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DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO ANGELIKA BARBEYTTO angelika@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y CONTENIDO WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com CONTENIDO WEB ARTEMISA HERNÁNDEZ artemisa@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com COORDINADOR DE MODA ESTEBAN ARZATE kwa@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com FOTOGRAFÍA OzCorp, Nicole A. Klinckwort, Mariel Argüello, Oscar Hernández. ILUSTRACIÓN Yana y Daniel Terán. COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luis Arce, Jorge Arias, Chico Migraña, Erick Estrada, Daniel Fragoso, Rogelio Garza, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, “El Jergas”, Alejandro Mancilla, Hugo García Michel, Sophie Raymond, Juan Carlos Reyna, Jesús Serrano, Rafael Toriz, Jasiel Villa, Regina Zamorano.

CARTA EDITORIAL

Aunque la Real Academia Española no acepta el término coloquial freak, dentro de la cultura pop existen infinidad de referencias a esos personajes caracterizados por una condición “anormal” o alguna mal formación física, y por ello no nos resulta ajeno el significado de la palabra inglesa. Quizá fue con la cinta Freaks dirigida por Tod Browing en 1932, que se inauguró una fascinación de mayor alcance hacia lo diferente, sin embargo, en la historia de la literatura existen amplias referencias a personajes que participan de lo freak: basta recordar los desplantes narrados en El quijote, o los delirios de Raskolnikov y Gregorio Samsa registrados en Crimen y castigo y La metamorfosis respectivamente. Como señala atinadamente el escritor español Javier Cercas, definir qué es y qué no es un freak resulta algo sumamente complejo, y cuando mucho podemos aventurar que “todo friki es un solitario; en realidad todo friki es un pandillero sin pandilla, porque siempre está en busca de la pandilla perfecta”. Actualmente, ser freak es parte del estabilishment, incluso se ha convertido en moda y no es raro ver quienes lo pretenden sin éxito, a manera de pantomima. Cada 25 de mayo se celebra el Día del Orgullo Friki en España, una fiesta temática dedicada este año a Star Wars; para ponernos a tono tenemos la saga completa en Blu-ray y memorabilia de regalo. Además, en portada tenemos a los Red Hot Chili Peppers, una banda mutante que siempre ha contado con músicos altamente freaks en su alineación. Viajamos a Venice Beach –ciudad donde inciaron su aventura funk– para entrevistarlos. Esperamos que no te frikees con las andanzas de Throbbing Gristle, Diane Arbus, Madge Gill, Marguerite Sirvins o Martín Ramírez, tan sólo algunos de los freaks a quienes rendimos culto en este número de septiembre. Vicente Jáuregui

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Retally, Juan Carlos Reyna, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp. C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx

MVN 94 SEPTIEMBRE 2011 RED HOT CHILI PEPPERS FREAKS

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaajr@hotmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com

CONTACTO MARVIN

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com www.marvin.com.mx

GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD. IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

Edición 94 correspondiente a: SEPTIEMBRE 2011. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título No. 12669 Certificado de Licitud de Contenido No. 10241 Certificado de Reserva de Derechos al uso Exclusivo. No. 04-2010-052714562400-102 MARVIN es una Marca Registrada.


CONTENIDO

06 Esencia Marvin. 08 BUENAS NUEVAS Noticias de música, cine y arte. 12 ESTILO Tendencias actuales. 13 GADGETS Lo último en tecnología.

16 18 22 24 26 28 30 62

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MÚSICA

Coordenadas Lollapalooza Girls. El espíritu de las canciones. Lenny Kravitz. Por fin, entrega un disco decente. The Rapture. Los punks también bailan. Beirut. Una extraña mezcla de tristeza y esperanza. Nirvana Nevermind: 20 años. Una crónica dos décadas aplazada. DE CULTO Throbbing Gristle. Deformando la civilización.

CINE

48 Don Gato y su pandilla. El (gran) final de la infancia. 50 El origen del planeta de los simios ¿Qué fue primero: el simio o la franquicia? 64 DE CULTO Cámara freak ¿El sub-sub-género del cine?

LITERATURA

28

36 RHCP EN PORTADA

54 David Byrne. De cabeza parlante a cabeza rodante.

52 56 60 66

ARTE

CÓMIC Jorge Tellaeche, artista plástico mexicano. Diane Arbus: la soledad de los diferentes. DE CULTO Art Brut. Los freaks también crean.

DE FONDO

34 Estigma.

COLUMNAS

42 Hablo porque tengo boca La cultura en manos de los incultos. Por Chico Migraña. Off The Record “Saben que soy gay, ¿no?” Por Arthur Alan Gore. 43 Bajo Presupuesto De freaks falsos y freaks verdaderos. Por Hugo García Michel. Termómetro de riesgo Fanatismo Fenómeno. Por Juan Carlos Reyna.

MODA

24

50

44 El mejor invento, desde la música.

RESEÑAS

MÚSICA 68 / CINE 74 / Libros 76 / Gamer 77 / Links 78

80 EL PILÓN Bern Baños. Toloache Toys.

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ESENCIA MARVIN 26

SONIDO SAN FRANCISCO Y DJ AZTEK 732

N

i la lluvia de julio pudo impedir que se celebrara una de las mejores fiestas en lo que va del año: la Esencia Marvin 26. Con toda la candela de Sonido San Francisco y DJ Aztek 732, El Imperial vio una de las más prendidas esencias de la historia, donde lo único que no se podía hacer era dejar de bailar.

F O T: : N I C O L E A . K L I N C K W O R T.

No.

27 No.

E

l pasado tres de agosto se llevó a cabo la Esencia 27, iniciando la noche estuvieron los Interpretaros, grupo que hace rock rock, es decir, como uno imagina que el rock es, en inglés, con pelo largo y Jack Daniels en mano. El plato fuerte vino de manos de los regiomantanos de Bam Bam, quienes presentaron un set redondo, que sirvió como una introducción para aquellos que no los conocían y para quienes ya habían escuchado su música; la sorpresa fue el poder de su interpretación en vivo. Entre su setlist se encontraba casi todo el material de su LP Futura Vía, "Ragatrón", "Hipnódromo" e incluso "Depocalipsis Joderowsky" salió con dedicatoria para Adanowsky.

06

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F O T: : S A K R E .

BAM BAM e INTERPRETATORS


BUENAS N U E V A S m ú s i

c a

BUENAS NUEVAS C I N E I W X T T Coppola Lo nuevo de Francis Ford L a

Llegó la FIM para quedarse PRIMERA EDICIÓN DE LA FERIA INTERNACIONAL DE LA MÚSICA T X T: : E N R I Q U E B L A N C .

F

ueron 57 actividades en total, divididas en 33 conciertos, siete conferencias magistrales, cuatro encuentros entre profesionales, la proyección de cuatro documentales, cinco talleres, dos encuentros públicos y dos exposiciones, las que tuvieron lugar en Guadalajara durante la primera edición de la Feria Internacional de la Música (FIM), que se realizó del 16 al 19 de junio y que reunió a varios de los nombres más importantes de la industria musical latinoamericana para reflexionar, debatir y compartir en un evento que se proyecta como imprescindible para el desarrollo de la expresión musical. Uno de los temas centrales de discusión es el de la coyuntura por la que transita la industria musical con la irrupción de Internet, y las consecuencias que ello le ha traído a distintos rubros que van desde los derechos de autor hasta la nuevas alternativas de negocio. Por otro lado, dos de las conferencias que generaron mayor convocatoria fueron “Músicos en el siglo XXI” que reunió a reconocidos talentos latinoamericanos como Joselo Rangel de Café Tacvba, “Sabo” Romo de Caifanes, el peruano GianMarco y la tijuanense Cecilia Bastida. Otro éxito de la FIM 2011 fue el taller “Producir una canción” que, a través de una convocatoria, eligió a un músico mexicano para que Meme de Café Tacvba produjera, en los cuatro días del evento, la composición de su autoría. “3” es el título de la canción triunfadora, cuya versión final, se convirtió en la canción de la semana de iTunes. 08

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p e l í c u l a

q u e

n u n c a

s e r á

i g u a l

M

ediano éxito ha tenido Coppola con sus más recientes proyectos, podríamos decir que el mejor trabajo del director está ya bastante lejano, sin embargo sigue y seguirá siendo –por fuerza de la historia– una de las mejores voces del cine contemporáneo. Con todo esto en mente, no es de sorprender que su nueva película TWIXT cause escepticismo y más al sumarle lo ambicioso del proyecto; TWIXT será presentada frente audiencias en vivo y reeditada en el momento, dependiendo de la reacción del público, esto quiere decir que la película siempre será distinta. Esta cinta, además, marcará la incursión de este director al ámbito del 3D, del cual solía ser más detractor que a fan:

"Estaba un poco desconcertado cuando escuché a ciertos ejecutivos de los estudios decir que van a hacer todas sus películas en 3D". Esta película se presenará en una gira de proyecciones acompañadas de música en vivo.

No Temas a la Oscuridad

El remake de la adaptación

H

ace ya unos años, 40 para ser exactos, había una serie de televisión americana llamada Don’t be Afraid of the Dark, y hace 38 años esa serie fue adaptada a película. Ahora en las manos de Guillermo del Toro esta historia una vez más llegará a las audiencias. Si bien este fenómeno de remakes, ya nos tiene a todos un poco hartos, también habría que darle crédito al Del Toro, cuyo cariño por el género y excelente historial podrían ser suficientes para interesarnos en la película. La trama es más o menos familiar, una niña pequeña y su familia se mudan a una casa que resulta embrujada, maldita o algo por el estilo. No temas a la Oscuridad se estrenará a mediados de septiembre.


M

anteniendo el formato de los años anteriores, pero con nuevas categorías, del 22 al 31 de julio se celebró la decimocuarta edición del GIFF. Este año el país invitado fue la República de Corea. El director Bong Joon Ho, ganador de varios premios internacionales por sus filmes Memorias de un asesino y El Huesped, fue homenajeado y varias cintas de este país se exhibieron a lo largo del festival. El escritor y director Paul Schader también recibió un homenaje a su trabajo, el cual incluye Taxi Driver, La última tentación de Cristo y Hardcore. Otras participaciones internacionales destacadas fueron la del famoso fotógrafo Spencer Tunick; el polémico director y fotógrafo norteamericano Larry Clark y el actor alemán Udo Kier, quienes se desempeñaron como jurado. A nivel nacional, Mario Almada y Jorge Negrete recibieron honores. En San Miguel de Allende, iniciamos con el festival visitando las salas que, por lo pequeño del pueblo, son cercanas entre sí. De la oferta de proyecciones nos enfocamos, por cuestión de tiempo, en ver cortos ya que es mejor ver ocho cortos que un largometraje (pueden no gustarte algunos cortos, pero si vas a un largo y no te gustó, desperdiciaste dos horas). También asistimos a la alfombra roja del homenaje a Paul Schrader, conocimos a varios directores que participaban en la competencia, y pudimos ver la selección de cortos de animación. Luego de varios días se forma un grupo de gente interesante para convivir y disfrutar de proyecciones y fiestas. Así que al viajar a Guanajuato, nos reencontramos con el ánimo festivalero y los nuevos amigos, pero ahora en una ciudad más grande. La oferta en Guanajuato es mayor por lo que elegir bien es indispensable. Como punto sobresaliente, pudimos disfrutar de una versión restaurada de Crossroads of Youth, la película de cine mudo coreano más antigua disponible (1934), acompañada por una orquesta de música típica, y un excepcional narrador que caracterizaba a todos los personajes del film. También hubo proyecciones con historias crudas de los habitantes de Corea del Sur, confinadas por la falta de oportunidades, la miseria personal, y una especie de resignación frente a sus problemas. Como punto para mejorar, hubo varias fallas técnicas en las

giff

L A N O I C A N R E T N I O L T A A V U I J FEST DE GUAomNbreA, misma esencia E N de n I o i C b m a E c : D n corto Expresión

e

proyecciones de las películas, sobre todo en MM Cinemas. Spencer Tunick estuvo realizando diferentes fotografías durante el GIFF y su clásica foto grupal fue en el teatro Cervantes. Pudimos compartir algunos ratos con el fotógrafo durante las fiestas, quien se mostró como una persona un poco tímida, pero agradable. Asistimos a la gala de apertura donde proyectaron el film mexicano Miss Bala, basado en la historia de una joven que obtiene el título de Miss de su estado, pero se ve involucrada en las redes del narcotráfico. La película, entretenida y nada pretenciosa, será estrenada en los cines comerciales muy pronto, luego de haber sido presentada en Cannes. Durante el homenaje a Jorge Negrete, destacó la presentación del tenor Fernando de la Mora, y una excelente orquesta de mariachi, quien a pesar de olvidar algunas partes de las letras, generó un gran momento. La gala de cierre del festival fue muy

emotiva, con muchos premios, festejos y la presencia de todos los protagonistas del festival. Doblemente emocionante fue ver que varios de nuestros nuevos amigos del festival fueron ganadores, como fue el caso de Tsuyako y The External World. Como conclusión, sólo puedo decir que espero con ganas el regreso a estas hermosas ciudades y al ahora titulado Festival de Cine de Guanajuato. T X T: : M A N Ú C H A R I T T O N

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BUENAS NUEVAS D N E TR

DÍAS DE ESTILO, AUNQUE NO SEAN SIETE

E

l pasado mes de agosto se llevó a cabo por primera vez, en la historia del universo conocido, My Trend Week. Con cuatro días divididos en distintos temas (moda, música, arquitectura, diseño industrial e interiorismo, fotografía, cine, teatro, artes urbanas, artes plásticas) y haciendo base en el Polyforum Siqueiros, MTWeek invadió la ciudad con una apretada agenda de conferencias, exposiciones y más. Entre el talento participante se encuentran los conferencistas Julio Amezcua, Héctor Esrawe y Rubén Ochoa, entre otros. También se contó con la participación de marcas como Malafacha, Olmos y Flores, Macario Jiménez, Mancandy y con los artistas plásticos Anibal Pantoja, Eva Vale y Rodrigo Garagarza. Pero de pasar lista no se hacen eventos, así que la mejor manera de terminar MTW fue en un cóctel con grafiteros, skates y rampas.

Ladrillo y carne

L

a ciudad es más que edificios, casas y asfalto. Nuestra capital está en constante construcción, y si vivimos en unas eternas y abstractas vías de desarrollo, nosotros, los ciudadanos, también somos obra negra. Esta es la visión del artista urbano Smithe en su exposición Ladrillo y Carne en la que re imagina al individuo entre sus rutinas: buscando el amor, no conciliando el sueño, comiendo carnitas en el mercado. Todo es ciudad. La exposición estará presentándose hasta el mes de octubre en Vértigo Galería, Colima 23, colonia Roma Norte.

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A r n o l d

SWAZCHENEYER

o como sea que se escriba. E N

C H I N A

P E R O

e n N u e v a Yo r k . SI DE LOS TÍTULOS SE HACEN CLÁSICOS, ESTE LIBRO ES UN CANON LITERARIO.

D

espués de cinco meses encerrado en una habitación de 2x2, en el barrio chino de Nueva York, José Casanova, escribió este libro que casi a modo de collage, reúne narraciones, poemas pop y eventos históricos contemporáneos, para hacer una lectura poderosa, aterradoramente moderna y reflexiva. Pero más que describir la prosa habría que citarla:

“El edifico Chrysler es picudo y plateado, como el capitalismo. Por la noche se ilumina como el capitalismo”. Marvin quiere que te cultives, así que tenemos cinco libros para nuestros lectores.


ESTILO::

dENiZEN

CIUDADANO DE MEZCLILLA De la familia de Levi Strauss se desprende esta nueva propuesta que, adem‡s de ofrecer prendas de vestir, busca satisfacer necesidades pr‡cticas y estŽticas del consumidor. Con esto en mente, dENiZEN ofrece una selecci—n de playeras, sudaderas, chalecos, camisas y claro, los mejores jeans de calidad Levi Strauss. Si tu estilo es eclŽtico dENiZEN es la marca para ti, ya que adem‡s de sus colecciones oficiales, tambiŽn cuenta con ediciones limitadas D-5 que, con la ayuda de j—venes talentos dentro de distintas disciplinas (moda, fotograf’a, video, mœsica y dise–o), reinventan y mantienen fresca la apuesta de dENiZEN. En MŽxico, la primera colaboraci—n D-5 corre a cargo de Olivia Meza, estudiante de La Casa de Francia y colaboradora de Style & Trend. Para conocer m‡s de esta marca y del proyecto D-5 ingresa a denizen.com.

TOMMY HILFIGER 15 DE 15 para él

Con lavanda de Iowa, pasto azul de Kentucky, madera del Atl‡ntico y Pay de Manzana de Nueva Inglaterra, la fragancia cl‡sica de Tommy es EUA en una botella. Con el tradicional estilo de esta marca y un toque de frescura, Hilfiger presenta su nueva categor’a: maderas efervescentes. No te pierdas la oportunidad de oler a madera con burbujitas, Marvin y Tommy tienen 15 fragancias de 15 ml. para nuestros lectores.

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TYPERWEAR

LO QUE NO DEFINE LA FORMA, LO DEFINE EL FONDO De las trincheras de la ENAP nos llega Typerwear, un proyecto de dise–o que trasciende la tela y el papel para transformar la tipograf’a en vestimenta. Creada por Andrei Bengoa, Iv‡n del R’o y Miguel Rom‡n, Typewear ha crecido de un simple proyecto escolar a una lucrativa marca de camisetas. Adem‡s de los muchos dise–os que tiene para ofrecer, esta marca ya cuenta con colaboraciones de reconocidos artistas visuales como Mr. Kone. Para conseguir tu Typewear t-Shirt visita su sitio oficial typewear.com.mx


COCTELERÍAFREAK::

VUELTA AL MUNDO EN 3 TRAGOS FREAKS

En la fiesta todo puede pasar, y si ésta es buena, es casi un hecho que cosas raras y memorables sucederán. Con esto en mente, Smirnoff y Marvin tienen para ti tres tragos de coctelería bizarra, así que sin importar dónde estés o qué tan fenomenal esté el asunto, para cada roto hay un descosido y para cada freak un trago. Be there freaks!

OOMPA LOOMPA Originarios de Loompalandia, pero nacionalizados ingleses (por leyes de trabajo y migraci—n), estos extra–os seres de color naranja y profundo amor al chocolate, son la inspiraci—n de este trago. Combinando la dulzura del jugo de naranja con las cualidades del huevo, el Ommpa Loopa es el trago ideal para iniciar la noche.

DOS CABEZAS SHOT ÀQuŽ tiene dos cabezas, es verde y viene de Rusia? ÁEl dos cabezas shot! De la larga tradici—n rusa de tragos que se sienten como un golpe a la cabeza, llega este shot que, pues se siente muy mal, pero sabe muy bien.

Ingredientes: 2 onzas de Vodka Smirnoff 1 onza y 1/2 de jugo de lim—n 1 onza de granadina 1 onza 1/2 de jugo de naranja 1 clara de huevo Modo de preparaci—n: Huevo por delante, los ingredientes se vierten en el shake, una vez ah’ todo se agita hasta tener una espumosa y naranja mezcla. Se sirve en copa flauta. Ingredientes: 1 onza y 1/2 de vodka Smirnoff 1/2 onza de licor de mel—n 2 cerezas gotitas de lim—n Modo de preparaci—n: Todos los ingredientes van al shake, se agitan y se sirven en un shot fr’o. Las cerezas/cabezas se agregan al final y sin cuello.

SUPER FREAK

Ingredientes: 2 onzas de vodka Smirnoff 1/2 onza de leche condensada En Nueva York, las chicas est‡n 1 onza de crema de coco locas o al menos eso deja ver Rick Un dash de chocolate l’quido James -leyenda funk y oriundo de 1/2 onza de licor de mel—n. esta ciudad- en su legendaria canci—n:"The girl's a super freak, Modo de preparaci—n: I really love to taste her". Y Mezclar vodka, crema de coco, como eso de estar lamiendo chicas leche y chocolate. Servir en un en la fiesta es demasiado raro, old fashion fr’o y agregar el incluso para nosotros, decidimos licor de mel—n lentamente sobre crear la versi—n en trago de este las rocas. Adorna con menta. personaje que -como toda mujer que te vuelve loco- empieza dulce y acaba noque‡ndote. Para más tragos freaks sigue a Smirnoff:

@Smirnoffmx

CONOCER ES NO EXCEDERSE

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GADGETS::

SONY HANDYCAM® PROYECTOR

SWATCH Y KIDROBOT

LAS PRIMERAS VIDEOCÁMARAS CON PROYECTOR INTEGRADO.

Kidrobot es una marca de art toys de vanguardia. Swatch es una de las marca de relojes m‡s prestigiadas del mundo. ÀQuŽ pasa cuando ambos unen su creatividad? Nace la KIDROBOT FOR SWATCH COLLECTION. Se trata de ocho Gents dise–ados por ocho artistas diferentes, y en la compra de cada uno, se incluye un Dunny (el juguete m‡s representativo de Kidrobot) de regalo.

ÀTe imaginas proyectar inmediatamente las im‡genes y los videos reciŽn capturados en tu fiesta? Esto es posible con los dos nuevos modelos de Sony, que cuentan Face Detection para ubicar rostros en movimiento, y Dual Rec para grabar videos y capturar fotograf’as simult‡neamente. Con el amplificador digital S-Masterª, el audio de los videos ser‡ muy claro sin necesidad de conectar la videoc‡mara a una televisi—n.

ART TOYS HECHOS RELOJ

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CANON

ENCUENTRA TU MODELO Con dise–os para todas las necesidades, Canon se ha consolidado como una marca que ofrece calidad a buen precio. No importa si eres un viajero habitual o empedernido, un fot—grafo profesional o aficionado, para cada personalidad, Canon ha desarrollado modelos que cubren ‡reas espec’ficas, tanto a nivel tŽcnico y funcional, como de dise–o y tama–o.

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Coordenadas es una secci—n con el c—mo y d—nde encontrar sonidos o proyectos emergentes interesantes. Esas bandas que seguro dar‡n de quŽ hablar pr—ximamente.

COORDENADAS::

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

ALEXICO La primera vez que supe del regiomontano Alexico, fue por un video que me envió, en el que salía disfrazado de Alvin (el de las Ardillas), bailoteando a ritmo techno-punk. ¿Qué le pasa a este tipo? La verdad es que su proyecto está bien interesante y según sus propias palabras, suena a una mezcla entre Gary Numan, Michael Jackson, Ween y Bronco, aunque todo depende de su estado de ánimo y de con qué se tope en Internet, como comenta: “rompí mis pósters de Zoé después de bajar Stereopathetic Soulmanure de Beck” (después aclaró que esos pósters jamás existieron, aunque sospechamos que sí). Sus letras hablan de sangre, apatía sexual, aires de grandeza, stalkers, obesidad, aborto, “de cuando me desmayé”. Todo con la necesidad creativa de experimentar y fusionar ritmos bailables, a veces en una onda bien electro o simplemente en un formato acústico. Entre sus metas está seguir tocando y huyendo de las balas de su ciudad natal, y quizá muy pronto, abrirle un concierto a Dat Politics

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ORIGINARIO DE Monterrey, Nuevo León. NUNCA LO VERÁS En Nuevos Ricos. A pesar de que lo han comparado con cosas del supuestamente extinto sello, su onda es más irónica. DISCOGRAFÍA - Alexico contra Barrabas (que incluye el single “Tu papá jamás te quiso y me quería más a mi”). - Dios es lo máximo (un EP de 33 canciones). - Mis amigos y yo te amamos (2011). TRACK RECOMENDADO “Acosador de media noche”. REDES SOCIALES alexico.tumblr.com @alexico

o salir de gira con Starfucker, quienes escucharon su música en el DF y pareció gustarles.

FASTEN 16

INTEGRANTES Alexico, su guitarra y sus pads (a veces con banda en vivo).

