Revista Marvin 103 :: Haters :: Molotov y Olallo Rubio

PRESIDENTE Y EDITOR EN JEFE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com

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PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO DONAJÍ MARCIAL dona ji@revistamarvin.com EDITOR WEB DANIEL PATLÁN patlan@revistamarvin.com CONTENIDO WEB PABLO PULIDO pablo@revistamarvin.com APOYO WEB SEBASTIAN ROMO WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luis Arce, Jorge Arias, Sebastián Franco, Hugo García Michel, Alejandro, González Castillo, A. A. Gore, Jorge Grajales, Óscar Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla, Samantha M., Andy Paz, Rafael Toriz, Jasiel Villa, Regina Zamorano.

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CO-EDITORA Y COORDINADORA GENERAL JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com

CARTA TORIA DI L E

Como nación, hemos vivido algunos de los meses más extraños de los últimos años, como sociedad todos nos volvimos haters.

Pero claro, el hater y su oficio no se limita a temas de índole político, al contrario, el ser hater (quejarse de todo incesantemente con pocos o ningún argumento) es algo que a bien tuvieron darnos las nuevas formas de socialización encubadas en redes sociales, o dicho de modo más coloquial; sin importar de qué se hable alguien siempre estará tirando mierda. Así creamos un número que desglosa el colorido abanico del hate en diferentes ámbitos, desde el musical, hasta el arte y el cine, pasando por la política.

Los ánimos generalmente tranquilos, se exaltaron ante las oscuras posibilidades que las pasadas elecciones nos ofrecieron. Desde la selección literaria de EPN hasta la prohibición de cuchi chuchi propuesta por JVM, pasando por la república amorosa de AMLO, todo no logró más que confundirnos, enfurecernos o en el mejor de los casos, hacernos reír. Las calles se llenaron de discusiones apasionadas, donde cada uno defendía o atacaba al otro con el mismo odio; amistades se rompieron, memes se crearon, multitudes se levantaron, contamos hasta 132, y al final se eligió (¿?) un gobernante.

Como medio dedicado principalmente a la música, nos resultó imposible no recordar un momento similar en nuestro pasado cercano cuando decidimos la portada de este número, me refiero –por supuesto– a la primera vez que cada uno de nosotros escuchó “Gimme Tha Power” de Molotov. “El pueblo unido jamás será vencido” cantaban en el 97, creando el último himno político que el rock mexicano nos ha dado. Aparentemente y en un coincidencia que sólo puede ser resultado de un momento decisivo en nuestra sociedad, Olallo Rubio (legendario locutor de Radioactivo y director de cine) también recurrió a este fresco recuerdo al proponerse contar la historia de la banda. “Molotov es producto de su entorno”, nos contó en entrevista, señalando la importancia de reconocer cómo el contexto genera reacciones en cadena; del mismo modo una serie de eventos se suscitaron en los meses previos a la elección, desde la creación a tientas de movimientos estudiantiles, hasta la salida del documental que Olallo pensó por allá del 2003, el cual nos hizo pensar en la importancia de Molotov, una banda que rompió todas las reglas, y quizá de manera más importante, hablar con Molotov y Olallo nos recalcó la importacia de la atemporalidad de la denuncia, de la queja y la acción. “El mundo no se cambia votando un domingo”, nos dijo Olallo, y nosotros estamos de acuerdo.

JIMENA GÓMEZ ALARCÓN

PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte / Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez.

Edición 103 correspondiente a: JULIO-AGOSTO 2012. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102.

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Haters ADA T R O

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REPORTAJE 10 BREVARIO. Perfiles y noticias de música, cine y arte 20 #NewKidInTown. Porque la moneda del hype tiene dos caras 22 COORDENADAS. Nuevos talentos musicales

MÚSICA

24 MÉTRIC-A para la hipermodernidad 26 Timber Timbre. La soledad atemporal 28 The Walkmen. El cielo se alcanza desde Brooklyn 30 Tras 20 años de My Bloody Valentine. Ruido blanco para las nuevas generaciones.

32 Entrevista con Butch Vig. Los noventas ya se fueron, pero dejaron su basura 40 Fenomenología del Hype II 41 Cosas que odio de la gente que escucha música hoy 42 Los 5 mejores discos de mitad de año.

43 Los 5 peores discos de mitad de año.

62 DE CULTO. 4 Falsas entrevistas a haters muertos.

BIO

. PO LÍTIC

50 Haters. Los mosquitos de las redes sociales

COLUMNAS

68 MAR ADENTRO Matar al pueblo por el pueblo Por Sebastián Franco Stepanenko 70 BAJO PRESUPUESTO. Dime cuántos haters tienes y te diré quién eres Por Hugo García Michel 70 OFF THE RECORD. A Paco lo que es de Paco. A Jay lo que es de Jay Por A. A. Gore 72 EL CUADERNO AMARGO Amistad a la española Por Paola Tinoco 72 AGUARRACES PORTEÑAS. Donde habitan las estrellas.

Por Rafael Toriz

RECOMENDACIONES 74 Música 82 Cine 84 TV 85 Libros 86 Estilo

CINE

44 8 Directores. 8 Elementos del cine.

64 DE CULTO. Shion Sono. El infierno del odio.

ARTE

54 Fernando Aceves. La leyenda de la fotografía del rock en México 56 Scott Sheidly. Haters en rosa 60 CÓMIC 66 DE CULTO. Por puro odio al arte

A Y ROCK.

88 EL PILÓN El mes en que todos nos convertimos en haters. Odio, perdón, activismo político..

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HATERS GONNA HATE

COURTNEY LOVE GONNA SCREW UP AGAIN

HATERS GONNA HATE LANA DEL REY GONNA GET HER LIPS DONE

Haters Gonna Hate

HATERS GONNA HATE BONO GONNA SAVE AFRICA

SKRILLEX GONNA SHAVE HIS HEAD

HATERS

GONNA HATE DAMIEN HIRST GONNA SELL

HATERS GONNA HATE KANYE WEST GONNA USE AUTO TUNE

haters gonna hate

HATERS GONNA HATE

YOKO ONO GONNA LET IT BE

ELBA ESTHER GORDILLO GONNA TEACH

HATERS GONNA HATE LARS VON TRIER GONNA WEAR A SWASTIKA BIKINI TO CANNES

HATERS GONNA HATE Haters Gonna Hate

HATERS GONNA HATE ROBERT PATTINSON GONNA SHINE

MANÁ GONNA RAYAR EL SOL ENRIQUE PEÑA NIETO GONNA READ. NOT

BREVARIO

—MÚSICA—ENTREVISTA

FOT:: KRIS TSAI.

LA GEOMETRÍA SUBJETIVA DE

MOMPOX

Mompox presentó su nuevo disco en una serie de conciertos en su estudio de grabación, frente a un público de 30 personas.

Dando la oportunidad de escuchar Triángulo en un ambiente íntimo.

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Haters

Cómo fue su experiencia en el Festival Marvin 2012? Ezequiel Spinelli: Antes que nosotros tocaron Los Fancy Free, quienes me dejaron impresionado. Es bueno ser parte de un festival de tal calidad, que impulsa el arte independiente e intenta llegar a toda la gente posible. Por desgracia, en Argentina falta organizar este tipo de eventos. Aquí hay equipos buenísimos, en cambio, en nuestro país no es así, tienes que llevar el tuyo y pagar para que te dejen tocar.

México te respeta por ser músico y eso lo agradecemos mucho. El Festival Marvin fue el principio de esta gran aventura. ¿Cuál es el concepto que envuelve a Triángulo? Alejandro Goldberg: Retro futurismo. Tiene influencias del rock de la década de los 50 hasta los 80 y de muchas bandas actuales. ES: En gran parte nuestro objetivo fue crear una imagen clara, durante todo el disco se habla de temas cercanos (soledad, amor, tristeza) pero a través de distintos puntos de vista. Lo genial es que el significado dependerá de cada persona. Es un disco con mucha fuerza. ¿A qué se debe este cambio de sonido más cercano al género electrónico? AG: Muchas bandas llegaron a nuestra escucha y eso nos motivó. Además dos de nuestros amigos viajaron a Berlín y regresaron con un gran número de ideas influenciadas por el movimiento musical alemán, además de equipo y sintetizadores de calidad. ES: La formación cambió antes de Triángulo. Un integrante se mudó a Londres y, al mismo tiempo, descubrimos que la banda se dirigía hacia otro lado. Nos caracteriza la necesidad constante de cambio, probablemente el disco que venga sea distinto al anterior. ¿Cuál es el presente de la escena independiente en Argentina? ES: Hay dos caras, una es la del negocio, totalmente devastado desde la crisis de 2001, que detuvo la actividad de las multinacionales (Warner y Sony editan un artista por año), no hay sistemas ni lugares para tocar, ni managers o prensa enfocados en el under. Pero al mismo tiempo, esa dificultad hace que las bandas se esfuercen en aumentar su calidad. Hay mucho talento que promover. Es un reto sobresalir, por eso estamos trabajando para llegar cada vez más alto. El estímulo y el esfuerzo van bien con el arte. Dicen que el tercer disco define el futuro de una agrupación, ¿ya tienen planes para nuevo material? ES: Hemos discutido mucho sobre ello. Nuestra forma de trabajar comienza con un planteamiento de ideas, pero sin darnos cuenta ya estamos en el estudio. Creo que haremos algo en enero próximo, pero antes de lanzar un larga duración, probaremos con un EP para medir la respuesta de nuestros seguidores.

BREVARIO

—MÚSICA

Feria i de la nterna Músi ciOna l ca CUA TRO

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SON ORO S

a segunda edición de la Feria Internacional de la Música (FIM) se llevó a cabo del 31 de mayo al 3 de junio. En esta ocasión, además de contar con las instalaciones de la Expo Guadalajara, la FIM tomó el escenario de varios foros de la ciudad, como el Teatro Diana, Auditorio Telmex, Old Jacks y el Teatro Estudio Cavaret. Durante cuatro días de charlas y buena música, la FIM logró pintar un completo panorama de la industria musical en México.

La exhibición estuvo abierta a todas las propuestas musicales, así como a tecnología y editoriales. Uno de los elementos más destacados de este año fue la exposición de artículos representativos pertenecientes a grupos de la escena nacional: la guitarra de Botellita de Jerez, el bajo del Tri, la primer laptop de Nortec, además de vestimenta tan ostentosa que sólo un rockstar podría usar.

Por el lado de las conferencias, se contó con la presencia del escritor Xavier Velasco, un ya conocido melómano que disfruta llevar su particular gusto por la música a sus historias; Enrique Blanc y su ponencia "Periodismo musical", "212-RMX" de Gonzalo Oliveros y las mesas redondas acerca de "El sueño panamericano" y "Promotores y managers en el siglo XXI: Las rutas hacia el escenario".

Pasando a la melodía de esta feria, la excelente calidad de producción sorprendió a todos los que asistimos a más de un evento. Géneros como el rock, la electrónica y la cumbia abundaron en los distintos foros que permitieron a los músicos entregarse sin reservas a su audiencia.

Carla Morrison, Andrea Echeverri y Camila Moreno, fueron las encargadas de cerrar esta exitosa edición de la FIM, misma que nos guarda muchas sorpresas para el próximo año.

Tras conocer otras perspectivas culturales de distintas partes del mundo, recorrer los pasillos de esta feria y rendir homenaje a una de las manifestaciones artísticas más sensoriales que existen, nos quedamos con esta conjetura: la FIM es un punto de encuentro para aquellos que aman la música, que . viven y darían la vida por ella.

N El periodista Enrique Blanc, además de encargarse de moderar conferencias, se dio a la tarea de llevar cine a la FIM, realizando una muestra fílmica en el marco de la feria.

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El periódico italiano Il Fatto Quotidiano, no disfrutó en lo más mínimo de esta cinta; dando una de las críticas más severas que ha recibido el director hasta ahora: “Ruinas imperiales. La Roma de Allen es la capital de los lugares comunes”.

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—CINE

Woody Allen es lo que podríamos llamar un workaholic, un ser obsesionado con el trabajo. En estas últimas décadas ha sido el cine, pero antes fue la televisión y la comedia de un solo hombre. Este rasgo no sólo se infiere con ver su extensa filmografía, sino que lo ha declarado públicamente: no puede estar un día sin trabajar. Y su manera de hacerlo es filmando tanto como pueda, la antítesis de autores como Stanley Kubrick o Andrei Tarkovsky, a quienes imagino igual de obsesionados a partir de un método radicalmente opuesto: hacer puras obras maestras, aunque fueran pocas. De esta forma, no podemos esperar que una vez al año Woody se reinvente, nos sorprenda y nos llene de asombro. Sucede, quizá, cada cinco, cada diez años. La edad también es un factor.

To Rome With Love (2012) es una suerte de antología de varios de sus personajes clásicos. El formato es similar a Deconstructing Harry (1997), una de sus mejores cintas, en la que se representan las historias de un escritor.

Su reciente incursión italiana también cuenta con varias tramas sin ninguna relación entre sí; lo único que tienen en común es que suceden en Roma. Dos historias se desarrollan con personajes italianos: en una Roberto Benigni, un hombre común que se vuelve famoso de la noche a la mañana; en otra, Penélope Cruz es una prostituta que se ve forzada a actuar como una mujer casta a punto de casarse. Hay una pareja estadounidense que se conmociona con la visita de una amiga, Ellen Page, que seduce al joven arquitecto interpretado por Jesse Eisenberg, mientras éste recibe consejos de un Alec Baldwin que nadie puede ver más que él. En la cuarta historia aparece Allen como el padre de una turista norteamericana que se enamora de un italiano y se compromete para casarse. Cuando Allen llega con su mujer descubre que el padre de su futuro yerno tiene una voz privilegiada, pero sólo cuando canta en la regadera.

La puta, la infidelidad, la celebridad, el padre casi senil a quien nada le sale; ingredientes del platillo se antojan suculentos, y la suntuosa fotografía y el desfile de caras conocidas la vuelven casi irresistible. Sin embargo hay una auto-indulgencia que la atrofia, sin duda producto de su status de leyenda viva. Es una película estéril que no por eso deja de entretener, pero nunca como lo hizo en el pasado. No es la insufrible You Will Meet a Tall Dark Stranger (2010), pero tampoco es Small Time Crooks (2000), por citar un ejemplo de su alta comedia. Lo que más se agradece es verlo a él en la pantalla, siendo su personaje y el de Benigni los dos mejores. Dos astros de la comedia en la misma película dan un resultado aceptable, y mientras las otras tramas se desenvuelven el público espera con ansia que uno de los dos regrese, además de la despampanante Penélope, cuyas curvas llenarán de júbilo al más mojigato de los espectadores.

Es difícil explicar por qué la película no funciona como debería. Las piezas están en su lugar y . las risas no están del todo ausentes, pero tanto sus casi ochenta años como su fecunda imaginación LL O que da un largometraje al año deslavan un poco el proceso creativo del artista. Roma aparece en R E todo su esplendor, como lo hizo con Venecia en Everyone Says I Love You (1996), con Vicky Cristina IV R Barcelona (2008) y el año pasado con Midnight in Paris. Están las digresiones en torno al IO IC amor y la muerte –ejes vitales de su obra–, los diálogos insuperables entre personajes R T atribulados por sus circunstancias, hasta los momentos bochornosos de pena ajena PA N que tanto se disfrutan, pero la magia se ha extraviado entre tantas historias, A JU tantos personajes, tantos sets de filmación. : T: Aunque hay algo que se ha perdido en el camino, To Rome With TX Love no deja de ser otra muestra de su ingenio.

BREVARIO

Varias esculturas de Alejandra Zermeño fueron expuestas en la galería al aire libre del festival #Marvin12.

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—ARTE

l cuerpo como figura y como concepto, ha sido objeto de estudio de artistas desde el momento en que el el primer hombre pintó en cuevas. La cualidad significante del cuerpo es el componente primario de la obra de Alejandra Zermeño.

En sus esculturas, el cuerpo lo es todo y puede referir a todo.

Con la escultura como medio, Alejandra avanza una carrera que inició desde pequeña: “Era muy niña cuando empecé a hacer cosas con plastilina que no tenían ningún sentido objetual, no supe que quería estudiar arte hasta la adolescencia. Irónicamente, en la preparatoria tomé un curso de modelado y la maestra casi me reprueba”.

Superando esta mala experiencia, Alejandra se embarcó en la carrera de arte en la Academia de San Carlos: “Todos los conocimientos que obtuve en la escuela los apliqué a la vida profesional, que tiene que ver con el quehacer cotidiano.

Ahí fue donde encontré inspiración para todos los procesos y formas que utilizo en mi trabajo”.

A menudo la inspiración parece llevarla a terrenos del cuerpo: “Me gusta mucho la figura humana porque permite identificarse de inmediato con el otro, tiene diálogos muy curiosos con el espectador y además con el entorno. No es literal, yo no hago hombres, hago representaciones de él. El acercamiento que puede tener el espectador cuando ve algo realista, ver cómo se identifica al mismo tiempo que le otorga un significado, resulta fascinante. Hasta ahora no hay otras formas que me interese explorar".

Los materiales empleados en su obra se mueven lejos del plano orgánico, esto se debe en gran medida a la carrera que Zermeño desempeñó en cine y televisión y que le dejó un conocimiento empírico: “Todos los procedimientos y materiales que aplico, los aprendí del cine. Son elementos urbanos que se encuentran en nuestro entorno: resinas, poliuretanos y plásticos, que después complemento con telas, estambres e hilos. Mezclo dos factores importantes: uno, lo que me presenta la cotidianidad y la experiencia de trabajar en procesos industriales; y dos, elementos femeninos. Esta fusión me permite darle nuevos significados a elementos comúnes y llevarlos a un plano escultórico”.

Su particular visión del cuerpo ha hecho de Alejandra una artista reconocida a la que no hay que perderle la pista, tanto así que ella, quién FOT:: FRANCISCO KOCHEN. reprobo su primer taller de modelado, ahora es docente: “Cuando empecé a dar clases me di cuenta que por fín sabía cómo hacer bien las cosas, todo venía de una práctica muy ardua, hasta que las manos dolieran. Me gusta compartir mi experiencia; doy consejos de cómo llegar a un objetivo principal en poco tiempo. Todas las observaciones que hago a mis alumnos, también son para mí”.

Pero la experiencia –como es bien sabido en el arte– nunca acaba, es por esto que Alejandra continúa con un sinfín de proyectos, los cuales incluyen una exposición en la galería MyL, a inaugurarse en noviembre de este año, y su muestra individual titulada “B.I.D.A” (Biología Interna De los Animales) en el Museo del Chopo (febrero 2013). También, por segundo año, participará en la Bienal de Connecticut.

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—PUBLICIDAD

lOs Mad Men eXisten ENTREVISTA CON WALTER AREGGER (CO PRESIDENTE CREATIVO DE DDB MéxICO) y MATÍAS DEL CAMPO (DIRECTOR DE SERVICIO A CLIENTES).

omo revista, Marvin aspira a muchas cosas; ganar un León de Cannes sin embargo, era algo que no veíamos venir, esto hasta que nos encontramos con DDB, una joven agencia de publicidad. La combinación fue perfecta y el resultado de ésta, mereció uno de los premios más importantes de la industria. Hablando con Walter Aregger y Matías Del Campo, descubrimos más de la publicidad y averiguamos de una vez por todas, qué tan realista es Mad Men.

DDB ganó en al pasada edición de Cannes, el premio León de Bronce en la categoría de radio por la campaña publicitaria para Revista Marvin.

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¿Cómo ven el nivel de la publicidad en México en comparación con la que se hace en Argentina, Brasil, Chile o Latinoamérica en general? Walter Aregger: Yo creo que México está viviendo un momento muy positivo; una explosión interesante de la calidad en términos de creatividad. Un fenómeno que en Brasil y Argentina se dio un poco antes que aquí. Este año México corroboró en Cannes –con 20 Leones ganados hasta el momento– que va en ascenso. ¿Toda esta revolución de la publicidad a qué se debe y qué cambios hubo? Matías del Campo: México se animó a hacerlo y empezó a observar qué era lo que pasaba en el mundo y durante muchos años quizá estuvo reprimido y un día se dio cuenta de que así como es una potencia como país, también podía ser una potencia en otros aspectos como el publicitario. Aquí lo que cuenta es que se animó. ¿Qué tan importante es ganar premios de publicidad para una agencia como la suya? WA: No es fundamental. Me parece que los premios no garantizan que una agencia sea buena o mala. Pero sí es una especie de termómetro. MDC: Si bien no es lo que los clientes hoy están buscando, los premios validan y le dan seguridad sobre sus agencias. En Argentina tenemos un término que se llama cholulaje, esos 5 minutos de fama que quiere todo el mundo, me parece que eso se mezcla con la garantía de trabajar con el mejor.

Sabemos que los premios Cannes de cine son muy reconocidos para productores y cineastas mundialmente, pero ¿en la publicidad qué significa ganar un León de Cannes? W: Para mi significa eso o más inclusive. Es de los más representativos. Lo que pasa durante una semana en publicidad no lo logra ningún otro festival y es el premio más importante que puede ganar un creativo y un cliente en la industria de la publicidad. El festival de Cannes de cine equivaldría (irónicamente) al Oscar. ¿Les ha pasado que un buen trabajo no haya sido reconocido y uno malo sí?

WA: Hace muchos años hicimos la campaña “Las cosas como son” de Sprite que fue muy importante en Latinoamérica. Trazó las bases de la marca Sprite hacia el futuro y se sigue usando el día de hoy. Esa es una campaña que no estuvo en el shortlist del festival de Cannes. En el caso de los comerciales de radio que hicieron para Marvin, ¿en qué se inspiraron para este proyecto? WA: Lo que nos inspira es la pasión por la música. Las personas que trabajaron en el proyecto tienen un promedio de edad de 25 años. Es gente que vive la revista, están haciendo lo que ellos consumirían y hacen el tipo de comunicación que a ellos les gustaría ver, creo que esa es la gran ventaja. Por eso también es tan valioso haber ganado en Cannes con Marvin. MDC: Fue el proyecto perfecto una agencia rocker.

Me parece que tiene que ver con esto, de que se encontraron dos idénticos: una revista de rock y una agencia joven, y por eso se logran este tipo de resultados. Creo que tiene que ver con buenas combinaciones, se armó una linda pareja que hace que las cosas fluyan, y que la creatividad sea premiada por gente de todo el mundo. Hay muchos mitos en torno a la publicidad, muchos imaginamos que es como en Mad Men, ¿sí hay similitudes? MDC: Creo que la magia de la serie es que muestra mucho realismo, no hay personajes que sean superhéroes, hay personas reales y cada uno escoge al suyo. Ha logrado una clarísima foto de lo que es esta industria y conserva la esencia intacta. WG: Además por otro lado, despierta todo el glamour que el medio tenía –ahora ya no bebemos tanto, no usamos esos sombreros o fumamos puros (risas)– y por ahí vemos la época dorada de la publicidad. ¿Ustedes se identifican con algún personaje en especial? WA: Que difícil, nos prendemos fuego si contestamos eso, yo prefiero mantenerlo en el anonimato. MDC: Si quieres poner algo te diría que a Sterling lo miro con cariño (risas).

TXT:: SEBASTIÁN ROMO.

Sabemos que recibes una gran cantidad de información, la mayoría proveniente de los miles de blogs de música que a diario te dicen qué está de moda y a quién debes escuchar. En esta sección, nos damos a la tarea de poner las cosas en perspectiva y valorar por qué o por qué no debes escuchar al nuevo chico de la cuadra. De esa manera, podrás decidir si quieres recibirlo en tu iPod o enviarlo a la bandeja de reciclaje.

Escucha a Azealia Banks en www.marvin.com.mx/mas-musica

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CONTRA

T X T : : T O N Y R O M AY.

T X T: : J i M E N A G Ó M E z @ J i M E N A _ B Lu E .

En cuanto a carrera musical, todavía no hay mucho que decir de la señorita Banks. Tan sólo tiene veintiún años y acaba de debutar oficialmente con el EP 1991. Previamente hizo algunas colaboraciones con Major Lazer, Scissor Sisters y apareció en un remix a “Blue Jeans” de Lana del Rey. El año pasado, antes de sacar este EP, lanzó un sencillo en descarga gratuita titulado “212”, el cual rápidamente llegó a los primeros lugares en Europa y captó la atención del mundo, tanto fue su éxito instantáneo que la BBC la nominó para Sound of 2012, encuesta que hacen críticos y personajes de la escena musical, cuyo objetivo es predecir “the next big thing” año con año.

En el video de esta canción, que a la fecha cuenta con más de 20 millones de vistas, podemos apreciar la facilidad de Azealia para articular palabras y rapear como pocas sobre un beat electrónico sencillo pero enganchador, con letras directas y explícitas, y movimientos y expresiones bitchie style, pero que no caen mal, al contrario, ex Miss Banks tiene carisma y eso es parte de su éxito. Su nuevo sencillo “Liquorice” que apenas salió hace unos días, se perfila para ser el hit de verano en las pistas de baile con su sonido hip house, y sus mil bitches/ niggas por minuto.

Por algo el famoso DJ/productor Diplo y el dueño de la reconocida disquera independiente XL Recordings, Richard Russell, se fijaron en ella hace algunos años y la quisieron integrar a sus proyectos, aunque sin éxito, ya que no pudieron acabar el disco que sería su debut debido a diferencias creativas, o mejor dicho, Russel quería imponer su sonido y Azealia terminó por mandarlo al diablo con todo y disquera. –“I guess that kunt gettin’ eaten”–.

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Haters

¿Qué pasa cuando eres un chica guapa, neoyorkina, bisexual y mal hablanda? El mundo se orina en sus pantalones de emoción.

