MIGUEL RODARTE
FOTO CARLOS MORA
"BEETLEJUICE 2"
FOTO CARLOS MORA
CARLOS GATICA
EL PARAÍSO DE
MIGUEL RODARTE
EL ACTOR interpreta a un político en la película "Casi el paraíso", basada en la novela homónima del escritor y periodista mexicano Luis Spota, publicada en 1956. El primer gran bestseller mexicano reflejaba los cambios políticos y sociales en el México de aquella época y ahora se adapta a la época actual en la ópera prima del director Edgar San Juan.
El elenco cuenta con talentos como Esmeralda Pimentel, Karol Sevilla, el actor italiano Andrea Arcangeli y Maurizio Lombardi, entre otros. Después de 10 años de trabajo y gestión, "Casi el paraíso" combina comedia, thriller y drama para abordar la vida del Conde italiano Ugo Conti (Andrea Arcangeli), quien descubrió el paraíso en nuestro país al lograr que la alta sociedad mexicana se rindiera a sus pies. Alonso Rondia (Miguel Rodarte), un político con sueños de grandeza, ve en Conti su pasaporte al poder, ofreciéndole lujos, dinero ilimitado y el corazón de su hija Teresa (Karol Sevilla). Mientras el Conde aprovecha su relación con Alonso, se reencuentra con Frida Becker (Esmeralda Pimentel), el amor de su vida y la única persona que conoce toda la verdad sobre el oscuro pasado que lo persigue.
En la serie "Sierra Madre" interpretaste a un político, y ahora en "Casi el paraíso" vuelves a encarnar a otro. ¿Qué es lo que te atrae de dar vida a personajes políticos?
Me han llamado para hacer más políticos y he tenido que rechazar varias propuestas. Siempre he sentido una fascinación por las novelas históricas y políticas, es decir, por aquellas historias que giran en torno al mundo político. No sé exactamente por qué, pero cuando estaba en la preparatoria, antes de considerar ser actor, pensé en una carrera política.
Sin embargo, creo que tomé la decisión correcta al elegir la actuación, ya que me permite mostrar diferentes caras y ángulos que no necesariamente son los míos, y es lo que se espera de mí. En cambio, como político, mostrar caras y ángulos que no son auténticos, manejar una especie de doble moral e hipocresía, como lo hace mi personaje en "Casi el paraíso", podría no ser lo más beneficioso para mi salud mental y paz emocional.
¿Cómo fue el proceso para construir a este político?
Primero que nada, creo que es importante hacer una revisión realista y honesta de cómo es la clase política en México, sin juzgar, simplemente observando su comportamiento y toda la información disponible sobre ellos.
A medida que se asciende en la escala del poder, la influencia sobre proyectos y personas aumenta. Al interpretar a un secretario de estado en el contexto actual, he notado que no ha cambiado mucho desde que leía novelas en la preparatoria.
"CASI EL PARAÍSO"
Distribuidora: Cinépolis
Distribución
Aunque han surgido nuevos partidos, no han aportado un cambio significativo. La gente desea un país unipartidista, no está interesada en la pluralidad, y no hay una verdadera afición por la democracia en México.
Me alimenté de la realidad mexicana para poder crear este personaje, y obviamente del planteamiento que hace la novela de Luis Spota sobre los vicios que tiene este personaje en particular. Como tú bien dices, está hecho para que lo vayas descubriendo capa por capa. Cada vez que le quitas una, ves algo más horroroso del personaje, y al quitarle otra, vas viendo una esencia brutal que te hace cuestionar cómo estas personas pueden dormir tranquilamente sabiendo que están pisoteando a millones día tras día.
Hablando de política, ¿crees que ha cambiado en México?
No lo creo. Siento que hay una afición por mantener el
poder a toda costa. La voracidad del político de 1950 a la del político actual sigue siendo la misma. Eso me impresiona mucho porque, ¿dónde está el servicio social, el servicio público? ¿Dónde está la vocación de buen gobierno y de traer beneficios al pueblo? No lo veo en México desde que nací hasta hoy. Hoy en día, aunque se disfracen de mesías, bondadosos, o promotores de una nueva visión del país, son mentiras; no me trago nada. Quieren quedarse con el poder, no por criticar a una persona en particular, sino al sistema político mexicano, que ya está muy corrompido. Siento que está podrido para los fines que fue creado: traer beneficios al pueblo. Aquí no existe el servicio público, sino el servicio propio, y eso lo vemos día a día. Basta con abrir el periódico, leer una novela, o conocer a una persona política para darse cuenta de ello.
¿"Casi el paraíso" es una película que se alimenta
de muchos géneros, como el thriller, la comedia, el humor negro?
Estructuralmente, la película tiene una base de comedia, con tintes tragicómicos. Como en toda buena comedia, para mí no se trata de hacer chistes, sino de criticar vicios. Se rompe un orden y se tiene que restablecer de alguna manera. En ese sentido, estructuralmente, la película cumple con ese fin, al igual que la novela. Creo que es una excelente manera de tratar estos temas y a la vez entretener, porque te haces receptivo ante la risa y la comedia, pero también te mueve a lugares incómodos como espectador, haciéndote cuestionar dónde estás tú y dónde estamos todos como sociedad y como mexicanos.
¿Cómo es trabajar con grandes elencos?
Cada nueva producción es un desafío porque nunca sabes con quién te tocará trabajar. Sin embargo, creo que parte de la responsabili-
dad que tenemos los actores al abordar un personaje o una historia radica en el contacto que tenemos con los demás actores. La manera en que te presentas ante ellos como una persona accesible a nivel creativo y personal es crucial, ya que estamos tratando con emociones, con niveles muy íntimos, y con cercanías que a veces son impuestas por la historia y a las que debemos dar verdad. En la medida en que te presentes con accesibilidad y apertura, se va generando una atmósfera de trabajo que debe ser propiciada desde arriba, por el director, y también por ti como actor. El otro actor debe ser lo suficientemente receptivo para devolverte esa apertura, creando un círculo virtuoso. Es maravilloso estar en un proceso creativo donde todos aportan su talento y se genera algo extraordinario. Creo que eso es lo que sucedió en "Casi el paraíso", gracias a la visión del director y a la disposición de todos los involucrados.
¿Qué necesita un proyecto para que digas "lo hago", sin importar que sea una ópera prima de un director?
Siempre busco personajes que ofrezcan algo distinto a lo que estamos acostumbrados a ver. "Casi el paraíso" es una novela histórica mexicana que hace una crítica muy aguda a la sociedad, como solo Luis Spota sabe hacerlo. Sabía que tenía en mis manos una aportación valiosa para la reflexión y el comentario sobre la sociedad en la que vivimos. Me interesa que la historia tenga una aportación original, auténtica, diferente.
También cuido mucho los realizadores, el nivel de producción y el equipo con el que voy a trabajar. Busco personajes que me reten, que me sorprendan, y que me ayuden a explorar registros nuevos.
Me gustaría que la gente, al ver mi nombre asociado a un proyecto, piense que será algo impresionante, diferente, y que los sorprenderá.
¿México es un paraíso para las producciones cinematográficas?
Creo que México trabaja muy bien a nivel cinematográfico. Tenemos algunos de los mejores técnicos a nivel mundial. He trabajado en diferentes países y el nivel de todo el equipo de trabajo en México es impresionante, desde tramoya, iluminación, vestuario, arte, fotografía. En las últimas
décadas, México ha ganado fuerza como industria y los realizadores han encontrado un público abierto a recibir sus propuestas. Esto nos fortalece como creadores, ya que cada vez tenemos más herramientas y un público que responde a lo que queremos comunicar. Es un ganarganar. En la medida en que sigamos así, continuaremos creciendo armoniosamente, tanto audiencia como realizadores.
¿Qué te dejó participar en "Casi el paraíso"?
Es una gran película. Cuando hice "El tigre de Santa Julia", era una de las películas más grandes de su época, con un presupuesto gigantesco para entonces y aún para ahora. En términos cinematográficos, es una película grande.
He tenido la fortuna de participar en proyectos que cada vez tienen mayor impacto y espectacularidad, como "Casi el paraíso", que es una coproducción con Italia y cuya historia se enriquece con esta colaboración. Creo que cada vez nos dirigimos más hacia la posibilidad de hacer cine espectacular. Sin desmerecer el cine más independiente, que también tiene una voz fuerte, en este tipo de proyectos el ingenio, la creatividad y el uso del lenguaje cinematográfico se manejan de acuerdo a los presupuestos disponibles.
"BEETLEJUICE 2"
¡IT’S SHOWTIME!
Después de más de tres décadas, los fans del icónico director Tim Burton y de la película "Beetlejuice" pueden finalmente emocionarse, ya que la tan esperada secuela, "Beetlejuice 2".
Este nuevo capítulo del clásico de 1988 trae de vuelta a algunos de los personajes y actores más queridos, al tiempo que introduce nuevos elementos que prometen mantener el espíritu excéntrico y oscuro que definió a la original. En su reciente visita a la Ciudad de México, el director, junto con los actores Michael Keaton, Jenna Ortega, Justin Theroux y Monica Bellucci, compartieron detalles sobre los retos y alegrías de estar en el mundo fantástico de Burton.
POR CARLOS MORA
Tim Burton regresa para dirigir esta secuela, lo que asegura que la visión única que hizo de Beetlejuice una película de culto estará presente. Michael Keaton vuelve a interpretar al icónico fantasma con traje a rayas, mientras que Winona Ryder retoma su papel como Lydia Deetz. Entre las nuevas incorporaciones, destaca la participación de Jenna Ortega, cuya popularidad ha crecido gracias a sus papeles en proyectos recientes.
Tim, ¿cómo ha influido Beetlejuice en tu vida y carrera? ¿Cómo ha permanecido contigo y, de alguna manera, te ha llevado a hacer esta película y a ser parte de ella nuevamente?
Bueno, para mí, la nostalgia es una palabra extraña.
No lo veía con nostalgia. Lo veía como un personaje que disfrutaba y un mundo que me encantaba. Nunca me abandonó. Quiero decir, claro, tomó unos treinta y cinco años volver a hacerlo, pero siempre hubo una conexión. Finalmente, después de todo este tiempo, y viendo cómo la gente crece y cambia, como el personaje de Lydia que pasa de adolescente a adulta, es un viaje que todos hacemos. Así que la idea de hacer una película familiar extraña me pareció realmente adecuada. Para mí, no se trató de nostalgia, sino de que consideré que era una película familiar peculiar, una película familiar inusual. Se sintió como una especie de reunión familiar extraña, o una boda rara, o un evento extraño y hermoso.
Michael, ¿cómo fue para usted regresar al set de
Beetlejuice y recrear este personaje nuevamente?
Fue más difícil de lo que esperaba. Bueno, difícil para mí. Estaba un poco más nervioso de lo que realmente pensé que estaría. Al final del día, siempre es complicado cuando la gente pregunta: "¿Cuál es tu película favorita?" No puedo responder a eso. Pero si alguien me pusiera una pistola en la cabeza—y espero que nadie lo haga—diría que, si tuviera que elegir, podría ser el momento adecuado para intentarlo de nuevo. Creo que la razón por la que estaba nervioso era porque me importaba tanto. En contraste, cuando hice "The Flash", había una cosa específica que quería lograr inmediatamente después de eso. No estaba tan preocupado por ello. La nostalgia es algo curioso porque, francamente, nunca la entendí. La
gente solía decir: "Me pongo nostálgico", y yo no entendía bien. Pero un día, no sé qué pasó, pero cuando me golpeó, me golpeó fuerte. Ahora me pongo extrañamente nostálgico por muchas cosas y nunca lo vi venir.
Jenna: Y hablando de familia, eres un nuevo miembro de esta extraña y asombrosa familia. ¿Qué desafíos enfrentaron al crear a la hija de Lydia, Astrid Deetz, y darle una personalidad propia?
Bueno, creo que es bastante desafiante relacionarse con un personaje como Astrid, especialmente porque Lydia es un personaje tan querido y querido por todos. Estar relacionada con ella naturalmente generó cierta presión. Pero para mí, fue una experiencia agradable porque Astrid está escrita de manera maravillosa.
Es fácil entender de dónde viene: se siente un poco avergonzada por el éxito y la fama de su madre, y también extraña a su padre, a quien ha perdido. Su relación con Lydia es algo complicada. Así que mi enfoque fue investigar y profundizar en ese contexto. Luego, por supuesto, trabajar con Winona para establecer una buena química fue crucial, y eso fue bastante fácil con ella. Al final, todo encajó de manera natural.
Mónica, ¿Qué fue lo que más te gustó de prepararte para entrar en el mundo de Tim Burton y asumir el misterioso papel de Delores?
Delores es un demonio que chupa almas. Todo lo que puedo decir es que Tim me mencionó que tenía un papel clave en esta película, y eso fue lo que me atrajo. Estuve muy feliz de aceptarlo. Me siento realmente honrada de ser parte de este increíble elenco y de entrar en el mundo de Tim, que es tan bello, poético y mágico.
Justin, tú también estás asumiendo un papel importante en la película (Rory). ¿Cómo fue para ti crear este personaje?