Si un genio le concediera un deseo a Fasten, pedirían que les hiciera un remix Sebastian, lo cual ejemplifica muy bien la tendencia mitad electropop, mitad rock, de esta banda oriunda de Puebla. Influenciados por Zoot Woman, Depeche Mode, Cerati y Franz Ferdinand, son una de las caras nuevas del rock mexicano. Tras años de búsqueda y algunas canciones producidas por Edgar Huerta de Belanova (cuando la banda aún se llamaba Luca Brasi), el proyecto personal de Jorge Ferro y Omar Hernández –conocido desde el 2009 como Fasten– se encuentra preparando su primer EP, en el que buscan ser reconocidos como una nueva propuesta con calidad, meta que no parece muy lejana, ya que aparte de tocar por todos lados, también han sido teloneros de bandas como Fobia. Si estás en Puebla y ves a un tipo con tirantes y look de los 60, no te preocupes, no viajaste en una maquina del tiempo y te topaste a un Teddy Boy, es el vocalista del grupo, y si los quieres ver en vivo, la banda se presenta muy seguido en el DF.

AAlexico (alguien le ganó el “Alexico”. Búscalo con doble ”A”). INTEGRANTES Jorge Ferro (voz y guitarra). Omar Hernández (sintetizadores). Gabriela Domínguez (batería). JP Moreno (guitarra y bajo). ORIGINARIOS DE Cholula, Puebla. NUNCA LOS VERÁS Tocar una canción sin contenido, lo suyo es transmitir emociones e ideas con sentido. DISCOGRAFÍA Fasten EP. SUS DISCOS FAVORITOS Maquillaje de Zurdok e Illumination de Miami Horror. CREEN QUE EL MUNDO SERÍA UN MEJOR LUGAR SI... no existiera la canción “Papanamericano”. REDES SOCIALES @fastenmusic fastenmusic fastenmusic fasten


y escuchando el accionar de los motores de las fábricas e industrias, ¿qué te queda sino ponerte a hacer ruido? Con influencias que van de Suicide a Neu!, pasando por Nikola Tesla, Pasolini, Delia Derbyshire y el mismo DF, no buscan ser los nuevos héroes del rock, sino que sus decenas de sintetizadores no pesen tanto (ya tienen hernias y ningún roadie que les ayude). El grupo ha compartido escenarios con Xiu Xiu y Trans AM y su meta en la vida es conseguir más decibeles por presentación. Vale la pena verlos en vivo y comprar sus kcts.

El grupo al que alguna vez llamaron “el secreto mejor guardado de la escena nacional”, se decantó desde el principio por el industrial, el punk y el situacionismo. La banda surgió de manera tan casual, que ya no recuerdan el momento exacto en que comenzaron a hacer música. Orillados por el medio ambiente del lugar donde crecieron (zona norte del DF)

INTEGRANTES Alejandro Heredia (sintetizadores y vocoder). Alfredo Moreno (batería y drum machines). Hugo Quezada (sintetizadores y guitarras). ORIGINARIOS DE Zona industrial del DF. LO QUE LES MOLESTA DE LA ESCENA INDIE MEXICANA Toda esta onda artsy fartsy (curadores/ galeristas/músicos) parece aún más falsa y pendeja que la idea del indie méxicano. DISCOGRAFÍA -Compilado Virus Sonoro (2007). -Robota –sólo lanzado en cassette– (2009). Happy Garlic Synthdustries. -Vulgar Display of Power (2011). Happy Garlic Synthdustries. TRACK RECOMENDADO “Coil” REDES SOCIALES: robota @rob0ta robota INTEGRANTES Alejandro Escobedo (guitarra, bajo, voz). Kattie Rojo (guitarra, coros). Andres Quiroz (sintetizadores, órgano). Daniel Lopez (batería).

NOZI LAND POKET

Después de investigar en la radio y en revistas todo lo que estaba de moda, la banda comenzó a hacer música a mediados del 2008, justamente tratando de desmarcarse de cualquier movimiento. Si revisaras su colección de CD’s seguro te toparías con cosas de Broadcast, White Noise, The Flaming Lips y Deerhunter, aunque su disco favorito es Mellon Collie and the Infinite Sadness de Smashing Pumpkins. Pero si de alegrías se trata, nada los haría más felices que la desaparición del mainstream ¿dónde jugarán Anahi, Dulce María y Caifanes?. Cuando los escuché por primera vez noté cierta tendencia shoegaze en su música, pero independientemente de las etiquetas, se trata de una de esas bandas que vale la pena seguir de cerca.

ORIGINARIOS DE Tlatelolco, una subzona del DF (así le dicen ellos). NUNCA LOS VERÁS Vendiendo su música en Internet (lo sentimos iTunes). SI UN GENIO LES CONCEDIERA UN DESEO Pedirían haber compuesto “See Emily Play”, pero Barrett se encontró la lámpara primero. DISCOGRAFÍA -Nozi Land Poket (2009) producido por El Bona (Melody Nelson, Los Fancy Free y Supermad). -En el siguiente tope bajan (2011). TRACK RECOMENDADO "No me sueltes". REDES SOCIALES nozilandpoket @nozilandpoket nozilandpoket

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MÚSICA::

L

A OLL PAL

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T X T : : M I G U E L S O L Í S . F O T : : I VÁ N C O R O N E L / M A L F I .

Deftones

Maps and Atlases Muse

“Hace 20 años en Los Ángeles, fuimos a ver un show donde tocaba Jane’s Addiction, Nine Inch Nails, Siouxsie and the Banshees, y ese día pensamos que la música estaba cambiando, había 20,000 personas viendo bandas que nos gustan, y hoy quiero agradecer a Perry por cambiar la historia de la música”. -Dave Grohl, Foo Fighters. 18

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años han pasado desde que comenzó todo como un tour itinerante de bandas que tenían elementos musicales e ideológicos en común. Hoy, a dos décadas de distancia se ha convertido en un festival que está muy pendiente del pasado, el presente y el futuro. Empezó como una idea bohemia de cambio, pero con el tiempo supo encontrar aliados ideales. La productora de espectáculos G3 no sólo puso la logística avanzada de primer nivel, además, se encargó de elaborar un plan de negocios adecuado para convertir al festival en un generador de recursos de primer y segundo grado, posicionándolo como uno de los acontecimientos culturales más importantes del año en el centro de la unión Americana, además de lograr una alianza directa con el ayuntamiento de la ciudad de Chicago, particularmente con la Park Foundation, Con todo ello, al año se genera una derrama económica para la propia ciudad, para el parque donde se lleva a cabo y para el sistema de parques de el estado de Illinois. Todo esto sin perder la esencia de ese show cuasi circo itinerante de freaks "alternativos". No ha sido fácil, no ha sido barato, no ha sido en todo momento negocio, pero hoy es un festival maduro, un punto de encuentro internacional, multicultural, donde convergen ideas, nacionalidades, y sobretodo, donde la música sigue demostrando que puede y sigue cambiando al mundo. El año en que con más antelación se declaró el sold out, el año en que más presencia latinoamericana se ha sentido

Black Lips

Le Butcherettes

The Kills

tanto en el cartel como en la asistencia, el año en que se realizó por primera vez la franquicia del festival en Chile –muy exitosa–, el año donde se anuncia que no sólo se repetirá el país andino para el 2012, sino que se realizará también en Brasil; el año en que se rumora la edición Mexicana –suspenso por lo que nos enteramos–; en el que una carpa apareció por primera vez en el escenario Perrys. El 2011 es el año que recordaremos por momentos como la consolidación de los Kills en un festival que no les resultaba desconocido, el año donde Muse salió a demostrar porqué juega en la liga de los mejores shows del planeta tierra, impecables; donde Maynard al frente de A Perfect Circle recordó que es un viejo lobo de mar que no necesita estar al frente del escenario para ser un frontman impecable – ha hecho Lollapalooza cinco veces–, el año que Lykke Li llenó el escenario donde se presentaba con su disco debut, y demostraba por qué se hablaba tanto de ella en Internet; el año donde un miembro de la realeza del rock como Mick Jones se paseaba por el área de prensa con mucha humildad, saludando a todo el mundo que se le acercaba y minutos después dando cátedra de lo que es tocar con su proyecto Big Audio Dynamite; el año que Cee Lo Green falló en conectar con el público, pues para tristeza de muchos, tenía la portería abierta y falló el tiro; el año que Coldplay hizo su primer Lolla y se les notaba la emoción, donde recordaron a Amy Winehouse que en su momento fue parte del cartel; el año donde Atmosphere cautivó e hipnotizó a los que se acercaron a oírlos; el año

Two Door Cinema Club

Ceci Bastida

Modeselektor

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donde My Morning Jacket empezó uno de los shows más intensos que he visto en mi vida. El año donde queda claro que Emminem es uno de los consentidos del pueblo norteamericano –atascó el escenario norte del Grand Park con por lo menos tres generaciones que movían la mano al unísono del oriundo de Detroit–; el año donde actos como Beirut demostraron que el público no se deja influenciar sólo por los grandes actos, que hay gente que se atreve a apostar por actos que han crecido gracias al boca en boca; el año donde Pretty Lights tuvo brincando y bailando por hora y media a miles de personas –a las 10 de la noche en punto bajaron el switch y Derek sólo pudo decir gracias mientras las luces seguían bailando–; el año en que The Cars y su histórico Ric Ocasek fueron el preludio a una de las más grandes lluvias en la historia del festival – la cual comenzó cuando Portugal The Man

Death from Above

hacía un cover a Oasis y su “Don't Look Back in Anger”–. La lluvia convirtió el parque en una especie de Glastonbury para la presentación de los Arctic Monkeys –que jugaron como en casa–, el año que pese a empezar 15 minutos tarde, Explosions in The Sky pintaron el cielo de cinco colores diferentes en la misma canción, y transportaron a quien así lo quiso a una dimensión de texturas y sonidos propios de un atardecer con arcoíris incluido. Estaba todo por acabar cuando los Foo Fighters subían al escenario, y a la cuarta canción una nube cubrió el tradicional skyline de Chicago; la transmisión en línea llevada al mundo por YouTube se vio interrumpida por una lluvia apocalíptica mientras en el escenario sonaba “My Hero”… con la tormenta durando toda la canción. Después vinieron la luna y las estrellas trayendo un momento de puro rock and roll, como lo marcan los cánones: fuerte, vivencial, intempestivo e intenso. M

Local Natives

A Perfect Circle

Lykke Li

The Naked and the Famus

My Morning Jacket

Phantogram

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Cults

www.marvin.com.mx The Vaccines


MÚSICA::

GIR

LS GI

L R S I G

RLS

El espíritu de las canciones T X T: : LU I S A R C E .

FOT:: CORTESÍA DE ARTS & CRAFTS MÉXICO.

CON

el anuncio del próximo lanzamiento de la banda californiana Girls, las especulaciones sobre su nuevo sonido se tornaron vertiginosas. Y no es para menos, la banda sorprendió en 2009 con su álbum debut –propiamente llamado Album–, y con la aparición al siguiente año de Broken Dreams Club [EP], las emociones por escuchar todo aquello que proviniera de la mente de Christopher Owens –vocalista y compositor de la banda– se acrecentaron. Tuvimos la oportunidad de charlar con él respecto a la nueva producción discográfica de Girls, titulada insólitamente Father, Son, Holy Ghost, hecho que por cierto, ya colocaba varias cuestiones sobre la mesa.

ENCONTRANDO SONIDOS MENOS PROPIOS

Parece casi obligatorio buscar un referente inmediato para la fabricación de un disco, una influencia directa que oriente el paseo. Para Christopher Owens resultó complicado definir qué influencias determinaron la construcción de Father, Son, Holy Ghost. Titubeando un poco, niega con cierta frustración que el sonido de Elvis Costello o Beach Boys influya directamente en su música; ya que no suele escuchar a Costello, y aunque gusta de la música de los Beach Boys, no intenta “sonar de esa manera”; por el contrario, recurre a lo que él llama “cosas plásticas” o al rock clásico como The Beatles

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o Pink Floyd “gente que fabrica álbumes que pueden sonar como música plástica, pero al mismo tiempo muy experimentales (...) hay mucho que uno puede aprender de esos muchachos” dice Owens al pensar en las posibilidades que puede sugerir la utilización del estudio como otro instrumento, y aunque el disco fue grabado en un edificio de oficinas en San Francisco, el guitarrista de Girls recuerda con cierta alegría: “era realmente como un estudio, tenías el mejor equipo; pero en un lugar que era mucho más relajado que un estudio normal. Teníamos incluso nuestro productor. Era bastante cómodo”.

ESCRIBIR POR EXPERIENCIA

La premisa siempre ha permanecido clara: escribir canciones agradables, que sean el resultado de una exploración personal tan cercana y seria, que parezca imposible despegar las palabras de los sentimientos que las impulsan. Escribir canciones parece hasta cierto punto una actividad sencilla, como tomar tres acordes y luego colocarles una melodía emparentada con letras insustanciales; sin embargo, según Christopher es “una actividad que debes realizar todos los días, que debe ser asumida de manera muy seria, y que está por encima de todo lo demás. Me llamo a mí mismo compositor porque escribo canciones todo el tiempo, y bueno, francamente porque no hago otra cosa”.

COMMUNICATION/COMMUNICATION/ COMMUNICATION

Entonces, ¿qué caracteriza a un verdadero compositor? Ciertamente aquello que mueve, todo lo que derrumba o construye con sus palabras, con sus acordes, con su armonía. Hay algo que se organiza y concreta en la abstracción del público oyente. Owens refiere con sinceridad lo que una canción puede decirle a su escucha. La idea es simple: debajo de toda deliberación, existe también una intención por hacerlo notorio, por crear ese lazo casi indescriptible, que ahonda en el ir y venir interminable de sensaciones y palabras que una canción produce. “Realmente creo en la espiritualidad de las canciones. Esas sensaciones son tan indeterminadas que el título mismo del disco refiere a un término que es de por sí bastante abstracto ‘Father, Son, Holy Ghost’ (...) creí que era un buen nombre para el álbum, ya que, por supuesto hay algo allí; pero de la misma forma, nadie sabe cómo llamarlo. Es algo que simplemente está en la canción”. Aquello que reside intrínsecamente en la música es su capacidad para comunicar, aunque, como aclara Owens, “nadie necesita realmente escuchar lo que dices”. La creación artística y sus valoraciones sólo son necesarias si describen algún pensamiento sincero. Sin darle una forma contundente, sus canciones pueden comunicar. El guitarrista y cantante recuerda con cariño aquello que realmente motiva a las personas para expresar lo que sienten: “si tienes algo que inspire a las personas, que las haga bailar, que las haga sentir algo; entonces serás exitoso como compositor”. Recuerdo ahora las sensaciones que provoca escuchar música que es realmente sincera. Gusto de entender a qué se refiere Owens cuando afirma que hay “algo” dentro de las canciones que es indescriptible, y que sólo puede existir de manera abstracta. Es una emoción, quizás parecida a la que provocó en Christopher la necesidad de escribir una canción en primera instancia. M


MÚSICA:: TXT:: VICENTE JÁUREGUI. FOT:: CORTESÍA DE WARNER MUSIC.

E N L N POR

FIN

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AVITZ

, EN TRE GA UN DIS CO "En el pasado fui DEC arrogante y ya no ENT disfrutaba de la vida E como debía, dejaba

que la negatividad se apoderara de mí." - Lenny Kravitz

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Era 1992. Los Guns N' Roses ilusionaban a los parisinos con el blues de "Bad Obsession". Al finalizar esa rola, Axl abandona el escenario mientras Slash invita a un mulato de rastas a subirse al escenario. Enfundado en unos acampanados y con galantes zapatos de plataforma, Lenny se arranca con "Always on te Run", una rola que contagia de Zeppelin y Prince a todo el Hippodrome de Vincennes. "ÀEstuviste ah’?" -Me pregunta Lenny emocionado. "ÀOjal‡! Lo vi en un Beta" -le respondo.

SON

las dos de la tarde en Malibu, California. Las notas del noveno disco de estudio de Lenny, Black and White America aún retumban en mis oídos. Mientras saludo a Lenny Kravitz, pienso que en un lugar muy cercano está la preparatoria donde hace 30 años conoció a Saul Hudson, mejor conocido como Slash. “Solíamos platicar un poco en los pasillos, pero fue hasta los American Music Awards que intercambiamos teléfonos y después lo invité a tocar el solo de ‘Always on the Run’. Tocó genial y quedó en la primera toma”, recuerda Lenny sobre esa gran mancuerna guitarrera. Para quienes crecimos en los 90, los primeros tres discos de Kravitz fueron significativos: su talento como multi instrumentista nos impresionó, creímos en su apología del amor, elogiamos sus colaboraciones con Madonna, Alicia Keys, N.E.R.D., Aerosmith, Jay-Z, Mick Jagger y P. Diddy; algunos incluso imitaron su atuendo neo jipi (las chicas se derretían por él). Pero el destello duró muy poco: a partir de Circus, su credibilidad artística fue decayendo. Con cada nuevo disco, Lenny demostraba poco respeto por sus raíces y se conformaba con lanzar sencillos cursilones y desangelados. Parecía que un grupo de alienígenas hubieran abducido al Lenny rockero, para dejarnos un clon popero enemigo de los dreadlocks que en lugar de tocar la guitarra prefería alaciarse el cabello. Pero todo indica que la vena rockera está de vuelta. Al menos Black and White America presume guitarras poderosas, voces explosivas y homenajes a viejos héroes como “Miles Davis, Nina Simone, Marvin Gaye, Jimmy Hendrix, John Coltrane y Bob Marley. Mis héroes musicales son todos de la vieja escuela”, declara Lenny sobre las influencias del disco. En ese sentido, este álbum es una síntesis de todos los géneros que estos músicos encumbraron. Quizá una novedad sea la incursión en ritmos brasileños: “me encanta la música de Brasil (toma un puñado de cacahuates y se queda pensando

unos segundos)…, me gustan mucho sus beats, desde el bossa nova hasta lo más funky. Los brasileños son increíbles con su vibra, su baile”. Si el cochambre guitarrero acumulado en Black and White America sacudió mis prejui-cios musicales (fundamentados): la actitud de Lenny se encargó de limpiar los personales (infundados). Esperaba entrevistar a un rockstar soberbio, pero encontré a un tipo cálido y amable, interesado en profundizar en la plática y despreocupado por las cáscaras de cacahuate que ensuciaban su barba. “Nosotros somos responsables de nuestra propia felicidad” me dice con voz profunda. “Decidí que la vida sería mejor cada día. Comencé a vivir con lo básico en mi tráiler, cortando frutas de mi jardín, haciendo música (…) En el pasado fui arrogante y ya no disfrutaba de la vida como debía, dejaba que la negatividad se apoderara de mí”. La vida y la música están ligadas irremediablemente, y ello se refleja en este álbum grabado entre las Bahamas y Paris. Alegre hasta el tuetano, Lenny confiesa que: “en Black and White America no hay una sola canción triste, ¡ni una sola! (…) quizá antes había un par de canciones down, pero la principal característica de este álbum es que no existe una pizca de tristeza”. De igual manera comenta que los entornos afectan el resultado musical: “casi todo estaba terminado en las Bahamas, pero después viajé a Paris y la energía de la ciudad marcó la ruta para poner los toques finales al disco”. Como toda persona nacida en los 60, Lenny piensa en los discos como piezas completas: “nunca dejaré de verlos así. Para mí, este disco es como un álbum doble, 16 canciones, dos discos, cuatro canciones por lado. Por eso hay una exploración de tantos géneros”. Y aunque el disco es demasiado ecléctico, quizá el título del track 12, “Life Ain’t Ever Been Than It Is Now” sintetiza muy bien el espíritu de todo el álbum: “la vida mejora cuando cada quien está listo para

ello, no antes o después. Al final de cuentas se trata de una decisión… creo que Black and White America refleja mi decisión por una vida sencilla y esencial”. Desde luego Black and White America no es el mejor disco de Kravitz, y sinceramente, difícilmente superará la grandeza de Let Love Rule (1989), Mama Said (1991) o Are You Gonna Go My Way (1993). Ojalá me equivoque. Por lo pronto, esta colección de rolas suenan genuinas, a ese rock que se toca con una Gibson conectada a un Marshall de bulbos en el nivel 10 de volumen. Ni más ni menos. M

LA ALINEACIÓN IDEAL DE LENNY Bootsy Collins en el bajo

John Bonham en la batería

Jimmy Hendrix en la guitarra

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MÚSICA::

PRESENTARÁN SU MEJOR DISCO EN MÉXICO

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ON I L L E TXT:: MARTÍN ÁNGELES. FOT:: TESSA ANGUS, CORTESÍA BIG HASSLE.

Originarios de Australia, EU e Inglaterra, este cuarteto naci— en Londres hace diez a–os. Su nuevo ‡lbum, The Cold Still, es considerado por el bajista Adam Harrison como el mejor de su discograf’a, y conf’a en que con Žl se echar‡n al bolsillo a un nœmero mayor de seguidores.


EN

entrevista para Marvin, Adam reconoce como sus bandas favoritas a Green Day y Nirvana: “cuando comencé a tocar la guitarra, ellos me producían ganas de hacer rock por mí mismo”. Además, asegura que su sonido en concierto es más potente que cualquiera de sus grabaciones, y considera como amigos de la banda a los Editors y a The Joy Formidable, una de las nuevas joyas londinenses. La banda ya cumplió 10 años, ¿cómo ha cambiado su vida? Esto es más que una familia, pasamos juntos tanto tiempo que amamos y odiamos cada virtud o defecto del otro, ¡como hermanos! La vida en el grupo se ha vuelto más fácil desde que empezamos a ser exitosos, durante muchos años nos preocupamos demasiado por encontrar la forma de lograrlo. ¿Por qué sólo han grabado tres discos en una década? Porque cuando empiezas a escribir muchas canciones, no vale la pena garbarlas todas. Además, toma tiempo acoplar tus puntos de vista con los de una compañía que se decida a financiar tu álbum. Nuestro primer disco salió en 2005, ya habíamos escrito muchas canciones y desechamos las que no grabamos. Para nuestro segundo disco, nos encontramos sin una discográfica de nuevo y tuvimos que buscarnos empleos temporales, al mismo tiempo escribimos, grabamos y metimos en esto a personas que nos ayudarían a lanzarlo. No fue tan fácil como parece, lo dimos a conocer hasta 2009 y de inmediato fue exitoso. Eso nos permitió concentrarnos en un siguiente álbum sin las distracciones que tuvimos en el anterior. The Cold Still apareció en febrero, y en poco tiempo ya es un disco exitoso, ¿lo consideras el mejor trabajo del grupo? Sí, es el sonido mejor desarrollado, además de que aumentamos el nivel de calidad en la composición de canciones. A diferencia de los demás, este álbum suena como una sola pieza, ya que los hicimos en un solo período y con el mismo productor (Ethan Johns, Kings of Leon, Rufus Wainwright, Crowded House). The Joy Formidable hizo un remix a la canción “The Runner”, ¿la llevan bien con ese trío? Sí, a menudo nos vemos en festivales y creo que existe un aprecio mutuo. Ellos hacen música increíble y además son buenas personas. Everythig Everything es otra

banda con la que nos llevamos bien y son muy buenos, tienen que ecucharlos. Varias de sus canciones han aparecido en comerciales de TV, series y películas, ¿te gusta ver televisión? Me gusta la televisión, por supuesto, pero cuando estás de gira no hay mucho tiempo para verla, cuando llegas a casa sientes que la televisión es como un regalo. También hemos tenido grandes aciertos, colocamos canciones en shows como Gray’s Anatomy. Creo que todo eso ocurre porque hacemos música muy cinemática. Cuando la televisión y la música van juntas, los resultados pueden ser poderosos. Vinieron por primera vez a México en marzo de 2010, ¿qué recuerdos se llevaron de aquella vez? Estábamos muy emocionados por ir a México por primera vez, era también nuestra primer gira por Texas, y recordamos el viaje como una gran aventura. La ciudad de México no nos decepcionó, me pareció muy grande y con mucha energía. Durante nuestra estancia comimos muy bien, conocí gente fantástica, incluso pude ver algunos shows de Lucha Libre. Supongo que jamás pensaron tocar en México dos veces en tan poco tiempo. ¿Qué esperas de esta nueva presentación? Espero la misma reacción de la primera, ¡incluso mejor! Esa vez no sabíamos ni qué esperar, no sabíamos si alguien ya nos había escuchado en México, o si por lo menos había oído hablar de nosotros. Nuestros conciertos fueron una verdadera sorpresa, hubo mucha gente y su reacción fue impresionante. Creo que siempre hemos sido una banda muy fuerte en vivo, pero como cualquiera que ha

tocado lo suficiente, tenemos que ser mejores cada vez. El show será más corto y tenemos un nuevo disco, habrá canciones que la gente en México ha escuchado en grabación, pero no en vivo. En el Corona Capital compartirán escenario con otras bandas importantes, ¿algunas de ellas son sus amigos? El único grupo que conocemos bien de ese festival es Editors, son grandes amigos nuestros, hemos tocado juntos en varias ocasiones, son buenas personas y hacen muy buena música. El resto del cartel se ve muy bien, quizás podamos hacer nuevos y buenos amigos. M

COMO RESULTADO DE LA COMPETENCIA PLAYLOUDER, EN JUNIO DE 2003, THE BOXER REBELION TOCÓ EN EL ESCENARIO DE “BANDAS NUEVAS” DE GLASTONBURY. POCO TIEMPO DESPUÉS FIRMARON CON POPTONES, LA DISQUERA DE ALAN MCGEE, QUIEN HA SIDO MANAGER DE BANDAS COMO THE JESUS AND MARY CHAIN, PRIMAL SCREAM, OASIS Y THE LIBERTINES.

