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TRUE DETECTIVE: TIERRA NOCTURNA | DUNA: PARTE DOS | TED: LA SERIE

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RICARDO ABARCA | TRUE DETECTIVE: TIERRA NOCTURNA | TED: LA SERIE

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GABRIELA CARTOL EL DÍA QUE TODO CAMBIÓ

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SAMUEL ZAR AZÚA HÉRCULES, UN HÉROE DE LEYENDA

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REVISTA CAMEO nace con el fin de difundir los proyectos de cine, series y teatro

AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

NÚMERO 30 FEBRERO | 2024 A ÑO 4 REVISTA DIGITAL

EDITOR: Carlos Mora COLABORADORES: Elizabeth Osorio Cinthya Salas Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Angélica Ramírez

CORREO:

cameo.revista@gmail.com

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E SPECI A L

RUINAS DEL TEATRO BERNARDO GARCÍA, TESTIMONIO DE LOS PRIMEROS ESCENARIOS DE LA CDMX

por E L I Z A B E T H O S O R I O

Fachada del antiguo Teatro Bernardo García, ubicado en la colonia Santa María la Ribera

Marquesina del teatro.

10 |

A

la Ciudad de México basta con observar con determinación para encontrar los entresijos de sus calles que reconstruyen sus vidas pasadas, sus inmuebles que, a pesar de estar en ruinas no ceden ante el paso del tiempo, cómo si supieran que al hacerlo desaparecerían junto con el testimonio de sus historias, y pareciera siguen en pie desafiando su vejez en espera que nuestras vidas ajetreadas nos permitan voltearlos a ver y desentrañar lo que tienen que contarnos.

Lo que describo lo experimentó cada que camino sobre la calle Díaz Mirón esquina con Enrique González en la colonia Santa María la Ribera, donde los vestigios de una marquesina de más de 100 años nos indica que ahí existió un teatro, un antecedente de la difusión de la cultura en nuestra ciudad que hicieron los posible los primeros habitantes de esta zona.

Fue el Teatro Bernardo García del que sólo queda una fachada del porfiriato que tiene un medio arco de piedra con letras de molde a punto de desaparecer en las que se lee “Teatro Bernardo García”, adornado con un querubín en su remate y una estructura de hierro oxidada de lo que posiblemente fue su marquesina. En su interior quedan viviendas que han sido modificadas para cubrir las necesidades actuales, sin dejar rastro del lujo y esplendor que tuvo en su época dorada.

Fotografía publicada en el Mundo Ilustrado en 1906, se puede observar cómo fue en su interior el Teatro Bernardo Díaz.

La vida de este escenario fue corta, estuvo activó en el ocaso del porfiriato de 1906 a 1915, y en parte de este periodo también funcionó como sala de cine; por los años en los que se desarrolló su actividad es de saberse que sus funciones fueron de cine mudo, un dato valiosísimo que nos permite conocer dónde estuvo una de las primeras salas de cine de nuestra ciudad.

El Mundo Ilustrado, periódico que retrató a la burguesía del porfiriato, publicó en su edición del 23 de septiembre de 1906 una nota dedicada a este recinto en la que describe que funcionó también como casino, y da detalle de la suntuosidad que poseía en su interior.

“Su decoración es lujosisima; lindas molduras adornan el techo y la luz entra por claraboyas de colores que la tamizan dándole matices dulces y suaves. Las puertas de entrada tienen preciosos cristales y sobre una de ellas se ve la cara bellísima de la señorita Sara Romay, una de las jóvenes más hermosas de la colonia Santa María la Ribera”, describió el reportero sobre el Casino que además tuvo un salón de baile en el que los “distinguidos” habitantes de la zona ostentaban sus atuendos, durante las noches de recreación que ahí gozaron.

“La impresión que produce todo el edificio es muy agradable. Limpieza, gusto orden, alegría, comodidades son requisitos más que necesarios para que las horas se deslicen amenas: todo esto en el Casino, y en las noches de recepción cuando el lujo y el brillo de las joyas irradian purísimos fulgores cuando las damas elegantes de la colonia llenan las salas, y el baile empieza, entonces todo elogio es pálido ante magnífica realidad”, relató el cronista del Mundo Ilustrado.

Otra crónica del Mundo Ilustrado del 8 de diciembre de 1907 deja ver que su función escenario no sólo se limitaba al teatro, también tenía en su cartelera representaciones de otras artes escénicas que incluían conciertos, danza, canto, baile y declamaciones.

La cartelera en este recinto cultural ubicado a una esquina

Fotografía publicada en el Mundo Ilustrado en 1906, se puede observar el salón de baile.

de la Alameda donde habita el vecino más distinguido de Santa María la Ribera, el también porfirista Kiosco Morisco, era manejada por la Junta Directiva del Casino que estaba conformada por empresarios y tenía 250 socios “miembros distinguidos de la colonia”, según informó el diario.

Su dueño Bernal Díaz a quien el nombre del recinto le hizo honor, fue un colono de la zona acaudalado industrial, según el texto publicado en el Mundo Ilustrado “Don Bernardo Díaz” acogió con entusiasmo” la idea de crear este recinto cultural.

No es de sorprender que el Teatro Bernardo García naciera en Santa María la Ribera, colonia que en los años que he mencionado estaba viviendo sus primeras décadas de vida, y que despuntará socialmente junto con el surgimiento de espacios necesarios para alimentar el conocimiento, la cultura y la recreación de la sociedad que recién había llegado a habitarla.

“La Santa María la Ribera” como le llamamos los capitalinos, se fundó como zona habitacional en 1861, y durante los últimos años del siglo XIX comenzó su expansión; para las primeras primaveras del siglo XX sus habitantes de clase media que eran artesanos, escritores, estudiantes y trabajadores de gobierno, estaban más que instalados.

Para 1906, año en que se inauguró el Teatro, también fue inaugurado el Museo de Geología de majestuosa arquitectura frente a la Alameda de la colonia; cuatro años después el Kiosco Morisco fue trasladado de la Alameda Central a la de Santa María y desde entonces no ha dejado de ser el máximo punto de reunión de los colonos y familias.

Las ruinas del Teatro Bernardo García son un testimonio de los intereses de los habitantes de la Ciudad de México de hace más de 100 años, éstos no eran ajenos a tener actividades de recreación, a través de las bellas artes y del conocimiento; sus vestigios son un precedente tangible de los teatros y cines que conocemos en la actualidad, y ojalá pudiera ser reconocido como tal. | 11

CINE

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DA EL SÍ...ACEPTO El actor participa en la película del director Luis Kuri, Todas menos tú, una historia en la que un grupo de amigos (Jesús Zavala, Cassandra Sánchez Navarro y Oswaldo Zárate) encuentra la oportunidad perfecta para deshacerse de Gaby (Carolina Miranda), la insoportable prometida de uno de ellos, cuando descubren que ella le está siendo infiel una noche antes de la boda.

En entrevista con la Revista Cameo, Ricardo Abarca nos habla de esta nueva comedia.

POR CARLOS MORA

¿Cómo te sientes con estar en el filme Todas menos tú?

Contento. Estoy seguro de que van a salir con un buen sabor de boca. Es muy ligera y divertida. Espero que el público la reciba con la misma emoción y sentimiento. ¿Qué fue lo que te atrajo del guion?

Cuando leí el guion por primera vez, me gustó que tiene un giro diferente al clásico de “felices para siempre”. Me gusta que en este clímax vemos escenas que nos recuerdan a la jungla, ¿sabes? Donde al final también somos unos animales rebelándonos a lo que nos impone la sociedad o la familia, eso me pareció increíble.

Por eso estoy seguro de que la gente lo va a disfrutar y lo va a agradecer, van a decir ‘¡qué chido!’ que no sea el típico final, pero a su vez está padre que no sea un final ni triste ni dramático, eso es lo diferente de esta película.

TODAS MENOS TÚ Distribución: Cinépolis Distribución

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Estamos viendo que la audiencia pide cada vez más acciones reales, tanto en series, televisión y cine. ¿Qué opinas?

Claro, y nosotros como actores estamos felices de poder acercarnos más a la realidad en nuestros trabajos. Justo en esta película sentía que mi personaje estaba súper ligero, pero pues así es mi personaje (Luis), no es una persona caricaturizada, es cuadrado como pueden existir muchos Luis en la vida real. A mí me vino a retar porque justo yo quería irme con todo, no contenerme o ser más cómico o explosivo, y el director me contenía, me decía, es que así no es tu personaje, entonces tuve que meterme un chip para entender y saber que Luis no reaccionaría como yo. Y tuve

que entender que mi rol en esta película no es de comedia.

Pero afortunadamente, tenemos grandes actores como Jesús Zavala y Ana González Bello, que lo hacen increíble.

Justo como fue trabajar con todos los actores y actrices, ¿por qué se nota mucha química en la pantalla?

