mvn 121 by Revista Marvin

D I R E CT O R I O PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ

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MVN 121 :: Amplifica tus sentidos :: FESTIVAL MARVINw + Daniel Johnston + Danny Brown + The Growlers

CONTACTO COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luis Arce, Bénédicte Bouthors, Wenceslao Bruciaga, Lenin Calderón, Nicolas de Crécy, Paco Díaz, Omar Estévez Tapia, Arthur Alan Gore, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Arturo Lara, Alejandro Mancilla, Raphaël Meltz, Hélène Meunier, Chico Migraña, Paola Tinoco, Rogelio Villarreal y Regina Zamorano.

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com

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MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 121 correspondiente a: MAYO 2014. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

MVN :: 121 36 - en portada

Festival Marvin + Daniel Johnston + Danny Brown + The Growlers 6 - EN MEGÁFONO Perfiles y noticias de música, cine y arte MÚSICA 18 - ATLAS SONORO - . Propuestas emergentes interesantes: Lima, Perú 20 -The Horrors - El pasado no es un lugar interesante 22 - Lykke Li - Trilogías vikingas o tres estaciones de adolescente a mujer 24 - The Coathangers. - No sólo otra banda de chicas, ¿o sí? 26 - Sharon Van Etten. - De amor e inseguridades 28 - Frikstailers. - El oficio de la electrónica latina 46 - DE CULTO - Sinestesia. El delirio de los sentidos FESTIVALES 30 - Vive Latino 2014. - Una fiesta que crece y crece 34 - Cumbre Tajín 2014. - Una revelación sensorial CINE 52 - The Turning. - Retratos del interior 54- La Jaula de Oro. - El presentimiento de querer vivir 48 - DE CULTO - Cine maldito. Destino final: fatalidad en Hollywood ARTE 58 - GALERÍA - Ute Klein. Cuerpos entrelazados, emociones disipadas 50 - DE CULTO - Arte asquerosamente sensitivo. Especias, moho y salchichas TALLER 56 - Ford Ikon 2014. - Conoce la forma más fácil de estrenar un Ikon sin que a ti te cueste CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA 64 - Pili Munoz. -.En busca de las nuevas leyendas del cómic 65 - Li Kunwu. - La imagen y el aroma del dolor 66 - Mi Abue. -. Por Valerio Vega MARVINISMO 48 - Más allá de los cinco sentidos (clásicos). Otra exploración sonora de la percepción humana DE FONDO 70 - Sincronicidad. - Un puente entre la mente y la materia. Por Rogelio Villarreal 72 - Chamanismo. - El dolor y lo divino. Por Lenin Calderón LITERATURA 68 - Wendy Guerra. Los olores de Cuba 69 - 5 libros que exploran los sentidos COLUMNAS 74 - OFF THE RECORD: - Mi milky brother del alma. Por Arthur Alan Gore 75 - EL CUADERNO AMARGO: - De cómo amplificar los sentidos sin matar neuronas. Por Paola Tinoco 76 - SANGRE DE METAL: - Hair Metal, la amplificación de los sentidos desde el metal. Por Chico Migraña RECOMENDACIONES 78 - Estilo 79 - TECNOLOGÍA 80 - EL PILÓN - Luca Ortega. Vivir con un súper oído

BPM, Bahidorá, SXSW, NRMAL, EDC, Vive Latino, Ultra, Coachella, FCH, Sónar, Burguerama, Electric Zoo, Lollapalooza, ACL, MUTEK, Ceremonia, Trópico… Tantos y tantos festivales al alcance de la mano. Tantas y tantas bandas. Tanta y tanta música. Y para complacer y amplificar los sentidos de capitalinos y visitantes, nosotros te ofrecemos el #FestivalMarvin. En un solo día: más de 50 bandas Ocho foros repartidos en el circuito Condesa-Roma. Conferencias sobre la industria de la música dirigidas a músicos, jóvenes promotores, medios incipientes y más. Arte al aire libre. Proyección de cortometrajes y animación, también al aire libre. Pero, ¿por qué #FestivalMarvin? Porque queremos un festival íntimo. Cercano. Como una reunión de amigos en la que nos juntemos a descubrir y/o repasar arte tangible que nos asombre y encante. Una reunión entrañable en la que el oído, la vista, el tacto, el gusto y el olfato estén consentidos por una zona de la ciudad tan consentidora y vibrante. Un festival de compartir. Y con el Festival, en esta Revista Marvin 121 te presentamos, por ejemplo, la visión íntima de la fotógrafa Ute Klein, en una serie de cuerpos que no sólo se tocan, además se huelen y se prueban. Te mostramos la experiencia de ver, oír, oler, saborear y bailar en Cumbre Tajín y en el Festival Vive Latino. Descubrimos juntos los nuevos sonidos de las chicas Sharon Van Etten, Lykke Li y The Coathangers y compartimos opiniones sobre lo que escuchamos con The Horrors y Frikstailers. Pili Muñoz, Directora de la Casa de los Autores, de Angulema, Francia, nos brinda un panorama para amplificar nuestra visión sobre este epicentro del cómic y la narrativa dibujada, como se vive en la ciudad sede del festival europeo más importante en este rubro. Todo esto y mucho más, Tantas y tantas cosas con qué amplificar tu sentido del oído, la vista, el tacto, el gusto y el olfato, que, de corazón, te invitamos a hacer costumbre de estas reuniones y traer a los tuyos a pasar un gran momento, igual en el evento que en estas páginas. “¡La puerta siempre abierta, la luz siempre encendida!”. Uili Damage @uili

Indie-O Music Awards 2014 L Celebrando a injusta premisa de que en México no se crea cultura de calidad, fue totalmente refutada en la pasada edición de los Indie-O Music Awards (IMAS), en donde –por séptimo año– se premió a la industria musical independiente en nuestro país. Los IMAS 2014 se realizaron el pasado 1º de abril en el Salón Hidalgo de la Ciudad de México. Allí se dieron cita bandas, disqueras, medios de comunicación y personajes relacionados con la música. Fue en dicho recinto en donde se evidenció la gran importancia de los IMAS como un galardón que reconoce el arduo trabajo de aquellos que impulsan la escena mexicana. Pero en estos premios, la formalidad es entendida desde otra perspectiva: la de fiesta. Gracias a Cerveza Indio, todos los presentes disfrutaron de una noche en la que el suspenso (por conocer a los ganadores) y la felicidad se conjugaron hasta crear un ambiente alegre. Pero ¿qué es una ceremonia de premios a la música sin shows en vivo? Los IMAS 2014 se musicalizó gracias a las presentaciones de Little Jesus, La Banda Bastön, Elis Paprika, O Tortuga, S7N, Caloncho y Apache O’Raspi, quienes demostraron sus dotes para crear un fascinante ruido capaz de llegar a todos los rincones. Por quinta ocasión, Revista Marvin se llevó la pluma en la categoría Publicación con Contenido Musical, un logro que no podríamos haber obtenido sin el apoyo constante de nuestro equipo de colaboradores, que con su dedicación y talento nos ayudan a construir un medio de comunicación con alto nivel periodístico y propositivo. Sin embargo, todo el esfuerzo sería en vano sin nuestros lectores y amigos, por quienes nos dedicamos a este oficio. ¡Muchas gracias! M

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la cultura independ i e n t e en México

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A continuación, los ganadores de los IMAS 2014: Disco Electrónica Quiero Club – El Techo es el Suelo Disco Folclore Popular Sonido Gallo Negro – Sendero Místico Disco Jazz/Funk/Fusión Beat Buffet – Juegue Disco Metal Luzbel – Regreso al Origen Disco Punk/Garage O Tortuga – Palma Linda Disco Rap/Hip-Hop La Banda Bastön – Todo Bien Disco Rock Little Jesus – Norte Disco Surf/Rockabilly Hawaiian Gremlins – Teenage Ways Disco Experimental Alex Otaola e Iraida Noriega – Infinito Disco Pop Caloncho – Fruta Disco Solista Caloncho – Fruta Arte Empaque del Año Quiero Club – El Techo es el Suelo Artista Nuevo Little Jesus Medio Electrónico con Contenido Musical Panamérika Publicación con Contenido Musical Revista Marvin Radio por Internet Código DF Programa de Radio Mercado Negro Disquera Independiente o Netlabel Terrícolas Imbéciles Video del Año Centavrvs – “Por Eso (feat. Denise Gutiérrez)” Canción del Año Little Jesus – “Azul” Acto en Vivo Little Jesus Banda del Año Little Jesus Premio UFI Triángulo de Amor Bizarro Premio Indio de la Gente Hello Seahorse! Medio de la Gente Triste Turno

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Ibero 90.9 FOT:: Feli Gutíerres

M e n o s silencio, 11 anos de Mas radio E

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l pasado 7 de marzo Ibero 90.9 cumplió 11 años al aire y los festejos se llevaron a cabo del 18 de marzo al 12 de abril con transmisiones, programas especiales, memorabilia de la estación, entradas para eventos y más sorpresas. Pero, el miércoles 9 de abril tuvo lugar la verdadera fiesta en el José Cuervo Salón. En años anteriores se celebró tirando la casa por la ventana con la participación de bandas como Alabama Shakes, Kaiser Chiefs y The Boxer Rebellion, entre otros. Este año se hizo invitó desde Londres, Inglaterra, al combo post-punk Savages, cuarteto compuesto por Jehnny Beth (vocal), Ayse Hassan (bajo), Fay Milton (batería) y Gemma Thompson (guitarra). Como anfitriones locales se convocó al proyecto solista experimental de Aaron Bautista (Nos Llamamos), mismo que fue una introducción más que lisérgica al feminismo postmoderno, crudo y rabioso tan Siouxsie del cuarteto británico. Los boletos para asistir al gran festejo se obsequiaron a través de los turnos en vivo de la estación, sus redes sociales, la unidad móvil, patrocinadores y medios asociados. El resultado fue un lleno total del foro, lo cual se tradujo en una fiesta que nadie quería que terminara. Y hablando de campañas, cada año la estación lanza una propuesta que se esfuerza por hacer caminar la mente de los escuchas con ideas interesantes. Para este aniversario, la comunicación gira en torno a rechazar las ideas y conductas negativas y girar hacia acciones constructivas y dinámicas que revitalicen nuestro diario. Para ejemplificar esto, editamos un extracto del Manifiesto de Rowena Bali:

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“Menos lugares comunes. Más literatura. Menos muebles. Más reforestación. Menos cemento. Más plantas. Menos basura. Más música. Menos mentes en blanco. Más ideas. Menos discriminación. Más amor por los animales. Menos descalificación. Más tolerancia... ”. Volviendo al tema de la noche de aniversario, el cartel también contó con la participación de Gordie Jay (cuya presentación tuvo algunas fallas técnicas) y Beat Buffet. A fuerza de beats afrolatinos y una energía mucho más explosiva que la de Savages, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi volvieron la fiesta a la vida, sin más. Sea lo que sea, desde esta tribuna le deseamos de corazón a todos los integrantes presentes, pasados y futuros de la frecuencia 90.9: #MENOSsilencioyMÁSYMÁSañosdetransmisión. ¡Muchas felicidades! El equipo Marvin. M

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Festival Balagan TXT:: Orquídea Vázquez

Un espectaculo E para celebrar la parafernalia de la musica judia En Megáfono

n 2012 se celebró el Festival Balkan y en 2013 el Festival Balagan Balkan; ambos eran las versiones predecesoras del Festival Balagan, un evento de talla internacional que tiene como principal objetivo presentar bandas con raíces en la música judía para crear todo un ambiente y espíritu de fiesta balagana (circos de pueblo de la Europa Oriental) y así vivir uno de los encuentros culturales más interesantes del año. Las expresiones artísticas siempre serán variantes de alrededor del mundo; sin embargo, la calidad humana y las ganas de celebrar la vida siempre las acompañarán. Por dicha razón, el Festival Balagan apuesta hacia el gozo indomable de la fiesta y nos presentará a Golem, Pasatono Orquesta y Slavic Soul Party! el próximo 3 de mayo en El Plaza Condesa. Golem es una banda neoyorquina de punk folk europeo –cuyo nombre refiere a un monstruo fabricado de barro y cerámica en la mitología hebrea– que estará presentando su quinta producción musical Tanz!, la cual será lanzada mundialmente durante su presentación en el festival. La banda, fuertemente influída por el género musical étnico klezmer, ha decidido llevar a cabo el estreno de su nuevo material debido a la conexión con el público mexicano la última vez que visitaron el país. Acerca del lanzamiento, la banda liderada por Annette Ezekiel recalcó haber encontrado el amor donde menos lo esperaban.

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Contar con una banda de ese tipo, no puede sino abrir lugar para el encuentro de culturas y compartir escenario con Pasatono Orquesta, una banda oaxaqueña influenciada por música tradicional de la mixteca, pero con sonido contemporáneo. Sus integrantes, todos capaces de gravitar entre aquella línea que divide lo rural de lo urbano, y lo antiguo de lo moderno, podrán deleitar a los asistentes con su nuevo disco titulado Maroma, el cual hace referencia a los circos de pueblo que viajan entre las comunidades indígenas junto con payasos, trapecistas, bailarines, cómicos y trovadores; su estilo retoma los pasodobles, mazurcas o las chilenas y durante su show, uno de los últimos payasos de pueblo acompañará a la banda para contagiar la vibra balagana y generar nuevas experiencias. Para cerrar con las propuestas emocionantes, Slavic Soul Party! fulminará a cualquier apático y alcanzará el punto máximo de gozo con sus ritmos balcánicos mezclados con el klezmer, jazz, gospel, funk, latin y rag. Su presentación en formato soundsystem pondrá sobre el escenario elementos del circo performance y el baile catártico. Con sus tres virtuosos músicos –todos partícipes del más reciente disco de Gogol Bordello–, Slavic Soul Party! y su poderosa fusión cultural concluirá de forma excepcional la celebración de la locura, la melancolía y la fiesta misma. M

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Shubhankar Ray, G-Star RAW y Pharrell Williams

El ADN de la innovacion S

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hubhankar Ray nació en 1968 en Calcuta, India. En 1987 se graduó con honores en la Universidad de Manchester como ingeniero químico. Durante 15 años, Ray ha reinventado numerosas marcas de vestir, como Camper, Levis, Carterpillar, Stride y Travel Fox. Su trabajo se basa en las marcas globales, el comportamiento social del consumidor y el diseño de distintos sistemas de multiniveles de comunicación, incluyendo campañas publicitarias, comerciales, cortometrajes, revistas, galerías, música y sistemas para las compras online, todo de manera integral. El trabajo y los filmes de Ray se han exhibido en las galerías y museos más conocidos en el mundo, incluyendo The Desing Museum en Londres (2005), Victoria Miro Gallery en Londres (2005), Centro Contemporáneo de Cultura en Barcelona (2002), Museo del Mar en Barcelona (2002), Museo V&A en Londres (2000), Venice Biennale (1999) y Atlantis Gallery en Londres (1999). Ray ha recibido muchos premios de publicidad y diseño y ha dado numerosas conferencias sobre la creatividad, en la Universidad Oxford, así como en otras instituciones en Londres, Munich, Barcelona, Milán y Cape Town. En el 2006 decidió formar parte de G-Star RAW, una lujosa marca de jeans creada en Ámsterdam; Ray es el responsable de la imagen y el mensaje que da la firma, así como la creación y el posicionamiento de nuevas ideas, tales como incluir dentro de sus campañas a personalidades internacionales con un estilo único, como Liv Tyler, Gemma Arterton, Vincent Gallo, Clémence Poésy y Sergio Pizzorno (integrante de Kasabian), los cuales se identifican con el sentido de innovación que la marca re-

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fleja en cada uno de sus productos. En esta búsqueda de colaboraciones icónicas, Shubhankar fue contactado por el productor musical más importante del mundo en lo que lleva este siglo: Pharrell Williams. Juntos presentan RAW for the Oceans, un acuerdo de colaboración a largo plazo entre la firma de mezclilla G-Star RAW y Bionic Yarn -un desarrollo textil a partir del reciclaje, creado por las empresas de Williams–. La colaboración es una exploración creativa en la que Bionic Yarn y G-Star unen fuerzas para crear una mezclilla innovadora que da vida a una colección elaborada con materiales reciclados de los océanos, la cual llegará a las tiendas a partir de agosto de 2014. Además de las colecciones de temporada en común, G-Star va a integrar el material de Bionic Yarn en líneas de productos existentes. Hablando sobre la colaboración, Pharrell Williams comenta: ”Trabajar con G-Star era una decisión evidente, por su tradición como pioneros en el mundo de la moda y la mezclilla. Bionic Yarn es producto de una empresa basada en el rendimiento, y la mezclilla es la categoría perfecta para enseñarle al mundo lo que el ‘hilado biónico’ es capaz de hacer. Todos tenemos vaqueros en el armario”. Bionic Yarn es el primer hilo ecológico de alto rendimiento y representa la cuarta generación de estructura hilada en la historia de la producción textil comercial. A diferencia de los experimentos anteriores que sólo consiguieron una mejora funcional, Bionic Yarn es el primer avance motivado también por la responsabilidad medioambiental. La marca Bionic Yarn diseña y fabrica hilos y tejidos de primera calidad confeccionados con fibras procedentes de botellas de plástico recicladas. M

Cóndor Jet TXT:: Vicente Jáuregui

sonidos de los instrumentos van mutando, siempre nos provocan la sensación de viaje. ¿Cómo le describirían a sus padres el tipo de música que hacen? A: Yo diría que hacemos canciones rock con elementos ambient, muy enfocadas en lo melódico y en ir creando diversas atmósferas sonoras. N: (Risas) Ésta me ha tocado responderla harto con papás de amigos o algunos tíos. Tengo la fórmula más simple, concreta y, al mismo tiempo, más vaga de referirme a nuestra música: les digo que hacemos rock, pero tranquilo, que tiene muchas texturas y es bien melódico… O sea, que no digo nada finalmente. De todas formas, siempre me miran con cara de que les queda súper claro.

M é x i c o , proximo destino L

a escena musical chilena se encuentra en un momento muy prolífico y saludable. Si bien apenas una década atrás sólo llegaban las bandas consagradas a México, ahora y a pesar de la distancia podemos escuchar en vivo decenas de grupos independientes de aquel país. Con la intención de crear atmósferas y paisajes sonoros que evoquen espacio y fuerza, nace Cóndor Jet, a finales de 2010 en Santiago de Chile. Nicole L’Huillier (batería y coros), Tomás Vidal (teclados y voz) y Antonio Del Favero (guitarra y voz) editaron el EP titulado No Plan Plan Tour, un álbum que rápidamente llamó la atención de los medios especializados en Chile, y que les ganó abrir el concierto de Tame Impala en su país. Te presentamos el rock pop melódico con toques de dream pop que hace Cóndor Jet.

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¿Cuáles son sus primeros recuerdos musicales? Antonio Del Favero: Inicié con un pequeño teclado que me regalaron mis padres… Tenía unos siete años e intentaba inventar canciones con él. Después, vino la guitarra y me dediqué a aprender canciones de Radiohead, The Beatles, Oasis, U2, Neil Young y Soda Stereo, principalmente. Nicole L’Huillier: Yo desde los cinco años quise tocar. Más grande pedí una batería para Navidad, ¡y me la regalaron! Tocaba con mis hermanos; siempre hubieron instrumentos en mi casa. La primera canción que aprendí fue “When I come around” de Green Day, después, “Basket Case”. Mi hermano me mostraba bandas como Nirvana, Alice in Chains, Oasis, Radiohead, y por otro lado, como es normal para una niña pre-adolescente, las Spice Girls también formaban parte de mi cotidiano (risas).

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Desde el nombre de la banda, se anticipa un ánimo por elevar el vuelo. ¿Fue esa idea lo que los unió? A: Algo hay de eso; fuimos descubriendo que como banda podíamos generar momentos y experiencias que nos llevaban lejos del lugar físico en el que estábamos, en un tipo de viaje, de despegue… Llegar a ese tipo de creaciones musicales nos permite seguir juntos. Aunque los

Se fueron de gira por Europa, ¿cómo logra una banda independiente financiar un viaje de ese tipo? A: El viaje lo financiamos nosotros mismos, con nuestros ahorros. Vivir de la música es muy difícil, todos hacemos otros trabajos en paralelo. Nuestra mejor experiencia con el público fue en Barcelona porque no existía la barrera idiomática y hay mayor cercanía cultural, pero lo más curioso ocurrió en Nyon, Suiza, en un lugar semi rural: la batería no tenía todos los platillos y el amplificador de guitarra no se veía en buen estado. Ya estábamos asumiendo que las condiciones eran precarias; cuando llega otra banda invitada a tocar (los canadienses Trigger Effect), que había arrendado todo tipo de equipos, terminamos tocando con el mejor equipamiento que habíamos visto alguna vez. ¿Cuáles son los planes de la banda en este 2014? A: Nuestra intención es editar un nuevo LP (que ya comenzamos a grabar) y por supuesto, mantener la actividad en vivo. Sería ideal poder sumar fechas fuera de Chile y en otras ciudades de nuestro país, ya que aún no salimos de Santiago. N: Esos son los planes y, claro, ¡la visita a México! Así que les vamos a llevar copias de nuestro nuevo disco para que celebremos juntos. M En septiembre de este año, el jet de este cóndor aterrizará en México para hacer una gira. Más detalles, muy pronto.

Cinco años del festival All My Friends E

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Entrevista con Argenis Garcia

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ste año el festival All My Friends (AMF) cumple cinco años de existencia, cinco años de llevar propuestas musicales nacionales e internacionales a nuevos oídos y rincones, cinco años de impulsar la exquisita cultura de Baja California. Para celebrarlo, los muchachos organizadores tienen varios planes bajo la manga para crear una experiencia envolvente y altamente memorable, una que deje tatuada en los asistentes la energía y ganas que se tienen de hacer cosas que van más allá de lo convencional. Tuvimos la oportunidad de hablar con Argenis García, una de las mentes creativas detrás de este concepto, que ha ido evolucionando y solidificándose a lo largo de los años, para que nos compartiera su visión y puntos de vista de lo que será el All My Friends 2014. Antes que nada, lo más importante a tomar en cuenta de este quinto aniversario es que el festival se mueve de fecha. Las ediciones anteriores se llevaron a cabo en noviembre, mes perfecto para cerrar las actividades festivaleras del año. Pero ahora, el evento tomará lugar del 13 al 15 de junio, fechas en las que ocurren muchos de los principales festivales alrededor del mundo, y que resultan idóneas para estar en la playa. Esta edición del AMF también se mueve a una nueva sede, alejándose de Tijuana para ser llevado a la playa de Rosarito. “Habíamos trabajado en moverlo a la playa desde 2012, pero considerábamos que el centro de Tijuana todavía tenía potencial porque estaba el boom de que estaba siendo recuperado por la gente. Pero nuestra intención siempre fue hacer del festival un evento estatal. Rosarito es un punto intermedio y central para que la gente de Mexicali y Ensenada se anime a ir”, comentó Argenis al respecto para después agregar que para poder reservar la fecha, se tuvo que cancelar una boda que ocurriría ahí mismo, pues es el tipo de eventos que acostumbran a tener. Pero después de los esfuerzos y negociaciones que duraron casi un año, es un hecho que pasaremos un fin de semana de junio en Rosarito, en donde podremos disfrutar del mar y la playa mientras suena excelente música ad hoc al momento, algo que los organizadores siempre han procurado. “La idea es traer actos interesantes que embonen con la experiencia de estar en la playa. La selección de bandas de All My Friends siempre se ha dado según el entorno. Si tenemos un lugar con un reverb interesante, entonces lo hacemos de punk y garage. Si tenemos un lugar que se preste a tener música contemplativa, entonces vamos a meter ese tipo de música. Así lo vemos. Entonces si la gente quiere ir a la playa a enfiestar y bailar. queremos tener la idea de que haya más momentos felices que tristes. Después de ver tantos festivales, sí

te das cuenta que, de pronto, hay una banda que te da un bajón difícil, y tratar de continuar las otras seis horas que dura el festival, cuesta un poco de trabajo”. Así que al pensar en que el AMF se mueve a orillas del mar, no sólo significa estar en un grandioso escenario natural, sino en que, además, será una vivencia multisensorial muy playera. Porque además hicieron una alianza con el Baja Culinary Fest, como lo confirmó Argenis: “Vamos a trabajar con chefs de la región, queremos llevar a otro nivel la parte culinaria del festival. Es quizá la cocina más nueva del país, un mestizaje que se está dando que refleja la identidad de Baja California”. Y más allá de estimular los sentidos del gusto y del oído, también habrá instalaciones multimedia en unas palapas especiales. Si todo esto no es suficiente para emocionarte a viajar para festivalear en Rosarito y sus alrededores, el mismo Argenis dice: “Extendemos una invitación a la gente para que sepan que Baja California tiene un montón de cosas que ofrecer que están casi sin descubrir. La música es un pretexto para que no se sienta tan lejos como parece”. M

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TXT:: ALEJANDRO MANCILLA @nosoymoderno

Atlas Sonoro

Basta por hoy de bandas de rock pretenciosas, instrumentales y eternas. En esta ocasión, presentamos a la primera dama del pop del Perú (con el perdón de La Tigresa del Oriente). Se trata de Adri Vainilla y esto es lo que tiene que decir:

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¿Dónde comenzó todo? Adri Vainilla: Cuando entré al grupo Pestaña. Me di cuenta de lo que significaba poder expresarme libremente en un país bastante conservador. No estaban acostumbrados a escuchar un pop contestatario; muchas veces no entendían la ironía en nuestras canciones. Lo trascendente era el concepto basado en un techno punk, en una suerte de reciclaje de sonidos experimentales que daban sentido a nuestro discurso contra el conservadurismo, los tabúes y los fanáticos religiosos. ¿Cuáles son tus proyectos favoritos de tu país? AV: Me gusta Fifteen Years Old, tiene sonidos electrónicos bastante oscuros con melodías interesantes. También ASMEREIR, un grupo de punk-hardcore-ska-reggae que escuché toda mi adolescencia y hasta ahora. Voz Propia, y entre los grupos con mayor llegada: Mar de Copas. ¿Cómo está la onda musical y cultural en Lima ahora? AV: Lo que antes se consideraba “subte” ahora es mucho más mainstream gracias a la democratización de la información generada por las redes sociales. Sin embargo, la mentalidad

de las personas sigue siendo bastante convencional. Lo que prospera siempre es el sonido de moda por muy encima de los demás géneros. Háblame un poco de la historia del movimiento de rock y de musica alternativa en Lima… AV: El Perú pasó por momentos difíciles política y socialmente, que hicieron que los jóvenes decidieran expresarse a través del punk. Con el fin del terrorismo, algunos de los integrantes de estos grupos comienzaron a hacer un rock más ligero y comercial, aparecieron en medios masivos y la escena se abrió a otros tipos de público. A principios de 2000, comenzó una generación de personas con ganas de reinvindicar lo nuestro, la música, costumbres y todo tipo de arte. Con ellos muchos grupos de rock comenzaron a fusionar sus sonidos con raíces folclóricas. ¿Cómo crees que es la percepción del resto del mundo sobre los artistas peruanos? AV: Cuando salgo del país muy pocas veces digo que soy peruana a menos que sea necesario, y no porque no me sienta peruanísima, sino que a las personas hay que juzgarlas según su propuesta, no por su lugar de procedencia. Sin embargo, dicen que el Perú está de moda.

