CAMEO_39

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MAYO · N. 39 · AÑO V · WWW.REVISTACAMEO.COM

ENTREVISTAS MARINA DE TAVIRA FIONA PALOMO EDGAR NITO

DIEGO LUNA DICE ADIÓS AL UNIVERSO STAR WARS

¡AHORA TAMBIÉN EN LA WEB!

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CONTENIDO

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EDGAR NITO

6

DIEGO LUNA

24

BODAS DE SANGRE

42 46

RUBY VIZCARRA

9

LUIS ALBERTI

28

MARINA DE TAVIRA

FIONA PALOMO

10

MAYRA BATALLA

30

JULIETA

48

31

MALINCHE

50

AGENDA TEATRAL

52

THUNDERBOLTS

12

LUIS CURIEL

MICHAEL B. JORDAN

14

LEONARDO ALONSO

31

LA BALADA DE LA ISLA

16

NAIAN GONZÁLEZ NORVIND

32

RESERVA FILMS

18

URZUL HOPFNER

33

ALEJANDRO MONTALVO

20

ÉTOILE

34

DÉJAME ESTAR CONTIGO

36

CAUTIVA POR AMOR

38

BETTER MAN

40

REVISTA CAMEO NOS GUSTA DIFUNDIR LOS PROYECTOS DE CINE, SERIES, TEATRO Y MÚSICA AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

NÚMERO 39 MAYO 2025 AÑO 5 REVISTA DIGITAL

54

VIVIR QUINTANA

56

ARANZA GOROZ

58

LAS ANGÉLICAS

60

MAGIC JUAN

62

EDITORES: CARLOS MORA CARLOS AGUILLÓN

CORREO: cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO

NATALIA LAFOURCADE

COLABORADORES: ALEJANDRA LOMELÍ FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO ARMANDO ARMENTA

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CINE · TV Y STREAMING · TEATRO · MÚSICA

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RUBY VIZCARRA HABLA DE UN CUENTO DE PESCADORES

ENTREVISTAS CON

EDGAR NITO FIONA PALOMO Foto Carlos Mora

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TERROR EN EL LAGO:

CHECA EL TRAILER

EDGAR NITO INVOCA A LA MIRINGUA El director despierta una leyenda con Un Cuento de Pescadores: La Maldición de la Miringua, "una leyenda purépecha revive en un terrorífico relato acuático filmado en Pátzcuaro"

“

Cuando estás de noche en Pátzcuaro, con el lago cubierto de bruma y los ruidos de los insectos cruzando el silencio, es fácil creer que algo nos observa desde el fondo.

No tuvimos que inventar el terror. Solo dejarlo salir.”

Así lo cuenta Edgar Nito, director de Un Cuento de Pescadores – La Maldición de la Miringua, una de las películas mexicanas más atmosféricas, ambiciosas y emocionalmente perturbadoras del año. Su obra no solo es una pieza de cine de género, sino una puerta hacia lo más profundo de las leyendas mexicanas y del alma colectiva de un pueblo que convive con sus propias sombras.

Con una mezcla entre fantasía oscura, terror ambiental y drama comunitario, la película se sumerge en el corazón del lago de Pátzcuaro, donde pescado-

Texto y foto Carlos Mora res comienzan a morir, los peces desaparecen y una figura femenina prehispánica —La Miringua— se aparece como recordatorio de culpas que no han sido saldadas. En palabras del propio Nito, “es una historia de castigo, pero también de memoria. Y sobre todo, de respeto a lo que nos precede”.

De la tradición oral al horror en pantalla La leyenda de La Miringua no es invención de guionistas. Es parte del folclore purépecha, transmitido entre generaciones, documentado en testimonios orales, y, como muchas historias similares en México, estaba esperando el momento y la mirada adecuados para volverse cine.

“Todo fue muy extraño y mágico a la vez. Nos cayó un libro con relatos reales, con historias de pescadores locales, y uno hablaba de ella. En el momento en que

lo leíamos en la isla… se fue la luz. Así, de golpe. Y nos dio miedo, de verdad. Ese fue el primer susto. De ahí vino todo”, recuerda entre risas el director.

La película —escrita junto a Alfredo Mendoza— no solo toma esa leyenda como base, sino que la reviste con un tono casi ritual, en donde la puesta en escena, la fotografía, el diseño sonoro y el lenguaje del agua construyen una experiencia inmersiva.

No se trata de sustos por sustos, sino de una amenaza latente que brota del entorno mismo.

Filmar sobre el agua, con el pueblo y para el pueblo Desde el primer plano se nota que Pátzcuaro no fue un mero escenario, sino un personaje más. Nito no llegó a filmar con una mentalidad de turista, sino como un invitado consciente. La comunidad purépecha fue parte activa del

proceso: desde la logística en las lanchas, pasando por figurantes que se convirtieron en actores, hasta los habitantes que hoy se ven en la pantalla grande, viviendo la experiencia del cine como algo suyo.

“Yo no quería hacer una película extractiva. Sabía que si íbamos a trabajar con una leyenda que les pertenece, teníamos que hacerlo desde el respeto y la colaboración. Nos convertimos en una familia. Muchos de ellos actuaron por primera vez. Hoy están en cines de todo el país. Eso es lo más chido que te puede pasar como cineasta”.

La producción enfrentó enormes desafíos: filmar en agua, de noche, con plantas de luz flotando en lanchas ancladas, con equipos moviéndose bajo y sobre la superficie. Pero cada decisión técnica está al servicio de lo narrativo. El lago vibra, respira, acecha.

Es el verdadero corazón oscuro de la cinta.

Un elenco que mezcla tradición, experiencia y descubrimiento Uno de los puntos más notables de Un Cuento de Pescadores es su sólido y diverso elenco. Encabezado por Noé Hernández, Mercedes Hernández, Hoze Meléndez, Renata Vaca y Jorge A. Jiménez, la película no tiene un solo protagonista: tiene múltiples voces que confluyen en una historia coral, donde cada personaje representa un eco distinto de la culpa y el miedo.

“Es una película que se cuenta desde varias perspectivas, como si la cámara misma fuera el

lago que todo lo mira”, dice Nito. “Tienes actores con trayectorias sólidas como Noé o Mercedes, y al mismo tiempo talentos emergentes y otros que nunca habían actuado. Eso crea una riqueza que pocas veces se ve en el cine de género mexicano.”

La Miringua es interpretada por Rubí Vizcarra, modelo y performer, quien aporta una presencia física impactante. “Ella no necesitaba hablar. Su cuerpo decía todo. Era una entidad. Y funcionó perfecto”.

Cine de terror en México: un reto con sabor a victoria

Aunque México es uno de los países que más consume cine de terror, paradójicamente produce muy poco. Para Nito, eso revela una contradicción que debe resolverse: “Tenemos más leyendas que nadie. Más tradición oral, más misticismo. Pero el género aún no se ve como una forma seria de hacer cine. Y eso hay que cambiarlo. Esta peli es parte de ese cambio”.

Con un presupuesto modesto que fue creciendo con esfuerzo, Un Cuento de Pescadores se las arregla para ser visualmente poderosa sin recurrir a efectos artificia-

les excesivos. La atmósfera, el ritmo y el diseño del sonido hacen más por el miedo que cualquier monstruo de CGI. Y el resultado ya está a la vista. La cinta pasó por el Festival de Sitges con aplausos. En Morelia emocionó al público local.

“Sí, es día de ir al cine a ver que nuestras leyendas están vivas. Están esperando ser contadas. Y qué mejor que hacerlo en pantalla grande. Esta película fue hecha para eso: para verse y escucharse en una sala, en completa oscuridad, rodeado de otros que también sienten que algo se mueve allá abajo”.

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UN CUENTO DE PESCADORES Género: Terros Duración: 101 minutos País: México Distribución: Cinépolis

DA UN GIRO INESPERADO EN SU CARRERA Texto y foto Carlos Mora

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a actriz y modelo Ruby Vizcarra sorprende al público con su incursión en el cine independiente, al formar parte del elenco de Un Cuento de Pescadores – La Maldición de la Miringua, una cinta que combina realismo social con elementos poéticos en un relato ambientado en una comunidad costera.

Dirigida por Edgar Nito, la película retrata la vida cotidiana de

una pequeña aldea pesquera donde el mar es tanto fuente de vida como escenario de conflictos. En este entorno, Vizcarra interpreta a La Miringua, un personaje que rompe estereotipos y revela una nueva faceta de su capacidad actoral.

“Este proyecto significó para mí una oportunidad de conectar con una narrativa muy distinta a todo lo que había hecho antes. Me atrajo la sensibilidad con la que se cuenta la historia y el mensaje de resistencia que encierra”, comenta Vizcarra, quien ha sido reconocida también por su activismo

Ruby Vizcarra

en temas de inclusión y diversidad corporal.

Un cuento de pescadores no solo representa una apuesta artística arriesgada, sino también un paso firme en la carrera de Vizcarra hacia roles más complejos y comprometidos.

La película hizo un recorrido por festivales internacionales, donde ha sido bien recibida por su estética minimalista y su carga emocional.

Con este papel, Rubí reafirma su lugar en el cine contemporáneo como una artista en constante evolución, dispuesta a romper moldes tanto dentro como fuera de la pantalla.

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UNIDOS UNA CARRERA ASCENDENTE DE MÉXICO A ESTADOS

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Por Carlos Aguillón iona Palomo no esperaba despertar con una noticia que cambiaría su año por completo. Fue un mensaje de texto, simple y directo, el que le avisó lo impensable: había ganado la Diosa de Plata a Mejor Actriz por su interpretación en Un actor malo.

La emoción fue inmediata, pero también el asombro. “Fue hermoso. Estaba en casa, dormida, y desperté con un mensaje de un chico que me dijo ‘felicidades’. Me sorprendió muchísimo porque ni siquiera sabía que estaba nominada.”

necesario, de tocar fibras que muchos guardan en silencio.

“Este personaje y esta historia tocan un tema que muchas veces no se aborda con el cuidado que merece.

Poder generar empatía a través del cine, que alguien llore desde su propio dolor al verme, hombres y mujeres por igual, es algo profundamente humano y necesario. Este también era mi dolor, y tener la oportunidad de convertirlo en algo que trascienda… me hace sentir muy honrada”, resaltó la actriz, quien su mayor escuela y ejemplo han sido sus padres Eduardo Palomo y Carina Ricco.

Fiona Palomo como Sofía en Outer Banks.

La noticia la encontró en la intimidad de su hogar, pero el impacto resonó en su vida profesional y personal.

Un actor malo no solo le trajo reconocimiento, sino también una conexión profunda con un papel que la atravesó emocionalmente.

“Fue un honor precioso, una sorpresa muy especial en mi vida. Y ver a otras actrices maravillosas ahí… fue algo muy significativo. Además, la película fue una maravilla.”

En la película, Fiona entrega una interpretación visceral. Una escena en particular donde su personaje sufre una violación, la cual quedó grabada por su intensidad en sólo dos tomas.

Lo que vemos en pantalla es una mezcla auténtica de emoción contenida y dolor liberado.

“Tuvimos la suerte de tener ensayos increíbles. Eso nos permitió crear, generar energía, y dejarla en el cuerpo para que simplemente explotara en el momento.

La verdad es que todo fluyó con mucha naturalidad… en ese momento me estoy hiperventilando, y eso es real.”

Más allá de la técnica, lo que Fiona vivió con este proyecto fue una catarsis compartida con el público.

Su interpretación no fue solo un ejercicio artístico: fue una forma de decir algo

La actriz recibe su Diosa de Plata como mejor actriz por Un actor malo.

Una carrera ascendente en el extranjero Fiona es parte del elenco de la serie estadounidense Outer Banks, donde interpreta a un personaje que se incorporó en la tercera temporada y seguirá en la quinta, ya confirmada. “Mi personaje tiene esta vibra tipo Bonnie y Clyde, es uno de los chicos con esa energía rebelde. No sé bien qué viene para él, pero comenzamos a filmar este año.”

Su carrera se despliega entre México y Estados Unidos, dos industrias distintas, pero igualmente

enriquecedoras. Aunque ha trabajado con grandes equipos en ambos lados, Fiona reconoce que hay algo en México que simplemente no se reemplaza.

“Hay algo tremendamente cálido en México… ese sentido del humor, la manera de abordar las cosas. Aquí tus amigos están contigo, nos reímos de todo. Allá todo es un poquito más directo, más al grano, aunque también he hecho amistades hermosas.

Pero sí, hay algo que México tiene que es muy precioso.”

Su apuesta por la música Además de su trabajo actoral, Fiona está explorando otro lado de su voz: la música. Aunque durante mucho tiempo lo evitó, ahora se lanza con decisión.

“Estoy trabajando en mi música. Es algo que durante mucho tiempo no me atrevía a hacer, pero llegó el momento. Estoy forjando mi propio camino.”

Ese camino tiene raíces firmes. Fiona no duda cuando se le pregunta por sus referentes más cercanos.

“Admiro mucho a mis papás como artistas y como personas. Son mis héroes. Soy lo que soy por lo que ellos me enseñaron”, concluyó.

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LA BALADA DE LA ISLA Género: Acción Duración: 127 minutos País: Estados Unidos Distribución: Disney

THUNDERBOLTS: CUANDO LOS HÉROES TAMBIÉN ESTÁN ROTOS

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hunderbolts (2025), dirigida por Jake Schreier, marca un giro importante dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), apostando por un tono más introspectivo y emocional que sus predecesoras. Esta cinta se distancia de las fórmulas tradicionales de los superhéroes al enfocarse en un grupo de personajes rotos, con pasados conflictivos y heridas emocionales profundas. Lejos de ser una reunión de figuras heroicas convencionales, los Thunderbolts están compuestos por antiguos villanos, antihéroes y soldados caídos en desgracia, todos intentando redimirse —o al menos sobrevivir— en un mundo que los ha utilizado y descartado.

La historia gira principalmente en torno a Yelena

L CA E C HE ILE R T RA

Por Armando Armenta Belova, interpretada con gran sensibilidad por Florence Pugh, quien logra consolidarse como una de las figuras más complejas y emocionalmente resonantes del UCM. A su lado, personajes como Bucky Barnes (Sebastian Stan), John Walker (Wyatt Russell), Ghost (Hannah John-Kamen) y el intrigante Sentry, interpretado por Lewis Pullman, conforman un equipo disfuncional, reunido por la CIA bajo la dirección de Valentina Allegra de Fontaine (Julia Louis-Dreyfus). Sin embargo, la misión que se les encomienda es solo la superficie de una historia mucho más profunda y oscura.

Uno de los elementos más destacados de Thunderbolts es su enfoque en los traumas individuales de los personajes.

Cada uno de ellos carga con un pasado marcado por la violencia, el control mental, la

traición o el abuso institucional.

El guion evita caer en el espectáculo por el espectáculo y, en cambio, se toma el tiempo para explorar la psique de sus protagonistas, mostrándolos en momentos de vulnerabilidad, duda y miedo. El personaje de Sentry, en particular, funciona como un eje simbólico de este tono, enfrentando abiertamente problemas de salud mental que incluyen ansiedad severa y episodios psicóticos. Su presencia añade una capa de complejidad que rara vez se ha visto en películas del género.

La dirección de Schreier se siente contenida y eficaz.

