Revista Marvin 100 :: Nostalgia

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com

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PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com RESPONSABLE WEB DANIEL PATLÁN patlan@revistamarvin.com CONTENIDO WEB VICTORIA KARMIN karmin@revistamarvin.com CONTENIDO WEB Pablo PULIDO pablo@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com Foto Raúl Raya.

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Citlaly Aguilar Sánchez, Luis Arce, Jorge Arias, Enrique Blanc, Manú Charritton, María José Cortés, A. A. Gore, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla, Fabrizio Mejía, Hugo García Michel, Chico Migraña, Chema Solari, Paola Tinoco, Rafael Toriz, Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Rettally, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp.

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ECTORI R I

EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com

CARTA TORIA DI L E

Hace exactamente un año, Marvin celebró sus primeros 10 años con dos ediciones especiales: la primera fue retrospectiva, mientras el segundo volumen apuntaba hacia el futuro. Ahora que llegamos al número 100, nos atrapó la nostalgia, ese viaje que resulta imposible cumplir físicamente, pero cuya añoranza por el pasado originó preguntas sobre nuestros antecesores, los periodistas y las revistas de rock que han construido la historia, y que hoy hemos olvidado sin sospechar su existencia. ¿Cómo no sentir nostalgia de una época en que el periodismo era más relevante que subir una entrada al blog, actualizar el Facebook o estrechar la sintaxis a 140 caracteres? Mal aconsejados por la inmediatez y la comodidad de un click, poco a poco hemos sustituido la investigación periodística por la subjetividad, el análisis musical por las tendencias que dicta el hype, la crítica por la criticonería, los artículos por las notitas informativas, el contenido por el preciosismo de la forma. Conscientes de que no existe una historiografía sobre el periodismo de rock en México, o como dice el periodista Enrique Blanc, del rock de papel que durante décadas ha reunido plumas legendarias en incontables revistas, fanzines, periódicos, suplementos y pasquines; Marvin se dio a la tarea de indagar entre sus pilares, es decir, en aquellos heroicos editores que hacían revistas sin las facilidades que hoy nos provee el Dios Internet. También entrevistamos a varios músicos para que nos contaran acerca de las revistas que leían en la adolescencia, y cuáles fueron las primeras en interesarse por su música.

Pero cumplir 100 números no significa que busquemos refugiarnos eternamente en la estampa agridulce de la nostalgia: si en esta edición decidimos voltear al pasado, es sólo porque añoramos bosquejar el futuro. Para Marvin, este número 100 no equivale a asumir que el territorio esté conquistado. Por el contrario, un aniversario de tal magnitud nos estimula para reinventarnos, para formular infinidad de preguntas sobre el rumbo editorial que debemos tomar ahora, justo cuando una secuencia interminable de tuits delatan el carácter volátil de la información. Hoy más que nunca, cuando las revistas se extinguen como rinocerontes negros, sabemos que el reto es grande, sobre todo porque nuestro compromiso está con ustedes, lectores avispados que aprecian tanto como nosotros el olor de la tinta sobre el papel. Esperamos que el nuevo diseño de la revista y de la página web sirva como preámbulo para los cambios venideros, y que la nostalgia derramada en este número 100 revele nuestro verdadero propósito: “Utilizar el pasado como trampolín, no como sofá” (Harold McMillan).

VICENTE JÁUREGUI

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaa jr@hotmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com

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GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte / Editor Responsable Luis Vicente Jáuregui Chagollán.

Edición 100 correspondiente a: ABRIL 2012. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

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12 BREVARIO. Noticias de música, cine y arte.

24 Festivales. Nuestra cobertura del SXSW, Cumbre Tajín, 72810 y el Vive Latino.

Música

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EN PO R TA

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MVN

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34 COORDENADAS. Nuevos talentos musicales.

36 #NewKidInTown. Porque la moneda del hype tiene dos caras.

37 Atlas Sound en el Festival Marvin 2012.

46 En los noventas caminábamos 1 km en la nieve para ir a comprar un Compact Disc.

48 Damien Jurado. Un tipo raro que ama el folk.

50 Atticus Ross. Del glamour hollywoodense al secuestro exprés.

52 Adrian Belew. Memorias sobre King Crimson, Santa Sabina y Caifanes.

54 La nostalgia de ser Peter Murphy.

74 DE CULTO. The Stone Roses: la resurrección. Los dealers del Madchester regresan al barrio.

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CINE

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56 Remakes del año.

El futuro apunta hacia el pasado.

76 DE CULTO El cine de culto en los tiempos de Internet.

LITERATURA

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72 Moda callejera en el SXSW.

ARTE

59 Aguarraces porteñas.

A la orilla del río.

Por Rafael Toriz.

80 Bajo presupuesto.

Nostalgia de la antinostalgia.

Por Hugo García Michel.

80 Off The Record.

Perdona a los nostálgicos como también nosotros perdonamos a los forevers.

Por A. A. Gore.

81 Hablo porque tengo boca.

La nostalgia del fin de siglo.

Por Chico Migraña.

81 El cuaderno amargo.

Nostalgia por los debates.

Por Paola Tinoco.

A I G

60 Acariciando la nostalgia con Cristina Rivera Garza.

62 Entrevista con Gilles Lipovetsky.

Un gurú del presentismo.

MODA

COLUMNAS

64 Mis Printed Type.

68 Joan Fontcuberta.

Ante la furia de las imágenes.

70 CÓMIC 100 78 DE CULTO Stuckism.

El arte de estancarse.

RECOMENDACIONES 82 Música 90 Libros 92 TV 93 Cine 94 Estilo

96 EL PILÓN. Armando Molina.

La máquina del (tiempo) sonido.

I S UN NOSTÁLGICO Si al es cu c h ar o Dian Ho ap en cá iens lga ma as r en l u ga as muje r de res .

ue es q D e r c un C Si alar ndo sie g re gue uena si na b a. u ide

ritos favo los os o ntr ties s a l Six vers de Tu n e e co élite t d so res a, Sa p a ba a Zon Co o la a. s Ro

Si al ir a una ex arte co ntem posic p pasas orá ión 2 0 ne de m viendo un inuto o e x t trata int s n or d o encont rar de e l ar te .

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mEMoRaBiLIA FrOM HELl Ganadora: Diana Cristina Nuevo Chávez "Hello! I’m Liam!" Así comenzó aquella memorable conversación que sostuvimos durante casi 2 horas con Liam Gallagher, vocalista de Oasis, aquel domingo 7 de mayo del 2000. Mi hermana y yo estábamos en restaurante del Hotel Four Seasons. Todo estaba vacío excepto una mesa, dos extranjeros comían y platicaban animadamente... voltean a vernos. ¡Es Liam Gallagher! Tratamos de mantener la calma y nos sentamos en la mesa de junto como si nada. Hombre al fin, comenzó a coquetearle a mi hermana. Nos preguntaba cosas con cualquier pretexto hasta que se presenta diciéndonos: "Hello! I'm Liam!" Nosotras como si no supiéramos de quién se trataba le dijimos nuestros nombres: "Nice to meet you!" (se necesita mucha sangre fría para ignorar a tu artista favorito y terminar sentada en su mesa). Nos habló de sus películas y actores favoritos (Pacino, de Niro), de su familia (en ese entonces acababa de nacer su primer hijo, Lennon), de música, política (qué importante es tener un poco de cultura general, pues uno nunca sabe cuándo la va a necesitar). Igualmente nos preguntaba a qué nos dedicábamos, nuestros gustos, me dio algunos consejos acerca de las relaciones amorosas y hasta salió sorprendido de que nosotras, hermanas, saliéramos juntas a tomar un café, cosa que él nunca ha hecho ni hará con Noel.

La impresión que nos dejó fue la de una persona sencilla, amable, educada, simpática y sin poses de rockstar. Aquí es cuando uno se da cuenta de que su comportamiento agresivo ante las cámaras a veces es pura publicidad. Obviamente al final de nuestra plática supo que éramos fans y accedió a tomarse la foto del recuerdo, despidiéndose de nosotras con un beso en la mano. Lo acontecido esa tarde fue memorable. Si alguna vez se han preguntado qué le dirían a su artista favorito si tuvieran la oportunidad de platicar con él, es buen momento de irlo pensando.

Alex Kapranos, vocalista de Franz Ferdinand & Diana Nuevo.

Julian Casablanca de The Strokes & Erick Tapia, afuera de una tienda de autoservicio en Chicago.

Saúl Hernández & Carlos Ibarra.

Diego Luna & Alejandro Aranda en la estación Doctor Gálvez del Metrobus.

Jonny Greenwood & Francisco Gallardo, en el metro Chapultepec.

Mike Bordin & Antolin Lizcano, en el lobby del hotel antes del concierto de Faith No More en Monterrey.

Win Butler de Arcade Fire & Antonio Rodrigo Colin Robles, en Guanajuato.

Dee Snider de Twisted Sister & Gilberto Guillen

BREVARIO E L I V RT

El momento en que la música lo opaca todo…

De chico tocaba un poco la trompeta, después el banjo y en algún punto alguien me prestó una guitarra. Recuerdo que me fui corriendo a casa de un amigo que tenía una grabadora de cuatro tracks, para grabar esta cosa que me atreví a llamar canción. Cuando la escuché me voló la cabeza. Creo que en ese momento supe que haría esto toda la vida. A mi padre le gustaba mucho el bluegrass, y aunque no sólo escuchaba ese tipo de música, estaba rodeado de esos sonidos, por ello tenía un banjo, que en realidad tocaba como una guitarra (risas). Kurt, el memorioso… Hace poco alguien me preguntó si me consideraba un nostálgico, y le dije que no, pero ahora que lo pienso y te cuento sobre mi infancia, veo que definitivamente lo soy. Cuando leo historias acerca de Neil Young, Joni Mitchell and the Birds y Bob Dylan, siento que en ese momento todo estaba sucediendo porque la música era bastante emocionante; era el tiempo para convertirte en una leyenda. Sí, definitivamente hubiera sido genial estar en esa época (risas). Tristemente eso nunca pasará. Ahora todo está en la blogsphere; ya no hay misterio en la música. Por esto –entre otras cosas– realmente no presto mucha atención a lo demás, trato de no reparar en lo que dicen los blogs, o en el sonido de cierta música moderna.

Pero también puedo identificarme con la música actual, con la escena de la cual también yo formo parte; bandas como Black Bananas, o incluso Ariel Pink, gente con la que tengo influencias a en común. Intimidad geográfica… Para mí, el p o blues y el sonido americano es muy relevante. o l Pero también escucho música de otras épocas y a c lugares, últimamente he estado oyendo mucho úsi m folk inglés. Me llama la atención la música momento en que la que percibo honesta o íntima, a veces, ciertas canciones salen un tanto tristes porque estoy ahí solo escribiendo en una guitarra acústica… pero en general, es la sensación íntima la que me atrae, las muchas formas que puede tener la tristeza... . como la del post-punk de Manchester, que tiene una L L . voz rasposa y letras increíbles; desde cierta perspectiva BI EZ M CK Ó A podríamos decir que no es algo íntimo, pero desde otro lado G R B A sí lo es. El góspel es profundamente íntimo –y muy particular–; N EN AW M gente como Bob Dylan y Leonard Cohen toman mucho de él, I H J S :: en las letras por ejemplo. Supongo que eso es algo también :: T T muy americano, una tradición. Sounicyouth-ismos y otro TX FO mitos… Para mí, antes era una meta tocar con alguien como Thurston Moore, pero ahora que lo he logrado, después de un tiempo dejó de ser una figura mítica, y aunque sigue siendo increíble, ahora lo veo como un contemporáneo. Sin embargo, cuando alguien como él, Kim Gordon o J. Mascis (Dinosaur Jr.) me dice que les gusta mi música, o que quieren colaborar conmigo, sigue siendo extraordinario.

Para mí, eso significa muchísimo, pues hay muchos elementos de mi música que podrían definirse como sonicyouth-ismos, y si les gusta lo que yo hago, entonces ¡no pueden acusarme de robarles! (risas).

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—MÚSICA—ENTREVISTA

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Activistas de Occupy Wall Street y fans se molestaron al enterarse que la canción “Baby’s Arms” se usó en un comercial de Bank of America, e incluso Patrcik Stickles (Titus Andronicus) le reclamó personalmente; a lo que Kurt respondió: "Perdón, lo hice para comprarle pañales caros a mi hija… y porque nunca me han importado ese tipo de cosas. ¡Ups! Incluso tengo una cuenta ahí".

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Nostalgia

BREVARIO

—MÚSICA

THE SEA AND THE Cake

La música verdadera escapa del hype

Nostalgia

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Según el guitarrista Archer Prewitt, la frase que más repitió Sam Prekop mientras The Sea And Cake estaba trabajando en su último disco de estudio The Moonlight Butterfly fue: "Estamos condenados, estamos condenados".

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Por alguna razón, cada vez que escucho a The Sea and Cake termino formulando preguntas del tipo: ¿Existe la justicia? y, si es así, ¿a qué principios obedece y bajo qué parámetros? Porque cuando te pierdes en su discografía, es inevitable notar que su talento es superior al reconocimiento de los medios y del público –supuestamente– conocedor. Pongámoslo de esta manera: la mayoría de los hipsters se jactan de conocer las bandas más recónditas del indie, pero quedan perplejos cuando escuchan el nombre de Sam Prekop, ignorando no sólo quién es, sino la relevancia de su legado.

Hace como 20 años, la brisa del lago Michigan extendía su fertilidad hasta los suburbios de Chicago, donde bandas como Smashing Pumpkins, Tortoise, Wilco, Pit er Pat o los mismos The Sea And Cake, traían un chip más avanzado que el de, digamos, los músicos de L.A. En esos días, referirse al indie como un género musical era algo saludable, sobre todo porque la idiosincrasia de las bandas y de sus respectivos sellos así lo permitían.

Para la gente del sello Thrill Jockey, la convicción y el sentido de la curaduría han mantenido un estándar de calidad desde 1995, cuando mudaron sus oficinas de Nueva York a “la ciudad del viento”. Cuando le pregunto al guitarrista Archer Prewitt, sobre el contexto en que grabaron su primer disco dentro de esa movida incipiente, contesta tímidamente: "Cuando nosotros iniciamos, las bandas solían hacer un rock muy agresivo. Pero en Chicago se gestaba algo diferente, un movimiento que poseía cierta personalidad sonora. Creo que nuestra contribución fue hacer música un tanto optimista". Por muchas razones, ése adjetivo –usado hasta la náusea por Miguel Ángel Cornejo–suele actuar como repelente, pero como decía Oscar Wilde, el pesimismo no es más que el optimismo bien entendido, y desde esa perspectiva, la música de The Sea And Cake dista de una visión pobretona y oportunista –dicho de otra manera, la musicoterapia debería ser escuchando Bach, no pajaritos, olas de mar y sonidos creados por un software–. Después de la voz de Sam Prekop, las guitarras de Archer son quizá el elemento más identificable del grupo: "Me gusta tocar limpio, con muy poca distorsión. Mis principales influencias son George Harrison, Chet Atkins, Dick Dale y Johnny Marr". Con esa respuesta, es fácil adivinar que su manera de tocar es nostálgica al extremo, y que prefiere escuchar a los héroes de antaño: "No escucho música nueva, prefiero mirar atrás". Sin embargo, lo anterior no significa que la banda no experimente con nuevos recursos en cada disco: "Ahora que hicimos The Moonlight Butterfly tuvimos una actitud más aventurada, tratamos de romper las preconcepciones que suelen acompañar las visitas al estudio. Nuestra intención fue llevar las cosas a otro nivel, cada que teníamos una canción la destruíamos para llevarla un paso adelante". El pasado 17 de marzo, después de nueve LP’s, presentaciones por casi todo el mundo y 18 años de carrera, la nostalgia de The Sea And Cake finalmente anidó en México. Esa noche, Sam Prekop, Archer Prewitt, John McEntire y Eric Claridge demostraron que sus influencias son tan amplias como nutridas, de manera que el apellido indie, les resulta insuficiente y anacrónico.

Quizás nunca regresen, pero si lo hacen, al menos tenemos la certeza de que tocarán frente a un público ajeno al terrible manoseo del hype.

BREVARIO

—MÚSICA—ENTREVISTA

JONSI Castillos, zoológicos y Sigur Rós

A pesar de ser conocido por ser medio hermitaño, casi todos sabemos que Jonsi es un apasaionado vegetariano, lo que no muchos saben es que junto a su novio Alex graba mini programas de cocina con recetas vegetarianas.

Puedes ver estos videos en Vimeo en el canal de Jónsi & Alex.

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Nostalgia

Trabajaste en el soundtrack de We Bought a Zoo, ¿cómo surgió este proyecto? No tardé mucho tiempo.

Cameron Crowe me envió el guión y en cuanto lo leí comencé a componer algunas ideas en el piano.

Después volé a sus oficinas de Los Ángeles y escribí el resto del soundtrack allí. ¿Por qué crees que Cameron pensó en ti para hacer el score? ¡Probablemente porque soy el mejor! (risas). Creo que Cameron ya había usado algo de mi material y supongo buscaba una atmósfera similar. Trabajaste con él hace 10 años… Sí, usó un par de mis canciones para Vanilla Sky. Me sorprendió un poco que colaboraras en una cinta tan comercial. Sí, supongo que puedo entender tu sorpresa. Todo se dio de una forma muy peculiar; estaba viendo Almost Famous, y recuerdo que pensé en lo mucho que me gusta esa película, al día siguiente Cameron me envió un correo ofreciéndome participar en esta película. Me pareció que sería una buena idea.

Pasó casi por accidente. Cuando me dijo que había visto Heima –el documemtal que hicimos– sentí que él tenía fresco nuestro sonido, así que todo encajó perfecto. ¿Fue difícil? Es muy diferente componer música para una película; cuando estás escribiendo para ti sólo piensas en la canción y en lo que quieres sacar de ella. En una película tienes que pensar en la estructura de la historia, en las escenas y los personajes… cosas de las que yo no tenía mucha idea. Fue una experiencia de aprendizaje, fue muy difícil, creo que la clave fue hablar mucho con el director. También Alex –mi novio– me ayudó en la producción, él es músico y toca muchos instrumentos, así que me ayudó… principalmente a matenerme cuerdo (risas). Como solista te ha ido muy bien, ¿podría ser esto el principio del fin para Sigur Rós? No, para nada. Sacaremos otro álbum en marzo, me parece. Aunque me gusta componer solo, creo que es muy importante trabajar las ideas con más gente. ¿Planean hacer una gira? Creo que sí. ¿Vendrán a México? Espero que sí. Fuimos hace un par de años, pero nuestro baterísta se enfermó, se desmayó y cayó del escenario. Fue muy drámatico… Me parece que debe haber una gran diferencia cultural, ¿cómo describirías el vivir en Islandia? Es muy bueno, en especial para hacer música; no tienes disqueras o managers, así que puedes hacer todo a tu manera. No hay que rendirle cuentas a nadie. Algo pasa con Islandia y la música… Es la depresión y el mal clima, uno pasa la mayor parte del tiempo en casa, la mayoría de la gente nunca sale. Así que ser famoso en Islandia no debe ser dificil.. Conozco a una chica llamada Björk… Ella todavía vive ahí, ¿cierto? Sí, en un castillo (risas).

TRA:: MARVIN. F OT : : 2 0 th C ent u ry F O X H o me E ntertainment.

La FIM a dos voces Entrevista con Ana Teresa Ramírez y Enrique Blanc.

Como parte de un proyecto cultural de la Universidad de Guadalajara, el año pasado fue creada la Feria Internacional de la Música; un espacio para reflexionar sobre esta disciplina artística. Este año se llevará a cabo la segunda edición, y Marvin tuvo la oportunidad de platicar con Ana Teresa Ramírez, directora de la FIM, y con el reconocido periodista, Enrique Blanc. Aquí un poco de lo que nos contaron acerca de la FIM y sobre su segunda edición.

La inquietud musical Ana Teresa Ramírez: La FIM es una plataforma de discusión y encuentro para los músicos y toda la gente que participa en ese universo: desde el técnico, el productor y el iluminador, hasta el manager y el artista. Nuestro objetivo es discutir nuevas formas de vender, pensar, hacer y promover la música.

Enrique Blanc: No es un evento cerrado, está abierto al público en general: es para el melómano, el compositor o aquel que quiere ver a su grupo predilecto. Se pueden obtener muchas ganancias al interactuar en la feria, e incluso entablar una relación a manera de diálogo.

Músico de oficio y profesión AT: Nos interesa que además de la teoría, el músico entre al mercado con herramientas; que sepa cómo funciona la Sociedad de Derechos de Autor, cuáles son las oportunidades que tiene y cómo puede presentar su trabajo para distribuirlo. Tenemos un punto de contacto para profesionales y artistas, en el cual se agendarán citas entre artistas y programadores, o entre artistas y bookers.

El cine FIM-ísimo…

EB: Este año estoy coordinando la muestra fílmica y las exposiciones. Esto se dio gracias al trabajo que realizo con la Feria Internacional de Cine de Guadalajara. Los documentales musicales están teniendo mucho auge y existe una oferta muy grande alrededor de ellos. El año pasado rescatamos Don't Look Back de Bob Dylan –a mi paracer, el documental musical por excelencia–, que hasta ese momento no se había presentado en una sala de cine. Tenemos un vínculo con el Inedit de Barcelona, el festival más importante de documentales en el mundo. Ellos tienen un gran archivo al que nosotros tenemos entrada, de esa manera, vamos conformando el programa que este año tenemos en la FIM. También habrá documentales colombianos, argentinos y mexicanos.

AT: Tenemos un convenio con Colombia; además del documental tendrán un stand y habrá sellos disqueros. También contaremos con la presencia de la Sociedad chilena de autores, que a su vez vendrá acompañada de músicos y disqueras.

Periodismo y tradición EB: Habrán además un panel magistral donde reflexionaremos sobre el papel del periodismo musical en Hispanoamérica. Varios periodistas reconocidos de distintos países (México, España, Argentina, etc.) hablarán de las distintas tradiciones periodísticas musicales que se han dado, con el fin compararlas y aprender unas de otras.

Dónde: Universidad de Guadalajara, Teatro Diana, Audiorio Telmex, Foro Expo y otras sedes.

Cuándo: 31 de mayo al 3 de junio.

Costo: $30 pesos la entrada general.

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

Más información: www.fimguadalajara.mx

www.marvin.com.mx

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BREVARIO

—MÚSICA

IMAS

2012

Han pasado cinco años desde la primer edición de los IMAS, y para quienes hemos asistido a cada una, resulta interesante notar que sus organizadores van fortaleciendo su credibilidad al ir ajustando varios detalles. Este año los cambios fueron mayores, comenzando porque la cita fue en el Salón Los Ángeles –muy distante del Polyforum Siqueiros o del Teatro de la Ciudad–, un tugurio ideal para la conducción de Andrés Almeida (Songs for Eleonor) y María Daniela Azpiazu (María Daniela y su Sonido Lasser), quienes en menos de una hora despacharon a todos los ganadores. Inmediatamente después, el ritmo de la noche fue marcado por La Sabrosa Sabrosura, el DJ set de Lasserette, Sonido Changorama y El hombre que odiaba las naranjas. Por tercera ocasión consecutiva, Marvin ganó la pluma como mejor Publicación con Contenido Musical, un reconocimiento que nos llena de alegría ahora que cumplimos 100 números publicados.

Queremos agradecer y felicitar a nuestros lectores, a los jurados que votaron por nosotros, a las bandas que esa noche recibieron un reconocimiento, y especialmente a los IMAS, que cada año reconocen lo más destacado de la escena musical independiente.

FMX

Se sacan un diez con Antony and the Johnsons y Patti Smith

Surgió a mediados de los ochenta con la idea de darle nueva vida a las deterioradas calles y recintos del Centro Histórico, y se ha consolidado como uno de los festivales culturales más importantes de la Ciudad de México. Su línea curatorial ha sido propia de un festival de vanguardia y esta edición cumple con las expectativas; el protagonista de la ceremonia inaugural será el pianista coreano Sunwook Kim, y entre las presentaciones más esperadas está la de Patti Smith, a quien lograron convencer de venir a México al elegir el Museo Diego Rivera-Anahuacalli como venue para su concierto, ya que diosa punk ha manifestado su admiración por Frida Kahlo y Diego Rivera.

Otro de los platos fuertes del festival es Antony and the Johnsons, quienes se presentarán con el espectáculo Cut the World, en el que veremos a Antony Hegarty al piano y a la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México acompañando a la banda. Cut the World aborda tres de los temas centrales en las creaciones de Hegarty, la luz (que da título a su tercer álbum The Crying Light), la naturaleza, sobre la que ha expresado “es la mejor artista para los que somos artistas; nosotros sólo jugamos en las sombras de su grandeza creativa” y la feminidad, esencial para alguien que se identifica como una persona transgénero.

Su presentación será de una intensidad emocional fuera de serie.

FMX es en general un gran festejo cultural, una ventana a presentaciones novedosas y una muestra de artistas que no son conocidos en México. Además de sus secciones tradicionales, con ballet, ópera o música de cámara, se ha fortalecido con secciones más audaces como Aural (antes Radar), dedicada a sonoridades experimentales y Animasivo, integrado por un concurso internacional de animación, un taller y una muestra del mejor cine de animación del mundo. En palabras de su director, Gerardo Estrada, la cultura es un medio para rehacer el tejido social y el FMX es el mejor ejemplo de cómo lograrlo: a 28 años de su creación, las calles y recintos del centro de la ciudad nunca han vuelto a ser las mismas.

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Su trilogía CinemaScope fue realizada sin la necesidad de una cámara, ya que fue armada en soledad dentro de un cuarto oscuro.

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Suele pensarse que quienes "hacen" algo con sus manos –sean artesanos, zapateros, panaderos, mecánicos o artistas plásticos– no "piensan", es decir, que su labor está alejada totalmente de la teoría.

Sin embargo, al conjugar la praxis con la teoría, el trabajo del artistacineasta Peter Tscherkassky, funciona como contra ejemplo de esa visión. Además de su dedicación al cine experimental, Peter ha volcado su pluma al estudio de la historia, de manera que su postura teórica termina impresa en su obra cinematográfica. Intelectual en su propuesta, pero sumamente corpóreo y sensorial al momento de editar, Tscherkassky toma sus decisiones equilibrando la frialdad de la razón con la parte sensible del afecto.

Además de una conferencia magistral donde comentó su película Instructions for a Light and Sound Machine y la presentación del libro, Desde el cuarto oscuro. El cine manufacturado de Peter Tscherkassky, FICUNAM dedicó una sección completa para ofrecer un panorama amplio de su obra. Para cerrar con broche de oro, el plato fuerte llegó con la retrospectiva de su famosa trilogía CinemaScope (L'Arrivée, Outer Space y Dream Work).