La onda en Lima

onocí a Leonardo Bacteria en 2006; un tipo controversial muy conocido en el underground de su país; primero hizo ruido con su grupo de hardcore industrial Insumisión y luego, cambió radicalmente al fundar a mediados de los dosmiles el grupo Pestaña, banda que se asumía como de “electroestupidez” y que en realidad era synth-pop muy naïve. “Si no consigo la visa para ir a México la próxima semana, me mato”, me dijo por Facebook en diciembre de 2011. No le creí. Una semana después se suicidó en su casa de Lima. No cabe duda, los peruanos son extremistas y apasionados; si no me creen, otra muestra: la reacción de enojo de esos tipos limeños que cuando en el aeropuerto del D.F. les pregunté en broma si venían a repatriar a Laura Bozzo. Además, es natural que en un país como Perú se dé el fenómeno “fan” a niveles monumentales (hay clubes para casi todo, como si fuera Japón… Incluso tuvieron un presidente adhoc: Fujimori. consecuencia de la gran comunidad nipona de emigrantes en ese país). Los peruanos “la arman” en todo; hay proyectos oscuros como los goths de Clavel Klan, hasta el fenómeno kitsch involuntario de Amapolita de Arahuay.Pero el rock peruano tiene historia y se remonta a los años 60, cuando en Lima, agrupaciones como Los Saicos (hay acérrimos defensores, como el periodista inglés Jonathan Watts, que afirman que éstos fueron el primer grupo punk de la historia… Antes que The Stooges y Ramones), Los Dakota o Los Incas Modernos eran las propuestas peruanas para los chicos de onda de la época; además, grupos psicodélicos como The Images publicaban sus LPs. En los años 70, el país transitó por una dictadura que hizo que el movimiento se viera mermado y que no despuntara, hasta que bandas

¿Qué hay para hacer en Lima, bares, clubes…? AV: La Noche de Barranco, donde cualquier músico relativamente conocido o no conocido ha tenido la oportunidad de presentarse. Tambien el Yakana, otro bar-discoteca ubicado en el centro de Lima, donde puedes escuchar música new wave. Actualmente se han puesto de moda los bares que hacen fusiones con los tragos de sabores nacionales, por ejemplo, La Emolienteria. Checa los textos de Adri Vainilla en: larepublica.pe/ blogs/censurame/

como Traffic Sound fusionaran rock con ritmos andinos, y la música contracultural de ese país tuviera cierta identidad nacionalista, de esa que hablaban sus vecinos, los chilenos Prisioneros en su canción “We’re Latinamerican Rockers”. En los primigenios 80, destacó Miki González, quien con un estilo muy de la época (new wave) que también mezcló con la música étnica peruana, tuvo algunos hits como “Puedes ser tú”, canción que era habitual toparse en cassettes mezclados ochenteros (de esos piratas) al lado de Soda Stereo o Los Toreros Muertos. A mediados de los 80, como espejo de la crisis económica y la recesión, apareció un movimiento contestatario que se desplazaba principalmente en las universidades (y en la coladeras), destacando bandas como Narcosis, Leusemia, Eructo Maldonado y Salón Dada. Eran años de anarquía, que se extendieron hasta la siguiente década con bandas de grunge peruano (así lo dictaba la época) como Libido y Arcana o alternativos como Dolores Delirio y La Liga del Sueño, o pop como Madre Matilda. Actualmente, destacan Gris Volta (nombrados por el diario inglés The Guardian como una de las mejores bandas “indie” del mundo), los rockabillies-ska de Torbopótamos, Las Amigas de Nadie, Mar de Copas y Cementerio Club. Hace algunos años, Leo Bacteria editó un disco llamado Tributo al rock subterráneo, en su propio sello Ya Estás Ya, en el que grupos nuevos versionaban a esas bandas que hicieron patria en su país. Así está la onda en Perú y el movimiento se ha concentrado tradicionalmente en Lima y la Arequipa (algo así como el D.F. mexicano); por cierto que los peruanos ya no necesitan visa para ingresar a México. Si Leo lo hubiera sabido…

Dos grupos recomendados:

Atlas Sonoro

¿Qué haces ahora además de tus proyectos? AV: Aparte de la música, tengo proyectos de actuación. He tenido la oportunidad de trabajar en una película y en estos momentos estoy preparando una obra de teatro. Por otro lado, escribo en un blog: LaRepublica.pe, y eso me ayuda a expresar con más profundidad mis ideas. Me gustaría volver a la radio, pero no tengo tiempo. Por otro lado, el modelaje va de la mano con la actuación, la música y el blog, ya que es lo que alimenta al personaje creado en redes sociales: Adri Vainilla.

Puna

Kanaku y el Tigre

Este combo space-rock de tres integrantes practica música universal que le debe la vida al shoegaze y al noise. Los puedes escuchar en el soundtrack de la película peruana Sin Mute y en el compilado Secuencias Infinitas al lado de proyectos shoegaze de Latinoamérica como Celofán (México) y Lommer (de Chile). myspace.com/punamusic

Se describen como “wandering folk” y es un combo que debería incluir letras sobre chullos (gorros peruanos) y llamas que preguntan “Ola k ase”, pero que en realidad apuesta por la melancolía y las letras intimistas. Supongo que si Radiohead fueran peruanos, así sonarían. facebook.com/kanakuyeltigre

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THE HORRORS El pasado no es un lugar interesante TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Nic Shonfeld

Apenas a 60 kilómetros de Londres, Southend on Sea es un destino turístico que ostenta un récord mundial gracias a James Brunlees, ingeniero civil que diseñó el emblemático muelle de Southend. En octubre de 2005, la estructura de más de dos mil metros sufrió su accidente más grave y requirió de un esmerado trabajo de restauración. Significativamente, un grupo de cuasi veinteañeros aspirantes a convertirse en rockstars se reunían por primera vez ese mismo año sin sospechar que, en poco tiempo, su música sería tan representativa como esa estructura que ha sobrevivido numerosos incendios y choques de barcos.

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taviados como si Tim Burton fuese el asesor de imagen de The Cramps, la sobreproducción indumentaria de la banda estaba destinada a generar una reacción odio/amor entre el público y la prensa. En 2007, cuando lanzaron su disco debut Strange House, parecía que en la ecuación forma-contenido, la balanza se inclinaba peligrosamente hacia la primera, pues era más fácil identificar a la banda visualmente, que silbar alguna de sus canciones. Sin embargo, en la visceralidad de los 11 tracks del disco, el subtexto indicaba una reacción al sonido cada vez más pasteurizado de la escena británica (léase Oasis o The Libertines), un manifiesto freak que reivindicaba la inmediatez del garage rock, la imaginaria del terror y la estética del cine serie B como una triada contra la edulcoración excesiva de la música inglesa. De ahí que Chris Cunningham, siempre con un olfato entrenado para anticipar la vanguardia, después de “descubrirlos” en MySpace, les pidiera dirigir el video de “Sheena is a Parasite”, primer sencillo del disco cuyo título es una adaptación de “Sheena Is a Punk Rocker” de los Ramones y de “Sheena’s in a Goth Gang” de The Cramps. La portada en la NME estaba a la vuelta de la esquina, así como las giras, el escándalo, pero, sobre todo, la idea generalizada de que se trataba de una banda que, cuando mucho, lograría un par de discos irrelevantes.

Desafiando todo pronóstico mediático, Faris Badwan, Tom Cowan, Joshua Hayward, Joseph Spurgeon y Rhys Webb comprendieron precozmente que la única manera de abandonar el tren de la sospecha, era extirpando totalmente el pasado de sus entrañas. Faris –de madre inglesa y padre palestino– pronto cumpliría con el designio de los músicos que estudiaron en alguna escuela de artes: emulando la intuición anárquica y caprichosa de personajes como Thom Yorke o Syd Barret, supo que para redimirse habría que dar un giro de 360º. Para ilustrar lo anterior, basta citar lo que respondió al diario argentino AS: —Ya que sos tan futbolero, ¿con qué jugador compararías a The Horrors? —Con Eric Cantona, un jugador brillante pero, poco confiable. —¿En serio son poco confiables? —Bueno, brillantes pero… impredecibles. La enésima esperanza blanca que salvaría al rock de la monotonía y lo previsible finalmente encontró su camino en el Primary Colours (2009), un álbum que seguía la metodología democrática en términos de composición y que ahora echaba mano de Geoff Barrow en la producción, el músico de Portishead que no fue elegido por su experiencia como productor, sino por su idea de cómo

grabar, explorar y experimentar en el estudio. Con una imagen más pulcra y alejada del revival gótico, los colores primarios despejaron el aire escéptico que ya parecía sofocarles como banda. El áspero sonido del garage era tapizado por sintetizadores y guitarras texturales. Ironías de la vida, las referencias al shoegaze, al más puro estilo de My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain (que nunca tuvieron aceptación en la corriente principal) los llevarían a la cima de las listas de popularidad: el término revival se perfilaba ya como una suerte de estrategia mediática a priori. En una cruzada contra el aburrimiento, la guitarra de Joshua Hayward juega un papel muy importante en el sonido de la banda. Para poner en práctica su licenciatura en física por el University College de Londres, el guitarrista decidió modificar y construir sus propios pedales de guitarra: “Odio el sonido de la guitarra, por eso siempre busco que suene como si fuera otro instrumento”, ha comentado varias veces. De hecho, un fanzine que la banda lanzó en sus primeros años, incluye un diagrama que muestra una de las alteraciones que Joshua hizo a un pedal de guitarra. Con tal desapego por rumiar convencionalismos, no debe extrañar que en la gira promocional, la banda decidió dejar de tocar los temas del primer disco bajo la premisa de que “el pasado no es un lugar interesante”. En este punto, los oídos sordos todavía solían meterlos en el mismo costal que bandas directamente influídas por Joy Divison, como Interpol o Editors. Faltaba otro peldaño para desmarcarse de un territorio del que nunca se sintieron parte. Para sacudirse la ponzoña de quienes los ninguneaban en aras del trabajo de producción de Geoff Barrow, en el siguiente disco The Horrors decidió auto producir Skying en un estudio que montaron para tener tiempo y libertad creativa total. Lo anterior sólo reafirmó el hecho de que detrás de una imagen que suponía mucho cálculo, la banda tenía un compromiso muy serio con la música. En los últimos años, cada miembro del grupo expandió su colección de vinilos y, como consecuencia, se desarrolló un ánimo ecléctico que no veía contradicción en mamar de la vena salvaje de The Stooges, el ruidismo de Sonic Youth, el minimalismo rítmico del krautrock, las paredes sonoras a la Phil Spector e incorporar elementos de techno de Detroit y del house de Chicago. “El límite

es el cielo”, podría derivarse del título de su tercer disco. Una vez más, el quinteto desafiaba las expectativas, con un sonido renovado que sedujo a críticos y fans por igual... El primer sencillo “Still Life”, lanzado como preámbulo del LP, con una guitarra de eco en reversa entrelazada con sintetizadores que recuerdan a Simple Minds, nació para convertirse en un clásico instantáneo, anticipando que el 2014 atestiguaría la entrega más pop de la banda con su cuarto disco. “La razón por la que ahora nos inspira la música electrónica, el techno o incluso el house, es porque estamos pasando un buen momento. Y no es esa música, sino esas sensaciones las que se transmi- “Nadie debería ten al disco”, comentó Rhys Webb para la revista española Go Mag. La declaración es optimista por juzgar nuestra donde se le vea y refleja muy bien el título de su cuarto disco, Luminous, un álbum pensado para el música porque dance floor, con guitarras minimalistas que abren paso al trabajo de sintetizadores new wave y mevistamos lodías vocales refinadas y accesibles. Situado en las antípodas de la parafernalia gótica, acá se de negro. respira luz y energía a través de diez canciones que igual están en deuda con Kraftwerk que con Nuestro disco Brian Eno. El primer sencillo “I See You” fue estrenado en el show de Zane Lowe’s en Radio 1. es luminoso”. Siete minutos y medio que la banda presentó en vivo en The Fly Awards en Londres, con la pre–Rhys Webb sencia de Thurston Moore en el escenario. Sin duda, lo anterior resulta bastante simbólico, pues concebir a The Horrors con el guitarrista de Sonic Youth tocando un himno de synthpop, hubiera parecido una aberración apenas unos años atrás. Muchos dirán que la evolución musical de The Horrors no sólo es coherente con el vértigo y la velocidad con que nos deshacemos de las cosas; los más arrojados incluso dirán que la banda sólo es víctima de la inercia con que la era del pastiche nos asalta; sin embargo, a su favor podemos decir lo siguiente: ninguna banda de su generación ha evolucionado de una manera tan despreocupada. Para The Horrors, el pasado nunca será un lugar interesante. M

Temples Sun Structures Heavenly Tame Impala tuvo mucho que ver con el segundo (¿o sexto?) aire de la psicodelia, pero es con Temples que el género apuesta hacia una dirección más agresiva para calmar –por un momento– la necesidad de vanguardia.

Pattern is Movement Pattern is Movement Home Tapes Este simpático par de gorditos de Pennsylvannia sabe perfectamente cuáles son los sonidos indietrónicos que van a impresionar a todos tus amigos y vas a poder sonar a todo volumen al lado de tu mamá. Es más: pónselo y asegúrale cuánto lo disfrutarían a bordo de tu nuevo Ford Ikon, si te lo comprara lo más pronto posible.

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TOY TOY Heavenly Referencia de la referencia. Sin embargo, esta banda homóloga a The Horrors reiteró que la juventud ya no está interesada en el rock, sino en la experimentación. Un punto muy válido de su parte.

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SHARON VAN ETTEN De amor e inseguridades TXT:: Orquídea Vázquez FOT:: Dusdin Condren

Una niña nace en Nueva Jersey el 26 de febrero de 1981, hija de un programador de computadoras y una profesora de historia. Desde pequeña, tendría acceso a la gran colección de vinilos de sus padres, jugaría con sus hermanos a tener una banda, cantaría en el coro de la iglesia, estudiaría el piano, el violín y el clarinete. La música estaría destinada a ser su gran compañera de vida, pero distintos titubeos prolongarían el resplandor de su creación musical. Su nombre es Sharon Van Etten, y después de crecer alojando miedos e inseguridades que se nutrieron en una mala relación sentimental –que harta decidió abandonar en medio de la noche–, la cantautora ahora pisa (cada vez con más fuerza) el suelo fértil de un nivel cercano a la genialidad.

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quella tormentosa relación le recalcaba que sus canciones no eran buenas, que “apestaba” en vivo y que era mejor mantener en secreto su música; todo aquello, en el tiempo en que Sharon se mudó a Tennessee para estudiar grabación y producción musical de forma inconclusa. La cantante abandonó la escuela para trabajar en un café por cinco años y tras el término de la relación, regresó a Nueva Jersey con su familia para comenzar a cosechar un talento intimidado. Ya en Brooklyn y tras buscar a Kyp Malone de TV On The Radio para entregarle un disco de demos, el multiinstrumentista quedó maravillado y expuso su música durante un set de invitado en la publicación NPR. Desde entonces, Sharon comenzó a llamar la atención, pero, vacilante, comenzó a trabajar como publicista en Ba Da Ring Records con la intención de conocer e indagar la intrigante industria musical. Después de volver a esconder en su trabajo el hecho de que escribía canciones y que realizaba algunos shows en vivo, Sharon tuvo que deponer sus inseguridades y entregarse por completo a su sueño. En 2008, una gira con Meg Baird la llevó a conocer a Greg Weeks, quien la ayudó a grabar de forma profesional sus demos y así publicar su primer disco en 2009. El lanzamiento de Because I Was In Love la colocó en el mapa que ubica a las mejores voces femeninas capaces de confesar las intimidades de un corazón roto acompañadas tan sólo de una etérea guitarra. Reseñado en portales como Pitchfork, la trave-

sía de la cantante arrancaba formalmente y el éxito dirigiría su camino hacia la formación de una banda para manufacturar su segundo álbum titulado Epic (2010), el cual consiguió que la banda de Justin Vernon, Bon Iver, re-interpretara el tema “Love More” e incrementara su popularidad. Editado por la disquera de la que anteriormente formó parte, aquella entrega significó, en términos de contenido, un manual de “cómo se supera una tribulación amorosa”, a la vez que nos da una razón más para avizorar que el proyecto de Van Etten florecía. No fue sino hasta 2012, con Tramp, que la cantautora estadounidense logró tener en la producción a un hombre de la talla de Aaron Dressner (The National) e invitados, como Wye Oak (Jenn Wasner), Juliana Barwick, Matt Barrick (The Walkmen) y Beirut. En él, Sharon evidenciaba que había dejado atrás todos sus demonios, estaba más segura de sí misma y nos concedía una joya sutil, sublime y elegante. Ahora, después de todo, llegamos hasta Are We There?, la cuarta entrega que verá la luz el 27 de mayo bajo el sello de Jagjaguwar. Con la entrega de los primeros adelantos, Sharon aparenta estar completamente entera y dispuesta a volarnos la cabeza con todo el poderío que su voz adictiva y su personalidad de mártir dulce le permiten. Con la intención de indagar aún más en su esencia, compartimos unas cuantas palabras acerca de su próximo disco:

En el tracklist de Are We There? aparece tres veces la palabra amor, ¿podemos esperar que el nuevo disco esté principalmente basado en este sentimiento? ¿Hay algún concepto en él? Sharon Van Etten: ¡Eres muy perceptiva! Yo siempre escribo acerca del amor, pero este álbum trata ligeramente acerca de intentar tener una carrera y a la vez, mantener una relación sentimental. “Taking Chances” es el primer sencillo que pudimos escuchar del material. ¿Sharon Van Etten está tomando, literalmente, algún riesgo en este disco? SVE: (Risas) ¡Sí! Éste es mi primer intento de producir un álbum y, de hecho, el primer disco en el que tengo una banda; la misma con la que he salido de gira por los últimos dos años y medio. ¿Qué tal fue el proceso creativo y la producción en tu nuevo álbum? Leí que también obtuviste ayuda de Stewart Lerman, quien está relacionado con actos como St. Vincent, Antony & the Johnsons y Regina Spektor… SVE: ¡Fue divertido y estresante! Yo escribí la mayoría de los temas antes de entrar al estudio y se los envié a mis compañeros de banda. Cuando llegaron a grabar, vinieron con algunas ideas y yo las dirigí. Stewart me llevó de la mano a través de la mayor parte del proceso de grabación. Encontré muy benéfico tener a alguien externo que me diera un poco de perspectiva y experiencia. Sin embargo, él me ayudó, tomando en cuenta mi visión y siempre teniéndola en mente. Escuché por ahí que cada álbum que haces te vuelve más segura y te va acercando al lugar en el que realmente quieres estar. ¿Crees haber llegado a ese punto con este disco? SVE: Sólo me estoy acercando un poco más. Si alguna vez siento que ya he llegado, entonces, será cuando me detenga. Por muchos años fuiste muy penosa y desconfiada de tu trabajo como músico, incluso lo mantuviste en secreto por un tiempo. ¿Qué fue lo que pasó? ¿Pensaste que no eras lo suficientemente buena? SVE: No estaba involucrada con gente que me apoyara, pero aprendí mi lección. A ese tipo de personas no les importas.

“Afraid Of Nothing” es el tema que aparece en el pequeño adelanto de Are We There? ¿Qué fue lo que inspiró la creación de esa canción? SVE: La idea de que alguien puede amarte tanto, pero a la vez, estar verdaderamente aterrado de ser tú mismo y dejarse llevar totalmente; para bien o para mal. Tienes un amplio historial musical, pues desde tu infancia viviste de cerca la música, ¿hay alguna memoria específica del primer momento en que la “Me descubriste? SVE: Recuerdo que había un piano en la casa a la encadenaste que nos mudamos cuando era pequeña. Gravité hacia él y desde ahí, lo toqué todo el tiempo, sin como a un saber realmente cómo se hacía. La cualidad melancólica de tu voz le ofrece un increíble elemento a tu música. Cantar acerca de temas muy personales con tanta nostalgia me recuerda un poco a Daniel Johnston, quien –por cierto– será parte del cartel del festival de música de nuestra revista, ¿consideras tu voz como una de tus armas más importantes o son los sentimientos fuertes los que hacen posible tu música? ¿Qué piensas de Daniel? SVE: Cantar significa el mundo para mí, pero son mis emociones lo que me guía... Y amo a Daniel.

perro en nuestro

cuarto. Eso me hizo amar, eso me hizo amar, eso me hizo amar aún

Todo el mundo ha tenido relaciones malas, pero quizá sean ésas las que logran grandes cambios más”. – “Love y nos regalan la posibilidad de aprender mucho de nosotros mismos. ¿Qué tanto ha modificado More”, Sharon tu música las relaciones sentimentales que has tenido? Van Etten. SVE: Creo que las relaciones y el amor son ideas universales y eso significa mucho para mí. Así que asemejo lo que yo he pasado con lo que otras personas han vivido. Mis relaciones sentimentales me han ayudado a crecer, me han hecho fuerte a mí y a mis canciones también. ¿Dónde crees que te encontrarías ahora si no le hubieras dedicado tu vida a la música? SVE: Estaría en la universidad estudiando para ser terapeuta. M

Marissa Nadler Little Hells Kemado Marissa Nadler, compositora estadounidense, transita de la misma manera en los caminos del dream folk, acompañada de una voz con tonalidades taciturnas y un talento irrebatible. La narrativa de sus temas quizá no sea tan explícita como la de Sharon, pero sin duda, ambas mantienen su cualidad etérea.

S. Carey Range of Light Jagjaguwar La música nos toca el corazón y la cabeza de distintas maneras. Y para cuando estamos de ese ánimo que necesitamos un apapacho por dentro, Carey es capaz de recrear paisajes increíbles y reconfortantes para el alma con un sonido boscoso y al mismo tiempo, emotivo. Con este sí convencerás a mamá de que a bordo de tu nuevo Ford Ikon, podrán apapacharse mucho.

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Cat Power Sun Matador Varias etapas del proyecto de Chan Marshall podrían compararse con el sonido de Sharon: la fase acústica, la voz peculiar, los desvaríos sentimentales, etc. Sin embargo, es Sun el material que parece acaparar las similitudes más cercanas a Are We There?

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The Coathangers No sólo otra banda de chicas, ¿o sí? TXT:: Uili Damage FOT:: RYAN RUSSELL

Por unas cuantas razones que se han repetido en tinta millones de veces durante la larga historia del rock, los grupos integrados en parte o en su totalidad por chicas, siempre cuentan con una validación automática, toquen como toquen: Janis Joplin, las burdas The Shags, las rudas pioneras The Runaways, la siempre sonriente y angelical Kim Deal, la caprichosa Cat Power... y la lista crece al cielo. Juntemos fuerzas entonces para ser lo más parejos con el grupo que esta nota ocupa: The Coathangers. Antes de ser músicos, ya eran una banda: como una excusa para pasarla juntas y ser el alma de las fiestas a las que acudían en su natal Atlanta, encontraron que su ineptitud musical se ajustaba más que adecuadamente a ciertos estilos del ruidismo melódico rocanrolero, abanderándose en el acto del sonido no wave y el garage primitivo para vestir líneas de voz melódicas y pegajosas, siempre con una actitud irreverente y rebosada de humor.

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esde sus inicios como banda, en 2006, se apresuraron a grabarse y tocar por doquier, y con su LP de 2014, Suck My Shirt, ya amasan cuatro álbumes y 12 sencillos –uno con un remix de Dan Deacon–, todos en vinil de colores, más incontables visitas a Europa y todo el territorio norteamericano. De que trabajan duro –así sea en armar la pachanga–, no cabe duda. Hoy The Coathangers son: Julia Kugel (Crook Kid Coathanger, guitarra), Meredith Franco (Minnie Coathanger, bajo) y Stephanie Luke (Rusty Coathanger, batería). Candice Jones (Bebe Coathanger, teclados y voz) abandonó el grupo en la transición de sus álbumes previo y presente. En un inicio, Kugel y Franco trabajaban juntas en una tienda de vestidos; Jones y Luke se ganaban la vida de cantineras. A sabiendas de que tocaban terrible, pero con mucho espíritu, consiguieron presentarse en alguna fiesta casera, teloneando en algún bar aquí y allá hasta lograr abrir un show de The Hiss, en el cual se ganaron a

la audiencia con un encanto implacable. En poco se hicieron amigas de los Black Lips. Para 2007, los sellos Die Slaughterhaus Records y Rob’s House Records hacen mancuerna para editar el álbum debut que lleva el nombre de la banda, mismo que dio pie a sus primeras giras en Georgia y alrededores. En Suicide Squeeze Records aparece el segundo largo, Scramble, convirtiéndose desde este momento en su disquera habitual. Más giras, fiestas y asociaciones con nuevas amistades musicales le van dando solidez al “sonido Coathangers” y en 2011 lanzan Larceny & Old Lace, colección que las lleva a recorrer Europa de manera extensiva, de la mano de The Thermals. En 2013, siendo aún un cuarteto, el Viejo Continente las vuelve a recibir mientras apoyan las presentaciones de ...And You Will Know Us by the Trail of Dead. Al final de este año, Candice Jones renuncia a la banda.

