Revista Marvin 107 :: Pop

PRESIDENTE Y EDITOR EN JEFE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com

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DIRECTOR DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com

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ECTORI R I

CO-EDITORA Y COORDINADORA GENERAL JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com

DISEÑADORA GRÁFICA DONAJÍ CRUZ dona ji@revistamarvin.com EDITOR WEB ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS roberto@revistamarvin.com REDACTOR WEB Pablo PULIDO pablo@revistamarvin.com CORRECTOR DE ESTILO fEDERICO RUBIO ASISTENTE DE DISEÑO DAVID HERNÁNDEZ WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com PRODUCTORA YAMILY CHIQUINI yamily@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com ADMINISTRADOR Y RESPONSABLE SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com RESPONSABLE DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luis Arce, Mariel Argüello, Manú Charritton, Hugo García Michel, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Artemisa Hernández, Óscar Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Rodrigo Jardón, Malfi, Alejandro Mancilla, Juan Maya, Paola Tinoco, Rafael Toriz, Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Rettally, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

MVN 107 :: POP SKY FERREIRA MYKKI BLANCO NATALIA LAFOURCADE

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MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez.

Edición 107 correspondiente a: DICIEMBRE 2012 - ENERO 2013. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102.

MARVIN es una Marca Registrada.

CARTA TORIA DI .

L

E

POP. Tres mugrosas letras, que apenas son suficiente para ser consideradas una palabra, capaces de mover a miles de chicas y chicos en frenéticos ataques de baile y gritos, una palabra que cambió el arte y con ello toda la estética del mundo; la hemos reinterpretado miles de veces, acomodándola a nuestras caprichosas necesidades. De la simple definición de diccionario que refiere su raíz popular (“del pueblo”) a la mala palabra en la que se ha convertido al asociarla con coreografías complicadas y canciones simples; el pop ha tenido miles de caras.

Hacer este número dedicado a tan voluble y controversial término, fue una tarea difícil que buscaba empujar los límites de nuestra propia línea editorial, retando lo que Marvin puede decir, de lo que hablamos mes con mes.

Esta intención francamente descabellada (quizá explicada por la epidemia de gripe que atacó nuestra oficinas editoriales, forzándonos a trabajar en un constante estado de fiebre) se ve claramente reflejada en nuestra mutante portada. Tres mujeres, de las que no se sabe lo suficiente, nos proveen de tres posibilidades de pop: Sky Ferreira, a simple vista tan similar y complaciente al pop de revistas estúpidas, que existen bajo la estúpida premisa de que los adolescentes son estúpidos, es en realidad una apuesta a otro semblante del género, elegante y propositivo. Mientras que el rapero transgénero Mykki Blanco es quizá el ejemplo más fiel de lo que la cultura pop ha construido en los pasados 50 años; algo de Madonna, Prince, Tupac y Bowie se encuentra en la embriagante mezcla que el rapero confecciona en sí mismo y su obra. Por otro lado la figura de Natalia Lafourcade muestra, con gran elegancia, nuestros orígenes, nos enfrenta con Agustín Lara en su disco homenaje: Mujer Divina, en el cual de la mano de colaboradores tan grandes como Devendra Banhart, Vicentico o Gilberto Gil, nos reencuentra con otra definición de pop, la del pueblo, en este caso, el mexicano.

Nuestra páginas, son para ustedes, queridos lectores y en ellas queremos –ahora más que nunca– hablarles de cosas nuevas, de maneras nuevas; queremos en este número enfrentarlos al pop, sin maquillaje, hacer que ustedes, como nosotros, reten su connotación y es que al final, la palabra pop puede contenerlo todo. JIMENA GÓMEZ ALARCÓN / @jimena_blue

MVN

107 r en po

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CINE

s caras del p op :

72 DE CULTO. Delicias turcas.

Cuando el cine en Turquía se volvió pop.

ARTE

62 Marco Colín. Arte feliz.

64 Galería de arte. Ana Benaroya. What is pop? Baby don’t hurt me.

68 Cómic. Cabeza de tele.

S ky F erreira , M ykki B lanco y N atalia L afourcade 10 BREVARIO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

MÚSICA

17 Marvin Teen Pop: Primera edición.

18 Las nuevas boy bands.

20 K Pop: A pop star Factory.

22 Especial de quinceañeras: Discos que cumplen 15 años.

26 #NewKidInTown.

Porque la moneda del hype tiene dos caras: Reptile Youth 28 COORDENADAS. Nuevos talentos musicales 30 The Vaccines. Entrevista con Freddie Cowan y Pete Robertson. Una banda punk encerrada en una banda pop.

32 Passion Pit. Entrevista con Michael Angelakos.

Todo menos música ligera.

34 Memory Tapes.

Entrevista exclusiva con Dayve Hawk. Dream pop para ermitaños.

35 Peaches. Entrevista con Merrill Beth Nisker.

Una mujer con muchos pelos en la lengua.

36 Entrevista con Boy George. Recordando a la verdadera diva pop.

37 Toro y Moi. Música como arte pop.

38 Dirty Projectors. Entrevista con Nat Baldwin. La suma hace la fuerza.

40 Lo mejor y lo peor del 2012.

70 DE CULTO. El pop español mola.

Grupos que te harán recordar el pop en tu idioma.

70 DE CULTO. ¿Hemos creado monstruos? Hijos del tío Andy.

literatura

56 10 escritores de la era afterpop.

fotoREPORTAJE 52 Consumir es pop.

publiREPORTAJE

58 Beetle Fender. La unión de dos íconos pop.

COLUMNAS

76 Bajo Presupuesto.

El pop y cómo (no) lograrlo.

Por Hugo García Michel.

76 Off The Record.

Y soy rebelde cuando me siguen los demás.

Por Juan Maya.

77 El cuaderno amargo.

La novela gráfica y la novel en fragmentos: ¿El pop en los libros de hoy?

Por Paola Tinoco.

RECOMENDACIONES 78 Música 84 Cine 85 TV 86 Gadgets y Estilo

88 EL PILÓN. Top 30 pop songs, ¡en inglés! ¡La lista que no te puede faltar!

P

E

PECTI V A

Pop. del latín populāris, es decir, “perteneciente o relativo al pueblo, que es peculiar del pueblo o procede de él".

RS

Ilustraciones: Marco Colín www.marcocolin.com @MarcoColin

BREVARIO

—CINE

10º festival internacional de cine de morelia (FICM) cuando

Para celebrar los diez años del evento, Dos Equis solicitó al artista Petri Pirata diseñar una botella edición limitada inspirada en el séptimo arte.

Agradecemos a Dos Equis por todo el apoyo para la cobertura del festival.

10

Pop

se visita otra ciudad, pensamientos acerca de dónde se encuentra uno en la vida aparecen sin control. Lejos de aquellos caminos que tomamos diariamente para ir al hogar, al trabajo o a la escuela, lejos de las mismas personas e historias, nuestra alma sabe que puede adoptar las cualidades que quiera, nadie le conoce y por lo tanto se torna divertido fingir ser otra persona, pues a fin de cuentas nuestra perspectiva se construye de pequeños fragmentos de todas partes: así se sintió el 10º FICM (del 3 al 11 de noviembre), como una oportunidad para ser el protagonista de distintos dramas, un viaje al mundo del “cómo sería” para regresar y comprender que lo que se proyecta en la pantalla grande no son ficciones, sino una invitación a explorar nuevas direcciones.

El FICM presume de una magia que otros festivales no tienen, la de inmiscuir al público en narraciones que lo identifican sin importar sus particularidades. Basta con descifrar su cuidadosa Selección Oficial compuesta por directores que conocen el contexto general de la humanidad, y que además premia al producto hecho en su propia casa (Sección Michoacana, Concurso Michoacano de Guión).

Cada vez que se apagaban las luces de la sala se debía estar preparado ante cualquier sorpresa, pues no sabías en qué personaje podías reconocerte, palabra clave en No quiero dormir sola de Natalia Beristáin -elegido como Mejor Largometraje Mexicano- el cual aborda de manera honesta el tema de la soledad y la búsqueda de fugaces pasiones que curen un sentimiento que relaciona –irónicamentea millones de personas. I Hate Love de Humberto Hinojosa se levantó como la favorita del espectador debido a su premisa de que el ser humano madura con cada golpe al corazón. Pedradas por doquier.

El FICM es un lugar para los que buscan solidaridad, un espacio para las ideas, sin fijarse en cuán incoherentes sean, lo que importa es comunicarlas (no cualquier evento se atreve a realizar una muestra compuesta por Ernst Lubitsch, James Whale, Christian Petzold, Manuel Mur Oti y Sally Potter).

A pesar de que el festival concluyó su décima edición, no significa que la ilusión haya terminado, todo lo contrario, serán 365 los días que tendremos para meditar sobre qué nueva identidad adoptaremos en Morelia el próximo año.

BREVARIO

—CINE

VI Convocatoria de Animasivo foro de Animación Contemporánea dentro de nuestra mente existen

Las mejores diez animaciones serán incluidas en el DVD oficial del Foro.

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Pop

mundos tan complejos que se necesitan de más herramientas para expresar lo no habitual. Bajo este axioma surge la animación, técnica recurrente para transformar al entorno en una miscelánea de imposibles quizá más coherentes que la propia realidad.

“¿Crees que estás viendo lo mismo que yo?”, es la típica expresión del ser humano cuando está frente a lo desconocido, y también es el lema de la VI convocatoria de Animasivo, la plataforma más importante en México en promoción y difusión de dichos proyectos, en la que se invita a realizadores de todo el mundo a explorar otros imaginarios.

Podrán participar todos los trabajos realizados a partir de enero de 2011 hasta la fecha, la técnica es libre siempre y cuando el autor tenga todos los derechos de su creación. Serán tres los ganadores elegidos por un jurado especialista en el mundo de la imagen visual, los premios serán de 60, 40 y 20 mil pesos al primero, segundo y tercer lugar respectivamente.

Animasivo forma parte de las actividades del FMX, Festival de México en el Centro Histórico, el cual celebrará su 29ª edición del 9 al 19 de mayo en el Distrito Federal.

La Selección Oficial se presentará en una ceremonia especial en el Museo Universitario del Chopo.

Si crees que tu proyecto vuela la cabeza, no dudes en inscribirlo ya que la fecha límite para hacerlo es el 7 de marzo de 2013. Consulta las bases en www.animasivo.net y www.festival.org.mx.

BREVARIO

—CINE

CutOut Fest 2012 considerado

Gracias a los patrocinadores del festival, cada año se incentivan a los realizadores con premios valuados en 1 millón de pesos.

Agradecemos el excelente trato que tuvimos por parte de cada una de las personas que conforman el #COF, para ver video y obtener más información de lo sucedido visita: www.cutoutfest.com.

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Pop

un obligado referente en la producción y difusión de las nuevas técnicas creativas, el Festival Internacional de Animación CutOut Fest 2012 celebró con éxito su cuarta edición del 1 al 3 de noviembre en la ciudad de Querétaro con proyecciones, conferencias y talleres en torno al mundo animado.

Entre los afortunados ganadores de las distintas categorías están Andrew Huang (Corto Experimental), Pierre Ducon y Bertrand Bey (Corto Narrativa), Przemyslaw Adamski y Kijek Katarzyna (Videoclip) y Mario Pérez por Mejor Corto Universitario. También vale la pena destacar a los galardones especiales como el Premio Especial NEC (recibido por Paulin Cointot, Dorianne Fibleuil, Antoine Robert y Maud Sertour), Premio Especial Graco Films (Luis Israel López Castañeda), Premio Especial INDIO (Alejandro Ayala) y Premio Especial SAE Institute (Manuel Ortiz Hunger).

El festival también llevó a cabo varios concursos en apoyo al talento joven, como el Return (Code II Die), dirigida a programadores para diseñar una app de promoción del festival; el Insólito Mundo CutOut Fest, rally de un día en el que diez proyectos compiten por su realización, y la competencia para formar parte del Festival Mórbido.

El programa educativo de este año estuvo integrado por pláticas en torno a software y cultura geek.

Entre los invitados de honor estuvieron la productora PostPanic, el estudio de diseño Hey Hey Hey, el colectivo Marshmallow Laser Feast y los artistas Florentijn Hofman (quien realizó una obra a propósito del Día de Muertos, una mosca gigante muerta, que muy bien encaja con su estilo de grandes esculturas en espacios públicos urbanos), Shimbe Shim, Jon Burgerman y Saner, estos últimos realizaron un mural en el marco del festival.

El próximo año será muy importante para el CutOut Fest ya que con las predicciones que trae consigo el fin de una era, nuevos y ambiciosos mundos animados inundarán su 5ª edición.

BREVARIO

—ARTE

Sueños sobre Ruedas Una enorme urbe como lo es la Ciudad de México puede llegar a parecer caótica,

Sueños sobre ruedas forma parte del circuito Galerías Abiertas, el cual albergará sólo exposiciones ambientales.

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Pop

entre tantas personas y automóviles circulando por todas las calles –siempre contra reloj–, lo último en lo qué pensamos es cuidar nuestro entorno.

Han pasado seis años desde que la Secretaría del Medio Ambiente del Gobierno del Distrito Federal implementó un nuevo plan para convertir a la ciudad en un espacio ecológico y dinámico, además de ofrecer una imagen diferente a sus habitantes tan agobiados por las actividades diarias.

Gracias a la Estrategia de Movilidad en Bicicleta (EMB), en conjunto con los programas Muévete en Bici (y muchos otros programas más de culturización) y el Sistema de Transporte Individual Ecobici, la población ha encontrado una manera más eficiente y sustentable de llegar a sus destinos.

Pedalear de manera segura ya es una realidad, pues como parte de la EMB se ha implementado la infraestructura y equipamiento necesario para que la bicicleta se convierta en el medio de transporte más importante del Distrito Federal.

El libro y la exposición Sueños sobre ruedas. Memoria gráfica de la Ciudad de México (2006 – 2012) reúne los logros e historias que han surgido de una creciente culturalización de la bicicleta; a través de datos duros, retratos hablados, ensayos y minificciones, se explica la importancia que ha cobrado este móvil dentro del objetivo de promover una conciencia del medio ambiente.

La muestra, compuesta por 80 fotografías e inaugurada por Martha Delgado Peralta, Secretaria del Medio Ambiente del Distrito Federal, se encuentra montada en las rejas del Bosque de Chapultepec, sobre Reforma y está abierta a todo el público hasta el mes de enero.

discos que cumplen 15

¡ L A REVISTA M Á S COO L DE M Ú SICA !

2NE1 ry ar facto A pop st

G-DRAGON

GIRLS GENERATION

PSY BIG BANG

Sex Pistols

WONDER GIRLS

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rtines e b i L e Th

mún One ¿Qué tienen en co ccines?

Direction y The Va

the strokes

TXT:: Alejandro González Castillo

n omú c n e nen The e i y t n é o u The Strokes ti ¿Q irec D e On ines?

Señoritas hipsters que pierden la compostura en decenas de festivales Vacc veraniegos alrededor del mundo, responden que sí. Años antes esta

s, Grito y s a im r os lág s chic s o L . s a o y ic r a t desm aras eléc da vez it a u c g , s á n co enario oym an es bre un esc grantes c o v o pr an so e los inte reet e par d t que s se tratase Backs nte a o los i e r s n f o io s t fía com ne Direc unta eogra de O ciendo cor ns. La preg s e a a f k h s Stro Bo ys, squiciada o The ían m e o d c s r su rupos s pod es: ¿G e Vaccine o boy m o c o Th arse calific b ands?

reacción de lágrimas y gritos le pertenecía a The Beatles; ante ellos las adolescentes enloquecían cada vez que sacudían la cabellera, a tal grado que no permitían que se escuchara lo que escupían sus amplificadores.

Entonces había mucha tensión sexual y muy poca música, pero la culpa –al final– la tuvo el rock & roll porque, a diferencia del blues o el jazz, una vez que a este género le cambió la voz decidió que el espejo sería su mejor compañero. Por eso la sensualidad de Elvis mató a la buena onda del cachetón Haley, y por eso también los Monkees (quizá el primer producto netamente fabricado con goma y vendido por la TV como si contara con alma) le tomaron el pelo a chicas que, incluso, se atrevieron a compararlos con The Beach Boys (por cierto, busquen en YouTube “Surfin USA” y chequen las coreografías de esos californianos).

o ys ach B

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Así como Brian Epstein uniformó a Lennon y a los suyos para quitarles el filo de teddy boys con el que contaban, Malcolm McClaren mal aconsejó a un puñado de punks ingleses que se hacían llamar Sex Pistols. Se trata, en apariencia, de polos opuestos, sin embargo ambos grupos contaban con una identidad estética perfectamente trazada por una mente maestra, justo como las boy bands. Y si de fachas hablamos, la perfección sería alcanzada por los Ramones: un quinteto de gamberros cuya actitud marcaría el estándar de lucir provocador –y encantador al mismo tiempo–. The Strokes aprendieron bien ese truco, y también The Libertines; un par de combos que, si presionamos el botón de mute, bien podrían pasar como un conjunto de modelos incluidos en la nómina de la Elite Model Management (nada menos que la empresa que, curiosamente, lidera el padre de Julian Casablancas).

The Vaccines

The Drums

Sex Pistols

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Pop

Pero no todo ha sido “desobedecer”, también los bien portados despiertan pasiones entre las fans.

Porque así como en Take That o Menudo hubo personajes cincelados delicadamente (del rudo de mala cara al tierno rompecorazones), grupos como The Smiths, Blur y The Drums han formado con su lindo y perfumado perfil una consistente hilera de chicas que escurre saliva apenas alguno de sus ídolos enseña los dientes; mientras otros más salvajes, como Black Rebel Motorcycle Club y The Vaccines, ponen su cara más ruda en las sesiones de fotos para así ganarse el lugar de honor en las paredes de las habitaciones donde duermen las niñas más desobedientes de la secundaria. En ese rol, Kurt Cobain, al mando de Nirvana, ocupa la pasta de tantos cuadernos escolares como lo ha hecho Ricky Martin. Y es que así como en los noventa miles de corazones se ablandaban cada vez que los New Kids on the Block hablaban de sus desencuentros amorosos, la congoja se apoderaba de las adolescentes que descubrían que Cobain era tan dulce y delicado como una dona glaseada, pero al mismo tiempo se mostraba lo suficientemente molesto como para usar su guitarra como una hacha. Desafortunadamente Cobain jamás pudo con el peso de convertirse en estrella.

La realidad es que las cantidades de dinero, drogas, groupies y lamebotas que los integrantes de una boy band poseen son similares a las que tienen a su alrededor los grupos de rock; sólo que los primeros gozan a tope su condición y los segundos regularmente fingen lamentarse. Y aunque los rebeldes lo nieguen, en realidad todos los rockstars se encuentran sujetos a los planes de su sello disquero y están obligados a entregar cuentas claras a los empleados de la empresa que ellos mismos regentean (eso de que son “libres” dista mucho de ser real). Por otro lado, si se realizara un estudio respecto a cuánto tiempo pasan los músicos de rock frente al espejo –ensayando su mejor pose, calibrando a qué altura deben colgarse la guitarra y lo más importante, practicando saltos cada vez más altos sin que estos les impidan desatender el diapasón de sus instrumentos– se llegaría a la conclusión de que este ejercicio resulta infalible a la hora de los conciertos, cada movimiento practicado hasta verse casual es el equivalente a las horrendas coreografías que los chicos plásticos ensayan durante horas, también –por cierto– frente al espejo.

The Libertines

Oasis

Nirvana Cobain jamás pudo con el peso de convertirse en estrella y su suicidio tuvo lugar una vez que descubrió que, a nivel mediático, entre él y ’N Sync pronto no habría mucha diferencia.

The Hives

Regidas bajo las leyes del pop, las boy bands del rock & roll coleccionan adulaciones gratuitas con naturalidad. Ha ocurrido desde los Rolling Stones hasta The Hives, pasando por Oasis y los Artic Monkeys.

Fenómenos de ventas al fin, nos seguiremos topando con ellos y sus modos en las tapas de revistas, en las primeras planas de la prensa rosada y encima de toda clase de tarimas; sonriendo, llevando a cabo sus estudiadas coreografías. Y tal como las niñas gritonas que berrean por un guiño de Bieber, vamos a fingir que no pasa nada grave; que estamos frente a sujetos que no han vendido ni un gramo de su integridad y que no aceitan el vulgar engranaje de la industria del entretenimiento con sus canciones. Vale la pena creerles cuando dicen que estar de moda les importa un carajo y que su oficio es uno: el rock & roll. Después de todo, tal como ocurre con las boy bands, la ilusión forma parte del contrato, ¿cierto?

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¡Tienes que oir "I'm The Best"!

2NE1

Antes de debutar, Dara, Boom, CL y Minzy estuvieron preparándose por más de 4 años para ser estrellas solistas, pero al final la disquera decidió que funcionaban mejor como grupo, ellas dicen que son mejores amigas de por vida. ¡Qué lindo!

el inaste m o d a ¿Y allo? el cab bail e d ticar! a prac e t n o ¡P

BEAST S.M. Entertainment, YG Entertainment y JYP Entertainment son los tres pilares del pop coreano, juntos son dueños de una industria cuyas ventas anuales (estimadas) son de 70 millones al año. ¡$$$$!

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Pop

Las chicas de 2NE1 tienen un reality, se llama 2NE1 TV y lo puedes ver online.

factory r a t s p A po

PSY

Yang Hyun-suk, ex miembro de Seo Taiji and Boys, es el fundador de la disquera YG Entertainment, casa de 2NE1, PSY y Big Bang. Es decir que además de saber cantar y bailar, es súper millonario. ;)

¿Sabías de las c que ninguna h 2NE1 pu icas de novio? L ede tener firmar c a disquera, al debutar, ontrato para perman las obligó a e durante cer sin pareja subsecu los cinco años primer dentes a su isco. :0

DBSK Hace tres años la banda Dong Bang Shin Ki demandó a S.M. Entertainment, su disquera, pues su contrato además de durar ¡13 años! no les daba casi nada de sus ganancias. ¡Ojo!