BREVARIO

ROXY LOVE TAQUITO JOCOQUE Todo es recuerdos.

Roxy Love comenxzó a producir su obra bajo el nombre de Taquito Jocoque, mismo que compartía con otro artista. Ahora firma y es conocida con ambos nombres.

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Nostalgia

Más de esta entrevista en www.marvin.com.mx/mas-arte

—ARTE

¿Qué pasaría si todos cargáramos con nuestra vida? ¿Si literalmente cargáramos cada postal, cada foto, cada recuerdito de cada viaje que hemos hecho?¿Si nos vistiésemos con ellos, lo tuviésemos colgados del pelo, alrededor del cuello? Roxy Love es el nombre de una ilustradora, joven, talentosa, mexicana; y Roxy Love es también el nombre de su obra. Se dice por ahí que la vida es de quien la trabaja, en el caso de Roxy, la vida es el trabajo y viceversa, todo es parte de su estética y su estética está en cada parte de su ser y vida, pegada a cada rincón de piel o pared disponible. En una tarde lluviosa, en un pequeño departamento de la Narvarte, nos reunimos en el Chiringuito a platicar con Roxy Love… ¿Cómo te empezó a interesar el dibujo? “Yo nunca había dibujado, me daba miedo. Para mí los dibujos tenían que parecerse a las cosas. Entonces, como mis dibujos no hacían eso, yo no sabía dibujar. Mi estilo se dio casi por accidente. No estudié artes y qué bueno, porque si lo hubiese hecho seguro no me dedicaría a esto; no tuve opción, todas las cosas comenzaron a salirme. Yo dibujo viendo lo real, mucha gente piensa que lo caricaturizo, pero no es así. ¿Quisieras saber o aprender otra forma de dibujar? Estoy muy cómoda con mi manera de dibujar.

Sí me gustaría usar otros materiales o técnicas. Pero que creo después de cinco años, ya he aceptado mi forma de trabajar, al principio la odiaba… No creo poder dibujar de otra forma, esta es mi manera. ¿Cómo surgió la expo en Vértigo Galería acerca de Selena, Vete a la verga Yolanda? Salió por accidente, yo comencé a dibujar a Selena por un fanzine, recordé cosas de su vida, volví a escuchar su música... un día le dije a Jorge Alderete que se me había ocurrido hacer algo acerca de Selena, le pedí un espacio chico en la galería. No iba a ser toda una exposición, y es que yo siempre dibujo muchas personas –pensé que si algún día hiciese una expo de alguien sería de Terry Richardson, porque lo he dibujado desde siempre–. Hacer esta expo fue algo muy fuerte para mí; hay muchas cosas de la vida de Selena que me tocan muy fuerte, cosas de su vida que me pasan o han pasado... Yo no suelo hablar de mí en mi trabajo, hablo de todos, pero no de mí. Fue en estas imágenes que hablé de mí. Me dolía dibujar, me deseperaba al pensar que no iba a ser capaz de transmitir todo lo que quería. El día de la inauguración me dio mucho gusto ver a la gente que se reía, porque las imágenes son muy graciosas, y disfruté ver la reacción de la gente a algo que a mí me costó mucho esfuerzo. Hablas de Terry Richarson, este controversial fotógrafo de moda, ¿en qué sentido lo consideras una influencia? Nunca ha dejado de divertirse, vive una vida que es la misma que trabaja. Muestra todo lo que es. Está orgulloso de su nacionalidad, de su trabajo, de su familia. Es muy íntimo. Para mí es muy importante eso, el compartir todo y que todo esté abierto. Afirmas que admiras lo íntimo que él es, y hace un momento mencionabas que tú nunca hablas de ti en tu trabajo… Yo todavía no logro expresarme como persona en los dibujos, pero sí muestro cosas de mi mundo. Pero aún no encuentro el interés en dibujarme a mí o a mi vida, pero por el otro lado uso mucho Instagram, que es como un diario, quizás porque paso mucho tiempo sola me gusta compartir la cotidianidad: decir qué hice hoy, qué comí... de esta manera comparto más. Tengo ganas de hacer mucho más, imagino cosas que todavía no puedo producir, me gustaría tener ropa con mis dibujos, hacer cosas para niños. Me gustaría también experimentar en formatos grandes. Me cuentas que esta profesión se dio casi por accidente, ¿te sorprende el éxito que has tenido?¿A qué se lo atribuyes? A mí me ayudó mucho Internet, cuando yo llegue aquí no conocía a nadie y ni siquiera sabía que venía a dedicarme a ilustrar, pero siento que mi trabajo siempre ha estado en iInternet.

Intento mantener a la gente informada, pues pueden olvidarte si no compartes algo en mucho tiempo, la gente quiere ver lo que estás haciendo. He tenido mucha suerte, me invitan a muchos proyectos y yo siempre acepto a todo lo que pueda. Por ejemplo, cuando yo llegue aquí y conocí al Doctor Alderete, ni sabía quién era y él fue la primera persona que creyó en mi trabajo. Me invitó a intervenir un mural del Cultural España, desde ese momento no he parado de producir, y estoy muy agradecida con él. Ahora ya somos amigos, pero la presión de no fallarle, no descuidar mi trabajo sigue ahí. Con tus exposiciones, ventas y colaboraciones, ¿has conseguido vivir del arte? Yo no vivo del arte, al menos no completamente. La mitad de mis ingresos son de vender ropa usada, porque en realidad ahorita del arte no puedo vivir. Todo es muy inestable, nunca sé hasta cuando podré pagar una renta. Hay becas y concursos, pero es muy difícil explicarme por escrito, y todos los formatos para participar en becas te piden las cosas de manera muy clara y específica. A mí me cuesta mucho trabajo dar a entender mi proyecto. Creo que sería más probable que me ganara la lotería a que me gane una beca.

Fiona Apple

Sharon Van Etten

SXsW auStIn, tExaS.

Eleanor Friedberger

Sleigh Bells

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Nostalgia

F O T : : D A N I E L PAT L Ă N .

This Will Destroy You

Nite Jewel

Off!

The Jesus and Mary Chain

Gossip

www.marvin.com.mx

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Blonde Redhead

Peter Murphy

STival e f

72810 ChOlula, pUEbla.

F O T : : D A N I E L PAT L Ă N .

Modest Mouse Austin TV

Public Enemy

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Nostalgia

Enrique Bumbury

e v VI laTino Jumbo The Horrors

Café Tacvba

F O T : : D A N I E L PAT L Á N .

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Nostalgia

Vetusta Morla

Foster the People Molotov

Kasabian

Fatboy Slim

Jaime Lรณpez www.marvin.com.mx

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Illya Kuryaki & The Valderramas

Madness

Juan Cirerol

Astro TV on the Radio

ZoĂŠ

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Nostalgia

Janelle Monáe

F O T : : F e r nand o A c e v e s .

Café Tacvba

Í n J a T mbRE

Björk

F O T : : B r u n o M u ñ o z T ittel .

F O T : : F e r nand o A c e v e s .

Cu

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Nostalgia

Caifanes

F O T : : F e r nand o A c e v e s .

Más fotos de festivales en www.marvin.com.mx/conciertos

2012

papantla, vEraCruZ.

F O T : : J erónimo O ro z co .

La inspiración de Coyoli es de procedencia nostálgica, de recordar cuando sus padres le enseñaron a tocar "Love" de John Lennon en el piano. Su música es la visión melancólica de Oscar Coyoli, quien mezcla texturas pop con sonidos folclóricos de manera muy afortunada. Además de contar con la colaboración de Torreblanca (a quien conocieron por accidente), la tristeza e intensidad de este proyecto te atrapa de inmediato.

Discos esenciales para Coyoli: Dead Can Dance de Dead Can Dance.

Naked City de Naked City (John Zorn).

Heavy Rain Returns de Prurient de Carlos Giffoni. ¿Qué significa la nostalgia para Coyoli?

"Casi todo lo que me produce nostalgia tiene que ver con la música, las gimnopedias y gnossiennes de Satie o los trabajos de Arvo Pärt, por ejemplo. También El amor, un libro de Marguerite Duras. Disfruto la sensación de la nada, cuando parece que el tiempo se detiene y todo queda estático, menos las pequeñas partículas de polvo que brillan al cruzar el umbral de luz".

Discografía: Una tarde de domingo en la isla de la grande Jatte, EP basado en pinturas de Georges Seurat, Paul Klee y Pierre Bonnard editado en 2007.

Bemót, EP editado en 2012 El grupo está conformado por: Óscar Coyoli: compositor, voz, guitarra, sintetizadores.

Israel Pompa: contrabajo y guitarra.

Milán (Pilar Hernández): voz.

Natalie Reyes: piano y sintetizadores.

Adán Aguilar: violonchelo.

Darío Ferrari: bandoneón y guitarra.

Pablo Aguirre: percusiones. www.coyoli.net

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Nostalgia

@_coyoli

/coyoli

F O T : : D A N I E L PAT L Á N .

A S I T : : I sabel H ern á nde z .

Coordenadas es un sección dedicada a las bandas y proyectos a seguir, ya sea porque están editando nuevo material o porque sean propuestas emergentes interesantes.

El grupo integrado por Tania Bárbara, Fernando del Buen, Santiago Marín, Rafael Rodríguez y Arturo "Frosty" toca un rock melancólico y atemporal, que se nutre de influencias tan diversas como Belle & Sebastian, Panda Bear, Sonic Youth, Fela Kuti y Sound Dimension. Según dice el comunicado del sello que los firmó, sus canciones parecen "camaleones sonoros en busca de una presa en el desierto del Kalahi" y, sin duda, lo envolvente de su sonido justifica tal definición. Sobre las letras, se agradece que sean en español y sin falsas pretensiones: "nos gusta que las letras sean ambiguas, pero que al mismo tiempo signifiquen algo específico. Somos fans de las frases que no necesitan de enormes versos o de grandes explicaciones para hacer sentido". Escúchalos ahora mismo, no… mejor mañana, pues se trata de uno de los proyectos a seguir.

En su MySpace dice que tocan: Ghettotech / jam band / mugre (esperamos que sea una broma). ¿Qué significa la nostalgia para El Mañana?

Santiago Marín: "Elliot Smith o los Kings of Convenience".

Rafael: "Mis casetes de punk rock y hardcore. Los viniles de mi papá".

Discografía: Un EP homónimo editado en 2011 que puedes descargar desde la afilada página de Discos Cuchillo: www.discoscuchillo.com @musicadelmanana

/musicadelmanana

/elmaniana

T X T : : A lejandro M ancilla .

Según el líder de esta banda de Tijuana, la mayor “mentira” es que Michael Jackson esté muerto: dice que será el headliner de un festival de pop secreto. El proyecto surgió al "no tener nada que hacer, nadie con quien tocar, nadie para ir al cine y por ser fan de Nirvana". Sueña que la banda sea una amalgama entre sus grupos favoritos y él mismo, es decir, entre Joey Ramone, Axl Rose, Lady Gaga con un toque de Cher. A la banda la han etiquetado como grunge, punk y garage, pero en realidad, el alter-ego de Gabriel Rey (y sus amigos) es un punk filoso con actitud artsy, aunque creemos que las etiquetas no le gustan para nada (mentira).

Las bandas que más lo ha influenciado Los Ramones y Nirvana le cambiaron la vida porque, gracias a esas bandas, dejó "de preocuparse de no poder tocar el solo de ‘November Rain’ ".

Sus shows han sido descritos como "Los más intensos que ha visto la ciudad de las montañas".

Discografía Meaning More (Nene Records) y Gasoline (Vale Vergas Discos). ¿Qué le causa nostalgia? "La nostalgia es para gente vieja". mentiramentira.tumblr.com

@mentiramentira

/mentiramentira666

Gracias al gusto por la películas de spaghetti western, el stoner, el post-rock, el alternativo y el surf existe Bahía Buffalo, banda de Monterrey que amalgama ésas influencias con su fanatismo por Pink Floyd, Led Zeppelin, King Crimson y seguramente por los mejores diálogos de Clint Eastwood ataviado de vaquero vengador. La banda tiene un sonido profundo y algo misterioso, con letras muy sui géneris que van más allá de los clichés actuales. Música inhóspita y brillante que llegará a ser muy fructífera. ¿Qué significa la nostalgia para Bahía Buffalo?

Kurt Cobain, Janis Joplin, Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Ronnie Van Zant, entre otros.

Integrantes Carlos "Pips" Garza, Vinny Mtz, Bernando Pérez, Victor Leos Bortoni, Nice Fuentes y Adrián "Cuspi".

Sus películas favoritas de vaqueros e indies, perdón, indios son 7 dólares al rojo de Alberto Cardone.

Por un puñado de dólares de Sergio Leone.

El bueno, el malo y el feo de Sergio Leone.

@bahiabuffalo

/bahiabuffalo

/bahiabuffalo

Discografía Bahía Buffalo editado en 2010 (Waterloo).

Sequía en Ciernes editado en 2012 (Waterloo).

www.marvin.com.mx

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Sabemos que recibes una gran cantidad de información, la mayoría proveniente de los miles de blogs de música que a diario te dicen qué está de moda y a quién debes escuchar. En esta sección, nos damos a la tarea de poner las cosas en perspectiva y valorar por qué o por qué no debes escuchar al nuevo chico de la cuadra. De esa manera, podrás decidir si quieres recibirlo en tu iPod o enviarlo a la bandeja de reciclaje.

F o t : : tom olesnevich .

Escucha a Los Rakas en www.marvin.com.mx/mas-musica

CONTRA

"Tengo mi pistola y diente de oro" es una línea que podría estar en cualquier letra de alguna canción de rap o hip-hop; la pudo haber escrito Chuck D, Flavor Flav, Eminem, Dr. Dre, Snoop Dog o hasta Calle 13, sin embargo, pertenece a una dupla panameña muy particular: Los Rakas.

Los Rakas es un proyecto de rap y hip-hop que bien podría ser ahijado de Residente y Visitante (Calle13). En tiempos en los que cualquier persona puede ser DJ o hacer música, las líricas han recuperado la fuerza que los solos de guitarra y el virtuosismo les pretendía arrebatar. Hacer rimas en castellano no es cosa fácil, es bien sabido que el camino fácil es escribir y cantar en inglés; y es aquí donde Los Rakas se paran el cuello.

Lo primero que les escuchamos fue el single "Abrazame (Hold Yuh Riddim, Uproot Andy Remix)". Desde ahí distinguimos que había algo en los ritmos y rimas de Los Rakas que van más allá del swag.

Tener estilo y tirar el rostro no es una actividad sencilla, va más allá del bling bling y los autos pimpeados. El flow y el swag latino está muy bien representado, Los Rakas han logrado que ser Raka sea un estilo y una forma de vida. Sus exitosas presentaciones en el Festival NRMAL y SXSW son una prueba de esto.

Los beats que acompañan a las canciones son una mezcla de hip-hop de la vieja escuela y el toque latino que no podía faltar. Sonidos que se alejan un poco del cliché del “sabor latino”, pero que logran impregnar de una cierta personalidad a cada una de sus canciones.

Descalificar o encumbrar un género de manera a priori sólo denota ignorancia y poca capacidad de análisis. Más, cuando el dardo va dirigido al reggaetón, un blanco fácil que suele amarse u odiarse con adjetivos tan simplones como la misma sección rítmica que lo constituye. Hace poco escuché comentarios apoteósicos sobre Los Rakas, una banda constituida por Raka Dun y Raka Rich, dos primos panameños que se fueron a Oakland durante la adolescencia, y que ahora declaran ser “el futuro de la música y del hip-hop en español”. Intrigado por tanta arrogancia busqué su música y, después de malviajar al personal de Marvin, tuve que ponerme audífonos para escribir este texto.

Lejos de encontrar ingenio en sus rimas, la cursilería de canciones como “Hacerte el amor”, “Fuego en su cuerpo”, “Lo mucho que te quiero” me olieron a oportunismo (sobra decir que su tiple chiqueado es tan insoportable como el de Alejandro Sanz). Al menos a mí, me resulta difícil creer que un par de dudes tan barrio, puedan vomitar la misma cantidad de melcocha que Yahir de La Academia. No tengo nada en contra de los samplers, pero cuando su licencia para robar disfraza la falta de creatividad, cabe recordar que se trata de un artilugio, un recurso que además no requiere ningún talento especial. En el caso de Rakas, los pasajes mejor logrados de su música son viles refritos usados estratégicamente para simular inventiva.

Por otra parte, mientras una banda como Calle 13 tiene la delicadeza de reclutar músicos –bastante capaces– para sus presentaciones en vivo, los de Panamá alardean que portan “pistolas y dientes de oro” con secuencias disparadas desde una lap-top, y a juzgar por la poca emoción que muestra el encargado de darle play, pareciera que está aburrido de chatear cada noche con los mismos compas del Messenger. Cabe aclarar que en Marvin no tenemos nada en contra de las bandas que mezclan reggaetón con hip-hop y ritmos latinos, tan es así, que Calle 13 estuvo en nuestra portada hace dos años, cuando el dúo boricua demostró que su música y sus letras tienen más rabia e inteligencia que la de 20 bandas de indie rock juntas. El problema inicia cuando un estilo musical sirve como pretexto para que los hipsters preparen un bombardeo acrítico desde sus blogs, y animados por su eterno condicionamiento de mostrarse exóticos, arrojados y de jugarle al rarito, sobrevaloran a una banda que, cuando mucho, debería funcionar como música de fondo en alguna fiesta de alberca con yumbina.

T X T : : L O A D E D S I LV E R D A N N Y P. B L A D E .

TXT:: VICENTE JÁUREGUI / @vicentjauregui.

LOS RAKAS PRO

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Nostalgia

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Resulta inevitable acercarse a las bocinas una vez que Bradford Cox arranca sus confesiones, porque el tipo parece de verdad empeñado en hacernos ver la consistencia de sus entrañas. Sino cómo explicarse que Deerhunter –su lado A– no le haya sido suficiente y por lo tanto decidiera escudarse bajo el nombre de Atlas Sound, para ahí confeccionar un cancionero alterno. Sí, ese hombre quiere que lo escuchemos, y para conseguirlo echa mano de capas de la distorsión más ocre y opresiva, pero también de secuencias tan brillantes como la diamantina, bases rítmicas reverberantes y guitarras acústicas de acordes gentiles. Después de todo, tiene mucho qué contarnos, por eso su paleta de sonidos es generosa, aunque quizá sea el ánimo ensoñador el sentimiento que mantiene adheridas las piezas de su prolija obra (a la fecha cuenta con seis álbumes).

Por momentos, los paisajes sonoros de Bradford lucen tan amplios como el horizonte nocturno de un llano silvestre. Explorando todos esos recovecos podría pensarse que el de Atlanta exprime al máximo sus músculos cada vez que entra al estudio de grabación. En ese sentido, la imagen que sirve de escudo a su segundo trabajo, Logos (un sujeto con la caja torácica abollada), bien podría ejemplificar lo arrojado que debe resultar hacer canciones, bajo la premisa de arriesgarse a que los puñetazos viajen en dirección contraria. Porque Cox experimenta, sí; pero cada vez que lleva las perillas más allá de su límite, mantiene bien atendidas las cualidades del pop. Es esa facilidad uno de los mejores atributos del autor de “Amplifiers”: cuando parece que éste se tambalea envuelto en un tsunami de experimentación, sus bien enraizados cimientos permiten que las canciones sigan siendo eso, nada más que tonadas que se tararean con la misma sencillez que se da una caminata.

Con Parallax –su más reciente álbum– abriendo brecha, Bradford Fox aterriza en México para tocar en el Festival Marvin 2012, y vale decir que pocos deberían resistirse a atender sus confesiones, pues apenas el cantautor abra la boca y tome la plumilla, el sonido de ese atlas llamado humanidad, va a extenderse de tal forma, que al final del concierto los asistentes se anunciarán como eruditos si de mapas hidrográficos se trata, por aquello de las lágrimas derramadas.

Atlas Sound se presentará el próximo 19 de mayo en el Festival Marvin 2012 www.marvin.com.mx

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EN

POR TADA En 1985, Editorial Posada publicó los cuatro tomos de Guaraches de ante azul, el incomparable trabajo de Federico Arana que nos permitió conocer de cerca el surgimiento y desarrollo del rock mexicano a lo largo de cuatro décadas. Se trataba de una crónica detallada, realizada de forma muy personal, en la que no sólo se recuentan episodios que ilustran cómo el género fue asumido por los jóvenes de los años cincuenta y sesenta, sino que además, da cuenta de forma exhaustiva de los muchos lanzamientos que se vinculan al rock, enriqueciendo una obra de más de un millar de páginas que es única en su especie. Llama la atención que en el texto de agradecimientos con el que da inicio el tomo 1, Arana alude a José Luis Pluma de la revista Conecte por la aportación de una serie de fotografías. De la misma manera, páginas adelante, cita como fuentes de su investigación al periódico Excélsior y a la revista Notitas Musicales que ya se imprimía en 1957. No faltan en este relato del rock nacional las referencias frecuentes a publicaciones, lo mismo diarios que revistas, que nos hablan ya de cómo en México se fue conformando una tradición periodística musical, que atestiguó la creciente relevancia de esa música en la vida cultural del país. Dicho esto, no puede negarse que en México, pese a que el rock ha vivido distintos momentos que van de haber sido proscrito durante los años setenta — luego de la manifestación de poder que le significó Avándaro— hasta encumbrarse como uno de los estilos musicales más adoptados en la segunda mitad del siglo XX, existe la costumbre de reflexionar y escribir sobre rock, misma que ha visto nacer, crecer y morir a un sinnúmero de revistas, marcadas por la personalidad de sus propios autores.

Disonancias Walter Schmidt, uno de los escritores de rock más activos de años a la fecha, y cuyo trabajo ha aparecido en publicaciones que van de las legendarias México Canta, Pop y La Piedra Rodante a otras más actuales como Círculo Mixup y la . c lan versión nacional de Rolling TXT:: Enrique B Stone, declara tajante: “Por supuesto, en México ha existido un periodismo musical especilizado

roCK mExicaNO de PapEL

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en rock en distintas vertientes, desde los setentas o poco antes. Nombres como José Agustín, Juan Villoro, Oscar Sarquiz, Pepe Návar, José Luis Pluma, Xavier Velasco, David Cortés y algunos más, conforman un cierto núcleo del periodismo musical en México”. Paul Medrano, en algún momento colaborador de la aferrada La mosca en la pared, declara al respecto: “Si bien éste es más reciente que la tradición gringa o inglesa, existe.

Posiblemente creció y evolucionó por sí solo, quizá a la sombra del país vecino. Pero después se fortaleció y encontró sus propios lectores, su propio estilo. Eso se nota en casi toda la literatura de ‘la Onda’, y en mucho del periodismo de rock que se hace actualmente.” No obstante, hay quienes disienten de tal idea y, reflexionando sobre todo en lo que se produce en la actualidad, niegan el que exista. Rogelio Villarreal, fundador de aguerridos proyectos editoriales como La Regla Rota, La Pus Moderna y Replicante comenta con el mismo escepticismo realista que las distingue: “Las revistas mexicanas de rock y de música en general son más voceras de la industria que creadoras de crítica. Hay información pero muchas veces es la que proveen las mismas compañías discográficas; hay poca investigación y trabajo periodístico, casi todo se va en elogios y recomendaciones a los grupos en turno. Desde luego hay excepciones muy valiosas”. Aún más sombría resulta la opinión de Ejival, director del sello de música electrónica Static Discos con sede en Tijuana, quien se ha distinguido por colaborar con publicaciones extranjeras como las prestigiadas The Wire y XLR8R: “Casi no existe, cada vez vemos menos secciones dedicadas a la crítica musical en los medios impresos. En la Internet hay muchos, pero de muy mala calidad. Y esta tendencia irá aumentando. Hay pocos libros enfocados al tema también”. Sea como sea, nadie puede negar que en México, mientras que la tendencia en otros países más desarrollados es crear portales en la web con información especializada, como sucede con los afamados Pitchfork o Consequence of Sound, en los últimos años se ha dado una impresionante proliferación de publicaciones impresas que desde sus posibilidades, buscan seguir de cerca las expresiones musicales que en el siglo XXI, tras el advenimiento de las tecnologías digitales, han crecido de forma exponencial: Marvin, Indie Rocks, R&R, Frente, Deep y Warp, a la par de las ediciones nacionales de Filter, Vice, Nylon y Rolling Stone. De distintas maneras, las revistas mencionadas han relevado a una larga lista de proyectos que conocieron su esplendor y caída, y que están allí en la memoria de muchos melómanos. La lista es larga: Sonido, Nuestro Rock (del infatigable Ricardo Bravo), Rock Mi (legendaria y efímera, fundada por José Agustín y Parménides García Saldaña en 1979), La Onda, Las Horas Extras (el tabloide diseñado por Víctor del Real y Víctor Roura), La Lengua (hecha en Monterrey), La Banda Elástica (impresa en Los Ángeles), La Banda Rockera, Zónika. Además de éstas legendarias publicaciones, los diarios nacionales han dado espacio al tema entre sus páginas, así como revistas de distintos perfiles –extintas y aún activas– como Viceversa, Cambio, Día Siete, Generación, Gatopardo e incluso Nexos, por sólo mencionar algunas. Nostalgia editorial En mayor o menor medida, todas esas revistas son fuente de nostalgia para muchos, que aún ante el paso del tiempo, atesoran alguno de sus artículos entre los recovecos de la memoria. Para Schmidt, por ejemplo, todavía permanece aquella entrevista con “La encuerada de Avándaro”, aparecida en La Piedra Rodante. En ese sentido, paradójico es que Ejival evoque un texto del anterior: “Recuerdo la primera vez que leí a alguien escribiendo sobre los Cocteau Twins en español, seguramente fue alguna nota de Walter Schmidt”. Y Medrano, exhibiendo una apasionada elocuencia, concluye: “Hay muchos, como el artículo de José Agustín en La mosca en la red, escrito al revés. Una entrevista a Charlie Montana en Banda Rockera, con faltas de ortografía

que terminan siendo cómicas (la sesión de fotos, inolvidable, “el gran Vago” en la banqueta, con envases de caguama); los capítulos en fotonovela de la revista Cráneo y las revelaciones de Sergio Monsalvo (siempre, invariablemente, son revelaciones, neta)”.