Entrando en tema, Suck My Shirt no frena ni con semáforos en rojo. Si baja un poco la velocidad en las curvas con “Love ‘em and Leave ‘em”, “Zombie” y “Aderall”, solamente es para que pongas más atención a sus cínicas letras y tomes aire para la caña del resto del álbum. El título, sin ir más lejos (“Chúpame la camiseta”), se refiere a un incidente durante la grabación en que había que salvar lo posible de un tequila derramado. Ahí vemos las jerarquías en la vida de esta tripleta desaforada. Para esta nota, nos acercamos a Crook Kid Coathanger, con quien tuvimos una breve conversación bastante informal y relajada: Hola, Julia. ¿Dónde estás? Crook Kid Coathanger: En Sacramento, California. ¿Están a mitad del tour, no? CKC: Justo llevamos dos semanas. Estamos girando la costa oeste en van, de ciudad en ciudad. ¿Cual es su siguiente show? CKC: Mañana en Vancouver. ¿Van a manejar desde Sacramento? CKC: Claro que sí. Vamos también a Toronto y Montreal. Tan sólo en abril iremos a Denver, Albuquerque, Phoenix, San Diego, Tucson, Grinnell, St. Paul, Chicago, Bloomington, Detroit, Boston y unas 12 ciudades más; terminamos esta parte el 26 de abril en Atlanta, manejando. ¿Tocan ustedes solas? CKC: Pocas fechas. Ya hicimos todo el mes pasado con Black Lips y Audacity. Hablando de Audacity, hicieron uno de sus splits con ellos. ¿Cómo los eligieron, y también a los otros invitados? CKC: Todos son amigos. Todos lo hicieron con mucho gusto, y a nosotras nos encantaron sus colaboraciones, especialmente porque todos son muy distintos. Por ejemplo, conocemos a Dávila 666 de hace mucho, y con Heavy Cream, hasta giramos con ellas. Sólo le dijimos a cada banda que queríamos sacar estas colaboraciones y de inmediato contribuyeron. Con la mejor disposición. Tienen los splits, el álbum, varios videos nuevos, las

giras... ¿Cómo encuentran tiempo para hacerlo todo? CKC: Es difícil, pero nos mantiene trabajando; parte del álbum lo compusimos en la gira y de ahí sacamos música para los splits; de regreso a casa grabamos videos y el álbum. Los videos salen en unas cuantas horas porque nos ayudan nuestros amigos. Los de Mastodon son de Atlanta también, y como estaban “a la mano”, nos ayudaron sin ningún problema. Ese video (“Follow Me”), por ejemplo, lo hicimos en nuestro cuarto de ensayos. Tampoco se trató de algo súper complicado; lo hicimos rapidísimo y en pocas tomas. ¿Alguna de ustedes se encarga de hacer las canciones? CKC: La música la hacemos entre todas y así sale muy fácil. La parte más complicada puede ser la lírica. Pero todo el proceso es algo que amamos hacer: cada canción es un reto que nos gusta enfrentar.

“Cada canción

Después de tanto repasar las canciones, desde el momento de componer hasta el producto es un reto final, ¿ya se cansaron de tocar alguna o de todas incluso? que nos gusta CKC: Nos obsesionamos con el proceso, con la grabación, la mezcla; nos metemos mucho enfrentar”. tiempo a dejarlas como más nos gusta y al final, tenemos que despegarnos un poco. Descansar. –Crook Kid Finalmente, las amamos a todas y nos ponemos a tocarlas por todo el país, y en otros países Coathanger como un año, que es lo que giramos regularmente. Lo bueno es que ya tenemos varios discos y ahora hay mucho material para escoger, así que no nos aburrimos. Este nuevo álbum, ¿cómo lo recibe la gente? CKC: Se prenden mucho; en los shows que llevamos, la gente ya canta varias, y eso que el disco salió a mediados de marzo. Por supuesto que las más conocidas del material anterior son las que tienen mejor respuesta, pero el material nuevo está resultando muy bien y eso nos retroalimenta para hacer shows más enérgicos. Nos encantaría verlas por estos lares… CKC: Tenemos muchas ganas de ir a México. Fuimos una vez a Monterrey y nos divertimos mucho. La gente respondió muy bien, pero ahora queremos ir a la Ciudad de México. M

White Reaper White Reaper Polyvinyl Record Co. Aunque el nombre de la banda y disco debut podrían hacer temblar pensando en la parca, “Half Bad”, primer sencillo del EP debut de estos oriundos de Louisville, Kentucky, deja claro que sólo son medio maldosos, y muy buenos para darle aire a la nueva escena del garage y el punkpop. La música de Tony Esposito (vocales/guitarra) y los gemelos Nick (batería) y Sam Wilkerson (bajo) debe acompañarse con caramelos agridulces y mucho sol.

The Courtneys The Courtneys Hockey Dad Records. Esto es más pop hecho por chicas con guitarrazos divertidos, sonido ingenuo, asoleado y lleno de energía, del que se te pega en la cabeza por días. Nadie se le resiste. Hasta tu mamá se pondría a bailar, así que antes que te ganen la idea, enséñale este disco y cántale frases ingeniosas intercaladas al estilo: “Vamos a dar la vuelta en mi nuevo Ford Ikon, diviertiéndonos como nadie”, mientras bailan.

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The Tijuana Panthers Wayne Interest Innovative Leisure. Empezando junio se puede adquirir este cañonazo de punkpop orquestado por Phil, Chad y Daniel, del cual ya puedes disfrutar el primer sencillo titulado “Cherry Street”. El beat de esta excelente melodía remite a The Drums, Best Coast o Wavves, y francamente provoca bailar eufóricamente y sin zapatos.

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Lykke Li “Trilogías vikingas”, o “Tres estaciones: de adolescente a mujer” TXT:: Wenceslao Bruciaga

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Gracias a ABBA y su aporte de versatilidad pegajosa cuyos coros son irresistibles de seguir, el mundo supo que en Suecia saben hacer un pop tan perfecto, que lo mismo seduce a trasnochados seguidores de la música disco, que punketos envalentonados por el pogo, uno que otro metalero, traileros de clóset fanáticos de los acordes a lo Creedence Clearwater Revival, adoradores de la mediocre fidelidad de Phil Collins y una lista de tribus que puede crecer y torcerse. Aunque lo repriman, es casi un hecho que a todos nos gusta ABBA. Quizás tiene que ver con esa habilidad geométrica de los suecos para la destreza del diseño trasladada a la creación musical, específicamente al pop de alta costura. Calidad pop que, por cierto, abunda. El problema, quizás, es que no todos logran traspasar la frontera escandinava o acaso la europea. Algunos logran impactar en Inglaterra y unos cuantos conquistan a la audiencias americanas, como los tremendos e ilustres casos de The Cardigans, The Knife o Peter Bjorn and John, bandas que han puesto muy en alto el nombre del Reino de Suecia, además de generar una tupida horda de fans.

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unque un nuevo episodio de pop sueco con alcances internacionales lleva gestándose desde hace un par de años, los resultados cumplen con los estándares a los que nos tiene acostumbrados. Tal es el caso de Li Timotej Zachrisson alias Lykke Li, cantautora que con apenas 28 años y tres álbumes (incluyendo I Never Learn, lanzado en mayo de este año), está seduciendo a muchos por su música de feminidad exhibicionista sobre rompecabezas electrónicos y complejos, sin que para ello tenga que sacrificar la tradición de coros pop definida por ABBA. RAÍCES DE UN POP NO TAN PEGAJOSO Corriendo el riesgo de caer en lo inoportuno, me atrevo a insinuar que, una vez inspeccionado quirúrgicamente los sonidos primarios de todo el repertorio que arranca oficialmente en 2008 con el lanzamiento de unos sencillos y su primer álbum Youth Novels, Lykke Li es una especie

de protegida expatriada de Neneh Cherry, con quien, por cierto, también comparte raíces suecas (aunque la carrera musical de Cherry se gestó en Inglaterra, específicamente en Bristol). Como si Cherry hubiera entrado a esos programas de ONGs en los que adoptas a un pequeño desconocido que vive a miles de kilómetros de distancia, sus donaciones bien pudieron ser esas exploraciones sonoras disconformes sobre teclados, cajas de ritmos y elucubrados sampleos. Si bien es indudable que lo de Lykke Li es el pop decantado hacia la balada, ésta nunca se estanca en la típica melodía de estructura predecible, y a las notas de sus canciones, que básicamente abordan el desamor postadolescente, les cose parches electrónicos que te remiten a la escuela de experimentación de Neneh Cherry, desde luego, sin las turbulencias no aptas para principiantes de la autora de “Buffalo Stance”.

Lykke Li sabe moderarse y quedarse en los terrenos del pop. Youth Novels, producido por su paisano Björn Yttling, era un álbum de ensoñación narcotizada con mucha narrativa, como micro historias sobre corazones rotos, escritas al final del cuaderno de una estudiante de bachillerato que pasa las noches escuchando a Fiona Apple. LOS INDIES TAMBIÉN LLORAN Lykke Li libró algo así como “la prueba de fuego” para muchos nuevos talentos: pisar uno de los escenarios del prestigioso show británico Later… with Jools Holland, dejando boquiabiertos a muchos después de haber interpretado una versión orgánica –más bien performance escénico– de “Little Bit”, el sencillo con más eco de Youth Novels. Su voz acaramelada predominó por encima de los instrumentos casi artesanales, su talento musical en directo quedó corroborada, además de su habilidad para reinventar un track de producción puramente electrónica. El hechizo empezó a extenderse. En 2009, su track “Possibility” fue incluido como parte del soundtrack de la ultrafamosa (sólo Dios sabe por qué) trilogía de Crepúsculo. Parecía que tras el encanto teatral que derrochó durante el show de Jools Holland, dejaba claro que sus baladas no convencionales (que hablan de sentimientos convencionales) eran el fondo musical perfecto para historias de vampiros y hombres-lobo adolescentes atormentados por amores imposibles. Empezó el acenso. Adoptada con mucho delirio por las huestes indie (mucho tuvo que ver el fiasco de una Lana del Rey que, por su parte, también pretendía hacer del desamor un recurso para baladas de corte nublado o arcanas; sin embargo, tras su accidentado paso como invitada en Saturday Night Live evidenció un poco de su farsa), poco a poco Lykke Li fue desabrigando su talento que lo mismo la conducían por paisajes de dream pop, pasando por caprichos de soul hip-hop -como cuando trabajó junto a Kanye West en el single “Gifted”-, hasta colaborar con personas obsesionadas con el downtempo atemporal como Röyksopp, al cual prestó su voz para el tema “Miss It So Much”. Aventuras musicales que recuerdan las múltiples facetas de voces inconfundibles, como las de Hope Sandoval o Beth Orton. Consciente del actual poder de las redes sociales, Lykke Li se encargó ella misma de armar toda una expectativa alrededor de su siguiente álbum, Wounded Rhymes de 2011, que resultó ser un disco de pisadas fuertes y suspiros claustrofóbicos, menos melancólico que su laureado Youth Novels, quizás porque fue grabado en Los Ángeles y las postales de los nublados bosques suecos estaban muy lejos.

La misma Lykke Li declaró que el álbum tenía una intención de invocar los espíritus de personajes como Leonard Cohen, Jim Morrison o David Lynch: “Wounded Rhymes es un álbum más oscuro, temperamental y las letras son más pesadas. Hay menos atmósferas, pero más franqueza. Tenía 19 años cuando grabé mi primer disco; desde entonces, he estado expuesta a muchas situaciones durante estos últimos años. Definitiva“Tenía 19 años mente he crecido y algunas cosas no las veo de la misma forma. Crecer no es fácil y quería que ese cuando grabé sentimiento de dificultad se pudiera imprimir a modo de música y sonidos”. mi primer La búsqueda de fantasmas de Li en Los Ángeles tuvo éxito y en 2013 pudo lanzar el sencidisco; desde llo “I’m Waiting Here”, cuya música y producción es idea original de David Lynch. Un track cinemaentonces he tográfico y surrealista como los sueños del propio director de Eraserhead y Twin Peaks. estado expuesta YO NUNCA APRENDO a muchas Según palabras de la propia Li para la New Musical Express, resulta que I Never Learn cierra lo que situaciones ella denomina una trilogía de discos que forman parte del “intenso período de una mujer atravesando durante estos por los 20”. Como que a los escandinavos y los daneses les gusta conceptualizar su obra mediante últimos años. trilogías tituladas. El nuevo LP contó de nuevo con la ayuda de su Definitivamente paisano Björn Yttling y soltaron el primer sencillo “Love Me Like I’m Not Made of Stone”, cuya comno veo de la posición recuerda las secuencias de Youth Novels. Li confiesa: “Quería que cada canción del misma forma disco tuviera esa textura de una balada, como esas potentes canciones de desamor que daban en las algunas cosas. viejas estaciones de radio, a lo Foreigner y su “I Want To Know What Love Is”. Se trata de un baile lento, Crecer no es como si las escucharas mientras prendes y apagas un encendedor”. fácil... ”. De momento, el pop sueco de Lykke li es un interesante ejercicio de armonías, al mismo –Lykke Li tiempo suaves y truculentas, que son una plataforma para el exhibicionismo sentimental de esta chica que hoy ya tiene 28 años. Con su trilogía podemos asomarnos como voyeurs melómanos a su crecimiento emocional, y parece que tiene un futuro prometedor. Pero sobre todo, y habiendo discusiones en cuanto al gusto y sus combinaciones, Lykke Li nos demuestra que si algo no puede regatearse al pop sueco es su calidad, la cual nunca está en duda. M

El Perro del Mar Pale Fire Memphis Industries La cantante sueca Sarah Assbring posee un talento para crear ritmos tan suaves como el terciopelo y sensuales como una noche de borrachera con tu amante. Este disco contiene una variedad de sonidos que van desde el reggae, el trip-hop y el pop.

Wunder Wunder Everything Infinite Dovecote Records Manejar un día caluroso por una ruta costera, con los vidrios abajo, sintiendo la brisa playera y oyendo “Coastline” de Wunder Wunder, mientras tienes una de esas charlas verdaderamente sabrosas con tu mamá, es una experiencia tan especial, que ella lo guardaría en el corazón para siempre. Ponle la canción, propónle el plan a bordo de tu Ford Ikon nuevecito. No podría decir que no.

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Mia Doi Todd Manzanita Plus Research Cuando el amor es interpretado sobre una base folk, nuestra percepción sobre este sentimiento se vuelve aún más intenso, pero agradable. Este álbum resalta la importancia de escuchar un disco con tranquilidad, en la sala de tu casa y con una taza de té de canela.

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Frikstailers El oficio de la electrónica latina TXT:: UILI DAMAGE @uili

FOT:: ZZK Records

Desde Córdoba, Argentina, llegan Rafa Caivano y Lisandro Sona con sus “canciones cumbieras de circuitos retorcidos para bailes fluorescentes”. El dúo ha trabajado de sol a sol en construir un discurso sólido que involucra los ritmos de baile de todos los tiempos y latitudes, muy correctamente ataviado de sonidos afrolatinos, logrando impresionar a los oídos más exigentes a nivel mundial. El producto final es una combinación de dancehall, hip-hop, baile funk, cumbia, dub, house, kuduro, electro, techno y cualquier cosa que pase por la cabeza de este dúo.

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rikstailers viene interactuando desde hace varios años con la ecléctica escena de la cumbia digital de Buenos Aires, replanteando las reglas de este estilo en cada track. En diciembre pasado llevaron su inimitable sonido a Londres, encabezando la cartelera de una de las fiestas electrónicas más prestigiosas del momento: Boiler Room. Cada año reparten su agenda entre las fiestas más interesantes del underground europeo y latinoamericano, y desde 2011 eligieron a la Ciudad de México como su hogar y punto estratégico de despegue hacia el resto del planeta. Para celebrar el décimo aniversario del festival de electrónica experimental y de vanguardia, MUTEK.MX, los Frikstailers desarrollaron Klik & Frik (premier mundial), un show especial en el que proponen un ámbito de interacción y sonidos, con la narrativa gráfica a cargo de Realität. El dúo lanzó en febrero de 2013 su primer LP titulado En Son de Paz y recién se presentaron en el festival Vive Latino. Previo a su presentación, conversamos holgadamente de ése y otros temas: ¿Hace cuánto están trabajando? Rafa Caivano: Empezamos hace ocho años, pero llevamos tres radicando en la Ciudad de México y trabajando día y noche.

Su presencia escénica es muy divertida. ¿De dónde salieron estos personajes mezcla de Blue Man Group, Daft Punk y los Muppets? Lisandro Sona: (Risas) Y un poco de Afrika Bambaataa también... ¡Claro! Hasta George Clinton, por sus pelos de estambre… LS: (Risas) Bueno, todo empezó una vez que tocamos en Buenos Aires, en una fecha muy cercana a las Navidades. Vino con nosotros un amigo que se llama Leandro Frías y decidimos disfrazarnos de los Reyes Magos. RC: ¡Exacto! Leandro iba de Baltasar... Y de ahí todo fue cuesta abajo… RC: De ahí empezamos a jugar con la búsqueda de personajes hasta llegar a estos seres extraterrestres (risas). ¿Y no es un problema tocar disfrazados? RC: A veces es caluroso si el escenario o la cabina no está muy ventilado, pero en general, no hay problema. LS: ¡Después de todo la idea es transpirar la camiseta! RC: Además, lo mejor de ponerte pelo largo es que te sientes como un metalero de los 80. Es una sensación única de mover la cabeza y que se sacuda algo más (risas).

Muchos DJ’s que “preparan” sus sets ponen una y otra vez la misma música y hasta en el mismo orden. ¿Ustedes sí trabajan? RC: Como DJ tienes la libertad de tocar un centenar de canciones que en ocasiones definen tu gusto y estilo. Como productor estás mostrando la música que tú haces. Para el Vive Latino, por ejemplo, nosotros preparamos un espectáculo específico que pasa por un montón de estilos de música, como siempre. Indagamos mucho en el hip-hop, el funk, la cumbia, el dancehall… que pueden ser mundos muy distintos, pero con el hilo conductor de nuestro estilo, nuestro criterio y la música electrónica en general. Además, para el show del Vive estuvimos poniendo mucho énfasis en la parte visual. Trabajamos con un diseñador/ animador de Argentina, gente del Boiler Room que nos está ayudando con la parte técnica, e incluso Sony que nos prestó unas ActionCams, lo cual está bueno, porque nuestro show tiene un montón de detalles que en un escenario grande no se ven. Todo va sincronizado con lo que hacemos musicalmente, durante una hora. Para nosotros es un desafío muy lindo, que nos da la oportunidad, además de sorprender a gente que no nos ha visto nunca. Después de un show así, ¿harán algo más grande o algo más íntimo? RC: Vamos a hacer un Boiler Room, pero es algo que nació para el último MUTEK.MX, en donde hicimos música nueva desde cero y que salió tan distinto a lo que hacemos siempre, que resultó ser completamente otro proyecto. Aparte, estamos sacando un nuevo EP de Frikstailers, un par de videos con una agencia de Argentina y otra de Brasil, y estamos armando una gira europea. ¿Cuánto tiempo tomó hacer el álbum En Son de Paz, que se escucha en su SoundCloud? RC: Tres años. LS: Hacerlo completo, sí. No trabajas absolutamente cada

día. Hicimos muchas cosas en tiempos muertos, seleccionando canciones... dejamos fuera como seis; hicimos mucha música hasta que sentimos que teníamos las adecuadas y que estaba listo. Es mitad argentino y mitad mexicano. Empezamos a hacerlo allá y la segunda mitad la terminamos “Lo mejor en México. Ustedes son dos... RC: Sí, pero siempre hay un montón de gente haciendo cosas con nosotros. Somos las dos caras visibles; hay un ingeniero de audio y co-productor, Andrés Odone, que siempre nos está dando mucho apoyo; desde hacernos escuchar música, hasta mezclar el disco... Es como un gurú. Además, la gente de la disquera ZZK, Trocadero y Charco en España. La gente que nos ayuda con lo de video... El punto es que siendo ustedes dos, pasando tanto tiempo juntos, es muy fácil postergar. ¿Quién de ustedes es el que jala la rienda y dice: “Tenemos que terminar esto hoy, sí o sí”? RC: Modeselektor dice que la mejor fuerza creativa es el deadline. A veces puedes tener tres meses para hacer algo, y mientras piensas y repiensas, lo cual es bueno porque metes la información en tu cabeza, pero para hacerlo tangible, con una fecha límite se puede lograr que en un mes termines una cantidad de producción que no hiciste en un año...

ponerte pelo

largo es que te sientes como un metalero de los 80. Es una sensación única de mover la cabeza y que se sacuda algo más”. –Rafa Caivano

Como punteros en el mapa de la música clubber, será sencillo seguir sus pasos de ahora en adelante, pues Frikstailers sacude la escena a placer y, por supuesto, las caderas. Saca tu peluca de estambre y súbele al volumen. M

Seven Davis Jr. “Feel for You” La vida útil de las canciones bailables es ínfima en comparación con otros estilos, algo que se ha demostrado por años. Así que antes que le empiece a salir lama y moho al angelino Seven Davis Jr., aviéntate de clavado a su SoundCloud, porque vas a encontrarte con una serie de cortes de house, soul y otros híbridos hipnóticos, que hasta el momento, parecen ni siquiera estar apartados por un sello disquero.

Simian Mobile Disco/ Roman Flugel Hachinoko Delicacies En el territorio del minimal/tech house, Jas y James de SMD hacen un elegantísimo mano a mano con el jefazo Flugel, disparando un sencillo “doble A”. El estándar de música y producción es insuperable. Los sintetizadores resplandecen en la obscuridad y rezumban como transformador de luz descompuesto, a merced del ritmo de la noche.

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Lone Reality Testing R&S Records En sólo cinco años Matt Cutler (Lone) se ha establecido como uno de los productores ingleses jóvenes más visionarios y vitales de la escena electrónica, hecho que demuestra ampliamente en su nuevo álbum. Matt afirma lo siguiente: “En todos mis discos, mi plan es comunicar toda la imaginación que pueda al escucha. Escenas, atmósferas, sentimientos... Eso se traduce en melodías, ritmos y hasta simple ruido de fondo. Es música completamente visual”. En Reality Testing lo que manda es un delicioso house hop.

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Vive Latino 2014 TXT:: Juan Carlos Hidalgo

Una fiesta que crece y crece

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Era de esperarse; Los Tigres del Norte congregaron a una multitud que desparramó su aceptación total por cada rincón del escenario principal del Foro Sol. La agrupación es una figura icónica de la música popular mexicana y hace que sus canciones hagan las veces de crónica y editorial de temas candentes para la sociedad mexicana. Incluso un Festival Cervantino también validó anteriormente su importancia y los rockeros les reconocieron desde entonces su valía. Pero ¿cómo es qué empata como parte de un evento enorme que en su mayoría congrega a la cultura rock hispanoamericana? ¿En verdad dejaron una huella indeleble? ¿Contribuyen a enriquecer y engrandecer un evento que ya es toda una referencia internacional? ¿Será que los gustos de los consumidores se han ensanchado hasta acoger a la canción norteña y el corrido? La prensa extranjera mira con interés una cita que cuenta con todo el fervor y el frenesí del que somos capaces los mexicanos; una concentración tan grande de gente que a veces se parece al caos organizado que también nos representa como nación. Pareciera que los elementos no están perfectamente ensamblados, pero funcionan a la perfección y cada subgrupo encuentra contenidos con los que se identifica. Aun así no podemos dejar de preguntarnos si es necesario estirar tantísimo el concepto de diversidad cultural y musical. ¿Puede una fiesta desbordante deglutir la idea de una ética y estética a la hora de elegir música?

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n pos de una apertura extrema en cuanto a registros y tendencias, se hizo lugar incluso al movimiento sonidero. La presencia de Pablito Mix y Sonido La Changa, entre otros, despertó muchísima suspicacia de parte de la prensa especializada que cuestionó su calidad. Pensemos también en la participación de De la Tierra, un supuesto dream team del metal latino en el que toca la batería Alex de Maná y Flavio de Los Fabulosos Cadillacs en el bajo. Otro punto de inflexión para la polémica: ¿Provocarla será la naturaleza del festival? ¿Es imperioso generar altos contrastes en la oferta sonora? La edición del XV aniversario del Vive Latino ya nos debería encontrar especulando en torno a un proyecto en completa madurez, porque nadie puede negar el nivel cualitativo que artistas como Nine Inch Nails, Fito Páez, Arcade Fire, 2manydjs, Ely Guerra y Calle 13 traen consigo. Y con todo, no falta quien inquiera acerca de la idea de traer talento anglosajón para una evento que, de base, promueve a lo iberoamericano. Algunos temas álgidos se conservan año con año. ¿Acaso no debiéramos haberlos ya superado?

Se trata de un festival vasto, inabarcable, y que por lo mismo sólo se completa a través de la suma de muchísimas experiencias individuales en pos de la música, el cine, la gastronomía y parafernalia al por mayor que proporcione confort y ganas de volar. De verdad que no puedo soslayar la presencia escénica de un grupo como Zurdok, que dejó en claro que están listos para escenarios principalísimos (su calidad no le pide nada a las bandas del universo anglo); el inglés Quantic (Will Holland por nombre propio) trajo consigo un puñado de discos de siete pulgadas con los que dio una lección máxima de tornamesismo ante un público mucho más reducido, pero conocedor. ¿Alguien escatimaría reconocimiento para el magnetismo de un Emir Kusturica en plan de leyenda viviente? ¿No será la música balcánica un antecedente de la norteña? Por otro lado, habrá que apuntar que Zoé goza de total empatía generacional con sus seguidores. Entre ellos se comunican perfectamente y evidencian total complicidad (han ido creciendo juntos). ¿Acaso no ejemplifican un proceso de la escena local en general? Musicalmente, hay mucho por destacar inspeccionando una programación heterogénea de verdad, así como sumamente extensa. Pero tenemos que repensar con calma lo que va a dejar una impronta real sobre la línea del tiempo. Y aquí se llega a complicaciones técnicas en la medida de que el periodista sea también fan de alguno de los participantes. Así que a veces ayuda el apoyo profesional de otros colegas. A propósito de que Arcade Fire también estará en el Lollapalooza argentino, Mauro Libertella apunta sobre los canadienses: “Aparecieron en 2004 con el mejor disco del siglo XXI, Funeral; David Bowie los apadrinó. Arcade Fire es sintomático, porque evidencia la enorme voluntad colectiva por encontrar íconos rock que puedan llenar el vacío que quedó tras la muerte de Cobain y tras la caída del britpop. La voluntad por encontrar grandes bandas de estadio que puedan torcer el camino que están marcando aguafiestas como Coldplay o Keane, de lo más aburrido que sacó el rock británico. Arcade Fire cumplió bien con ese papel que le fue asignado y recorrió los escenarios con conciertos largos y demenciales”. La actuación de los creadores de The Suburbs y Reflektor fue una auténtica maravilla que no logró la convocatoria masiva que pudiera haberse esperado. Tal vez con los años habremos de aquilatarlos en su justa medida. Habrían llenado un Palacio de los Deportes, pero no el Foro Sol; pese a ello, una vez más lograron desatar a la épica musical como sólo ellos saben hacerlo. Pensemos que de allí saldrá una de las mejores postales para colocar en el libro de oro de la nostalgia (incluidas las percusiones caribeñas con las que sorprendieron). Al igual que la eufórica exhibición de un Diplo en estado de gracia carnavalera (se trata de uno de los dj’s-productores de mayores recursos y amplitud de miras) y mezclando todo lo imaginable. Sin duda que la carpa Gozadero Dancing Club Doritos se consolida como uno de los espacios más imaginativos y refrescantes. Ahí mismo estuvieron los alemanes de Schlachthofbronx, Frikstailers, DJ Rupture y el norteño Siete Catorce (aire fresco para la electrónica local). Además, Doritos se lució con una terraza VIP frente al escenario Unión Indio, desde donde los asistentes podían ver a sus bandas favoritas con botana y una Cerveza Indio fría. Los buenos momentos no fueron escasos. Los Esquizitos y su rabiosa y desbordante energía; unos Little Jesus sonando tremendamente bien (con un Break en mano) o esa cumbre del flamenco rock noise conocida como Los Planetas, nos hacen pensar que el talento procedente de nuestro imaginario cultural es suficiente para encumbrar a un Vive Latino como el punto de referencia que ya ha venido siendo.