Lo primero que quiero decirles a todos es, “cálmense motherfuckers”. En serio, cálmense. Azealia Banks no tiene ni un disco, acaba de sacar un EP (que no es la misma cosa). No tiene un hit, “212” apenas alcanzó a rozar el nivel de éxito mainstream que el hip hop suele tener, y se ha pasado la gran parte de año discutiendo (beefing) con medio mundo, pues ahora resulta que el street cred se construye en Twitter. Azealia no es, como muchos intentan vendernos, la cosa más nueva, más buena y más mejor del hip hop, incluso se le llama la “nueva Nicki Minaj” (¿cómo carajos puede ser la “nueva” Nicky Minaj, cuando la “vieja” Nicki Minaj sólo ha sido Nicky Minaj por un año?¡¿CÓMO?!) y aunque tal comparación podría ser halagadora para muchas, Azelia odia prácticamente a todas las demás MC mujeres, pues en el hip hop si eres mujer o eres un accesorio en putishorts, o eres una perra (o las dos). Sus estúpidas peleas con la cero talentosa Iggy Azalea (novia de Asap Rocky) y la nefasta Kreayshawn, y el oso social de correr a su manager, contratar a otro, correrlo a él también y contratar a su novio, todo para acabar diciendo que ya no es rapera, que de ahora en adelante se le deberá llamar vocalista y que no quiere saber nada del “juego del rap”, muestran el comportamiento de alguien a quien le interesa mucho más la fama que la música. Además debo confesar de que yo ya estoy harta de la impaciencia de los medios, ¿con tan poco se conforman?, ¿les basta una simple canción, un par de festivales de renombre para reconocer verdadero talento?, ¿tan cabrones están que con eso pueden declarar que alguien es bueno?

Cálmense…

Coordenadas es un sección dedicada a las bandas y proyectos a seguir, ya sea porque están editando nuevo material o porque sean propuestas emergentes interesantes.

¿Crees que en Cancún todas son bandas de covers para borrachos incultos y fiesteros? Nah, también existe esta banda con una propuesta clara que desde el año 2000 ha estado haciendo ruido: “Cancún es una ciudad extraña pues aquí lo que gobierna musicalmente son los antros, el hip hop y el reggaetón, y la mayoría de la música que escucharás aquí es en Aster Pauler tiene sus raíces musicales en The Beatles, Artic Monkeys, Kashmir y otras bandas ingles”, comentan, ¿su defecto? Que cantan britpop. El nombre del proyecto surge de la conjunción de las palabras Aster = estrella (en en inglés, pero seguro eso les puede acarrear griego) Paulen = Paul McCa + Lennon. Lo interesante del grupo es que siendo fanáticos de las más fans spring breakers, ¿o no? Lo cierto es que bandas inglesas, deciden emigrar a Londres. ¿A qué suenan? El grupo destila pop y buenas se trata de una banda forjada en vivo con un sonido melodías, y para destacar entre las bandas inglesas, han pensado en agregar contrabajo y energético en sus grabaciones que muchas bandas ya trompetas a sus canciones. consolidadas envidiarían.

Ubicación: Cancún, Quintana Roo. Integrantes: Félix (guitarra y vocales), Fernando Murillo (bajo) Charles Novelo (batería).

Influencias: Nirvana, Pink Floyd y The Who.

Ubicación: Durango/U.K. Integrantes: Andrés Saracho “Ness” (bajo y voz).

Alfredo Corrales (guitarra rítmica y coros).

Omar Arellano (piano y sintetizadores) José Ramírez “Harrison” (guitarra principal y coros).

Saúl Sarmiento (batería y coros).

Sobre las complicaciones de trabajar desde provincia: “muchos "productores" te hablan como si fueran Rick Rubin, Butch Vig o Alan Parsons”

Discografía Básica: London Siete E.P (2009) On the Road L.P (2011)

Si se ponen haters: “Odiamos nuestro sistema político y la forma de explotación en la que nos mantienen, pero lo que más nos molesta como banda y músicos es que las grandes multinacionales se hayan olvidado del arte de la música”.

Si nos ponemos haters … ¿Si los hicieran carnitas, serían color púrpura?

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Si se ponen haters: “Somos haters de la mala música, del reggaetón y las boy bands” Si nos ponemos haters … Si se fueron a Londres, pues ya quédense allá ¿no?

Redes: facebook.com/asterpaulen twitter.com/asterpaulen soundcloud.com/aster_ paulen myspace.com/ asterpaulen

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TXT:: ALEJANDRO MANCiLLA.

Let Me Die es un interesantísimo proyecto melancólico influenciado por artistas como Shaky Leza, Mono, The Notwist y The Amazing Norma. El grupo surgió hace un par de años y después de que dos de sus integrantes (Amulio y Golias) dieran el rol por Europa, la banda está de vuelta en México presentando su primer disco. Sin duda, una banda a la que no hay que perder de vista, vale la pena sumergirse en las texturas de sus canciones atemporales, ideales para días lluviosos.

Ubicación: DF Integrantes: Amulio (voz y guitarra), Golias (guitarra), Johnny Ego (bajo), Arturo Fernández Medina (batería). Colaboradores: Neto_OC, Fernando Bazán, Pansatan, Aura Antonia García.

Discos favoritos de toda la vida: Amulio: The Fountain de Clint Mansell.

Golias: Pulp Fiction, Varios.

Johnny: The Wall de Pink Floyd.

Arturo: Un mundo separado por el mismo Dios, Nacho Cano.

Busca en tu YouTube más cercano: el reportaje que les hicieron en la televisión nacional búlgara, con el siguiente tag: “let me die interview bTV”. Su primer disco lo puedes encontrar en NWLA.tv (2012): http://www.nwla.tv/lmd Si se ponen haters: Amulio: Odio el intento de encasillar todo lo que pasa en el mundo.

Nada de lo que existe es tan simple como para poder ser clasificado Cuando se dieron cuenta de que Maná no era rock, comenzaron a clavarse tajantemente. Aplicado en el ámbito musical, me molesta que, desde en The Beatles, Pixies, Ringo Deathstarr y más. El grupo está integrado la gente normal hasta los "críticos" y conocedores, se empujen por: Abel Bucio (guitarra y voz), Mauricio Mendoza (bajo) y Leobardo Rendón conceptos preconcebidos sobre el consumo musical. Golias: (batería) quienes hacen un rock mugroso…perdón, muy potente y de calidad.

Las bandas prefabricadas de “rockeritos” adolescentes son Después de haber lanzado el sencillo y el video de “Tarde Púrpura”, la banda insoportables, ¡sobre todo si tienes una hermana de 15 terminó de grabar su primer EP bajo la producción de Antonio Montes de Los años! Johhny: Yo soy hater de los haters, gente que sólo Románticos de Zacatecas, del cual se desprende el primer sencillo “Ay Amor, una se queja y no propone.

Receta Para Madrugar”. Sin duda, una de las propuestas a seguir si lo tuyo es el rock y no Arturo:Justin Bieber. te importa la moda.

Ubicación: D.F. No te pierdas: Su versión a “Your Mother Should Know” de The Beatles.

Sus discos favoritos de toda la vida: Strangeways, Here We Come de The Smiths Nevermind de Nirvana White Album de The Beatles

Si nos ponemos haters … ¿”Let me die”?

Por nosotros, adelante…¿Quién los está deteniendo?

Redes: http://www.facebook.com/ letmedieband

Si se ponen haters: Odiamos que ya no disfrutemos un concierto con los ojos y con la piel, y que ahora nos preocupe más capturar con nuestro celular la mejor toma. Odiamos no tener dinero, pero también trabajar en una oficina.

Odiamos que no se sepa que hay después de la muerte, ya que creemos que muchas respuestas están ahí. Odiamos a las bandas que porque no encuentran un vocalista decente se vuelven instrumentales y dicen que tocan "post rock". Y odiamos que las morras bonitas no nos pelen.

http://www.myspace. com/letmedieband http://www. soundcloud.com/ letmedieband

Si nos ponemos haters… "Cuando alguien te diga "que estás escuchando?" y le digas que a Oso Mugroso, la verdad qué oso..."

Redes: Facebook: Oso Mugroso Twitter: @Oso_Mugroso

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Independencia, hipermodernidad, libertad, profundidad y madurez; algunas de las palabras usadas por James Shaw (guitarrista y productor de Metric y miembro del colectivo de genios, llamado Broken Social Scene) al hablar del quinto álbum de Metric, Synthetica. Éstos términos resultan difíciles de unir con el pop electroso –inteligente sí, pero principalmente bailable– al que Metric nos tiene acostumbrados y Synthetica no es la excepción; no es un cambio radical y definitivamente no es un pesado comentario musical existencialista, pero sí es mucho más profundo y si se está dispuesto a mirar de cerca y oír por un buen rato, algo de filosofía se puede encontrar... y si no, pues siempre nos quedará el baile.

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tA iS w v A E tr SH N S Marvin: E M E Han pasado J A tres años desde

que salió Fantasies, que tuvo un éxito increíble, ¿estás nervioso por la reacción que tendrá este nuevo disco?

James Shaw: No estoy nervioso, estoy muy emocionado. Estoy muy orgulloso del disco que creamos.

Creo que es un álbum muy identificable como Metric, y creo que a los fans les va gustar mucho.

Es muy emocionante. ¿Qué tan diferente es este disco?, ¿cómo suena Metric después de 10 años como banda?

JS: Definitivamente suena como la misma banda, no hay una diferencia radical entre Synthetica y nuestros discos pasados, pero sí hay una evolución. Me parece que eso ha sucedido en toda nuestra carrera; entre Live it Out, Grow Up and Blow Away y Fantasies hay ese cambio. En este me parece que hay más madurez y profundidad.

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Haters

Tú produjiste el disco, ¿cómo fue este proceso?

JS: Fue maravilloso, tenía mucha libertad de hacer lo que quisiera, de ir a donde mi imaginación me llevará, tenía los medios y tiempo para lograr el sonido que quería.

Desde el principio del proceso de grabación comencé a usar estos sintetizadores análogos que se usaban en los cincuenta, y todos estos instrumentos hermosos y viejos; me encontraba muy inspirado. Cuando comencé a escribir, a producir y a interpretar las canciones de Emily, me sentí muy bien, fue un proceso muy satisfactorio musicalmente.

Pero siempre está el otro lado; es difícil grabar un disco, siempre quieres llegar a lo que sabes que puedes hacer, llegar a lo mejor que puedes dar. Hay veces que salía muy fácil y rápido, en otros momentos había que intentar e intentar, pues sabíamos que aún no habíamos llegado a ese punto.

El proceso de crear algo que puede cambiarte la vida, siempre tendrá un momento donde te desgarres las entrañas, puede ser muy doloroso.

¿Te parece entonces, que este disco te cambiará la vida?

JS: Es difícil saber qué tan bueno o relevante será, tendremos que esperar. En mi experiencia he comprobado que lo mejor es no tener expectativas, pero sí intenciones.

Este es el primer disco que sacan bajo su propia disquera, ¿cuál es la intención principal de ésta?

JS: Por la clase de banda y artistas que Emily y yo somos, funcionamos mejor trazando nuestro propio camino, tomando el control. Creo que somos el tipo de personas que prefieren la libertad: si queremos grabar una canción, la grabamos; si queremos lanzar un canción lo podemos hacer en 10 minutos.

Esa clase de libertad ha hecho una gran diferencia en cómo vivimos nuestras vidas y carreras. Es mucho trabajo, pero en realidad no es una disquera tal cual, le llamamos así porque de esa forma se entiende, pero en realidad sólo se trata de crear una infraestructura para que la banda funcione, así que no tenemos intención de firmar bandas. Si alguna banda me llamase mucho la atención y creyera en ellos, tal vez la firmaría, pero en realidad no está pensado así.

Una disquera que no firma bandas, es un tanto hipermoderno…éste es el tema de Synthetica ¿Cierto?

JS: Sí, estamos viendo el mundo en el que vivimos ahora, y se vuelve muy confuso distinguir que es real y que es una reproducción. Lo autentico de lo falso; tienes mil quinientos amigos en Facebook y no conoces más que a diez, si estás mandándote mensajes por celular con alguien, ¿es eso una conversación? Nos interesa saber qué está pasando ahora y es muy difícil saberlo pues todo se está moviendo muy rápido. Nos saca un poco de onda la tecnología y los cambios que está causando en la cultura y las relaciones. El disco busca comentar sobre este fenómeno.

Con este disco queremos hacerte bailar y pensar. Al principio te hará pasarla bien, pero si quieres ir más lejos y ver que hay detrás de eso, también lo puedes hacer.

Justo éste fenómeno, ha dado lugar a la creación de otros, como el de los haters, ¿tú tienes haters?

JS: Hay haters en todo lados. Por cada cosa que existe en el mundo, existe alguien que la odia. Yo odio a la gente que odia. (risas). M

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La soledad suele ser vista como un defecto, como una conducta sociópata, incluso puede convertirse en una enfermedad, sin embargo, hay mentes que funcionan mejor recluidas y ba jo sus propios términos. Taylor Kirk, cerebro detrás de Timber Timbre, es uno de estos casos. Tímido, sincero y sin placer por los reflectores; un amante de lo clásico y lo tradicional que busca dejar un legado atemporal con sus canciones. Con sombrero, botas y el logo de su banda tatuado en los nudillos, Kirk platicó con nosotros.

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arvin: Hoy en día hay mucha gente haciendo folk, no sólo en Canadá, en México y en Estados Unidos también, ¿a qué crees que se deba esto?

Timber Timbre: Para mí hace sentido que la gente esté regresando a la música que se hacía antes, los pueblos rurales se hacen más pequeños y las ciudades más grandes, es como lo mismo. Es una reacción a los grandes avances en la tecnología.

Además está el resurgimiento de las tradiciones de la música popular americana. Así es como yo llegué al blues, por ejemplo.

Creo que yendo a la música de antes se descubren las raíces de los géneros.

La estética alrededor de Timber Timbre siempre me ha parecido

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Haters

muy interesante, son como fotografías muy clásicas intervenidas por diseño gráfico contemporáneo, ¿a qué responde esto?

TT: Siempre he querido hacer cosas que sean atemporales.

Algo que tanto música como imagen parezca que pudo venir de cualquier era. La mayoría de mi música favorita tiene esa característica. No quiere decir que haya tenido éxito, pero esa es la idea y es hacia donde quiero ir, lo que me motiva a hacerlo.

Los videos de Timber Timbre son muy característicos ¿Cómo funciona eso: tienes las imágenes en tu cabeza mientras escribes o le das completa libertad al director?

TT: Procuro trabajar con amigos

que son artistas visuales, fotógrafos o directores de películas. Ya ni pienso, son los artistas los que hacen todo, ellos escogen la canción y deciden qué tratamiento darle. Lo único que siempre dejo en claro es que yo no quiero salir en los vídeos, no me gusta.

Eres una persona muy calmada y tranquila, justo como tu música, ¿cómo logras mantener esa calma arriba del escenario?

TT: Me ha tomado mucho tiempo sentirme cómodo, creo que fue hasta este último año que he podido hacerlo. Nunca ha sido algo natural para mí, todos nos ponemos ansiosos y nerviosos.

Es complicado pero cuando logré una cierta comodidad fue cuando decidí presentarme yo solo, sin

más músicos. Es raro y hoy es una prueba (Nota: esa presentación tenía cerca de 1000 asistentes) ¿De qué manera se da y de qué manera lidias con el hate que puede generar la música folk?

TT: Por lo general yo sólo escribo de cosas personales, mis propias historias. Tengo cierto hate en mis historias pero intento disfrazarlo con metáforas o símbolos. Es chistoso por que la música folk en un inicio era totalmente política y contestataria, era la música del pueblo. Ahora se ha convertido en algo completamente diferente, ahora la música por lo general se hace por gente que es privilegiada, como yo. Nunca me he tenido que asumir con cierta postura política, es un poco patético la verdad, no me enorgullece. M

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Brooklyn e

n una fotografía promocional de su pasado y espléndido álbum Lisbon (2010), aparecían trasladando un piano de un vecindario a otro, semejaban los chicos de Godfellas (1990), la película de Martin Scorsese; tipos sacados de otro tiempo.

Siempre tuve la sensación de que pertenecían al Brooklyn del pasado, que poco o nada se parece al que desde hace unos años concentra la atención de los medios por su estallido de vanguardia. Ése que se identifica con Animal Collective, Dirty Projectors, TV on the Radio, The National, Sufjan Stevens y Vampire Weekend, entre tantos más. Ellos ya estaban allí hace una década o incluso un poco antes.

The Walkmen vive aún en el barrio de Huérfanos de Brooklyn (1999) novela de Jonathan Lethem, en ese barrio de trabajadores, hampones de toda laya, inmigrantes y gente del puerto.

Todo lo anterior sería meramente anecdótico

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Haters

de no ser porque la música de Heaven, séptimo álbum de la banda, refuerza tal vínculo.

Progresivamente han bajado la velocidad de sus canciones y tirado por una veta mucho más acústica, en la que caben hasta las baladas.

El resultado no les sienta nada mal. Han perdido romance para buscar ligarse a las melodías; sin embargo no niegan su nexo con el rock de la vieja escuela o con el folk menos tradicionalista, cosa que queda clara desde el primer tema “We Can’t Be Beat”.

Les interesa un sonido muy orgánico, con la electricidad bien dosificada y bajo la premisa del “menos es más”. Querían que hubiera coros y cierta sensación de nostalgia; de allí que eligieran como productor a Phil Ek, el hombre que perfiló el Helplessness Blues de Fleet Foxes y Wincing the Night Away de The Shins (¿acaso no queda claro ese flirteo entre el folk pastoral y el indie guitarrero?).

Han confeccionado 13 canciones en el estudio del

productor en Seattle y ya que andaban por esas tierras, invitaron a Robin Pecknold, líder y cantante de los Foxes a colaborar en un par de temas –jugada maestra–. Hay que decir que The Walkmen es de esos grupos que siempre están a punto de dar el salto y al final no se atreven; que casi rozan la gloria y luego se desdibujan. Sus discos son buenos, pero los acepta un público en su mayoría reducido a músicos y periodistas. Se han propuesto ir más allá y gracias a esas sutiles variaciones dieron con el mejor trabajo de su carrera.

Hamilton Leithauser –vocalista– explica cómo siente respecto a Heaven: “es grande, optimista, divertido y grandioso”.

Para muchos el aspecto más importante consiste en que la mayoría de los integrantes han sido padres y el suceso los marcó (en las nuevas fotos que anticipan Heaven aparecen también los hijos). Esto se ve reflejado en un disco impecable y lleno de vibra, ejemplo claro de eso es la

canción que da nombre al disco y “The Love You Love”, donde el cantante se desgañita y la banda vuelve a un desbordamiento salvaje que los caracterizó en sus comienzos. Siguen en la búsqueda de la canción perfecta, una que se alimente de lo popular pero que pueda ser muy llegadora a la vez; hay evidencias de ello en “Southern Heart”, donde se dejan ir con un: “Tell me again how you loved all the men you were after”.

The Walkmen reitera que es posible olvidarse de intentar hacerse millonarios y volver a pensar sólo en hacer buena música, como ocurrió en el Nueva York en los años setenta.

He aquí una banda que mirando al pasado busca catapultarse al futuro. Ellos aman un Brooklyn vintage, y través de piezas como “Nightingales” dan batalla y preservan la fuerza de sus inicios.

No les cabe la menor duda, desde su propio vecindario se puede alcanzar el cielo y no se van a detener hasta conseguirlo. M

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:: LU I S A rCE.

Kevin Shields es un hombre seguro de una sola cosa: nunca sabes qué es lo que puede suceder, y mucho menos sabes en qué momento lo sucedido podrá comunicarse con sus interlocutores, si acaso tiene alguno. La mente de un hombre es un fenómeno tan propio de su espíritu, que resulta imposible realizar conjeturas sobre los frutos que obtendremos al tratar con dicho hombre.

Hace aproximadamente veinte años, Kevin Shields concretó sus manías en la realización de piezas musicales que rayaban la perfección. Un legado que reside en la fortaleza de sus imprecisiones. Tratar todo el tiempo de tratar. Acariciar, de ser posible la soltura de una música tan suave como terciopelo y tan visceral como lo permitan las emociones contenidas en su entraña.

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Haters

Es bien conocida la anécdota sobre la realización de Loveless, que casi deja en la bancarrota al sello encargado de producirlo, Sire. Sin embargo, ello no obedece al instinto de perfectibilidad sostenido por Shields a través de los años. Pues tal actitud sería irresponsable y despreocupada. Esta obsesión responde a otros motivos: el punto es saber que debes grabar algo cuando resulte más factible y

cuando el tiempo sea el adecuado; incluso si ese proceso resulta ridículamente costoso, incluso si toma 20 años.

Como dice la canción: "20 años son nada". Y justo cuando Kevin Shields decide retomar la corriente sonora de My Bloody Valentine, reconstruyendo y remasterizando dos de sus trabajos más importantes: Isn’t Anything y Loveless, agregando a ellos una colección de Ep’s grabados entre

1988 y 1991; podemos admitir que el futuro para su música es ahora radicalmente distinto.

Asomarse a estas maravillosas reediciones supone una aventura dinámica y auténtica en transformación. Sin embargo actualizada por una época que se ha encargado de fortalecer todos los aspectos musicales resguardados aquí. Isn’t Anything es la cumbre artística de My Bloody Valentine; Loveless es la de Shields. Las dos corroboran una condición que muchos artistas envidiarían hoy día: continuidad, es ésta la que hace legendaria una obra, porque en ella, el rock; ese género tan desbocado y a veces carente de luz propia, puede respirar como música verdaderamente genuina. M

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EntrEvISta C On

entas ya se v fu no er on , pe ro Dejaron su basura.

En gran medida, las frustraciones que enfrentamos como grupo fueron originadas por la presión de nuestra casa disquera. Siempre trabajamos con sellos pequeños, pero con la crisis que comenzó en la industria discográfica a finales de los 90 y principios del siglo XXI, éstos fueron absorbidos por compañías transnacionales, con una mentalidad mercenaria de "vender, vender y vender". Necesitábamos frenar urgentemente y lo que en un principio serían dos años de ausencia se convirtieron en siete.

En ese receso, fungiste como productor de dos grandes discos, 21st Century Breakdown de Green Day y Wasting Light de los Foo Fighters. ¿Te sentiste presionado cuando tomaste las riendas del regreso discográfico de tu banda?

BV: Nuestras primeras reuniones fueron secretas, así que nadie sabía que planeábamos un regreso.

El ambiente relajado permitió que la inspiración comenzara a surgir y más pronto de lo que nos imaginamos ya teníamos varias canciones listas. Grabar de nuevo fue un proceso curativo y muy enriquecedor para nosotros. ¡Realmente teníamos mucha música que sacar de nuestros sistemas! (Risas).

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:: ASL E GARcíA.

Después de 2590 días de vacaciones, y de una crisis interna que provocó peleas y tensiones, Garbage regresa.

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ot Your Kind of People (gestado casi en secreto en el estudio del productor Billy Bush –esposo de Shirley Manson–) tenía grandes expectativas que alcanzar; tras casi siete años separados, la banda se reunió para ver si la química musical estaba intacta y si podían trabajar juntos de nuevo.

El resultado son canciones que se esfuerzan por retomar el sonido y energía que hace unos ayeres los hiciera famosos, lamentablemente el disco se queda corto, ¿será este el producto de tan larga ausencia? O, ¿sin quererlo el tiempo los ha dejado relegados a un pasado irrecuperable y a un futuro no visible? Detrás de cada gran disco hay un gran historia, y detrás de cada mal disco, hay miedo y nervios.

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Haters

Butch Vig –aquel genio que alguna vez revolucionó la escena rockera y al que se le acredita la dirección del ya histórico Nevermind de Nirvana– concedió una entrevista a Marvin para hablar sobre el regreso de Garbage.

Not Your Kind of People intenta recuperar mucho de la esencia de sus discos anteriores, ¿cómo defines su sonido?

Butch Vig: Para mi suena como un disco de 2012, pero con la energía y la vibra del primer disco de Garbage, aspecto que atribuyo a esa alegría áspera de cuando grabamos nuestro álbum debut.

Al igual que en aquel primer trabajo, el proceso de producción de Not Your Kind of People fue muy

loco y divertido, pero también muy espontáneo y con mucha experimentación.

Al reencontrarse, ¿hubo miedo de que la magia que hizo a Garbage uno de los exponentes más fuertes del rock en los 90 se hubiera apagado?

BV: Había muchos nervios, sobre todo porque estuvimos apartados mucho tiempo y nadie sabía a ciencia cierta qué esperar.

Garbage vivió una época muy dura, la gira del disco Bleed Like Me, en 2005, nos dejó muy agotados física y mentalmente.

Peleábamos mucho y había mucha frustración al interior de la banda. Realmente necesitábamos separarnos.

¿Cómo te adaptas, como músico y productor, a los cambios que ha sufrido la industria?

En nuestro caso, tenemos a mucha gente detrás de nuestro pequeño sello discográfico (STUN VOLUME) y eso nos trae cierto alivio, porque si bien la distribución del álbum se realiza vía Universal Music, nosotros somos los dueños absolutos de nuestra música. Las decisiones más fuertes recaen en nosotros.

En relación con la tecnología y la música, creo que muchas bandas desafortunadamente se están limitando en términos de una misma paleta sonora, muchos usan los mismos plugins, las mismas cajas de ritmos digitales y el mismo sonido para el bombo.

En mi opinión, aunque es un fenómeno interesante, falta un poco más de dirección ahí, poner más atención a la gama de sonidos con los que pueden experimentar. M

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S TA A TXT:: JIMENA GÓMEZ ALARCÓN. F O T : : G U S TA V O D U E Ñ A S .

P rO d u c c i ó n : : R O C í O M A RT í N E Z y O L I V I A F LO R E S .

POsTPrOducción:: AhUEhUETE. Maquillaje:: MAURICIO SALAZAR.

POLÍTICA

Y ROCK

El mexicano es de corta de memoria, o al menos eso insisten en decirnos. Hace tan sólo un mes, en vista de las ahora ya pasadas elecciones, todos fuimos testigos de un fenómeno sin precedentes; de pronto una generación que suele mostrarse apolítica, y en general apática, despertó. Las redes sociales, improbable medio revolucionario hace no más de cinco años, movieron a un país. Como era de esperarse al principio este fenómeno se limitó a la denuncia y expresar inconformidad, sin embargo pronto comenzó a organizarse, #YoSoy132 pasó de ser un impulso básico de enojo a organizar conciertos, festivales y un debate. En este contexto, uno de los más efervescentes que nuestro país ha vivido en muchos años, sale Gimme The Power, documental de Molotov. A través de la mirada de Olallo Rubio (director de cine y locutor de radio), repasamos un momento similar al actual en nuestro pasado cercano, uno que muchos no hemos olvidado. En 1997, una banda de adolecentes mal hablados, tuvieron el buen tino de preguntar, ¿dónde jugarán las niñas?; alzaron la voz y la guitarra y gritaron "¡Puto!" a una sociedad gris. Gimme The Power es un dialogo entre nuestra historia como nación y la de la banda, esta cinta nos representa y dice algo a todos. Marvin habló con Tito, Randy, Huidos, Paco y Olallo en una tarde lluviosa de junio, juntos hicimos un recorrido que nos llevó desde el D.F. circa 1996, hasta Rusia, pasando por Tlatelolco en el 68 y el fraude del 88, todo para llegar a una importante conclusión. Hoy, con el fresco resultado de nuestras elecciones, es sólo el punto de arranque, la historia se reescribe a partir de este momento.