Competencias Publicaciones con distintos olores, polares estilos de diseño gráfico, disímiles presupuestos, antagónicas personalidades editoriales, diversas calidades de impresión, variados tipos de papel, etcétera, son las que nos han contado, desde su propia esquina, los mil y un capítulos sobre el largo recorrido que el rock –el extranjero y el nacional– ha emprendido en México. Para Ejival, las que han hecho un mejor papel en la historia son: “Conecte y Sonido. Ambas fueron buenas porque se publicaron en la época en que el rock estaba prohibido en México. Creo que hicieron una labor muy ejemplar. Después de esto creo que La Mosca es otro buen ejemplo de periodismo musical basado en el rock”. Por su parte, Villarreal destaca por su valentía a La piedra rodante, que tuvo una vida breve entre 1971 y 1972. “Sí, La Piedra fue muy buena, de verdad contestataria, antisolemne y original, aún cuando era deudora de la versión estadounidense. La dirección de Manuel Aceves, un tipo sabio, fue determinante y muchas veces sus artículos fueron acremente censurados por la Secretaría de Gobernación y hasta por el mismo Carlos Monsiváis”. Por otra parte, Rafa Saavedra, periodista y escritor radicado en Tijuana, compulsivo coleccionista de revistas musicales, ofrece una conclusión más incluyente: “Sería muy duro juzgar bajo el mismo cuchillo a todas. Si hablo a nivel personal, cada una, en su momento, me daba cierta dosis de información que no encontraba en la prensa inglesa, americana y sudamericana que consumía por esos años (de NME, Melody Maker, Smash Hits o Sounds a Creem, Spin, Rolling Stone u Option a Pelo y Esquina). Conecte tuvo en los primeros ochenta una columna espléndida de música alternativa llamada "Movimientos Alterados". Sonido era un oasis, en sus páginas descubrí la escena indie de La Movida Madrileña en su esplendor. La Banda Rockera, con todo y sus fallas estilísticas, era una puerta siempre abierta al underground más bizarro (además, su humor involuntario era un plus). De las otras revistas me acuerdo más de los plagios, de su obsesión por el pasado, la falsa mitificación y un enredoso sentido de lo vital o trascendental o el caer, casi siempre con delay, en la trampa del hype o el flavour of the month tan común en la prensa inglesa”. Visiones ¿Cuál es el futuro para todas estas publicaciones ahora que compiten cada vez más fuerte con la omnipresencia de Internet? Para Juan Antonio Rotuno, músico tamaulipeco, parte del grupo La Función de Repulsa y fundador del fanzine Taladro, las revistas impresas siguen teniendo algunas ventajas: “No leo tan cómodamente en una computadora”, explica. “En Internet se filtra mucha basura; es decir, no hay un rigor periodístico en muchas de estas publicaciones más cercanas al fanzine a veces.

Aunque este mal parece extenderse también hacia las revistas impresas; tal vez se trata de algo generacional. Además me gustan las fotos y el arte impreso”. Opinión que coincide de cierto modo con el punto de vista de Schmidt, quien declara lo siguiente: “Una revista digital jamás podrá suplir a una buena revista de papel para leer en el metro, en el pesero o mientras tomas café. Éstas se guardan en hemerotecas. Lo digital es más efímero”. Por su parte, la perspectiva de Medrano resulta conciliadora: “Creo que ya pasó la época de rivalidad entre ambos frentes, estamos en un momento en que comienzan a cohabitar. Para algunas ocasiones es mejor el libro, para otras el digital”. Si bien la red ha potenciado que cualquiera ose emitir su opinión sobre tal o cual asunto relacionado con lo musical, sea a través de un blog o una página en la red, es importante no perder de vista a quienes han hecho de ello una profesión, un oficio digno, siempre a favor de consolidar una tradición propia: la del rock mexicano de papel. M

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Fernando Rivera Calderón Periodista, voz y guitarra de Monocordio

Revistas

Cuando era adolescente no había revistas de música que llenaran mis expectativas. De hecho, no había revistas de música. Tampoco había Internet, pura masturbación. A veces leía un fanzine llamado la Banda Rockera y compraba la revista Encuentro de la juventud que hacía el CREA, pero tenía claro que el vacío era enorme. Era un asunto desolador.

Me gustaba Las Horas Extras, un periódico que hacía Víctor Roura y Las Histerietas de La Jornada, pero no eran revistas de música, eran publicaciones con alma. La primera vez que alguien me enseñó una Rolling Stone casi lloré de la emoción.

Bandas

Antes conocías a las bandas por amigos, apariciones en radio, en algún programa de televisión onda “Estrellas de los Ochenta”, porque ibas a Rockotitlán o al LUCC o porque ibas a las tiendas de discos a buscar cosas raras. Mucha gente ya veía MTV, pero yo tardé mucho y en términos generales estaba jodido.

TU PrimerA entrevista

Alfonso André

Baterista de Las Insólitas Imágenes de Aurora, Caifanes, La Barranca y Jaguares

Revistas

No recuerdo haber leído ninguna en la adolescencia. De repente veía revistas gabachas como la Creem.

Si no me equivoco, fue en la revista Día Siete que publicaba El Universal.

Fue increíble porque hasta ese momento nadie me tomaba muy en serio como músico. También La Mosca me hizo una entrevista en esos primeros años del Monocordio.

Bandas

La evolución del periodismo musical

TU PrimerA entrevista

Hay tantas etiquetas, que parece como si los periodistas supieran mucho, pero hay un análisis musical menos profundo. Tenemos acceso a toda la música, pero la escuchamos de manera más superficial. Creo que el estudio de la música tendría que ser más vivencial y menos “Wikipédico”.

Con el acceso que tenemos a la información, es probable que estemos en el funeral del periodismo musical como tal, pero frente al nacimiento de otro que sepa acompañar a nuestro espíritu junkie-musical.

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Nostalgia

Cuando empecé a tocar, encontré revistas nacionales como Sonido, Conecte y La banda Rockera. Ahí me enteraba de las cosas que pasaban en aquel, nuestro pequeño gremio.

Uta, no me acuerdo. ¡Fue hace mucho! Probablemente fue Conecte.

La evolución del periodismo musical

Quiero pensar que ya hay más oficio, publicaciones mucho más serias, críticas y con mejores contenidos. Aunque de repente te encuentras por ahí uno que otro elemento que retrocede el avance del gremio por unas cuatro décadas.

Lino Nava

Guitarrista de La Lupita y Recolector

Revistas

Leía Conecte, Rock Pop, Sonido, Heavy Metal Subterráneo y Banda Rockera.

De hecho, cuando tenía 18 años mi primer grupo fue nombrado grupo revelación por esta última en 89.

Bandas

José Manuel Aguilera Guitarra y voz de La Barranca

Revistas

La Piedra Rodante, Conecte y Sonido.

Bandas

Montones, en especial de Guadalajara y Monterrey. Cuando me enteraba por alguna revista, me daba curiosidad irlas a ver.

Claro, ahí conocí a bandas mexicanas como Caifanes, Luzbel, Cecilia Toussaint, Javier Bátiz, Botellita de Jerez, Size, Chac Mool; y a Charly Garcia, Radio Futura y Barón Rojo, entre las bandas Iberoamericanas. A muchos de ellos sólo los escuché en grabación ya que no podía entrar a los clubes por ser menor de edad.

Tu primera entrevista

TU PrimerA entrevista

La evolución del periodismo musical

Creo que fue Conecte, que nos puso en la portada junto con otro par de bandas. La revista Eres sacó dos páginas del grupo.

La evolución del periodismo musical

Creo que al crecer el número de publicaciones todo se especializo más, en un principio todos los periodistas eran mayores que nosotros, y muchos estaban orientados al rock clásico. Poco a poco se fue acortando la brecha de edades entre el periodista y el artista. Siempre han existido periodistas muy capaces e intuitivos y también los que no van más allá de un boletín.

La primera revista que entrevistó a La Barranca fue Switch, o al menos esa fue una entrevista memorable, con Fernando Rivera Calderón y Adriana Díaz, en la que hablamos de cosas más allá de "¿Por qué se llaman La Barranca?".

Antes de la red, las revistas ofrecían información que no podías obtener en algún otro lado. Ahora ya no pueden hacer gala de poseer información privilegiada, pues todo, absolutamente todo, está en la red. El periodismo musical se ha fragmentado, se ha pulverizado, se ha dispersado.

Cualquiera puede ser periodista musical y hay cientos de publicaciones, reales y virtuales, sin que exista ninguna que pueda ostentarse como paradigma. Las revistas la tienen más difícil ahora y creo que tienen que ofrecer algo más que información: un estilo, una estética, una línea editorial. Por eso, ¡felicidades a Marvin por llegar al número 100 y mucha suerte para lo que falta!

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Gil Cerezo Vocalista de Kinky

Revistas

Poncho Figueroa Bajista de Santa Sabina y Los Jaigüey

Revistas

Comencé mi relación como fan de la música desde muy pequeño. Una revista que recuerdo mucho se llamaba Circus, ahí documentaban todo lo que me gustaba: el grunge y Lollapalooza.

También la revista Guitar, que además de fotos tenía partituras con las que empezaba a tocar.

Algunas veces me las volaba del Sanborns, otras simplemente las hojeaba por horas en el stand.

Conocí a Rebel’d Punk, La Polla Records y Escorbuto.

Bandas

Tu primerA entrevista

Conocí un montón. Creo que en tiempos preinternet, todo lo descubría por revistas o por el boca en boca. Algunas de mis favoritas son Rage Against the Machine, Alice in Chains y Primus.

Tu primerA entrevista

Si mal no recuerdo, fue una revista de Monterrey que se llamaba La Banda Elástica, ellos publicaron una pequeña nota de Kinky como parte de un especial de la escena de la ciudad. La primer portada que tuvimos, créanlo o no, fue Marvin.

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Nostalgia

No había muchas, sólo Notitas musicales que era sobre puras cosas de la tele. También había dos de rock: Conecte y Banda rockera.

Camilo Lara

Bandas

Revistas

No me acuerdo bien, creo que la primera fue en Banda Rockera.

La evolución del periodismo musical

Ahora hay mucha más industria, por lo tanto existen más medios para su difusión.

La información se consume con mayor velocidad y hay más oferta en todos los sentidos. Pienso que las revistas de rock mexicanas ya son una tradición, y a pesar de su demanda resulta difícil hacerlas. Creo que aún tienen un destino por descubrir.

Voz y programaciones del IMS Mmm… supongo que Conecte. Luego salió una que se llamaba Rock en tu idioma y no me la perdía.

Bandas

Descubrí a Paco Gruexxxo, La Revolución de Emiliano Zapata y Size.

Tu primerA entrevista

Creo que fue en La Mosca, del genial Hugo García Michel.

La evolución del periodismo musical

Antes el periodismo era muy básico. Supongo que hoy se tiene acceso a más fuentes, más entrevistados y hay más plumas.

Atto Attie

Voz y guitarra de Atto and the Majestics

Revistas

Cha!

Bajisa de Fobia y Moderrato

Revistas

Leía la Sonido, Conecte, Banda Rockera y Com Rock.

Bandas

Conocí a Casino Shanghai, Syntoma, Pedro y las Tortugas, Luzbel, Flüght, las Insólitas Imágenes de Aurora, Iconoclasta, Mask, y muchísimas del llamado rock urbano.

Tu primerA entrevista

Nuestra primera entrevista fue por Benjamín Salcedo y Laura Viadas, no recuerdo bien el nombre de la revista, creo que se llamaba Rock and Pop.

La evolución del periodismo musical

Se ha abierto a distintas propuestas. La tecnología ha jugado un papel muy importante, no hay que esperar mes con mes la salida de tu revista favorita. La información es inmediata y las opiniones muy diversas, además de que el lector puede participar activamente.

Leía la Conecte que aún recuerdo por su psicodélico logotipo y la Banda Rockera. Semanalmente compraba el Simón Simonazo/Chizz, un cómic que se dividía en dos: las aventuras de tres vándalos, el Enano, el Patas y el Simón; y la segunda parte era una parodia de Kiss.

Bandas

Seguramente cosas metaleras como Luzbel o Los Ángeles del Infierno.

Tu primerA entrevista

Fue la Banda Rockera, cuando era miembro de RAXAS; el artículo salió sin que yo supiera y cuando compré el número del mes me llevé una gran sorpresa al ver mi foto. Mi mamá aún conserva esos ejemplares (risas).

La evolución del periodismo musical

La calidad de las publicaciones ha mejorado infinitamente: una revista de rock a colores era algo inimaginable en esa época. La labor de los escritores es mucho más especializada y detallada hoy en día, con una perspectiva mucho más clara y orgánica, además es mucho más global. Las publicaciones eran herméticas, se dirigían sólo hacia un estilo o movimiento cultural en particular; ahora el contenido es mucho más diverso. El estilo y la variedad ha crecido de manera directamente proporcional a la oferta y demanda que vivimos hoy en día, lo cual hace infinitamente más interesante el periodismo.

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Hugo García Michel Músico y periodista

Revistas

Daniel Gutiérrez Voz y guitarra de La Gusana Ciega

Revistas

Leía el Conecte, o por lo menos la hojeaba, ellos presentaban a las bandas y la escena del momento. Era un mundo nuevo, oscuro y desconocido para mí. Mi dentista me mostró la revista por primera vez y muy orgullosa me dijo: “Mira, es mi hijo Gabriel con el vocalista de su banda, Leonardo”. Yo miraba atónito la foto en blanco y negro de unos tipos raros, muy seguros de sí mismos, mientras leía el nombre de la banda en negritas: Fobia.

Bandas

Fobia por supuesto, Caifanes. Las revistas reforzaban lo que había visto en vivo en Rockotitlán o en el LUCC. Era una escena muy ecléctica y las fotos no ayudaban mucho para descifrar a qué sonaban las bandas que publicaban.

Tu primerA entrevista

Fue un pequeño artículo que salió en el fanzine de Rockotitlán, creo que se llamaba Sin alternativa. La siguiente fue para ERES, con la primer persona que programó “Las manos de María la Loca” en Radioactivo.

Rulo nos entrevistó y después nos regaló memorabilia que tenía en su escritorio, incluyendo un pequeño poster de wonder bra y un pisa papel de Batman con la forma del logo.

La evolución del periodismo musical

Por suerte ya no nos preguntan: “¿Creen que existe el rock en español?, ¿creen que es una moda pasajera?”. Los buenos periodistas de música han perdurado y las nuevas generaciones comienzan a tomar sus lugares con fuerza. Los más jóvenes crecieron escuchando rock en español desde pequeños y tienen una visión diferente en las entrevistas.

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Nostalgia

A fines de los sesenta había varias que solía leer, pero las dos principales eran México canta (dirigida por Carlos Baca) y Pop (dirigida por Víctor Blanco Labra). Antes de eso, la única revista musical era la terrible Notitas musicales y por un tiempo existió otra llamada Ídolos del rock. Ninguna de las cuatro era siquiera medianamente buena, aunque las dos primeras tenían algunos artículos y secciones rescatables. Fue hasta principios de los setenta que apareció la legendaria Piedra Rodante, dirigida por Manuel Aceves, posiblemente la revista de rock más inteligente, propositiva y desafiante que ha existido en México (sobre todo por el contexto histórico en que nació: los inicios del autocrático régimen de Luis Echeverría Álvarez). La censura gubernamental sólo la dejó vivir ocho números.

Bandas

Por medio de México canta, Pop y Piedra Rodante pude conocer a varias de las principales bandas de la segunda mitad de los sesenta y principios de los setenta, tanto mexicanas como extranjeras, desde los Dug-Dugs hasta Peace and Love y desde los Doors hasta Quicksilver Messenger Service, entre muchas otras.

Tu primerA entrevista

A principios de los años setenta tenía un proyecto acústico llamado Octubre, con canciones mías en español. Hicimos algunos programas de televisión (La hora cero, en Canal 4; Algo especial en Canal 13), pero no alcanzamos a llegar a las revistas. Sólo aparecimos en un par de diarios, entre ellos El Heraldo de México.

La evolución del periodismo musical

Asumo que la pregunta se refiere a México. Se ha hecho más profesional y de mejor calidad gráfica (sobre todo en el diseño), pero persisten los viejos vicios de siempre: el paternalismo hacia los lectores, el mal uso del español, el poco sentido periodístico, el descuido y la falta de rigor estilísticos, el escaso sentido del humor, la condescendencia, la auto complacencia y el escaso sentido crítico. En muchos medios persiste la idea de que no hay que tomar riesgos para no perder clientela. Veo más un afán por hacer negocio que por realizar un verdadero periodismo musical.

Más fotos y entrevistas en www.marvin.com.mx/mas-musica

Uriel Waizel Crítico musical

Revistas

Fernanda Solórzano Crítica de cine

Revistas

Fui una adolescente entre fresa y matada (más que ahora, pues) y, por lo tanto, no muy clavada en revistas especializadas de música. Por otro lado, eran los años de la explosión del mentado "Rock en tu idioma" y el tema de la música estaba presente en todos lados. Por otro lado, en esos años nació el fenómeno MTV que, como todos saben, arrasó con los demás medios y estableció un nuevo modelo de relacionarse con la música. Éramos adictos a los videos, y MTV empezó a ocupar los espacios del periodismo cultural.

David Cortés Periodista

Revistas

Conecte y Sonido, no había más.

Bandas

Conocí a todas, los programas de radio eran escasos y las estaciones dedicadas al rock eran una rareza; la prensa se encargaba de alumbrarnos en medio de las tinieblas.

La evolución del periodismo musical

A pesar de que las nuevas generaciones llegan más preparadas, están menos comprometidas con la difusión del rock como movimiento musical y cultural; circula mucha información por los blogs, pero el hecho de que cualquiera pueda subir su blog a la red, además de democrático, tiene mucho de amateur. Como todo cambio, hay aspectos buenos y malos.

Bandas

Supongo que mi caso se parece al de la mayoría: mi contacto con la música nueva era a través de la música misma, y de los amigos que te la "presentaban".

La evolución del periodismo musical

Ha tenido cambios vertiginosos determinados por la revolución de los medios. Cuando la música se asoció con la imagen, surgieron nuevos formatos de periodismo musical por televisión. Después, con la revolución web, las posibilidades de difusión se multiplicaron al infinito (por no hablar de la música en sí, y la forma de acceder a ella). Es un tema complejísimo, que se extiende a todas las formas de periodismo y crítica culturales.

Para unos significa la muerte del periodismo; para otros, se ha cumplido el objetivo de poder comunicar todo, desde donde sea, y a través de distintas miradas. Es un cambio muy reciente y poderoso, y el principio de revoluciones que no podemos ni imaginar.

Leía la Eres en su esplendor ochentero. Hacia mis 20 apareció la Switch a la par de la cultura MTV, el fortalecimiento de Café Tacvba, la avanzada regia con Control Machete y Plastilina Mosh. Cuando vendía discos en Mixup, conocí a Benjamín Salcedo (director de Switch y de Rolling Stone México), y él me invitó a escribir en Switch, en 1997. Mis textos variaban desde Aphex Twin a Stereolab, pasando por Morcheeba, Squirrel Nut Zippers, Fatboy Slim o The Prodigy. Ahí compartía la editorial con personajes como Xavier Velasco, Felipe Soto y Fernando Rivera Calderón.

Bandas

Más allá de las que me mostraba la Eres... no conocía muchas. Después, antes de que llegara Internet, me suscribí a la NME, Melody Maker.

En el Sanborns buscaba la Vox, la Select y The Face (las tres, de UK). No me conformaba con lo local, quería estar en la punta de lanza de las novedades y las revistas británicas me aportaban no sólo guías a música de la que nadie conocía en México, sino que me ponía en contacto con una cultura y un humor ajenos, pero que me hacían sentir especial, diferente, además de llenar mi nostalgia por seguir en toque con el lugar en donde pasé mi año sabático después de la prepa, trabajando de mesero: Londres.

La evolución del periodismo musical

Hace 20 años, los locutores entraban a la cabina de radio con pilas de libros llenas de marcas y referencias. Hoy, la laptop les hace la tarea: pero eso se refleja en comentarios generalizantes, improvisados y desinformados. Sin sustancia.

Hace 20 años, las entrevistas eran diálogos profundos e intelectuales. Hoy, el peligro de extenderse cae en la foreverés. Hace 20 años, el público lector aguantaba una pieza de tres páginas y 10,000 caracteres. Hoy, scrollean páginas y timelines en busca de dulce para los ojos y micro-emociones. Hace 20 años, conseguir un phoner o una entrevista escrita (por correo) era un milagro para atesorar. Hoy, estas entrevistas se consumen como palomitas: para bien (son más accesibles), para mal (ya no hay ritual, protocolo ni preparación). Hace 20 años, se buscaba contar la historia de un artista y darle contexto. Hoy, se embeddea el video de YouTube y se antepone una frase de 70 caracteres... M

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En los

90s

caminábamos 1 km en la nieve para ir a comprar un Compact Disc

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

N o s t a l g i a

n o v e n t e r a

La verdadera señal de que uno se está poniendo viejo, llega cuando las cosas que te gustan se vuelven retro. Según el libro Retromanía: La adicción de la cultura pop a su propio pasado, la nostalgia suele tener un curso de 20 años, tiempo suficiente para que la generación que las vivió pueda crecer y desarrollar la necesidad de revivirlas, y al parecer es el turno de mi generación. Para aquellos de nosotros que crecimos con Daria, con collares de chupones de plástico, con Tamagochis y una pubertad musicalizada por Smashing Pumpkins, Garbage, The Cranberries, No Doubt, Limp Bizkit y otros más, podría ser un shock notar que todas estas cosas son lo suficientemente viejas como para volverse retro y que incluso, lo son tanto que nos cuestionamos la importancia de su comeback.

¿ Q u é

n e c e s i d a d ?

En gran medida, la música crea la percepción histórica de la cultura popular, por esto, al pensar en los ochentas primero se piensa en pantalones estampados y ajustados a la Mötley Crüe, antes que en la perestroika. Independientemente del periodo del cual estemos hablando, siempre habrá un puñado de artistas o bandas que construyan la imagen simplificada de su época. En los 90, muchos artistas consiguieron pintar un espectro complejo, contradictorio y altamente identificable; desde el pop más plastificado de Brtiney Spears, el punk duro y feminista de Bikini Kill, hasta la oscuridad ansiosa y pre emo de los Smashing Pumpkins: Los noventas lo tuvieron todo… hermano…

Pero la nostalgia musical puede ser como un chiste: o funciona sin importar quién lo cuente o cuándo lo cuente o, del otro lado del espectro, necesitas haber estado ahí para entenderlo. Hay bandas cuya calidad ya ha pasado la prueba de los años, mientras otras sólo funcionan como anécdotas para la peda con los amigos de la prepa. Para aprender a distinguir en cuál de los dos casos se encuentran las bandas noventeras que en pleno 2012 intentan un regreso, hay ciertas preguntas que se deben hacer: ¿Qué relevancia tienen?, ¿qué aportan? Y finalmente, ¿qué necesidad hay de que vuelvan?

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Nostalgia

Not Your Kind Of People 15 de mayo 2012

En

e s e

e n t o nc e S

Se trataba de una época más simple: el rock era una gran parte del mainstream, y –aunque esto pueda sorprender a nuestros lectores más jóvenes– en MTV pasaban videos. La palabra reality no era común en nuestro vocabulario y los grupos liderados por mujeres abundaban. Garbage es uno de los mejores exponentes

H O Y

E N

D Í A

Han pasado siete años desde Bleed Like Me, el cuarto disco de estudio de Garbage, y aunque éste en realidad no es un gran disco (como tampoco lo es su tercero), no debemos olvidar lo grandiosos que son su disco epónimo y el Version 2.0, ambos geniales en verdad.

Pero, ¿qué podemos esperar de una banda con aciertos y fallas?, de una banda que ha guardado silencio casi absoluto durante tanto tiempo (en el 2011 realizaron un cover a “Wild Horses” de U2), y que nos ha entregado desde rock industrial hasta pop electrónico radio-freindly.

La pregunta es: ¿Cómo se oirá un Garbage versión 2012?

E N

del rock alternativo de mediados de los noventas; Shirley Manson era el prototipo de la mujer perfecta, y el video de “Push it” era la cosa más rara y hermosa que muchos de nosotros habíamos visto hasta el momento (todos aquellos que no lo hayan visto, favor de entrar a YouYube).

Con un sonido electrónico y fuerte, Not Your Kind Of People responde esta pregunta en el primer single “Blood for Poppies”. El track comienza muy bien, sin embargo, el coro es un tanto molesto y demasiado feliz para el sonido semi-industrial y sucio del resto de la canción. Por otro lado, la banda afirma que “debe sentirse como un sueño abstracto” y que la inspiración y tema es “la lucha humana de permanecer cuerdo cuando se enfrenta a la locura”. Sin duda, se trata de un corte pegajoso que podría resultar un buen single, en especial para aquellos que no conocen a la banda.

RESU M E N

Usando mi mejor gorro de objetividad y tomando en consideración el single, el fragmento de “I Hate Love” y la afirmación de Butch Vig de que se trata de un disco más cercano a los primeros dos –lleno de guitarras ruidosas, grandes beats electrónicos y momentos

atmosféricos–, me atrevo a decir que Garbage no debe ser descartado, y que este disco, además de alegrar a los viejos fans, podría disfrutarse por sí mismo y sin ayuda de la nostalgia.

Para cerrar, me parece que a la escena actual le hace falta más Shirley Manson.

Una videoteca de la década www.marvin.com.mx/mas-música

Roses 27 de febrero 2012

En

e s e

e n t o nc e S

En los noventas, The Cranberries eran grandes, muy grandes; todos conocían su nombre, y saber la letra de “Zombie” era casi un requisito. Era muy difícil encontrar alguien a quien no le gustara, y es que The Cranberries tenía algo para todos; desde baladas dulces ideales para cantar en un prado lleno de flores, hasta

H O Y

E N

D Í A

A pesar de llevarle 10 años a Wake up and Smell the Coffee, su nuevo disco, Roses, suena exactamente como uno imaginaría que el próximo álbum de The Cranberries tendría que sonar, sin importar que éste hubiese sido lanzado en el 2002 o en 2012. Los irlandeses agarran la nota justo donde la dejaron, continúan fieles a su sonido sin ser víctimas de la modernización o del constante

E N

canciones fuertes y rudas de chica enojada. Pero claro, incluso en ese momento, había quienes los acusaban de sonar siempre igual, de no retarse musicalmente; esto podría contra argumentarse con un detallado análisis de sus cinco discos previos a Roses, sin embargo, algo de razón también tiene la acusación.

deseo de reinvención por parte de los medios (es decir, ¿en verdad queremos un disco de The Cranberries hecho con iPad?).

Canciones como “Conduct”, “Schizophrenic Playboys” (mi preferida, y seguro una de las que más sonará) o “Tomorow”, son cortes buenos sin fecha de caducidad evidente. Su sonido es clásico y sin duda más congruente y maduro.

RESU M E N

Lo único malo del disco es que suena “muy cranberrie”, pero eso está muy lejos de ser un insulto.

