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#CHALLENGE

Mon Laferte El reto de hacer Norma

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• Roma: Volver a hacer “cine mexicano de oro” • Gucci Mane: Vino, vio y se atrevió • Aníbal “El muerto”: Comedia from Tepito, with love • Captain Beefheart: El significado de ser contestatario


DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com

EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx

PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx

DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx

PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx

IMPRENTA IMPRENTA AJUSCO, S.A. DE C.V. José Ma. Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, Ciudad de México, 06820, México Teléfono +52 (55) 5132-1100

EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL ITZEL ROJAS itzel@marvin.com.mx

CONDESA

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CIRCUITO CONDESA

CIRCUITO CONDESA

DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx

MAYO

VENTAS ÓSCAR PADILLA oscar@marvin.com.mx

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ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx

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AURELIO VARGAS aurelio@marvin.com.mx

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MON LAFERTE :: CHALLENGE

SAVE THE DATE

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16-17-18 MAYO 2019 CIRCUITO CONDESA ROMA 16-17-18 MAYO 2019 CIRCUITO CONDESA ROMA 16-17-18 MAYO 2019 CI

SAVE THE DATE

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MAYO

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Mon Laferte

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MAYO

El reto de hacer Norma

CIRCUITO 167 CONDESA ROMA 2019

#FESTIVALMARVINCDMX· FESTIVAL.MARVIN.COM.MX @FESTIVALMARVIN · /FESTIVALMARVINCDMX

05-FEB-19

• Roma: Volver a hacer “cine mexicano de oro” • Gucci Mane: Vino, vio y se atrevió • Aníbal “El muerto”: Comedia from Tepito, with love • Captain Beefheart: El significado de ser contestatario

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ADMINISTRACIÓN JESSICA FRAGOSO jessica@marvin.com.mx DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com COLABORAN EN ESTE NÚMERO Alejandro Mancilla, Lenin Calderón, Rubén Gil, Toño Quintanar, Walter Schmidt, Arturo J. Flores, Rodrigo Desentis, Vicente Jáuregui, Mixar López, Juan Carlos Hidalgo

11/30/18 4:24 PM

CONTACTO

Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@marvin.com.mx Suscripciones: suscripcion@marvin.com.mx

MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 167 correspondiente a: DICIEMBRE 2018-ENERO 2019. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.


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#CHALLENGE

DICIEMBRE2018-ENERO 2019

En portada 38 MON LAFERTE. La creación de Norma

Música

Festivales

Cine

Literatura Arte Cómic

El Pilón

6 ESTILO 8 TECNOLOGÍA 10 EN MEGÁFONO Noticias frescas 18 STAND-UP Aníbal “El Muerto” 20 INDUSTRIA Firestone lanza Be The Band 28 VALSIAN Más allá de las sombras 30 SHARON VAN ETTEN Escúchala hoy, recuérdala mañana 32 107 FAUNOS Ese extraño fruto llamado indie 34 GUCCI MANE De regreso a las andadas 36 JUNGLE La perfección introspectiva de For Ever 52 DE CULTO Captain Beefheart. El genio incomprendido 22 MONKEY WEEK 24 CORONA CAPITAL 48 ROMA La Roma setentera de Alfonso Cuarón 50 BLACKKKLANSMAN La nuevca denuncia de Spike Lee 54 DE CULTO Michale y Roberta Findlay 58 WALTER LEZCANO Escribir en medio de la devastación 56 DE CULTO El absurdo reto de los beckettianos 6O EL CÓMIC DE SUPERHÉROE Un gran reto 62 Cómic del mes: GALA NAVARRO 64 FILOSOFÍA #CHALLENGE


Editorial

S

e acabó el sexenio, el año, los nuevos propósitos se antojan mucho mayores pero también, muchos serán muy diferentes a los que hemos acostumbrado El “borrón y cuenta nueva” para lo que sigue parece más profundo que nunca y en cuanto a música, cine, arte, cómic, libros, standup y toda la cultura que nos apasiona, el 2018 nos dejó el estándar bastante alto. Ya empiezan a mencionarse las creaciones que definirán el siguiente año y echaremos mano de cada una con oportunidad para ir perfilando al paso de los meses el carácter de un 2019, sin lugar a dudas, totalmente electrizante. Desde la redacción, te deseamos querido lector, lo mejor en este año que empieza y las más vibrantes emociones de mano de cada número de Revista Marvin. “La puerta siempre abierta, la luz siempre encendida”.

Uili Damage @uili

Uili Damage @uili


Estilo

Sadboys Gear de Yung Lean Lo que tu guardarropa estuvo soñando todo el año

SADBOYS GEAR acaba de anunciar su colección más grande y ambiciosa al momento. Bajo el ojo entrenado y cuidada manufactura del diseñador Bladee, presenta accesorios y atuendos completamente renovados, incluyendo collares a la medida con incrustaciones de cristal, hebillas con estoperoles, suéteres tejidos, una máscara de esquiar, camisetas con impresión sublimada al tamaño de la prenda, sudaderas hoodies de algodón pesado y en bicolor, y pantalones cargo, todo esto en cantidades muy limitadas. Yung Lean describe la colección como “Son complementos del universo de los insectos y la tierra de las maravillas en invierno, para todo tipo de cuerpo; para tu protección y tu lealtad”. La colección estará disponible exclusivamente a través de sadboysgear.com desde el miércoles 5 de diciembre, desde las 2 PM -hora del este- y 11 AM -hora del Pacífico-. En el lookbook modelan Yung Lean y Alfons Kanger, y fue producido por YEAR0001 bajo el concepto y styling de Curtly Thomas y foto y edición de Fredrik Andersson. facebook.com/sadboysgear/ instagram.com/sadboysgear/

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Tecnología

ALEXA

Y Amazon Music llegan a México Por fin, Alexa, el asistente inteligente de Amazon llega a nuestro país y no llega solo: Amazon Music también está disponible desde ahora para competir con Spotify, Google Play Music o Apple Music con un catálogo extenso y que tendrás disponible si ya cuentas con una membresía de Amazon Prime. Respecto a los dispositivos que convierten a Alexa en nuestro acompañante virtual son las bocinas inteligentes que llegan a nuestro país: el Echo Dot, el Echo, el Echo Plus y el Echo Spot ampliando la oferta que Google había comenzado con su Google Home hace algunos meses.

SONY

Sigue con la fiebre de mini consolas

Sony se ha subido a la tendencia de relanzar sus consolas clásicas y es ahora el PlayStation Classic el que llegará al mercado. Con un costo aproximado de $3,499 MXN, la consola clásica incluye dos controles y una veintena de títulos, de entre los cuales podemos destacar el clásico GTA, Metal Gear Solid, Rayman y Teken 3. La consola se conectará vía HDMI y cuenta con un diseño 45% más pequeño respecto a la original lanzada en 1994; el lanzamiento de ese pequeñín será el 14 de diciembre, así que vayan ahorrando.

DISNEY Anuncia su plataforma de streaming

La batalla entre plataformas de streaming de video se pondrá más competida a partir del segundo semestre de 2019 pues Disney, empresa que además tiene los catálogos de Pixar, Marvel, Star Wars, National Geographic y ESPN, al fin anunció la llegada de Disney+, una plataforma que reunirá todo este contenido y donde podremos ver nuevas series o películas, generadas a partir de la amplia gama de franquicias que le pertenecen a este emporio; seguiremos pendientes de su llegada a nuestro país y el costo que tendrá.

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En megáfono

LOS BEATS DE APO TULUP Sonando alto

Apo Tulup, es un dúo de productores conformado por Tremo (VEN) y Fede Mina (MEX), que comparten la misma pasión por el techno y otras variantes de la música electrónica. Tras una trayectoria haciendo sonar la pista de baile, hoy, ambos producen su propio material y presentan DJ sets con tonos oscuros, profundos, melódicos y progresivos, que sumergen en una nebulosa de baile fino. Tremo, dj productor desde 2004, es ingeniero de mezcla, mastering y productor musical multifacético, con versatilidad para crear diferentes estilos musicales. Estudió en la primera escuela de música electrónica de Latinoamérica en Buenos Aires (ARG). Con su proyecto personal, logró situarse en el puesto 46 del HypeTop de Progressive house en Beatport con el lanzamiento en el compilado para el Amsterdam Dance Event 2018 del sello Chrom Recordings de Ibiza/Bélgica. Ha tenido el soporte de grandes DJs internacionales como Paco Osuna, Darin Epsilon, Mariano Mellino, Danny Lloyd, D-Formation y Fernando Lagreca. Por su parte, Mina es DJ productor conocido por su técnica impecable y su gusto refinado, cultivado por mezclar desde hace más de 15 años. Ha actuado en las fiestas y los clubes electrónicos más populares en México y compartido escenario con muchos de los Top DJ internacionales como Paul Kalkbrenner, Damian Lazarus, Azad Rizvi, Brett Jonson, 16 Bit Lolitas, Satoshi Tomiie, Henry Saiz, Marc Marzenit, Paul Ritch, Julio Navas y David Amo, John Aquaviva, Oliver Moldan, Alan Fitzpatrick, Tiefschwarz, Amirali, Tolga Fidan y Safeword. No les pierdas la pista en solitario o en dúo, pues los próximos lanzamientos de Apo Tulup se publicarán con varios sellos alrededor del mundo: • Conception EP (Suah Records - Liverpool) 12 de Nov de 2018 • Josefono L Teléfono - Wrap Around (Apo Tulup Remix) 27 de Nov de 2018 • Sfero EP (Born in Mexico - México) 7 de Dic de 2018 • Wetlands (Chrom Recordings - Ibiza/Bélgica) 10 de Dic de 2018 Sigue todas las noticias y novedades de el dúo en facebook.com/apotulup e instagram.com/apotulup

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En megáfono

EL MONSTRUO DE MIL CABEZAS La sala de ensayos y estudio La Bestia entra en una nueva etapa como sello discográfico

Después de funcionar desde 2016 como salas de ensayo y estudio de grabación, La Bestia anuncia el lanzamiento de su sello discográfico independiente a través de una conferencia de prensa en la que Fran Carrera, Mario Rincón y Oscar Julián, fundadores del proyecto, presentaron ante los medios de comunicación la nueva cartera de servicios que los músicos podrán solicitar próximamente. “Nuestro objetivo es mejorar la escena y generar confianza en el artista, el músico y todo aquel que quiera expresarse de una manera atípica”, comentó Mario Rincón, cofundador de La Bestia y miembro de la banda R0b0t0. Además de la grabación, mezcla, masterización y producción que ya ofrecían a través de La Bestia Records, ahora incluyen management y bookin, y asesoría en servicios diversos como relaciones públicas, diseño e imagen, comunicación y marketing digital, distribución física y digital, y legal. Además, el sello anunció a su primer roster oficial que incluye el proyecto solista de Fermín Sánchez, de The Guadaloops, R0b0t0 y el proyecto solista de Henry D’Arthenay de La Vida Bohéme. “La primera disquera artist-friendly. Una complicidad necesaria en estos tiempos. Queremos que el mundo se dé cuenta de que podemos hacer las cosas de manera diferente”, dice Fermín Sánchez Ubicados en el corazón musical de la Ciudad de México, La Bestia es un proyecto pensado para que el músico pueda potencializar su creatividad y consolidar su carrera artística de la mano de un equipo galardonado de ingenieros, productores y profesionales de la industria musical, dentro de las mejores instalaciones: un espacio multidisciplinario que en muy poco tiempo se ha desarrollado como eje del nuevo movimiento musical latinoamericano. ¡Síguelos en sus redes sociales y mantente muy pendiente de sus próximos lanzamientos! Facebook: /labestiasello Instagram: @labestiasello

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Fermín Sánchez

Roboto

Henry D’Arthenay

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En megáfono

DESERT DAZE 2018 Desafiando y triunfando TXT:: Rodrigo Desentis FOT:: Rafaella Cortés

Desert Daze ha logrado convertirse en uno de los festivales más grandes y representativos de la psicodelia actual a lo largo de su historia -si no es que ya es el más grande e importante, no nada más por sus propuestas internacionales y actos psicodélicos de alto calibre, sino por el ambiente y la vibra que se respira en sus ediciones. Este año por primera vez el festival cambió de sede; de su tradicional locación en el desierto californiano de Joshua Tree al pequeño pueblo de Perris, en Moreno Valley: un lago paradisiaco que parece fuera de este planeta. Desde el inicio, las buenas bandas no se hicieron esperar: GUM, proyecto solista de Jay Watson (miembro de Tame Impala y POND), comenzó con su pop psicodélico y metió a la gente en un estado del cual no saldríamos sino hasta tres días después. El escenario principal presentó el mágico set de Yonatan Gat And The Eastern Medicine Singers; mitad power trío (de lo más psicodélico), mitad ceremonia/ ritual. Los músicos tocaban en medio del público y la emoción llegó a su límite. Después POND subió al escenario principal y demostró no sólo ser una bada con composiciones increíbles sino también una que dejó atónitos a todos en cuanto a sonido. Cayó la primera noche y con ella llegaban los que muchos consideraban como la banda fuerte del día: Uncle Acid And The Deadbeats. “Hola, somos Uncle Acid y venimos a arruinar su noche”, se escuchó en el micrófono antes de que dieran un set de poderosísimos cincuenta minutos. Dicen que tal fue la fuerza de su show que invocaron toda la fuerza de la madre naturaleza: Truenos a lo lejos iluminaban y estremecían el lago por completo. Al terminar, la gente corrió al escenario principal para ver a una banda polémica y tema de conversación durante todo el fin de semana: Tame Impala. Los puristas comentaban que eran unos vendidos y que sólo tocaban en el festival para vender boletos. Eso no le importaba a todos los demás: queríamos ver a Kevin Parker tocar sus éxitos en vivo, pero tres fueron las canciones que la banda australiana logró tocar antes de que el clima forzara a todos los asistentes a retirarse del escenario principal por precaución. El segundo día las bandas comenzaron desde temprano. Los highlights de esa tarde serían los brasileños de Boogarins y Kevin Morby, este último regalándonos un show fuera de serie. Por la noche del sábado Wooden Shjips tomó el escenario Moon, el cual estuvo iluminado y visualizado a cargo de Mad Alchemy Liquid Light Show todo el fin de semana: una verdadera locura visual. Ahí mismo vimos a una de las bandas que más gustó: los japoneses de Kikagaku Moyo, con un repertorio lleno de canciones que sonaban al lejano oriente, pero al mismo tiempo de otro planeta; un show inmejorable. A continuación, una vez más sonó una banda australiana, pero ahora se trataba de King Gizzard and the Lizard Wizard. Entregaron un set de una hora y veinte minutos, en el cual no dejaron ni respirar a los asistentes, y dejaron bien en claro que por el momento ellos son la banda de rock psicodélico número uno en el planeta. Siguió Shannon And The Clams, con covers de Jefferson Airplane, dando por terminado un día perfecto para la música. Llegó el domingo, último día del festival y con él, las propuestas musicales más pesadas y duras: Death Grips dieron una cátedra de música experimental alucinante. Earthless hizo lo propio con un set lleno de rock y guitarras psicodélicas. My Bloody Valentine, la banda estelar de la noche, pausó todo lo demás y sólo sonaba su desgarrador sonido: no había dónde esconderse. Al cierre del escenario Moon, King Khan And The Shrines dieron un show digno de cualquier festival de los sesenta, lleno de baile, política y diversión. Para cerrar la experiencia llegó Ty Segall con White Fence y “destruyeron el escenario” con un rock garage perfecto para recordar el festival. En conclusión, los organizadores de Desert Daze lograron hacer de este un fin de semana único. Una edición será para recordarse, que nos deja con grandes expectativas para el siguiente año.

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Stand Up Comedy El cuarto de seis hermanos, este comediante capitalino, orgullosamente oriundo de Tepito ha estado presente y activo en la escena de la nueva comedia mexicana, dando pasos firmes, cautos y efectivos, con paciencia y con una rutina resuelta, única. Aníbal Massa “El muerto” nos lo cuenta todo aquí con gran candor:

meses haciendo stand up, puros opens y les dije que muchas gracias pero que aún no estaba preparado. A partir de allí empecé a trabajar mucho más, escribir mis chistes, organizar shows, invitar a la gente. Al siguiente llamado de Comedy ya me quedé y ya llevo cinco. En mi siguiente temporada voy a grabar media hora.

¿Cómo descubriste el stand-up comedy? Me gusta ver comedia. He visto a muchos argentinos, españoles, chilenos, porque como mi profesión de contador me deja mucho tiempo libre, veía muchos videos. Siempre pensé “¡qué fácil hacer eso! Cualquiera lo puede hacer… ¡Yo lo puedo hacer!”. Entonces busqué un taller, encontré el de Gus Proal y ahí descubrí que está bien difícil hacerlo.