DISCOGRAFÍA

The Cold Still (2011)

Union (2009)

Exits (2009)

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EL VIAJE COMO IDEA

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TXT:: JIMENA GÓMEZ.

Entrevista exclusiva para Marvin Escuchar la mœsica de Beirut causa una sensaci—n rara, algo parecido a la nostalgia, un sentido de familiaridad, de que sus canciones transmiten algo sagrado. Retomando largas y variadas tradiciones Beirut hace accesible lo ajeno, y universal lo regional.

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EN

algo que no puede ser descrito de ninguna otra manera más que como una conversación, Zach Condon habló de su trabajo, su historia, su productivo y persistente insomnio, del constante viaje y de llegar a casa. Tocas música desde muy temprana edad. ¿Cuándo supiste que querías dedicarte a esto? Zach Condon: No lo sé muy bien, quizá a los quince años. En ese momento la música llenaba todo tipo de vacíos. Tu música tiene una gran carga emocional. ¿Crees que esos vacíos tengan algo que ver? ZC: Sí, creo que se debe a la manera en que crecí… solía sufrir de un terrible insomnio y pasé mucho tiempo solo... el mundo a tu alrededor se calla. Obviamente Santa Fé (Nuevo México) es un lugar tranquilo, la ciudad se muere y te quedas con horas de aislamiento cada noche y tienes que llenarlo con algo, la música lo hace de una manera muy mágica,


pero nunca se sacude la emoción con la cual fue creada, es decir, una extraña mezcla de tristeza y esperanza (risas). ¿Es esa una intención o un resultado? ZC: Creo que es un resultado, la música es intuición. Trato de hacer menos decisiones conscientes y más inconscientes. Hay una gran sensación cultural y regional en tu trabajo. ¿Crees que ese tipo de música cause una reacción diferente en la gente, que la música pop? ZC: Sí, definitivamente. Yo considero que esa música es la verdadera música pop: canciones hermosas y clásicas conectadas con la historia y la gente. Prefiero por mucho tener eso como meta que las cosas que actualmente escuchamos, Lady Gaga o alguna mierda así (risas). Ya no hay mucha música pop, el pop era Motown, Beach Boys y Beatles, no sé cómo es que llamamos a esto música pop. Varias de tus canciones toman sus nombres de ciudades… ZC: ¿Recuerdas que te contaba de todos esos años de insomnio? Sí. ZC: ambién pasé mucho de ese tiempo viendo mapas, leyendo viejos ejemplares de National Geographic y básicamente creándome un mito de cómo sería viajar. Estaba enamorado con la fantasía de viajar, sé que era una fantasía, en ese momento no había viajado a ningún lugar, sólo estaba obsesionado con la idea. Así, los nombres de ciertas canciones son ideas infantiles de exploración. Siempre he pensado que las ciudades tienen nombres lindos, hay cierta poesía en ellos; ya sea que intentes evocar lo que esa ciudad represente o sea más una interpretación, el sonido, por sí mismo es lindo, de ahí el nombre de la banda, de la disquera…

He estado viendo muchos shows de Lykke Li, la cantante sueca, su presencia en escena y sus shows son tan redondos, se nota que ha pensado mucho en eso y ha sido cuidadosa, es una actuación pesada. Es interesante porque yo vengo de una postura ingenua acerca de las presentaciones: “sólo voy a ir, pararme en el escenario y hacerlo” (risas). Es muy agradable ver a alguien que lo ha pensado tanto y ha creado una experiencia. ¿Es eso algo que te gustaría hacer con tus shows? ZC: Lo tomo con precaución, hay cosas que aprender de eso pero tampoco siento que haya estado haciendo nada mal, necesariamente. Sólo observas y digieres las partes buenas de lo que te rodea. Sin embargo cada vez tocamos para audiencias más grandes y se vuelve un poco difícil conectarse con miles de personas, así que tengo que mantener eso en mente y arreglármelas (risas). ¿Todavía llevas una relación con la gente de Devotchka y con Hacksaw? ZC: Sí, de hecho es muy interesante: venimos del mismo lugar, tocamos la misma música y empezamos al mismo tiempo. Cuando finalmente nos conocimos y lo discutimos con un par de cervezas en mano, nos dimos cuenta de lo similares que eran nuestros enfoques y tenemos los mismos gustos, nuestra única diferencia es que ellos están enamorados de la música húngara y yo con la música de Rumania y Macedonia (risas).

LA SOLEDAD EN LA MAREA

¿Hay algún lugar que de niño idealizaste, al cual aún no has ido? ZC: No lo sé, he notado que una parte de mi está desvaneciéndose, y de una manera muy buena… no lo sé, es interesante pensar en ello. En este álbum me ocupé más de mí mismo que cualquier otra cosa.

ZC: Al principio todo lo hacía yo solo, pero era por necesidad, no tenía a músicos a mi alrededor que compartieran mi perspectiva –en cuanto a la música–, pero ahora que ya llevo tocando cinco años con la misma banda, tiene mucho sentido usar su experiencia. En este disco me aislé, viaje a las afueras de Nueva York y escribí todas las canciones. Después cuando la banda ya estaba reunida, nos encerramos en el estudio por dos semanas y me forcé a mí mismo a terminar cada corte ahí, en el estudio, sin ninguna idea previa de cómo iba a sonar. Estaba tratando de trabajar en el borde de mi asiento.

¿Existen algunos grupos, o músicos en la escena actual con los cuales sientas un diálogo o familiaridad? ZC: Sí, he conocido a mucha gente. Hay una competencia amistosa entre Owen Pallet y yo.

Tu música parece más contenida en este disco, es menos barroca. ¿A qué se debe esto? ZC: Creo que es resultado de haberme asentado, he vivido de una maleta desde que

tengo 17, y en los últimos años he tomado pasos para ser un ciudadano funcional (risas). Compré una casa y un perro (risas)… un beagle muy guapo. Es interesante, cuando creces te das cuenta que no necesitas golpear a la gente con una melodía para que la disfruten. Por más que me guste poner 40 trompetas en una melodía, a veces es mejor dejar sólo una (risas). Esto es algo que siempre me ha dado curiosidad… ¿cuál es la historia detrás de “A Candle’s Fire”? ZC: Es la primera canción que escribí de este álbum, con la excepción de la melodía inicial de “East Harlem” que compuse cuando era muy joven, “A Candle’s Fire” soy yo esforzándome por ser honesto. Acababa de salir de una gira muy intensa en Brasil, que me encantó, pero no sabía si podría aguantar el estilo de vida por más tiempo. Estaba ahí, solo, preguntándome ¿me veo haciendo esto por diez años más?, ¿puede mi mente aguantar esto, mi cuerpo?... Había tantas preguntas en el aire cuando escribí esa canción que salen en la esencia mórbida de la letra. Y ¿cuál fue la respuesta a esas preguntas? ZC: Que me estaba tomando demasiado en serio a mí mismo (risas). Que necesitaba crecer. ¿De ahí la casa y el perro? ZC: ¡Exactamente! (risas). Necesitaba poner un poco de responsabilidad en mi vida y disfrutarla, amarla. Contenerse a sí mismo. Cada mes en la revista tenemos un tema, el de este mes es freaks. ¿Te consideras a ti mismo un freak? ¿tienes algún hábito o característica freak? ZC: Hay muchas cosas raras sobre mí (risas). Pero no sé si quiero que eso sea una característica, hay mucho músicos que hacen gala de sus rarezas, en mí sería lo opuesto. Sé que soy raro, sé que hay partes de mi personalidad que nunca podría llevarse bien con ideas de la sociedad mainstream o lo que sea. Pero también estoy cómodo con mis diferencias y no me adorno con ellas, en mi vida siempre ha hecho más sentido contenerme a mí mismo… Creo que lo que me hace diferente es la montaña rusa que existe en mi mente , hay un mundo muy intenso ahí del cual nunca tomaré control total. ¿Es un lindo mundo? ZC: La mitad de él (risas). M

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MĂšSICA::

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20 AÑOS

U N A C R Ó N I C A D O S D É C A D A S A P L A Z A D A

Esta historia podría sintetizarse de la siguiente manera: “El 8 de abril de 1994, Kurt Cobain se pegó un tiro. En enero de 1992, el Nevermind de Nirvana desplazaba a Michael Jackson del número 1 de las listas estadounidenses. Estos son los dos hechos históricos que prevalecerán cada vez que se hable del grunge, probablemente el último movimiento musical que pudo haber cambiado el mundo. Diez años después del final de la quimera, lo único claro es que nada ha cambiado”. Y razón no le falta al periodista español David Saavedra, su prosa hace las veces de una pesada lápida. T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

I L U S T : : D A N I E L T E R Á N / w w w. d a n i e l t e r a n . c o m

QUIZÁ se hayan extinguido los ideales, pero lo que son las cosas, un

disco como Nevermind (Geffen, 1991) sigue refulgiendo con luz propia; se afirma como una obra maestra compuesta de materia incandescente. Y es que hace 20 años la condición del mundo no era la misma; en México no teníamos Internet, la idea de las redes sociales era materia de la ciencia ficción, y lo que es más, costaba trabajo hacerse de grabaciones de MTV para estar al tanto de las novedades. Antes que videos era más fácil conseguir algún ejemplar del NME o Melody Maker: la radio aún brillaba desde un pasaje dorado. Ante todo se trata de una cuestión de perspectiva generacional; no será lo mismo la visión de un preparatoriano actual –que no nacía entonces–, que la de alguien que vivió el asunto en carne propia, y que puede decir algo como un periodista gonzo al estilo de Hunter S. Thomson –toda proporción guardada–. Para quien esto escribe, el final de 1991 ofrecía una oportunidad inmejorable para emprender un viaje –que uno imaginaría iniciático– por el viejo continente. Me fui a París buscando no los riffs pesados ni las camisas de leñador; todavía no era momento de los gritos, pues el punk ya había pasado. Más bien la escena musical de Europa se hallaba envuelta en la neblina tóxica y seductora de la neo-psicodelia: por doquier se sentían los efluvios de The Stone Roses, The Soup Dragons, Happy Mondays, The Farm y unos mega juveniles Blur. Aunque los sonidos etéreos que salían de la disquera 4AD también producían una fascinación inmediata. Por otro lado, como en México los conciertos se seguían dando a cuentagotas, al saltar el charco el viajante trataba de asistir a tantos como se pudiera. Con grata nostalgia recuerdo a la comuna española afincada en la ciudad luz, reunida para ver en directo a El último de la Fila. Un milagro: el rock aflamencado haciendo retumbar el Elyseé Montmartre. Vagaba por los quartiers tratando de aprehenderlo todo, de clavarlo en la mente. Así que una tarde de errancia por el hermoso Marais, entré a un minúsculo centro comercial que ofrecía la llamativa máquina para escuchar discos compactos. Y ocurrió el milagro del arte. Elegí el sencillo de “Smells like Teen Spirit” por la atracción de lo desconocido. Lo ignoraba todo de Nirvana, incluso que el Bleach había sido bien recibido en Inglaterra. La base rítmica me arrasó. Las guitarras fueron taladros mega afilados para mis oídos. El estribillo como un llamamiento gutural que convocaba a la guerra. Ayer como hoy sigo sintiendo que no se trataba de más de lo mismo, que aquella banda era distinta. Mentiría al decir que comprendí la letra de inmediato; para nada, me parecía calador y honesto lo

que soltaba el gritante. Hasta mucho después me acerqué a la interpretación literal. No hacía falta, con el cúmulo de sensaciones bastaba. Sigo pensando que se trata de una especie de manifiesto situacionista, de un pliego de alguna vanguardia oscura que animaba al levantamiento individual. Aunque fui a buscar aquella energía de la psicodelia, el hallazgo fue otro. El grunge me encontró, así se tratara de uno de los calificativos más denostados para describir a un género o movimiento. Al poco tiempo me tocó constatar cómo la fiebre por el negro-blanco Jackson se opacaba. Todavía en el viaje de vuelta al país tuve chance de pasar por Boston –tierra de los Pixies, influencia fundamental en Kurt Cobain– tan sólo para ver cómo aquella ciudad universitaria convertía en tótems los Doctor Martens y los jeans agujerados. Las guitarras pesadísimas imponían su ley. En un toquín de otro grupo de Sub Pop, llamado Malachite, fui estampado contra la pared de un bar portuario al momento en que los riffs emergieron con toda fiereza. Cuando regresé, tuve que esperar hasta que aquel reguero de pólvora se esparciera por la pudibunda provincia mexicana –lo que no tardó mucho–. Desde una trinchera radiofónica colectiva tratamos de sumarnos al cambio de sensibilidad, dejando un tanto de lado que podría tratarse de un desplante más de la industria. El romanticismo juvenil se manifestaba a flor de piel. Ya en un dossier de 1989, en el que Melody Maker se echaba un clavado a la escena de Seattle, Everett True presentaba a Nirvana de un modo certero y premonitorio: “Básicamente, esto es lo auténtico. No hay trazas de estrellato rock, no hay perspectiva intelectual, no hay un plan maestro para el dominio del mundo. Estamos hablando de tres tipos recién entrados en la veintena, del Washington rural, que quieren hacer rock y que, de no hacer esto, estarían trabajando en un supermercado o un aserradero o arreglando coches”. Y es que Nevermind sigue siendo reflejo de lo que había: inmediatez, ansiedad, rabia y hasta incongruencia. Porque no hay que olvidar que el rock también es un asunto de conflictos de clase social, y en aquel entonces una cantidad enorme de jóvenes no se acomodaba en el esquema, ni tenían en perspectiva opciones económicas reales. Canciones como “Come as you are” y “Lithium” eran piras que se incendiaban instantáneamente y todo lo consumían. Un acto efímero de arte cada vez que se repetían, pero incomparables con ese pináculo del absurdo que es “Smell like Teen Spirit”: “Aquí estamos/ entreténganos/ me siento estúpido/ y contagioso/ un mulato/ un albino/ mi libido”. Un disco y un momento irrepetible en la historia. M

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7 MÚSICOS, 5 PREGUNTAS, 20 AÑOS Y 1 DISCO LA (CASI) INDISCUTIBLE RELEVANCIA DE NEVERMIND y por lo mismo lo dicen todo. Dice lo que cada quien necesita que diga… VIGENCIA Lo sigo escuchando hoy con gusto y me parece igual de vital y neto que la primera vez que lo oí. Es un discazo.

ALFONSO ANDRÉ BATERISTA DE CAIFANES Y JAGUARES INFLUENCIA 1991 fue el año en el que el under entró de lleno al mainstream. Aparte del Nevermind se estrenaron el Ten de Peral Jam, Out of Time de REM, Blood, Sugar, Sex, Magic de Red Hot Chili Peppers, Mama Said de Kravitz, y Badmotorfinger de Soundgarden, por nombrar sólo algunos discazos que venían a cambiar el panorama brutalmente. Y acá en Mexicalpán podemos encontrar también paralelismos; Cuca se estrenaba con La Invasión de los Blatidos y La Maldita se echaba encima a media intelectualidad nacional con el mega éxito de El Circo. Apenas un año antes yo había grabado mi segundo álbum con Caifanes, El Diablito, y recuerdo perfectamente cuando escuché por primera vez a Nirvana, Soundgarden y Alice in Chains. Fue en Guadalajara, en casa de José Fors. El tenía una colección de videos de estas bandas “groncheras” y recuerdo bien cómo me cautivó ese nuevo-viejo sonido. Esta música tan sucia, tan real y tan distorsionada me recordó mis raíces. La comparación entre estas bandas y algunos sonidos de finales de los 60, principios de los 70 y el punk era inevitable, mi música favorita estaba de vuelta. Y conforme fui escuchando el álbum completo, cada vez me atrapaba más y más esa actitud y sonido tan crudo, el talento de Cobain como cantante, compositor y guitarrista y la bataca demoledora de Grohl. No sé si existirá algún tipo de extraña conexión, pero al poco tiempo de escuchar el Nevermind formamos La Suciedad de las Sirvientas Puercas con Saúl. FAVORITAS Creo que “Lounge Act” y “Polly” son las que más me laten, pero todo el disco es excelente. ¿DE QUÉ DEMONIOS HABLA SMELLS LIKE TEEN SPIRIT? De un desodorante, ¿no? (ríe). Creo que es una de esas canciones que no dicen nada en realidad,

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SI COBAIN NO HUBIESE MUERTO… Me gusta imaginarlo finalmente feliz. Al fin en control de sus demonios, de sus añejos padecimientos físicos y divorciado de Courtney. Con tres o cuatro alucinantes discos más, con o sin Nirvana.

ARTURO TRANQUILINO GUITARRA Y VOZ DE YOKOZUNA INFLUENCIA Cuando vi el video de “Smells…” se me hacía demasiado pesado para MTV y el sonido era simplemente masivo. Demasiado oscuro para ser punk y muy fresa para ser metal, pero con una estructura pop impecable. Mi hermano Antonio se compró el cassette y lo escuchamos en el coche de mis papás. Nos afectó tanto que después de oírlo corrimos a hacer ruido con la guitarra y la batería. FAVORITAS Mi favorita es el track oculto, amo el Nirvana ruidoso que se acerca más a los Melvins que a los Pixies, después “Territorial Pissing”, “In Bloom”, “Breed” y “Stay Away”. ¿DE QUÉ DEMONIOS HABLA SMELLS LIKE TEEN SPIRIT? ¿Alguna vez has estado en un salón de una secundaria a la 1 pm después de clase de deportes en pleno verano? VIGENCIA Aunque mi disco favorito de Nirvana es el Bleach, definitivamente Nevermind fue el disco que puso a Seattle en el mapa y es un gran disco de la cultura pop. Ha pasado la prueba del tiempo y es una obra maestra de la ingeniería en audio. SI COBAIN NO HUBIESE MUERTO… Qué difícil. Creo que me lo imagino como el Ozzy Osbourne del grunge y a Courtney siendo su Sharon. ¡Qué horrible!

JOE VOLUME INFLUENCIA La primera vez que escuché el Nevermind fue por mi hermana que me prestó su copia. Yo era muy fan del punk rock y el hard-core por lo que sabía de ellos. Pero me acuerdo que Nirvana parecía ser un grupo mucho más misterioso, menos directo que el punk rock de la época, y de alguna forma los escuchaba porque me asustaban (ríe). Las letras de Cobain son muy crípticas y temáticamente intermitentes, no son el clásico storytelling. Nunca entendí mucho el grunge, para mí esto era punk rock, creciendo en Los Ángeles me di cuenta de algunas influencias muy distintivas, sobre todo de The Replacements, The Germs y por supuesto Pixies. FAVORITAS Definitivamente, mi canción favorita del Nevermind es "On a Plain", creo que en esta canción Kurt Cobain demuestra que había un genio pop detrás de toda esa pared de ruido, y la forma en la que sigue con "Something in the Way" es excelente. Siento que el final del Nevermind explica mucho de la personalidad y la intención del disco y sus autores. La producción de Butch Vig es criticada por ser muy glossy o perfecta, pero su influencia se nota a nivel estructural, lo cual me parece importante. ¿DE QUÉ DEMONIOS HABLA SMELL LIKE TEEN SPIRIT? No sé de qué hable el Nevermind, creo que un disco que perdura, es un disco difícil de descifrar, como dije: temáticamente no tiene ninguna línea aparente, pero la apatía de esa generación en particular parece ser una constante no sólo los discos de Nirvana, sino en muchos grupos de la era. Creo es una dicotomía, porque eran "apáticos", pero estaban haciendo estas joyas de discos y cambiaron a la industria musical. No puedes lograr eso siendo apático, de hecho era bastante pro-activo y DIY.


VIGENCIA Definitivamente creo que el disco sigue vigente y la razón es que las canciones son buenas, fáciles y pegajosas. Totalmente pop. Cuando un chico o chica se compra una guitarra siempre empiezan o con el riff de "Smells Like Teen Spirit" o con "Paranoid" de Black Sabbath. Creo que ese es el mejor halago que le puedes hacer a Cobain, probó –al igual que los Ramones antes de él– que se podía hacer música sin ser pinche YES o fuckin’ King Crimson. SI COBAIN NO HUBIESE MUERTO… No sé que podría haber pasado, definitivamente era un wey que sufría muchísimo, pero por otro lado tenía la música. Creo que si hubiera una moraleja a la historia de Cobain sería "ten cuidado con lo que deseas". A veces los sueños se hacen realidad y no eran lo que esperabas, por ende te clavas una aguja en el brazo y terminas odiando tu vida para complementar, es un cliché totalmente cierto, no sé si ese haya sido su caso.

claro, buscar límites y extremos, ser el centro de atención por accidente, la ley del mínimo esfuerzo, euforia efímera, azar… VIGENCIA El disco sigue siendo vigente para mí. A pesar de que marcó a toda una generación en específico, espero que siga presente para muchas generaciones más. Le entras mejor de adolescente, pero le guardas cariño siempre. Tiene la cantidad y proporción perfecta de melodías, energía, suciedad, intensidad, berrinche, y ese contenido lírico-abstracto que acercó el punk a las masas. SI COBAIN NO HUBIESE MUERTO… Me lo imagino publicando un libro con poemas, cuentos, fotografías y dibujos; lanzando un disco solista con colaboraciones de Thom Yorke, Trent Reznor, Courtney Love o Dave Grohl… y protegiendo a su hija de los medios.

UILI DAMAGE

GUITARRA Y VOZ DE LOS ESQUIZITOS INFLUENCIA Cuando salió me ofendió el cinismo con que se plagiaron toda la carrera de Pixies en sólo un disco, de una manera pueril y rabietosa. Me sorprendió mucho cómo los recibieron mis amigos, cuando todavía estaba bien marcada la diferencia entre metaleros y fresas, pues a todos les pegó de la misma manera y los unificó. FAVORITAS “Territorial Pissings”, “Breed” e “In Bloom”.