“Para contar la historia de Molotov había que contar el contexto político y social en donde surge la banda. Para mí era inevitable pensar en ella sin todo lo que estaba alrededor. Ellos tenían una perspectiva muy subjetiva de su entorno; la banda se funda en 1995, la idea del documental nace en el 2003, seis años después. En ese momento hice un recapitulación de cómo se había dado al historia de Molotov y entonces me quedó muy claro que el contexto había

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llevado a que un grupo con esas características vendiera más de un millón de copias.

Preguntarse qué es lo hizo que el grupo trascendiera, más allá del talento musical, se responde al escuchar “Que no te haga bobo Jacobo”, “Gimme Tha Power”, “El carnal de las estrellas”, “Voto Latino”, incluso “Cerdo” –que para ellos es una autocrítica, pero en realidad se puede leer como una critica al consumismo– , canciones que, aunadas con el

uso del idioma, representan un momento.

Molotov parte de un estímulo adolecente, es más un espíritu rebelde que uno informado, desde el punto de vista político.

Es enojo puro, es decir puto y chinga a tu madre. Ese estímulo, si tu quieres primario, los vuelve voceros de una generación que estaba cansada de la represión y de la censura. La banda llegó en el momento indicado, además tenían de su lado al humor, el cual

cayó muy bien con una generación que lo que menos quería era ser aleccionada. Este "coctel Molotov": burla, rebeldía, abuso del lenguaje soez y vulgar, fue justo lo que se necesitaba. Precisamente por eso me pareció importante en orden de contar la historia de la banda, ver los antecedentes de la represión en México e ir construyendo, pero esencialemente se trata de un documental de la banda, pero hay que entender que ésta es un producto de su momento. Son

consecuencia del TLC, desde la perspectiva que lo quieras analizar, hasta tienen un integrante gringo (risas). El primero de enero del 94 entra en vigor el tratado de libre comercio de América del Norte, en ese momento surge el levantamiento Zapatista y un año después el grupo comienza a hacer música. Son un producto accidental de ese contexto.

La manera en que la historia se narra en Gimme The Power, es como yo recuerdo

esta historia, tenía muy claro cómo contarla. Muchos de los entrevistados los conozco muy bien, sabía que iban a aportar algo, que conocían la historia del grupo y del rock en México, así que cada uno cumple una función en específico, todo las piezas estaban en su lugar.

Sin embargo, hacer esta película fue difícil en otros sentidos. Generalmente este tipo de proyectos están financiados por televisoras, entonces se tiene acceso al banco de imágenes de

éstas. En este caso Televisa no quiso darnos material, y ellos son los que tienen documentada toda la historia del país. TV Azteca y Canal Once tampoco quisieron ayudarnos, todo esto nos llevó a recurrir a otras fuentes; por ejemplo el Canal 6 de julio, una productora independiente fundada después del fraude del 88, que tiene mucho material, o la filmoteca del la UNAM, también nos acercamos a lo que yo llamo “traficantes de archivo”, que a veces representaba tratar

directamente con camarógrafos. Así fuimos consiguiendo material, fue un proceso difícil y tardado.

Al final fue posible conseguir prácticamente todo lo que necesitábamos y algunas cosas que nos parecieron esenciales acabamos por robarlas, todo lo que tenemos de Televisa fue robado.

Conseguir todo este material fue un logro, y creo que sirvió para crear un retrato parcial y objetivo. Parcial porque es desde una perspectiva crítica a la autoridad; a la clase política y las estructuras de poder, y está hecho desde la perspectiva del rock. Es objetivo porque es totalmente apartidista. Pero claro, siempre habrá lecturas distintas; hay quienes dicen que es pro AMLO y otros que dicen que es anti AMLO. También a mucha gente el capítulo donde mencionamos a Cuahtémoc Cárdenas les parece breve, en este caso por duración no pudimos extendernos mucho, pero sí se analiza el hito que representa su figura; la de heredero del único presidente (en casi un siglo) democrático, el más rescatable, sin embargo para algunos faltó profundizar.

Creo que este tipo de interpretaciones representan al momento en el que nos encontramos y las películas no se hacen para un momento. Este documental se verá dentro de seis meses o diez años, y ahí se podrá tener una idea más real de la percepción que genera, justo ahora es muy complicado, hay mucha susceptibilidad. Se presta para muchas lecturas y hasta cierto punto esa es la idea, proponer un dialogo. La película cierra con una pregunta.

Creo que venimos de un par de generaciones muy pasivas, es bueno ver cosas como #YoSoy132, espero que este tipo de movimientos continúen, que no sólo sean de temporada electoral. Lo que me parece más interesante es que parte esencial de #YoSoy132 es su crítica a la televisión, eso no lo habíamos visto antes y es muy importante ya que esos son los grandes instrumentos de control, mismos que se tienen que democratizar para lograr un cambio. Yo no creo que la vía electoral sea la solución, el mundo no se cambia votando un domingo."

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tItO Desde Rusia con amor

Contractualmente estábamos obligados a grabar un disco en vivo, y surge la oportunidad de hacerlo en Rusia y nos parece increíble. Coincidieron las cosas, ahora que ya salió el DVD –lo grabamos hace un año y medio– es muy importante verlo porque contextualiza muy bien las cosas; las tocadas, los camerinos, las encueradas (risas).

La gente ha reaccionado poca madre, si lo quieres ver en antiguas dinámicas de comunicación (en listas y lugares de popularidad y cosas así) en iTunes arrancó en los primeros lugares, en Mixup también, a pesar de que aún no estaba el DVD. Estamos muy contentos con el resultado.

Gimme tha Power, la canción

“Gimme Tha Power” tiene un concepto muy elemental: el del poder, quién tiene el poder y qué hacen con él. Huidos tiene la puntería de aterrizarlo con esa melodía, no pensábamos que se fuese a convertir en un himno. No es que nos estuviéramos haciendo himnos en los ochenta (risas). Tiene esa nostalgia y esa cadencia, pero en ese momento era sólo una rola. Y así como existe esa rola está “Chinga tu madre” o “Más vale cholo”, no es que exista una responsabilidad discursiva a partir de “Gimme Tha Power”, nosotros hemos llegado a donde estamos haciendo lo que queremos hacer, y defendiendo nuestros derechos, y eso no nos hace ejemplos a seguir.

De política y rock

No somos una banda como Rage Against The Machine, que es un grupo completamente político, en nosotros esta faceta surge del enojo, no de una teoría. Esta poca madre que la gente sienta empatía con nuestra música, pero somos muchas otras cosas antes que un discurso político, somos una banda de rock.

Nos hemos encargado de transmitir que Molotov, como banda, no vota. Creo que la música debe de hablar de todo, tampoco es que todo tenga que ser temas sociales; de que el país está del culo, etc., deben existir las dos cosas, la queja y denuncia, y la música que habla de pachecadas y amor. No creo que las bandas tengan la responsabilidad de ser más participativas o más sociales, no creo que eso sea obligado. Hay bandas que están haciendo canciones de denuncia y su música está horrible y da flojera. Al final, mucho ayuda el que no es troba (risas).

Lo que hacemos es rock and roll, es una expresión artística. ¿Cómo se puede pretender poner responsabilidad en el arte, y la responsabilidad de qué? Cada quien se expresará como quiera y hablará de lo que quiera. Las responsabilidades sociales principalmente son individuales, tú solito las tomas.

Debe de ser desde antes, por ejemplo el movimiento de estudiantes #YoSoy132, más que un movimiento debió ser siempre una postura, ahora salió que uno de los organizadores de los conciertos es casi casi hijo del Peje, entonces se desvirtúan. Son anti Peña Nieto, son apartidistas; como movimiento me parece que se contradicen y están muy mal organizados. Es un bajón pues está chingonsísimo que haya sucedió pero es un desmadre, como lo hemos comprobado últimamente

Nos invitaron a tocar (la clásica: generaron un flyer con el día mal y sacaron todo antes de que se estuviera confirmado) en un principio nos pareció interesante y se evaluó. El concierto lo financió el gobierno del Distrito Federal –me parece– así que el chiste fue que no podía financiarse por el gobierno porque uno de los principales puntos del manifiesto #YoSoy132 que dice que son apartidistas y si el concierto lo acaba pagando el DF, ya

es una cuestión perredista. Nosotros queríamos tocar para apoyar al movimiento pero sin que pagara el gobierno, entonces no se pudo hacer, hubiéramos tenido que rentar el Zócalo, que es un dineral y no había quien pusiera este dineral, obviamente este dinero no era para nosotros.

Cómo cambiar el pedo

Con todo, es un excelente indicativo que exista #YoSoy132; nos dice que la gente está pensando, que está cuestionando.

Ahora hay que seguir, es importante que la gente no deje de pensar, que de verdad se de cuenta de cómo están las cosas, que se informe.

Está cabrón educar aspirinas, pensar que de pronto con un poco de información, la gente se va educar cuando la mayoría no puede echar a andar sus ideas porque tiene una educación del culo y está sobreviviendo. Hay seguir echándole coco. Sí se puede cambiar este pedo.

La elecciones seguramente no cambiarán nada de manera radical –al menos desde arriba– lo que tiene que cambiar está en nosotros. Tenemos que echarle ganitas, la gente es muy gandalla, les vales verga, el otro güey es tu competencia. Hay que cambiar eso. Civismo, no dar mordidas, es un pedo ciudadano cada quien tiene que agarrar la onda, no se trata de que un güey venga a gobernarnos.

hUIdOS Desde Rusia con amor

Fuimos a tocar a Rusia hace diez años exactamente y había mucho ímpetu por volver, para nosotros fue increíble ver que la gente, a pesar de hablar otro idioma, se sabía las canciones de la banda. En esa ocasión tocamos en San Petersburgo y Moscú y se nos quedó el gusanito de volver, la gente de Rusia asocia el nombre de Molotov con algo muy de allá y no hay muchas bandas que vayan, en especial de México –hace unos años fue Real de Catorce–. La gente se prende mucho con el rock, obviamente no han escuchado mucha de la música que nos ha llegado a todos en el mundo. Así que la reacción es impresionante y queríamos ponerlo en video, que la gente lo viera y es más fácil traerles un DVD, que llevárnoslos allá (risas).

Grabamos cuatro conciertos, diez días; dos fueron festivales y dos lugares más pequeños, más íntimos. En el DVD viene lo que nos parecía lo mejor en cuanto a imagen y sonido, además no sólo está lo que pasa en el escenario, también grabamos los trayectos, los viajes en tren y vuelos, más de la experiencia. Estamos muy contentos con el resultado.

Llevábamos cinco años sin sacar absolutamente nada de material, entonces la misma gente empieza a exigirlo, no lo pudimos sacar antes por cosas contractuales, es el último disco que sacamos con Universal (o vete tú a saber, hay que sentarnos a renegociar). Este es el disco que nos da la salida de la disquera, así que el proceso duró bastante tiempo pero creo que le dimos a la gente algo digno de escuchar.

Gimme The Power, la película

Ver la magnitud del contexto alrededor de nuestra historia fue algo nuevo para nosotros, cuando estás en una banda a veces no te das cuenta de lo que está pasando a tu alrededor.

Si hubiéramos hecho nosotros cuatros la película, sin Olallo, no sabríamos cómo darle forma. Fue muy bueno habernos juntado con él porque además de ser contemporáneo, fue

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alguien que siempre estuvo presente en nuestra historia, por ejemplo como locutor de Radioactivo le tocó ir a vernos al Bulldog, poner canciones cuando salió el disco…ver todo desde afuera, siempre es necesario tener una quinta opinión, ya sea un productor o en este caso un director.

De política y rock

Ya estamos viejos. Hay que darle tiempo a la generación nueva para que se ponga a darle; todos vivimos en México, y por lo tanto todos tenemos los mismos problemas y quejas. Creo que nosotros como banda – aunque no nos guste– próximamente vamos a caducar y nos preocupa ese aspecto de la música; que no haya una banda que tome las cosas que están pasando en serio, que tengan que salir estudiantes de la Ibero a reclamarle a los medios, en lugar de que una banda de rock lo haga… resulta que los chavitos fresas de la Ibero son más punks que las bandas de rock.

El movimiento #YoSoy132 despertó a mucha gente, probablemente si esto hubiera pasado en la UNAM, como ahí pasa cada 6 años (risas) hubieran dicho que sólo eran porros. El chiste es que llegó otro sector de la población que nunca le había hecho de pedo, ahí es cuando llama la atención. Se vuelve tan importante que tiene el poder suficiente para hacer un debate con los candidatos, cosa que antes ni soñando lo podría hacer un grupo de estudiantes. Pero se ha desvirtuado con algunas cosas, se comienzan a contradecir y ahí pierden fuerza y credibilidad. Es una lástima, sin embargo es como dice Juan Villoro en la película, sirve para apuntar a que algo está mal. Es una reacción intuitiva, pasional. Cuando ya no tienes opciones, cuando ya no tienes esperanza, entonces se vuelve crítico todo.

Cómo cambiar el pedo

Yo creo que sí se pude cambiar al país, pero eso empieza con personas. No depende de un presidente o de un medio de comunicación, no depende de nadie más que de ti. No podemos esperar que el poder político nos solucione la vida, que Josefina o quien sea venga a levantarte de la cama para que vayas a trabajar, eso obviamente no va a pasar.

randY Nueva música

Ahora queremos volver al estudio. Ya llevamos como cuatro o cinco rolas nuevas que estamos tocando en vivo desde hace un año y medio, están en YouTube y varios lados. Son un adelanto de lo que será el nuevo disco. Es bueno que antes de ser grabadas las rolas estén escuchadas y tocadas por todos lados. Es regresar a como empezamos cuando se creó la banda. Y no hay mejor manera de probar las rolas que en un escenario.

Gimme The Power, la película

Nuestra historia es demasiado aburrida para que el documental se centrara sólo en la banda (risas).

Cómo cambiar el pedo

El movimiento y postura que han despertado las elecciones no debería perderse después de esta época. Cuestionar la autoridad, involucrarse en la democracia –si no te involucras no existes– todo esto debe existir sin importar la temporada.

Hay que estar truchas todo el tiempo y no sólo los estudiantes sino todos los ciudadanos.

paCO Desde Rusia con amor

En Rusia, hasta hace muy poco, no había mucha información rocanrolera. En nuestro caso, sí sabían de qué hablaba la banda, pues incluso hay traducciones de letras, pero independientemente del mensaje es una experiencia. Los ves a dos metros del escenario cantando, y luego te bajas y quieres convivir y te das cuenta de que nadie habla ni tantito español, pero al final no importa ya que la experiencia se compartió. Queda claro que se trata de la energía, los guitarrazos van hablando por sí solos. Eso fue lo que quisimos plasmar en el disco y DVD.

Yo creo que ahora que Molotov toca tanto, un disco en vivo refleja mucho más lo que es la banda. Nos gustan como salen los discos de estudio, la experiencia y aprendizaje que sale de estar en el estudio, pero tocar en vivo sigue siendo nuestra esencia, está grabado con risas, con cambios, con lo que sea. Teníamos casi 30 canciones grabadas, Paco Huidobro nos ayudó a guiarlo, fue el mediador de todo, desde seleccionar los temas hasta la mezcla y darle el toque final.

Creo que se oye muy muy chingón.

No hemos sacado un material inédito desde el 2007.

Es raro, de repente estás en el estudio y ya quieres irte a girar, y después ya quieres volver al estudio. Pero sí hace falta sacar un material pronto. Lo siguiente es acabar la gira de Europa y quizá un par de fechas por acá, y luego ya ponernos a trabajar.

Gimme ThA Power, la canción

A nivel arreglo y composición es una de las rolas más elementales que hay en Molotov. Dice cosas muy cabronas pero musicalmente es la simplicidad absoluta. No hay ningún cambio. Fue una sorpresa para nosotros verla tomar vida propia, cuando estás haciendo las cosas no te das cuenta, sólo sigues haciendo música. Yo creo que es sano verlo así: tocar, hacer giras, darle a la música. Si te paras a analizar demasiado te perderías, o harías rolas horribles.

De política y rock

Cuando haces música o cualquier arte, no hay temas que estén bien o mal, se trata de expresarte, no hay una forma de hacerlo que sea más correcta o válida que otra. A lo mejor faltan más propuestas musicales con contenido social pero no necesariamente tienes que hablar de cosas políticas en tus rolas para mostrar que te importan esos temas.

Nosotros lo vemos en el estudio cuando trabajamos con bandas jóvenes, se ven que se la están pasando chingón, tienen un chingo de energía. Cuando te vuelves más ruco te das cuenta de que las nuevas bandas todavía tienen esas ganas, aprendes de ellos y ves que esa esencia histórica y contextual que tienen el rock –de quejarse y rebelarse–sigue ahí…estaría bueno verla explotar. Que hagan más cosas. Pero sabemos que no está fácil. Nosotros teníamos la intención de participar en el concierto #YoSoy132, pero sentimos que hacer un concierto en el Zócalo requiere de muchas cosas, llevamos años tratando de tocar ahí, y sabemos el costo que tiene y que hay que hacerlo bien.

Desgraciadamente no se hizo, y desgraciadamente aparecen grupos que por ver la oportunidad de subirse a un escenario lo hacen, sin pensarlo bien; bandas que no tienen ningún tipo de contenido social y que se trepan ahí nada más porque sí.

Quizá Rocko sí, pero de ahí en fuera nadie.

Cómo cambiar el pedo

Es fundamental no pensar que quejarse, expresarse y movilizarse es sólo de aquí a las elecciones, esto es un punto de arranque, en algún momento se debe generar un cambio verdadero, un cambio que sí sea de la ciudadanía. Ahí va a estar la fuerza real de los movimientos que se están dando, después de las elecciones; al final éstas son un buen pretexto para que empecemos a cambiar actitudes y maneras de pensar. M

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fe

A

unque, en pleno siglo XXI tratar con cuestiones como el “gusto” resulta insuficiente, si podemos afirmar que la música como fenómeno de la espectacularidad necesita diversas clases de escuchas, con el fin de aprobar o desacreditar cualquier artista. Incluso podemos crear líneas de demarcación tan extraordinariamente inútiles como <<bueno>> o <<malo>>.

Por supuesto, existen agrupaciones cuyas fútiles melodías y estructuras programáticas de estrofaestribillo-puente, han deslumbrado por su falta de imaginación y trabajo. Pastiches musicales que ya Adorno había descalificado en Puccini, erróneamente por su sencillez –pues ahora dicha sencillez es también una virtud difícil de encontrar–. Los pastiches musicales contra los cuales nos enfrentamos son sistemáticos. Una buena línea de bajo, o los arreglos vocales utilizados por Adele son tan fastidiosos y triviales, como pegajosos. Funcionan porque son reconocibles de inmediato; por lo mismo, poseen propiedades únicas: decantan con sencillez en los oídos, contienen una o

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Haters

a í G noMenolo

I I dEl hYpE

La crítica musical y la percepción de sus lectores estará siempre acompañada de una escabrosa pretensión: el escucha aspira a ser más sofisticado que el músico al que presta atención. Si la crítica musical se enfoca en una labor como esa descaracteriza los fundamentos que buscaba crear. No existe empatía concreta con lo escuchado; sino una expectativa que claramente no produce ningún efecto sobre nuestra apreciación de la música. Ésta puede respondernos de diversas maneras: cumpliendo una expectativa previamente planteada, refutando cada idea propuesta sobre un artista o creando elaborados procesos de composición hermenéutica. dos líneas melódicas que son refrescantes y hasta ingeniosas; y utilizan armonías cuya funcionalidad ha sido probada en diversas ocasiones.

Esperar de esta clase de fenómenos una canción deslumbrante tras otra tiene el mismo sentido que esperar que todos los días sean lluviosos, o que todo el jamón serrano sea de pata negra. Curiosamente las bombas mediáticas del hype, llegan a ser tan deslumbrantemente ridículas como los efectos de la música popular en los “fans”.

Tratamos hoy día con tantos grupos y proyectos que nuestra labor como escuchas debería verse correspondida con buenos hallazgos. Y más que eso, podría corresponderse con cierta noción de calidad. Sucede, pero las condiciones para dar con proyectos como Symmetry o las composiciones de Joel Taylor, consisten generalmente en una búsqueda profusa de aquellas personas que se garantizan

momentos coordinados de su día a día para escuchar música, y claro, cierto artificio de suerte.

El resto, es para la industria, un consenso más o menos libre de potenciales compradores.

Ante esta precipitación de la espectacularidad, diversas clases de escuchas han problematizado sobre el verdadero significado de una industria musical tan acelerada.

Articular un discurso tan vertiginoso significa rechazarlo también en el justo instante en el que es creado, o para ser más rigurosos, en el justo instante en el que es mediatizado. Odiar la música por la música misma es una imposibilidad que sólo adquiere forma en los artistas más controvertidos. Despreciamos toda saturación cotidiana. De allí nace una redundancia crítica, cuyos enfoques verdaderos no son el rechazo y el conocido espíritu hater. No, para esta clase de escuchas, el principal procurador musical es el criterio.

TX

T::

LUI S A RC

E.

Es un hecho que los artistas no son automáticamente buenos sólo por ser desconocidos o por vender sencillos de a tonelada. La novedad y el hype son plenamente retóricos y como tales, plenamente discutibles.

El valor de criterio es uno de los fundamentados más marcados de la crítica musical; sin embargo, muchas veces se ve suplantado por un orden secuencial de polarización mediática: o lo odias o lo amas.

La tonalidad fundamental de los hipermodernos. Tonalidad que carece de cualquier valor crítico, porque amar u odiar no ameritan si quiera una consciencia que pueda discutirlos.

En su constante verificación del mercado; la industria ha creado también una certeza competente al fenómeno de Internet: los escuchas pueden sofisticarse con mayor facilidad.

Desde servicios como Spotify, Mog, Deezer, hasta blogs imprescindibles del tamaño de Mutant Sounds o iniciativas como Free Music Archive han cambiado la manera en cómo percibimos y recopilamos la música. La atención está entonces colocada en el oído. Corresponde a los escuchas contrastar y formalizar dicha ruptura. M

d o i O e u S E C U q QuE Ch

Cada momento histórico genera sus polémicas e inconformidades. Recuerdo ser absolutamente renuente a la llegada del disco compacto, ahora éstos son obejetos en extinción. Ahora todo se consigue en la red.

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JUAN C .

A R LO S H I DA LGO

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eguramente seré tildado de retrograda, de un amargado que no entiende los tiempos en que vivimos; pero vaya que amo la música, y vaya que odio las costumbres de los que hoy se llaman melómanos, ¿será este término aún apropiado?, ¿o es más preciso llamarlos consumidores (de memoria tan corta como peces)? En fin, aquí las cosas que odio de la actual relación que la gente tiene con la música.

01 Que no eScuchAn diScoS enTeroS Cada vez menos personas prestan atención a un álbum como un conjunto en el que cada pieza tiene un lugar pensado minuciosamente.

El orden parece ya no importar, las canciones se venden unitariamente y la idea de un disco entero como tal, está debilitada. Habrá quien diga que así comenzó la industria del disco y que se trata de un regreso a los orígenes. Pero, ¿en qué lugar quedarían entonces las obras conceptuales? Pienso en The Wall de Pink Floyd y la discografía

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entera de los Flaming Lips, por citar ejemplos muy inmediatos.

02 Que no LeS imPorTA eL ArTe de LoS diScoS

¿A cuánta gente conocen que le ponga hoy día atención a las portadas? Se ha vuelto diminuto, casi inexistente y aparece más bien al hacer una selección en el iPod. Jamás hubiéramos considerado a una portada como la del Sgt. Pepper de los Beatles como un clásico inmenso (y obra de arte) de no haber existido en su tamaño original. Nadie pela a las portadas y menos al booklet, que prácticamente desapareció.

03 Que SóLo eScuchAn múSicA en mP3

La generación post-MTV ya no hace una distinción entre la calidad del sonido de los distintos formatos.

Todo se reduce al imperio del Mp3.

Incluso ahora que se consiguen archivos en formato FLAC, que no se pueden escuchar en la mayoría de los aparatos. Nos quedamos con una limitada expresión del rango

sonoro que podríamos tener en nuestros aparatos reproductores.

04 Que FinJAn hABer deScuBierTo Que LoS viniLoS Son Lo máXimo

Odio que los discos de vinil o vinilos tengan un precio tan elevado en el mercado. Claro, son una excentricidad para veteranos o djs, y un accesorio para hipsters. El gusto por coleccionarlos se centra en el fetichismo, en la acumulación de objetos físicos, en un momento donde todo es virtual.

Lo triste es que tuvieron que venir guitarristas e ingenieros a recordarnos que se trata del mejor formato para escuchar audio. Las guitarras lucen pletóricas, junto a todo lo demás.

Las portadas crecen y las fundas son una delicia. En el mercado europeo son una tendencia que está de vuelta, lástima que nuestra mermada economía nos tenga en la lona.

05 Que Le LLAmen A cuALQuier FuLAno con moderAdo (o nuLo) TALenTo “PromeSA emergenTe”

Nunca como ahora se ama a lo instantáneo. Los 15 minutos de fama que presagiara Warhol se han reducido a un ínfima parte. La celebridad dura un instante apenas. Las nuevas generaciones encumbran

súbitamente a artistas de muy dudoso talento y calidad. Los nombres surgen por cientos, venden un sencillo en iTunes o lo distribuyen gratuitamente. Gozan de una fama pasajera y luego desaparecen. Hay muchos grupos que no la sufren para ascender, que las cosas se les dan gratuitamente y por ello no tienen experiencia, ni preparación.

Cada día prestamos atención a improvisados y advenedizos. Un asunto que en la escena nacional es pasmante de tan reiterativo.

Gente con apenas talento aparece encabezando eventos y cosechando fans. Antaño había que sudar la gota gorda para que los medios te hicieran caso. Hoy cualquiera consigue atención.