Sigues trabajando de contador… Sí, pero ya medio tiempo. Y el otro medio tiempo lo dedico completo, Me subo, estoy escribiendo, tallereando… Lo más lejos que he ido es a Veracruz, porque tampoco tengo mucho tiempo para viajar, y menos para ir a probar. Luego me tachan de mamón, pero tengo familia qué mantener. Mi esposa me dice, “está chido eso, pero aquí hay una colegiatura qué pagar” [risas]. La mayoría son solteros, hacen su vida, pero yo tengo mis compromisos. Tengo una niña de once años.

A ver que pasa

Anibal “El Muerto” Massa

¿Cuánto tiempo ejerciste de contador? Aún ejerzo. Es mi trabajo principal.

TXT:: Uili Damage FOT:: Khaled Aboumrad-www.chaka.me

Entonces, ¿hace cuánto empezaste en el stand up? Cinco años. Pero lo descubrí hace nueve. Pasó bastante tiempo de ahí hasta que tomé la decisión de subirme a hacerlo. Fue muy chistoso porque hasta que tomé el curso me di cuenta que había un “movimiento”. A Gus lo descubrí por que Google investiga… se entera de todo de ti. Puse “cursos de stand-up”, me salió el de Sofía Niño de Rivera y se me hizo carísimo. “sí me gusta el stand-up, pero no es para tanto”, pensé. Y en la búsqueda te sale un anuncio. Era el del “Impródromo” y el curso de Gus, que estaba a buen precio y lo tomé. Básicamente empecé a hacerlo como un hobby, un pasatiempo. Después ya descubrí que podía funcionar y lo hice más profesionalmente. ¿Cuál fue tu primer escenario? La graduación del Impródromo. Traía una rutina muy pequeña, muy miserable, pero funcionó. Después descubrí que se hacía en el Beer Hall y en el Woko y empecé a ir como público para ver cómo estaba funcionando. Así me eché un año: llegaba, lo veía, no conocía a nadie. Después ya me subí; Rhonny Piña, amigo mío me animó a que le entráramos al primer casting de standuperos que hizo Comedy Central. Era un casting eterno, con rutinas de cinco minutos. Lo bajaron a tres, hice dos… yo llevaba cuatro

Haces mucha comedia sobre Tepito. Yo crecí en Tepito. Llegué de chico, del Centro Histórico. Fui muy bulleado, de perdida, tres o cuatro años, en lo que te ganas la identidad, el terreno… la pasé mal hasta que fui agarrando coraje y una vez que te defiendes ya las cosas cambian. Y así funciona también en el standup… Sí. Y yo siempre hablo de que soy de Tepito, pero ahora en el stand-up al igual que de chico en la escuela. Siempre lo he dicho, soy orgulloso. Tengo amigos que lo esconden. Para mí es un lugar chingón; hay de todo, por supuesto. Pero hay mucha gente, la más, que se levanta a rajársela todos los días. A trabajar, poner su puesto, salir, comprar, llevar. Hay mucha gente que le chinga mucho y que tiene que llevar el estigma de ser de Tepito. Por eso salgo a decir “Tepito no es malo”. ¿Cómo era la escena cuando llegaste? Para empezar, la lista de veinte no se llenaba. Cuando mucho se subían siete u ocho y todos con material más-o-menos, las risas muchas veces eran entre ellos mismos. Un montón de comediantes luchando por hacer reír y todos tenían una actividad aparte para poder hacer esto. Conforme fue avanzando fue creciendo y hoy ya hay muchos que viven de esto y viven bien, les

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va chido. Pero ha costado mucho trabajo. Había pocos lugares, pero la mayoría se ha chingado un chingo. Es como de resistencia y es un camino que han dejado Juan Carlos Escalante, Gloria Rodríguez, los pioneros… ahora hay muchos escenarios, muchos lugares dónde subirse, pero la exigencia y la competencia son mucho mayores; hoy la lista se llena rápido y se queda gente afuera. ¿Cuál es tu chiste que más risa te da? Es por temporadas, ahorita es el que digo que “voy caminando en la acera y me encuentro con cualquier chava que evidentemente está entrenada por las disciplinas de defensa personal que se han popularizado recientemente, como Jiu Jitsu, Capoeira… justo cuando paso junto a ella, muestra el reflejo de una persona muy entrenada que es: apretar su bolsa. Yo le digo, ‘señorita, no se preocupe, conmigo no pasa nada. Lo que sí sé es distinguir una bolsa verdadera de un clon’”. El otro es cuando digo “Yo soy de Tepito y me gusta mucho Tepito. Y esto lo descubrí cuando me fui a vivir a Ecatepec”. ¿Sí viviste en Ecatepec? Cuando me casé. Mi comedia es toda honestidad. Yo no digo nada que no haya sido producto de una vivencia. Yo viví en Ecatepec y decía “está bien culero y lejos, yo estaba muy chido en Tepito” [risas] ¿Tu colega favorito? Yo creo que Juan Carlos Escalante es mi favorito por la lucha, la entrega y porque hace comedia muy buena. Tiene grandes ideas; hay qué valorarle que no se junta a tallerear; los comediantes tenemos esa “trampilla”, nos juntamos entre varios a echar ideas y sale un chiste. Escalante no y eso es difícil. Para mí es el mejor. No necesariamente es el más famoso, pero es el mejor. De los comediantes que ves en Internet, ¿cuáles te gustan más ahorita? Sigo viendo a Leo Harlem -español-, Goyo Jiménez -español también-; cuando empecé a verlos decía “yo quiero hacerlo como ellos lo hacen”. No lo he logrado porque son unos monstruos, pero cuando necesito analizar algo veo sus videos -que ya los he visto-. Esos dos con mi top. Los dos son de mi edad… yo empecé grande, yo tengo 46 y llevo cinco. Yo

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decía “no sé hasta dónde va a llegar mi carrera porque no me queda mucho”. Los que están teniendo más éxito ahorita están en los treinta, tienen un mundo de carrera. Pero tampoco me preocupa mucho porque, pues ya veremos qué pasa con el destino. Uno que es de barrio siempre espera eso: “a ver qué pasa”. Eso es muy de barrio. Todo mundo sale así a vender. Los que salen inclusive a delinquir, también van “a ver qué pasa”. No tienes nada asegurado. ¿Cuál es el peor show que recuerdas ahora? He tenido un chingo. De mis primeros shows que llegué a quedarme en blanco total. He cometido errores como ir a una fiesta de quince años a dar un show y es pasarla muy mal. La verdad, si no te va mal no creces y me ha ayudado mucho. Ahorita ya me va menos mal, pero al principio te va muy mal donde sea y más porque sientes que puedes hacerlo. Es el peor error. No sabes manejar ese público, no te hace caso… es espantoso. ¿Tu show favorito? Yo creo que esta temporada de Comedy Central que grabé. Llegué muy seguro, la disfruté mucho, trabajé el material un año. Yo creo que es el show más rico porque aparte, lo disfruté. Las otras veces estás preocupado, con el nervio, por las cámaras… En este sí fue como una graduación. Soy esto. Si les gusta y si no, chingue su madre, esto es lo que soy. Hice media hora, y para mí lo que sigue es, en dos años, grabar una hora totalmente nueva, donde sea. Y cuando cumpla cincuenta años voy a grabar otro show con lo mejor del material. Tal vez en ese momento tome la decisión de retirarme, no lo sé, quiero buscar un escenario bonito, no importa que yo lo tenga que pagar, pero que lo disfrute. Si se queda en un cajón no me importa. Ya después decidiré si todavía hay público para mí; si supe atrapar público de mi edad. El reto es que el público de mi edad decida ir a ver comedia. Es difícil, Los de 40-45 ahorita no se detienen mucho a ver comedia, o están en la comedia más tradicional. Atraparlos será el hit y hay que trabajarlo. ¿Alguno con el que sueñas alternar? He trabajado casi con todos, pero coincidir con algún español me encantaría. Con Goyo Jiménez sería como ganar el campeonato.


Atlas Sonoro

Cruz de Navajas Goth Azteca

TXT:: Alejandro Mancilla

“No creo que los góticos en Londres se pongan gabardina sólo porque llueve”

EFECTIVAMENTE se llaman así por la canción de Mecano. Este trío mexicano practica la música oscura contemporánea unida por un cordón umbilical al post-punk con el que deambulan por el mundo negándose a morir, desde que la etiqueta se acuñara a principios de la década ochentera. Con sus canciones, Sharon (voz), Daniel (guitarra) y Alejandro (programación y bajo) nos remiten a The Sisters of Mercy, Los Pegamoides, Siouxsie o el The Cure de 1981. Además, cantan en español (qué bueno) y sus discos han sido publicados en Estados Unidos y Europa. La banda estará presentándose en USA junto a Lebanon Hanover, Second Still y otras bandas de la línea, en abril de 2019. Platicamos con la cantante y con el bajista: ¿Por qué hacer rock gótico en el 2018? Alex. Supongo que el hecho de que

sea popular nuevamente en esta época parecería a propósito, pero es simplemente porque siempre nos ha gustado. ¿De dónde vienen sus influencias musicales y extra-musicales? Sharon: Desde La Movida Madrileña y el post punk, hasta bandas como Caifanes. El feminismo es algo muy importante y en las letras, hablo de situaciones por las que pasamos las mujeres a diario y de las cuales es importante hablar. Mis letras también surgen de cuestiones políticas. ¿El feminismo es algo inédito en el género? Alex: Pienso que definitivamente Siouxsie siempre ha sido feminista. Sharon: No es algo que conozca a fondo sobre todo porque son mujeres blancas de primer mundo. Claro que han sido muy importantes para la música, pero honestamente jamás he leído algo en donde ellas opinen sobre el feminismo y si lo eran pues seguramente era una

postura eurocentrista. ¿Ha sido mal entendido el goth en México? Alex: Es una cuestión de estética. No creo que los góticos en Londres se pongan gabardina solo porque llueve, va más allá de usar ropa de terciopelo y gabardinas. Los géneros se entienden desde diferentes perspectivas y no los hace estar mal entendidas. ¿Qué discos los han influido? Sharon: Corazones, de Los Prisioneros y Treblinka, de KGB. Esos no son tan obvios. Alex: El Pornography es mi disco favorito de The Cure, y The Cure es una de mis bandas favoritas. ¿La cultura vampírica es algo a lo que se sienten afines? Alex: Los vampiros me gustan dependiendo el contexto, The Lost Boys es una de mis películas favoritas desde la infancia pero a habido otras donde los vampiros se me hacen chafas. cruzdenavajas.bandcamp.com

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Tres grupos nocturnos mexicanos

Silis

Neuvision

Hoffen

“La escena oscura me ha recibido muy bien, de alguna forma hay algo de esos espíritus en mi sonido”. comenta el líder de este proyecto de un solo hombre, afianzado en la CDMX. Retrogusto, su disco debut fue producido por Alex Eisenring (Syntoma, El Escuadrón del Ritmo, Decibel) y se publicó en México bajo el sello We Are One Records y en Colombia con el sello The Burros Discos. Con la consigna de “usar máquinas del pasado buscando mirar al futuro”, este proyecto en el que además de new wave se perciben reminiscencias del sonido de bandas oscuras del ayer como Sociedad Secreta (grupo de culto de Guadalajara), promete viajes nocturnos cobijados por sintes y rebeldía taciturna.

“Para mí, Nosferatu y El Fantasma de la ópera son personajes que siempre tendrán un encanto siniestro. Agregaría al Hombre elefante, el amigo que siempre quise tener” nos comenta Ricardo Ygrod, integrante (junto a Mauricio Soto) de este proyecto con sede en Orizaba, Veracruz, que practica un synth-pop de raíces oscuras. Van del EBM al dark-wave contemporáneo y el metamodernismo. Cuentan con un álbum (Demon-Haunted World), editado en el sello húngaro Advoxya Records. “La ciudad es el escenario donde, nuestro espacio es donde se congregan las tribus oscuras en busca su lugar”, zanjan.

“Esperanza” (‘Hoffen’ en español), es el joven y melancólico proyecto mexicano de cold-wave que suena como si Ian Curtis hubiera nacido en alguna colonia de clase media de la CDMX. Dali Lantzeta, su único integrante. Pero estos seres oscuros tienen un lado luminoso: parte de las ganancias de sus conciertos van hacia asociaciones en pro de la defensa de los derechos de los animales; sobre todo de los murciélagos, suponemos, o quizás de otros seres alados más sensibles, pues en su web hay un muy interesante cover a “Butterfly on a Wheel” de The Mission.

weareonerecords.bandcamp.com

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hoffen.bandcamp.com


Industria

Be the Band La música emergente rodando

TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Cortesía Firestone

DESPUÉS DE una larga y atenta deliberación, el jurado eligió a 10 proyectos emergentes que compitieron en directo para tener los primeros tres lugares. Como bandas finalistas: Colores Santos de Guadalajara y Duck Fizz de La Paz, BC, se presentaron en el festival 212 en Guadalajara, donde demostraron su talento de manera contundente. Entrevistamos a Andrea Barba de Firestone, quien nos contó todos los detalles de esta iniciativa.

En verano de 2018, Firestone lanzó la convocatoria Be The Band: un concurso dirigido a músicos mexicanos independientes que contaran con material inédito. Después de una nutrida convocatoria, la marca convocó a un jurado conformado por cinco personalidades relevantes dentro de la industria musical, quienes se dieron a la tarea de escuchar la música de los proyectos inscritos.

¿Cómo surge la idea de vincular a Firestone con la música? Firestone es una marca que siempre ha estado ligada a la música. De hecho, Harvey Firestone patrocinaba un programa musical en radio. Entonces, desde el origen siempre ha existido el vínculo. En México, lanzamos Firestone Soundtrip en 2017, una campaña que nos permitió darnos cuenta que existe mucho talento mexicano, que hay muchas bandas, pero que no cuentan con el apoyo necesario para llegar a cumplir sus sueños. Hay muchos concursos, apoyo de varios tipos, sí, pero ninguno lo hace de principio a fin. Muchos sólo dan un premio, un reconocimiento. Lo que nosotros queremos hacer con Be The Band, es armar una plataforma en la que pudieran presentar su música, explorarla, presentarla al público y luego tener exposición y visibilidad en medios de comunicación. Todo esto con una serie de coaches o jurados, que curarían no sólo la música, seleccionando las mejores bandas, sino también apoyando en el proceso: dándoles tips, consejos tanto musicales, como de escenografía, vestuario, producción, temas de logística, sonido, etc. Entonces, ese descubrimiento que hicimos en Soundtrip lo llevamos a cabo este 2018 con Be The Band. ¿Por qué hacer un concurso y no un festival de bandas consolidadas? Hacer un concurso de bandas consolidadas no nos hubiera ayudado a cumplir nuestro objetivo como marca, es decir, estar cerca del público joven. Como marca, nosotros siempre buscamos evolucionar para mantenernos al día, estar en las tendencias, no solo en desarrollo de tecnología y productos, sino también en la presentación y estrategias de marca. Uno de nuestro principales públicos son los jóvenes y por ello buscábamos

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estar cerca, pero no a nivel de festivales o patrocinadores, sino como aliados. Más que buscar visibilidad en festivales (que lo hicimos en el RMX, Festival Marvin, alianzas con Los 40 principales, conciertos con Mon Laferte), como marca queremos que la gente joven nos vea como un aliado que los acompañe en el roadtrip con los neumáticos o en el tema de la música, con las listas de Spotify que tenemos disponibles: queremos apoyar a los jóvenes en desarrollo que buscan cumplir un sueño. Una parte esencial es la conformación del jurado, ¿cuáles fueron los criterios para elegirlo? La selección fue un proceso largo en el que evaluamos diferentes perfiles para definir quiénes serían los mejores aliados, considerando el proyecto Be The Band, los objetivos como marca, lo que queríamos lograr y el profesionalismo y trayectoria de cada jurado. Al final logramos el equipo que queríamos. Algunos surgieron de concursos similares de bandas emergentes y que después de trabajar tanto tiempo en la industria eran ideales para dar consejos a las bandas participantes. Tuvimos a Gil Cerezo de Kinky, Héctor Quijada de La Lupita, Daniel Gutiérrez de La Gusana Ciega, Tito de Capo y Cecilia Velasco de la Revista Marvin. Todos ellos lograron que este fuera un concurso muy exitoso para nosotros y las bandas participantes (ganadoras y no ganadoras) Platícanos sobre la convocatoria, ¿cómo invitaron a las bandas para que enviaran su música, cuántas bandas se inscribieron y cuántas quedaron? El proceso de inscripción se trabajó mediante redes sociales de Firestone y con embajadores musicales. También con medio aliados como la Revista Marvin, RMX Radio, Los 40 Principales. La primera ronda no estaba limitada a algún género y eso nos ayudó a tener más de doscientas cincuenta bandas inscritas. Es la primera edición y la respuesta de las bandas fue enorme para nosotros. De ahí se hizo un primer filtro con el equipo creativo de producción para seleccionar a cuarenta bandas semifinalistas. De ahí se dividieron ocho para que cada jurado seleccionara dos y tener un pull de diez finalistas, que se presentaron en un evento privado con convocatoria abierta en el foro 360 en la CDMX. En esta presentación los jurados daban su coaching y esta es una diferencia con otro tipo de concursos:

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en Be The Band hubo un acompañamiento de principio a fin en el concurso. Se seleccionaron los tres primeros lugares, cada uno con premios diferentes, pero con el mismo apoyo de difusión y presentaciones en vivo. ¿Cómo surge la relación con RMX y el vínculo para tener un escenario en el festival 212? Desde el año pasado trabajamos con ellos en el 212 en Guadalajara, tuvimos un escenario de música electrónica y a partir de ahí tuvimos una buena relación. En general hemos desarrollado vínculos con todo Grupo Imagen. Este año tuvimos ya el escenario más importante en el festival 212, con talento emergente y no emergente; presentamos a las bandas ganadoras: Duck Fizzz y Colores Santos. Además, cerramos el escenario con La Gusana Ciega, con su vocalista Daniel Gutiérrez que fue jurado. El año que entra seguiremos trabajando con RMX y seguiremos explorando posibilidades para crecer. Para que un concurso tenga impacto, la iniciativa debe apostarle a hacer varias ediciones, ¿ya están pensando en lo que viene? ¿Cuáles son los planes a futuro? Nuestro objetivo y estrategia es seguir impulsando el talento emergente. Ya estamos trabajando con los aliados estratégicos para 2019 para confirmar en breve lo que tendríamos como marca para el público joven a nivel música. Seguiremos impulsando conciertos y listas de Spotify. Buscaremos dar mayores experiencias, además de que habrá una segunda edición de Be TheBand, con mejorías para las bandas y el público. Por último, ¿qué ocurrirá con las bandas ganadoras, qué beneficios tuvieron después de ganar? Hubo tres primeros lugares, todos con difusión en Marvin y RMX. Tuvieron la asesoría y coaching de un jurado desde que fueron finalistas hasta que ganaron. Tuvieron la oportunidad de presentarse en vivo, no solo para escuchar su música, sino para ver la reacción del público con su música. Hubo un concierto de preparación en el boliche Alboa de Patriotismo ante más de 600 personas, con una gran acústica y producción de alto nivel; para el concierto del 212, un evento enorme al aire libre que convoca a más de 200 mil personas y compartir el escenario con una banda mayor como La Gusana Ciega.


Festivales

FOT:: Juan Hernando

Festival Marvin CDMX

exportando lo mejor de México para el Monkey Week

FESTIVAL MARVIN CDMX exportando lo mejor de México para el Monkey Week El vínculo entre festivales siempre ha sido especial, y como no hacerlo especial cuando la música está de por medio, esto fue lo que en un principio unió al Festival Marvin CDMX y al Monkey Week Son Estrella Galicia. Un par de festivales que tienen como objetivo principal presentar y dar apertura a lo mejor de la música emergente para el goce de los iberoamericanos, hablando específicamente de México y España. Este vinculo especial ha evolucionado desde 2014, y fue justo en 2018 cuando se consumó la hermandad entre ambos festivales. A principios de año durante el Festival Marvin CDMX tuvimos un escenario presentado por Monkey Week y un showcase privado con talento Ibérico en donde España compartió lo mejor de la escena, importada a México gracias a la curaduría de los monetes sevillanos. En esta ocasión fue turno del Festival Marvin CDMX exportar lo mejor de México para Sevilla, en el marco del décimo aniversario del Monkey Week en donde no solo llevamos a grandes talentos sino que creamos grandes experiencias, vínculos y convivencias entre ambos países. Como una antesala perfecta para inaugurar el Monkey Week, el Festival Marvin CDMX organizó, junto a Subterfuge records, y las agencias Deluxe Muxik y Divina Garza, un showcase especial en donde estuvieron Quiero Club, Los Viejos y Carmen Costa, quienes fueron acompañados por el artista local El Meister (Arizona Baby/ Corizonas) quién fue el gran anfitrión de una noche que se convirtió en una fiesta brutal a sala llena. Días más tarde, durante la gran celebración del décimo aniversario de MW, el Festival Marvin fue el presentador de un escenario para dar a conocer lo mejor de México, Colombia y España, entre los que destacaron los Los Mejillones Tigre, The Kitsch, Los Reyes Magos, Yo diablo, Dromedarios Mágicos y Baby Jesus quienes no solo hicieron vibrar cada céntimo de espacio en el Vinilo Rock Bar sino que también retumbaron los sentidos de cada uno de los asistentes. Esperamos que este nuevo puente entre festivales continúe y se transforme en la oportunidad de muchas bandas a cada lado del charco. Festival Marvin seguirá impulsando al talento mexicano y seguramente, Monkey Week retroalimentará el corredor Condesa - Roma con todo su talento para así celebrar no solo la novena edición del Festival sino que también los dieciocho años de Revista Marvin y la música que, al final, es lo que nos mueve.

Los Viejos

Carmen Costa

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Quiero Club

El Meister

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Festivales

The Jesus and Mary Chain / Arturo Lara

Corona Capital

Panic at the Disco / Fresale Caballero

UNA NUEVA EDICIÓN de esta magna celebración anual tuvo lugar con menos sobresaltos que nunca. Esta vez, las inclemencias del tiempo, las complicaciones técnicas, los eventos inesperados realmente se redujeron al mínimo y dejaron paso a uno de los encuentros más felices entre público y talentos. Las actuaciones de las bandas nóveles y las consolidadas brillaron con la misma intensidad y las condiciones para el disfrute fueron más homogéneas y benevolentes que cualquier edición que venga a la memoria. Sorpresa marcada ofreció la legendaria banda angelina, Sparks, con una base de seguidores verdaderamente incógnita y que en su muy concurrida actuación dio una participación memorable ya en las primeras horas del evento. Blank Range, Yungblud, Pale Waves, Gus Dapperton, Pond, Clairo y Now, Now ya pusieron el ambiente caliente antes de los leyenda y cada escenario siguió subiendo y subiendo en emoción y entregas musicales.

Sparks / Arturo Lara

Friendly Fires / Fresale Caballero

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The Chemical Brothers / Arturo Lara

Lorde / Arturo Lara

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The Kooks / Arturo Lara

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Festivales

Chvrches / Fesale Caballero

Corona Capital Pales Waves / Fresale Caballero

Digitalism / Fresale Caballero

Superorganism / Fresale Caballero

Death Cab for Cutie / Fresale Caballero

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NIN / Arturo Lara

New Order / Fresale Caballero

MGMT / Arturo Lara

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El rock campirano de Jenny Lewis abrazó corazones mientras el power-twist de Shannon and the Clams dejo a todos boquiabiertos con las voces espléndidas de sus dos cantantes. Al escenario abarrotado de Panic at the Disco! Le costó mucho trabajo dejar ir seguidores al que le pisaba minutos finales con los imperdibles Jesus & Mary Chain. Ese arrebatar de audiencia también lo libraron Børns, The Kooks y Friendly Fires, por no mencionar al Autódromo Hermanos Rodríguez entero, dividido por la mitad entre Lorde y The Chemical Brothers: espectáculos inolvidables que dejaron lugar a los implacables cerradores, Odesza y Robbie Williams. Y eso sólo fue el día uno. Para el domingo del Corona 2018 la decisión de unas y otras tablas se puso mucho peor con las actuaciones de Superorganism, Mercury Rev, The War On Drugs, Death Cab For Cutie, Chvrches y los definitivos Nine Inch Nails, Khalid, New Order e Imagine Dragons. ¿Qué nos deparará el 2019, tras este despliegue de gozo total?


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Música

Valsian Más allá de las sombras

Santa Sabina Santa Sabina. El primer disco del grupo mexicano que convirtió a Rita Guerrero en una deidad del rock local, es una pequeña joya injustamente infravalorada tras el arribo de su segundo y tercer disco. Citadino, oscuro y existencialista, así es el debut de estos capitalinos tan funk como góticos.

Electra La niña de los 7 corazones. Un pop intimista, onírico y delicado que no escatima en nostalgia, es el que nos dejó como legado este dueto español que hace quince años ya, fue un pequeño suceso indie-pop en su país de origen. Su influencia se percibe en bandas noveles como Nos Miran (Elefant Records).

Como Diamantes Telepáticos Dorado. De la nueva ola de pop argentino, este prometedor grupo integrado por un par de hermanos (chica y chico, en todo su esplendor en un disco lleno de tonos blanco y negro (tan feliz como triste) y una colección de canciones disfrutables para escuchar tanto en días grises, como en un paseo soleado por Chapultepec -por decir algo-

NO SON UN PROMESA. Al escuchar las canciones que el grupo ha publicado a través de años recientes (“Círculos” o “De este mar”, por ejemplo), se perciben —más bien— como una realidad para la música pop mexicana, ésa de tintes melancólicos que de algún modo apela al rock en su actitud y concepción, pero que se presenta en un empaque de terciopelo en el que de repente (claro que) se pueden encontrar algunas espinas. Los han catalogado como dream pop, pero ellos confiesan que antes de enterarse de que los habían metido en ese cajón, no sabían que el género existía, lo cual es seña de que el proyecto integrado por Eunice Guerrero y Óscar Guerrero no repara en las etiquetas al confeccionar su sonido. Nos encontramos en un bar de la CDMX. El dueto de Cuernavaca, Morelos (más sus músicos invitados) acaba de probar sonido porque esta noche, se presentarán en vivo para calentar motores de un show importante: en pocos días Valsian estará dando un par de presentaciones como abridores de Garbage y próximamente (crucemos los dedos, porque el Festival Cloak & Dagger se pospuso) compartirán escenario con las leyendas del pop británico Echo and the Bunnymen. Con la reverberación aún en los oídos y unas cervezas oscuras en mano, comenzamos la plática. Su música remite mucho a sonidos y fantasmas de la niñez…¿qué recuerdos tienen de esa época? Eunice: En mi casa escuchaban cosas bien tristes de música mexicana: baladas de Juan Gabriel o José José. Mi madre escuchaba cosas de señoras, incluso a Queen. Pero lo que más me impactó cuando era adolescente, era lo que vi en MTV, aunque no era fan de nada. Bueno, quizás Björk fue una de las primeras influencias. Óscar: Mi tía me regaló un walkman y bueno, tenía mis cassettes y luego en la secundaria comencé a tocar la guitarra. La primera canción que me

emocionó aprender fue la versión de “Stand by me” de John Lennon. A mí me gustan cosas por épocas, escuché mucho a The Strokes un tiempo y luego la música electrónica me empezó a llamar la atención y comencé a hacer canciones con un programa llamado Fruity loops. ¿Qué factores incidieron para que se formara el grupo? E: La confianza, Cuando nos conocimos supe que él hacía música. Teníamos el mismo círculo de amistades porque ambos estudiamos arte. Me gusta cantar desde niña pero a nadie -ni a mí-, se nos ocurrió que podría hacerlo. Una vez intentamos hacer una canción, compramos un six-pack, nos pusimos a componer y salió terrible, una canción horrible. ¿Aún la tienen? O: No, la borramos, lo volvimos a intentar dos años después y ya comenzó a salir algo bien. Quizás en ese tiempo teníamos otros intereses en la vida. ¿Tienen algún “gurú”? O: Muchos. Y de verlos aprendes cosas. Acabo de ver un documental que Quincy Jones y me sorprendió cómo vivía la música. ¿Cómo fue el acercamiento con Jesús Báez de Zoé? Trabajaron con él y con José M. Salinas de Dapuntobeat… E: Fue una locura: su grupo siempre me ha gustado, sobre todo en la prepa. Fue muy afortunado el acercamiento, Decidimos que “Círculos” fuera una de las canciones que él produjera y afortunadamente, aceptó. O: Al principio me costó, las canciones son como un bebé y no queremos que nadie las tocara.

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TXT:: Alejandro Mancilla FOT:: Cortesía del artista

En una parte de esa canción, dices “Deja que el tiempo nos diga, si es verdad que el cielo nos mira”… ¿Ustedes creen que ‘alguien nos vigila’? E: Es una pregunta que tenemos ahí flotando siempre. No sé si tenga respuesta, seguramente hay mucho más además de mí o de ti, pero sí creo que hay ojos externos, no podemos ser los únicos, pero no sé, seguro no sólo yo me estoy enterando de cómo vibro, de qué hago. Por momentos sus letras, aluden a otros mundos. E: Seguramente hay otros mundos, otras realidades, quizás alguien está haciendo música en otra dimensión. O: Creo que nada es casualidad, todo tiene una razón. ¿Es un reto hacer música pop con cierto aire arty? E: Estudiar Arte ha definido nuestro camino, porque siempre estamos pendientes de la parte visual y nos interesa que ambas cosas se complementen. Yo además de hacer música soy pintora; me encanta el barroco, me gustan los claroscuros. En nuestros videos está toda esa cultura contemporánea que me gusta. ¿Existe la canción pop perfecta? O: Sí, puede ser “Us and Them” o “Time” de Pink Floyd; esos ecos, ese delay define la canción, los silencios son importantes en la música. El delay es lo que más me gusta. El sonido de las iglesias está muy padre. Creo que Grizzly Bear igual podría hacer canciones especiales. E: Creo que yo elijo “Elephant Woman” de Blonde Redhead, me encanta esa canción, define mucho lo que soy. Eunice, ¿quién te enseñó a bailar? E: Ja,ja, ¿lo dices por el video de “Aunque estemos solos”? Me han dicho que esa parte del baile es su favorita, el bailecito. Me encanta bailar, creo que mi madre me enseñó; alguna vez fui a clases de salsa, pero no aprendí nada. De familia me gusta moverme…

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Música

Sharon Van Etten Escúchala hoy, recuérdala mañana

“Me siento un desastre, pero aquí estoy. Este álbum se trata de perseguir tus pasiones” — Sharon Van Etten

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TXT:: Arturo J. Flores FOT:: Ryan-Pfluger

¡DÍGANLE A SHARON VAN ETTEN que no existe forma de olvidarse de ella! Aún así, ella eligió bautizar su nuevo disco Remind me tomorrow. Una decena de canciones en las que la música se conjuga con su voz, para vomitarnos encima una crónica de sentimientos negros. Un testimonio de supervivencia de quien se sobrepone a la vida misma. Sharon apuesta esta vez por una cortina sonora de baterías punzantes, sintetizadores que se cuelan como el miedo debajo de la piel y una guitarra afilada que golpea directo en la boca del estómago. Transcurrieron tres años desde el último lanzamiento de la originaria de New Jersey, mismos en los que la profunda tristeza con la que arrancaba Afraid of nothing -el track de apertura del disco Are we there, de 2014-, parece haberse transformado en una energía negra. Una explosión bluesera mucho más en la línea de “Every time the sun comes down”, justo la canción que clausura ese mismo disco. Ahora, Sharon encontró una forma mucho más distorsionada de expresarse. Curioso, porque las nuevas creaciones, entre las que destacan títulos como “No one’s easy to love”, “Jupiter 4” o “You shadow”, las escribió mientras se encontraba esperando a su primer hijo. Quizá por ello es que las composiciones adquirieron no un tono del todo positivo y esperanzador, pero sí uno mucho más enfadado. Propio de quien se percata que este mundo no es el mejor de los sitios para traer a un nuevo ser humano, pero tampoco es que exista otro para elegir. De hecho, durante el proceso conoció a la realizadora Katherine Dieckmann y comenzó a escribir música para su película Strange weather y ambas se volvieron muy amigas. Una vez, la cantante le preguntó si sería conveniente para un niño crecer como hijo de artistas en Nueva York. La directora le respondió que sí, siempre y cuando tuviera el compañero correcto. Hay que comentar que el padre del hijo de Sharon es el baterista de su banda.