FOT:: Feli GutĂerres

FOT:: Arturo Lara FOT:: Arturo Lara

Festivales

FOT:: Paco Diaz

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Ni siquiera el desafortunado accidente del cantante de Calle 13 (deshaciéndose de fea manera de un fan que lo abrazó desmesuradamente) puede empañar a una cita memorable. Aunque el incidente ya corra como reguero de pólvora en las redes sociales (que tienden a exagerar). Cualquier desliz es capitalizable para señalar falta de tolerancia. Una y otra vez recorro la programación y los recuerdos de este 2014, y las instantáneas ponderables no escasean; desde La Santa Cecilia y su deseo de que se les quiera como los mexicanos que son, a una Juana Molina, que nos seduce con su capacidad para lo experimental. Pero nada de ello valdría si no pudiéramos llegar a pensar que los asistentes hemos aprendido a convivir. Encuentro como lo verdaderamente importante, a la colectividad imponiéndose a las complicaciones del clima y de logística. Aunque se sabe que uno de los objetivos es el comercial, hay muchos otros aspectos que condensan su relevancia. En Juntos. Rituales, placeres y política de la cooperación (Ed. Anagrama), el sociólogo norteamericano Richard Sennet explica la importancia de “aquel intercambio en el cual los participantes obtienen beneficios del encuentro. El desafío es reunir a personas con intereses muy diferentes, incluso en conflicto”. Aquí los metaleros han aprendido a alternar con un seguidor de las norteñas y un punk del presente sabe adaptarse al estallido de la cumbia digital. Personajes del pasado y el presente alternando juntos. Los artistas –procedentes de distintas generaciones– exponen sus propuestas y establecen canales y vínculos con sus seguidores. Los organizadores captan tribus urbanas aparentemente muy distantes. Cada subsector obtiene algún beneficio de ese “encuentro” o “encontronazo” que se da en condiciones favorables y profesionales. ¿Tendrán algo que ver Carmen Costa con Mad Professor? ¿Cuántos indignados habrá por la fugaz participación de Cristian Castro y su combo metal La Esfinge? ¿Podemos poner cosas en común entre Sonido San Francisco, The Polyphonic Spree y Jumbo? No podemos creer que existan un festival Vive Latino y un público. Se trata de una entelequia para armar que una vez más se conecta con Sennet citando a Montaigne: “La ausencia de comprensión mutua no debería llevarnos a eludir el compromiso con los demás, a evitar que deseemos hacer algo juntos”. ¿En el Vive Latino estamos juntos o se trata de un cúmulo de individualidades? Los que asistimos no somos

iguales, no nos gustan las mismas bandas ni los mismos estilos, pero no dejamos de asistir para sentir que formamos parte de algo (aunque no se sepa bien a bien de qué). Deberíamos hacer nuestro el pensamiento de Sennet e insistir en la importancia de la cooperación, a la que entiende como un capital social amenazado. Miles son los que comparten y cooperan en este mosaico colectivo. Los músicos no escatiman en lo suyo y son recompensados. Todos lo somos; podemos pasar de unos Choc Quib Town y su hip-hop colombiano a la dulzura de La Bien Querida sin que la transición sea algo forzado. Disfrutar del blues chatarrero de Guadalupe Plata y luego saltar a la sofisticación y visión del futuro de Alex Otaola e Iraida Noriega. Lo fundamental consiste en –una vez más con Sennet– “intentar, al menos, ser autores de la vida que vivimos”. Cada uno de los presentes quiere sentirse protagonista. Y por supuesto que podemos escoger nuestro soundtrack y los momentos para ver en directo a las bandas que más nos apasionan. Allí está el Vive Latino para estimular nuestras pasiones musicales y experimentarlas al lado de los otros y darnos cuenta de que tenemos más en común de lo que podíamos suponer. M

FOT:: Paco Diaz

FOT:: Arturo Lara

FOT:: Paco Diaz

FOT:: Feli Gutíerres

Cumbre Tajín 2014 TXT:: Omar Estévez Tapia FOT:: Feli Gutiérres

Una revelación sensorial Después de hacer un breve recorrido por el Parque Takilhsukut, ubicado en la ciudad de Papantla, Veracruz, y lugar en donde se lleva a cabo la Cumbre Tajín desde hace 15 años, me queda claro que éste no es un festival común. Lo primero que conozco es el Nicho de Aromas y Sabores, en donde se pueden degustar las comidas tradicionales de la cultura Totonaca que nos comienza a conquistar como todo buen anfitrión: por el estómago. Acto seguido un tour nocturno por la ciudad sagrada del Tajín que nos transporta y conecta con nuestros antepasados, recordándonos la importancia de esta cultura imponente que sigue tan viva y mágica como sus voladores de Papantla, patrimonios vivientes e intangibles de la humanidad. Al siguiente día, el primero de actividad musical, visité algunos otros nichos en donde se presentaba todo tipo de artistas nacionales e internacionales, pero lo que más llamó la atención fue una banda de viento integrada solamente por niños totonacas no mayores de 13 años, tocando covers de Tom Jones y Henry Mancini, entre otros, dando cuenta de la enorme diversidad de este evento único en México.

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omo sería costumbre en cada uno de los conciertos, el primer día comenzó con una ceremonia totonaca en el escenario, mientras que en el centro del parque los voladores de Papantla danzaban en los aires. La actividad en el Nicho de la Música comenzó con Los Macuiles, banda veracruzana ganadora de la convocatoria lanzada por los organizadores para ser el acto abridor del festival; siguiente y, aún con poca afluencia en el público, L.A. comenzó a tocar su rock de marcadas influencias británicas. Uno de los mejores momentos de la noche llegó cuando se escuchó “El Mareo” de Bajofondo, banda liderada por Gustavo Santaolalla, quien desde la conferencia de prensa se mostró interesado en conocer más de la cultura y música veracruzana. Con un recinto aún lejos de estar concurrido, le llegó el turno a Edward Sharpe and The Magnetic Zeros, con una sección de metales por demás interesante, lleno de coros y voces, como sacadas de ultramar. Después de una anécdota cursi, donde el vocalista de la banda cedió el micrófono a un fan de la primera fila para que éste le pidiera a su esposa que se casara con él (?), arribó al escenario Jack Johnson con su folk rock simple pero afectivo, que hizo vibrar y cantar a sus fieles fans que no dudaron en hacer el viaje sólo para verlo. El segundo día era el esperado por la legión de fans de Tool, pero antes habría que dar paso a la primera sorpresa del día: Vayijel, banda oriunda de Chiapas, quienes cantan en tzotzil, ataviados con extrañas máscaras y haciendo una fusión de metal con música autóctona. La segunda sorpresa, pero menos optimista: la cancelación de Tomahawk, a causa de la repentina enfermedad de uno de sus integrantes. Y sin más explicación se dio paso a Puscifer, proyecto alterno del

tan celebrado Maynard James Keenan, cumpliendo las expectativas en el escenario con un show un tanto teatral de rock con tintes experimentales. Para el final de su presentación, el Nicho de la Música estaba a reventar, iniciando Primus en medio de una euforia inquietante. La banda interpretó canciones como la excelente “Southern Pachyderm”, con elefantes brincando en catres gimnásticos, en la pantalla que estaba tras sus espaldas; o “Jilly’s on Smack”, tema en el que Lays Claypool tocó el contrabajo eléctrico con un arco, mientras el par de astronautas gigantes usados como escenografía se quedaban atónitos al igual que el público que estaba presenciando aquella psicodelia audiovisual. Tras una corta espera, Tool salió con el simple objetivo de deslumbrar a todos con su presencia y ejecución musical. “Hooker with a Penis”, “Sober” y “Forty Six and 2” fueron los highlights del día, por momentos recordándome a una legión de soldados en marcha en una especie de comunión que sólo se logra gracias al rock progresivo firme y delirante de esa extraña y excelente banda. El tercer día llegó y con él, un cartel de música en español. Funker calentó motores con la mezcla de sonidos que inspiró su nombre; le siguió Los Amigos Invisibles, banda que mostró ser una fiesta andante, de principio a fin. Después tocó el turno a los lesionados de Fobia, pero no por la falta de algunos de sus integrantes originales, sino por un accidente de Paco Huidobro en el pie que lo hizo tocar sentado durante todo su show. El turno en el bat lo tomó Ilya Kuryaki & the Valderramas, que inició con su canción más reciente: “Helicópteros”, pasando por “Chaco”, “Jugo” y cerrando con una versión estilizada de “Abarajáme”. Con el Nicho de la Música lleno esta vez de jóvenes con atuendos más coloridos que los vistos un día anterior, empezó Babasónicos, banda que fue coreada de principio a fin. La oportunidad de explorar más el festival llegó con el cuarto día. Mientras el equipo de producción montaba el equipo del escenario, el público aprovechó para conocer más sobre la cultura totonaca, incluso algunos se acercaron a los residentes para aprender a elaborar artesanías típicas del lugar. Después de la ceremonia habitual en el escenario y con un público lleno de playeras con leyendas como “Sorry Mom” o “@$# me I’m single”, The Wookies abrió con un set interesante que incluyó algunos remixes, como el de “Toro” de El Columpio Asesino; Samantha Ronson fue un poco desilusionante, pues su presentación se compuso de canciones predecibles y mostró tener una nula capacidad en el tornamesismo. The Crystal Method ejecutó un set un tanto plano, aunque cargado de energía y con excelentes visuales; las gemelas Nervo mostraron entusiasmo y carisma, al mismo tiempo que manejaban con toda naturalidad sus mezcladoras, llevando al público a la locura total. Le llegó el turno a Afrojack que, con visuales y mezclas perfectamente bien sincronizadas, fue el cierre perfecto para el rave de esa noche. Al siguiente día, y como todo lo bueno siempre tiene que acabar, empezó el quinto y ultimo día de este festival cultural, musical y tradicional con un lleno total, esto gracias a la aparición de la Banda el Recodo de Cruz Lizárraga. Al final, todos los que conocieron la revelación de lo posible en la Cumbre Tajín, se quedaron con más ganas de volver a este lugar mágico lleno de personas abiertas, amables y sorprendentes. M

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Festival Marvin 2014 Amplifica tus sentidos

TXT:: Juan Carlos Hidalgo

rocedente de los mejores años del cassette, de las grabaciones caseras (lo-fi) y de un mundo condicionado por los cómics y las pulsiones religiosas, este californiano de nombre Daniel Johnston rebasa las tres décadas de carrera, y entre otros de sus ilustres seguidores se cuenta a David Bowie, Tom Waits, Beck, Pearl Jam y Matt Groening. Se trata de un artista al que se considera una leyenda viva; es un ícono de la independencia a ultranza (así la viva a consecuencia de su vida loca), autor de una obra llena de una imaginería fantástica y que siempre encuentra forma de salir al mundo más allá de las condiciones de la industria. Es allí que su manera de hacer las cosas embona a la perfección con el ánimo que inspira al Festival Marvin, una iniciativa que busca inyectar múltiples expresiones de música, cine y arte al circuito Condesa-Roma, un punto de la Ciudad de México que concentra parte importante del consumo cultural, no sólo de la capital, sino del país entero. Se trata de un punto de convergencia entre artistas, promotores, recintos y espacios públicos para ofrecer durante un día una alternativa amable y transitable que se distingue por su creencia en el talento emergente y las figuras de culto. Sin duda, es parte de brindar a los asistentes una experiencia hedonista que haga un festival algo absolutamente gozoso y disfrutable. Son ya cuatro años de armar y reinventar una fiesta urbana, una verbena llena de arte que no deja de lado a la gastronomía o las propuestas cinematográficas en busca de consolidar una celebración que ofrezca contenidos de interés para un público cada vez más heterogéneo e informado.

En portada

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Y cuando nos dimos cuenta, 2014 ya estaba ahí. Hacía 20 años que Kurt Cobain decidió poner punto final a su capítulo existencial, pero su fantasma sigue siendo visto allá donde se le dé play a la música áspera, tozuda, combativa. Las nuevas generaciones siguen siendo seducidas por un legado musical que todavía transpira un espíritu adolescente. ¿Cuántos de los noveles escuchas recordarán que durante la entrega de los premios MTV de 1992, el líder de Nirvana llevaba puesta una camiseta con un dibujo de un trazo sencillo por la que todo el mundo preguntó su origen?

La apuesta del Festival Marvin es por el descubrimiento de productos estéticos sorpresivos e inusuales, que vayan alimentando las conversaciones e incluso el debate público en torno a lo cultural. Hay oportunidad de toparse con el talento emergente justo en el momento en que sus carreras despegan, pero también de apreciar a figuras más consolidadas en espacios pequeños –lo que enfatiza la cercanía entre público y creadores–. He allí otro de los puntos cruciales del evento: amplificar los sentidos de cada asistente. Cuidar cada detalle para que los marvinistas se vean rodeados integralmente de elementos que alimenten y estimulen su sensibilidad. Ya sea con las agudas rimas de Danny Brown, el garage pop de Los Blenders, la misticidad electrónica de Phèdre, la bestia bipolar detrás de The Growlers o la desfachatez de AJ Davila, cada uno de los asistentes incluso descubrirá nuevas perspectivas del sonido. Además del oído, otros sentidos serán explorados y maximizados con el segundo lado del cartel, que incluyen un ciclo de cine y muestra de artes plásticas, los cuales se verán exhibidos al aire libre, como un ejercicio de demostrar que alrededor de una proyección o una pintura suceden un gran cúmulo de cosas: el ruido que emite el roce entre las hojas de un árbol, los olores que se desprenden de los restaurantes cercanos… La galería urbana, instalada en el Parque España, invitará a la reflexión acerca de la belleza y complejidad del cuerpo humano en un mundo sofocado por la inmediatez y la indiferencia, de la mano de las monumentales esculturas de Enrique Walbey, mientras que el ojo será retado y estimulado con otras técnicas, como la sugerente pintura del matemático Alux Medina, la fotografía lúdica de Lizette Abraham, el hiperrealismo íntimo de Cassandra De Santiago Delfín o el monumental de Fernando Motilla; el exquisito collage de Antoine Fräppa Dubois y el más sicodélico de Andrés Gamiochipi... Hay que salir al mundo Marvin y estar atentos, pues este año las aristas de este poliedro audiovisual son muchas y eclécticas a más no poder. M

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Daniel Johnston De la esquizofrenia de la imagen a la pureza de la diversión TXT:: Luis Arce

Basta únicamente con escuchar su voz. Es la forma más pulida y concreta de su música. En ella hay tensión, espasmos y cierto grado de espanto. Sin embargo, el tono y su manera de hablar no sacrifican la alegría; no por los temblores perdemos el radiante espíritu infantil que circunda cada momento de su obra. Daniel Johnston toma el teléfono con la inquietud del muchacho que realiza la primera llamada a casa de su enamorada. Difícilmente podríamos decir que existe otro modo de tomar el teléfono. Un llamado, sea cual sea su naturaleza, implica dar una respuesta, y el solo hecho de responder a algo es sumamente inquietante.

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The Beatles”, y conoce, sobre todo, su canción favorita: “‘Yesterday’, definitivamente. Solía tocar esa canción todo el tiempo cuando estaba aprendiendo con la guitarra”. De aquel aprendizaje queda el vestigio fascinante de cada una de sus cintas grabadas en casa. Todas ellas son piezas de una fragilidad musical impresionante, su misma naturaleza las sitúa en una posición crítica donde pueden ser reconfortantes en un sentido muy retorcido u odiosas desde la primera vez que uno se detiene a escucharlas. Las cintas tienen cierto grado de misticismo, pero las manías de Johnston encontraron su punto culminante en la oportunidad que representó Fun (1994): “Estaba muy emocionado, aunque realmente no sabía qué hacer respecto a ese álbum. Era mi debut en un sello mayor. Me preocupaba que no fuera lo suficiente puro o bueno. Pero, digo, al final estaba en un sello grande, así que supongo que salió bien. He pensado a veces en grabar para un sello mayor nuevamente, pero no me interesa tanto”. Es probable que Daniel Johnston jamás vuelva a grabar para un sello mayor. Sus intenciones están lejos de ello. Sin embargo, sus composiciones y letras ya recorren con suma tranquilidad los rincones mejor conocidos de la música popular. Sería difícil encontrar un artista contemporáneo que no se resguarde bajo la influencia de Johnston. Esto no quiere decir que todos hayan decidido realizar un homenaje al músico en algún momento de sus carreras, pero lo cierto es que desde R. Stevie Moore hasta Beach House y M. Ward, tienen magníficas versiones de la música de Johnston. “He escuchado varias de esas versiones. Algunas son bastante buenas. Me hace sentir bien saber que algunas personas han puesto varias de mis canciones en su álbumes”. Ninguna de las pistas de Johnston parece diseñada para conseguir un público, ninguno de sus esfuerzos está enfocado a conseguir una audiencia mayoritaria o llenar recintos tres veces más grandes que la casa de sus padres. Si lo pensamos correctamente, en un tiempo donde la aceleración de las emociones y la asimilación continua de nuevas formas de pensamiento y prácticas culturas, el individuo resulta en una entidad contextual cargada de significantes, ya no se trata de una “iconosfera”, como la descrita por Lotman, o la sociedad del espectáculo tan pobremente asimilada de Guy Debord; no, el individuo contemporáneo se sumerge y aparece intrínsecamente condicionado por una especie de esquizofrenia de la imagen. Ningún artista contemporáneo ha tratado esta coyuntura de la forma como lo ha hecho Daniel Johnston. Posiblemente porque ninguno se atreve a hablar desde nuestro extravío intelectual. Johnston no, Johnston ha decidido algo diferente, ha decidido emocionarse y ser sincero con todas las dificultades que circundan su persona. Finalmente, la aceptación de toda adversidad indica que ésta también puede ser un motivo de alivio y –descrito con la que, al parecer, es su palabra favorita en el mundo– algo “muy divertido”. Ésta es posiblemente su única filosofía, tan magníficamente definida por su álbum de 1994. Creer, por ejemplo, en términos como el “bien” o el “mal”, entendiendo que todo lo que circula en medio de los dos ha de ser visto como algo puramente humano, puramente divertido: “Tengo un sentimiento de mucha alegría cuando toco en vivo y me doy cuenta que hay personas que portan una playera con mi rana. Y luego, cuando me visitan en el backstage, se acercan a mí y me dicen: ‘¡Hey, mira!’ y me doy cuenta que tienen un tatuaje con mi rana. Es bastante divertido, y hace que la realidad parezca realmente feliz. Momentos como ésos te hacen entender que la vida realmente es buena y muy divertida”. M

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sta inquietud se ha traspasado hacia mi persona. Incluso mientras escribo estas líneas, siento un ligero temblor en las manos que me impide teclear correctamente. Una pequeña frase, entonces un error y la maniática presión de mi dedo medio sobre la tecla “borrar”. Enseguida, entiendo que este mismo fenómeno ha de repetirse constantemente en la cabeza de las personas. No importan ya las tabletas de Prozac o la gratificante necesidad del pensamiento mesurado. Resulta imposible conducirse en la vida sin, al menos, un poco de ansiedad. En el texto, así como en la creación musical o pictórica, sucede estrictamente lo mismo. Cuando Daniel Johnston toma el teléfono lo hace con la misma ansiedad con la cual toma cualquier otro objeto. Aun así, considerarlo una víctima de sus afectaciones mentales es discutible por diversas razones. El tipo ha conseguido convertirse en una persona sensata no sólo en lo que a su visión de la realidad refiere; también paga cuentas, ejecuta con tranquilidad conversaciones familiares, decide cuándo prefiere no hacer algo y, además, es uno de los músicos más influyentes e importantes de los últimos 30 años. Daniel reconoce su influencia, pero no trata de hablar mucho al respecto. Le parece divertido, por ejemplo, que una persona llame a su casa para entrevistarlo, pero no considera que eso sea primordial en su día a día. De hecho, Daniel ni siquiera cuenta con un teléfono propio: “Cuando tengo que hacer una llamada, debo que ir a casa de mis padres. Yo vivo justo al lado de ellos, pero no tengo un teléfono, así que cuando alguien llama, tengo que venir a su casa y hablar por ahí”. La experiencia de vivir junto a sus padres lo mantiene al tanto de lo que sucede con su vida artística, de otra forma, es probable que ni siquiera le importaría la recepción crítica o pública que reciba su obra. Está más al tanto de las notas o acordes que debe poner en cada canción. Un comienzo que lo aparta de toda una variedad de artistas generalmente preocupados por lo que se habla o dice sobre su música y no tanto por la música misma. Esta actitud puede verse ya sea como un producto de sus manías o sus enfermedades o una influencia directa de otros artistas que abandonaron todo excepto su música: The Beatles. “Cuando estaba aprendiendo a tocar, mi papá me regaló un libro de canciones de The Beatles: The Complete Beatles Songbook. Así fue como comencé a escribir, porque me gustó el estilo con el que tocaban y escribían. Realmente soy un gran fan de ellos”. La influencia del cuarteto de Liverpool no fue únicamente determinante para la manufactura de los temas de Johnston; en ella se respiraba algo más, la posibilidad no de imitar las prácticas artísticas y musicales de Lennon y McCartney, sino de asumirlas con la inocencia del escucha que se aproxima por vez primera a Help!. Para Johnston, el valor de The Beatles no radica en su constante exploración hacia los límites del rock y el entendimiento de la música popular como materia intelectual sino en su capacidad para crear un estilo que sólo puede definirse por su constante transformación: “Había muchos grupos y bandas de rock por aquel entonces, pero The Beatles eran más versátiles. Siempre que hacían algo las demás agrupaciones, iban y comenzaban a imitarlos. Cada vez que cambiaban de estilo, todas las otras bandas cambiaban de estilo también”. Con la música de Johnston ha ocurrido algo similar, una transformación que afectó a una lista innumerable de actos musicales que incluye nombres como Sufjan Stevens, Spiritualized, Elliott Smith, M. Ward y Neutral Milk Hotel. Por supuesto, Johnston conoce el camino que ha marcado, conoce también la búsqueda planteada: ”Escribo mi música en un estilo similar al de

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Danny Brown Rapear mejor que los veinteaĂąeros TXT:: Uili Damage

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aniel Dewan Sewell nació el 16 de marzo de 1981; Danny Brown, proveniente de los barrios canallas de Detroit, de padres adolescentes que nunca se casaron, fue criado junto a sus dos hermanos y dos hermanas por su abuela, mantenidos con el sueldo modesto de la señora que le asignaba su puesto en Chrysler; a los siete años empezó a ver a sus tíos fumar “piedra” en la estufa y asimilarlo como algo normal. Toda su familia tenía algo que ver, de una manera u otra, con las drogas, ya fuera con receta o ilegales. De forma natural, Danny incursionó en la vida “productiva” de Linwood, su barrio, siguiendo al pie de la letra los clichés del gangsta, comerciando estupefacientes a la tierna edad de 13 años y enrollándose lo más discretamente posible con todas y cada una de las chicas de su escuela que pudo convencer... Y el chico tenía discreción y labia. Asistiendo al sexto grado de primaria, el pequeño demonio le quitó su bicicleta a un compañerito. Se hizo perseguir hasta salir a una calle que decidió cruzar sin mirar a los lados. Un auto le dio un golpe certero y el chico se rompió un diente de enfrente y se safó un brazo. Del auto descendió un par de marihuanos en pants FILA y gorras Kangol, quienes, pudiendo huir de la escena, llevaron a Danny a su casa y le dieron dinero a su madre para atención médica. Tiempo después, uno de sus primos le rompió el diente reparado, dejándolo con la cara de caricatura, tal como lo conocemos ahora... Aún no cumplía los 19 y Brown ya andaba por la calle armado, ganando 10 mil dólares al día, gastándoselos en clubes de desnudistas y de camino directo a un apañón policial, que lo obligó a mudarse a una celda durante ocho meses. En esa estancia de reposo y reflexión, ocupó su tiempo escribiendo rimas, dando inicio a su camino en el rap, con el que empezó a soñar desde el kinder. Salió de los barrotes y se enfocó por completo en su carrera musical. Fue en 2003 cuando empezó a visitar Nueva York. Un amigo que le ayudaba a imprimir CD-Rs en los que grababa sus primeros temas y mixes, se apersonó en el icónico sello Def Jam para enseñarles lo que hacía Danny. Saltando de un ejecutivo a otro, juntos consiguieron que Travis Cummings de Roc-A-Fella le ayudara al MC a grabar y distribuir su primer mixtape de la serie Detroit State of Mind.