Evita los excesos visuales y apuesta por una estética más cruda y cercana, sin renunciar del todo al ADN Marvel. Las escenas de acción, aunque bien coreografiadas, no son el centro de la película; lo son las conversaciones, los silencios,

las miradas cargadas de culpa y resignación. Hay un uso inteligente del montaje para contrastar los momentos de intimidad emocional con la crudeza de las misiones en las que participan los Thunderbolts, reforzando la sensación de que están atrapados en un ciclo del que no pueden salir fácilmente.

En definitiva, Thunderbolts no es solo una película de acción, sino una reflexión sobre el dolor, la redención y la posibilidad —o imposibilidad— de encontrar un propósito cuando todo parece perdido. Es una apuesta valiente por parte de Marvel, que arriesga al romper con sus propias convenciones para ofrecer una experiencia más humana, más cruda y, en muchos sentidos, más relevante. Si esta es la nueva dirección del UCM, podríamos estar ante una etapa mucho más madura e interesante de la franquicia.

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Por Armando Armenta

n el corazón del Misisipi rural de los años 30, entre campos de algodón, prejuicios raciales, y un blues que parece salir del alma misma de la tierra, nace Pecadores, el nuevo proyecto cinematográfico de Ryan Coogler, conocido por su potente narrativa visual en filmes como Creed y Black Panther. Pero esta vez, el director se aventura por caminos más oscuros y simbólicos, en una historia que conjuga drama familiar, terror psicológico y una cruda crítica social.

Y al frente de esta apuesta ambiciosa está Michael B. Jordan, quien asume el reto de interpretar no a uno, sino a dos personajes principales: los gemelos Smoke y Stack. Esta dualidad es más que un truco narrativo; es un ejercicio de desdoblamiento emocional y actoral que pone a prueba cada fibra del intérprete.

“Nunca había hecho algo así. Fue la primera vez que me lancé a una experiencia de este tipo. Ryan y yo tenemos una relación muy especial, y él pensó que sería un gran reto para mí… pero también una gran recompensa al final del día”, reveló Jordan durante la presentación de la cinta en Ciudad de México. Smoke, el mayor por minutos, es pragmático, introspectivo, casi silencioso. Lleva a cuestas el peso de una tragedia familiar que nunca se resolvió del todo. Stack, por el contrario, es impulsivo,

El actor estadounidense enfrenta su mayor reto actoral con dos papeles en Pecadores, de Ryan Coogler

MICHAEL B. AL LÍMITE EN PECADORES soñador, con una energía que desborda. A través de ellos, Pecadores explora no sólo la idea de la dualidad humana, sino también los hilos invisibles que conectan a las personas marcadas por el mismo origen, pero separadas por elecciones, heridas y destinos.Para lograrlo, Michael B. Jordan se sometió a un proceso de transformación física y emocional. Trabajó con coaches de movimiento, ajustó el tono de voz para cada hermano y, más importante aún, convivió con gemelos reales para entender sus códigos y complicidades.

“Ryan me presentó a unos amigos que son gemelos. Pude observar cómo se comunican, cómo se entienden con solo mirarse.

Les hice muchas preguntas

sobre cómo se sienten, qué significa tener a alguien idéntico y, a la vez, diferente. Todo eso me ayudó a construir a Smoke y a Stack desde el lugar más auténtico posible.”

El resultado es un duelo actoral íntimo y brutal. Hay escenas en las que Jordan comparte plano consigo mismo, y el espectador olvida que está viendo a una sola persona. El mérito no es solo técnico, sino profundamente interpretativo.

Pero Pecadores va mucho más allá de su protagonista. La película es también una carta de amor al blues, ese género musical nacido del dolor, la resistencia y la identidad afroamericana.

“Ryan siempre ha sido un apasionado del blues. Su conexión con este género

es profunda, porque para él representa recuerdos, emociones, un sentido identitario. Todo eso influye directamente en cómo se construyó la película, tanto visual como emocionalmente”, explicó Jordan.

El elenco, cuidadosamente seleccionado, añade capas de complejidad y sensibilidad. Hailee Steinfeld, en el papel de Mary, expareja de uno de los gemelos, ofrece una de las actuaciones más maduras de su carrera.

“Este personaje llegó a mí en un momento muy particular. Quería un rol que me retara, que me sacara de mi zona de confort. Mary es una mujer rota, pero también increíblemente fuerte.

Interpretarla me obligó a enfrentar partes de mí que

JORDAN,

El elenco de Pecadores, durante su visita a la CMDX. Foto. Chino Lemus

siempre he protegido. Su nivel de vulnerabilidad y su forma de amar sin reservas fueron difíciles de comprender… y aún más difíciles de interpretar”, compartió la actriz.

El personaje de Mary no solo actúa como catalizador de varias decisiones clave en la trama, sino que también representa las heridas abiertas de un país dividido, de una época marcada por la violencia racial, el machismo estructural y las relaciones humanas condicionadas por el miedo.

Michael B. Jordan reafirma por qué es uno de los actores más versátiles de su generación. Su trabajo en Pecadores no solo exige técnica y entrega: exige alma.

“Estas son las historias que, como actor, uno sueña con contar. Y si además puedes hacerlo de la mano de un director como Ryan, con quien compartes visión y confianza, entonces el viaje es aún más profundo. Me desarmé para crear a Smoke y a Stack, y eso me transformó”, finalizó.

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UNA ODA NOSTÁLGICA AL PODER DE LA MÚSICA Y LOS LAZOS ROTOS

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LA BALADA DE LA ISLA:

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n un mar de estrenos ruidosos y de alto presupuesto, La balada de la isla emerge como una rareza conmovedora, íntima y profundamente británica.

Esta comedia dramática dirigida por James Griffiths, recupera la magia del cine que no necesita artificios para tocar el corazón. Con un elenco encabezado por Carey Mulligan, Tom Basden y Tim Key, la cinta se posiciona como una de las joyas del cine independiente del año.

La historia transcurre en una remota isla ficticia del Reino Unido, donde Charles (Tim Key), un excéntrico millonario solitario, decide organizar un evento muy especial: reunir a su antigua banda

Por Carlos Mora de folk favorita, McGwyer Mortimer, que lleva años separada. Con este gesto, Charles busca revivir no sólo la música que marcó su juventud, sino también los recuerdos compartidos con su difunta esposa, fanática del dúo.

Para lograrlo, Charles orquesta una reunión entre los dos exintegrantes de la banda, Herb (Tom Basden), un cantautor taciturno y desencantado, y Nell (Carey Mulligan), una mujer que ha dejado la música atrás para dedicarse a una vida doméstica en Portland, Estados Unidos.

Lo que ninguno de los dos sabe es que han sido engañados para presentarse juntos, y lo que comienza como un intento forzado de reconciliación se con-

vierte en una confrontación emocional cargada de viejas heridas, nostalgia y preguntas sin resolver.

Griffiths dirige con un ritmo pausado pero firme, dejando que los silencios hablen tanto como las canciones. La película no teme explorar temas complejos como la pérdida, el arrepentimiento, el envejecimiento y la dificultad de cerrar ciclos, todo envuelto en un humor sutil que nunca cae en la caricatura.

Carey Mulligan brilla con una interpretación sobria pero profundamente emocional, consolidando su reputación como una de las actrices más versátiles de su generación. Su Nell es una mujer rota, que navega entre la culpa y la resignación con una ternu-

ra dolorosa. Por su parte, Tom Basden aporta una vulnerabilidad inesperada a su personaje, y su química con Mulligan sostiene la tensión emocional de la historia. Tim Key, conocido por su trabajo en la comedia, sorprende con una actuación contenida y conmovedora, aportando un contrapunto excéntrico pero sincero al drama central.

La balada de la isla no es una película para quienes buscan giros espectaculares o ritmos frenéticos. Es una cinta pensada para ser saboreada, para detenerse y reflexionar sobre el tiempo, la memoria y aquello que dejamos atrás. Es, en esencia, una balada: triste, hermosa, y profundamente humana.

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LA BALADA DE LA ISLA Género: Comedia, romance Duración: 100 minutos País: Reino Unido Distribución: Cine Caníbal

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DESTINO FINAL, LAZOS DE SANGRE Género: Terros Duración: 109 minutos País: EU Distribución: Warner Bros

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DESTINO FINAL, LAZOS DE SANGRE: LA MUERTE REGRESA CON UN NUEVO ORDEN

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estino Final vuelve a la pantalla grande con una propuesta que, sin perder su esencia, amplía los límites del terror sobrenatural que la caracteriza. Esta nueva entrega se atreve a ir más allá del susto fácil o de las muertes espectaculares, para plantear una inquietante reflexión: ¿existe realmente el libre albedrío, o nuestras vidas siguen un plan invisible que nos empuja, inevitablemente, al mismo final?

Desde su origen, la saga ha girado en torno a una idea sencilla pero efectiva: quien logra escapar de la muerte, aunque

Por Armando Armenta sea por unos segundos, no ha ganado nada, solo ha pospuesto lo inevitable. Esta vez, esa idea se lleva más lejos. El concepto de que la muerte pueda “perseguir” a una familia completa podría sonar absurdo en otro contexto, pero aquí encaja con precisión dentro de un universo narrativo que se ha ido construyendo con coherencia, guiños al pasado y nuevas reglas del juego.

Los personajes ya no son solo víctimas. Son piezas activas dentro de una red de eventos que se entrelazan, como si cada movimiento tuviera un efecto en cadena. Las

muertes, siempre ingeniosas y visualmente impactantes, no son gratuitas. Cada una parece responder a una lógica tan retorcida como irresistible, donde el azar y el destino se confunden.

Uno de los mayores aciertos de esta entrega es cómo involucra al espectador. No solo miramos: anticipamos, sospechamos, nos tensamos con cada objeto en pantalla.

La puesta en escena convierte cada secuencia en una trampa en potencia, y es precisamente esa tensión acumulada lo que mantiene viva la fórmula sin necesidad

de reinventarla por completo.

La película también encuentra espacio para el homenaje.

Elementos de entregas anteriores —teorías, personajes, símbolos— conectan el pasado con el presente, y consolidan un universo propio que sabe a franquicia, pero que también respira con autonomía. ¿Está todo escrito desde el principio? ¿O nuestras acciones abren caminos que jamás debieron tomarse? Destino Final no ofrece respuestas, pero sí una certeza: nadie escapa para siempre. La muerte, tarde o temprano, siempre encuentra su ruta.

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UNA DÉCADA DE HISTORIAS: EL CAMINO AUDAZ DE RESERVA FILMS Texto y fotos Carlos Mora

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a casa productora independiente Reserva Films celebra una década de existencia con una historia construida desde la pasión, la irreverencia y el deseo de contar historias que desafían los moldes tradicionales. Fundada en 2014 por Fabio Colonna, Regina F. Guizar y Arantxa Suárez, la productora se ha consolidado como un semillero de cine de género, cortometrajes audaces, proyectos publicitarios creativos y universos narrativos tan personales como viscerales.

Desde su primer cortometraje, Me gusta más crudo, sobre una pareja aparentemente exitosa que resulta ser un par de caníbales refinados, Reserva Films dejó claro que lo suyo no eran las zonas de confort.

“Nació como un refugio creativo para personas que no siempre encajábamos en los moldes establecidos”, explica Fabio Colonna. “Nos sentimos orgullosos de ser una casa para artistas que buscan romper barreras, ya sea con un drama íntimo o con un payaso asesino que mata youtubers”.

A lo largo de estos diez años, han producido más de quince cortos y varios comerciales, como Los invencibles, una pieza de dos minutos en la que homena-

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contexto adverso: jóvenes sin experiencia, con un corto hecho “sin saber prender una cámara”, enfrentándose a los “no” habituales de la industria mexicana. Pero la pasión fue más fuerte. “Desde el principio supimos que no queríamos perdernos en la

jearon a figuras icónicas como Emiliano Zapata, María Félix y Casandro, desde una estética de superhéroes. “Fue nuestra primera incursión en el cine de género de superhéroes, y nos abrió muchas puertas”, cuenta Colonna.

Para Regina, estos diez

Arantxa

Suárez años han sido más que una carrera: “Han sido un trayecto y Fabio Colonna, hermoso que me ha perposan para la revista mitido descubrirme desde Cameo. lo artístico y conectar con muchas personas. Al final, de eso se trata el cine: de traer nuestras ideas a la realidad, con determinación y fe”.

Para ambos, el cine se hace en comunidad. “Queremos que quienes trabajen con nosotros se sientan seguros, escuchados, parte de una familia”, subraya Guizar.

La productora nació en un

publicidad, aunque hicimos muchos trabajos ahí”, dice Guizar. “La idea siempre fue usar esos ingresos para financiar nuestras historias”.

Lejos de seguir una moda, su afinidad por el terror y el cine fantástico es una necesidad expresiva. “Es una forma de conectarnos con nuestras sombras, exorcizarlas y compartirlas”, dice Colonna.

“Cuando alguien ve tu obra y te dice: ‘yo también soñé eso’, ahí sabes que valió la pena”.

Sus criterios para elegir

historias son simples pero profundos: deben resonar en lo colectivo y permitir la creación en equipo. “Fabio suele escribir, pero el proceso es conjunto. Cada quien aporta algo. Si todos sentimos esa conexión con la historia, entonces sabemos que vale la pena hacerla”.

Aunque aseguran que los premios no definen su trabajo, sí reconocen que han sido una señal de que van por buen camino. Unheimlich , por ejemplo, fue el cortometraje mexicano más premiado en el extranjero en su año. “Es un impulso. Una señal de que puedes seguir adelante”, dice Colonna.

Uno de los momentos más emotivos fue cuando fueron seleccionados y premiados en Sitges, uno de los festivales más importantes de cine de género a nivel mundial. “Estar ahí, ver la sala llena, la gente gritando en los sustos… fue mágico”, recuerda Guizar.

Una década después, Reserva Films no solo sigue en pie: está más viva que nunca.

Con la energía de quienes creen que el cine puede transformar, conectar y confrontar, se preparan para lo que sigue. Y si algo está claro, es que seguirán explorando las sombras, con estilo propio y en comunidad.

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Por Alejandra Lomelí

urgencia es el título del documental dirigido por Alejandro Montalvo, cineasta afincado en Tijuana, Baja California, que este año ganó la “Biznaga de Plata Premio del Público” en la sección Cinema Cocina del Festival de Cine de Málaga, un espacio enfocado en producciones sobre gastronomía y memoria vitivinícola.

El proyecto, que comenzó como el registro en video de un viaje en camioneta desde los viñedos del Valle de Guadalupe, en Baja California, hasta el oasis de San Ignacio, en Baja California Sur —emprendido por el chef Benito Molina y el enólogo Hugo D’Acosta, dos figuras clave de la cultura gastronómica del país—, se transformó en lo que Montalvo define acertadamente como “un registro cinematográfico que se va a convertir en nuestra identidad”.

Con un lenguaje visual inmersivo y una historia cuyo eje es la complicidad y amistad entre Hugo y Benito, el documental aborda temas como el impacto de la acción humana en el entorno, la gastronomía, la tradición vitivinícola de la región y la manera en la que las comunidades moldean su sentido de pertenencia en torno al mar y la tierra.

