francia. En esa ocasión generaron tejido de músculos de rana para exhibirlos y después comerlos en un performance. La idea había germinado en la Escuela de Medicina de Harvard, en el año 2000, cuando crearon un corte de carne de cordero a partir de las células de una oveja nonata. Mmmm, delicioso…

Por supuesto, todo esto es para concientizarnos sobre cómo usamos otros seres vivos para alimentarnos, pero podría sernos muy útil cuando llegue la hambruna del Tercer Jinete del Apocalipsis, ¿no creen?

DESTELLOS EN LA OSCURIDAD

En Francia, en el año 2000, nació Alba, una pequeña coneja fruto de la unión genéticamente manipulada de un conejo y una medusa fosforescente, Aquarea Victoria.

Gracias a ello, Alba resultó albina en la luz y verde fluorescente en la oscuridad.

La conejita fue idea del artista y científico francés Eduardo Kac, quien busca nada menos que inventar nuevas formas de vida a través del arte.

Alba, su “obra de arte transgénica”, ya murió, pero pronto se inventó una nueva mascota, su “plantanimal”, un híbrido de petunia y su propio ADN, llamada Edunia. El proyecto le tomó cinco años y finalmente, en 2009, presentó la primera flor con “sangre humana en sus venas”, la cual es visible en los pétalos del ejemplar.

También atraída por la fluorescencia, en 2006, Hunter Cole, genetista y artista estadounidense, realizó una serie de “dibujos vivos” con bacterias bioluminiscentes, es decir, que brillan en la oscuridad (livingdrawings.com).

La científica acomodó los organismos para crear sus obras, y conforme éstos morían, el dibujo se apagaba. Hunter también compuso música basada en la secuencia del ADN de las mismas bacterias.

JARDINES CONGELADOS

El artista británico Marc Quinn no es tan radical, él, como buen britartist, se deja llevar por sus caprichos, digo, inspiración. Un día quiso unir ciencia y arte y así creó su obra “Garden” (2000). En un tanque con 25 toneladas de silicón líquido, metió mil especies de flores naturales de todas partes del mundo. Eternamente “vivas”, las flores están congeladas a -20°C, como suspendidas en el tiempo.

En esa misma línea de preservación de las especies, un año después exhibió su retrato y el de otras personas hechos con ADN clonado y bacterias. Desgraciadamente, sólo pueden admirarse con un microscopio.

Ahora sí, coleccionar arte nunca había sido tan útil como en estas fechas preapocalípticas. Encarga un retrato con tu ADN para preservar tu linaje, almacena varios kilos de bisteces cultivados en el refri, y haz cuanto antes un pedido de conejos fosforescentes que iluminen tus veladas en el refugio antibombas. M

M A R V I N R E C O M I E N D A

La tensión y la estructura.

Digamos

AT L A S SO UND PARALLAX 4AD

lo evidente: Parallax es la entrega más satisfactoria de Bradford Cox como solista hasta el momento; eso es un hecho. Discreto pero efectivo, permite al escucha la posibilidad de conocer cada una de las gradaciones musicales que Cox es capaz de decantar para este proyecto. El autor encuentra en su imaginación varios métodos de escritura y composición, ejecutados hábilmente en la superficie de la pista.

Tal acumulación de técnicas y pensamientos podría sentirse como una falta de unidad; pero en cada minuto de Parallax se hace perceptible la tensión estructural que da forma al álbum en su conjunto. Esa espacialidad tan inmiscuida entre David Bowie, Brian Eno o el mismo Lou Reed, presenta una descripción precisa de cierto universo personal.

Este pequeño “espacio exterior”, se engalana con la cantidad de estilos musicales que subyacen en el álbum; casi parece engañosa la forma en la que el escucha recibe una composición tras otra, refrescando en cada salto de pista, su idea sobre el disco. Y es que Parallax funciona perfectamente en varias instancias de la realidad, casi cualquier canción podría amoldarse como el soundtrack oficial del momento, sea éste una fiesta que conserva su entusiasmo inicial hasta las cuatro de la mañana; o una noche estrellada, vista desde la soledad insondable de un automóvil que ha desistido en moverse. Ahí tenemos la radiante “Mona Lisa”, con la agradable invitación a pasear entre nebulosas y micrófonos de cristal de “Doldrums”. La caída libre intergaláctica de la canción que da nombre al álbum, más que sugerir, reafirma la calidad de Cox como compositor y arreglista. El resultado de este disco es gracias a un conjunto muy estable de canciones, que consiguen abrir en cada nueva aproximación, una manera distinta de apreciar cada detalle.

T X T : : L u i s A rce .

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

The Beach Boys SMiLE Sessions Capitol

Tras grabar Pet Sounds al mando de los Beach Boys, y con el cerebro achicharrado por el ácido que se suministraba, Brian Wilson contaba con un plan magistral para SMiLE, el álbum en el que se encontraba trabajando en 1967: hilar dos piezas monumentales de pop perfecto, tal como los de Liverpool hicieron con Revolver y Sgt. Pepper’s… y estuvo a punto de conseguirlo, sin embargo, sufrió un colapso mental que le tomaría décadas remendar. SMiLE nunca vio la luz oficialmente – descartemos la versión que el propio Brian manufacturó en 2004, ya sin sus compañeros–, así que ahora estamos frente a las sesiones de grabación de un disco imaginado hace 44 años. ¿Y si ya todo es felicidad, podemos dar de brincos por su presencia? Pues no, porque revivir al surfista sonriente que todos llevamos dentro cuesta una fortuna, ya que el trabajo en cuestión viene envuelto en un empaque de lo más lujoso. Así las cosas, sin bronceador ni chicas en bikini a la vista, uno se pregunta: ¿vale la pena adelgazar la billetera? Y la respuesta es sí. Basta cerrar los ojos y escuchar “Surf’s Up”, aspirar profundo y regocijarse con las armonías de “Good Vibrations”, para notar que, efectivamente, el cielo sigue estando muy cerca de las playas de California.