Escuch a “Hug” y enamórate

de estos chicos.

AUDITIONS Miles de chicas y chicos (algunos de tan sólo 11 años) audicionan cada año para convertirse en aprendices, si lo consiguen entran a un entrenamiento durísimo, casi no duermen, comen, o hacen otra cosa más que ensayar. :/

¡G-Dra gon

BIG BANG

¿Ya viste el video de “Monster”? ¡Súper loco!

Preparar a un grupo o artista pop para debutar cuesta mucho dinero. Entre estilistas, maquillistas, vestuario, productores y más cosas, toma hasta un millón de dólares. ¿Lo puedes creer?

a meses En 2007, r, varios de debuta Bang s de Big miembro ados ospitaliz fueron h emo. ncio extr a s n a c r po

¡Checa la versión japonesa de “Sorry, Sorry”! ¡Está increíble!

SUPER JUNIOR Bandas como Super Junior, a pesar de ser coreanas, hacen mucho más dinero en Japón, donde las fans compran no sólo discos, sino también mochilas y demás cosas Kawaii. u_u”

también es solista!

Busca On e of A K ind.

G-DRAGON

G-Dragon hace El chico malo del K-Pop, ándalo por esc un ó voc pro s unos año e que pensó que fumar marihuana. Él dic es? XD cre era un cigarrillo, ¿tú le

GIRLS GENERATION p?

tas K-Po h a y die e u q s ¿Sabía s. :/ extrema r e p ú s Son

Tiffany de Girls Generation ha sufrido mucho por su peso y es que aunque no está gordita, su cuerpo no tiene la forma perfecta S-line que toda K-Pop Star debe tener.

Es como 2NE1, pero más sexy. :D

WONDER GIRLS

nuevo it o Wonder Girls (el Cuando grupos com ndo o en gira, no ven a su na group) están entre , incluso años. :( es es m r po ilia fam

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en Hard Normal Daddy tuvo sentido. Las melodías, referenciales a videojuegos y al acid jazz, tan acido como el viaje de Dumbo en su película de Disney, crearon la combinación que no sólo empujaría la obra de Squarepusher a lo largo de 15 discos, sino que también abrió las puertas a otro nivel de experimentación.

umplen 15 discos que c En 1997, grandes discos llegaron al mundo. ¡Celebra con nosotros sus 15 primaveras!

Spiritualized / Ladies and Gentlemen We are Floating in the Space

La alegoría de los sentimientos traducidos aquí conduce naturalmente a esto que llamamos espacio. Ese afuera anómalo donde la especulación de las emociones cuenta secretos que sólo pueden revelarse a través de la música. Precisamente, la música es el secreto mejor guardado que tienen los hombres.

Jason Pierce entendió esto para crear una obra que hablaba de esperanza y desaliento, que trataba directamente con la humanidad, tal y como se concibe en el único lenguaje que todo el mundo entiende. “Damas y caballeros, flotamos en el espacio”, decía el boleto de entrada. Después de eso, nadie quiso volver.

The Notorious B.I.G / Life After Death

En cuestión de meses, un desconocido se convierte en héroe y luego en leyenda, la de un mártir, por supuesto. Sentenciado por una cultura que aprieta hasta reventar los dientes, y luego, sin menor aviso, dispara, Christopher Wallace, el nombre terrenal al que responde la figura de Nororious B.I.G, era un hombre cualquiera con una leyenda cualquiera. El mundo conserva de él su recuerdo, y dos álbumes que hasta ahora no conocen parangón. El primero, por su grandilocuencia y su magnífica elaboración; pero éste, el segundo, tomó todo lo que podríamos concebir como extravagante y fabricó con ello un universo particular, grato y arriesgado.

Squarepusher / Hard Normal Daddy

A finales de los noventa, el joven Squarepusher (o Tom Jenkinson, para familia y amigos) apenas había sacado un álbum, y se encontraba a punto de lanzar su primero con la (aún no) legendaria disquera Warp; la escena era un tanto confusa y él y su música lo eran aún más. El drum’n bass apenas tenía unos años establecido cuando una nueva camada de jóvenes ya estaba lista para darle la vuelta en direcciones más extremas. Jenkinson tomó el beat y lo hizo ir más rápido, parecía absurdo y no muy placentero para el escucha, pero

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Pop

Blur / Blur

Tras perder la batalla mediática contra Oasis, la banda decidió viajar a Reikiavik para alejarse del esnobismo del britpop (mismo que también gozaron) y encontrar una nueva dirección creativa.

Muchos creyeron que se esconderían durante algún tiempo para regresar victoriosos con un ejército compuesto de éxitos complacientes, pero lo que Damon Albarn y Graham Coxon preparaban tenía como eje los vicios y la sátira de la escena tanto británica como norteamericana. Cuando llegó el momento de presentar el material a la disquera, los altos ejecutivos se dieron cuenta de que no había ningún éxito en él, sólo psicodelia y complejidad técnica. ¡Misión cumplida! Blur no fue ideado para entrar a los número uno, sino para dar a entender que la fama es una ilusión podrida. De hecho, “Song 2”, ese tema que pensabas reflejaba tu inconformidad con el mundo, en realidad se mofaba de tu rebeldía de niño bueno.

Radiohead / OK Computer

El hablar sobre este disco se ha convertido en una cacería de brujas, tanto para quienes lo adoran como para aquellos que no encuentran una explicación a su enaltecimiento. Si bien es claro que se trata de un punto que define el antes y después de Radiohead (tanto en sonido como en discurso), es importante ser crítico sobre su lugar dentro de la historia. The Bends permitió –monetariamente hablando– a la banda trabajar con calma y cantar sobre consumismo, desequilibrio y agobio tecnológico, mundo del que comprendieron jamás escaparían y era pertinente resaltar.

Quizá detrás de OK Computer no haya historias sorprendentes o reinvenciones técnicas, pero no podemos negar que se trata del mayor exponente del hype hipermodernista, sin querer se ha impuesto como un objeto de adoración, un plan ideado por el destino desde la malevolencia de su título.

Portishead / Portishead

Para labrar este material la banda dejó atrás todo lo relacionado con su exitoso debut Dummy (1994); el 99% de la música fue compuesta por ellos mismos (canciones y voces fueron grabadas en vinilo para luego ser sampleadas dentro de otras) y Beth Gibbons dio a conocer su lado más vulnerable, al mismo tiempo que ejerció una mayor participación durante las sesiones en el estudio. El álbum es un paisaje en blanco y negro, el tono claro está compuesto por el jugueteo de su ejecución (placas y placas de arreglos), y el tono oscuro de letras influenciadas por la codependencia amorosa, la guerra y la ira. Una lúgubre manera de cerrar el primer capítulo de su carrera, así como de despedir al siglo XX.

Mogwai / Young Team

A diferencia de sus contemporáneos Godspeed You! Black Emperor, lo de Mogwai es más agresivo y directo. Es curioso que en el mismo año pero en polos opuestos del mundo, dos bandas decidieron hacer música instrumental que tiempo después sería

nombrada como post-rock. En Escocia siempre hace frío, situación por la cual un disco como Young Team no nos sorprende del todo.

Estas 10 canciones son paisajes helados que a veces son citadinos y a veces cambrianos. Sin duda los cinco miembros compusieron piezas que revolucionaron la manera en la que percibimos al rock.

Después de esto, dicho género dejó de ser verso-coro-verso, se hicieron a un lado los solos de guitarra y se dio la bienvenida a pasajes de instrumentación largos y contemplativos. La fórmula básica del post-rock la inventó Mogwai. Punto.

Depeche Mode / Ultra

Es cierto, Depeche tiene mejores discos; discos más completos y emblemáticos, pero Ultra bajo ningún parámetro ha de ser subestimado. Es un cambio de generación, la carta de presentación de este grupo a nuevos fans, es el primer video de la banda que centenares de veinteañeros vieron en MTV. Dentro de la mitología del grupo, tan amplia y fascinante, Ultra es también un eslabón fundamental, pues en él su esencia se mantiene viva en canciones como “Rush” y se expande en temas como “It’s No Good”; “Home” nos brinda las mejores notas que Martin L. Gore ha entonado y el conjunto marca un parteaguas en el sonido de la banda. A partir de ahí se volvió difícil saber qué esperar de estos ingleses, fue justo en este álbum cuando decidieron no dejar de reinventarse y eso es algo que, a una banda con más 30 años de carrera, siempre se les agradece.

Los Fabulosos Cadillacs / Fabulosos Calavera

Una vez que el combo argentino arribó hasta su décimo disco, tenía claro que debían exigirse al máximo y llevar su música un paso adelante. El camino elegido fue experimentar con jazz, tango y la salsa más fina, esa que distingue a Rubén Blades y que los llevó a grabar juntos “Hoy lloré canción”. La preocupación era crecer como compositores, arreglistas e intérpretes; y vaya que lo intentaron en “Piazzolla” y “Sabato” (homenaje al autor de El Túnel y Sobre Héroes y Tumbas). Se trata del penúltimo disco de estudio hasta su separación de 2002. La tensión entre ellos crecía y sólo eran paliadas a través de tocar. El álbum arroja reconocimiento de la crítica especializada pero el gran público prefiere recordarlo por los temas más accesibles: “El Muerto”, “Calaveras y Diablitos” y “Surfer Calavera”.

Daft Punk / Homework

El debut de un par de franceses que se hacían pasar por androides fue un cisma mayúsculo, un alfa-omega que reiniciaría la cuenta de la música del siglo XX. Cierto es que la electrónica vivía un apogeo y que The Chemical Brothers les dieron un empujón definitivo, pero la combinación de estilos y elementos potenció al exabrupto generacional. House y funk se fundían con un french touch de retrofuturismo. Thomas Bangalter y Guy-Manuel de HomemChristo reiniciaron el hedonismo través de “Around the World” y “Da Funk”, mientras que “Revolution 909” era un alegato a favor de la escena rave. Se trata pues de esos contados hitos de la historia musical que marcan un antes y un después. Hoy día sigue sonando tan fresco como cuando lo presentaron.

Elliott Smith / Either/Or En 1997 Elliott Smith no sufría tanto como lo haría años después debido a su adicción a la heroína. Smith era un genio para hacer canciones, lograba combinar la armonía de su voz con los acordes de su guitarra y piano. Todo el tiempo escribía canciones, 12 de éstas quedaron inmortalizadas en un disco que catapultó su carrera: Either/Or. En un año en el que todo mundo bailaba al ritmo del Homework de Daft Punk, Smith puso a la gente a escuchar con atención e identificarse con esa lírica tan honesta que ofrecía. Ya antes había lanzado dos discos, pero Either/Or fue el primero en el que incluyó más instrumentación, logrando temas mucho más completos. Smith murió en 2003. Se dice que se suicidó de dos puñaladas en el pecho, la verdad sólo la saben él y su novia Jennifer Chiba.

Godspeed You! Black Emperor / F# A# Infinity

En ese entonces, la música más densa que se había escuchado eran las composiciones clásicas: piezas interminables con un sinfín de movimientos y cambios bruscos de ritmo, hasta que llegó el debut de GYBE. Una obra completa, que difícilmente se puede separar en "canciones" y que una vez que se le dio play, se tienen dos opciones: o lo amas o lo odias. Cuando la banda decidió realizar este disco, su alineación se acercaba a las 15 personas, pero decidieron reducir el número a 10 para facilitar el trabajo. Al escúchalo con detenimiento, uno no puede más que evocar al fin del mundo, sin embargo, también existen momentos de paz y calma. La instrumentación va desde guitarras, baterías y bajos, hasta violines, trompetas, cuernos franceses, cellos y field recordings. Por si no era suficiente, el disco tienen fragmentos de un guión incompleto que Efrim Menuck escribió, la historia habla de un país gobernado por gente corrupta y drogada (nada lejos de la realidad). Todo junto crea una atmósfera de la que sólo puedes salir una hora después.

Björk / Homogenic

Cada tanto viene un álbum que redefine los parámetros que una artista se ha puesto a lo largo de su carrera, un disco que olvida a qué debe sonar o lo qué le gusta a los fans.

Homogenic es este disco. Existe la teoría de que sólo existen dos tipos de fans de Björk: los “vespertianos” y los “homogenianos”. Homogenic nació de un necesidad de reinvención, Björk después de grandes golpes en su vida personal, decidió volcarse al estudio y al hacerlo dejo todo atrás, se fue España, cambió de productores y decidió hacer un disco que en lugar de irse por miles de ideas, tuviera un tono homogéneo en cada canción. La portada, icónica por sí misma, nos muestra a una guerrera; “Hunter” nos reafirma esta cualidad de fortaleza; “Bachelorette”, cargada por cuerdas melancólicas y una letra que es poesía del más alto estándar, nos da un toque humano y abstracto. Es en la dicotomía de fuerza y vulnerabilidad que Björk busca homogenizarse a sí misma, recomponerse después de la tormenta.

TXT: Luis Arce, Jimena Gómez, Juan Carlos Hidalgo, Daniel Patlán y Pablo Pulido

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No te quede

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Sabemos que recibes una gran cantidad de información, la mayoría proveniente de los miles de blogs de música que a diario te dicen qué está de moda y a quién debes escuchar. En esta sección, nos damos a la tarea de poner las cosas en perspectiva y valorar por qué o por qué no debes escuchar al nuevo chico de la cuadra. De esa manera, podrás decidir si quieres recibirlo en tu iPod o enviarlo a la bandeja de reciclaje.

Escucha a Reptile Youth en www.marvin.com.mx/mas-musica

PRO

CONTRA

T X T : : Pablo P u lido . / @PabloPonciano

TXT:: LA VERDADERA APóSTOL DE LA GRACIA.

Nos encontramos en un punto de la historia en el que se cree que la música debe ser lo más compleja posible para tener sentido, credibilidad y trascendencia, cuando lo único que se motiva es la pretenciosa actitud de unos cuantos que osan en etiquetar lo que debemos escuchar y se deja atrás el verdadero objetivo de la melodía: hipnotizarnos, calmarnos, transportarnos a un lugar mejor lejos de la porquería (cualquiera que sea ésta).

Existen compositores y bandas tan ambiciosas que terminan por lanzar discos que sólo ellos entienden y algunos snobs tratan de (por citar algunos ejemplos Animal Collective, of Montreal, Battles, Four Tet), y que al momento de asistir a algún concierto de estos se dan cuenta del verdadero significado de la palabra subjetividad.

Actos que dejan todo en el escenario (prendas, cabello, sangre y sudor) como Fucked Up, Morrissey, Gossip o de plano GG Allin, nos recuerdan la importancia de la cercanía que debe existir con el público lejos de que sea “buena o mala” su propuesta, pues entre mejor sea percibida la música, mejor la satisfacción.

Aquí es donde entra Reptile Youth, un divertido proyecto integrado por dos veinteañeros que hacen bailar hasta al más intelectual con sus ritmos y letras cargadas de energía adolescente.

Su locura atrajo a Dave M. Allen (colaborador de Depeche Mode, The Cure, Scissor Sisters) y a Mark Ralph (Hot Chip, Digitalism), quien los guió en la grabación de su álbum debut, el cual contiene chispas y chispas de adrenalina nocturna.

Dentro del frenético mundo de Reptile Youth podemos apreciar la clara influencia de The Rapture, banda que con el paso de los años demostró su verdadero potencial, y que como ellos es muy probable que en algún punto nos entreguen algo tan apantallante como In The Grace Of Your Love.

Si eres de los complicados que se obliga a identificar con algo completamente ajeno a sí, recuerda que la juventud es un regalo que debe aprovecharse en el momento y con la música adecuada.

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Pop

Acá nos enfrentamos ante un nuevo monstruo, en esta ocasión viene desde Dinamarca, tierra nórdica de donde también salieron elfos, enanos y demás criaturas, tomando esto en consideración no habría de sorprendernos que la juventud reptil cuente con referencias tan coloridas y variadas como la mitología de su fría patria. Pero a todo esto, ¿cuál es exactamente la aberración, la deformidad tan peculiar, que los hace monstruosos? (además claro de las figurativas escamas de su joven piel) Pues para decirlo en una palabra: su inmensurable apetito (bueno dos palabras). Quieren comerse cada banda, canción y sonido que alguna vez oyeron y les llamó la atención, pero en esta necesidad de engorrarse de referencias se les olvida darse un poco de tiempo para digerirlas, y en lugar de hacerlas suyas, sólo las escupen en la misma forma que las consumieron, pero claro no tan bonitas.

En su primer disco, donde 12 temas batallan ferozmente por nuestra atención, es un muestrario de referencias tan obvias que hasta podría pasar como el repertorio de una banda de covers, pero no de cualquier bar de mala muerte –en esta extensa metáfora– se trata de un bar onda Roma, Alvaro Obregón o casi Río de Janeiro, donde suelen sonar (desde bocinas de bajísima calidad) The Rapture, un Placebo noventero, Soulwax, Hot Chip, Bloc Party y así una lista interminable de bandas cool para bailar sin dejar caer los Ray-Bans al piso. Este hecho, aunque quizá no precisamente fraseado como en estos renglones, seguramente le ha cruzado la cabeza a estos daneses, y es que sus referencias de cultura popular son tan obvias que hasta tienen una canción titulada “Be My Yoko Ono”, donde el coro dice algo así como “por ti rompo a mi banda”, poetas salieron los jovenzuelos. Bueno, quizá la simpleza de sus letras podíamos achacársela a que escriben en un lenguaje que no es el propio, supongo que en su natal danés podrían explorar esta idea de ego, amor, amistad y arte, más profundamente.

Escuché el disco 7 veces, ahora cargo como cruz y huella la tonadita silbada/tarareada de “Speeddance”. Está buena (tu, tutu, tu tu, dice alegremente). Al final, están morros, los morros.

Coordenadas es un sección dedicada a las bandas y proyectos a seguir, ya sea porque están editando nuevo material o porque sean propuestas emergentes interesantes.

Estas chicas se desataron por lo que les decía al hombro su diablito interior y dejaron al ángel a la deriva. O al menos eso es lo que sugiere irónicamente el nombre del proyecto. Ellas son Haciendo el Mal y su música tiene que ver con Zola Jesus, Grimes, Austra, Bat for Lashes y CocoRosie, además de James Blake y PJ Harvey. La cultura pop les ha dejado de herencia “la moda, los videoclips, y en general la búsqueda de una estética que haga resonancia con la música que realizan”. Algunas de las integrantes del grupo ya han militado en otros proyectos como Songs for Eleonor y Pau y Amigos, pero el sonido del grupo se aleja un poco de esas otras bandas y se adentra en otros terrenos como el folk, el pop y hasta la música barroca. Un buen y emotivo trabajo el de estas dulces chicas malas. “Una persona no puede estar haciendo el mal si está haciendo música o cualquier otra actividad creativa“. Supongo, entonces, que no son tan malas después de todo.

Origen: D.F. Integrantes: Paulina Lasa, Karen Ruiz, Macarena Guerrero, Hortensia Fuentes.

Fecha de formación: 2011 Su ícono pop es: Amy Winehouse.

Escucha: “Tengo que decirte” una deliciosa canción nostálgica. con tintes de indietronica, mezclados con canción de cuna pop. __________ /haciendoelmal666

Influenciados tanto por el pop del mítico sello español Elefant Records como por el post-punk inglés, así como por “los viajes, el enamorarse y las casualidades”, el dueto le apuesta a hacer de lo cotidiano algo increíble, “como le pasa a la chica del video de ‘Take on Me’ de A-Ha que acaba dentro de un cómic”. La cultura pop de las últimas tres décadas es un elemento importante en la formación de Otoño en Pekín y eso se nota en su sonido ensoñador con reminiscencias de The Ocean Blue, The Church y más bandas de pop melancólico.

Origen: D.F. Integrantes: Jacobo Vázquez y Juan Maldonado.

Fecha de formación: 2010 Discografía: Fantástico, coplado de Molécula Records, y pronto su primer EP en vinilo.

Sobre el estado del rock y el pop hecho en México: Jacobo: “El rock en México ha dejado de ser contracultural y eso le ha quitado mucha creatividad. En cuanto al pop independiente, creo que ahora le dan más peso a la imagen y al concepto de la banda, que a la música en sí, y se olvidan de hacer canciones pop memorables, de esas que te dan ganas de escuchar una y otra vez".

Juan: “Existe un malinterpretado pop, al cual sumándole ciertos y conocidísimos prejuicios musicales, me parece, nos ha mantenido algo atrasados como para atrevernos a pensar en una 'escena’ de pop mexicano".

Su ícono pop: Daniel Melero.

Escucha su sencillo: "En Medio del Mundo". __________

/haciendoelmal /Otoño en Pekín Banda/Músico www.fondeadora.mx/projects/haciendo-el-mal donde además, los fans pueden ser contribuir con el proyecto. Entra y ahí te dicen cómo.

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Contrastes

/poppekin

F O T : : Dav i d D í a z .

F O T : : N ata l i a P e s c a d o r .

T X T : : A leja n dro M a n cilla .

En una navidad de 2008 alguien le regaló un ukulele a esta chica y ahí comienza la historia, casi por casualidad, de este proyecto de pop folk.

“Maqueta fue un escape no planeado a lo tormentosa que sentía que era mi vida en ese momento y fue un proyecto que siguió con base en casualidades tomando forma y estilo propio”. Sus letras evocan momentos vulnerables del pasado y se nota en lo lúdico de su estructura y en la melancolía. Sin embargo, la música es alegre, primer requisito para licenciarse en el pop: “Definitivamente darle un toque pop al folk lo hace mucho más accesible al público en general, y afortunadamente es una fusión que funciona también de forma muy agradable al oído".

Con influencias tan variadas como Kraftwerk, The Presets, The Cure, Pixies, Stereolab y Hot Chip, el novel grupo (con integrantes que ya han tenido cierto recorrido en la escena) apuesta por un sonido ecléctico con bases en el rock y la electrónica, con buenos ganchos musicales y letras que provienen de “la influencia del Conejuelo de Centeno” (según sus propias y textuales palabras). Afirman que su lenguaje musical está enfocado en "letras sencillas, directas y sentimentales”. Su finalidad como grupo es “ser felices”.