06 Que no conozcAn LA hiSToriA de LA múSicA y deL rock en PArTicuLAr

Otra cosa que provoca mi odio es que las nuevas generaciones –músicos y público en general– desconocen la historia de la música. Suelen creer –en su ramplona ignorancia– que están descubriendo el hilo negro, que sus “hallazgos” son testimonio de “genialidad”, cuando en realidad lo que hacen es retomar recursos históricos con los que se toparon por azar. Le peor es que creen que todo se acaba de inventar. Por eso para ellos los ochenta son prehistoria musical.

07 Que veAn A LoS concierToS como ALgo BAnAL y ruTinArio

La suma de todo lo anterior y otros factores más, han hecho que el rock haya perdido la ritualidad que lo caracterizaba. Antes era una especie de religión laica a la que se le guardaba veneración y culto. Los conciertos eran la iglesia. Ahora son vistos como eventos banales y momentáneos.

Hace tiempo se solía salir de un concierto como una persona cambiada, a lo mejor era mero romanticismo, pero se alimentaba de una causa loable. ¿Cuántos recuerdan aquella demanda de: “Queremos al mundo y lo queremos ahora”? ¡Cuánta razón tenías John, el sueño terminó hace mucho! Resignémonos a nuestra pesadilla digital. M

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DE L

RE MEJO

AÑO

LOS

S

DI SC AD OS DE MIT

Cada año ciertos lanzamientos desatan la curiosidad de melómanos y morbosos, algunos son precisos y hermosos.

Otros, de grupos de los que no se espera (o se sabe) mucho, logran sorprendernos y quitarnos todo el cinismo y hate de encima. Sin embargo, cada año –sin falta– salen discos decepcionantes, discos que no valen ni la tinta en la que estas palabras están impresas. Aquí una lista de amor y odio.

T X T: : C A rlO S B AC A .

WorDs anD music by

saint etienne bloom

blues Funeral

Beach house

Django Django

— Sigmund Freud decía que existe algo llamado “el sentimiento oceánico”, que es cuando alguien se siente “uno con el mundo”; eso es lo que provoca la escucha de este disco. Un refinamiento máximo del dream pop. Cada canción podría ser sencillo –por su belleza, por lo que provoca–. El dueto de Baltimore nos hace volar en un cielo multicolor.

Estructuras y sonidos muy pulidos. Su música nos hace pensar otra vez en la palabra Utopía.

Because/Warner — Si tomas a Hot Chip, Beach Boys y especialmente The Beta Band para preparar tu brebaje sonoro no andas muy equivocado y si además perteneces a la tradición del rock escocés tienes un pasado fuerte de respaldo. En este debut hay algo de rítmica africanista, gran sentido melódico y muchos efectos chispeantes. Aquí conviven lo experimental y un sentimiento de pop bizarro.

“Default” es un tiro.

Sub pop/Bella Union

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Haters

Django Django

Mark Lanegan

4AD — Sencillo: hay un tipo de arte cuyo consumo marca la diferencia entre los hombres y los niños.

Hace falta que la música recobre ritualidad, ese carácter de religión laica que te atrape. Y el ex líder de los Screaming Trees posee una voz cavernosa que estremece. Aquí hay un rock guitarrero como sacado de las profundidades de la tierra.

Son canciones siniestras que calan hasta la médula.

“Ode to sad disco” es difícil de olvidar.

Heavenly/Universal — Su primer disco data de 1991, regresan tras 7 años sin grabar y su cantante Sarah Cracknell nos cuenta en “Over the border” su vida con relación a la música: revistas que leía, grupos amados, hasta plantearse si cuando fuera madre seguiría Marc Bolan siendo importante para ella (¿canción del año?).

Una obra mayúscula. El mejor tecno pop posible con letras inteligentísimas que muestran a la música como una importante forma de salvación. El trío inglés hace un álbum conceptual logradísimo (aun cuando puede recordarnos a Madonna). Una sorpresa de talla extra grande.

in our heaDs

hot chiP

Domino — El hoy celebérrimo diario inglés The Guardian asegura que no reciben la atención que merecen ni tienen la fama equivalente.

Ellos saben cómo lograr la combinación entre el pop y la música de baile. El falsete de Alexis Taylor nos lleva hasta las cumbres más altas. Hot Chip se alimenta de la cultura contemporánea y hace de la experiencia hedonista su herramienta principal.

“How Do You Do?” y “Night and Day” nos harán sudar litros y litros de sudor.

ES ND GRA

DE LA ÑO

LAS

DE D CE TA PCIO MI NES DE

oceania

the sMashing PuMPkins

not your kinD oF people WorlD, you neeD a change oF minD

kinDness

Casablanca — Ya desde el título es presuntuoso y exagerado, pero se ha convertido en todo un hype. Hip hop, jazz, soul y electrónica densa componen la esencia de un tipo entre místico y emo tardío que busca ocultar su personalidad. lo siento disperso y arrogante, el de Minneapolis ha estudiado mucho a la gente de kompakt y Warp, así como a Hot Chip. Sus baladas son tan malas como las de The Weeknd. Intenta vendernos humo.

magic hour

scissor sisters Universal — Ni siquiera un tándem de productores estrellas (Calvin Harris, Diplo, The Neptunes, Boys Noize, Joan As Policewoman, Stuart Price y Pharrell Williams) pudieron garantizar el éxito. los de Nueva York han perdido personalidad, están desenfocados. Cuando más se necesitaba que inyectaran vida nueva a la música disco andan metiendo hip hop y electro bounce con calzador. Quizá han perdido el toque, apenas “Inevitable” pasa la medianía. Una lástima.

garBage born Villain

MariLyn Manson Born Villain — Tan sólo quedan dos de los originales: el reverendo y Twiggy González. Y lo peor es que el personaje sobre el que se centra el proyecto ya es como una caricatura de la figura original. También hay un problema de credibilidad.

Brian Warner está encerrado en el laberinto de sus contradicciones y lo traslada a las canciones. Al parecer está consciente de todo ello pero la creatividad aplicada no fue suficiente.

“The Gardener” es la única seña de un futuro mejor.

STUnVolUme — la pasteurización es buena para los alimentos, no para la música; es por ello que los de Butch Vig fallan al perder ese misterio de los viejos tiempos. Tampoco están las estructuras sinuosas y menos predecibles.

Cierto es que apretaron la velocidad y recargaron las guitarras con distor, pero no bastó. Ahora parecen una banda del montón. No nos sorprenden y Shirley Manson ya no se muestra la diva inalcanzable que fue. En resumen, incluye “Felt” –de lo mejor que han grabado– y “Not your kind of people” –de lo peor que se les ha ocurrido–.

emI/martha's music — ¿Dónde quedo la rabia, el brío y la angustia?

Pocas veces un proyecto unipersonal –egoísta– que se presenta como un circo de 4 pistas puede funcionar. Billy no acepta que “el duende” lo ha abandona e insiste con un remedo de banda. ¿Porqué esos solos de guitarra anacrónicos? ¿Desde cuando esos teclados blandengues?

Este disco no hace sino empañar la historia de una banda que fue grandísima. la amábamos y por ello este disco nos es innecesario. Además y como si publicidad le faltará al señor Corgan se le antoja hablar de radiohead, tacharlos de pretenciosos, cuándo él mismo (a diferencia de los Oxford) no puede sostener el nombre que algún día lo hizo grande. Al final, sólo nos queda preguntar, ¿para qué, Mr. Corgan?

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dIrECtOrES e me n to s de 8 el l c i ne TXT

definir el cine, incluso antes de pretender proezas más ambiciosas, como calificarlo bueno o malo, es una tarea a la cual críticos y espectadores se han avocado (consciente o inconscientemente) durante mucho tiempo. todos tenemos una opinión, cosas que consideramos esenciales para la creación del cine. Quizá esto sólo sea un terco ejercicio de futilidad, quizá la intrínseca subjetividad del arte impida encontrar características básicas en él. sin embargo, la duda nos llevó al festival distrital, en el cual pudimos entrevistar a ocho directores; todos con proyectos bastamente distintos y de nacionales diferentes. A partir de estas charlas, logramos decantar ocho elementos cinematográficos, los cuales (esenciales o no) nos permiten ver el esqueleto de este arte, a través de la más que relevante mirada de su creadores.

La verdad

Hélena Klotz (Francia) Película: La edad atómica Estoy muy sorprendida no sólo con el festival que es genial, sino con la ciudad de México en sí. La esperaba mucho más grande y ruidosa, en realidad es muy tranquila, y me parece que la gente tiene un ritmo de vida agradable. Las grandes ciudades tienden a comerse a la gente, eso no lo vi aquí. En mi película hay

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Haters

un tono desesperanzador que salió sin ser planeado. Cuando comenzamos a grabar ya en la ciudad, está sensación trágica comenzó a crearse, era algo que sucedió en el momento, pues en un principio esa no era mi idea, en el guión no hay rastro de ella. Vive y se crea de la parte documental de la cinta.

Fue muy importante para mí respetar lo que iba saliendo, darle su lugar. Del mismo modo en la parte de ficción, al momento de dirigir a los actores

AB :: JIMENA GÓMEZ, P

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no les digo qué hacer, más bien les pregunto cómo ellos quieren actuar tal escena, me interesa mucho que ellos propongan de manera real. Ya después yo lo profundizo para que ese trabajo se vuelva ficción o mejor dicho, para que se lea como ficción. Para que esto suceda yo trabajo con los actores durante mese antes de comenzar a rodar la película, y es que lo natural tiende a evaporarse, en el momento que enciendes la cámara se evapora. Así que hay que recrearlo a partir de trabajo, para retomar esta noción de naturalidad, alcanzar un estado de verdad.

Cada realizador decide cómo hacer su cine, para mí esta es la manera, lo cual no significa que sea la mejor o la única, sólo es la mía. Para mí el cine debe alcanzar este estado, sacudirte.

Y eso sólo se consigue con la verdad, pues todo lo que existe en las películas es mentira, para construir el cine tienes que reconstruir la realidad con elementos falsos, para crear de nuevo la verdad. Por ejemplo si

D A N I E L PAT L Á N .

O Y

yo tomo una fotografía, aquí y ahora de nosotras dos hablando, la fotografía será horrible y no reflejara la verdad de este momento, de esta charla, pero si yo trabajo la luz, la manera en que estamos sentadas, la expresión en nuestros rostros, podré crear un estado de verdad, aunque éste altere la realidad.

Hay que entender que esta noción de “la vida real” no existe, es intangible, es como el presente se desvanece antes de poder ser percibida. Hacer cine es reconstruir la realidad de manera sentimental.

eL discUrsO anne emonD (Canadá) Película: Nuit #1

LO vULNeraBLe Dima Dubson (Estados Unidos) Película: How to Act Bad

Antes del documental Adam (Green) y yo hicimos cuatro videos.

Fue divertido hacer eso. El primer video fue grabarlo pintando, nos gustó así que hicimos más. Con el tiempo se volvió parte de nuestra amistad, así que queríamos hacer más videos, ninguno de los dos pensó en hacer un documental hasta que un amigo mutuo lo sugirió, y en cuanto oímos la idea nos pareció de lo más lógico.

En cuanto se nos ocurrió la idea, comenzamos a grabar, así que empecé antes de tener oportunidad de sentarme a pensar cómo quería hacerlo, en el cine documental hay varias posturas acerca de cuánta presencia se debe tener al momento de documentar. En este caso, esta pregunta no me la hice tal cual, estaba en mi mente, pero fue hasta que ya me encontraba grabando que fui decidiendo cómo hacerlo.

Al final, como yo ya era su amigo, pensé que fingir que yo no me encontraba ahí –la idea de la cámara como una cuarta pared– resultaría muy falso.

Es extraño porque esta cuestión de perspectiva y acción de autor ha sido algo que considero importante y fascinante, no sólo en los documentales, sino en el cine en general. Así que decidí dejar que la situación marcará esto, y en el proceso de edición removí las partes más invasivas, en realidad yo nunca hablo en la versión final.

Tenía dos años de imágenes, así que el proceso de edición fue muy largo, pero también fluyó de manera natural.

Desde el principio del proyecto yo no tenía ideas preconcebidas acerca del producto final, tenía un par de nociones, cosas que me interesaban de Adam y su vida, pero el sólo hecho de grabar y seguir sus pasos, sacó a la luz temas, patrones, cosas que suceden y las cuales podrías dejar de percibir, si te fijas demasiado en una dirección narrativa.

La gira, por ejemplo, yo nuca había estado en un gira, cosas como esa y las que se desprenden de ella, no las pude haber previsto. Es muy extraño, viajar de ciudad en ciudad, conocer nueva gente en cada pueblo, y de algún modo esa gente sigue siendo la misma, una y otra vez. Ser el centro de atención de cientos de personas, conocer chicas, dormir con chicas, y después irte, estar de nuevo solo en el autobús. La misma escena, noche tras noche.

Eso me pareció muy poderoso.

Mi vida durante dos años se trató de observar a Adam, no sé si era muy feliz, me parece que estaba pasando por cosas muy duras, y eso lo puedes ver y sentir en la cinta. Se muestra en un estado muy vulnerable, en un nivel al cual –seguramente– mucha gente no se atrevería a llegar. Me siento afortunado y orgulloso de él, de la apertura que mostró.

Hacer documentales es una gran responsabilidad, la gente no quiere que la vean, que de verdad la vean.

Para mí es casi imposible dirigir una película que yo no haya escrito, quizá algún día lo haga pero por ahora necesito escribir mis propias historias. Es el mismo trabajo: tienes una historia que contar, la escribes y después la diriges. Va de la mano. Sin embargo creo que hacer una película es un trabajo de equipo. Mis cortometrajes los hice prácticamente sola y hasta ahora con Nuit #1 pude contar con este equipo: un gran fotógrafo, productor, gente de vestuario, director de arte, etc. Todo esto ayuda muchísimo porque esas personas son talentosas y saben lo que tienen hacer en su trabajo; aportan cosas interesantes a tu película. Yo no podría hacer una película por mi cuenta, a partir de una historia mía.

editar toda tu película en tu habitación con tu computadora (yo lo hice); puedes hacer muchas cosas con tus propios medios. Por otro lado, es verdaderamente fácil ver películas, están en Internet y en todos lados, todo se está modernizando. No se trata sólo de dinero sino de cultura, no sé si sea bueno o malo pero es más fácil tomar este poder y hacer las cosas.

Actualmente en Quebec hay una gran crisis social y una lucha que empezaron los estudiantes porque están enojados con el gobierno, ya que cuesta mucho dinero ir a la escuela. Durante cuatro meses estuvo esta gran crisis social de los viejos contra los jóvenes, los tiempos están cambiando.

Nosotros nunca tendremos las mismas oportunidades que tuvieron nuestros padres, porque no tenemos el mismo tipo de dinero ni el mismo tipo de poder; quizá sea resultado de eso. No tenemos nada que perder… y todo que decir.

Hay muchos escritores buenos, sin embargo ahora en el cine se está viviendo un momento lleno de remakes o adaptaciones.

No estoy en contra de eso pero para mí en estos momentos y quizá por ser tan joven, me parece que hay mucho por decir sobre nuestro tiempo y nuestra generación. Tengo muchas cosas que contar sobre este presente que estoy viviendo y esto es en lo que estoy trabajando.

De hecho es chistoso porque tengo casi 30 años y en Canadá me ponen en esta generación de jóvenes. Me parece que esta ola de jóvenes directores ser debe al hecho de que puedas

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La vida y La mUerte

alex HammonD e ian marKiewicz (Estado Unidos) Película: Better Than Something

Hacer una película sobre Jay Retard fue algo raro, nosotros no lo buscamos a él. Conocíamos su música pero no a él. Nos llamó matador (su disquera) porque querían hacer un video promocional para el álbum (Watch Me Fall).

Pensaron en nosotros porque nunca habíamos trabajado con músicos antes, bueno Ian sí, pero a un nivel más de post-producción. Jay se preocupaba mucho por todo lo que tuviera que ver con su música, supongo que al no conocerlo pensaron que nosotros podíamos hacer un retrato de él mucho más parcial y honesto.

Comenzamos el documental antes de que él muriera, fue algo muy duro, en ningún lado había indicios de que él se quisiera morir o de que fuera a hacerlo, Él hablaba sobre el futuro, sobre comprarse una casa y empezar a ser adulto. Sabía que no podía –ni quería– romperse botellas de cerveza en la cabeza todas las noches. Él estaba en un proceso de madurez muy interesante y sus pláticas hablaban sobre eso, el futuro. Sí hablaba de la muerte pero como todos nosotros, nunca se enfocó en eso de manera especial. Fue un shock para todos los involucrados.

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Haters

Jay era un chico incomprendido pero no en el sentido dramático de la palabra.

Tenía ideas en su cabeza que nadie más podía entender y llevar a cabo mas que él. Era muy solitario, tenía muchos amigos pero siempre necesitaba estar solo aunque fuera un momento.

Aunque su muerte fue algo muy duro, y sin duda importante, el documental es sobre Jimmy lee lindsey Jr., su alter ego era Jay Reatard, así que poner a sus familiares a cuadro llorando o su funeral o poner que había muerto por sobredosis hubiese sido algo muy bajo y muy cliché.

Además no tiene nada que ver con lo que estábamos haciendo, Better Than Something no iba por ahí.

La idea, más que retratar su muerte tal cual, era retratarlo a él. Cuando nosotros lo conocimos fue algo muy interesante, el prácticamente ni nos habló. Nos sentamos en las oficinas de Matador, nos platicaron qué querían hacer, les dimos ideas y durante todo este tiempo, él no abrió la boca. Hasta el final nos dijo: "¡Perfecto! Hagámoslo".

Parecía emocionado y en realidad lo estaba, sólo que era muy hermético.

Nosotros realmente no conocimos a Jay Reatard, conocimos a Jimmy Lee Lindsey Jr. y eso es lo que queríamos poner en la pantalla.

Más allá del morbo y lo que Jay había generado a su alrededor, tenía la cabeza llena de ideas increíbles.

eL meNsaje Pablo cHavarría Gutierrez (México)

Película: Terrafeni.

El proyecto nace por la necesidad de hablar del espacio, ese lugar en específico (Cuatro Ciénegas) que me emociona mucho visitar.

Me parece que en esta película se aplica muy bien una frase de Gandhi: “Lo que se conoce se quiere y lo que se quiere se cuida”, esa ignorancia tan grande que nos impone la sociedad nos ha ido alejando. Debemos conocer y apreciar las cosas que creemos mínimas. Los grandes medios de comunicación no dan espacios a este tipo de contenido ecológico, a diferencia de la gran cantidad de programas de entretenimiento o deportivos.

Tenemos mucho que aprender de las sociedades prehispánicas, las cuales tenían tal respeto a la naturaleza que sus deidades eran representados con animales como el jaguar o la serpiente. Creo que la cultura se puede mejorar a través de la

estuvieron pensados para la estructura del documental. Uno de mis objetivos fue crear una atmósfera dentro de otra que permitiera perderse dentro de ella. Quería lograr una experiencia más que una narrativa, y es que el personaje del músico, este sujeto que por alguna extraña razón se convierte también en actor, acostumbrado a la exposición, siempre me ha fascinado.

Es muy difícil conseguir el financiamiento de este tipo de películas. Existió la oportunidad de hacer algo con mogwai pero estuvieron tan poco tiempo en Chile que no se pudo concretar algo. En un momento me hubiera gustado hacer uno de café tacvba pero sé que ya se hizo y creo que a la banda no le gustó del todo.

La música

serGio castro (Chile)

Película: A Day With Tortoise.

percepción del entorno. Este es el mensaje de la película sin embargo, no es literal. Me interesa que la gente pueda relacionarse y ver de otra manera la naturaleza. No me preocupa convertirme en educador como tal porque no estudié eso, mi propósito es provocar sentimientos a través de las imágenes. Es deprimente ver la degradación que han sufrido estos lugares a través de los últimos 60 años.

Tenemos esta cuestión de Wirikuta y Baja California, en donde la gente está reclamando a los políticos la ausencia de una agenda ambiental y el tradicional caso de instituciones que se prostituyen por este tipo de proyectos corruptos.

Afortunadamente los reclamos han tenido grandes niveles de difusión, a un punto en el que las redes sociales ayudan más que la televisión y te das cuenta que este tema no es sólo pasajero, hablar de ecología y lo verde ya es prioritario.

La sociedad debe informarse sobre temas como el calentamiento global y la sustentabilidad para convertirse en ciudadanos responsables.

La música de tortoise siempre ha significado imagen. Así que cuando nace este proyecto la idea de sugerir ciertas imágenes a través de la música, es la primera en gestarse.

Primero se grabo la prueba de sonido, la banda no tenía ni idea de quiénes eramos nosotros. Después nos trasladamos al lobby del hotel en el que se hospedaban para platicar con ellos y al último filmamos la presentación. La verdad fue difícil pues nadie nos presentó. Todo esto sucedió en tan sólo 12 horas.

Todo el documental es el camino hacia una canción, “Crest”, se repite muchas veces.

Esto siempre estuvo como meta, de alguna forma todos los temas están conectados con ese remate, ese corte final. Fue muy difícil la decisión, el concierto duró una hora 45 minutos y el documental una hora, así que tuvimos que recortar la grabación.

Queríamos utilizar la música como un factor accidental sobre las imágenes que se estaban montando, por eso no sale la audiencia en la película, pues el público no respondía a esta exigencia. La idea era esta concepción de música hipnotizante y al mismo tiempo ambiental.

Existen muchos planos panorámicos que siempre

LO excéNtricO

Gabriela Gómez mont (México) Película: El hombre que vivió en un zapato.

Regristrar la vida de una familia fuera de lo común como la de “El Güero”, un inventor mátemático que vive en un zapato, fue toda una aventura. Nunca sabes cómo te van a responder, no hay impacto social establecido, por así decirlo.

Creo que es parte del encanto de navegar ciertas aguas sin saber qué te espera; le tengo un cariño inmenso a José Luis, pero debo

decir que vivimos momentos bastante fuertes, pues el creía que queríamos robarle las ideas. Hubo escenas violentas, no físicas pero sí de actitud, es fuerte que la gente llegue contigo con esa sensación, con cierta paranoia.

Sin embargo, todos ellos fueron absolutamente generosos en abrirse y contar sus historias, dejar a tres personar entrar a tu vida; que un desconocido se instale en tu casa durante dos meses y medio, es un proceso muy fuerte. Lo que se crea es una intimidad agresiva, una cosa tan fuerte como dos cuerpos encontrándose.

Pero también tuvo sus encantos y aprendizajes. Una de las paradojas de “El Güero” de no ver a los ojos, tiene que ver con su deseo de esconderse y protegerse, y al mismo tiempo de mostrarse; he puesto este ejemplo un par veces: si entra una persona con una lámpara en la cabeza no hay forma de que no lo viéramos, efectivamente no podemos apreciar su rostro, pero lo que no sabemos es que está creando un espacio alrededor de él para llamar la atención; es una ironía absolutamente extrema y fascinante, pues José Luis ha vivido cosas tan fuera de serie, extraordinarias y excéntricas.

La palabra excéntrico se me hace bellísima: eso que lo que se sale del circulo, pero que a veces tiene connotaciones negativas.

Creo que todos deberíamos ser excéntricos en cierto grado. Tiene que ver con eso que se desconoce y la única forma de empezar a palpar eso que no sabes de ti o del mundo, que no conoce tu cabeza, tus sentidos ni tu alma, lo puedes aprender si te atreves a salir de tu pequeño círculo.

La relación de “El Güero” y Rocío Boliver “La Congelada de Uva” (una de las performanceras más polémicas de México y América Latina), su ex novia, es fascinante; se

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conocieron cuando ella tenía 16 y el 18, su relación duró cerca de 5 años, mucho de este tiempo José Luis usaba una lámpara en la cabeza. Hay una parte muy linda que no pudimos meter al documental por falta de tiempo, en la que explica la primera vez que por fin ve a “La Congelada” a los ojos, pues sin querer queriendo se movió la pantalla y notó que Rocío lo observaba, en ese preciso momento sintió que su alma se vació en la de ella y que la de ella se vació en la de él. Es una descripción muy linda de un encuentro de dos personas, quizá simbólica.

No volvieron a ser los mismos después de haberse encontrado. Los traté de juntar para el documental y a los dos les dio pánico absoluto, fue una historia tan intensa que los marcó tanto. Muchos de los perfomances de Rocíó están “inspirados” en vivencias y anécdotas que vivió con “El Güero”, su amor tiene que ver con la fantasía de las cosas versus la realidad. Existió mucho erotismo implícito en su relación, la familia se alegraba de que no tuvieran sexo y eso sublimo el amor, él no quería meter a “La Congelada” en

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Haters

cosas que no le correspondían a su edad. Pero es obvio que faltó lo corporal, esa capacidad de transmitir lo que existe en la mente a la realidad compartida.

Creo que todos tenemos un momento al que queremos regresar o en donde sentimos que la vida era casi perfecta.

eL siLeNciO

lynDsey DryDen (Reino Unido) Película: Lost And Sound

Yo llevo siendo sorda de una oreja desde que tenía 3 años, nunca tuve problemas, nunca me preocupe por ello, y siempre tuve una relación asombrosa con la música. No puedo escuchar stereo, no sé lo que es, pero tampoco siento que me haga falta. Y hace unos años, los doctores me hicieron un diagnóstico de lo que originalmente había causado el problema, y la posibilidad de que se manifestara en el otro oído, mi oído bueno. Esto me pareció bastante aterrador, así que empecé a hacer investigación y a descubrir cómo puedes recuperar la música si esto cambia, y cómo puedes gozar de una vida llena de música aunque no la puedas escuchar ordinariamente.

Así nace Lost and Sound, como una búsqueda de respuestas, la vida de las personas que salen en mi película son las respuestas.

No puedo hablar por la gente sorda, porque tanto con la gente sorda como con la que escucha, no hay una identidad, no hay una perspectiva. Creo que hay un gran estigma que viene con el hecho de estar sordo, porque la gente de comunidades sordas muchas veces no se junta con la gente que puede escuchar. Espero que esta cinta sea más interesante para gente que escucha que para gente sorda, creo que podría resultar muy interesante e informativa, probablemente los ponga a pensar acerca de lo que

han escuchado, o de lo que más les dolería no volver a escuhar.