T X T : : A le j andro G on z á le z C a s tillo .

La Banderville Mutante adolescente

Los Manejadores

Bee Gees 1st

Antes de lucir ridículo en la pista de baile, el combo australiano manufacturó una brillante joya.

The Zombies Odessey and Oracle

Opacado por la llamada “obra cumbre” de los cuatro greñudos de Liverpool, reluce entre las sombras.

El Otro Yo Abrecaminos

T X T : : C h u y B aca .

Rock de primer nivel hecho en México.

T X T : : C é s ar D aniel R o j a s .

Kurt Vile

Este es el Corán de la música pop. Ni más ni menos.

Después de un año de ausencia, La Banderville regresa con su segunda producción discográfica titulada Mutante adolescente.

Como su nombre lo dice, este disco retrata el estado adolescente de una banda en la búsqueda de su sonido. El álbum fue producido por Joselo Rangel, quien logro madurar a la banda con detalles más crudos, y con la fuerza que te hace querer ver a la banda en vivo. Mutante adolescente es una colección de 11 temas que van desde el poder de “Uhhh!!!” o “Vuelo”, hasta los sonidos dulces y extraños de “Los tiempos raros” y “Olmo”, sin dejar de lado “Afilada” en donde cuentan con la colaboración de Jessy Bulbo.

Mutante adolescente es un disco bastante recomendable, sobre todo al presentarnos un sonido evolucionado que no pierde la esencia que caracteriza a La Banderville. Se trata de una producción en la cual las guitarras y los sonidos contundentes asesinan a los banjos y los acordeones del pasado.

El disco Smoke Ring for My Halo fue catalogado a principios de 2011, como uno de los grandes lanzamientos del año. Kurt Vile recogió elogios y se ganó el mote de un artista joven atrapado en la mente de un viejo, ¿la razón? La música que hace sin reparos es un homenaje a viejas glorias del rock, y así mantiene un espíritu clásico, con guitarras, armonías y transiciones sin ninguna pretensión; lo cual se traduce la mayoría de las veces, en música directa. El EP So Outta Reach, continúa con lo creado en Smoke Ring for My Halo, de hecho, suena a una expansión con algunas sorpresas, como el corte “Downbound Train”, un cover al jefe Bruce Springsteen. Veinte minutos de viaje por terrenos de folk, pop y sicodelia.

So Outta Reach Matador Records

The Beatles Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Directo desde Argentina, una gran influencia para La Banderville.

Pixies Doolittle La guitarras afiladas y delirantes en su máxima expresión.

Zurdok Movimento Antena

Bruce Springsteen BORN IN THE U.S.A.

Innegable la influencia y el sonido: las canciones de Vile apestan a Springsteen.

Elliott Smith From a Basement on the Hill

Emparentado en el sonido y la adoración por el rock de los setentas.

Bob Dylan Bringing it all back home

Aunque a Vile le falta mucho camino por recorrer, su música es “aspiracionalmente Dylanesca”.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Metallica Lou Reed LULU Warner

T X T : : C é s ar D aniel R o j a s .

Wale Ambition Warner

Blu Mar Ten Love Is The Devil Blu Mar Ten Records

70

En la música existen experimentos afortunados, y otros que jamás debieron concebirse. Tal es el caso de Lulu, trabajo discográfico que une talentos que a priori suponían un cañonazo: por un lado, el ex Velvet Undergorund, Lou Reed y del otro, el probado sonido de Metallica. La combinación parecía predestinada al éxito, lamentablemente, en el camino algo falló. El disco está bien producido (el propio Lou Reed llevó los controles de ello). En su ejecución, las canciones parecen no tener ningún pero, sin embargo, la mayoría de los temas carecen de magia, amalgamiento o sinergia, y nada de esto llegó, a pesar de que los ingredientes así lo marcaban. Como un común denominador, las canciones tienen el inconfundible registro vocal de Reed (para muchos somnoliento), y de fondo el áspero sonido que ha caracterizado a Metallica. Sin embargo, al llegar el tercer track, parece que la fórmula se desgasta y comienza a ser repetitiva. Si acaso lo más rescatable del álbum es el tema “The View”, elegido por los músicos como el sencillo promocional de Lulu.

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Segundo disco de este rapero de raíces nigerianas nacido en Washington D.C., quien alguna vez trabajó con Mark Ronson –el Rey Midas de los productores– al ser uno de los artistas fichados para su discográfica Allido. En esta ocasión, Wale regresa con más reflectores –se cambió con Warner para esta producción– y con la ayuda de productores como Diplo y Tone P, creó un hip-hop con una fuerte carga de funk y R&B –no es casualidad que Ne-Yo esté entre los colaboradores–. Ambition cuenta con canciones que sin duda estarán ambientando bares y clubes, pues su estilo es fino y provocador. Al parecer, aquí comienza oficialmente la carrera de otro gran rimador que parece no escatimar en altivez, recordándonos al mismo tiempo que llegó para quedarse. Él mismo lo dice en el tema que abre, “Don’t Hold Your Applause”: “cansado de hacer dinero, ahora haré historia”.