Es el personaje más "normal" de todos, quizás aparte de Astrid. Pero fue genial. Una de mis cosas favoritas es interpretar personajes con un toque cómico, que son superficiales y un poco tontos, pero que también tienen un componente emocional. Me pareció muy divertido. Además, había un toque de nostalgia al ser un nuevo miembro del reparto y un gran fan de la película original. Me sentí abrumado por los decorados y por la imaginación que se había invertido en ellos y en todos los personajes. Y, francamente, el guión era increíble.
Jenna, esta es la segunda vez que colaboras con Tim y también es la segunda vez que trabajas en un título tan icónico. Por supuesto, hay muchas expectativas por parte de la audiencia. ¿Cómo manejas tus propias expectativas al ser parte de algo tan grande?
Trato de no pensar demasiado en eso, porque si lo hago, empiezo a sentirme abrumada y a temer que no pueda cumplir con las expectativas. Pero, en cuanto a la parte icónica, creo que eso es más asunto de Tim. Estoy
muy agradecida de ser parte de esto. Todo lo que puedo hacer es dar lo mejor de mí, presentarme y asegurarme de hacer mi tarea. Eso es más fácil cuando tienes una película increíble a la que mirar atrás y recurrir para inspirarte.
Lo emocionante es ver el entusiasmo de otras personas y cómo una película tan extraña ha conmovido a tanta gente. Así que, para mí, la preocupación principal es asegurarme de que lo estamos haciendo bien y que somos lo más tontos y extravagantes posible. Es muy fácil hacer eso cuando llegas al trabajo y te rodeas de un equipo tan creativo. Además, lo que realmente disfruté, especialmente al interpretar con Winona, es que este filme tiene un toque adicional de calidad emocional y sinceridad. Así que mi papel era estar en medio de todo eso, para ayudar a anclar las cosas y hacer que sean identificables y agradables para la audiencia. Esa fue realmente la principal lucha, pero no se sintió como
algo negativo. Es una mezcla interesante de drama en medio de algo que se supone que es divertido, entretenido y emocionante.
Tim, ¿cómo te sientes al iniciar el tour en México?
Es un lugar perfecto para comenzar la gira. Las imágenes impresionantes te permiten sumergirte en la esencia de México y en la onda de todo eso. Como decía Justin, aparecer en la película y simplemente entrar y ver los grandes decorados, el vestuario y los actores es un regalo, y queremos compartirlo con el mundo. Nos encanta estar aquí. Creo que se trata de mantener la esencia de la película y mostrarla durante más de veinte minutos, generando entusiasmo entre todos. Es muy especial para nosotros.
BEETLEJUICE 2
UNA COMBINACIÓN DE NOSTALGIA Y FRESCURA
EL ESPERADO ESTRENO DE "BEETLEJUICE 2" llega a la Ciudad de México, trayendo consigo el encanto macabro y el humor oscuro que hicieron de la película original un clásico de culto. Dirigida nuevamente por Tim Burton, esta secuela revive al icónico personaje de Beetlejuice, interpretado por Michael Keaton, en una nueva y emocionante aventura que mezcla lo sobrenatural con lo extravagante. El elenco conformado por Jenna Ortega, Justin Theroux y Monica Bellucci, así como el productor Tommy Harper, visitaron CDMX y convivieron con los fans del famoso fantasma de los 80.
Elenco de la cinta "Vergüenza"
Ángeles Cruz y Juan Briseño
Ofelia Medina
Guillermo Mata y Estrella Araiza
FOTOS CARLOS MORA
"BEETLEJUICE 2" Distribuidora: Warner Bros.
CELEBRAN CON FAN EVENT EL LEGADO DE "BEETLEJUICE" EN LA CIUDAD DE MÉXICO
EL FAN EVENT DE "BEETLEJUICE 2" en la Ciudad de México fue un evento lleno de emoción y creatividad, que reunió a seguidores del clásico de culto de Tim Burton en un ambiente festivo y vibrante. Realizado en un lugar icónico de la ciudad, el evento atrajo a cientos de fanáticos, muchos de los cuales llegaron disfrazados como sus personajes favoritos de la película original, desde el excéntrico Beetlejuice hasta la enigmática Lydia Deetz. Sin duda, este evento en la Ciudad de México dejó una huella imborrable en los corazones de todos los asistentes, quienes ahora esperan con ansias el regreso del fantasma más irreverente y divertido del cine.
Elenco de la cinta "Vergüenza"
Ángeles Cruz y Juan Briseño
Ofelia Medina
Guillermo Mata y Estrella Araiza
FOTOS CARLOS MORA
"BEETLEJUICE 2" Distribuidora: Warner Bros.
¡QUÉ BONITA FAMILIA!
Conversamos con parte del elenco de la nueva comedia "Caras Vemos…" protagonizada por Mariana Treviño, Bruno Bichir y Luis De la Rosa. La trama se desarrolla en un entorno urbano contemporáneo, donde las vidas de varias personas aparentemente desconectadas se cruzan, revelando secretos y desafíos que cada uno enfrenta en su lucha por mantener una imagen pública que muchas veces no refleja su realidad interna. Los personajes de una familia poco convencional que se ve envuelta en un intercambio de personalidades, representan un abanico de experiencias humanas, desde la lucha por la aceptación social hasta la batalla interna por encontrar una identidad.
POR CARLOS MORA
“CARAS VEMOS...”
Distribuidora: Sony Pictures
BRUNO BICHIR
¿Qué te gustó del guion?
Lo leí y pensé: “Wow, esto puede ser algo grande”. Entre broma y broma, la verdad asoma, y me pregunté si esto podría ser el fin de mi carrera. Aunque no estoy seguro de eso, el encumbramiento podría ser una posibilidad. Pero la realidad es que no es así. Incluso si no le gusta a nadie, no es así. Ya he pasado por riesgos similares y he pensado “aquí se acabó todo”. Pero acepto el desafío y celebro mucho que me convoquen para hacer comedia, porque me encanta. No siempre me ven haciendo comedia, así que celebro que un productor, un director, alguien, me vea ahí. Acabo de terminar otra comedia también, hombro con hombro.
¿Te gusta tomar riesgos al momento de escoger un proyecto?
Sí, me alegra que los riesgos sean distintos. Desde mi humilde punto de vista, al ver el resultado, estoy profundamente complacido y feliz, no necesariamente con mi trabajo, sino con el conjunto de la película. Tengo que acotar que mi padre es director de teatro y mi familia son actores. Yo estudié dirección de cine y otras disciplinas en el Centro de Capacitación Cinematográfica en 1986. Estoy entrenado, bien o mal, para tomar cierta distancia y ver el conjunto y decir “mira qué buena película quedó”.
Leí el guion y luego vi la versión francesa. Estaba nervioso porque sentía pena ajena. Me intriga mucho qué piensa el espectador. Pero al final no me pasó. Tenía miedo de ver la exhibición. Pensé que no iba a ver la película, pero finalmente me aventuré y la vi. Wow. Estoy feliz de haber sido sorprendido, porque en los ensayos estábamos aterrados de que esto no saliera bien, y ver que salió mucho mejor de lo que temíamos. Lo hablo en conjunto con mis compañeros, porque todos compartimos esos miedos.
Salí completamente conmovido, asombrado, no necesariamente complacido, sino felizmente asombrado. Están los riesgos y la entraña, se ve el trabajo del mago con el conejo y el sombrero, y está frente a nuestros ojos sin inteligencia artificial de por medio.
¿Cómo se celebra esto a estas alturas de tu vida?
Ver una película tan arrojada, pero al mismo tiempo entrañable, amorosa, humorosa y que te mantiene con una sonrisa toda la película, me llena de orgullo. Estoy sin duda orgulloso de lo que se hizo en este proyecto.
En la cinta se cambian de personalidad, ¿a ti con quién te gustaría cambiar de familia?
Con todos, sin duda con todos. Es muy divertido y cambio constantemente. A veces soy mi papá, a veces mi mamá, a veces uno u otro de mis hermanos. Siempre he pensado que soy una combinación frágil de mis dos hermanos mayores, pero tengo muchísimo de mi padre. Básicamente soy igual a él. He bromeado con él sobre vivir buscando festivales del padre e hijo más parecidos para viajar y comer bien, aunque nunca lo hicimos. Siempre me he visto muy parecido a mi padre y tengo mucho de mi madre, y hasta de los perros que hemos tenido. Es una buena combinación.
MARIANA TREVIÑO
Cuéntame, ¿cuál fue tu experiencia de participar en esta película?
Me gustó mucho poder compartir francamente con Bruno, a quien admiro desde hace muchísimo. Para mí es un ícono, un genio de la profesión. Finalmente, llegó un proyecto en el que pude trabajar con él. Ojalá lleguen más oportunidades porque, de verdad, lo admiro profundamente.
Verlo trabajar de cerca convertirse en alguien más y jugar como lo hacemos los actores fue muy grato y divertido. A veces llegan proyectos en los que uno puede disfrutar mucho del trabajo de los demás, y eso me pasó. Como espectadora, disfruté mucho ver a mis compañeros, como Paula Hernández, que hace de Zoe, y a Blanca Guerra, que hace de adolescente. Estuve muy fan de la película y disfruté viendo lo que hacían mis compañeros.
Sobre la comedia, ¿qué significa este género para ti?
La comedia para mí es una forma de entender y sanar muchas cosas profundamente. A través de la comedia, uno puede perder un poco el miedo al rechazo y al autoconocimiento. A veces da miedo entrar en cosas muy serias, pero con la comedia las cosas entran de una manera que nos hace reflexionar. El espejo que ofrece siempre es muy fiel
porque refleja lo inconsciente que somos y las cosas que hacemos de manera inconsciente, pero que los demás ven en nosotros.
A veces, la comedia se siente como drama, pero desde afuera se percibe como comedia. Es una cuestión muy humana, en la que hacemos lo que podemos con nuestra humanidad para aprender y avanzar. Me encanta la comedia como un elemento de autoobservación y autoaprendizaje, y para aprender y querer a los demás. Es un elemento unificador que ayuda a soportar la vida.
Por último, si pudieras cambiar tu personalidad con alguien de tu familia y con un artista, ¿con quién sería?
Con mi papá. Me encantaría entender a los padres, que son los pilares de una familia, y ver sus luchas cotidianas. Ver de dónde sacan la fuerza para mantener a la familia unida y cuáles son sus motivaciones. A veces, como hijos, olvidamos valorar los esfuerzos que hacen nuestros padres. Sería entrañable poder vivir eso.
En cuanto a un artista, me encantaría cambiar mi personalidad con Meryl Streep. La admiro muchísimo y me gustaría ver su aproximación a lo que hacemos internamente y cómo vive las cosas.
LUIS DE LA ROSA
¿Qué fue lo que más te gustó de participar en esta película?
El elenco, sin duda. Trabajar con Bruno, Mariana, María, Blanca y Pau fue increíble y muy divertido. También la forma en que Beto dirige fue algo nuevo para mí. Nos dio mucha libertad y confiaba en que dominábamos nuestros personajes, lo que nos permitió experimentar. Me gustó mucho.
¿Cómo fue explorar esta parte de la comedia?
Es una comedia muy diferente a lo que había hecho antes. Beto nos animó a jugar y divertirnos sin caer en la imitación, algo que tenemos muy presente: no imitar a otros personajes, sino aportar nuestro propio enfoque. Fue muy divertido explorar cómo interpretar estos personajes, que son únicos y distintos a cualquier papel que haya hecho antes. Trabajar con los actores fue muy entretenido. Hubo tomas en las que no podíamos parar de reír, y a veces teníamos que interrumpir porque era tan absurdo y ridículo que no podíamos contener la risa.
¿Te gustaría intercambiar lugares con alguien de tu familia, como en la película?
Con mi perro, (risas). Estaría bien por un rato, sin preocupaciones. Vive una vida tranquila: duerme, come y juega. No estaría mal por un tiempo, aunque después me gustaría volver a mi propio cuerpo.
¿Y con algún famoso te gustaría intercambiar lugares?
Sí, con alguien de la realeza inglesa, solo por curiosidad, para ver si es cierto todo lo que se dice sobre su vida. Sería interesante experimentar cómo viven.
"CUCKOO" Distribuidora: Cine Caníbal
SUSPENSO CON TRASFONDO WELLSIANO Y BAÑADO EN ÁCIDO LISÉRGICO "CUCKOO"
POR
FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO
TRAS haber pasado por una pérdida trágica, la joven Gretchen (Hunter Schafer) decide irse con su padre Luis (Marton Csokas), su madrastra Beth (Jessica Henwick) y su media hermana Alma (Mila Lieu) a pasar un tiempo en una región cercana a los Alpes, en donde su progenitor tiene trabajo pendiente. Allí conoce al excéntrico Herr König (Dan Stevens) quien parece sentir simpatía por ella, y le propone trabajar en el hotel que él administra para que se vaya adaptando mejor a su nueva situación.
Pero desde el primer momento en que asume su nuevo e inesperado empleo, Gretchen se percata de que algo anormal ocurre allí: algunas huéspedes son aquejadas por vómitos y malestares diversos; se perciben movimientos y se escuchan ruidos raros desde el bosque cercano (que en principio, parecieran ser causados por aves en grandes cantidades); su media hermana comienza a mostrar síntomas inusuales e incluso sufre convulsiones las cuales antes no se habían manifestado; y lo más espeluznante es la presencia de una siniestra mujer ataviada con grandes gafas oscuras, la cual le persigue. Poco a poco, y con el auxilio de un supuesto detective -quien está allí para averiguar el paradero de su esposa-, la joven empieza a dilucidar lo que está pasando, y cual es el papel que su familia (y ella misma) desempeñan en ello.