Integrantes: Mario Trejo, Luckez Olmos, Mirce Liljehult y Aletz Franco.

Origen: México DF.

Origen: Mexicali (aunque actualmente vive en el D.F.).

Sobre la escena actual: “No hay escena. Pero hay muchísimas bandas buenas. Faltan verdaderos foros y accesibilidad a los espacios. No deben haber monopolios culturales ni mafias y sí más apertura y experimentación”.

Fecha de formación: 2009

Su ícono pop: David Bowie (esa pregunta ni se pregunta).

Discografía: Over the mountains EP (noviembre 2010) y Traveleres EP (mayo 2012)

Discos que más los han influenciado: Medúlla de Björk y Trompe le Monde de Pixies.

Sus discos pop culpables favoritos: Middle of Nowhere de Hanson y Breakout de Miley Cyrus.

Discografía: Antojitos Mexicanos Volumen 7.

Artistas por los que siente afinidad: Natalia Lafourcade, Carla Morrison, Russian Red, Ingrid Michaelson y Soko. __________ holamaqueta.com /maquetamusic /maquetamusic @vhmarisol

Su primer EP: No Soy El Enemigo se publicará en 2013. (si los Mayas lo permiten). __________ www.ventormenta.mx /ventormenta /ventormenta @ventormenta

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De ser una banda que soñaba con llenar un venue con cupo de 600 personas, The Vaccines ahora es capaz de agotar dos fechas en el Brixton Academy de Londres –que tiene una capacidad de 5,000 asientos–.

Pero el número de boletos vendidos, es sólo uno de los muchos parámetros en los que podemos medir el éxito de The Vaccines; consiguieron disco platino con su álbum debut What Did You Expect From The Vaccines?, y actualmente logran mantenerse en los primeros lugares en ventas con Come Of Age.

Entrevista con Freddie Cowan Y Pete Robertson

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ero no todo fue siempre dinero, chicas gritando y fechas agotadas, antes del éxito mundial, la joven banda vivía la peculiar frustración del anonimato. Justin Young, vocalista del grupo, le pidió a un amigo su estudio de grabación para así tener 10 minutos para tocar con su banda y desahogarse. De pronto Young soltó el coro de lo que sería el track número dos del disco debut de The Vaccines, Freddie Cowan, Arni Hjörvar y Pete Robertson (guitarra, bajo y batería, respectivamente) completaron la melodía que los haría famosos. Zane Lowe, famoso locutor de la BBC Radio,

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Pop

escuchó este primer demo y fascinado por “If You Wanna”, los lanzó al estrellato al etiquetar dicho sencillo como “The Hottest Record In The World”. Un par de meses después, The Vaccines debutarían oficialmente en Leicester, Inglaterra. Entre el público se encontraban integrantes de Franz Ferdinand, The Maccabees, White Lies y Mumford and Sons, además de que a las afueras del venue se quedó más de un centenar de personas con la ganas de ver a la banda “más caliente del mundo”.

“Como músico siempre sueñas con tocar en lugares grandes y no precisamente en

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un estadio, los resultados que hemos obtenido con la banda se deben al esfuerzo, dedicación y la ambición, es muy difícil mantener el ritmo, pero siempre pensamos que ‘ser grande está bien, pero ser mejor es primero’ así es que preferimos enfocarnos en ello".

Afirma Pete mientras mira a su alrededor, Freddie añade: “Sólo míranos, estamos en un país a kilómetros del nuestro a punto de dar uno de los shows más grandes de nuestras vidas”, lo dice quien ha tocado por dos años consecutivos en Reading & Leeds, quien ha estado en el escenario de 80 festivales alrededor del mundo en los últimos 22 meses, quien tan

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sólo tiene 24 años.

Recordemos el 2011, cuando What Did You Expect From The Vaccines? vio la luz, la combinación perfecta entre una línea de bajo que se mantiene durante casi todo el disco acoplada con la batería, no más de tres acordes para cada canción y coros pegajosos; un sonido familiar: guiños a los Ramones y algunos coqueteos con The Jesus And Mary Chain, con una necesaria inyección de frescura.

O lo que es lo mismo: la fórmula del éxito.

Llegó la fiebre de The Vaccines: himnos veraniegos, una gira mundial, andar de festival en festival. La música de guitarras

probó que no había muerto.

Explicar cómo esta tormenta perfecta tuvo lugar en una escena reinada por sintetizadores y sonidos computarizados resulta difícil.

“A veces nosotros tampoco nos lo explicamos, cuando nos dieron la noticia (N. Del E.: de que habían vendido un millón de copias con su debut) no lo podíamos creer, es en verdad un honor. Si lo comparamos, es como si fuéramos a los Juegos Olímpicos y nos lleváramos una medalla de oro, es una sensación increíble", reflexiona Freddie.

Sabiéndose en la cima y aún con sus coros frescos en los oídos de los escuchas, anunciaron la noticia de un nuevo disco. Come Of Age, fue grabado en gira, en la ola del éxito. Este nuevo álbum invocó a Albert Hammond Jr. quien produjo “Tiger Blood”, hecho que no ha de sorprender a nadie, ya que The Vaccines son lógicos fanáticos de The Strokes.

“Soy un gran fan suyo, crecí con su música y fue un poco difícil pretender que no sabía nada de él, imagina las ganas que tenía de preguntarle millones de cosas: '¿Por qué tocas así?', por ejemplo, pero al final me controlé, ahora somos amigos y nos vemos de vez en cuando”, dice Freddie al respecto.

Su segunda entrega, un disco con letras introspectivas, un tanto amorosas y composiciones armónicas al estilo pop que ya los caracteriza, fue gestado con las comodidades del éxito y en medio del caos del mismo, pero las expectativas son grandes y ahora el miedo no es que nadie te escuche, sino decepcionar a quienes lo hagan.

“Es muy difícil sentarte a componer de nuevo cuando tu primer álbum fue exitoso y tienes la mirada de todos sobre ti y piensas en ello, en que quieres entregar otro buen trabajo de estudio, ser una mejor banda, más fuerte… Grabar Come of Age fue realmente una experiencia muy intensa y la disfrutamos bastante, no la cambiaría por nada", continúa Freddie, mientras Pete agrega: “El proceso creativo para Come of Age fue determinante, el pasado fue algo muy enérgico y en esta ocasión la energía estaba al doble, estábamos en gira, en cuanto

podíamos nos juntábamos y desarrollábamos las canciones. Es un disco prácticamente en vivo y brutalmente honesto”.

Así, el éxito funcionó como combustible. Sin embargo, no hay que olvidar sus riesgos.

Justin Young, a través de las letras de sus canciones afirma (como Kurt Cobain hizo muchos años atrás) que no quiere ser un “Teenage Icon”.

Pero el pop está en ellos, hay que reconocer que The Vaccines es, en realidad, una banda con mucho pop encerrado en guitarras. Incluso en alguna ocasión declararon que al juntarse pensaron en ser una pop band, al final mejor optaron por subirle a los amplificadores, comprar más pedales para sus guitarras y conquistar el mundo. M

“Es muy difícil sentarte a componer de nuevo cuando tu primer álbum fue exitoso y tienes la mirada de todos sobre ti”.

— Freddie Cowan

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T O D O

Entrevista con Michael Angelakos

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Pop

trabajo profundo. Algo poco usual en el pop.

Es muy personal y específico, Manners era más sobre conceptos y cosas generales, éste es mucho más autobiográfico, hay personas reales, situaciones reales. No tiene nada de ligero en lo absoluto.

El significado es tocar

En la música de Passion Pit hay una simplicidad siniestra. Sonidos dulces y letras fáciles de cantar: bonita música pop. Esto, hasta que te tomas un momento y entiendes que lo que estás coreando felizmente, es profundamente depresivo. Desesperación, resignación, decepción y dolor, eso que entre las meticulosas melodías se asoma, es la enfermedad de Michael Angelakos.

D

esde su debut Manners (2009), y ahora tres años más tarde con Gossamer, la bipolaridad de Angelakos (productor, vocalista y tecladista de Passion Pit) se ha manifestado en una persistente dicotomía; aquella de dulzura y tristeza.

Como banda han avanzado y perfeccionado su directo, su nuevo disco es fácilmente uno de los mejores del año; con letras crudas y sonido confeccionado con maestría.

Tomamos la oportunidad de conversar con Michael para indagar en los sombríos caminos de la música pop.

Días de enfermedad

Estuvimos dos años y medio en gira. En realidad el disco en sí no tomó tanto tiempo, unos seis meses. Lo que alargó todo fue lo previo a grabar, buscar productores, por ejemplo, aunque al final nadie me convenció y terminé colaborado de nuevo con Chris Zane.

Gossamer fue difícil por muchas razones, estuve esencialmente enfermo durante todo el proceso y definitivamente no es recomendable trabajar cuando te sientes tan mal.

Teníamos una fecha de entrega y me tuve que forzar a mí mismo a hacer el disco, por lo que no

fue nada placentero. Una vez que comenzamos a grabar, y me empecé a sentir mejor, las cosas fluyeron muy bien y en dos meses teníamos ya todo listo. Lo malo fue hacerlo cuando estaba tan enfermo, con fatiga crónica y bueno, es una larga lista de achaques…

Música ligera

El resultado final me parece increíble. Me siento mucho más seguro con este disco, creo que representa mejor lo que puedo hacer como compositor y más como productor. Es un álbum refinado, hemos crecido como banda gracias a éste, así que me atrevo a decir que fue una experiencia positiva.

Mucha gente cree que nuestra música es ligera sólo porque es pop, pero nos tomó mucho tiempo crear los sonidos de cada canción, todo está meticulosamente producido. Hay momentos en los que podría parecer que estás oyendo un teclado, cuando en realidad son ocho perfectamente ecualizados y mezclados. Desde la exagerada yuxtaposición, las letras depresivas y música dulce –que no es nada nuevo, pero es algo que sigue volviendo a mí y me funciona– hasta lo personal y honesto que es, me parece un

Interpretar estas canciones en vivo es catártico, van cambiando de significado mientras más las tocas, y con ello se alejan del suceso o persona que las inspiró, pues si pensara en su origen, en lo que sentía al componerlas, cada vez que las cantara estaría deprimido.

Hasta ahora me he divertido mucho presentándolas al público, viendo a la gente bailar feliz con mis canciones tristes. Me parece genial y creo que es una buena señal, me está yendo mejor y me la estoy pasando muy bien con la banda, por fin. Es un buen lugar, uno privilegiado y creo que estamos muy conscientes de lo afortunados que somos, al menos yo estoy muy agradecido con la gente que nos escucha.

Pop no es sinónimo de hits

Creo que la música pop está estancada y eso se debe a que hay un puñado de gente produciéndola. Creo que podría ser mejor, por eso hago música pop, para mejorarla.

No porque se base en fórmulas significa que no pueda ser interesante, hay que saber que hay una fórmula para hacer hits y otra para hacer pop, son dos materias distintas.

Muchas cosas que entendemos actualmente como música pop, en realidad no lo son. No llegan a serlo. Como la canción de Gotye, que es básicamente un canción de cuna repetida una y otra vez, y luego acaba antes de que supieras que había comenzado.

Entiendo que el pop tenga una mala reputación, pues es percibida como música fácil o tonta, pero no hay nada más difícil que hacer una canción sencilla e interesante. Es como cuando la gente ve las olimpíadas, pasa un clavadista y piensa: "Eso es tan fácil, yo podría hacerlo”, simplemente no ven todo el trabajo que hay atrás. M

Hay una fórmula para hacer hits y otra para hacer pop, son dos materias distintas.

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El arte del disco es muy abstracto, ¿cómo esta estética se relaciona con tu música?

Pues no creo que lo abstracto sea un tema en la música en sí, me parece que mi sonido es más hacia lo surreal. Sin embargo, que el arte del disco sea abstracto me parece apropiado, ya que está abierto a campos de interpretación más amplios. Es más como un sueño.

Tu música es constantemente entendida bajo el término dream pop, ¿qué tan relacionado te sientes con esta etiqueta?

No me gusta la idea de géneros en la música. No comunica nada acerca de lo que hago o siquiera sobre lo que escucho. Yo prefiero pensar las cosas en un nivel más básico y en realidad no importa cómo le llamen otras personas.

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Pop

¿Cómo y por qué decidiste que Grace/Confusion fuese de seis canciones?

Muchas canciones pasaban de los 8 minutos de duración, así que me pareció atractivo intentar que fuera algo sucinto, y que a la vez las canciones pudieran extenderse.

Tanto Seek Magic como Player Piano son composiciones totalmente individuales. ¿Este disco también fue creado así?, ¿crees que el proceso creativo llevado sólo por una persona es mejor?

Depende de cada quien, pero para mí es mucho mejor trabajar solo.

No creo que pudiese hacer un disco de Memory Tapes con alguien más involucrado.

Imaginemos una cabaña perdida en un pueblito escondido en las afueras de New Jersey, pensemos en un joven de pelo largo y mirada extraviada.

Está solo, en su mente atmósferas cuasi chill wave tejen un dream pop surreal y delicado, canciones como rocío sobre hojas: frágiles y maravillosas. Él es un ermitaño, él es Memory Tapes, y escucharlo es tomar un via je con destino nebuloso.

u nuevo disco Grace/ Confusion lanzado el 4 de diciembre, es otro peldaño en el imaginario sonoro que Dayve Hawk construye bajo Memory Tapes y es, sin un duda, una gran forma de cerrar el año; con un álbum hermoso y elegante.

Hablamos con Hawk sobre este proyecto y las ventajas de ser un solitario.

perdido. Decidí hacer un disco que se extendiera en varias direcciones temáticas porque así me sentía en ese momento.

En tu música siempre ha habido mucha nostalgia, ahora con el título de tu nuevo disco Grace/ Confusion parece que este deseo de encontrar el amor y la felicidad persiste, ¿hubo en evento en

particular que influenciara el tono de este álbum?

Estaba en un estado general de confusión. Me encontraba cuestionándo mis propias motivaciones, me sentía un tanto

Además, actualmente es casi imposible dividir los sonidos en categorías fijas... las guitarras ya no definen al rock y los samplers no son sólo de la música electrónica. La tecnología también ha borrado estas líneas…

Claro, pero al final ésta es tan sólo un instrumento más. No creo que tocar guitarra sea novedoso, pero tampoco creo que usar un sampler lo sea. Si hace ruido deberíamos explorarlo como músicos, sin pensar en nada más. M

Entrevista con Merrill Beth Nisker

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“El mundo sería mejor si todos fuésemos hermafroditas. ¡Habría un montón de senos y penes por todas partes!”, me comenta Peaches, un divertido persona je que ganó fama por sus himnos al sexo despreocupado y por su lucha en contra del patriarcado. Actualmente se encuentra promocionando su primera película-musical: Peaches Does Herself, una especie de autobiografía protagonizada por ella, un transexual, una stripper de 65 años y muchos dildos. Tenía contemplado enfocar nuestra conversación en dicho proyecto, sin embargo, comenzamos a divagar entre la decadencia de la industria, lo que significa ser una estrella pop y la transgresión sexual. Así es ella: provocadora, revolucionaria y muy pervertida. ¿Crees que los roles de género tienen una connotación especial en la música?

Siempre han existido artistas que hablen sobre ello, no creo ser la única. Si miras a través de la historia de la música, descubrirás que en algunos momentos gente como Freddie Mercury, quien es considerado una de las más grandes figuras del pop, también lo hicieron. El problema es que él era “muy gay”, nadie lo insultó por serlo y él nunca lo negó (Freddie era demasiado talentoso para tener que pasar por ese tipo de cosas), pero por otro lado tienes a alguien como Prince, un increíble guitarrista y cantante que de vez en cuando usa tacones altos y un poco de maquillaje. Un hombre que puede hacer de todo, pero que si te atreves a cuestionar su preferencia sexual, sin duda te dará un puñetazo en la cara. También

han existido figuras como Bowie, quien maneja el tema de género y lo interpreta más como moda, o Madonna, quien terminó hablando como si fuera una drag queen…

Como verás, no soy la primera en desafiar las cuestiones de género, pero siento que mi estilo es más vulgar, de ir directo al grano, dejándome crecer el vello en las axilas y en la barbilla, contradiciendo a toda persona que diga que sólo en la cabeza debe haber pelo, o dedicándole una melodía a una chica de 16 años cuando tú eres un viejo de 50. Ese es mi ímpetu, darle un giro a lo que la gente considera controversial (concepto, que por cierto, realmente me molesta) pues no entiendo por qué hay que catalogar algo de esa forma; las cosas están allí impuestas por hombres, mujeres o quien sea, pero cuando alguien

se atreve a ponerlas en tela de juicio, lo llaman transgresor.

Si cualquier cosa que hagas en contra de la perspectiva masculina, del patriarcado, es considerada una locura, entonces las cosas deben cambiar. ¿Cómo debe verse una súper estrella femenina?

Deben verse como ellas quieran, y no hay ningún problema en ello, pues una vez que logras ser famosa te conviertes en una versión diluida de ti misma.

Cuando eres una celebridad todo es diferente. Alguien como Katy Perry, con fuegos artificiales y crema batida sobre los senos, es algo genial, si su estilo es dispararle a la cara a Snoop Dogg, todo está bien.

Cada arte tiene su estética definida, ¿qué tan cómoda te sientes al ser encasillada sólo como un acto musical?

Cualquier método que concuerde con lo que quieras expresar es válido. A veces pienso que la música tiene su propio club, a mi no me gusta eso, yo quiero salir y conocer otros: hacer cine, arte, performances.

Lo mejor que alguien puede hacer es aprovechar el talento que tiene y aplicarlo en distintos ámbitos. Si eres músico tal vez quieras pintar un cuadro, o si eres bailarín quizá deberías

intentar actuar o dirigir una película… lo importante es no encerrarse en una sola cosa. ¿Qué fue del electroclash?

Se trata de una simple etiqueta para encerrar muchos estilos, es similar al caso de los punk rockers que odian ser llamados así y si recuerdas el caso del punk, en general, te encontrarás con la aclaración de que no eran punks, sino músicos. Al final, es sólo un nombre. Antes me fastidiaba eso, pero ya no me importa porque me enfoco en hacer lo mío. ¿Qué considerarías como música pop hoy en día?

Es muy fácil, sólo hay 20 artistas que están en la cima y siempre estarán allí, gente como Rihanna y todo este tipo de R&B… En realidad no le pongo mucha atención al pop, si aparece una canción y es muy pegajosa. me gusta, pero no me fijo mucho en ello; no entiendo como la gente se obsesiona al tratar de hacerle un sinfín de remezclas diciendo: “Dios mío, tenemos que hacerle esto y esto”. La industria musical está muriendo, todos los que trabajan en las grandes compañías disqueras están desesperados y por ello se han dedicado a crear las mismas canciones con algunas diferencias, tratando de ganar enormes cantidades de dinero con una simple fórmula. M

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En algún momento fue el artista pop más reconocido del mundo.

Su imagen andrógina al lado de Culture Club sin duda es un referente visual de esos años 80; tonos pastel y un estilo de vida sintéticaexistencial, dominada por el videoclip y el culto a la personalidad. En esas épocas, era común abrir una revista y toparse con su foto, encender la TV y encontrarse con su nuevo look. Nadie (salvo quizás Madonna) supo representar al pop de esos años con tal plenitud estilística, lo cual fue evidente tanto en su estilo musical –tan ligero y sintetizado– como en esa imagen que hoy evoca a las luces neón. Platicamos con Boy George a años luz de su ascenso mediático, evidentemente no es el mismo, la vida le ha pasado facturas acumuladas por décadas, ha transitado por el brillo y la decadencia, pero eso sí… tiene residencia en el Olimpo pop y a pesar de sus caídas recurrentes al fondo del abismo, aún conserva la membresía que lo acredita como huésped atemporal del club de los íconos del pop. El artista continúa en activo como DJ y produciendo nuevas canciones para regresar con su ex club cultural muy pronto.

Entrevista con George Alan O'Dowd

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¿Qué onda con el regreso de Culture Club?

Estoy muy emocionado escribiendo nuevas cosas para nuestro disco.

Estamos trabajando con un productor llamado Youth, quien fue bajista del grupo Killing Joke y ha hecho cosas para James y The Verve.

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¿Será un regreso al pop que los hizo famosos hace años?

Estamos tratando de no ser pop.

¿Lo puedes creer?

Más bien queremos producir canciones que tengan trascendencia emocional en las personas, queremos hacer un álbum hermoso. ¿Qué grupos actuales te gustan?

Amo a Birdy, Antony & The Johnsons, The Citizens Band, The Knife, Die Antwoord... También me gusta Carl Cox, por mucho, el mejor DJ que he visto en toda mi vida, hace cosas maravillosas. ¿Disfrutas mucho ser DJ o prefieres estar frente al escenario cantando?

Pues ahora que estoy trabajando con Marc Vedo (DJ) he aprendido un buen de cosas. Él es técnicamente mejor que yo, y además tiene más cabello, pero como DJ creo que a mí me gusta tomar muchos riesgos, aunque a veces no me salen las cosas y termino diciendo “fuck”, y sufriendo las consecuencias.

Cantar es distinto, pues al ir como DJ a poner música, nunca sabes cómo reaccionará la gente, más en otros países. ¿Qué piensas de algunos íconos pop y rock que regresan después de años sin ofrecer nada nuevo y casi casi hacen karaoke?

Eso sonó como tu punto de vista y no como una pregunta. Ningún artista debe ser criticado por hacer lo que le gusta. Vi a Bauhaus en Paris hace años y fue maravilloso.

En su día no fui fan, pero ahora me paralizó ver a Peter Murphy en vivo, ahora veo al pop desde otra perspectiva, sin prejuicios. Ahora disfruto las cosas.

Muchos ídolos pop que antes sobrevivían de su imagen, ahora ya no lucen igual…

No veo problema en los regresos, a menos que la única motivación sea el dinero, pero el tener menos pelo o estar más gordo no es un crimen.