En

e s e

e n t o nc e S

Antes de juzgar, habría que caminar 100 pasos en los zapatos del otro (en este caso sería en unos tenis con lucesitas en las suelas). Hace muchos años, era cool escuchar a Limp Bizkit, lo juro.

H O Y

E N

D Í A

Limp Bizkit es una broma, reto a cualquiera a encontrar a un verdadero fan de hueso colorado de esta banda que lo admita.

En cuanto al nuevo disco, en las palabras del siempre recatado Durst: “Será el disco más loco de metal de todos los tiempos” –afirmación muy difícil de creer–.

Para lograr esto, Limp Bizkit se unió a Cash Money Label, la

E N

Incluso era una banda respetada: Korn los apadrinaba y mucho se hablaba de lo bueno de su nü metal. No hay mucho qué decir al respecto, tendrían que haber estado ahí.

disquera de Lil Wayne. El single “Ready To Go”, con todo y el cameo de su nuevo mejor amigo el rapero –lo primero que se puede escuchar de este nuevo proyecto aún sin fecha de lanzamiento– suena mal, no terrible, pero mal. Después del fracaso de Club Cobra (2011), y a casi una década de su último verdadero hit, las estadísticas no están en su favor.

RESU M E N

Es increíblemente innecesario un nuevo disco de Limp Bizkit. ¿Qué cosa que no hayamos visto antes pueden resultar de su combinación con hip-hop?, ¿cuántos de nosotros hemos pasado nuestras tardes pensando en lo mucho que hace

falta un nuevo disco de Durst y compañía? De repente, después de años de sacar material pobre y otros tanto de silencio, ¿qué tan probable es que nos vuelen la cabeza con su nuevo material?

Absolutamente improbable.

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UN TIPO RARO QU E AM AE LF C a r lo s H i da lg o. F OT: : Sa r ah n a u Jura :: J OL TXT do.

K

D JUrA N E I m a DO

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Nostalgia

s vastas planic me de la ies del f o na enor r o u l k y h a t idad de en a vez que optas por cant vaque D ros cabalgando, y un Bonni ine, Bill Callah e Prince Bill y, Iron and W an, n, se vuelve complic da Williams y M icah. P. Hinso ado Lucin a r a p s e e m t e pre jin nde vos r e l vi sumar nue a je.

D

entro de esos parajes, Damien Jurado ha publicado 11 discos en más de 15 años de carrera, razones suficientes para tener su derecho

de suelo. Con una expresión rústica del folk –llena de ese cochambre al que conocemos como low fi– apenas vengo enterándome que el de Seattle tiene orígenes mexicanos, lo cual sin duda es un aspecto interesante, pero que no fue determinante a la hora de caer seducido por Maraqopa, su nuevo disco –también es atractivo saber que una disquera exquisita como Secretly Canadian edita sus discos–. En este caso, un elemento crucial fue la labor realizada por el productor Richard Swift, encargado de llenar con capas de sonido y múltiples detalles la decena de canciones que conforman el álbum.

Los iniciados en su discografía comentan que Damien y Richard ya tocaron la gloria con Saint Barret (2010), pero este par afirma que ahora llevaron sus pretensiones mucho más arriba, dejándose llevar por la densura y la maraña sonora inherente a Maraqopa, un disco que remite a todo menos claridad: mientras algunos lo describen como acuático, en lo personal lo encuentro de carácter brumoso. El mejor ejemplo de lo anterior es el corte inicial, la fascinante canción “Nothing is the News”, llena de tensión eléctrica, coros, capas de efectos y un cierre casi progresivo. Tengamos en cuenta que Maraqopa hace referencia a un sitio imaginario donde Jurado impone sus condiciones, un paraje que “es el nombre de una ciudad que no existe, que me inventé. Sólo la he visitado una vez, en un sueño”.

Afortunadamente, Damien recuerda muy bien su trazo y su gente; como los niños burlones que dan un toque lúdico a “Life Away from the Garden”, una canción que alguien comparó atinadamente con “Lo que comen las brujas” de Nacho Vegas. Lo que queda claro, es que en aquel sitio onírico la geografía no parece propiciar la felicidad, pues en “Mountains Still Asleep” puede escucharse: “Feel free to lose yourself/ I do this all the time/ Love is a blinding sight”. Como vemos, al cantante se le da con facilidad tirar para abajo –como lo hiciera en Waters Ave S–, pero cuenta con un productor que sabe dar el jalón hacia rumbos chirriantes y nebulosos; como los que el propio Richard concibió en su disco Walt Wolfman (2011).

Damien es un tipo austero que ama el silencio, un compositor que busca las palabras justas para contar sus historias de pesadumbre y agobio. Si antes se asomaba al filo del despeñadero de las pasiones humanas, ahora dice que la inspiración le viene de la familia y la religión, pero reitera que en la habitación donde compone sólo hay una cama rodeada de paredes. El asunto cambia en el estudio, donde Richard Swift emula al Phil Spector que odiaba lo refinado y lujoso, prefiriendo la parte ruda de la profesión al interior de su reino en los estudios National Freedom de Oregon.

A un tipo tan arisco y torturado debe tenerle sin cuidado que un diario de su ciudad –The Seattle Times–, lo considere responsable de desatar el boom del folk. Pero él prefiere desclasificarse del género con arreglos casi orquestales –siempre con Spector en la cabeza– en piezas como “Reel to Reel” (muy cercana a Eels) que da fuerza y sentido a este álbum presumiblemente conceptual. Con sobrados recursos, Damien nos aproxima al bossa nova, el rock and roll oldie y hasta a la sicodelia, reuniendo muchas de sus pasiones en un solo disco. Damien Jurado sabe cómo sumergirnos en el misterio y no da demasiadas explicaciones. Al menos suele recomendar la lectura de Lenny Bruce, Allen Ginsberg y Groucho Marx, y varias ocasiones ha declarado que compra discos de un dólar en puestos de segunda mano. En resumen, Maraqopa no parece un sitio demasiado movido… pero, ¿a quién le importa si sus calles están bañadas por un desértico blues que todo lo llena de electricidad? M

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Mucho antes de que las redes sociales transformaran la manera de comunicarnos, Atticus Ross decidió abandonar Inglaterra para grabar un disco en E.U. La cita era en Nueva Orleans, donde Trent Reznor se encargaría de producirlo.

Visionario por naturaleza, el líder de NIN reconoció de inmediato el potencial de Atticus; sin embargo, ninguno sospechó que 11 años más tarde ganarían el Oscar con la música de The Social Network. Pero antes de que los reflectores iluminaran sus rostros, el director mexicano Everardo Valerio Gout buscó a Atticus para que hiciera parte de la música de Días de gracia. Ubicada en tres destinos diferentes y durante tres Mundiales de fútbol, la historia de la cinta trata el tema del secuestro y la corrupción de manera cruda y sin eufemismos. Además de no pretender aleccionar al público con sus premisas, otro gran mérito de Días de gracia es la elección de músicos como Nick Cave, Warren Ellis, Scarlett Johansson haciendo mancuerna con Massive Attack y, por supuesto, la participación de Atticus en la confección de la banda sonora, quien platicó en exclusiva para Marvin.

Me imagino que cuando se invierte el proceso, el resultado cambia totalmente.

AR: En Días de gracia no quería hacer algo orquestal o demasiado excéntrico; en realidad buscaba algo sucio, claustrofóbico y caliente. Pasé mucho tipo buscando los instrumentos adecuados, quería que sonara como un gran bote de basura.

Además, trabajé con mi esposa (Claudia Sarne) y con mi hermano (Leopold Ross), la música es un acto de comunicación y quería estar con gente muy cercana.

¿Cómo surgió la invitación para escribir parte de la música de Días de gracia?

Atticus Ross: Fue hace mucho tiempo. De hecho, escribí la música para Días de gracia antes de trabajar en The Social Network; ya que hubo que esperar bastante para que saliera al mercado.

Viniendo de Inglaterra, ¿qué te atrajo de la temática?

AR: Desde que vi la película me pareció interesante el tema, sentí que había un concepto bastante inusual y único en la peli, de lo contrario, no hubiera participado. Aunque no soy fan del soccer, lo conozco porque soy de Inglaterra, y me gustó la manera en que mezclaron los secuestros y la corrupción con el fútbol. El hecho de que haya tres historias ocurriendo simultáneamente, y que cada una tenga su propio sonido, es algo que nunca había visto antes. Pasé mucho tiempo preguntando al director (Everardo Valerio Gout) sobre esta problemática de México, y me contó cosas verdaderamente aterradoras.

¿Es complicado adaptarse a la visión de cada director?

AR: En realidad he hecho pocas películas, pero soy afortunado en trabajar con directores que entienden la importancia de la música. Aunque todos han tenido su propia visión, saben colaborar antes de querer imponer una idea. En Días de gracias hubo discusiones mínimas que se arreglaban después de intercambiar ideas. ¿Qué tipo de músicos buscas para inspirar tu trabajo?

AR: La inspiración más grande proviene de Brian Eno. Sus discos siempre serán mis favoritos: me encanta la Berlin Trilogy que hizo con Bowie (Low, Heroes y Lodger).

También su trabajo con los Talking Heads y con David Byrne. No me gusta nada Coldplay –o lo que sea que produzca ahora–, pero amo profundamente todo lo que Brian hizo antes.

¿Dirías que Brian Eno también representa una influencia cuando trabajas con Trent Reznor?

AR: De hecho, ahora estamos terminando el nuevo disco de How To Destroy Angels, la banda que tengo con Trent y su esposa Mariqueen Maandig. El disco tiene una gran influencia de Eno. Cuando escuchas una orquesta, te das cuenta que hay muchos cambios de acordes. Nosotros preferimos crear atmósferas donde te puedas perder. Nuestra música es muy sencilla, pero te produce una sensación de infinitud.

Ya que lo mencionas, ¿cómo empezaste a trabajar con Reznor?, ¿eras fan de NIN? AR: Me mudé a E.U. porque tenía una banda con mi esposa y estábamos firmados con Interescope. El plan era que grabaríamos en New Orleans con Trent, pero el disco nunca salió debido a problemas legales.

En ese entonces me propuso unirme a Tapeworm, una banda que estaba formando con Danny Lohner y Maynard de Tool.

Trabajamos pero nunca salió un álbum. Después intentamos algo con Zach de la Rocha de RATM… pero tampoco salió… … hasta que trabajaron juntos en un disco de NIN. AR: Exacto, hasta que me involucré como ingeniero en With Teeth… y el resto es historia. ¿Sientes nostalgia por ese periodo de tu vida?

AR: Claro, ha sido un lapso de tiempo

muy largo. Mira, he trabajado con muchísima gente en mi vida, pero Trent es realmente una fuerza creativa increíble, es el creador más valiente con quien he trabajado y me siento muy afortunado. La gente suele usar la palabra genio de manera excesiva, pero yo aseguro que tanto David Fincher como Trent Reznor son realmente genios en lo que hacen, son dos personas con quienes he aprendido muchísimo. ¿Qué cambió en tu vida después de ganar un Oscar?

AR: Nada cambió realmente (dice con énfasis). Cuando hicimos The Social Network, nunca, nunca, pero nunca soñamos que esa música sería tan reconocida, quiero decir, sabíamos que estábamos dando lo mejor de nosotros, pero no creímos que fuera algo mainstream… y entonces todo ocurrió. ¿Cuál fue tu reacción inmediata?

AR: Fue muy raro, creo que somos bastante ingenuos sobre ese tipo de premios. Antes de ganar el Oscar, ya sabíamos que haríamos The Girl with the Dragon Tattoo y que grabaríamos otro disco con How To Destroy Angels. En ese sentido creo que nada cambió. Lo que yo quisiera modificar, es abrir la percepción de la gente sobre lo importante que es la música en una película. Quiero pensar que cambiamos la mentalidad para ciertas personas, para los que creen que un score debe sonar como una orquesta, cuando sólo debe ser la música que funcione mejor. La imaginación es ilimitada, y sólo espero que nuestro trabajo haya ampliado la percepción de algunas personas. M

¿Qué tanto dependes de la trama y de los personajes para desarrollar tus ideas?

AR: Siempre comienzo a trabajar en la música antes de que terminen de rodar la película. Me gusta leer el guión para escribir ideas, al menos así pasó con The Social Network y con The Book of Eli, la película que dirigieron los hermanos Hughes.

Sin embargo, el caso de Días de gracia fue distinto porque vi la película antes de hacer la música.

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Adrian Belew se caracteriza por su habilidad para crear cuadros musicales con la guitarra.

Poseedor de una sensibilidad sonora única, el músico comenzó su carrera como baterista durante la secundaria, pero no fue sino hasta la década de los 70 que incursionó en la escena de los clubes más populares de Nashville. Una noche, mientras Belew tocaba con una banda de covers llamada Sweetheart, en el bar Fanny's, fue descubierto por el legendario Frank Zappa.

Se cuenta que Frank quedó tan impresionado con el talento del guitarrista para imitar sonidos de animales, que pidió a su chofer averiguar el nombre del chico para hacerle una audición.

Me

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n poco tiempo, el guitarrista se convirtió en una pieza fundamental en la banda de Zappa, y así comenzó una carrera envidiable, que despuntó nuevamente cuando David Bowie, tras escucharlo en un concierto, lo invitó a unirse a su grupo. Con el "camaleón del rock", Belew grabó los clásicos "Stage" y "Lodger". A su currículo –en el que también se encuentra el título de productor– debemos agregarle el lugar privilegiado que tiene como vocalista/guitarrista de la mítica banda King Crimson desde 1981.

Además, su apetito musical lo ha llevado a grabar 19 discos como solista y a colaborar con músicos tan diversos como Talking Heads, Nine Inch Nails, Tom Tom Club, Les Claypool (Primus), Tool, Cyndi Lauper, Mike Oldfield, Paul Simon, Ryuichi Sakamoto, Tori Amos, Laurie Anderson y Crash Test Dummies.

Adrian visitó recientemente la Ciudad de México para ofrecer un concierto con su Power Trio. Unos días antes de su presentación concedió a Marvin una entrevista vía telefónica desde su estudio en Tennessee.

Como productor de Caifanes (El silencio, 1992) y de Santa Sabina (Símbolos, 1994), imprimiste un sello muy particular en dos discos históricos para la escena rockera en México, ¿qué te atrajo de estas bandas?

Adrian Belew: Eran buenos grupos en términos musicales, me sentí atraído por lo que vi y la forma en la que podía contribuir como productor para pulir su música. A nivel personal me sentía encantado tanto por las propuestas como por la gente involucrada. Percibí la naturaleza espiritual que rodea a Saúl (Hernández) y a los demás integrantes del grupo... siempre me parecieron músicos de muy alta calidad, capaces de hacer canciones que te llegan directo

al corazón. Sé que los mexicanos aman a Caifanes y puedo entender por qué.

Respecto a Santa Sabina, disfruté mucho trabajar con ellos, son personas grandiosas.

Símbolos todavía es uno de mis discos favoritos. Rita (Guerrero) me caía muy bien, siempre había algo misterioso en ella, en su interpretación, su manera de cantar, sus letras. ¡Era realmente única!

Para un sector de la crítica, El silencio es el mejor álbum de Caifanes. ¿Qué recuerdas de la tarea realizada en el estudio?

AB: Trabajamos juntos por seis semanas. Como

productor era una etapa muy temprana de mi vida, estaba muy emocionado de dar lo mejor de mí. La música que tenían me pareció grandiosa, yo propuse muchas ideas que podían funcionar, y la mayoría de las veces el grupo estaba de acuerdo con ellas. Fue una de esas situaciones raras en donde todo mundo se la está pasando bien y la música lo refleja al final. ¿Hay alguna banda de las nuevas generaciones que te llame la atención?

AB: No conozco bandas nuevas, ando tan ocupado con lo que estoy creando que me enfoco mucho en mi música. Trato de mantener mi mente clara y no saturarla con demasiada información; sé que suena terrible, pero honestamente no escucho música nueva, me distrae de lo que estoy haciendo.

Tool y Porcupine Tree son bandas que mantienen un vínculo muy cercano con King Crimson...

AB: ¡Sí! Las dos son bandas grandiosas. Es lindo saber que alguien ha aprendido algo de ti, o que bandas como esas se han inspirado en nuestra música. Es un honor saber que a alguien como Steven Wilson, quien es una persona muy talentosa, le gusta nuestro trabajo.

Danny Carey (baterista de Tool) y Gavin Harrinson (baterista de Porcupine Tree) han tocado varias veces con nosotros, incluso hemos hecho giras juntos. Definitivamente esas dos bandas han escuchado a King Crimson y, a su manera, lo han llevado hacia otro lugar.

Hablando de King Crimson, ¿qué posibilidades hay de escuchar nuevo material pronto?

AB: Le he dicho a Robert Fripp que cuando él esté listo, yo también lo estaré para regresar a trabajar y crear algo, pero creo que él aún no lo está.

Quiere completar algunas cosas en su vida personal desde hace un par de años, descansar de las giras y componer. Ya veremos qué pasa, esperemos que cuando termine regrese a King Crimson para poner manos a la obra. Todo depende de Robert... yo estoy listo en cualquier momento.

Entre las sesiones de grabación de El Silencio, Adrian Belew y Alfonso André jugaban al billar para relajarse.

¿Planeas un nuevo disco con el Power Trio?

AB: Hasta ahora yo he hecho todo, posteriormente, tal vez involucraré al Power Trio en algunas de las canciones. Tengo una idea muy distinta de cómo quiero hacer este álbum y sigo trabajando en ello, si todo sale bien, será una nueva manera de hacer música para mí.

No estoy seguro si funcionará, espero que sí, no lo puedo explicar aún. Realmente siento que estoy haciendo algo nuevo en este disco, algo que nunca se ha hecho. Estoy muy emocionado. ¿Cómo visualizas el futuro de la música?

AB: Como sea que imaginemos el futuro, seguramente habrá tecnología de por medio: Internet, iTunes, descargas etc. En el mundo de la música, algunos tratamos de encontrar la mejor manera de utilizar estos nuevos recursos. Como sea, creo que será emocionante y ahí estaré con mi música. M

En 1994, Santa Sabina grabó su disco Símbolos en el estudio de Adrian Belew, ubicado en Williams Bay, Wisconsin.

“trabajar con king crimson jamás es fácil, siempre es un reto. por eso me gusta”. -Adrian Belew www.marvin.com.mx

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N

E SER D OS IA TA L G

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Cuando Peter Murphy enfermó de neumonía a principios de los 80, el resto de Bauhaus grabó sin él buena parte de Burning From The Inside, un álbum que parecía ser su despedida definitiva –la banda tuvo un regreso efímero hace algunos años–. Curiosamente, en una de las letras se escucha: "someone shot nostalgia in the back". La frase fue cantada por el ba jista David Jay, que sin sospecharlo disparó esa nostalgia que ha acompañado la carrera del cantante durante décadas. Platiqué con Peter Murphy vía telefónica, y mientras lo imaginaba corriendo entre la bruma del bosque como hace en el video de “Cuts You Up”, fue emocionante escuchar la voz que entonó ese himno dark titulado “Bela Lugosi's Dead”.

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ndro Mancilla.

(Gracias a Will

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Llevas tiempo viviendo en Turquía, ¿no sientes nostalgia por Inglaterra?

Peter Murphy: No, Turquía es similar a la cultura mexicana o latinoamericana porque son muy cálidos. Además, visito mucho mi país y me siento bien de poder viajar sin el compromiso ni la presión de quedarme permanentemente. Soy un viajero empedernido y me gusta conocer lugares donde no conozco a nadie.

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Nostalgia

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¿Qué encuentras interesante para escuchar en Turquía?

PM: En cuanto al rock, no mucho, allá son más apegados a la música tradicional. Escuchan bastante un género llamado sufi y cosas que parecen hechas para los sultanes; es el equivalente a la música clásica europea creada para la burguesía. Estambul tiene una cultura musical muy rica, la mezcla de sonidos arabescos crea un encuentro entre dos mundos.

Qué nos recomendó Peter Murphy

Sxip Shirey, un artista, performancero y miembro de la escena avant garde de Nueva York. Entre sus obras memorables recientemente hizo un tributo a Salvador Dalí, además de trabajos con Neil Gaiman (autor de la novela de Coraline).

Qué ve Peter Murphy en TV

"Siempre que puedo trato de ver algún capítulo de Dexter".

Pero, ¿estás pendiente de lo que pasa en Inglaterra, en cuestiones sociales y políticas?

PM: Enfocarme en la política puede destruir otras actividades que sí me interesan, por eso me preocupo más por cuestiones sociales y culturales. Lo mismo pasa con otros lugares que visito, me gusta la idea de dejar huella como artista sin inmiscuirme en otros asuntos. Yo ando en lo mío, con un pie dentro del mundo y otro fuera de él. ¿Qué haces cuando no estás creando música? ¿Ves TV o cine?

PM: Sí. Me gustan películas como Mystic River de Clint Eastwood o la adaptación del libro Meetings with Remarkable Men, una película hermosa de 1979 dirigida Peter Brook, que trata sobre la vida de George Ivanovich. ¿Planeas hacer algo de cine nuevamente?

PM: Sí, me he visto con algunos directores de casting y he tenido algunas propuestas interesantes, pero en la industria cinematográfica deben darse varias condiciones antes de que

te den luz verde para hacer una película. Pero sabes, no es muy inteligente hablar de proyectos hasta que no sean un hecho. El problema es que ahora sólo me quieren dar papeles de hombres mayores interactuando con adolescentes (ríe).

Muchos fans góticos se quejaron amargamente de que saliste en Crepúsculo, sobre todo porque en su mente estaban las imágenes de The Huger, aquella verdadera cinta de vampiros donde debutaste.

PM: Sí, sí, los entiendo, está bien.

Cuando “mis niños" se molestan por algo, es mi deber darles una explicación, los entiendo, no hay problema.

He notado que te gusta voltear al pasado por las versiones que a veces tocas en vivo de Bauhaus o Joy Division...

PM: Sí, justo ahora estoy trabajando acá en L.A. en una versión de Frank Sinatra. Una de las canciones que más disfruto tocar en vivo es el cover de "Severance" de Dead Can Dance.

Ya que lo mencionas, ¿qué pasó con la gira que tenías con Brendan Perry de Dead Can Dance?

PM: Hubo desencuentros, disgustos con los mánagers, problemas con los preparativos. Al final quedamos muy decepcionados porque ni él ni yo tuvimos nada que ver, fueron circunstancias externas. ¿Qué te hace sentir nostalgia?

PM: Escuchar mis primeros trabajos me trae muchos recuerdos, la música trata sobre eso, acerca de lo que pasaba cuando escuchabas determinadas cosas. Las canciones tratan sobre el momento y el tiempo específico que vivías cuando escuchabas algún disco. Pero mira, la nostalgia está bien, aunque a veces creo que no deja nada bueno estar acordándose del pasado: yo tiendo a buscar la felicidad, a vivir el momento que está pasando. Creo que no tiene mucho valor vivir en el pasado. ¡Cómo! pero si tu nombre evoca nostalgia….

PM: Llevo 30 años haciendo

música y para muchos puede ser nostálgico, pero la música es atemporal, hoy mismo estoy más enfocado en el presente, mis discos de hace años los puede escuchar alguien por primera vez ahora y descubrir muchas cosas.

Ahora quiero vivir el momento más que nadie. ¿Te gustaría hacer algo radical como lo que hizo Lou Reed con Metallica?

PM: No he escuchado eso aún (risas). Creo que debo ser cuidadoso, hay que saber escoger bien con quién trabajar, no quiero ser considerado o encasillarme como un artista de colaboraciones.

En el 2005 hice cosas con Trent Reznor (Nine Inch Nails) y me gustaría hacer algo con Sinéad O'Connor, pero por favor, no lo pongas como un hecho real, es sólo un comentario sobre algo que se me ocurrió que podría estar bien… y claro ¡quiero hacer un disco con Metallica! (risas). ¿Crees tener asuntos por resolver con Bauhaus?

PM: Claro, somos amigos y no me gustaría que alguno de nosotros muriera sin resolver alguna cosa pendiente, tenemos un nexo profundo y siempre es bueno estar bien con esas personas que son como tus hermanos de toda la vida. M

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Cuando alguien dice que el tiempo pasado fue mejor, puede pasar por anticuado o de criterio cerrado –sobretodo ante las nuevas propuestas–. Sin embargo, en el mundo del entretenimiento, en especial en el cine, las obras de antaño son visitadas una y otra vez, ya sea porque son parte importante en la formación de los realizadores, o bien porque las grandes empresas están dispuestas a sacarle jugo a los derechos intelectuales que poseen... vaya usted a saber... Retomar o intentar rehacer las obras que son consideradas clásicas –o peor aún, de culto–, es un camino escabroso pero muy transitado en la industria del cine. En ocasiones resultan muestras de admiración u homena jes bastante dignos; pero también pueden ser intentos descarados de hacer dinero que, lejos de acercar al espectador al traba jo de un realizador, hacen que extrañemos las producciones que marcaron un hito dentro del mundo cinematográfico. Pero lejos del dinero fácil, la pérdida de la hegemonía como la industria del entretenimiento más rentable, o la escases de creatividad y de guiones originales; lo cierto es que el mainstream cinematográfico ha tenido un crecimiento importante en la producción de reversiones o remakes. Para anotar lo exagerado del asunto, cabe subrayar que a escasos diez años del remake de Sam Reimi, un nuevo filme de Spider Man verá la luz este año, curiosamente justo a tiempo para la salida de The Avengers. Hagamos pues, un breve repaso por algunas reversiones que pronto serán motivo de una alfombra roja más en Hollywood.

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Nostalgia

A KIR A

L A BEL

LA Y LA BESTIA

Guillermo del Toro ha sido mencionado entre los directores que podrían dirigir otra adaptación de La bella y la bestia, misma que se basará en Beauty: A Retelling of the Story of Beauty & the Beast, la novela de Robin McKinley que a su vez se inspiró en el cuento francés, La Belle et la Bête.

Aunque la realización de este filme aún está en pañales y puede cambiar de un momento a otro; la posibilidad de que sea del Toro el encargado del proyecto lo vuelve muy interesante –incluso se dice que ya tiene el guión, mismo que está trabajando Andrew Davies–. Si se confirma el rumor de que la protagonista será Emma Watson, creo que tenemos en puerta una interesante versión de una película, cuya anterior presentación fue en forma de dibujos animados (y no obstante fue nominada para el Oscar a Mejor Película).

El clásico del manga creado por Katsuhiro Otomo será transformado en formato live-action por Warner Brothers en mancuerna con el director catalán, Jaume Collet-Serra (Unknown, 2011). Como es de esperarse, la historia –ubicada en la postguerra nuclear como artífice del género cyberpunk– se trasladará de la icónica ciudad de Tokio a Neo-Manhattan. Esperamos que este cambio, pese a lo que ya significa, no demerite aún más la historia animada llevada al cine en 1989.