Seis años después de haber estrenado "Luz", su primer largometraje, el cineasta alemán Tilman Singer regresa con un nuevo trabajo intitulado
"Cuckoo", el cual guarda algunas similitudes con su ópera prima y que bien pueden ser indicativos de sus constantes estilísticas, al tratarse nuevamente de un filme de suspenso de atmósferas opresivas, en donde una mujer se ve obligada a enfrentarse a una amenaza de orígen antinatural y que le sobrepasa.
Con una premisa que pareciera salida de la novela "La isla del doctor Moreau" de H. G. Wells, Singer desarrolla una trama inquietante, pletórica de personajes extraños, retorcidos y en ocasiones pesadillescos, en la cual también combina elementos del body horror, el thriller psicológico e -incluso- añade un incipiente coming-of-age. Pero además, y conforme la historia avanza, su narración se vuelve cada vez más dispersa y demencial, como intentando sumergir al espectador en un trance similar a los efectos del LSD o de algún alucinógeno similar, creando una obra que busca adentrarse por terrenos más arriesgados y desafiantes.
En ese sentido, el (mal)viaje lisérgico-cinematográfico planteado por el realizador germano sacrifica voluntariamente su coherencia y cohesión -sobre todo en su último acto-, para darle ganancia a su visceralidad y a cierta libertad lúdica que le permite llevar la película un poco más allá de sus propios límites, concibiendo un trabajo al cual le interesa menos responder las interrogantes que él mismo plantea, prefiriendo en cambio fomentar en quien lo vea una experiencia alucinante y envolvente.
"ALIEN: ROMULUS"
UNA ODISEA ESPACIAL SIN ESCAPATORIA
POR ARMANDO ARMENTA
LA BÚSQUEDA de la libertad es una constante en el espíritu humano, desde la prehistoria hasta nuestros días, y muy probablemente en el futuro, seguirá siendo uno de los principales motores para nuestros sucesores. Tanto es así que la trama principal de "Alien: Romulus" la sitúa como el punto de partida de lo que parece ser una aventura más liderada por jóvenes rebeldes, pero que termina convirtiéndose en una odisea espacial repleta de emoción, terror y sin posibilidad de escape.
Lo que comienza como una expedición a una nave espacial abandonada en busca de una ruta de escape de un planeta que ni siquiera ofrece luz solar a sus habitantes, se transforma en la ya conocida pesadilla provocada por la repentina aparición de los famosos xenomorfos, que han causado tantos dolores de cabeza y momentos de terror en más de una película de la saga.
"Alien: Romulus" se sitúa entre los acontecimientos de "Alien", la primera cinta del universo cinematográfico, y "Aliens" de James Cameron. Sin embargo, de la mano del director Fede Álvarez, recrea la atmósfera retrofuturista y, junto con la juventud y aparente ignorancia de los tripulan -
tes, amalgama de manera excelente una producción que al mismo tiempo respeta las historias de sus predecesoras. Infortunio tras infortunio, los protagonistas se ven cada vez más acorralados por unos xenomorfos cuya aparición, si bien no es inmediata, se insinúa con sonidos, sombras, movimientos… hasta que, como el miedo mismo, deben enfrentarlos en su forma más amplia y aterradora.
Romulus, el nombre de esta nueva entrega y del escenario donde se desarrolla la cinta, coincide casualmente con aquel legendario héroe y fundador de Roma, quien, en su famosa búsqueda de la ansiada libertad para su pueblo, termina fundando un imperio que distaba de ser perfecto. Es una analogía ideal para aquellos xenomorfos y sus creadores, que con las "mejores" intenciones buscan crear una raza superior, pero a costa de un progreso tan atroz como siniestro.
La película es una obra visual magistral, llena de giros inesperados y dilemas que atañen a la inteligencia artificial, la supervivencia y la manipulación genética. Al final de cuentas, la moraleja para los protagonistas es clara: de nada sirve tratar de gritar en el espacio, pues nadie puede escucharte.
"ALIEN:ROMULUS"
Distribuidoras: Disney studios
20th Century Studios
"EL CUERVO"
Distribuidora: Imagem Films
"EL CUERVO"
CUANDO LA MALDAD SE DILUYE
ENTRE LA JUSTICIA Y LA VENGANZA
POR ARMANDO ARMENTA
LA HISTORIA de la fatalidad y la desventura siempre ha estado ligada a aquellos que, ya sea por misticismo o por casualidad, adquieren algún superpoder que, sin haberlo solicitado la mayoría de las veces, deben aprender a manejar y usar para el bien... o no.
Aunque con ciertas reservas, esta descripción también encaja con Eric Draven, el protagonista de la nueva cinta de "El Cuervo". Sin embargo, Draven tiene poco en común con el arquetipo del héroe tradicional, pues sus carencias y vicios lo convierten en un personaje poco probable para ser considerado entre los grandes salvadores de la humanidad.
Por el contrario, sus motivaciones y métodos reflejan el tono underground de la cinta, junto con una banda sonora que invita a seguir sus pasos hasta las últimas consecuencias, a las que cualquier persona con una historia de pérdidas y decepciones podría llegar.
las escenas de acción no dejan lugar a dudas sobre la poca amabilidad que el protagonista muestra, no solo hacia los “villanos” de la trama, sino también hacia sí mismo. A pesar de ello, el objetivo final toca las fibras sensibles de alguien que, por más inerte que pueda parecer, tiene un único motivo para hacerlo todo: el amor que una vez sintió.
La violencia es parte fundamental de la película. La sangre y
Inspirada en los cómics de 1989 de James O’Barr, la tragedia, las pérdidas y las emociones encontradas son los ingredientes imprescindibles de una historia poco común, aderezada con las sobresalientes actuaciones de Bill Skarsgård y FKA twigs.
La vibra gótica y los escenarios en los que la pasión romántica se siente en las oscuras calles de la ciudad contrastan con la violencia que se vive en los acaudalados entornos típicos de la opulencia. Este contraste se convierte en el encuadre ideal para sentir que la maldad es una presencia cuyas fronteras se diluyen entre la justicia y la venganza.
"EL CANDIDATO HONESTO"
Distribuidora: Videocine
"EL CANDIDATO HONESTO" LEJOS DE LA SÁTIRA POLÍTICA
Y MÁS CERCA
DEL
HUMOR TELEVISIVO
POR FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO
Continuando con la tendencia de hacer adaptaciones nacionales sobre filmes exitosos de otros países (principalmente latinoamericanos), llega a cartelera "El candidato honesto" (México, 2024) dirigida por Luis Felipe Ybarra, con un guión a cargo de Charlie “El Huevo” Barrientos y Pablo Emiliano de la Rosa, quienes adaptan el argumento escrito por Paulo Cursino para la película brasileña de 2014, "O Candidato Honesto".
La versión mexicana se centra en Tona (Adrián Uribe), un político que está en busca de la presidencia. Carismático y fotogénico, en los inicios de su carrera fue alguien comprometido con las causas sociales, y en su actual campaña promete hacer grandes cosas por nuestro país si consigue ganar. Pero ahora el personaje se ha convertido en un demagogo, mentiroso y corrupto, quien lo único que quiere es (como muchos otros de su clase) enriquecerse a través del poder, y se burla de las acusaciones que en ese tenor, le lanzan tanto algunos periodistas como sus opositores del partido rival.
Cercano a las fechas de la elección, le avisan que su abuela Toña (Luisa Huertas) quien vive en Catemaco se halla muy grave, y por ello acude a verla. En su lecho de muerte, la anciana le hace jurar, a modo de última voluntad, que deje de mentir y en adelante diga solo la verdad. Al volver de ese encuentro Tona se da cuenta que
algo extraño le pasa, ya que cada vez que intenta decir cualquier cosa, se ve compelido a decir lo que en realidad piensa, aunque el momento no sea el más adecuado ni conveniente para hacerlo. Esta incapacidad de mentir aunado a una urgencia por contar las cosas como son, no tardará en meterle en problemas con su familia, sus amistades, su círculo cercano de colaboradores, y sobre todo, con la prensa, la cual está al pendiente de sus declaraciones. Todo ello compromete su carrera por la silla presidencial, por lo que intenta lidiar lo mejor que puede con su nueva situación, al tiempo que intentará averiguar la causa de esa súbita necesidad de hablar sólo con la verdad.
Compartiendo anécdota con "Mentiroso, mentiroso" (Shadyac, 1997) "El candidato honesto" es una comedia sobre el estereotipo del hombre corrompido -en esta caso, un político- quien se vale de engaños para obtener lo que quiere (un puesto, un voto, un favor especial, o ganarse la confianza de otros), y cae en apuros al no poder hacerlo más y tener que lidiar con la verdad. Su premisa en sí albergaba mucho potencial, y abría la posibilidad de con ella, adentrarse en los terrenos del cine de sátira política, esgrimida por cineastas como José Estrada (Maten al león), Alfonso Arau ("Calzonzín inspector") o Luis Estrada ("La ley de Herodes", "La dictadura perfecta"). Incluso María Elena Velasco (en su papel de "La
India María") le entró al asunto con "La presidenta municipal" (Cortés, 1975). Y esto solo por mencionar algunos ejemplos.
Sin embargo, la ópera prima de Luis Felipe Ybarra decide no aventurarse por esos terrenos. O al menos no de lleno, y hace tímidas menciones a la clase política nacional aquí y allá. En su lugar, se conforma con irse por los rumbos de una comedia ligera, levemente picante y de tono completamente inocuo y más próximo al humor televisivo, como el que ha hecho famoso a Adrián Uribe -su protagonista principal- en programas como "Humor es… los comediantes", "La hora pico" o "Nosotros los guapos".
De hecho, todo el filme se esmera más en concebir situaciones que permitan al cómico desplegar sus particulares habilidades, que en desarrollar los arcos dramáticos que la propia cinta plantea, o darle un poco más de sustancia a los personajes de apoyo o secundarios, quienes funcionan como meros accesorios para que Uribe lleve a cabo sus rutinas. Incluso varios de ellos quedan reducidos al estereotipo más elemental o de plano burdo. Sin mencionar que la resolución de su historia es, por decir lo menos; bastante ingenua y pobre, dejando muchos de sus propios planteamientos como meros bosquejos inconclusos, dando la sensación de que se pudo haber hecho más, y que todo quedó (irónicamente) como otra promesa de campaña incumplida, o en el mejor de los casos, cumplida a medias.
"MARTÍNEZ"
EL HUMOR NEGRO DE LOS ADULTOS MAYORES
POR ALEJANDRA LOMELÍ
MÁS de diez años le tomó a Lorena Padilla escribir, rodar y estrenar "Martínez", una comedia dramática en la que aborda temas como el paso del tiempo, el aislamiento en las grandes ciudades y la soledad por elección, pero también aspectos muy emotivos como la amistad que surge entre las personas menos esperadas, el redescubrir la belleza en las cosas cotidianas y el abrirse a tener nuevas experiencias; en pocas palabras, a vivir sin importar en la etapa que te encuentres.
La ópera prima de Lorena Padilla sigue a "Martínez" (Fancisco Reyes), un hombre malhumorado que se niega a jubilarse y a capacitar a Pablo (Humberto Busto), su reemplazo. Martínez solicita una extensión en su contrato de trabajo en un intento por aferrarse a su rutina monótona, pero su vida da un gran giro cuando su vecina es encontrada muerta.
trasciende esa característica para realizar un emotivo estudio de la reconciliación personal y el encuentro de soledades.
Si bien el protagonista es un hombre de la tercera edad, un factor determinante para crear una reflexión sobre el paso del tiempo y las posibilidades de vida que se diluyeron en el camino por enfocarse en facetas más urgentes como el trabajo, el argumento
Bajo la capa principal, Martínez ofrece algunas sub lecturas estimulantes sobre el ostracismo, los malos modales, la incapacidad de relacionarse asertivamente con las personas que nos rodean y el aislamiento que tanto caracterizan la vida en las grandes ciudades, así como la dinámica de poder que rige dentro de oficinas viejas que parecen detenidas en el tiempo, aspectos que están bien dibujados en la tercia de personajes interpretados por Humberto Busto, Martha Claudia Moreno y, por supuesto, Francisco Reyes.
De esta forma, la película encuentra su fortaleza en sus personajes, también en una historia que nació de la convivencia de la directora con adultos mayores y su experiencia en el sofocante mundo laboral - godín.
Filmada en la ciudad de Guadalajara, "Martínez" está nominada a los Premios Ariel en las categorías de Mejor ópera prima y Mejor coactuación masculina para Humberto Busto.
COCA-COLA Y MARVEL UNEN FUERZAS
El Universo Cinematográfico de Marvel y Coca-Cola llevaron a los superhéroes más famosos de la pantalla grande a la Ciudad de México. La relación de Coca-Cola con Disney comenzó hace más de 60 años, y las dos marcas icónicas han continuado esta sólida asociación en proyectos, universos y multiversos, como el icónico Universo Marvel.