Grabando otras cosas en los estudios Fire & Ice (donde la joven Nicky Minaj hacía sus pininos) empezó a hacer amistad con Doughboy de G-Unit, quien lo conectó con Tony Yayo e hicieron su mixtape Hawaiian Snow. Luego, Yayo se volvió loco cuando Danny le enseñó su video para “Re-Up” y lo conectó de inmediato con 50 Cent. A 50 le gustaba la música, pero no el look de Danny, cosa que lo hizo desistir de seguir probando suerte en N.Y. Brown consiguió meterse a grabar al Black Milk Studio en Detroit. Estando allí escribió “The Hybrid”, misma que registró bajo los efectos del Adderall, que probaba por vez primera. El efecto se reflejó completamente en su intervención y el resultado fue lo que él mismo considera el mejor rap que ha escrito en su vida. Con lentitud se fue colando en la escena, dando presentaciones y ascendiendo de categoría, llamando la atención de todo mundo cada vez más y más. Ahora, bajo el cobijo del sello Fool’s Gold, lanzó el decisivo XXX, mixtape que resuena hasta el momento. El mismo 2011 publicó Black and Brown! dándole más energía para crecer tanto en estudio como en su directo. Al término de 2012 se hizo público que el primer álbum de Danny Brown (secuela del exitoso mixtape y originalmente llamado ODB) estaba terminado y listo para llegar a las tiendas, pero el sello se encargó de bloquear su salida por meses. En abril de 2013, en medio de una presentación, el rapero agarró a los medios por los pelos cuando una fanática se subió al escenario a felarlo en la cara de todos los asistentes. Kitty Pryde, que estaba teloneando en esa gira con Danny, aprovechó el incidente para comentarlo en sus redes sociales, hasta que el propio Brown se aburrió del tema, no sin haberse convertido en un punto de referencia y admiración de los consolidados. En agosto, desesperado con la disquera, Danny tuiteó que estaba pensando seriamente filtrar a las redes su disco entero, obligando al sello a renombrarlo Old y publicarlo. Sin una pretensión de que este trabajo decidiera su futuro, Danny ahora de 32 años dejó correr la pluma libremente. Dice saber que todos los que lo conocen de Detroit lo perciben de toda la vida como un tipo raro. Uno que nunca tuvo oportunidad de crecer y madurar, empezando porque abandonó la escuela a los 15 y desde entonces, ha hecho lo mismo -ahora dejando descansar un poco el universo de las drogas–. Seguro de que no tiene intenciones de envejecer, tiene claro, sin embargo, que no quiere terminar como un chiste de sí mismo. Tiene hambre de fiesta y diversión, pero no ansiedad de ser el rapero más maldoso y cool, que muchos creen que sí. Ha aprendido a pasarla bien consigo mismo, y lo más claro que pronostica del futuro es seguir haciendo música a los 50, con disposición de seguir al timón al igual que ayudando y apoyando a otros. Danny Brown sueña con llegar a ser “el rapero de cincuenta que rapea mejor que los veinteañeros”. M

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#FestivalMarvin se enorgullece de ser el primero en México –no especializado en hip-hop– en contar con un estelar hip-hopero. Y podemos presumir que no es cualquiera en la escena. Tremendamente polémico, la prensa ha sacado provecho cuanto ha querido de sus andanzas, tropiezos, escándalos e intimidades desde el momento en que empezó a figurar, alimentando un árduo trabajo musical parteaguas en la escena actual.

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The Growlers

Rugidos desde las entrañas buscando el camino a la humildad TXT:: Roberto González Clapés

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es justo la humildad que tuvieron al elegir su nombre lo que les ha permitido subir varios peldaños en la escalera, manteniendo su credibilidad y autenticidad original. Los Growlers no pretenden nada, sólo son y dejan ser. No buscan ser una bandota llena-estadios ni ser mejores que nadie más que ellos mismos. Platiqué con Brooks Nielsen, vocalista y fundador de la banda, quien me contó sobre su esencia y mente inquieta. Al contestar el teléfono, después de presentarnos, hizo un bizarro comentario que iría a convertirse en realidad un par de días después. ¨¿Estás en la Ciudad de México?”, me preguntó, “seguro está habiendo muchos terremotos por allá“, asumió. Le dije que hace un rato no se sentía un temblor fuerte y que no se preocupara para cuando vinieran a tocar al Festival Marvin, porque era poco probable que sucediera. Rió y seguimos charlando. Pero no tuvo que pasar mucho tiempo para que un temblor de siete grados Richter sacudiera varias ciudades del país, despertándome en descontrol y haciéndome recordar al instante el inicio de nuestra conversación. Ese día, 18 de abril, escuché los discos de The Growlers en su honor y lo único que pude pensar es que definitivamente habrá un temblor cuando visiten la ciudad, uno provocado por su propia música sobre el escenario. Si él puede visualizarlo por adelantado, yo también. Poco después platicamos de otro fenómeno natural que recién había sucedido: el eclipse rojo. Y en reflexiones existenciales y profundas sobre la insignificancia del ser humano, Brooks comentó: “Es sano para las personas sentirse agradecidas y humildes. Nosotros obtenemos eso al surfear; ir al mar y hacer que casi te mate. Te hace bien. Intentamos ir a surfear lo más posible cuando no estamos de gira.” Gracias a su estilo de vida y aceptación de la “diminutez” humana, The Growlers tiene una aproximación a las cosas bastante relajada y con sentido del humor. Pero para llegar a ese punto de plenitud han tenido que pasar por muchas cosas. Le pregunté a Brooks que de qué manera había logrado expandir sus sentidos y conciencia para convertirse en la persona que es ahora: “Creo que todo empezó con la fumadera de mota. No se veía tan peligroso y no creía que fuera a perder la cabeza porque sabía que todo lo malo que había escuchado era una sarta de patrañas. Así que pasé de eso a probar de todo. Todo tipo de drogas y cosas riesgosas y muy desafiantes. Pero te das cuenta que eso no se logra sólo ingiriendo drogas y haciendo locuras. También está el lado opuesto. Por mu-

cho tiempo traté de ser un tipo rudo, tomando más que nadie y metiéndome cualquier tipo de sustancias. Pero de pronto me dije que debía renunciar a todo eso y aún así disfrutar de todo lo que hago sin tener que encerrarme en un monasterio. Y lo logré y ha sido asombroso, le he puesto atención a mis sentidos como no lo había hecho en un buen rato. Hay sentimientos de nostalgia y memorias que provienen de los olores, todo tipo de cosas que no había experimentado por no tener claridad mental. Pero definitivamente tuvo que ver el explorar con drogas primero para entrar en un modo de querer absorber todo, tratando de tener todo tipo de experiencias para abrir mi mente”. Le pregunté si su plan de alejarse del vicio sería algo permanente o si sólo sería una etapa, a lo que respondió: “Sólo es temporal. Sólo quería probarme a mí mismo que podía. Siempre tenía esta mentalidad de que era tan rudo que podía dejar todo en un segundo sin ningún problema. Y lo intenté porque parecía fácil y ahora pienso que tal vez debería de hacerlo por un año o dos. Porque nunca lo había hecho desde que tenía 15 años, cuando ya fumaba y bebía. Y ahorita sé que quiero volver a probar algunas cosas. Sé que quiero fumar cigarros de nuevo porque es algo que disfruto, y definitivamente me gusta beber. Pero quería hacer lo opuesto por un tiempo y no sentirme discapacitado. Es emocionante, hago lo mismo que hacía antes pero ahora puedo acordarme mejor de las cosas. Antes todo era muy borroso”. Es, tal vez, esta claridad mental que ha adquirido, una de las razones por las cuales la banda quiere encontrar un sonido más pulido para su próximo disco, tomando nuevos caminos de producción. Brooks aclaró que el disco ya está terminado y que, aunque su forma de creación sigue siendo la misma que antes, todo suena muy distinto: “Lo que pasa es que la banda está tocando mejor de lo que jamás había tocado, suena casi como si fuera otra banda. La primera vez que lo escuché [el nuevo disco] pensé: ‘La batería suena bien amarrada’. La forma en que está grabado el álbum te deja escuchar cada instrumento individualmente, y hasta puedes entender cada palabra que digo; antes sonaba como si estuviera balbuceando, pero antes no podíamos costearnos un buen equipo, y por eso siempre fuimos asociados a la escena garage. Siempre hemos tratado de hacer música bonita con lo que podemos. Sí me gustaría algún día grabar en un estudio grande y hermoso y aprender a usar enormes máquinas y poder tener a un tipo legendario y cool que trabaje con nosotros y de ahí seguir hacia adelante. Ya hemos intentamos todo lo demás, desde grabar en casa con robots medio rotos, así que no veo por qué no”. Aunque eso sucediera con The Growlers –que se apunten una superproducción millonaria en su discografía– los rugidos de sus entrañas son suficientemente fuertes para recordarles de su buen humor y sentido de humildad. Por eso decidí cerrar la plática indagando en un tema mucho más grande que el humano, la música y las drogas: Dios: “Lo que yo creo es que suena más loco pensar que todo surgió al azar, a pensar que hay algo poderoso detrás de todo y con un significado. Y mientras más y más cosas pasan en mi vida, veo que muchas de ellas pasan por una razón. Y mientras más equilibrado esté y piense en el mal y el bien y en responsabilizarme por mis acciones, mi vida se siente más significativa. No me meto si la gente cree o no cree, pero me encanta la idea de creer en Dios. Te hace sentir más humilde que una luna roja. Y me hace feliz. En tiempos de miedo o tristeza, tiendo a ver hacia arriba”. M

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The Growlers se llama así porque cuando inició la banda, los muchachos californianos sólo querían tocar. Aún no tenían en mente encontrar un nombre serio para su proyecto, simplemente querían divertirse y ver qué pasaba. En su catálogo de chistes locales, “growlear” es sinónimo de cagar, por los intensos rugidos emitidos desde sus intestinos hasta el fondo de la taza del baño. En sus inicios pensaban que su música apestaba (porque no sabían si eran buenos o no, y porque sus producciones eran demasiado lo-fi, pues no tenían el equipo ni el dinero suficiente), por lo que les resultaba gracioso asociarla con mierda. Por ende, se podría definir a The Growlers como emisores de sonidos fecales, descripción que se aleja mucho de sus creaciones melódicas que dibujan paisajes borrosos que sobreponen el desierto con las olas del mar.

Más allá de los cinco sentidos (clásicos) Otra exploración sonora de la percepción humana TXT:: Roberto González Clapés y Pablo Pulido Oler, degustar, tocar, oír y ver, entre otras cosas, son dones que la naturaleza parece habernos otorgado para ponernos a prueba, ya sea para mejorar nuestra existencia o para adelantar nuestro apocalipsis. Mientras sucede una cosa u otra, estos cinco sentidos nos permiten construir verdaderas obras de arte y contemplarlas hasta el hartazgo. Pero ¿qué hay de los otros sentidos, ésos tan básicos que hemos olvidado explotar? La vida está medida en segundos, centímetros, placer, dolor y grados centígrados (depende las coordenadas geográficas, claro está); sentidos que han evolucionado a TXT:: ARTHUR ALAN GORE @arthuralangore tal magnitud, que sólo se necesita de voluntad para perfeccionarlos. Analizamos a través de la música cómo podemos estimular estos otros sentidos hasta el límite, con el fin de conocer una faceta distinta del ser humano y su maleabilidad.

Sentido del tiempo Lento MGMT – “Siberian Breaks” (Congratulations, 2010) The Knife – “Still Light” (Silent Shout, 2006) Ibi Ego – “Shadows” (MCMXCVIII, 2013) Broken Social Scene – “Lover’s Spit” (Bee Hives, 2004) Atlas Sound – “Quark Part 1” (Parallax –edición japonesa–, 2012)

Rápido Liturgy – “Generation” (Aesthethica, 2011) Deafheaven – “The Pecan Tree” (Sunbather, 2013) Perfect Pussy – “Advance Upon the Real” (Say Yes to Love, 2013) Yngwie Malmsteen – “Arpeggios From Hell” (High Impact, 2009) The Men – “Pearly Gates” (Tomorrow’s Hits, 2014)

Sentido del espacio

Marvinismo

Vacío JJ – “Me & Dean” (jj nº 2, 2009) Arthur Russell – “Arm Around You” (Calling Out of Context, 2004) The Radio Dept. – “Keen on Boys” (Lesser Matters, 2003) Unknown Mortal Orchestra – “Monki” (II, 2013) Boogie Down Productions – “South Bronx” (Criminal Minded, 1987)

Lleno marvin.com.mx

The Cure – “Plain Song” (Disintegration, 1989) Oneohtrix Point Never – “Still Life” (R Plus Seven, 2013) Mercury Rev – “Holes” (Deserter’s Songs, 1998) The Flaming Lips – “Approaching Pavonis Mons by Balloon” (Yoshimi Battles the Pink Robots, 2002) Cocteau Twins – “Pandora (For Cindy)” (Treasure, 1984)

Sentido de la conciencia corporal Contemplativo Billie Mandoki – “R.I.P.” Gavin Bryars – “Jesus Blood Never Failed Me” (The Sinking of the Titatic, 1998) Helios – “Emancipation” (Eingya, 2006) Peter Broderick – “Floating/Sinking” (Float, 2013) Balmorhea – “Winter Circle” (Constellations, 2010)

Baile Robyn – “Dancing On My Own” (Body Talk, 2010) Human Resource Vs. 808 State – “Dominator (Soulwax Edit)” (Most of the Remixes, 2007) Beastie Boys – “Body Movin’” (Hello Nasty, 1998) The Presets – “Anywhere” (Apocalypso, 2008) The Chemical Brothers – “Prescription Beats” (B-Sides Volume 1, 2007)

Sentido del dolor Emocional JJ72 – “Improv” (JJ72, 2000) The Organ – “Love, Love, Love” (Grab That Gun, 2004) Morrissey – “My Love-Life” (Suede: The Best of Morrissey, 1997) The Smashing Pumpkins – “Crestfallen” (Adore, 1998) Metric – “The Twist” (Grow Up and Blow Away, 2001)

Físico Wolf Eyes – “Born Liar” (No Answer: Lower Floors, 2013) Black Dice – “Ten Inches” (Repo, 2010) Xiu Xiu – “I Luv Abortion” (Always 2012) Clipping – “Loud” (Midcity, 2013) Krystof Penderecki – “Threnody to the Victims of Hiroshima”

Sentido de la temperatura

Marvinismo

Cálido

Frío Sigur Rós – “Avalon” (Ágaetis Byrjun, 1999) Dean Wareham – “Beat the Devil” (Dean Wareham, 2014) Bill Callahan – “Faith/Void” (Sometimes I Wish We Were an Eagle, 2009) Actress – “Street Corp.“ (Ghettoville, 2014) Leonard Cohen – “Who By Fire” (New Skin for the old Ceremony, 1974)

Escucha estas canciones y estimula tus otros sentidos. Escanea el código:

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Goldfrapp – “Crystalline Green” (Black Cherry, 2003) Brazilian Girls – “Internacional” (New York City, 2008) Dragonette – “I Get Around” (Galore, 2007) Glass Candy – “Life After Sundown” (B/E/A/T/B/O/X, 2007) Girls – “Jamie Marie” (Father, Son, Holy Ghost, 2011)

El delirio de los sentidos

a i s e t s e n i inestesia S

o TXT:: Juan Carlos Hidalg

La artista española Marina Gallardo cuenta una anécdota muy interesante en el libro Memorias Sónicas, a propósito de su relación con la recopilación azul de The Beatles –ese memorable resumen de sus mejores temas entre 1967 y 1970–: “Siendo niña, todo aquello no me resultó tan extraño. En mi mundo, los árboles podían tener troncos azules y el cielo podía ser verde. Es lo que tenía: no haberse habituado aún a los sentidos que me habían otorgado”. Su padre le repetía una y otra vez esas canciones maravillosas, ante las que una pequeña llena de imaginación no podía sino pensar que “las esferas celestes deben producir esta música”. Todos aquellos que amamos la música sabemos que ésta abre las puertas de la percepción y nos conduce a una dimensión alterna que no es propiamente una sola, sino una inmensa yuxtaposición de muchas a la vez, coexistiendo en un mismo tiempo –digamos más o menos real– y en un espacio imaginario. Un vasto multiverso creado por el arte y que a cada instante se reinventa.

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uienes tuvimos la oportunidad de estar en el pasado festival Ceremonia y presenciar la actuación de Animal Collective, nos dimos un encontronazo con una serie de piezas musicales que trastocan la lógica usual con que nos manejamos. Y es que es cierto: muchos insisten en aplicar principios absolutamente racionales a un asunto que consiste en liberar a la experiencia sensible. Siempre he pensado que los temas de los de Baltimore trastocan los sentidos. Aquella noche del 14 de septiembre de 2013 llovió sin parar y las gotas olían a aceite de linaza. El grupo desplegó una carpa plástica que sabía a sandía. No pararon de bañarnos con notas multicolores que dejaron un arcoíris nocturno sobre el césped del Centro Pegaso. Los más escépticos aducían –y aún aducen– que aquello no se entiende; que haría falta consumir LSD –en cuadrito de papel o directamente un peyote– para hacerlo.

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Mucho, y científicamente, se han estudiado las vías para liberar los sentidos; muy pocos se sorprenderían al encontrar nuevas revelaciones en torno a la manera en que los estimulantes multiplican el gozo del arte en general y especialmente de la música. Incluso en total sobriedad se puede llegar a una experiencia casi mística o supranormal ante los fenómenos estéticos. Para el músico Martí Sales, el resumen de tal proceso podría ser el siguiente: “A saber, la vinculación de aquel ritmillo + subidón + resonancia ósea + músculos en marcha + investigación de pseudosincronía motriz = alteración de la conciencia”. Casi cualquier producto artístico podría asimilarse con este patrón, dado que poseen los mismos elementos fundamentales. La experiencia sensible se potencia en la medida del desarrollo individual de los sentidos (en algunos casos viene desde el nacimiento, y en la mayoría, es parte del proceso educativo). Pero ¿qué pasa cuando la confusión de los sentidos no forma parte de la vivencia artística? ¿Puede una experiencia que se intuye placentera, convertirse en un malestar o un trance incómodo? ¿Estamos hablando de una neuropatología? Bienvenidos al Mundo Sinestesia. Aquí, una nota musical puede ser morada y, al ponerte unos pantalones, la sensación puede ser similar a la canela y hacerte sentir triste. ¿Será posible que cierto olor nos provoque un calor similar a estar dentro de un baño sauna? Según la neurología, la sinestesia es descrita como una comunicación anómala entre áreas cerebrales, es decir, un “cruce de cables” en términos coloquiales. Este fenómeno psicofisiológico hace que los afectados puedan tener sensaciones según un determinado sentido (por ejemplo, el oído) cuando lo que se ha estimulado es otro (pongamos, la vista). Al referirnos al campo que nos interesa, es posible ver formas geométricas de colores cuando se está escuchando una canción, por poner un caso.

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Clínicamente tan sólo el 0.05% de la población se encuentra afectado por la sinestesia, pero se dice que puede existir una variante cultural; por ejemplo, se menciona a los primeros minutos de la película Fantasía de Disney como un segmento realizado para provocarla –algo a lo que se llega también vía hipnosis–. Alrededor de este fenómeno se abre un gran panorama por explorar. Apenas en enero de este año se estrenó el documental Sinestesia: arte, dolor y sexo, dirigido por Paula Cánovas y Alberto Sancho, con la asesoría de universidades españolas. Se trata de una relación que pareciera intrínseca casi por naturaleza. Y no son escasos los puntos de encuentro, De hecho, la serie de composiciones 8, de Wassily Kandinsky, eran su manera de pintar sinfonías de compositores rusos; tal como lo detalla en De lo espiritual en el arte. Este creador también expresa que el color marrón –según su percepción– produce un sonido interior poderoso. Entre la lista de ilustres sinestésicos debemos contar a Charles Baudelaire, Marcel Proust, Arthur Rimbaud y el compositor Olivier Messiaen. Más cerca de la actualidad hay que sumar a Eddie Van Halen y Thom Yorke de Radiohead. Aunque la lista podría crecer dado que todavía se estudian los casos de Syd Barrett y Jimi Hendrix. Para cerrar, remontémonos a la segunda mitad de los sesenta, cuando Gerard Malanga, Paul Morrissey y Andy Warhol instalaron el espectáculo multimedia llamado Exploding Plastic Inevitable, cuyo objetivo era provocar “armonía de impulsos diferentes u opuestos, producidos por una obra de arte”, es decir, una sinestesia intencional. Ya el propio John Cale explicaba a dónde se pretendía llegar: “Una aglomeración de los sentidos. Lo que intentamos conseguir aquí es una sensación de implicación total. El sonido, el tema visual, todo ese bombardeo de los sentidos, puede ser muy estimulante por sí solo”. Parafraseando a Santiago Auserón: en la sinestesia no hay error. Lo importante es provocar y sentir el delirio de los sentidos. M

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Los principales tipos de sinestesia son los siguientes: –Léxico con gusto, en el cual la pronunciación de una palabra induce una sensación involuntaria del gusto en la boca. –Grafema en color, una de las formas más comunes que se pueden encontrar, es la asociación directa de cualquier signo, letra o número con un color específico. –Música de color, la persona visualiza diferentes colores, de acuerdo con algunas características de la música, como el timbre o la frecuencia de la misma. Para la historia de la medicina no fue sencillo validar este trastorno; durante años quienes se preocuparon por hacer frente a su condición, tan sólo lograron ser diagnosticados como esquizofrénicos o implicados en el consumo de fármacos y drogas. Un artista célebre dentro de este grupo fue el compositor Franz Liszt, quien dejaba impávidos a los integrantes de su orquesta al pedirles que tocaran “un poco más azul” o “no tan rosa”, algo que lógicamente los músicos no acababan de comprender. Era evidente que se movían a través de realidades diferentes. El primer antecedente clínico lo registró el doctor G.T.L. Sachs en 1812 y también se relacionó al padecimiento con los autistas y personas con dificultades de aprendizaje. Hoy día la ciencia ha avanzado mucho y existen especialistas yendo a fondo en la materia, entre ellos, los investigadores Matej Hochel y Emilio Gómez Milán, que han publicado la tesis La sinestesia: sentidos sin fronteras. En dicho estudio se incluyen diversos testimonios, entre los que vale la pena destacar el del artista gráfico Rubén Díaz: “A fin de cuentas, es un trastorno de la percepción, pero no uno que te reste capacidades –como la ceguera o la sordera–, sino que añade segundas y terceras percepciones, enriqueciendo en muchos casos la original; el caso de la música, por ejemplo, a buen seguro mucho más rica y agradable desde la percepción sinestésica”. Por su parte, el psicólogo estadounidense Oliver Sacks, en su influyente libro Musicofilia, incluye otro caso ilustrativo. El de Sue B.: “Cuando oigo música, veo pequeños círculos o barras de luz verticales que se hacen más blancas o más brillantes, o más plateadas en las notas más altas y adquieren un delicioso marrón intenso en las más bajas”.

CINE MÁS ALLÁ DE LO AUDIOVISUAL

E D O I R E P EL IM S O D I T N E S LOS TXT:: Jorge Grajales

De Culto Cine

En el campo de la psicofisiología se divide a los sentidos en dos grupos: los denominados a distancia (la vista y el oído) y los de contacto (tacto, gusto, olfato e incluso la cenestesia –la sensación general de la existencia del cuerpo–). Teniendo en cuenta esta categorización, no habría duda al afirmar que el mundo del arte siempre ha privilegiado al primer conjunto: música, pintura, literatura y cine. Por otra parte, a las disciplinas que tienen que ver con lo segundo siempre se les ha relegado como menores, no siendo legitimizadas como arte, como la cocina o la perfumería. Sin embargo, el cine, más que otro medio artístico que apela a los sentidos de distancia, puede conjurar asociaciones tanto conscientes como inconscientes con los sentidos de proximidad, ya sea de manera inherente en un acto de sinestesia –es decir, la percepción de una sensación evocada por otra– o con la ayuda de agentes externos que complementan la experiencia audiovisual.

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na, Behind The Great Wall, que incluía más de 100 olores –entre ellos, el de incienso, pasto, cohetes, comida– y que se difuminaban rápidamente. Por su parte, para el desarrollo del Smellovision, sus creadores pensaron en algo diametralmente opuesto: en lugar de adornar con olores una película ya existente, decidieron hacer una película en la que los aromas apuntalaran momentos de la trama, siendo clave para el desarrollo de la historia. El filme en cuestión sería una película de misterio llamada Scent of Mystery, que pese a lo innovador de su premisa, resultó un rotundo fracaso. Debido a que el sistema no funcionó como se esperaba, había un ruido molesto a la hora de lanzarse los olores y éstos no estaban del todo sincronizados. La película fue objeto de críticas devastadoras y hasta chistes como el del cómico Henny Youngman, que decía no haber entendido la película por estar resfriado. Tras la falla estrepitosa del Smellovision en 1960, el olfato como parte de una película quedaría en el olvido, hasta que casi 20 años después, el artífice de Pink Flamingos, John Waters, lo volviera a utilizar como parte integral de su cinta presentada en Odorama: Polyester, conocida en México como Una loca loca familia americana. El Odoroma no era más que una tarjetita de “rascahuele” con números, la cual se rascaba según fueran apareciendo los números en pantalla. Los olores iban de rosas, aromatizante de auto y carro nuevo, a pedos, zorrillo y zapatos usados. Este sistema se ha utilizado en algunas ocasiones más, como la película animada de la serie Aventuras en pañales en 2003 o en forma del aromascope en la cuarta entrega de la saga de Mini-Espías de Robert Rodríguez en 2011. Tommy Wirkola, el realizador del largometraje gore de zombies nazis, también incorporó el Odorama para su filme de 2010, Kurt Josef Wagle And The Legend of the Fjord Witch. Hoy día, el sistema conocido como 4DX, desarrollado por la compañía sudcoreana C.J. Entertainment, ofrece no sólo la experiencia de olores sutiles integrados dentro de la cinematográfica, sino también la sensación de lluvia, aire, viento e incluso, de movimiento. Así pues, la sinestesia producida por el estímulo audiovisual que es el cine, ha pasado a convertirse en estas salas en una experiencia cenestésica. Sólo falta que ahora algún cineasta aproveche las posibilidades que ofrece esta tecnología para hacer el Scent of Mystery del siglo XXI. Habrá entonces que ir preparados para ver una secuela de Lluvia de hamburguesas porque el imperio de los sentidos contraataca. M

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unque no nos demos cuenta de primera intención, la experiencia de disfrutar el cine es multisensorial. Empieza en el mismo espacio físico donde vamos a ver cine. Ya sea en casa o en una sala cinematográfica, hay información sensorial extradiegética: el olor de las palomitas de maíz, perfumes de los productos de limpieza utilizados en el cine, humedad, los aromas corporales de los asistentes, el ruido del papel celofán al abrir las golosinas, los sonidos de las rosetas siendo devoradas por los asistentes, el cuchicheo del público, la luminosidad de los celulares siendo usados en plena función, el tocar a la pareja en ciertos momentos del filme… Dichas experiencias no hacen más que ampliar el atractivo sensorial de una película. Ajenos a esos momentos sensoriales extra diegéticos descritos, desde los orígenes del cine mismo, se ha tratado de involucrar a los otros sentidos dentro de éste, siendo el más obvio de ellos el olfato, que incluso antecede al uso mismo del sonido, según lo cuenta Avery Gilbert en “Hollywood Psychophysics”, el capítulo sobre los olores y el cine de su libro What the Nose Knows: The Science of Scent in Everyday Life. Estos primeros intentos de introducir sensaciones olfativas fueron realizados por dueños de cines que de esa manera intentaban hacer más llamativas las funciones y así atraer más gente a sus salas; como lo hizo un cine de Pennsylvannia en 1906, al poner un pedazo de algodón empapado en aceite de rosas frente a un ventilador mientras se veía un noticiario sobre el Desfile de las Rosas, o el cine de Nueva York que en 1929 esparció perfume durante la exhibición del filme The Broadway Melody. Algunos cineastas se apuntaron pronto a implementar este sistema, como D.W. Griffith, que encendía inciensos durante las proyecciones de Intolerancia en 1916; al igual que Marcel Pagnol durante el estreno de Angèle en 1934. Walt Disney consideró la idea de implementar aromas con la proyección de Fantasía, pero abandonó la idea al darse cuenta del alto costo que esto representaría. El sistema inventado para dispersar olores en las salas de cine resultó ser ineficiente; una de las razones principales era que los aromas tardaban mucho en dispersarse y se llegan a combinar. Con el auge de nuevos gimmicks cinematográficos a fines de los años 50 – como la tercera dimensión y el cinerama–, se regresó a explorar el tema del cine con olor; el resultado fueron dos sistemas que se decía, entraron en competencia: Aromarama y Smellovision. El primero se implementó en Estados Unidos para acompañar al documental italiano sobre la vida en Chi-

te Ar rte e t n e ente m a s o squer a asquerosa o v i t i s n e s sensitivo Especias, moho y salchichas

TXT:: Regina Zamorano

Pescado crudo sobre cuerpos desnudos, orgías de crema Nivea, obras de queso y chocolate en descomposición… El arte también es capaz de todo con tal de despertar las alegrías (y las desdichas) de la carne. Pueden parecer un tema muy básico, pero lo cierto es que los sentidos sostienen el mundo con los menudos alfileres de la percepción. En la actualidad, vivimos pegados a las pantallas, pero hubo un tiempo en que de verdad los poetas miraban la luna y ansiaban tocar la piel cremosa de las doncellas, los pintores salían al campo para captar los destellos del sol y las mujeres olían las flores que les regalaban sus pretendientes. Los seres humanos se entregaban a las experiencias sin emoticones de por medio.