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LA IMPORTANCIA DE SER DARKS El disco tiene un origen nómada. Se grabó y mezcló en diferentes estudios de Los Ángeles, pues tanto a Sharon como al productor John Congleton (responsable de trabajos con Cloud Nothings y St. Vincent) les interesaba cambiar de aires continuamente, con el fin de sacudir la estabilidad e imprimirle una sensación constante de movimiento. Para ello, Sharon se hizo acompañar de colaboradores tan destacados como como Heather Woods Broderick, Jamie Stewart (Xiu Xiu), Zachary Dawes (The Last Shadow Puppets), Redd Kross, Brian Reitzell, Lars Horntveth, McKenzie Smith (Midlake), Joey Waronker (de Beck, Atoms For Peace), Luke Reynolds (Guster) y la guitarrista de Warpaint Stella Mozgawa, lo que pudiera explicar que se inclinara hacia una música mucho más estruendosa, con trazos sutiles del postpunk neoyorkino de los ochenta. Algo oscuro, pero rabioso. En el comunicado compartió su disquera que a propósito del lanzamiento, se incluye una declaración de esta actriz de The OA y colaboradora en la música de Twin Peaks, en la que explica la situación personal por la que atraviesa desde que se convirtió en madre y se matriculó en la universidad para estudiar psicología. Sobre su productor, añade: “En un inicio, le mostré un par de demos a John: “Jupiter 4” y “Memorial Day”; después le dije que quería sonar como Suicide, Portishead, y un disco en especial de Nick Cave, Skeleton Tree. Lo vi tan entusiasmado que supe que íbamos a trabajar juntos. Estaba segura que sería un reto, pero nos iba a gustar. Hay muchos sonidos bien trabajados en el disco, las canciones son honestas, muchas hablan de amor, pero ha sido John quien logró que se ajustaran a mi personalidad”.

El primer sencillo es prueba de ello. Porque “Comeback kid” inicialmente fue una balada tocada en el piano, pero a Sharon no le satisfacía la dulzura. Quería romper con sus trayectoria y el resultado es una sinfonía oscura, poderosa, violenta y muy rockera. Remind me tomorrow se trata de un disco apasionado, desbordante, pero sobre todo cargado como una taza de café por la mañana. Incluso la imagen de Sharon se ha decantado por el color negro, los estoperoles y las chamarras de cuero, como si estuviera dejando atrás el look campirano que maridaba perfecto con sus canciones más folk. ¿Cómo no “recordarla mañana”? Si apenas se acerca uno a su música y ya se siente la marea eléctrica de emociones. Sharon cuenta en su página web que el título de este disco, que se estrena el 18 de enero, vino a ella en medio de una epifanía. Solía trabajar hasta muy tarde en la computadora, durante su embarazo, y una noche se le quedó viendo a la opción de “Mañana, recuérdame:” en su ventana de actualizaciones. ¡Eureka! ¡Tenía el nombre de un álbum! Díganle por favor que sí, aún la recordamos y celebramos que esté de regreso.


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Música

107 Faunos

Y ese extraño fruto llamado indie

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Martín Bonetto/Los Inrockuptibles

El club audiovisual Siempre ahora Forman parte de la generación Laptra, pero se han convertido en el fetiche consentido del líder de los 107 Faunos.

Las ligas menores Fuego artificial Son muchas cosas que comparten con los Faunos, han crecido juntos y los dos tienen discos nuevos que están entre lo mejor del año en América Latina.

Bestia Bebé Sesiones colmena Tres rolitas que dan otra muestra de la paleta sonora del indie argentino más inmediato.

Algo flota en el ambiente del indie: los chicos se van volviendo adultos y sienten fascinación por el pasado. 32

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ES COMPLICADO que las cosas sean perfectas, que todo se ajuste para que no haya sinsabores y cuestionamientos. La vida se muestra como la gran paradoja, como ese enorme juego de los opuestos complementarios –no hay ying sin yang-. Esto me queda clarísimo cada vez que vuelvo a Madura el dulce fruto, el quinto álbum del quinteto procedente de La plata, en Argentina. Porque han logrado su mejor obra hasta la fecha y esto debiera ser una celebración completa, pues llevan ya 10 años tratando de mantener vigente el sueño indie en su país… pero no todo es felicidad. Resulta que los primeros días de octubre se editó el disco, bajo el sello Leptra en el que ellos mismos están inmiscuidos, y el impacto fue inmediato. Tantos años de insistir y bregar confluían en un reconocimiento de crítica y público; el Do it yourself argento daba de manera absoluta en el blanco: uno de los medios más importantes les había colocado en la portada de su edición impresa; Los inrockuptibles de septiembre se convertiría en la última edición en papel de una revista que en Francia es toda una institución cultural. Pero eso no fue todo; para el cierre de octubre, la publicación anunció que desaparecía. Ni en físico ni en digital. La fotografía de los 107 faunos en la tapa quedaba en el número que despedía veintidós años de existencia de la revista –una noticia así siempre será lamentable y una medalla invaluable-. Es cuando las frases manidas siguen tan eficientes y lapidarias: el show debe seguir. En 2018 el rock argentino da importantes señales que de alguna manera el tan ansiado relevo generacional se va dando y ahí quienes toman la estafeta de las figuras históricas. Toda una generación capoteó las limitaciones económicas, problemas de infraestructura y la estupidez gubernamental para salir adelante como se fuera pudiendo. La autogestión no como una moda sino como una auténtica necesidad. En el momento presente dos bandas alzan la mano para señalar que están listas para ocupar sitios preponderantes: Él mató a un policía motorizado y Los espíritus. ¿Dos grupos apenas? Podría pensarse que

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es muy poco; pero no pasa nada, son apenas la punta de un iceberg que ya muestra sus verdaderas dimensiones, ¡y es enorme! 107 Faunos se coloca delante de una nutrida andanada que ha ido creciendo, no sólo cronológicamente sino en ambiciones y calidad. Al ir dominando mucho mejor un oficio es normal que los resultados den un salto de calidad. ¿Qué es lo que caracteriza al indie argentino? Un marcado tinte amateur y un gusto –casi obligado- por el low fi. Pero el tiempo pasa y la perseverancia entrega buenas cuentas. [Balazo] Lo que distingue a un álbum que no es en lo absoluto perfecto es que sigue preservando esa espontaneidad que se tiene mientras se transpira a espíritu adolescente. Madura el dulce fruto refleja un momento de coyuntura… el punto preciso de quien sabe que comienza a cosechar. Se trata de un disco en el que han buscado crecer en todos los sentidos, comenzado por la fuerza del sonido que es encauzado a que las piezas muestren todo su encanto. Tal vez uno de los mejores elogios que se les pudiera hacer es que engalanan el estilo que le dio a Pavement su lugar en la historia musical, y con esto quiero decir que siguen amando al ruido y el feedback, pero tampoco le rehúyen a dar con grandes melodías que contrastan con todos esos crujidos eléctricos. Trece temas en treinta y seis minutos. Aquí el asunto es la concreción y las grandes canciones, destinadas a que en los barrios y bares se conviertan en himnos populares –si no es que ya lo son-. Porque se debe destacar su urgencia, su deseo por decir cosas en este preciso instante sin mirar al futuro. Eso es lo que distingue a un álbum que no es en lo absoluto perfecto; que sigue preservando esa espontaneidad que se tiene mientras se transpira a espíritu adolescente –aunque la edad no se tenga de cómplice-. La fiesta verdadera comienza con “Neón en la selva”, un medio tiempo delicioso que va después de la apertura con “El fantasma del baile”: un divertimento ruidoso y a toda velocidad. En esta expresión del indie no hay lugar para el virtuosismo sino solamente para los elementos esenciales. Y lo que intentaron fue mucho trabajo de

post-producción para compactarlo todo. Cierto, se fue cualquier atisbo del low –fi, pero eso no evita que tengamos la sensación de que la batería está siendo tocada en el cuarto trasero de una casa. Poco más adelante viene un par de colaboraciones que nos hablan de un presente frenético; “Pico 3” está hecha con Las ligas menores (agrupación con otro discazo de este año) y en “Dunedin” canta Santiago Motorizado. ¿De quiénes nos hacen acordar? Bastan dos nombres: Pixies y Smashing Pumpkins. Madura el dulce fruto es un disco para sentirnos jóvenes eternamente; para que no se extinga ese cosquilleo de que puede lograrse todo y que el amor puede ser eterno. ¿Hacia dónde apunta la banda sus tiros? Ahí está esa entrevista postrera para explicarlo: “Hay letras de la banda que describen momentos, otras eran postales de paisajes urbanos y también tienen aventuras románticas… Pero hay algunas muy crípticas, como por ejemplo ahora “Dunedin”, que uno asume que es sobre el sonido de Flying Nun Records, pero de eso capaz que se dan cuenta tres personas nomás”. El grupo ahora tiene las cosas mucho más claras; regresaron tras cuatro años con la intención de reponerse del mal sabor de boca que les dejó Últimos días del tren fantasma, que no les resultó grato a la hora de componer y menos en el estudio, donde chocaron completamente con el productor. En Madura el dulce fruto lo controlaron todo y eso se nota; han dicho que querían volver a los que eran cuando salían de la secundaria y ello está plasmado en “Besar la medallita” y una evocación desfachatada de aquella “cultura juvenil”, que brota en la letra. 107 Faunos sigue dando de qué hablar: se saben en el centro de la polémica y no la rehúyen. O los amas o los odias, esa sigue siendo la consigna. Hay mucha envidia fluyendo en el Río de la Plata; ellos la combaten haciendo canciones como “Buzo con capucha”, junto a Tom Quintans de Bestia Bebé. Algo flota en el ambiente del indie, los chicos se van volviendo adultos y sienten fascinación por el pasado; llamémosle nostalgia o música vintage… son canciones que explican lo mucho que se ha vivido amando y soñando la música.


Música

Gucci Mane

De regreso a las andadas TXT:: Lenin Calderón FOT:: Johnathan Mannion

AUNQUE EL PRIMER SENCILLO de Gucci Mane que llegó al número uno fue “Black Beatles”, de 2016, este rapero de Atlanta es un pionero sureño del trap con años de experiencia. Desde hace más de una década, su intenso ritmo de producción ha colaborado al desarrollo y comercialización de este exitoso subgénero del hip-hop. El debut de Radric Delantic Davis, mejor conocido como Gucci Mane debut La Flare, de 2001, y, sobre todo, su segundo álbum, Trap House, de 2005, lo pusieron en el mapa y desde entonces no se ha bajado del “tren del mame”. De la mano de su productor de cabecera, Zaytoven, Gucci Mane ha revolucionado el trap y a través de su disquera, 1017 Records, ha fomentado talentos sin los cuales sería difícil concebirlo. Young Thug, Migos, Sonny Digital o 808 Mafia son algunos de ellos, todos de Georgia y todos bien locotes por el inminente éxito de este subgénero que llegó para romper paradigmas y hacer que nos acostumbremos definitivamente a los rostros tatuados, los grills y personalidades tan pesadas como la de Lil Wayne. CURRÍCULUM MATA CARITA Quizá el único rubro en el currículum de Gucci Mane que puede competir con su industriosa labor musical, es el registro de sus antecedentes penales. Con casi el mismo número

de arrestos que discos de estudio, se las ha ingeniado para entrar y salir de prisión en cuatro ocasiones. Homicidio doloso, posesión de sustancias y armas ilícitas, asalto agravado, lesiones, violación de la libertad condicional e incluso conducir en el carril equivocado, son sólo algunos de los cargos que ha tenido que enfrentar en diferentes cortes. Su ingreso más reciente a una penitenciaria comenzó en mayo de 2014 y terminó dos años después. Desde entonces -como cualquier exconvicto que se digne de serlo-, afirma estar limpio y portarse bien. Lo que no puede discutírsele es que el tiempo encanado lo proveyó de materia prima fresca y de primera mano, dando como resultado más canciones, más mixtapes y más entradas en su, ya de por sí, nutrida ficha de Discogs. Con la intensión de dejar atrás ese pasado que lo ha marcado tanto por haber vendido cocaína como por meterse constantemente en problemas con otros artistas por las cosas que dicen sus rimas o su cuenta de Twitter -la lista incluye hombres (Wocka Floka), mujeres (Keyshia Cole) y niños (Yung Joc)-, Mane tiene en la manga otra carta para seguir en el juego. Este mes sale al mercado Evil Genius, su décimo tercer disco de estudio, para el que se puso a trabajar con raperos de la nueva generación -como Kevin Gates o Kodak Black-, productores pesados en la escena sureña -como Metro

Booming o Southside- y artistas pop -como Bruno Mars- con el objetivo de hacer que el disco guste a un público más diverso. CUÁL CRISIS Siempre a la cabeza de proyectos ambiciosos, Mane explica en una entrevista para Apple Music parte de su proceso creativo: “En realidad, me la he pasado escuchando beats y escogiendo canciones. Fui con Metro, Southside y C.N.O.T.E. para producirlas porque quería una especie de mixtape con canciones producidas por los productores que me más gustan. Escogí sesenta o setenta canciones; es lo que siempre hago”. Así, con la mano en la cintura, reveló la facilidad con la que produce música, una verdadero escándalo para cualquier persona que padezca crisis creativas o sea víctima de la procrastinación. “Honestamente, seguí grabando hasta que la gente de Atlantic me dijo que ya necesitábamos sacar el disco. Entonces escogí las canciones que prometían más y deseché el resto”. Con un historial de producción así, no falta quien lo haya cuestionado por aquello de la diferencia entre cantidad y calidad. Tal vez como respuesta a todos los que ponen en duda la calidad de su música, Gucci se aventó un pequeño discurso en julio pasado, tras recibir el premio al compositor del año en los Rhythm & Soul Awards que otorga la Sociedad Americana de

Compositores, Autores y Editores, ASCAP por sus siglas en inglés y que bien podría llamarse Sociedad de Caciques y Líderes Monopólicos de la Canción Gringa, por la forma en que se adueñan de la propiedad intelectual de muchos músicos: “Realmente he trabajado en las canciones que integran Evil Genius. No me gusta sacar cualquier cosa al mercado; por eso estoy tratando de terminar bien uno de los proyectos más difíciles en los que me haya involucrado. He acudido a los mejores productores para darle a mis fans algo que les guste. Quiero entregarles un disco que los mueva y con el que pueda demostrarles lo mucho que me apasiona la música”. EL CAMINO DEL POP Por lo pronto, hace un par de meses que comenzó la promoción de Evil Genius con el sencillo “Wake Up in the Sky”, producido por Bruno Mars, un ejemplo del trap más digerible que pueda encontrarse hoy en día. Aunque el trabajo de letras se empeña en reducirlo todo a clichés, la canción tiene cierto encanto pop y un beat ligero que lo descafeínan en gran medida. Si no fuera porque sigue rodeado por balas perdidas -Black Kodak, uno de sus colaboradores en este disco, espera juicio por una supuesta agresión sexual-, podríamos pensar que en este disco, Gucci Mane ha encontrado el camino del bien… y del pop.

“Tomo hasta emborracharme/Fumo hasta viajarme/Tengo un castillo en la colina/Despierto todos los días en el cielo/No puedes decir que no soy SuperFly” — Gucci Mane


+ Huncho Jack Huncho Jack, Jack Huncho Capitol, 2017. Travis Scott -productor texano recién fichado por el sello de Kanye West- y Quavo -miembro del trío Migos- conforman este dúo cuyo disco ha sido aclamado por sus virtudes en cuanto a producción. Beats elegantes y casi tan variados como la extensa colección de palabrotas altisonantes y soeces que conforman las letras.

Run the Jewels Run the Jewels Fool’s Gold Recordings, 2013. Álbum debut de este dúo conformado por El-P, uno de los blancos con más credibilidad en el mundo del hip-hop, y Killer Mike, rapero peso completo de Atlanta, célebre por ser colaborador frecuente en los primeros discos de OutKast. Una verdadera colección de bombas de tinte político, social y racial, con LA de fondo.

Rapsody Laila’s Wisdom Jamla, 2017. En un mundo de hombres como este y en un negocio de gangsters como el hip-hop, siempre es un motivo de alegría saber que hay chicas poniendo a temblar a todos con sus rimas. Esta treintañera de Carolina del Norte captó atención global con este disco conceptual, muy sofisticado y emotivo, incluso cuando deja de sonar.

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Música

TXT:: Israel Arias FOT:: Sakre

FUE A FINALES DEL 2013 cuando escuché una banda inglesa de nombre Jungle: lo primero que lanzaron –si no mal recuerdo– fue una canción de nombre “Platoon”, misma que un año después aparecería incluida en el álbum homónimo de la banda; mismo caso con el éxito “The Heat”. Fue al año siguiente (2014) cuando me cayeron varias bombas; entre ellas, el lanzamiento de su álbum y poco después enterarme que los iba a ver en Lollapalooza Chicago y también en el Corona Capital. El resultado de estos dos festivales fue muy contrastante en su momento. Hace poco tuve la oportunidad de hablar con Tom McFarland y Josh Lloyd-Watson, las mentes maestras detrás de Jungle, les conté sobre esto y sobre cómo es que ambos días fueron tan contrastantes y tan necesarios para poder disfrutar y descubrir su música. Les conté que al verlos a ellos los recordaba con una vibra “muy dorada” y con una calidez que no he podido encontrar en otra banda, desde el estilo la iluminación el ambiente tan relajado… todo fue maravilloso. A esto les pregunté, ¿por qué la banda tenía ese poder en la gente y por qué creaban ese ambiente con tan solo pisar el escenario? Tom McFarland contestó atónito y con una gran carcajada: “¡Esa es una puta gran pregunta!” Tom siguió diciendo: “Realmente no lo sabemos, porque sentimos que aún estamos en ello, nosotros creamos música a partir de lo que nos gusta y nosotros creemos en nuestros gustos, tratamos de crear cosas a partir de lo que creemos que es bueno y con lo que somos realmente felices”. “Sí, a nosotros nos gusta creemos que la gente puede tener la misma percepción a partir de ello y siempre tratamos de ser lo más honestos que sea posible; de igual manera nos gusta jugar con todo, ser muy creativos, crear un estilo muy pegajoso, buscar cosas con las que podemos trabajar ya sabes, hacer cosas que podamos unir, para hacer grandes historias con pequeños elementos; esa es nuestra clave para hacerlo”. ¿Y cómo es que ustedes encuentran esa energía, cómo crean esos sentimientos en la gente? Josh contesta: “Creo que cada noche.