La primer experiencia inmersiva se presentó en el Antiguo Hotel Reforma que dejó a los visitantes con un gran sabor de boca. No solo pudieron disfrutar de escenarios basados en las locaciones de las películas más conocidas, sino que también tuvieron la oportunidad de sentirse superhéroes por un momento, junto a personajes como Thor, Iron Man y Ant-Man, entre otros.
Durante el recorrido, la luz roja de los pasillos envolvía a los visitantes, transportándolos a otro mundo mientras los personajes emergían en diversas salas del antiguo recinto. Equipados con máquinas fotográficas instantáneas, los fans pudieron posar y ser parte de su equipo favorito de héroes.
El laboratorio de Shuri, la Pantera Negra, fue recreado con láminas azules y tubos neón, capturando la esencia de uno de los icónicos escenarios de la película. Los visitantes también experimentaron la sensación de volar como Iron Man a través de la realidad virtual y unos lentes especiales, además de intentar levantar el Mjölnir, el famoso martillo de Thor, en pleno Asgard, desafío que más de un fan se propuso lograr.
Los videojuegos tuvieron un espacio destacado, permitiendo a los visitantes sentirse como una hormiga al explorar el Reino Cuántico y el jardín de la casa de Ant-Man, donde las hormigas parecían gigantes.
Para los coleccionistas, había stands donde podían explorar cómics que dieron fama a los héroes de Marvel, desde portadas icónicas de los Guardianes de la Galaxia hasta los Vengadores. Además, estuvieron presentes latas de Coca-Cola coleccionables, llaveros, camisetas y muñecos. En el bar, los visitantes podían disfrutar de una refrescante bebida, sumergidos en uno de los mundos cinematográficos más famosos.
POR ARMANDO ARMENTA
"HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN" CELEBRA SU 20° ANIVERSARIO
El mundo mágico de Harry Potter regresa a los cines. Ya seas de Gryffindor, Ravenclaw, Slytherin o Hufflepuff, podrás revivir la tercera película de la saga, "El prisionero de Azkaban", para celebrar su 20 aniversario en algunas salas de Cinépolis. Esta película es conocida como la más “mexicana” de la saga, ya que fue dirigida por Alfonso Cuarón. Muchos fanáticos y críticos la consideran una de las mejores de la serie, debido a que el director mexicano aportó un tono más oscuro y maduro, además de incluir elementos mitológicos del mundo mágico, como el famoso hipogrifo, que juega un papel importante en el desarrollo del guion.
En un evento realizado en Cinépolis Universidad durante el primer día de proyección, los fans tuvieron la oportunidad de disfrutar la película una vez más. Los asistentes, luciendo sombreros, varitas, capas y bufandas en colores amarillo, azul, verde y rojo, recibieron una postal única y promociones con los elementos más icónicos del filme, como el autobús morado de dos pisos que toma Harry al inicio de la película.
La trama sigue el tercer año de Harry Potter en la Escuela de Magia de Hogwarts, donde enfrenta la amenaza del peligroso criminal Sirius Black, quien ha escapado de la prisión mágica de Azkabán y busca asesinar al famoso mago. Con la ayuda de sus inseparables amigos Hermione y Ron, Harry se embarcará en una nueva aventura llena de peligros y sorpresas.
No solo "El prisionero de Azkaban" estará disponible; "Harry Potter y la Piedra Filosofal" y "Harry Potter y la Cámara Secreta" también se proyectarán por tiempo limitado en la cartelera de Cinépolis, con palomitas y sorpresas especiales para todos los admiradores del mágico universo.
POR ARMANDO ARMENTA
UN SORPRENDENTE THRILLER "CELESTE SOLEDAD"
POR ALEJANDRA LOMELÍ
¿CÓMO LIDIAMOS con la soledad inherente en uno mismo sin dejarnos devorar por el miedo o la paranoia? Esa es quizás la gran interrogante que nos deja "Celeste Soledad", la opera prima de Alex Argüelles en la que dos personajes enfrentan sus miedos cuando una tragedia altera su cotidianidad, llevándolas al límite de la cordura donde los fantasmas y las ansiedades se confunden con la realidad. Coescrita por Argüelles y Emilio Aguilar Pradal, la película sigue a Celeste (Fernanda Echevarría) y Soledad (Michelle Betancourt), dos hermanas con un serio problema de incompatibilidad que se ven obligadas a vivir juntas a partir de la repentina muerte de sus padres. La necesaria convivencia se complica aún más con la imprevisible enfermedad mental de una de ellas, que la llevará a un mundo personal cada vez más tenebroso. Ambas se empeñarán por vivir su duelo alejadas, pero irremediablemente terminarán encontrándose para unir sus propias soledades.
En "Celeste Soledad" los temas sobre los que ensaya Alex Argüelles están claros, sin embargo, es en el tono donde la pe-
lícula enfrenta serios problemas: empieza como una comedia ligera sobre una familia algo disfuncional, para seguir con una crítica a la violencia social e incluso al cambio climático, para finalmente llegar, por un lado, a los terrenos del suspenso a través del arco de Soledad, y, por el otro, al drama introspectivo en el caso de Celeste. Es en estos registros donde se manifiesta la falta de matices en los cambios dramáticos y, por qué no, para empatizar con las crisis emocionales de ambos de personajes, porque, si es cierto que la comedia sirve para aligerar la tensión, aquí llega a sentirse como un factor que impide relacionarnos de forma creíble con la tragedia que estamos presenciando.
La película tiene un mejor desempeño cuando abraza por completo el thriller psicológico, en particular, durante el espiral depresivo de Soledad al borde de la autodestrucción mental y corporal, elaborando las secuencias mejor logradas en términos de suspenso.
"Celeste Soledad" concluye su periplo donde faltó más profundidad: la reconciliación, o no, de las hermanas a partir de un suceso que inevitablemente las transformó para siempre.
“CELESTE SOLEDAD” Distribuidora: Mantícora
"ARMAS BLANCAS"
UNA CÁLIDA MIRADA A UN MOMENTO DE TRANSICIÓN
POR ALEJANDRA LOMELÍ
SON MUCHAS las películas que retratan el complicado proceso de transición de la niñez a la adolescencia, pero lo cierto es que muy pocas lo realizan desde la perspectiva de quienes son los verdaderos protagonistas, es decir, los niños. Partiendo de este aspecto es que Mariana Musalem Ramos escribe y dirige "Armas blancas", un estimulante coming of age en el actual panorama cinematográfico mexicano que consigue capturar la mirada de su pequeña protagonista y los cambios que experimenta en un momento crucial en su vida.
La película gira en torno a Valeria (Sofía Q. Amaro), una niña de 10 años que disfruta sus días sumergiéndose en la alberca de su condominio residencial. En un verano, su mejor amiga se aleja de ella sin más explicación, momento en que conocerá a su nuevo vecino, quien se vuelve su cómplice de travesuras y su primer amor. A la par de que será testigo del divorcio de su tío favorito, Valeria inicia un camino sin retorno hacia la pérdida de la infancia, enfrentándose al amor con la inocencia de la niñez.
ciones de Valeria, la ópera prima de Mariana Musalem plasma de forma notable el microcosmos del que habla, consiguiendo un tono naturalista y orgánico donde lo principal son los cambios y conflictos de su joven protagonista, quien va descubriendo que las personas, por más amor que se tengan, se separan; que las amigas se alejan y que el amor surge a primera vista. Si bien la directora economiza en recursos, el despertar iniciático de Valeria tiene mucha cadencia y sensibilidad.
Con una puesta en escena austera, pocos escenarios y con un predominio de encuadres cerrados para capturar las emo -
Algo que indudablemente llama la atención es la decisión deliberada y calculada de Musalem de dejar fuera del encuadre en determinadas secuencias a los personajes adultos, como lo mencionamos, algo que deriva de la perspectiva elegida y con la que la directora busca rendir un tributo a "Veneno para las hadas" (1986, Carlos Enrique Taboada).
Una película que sin pretensiones, aunque su ritmo y elementos minimalistas pueden no emocionar a todos los espectadores, entrega una cálida mira a un momento de transición que se siente como una nostálgica despedida y un emocionante comienzo a una nueva etapa llena de oportunidades.
Estás en la telenovela "La historia de Juana", ¿qué puedes comentar del proyecto?
Es una novela que se grabó más como serie, aunque está para el canal de las estrellas. La verdad es que disfruté muchísimo el proyecto. Mi personaje se llama David Ayala y forma parte del triángulo amoroso entre los protagonistas. Fue bastante divertido, me divertí mucho interpretándolo.
A veces se percibe como un villano, pe ro yo lo veo más como un antagonista. Es el típico tipo tóxico, celoso, machista y sentimental. Es el mejor amigo del protagonista, Gabriel (Brandon Peniche), pero se enamora perdidamente de Juana (Camila Valero), lo que provoca muchos conflictos entre Gabriel y David. Disfruté mucho interpretando a David. Es
uno de los personajes con los que más me he divertido. He estado muy contento y agradecido con la gente por cómo ha recibido la historia y mi personaje.
¿Qué opinas sobre las grandes audiencias que siguen teniendo las telenovelas?
Yo creo que en México y en Latinoamérica somos grandes consumidores de novelas. Nos encantan, y el formato tiene un bagaje histórico enorme en nuestro país. Somos de los países que mejor produce telenovelas. No creo que las novelas desaparezcan pronto porque, como mencioné, nos gusta mucho ese tipo de historias y formato.
Las telenovelas están atrayendo nuevos actores y actrices. ¿Cómo ves este enriquecimiento?
Creo que estamos viviendo un momento muy bueno para los actores. Ya no existe esa separación tajante entre teatro, cine y televisión.
Las barreras se han roto un poco, y es enriquecedor poder hacer diferentes cosas, aprender diferentes lenguajes y entender cómo se interpretan personajes en diversas plataformas.
Esto nos permite abordar personajes de diferentes maneras, ya sea en teatro, cine, televisión o series. Es un momento padre para poder hacer un poco de todo.
Y sobre "El Conde", ¿qué fue lo que más te gustó?
Es una novela de época, una especie de remake de "El Conde de Montecristo". Aunque se grabó hace un tiempo, me gustó mucho enterarme de que finalmente se iba a estrenar. Los proyec -
"ME ENGANCHÉ
tos de época tienen un grado de complejidad especial. Fue muy padre investigar la época. Mi personaje es un político que contenderá para ser presidente y se convierte en aliado del conde. Es un político incorruptible, muy familiar y de ideología de derecha. Disfruté mucho interpretarlo porque tenía muchas ganas de hacer algo de época.
Cuando estuviste en la serie "Se llamaba Pedro Infante", ¿cómo te preparaste para interpretar a Jorge Negrete? ¿Qué tanto investigaste sobre su vida?
Investigé mucho. Jorge Negrete fue una figura muy compleja e interesante. No solo fue uno de los mejores cantantes de México, sino también un militar y un cantante de ópera antes de amar la música mexicana.
CON LA ACTUACIÓN Y ES LO QUE MÁS DISFRUTO"
El actor Carlos Gatica habla acerca de sus nuevos proyectos en televisión: "La Historia de Juana", "El Conde" y sobre cómo fue interpretar a Jorge Negrete en la serie "Se llamaba Pedro Infante." POR CARLOS MORA
Además, fue vital para la industria del cine y la actuación en México, impulsando el sindicato ANDA. Me sentí muy honrado de interpretarlo en la serie de Pedro Infante.
Una de las escenas que más disfruté fue cuando le dice a Pedro en un bar que se está muriendo. Es un momento de traspaso de estafeta, de ser el galán de la época a Pedro, con su carisma y forma de ser.
¿Cómo es trabajar en proyectos de época? ¿Qué es lo que más te gusta?
Me encanta investigar sobre la época. Como fan de las novelas históricas, interpretar un papel de época es sumergirse en cómo era el mundo en ese tiempo, cómo vivían las personas, cuáles eran sus objetivos e intereses. Es una experiencia enriquecedora poder empaparse de diferentes épocas para interpretar personajes de manera auténtica.
¿Vienes de una familia de actores?
¿Siempre quisiste ser actor?
Vengo de un núcleo familiar relacionado con la música y el entretenimiento, pero crecí en un entorno muy tradicional. Siempre estuve en el equipo de fútbol. La música era una parte importante de mi familia, y eso me llevó a entrar en el medio del entretenimiento. Aunque mi entrada fue inicialmente por la música, me enganché con la actuación y hoy en día es lo que más disfruto.
¿Qué te dijo tu papá el futbolista
Carlos Hermosillo cuando le dijiste que querías ser actor?
Le encantó. En la familia de mi papá, él fue el único que se dedicó al fútbol, mientras que todos mis tíos y tías estaban involucrados en la música. Mi papá siempre fue artístico y apoyó mi decisión.
NOSTALGIA POR LA DÉCADA DE LOS AÑOS 90
POR CARLOS MORA
La serie "Nadie nos va a extrañar" se adentra en un mundo distópico donde la sociedad se encuentra al borde del colapso, marcada por la indiferencia y la desesperanza. Cada episodio explora la lucha interna de los protagonistas mientras enfrentan desafíos éticos, sociales y personales. Con un tono oscuro y melancólico, la serie cuestiona las normas sociales y los límites de la moralidad en una sociedad que ha perdido el rumbo. En este contexto, invita a los espectadores a reflexionar sobre el valor de la vida y la amistad.