T X T : : “ E l Jerga s ”.

Run- DMC / Aerosmith Walk this Way

“Walk this Way” es quizá uno de los crossovers más afortunados de la historia de la música, sin ir tan lejos, de ésta singular colaboración parió el rap metal.

Original Soundtracks 1 Passengers Un día, Brian Eno y U2 se fusionaron en el proyecto Passengers, e invitaron a unos amigos jugar con ellos: Luciano Pavarotti, Howie B y Holi. De este interesante experimento recordamos la canción “Miss Sarajevo”.

Arcade Fire / David Byrne The Suburbs (Delux Edition)

“Culture War” + “Speaking In Tongues”, una extensión de The Suburbs con la colaboración del ex Talking Heads.

Kanye West Graduation El niño malportado del rap. Un genio.

Ne-Yo Year of the Gentleman Desde Las Vegas, uno de los grandes y exitosos exponentes del R&B contemporáneo.

Mark Ronson Record Collection Por supuesto, si les gustó este disco de Ronson, les encantará Wale.

Blu Mar Ten es de esos grupos que nacieron durante el auge del jungle, justo mientras corría la primera mitad de los noventa. Desde entonces ha estado editando EP’s en cantidades generosas, a través de disqueras como Good Looking, Naked Music, Big Chill y la Exceptional Records. Los londinenses se saben mover entre los géneros del drum and bass, dreakbeat, techno, y hasta del house, siendo el primero de éstos el que mejor saben ejecutar, es natural, ellos estuvieron ahí cuando nació el género. Son autoridad. El mismo Fabio –legendario DJ del D&B surgido en los ochenta– declaró favorita del año a una de sus canciones, allá por el año de 1996, cuando editaron formalmente su primer sencillo “The Fountain”. Después de Natural History (2009), Blu Mar Ten regresa con otro larga duración que enaltece a esta gran corriente de la electrónica, siempre manteniendo cerca las raíces y la tesis que los han hecho sobrevivir a lo largo de los años.

T X T : : “ E l Jerga s ”.

Big Bud Infinity + Infinity Productor inglés que también ha trabajado con la Good Looking Records.

Venetian Snares My So-Called Life Canadiense con un estilo de D&B mucho más violento y rápido.

ASC Open Space Londinense que ahora reside en San Diego.

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PETER GABRIEL NEW BLOOD EMI

KITTY, DAISY & LEWIS SMOKING IN HEAVEN SUNDAY BEST

WILD FLAG WILD FLAG MERGE

Al saber que se trata de un disco de canciones viejas y con arreglos sinfónicos, lo primero que uno podría imaginar es que el nuevo disco de Peter Gabriel es una insoportable colección de temas pomposos, cursis y grandilocuentes. No resulta así, por fortuna. El ex Genesis tuvo el suficiente tino no sólo para elegir material relativamente menos conocido, sino para acudir al director y arreglista John Metcalfe, a fin de que las orquestaciones se alejaran de cualquier tentación bombástica y tomaran un camino más cercano a un minimalismo à la Philip Glass. De ese modo, piezas como “The Rhythm of the Heat”, “In Your Eyes”, “Mercy Street” o la maravillosa “Don’t Give Up” son recreadas con sutileza y contención para revestirse de cierta oscuridad conmovedora y límpida. No es el mejor disco de Gabriel, pero tampoco es un capricho senil de este gran músico que sigue dando muestras de su genio.

T X T : : H u go G arc í a M ichel .

Nativo del norte de Londres, este singular trío de hermanos (de apellido Durham) produce un rockabilly mezclado con country antiguo y rhythm’n’blues primigenio y lo hace de manera deliciosa y naïve. Smoking in Heaven es el segundo álbum de Kitty, Daisy & Lewis, y no hacen sino repetir lo que propusieron en su disco debut homónimo de 2009, sólo que esta vez con una mayor pulcritud y una mejor producción. Tal vez al escuchar el tema abridor (“Tomorrow”), uno pueda asustarse y pensar que se encuentra ante una de esas repelentes bandas de ska que pululan en nuestro país, pero es una impresión pasajera y de inmediato llega el alivio, sobre todo con los once cortes que complementan el plato. Hay algunas joyitas, como “Paan Man Boogie”, “I’m Going Back”, “Messing with My Life” y “I’m So Sorry” (colocada justo antes de “You’ll Be Sorry” en algo que parece una humorada). En síntesis, un disco muy disfrutable para espíritus vintage.

T X T : : H u go G arc í a M ichel .