Con motivo del triunfo de Surgencia en uno de los festivales más importantes de España, conversamos con Alejandro Montalvo, quien

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CAPTURANDO LA ESENCIA DE BAJA

El cineasta Alejandro Montalvo presenta Surgencia, documental sobre el viaje de Hugo D’Acosta y Benito Molina, quienes recorrieron 958 km por la península de Baja California.

compartió que este viaje de tan solo 15 días fue una experiencia catártica que lo conectó con otra realidad: una Baja California profunda, donde la labor cinematográfica resulta fundamental para entender el valor del lugar que habitamos y cómo nos relacionamos con el espacio.

En el documental, tanto el chef Benito como Hugo mencionan que desde hace años tenían pensado hacer este recorrido. ¿Cómo llegas tú a este proyecto? ¿En qué momento decides acompañarlos y filmarlo?

SURGENCIA Género: Documental Duración: 1 hora 17 País: México Idioma: Español

El proyecto fue muy atípico: no hubo guion, ni escaleta, ni investigación previa. Conocí a estos dos hombres tres días antes de emprender el viaje. Ellos ya tenían tiempo queriendo hacerlo, y se habían preparado, pero querían registrar el recorrido, aunque nadie les explicó lo que eso implicaba.

Yo, por mi parte, acababa de terminar una relación muy larga y no quería estar en la ciudad. Me invitan, me subo a la camioneta, y de repente me doy cuenta de que no conocía realmente a estas personas ni a mi propio territorio. Nunca había

recorrido Baja California: había llegado a Ensenada y ya. Así que el viaje fue completamente catártico: descubrí quiénes eran, la huella que han dejado en la comunidad y en el territorio —para bien y para mal— y me encontré con una reflexión que aparece en la película: el valor del lugar que habitamos.

Como tijuanense, sentía que carecía un poco de identidad. No me daba cuenta de que esa identidad ya existía: la gente, los desiertos, los bosques, los paisajes indómitos y misteriosos de Baja California.

Me ha enseñado muchísimo.

La película se grabó en 15 días y la edición tomó cinco años. Hicimos 11 versiones; la que se ve es la número 11.

Todo esto también se logró gracias a la productora, Daniela D’Acosta. Ella conocía muy bien a los protagonistas y supimos encontrar un idioma común. Me dio la información precisa para hacer las preguntas adecuadas y lograr la intimi-

dad que se ve en pantalla.

Sin esos procesos previos, habría sido imposible.

Después de cinco años, dejamos cosas hermosísimas en la sala de edición, pero creo que la película conserva esa sensación de novedad, de descubrimiento. Fue mi primera vez con ellos, mi primera vez en esta Baja California profunda, y quise que eso se mantuviera en la narrativa. ¿Cómo construiste la narrativa? Porque si bien está la mirada del descubrimiento y la complicidad entre Hugo y Benito, también hay un subtexto crítico sobre el impacto humano en el Valle de Guadalupe.

Sí, y sobre las contradicciones de la vida. Es importantísimo reflexionar sobre eso. Como dice Benito: el ser humano está destinado a destruirlo todo.

Yo trabajé hace 15 años como camarógrafo de la policía para un canal de televisión. Vi de todo: migración, balaceras, pozoleados… esa era mi realidad cotidiana. Pero este viaje me reveló otra. Me di cuenta de que existen muchas Baja Californias, así como muchos Méxicos. Y muchas veces pensamos que solo hay una forma de vivir, una sola realidad, y no es así. La película permite ver otro México, otra posibilidad.

También destaca lo depurado de la propuesta estética. ¿Cuáles fueron tus referencias para lograr ese estilo visual sin recurrir a entrevistas tradicionales?

ficos y equipos carísimos, y nosotros grabamos con cámaras muy sencillas. Pero tomamos una decisión: usar solo los 15 días de material grabado en el viaje. Intenté meter imágenes de días posteriores, pero se sentía como trampa. Escuchamos el instinto y tratamos de ser honestos. Creo que esa honestidad se refleja en la pulcritud del resultado.

Se grabaron como 150 horas de material. Yo lo filmaba todo: Hugo se levantaba a las 6 a. m. y se dormía a las 10 p. m.; Benito se levantaba a las 11 a. m. y se dormía a las 3 a. m. Así que grababa de 6 a. m. a 3 a. m. todos los días. Al principio fue un “graba todo, todo, todo”.

Pero conforme entrábamos más en el territorio y entendíamos lo que hacíamos, la cámara también cambió: se tranquilizó, empezó a mirar distinto.

Y eso sucedió de manera orgánica, sin forzarlo. Yo no sabía que estábamos haciendo una película hasta que terminamos de grabar.

Sí me sentí frustrado a veces: venían a grabar películas con lentes anamór-

HUGO D’ACOSTA Es un vitivinicultor mexicano, conocido por su papel crucial en la revolución del vino mexicano.

BENITO MOLINA Cocinero mexicano, amante del mar, los pescados y mariscos; cómplice de Solange.

El rodaje fue muy breve y el equipo reducido. ¿Qué retos enfrentaron en el camino?

No tener expectativas fue clave. No sabíamos si estábamos haciendo una película; solo teníamos la curiosidad de descubrir al otro, de aprender a escuchar. Y eso fue lo más valioso del proceso: me enseñó a escuchar.

La Baja es indómita. Dormíamos donde se podía.

Pero también nos topamos con la generosidad de la gente. En esos espacios no hay necesidad de cuidarte del otro porque lo reconoces. Estás en contacto con la naturaleza, algo que hemos perdido en las ciudades. Eso conmueve mucho. ¿Qué significa para ti, como cineasta tijuanense, haber ganado el Premio del Público en Málaga?

Siempre hemos intentado no depender de apoyos gubernamentales. Antes hacíamos películas por jugar, sin pensarlo tanto.

Películas independientes, cuando teníamos 20 años, como esa sobre vampiros en Tijuana que ni sabíamos si era cine.

Creo que es vital descentralizar. Hoy se producen muchas películas fuera del centro del país, pero si no fuera por los festivales, no tendrían resonancia. Allá [en Ciudad de México] tienen una red de contactos: de Netflix, Prime, Apple TV. Aquí no. Estos festivales ayudan a que más gente en las orillas del país vea que es posible hacer cine.

Yo creo que uno no hace películas por premios; las hace porque tiene que hacerlas. Porque las películas te escogen. Y es importante generar más de estos registros cinematográficos: porque con el tiempo se convertirán en nuestra identidad, en nuestro archivo histórico.

Así, como hoy vemos películas de hace 70 años y entendemos algo de esa sociedad, estos relatos de hoy nos ayudarán a conocernos. ¿Qué sigue para Surgencia? ¿Seguirá su recorrido por festivales? ¿Se planea un estreno comercial?

Sí, seguiremos mandándola a festivales. Pero lo que sigue —y lo dijimos desde que estábamos grabando— es llevar la película a donde fue filmada. Queremos conseguir una pantalla inflable, un reproductor y bocinas, subirnos a la camioneta y proyectarla en esas comunidades. Mínimo para saludar y devolverles algo de lo que les pedimos.

No sé si Surgencia sea una película comercial.

Pero me encantaría encontrar una plataforma donde más gente pueda verla.

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SURGENCIA,

DOCUMENTAL SOBRE EL ARCHIVO DE LA MEMORIA Y LA PERTENENCIA

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na de las muchas virtudes del cine es la de descubrirnos otras realidades que nos ayudan a entender mejor el lugar que habitamos y configurar nuestro sentido de pertenencia más allá de lo establecido.

Surgencia, documental dirigido por Alejandro Montalvo, explora esta idea a través del registro de un viaje en camioneta por los paisajes indómitos de la península de Baja California, donde la relación entre la naturaleza, la gastronomía e incluso el impacto de la acción humana en el entorno han moldeado la identidad de un te-

Por Alejandra Lomelí rritorio muchas veces denostado por su paso fronterizo.

El documental sigue la travesía del enólogo Hugo D’Acosta y el chef Benito Molina, socios y amigos, en su viaje itinerante de más 1,000 kilómetros desde los viñedos de Valle de Guadalupe en Baja California, hasta San Ignacio en Baja California Sur; un road trip cargado de reflexiones íntimas que subrayan la manera en la que el territorio ha influido en sus vidas y profesión, y al mismo tiempo, la manera en la que este par de personalidades de la cultura culinaria han dejado su huella en la comunidad.

Con una propuesta visual depurada que incluye secuencias in-

mersivas de los impresionantes paisajes de la Baja California profunda, e intervenciones en voz en off de reflexiones muy inspiradas, principalmente, por parte de Benito Molina, quien decidió establecerse en las costas de Ensenada, Surgencia, compone una pieza cinematográfica que va más allá de un diario de viaje, es un archivo de la memoria que documento la pertenencia, la tradición vitivinícola, los productos del mar y una celebración de la riqueza gastronómica de la región; también funciona como un testimonio de concientización y preservación de las comunidades agrícolas sin caer en visiones institucionales ni clichés.

De la narrativa destaca la complicidad entre Hugo y Benito, sus historias de vida y los motivos que los impulsaron a realizar el viaje; confesiones íntimas y charlas emotivas que relevan el vínculo estrecho con su entorno, sus deseos de impactar de forma positiva en el ambiente y su particular estilo de vida donde la exaltación de los sabores de proximidad y el placer de degustar un buen vino se fusionan.

Surgencia es una invitación a descubrir las raíces de una identidad imaginada, preservada ahora en un registro de gran valor cultural.

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Dónde ver: www.surgencia.mx

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LO QUE DEBES SABER DE

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ANDOR CAUTIVA POR AMOR

S T R E A M I N G

LUIS ALBERTI TODO UN HÉROE EN CONTRAATAQUE

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El actor durante su visita en la CDMX.

DIEGO CIERRA SU CICLO EN STAR WARS El actor se despide de Cassian Andor en la última temporada de Andor, serie que explora los orígenes del rebelde en una historia madura y política sobre resistencia, comunidad y sacrificio

Por Alejandra Lomelí Fotos Carlos Mora

El director Alonso Ruizpalacios, Diego Luna y Genevieve O’Reilly, posan en la alfombra roja de la premiere de Andor.

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on el estreno de la segunda y última temporada de Andor, Diego Luna se despide de su personaje Cassian Andor, el rebelde cuyo sacrificio fue fundamental para el éxito de la misión de robar los planos de la Estrella de la Muerte, evento narrado en la película Rogue One: Una historia de Star Wars (2016).

La temporada, que se estrena en Disney Plus, concluye la historia de origen de Cassian Andor, desde sus primeros años como ladrón hasta su transformación en revolucionario y su ingreso a la Alianza Rebelde. El 28 |

actor mexicano cierra así un ciclo de más de diez años dentro del universo Star Wars, como protagonista y productor ejecutivo de la serie que muchos han calificado como la apuesta más adulta de la saga.

“Me despido de un proyecto que transformó mi voz en muchos sentidos.

No pensé que fuera posible hacer algo tan personal e íntimo con tantos recursos y tanto alcance, porque esta serie acerca mi trabajo a públicos que ni siquiera imaginaba. Es bueno tener ese alcance con algo que, a la vez, se siente tan personal. Porque este proyecto tiene esa integridad”, confesó Diego Luna durante el

panel en el que estuvimos presentes. Afirmó también que es mejor terminar un proyecto mientras aún se tiene pasión por él: “De otra manera no tiene sentido”, mencionó.

La serie fue creada por Tony Gilroy.

Los directores de Andor 2 son: Ariel Kleiman (capítulos 1-6) Janus Metz (capítulos 7-9) Alonso Ruizpalacios (capítulos 10-12)

Una rebelión con ecos de la realidad Desde su lanzamiento en 2022, Andor ha resonado positivamente entre la crítica y los fans de una de las franquicias más longevas del cine, gracias a su relato épico sobre la resistencia ante un régimen autoritario.

Aunque la serie funciona como precuela del personaje, Tony Gilroy —guionista del show— y Diego Luna exploraron un clima político

y social convulso en “una galaxia muy, muy lejana”, cuyas luchas guardan semejanza con las del mundo real. La historia es una alegoría del fascismo, la insurrección y el poder, y llega en un momento sociopolítico oportuno.

“Para mí, la serie siempre fue atemporal. Creo que es triste que los momentos de paz y prosperidad a lo largo de la historia sean tan escasos. La mayor parte del tiempo, la historia es una repetición de eventos desafortunados”, indicó Gilroy.

Las lecturas que se desprenden de la serie provienen de un enfoque honesto y realista —tan realista como puede serlo

CHECA EL TRAILER

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Diego Luna y Genevieve O’Reill.

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El director Alonso Ruizpalacios.

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La actriz irlandesa Genevieve O’Reill.

en una galaxia ficticia— centrado en personas que desean el cambio, explicó Diego Luna. Añadió que eso fue posible gracias al trabajo de Gilroy en el guion: “Tony Gilroy es un escritor muy honesto, escribe sobre lo que le importa, sobre sus preocupaciones.

Desde el principio, hace años, queríamos contar la historia detrás del enorme sacrificio que hacen algunos de los rebeldes en Rogue One. Queríamos mostrar qué lleva a alguien a estar

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dispuesto a sacrificarlo todo por una causa. Su escritura refleja el mundo en el que vive, la historia reciente que conoce y ha estudiado. Él estudia mucho, es muy político, muy inteligente. Todo eso lo trajo a la serie. Hay referencias a su pasado, a mi pasado, al pasado de todos”.

Andor muestra cómo las personas, dejando a un lado sus diferencias, se unen en busca de un bien mayor. Esta premisa hace que la serie sea relevante

para nuestros tiempos, y funciona también como advertencia para no repetir errores del pasado: “Lamentablemente, esta serie será relevante hoy, pero probablemente también dentro de 20 o 50 años. Y sin duda lo era hace 20. Es un buen recordatorio de la fuerza de la comunidad. Siempre es bueno recordar de lo que somos capaces si nos unimos, si encontramos lo que nos conecta, si convertimos nuestras diferencias en fortaleza. Creo que de eso trata esta serie. Pero también de eso trata Rogue One, y fue hace diez años”, comentó Luna.

“La serie trata de que las personas puedan cambiar ideológicamente. Pero lo más hermoso, lo más simple y menos polémico, es que se trata del valor de la comunidad. Es fascinante hacer una serie donde, en esencia, la comunidad es como una iglesia, y se nota la importancia de cada individuo”, añadió Gilroy.

Construyendo a un héroe fascinante Ambientada cinco años antes de los eventos de Rogue One, la segunda temporada se centra en los acontecimientos que encaminaron a Cassian Andor hacia su destino: convertirse en un héroe rebelde. Gilroy dividió los 12 episodios en bloques de tres, generando cuatro grandes capítulos narrativos donde cada bloque representa un año en la vida de los personajes.

“Con esta serie entendemos a qué se refería Cassian cuando dijo: ‘Todos hemos

hecho cosas terribles por la rebelión’ —esa frase de Rogue One—; ahora tienes las imágenes”, señaló Luna.

Tras descartar la idea de hacer cinco temporadas — por el tiempo que implicaría y el envejecimiento natural de los actores—, se optó por relatar en dos temporadas y 24 episodios el camino de un hombre común destinado a convertirse en héroe.

“Después de Tony Soprano, todos entendimos que los héroes deben ser fascinantes, y debes poder conectar con ellos. La serie es muy mesiánica; Cassian es una figura mesiánica que no quiere aceptar su destino, se las arregla para seguir adelante y, aun así, encuentra un poco de caos”, expresó Gilroy.