En nuestra pagina web tenemos un lugar donde la gente nos puede dejar su Panic List, en mi iPod tengo una lista de canciones por si algo le pasa a mis oídos, tengo 15 minutos de canciones que me gustaría escuchar, mi favorita, si tuviera que escuchar una, sería el segundo movimiento de la quinta sinfonía de beethoven, es la cosa más bella que he escuchado en toda mi vida, es increíblemente precisa. También tengo en mi lista a the national, beach House, Four tet, björk, radiohead….y a simon & Garfunkel, porque me recuerda mis padres y a crecer. M

REPORT AJE

qu lo s mo s

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s r e de s s oC i A l es de l A H u E R fA n I t

TXT:

A : Mó-S

MAntHA

Cada uno de nosotros tiene por lo menos un perfil en alguna red como Facebook, Twitter, Google+, por citar algunas. Al principio, cuando entrábamos a dichas redes lo hacíamos con la finalidad de conocer más gente, sentirse cerca de los que están lejos, stalkear, ver las fotos del ex, informarse y ¿por qué no?, opinar sobre lo que nos interesa y es de hecho esta última acción la que se ha convertido en parte esencial de nuestra sociedad cibernética desde hace bastante tiempo, tanto así que es imposible pasarla por alto. Y no es malo, cada quien tiene la libertad de hacer con sus redes lo que le pegue en gana pero también hay niveles dentro de la tolerancia, y muchas veces se rebasan límites que no rebasarían tan fácilmente en la vida real, y es aquí donde voy a hacer hincapié ya que justo en esta transgresión se encuentra el origen de los haters; un fenómeno muy interesante que no es precisamente el bullying cibernético, su definición: personas que critican severa y incesantemente (a menudo sin argumentos) a otros con la finalidad de imponer su opinión.

HATER POLÍTICO

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Haters

Recientes estudios revelaron que el fenómeno de los haters no es más que el reflejo de un lado reprimido de nuestra sociedad.

Ciertas acciones o comentarios que en la vida real no podríamos dar a conocer debido a los códigos morales y éticos, en las redes encuentran lugar. La ausencia de parámetros en Internet se debe a la percepción de que ésta es ciega ante los colores, las ideologías y las formas de ver al mundo… Pero resulta que siempre no, lo que en un inicio se veía como un oasis de la libre expresión, se ha convertido paulatinamente en un campo de batalla. Las redes ofrecen la distancia necesaria para expresar libremente el odio, cosa que en la vida real no sucede, en parte por miedo a ser juzgados ante los demás o ser rechazados y por otro lado por el temor de alguien nos parta la cara.

A

HATER MUSICAL

o curioso de este asunto no es que existan, de hecho los hay en la vida real; la diferencia es que, como lo venía mencionando anteriormente, su nivel de tolerancia o es muy bajo o de plano nulo. Quizá no debería ser justificado pero es muy bien sabido que la Internet es el reinado de los comentarios libres, el imperio de nuestra visión personal y bueno, después de todo, ¿qué sería de nuestras opiniones sin la Internet? Estamos en una éra donde no sólo es importante conocer gente, también interactuar con ella, ya sea de manera positiva o negativa, el punto es siempre darnos a conocer, proyectar un alter ego digital y en este caso las redes sociales ocupan un papel esencial, del mismo modo los foros de opinión y comunidad que existen en Internet, que se convierten en caldos de cultivo para los haters.

Estas craituras que buscan imponerse o simplemente llevar la contraria, a veces, incluso, se dan el lujo de ahorrarse la parte del dialogo y van directo al ataque. Al parecer opinar desde nuestro nido iluminado solamente por luz de una pantalla, nos hace más extrovertidos, y por alguna extraña razón, más odiosos.

HATER POLÍTICO

HATER POLÍTICO

HATER POLÍTICO

Los haters suelen ser bastante clavados en su tema (y cuando me refiero a clavados, me refiero a contexto histórico, social, efectos causaconsecuencia, etc.), y en su versión más exaltada conocida como trolls, critican sin importar cuánto sepan del tema. En pocas palabras, mientras el hater defiende a toda costa su ideología, el troll simplemente quiere un rato de protagonismo, o para decirlo en términos más haters; mientras los primeros “tiran mierda”, los segundos “tiran a matar”.

HATER COMEDIANTE

HATER POLÍTICO

HATER ORTOGRÁFICO

Dando un giro interesante dentro de este tema, resulta que el tiempo que un hater dedica a su oficio, es directamente proporcional al apego que siente hacia su ideología. En una pequeña encuesta, tomando el tema más actual como lo son las votaciones, dos de los encuestados, uno “rojo” y otro “amarillo” (por ponerlo de alguna manera) contestaron que en promedio dedican hasta doce horas (¡Wow!) a atacar al partido contrario con la finalidad de sentirse “superiores al contrincante”, lo que me lleva a una conclusión de que el hater, más que cualquier otra cosa, persigue una sensación –por supuesto, fútil– de superioridad.

Pero no todo es cuestión del tiempo que le dedican, sino también de un intenso estudio de la persona a la que se va a atacar, y eso en algunas ocasiones conlleva a estudiar desde sus fotos hasta su ortografía… ¿verdad que es enfermizo? (yo shé que zí) Y de ahí, tanto pueden partir a futuras agresiones, como dar pie a otro tipo de hater, porque eso sí, hay de todo tipo, desde ortográficos, misóginos, homofóbicos, racistas, clasistas, musicales, hasta haters polifacéticos.

Haciendo un poco de hincapié en los haters musicales, éstos no son nada nuevo en el cibermundo, de hecho, existen desde hace muchísimo tiempo.

Disputas, agresiones entre los diferentes géneros musicales y sus más populares representantes son el pan de cada día de los comentarios en Youtube, ¿por qué? Porque la ventaja de los artistas a diferencia de ideologías más intensas es que no necesitas conocerlos a fondo, con el simple hecho de conocer su música, saber de qué hablan, etc., es más que suficiente para defenderlo a morir o de plano quemarlo vivo. Y esto no quiere decir que sea más aceptable, al contrario, la línea de críticas agresivas se vuelve cada vez más irascible, basta con ver en twitter, facebook, Youtube u otras redes, la columna inmensa de comentarios negativos hacia Justin Bieber y sus fans (beliebers) donde el odio, la intolerancia y la incapacidad por dialogar reinan en un mundo de comentarios mal escritos.

Sin embargo, esto no es lo peor sino que tanta intolerancia por parte de los haters ha propiciado que se creé una etiqueta nada favorable hacia dichas fans que ofenden al grado que el hater puede fácilmente convertirse en bully.

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En fin, los haters musicales existen y tienen ciertas ventajas inconscientes, pues muchas veces al expresar su opinión hacia cierto grupo también regalan una opción auditiva y bueno, hay que aceptar que no lo sabemos todo y que en algunas ocasiones por ocio y por tanto “spam” de comentarios negativos, nos da la cosquillita de atrevernos a conocer y sobre eso enjuiciar al comentado grupo. En pocas palabras, a pesar de ser intolerantes en muchas ocasiones resultan de utilidad, ya que en sus comentarios suelen dar buenas opciones para conocer nueva música, además generalmente suelen ser tan clavados que se les pueden aprender dos que tres datos curiosos sobre Metallica u otra banda forever.

HATER MUSICAL

El hater musical es un fenómeno que me atrevo a decir nos afecta a todos de alguna u otra manera ya que la música es parte de nosotros, y siempre tenemos predilección por algún grupo o algún género de manera que podemos ser tanto víctimas como perpetuadores del hate. Además todos nos sentimos expertos en música, por lo que tirar frases como “tal banda está sobrevaluada” o “tal artista es el resultado del hype” resulta fácil para cualquiera de nosotros.

Cuando se trata de música, todo nos ponemos densos, desde atacar los estándares de calidad de un género hasta afirmar (como si de la segunda ley de newton se tratará) que el reggaetón es el más bajo nivel de música jamás concebido (que sí lo es). Esto se debe a una cuestión meramente sociológica y no me pondré intensa, lo que quiero decir es que al adoptar algo como parte de nosotros, ya sea porque de alguna manera nos representa o simplemente porque nos gusta mucho, la reacción natural será defenderlo y a menudo esto también significar atacar.

HATER MUSICAL

Actualmente varias redes sociales nos dan la oportunidad de dejar de seguir o bloquear a usuarios agresivos así que tenemos tenemos opciones pa evitar este molesto fenómeno, pero a la larga hay que aceptar que los haters son parte de nuestra amada fauna cibernética y por lo tanto inevitables. Después de todo, cada uno de nosotros lleva un pequeño hater adentro. M

HATER POLÍTICO

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Haters

Rolling Stones 1995 ©

FERNando ACeVES nda de L a f oto g r a f í a ic de L r oc k en Méx

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Leye La

iMENA GóMEz ALArCóN / @ jimena_blue TXT:: J

Fernando Aceves: Es la primera vez que platico con revista Marvin, nunca me han llamado, casi no me publican… no sé. Me acuerdo cuando empezó hace ya años.

Cuando yo inicié en la fotografía de rock existía la Revista Conecte de José Luis Puma, una institución… en La Mosca yo publiqué mucho, en los primeros números. Yo los conozco a todos. ¿Cómo te llevabas con Hugo García Michel (editor de La Mosca)? También una institución del periodismo de rock…

FA: Pues bien, sin problemas…

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Haters

Él dice que es una institución, yo no creo en alguien que se llama a sí mismo cronista sin ir a los conciertos, pero bueno si eso dice él, entonces será una institución desde la sala de su casa. Pero bueno empecemos la entrevista.

Ya empezamos (risas).

FA: Ah ok. ¿Cómo empezaste en la foto de concierto?

FA: Al final de los ochenta me dio por ir a conciertos, tomaba fotos pero todo aún de manera muy desordenada, y fui armando

fernando aceves es fotógrafo de conciertos. en México es una leyenda, fue el primero en fotografiar bandas de rock en nuestro país, quizá no conozcas su nombre pero seguramente has visto sus fotos. tampoco conoces su reputación. en el mundo editorial tener pases de foto es un lujo, una batalla constante entre promotores y editores, muchos fotógrafos se parten literalmente la espalda cubriendo shows, aceves ha sido uno de ellos durante 21 años. es un mundo pequeño donde todos se conocen; en él aceves constituye una figura tan emblemática como odiada. al surgir la idea de entrevistarlo no puede evitar pensar en sacar el lado “hater”, entender cómo se siente el odiado y por qué alguien que ha construido una historia grande en el periodismo rock puede resultar odioso… La cita se agendó, fui puntual a un café en Polanco, esperé y esperé por casi una hora, aceves no llegó. comencé a entender porque era odiado entre mis colegas, se re agendó la cita, de nuevo en un café espere y espere, fernando llegó tarde. al platicar con él, no sólo entendí más sobre la foto de concierto y la increíble labor periodística que ha realizado, sino que también descubrí que el hate (como todo) tiene dos caras. un catálogo de imágenes. Mi surgimiento profesional, en sí, se dio cuando nació OCESA. Establecimos una amistad.

OCESA fue la primera en traer de manera sistemática el rock a México, había habido intentos frustrados en el pasado; Cream en Puebla, Rod Stewart en Querétaro, eventos con muy mala organización.

El rock estaba muy satanizado, después de Avandaro, así que ellos le dieron seriedad al rock como

industria. Te confieso que yotenía sólo dos o tres años de experiencia y ya estaba trabajando para Paul McCartney, para Pink Floyd…

Entonces tuviste suerte de estar en el lugar adecuado en el momento adecuado…

FA: No, nada es suerte. Además –en México– yo te puedo decir que no existía un fotógrafo que trabajara la música. Nadie. Yo fui el que comenzó esto.

FOT:: COrTESÍA DE FErNANDO ACEVES.

¿Fue una decisión consciente?, ¿ser ese fotógrafo?

FA: Sí, claro. Y no sólo del rock, te puedo decir que yo he fotografiado más jazz que nadie en la historia de México. Creo que eso falta, a los “chicos” los ves en lo indie nada más. ¿Cuándo dices los “chicos” te refieres a los nuevos fotógrafos de conciertos?

FA: Sí, a los emergentes que sólo quieren fotografiar en El imperial, pero bueno no sé, a lo mejor por el perfil de tu revista te interesa que hablemos de lo indie.

llegado a conclusiones muy interesantes, por ejemplo, fotografiar lo que ves en el escenario aparte del músico: sus propias manos, sus propios instrumentos, el setlist, el ingeniero de audio… crear una composición, eso es lo que ha faltado, que digan: “este es Thom Yorke por Fernando Aceves”, en lugar de decir esta es una foto de Thom Yorke. Las fotos editoriales son muy cumplidoras,

Hay un resurgimiento en el campo, nombre de fotógrafos como Toni François, ya son muy conocidos, ¿qué piensas de eso?

FA: Bueno, a la gente, ¿qué le interesa? imagínate que hay un fotógrafo muy famoso llamado Pedro Gómez; sale en la tele, Vans le patrocina sus tenis, etc. ¿A la gente le interesa ver eso o la calidad del trabajo?, son dos cosas muy diferentes.

No, en realidad no. En tu caso tienes una gran relación con OCESA… FA: Sí, pero yo soy independiente.

Yo soy Fernando Aceves. Yo trabajé mucho para llegar este lugar en la industria.

Y la experiencia también te hace evolucionar…

FA: Yo soy muy detallista, he Thom Yorke 2012 ©

¿Cuáles son tus imágenes clásicas?

FA: Tengo varias, una fotografía de Bono con los brazos en alto, del zOOTV. Una de David Bowie en el Museo de Diego rivera, estuve en la sesión de los Rolling Stones en San Lázaro… Clásicas instantáneas, eso lo intuyes. ¿Cuándo fue al última vez que sentiste eso?

FA: El formato digital lo ha masificado todo. Entonces… no es fácil. La producción en serie dificulta eso. Y ya hay tantos conciertos…

Tal vez esta se pueda convertir en un clásico (me muestra una foto de roger Waters tomada en su última presentación en el D.F. M

¿Cómo describirías ese lugar?

FA: No lo había pensado. Soy un documentalista. La gente me dice el fotógrafo del rock, pero ese es sólo un aspecto.

Hace un momento decías que los “chicos” se dedican mucho a la escena indie, supongo eso no te parece bueno para el proceso de documentación.

FA: No, eso también es documentación, sólo que yo soy universal.

Cubro muchas cosas. Tengo mucha experiencia y eso te prepara.

de mi propia carrera –sin tratar de ser presuntuoso– es el tiempo.

No creo haya en el mundo muchos fotógrafos que hayan resistido tanto como yo. Y tengo fotos que son referentes, hacer una imagen que se vuelva clásica no es fácil.

me atrevo a decir que a las revistas no les importa quién las tome, no existe un autor.

Mencionas que ya no se asocia a la foto…

FA: A mí tampoco me gusta ser una celebridad, perdón que te interrumpa. Hay nuevos fotógrafos a los que les gusta estar ahí para volverse celebridades, ponerse a la altura de un músico. El fotógrafo debe de ser una persona anónima, una mosca en la pared…

Que a veces van de la mano, ¿cierto?

FA: Yo no creo, puede ser. Pero en este no es el caso (risas).

Yo no soy una celebridad, soy un referente. A mí me tocó fotografiar a Robert Frip, David Bowie, Pink Floyd, Robert Plant, Jimmy Page, Guns and Roses, Metallica, me tocaron cosas muy duras. Lo que yo veo interesante,

Roger Waters 2012 ©

Robert Plant 1994 ©

Pero entonces, ¿se debería tener autores de foto? O ¿fotógrafos que son moscas en la pared?

FA: A ver vamos por partes… una cosa es la fotografía de autor y otra la fotografía editorial… En la foto de autor sí hay obra y nombre, esa es la diferencia. Hay gente que se dedica a esto porque les gusta que los músicos lo saluden, sentirse uno de ellos, y yo no estoy de acuerdo con eso. Mi trabajo es documentar.

Conozco a muchos músicos, tengo relaciones cordiales con ellos, pero yo no soy amigo de nadie, ni de mis colegas. Esta ha sido mi fórmula durante más de 20 años y me funciona muy bien.

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T y T L o D i c sHe

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La idea central es el poder del color y la simbología; como pueden cambiar la percepción.

También, siendo completamente honestos, pensé que sería simplemente gracioso ver a estos tiranos y dictadores vestidos de rosa. Son figuras odiadas, son figuras controversiales, y aquí sólo son ridículas. Hitler fue la primera pieza, la hice para una exposición en San Francisco llamada “Coen Brothers Vs. Quentin Tarantino”, es por eso que mi Hitler es en realidad el actor Martin Wuttke de la película Bastardos sin gloria.

A partir de ese cuadro todo se fue dando, hasta llegar a estas cuatro adorables figuras tiranas. Mi idea original era tener una exposición individual con estos tiranos en rosa y un par de personajes oscuros como Darth Vader, Skeletor en este mismo tratamiento. www.flounderart.com

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Haters Kim Jong-il

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Más de este tema en www.marvin.com.mx/mas-musica

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líos en enudos se . Propu eterme m s ta s despué me gu uerto y los que m r e t a nh . star a u ieron 4 entrevi , los volv í s e u q se rme jes que de deci ersona p r lar e s e qu particu Tenían por su o d i u g n que an disti misma la , o d hubier n u ia el m ) tía hac lmente antipa cidenta n (i r e ti r habers compa ipales: c los hizo n i r p ticas ridente acterís ca y est i dos car g á r t nera nca , de ma s de nu muerto ademá , s tel de a r t us le un pas n e s ta como s , 30 veli iantes” pagado atro “od u c e u haber a q on a ue así ondier años. F sa, resp o c cumple a r t es o tas que odioso pregun s la s e porque de ncion especie e sus ca en esta é te sta. través d n la entrevi les p

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Ameyhouse SViicdious ICaunrtis KCuorbatin

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11)

(1983-20

a la El respeto

a droga ajen

es la paz

Muy bien, ¿por qué no me cuentas acerca del peor día de tu vida?

Amy Winehouse: Ellos intentaron llevarme a rehabilitación y yo dije: “No, no, no”. Sí, caí en lo más oscuro, pero cuando volví, tú sabes, lo sabes, lo sabes. No tenía tiempo y si papá pensaba que estaba bien, me obligaría a ir a rehabilitarme, pero no lo haría, no lo haría, no lo haría. ("Rehab”, Back to Black, 2006).

Entiendo, fue todo un suplicio, tanto que por eso repites las palabras. ¿Por qué no mejor hablamos de amor? ¿Cuál es el secreto para mantener una buena relación de pareja?

AW: Cuando te fumes toda mi mota, es mejor que llames al hombre verde (el dealer). Así puedo tener la mía y tú la tuya. (“Addicted”, Back to Black, 2006) Ya veo, el respeto a la droga ajena es la paz. ¿Y la parte romántica, te interesa?

AW: ¡Cupido, escucha mi llanto!

Estira tu arco y permite que tu flecha vuele directo al corazón de mi amado. ("Cupid", Back to black Deluxe edition, 2007) ¡Qué conmovedora! ¡Wow! Si una chica como tú me dijera algo así, yo no podía sino caer rendido en tus brazos… espera, espera, ¿qué haces?

AW: He estado en muchos lugares en mi vida y tiempo, he cantado muchas canciones, he hecho unas cuantas malas rimas, he dejado mi amor en escenarios con 10 mil personas observando, pero ahora estamos solos y estoy cantando esta canción para ti… (“A song for you”, Lioness: hidden treasures, 2011) ¡Por favor! ¡No me hables así que no me puedo controlar! Espera, espera… no, Amy, ¡oh, tus tatuajes son tan sexys!… ¡y me gusta que me digas cosas sucias!

AW: Te dije: soy un problema. Sabes que no soy buena… (“You know I’m not good”, Back to Black, 2006) Está bien, ¡apagaré la grabadora!

-19 79)

(1957 Sex Pistols

mo idiota El fascocnisvir tió en te

¿Quién rayos eres?

Sid Vicious: Soy un anticristo, soy un anarquista. No sé lo que quiero, pero sé cómo obtenerlo, ¡quiero destruir a un transeúnte! (“Anarchy in the UK”, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, 1977) ¿Ah, sí? ¡Qué rudo! ¿Y entonces por qué diablos firmaste con una disquera transnacional, mi buen?

SV: Hay inagotables recursos y no existe razón alguna. Se trató de un montaje; te lo digo, sólo lo hicieron por la fama (“EMI”, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, 1977). ¿Quién?

SV: ¡EMI! (“EMI”, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, 1977) Ah…pero no te enojes. ¿Qué te parece si te picho una chela para que sigamos platicando?

SV: Sólo te dejaré cuando no tengas más dinero (“No feelings”, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, 1977).

Está bien, no importa. Todo con tal de tener grabadas algunas impresiones tuyas…

SV: Primero quiero saber por qué no me ves a la cara, ¿eh? ¡Quieres ganarte mi confianza sólo para complacer a tu ego! (“Liar”, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, 1977) ¡Ey! ¡No te pongas violento! ¡No te invite una cerveza para que la rompas y ahora me amenaces con el envase!

SV: ¡Problema, problema! El problema eres tú (“Problem”, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, 1977) ¡Está bien, carnal! ¡Eso es todo! Me retiro, me retiro. ¡Llámame reina, pero no se puede hablar con un animal rabioso como tú! ¡Me voy!

“EMI”,: ¡El régimen fascista te convirtió en un idiota! ¡Dios salve a la Reina! (“God save the Queen”, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, 1977)

0) (1956, 198 Joy Dhaigvoiscuioanndo no estoy a

Lo que

cin

e en mi co

m ahorcándo

Veo que llegas tarde a nuestra cita, ¿es verdad que tu chava te trae cortito?

Ian Curtis: Su mirada delata confusión y eso lo dice todo, ha perdido el control. ¡Se aferra al primero que pase! Ha perdido el control. ¡Libera los secretos de su pasado! Ha perdido el control. Una voz dentro de su cabeza le dice cómo debe actuar, ¡perdió el control! (“She’s lost control”, Unknown Pleasures, 1979) ¡Dios mío!¡ Tranquilízate! Vamos, debe haber arreglo, ¿por qué no me cuentas cómo empezaron sus problemas?

IC: Cuando la rutina te hinca los dientes y las ambiciones son pocas, cuando hay fuertes resentimientos y nuestros caminos se bifurcan, entonces el amor… el amor nos partirá en dos. (“Love Will Tear Us Apart”, Closer, 1980).

, 1994)

Nirvana (19id67a

la v mi Destila ue queda en q

Hola, Kurt, ¿cómo va todo?

En Marvin me enviaron para hacerte una entrevista.

Kurt Cobain: El changuito dice, el changuito hace (“Stay Away”, Nevermind, 1991).

Bueno, sí, no… espera. Bueno, es mi trabajo, pero me dan mucha libertad para escribir. Mira que inventarme esta onda de las falsas entrevistas.

KC: Toma tu tiempo, pero apresúrate. La opción es tuya, no te demores. Toma un descanso, como amigo, como un viejo recuerdo. (“Come As You Are”, Nevermind, 1991) ¿Puedo sentarme?

KC: Siéntate y bebe un poco de té Pennyroyal, ¡destila la vida que hay dentro de mí! (“Pennyroyal Tea”, In Utero, 1993)

¡Rayos! Entonces todo viene desde mucho tiempo atrás, ¡carajo! ¡con razón te mataste!

IC: Vivo en la Edad de hielo… (“Ice Age”, Warsaw, 1994).

¿Odias a los periodistas, verdad?

KC: Dolor, dolor, dolor. Sabes que estás en lo correcto. (“You Know You’re Right”, Nirvana, 2002)

Eres un emo… a ver, a ver, ¿qué ganas torturándote de esa forma?

Mira, mejor hablamos de música…

IC: ¿Sientes cómo se acerca? Es el miedo del que te hablo… Siento cómo se acerca: ¡comienza el día, se termina el día! ¡Comienza el día, se termina el día! (“Digital”, A Factory Sample, 1978).

¿Qué es lo que te sientes cuando te entrevistan?

KC: Viólame, amigo, ¡viólame, otra vez! (“Rape Me”, In Utero, 1993)

¡Me vuelves loco! ¿Es que acaso no existe una rebanada de alegría en ti? Ahora, ¿por qué sacas un paragüas?

IC: Una nube se extiende sobre mí y marca cada uno de mis movimientos. Muy profundo en mi memoria, donde una vez hubo amor. (“Twenty Four Hours”, Closer, 1980). ¡Ash, ya! ¿Qué es lo que más te gusta hacer cuando no estás tristeando o ahorcándote en tu cocina?

IC: ¡Bailar, bailar, bailar, bailar, bailar… por la radio! (“Transmission”, Warsaw, 1978)

¡Me estás asustando! En fin, ¿cómo definirías a Kurt Cobain?

KC: Él es a quien le gustan las canciones bonitas, le gusta cantar durante un buen rato, le gusta disparar su pistola, aunque no sepa lo que eso significa… (“In Bloom”, Nevermind, 1991) ¿Qué es lo que tus años con el rock te enseñaron?

KC: Si te salvas, lo harás feliz. Te pondrá en un frasco y pensarás que eres feliz. Hará unos agujeros para que respires y pensarás que eres feliz. Te cubrirá de pasto y pensarás que eres feliz… ¡ahora! (“Sappy”, No Alternative Compilation, 1993). M

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Haters

Txt :: J orge Graj ales

C

internacional y lo catapulta a ser catalogado como uno de los representantes del cine de 2011 del Festival de Venecia, la reseña de Oliver Lyttelton para el informativo The Playlist no pudo haber extremo de Japón. Noción que se refuerza con la cinta sido más franca: “No nos andaremos por las ramas aquí. Odiamos la experiencia de ver la gran mayoría de de 2005: El Circo Extraño/ Kimyo no Saakasu; con sus Himizu. La odiamos. Si no fuera porque teníamos que reseñarla hubiéramos abandonado la sala (como elementos retorcidos eróticogrotescos: incesto, pedofilia y muchos lo hicieron)”. Este sentimiento de odio está intrínsecamente presente en la mayoría de la obra mutilaciones. Si bien es cierto que el público japonés en general fílmica de Sono, al punto de catalogar temáticamente a tres de sus películas como “la Trilogía del odió estas películas, la fama de éstas le permitió seguir haciendo su Odio” (integrada por las cintas Love Exposure, Pez Mortal/Cold Fish/Tsumetai Nettaigyo cine más personal, hasta el punto en que la frontera entre los dos estilos de Shion y El Romance y la Culpa/Guilty of Romance/Koi no Tsumi).