Cierto. Fue muy agradable, además, porque todo el rodaje fue en hotel. Entonces todo el tiempo teníamos que compartir, no había manera de evadirnos (risas), incluso la primera semana todas las noches era de ver hacer las lecturas de guion. Siempre estábamos en manada y creo que eso nos ayudó bastante para romper el hielo y también experimentar cosas.

Nos enseñó a saber qué cosas nos gustan y de qué manera apoyarnos, y así le echamos todas las ganas.

Ahora estás más presente con tus trabajos en series y cine. ¿Cómo te sientes?

Sí, yo me alejé tres años de todo, mi último proyecto fue en el 2019 con Chicuarotes de Gael García. Y volví a retomar con la serie de El Repatriado a mediados de la pandemia.

Y cuando regresé y me di cuenta de que ya el tema de las plataformas se había crecido muchísimo. También pude vivir la dificultad del cine en su momento, porque entre la pandemia la gente ya no iba a las salas. Todo eso me hacía cuestionarme, ¿si algún día iba a volver a hacer cine? Y mira, hoy estoy feliz. He tenido la oportunidad de hacer de todo, series y películas.

Mi único objetivo es seguir haciendo lo mejor posible mi trabajo, abrirme oportunidades para lograr hacer esos proyectos que tanto he anhelado en mi carrera. ¿Y por qué no algún día, poder estar haciendo mis propios proyectos, y poder escribir y dirigir mis trabajos, así abrir brecha y seguir echándoles ganas?

Esta película va a cines antes que plataformas, ¿cómo ves esta nueva forma de estrenar los proyectos?

Yo junto con varios actores opino que primero deberían estrenarse en cine y luego en plataformas. Eso estaría padre. Yo soy fan del cine, si me preguntas a mí me encanta que mis películas se vean en una sala de cine.

Me encanta la experiencia de venir, de verla, de compartir con mi familia, con mi esposa, con mis hijas, eso me fascina. Ahora la plataforma es muy cómoda, no porque sales de tu casa y hasta te puedes juntar con tus amigos, todo es muy divertido, pero definitivamente me encanta ir al cine.

FOTO CARLOS MORA

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"No quiero actuar sólo por actuar" GABRIELA CARTOL participa en El día que todo cambió, cinta protagonizada y escrita por el actor Luis Arrieta, un thriller que habla sobre la inseguridad en la ciudad. por C A R L O S M O R A

¿Qué fue lo que te gustó el tema que toca la película El día que todo cambió?

Lo que me gusta del tema abordado en la película es cómo explora la complejidad del ser humano cuando se enfrenta a situaciones límite. La película plantea la idea de que en momentos extremos, las personas pueden reaccionar de maneras inesperadas, tanto a nivel emocional como psicológico. Este enfoque permite reflexionar sobre la naturaleza humana y cómo las circunstancias pueden moldear nuestras decisiones y acciones de formas impredecibles. Además, la película invita a empatizar con los personajes y a cuestionarnos sobre cómo actuaríamos en situaciones similares, lo cual genera una experiencia cinematográfica enriquecedora y reflexiva.

Tu personaje aporta una luz de esperanza dentro de tanta oscuridad.

Esta era la premisa con este personaje. Desde que Luis me lo planteó, me dijo: "Quiero que seas la luz de la película. Este personaje, tu personalidad, siempre me refleja eso. Siempre estás de buen humor, tienes una gran energía y puedes llevar la luz de esta historia". Obviamente, le dije que sí.

Luis es uno de mis mejores amigos en la vida y en la industria.

Fue para mí un sueño hecho realidad formar parte de su sueño, pero también colaborar como actores. En México, cada vez se están abriendo más estas duplas para hacer cine comercial e independiente, y debe haber una manera en la que podamos entrelazarnos. Y creo que el cine de Luis ya está en esa dirección. Es alguien a quien hay que seguir de cerca y a quien admiro mucho.

Esta película es un thriller, un género poco explorado en México, ¿qué opinas?

Sobre el género de thriller, justo este año ya llevo cuatro guiones que me ha tocado leer sobre ese género. Y es algo que me está gustando mucho de estas nuevas generaciones de cineastas, que ya están atreviéndose a contar sus propias historias. Eso abre la posibilidad de explorar más géneros en el cine, porque el cine mexicano, como tal, no es un género, pero así se pensaba. Creo que ahora nuestras voces son tan diversas como lo es nuestro hermoso país, que es enorme, y tenemos tantas historias. Lo que me

gusta es que se están atreviendo a contar sus propias historias. Ya se está haciendo más cine de terror. Ya podemos verlo todo el año.

Antes casi era en ciertas fechas de horror, pero ya no. Ya empieza el thriller. Acabo de leer uno que va en el tema surrealista. No es ciencia ficción. Me recuerda a Pobres criaturas del director Yorgos Lanthimos, y está siendo contado por chavos mexicanos. Por eso me emociona mucho la diversidad de géneros que vienen para el cine mexicano en los próximos años. ¿Qué necesita tener un guion para decidir hacer la película?

No filmo tan seguido, aunque parezca lo contrario. Creo que hoy, si no tengo nada que decir, prefiero no hacerlo. No quiero que solo sea actuar por actuar. El proyecto tiene que tener humanidad.

No me interesa fomentar el cliché ni los estereotipos, creo que nos dañan como sociedad. Y parte de la elección es que solo sean personas, que no tengan alguna etiqueta. Lo que hago es buscarle la humanidad a los personajes, y si no la encuentro, no lo hago.

Respeto mucho el trabajo interpretativo, y hoy por hoy quiero algo que decir o que explorar en un universo tal vez desconocido.

Por eso quiero explorar diversos universos y saber qué es ser una camarista o una migrante, pero que tengan este sentido de humanidad. Ahí está mi corazón ahora.

Viviste todo el proceso de creación de Tótem, la cinta de Lila Avilés. ¿Cómo te sientes ahora después de participar en una película tan premiada?

Tótem, para mí, ha sido un asombro de principio a fin. Para mí, Lila es una genio. Tiene una sensibilidad para filmar como pocos.

Y yo solo estoy esperando qué sigue. Quiero seguir viendo su cine y esperar cuál será su próxima película, porque sé que ahí va a haber algo que me va a hacer palpitar el corazón.

Al igual que La camarista, Tótem son películas que sorprenden y buscan sus propios caminos, superando las expectativas.

Ver cómo conecta con el público y cómo trasciende las fronteras nacionales. Algo muy acertado de Lila es que sus historias son universales. De alguna manera, terminan siendo de todos. Ya no son películas solo de ella. Ya le dije que para sus próximas películas quiero estar donde ella me necesite, y si solo soy espectadora, seré la más fiel.

CINE FOTO CORAZONFILMS

EL DÍA QUE TODO CAMBIÓ

HECHO EN MÉXICO "Los seres humanos somos imperfectos". Bajo esa premisa, Luis Arrieta realizó el guion de la cinta en la que también es el protagonista. Hace mancuerna con el director Javier Colinas. Ambos platicaron con la Revista Cameo sobre la violencia, la venganza y hasta los golpes.

por C A R L O S M O R A

Luis, ¿cómo fue trabajar tu personaje (Mario)?

Desde que estoy escribiendo el guión, es inevitable que vaya pensando también como actor resolver o como abordar ciertas escenas.

Quería que fuera un personaje que no fuera ni bueno ni malo, aunque entiendo que el espectador a veces va a estar con él y a veces no, a veces lo va a entender y a veces no. Traté de nunca enjuiciarlo, cuando escribo trato de nunca emitir juicios hacia los personajes que estoy escribiendo, es peligroso que diga, este es el bueno o este es el malo, trato de quitar esas etiquetas para poderles dar la máxima humanidad que se pueda en el poquito tiempo que los vemos. Quería que fuera un personaje complejo en ese sentido. Al principio es un tipo cualquiera, totalmente ordinario, no quería que fuera virtuoso. Ya después vemos que en la segunda etapa, que se vuelve un obsesivo, dispuesto a lo que sea para vengar la muerte de su esposa.

FOTO CORAZONFILMS

Entrevistador: Para ambos ¿cómo es trabajar otra vez juntos después de las películas de comedia El cumple de la abuela y La boda de la abuela?

Javier: Para mí siempre es muy rico trabajar con Luis en esta película en particular, como ambos estábamos fuera de nuestra zona de confort. Yo sentí el abordaje distinto, porque normalmente en una comedia, todo era desde un lugar de más confianza, aquí de entrada el evento de que nos encerraron, nos encerraron por una pandemia mundial y ahí estábamos en teoría cerca de filmar. Entonces en este tiempo del encierro hablamos mucho del guión, lo que nos llevó cada vez más profundo a los personajes, a las circunstancias, al trasfondo de lo que queríamos hablar,

el universo, la atmósfera, también nos dio la oportunidad de poder dividir muy fácil el trabajo: guionista-director y director-actor. Y en el set también creo que nos dimos la oportunidad de tener relaciones distintas desde, al final llevamos mucho trabajando juntos, nos conocemos, pero no tan íntimos.