Andor retoma la esencia de la película que lo originó, como recordó Luna: “Rogue One es una historia sobre gente común que hace cosas extraordinarias”. Es un homenaje a los héroes anónimos que, con su sacrificio, cambiaron el rumbo de la historia.

“Las personas que hacen historia, muchas veces, son olvidadas. Muchos de los personajes de esta serie son como piedras en el camino hacia la liberación. ¿Cuántas personas fueron esenciales para llegar a donde estamos hoy y nunca se ha oído hablar de ellas?”, concluyó Gilroy.

Andor también cuenta con las actuaciones de Stellan Skarsgård, Genevieve O’Reilly, Denise Gough, Kyle Soller, Adria Arjona, Alan Tudyk, Faye Marsay, Varada Sethu, Elizabeth Dulau, Ben Mendelsohn y Forest Whitaker.

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Por Carlos Mora

l reconocido actor mexicano Luis Alberti lidera el elenco de Contraataque, la nueva película de Netflix que se ha colocado entre las más vistas en varios países de Latinoamérica. Dirigida por Chava Cartas y escrita por José Rubén Escalante Méndez, la cinta fue filmada en Valle Hermoso, Tamaulipas, sorprendiendo por su ritmo vertiginoso, calidad visual y narrativa comprometida.

En Contraataque, Alberti interpreta al capitán Armando Guerrero, líder de los “Murciélagos”, una

unidad de fuerzas especiales del Ejército mexicano que se ve envuelta en un enfrentamiento inesperado con sicarios, durante lo que parecía ser un día normal en la frontera entre México y Estados Unidos.

“Se trata de hacer crecer nuestro cine. De dejar atrás la idea de que el cine mexicano es malo, está mal hecho, es aburrido o chafa.

No es cierto. Aquí hay una propuesta que demuestra lo contrario”, afirmó Alberti con contundencia.

El actor, conocido por su intensidad y compromiso con los personajes, compartió que el elenco pasó dos

meses de entrenamiento con fuerzas especiales y en artes marciales para dar credibilidad a las secuencias de acción. “Nos levantábamos a las 5 de la mañana a hacer honores a la bandera junto con batallones, incluso de otros países. Eso nos hizo dimensionar lo que representa este cuerpo: principios como el honor, la justicia, la integridad”.

“Esta película retrata a un grupo de militares comprometidos con su vocación, no desde el estereotipo del corrupto o el criminal, sino como individuos con valores. Eso sí nos hace falta en nuestra pantalla: crear otra

identidad desde el cine”, expresó.

La película también destaca por su factura técnica. Desde su fotografía y edición, hasta una banda sonora inspirada en el Huapango de Moncayo, el filme conjuga elementos que le dan una fuerte identidad mexicana sin caer en lo obvio.

“Desde lo visual hasta lo sonoro, te mantiene emocionado desde el principio.

Tiene ritmo, tiene alma, y sobre todo, tiene propósito”, dijo el actor. “Chava Cartas llegó a este proyecto como el más preparado, el más apasionado, y se nota.

SE TRANSFORMA EN HÉROE NACIONAL EN CONTRAATAQUE

CHECA EL TRAILER Dispobible: Netflix

Es como jugar de niño, pero con juguetes de verdad”.

Alberti también habló del enorme reto que enfrenta el cine nacional para conectar con su público: “En México hacemos muchas películas que no logran llegar a la audiencia. O se quedan en festivales o son ignoradas. Y eso alimenta la falsa idea de que el cine mexicano no vale. Pero esta cinta es prueba de lo contrario”.

“Estamos compitiendo con un monstruo, muy cerca, que aplasta. Pero con películas como esta, de manufactura impecable y un mensaje esperanzador, podemos comenzar a cambiar la narrativa. Es una película con principios, pero también emocionante, conmovedora, entretenida y bien hecha”.

Disponible en 190 países gracias a la plataforma, Contraataque también busca romper con la división entre el cine comercial y el cine de autor, apostando por un punto medio que conecte con el público sin sacrificar profundidad.

“No se trata de prejuiciar el cine que entretiene ni el cine que reflexiona. Necesitamos todo tipo de cine. Y necesitamos también crear una identidad desde nuestras propias narrativas. Esta película es un statement para nuestra industria”, concluyó Alberti.

Contraataque no solo representa un avance técnico y narrativo para el cine de acción mexicano. También propone una nueva forma de mirarnos a nosotros mismos desde la pantalla: con fuerza, con esperanza y con dignidad.

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MAYRA BATALLA: "CONTRAATAQUE ME EXIGIÓ EL CUERPO Y EL ALMA"

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Texto y fotos Carlos Mora

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a actriz mexicana Mayra Batalla, reconocida por su intensidad y entrega en pantalla, es una de las protagonistas de Contraataque, la nueva cinta mexicana de acción que ha llegado a la plataforma Netflix con una propuesta visual ambiciosa y una trama cargada de tensión. En entrevista, Batalla compartió sus impresiones sobre la película, los retos que enfrentó durante el rodaje y lo que representa este proyecto dentro del panorama actual del cine mexicano.

"Es una historia de violencia, narcotráfico, venganza y muerte, pero también de justicia", declaró Batalla. “Tiene todos esos elementos clásicos de la acción, pero no se queda solo ahí. Hay una profundidad emocional en los personajes y un deseo de redención que atraviesa toda la narrativa”.

La actriz también habló sobre lo que implica competir con producciones internacionales de alto presupuesto. “Sabemos que estamos compitiendo con gigantes como Hollywood.

Pero eso nos exige ser más creativos, más inteligentes en la manera de contar nuestras historias. Y eso también nos da identidad.

No se trata de copiar fórmulas, sino de mostrar nuestra propia voz desde lo que somos”, expresó.

Batalla elogió el trabajo del equipo creativo detrás de Contraataque, en especial la dirección y la fotografía. “Hubo una búsqueda minuciosa de tono, de ritmo, de atmósfera. Nada está hecho al azar.

Desde el casting hasta el diseño de producción, cada decisión tenía una intención narrativa. Se nota el rigor y la pasión que hay detrás”, señaló.

Sobre su personaje, la actriz explicó que fue un

proceso físico y emocional intenso. “Tuve que prepararme mucho para las escenas de acción. Fue demandante, pero muy divertido. Me sentí como cuando eras niña y jugabas a los espías, a las persecuciones. Hay una parte lúdica en eso. Y al mismo tiempo, cargar con el drama del personaje me exigió mucha

La actriz al lado de Luis Alberti, protagonista de Contraataque, filme dirigido por Chava Cartas.

concentración. Es un equilibrio complejo”.

Uno de los aspectos que más entusiasman a Batalla es la posibilidad de que Contraataque alcance audiencias más amplias gracias a su estreno global en plataformas. “Antes había películas que se quedaban en festivales o en carteleras muy limitadas. Ahora, con Netflix, hay una posibilidad real de que te vean en países que ni imaginabas.

Es un cambio radical para el cine mexicano. Creo que la tecnología puede ser un gran aliado si la usamos bien”, comentó.

Finalmente, Batalla hizo énfasis en la importancia de que existan proyectos como Contraataque dentro de la cinematografía nacional. “Necesitamos más cine que explore otros géneros, que se atreva a ir más allá del drama social. Esta película abre camino para otras narrativas. Y eso es muy valioso”, concluyó.

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“ESTA PELÍCULA ES UNA LOCURA”: LUIS CURIEL

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uis Curiel protagonista de Contraataque, una película que busca romper con los estereotipos del cine de acción mexicano. Alejada de las narrativas de crimen organizado y narcotráfico, la cinta propone un enfoque diferente, centrado en el heroísmo, la fraternidad y la disciplina de los soldados.

“Contar esta historia desde una nueva perspectiva también responde a una necesidad del director”, afirma Curiel. “Desde las primeras lecturas compartimos ese deseo de hablar de hombres honorables, de sus proezas y hazañas. Queremos que inspiren, que sean referentes. Siempre lo mismo, la apología del crimen... ¿y dónde están las nuevas narrativas?

Pues aquí está la oferta.”

El actor también destacó la importancia de construir una audiencia que respalde este tipo de contenidos: “Necesitamos un público que quiera ver este género. En México estamos muy embelesados con la comedia o el terror, pero no hemos desarrollado un público que pida acción. Esta película es una propuesta distinta, de muy

buena manufactura. Ahora hay que consumirla, recomendarla.”

Aunque el estreno fue en una plataforma de streaming, Curiel reconoce las ventajas de este formato: “Yo me quedé con el ‘pero’ de que tenía que verse en cine, por el sonido, la fotografía… pero es innegable el alcance y la permanencia que tiene en una plataforma como Netflix. Es la número uno en este país. Ya no existen barreras: doblada en tantos idiomas, vistas en todo el mundo... es una locura.”

Sobre el rodaje, el actor no escatimó palabras para describir lo demandante que fue: “Uno de los aciertos fue que nos metieron a un entrenamiento de nueve semanas con un coach de artes marciales mixtas. Fue clave para desarrollar la disciplina, el rigor, el compañerismo. Además, una semana encuartelados con las fuerzas especiales. Fue muy cansado, pero gratificante y emocionante a la vez.”

Contraataque no solo representa una evolución en el cine de acción nacional, sino también una invitación a replantear las historias que queremos contar... y consumir.

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"ACTUAR EN CONTRAATAQUE FUE PESADO, PERO LO LOGRAMOS": LEONARDO ALONSO

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eonardo Alonso, quien interpreta a “Tanque” en Contraataque, la nueva cinta de acción del director Chava Cartas, habló sobre el reto y el orgullo que representa participar en una producción de este tipo.

“Creo que el cine de acción es un género que necesita de mucho presupuesto —y claro que aquí lo hay—, pero también requiere de un gran director que sepa manejarlo. Chava Cartas lo es. Ha dirigido muchas series de acción y eso se nota en el resultado. Lo que ves en pantalla es una gran película, con actuaciones sólidas. Al principio había miedo de que no se pudiera lograr, pero sí se puede. Se logró”, aseguró el actor.

El actor también ve potencial para que Contraataque destaque en la temporada de premios. “Tiene grandes posibilidades. Va a

tener su corrida en cines, en circuitos culturales. La fotografía merece un premio, lo mismo que la dirección de Chava Cartas, el diseño de producción y las actuaciones. Hay muchos actores que han sido nominados o ganadores del Ariel en esta película”.

Sobre el rodaje, Alonso reconoció que fue una experiencia extenuante, especialmente en las últimas semanas. “La película se filmó en ocho semanas, y las últimas tres fueron de nocturnos. Estábamos en la sierra, en pleno noviembre.

Hacía muchísimo frío. Fue muy cansado. Mucha gente piensa que hacer cine es cómodo, pero es dificilísimo.

Ahora imagínate cine de acción: cargar armas, chalecos… fue pesado, pero valió la pena. Lo sufrimos, pero fue parte del reto. Como dice Pollo (otro miembro del elenco), hasta meditaba para resistir”.

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CORINA L

a película Corina, dirigida por Urzula Barba Hopfner, relata el viaje de una mujer que, tras años de confinamiento en su hogar debido a sus miedos y trastornos, se ve obligada a salir al mundo exterior en busca de una escritora misteriosa que tiene la clave para salvar su trabajo y el de sus compañeros. En una entrevista con NAIAN NORVIND, la actriz que interpreta a Corina comparte su experiencia de interpretar a un personaje lleno de inteligencia, misterio y complejidad.

"Fue un placer ser dirigida por una directora que tenía todo claro. Urzula nos guió con determinación, lo que hizo que todo el elenco se alineara perfectamente en la misma dirección", comenta Norvind quien destaca la fuerza del elenco femenino de la película, sin necesidad de sobreexplicar los temas que abordan. "Lo que me gustó mucho es que las mujeres son fuertes, pero de una manera natural y orgánica. No hay necesidad de gritarlo", añade.

La actriz también habla de la importancia del personaje de Corina, que destaca por su silencio. "Ella no es un personaje que hable mucho, pero todo lo que no dice lo

Por Carlos Mora

expresa con los ojos, con su postura, lo cual es más misterioso y emocionante para el espectador", explica la actriz, quien se sintió atraída por el reto de interpretar a un personaje tan complejo, lleno de contradicciones y luchas internas.

En la película, Corina enfrenta el reto de superar su agorafobia, un tema que, aunque se sitúa en el año 2000, sigue siendo muy relevante hoy en día. Norvind reflexiona sobre cómo la película se conecta con los miedos contemporáneos. "En la era moderna, tenemos menos necesidad de salir de casa, gracias a la tecnología.

Las redes sociales y las compras en línea nos mantienen conectados, pero también nos aíslan. Eso es algo que muchas personas pueden identificar", señala.

Hablar sobre el personaje de Corina y cómo la directora lo abordó fue crucial para la joven. "Me encanta el hecho de que Corina, a pesar de ser un personaje tan introspectivo, está pasando por un proceso de autodescubrimiento. La película no trata de dar respuestas fáciles, ni de caer en el 'optimismo tóxico' que a veces vemos en otras historias", asegura. La interpretación de Naian se centra en los matices de un personaje

que tiene que lidiar con la conciencia de lo que debe hacer pero no se atreve a dar el paso, lo cual genera una conexión emocional profunda con el público.

A lo largo de la entrevista, Naian resalta lo que hace única a Corina: "Es una película feel-good, pero inteligente. No es pretenciosa, pero tiene una gran profundidad emocional y visual", afirma. La actriz describe el trabajo con la directora Urzula como un proceso de creación orgánica, donde se exploran no solo las palabras, sino también los silencios y las posturas del personaje, aspectos que juegan un papel clave en la narrativa.

En un mundo que a menudo minimiza el impacto de los trastornos emocionales, ofrece una mirada honesta sobre los miedos y la salud mental, sin juzgar ni estigmatizar. Naian subraya que la película nos invita a mirar más allá de lo evidente y a reflexionar sobre nuestras propias barreras emocionales. "El personaje de Corina está atrapado en una encrucijada, entre lo que debe hacer y el miedo que la paraliza. Es una historia que le habla a cualquier persona que haya sentido miedo o inseguridad al enfrentarse a lo desconocido", concluye.

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SUPERANDO LOS MIEDOS PARA ENCONTRAR LA FUERZA INTERIOR

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n entrevista la directora URZULA BARBA HOPFNER nos compartió su visión sobre este proyecto, que se inspira en experiencias personales de lucha contra el miedo.

Según Barba Hopfner, tanto la historia de Corina como el guion están profundamente conectados con la idea de “ser héroes de nuestras propias vidas” al vencer nuestros miedos más paralizantes.

Hopfner señaló la importancia de mostrar personajes complejos y multidimensionales, especialmente los femeninos. En Corina, las mujeres no solo son fuertes, sino que se presentan con matices que no se limitan a los estereotipos comunes. Esto se refleja en los personajes interpretados por actrices como Naian quien, aunque tímida como su personaje, aporta una sensibilidad única y profunda que encarna perfectamente la complejidad de Corina.

Una de las cuestiones más destacadas de la película es cómo Corina trata temas como la introversión, la empatía y la aceptación de las emociones. “La película da la bienvenida a todas las emociones humanas, incluso las más dolorosas”, expresó Hopfner. Esta representación Dispobible: Amazon Prime Video

sin juicio de los estados anímicos, como el miedo, la tristeza o el enojo, no solo es relevante para los personajes de la película, sino también para los espectadores, quienes pueden verse reflejados en estos sentimientos.