Sono se volvió difusa. Situación que ha hecho que el tono de sus cintas se vuelva cada vez más impredecible a pesar de estar ancladas en de la versión cinematográfica de Naranja A pregunta expresa en una entrevista de por ciertas obsesiones temáticas; como la fractura Mecánica. Y es precisamente en el cine y el qué elegir al odio como tema, Sono respondía familiar que produce individuos que anhelan arte donde encuentra una vía para ventilar sus que “el odio es la emoción que incluye más al ser amados pero que sólo pueden expresar esta amor. Es la fuente del amor. Los satánicos creen frustraciones. Empezando primero como poeta necesidad por medio del odio, la violencia y el experimental, Sono pronto se ve atraído por el seriamente en Dios, mucho más que la gente resentimiento desaforados. cine. Un corto suyo en 8mm le hace merecedor ordinaria. Lo cual quiere decir, paradójicamente hablando, que los satanistas creen en Dios, y las de una beca, con la cual filma su primer largometraje: Suspiros de Bicicleta/Jitensha Toiki personas que odian todo son más conscientes (1990) a esta cinta le seguiría La Habitación/ del amor. Considerando que yo soy una persona Heya (1992). Ambas películas fueron muy bien que odia todo, un odioso, un hater, creo que esto recibidas por la crítica y fueron presentadas en es completamente personal. El odio dentro de numerosos festivales de cine. A pesar de ello, mí es demasiado fuerte y estas películas son le resulta difícil reunir presupuestos para sus mi discurso de concesión hacia el amor, porque siguientes películas; lo que lo obliga a dejar de estoy exhausto de odiar.” lado la dirección de cine para avocarse a otros proyectos. Se va a la Universidad de Berkeley en Estados Unidos, ahí –en lugar de estudiar– descubre los placeres gozosos del cine psicotrónico y de serie B. A su regreso a Japón, se centra más en la poesía y en un grupo de performance que funda llamado Tokyo Gagaga, Es así como la obra fílmica de Sono puede a la par que aparece como actor en una película describirse como películas estridentes que se aptamente titulada Te odio…no/Kirai…Janaiyo. odian hasta amarlas, como en el mencionado Harto de la manera en que el cine caso del crítico de The Playlist para con Himizu, japonés retrata a la familia, al estilo desfasado que a pesar de todo terminó en una crítica del gran cineasta Yasujiro Ozu –cuya obra positiva. O como el mismo autor lo afirma: declara odiar profundamente – y frustrado “Quiero ser aceptado, pero tengo un gran anhelo por el conformismo del público japonés, Sono de ser odiado por todo el mundo”. Y es que decide hacer una película que haga que esa Y vaya que Sono tenía razones para como diría el humorista y poeta norteamericano audiencia nipona lo odie. Y así, influenciado estar lleno de odio y resentimiento: A los 17 Ogden Nash, “Cualquier muchacho de escuela por ese cine de horror, raro y de serie B años huye de su casa en Toyokawa (prefectura puede amar como un loco. Pero odiar, amigo que vio en su estancia en Estados Unidos, de Aichi), escapando de la férrea dominación y mío, odiar es un arte”. Y en ese aspecto, Shion lanza en 2002 una cinta titulada El Club del conducta controladora de su padre. Al llegar a Sono es todo un artista. M Suicidio/Jisatsu Saakuru. Ésta le da un éxito Tokio es obligado por una prostituta a hacerse pasar por su marido ante la familia de ella, so pretexto de acabar con la vida de ambos de no hacerlo. Poco tiempo después, movido por el hambre y la falta de trabajo, ingresa a una secta religiosa de la que es imposible escapar.

Hasta que se enrola en un grupo terrorista de afiliación comunista. Todo esto al tiempo de sentir que la única vía de escape en su vida es convertirse La Cineteca Nacional ha traído a las pantallas mexicanas las tres más recientes cintas de Shion Sono: en criminal, identificándose Pez Mortal/Cold Fish/Tsumetai Nettaigyo, El Romance y La Culpa/Guilty of Romance/Koi no Tsumi con el personaje de Alex y Topo/Himizu. El Club del Suicidio está editado en nuestro país en región 4 por Mundo en DVD.

uando fue presentada la película Himizu (Topo) del cineasta nipón Shion Sono dentro de la edición

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T

ra el arte son crímenes cont s lo : ad rd ve e rist belleza o la ente porque la m le ab ob pr s, raen la innumerable idades, que at ías, digo, cual nc ca er m n so fama a las moscas. la m… manteca envidia como

gina Zamorano e R : : t x T Los haters del arte son muy parecidos a sus actos, algunos son escalofriantes (¿quién no le teme a una feminista radical?); los hay ridículos o de plano imbéciles, pero otros hasta resultan cómicos.

Tal es el caso del artista francés Pierre Pinoncelli, quien en 1993, ¿por qué no?, orinó en la mitológica “Fontaine” de Duchamp y luego le dio un martillazo. Aquí un condensado de su teoría: “La orina forma parte de la obra y es uno de sus componentes.(…)

Orinar en la obra le brinda su plena capacidad. Deberíamos poder usar un Rembrandt como burro de planchar”. ¿A poco no les suena a puro amor al arte?

Y así, a chorros de ácido sulfúrico, pintura en spray o a punta de balas, los haters que retratamos en este texto han manifestado sus bajos instintos en busca de un pedacito de fama.

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Haters

PROLífiCO DESTRuCTOR

Cierto, la vida de Hans Joachim Bohlmann no fue fácil, pero, ¿eso es razón suficiente para echarle ácido sulfúrico a una hermosa obra de Paul Klee?

Hans nació en Alemania, en 1937, y desde su adolescencia le diagnosticaron un desorden agudo de la personalidad.

Voluntariamente, el joven se internó en una clínica psiquiátrica a los 16 años, donde –con mucho amor– le administraron generosas dosis de electroshocks.

Durante años, el joven Hans tomó medicamentos: antipsicóticos, tranquilizantes y antidepresivos, además de terapia conductual y de grupo. Finalmente, a sus 37 años, un médico brillante le recetó una pequeña lobotomía que supuestamente iba a reducirle los síntomas, pero sólo le restó inteligencia a su de por

sí manoseado cerebro. La cereza cayó en este descompuesto pastel cuando Hans estaba a punto de cumplir 40 años. El 11 de marzo de 1977, su esposa se cayó por la ventana mientras hacía la limpieza.

Cuatro días después, Bohlmann perpetró su primer ataque a una obra de arte público en un parque.

A partir de entonces, su crisis de los 40 no hizo más que agudizarse, pero en vez de andar en convertible levantado chavitas, el 29 de marzo del mismo año, le echó ácido sulfúrico a la obra “Golden Fish”, de Paul Klee, para después atacar obras de Cranach, Rubens y un famoso autorretrato de Rembrandt, en diferentes ciudades alemanas, cual exitosa gira anti-artística.

Por sus ataques al arte, fue condenado a cinco años de cárcel y canalizado de nuevo a un hospital psiquiátrico, porque también disfrutaba de vandalizar tumbas decorándolas con lindas esvásticas, además de incendiar construcciones. En 1988, recién desempacado del manicomio, Hans volvió a hacer de las suyas y con su arma preferida, el ácido, destruyó tres pinturas de Dürer, causando un daño de 35 millones de euros.

Irónicamente, le recetaron terapia de arte a quien se convertiría en el mayor destructor de arte de la historia (su récord suma 50 obras dañadas por un valor de 138 millones de euros).

Durante su terapia y reclusión (que duraron 16 años), Hans realizó 1500 pinturas, pero un año después de salir, volvió a las andanzas, atacando con gasolina de encendedor un preciado cuadro del pintor alemán Bartholomeus van der Helst, considerado una obra maestra del retrato.

Al parecer, lo que le molestaba más al perturbado Hans eran las caras, pues invariablemente atacaba esa parte de los cuadros. No se sabe a ciencia cierta (o no se quiere decir), por qué Hans albergaba tanta saña contra el arte; quizá era un artista frustrado que odiaba ver el talento de lo grandes maestros o tal vez sólo quería llamar la atención, o ¿podría atribuírsele a su pedazo de materia gris faltante? Lo único que sabemos es que sólo la muerte detuvo su ansia de destrucción. Murió en 2009, devorado por el cáncer, tan sólo seis meses después de salir de prisión.

Más de este tema en www.marvin.com.mx/mas-arte que su crimen se debió a que ella buscó a Warhol para hacerse famosa, perdón, para entregarle un guión que pensaba podría interesarle, pero él nunca se lo devolvió (lo había perdido). Aunque Up Your Ass divirtió bastante a Warhol, él declaró que nunca se lo tomó en serio por su alto contenido grotesco. Valerie cumplió una condena mínima en el sanatorio de Bellevue y en la cárcel; al salir, poco se supo de ella.

Según el diario The Guardian, murió en una habitación del Hotel Bristol, en San Francisco. La encontraron sólo porque no había pagado el alquiler y al ir a cobrarle encontraron su cuerpo infestado de gusanos.

COMiDA PARA GuSANOS

Érase una vez una joven ultra feminista que le disparó a una súper estrella del arte pop. Su nombre era Valerie Solanas y creía que Andy Warhol quería robarle un genial guión de una película que acababa de escribir, titulado Up Your Ass. Normalmente, la joven Valerie andaba vestida a la última moda marimacha, pero el día de su crimen, el 3 de junio de 1968, se peinó, se pintó los labios y se puso un impermeable acinturado. Al llegar a The factory, la central de operaciones del artista, el propio Warhol le lanzó un cumplido, pero, por supuesto que eso no basta para detener a una feminista aguerrida, así que Solanas le disparó mientras atendía una llamada.

Autora del manifiesto SCUM (Society for Cutting Up Men: Sociedad para Desaparecer a los Hombres), la candorosa Valerie tuvo un tino endiablado y le perforó los dos pulmones, el hígado, el bazo, el estómago y el esófago al artista de cabellera blanca. Andy nunca se recuperó, sus heridas sangraban con el esfuerzo y sufría dolores. Bajo amenaza de Valerie,

Ni PiCASSO SE SALVA

el valiente gringo de origen polaco decidió no declarar en su contra, pero de todos modos, al salir de la cárcel en 1971, Valerie lo siguió acosando por teléfono. Qué miedo.

Solanas, quien hoy es una figura adorada por algunas feministas radicales, fue diagnosticada con esquizofrenia paranoica, una conclusión bastante lógica cuando en su defensa dijo que el fan de las latas de sopa “tenía demasiado control sobre su vida y pensaba arruinarla”. La realidad: apenas se conocían.

La princesa marimacha de este cuento alegó además

Hoy Tony Shafrazi es un afamado galerista neoyorquino (aunque tuvo tiempos mejores, como cuando manejó la obra de Jean Michel Basquiat y Keith Haring), pero a la edad de 30 añitos, el jovenzuelo tuvo una idea e-s-t-u-p-e-n-d-a, ¿por qué no grafitear el "Guernica", de Picasso, con una fabulosa leyenda demoledora para protestar contra las injusticias de Vietnam y al mismo tiempo saltar a la fama como un artista rebelde, de firmes principios?

Así que el joven de origen iraní se encaminó al Museo de Arte Moderno y con spray rojo escribió “KILL LIES ALL” en letras enormes sobre una de las obras maestras de todos los tiempos.

Supuestamente escribió esta frase incoherente, porque se podía leer en los dos sentidos (¿?). Lo cierto es que nadie entendió nada y Tony ni saltó a la fama ni fue reconocido como artista. Quizá por eso, unos años después, el gran rebelde se ofreció a colaborar con el Sha de Irán para ponerle su museo de arte contemporáneo con todo y sus Warhols y sus De Koonings.

Sí, ese Sha que en 1971 gastó 100 millones de dólares en su

festejo para celebrar 2,500 años de monarquía ininterrumpida en Irán, el mismo que dejó un saldo de miles de presos políticos al ser derrocado. Uf, un verdadero hombre de principios ese Shafrazi.

DíAS DE fuRiA

Falta espacio en estas páginas para enlistar todos los episodios de odio, rencor y fanatismo que han arruinado las obras de arte de los grandes maestros. Un ejemplo extremo es la “Danaë”, de Rembrandt. En 1983, un desequilibrado le lanzó ácido y la acuchilló dos veces, fue tanto el daño que los restauradores tardaron 13 años en repararla completamente.

En general, los directores de los museos se niegan a hablar de estos temas porque, según ellos, invita a más vándalos a hacer de las suyas. Y las medidas que se toman, como exponer a la "Mona Lisa" bajo un cristal después de que fue atacada con ácido y apedreada, en realidad exhiben que nuestro comportamiento puede pasar, en menos de un segundo, de la extasiada expresión del amante del arte (o quizá del turista poser) al acto más estúpido y bestial.

Peor aún, ahí no pararon los ataques a la obra de Da Vinci.

Ya con todo y blindaje, una rusa le aventó una taza comprada en la tienda del museo ¡porque le caían mal los franceses! Y otra señora en silla de ruedas, enojada porque no había facilidades para discapacitados, la quiso pintar con spray. ¿Cómo es que lo bello y sublime puede provocar tanta violencia, señores?

Y una pregunta crucial: ¿Por qué diablos los haters del arte prefieren destruir obras tan exquisitas como la “Danaë” o la “Venus del espejo”, de Velázquez, y no cualquier obrucha de arte contemporáneo? ¡Los odio! M

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MAR ADENTRO

T X T : : S E B A S T I Á N F R A N C O S T E PA N E N k O .

Creador de Bava.mx y bajista de Bengala. @BavaNotas

MATAR A L

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El 22 de julio de 2011 un hombre en uniforme de policía abordó un ferry hacia la isla de Utoya en Noruega. Allí se llevaba a cabo, como cada año, un campamento de la división juvenil del Partido Noruego del Trabajo. El hombre descendió y se encontró con un grupo de seguridad y con la encargada de la isla, Monica Bosei. Les dijo que venía a realizar una inspección ya que horas antes una bomba había explotado en el cuartel ejecutivo del gobierno de Noruega. Los guardias le permitieron ingresar y un momento después, cuando estaba solo frente a Monica y otro hombre, desembolsó un arma. Su cuerpo entero se estremeció cuando tomó el arma en su mano. Había 100 voces en su cabeza diciendo, “no lo hagas, no lo hagas” .

M

onica intentó calmarlo, le dijo que bajara el arma. Él disparó, la bala impactó al guardia en la cabeza. Monica corrió en vano; una segunda bala la alcanzó. En seguida se dirigió a uno de los edificios en donde asesinó a seis o siete personas. A partir de aquí todo fue un caos.

Comenzó a deambular por la isla matando jóvenes que rogaban por sus vidas, cuando el miedo era demasiado grande como para pretender la huida. En algún momento el asesino le gritó a las víctimas –a las cuales originalmente pensaba dirigir al agua y obligar a que se ahogaran–: “todos ustedes, marxistas, van a morir el día de hoy”.

Anders Behring Breivik, este hombre que mató a 69 personas, e hirió a 110 más.

Posiblemente, la primera pregunta que viene a la cabeza al conocer esta historia es, ¿por qué?, ¿por qué cualquier persona, y en este caso Anders Breivik, decide asesinar a más decenas de jóvenes a sangre fría y detonar una bomba en el centro de Oslo? ¿Qué lo llevó a

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Haters

planear tan detalladamente y a ejecutar de manera tan precisa estos hechos atroces? Actos que a cualquier persona “sana” le resultarían inimaginables, y que sin embargo, este noruego de 33 años “lamentó no haber ido más lejos”, como declaró en su juicio aún vigente. El asunto crucial parece ser el estado mental de Anders, quien (a pesar de que ante los ojos del mundo, es un loco) admite los hechos sin arrepentimiento, incluso ha declaro que sus actos fueron “atroces pero necesarios”, y que su objetivo es loable: “Salvar a Noruega y a Europa del marxismo cultural y del dominio musulmán”. Motivación que justifica con detalle en su manifiesto "2083: Una Declaración de Independencia Europea", donde entre muchas otras cosas, menciona las fallas que el Partido del Trabajo Noruego ha infringido sobre su país, y señala que el precio a pagar por éstas, es la muerte. Precio que los jóvenes en el campamento de verano del Partido del Trabajo, tuvieron que pagar y que también se cobró con la explosión de una bomba en las oficinas del Primer Ministro noruego.

El detalle, lucidez y el basto discurso político y social de Anders, han hecho de su personalidad el punto crucial de debate en la corte noruega.

El primer diagnóstico psicológico lo declaró paranoico esquizofrénico, en pocas palabras loco. Esto hizo enfadar a Breivik porque el reporte demerita sus actos y lo humilla personalmente. Cinco meses después, en abril de 2012, fue declarado mentalmente sano con trastorno narcisista de la personalidad, lo que permite que sea tratado como criminal y sentenciado a prisión. Esto, que a cualquier hombre cuerdo haría muy infeliz, alegra a Anders. Calificar o justificar sus actos como locos, sería humillante y anularía la gloria que él cree merecer, para ponerlo en sus propias palabras sería “un destino peor que la muerte”. Para este hombre una condena menos fuerte sería un insulto pero, ¿ante quién? Podría ser ante los llamados CaballerosTemplarios1, orden militar cristiana activa durante las cruzadas, la cual en teoría ya no existe, pero de la que él ahora se cree miembro. Al parecer su trastorno le permite referirse a sí mismo como el “futuro líder de Noruega” o como el “mejor caballero europeo desde la Segunda Guerra Mundial”. Pero si nos detenemos por un momento e incluso asumimos su título nobiliario, una cosa sigue sin explicarse, pues aún bajo la premisa de que se trata del salvador de Europa, queda la cuestión de que asesinar y salvar son cosas etimológicamente muy distintas.

Asesinar a sangre fría, uno por uno, a 69 jóvenes (futuros líderes de su país que –según él– apoyaban el multiculturalismo y la inmigración de musulmanes) buscándolos en los lugares donde él se escondería, y además –una vez terminada la búsqueda– regresar a rematar a los heridos que fingían estar muertos… ¿Son los actos de un salvador?

El odio, tan enorme y esencial, que Anders siente hacia los musulmanes que habitan en su país, fue razón suficiente para matar, sin embargo, Breivik no mató a musulmanes, sino a su propio pueblo. ¿Acaso el odio permite a una persona asesinar a su gente y no sentir culpa? ¿Es este sentimiento capaz de justificar tal acto?, ¿es capaz de matar nuestra empatía y compasión, de envolver nuestras acciones en una burbuja de justificación? O, ¿qué es lo que le permite a Breivik narrar detalladamente los actos cometidos ese 22 de julio sin la más mínima reacción de arrepentimiento? ¿Pasarán por el mismo estado psicológico los soldados en guerra que matan y hasta lo festejan?

Detrás de estas preguntas y del efecto que tiene el odio en nuestras acciones, prevalece quizá la más importante: ¿Qué nos hace odiar? Una teoría es que el odio es una respuesta automática ante alguna amenaza2. La amígdala, una parte del cerebro muy importante en las reacciones emocionales, es la que se encarga de decidir en situaciones

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es.wikipedia.org/wiki/Caballeros_templarios

de agresión si peleas o escapas. Si decides pelear, el odio es tu mejor arma para sobrevivir, ya que te deshumaniza y puede dar lugar a violencia sin límites.

Seguramente, todos hemos experimentado este sentimiento. El odio y las sustancias químicas que lo acompañan hacen que tu corazón lata más rápido y básicamente te preparan para el ataque. Otra versión explica que el odio nace de la búsqueda de poder o de la necesidad de mantenerlo3. No debemos descartar la posibilidad de que se cometan asesinatos por pura ambición, esta teoría explica que generalmente para que haya odio, tiene que existir algo que amenace una posición de poder. Desde ese punto de vista; para Breivik –un ultranacionalista, racista, islamofóbico y cristiano de extrema derecha– la inmigración musulmana puede ser una amenaza muy real y suficiente justificación para realizar estos actos que él mismo describe como repulsivos. En su cabeza está defendiendo el futuro de su gente. ¿Cuántas personas no han llevado a cabo peores atrocidades en el nombre de su pueblo?

Desde la perspectiva de Breivik, los musulmanes son seres infrahumanos, gente que no merece el tipo de vida que llevan los noruegos y Europa Occidental en general. Cada día llega gente de otros países, con otra cultura, con distintos valores; gente que al ser tomada en cuenta, amenaza con diluir los cimientos de su creencia religiosa y con ello de su propia existencia. El prejuicio definitivamente, es una de las raíces del odio. Robert J. Sternberg afirma en su libro La Naturaleza del Odio (2010) que; “el favoritismo del propio grupo es una base a partir de la cual se derivan los estereotipos y la devaluación de los miembros de otros grupos”. Al parecer este comportamiento le funciona al ser humano para salvaguardar los valores y la cultura de los grupos, y con esto la identidad de cada individuo. Básicamente el ser humano se siente amenazado por los grupos, porque él mismo pertenece a uno.

La pregunta, ¿por qué? es casi infinita. Cada respuesta nos lleva a otras preguntas y así podríamos estar indefinidamente en estado de búsqueda. Tratando de llegar a una conclusión al menos momentánea, no nos queda más que aceptar que los hechos atroces; los asesinatos, las masacres, los genocidios y demás consecuencias del odio son algo presente en el comportamiento humano. Definitivamente la existencia del odio nos causa curiosidad, misma que nos lleva a buscar la manera de entenderlo para intentar evitar, o al menos controlar, sus expresiones.

Aunque probablemente estas fuerzas siempre encontrarán caminos para presentarse. El odio es una parte tan humana como el amor, la imaginación y la creatividad. Si encontramos la manera de borrarlo dejaríamos de ser humanos. M

Rush W. Dozier, 2003 Robert J, Sternberg, Karin sternberg, 2008

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OFF THE RECORD

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

Periodista de rock y escritor de ficción. @arthuralangore

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

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TXT:: A. A. GORE.

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Ovidio y Erich Fromm lo lamentarían. El arte de amar está en desuso y lo de hoy es el arte de odiar. Dime cuántos haters tienes y te diré quién eres. Esa parece ser la insignia en estos tiempos de cólera y redes sociales. Es momento de los odiadores, quienes se deslizan vertiginosos por los toboganes de la insidia y el insulto, del improperio y la injuria, del anonimato y la impunidad. Yo he estado de algún modo en ambos lados de la moneda. Cuando comencé con mi labor como crítico musical, con mi columna “Bajo presupuesto” (sí, el mismo nombre que la que hago en Marvin), en el diario El Financiero, mis textos poco complacientes con el rock mexicano y mi manera de referirme a éste con el sustantivo "rockcito", hicieron que mucha gente me considerara como un tipo lleno de odio y frustración. Poco acostumbrados a la crítica directa y habituados al elogio casi uniforme de la prensa roquera, los integrantes de las bandas que dominaban el panorama de esos días (Caifanes, Maldita Vecindad, Café Tacuba –sin v-, Fobia, etcétera) creyeron descubrir en mí a un enemigo, a un hater.

Ninguno llegó a los extremos del director Arturo Ripstein, quien demandó al crítico Jorge Ayala Blanco –mi compañero de páginas en El Financiero– por daños y perjuicios, debido a una crítica que hizo a alguna de sus películas. La absurda y ridícula acusación no prosperó, y Ayala Blanco (para mí el mejor crítico cinematográfico que ha habido jamás en este país y una excelente persona, por cierto) no tuvo mayores problemas, pero es cierto que para muchos personeros de la industria del cine era y sigue siendo un hater.

Esto me lleva a plantear el hecho de que en muchas partes se confunde al crítico con una persona amargada y perversa que goza con destruir las obras de los creadores (como si la crítica en sí misma no fuese un acto de creación). Yo he vivido con ese estigma sobre mi cabeza durante más de veinte años, primero en el mencionado diario, más tarde en la revista La Mosca en la Pared (en la que consolidé mi fama como enemigo mayor del rock nacional) y actualmente en Milenio Diario, en donde escribo desde hace poco más de doce años sobre temas políticos en la columna “Cámara húngara”.

Hoy día, con Twitter y Facebook, prácticamente recibo a diario el embate de los trolls (haters anónimos que pululan en mis redes sociales, en mis blogs y en los espacios para comentarios al pie de mis textos, en el sitio de internet de Milenio), aunque también lo recibo de otros odiadores, quienes dan la cara. En especial, los trolls son de mayor agresividad y quienes suelen proferir las más duras ofensas, por el hecho de que uno no coincide con sus puntos de vista (llamarlos ideas sería generoso). Me han llamado panista, priista, televiso, vendido, chayotero, peñanietista, calderonista… y hasta pejista y perredista (¿o sea…?). Todo acompañado por palabras soeces que no reproduciré en estas páginas. Se dice que algunos trolls son contratados por los diferentes partidos políticos, para insultar a columnistas y líderes de opinión que no son de su agrado. Tal vez. Pero aunque sean espontáneos, no deja de ser lamentable su bajísimo nivel de discusión y nula capacidad de argumentación. Se han adueñado de las redes sociales, y desde ahí arrojan sus inmundicias. Los haters no se irán en mucho tiempo y continuarán en sus escondrijos. Preferible eso a que los gobiernos intenten reglamentar a la red.

Gajes de la democracia cibernética. Ni modo.

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Haters

E

BAJO PRESUPUESTO

A PACO LO qU

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E O D C PA UE ES A JAy LO q y A J

“El problema de fondo con Fobia no fue el cambio de integrantes, sino el cambio de manager”, me dijo hace poco un amigo cercano a Paco Huidobro. Según él, la situación entre los integrantes de Fobia, los de Moderatto y los que militaban en ambas agrupaciones era ya insostenible, porque compartían el mismo manejador. Esto significaba que, al momento de sentarse a hacer agendas, se privilegiaba el booking de Moderatto –a quien le está resultando bastante rentable el show con Alejandra Guzmán– por encima del de Fobia. A ese paso, y con el lógico descontento de Paco Huidobro, su banda acabaría por servir de telonera –por así decirlo– del que originalmente sería un “proyecto alterno” de Cha!, Iñaki y Jay. El resto de la historia es conocida. Paco y Leo de Lozanne tienen un nuevo manager, se hicieron de otros músicos y presentaron en julio Destruye hogares, el nuevo disco de Fobia. Moderatto, por su lado, continúa sacudiéndose la caspa de broma que le queda en los hombros para lucir con garbo el sombrero de sobriedad que sus integrantes decidieron confeccionarse hace unos años. Moderatto dejó de ser broma, es asunto serio. “¿Por qué el grupo de Paco se llama Los Odio?”, me preguntó ese amigo en aquella charla de café. “No es de a gratis”.