Luis: En las cintas que hemos hecho, son con elencos muy grandes. Aquí éramos sólo nosotros, incluso en algunos llamados solo éramos él y yo. Un día le dije a Javi, "por favor no te guardes nada, si no te gustó la escena, dime", aquí no se trata de cuidar la amistad, estamos haciendo algo muy distinto a lo que hemos hecho, entonces fuimos muy rigurosos ambos, tratamos de no guardarnos las cosas.

EL DÍA QUE TODO CAMBIÓ Distribución: Corazón Films

Entrevistador: ¿Qué opinas sobre la venganza como el tema principal que plantea la película?

Javier: Yo creo que es algo muy humano. Es algo que está aquí y todos lo sentimos. Hay gente que la ejecuta y gente que no, pero dudo que encuentres a alguien que haya sido víctima de una injusticia y que no haya fantaseado con vengar esa injusticia. Yo creo que todos, de una u otra manera, lo hacemos, es un sentimiento tan humano como el amor o el odio. Viene de la desesperanza, aquí encontrarás un personaje que está dispuesto a actuar sobre esos deseos.

Entrevistador: ¿Sobre la violencia que se ve en la ciudad que pueden comentar?

Javier: Algo muy importante de la película "El día que todo cambió" era que se sintiera en una ciudad grande, no forzosamente en la Ciudad de México, porque no creemos que sea un mal solo

de la Ciudad de México. Entonces es una ciudad grande que puede estar en México o puede estar en otro país dentro de esta ciudad grande, si tú te fijas la película es todos, tomamos nuestras decisiones y nuestras decisiones tienen consecuencias. Yo no me atrevería a decir. La violencia existe no porque la policía es corrupta, hay policías corruptos pero también hay una dualidad en los policías.

Entrevistador: ¿Exploran el thriller un género que se hace poco en México?

Luis: Está abandonado, tenemos un poco de horror, mucha comedia, mucho cine de autor y de denuncia, el tema de los desaparecidos y las desaparecidas se ha explorado muchísimo, pero sí como un thriller que sí toca, temas que son importantes para nosotros, pero que también pretende ser muy entretenida y que tenga ahí, pues sí hay muy poquitas películas. Queremos hacer de todo contar historias en todos los géneros.

Entrevistador: Luis, ¿qué tal te gustó dar golpes?

Me encanta, (risas), la verdad es que sabes que no tanto, es muy divertido la primera escena, no la sexta, me lastimé muy fuerte el hombro simulando pegar a un personaje de la película, y estaba tomando medicamento, también para un ligamento de la pierna que me lastimé y que después de dos años que hicimos "El día que todo cambió", al final es una cicatriz que me dejó la película.

CINE FOTO WARNER BROS. PICTURES

DUNA PARTE DOS

" E S L A P E L Í C U L A PA R A L A Q U E N A C Í ": DENIS VILLENEUVE Durante su visita a la Ciudad de México, el director y guionista canadiense habló sobre lo que significa la nueva entrega basada en la novela homónima de Frank Herbert; también estuvo acompañado por parte del elenco conformado por Timothée Chalamet, Zendaya, Josh Brolin, Austin Butler y Florence Pugh.

por C A R L O S M O R A

Sin duda, uno de los eventos cinematográficos épicos y alucinantes

que esperamos este año es Duna: Parte dos. "Es una cinta sumamente ambiciosa", comentó el realizador durante la conferencia de prensa.

"Sabía que la primera parte sería una introducción al mundo de Arrakis y que esa introducción sería como una especie de aperitivo. Tenía miedo de la reacción del estudio, pero era cierto y para mí la Parte 2 es el plato principal, pero creo que es la película para la que nací. Es una película en la que puse todo mi corazón en cada detalle y cada centímetro, es imprescindible, tenemos mucha, muchaaaa más acción. También es la historia donde Paul Atreides (Timothée Chalamet) finalmente se convierte en un hombre y toma una gran decisión para vengar a su padre y seguir su destino y saber cuál es su camino correcto".

Sobre la espectacularidad visual del largometraje, el cineasta comentó: "Mi equipo y yo queríamos que la película llegara al mundo lo antes posible porque no es una secuela. Es la segunda parte de la historia. Y lo hermoso de eso es que era la primera vez que regresaba al mundo de Arrakis. Lo bueno de esto es que toda la investigación y el desarrollo, toda la I+D, todo el diseño fue para hacer esta película más ambiciosa. Hay más acción y complejidad, fue un desafío para todos, para mí es la película más compleja que he hecho, fue un gran desafío".

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¿Cómo se sienten estar de regreso?

Timothée Chalamet: "Para mí, es un sueño hecho realidad. Como dijo Denise, siento que la primera entrega sentó las bases para esta segunda. Estoy muy orgulloso de estar aquí al lado de todas estas personas a las que admiro profundamente y genuinamente. Así que estoy disfrutando cada momento de esto. Tendré suerte y espero estar en más películas geniales, pero tendré suerte de estar en una película".

Zendaya: "Me siento increíblemente agradecida. Es algo muy especial y realmente te sientes parte de algo que significa mucho para mucha gente. Obviamente, el libro significa algo para mucha gente y hay un gran legado. Me siento increíblemente honrada de ser parte de algo que también significa tanto para Denis. Puedes sentir ese corazón y esa alegría todos los días en el set. Así que sí, simplemente estar aquí, estar con todos ustedes es muy agradable y amoroso, y la energía es realmente hermosa. Es un sueño".

Josh Brolin: "Honestamente, con toda seriedad, creo que la única inexactitud que dijo Denise es que nació para hacer todas las películas que ha hecho. Simplemente está mejorando. Es simplemente verdad. El talento va creciendo y él se desafía a sí mismo y hay muy pocos a quienes detener.

Hay muy pocos directores que continúan desafiándose a sí mismos, especialmente con el crecimiento de su celebridad.

Y nunca había visto a alguien profundizar tanto en su trabajo. Y es maravilloso porque Sicario fue una obra maestra en sí misma. Dune One fue una obra maestra en sí misma. Creo que todo el mundo lo siente, así que es maravilloso".

Timothée, ¿Qué diferencias encontraste entre tu personaje entre la parte uno y dos?

Bueno, siento que al comienzo de la primera película, ya sabes, Paul está literalmente detrás de las paredes.

Es literalmente el hijo de un duque. Obviamente, le sobreviene una tragedia personal en el transcurso de la primera película. Se encuentra huyendo al final de la primera película, sin revelar demasiado. Pero creo que al final de esta segunda entrega, vemos a alguien que no sólo ha llegado a su edad adulta, sino que casi está aceptando una posición de liderazgo a la que es muy reacio, ya sabes, que quiere embarcarse en una vida diferente.

Zendaya, ¿Qué es lo que más te gusta de interpretar a Chani?

Creo que lo que realmente aprecio que Denis haya aportado a Chani en esta iteración es darle convicciones sólidas y un sentido de sí mismo realmente fuerte. Y creo que para mí eso fue divertido como actriz porque hizo que toda la historia de amor fuera más difícil, lo que significa que teníamos que ganárnoslo. Y su amor no se da. Es algo por lo que ellos tienen que trabajar.

Llega extremadamente cautelosa con mucho dolor en torno a lo que Paul realmente representa en su vida. Entonces creo que para mí fue emocionante porque sentí que hay un diálogo interno constante que creo que ella está teniendo consigo misma sobre si debería permitir o no a esta persona entrar y si es seguro amar o no. Y no lo sé. Entonces, fue interesante encontrar la historia de amor con alguien que es tan intensamente feroz.

¿Cómo llegaron al proyecto?

Florence: Pude ver lo increíble que era la historia en la primera entrega, ver todo el mundo de estos personajes y este mundo, ver lo importante que se volvió para tanta gente. Fue un fenómeno enorme. Para mí, estar en una segunda película fue el mejor regalo de todos los tiempos.

Porque sabíamos hacia dónde estábamos caminando y sabíamos que era muy especial que pudiera entrar allí. De hecho, me siento como si hubiera estado en Disneylandia pero para adultos, es un sentimiento muy especial formar parte de esta segunda entrega.

DUNA: PARTE DOS Distribución: Warner Bros.

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Austin: Yo he sido fan de cada una de las películas de Denis desde hace muchos años. Luego fue un regalo ver la primera película, ver la textura, la sensación, la intensidad y la belleza que es esa película. Luego nuestra maravillosa directora de casting Francine Maisler me conectó con Denis y ya platicamos sobre el proyecto, por supuesto que acepté el papel de Feyd Rautha. Comenzamos el viaje juntos y fue un personaje muy divertido con el que pude profundizar. Me siento infinitamente agradecido.