Con un “modesto” presupuesto de 90 millones de dólares y el rol protagónico en manos de Garrett Hedlund (Tron: Legacy, 2010), la primera de dos partes de Akira se estrenará tentativamente en 2013, y sin duda representa para los productores una producción riesgosa, como pasa con las adaptaciones no-gringas de productos que no son muy conocidos para el público masivo. Los entusiastas de Akira cruzaremos los dedos esperando un buen filme… incluso si se convierte en un rotundo fracaso en taquilla, estilo Watchmen.

scarface Aunque la película hecha por Brian De Palma –y escrita por Oliver Stone– es un remake de otra realizada en 1932 basada en Al Capone, se le considera como un clásico del cine moderno, en especial por la gran actuación de Al Pacino y sin dejar de mencionar la banda sonora compuesta por Giorgio Moroder o la belleza de la entonces novata Michelle Pfeiffer –cuya carrera despuntó a partir de su rol como esposa del icónico Tony Montana–.

Esta nueva versión no sería un remake propiamente dicho, sino una variante inspirada en el filme de los ochentas, según ha dejado entrever Universal Pictures y uno de los productores, Martin Bregman, quien también produjo el filme de De Palma. Aunque todavía no se sabe mucho del proyecto, ya comienza a sonar el nombre de David Ayer, guionista de Training Day, para escribir una historia donde veremos el ascenso de un líder criminal por el mundo del hampa. La principal incógnita para este proyecto, por supuesto, radica en quién interpretará al símil de Tony Montana.

WHITE AN SNOWHUNTSMAND THE Los cuentos de hadas comienzan a ser un tema recurrente en el cine actual, donde un giro tenebroso es el recurso para acercar a las nuevas generaciones. En el caso de Blanca Nieves –sin enanos–, la historia parece que tendrá grandes batallas, mucha acción y una historia más “adulta”, claro, considerando que se trata de una de las princesas primigenias de la casa Disney.

En esta nueva adaptación llena de estímulos visuales y una magnífica fotografía, el principal atractivo histriónico recae en Charlize Theron, quien interpretará a la Reina Ravenna; sin embargo, Kristen Stewart, quien interpreta a Blanca Nieves, será la sensación de los adolescentes. Como el cazador estará Chris Hemsworth, mejor conocido por su interpretación de Thor. Con este reparto, una cosa es segura: su problema no estará en la taquilla.

Total Recall Otro éxito del director Paul Verhoeven será lanzado este mismo año. Igual que Robocop, Total Recall –con guión de Phil K. Dick– se volvió de culto con el paso del tiempo y ahora toca a Len Wiseman (Underworld) renovar esta historia marciana.

El primer paso para lograrlo es Collin Farrell como intérprete de Quaid/Hauser, papel que el exgóber californiano interpretó en 1990, en locaciones del Distrito Federal. La belleza de Kate Beckinsale (quien trabajó con Wiseman en la saga de Underworld) y Jessica Biel también ayudarán al filme; pero consideramos que el gran atractivo en cuanto a actuación, recaerá en Bryan Cranston, a quien hemos visto como un gran villano en la serie de TV Breaking Bad.

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OLDBOY

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Spike Lee está confirmado para dirigir la versión gringa de este clásico moderno japonés. El protagonista será Josh Brolin, a quien vimos recientemente en True Grit de los hermanos Cohen. Se rumora que otra adición puede ser Elizabeth Olsen –la hermana menor de las afamadas gemelas–, para interpretar la versión occidental de la dulce Mi-do.

En cuanto al negocio se refiere, las adaptaciones del cine oriental corren mucho riesgo en Hollywood, sobretodo porque las historias como Oldboy, dirigida originalmente por Chan-wook Park, se alejan mucho de los personajes entrañables y –sobre todo– de los finales felices que tanto gustan en el cine de los billetes verdes.

The Great Gatsby Suponemos que una de las grandes apuestas hollywoodenses del año llegará con la adaptación del clásico literario escrito por F. Scott Fitzgerald, mismo que fue llevado a la pantalla de plata en 1974. En esta ocasión el jazz, la tercera dimensión y Leonardo DiCaprio –como Jay Gatsby–, serán los ingredientes clave en esta obra que recreará la escena neoyorquina de principios del siglo XX.

Baz Luhrmann es el director encargado de llevar a buen término esta obra, buscando recuperar la exquisitez que logró en Moulin Rouge… y que perdió en el filme Australia, su trabajo más reciente.

Recordemos que este será el segundo trabajo de Luhrmann y DiCaprio juntos, después de hacer un remake bastante afortunado: Romeo + Juliet.

Se espera mucho de esta mancuerna que en ambientación, fotografía y vestuario, puede dar bastantes sorpresas.

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Nostalgia

A veces, los rumores en Hollywood también son conocidos como meras premisas. Los remakes de la nostalgia aún no se confirman en ningún sentido… aunque suenan fuerte. El primero es un filme inspirado en el show de TV The Twilight Zone, donde podríamos ver a Nolan y DiCaprio trabajando nuevamente juntos después de Inception. Se dice que sería una película en blanco y negro que tal vez intenta emular el reciente éxito de The Artist.

En relación a The Warriors, el director de acción Tony Scott, ha levantado la mano para hacer un remake, declarando que no sería tan fiel a la historia original, pues quiere centrarse en bandas de Los Ángeles adaptadas a los nuevos tiempos. Para Scott, The Warriors ya es un clásico y él usaría la historia base (ir de un punto a otro de la ciudad con un montón de enemigos, para acechar a una entrañable banda de delincuentes), pero buscando una historia diferente ¿El problema? El proyecto aún carece de pies y cabeza, sólo basta esperar… y rezar.

ROBOCOP En 2010, este remake pensado para Darren Aronofsky fue cancelado tras la crisis económica que afectó a MGM. Sin embargo, una vez que solventaron sus problemas económicos (haciendo alianza con Sony Pictures), el proyecto fue reactivado y el brasileño Jose Padilha, director de la saga Tropa de élite, será el encargado de rehacer el filme dirigido en 1987 por Paul Verhoeven.

En una entrevista en torno a Robocop, Padilha comentó que el nuevo proyecto estará enfocado en ver cómo se transforma un hombre en máquina, es decir: ¿cómo le quitas la humanidad a una persona, cómo le reprogramas el cerebro y aún así, lo consideras un individuo más? Este enfoque, sin duda traerá más intelectualidad a un personaje cuya historia original ya se considera de culto.

LA MAGIA DEL CINE La pasada entrega del Oscar dejó claro que el público y la crítica sucumbieron a la nostalgia.

Películas como Hugo y The Artist acapararon la atención del mundo, lo cual recordó qué diablos encierra la frase "la magia del cine". Tal vez, el exceso del remake busque recuperar a ese público que tanto se ha decepcionado con el cine moderno y efectista; pero no podemos decir que este inspirador objetivo, sea el único en una industria que está en crisis financiera y que busca, de alguna forma, volver a los primeros planos. Quienes gustamos del cine –y de los covers, claro está–, tendremos en estos remakes un pretexto más para ir a la salas y buscar guiños de nuestra juventud: puede ser tan buena como la original o terminar hecha trizas. Pero no importa. Al final, esperemos salir ganando como nostálgicos espectadores. M

AGUARRACES PORTEÑAS T X T : : R A FA E L T O R I Z .

Antropólogo y vagamundo. Bebe para escribir. Escribe para olvidar.

O Í O R A I L L A DE L R L A Esplendorosas y miserables, rudimentarias o maravillosas, las ciudades verdaderas son un imán de las pasiones. Pesadas como la culpa o ligerísimas como las nubes, todas las ciudades encierran un misterio. Quebrantar sus fortalezas o abandonarse a sus embrujos son las únicas posibilidades para palparlo y, con un poco de suerte, hacerlo nuestro.

Describir las ciudades es descubrir el cuerpo propio. Caminar sus calles es poseer pasos perdidos y olvidados; de allí que viajar implique obedecer las intuiciones. A veces sólo es necesario agarrar el mapa, coger un vuelo –¡los barcos de la Magenta Star son tan vintage!– y mandar todo al carajo: lo más bello de recorrer el mundo es dejar partes esenciales de uno mismo en el camino, para llegar ligero de culpas, pertenencias y mujeres al nuevo puerto.

El tiempo, es bien sabido, envejece de prisa (sobre todo ahora, en que las cosas caducan antes de haber salido a la venta, aferradas a la eternidad de un tuit). 100 es un número que se dice fácil, brilla con su redondez casi mística y se instala en la retina, plenipotenciario, con ese aire de territorio conquistado, sabiendo que ya no es necesario demostrarle nada a nadie (como si hiciera falta). Marvin llega, en medio de un mundo que se cae a pedazos y con un campo editorial que sólo admite kamikazes y aferrados, en perfecto estado y con ganas de seguir al frente en el campo batalla. Como en los fandangos jarochos o los after chilangos, el evangelio consiste en seguir azuzando el desmadre.

Según recuerdo, con apenas dos o tres intermitencias, hemos estado en estas páginas casi cuarenta números. Haciendo ensayos, malabares y todo tipo de encantamientos. Mucho lo hemos disfrutado, con el mejor talante y renovado epicureísmo, pero los ciclos se cierran, la escuela se termina y la realidad se transforma: después de todo uno camina, melancólico y alegre, en sinuosa línea hacia la muerte. A partir de ahora, a tono con las temporalidades que corren –inasibles y proteicas como lo ancho del río– esbozaremos crónicas de circunstancias, hallazgos, carnavales, excesos y fastidios: la ciudad de Buenos Aires, concebida como texto y escenario, será el territorio para ensayar la vida. Un plural conjugado en primera persona.

Roberto Artl, uno de los escritores más potentes y verdaderos de este lado del Río de la Plata, escribió en su tiempo unas “Aguafuertes porteñas” que se leen con gran placer y de paso dibujan un contorno muy singular de los habitantes de esta urbe cosmopolita –no por lo que tiene de europeo y norteamericano en barrios como Palermo, Recoleta y Puerto Madero, que todavía recuerdan a París, Barcelona y Nueva York, sino por la migración de un lugar como Once y el Abasto, donde se ven paraguayos, bolivianos (dedicados a la venta de verdura), rusos, peruanos (presentes con su exquisita cocina y los giros negros) ucranianos, chinos –mafiosos, esclavizando a sus paisanos recién llegados con los mini súperes– coreanos, armenios, incontables colombianos en el área de servicios, toda suerte de judíos y cada vez más negros, principalmente senegaleses, pero también de Nigeria, Camerún, Liberia y Sierra Leona, abocados a la venta de bisutería. Buenos Aires es un gran laboratorio en el que todo sucede ante los ojos como por vez primera, arrasando en su tráfago volátil símbolos, mercancías, furores y espasmos para pergeñar instantes, recuerdos algunos textos. Esta ciudad tiene swing y está cantando en este momento.

Con esta entrega, piedra de toque de aventuras por venir, haremos de los itinerarios sensibles de un vagabundo profesional –a salto de mata entre el inmigrante y el turista– un territorio para compartir el incidente: ensayaremos caminando, platicaremos describiendo.

Aguarraces porteñas: donde el autor se diluye con el actor; no como dramaturgo, sino personaje de sí mismo.

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LITERATURA

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Nostalgia

E n t r e v i s ta c o n

GilLeS LIpovetsKy U n

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p r e s e n t i s m o

T X T : : Fa b r i z i o M e j í a M ad r i d .

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stoy harto de la realidad. Me gustaría que un día de estos alguien saliera con una idea del futuro, de cómo seremos en cincuenta años, de cómo seríamos felices, cómo se resolverían todas las injusticias. Pero no. Voy en un taxi que oye las noticias. Acribillados, los jueces, la crisis de Europa, Obama. Y el taxista no tiene cambio.

Nadie lo tiene. Le regalo veinte pesos. Voy a ver a Gilles Lipovetsky y no espero que él tenga una idea sobre el futuro. De hecho, desde su primer libro, La era del vacío (1983) ha cometido la audacia de no tener una teoría: dice que “los fundamentalismos” sólo engendran desastre, como cuando Hitler y Stalin. Lipovetsky nació en 1944, un año antes de que terminara la guerra. Paul Virilio, el pensador de la velocidad, le lleva más de diez años y no puede salir de su casa: le da miedo el auto, los aviones, la tecnología.

Pero yo nací en 1968 y llego hasta la mesita del Teatro de las Artes, jalo una silla y le enseño mi grabadora con un caset adentro.

—Éste es uno de los objetos que han desaparecido en tus libros —le digo, al teórico del hiper-capitalismo, ese concepto que define todo aquello que vino después de la tele.

—Lo que no desaparece es la marca —contesta Gilles, señalando el nombre Sony.

Se trata de un francés amable, correcto, con su saco de cuadritos, el escaso cabello cano, la ropa negra y los ojos azules e irritados. Lipovetsky ha dicho que ahora todos somos narcisos, que queremos consumir cosas a toda hora, que vivimos en el exceso de las ofertas, y que, en general, somos más libres. Me molestan los optimistas y le pregunto, de entrada, sobre la felicidad. Él está de acuerdo en que, a pesar de que hoy consumimos el doble de electricidad y hay el doble de bienes en las casas, no somos el doble de felices.

—La felicidad es contingente. No es colectiva. Es individual y depende de las situaciones más complejas. Alguien es feliz con poco y otro, que lo tiene todo, es infeliz.

No, no cree en las alegrías colectivas. Yo sí, porque nunca las he visto. Mi pregunta es sobre el futuro.

—A la narrativa del futuro le ha sucedido lo que a las novelas: se ha hecho mucho más corta.

Y, en efecto, de las 200 páginas de su último libro, sólo escribió 90. El economista Hervé Juvin hizo el resto. En él habla, entre otras cosas, de cómo la industria editorial es un símil de la moda y del star system: mientras hoy se editan más libros que en cualquier era, los que se venden siguen siendo menos de diez títulos. Una paradoja: a más variedad para la elección, menor la selección. Se mira lo espectacular, lo demás, se deja en las gavetas, en las salas de cine, en las estaciones que casi nadie sintoniza. Lo que no entra en el circuito mediático-electrónico-digital, no existe. Y ese es mi punto sobre el futuro: a lo mejor lo bueno del mundo es lo que no está en el rating. Lo piensa unos segundos, se rasca la barbilla y vuelve de la experiencia con una sonrisa: —No. Lipovetsky es un optimista del pesimismo: lo real está bien. No hay de otra: hiper-consumo, aceleración, percepción planetaria, un placer sustituye al anterior y se anticipa al siguiente.

—Vivimos un presente de anticipación —le digo, un poco exasperado—. ¿Es ese nuestro futuro?

—Acaso, hasta ahora, en este presente —responde y le da un sorbo a su Coca Cola.

No tenemos de otra: este es el que nos tocó, sin alternativas, sin crítica, sin desesperación. Y, mientras cruzo el puente sobre Tlalpan, veo los autos a toda velocidad embotellarse en el siguiente semáforo.

Todo es una locura. Y yo, la verdad, me quiero bajar. M

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LITERATURA

RI a AC

DO La NoStAlgI n A i c a

Co

n

CRiSTINA rIVERa GArZa Con la novela Nadie me verá llorar, Cristina Rivera Garza obtuvo el reconocimiento de los lectores y de la crítica. Nacida en “Mi Matamoros querido”, Tamaulipas en 1964, es una de las voces más destacadas del panorama literario del México actual. Su escritura está orientada a la experimentación, de ahí la variedad de temas y géneros que aborda, como es evidente en libros como El disco de Newton, diez ensayos sobre el color y Dolerse: Textos desde un país herido.

Actualmente, Cristina publica La mano oblicua, una columna semanal que aparece los martes en Milenio Diario.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

¿Sientes nostalgia por Matamoros?

Cristina Rivera Garza: Sólo cuando pongo en la rocola aquella famosa canción de Rigo Tovar, ¡cómo no sentirla! ¿Dónde está quedando la identidad norteña?

CR: En todos lados, aunque más en forma de identificación (deseo por lo otro) que de identidad (confirmación de lo mismo). Lo que inició como una plática sesuda de sobremesa, en las que la familia ponía en claro por qué no éramos como los otros, se ha convertido con el tiempo en una identificación asumida. Tengo una serie de acentos extraños, pero ciertas cosas permanecen como ciertas: la franqueza, por ejemplo. Una idea más bien flexible de diferencias de clase y género. Cosas así. ¿Cuánta nostalgia habita en tus libros?

CR: La escritura es nostalgia de muchas maneras. Nostalgia vuelta forma. La escritura es el no estar del ser (alguna vez dije eso).

Cuando uno escribe ya todo pasó.

Escribir es la huella y la ruina.

También el anzuelo.

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¿De qué trata el cuento Nostalgia que publicaste en la antología Best of Contemporary Mexican Fiction?

CR: Supongo que eso puede responderlo mejor un lector. Pero la lectora que también soy dice que hay ahí una idea de la nostalgia como productora de realidades, que no son ni oníricas propiamente, ni reales en sentido estricto. Una tercera vía, sin duda, que tiene el poder de afectarnos tanto como las dos anteriores. El limbo. Un umbral.

Lo que en otras partes se conoce como el ni fú ni fá.

En la novela Verde Shangai aparece un café de chinos; un establecimiento casi de otra era. ¿Hay alguno que frecuentes?

CR: Había uno, en la ciudad de México, que no se llamaba Verde Shanghai y que era atendido, de hecho, por coreanos. Ahora, a la vuelta de mi casa en San Diego, hay uno vietnamita/tailandés, pero nunca tomo café ahí. ¿Sabes a cuánto venden el kilo de nostalgia priísta?

CR: Caro, muy caro. Juzgando por el daño al país, el precio ha sido siempre muy alto.

Si la vida es un círculo sin fin ¿crees que alguna vez se sienta nostalgia por el México que actualmente vivimos?

CR: Pero el México que actualmente vivimos son muchos y cambian a cada momento, ¿no es cierto? La violencia desmedida es tal vez el registro más amplio. Pero dentro, en las cámaras diminutas de la vida cotidiana, la experiencia humana se contrae o crece de maneras peculiares. Hay nostalgia porque hay memoria: entre las dos está la huella.

vacaciones, es decir, los viajes.

Largos trechos de carretera a través de las ventanillas del auto.

Esa larga película.

¿Crees que con las redes sociales se transforme la idea de nostalgia?

CR: La promesa de las redes sociales es una promesa de presente. El in situ y el tiempo real (como le llaman) funcionan en sentido opuesto a la mirada de la nostalgia. Estamos más en Pompeya, interrumpida en la gloria de un instante, que en los laberintos romanos por donde se desplaza el tiempo. Producir el presente nunca ha sido fácil.

¿Sensitiva?

CR: La lengua sobre las paredes de adobe.

¿Qué recuerdas reiteradamente de tu infancia?

CR: Recuerdo sobre todo las

¿La nostalgia en 140 caracteres o menos?

CR: Nunca lo lejos arremetió tan cerca. César Vallejo dixit. ¿Musical?

CR: "El huerto" de Roberto González y Jaime López grabada para Sesiones con Emilia: . ¡vaya canción!

¿Visual?

CR: La luz de las 6:00 pm. ¿Olfativa?

CR: El olor a gasolina. ¿La nostalgia en sí misma?

CR: El ritmo de los tacones cuando se alejan (la calle está vacía). M

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Nostalgia

mIs

iNte r P

D Eduardo Recife "He dibujado desde pequeño.

En la escuela solía llenar mis cuadernos de dibujos en lugar de texto, solía hacer tatuajes a mis compañeros con una pluma negra.

Dibujaba siempre y en cualquier lugar…

Creo que es lo que hago mejor, es mi manera de comunicar las cosas que no puedo poner el palabras.

Es una terapia, es un hobbie, es un trabajo. Es lo que me hace feliz". www.misprintedtype.com www.eduardorecife.com

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Nostalgia

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JOAn U c B t erTa N o f Ante

l a f u r i a de l a s i m á g e ne s T X T: : J ua n C a r lo s H i da lg o.

H

ace unas semanas Joan estuvo en México para especular acerca de La furia de las imágenes, y Marvin

“la fotografía no es un procedimiento técnico de captación de imágenes, sino una cultura de la visión, una filosofía del ver”.

pudio conversar con este artista, para el cual

El comienzo de su vida está marcado por una fotografía en específico, como si fuese una relación pre-natal.

Joan Foncuberta: Se trata de la foto que mi padre le envío a mi madre para iniciar su relación amorosa.

Efectivamente, es una imagen que he presentado como el origen, como la raíz de mi propia existencia. ¿Alguna de sus primeras fotos le señalaron que iba a dedicarse a la fotografía?

JF: Mis primeras fotografías fueron de recuerdos de la familia. Creo que una Navidad recibí una cámara fotográfica como regalo, y la comencé a utilizar en situaciones familiares. Pero esas fotos no fueron las que me marcaron: de joven me gustaba la historieta gráfica —los cómics—; había uno sobre la Segunda Guerra Mundial que se llamaba Hazañas bélicas. Me preocupaba que las historias no fuesen fidedignas, así que verificaba los datos que aparecían en ellas.

Empecé a bucear en mercados de pulgas, rodeado de revistas ilustradas antiguas, hasta que empecé a coleccionar fotografías y a recortar rostros Además de cambiar nuestra percepción del arte, la revolución digital de generales o fichas de aviones con las transformó el paradigma social por completo. En su momento, varios supieron que confeccionaba álbumes. Ese fue el anticiparlo, entre ellos el artista catalán Joan Fontcuberta (1955), quien inicio de una carrera dedicada a cuestionar la capacidad documental y de certificación alimentó el debate sobre la relación entre la fotografía, la verdad y la realidad. que tiene la fotografía.

Con su obra, Joan muestra “hechos” que no existen formalmente, pero que

se revelan a través de alguna foto (como los misiles iraquíes, por ejemplo).

Fontcuberta ha incursionado también en el ensayo a través de libros como La caja de Pandora y El beso de Judas (Premio Nacional de Ensayo 2011, en España) y ha realizado series donde construye una aparente verdad con la ficción artística (fósiles, astronautas rusos, sirenas). Además, traba jó con un software para clasificar imágenes y así poder crear Googlegramas: paisa jes y persona jes imaginarios conformados de múltiples fragmentos.

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Nostalgia

¿Cuál es el reto que le depara a la fotografía?

JF: Hoy asistimos al fenómeno inédito de la sobresaturación icónica. Dedicamos tanto tiempo a hacer imágenes, que luego no tenemos tiempo de mirarlas, lo cual es una paradoja; sin embargo, esas

imágenes han terminado por convertirse en nuestra interfaz con el mundo. Ahora conocemos y reaccionamos ante el mundo a través de imágenes, pues han pasado a ocupar un papel principal en todos los ámbitos de la vida.

Esa situación obliga a un cambio de reglas, sucede algo parecido a lo que ha sucedido en la física: las leyes newtonianas nos explican los fenómenos, pero necesitamos cambiarlas cuando pasamos a dimensiones astronómicas o infinitesimales; así surge la física cuántica. Hoy estamos inventando nuevas maneras de adaptarnos a las imágenes, cuya mayor característica es su inusitada proliferación, su masificación. ¿Qué experiencias le ha dejado su actividad docente y la relación con los jóvenes?

JF: He pasado por el arte conceptual, el postestructuralismo, el minimalismo, los movimientos contraculturales del 68, etcétera. Ellos serían mi referencia, el marco en el que comencé a dar pasos en el terreno artístico. La enseñanza es un

pretexto; siempre he dicho que enseño para aprender. Confrontarme con jóvenes es poner a prueba mis ideas y absorber sus sensibilidades para enriquecerme; es una manera de estar conectado con lo que está pasando, de no fosilizarme en mi época y mis valores, sino palpar toda una serie de nuevas formas de ver el mundo. ¿Cómo es su relación con la academia?

JF: Me considero básicamente un creador y todas mis actividades –la fotografía, el ensayo, el comisariado de exposiciones, entre otras–, son elementos satélites, colaterales a mi propia actividad, pero que la enriquecen y la complementan.

En sentido abstracto, la academia es una referencia a un canon caduco. Justamente mi trabajo es antiacadémico puesto que es antiautoritario. A mí me sirve la academia porque me permite situar mi diana y preguntarme: ¿Qué intento atacar?, ¿qué intento contrarrestar con mi trabajo? ¿Qué le genera nostalgia en este momento?

JF: Siempre hay una sensación de pérdida cuando algo que has dado por supuesto, desaparece de repente.

Cuando era niño, mis padres me llevaban a un restaurante chino en Barcelona, aquello era una novedad, un exotismo, un regalo. Su desaparición supuso para mí una sensación de pérdida.

La experiencia te hace atravesar una serie de situaciones análogas, ya no de restaurantes sino de un autor que desaparece. Uno de mis autores preferidos es Manuel Vázquez Montalbán, a quien conocí personalmente. Su desaparición fue una extraordinaria pérdida porque me quedé sin uno de mis faros. Creo que vivir implica transitar por esas situaciones de nostalgia. M

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CÓMIC

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F O T : : D A N I E L PAT L Ă N .

A d o M

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CaLleJE RA

En auStIn, tx

FeStivaL sXSW

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THE

STONE ROSES LA RESURRECCIÓN

LOS DEALERS DEL MADCHESTER REGRESAN AL BARRIO

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Nostalgia

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"Nos solían llamar arrogantes, pero esa arrogancia era 100% auténtica, estábamos convencidos de lo que haríamos y de lo que podríamos conseguir con ella" - Mani

Un puñado de adolescentes flacos como cañas se parten la boca por primera vez sobre el escenario. Más allá de su arrogante flema inglesa, hay algo en las canciones de esos tipos que cautiva a Pete Townshend, quien se unió a los recién nacidos para ejecutar “Substitute” entre cervezas. The Stone Roses se llamaba aquel grupo emergente. Ian Brown, el cantante, dió esa noche el primer paso de una carrera que lo llevaría a raspar las nubes con su cabellera.

C

T X T : : A l e ja n d r o G o n z á l e z C a s t i l l o .

inco años después de aquel primer encuentro sobre las tablas, Brown, el guitarrista John Squire, el bajista Gary “Mani” Mounfield y el baterista Alan “Reni” Wren, grabaron un álbum que la prensa elevó a la altura de joyas tan brillantes como Revolver (The Beatles) y The Dark Side of the Moon (Pink Floyd); un plato de título homónimo que invitó a muchos ingleses a quitarle la corona de espinas a The Smiths, para así erigir a un nuevo rey en Manchester, a un líder-dealer poseedor de pastillas amatorias, capaces de acelerar el trote de los corazones marchitos.