La de Fobia ha sido una historia de tintes shakesperianos, por la cantidad de traiciones, celos, puñaladas traperas, reconciliaciones, arrebatos, perdones, juramentos de amor y muerte que se han suscitado al interior. Lo que empezó como un grupo de amigos haciendo canciones experimentó una primera muerte cuando el cantante Leo, engatusado por una serpiente vestida de Eva que respondía al nombre de Rebecca de Alba, anduvo el camino amarillo de los solistas en busca del mágico mago de Oz. Fobia regresó de entre los muertos, no obstante, cuando el hechizo se terminó. Paco lo aceptó de vuelta y ambos se bañaron con el jabón de paz: Rosa Venus.

El título Destruye hogares es más que ilustrativo. Musicalmente la esencia es Fobia, porque para nadie es un secreto que del cerebro de Huidobro brota a raudales la genialidad del grupo. Mi amigo me dijo que él presenció cómo, mientras Paco y Leo componían rolas, el resto de los integrantes se preocupaban más por el diseño de arte. Eso me dice él.

Con Moderatto pasa lo mismo, pero al revés. Tampoco hace falta una espada del augurio para percibir que se trata de la banda de Jay de la Cueva, compositor, multi instrumentista y artista de un carisma sobresaliente que ha hecho del grupo una maquinaria de éxito, dinero y fans. Está bien. Sus compañeros viven un tardío sueño de rock and roll adolescente que muchos quisiéramos, por lo menos, soñar.

Las heridas están abiertas, lo sabemos, pero el tiempo posee cualidades cicatrizantes; cuando no te hace más sabio, cuando menos reduce el nivel de necedad en las venas. Quizá alguna vez asistamos al reencuentro de Fobia con sus músicos originales o, en otro escenario, a una gira conjunta entre ambas agrupaciones. Moderatto y Fobia son tan grandes como diferentes. Hay para todos los gustos y por qué no, quizá el tiempo puso las cosas en su lugar y se encargó de darle a Paco lo que es Paco y a Jay lo que es de Jay.

EL CUADERNO AMARGO

AGUARRACES PORTEñAS

Escritora Twitter: @paolatinoco

Escritor y vagabundo.

T X T : : PA O L A T I N O C O .

D I A S T M A A LA

ESPAñO

A L

La relación entre México y España ha estado basada en una nutrida historia común: intercambios económicos, vínculos institucionales y una larga amistad diplomática que ha llevado y traído escritores, artistas plásticos, músicos y demás artistas de ambos países enriqueciendo y afianzando los lazos culturales. Cada vez hay más profesionales, estudiantes universitarios instalados en México y una enorme cantidad de turistas que visitan nuestro país sin que encuentren un obstáculo para ello. ¿Lo odioso? Que la apertura no sea recíproca. Que en estos días haya reportajes dedicados a hablar de la cantidad de mexicanos deportados por no contar con “la carta”, un documento solicitado desde junio de 2007 a los viajeros que deciden ir a gastar su dinero en vacacionar en España y a pesar de haber sido un tanto flexible los primeros años, ahora que el país se encuentra colapsado por problemas económicos ha decidido reforzar de manera que en este año han sido cientos los vacacionistas e incluso escritores mexicanos (uno de esos casos fue Pablo Raphael) que gastaron hasta mil euros en un boleto de avión sólo para ir de visita al aeropuerto de Madrid y regresar con la cola entre las patas.

La carta de invitación que exige el gobierno español para poder visitar (presumiblemente en una corta estancia) debe ser tramitada por la persona que acogerá como su invitado o invitados a extranjeros. El numerito cuesta alrededor de cien euros y una engorrosa visita a la comisaría de policía local. De lo contrario, llevar el comprobante de una reservación del hotel en que se hospedará y haber pagado y confirmado los días de estancia. Por si esto fuera poco, el viajero deberá llevar en efectivo 513 euros como mínimo, cheques de viajero y tarjetas de crédito acompañadas del extracto de la cuenta bancaria (y nada de llevar este documento si no es en original, las descargas de internet no cuentan). ¿Miedo a la competencia laboral? Lo mismo podríamos decir el gobierno de nuestro país, donde el empleo no es que abunde y sin embargo, más de uno de nosotros conoce a un Venancio que tiene su tienda de abarrotes o un escritor con residencia artística (pagada por la Embajada española y Conaculta) en tierra azteca. Desagradable gesto de nuestros “amigos” del gobierno español que se olvidaron de la generosidad de Lázaro Cárdenas en la época del exilio español.

Pasan por alto que sus libros son los más leídos en nuestro país (más del 50% de los libros que se leen en México provienen de la madre patria). Que sus escritores, cuando visitan México, sean tratados como estrellas de rock. No le meteré el pie a ninguno de los compadres que aunque hable con la zeta diga “güey” cariñosamente, pero un poco de flexibilidad en estos asuntos no caería mal. Aquí seguiremos leyendo con mucho gusto lo que dicten las editoriales españolas, continuaremos recibiendo a los extranjeros (de España y de donde sea) como la puta del mundo que Octavio Paz dijo que somos, ojalá que del otro lado del charco recuerden eso y no cierren con la puerta en la nariz a quienes van de visita y ni siquiera saben si realmente pretenden quedarse a trabajar, aunque en estos momentos nadie con dos dedos de frente iría a buscar trabajo a España.

72

Haters

A DONDE HABITAN L

T X T : : R A FA E L T O R I Z .

S

S A L E ST R E L

Entre las maravillas que pueblan el noroeste argentino, una de las más simbólicas es la Quebrada de Humahuaca, valle montañoso que atraviesa la provincia de Jujuy con colores que van del verde pistache al salmón pasando por un rojo ardiente semejante al culo de un mandril.

La Quebrada comienza 39 kilómetros al norte de San Salvador, la ciudad capital, y se extiende 170 kilómetros hasta llegar a la Quiaca, la ciudad colindante con Bolivia. El camino está regado de poblados pintorescos hermosos –Purmamarca, Tilcara, Humahuaca– que durante el verano austral suelen recibir mochileros, hippies, familias y toda suerte de viajeros empeñados en comprobar el evangelio de los lugareños: donde termina Buenos Aires comienza, en su complejidad, la vastísima Argentina.

Es curioso, para el mexicano ignorante, descubrir no sólo que el legendario “Carnavalito” es de manufactura argentina sino también comprobar que este país es profundamente indígena, tornando la imagen del porteño emigrado como un espejismo que limita y circunscribe la riqueza cultural de la nación al acoso de las fantasías capitalinas.

Luego de visitar Jujuy, llama la atención que un pueblito discreto con unos montes descarnados –conocidos por sus impresionantes variaciones multitonales como “la Paleta del Pintor”– se entregue el primero de enero a una fiesta colectiva en la que el vino, la cerveza y la música no dejarán de correr un solo momento.

Esta es la crónica de mi viaje al norte hace algunos años.

LA CHAyADA DEL MOJóN Lo primero que pensé al llegar a Maimará, debido a un par de borrachos, fue que la Chayada del Mojó. no sería otra cosa que una romería en la que habría que andarse con cuidado. Al calor de las copas las situaciones suelen complicarse.

Caminábamos el pueblo buscando el lugar el mojón, un montículo plantas al que se le riega con vino y cerveza. La función del mojón consiste en indicar el lugar en el que está enterrado el Diablo, una estatuilla minúscula que se libera sólo en esa fecha, motivo por el cual la población está de fiesta: se bebe y se baila porque el chamuco anda suelto.

Pasada la festividad es necesario enterrarlo, de lo contrario el año entero se perderá por las caricias del alcohol.

De súbito una banda comienza a tocar a todo pulmón, con desafinadísima precisión. Entonces turistas y locales nos volvemos un mismo cuerpo que comparte el vino y la cerveza, que misteriosamente aparecen por todos lados.

Se baila en círculos y en pareja, un verdadero carnaval de muchedumbres: la fiesta ha comenzado y sólo horas después habré de percatarme que no tiene para cuando acabar. Los músicos podrían tocar hasta morir. Veo a una señora bailando con un conejo y a mujeres hermosas que me rodean con sus bailes circulares; veo a una mujer en todo su esplendor bailando con el borracho más borracho del pueblo y luego le doy trago a un duende. Bebo vino rebajado con cerveza y rebajo la cerveza añadiéndole vino. Veo a un chino bailando solo y comparto un tetrapak con un obeso cubierto de cal. Veo como bailan los perros, distingo a un niño de cuatro años empuñando una caguama y me siento en un torbellino de sensaciones confusas y placenteras que disuelven el yo y me religan la tierra.

Me doy cuenta perfectamente de que para representar esta experiencia sería necesario disponer de otros sentidos, más vastos y plenos. Más nuevos.

Sonrío con todo el cuerpo, toco las montañas al alcance de mi mano y me doy cuenta de nunca en la vida había estado tan contento.

Miro la noche perfecta horadada por las estrellas: su luz inmensa me asegura que están alegres y borrachas.

LE

DISCO DEL MES

F

P A N P A O I o

er Wheel Is W The Idl Iser Epic REcoRds Tha r d o s WIll n c Th ser e d ve rIv Yo er o ng Debe tener sus ligeros inconvenientes u ppI f The I W screW and M ser Fiona Apple. Una mentalidad hipocondriaca y experimentación personal re sumamente perturbadora. Ello no presupone una Th desventa ja; sino que ofrece el mismo efecto de su an música, renovado con la experiencia de una mujer que ro pes dejó hace mucho tiempo de pretender ser una chiquilla.

WIl Si Extraordinary Machine fue el álbum donde Apple podía l ever do sentirse cómoda con altas dosis de drama; en The Idler Wheel…, esa comodidad adquiere una construcción espiritual y musical que por primera vez trasciende la experiencia de la pianista, transformándose en un recinto donde ella puede salvaguardar desde corazones destrozados hasta kilo y medio de antidepresivos. La calidad compositiva y la estructura conceptual de este álbum sobrepasa el estrato confesional de Fiona; dejando espacios de reflexión mucho más complejos que nunca antes –y eso incluye al siempre grato When the Pawn...–.

Canción tras canción, Fiona, su piano, y las extraordinarias percusiones, realizan una contorsión problemática de todo aquello que una canción rock pop supuestamente debería ser. Hay que reconocerlo: Apple es una voz única, y para colmo, rabiosamente inteligente.

T X T: : LUi S A r C E

Haters

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cRocodilEs / endless floWers / F R E n c h k i s s

A muchos les gustaría que su banda favorita se quedara por siempre en el under, tal vez ese sea el caso de los fans de Crocodiles, quienes no se sentirán tan cómodos con el nuevo disco. Han quedado atrás esos años de subordinación a lo oscuro, temas como “No Black Clouds For Dee Dee” y “Welcome Trouble” conspiran para conseguir un rincón de nuestra mente a lado de “Sunday (Psychic Conversation #9)”, esa pieza tan ruidosa y armónica que My Bloody Valentine envidiaría. Endless Flowers es coherente y fiel a un mundo menos pose, pero al final todo suena como la misma canción.

Los escasos cambios de ritmo hipnotizan en los primeros veinte minutos, pero al poco tiempo nace un extraña sensación de monotonía que bien emocionaría a los nostálgicos pero amargaría a los novatos.

Tenemos ante nosotros un álbum exquisito que trató de “imponerse” con excesiva sencillez. ¿Alguien notó los sintetizadores?

T X T : : PA B L o P U L i D o .

ThE JEsus and MaRy chain psYchocandY Notas puras que agudizan la realidad hasta un punto insoportable.

ViVian GiRls vIvIan gIrls Sólo un par de chicas rompiendo los tímpanos… hasta que llegó el lápiz labial.

ThE cRiBs Ignore The IgnoranT La versión desnuda de Endless Flowers, menos guitarras y mucho más divertido.

D I

ThE hiVEs / lex hIves / di s q uE

hi V E s

Luego de años ausentes, cinco si somos precisos, vuelven The Hives como siempre han sido; eléctricos, agresivos y divertidos. Lex Hives suena a una banda que logró aplicar perfectamente la fórmula que tan bien les ha funcionado, pero sin ser repetitivos. El secreto es que suena actual, punto. Se dice que Lex Hives es una frase romana usada para aceptar un sistema como un estándar. Después de escuchar el disco completo, resulta evidente que fue un nombre bien pensado, que sin pretenciones demuestra que su propio estándar satisface hasta a los oídos más exigentes. Tracks como “Go right Ahead”, “Patrolling Days” o “if i Had a Cent” son suficientes para saber que no importa el tiempo de ausencia cuando conoces tu traba jo y le sigues imprimiendo calidad. El quinteto sueco sabe que ha creado un gran disco con temas a punto de autocopiarse pero que logran evolucionar hasta convertirse en piezas únicas. No es necesario ser incondicional de la banda para disfrutar de lo que en conjunto redondea un buen traba jo de estudio.

S C O S

T X T : : A N D r E A PA z .

ThE RaMonEs pleasanT dreaMs No pretendieron cambiar las reglas del juego, siempre dejaron en claro que irían hasta el límite para hacer explotar cada riff que crearan.

ThE hiVEs TYrannosaurus hIves Energía y explosividad usual con espacios diseñados para brincar y pasarla bien a partir del minuto uno.

REd hoT chili pEppERs I’M WITh You Crecimiento encapsulado y solidez de talento propio, repitiendo con experiencia esa irreverencia añeja ya característica.

REGina spEkToR / WhaT We saW froM The cheap seaTs siRE/WEa

Colorido. Esa es la primera palabra que se me viene a la mente al escuchar este Lo que vimos desde los asientos baratos, el sexto larga duración en estudio de la gran regina Spektor. Luego del estupendo Far de 2009, la singular cantautora ruso-estadounidense nos hizo esperar tres años para entregar un nuevo álbum, pero vaya que valió la pena. Con su bandera de anti-folk y su inconfundible toque indie-popero, Spektor llena sus canciones de encanto y buen humor, de esa ironía de la cual sólo ella es capaz, tal como podemos escuchar en temas como “Small Town Moon”, “oh, Marcello” (en el cual finge un simpático acento italiano), esas delicias que son “Don’t Leave Me (Ne me quitte pas)” y “Patron Saint” o la conmovedora “Firewood”. El álbum es muy variado y recorre diversos rangos, lo cual lo hace más disfrutable aún. otra perfecta cuenta en el collar de perlas discográficas de la gran regina.

T X T: : H U G o G A r C Í A M i C H E L . sT. VincEnT sTrange MercY Un trabajo pleno de experimentaciones, rupturas armónicas y cambios rítmicos.

Una brillante joya.

nElliE Mckay hoMe sWeeT MoBIle hoMe La ingeniosísima canadiense con su más reciente disco, un mosaico de canciones llenas de gracia e inteligencia.

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ThE dREsdEn dolls Yes, vIrgInIa… Tal vez el disco más íntimo y entrañable de este dueto.

Quizá, también, el más cálido y sensual.

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3 x 1

alT-J (∆) / an aWesoMe Wave / i n F E c T i o u s

Es curioso que mientras en reino Unido este disco es uno de los debuts más esperados, en el resto del mundo estoy seguro pasarán desapercibidos, y es realmente una lástima porque es un gran, gran álbum. Su concepto es ingenioso, alt-J (∆) saca su nombre del comando alt+j que utilizado en equipo Mac resulta en Pi (π) o en delta (∆) de ahí partieron para hacer canciones con fórmulas matemáticas, así su propuesta suele ser experimental en ejecución y rock pop indie en sonido. No resulta extraña la mediana fama que han ganado, sus sencillos “Flitzpleasure”, “Matilda” y el más reciente “Breezeblocks” son memorables, algo retorcidos y con cierta melancolía, la misma que le resultó tan bien a Foals y Wu lyF. Lo principal de este cuarteto es que no hace falta tener un nombre que todo el mundo conozca y que tienen ideas y las llevan a cabo, ellos mismos saben que ha sobrepasado los límites y que el estilo de la banda está perfectamente definido. La propuesta y el sonido lo tienen ahora, lo que les hace falta es la oportunidad de ser reconocidos.

D I S

T X T : : J A S i E L Vi L L A .

C

ThE XX xx El debut más anticipado e influyente de bandas independientes en el Reino Unido.

O S

Foals ToTal lIve forever Su segundo disco también terminó siendo sumamente influyente en bandas independientes del Reino Unido.

Maps & aTlasEs perch paTchWork El mismo juego y tono vocal, un sonido igual pero diferente

puRiTy RinG / shrInes / 4 a d

Como una banda que recibe gran cantidad de reconocimiento antes de lanzar su primer álbum, desprecio profundamente la especulación generada en torno a Purity ring. Como uno de los actos más completos que podemos escuchar hoy día; Purity resulta cautivador en cada aspecto; desde el outfit que utilizan en el escenario, hasta el enclaustrado sonido de pop celestial que encontramos en sencillos como “obedear”, “Belispeak” y “Ungirthed”. Avanzar hacia el encuentro con su primer álbum, demuestra tres cosas: existen bandas que son profundamente coherentes con sus cometidos, bandas que están sumergidas en una mentalidad explosiva de resultados inmediatos, y otras que no. Purity corresponde a la segunda categoría. Aquellos que no realizan nada. Son desconcertantes; en ello radica su imperfectible actitud.

Existe cierta invitación a bailar, pero será un baile convulso, y alguna que otra línea para corear cada canción. Fuera de eso, el universo de Shrines es una intriga, inexorablemente a jeno, pero abierto a casi cualquier abstracción. Cada momento está dotado de esa visión futurística del pop, haciendo de este álbum un debut altamente satisfactorio.

3 x 1

T X T: : L Ui S A r C E .

ThE kniFE deep cuTs Podemos culparlos por haber llegado demasiado temprano a la cita en este estilo de componer pop. Pero su papel para el surgimiento de este camino, es ahora innegable.

Haters

BRaids naTIve speaker Desde Cocteau Twins y Siouxsie Sioux hasta Animal Collective o Björk, desfilaba aquí una actitud abierta ante la experiencia de la música electrónica.

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Fun soMe nIghTs Con una cantidad similar de hilarante azúcar celestial, Some Nights es un debut tan revoltoso y distintivo como Shrines.

doMiniquE a / vers les lueurs c i n q 7/ Wa G R a M

En Marvin, como en el resto de occidente, la oferta anglosa jona suele atropellarnos. Hay tanta que apenas da tiempo para prestar atención a otros imaginarios. Y vaya que en la tradición francesa hay varias propuestas exquisitas. Esta es una de ellas, Dominique lleva veinte años de carrera, nueve discos de estudios y posee una capacidad de riesgo que evita que pueda anquilosarse. El álbum sabe muy bien cuando recurrir a la guitarra eléctrica (“Close West”) y la energía rock para luego desatar la épica más emocionante (“rendeznous la lumiere”). Pero también sabe cambiar de ritmo, acercarse a la chanson y acompañarse por un quinteto de vientos y metales, que le aportan sobrada elegancia. Su décimo disco rebosa de composiciones sólidas, como el tema titular o “Vers le bleu” –contagiosa–. Este nativo de Nantes merece que más gente lo conozca más allá de los círculos especializados. Al menos triunfó en el Primavera Sound. He aquí la puerta de entrada hacia para jes sonoros fascinantes.

T X T : : J UA N C A r L o S Hi DA L G o . doMiniquE a augurI Para los entendidos el trabajo más logrado en su anterior discografía.

yann TiERsEn skYlIne Últimamente al compositor de la banda sonora de Amèlie le ha dado por rockear durísimo y probar con la distorsión y el feedback.

BEnJaMín Biolay Trash Yé-Yé Uno de los más dignos herederos de Gainsbourg; otro inspirado iconoclasta que vale la pena descubrir o recuperar.

D I S C O S

ThE BEach Boys

ThaT’s WhY god Made The radIo c a p i To l

Producido por Brian Wilson, este disco (que de alguna manera conmemora los primeros cincuenta años de los Beach Boys, cuyo primer disco, The Surfin’ Safari, data de 1962) ) es realmente bueno y conserva de principio a fin el viejo y conocido estilo de estos muchachos playeros (ya setentones, por cierto). Ahí están sus melodías pega josas y ultra poperas, sus impecables armonías vocales, sus letras simples y bobaliconas. That’s Why God Made the Radio contiene doce cortes y podría dividirse en un lado A y un lado B. El primero, con seis canciones alegres y despreocupadas; el segundo, con otras seis más reflexivas y melancólicas. La grabación está impecablemente producida y si hubiera que destacar algunas de las canciones, mencionaría “isn’t it Me”, “Spring Vacation”, “The Private Life of Bill and Sue”, “Shelter”, “Beaches in Mind”, “Strange World” y “Pacific Coast Highway”. Un disco para melancólicos surferos, pero también para indies furtivos.

3 x 1

T X T: : H U G o G A r C Í A M i C H E L .

BRian Wilson sMIle El gran álbum de los Beach Boys que nunca grabaron y que tardó varias décadas en aparecer.

ThE BEaTlEs ruBBer soul El disco en el que los de Liverpool dieron su primera vuelta de tuerca y al que Brian Wilson siempre quiso igualar.

ThE MaMas & ThE papas calIfornIa dreaMIn’ Un gran disco. El mejor de Las Mamás y los Papás y su grato estilo californiano.

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Manos d dE Topo

escapar con el an anTIcIclón / s o nE s

Los de Barcelona son un grupo atípico, raro, excéntrico, por decir lo menos, y en ello apuestan todo su resto en la partida musical.

Se les ama o se les odia fervientemente –no hay lugar para medias tintas–. Basan su propuesta en el modo de cantar de Miguel Ángel Blanca, al borde del llanto, sobreactuando sin reparo y su pop de vodevil y cabaret freak se encuentra al servicio de tales desplantes. Lo que en su debut nos fascinó, pero que vino a menos con El primero era mejor. Llegó el momento de renovarse o dejarlo todo por la paz. Y para ello reclutaron a un productor.

Ramón Rodríguez o "The New raemon" como se le conoce en el medio, tuvo la misión de lograr un sonido más potente, más eléctrico, y contener al cantante para que no se desbordara.

De eso se trata su tercer álbum: menos teclados, más distorsión guitarrera y las mismas historias de surrealismo mediterráneo.

Por lo menos han dado con una tercia notable de canciones: (“Sólo “Tus siete diferencias”, “Mentirosa” y “Mejor sin pijama” (“ dormir”). Esos delirantes piensas en mi cuando no tienes con quien dormir monólogos nerds dan pie a títulos tan ocurrentes como “Tragedia en el servicio de señoras” y “Pinzas en los ojos”. Ahora hay oportunidad de que el violín de Sara Fontán luzca y se acomode, aunque eso no basta para que el sufridero continúe: “Vuelves a protestar con que te acarició mal, que prefieres el sofá, estoy solo siempre al despertarme”. Los hombres requerimos de muchos discos como este… ¡y qué!

D I S

T X T : : J UA N C A r L o S H i DA L G o .

Manos dE Topo orTopedIas BonITas Ocurrente, locuaz y muy inspirado. Un debut completo en toda regla. “Es feo” es un himno.

C O S

JoE cREpúsculo supercrepus Otro chatarrero del pop mutante; letras incisivas, música sin prejuicios.

Irreverencia de terciopelo.

Zulu WinTER / lenguage / a R T s

VaRios aRTisTas Macarena: versIones doMésTIcas desde el procoMún El sello Producciones Doradas editó una compilación sobre el cursi tema popularizado por Los del Río. Manos de topo hizo lo suyo.

& cRaFTs

La música de este quinteto es ideal para bailar ba jo las estrellas, vaya no es música espacial, más bien resulta ser amigable y romántica, con fórmulas básicas coro-verso-coro, no es rock propiamente, es un pop disfrazado de alternativo, bastante en onda con el sonido de moda actual. El vocalista Will Daunt se escucha seguro, comunica sus emociones y se siente real, son buenos ejecutantes en la instrumentación sin sonar forzados, su mayor acierto es crear ganchos que conectan con facilidad, “We Should Be Swimming” hace pensar en el u2 de Boy con su sonido más afilado, por su parte “Bitter Moon” y “Small Pieces” son grandes baladas que casi explotan pero que al final se quedan cortas, sus mejores momentos surgen en piezas como “Silver Tongue” y “Let´s Move Back To Front”. Tengo la idea de que en vivo es donde realmente está su fuerte, porque su debut –a pesar de ser grandioso– es el tipo de cosas que podrían ser más grandes y que por algún extraño motivo no lo son, habrá que ver que pasa con un segundo disco.

3 x 1

T X T: : A L E JA NDr o G oN z Á L E z C A S T i L Lo.

Wild BEasTs TWo dancers Los riffs de guitarra son similares a los empelados por Wild Beasts.

Haters

ThE TEMpER TRap condITIons: Rock pop, canciones casi de estadio, reminiscencias de U2 y similitudes con Zulu Winter.

78

Foals ToTal lIve forever Dicen que ya no hay bandas nuevas que no suenen a este disco.

GaZ cooMBEs here coMe The BoMBs / h oT

F Ru i T

Al frente de supergrass (1994- 2010), Coombes confeccionó una memorable hilera de temas que le colgó una sonrisa apestosa a hierba a millones de ingleses, sin embargo esa historia ha quedado sepultada. Gaz se presenta solas, y todos los instrumentos que figuran en éste, su álbum debut, fueron ejecutados por él mismo, quien de nuevo echa mano muchas guitarras acústicas y eléctricas y harto fuzz en el ba jo, es decir, nada que no le hubiésemos escuchado antes; es en el uso de ca jas de ritmos, coros femeninos y sintetizadores que se localizan los cambios. “Fanfare” y “Break the silence” bien podrían simbolizar el nuevo rostro del de oxford, y “Simulator” sus ganas por permanecer atado a esa vieja urgencia melódica que solía caracterizarlo, aunque ésta sucumba ante bruscas escalonadas que impiden aseverar que estemos ante un listado de rebabas de Supergrass.

T X T: : A L E JA NDr o G oN z Á L E z C A S T i L Lo.

supREGRass I should coco Desde los Beatles, ningún disco debut editado por Parlophone había llegado tan lejos.

RadiohEad In raInBoWs Pareciera que los fantasmas de “Jigsaw falling into place” y “Bodysnatchers” deambularan en el disco de Gaz.