Nunca olvidaré estar viendo MTV de niño y que mi madre se preguntará: “¿Es un hombre o una mujer?” al ver uno de tus videos…

Tenía toda la razón del mundo en dudar, ¡pues soy ambas cosas! M

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ARTE POP

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oro Y Moi –nombre bajo el cual camina los senderos de la industria– es quizá el más duro de sus críticos, porque al final del día se pregunta si él mismo consumiría los sonidos que produce y sólo aquellos que pasan la prueba son dignos de salir a la luz. Quizá sea tan quisquilloso debido a su formación como artista gráfico (egresó de la Universidad de Carolina del Sur), pues está acostumbrado a la auto contemplación. Resulta interesante la idea que guarda respecto a la forma en que las personas se pueden acercar a su creación. El domingo 11 de noviembre dio a conocer, a través de su blog, que una semana después montaría una exposición en la galería Project Parlor, de Brooklyn, en la que “maridaría” 13 de sus mejores dibujos con igual número de canciones de su más reciente disco, Anything In Return, programado para salir a la venta el 22 de enero.

Para el artista, mitad afroamericano y mitad filipino, la creación representa un viaje, una experiencia integral que debe ser también para el espectador.

Aunque sus canciones, muchas de ellas bailables y/o atmosféricas, ideales para funcionar como soundtrack de una velada en el lobby bar de un hotel boutique,

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El primer y único requisito para ser escritor es tener un buen detector de mierda, a prueba de balas, dijo Hemingway. Palabras más, palabras menos, aunque adaptado a los terrenos de la música, es lo que piensa el artista y productor norteamericano Chazwick Bundick. En una entrevista con GimmeBadVibes, se refirió así a su traba jo: “Tengo dos obsesiones: cambiar todo el tiempo de sonido, y mantenerme accesible.

Suelo preguntarme todo el tiempo: '¿Escucharía yo esto?' Y cuando algo está fuera de lugar, sé que llegó el momento de dejarlo atrás e ir hacia otro lado”. pudieran ser no valoradas en estándares tan altos por quienes siguen al productor, para él no deben tomarse a la ligera. Al ser tan perfecionista resulta lógico que él mismo diseñe la portada de sus discos. Hasta el momento cuenta con Causers of This (2010), Underneath the Pine (2011) –que fue distinguido con el calificativo de mejor música del año por Pitchfork– y, con el antes mencionado, Anything In Return.

Fan de Blink 182

Ahora, ¿hace falta definir el trabajo que realiza cuando se trata de hacer música? Quizá la forma más exacta sea una palabra que también se acerca a lo gráfico: el collage. Se le relaciona con el movimiento chillwave, cuyos exponentes se esmeran en llevar hasta las últimas consecuencias la utilización de samplers, loops, efectos y sintetizadores, pero siempre privilegiando el

protagonismo de líneas melódicas.

Corta un poco de los 80, un tanto más de los 90 y lo zurce delicadamente con su propia sensibilidad. Así trabaja.

¿De dónde viene esa obsesión por la melodía (y que queda patente en temas como la dulce “So many details”, que me permito mencionar sólo porque es una de mis predilectas. Mafufo o no, pero me recuerda tanto a la dulzura de Earth, Wind and Fire) de Chazwick? Me atrevo a pensar que de sus clases de piano que su madre lo obligó a tomar a los 8 años. Aunque le servirían de algo, él las detestaba. Fue a los 13 cuando pudo comprarse una guitarra eléctrica, que le parecía mucho más cool, y empezó a tocar covers de Blink 182, que por entonces era su banda favorita. Puede ser que hoy su “detector de mierda” no le permita tocar un punk endulzado como el del trío californiano, pero en aquellos días el trío le reventaba

la cabeza lo mismo que At The Drive-In. (predilección adolescente mucho más repetable). Fue así que se acostumbró a tejer melodías, a partir de las cuales empezó a componer música hasta llegar a Anything In Return.

“Saqué mis vocales de ese lugar donde solía ‘enterrarlas’ cuando me di cuenta que la gente que escuchaba mi música tenía ganas de saber qué rayos estaba cantando. Antes, en vivo, solía cantar bajito, pero ahora lo hago realmente fuerte”, expresó en una charla con la revista electrónica Self Titled.

Así se explica que el disco que viene, el tan esperado Anything in Return, haya sido conceptualizado por su creador como un álbum pop. Una pieza de arte objeto, ha dicho el mismo Chaz. Ahora, en vez de privilegiar la oscuridad de sus atmósferas ochenteras retro, exploró los terrenos del futuro, incrementando la carga electrónica y gaze del disco.

Componerlo y grabarlo representó el final de una epopeya personal en la que Toro Y Moi miró hacia adentro, escuchó detenidamente a su detector personal de mierda y una vez desechado aquello que no era “original y accesible”, nos entregó las mejores canciones que ha podido grabar. Hasta el momento, claro. M

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Entrevista con nat BALDWIN

LA

Ba jo el nombre de Dirty Projectors se esconde el genio musical de David Longstreth, pero también se encuentra la labor de seis grandes músicos que a lo largo de siete álbumes de estudio han brindado su tiempo y talento a la fiera visión de Longstreth. Platicamos con Nat Baldwin, ba jista de la banda, con motivo de la presentación de la misma en México en el aniversario de 2abejas, y nos enteremos de cómo es traba jar ba jo una estructura no democrática de creación, los retos y la construcción de sonidos frescos.

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Pop

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En Swing Lo Magellan, se nota un nuevo enfoque, un énfasis en las melodías y los ganchos. ¿Fue esto algo que surgió conscientemente?

No, la música viene naturalmente.

Si hay sinceridad detrás de ésta no hay manera de planear el resultado final.

Sé que para este disco compusieron muchísimas canciones, de modo que varias quedaron fuera. ¿Qué tan difícil es decidir cuáles sacar?

Siempre es difícil tomar decisiones finales. A veces nos sorprenden las canciones que no entran, pero al final se trata de hacer un disco que fluya de manera íntegra y para lograr eso algunos sacrificios deben hacerse. Me alegra que ahora vaya a salir un EP que rescata esas canciones.

Han habido muchos cambios en la alineación, y de cierta forma parece que funciona cada vez más como un colectivo que como una banda tal cual. ¿Cómo se sienten respecto a estos cambios?

Definitivamente es la visión de Dave. El resto de nosotros somos partes que lo ayudan a concretarla.

Aportamos nuestro oficio como músicos y experiencia a su visión, pero esencialmente somos una banda de un sólo compositor. ¿Sientes que también es tu música?

Sí, trabajamos todos mucho en ella, en este sentido también la hacemos nuestra. ¿Cómo se sienten al ser percibidos como parte de la escena de Brooklyn, es decir, al ser clasificados más por geografía que por sonido?

Siempre es más fácil para los medios agrupar a las bandas.

Me parece que es una manera perezosa de hacer las cosas, pero al final somos una cultura floja, así que tiene sentido.

¿Crees que la manera en la que consumimos la música actualmente también cambia la forma en que la producimos?

Por ejemplo en este disco, las canciones funcionan más como piezas individuales que como parte de una historia, ¿es eso una reacción al hecho de que ya no se consumen discos como obras enteras?

Podría haber esa conexión, pero en realidad cuando se concibió este disco fue más con la intención de hacer algo nuevo, canciones fuertes que se sostuvieran solas, en lugar de una obra conceptual, que es lo que ya hemos hecho en el pasado.

Hay muchos contrastes en su sonido, especialmente en la manera en que las voces funcionan juntas. ¿Crees que esta tensión es parte de la esencia de la banda?

Sí, me parece una buena manera de describirlo. En ocasiones conseguir el equilibrio para generar esa tensión es complicado, pero los resultados siempre hacen que el esfuerzo valga a pena. M

Como ya es costumbre, en la última edición del año nos damos a la tarea de hacer un recuento de todo lo sucedido. En esta ocasión, y en vista de nuestro tema del mes, decidimos cambiar un poco las cosas; ampliar el tradicional formato de los mejores discos, e incluir a la cultura popular a nuestro resumen. Aquí, a manera de listas y categorías, recopilamos con la ayuda de nuestro fiel y querido plantel de colaboradores, lo que este año –el último del mundo, a menos de que nos leas en enero, en cuyo caso: ¡Yeiiii!–, nos ofreció.

A continuación lo memorable, lo extraordinario, lo malo y lo curioso de la música en 2012.

MEJORES CANCIONES

MEJORES DISCOS

Beach House – Bloom Cat Power – Sun Cloud Nothings – Attack On Memory Frank Ocean – Channel Orange Godspeed You! Black Emperor – Allelujah!

Don't Bend! Ascend!

Kendrick Lamar – good Kid, m.A.A.d city Leonard Cohen – Old Ideas Passion Pit – Gossamer Spiritualized – Sweet Heart Sweet Light The xx – Coexist

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Pop

PEORES DISCOS

Garbage – Not Your Kind of People Metric – Synthetica Muse – The 2nd Law The Temper Trap – The Temper Trap The Ting Tings – Sounds From Nowheresville

Alt-J – “Something Good” Bat for Lashes – “Laura” Beach House – “On the Sea” Chromatics – “Lady” Kanye West, Jay-Z & Big Sean – “Clique” Killer Mike – “Reagan” Leonard Cohen –“Darkness” Liars – “Against the Rush” M.I.A. – “Bad Girls” Sharon Van Etten – “Serpents” Spiritualized – “Hey Jane” Tame Impala – “I Feel Like We Only Go Backwards” Trust – “Sulk” Wild Nothing – “Shadow” Woodkid - “Iron”

PEOR COMEBACK

The Smashing Pumpkins – Oceania

MEJOR REVELACIÓN

Mykki Blanco Este neoyorkino puso a temblar al conservador mundo del rap gracias a su dualismo sexual. Sus rimas y agresivos bajos anuncian que ha llegado a la ciudad una boca furiosa con mucho lápiz labial.

NUEVAS BANDAS MEXICANAS I Can Chase Dragons!

DDA Late Nite Howl Little Ethiopia Soledad

MEJOR COMEBACK

Fiona Apple – The Idler Wheel...

PEOR REVELACIÓN

Kreayshawn Tanta esperanza que le tuvimos a Kreayshawn con su sencillo “Gucci Gucci” en el 2011. La veíamos en la cúspide del género al lado de Odd Future (quienes son sus “padrinos”). Pero cuando se lanzó su disco Somethin’ Bout este año, sólo nos pudimos dar cuenta de que se comercializó en un bubblegum hip hop.

MEJOR COMEBACK LATINO Illya Kuryaki & The Valderramas – Chances

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MEJORES SOUNDTRACK NOSTALGIA NOVENTERA

Jumbo tocando completo Restaurant con Eddie Gonzalez en los teclados.

Fobia tocando Leche con Resorte.

NUEVOS FESTIVALES MEXICANOS Project X Si hacerle un buen soundtrack a una película de vampiros es posible, el soundtrack de una película sobre una fiesta es más sencillo y efectivo. Este año el soundtrack de Twilight no se llevó mención, porque el de Project X es una verdadera joya. Con una mezcla de hip hop, música electrónica y rock, seguramente ya se han amenizado varias fiestas inolvidables con sus canciones.

Wirikuta Algunas de las bandas más importantes de la escena latina, Caifanes y Café Tacvba incluidas, se reunieron en un mega concierto a favor de Wirikuta, zona sagrada de la cultura Wixarika amenazada por compañías mineras.

Festival Indio Emergente Un cartel itinerante y una necesaria atención a provincia, además headliners de primer nivel.

Festival Antes De Que Nos Olviden Gran cartel, regular organización, pero la continuidad hace la fuerza.

Drive Te haya gustado la película o no, este soundtrack fue tocado casi sin pausa durante meses. “Nightcall” sin duda, fue una de las canciones más escuchadas del año.

Atari Teenage Riot @ El Lunario Die Antwoord @ Corona Capital The Horrors @ Vive Latino Mogwai @ El Plaza Condesa New Order @ Corona Capital No Age @ Á 179 Pulp @ Palacio de los Deportes The Rapture @ José Cuervo Salón Roger Waters @ Foro Sol Suede @ Corona Capital The xx @ Auditorio Blackberry

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Pop

MEJORES CONCIERTOS

Las noticias más tristes

Morrissey anuncia que se retirará de los escenarios en 2014.

George Lucas vende su productora Lucasfilm a Disney y anuncia que habrá más episodios de Star Wars. El mundo tiembla.

WTF

Muere Adam MCA Yauch, miembro de los Beastie Boys.

Donna Summer, la reina de la música disco, fallece a la edad de 63 años.

Chris Brown y Rihanna Decidieron hacer un dueto en “Nobodies Business”, canción que toma su nombre de un juego de palabras que se lee como “negocios sin cuerpos” o “a nadie le Importa”, el hecho de que Rihanna se reúna con un ex novio para hacer una colaboración es perturbador, fue el mismo Chris Brown quien que la golpeo brutalmente en el 2009.

Palabra más molesta del año FENÓMENO VIRAL PSY – “Gangnam Style”

Tupac holograma Primero que nada, el hecho de que Tupac haya aparecido en un escenario 16 años después de su asesinato ya es un suceso. En Coachella 2012 fuimos testigos de la resurrección holográfica de Tupac, un exceso tecnológico insostenible y absurdo. Hasta la compañía responsable de hacer del rapero un zombie, ya quebró.

ONE HIT WONDER

Swag Este año fue definido por dos expresiones "yolo" y "swag", ésta última pasó de referirse a objetos de vestimenta a un estilo de vida. Mismo estilo de vida relacionado con hombres desfachatados y de gustos extravagantes. De pronto, todo niño blanco con Kanye en su iPod usaba la palabra "swag" indiscriminadamente. Un abuso irritante. fun. – “We Are Young”

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Pop

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TRES CARAS DEL POP 1

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los 17, una joven Sky fue firmada en las oscuras y tétricas líneas punteadas de EMI, el plan era claro: hacer de este joven y rubia figura la nueva Britney –hay que recordar que para finales de la primera década de los 2000, Spears andaba ya en rebeldía total y poniendo de moda el estilo “Sinnead O’Connor” combinado con un bat–, era justo el momento de que una nueva oleada de íconos tomara las listas, y Ferreira era perfecta (¿sabías que de niña ella y sus padres eran amigos de Michael Jackson?, ¿así o más hija del pop?). Los engranajes comenzaron a hacer lo suyo, los mejores nombres de mundo pop fueron convocados, y el track “One” fue lanzado acompañado de un video al típico estilo pop: una chica guapa en varios atuendos retozando de manera sexy en un cuarto cualquiera. ¿Qué podría salir mal?

La repuesta usual sería nada, pero en este caso todo falló.

La disquera se quedó rascándose la cabeza, mientras que una confundida Sky regresaba a casa, preguntándose qué había pasado, si todo (revolcarse provocativamente, olvidar sus legitimas influencias, cambiarlas

por las comprobadas fórmulas pop, etc.) había valido la pena. Sky tenía hambre –como el 99% de todos los que hacen música– de fama, quería esos 15 minutos que el mismísimo padre del pop Warhol, le otorgó a todos… menos a ella. ¿Dónde estaba su fama? ¿Sus millones de dólares? ¿Su millares de fans histéricos? Nadie sabía.

Así, lo mejor resultó dejar pasar el tiempo, comenzar a fumar marihuana, crecer, tener novios y vida. Entonces, con la sabiduría de un par de años extras volvió a trabajar y es que el hambre, esta clase de hambre, no se detiene con un fracaso; era momento de seguir.

Ahora la pregunta era cómo, las fórmulas infalibles le habían fallado, entonces lo único lógico era dejarlas de lado, tirarlas y escupirles, la disquera corrió con más suerte pues según cuenta la leyenda, Sky encontró entre las filas de trajes un ejecutivo que la entendió, uno que compartía su gusto por Blondie y Nico y Velvet Underground, Dan McCarroll, actual presidente de EMI, vio en ella otra cosa, una zona gris entre el pop y algo más, algo lo suficientemente bello para venderse a granel y

lo suficientemente profundo para lograr buen, elegante y propositivo pop.

Pero el dinero no crece en árboles, menos en la época de iTunes y Spotify, y después de la tremenda inversión que EMI había hecho en la novel pop star, este semi comeback tendría que ser bajo un limitado presupuesto, no más productores suizos, o estilistas de miles de dólares la hora, no, no, no. Ahora es momento de mantenerlo real, Sky.

Hablemos ahora no de su historia, tan parecida a la de tantas cuyos sueños permanecen enterrados en los sótanos de otras disqueras, de todas las disqueras, en sencillos genéricos sin más relevancia que un estornudo mío. Hablemos ahora de música. Dentro de la discografía de Sky, encontramos sólo un disco I'm Not Alright, programado para principios del 2013, y dos EPs el primero correspondiente a su breve y nada lejana etapa de pop star “old school”, As If, es justo lo que uno imaginaría después de leer los primeros párrafos de este texto, basta decir que los temas son reciclables intentos desganados de hacerla en grande. El segundo, el más reciente, Ghost es la nueva Sky, es pop fino, retro, perfecto; guitarras y voces suaves pero con suficiente textura como para soportar el pesar de letras tristes e introspectivas; synth pop, un muestrario de sonidos, de referencias que Sky ama, desde baladas folk-ish hasta tracks retro bailables –donde la mano de Dev Hynes (Blood Orange) es evidente– más que un EP, Ghost es un statement de sus muchas caras, de lo que puede hacer; es una probada de quién quiere ser, más que de quién es ahora o quién será.

Y llegamos a I’m Not Alright (de la mano de Jon Brion, productor de los primeros discos de Fiona Apple) su debut, su verdadera prueba. ¿Cómo alguien que hace sólo 18 años aprendió a caminar, puede enfrentarse a tal round contra el mundo? Ése que le dijo que su pop caro y simple, no era ni lo

“Es muy difícil ser tomada en serio, pues si haces pop automáticamente eres estúpida”.

Hablemos de pop en términos pop. No maquillemos nada, o quizá debería decir: maquillémoslo de más, usemos frases tan aventuradas y vacuas como “la nueva cara del”, validemos la contradicción del pop alternativo, invoquemos a una artista bubble gum fallida.

Hablemos sobre Sky Ferreira.

suficientemente caro o simple para triunfar, el mundo que ahora le dice que es una Lana Del Rey wannabe (¿imaginan peor insulto que éste?), el mundo que espera que falle o que ya está programado para criticarla; a ella, una chica rubia que en su tiempo libre modela para Calvin Klein y tiene fiestas llenas de vodka con Katy Perry, a ella que casi por accidente ha recibido buenas críticas de medios como Pitchfork o Consequence of Sound, quien co-escribió con Shirley Manson, quien cantó su primeras notas en la presencia del Rey del pop. Precisamente ella tendrá que demostrar que el potencial siempre ha sido suyo y que el fracaso, ése, sólo le perteneció al pop.

El miedo se palpa ante la sola mención del disco, cuyo nombre y misteriosa fecha de lanzamiento nos habla de una cautela justificada, pues aunque Ghost logró encantar a muchos, entre ellos varios escépticos, el EP no deja de ser un tanto referencial y disperso, y más que otra cosa muestra una promesa, un voto que I’m Not Alright ha de concretar si es que Sky quiere ser más que un brillo pasajero, que una anécdota del año. Sky, sabe esto y está dispuesta a desnudar su alma, en el disco trata temas fuertes y personales, como la experiencia de ser violada en dos ocasiones cuando tenía 12 y 16 años, respectivmente; en algunos de los temas se repite un patrón de discurso que se rehúsa a ser definido, como la misma Sky afirma: sus experiencias, no la hacen una víctima, su pasado (musical o personal) no la define.

Leí, hace días, bajo su nombre una frase que auguraba: “La promesa de un nuevo pop”, pero la música como todos sabemos, se construye con sorpresas, con obras que cumplen y/o sobrepasan las expectativas y con comebacks improbables...

Y también con una dosis saludable de ilusiones. Si Sky tiene lo necesario para sumarse a esta líneas, sólo el 2013 lo podrá comprobar, por ahora yo apuesto un par de fichas en su nombre. M

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TRES CARAS DEL POP 2

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Pop

Un rapero cuyo flow es rudo y recto, de bordes filosos y suficiente agresión para cortar sólo con rimas. Tacones dignos de Gaga, peluca barata y un nombre que es demasiado genial para ser real, demasiado perfecto para pertenecerle a alguien más que a una estrella, este es Mykki Blanco. Un hombre vestido de mujer, un poeta con shout outs a Duchamp, una promesa, un criatura imposible de concebir sin 60 años de cultura popular acumulada.Es nuestra suma y el improbable futuro de un género machista y relegado, es un collage torpemente armado de cultura pop.

M

ichael David Quattlebaum Jr. tiene 25 años, dos personalidades y múltiples oficios: poeta, actor y rapero. Sus obras incluyen un libro de poesía, ambiciosamente titulado From The Silence Of Duchamp To The Noise Of Boys, un mixtape Cosmic Angel: The Illuminati Prince/ss y el EP Mykki Blanco & The Mutant Angels. Hace poco menos de un mes, lanzó el arriba mencionado, Cosmic Angel… y con éste marcó su verdadera llegada a la escena pero, ¿exactamente a qué escena?, ¿la del hip hop?, ¿la del mundo de la moda neoyorquina?, ¿la gay? La respuesta es sí a todo lo anterior.

Antes de pasar el rato en el estudio de Terry Richardson, o publicar libros de poesía para los lectores avant-garde bien versados en lo urbano, Mykky estudió moda (durante un periodo muy breve) en la famosa Parson School of Design, pero el verdadero camino comenzó mucho antes, cuando un buen día decidió salir de su casa vestido completamente como mujer, recibió cinco palizas antes del anochecer y descubrió que había encontrado a su alterego y con él su boleto a la fama: Mykki.

Tenía 16 años, acababa de mudarse solo a Nueva York tras huir de su casa en Carolina del Norte; en su nuevo hogar y su nueva piel Mykki encontró una amplia gama de posibilidades, la de sentirse bien con su cuerpo, la de tener una vida sexual nueva, donde hombres lo buscaban y deseaban como mujer. Una liberación sexual y existencial se escondía debajo de las faldas de Blanco, pero fue en la música donde tendría su verdadero hogar.