Sobre la producción, la directora destacó la importancia del trabajo colaborativo y el compromiso del equipo para crear una atmósfera auténtica y cinematográfica, a pesar del presupuesto limitado. Las locaciones de Guadalajara, particularmente el Mercado Juárez y la Colonia Americana, jugaron un papel crucial en la ambientación de la película, la cual evoca un aire bohemio y melancólico, representando la vida en los años 2000, cuando los desafíos del agorafobia eran aún más intensos.

Por último, Barba Hopfner habló sobre la respuesta del público en festivales como Guadalajara, Guanajuato y Morelia. Corina ha sido recibida con una ovación sincera, lo que para la directora es una clara muestra de que la película ha logrado conmover a su audiencia. En palabras de la directora, el éxito de la película radica en la honestidad y el amor con el que se realizó, buscando siempre conectar con los espectadores de una manera genuina y respetuosa.

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Llega Étoile: La danza de las estrellas. En conferencia de prensa, los actores Luke Kirby, Charlotte Gainsbourg, Lou de Laâge y los creadores Amy Sherman y Daniel Palladino presentaron esta comedia sobre el caos entre los ballets de Nueva York y París.

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Por Alejandra Lomelí

CHARLOTTE GAINSBOURG

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l dúo creativo detrás de La maravillosa Sra. Maisel, Amy ShermanPalladino y Daniel Palladino, regresa con una propuesta que combina humor, danza y drama: Étoile: La danza de las estrellas. Ambientada entre los ballets de Nueva York y París, la serie imagina un intercambio de talentos entre ambas compañías, lo que desata un verdadero caos tanto en el escenario como fuera de él.

Para Sherman-Palladino, Étoile es mucho más que una comedia con tutús.

Representa una deuda personal con el ballet, disciplina que practicó en su juventud y que ya había explorado — sin demasiada fortuna— en la serie Bunheads. “Aquella fue solo una pequeña muestra de lo que significaba escribir sobre el mundo de la danza”, confiesa la guionista.

Esa experiencia quedó como una espinita que hoy se transforma en un proyecto mucho más ambicioso y maduro. Esta vez, junto a Palladino, construye una mirada íntima, realista y, a ratos, despiadada, sobre una de las artes más exigentes: “Es un mundo brutal. Con márgenes ínfimos de error.

La mayoría de la gente no lo sabe. La serie muestra

Étoil

los sueños, el sacrificio y la valentía que implica triunfar en una disciplina tan competitiva. Más allá del ballet, se trata del esfuerzo, de la decepción y de lo que significa superarla”, explica

PASIÓN EN MOVIMIENTO

Palladino.

La idea era clara: desmitificar la danza clásica y ofrecer una mirada honesta sobre los desafíos que enfrentan los bailarines. Desde la precariedad económica

de algunas compañías hasta el choque entre métodos pedagógicos, Étoile se aleja de los clichés trágicos con los que el ballet suele ser retratado. “Muchas producciones repiten los

Dispobible: Amazon Prime Video

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mismos temas: la bulimia, el suicidio, los traumas. Pero pocas muestran que los bailarines son atletas de élite.

Personas reales, con vidas complejas, que entregan todo por su arte”, afirma el showrunner.

Sherman-Palladino lo resume con una frase cargada de empatía: “Estás rodeado de gente contra la que compites... y al mismo tiempo, son tus aliados. Los únicos que realmente entienden lo

que estás viviendo”.

Uno de los aciertos de la serie es contrastar no solo el estilo de danza entre Estados Unidos y Francia, sino también sus modelos institucionales: “El Ballet de París tiene raíces en la monarquía; en cambio, el de Nueva York nació mucho después, en un contexto más empresarial.

En Francia hay subsidios, prestaciones, jubilación. En Estados Unidos, nada de

eso. Ese contraste también es narrativo”, explica Amy. Con un elenco internacional que mezcla actores consagrados y bailarines profesionales, Étoile apuesta por una autenticidad poco común. Luke Kirby, Charlotte Gainsbourg, Lou de Laâge, Gideon Glick y David Álvarez encabezan la serie, acompañados por estrellas del ballet como Unity Phelan, Tiler Peck y John Lam.

CHECA EL TRAILER Algunos actores tuvieron que aprender a bailar; otros, a actuar. “Lou de Laâge, por ejemplo, no tenía formación en danza, pero entrenó durísimo con su doble. Hizo todo lo que pudo”, cuenta Palladino. La actriz interpreta a Cheyenne, una prima ballerina que brilla por su talento… y su desbordante confianza. “Nunca había hecho un personaje así. Es intensa, divertida, testaruda.

Fue un regalo”, asegura Lou, quien también enfrentó el reto de actuar por primera vez en inglés.

Charlotte Gainsbourg, por su parte, se estrena en la comedia televisiva como Geneviève, la directora del Ballet Nacional de Francia.

“He hecho algo de comedia en Francia, pero nunca en inglés. Tenía mucha curiosidad”, admite la actriz, conocida por sus papeles en dramas intensos.

En el lado estadounidense, Luke Kirby interpreta a Jack, el director del Metropolitan Ballet, marcando su primer rol protagónico en una serie. Y Gideon Glick, como Tobias, el carismático coreógrafo, revela que la pandemia lo impulsó a escribir: “Necesitaba una salida creativa. Fue como una locura, pero encontré mi voz, y eso cambió todo”. Étoile no solo deslumbra con su estética y su elenco, sino también con la profundidad de sus personajes y la autenticidad con la que retrata el mundo del ballet.

Una historia de pasión, rivalidades y disciplina, narrada con el sello inconfundible de Sherman-Palladino: humor ágil, diálogos brillantes y humanidad en cada rincón.

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Por Carlos Mora

a cinta Déjame estar contigo, dirigida por Isaac Cherem (Leona, 2018), es mucho más que una historia de amor juvenil.

Es un retrato íntimo y sutil de las transiciones: entre países, entre lenguas, entre etapas de vida. La película explora cómo los jóvenes, muchas veces en medio de crisis de identidad, buscan amor y arraigo en territorios que no siempre les son familiares.

En conversación con su director y su joven protagonista, Aksel Gómez, queda claro que la cinta no busca adoctrinar ni dramatizar en exceso, sino mostrar con sensibilidad y verdad los procesos que viven quienes son expulsados del lugar que consideran su hogar. “Nuestro protagonista Bruno arranca la historia siendo deportado de Estados Unidos. Todo lo que conocía: su idioma, sus amigos, su familia, su vida, queda atrás”, cuenta Cherem.

“La pregunta es entonces: ¿Quién eres cuando te quitan todo eso? ¿Qué haces en un país al que ‘perteneces’ solo en papel?”.

Bruno es interpretado por Aksel Gómez, un actor de 22 años que nació en Estados Unidos, hijo de madre estadounidense y padre regiomontano. Su casting fue tan convincente que Cherem supo desde un principio que él tenía que dar vida al personaje.

“Vivo en Texas, en la frontera. Para mí, el tema de la migración está presente todos los días. Lo vivo, lo entiendo. Era importante poder contar una historia que hablara de eso, pero también de amor, de esperanza”, dice Aksel. “La película no es un drama migrante como tal, pero sí toca ese dolor, esa sensación de no ser ni de aquí ni de allá”.

Junto a él, el personaje de Lucía, interpretado por Andrea Sutton, representa otra forma de desarraigo: una adolescente chilanga con una enfermedad incurable que vive también su propia tragedia. Juntos, ambos personajes encuentran en el otro una tabla

DÉJAME ESTAR CONTIGO: UNA HISTORIA DE DOS ADOLESCENTES ROTOS Platicamos con el director Isaac Cherem y con Aksel Gomez, joven actor mexicano-estadounidense que ha ganado reconocimiento por su papel protagónico en esta cinta

de salvación emocional. “Pareciera que es el peor momento para enamorarse”, reflexiona Cherem, “pero a veces es justo en el caos donde aparece lo inesperado”.

Cherem explica que uno de sus grandes intereses al abordar esta película fue mostrar una etapa poco explorada por el cine mexicano contemporáneo: la adolescencia sin condescendencia.

“Hay muchas películas extranjeras que retratan el paso a la adultez con profundidad, pero en México ese cine está un poco ausente”, asegura. “Queríamos mostrar esa transición —el primer amor, el miedo, la intensidad de las emociones— sin juzgar, sin reducir”.

Es por eso que Déjame estar contigo conecta también con públicos más allá de los adolescentes. “No solo para quienes están viviendo esa etapa, sino para quienes ya la pasamos y recordamos con fuerza lo que significó. Porque nos formó, nos definió. Esta película habla de eso”.

Otro de los protagonistas indiscutibles del filme es la Ciudad de México, que aparece como un personaje más: contradictoria, vibrante, caótica, pero también acogedora. “Desde que leí el guion, supe que esta era una histo-

ria sobre convertirse en chilango”, comenta el director. “Yo no crecí aquí, pero decidí vivir aquí de adulto, y como Bruno, pasé por ese proceso de adaptación. No quería mostrar la ciudad ni embellecida ni degradada. Solo como es: inmensa, desafiante, cotidiana”.

La cámara recorre calles no tan vistas en el cine nacional, evitando los clichés turísticos pero también alejándose de las imágenes más crudas de la pobreza extrema. “Mostramos una ciudad vivida. Las emociones de los personajes están ligadas al espacio”, explica Cherem.

Para Aksel, que filmó en México por primera vez, la experiencia también fue transformadora: “Yo no conocía bien la ciudad. Me llevó Andrea a lugares como Coyoacán, aprendí en la calle, en los trayectos. Fue hermoso”.

Una de las mayores virtudes de Déjame estar contigo es que nunca subraya de más. La migración, el amor, la enfermedad, la pérdida y la búsqueda de identidad están presentes, pero no sobreexplicados. La película confía en la inteligencia emocional del espectador. “Creo que cuando involucras a la audiencia en la conversación, sin imponerle un mensaje, el impacto es mucho más profundo”, afirma Cherem.

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Dispobible: ViX

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TV Azteca vuelve al melodrama con

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Litzy al interpretar el tema de la telenovela Cautiva por amor.

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Litzy y Daniela Castro encabezan la nueva telenovela que también aterriza en Disney Plus

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espués de años alejados del género, la televisora lanza con bombo y platillo su nueva producción Cautiva por amor, una superproducción de 70 capítulos que apuesta por la emoción intensa, el drama humano y una mirada cruda a temas como la trata de personas y la violencia de género. La telenovela también podrá verse a través de Disney Plus, abriendo un puente a la distribución internacional .

Con una alfombra roja que mezcló nostalgia con renovación, las cámaras captaron a las protagonistas: Litzy, quien vuelve a México para encarnar a una mujer marcada por el pasado, y Daniela Castro, en un papel que promete ser uno de los

Por Carlos Aguillón más fuertes de su carrera; además de ser el primero en TV Azteca.

“Fue un reto tomar esta telenovela, porque era regresar a mi país, y qué mejor que con esta historia tan padre.

Cautiva por amor es un viaje emocional profundo. Tiene amor, dolor, venganza y redención”, confesó Litzy entre luces y aplausos. “Estoy feliz de compartir escena con una actriz como Daniela Castro, a quien admiro desde siempre.”

Para Daniela, el proyecto es más que un regreso: es una reafirmación del poder del melodrama como espejo social. “Hoy más que nunca necesitamos historias que nos toquen el corazón, que nos confronDispobible: ten como Azteca Uno sociedad.

Disney Plus Cautiva por

amor no es solo una novela, es un grito de empatía. Me conmovió desde el primer libreto”, expresó la actriz, visiblemente emocionada.

La gala fue encabezada por Adrián Ortega, director de Contenidos de TV Azteca, quien aseguró que este proyecto marca “el resurgimiento de las telenovelas nacionales”. El ejecutivo destacó la importancia de volver a contar historias potentes: “Dicen que somos buenos para contar historias… y lo vamos a demostrar”.

Con un elenco de grandes actores, producción de alto nivel y distribución internacional, Cautiva por Amor, es la carta de presentación de una serie de producciones y coproducciones que prepara TV Azteca, para reforzar nuevamente su oferta de contenidos originales.

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1 Osvaldo de León, Litzy, Daniela Castro y Adrián Ortega.

2 Los actores: Erick Chapa, Rossana Nájera y Danka Castro.

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BETTER MAN: LA HISTORIA DE ROBBIE WILLIAMS

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etter Man es un retrato único y honesto de la vida de Robbie Williams, donde el cantante británico explora su carrera, su proceso creativo y su vulnerabilidad en una narrativa que va más allá de los momentos de gloria. En una conversación sincera, Robbie compartió detalles sobre su película y su conexión con Johnny Davis, el actor que lo interpreta.

Según Williams, la relación con Johnny es particularmente especial, ya que el actor asistió a uno de sus conciertos cuando era niño.

"Johnny me dijo que el pri-

Por Carlos Mora mer concierto al que fue en su vida fue uno mío, cuando tenía 9 años. Y en ese concierto, pensó: 'Eso es lo que quiero hacer cuando sea grande'", explicó Robbie.

Este vínculo personal se refleja de manera palpable en la película, donde la sinergia entre ambos es evidente.

En cuanto al proceso de adaptación del guion, Robbie reveló que el texto pasó por ajustes después de que su compañero de banda, Gary Barlow, reaccionara sorprendido al ver cómo se le presentaba en la historia.

"Gary me llamó y me dijo: 'Rob, parezco peor que Darth Vader en la primera película de Star Wars'. Eso lo molestó mucho, y como lo quiero, hicimos algunos

ajustes", confesó Robbie.

Estos pequeños cambios reflejan cómo ha evolucionado su relación con Gary, que, aunque difícil en su juventud, ahora es más fuerte y sincera.

El cantante también expresó su gratitud por la oportunidad de contar su historia de manera tan abierta. “Me siento muy afortunado de poder contar mi historia. Es un regalo poder hacer esta película y ser tan honesto con la gente sobre lo que viví. Es como un acto de liberación para mí”, afirmó. Better Man no solo aborda los triunfos en su carrera, sino también los momentos oscuros y dolorosos que lo moldearon como artista y ser humano.

Better Man es una película biográfica que explora la vida de Robbie Williams, desde su ascenso meteórico como estrella del pop hasta los oscuros momentos que definieron su carrera y su vida personal. A través de una mirada introspectiva y desgarradora, la película no solo celebra sus logros, sino que también aborda sus luchas internas, sus relaciones complicadas y los desafíos emocionales que enfrentó a lo largo de su carrera. Con una mezcla de música, drama y humor, Better Man ofrece una visión profunda y auténtica del hombre detrás del mito, mostrando cómo la fama, el éxito y la autodefinición se entrelazan en su vida.

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O ENTREVISTA CON

MARINA DE TAVIRA

ROMANNI VILLICAÑA

LA MANZANA DE LA DISCORDIA EN BODAS DE SANGRE Foto Carlos Mora

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n amor imposible, un deseo que arde más allá de la razón y un destino que no perdona.

Casi un siglo después de su creación, Bodas de sangre, la tragedia poética de Federico García Lorca, regresa con nueva piel al escenario mexicano, esta vez de la mano de la directora Angélica Rogel, quien traslada su fuerza simbólica al norte del país con una mirada contemporánea, atrevida y profundamente emocional.