VALENTINA PLASA BAJO Y VOZ DE CANDY INFLUENCIA Empecé a escuchar a Nirvana cuando ya se había muerto Kurt Cobain, y lo primero que conocí fueron canciones del Nevermind. Recuerdo que fue la cosa más fácil de escuchar y apreciar. Fue el primer grupo de rock con el que hice click, como cuando escuché a los Beatles por primera vez unos años antes, y quería aprenderme todas las letras. Fueron las primeras canciones que aprendí a tocar con una guitarra eléctrica y me di cuenta de que quería tocar y saber más de rock. Me gustaba identificar las estructuras – sencillas, pero geniales– de las canciones, y las diferentes armonías que hacen las voces de Kurt y los demás. FAVORITAS “Territorial Pissings”, “Lounge Act”, “Lithium” y “Polly”. ¿DE QUÉ DEMONIOS HABLA SMELL LIKE TEEN SPIRIT? "Smells" habla de la corta capacidad de atención, impulsos, el sentimiento de no tener un objetivo

¿DE QUÉ DEMONIOS HABLA SMELLS LIKE TEEN SPIRIT? No sé y no me gusta esa canción. VIGENCIA Hoy sigo teniéndolo por debajo de cualquiera de Pixies, pero lo disfruto sin preocuparme qué se robaron y qué no. Me gusta sonarlo y hacer sentir a los demás incómodos por oír un disco viejo que ya no está de moda. SI COBAIN NO HUBIERA MUERTO… Estaría muy activo produciendo nuevos materiales de sus ídolos y de nuevos descubrimientos, entre cada grabación lanzada sin Grohl; un poco como Jack White.

MARTIN THULIN VOCALISTA DE LOS FANCY FREE INFLUENCIA Seguramente se me hizo outdated, caducado pues. Antes de la revelación del grunge, el sonido Seattle/SubPop tenía años cocinándose con Mudhoney por ejemplo. Y antes con bandas como Sonic Youth, The Flaming Lips, Scratch Acid o Pixies por mencionar algunos. Y en Inglaterra ni se diga con el shoegaze. Simplemente, en 1991 se me hizo un disco que no venía al caso, al menos en mi vida estaba escuchando cosas como Nick Drake, Joao Gilberto, Caetano Veloso, Os Mutantes, Marvin Gaye y James Brown. FAVORITAS Híjoles, me van a crucificar por hereje, pero Nevermind nunca me gustó... Primero, Butch Vig es uno de los productores más horribles de la historia, también destrozó el Dirty de Sonic Youth. Hay buenas canciones en Nevermind que sí reconozco, pero se vuelven insufribles con el sonido: ¿qué pedo con usar efecto de chorus para una guitarra en 1991? Todavía en 1981 te lo compro. Suena über-americano. ¡Poooonch! ¡Disssstooor! ¿DE QUÉ DEMONIOS HABLA SMELLS LIKE TEEN SPIRIT? De un desodorante, ¿no? VIGENCIA La verdad, caí en la trampa el día que se mató Kurt. De idiota pensé: tal vez tenía algo (como si un suicidio te hiciera mejor músico), y como mi hermana tenía Nevermind, traté de escucharlo, pero simplemente no me entró. Creo que la importancia que debemos reconocerle es que para Estados Unidos y el resto del mundo (menos Europa, donde ya había pasado a finales de los 70 con Sex Pistols) fue cuando el punk (o su derivado) se volvió mainstream. Digo, prefiero mil veces ver a Nirvana en MTV que Celine Dion, ¿si me explicó? SI COBAIN NO HUBIESE MUERTO… ¿Haciendo duetos con Bono? M

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DEFONDO::

T X T: : R A FA E L TORI Z .

I LU ST:: YAN A / w w w. behanc e. net / yana dria

Pocos, un puĂąado apenas, son los rasgos que tenemos por exclusivamente humanos: acaso sea la crueldad la que mejor define a nuestra especie. Es sabido que otros animales practican el comportamiento altruista, recuerdan a sus muertos o incluso se prostituyen (hay que ver la distendida moral que campea entre los monos, pĂĄjaros y no pocos castores), pero ninguno como el hombre le inflinge dolor a sus semejantes por placer y gratuidad.

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ENTRE

los múltiples testimonios del hábito, marcar con hierro al diferente ha sido una práctica recurrente a lo largo de nuestra historia. Despreciar al niño, la puta, el tullido, el anciano, el hereje, el negro, la jorobada, la bruja, el enano, la tuerta, el rengo, el loco y prácticamente a cualquiera que transgrede la delgada línea entre lo uniforme y lo heterogéneo ha sido la causa de vilipendios, segregaciones y aniquilamientos. Todo aquel que no consigue ajustarse a las evanescentes normas de nuestras corruptas sociedades sabe perfectamente que el infierno son los otros. Mucho se ha escrito al respecto y sin embargo nunca se habrá dicho lo suficiente: el estigma de la individualidad –así se trate de una marca en el cuerpo, la psique o la conducta– sigue siendo penado por otra razón muy evidente: aquello que nos confronta, eso que desconocemos y para lo que no tenemos palabras, alimenta directamente nuestros miedos.

ENTRE LO NORMAL Y LO PATOLÓGICO

Uno de los rasgos que permitió el desarrollo de la cultura fue la capacidad de pensar por categorías, de agrupar y comprender la realidad mediante clasificaciones que ubican en el tiempo y el espacio a los elementos que componen el mundo. Tejer asociaciones mediante simpatías y diferencias derivó en el pensamiento analógico, esa capacidad de comparar inductivamente las semejanzas entre las cosas. Empero, el pensar únicamente en oposiciones binarias (bueno/ malo, negro/blanco, turbio/claro) derivó en sectarismos causantes de incontables calamidades. Categorías estrechas y obcecadas han condenado a muchísimos seres humanos al desprecio y el castigo. A estar afuera, anticipando la muerte. Fue precisamente en esos márgenes donde uno de los filósofos más potentes del siglo XX desarrolló su pensamiento. Michel Foucault (1926-1984) construyó un espacio para todos aquellos forajidos de la razón y de la ley que, por si fuera poco, sólo conocieron el olvido de la historia, transfigurándose en proscritos y fantasmas para quienes, en ocasiones, hasta el nombre les fue negado. Las herramientas del filósofo, agudas navajas para diseccionar el pensamiento único, lograron demostrar lo absurdo y lo ridículo de las clasificaciones (recuérdese el inicio de Las palabras y las cosas, haciéndose eco de El idioma analítico de John Wilkins; o piénsese en la consigna que campea a lo largo de La arqueología del saber: “Por debajo de las grandes continuidades del pensamiento, por debajo de las manifestaciones masivas y homogéneas de un espíritu o mentalidad colectivas, por debajo del terco devenir de una ciencia que se encarniza en existir y rematarse desde su comienzo, por debajo de la persistencia de un género, de una forma, de una disciplina, de una actividad teórica… Por detrás de la historia atropellada de los gobiernos, de las guerras y de las hambres, se dibujan unas historias, casi inmóviles a la mirada, historias del débil declive”). Entre los múltiplos hallazgos de Foucault se cuenta no sólo el hecho de llevar lo marginal hacia el centro, sino también el de demostrarnos que las sanciones de la razón suelen estar fundadas en malos entendidos, arbitrariedades y todo tipo de disparates, un diálogo de sordos perfectamente ilustrado por esa obra maestra que consiguió Joaquim María Machado de Assís en El alienista. Foucault desentrañó las categorías y las instituciones correctivas instauradas en la época clásica para ayudarnos a entender la manera en que pensaban entonces y cómo es que esas disposiciones y clasificaciones consiguen moldear la manera en que pensamos ahora. Los casos en que se detuvo con una mirada judicial (el de la hermafrodita Herculine Barbin, el parricida Pierre Riviére, o la galería de “esperpentos” que componen las páginas de Vidas de los hombres infames) expusieron que los dispositivos

de castigo, corrección y correspondencia guardaban relaciones más complejas y hasta macabras de lo que se observaba a simple vista. Su examen, siempre finísimo y radical, se veía reforzado por su sensibilidad con los otros, aquellos que son conscientes de su diferencia, cosa que a él mismo le sucedía. A estas alturas, luego de tantos atropellos y sin embargo tantas críticas, resulta una impertinencia y de un insospechado cretinismo seguir pensando y nominando la otredad bajo el término freak; prueba fehaciente de que el colonialismo no sólo se reduce a las tierras y los bienes materiales de un sujeto usurpador sobre otro, menos aventajado, sino también a la mente, a la capacidad de pensar y comprender el entorno. Bajo una clasificación tan pedestre todos somos freaks con respecto de algo o de alguien, sobre todo si creemos erróneamente que existe un modelo intachable o esencialista de conducta. El derecho a ser diferente, en este tiempo oscuro que nos ha sido dado vivir, se impone casi como una obligación. En una obra legendaria, Estigma, la identidad deteriorada, el sociólogo canadiense Erving Goffman se dedicó a estudiar aquella marca identitaria que lastima socialmente las identidades individuales y la psicología colectiva, dado que afecta la imagen que emitimos en el contexto en que nos desenvolvemos y la manera en que somos percibidos. Desde esta perspectiva, resultan especialmente vulnerables todos aquellos grupos que no se someten a la norma establecida, generalmente un cúmulo de prejuicios y conceptos estúpidos instaurados por grupos enquistados en el poder, como con tanta mezquindad e inmundicia ha realizado Televisa por tantos años. Un ejemplo muy preciso de ellos es lo que sucede en los colegios y las escuelas, donde ciertos patrones deportivos, raciales, simbólicos y estéticos fundan despóticos evangelios. En mi caso, recuerdo nítidamente la jungla insaciable que fue mi escuela secundaria, un territorio minado en el que para sobrevivir había que asociarse con chacales y demostrar al momento de la tensión que uno estaba hecho de acero, con voluntad mercenaria y hasta temperamento caníbal para sobrevivir. El problema del abuso en el colegio, ahora popularizado como bulling pero anteriormente conocido como castre, es algo viejo y conocido. Somos una especie acomplejada y contradictoria que encuentra en la adolescencia el caldo de cultivo necesario para fomentar los impulsos asesinos, y hay que haber sido adolescente en un salón de secundaria mexicano para saber que a edad temprana la socialización entre los machos se da a través de la violencia, como con tino inmejorable describiera Vargas Llosa en La ciudad y los perros. Todas estas apreciaciones, desde luego, pueden verse matizadas con un “aguántese, puto, y no ande de chillón”, cosas más duras viven otros pueblos y de acuerdo con algunos retrógradas y militares tales experiencias forman el carácter. En algún punto, es probable que tengan razón, sobre todo si atendemos los excesos y los abusos de una corrección política de corte estadounidense que apela por “defender” bizantinismos y que sin embargo no consigue impedir que de cuando en cuando un adolescente mejor armado que Rambo y Robocop pase por las armas a sus maestros y compañeros. La diferencia es positiva y debe ser fomentada, pero sólo para ensanchar la riqueza y pluralidad del mundo, no para propiciar competencias innobles y otros aturdimientos que lo único que desean es el sometimiento del otro. Es importante enseñar a nuestros jóvenes que la virilidad no radica en el poder y el dinero, el narco y la política. La potencia de un hombre, como la de una mujer, radica en la generosidad y la capacidad de desprendimiento, pero sobre todo en la capacidad de decidir con criterio, pensando en colectivo, más allá de mi pequeña circunstancia. Todos somos diferentes y todos seremos el mismo si aprendemos a reconocernos en la extraña y fascinante mirada de los otros. M


ENPORTADA::

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EN ESTOS DÍAS HAY MENOS CAOS EN MI VIDA, AUNQUE MANTENGO UNA PELEA CON MIS DEMONIOS INTERNOS PARA MANTENER LAS COSAS INTERESANTES. -Anthony Kiedis

UN RENACIMIENTO INTERMITENTE TXT:: VICENTE JÁUREGUI. FOT:: CORTESÍA DE WARNER.

En pleno fascismo glam rock, los Red Hot Chili Peppers emergieron cínicos, vulgares y carentes de maquillaje. Qué freaky debió ser atestiguar su nacimiento, cuatro blancos tocando música de negros que aparecían semi vestidos en el escenario. No en vano su segundo disco fue titulado Freaky Styley (1985), un derroche de energía con afiladas y directas letras sobre sexo, chicas católicas, adicciones y demás pulsiones adolescentes. Accidentada y salvaje como pocas, la historia de la banda ha tenido suficientes altibajos (cuatro adictos a la heroína, tres de ellos sobrevivientes). Con todo, la banda hoy presume 10 discos con canciones que son verdaderos himnos generacionales. Para escuchar de primera mano sus impresiones sobre I’m With You y la sustitución de Frusciante por el guitarrista Josh Klinghoffer, Marvin viajó a Venice Beach, lugar donde Chad Smith y Anthony Kiedis contestaron nuestras preguntas durante media hora.

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¿Cuál es la semilla lírica de este disco? ¿cómo nacieron las letras? AK: El disco es un esfuerzo grupal, y aunque es mi deber escribir las letras para esta banda, muchas de ellas nacen de experiencias del grupo mismo, de estar juntos en una habitación y escuchar cuidadosamente lo que está pasando tanto rítmica, como melódica y armónicamente. Es importante escuchar qué historias y sentimientos están ocurriendo en el jamming, pues de ahí obtengo la mayoría de mis ideas. Palomeamos mucho y cuando improvisamos hay mucha emoción, sólo debo estar atento para sentir la energía y canalizarla. Además de eso, ahora paso por un período de mucha fe en mi vida, es algo más fuerte que en el pasado; pero tardó en llegar, ocurrió lentamente... me hice papá durante los dos años que tomamos de descanso, lo cual abrió mucho amor en mi corazón, en mi simple y pequeña existencia. En estos días hay menos caos en mi vida, aunque mantengo una pelea con mis demonios internos para mantener las cosas interesantes. Con este ya son seis discos producidos por Rick Rubin, ¿dirían que es, del mismo modo que George Martin fue para los Beatles, como un quinto Pepper? AK: Definitivamente es parte de la familia, pero en realidad no me gusta la expresión de “el quinto Pepper”. Le agradecemos mucho ser parte de nuestra historia desde 1990, pues siempre se involucra al máximo; incluso supo darnos nuestro espacio ahora que nos reestructuramos como banda, y en el momento en que lo llamamos comenzó a venir al estudio sin importarle todo el tiempo de espera… es muy consistente y todo el tiempo nos ayuda a poner los toques finales al disco.

La pregunta es obligada, ¿por qué John se fue de la banda de nuevo? Chad Smith: John decidió dejar la banda para hacer sus cosas, lo cual es positivo. Lo amamos como persona y por todo lo que nos ha aportado, por eso creímos que lo mejor era dejarlo ser libre. Estamos muy agradecidos por todo lo que él ha traído a nuestras vidas. Cuando John se fue nosotros queríamos continuar y ahí estaba Josh, que pertenece a nuestra familia porque lo conocemos desde hace muchos años. Fue un movimiento muy lógico y astuto de su parte querer tocar con nosotros (ríe). Nos sentimos afortunados porque es un músico alucinante, muy diferente de John en todos los sentidos… Anthony Kiedis: ¡Los delfines han vuelto! (estamos en la playa de Venice Beach y algunos cetáceos asoman su cuerpo). En realidad fue algo bello, para nada trágico, todo lo contrario. Personalmente no tendría el valor de alentar algo así, pero John lo tuvo y dijo: “creo que es momento de enfocarme en lo mío”. Lo recibimos muy bien, fue un gran alivio tanto para él como para Flea, Chad y para mí... era necesario cerrar un ciclo. Creo que el valor que John tuvo para dejar la banda representa una oportunidad para todos. Siento que necesitábamos una inyección de sangre e ideas nuevas. Hay algo hermoso en salir de la zona de confort, pues la falta de seguridad te obliga a reinventarte. ¿Cuál fue el primer contacto de Josh con RHCP? AK: John y Josh son amigos de tiempo atrás. Cuando hicimos la gira del Arcadium supimos que sería demandante para John tanto a nivel físico como mental. Entonces creímos que la inclusión de Josh, además de alegrarlo, le permitiría tocar otras cosas. Pudimos haber tocado sin otro guitarrista, en realidad sólo necesitábamos un amigo que fuera parte de nuestra experiencia, fue una sorpresa para todos que pasara así. Creo que las cosas pasan por algo... después de un período de discusión muy corto al interior de la banda, todos coincidimos que él era la opción más obvia para reemplazar a John. El cambio en el sonido de la banda es notable... AK: Es diferente porque la química es nueva con Josh. Él aporta una energía, personalidad y habilidades novedosas que cambian toda la ecuación de la banda, pero con un vínculo muy claro hacia el pasado. Nos gustó mucho que a la hora de grabar, todo fluyó increíble desde el primero hasta el último día de trabajo.

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Este disco es muy ecléctico, sorprende por su gran variedad estilística. CHS: Estuvimos influenciados por música de todas la épocas, todo lo que cada quien estaba escuchando se encuentra en I’m With You, pero no de una manera obvia. Somos fans de muchos tipos de música, pero quisimos que el disco sonara a nosotros. Buscamos hacer un disco honesto y verdadero.

JOSH ES DIFERENTE, NO ES TAN INMEDIATO, ES MUCHO MÁS TEXTURAL Y SUTIL, ES MÁS UN ARQUITECTO SONORO QUE UN MÚSICO DE RIFFS. -Chad SMith Hay muchas referencias a los 70, incluso algo de los Rolling Stones. AK: Creo que la música de los 70 se encuentra presente en más de una ocasión, y no es algo que queremos esconder, tuvimos títulos tentativos de canciones como "Roxy Music". Para simplificar un poco, si antes hemos hecho referencia a Led Zeppelin, es posible que este sea nuestro álbum Rolling Stone, lo cual es increíble porque yo nunca he tomado a los Rolling como inspiración, pero en este punto me gusta que podamos pisar sobre esa energía. Como guitarrista, Keith Richards siempre busca tocar con la banda, de embonar en el ensamble antes de hacer algo dominante. CHS: John solía venir con ideas muy concretas, decía: "aquí está el riff de la canción". Generalmente eran riffs monstruosos en la escuela de Zeppelin, cosas muy claras temáticamente. Josh es diferente, no es tan inmediato, es mucho más textural y sutil, es más un arquitecto sonoro que un músico de riffs. Dave Navarro también era bastante textural, ¿están de acuerdo? AK: Yo diría que no. Para mí Dave Navarro también es Zeppelin, Jane's Addiction fue el Zeppelin de los 90. CHS: ¿Textural? No siento ninguna conexión entre Josh y Dave, son muy diferentes. ¿Por qué nunca tocan canciones del One Hot Minute? AK: Por alguna razón hemos dejado ese disco a un lado, hemos hablado de tocarlo en vivo, pero no hace mucho sentido. No diría que no nos gustan


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DE LOS OCHO GUITARRISTAS QUE HAN TOCADO EN LA BANDA, TRES HAN SIDO ADICTOS A LA HEROÍNA: SLOVAK MURIÓ POR SOBREDOSIS, JOHN FRUSCIANTE TERMINÓ CON DENTADURA POSTIZA Y QUEMADURAS EN EL BRAZO Y DAVE NAVARRO RETOMÓ SU ADICCIÓN POR JUANA.

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sus canciones, en realidad las apreciamos, sólo que ahora hay demasiado material que tocar, particularmente, en este momento queremos tocar muchas canciones de I'm With You. Además, estamos obligados a tocar cosas de Blood Sugar para acá. Hay una canción titulada “Brendan’s Death Song”, ¿se trata de un personaje real? AK: Muchas de nuestras canciones recurren a lo abstracto, a colores, texturas, sentimientos, ideas y pensamientos, pero Brendan es alguien real que llegó de manera orgánica a la canción, su energía nos atravesó. Cuando desperté al primer día de trabajo con Josh me sentía un poco tenso, un tanto presionado de que íbamos a comenzar una nueva banda; iba conduciendo en la colina hacia el estudio donde ensayamos cuando recibí un mensaje: "tu amigo Brendan Mullen acaba de morir de un infarto" (12 de octubre de 2009). Tenía 60 años y dije: ¡Dios mío! ¿De dónde se conocían? AK: Estábamos trabajando juntos en un libro sobre la historia visual de los Chili Peppers, razón por la cual habíamos pasado tiempo juntos recientemente. Pero nuestra historia data de 1983, cuando él era booker de un pequeño club en Sunset Blvd. llamado Club Lingerie, cualquier banda del mundo que venía a LA tocaba en su escenario. Años antes, Brendan inició el movimiento punk rock cuando abrió un lugar llamado The Masque en Hollywood Boulevard en los 70, al dar espacio a una generación de punk rockers se convirtió en una leyenda. Flea y yo fuimos a verlo para presentarle nuestro demo tape, lo escuchó inmediatamente y nos dijo que teníamos el trabajo: "vengan el siguiente martes por la noche, quiero que le abran a los Bad Brains". Desde entonces él está en nuestros corazones. Fue alguien muy importante en la escena de LA durante los últimos 30 años, es increíble que haya muerto el día que celebraba su cumpleaños con su novia. ¿Y cómo nació la canción? AK: Cuando llegué al ensayo compartí la noticia con los chicos, y sin hablar nada, en los primeros 20 minutos surgió de manera natural una canción dedicada a su memoria. Se sentía real y decidimos grabarla... durante el proceso de grabación la canción mejoró y mejoró hasta convertirse en un momento clave en la creación de este disco.

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EL VALOR QUE JOHN TUVO PARA DEJAR LA BANDA REPRESENTA UNA OPORTUNIDAD PARA TODOS. -Anthony Kiedis Siempre ha habido personajes en sus canciones. AK: Los personajes han estado desde el principio de la banda, ya sea de manera protagónica o no. Es curioso cuando ellos entran en la canciones, nunca surgen de manera intencional, los mismos personajes encuentran solos su camino dentro de la música. En ocasiones sí están basados en gente real, como en "Sir Psycho Sexy" (Blood, Sugar, Sex, Magic), una canción llena de personajes, que si bien no son nombrados, se hacen presentes por su memoria. Ahora que Flea comenzó a estudiar, ¿se volvió un músico más dominante? (Ambos se carcajean) CHS: El cambio fue en la manera de componer, pues antes Flea sólo lo hacía en el bajo y ahora lo hace en el piano. Todo eso fue muy novedoso para nosotros, tener canciones que nacieran del piano y los teclados nos llevó a otro lugar tanto rítmica como melódicamente. AK: El chico tenía un piano y quería tocarlo así que fue a la escuela y estudió rápidamente (risas). "Police Station" y "Happiness Loves Company" nacieron de esta relación con el piano. Obviamente "Even You Brutus?" también, de repente Flea nos dijo (imita la voz de Flea): "estoy trabajando en esta nueva idea de hip hop, ¿qué piensan?". (La manager entra y nos advierte que tenemos tres minutos) Mi primer recuerdo de la banda es el video “Under the Bridge”, me sorprendieron las escenas donde caminas en el barrio latino. AK: LA es cultura Latinoamérica, sobre todo mexicana, centroamericana; LA es mitad latino y mitad cualquier otra cosa. Me encanta, es un gran sabor, es un super melting pot, hay culturas de todas partes del mundo. Cuando me mudé aquí en los setenta venía de Michigan, un lugar donde todo es blanco, blanco, blanco; llegué aquí y había coreanos, rusos, chinos, ucranianos, todos en la misma escuela. Así es como esta banda avanza: tomamos un poco de todos lados sin sentirnos avergonzados de ello. M


La primera alineación de los RHCP necesitó de músicos de sesión porque Slovak (guitarra) e Irons (batería) no pudieron grabar en el disco, en su lugar grabaron: Batería: Cliff Martinez

Productor: Andy Gill

Gutarra: Jack Sherman

The Red Hot Chili Peppers (1984) Miembro original de la banda, Hillel Slovak regresó para grabar, pero su adicción a la heroína sólo era comparable con la de Anthony Kieds.

Freaky Styley (1985)

The Uplift Mofo Party Plan (1987)

Además de ser la mente maestra de Parliament and Funkadelic, el productor George Clinton ha expandido el vocabulario del funk al mismo nivel que James Brown y Sly Stone.