En una entrevista con la Revista Cameo , los protagonistas Nicolás Haza, Camila Calónico y Deme Bonilla comparten detalles sobre sus personajes, quienes nos llevarán a la más pura nostalgia del año 1994, época en la que está ambientada la serie. La primera temporada, compuesta por 8 episodios, sigue a cinco estudiantes de preparatoria que lideran
un negocio clandestino: vender tareas y trabajos escolares a sus compañeros, aprovechando que nadie sospecha de los estudiantes más aplicados.
Bajo la dirección de Catalina Aguilar Mastretta y Samuel Kishi Leopo, esta serie original de Prime Video promete transportarte a la época de los videocasetes, las máquinas de escribir y las calculadoras, mientras destaca su maravilloso soundtrack, que incluye los grandes éxitos de la década y un tema original interpretado por Julieta Venegas.
¿Qué te dejó trabajar en esta serie?
Me siento muy contento. Lo hicimos con mucho amor, y el recibimiento ha sido muy cálido. Definitivamente es algo de lo que me siento orgulloso, no solo yo, sino todos los involucrados.
Sobre tu personaje, Alex, un chico gay, ¿qué fue lo que más te gustó de él?
Lo que más me gustó fue explorar un personaje con muchas capas diferentes. Desde su descubrimiento personal hasta sus aspectos contradictorios. Es sensible, protector, y a veces agresivo. Me gusta que no es un
personaje unidimensional; tiene muchas contradicciones, lo que creo que refleja la naturaleza humana. Eso lo hace más real y profundo. He interpretado otros personajes gay, pero en el caso de Alex, su contexto es mucho más cerrado y complicado. Mientras que en la película "Después", el personaje tiene una perspectiva más clara sobre su identidad en una época más abierta. Es interesante ver cómo el contexto afecta el desarrollo del personaje.
¿Y al escoger personajes de la comunidad LGBTQ+, qué es lo que buscas en ellos?
No tengo un checklist específico, pero me atraen los personajes con profundidad y complejidad.
Me interesan los que no son simplemente blancos o negros, sino que tienen matices y una riqueza emocional que hace que interpretarlos sea más divertido y desafiante.
Sobre tus compañeros, ¿cómo es compartir con una nueva generación de actores que están empezando?
Es emocionante. La colaboración es fundamental en el arte, y el recibimiento cálido hacia la serie ha sido gratificante. Compartir esta experiencia con un grupo
unido, como tener un grupo de chat donde intercambiamos comentarios y memes sobre la serie, hace que todo sea más disfrutable. No lo estamos pasando solos; somos un equipo.
¿Qué comentarios has recibido sobre el éxito de la serie y cómo lo han vivido tus compañeros y la producción?
La serie ha tenido un muy buen recibimiento. La gente está hablando positivamente sobre la producción y la forma en que se cuentan las historias. Creo que se logró un equilibrio entre un lenguaje audiovisual fresco y evitar el melodrama típico. Es
"NADIE NOS
VA A EXTRAÑAR"
Dónde ver:
Prime Video
ME ATRAEN LOS PERSONAJES CON PROFUNDIDAD:
NICOLÁS HAZA
divertido y lleno de personajes vivos, y estoy agradecido por la respuesta positiva.
Samuel Kishi es conocido por su habilidad para capturar la nostalgia en sus películas. ¿Cómo fue trabajar con él y cómo te involucró en esa nostalgia, especialmente en la serie ambientada en los 90?
Estuvimos en muy buenas manos con Kishi. Actuar en una época pasada es como viajar en el tiempo, y él nos guió muy bien. Su habilidad para darle un giro interesante a escenas aparentemente simples, como las parodias de películas de mafia o zombies, hace que el guion cobre
vida de manera especial.
Para ti, ¿cómo fue experimentar elementos nostálgicos como los videocentros y las máquinas de escribir que no viviste directamente?
Para algunos miembros del elenco, como Virgilio Delgado y Axel Madrazo, era casi como imaginar un mundo nuevo, mientras que para otros, como Camila Calónico y yo, que crecimos en parte con esos elementos, fue como un viaje en el tiempo.
Aprender y experimentar esos elementos nos ayudó a sumergirnos más en el papel.
¿Y qué opinas del sound-
track de la serie?
El soundtrack está increíble. Aunque no viví esa época, muchas de las canciones son parte de la cultura popular latinoamericana y resuenan con fuerza.
La selección musical es excelente y contribuye a la nostalgia que la serie quiere evocar. Escuchar esas canciones me transporta a la época, y eso es genial.
En tu faceta como músico, presentas un nuevo sencillo. Cuéntame sobre él.
Es un sencillo que hice hace tres años, pero necesitaba ciertos recursos para el video. La canción se llama
"Contradicción" y explora la dualidad de uno mismo. El video es una metáfora de esa dualidad con una pelea de box entre dos versiones de mí mismo. Es un momento adecuado para lanzar el sencillo, especialmente con la colaboración de Cray Dalton, una artista emergente con varios éxitos.
¿Quieres seguir combinando actuación y música?
Sí, definitivamente. Estudié cine, así que todo está interconectado en el mismo ecosistema creativo. Me divierte mucho combinar actuación y música y experimentar con lo que cada disciplina ofrece.
ME GUSTA COMBINAR LA ACTUACIÓN CON LA MÚSICA:
CAMILA CALÓNICO
¿Cómo te sientes al estar en esta serie?
Es un proyecto que se ha hecho con tanto amor y dedicación, tanto en lo laboral como en lo profesional, pero también como equipo. Es increíble recibir tan buena respuesta del público. Nosotros confiábamos muchísimo en el proyecto, y ahora que ha salido, ver cómo la gente lo está recibiendo tan bien es muy gratificante.
¿Cómo fue trabajar con esta nueva generación de actores y actrices tan talentosos?
Me llena de orgullo ver cómo en México hay actores tan buenos y nuevas generaciones bien formadas. Muchos de mis compañeros comenzaron como actores infantiles. Yo empecé a los 14 años. Es evidente que en este país hay una excelente dirección de actores y muy buenas escuelas de actuación.
¿Qué fue lo que más te gustó de tu personaje?
Algo muy importante de mi per-
sonaje es la relación que tiene con Memo (Axel Madrazo). Ambos personajes comparten un lado depresivo, les cuesta expresar sus emociones, y lo canalizan a través de la música, aislándose en sus audífonos. Desde mi punto de vista, Memo le salva la vida a Marifer.
Hablando de la música, que creo que es la cereza del pastel en la serie, ¿qué nos puedes decir del soundtrack? La música ambienta perfectamente la serie. Mi personaje interactúa mucho con el mundo musical, lo que me conectó con mi época de preparatoria, cuando uno va creando su propio soundtrack en esa transición adolescente. Samuel Kishi nos pidió hacer playlists de nuestros personajes, y yo todavía conservo la playlist de Marifer. Esto nos ayudó muchísimo en la creación de la atmósfera y de los personajes.
En cuanto a la parte donde cantas, ¿siempre has cantado? Desde pequeña, a los seis años,
empecé a tocar el piano y el violín, y siempre he estudiado música. Intenté estudiar la carrera de composición musical y luego producción musical, pero ahora actúo. Siempre me ha gustado la música. Para la serie, tuve que aprender a tocar la guitarra y reconectar con la música, así que fue genial poder combinar en el trabajo las dos cosas que más me gustan en la vida.
Sobre el tema de la serie, que trata sobre el bullying y el suicidio, ¿qué opinas? Me parece que lo abordan de una manera no tan cruda como otras series. Para mí, fue complicado entender ciertas cosas porque estamos contando un tiempo en el que yo no viví la preparatoria. Las situaciones y comentarios que se vivían antes ahora son diferentes. Hoy en día, existe más diálogo, aunque las redes sociales juegan un papel crucial. Lo que le sucede a Memo no se romantiza, y eso me parece muy delicado y apropiado.
ES UNA SERIE HECHA CON MUCHO AMOR:
DEME BONILLA
¿Cómo lograste entrar a este maravilloso grupo?
Llegué a la serie gracias a la recomendación de una amiga. Hice el casting y, para ser honesto, no pensé que me quedarían con el papel, aunque me gustó mucho cómo lo hice. Catalina, la directora, me dijo: "Fue un gusto conocerte", y en ese momento pensé: "No quedé". Pero al final, sí me seleccionaron, lo cual fue una grata sorpresa. Trabajar con Samuel Kishi y Catalina Aguilar Mastretta ha sido increíble. Son grandes directores que te hacen sentir parte del proceso, algo que no es muy común.
¿Es esta tu primera serie?
Sí, como tal, sí. Hice algo llamado "Qué tanto es tantito", pero no era una serie de plataforma, sino de Canal 11. Esta es mi primera serie; he hecho más teatro.
Me gustó que la serie tiene un elenco coral; todos tienen su momento
especial. Estoy completamente de acuerdo. Es una serie muy bien escrita y dirigida, algo que no es común. Está hecha con mucho amor. Todos trabajamos con gran dedicación, y eso se refleja en el resultado. Un buen director no solo dirige bien, sino que también crea un ambiente de trabajo donde todos se sienten valorados y parte del proyecto. Esta fue la primera vez que experimenté algo así en lo audiovisual, y espero que vuelva a suceder.
¿Cómo fue crear este personaje, especialmente esos toques de comedia que resultaron tan naturales y no cayeron en clichés?
A mí y a los directores nos preocupaba mucho no caer en clichés, especialmente con el personaje del "bully" y sus compinches. Desde el guion, los personajes están planteados de manera fresca y compleja, sin caer en estereotipos. Trabajar con Kishi,
Catalina, Asbel y Edu fue muy divertido, y lo más importante era encontrar el tono adecuado. La serie aborda temas muy serios, pero lo hace sin ser solemne ni frivolizar.
Hablando de temas difíciles, ¿cómo fue abordar aspectos como el suicidio y el bullying, especialmente en una serie ambientada en los 90, pero que sigue siendo relevante hoy en día?
Fue un desafío. Tuvimos el apoyo de especialistas que nos ayudaron a entender estos temas en profundidad, lo cual fue crucial para no simplificar ni dramatizar en exceso. Creo que la serie maneja estos temas con mucho cuidado, manteniendo un balance entre lo dramático y lo ligero.
Sobre el soundtrack, ¡vaya maravilla! Está increíble. Hay una nostalgia enorme. ¿Cómo lo viviste tú?
El soundtrack fue una de las sorpresas más gratas. Sabía que habían comprado dere-
chos de ciertas canciones, pero no imaginé que estarían tan bien integradas en la narrativa. Aunque nací en 2005, siento una nostalgia por esa época que no viví, algo que creo que la música puede transmitir perfectamente.
¿Tus papás han visto algo de la serie?
Mi padre (Fernando Bonilla) fue a la premiere y le gustó mucho. Es muy honesto, así que si no le hubiera gustado, me lo habría dicho. Mi madre aún no la ha visto, pero creo que también le gustará.
Para cerrar, ¿cómo han sido las primeras impresiones que han recibido sobre la serie?
Las reacciones han sido mucho mejores de lo que esperaba. Anticipaba algo de crítica, como suele pasar con producciones mexicanas, pero la serie ha recibido un gran cariño y aceptación. Los comentarios han sido muy positivos, y eso me tiene muy feliz.
REGRESA LA BATALLA POR EL DESTINO DE LA TIERRA MEDIA
La segunda temporada de "El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder", la ambiciosa serie de Amazon Prime basada en el vasto legendarium de J.R.R. Tolkien, sigue explorando la Tierra Media con una narrativa más enfocada y madura, llevando a los espectadores a un viaje oscuro y fascinante a través de la Segunda Edad.
Esta temporada se adentra de lleno en los eventos que preludian la creación de los anillos de poder y el ascenso de Sauron. La historia, ahora más cohesionada y urgente, se centra en las luchas de poder y las decisiones fatídicas que determinarán el destino de la Tierra Media. A diferencia de la primera temporada, que estableció las bases de este vasto universo, la segunda temporada ofrece una narrativa más dinámica y llena de tensiones, donde el mal acecha en cada esquina.
Los personajes principales reciben un tratamiento más profundo, revelando capas de complejidad que enriquecen la trama. Galadriel,
POR CARLOS MORA
interpretada con intensidad por Morfydd Clark, emerge como una figura aún más central, cargando con el peso de sus decisiones y su búsqueda implacable de justicia. Los númenóreanos y otros personajes clave, como Elrond y Celebrimbor, tienen arcos narrativos más desarrollados, lo que permite al público conectarse emocionalmente con sus dilemas y desafíos. La actuación de Charlie Vickers como Sauron destaca por su sutil malevolencia, capturando la esencia de un villano que manipula desde las sombras.
La serie sigue siendo un deleite visual, con una producción que no escatima en detalles. Los paisajes de la Tierra Media se muestran con una majestuosidad impresionante, desde los vastos horizontes de Númenor hasta las oscuras tierras de Mordor. Los efectos especiales son de primera categoría, y la dirección de arte continúa sumergiendo a los espectadores en un mundo lleno de historia y mitología. La cinematografía es especialmente destacable, utilizando la luz y la sombra de manera
evocadora para reflejar la lucha entre el bien y el mal.