Cuando estás en el escenario hay gente que te da esa energía y esa devoción y pienso que como artista es tu trabajo dar de vuelta esa energía y esos sentimientos a la audiencia. Al final es como un ciclo de energía”. “Cuando uno de joven fue a shows también lo sentía; sientes las emociones y escuchas el ruido ensordecedor, y en un momento sabes que te encuentras rodeado de miles de personas que están en el mismo lugar por la misma razón. Eso se convierte en una experiencia estremecedora que al final se debe a la conexión entre el artista y la audiencia”. “Y esto pasa especialmente cuando tocamos en México y Latinoamérica: la gente está muy apegada a la música y aman los ritmos y los tonos con los que nos movemos y esa es la mejor situación porque incluso aunque hayamos dormido tres horas nada de eso importa cuando estas en el escenario”. ¿Qué ha pasado ahora que han lanzado For Ever, y con la evolución que han tenido entre este álbum y Jungle? Josh: Creo que con este álbum definitivamente fuimos más autobiográficos; es más emocional queríamos hacer más música que pudiera conectar con lo que creemos que es ‘más real’. Ya sabes, nuestro primer álbum es fantástico, como una serie de sueños y paisajes sonoros que coincidían con lo que teníamos en nuestras cabezas… Tom: Pero con este álbum definitivamente lo que queríamos hacer era comunicar nuestras personalidades y contar nuestra historia. Últimamente nos hemos dado cuenta de lo importante que es conectarnos con los fans desde que estamos en el escenario hasta cuando los conocemos y nos tomamos fotografías, eso es una cosa maravillosa. Josh: Pero entonces pensamos cómo es que trataremos de hacer eso cuando la gente no está con nosotros o cómo la gente que está escuchando el disco se podrían conectar con nosotros personalmente y la respuesta que tenemos para ello es que teníamos que hacer música sobre nosotros y no de algo ficticio. ¿Y por qué decidieron llamarlo así? ¿Por qué Jungle For Ever? Tom: For Ever es algo que inició con

la banda, todo es “Jungle For Ever”: desde los videos, el Instagram, a veces permanecemos en el estudio por mucho tiempo y decimos que estamos ahí por siempre, entonces empezamos a desvariar con cosas como esas y después llegamos al nombre. Decidimos nombrarlo así después de descubrir el significado tan profundo de la palabra. Podemos iniciar desde la idea del amor y que el amor puede ser para siempre y desde la idea de lo posible o real; la palabra está separada así como el significado real de “For Ever” está “roto” y creo que ambas palabras, así como el amor están peleadas con el concepto de tener algo para siempre, desde lo que creemos, hasta una conexión, o una conexión con estar perdidos; tal vez esa es una pregunta para esa gente, pareja o individuos… Sé que este nuevo álbum se hizo a partir de los sentimientos y emociones de cada uno de ustedes y realmente me gustaría saber sobre los miedos y emociones que provocaron este álbum. Josh: Como hombre, creo que es muy difícil decir que uno está conectado con la parte femenina de su personalidad y su persona, y creo que eso es un poco perjudicial para tu mentalidad y para la felicidad también, porque la forma en la que fue echo este álbum fue como una terapia: tratamos de estar más conectados emocionalmente con la gente y tratamos de estar más conectados el uno con el otro como nunca antes, porque compartimos nuestras experiencias entre nosotros. Esa fue la única forma de escribir al respecto porque todos fuimos honestos. Como músico sabes que la mitad de la gente te va a amar y la otra mitad te va a odiar. Así es como funciona esto, pero tienes que tomar la energía de la mitad de la gente que lo apreció… al fin que no necesitas a la otra mitad; ellos pueden tener su opinión y está bien. Tom: ¡Claro! Me siento vigorizado por haber usado mis sentimientos al hacer este álbum… es como decir “me puedes golpear, pero realmente no lo voy a sentir”. Con el primer álbum fue como “¿Te gusta? ¿Ah no te gusta? Ooww eso dolió”; pero ahora es “estas son nuestras emociones y si no te gusta puedes irte a la mierda”, no nos interesa…

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Jungle

Y la perfección introspectiva de For Ever

“Hacer grandes historias con pequeños elementos; esa es nuestra clave para hacerlo” —Tom McFarland

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TXT:: Uili Damage FOT:: Alberto HV MKUP:: Johan Vera STY:: Mon Laferte

Mon Laferte La creación de Norma

Todo artista con éxito es sujeto de escrutinio voraz y Montserrat Norma “Mon” Laferte no se ha escapado de una crítica severa, en lo positivo y lo negativo. Enfocada en su carrera, en sus canciones, la cantante chilena se enfocó en crear una obra ambiciosa de temas que cuentan una historia con ritmos afrolatinos, ritmos familiares, ritmos de nuestro continente. Para darle el tamaño que los temas le pedían, Omar Rodríguez López, guitarra de At the Drive-In y The Mars Volta toma el volante de esta producción llamada Norma, dando juntos nuevamente, un giro hacia lo inesperado. 38

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En portada

“Norma” es como llaman familiares y amigos cercanos a Mon Laferte. Por su segundo nombre. Por el que rara vez se presenta en público y el cual se convierte en el personaje que va a representar de un ángulo u otro las canciones de un álbum que ha de narrar el nacimiento, florecimiento y disolución de una relación amorosa, con sus conflictos, sus momentos eufóricos, el embeleso, en el encantamiento y el desencanto. Este trayecto de Norma se recorre con las músicas latinas que habitan cualquier hogar de las Américas. El danzón, la salsa, el mambo, el merengue, la bachata, y en un descuido, hasta con la balada swing de grandes bandas. Al reclutar a una mente exigente del calibre de la de Omar, lo que sigue no es menos que sorpresas, en las canciones, en los arreglos, en la grabación, en la mezcla y hasta la masterización. La compositora y el productor subieron al barco al grandísimo Bruce Botnik, talento de la mesa de sonido que ha inmortalizado listas y listas de clásicos de la música contemporánea, pero que malamente resumiremos diciendo que fue el ingeniero de grabación de The Doors. Su impecable trabajo en este álbum fue entonces entregado a Rich Costey para realizar la mezcla -Rich ha pulido las grabaciones de Sigur Rós, Muse y The Killers, por ejemplo-. El paso final, la masterización, la llevó a cabo el célebre Howie Weinberg -conocido por su trabajo con Aerosmith, Nirvana y Björk, por ejemplo. La mano de los angloparlantes le dio un carácter de “grandes ligas” a la producción de los latinos, que Omar Alfredo ya visualizaba cruzando hacia cierta modernización de estas canciones domésticas. Ahora, con Norma en mano, Laferte avanza frente en alto, cual triunfante y orgullosa chica Almodóvar -tal como su arte de portada-, retando a cada escucha a sacar sus mejores pasos de baile y dejarse arrastrar por las efectivas diez canciones con las que estrena a una nueva Mon. ¿Cómo te sentiste al llegar a los legendarios estudios Capitol a trabajar? Fue súper emocionante para todos, para Omar, para todo el grupo…Lo más impresionante fue llegar y ver una foto enorme de Paul McCartney recargada en la pared. Todos nos tomamos fotos. Es un edificio histórico, emblemático para la música que tiene una energía “muy eléctrica”, muy palpable.

¿Te impresiona o te acoge como sentirte en casa? Me sentí muy en casa, principalmente por trabajar con un equipo muy pro, nunca me había sentido tan cómoda. ¿Tuvieron oportunidad de ensayar antes o llegaron a trabajar al estudio? Tuvimos tres días previos la misma semana para ensayar todas las canciones. Pero llegamos con el nerviecito y la emoción todavía. Montamos un viernes e hicimos un ensayo más. Al día siguiente, tocamos las canciones una sola vez y quedaron grabadas. Era la promesa que nos hicimos con Omar. Hicimos algunas adiciones después pero se grabó el disco en una toma: tocamos todos juntos las diez canciones de corrido. ¿Cambiaron mucho las canciones que compusiste de lo que quedó en el disco? Cambiaron, pero desde antes, no en el estudio. Omar hizo arreglos bien diferentes de lo que me imaginé. Yo tenía una idea de un sonido mucho más clásico, Omar lo llevo mucho más hacia el pop.

“Omar es de Puerto Rico. Pero ante todo es artista. Esta cosa de que es rockero solamente, no lo veo. Es un artista con una personalidad muy amplia y muy hermosa”.

A todos sorprende que Omar venga de una trayectoria de rock duro y haya producido ahora un disco de ritmos afrolatinos como el tuyo aún cuando ya había publicado este tipo de canciones por su lado. A los detractores les calla la boca y a los fans los sorprende… No es la primera vez que ha trabajado de esta manera, ha trabajado en discos de salsa, ha trabajado con su papá en este estilo. Omar es de Puerto Rico. Pero ante todo es artista. Esta cosa de que es rockero solamente, no lo veo. Es un artista con una personalidad muy amplia y muy hermosa: es muy inteligente, ama la música y se emociona con estas canciones tanto como yo, principalmente por que es un álbum que abarca muchos estilos, tiene muchos colores, que implica muchos desafíos en toda la producción, en los arreglos, en la grabación; a mí me sorprendió que fuera mucho más técnico de lo que esperaba. La música que venías haciendo tampoco es exactamente lo que se escucha en el disco nuevo… Empezó el año y me tome dos meses para dedicarme a escribir: Tenía la idea de hacer un disco que contara una sola historia, de manera conceptual, y empecé a escribir diez canciones que relataran la

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“Nunca había hecho un álbum tan planeado, antes juntaba canciones y salía un disco. Sé que es arriesgado, diferente, pero al final lo que me gusta es divertirme haciendo música y ver que “salimos vivos” del desafío”.

historia de una relación de pareja. Que te permitiera escuchar el álbum completo en orden, cosa que ya pocos hacen. Cuando empecé a escribirlas me di cuenta que los ritmos que iba eligiendo me llevaron hacia allá. Fue muy cinematográfico. Justo soy coleccionista de vinilos y estaba oyendo a La Lupe, la Fania, Yma Sumac, y me pregunté “¿Y si yo me pongo a hacer algo así?”. Ya lo veía como un desafío super divertido: tocarlo en vivo sería súper difícil, pero me ayudaría a contar esta historia, porque musicalmente no puede ser plano, tiene que ser muy movido. Cada etapa de una relación tiene un estado de ánimo. Nunca había hecho un álbum tan planeado, antes juntaba canciones y salía un disco. Sé que es arriesgado, diferente, pero al final lo que me gusta es divertirme haciendo música y ver que “salimos vivos” del desafío [risas]. ¿Cómo conociste a Omar? Por Tere de Les Butcherettes, en un show. Después Omar me invitó a participar en otros proyectos. Nos hicimos muy amigos y cuando estaba componiendo el disco me puse a pensar en quién podía producirlo… Me di cuenta de que Omar entendía totalmente el lenguaje. Nos poníamos a hablar de música y el me ponía orquestas de salsa de los sesenta, yo le mostraba lo que me gustaba y coincidíamos, y lo invité al proyecto. ¿Te dio miedo que no entrara al proyecto? No, porque me dijo al instante que sí. No he tenido miedo durante este proceso, es más bien una gran emoción a cada paso. Pensaba: “esta es la canción correcta, que cuenta la historia como quiero”. Le mandaba la canción a Omar y me mandaba de regreso la maqueta con sus arreglos y cada vez, eso fue súper emocionante. ¿Qué canción te sorprendió más en cuanto a la contrapropuesta que te hacía Omar? Una que se llama “Caderas Blancas”. E la que más me sorprendió porque la hizo súper pop y yo esperaba que fuera más una salsita. Cuando me la mostró me dijo “A ver qué piensas, ahí va” [en un tono de travesura]. La decisión estética de Omar es precisa. Acabas de tocar por Europa. ¿Cómo fue la recepción? En España el público se parece mucho a México.

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Es muy apasionado, Mucha gente en Madrid, con el disco en la mano, muy entusiasmados y pendientes, el lugar a reventar; nunca había tocado en París, Londres, Berlín, que fue mi show favorito. El público está muy mezclado, hay mucho latino de todo el continente. Es súper lindo ver un montón de alemanes cantando las canciones que ya conocen por sus parejas. No sé si llegan a entender las canciones completamente. En París la música de fondo antes del show era Édith Piaf, y todo el público cantaba la canción. A mí me encanta Édith Piaf y fue hermoso. Tu disco es uno de música de baile de salón. ¿Te conflictúa que el público no responda bailando como se bailan estos ritmos sino que lo reciba como el público del pop? No estoy tocando el disco completo; solamente “El beso” y “Mambo”. Pero la gente se emociona y está ahí, cantando todas las canciones como el público mexicano. Es un público que le gusta la música y lo disfruta por completo. Me divierto, el desafío viene el próximo año cuando montemos el show nuevo completo. ¿Te gustaría presentarlo en un salón de baile? No lo he decidido, pero voy mucho al salón Los Ángeles para empaparme del ambiente. Sería súper lindo. ¿Quedó algo afuera de todo lo que compusiste para el disco? Ideas sueltas que no acabaron en canciones, solamente. Cuando empezaba una canción que no funcionaba para contar la historia la dejaba. ¿Tienes un momento favorito de Norma? El “Mambo”. Es súper divertida de tocar y súper cansada, porque me puse a rapear allí… “Funeral” es un bolero clásico que cuando la canto se me pone la piel chinita. El concepto de “una historia de amor de inicio a fin” ¿empata con tu vida personal? Norma se basa en mi experiencia. No apunto a detalles de mis relaciones pasadas sino a la experiencia del amor. Inventé una historia pero habla de todo lo que sucede a cualquiera. No es que me esté pasando ahora, pero es algo que me ha pasado alguna vez… o dos… o tres [risas].


Nuestros Cada experiencia se vive con una canciรณn de fondo

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Favoritos EL FIN DE AÑO se ha convertido en un significante muy grande en el colectivo del mundo que habitamos. Representa el final de un ciclo, la fecha perfecta para enlistar lo que logramos, lo que n y lo que dejaos a medio camino. Nos invita a reflexionar sobre lo que nos marcó y lo que nos enseñó algo nuevo: una lección, una decepción, el día en que aprendimos a valorar la vida o a burlarnos de ella. Es intrínseca la nostalgia que viene con el final de año, pero sobre todo significa la oportunidad para comenzar algo nuevo, para comenzar de cero, para enmendar nuestros errores y el año que viene ser mejor. Significa también recordar con alegría los momentos en los que nos sentimos plenos y repasar con resiliencia los capítulos en donde nos sentimos blancos de la mala fortuna, entonces sonreímos y sabemos que a pesar de eso, tenemos la suerte de seguir vivos. Pensar en esos episodios nos hace crear un after movie de nuestra experiencia en el 2018. esto es imposible sin agregarle el soundtrack perfecto que nos acompañó en este año. Cada experiencia se vive con una canción o un disco de fondo, se siente frente a un escenario o una pantalla.

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Discos 1. 7

Beach House

10. Freedom

2.

Negro Swan

of Every 11. Oil Pearl's Un-Insides

Blood Orange

Amen Dunes

Sophie

3. Room 25 12. In a Poem Unlimited US Girls

Noname

4.

Devotion

Tirzah

Sad 5. So So Sexy Lykke li

13. Idles Joy

Dark 14. Little Age MGMT

6. Dancehall 15. BACH The Blaze

Bandalos Chinos

7.

El Mal Querer

16. Castle Spell

8.

Knock Knock

17.

Eclipse

18.

9.