En medio de una revolución individual Mykki encontró una grupal; el hip hop, género esencialemtne marginal, cuyas temas abarcan las carencias de una parte de la sociedad olvidada, le dio a Mykki una voz, una improbale agresiva y grave voz. Vayamos al 2003; J.Lo suena en al aire y la idea de una pop star vestida con trozos de carne es demasiado absurda como para considerarse seriamente, ahí encontraremos a un joven Michael abriéndose camino. Primero vino la poesía, después la música y al último el flow. Durante un tiempo Mykki y Michael permanecieron separados, una cara relegada a la noche y las aventuras típicas de la misma, y

“No puedo negar que soy un rapero agresivo.

Es un exorcismo de toda la agresión que he recibido en las calles. No es fácil salir vestido de mujer”.

la otra sobre los reflectores, pero no fue hasta que estas dos facetas se mezclaron que todo cobró sentido, los poemas se volvieron rima, y las pelucas atuendos para los escenarios. Algo había nacido, un híbrido tan complejo que su consumo tuvo que ser dosificado.

Mykki comenzó su carrera como un acto verdaderamente underground; sin agencias, sellos, estilistas o dinero para rímel, como los grandes maestros del hip hop, se fue abriendo camino, por las calles y bares de mala muerte, donde su furiosa música resonó en oídos que, no sin sorpresa, se indentificaban con la brutal honestidad de Blanco. Pronto sacaría sus primeros tracks los cuales le otorgarían gran atención, hasta la misma Björk lo recomendaría en su página.

Eso que MYkki comenzó, ahora se empieza a consolidar en un movimiento que hace no más de 10 años hubiese imposible: los Queer Rappers; originario de la siempre vanguardista Nueva York e integrado por extravagancias como Zebra Katz, Cakes Da Killa y Dosha Devastation, éste grupo pone en duda las reglas impuestas por la vieja escuela del verbo veloz, que en pocas palabras se reducen a una obligatoria “virilidad” para lograr conquistar el mundo del rap.

Pero la Ilustración ha llegado al hip hop y con ella Blanco.

Pero esto, que sería material suficiente para un novela postmodernista ubicada en una casa ocupada por artistas en un barrio perdido de Nueva York, es en realidad algo que Mykki considera irrelevante para su música y obra creativa en general. Él no quiere

ser visto por otros o por él mismo, como un rapero gay, pero sabe –como buen hijo de la cultura pop– que las etiquetas son inevitables, así que Mykky se afirma públicamente como transgénero – nada nuevo en la música, podemos nombrar a Antony Hegarty como ejemplo–. Ésto no significa que ame la diamantina, que se vista de rosa o, ya entrando en más específicos; no significa que no pueda rapear como los mejores.

Su éxito, aunque temprano como se acostumbra en esta época de hype, lo ha llevado a abrirle a ARAABMUZIK y Gang Gang Dance, aparecer en portadas de revistas alrededor de todo el mundo y su último disco causó una expectativa espectacular, la cual logró sortear sin problema. ¿Qué más podríamos esperar de alguien que se denomina a sí mismo como un mezcla entre riot grrrl y ghetto fabulousness?

Cosmic Angel: The Illuminati Prince/ss, es un trabajo redondo y completo, un gran debut bajo cualquier medida, en donde las ideas de Blanco logran sublevar lo escandaloso de su imagen y hacerlo –nuevamente– acerca de la música. 15 tracks de ruda música que recuerda a Death Grips y a una escuela más vieja que él mismo, de hip hop que promete y carga con el peso de una poderosa y bien fraseada honestidad, una que nos mira directo a los ojos y nos muestra nuestro reflejo.

Hay historias en la

música que son demasiado raras para poder ser concebidas por algún traje de disquera, demasiado peculiares para ser fingidas y hay pocas tan perfectas para hacer historia pop, como la de Mykki. M

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Fotógrafo: Gustavo Dueñas Producción Ejecutiva: Rocio Martínez Asistente de foto: Fernanda Moreno Postproducción: Ahuehuete Maquillaje: Ossiel Ramos Abarca

nat “me di cuenta de que su música era diferente a todo lo que conocemos: las progresiones, la armonía y DE que no había coros”.

TRES CARAS DEL POP 3

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Pop

alia Antes de vestuarios elaborados, antes del chicle bomba y la estructura verso-coroverso, antes de que la imagen lo invadiera todo y la música nos diera canciones de amor sosas que abusan del término “Baby”; antes de todo esto ya existía la canción pop; la música popular. Agustín Lara, “El flaco de oro”, creó un imaginario lírico y sonoro que en medida, identifica lo mexicano; dibujó mujeres y amores complicados, creó un eco tan fuerte que eventualmente resonaría en los oídos de Natalia Lafourcade.

E

lla, en busca de una popularidad como la de Agustín, ha vagado con libertad durante cuatro discos, después de haber comenzado en un grupo prefabricado en su adolescencia más popera, consiguió dar firmes pasos como compositora, para volverse un nuevo valor en la música mexicana. Su camino la llevó a Agustín y él la llevo a trabajar con grandes nombres como León Larregui, Devendra Banhart, Kevin Johansen, Adanowsky, Miguel Bosé, Ismael de Los Daniels, Leonel García, Leonardo de Lozanne, Emmanuel del Real "Meme" y Lila Downs, entre otros.

Platicamos con Natalia sobre este disco homenaje a Agustín Lara, Mujer Divina, sobre los cambios que el icónico compositor infringió en ella y su futuro popular.

En búsqueda de Agustín

Todo empezó con Alondra de la Parra, con el repertorio para el Bicentenario, ahí me encontré con la música de Agustín Lara y tenía muchas ganas de hacer algo que no fuera mío, que no fueran mis canciones. Era un buen momento para explorar mi faceta de intérprete, no de compositora, y sentí que este, mi quinto disco, tendría que ser un álbum de canciones ajenas.

En búsqueda de estos compositores a los que yo les podría hacer un homenaje, me encontré con Agustín Lara, con “Farolito” y de inmediato pensé que quería cantarla, luego “Amor de mis amores”, “Aventurera”, “Limosna”, con todas me pasó lo mismo, sentí que eran canciones con las que yo podía hacer

algo, traerlas a esta época, invitar a alguien más y retomarlas.

Diseccionar una canción popular

Yo no quería hacer un disco de covers, es decir con versiones idénticas a como se tocaban en su época original, en el caso de Agustín cuya música es tan icónica, sí me ha pasado que algunas personas me dicen que no les gusta que haya cambiado la letras o movido un par de arreglos, e incluso yo mientras trabajaba, también tuve estos momentos donde pensé que estábamos haciendo demasiados cambios, pero al final para mí este disco –aún estando basado en la música de Agustín y siendo respetuoso de ella– es un nuevo proyecto, uno que busca llevar las canciones de Agustín a nuevos oídos, a gente que no lo conoce, como a mí me pasó: de no conocer su música a fondo a ahora amarlo y tenerlo como compañía de todos los días, y para hacer esto, para lograr provocar esto, teníamos que modificar las canciones, no irnos por lo fácil que sería tocarlas y ya, sino convertirlas en algo nuevo.

Hay canciones como “Copla guajira”, de la cual tomamos el poema y creamos una nueva canción: “Morir y renacer”, o “Amor de mis amores” que está muy modificada, pero todo tiene una razón, en el caso de esta última a mí me pareció que por tratarse de la evolución de un amor, un arreglo que tuviera ese crecimiento, esos cambios, le iría muy bien.

Rompimos un poco las reglas.

Sus canciones son hermosas, complejas y sencillas al mismo tiempo.

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Al momento de grabar, me di cuenta de que su música era diferente a todo lo que conocemos: las progresiones, la armonía...

Además noté que en muchas canciones no había coros, y a partir de eso encontré un nicho para mi propuesta contra la suya, un momento (de varios que hubo en el proceso de este disco) de hacer una colaboración con él.

De hacerlas más accesibles para este tiempo. Yo creo que si yo y Agustín nos hubiéramos conocido, hubiésemos sido amigos. Hay momentos donde claramente estamos trabajando juntos, colaborando.

Lo femenino y lo masculino

Este disco fue muy tocado por el destino, por la vida. En éste yo pude plantearme la posibilidad de trabajar con gente que jamás me hubiera imaginado, como Gilberto Gil, Adriano (Babasónicos), Devendra Banhart, etc., y en ellos encontré muchos fans de Agustín, por ejemplo Vicentico (Los Fabulosos Cadillacs), quien me llamó pues lo conoce y admira mucho, o Devendra quién me dijo que Lara era una de sus grandes influencias. Al final todos los que colaboraron fueron personas que tenían que estar, y aunque no hubo muchas mujeres cantando, sólo Lila Downs, hubo muchas presencias femeninas en el disco, Carla Morrison que grabó coros, Carmen Ruiz que toca conmigo, Julieta Venegas y Ximena Sariñana me ayudaron a contactar gente, y conforme el disco avanzaba me di cuenta de que estaba tomando un lado muy femenino y la voz de los hombres lo equilibró mucho.

Además siempre quise cantar con otros, ese balance entre la voz femenina y masculina, siempre me ha parecido lindo y me desquité.

Dejar la superficialidad

A mí me hacía falta profundidad, no es que mis canciones no la tengan, sino que uno necesita probar cosas nuevas, rascar más profundo, y al descubrir a Agustín me encontré con una profundidad nueva; es tan romántico, tan meloso. Yo no podría interpretar esta música sin someterme a un explorar en mí

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Pop

misma, de estos sentimientos por mí misma. Uno tiene que rascarle mucho, fue un reto muy grande y creo que como a mí me pasó, a nuevos escuchas jóvenes les podría también pasar.

El amor es un tema que no lo manejamos de la misma manera que en esa época, a mí me parece maravilloso la forma tan profunda en la que Agustín lo trata, es un espacio tan vulnerable y tan desnudo. Ahora todo es mucho más superficial, y retomar esa vulnerabilidad es rico, se siente bien. Cantar estas canciones y desnudar mi alma es algo que yo también necesitaba.

Ahora es difícil encontrarte con esta parte más humana, la misma tecnología nos a alejado de estas situaciones que en la época de Agustín eran mucho más bohemias, ahora tenemos Twitter y Facebook (risas) y mil cosas. Con este disco he descubierto otro tipo de intimidad, me ocasiona un calor agradable y deseo que sea capaz de ocasionar lo mismo en alguien más. Quería que fuera un álbum fácil, nada pretencioso, que fuese un álbum de amor para todos, con el cual se pudieran conectar.

Viajar con él

Hubo muchos retos, desde decidir que haría un homenaje a Agustín, hasta buscar a los invitados y arreglos; cada vez se hacía más grande el proyecto, más ambicioso. Cómo ejecutar la canción, cómo cantar a Agustín, la importancia de conectarse con las emociones para cantar canciones tan emotivas, todo fue liberar muchas cosas. Del otro lado teníamos que saber que no nos podíamos rendir, ni yo ni mi equipo, –hubo un momento que por cuestiones legales, casi no iba salir el disco y no lo permitimos–, nos encariñamos terriblemente con este proyecto. Aprendí a no dudar de los sueños que cuestan mucho trabajo realizar, luchar por esos proyectos grandes y difíciles, por eso estoy feliz tocándolo y cantándolo, ahora que ya está terminado sólo lo quiero compartir.

Quiero promocionarlo en Centro y Sudamérica, Estados Unidos, España y Japón, también estoy componiendo mucho, creo que está abriendo nuevas cosas en mí. Me da curiosidad ver qué onda con mi siguiente trabajo inédito, pero por ahora quiero tocar este disco, no hay nada más para mí, sólo quiero tocar. M

“Antes todo era tan romántico, tan meloso.

Ahora todo es mucho más superficial y retomar esa vulnerabilidad es rico, se siente bien”.

FOTO

FOT::RODRIGO JARDÓN.

Pensar en el capitalismo sin la cultura pop es una imposibilidad teórica, es más, algunos hasta podrían afirmar que no se pude crear cultura popular sin tener como único fin que ésta sea consumida vorazmente. En esta vorágine donde todos participamos y nos embarramos hasta los codos con el plástico de nuestros ídolos, México tiene un particular condimento que sumarle a la comilona. Consumir pop a la mexicana significa mexicanizarlo, y es que en esta hambre, tan insaciable, de consumir todo aquello que se nos ha antojado por medio de (la nada sutil) manipulación mediática, muchos carentes de la capacidad de adquirir el souvenir oficial del momento se ven obligados a reproducirlo en obscenas y deformes reencarnaciones. El pato Conald, Los Tacos Vells… Aquí una mirada a esta (es) cena de pop pirata.

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Pop

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Niños que vagan por ductos de petróleo. Un Papa casado con la Madre Teresa.

El idioma chino imponiéndose. Imágenes que surgen de la mente de talentos cada vez más precoces. Escritores que gozan de la vida digital y la ciencia.

En el panorama contemporáneo lo pop ha absorbido a todos los niveles de la cultura y no necesita reivindicación alguna. Algunos escritores han entrado en sintonía con este nuevo esquema y lo hacen suyo; produciendo además literatura de alto riesgo.

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Eloy Fernández Porta —España

Viola di Grado —Italia

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Tiene 23 años y se viste como darketa (pero odia la saga Crepúsculo).

Es siciliana, licenciada en Lenguas Orientales y Anglófila. De hecho, su ópera prima transcurre en Leeds, pero implica la enseñanza del chino. Posee una personalidad extraña, una formación sólida y mucho juicio. Desde su perspectiva “el lenguaje no puede hablar del mundo, sino sólo de nosotros mismos”. Su obra despierta grandes afectos o desprecios. Se ha convertido en un suceso mediático.

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Lo podemos considerar el teórico de tal estadio de la cultura contemporánea. Asume que los niveles de cultura han eclosionado, es decir, no hay alto, medio y bajo. Estamos en tiempos de la fragmentación y la formación “zapping”. Entiende a la interdisciplina, la apropiación y el cut & paste como herramientas esenciales para el arte del presente. De allí la viabilidad de un Homo sampler. Además de un puntual ensayista funge como artista multimedia.

Agustín Fernández Mallo —España

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—Estados Unidos

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Nació en 1983 y es una especie de terrorista de la era de las redes sociales. Ha vendido acciones para mantenerse, vende sus libros en Urban Outfiters, roba en librerías y en sus presentaciones repite la misma frase durante 7 minutos o más. Ofrece en venta sus manuscritos a través de eBay; nadie niega su visión de estratega de marketing y la lucidez con que refleja la anomia de su generación. A falta de otro calificativo, han llamado a lo suyo “nuevo minimalismo”. Es sagaz, inteligente y provocador.

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Pop

Estudió física nuclear pero se ha dedicado a espolear a la poesía y la novela. Su trilogía Nocilla le trajo celebridad internacional, acentuada por la censura de El hacedor (de Borges) remake, que se pertrechaba detrás de la idea de la re-escritura. Como ensayista ha especulado acerca de la necesidad de una Post-poesía. Se presenta como Fernández & Fernández (spoken word, DJ y VJ) y ha formado el dueto Frida Laponia. La influencia de su obra y su figura ha obtenido una relevancia fundamental en los últimos años.

Libro rec omendad

o: Nocilla

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Rafa Saavedra —México

Pola Oloxiarac

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: Las teoría

—Argentina

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Nacida en 1977 su primera novela, de tintes autobiográficos, transcurre en la Facultad de Filosofía de la Universidad de Buenos Aires donde estudió. Ricardo Piglia apuntó que se trata de "el gran acontecimiento de la nueva narrativa argentina". En su universo caben un pez llamado Yorick y una gata llamada Montaigne; así como una joven militante de izquierdas que escribe cartas a Mao. Con su prosa ha redactado “un tratado de guerra sobre la seducción en la era weblog”. Le ha dado con todo a su generación, lo que le ha traído intensas polémicas.

Este tijuanense nacido a finales de los sesenta es un devorador de los múltiples fenómenos pop que la cultura contemporánea produce. Es un avezado anticipador de tendencias y orfebre del lenguaje –el espanglish es una de sus joyas–. A partir de una melomanía empedernida construye una literatura multireferencial llena de tensión y vértigo.

Libro recomen

dado: Esto no

es una salida.

—España

—Estados Unidos

Chuck Palahniuk ha dicho sobre la primera novela de este texano, asentado en San Francisco: “Juro por Dios que éste es probablemente el mejor libro que he leído en cinco años”, y entre sus fans también se cuenta a Irvine Welsh. No en vano la crítica insiste en que escribe punk thrillers. El escritor se conforma con decir que es admirador de James Ellroy, por lo que digamos hace neo noir. Es un tipo rudo cuya escritura llena de explosivos a los planteamientos tradicionalistas. o: Manua

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Manuel Vilas

Craig Clevenger

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Ave de las tempestades de la literatura en español. Arriesgado con las estructuras y cínico como postura existencial, ha tenido fortuna tanto en la poesía como en la novelística. Pretende que la escritura provoque un estallido total y para ello tiene de su lado una vasta cultura, imaginación casi delirante e impecable manejo del sarcasmo.

Tiene gran habilidad para mezclar épocas, personajes y situaciones.

Con él, la historia del mundo es la historia del pop… mutante.

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Ben Brooks

A los 19 años va en su quinto libro, que es el más logrado a la fecha; antes tenía un perfil experimental. Nació en Gloucestershire y ahora vive en Londres, se propuso hacer un diario ficticio donde se suelta con todo para hablar de él mismo y sus coetáneos, a los que muestra como egoístas, crueles e incapaces de sentir empatía y arrepentimiento. Un manual de iniciación a la vida (drogas, sexo, terapia sicológica, etc.) en pleno siglo XXI.

Teddy Wayne —Estados Unidos

Crear una palabra que alude al capital y al petróleo anuncia por dónde van los tiros. Un nerd neoyorkino de poco más de 30 años nos ofrece como personaje a un catarí musulmán, que trabaja en el World Trade Center antes de los atentados. Ha inventado un programa para enriquecerse a costa de la violencia en Medio Oriente. The Huffington Post apuntó que el libro es tan bueno que mató de golpe al género sobre el II-S. Mientras alude a la codicia y la falta de ética nos recuerda que "en el capitalismo siempre que una persona gana otra pierde".

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PUBLIREPORTAJE

N E DI C I ÓI A L C E ESP LA UNIÓN DE DOS ÍCONOS

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ace más de 70 años, Fender® y Beetle comenzaron su historia.

En geografías y contextos muy distintos estas dos empresas crecieron paralelamente, pero fue el tiempo, la creación de historia popular, lo que habría de emparejarlos. La unión de estos dos grandes íconos tiene como resultado lógico la creación de uno nuevo: Beetle edición especial Fender®.

Desde que el hombre fue capaz de hacer eléctrica a la vieja y ñoña guitarra acústica, este objeto se ha vuelto un

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Pop

símbolo del imaginario musical popular; a veces es destrozada contra un amplificador, otras veces evoca las curvas femeninas –o compensa carencias masculinas–, sea como sea, la música no ha de entenderse sin una guitarra eléctrica.

El poder de este símbolo es único y quizá sólo comparable con un puñado de cosas. Entonces, pensemos por un momento en Beetle, vayámonos lejos, cuando le decíamos Vocho, pensemos en hippies y flores; en esos momentos de la cultura que permanecen grabados en nuestra

memoria y ahí, en alguna escena recopilada de revistas, películas o documentales, encontraremos al buen Hendrix con su guitarra subiéndose a su Vocho floreado.

A continuación, una lista enorme de imágenes han de aparecer en nuestra memoria: Gilmour y su Fender®, Buddy Holly y

su Stratocaster®, una Combi Volkswagen estacionada en Woodstock…

Así, la historia se repite y en esta ocasión las guitarras y Beetle se unen en una edición especial cuya modernidad refleja la incansable capacidad evolutiva de la música y la tecnología.

INTERIOR

Tomando los elementos más icónicos de Fender®, Beetle alberga en su interior acabados idénticos a los de la suave superficie de una guitarra; la madera y el emblema Fender® centran toda la atención en el tablero, además para la versión Turbo se incluyen asientos sport en tela y Leatherette “Fender® Design” insertos en color “piano black” en puertas y volante, paneles en puertas parcialmente forrados en piel y pedales de aluminio.

MOTOR

Esta edición especial estará disponible en 2 versiones: Sport y Turbo, la primera con un motor de 5 cilindros 2.5 litros y 170 HP con un torque de 240 Nm. Mientras que en la versión Turbo, el propulsor es un cuatro cilindros de 2.0 litros TSI, de esta manera es capaz de entregar 200 HP y 206 lb-pie de torque.

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EXTERIOR

En el exterior se muestran los elementos clásicos del Vocho, además de contar con calaveras oscurecidas, carcasas de espejos laterales con cromo, el emblema Fender® en las salpicaderas delanteras, faros Bixenón con luz de día en LEDS y (en el caso de la versión Sport) rines de diseño “Disc”, doble tubo de escape visible y difusor trasero.

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Pop

SONIDO

Sin embargo, todo lo anterior, no tendría sentido sin un impecable sistema de sonido, aquí es donde Fender® deja de ser sólo un nombre y brinda su sistema estándar con calidad de concierto Fender® Premium, que ha ganado el premio CNET.com como “Bestsounding Car Stereo”. Pero, ¿qué exactamente lo hace merecedor de tal título? Un amplificador de 10 canales, 400 watts de potencia, 8 bocinas, sub-woofer, cargador de 6 discos, entrada MDI (control de iPod® desde el radio) y pantalla touch screen de 6.5”. ¡PUM!

Pero bueno, a todo esto, lo importante: el único color que se podrá adquirir, en las únicas 200 unidades que habrá en México (tanto en versión Sport, como Turbo), es Negro Profundo Perlado.

__________ * Puedes adquirir esta edición especial en concesionarias autorizadas Volkswagen.

-Sport / Manual -Sport / Tiptronic -Turbo / Manual -Turbo / DSG

$303,600.00 $322,773.00 $350,100.00 $370,225.00

Precios sujetos a cambios sin previo aviso.