A pesar de sus muchos aciertos, la serie aún enfrenta críticas por su interpretación del material original de Tolkien. Algunos puristas pueden encontrar que ciertas decisiones creativas se apartan demasiado del espíritu de las obras de Tolkien. Además, aunque la narrativa es más sólida que en la primera temporada, algunos episodios todavía se sienten un poco extendidos, con un ritmo que a veces podría beneficiarse de una mayor concisión.
La segunda temporada se consolida como una de las series de fantasía más impresionantes de la actualidad. Con un enfoque más maduro y una narrativa que profundiza en los conflictos fundamentales de la Tierra Media, esta temporada ofrece una experiencia épica y emotiva. Aunque no es perfecta y podría no satisfacer a todos los fans de Tolkien, su ambición y su capacidad para crear momentos de auténtico asombro aseguran su lugar como un hito en la televisión contemporánea.
"EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LOS ANILLOS DE PODER"
Dónde ver: Prime Video
Los actores Charles Edwards, Cynthia Addai-Robinson, Lloyd Owen y Maxim Baldry de "El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder" visitaron México para promocionar la segunda temporada de la serie.
"A FRIEND OF THE FAMILY":
VIVIR CON UN
MONSTRUO REAL
"A Friend of the Family" es una serie dramática que ha capturado la atención de la audiencia por su enfoque crudo y realista sobre el abuso y la manipulación. Basada en hechos reales, la miniserie es protagonizada por Jake Lacy, Colin Hanks, Mckenna Grace y la ganadora del Oscar Anna Paquin. La historia narra el infierno que vivió la familia Broberg, una familia suburbana que se convierte en víctima de un depredador sexual cercano a ellos.
Lo que diferencia a esta serie de otras es su exploración profunda de la confianza traicionada y la complejidad de las relaciones humanas, donde un "amigo de la familia" se convierte en el peor enemigo. Con mucha valentía, Jan Broberg decidió tomar las riendas de su historia, y cuando Nick Antosca la convocó para producir "A Friend of the Family", no titubeó. Además, Jan, quien también es actriz, participa en la serie con un personaje crucial. “Lo más importante para mí era contar nuestra historia de una manera con la que la gente pudiera identificarse, para que pudieran vernos como los seres humanos multifacéticos que éramos en nuestra amorosa familia normal”, afirma Jan. “Todos intentábamos hacer lo mejor que podíamos en el mundo. Éramos personas desprevenidas, confiadas, amables e imperfectas. Nuestros padres nos amaban y nosotros conocíamos y amábamos a nuestra comunidad y a nuestros vecinos. Todos fuimos manipulados y preparados, y cada defecto fue explotado por un ‘hombre de familia’ que conocimos en la iglesia”, comentó Jan, quien ahora es
activista y comunicadora.
La serie sigue a Jan Broberg, una niña que es secuestrada en dos ocasiones por el mismo hombre, un cercano amigo de la familia, en la década de 1970. A lo largo de la serie, se muestra cómo el manipulador utiliza tácticas psicológicas para ganarse la confianza de los padres y aislar a Jan de su familia, llevándola a un estado de vulnerabilidad extrema.
La historia es contada con una intensidad que refleja la desesperación y la impotencia de los Broberg, al tiempo que ofrece una mirada profunda a las complejidades del abuso y la manipulación, temas que, lamentablemente, siguen siendo relevantes en la sociedad actual.
"A Friend of the Family" ha sido aclamada por su valentía al abordar temas difíciles con una narrativa impactante y realista. Los críticos han elogiado las actuaciones, especialmente la del actor que interpreta al depredador, cuya interpretación es tan convincente que logra transmitir el terror y la manipulación a la audiencia.
Además, la serie ha generado un debate significativo sobre cómo las comunidades pueden protegerse mejor contra este tipo de amenazas y la importancia de la vigilancia y la educación en torno a temas de abuso y manipulación.
"A Friend of the Family" no es solo una serie de entretenimiento; es una reflexión perturbadora sobre la confianza, el peligro de la familiaridad y las cicatrices profundas que deja el abuso. Es una obra que invita a la reflexión y a la acción, al tiempo que ofrece una narrativa que mantendrá a los espectadores al borde de sus asientos.
"A FRIEND OF THE FAMILY" Dónde ver: Universal+
"THE TRAITORS" Dónde ver: Universal+
LLEGA LA NUEVA TEMPORADA DE "THE TRAITORS"
Universal+ lanzará en Latinoamérica la segunda temporada de "The Traitors", el reality ganador del Emmy, basado en el programa holandés "De Verraders". Conducido por el reconocido actor escocés Alan Cumming, quien destaca como un mordaz anfitrión.
Con cuatro nominaciones en los Emmy 2023, incluido Mejor Reality de Competencia, el show promete más drama y traiciones entre sus 22 participantes, todos famosos por su habilidad en competencias anteriores. “Es surreal”, expresó Cumming al enterarse de la candidatura. “Cuando conduzco el programa, me siento en una vorágine; es otra forma de actuar, con otra estructura, pero con muchísima intensidad”, remarcó el anfitrión.
Además, expresó que el programa le permitió mostrar una faceta menos conocida: la de la conducción con un estilo muy marcado. “La segunda temporada me dejó ser más teatral; en la primera estaba más tímido,
pero ahora disfruto mucho jugar con el vestuario, que ya es parte del reality”, destacó.
En cuanto al motivo por el que considera a "The Traitors" como un programa “muy loco”, explicó: “Es lo más extraño que he hecho en mi carrera, y es tan exitoso porque a todos nos gusta ver a la gente mentir. En el reality, están obligados a hacerlo; algunos mienten muy bien y otros no pueden, lo cual es un papelón”. Según Cumming, con "The Traitors" descubrió lo feliz que se siente como un anfitrión con toques malévolos. “Soy como un villano de una película de James Bond”, aseveró.
CINCO CURIOSIDADES
SOBRE LA SEGUNDA TEMPORADA
1. Alan Cumming tenía prohibido permanecer en el castillo: La locación principal del reality es casi un participante más. Por ello, la producción estableció condiciones sobre quiénes podían hospedarse en el imponente lugar. Cumming acordó solo permanecer en el castillo
escocés durante las jornadas de rodaje y retirarse por las noches. Sin embargo, le aseguraron una habitación para descansar entre tomas y un camerino de grandes proporciones, ideal para todos sus impactantes outfits.
2. Los participantes no podían tomar alcohol: Una de las reglas del juego era que los competidores no podían ingerir bebidas alcohólicas. A pesar de ello, se hizo una excepción para filmar uno de los episodios en el que se puede ver a los jugadores con copas de vino en sus manos. Por lo tanto, modificaron levemente las reglas y les permitieron tomar una copa por noche.
3. Un barco trajo demasiadas complicaciones en el rodaje: Con el objetivo de innovar, el creador de "The Traitors", Marc Pos, consideró la posibilidad de tener un barco como epicentro de la competencia. Sin embargo, el plan fue descartado debido a los peligros que conllevaba filmar en una locación a merced del clima. “Filmar en un barco era complicado; las misiones
no eran fáciles de realizar y resultaba muy difícil producir”, reconoció Pos, quien finalmente eligió el castillo de Ardross como punto neurálgico.
4. Los participantes tenían custodia asegurada: Los 22 jugadores de la segunda temporada fueron muy cuidados durante el rodaje, según reveló el productor del reality, Mike Cotton. Debido a las características de las misiones, muchas de ellas nocturnas, eran acompañados por guardias de seguridad a sus habitaciones para garantizar su bienestar y evitar que incumplieran el reglamento.
5. “La regla del silencio” que sorprendió a todos: Con la finalidad de que la competencia fuera justa, los jugadores no podían hablar de sus estrategias cuando no tenían sus micrófonos puestos ni cuando las cámaras estaban apagadas. Por lo tanto, fuera de rodaje, los competidores se limitaban a entablar conversaciones sobre sus vidas personales, evitando siempre hablar sobre el reality.
EDNA CAMPOS
MACABRO PASADO, PRESENTE Y FUTURO DEL FESTIVAL
Cómo ya es tradicional en estas fechas, en la Ciudad de México se celebra El Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México, mejor conocido como Macabro. Y este 2024 llega a su edición número XXIII con varias sorpresas y, como acostumbra año con año, con una muestra representativa del cine de horror y fantástico que se produce en la actualidad.
POR FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO
Nos acercamos a su fundadora y directora, Edna Campos Tenorio, para hablar un poco sobre esta edición, lo que ha sido del festival durante estos años, y sobre su futuro.
En perspectiva, ¿Cómo ha sido para ti el haber empezado con un festival pequeño, y que ahora sea un festival reconocido internacionalmente?
A mí me dicen que no, y yo digo: está bien, no importa. Lo vamos a intentar de otra forma. Eso es lo que hemos hecho desde la primera edición y hasta ahora. El ir abriendo espacios y el luchar justamente contra esos no. Obviamente el festival ha crecido, y digamos que ese crecimiento no ha llegado a su límite. Es algo que sucede por ciclos. Siempre he platicado que han sido tres etapas del festival: cuando estábamos por la edición 16 o 17, yo decía que los primeros siete años fueron de mucha lucha, de abrir espacios, de convencer, sobre todo a las instituciones. Nos costó mucho trabajo convencer a las instituciones. También a los patrocinadores. Es complicado romper con el prejuicio. Después viene la etapa de mucha difusión, en que se empieza a tomar muy en serio el festival. Y ya después viene una etapa en que empieza a venir mucha gente del exterior al festival, ya sea invitados por nosotros o porque vienen por su lado, y eso ha sido como algo que se ha mantenido.
También el haber atravesado por una pandemia fue un reto muy difícil para Macabro, como lo fue para muchos festivales, ¿No?
La pandemia fue una coyuntura para todos, y colocó las políticas públicas en una situación muy distinta a antes de la misma. Lo que ha cambiado mucho es la forma como la gente se acercan y perciben los eventos culturales, como los festivales de cine. Creo que también los paradigmas han cambiado, en el aspecto de que algunos vaticinaban que el cine iba a morir, que ya nadie iba a asistir a las salas. Y no es cierto. Ya vimos que no, que la gente sigue yendo al cine, y le sigue gustando la experiencia cinematográfica. Y para mí, ahora lo que se suma es el streaming. Parecía que era una competencia, pero para los festivales en sí creo que se suma.
La directora Edna Campos y el señor Macabro durante la inauguración de la edición 23 del festival. (Página anterior).
¿Y cómo percibes tú el crecimiento que el festival ha tenido?
Yo el crecimiento lo veo no en el sentido de tener más y más salas, sino más bien en las actividades. Más actividades de industria, homenajes, charlas, tener cuestiones de formación, organizar eventos y hacer tours en otras ciudades después del festival, tener un circuito universitario. Todo eso yo lo veo como parte del crecimiento del festival, pero que se entiende de otra forma.
¿Y cuál es tu sentir de que el festival haya pasado de ser un evento especializado, a convertirse en un evento de
Macabro rindió un homenaje al creador del Festival Mix México Arturo Castelán.
corte internacional, el cual busca estar más en el tenor de festivales como el de Morelia o Guadalajara?
Honestamente, creo que una de las grandes diferencias con ellos tiene que ver con el presupuesto (risas). Si Macabro tuviera la mitad del presupuesto de uno de esos festivales, sería tan grande como uno de ellos. Hay mucho público, viene mucha gente, y obviamente, habría posibilidades de tener mucha más programación, equipo… o sea todo, la estructura de lo que es el festival sería mucho más grande. Pero tampoco vamos a decir que porque ellos existen nosotros no vamos a crecer. No es así. Tiene que ver con muchas otras cuestiones, incluyendo que es un festival de terror en un país conservador.
EVENTOS ESPECIALES
HOMENAJE A LEX ORTEGA
Este año Macabro Film Festival rendirá un homenaje a Lex Ortega, el maestro del terror extremo. Uno de los creadores de las célebres antologías "México Bárbaro I" y "México Bárbaro 2" y de uno de los episodios de la nueva temporada de la icónica serie de terror “La hora marcada”.
En esta edición hay un aumento de sedes. Por un lado, se agrega la Cineteca de las Artes, que recién cumplió un año de vida, y por otro tenemos el regreso, después de varios años de ausencia, al Centro Cultural Universitario de la UNAM. ¿Qué opinas de ello?
La verdad es que fue un poco fortuito el que nos dijeran que regresaramos al Centro Cultural. Y dijimos está bien, vamos a abrir estos nuevos espacios. Y en cuanto a la Cineteca de las Artes, pues esta abrió el año pasado, justo cuando tuvimos nuestra edición XXII, e incluso hubo la posibilidad de que Macabro estuviera allí. Pero por las características de la apertura, no se dió la posibilidad
23 AÑOS DE "JEEPERS CREEPERS"
Cada 23 años en la primavera, regresa por 23 días a alimentarse. Llegó por primera vez en 2001, han pasado 23 años y está de regreso… Macabro presenta "Jeepers Creepers" ("El Demonio"), de Victor Salvia y producida por Francis Ford Coppola.
porque allí se iban a exhibir durante varias semanas sólo películas de cine mexicano. Y por ello no se dió. En esta ocasión ya estamos ahí, y la mayoría de la programación que vamos a presentar es mexicana y latinoamericana. Y además, prácticamente todas las funciones van a tener invitados. Así que creo que va a ser una buena forma de debutar en esa sede.