Michael Beinhorn escuchó que en EMI odiaban a los Chili Peppers pero, sorprendido por la actitud inconforme de la banda, decidió producirlos. El disco fue escrito en el estudio con constantes pausas en las cuales Kiedis salía a buscar drogas.

En 1986, Kiedis y Flea despidieron a Martínez porque sintieron que no traía bien puesta la camiseta. Jack Irons se reincorporó luego de fundar la banda en 1983.

Slovak murió por sobredosis de heroína en 1988, y al poco tiempo Irons renunció diciendo: “no quiero ser parte de un grupo en el que mis amigos están muriendo”. Flea y Kiedis convocaron audiciones para reemplazar a Irons en la batería. El último en llegar fue un tipo enorme llamado Chad Smith. La química fue inmediata y una nueva etapa nació.

Mother's Milk (1989)

Blood Sugar Sex Magik (1991)

One Hot Minute (1995)

El guitarrista John Frusciante era un gran fan de la banda antes de ser reclutado, y aunque no tenía experiencia en el funk, su amplio conocimiento en teoría musical lo sacó adelante. Luego de que Frusciante dejó la banda por su inhabilidad para lidiar con la fama y su adicción a la heroína, Arik Marshall fue llamado para terminar la gira.

Después de que despidieron a Marshall, Kiedis descubrió a Jesse Tobias en un club. En pleno proceso de composición, la banda sintió que no era el guitarrista adecuado y le dieron las gracias después de un mes de trabajo.

Rick Rubin sugirió rentar la mansion de Harry Houdini para grabar el disco. Chad y John creyeron que la casa estaba embrujada, y mientras el primero decidió no dormir ahí, Frusciante afirmó disfrutar de la compañía de los alegres espíritus. Dave Navarro introdujo su lenguaje psicodélico y zeppeliano a la banda. La lucha de egos no se hizo esperar y desde su salida, los Peppers no tocan las canciones de este disco.

Después del despido de Navarro la banda estuvo a punto de tronar. En medio de la deseperación, Flea sintió que el regreso de John podría salvarlos. Recién rehabilitado, el guitarrista respondió: “nada en el mundo me haría más feliz”. A la fecha, Californication ha vendido 15 millones de copias y es el disco con mayor éxito comercial de la banda. Californication (1999) El proceso de producción de By the Way fue bastante tenso: mientras Flea quería grabar canciones en la vena funk, Frusciante señalaba que ese género había sido muy explorado anteriormente. Ambos arreglaron sus diferencias y finalmente el sonido de la banda cambió: en el disco dominan las baladas y los arreglos texturales que John escribió. By the Way (2002)

Stadium Arcadium (2006)

John Frusciante siempre fue un virtuoso (técnico) en la guitarra, pero decidió mostrarlo hasta este disco doble. La banda regresó a la casa de Houdini para grabar, y al respecto, John declaró: “hubo seres con otra inteligencia controlando lo que yo tocaba”. Entre esos espíritus y su amistad con Omar Rodríguez de The Mars Volta, los demonios de Eddide Van Halen y Steve Vai fueron detonados en este álbum.

Aunque lo habían intentado en varias ocasiones, fue con I’m With You que la banda logró capturar el espíritu de la música africana. De hecho Flea y Josh volaron a Etiopía con Africa Express, un grupo organizado por Damon Albarn. Para muestra escuchar las canciones "Take Me Home" y "Ethiopia". I'm with You (2011)


HABLO PORQUE TENGO BOCA::

OFF THE RECORD::

TXT:: CHICO MIGRAÑA.

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

Periodista la-sangre-de-metal.blogspot.com

Playboy, periodista de rock y escritor de ficción. Twitter: @arthuralangore

LA CULTURA EN MANOS DE LOS INCULTOS Dicen que el interés tiene pies. Hoy tengo ganas de hablar de una situación donde queda claro que la estupidez nos tiene al revés. Y para muestra, un horrible botón que se ha manifestado desde hace algunos meses en contra de la ya de por sí vapuleada y desterrada cultura. Para acabar pronto baste recordar que la Comisión de Cultura de la Asamblea Legislativa del Distrito Federal la preside una señora (no le pongo título académico como Licenciada, Maestra o similares, porque no se conoce dicha información) de nombre Edith Ruiz Mendicuti. La señora ha hecho diversas declaraciones que le han valido innumerables críticas en varios medios de comunicación (dice que no lee novelas porque no tiene perfil de soñadora, confundió a José Emilio Pacheco con Tennesse Williams, escribe con más faltas de ortografía que un niño de primaria). Y debe quedar bien claro antes de seguir adelante: ¡ella es quien preside la Comisión de Cultura del D.F.! Suficientes problemas tiene ya la diputada (que por cierto tiene como imagen de entrada en su página de Internet, una foto fechada en septiembre de 2011, cuando al tiempo de escribir esta columna apenas estamos en agosto) como para echarle más leña al fuego. Es ignorante, desdeñosa de la crítica, vive llena de sí misma y desconoce el uso de las comas, como ejemplifica este fragmento de uno de sus informes: “Es necesario que el Gobierno Mexicano fije criterios para clasificar la música que tenga ciertas restricciones para su adquisición". En este espacio deseo expresar mi total indignación ya que, una vez más, alguien con cierto acceso a espacios informativos dice que el metal debe ser censurado, porque promueve prácticas como el satanismo. Suponiendo que eso fuera cierto, la señora (y para el caso varios jerarcas católicos, grupos de padres de familia y en general personas ignorantes y mojigatas) olvida el principio básico del artículo 24 de nuestra Constitución, que dice: “Todo hombre es libre para profesar la creencia religiosa que más le agrade y para practicar las ceremonias, devociones o actos del culto respectivo, siempre que no constituyan un delito o falta penados por la ley”. ¿A qué tipo de satanismo se referirá la señora legisladora? ¿Al de LaVey, al de órdenes como la Misantrópica Luciferiana (hoy llamada Templo de la Luz Negra), al odinismo? Porque todos estos son bastante inofensivos –en el sentido de que no promueven el delito–, cuando mucho incentivan al individuo a pensar por sí mismo, sin la venda cegadora de la religión “oficial” del mundo occidental. Así pues, si a los metaleros se nos da la gana escuchar rock satánico (indignante etiqueta inventada por equivalentes a Ruiz Mendicuti en países como Estados Unidos) estamos constitucionalmente protegidos. Eso significa que sus intentos de censura, fuera de ganarle el aplauso de un puñado de retrógradas como ella, sólo reflejan su falta de cultura y su paranoia religiosa. Si nosotros quisiéramos, señora legisladora, podríamos hacer una marcha, digamos, el 11 de noviembre de este 2011 –día nombrado por VH1 como Día del Metal– y caminar del Ángel al Zócalo, para llegar ahí y cantar temas como “Pasaporte al Infierno”, “Escupiendo la Biblia” o “El ángel de la lujuria”. Tenemos el derecho de hacerlo, y de acuerdo a su propia descripción de cultura (“es toda obra humana producto del pensamiento, del espíritu y del trabajo”), el heavy metal –satánico, suicida, sangriento o no–, es una forma de expresión cultural que, afortunadamente, no está al alcance intelectual de gente como usted. Siga con su incansable lucha –cualquiera que esta sea– que nosotros, los metaleros, aquí estamos para ayudarla a salir de la oscuridad.

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“SABEN QUE SOY GAY, ¿NO?” Cada vez es más común que las compañías disqueras, managers y publirrelacionistas se sientan con la libertad de decirte qué preguntar y qué no. Como si los periodistas fuéramos sus secretarias para tomarles dictado y estar al servicio de sus intereses, promoviendo con nuestra pluma lo que ellos quieran. Como si por otorgarnos una entrevista nos hicieran un favor. Sin embargo, la mayoría de las veces los músicos ignoran y pasan por alto las instrucciones que sus empleados –porque eso son los managers, disqueros y publirrelacionistas, aunque les duela– giran a la prensa. En octubre de 2001, Elton John visitó la Ciudad de México, como parte de la gira de promoción del disco Songs from the West Coast. El músico ofreció dos conciertos en el Auditorio Nacional, pero antes su compañía disquera organizó una conferencia de prensa en un hotel de Polanco. Ahí, su label manager (algo así como su gerente en México) nos advirtió a los presentes que bajo ninguna circunstancia le preguntáramos a Elton nada relacionado con su sexualidad, porque de lo contrario “se pondría de pie y daría por terminada la conferencia”. Cuando apenas se habían realizado un par de interrogantes, ya ni siquiera recuerdo cuál fue la pregunta, pero no tenía nada que ver con las preferencias amatorias del inglés, solito nos dijo: “es muy complicado, porque soy gay… Bueno, ¿todos aquí saben que soy gay, verdad? Porque lo soy”. El activista social Jack Weinberg –en la década de los 60– pronunció “no confíes en nadie de más de 30 años”. Yo, como periodista, no confío en nadie que trabaje en la industria musical, tenga la edad que tenga y siempre pregunto lo que se me da la gana.


BAJO PRESUPUESTO::

TERMÓMETRO DE RIESGO::

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL .

TXT:: JUAN CARLOS REYNA .

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

Músico y escritor. Twitter: @jcreyna

DE FREAKS FALSOS Y FREAKS VERDADEROS Los freaks ingresaron a la cultura popular a raíz de la inquietante película que hizo Tod Browning en 1932, y que lleva como título dicha palabra. Desde entonces, un freak es un fenómeno, un ser extraño, insólito, exótico, descompuesto o para decirlo en el correctísimo lenguaje post Teletón: un ser con características y capacidades diferentes. A mediados de los sesenta, en medio de la llamada contracultura hippie, surgieron dentro del rock personajes que obedecían a esas singularidades friquianas. Agrupaciones como The Fugs, Captain Beefheart and His Magic Band, The Bonzo Dog Band o The Mothers of Invention – encabezada por el freak por antonomasia– el genial Frank Zappa, tenían una propuesta artística muy diferente a la del mainstream contracultural, al flower power que pregonaba el haz el amor y no la guerra. Discos como The Fugs, The Doughnut in Granny’s Greenhouse, Trout Mask Replica y, sobre todo, Freak Out y Absolutely Free proponían una visión del mundo sardónica e irreverente, absoluta y perfectamente freak. Esto se complementaba de manera más que saludable con la obra gráfica de otro freak de freaks, el gran Robert Crumb y sus cómics salvajes que desnudaban y ponían en evidencia al american way of life. Esa fue, por llamarla de alguna manera, la época de oro de los freaks, quienes con los años demostraron ser los tipos más cuerdos del planeta (ahí están la trayectoria y el más que articulado discurso del propio Zappa para demostrarlo). Más adelante habría otros freaks en la música (bandas como The Residents, Primus o Butthole Surfers lo fueron de uno u otro modo, aunque jamás se jactaron de ello) y en la propia cultura popular norteamericana (con gente tan delirante como Harvey Pekar y Daniel Johnston). Sin embargo, hasta ahí llegó la cosa y lo que hubo después fue más bien una ridícula caricatura de lo freak, con bandas como Insane Clown Posse, Limp Bizkit, Bloodhound Gang y Slipknot o farsas actuales como Lady Gaga. Incluso gente más interesante, como Marilyn Manson o Rob Zombie, no alcanza esa categoría. En México, lo más cercano a lo freak no ha estado en la música sino en la política y en el mundillo de la farándula, y eso más por obra de los cirujanos plásticos que por el desarrollo de una idea crítica y cáustica de nuestra realidad (quizás un escritor como Parménides García Saldaña estuvo cerca de ser el freak mexicano que nunca hemos tenido, pero su muerte temprana frustró esa posibilidad que tampoco se logró con personajes como mis muy estimados Capitán Pijama y Dr. Fanatik, quienes siguen empeñados en ello y no descansarán hasta conseguirlo o morir en el intento). Así pues, deberemos conformarnos con seudofriquis como Elba Esther Gordillo, Lucía Méndez, Alfredo Palacios o Carmen Campuzano (no vale la pena mencionar a ese mal intento de freaks en el rockcito nacional que es Moderatto, un grupo de verdadera pena ajena). Para finalizar, una petición a la Real Academia de la Lengua: que se adopten palabras como el verbo friquear y sus derivados friqueante y friqueado, ya que en nuestro idioma no existen vocablos que definan de manera exacta lo que el término significa en inglés. No es igual decir “estoy friqueado” que “estoy sacado de onda” o “estoy desconcertado”, etcétera. La contundencia no es por mucho la misma. Freak out!

FANATISMO FENÓMENO La existencia de groupies es la muestra de un poder (casi siempre raquítico) que tenemos los artistas sobre la masa. Su existencia es, básicamente, la promesa de una relación sexual conseguida con suma facilidad. Lamentablemente, también la promesa de una pesadilla hecha realidad. Me parece que un(a) groupie es la personificación de un fanatismo que, si no se sabe mantener a sana distancia, tarde que temprano terminará vengando el incumplimiento de sus expectativas. A diferencia de un seguidor promedio, quien admira sin complicaciones el disco de un grupo musical, la novela de su escritor favorito o la exhibición de un colectivo de artistas visuales, un(a) groupie construye un personaje de ficción con el nombre de su ídolo. Y este personaje de ficción siempre está nutrido de una sexualidad basada en la relación perversa entre poder y sometimiento que alimenta la fama. Este personaje de ficción en que se convierte el artista despierta las pasiones más bajas, es decir las más elementales, de un(a) groupie: aquellas sostenidas por locuras personales, aquellas que alimentan el salivero psicoanalista, aquellas que cualquier loquero podría sintetizar en una frase tan ridícula como “lo que se busca es una relación inconclusa con el falo paterno”. ¿Qué diferencia a un(a) seguidor(a) pongámosle sano(a) de un artista, con el tipo de fanático(a) arriba citado? Un(a) seguidora admira el trabajo de su ídolo, lo respeta y lo critica; sobre su persona puede decir “Me gusta como baila el batillo que toca la guitarra en Nortec” e, incluso, si la suerte acompaña a ambas partes, podrán terminar ambos en la cama. Por el contrario, un(a) groupie idealiza al artista, sexualizando obsesivamente su personaje. Sobre su persona no sólo dice “Qué bueno está...”, sino que le agrega motes como “Papito” o “Mijita”, haciendo de una relación sexual potencialmente sensual y divertida una relación más bien enferma e incestuosa. Un(a) groupie jamás tiene sexo real con el artista, sino con lo que representa: cierta fama que, confesémoslo, es un poder ridículo sobre la masa. Un(a) groupie tiene sexo con su personaje, es decir con sus propias locuras. Aquello pocas veces puede tener un final feliz. Ahora, aquí viene lo importante: ¿Qué origina a la o el groupie? El mismo artista. Si el artista se deja moldear por el raquítico poder que le da su ego (digo raquítico porque un artista jamás podrá, por ejemplo, provocar que suba o baje el precio de la tortilla), se convierte en el giñapo de la groupie. Hace algunos días sorprendí a una chica con la que salí un par de veces, fajando con cierto cantante mexicano. Le resultó más atractivo un artista que, en lugar de ser un tipo real, es un ególatra que compensa una inmensa inseguridad con la obsesión infantil de sus admiradoras. Una pareja hecha en el paraíso de la histeria que, como era de esperarse, no prosperó. El cantante a los días estaba buscando otra groupie que compensará la ridícula simulación de la fama que la otra no pudo ni la que sigue podrá. El verdadero freak al final de esta historia no es la groupie, sino el rockstar.


CINE::

E L ( G R A N ) F I N A L D E L A I N FA N C I A TXT:: JORGE ARIAS.

A

veces, muchas veces, me pregunto hasta dónde llega el éxito local de un producto. Me lo pregunto cuando entro a la tiendita de la esquina y veo todas las presentaciones que existen de Coca-Cola, con diferencias mínimas entre sí, pero adaptadas a su consumidor predilecto: el mexicano. También me lo pregunto cuando miles de mexicanos, motivados por alguna estación de radio, colectaron firmas solicitando que viniera a tocar en nuestro país Pearl Jam, ya saben, cuando Pearl Jam era Pearl Jam. Ahora, más recientemente, me lo pregunto cuando veo que Don Gato y su Pandilla, la película, se estrenará en nuestro país. Para comenzar como se debe: Don Gato fue una serie animada que vio sus mejores días a principio de los sesentas, época en la que supuestamente todo cambiaba en Estados Unidos, al menos en apariencia. En efecto, esa nación se transformaba poco a poco en la quintaesencia de las buenas costumbres, la moralidad exacerbada y demás valores que hoy en día vemos reflejados en la delicadeza con que las minorías son tratadas, o cada vez que enciendes un cigarro y de inmediato te conviertes en un apestado social, por poner algún ejemplo. En esas circunstancias era de esperarse que fracasara una serie basada en una bola de vagos que buscaban el dinero fácil con el mínimo de esfuerzo, y por ende terminaban buscando hacer trinquete y medio mientras se reunían en el callejón, en el billar o en los muelles neoyorquinos. Eran, pues, entes metropolitanos sin beneficio, tal vez unos “ninis” precoces cuyas historias no se adaptaban al cambio que comenzaba a gestarse en Estados Unidos. Luego pasó algo: la serie que consta de sólo 30 episodios se volvió un trancazo en nuestro país, y fue vista por todo mexicano que se precie de serlo. La relación con el barrio, el enfrentamiento con la imagen de autoridad, la camaradería y compadrazgo, entre muchos otros elementos presentes en Don Gato, hicieron clic entre nosotros, insipientes

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metropolitanos, que de inmediato tomamos sus aventuras no sólo como una forma de entretenimiento, sino como verdaderas lecciones de vida. No exagero: hasta la fecha escucho cómo la gente parafrasea a Don Gato en situaciones diversas. Hace no mucho se lanzó la colección de Don Gato y su Pandilla en DVD, y su consumo confirmó el éxito que los personajes gozan entre nosotros. Me gustaría suponer que es aquí cuando Ánima Estudios se comienza a inquietar con el proyecto que verá la luz el próximo 16 de septiembre. Alberto Mar, quien también revivió al Chavo del 8 en versión animada, es el encargado de dirigir este proyecto. No se trata, en inicio, de una animación estilo Pixar, sino de algo más parecido a las caricaturas, sin detalles gráficos impresionantes ni animaciones “casi reales”. Más bien es una reversión animada que de inicio nos dará la impresión de, en efecto, ver una vez más al buen Don Gato. Aunque el ligero olor a Televisa te ponga en alerta, la verdad es que el proyecto tiene un par de ventajas que le garantizarán el éxito. En primer lugar tenemos a Jorge Arvizu, quien volvió a prestar su voz para el doblaje de los personajes que aparecerán en la película, algo que sin duda nos llevará de inmediato a nuestra infancia, y ya ahí, llegará la segunda ventaja: el filme incluye a muchísimos personajes que aparecieron a lo largo de la serie, como el violinista Lazlo Lozla, el Marajá de Pokajú y el corcel Arabella, que terminarán de llevarnos en el viaje de nuestra infancia. Todo está puesto para que, de mano de mexicanos, demos cerrojazo final a una de las páginas más entrañables de nuestra infancia. Don Gato y su pandilla, la película, es sin duda otra muestra de que el fanatismo internacional, tarde o temprano, tiene sus recompensas. M


CINE::

¿QUÉ FUE PRIMERO: EL SIMIO O LA FRANQUICIA? TXT:: JORGE ARIAS.

ENTREMOS

de lleno en la materia: El planeta de los simios de finales de los 60, filme protagonizado por Charlton Heston y con una producción modesta, logró un éxito aparentemente inusitado que la industria, siempre vigilante ante posibles negocios a largo plazo, comenzó a capitalizar con una serie de películas que narraron hechos inspirados en la novela escrita por Pierre Boulle. La primera tanda de películas sumaron cinco, además de un par de series televisivas. La fórmula del planeta de los simios se agotó a mediados de los setenta, con una historia que entró a terapia intensiva y se terminó de enfriar con el cambio de formato: de películas a series televisivas. No obstante, a su paso dejó una legión de seguidores que hicieron a la franquicia todo un culto, impidiendo que los simios desaparecieran por completo del planeta. El siguiente intento serio por revivir a esta franquicia llegó hasta el 2001, cuando Tim Burton realizó un remake. Armado con un sorprendente trabajo de maquillaje, la historia modernizada de Burton obtuvo una buena recepción, tanto de la crítica como de los fanáticos de los filmes precedentes. Aunque tuvo la participación de Mark Wahlberg, Tim Roth y Helena Bonham Carter, entre otros actores de primer orden, los ingredientes no fueron suficientes para relanzar una nueva saga de filmes y tras este pequeño momento de luz, El planeta de los simios volvió a la oscuridad. Diez años pasaron y ahora, con una fórmula que parece infalible para este tipo de licencias, parece que logrará revitalizar la historia de los primates más listos de la historia. Los ingredientes de dicha fórmula

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comienzan con una nueva línea argumentativa, ubicada antes de que ocurran todos los eventos que ya vimos en los filmes previos. En un inicio, la idea de El origen del planeta de los simios no prevé una evolución natural de los primates, ni con los seres humanos convertidos en seres descerebrados. No. En esta nueva versión, la tecnología genética cobra importancia, pues hace válida la noción de simios pensantes en estos nuevos tiempos, donde al parecer la ciencia tiene más peso que la ficción. Como siguiente ingrediente en la receta tenemos la inclusión de un actor de renombre, identificado con los nuevos públicos que nunca tuvieron un contacto directo con los filmes anteriores. James Franco es el nuevo ídolo hollywoodense quien, pese a su pésima aparición como presentador de los Oscars, es un tipo que hoy en día tiene cierto reconocimiento como actor, sobre todo gracias al filme 127 horas, que le mereció una nominación a los premios de la Academia. El ingrediente faltante es, obviamente, un planeta lleno de simios. Los efectos de maquillaje tenían su mérito en los sesentas y setentas; incluso Tim Burton hizo un trabajo impresionante en este aspecto, permitiendo que los actores caracterizados pudieran hacer histrionismo sin importar que fueran chimpancés, orangutanes o gorilas. Sin embargo, los efectos visuales aplicados a la nueva cinta no tienen comparación: simios con una perfección facial, con detalle en cada uno de sus movimientos y expresiones; rebelándose ante los humanos, ocupando ciudades, esquivando balas y destruyendo todo lo destruible, son elementos que simplemente atrapan a cualquiera. Vista como franquicia, El origen del planeta de los simios utiliza con maestría la precuela como receta para revivirla y traerla a los nuevos tiempos. Es la misma –y exitosa– fórmula que hace un par de años se aplicó para revivir a Star Trek, a pesar de la “muerte” del Capitán Kirk, su principal protagonista. Si juntamos todos los ingredientes, El origen del planeta de los simios resulta una buena película, tal vez de lo mejor del año en términos hollywoodenses. El argumento es sólido, la acción es espectacular, los efectos visuales no tienen falla y claro, el final nos permite imaginar que habrá más filmes que reinventen una franquicia que en estos tiempos ya se considera de culto. M


MODA::

Moda: Sony Walkman. Foto: Gustavo Dueñas para GustavoDueñasPHOTO. www.gustavoduenasphoto.com Maquillaje: Renato Coelho. Modelos: Anna Fedorovna para Wanted Model Mangment. www.wantedmm.com Bruce Machado, Anelis Echegaray y Johann Mergenthaler para Paragon. www.paragonmodelmanagement.com

www.sony.com.mx/corporate/MX/sonystyle/Audio

LO

MEJOR...

DESPUÉS DE

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LA

MÚSICA

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CĂ“MIC::

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LITERATURA::

DE CABEZA PARLANTE A CABEZA RODANTE TXT:: ROGELIO GARZA / www.zig-zagueando.blogspot.com FOT:: PAULA VILLANUEVA ORDÁS / Sexto Piso.