“Creo que esta adaptación le viene como anillo al dedo a la historia. En lugar de flamenco, tenemos otra temperatura, otro cuerpo, otra energía. El norte de México tiene ese mismo pulso de pasión, de orgullo, de tragedia”, comparte Romanni Villicaña, quien interpreta a Leonardo, el amante que desata la tormenta.

Leonardo es, de hecho, el único personaje con nombre propio en la obra, un símbolo del deseo irracional, del impulso que desafía

las normas y que, como un animal herido, no sabe otra cosa que correr hacia su perdición. “Es un hombre de campo, casado, con hijos.

Pero cuando ve a la novia a punto de casarse con otro, algo más fuerte que él lo arrastra a confrontarla.

Es amor, sí, pero también despecho, locura, carne”, explica Romanni, quien se muestra conmovido por la profundidad emocional del texto y el universo lorquiano.

UN TEXTO ETERNO Bodas de sangre, escrita en 1931 y estrenada dos años después, está basada en un hecho real ocurrido en Andalucía y se convirtió en la primera entrega de la llamada “Trilogía de las tragedias rurales” de Lorca, junto a Yerma y La casa de Bernarda Alba. El texto, atravesado por una prosa poética cargada de símbolos —la luna, el cuchillo, el caballo, la sangre— aborda temas universales: el deber frente al deseo, la pasión como fuerza incontrolable y la muerte como única salida.

Pero ¿qué hace que una obra escrita hace casi 100

años siga latiendo con tanta fuerza en 2025?

“Yo no soy nada conservador en lo artístico”, dice Romanni. “Me encantan las reinterpretaciones. El teatro tiene que hablar desde su tiempo. Verlo desde la mirada de una directora como Angélica, desde el cuerpo de actores de esta época, le da una capa nueva. Y eso, lejos de traicionar al original, lo enriquece”.

El montaje también propone un acto de resistencia cultural. En un momento en el que la inmediatez domina el consumo cultural —con TikTok, inteligencia artificial y scrolls infinitos—, lograr que una persona se siente durante 90 minutos frente a una historia humana y poética ya es un logro. “Es una locura hermosa. Un acto de fe en el arte y en el espectador”, afirma el actor.

UNA TRAGEDIA DE HOY En escena, Ángeles Cruz, Ana Guzmán Quintero, Miguel Tercero y Romanni Villicaña dan vida a esta historia trágica con actuaciones que prometen sacudir tanto como conmover. “Es un

Villicaña

sueño estar con este elenco. Ángeles es un ser humano admirable, con una mirada poderosa como artista, como directora, como activista.

Miguel es de mi generación y Ana tiene un fuego muy especial. Es un hervidero creativo”, afirma Romanni.

La obra no sólo revive un clásico, sino que lo pone en diálogo con temas urgentes: los mandatos sociales, los límites del deseo, el peso del conservadurismo, los roles de género y el cuerpo como campo de batalla.

“Este Leonardo podría ser un hombre de hoy. La novia también. Y ese dilema entre lo que debes hacer y lo que tu cuerpo te pide... eso no cambia con el tiempo.”

Producida por Woo Teatro y Óscar Uriel, esta adaptación coloca la historia original —ambientada en la Andalucía profunda— en un paisaje árido, sonoro y vibrante: el norte mexicano. Aquí no hay guitarras flamencas ni lunares en los vestidos. Hay tierra seca, corridos tumbados y un ritmo de vida donde el cuerpo habla fuerte, y las pasiones corren sin freno.

PASIÓN, MUERTE, DESEO, TIERRA, SANGRE...

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"Hay tragedias que no necesitan época para sentirse vivas. Bodas de sangre vuelve para recordarnos que el amor, cuando arde, no pide permiso", comenta el actor Texto y fotos Carlos Mora

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Texto y fotos Carlos Mora

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1. Ángeles Cruz 2.

Joan Santos

3, 4 y 5.

Ensayo de la obra Bodas de sangre.

ANA GUZMÁN QUINTERO, LA NOVIA ATRAPADA ENTRE EL DEBER Y EL DESEO

Ana Guzmán Quintero vive un torbellino emocional: está a punto de estrenar una nueva versión de Bodas de sangre y, como su personaje, siente que el mundo se le mueve bajo los pies.

“Ya viene el estreno, y los nervios están a tope”, dice.

“Es como estar en una burbuja que se rompe cuando aparece el público”.

Ana interpreta a La Novia, un personaje sin nombre propio porque, en esta tragedia de Federico García Lorca, cada quien carga con su rol simbólico. “Mi personaje está comprometida con un hombre que representa lo que la sociedad espera de ella: estabilidad, dinero, un buen partido”, explica. “Pero sigue enamorada de Leonardo, su ex, el que despierta la pasión. Es una lucha entre el deber ser y el deseo”.

La actriz celebra el poder 46 |

de los clásicos: “Son eternos por algo. No importa si los traes al norte de México o los pones en otro siglo: siguen hablando de las pasiones humanas”.

Esta versión, ambientada en Sinaloa, tiene el sello de lo local sin perder el drama universal. “Aquí la sangre corre un poco más caliente”, suelta entre risas.

Además, Ana se siente arropada por un elenco que mezcla generaciones, con nombres como Ángeles Cruz, de quien no ahorra elogios: “Verla trabajar es una clase magistral. Nos ha aconsejado a todas con una generosidad enorme”.

Con los nervios del estreno en puerta y un personaje que es todo intensidad, Ana Guzmán Quintero se lanza de lleno al ritual del teatro.

“Estamos agarradas fuerte para contar esta historia. Y sí, es una explosión”.

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BODAS DE SANGRE Foro Shakespeare Hasta el 29 de junio de 2025 Corta temporada 3

MIGUEL TERCERO: PASIONES DEL NORTE Y UNA MUERTE ANUNCIADA

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Quedan pocos días para el estreno y el elenco lo sabe.

Miguel Tercero, aún con el pulso de los ensayos latiendo en la voz, nos recibe con la claridad de quien ha encontrado en el teatro no solo un oficio, sino un destino.

“Yo soy el Novio en esta adaptación de Bodas de Sangre”, nos dice, sin adornos. Pero lo que viene detrás de esa frase sencilla es una montaña emocional.

No se trata solo de asumir un papel: se trata de encarnar una pasión que, inevitablemente, lo arrastra hasta la muerte.

La nueva versión de Lorca se traslada al norte de México, al calor denso y seco de Sinaloa. “Eso ha sido un reto tremendo”, confiesa.

“Porque no es mi geografía, no es mi acento, no es mi cuerpo cotidiano”. Miguel nació en Tlaxcala, creció entre montañas y volcanes, vivió en la Ciudad de México.

Y sin embargo, ahora camina por el polvo del norte, por la tensión de los paisajes que suelen aparecer en las noticias, pero que pocas veces se sienten con respeto desde el escenario.

“Es una zona del país profundamente cultural, con códigos muy específicos.

Y cuando decidimos poner esta tragedia ahí, tuvimos que hacerlo con una seriedad absoluta. No jugar con estereotipos. No romantizar la violencia. No simplificar.”

Durante semanas, él y la directora Angélica Rogel diseccionaron cada palabra del texto original. “Lorca siempre dice tres cosas cuando parece que solo dice una”, explica Miguel, con un brillo casi académico en la mirada.

Pero su análisis va más allá del estudio literario. Es un ejercicio de carne y cuerpo: cómo se ama, cómo se traiciona, cómo se muere en un rancho de Sinaloa hoy.

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Texto y fotos Carlos Mora

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arina de Tavira celebra un 2025 lleno de teatro con estrenos, reencuentros y una pasión que no se detiene.

Marina, llevas un 2025 lleno de teatro. ¿Cómo te sientes?

Muy contenta, la verdad.

Me lo prometí a mí misma: hacer más teatro. Y mira, es algo que se ha ido alargando con el tiempo, lo cual me pone muy feliz. Empecé el año estrenando La niña en el altar, una obra increíble del proyecto Incidente Teatro, que tengo junto con Enrique Singer desde 2011.

Además, estoy reestrenando Un tranvía llamado deseo, que el año pasado fue todo un éxito. Así que no puedo pedir más; estoy muy agradecida. ¿Cómo estás combinando tu trabajo entre teatro y cine?

La verdad, ahora no lo estoy combinando muy bien (ríe), porque estoy muy enfocada en el teatro.

Como te decía, este 2025 haré tres obras, así que ni siquiera puedo leer bien los proyectos de cine que me llegan… hasta me da un poco de ansiedad cuando me los ofrecen. Tomé una decisión muy clara: dedicarme de lleno al teatro por ahora.

Tal vez la balanza se inclinó demasiado hacia un lado, pero estoy abierta.

Espero que llegue ese proyecto cinematográfico que me saque de ahí, porque claro que amo hacer cine.

Sin duda, tengo alma de teatro, pero el cine tam-

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Marina de Tavira "EL TEATRO NO ES UNA ELECCIÓN PROFESIONAL, ES UNA NECESIDAD VITAL" Texto y fotos Carlos Mora

bién me encanta. Hacer la cinta El aroma del pasto recién cortado en Argentina fue muy interesante. El cine tiene esa cualidad de permanecer en el tiempo.

A veces me lo pregunto, porque yo soy una obsesiva del teatro: conozco actrices de generaciones que nunca vi en escena, solo por libros.

El teatro tiende a ser efímero, pero también eso lo hace poderoso. Uno no lo hace para que se acuerden de nosotras, sino porque creemos en ello… y porque nos hace felices. ¿Cómo ha sido esta mancuerna con Enrique Singer? Ya llevan muchos trabajos con Incidente Teatro.

Sí, llevamos muchos años de complicidad. Siempre estamos en contacto, revisando las obras que nos llegan o las que simplemente se nos aparecen y sentimos que hay algo que queremos contar. Cuando una obra nos mueve, decimos: "Esta va", y nos lanzamos a imaginarla.

Pensamos en qué creativas y creativos podrían sumarse, quiénes son aptos para ese proyecto… y así empezamos.

Pronto vamos a lanzar un video que resume todo lo que hemos hecho y anuncia lo que viene. Me impacta verlo, porque siento que parpadeé ¡y ya estamos en nuestra obra número nueve! ¿Cuál crees que es la importancia de reivindicar personajes femeninos como Clitemnestra en La niña en el altar?

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GRANDES OBRAS DE TEATRO 1.

Consentimiento 2.

Un tranvía llamado deseo 3.

La niña en el altar

Esta obra gira en torno al patriarcado y, sobre todo, a la guerra como uno de los inventos más terroríficos de ese sistema. Y digo "sistema patriarcal" con intención, porque es importante subrayar que no solo afecta a las mujeres.

En esta obra se enfatiza mucho el destino de los niños de 10 años, que son enviados a la guerra y educados como los espartanos, desde muy pequeños, casi entregados a la muerte.

Es una reflexión profunda y necesaria. ¿Cómo fue el proceso para montar por primera vez La niña en el altar en México?

En Incidente Teatro trabajamos mucho con Alfredo Michel Modenes-

si, que es el traductor. Él tradujo Consentimiento, nuestra obra anterior, y otras más. Es especialista en teatro inglés y un cómplice muy importante en la compañía. Él vio La niña... montada en Londres, me tradujo el texto y desde el inicio me enganchó el lenguaje de la autora, Marina Carr. Tiene un estilo muy particular, que requiere mucho virtuosismo actoral, porque transita entre la narraturgia y el conflicto directo entre personajes.

Es un texto complejo, que demanda mucha destreza.

En esa obra trabajaste de nuevo con el primer actor Salvador Sánchez.

Fue increíble. Con Salvador hice mi primera obra

de teatro, El ajedrecista, en 1992. Él era el personaje central y yo estaba en el coro. Después tuve que suplir a Verónica Merchant y fue él quien, de alguna manera, me bautizó en este camino. Me enseñó el amor y el poder del teatro. ¿Vuelves a Un tranvía llamado deseo? ¡Feliz! Trabajar con Diego del Río es un privilegio.

Tiene una gran capacidad para traer los clásicos al presente, y eso hizo con esta obra.

Al público joven le encantó, se sintieron identificados porque habla de sus propias problemáticas. Tennessee Williams escribió sobre la misoginia, la homofobia, el miedo a lo diverso, la migración…

La historia de Un tranvía

llamado deseo sigue a Blanche DuBois, una mujer que llega a Nueva Orleans para vivir con su hermana Stella y su cuñado Stanley, mientras lidia con traumas pasados y una salud mental quebrada.

Todo lo que ocurre entre ellos pone sobre la mesa tensiones, violencia, amor y muchos matices humanos. ¿Cómo describes a tu Blanche DuBois?

Es una mujer tremendamente desvalida, criada para eso. Nadie le dio herramientas para sobrevivir más allá de hacer alarde de su belleza y juventud.

Blanche es trágica, entrañable, compleja.

Interpretarla ha sido uno de los retos más grandes y gratificantes.

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Julieta: LA MEMORIA VIVA EN ESCENA Gabriela Muñoz Chula the Clown estrena una joya escénica en el Teatro Milán Texto y fotos Carlos Mora

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a noche del estreno de Julieta en el Teatro Milán fue un acontecimiento que dejó una huella profunda en quienes lo presenciaron. No solo por el regreso de Gabriela Muñoz — más conocida como Chula the Clown— a los escenarios mexicanos, sino por el calibre emocional de una obra que, sin pronunciar una palabra, logra hablarle al alma.

Desde el primer instante, Julieta captura con un lenguaje escénico no verbal cargado de simbolismo, la obra nos introduce al universo íntimo de una mujer mayor que habita una casa rebosante de recuerdos, objetos y presencias invisibles. La interpretación de Muñoz es delicada, precisa, luminosa. En cada gesto, una emoción; en cada silencio, una historia.

La obra nos invita a mirar la vejez no como un final, sino como una etapa llena

de matices, humor, amor propio y memoria.

“Me inspiré en la vida de mi tía abuela, fue una mujer vanguardista, que vivió con fortaleza y humor la vida que quiso vivir. No lo tuvo fácil, pero dejó una huella enorme en mí”. En ese testimonio íntimo se entrelazan otras muchas mujeres: libres, coquetas, sabias, que vivieron fuera del molde.

“Estoy rodeada de ejemplos así, mujeres que combinan fortaleza con suavidad y calor humano. Julieta es

también una ofrenda para ellas”, compartió Gabriela.

“Sentía la necesidad de hablar de la tercera edad, de devolverle visibilidad a esa etapa de la vida. Todo está enfocado en la juventud y el presente inmediato, y me pregunté: ¿qué pasa con quienes han vivido tanto?”

La obra es, en ese sentido, un altar escénico a la memoria. Un espacio donde lo ausente se hace presencia. Gabriela no lo dice con palabras, pero lo expresa con el cuerpo: Julieta

FUNCIONES Teatro Milán Hasta el 15 de julio Lunes, martes y miércoles 20:45 h #Julieta #ChulaTheClown

es también un reencuentro con su padre fallecido.

“Durante una hora, siento que puedo verlo. Me he construido un portal para encontrarnos”.

Gabriela no busca que su personaje sea una caricatura. “No quiero que Chula o Julieta se conviertan en algo plano o superficial. Hay muchas capas de humanidad que sigo descubriendo.