Austin, ¿cómo fue interpretar al antagonista de Duna: parte dos?

Nuestra primera conversación fue que Denis me dio su visión sobre el personaje, como debería ser físicamente y que tenía que ser imponente. Entonces supe que habría mucho entrenamiento involucrado. Y luego eso cambia la forma en que caminas y cambia la forma en que te sientes en tu cuerpo. Y cuando tienes más peso encima, te sientes diferente. Luego explorar la brutalidad que tendría, él creció en esa violencia siendo el poder, quiere tener todo el poder del mundo, y creo que es lo que lo termina absorbiendo. Pero fue divertido cuando entramos al set y simplemente jugamos, fue una gran experiencia.

Florence, ¿qué puedes contar sobre tu personaje?

Interpreto a la princesa Irulan, que es la hija del fantástico Christopher Walken. Él interpreta al Emperador. Creo que algo que realmente me encantó de ella es que nunca antes había interpretado a un personaje tan tranquilo como ella. Por lo general, realmente me aferro a algo, alguien que es luchador, obstinado, ruidoso y mentiroso, y creo que probablemente por primera vez interpreto a alguien que es increíblemente calculador y no estás muy seguro de lo que está pasando en nuestra cabeza en un momento dado. Y me encantó leer eso en el guion. Me encantó la forma en que la veía mirar como si nunca estuvieras seguro de qué estaba marcando, qué estaba escuchando, de qué estaba tomando notas hasta la escena final, cuando te das cuenta de que en realidad probablemente ha estado consciente durante mucho tiempo.

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FOTOS ARMANDO ARMENTA

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DUNA: PARTE DOS

SE ENCIENDE CON EL CALOR MEXICANO CIENTOS DE FANS se congregaron en el Auditorio Nacional para presenciar la premiere mundial de Duna: Parte Dos. Desde tempranas horas, llegaron a las inmediaciones del Coloso de Reforma para esperar el arribo del director Denis Villeneuve, así como del elenco conformado por Zendaya, Timothée Chalamet, Austin Butler, Florence Pugh y Josh Brolin. Los fanáticos de las estrellas les dieron una calurosa bienvenida, que los actores agradecieron con autógrafos en una variedad de afiches, desde pósters, postales, bolsas, funkos, DVDs, libros, e incluso dibujos hechos por los seguidores.

También destacó el ingenio mexicano con peluches personalizados de Dr. Simi, que les entregaron a los protagonistas de la cinta.

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SAN... TIMOTHÉE CHALAMET SE GANA EL CORAZÓN DE MÉXICO EL CARISMÁTICO actor de Duna: parte dos cautivó a miles de fans que se congregaron en las inmediaciones del Auditorio Nacional para celebrar el estreno mundial de la cinta.

Se mostró amigable y sonriente, yendo de una valla a otra para tomarse selfies, saludar de mano, abrazar y dar autógrafos a quienes se lo pedían. En este emotivo encuentro, no faltaron los jóvenes que lloraron al ver al célebre histrión neoyorquino, mostrándole su cariño con detalles como dibujos hechos a mano y hasta afiches donde se veía a Chalamet como si fuera el Sagrado Corazón de Jesús. Uno de los momentos favoritos de la noche fue cuando un seguidor le regaló una máscara de luchador, que de inmediato quiso ponerse para posarle a los fotógrafos.

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EL COLOR PÚRPURA

UN CLÁSICO NO PASA DE MODA Fantasia Barrino, Danielle Brooks y Halle Bailey conversan sobre sus personajes en el musical producido por Oprah Winfrey, Steven Spielberg, Scott Sanders y Quincy Jones.

La película es una visión nueva y audaz de la historia clásica de amor y resistencia, adaptada de la entrañable novela y del musical de Broadway. por C A R L O S M O R A

EL COLOR PÚRPURA Distribución: Warner Bros.

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Fantasia Barrino (Celie)

Halle Bailey (Nettie)

¿Cómo te sientes al dar vida a Celie? El miedo es algo necesario. Alguien me dijo una vez que lo llevas contigo, solo que no lo dejas conducir en el asiento delantero; lo pones en el maletero. Creo que el miedo es lo que te impulsa a ser grande.

Si no tienes ese sentimiento, ese miedo, no vas a darlo todo.

Volver a interpretar a Celie, sabía que podía, solo que no sabía si quería volver a los recuerdos, a los sentimientos. Ella me importa y también me importa cuidarme, así que... me llevé el miedo conmigo y lo dejé en el maletero, y ¡mírame ahora!

¿Cómo te sientes acerca de tu papel en la película? La película El color púrpura ha significado tanto para mí y para mi familia durante tanto tiempo. No sabes la cantidad de anécdotas que tengo de cuando era pequeña y siempre la tenía puesta de fondo, o viéndola, viendo a mis padres verla. Significa mucho para mí poder formar parte de algo que ha significado tanto para nuestra familia durante generaciones.

¿Qué opinas de trabajar con la nominada al Oscar Danielle Brooks? Danielle es realmente Sofía, es una mujer negra muy fuerte que se ha abierto camino en esta industria, desmarcándose del estereotipo, como yo, como Taraji. No tiene miedo de decir lo que quiere decir. Me di cuenta cuando estábamos fuera de cámara y le decía: "Eres Sofía en la vida real", y ella se reía. ¿Cómo evolucionaron las canciones de la película a partir del espectáculo? Recuerdo cantar y haber hecho el musical en Broadway. Entonces, cuando conversé con el director (Blitz Bazawule) y hablaba de la música, le dije: "Blitz, no puedo hacerlo". Él me dijo: "No, no es lo mismo. Me estoy reuniendo con Quincy Jones y voy a poner esto y aquello". Me dejó escuchar algunas cosas, y mi respuesta fue: "¡Oh, me atrapaste!" Porque, como he dicho, es una nueva generación, es una época diferente; así que, si quieres conectar con ellos musicalmente, debes intercambiar tus pies y vaya que sí lo hizo.

Sobre el tema de la fe en la película, ¿qué piensas? Creo que tienes que tener esa familia de la iglesia o simplemente un grupo de personas en las que puedas depender porque eres humano. Siempre vas a pasar por cosas, así es la vida.

Sobre el espíritu de tu personaje, Nettie, ¿qué puedes contar? Es un personaje increíble. Es un espíritu ardiente.

Está llena de alegría y solo quiere vivir. Tiene una mente y un espíritu muy curiosos, y creo que eso es lo que más me gusta de ella, su perseverancia y optimismo. El viaje de Celie y ella juntas es genial. Pienso en mis hermanas y en lo que eso significa, así que estoy agradecida por Nettie.

Interpretas la canción original, Keep It Movin, ¿cómo te sientes? La música es mi primer amor, así que cuando escuché por primera vez la música de la película, me quedé alucinada. Canto dos canciones en la película, pero Keep It Movin es, en realidad, una canción original que tuve la oportunidad de escribir para mi personaje, Nettie. Soy una gran admiradora de toda la gente que participa en esta película, así que vivo esta experiencia como un momento de pellizco, el hecho de que una canción que yo escribí aparezca en esta película. Fue increíble trabajar con el equipo de música, porque son muy amables y abiertos, te escuchan y dejan que fluyan tus ideas. Eso es lo que realmente agradecí durante todo este proceso, que Blitz y todo el equipo creativo estuvieran realmente abiertos a escuchar mi perspectiva desde el corazón de Nettie.

Danielle Brooks (Sofía) ¿Cómo te sientes al revisitar a Sofía, ahora en la pantalla grande?¿Cómo podría no volver a Sofía? Es muy divertido interpretarla. Es tan complicada y supone todo un reto. Pasa de ser un fuego aguerrido, que en realidad es muy tranquila hasta que le colmas la paciencia, a caer y levantarse de nuevo. Disfruto mucho entrando en sus zapatos porque es fiel a la vida, así es como nos movemos. Todos los días no serán fáciles y pasamos por tantos altibajos. Ha sido bonito que el papel de Sofía nos recuerde que siempre podemos volver a levantarnos. ¿Cuál es el himno de tu personaje? ¡Hell No! es sin duda el himno de Sofía. Estoy muy contenta de haber tenido otra oportunidad de cantarla y de haber refrescado Hell No después de haberla cantado durante tanto tiempo. Hice este espectáculo de Broadway más de 400 veces, durante un año entero. Así que volver a darle vida y renovarla en cierto modo fue muy divertido. Hell No es la primera vez que el público escucha a Sofía explicar que yo también he pasado por lo mismo, con mis hermanos y mis tíos, mi padre... He pasado por lo mismo, lo sepas o no. Otra cosa sobre Hell No es algo que Oprah me mencionó mientras charlábamos sobre el personaje —fue muy generosa para conversar sobre Sofía—, que Maya Angelou le dijo que "vengo como una, pero estoy en pie como diez mil".