Pero, ¿era para tanto? Es decir, ¿aquel disco debut de Brown y sus compinches es de verdad algo excepcional? The Stone Roses sobrevino tras el amasiato entre John Leckie y los músicos, quienes lograron una camada de temas donde la pista de baile le tiende la mano a los parámetros clásicos del pop. Aquel vinil significó un cambio de estafeta generacional de lo más desfachatada, porque el rey, efectivamente, cedió su trono a alguien más joven, además de que desde entonces, Manchester se transformó en Madchester. ¿Que sólo se trata de un cambio de letra? Bien, hagamos rewind a la cinta: un movimiento de este calibre no ocurría desde que los Sex Pistols le pusieron los pelos de punkta al Reino Unido y, seamos sinceros, “I Wanna Be Adored” está bastante lejos de “Anarchy in the UK”. Brown, Squire, Mani y Reni impusieron no sólo un ritmo, sino una droga (el éxtasis) y una facha (¿alguien recuerda el término baggy?) que detonó una movida donde algunos más –desde The Soup Dragons y Jesus Jones hasta EMF, pasando por Blur, Oasis y The Verve– encontraron una forma de hacerle frente a la densa niebla que llevaba tiempo colapsando sus pulmones.

Los fundamentalistas ofrecerán reproches justo ahora, cuando se apunte que Second Coming (1994), el segundo disco de los ingleses, no alcanzó los estándares impuestos por el paso previo. Pero el mismo Brown admite tal

“Cuando miro hacia atrás, creo que nos perdimos.

Porque muchas bandas tienen el rock, pero les hace falta el roll, y lo que

inferioridad:

separaba a los Stone Roses del resto en el 89, era justo eso. Cuando le doy un vistazo a Second Coming, descubro que sólo hay un par de temas con groove, que el resto es sólo rock carente de frescura. El primer disco es enorme debido a que todo él es luminoso”.

La calidad lumínica a la que se refiere el cantante se desvaneció totalmente en algún punto, cuando la trayectoria de esas piedras rosadas terminaron por separar los caminos de cada una de ellas. ¿Demasiadas drogas, egos y tapetes rojizos cuando lo correcto era concentrarse en el estudio de grabación, para crear el sucesor del disco más importante en la historia más reciente del pop? No hay certezas al respecto. Lo único palpable es que tras el desmembramiento del cuarteto en 1996, Ian ha formado una atractiva hilera de álbumes solistas (y atención a sus encuentros con UNKLE y Babasónicos).

A últimas fechas, cuando el regreso de Pulp tenía a los de gafas de pasta con la mandíbula floja, The Stone Roses anunció que nuevamente colocaría su nombre en las marquesinas. Ciertamente, el ritmo de los días ha cambiado; actualmente, ponerse un sombrero como el que Reni solía usar resultaría de lo más ridículo, por otro lado, la fiebre brit-pop chocó contra su vacuna hace tiempo, y un espécimen denominado indie nació y murió sin reproducirse. Sin embargo ahora están de vuelta, reunidos alrededor del tocadiscos escuchando aquellas viejas canciones; hablamos de los contemporáneos de Ian Brown, aquellos que acumulan arrugas y cabellos blancos desde que “Fools Gold” los hizo sacudir los huesos.

Para ellos –y los interesados que vayan sumándose al clan de los Roses– hay buenas noticias: aquellas píldoras que consiguen que el amor se desparrame ya se adquieren con simpleza en diversas esquinas, así que todos podemos colocar una sobre nuestras lenguas. ¿Listos?

Bien, después de disolverla con saliva, comprendámoslo: The Stone Roses incitan una especie de estado mental.

Así que bailemos y riamos.

Entremos en estado de éxtasis con “She Bangs The Drums” como pretexto, que el barrio, otra vez, está de fiesta.

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EL CINE DE

CULTO EN LOS TIEMPOS DE INTERNET

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T X T : : J o r g e A . G r a ja l e s / j o r g r a j a @ h o t m a i l . c o m

S

Entre las acepciones que ofrece el diccionario de la academia española con respecto a la palabra “culto”, encontramos: “Admiración afectuosa de que son objeto algunas cosas”.

Danny Peary, quien acuñó el término de cine de culto, lo definía como “aquellas películas especiales para gente especial”, nacidas en controversia y debatibles por sus méritos de calidad. En su mayoría, son películas desdeñadas en su momento, pero que fueron redescubiertas y revaloradas tiempo después por grupos de personas muy específicos y definidos. El cine de culto no es para nada un género, sino una denominación adjetivizante en la que coexiste tanto el underground norteamericano, el horror japonés, las artes marciales de Hong Kong, el cine de luchadores de México, las películas de bollywood o los spaghetti westerns italianos, por señalar tan sólo algunos. El cine de culto tiene preferencia a lo extraño, a lo difícil de ver, los petits object autres.

i bien el fenómeno del cine de culto surge como tal con la aparición de las funciones de medianoche y su sentido de la comunidad –El Show de Terror de Rocky es la quintaescencia de ello–, realmente su despegue fue con la llegada del video. Fue ahí que los cinéfilos aventureros se enfrascaron en la búsqueda de lo que ya fílmicamente se consideraba digno de culto (elementos de transgresión, abyección, “chafez”) convirtiéndose para ello en una suerte de pepenadores del cine que encontraban alguna joya dentro de tanta basura.

Lo cierto es que un elemento clave que definió a la película de culto en la era del video, más allá del contenido subversivo y/o chocante, fue su disponibilidad, que obviamente estaba intrínsecamente ligada al contenido. Una película con mayores dosis de formas extremas de sexo y violencia era casi por regla general más difícil de encontrar. Se convertía pues, en objeto de culto.

Pero algo ha pasado durante los últimos diez años que nuevamente ha venido a modificar la naturaleza del cine de culto. Si bien el video permitió la posesión del objeto fílmico en cuestión (la mayoría de las veces trastocado en su presentación original de composición), el DVD lo vino a rebasar con características especiales que parecían haber sido diseñadas pensando en el fan del cine de culto. Pero ello palidecería con el vertiginoso avance de la Internet y el aporte que traería: “la accesibilidad”.

Para muchos, hoy resulta imposible imaginar lo difícil que era conseguir cine de culto hace diez años: sin YouTube, sin descargas directas tipo Megaupload, sin Torrent, sin Netflix. A lo mucho había el eDonkey, que para conseguir “lo raro” exigía tener el computador prendido por semanas para poder descargar la ansiada película codificada en formato DivX. Otros se arriesgaban a pedir cosas del naciente servicio ofrecido por Amazon y de las tiendas en línea que surgieron con base en su modelo. Para los que carecían de tarjeta de crédito, la opción todavía

era buscar la película rara –ya fuera DVD o VHS– en bodegas de películas o en los Blockbusters, que para entonces ya habían eclipsado a los demás videoclubes.

También había lugares alternos como el Tianguis del Chopo, que manejaba ya copias en VHS directas de DVDs de títulos de culto. Estaban también los otros mercados informales que se surtían en Tepito, consolidado desde hace mucho como la meca de la piratería, en donde se manejaba el estándar de Hong Kong: el VCD. Más raro era cazar la película de culto en alguna muestra de cine o festival.

Nada de eso pervive actualmente. Ahora el cine de culto está a un click de distancia, dando por hecho su inmediatez. En esta era de Internet ninguna película es rara ya: tarde que temprano encontrará su camino hacia la carretera de la información. Así, en estos últimos diez años, una parte integral de la esencia del cine de culto ha desparecido, siendo recuperado ideológicamente y reproducido comercialmente para alimentar a la cultura de medios personalizada. Ahora, el cine de culto es otra marca, otro nicho de mercado, otro consumible. Ciertas películas se publicitan hoy en su estreno como de culto instantáneo, y hay realizadores que se proponen a hacer “cine de culto” desde el inicio. Podríamos decir entonces, en aras de esta cínica época del postmodernismo en la que nos encontramos, que vivimos en una etapa del post-culto, en donde hipsters ven de manera irónica al llamado cine de culto, mientras escuchan a su banda favorita de post-rock.

Esto no necesariamente implica la muerte del cine de culto per se, sino que el concepto está sufriendo una transformación de la misma manera que ocurrió cuando apareció el formato del video. Dentro de este nuevo panorama, el entender lo que estamos viendo y cómo lo estamos viendo, se convierte en algo necesario. De otra manera, el cine de culto dejaría de existir como tal para entonces ser visto de manera inconexa, fragmentada, alejada de toda narrativa, como en gran cantidad de clips de YouTube. Pero no importa, ya que a fin de cuentas, más allá del cine de culto siempre nos quedará la nostalgia… M

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STUCKISM EL ARTE DE ESTANCARSE

¿Qué pasaría si los animales en formol, las latas de sopa o los orinales dejaran de considerarse arte? ¿El mundo sería muy aburrido? O, al contrario, ¿alcanzaríamos un nivel aún más sublime que el de los maestros italianos en las artes tradicionales, como la pintura o la escultura? ¿Estaríamos más cerca de descubrir nuestra esencia y la del arte? Los stuckistas y sus 226 “sucursales” a través del mundo están tratando de responder esas preguntas.

T X T : : r e g i na z a m o r a n o .

Estancados, ¡y qué!

El movimiento stuckista surgió en 1999. Sí, leyeron bien, un movimiento artístico con todo y su “ismo”, su manifiesto y sus líderes, al más puro estilo de principios del siglo XX. Estos 13 pintores británicos intentaron revivir aquellos buenos tiempos en los que uno podía organizar tertulias en los cafés y los bares, lanzar ideas radicales como migajas a las palomas y sentir que uno se oponía al status quo tan sólo haciendo eso.

La instigadora de la idea fue (sin quererlo) Tracey Emin, una de las principales representantes de la generación de artistas contemporáneos de Inglaterra (llamados Young British Artists, YBA), que aún forman la crema y nata del mercado del arte a nivel internacional. En ese entonces, Tracey usaba mucho spray para pelo y era novia del pintor Billy Childish, un hombre cuyo parecido con Van Gogh nos puede hacer creer en la reencarnación (o bueno, quizá sólo sea su fan from hell).

Una noche, él se negó a acompañarla a una exposición con lo último de la moda en arte; ella, enfurecida, le gritó que claro que no quería ir porque estaba: “¡Estancado! ¡Estancado! ¡Estancado!”, en inglés, “Stuck”. Cuando Billy le contó de la histeria de su novia a su amigo Charles Thomson, éste le propuso que fundaran un grupo que se opusiera a toda la parafernalia del mercado del arte contemporáneo y se autonombraron The Stuckists.

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Nostalgia

Contra los rebeldes sin causa En su manifiesto, escrito en 1999, entre otras cosas declaran: “Los artistas que no pintan no son artistas” y “El arte que necesita estar en una galería para ser arte, no es arte”. Bastante extremos, ¿no?

Estos pintores antimodernos y anti-antiarte se deleitan reflexionando sobre las incongruencias de sus contemporáneos: los YBA. Cada año, los Young British Artists y los aspirantes a serlo mueren por ganar el premio Turner, otorgado por la Tate Gallery. Dicen que en sus obras critican el sistema capitalista, consumista y basado hasta la náusea en la fama, pero ellos mismos —llámense Tracey Emin, Damien Hirst, los hermanos Chapman, etc.— están metidos hasta el cuello en el sistema de consumo y poder.

Los stuckistas también denuncian que los artistas contemporáneos proclaman que siguen la línea ideológica de Marcel Duchamp, quien se rebeló contra la falsedad y el vacío del arte de su tiempo al exponer un orinal en un museo, pero los YBA no se dan cuenta de que precisamente ellos representan el arte de su época, y por ende conforman el mainstream contra el cual supuestamente se rebelan.

Además, ¿los YBA no se encuentran estancados también si siguen reproduciendo el mismo tipo de obras que Duchamp y los dadas hacían a principios del siglo XX?

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Nostálgicos sin hue… pantalones Cuando el poeta Arthur Rimbaud, rebelde entre los rebeldes, decía en 1873 que había que ser “absolutamente moderno”, se refería a que los artistas siempre deben estar a la vanguardia, pues ésta representa la ruptura con el viejo orden, sin importar la época. Sin embargo, por su caducidad, lo moderno es relativo. Todas las corrientes fueron modernas y todas han caducado o caducarán, convirtiéndose poco a poco en lo clásico, dicen los filósofos.

En nuestra época postmoderna, en la que todas las barreras y todos los órdenes han sido destruidos, no queda nada por transgredir (o así parece): los hombres y los artistas se sienten libres de ser y hacer lo que deseen, aunque, tristemente, sería más preciso decir que “libertad” se ha convertido en sinónimo de “comprar”.

Al postular un retorno de los valores otorgados al arte en el pasado, es decir, verlo como un medio para desarrollar la espiritualidad, acercarse a lo divino, favorecer la comunicación entre seres humanos y de paso aferrarse a las imágenes figurativas (¿hay algo más clásico que eso?), los stuckistas rechazan ser la “vanguardia” (los YBA), pero su falla es que no asumen su postura del todo, pues niegan rotundamente que quieran revivir el pasado o que estén efectivamente estancados.

Para ellos, su nombre es una ironía, para nosotros, se siente peligrosamente literal, sobre todo cuando vemos las pinturas de Terry Marks (muy parecidas a las de Remedios Varo), la obra de Ella Guru, quien pintó la última cena reemplazando a los apóstoles y a Jesús por los miembros del Stuckismo e, incluso, la de Charles Thomson, uno de los fundadores del grupo, cuyos cuadros recuerdan muchísimo al pop art.

Claro, les agregan detalles modernos: computadoras, cables, personajes actuales; pero aún así, es inevitable verlas como “copias” de estilos pasados y, a veces, burdas críticas que más se asemejan a panfletos que a obras de arte, como la famosa “Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision”, de Thomson, que representa al director de la Tate Gallery dudando ante la autenticidad de un par de calzones de Tracey Emin.

Un mundo de estancados El movimiento ha ganado adeptos en todo el mundo y en su página presumen tener 226 grupos en 52 países, y ya han aceptado otras disciplinas en sus filas, como la fotografía, la escultura o el cine. En España se llaman los Hartistas, y algunos mexicanos se han adherido a esta sección, entre ellos la crítica de arte Avelina Lésper. Además, los stuckistas han formado parte de varias exposiciones importantes, como su participación en la Bienal de Liverpool en 2004.

Aunque algunas premisas del Stuckism suenan interesantes y da gusto ver cómo han desenmascarado al mercado del arte (tampoco son los únicos), una postura que rechaza toda experimentación parece escalofriante y francamente anacrónica en este siglo XXI. ¿Sería posible una historia del arte donde no existieran las instalaciones, los performances, el body art o el arte digital?

Es innegable que en ocasiones el arte actual resulta incomprensible o demasiado conceptual, pero la solución que proponen los stuckistas suena a dictadura artística, a un estanque de tiempo donde no se puede ni retroceder ni avanzar, tan sólo, quizá, hundirse. M El doble de Van Gogh Billy Childish abandonó el movimiento stuckista en 2001.

Este hombre de bigotes poblados, pelirrojo (creo que se pinta el pelo de vez en cuando), músico, poeta, escritor, cineasta y pintor, viste al estilo del siglo XIX. El artista inglés se ufana de haber vivido y creado siempre al margen de las tendencias. Parece un viajero en el tiempo que escribie poesía, toca garage y manipula el pincel al estilo atormentado.

Su parecido con el pintor holandés es perturbador, y él mismo dice que el mártir creador fue quien lo inspiró a convertirse en artista cuando era niño. En 2004, presentó una exposición donde le hizo un homenaje, retomando algunas de sus pinturas, pero agregando detalles contemporáneos, como un revólver junto a los clásicos girasoles.

La verdad muchas de sus obras –que pueden verse en su página web (billychildish.com)– incluso las recientes, retoman la misma estética, sean o no un homenaje. Y yo que pensaba que Van Gogh ya era asunto de grupos de pop, postales y portavasos…

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Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

Periodista de rock y escritor de ficción.

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

T X T : : A . A . G ore .

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NOSTALGIA DE LA lgi a n t i nosta

Nostalgia se llamaba un antiguo programa de televisión que se trasmitía por Canal 13, cuando éste era parte de Imevisión y aún le pertenecía al gobierno. Lo conducía Jorge Saldaña, dentro de ese bloque de emisiones culturales hechas con mínima producción y enorme creatividad e inteligencia que recibía el nombre de Sábados con Saldaña. Eran los años setenta y ochenta, tiempos en los cuales en México dominaba el PRI, ese ogro filantrópico (Octavio Paz dixit) que hoy se dispone a retomar el poder y por el que muchos nostálgicos suspiran con una fruición digna de mejores causas (aunque no sepamos cuáles sean éstas). En Nostalgia, Saldaña (quien continúa en la brega a sus más de 80 años y hasta tuitea con un entusiasmo un tanto trasnochado) presentaba a viejos cantantes de boleros y música “romántica”. El programa sigue causando añoranza entre los viejos televidentes. La nostalgia sirve. La nostalgia da seguridad. Nos consuela ante lo que no comprendemos del presente y lo que tememos del futuro. La gente de la generación que me precede (la de quienes en los sesenta andaban en sus veinte y hoy son ya sexagenarios) no deja de extrañar a la llamada década dorada –la del hippismo, la revolución sexual, la lucha por los derechos civiles, los movimientos estudiantiles, las libertades irrestrictas, el paraíso psicodélico y “el mejor rock” que se ha producido en la historia–, mientras que la generación que me sigue (la de los que eran veinteañeros en los ochenta y hoy sobreviven sus cuarenta y tantos) aún suspira por ese horrendo decenio de oscuridad política (Reagan, Thatcher, Salinas de Gortari), crisis económica, desempleo, conservadurismo, restricción de las libertades, falta de perspectivas, una moda francamente inenarrable y un rock pop inocuo, basado en los sintetizadores y las cajitas de ritmos; sus integrantes extrañan esos años y hasta organizan fiestas en las que sin temor al ridículo se disfrazan de “ochenteros”. Aferrarse a la nostalgia no es la mejor manera de vivir la vida. Vale, está bien conmoverse con Los años maravillosos o Clásico TV, con los discos de acetato o las películas en cassettes Beta. El pretérito tiene un gran valor y conocer la historia resulta fundamental para comprender el aquí y el ahora y para hacer proyecciones hacia el porvenir. Sin embargo, ser un fundamentalista del todo-tiempopasado-fue-mejor no parece lo más saludable. Tengo amigos y parientes que en su juventud gustaban apasionadamente del rock y dejaron de escucharlo en cuanto se volvieron adultos convencionales. Cambiaron a los Beatles por Luis Miguel, a Janis Joplin por Daniela Romo y a Pink Floyd por Vicente Fernández.

Para ellos, el rock se detuvo en el tiempo y no les interesó seguir su evolución.

Conozco a muy pocos contemporáneos míos (fui veinteañero durante la segunda mitad de los años setenta y la primera de los ochenta) que sepan lo que los jóvenes actuales realizan musicalmente. Ni siquiera les interesa saberlo. Ellos se lo pierden.

Atados a su arcaica nostalgia, jamás han escuchado ya no digamos a Broken Social Scene, The Kills, The Streets, Feist o My Morning Jacket, sino ni siquiera a Radiohead, Björk, Sonic Youth, Pulp o Blur (mi gran amigo, el escritor Fedro Carlos Guillén, parece bromear cuando dice con su acostumbrada campechanería que él se quedó en los Carpenters…, pero es cierto). Yo que siempre he pugnado por el conocimiento de la historia del rock y que me he burlado de quienes piensan que éste nació en los años noventa junto al Río de la Plata, pugno también por seguir actualizado y escuchar lo que hoy se está haciendo. Porque si bien la nostalgia puede ser un valor, la antinostalgia lo es de igual manera. Darse el placer de escuchar, por ejemplo, a The Who y The Decemberists, a Nirvana y TV on the Radio es algo que muy pocos hacen.

Pasado y presente pueden convivir sin contradicciones. Las contradicciones están en nuestra cabeza y suelen convertirse en telarañas. La nostalgia puede enriquecer, pero también puede empobrecer y esto último, por desgracia, es lo que sucede con mayor frecuencia.

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Nostalgia

TÁ S O N R

S

OFF THE RECORD

S O L

O

BAJO PRESUPUESTO

C LGI

T O OS PE RD ONA A N IÉN B M COMO TA A M OS A L OS N O RD E P

f ore v e

r

Clavado como soy en las letras de las canciones, desde hace tiempo sostengo que algunas tienen fecha de caducidad.

Tal como le pasó a los fanáticos de Volver al futuro cuando Marty McFly viaja a un supuesto futuro en la que existen patinetas voladoras, muchas canciones de rock se escuchan obsoletas a la luz del inexorable paso del tiempo.

El sueño de todo compositor, es crear una obra atemporal, una canción que pueda ser escuchada en cualquier momento de la historia con la misma actualidad. Algunos lo lograron, pero otros se quedaron cortos.

Así, hay versos se volvieron cursis lecciones de historia en el imaginario sentimental de las mayorías.

“Decías que me querías, que no era fácil poderme olvidar.

Regrésame el retrato, ¡se acabó!”. ¿Cuántos de nosotros no cantamos esa rola de Rostros Ocultos, desinhibidos por el consumo del elíxir de Baco en algún bar coverero, de esos que abundan en esta ciudad? La última vez que me hicieron un “retrato” Kodak –compañía que, valga decirlo, anunció su aparatosa quiebra hace algunas semanas– debió ser en mi Primera Comunión (sí, a su “satánica amistad” la obligaron a tragarse la hostia cual gargajo escupido por el “altísimo”). Pero hace mucho tiempo se traspapeló, en medio de las mudanzas a las cuales se ve obligado este escritor free lance de corazón gitano. Pero la culpa no es de Los Clips (después Rostros Ocultos). Hoy, bastaría que la canción dijera: “Borra mi archivo… ¡Se acabó ooouooo!”.

Otro flamante espadachín de la pluma –ubicado un peldaño arriba en la escala de la ignominia– es Fher de Maná, que solía cantar en “Rayando el sol”: “A tu casa yo fui, y no te encontré. En el parque, en la plaza y en el cine yo te busqué”. Vaya que esas líneas suenan mucho más obsoletas que un celular sin Bluetooth. En nuestro mundo contemporáneo, bastaría que el enamorado siguiera a su ligue en twitter para descubrir su ubicación vía Foursquare y Google Maps. Un GPS le hubiera ahorrado la penosa tarea de buscar a patín exhibiendo la “L” de looser que le tatuaron en la frente.

Siniestro Total, la banda española de punk, asestaba con furia estas líneas en “Bailaré sobre tu tumba”: “Te tragarás la colección de casetes”. Cuando mi sobrina descubrió la colección de cintas que atesora este tío forever, le comentó a una amiguita: “Mi tío tiene unas cajitas a las que les sale música”. Bien le hubiera valido cantar a Siniestro Total: “Te tragarás todos mis megas de MP3”.

Y los ejemplos podrían ser infinitos: cuando Four Voices interpretaba “Sealed with a Kiss” en 1960, refiriéndose a una carta sellada con un beso, quizá lo mejor sería especificar qué tipo de pantalla touch de iPad quedaba embarrada con las babas del fulano, porque nadie en su sano juicio envía cartas por correo hoy en día.

Compositores: si no se previenen, es posible que dentro de muy pocos años, con ayuda de la clonación, la manipulación de los genes y otras puntadas de la ciencia, muy pronto nos encontremos el fósil de algún Repitlectric de Zoé –que hoy nos suenan tan futurista– exhibido en el Museo de Historia Natural.

La nostalgia podrá ser vieja y arrugada, pero aunque no corre, avanza con paso seguro y en una de esas nos alcanza.

OS

EL CUADERNO AMARGO

NO S TA L G I

A

P

OR

TXT:: CHICO MIGRAÑA.

Periodista la-sangre-de-metal.blogspot.com

E T L OS D E B A

Había una vez un grupo de guerreros de las letras que se enfrascaban en justas dialécticas, capaces de enfrentarse con textos de ida y vuelta en los casi siete suplementos que existían hace unos diez años: La Jornada semanal, Arena, La Crónica dominical, El Semanario cultural, el Gallo ilustrado y Sábado. En nuestros días, lejos quedaron las querellas literarias y los suplementos, de los que sobreviven dos: La Jornada semanal y El Ángel –han querido rescatar el Sábado sin trascendencia y en el camino salió Laberinto Milenio–. En esos años duraron poco tiempo Confabulario y Posdata del periódico Independiente, también difunto.

No queda prácticamente nada de esos debates entre escritores, críticos y demás intelectuales en tales espacios. Atrás quedaron los días en que lanzaban sendos textos argumentando los motivos de sus diferencias y haciendo las delicias de sus lectores, que devorábamos letra a letra sus razones para querer o para odiar un tema, un libro, una opinión. A cuenta gotas, si acaso sucede, hay reclamos nimios sin continuidad. ¿El sustituto? Las redes sociales. Allá fueron a dar las justas dialécticas y en el cambio fueron dejando regado el contenido de interés. En ese formato se diluye la sabrosura de una batalla de conocimientos porque: a) Sólo se cuenta con 140 caracteres para lanzar la primera granada, b) Hay que ser políticamente correcto en el muro de Facebook c) Porque aún con la ventaja de ser leídos en los lugares más recónditos del mundo, las redes sociales siguen siendo efímeras. Todo sucede ahí pero nada permanece.

Las encarnizadas peleas intelectuales en suplementos como Sábado o incluso en los inicios de Letras Libres no suceden más, se han transformado en mensajes desprovistos de carne y trasladados a los límites de las redes sociales como Twitter y Facebook, donde un argumento no puede pasar de 140 caracteres o intervienen voces ajenas al conflicto o con poca información para opinar. Una muestra de ello fue el visitado status de Alberto Ruy-Sánchez, en donde a su opinión en torno a la cancelación de los festejos del año de México en Francia, con motivo de la exigencia del gobierno francés por dedicar los todos los eventos culturales a Florence Cassez, encarcelada en México por el delito de secuestro. Más de cien comentarios se agolparon en el muro de Facebook del escritor, opiniones de todos los colores pero no hubo un real debate, acaso insultos a los franceses, posturas interesantes (como la de Pedro Meyer) pero con poco ánimo de profundizar en el tema, y pulgares arriba como única manifestación ante la incapacidad de decir algo contundente. Otro caso, uno muy reciente, sucedió cuando el escritor Fabrizio Mejía Madrid externó su opinión en Twitter acerca de la intervención de la Secretaría de Hacienda a la Coordinación de Cultura en la UNAM. Hubo rechiflas, insultos y comentarios de todo tipo, pero nada cercano a una verdadera discusión argumentada, tan sólo una escena simpática, más parecida a una guerra de pasteles. En ese caso, el debate se convirtió en una escena sin un tratamiento crítico, un circo de pantomimas ideológicas, eso sí, bien calzadas en 140 caracteres.