ARTE

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What is pop?, Baby Don’t Hurt Me "Actualmente vivo y trabajo en Jersey City, Estados Unidos. Mis obras son dibujos y pinturas figurativas, los temas que suelo tratar son hombres musculosos y mujeres voluptuosas. Me gustan las imágenes que retan los límites de género. El pop es algo que definitivamente afecta mi trabajo, no necesariamente como un tema explícito, pero sí en estilo o presentación.

El pop es algo conocido, algo directo, consumible, familiar y, por supuesto, popular. En mi arte intentó dar la apariencia de pertenecer a la cultura pop, pero –al darle un mirada más cercana– se vuelve evidente que algo está mal, que la obra no puede ser consumida tan fácilmente como el resto de las imágenes que te rodean día a día. Busco atraer al espectador con formas gráficas y colores brillantes, pero una vez que tengo su atención, me gusta jugar un poco con sus mentes". www.anabenaroya.com

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CÓMIC

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El Pop –así, con mayúscula– se estira y afloja como un chicle bomba. Es un ente mutante que puede contagiarlo todo con sus deslumbrantes rayos de garbo y frenesí. Y bueno, quizá nuestra relación se estrecha a través del idioma (aunque no en todos los casos). El asunto es que el vínculo con España está allí, lo hemos heredado.

Tendríamos que citar a Parchis, Rafael y Camilo Sesto como placeres culpables de talla XL, pero la verdad, es que el pop español va mucho más allá del mainstream; supera a la música para guiris (que quieren a Los Gipsy Kings) y nos acompaña mientras bebemos un cubata bajo el toldo de un chiringuito. Debajo de lo superficial hay mucha música verdaderamente guay y que no sólo mola hoy día. Esperamos ofrecerles una selección muy chula y si no os gusta: ¡Que te folle un pez! Ostia, tío, que tendrías que ser sordo.

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Peor imposible

GRUPOS QUE TE HARÁN RECONSIDERAR EL POP EN TU IDIOMA

Más que un grupo como tal eran toda una troupé de punk victoriano.

Estuvieron en activo entre 1984 y 1989. Muchos disfraces góticos para hacer un pop más bien festivo y fársico –muy teatral–.

“Susurrando”, su primer sencillo, era hasta playero y tropical. Ellos encarnaron la actitud de ser “modernos” en cuanto se dio la movida madrileña y el rock pudo regresar a la vida. Aquí militó la actriz Rosy de Palma antes de pasar a las huestes de Almodóvar.

Vainica doble Carmen Santonja (1934-2000) y Gloria Van Aerssen comenzaron a colaborar juntas en 1966. Les tocó un periodo oscurísimo de la historia de España y pese al franquismo lograron colocar su pop un tanto hippie. A la postre, grabaron ocho discos, yendo siempre a contracorriente. Los grupos indie siempre les han tenido veneración (Los Planetas y Grupos de expertos Solynieve han hecho covers, entre otros). Su canción “Déjame vivir con alegría” (con arreglo de cítara) es la más exitosa y conocida.

Nosotrash Un grupo conformado durante 1994 en Gijón por cinco mujeres que tenían gran olfato para el arte naive. Sus letras poseen un gran encanto y un lirismo muy desprejuiciado. En el 2002 graban el álbum que mejor refleja su sensibilidad y su propuesta: Popemas. Una de sus canciones memorables es “Arte” y tiene un gran sentido narrativo y fino sentido del humor.

Los fresones rebeldes Hay que decirlo, estos barceloneses definen con exactitud a eso que llamaron “tontipop” allá a mediados de los noventa. Y si, las voces femeninas eran aniñadas, las letras simplonas y tenían muchas referencias del periodo Ye-ye. Tienen tres álbumes y en el segundo de ellos –Éxitos 99– venía “Medio Drogados”, que se convierte en todo un guiño generacional: “Acaba ese beso que medio drogados nos dimos ayer. He esperado ese momento una y mil veces, y luego quiero que te quedes para siempre junto a mí”.

Sr. Chinarro El sevillano Antonio Luque viene tirando desde comienzos de los noventa, cuando insisten en que tenía influencias de The Cure y Echo and The Bunnymen. Desde entonces es toda una insignia del indie y ha ido depurando su estilo. Destaca por su manejo del lenguaje, que se ha hecho más claro y menos críptico. Ahora construye muy buenas metáforas de corte naturalista. También ha pasado del feedback a la canción más acústica, tiene más de una docena de discos, recomendamos El Mundo Según (2006) y la canción “Los Ángeles”.

Manel Ahora que el asunto de Cataluña está que arde, aquí están los representantes del mejor pop cantado y concebido en ese idioma.

No sólo el Barcelona alcanza lo excelso, está banda llega a cotas muy altas de calidad e inspiración.

Puede hacer una versión catalana de “Common People” de Pulp o recurrir a sus dos álbumes exitosísimos: Els millors professors europeus (2008) y 10 milles per veure una bona armadura (2011).

Tienen un repertorio nutrido de excelentes piezas como “Al mar”, “Benvolgut” y “La Cançó del Soldadet”. Ellos contribuyen a afirmar a su región como potencia cultural en sí misma.

Papa Topo Adrià Arbona comenzó esta locura en el pueblito de Binissalem y luego se mudó. Se dedicó a crear un pop absolutamente naive que brilla como el sol; como no pensarlo con canciones como “Oso Panda” y “Lo que me gusta del verano es poder tomar helado”.

El productor hiperpop Guille Milkyway le ayudó para sacar sencillos en vinilo en la colección New adventures in pop. Luego vendría “La Chica vampira” y cierta reestructuración en un grupo que apenas data del finales del 2008.

Su concepto –tan divertido y despatarrado- ahora se plasmó en el mini LP titulado Rotación y Traslación. Chirriantes y encantadores.

Antonia Font En un mundo con mayor apertura y capacidad de riesgo, estos originarios de Mallorca serían un acontecimiento gigante. Poseen gran amplitud temática –recurren mucho a la ciencia y el espacio–, pasan por un surrealismo contemporáneo y su pop rock está lleno de detalles y sofisticación.

El asunto es que cantan en mallorquín –derivación regional del catalán–. Su música es maravillosa y representa la oportunidad de descubrir un universo hermoso.

Han grabado incluso con la Orquesta Sinfónica de Bratislava y cuentan con una trayectoria de 8 LPs. Le encantan al escritor Enrique Vila Matas.

Joe Crepusculo Un personaje enigmático y desconcertante. Tiende con suma facilidad a privilegiar el kitsch más estridente, aunque él diga que le encanta la alta fidelidad. No hay ritmo comercial que se le resista y logra convertir incluso a San Agustín en letrista pop. Sus teclados vintage convierten su universo en un punto muy alto de las verbenas y las fiestas despatarradas.

Astrud

Doble Pletina Los podemos considerar de los últimos en llegar a este recuento, pues son más noveles. Se trata de un doble dueto (chico y chica) que se formaron tras la disolución de Abrevadero en Barcelona.

Grabaron un demo que incluía la canción “Música para cerrar las discotecas” y se convirtieron en un suceso del underground.

Hay muchas reminiscencias a los girl groups, al twee pop y las vocalistas setenteras pero con un sentido muy actual. Apenas están debutando y ya tienen un tema de culto.

Los Nikis Se dieron a conocer ataviados como punks del siglo de Oro. En “El imperio contraataca” repasaban 1582 y se mofaban de la historia española. Dieron guerra desde 1981 pero no debutaron sino hasta el 86 con Marines a Pleno Sol. Tomaron el ánimo de los Ramones y su guitarreo para poner en marcha a la escena. Muchos grupos les deben haber perfilado el uso de un humor guarro y desprejuiciado. Lo dejaron en 1990, pero volvieron para editar Más de lo Mismo (1998).

Carlos Berlanga Este hombre representa a la elegancia y el lustre del mejor pop español. Escribió alrededor de 185 canciones y vendió millones de discos con Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides, Alaska y Dinarama y luego en solitario. En 2005 falleció demasiado joven a causa de un mal hepático. De su autoría salieron: “¿Cómo pudiste hacerme esto a mí?”, “Un hombre de verdad”, “Ni tú ni nadie”, “El rey del glam”, “Lady Dilema” y “¿Qué será de mí sin ti?, entre tantas otras; le debemos mucho agradecimiento y respeto.

Manolo Martínez y Genis Segarra son dos músicos de Barcelona que también tienen el proyecto electrónico Hidrogenesse. Son muy cercanos al ambiente artsy, lo que les vale para crear letras con gran carga irónica, como “Hay un hombre en España”, “Noam Chomsky” y “Todo me parece una mierda”. Pese a una carrera azarosa cuentan con seis LPs (el más reciente, Lo Nuevo junto al Col.lectiu Brossa del 2010). Su trabajo lírico está lleno de filigrana y acidez.

Aerolineas Federales Venir tirando desde la provincia es todo un logro. Este grupo procede de Vigo y puso a Galicia en el tablero musical de los ochenta.

Iniciaron en onda post-punk pero cuando sumaron a las aerolinettes tomaron identidad propia –en plan divertimento–. Grabaron cinco álbumes y lo dejaron a principios de la siguiente década (aunque volvieron este año con Hasta el final… y más allá). “Soy una punk” es su tema insignia. De este grupo salió uno de los miembros de Siniestro Total.

Esclarecidos

Cuando escucho a ciertas bandas mexicanas decir que componen en inglés porque en español “no les sale”, me dan ganas de grabarles un casete con algunas de estas emblemáticas canciones del pop Made in Spain, para que vean que sí se puede. ¿Que ya no existen los casetes, que la gente ya sólo escucha playlists y que muchas bandas españolas igual componen letras anglo? Fuck, forget it, dudes…

“Groelandia”. Los Zombies (1980).

Hit más notable de este grupo influenciado por B-52s y el postpunk. Incluido en su disco Extraños Juegos.

“Enamorado de la moda juvenil”.

Radio Futura (1980). Eran tan pop, que se avergüenzan de esa época y no incluyen el hit en sus compilados subsecuentes.

“Chica de ayer”. Nacha Pop (1980). Uno de los temas más hermosos y emblemáticos del grupo español.

“Otra dimensión”. Alaska y Los Pegamoides (1981). El grupo apuesta por el pop siniestro con letras divertidas y surrealistas.

“Selector de frecuencias”. Aviador Dro (1981). Sin duda el himno memorable de estos pioneros del synth-pop en español. Ciencia ficción emotiva, muy a la Devo.

Más de este tema en www.marvin.com.mx/mas-musica

No se ciñeron a fórmulas ni a patrones; sus referentes eran más literarios. Estos madrileños fundaron Grabaciones Accidentales (editando a Duncan Dhu, Os Resentidos y Corcobado, entre otros) y resultaron fundamentales para impulsar la movida. Tal vez su refinamiento impidió que el quinteto se hiciera masivo.

Estuvieron activos entre 1981 y 1997. Dejaron siete álbumes muy buenos y “Arponera” es toda una joya de canción para recuperar. M

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Durante el momento que comprende los inicios de los años 50 y el principio de la década de los 80, el cine turco llegó a producir una cantidad promedio de 300 filmes por año, convirtiéndose en el quinto productor de películas en todo el mundo durante los años 60. El grueso de estas cintas estaba conformado por historias que tomaban sus ideas y sus personajes de la cultura pop de otros países, principalmente la norteamericana y la italiana. Este cine popular turco fue en un principio el producto principal asociado a Yeşilçam, el término con el que se le conoce a la industria fílmica de Turquía llamada así por el nombre de la calle que sirvió de alojamiento a las oficinas de varias compañías productoras que empezaron a surgir a mitad de siglo.

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arcada por condiciones económicas precarias, esta versión pobre de Hollywood se las tuvo que arreglar para sobrevivir realizando películas de manera primitiva, copiando el modelo extranjero al tiempo que se aprendía los trucos de la narrativa cinematográfica, que con el paso del tiempo sirvieron para desarrollar una identidad nacional turca en el cine popular a través de la apropiación y resignificación de personajes extranjeros. La película pionera en Yeşilçam en hacer esto fue Tarzan Istanbul´da (Tarzán en Estambul) filmada en 1952 por Orhan Atadeniz. Utilizando secuencias de las películas estadounidenses de Tarzán, escenas de un documental de la vida salvaje, así como filmaciones suyas de animales en un zoológico y de sus actores reproduciendo la puesta en escena de los filmes originales, Atadeniz

logró un producto competente que se sobrepuso a las limitaciones convirtiendo a su versión de este personaje en un producto netamente turco. Ese sería el camino a seguir por Yeşilçam en los años venideros, gracias en primer lugar a la considerable reducción en los impuestos aplicados por el gobierno a la industria del cine, lo que haría que muchos se aventuraran en crear sus casas productoras tratando de obtener un dinero fácil, y en segundo lugar debido a que las leyes del copyright no se aplicaron al cine en Turquía.

Así pues, Yeşilçam seguiría el modelo impuesto por Atadeniz: a falta de presupuesto y pericia para lograr los recursos técnicos del cine extranjero, se tomarían prestados pietaje, música, personajes y narrativas de fuera integrándolas en un contexto turco que hacía que sus habitantes las prefirieran en lugar del producto auténtico. Esta práctica de cinecollage no estaba tan lejana a lo que en esos mismos años se estaba gestando en el mundo del arte con el movimiento del pop art representado por figuras tan notorias como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, quienes tomaban prestada la iconografía de la publicidad y las historietas. Y es así que en el cine popular turco a través de estas décadas y en diferentes géneros, desfilaron las versiones otomanas de personajes como Superman, el Zorro, Batman o el Hombre Araña. Pero no sólo íconos de la cultura pop norteamericana serían asimilados por Yeşilçam, también de Italia como Kiling ¡o incluso nuestro Santo El Enmascarado de Plata!

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E GR AJA LES.

CUANDO EL CINE DE TURQUÍA SE VOLVIÓ POP

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Pop

Pero no solamente serían personajes como James Bond, Rambo, E.T. o Emmanuelle los que tendrían sus similares turcos, también narrativas completas de películas tan dispares de géneros como horror o sexicomedias. Ejemplo de lo anterior lo encontramos en Seytán, la versión local de El Exorcista o Drakula Istanbul'da (Drácula en Estambul), en donde se adaptaban los elementos cristianos de las historias a simbologías y ambientes musulmanes. De hecho, Drakula Istanbul'da es la primera película en relacionar al personaje con Vlad Drakul, personaje familiar en aquellas latitudes. Más allá del horror encontramos también versiones turcas de spaghetti westerns, los llamados kebab westerns que no tenían empacho a utilizar figuras populares del género como Django.

De Italia copiarían también tanto giallos -como Aska susayanlar seks ve cinayet, remake de El Extraño Vicio de la Wardh- como sus comedias con las que iniciarían esa tendencia en Turquía: Bes Tavuk Bir Horoz, el remake de Homo Eroticus protagonizado originalmente por Lando Buzzanca.

Otras películas por su parte, optaban por tomar prestadas escenas y música de otros filmes para construir narrativas propias. El caso más famoso representativo

Más de este tema en www.marvin.com.mx/mas-cine de esta tendencia es sin duda Dünyayı Kurtaran Adam, que se traduce como El Hombre Que Salvó Al Mundo pero es más conocida entre los aficionados al paracinema como la versión turca de Star Wars. Protagonizada por Cüneyt Arkın, uno de los últimos grandes ídolos de Yeşilçam, la cinta narra la historia de dos pilotos turcos que salvan un planeta de las fuerzas mal, reafirmando a través de su historia de ciencia ficción, su identidad nacional y orgullo turco. Eso sí, todo ello con música tomada de la película de Indiana Jones y Los Cazadores del Arca Perdida y las batallas estelares de La Guerra de las Galaxias.

Al articular todo esto en pantalla, Yeşilçam sin proponérselo, logró lo mismo que el movimiento de arte pop antes mencionado. Sólo que a diferencia de ellos, que lo utilizaron para comentar de manera irónica la banalidad de la cultura de consumo, los turcos lo hicieron para construir y reforzar su nacionalismo a través del cine popular. Algo que no podrían haber hecho sin la ayuda de Killing, Tarzán, Supermán, el Capitán América y el Santo, los verdaderos vengadores del cine pop turco. M

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Este año se cumple un cuarto de siglo de la muerte de aquella eminencia cómico-mecánica-comercial del arte pop: Andy Warhol. Apenas en noviembre pasado, se vendió uno de sus cuadros de la Estatua de la Libertad en casi 40 millones de dólares, sólo porque tenía la particularidad de poder verse en 3D. El pop no ha muerto, ni siquiera ha pasado de moda. Está más vivo y redituable que nunca y la prueba es que sigue engendrando retoños artísticos (y comerciales) por doquier.

ZA

MO

RAN

O.

¿De qué naturaleza son esos herederos? Como en cualquier familia de dinero, los hay legítimos, abandonados, rebeldes, prodigios o bastardos.

En los albores del pop art, allá por los años cincuenta y sesenta, los críticos no lo tragaban, en especial Harold Rosenberg, quien lo definió como “una broma sin gracia, contada una y otra vez hasta que empieza a sonar amenazante… Arte publicitario que se anuncia a sí mismo como un arte que detesta la publicidad”.

Y en efecto, una vez que uno entiende los mecanismos del tal movimiento no queda mucho por descubrir… La vida cotidiana con su dosis de violencia, celebridades, comida chatarra, tv y consumismo, es algo que ya no asombra ni indigna; el cinismo es nuestra nueva filosofía, entonces, ¿por qué en cada una de las décadas siguientes ha surgido algún movimiento que retoma las técnicas y los temas del pop art, replicando sus populacheros genes ad nauseam?

Al principio, se antoja descalificar a todos sus “herederos” como simples clones, pero al analizarlos más detenidamente, uno se da cuenta de que algunas camadas de estos artistas presentan mutaciones ideológicas que corresponden más a una evolución que a una copia barata. A ésos los veremos más adelante, pero antes pasemos a las formalidades.

HIJOS DEL TÍO ANDY

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Pop

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Hijos legitimos.

Viva el sistema!

Como siempre, hay excepciones, y en este caso se encuentran justo donde cualquier cínico espera: en las sacrosantas instituciones de la Cultura y el Dinero, los museos y el marketing, por supuesto.

En esos mundos paralelos, nada cambia, todo permanece tan uniforme y estático que se pueden meter 60 artistas en el mismo saco (el de Warhol) sin problema, y la originalidad venderse en relucientes empaques plastificados.

Así, hasta el 31 de diciembre, tiene lugar la exposición Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years, en el Metropolitan de Nueva York, donde además de 45 productos, perdón, obras del artista de cabello blanco se pueden admirar cien trabajos de 60 artistas que le deben algo (no importa que hayan creado a la par o, incluso, antes que él sus obras, como apunta la crítica de arte Roberta Smith).

Apilados en las doce salas de la expo, están algunos de los nombrecitos más famosos de ayer y hoy: Ai Wei Wei, Damien Hirst, Takashi Murakami, Jeff Koons, Richard Prince, Anselm Kiefer, Ed Ruscha, John Baldessari, Basquiat, Vik Muniz, Sarah Lucas, Cindy Sherman, etc., etc., y al parecer todos son tributarios de ese “meteorito que cayó a la Tierra” para transfigurarla por completo, llamado Andy Warhol (según el curador...). Supongo que el susodicho estará revolcándose en su tumba de puro gusto, ¿qué no bastaban sólo 15 minutos de fama?

Por otro lado, cabe resaltar que el pop art del genio ya ha llegado a las caras, las uñas y los labios de las damiselas fashionistas con la línea de cosméticos que lanzó la marca Nars en complicidad con la Andy Warhol Foundation. ¡Colecciónalos!

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Hijos bastardos Lejos de la parafernalia y los reflectores que se tragaron enterito la plástica pop y lo convirtieron en todo lo que criticaba, uno de sus hijos, no reconocido, crecía sin control institucional en la escena underground de California.

Eran los años setenta, pero a contracorriente de los hippies, estos artistas, que en verdad no eran artistas ni pretendían serlo, ya habían perdido cualquier reducto de esperanza en la raza humana. Su contracultura se alimentaba de carreras de autos tuneados (hot rods), cómics, ilustraciones, pósters, la estética punk, el soft porn y los tatuajes.

Cruza entre el kitsch, el surrealismo, el arte religioso y el arte pop, el llamado lowbrow (de mal gusto) art reniega de ser un movimiento, es más, niega ser un arte, en el sentido más apretado y pretencioso del término.

El consumismo, los estereotipos y lo políticamente correcto son los principales blancos del sarcasmo pictórico de este engendro artístico altamente creativo, cuya figura principal es Robert Williams, caricaturista, escultor, diseñador de autos, fundador de la revista Juxtapoz y pintor, que… ¿adivinen qué?, ya tuvo varias exhibiciones personales en la prestigiosa galería de Tony Shafrazi en Nueva York, aunque rebautizó su estilo como “realismo conceptual”.

Sin embargo, el auténtico lowbrow (también conocido como surrealismo pop) sigue desarrollándose en galerías fuera del mainstream, que gozan de buen prestigio en el mundo contracultural y de muy buenas fiestas. Por lo menos eso presume el sitio web de La Luz de Jesús, una de las pioneras en apoyar este género, fundada en 1986.

Hijos adoptivos Quizá suene irreverente, pero como en la vida, también en el arte los niños adoptados vienen de China, y son muy talentosos.

Desde finales de los ochenta y principios de los noventa, ya un poco más libres de la opresión cultural y ávidos del destrame occidental que se habían estado perdiendo por culpa de Mao, los chinos crearon su propio arte pop, al que denominaron gaudy art.

Un estilo que también se define como de “mal gusto” –aquí algunos le llamarían “naco”– pero con sabor oriental. No es difícil imaginarlo, basta con ir a una tienda de baratijas made in china y añadirle un toque a lo fiesta de quinceañera. Obras como la serie Consumer Images (1993) de Qi Zhilong o Fast Food Lunch Box, de Xu Yihui, son representativas de esta tendencia, inspirada en el trabajo del artista pop estadounidense Jeff Koons.