Con toda la fuerza del mejor y más salvaje rock a la L7 o a la Sleater-Kinney, Wild Flag es un flamante cuarteto femenino conformado por Carrie Brownstein, Janet Weiss (ambas provenientes, precisamente, de Sleater-Kinney), Mary Timony (ex Helium) y Rebecca Cole (ex The Minders). La banda se formó a fines del año pasado y fruto de esa reunión es este su primer álbum, un trabajo que nos remonta a lo mejor del punk rock hecho por mujeres, sobre todo a principios de los años noventa del siglo pasado, aunque también hay influencias de gente como Patti Smith. Voces, guitarra, bajo, teclados y batería consiguen darnos una oncena de temas, que en su sencillez y potencia reivindican a ese rock alternativo ajeno a la música un tanto blandengue que impera en muchas agrupaciones, femeninas o masculinas, del llamado indie. Buenos riffs, furia interpretativa, desafíos letrísticos y sobre todo un muy buen sentido de lo que es el rock sin contemplaciones. Estupendo.

T X T : : H u go G arc í a M ichel .

DEEP PURPLE CONCERTO FOR GROUP AND ORCHESTRA

Uno de los primeros intentos sinfónicos del rock. Un muestrario de lo que no se debe hacer.

FRANK ZAPPA THE PERFECT STRANGER

De los varios discos orquestales de Zappa, uno de los mejores.

Quizá por la dirección de Pierre Boulez.

RICK WAKEMAN JOURNEY TO THE CENTRE OF THE EARTH

El exceso por el exceso. El disco que le dio la razón al punk.

IMELDA MAY MAYHEM Una absoluta delicia retro, hecha en Irlanda por una es-pléndida irlandesa. Una joya.

STRAY CATS STRAY CATS Rockabilly ochentero de pri-mer nivel y alto octanaje, con Brian Setzer a la cabeza.

THE BASEBALLS STRIKE! BACK Temas de la música pop más edulcorada en versiones divertidamente rockabilliescas. Desde Alemania con furor.

PATTI SMITH HORSES Un álbum fundacional, el disco con el cual comenzó mucho de esto.

SLEATER-KINNEY DIG ME OUT La reinvención del girl-punk es un clásico de los años noventa.

THE BREEDERS POD Kim Deal, Tanya Donelly y su lado alternativo de Pixies y Throwing Muses.

71

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Cowboy Junkies Demons Razor & Tie / Latent Records

The Decemberists Long Live The King Capitol

The Tiger Lillies Woyzeck & The Tiger Lillies Homebase Records

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Margo Timmins jamás aceptó acortar sus faldas y lucir más sexy –como pedía un ejecutivo–, y no le importó renunciar al impacto masivo y la fama. Lleva 25 años junto a sus hermanos, y ama plenamente la música de raíces a la que dedican su tiempo. Es un arte templado con paciencia y sabiduría. En ellos, el country y el folk toman una densidad narcótica donde la voz puede pasar de prístina a turbia. Esta es la segunda entrega de The Nomand Series, y el plan es editar cuatro discos en 18 meses, con un grupo de versiones del excelso compositor de Athens, Georgia, Vic Chesnutt –fallecido en 2009– (admirado por R.E.M. y hasta Madonna). Estos canadienses no conocen de moda alguna; defienden apasionadamente su oficio y convicciones. Este es su doceavo disco de estudio y no carece de brío y encanto. De sus 11 canciones me quedo con las 11.

T X T : : J u an C arlo s H idalgo .

Cowboy Junkies The Trinity Sessions

Inicio y cumbre de su carrera; grabado en una iglesia durante una sola noche y con un solo micrófono.

Vic Chesnutt North Star Deserter

El álbum más logrado de un músico al que ni la parálisis pudo aplacar.

Cowboy Junkies Renmin Park

Primero de la Serie Nómada, refleja la experiencia de Michael Timmins en China, mientras esperaba para adoptar un niño.

Otra exquisitez.

A Collin Meloy le bastaría con su timbre de voz y su habilidad para escribir para tenernos de su lado, pero al frente de su banda ha decidido tomar todo tipo de riesgos. Apenas el álbum que lo antecede, The King is Dead (2011), nos reencaminó hacia el estilo que identifica al grupo. Como talento no les falta, esas sesiones de grabación dieron el material que ahora se aprovecha en este EP de seis piezas. En este disco existe incluso un mea culpa: revisaron bandas que supuestamente no les gustaban – como The Grateful Dead– y ahora les coverean “Row Jimmy”.

En general, el disquito es sobrio y más acústico, las canciones poseen una personalidad propia y ahora se muestran con todo su mérito. Al parecer, Los decembrinos han conseguido el toque para saber cuándo explayarse y en qué ocasiones lo mejor es la contención; cómo pasar de la electricidad a lo orgánico sin perder nada. ¡A muerto el rey, que viva el rey!

The Decemberists The Hazards of Love Un disco tan complejo y barroco que los sumergió en intensas polémicas.

T X T : : J u an C arlo s H idalgo .

La manera en que el grupo de Paul Westerberg combinaba rock y country se nota que influye en Colin y compañía.

Cada desplante de este trío londinense es calculado y preciso; su concepto de cabaret obscuro, perverso y expresionista sería motivo de orgullo para Fritz Lang, Kurt Weill y Bertolt Brecht.

Quien se vaya con la finta podría pensar que predomina lo teatral, pero estarían fallando: musicalmente son virtuosos y dominan un montón de instrumentos acústicos. Ahora presentan su versión (estrenada en el Festival de Viena) de la obra teatral escrita por Georg Büchner, famosa porque quedó inconclusa debido a la muerte del autor. Aun así ha sido completada por varios creadores, e incluso Werner Herzog hizo una película con la historia basada en la historia real de Friedrich Johann Franz Woyzeck. Como es usual en los Lillies, hay un sentido fársico en el tono de sus piezas, aun cuando usan ritmos diversos como el vals, la polka o tintes de ópera ligera. Aquí lo siniestro es una forma refinadísima de arte (recientemente visitaron México).