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oy vivimos de ideas, el cada vez más árido y archi-intelectualizado arte conceptual es sólo una prueba de esto, pero ¿qué hay de artistas que se atrevieron a meter sus extremidades, narices y uñas en la carne de la existencia? ¿Qué residuos orgánicos encontraron ahí dentro? ¿Qué sensaciones nos produce tan sólo leer acerca de estas hazañas? Dejemos el aseptizado mundo de los museos y la distante tiranía de las imágenes para internarnos en la jungla de los olores, el picor, el asco y las salchichas.

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MI OJO ES UNA BOCA Durante siglos, el arte se especializó en engañar a los sentidos, en especial al de la vista, al construir imágenes tan sólo hechas de pigmentos y trazos, pero que imitaban con maestría la realidad. Así, las esculturas de atletas griegos y las pinturas de los grandes genios de Florencia reproducían texturas y perspectivas con exactitud. Sin embargo, las obras de algunos artistas del siglo XX se atrevieron a romper la barrera del espejismo y a convertir la sensación en el centro de sus propuestas. Uno de ellos fue Dieter Roth, verdadero artista de culto, quien escribió un poema titulado Mi ojo es una boca. Algunos de sus versos son:

“Mis párpados son los labios de la boca. Mis pestañas son los dientes de esa boca. Mi iris es la punta de la lengua. Mi cerebro es el estómago de la boca. Mis imágenes son la digestión de la boca Mi vida es el excremento de la boca”. Puesto que su ojo era una boca, no resulta extraño que fuera el primero en incluir comida en sus obras. En 1961, el artista, fiel a su origen alemán, comenzó su serie Literaturwursts, que consistía en convertir algunos libros que detestaba en “salchichas de literatura”. Hacía picadillo las páginas y, siguiendo la tradicional receta germana, les agregaba manteca y especias. Después, embutía la mezcla en una auténtica tripa de animal y, listo. Goethe, Marx y Günter Grass fueron algunas de sus especialidades. El espíritu subversivo de Roth o Rot, como también le gustaba llamarse, fascinado con la putrefacción de la materia, lo inspiró a realizar obras con yogurt y restos de alimentos, que luego cubría de yeso y dejaba a temperatura ambiente. A medida que el moho invadía la obra y la descomponía, se creaban patrones y figuras que se convirtieron en el sello de Roth, como puede admirarse en su retrato de chocolate y queso podrido del coleccionista y vendedor de arte Carl Laszlo (1963) o en sus “paisajes” de salami, grasa y hongos.

DESPERTAR LOS SENTIDOS Después de tanto moho, huesos y pescado crudo, terminemos con una nota más aromática: Imagina jugar al ajedrez guiándote solamente por tu olfato. Ésa fue la obra que ideó en 1964 la artista japonesa Takako Saito, integrante del movimiento Fluxus. Smell Chess cuestionaba el hecho de que el sentido de la vista siempre prevaleciera en este juego, así que los peones blancos estaban rellenos de canela, la reina negra de pimienta de cayena, los alfiles negros de comino, etc. De este modo, sólo podías reconocer tus posiciones sobre el tablero por el aroma. Recordemos que el movimiento Fluxus buscaba bajar al arte de su pedestal, convertirlo en anti-arte, incluyéndolo en la vida cotidiana de tal manera, que cualquier persona podía reproducir las obras, pues muchas veces consistían simplemente en una tarjeta con instrucciones; aquí las indicaciones para realizar la pieza Fluxus-sensorial de Alison Knowles, Nivea Cream Piece Variation #1: Sólo necesitas varios botes de crema Nivea y un grupo de performers que se unten las manos y la cara con ella; luego, deben frotarse unos contra otros en una orgía grasienta con olor a abuelita. Suena ridículo, lo sé, pero seguramente se despertarán los sentidos que has olvidado que tienes después de tanto tiempo de estar engullendo pixeles. ¿Qué pasaría si en verdad tus ojos fueran tu boca? ¿Cuánta basura te has tragado sin darte cuenta?. M

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HUESOS AL ROJO VIVO Otra obra que abrumó los sentidos de los asistentes fue Balkan Baroque, realizada en 1997 por la “abuela del performance”, Marina Abramovic, y presentada en la Bienal de Venecia. Ningún país quería acoger a la artista en su pabellón, pues su pieza era una clara alusión a la violencia, producto de la guerra en Yugoslavia, su país natal. Por ello, Marina se llamó a sí misma “nómada” y terminó ocupando un sótano en el pabellón italiano. Por cuatro días, en penumbra durante seis horas, la artista, vestida con una túnica blanca, se sentó sobre una pila de 1,500 huesos de vaca y se dedicó a limpiarlos con un cepillo hasta que quedaran despojados de cualquier vestigio sanguinolento, mientras tarareaba canciones. El olor a carne, ligamentos y sangre era insoportable, pero la artista no dejaba de tallar y tallar, con agua de unas cubetas, que poco a poco se iba tiñendo de rojo. Tras semejante suplicio, ganó el León de Oro a la mejor artista de la Bienal.

JÚBILO CARNÍVORO Caroleen Schneemann sabe de los placeres de la carne. En 1964, en el Primer Festival de la Libertad de Expresión, celebrado en París, la artista estadounidense presentó el performance titulado Meat Joy (Alegrías de la carne). En la pieza participaron cuatro hombres y cuatro mujeres, incluyendo a Caroleen, quienes bailaron semidesnudos, se pintaron el cuerpo unos a otros, rodaron sobre rollos de papel, modelaron esculturas humanas y, para terminar con broche de oro, se revolcaron alegremente en sangre, salchichas, pescado y pollo crudo, acompañados por un soundtrack de canciones pop del momento y sonidos de la ciudad de París. El objetivo era “confundir aún más las intransigencias sexuales de la cultura; la vida del cuerpo posee una expresividad mucho más variada de lo que puede admitir una sociedad que niega el sexo”, declaró la creadora. Así, celebraba la sensualidad del cuerpo en todas sus dimensiones, sexuales, vitales y alimenticias… Y es que ¿hay algo mejor que jugar con la comida?

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QUESO Y ASCO EN LOS ÁNGELES Roth, quien le hacía tremendo honor a su nombre (en inglés “to rot” quiere decir “pudrirse”), realizó en 1970 la obra sensorialmente más agresiva de la historia. Staple Cheese (a Race), una apestosa exhibición que incluía 37 maletas llenas de distintos tipos de queso que presentó en la galería Eugenia Butler de Los Ángeles. Cada día, debían abrir una de las maletas y dejar al aire libre el camembert, brie o cheddar que guardaba. Después de algunos días, el olor era insoportable, y a las tres semanas, se formaron larvas, gusanos y moscas que inundaron la sala. Dieter anunció que estos bichos eran el verdadero público de su exposición, y aunque llegó el departamento de sanidad a tratar de cerrar el changarro, al final ganó la galería y la exhibición siguió. No se vendió ninguna obra, lo cual sólo añadió brillo al carácter anti-mercado del arte de la pieza. Duchamp hubiera estado muy orgulloso de quien fuera su pupilo. Roth había diseñado unos contenedores especiales para almacenar las maletas y éstas, increíblemente, permanecieron por años en el sótano de la galerista, hasta que un día, su esposo reunió el valor suficiente y las fue a tirar al desierto. Dicen que aún hedían a queso europeo. Dieter Roth no tenía ningún miramiento hacia el público, al contrario de Demian Hirst, quien dejó una cabeza de res pudrirse en la sala de un museo, pero protegida por un cubo de cristal, lo cual de cierta forma aislaba a los espectadores de la verdadera experiencia de la podredumbre.

Retratos del interior

Cine

TXT :: Alejandro Mancilla @nosoymoderno

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Si ya leíste el libro, tendrás las expectativas enfocadas en otra dirección, pero como estás en la sección de cine y no en la de literatura, asumimos que, por ahora, sólo quieres saber si vale la pena y: 1) Ir a comprar una bolsa de palomitas ahora mismo y buscar la película como loco. 2) Verla de madrugada con una cerveza como compañía. 3) Esperar a que la quiera ver tu novia, novio o amigos… O 4) Dejarla pasar. Tómate tu tiempo, pero disfrútala sin prejuicios… Y si estás triste, vela bajo tu propio riesgo.

LOS DIRECTORES Además de Blanchet, la cara mainstream familiar del proyecto, en la lista de directores participantes, destacan la australiana Mia Wasikowska (Alicia en la cinta de Tim Burton de 2010), los veteranos Rhys Graham, Anthony Lucas y Tony Ayres; nuevos rostros del cine australiano como Jonathan auf der Heide (Tasmania), Shaun Gladwell, Yaron Lifschitz y Stephen Page; el también actor Ian Meadows (que sorprende con el corto A Parachute Falling in Siberia); la cortometrajista Ashlee Page y Marieka Walsh (del cortometraje The Hunter) y un puñado de creativos más. M Título: The Turning Año: 2013 País: Australia Dirección: Jonathan auf der Heide, Tony Ayres, Simon Stone, Jub Clerc, Robert Connolly, Shaun Gladwell, Rhys Graham, Justin Kurzel, Yaron Lifschitz, Anthony Lucas, Claire McCarthy, Ian Meadows, Ashlee Page, Stephen Page, Warwick Thornton, Marieka Walsh, Mia Wasikowska y David Wenham. Reparto: Cate Blanchett, Rose Byrne, Hugo Weaving, Callan Mulvey, Miranda Otto, Richard Roxburgh, Harrison Gilbertson, Matt Nable, Myles Pollard, Dan Wyllie.

Cine

The Turning es una colección de narraciones en su mayoría sentimentales e introspectivas, donde abundan los conflictos, las desilusiones, las drogas, la religión, la mentira… Y, claro, el inefable amor. Las historias se suceden una a la otra sin aparente relación entre sí, hasta que, conforme avanzan cada uno de los cuentitos fílmicos (cada uno con su respectivo título), el clavo te cae de repente, lento y certero justo en esa área de tu cerebro donde surgen las exclamaciones tipo “ah, con razón pasó esto” o “ya lo sabía”. Si superas las obsesiones existencialistas que impregnan la obra de Tim Winton y te la tomas a la ligera, las 17 visiones personales fluyen de manera correcta e incluso brillante en algunos momentos (“Big World” el corto inicial, es visualmente poético). Ten en cuenta lo complicado que debe ser que 17 directores diferentes sean certeros en sus creaciones, pero no te preocupes, no te aburrirás y hasta te sorprenderás más de una vez… Y eso que la película dura tres horas. Lo que deslumbra es el retrato y esa colección de postales de la Australia redneck, esa que vive en el interior y no en las grandes ciudades; ésa, donde familias “desacomodadas” subsisten agobiadas y desesperanzadas en tristes campers y su única diversión es ir a los dados una noche a la semana e idealizar a Jesucristo de manera errónea y enferma; donde los aborígenes conviven con los blancos visitantes permanentes y se enamoran entre sí con la playa salvaje de fondo; donde chicas hermosas, pero con cicatrices en el rostro, escriben poemas que encantarán a

dopar elefantes. ¿Por qué la referencia? Porque tengo que señalar que hay momentos en alguna de las 17 historias contadas en este filme, que podrían caer en ese abismo de pretenciosidad que resulta de adaptar una obra un tanto filosófica y no lineal, y dejarla a cargo de tantos directores distintos, incluyendo caras conocidas como Cate Blanchet, quien dirige (y muy bien) y actúa uno de los cortos; o Miranda Otto (Lord of the Rings); Hugo Weaving (el famoso agente Smith de Matrix) también participa como actor en una de las historias. Sin embargo, The Turning es una buena oportunidad para, en un mismo plato, degustar de la perspectiva de muchos actores, directores y creadores. Pero sigamos haciendo de cuenta que no tienes ni idea de lo que vas a ver y disfruta el viaje.

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a historia en su conjunto no pretende ser fiel al texto original, más bien fungir como un retrato evocativo basado en los relatos que yacen en el bestseller homónimo del escritor australiano Tim Winton. Como suele pasar con las adaptaciones cinematográficas a libros muy queridos o casi inmaculados, algunas traslaciones son más afortunadas que otras (Blade Runner de Ridley Scott basada en un libro de Philip K Dick, por ejemplo); otras, dejan en el camino elementos con tal de que funcione la conversión de las letras a la imágenes (El Perfume dirigida por Tom Tykwer); y así podríamos nombrar cientos de ejemplos más hasta el infinito (y más allá), pero en The Turning, estamos ante una categoría aparte, donde la idea surge desde la reinvención de la obra a partir de la experimentación, basada en el recurso de convocar a diferentes realizadores para que cada quien plasme su personalísima visión de las cosas. Ahora que tampoco están encontrando el Santo Grial como baratija en un bazar; la creación cinematográfica en conjunto ya se ha llevado a cabo muchas veces en el cine, en proyectos como New York Stories donde Allen, Coppola y Scorsese, contaban tres cuentos fílmicos sin relación entre sí. O más recientemente en Paris, je t’aime (por nombrar una cinta que estuvo bajo los reflectores), en la que cineastas de diversas nacionalidades (incluido Cuarón) dirigían una historia basada en su versión de la Ciudad Luz.

algún romántico soñador que pretende ilusamente cambiar el final de la historia. Lo interesante del asunto es que los mismos personajes que pueblan durante 30 años la novela original y que se diluyen en una escondida población costera australiana, son revisitados también por diferentes actores en cada una de las diferentes historias, lo que te exige un extra de atención para poder distinguir esa relación atemporal que va entrelazando la narrativa y ordenar los cabos sueltos para conseguir ese guiño de complicidad entre espectador y obra. Advertencia: si te gustan las películas al estilo Terrence Malick, allá tú... A muchos nos sirven cuando tenemos que dormir, y es que cinco minutos de una de sus sobrevaloradas “joyas” son más efectivos que un dardo para

El presentimiento de querer vivir

Cine

TXT :: Pablo Pulido

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54 Existe ya en el historial de la cinematografía un gran número de largometrajes en torno al tema de la inmigración, principalmente sobre la “búsqueda del sueño americano”. Casi como una obligación moral de sus autores, el contenido audiovisual trata de apegarse lo más posible a la veracidad de su tema; entonces, nos encontramos con un escalofriante retrato de la pobreza, la discriminación, la valentía, la desesperación y la incertidumbre de un pueblo que parece haber nacido bajo el signo de la desgracia. La Jaula de Oro se suma a esa lista en la que se discute constantemente sobre la desigualdad social; dirigida por Diego Quemada-Diez, la cinta es el pequeño diario de un grupo de adolescentes que, desde su nacimiento y por convención social, rechazan su tierra natal con la fiel creencia de un mañana benevolente, cuyo camino es a través del mismo infierno.

Cine

En este camino de fatalismo, en el que cada una de las decisiones es la diferencia entre sufrir o morir, el instinto de supervivencia asume nuevas características derivadas –irónicamente– del raciocinio. Al parecer, Juan se reserva toda información respecto de su objetivo de llegar a los Estados Unidos con el pretexto de proteger su buena suerte, pero la realidad es que, inconscientemente, el silencio es la única manera en la que los enemigos no pueden detectar su vulnerabilidad, ya sea personal o de quienes le rodean. En Sara el tema es aún más complicado, pues es su cuerpo la mayor de las desventajas; ella presiente –y por ende asume– que su condición de mujer es más un problema que un privilegio, por lo que decide transformar su imagen al de un género que tiene menos probabilidades de convertirse en una de las tantas historias de trata de personas. Sin embargo, en el primero de los intentos fallidos de cruzar la frontera de Guatemala hacia México, Samuel se ve perturbado por el grado de violencia y abuso por el que pasan todos aquellos con quienes comparte el sueño de mayores oportunidades económicas; por su edad, su miedo le impide reflexionar acerca del tema, no existe tiempo para explicar nada, se retorna o se continúa. En ese momento, se les unirá “oficialmente” Chauk (Rodolfo Domínguez), quien fungirá el papel de misterioso salvador y, posteriormente, de mártir.

En entrevista con la revista Proceso, QuemadaDiez declaró que la película es la interpretación de su vivencia directa con inmigrantes. En 2003, el realizador residió en Sinaloa durante una temporada; la casa que compartía con una familia se encontraba a un lado de las vías del tren por el que diariamente viajaban cientos de indocumentados, que tocaban puerta por puerta en búsqueda de comida y agua. Fue esa experiencia la que lo motivó para sumarse a aquellos que buscan darle voz a esos individuos anónimos que viajan cientos de kilómetros –con inquebrantable voluntad– hacia un país que muy probablemente les ofrecerá alimento y comodidad, pero dentro de un ambiguo margen legal que en cualquier momento los puede expulsar. Ya lo dijeron Los Tigres del Norte: “De qué me sirve el dinero, si estoy como prisionero dentro de esta gran nación, cuando me acuerdo hasta lloro, aunque la jaula sea de oro no deja de ser prisión”. M

Título: La Jaula de Oro Año: 2013 País: España-México Dirección: Diego Quemada-Diez Reparto: Brandon López, Rodolfo Domínguez, Karen Martínez, Carlos Chajon, Héctor Tahuite, Ricardo Esquerra, Luis Alberti.

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a Jaula de Oro no es una historia sencilla. Apenas uno termina de verla y la mente comienza a asociar imágenes, recuerda extractos de nuestra vida y se plantean múltiples preguntas. En comparación a lo relatado en la película –en la que uno realmente se da cuenta de las dificultades que ciertos sectores de la sociedad tienen que enfrentarse para obtener algo de alimento–, la mayoría de nuestros problemas se ven minimizados; esto, claro, no es culpa de la audiencia, pues el tema va más allá de un simple análisis discursivo acerca del trabajo de Diego Quemada-Diez. La ópera prima del director español, aborda una perspectiva olvidada acerca del tema: la de los jóvenes, quienes poco a poco cambian su papel pasivo en el tema para formar parte de él. Allí están Juan (interpretado por Brandon López), Sara (Karen Martínez) y Samuel (Carlos Chajon), tres olvidados que repentinamente abandonan todo –o mejor dicho, nada– para obtener un poco, no importa qué, pero seguro es mucho en comparación al vacío en el que han vivido durante todo ese tiempo. Sin familia ni recuerdos, emprenden una travesía en la que el hombre es el enemigo más peligroso y al que se deben enfrentar con una perspicacia aún inmadura. La repentina presentación de estos personajes sin pasado rompe con nuestra concepción de la estructura y función del ser humano que habita en una comunidad “moderna”; tanto género como edad son abolidos de manera automática a causa de la satisfacción de las necesidades básicas.

En un momento del cine en el que se tiene la creencia de que por contener un gran número de planos detalles se consigue un grado de culto, en La Jaula de Oro se mantiene una considerable distancia entre la pretensión del “cine de arte” y el amarillismo del fenómeno social. Diego Quemada-Diez es equitativo a lo largo de los 100 minutos que componen su largometraje, pues lo mismo recurre a planos secuencia (como en aquella inquietante escena en la que un tren lleno de indocumentados es detenido e inicia una cacería entre militares y expatriados), primeros planos (para retratar los pocos momentos en los que Juan y Sara sienten la suficiente libertad y confianza de demostrar su mutuo amor) y el uso del acercamiento visual (con el objetivo de apreciar las heridas sufridas en el camino).

Cine

CONOCE LA FORMA MÁS FÁCIL DE ESTRENAR UN IKON SIN QUE A TI TE CUESTE

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Ford Ikon 2014 Por fin has dejado atrás la etapa de la infancia y la juventud ha tocado a tu puerta. ¡Ahora eres libre para hacer todo lo que has querido! Puedes usar la ropa que más te acomode, elegir por tu cuenta a tus amigos (¡y a tu novi@!), salir de finde a donde quieras... Pero la mayor de las libertades es, por derecho casi divino, tener tu propio coche. Sin embargo, seamos sinceros, tu condición jovial hace que tus papás todavía te echen la mano en un par de cuestiones. Pero, no te preocupes, porque a continuación te daremos un par de tips 100% eficaces para convencer en este mes tan especial a tu querida mamá (quien en verdad es la persona que tiene la última palabra en todo) de que te compre un Ford Ikon.

No es sólo un coche, es tu pase a la madurez Tu primer auto no es cuestión de capricho (¡como todos los padres del mundo creen!). En realidad, es la prueba más importante de responsabilidad que tendrás durante toda esta etapa. Porque tu Ford Ikon te llevaría a todos lados sin ningún tipo de problema; seguro lo amarás y cuidarás tanto que no querrás ni que lo toque el pétalo de una rosa y, ¿cómo no? El Ford Ikon está disponible en atractivos y divertidos colores que deslumbran tanto en la carrocería como en las defensas delanteras y traseras; sus cristales tintados serán de gran ayuda en esos días en los que el sol está en su punto más caluroso y con esa parrilla con inserto cromado (disponible en la versión Trend), tu arribo siempre será espectacular.

Negro Brillante

Blanco Diamante

Rojo Pimienta

Gris Mercurio

Amarillo Amanecer

Azul Dinámico

Cómo convencer a tu mamá de que te compre un Ford Ikon: Fin de semana. Tu mamá tiene planeado visitar a tu abuela por el Día de las Madres, pero tu papá tiene demasiado trabajo para poder llevarla. Lo que sería un lindo viaje familiar se convierte en una pesadilla en el transporte público en pleno calor de la primavera. En ese mismo instante, en el que empiece a molestarse por la cantidad de gente que hay en el Metro o en la parada de autobús, dile que si te comprara tu Ford Ikon podrías llevarla con tu abuela cómodamente en un flamante coche con aire acondicionado, y tú manejando con toda la cautela del mundo con

ayuda de los espejos para conductor y pasajero ajustables (negros para la versión Ambiente, y color de la carrocería en la versión Trend), luces direccionales y faros de niebla delanteros (sólo Trend). ¡Ir por las compras nunca había sido tan divertido! De niñ@ seguro te divertía ir al supermercado o a la plaza comercial con tus papás; y ahora que eres joven, la idea ya no te parece tan divertida. En vez de ello, te imaginas ir al mall con tus amig@s en tu propio coche, escuchando y cantando tu música favorita a todo pulmón, con tus manos sobre el volante. No te sumerjas en ese mar de rebelión ante la autoridad de tu mamá cuando te pide que la acompañes por la despensa del mes, porque esa puede ser la oportunidad perfecta para convencerla de que un Ford Ikon sería la ayuda perfecta para las tareas de la casa –y tu acceso al paraíso de la libertad–.

Cómo convencer a tu mamá de que te compre un Ford Ikon: Es mitad de semana y, por lo ocupada que está tu mamá todos los días, se ha olvidado por completo de ir al súper. Por si fuera poco, es quincena y el lugar de abastecimiento de víveres está lejos de tu tranquilo hogar. Ella entonces te pedirá que la acompañes y tú, muy amable, dirás que sí a su invitación. Ya en el camino, cuando tu mamá esté con el estrés del pesado tránsito, sugiérele que las cosas podrán ser distintas cuando te compre tu Ford Ikon, el cual, además de tener un motor 1.6L Duratec y potencia de 98hp (lo cual se resume a un ahorro considerable de gasolina), su interior espacioso, cabina silenciosa y completo sistema de audio (con radio, CD, MP3 y entrada auxiliar) harán que el caos citadino se disfrute…

Claro, contigo en el volante. Además, menciona que la cajuela tiene una capacidad de 284 L y que el asiento trasero es completamente abatible; así, no importa cuán larga sea la lista de compras, todo cabrá en tu Ford Ikon. ¡Un descanso para amb@s! Tu mamá siempre quiere lo mejor para ti y por eso te cuida todo el tiempo. ¿Recuerdas cuando eras pequeñ@ y te acompañaba a las fiestas de tus amigos de la escuela? ¿Cuando asistía a cada recital del Día de las Madres? ¿O cuando iba por ti después de clases y llevaba a todos tus compañeros al cine? Qué bonitos recuerdos, ¿no? Lástima que ahora ya eres mayor y no tiene nada de bonito que te siga recogiendo en la casa de tu novi@, peor aún, en las noches…

Cómo convencer a tu mamá de que te compre un Ford Ikon: La próxima vez que tu mamá vaya por ti a algún lado, y antes de que te reclame “por qué no te regresas más temprano a casa”, recuérdale que no es tu culpa. Tú eres libre de vivir tu juventud como ella alguna vez lo hizo, y que podrías viajar por toda la ciudad sin que ella sea tu chofer si tuvieras tu propio coche, digamos, un Ford Ikon. Pero si eso no la convence y comienza a preocuparse por la idea, dile que el Ford Ikon posee un claxon doble tono, alarma perimetral, bolsas de aire frontales para conductor y pasajero, tracción delantera y frenos de disco delanteros, lo cual lo convierten en un coche más que seguro para viajar durante día y noche.