¿La guerra se acabó y los guerreros guardaron las armas? ¿Se acabaron los motivos al cerrarse los campos de batalla? La que esto escribe extraña que corra la tinta y caigan los cuerpos exhaustos de argumentar.

No quiere pero se conforma con lo que queda, observar desde una tribuna virtual donde más que debate, se refleja el resentimiento social.

OSTA L G I N L AF I N DE E D F IN DE SI GLO

A

Escritora Twitter: @paolatinoco

HABLO PORQUE TENGO BOCA

S

T X T : : paola tinoco .

“Y es que es la nostalgia, de fin de siglo. Y todo el mundo quisiera el tiempo poder regresar, y revivir los recuerdos y los buenos tiempos, porque recordar es vivir, y todos queremos vivir más”. Nostalgia. Ese era el tema a desarrollar en Marvin 100… momento ¿¡Marvin 100!?

Vaya, qué rápido se pasa el tiempo. Aunque una publicación impresa que en México sólo llega a los 100 números porque detrás de sí hay mucho trabajo y gente dispuesta a valorarlo, comprando la revista.

Hace algunos meses mi mamá me regaló un equipo de sonido (¿alguien les llama aún así?) que se llama, justamente, Nostálgico. Tiene tornamesa con adaptador incluso para discos de 45 y 78 rpm (revoluciones por minuto), casetera y por supuesto USB, reproductor de CD y entrada de auxiliar. No sólo es nostálgico, también es muy útil. Ahí puedo escuchar mis discos de vinil, me puedo enganchar de nuevo en las ridiculeces que sólo pasan en México, como el 45 rpm de Kiss, Dynasty. Un 45 rpm es un sencillo. Ya saben, se toma una rola del disco larga duración y se manda a las radios para promoción. Hoy aún se hace con los CD, y normalmente los llamados “lados B” de esos sencillos suelen ser rolas que sólo aparecen en esos formatos y se vuelven piezas coleccionables. Bueno, eso en el mundo real, en México, la entonces Polygram tomaban el sencillo y ponía otra rola más en el lado A y dos más en el B. Ninguna de esas tres era del disco a promover, así, en este caso viene “Nací para amarte” (I was made for loving you, el sencillo) y versiones en vivo de “Nada que perder”, “Suéltame rock n’ roll” y “Detroit ciudad del rock”. Así, en español, con el título en inglés apenas legible, debajo. Pero eso no es todo, las cuatro canciones vienen cortadas, porque los discos de 45 sólo tenían capacidad para unos cuantos minutos por lado. Sí, eso es nostalgia.

Momento, ¡Marvin llegó a 100 números! Y si este texto arrancó con una alusión al Tri, pues que mejor que seguir en ese tenor, porque “ya estando arriba se ve muy fácil, pero la neta no cualquiera la hace, porque es difícil, difícil poderla hacer”. Marvin es una revista… No, Marvin es un proyecto que… No, Marvin ha sido mi casa desde hace seis años. Ha sido el lugar en el que mi mente se ha podido volcar en blanco y negro sin restricciones. Ha sido una bendición, un espacio de libertad y lucha, un camino, un destino. No me corresponde a mí dedicar agradecimientos en este espacio, pero sin Marvin, puedo asegurar, mi vida sería otra. Y no es nostalgia barata, es un sentimiento real. Gracias Marvin, cumples 100 porque eres una chingonería (con el perdón de la palabra). Así de fácil.

Cuando otros lleguen a ese número hablamos, mientras, que dentro de 100 más platiquemos de la nostalgia de esta primera centena.

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81

S E M O DEL

DISC

D I S C O n tour

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eno a / Noc a. Al m su olt rs Volt n esparcía nte. a V M s e h ú r ta T a r l a e e a c d t M n e o fía m The y desc cogra ra del nü

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a is a visual stiva d ogas p lisérgic tempe ación audio na música iarse de dr as cinco in la n p u al e tamin aciendo so, es y que se n lim la con l exce ega fin idiero ,h o la entr 01, cuando Paso, Texas -Zavala dec aginario de ra, con tod a prueba a t n e 0 s o r l 2 e n h E im r le á a n r p e u ix E s a e d d , B . r r a: en y pon uenta edric ación iquet ientes siquie ctourn evistas rec ar la reput z-López y C l pentagram entir–. Ni desafiantes De nueva c Omar, o N : z ve ha). n entr on reivindic r Rodrígue dose con e e dejarán m disco son n de de una escuc dric e perdó vés de r émoslo Omar y Ce retro logra ncias, Oma ía desquitán studio no m forman este nte una sola erir (con el a t p tr e a c r las A e o r se s susta lcanza ados a a jazos ue con ías dig os de rmina e leer clarad ha de , dos person eligros de la ía tóxica te te –seis disc canciones q ldrían mare s, incluso d iso" parec espido, de a añarnos tr n p d ra n sa io om ará ho del compr rgencia del , no debe ex mo si agrav ntes de los nque su ma oco y delira asque: las 13 publicidad u t a r o ie u ue tom e co Consc na banda, a iscurso bar detener el a reativos" d arne roja q con la güev ería con la ura, por ell cal (suena banda d u c o rd e at "c n iniciar lamaban un ete pudiero 99% de los n guiso con ractivos qu garle a la b safiar la co sfachatez v nes donde la o en alta l e e e d u e c u e d d , ( p ip s iq o a h y a k t ncio e s n s s r s a d n le a u o e , c e bocan t t líne it g n ib d s n lt ó n c a u t o le la nm desem lgun esp rede plat ron u a bo olta aplica r presunció cocinar un dirse con d sionar cad The Mars V uctura imp osos, hay a s, terminan ie a ó re str pe oñ a cualqu s Volta logr "Mejor des ganas de p sabemos, n track de e s riffs ponz introspectiv r . n s ) u e a lo o , ie la s M n n l" b a n a e e ia id r Th ew min lece omo ian tím vegeta king J predo preva ete. C que es um, donde ea con fals mo "The Ma a). Aunque olas que inic TV. M s r r o lb í d e s este á ás altas, as n sencillo c fumar pie e hasta la lboard o d u m qu Bil de notas an lanzado a después o cierto es ticidad de y s r L a a . la t s h p n e or que s ca on la tetizad Water erte c Roger enta con sin tada a mu is im exper a área enem s . mar, e e g ui e : Vi c

Nostalgia

nte

Jáur

El

T X T:

ít cap u l o 82

l a fin

Lee Ranaldo / Between The Times And The Tides Mata d or R e cor d s

Desde 1987, Lee Ranaldo advirtió que no le bastaba con su labor como guitarrista en Sonic Youth, así que comenzó a dar zancadas en un carril paralelo; haciendo discos a “solas” y editando libros. Éste álbum, su debut ba jo el cobijo de Matador, lo presume como un cantautor efectivo para construir ganchos que, más que jalar al escucha, lo dejan colgado del pellejo. Naturalmente, Lee echa mano de muchas guitarras –de diversas maderas, aceros, distorsiones y filtros–, pero también luce espléndido en cuanto a armonías vocales y pendiente de atender sus diversos estados de ánimo (la calma cósmica de “Stranded” y “Hammer blows” contrasta con la urgencia de “Angles” y “Off the Walls”, por ejemplo). Injusticia: a este disco se le hará mucha menos bulla que al de, digamos, Paul Banks o Julian Casablancas, aunque aquí se esté ante una colección de canciones sin un segundo de desperdicio.

T X T : : A l e ja n d r o G o n z á l e z Cast i l l o .

J Mascis Several shades of why Otro espléndido guitarrista (su matriz: Dinosaur Jr.) haciendo un disco que aluza su otrora lado oscuro.

Sonic Youth Experimental jet set, trash and no star Escuchen aquí al hombre de las canas abrir mares con su guitarra como arma.

R.E.M. Automatic for the people El espíritu meditabundo acústico de Stipe y Buck guarda similitudes con el de Ranaldo.

KAISER CHIEFS / START THE REVOLUTION WITHOUT ME C h e wi n g G u m R e cor d s

Alejados de sus primeras apuestas musicales, los Kaiser Chiefs vuelven con un cuarto disco que desde el título, deja ver una postura sedimentaria. Start The Revolution Without Me es la versión exclusiva para norteamérica del The Future Is Medieval, álbum lanzado el año pasado en el que podías seleccionar 10 canciones de 20 disponibles. Después de darse a conocer con un beat-new-wave-punketo, los Kaiser ofrecen un sonido más melódico, pero no más afortunado. Destacan los sintetizadores, sin embargo, las guitarras tienen un ritmo acartonado, así como la voz de Ricky Wilson, quien después de afamarse con “Ruby”, ahora canta en un registro grave e inlcuso solemne. Se trata de un disco monótono, con ecos predecibles y sólo dos canciones inéditas. La banda renunció a la evolución musical y optó por un sonido comercial, dejando en claro que la revolución... tiene que ser sin ellos.

D I S C O S

T X T : : C i t l a ly A g ui l a r S á n c h e z .

THE KILLERS Day & age El disco más comercial de The Killers los sitúa en las filas del pop.

THE FAINT Fasciinatiion Los sintetizadores de esta banda los delatan como un grupo divertido, aunque poco innovador.

Alabama Shakes / Boys & Girls / ATO

THE KOOKS Junk of the heart Álbum en el que imperan las baladas monótonas.

x

R e cor d s

Aquí no hay tufos, sino un descarado hedor. Y a lo que apesta es a una música que la generación post indie encontrará de lo más arcana. Blues citadino, soul adolescente, rock de madera y bulbo, folk setentero y una que otra balada con puntas de acero, componen el pelaje del cancionero de este cuarteto que debuta con la atención de ese predador llamado aparato mediático rondando su cuerpo, tal vez a la espera de un mártir que llene sus desoladas tripas. Alejados de cualquier clase de virtuosismo e ignorantes de cuál es la facha más in del momento, Brittany, Heath, Zac y Steve, ayudados por Ben, aparecen en los canales de difusión haciendo justamente lo que no deberían: mirar hacia atrás, presumir que han apagado la TV para escuchar los discos de ¿sus abuelos? Pero bueno, antes lo hicieron con éxito The Strokes. Ya va siendo hora de que otros chavales desentierren unos cuantos tesoros.

T X T : : A l e ja n d r o G o n z á l e z Cast i l l o .

The Rolling Stones Sticky Fingers Pareciera que Keith Richards y sus compinches le enseñaron varios trucos a los de Alabama cuando éstos crearon “Be Mine”.

Janis Joplin Pearl ¿Para qué ocultarlo? Se nota que Brittany Howard ha analizado sesudamente toda la obra de La Bruja Cósmica.

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3

Creedence Clearwater Revival Bayou Country Aquella desgarrada pasión de los temas John Fogerty sigue viva, con Alabama Shakes, el rock pantanoso recobra cierta humedad.

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1

SINÉAD O’CONNOR / HOW ABOUT I BE ME (AND YOU BE YOU)?

R E L AT I VI T Y EN T E R TA I N M EN T

Es este el primer álbum de canciones originales de O’Connor desde su Theology, de 2007, y su noveno producido en estudio. Se trata de un disco musicalmente variado y rico en propuestas melódicas, con una decena de cortes sin desperdicio. Desde el abridor “4th and Vine” (un rítmico y contagioso reggae) hasta el concluyente “V.I.P.” (un tema extraordinario, con una crítica más o menos velada a personajes como Bob Geldof y Bono, quienes con todo su activismo de Very Important People no se atreven a criticar a instituciones como la Iglesia católica), el plato transcurre lleno de emoción y sensibilidad. Destacan grandes piezas, como “Reason with Me”, “Take Off Your Shoes”, “The Wolf Is Getting Married”, “Very Far from Home” y “I Had a Baby”.

How About I Be Me (And You Be You)? representa un gran regreso para esta dublinesa, quien demuestra que sigue siendo una artista en toda la extensión de la palabra y que aún le queda mucho que dar.

T X T : : H u g o Ga r c í a M i c h e l .

KATE BUSH HOUNDS OF LOVE Un clásico. No sólo de esta genial maestra de la música, sino de la historia toda del rock.

D

SARAH McLACHLAN FUMBLING TOWARDS ECSTASY Con su magnífico folk pop de ensoñadoras atmósferas, la canadiense hizo de este álbum su obra maestra.

SHANE MacGOWAN THE SNAKE El ex líder de The Pogues, uno de los pioneros del punk a la irlandesa, en un primer disco fenomenal.

I THE CRANBERRIES / ROSES / C O O K I NG

S

VI N Y L R E C O R DS

¿Cómo? ¿Un nuevo disco de los Cranberries a estas alturas? ¿Para qué? Son preguntas que se hubiera hecho uno antes de saber de la existencia de Roses y de haberlo escuchado. No obstante, una vez que esto último sucede, las respuestas sólo pueden ser en el sentido de que el cuarteto irlandés ha hecho muy bien en regresar, luego de casi diez años de ausencia discográfica. Sobre todo porque lo hizo con una obra redonda, estupenda, madura, sin paja, sin auto condescendencias. El dream-pop-rock de raíces celtas de la banda sigue ahí, pero de manera más sólida, y aunque recuerda a lo que grabó en sus dos primeros y magníficos álbumes, en ningún momento suena anticuado o aferrado al pasado. Grandes composiciones (“Conduct”, “Tomorrow”, “Raining in My Heart”, “Schizofrenic Playboys” y “Waiting in Walthamstow”) y gran producción (de Stephen Street) para un gran disco que de verdad vale la pena escuchar.

C O S

T X T : : H u g o Ga r c í a M i c h e l .

R.E.M. COLLAPSE INTO NOW El regreso de los de Athens a su mejor forma. Un retorno a los orígenes desde la perspectiva del nuevo siglo.

3 x

THE SMITHS THE QUEEN IS DEAD El álbum que significó el gran paso de esta banda británica de lo alternativo a lo clásico. El reino recuperado de la jangle guitar.

10,000 MANIACS OUR TIME IN EDEN Una joya del folk rock –“con mensaje” – de los años noventa.

Natalie Merchant y compañía en plenitud.

THE FRAY / SCARS & STORIES / C O L UM B I A

El tercer disco de The Fray significa un avance con respecto a sus dos álbumes anteriores. Hay aquí una mayor fuerza, un mejor sonido, una definición más clara de un estilo (aunque todavía sigue sonando como muchas otras bandas de su tipo), centrado en el rock pop. Dicho avance se debe a la producción de Brendan O’Brien (Pearl Jam, Stone Temple Pilots), quien consiguió dar a este grupo oriundo de Denver, Colorado, una consistencia de la cual carecía. Es por ello que Scars & Stories resulta un plato redondo y con excelentes momentos musicales. La sombra de U2 y Coldplay sigue presente (la voz de Isaac Slade tiene de pronto un timbre casi idéntico al de Chris Martin y otras veces recuerda a Bono), pero de manera menos evidente y ese solo hecho significa un paso adelante. A destacar, temas tan buenos como “Heartbeat”, “Turn Me On”, “The Wind”, “48 to Go”, “Rainy Zurich” y la magnífica y final “Be Still”.

1

T X T : : H u g o Ga r c í a M i c h e l .

COLDPLAY PARACHUTES El disco que estos émulos de Radiohead (en versión light) nunca lograron superar.

Nostalgia

3 DOORS DOWN THE BETTER LIFE El post grunge de esta banda de Mississippi en plenitud de forma.

Un trabajo estupendo.

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CANDLEBOX CANDLEBOX Esta olvidada banda de Seattle debutó en 1993 con este disco fantástico. Una joya que haríamos bien en revalorar.

School of Seven Bells / Ghostory Va g r a n t R e cor d s / G h o s tly I n t e r n atio n a l

Según Benjamin Curtis, una de las mitades que conforman este dúo al lado de Alejandra Deheza (su hermana, Claudia, abandonó la nave), su tercer álbum es el más sensual que han hecho. Si se atiende la susurrante voz de la cantante no quedan dudas; un candor malicioso ronda cada una de las palabras que escapan de su boca, encargándose de mantener las suelas de los escuchas golpeando alegremente contra el suelo (atención a “White Wind” y “Low Times”). Sin embargo, ¿de qué hablan quienes apelan al término shoegaze para definir el perfil del dúo? Porque aquí hay guitarras oscilantes, pero también sintetizadores a granel y ritmos condescendientes con la pista de baile. Ayudados por su ánimo ensoñador (“Reappear” y “Show Me Love” son buenos ejemplos de ello) y una actitud despreocupada, Curtis y Deheza han creado una colección de canciones sí, sensual, pero infinitamente más coqueta que introspectiva.

T X T : : A l e ja n d r o G o n z á l e z Cast i l l o Secret Machines Now Here Is Nowhere Antes de dedicarse completamente a hacer música con las hermanas Deheza, Curtis era el guitarrista de este grupo.

Cocteaus Twins Head Over Heels Indispensable a la hora de diseccionar los fundamentos estéticos de Benjamin y Alejandra.

On! Air! Library!

On! Air! Library!

Las hermanas Deheza, al lado de Philip Wann, en su proyecto más ruidoso.

The Decemberists / We all raise our voices to the air / R o u g h

T r a de

Grabado en foros de Austin, Seattle, Nashville y Portland, este álbum doble (triple si la billetera es gentil y patrocina la edición en vinil) ofrece de manera elocuente lo que Colin Meloy y sus compinches consiguen, una vez que pisotean la tarima para ejecutar esa suerte de folk para geeks que les ha traído tantas palmas. Aquí hay 20 temas ejecutados durante la gira de su álbum más reciente (The King is Dead), todos ausentes de maquilla je; un detalle que se agradece, pues pareciera que el escucha ha puesto las orejas justo al lado del monitor del cantante, aunque hubiera sido un regalo excepcional anexar al paquete un DVD con el mismo perfil estético, pues el combo suele usar la teatralidad para acentuar sus aciertos sonoros.

T X T : : A l e ja n d r o G o n z á l e z Cast i l l o .

Arcade Fire Funeral Aquí los canadienses comparten los trucos de dramaturgia con los de Portland.

Talking Heads Stop making sense David Byrne le recordó al mundo que el rock es una puesta en escena, un musical de lágrimas y risas.

Bob Dylan Highway 61 revisited Historias de personajes letrados, son las que se pasean en este disco.

Love at the Bottom of the Sea M e r g e R e cor d s

El proyecto de Stephin Merritt está de vuelta, y en su décima entrega recupera esos teclados kitsch junto con letras chirriantes, llenas de sarcasmo y humor negro. Con gran maña como letrista, incluso sus títulos son memorables: ahí están “Andrew in Drag” –un acto de amor por el travestismo–, “Your Girlfriend’s Face”, en la que Claudia Gonson habla sobre recurrir a sicarios en situaciones amorosas. A Merrit le gusta lo torcido, la narrativa turbia y medio nerd que alterna con el cuento (donde participa Shirley Simms). Sin embargo, aunque lo acompaña un quinteto, el disco se siente como una orgia solista. Es un atasque de ca jas de ritmo, melodías empalagosas y brevedad, que no puede apreciarse salvo si eres un fan de John Waters y Almodóvar. Se trata de 15 delirios de menos de tres minutos, que cierran con “All She Cares About is Mariachi”, canción de un crooner mutante. Con este disco, me convenzo de que se trata de un banquete para iniciados y lo celebro. ¡Los raros al poder!

T X T : : J U A N C A RLO S HI DA LGO .

The Magnetic Fields 69 Love Songs Probablemente, la obra maestra de Stephin; difícilmente superable.

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I S C O S 3

The Magnetic Fields

Joe crepúsculo El caldero Otro músico bizarro que ama las viejas cajas de ritmo y los sintes raros.

D

Eels Beautiful Freak Si Merrit se pusiera chatarrero y ruidoso pisaría los terrenos de Mark Oliver Everett.

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x 1

THEESatisfaction / aWe NaturalE S u b Po p

Tras la entusiasta respuesta que Shabazz Palaces obtuvo por parte de la crítica internacional; la disquera Sub Pop mostró un interés mucho mayor en la problemática de mantener un género como el rap. La apuesta era atractiva, pues no se trataba de hip-hop cotidiano, sino de obras bastante cerebrales. La herencia inmediata de esta apuesta es THEESatisfaction, agrupación conformada por Stasia Irons y Catherine Harris White. Luego de cinco EP’s y una colaboración en el álbum Black Up de Shabazz Palaces, éste dúo ha dejado una constancia de calidad, pero es en aWe NaturalE donde logran empujar los contenidos y la conspiración lírica de aquellos años. Ahora nos conducen a espacios astrales de textura electrónica, con un estilo de R&B arriesgado e impetuoso, en el que las voces son amalgamadas con disidencia, sin perder por ello su unidad.

Como salido de una nebulosa lejana, este álbum es dulce y espectacular para los oídos, con un sabor cautivador e imaginativo.

D I S

T X T: : L u i s A r c e .

Shabazz Palaces Black Up El referente más inmediato para comprender la estética detrás de aWe es también uno de los discos más sobresalientes del año pasado.

C O S

Janelle Monáe The ArchAndroid Cuando se trata de coquetear con las barreras del R&B, Monáe retiene en su figura artística, los ideales de un género que debe reinventarse.

Andrew Bird / Break It Yourself / B e ll a

Dälek Abandoned Language Si bien, no es el único, Dälek parece una sombra, casi una atmosfera, extendida sobre los actos de música rap que han ingresado a Sub Pop.

U n io n

Cuando es momento de conocer y aprehender varias formas del folk, Andrew Bird se las gasta. Tiene pacto con la cualidad curativa de la música, además de conservar ese preciosismo y la búsqueda de lo inefable (hasta pide a sus fans que le regalen fotos de algo bonito), lo que significa que ahora las letras son introspectivas, aunque menos enigmáticas.

Una canción como “Lusitania” es un prueba de su fortaleza y talento, pues un truene amoroso es comparable al hundimiento de un trasatlántico.

Por otra parte, “Danse Carribe” es una pieza que fascina con su fina belleza, y que posee un cierre cercano al son huasteco o al huapango. "El hombre ave" sigue tocando muy bien el violín, la guitarra y silbando. "Give it Away" es una maravilla de bolsillo, pero le haría un favor muy pobre al resto del disco. “Eyeoneye” también habla de una fractura sentimental (¿habrá vivido algo?). Grabado en un pa jar en lo profundo de la frondosa Minnessota, Andrew dejó que el entorno se filtrara y que la naturaleza nos recordara nuestra propia fragilidad.

Este oriundo de Chicago tiene ya siete discos puliendo, limando y purificando su pop con raíces ancestrales.

3 x 1

T X T : : J ua n Ca r l o s Hi da l g o .

Sufjan Stevens Illinoise Andrew nació en 1973; Sufjan dos años después. ¿Vínculos generacionales? Ambos son músicos atípicos y gustan de probar con muchos ritmos e instrumentos.

Nostalgia

Andrew Bird Armchair Apocrypha Hasta antes de hoy, su trabajo más notable, sinuoso y atrayente.

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Varios artistas Tradi Mods Vs Rockers (Congotronics) Aquí El hombre ave tocó con músicos africanos y ahora se nota lo que les aprendió.

Hospitality / Hospitality / Me r g e

R e cor d s

De entrada me gustó este disco por dos cosas: Amber Papini tiene una de las voces más agradables y menos pretenciosas dentro de la camada de proyectos indie, que inundan y saturan el panorama. No va a cambiar el mundo, pero agrega un buen toque a las canciones que conforman la carta de presentación del grupo oriundo de NY. Además, el hecho de que aprendió a cantar escuchando discos de The Psychedelic Furs es una buena anécdota. En general, el disco es una colección de temas de twee-pop, folk, sonidos hechos con convicción y arreglos de bajo muy creativos. Destaca el single "Friends Or friends", una onda world music que recuerda un poco a los 10,000 Maniacs tempranos y a Vampire Weekend.

T X T : : A l e ja n d r o Ma n c i l l a .

God Help the Girl God Help the Girl El proyecto de Stuart Murdoch (de Belle & Sebastian) vale mucho la pena.

She and Him A very Christmas Siempre pienso en Zooey Deschanel y en su grupo (además, están en Merge, el mismo sello).

Tennis / Young and old / Fat

Camera Obscura Let's Get Out of This Country Buen disco de folk pop de la banda. Este fue el disco que casi los llevó a la fama.

D Po s s um

El trío que conforman los esposos Alaina Moore y Patrick Riley junto al baterista James Barone, lanzó un segundo disco que, en ocasiones, es una excesiva oda al pasado. De cualquier forma, el ahora trío sorprende al trasformar los clichés del pop rock en algo más o menos radiante. Al menos, canciones como "Origins", "Travelling", "My Better Self" o "Never to Part" suenan bastante frescas. Claro, las dulces voces femeninas, inspiradas en el surf-pop de los años 60, así como la sombra de los Beach Boys, continúa definiendo su estilo. Sin embargo, el productor Patrick Carney (The Black Keys) explotó la parte visceral del grupo, y el resultado es una producción que mantiene una estética lo-fi, pero con elementos actuales y un sonido mejor logrado. Son las típicas canciones que escuchas y dices: "ah, tres acordes… yo los puedo tocar mejor", pero ¿sabías que en la sencillez casi siempre está la belleza? Además, tendrías que vender tu casa para conseguir su colección de órganos clásicos.

T X T : : A l e ja n d r o Ma n c i l l a .

The Raveonettes Pretty in Black Disco agridulce, bipolar, suave y distorsionado. Pop-noise con guitarrista sin onda y chica guapa al frente.

The Black Keys El camino El productor Patrick Carney hermana a estas dos bandas.

Cults Cults No los pusimos aquí sólo porque son esposos y hacen música, seguro son amigos de Facebook de Tennis.

I S C O S

Django Django Django Django B e c a u s e M u s ic

Estamos tan acostumbrados a escuchar comparaciones sobre las bandas nuevas, pero generalmente, se trata de confrontaciones genéricas y repetitivas. No es que Django Django resulte la banda más auténtica del mundo, pero cumplen con los estándares más exigentes para cualquier persona que se ponga la etiqueta de “melómano”. Para describir su sonido sólo se me ocurren adjetivos como sicodélico, experimental, pop, acústico; todo ello con discretos tintes electrónicos y mucha imaginación. Hay guiños al spaghetti western en canciones como “Firewater” o “Wor”, lo que me hace pensar en una referencia obvia: Django, la película clásica de Sergio Corbucci. Como dato curioso, el líder, productor y baterista David Maclean es hermano de John Maclean (otrora tecladista de The Beta Band), y por ahí puede haber otra pista sobre dónde obtienen sus trucos en la producción. Así, podríamos excavar teorías sobre su alucinante debut, o simplemente darle play a un sonido distintivo que alivia nuestros oídos.