T X T : : J u an C arlo s H idalgo .

The Decemberists The King is Dead

Tan eficiente y directo que los reconcilió con medio mundo.

The Replacements All Shook Down

Tiger Lillies (with Kronos Quartet) Gorey End Disco nominado a un Grammy en 2003, donde alternaron con el escritor e ilustrador Edward Gorey y el Kronos Quartet.

Tom Waits Blood Money

En este album hay varias canciones escritas para un musical sobre la obra en que participó el monstruo de Pomona.

Dir. Werner Herzog Woyzeck

El director alemán es un artista del exceso y la excentricidad.

Sus filmes son grandes clásicos del cine mundial.

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David Lynch Crazy Clown Time Play it Again Sam

Lo único sorprendente acerca de este álbum, es el hecho de que Lynch se haya tardado tanto en editarlo. La evocación de lo oscuro y lo perturbador a través de lo mundano ha sido una constante en la obra de este cineasta originario de Montana, y este disco no es la excepción. Los catorce temas oscilan entre un blues oscuro y lento, con reverberación, delays y beats bailables, hilados con sintetizadores análogos. La temática y las letras, de corte obviamente absurdo, ayudan a que el disco fluya y mantienen al escucha interesado. Exacto lo que podríamos esperar de Lynch: ni decepciona ni entusiasma.

T X T: : Je s ú s Serrano .

Tom Waits Rain Dogs

Folk rabioso y políticamente incorrecto.

Los Campesinos Hello Sadness!

Arts & Craft

Después del inconsistente sonido de Romance is Boring, el cuarto disco de Los Campesinos! se revela desde el comienzo como un segundo aire para la banda, mostrando que Gareth y compañía, aún tienen una clara idea sobre lo que sus experiencias personales pueden significar para el mundo. Aunque está lejos de las pasiones que motivaron los primeros álbumes de su carrera, en Hello Sadness! se hace tangible la maduración lírica y musical que ha experimentado la banda. No es que los temas sean distintos, es sólo que son tratados con mayor elocuencia y por supuesto con la misma cordialidad, casi heredada, de sus obras anteriores. Hay aquí una decantación maravillosa hacía la autoexploración y el entendimiento de algunas emociones, capaz de restaurar el ánimo de sus escuchas y dejarlos con una sonrisa casi melancólica.

De allí el afortunado título del álbum, Hello Sadness! : como recoger flores ante la luz templada de un olivar.

T X T : : L u i s A rce .

Scott Walker The Drift

Favor de escuchar este disco a la brevedad posible. Si ya lo ha escuchado, continúe con la lectura.

Timber Timbre Creep on Creepin’ On

Macabro, entretenido e intelectual.

Comet Gain Realistes

Tomen la estética de LC!, pero añádanle una completa falta de respeto por la dulzura. Los resultados son estupendos.

Saturday Looks Good to Me Love will Find You

Como recoger limones en una colina, ante una noche como cualquier otra, como esa sola.

Envelopes Demon

Cantautor chileno que supo desprenderse de Javiera Mena, y que en su segundo disco demuestra igual gusto por la música folclórica que por el electro pop.

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SPARTACUS Director: Rick Jacobson y Steven S. DeKnight Reparto: Andy Whitfield, Dustin Clare Género: Bélica País: USA Año: 2010 La primera transmisión de Spartacus: Blood and Sand inició el 22 de enero de 2010 en EU, y desde entonce ha generado un peculiar séquito de fervientes seguidores. Para ellos, tenemos la primer temporada de la serie en formato DVD. Esta contiene 13 episodios (con una duración de 50 minutos), en los que narran la vida de Spartacus, un guerrero singular que pertenece a un pueblo sometido por los romanos. En una de las batallas, este personaje encarnado por Andy Whitfield decide desobedecer la orden directa de la legión, y por consecuencia es condenado a luchar en la arena romana. Para no contarles el final, mejor cabe señalar que esta serie fue rodada en Nueva Zelanda, y resulta espectacular la cantidad de efectos digitales utilizados, sobre todo por su similitud con los de la peli 300. Por otra parte, en marzo de 2010 Whitfield fue diagnosticado con un linfoma no-Hodgkin, lo cual retrasó la producción de la segunda temporada. Más tarde, en junio del mismo año se anunció que gozaba de buena salud, pero septiembre de 2011 murió por complicaciones de la enfermedad.

Planeta de los simios (R)evolución Dirección: Rupert Wyatt Reparto: James Franco, Freida Pinto, John Lithgow, Andy Serkis, Tom Felton, Brian Cox Género: Ciencia ficción País: USA Año: 2011 Hollywood parece tener un problema con la creación de películas originales; últimamente, tres de cada cinco películas son secuelas o remakes. Ah, claro también están las precuelas. Continuando esta nueva tradición hollywoodense, llega The Rise Of the Planet of the Apes. La película original salió en los 60 y ya existe un remake cortesía de Tim Burton, que recibió merecidísimas críticas negativas.