Antes mencionaste que veías la presencia del streaming como algo que sumaba y no que competía. Y justo noto que tienes la presencia de dos producciones que fueron lanzadas por plataformas digitales: la película "El Hoyo", así como un capítu-
lo dirigido por el realizador Lex Ortega que forma parte de la serie "La hora marcada". ¿Ustedes negociaron directamente con las plataformas propietarias de esta producciones?
Bueno, eso fue cuestión de los productores. En el caso de Lex, él mismo fue quien pidió permiso a la plataforma que concedió la autorización. Y en el caso de "El hoyo", fue directamente con el productor Pedro Rivero quien tramitó todo el asunto. La verdad es que los dos nos ayudaron mucho para que esos materiales se pudieran ver acá.
Y ya que mencionamos a Lex, él presenta también un corto usando una tecnología que hoy es bastante
controversial, como lo es la Inteligencia Artificial. En tu opinión personal, ¿Tú cómo las percibes?, y ¿cómo ves que Macabro le esté entrando al asunto de las IA?
Yo lo veo como una herramienta. Y la cuestión y la controversia la veo más por el lado del comportamiento ético de las personas. Entiendo por ejemplo, la lucha que tienen algunos ilustradores y artistas visuales, porque de repente el software toma su trabajo que está en Internet, y de pronto aparece en el trabajo de alguien más, y no hay nada que mínimo los acredite. Yo creo que ese es el problema, al menos en lo tocante al arte visual en estos momentos. Aunque a lo me-
IN MEMORIAM ROGER CORMAN
En homenaje al gran productor y director estadounidense, quien en mancuerna con el actor Vincent Price y el escritor Richard Matheson nos dio las más grandes adaptaciones de la obra de Edgar Alla Poe, Macabro exhibirá dos películas de este director en funciones especiales.
jor más adelante se generan otras cosas. Y aparte está lo que toca a la cuestión del empleo, que empiecen a sustituir gente, como en el caso de las voces, o a los actores. Ya ves que se dió está huelga el año pasado justamente porque ya se estaba contemplando esta posibilidad. Creo que tiene que haber una legislación y llegar a consensos para ver el uso de estas tecnologías. Hasta ahorita no sabemos hasta dónde realmente va a llegar. De hecho, nosotros mismos hicimos nuestro actual spot con efectos digitales de Inteligencia Artificial. Cuando hace un año empecé a ver lo que se estaba haciendo, dije ay, ¡qué miedo! ya no se va a necesitar a nadie. En este momento, creo que es una herramienta,
CLAUSURA
La clausura y premiación de Macabro XXIII se realizará el sábado 31 de agosto, a partir de las 5:00 pm en el Centro Cultural de España con la exhibición de la película "El Faro", que forma parte de la selección oficial de largometraje iberoamericano de horror.
La entrada es gratuita hasta completar el aforo.
y que la forma como nosotros trabajamos el spot en la cual en realidad sí hubo una grabación previa, no fue totalmente hecho con software, sino que tiene nomás la parte de los efectos. Por otro lado, para los productores que no tienen tanto dinero, pueden echar mano de la Inteligencia Artificial. He escuchado a algunos que hablan al respecto, acerca de que sí puede ser una gran herramienta que puede lograr sin que sea tan costoso, el que se de un universo visual que hacerlo manual o artesanalmente. Y por otro lado, con los efectos digitales sofisticados que hay, como con los que se hacen las películas de Marvel, es inalcanzable para un productor mexicano. Estamos en esa situación y yo no
lo veo mal, solo tenemos que aprender a usarlo.
Estamos a dos años de que el festival alcance su primer cuarto de siglo de vida, ¿Te emociona la idea? ¿Empiezas a imaginar el tener que hacer algo grande para festejarlo?
Me sorprende mucho el ver cómo ha pasado el tiempo. No tanto a lo que hemos llegado. Creo que ha sido mucho trabajo, el cual hacemos con mucha energía y amor, porque nos gusta mucho el festival, nos gusta mucho encontrarnos con la comunidad, ver las películas y pasarla bien. Al principio se trataba de ver películas raras. Veintitrés años después, se trata de lo mismo. Así estamos.
Hay mucha incertidumbre en muchos sentidos, y muchos cambios, incluso de paradigmas. Sin embargo, yo veo que la comunidad de los festivales si está asegurada. Lo que no está asegurado es el financiamiento. Por eso decía yo que se trata de supervivencia, y de encontrar las distintas formas de que se pueda hacer el festival. Pero sobre todo de mantener el nivel, de mantener ese crecimiento que hemos sostenido, y que a lo mejor no se traduce en alfombras rojas, pero se traduce en un montón de actividades y experiencias, que sé que le gusta a mucha de la gente que viene a Macabro. Yo sí veo una edición 25 en la que, no sé cómo le vamos a hacer, pero va a ser grande.
RECORRIDO POR UNA
GRAN TRAYECTORIA
Uno de los cineastas más aclamados del país, Arturo Ripstein, recibió un merecido homenaje con la entrega del galardón de Más Cine del GIFF y la Medalla de la Filmoteca UNAM, una de las preseas más importantes que otorga la universidad, elaborada con plata pura extraída durante el proceso de revelado en el laboratorio fotoquímico de la Filmoteca. Durante su master class, Ripstein se quitó el sombrero para agradecer los aplausos que recibió.
HOMENAJE A TRES MUSAS
El GIFF y Mujeres en el Cine y la Televisión rindieron un merecido homenaje a Adriana Paz, Marina Stavenhagen y Claudia Ramírez, quienes recibieron la Musa, un importante reconocimiento a su trayectoria ejemplar en la industria fílmica nacional. Además, fueron galardonadas con la Cruz de Plata de Más Cine del GIFF. Con 22 años de historia de la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión y 27 años del GIFF, ambas instituciones renuevan su compromiso de enaltecer la labor de todas las mujeres en la industria del cine y la televisión en México.
MOMENTOS
DEL FESTIVAL
EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE GUANAJUATO (GIFF)
celebró su vigesimoséptima edición. La pasión por el séptimo arte se dejó sentir más que nunca. Este año, el festival fue una edición llena de emociones, homenajes inolvidables, ventanas a otros lugares del mundo y, lo más importante, un gran apoyo al arte audiovisual al grito de "Más cine, por favor".
ADRIANA PAZ Y SU LUCHA POR EL ÉXITO
La actriz hizo un repaso de su carrera, desde el momento en que decidió a qué quería dedicarse profesionalmente hasta su logro más reciente: ser reconocida en Cannes junto a Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña y Selena Gomez por la mejor interpretación femenina, lo que la convirtió en la primera mexicana en recibir un premio de actuación en dicho festival internacional. Conforme ha interpretado diversos papeles ha aprendido mucho en el camino.
MARINA STAVENHAGEN Y CLAUDIA RAMÍREZ
Se llevó a cabo una conferencia magistral presentada por la directora y guionista Marina Stavenhagen y la actriz Claudia Ramírez, ambas homenajeadas con la Musa de Mujeres en el Cine y la Televisión, así como la Cruz de Plata otorgada por el festival Más Cine. Durante la conversación con el público, se abordaron temas como las crisis vocacionales, el impacto del cine en la vida personal, la importancia de los festivales de cine, y la convergencia de ideas en el ámbito cinematográfico.
EN PRO DE LA MUJER
La actriz y productora Ana Claudia Talancón fue presentada como vocera durante el lanzamiento en el Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), aportando su voz e imagen para sensibilizar a la sociedad sobre este importante tema. Junto a la Secretaría de Salud estatal, que lanzó la campaña "En Guanajuato, Cero Violencia contra la Mujer", Talancón contribuyó a promover la prevención y erradicación de la violencia de género en todo el estado.
CHINA, PAÍS INVITADO
Este año, en la edición 27 del GIFF, el festival se pintó completamente de rojo para recibir a China como Invitado de Honor. La película china "Black Dog", del director Guan Hu, ganadora en la sección Una cierta mirada (Un certain regard) del Festival de Cannes, abrió el encuentro fílmico. La película forma parte del ciclo "Una mirada al cine chino contemporáneo", dedicado a un grupo de historias que destacan el valor humano en el séptimo arte, en total sincronía con el tema principal de este año del festival.
MERECIDO RECONOCIMIENTO
El actor Joaquín Cosío recibió un distinguido homenaje en el Festival Internacional de Cine Guanajuato, donde le fueron otorgadas la Cruz de Plata de Más Cine y la Medalla de la Filmoteca UNAM. Cosío, conocido por interpretar formidables personajes como Mascarita en "Matando Cabos" y El Cochiloco en "El infierno", fue honrado durante la ceremonia. Los actores Diana Bovio e Ianis Guerrero fueron los primeros en presentarlo en este evento.
ESTRENO DE "CORINA"
La directora de "Corina", Urzula Barba, agradeció todo el apoyo que recibió del GIFF y de la gente de Guanajuato para la realización de su ópera prima. El filme narra la historia de una mujer que padece agorafobia y, tras cometer un grave error en su trabajo como correctora de estilo para una editorial, debe enfrentar sus miedos para emprender un viaje que salvará su empleo y el de sus compañeros. En el evento, desfiló Naian González Norvind, actriz protagonista de la película, junto a otros miembros del elenco, como Laura de Ita, entre otros.
PELÍCULAS GANADORAS
Las películas mexicanas "Soy lo que nunca fui", de Rodrigo Álvarez Flores, y "Crónicas del otro norte", de Miguel León, fueron las grandes ganadoras de la edición 27 del GIFF. "Soy lo que nunca fui", se alzó con el premio de Mejor Película Mexicana de Ficción y "Crónicas del otro norte", se llevó el premio a Mejor Documental Mexicano, en una categoría en la que "Después de las armas", de Héctor Laso, se llevó una mención especial.
15 AÑOS DEL RALLY UNIVERSITARIO
Los jóvenes son el futuro del séptimo arte, y el Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) les abre paso con el Rally Universitario, que en su decimoquinta edición recibió triunfantes a sus participantes. Este año, cinco equipos de estudiantes, provenientes de Querétaro, Puebla, Durango, Estado de México y Guanajuato, se unieron para demostrar que el cine florece entre sus talentosas manos. Los 50 universitarios enfrentaron el reto de filmar un cortometraje de ficción en tan solo 48 horas.
JOAQUÍN COSÍO RECIBE HOMENAJE EN EL GIFF
POR ARMANDO ARMENTA
Joaquín Cosío, uno de los actores mexicanos más reconocidos por sus icónicos papeles como "Cochiloco" y "El Mascarita", recibió un homenaje especial en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) en la ciudad de Irapuato. En esta ocasión, fue galardonado con la Cruz de Plata de Más Cine, el máximo reconocimiento del evento, así como con la Medalla de la Filmoteca de la UNAM.
"Debo agradecer a quienes decidieron entregarme este reconocimiento. Es para mí un honor que una institución como la Filmoteca de la UNAM, tan fundamental en el enriquecimiento y la cultura cinematográfica, me distinga, especialmente en estos tiempos difíciles para la cultura y el arte", expresó el actor, provocando una ovación del público.
Con palabras de gratitud, Cosío se mostró alegre y no pudo contener su emoción durante el homenaje. Humildemente, reconoció que, aunque disfruta de su trabajo, lo considera mero entretenimiento. "Yo hago una labor que es menos importante que otras profesiones. Mi trabajo es para entretener; no es como un doctor que cura. Pero me siento muy honrado de que me aplaudan y me reconozcan", comentó.
Además, Cosío aprovechó la ocasión para expresar su agradecimiento a los directores que le dieron la oportunidad de entrar en el mundo del cine. "A aquellos que, cuando nadie me conocía, me
vieron y me dieron un papel (…) ha sido una carrera muy vertiginosa, inesperada y sorprendente. Todos ellos han sido muy importantes en mi carrera", compartió durante la conferencia en el Auditorio de Irapuato.
tienen más que ver con esto que yo, así que les dedico este reconocimiento: a mi padre, a Mateo, mi hijo; a mi esposa", añadió frente a cientos de asistentes.
En su conferencia magistral en el Teatro de la Ciudad, el actor habló, con su característico sentido del humor, sobre sus inicios en la actuación y cómo fue moldeando su carrera. Recordó con cariño a su familia, a quienes atribuye el impulso inicial para comenzar en este oficio. "Son mis hermanos quienes más han tenido que ver con el cine; mi padre, quien trabajó en la Compañía Productora de Teatro del Estado (…) Ellos
Sobre los personajes que ha interpretado, Cosío mencionó que, aunque "El Mascarita" y "Cochiloco" son los más populares, siente un cariño especial por Jesús Juárez, el agente judicial que interpreta a Lucifer en "Pastorela". También destacó que una de sus películas favoritas es "La sangre iluminada", dirigida por Iván Ávila.
En cuanto a su experiencia en la película "El Infierno", donde interpreta a un carismático narcotraficante, Cosío comentó que participar
en ella fue un gran regalo. "El Infierno fue para mí otro obsequio de Luis Estrada. Ya había trabajado con él en un proyecto pequeño y, de repente, me dicen: 'Toma, quiero que seas El Cochiloco'. No lo podía creer cuando lo leí. Al enterarme del elenco, me dije: ‘Voy a estar con este grupo de grandes maestros’. Fue una gran fortuna haber sido seleccionado", recordó.