Tu vestuario es increíble. Es genial trabajar con Francine [Jamison-Tanchuck], porque participó en la película de 1985 y tenerla ahora, tantos años después, ¡haciéndolo de nuevo!

Ha sido increíble. Me encantó todo lo que me ponía, pero mi favorito, probablemente, sea el sombrero, ese icónico sombrero de "Le dijiste a Harpo que me golpeara". No era de la película del Sr. Spielberg, pero me encantó ponérmelo e intentar acercarme lo más posible a ese aspecto. ¿Cómo fue trabajar con el director Blitz Bazawule? Lo que más disfruto de trabajar con Blitz es que es un gran colaborador. Blitz está siempre dispuesto a escuchar tus ideas, a ver lo que sientes y a dejarte espacio para descubrir cosas. Siempre utilizaba la frase "Estamos cocinando", y me encantaba porque nos daba tiempo para preparar la comida. Ahora es el momento de servirla. Nos daremos un festín.

CINE

NOSTALGIA DE LA NIÑEZ En entrevista con la Revista Cameo, conversamos con José Eduardo Castilla, director y guionista del cortometraje mexicano Aguacuario, que forma parte de la edición número 74 del Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale).

por C A R L O S M O R A

¿Cómo llegaste a la Berlinale?

Todavía no me lo creo. Nuestro primer festival fue en el Festival Internacional de Cine de Monterrey. Por alguna razón, había muchos niños en la sala y cuando en una escena la protagonista grita "Aguaquarium" y veo a los niños gritarlo, me sentí en el cielo, absolutamente feliz.

Luego quedamos en el Festival Internacional de Cine para Niños en Chicago, dentro del circuito infantil y juvenil. Una semana después del festival, una programadora del Festival de Cine de Berlín me escribió, habían visto el cortometraje en Chicago y les gustó para su sección infantil y juvenil. Después de completar todos los documentos, semanas después nos confirmaron nuestra participación y todavía no puedo creerlo. Es muy motivador ver que todo el esfuerzo de tantos años y de tanta gente que participó tenga esta enorme recompensa, y es lo más valioso para mí. ¿Cómo nació la idea de tu primer cortometraje?

Es un corto inspirado en la purificadora de agua que tenía mi abuelo, llamada Agua Purificada Aquarium. Jugó un papel importante en mi niñez, y también en la de mis hermanos, primos; a todos nos tocó trabajar en ella en algún momento. Fueron experiencias muy significativas y tuvimos mucho crecimiento allí. Cerró en 2013 debido a la creciente complicación de vivir en Coatzacoalcos, Veracruz, por cuestiones de seguridad. Aunque no es autobiográfico, creo que sí recoge muchas experiencias y sensaciones, así como la esencia de ser un niño en Coatzacoalcos y trabajar repartiendo garrafones. ¿Cómo fue el proceso para hacer este primer corto?

Fue un proceso de varios años. Me encariñé mucho con el corto porque me acompañó durante todo mi desarrollo como cineasta. Un amigo me animó a hacerlo, así que me fui a vivir con mis abuelos a Coatzacoalcos y, junto con mi abuelo, empezamos a buscar apoyo y a

CAROLINA MACIEL

Productora del cortometraje Aguacuario

¿Cómo te sientes al presentar el corto en el Festival Internacional de Cine de Berlín?

Me siento muy feliz y emocionada. Ando muy sentimental. Pero también estoy en shock, no me lo creo y siento que no lo creeré hasta estar allí y ver cómo presentan el corto. Es un sueño que no esperaba.

levantar el proyecto. No solo el proyecto está inspirado en lo que significó mi abuelo y la purificadora; mis abuelos fueron fundamentales para que el corto se hiciera realidad. ¿Cómo te sentiste durante el rodaje?

Me sentí muy bien. Me encantó que la gente de Coatzacoalcos nos apoyara tanto; incluso la señora de la fonda donde comíamos nos hizo descuentos. La filmación duró cuatro días, muy bonitos pero agotadores debido a los 40 grados de temperatura y al uso constante de cubrebocas, lo que complicó el proceso. Sin embargo, fue una experiencia de aprendizaje muy enriquecedora. También contamos con la ayuda de amigos en la corrección de color y edición, además del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) que nos prestó la sala de corrección de color y diseño sonoro. ¿Qué dijo tu abuelito cuando vio el corto?

No se lo creía. Solo he visto a mi abuelo llorar dos veces en su vida, y una de esas veces fue cuando vio el cortometraje. Estaba muy emocionado, ya que vivió el proceso conmigo y ver el corto terminado fue muy especial para él. También me gustó incluir a mi abuelita en una escena donde se habla de los colores de la vida. En algún momento me di cuenta de que el cine tiene la posibilidad de inmortalizar a alguien. Pensé: "Estoy inmortalizando a mis abuelos con mi película". ¿Y qué opinó la gente de Coatzacoalcos?

Me parece muy gratificante que se hable de Coatzacoalcos de una manera diferente. La gente de la ciudad me ha dicho que están saturados de la violencia de la que tanto se habla, así que están felices de que se muestre otro aspecto de la ciudad. Me llena de orgullo que una historia tan sencilla, sobre la ciudad de mi infancia y mi familia, esté teniendo un impacto y me hace muy feliz.

¿Cómo coincidieron para este proyecto?

Un compañero suyo ( del director) le dijo: "¿Por qué no le dices a Caro? Porque a mí me vibra bien". Me escribió y literalmente fue amor por el cine. Al leer su guión dije: "Esto tiene algo". Me animé a hacerlo y de ahí surgió que nos juntáramos y pudiéramos hacer este bello cortometraje. ¿Cómo decidiste estudiar producción?

Siempre me han gustado las películas. Creo que la persona que más ha visto películas es mi papá. Siempre me llamó la atención cómo se preparaban y planeaban antes. Cuando me di cuenta de pequeña que el cine no era algo real, sino algo que se preparaba, dije: "Quiero hacer esto". Y justo cuando Alfonso Cuarón ganó el Oscar a mejor dirección, me llamó mucho la atención. Dije: "Yo quiero hacer cine". Ahí fue cuando tomé la decisión de estudiar. En la carrera descubrí que la producción me apasionaba. Me aterra dirigir, no me animaría jamás. Soy muy sensible y el manejo de emociones que tienen los directores en sus trabajos es impresionante y creo que yo no lo podría hacer.

Me gusta estar detrás, me gusta que el productor esté desde el desarrollo hasta el final de la película, ver todo el proceso. Aparte, creo que se le está dando más visibilidad a los productores. Antes había grandes productores pero no se les daba tanta visibilidad, especialmente las mujeres. No sé qué tenemos las mujeres que nos gusta mandar y organizar. ¿Cómo ves el mundo de los cortometrajes?

Los cortometrajes son una escuela importante para todo cineasta. Aunque no son un punto de venta como puede ser una película larga o una serie, sí son una escuela que todos debemos pasar y consumir. Las historias son valiosas, a veces me siento más identificada con un cortometraje. Son proyectos más pequeños, íntimos y más personales.

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POBRES CRIATURAS Distribución: 20th Century Studios

Pobres Criaturas UNA DE LAS VISIONES MÁS ORIGINALES Y TRANSGRESORAS por A L E J A N D R A L O M E L Í

EL DIRECTOR GRIEGO Yorgos Lanthimos sigue construyendo una de las mejores filmografías en la actualidad, con un enfoque audaz al momento de abordar sus intereses temáticos, relacionados con la observación de las pasiones humanas y cómo estas se confrontan a las reglas sociales responsables de oprimir la existencia. Su nueva película, Pobres Criaturas, confirma lo anterior.

Compleja y arriesgada en técnica y discurso, Pobres Criaturas es un relato iniciático que trasciende su principal referencia (Frankenstein), para elaborar un manifiesto sobre la experiencia, el autodescubrimiento y la liberación femenina, apoyándose en una estética gótica, futurista e incluso de fuerte herencia expresionista.

La historia sigue a Bella Baxter (Emma Stone), una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe). Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan (Mark Ruffalo), un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes.

Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.

Los escenarios barrocos y los vestuarios que remiten a la época victoriana, así como paisajes oníricos que rompen la temporalidad, son utilizados por el director para desplegar las lecturas más agudas sobre los prejuicios de la sexualidad femenina y la sordidez de la experiencia humana.

Lanthimos echa una mirada al pasado para apuntar en las visiones represivas del presente, tejiendo una reflexión mordaz, con un humor inteligente, algo retorcido, pero extremadamente elocuente, poniendo en relieve temas existenciales como el libre albedrío, la sexualidad y el placer femenino, dando como resultado un manifiesto sobre experimentar la vida en su belleza, tristeza y mundanidad.