Esta nueva versión corre a cargo del director Rupert Wyatt y la protagoniza James Franco. Contando la historia de César, el chimpancé responsable de la rebelión de sus congéneres, esta cinta se trata de una visión contemporánea de la mitología de la saga, y a pesar de que el filme resulta espectacular a la vista, su verdadera fuerza reside en el relato mismo y en los personajes.

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R E S E Ñ A S L I B R O S 3 X 1

Kirmen Uribe

Un vuelo entre el país vasco y la urbe de hierro abre una puerta dimensional para que tres generaciones puedan ser narradas. Así desfilan las vidas del abuelo Liborio, el padre José y el hijo, el propio Kirmen, quien decide extrapolar la saga familiar a la transformación de su propia región autonómica. El escritor decide aclarar su pasado al tiempo que refuerza su identidad. Lo mismo inserta el cuadro de gran formato de Aurelio Arteta (al que dedicó el abuelo su último aliento), que recurre a páginas de diarios, fotografías y correos electrónicos. Con toda esa pedacería arma un collage que alude a la época franquista, que está lleno de historias de marineros y que acepta evocaciones del exilio mexicano. Es una prueba irrefutable de que la micro-historia resulta más apasionante que el “gran discurso oficial”. En ella, un escritor traza su relación con el oficio e incluso explicita sus dudas: “[quería] novelar mi mundo, llevarlo al papel. Pero ¿cómo hacerlo? ¿Debía inventar nombres ficticios o aparecería yo como narrador?” La respuesta la obtienen de la actriz Meryl Streep, cuando le preguntan ¿Hoy en día sirve para algo la ficción? y responde: “Si cuenta cosas verdaderas, sí”.

T X T : : JU A N C A R L O S H I D A L G O

Kirmen Uribe Mientras tanto dame la mano

Este libro de poemas supuso para la crítica una amable revolución de la literatura vasca.

Kepa Junkera Ultramarinos & Coloniales

El gran acordeonista vasco aboga por las tiendas de barrio de Bilbao y hace un disco; un alegato nostálgico al igual que lo es la novela.

Aixa de la Cruz De música ligera

Otro talento emergente del país vasco; ahora también finalista en el Anagrama de novela.

Bilbao-New York-Bilbao Seix Barral

Ricardo Menéndez Salmón La luz es más antigua que el amor Seix Barral

Tras una trilogía dedicada a especular sobre el mal, este español crea un retablo conformado por tres grandes secciones dedicadas a recrear pasajes de grandes artistas (dos inventados y uno real: Mark Rothko).

Todos obsesionados con encontrar explicaciones para su trabajo: “De los demonios que acechan al creador a lo largo y ancho de sus tareas, ninguno tan angustioso como la carencia de sentido”. El conjunto se completa con la presencia del autor zurciendo una prenda meta-literaria (es una disfrutable rareza encontrar un segmento en que plantea como sería el día en que reciba el premio Nobel, casi ningún escritor asume conscientemente tal deseo). La obra es ambiciosa. Va de un pintor del siglo XIV a un exiliado del régimen socialista, que tras conocer a Stanlin terminará su vida comiéndose su propia obra. En medio, Rothko intenta explicarse a sí mismo. El ejercicio narrativo permite que se filtren interesantes reflexiones: “El hombre pinta porque la Naturaleza sola no basta. O dicho de otro modo: el hombre pinta porque el hombre no es sólo Naturaleza, sino también cultura, y la cultura es el atajo no sólo para dominar, comprender y, en ocasiones, refutar a la Naturaleza, sino para consolarse de ella, de su indiferencia”. Hay que tener algo de audacia lectora para aventurarse con esta novela.

T X T : : JU A N C A R L O S H I D A L G O

Diles que son cadáveres Ed. Mondadori 76

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La trilogía del mal, primera parte.

Ricardo Menéndez Salmón Derrumbe

La trilogía del mal, segunda parte.

Ricardo Menéndez Salmón El corrector

La trilogía del mal, tercera parte.

T X T : : JU A N C A R L O S H I D A L G O

La tarea que emprenden los personajes de este libro, de entrada parece descabellada y delirante: recuperar el bastón que el poeta Antonin Artaud dejó en la catedral de San Patricio en Irlanda. Tal misión es emprendida cuatro personajes convocados para buscar ésa reliquia.

Tras cerrar una trilogía de novelas dedicadas a una saga familiar, a Soler le vino bien escribir una obra que enorgullecerá a la Orden del Finnegans, a la que también pertenecen Enrique Vila-Matas y Eduardo Lago, entre otros. La fascinación por la enloquecida personalidad de Artaud y su legado –alucinado y místico– pone en marcha un engranaje complejo pero funcional. El mundo entendido y vivido como literatura – idea totalmente vilamatiana– auxilia a Soler a redimensionar su periplo narrativo. El tamaño del empeño es grande, así como su probable recompensa. Vale la pena acompañarlo en su búsqueda.

Jordi Soler

Ricardo Menéndez Salmón La ofensa

Jordi Soler Los rojos de ultramar

La primera de tres novelas dedicadas a sus antepasados.

Enrique Vila-Matas Dublinesca

Otro viaje de búsqueda existencial y literaria, pero acá la figura de Joyce es el móvil.

Jordi Soler Salvador Dalí y la más inquietante de las chicas yeyé

Aparecido de manera simultánea a Diles que son cadáveres, aún no se consigue en México.