El gaudy art surgió a su vez de dos corrientes del arte chino un poco anteriores: el pop político, que retomaba la estética de la propaganda del régimen comunista tan sólo para tergiversarla como el arte de Wang Guangyi –aderezado de marcas como Coca Cola o Gilette– ,y el realismo cínico, que se puede apreciar en los cuadros de Yue Minjun, donde los personajes ríen sardónicamente en la cara del espectador.

Con la creciente apertura del mercado y la entrada en cascada de las ocurrencias de occidente: las marcas, la moda y el apetito por lo desechable, los artistas chinos adoptaron un estilo más salvaje e incisivo, el neo pop, una parodia del pop art que al tiempo que la homenajea, le hinca el diente a la mano que le dio de comer.

Como siempre, los chinos saben hacerla y amenazan con conquistar el mundo del arte.

Con este pop reinventado, no sólo demuestran su espíritu crítico y sus dotes artísticos, también reflexionan sobre su identidad, dan de qué hablar y de paso hacen buenos negocios. Algunos de los artistas neo pop más representativos son Kang Can, Xiong Lijun, Yang Na, Liu Yan y la serie de personajes enmascarados del pintor Zeng Fanzhi.

Éste último encabeza la lista de artistas chinos contemporáneos con mayores ganancias, que ya sobrepasaron a Demian Hirst y al mismísimo Warhol japonés, Takashi Murakami.

Si bien el estilo pop no está generalizado en el arte de China, el espíritu consumista sí ha poseído sus galerías y casas de subastas.

Así que no se espanten si de los hijos de los hijos nacen productos aún más enajenados.

Entre el neo pop, el pop y el lowbrow, encontramos por ejemplo la obra del ilustrador chileno Fabián Ciraolo, que no esconde su fascinación por los cómics, la moda, los íconos y los hipsters.

En sus retratos de celebridades reinterpretadas. ¿Qué tal ver a la madre Teresa con un iPhone en la mano, a Lady Di tatuada de pies a cabeza o a Dalí en ombliguera?

Parece que retoños tan singulares, por no decir monstruosos, son sólo un eslabón más en la cadena evolutiva del pop. M

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BAJO PRESUPUESTO

OFF THE RECORD

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. Facebook: /hgmichel

Periodista de rock y escritor de ficción.

Pero…, ¿qué demonios es el pop? Pocos términos tan escurridizos y difíciles de asir, de definir.

Desde un estricto punto de vista musical, no se trata de un género como el jazz, como el rock, como la mal llamada música clásica. De hecho, algunos de esos géneros pueden englobarse dentro del pop, si nos atenemos a las raíces etimológicas de la palabra, derivadas del latín populāris, es decir, “perteneciente o relativo al pueblo, que es peculiar del pueblo o procede de él”, según lo define el Diccionario de la lengua española de la Real Academia de la Lengua. En ese sentido, toda música popular es pop y en ese jarrito cabrían, lo mismo el corrido y el mambo que el blues o el folk. Sin embargo, cuando escuchamos esta música, lo que menos se nos ocurre es denominarlos como pop.

¿Es lo pop entonces lo que muchas veces calificamos, no sin cierto desprecio, como comercial? No necesariamente. La cumbia o el reggaetón son hoy por hoy muy comerciales y no los identificamos con la música pop. ¿Entonces?

Para tratar de estrechar un poco el problema, refirámonos tan sólo al rock-pop. ¿Por qué los Beatles serían rock-poperos y los Rolling Stones no? ¿Canciones como “She Loves You” o “Yesterday” sí son pop y “Ruby Tuesday” o “She’s Like a Rainbow” no? Las cuatro fueron y siguen siendo popularísimas. Las cuatro parten de estructuras armónicas más o menos básicas y tienen melodías que se recuerdan con facilidad. Pero existe una especie de convención que define a los de Liverpool como más cercanos al pop que Jagger, Richards y compañía, a pesar de que aquellos escribieron temas tan rocanroleros y hasta vanguardistas como “I Am the Walrus” o “Revolution No. 9”y estos hicieron cosas tan metapoperas como “Emotional Rescue” o “Harlem Shuffle”.

¿Por qué Belle & Sebastian sería un grupo popero y Radiohead no o por qué las canciones de Timbiriche se consideran como pop y las de Caifanes no, cuando ambas se volvieron tan populares en México?

Se trata de un dilema casi filosófico, shakespeareano. To be (pop) or not to be (pop), that is the question. Tal vez sea también una cuestión bizantina.

Después de todo, ¿qué importa que algo sea o no sea pop? ¿Quién puede decidirlo, determinarlo, decretarlo?

Porque el que algo sea pop no significa necesariamente que sea malo o de baja calidad. Andy Warhol hacía pop art. Michael Jackson es el máximo ídolo del pop. Pero también Justin Bieber y los Jonas Brothers son poperos. Lo eran los Monkees y los Archies en los sesenta y lo son Madonna y Lady Gaga en pleno siglo XXI. Moderatto es pop y lo es Alejandra Guzmán. Lo era Flans y lo es Belinda. Es decir…

Como afirmé al principio de la columna, pocos términos tan escurridizos y difíciles de asir como la palabra pop.

Hasta ahora, según avanzan (¿o retroceden?) estas confusas

reflexiones, las conclusiones acerca de lo que es el pop son más negativas que afirmativas. Es decir, sabemos que no se trata exactamente de lo popular, pero menos aún es algo que sólo se defina como comercial.

Tampoco es efímero o insustancial y puede haber casos en los que hasta alcance alturas artísticas. En una palabra: entre más quiero saber qué es el pop, más lejos me encuentro de lograrlo.

Mejor aquí me detengo y opto por algo que me da más certezas. Voy a mi disquero (que tengo acomodado por orden alfabético), busco la letra “J” y saco el disco Pop Pop de la divina Rickie Lee Jones. El álbum, grabado en 1991, no me aclara cosa alguna sobre lo que es el pop, pero me hace disfrutar de la música… y de eso se trata a final de cuentas.

Una vez fui estrella de pop y experimenté en carne propia aquel griterío, histeria y lúbrica inundación de entrepierna que acompaña los entusiasmos juveniles de las multitudes cuando delante de ellas se planta el cantante que, con su rostro impreso en calcomanías, adorna las portadas de un cuaderno.

Corría la mitad de la década de los dosmiles y yo laboraba para una extinta revista de espectáculos que me encomendó viajar a la entonces Muestra Internacional de Cine de Guadalajara para realizar una marca persona a Diego Luna en compañía de mi paparazzi de confianza. El objetivo: obtener del histrión cuanta mundana fotografía e inútil dato (como el menú que conformaba su desayuno diario o las mujeres que pudieran o no acompañarlo en sus correrías nocturnas) se nos presentara.

Durante mi semana en la capital de Jalisco trabé amistad con un reportero de Televisa Espectáculos hoy convertido en popular conductor de revista, Mauricio Clark, que amablemente nos permitía subir a la camioneta de la empresa para que correteáramos junto a él a las rutilancias de la pantalla casera.

Una noche, El Temerario, como apodábamos al fotógrafo y yo, acompañamos a los “televisos” a cubrir un concierto de RBD en un estadio de fut, creo. Hasta al backstage entramos. Al salir, lo hicimos inmediatamente después de que el sexteto de efebos y ninfas del culebrón terminara su Playback, a bordo de una camioneta rotulada con el emblema amarillo-naranja de la televisora, pero con los vidrios polarizados.

Debido a la zombificación a la que las masas se exponen cuando se encuentran dopados bajo el influjo faradulero, a varias decenas de los reunidos a las afueras del estadio donde tenía lugar el concierto de RBD (que asumo no alcanzaron boletos) se les ocurrió que NOSOTROS éramos el grupo y comenzaron a golpear las ventanas de nuestra camioneta, a sacudirla y exigir, desesperados a que nos bajáramos para tomarnos una foto. Inútilmente intentaban aquellas criaturas hambrientas de esplendor de divisar bajo los vidrios negros los rostros de Dulce María, Christopher o Anahí.

Bajamos apenas lo suficiente aquellos vidrios para sacar las manos y saludar. Desesperadas, convertidas en grito, las adolescentes casi nos arrancaban los dedos.

Cuando nos liberamos de la multitud, el chofer de la camioneta aceleró a fondo, para brindar mayor teatralidad a nuestra huida, la de los falsos RBD. Cuando íbamos sobre el periférico de Guanatos, muertos de risa todos los tripulantes, descubrí que detrás de nosotros iban tres automóviles repletos de fans intentado darnos alcance.

Una vez más, el chofer se metió en su papel de Kevin Costner en The bodyguard y comenzó a zigzaguear entre los autos, con la falsa intención de “perder” a nuestros seguidores. Un total de 20 minutos nos corretearon hasta nuestros hotel, adónde nos bajamos –El Temerario, Mauricio y yo– cubiertos con sudaderas de capucha para que, en efecto, pareciera que éramos los RBD cobijados en el secreto.

Al entrar al hotel, nos metimos al baño e inmediatamente… salimos con el rostro descubierto. Efecto Superman – Clark Kent.

Los fans que nos persiguieron por media ciudad ni siquiera notaron nuestra presencia. Continuaban azorados, buscando en el lobby de aquel hotel a los integrantes de la banda pop del momento.

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

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Contrastes

T X T : : J U A N M AYA .

EL CUADERNO AMARGO T X T : : paola tinoco .

Escritora. Twitter: @paolatinoco

Es verdad que en nuestros días la forma de leer ha cambiado significativamente: se lee mucho pero de otra manera. Se lee en internet, se lee en tabletas, desde luego se siguen leyendo libros de papel, y hay una campaña de fomento a la lectura que no sólo ha sido tomada por Conaculta (considerando la gran inversión en la remodelación del proyecto La Ciudad de los Libros y la Imagen, la alimentación de contenidos para las viejas bibliotecas, el apoyo para la realización de lecturas públicas en diferentes Estados de la república…) sino de alguna manera por las editoriales emprendedoras que deciden publicar los clásicos de la literatura en versiones gráficas, con la intención de acercarse al nuevo público de lectores que como he dicho en otras ocasiones, es proclive a la imagen, a lo gráfico, y de esta forma los acercan como lectores y consumidores.

Sin ánimo de ir en contra de las muy-de-moda novelas gráficas, que dicho sea de paso me parecen un objeto sumamente atractivo, debo decir que también resultan un pretexto ideal para algunos editores para echar la flojera y no buscar nuevas apuestas sino ir a lo seguro: una historia que ya fue probada durante décadas en el gusto de los lectores y, ¿por qué no?, usar incluso una traducción que ya fue publicada por una editorial reputada. Su único esfuerzo es, pues, buscar un muy buen ilustrador y hacer un libro bonito. Nada complicado. Y es entonces donde me pregunto si recuerdan los motivos por los que decidieron poner una editorial antes de hacer pop una obra literaria. Lo mismo me pregunto en el caso de los jóvenes escritores, ávidos de publicar y cuando por fin llega la nueva novela está hecha de fragmentos. Es un estilo probado y ligero, interesante, que no todos saben llevar de la mano de una buena historia pero que definitivamente funciona. La pregunta en ese caso se transforma en: ¿Recuerdan los motivos por los que decidieron dedicarse a la literatura? ¿A escribir? Diría incluso que algunos de estos libros escritos de manera fragmentada o cuyas novelas no llegan a las 100 páginas dan la impresión de ser una obra apurada por nacer más que la oferta de un libro escrito detalladamente, frase por frase, con la intención de llegar a lectores ávidos de nuevas historias.

En el entendido de pop como una abreviación de “popular”, vemos que la industria editorial como los nuevos escritores no se salvan de acercarse o vestirse con este concepto. ¿Hagamos populares los clásicos? Si, pero pongámosle un plus, que la gente no es idiota. ¿Hagamos literatura más ligera para que pueda ser leída por todos, incluidos los que no son eruditos? Si, desde luego, pero sin perder de vista que una buena historia es una buena historia y una mala historia no se puede ocultar en trozos de una trama pretenciosa y sin rumbo. Pop no es banal, como se ha malentendido a través de los años. No todo lo popular es malo, y no todo malo es para todos. Digo yo.

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Pop

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g w a D p o /T e p o c s r e t n /I h

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En la portada observamos una fotografía Polaroid tomada cuando Lamar tenía cerca de cinco años. Está sentado en el regazo de uno de sus familiares.

Los rostros de las otras tres personas en la habitación aparecen censurados.

Ya por respeto a su privacidad, ya porque ellos forman parte de la historia que estamos por escuchar, y la cual no sería prudente contar. A menos que la hayas vivido en carne propia, a menos, claro, que seas Kendrick Lamar. good Kid el debut del rapero de Compton dentro un sello mayor, nos muestra la historia de una vida agreste, combinada con la influencia directa de grandes héroes del hip-hop. Lamar, sin ser tan agresivo como los escenarios que describe; es capaz de imitar prácticamente cualquier estilo que le venga en gana. No porque carezca de uno propio, sino porque ha clarificado una visión del rap como género e influencia. Para el joven Kendrick resulta sumamente importante cuestionar y amasar la influencia de sus estilos preferidos. Por momentos conserva toda la herencia del west coast rap, en la más pura tradición de Dr. Dre, en otros cuenta con un fraseo similar al de Jay-Z. Aunque parezca aventurado, Lamar ha logrado convertirse en el tipo de artista que el hip-hop exigía desde hace tiempo. Y este álbum, es su seguro afianzamiento como una de las luminarias más sobresalientes en ese género.

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T X T : : L ui s a r ce .

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Emeralds / Just to Feel Anything/ Edi c i o ne s

Me g o

Emeralds es la clase de banda que resurge de anteriores producciones con la necesidad de plantearse nuevos retos (ello no necesariamente implica superar los viejos). En cada producción la banda se caracteriza por incorporar elementos que tiempo atrás hubieran parecido incompatibles con su música. Para Just to Feel Anything agregaron drum machines y sintetizadores que parecen más adecuados para ser el soundtrack de una película de ciencia ficción. La descripción de esa continuidad abraza en Just… momentos bastante lucidos, como el space-rock de “Through & Through” y las exploraciones recreadas en MIDI de “Everything is Inverted” (momentos que recuerdan a la música de Tangerine Dream, pero reformada ba jo la estética del rock de guitarra experimental).

Sin embargo, cualquier otro aspecto, enflaquece; la agrupación es incapaz de soltar la imagen de una guitarra como instrumento de riffs, y el relativo paisa je del álbum es intraducible para el escucha promedio, debido a que está mal construido. Se han despedido de la complejidad drone e improvisada gestada hace años.

T X T : : L ui s A r ce .

Jookabox The Eyes of the Fly Bastaría agregarle más melodías contagiosas y guitarras acústicas. Es una visión más divertida para complementar el espacio.

Psychic Ills Mirror Eye La estética drone de Psychic Ills, es una agregado sustancial en la apreciación de una banda como Emeralds. Tangerine Dream por todos lados.

I CAN CHASE DRAGONS! / ExPANSIÓN / A RTS

Mogwai Hardcore will Never Die, but you Will El back to basics de Mogwai demuestra que las exploraciones más o menos creativas de guitarra, pueden ser más aventuradas.

D I S

& CR A FTS

Uno puede imaginarse a Julio Gudiño, el tapatío radicado en la ciudad de Boston que conforma el proyecto individual I Can Chase Dragons!, al momento de concebir la música de este su primer traba jo discográfico: “¡Voy a hacer un álbum con música como la de Animal Collective, al fin que en México sólo algunos hipsters lo conocen!”. Mas uno que no lo es lo escucha y de inmediato piensa: "Se parece a Animal Collective o –peor aún– ¡es una mala copia de Animal Collective!". Pero muy bien, la música pasa, hasta puede resultar interesante. El problema se presenta cuando entra la parte vocal y sobreviene el desastre. Porque la voz del también integrante de The Plastics Revolution, para decirlo con tacto y elegancia, queda debiendo. Se sabe que una característica del rockcito nacional es la mala voz de la aplastante mayoría de sus vocalistas masculinos. Pero bueno, hasta en el Corona Capital se presentó.

C O S

T X T : : H u g o G a r c í a M i chel .

ANIMAL COLLECTIVE MERRIWEATHER POST PAVILION El sonido celestial de Animal Collective en el que posiblemente sea su obra maestra. Una belleza.

PANDA BEAR PERSON PITCH El integrante más notable de Animal Collective en un álbum digno de Brian Wilson.

Paul Banks / Banks / A r t s

THE PLASTICS REVOLUTION POSTMODERN MEDICINE Música ñoña y carente de testosterona para sensibilidades hipsters.

& C r a f t s M é xi c o

Al fin ocurrió: Paul Banks asumió el riesgo que trae consigo hacer a un lado seudónimos y se atrevió a usar su apellido para titular su más reciente álbum. Hay que celebrar, porque estos movimientos deben ser tomados como una declaración de principios, pues se asume que el camino fácil no está contemplado y que de aquí en adelante la búsqueda de una identidad propia será la luz que iluminará la cueva. Ahora, como en toda excursión ocurre, mientras este disco gira la flama de la antorcha por momentos pierde intensidad; sin embargo, se robustece cada vez que el neoyorquino se pone confesional en sus relatos. Y claro, los ecos de Interpol retumban en las paredes, de hecho, son fantasmas que le cuidarán la espalda a Banks por el resto de su vida como compositor. Ya escucharemos en el siguiente paso si, de una vez, usa sus atributos como herramientas en el camino y no como un lastre que adormezca sus pasos.

T X T : : A lejand r o G o n z á le z C a s t i ll o .

Interpol Turn On The Bright Lights La cumbre del grupo lidera Paul.

Robert Plant Robert Plant Band of Joy La muestra de que sí es posible hacer un lado el pasado y con esto ganar estatura artística.

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Editors An End Has a Start La muestra de que siempre habrá tipos con ganas de permanecer en el mismo aburrido lugar de siempre.

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3 x 1

Wanda Jackson / Unfinished Business / S u g a r

Hi l l R e c o r d s

Vas a cumplir 75 años de edad, has grabado 30 discos y te consideran “la Reina del rockabilly”, entonces, ¿todavía te apetece regresar al estudio? En el caso de esta cantante de Oklahoma, el asunto ni se discute. Inspirada por el empujón que le dio Jack White en su álbum anterior, ahora decide tomar a Justin Townes Earle –hijo del gran Steve Earle– en calidad de productor y alternante en un tema, “Am I Even a Memory”. Su joven acompañante y guitarrista le propuso “llevarla de vuelta a las raíces y hacer un disco de canciones de country, blues y rockabilly”. Y ella supo agregarle su charmé a “Push Over” de Etta James, “It's All Over Now” de Bobby Womack –hoy tan reivindicado– y “Tore Down”, una versión que grabara “la gran bola de cañón tejana” Freddie King junto a Eric Clapton.

Se trata de 10 canciones sin desperdicio, porque también están allí “California Stars”, original del combativo cancionero Woody Guthrie y que años después difundieran Wilco y Billy Bragg, y la llegadora “What Do You Do When You Love Someone?” compuesta por Justin. ¿Es necesario que venga Tarantino y la recomiende para darle el reconocimiento que merece?

T X T : : j uan ca r l o s h i dalg o .

Wanda Jackson The Party Ain't Over Vino el ex White Stripes y nos hizo ver lo genial que es esta mujer. Ni modo, así pasa.

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Justin Townes Earle Harlem River Blues El mejor disco en calidad de solista del actual productor de Wanda.

Emmylou Harris All I intended to be Otra mujer de leyenda que se las gasta en eso del country rock.

Las acciones cotidianas / Matilda / I nde p e ndi e n t e

S

El cuarto disco del dueto integrado por Juan Manuel Godoy e Ignacio Espumado, en la mejor tradición del pop argentino legado por bandas míticas como los primeros Virus y los traba jos tecno-pop de Daniel Melero, además del synth-pop de OMD o Human League. Matilda posee la habilidad de crear melodías y construir brillantes paisa jes musicales acompañados de líricas a veces románticas y casi siempre existenciales, nada obvias (“Una nueva verdad”) sobre bases cuasi krafwerkianas (“Ansiedad”). Sin ser un panfleto hedonista, el mensa je se centra en el individuo y su visión del entorno (“Los Anónimos”, basada en un poema de Borges). Fino synth-pop y ba jos a la New Order en “La prueba y el error”, de los momentos más logrados del disco. Para bailar en la obscuridad, pero también para pensar y clavarse en un mensa je que enmarcado en matices pop refleja una realidad cotidiana plagada de enigmas, via jes interiores e incluso una muy mimetizada crítica a la actualidad social argentina bajo la sutil lupa del desencanto: “Una pantalla anuncia la verdad y quieren creer, no importa pensar” con dedicatoria a los medios masivos de comunicación que, no sólo en México, se las gastan.

C O S

T X T : : A lejand r o Manc i lla .

Avant Press Amor entre rosas E.P Uno de los más finos e incomprendidos trabajos del pop argentino..

Los Encargados Silencio El único disco del (supuestamente) primer grupo argentino de tecnopop. Hoy de culto.

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GRAVEYARD / LIGHTS OUT / Nu c l e a r

Virus Locura Encumbró a unos Virus en estado de gracia, en un momento en que ser moderno era usar sintetizadores.

Blast Records

Si bien Hisigen Blues, su antecesor, ya había causado que volteáramos a ver este cuarteto originario de Suecia con los ojos de quien se encuentra a la Virgen de Guadalupe en la tapa de un sándwich, nos dio miedo que tantas ideas buenas metidas en un mismo álbum, antecediera o una autorepetición complaciente o, peor aún, una seguía vergonzosa. Ni lo uno ni lo otro. Lights Out representa un via je de características épicas como el de los Hobbits yendo detrás del anillo. Canciones abundantes en espíritu, explosiones melódicas llenas de pequeños adornos auditvos, riffs de guitarra con buena garra y la voz de un Joakim Nilsson que pareciera extraída de los años 70. Toda la banda pareciera haber salido de una máquina del tiempo, pues la guitarra de Jonatan Ramm lo mismo escupe de fuego en las rockerísimas “An Industry of Murder” o “Goliath”, que lo que se convierte en un animal melancólico en los blues “Slow Motion Countdown” y “Hard Times Lovin’”.

1

T X T : : A r th u r A . G .