Además de su provocador discurso, la película tiene grandes valores técnicos, cautivadora fotografía y excepcional banda sonora. Pero las actuaciones están en otro nivel: una Emma Stone prodigiosa, entregando la mejor actuación de su carrera; un deslumbrante Mark Ruffalo y el siempre brillante Willem Dafoe.

Pobres Criaturas consagra a Lanthimos como el maestro de las rarezas fílmicas de nuestro tiempo, con una de las visiones más originales y transgresoras.

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VIDAS PASADAS Distribución: Zima Entertainment

Vidas pasadas ¿QUÉ PASARÍA SI…? por A L E J A N D R A L O M E L Í

“SI DEJAS ALGO ATRÁS, también ganas algo”, dice la mamá de una Nora adolescente en uno de los tempranos diálogos de Vidas pasadas, uno que revelan el verdadero trasfondo de la que, en apariencia es una historia de amor irrealizado, porque la película escrita y dirigida por Celine Song toma como base la imposibilidad romántica y un latente triángulo sentimental para detonar su verdadero interés: el ser, la construcción de la identidad y la persona que se termina siendo durante la travesía llamada vida.

En efecto, y parafraseando a Hae Sung (Yoo Teo), esta es la historia de Nora (Greta Lee) y el camino que le trazó la vida para poder ser ella misma.

La trama sigue a Nora y Hae Sung, dos amigos de la infancia con una fuerte conexión que se separa cuando la familia Nora, que entonces tenía 12 años, emigró desde Corea del Sur a Canadá. Muchos años después, cuando Nora está estudiando en Nueva York, ambos se reencuentran vía online, pero será tiempo después cuando por fin se dé el encuentro que los enfrentará al amor, al destino y a las elecciones que componen una vida.

Con una sensibilidad exquisita que recuerda a la trilogía Before de Richard Linklater al momento de abordar los sentimientos de sus personajes con tan solo una mirada, silencios que expresan más que las propias palabras, o el tono evocador al hablar de las 8000 capas del In-yun, el filme reflexiona no tanto en las decisiones que toman los protagonistas, sino en aquello a lo que constantemente se renuncia, en el aprendizaje de que para ser quien se es, se debe anular a la persona que estabas destinada a ser; y es a partir de esas variables que Celing Song teje una compleja red de relaciones donde, por supuesto, resuenan temas como la emigración, la identidad, el destino, el azar…

Lo que Celine Song propone es muy profundo y, aun así, se permite agregar a la ecuación la siempre esquiva, pero inevitable pregunta: “¿Qué pasaría si…?”, rematando con ello un relato honesto sobre las emociones y la intensidad de los vínculos, encontrando su punto de apoyo en la fotografía urbana de Shabier Kirchner.

“Algunas travesías cuestan más que otras. Algunas travesías las pagas durante toda la vida”, como esa hay muchas frases que arropan esta excelente película sobre personas que parten dejando una vida atrás, otras que permanecen y las personas que las hacen quedarse para siempre.

Al son de Beno CINE

FOLCLOR, UN VIAJE Y LA FAMILIA por C I N T H Y A S A L A S

MINATO (Sōya Kurokawa) es un niño en aparienciaLieberman como cualquier otro de su edad, quien Baruj Gruner, mejor conocido sostiene una fue también rutinaria relación con como Beno, un impetuoso musicólogo Saori historia (Sakura Andō), su madre la la cual enviudó cuya posee dos facetas: primera, la tiempo atrás. Pero ellouna comienza a alterarse más conocida, es como superestrella de la cuandofolclor esta última se percata de que hijo música mexicana; la segunda es su fatíse comporta una manerapapel extraña. dica muerte de y su ambiguo como padre de familia. Dos caras de una misma moneda que se confrontan en Al son de Beno, un documental en el que Ilán Lieberman, director e hijo de Beno, escarba en el pasado de su padre para encontrar una respuesta a las decisiones personales y creativas de esta controversial figura artística a través de un viaje por México en compañía de su familia.

Este largometraje de 103 minutos es un clavado musical a los sones del país, los Lieberman recorren comunidades de Puebla, San Luis Potosí, Veracruz, Michoacán, Guerrero o Oaxaca para revisitrar a los músicos que alguna vez convivieron con Beno y mediante sus anécdotas juntar las piezas faltantes que terminarán de armar a las figuras del “padre” y del “abuelo” que el fundador de la Asociación Mexicana de Folklore A.C. dejó pendientes.

Dolor, caos y un acervo músical reconocido por la UNESCO como parte del Programa Memoria del Mundo en 2016 son los vestigios que dejó Beno tras su suicidio en 1985, con tan sólo 53 años. Así, el también compositor mexicano Ilán Lieberman emprende este viaje a la la misma edad que su padre al morir y se dispone a compartir los hechos con su hijo y sus dos hijas para enfrentar juntos las múltiples preguntas que surgen: “¿cuándo?”, “¿cómo?” y lo más importante “¿por qué?”.

Las conmociones de Ilán salen a flote de la mano de un torbellino de emociones incontrolables en un paradojico montaje que muestra al espectador confusión, enojo, tristeza

No pasa mucho tiempo para que Saori se dé cuenta de que esta y reproches a la raíz par de que se conducta celebra elanómalegado la es porque el menor parece estar sufriendo folclórico de Beno, cuyas grabaciones de camalgún tipo de maltrato.

Al indagar sobre ello, po resguardadas en la Fonoteca Nacional de descubre el aparente responsable de ello México le que dieron reconocimiento en el gremio es Michitoshi Hori (Eita Nagayama), profemusical, un trabajo tan intenso comoun extenso sor de a ladel que asiste Minato. que fuelaelescuela culpable descuido del folclorista a su familia.

Contradictorio y fascinante, el Son de Beno es una aventura que revive la importancia cultural de la música folclórica, que muestra materiales videográficos y fonéticos inéditos de diversas costumbres, tradiciones, creencias, testimonios y paisajes de habitantes de poblados montañosos y selváticos remotos de la Repúblic a en los años 80.

La obra histórica de Beno cobra vida una vez más en el foco público, pero esta vez la audiencia es capaz de conocer al hombre y al artista, una mirada de 360 grados que expone los tormentos que acompañaron al genio musical amante de los huapangos. Producido por Cactus Docs y distribuido por Artegios este documental introspectivo y musical tuvo su estreno comercial el pasado 18 de enero 2024.

Un documental producido en 2022 que recuerda que el éxito es como el agua salada o como cantó el Trío Cantores de la Huasteca en la grabación de La Petenera (música interpretada por un trío, cuyo elemento principal es la improvisación a cuatro versos con lírica sobre una Sirena como tema central) realizada por Beno en 1985: “Dicen que agua salada tiene varias seducciones, la cosa está comprobada, la la la la la cosa está comprobada, la la la la que mantiene a tiburones y a la sirena encantada.”

AL SON DE BENO Distribución: Artegios Distribución

CINE

VIDEOMART, LA NUEVA PLATAFORMA QUE APOYA AL CINE MEXICANO Moisés Zamora, fundador de este proyecto, proporciona los detalles en entrevista con la Revista Cameo. por C A R L O S M O R A

"Videomart, la innovadora plataforma de streaming que permite a los usuarios comprar y vender películas digitales a través de la tecnología blockchain, anuncia el lanzamiento de la edición nunca antes vista y sin censura de una película protagonizada por El Santo, originalmente titulada Los leprosos y el sexo. Esta inusual versión del único western del enmascarado de plata fue restaurada en 4k a partir de los negativos originales en 35mm y está destinada exclusivamente a adultos debido a su contenido sexual explícito", comentó el también creador de Selena: la serie. ¿Qué es Videomart? Es una nueva plataforma de streaming que no opera por suscripción ni por comerciales; es una plataforma donde los usuarios pueden comprar películas para agregarlas a su colección.

Además, les permitimos revenderlas a otros usuarios dentro de la plataforma, creando un tipo de mercado de compra y venta de películas digitales. Es como un tianguis en línea. Esto es importante para nosotros como creadores y cineastas, porque cada vez que se revende algo, en el mundo físico no se recibe una regalía, pero en este caso sí. Por lo tanto, vamos a ofrecer un porcentaje de regalías a todos esos creadores.