R E S E Ñ A S G A M E R

Halo:

Combat Evolved Anniversary

WWE ‘12 Calif: 4/5 Distribuidor: THQ Consola: Xbox 360 y PlayStation 3 Género: acción Número de jugadores: 2 Clasificación: T (adolescentes) Fecha de salida: noviembre 2011 Cada año, THQ nos renueva el juego de lucha libre por excelencia. Conocido anteriormente como Smackdown Vs Raw, las nuevas versiones actualizan las alineaciones de los luchadores y ofrecen mejoras menores –nada que hiciera gritar a un fan de la WWE para adquirir la versión más reciente–. Este año, la cosa ha cambiado: con un giro inesperado, WWE ‘12 llega totalmente reinventado, con una nueva tecnología llamada Predator Technology, la cual permite una experiencia de juego fluida, dinámica, llena de acción y extremadamente dinámica, logrando el mejor juego de lucha libre disponible hasta el día de hoy. Además, cada round ahora simula la sensación de estar viendo un show en el televisor. Tengo que decirlo –sin importar qué opines de la WWE o de los juegos anteriores de THQ–: esta edición ha superado a las anteriores, demostrando que se pueden hacer cosas grandiosas y, sobre todo, divertidas. Si te gusta la lucha libre, este es el juego a elegir.

T X T : : C A R LO S G U T I É R R E Z .

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Calif: 4/5 Distribuidor: Microsoft Consola: Xbox 360 Género: acción en primera persona Número de jugadores: 1-4 Clasificación: M (mayores de 18 años) Fecha de salida: noviembre 2011 Qué mejor manera de conmemorar el aniversario de uno de los juegos más representativos de la última década, que con esta reedición que, además trae de vuelta al viejo Master Chief, incluye gráficas mejoradas en alta definición en el Xbox 360, las cuales pueden cambiarse en tiempo real por aquellas imágenes viejitas y “borrosas” del Xbox original. Aquí podremos valorar el Halo original, pero sobre todo, apreciar las increíbles mejoras de esta edición. Pero no todo es cuestión de estética: ahora se incluyen nuevos modos cooperativos para jugarse en Xbox Live, y un gran paquete de los mapas más populares del multijugador. También encontraremos nuevos retos, y por supuesto, un poco más de la historia en el universo Halo. En resumen, se trata de un clásico que merece ser jugado de nuevo, para pelear con el casco de Master Chief, defender la Tierra de una raza alienígena, y descubrir los secretos que esconde el enigmático halo de este universo, que ha llegado a libros, novelas gráficas y juguetes de todo el mundo. Una compra cuasi obligada para los amantes de los juegos de acción.

RR EE SS EE ÑÑ AA SS LMI ÚN SK ISC A 3 X 1 T X T : : E L "J E R GA S ".

The Verge

Piu’bici

Book Mania!

Idioma: inglés Link: www.theverge.com

Idioma: inglés Link: piubici.tumblr.com

Idioma: español Link: bookmania.me

Soy un romántico de lo visual. Este sitio me atrajo primero por su gran diseño y después por su increíble contenido y línea editorial.

Es un esfuerzo apenas fundado este año, buscando ser un faro para todo aquel seguidor de la tecnología.

Y llega el momento Tumblr. Este va dedicado a Piu’bici, donde encontrarán muchas imágenes de bicicletas: unas estacionadas, otras usadas para trabajar, y algunas más transportando a alguna bella mujer.

Archie es un aspirante a literato que actualmente estudia en Manila, Filipinas. Su blog comenzó como un sitio para citar frases encontradas en libros, pero ha evolucionado a un compendio de fotografías de librerías, bibliotecas y estantes; recomendaciones, reseñas y artículos relacionados con los libros.

Beto y Enrique en tu GPS

Take This Lollipop

Lucky Bastard

Idioma: inglés Link: http://bit.ly/tQj6ZI

Idioma: inglés Link: www.takethislollipop.com

Este par de queridos personajes de Plaza Sésamo, son parte de la serie de GPS que hace Tom Tom usando voces célebres, en lugar de una genérica aburrida. Otros que han prestado su voz: Darth Vader y Yoda.

Una de esas aplicaciones que se conectan a tu Facebook, para mostrarte un video bastante interesante y espeluznante.

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Idioma: español Link: luckybstrd.tumblr.com Blog de esta tienda de moda ubicada en la colonia Roma. Contenido fresco de música y ropa.

ELPILÓN::

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

El fin del mundo como lo conocemos Imagen de Dr.José Luis de Jesús Miranda ( "Papi" )

claramente que el Diablo fue destruido, pero las religiones siguen diciéndonos que existe. Nos llaman secta diabólica cuando somos lo únicos que dicen que el Diablo no existe. No tiene lógica.

Además Dios quitó el pecado, los que nacimos después de la cruz no tenemos pecado, la gente confunde este concepto; el pecado son cosas espirituales, no carnales, si te emborrachaste no es pecado, esos son errores de la carne.

Entrevista con

Rodolfo Tinoco y Rodríguez ¿Qué es el Ministerio Internacional Creciendo en Gracia?

Rodolfo Tinoco y Rodríguez: Es un centro de enseñanza bíblica para que la gente no se deje engañar por otras religiones. No tenemos rituales, no es una religión, es un centro educativo. La diferencia principal entre nosotros y otras religiones, por ejemplo la católica, es que ellos nunca enseñan la Biblia, no estudian la palabra de Dios. Nosotros manejamos el evangelio dado por Dios, no por los hombres. Nosotros le enseñamos a la gente que está sana, que es rica, que no le falta nada, que hay obras preparadas por Dios de antemano para su vida, que hay ángeles protegiéndolos, que son hijos de Dios, eso es lo que debemos comunicar.