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Ute Klein se graduó de la Folkwang University of the Arts en Essen, Alemania; posteriormente, realizó una maestría en fotografía en el Royal College of Art de Londres. Su proyecto Resonanzgeflechte ganó el Gute Aussichten: Young German Photography Award 2009/2010 y formó parte de la exhibición Bloomberg New Contemporaries 2011 en el Reino Unido. Su trabajo fue elogiado con el City of Munich Art Award. En 2012, Klein fue invitada en el programa de residencia del complejo Museumsquartier en la ciudad de Viena, Austria, donde participó en la exposición „faceless“. Klein ha mostrado su obra en toda Europa y ha colaborado en diversas publicaciones. Ute Klein es representada por el Art Foyer DZ Bank (en Frankurt) y la organización Painting in Hospitals (Reino Unido). En Resonanzgeflechte, hay algo qué decir acerca del amor desde lo profundo de estos cuerpos amontonados, retorcidos y flexibles, que constantemente se elevan, estiran y luchan, se pliegan, entrelazan y suspenden. Las parejas representadas aquí son concebidas como la interacción tridimensional de la forma escultórica. Los rasgos característicos, enredos emocionales y percepción corporal inspiran el acto performativo a través del lenguaje corporal: los cuerpos interactúan y resuenan bajo la influencia de otros. La forma final construye la imagen del “cuerpo de la pareja” –metafóricamente hablando– y puede entenderse como la inversión del interior oculto visto en el exterior: expansivo, anudado; o como composiciones telescópicas que representan la complejidad de las interconexiones emocionales. M

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La imagen y el aroma del dolor TXT:: Óscar G. Hernández Olor a pies, olor polémico; posible tema tabú para algunos y fetichismo para otros. Pensar en la obsesión de alguien por llegar a oler el perfume que sale de unos pies puede ser un argumento atractivo. Ahora bien, imaginar una nación obsecada no sólo por ese olor, sino además por su imagen, puede resultar enfermizo.

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os referimos al culto por lo que se ve, obsesión que llega a niveles patológicos y que nos remite a nuestra época y a la base de todas las sociedades humanas que han sido construidas sobre el placer hacia el gusto por cierta estética. En este caso, el placer que puede causar a los sentidos un olor y más aún, la idea de agradar o resultar agradable a la vista; esta construcción del imperio de la imagen por la imagen y para la imagen, puede ser llevado a los extremos del salvajismo tan vigente de nuestro siglo. Li Kunwu, novelista gráfico, da testimonio de manera minuciosa e intimista de la vieja costumbre china de vendar los pies a las mujeres por razones estéticas. Práctica de verdadera tortura china y la cual le toca vivir de manera directa a través de su niñera, una mujer de pies vendados que fue considerada “flor de loto”, vieja categoría que servía para clasificar a los pies de clase superior. Este narrador de Yunnan, miembro del partido comunista y creador durante muchos años de cómics de propaganda gubernamental, nos dibuja esa China Imperial donde las mujeres eran torturadas desde niñas para cumplir con un cánon de belleza. Ese sacrifico era necesario y, de alguna forma, les llevaría a la redención; la redención económica por lo menos. Y es que en la China que describe Li Kunwu, si se era pobre y se seguía este tortuoso ritual que consistía en esculpir en carne viva unos pies hermosos, y si además se lograba el éxito en dicha empresa, había una gran oportunidad para que las clases pobres pudieran salir de su condición de miseria y ser integradas a la burguesía feudal. Construcción del objeto del deseo por medio del sufrimiento. Esta práctica es una muestra histórica del sometimiento de la mujer para el placer del hombre. Los pies vendados eran un signo que servía para formar el imaginario erótico del hombre chino de ese entonces. Estos pies sólo podían ser vistos por aquel que sería su esposo, el cual siempre pertenecía a las clases altas. El movimiento de la historia haría presencia y todo cambaría con la revolución comunista y, sobre todo, con la célebre revolución cultural. Estos hábitos de salvajismo feudal se abolieron, y lo que era una marca de distinción de las clases altas se convirtió en una marca de infamia. El cambio de ideología se posicionó con fuerza no sólo por el obvio rechazo a las costumbres de la vieja burguesía, sino por el fanatismo de los nuevos revolucionarios que no sólo perseguían a los feudales, sino que destruían todos sus símbolos, mostrando una ceguera igual o superior al viejo imperio. Es ésta la tragedia de la niñera de Li Kunwu, adorada por sus pies, por su perfume y forma. Quien después sería repudiada y hundida en la miseria por el rechazo hacia ellos y lo que simbolizaban, rechazo por su forma y por su peste.

Broma del destino; broma real y cruel, sin embargo, ya que esta mujer realmente existió. Chunxiu era su nombre, y fue forzada a ser vendada; su historia sobrevive gracias a la pluma y pincel del pequeño niño a quien cuidó y educó por varios años, niño que se convirtió en uno de los autores más importantes de la narrativa gráfica china y quien ha puesto la novela gráfica de su país en el escenario internacional. Hoy en día, los pies vendados es sólo una historia que sirve para conocer parte de las costumbres de la vieja civilización imperial china; sin embargo, aún hay mujeres vivas, ancianas que han vivido y sobrevivido a esta marca. Observar y leer la obra Pies Vendados provoca una emoción inquietante que puede resultar perturbadora tal como suelen causar las obras que no son para audiencias masivas. M

En busca de las nuevas leyendas del cOmic TXT:: Raphaël Meltz y Bénédicte Bouthors - ILUST:: Nicolas de Crécy RETRATO:: Óscar G. Hernández - Traducción:: Hélène Meunier y Martí Torrens

¿Se puede hablar de todo a través del cómic? ¿Existen temas más fáciles de abordar gracias a éste? ¿Crees que es un medio subversivo? PM: El cómic ha demostrado desde hace mucho tiempo su capacidad para evocar todos los temas. Este fenómeno no es nuevo: recordemos que en los años 30, en el Lotus Bleu, Hergé presenta en el contexto de una historia para niños, las implicaciones de la guerra chino-japonesa. Más tarde, el francés Calvo, ya desde 1944, contó la Segunda Guerra Mundial a los jóvenes lectores a través de una magistral historia de animales, La Bête est morte! Más recientemente, el estadounidense Art Spiegelman ha demostrado con brío en Maus, que las páginas más oscuras de la historia europea podían ser abordadas con el cómic. En los últimos 20 años, algunas novelas gráficas como el Persepolis de Marjane Satrapi, que trata de la revolución islámica en Irán, así como del exilio, han probado que este tipo de cómics puede interesar a un público extremadamente grande. Finalmente los aficionados del cómic japonés saben que los mangas abordan todos los temas, desde la historia, hasta los géneros más clásicos, pasando por las recetas de cocina o las reglas del mah-jong.

¿Se puede salir de la idea frecuentemente compartida de que el cómic es un arte menor? PM: El cómic por su propio desarrollo demuestra que toma su lugar cada día un poco más. Esa legitimación es cada vez más importante: hoy los autores son invitados más frecuentemente a los medios de comunicación. Se toma en serio las obras de Moebius, Hugo Pratt, Art Spiegelman, Robert Crumb… En Francia, numerosos museos les han dedicado exposiciones. El cómic de autor ha empujado las fronteras: muchas obras han demostrado que el cómic en cuanto a creación no le pide nada a la literatura ni al cine. Sobre este último punto, es interesante subrayar que numerosos directores de cine han adaptado últimamente guiones del cómic. Las películas que realizaron llegaron a tener un cierto éxito, siendo la más notable La Vie d’Adèle de Abdellatif Kéchiche, adaptación del álbum de Julie Maroh, Le bleu est une couleur chaude. ¿Han recibido a mexicanos desde la apertura de la Casa de los Autores? PM: Lamentablemente América Latina es todavía muy poco representada en la Casa de los Autores. En los últimos 12 años recibimos a autores de Argentina, como Diego Agrimbau y Lucas Varela; de Brasil, Alexandre De Melo Dantas; desde Colombia, a Camilo Sanin, y Martin Verges Rilla de Uruguay. La colaboración que iniciamos actualmente con la Embajada de Francia en México y el Instituto Francés nos permitirá acoger en residencia dos autores mexicanos desde el final de este año. Estamos particularmente seducidos por este proyecto. Mexico tiene una larga y bella tradición en el campo de la ilustración y del cómic, y tenemos esperanza que esta residencia permita conocer mejor el cómic mexicano. Más allá de esa acción, se formaron colaboraciones entre la “Ciudad Creativa Digital” de Zapopan y el “Pôle de l’image” de Angulema. Todo esto es muy prometedor. M

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¿Quién tuvo la iniciativa de crear La Casa de los Autores y cuál es su objetivo? Pili Munoz: La Casa de los Autores abrió sus puertas en julio de 2012. Su creación fue ligada a la situación muy especial de Angulema, que se desarrolla desde 1974, en torno a su Festival Internacional del Cómic, que es toda una gama de actividades consagradas al noveno arte y a la imagen. Si bien el origen del proyecto era el de acoger autores locales, poniendo a su disposición talleres y materiales, muy rápidamente la casa se abrió a creadores de todas las regiones tanto de Francia, como del mundo. En 12 años, cerca de 200 jóvenes talentos y autores confirmados estuvieron hospedados en residencia para desarrollar allí proyectos de creación innovadores.

Cómic y narrativa dibujada

Desde hace casi cuatro años, la Casa de los Autores (ubicada en la ciudad de Angulema, Francia) se ha dedicado a promover e impulsar el talento internacional especializado en el cómic, una expresión artística compleja y única. Platicamos con su directora Pili Munoz para conocer más sobre el papel de esta institución.

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wendy guerra Los olores de Cuba TXT:: Juan Carlos Hidalgo

Negra (Ed. Anagrama), la más reciente obra de esta versátil escritora cubana (nacida en 1970), está dedicada a los grandes contrastes; a evidenciar pasado y presente de un pueblo que pese a una revolución social, no deja de ser discriminatorio. La vida de una hermosa modelo de 19 años y raza negra sirve para mostrar el encontronazo entre la vieja Europa (Francia, para ser exactos) y una viajera caribeña; se hace explícito también el ánimo de cambio de una generación que se desespera ante el inmovilismo burocrático e ideológico de su país. Conversamos con Wendy Guerra, autora que, sabiendo que sus libros no se publican en Cuba, no ha sido obstáculo para que obtenga importantes reconocimientos en el extranjero. Se trata de una de las voces más apasionantes de la literatura escrita en español en la actualidad.

Literatura

Tu protagonista es joven, preparada… Una modelo que todavía no llega a los 20. ¿Qué aporta un personaje como éste a la hora de narrar una historia de grandes desencuentros, tanto en lo individual como en lo social? Wendy Guerra: La composición estructural de esta novela refiere a aquel camino de la llamada dramaturgia clásica, en el que a los diez minutos de trama el protagonista habla con el oráculo, y al ser consultado, éste le refiere un camino del cual, el héroe resuelve escapar. Nirvana del Risco, soberbia, culta, bella y desabrigada protagonista; bisexual, liberada de todos los cánones, desea irse del círculo que dibuja su oráculo africano y nunca llega a la estera. Es así como Nina decide bajar los estigmas y escapar a partir de la autodeterminación: ¿Debe una mujer cubana, muy pero muy bella, negra como la noche, hija de practicantes convencidos (casi fanáticos), profesar o no profesar la misma religión que sus padres y abuelos? ¿Debe o no debe seguir el estigma político de cuatro generaciones? ¿Debe Nina vivir con un europeo por-

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que todo apunta a que ésa es la única solución a su fatalismo geográfico y estético, el de ser una mujer con preceptos de belleza diferentes, a la que hieren constantemente gestos y actitudes del profundo racismo insular? En Nina se acumulan todas estas respuestas y muchísimas preguntas que muchos cubanos tenemos. En sus respuestas está la problemática escrita sobre la piel de un país que se piensa blanco y suena, como sus tambores de fundamento, líricamente mestizo. ¿Cómo surgió la idea de que la chica quisiera establecer en la provincia cubana una pequeña fábrica de lociones, cremas y ungüentos? ¿Oler bien es un elemento que ayuda a paliar los dramas cotidianos? WG: De las ganas tremendas de escapar del sol y el salitre, las cubanas todo el tiempo reinventan su belleza. Nacimos y crecimos en una constante crisis y esa tienda es un gran tributo a lo que hacemos para resistir hermosas. Se trata de la utopía de la belleza constante en una isla que no conoce Chanel pero sí conoce el cacao y el aceite de coco. ¿Qué nos podrías contar de Cuba y tus recuerdos con relación a los sentidos: el olfato, la vista, etc.? ¿Podría ser el sexo la experiencia que concentra todo? WG: “Tú hueles a Cuba”, me dijo un hombre que amé demasiado y que no había regresado a la isla en mucho tiempo. Mis lágrimas, mis sudores, mis mieles son parte de la isla de la que me alimento y en la que hacer el amor es parte de la experiencia de poseerla. Soy heterosexual, pero Cuba es la única mujer con la que hago el amor todos los días; la poseo y me posee, y esa experiencia es contada en cada libro y en cada verso que escribo de memoria.

¿Investigaste exaustivamente acerca de los negros en la historia de Cuba para consolidar lo que habrías de contar en tu novela? WG: De la mano de la gran etnóloga cubana Natalia Bolivar pude hacer de este viaje a la semilla una vuelta a mis raíces, pero desde lo creativo y académico. A ella le debo la moraleja de esta historia, donde la sabiduría no se entierra en el cementerio, sino que pasa de mano en mano a través de la literatura. Los rituales con los babalawos me hicieron más mujer, más humana, más cubana, pero más temerosa de lo que puede haber más allá de mi más acá consciente, y quiero que eso sea leído en esta novela. Para mí ha sido un viaje a una isla que yo no conocía a pesar de que la escuchaba, la olía, la sentía del otro lado de mi calle. Entenderme con ella me ha hecho mejor ser humano; más consciente de lo que me rodea y de la profundidad del drama. Esta novela es un melodrama real. Untar, tragar, sentir todos estos rituales a flor de piel es parte del proceso de escritura y parte de mi orden interior para seguir

lidiando con un país que ya expresa abiertamente sus códigos afrocubanos en el diario acontecer. Un país que hoy intenta resolver sus dolores con bárbaras y mágicas recetas que llevan sangre, plumas, aromas delicados, perfume, veneno y rezos; medicina para el alma. Probar, andar descalza sobre estas pócimas y estas endémicas soluciones me acerca mucho más al país real, no al soñado, no al imaginado, no al idílico edulcorado, reconocible país culto y supuestamente blanco; hay otra milenaria cultura con códices diferentes que nos abarca, posee y debemos asumir hasta reconocernos. Éste también es mi país y de este viaje vengo llena de dolores, rituales, miedos, furores, alegrías, utopías y accidentes sentimentales. Negra es una novela contundente, implacable, ¿acaso muchos de los lectores sentirán que vivimos en un mundo que es como una calle sin salida y del que es imposible escapar? WG: Tienes razón, de las tragedias no podemos escapar, hay que enfrentarlas. M

5 libros que exploran los sentidos

José Saramago Ensayo sobre la ceguera El premio nobel portugués nos relata, con su conocida habilidad, cómo una ciudad y sus habitantes son azotados por una epidemia de ceguera; pero no es una epidemia común, es una ceguera blanca, en la que los que la padecen sólo distinguen una gran albura. Al irse extendiendo la enfermedad, se exhibe la fragilidad y corrupción que siempre ha arrastrado la humanidad. Lo magnífico de esta novela es cómo con la carencia de un sentido vital (la vista), el ser humano se convierte en alguien terrible.

Literatura

Jonathan Santlofer Daltónico Un psicópata obsesionado con el arte, esquizofrénico, que al asesinar tiñe sus obras con la sangre de sus víctimas, para después dejarlas junto al cuerpo sin vida a manera de galería. Éste es el relato de un asesino que mira al mundo sólo en blanco y negro. Y cree percibir colores al ver brotar la sangre humana. El pintor Jonathan Santlofer se aventura en ésta, su segunda novela, para intrigarnos con una historia en la que los colores se pueden palpar, oler e incluso, saborear.

Frédéric Beigbeder 13.99 Euros La publicidad, en su afán de atraer al consumidor, ha invadido casi todo aspecto de la vida humana. A esto se refiere el escritor francés en una descripción puntillosa de cómo las empresas buscan la ganancia monetaria sin escrúpulos. El autor menciona que el ojo y el oído nunca antes habían sido tan hostigados por los anuncios publicitarios. Explica que con las estrategias de hoy, nuestros deseos le pertenecen a las marcas; no hay que dudar que también nuestros sentidos.

Yasunari Kawabata La casa de las bellas durmientes Los hombres al envejecer van perdiendo las cualidades que los hacían atractivos para las mujeres. La forma de ver su cuerpo desvanecido les provoca melancolía. La novela del japonés narra cómo el anciano Eguchi visita una casa donde se paga por dormir –sólo dormir– con vírgenes que pernoctan bajo los influjos de narcóticos. El protagonista navega por los recuerdos de su vida provocados por la tersura y el sabor de la piel de las mujeres, el sonido acompasado de su respiración, el perfume que envuelve las habitaciones y la contemplación de la belleza.

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Ray Loriga Za Za, emperador de Ibiza ¿Amplificar los sentidos? Nada mejor que una historia que reúne a Ibiza, la mafia, nihilismo, neuropsicología y una nueva y poderosa droga de diseño que es legal y provoca euforia, felicidad sin resaca y causa furor entre miles de turistas. El madrileño (nacido en 1967) reactiva su carrera con una novela de aires ballardianos que transcurre a un ritmo trepidante –entre el delirio y la intriga–.

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Un puente entre la mente y la materia TXT:: Rogelio Villarreal

La sincronicidad es una coincidencia de dos o más sucesos no relacionados causalmente y que tienen el mismo significado o uno parecido. El físico Wolfgang Pauli (Viena, 1900-1958) y el psicoanalista Carl Gustav Jung (Keswill, Suiza, 1895-1965) fueron los primeros en tratar de comprender y sistematizar un conjunto de experiencias 6y fenómenos que no encontraban una explicación satisfactoria dentro de los márgenes de la ciencia de su tiempo. La visión de un universo mecánico e inmutable predominó en el desarrollo de la ciencia moderna hasta la aparición de la teoría de la relatividad de Einstein y la física cuántica de Heisenberg y Pauli.

Referencias David Bohm, La totalidad y el orden implicado, Barcelona: Kairós, 1988. C. G. Jung y W. Pauli, Synchronicity, Bollingen Series, Princeton University Press, 1973. Arthur Koestler, Las raíces del azar, Barcelona: Kairós, 1994. David Peat, Sincronicidad. Puente entre mente y materia, Barcelona: Kairós, 1989.

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comprensión de un fenómeno o encontramos la solución a un problema que creíamos irresoluble. Los insights son raros instantes de penetración que sugieren una realidad más profunda más allá del mundo de las apariencias. Coincidencias significativas, aunque no simultáneas, son las que nos muestran los astrónomos en Los viajes de Gulliver, de Jonathan Swift, quienes sabían que Marte tiene dos lunas mucho antes de que los astrónomos de la vida real contaran con los medios para descubrirlas, y la novela de M. F. Mansfield, Titán, escrita en 1898, en la que se relata una tragedia similar a la que sufriría años después el Titanic. Películas alemanas de los años veinte, como Nosferatu, de F. W. Murnau, y El gabinete del Dr. Caligari, de R. Weine, anticipaban la agitación psicológica que explotó durante el nazismo. Los siete locos y otras novelas del argentino Roberto Arlt prefiguraban ya en los treinta la sucesión de golpes y dictaduras militares de los años posteriores. La teoría de la evolución de las especies, de Charles Darwin, también se desarrollaba independientemente en otras partes del planeta por Alfred Russel Wallace. No menos importante es el descubrimiento del cálculo hecho de manera separada por Newton y Leibniz. Por eso, los científicos hablan de las ideas que “están en el aire”, como si los conceptos nuevos tomaran la forma de transmisiones de radio, esperando un receptor competente que los capte. Pauli creía que la sincronicidad hacía posible el comienzo de un diálogo entre la física y la psicología de un modo en que lo subjetivo se introduciría en la física y lo objetivo en la psicología. La esencia de una sincronicidad está en que es un suceso individual y único, y una manifestación del orden universal. Es en virtud de esta relación entre el arreglo trascendental y el causal de sucesos mentales y físicos cómo la sincronicidad adquiere su significado múltiple. La mente individual es una especie de localización o concentración de conciencia que se despliega en el cerebro y el cuerpo del individuo, pero así como el electrón se pliega en otras partículas elementales y se pliega de nuevo en su fundamento del campo cuántico, una mente individual no se puede separar de la conciencia de la sociedad como conjunto. La mente individual se despliega de la conciencia de toda la humanidad y luego, se pliega de nuevo en un proceso continuo. Jung y Pauli concebían el nuevo universo como el equilibrio entre el continuo espacio-tiempo, la energía indestructible, la causalidad –o la conexión constante a través del efecto– y la sincronicidad –la conexión inestable a través de la contingencia, equivalencia o “significado”–. La sincronicidad no implica simplemente una forma ocasional de coincidencia, sino la relación significativa esencial entre los aspectos mentales y materiales del universo. En la comprensión de la sincronicidad reside la posibilidad de crear un mundo que restituya paulatinamente la armonía que el mismo hombre se empeña en destruir. M

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auli descubrió que el observador de un fenómeno no puede ser imparcial y que incluso afecta la naturaleza del fenómeno observado —por ejemplo, la ubicuidad de un electrón en una región del espacio se colapsa en un solo punto cuando éste es observado–. Del mismo modo, dice el neurólogo Eric Kandel, durante una conversación, dos redes nerviosas sumamente complejas actúan recíprocamente en intercambio: “El mecanismo de las neuronas del cerebro de una persona es capaz de ejercer un efecto directo y duradero sobre las conexiones sinápticas modificables del cerebro de la otra”. Einstein y Pauli descubrían un universo más complejo de lo que se suponía: el tiempo no es lineal, sino un continuo del espacio y transcurre de distintos modos dependiendo del punto de vista del observador. La contribución más importante de Pauli a la física cuántica es el principio de exclusión: en el nivel cuántico, todas las partículas y cuantos elementales de energía se pueden dividir en dos grupos. Electrones, protones, neutrones y neutrinos forman un grupo y actúan de manera antisimétrica, en tanto que el otro incluye mesones y fotones de luz y se mueven de manera simétrica. En el primero, la naturaleza de ese movimiento tiene el efecto de mantener las partículas con la misma energía apartadas siempre unas de otras. El patrón fundamental de la danza entera ejerce un profundo efecto sobre el comportamiento de exclusión, lo que provoca que los electrones en un átomo se amontonen en una serie de niveles de energía y hace que un átomo sea químicamente distinguible de otro. La danza simétrica del principio de Pauli funciona, por ejemplo, en la intensa luz coherente del rayo láser, en tanto que la danza antisimétrica libra una batalla constante contra la fuerza de gravedad, lo que explica los colapsos de las enanas blancas y los hoyos negros. Pauli había encontrado un patrón abstracto debajo de la superficie de la materia atómica. Jung, después del distanciamiento de Freud, continuó explorando áreas profundas y desconocidas de la psique humana, y propuso una estructura ordenada del inconsciente en lugar de la maraña freudiana de represiones e instintos. Los tipos psicológicos son el resultado de un equilibrio entre las fuerzas de la intuición, la sensación, el pensamiento y el sentimiento, según Jung, quien encontraría que más allá del inconsciente personal, la mente posee una rica estructura de fuerzas dinámicas, patrones simétricos y centros autónomos de energía, esto es, el inconsciente colectivo, conformado por los arquetipos: los elementos formadores de la estructura de la mente. Jung y Pauli estaban seguros de haber descubierto el patrón fundamental del universo, el cordón umbilical que conecta el pensamiento, los sentimientos, la ciencia y el arte con la matriz que los originó. Así, el universo se plegaría y desplegaría sucesivamente en cada una de sus partes, desde las más pequeñas, hasta las más grandes. Para ellos, detrás de los fenómenos del mundo material habría un orden generativo y formativo al que llamaron inteligencia objetiva. Quizá todos hayamos experimentado coincidencias sorprendentes y significativas: saber quién nos llama cuando suena el teléfono, pensar en alguien y encontrarlo al poco rato, tener de manera simultánea la misma idea que un colega de la universidad, conocer de antemano el número premiado de un sorteo, leer una palabra y escucharla al mismo tiempo en voz de alguien más. Estas coincidencias se producen en momentos de transformación o excitación intelectual, creativa o afectiva, como si la reestructuración interna produjera resonancias externas o como si una explosión de “energía mental” se propagara hacia el mundo físico. Asimismo, con alguna frecuencia experimentamos insights, cuando repentinamente nos llega la

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TXT:: Lenin Calderón

El nombramiento de 2014 como el año de Octavio Paz desempolvó, entre muchas otras cosas suyas, un breve poema que es retrato fiel de la condición humana y la gran distancia entre nosotros mismos y nuestros propios orígenes: “Anoche un fresno / a punto de decirme / algo –callóse”. La líneas, que en realidad conforman un haikú, llevan por título “Prójimo lejano”, y su brevedad imita el llamado de la naturaleza a un ser que ya no habla el mismo idioma. Hace mucho que el hombre se emancipó y se distinguió de los demás animales; pero, en el momento en el que se inventó un lenguaje propio, dejó de comprender el de las plantas, los animales y los elementos naturales. Una carga prometeica, pues cada que el hombre cree haber recibido la llamada del cosmos, algún razonamiento lógico o certidumbre científica lo convencen de que se trata de un número equivocado.