Aunque no estudió actuación formalmente, Cosío aprendió gracias al teatro, y su transición a la pantalla grande fue intuitiva. "Un buen trabajo de actuación es cuando se ve natural, como si fuera parte de la realidad inmediata. Es cuestionable porque no hay realidad ni en el cine ni en el teatro, pero hay preparación. Es fundamental hacer que parezca que es la primera vez que dices un texto, porque no hay nada más aburrido que un actor que repite un texto sin llenarlo de ese misterio que es el trabajo del actor". También comentó que una de las cosas más complicadas no es aprenderse los diálogos, sino llegar a tiempo a las escenas y al lugar correcto.
Joaquín Cosío es también uno de los pocos actores mexicanos que ha llegado a participar en producciones de Hollywood, como cuando interpretó al General Medrano en la película de James Bond, "Quantum of Solace". Según sus propias palabras, "fue toda una sorpresa cuando me llamaron para decirme que me había quedado con el papel". Cosío también dio vida al General Mateo Suárez en la película "Suicide Squad".
ANA CLAUDIA TALANCÓN, VOCERA DE CAMPAÑA CONTRA VIOLENCIA
POR ARMANDO ARMENTA
La reconocida actriz
Ana Claudia Talancón fue una de las invitadas de honor del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF), donde participó como vocera de la campaña "Cero Violencia contra la Mujer". Durante su intervención, destacó la importancia de alzar la voz para ayudar a otras mujeres que enfrentan situaciones de violencia, además de reflexionar sobre los papeles que ha interpretado y cómo estos resaltan dicha problemática.
“Cuando me llamaron para invitarme a formar parte de esta campaña, no lo dudé ni un instante y acepté enseguida, porque es un tema de absoluta importancia que merece toda nuestra atención y que afecta a todo el mundo. México no es la excepción”, afirmó durante la conferencia de prensa en el Auditorio del Teatro de Irapuato, acompañada por la directora del GIFF, Sarah Hoch, y personal de salud de Guanajuato. Aunque nerviosa, Ana Clau-
dia explicó que, aunque el tema es complicado para ella, es algo que debe discutirse con más frecuencia. “No estoy acostumbrada a hablar sobre la violencia contra la mujer, no me siento cómoda hablando al respecto, pero esto es un indicador de que estoy saliendo de mi zona de confort, lo que significa que algo bueno está pasando y se está transformando”. Para la actriz, este tipo de diálogos ayudan a superar miedos y a expresar con mayor firmeza el rechazo a la violencia. “Me siento muy valiente por enfrentar este miedo y poder compartir desde mi experiencia”, añadió.
Refiriéndose a sus actuaciones, Talancón subrayó que una de las cosas más nobles de su trabajo es poder dar voz a las mujeres en historias que las representan, ya que a través de esa experiencia “puedo dar vida a estas historias, muchas de las cuales muestran cómo la realidad supera a la ficción”.
“Estas mujeres no son solo personajes en la pantalla, son el reflejo de muchas mexicanas
que día a día luchan por su dignidad y enfrentan diversos tipos de violencia, no solo la sexual, sino también la moral, psicológica, económica, entre otras”, comentó, recordando algunas de las películas en las que ha participado y que reflejan estas realidades, como "El cometa", donde interpretó a una joven revolucionaria que sufre la pérdida de su padre.
“Me pregunto, ¿qué similitudes sigo viendo entre este personaje que interpreté hace 26 años y la realidad actual? Hoy en día, incluso para ir al baño en algún lugar, muchas veces le pides a un hombre que te acompañe porque no te sientes segura”. También recordó que, tras el estreno de "El crimen del Padre Amaro", muchas mujeres se le acercaron para decirle: “Yo también me enamoré de un cura del pueblo y también me embaracé de él”, lo que para la actriz refleja la vigencia de muchos tipos de violencia en la realidad mexicana.
Finalmente, la actriz de “Soy tu fan” lamentó las diferencias
salariales que aún persisten en la industria cinematográfica entre hombres y mujeres, tanto en paga como en oportunidades y respeto dentro del equipo. A la vez, hizo un llamado al público para que se acostumbre a ver más mujeres en este campo. “A mucha gente le cuesta trabajo seguir las órdenes de una mujer. Hay muchas mujeres liderando equipos y, pues, váyanse acostumbrando porque cada vez vamos a ser más”, expresó ante un lleno total en el Auditorio. Ana Claudia espera que este llamado inspire a muchas mujeres a buscar ayuda si lo necesitan y a no quedarse calladas ante cualquier tipo de violencia. “Debemos tomar cartas en el asunto, erradicar la violencia contra las mujeres, de todos los tipos, incluido el acoso, y alzar la voz en nombre de tantas mujeres. Escucharme hablar a mí sobre este tema o al mismo festival invita y ayuda a que no se sientan solas, y a que no sea un tema tabú, para que puedan buscar ayuda en caso de ser víctimas”, concluyó.
CLAUDIA RAMÍREZ, UNA ACTRIZ MUY INTUITIVA
POR ARMANDO ARMENTA
Claudia Ramírez, actriz veracruzana con una amplia trayectoria en teatro, televisión y cine, ofreció una conferencia magistral junto a la guionista Marina Stavenhagen. Durante la última etapa del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) en Irapuato, compartió parte de su experiencia en el mundo del séptimo arte. Al inicio de su carrera, Ramírez confesó que no estaba segura de que la actuación fuera su verdadera vocación, sintiendo cierta presión al tomar esa decisión. "He tenido estas crisis vocacionales eternas. Creo que se debe a la sociedad, la educación, y a las familias, que siempre te exigen desde muy temprana edad que tengas claro a qué te quieres dedicar el resto de tus días", explicó.
Hablando de algunas de sus pasiones, la actriz de "Juego Limpio" mencionó que encuentra placer en cosas simples de la vida diaria, como la cocina. "Los seres humanos somos entes en constante transformación. Queremos hacer una cosa y luego otra. En mi caso, a veces quiero dedicarme a cocinar, luego ser antropóloga o arqueóloga, o quizás siempre quise actuar. Además, tenemos la capacidad de seguir aprendiendo cosas", comentó ante los asistentes.
Ramírez, quien recientemente apareció en "Mirreyes contra Godínez 2: El retiro", expresó su gratitud por su trayectoria en televisión, aunque admitió que le hubiera gustado hacer más cine. "Hubo un tiempo en el que hacía más televisión. Ahora se hacen muchas series, afortunadamente,
pero me hubiera encantado hacer más cine porque fue ahí donde comencé mi carrera. Me retiré en un momento para estar con mis hijos, luego crecieron y me preguntaba: '¿Qué hago ahora?'", relató.
La actriz reconoció que su experiencia en diferentes formatos le ha abierto muchas puertas y ha permitido que la gente la tenga en consideración. "Vengo de una generación en la que si solo hacías televisión, en el cine te miraban por encima del hombro. Ahora, con las plataformas y las series cinematográficas, todos nos mezclamos un poco, pero me siento como alguien que no pertenece completamente ni a un lado ni al otro. Que la gente te reconozca y valore tu trabajo es hermoso, porque trabajamos para permanecer en el imaginario de la gente, para formar parte
de su historia. Esa es la magia del cine y la televisión. Muchas cosas quedan para siempre y eso te hace sentir muy orgulloso", expresó. En cuanto a la variedad de plataformas de streaming disponibles hoy en día, Ramírez se mostró algo escéptica, defendiendo la idea de apoyar las producciones de la "manera antigua": yendo al cine. "Defiendo que las películas se tienen que ver en el cine. No hay comparación entre verlas en tu casa y mucho menos en un celular o en una computadora. Aunque ahora muchas películas se hacen directamente para las plataformas y no tienen la oportunidad de llegar al cine, lo cual es frustrante porque se les da mucha prioridad a las producciones extranjeras".
La veracruzana también habló de los riesgos que estas
plataformas pueden presentar para los actores, desde proyectos que se esfuman de repente hasta cambios en los guiones. "De repente cortan escenas y la historia ya no funciona; ya no sabes de dónde vienes o a dónde vas, o qué sucedió con tu personaje porque se diluyó o creció absurdamente. A veces es muy frustrante, porque al final no se entiende nada. Incluso para nosotros, al ver el resultado final, te quedas con la impresión de que querías otra cosa", comentó.
Finalmente, Ramírez agregó
que una de las cosas más difíciles para una actriz es lidiar con la frustración, pues es necesario adaptarse a situaciones imprevistas. "Aprender a lidiar con la frustración es algo que difícilmente superas. Cada vez que te involucras en un proyecto, vuelven esas mismas inseguridades. Esta es una carrera en la que, afortunada o desgraciadamente, siempre estás muy expuesto a esas emociones, porque afectan directamente a tu autoestima. No creo que sea algo que puedas superar al final del camino", concluyó.
GANADORES DE LA EDICIÓN XXVII DEL GIFF
CONCURSO DE GUIÓN
Mejor Guión de Cortometraje: "Instrucciones para prevenir un desastre", de Carolina Valencia Torres
Mejor Guión de Largometraje: "Novenario", de Ulises Pérez Mancilla
Mención especial Guión Largometraje: "Teté", de Alejandro Guzmán Álvarez
MUJERES EN EL CINE Y LA TELEVISIÓN
Ganador: "Bye Bye Bowser", de Jasmin Baumgartner
PREMIO DE LA PRENSA
Ganador: "Corina", de Úrzula Barba Hopfner
PREMIO IMPULSO EN PR Y MEDIOS
Ganador: "Soy lo que nunca fui", de Rodrigo Álvarez Flores
IDENTIDAD Y PERTENENCIA
Tercer lugar: "Corazón de Alfeñique", de Jesús Abraham Barrientos (Instituto Irapuato)
Segundo lugar: "Mientras no estás", de Rebeca Rodríguez (Universidad Benavente)
Primer lugar: "El arte de morir", de Jonathan Hernández (Universidad Meridiano)
RALLY UNIVERSITARIO
Premio del público: "Imperfecto perfector", de Seychell Sofía Tortolero (Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla)
Mención honorífica: "Un héroe en la sala", de Sergio Maldonado (Universidad Autónoma del Estado de México)
Ganador: "Promesa", de Osvaldo García Juárez (Universidad Autónoma de Durango)
SELECCIÓN OFICIAL REALIDAD VIRTUAL
Mención especial: "Draw for change": We exist, we resist, de Mariana Cadenas
Mejor narrativa: "Human Violins", de Ioana Mischie
Mejor Experiencia Visual en Realidad Virtual: "Floating with Spirits", de Juanita Onzaga
MEJOR CORTOMETRAJE
GUANAJUATENSE
Ganador: "Salvar a Milka del Agua", de Michelle Olivares
MEJOR CORTOMETRAJE EXPERIMENTAL
Ganador: "Out of the Blue", de Morgane Frund
Mención especial: "Quebrante", de Janaina Wagner
MEJOR CORTOMETRAJE ANIMACIÓN
Ganador: "Cipők és paták" (Shoes and Hooves), de Viktória Traub
Mención especial: "Plevel" (Weeds), de Pola Kazak
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL INTERNACIONAL
Ganador: "Krahët e punëtorëve" (Worker’s Wings), de Ilir Hasanaj
Mención especial: "Exit Through The Cuckoo’s Nest", de Nikola Ilìc
MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL INTERNACIONAL
Ganador: "The Falling Sky", de Eryk Rocha, Gabriela Carneiro da Cunha
Mención especial: "Oasis", de Felipe Morgado, Tamara Uribe Fuentes
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN INTERNACIONAL
Ganador: "Milasto Jézy" (Hedgehog’s Dilemma), de Mateusz Rybiński
Mención especial: "Des réves en bateaux papiers" (Dreams like Paper Boats), de Samuel Suffren
CORTOMETRAE DOCUMENTAL MÉXICO
Ganador: "El neceser rojo", de Serge García
CORTOMETRAJE MÉXICO
Ganador: "¡Beso de lengua!", de José Luis Zorrero
Mención especial: "Ella se queda", de Marinthia Gutiérrez Velazco
MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL MÉXICO
Ganador: "Crónicas del otro norte", de Miguel León
Mención especial: "Después de las armas", de Héctor Laso
LARGOMETRAJE DE FICCIÓN MEXICANO
Ganador: "Soy lo que nunca fui", de Rodrigo Álvarez Flores
LARGOMETRAJE DE FICCIÓN INTERNACIONAL
Ganador: "Mé el Aïn" (Who Do I Belong To), de Meryam Joobeur
"UN TRANVÍA LLAMADO DESEO"
LA ICÓNICA obra Un tranvía llamado deseo llega a México en una nueva adaptación dirigida por Diego del Río. La historia sigue a Blanche DuBois (Marina de Tavira), una mujer sureña que, tras perder su hogar, se muda con su hermana Stella (Astrid Mariel Romo) y su marido Stanley (Rodrigo Virago) en Nueva Orleans. La llegada de Blanche perturba la tensa relación de la pareja, mientras su frágil estado mental se deteriora bajo la presión de su pasado. Esta adaptación captura la intensidad emocional y las complejas dinámicas de poder presentes en el texto original de Tennessee Williams.
"UN TRANVÍA
LLAMADO DESEO"
Dónde ver: Teatro del Bosque, Julio Castillo