Rosalía

DJ Koze

Alemán

Sunflowers

Have Fun EP

Smerz

Lance

Niños del Cerro

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Lykke Li

2. Feels like Summer Childish Gambino

3. Pick Up

Pepsi Center

2. David Byrne

Teatro Metropólitan

3. The Chemical Brothers

DJ Koze

Corona Capital

4. Nobody

4. Beach House

Mitski

Auditorio Blackberry

5. Pienso en tu mira' Rosalía

6. Stay

5. The Guadaloops

Lunario del Auditorio Nacional

6. Depeche Mode

Cat Power

Palacio de los Deportes

7. Nadie va

Elsa y Elmar

8. Lemon glow Beach House

9. Tried

BADBADNOTGOOD & Little Dragon

10. In my view Young Fathers

Canciones

11. Plaything

Róisín Murphy

7. Alemán

Pepsi Center

8. The Drums

Festival Marvin

9. Future Islands El Plaza Condesa

10. Gorillaz Vive Latino

11. El Mato un Policía Motorizado Sala Puebla

12. FYT

12. Tyler the Creator

13. Under the Sun

13. Arca

14. Jaipur

14. Cornelius

15. Ciudades de noche

15. Nine Inch Nails

16. Make Me a Song

16. Vaccines

17. Blue Girl

17. Titán

18. Siento

18. Sabino

Noa Sainz

Hellow Festival

Roosevelt

Mr Twin Sister Rubytates

Eleanor Friedberger Chromatics Juan Son

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1. Nick Cave and the Bad Sees

Presentaciones

1. Sex Money Feelings Die

Ceremonia Nrmal

El Plaza Condesa El Plaza Condesa Vive Latino

Lunario del Auditorio Nacional

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Cine

Roma La Roma setentera de Alfonso Cuarón TXT:: Uili Damage FOT:: Netflix

Bastante polvo está levantando el trabajo más personal a la fecha del director y escritor Alfonso Cuarón. El capitalino ganador del Oscar, autor de Gravedad, Hijos del hombre e Y Tu Mamá También), entrega una cinta nueva que escapa por varios caminos a lo que se esperaría de un creador que “se maneja en las grandes ligas”. EMPEZANDO POR QUE SE TRATA de un romántico trabajo (cinematográficamente hablando) en lucidorcísimo blanco y negro, sigue al hombro el drama de una joven empleada doméstica, Cleo (Yalitza Aparicio), y sus días con una familia de clase media de la entonces mucho menos hirviente colonia Roma de la Ciudad de México. ROMA es un “homenaje afectuoso” a las mujeres que, de Cuarón, como de una gran población de varios segmentos de mexicanos, se han hecho cargo de la crianza por generaciones y generaciones y que además toca un sensible problema que persiste hasta el día de hoy “de clase y raza”, apunta el director. Con una técnica al punto del “cinema verité”, el argumento queda situado en el momento histórico agitado -y escalofriante en lo calmado y lo violento, por igual- en el que se convirtió el término de los sesenta y el inicio de los setenta. Desde distintas posiciones, parte del elenco de la cinta y el propio director nos contaron su experiencia: En este momento, a meses del estreno, ¿cómo se sienten respecto a la experiencia de trabajar en esta película? Nancy García: Me emociona que ya se acerca el momento de ver la película terminada y también qué es lo que seguirá después. Yalitza Aparicio: Nunca habíamos actuado. Se realizó un casting en nuestra comunidad; fuimos pasando filtros y como se necesitaba a alguien que pudiera hablar mixteco les pasé el contacto de Nancy -que lo habla y escribe. Marina, ¿con qué cosas te encontraste por primera vez en esta filmación? Marina de Tavira: Alfonso buscaba cómo enfocar en cámara la vida tal como es, que las cosas le sucedieran a los personajes con la sorpresa que la

vida te da. Ellas y los niños actores me ayudaron mucho para lograrlo. Íbamos descubriendo la historia como se iba desarrollando. Alfonso tenía la historia en un guión, pero la forma como nos la fue entregando era al día. El personaje y el actor la descubrimos diariamente y es sumamente brillante de su parte para lograr que el personaje reaccione como reacciona en la vida misma. ¿Fue difícil actuar sin tener formación previa, Yalitza? Yalitza Aparicio: Como desde un principio, él me hizo sentir que era yo quien estaba viviendo todo [y no un personaje], cuando se me dificultaba expresar ciertas emociones, él me decía que yo lo sintiera y pensara cómo enfrentar cada situación. Así, cuando Marina estaba tan en su papel, yo reacciono pensando en lo que yo haría normalmente en esa situación… ¿Cambiarían algo de la película? Marina de Tavira: Hubo escenas que repetimos más de sesenta veces y otras que hicimos dos… Confío en que Alfonso dejó lo que mejor cuenta la historia… Él sabía cuando ya estaban las tomas. ¿Cómo vivieron meterse al México de los setenta en este trabajo? Marina de Tavira: Yo sí lo viví en mi infancia. Sentí regresar en el tiempo, me daban ganas de llorar cuando veía cosas de la época con las que

crecí y que pensaba que se habían perdido para siempre; Alfonso las trajo de vuelta y no de una manera romántica, sino muy realista… Con una discusión importante sobre el papel de la mujer, ¿qué impresión tienen sobre esta cinta en ese tema? Nancy García: Nos enorgullece mucho poder representar a estas mujeres y ojalá se vea la importancia del papel que juegan actualmente en las familias y también que se pueda valorar lo fuerte que somos las mujeres para encontrar esa forma de apoyarnos y levantarnos entre nosotras. Hay escenas en las películas de Alfonso en las que la música es decisiva para la narración. ¿Les tocó trabajar en el set con música de la época? Marina de Tavira: ¡Ellas cantan! Nancy García: ¡No cantamos pero nos hicieron cantar! [risas] Yalitza Aparicio: Música muy pegajosa, hay ocasiones en las que gritaban “corte” y se te quedaba la música en la cabeza. Canciones que no conocíamos y te hacen pensar en cuántas cosas han cambiado… Nancy García: Y recordar a mi mamá, a la mamá de Yalitza… habían canciones que ellas escuchaban y también nos tocó que las cantaran cuando éramos chicas… Marina de Tavira: Como yo no podía hacer mucho trabajo de análisis de mi personaje, me ponía a escuchar música de los setenta, lo que oían mis papás, lo que sonaba en el radio, lo que ponían en el coche cuando salíamos de viaje, lo que se oía en el radio de la cocina, para poder transportarme a la escena; eso me ayudó mucho. ¿Qué se traerían de esa historia al México actual?

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Marina de Tavira: Si hay algo que me da nostalgia de esa época es un mundo sin redes sociales… hay un descanso en esta historia. Yalitza Aparicio: Mi personaje juega con los niños, convive con ellos. Me ha tocado cuidar niños también y no se despegan de sus aparatos electrónicos. Nancy García: Nosotras crecimos con poca tecnología y nuestros sobrinos se estresan cuando no pueden estar jugando. Alfonso: en términos de hacer una película con las ventajas y desventajas que encuentras en 2018, tanto gracias a tu trayectoria como a la tecnología actual, ¿con qué te encontraste? Alfonso: Tuve la fortuna de contar con el apoyo varias instancias; cámaras, por ejemplo. La película está rodada en 65mm. Arri nos proporcionó las Arriflex; por relación y tiempo de trabajo en otras partes -y también por el interés de involucrarse en el proyecto-, recibimos muchos apoyos para este proyecto. De pronto sí fue una película mucho más grande, con exigencias mayores que a las que estaban acostumbrados algunos miembros del crew; les agradezco tremendamente, pues quizá fui injusto al no entender la diferencia de experiencia y al tratar de exigir el mismo pulso, y créeme que el crew lo siguió. Estoy muy orgulloso del

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trabajo de toda la gente involucrada. Es la película que más tiempo he rodado en toda mi vida. Hasta más tiempo que haciendo Harry Potter, Hijos del Hombre o Gravity. En Hijos del Hombre, la música define lo que pasa en la imagen. ¿En Roma hay algo equivalente? Son dos acercamientos muy distintos. En Hijos… es temático pero tiene que ver con una serie de músicas revisadas a partir de un intérprete de un país distinto al de la versión original. Son referencias [propias] del espacio que manejo, del lugar, pero de otro tiempo. En Roma fue casi documental, no las que me gustaran. Las canciones son las que tienen sentido en ese momento, con una congruencia histórica, argumental y del personaje. Hubo una investigación acerca de lo que se oía en ese momento en las estaciones de radio que escuchaban el personaje de Cleo -música popular en español-, los personajes de la familia -música popular en inglés-, en el momento de salir a las calles -la propia de las loncherías setenteras- y la que sonaba en provincia en las escenas fuera de la ciudad. Aquí tenía que haber una congruencia documental con la historia tan importante como la dirección de arte. ROMA es pues, un retrato costumbrista de un México perdido que brinca en las décadas y se refleja por muchos ángulos en el actual. Discreta en su despliegue técnico-tecnológico, la película remite a la época dorada del cine mexicano sin lucir forzada y antepone el trabajo actoral al servicio de la historia narrada. No se trata del Cuarón de Hollywood; aquí se descubre, con un relato íntimo y cercano, a uno tan diestro como pulido, modesto y efectivo en la narrativa fílmica.

ROMA Director: Alfonso Cuarón Reparto: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey Duración: 2h 15min País: Mexico | Estados Unidos


Cine

BLACKkKLANSMAN La nueva denuncia de Spike Lee TXT:: Lenin Calderón FOT:: IMDB

Durante una emisión de su show, en el que invitó a Spike Lee para conversar acerca de su cinta más reciente, el presentador de TV afroamericano Trevor Noah recordó la extraña situación que vivió cuando fue a ver El infiltrado del KKK a un cine en el que la mayoría de la audiencia era blanca: al término del filme, el público no se levantó de sus asientos. AÚN CUANDO LOS CRÉDITOS ya recorrían la pantalla, la gente seguía sentada, en silencio. Cuando él y su pareja, también de color, se levantaron para dirigirse a la salida, la gente parecía mostrarse extremadamente amable con ellos, cediéndoles el paso en todo momento y mirándolos como un perro que lleva la cola entre las patas. En esa misma entrevista, Lee confirmó que ha tenido comentarios en Instagram de gente negra que afirma haber recibido, al final de la película, algún tipo de muestra de afecto o condescendencia por parte de gente blanca a la que no conoce pero que se hallaba en el mismo cine. Tal es la fuerza con el que esta película genera empatía. Una conexión con el pasado para retratar nuestro mundo moderno, a un paso de llegar a Marte, pero al que la segregación racial, los códigos internos y el poder seductor de los cultos, parecen regresarlo a los años de la Santa Inquisición. LA MISMA VIEJA HISTORIA La cinta tiende un vínculo entre tres hechos históricos diferentes: Los primeros años de los setenta, década en que se desarrolla la trama, en medio de la turbulencia causada por las Panteras Negras y sus discursos incendiarios en pro de los derechos civiles de los negros y en contra de la brutalidad policiaca; el año 1919, al que se hace referencia a través del testimonio en público de un testigo presencial del linchamiento de un hombre de color en Waco, Texas; y, a través de imágenes reales, el atropellamiento

masivo de personas que protestaban contra Unite the Right, un desfile del movimiento supremacista blanco en Charlottesville, Virginia, en 2017, donde hubo 38 heridos y una joven blanca resultó muerta. Tres pasajes de la historia estadounidense con algo en común que los vuelve atemporales pues permanecen siempre actuales: la tensión racial. La premisa del argumento es simple: un policía negro -quien, por cierto, también es el primer policía de color en el departamento de policía de Colorado Springs- se las ingenia para infiltrarse en el Ku Klux Klan. Aunque la idea suena tan descabellada como tratar de infiltrar un agente secreto güero en medio de la caravana migrante, esta hazaña del espionaje, digna del chivato más valiente, realmente sucedió. Ron Stallworth, interpretado en el filme por John David Washington (hijo de Denzel y a quien, según palabras del propio Lee, no hubo necesidad de hacerle casting, a pesar de que esta es apenas su cuarta película), es un policía de color retirado a quien se le ocurrió infiltrarse al KKK tras ver un anuncio del clan publicado en el periódico.

REALIDAD INSÓLITA Primero telefónicamente y luego usando un agente blanco para tener presencia física en las reuniones a las que convocaba el grupo, la investigación resulta un éxito. Tras semanas de asumir esta doble personalidad, Stallworth pudo llegar hasta la misma cabeza de la organización: David Duke, político nacionalista blanco, teórico de la conspiración antisemita, negador del holocausto, ex convicto y Gran Mago -líder del KKK-, en aquellos años. Sin embargo, aunque se pudo comprobar que varios miembros del clan pertenecían también a las fuerzas armadas, la investigación se cerró y a Stallworth le asignaron misiones tal vez más apremiantes, como la seguridad pública de Utah. Stallworth trabajó en el estado de los mormones y guardó silencio sobre su misión de infiltrado hasta que se retiró en 2005. Sin embargo, tras una entrevista con el Deseret News de Salt Lake City donde reveló ciertos detalles, decidió escribir un libro en el que revela más minuciosamente su experiencia. El resultado fue Black Klansman, que se publicó en 2014 y en el cual Lee cimentó su argumento. Lo que seguramente no figura en el libro, es el sentido del humor con el que se aborda una situación así, pues la insensatez, el absurdo y la sensación de que la realidad supera a la ficción, son constantes durante los 135 minutos que dura la cinta. La dimensión grandilocuente del

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cine de Lee (con su música original épica y su apología de la negritud que raya en el blaxplotation) sortea exitosamente el enorme desafío de convertir una problemática racial, propia de un grupo, en una preocupación general, universal. MALVIAJE BLANCO Más allá de las evidencias en la trama, Lee utiliza otros recursos para recalcar la tensa situación racial de EU. El filme comienza con una escena extraída de El nacimiento de una nación, de 1915, una película considerada “cultural, histórica y estéticamente significativa” por la Biblioteca del Congreso de EU y obra cumbre de D.W. Griffith, padre de la cinematografía estadounidense. Sin embargo, Lee nos recuerda que gracias a ella hubo un resurgimiento del KKK pues Griffith presenta a los antiguos esclavos, libertos después de la Guerra Civil, dominando las instituciones de gobierno y reuniéndose en las asambleas únicamente para bailar y emborracharse. Este retrato grotesco de la raza negra como seres ignorantes, lerdos y

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enfermos de sexo, llega al límite cuando el filme muestra el linchamiento dramatizado de un negro que ha cometido uno de los crímenes que más torturan la mente de cualquier hombre blanco estadounidense: que un negro viole o tenga relaciones sexuales con una mujer blanca. No por nada, dieciocho años después, tuvo tanto éxito la primera versión de King Kong, dirigida también por Griffith. FALSAS RETÓRICAS La película cuestiona y transgrede tabúes arcaicos como el respeto a los cánones y los códigos internos. La tensión entre los grupos raciales, religiosos y de clase, son propios de nuestra sociedad actual, más heterogénea que nunca pero nunca antes tan segregada, con excesos que rayan en fundamentalismos pues una feminista puede convertirse en una feminazi en un chasquido y un activista en pro del movimiento Black Lives Matter puede transformarse en un extremista que odia lo mismo a los blancos que a los policías y es incapaz de diferenciar entre ambos. Jugando siempre con los extremos, Lee nos recuerda el mundo en el que vivimos donde, por un lado, se violentan oficialmente los derechos de la gente de color mientras que, por el otro, se le cambia el nombre a una golosina como el negrito -no vaya a ser que alguien se ofenda-. Un mundo de cabeza, tal como la imagen que cierra el filme.

INFILTRADO EN EL KKKLAN Director: Spike Lee Reparto: John David Washington, Adam Driver, Laura Harrier Duración: 136 min País: Estados Unidos


De Culto Música

“Si ha existido una cosa parecida a un genio en la historia de la música pop, éste es Beefheart” John Peel.