Eliade, Mircea; Chamanismo y técnicas arcaicas del éxtasis. FCE, México, 2001. Pág. 17. 2 Ibid. Pág. 20. 3 Mircea, Eliade; Lo sagrado y lo profano. Guadarrama/Punto Omega, México, 1981. Pág. 38. 1

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de chamanes muertos, seguido de la extracción y renovación de órganos internos y vísceras, y la ascensión al cielo para dialogar con los dioses, seguidos por el descenso al infierno para aprender de los espíritus de las enfermedades, la cura de las mismas. Muchos piensan que la única diferencia entre un chamán y un epiléptico, es que a éste le es imposible llegar al trance por voluntad propia. Aunque actualmente estos individuos mágicos nos parecen tan lejanos como Alaska y sabemos de ellos apenas lo que la película de Los Simpson nos muestra, su presencia está más a la mano de lo que nos podríamos imaginar. Cualquiera que haya tenido la fortuna de voltear hacia el oriente de nuestra ciudad en un día despejado (una verdadera especie en extinción chilanga), descubrirá dos enormes montañas. Una es un volcán inactivo con forma de mujer dormida, la otra es uno de los volcanes activos más grandes de América. No será de extrañarse, entonces, que desde hace muchos años dichas montañas hayan generado un fuerte vínculo y una relación amor-miedo con las comunidades que las rodean. La tierra rica y fértil que rodea los volcanes también retumba de vez en cuando, como recordándonos el poder destructivo de una montaña cuyas gigantescas fumarolas son capaces de teñir el cielo entero y oscurecer los días. Una montaña de tales dimensiones ha generado un culto al espíritu de la misma en muchas poblaciones de Puebla, Tlaxcala, Morelos y el Estado de México. Lo que en estos sitios tan cercanos al Distrito Federal conocen como tiemperos o graniceros, no son otra cosa que los chamanes de nuestras tierras. Ellos, a lo largo de incontables generaciones, han sido tocados por el poder del rayo y azotados por las enfermedades para después ser instruidos en sueños y trances catatónicos acerca del oficio. Igual que los chamanes de otras partes del mundo, los graniceros del Popocatépetl reciben revelaciones acerca de cómo curar ciertas enfermedades que azotan a sus comunidades o cómo solicitar la lluvia, no sólo para la región, sino para el mundo entero. Las plegarias de los graniceros tienen siempre, y desde hace más de mil años, dimensiones universales. El culto a la montaña también es un fenómeno constante en diversas culturas. Eliade habla de la “montaña cósmica”, un sitio que es “vínculo entre el Cielo y la Tierra, y se cree, por lo tanto, que se halla en el Centro del Mundo”3; no por nada los graniceros del Popo piden buenas aguas para todo el planeta. En las cuevas que penetran al Popocatépetl y al Iztaccíhuatl (verdaderas vías de comunicación con el inframundo), se celebran rituales y se rinden ofrendas al espíritu de Don Goyo para que haga llover. Las ofrendas son muy similares a las de Día de Muertos y los rituales incluyen pequeñas “maquetas” donde se hace caer agua en unos vasos con la ayuda de trozos de algodón: un verdadero microcosmos en el que se representa e imita la lluvia con la esperanza de tener repercusiones en el macrocosmos. Quizá sólo la próxima y muy temida erupción de nuestro colosal volcán haga que nos acordemos de los graniceros. Podemos estar seguros de que durante el pánico, más de uno nos dirigiremos a Don Goyo y le suplicaremos de forma personal. En el fondo, confiaremos en que aquellos con el poder de comunicarse con los dioses o las fuerzas naturales, los convencerán de no convertirnos en cenizas y prometeremos pedir, durante nuestra próxima visita al brujo local, por el bienestar colectivo en lugar del clásico amarre a la vecina del 601. M

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tras presencias con las que el hombre desearía comunicarse incluyen al viento o la lluvia –en el plano natural– y a los dioses o los espíritus de los muertos –en el plano sobrenatural–. A pesar de la desilusionante experiencia del poema de Paz, hay que recordar que desde tiempos inmemoriales han existido individuos con el poder de comunicarse con estas fuerzas inexplicables y han servido de vínculo entre numerosas comunidades y sus muertos, sus creadores o los elementos naturales de los que dependen. Aunque la mayoría de los sacerdotes de nuestras diversas culturas cumple la misión de vaso comunicante entre lo humano y lo divino, la diferencia está en el ritual. Los individuos conocidos como chamanes, a diferencia de los sacerdotes del mundo judeocristiano, practican rituales que incluyen el desprendimiento del alma para que visite tanto a los dioses de los cielos, como a los espíritus de los muertos en el infierno. Con los años se ha comprobado la existencia de estos seres especiales en prácticamente todas las culturas. Al principio se creía que los chamanes sólo existían en las zonas más al norte como Siberia o Alaska, ya que sólo bajo las inclementes condiciones de dichos lugares (temperaturas extremas bajo cero, falta de vitaminas y escasez de alimento, inviernos oscuros y prolongados, etc.) podría un individuo conseguir el trance cataléptico real durante el que el alma abandona el cuerpo y viaja hacia los cielos o los infiernos. Autores como Mircea Eliade reunieron valiosa información durante sus investigaciones por todo el planeta en cuanto a las características de los chamanes y el descubrimiento y desarrollo de sus poderes únicos. Uno de los rasgos más evidentes en prácticamente todos los casos es que “se llega a ser chamán a consecuencia de una elección divina o de un accidente”1, y aunque también existen casos en los que los poderes son heredados, los chamanes que han sido “elegidos”, son los más reconocidos. Los estudios de Eliade también han permitido establecer el perfil de los individuos escogidos para cumplir con este oficio, cuyo valor comunitario es clave, pues el chamán también recibe, entre sueños y durante trances, instrucciones de cómo curar diversas enfermedades. Son siempre individuos enfermizos y propensos a sufrir desvanecimientos –que muchos han relacionado con la esquizofrenia–, durante los cuales son contactados por espíritus que los adiestran, les “dan de comer” y les advierten que su elección es inapelable y para siempre. Las señales de que alguien ha sido elegido pueden ser tan etéreas como un sueño y tan apabullantes como un rayo: “Debilidad, enfermedad nerviosa, vocación espontánea o por herencia son otros tantos signos de una ‘elección’. A veces, los signos son físicos (debilidad connatural o adquirida), otras veces se trata de un accidente, incluso los más comunes (caer de un árbol, ser mordido por una serpiente, etc.); pero habitualmente la elección se anuncia por medio de un accidente insólito; rayo, aparición, sueño, etc.”2. La información obtenida por diversos etnógrafos y testimonios de los mismos chamanes en todo el mundo permiten conocer un poco más lo que pasa al interior de rituales tan herméticos como una iniciación chamánica. Los individuos escogidos para desempeñar este oficio sagrado entran en un estado cataléptico –ya sea por enfermedad o por haber sido tocados por el rayo– que puede durar varios días, tiempo durante el cual la gente los cree muertos. Ellos, mientras tanto, tienen una experiencia extática que implica sufrimiento, muerte y resurrección. Los sufrimientos incluyen el desmembramiento del cuerpo a manos de los espíritus

OFF THE RECORD

ILUS :: JOAO LUCIGNANO

TXT:: Arthur Alan Gore Novelista, soñador y Editor en jefe de Playboy México.

@arthuralangore

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n una ocasión, durante una fiesta, me sorprendió la pasión que uno de los bebedores imprimía al descalificar la música de Adanowsky. No soy fan from hell del hijo del creador de la psicomagia, pero me intrigó que alguien dedicara tanto tiempo y energía en su conversación para expresarse mal de un cantante. Todo: desde la voz hasta la ropa del artista aludido, parecía producirle asco al tipo que, cerveza en mano, no paraba de despotricar en contra de Adán. Ya con la Victoria tibia en la mano –y me refiero a su bebida, no que hubiera triunfado en el debate, pues había una chica que defendía a ultranza al ídolo– salió el peine: nos confesó que su novia había tenido un crush con el músico. Es decir, que se lo había echado al plato. Al desconocido se le retorcían las tripas con la sola idea de tener que vivir siendo milky brother de una estrella de rock. A un amigo mucho más cercano, en cambio, le divierte bastante contar que durante mucho tiempo anduvo tras los huesos de una mujer muy bella, militante de la cultura dark, que después se enteró, pasó varias noches en los brazos del cantante de Human Drama, Johnny Indovina, cuando él visitaba a México. Mi amigo suele bromear: “¡Rayos! Si ella me hubiera pelado, yo sería milky brother de Johnny”. Algunas personas manifiestan una fuerte obsesión acerca del pasado sexual de sus parejas. Especialmente los hombres, aunque he descubierto que algunas mujeres también rayan en los celos patológicos al respecto, sólo que en su caso, lo que las puede sacar de quicio es que uno se haya enamorado de una integrante de una banda, aunque jamás hayan compartido las sábanas. A mi ex apenas había que mencionarle a la bajista de una banda heavy metalera de la que viví platónicamente (y aquí el nombre del filósofo es sinónimo de estúpida, absurda, inútilmente) enganchado para que ardiera Troya. Sólo una vez la bajista y yo nos dimos un beso (de piquito) y, sin embargo, mencionar su nombre delante de mi pareja bastaba para invocar a Satanás. Recuerdo a una chica que era amante de base (cuando la banda solía hacer “base” en México) de uno de los Babasónicos, hace ya mucho tiempo. Un día, el marido

descubrió uno de los correos electrónicos en los que su mujer y el argentino comentaban su romance de ocasión y, a partir de ese momento, no pudo volver a escuchar la música de los creadores de “Putita”. He de confesar que también fui milky brother de un músico relativamente famoso. Mi novia en la universidad tuvo un amorío “estrambótico” e incluso, fue inmortalizada en los versos de una canción. A muchos años de aquel suceso, puedo decir que el tema en cuestión me gusta y lo tengo en mi iPod. Existe una teoría que sostiene que entre dos personas cualquiera en el mundo existen seis diferencias. Es decir, entre Jack White y tú, median seis seres humanos que se conocen entre sí, como en una cadena. Si le rascamos –pensemos por un momento cada quien en el total de los compañeros sexuales con los que hemos compartido ratos de placer–, también es probable que todos seamos milky brothers o milky sisters de alguna estrella de rock de altos vuelos. De más de una, puedo asegurarlo. ¿Sería un pretexto para que nos dejara de gustar una canción? Déjenme decirles que si descubriera que algunas de mis “ex” fue grupie de Mark Jansen, el guitarrista de Epica, para mí significaría que indirectamente alguna vez besé a Simone Simons, la cantante de la banda holandesa, ex novia de Mark. De sólo imaginarlo, me hierve la sangre. Al que le quede la chaqueta mental, que se la ponga. M

EL CUADERNO AMARGO T X T : : Pa o l a T i n o c o

ILUS :: FERNANDA COLÍN

Escritora, editora y promotora literaria que siembra el terror @paolatinoco

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estando en medio de una muchedumbre. El antifaz tiene una función para ajustar la vista y percibir imágenes más detalladas de lo que podríamos ver normalmente, y por si tal regalo fuera poco, este recorrido visual puede grabarse y enviarse a una computadora en caso de que sea necesario trabajar sobre las imágenes captadas. Los desarrolladores de Eidos, Tim Bouckley, Millie Clive-Smith, Mi Eun Kim y Yuta Sugawara (no podía quedar fuera del equipo algún japonés para entrar en el cliché de los científicos), piensan en aplicar esta máscara para mejorar el trabajo periodístico o analizar movimientos y técnicas deportivas; sin embargo, no dejo de pensar en qué podríamos conseguir si nuestros cuerpos pudieran ser optimizados al mismo tiempo que avanza la tecnología. ¿Qué experiencias tendríamos si la amplificación de nuestros sentidos pudiera controlarse en tiempo real? De la misma forma que las series de ciencia ficción, se han quedado viejas con los avances tecnológicos, en cualquier momento podríamos vernos aumentando o disminuyendo lo que percibimos a través de los sentidos como si tuviéramos un dimmer sensorial. Y sin resaca. Por cierto, ¿ya no va a volver nunca el Tecnogeist?. M

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unca disfruté tanto de la música y del baile como cuando tuve a bien consumir LSD en el legendario festival Tecnogeist, hace varios años ya. Esa no era yo, sino una súper heroína con habilidades metahumanas que, después de lamer un papelito, se había sumergido en una orgía de sensaciones; pero, entre otras cosas, me había agenciado el privilegio de agudizar especialmente el sentido de la vista y del oído. Todos los colores eran más brillantes de lo normal, los rostros que me rodeaban eran amigables, la música penetraba por todos los poros de la piel, era como tener oídos por todas partes. La sensación de bailar era dar permiso a todas las partes del cuerpo para flotar. Todo bien, pero al día siguiente, había que ir al cementerio de neuronas y esconder los cuchillos, porque la euforia y el aumento en la sensibilidad general pasaba la factura. Luego de derrochar sonrisas por cinco horas non stop, venía la ausencia de sensaciones, la tristeza, diría yo, de extrañar a la heroína y volver a ser una persona corriente. Todos estos años después, me gustaría volver a sentir la música de esa manera o a ver largamente una pintura con los ojos desorbitados por el disfrute de los colores, o la percepción de un movimiento que no está ahí, pero que puedo imaginar por la ultra sensibilidad. Lo que no me puedo permitir más es la pérdida de neuronas caídas en batalla ni sufrir esas resacas monumentales. La buena noticia para mí es que algo de eso puedo tener, no todo, pero podría tenerlo a través de Eidos. Y no corran con su dealer de confianza, que no es una droga de diseño, no es el trago que va a derribar la popularidad del mezcal, ni nada semejante: unos estudiantes del Royal College of Art de Londres, se inspiraron en los superhéroes para diseñar una máscara que amplifica precisamente los sentidos del oído y la vista a la que bautizaron como Eidos. Esta máscara, de proporciones un tanto exageradas aún (al ponértela te conviertes en un gallardo Stormtrooper), se divide en dos partes: una que cubre la boca y los oídos, y otra a manera de antifaz, que cubre los ojos con una rejilla a través de la cual se puede ver perfectamente el exterior. La parte que cubre las orejas permite escuchar el sonido de nuestra elección, incluso

SANGRE DE METAL T X T : : CHICO M I G R A Ñ A Chico Migraña, metalero y ya.

la-sangre-de-metal.blogspot.com

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í, no es un mito: el pasado 12 de abril quedó claro que aún existe la escena de metal mexicana. Y no se trata de establecer bajo ese nombre a la gente que se congrega alrededor de conciertos internacionales, no. La escena en cada parte del mundo se establece conforme el público apoya a las agrupaciones locales. En México, eso suele ser lo último en la lista de los metaleros. El nuestro es un país un tanto hipócrita en ese aspecto; uno en el que las bandas que cantan en español son acusadas de nacas porque el rock nació cantado en inglés, y aquellas que cantan en inglés son acusadas de posers (pretensiosos) porque no es su idioma natural. Compleja paradoja que esa tarde/noche en el Polyforum Cultural Siqueiros quedó desterrada: Mil doscientas personas dieron fe en diversas circunstancias de que el heavy metal es mucho más de lo que las mentes obtusas creen, de lo que los censores en el gobierno en todos sus niveles difunden, de lo que diversos medios miopes informan: el metal es una forma de vida creada en el planeta tierra y se constituye de seres humanos normales, aunque cueste trabajo creerlo. Black Overdrive, Profanator, Raped God 666, Intoxxicated, Maligno, Voltax, Los Viejos, Agora y Luzbel se dieron cita para amplificar los sentidos de más de un millar de personas que creen en la escena mexicana y que, además, atendieron el llamado de Casa de la Amistad y Ogilvy and Mather para convertir en éxito rotundo una idea que de entrada parecía arriesgada: convocar a los metaleros a que se cortaran un mechón de cabello de 25 centímetros de largo para donarlo en beneficio de los niños con cáncer y con escasos recursos. Con eso se harán pelucas. Quienes no tenían cabello suficiente pagaron 70 pesos. Para las cinco de la tarde se colgaron los letreros con la leyenda “Entradas Agotadas” y justo en ese momento

quedó claro: sí, existe la escena metalera mexicana. Sería muy arriesgado creer que sólo la noble causa fue el motor para que un millar de personas atendieran el llamado. Desde mi punto de vista, el cuarteto Maligno, Voltax, Ágora y Luzbel, cobijados por las otras cinco bandas, sumaron un cartel que ameritaba esa respuesta. Y el marco para que todo sucediera era inigualable, el escenario estaba colocado debajo de unas enormes manos, parte del mural de Siqueiros que decora el Polyforum, el audio y la producción en general eran de primer mundo, y así, con condiciones dignas, nuestras bandas son perfectamente capaces de demostrar que el metal hecho en México rifa, y mucho. Maravillosa tarde que borró en muy buena medida el mal sabor de boca que dejó la mezcla de represión imbeciloide por parte del gobierno mexiquense y la franca incapacidad de los promotores que dieron al traste con el Hell and Heaven Corona Metal Fest. Sin embargo, ésa es otra historia. Nada opacará lo sucedido en el Poliforum: himnos como “Pasaporte al Infierno” o “Shine” de Luzbel y Maligno respectivamente; el enorme mosh pit con Intoxxxicated y Voltax; el placer de ver a nueve bandas mexicanas con espacio, producción y público dignos, una verdadera amplificación sensorial, inédita en nuestro país. M

ESTILO ¡La primavera está allá afuera! El primer verdor. La juventud. Restauración. Renacimiento. Volver a arrancar. Sacar todo lo viejo. El sol. El calor. El clima alocado. La ropa ligera. Más Sol. Sonrisas. Diversión. Y, claro, ¡sol, sol y más sol!

MYKITA en México

Hay que disfrutar la primavera con los ojos bien abiertos, y para tanto sol, estrenando unas gafas MYKITA, marca alemana de óptica hecha a mano que ya se puede adquirir en México. Su catálogo tiene modelos de acero inoxidable, acetato, MYLON; femeninos, masculinos y unisex; redondos, ovalados, cuadrados: de corte aviador, de mariposa; estrechos, medianos, amplios; sobrios, audaces, divertidos... Así como a ti te gustan, hay unas gafas MYKITA.

Estilo y Tecnología

Ford Ikon 2014

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Ha llegado el mes de las madres, ése en el que tratarás como una reina a quien te dio la vida. Pero no sólo debes hacerlo durante estas fechas, sino todo el tiempo. Y como ella se merece lo mejor, coméntale tu deseo de llevarla a pasear bajo el calorcito primaveral, adonde ella quiera, dentro de un coche a su altura; por ejemplo, en un Ford Ikon. Convéncela de que no se trataría de un gusto sólo tuyo, sino para amb@s. Junt@s podrían elegir el color que más les guste (azul dinámico, amarillo amanecer, gris mercurio, rojo pimienta, blanco diamante y negro brillante) y decidir entre la versión Ambiente y Trend. Si dudar cómo sugerirle a mamá que te compre un Ford Ikon, recuérdale que éste nunca te fallará, ya sea de vacaciones o en el día a día en la ciudad; su interior espacioso, cómodos asientos con cabeceras delanteras de dos posiciones, terminados suaves al acto, toma de corriente delantera, sistema de audio multiformato y aire acondicionado manual, les aseguran un placentero viaje; además, su sistema de ahorro de gasolina, transmisión manual de cinco velocidades, tracción delantera y frenos disco/tambor, significan tranquilidad y facilidad de manejo. Con todo esto, tu mamá no dudará en comprarte tu Ford Ikon. Visita yoquierounikon.com para más información.

Kate Spade New York para KEDS

Con la fuerte rotación de las faldas y shorts del armario de las chicas, viene el calzado más divertido. Con gusto impecable y todo el respaldo de la marca Kate Spade New York, viene esta colaboración para KEDS, Primavera 2014, que van a colorear tus pies y llenarte de sonrisas. Los modelos Champion, Rally y Pointer lucen materiales como el corcho, piel natural y lona, definiendo una paleta de colores divertidísima.

tecnología

¿Smartphone de primavera? “Lime & Pink Xperience” en los nuevos Sony Xperia Z1 Compact

Llena de energía adicional a tu smartphone y sigue con tu rutina sin tener que detenerte porque “te has quedado sin pila”. Llegó la batería externa Arcoíris, que te permite estar en contacto con tus amigos a todas horas sin que el chat se desconecte. Su diseño colorido, práctico y cómodo la hace perfecta para guardarla en el coche, en tu bolsa o en donde prefieras. La batería externa Arcoíris de MOBO solucionará el problema de quedarte sin energía. Más información en: www.MOBO.com.mx.

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Energía de repuesto para tu teléfono en la batería MOBO®

Tecnología

Los colores llamativos y brillantes marcan tendencia esta primavera-verano 2014. Y Sony Mobile presenta el nuevo Xperia Z1 Compact, un smartphone compacto que al modelo en blanco y al negro, suman los colores lima y rosa, mismos que resaltan y marcan el estilo de cada persona e integran la mejor tecnología de Sony: - Pantalla de 4.3” (tamaño ideal que cabe en la bolsa del pantalón) y cámara de 20.7 megapixeles, que captura foto y video de gran calidad con la misma tecnología de las cámaras digitales Sony, pero ahora en un smartphone compacto. - Equipo resistente al agua diseñado para tomar foto o video a una profundidad de 1.5m y 30 minutos de funcionalidad bajo estas condiciones. - Aplicación Timeshift burst para capturar 61 imágenes en 2 segundos, y así escoger la fotografía perfecta sin tener que repetir la sesión. - Aplicación Info-eye, una poderosa herramienta de búsqueda en internet a partir de tus fotos. - Aplicación Social live para transmitir videos en vivo a través de Facebook y compartir con otras personas que no estén cerca los mejores instantes del día, además de ver los comentarios de amigos directamente en la pantalla del smartphone y tiempo real. - Aplicación AR effect que ofrece una variedad de animaciones personalizables para crear películas divertidas, con tecnología de realidad aumentada SmartARTM de Sony. - Batería diseñada para mantenerse siempre conectado por más tiempo con su modo STAMINA, que apaga automáticamente algunas funciones que no están en uso y las vuelve a activar cuando es necesario. - Función One-touch con tecnología NFC, que sincroniza tus equipos y accesorios, como el Smartwatch2, que te muestra notificaciones de redes sociales, mensajes, llamadas e incluso, permite contestar el smartphone.

Vivir con un súper oído

TXT:: Arthur Alan Gore @arthuralangore Cuando iba en primero de primaria, a Luca Ortega lo corrieron del coro en el que participaba. Días antes, falleció la pianista que solía acompañar a los pequeños cantantes y el profesor de música tomó su lugar. Pero a Luca le parecía que la canción no estaba bien tocada. “Le dije que lo estaba haciendo en otro tono y me corrió”, recuerda. Con más tiempo libre para experimentar, el futuro baterista de San Pascualito Rey se dio cuenta de que él era capaz de reproducir las melodías que tocaba su primera maestra sin necesidad siquiera de haberlas estudiado. Poseía una memoria auditiva perfecta.

E El pilón

l oído absoluto permite a sus poseedores identificar una nota por su nombre sin tener a la mano la nota referencial. Es decir, una persona como Luca puede decirnos en qué nota “suena” la caída de una moneda al piso o el chasquido de los dedos de un jefe enfadado porque no está listo un reporte. “Cuando voy por la calle, escucho notas en los motores de los autos, los timbres de voz de las personas, los rechinidos de las llantas, los pájaros o el viento. Lo más bonito es que, de repente, suceden bonitas coincidencias, como que el paso del Metro hizo armonía con el claxon de un tráiler”. Incluso, añade: “Hay una parte de la que no se habla mucho del oído absoluto, y es que puedo reconocer cuando una persona cercana me quiere mentir, sólo por el tono de su voz”.

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WOLVERINE EN LA BATERÍA Obviamente una capacidad como esta representa un poder digno de un X-Men en el mundo de los músicos. Luca es compositor, arreglista y multiinstrumentista (practica canto, guitarra, batería y piano), además de dirigir coros o trabajar como director musical en estudio para diferentes artistas. Sin falsa vanidad, reconoce que aprender a tocar fue mucho más sencillo con su condición. Estudió la licenciatura en la Universidad de Texas y actualmente dedica más de tres horas diarias al piano y al acordeón. La suya fue una pasión que se presentó tan temprano, que a los 12 años ya estaba tocando la batería en una banda en la que el integrante que le seguía en edad tenía 26 años “Me corrieron porque no podían tocar en ningún bar, ya que su baterista era menor de edad”, dice Luca. “Dicen que algunos músicos con oído absoluto somos flojos para practicar, y en mi caso es cierto –ríe–, pero es que yo sacaba canciones sin estar buscando

los acordes por dos horas; es más, los tocaba sin saber ni cómo se llamaban. Hoy en día, cuando trabajo en el estudio con un grupo, puedo corregir al cantante tocándole las notas en el piano sin conocer los arreglos de su tema, sólo escuchándola una vez. También puedo escribir partituras en un papel sin tener el instrumento a la mano y sé perfectamente cómo va a sonar”. Para otros músicos con oído absoluto con los que convive, esto es, a la vez, una especie de maldición. En ocasiones, una canción desafinada produce dolores de cabeza: “No es mi caso, mi oído se adapta bastante bien a lo que estoy escuchando”. Luca no tiene preferencias respecto a disfrutar la música en CD, vinilos o archivos, siempre y cuando las bocinas o los audífonos que utilice sean de buena calidad. Cuando asiste a un concierto, procura usar tapones para protegerse y nunca se coloca hasta el frente, sino cerca del ingeniero de sonido. También se protege cuando toca con San Pascualito y procura tener muy buena higiene para cuidar su “súper poder”. No lleva piercings en las orejas: “No quiero que el sonido pase a través de una pieza de metal antes de llegar a mí”. “Músicos que respeto mucho, como Álex Otaola, sí lo ven como un súper poder”, menciona, “para mí es natural, no es algo que compré o desarrollé, sino que así nací. No sé escuchar de otra forma”. Sólo hay un tipo de música que no soporta y explica: “La que está de modita, que suena en la radio, las que tienen el entendido de que va el verso y sigue el coro y una nota larga en la quinta del acorde. Lo escucho en el pop, la grupera, el reggaetón, las baladitas y hasta el rock. Es cuando digo: ¿quién carajos hizo el molde para irlo a romper?”. M