ThE hoT RaTs Turn ons Un grupo de covers formado por Coombes y Danny Goffey bajo la producción de Nigel Godrich.

paTTi sMiTh / Banga / s i R E / W E a

Hay muy poco que añadir acerca de la estatura artística y la trayectoria de Patti Smith. Su música, su poesía, su existencia misma son no sólo parte de la cultura del siglo pasado y lo que llevamos de este, sino que podríamos decir que toda su obra es ya patrimonio de la humanidad. Su discografía es excepcional y este Banga, su más flamante larga duración, no es la excepción. ocho años después de su último álbum en estudio (el estupendo Trampin’ de 2004), Smith regresa con fuerza inaudita al lado de su banda de los últimos años (encabezada por lenny kaye) y con invitados como el guitarrista Tom Verlaine, la banda italiana casa del Vento y el actor Johnny depp. No se trata de una obra conceptual, aunque sí hay múltiples referencias a la época del renacimiento (con canciones sobre américo Vespucio o el pintor piero della Francesca). Mención especial merecen el tema “This is the Girl” (dedicado a amy Winehouse) y el emotivo cover a “After the Gold rush” de Neil Young. Un gran disco.

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T X T: : H U G o G A r C Í A M i C H E L . nEil younG afTer The gold rush Uno de los álbumes fundamentales del canadiense. Una verdadera obra maestra.

TElEVision MarQuee Moon En 1977 resultó un disco revolucionario.

Lo sigue siendo.

sun Ra aTlanTIs Tan variado como intenso, tan inventivo como épico. Una buena vía para introducirse en la obra de este creador singular.

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000-a70u-0075 / 000-a70u-0075 / i ndE p E ndi E n T E

resulta imposible saber qué o quién está detrás de estos doce minutos de música. El bandcamp de donde proviene no aclara nada, y los títulos de las canciones arrojan confusas nebulosas sobre cualquier conjetura que podamos fabricar respecto al proyecto. Una búsqueda más profunda, involucra un extraño tumblr y su creador o creadora: susan Balmar. En cualquier caso, saberlo no aportará nada. Ya que éste es uno de los principales ejemplos de las virtudes que puede entregarle el anonimato a la música. Las cintas que escuchamos pertenecen a un estrato diferente de la composición. Entre prejuicio e intriga, descubrimos un artista que no teme reutilizar el sonido con el fin de producir aleaciones muy agresivas de diferentes estilos musicales. Ciertamente no es noise, y sin duda dejará a muchas personas sin la energía suficiente para afrontar otros objetos tan peculiares como éste. Tras darle play a la página podríamos asegurar que la verdadera experiencia obtenida de este encuentro es un conocimiento claro de lo que significa el ruido. Excepto, porque el silencio está directamente enfocado hacia ti.

T X T : : L Ui S A r C E . cElER close To proxIMITY and The unhIndered care-all Desde la ambientación más programática. Hasta el mínimo detalle del corta y pega; Celer posee un estilo tan propio que debe ser recorrido con precaución.

D I S

ViVE la FêTE

C

aMBalancE cokeWave Otro de esos misterios que comienzan a generar ruido, precisamente por sus inaprensibles características.

alVin luciER I aM sITTIng In a rooM Uno de los pioneros en el trabajo con cintas. Un álbum imprescindible para la comprensión de dicho estilo musical. Clásico.

/ produI T de BelgIQue / J a M u Z Z i

Las variaciones en este disco del dueto belga son mínimas pero importantes. Persisten el electro pop, las letras nimias pero simpáticas, pero ahora se dejan guiar por unas guitarras que rayan en lo metalero y una base rítmica tocada por un músico. Se trata del traba jo de toda una banda en regla que hace música para pasarla posmodernamente bien. Els Pynoo –delirante y esquizofrénica– y el guitarrista Danny Mommens portan la camiseta de la fiesta interminable y en “Decadanse” sintetizan lo que han sido y son, además de incluir una secuencia en homena je a Giorgio Moroder. Lo que no puedo creer ni aceptar es que alguien considere a esto electroclash.

Aquí hay que rockear y fiestar duro. Vive la Fête se mantienen en la suya, no cambian, a algunos no les hace feliz, pero en lo personal me divierte.

O S

T X T : : J UA N C A r L o S H i DA L G o . plasTic BERTRand Ça plane pour MoI También de Bélgica, un punk medio de diseño que bien pudiera ser padre de los Vive la Fete –en más de un sentido-; nos recuerda a los Sex Pistols.

3 x

ViVE la FêTE grand prIx Aún sus críticos consideran este disco todo un trancanzo hedonista.

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Haters

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chico y chica ladY olé Dicen de ellos que son el equivalente español de Vive la Fete –pero, bueno, existen algunas diferencias-.

ladyhaWkE anxIcITY / M o d u l a R

Superar su álbum debut fue un reto desde el principio, quitarse la etiqueta de frágil electropop lo fue aún más. Es por eso que la cantante y compositora decidió dar un paso cuidadoso a lares más densos; están los sintetizadores y su tímida voz, pero ahora acompañados de agresivas distorsiones que podrían desorientarnos en algún momento y no saber a quién estamos escuchando realmente, el ejemplo más obvio “Girl Like Me”, tema perfecto para la banda sonora de una serie boba adolescente.

Que no los engañe la nueva agresividad de Ladyhawke representada en “The Quick & The Dead” y “Gone Gone Gone”, porque en última instancia sigue siendo la misma chica introvertida con camisas vaqueras que le canta al amor en “Sunday Drive” y “Anxiety”.

Es una pena que muchas de las canciones se quedaron a mitad del camino, pues el hype está ahí, el problema es que existe una extraña negación al caos, misma que podría orillar al aburrimiento, y por ende, al terrible mundo de los músicos fugaces.

D I S C O S

T X T : : PA B L o P U L i D o . lE TiGRE le TIgre Feminismo multiplicado por mil y dividido entre tres.

pEachEs IMpeach MY Bush Cansada del sexo en cuartos oscuros, decide salir y pervertir a los inocentes de la escena pop.

ThE lonG BlondEs “couples” Tener el corazón roto y un sonido positivo, es de insensibles y héroes.

ThE BRian JonEsToWn MassacRE / aufheBen / a

REcoRds

Cualquiera podría considerar la posibilidad de que este disco hubiese sido grabado entre 1967 y 1969, aunque los soplos hindúes y las flautas campestres de ánimo hippie –así, de lo más buena onda y ensoñadores– de pronto se vieran trastocados por el mal humor del futuro. Porque en Aufheben los de chanclas con suela de llanta, en lugar de LSD inhalan resistol. Más que canciones, los temas que Anton Newcombe concentró en este álbum operan como un muestrario de texturas sónicas y obsesiones verbales con el ritmo como sustancia unificadora. De esta manera, ”Panic in Babylon”, “illuminomi” o “i Want to Hold Your other Hand” difícilmente podrían denominarse canciones (carecen de la estructura convencional que suele caracterizar a éstas); así que por qué no mejor bautizarlas como “momentos” o, mejor aún, “emociones”. Ya que cada quien decida si lo mejor es acompañarles con ácido o pegamento.

T X T: : A L E JA NDr o G oN z Á L E z C A S T i L Lo. ThE hiGh llaMas can cladders Aquí también se encuentra ese estado de aletargamiento que provocan ciertas hierbas.

ThE BEaTlEs MagIcal MYsTerY Tour “It´s all too much” bien podría significar la piedra filosofal de Newcombe.

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supER FuRRy aniMals venus Estos galeses también son los suficientemente atascados como para no ser tomados a la ligera.

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ObLIg

EsA AcIONEs, cErtEzAs y PrOm

R I S E S

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uL 20 dE j

the AmAzing

Spider-Man

iaRan. od

o

estren

I

La saga que revivió a la franquicia de Batman llega a su fin con la intención de cerrar en forma definitiva la historia narrada magistralmente por chris nolan.

Aunque no te gusten las historias de superhéroes, The Dark Knight Rises trasciende el género, es simplemente y ba jo cualquier medida, una gran película.

La aparición de persona jes icónicos como Catwoman o Bane, así como efectos visuales impresionantes, serán suficiente argumento para el grueso del público. La historia que tan celosamente ha sido guardada, más el trágico encuentro de Batman y Bane –que en el cómic significa el fin de la carrera del superhéroe–, tiene a todos los fanáticos de la saga con muchas preguntas sobre el devenir del oscuro persona je.

Nolan ha declarado en varias ocasiones que este filme será el final de la saga, al menos con él como director ya que le gustaría involucrarse en el proyecto como productor. Christian Bale, por otro lado, dijo recientemente que le encantaría interpretar al caballero de la noche de nuevo, por lo que es posible que Batman tenga un par de tra jes aún por estrenar en la baticueva. Sin embargo, si algo nos han enseñado las muchas reencarnaciones del murciélago, es que algo siempre puede salir mal (una gatubela a la halle Berry, pezones en el tra je de George clooney, etc.) y si a esto le sumamos el hecho de que los fans no perdonan nada, seguramente la reacción ante esta cinta tendrá una buena dosis de hate.

Haters

T X T: : J o r G E A r i A S .

sabemos que el verano es una de las mejores épocas para el cine internacional, en especial para las grandes superproducciones hollywoodenses que buscan ser los reyes de las taquillas a nivel mundial. quienes son gustosos del séptimo arte saben que –después de esquivar algunas trampas de las carteleras mexicanas– se tendrá la oportunidad de darse un buen festín fílmico. desmenuzando la oferta que tendremos en nuestras salas cinematográficas, rescatamos algunas películas que consideramos dignas de verse, aunque como siempre ocurre: en gustos se rompen géneros.

la pEl ícula quE Todos VEREMos y qu s cuan , E sEGuRo uno To

C

s dEL cINE EN VErANO…

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poRquE nunca sE TiEnE suFiciEnTE spidEy En hollyWood

Se rumora que el nuevo intento fílmico de uno de los superhéroes más icónicos, no ha sido del agrado de los ejecutivos de Columbia Pictures, lo que tal vez pueda significar que este nuevo principio, trae consigo el fin. Poco importó que Emma stone interprete a Gwen Stacy, la primera novia de Peter Parker (ahora interpretado por andrew Garfield), o que el director sea Marc Webb, joven talento hollywoodense que dirigió (500) Days of Summer, ni que el multipremiado compositor James horner se encargue de la banda sonora… pero todo esto es sólo un rumor, e incluso si fuese más que eso, se trataría de la opinión de ejecutivos con tra je del estudio, quienes –irónicamente– no tienen el mejor gusto cuando de películas se trata.

A primera vista The Amazing Spider-Man parece tener todo lo necesario para revivir al superhéroe.

En especial cuando se habla de la incursión del persona je en la secuela de es The Avengers, que a pesar 3 dE tjreno de no ser la película que los uLIO fans esperaban, sí fue un negociazo en taquilla… y nadie quiere perderse una ta jada de ese pastel.

cinE FRancés

paRa VER an Ea R

estre

Octubnro E En épocas recientes, kirsten dunst se ha involucrado en proyectos cuaTRo interesantes, desde Melancholia, del Las expectativas que paísEs y cineasta lars von Trier, hasta On the el filme homónimo a la Road, basada en la novela de Jack un pREMio novela del colombiano kerouac. Tal vez por ello nos da Gabriel García Márquez noBEl buena espina Upside Down, cinta ha generado son de romance y ciencia ficción, enormes, y es que pocos o n e r t s e combinación que en el pasado nombres resultan tan LIO nos ha dejado buen sabor de 6 dE ju sagrados para boca. el público Esta producción francolatinoamericano canadiense, dirigida por el como el de este cineasta argentino Juan diego escritor ¿A quién no solanas, plantea la historia de le gusta la obra de amor entre dos personas que Márquez? Aunque, habitan en mundos similares, como es menester, pero con gravedades distintas, la adaptación es literalmente hablando: el cielo un albur; nunca se de unos es el suelo de los otros. sabe si veremos Además de los efectos un peliculón o un visuales que seguramente bodrio más. En este estarán presente en Upside caso particular, se Down, será interesante ver tiene la venta ja la forma en que resolverán de un argumento todos los detalles propios de la sólido e interesante: convivencia de dos gravedades un periodista de diametralmente opuestas, noción mediados del irresistible para los amantes de la siglo pasado, que ciencia ficción. se regala la virginidad de una joven cuando festeja su cumpleaños número noventa. Cuatro países están involucrados en esta producción: México, Dinamarca, España y Estados Unidos. El director danés henning carlsen, creador de Hunger (1966) y Oviri (1986) entre otras, ya obtuvo un premio especial a Mejor Película en el Festival de Cine de Málaga (España) por esta cinta, por lo que nos aventuramos a augurar un buen fin a esta adaptación; pero, claro, siempre queda la posibilidad de que sólo se trate de tropezado recuento de las putas que han pasado por “El Sabio”.

ciEnc

ia FicciÓn paRa RoMÁnTicos

dE mIs PutAs trIstEs

DRIVE DDri DriVe RIVE riVVe ri Ve

estreno

LIO

6 dE ju

El cine francés, a mediados de los noventa, tuvo un repunte entre los gustos masivos, fenómeno que parece repetirse a partir de éxito que The Artist obtuvo.

Intouchables, en este sentido, llega en un buen momento. Como dato curioso podemos señalar que la actuación tan aclamada de Jean dujardin, en The Artist, fue superada en los Premios César por la de omar sy en Intouchables.

La historia de un acaudalado parapléjico y su humilde asistente, interpretado por Sy, nos lleva a pensar en películas como Knockin’ on Heaven’s Door (Thomas Jahn, 1997), en especial cuando vemos la secuencia inicial: la policía francesa persiguiendo el auto de esta peculiar pareja por las calles de París.

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C I N E

E N A G Ó ME z A L A r C Ó N .

T X T: : J i M

r m I N Aurn hombre E t A r P A g Bad es el retlaertoadcteos terribles, E V L e n V u Eera vista Bcrieaaskoi bligacnuiadcaor ma su fnamhéilirao…e. aal

n a de u rim busc nsta lter, por toria a p circu n que e la his ma por Wa ación y d e ill ti s ya gui trata ntir lás na de hum e cu de al e e s l s l . r e a e vid el ista tabl cánc es era v inevi o y su o le da d es im olm nti pr ipio in se ara c c Aquí es donde la cosa se pone más s yp in jo compleja (o en términos Breakingpr ba o…

Badescos aquí a Gus le explotó la mitad tra ism su form de la cara) pues, ¿cuántas decepciones y finales mal logrados hemos tenido que sufrir on

T E

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L E V I S I Ó N

(Lost, te estoy hablando a ti). El reto de esta quinta –y última temporada– a estrenarse el 17 julio, no es nada pequeño, en especial si tomamos en cuenta la altísima nota en la que la cuarta ientras su persona je cambia, es más fácil temporada concluyó ¿Por qué no haberlo dejado ahí? identificarnos con él, ponernos en sus zapatos (No especificaré dónde, porque seguramente algunos y pensar qué haríamos nosotros en su ingratos lectores aún no han visto esta serie). lugar. Walter deja todo, se pone a producir La respuesta a esta pregunta quizá tenga su metanfetamina en una winnebago y se origen en la filosófica e incluso teológica noción de justicia. vuelve malo, pero –en el fondo– todos En el mundo de Breaking Bad, que en poco se distingue sabemos que es bueno. o al menos eso del nuestro, cosas malas le pasan a la gente mala… y a la queremos creer, tanto así que incluso gente buena, cada acción tiene una reacción y ésta rara vez cuando los episodios avanzan (cada recae sobre la persona indicada. Las impurezas entre el bien uno más hermoso y preciso que el y el mal, entre la justicia y el azar, son obsesiones temáticas de anterior) aún nos aferramos a la idea Gilligan, esto aunando a la escalofriante precisión de la cuarta de que no estamos hablando de temporada, nos deja entrever que Gilligan aún no acaba con un monstruo, a la noción de que Walter. Por más que queramos aferrarnos a nuestro “héroe”, en el fondo (cada vez más en el llegará un punto donde lo veamos desnudo, horripilante y fondo) él sigue siendo bueno. deforme, como en realidad es. En ese punto, ni Walter La verdadera historia, la mismo podrá darle la espalda a su reflejo, no habrá astuta que se esconde detrás del cáncer, justificación que apacigüe la horrible visión… será un de la fachada de maestro ingenuo y verdadero punto de no retorno, y si algo nos ha ba jo el sombrero de criminal badass, enseñado la televisión es que para llegar a ese es esta transformación, la capacidad lugar, se necesita sangre. implícita que existe en cada uno de nosotros de convertirnos en seres horrendos.

5 PrEguNtAs quE LA quINtA tEmPOrAdA dE Walter ha vendido drogas, matado brEAkINg bAd dEbErá rEsPONdEr gente, mentido, ha puesto efectivamente y Walter y Gretchen Schwarts, ¿qué paso ahí? (con total conciencia) en peligro a la familia a la cual pretendía cuidar; ha construido una sombra, un ¿Se revelará ante todo el mundo (Jesse disfraz que se ha aferrado tan firmemente a su piel que incluido) al culpable de la muerte de Brock? sin importar cuantas veces se quede solo en calzones en el desierto, continuará usándolo.

El cáncer, ¿volverá? ¿lo matará?

Vince Gilligan después de quedarse sin trabajo, debido a la cancelación de The X Files –programa en el que trabajó durante siete años–, ¿Por fin el cuñado agente top mega top bromea con sus amigos diciendo: “debería hacer metanfetamina y venderla”. de la DEA, atrapará al hombre detrás de la Y así con una broma nada graciosa en un momento desesperado, metanfeta azul? nace la primera idea de esta serie, la cual se alojó en el cerebro de su creador; creció y creció, tomó forma colores, patrones, música, y de ¿Qué será de Mike, el matón que todos pronto Gilligan había destilado la serie dramática más pura de nuestros amamos, ahora que su jefe es (un poco más de) tiempos, y esto no es una exageración. la mitad del hombre que solía ser?

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Haters

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anTonio TaBucchi

BRucE cook

vIajes Y oTros vIajes

la generacIón BeaT

a n a G R a Ma

E d. a R i E l

Sin duda, hay que aprender de los que saben; alberto Manguel ha dicho a propósito de los buenos libros de este género que: “Viajar es un acto narrativo. Pasar de un lugar a otro cruzando espacios que no conocemos es, en cierto modo, hacer literatura”. Y vaya que el más lisboeta de todos los italianos clavó su atenta mirada por todo sitio por el que transitó –nunca como turista, siempre como paseante–. Tabucchi falleció en marzo de este año y con los años su figura y su obra –lo verdaderamente importante– irá cobrado mayor calado y reconocimiento. Aquí nos transmite su vasto conocimiento de lugares como Turquía, india, Brasil, Grecia (de la que se muestra un estudioso) y por supuesto, su amada tierra adoptiva, Portugal. Sus recuerdos via jeros se entreverán con la vocación del ensayista y su vasta sapiencia. ¿resulta anacrónico señalar que se trata de un libro delicioso? A fin de cuentas se disfruta muchísimo. Una prosa sencilla y exacta nos lleva de la casa-museo de Delacroix en Saint Germain des Près a un breve via je por las islas Azores, entre tantísimos sitios. Tras su lectura llegaremos a conclusiones tan peculiares como que a los surrealistas se les olvidó el ornitorrinco en sus bestiarios por no conocer Australia.

Acerca de la leyenda beatnik corren muchos rumores –quizá demasiados– y poco se sabe a ciencia cierta.

Es por eso que la reedición de este libro original de 1971 viene a llenar huecos y lagunas. Existe gran avidez entre las nuevas generaciones por conocer a detalle las aceleradas existencias de kerouac, Ginsberg, corso, cassady y algunos otros escritores que sacudieron a la Norteamérica de la mitad del siglo XX. Se trata de una obra que circuló en español allá por 1974 y que ya era inconseguible. Lleva por subtitulo “crónica del movimiento que agitó la cultura y al arte contemporáneo”, y vaya que es fiel al ánimo de los beats, siempre libertarios, irreverentes y hostiles a la altos círculos culturales.

Amantes del jazz bebop, la carretera, las drogas, el vagabundeo, el sexo y la filosofía oriental, apostaron siempre por el lado salva je de la vida e incluso son considerados los padres ideológicos de los hippies. Escrito en un tiempo en que todavía el rastro se hallaba caliente, es un recuento minucioso de una pandilla que buscó vencer al academicismo y que hoy día cuenta con un legado literario que está más vivo que nunca.

T X T : : J UA N C A r L o S H i DA L G o .

T X T : : J UA N C A r L o S Hi DA L G o .

anTonio TaBucchican daMa de porTo pIM La novela marinera y ballenera que surgió de su incursión por las Azores. Nos hace amar el gin tonic del Peter´s Bar.

Jack kERouac en el caMIno La novela que encumbró a la beat generation y que funciona como una manual sobre su estilo de vida.

EnRiquE Vila MaTas dIeTarIo voluBle Otro cuaderno íntimo en que el que no están exentos los apuntes de otro viajero empedernido.

allEn GinsBERG aullIdo Un poema de largo aliento que es todo un alegato contra la alienación (hay una reciente y preciosa edición gráfica de Sexto Piso).

MaRTín capaRRÓs una luna Mucho más periodístico y duro, se trata de la crónica de una planeta lleno de brutalidad e atropellos de todo tipo.

JiM dodGE sTone juncTIon Una maravilla para descubrir. Cook considera a este excéntrico como uno de los autores beat menos conocidos.

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L I B R O S 3 x 1

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Es paRa El o cocTEl dio dE VERano skyy passionaTE MaRTini para el hater musical

Si hay algo que distingue a esta subespecie hateriana es la pasión con la cual argumenta, así pues este coctel además de tener toda esa pasión, te brinda la venta ja de que si la discusión no se inclina hacia tu lado, siempre puedes arrojárselo a tu interlocutor y procurar una buena y permanente mancha en su atuendo.

skyy ThE ulTiMaTE MaRTini

para el hater ortográfico Si eres de “esos” que se la pasa buscando faltas de ortografía y verbos mal conjugados en los walls de tus amigos, este es el coctel para ti.

Una perfecta mezcla de pretensión y acidez.

Ja RT E.

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¿Qué pasa cuando uno no quiere salir del DF, (o es alérgico a la arena, extraña pero real condición)? ¿Qué pasa con nosotros, gran sector desatendido de la sociedad… ? Pues en realidad no pasa nada, hay muchas opciones y actividades que se pueden disfrutar en nuestra junglita de asfalto, prueba de esto es Verano Local; una plataforma donde museos, galerías, revistas, instituciones culturales, disqueras y más, muestran su oferta de eventos y actividades para estos meses de calor citadino.

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Pocas cosas en esta vida son tan vulgares como no beber mezcal. ¿Sabías que el mezcal nace puro?, ¿qué no daña el cuerpo?, ¿qué data desde antes de la llegada de los españoles? No, ¿Verdad? La Mezcalería Vulgar, pretende quitarte tu sombrero de ignorante y enseñarte lo que es bueno. Entrar a Vulgar es conocer la historia de la bebida, disfrutarla en su forma más pura o en un coctel coqueto. Y si tú sólo sabes pedir “whiskey en las rocas”, no te preocupes, el personal de Vulgar sabrá guiarte por las mágicas sendas de esta bebida. dónde: Mezcalería Vulgar, San Luis Potosí 196-B Colonia roma.

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2013 VoMÁssMEúsaicT E a p a Ra El nu ca M

in o

E En honor al rediseño del SEAT ibiza, la firma automotriz decidió lanzar la página www.ibizamezclaperfecta.com donde se podrán descargar canciones del catálogo de universal Music y estar al tanto de las últimas noticias del mundo de la música. Además cada martes y jueves se realizarán trivias para ganar pases de conciertos, discos autografiados y meet & greets, así como discografías completas. Súbete al nuevo SEAT ibiza 2013 y deja a los haters atrás.

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¡poR la liBRE y VW: a n

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La mayoría deseamos visitar el mar al menos una vez al año. Y como un pretexto más para ir, se llevó a cabo en junio el 7º maratón por la libre, la competencia de natación más importante de México. Jóvenes y adultos de todo el país se reunieron en isla Mujeres para nadar 10 km hasta la Punta Cancún, un atractivo paseo entre arrecifes, flora y fauna del Caribe Mexicano. Junto a VW y su campaña Think Blue, se hizo una invitación a cuidar el medio ambiente y promover el uso de energías sustentables para mejorar nuestra calidad de vida.

Además el Beetle será expuesto en el museo.

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T X T: : A L E J A ND r o MA N C i L L A .

“¿Es ella o hackearon su cuenta?", me preguntaba un conocido hace días, “es que lo que publica no corresponde a lo que es ella como persona” Se refería a la página de Facebook de una amiga en común, ya que –de un día a otro– comenzó a invertir todo su tiempo en defender las propuestas de su candidata con mensa jes de odio que la convirtieron en una hater de cuidado; más que una activista, parecía una posesa que no escuchaba propuestas; para ella, todos los demás que no compartíamos sus ideas, éramos o "pejezombies" o seguidores del Pri y mucha gente la bloqueó o dejó de hablarle. Yo no lo hice, después de todo, yo me convertí, durante esos días de odio, en un monstruo similar, que podía sentir rencor absoluto hacia persona jes a quien consideraba contrarios; podía atacarlos simplemente con presionar un botón y compartir alguno de los miles de posts a favor o en contra. Desde el inicio de las campañas, la atmósfera se sentía densa, primero los tropiezos del candidato favorito (de las encuestadoras) y los tuits de su hija sobre “la prole”, más las marchas en su contra y el acoso estudiantil del movimiento #YoSoy132, el odio colectivo del grito en el Estadio Azteca, además de las descalificaciones de los flamantes “líderes de opinión televisivos” sobre la república amorosa del candidato de izquierda, por no hablar de los indicios de violencia que afortunadamente se apaciguaron. ¿Epn? Es un producto de las televisoras. ¿aMlo? Es como Chávez ¿quadri? Es un títere de Elba Esther ¿JVM? De capacidades “diferentes”.

Si lo vemos por el lado amable (cómo diría roberto Gómez Bolaños, también objeto de encono por su apoyo al oficialismo) estas campañas dejaron momentos de mucho humor (generalmente muy estúpido, a veces negro) aunque la mayor parte de las veces daban más ganas de llorar que de reír.

Ahora, después de una de las elecciones más extrañas de la historia, muchos no dejaremos de odiar ciertas cosas que nos parecen injustas.

Suele ser un sentimiento censurado, pero el odio es catártico. Aunque llegue un hippie del pasado y nos haga la señal de paz, aunque los irascibles nostálgicos e incoherentes de la vieja izquierda (esos que dicen que votaron por Heberto Castillo) digan lo contrario; sí, se vale ser hater, es necesario ser hater.

E l p i l ó n

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