Quiero aprender a envejecer con ellas. A adaptarme.

A expresarme desde otro lugar”. La reacción del pú-

blico ha sido conmovedora, no solo en México, sino en otros países. “Ha habido chicas que se han escrito en el brazo cosas como ‘llamarle a mi abuela’. En Montreal, alguien me esperó al final solo para decirme que su papá llevaba meses en un centro de retiro y que tras ver la obra, salió volando a llamarlo. Ese tipo de cosas me parten el corazón. Si el teatro puede hacer eso, entonces ya todo tiene sentido”.

Uno de los pilares

emocionales de Julieta es su música. La partitura sonora, desarrollada en colaboración con Natalia Lafourcade, logra tejer un entramado de nostalgia y belleza. “Cuando pensé en quién podía traducir musicalmente mis recuerdos de México, supe que era Natalia. Fue un proceso a distancia, muy enriquecedor. Y logramos algo que no solo acompaña a la obra, sino que la habita, Julieta no necesita diálogos para llegar al corazón".

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Amanda Digón, Alejandro Molina y Karla Centeno.

Nacho Cano, María Laura Marina de Salinas y David Hatchwell junto al elenco.

El creador Nacho Cano.

Escena de la obra Malinche.

MALINCHE: EL SUEÑO ESCÉNICO DE NACHO CANO

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Por Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora

n una noche cargada de simbolismo, luces, historia y música, el Frontón México se convirtió en un puente entre el pasado y el presente.

En el centro: Malintzin, la mujer que cambió el rumbo de un continente. Y detrás del telón, el sueño de Nacho Cano hecho realidad.

“Durante sueños, Quetzalcóatl, Malinche y Hernán me hablaron. Me pidieron contar su historia”, dijo Nacho Cano al finalizar una función especial de Malinche, su musical de gran formato que busca reescribir desde el escenario el papel de una de las figuras más controvertidas —y fascinantes— de la historia de México.

Malinche no es un musical cualquiera. Es un proyecto que ha madurado durante años en la mente y corazón de Nacho Cano, exintegrante de Mecano, y que ahora ve la luz como una de las producciones escénicas más ambiciosas de los últimos años entre España y México.

La obra combina una mezcla

vibrante de música en vivo, danza contemporánea, flamenco y visuales de gran formato. Cada elemento está pensado para reflejar el mestizaje cultural que nació con la conquista, sin caer en juicios simplistas. “Aquí no hay héroes ni villanos. Hay seres humanos”, enfatiza Cano. En escena, eso se traduce en coreografías que abrazan tanto la estética prehispánica como la modernidad urbana, con transiciones musicales que van del pop al rock, del flamenco a los cantos indígenas, en una propuesta sonora atrevida y emotiva.

Uno de los grandes méritos del proyecto es el programa de formación que impulsó a 17 jóvenes mexicanos, seleccionados por talento, quienes fueron becados para formarse en España durante nueve meses. Muchos de ellos, sin experiencia profesional previa, hoy son protagonistas del elenco principal.

La energía que aportan en escena, su disciplina y el compromiso con el relato, dotan al espectáculo de una autenticidad difícil de imitar.

“No es solo un musical; es una declaración de amor a la historia

compartida entre México y España”, explica Cano. Y eso se percibe en cada gesto, cada nota, cada luz. El diseño de escenografía e iluminación está al nivel de los grandes musicales internacionales, con una pantalla de gran formato que enmarca la acción y multiplica los sentidos.

En el centro de todo está ella: Malinche. Llamada también Malintzin o Doña Marina, fue intérprete, consejera y figura política clave en el proceso de conquista. Durante siglos, su figura ha sido tratada con desdén, acusada de traición o borrada de los relatos oficiales. Este musical, sin embargo, la coloca en el lugar que merece: el de una mujer compleja, valiente, clave en la fundación del México mestizo.

“Malinche ha sido malinterpretada.

Fue una mujer que supo sobrevivir, negociar, traducir. Fue el puente entre dos culturas en colisión. Fue indispensable para ambos lados”, señala Cano. Su interpretación en escena es poderosa, con momentos coreográficos cargados de simbolismo y dramatismo. La escena del encuentro entre Cortés y Moctezuma, traducida por ella, se convierte en uno de los momentos más impactantes de la función.

Más allá de la historia, Malinche es un espectáculo visual y sonoro. La música compuesta por Nacho Cano alterna entre lo épico y lo íntimo, acompañada por una puesta en escena que nunca deja de sorprender. Las coreografías de danza contemporánea se entrelazan con cuadros flamencos que recuerdan el origen español del creador, mientras los ritmos indígenas aportan profundidad y resonancia cultural.

La producción no escatima en recursos: hay pantallas LED, escenografía móvil, proyecciones digitales y un uso del espacio escénico que envuelve al público. Pero nada de esto sería suficiente sin el alma que le da sentido: la emoción de un relato que, por fin, deja de ser blanco o negro para mostrarse en todos sus matices.

Malinche continúa con funciones los fines de semana, por tiempo limitado, en el Frontón México.

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AGENDA TEATRAL DESTELLO: AMOR, PASIÓN Y REDENCIÓN

WAITRESS EMOCIONA Y CONQUISTA CORAZONES

estello es una obra de teatro dirigida por Sebastián Sánchez Amanátegui, protagonizada por Pablo Perroni y Alejandro Oliva, y escrita por el dramaturgo británico Michael Batten. El libreto ha sido adaptado ligeramente para México. La trama sigue a Julio y Carlos, una pareja de esposos que llevan una vida perfecta, con carreras exitosas y un hogar impecable. Sin embargo, su estabilidad se ve sacudida cuando un evento inesperado cambia por completo el rumbo de su vida en común. Una noche, Julio se ve atrapado por recuerdos distorsionados y momentos clave que lo atormentan, enfrentándose a verdades aterradoras que destruyen la vida que había construido. La obra explora temas como el amor, la pasión, los trastornos emocionales, las complejidades de la identidad y la posibilidad de redención.

a versión mexicana del musical Waitress ha sido recibida con entusiasmo por el público. Basada en la película de Adrienne Shelly y con música y letras de Sara Bareilles, la obra ha logrado conectar con las audiencias locales gracias a su emotiva narrativa, su potente mensaje y un elenco de gran calidad. Aitza Terán lidera el reparto con una interpretación conmovedora de Jenna, la protagonista, destacando no solo por su capacidad actoral sino por una voz poderosa que emociona. Su interpretación del tema “Quien solía soñar” se ha convertido en uno de los momentos más memorables del montaje. La acompañan Denisha y Moni Campos en los papeles de Becky y Dawn, respectivamente, aportando frescura, humor y energía a la historia. Con una producción cuidada, actuaciones destacadas y una historia que resuena por su sensibilidad y humanidad.

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Lugar: Foro Lucerna Boletos: ticketmaster

MIENTRAS ME COMO AL MUNDO: UNA REFLEXIÓN SOBRE LA COMIDA

ientras me como al mundo es una obra interactiva que invita al público a sumergirse en una introspectiva exploración sobre la compleja relación de un hombre con la comida a lo largo de su vida. Dirigida por Aida del Río, escrita por Luis Roberto Herrera y protagonizada por Patricio José, la pieza se convierte en una experiencia sensorial y emocional.El escenario es pequeño pero cuidadosamente diseñado para simular un espejo. Todo transcurre dentro de un cuadro de luz, donde una mesa con un pastel al centro y una silla crean una atmósfera simbólica y sugestiva. Sobre esta, se coloca una segunda mesa que da la ilusión de un reflejo, como si un espejo se desplegara en la escena. Este juego visual, junto con la constante interacción del actor con el público, convierte la obra en una experiencia envolvente, dinámica y profundamente personal.

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Lugar: Foro Lucerna Boletos: ticketmaster

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Lugar: Teatro San Rafael Boletos: waitresselmusical.mx

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LA CHICA DEL BIKINI AZUL: UNA COMEDIA ROMÁNTICA AL RITMO DE LUIS MIGUEL

n una historia llena de humor y emociones a flor de piel, cinco medios hermanos se embarcan en una misión para encontrar el amor y así poder acceder a la millonaria herencia de su recién fallecido padre. Santiago, el hermano que lidera la aventura, los convence de buscar a "La Chica del Bikini Azul", una mujer con la que experimentó un flashazo que cambiará el curso de sus vidas.Ambientada con los inolvidables éxitos de Luis Miguel. A lo largo de su búsqueda, los hermanos deberán enfrentar sus mayores miedos, traumas y vulnerabilidades, mostrándonos una versión distinta de los hombres cuando se enamoran.

Bajo la dirección de Edgar Cañas, la obra combina risas y lágrimas, explorando la profundidad emocional de los personajes mientras son acompañados por las icónicas canciones de "El Sol de México".

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Lugar: Teatro Silvia Pinal Boletos: boletia.com

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NATALIA LAFOURCADE SE VUELVE UNA CANCIONERA

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ENTREVISTA CON

VIVIR QUINTANA LAS ANGÉLICAS SHOW Foto Carlos Mora

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veces, los discos no sólo se escuchan: se sienten.

Son pulsos, confesiones, espejos que devuelven una nueva imagen del artista.

Y eso es precisamente Cancionera, el nuevo álbum de Natalia Lafourcade. Un proyecto donde lo sonoro y lo invisible se funden; donde la canción se vuelve cuerpo, movimiento, imagen y cicatriz. Un testamento íntimo que no se mide en números ni listas de popularidad, sino en cuánto más cerca nos deja de lo esencial.

En el majestuoso Museo Franz Mayer de la Ciudad de México, Lafourcade habló de Cancionera, una mezcla de serenidad y fuego contenido. “Había mucho de México, mucha fantasía, de lo surrealista y lo que sucede en un sueño... como en una historia clandestina o en el Acapulco de los viejos tiempos”, dijo con los ojos brillantes. No hablaba solo de canciones, hablaba de un universo que se fue tejiendo desde sus entrañas.

Cancionera no nació para ser un disco. En su origen era sólo una gira, una voz y una guitarra. Pero la energía creativa fue más fuerte. En apenas dos semanas, Natalia grabó 14 canciones sin los filtros ni las ediciones que suelen pulir el sonido moderno. Todo fue directo, inmediato, con la urgencia de quien tiene algo verdadero que decir. “No es que esté mal editar, pero esto genera otra cosa: una autenticidad brutal, una espontaneidad que se siente viva. Como si la canción respirara con uno”.

Este proyecto, que vibra con raíces latinoamericanas y un halo de surrealismo, marca una nueva etapa para Lafourcade. Una en la que explora más allá de lo musical. “La Cancionera me llevó a explorar desde la danza, la pintura, el movimiento... muchas cosas que me gustaban pero que tenía guardadas en un cajón”, confesó. La metáfora es clara: Cancionera no sólo es un disco, es una llave que abrió puertas creativas que llevaban años cerradas.

Con esa energía de redescubrimiento, Natalia se permitió también abrazar 56 |

Nat Lafou

CANCIONES: Apertura cancionera Cancionera Cocos en la Playa Como quisiera quererte Amor clandestino Mascaritas de cristal El coconito El palomo y la negra Cariñito de Acapulco La Bruja (versión Cancionera) Luna creciente Lágrimas cancioneras La cantante deleitó a los asistentes en la presentación de su álbum Cancionera.

atalia urcade

CANCIONERA DE LA IMPERFECCIÓN Y LA BELLEZA Texto y fotos Carlos Mora

lo imperfecto. “Ella (la cancionera) me recordó que no hay peligro en hacer este tipo de cosas. Que, de hecho, puede pasar algo mágico en lo que uno pensaría que está mal. A veces lo imperfecto tiene una belleza que lo perfecto no puede alcanzar”.

Así, con cada tema, Lafourcade honra a quienes vinieron antes: Chavela Vargas, Agustín Lara, Toña La Negra, Édith Piaf, Billie Holiday, Celia Cruz. Mujeres y hombres que con su voz tejieron el alma de generaciones. Cancionera es un homenaje a esa herencia, pero también un espejo que refleja a la artista que Natalia es hoy.

En escena, tomará inspiración de figuras como Bob Dylan, Joni Mitchell, Mercedes Sosa y Violeta Parra, quienes viajaban con lo mínimo, pero con el corazón expuesto. “Quiero una gira con mucha desnudez, intimidad, simpleza, arraigo y raíz. Como ellas lo hacían”.

Más allá de la música, este disco llega en un momento bisagra: con

41 años cumplidos. “Fue como hacer un corte de caja sobre mi vida”, admitió. Y se nota. Hay una reflexión profunda sobre el tiempo, las elecciones y la necesidad de estar presente. “Siento que estoy aprovechando mejor mi tiempo. Valoro mucho mis relaciones, lo que estoy haciendo. No quiero que la vida se me pase sin darme cuenta. Vengo de unos años de practicar la lealtad propia”.

Cancionera es, en muchos sentidos, su acto de fe. Una declaración de principios. Una carta abierta a la memoria, la raíz, el arte como ritual y la canción como forma de existencia. “Este disco ha sido también una especie de salida del clóset como cancionera.

Me ha ayudado a comprender cuál es mi aportación al mundo.

Me hace sentir muy afortunada”.

Natalia Lafourcade no sólo nos entrega un nuevo disco. Nos regala un pedazo de su historia, una mirada honesta a su alma y una invitación a bailar con lo imperfecto, lo profundo y lo sagrado de estar vivos.

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VIVIR QUINTANA ] A C I S Ú M [

TRANSFORMA EL CORRIDO EN UN ACTO DE RESISTENCIA FEMINISTA

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Texto y fotos Carlos Mora

a cantautora mexicana Vivir Quintana ha transformado una década de encuentros con mujeres encarceladas en México en un poderoso proyecto musical y social. Su nuevo álbum, Cosas que sorprenden a la audiencia, compuesto por corridos feministas, recoge las historias de diez mujeres que mataron a sus agresores en actos de defensa propia. Estas mujeres hoy cumplen

condenas en distintas cárceles del país.

Vivir Quintana habló del origen del proyecto en un evento especial en el Museo Memoria y Tolerancia: “Este disco tiene un corazón diferente.

No es para vender, es para cambiar conciencias.”

El álbum surge como una respuesta al fenómeno legal conocido como “exceso de legítima defensa”, un término que, para Quintana, es una contradicción en sí misma.

“¿Cómo le puedes decir a una mujer que se defendió mucho? ¿Que hubiera picado ‘poquito’ a su agresor y luego saliera corriendo?

Nadie sabe lo que puede pasar en ese momento.”

Durante años, Vivir ha visitado cárceles como Tepepan, donde ha escuchado testimonios de mujeres que, al defender a sus hijas, a sí mismas o simplemente al intentar sobrevivir, fueron criminalizadas. Una de las historias que la marcó fue la de una mujer que denunció reiteradamente a su esposo por abuso a ella y su hija. La policía nunca acudió. Pero cuando finalmente logró defenderse y llamó para decir que lo había matado, llegaron en cinco minutos.

“Esa canción se llama 'Claro que no. Y ninguna niña, en ninguna parte del mundo, debería vivir algo así”, expresó la artista.

Además del álbum, el proyecto incluye una pelícu-

la documental en proceso de producción, con el fin de amplificar estos testimonios y cuestionar la justicia patriarcal.