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FOTO CARLOS MORA

Claro, hay muchos directores que no tienen dónde mostrar sus obras. Para mí, es importante reconocer todo el talento que existe hoy en día. Hay películas que te sorprendería que aún no tienen distribución en ninguna plataforma. Tal vez han recibido ofertas de algunas plataformas de streaming, pero no lo suficiente. En cierto sentido, al darles tu película para que la pongan en una plataforma, los invito a que consideren Videomart. Por todos los títulos exclusivos que estamos promoviendo y distribuyendo, ofrecemos el 50% de todas las compras de ese título. Ese tipo de negocio no existe en el mundo de la suscripción, donde solo se venden suscripciones y no entretenimiento de calidad. Para nosotros, es importante tener esa relación con nuestros cineastas. Creo que encontrarán en Videomart su nuevo hogar. ¿Qué títulos están manejando? La mayoría de los títulos ya están en otras plataformas, pero queremos apostar por el mercado latino, de arte y de culto. Quisimos adoptar ese sentimiento que existía cuando ibas a un videocentro en los años noventa. Estamos apostando por una variedad de cine donde se encuentran películas de culto y una cosa muy valiosa que ha sido ignorada: un gran catálogo de cortometrajes increíbles. Acabamos de cerrar un contrato con una distribuidora de Francia que tiene más de 590 cortometrajes de alta calidad de festivales de todo el mundo, y los vamos a vender por Videomart. ¿Cómo llegaron a la película protagonizada por El Santo, Los leprosos y el sexo? Crecí con el cine de El Santo. Nací en México, en Guadalajara, y después emigré a Estados Unidos. Mis superhéroes eran El Santo y Blue Demon; eran las películas que veía, como Santo contra las mujeres vampiro o Santo contra las momias. Recuerdo que las capas que usaba de niño eran las de estos luchadores. Para mí, siempre he tenido esa conexión emocional y sentimental con el personaje de El Santo. No tenía conocimiento de este mito urbano de que había unas películas eróticas de El Santo. Salieron en 1970.

Cuando descubrimos que la película existía, decidimos adquirir los derechos exclusivos para distribuirla en Videomart. ¿Cómo fue el proceso de restauración de esta versión? Fue un proceso realizado por los dueños de los derechos para restaurar sus películas y colecciones a un nivel de alta calidad. Encontraron escenas de los negativos originales de 35 mm y se restauraron en 4k con una imagen increíble y colores preciosos. Estamos muy orgullosos de poder compartir esto con el mundo.

Sobre el cine mexicano, ¿qué opinas? Creo que hay muchísimo talento en Latinoamérica que no ha sido compartido como debería en el resto del mundo o que no encuentra la plataforma adecuada. Una

de las cosas que estamos haciendo en Videomart es asociarnos directamente con festivales de cine prestigiosos en el mundo para decir que toda la selección oficial de ese festival cuenta con distribución en Videomart. Estamos colaborando en un proyecto con el Festival de Cine de Guadalajara para que todos los títulos tengan distribución dentro de nuestra plataforma. ¿Qué es lo relevante de Videomart? No hay rentas, es por compra. Si es renta, estás pagando dinero y lo pierdes. En este caso, te registras en la plataforma con un correo electrónico y eso es todo lo que necesitas. Ya eres usuario con tu correo electrónico. Compras un título, lo disfrutas y luego puedes revenderlo al precio que desees, ya sea más alto o más bajo según el mercado. Los precios que tenemos son los precios que hemos establecido. Ahora mismo, las películas son un poco más caras pero también exclusivas y accesibles.

La película exclusiva de El Santo no costará más de 100 pesos. Quiero recalcar que solamente habrá un millón de copias, y si se agotan, se acabaron. Si se agotan, tendrás que encontrarla y comprarla al individuo que esté dispuesto a vendértela. | 45

CINE

FOTOS CARLOS MORA

EL ROOMIE, MUESTRA LA INCLUSIÓN QUE EXISTE EN LA CDMX EL PRODUCTOR JORGE ARAGÓN habló de los retos de filmar El roomie, la cinta dirigida por Pitipol Ybarra. "Fue una película llena de retos. El primer desafío fue conseguir al perro. Cuando leímos la historia, nos preguntamos qué íbamos a hacer y qué perro podría realizar todas estas acciones y conectar con la audiencia. Decidimos traer un perro de Los Ángeles, que realmente es una estrella. Había protagonizado una película llamada Mi amigo Enzo y había participado en un comercial que verán en el Super Bowl". "Después, para dar vida a Guille, un personaje sordo, afortunadamente encontramos a Irving López, un actor sordo que debuta en la cinta".

"Uno de los principales retos fue que no podíamos filmar en la colonia Condesa por más de dos semanas debido a los complicados permisos en la ciudad y a las quejas de los vecinos. Por lo tanto, decidimos recrear el departamento en un estudio. Fue realmente complicado; pasamos muchas semanas construyendo y mucha gente estuvo involucrada para que el set pareciera natural, no como un foro".

"La película narra la vida de Vivi (Fiona Palomo), una joven escritora que se ve obligada a buscar un roomie para pagar la hipoteca de su departamento. Lo que ella no sospecha es que Ro (José Eduardo Derbez), el supuesto compañero perfecto que encontró, tiene un peculiar estilo de vida: nunca paga la renta. A pesar de descubrirlo, Vivi decide abrirle las puertas de su casa y de su vida porque sus artimañas la llevan a reencontrarse como escritora, descubriendo así su verdadero valor".

"Al final, queríamos mostrar que esta no es una película sobre la inclusión. Creo que debería ser una película como muchas otras, donde no presentamos un crisol de personajes porque nuestra ciudad, nuestro país, está lleno de diversidad, como siempre hemos dicho, y dentro de esa diversidad están todos los personajes de la película. Giuseppe Gamba interpreta a un gay adorable. Entonces, creo que no es una película que quiera hablar sobre la inclusión, sino que deberíamos decir 'hagamos más películas así', donde haya muchos personajes de este tipo. La Condesa es una de las colonias más representativas y emblemáticas de esta ciudad", comentó el productor.

Herly Rodríguez, influencer que debuta en el cine, dijo: "Estoy muy emocionada por debutar en el cine. Creo que es algo todavía irreal para mí pero también muy palpable. La película es increíble, el elenco es fantástico, y para mí fue una experiencia maravillosa. El recibimiento de la gente ha sido precioso y creo que se refleja en el producto final. Todos lo hicimos con todo el corazón, y estoy muy agradecida con todo el equipo por cómo me recibieron para debutar. Estoy muy contenta".

Sobre el tema de provenir de las redes sociales, opinó: "Diversificar el origen desde las redes sociales no resta el talento que muchos ya poseen o en las cosas en las que uno quiere desarrollarse. Creo que más allá de eso, ojalá que las personas se den la oportunidad de ver la película y decidan si les gusta o no. Creo que eso también es muy válido", concluyó.

EL ROOMIE Distribuidora: Videocine

TIEMPOS FUTUROS

CINE

RETRATO ÍNTIMO DE LA RELACIÓN ENTRE PADRE E HIJO

O

scura, grisácea y carente de lluvia es la ciudad distópica en la que se desarrolla la historia de Teo, un niño de once años cuyo padre tiene una obsesión por lograr hacer funcionar una máquina capaz de provocar un diluvio. Ante la rebeldía y el descubrimiento de la adolescencia, Teo enfrenta la realidad en la que vive, buscando ayudar a su padre con su obsesión. Inspirado en la relación con su propio padre, Victor Checa. ¿Cómo nace el guion de Tiempos Futuros?

Al final de la película hay un pequeño video de mi padre; digamos que la película nace de esa imagen. En algún momento, él estaba trabajando en este proyecto. En ese video se le ve trabajando en esa máquina y así fue como se inició la película. Sin embargo, la película tomó mucho tiempo.

Desde que comenzamos a escribirla, realizarla, hasta que vino la pandemia y continuamos con la producción. Cuando terminamos el rodaje, mi padre murió, y de alguna manera, la película se convirtió en un homenaje a él. ¿Es tu ópera prima, verdad?

Sí, es mi primera película de ficción. ¿Cuánto tiempo te llevó hacerla?

Comenzamos a escribir la película en 2013 y la filmamos en 2019. Nos tomó alrededor de 8 años, desde todo el proceso de inicio de la película, el financiamiento, pulir el guion, y así, un proceso bastante largo y complejo. ¿Cómo fue nutriéndose la historia?

La película no es autobiográfica como tal. De hecho, el vínculo con mi padre es muy distinto al que se plantea ahí.

Recuerdo que encontré a mi padre... no recuerdo si encontré los videos primero o a mi padre trabajando, pero fue un período en el que él estaba trabajando en este proyecto. Sentí que esto era lo mejor que podíamos hacer; era algo mucho más cercano, real y con lo que podía relacionarme mejor, así que decidimos continuar la escritura siguiendo esa inclinación. Luego, fuimos aterrizando la historia un poco en el ambiente, en la ciudad de Lima, Perú. Pensamos en la idea de una máquina que transformaría la atmósfera de Lima, una ciudad donde nunca llueve. Esta idea tenía sentido como concepto original, y luego fuimos delimitando el universo de la película mientras escribíamos y buscábamos locaciones.