CIUDADES IMAGINARIAS

Artista polifacético y multimedia, a Byrne le estorba el título de “Fundador de los Talking Heads”. Le queda chico al músico, cineasta y artista visual, lo encasilla como rockero-punk-new wave. Evita vivir del pasado, ya no desea que le pregunten por “Psycho Killer” ni que le suelten el chiste de cycle killer, y tampoco le hace gracia que los fans lo persigan con sus viejos discos para que se los dedique. Su mente rueda en otra parte y él se encuentra en otra fase creativa, de Cabeza Parlante evolucionó a Cabeza Rodante. Ahora David Byke se concentra en mover su reciente obra, un libro llamado Diarios de bicicleta –bellamente editado aquí por Sexto Piso–; y en el diseño de los biciestacionamientos conceptuales que se encuentran en las calles de Nueva York. Aunque no se considera un activista como tal, difunde su pensamiento del ciclismo urbano. La bici es el medio de transporte para llegar a las “Ciudades Imaginarias”, pensadas en función de las personas y no de los coches, donde los peatones y los ciclistas son los protagonistas. Hace más de treinta años, recién llegado a Nueva York, le pareció absurdo estar horas en el coche para recorrer una distancia que en bici o caminando le tomaría unos minutos. Entonces adquirió la conciencia de la movilidad y adoptó la bici como medio de transporte. Pedaleaba la bici que usó durante su adolescencia en los suburbios de Baltimore, y cuando empezaron las giras con el grupo se le ocurrió llevársela. Para ello se hizo de una plegable y fácil de cargar con su equipaje. Así empezó a recorrer en dos ruedas las distintas ciudades de Norteamérica y el mundo. De su paso rodante por Berlín, Estambul, Buenos Aires, Manila, Sydney, San Francisco y Nueva York surgió este libro, donde escribe sus observaciones y reflexiones urbanas sobre arte, arquitectura, historia, economía, sociedad y medio ambiente. En su paso por México, durante el cierre de la gira sudamericana del foro Ciudades, Bicicletas y el futuro de la Movilidad, Byrne estuvo en Guadalajara y el Distrito Federal para hablar y rodar a favor de la bici y de la petición regional del 5% del presupuesto de las ciudades para transporte ciclista. Sin embargo, sus roles no estuvieron exentos de percances y en el D.F. ponchó llanta en un bache. Sin perder el estilo, vestido de blanco impecable de pies a cabeza, el artista dobló su bici y abordó un taxi para llegar a la presentación en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco. El foro fue organizado por el Instituto de Transporte y Desarrollo de Políticas (ITDP) en Argentina, Chile, Colombia, Perú, Brasil y México. Byrne compartió el escenario con ingenieros y arquitectos: Bernardo Baranda, Director Regional del ITDP; Jose (sin acento) Castillo, de Arquitectura 911; y Felipe Leal, de la Secretaría de Desarrollo Urbano y Vivienda. Ante los estudios, las cifras y los datos duros de los urbanistas, la visión de Byrne sobre las dos ruedas fue un punto de encuentro donde todos convergimos. Se adhirió a la campaña del 5% (www.itdp.mx/5porciento), rodó por la Condesa y Reforma, y convivió con algunos activistas de la bicicleta, amigos del pedal y otros biciosos.

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CADA CIUDAD ES UNA ORQUESTA

Durante un brindis en el ITDP, Byrne se mostró reservado y amable mientras bebía unas cervezas. Un tipo accesible y atento, abierto a comentar algo sobre rilas y roles, anécdotas y experiencias ciclistas. Al preguntarle si de alguna forma había cambiado la guitarra por la bicicleta, comentó que no propiamente y mencionó su instalación interactiva Playing the Building, que explora el sonido de las cosas. Recordó que en los sesenta Frank Zappa tocó dos bicicletas en el Show de Steve Allen, un ejemplo de artistas que han hecho algo semejante. Cuando Byrne pedalea por las calles siente que la ciudad es como una orquesta, sólo hay que ordenar los sonidos. ¿Y la experiencia en México, la tierra de los baches? “En todo el mundo hay baches, no como los de aquí, pero en todas las ciudades es más o menos lo mismo”. Tal y como describe las ideologías en su libro: sin importar cuál sea ésta, el resultado es más o menos el mismo. La conclusión a la que se llega es que las ideologías son los baches de la humanidad. O que el mejor pensamiento ante el fracaso de las ideologías es el ciclismo. Como sea, a pesar de nuestro tráfico surrealista, los baches y los cafres mexicanos, sonriente confesó que Mérida se encuentra en su top ten city para pedalear. A la gente del pedal le hace falta un tornillo. Y Byrne no podía ser la excepción. Es todo un freak de la bicicleta. M

DAVID BYRNE TIENE ALGO EN COMÚN CON ARTISTAS DE LA TALLA DE MARCEL DUCHAMP, HENRY MILLER Y VITTORIO DE SICA, ENTRE OTROS INMORTALES: SE INSPIRÓ EN LA BICICLETA PARA CREAR, COLOCÁNDOLA EN EL CENTRO DE UNA OBRA. EN MÉXICO DESPEJÓ LA DUDA: LA BICI ES EL VEHÍCULO PERFECTO PARA LA LOCURA.


ARTE::

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Desde que pude sostener una Crayola comencé a dibujar. Crecí con una abuela artista y un padre arquitecto, así que el arte siempre fue parte de mi entorno, cuando tenía como siete u ocho años, mis padres me llevaron al museo de Frida Kahlo y me volví loco, era como estar en Disneylandia. Ahora escucho que definen a mi trabajo como “pop surreal, psicodélico contemporáneo, orgánico y abstracto” me parece que les están sobrando adjetivos, yo diría que es colorido y orgánico. Lo demás se lo dejo a los críticos, yo busco concepto, intención, técnica y presentación, arte que se haga con placer; yo disfruto cada momento de mi trabajo, es ya un estilo de vida. En el futuro volveré a colaborar con Adidas, montaré exposiciones, seguiré trabajando en mi estudio Animals y reviviré un proyecto de arte funcional. www.tellaeche.com

@jorge_tellaeche

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ARTE::

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Encuentro que la fascinación por lo raro, por lo excéntrico, no se ha diluido en la sociedad contemporánea, pues como la energía, tan sólo se transforma. Cambiamos un tanto los parámetros de aquello que se sale de la normalidad, pero seguimos buscándolos con avidez morbosa. Es por ello que lo freak permanece, porque nos urge ver qué hay por debajo de la superficie, porque termina por atraernos aquello que se salta las trancas de lo estéticamente convencional. Si lo único que perdura en este mundo es el cambio, ¿cómo es que ciertos productos culturales perviven y se niegan a perder su valor?

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“La mayoría de la gente va por la vida aterrada de las experiencias traumáticas. Los freaks nacieron con su trauma. Ellos ya pasaron su prueba en la vida. Son aristócratas”. - Diane Arbus

D

iane Arbus fue la fotógrafa de lo que se entendía por bizarro. Por su lente desfilaron travestis, deformes, lisiados, vagabundos, discapacitados, enfermos mentales. Retrató todo lo que quedaba más allá de los márgenes del sueño norteamericano. Produjo imágenes que la pudibunda y mojigata sociedad –controlada por los WASP (blancos, anglosajones, protestantes)– se negaba a aceptar y asimilar. Con el tiempo se ha convertido en una artista de culto, acerca de quien vale la pena preguntarse por qué nos sigue interesando. ¿Qué hay en su vasta galería de seres tristemente excepcionales que sigue atrapando nuestra mirada? Nacida en 1923, su nombre de pila era Diane Nemerov; el otro apellido lo tomó de su marido, Allan Arbus, un tipo cinco años mayor que la introdujo a la fotografía y la masturbación exhibicionista. Provenía de una familia judía acomodada de comerciantes de pieles –su hermano fue el poeta Howard Nemerow– que pasó sus primeros años en una casa de la Quinta Avenida de su natal Nueva York. A lo largo de su vida siempre dijo sentirse incómoda por la opulencia y la sobreprotección. Diane se casó cuando cumplió 18 años, y con su marido pusieron un estudio que explotaron con éxito durante más de una década, realizando campañas y sesiones de moda para Vogue, Esquire y Harpers’s Bazaar, entre otras importantes revistas –en el trayecto tuvieron dos hijas–. Entre 1955 y 1957, Diane tomó clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien cambió su concepción del trabajo documental y marcó profundamente su estilo. Además, conoció a artistas como Robert Frank y Walker Evans, que también la influyeron. Conforme se alejó del glamur se insertó en los barrios bajos para toparse con sus personajes, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En esa época, también se divorció de Allan para desarrollar una sexualidad compleja y promiscua. La década de los sesenta fue la más productiva de su vida. Tenía muy en claro el crudo realismo que pretendía captar, y siempre apoyada en el blanco y negro hacía que sus personajes miraran de frente a la cámara y tuvieran conciencia de que los estaban tomando. Así lo hizo con grupos específicos de la población marginal: minusválidos, gente con deficiencias mentales, homeless. Arbus se distinguió por usar un flash directo a la persona u otra fuente directa de luz; la intención era develar lo que la oscuridad cubría. No le obsesionaba la perfección técnica –que priva en la publicidad–, para ella: “el tema de la fotografía será siempre más importante que la imagen misma”. Es aquí que Antonio Muñoz Molina –a propósito de Proust y el también fotógrafo Eugene Atget– llega a una frase que perfectamente sirve para validar el legado de Diane: “el único tema y la única materia del arte es el tiempo”. Las piezas logradas por una mujer prófuga de su clase social son testimonios –tiempo suspendido–, de la existencia de gente con menos fortuna existencial que la mayoría. Al contemplarlas sabemos que todas estas personas vivieron, y que según su peculiar sensibilidad experimentaron placer y sufrimiento, alegría y dolor. Para Umberto Eco, en Historia de la Fealdad, existe una vía mediante la cual: “el arte ya no se propone proporcionar una imagen de la belleza natural, ni pretende procurar el placer sosegado de la contemplación de formas armónicas. Al contrario, lo que pretende es enseñar a interpretar

el mundo con una mirada distinta”. Es por ello que la obra de Arbus, antes que prevalecer como algo exótico o tendiente a la monstruosidad, se destaca por ser un alegato hacia la diversidad –sexual, psicológica, financiera, social–. No pretende que se conmisere a sus sujetos, sino que el espectador se impacte con todo aquello a lo que usualmente nos negamos a mirar y prestar atención. Ya en la Edad Media, Giacomo da Vitry, disertaba acerca de lo relativo de la belleza: “probablemente los cíclopes, que tienen un sólo ojo, se sorprenden de los que tienen dos, como nosotros nos maravillamos de aquellas criaturas con tres ojos”. Tras la exposición New Documents (1967) su obra cobró mayor relevancia, con encargos importantes (retratos a Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges). Desafortunadamente, los problemas depresivos y emocionales se agudizaron y la mujer terminó por suicidarse el 26 de julio de 1971, a los 48 años de edad, sin imaginar siquiera que un año después, material suyo sería incluido en la Bienal de Venecia (fue la primera fotógrafa estadounidense seleccionada), y que posteriormente el MoMA de Nueva York organizaría su primera gran retrospectiva. Existe un libro que incluye 80 fotos de Diane que ha vendido miles de ejemplares, además de la película Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (Retrato de una obsesión), estrenada en 2006 y dirigida por Steven Shainberg, además de una biografía escrita por Patricia Bosworth, en la que apunta: “Arbus cambió drásticamente nuestro sentido de lo permisible en cuestión de lo fotografiable y exploró, de forma deliberada, la ambigüedad visual de las personas… (mostró) la irrevocable soledad de los seres humanos”. Cada vez que contemplamos las estremecedoras fotos de Diane no podemos sino aferrarnos a lo que Nietzsche acotó en El crepúsculo de los ídolos: "en lo bello el hombre se pone a sí mismo como medida de la perfección, pero cuando nos referimos a lo feo, ¿a quién odia aquí el hombre? No hay duda: odia la decadencia de su propio tipo”. M

61 EXISTE EL RUMOR DE QUE SACÓ VARIAS TOMAS DE ELLA MISMA EN LA BAÑERA MIENTRAS SE DESANGRABA, RODEADA POR BARBITÚRICOS…


DECULTO::MÚSICA

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Conoce más de este tema en TXT:: JESÚS SERRANO.

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En 1976, el periódico británico Daily Mail publicó una declaración de Nicholas Fairbairn, un miembro del Parlamento, en la cual describía el trabajo de cuatro jóvenes músicos y artistas. Genesis P-Orridge, Peter Christopherson, Chris Carter y Cosey Fanni Tutti, eran los sujetos en cuestión. Las palabras de Fairbairn fueron: “These people are the wreckers of civilization”. Semejante epíteto hacía referencia a Prostitution, una exhibición que tomó lugar en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, la cual mostraba un montaje de fotografías pornográficas, tampones usados, cuchillos de carnicero, jeringas anales, cadenas y vaselina. Los culpables: Coum Transmissions, un colectivo artístico del cual se desprendería una banda llamada Throbbing Gristle (TG). La inauguración en la galería contó con cerveza barata, una stripper y la presentación en vivo de TG.

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l nacimiento de TG, se dio como consecuencia de la desilusión de sus miembros ante el elitista e inofensivo medio artístico de los años setenta. Después de varios años de dedicarse devotamente al performance, se dieron cuenta que la música sería un medio más apropiado y eficaz para difundir su mensaje, el cual, en pocas palabras era poner en tela de juicio cualquier concepción contemporánea. Recién fundado TG, Coum Transmissions fue invitado a actuar en los Estados Unidos, donde presentaron la serie After Cease to Exist en la Deson Gallery de Chicago. El acto estaba inspirado en un lado B de los Beach Boys titulado “Never Learn Not To Love”, una canción escrita por Charles Manson. Durante la presentación, mucha gente decidió abandonar el recinto, pues lo que presenciaron les resultó simplemente inconcebible, la dinámica fue más o menos la siguiente: Genesis bebía una botella de leche tragando sin respirar, mientras Cosey aparecía desnuda con cortes recién hechos en los senos y procedía a coserlos; posteriormente, con jeringas recogía sangre de todo su cuerpo y se la inyectaba sobre las costuras y la vagina; mientras, Genesis se extraía sangre de los testículos para inyectarla a una serie de huevos de color negro regados por el piso, a su vez, Cosey se levantaba un pedazo de carne en el antebrazo con una navaja para colocar una foto de Genesis en la cavidad. La historia de actos extremos por parte de estos personajes no terminó ahí, en años posteriores Genesis presentó Anti Fashion, un acto donde enrollaba su cara y antebrazos con alambre de púas, y Scenes of Victory, en el cual se grabó símbolos nazis en el pecho con clavos oxidados. Estos actos provenían de un deseo interno incontrolable por parte de Genesis de empujar las barreras de lo culturalmente “aceptable”, sin embargo, representaba un riesgo para su salud y la recuperación física lo incapacitaba por varios días, por lo que el fin de Cuom Transmissions y el nacimiento de TG eran inminentes. TG fundó un sello discográfico, Industrial Records, con el fin de lanzar su material bajo completo control creativo. Su primer LP fue The Second Annual Report of Throbbing Gristle y funcionó como un atentado en contra de la naciente tecnología hi-fi, el cuarteto presentó la baja fidelidad como un objeto artístico en sí, dando como resultado un mar de estática y eco. La alineación de TG desde un principio constó de Genesis en las vocales y bajo sintetizado, Cosey en la guitarra, Sleazy en los sintetizadores y las programaciones y Carter en la mezcla y los beats. Aunque a la fecha

“Describimos en lugar de sentir, tocamos a la gente en lugar de explorarla, deseamos en lugar de adorar” -Genesis P-Orridge la banda cuenta con un sinfín de bootlegs, conciertos y EP’s editados, formalmente sólo lanzaron cuatro álbumes: The Second Annual Report, D.o.A: The Third and Final Report of Throbbing Gristle, 20 Jazz Funk Greats y Heathen Earth. Actualmente se encuentran afinando los últimos detalles de lo que será el disco final de TG a lanzarse el año próximo, una re imaginación de Desertshore de Nico, editado en 1970. El proyecto Throbbing Gristle estuvo activo hasta 1981, posteriormente Genesis formó Psychic TV, proyecto con el que logró mucha más difusión, además mantuvo una estrecha relación con William Burroughs, fundó un culto psíquico llamado Thee Psychick Youth y emprendió junto con su segunda esposa, Lady Jaye, el proyecto Pandrogeny; en el cual mediante una serie de cirugías plásticas ambos intentaron tener el mismo aspecto físico. Lady Jaye murió en el 2007 de un ataque al corazón. Por su parte, Sleazy formó la banda de metal industrial Coil. La esperada reunión de TG sucedió en 2004, seguida del lanzamiento de varios DVD’s en vivo y ensayos grabados. En 2009 comenzaron una gira por Estados Unidos, presentándose en Coachella; en ese mismo año, Genesis decidió que no volvería a actuar jamás con TG, así que Sleazy, Carter y Cosey continuaron la gira bajo el nombre de X-TG. Sleazy falleció en octubre del año pasado en Bangkok, y el proyecto quedó reducido a Carter y Cosey únicamente. El trabajo de esta banda fue provocador en todos los sentidos, llevando sus ideas y conceptos siempre al extremo, convirtiéndolo en la experiencia visceral por antonomasia. Su música se puede describir únicamente con conceptos vagos y ambivalentes, por lo que es algo que debe experimentarse “en carne propia”. Throbbing Gristle: freaks, nihilistas, degenerados, pornógrafos, maricas, sadistas, visionarios, incendiarios, provocadores, malcriados, profetas… demoledores de la civilización. M

“Después de la acumulación de demasiada historia, hemos perdido la inocencia, ya no creemos en explicación alguna” -Genesis P-Orridge


DECULTO::CINE

Ed Wood Las pesadillas hechas película

TXT:: ERICK ESTRADA.

Probablemente, muchos definirían al cine freak como aquel que rompe las reglas, como ese cine que en algún momento se salió del molde. En esa extravagancia inicial, bastantes películas que hoy consideramos completamente normales, pudieron parecer raras cuando fueron lanzadas. Bajo esas circunstancias, transgresor y freak (raro, bizarro) pudieron haberse confundido en el cruce de caminos y pasar como la misma cosa. Viéndolo de esa forma, seguramente las primeras películas expresionistas, más concretamente El gabinete del doctor Caligary o Nosferatu, fueron acusadas de extravagantes, incomprensibles, fuera de toda normalidad. Y sin embargo, seguramente lo mismo se dijo del otro lado del mundo con las comedias también silentes e hiper agresivas (en varios aspectos) de Buster Keaton y Harold Lloyd.

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in embargo, quedarnos solamente con esa definición de lo que puede ser freak, nos puede dejar con una propuesta muy débil y vaga de las posibilidades de este subsub-género del cine. ¿Por qué es un sub-subgénero? Pues porque existe ahí, en un espacio donde nadie lo identifica, pero en un tiempo en el que todo mundo habla (o ha escuchado hablar) de él. Eso subraya su importancia subversiva, pero de nuevo: estacionarnos ahí nos deja cortos. Necesitamos algo más, algo que empuje la definición del cine freak a terrenos que sean de verdad inimitables, pues por definición lo extraño no puede copiarse: lo es y ya. De ahí que para tratarlo como tal tengamos que agregar una característica que no pueda ser fingida, copiada o inventada

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y que, irónicamente, tienen en común los pocos ejemplos mencionados hasta ahora, igual que la tienen películas más cercanas a nuestros tiempos, ya sea ese no menos freakrockumental conocido como The Rise And Fall of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars o Velvet Goldmine de Todd Haynes; esa última característica es una manera distinta, a veces obtusa –y otras muy aguda– de abordar lo que quieren contar. El cine freak es entonces un cine parcialmente oculto, que rompe reglas y que de varias formas puede ser considerado vanguardista, pero sobre todo, que nunca cuenta sus historias de la manera esperada. Su verdadero discurso está muy por debajo de lo que vemos y escuchamos. Y en esa definición encajan muchos y muy variados directores.

El primero y más notorio de todos es quizá Ed Wood, un ser atormentado que para tratar de comprender su propia desilusión y desencanto desarrolló temas en sus películas, los cuales, de manera enredada eran metáforas de sus pesadillas. Glen y Glenda, Plan 9 From Outer Space y Jail Bait no son sino un grito de auxilio de un hombre que no solamente no se reconoce a sí mismo, sino que tampoco quiere ser reconocido. Que conste que no estamos tomando en cuenta ningún aspecto técnico –cosa que él tampoco hizo– sino que para hablar de su soledad y desorientación escogió la historia de un transexual, de invasores extraterrestres y de un criminal que cambia su rostro de manera radical, para expresar sus inquietudes. Ed Wood tomó el camino sinuoso y el resultado es tan extravagante que el término freak le viene como anillo al dedo.

Juan Orol Cine inclasificable El mundo latino y sus cineastas hicieron lo propio. Primero, una especie de Ed Wood cubano-mexicano, Juan Orol, famoso por romper también las reglas técnicas del cine sin el menor cuidado y posterior remordimiento, dejaba claro que ese mundo dividido en que se encontró casi siempre (Cuba-México, arte-emoción, legalidadilegalidad) nadaba mejor en los pantanos de sus historias: Gángsters contra Charros y Los misterios del hampa son un ejemplo tan claro, que nadie se atreve a acomodarlas en un género en particular, o a inventarse otro que no sea el nombre del director.


65 libertad y fiesta. Un zombi que se folla a sus víctimas por los agujeros de las balas que les destrozaron la cabeza (L.A. Zombie), o la historia de otro que busca rastros de su propio origen (Otto), son buen ejemplo de las desviaciones llenas de callejones que LaBruce toma para exponer sus teorías libertarias.

Pedro Almodóvar Rabia, desenfado y extravagancia Con alcances mucho mayores (especialmente en una segunda etapa con más méritos artísticos) tenemos el primer cine de Pedro Almodóvar, lleno de putas, traficantes, transexuales, homosexuales, mujeres rabiosas y hombres disminuidos. Bien, se trata de la expresión de una etapa histórica clara en España; el cine surgido del destape y la Movida tenía que ser así. Justamente, la jovialidad de un país que se asomaba a la luz de manera contundente (después de lustros de oscuridad asfixiante), se manifiesta en el cine de Almodóvar con personajes que años antes eran perseguidos y señalados. La escoria de una generación se convirtió en la bandera de la siguiente –como casi siempre ocurre– pero hay que agregar la rabia, el desenfado, la extravagancia y la posmodernidad de un autor importante. Nunca como en Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, que una mujer orinara sobre otra había causado tan jovial catarsis como la que ocurrió en España en esos momentos.

John Waters La decadente cultura popular Es probable que LaBruce no pudiera hacer lo que hace sin el antecedente de John Waters, un director que explora manías y fobias del ser humano, con historias que encajan tan bien en la cultura popular (gracias a un retrato amoroso y hasta devocional de ella), que disfrazan su lado más decadente mientras lo evidencian al máximo. Muchos llaman a sus películas “de culto”, pero la exposición que hace Waters de su trabajo (ha tenido acercamientos importantes al cine “comercial”) y de su casi permanente equipo de producción, lo llevan de nuevo al lado freak: al del mal gusto como fetiche erótico, al de la mala comida como elemento gourmet, al del director que ha tenido a una actriz en todas y cada una de sus películas (Mary Vivian Pearce). Si eso no es freak, no sigan leyendo. Mondo Trasho y Polyester son los especímenes que lo confirman.

Bruce LaBruce

De fluidos, política y fiesta En el cine de Almodóvar, la homosexualidad encontró un espacio cómodo para expresar sus emociones, pero quizá nunca de una forma tan radical y expuesta como en el de Bruce LaBruce, en donde lo pornográfico (busque usted su diccionario), lo radicalmente político, la teoría de la comunicación y los fluidos humanos convergen para hablar de derechos humanos,

El más extravagante de ellos es sin duda Korine, un autor-director que ha dejado (o provocado) que la vida extravagante de uno de sus mundos (el del cine), trasmine al otro (su vida personal), transformando sus historias con monjas paracaidistas, patinadores salvajes, imitadores de Michael Jackson y Marylin Monroe, en reflexiones personales que nadie hasta la fecha ha podido o querido descifrar. Una frase de este director resume su muy particular forma de contar historias: “después de 100 años las películas debieron haberse convertido en algo muy complicado. La novela se ha reinventado 400 veces, pero el cine sigue atorado en el molde de su propio nacimiento”.