Captain Beefheart El genio incomprendido 52

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TXT:: Walter Schmidt

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acido Don Glen Vliet, mejor conocido como Captain Beefheart, uno de los grandes transgresores de la cultura moderna es un cantante y multiinstrumentista norteamericano, nacido el 15 de enero de 1941, en Los Ángeles, California. Don deseaba ser escultor y pintor; desde muy pequeño dio muestras de un gran talento, que lo llevó a la televisión a mostrar sus esculturas en plastilina y posteriormente ganar una beca para estudiar arte en Europa. Por azares del destino éste viaje no se concretó. Pronto descubriría la música. Para 1964 se unió a la Banda Mágica y su primer álbum “Safe As Milk” saldría la venta en 1967. Yo escuché a Captain Beefheart & his Magic Band por primera vez en 1969. Para entonces ya había editado también los discos, Strictly Personal (1968) y el álbum doble Trout Mask Replica (1969), éste último, un disco que cambiaría por completo mi manera de escuchar la música. Fue toda una revelación; la música de Beefheart y su Banda Mágica en Trout Mask Replica es totalmente distinta a cualquier cosa que se hubiera hecho hasta ese momento. Las composiciones se mueven entre complicados ritmos y melodías sui generis, con elementos musicales del rock y el jazz, pero muy afincado en el blues, pues Beefheart siempre fue admirador de los grandes cantantes y músicos de blues, especialmente de Muddy Waters y Howlin´Wolf. Las letras de sus canciones –incluidas en el arte de la edición original-, son poesía surrealista pura, con títulos enigmáticos y sugestivos como “Pachuco Cadaver”, “Hobo Chang Ba” o “The Dust Blows Forward and The Dust Blows Back”. Trout Mask Replica fue producido por Frank Zappa para su sello recién formado Straight Records, donde también aparecerían Pretties for You, el primer disco de Alice Cooper y Permanent Damage, la única grabación de la banda de groupies The G.T.O´s (Girls Together Outrageusly”. Zappa y Beefheart habían sido compañeros de escuela y siempre mantuvieron una relación de amor y odio, El Capi colabora en el álbum Hot Rats de Zappa cantando “Willie de Pimp” y en la portada aparece Miss Christine de las G.T.O.’s en una fotografía infrarroja. Lick My Decalls Off Baby (1970) continua en la vena vanguardista experimental de Trout Mask Replica, aunque con algunas concesiones, las canciones se vuelcan hacia formas un poco más accesibles y obtiene el primer gran éxito de Captain Beefheart en Inglaterra, alcanzando la posición número 20 en las listas de popularidad y permaneciendo ahí durante varias semanas. Recuerdo que en México, la tienda Hip 70 de

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Armando Blanco era una especie de “Club Subterráneo de Captain Beefheart & His Magic Band”, todo el tiempo sonaban en la tornamesa del local canciones como “Electricity”, “Mirror Man” y muchas más. Un pequeño refugio para los seguidores del genio musical, donde se podía conseguir todo su catálogo. Además Hip 70 tenía un programa de radio en el 590 de AM, “La Pantera”, donde Captain Beefeart & his Magic Band, tenía una presencia constante. En 1971 el sello A&M Records edita Mirror Man, que no es otra cosa que versiones distintas -para A&M- del álbum Strictly Personal que apareció originalmente en Blue Thumb. Los siguientes dos álbumes, Clear Spot y The Spotlight Kid (ambos de 1972) nos muestran un momento de madurez, canciones con estructuras rítmicas y melódicas complejas y las letras típicas de humor corrosivo y juguetón de Don Van Vliet, quien vocalmente rebasa todas las fronteras y expectativas. En la biografía autorizada de Captain Beefheart (The Biography: Mike Barnes, 2000, 2011 Omnibus Press), el autor nos cuenta que durante años el cantante dirigió a su Banda Mágica con mano de hierro, dice que en la época de Trout Mask Replica, los tenía encerrados en una casa ensayando durante horas y horas, sin darles de comer, por lo que tenían que recurrir a un dispensario cercano. Exigía que sus canciones fueran tocadas con precisión, mientras que él las cantaba de un modo diferente cada vez. El método de composición de Beefheart era sencillo: tocaba las melodías en el piano o bien las “silbaba” a su guitarrista y él las transmitía al resto de la banda. Nunca dio crédito a sus colaboradores en la composición o los arreglos. Todas estas cosas, aunadas al escaso éxito comercial del proyecto, causaron que la Magic Band abandonara al Capitán, quien tuvo que reclutar nuevos músicos

para cumplir con una gira europea que resultó un desastre; los músicos improvisaban lo que se les ocurría en cada canción y la Banda Mágica fue calificada como la “Banda Trágica”. Los siguientes dos discos, Unconditionally Guaranteed y Bluejeans and Moonbeams, de 1974, fueron un intento desesperado por hacer una música más comercial, con baladas románticas y algunos temas de blues bastante tradicionales, grabados con músicos de sesión y que fueron mal recibidos por sus fieles seguidores que lo acusaron de venderse a la industria musical. Sin una banda y con problemas legales por firmar con varias disqueras al mismo tiempo, Beefheart volvió a colaborar con Frank Zappa en el álbum One Size Fits All (1975) bajo el seudónimo de Rollin’Red y posteriormente se iría de gira con él, cuando grabaron Bongo Fury, un álbum en vivo registrado en Austin, Texas, en mayo 20 y 21 de 1975 acreditado a Zappa/Beefheart/Mothers. Una vez terminados los problemas legales, Frank Zappa inicia la producción de Bat Chain Puller, el nuevo álbum de Beefheart con una nueva Magic Band, pero esta grabación quedaría enlatada por muchos años… En 1978 con un nuevo contrato, sale a luz Shiny Beast Bat Chain Puller, que contiene versiones distintas de las canciones que habían sido producidas por Zappa. “Fue maná del cielo para sus fans que casi habían perdido la esperanza con sus dos discos anteriores” escribió Tedd Ragget en Allmusic. Doc At The Radar Station (1980) y Ice Cream For Crow (1982) fueron los dos últimos discos que grabaría Captain Beefheart & The Magic Band, los cuales, junto con Shiny Beast forman una trilogía que lo restableció como una de las figuras más importantes de la música americana del siglo pasado. Desde mediados de los ochenta, Don Van Vliet se dedicó por completo a la pintura -que ya había estado presente en varias portadas de sus discos-, obteniendo un gran éxito internacional por sus obras expresionistas y figurativas, que han sido comparadas a la obra de Francis Bacon o Jackson Pollock. Captain Beefheart, Don Van Vliet, falleció el 17 de diciembre de 2010, habiendo sido un artista fundamental de gran influencia para bandas new wave y post punk como B52´s, XTC, Magazine, Sonic Youth, David Byrne, Pere Ubu o agrupaciones más recientes como Nirvana, Pixies o The Black Keys, influencia que continúa creciendo. Recuerdo que durante su campaña, el ex presidente de E.E. U.U., Barack Obama afirmó haber; “fumado mota en un garage escuchando Trout Mask Replica..


De Culto Cine

TXT:: Toño Quintanar

Desde sus orígenes más precoces, el cine de serie B se ha regido por una inquietud cuasi dogmática: hacer el máximo con lo mínimo; sacar fuerzas de flaqueza con el fin de vencer las imposiciones del anquilosamiento cultural.

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or supuesto, esta tarea no es nada sencilla, ya que su resolución sólo puede lograrse a partir de una serie de operaciones sumamente temerarias que compensan la ausencia de recursos con una serie de “anzuelos” psíquicos que satisfacen las curiosidades más necróticas del espectador… Corren los mediados de la década de los setenta y, por los barrios bajos de Nueva York –calles y calles atestadas de cines costrosos, reservados para marginales, amantes del porno más excéntrico- se puede ver a un par de figuras desgarbadas vagando cual espectros entre los edificios para después desaparecer en la entrada de alguna sala dedicada al género gore. Los nombres de esta dupla son Michael y Roberta Findlay, y a diferencia de lo que cualquiera que los viera podría pensar, su incursión en estos ambientes es tan seria como la de un par de científicos -quienes absortos, estudian con ojos febriles una selva tropical inexplorada-… Están hambrientos de imágenes, de monstruosidades sintéticas que les ayuden a materializar sus propios fetiches mentales. A pesar de que este matrimonio ya era ampliamente reconocido entre los circuitos grindhouse de aquel entonces, por sus producciones abiertamente explícitas, aún les faltaba mostrar su carta de presentación más memorable: un metraje rodado pobremente en Argentina durante el ’71 cuya absoluta falta de calidad fílmica les había llevado a esconderlo del mundo como si se tratara de un secreto vergonzoso. El nombre inicial de la cinta era The Slaughter pero, más adelante, tras la adición de nuevas secuencias, sería rebautizada como Snuff.

esa misma dicotomía que hace de la restricción un campo de experimentación ideal para las imaginaciones desbocadas. Fue así como, a mitad de los setenta, comenzó a esparcirse el rumor del llamado “cine snuff”: cintas grabadas de forma semi-casera las cuales documentaban torturas y sacrificios reales. El génesis de este mito lo encontramos en las propias falsedades irrigadas por los grupos conservadores de aquel entonces quienes, horrorizados ante la “inmoralidad” de la cinematografía pornográfica, no duraron en afirmar que las actrices quienes aparecían en estas cintas eran asesinadas a posteriori frente al escrutinio maquinal de una cámara fija con el fin de hacer de la muerte filmada un producto consumible. Fue bajo este ambiente de sortilegios y terrores neuróticos que los Findley –instigados de forma cada vez más firme por productores de vena oportunista- estrenaron Snuff (1976); cinta grabada con un presupuesto risible la cual tenía la pretensión de introducir al espectador en una ilusión de verdad palpable. El resultado de dicha empresa fue tan abrumador que, en su momento, la cinta se convirtió en el blanco de distintas investigaciones judiciales. El desarrollo narrativo de esta obra es una contundente reiteración de las matrices de verismo que el cine es capaz de manipular con el fin de sumergir a la audiencia en una susceptibilidad específica; mismo experimento que culmina con un sangriento sacrificio humano –la actriz Mirta Massa fue la encargada de interpretar a la víctima- el cual destaca por su absoluta falta de lógica secuencial así como por su trucaje de bajísima calidad. Los desafíos a los que se enfrentó Snuff respondieron a intereses muy diversos. Es obvio que el reto más inmediato era el de volver capitalizable una cinta gestada en los entramados más recónditos del submundo fílmico independiente, a través de la controversia y la especulación. Sin embargo, también persistía una intencionalidad legítimamente punk dentro de la obra. Valiéndose de ese arrojo creativo -que es el único salvavidas de las cintas de bajísima infraestructura-, los Findlay se aventuraron a crear de la nada una pieza decididamente corrosiva, la cual logró escapar de la invisibilidad marginal de su contexto, para retar sin concesiones la sensibilidad de la Norteamérica burguesa más encumbrada.

UN RUMOR FANTASMA

COLONIALISMO Y BRUTALIDAD

La censura es el combustible más indicado para el nacimiento de las leyendas urbanas, debido a

La carrera de los Findlay nunca estuvo libre de controversia. Sus primeras producciones ya se caracterizaban por invocar un formato de

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explotación que mezclaba horror con pornografía; sin embargo, Snuff fue algo sin precedentes. Inolvidable es el infame slogan del filme, mismo que rezaba: “¡Una cinta que sólo pudo ser grabada en Sudamérica, donde la vida es barata!”. Un análisis superfluo de esta leyenda podría invitarnos a optar por un mensaje decididamente colonialista. Sin embargo, es necesario tomar en cuenta esa maliciosa creatividad con la que la cinta supo adaptarse a las paranoias de su contexto: Poco antes de su estreno se hizo del dominio público la noticia -sumamente cuestionable- de una supuesta mafia de cine snuff que operaba en Latinoamérica. Inclusive, hay rumores que aseveran que fueron los propios productores de la cinta quienes ayudaron a esparcir dicha información con el fin de acrecentar el impacto del filme. Independientemente de su origen, no cabe duda de que la aceptación con la que estas especulaciones fueron acogidas entre la sociedad estadounidense dejó al descubierto la vigencia de esos prejuicios antropológicos que, hasta el día de hoy, forman parte activa de Norteamérica; misma situación que fue aprovechada por Michael y Roberta para incrustar un guiño satírico en su cinta. Al sacar al horror de la seguridad estadounidense para reinsertarlo en aquellos escenarios que escapan a la normalidad occidental, la pareja de creadores supo gestar una ironía velada que jugaba con los dogmas más arraigados de la América blanca e ignorante. Este código, oculto en la propia racialidad del discurso, fue concebido explícitamente para sacar provecho de los convencionalismos de una sociedad impresionable que espera fervientemente a que cualquier tipo de discurso –sin importar su precaria fiabilidadlegitime sus miedos más ridículos. Misma lección que vale la pena recordar en la actual era de la posverdad.

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Michael & Roberta

Findlay Los Bonnie y Clyde del cine snuff

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De Culto Cine

El absurdo reto de los Beckettianos

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TXT:: Rubén Gil

A Hace días se llevó a cabo el congreso internacional Transdisciplinary Beckett Transdisciplinar, en el cual se presentaron conferencias, talleres y performances en un ambiente académico muy interesante. La poeta Rocío Cerón me invitó a colaborar en una pieza, por lo cual me puse a rascar entre materiales que tengo sobre el escritor…

l releerlo reviví la sensación de creer que nunca terminarás de leer, de “correr dentro de una alberca”, sentir el esfuerzo, pero darte cuenta que casi sigues en el mismo lugar, un desaucio placentero. Un enunciado tras otro hilados magníficamente y tu sigues en la caminadora sudando sin ir a ninguna parte. Por otro lado, redescubrí támbien al Beckett audiovisual. Una locura del minimalismo y una infinidad de interpretaciones de sus obras; el internet no discrimina, es díficil saber cuáles se apegan a los ideales del autor, pues es bien sabido, según algunos textos, que no era fácil de complacer y que si algo le disgustaba era que se tratara de llevar alguna de sus obras a un disciplina para la cual no había sido compuesta, pues el autor, más allá de la dramaturgia, tiene obras en radio, cine y televisión, no sólo las letras por las que fue más conocido. La abstracción, el minimalismo y el absurdo revolotean casi como persiguiéndose: sus obras son un goce difícil, pero como gusto adquirido causa un placer que no se puede encontrar en otro lugar; leer, escuchar y ver a Beckett es un reto. No entretiene: Cautiva, envuelve, te hace perderte. A la par de la pieza performática que realizamos, debíamos hacer un escrito académico, pero nosotros decidimos escribir un texto, que honestamente no sé qué sea. Sólo buscamos en nuestro propio entendimiento del absurdo de Beckett arrojar una serie de afirmaciones invocando su espíritu y ese goce por las palabras, sólo por las palabras; las siguientes palabras: CAMPO DE IRRUPCIONES. 5 ACERCAMIENTOS Y SUS DISCONTINUIDADES. 1. Golpe al piso. Palabra exclamada, musitada, anestesiada. O grito profundo. Escuchar, o no escuchar, escuchar a medias o entre tonos.

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A. Sobre las vibraciones del objeto/soporte/sostén. Desde el límite bajo los pies, en el oxígeno del aire, las ondas sordas se mantienen hasta que con tímpanos topan y recorren-estimulan diciendo “hay timbre” al cerebro. Es tiempo, es espacio, es trayecto. La fuerza magnífica la razón de cambio recto entre un duo de sistemas de partículas no particulares. Golpe al piso. 2. Simular que en el golpe de voz no hay nada o dejar que pegue y rebote sobre el muro y/o el cuerpo. Mudez. Estridencia. Ruido sordo del mundo. O estallidos áuricos. B. Arquea la boca arrugando los labios, del aliento gástrico se hace vaho y sólo las frecuencias bajas traspasan el hormigón, un metro de diámetro, siente la presencia al otro lado subwoofer/70 hz/120bpm/200db. El derrumbe es inminente. Arquea la espalda, siente el vaho en el vientre. 3. Lecturas, ruptura y remezcla de los pedazos recogidos, rotos y fragmentarios. Experimentación en el discurso que se entreteje de restos. Restos de las voces que surgen desde la memoria (la voz del padre muerto se cuela entre las corvas de los hijos), desde la historia, desde el sonido contemporáneo de lo que hay. C. He leído y olvidado, sollozo por vergüenza mis memorias de las otras memorias escritas que leí. Recuerdo la mano-navaja incidiendo el cuerpo no para matarlo, solo para mirar, pero la mirada mata, yo solo he querido leerlo y lo he matado, es un recuerdo. A, B, C, D, encuentro al tomo muerto y lo tomo, lo vuelvo a matar, no me da nada, de nuevo tomo al tomo rasgándole las entrañas y me susurra “brisbristrintrestrisbri”, no le entiendo, no tiene aire, solo tiene el aliento de un muerto, seguro el eco de un estertor “brisbristrintrestrisbri”. 4. Presencias, espectros, niveles, matices y desniveles. Zona de convergencia. Y de urgencia. Intento vacilante, dubitativo de aprehender el espacio y sus voces, sus habitantes. Por lo menos dos y sus constelaciones afectiva, sanguínea, social, política. D. Supe de las seratas, del periódico impreso con sus ideales, que volcaron ebrios de juventud y se rieron de las alas de una señora aspirando grandes cantidades del aire de la cima del mundo que les volvió locos. Que inventaron palabras para escapar de la selfcleptomanía,

enfermedad casi tan terrible como el aburrimiento y que en sus caminatas se perdieron, por eso no pudieron echar paso atrás. Ya ciegos por su necedad, no hicieron caso de razones, eran niños de brazos queriendo aprender a hablar. Su paso se hizo deriva y todos enrarecidos fueron perseguidos, les llamaron degenerados, a algunos incluso les gritaban fieras; por miedo a ser encontrados se desfiguraron, pusieron sus ojos en la nuca, torcieron sus muñecas y voltearon sus manos, otros mas enardecidos se arrancaron las entrañas y con su sangre lavaron las paredes de iglesias, luego huían a esconderse, para poco después, dispersos, aparecer balbuceando letras y para vestirse de tarados decían que eran poemas; luego crecieron, se hicieron internacionales, volteaban las señales para desviar las miradas, muchos jóvenes los vieron y aspiraron también sesenta y ocho bocanadas del aire de la cima del mundo que les sobraba, fluyeron, pero nunca lograron nada y sin embargo, siempre se consideraron muy simpáticos. Dicen que ya viejos jugaban al ajedrez y que su mejor jugada la hacían nunca llegando. Ahora ya quedan pocos, ya todo es silencio, son las 4:33 y todo sereno. 5. Campos semánticos que colisionan, derrumban y construyen radialidades sonoras, no respuestas sino cuestionamientos, puentes abiertos, derrumbados o a punto del colapso. E. Una voz y dos voces, una dos y voz doces, usa dos y una dos voces, concatena. Pregunta en los cimientos con seguetas las varillas; cimenta las varillas a prueba de seguetas, pregunta cómo hacerlo. Ata tu lengua al lenguaje, desenróllala, dale su juego para que no pare, usa la escalera y bótala, no te quedes esperando sin tener con quien hablar...