Led Zeppelin Led Zeppelin II Sin lugar a dudas existe relación entre el segundo disco de Robert Plant y el de Graveyard, tanto en los agudos desconcertantes de la voz, como en la estructura de la composición en guitarras.

Pop

Black Sabbath Paranoid Prácticamente se inventó el metal con este disco y los suecos han sido comparados hasta el hartazgo con la banda de Ozzy.

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Tame Impala innerspeaker Con ellos comparten el amor por la psicodelia y a sonar a viejito, aunque se trata de una banda bastante joven.

Andy Stott / Luxury Problems / M o de r n

Love

Como muchos músicos de su estilo, Andy Stott surgió de las realización que involucra cambiar de un estilo como el techno hacia una exploración más refinada y mucho más arriesgada de la música electrónica. La explicación detrás consiste en que Stott obedece a un deseo natural por nutrir su musicalidad con formatos que corresponden únicamente a lo que desea escuchar. Luxury Problems es posiblemente el ejemplo más claro de ello. Lanzado como sus producciones anteriores, dentro de su sello personal Modern Love, Stott se permite aquí trazar las coordenadas de una construcción donde las vocales de Allison Skidmore flotan, extinguiéndose de pronto en muros especulares de texturas en los que se encuentra más cómodo. Lo que escuchamos es, finalmente, una peligrosa armonía, decantada como un objeto de tintes oscuros y plateados, cuya textura recae en algo que es inmanente a la música electrónica: habrás de sumergirte en ella.

T X T : : L ui s A r ce .

Autechre Tri Repetae Un álbum variado, desorganizado, complejo, único, desmesurado, catedrático, la medición de diversos límites hacia dónde fue y puede dirigirse la música electrónica.

Un verdadero clásico.

Demdike Stare Liberation Through Hearing Demdike no sólo ha editado fantásticos álbumes en Modern Love, también captura mucho del sonido creado por Stott, pero con un tono más perturbador.

Shackleton Fabric 55 La música de Sam Schackleton explora la relación más visceral entre el escucha y el sonido, desde una perspectiva electrónica llena de intrigantes tesis.

D I S C O S

La bien querida Ceremonia / E l e fa n t

Records

Ana Fernández-Villaverde, la mujer detrás de La bien querida, afortunadamente sólo sabe ir para adelante y según sus intuiciones. No apetece de modas y tendencias; así que apela a su instinto. Por eso no habrá quien le acuse de inmovilismo; cada disco contiene variantes perceptibles y en esta ocasión no faltan. Ha tirado mucho más de la electrónica y es una evidencia su amor por New Order, pero ello no le quita ni un ápice de frescura.

Lo fundamental es lo que tiene que decir –estrictamente suyo, estrictamente femenino–. No se jacta de tener todas las respuestas ni de explicitar sus miedos, dudas y rencores. Deben de salir a flote las canciones y aquí hay un puñado que nos entusiasma e ilusiona. Del anticipo con “Arenas movedizas” hasta “A veces ni eso” y “Pelea”. Cualquier escucha puede hacer suyas esas frases directas y afiladas: “No vengas contándome penas / que cuando tuviste alegrías / a otra le fuiste con ellas”, apunta en “Aurora”. David Rodríguez consolidó arreglos y producción para asimilar la herencia andaluza, los resabios a electrónica setentera y hasta pespuntes de krautrock. “Hechicera” y “Los picos de Europa” nos siguen enamorando. Este tercer disco no hace sino incrementar el fervor de todos aquellos que nos decimos sus incondicionales. Todavía le sobran frases para hacernos soñar: “Y yo aquí haciendo eses, aquí haciendo eses / de amor con las caderas”.

T X T : : J uan C a r l o s H i dalg o .

Pegasvs Pegasvs Sergio Pérez, 50% del grupo, se encargó de la mezcla de Ceremonia.

La bien querida Romancero Un debut inolvidable y lleno de canciones que todavía sirven de armas letales en las discusiones de pareja.

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New Order Techniquez Una influencia definitiva y tan evidente que hasta hubieran invitado a Peter Hook.

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3 x 1

DONALD FAGEN / SUNKEN CONDOS / REPR I SE

Donald Fagen fue una de las mentes geniales que dieron forma y sustancia a uno de las grupos más finos de la historia del rock, el hoy casi olvidado Steely Dan. Con un estilo que le debe tanto al rock como al jazz, Fegen ha hecho una carrera muy interesante como solista, con cuatro discos en estudio en su haber, el más reciente de los cuales, Sunken Condos, apareció recientemente. No se trata de un álbum que presente demasiadas sorpresas. El músico se encuentra dentro de esa área de confort que es su más que característico estilo, siempre en un tono suave, con una rítmica sutilmente funkie y una facilidad melódica más que grata. Los teclados y la voz de Fagen están presentes a lo largo del plato, con una precisión y un feelin’ espléndidos, lo cual se refleja en las diez composiciones que conforman el álbum y entre las que podemos destacar joyas como “Slinky Thing”, “I’m Not the Same Without You”, “Memorabilia”, “Miss Marlene” y la genial “Weather in My Head”. Un discazo.

T X T : : H u g o G a r c í a M i chel .

STEELY DAN PRETZEL LOGIC Posiblemente el mejor disco de Donald Fagen, Walter Becker y compañía. Uno de las grandes álbumes de la década de los setenta.

D I

JAMIROQUAI THE RETURN OF THE SPACE COWBOY El segundo álbum de Jamiroquai pasó la prueba del ácido con su gozosa mezcla de pop, acid-jazz y funk. Una delicia.

PHIL COLLINS FACE VALUE El debut de Collins como solista, luego de dejar a Genesis, se tradujo en este trabajo lleno de finura y excelente soft rock.

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S C O S 3 x 1

THE WALLFLOWERS / GLAD ALL OVER / COLUM B I A

Siete años después de ese gran disco que fue Rebel, Sweetheart, The Wallflowers vuelve con este nuevo plato, una joya apegada al rock más clásico, aunque con algunas concesiones al dubstep (no en vano aparece como invitado, en dos de los cortes, nada menos que Mick Jones, ex The Clash y ex Big Audio Dynamite). Sin embargo, la influencia más notoria en Glad All Over es la de Bruce Springsteen. Varios de los temas poseen un sonido springsteeniano, sin que eso signifique un desdoro para esta agrupación comandada por Jason Dylan. Todas las composiciones son estupendas: “First One in the Car”, “It’s a Dream”, “Have Mercy on Him Now” o “One Set of Wings” no tienen desperdicio, mientras que “Love Is a Country” y “The Devil’s Waltz” resultan prodigiosas y “Hospital for Sinners”, “Misfits and Lovers” y “Reboot the Mission” (las dos últimas con Mick Jones) seducen a cualquier escucha.

Un traba jo impecable y elegante, una obra sin tacha.

T X T : : H u g o G a r c í a M i chel .

TOM PETTY FULL MOON FEVER El primer álbum como solista de Petty, una joya que debe mucho de su belleza a la producción del gran Jeff Lynne.

Pop

BRUCE SPRINGSTEEN TUNNEL OF LOVE Después de su exitoso Born in the U.S.A., Springsteen regresó con un disco de bajo perfil y, tal vez por ello, incluso mejor que su predecesor.

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BIG AUDIO DYNAMITE THIS IS BIG AUDIO DYNAMITE La explosión de Mick Jones fuera de The Clash, una obra revolucionario para su tiempo.

Benjamin Biolay / Vengeance / Na ï v e

Mucho nos convendría tomar en cuenta la libertad entera que desde hace años gozan aquellos que transitan por la chanson –una expresión vivísima de lo francés–; sin reparo pueden recurrir al rock, la electrónica o los fraseos del hip hop. A Biolay le destinaban el trono dejado por Serge Gainsbourg pero ha preferido caminar a su aire, como lo testimonia “Vengeance”, una colaboración nada menos que con Carl Barat, ex Libertines. Pero también tiene a su lado a Vanessa Paradis –con la que la prensa rosa insiste en liarlo– y a un par de raperos Oxmo Puccino y Orelsan. En torno a la idea que da sustento a su séptimo álbum la explota ahora en español al lado de Sol Sánchez (“Venganza”).

Grabando a caballo entre París y Bruselas, Benjamin se siente comodísimo y en capacidad de dejar salir su sofisticado poder (“Sous le lac gelé”). En resumen, 14 canciones sólidas e interesantes y un artista en estado de madurez plena.

T X T : : J u an C a r l o s Hi dalg o .

Benjamin Biolay La superbe El ambicioso y logrado antecedente inmediato; con este disco Benjamin despegó.

Dominique A. Vers les lueurs Otro extraordinario álbum de este año; la música gala del más alto nivel.

The Black Keys El camino Por extraño que parezca, Biolay se confiesa atento escucha de estos rockstars norteamericanos.

Melody´s Echo Chamber Melody´s Echo Chamber / Fat

P o s s um R e c o r d s

Si este disco fuese una textura, lo que nuestros oídos palparían al escucharlo sería una especie de alfombra compuesta, milímetro a milímetro, por las pieles de todas la especies animales que colman el planeta; y cada toque, cada rose que nuestras yemas se atrevieran a concretar, produciría el gozo que significa explorar surcos tan hondos como un arrecife marino custodiado por krakens fosforescentes o, mejor aún, como andar a pie por los pliegues del paladar de tu amante en turno. La anterior luce como una aproximación escrita ba jo los influjos de un pomo adulterado en buena onda; pero éste, el disco debut de este combo liderado por Melody Prochet –y cuyos recovecos sónicos se deben al talento de Kevin Parker (Tame Impala)– provoca lo suficiente como para hacer via jes de esa calaña.

Vamos hacia allá, amiguitos; basta dejarse los audífonos puestos y presionar ese botón que tiene una flecha apuntando hacia la derecha.

T X T : : A lejand r o G o n z á le z C a s t i ll o .

Broadcast Tender buttons Trish Keenan tomó ventaja en la carretera, pero su ensoñadora voz sigue con nosotros.

Tame Impala Innerspeaker El flanger; esa arma que sólo los psicodélicos saben suministrarse vía ocular.

Stereolab Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night Estos también hacen largos, largos viajes al interior de las entrañas.

Prince Rama / Top Ten Hits of the End of the World / Paw

T r ac ks

Taraka y Nimai Larson inventaron diez grupos cuyos sencillos, en una historia apocalíptica, se encontrarían en lo más alto de las listas de éxitos radiales y televisivos antes de que un supuesto fin del mundo tuviera lugar y, para redondear el plan, diseñaron acertadamente una portada tan horrenda como las que los sellos disqueros suelen manufacturar cuando deciden vender un acoplado de hits. Es así que dúo de Brooklyn nos presenta una decena de temas donde existe una sola ley: atascarse con delays, teclados pastosos y bases rítmicas de goma diseñadas para marear al escucha mientras las melodías vocales no escurren ácido adulterado ni tacha molida; sino un espeso jugo de piloncillo que, no lo duden, termina por embriagar a quien se atreve a poner este álbum completo. Se trata de un experimento cuyo ánimo trasgresor, después de todo, se agradece con una sonrisa.

T X T : : A lejand r o G o n z á le z C a s t i ll o .

Polymarchs Disco de oro Vol. 2 Todos de rodillas ante La Máxima Autoridad Disco, ni más ni menos.

Fuck Buttons Street Horrrsing Esas ganas de llevar al extremo los aparatos también las tiene este combo inglés.

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Bananarama Deep sea skiving Pop londinenese detenido en los años ochenta del siglo pasado.

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Cuando los productores Peter Jackson y Fran Walsh vieron que The Lord of The Rings –su proyecto más grande hasta ese momento– llegaba a su fin, se dieron cuenta de que la vida sin fantasía no tiene gracia alguna, así que decidieron poner manos a la obra y comenzar la producción de la precuela escrita por J. R. R. Tolkien, donde la historia que todos conocen tiene su origen.

The Hobbit es protagonizada por Bilbo (interpretado por Martin Freeman) quien emprende un via je para recuperar el reino de Erebor acompañado del mago Gandalf y trece enanos liderados por el rudo Thorin. El camino parecerá ser fácil, pero sus enemigos intentarán deshacerse de ellos de la manera menos amable.

C

Después de traba jar durante más de treinta años en televisión en series como Nothern Exposure y The Sopranos, David Chase hace su debut como director de pantalla grande con esta cinta ambientada en los años sesenta, cuando la juventud le escupió sin miedo a la moral norteamericana.

El largometra je protagonizado por John Magaro (The Box), Jack Houston (Factory Girl), Bella Heathcote (Dark Shadows) y el mismísimo James Gandolfini (mejor conocido como Tony Soprano), es un divertido drama en torno a un grupo de adolescentes que decide formar una banda de rock influenciada por The Rolling Stones. Aquí los únicos malvados serán la ambición y la fama.

I N E

Es casi imposible imaginar a Tom Cruise como el chico malo de la historia, pero a partir de esta película las cosas van a cambiar. Basada en la novela One Shot de Lee Child, el director Christopher McQuarrie (The Tourist, The Way Of The Gun) cambia las reglas del típico filme de acción hollywoodense con una trama hasta el tope de misterios que destrozarán la capacidad de asociación del espectador.

Cruise adoptará el papel de un policía militar retirado que hace justicia ba jo su propia cuenta, un tipo de antihéroe que decide quién debe morir y quién no basándose en los hechos. Su vida se verá alterada por un multihomicidio que le servirá como revelación sobre su futuro.

Pop

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EL GUILTY PLEASURE de todos

ACUMULADORES Canal: Discovery Home & Health H o r a r i o : To d o s l o s j ue v e s a l a s 1 0 p m .

¿Por qué en un canal dedicado al hogar y a la salud existe un programa de tan insalubres hogares? Es un misterio (digno de Infinito, el canal no el concepto). Lo que sí sabemos es que deba jo de la superficial capa de la sociedad, ésa que tiene crimen y pobreza, se esconden un sinfín de males que jamás hubiéramos podido imaginar, entre ellos se encuentra la enfermedad de los acumuladores, que obliga a la gente a adquirir y guardar un montón de objetos (que van desde animales hasta comida vieja, pasando por libros, sartenes y cuanto chunche uno pueda comprar). A primera instancia cualquiera podría pensar que se trata de algo común, casual, pero este no es un simple problema de “mi mamá es incapaz de tirar sus viejos sweaters navideños”, no, no, no, esto es mucho más grave. Hay que entender dos cosas, una: que los objetos no cumplen ningún tipo de función, sea práctica o estética, sólo están ahí, y dos: que la gente no los guarda por gusto, sino por pánico. Tienen miedo a deshacerse de las cosas. El resultado es gente que vive en condiciones realmente deplorables, y familias que sufren mucho. Y aunque el reality busca terminar cada episodio en una nota positiva; pocas veces se ven casos de mejoría, y es que la cura (no somos doctores, psicólogos u organizadores profesionales, pero…) parece algo burda. Básicamente llevan a alguien a limpiar a la fuerza y el pobre acumulador, en medio del pánico no hace más que resignarse y contar los minutos para que esa gente “tan pulcra” se vaya y él pueda volver a acurrucarse entre sus montones de cosas.

Por qué lo vemos: Para no sentirnos tan mal por ese par de piyamas que tenemos desde la secundaria, o por esa ca jita llena de ca jitas que guardamos “para cuando haga falta una ca jita”.

REALITIES A LA MTV

!NO TE LO PONGAS¡ Canal: Discovery Home & Health Horario: Todo el tiempo, hay tantas repeticiones que si prendes tu tele, justo ahora, hay un 80% de probabilidades de que se esté transmitiendo.

Aquí nos encontramos con un programa que cae en la categoría de “para mujeres”, pues a parte de que a las mujeres les gusta que les den órdenes (con signos de admiración y todo), no hay nada que las haga más felices que alguien que les recuerde su mal gusto. Es por esto que este dúo dinámico de profesionales (cuyas calificaciones nunca han quedado muy claras) van de ciudad en ciudad buscando a mujeres que cometan crímenes, de la moda claro está. Básicamente es un proceso humillante que incluye escuchar a tus seres queridos quejarse y burlarse de tu estilo (como si de Intervention se tratará) y tirar la mayoría de tu ropa a la basura; a cambio recibes atuendos bonitos y brillantes que tendrás que lavar cada semana, para volvértelos a poner (¡porque tiraron TODA tu maldita ropa!), además de un makeover (palabra que, en la mente de los ejecutivos, causa un orgasmo instantáneo en cada mujer que la escucha) total de peinado y maquillaje. Divis, divis el show.

Por qué lo vemos: Pues… en realidad, sí nos gustan los makeovers…

Canal: MTV H o r a r i o s : To d o e l d í a , to d o s l o s d í a s .

Por qué lo vemos: En el fondo todos somos tan patanes al estilo Jersey Shore y tan inseguros como Made.

Pioneros en el género, incluso inventores –¿quién no recuerda el primer The Real World? ¡Nadie, todos somos muy jóvenes! La la la–. El canal previamente de la música, ha hecho millones en explorar la realidad para gusto, entretenimiento y morbo de sus espectadores. Pero no todo siempre fue Jersey Shore y madres adolescentes embarazadas; antes, hace muchos años, había buenos realities. Las primeras temporadas de The Real World o True Life (serie de documentales con temas fuertes, de verdad buena) o incluso Made, aún vigente, que antes de que el bulling se convirtiera en parte del vocabulario de todos, trataba con niños y jóvenes que eran diferentes y les brindaba herramientas para lograr una meta a corto plazo (por ende real, a diferencia de digamos, ser la mejor amiga de Paris Hilton), logrando subir su autoestima y creando narrativa televisiva encantadora e interesante. En fin, de eso ya pasó mucho tiempo, sin embargo en la página web del canal se pueden ver temporadas y episodios viejos de las series antes mencionadas, o si lo prefieren, creemos que en el 2013 se estrena una serie de quinceañeras adolescentes embarazadas que compiten por un via je a Groenlandia, conduce Pitbull.

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T E L E V I S I Ó N

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Explore Beyond Limits

La nueva generación de computadoras all-in-one, ultrabooks y monitores Acer incluyen interactividad “dual”, la cual mezcla tecnología touch con la eficiencia de un teclado con el objetivo de que los usuarios puedan desarrollar al máximo su potencial. Con ayuda de Windows 8, se puede navegar fácilmente entre menús y programas de manera más rápida, con equipos de diseño y fabricación amables con el medio ambiente.

g a d g e

Sonido que te hará volar

Inspirados en los lentes de aviador, la nueva línea de audífonos de Skullcandy mezcla el diseño retro con el vanguardista para escuchar música con estilo. Los Aviator cuentan con Supreme Sound, sistema que controla los ba jos y agudos para disfrutar de un sonido más natural, además, gracias a sus materiales superiores, carcasas de policarbonato y almohadillas inteigentes de lujo, puedes usarlos todo el tiempo que quieras sin ninguna molestia.

t s Corregidos y aumentados

y El reloj funk de STORM London

E S T I L O

Recorre tu propio camino

La marca mexicana de calzado, pionera en mezclar el estilo deportivo con el formal, inauguró su primera tienda exclusiva en la colonia Condesa con ayuda del diseñador de interiores Héctor Esrrawe.

El shoeroom es un cómodo espacio minimalista en el que se puede experimentar el confort que un par de zapatos Julio de Mucha ofrece. Conoce su nuevo catálogo en: www.juliodemucha.com.mx.

Pop

Aumenta tu velocidad en la cancha

No es mentira, se tratan de los zapatos para fútbol más ligeros y potentes que existen. Sus materiales mantienen la sensación natural entre los tacos y el balón, además contienen textura en 3D que permite un mejor control de la pelota en movimiento. Su presentación que combina amarillo, negro y verde te convierte en el más atractivo del partido.

Leo Messi, Dani Alves, Karim Benzema y David Silva ya pidieron su par.

El más divertido de la firma británica está compuesto de dos discos que muestran la hora de una manera más atractiva. Su diseño unisex hecho a base de policarbonato, acero inoxidable y correa de caucho, lo hacen resistente al agua y todo un suceso gracias su colorida actitud. El Rebel está a la venta en color blanco, negro, morado, azul, rosa encendido, amarillo, naranja y verde.

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Después de conquistar durante 30 años las canchas y las calles, el Nike Air Force 1 evoluciona para satisfacer las necesidades de los nuevos tiempos. El Nike Lunar Force mantiene el ADN de su antecesor con varias mejoras como el sistema Lunarlon de amortiguación, el Nike Zoom Air-Sole en el talón que lo hace el más cómodo, la tecnología Hyperfuse de tres capas internas que aumentan la durabilidad del calzado, a juste sin necesidad de agujetas y colores llamativos. Se trata de una edición especial que estará disponible a partir del 12/12/12.

The Beatles- “I Wanna Hold Your Hand” 2. Queen – “Bohemian Rhapsody” 3. Michael Jackson – “Billie Jean” 4. Madonna – “Like a Prayer” 5. Backstreet Boys – “I Want It That Way” 6. Britney Spears – “…Baby One More Time” 7. Culture Club – “Do You Really Want To Hurt Me?” 8. Blondie – “Heart of Glass” 9. The Cars- "I'm Not The One" 10. A-Ha – “Take On Me” 11. Prince – “When Doves Cry” 12. Kylie Minogue – “Can’t Get You Out Of My Head” 13. INXS – “Need You Tonight” 14. The Police – “Every Breath You Take” 15. David Bowie – “Let’s Dance” 16. Bryan Adams – “(Everything I Do) I Do it For You” 17. Talking Heads – “Once In a Lifetime” 18. Tina Turner – “What’s Love Got To Do With It” 19. Whitney Houston – “I Will Always Love You” 20. Cindy Lauper – “Time After Time” 21. Savage Garden – “Truly, Madly, Deeply” 22. Rod Stewart – “Young Turks” 23. Duran Duran – “Come Undone” 24. New Order – “Blue Monday” 25. Madonna – “Ray Of Light” 26. Rihanna – “We Found Love” 27. Lady Gaga – “Bad Romance” 28. Hanson – “MMMBop” 29. ‘N Sync –“Bye Bye Bye” 30. Love and Rockets -“So Alive” 1.

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