Harmony Korine El hijo pródigo Hijos espirituales de todos ellos son sin duda Richard Kelly (Donnie Darko), John Cameron Mitchell (Shortbus) y Harmony Korine (Gummo).

David Lynch A prueba de críticas La cereza de un pastel como este es, a su vez, el rara avis del grupo. A diferencia del resto de los enlistados, David Lynch (Lost Highway, Salvaje de corazón, Mulholland Drive, Blue Velvet, Eraserhead) no solamente disfruta de una fama y un prestigio a prueba de las críticas más duras, sino que ha ejercitado el acercamiento a la gran industria y triunfado en muy buen porcentaje de esos proyectos. Es como si el viejo sabio de las montañas, transmitiendo sus conocimientos siempre a través de metáforas inasibles y laberínticas (Inland Empire es un buen ejemplo); hablando de violencia y decadencia humana (con personajes que simplemente no pueden hacer más que quererse y cuidarse); mostrando lo peor de la cultura occidental con historias que parecen glorificarla, de repente se vistiera con trajes luminosos y bajara al pueblo a ligar a la discoteca de moda, tuviera éxito y dijera: “el mundo es así, simplemente extravagante, el mundo es un planeta freak”. M Conoce más de este tema en

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DECULTO::MÚSICA

TXT:: REGINA ZAMORANO.

La idea de que los artistas son entes extraños –aunque extraordinarios– ya es un lugar común. Pero cuando los seres considerados freaks por la sociedad —locos, criminales o discapacitados— se vuelcan a la creación, las obras que resultan son tan alucinantes como sus autores.

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arteros que construyen palacios fantásticos, mujeres que tejen vestidos de novia con los hilos de sus sábanas, barrenderos que arman iglesias, esquizofrénicos que escriben y pintan obras de 25 mil páginas… todo eso y más hay en la viña del arte freak. Los freaks también crean y sus obras se venden en subastas, se hacen documentales sobre ellos y les organizan exposiciones, tal como a los artistas “normales”. Y como todo en esta vida, también tienen su etiqueta: pertenecen a la categoría del Art Brut, término acuñado por el artista francés Jean Dubuffet, en 1945. El concepto se le ocurrió a Dubuffet al conocer la obra de Adolf Wölfli, un ex granjero internado en un hospital psiquiátrico en Suiza, donde produjo una autobiografía monumental de 25 mil páginas, en las que entremezclaba texto, ilustración y partituras musicales. Padrino y principal promotor del arte de los marginados, Dubuffet comenzó su colección en los años cuarenta y la donó a la ciudad de Lausana, Suiza, en 1975. Actualmente, la Collection de l’Art Brut se compone de más de 60 mil piezas y es visitada por miles de personas.

Arte como leche de búfala

En una extraña analogía gastronómica, Dubuffet comparaba estas obras con la leche de búfala fresca, recién ordeñada. Así, salvaje, auténtico y sin alterar era este arte “en bruto”, tal como surge de las entrañas del autor. En su gran mayoría, los creadores del Art Brut no tienen educación artística ni contacto con el mundo del arte, mucho menos pretensiones, así que a menudo sus obras se descubren hasta que mueren. Se expresan de manera espontánea, inventan sus propias técnicas y usan lo que tienen a la mano. Generalmente se trata de enfermos mentales, personas con retraso, autistas o, simplemente, gente aislada del mundo o excluida: vagabundos, parias y otros rechazados por la sociedad… freaks diría un anglosajón. Los gringos han intentado sumarle a esta categoría las ternuritas del arte naïf, lo tosco del “primitivo”, la rebeldía del graffiti y la mullida mediocridad del arte amateur, para generar una mezcolanza llamada Outsider Art, la cual Dubuffet aceptaba. Sin embargo, en Francia, la asociación y galería abcd (Art Brut Conocimiento y Difusión) reivindica la naturaleza marginal y la calidad de las obras ante todo. Es decir, no porque alguien no tenga ni idea de cómo pintar, será automáticamente un creador de Art Brut. Sin embargo, antes de declarar (en un ataque de idealismo) que en el Art Brut se esconde el “arte verdadero”, espontáneo y desinteresado, no podemos pasar por alto la contradicción de un arte que se define por su pureza y marginación, pero que se ha exhibido en galerías, museos y ferias alrededor del mundo.

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Generalmente, se trata de enfermos mentales, personas con retraso, autistas o, simplemente, gente aislada del mundo o excluida: vagabundos, parias y otros rechazados por la sociedad.


El cartero torpe

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Ferdinand Cheval era un cartero galo como cualquier otro, hasta que un día de 1879 tropezó con una piedra muy “extraña y pintoresca”. Su forma lo inspiró para llevar a cabo lo que se convertiría en una obra maestra de belleza y voluntad: el Palacio Ideal. Tardó 33 años en construirlo, mientras la gente del pueblo de Hauterive murmuraba que estaba loco. Cuando terminó, su castillo medía 26 metros de largo y tenía entre 8 y 10 metros de altura, presentaba influencias de arquitectura medieval, hindú y egipcia, entre otros estilos. Fue declarado Monumento Histórico en 1969.

La artista del más allá

Dentro de la Collection de l’Art Brut y de la galería abcd, hay obras e historias impactantes. Por ejemplo la de Madge Gill, una inglesa que empezó a dibujar en 1920 sobre rollos de tela o papel. Lo hacía de noche, a la luz de la vela, y repetía sin cesar su propia cara que enmarcaba con intricados diseños geométricos, según ella guiada por un espíritu del más allá. Cuando murió, se descubrieron cientos de sus obras apiladas en un ropero, algunas medían hasta 10 metros de largo.

La novia paciente

Marguerite Sirvins fue una francesa internada por esquizofrenia a los 41 años. Trece años después de su reclusión, comenzó a dibujar y bordar, pero las crisis de alucinaciones y los ataques le impidieron seguir dibujando. Entonces, deseosa de casarse con un novio imaginario, concentró sus fuerzas en su mayor obra: un vestido de novia tejido por completo con los hilos que se desprendían de sus viejas sábanas. Murió en 1957.

El brut mexicano

Un tercer caso es el de Martín Ramírez, un jalisciense que emigró a Estados Unidos y fue recluido en un manicomio de California, en la década de 1930. Durante su encierro, sin pronunciar palabra, realizó cientos de dibujos, muchos de los cuales fueron quemados por el personal de la institución. Se salvaron unos 300 que representan íconos populares de nuestro país, como virgenes, iglesias y hombres a caballo.

El Capitán Darger

Henry Darger, nacido en Chicago en 1892, escribió e ilustró una saga de más de 15 mil páginas, titulada In the Realms of the Unreal (En los reinos de lo irreal). En ella, contaba las terribles aventuras de las niñas Vivian, unas pequeñas que se enfrentaban a las fuerzas del mal una y otra vez, sin éxito. Él mismo, transformado en el capitán Darger, se incluyó en su historia. La obra ocupó todas sus noches por más de 60 años, mientras que en el día era empleado de limpieza en un hospital e iba varias veces a misa.

La gemela talentosa

Judith Scott, escultora sorda y con síndrome de Down, descubrió su talento tardíamente. Separada en la infancia de su gemela, permaneció desde los 7 hasta los 44 años recluida en una institución, hasta que su hermana la rescató. En San Francisco, Judith asistió al Creative Growth Art Center, donde empezó a hacer esculturas envolviendo cualquier objeto a su alcance con hilos de colores, como si fueran crisálidas. Murió en 2006, y hoy sus obras se venden en varios miles de dólares.

Arte en serie

Los asesinos seriales también han hecho gala de su vena artística en la cárcel. Algunos ejemplos de las obras de estos macabros freaks, incluido John Wayne Gacy, quien gustaba de vestirse de payasito y asesinar adolescentes, pueden verse en: hafny.org/?s=serial. Y para los verdaderos freaks, la página serialkillersink. net vende desde dibujos hechos por estas cándidas creaturas, hasta mechones de pelo y demás memorabilia criminal. La última vez que la visitamos, un dibujo de Charles Manson se había vendido en 200 dólares. Pero eso ya es harina de otro costal.

El director de proyectos especiales

Por su parte, el Smithsonian American Art Museum alberga la obra de James Hampton. En secreto, este barrendero de raza negra se dedicó por 14 años a construir los muebles destinados a crear su propia iglesia en un garage. Trabajaba de noche, con objetos usados que encontraba en la calle o la basura. En sus escritos, se autonombró Director de Proyectos Especiales de la Eternidad. Nada más. M

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M A R V I N R E C O M I E N D A

Del hype a la música verdadera DEBO

THE HORRORS SKYING XL RECORDINGS

señalar que tengo mis reservas con estos ingleses, pero intento asimilarlos –como debe tratar el periodista–. Todavía me parece que Strange House (2007), su debut, es uno de los más espantosos en la historia del rock. Con el tiempo, al parecer incluso ellos mismos comprendieron que no bastaba con una imagen provocativa, con el beneficio del hype y una música torpe y enmarañada para trascender. Se propusieron mejorar como profesionales y dedicaron sus esfuerzos a ejecutar mejor, y conocer a detalle el pasado de la escena en que habitan (ahora se nota que han hurgado con atención en la historia). Todavía me da risa la broma que les gastan sus detractores, referente a que ya les quedan pocas décadas por saquear (tras comenzar por los sesenta, el segundo LP Primary Colours, exprimió la siguiente); pero he de reconocer que su tercer disco es lo mejor que han grabado a la fecha, sobre todo por las referencias a Bowie (desde el corte de apertura, “Changing the Rain”) y a Echo & The Bunnymen –en la concepción total de su nueva estética–; lástima que también hallan revivido a Simple Mind en “Still Life”, que bien pudieron haber firmado los de James "Jim" Kerr (tan denostados por la ruda prensa británica por hacer del pop algo ramplón). Todavía sospecho de un grupo que se transforma íntegramente en cada disco. Una cosa es ir cambiando de referentes, y otra muy distinta refundar desde cero con cada grabación. Ya probaron con el garage, recurrieron al kraturock y el shoegaze, y ahora hacen más asequible su sonido auscultando los ochenta –de sobra manoseados–. Han perdido las guitarras chirriantes en pos de camas de teclados produciendo texturas y ambientes, apenas en “Endless Blue” –que pareciera ser dos canciones en una– subsisten líneas guitarrísticas de importancia. “I Can See Through You” y “Moving Further Away” nos dicen que han llegado mucho más lejos de lo que hubiéramos imaginado. En resumen, todo ha cambiado para The Horrors, no sólo el estilo de la rítmica y los tempos… y sin embargo, habrá que exigirles todavía más. T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

2009

2011

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

ABOMINABLES RECUERDOS DEL FUTURO INDIE ROCKS RECORDS

Sin duda, este disco recuerda al new wave, pero también al glam de los 70, y si hubiera justicia debería sonar por todos lados: en Siempre en Domingo, Estrellas de los 80s, Corre GC Corre… pero olvidé que estamos en el 2011, ¡mejor! así no tenemos que aguantar a Flans y sí escuchar a esta banda que apuesta por un pop notable. “Cíclope” y su coro pegajoso remite a los primeros Fobia, “Super Thing” es una especie de funky futurista, mientras que con “Mathematical Dream” la cosa se pone muy bien con sus ecos italo-disco. Otro tema destacado: “Berlin”, con una línea de teclado y un coro inolvidables que si te descuidas, acabará en tu mente todo el día (es el mejor track del disco). No pasa así con “Mussolini Pink Head Neon Eyes”, donde se quisieron ver experimentales cuando lo suyo es ponerse poperos. Buen disco, sofisticado y explosivamente bubblegum. La cajita es un plus, viene en un formato octágono con fotos entre chica Ziggy Stardust, heroina de la película Heavy Metal y villano de cómic de Fantomas (con parche iluminati incluido).

AVIADOR DRO ALAS SOBRE EL MUNDO

Romántica y pesimista banda española de tecno-pop que nos hace dudar si son robots producto de alguna cruza entre un Intellivision y algún científico.

MIGUEL BOSÉ BANDIDO

Material con tintes new wave que incluía “Horizonte de las estrellas”, y una portada clonada del Aladdin Sane de Bowie.

FOBIA MUNDO FELIZ

El cosmos y la infancia, en un escenario de cómic kitsch que no muchos entendieron.

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

VARIOS VOL DOS. NOS VAMOS JUNTOS: TRIBUTO A CAIFANES Y JAGUARES EMI

El primer volumen de este tributo, más que un homenaje, me pareció un atentado. Este vol. 2 afortunadamente está “más mejor”. Sólo quedan algunas dudas existenciales que me torturan: ¿Porqué repetir canciones? Fobia con “Viento” es aceptable, ¿pero Belanova con la misma canción? De pena ajena. Abominables con “Detrás de ti” suena cumplidor, lograron que la canción sonara a ellos. Furland y “Cuéntame tu vida”, se quedan a la mitad del camino. Bobby Pulido (“Debajo de tu piel”), sin comentarios, no entiendo la inclusión de un género al que los fans del grupo no son afines. Y Chetes con la misma rola, simplemente no brilla. Napoleón Solo aburre (“Quisiera ser alcohol”). “Piedra” con Dapuntobeat, otra de las buenas versiones del disco, igual que “Miércoles de Ceniza” a cargo de Ventilader. Miró y su versión de “Nubes” lograron levantar un verdadero monumento a lo intrascendente. A La Banderville seguro les dijeron: “tienen que tocar una de Jaguares” y bueno, no lo hacen mal. “La Célula...” con Germán Montero, por favor, si en el tributo anterior Panda destrozó la canción, preferí recordar la original. No soy fan de Los Ángeles Negros, pero el toque melodramático que le imprimieron a “Antes de que nos olviden” me pareció muy divertido, no así la versión totalmente innecesaria de Marcovich a "Hasta Morir". TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

YESHUA ELASTIK NATURALIA INDEPENDIENTE

Nunca he sido muy fan de los grupos nativos que cantan en inglés, pero en el caso de Yeshua Elastik temo que el grupo suena mejor cuando lo hace en ese idioma, porque en español la banda no se siente tan “Naturalia” y la voz se nota forzada. Sin duda “Electro Holland” es el mejor track del disco, sin embargo, sigo defendiendo la postura de que los grupos mexicanos deberían cantar en su idioma, sino qué sentido tienen sus letras para la mayor parte de la población... ¿O su público sólo son personas bilingües? Quizá inconscientemente lo piensan, pues en “Sabes”, la canción que abre el disco dice textualmente: “Fui condenado a nacer aquí”. Bueno, en “Vegas” la cosa mejora y logran una gran pieza donde la letra encaja perfectamente con los sonidos melancólicos de la guitarra. En fin, se trata de un rock muy bien elaborado, atmosférico y melodramático, con el pequeño problema de que a pesar de ser buenas canciones, la originalidad no es su fuerte y a veces suenan a balada de Fobia con instrumentación de Muse. Ok, el disco en su versión limitada viene en una caja con pasto sintético, ya es algo, muchachos. No me mal interpreten, el disco tiene momentos brillantes y hasta pinkfloydianos, son grandes instrumentistas y la producción, notable, pero deben mejorar detalles para poder llegar a ser grandes. “Its Gone”, México... como dice uno de los títulos de sus canciones. TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

VARIOS LOS CUATES DE CHABELO Homenaje al amigo de todos los niños. Saúl Hernández y Sabo Romo no “catafixiarían” su sentida versión de "El León" por nada del mundo.

THE AMAZING DR. FANATIK WITH LA SUCIEDAD DE LAS SIRVIENTAS PUERCAS & LAS NOVIAS DE NADIE La Suciedad, banda donde Saúl, Alfonso y compañía cumplían sus fantasías glam de La Merced.

VARIOS GRACIAS… TOTALES. TRIBUTO BIZARRO A SODA STEREO Muestra de que se puede hacer un buen tributo con bandas que realmente sean fans del artista.

LOS FANCY FREE NEVERGREEN VOL 1

Martin Thulin, líder de esta banda, produjo el primer EP de los Yeshua Elastik.

FURLAND LA HISTORIA DE LA LUZ

El universo siempre ha sido fuente de inspiración de muchas bandas, aunque no se hayan subido ni a un avión.

ZURDOK HOMBRE SINTETIZADOR

Los vocoders, la instrumentación un tanto barroca y la emotividad son puntos en común entre estos dos discos.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

GIRLS FATHER, SON, HOLY GHOST ARTS & CRAFTS MÉXICO

La segunda producción discográfica de la banda liderada por Christopher Owens, muestra una evolución destacable de lo plasmado en Album y Broken Dreams Club, aunque algunas de las canciones se encuentran muy alejadas de la inocencia instrumental que inicialmente motivó y centró la atención del público –algunas de ellas resultan terriblemente grandilocuentes, escúchese “Die”–, Girls ha logrado reconstruir su sonido de forma mucho más orgánica. Su método parece preciso: se persigue un estilo uniforme de principio a fin. De hecho, cada pista se superpone a la anterior con amplitud y naturalidad. Es notable la manera como “Magic” reescribe casi por completo el rastro dejado por “Just a Song”. Como compositor, Owens es tan espléndido como siempre, garantizando desde antes de escuchar el disco, una experiencia agradable, con muy pocos tropiezos –reitero, “Die”–. Father, Son, Holy Ghost progresa como un ajuste entre la vida que pasa volando, y los sentimientos de aquel hombre que trata de recomponerla escribiendo una canción. T X T: : LU I S A R C E .

STEPHEN MALKMUS & THE JICKS MIRROR TRAFFIC ARTS & CRAFTS MÉXICO

BEIRUT THE RIP TIDE ARTS & CRAFTS MÉXICO

Si bien es difícil no tener altas expectativas en los proyectos del líder de Pavement, Stephen Malkmus, es aún más complicado no entusiasmarse con la idea de que el próximo álbum de The Jicks fue producido por Bek David Campbell, conocido también como Beck. La conjunción de dos de las mentes más brillantes del rock contemporáneo, frente a un público que se divierte de antemano con ideas, sin duda logra captar nuestra atención. Por fortuna, Mirror Traffic es tanto y mucho de más de lo que podríamos esperar. A diferencia de su antecesor, se trata de un disco mucho más espontáneo, asequible. Parece que la presencia de Beck no hace más que aprovechar las ideas del propio Malkmus, para multiplicarlas de manera que las canciones resulten mucho más coloridas y efectivas. De hecho, es posible afirmar que los largos vuelcos melódicos de Real Emotional Trash han desaparecido casi por completo, pero eso no es realmente malo; al contrario, Mirror Traffic demuestra que es posible permanecer enganchado de la música de Stephen Malkmus, incluso si ésta se ajusta mucho más a los parámetros del indie-pop más accesible. T X T: : LU I S A R C E .

La sensación que inspira y transmite Zach Condon al componer una canción, es casi siempre una sensación de alivio. Escuchar de The Rip Tide puede ser alentador, y sobre todo profundamente cálido. Uno se siente como en casa. Y es que Beirut ha logrado, de una vez por todas, encontrar ese sonido, tan cercano al pop, tan diversificado en sus influencias, tan compacto y sereno que la realización de sus discos anteriores se muestra como una sucesión lógica sobre The Rip Tide. Las melodías se congregan con elocuencia y el trabajo de producción es mucho más sofisticado. Todo está en su lugar, al menos. El sol brilla tiernamente, las aves cantan, conducimos a 20 km/h en la carretera... lo entendemos, hay serenidad; pero en ciertos aspectos el disco resulta gratuito, haciendo de algunas canciones como “Vagabond” o aquella que da nombre al disco, musicalmente irrelevantes. Afortunadamente el disco cierra con “Port of Call”, canción que engloba puntualmente las intenciones del álbum. En fin, The Rip Tide es un buen álbum y una excelente adición al catálogo de Beirut; bienvenido sea. T X T: : LU I S A R C E .

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HOLY SHIT! STRANDED AT TWO HARBORS

Un enfoque mucho más terroso de la honesta composición musical de Owens.

WAVVES WAVVES

Explora territorios sonoros que vale la pena añadir a Father, Son, Holy Ghost.

BECK MELLOW GOLD

Indispensable para entender a dónde puede dirigirse el sonido de Girls.

THURSTON MOORE DEMOLISHED THOUGHTS Producido por Beck. Es además una colaboración que muestra el vínculo entre las inventivas artísticas de dos mentes musicalmente brillantes.

MERCURY REV BOCES Perspectiva más eficaz sobre canciones coloridas pero poderosas.

DHARMA BUMS HAYWIRE: OUT THROUGH THE INDOOR Guitarras. Un disco que ejemplifica el uso melódico que Malkmus pretende de ellas.

JENS LEKMAN NIGHT FALLS OVER KORTEDALA Es un deber escucharlo. Punto.

A HAWK AND A HACKSAW CERVANTINE Otro excelente ejemplo de apropiación y reelaboración de la música balcánica.

FINAL FANTASY HE POOS CLOUDS Sólo hay que agregarle más dragones y caballeros.


R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

THELMO CASTELLÓ Y LOS SOUNDALIKES ÉXITOS DEL MAÑANA ISOTONIC RECORDS

Sin lugar a dudas, la vanguardia se ubica en la retaguardia. Thelmo Castelló y los Soundalikes nos proponen jugar un juego que desde su primera regla luce muy atractivo. En franca actitud a lo William Burroughs, el quinteto realiza un descarado acto de cut up, en el que toma fragmento de ritmos como el country, el swing o el rockabilly para machacarlos hasta conseguir una masa uniforme de guitarras deliciosas, baterías que apenas tienen por objeto llevar el ritmo (y hacernos mover el pie) y un bajeo constante que, en conjunto, reciben los embates de una voz que, si bien no es virtuosa, sí resulta harto histriónica. Éxitos del mañana suena a nuevo precisamente por honrar lo viejo, lo que a última instancia es la raíz del rock and roll. Nada más contracultural que volver a las raíces en estos sampleados tiempos experimentales. “Forajido” es el soundtrack de una película de vaqueros, “La nave del olvido” por mucho honra a José José, mientras que la versión de “Carisma”, de Kiss, seguro hará sangrar los oídos de los puristas, pero “El Pecador”, que hiciera popular Alberto Vázquez, ahora suena como una balada moderna tipo Enjambre. No pudieron ponerle mejor título al disco. Escarbar en el pasado representa la mejor manera de sorprender a nuestro presente.

VARIOS TRIBUTO A JOSÉ JOSÉ

Un disco que sacó de su contexto las canciones emblemáticas del ídolo para que nuevas generaciones las conocieran.

REBEL CATS ESTO ES ROCKABILLY!

Honor a quien honor merece, no fueron los primeros en tocarlo, pero sí en llevarlo a los foros.

ELVIS PRESLEY FROM ELVIS IN MEMPHIS

El Rey continua vivo gracias a quienes le deben respeto.