Literatura

WALTER LEZCANO ESCRIBIR EN MEDIO DE LA DEVASTACIÓN

TXT:: Alejandro Mancilla FOT:: Télam

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mi parecer, ya lo han hecho Roberto Arlt, David Foster Wallace, Irvine Welsh, Kiko Amat, Guillermo Fadanelli, Felipe Polleri, y obviamente, Walter Lezcano (1979), la piedra escritural del rock argentino. Walter lo ha escrito todo por nosotros en diversos periódicos y revistas; además es editor en Mancha de aceite y docente de literatura. Entrevisté a Walter Lezcano con cierto miedo, intentando agarrarme de sus hombros, de sus páginas, para seguir siendo, sea lo que sea, a través de la tristeza que coloca en sus textos.

“Los felices no escriben/ ¿cómo hacen para soportar la vida?/ No tengo idea/ porque no soy uno de ellos”, escribe Walter Lezcano en el poema “Las peores vacaciones de la historia”, del libro Violencia doméstica (Santos Locos, 2016), un texto que nos representa a todos los afligidos, los melancólicos; para los que la vida no vale nada si no se escribe. Porque las baldosas también son grafías y hay que caminar sobre ellas a paso fuerte.

¿De qué manera influyó en Walter Lezcano el paso por la Escuela Industrial doble turno, para convertirse en escritor y después en docente? Mi paso por la Escuela Industrial lo percibo como mi paso por la cárcel. Se trató de una de las peores etapas de mi vida y fue también una de las que me predispuso para poder leer absolutamente todo, con una intensidad única que ya nunca más perdí. Creo que en ese sentido, se puede ver como un tiempo donde los libros me dieron una vida nueva y un nivel altísimo de experiencias que me ayudaron para lo que escribí después. En el caso puntual de la docencia, yo tenía claro que a mis profesores de Literatura durante el secundario no les interesaba para nada. La labor pedagógica (quizás el trabajo político por excelencia) era realizada con desgano, maldad y desprecio. Todas cualidades que tienen que estar por afuera de las aulas. Es frente a esta realidad en la que planeo ser docente para dar Literatura como me hubiera gustado que la compartan conmigo en la adolescencia. De algún modo, quiero que mi futuro modifique mi pasado. ¿Cuáles fueron los libros de tu niñez? Digamos que fue un caos. Las bibliotecas de los pobres son un guiso muy espeso cargado de lo que pinta en el momento. Leía lo que podía y nunca lo que quería. Así que podían ser historietas, pasando por el horóscopo chino, una novela de Dostoievski, los cuentos de Jorge Asís, autoayuda, los ensayos de Borges o lo que apareciera en casa. Eran épocas donde la inocencia y pureza eran las cualidades de esas lecturas: puro descubrimiento y exploración de un mundo. No discernía la buena de la mala literatura. Con el correr de los almanaques me encargué de solucionar eso. ¿Cómo subsistir ante la cumbia villera de los primeros días? Lo digo con tristeza: nunca pude encontrarle el gusto y la pasión al género. Tampoco al baile y a ese tipo de alegría. Así que con la cumbia siempre se trató de ignorar su mera existencia con un mecanismo simple pero demoledor: subir el volumen de lo que yo estaba escuchando como para ponerle un límite al mundo real que venía de afuera de mi habitación. ¿Entonces, de dónde provino el rock? De mis amistades, de mi hermana, de la radio, de algunas de las casas en los barrios en los que viví, de mis mejores compañeros de escuela y de las revistas de rock que compraba -o robaba sin culpa.

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¿Cuál fue la semilla del libro La Ruta del Sol (Ed. Gourmet Musical) sobre Él Mató a un Policía Motorizado? Descubrir la lírica de Santiago Motorizado significó encontrar un tipo de universo que estaba faltando en el rock argentino. Sus canciones, y los recursos literarios inesperados que utilizaba como compositor, abordaban temáticas conceptuales que escapaban a los lugares comunes de la música popular de ese momento en el que los descubrí. Así que quería ver si esas letras se podían sostener en el papel, con la página en blanco detrás y por afuera de los sonidos. ¿Cuáles son los avances de Mi Próximo Movimiento: Rock antes y después de Cromañón, el documental sobre aquella tragedia del 30 de diciembre de 2004? ¿Cuándo será su lanzamiento? Este año terminamos el periodo de filmación y luego nos abocamos a la parte más difícil: la edición. El plan es estrenarlo en el 2019. Pero, bueno, los planes también funcionan como empuje y combustible que a veces fallan. Estamos listos para posibles imprevistos. De algún modo, terminar este documental -junto a Golondrina Cine- se volvió una de las grandes aventuras rockeras de mi existencia. Háblame de Días Distintos: La Fabulosa Trilogía de Fin de Siglo de Andrés Calamaro (Ed. Gourmet Musical). Es un ensayo donde ingreso a la última gran crisis argentina, la del estallido social del 2001, a través de la trilogía involuntaria de Calamaro: la que conforman Alta suciedad, Honestidad brutal y El salmón: un periodo de altísimo nivel creativo de Andrés que se estaba llevando a cabo mientras el país atravesaba un periodo devastador a nivel sociopolítico y económico. Desde esa perspectiva, el fin de siglo funciona como límite y misterio de un momento inolvidable de la humanidad. Es por eso que las canciones de Andrés se convirtieron en el soundtrack perfecto de esa época en donde se ve claramente la vinculación (vital y metafísica, autodestructiva, y a la vez, luminosa) del artista para con su pueblo. ¿Es Luces Calientes (Ed. Tusquets) un libro autobiográfico? Es una carta de amor a mi generación. En el proceso de escrituras utilicé materiales que tuvieron que ver con mi vida real en esos años (fines de los noventa y comienzos de los dos mil), pero también con situaciones laterales que presencié o me contaron. Incluso, metí y utilicé ideas que tuve en esa época y que finalmente abandoné con los años (la adultez es una estafa y un infierno, pero ese es otro tema). En ese sentido, creo que Luces calientes activa uno de los posibles destinos que no tuve pero que quise explorar hasta las últimas consecuencias. Finalmente, ¿Gustavo Cerati o Adrián Dárgelos? Los dos. Sumaría en esa línea estética y hermosa a Federico Moura, Miguel Abuelo y Ale Sergi.


Cómic y narrativa dibujada

TXT:: Oscar G. Hernández

El reto del arte y de la creación es siempre constante. Para muchos el verdadero arte es aquel que es capaz de conmover, de sacudir, de generar esa sensación que se conoce como experiencia estética. Muchos creadores suelen estancarse en formulas que funcionaron y que les llevaron a la fama o al reconocimiento, para, de alguna forma, construir su ahora tan mencionada zona de confort.

El Cómic de Superhéroe: un gran reto

Es interesante en ese sentido observar los comportamientos en torno a esa zona de confort, ya que esa zona estabiliza y conserva un contexto. Pero no sólo es el artista quien construye esa zona; es también una red y entorno que las más de las veces no aceptan que la obra del artista cambie o que el artista sea capaz de cambiar. Suele ser difícil aceptar que a las audiencias les gustan las piezas que podemos llamar cómodas. Prefieren la fórmula repetida hasta el cansancio generación tras generación, la cual finalmente suele predominar. Al cómic se le ve aún en muchos contextos como un arte menor: La fama que construyó frente a la literatura o la plástica fue siempre de entretenimiento; dibujos para infantes o mentes menores incapaces de caer en pensamientos o reflexiones que despertarán análisis sesudos; lo que es más, al cómic se le ve como entretenimiento incapaz de producir esa conexión que genera una experiencia estética a la manera que lo hacían la literatura o la pintura. Este hecho para bien o para mal hizo que el cómic se convirtiera en una especie de asesino silencioso. El arte secuencial que hacía su camino fuera de los reflectores de las grandes instituciones como los museos, las universidades o la llamada crítica de arte. Ese ninguneo que recibió durante décadas es el que permitió que se pudieran gestar infinidad de estéticas y contenidos que hoy por hoy construyen la cultura pop de nuestros días. El cómic hoy es explotado a todos los niveles: cine, redes, series, música, teatro, literatura, etc., etc., se recurre a sus contenidos temáticos y visuales para nutrirse de ellos; de ahí los millones de dólares invertidos en las películas de superhéroes o tantas series que se producen basadas en las historietas, sólo por mencionar lo más evidente. Es interesante aquí observar que el cómic no enfrentó nunca como un reto, llegar a tener el reconocimiento que tiene ahora. Es decir: este reconocimiento se ha venido dando de manera orgánica, muy natural. El valor hacia el cómic explotó en ciertas ciudades del mundo como Nueva York, París, Buenos Aires, Tokio, Barcelona, y después, esas explosiones fueron ocurriendo en todo el mundo; tanto así que son otorgados premios de literatura a obras de cómic y bueno, qué decir de premios de teatro y cine para adaptaciones basadas en historietas. Tarde o temprano vendrán sin duda los premios por las series -por lo menos en occidente-. Hay

que mencionar que el gran anime japonés está construido a partir de los mangas en su mayoría. El reto en el cómic ocurre en ciertos niveles. Quizás más en las audiencias que fueron muy domesticadas por el predominio de las estéticas y contenidos del cómic de superhéroe, que, aunque hay cierto valor en este género, la realidad es que las más de las veces por su condición de ser ‘demasiado comercial’, tiende a ser muy artificial o soft. Recordemos que este género siempre fue dirigido a niños y adolescentes, y este factor hizo que le costara mucho dar giros. Pasaron décadas y una larga espera para que los editores y el público cambiasen y de esa manera arriesgaran en contenidos que el llamado comic underground o comix ya había rebasado. Este año murió el representante principal del cómic de superhéroe: Stan Lee; sin embargo es fácil afirmar que ese género es más fuerte que nunca gracias a Hollywood y Disney, ya que las películas y las series sembraron el gusto por esta fórmula que no desaparecerá en las nuevas generaciones, debido a los miles de millones de dólares que genera. Porque como mencionamos, hay una zona de confort creada que sirve tanto a los artistas, dibujantes y escritores que en la industria del superhéroe son vistos más bien como maquiladores, y sirve también a una audiencia cómoda que prefiere conservarse en ese nivel de contenidos. El reto para los artistas que rompieron con la maquila fue enorme y es de ahí que surgieron esos grandes nombres como Alan Moore, Neil Gaiman, Frank Miller o Dave Mazzuchelli, quienes reinventaron y se divorciaron del género. Estos autores no sufrieron realmente un rechazo o incomodidad al contrariar la línea del superhéroe; más aún, son piedras angulares para un sin número de creadores y una audiencia más exigente. La ironía radica en que los modelos creados por esa generación de ruptura ahora sufren de una apropiación o lo que en mexicano se le conoce como “agandalle”, por parte de la industria del superhéroe. Hoy día, la industria del cómic de superhéroe tiene como práctica contratar con naturalidad artistas -tanto escritores como dibujantes- que vienen del underground o alternativo, para conservar su estatus y mantener la fórmula. Estos autores no sufren de crítica o rechazo alguno y no es ningún reto para ellos entrar al género. Es más bien una especie de tributo o consideración para esas lecturas de juventud y sin duda una buena paga. A Stan Lee se le verá al igual que a Walt Disney: como un creador importante, y sin duda lo fue; pero también fue alguien que, más allá del trabajo creativo, consolidó la industria que un director de cine mexicano clasificó como “genocidio cultural”. El reto del noveno arte está quizás ahí: en poder escapar de ese “genocidio” y -que aunque hay una industria que domina el verdadero arte-, mostrar cómo todas las artes cuentan con ejemplos que se salen de su confort para siempre poder decir: no.

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Cómic y narrativa dibujada

Gala Navarro

Nació en la CDMX en 1987; quiso entrar a la Facultad de Música, pero fue rechazada en dos ocasiones. Sin embargo mantuvo un matrimonio feliz y agridulce por diez años con el piano clásico y el jazz. Más tarde vino el divorcio aunque aún se aman, y viven una relación abierta… Por muchos años trajo el pan a casa con una doble vida de bellydancer. Tras toda una vida rayoneando cuadernos en las sombras, el dibujo ganó su corazón en horario 24/ 7. Desde entonces ha estudiado continuamente y ha participado en exposiciones colectivas en México, Colombia y Japón. Forma parte del colectivo de narrativa gráfica autogestiva El Molúsculo y estudia una carrera en Diseño Digital, mientras trabaja arduamente como ilustradora y diseñadora independiente para alimentar a tres gatos y a Gordon, su rana albina. Síguela en: @gala_nav

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El pilón

Filosofía #Challenge

Si en efecto, el tamaño de las tonterías que cometemos fuera directamente proporcional a la molestia física que pudiera causarnos, viviríamos en una sociedad de seres que se retorcerían de sufrimiento en el piso.

“Es una pena que la estupidez no duela”, decía el fundador de la Iglesia de Satán Anton Szandor LaVey.

PORQUE, ENTRE quienes se vacían una cubetada de agua helada encima, aquellos que le obsequian un chocolate a la gente que no tiene qué comer o los que se bajan de un auto en movimiento para bailar una canción, poniendo en riesgo su vida y la de quienes lo rodean, deberíamos pensar seriamente en la conveniencia de que la estupidez lastimara un poco. ¿Por qué los seres humanos funcionamos a través de retos? ¿Por qué necesitamos competir de maneras absurdas para reforzar nuestra autoestima? ¿Es mejor quien se coloca en una situación extrema con tal de tener una fotografía o un video que compartir en sus redes? Ahora que termina 2018 y comienza 2019 habrá quienes dediquen buena parte de su tiempo a escribir un listado de sus propósitos de Año Nuevo. Hay los de cajón, que se tardan una vuelta completa al sol en aparecer nuevamente sin que nunca se cumplan: bajar de peso, dejar de fumar, superar ex parejas, hacer más ejercicio, viajar, ahorrar y terminar la tesis… Los mismos a los que quizá sólo haría falta colocar el apellido #Challenge para que se volviera mucho más atractivo cumplirlos. Pero en vez de eso, vemos que nuestros desafíos (#challenges) deben estar relacionados con el humor, con la posibilidad de hacer el ridículo y la necesidad circense que el ser humano tiene de ser el clown de este circo llamado existencia. Inevitablemente, entre más indignante y ridículo sea el reto que se cumple, igual de

elevado será la cifra de likes que consiga. Pero no debería despotricar tanto contra la filosofía del #Challenge; bien aplicada representaría una inmejorable manera de ganar batallas, de coleccionar triunfos. Un #Challenge bien enfocado abriría la posibilidad de una Selección Mexicana de Futbol que volviera del Mundial con el pecho hinchado y la frente en alto. De un país que votara plenamente informado. De influencers a quienes admiremos por su despliegue de neuronas y no su penoso derroche de hormonas. Fuimos creados para retarnos. Para poner a prueba la resistencia de nuestra voluntad e ignorar los malévolos sucesos de nuestro ego, el cual hará hasta lo imposible para sacarnos de nuestro centro, aconsejarnos que tomemos decisiones equivocadas y nos coloquemos en situaciones riesgosas que expongan nuestras calamidades, 24/7. Es el ego el que nos susurra que es buena idea atravesarnos la nariz con un preservativo y pasar a la historia por ello. Sin lugar a dudas, la estupidez debería ser dolorosa. Pero siendo sinceros, ¿a quién no le apetece participar en un #Challenge? Posar estático junto a tus amigos delante de la cámara de un celular. Entonar alguna estrofa de una canción pegajosa… escribir el artículo de pilón de esta edición de Marvin un minuto antes del cierre, sin tener la más remota idea sobre qué hacerlo. Misión cumplida. Agradezco que cuando menos hoy, no me duela..

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