Uno de los momentos más emotivos fue el agradecimiento a “Jackie”, una de las protagonistas del álbum.

Vivir contó cómo, tras contactar a varios perfiles falsos en redes sociales, logró encontrarla, visitar su casa y construir una amistad entrañable.

“Salí de su casa a la 1:00 de la mañana, después de cantar, bailar salsa y compartir micheladas. Jackie, gracias por tu historia. Nunca debiste pasar por eso.

Ninguna mujer debería.”

Con este disco, Quintana no sólo está rompiendo esquemas en un género tradicionalmente masculino como el corrido. Está también creando un canto de resistencia, dignidad y justicia para las mujeres que el sistema olvidó.

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DJ ARANZA GOROZ,

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CON PASO FIRME EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA Por Carlos Aguillón

Fotos Cortesía de Aranza Goroz

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Redes: @aranzagorozdj

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n una industria históricamente dominada por hombres, Aranza Goroz irrumpe con determinación, talento y una visión clara: abrir caminos, producir música con identidad y demostrar que el futuro de la electrónica también es femenino. Con el lanzamiento de su primer sencillo, “The Future”, la DJ y productora mexicana inicia una nueva etapa que promete romper moldes y derribar prejuicios.

“Este sencillo marca el inicio de algo muy grande para mí. Es mi primer tema como productora y representa el siguiente nivel de mi carrera”, afirma Aranza en entrevista exclusiva para CAMEO. “Ya no quiero quedarme solo como DJ de club. Mi objetivo es ir a festivales, sonar a nivel internacional, y para eso, necesitas tener música propia”.

Aranza no solo tiene claro su sonido —una mezcla potente de big room techno y EDM—, también tiene clara su intención: diversificar la propuesta sin encasillarse. “No me voy a casar con un solo género. Me gusta el electropop, la música comercial que conecta con la gente, pero también quiero mostrar esa parte más intensa que vibra en los festivales”, explica. Su versatilidad como artista es una de sus cartas más fuertes, y con “The Future” deja claro que está lista para conquistar escenarios mayores.

La evolución de Aranza es estratégica. Acompañada por un

equipo de músicos profesionales y productores de alto nivel —incluyendo un colaborador con dos nominaciones al Latin Grammy—, apostará en otros temas, por una producción rigurosa que va más allá del software, enfocándose en la creación musical con instrumentos reales, estudio y sensibilidad artística. “No quiero hacer música desde una computadora nada más. Quiero que mis canciones tengan alma”, asegura.

Del Caribe a Cumbre Tajín Con una trayectoria en constante ascenso, Aranza ha llevado su talento a importantes escenarios dentro y fuera del país.

Ha participado en Cumbre Tajín, donde se presentó ante más de 30,000 personas, y ha sido parte de eventos como Colors of Sound, el Sexy DJ Fest en el Caribe y el Carnaval de Playa del Carmen, compartiendo cartel con artistas como Nicki Nicole, Rawayana, Jesse & Joy y Bogueto. Su presencia en estos festivales refuerza su lugar como una de las figuras femeninas más destacadas de la escena electrónica actual.

Mujeres al frente Pero no todo ha sido beats y aplausos. Abrirse paso como mujer en la escena electrónica ha sido, en sus palabras, “difícil y muchas veces injusto”. “Un error nuestro es catastrófico comparado con los de los hombres”, confiesa. “Un DJ hombre puede

tener una mala noche y nada pasa. Pero si tú la tienes, ya te etiquetan como una mala DJ. La exigencia es veinte veces mayor”.

Aranza lo sabe bien. Y ha tenido que trabajar el doble para ganarse no solo el respeto del público, sino también el de la industria. “Hay muchos prejuicios hacia las DJs mujeres, y a veces, con razón. Algunas llegan buscando fama rápida, no por amor a la música. Eso nos afecta a todas. Por eso mi consejo es que lo hagan bien, que lo hagan con el corazón y que se preparen.

Esto es una carrera, no un trampolín”, dice con convicción.

Agregó que: “Tal vez no soy la primera, pero sí de las pocas DJs que están activas constantemente en todo el país. Estoy abriendo puertas para otras chicas y eso me llena de orgullo”, afirma.

Aranza sueña en grande.

Sueña con Tomorrowland, con tocar en Europa, con tener un set inolvidable frente a miles de personas que coreen su música.

Pero más allá del éxito externo, hay una misión más profunda: representar a las mujeres con dignidad y profesionalismo en la música electrónica.

“Mi sueño es ser reconocida por mi música, llegar a festivales importantes y vivir de esto de verdad. Pero más que nada, dejar huella”, concluyó. “The Future” ya se encuentra en todas las plataformas digitales.

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Las Angélicas: RISA, MÚSICA Y CORAZÓN SOBRE EL ESCENARIO Por Carlos Aguillón

U N A N U E VA E T A P A , U N N U E V O A L C A N C E

LAS ANGÉLICAS SHOW Cuando: 24 de mayo Dónde: Auditorio Nacional Boletos: Ticketmaster

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espués de 20 años de soñarlo, Angélica Vale y Angélica María finalmente unen su talento en un show que promete carcajadas, lágrimas y mucha complicidad. Este 24 de mayo llegan al Auditorio Nacional con un espectáculo que es todo menos convencional. ¿Cómo definiríamos el show? Tal cual lo dijiste: es una bomba, estamos dos horas y media juntas en el escenario sin parar”, dice Angélica Vale, con la energía que la caracteriza.

Nada de “primero canta la mamá, luego sale la hija y al final se despiden juntas”.

En Las Angélicas Show no hay pausas: hay cambios de vestuario en escena, imitaciones, chismes, anécdotas y música, ¡mucha música!

Una sala… pero con luces, canciones y teatro “Es como si invitáramos al público a nuestra sala a platicarles la vida, pero cantando, bailando, actuando y riéndonos de

nosotras mismas”, explica Angélica María. Y es que lo que comenzó como una idea guardada por dos décadas, encontró forma gracias al dramaturgo David Aedo, quien vivió con ellas durante dos semanas en Los Ángeles para entender su esencia.

“Lo entendió todo. Tiene nuestro sentido del humor, y logró escribir algo que nadie ha hecho. Este show es un multiverso de las Angélicas”, afirmó Angélica Vale.

Confesiones, risas… y alguna que otra lagrimita Angélica madre e hija comparten historias personales, artísticas y hasta domésticas, como aquella vez en que Vale olvidó las llaves dentro del coche, llamó a su mamá para que la rescatara… y Angélica María también olvidó las llaves ¡y terminó encerrada fuera de su propia casa!

“Somos despistadas, pero eso nos da material para reírnos mucho. Hay momentos muy emotivos,

sí, pero también imitaciones, recuerdos del teatro, la televisión, y claro, sorpresas para el público”, aseguran.

Sobre las sorpresas que tendrá el show, Vale dijo: “Vamos a llevar regalos, ¡y hasta tres o cuatro sorpresotas!” dice entre risas, sin querer revelar demasiado. “Van a decir ‘¡Guau!’”. ¿Reality show? ¿TV? ¿Más proyectos juntas? ¿Y qué sigue para este dúo explosivo? “Se ha hablado de grabarlo para plataformas, pero primero queremos llevarlo a todos lados”, cuentan. ¿Un reality? “¡No acabaríamos! Nos pasan demasiadas cosas.

Sería más comedia que documental”, bromean.

Por lo pronto, Angélica María continúa también con su papel en la serie The Lincoln Lawyer junto a Manuel García-Rulfo, y no descarta nuevas colaboraciones.

Mientras que Angélica Vale concluye la última temporada del reality Juego de Voces, para estudiar sus siguientes proyectos.

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MAGIC JUAN: “NO SE TRATA DE SOLO PEGAR, SE TRATA DE DEJAR ALMA EN LO QUE HACES” Texto y fotos Carlos Mora

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agic Juan, pionero del merengue hip hop y una de las voces más emblemáticas de Proyecto Uno, regresa con fuerza al panorama musical con el estreno de su nuevo sencillo Borra mi mensaje.

A más de tres décadas del lanzamiento de “El tiburón”, canción que definió una era en la música tropical urbana y que hoy supera las 67 millones de reproducciones en YouTube, el artista no solo celebra su legado: lo reinventa.

John Wilson, su nombre real, asegura que mantenerse vigente no es solo una cuestión de nostalgia, sino de evolución. “Me emociona ver cómo las nuevas generaciones siguen bailando ‘El tiburón’. Es una motivación muy fuerte para seguir creando”, comenta.

Después de 15 años sin lanzar un álbum de estudio, Magic Juan decidió que era tiempo de volver con un proyecto completo. Así nació Superhéroe, un álbum de 21 temas que representa su regreso al formato largo.

“Fue una necesidad artística.

Hay momentos en los que

uno como productor, compositor, artista, siente que tiene que soltar lo que lleva por dentro. Este disco me permitió volver a conectar con mi esencia, con el sonido que me hizo, pero también con lo que está pasando ahora”, explica.

La producción del álbum no fue casual: Magic Juan se sumergió en las tendencias actuales, sin perder su identidad. “Yo me mantengo observando, viendo qué se mueve, cómo cambia la industria. No para copiar, sino para reinterpretar desde mi lenguaje”, dice. En ese proceso, reconoce la ayuda que ofrecen las nuevas herramientas tecnológicas, incluso la inteligencia artificial, aunque con reservas.

“Está bien usar la IA como una herramienta creativa, como un instrumento más.

Pero el alma no se programa.

Tú puedes tener una canción perfecta en estructura, pero sin corazón no conecta”.

El artista también reflexiona sobre cómo ha cambiado la industria musical. “Antes, una canción podía tardar tres años en hacerse global.

Ahora con un botón en Spotify ya estás en Asia, Europa, Sudamérica. Eso es maravilloso, pero también hay una saturación tremenda.

Lo difícil hoy no es grabar,

es destacar. ¿Cómo haces para que te escuchen entre millones?”, plantea.

En ese sentido, valora profundamente el respeto que aún recibe por parte de nuevas figuras del género urbano. “Cuando un artista joven se me acerca y me dice: ‘Yo empecé por ti’, eso lo es todo. Me pasó con Farina, con J Balvin, con muchos que me reconocen como influencia. Saber que soy parte del ADN de este movimiento me llena de orgullo”.

Para Magic Juan, el fenómeno de “El tiburón” fue más que un hit: fue una declaración de principios.

“Fue una canción completamente distinta a lo que sonaba en ese momento.

Fusionamos merengue con house, con hip hop, con electrónica tropical. Nadie lo estaba haciendo. Hoy, verla convertida en un clásico me hace pensar que hicimos historia. Pero no me puedo quedar ahí. Por eso estoy aquí otra vez, con nuevas ideas y con la misma pasión”.

En cuanto a las fusiones musicales que siguen marcando tendencia, el artista celebra la diversidad actual.

“El reguetón se mezcla con tex-mex, la salsa con lo urbano, el regional mexicano con trap… Eso es hermoso.

Siempre he creído que el

futuro está en mezclar lo nuestro con lo nuevo. Como un chef: tienes que tomar ingredientes conocidos y combinarlos de una manera fresca. Eso es lo que mantiene viva la música”.

Sobre el uso de tecnologías como la IA, enfatiza: “No hay que tenerle miedo, pero tampoco perder el norte. Si lo usas para mejorar tu arte, perfecto. Pero si dejas que un algoritmo haga todo por ti, te estás desconectando de lo que realmente significa ser artista”.

Respecto a su gira actual, Magic Juan adelanta que tiene muchas ganas de volver a México, país que siempre lo ha recibido con los brazos abiertos. “La energía del público mexicano es única.

Estoy deseando traer este show. Ya es hora de desempolvar la pista de baile”.

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El cantante de "El Tiburón"posó para la revista Cameo después de la entrevista.

“ME EMOCIONA ver cómo las nuevas generaciones siguen bailando ‘El tiburón’.

Es una motivación muy fuerte para seguir creando"

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KAROLA DE LA CUESTA: LA VOZ QUE SURGIÓ DEL SILENCIO Por Carlos Aguillón

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or fin libre, por fin fuerte. La activista Karola de la Cuesta, transforma una de las historias más dolorosas de abuso en América Latina en un mensaje de fe, amor y lucha por la verdad.

Fe, amor y trata de personas: Así se titula el libro con el que Karola de la Cuesta alza la voz. No es solo un relato personal, es una herramienta de transformación. “Sentí en el corazón la necesidad de compartir mi historia”, confiesa, con la calma de quien ha cruzado el infierno y vuelto con las manos llenas de esperanza para otras.

Durante años, Karola vivió entre sombras. Fue una de las jóvenes atrapadas por la red coercitiva que lideró Sergio Andrade. Hoy, con serenidad y firmeza, habla de su proceso de sanación y del propósito que encontró en su historia.

“Mucha gente que sabe lo que hago se me acerca a contarme su experiencia, personas que jamás le han contado a nadie lo que vivieron. Eso me motivó: que al leer mi historia, otras puedan empezar a perder el miedo”, explica.

La publicación del libro — que también está disponible en inglés como Faith, Love and Human Traffic-

king— marca un nuevo capítulo en la vida de Karola.

Más allá del testimonio, se ha convertido en una activista activa: lidera Kaleido, una ONG en Estados Unidos dedicada a combatir la trata de personas y acompañar a sobrevivientes, especialmente mujeres y niñas.

“Nos sentamos en mesas de trabajo con gobiernos, organizaciones, activistas… con tal de unir esfuerzos por un mundo más justo”, relata con convicción.

Pero no todo en su vida gira en torno al activismo.

Karola también celebra su presente como mujer, madre, esposa y profesionista: “Tengo mi familia, mis amigos, mi trabajo en bienes raíces… Soy una mujer normal que decidió transformar el dolor en propósito”.

UNA CATARSIS QUE RESUENA Cuando le preguntamos cómo ve a la Karola de hoy, aquella que ha hecho catarsis, no duda en responder: “Fue un proceso larguísimo.

Lo que me salvó fue el amor de mi familia y de mis hijos.

El amor y la fe me hicieron entender que lo que viví no podía ser mi destino”. Hoy, habla sin miedo, sabiendo que cada palabra dicha puede ser el primer paso de alguien más hacia la libertad.

Su libro no solo denuncia: acompaña. “Aunque les ofreciera ayuda psicológica, muchas personas nunca le han contado a nadie lo que vivieron. Imagina cargar con eso toda una vida. Por eso, esto es más que un libro. Es una llave para abrir puertas cerradas por el miedo.”

HERMANAS DE VIDA Karola mantiene una relación entrañable con muchas de las chicas que vivieron la misma experiencia en esta red liderada por Sergio Andrade. En especial con Aline, con quien convive con frecuencia: “Nos queremos mucho. Las admiro profundamente. Son de las personas más luminosas que conozco. Compañeras de dolor, sí… pero ahora, amigas de felicidad.”

UN MENSAJE QUE CRUZA FRONTERAS Fe, Amor y Trata de Personas está disponible en Amazon, tanto en español como en inglés. En un gesto de generosidad y compromiso, Karola ha puesto el libro en formato gratuito a través de Kindle Unlimited, para que nadie se quede sin leerlo.

Este es el relato de una mujer que eligió el amor por encima del odio, la verdad por encima del silencio y la acción por encima del miedo.

La activista Karola de la Cue sta posa con la portada del libr o.