T X T : : J as i e l V i l l a .

Spiritualized Lazer Guided Melodies El incomprendido debut de esta banda de culto, es lo más cercano a Django Django en propuesta sonora.

Stardeath & White Dwarfs The Birth Dennis Coyne –sobrino de Wayne Coyne (The Flamings Lips)– lanzó un disco desapercibido –pero interesante– que revisa la sicodelia y el space-rock.

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The Beta Band Heroes To Zeroes Nótese el parecido del sencillo “Default” con “Out-Side” de The Beat Band en los juegos vocales empleados de igual manera y en la producción ¿influencia directa o indirecta?

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3 x 1

Klaus & Kinski Herreros y fatigas

J a b a li n a

Ni duda cabe: Klaus & Kinski tienen casi todo en contra porque son de Murcia –no Madrid o Barcelona–. El rock español no es potencia internacional y los medios suelen ser injustos y prejuiciosos; de no ser así, este dueto sería un suceso. No tiembla la mano al escribirlo: el disco es buenísimo y tan vasto que engaña. Al escuchar “La duda ofende” diríamos que hacen dream-pop, pero en “Contrato” hay una actualizada versión del krautrock (muy Fujiya & Miyagi), y cuando cantan nos acordamos de los argentinos de Entre Ríos. Producción no les falta, además de que su tercer álbum es mucho más que shoegaze. Algunos dicen que recurren al eclecticismo como un medio, no como fin, lo cierto es que Alejandro Martínez y Marina Gómez son generosos: dan 14 canciones y mucha tela de dónde cortar. Tienen un soneto electro rock en “In the Goethe” –que es una habanera– y “Sacrificio”, una rareza casi sacramental con piano. “Diente por ojo” se apega al rock pop más brilloso, frases naif como (“Aunque te falte algún ojo te querré”) y “Cumbres profundas” tiene guitarras heavy metal. Klaus & Kinski son impredecibles sin perder personalidad. ¿Qué esperas para escucharlos? Urge.

D I S

T X T : : J U A N C A RLO S HI DA LGO .

Klaus & Kinski Tierra, trágalos Su estupendo disco anterior –igual de diverso y lleno de sorpresas–.

C O S 3 x 1

Howler

Single Monólogo interior También son españoles, también dueto –chico y chica– y también aman ser inclasificables por su música. ¿Algo más?

/ America Give Up / R o u g h

The pains of being pure at heart Belong En “La pensión”, Klaus & Kinski no les pide nada a los de Nueva York.

T r a de

Lástima por los de Howler, que este año les tocó ser “la banda” imprescindible. Por ahí dicen que salvarán el rock (diez años después nadie ha superado el Is This It de The Strokes), y es que tienen todo a su favor: la imagen de niños rebeldes (meticulosamente despeinados), la actitud, las canciones, el ruido, además de que hacen garage y un rock desfachatado-bailable, pero sin recurrir al uso de teclados o al punk-disco. ¿Debemos caer siempre rendidos a los pies de cualquier banda así? Todo indica que sí, al menos cuando debutan y parecen tener ese “algo” que nunca cansará al público –algo comprobado desde Elvis y The Ramones hasta The Libertines y Arctic Monkeys–.

Sus canciones pega josas son efectivas (escucha “Back Of Your Neck”), pero su potencial es suficiente como para hacer frente a quien los critique. ¿Más pruebas? “This One's Different”, “Black Lagoon” y “Told You Once” (ésta es la mejor de su repertorio y parece sacada del Screamadelica). Howler forma parte de una generación que creció con las mismas influencias y que se resiste a la muerte del rock & roll, o en otras palabras nos dan un respiro al retomar sus elementos básicos.

T X T: : J A S IEL V ILL A .

Crocodiles Summer Of Hate Su primer disco fue aclamado.

Bajo la influencia de The Jesus & Mary Chain, nos recordaron lo grandioso del rock pop ruidoso.

Nostalgia

The Soft Pack The Soft Pack Con The Strokes y toques de surf y garage, nos recordaron lo grandioso que es el rock & roll primitivo.

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The Vaccines What Did You Expect From The Vaccines?

Comparados con The Jesus & Mary Chain y The Strokes, abrieron la puerta para sus rivales/amigos/contemporáneos Howler.

Bear in Heaven I Love You, It’s Cool/ Home ta p e s Si un grupo musical posee un poco de ingenio, sus integrantes deben dar por hecho que cada nueva producción discográfica les exigirá el doble que la anterior. Con Beast Rest Forth Mouth, Bear in Heaven había aprendido a estructurar su sonido, para evitar que el escucha percibiera la falta de compromiso que antes exhibía. En I Love You, It’s Cool ese problema ha sido resuelto; ya no existe una acumulación de sonidos, y el álbum, a pesar de su portada, marea mucho menos que las producciones anteriores del grupo. Desde el comienzo, su sonido se sostuvo con rock alternativo de tintes electrónicos, libre de frustraciones y carente de preocupaciones episódicas por mostrar los conocimientos de la banda. Ahora, I Love You conjuga una plasticidad en sus vibrantes sintetizadores, ritmos uniformes y guitarras extendidas como óleos. Aunque el disco termina siendo un poco frustrante al continuar con un sonido que no se ha formado lo suficiente, no cabe duda; Bear in Heaven ha progresado en la construcción de una voz.

T X T : : L ui s A r c e .

Wild Beasts Two Dancers Ritmos tan apretados como beats, pero organizados en torno a la armonía y no a la creación de atmósferas.

The Dodos Visiter Una pizca de rareza, y renovada inventiva musical permitiría a bandas como Bear in Heaven concebir nuevas y gratas ideas.

Yeasayer All Hour Cymbals Si de conseguir una mezcla homogénea y atractiva desde la acumulación irreverente de sonidos se trata, All Hour Cymbals es un referente inmediato.

Lambchop / Mr. M Me r g e

El grupo encabezado por Kurt Wagner, desde Nashville se alimenta de varias tradiciones, no sólo del country más oscuro y poco festivo: les seduce la lentitud y los arreglos minuciosos. Para romper el impasse originado por la dedicación de Kurt a la pintura, Mark Nevers (productor de Andrew Bird) le propuso dedicar un álbum a la memoria de Vic Chesnutt (músico de culto que se suicidó en 2009), cuyo estilo musical denominó como psycho-sinatra.

Las 11 canciones que conforman Mr. M son elegantes y sentidas. Kurt es un anticrooner y aquí, el clasicismo y su gusto por el jazz enca ja perfecto. La banda coloca con precisión un buen número de instrumentos que nos sumergen en la nostalgia, pese a que sus letras no son para nada optimistas, es la primera vez que utilizan la palabra amor, “Never My Love” es una excepción. Un disco de country apesadumbrado y exquisito, aunque no lo disfruten las masas.

T X T : : J U A N C A RLO S HI DA LGO .

Vic Chesnutt North Star Deserter La mayor obra de este cantante de Athens, Georgia, cuyas letras las llegó a cantar incluso Madonna.

Lambchop Nixon Uno de los mejores álbumes de este grupo para auténticos gourmets musicales.

Tindersticks The something rain El espíritu meditabundo acústico de Stipe y Buck guarda similitudes con el de Ranaldo. recomendable.

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F. J. Koloffon El trompetista

El diario de un López

Jaime López

Lee Ranaldo

So n i d o s Urb a no s

R h yt h m & B ook s

Ac ua r e l a libro s

Road Movies

L I B R O S 3 x 1

Quienes abren un libro con la expectativa de que dicho acto sea equiparable con la experiencia de separar las hojas de una ventana en plena primavera, encontrarán en este libro algo más que eso: una ventisca olorosa a vainilla, nubes algodonadas, prados color verde fosforescente y un sol que en lugar de flamas ofrece lengüetazos de miel. Para acrecentar la impresión, Koloffon se ayuda, tal como ocurrió con su primera novela, de apuntes que se repasan con los oídos gracias al disco que acompaña a las páginas, con artistas que van de Gepe a El Columpio Asesino y de Mist a Mercromina. Aunque ahí no paran las referencias musicales, pues Lukas Duncan, el protagonista de esta historia, en los momentos decisivos de su vida encuentra vitales ciertos álbumes de Radiohead, Arcade Fire y New Order, entre otros.

T X T: : A l e ja n d r o G o n z á l e z Cast i l l o .

Jaime López cometió suicidio hace décadas. Decidió que su pluma era más afilada que su plumilla y con la punta de ésta abrió un boquete en su estómago. Desde entonces, sus entrañas permanecen regadas en algunos discos, aunque a últimas fechas la sanguaza también ha salpicado las páginas de este diario (¿o Darío?) escrito con los nudillos que estimulará la masa encefálica (¿o en sí fálica?) de quienes atiendan el peligroso espectáculo que significa hacer malabarismos con las palabras. “Darío se fue bara jando su Español del Siglo de Ogro”, explica López en algún momento, y los lectores se quedan con la mirada extraviada tras leer sus desventuras, porque éste puñado de verbos se conjugan en gerundio; se retuercen sanguinolentos aún después de haberlos encerrado entre tapas mientras su autor agoniza entre carca jadas.

T X T : : A l e ja n d r o G o n z á l e z Cast i l l o .

Jaime López - Lírica Un repaso por los enunciados más emblemáticos del tamaulipeco.

Judy Lane - Arlequín desnudo Esta novela ilustrada también viene acompañada de un CD cuyos tracks funcionan como guía entre trazos.

Ray Bradbury The halloween tree Inocencia y vértigo en el mismo empaque. funcionan como guía entre trazos.

F. J. Koloffon El astronauta terrestre La primera incursión literaria de Koloffon de la mano de Lansbury Frapp, el héroe de la trama; y Mexican Favorito, el fugaz combo encargado de hacer el soundtrack, funcionan como guía entre trazos.

Nostalgia

John Lennon Por su propio cuento / Un españolito en obras Los adjetivos se rifan un trompo mientras los tropos se descubren como bestias que se burlan de la inocencia de las fábulas.

Armando Vega-Gil La ciudad de los ojos invisibles Un naco chido que usa guacamole en lugar de tinta.

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Se sabe bien cuáles son las capacidades artesanales de Lee Ranaldo como guitarrista de Sonic Youth, sin embargo, resulta todo un hallazgo descubrir sus dotes como escritor en este acoplado de poemas, relatos y guiones cercanos a la cocción, pues se asoma como un eficaz recolector de palabras, un extraordinario articulador de verbos y un receptor de sentimientos sin medida. El hombre camina por diversas ciudades –resulta sencillo imaginarlo solitario en algún bus, rebanando carreteras con su libreta, haciendo afilados apuntes de lo que ve y escucha– mientras abre espacio entre su amplificador y su plumilla, para imprimir un catálogo de impresiones que no hace sino esperar más de él en el futuro, porque su talento es evidente.

Estamos frente a un libro cuyos lectores potenciales van más allá del núcleo integrado por los seguidores de Sonic Youth; sino por sujetos listos para estremecerse ante las confesiones de un hombre descarnadamente humano.

T X T: : A l e ja n d r o G o n z á l e z Cast i l l o .

Patti Smith - Poesía Esta mujer dice experimentar orgasmos cada vez que se encuentra con las letras. Su prosa y poesía le ha provocado también mucho gozo a sus miles de lectores.

Marcelo Figueras Jim Morrison. Una plegaria americana y otros poemas ¿Hace falta decir algo? El Rey Lagarto vomitando su entramado verbal, sin concesiones.

Thurston Moore Demolished Thoughts Como para emparejarse con el trabajo de Ranaldo, este álbum solista del líder de Sonic Youth viene acompañado de un sentido poemario.

Oliver Sacks

Musicofilia. Relatos de la música y el cerebro

Arto Paasilinna El año de la liebre E d itori a l A n a g r a ma

E d itori a l A n a g r a ma

Oliver Sacks es un neurólogo inglés con interesantes capacidades literarias, que ha ganado popularidad debido a un coloquial desarrollo verbal, con el cual relata ciertos casos clínicos en los que ha tenido la oportunidad de intervenir.

Aquí repasa una serie de historias que van de lo maravilloso a lo terrorífico y donde la música es la protagonista principal. ¿Qué ocurre a nivel cerebral cuando una tonada se apodera de nuestras mentes para no dejarnos en paz? ¿Qué tan normal es pasarse el día canturreando una sola canción? ¿Existen alucinaciones musicales? ¿Es posible desarrollar un talento musical de la noche a la mañana tras recibir la descarga eléctrica de un relámpago? ¿Acaso todos contamos con un iPod cerebral, un jukebox intracraneal? Éstas y otras repuestas se encuentran aquí, en casos donde resulta inevitable encontrar similitudes con uno mismo y, claro, espantarse; porque escuchar música es mucho más placentero y peligroso de lo que a primera instancia parece.

T X T : : A l e ja n d r o G o n z á l e z Cast i l l o .

Daniel J. Levitin El cerebro y la música Como Sacks, Levitin también es un reconocido neurólogo, sólo que éste, además, ha trabajado como productor e ingeniero para músicos como Santana, Modern Lovers y Grateful Dead.

Nick Hornby Alta fidelidad Una historia imprescindible para hacer comprender a los hombres de ciencia que, además del cerebro, el corazón también se convulsiona cada vez que la música entra por los oídos.

William B. Davis, Kate E., Michael Thaut Introducción a la musicoterapia. Teoría y práctica Habrá quien lo dude pero, si de jaquecas se trata, escuchar un buen disco es mejor que tomar cualquier medicamento.

Un periodista de mediana edad via ja a la Finlandia rural en auto y atropella a una liebre. Este acontecimiento, aparentemente nimio, representa un punto de inflexión en su vida. Vatanen rescata y atiende al animalito, se libra de su matrimonio y traba jo, y decide recorrer su mundo. Tal periplo no está exento de anécdotas llenas de humor, una sensación de búsqueda de libertad algo beatnik, la reconciliación con la naturaleza y la simplicidad de las costumbres. Un rechazo a la vida urbana que lo lleva hasta terrenos inhóspitos.

Resulta muy interesante la manera en que nos permite conocer el territorio finés y especialmente Laponia, una zona autónoma. Con pasa jes que rayan en lo absurdo, transcurre entre el rescate de vehículos militares hundidos durante la Segunda Guerra Mundial, traba jos de albañilería ba jo cero, la relación de odio que se puede tener con un oso y una intensa amistad con la liebre.

Una reedición en español de la que es consideraba, la obra maestra de una de las grandes figuras de las letras escandinavas.

T X T : : J ua n Ca r l o s H i da l g o .

Jack Kerouac Los vagabundos del Dharma Otra gran novela de y para caminantes; para fundirse con la naturaleza y tomar sus enseñanzas.

Arto Paasilinna Delicioso suicidio en grupo Con este libro se abrió paso en el resto de Europa y se fue haciendo de un sitio.

Imperdible.

Los vaqueros de Leningrado van a América Dir. Aki Kaurismaki Esta película es otra prueba contundente del alucinado humor finlandés.

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Edmundo Paz Soldán

Norte

E d . M o n da d ori

El lugar es destino. La franja noreste de México y el sureste de los Estados Unidos constituyen un complejo entramado dificilísimo de desenredar y comprender.

Allí pareciera que todos son extranjeros y se encuentran perdidos en una yuxtaposición de épocas, sentimientos y motivos. Habiendo radicado allí, el novelista boliviano escribió una novela sobre el desarraigo. Tres historias marchan sobre su correspondiente tiempo: la de Jesús, un asesino serial mexicano que escribe su propio Libro de las revelaciones ba jo la consigna del Kill Them all; una malograda pareja de universitarios (ella de padres bolivianos y fan de los cómics) y la vida de Martín Ramírez, quien desde un manicomio gringo se convirtió en una figura del art brut a mediados del siglo XX. La frontera los ha cruzado a todos –y no al revés–, los ha desdibujado. De ambos lados se siente la desolación sin importar que los años pasen. Distintas formas de violencia terminan por imponerse. Como dice uno de los persona jes: “La muerte sólo aceleraba el proceso gradual de descomposición en el que se hallaban todos inmersos desde el momento en que nacían”.

T X T: : J ua n Ca r l o s H i da l g o .

Yuri Herrera Señales que precederán al fin del mundo Otra interpretación –en clave de los mitos prehispánicos– del viaje hacia el norte de gringolandia.

Edmundo Paz Soldán Los vivos y los muertos La primera novela de este boliviano de fuerte presencia en el medio internacional.

Roberto Bolaño 2666 Una obra tremenda en que también se especula sobre la naturaleza de la violencia en aquella región –con las muertas de Juárez como trasfondo–.

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L I B R O S 3 x 1

Sigue la columna de Chema Solari en www.marvin.com.mx

T E L E V I S

La televisión ha infundido nuevo vigor a la forma de narrar historias.

De manera audaz y constante ha reinventado Existe cierta ironía en que el último su forma, incorporando episodio de la cuarta temporada de Mad Men un cúmulo de influencias llevara el ominoso título de Tomorrowland: no sólo divergentes en una fuerza transcurrieron 534 días (muchos de ellos tortuosamente trascendente, digna de sobrellevados con la fuerte posibilidad de que la serie no reconocimiento. Sin regresara) para su retorno, sino que también la ópera prima de embargo, existen aquellos Matthew Weiner se ha distinguido desde sus inicios por sus arcos de que aún se refieren a ella historia dramáticamente tensos, donde la imprevisibilidad reina suprema. como “La ca ja idiota”.

Si esperabas leer qué depara el futuro para uno de los dramas televisivos Éste es el espacio que más sofisticados y ambiciosos en la historia, lamento decepcionarte. Envuelta en un velo de misterio, lo que sí sabemos es que la quinta entrega de la saga (cuyo refuta y se indigna ante esa máxima. Aquí haremos estreno en EU, fue el 25 de marzo con un capítulo de dos horas) inicia en un tono recomendaciones y reseñas peculiar e insólito: la agencia, Peggy, Betty, Joan y particularmente nuestro anti-héroe de lo mejor que la tele Don Draper, se situan en encrucijadas que definirán el rumbo de cómo su historia se actual tiene para ofrecer. desplegará de aquí al final del show (Weiner ha prometido la conclusión en la séptima).

El séptimo capítulo, "The Suitcase", es una de las obras magistrales que ha brindado la TV en los últimos tiempos (si no es que en toda su lustrosa historia). Su ritmo narrativo basta para ejemplificar que, visto desde este prisma de serena indiferencia que en ocasiones se sentía restringido y mitigado –casi como las emociones de sus persona jes– incrementó a lo largo del relato de manera tan gradual y elegante, que al llegar al punto de ebullición y explotar de manera colérica, uno no podía más que sentirse anonadado por la sucesión de viñetas tan emocionalmente imponentes.

Siguiendo la curva natural de la historia, esperamos más revelaciones y giros inesperados que ilustren la metáfora de cambios drásticos, que transformaron al mundo radicalmente en la década de los sesenta. Olvida el hype visual, la nostalgia y la opinión de publicistas: Mad Men es una de las grandes historias obligadas de hoy día.

T X T: : CHE MA S OL A RI . @chemasolari

I L Ó N

a í d n e oy h e d a d ga i l b o

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Nostalgia

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LOS VENGADORES Director: Joss Whedon Reparto: Robert Downey Jr., Chris Evans y Scarlett Johansson Género: Ciencia ficción País: E.U. Año: 2012 Algo tienen las cintas de súper-héroes, que sus sagas son tremendamente exitosas. Supuestamente las hacen para el público juvenil, pero los adultos se regodean con sus tramas. Y no lo será menos una de las cumbres de Marvel Comics, que ahora comienza sus entregas. A la presencia de persona jes fundamentales como Iron Man, Hulk, Thor y Capitán América se agregan secundarios tan buenos como Ojo de Halcón y Viuda Negra, encarnada por Scarlett Johansson. Convocados por Nick Fury, juntos tendrán que salvar al mundo –obviamente–. No hace falta mayor complicidad, si la puesta en escena es eficiente, el resto funciona. Nadie espera hallar tensión dramática o una carga extra de lengua je cinematográfico. Se trata de una película de género que dejará satisfechos a los devotos al noveno arte, mientras que los puristas amantes del séptimo deberán permanecer distantes. Con este tipo de películas uno sabe lo que espera y no obtiene nada menos pero tampoco nada más. Hasta los actores se divierten de lo lindo con todo y que son estrellas consumadas.

C I N

UN MÉTODO PELI GROSO

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Director: David Cronenberg Reparto: Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Vincent Cassel y Keira Knightley Género: Drama histórico País: Reino Unido, Alemania y Canadá Año: 2011 Apenas en la pasada Muestra Internacional de Cine vimos Confesiones en el diván –sobre la relación entre Freud y el compositor Gustav Mahler–, cuando ahora nos llega otra visión sobre el padre del psicoanálisis.

En vísperas de la Ira Guerra Mundial, entre Zúrich y Viena transcurre una historia mitad intelectual y mitad sexual, que influirá en el desarrollo del pensamiento moderno. El filme trata sobre la relación entre el psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielrein, además de Otto Gross, un paciente libertino que está dispuesto a rebasar todos los límites. La reunión de los cuatro será decisiva en sus respectivas vidas y carreras. Se trata de una exploración de la sensualidad, la ambición y el engaño. La eclosión de tan célebres figuras en manos de un director tan solvente y denso como David Cronenberg no puede sino sacar chispas. El cineasta se basó en una obra de teatro que adaptaba una novela, así que el proceso estaba de sobra probado.

No deja de ser interesante que la película devela aspectos poco conocidos de estos humanistas: "Sabina contribuyó mucho al desarrollo de las teorías de Freud y Jung... esto no se supo hasta que se descubrió la correspondencia que mantuvieron los tres”, explicó Cronenberg. Imperdible.

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ROCOCO

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En un mundo donde los muebles se venden listos para armarse, y en el que uno puede comprar una silla hasta en un supermercado, también existe Rococo; una tienda donde el arte y el diseño son sinónimos. Restaurando antigüedades, Rococo diseña su propio mobiliario con la ayuda de algunos de los artistas y diseñadores más talentosos de México, lo cual funciona como una plataforma para el talento. Con sus textiles, pisos, salas, blancos y comedores, Rococo no sólo crea objetos, además, imprime pasión y arte a cada una de las piezas, combinado lo moderno con lo clásico, para reinventar el estilo rococó de manera irreverente y eclética.

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México DF Twitter @Rococo_Lab www.rococo.mx

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NADANDO CON TIBURONES

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Si eres fan del teatro y fan del café, NESCAFÉ Decaf y Marvin te invitan a disfrutar la obra de teatro Nadando con Tiburones. Tenemos 10 pases dobles para las primeras personas en contestar las siguientes preguntas.

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1. ¿Quiénes de los siguientes actores conforman el elenco de la obra Nadando con Tiburones? a) Ana de la Reguera, Demián Bichir y Alfonso Herrera b) Kate del Castillo, Demián Bichir y Miguel Herrera c) Ana Claudia Talancón, Bruno Bichir y Diego Luna d) Ana Claudia Talancón, Gael García Bernal y Alfonso Herrera

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2. Completa la frase de NESCAFÉ® DECAF®: SIN cafeína SIN:____________ a) Preocupaciones b) Límites Participa en esta y más trivias de Nescafé c) Pendientes www.marvin.com.mx/promo 3. Menciona los temas de nuestras ediciones número 30, 46 y 96.

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Qué pasó entre Avándaro y el Vive Latino? La evolución. La llegada de OCESA permitió que en México disfrutáramos de producciones musicales muy fastuosas. En el pasado hubo intentos admirables, como el de los hermanos Castro cuando tra jeron a los Doors, o aquel memorable concierto de Union Gap en el Estadio Azul. Yo mismo tuve la oportunidad de abrirle a Tower of Power. Después OCESA tra jo a INXS –creo que fue el primero– y de ahí pal real: Billy Joel, KISS, Santana, los Rolling… hemos gozado de grandes espectáculos sicodélicos de luz. ¿La gente es mucho mejor portada? En cada generación hay gente que se le alebresta. En los 60, cuando proyectaron la película Rey Criollo en el cine Las Américas, se armó un zafarrancho terrible que derivó en la prohibición del rock. Hubo otro caso, el del programa Rock 730 que conducía el Gallo Calderón en Telesistema Mexicano, años antes de que existiera Televisa. Los chavos de entonces hicieron destrozos afuera de los estudios; hasta voltearon unos carros. Creo que hay de todo: punks violentos, darks violentos y fresas violentos. Hay bandas que te invitan a hacer slam como Green Day. Otros, como Stratovarius, hacen música clásica que sólo te dan ganas de escuchar. No tiene nada qué ver la música que escuchas con lo agresivo que te puedas poner. Eso sí, en Avándaro había más hippies que nada: la filosofía era amor y paz. Entre la famosa encuerada de Avándaro y las chicas que enseñan los senos en el Vive, ¿con quién te quedas? Es una pregunta complicada. El sexo es una cosa sagrada, un acercamiento con el espíritu a través del cuerpo. Un desnudo femenino en el arte es bellísimo, pero que una chava se las saque en el Vive se me hace algo vulgar. En Avándaro había encuerados, sí, pero estaban en el lago o en la cascada, lo que lo convertía en algo natural. En el Vive les gritan cosas muy agresivas a las mujeres, eso no está bien. Me parece tan ba jo, como las canciones de las Ultrasónicas. ¿Qué es eso de “Vente en mi boca”? ¿Y de la mariguana al cristal? Me quedo con las drogas psicodélicas. Los de mi generación las probamos, pero siempre con la intención de abrir nuestra percepción, tal como lo dijo Aldous Huxley, de quien The Doors tomó su nombre gracias al libro Las puertas de la percepción. La coca y las tachas sirven sólo para idiotizarte. ¿Te gusta la frase "los tiempos pasados fueron mejores" o prefieres mantenerte al día? Claro que no, prefiero mantenerme al día. Mi inquietud es la vanguardia. Muchos de mis amigos que fueron rockeros en los 60 quieren morirse tocando sus éxitos de toda la vida: “Pólvora”, “Tus ojos”… ¡No! Yo prefiero construir.

El rock ya ni siquiera existe en su estado puro, lo que distingue a la música del Siglo XXI son las fusiones y quien no lo entienda está fuera. Yo tengo influencias de muchísimas partes e intento escuchar toda la música que puedo. Por eso ya ni siquiera me gusta hablar tanto de Avándaro; son ya 40 años de platicar la misma historia.

Ahora hay tanto qué escuchar; bandas de heavy, de punk, de gótico… ¿También de indie? Mmm… Creo que ése no lo conozco.

Literalmente se refiere a la independencia, aunque ahora se califica al indie como un sonido: digamos que grupos como Zoé o… Zoé es una buena banda. Me tocó verlos ensayar en los estudios de EMI. Me gustó su sobriedad, aunque no es la música que me fascina.

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