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

LOS ESQUIZITOS TÚ QUIERES SER COMO YO INTOLERANCIA

Varios años transcurrieron para que la banda encabezada por Uili Damage lanzara un nuevo disco de estudio. Sin embargo, bien valió la cocinada con tal de disfrutar dos docenas de canciones, en las que se respira su acostumbrado sentido del humor para realizar homenajes a sus héroes musicales (Chiggy Pop), así como para realizar covers que si bien refieren inmediatamente a la original, también encierran un interesante trabajo de “descomposición” (“Sedated”, originalmente llamada “I Wanna Be Sedated”, en efecto suena como si fuera tocada por un cuarteto de sedados, en el punto más disfrutable de un trip) que sorprende. Nuevamente con la alineación original que incluye a la baterista Brisa Vázquez, el guitarrista Álex Garrick y el bajista Nacho Desorden, la banda parece haberse encerrado en el garage del tiempo, para dar a luz un disco que bien pudo ser todo un clásico de los 90, pero grabado en plenos dosmiles. TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

JAY-Z AND KANYE WEST

La música es lo que cuenta. No podemos hablar de un disco basándonos en el egocentrismo y poder mediático de quienes lo hicieron. Teniendo claro esto, podemos afirmar que Watch the Throne resultó ser lo que se esperaba: uno de los mejores discos del año. Cada una de las 16 canciones que lo conforman tiene un sonido propio –aun cuando podamos escuchar influencias de varios lados– lo que se agradece en un disco de hip hop que más bien podría catalogarse como un disco electro hip pop. No tiene colaboraciones de un sinfín de artistas como ahora se acostumbra, pero ¿quién las necesita si eres Jay-Z y Kanye West? Sólo invitas a Frank Ocean, una de las nuevas promesas del pop y R&B, que canta sobre unos sintes que parecen provenir del OST de Tron en “No Church in the Wild”; o a tu querida esposa reina del R&B Beyoncé, quien seguro hará de “Lift Off” todo un hit comercial; y de ahí en adelante haces todo para dejar en claro porque eres el mejor: canciones como “Otis”, “Gotta have it”, “That’s my Bitch”, “Welcome to the Jungle”, “Murder to Excellence”, “Why I Love You”, “HAM”, etc.

ROC-A-FELLA RECORDS, ROC NATION, DEF JAM RECORDINGS

T X T : : T O N Y R O M AY.

WATCH THE THRONE

NIRVANA BLEACH Sin lugar a dudas, el primer disco de la banda es un referente para cualquier producto garage. Se hizo con muy poco dinero, pero mucho cochambre. ESCARBARME PROYECTOR Viejos lobos del under mexicano, los integrantes de esta grupo saben bastante acerca de ese sonido noise que nos emociona hasta la médula. Botellita de Jerez ¡Naco es Chido! Si de sentido del humor inteligente se trata, nadie mejor que el Mastuerzo, el Cucurrucucú y el Uyuyuy para darnos cátedra.

KANYE WEST MY BEAUTIFUL DARK TWISTED FANTASY A tan poco tiempo entre la salida de un trabajo y otro, es una referencia obligatoria debido al sonido actual de Kanye. JAY-Z THE BLUEPRINT 3 Al igual que con Kanye, el último trabajo de Jay-Z es fundamental para entender hacia qué dirección va. GORILLAZ PLASTIC BEACH Varios sonidos podrían haber salido del estudio de Damon Albarn en su playa de plástico.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

AUTOKRATZ SELF HELP FOR BEGINNERS BAD LIFE

De la generación de parejas DJs que explotó con actos como Justice y MSTRKRFT, autoKratz fue el menos alabado por la prensa, pero igual de requerido para la creación de remixes, además de contar con canciones propias para la pista de baile. Ahora que la niebla se ha disipado un poco, la banda encontró un camino propio para zafarse de caer en “moda” o “cliché”. Pese a que su fórmula, en teoría es lugar común, los sonidos ácidos electrónicos, las percusiones y los ritmos duros son una delicia para los oídos, sobretodo para un mood de fiesta; “Skin Machine” es un gran ejemplo de la tónica en general del disco, aunque peca de predecible. Hay invitados de lujo como Peter Hook en el temazo "Becoming The Wraith", o la hostil “Kick” con Andrew Innes de Primal Scream en las guitarras; al final nos encontramos con el electro duro y azotado de “A-Train”, que colocado en un DJ set podría provocar fuego en la pista. autoKratz no revoluciona, pero tampoco decepciona: así suena el aquí y ahora de la música electrónica, que de vez en cuando se agarra de la mano con el rock.

NEW ORDER INTERNATIONAL BEST OF THE NEW ORDER

Una vuelta por el pasado es más que necesaria para ver el aporte de esta icónica banda.

THE PRESETS APOCALYPSO

Otra pareja de DJs que volteó más al rock y consiguió sonar distinto.

DIGITALISM I LOVE YOU DUDE

También andan en su segundo aire, el tiempo dirá hasta donde llega.

TXT:: JASIEL VILLA.

YACHT SHANGAI-LA DFA RECORDS / EMI

Desde el afilado riff de guitarra de la inicial “Utopia”, se ve hasta el horizonte un disco más que interesante. A los viejos perros no se les puede enseñar nuevos trucos, cuatro discos les costó a este par (Jona Bechtolt y Claire L. Evans ) asentar sus ideas. Con letras propias de una película de ciencia ficción, una estética entre kitsch y new wave, su sonido se hizo más auténtico y fino. ¿Cuánto le deben a la casa que los edita? (la prestigiosa DFA Records) Yo diría que mucho, la producción es fina y atinada, todos los elementos están donde deben, diez canciones son suficientes para dar un repaso por ondas krautrock-disco-postpunk. Deben de tener un problema al escoger los sencillos porque cualquiera podría ser un éxito, o al menos ser “radiable”, “I Walk Alone” no le pide nada a The Rapture, “Paradise Engineering” parece una continuación de “Pow Pow” de LCD Soundsystem y explota tan libre como la utopia que reclaman; la fiesta acaba con “Shangri-La”, una pieza pop y llena de buena onda y el gusto que da ponerles play. TXT:: JASIEL VILLA.

THE SEA AND CAKE THE MOONLIGTH BUTTERFLY THRILL JOCKEY

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La discografía de The Sea and Cake, es como un pequeño tesoro para sus seguidores: brilla por sí mismo, para los iniciados en el selecto catálogo de la Thrill Jockey. Casa de pequeñas grandes bandas como Tortoise, Trans Am, Mouse on Mars, ADULT., Pit er Pat o The Fiery Furnaces, este sello de Chicago es una referencia obligada para quienes odian el manoseo del indie. Sin hacer demasiado ruido, esta banda fundada por Sam Precop debutó en 1994 con un disco homónimo, y a la fecha ya suma nueve LPs. Más allá de sus coqueteos con el post rock, las pinceladads de jazz o bossa nova, su principal virtud es crear música de posibilidades cinematográficas, de voces tersas, armonías elegantes e instrumentación sobria, que no fría. Para esta mariposa sonora, el cuarteto amplió sus posibilidades con estructuras y texturas más experimentales, como el track epónimo, con varias capas de sintetizadores; o el viaje de 10 minutos de “Inn Keeping”. Un EP de seis canciones, ideal para recibir el otoño. TXT:: VICENTE JÁUREGUI.

TOM TOM CLUB TOM TOM CLUB

Proyecto alterno de Chriz Frantz y Tina Weymouth de Talking Heads, una influencia más que obvia en YACHT.

LCD SOUNDSYSTEM SOUND OF SILVER

Batería disco, bajeos funky, guitarras afiladas, aplausos, muchos coros, mucha diversión y mucho baile.

THE HUNDRED IN THE HANDS THE HUNDRED IN THE HANDS

Otra pareja de New York que revive el new wave a su manera. Entregaron este gran disco el año pasado, cortesía de Warp Records.

TORTOISE MILLIONS NOW LIVING WILL NEVER DIE

Además de tocar la batería con el cielo y el pastel, John McEntire es productor y baterista de Tortoise.

SAM PREKOP SAM PREKOP

Antes de que The Sea and Cake naciera, Prekop lanzó este gran disco “solista”.

THE SEA AND CAKE THE SEA AND CAKE

Un disco debut portentoso, destinado a ser grande entre melómanos alejados del hype.


R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

BILL WELLS & AIDAN MOFFAT EVERYTHING’S GETTING OLDER CHEMIKAL UNDERGROUND

Un hombre se fuga del crematorio al que ha asistido, para sentarse en la barra de un pub y establecer un monólogo interior sobre los trajes, la cerveza y la vida misma. Así es “The Copper Top”, una pieza cuasi spoken world, que sirve como atípico sencillo para un álbum que demoró ocho años en completarse. Tras Arab Strap, el escocés Aidan Moffat ha labrado una carrera en solitario, con canciones que cronican el desbarrancadero de las pasiones, o bien las acendradas rutinas que conlleva la vida adulta. Su acercamiento siempre es agridulce y conmovedor. Y esta colaboración con el pianista y compositor Bill Wells no lo es menos; este veterano del jazz ha tocado con The Pastels e Isobel Campbell, entre otros. Y aun cuando los temas lentos (“The Greatest Story Ever Told”) le salen llegadores, la verdadera sorpresa radica en “Glasgow Jubilee”, una variación up tempo que hasta podría firmar Gorillaz, y que le permite a Aidan soltar en cascada su discurso. Existe una edición de triple vinyl que incluye 14 temas adicionales y las partituras. Tras su escucha es inevitable percibir que la fama está pésima e injustamente repartida. T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

HANDSOME FURS SOUND KAPITAL SUB POP

Expo 86 –el álbum más reciente de Wolf Parade– fue un disco notable, por eso, cuando nos enteramos que el grupo entraba en un impasse, lo lamentamos. Por fortuna uno de sus cabecillas, Dan Boeckner, ha retomado su proyecto paralelo nada menos que con Alexei Perry, su mujer, y van en su tercera entrega –la mejor de todas, por mucho–. Se plantearon hacer el disco a base de teclados y reduciendo al mínimo el uso de guitarras. Si nos apegamos a “Repatriated”, tendremos que hay una lograda combinación de electrónica furiosa con pop, apta para cualquier aquelarre. Pero no es todo, en “Cheap Music” se oponen a esa moda a favor de lo retro y lo vintage: “No nostalgia on the stereo. No hits ‘cause there’s no radio… A thousand lonely kids making noise in the basement”. Qué mejor que hacer un disco con una variante actual de synth pop y renegar de ello, como en “Memories of the Future”, donde se vocifera: “Nostalgia never meant too much to me”. Sound Kapital surgió de constatar las contradicciones sociales que imperan en el lejano Oriente, y se comprueba que es posible reflexionar mientras la música va a toda velocidad.

ARAB STRAP MONDAY AT THE HUG & PINT

Aidan y Bill pusieron los cimientos de la amistad mientras grababan este disco en 2003.

AIDAN JOHM MOFFAT I CAN HEAR YOUR HEART

Un disco completito dedicado a la manera en que entiende la poesía –así sea grabada–.

AIDAN MOFFAT HOW TO GET TO HEAVEN FROM SCOTLAND

Su anterior y excelente entrega en solitario; escúchese “Atheist Lament” para constatarlo.

HANDSOME FURS FACE CONTROL

Antecedente inmediato e inspirado en un viaje por varias republicas ex soviéticas y sus productos socio-culturales.

GRAND DUCHY PETITS FOURS

El inmenso –en todos sentidos– Black Francis (alma pixie) armó este proyecto con su esposa Violet Clark; marido y mujer en sintonía creativa.

WOLF PARADE

EXPO 86 Un opus magistral de la banda original de Dan Boeckner; un disco que será todavía más valorado a través del tiempo.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

CANSEI DE SER SEXY LA LIBERACIÓN UNIVERSAL

NEW YOUNG PONY CLUB FANTASTIC PLAYROOM

Pasarla bien es el lema de Cansei de Ser Sexy, que después de un decepcionante segundo álbum, vuelve con La liberación. Sin una pizca de sutileza, este nuevo proyecto pretende retomar las raíces despreocupadas de su disco debut; en La Liberación, CSS hace gala de su simpleza, no esconde sus limitaciones y no pretende coquetear con la complejidad lírica, musical o de cualquier otro tipo. En teoría el disco debería funcionar, ponerte a bailar y hacerte sonreír; sin embargo a momentos se siente forzado y la ligereza no consigue encantar, todo esto es subrayado por el sencillo que da nombre al disco, y confunde con un español innecesario y digno de Maria Daniela. Por otro lado, temas como “Hits Me Like A Rock” (colaboración con Bobby Gillespie de Primal Scream) con su linda melodía tipo reggae, y la grungechera “Rhythm to the Rebels”, permiten ver el mejor lado de esta fiesta a la que CSS insiste en invitarnos.

DONKEY CSS

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

Bailable y complejo por igual.

Desde su debut en 2007 estos ingleses siguen bailando.

El segundo disco es una prueba de fuego, que pocas bandas pueden aprobar con éxito.

MIA ARULAR

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R E S E Ñ A C I N E

STAR WARS

La saga completa en Blu-ray Hace 34 años se estrenó una cinta cambió la historia del cine de ciencia ficción. Con la llegada de Star Wars ®, no sólo nació una película: un capítulo entero de la cultura pop fue inaugurado. El número de fans que la cinta de George Lucas ha generado es verdaderamente impresionante, pero no tanto como la cantidad de coleccionistas para toda la parafernalia generada. Para quienes creían tener todo de Star Wars ® llega esta edición, que contiene la saga completa en Blu-ray. Además de las seis películas (La amenaza fantasma, El ataque de los clones, La venganza de los Sith, La Guerra de las Galaxias: Una nueva esperanza, El Imperio contraataca y El retorno del Jedi), el paquete incluye tres discos y juntos reunen 40 horas de material con escenas eliminadas – extendidas y alternativas–, nuevos documentales, varias sátiras y parodias que han aparecido durante las últimas tres décadas (Padre de Familia, Los Simpson, Cómo conocí a tu madre y un video de Weird Al Yankovic), comentarios de audio, detrás de las cámaras, entrevistas, accesorios y vestuario, tecnología y varias sorpresas más. Para los clubs de fans será interesante ver el documental que rinde tributo a la Legión 501, una organización de entusiastas voluntarios que hacen obras de caridad con eventos en todo el mundo. FOT:: TM & © 2011 LUCASFILM LTD. ALL RIGHTS RESERVED. USED UNDER AUTHORIZATION. Gánate uno en

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R E S E Ñ A S L I B R O S 3 X 1

MISSING

(una investigación) ALBERTO FUGUET ED. ALFAGUARA

Este escritor chileno goza de una fama y un prestigio que parece haber conseguido con facilidad, sin exigirse demasiado. Para enfrentar este libro asumió que la escritura es un reto en sí mismo, que implica reinvención total de lo hecho. Así, ha difuminado las lindes entre ficción y periodismo, para contar el proceso de búsqueda de Carlos, un tío desaparecido en Estados Unidos, desde 1986. El asunto era delicado para su familia, ya que Carlos era la oveja negra, pero también dejaba muy mal parados a varios Fuguet, clan con un pasado de buena fortuna en Santiago, pero que decide emigrar a EU, tan sólo para constatar que muy pocas veces se consigue el sueño americano. Missing le permitió recurrir a distintas voces narrativas –sazonadas de spanglish–, a intercalar mails, transcripciones de entrevistas y otros materiales que ayudaran a la construcción del complejo mosaico existencial en torno a Carlos. Retales de una vida bohemia, temporadas en el ejército y la cárcel; una ruta nómada al interior del imperio capitalista y una fuga –física y mental– constante, dan cuenta de lo difícil que resulta encontrarse cuando no sabes a dónde perteneces y lo que debes hacer. T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

LA MARRANA NEGRA DE LA LITERATURA ROSA

Los rockeros nacionales leen poco, poseen una cultura general a la baja y suelen ser especialmente sensibles a la crítica. Este sumum de particularidades no los deja muy bien parados; así, en el rock nacional no abundan las referencias de alto nivel –si acaso un regodeo en la cultura popular–, el manejo del lenguaje es pobre y los exabruptos de los rockstars no son escasos cuando reciben una crítica seria, lejana al típico apapacho del fan irredento. Nuestro rock tiene mucho de parodiable, y pasado por el tamiz de un escritor tan lleno de recursos y mala leche como Carlos Velázquez, no podía sino producir uno de los relatos más memorables, divertidos y cáusticos que se hayan escrito sobre el rock mexicano. El alien agropecuario es un chavo de rancho que padece síndrome de Down, pero que se convierte en la figura del grupo punk Tafil. El autor dice haberse inspirado en algunos de los vocalistas de las agrupaciones más encumbradas de los últimos años. No en vano el avezado crítico Sergio González Rodríguez comentó: “está llamado a cambiar la recepción y la percepción de la literatura mexicana y sus aires de altísima cultura hecha de mausoleos”. Una obra relevante que lo irá siendo más con los años.

CARLOS VELÁZQUEZ SEXTO PISO

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

COMBUSTIÓN (NO) ESPONTÁNEA JUAN CARLOS HIDALGO PACHUCO PRESS

J. Krishnamurti escribió que “una mente meditativa es la mente religiosa”, pero religión en el sentido de no tener relación alguna con iglesias, templos o cánticos. La mente religiosa es la explosión del amor. Este amor es el que desconoce toda separación y a su vez es la antítesis de la muerte. Esto es precisamente lo que hace Hidalgo Baca en sus poemas. Para él, lo distante es cercano. A pesar de que la esencia de sus poemas sea el suicidio, lo que Juan Carlos Hidalgo – escritor iconoclasta– realiza, es una nueva apuesta literaria al fusionar lo contemplativo del busdismo Zen con la tecnología, lo místico con lo efímero, la literatura con la vida-muerte. Su ejercicio poético lo conduce a la exaltación de los suicidas como personajes de un universo ficcional; es decir, juega a ser un sicario que, emparentando las filias de las microhistorias que narra poéticamente, exacerba su plano afectivo haciéndolos que sucumban de formas inverosímiles. Lo que habita en el poemario Combustión (NO) espontánea. Poemas bonzo del Siglo XXI, son versos que hacen al lector reconciliarse con la belleza que significa estar vivo. Porque lo que ahí vive no es ni amor a uno ni a muchos, sino ese estado amoroso en el que toda división desaparece y al igual que la belleza, rebasa la descripción con palabras. TXT:: DANIEL FRAGOSO.

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LAS PELÍCULAS DE MI VIDA ALBERTO FUGUET

En clave de semiautobiografía, un personaje explica su vida a partir de los filmes que lo han marcado.

MI CUERPO ES UNA CELDA (Andrés Caicedo, una autobiografía) ALBERTO FUGUET

El chileno se dio a la tarea de dar coherencia a los documentos y materiales necesarios, para que un fallecido escritor colombiano de culto se explicara a sí mismo.

DONDE MEJOR CANTA UN PÁJARO ALEJANDRO JODOROWSKY

El psicomago dice que a través de reconstruir y conocer el árbol genealógico, se llega a consolidar la identidad plena.

FLOR DE CAPOMO PAUL MEDRANO

Medrano es un nómada –un norteño del sur–, pero comparte esa actitud libérrima y la ambición por quitar el corsé a lo se escribe últimamente en México.

LA BIBLIA VAQUERA CARLOS VELÁZQUEZ

Es su segundo libro, pero el debut formal; se trata de una máquina perversa que lo fagocita todo, de la identidad al choque de culturas.

RECURSOS HUMANOS ANTONIO ORTUÑO

Sus personajes comparten un cierto cinismo y la manera de adaptarse a un esquema social completamente corroído y caduco.

BOOK OF HAIKUS JACK KEROUAC

Selección de los cuadernos de vida del escritor beat.

PITECÁNTROPO JULIO TRUJILLO

Breves cápsulas del ácido del mundo.

MATAR A PLATÓN CHANTAL MAILLARD

Un verdadero juego con la nada y con la sinrazón de la existencia.


R E S E Ñ A S G A M E R T X T: : C A R LO S G U T I É R R E Z .

Resistance 3 Calificación: Distribuidor: Sony Computer Entertainment Consola: PlayStation 3 Género: acción en primera persona Jugadores: 1-16 Clasificación: M (mayores de 18 años) Fecha de salida: septiembre, 2011 Una de las franquicias más exitosas que ha tenido el PS3 ha sido Resistance, un juego de acción en primera persona que se ha colocado en el gusto de los jugadores, gracias al excelente balance en la jugabilidad y a imperdibles elementos de acción. Este tercer capítulo se desarrolla cuatro años después de los eventos ocurridos en Resistance 2. La década es una alterativa de1950, y los Estados Unidos han sido conquistados por la amenaza extraterrestre, mejor conocida como Chimera. Tú tomarás el rol de Joseph Capelli, un sobreviviente que tendrá la tarea de resistir y liberar a los pocos humanos que todavía rondan por ahí. Las gráficas han sido mejoradas, así como la inteligencia artificial de los enemigos. Aparte, el juego tiene un modo cooperativo en pantalla dividida, ideal para jugar con algún amigo; y varios modos multijugador que alargarán la diversión en Resistance 3. Si tienes un PS3, no debes dejar pasar este juego.

Gears of War 3 Calificación: Distribuidor: Microsoft Consola: Xbox 360 Género: acción en tercera persona Jugadores: 1-16 Clasificación: M (mayores de 18 años) Fecha de salida: septiembre, 2011 La conclusión de esta espectacular serie ha llegado. El líder de Delta Squad, Marcus Fenix, está de vuelta. Han pasado 18 meses desde la caída de la última ciudad humana a manos de los Locust, y esta vez tiene el reloj en su contra para salvar lo que queda de la humanidad. Una de las novedades de Gears of War 3, es que ahora podemos jugar de forma cooperativa con hasta tres amigos, dando un total de cuatro personajes de manera simultánea. Para los que gustan de las novedades existen nuevas armas y habilidades, como patear después de estar en cubierto, dejando al enemigo momentáneamente fuera de balance. Además, a lo largo de la campaña los jugadores podrán usar trajes mecha, que le dan un nuevo significado al poder armamentista. Y como ya es costumbre, los modos multijugador están presentes, como el popular Horde 2.0 y el nuevo Beast Mode, en donde te vestirás de Locust para detener hordas de humanos. Gears of War 3 es exclusivo para Xbox 360 y presume de tener gráficas espectaculares. Se trata de un destino imperdible y del final de una de las mejores trilogías que existen en el mundo de los videojuegos.

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RR EE SS EE ÑÑ AA SS LMI ÚN SK ISC A 3 X 1 T X T : : " E L J E R GA S ".

Visualy

My Taste In Women

10 cuentas ficticias de Twitter que debes seguir

Idioma: español Link: http://visual.ly

Idioma: inglés Link: http://mytasteinwomen.com

Idioma: inglés Link: http://on.mash.to/r6R5Uw

Las infográficas cada día toman más y más importancia, como vehículo para que la información viaje de manera dinámica y didáctica. Son amigables para el ojo y el cerebro, nos presentan datos en forma fácil de recordar. Este sitio se dedica a compilar las mejores en la web, además de permitir a los diseñadores crear su portafolio en línea, crear tu propia infográfica, además de poder realizar un comparativo entre cuentas de twitter con un estilo único.

Otro de esos infaltables Tumblr’s. MTIW es un valioso tributo a la belleza de la mujer, un encanto para los caballeros, y un faro de moda y estilo para las damas.

Gran lista de algunas cuentas twitteras no oficiales y en algunos casos hasta absurdas (como la agencia RP de La Estrella de la Muerte), que aportan muchas risas al timeline.

Guardian

FontFonter

Reasons I’m Not Vegetarian

Idioma: inglés Link: http://bit.ly/lT5ANH

Idioma: inglés Link: http://fontfonter.com

Idioma: inglés Link: http://reasonsimnotvegetarian.tumblr.com

El diario inglés realizó una animación interactiva enlistando 50 momentos claves en el desarrollo de diferentes géneros musicales como el hip-hop, dance, jazz, indie, etc. Gran esfuerzo. Infaltable.

Si esa página que visitas diariamente tiene una fuente tipográfica que simplemente no te gusta, puedes entrar a FontFonter y verla en 40 diferentes lindas tipografías, sin tener que descargar ningún programa o complemento.

Vegetarianos abstenerse. Si bien hay muchos blogs allá afuera que promueven la filosofía del vegetarianismo, este no es uno de ellos, de hecho es todo lo contrario. Jodie les mostrará platillos que les harán babear frente a su monitor, no se recomienda visitarlo con la barriga desierta.

50 momentos

claves en la música

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Mashable


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