Les enseñamos a reinar en la vida con tres cosas: el poder de Dios, el amor, y el dominio propio. Si haces todo con amor la cobertura angelical funcionará bien, y el dominio propio nos enseña a distinguir el bien del mal.

Puedes hacer lo que quieras pero debes tener un límite, que el vicio del cigarro, del vino o la droga no te domine a ti, sino tú a él con la mente.

En algunas ocasiones le han llamado a su organización una secta…

RT: Si usted lee Hebreos 2:14, ahí dice que Dios participó en Jesús de Nazaret con el propósito de quitar el pecado y destruir al Diablo, y dice

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¿Qué o quién es Jesucristo hombre?

RT: El Dr. José Luis de Jesús Miranda. El cambio de rumbo del mundo inicia en 1946, cuando nace Jesucristo hombre, sin saber que era Jesucristo. Fue tal como le pasó a Pablo cuando iba camino a Damasco y se le apareció Dios, ya no como Jesús sino como Dios, y lo llevó al paraíso para darle el evangelio. Así mismo, en 1973 se le apareció Dios al Dr. José Luis de Jesús Miranda, e integró la mente de Jesús dentro de él: por lo tanto, es el Dios vivo que nosotros seguimos.

La gente sigue pensando que hay una trinidad, y no es cierto, Dios es uno; cuando se le apareció a Moisés era Dios, y el que resucitó era Dios y el actual Dr. José Luis de Jesús Miranda es Dios.

Cuando nosotros nos acercamos al Dr. José Luis de Jesús Miranda y lo vemos en su carne, es igual a nosotros; usa lentes, va al dentista, va al baño, se viste elegante o tropical, y eso le causará problemas a algunos. ¿Cómo va a ser él Dios? dicen cuando lo ven tomando un whisky, pero él es un ser humano igual que nosotros, y por eso se llama Jesucristo hombre, como está escrito en la Biblia. ¿Qué va a pasar el 1 de julio del 2012?

RT: Jesucristo hombre se va a convertir en un ser inmortal y con un cuerpo glorificado, es una promesa de la historia del mundo. Para entender esto hay que leer el Apocalipsis y entender cómo fue escrito. Cuando Juan escribe este libro ya era un persona vieja y su mente se encontraba perturbada, ahí afirma que Pablo es el anticristo, pero en realidad Pablo es el primer cristiano de la historia y los que seguimos sus enseñanzas somos los verdaderos cristianos, no los que andan ahí con sus pescaditos.

En el capítulo 13 del Apocalipsis se habla de 42 meses. En ellos, Jesucristo hombre obtuvo el poder de la imagen, misma que le daría poder durante un lapso que vence dentro de 222 días, cuando vendrá lo que está escrito: lo corrupto –nuestro cuerpo y nuestra

carne– se vestirá de incorrupción, lo mortal será inmortal cuando Jesucristo hombre se transforme. Primero va a ser él, y después sus primicias. Después de la transformación entrará el gobierno glorioso de Dios a controlar lo que los hombres no han podido controlar.

Todas las fatídicas manifestaciones de la creación (terremotos, tsunamis, sequías, etc.) se terminarán. Empezará una nueva etapa, como cuando Noé recibió instrucciones de Dios para hacer algo que parecía una locura: crear una arca en tiempos de sequía.

La Biblia habla de que dos terceras partes de la humanidad desaparecerán, pero no por arte magia: la gente que no está espiritualmente educada va a cumplir su ciclo. Hay tres etapas: las primicias, después vendrá la segunda vigilia, para los que no pudieron creer (como Santo Tomás, hasta no ver no creer) que por fin crearán al ver la manifestación. Y por último habrá una tercera vigilia, que aún no sabemos cómo será, porque nuestro Dios no nos lo ha dicho. ¿Cómo se mantiene esta organización?

RT: No a través de limosnas, Dios no es limosnero, Dios era rico, la iglesia te lo quiere pintar como pobre, pero él se empobreció en la cruz para hacernos ricos a nosotros.

En aquel entonces él tenía el vehículo más moderno: un burro, y tenía las vestimentas más finas, tomaba el mejor vino y cuando no había lo creaba. No era pobre, era humilde que es muy diferente.

Jesucristo hombre es nuestro padre, y de cariño le llamamos “papi”, cosa que a mucha gente le molesta, así como que le demos regalos… pero si tú tienes un padre y está en tus posibilidades, querrías darle lo mejor y eso no les afecta a los demás. Tú tienes papá, lo amas y te gusta darle regalos ¿no?

Sí, pero tu “papá” es el Anticristo…

RT: Sí, eso dicen los enemigos de él.

Pero él lo dice también…

RT: Pero él lo dice en forma irónica, como burlándose, porque él es Dios, él puede hacer lo que quiera. Yo he estado con él cuando explica claramente que no es el anticristo. Lo que pasa es que la gente no cree, ve todo negativo y hay que dejarlos.

Habrá justa retribución para ellos, toda la gente que se ha metido con Jesucristo hombre, para su desgracia, ha sufrido tragedias tremendas. M