El director Víctor Checa habla de su ópera prima, una historia de coming of age a través de los elementos de la ciencia ficción y el steampunk POR CARLOS MORA

TIEMPOS FUTUROS Distribución: Piano Distribución

SC E IRNI E S

TRUE DETECTIVE: TIERRA NOCTURNA

MISTERIO, FANTASÍA Y TERROR La guionista, directora y productora Issa López continúa con una prolífica carrera en Hollywood, luego del éxito de su película de terror Vuelven. Nacida en la colonia Tlatelolco, López presenta ahora su nuevo proyecto: la serie protagonizada por Jodie Foster y Kali Reis, quienes visitaron la Ciudad de México para hablar sobre la cuarta temporada.

POR CARLOS MORA

TRUE DETECTIVE: TIERRA NOCTURNA Dónde ver: HBO Max

FOTOS HBO MAX

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FOTOS CARLOS MORA

uando cae la larga noche de invierno en Ennis, Alaska, los ocho hombres que operan la Estación de Investigación del Ártico Tsalal desaparecen sin dejar rastro. Para resolver el caso, las detectives Liz Danvers (Foster) y Evangeline Navarro (Reis) tendrán que enfrentarse a la oscuridad que llevan dentro y profundizar en las verdades encantadas que yacen enterradas bajo el hielo eterno.

"Significa mucho para las mujeres que hacen terror en México. Mi pasión por el terror, así que estaba jugando.

Es un trabajo de amor y proviene tanto de mi pasión como del horror, muy importante, del hecho de que soy mexicana y es simplemente mi forma de construir. Por eso cada línea, cada momento, cada plano, cada sonido de esa serie es mexicana. Está en inglés, pero pienso pero por ser universal.

Pero no nos equivoquemos, la serie es mexicana", comentó López.

Para su concepción, la también showrunner aspiraba a filmar en un pueblo real de Alaska. Sin embargo, las limitaciones de accesibilidad y espacio llevaron al equipo de producción a elegir Islandia como su escenario principal. Esta elección no se basó solo en la belleza de los paisajes, sino en la capacidad de Islandia para proporcionar una paleta visual auténtica y sostenible. Aquí, la producción encontró un equilibrio entre la accesibilidad logística y la fidelidad visual.

"Alaska, está saturada de cultura.

Me refiero a estas historias llenas de gracia, estas historias oscuras, estas historias luminosas, así es como pasamos o ellos pasan, nosotros pasamos.

Los pueblos indígenas pasan su historia ligada. Y fue una parte realmente importante porque podías ver todas y cada una de las facetas de cada personaje, cada lugar, cada vida, cada casa y cada, incluso cada situación que hay en la historia", comentó.

Para la ganadora del Oscar Jodie Foster, explicó lo que significó dar vida a la detective Liz Danvers, ahora a sus 60 años de edad.

"Cumplí 60 años en la serie y se produjo este tipo de gran oleada química de hormonas que ocurrió de repente de la noche a la mañana. Ya me importa un carajo. Me desperté y pensé, oh, esto es genial porque hay algo realmente hermoso en tener la edad suficiente para decir que no es mi momento. Tuve mi tiempo y es mi momento de ayudar a otras personas a tener su tiempo. He aprendido que eso es lo más satisfactorio que he hecho en mi vida, honestamente, es traer cualquier cosa que me haya generado una experiencia que tengo para ayudar a otras personas. A veces no es para ayudar a otras personas a contar historias y ser parte de un equipo y estar tan orgullosos de ese equipo.

Para mí, la creación del personaje fue lo mucho más divertido que antes que tenía que crear un personaje en combinación con todos, no era pensar en ti mismo como el principal, Es mucho más divertido ser parte de un equipo".

"Y mi personaje es horrible. Y creo que eso puede ser más divertido, creando, dijimos una especie de ingeniería inversa de Danvers. Para realmente poder entender completamente al personaje de Bora como el personaje central, la voz central del programa. Trabajamos en Danvers para que fuera lo opuesto, ella no cambia tanto porque en la serie tiene más de 50 años.

Y entonces ya es difícil de cambiar. Aunque al final se abre al dolor que ha estado enmascarado con todo este mal comportamiento. Ella no confía en su instinto. Pero creo que por eso funciona tan bien al lado de Evangeline Navarro (Reis), porque son dos opuestos que se complementan", explicó.

Por su parte, la boxeadora Kali Reis comentó lo que le atrajo de su personaje en la serie, "Navarro es alguien que tiene muchas capas y es bastante ruda, pero si la ves es una pantalla, creo que su verdadera fuerza proviene de su vulnerabilidad cuando cede ante eso y es muy fuerte físicamente y eso se puede ver. Y la relación entre Navarro y Danvers es más complicada de lo que uno puede ver en esta temporada. Pero al final funcionan muy bien juntas", finalizó.

SC E IRNI E S

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E L BA D B OY D E M A G N U M P. I .

Magnum P.I., remake del clásico policial de los años 80, llega al final de las aventuras del investigador privado Thomas Sullivan Magnum (interpretado por Jay Hernández).

Para esta última temporada, se incorpora Patrick Fabian, quien da vida a Sam Bedrosian, un individuo con pocos escrúpulos para conseguir lo que quiere. "Tiene ese espíritu 'Aloha' hawaiano; hay una verdadera camaradería y es un programa entre amigos", afirma el actor en entrevista con la Revista Cameo.

POR CARLOS MORA

¿Cómo te sientes con tu participación en la última temporada de Magnum P.I.?

Me alegra haber tenido finalmente una oportunidad. Había querido estar en el programa antes y me emocioné mucho cuando me llamaron para decirme que podía unirme a la última temporada.

que mantener tu cara feliz o tu “cara de actor” frente a la cámara; hay una capa adicional de cosas que lo hace difícil y también podría desgastar a alguien. Perdita y Jay me recibieron muy bien, no podrían haber estado más felices de tener a un nuevo integrante en la serie, me hicieron sentir bienvenido de inmediato.

Solías ver el programa.

Claro, veía el programa. Es bueno, me gusta Jay Hernández. Me gusta la acción y, además, ver Hawaii. Y luego me llamaron y dijeron, “¿Te gustaría ser parte de Magnum P.I.?” La respuesta fue sí, absolutamente.

Y ahora eres el chico malo de Magnum P.I., ¿cómo te sientes?

Interpreto a un malo con dinero y siempre consigues buenos trajes, una bonita oficina y un buen coche. Eso siempre es divertido. (risas). Pero lo que me gusta, en este caso particular de Magnum, es cómo introdujeron a mi personaje (Sam). Él siempre se ha salido con la suya y creo que piensa que Magnum nunca se equivoca y nunca se sale con la suya. Entonces son dos tipos que se enfrentan y eso me gusta.

Es algo divertido, ya sabes, porque un chico malo siempre quiere algo, siempre está siendo perseguido por alguien que intenta quitarle lo que ya tiene.

¿Cómo fue trabajar con Jay Hernández?

Jay y Perdita Weeks tienen mucha responsabilidad ya que son los protagonistas del programa. Están prácticamente en todas las escenas, aunque no juntos. Pero es un trabajo arduo. Sé que mucha gente piensa que los actores no hacen nada y que es un trabajo fácil, pero es realmente duro e intenso. Tienes

MAGNUM P.I. Dónde ver: Universal TV.

¿Pudiste ver la primera versión de Magnum en los años 80?

Oh sí, claro, cuando Tom Selleck empezó a aparecer con pantalones cortos y ese bigote. Quiero decir, todos queríamos bigote. Probablemente tenía entre 10 o 12 años. ¿Qué fue lo que más disfrutaste de ese show?

Crecí en Pensilvania, que está más cerca de Nueva York, y Hawaii era algo exótico, y eso era una locura. Recuerdo ver las palmeras, las playas, nunca había visto algo así, y creo que en los años 80, tampoco les importaba mostrar mucha piel entre la gente que andaba en la playa. Yo era muy joven y recuerdo que estaba muy encantado con la serie. ¿Tomaste algo de esa serie para traerlo a esta nueva versión de Magnum P.I.?

Pues el espíritu de ese viejo Magnum, sin duda es que tiene su humor bajo control. Y eso es bueno porque una de las mejores cosas del original fue que puso al detective de cabeza al hacer que Magnum fuera divertido. Y en esta nueva versión de Magnum P.I., que está más actualizada porque es más activa y más de acción.

FOTOS UNIVERSAL TV+

¿Qué opinas de los remakes de las series que se hacen en la actualidad?

Esta nueva serie es para una nueva generación. Como práctica empresarial, muchas veces piensan que no se están arriesgando al hacer algo más antiguo. Las personas que están viendo este Magnum probablemente no estaban viendo el viejo Magnum, e incluso si lo hicieran, probablemente no lo recuerden.

En muchos sentidos, creo que siempre hay que contar historias que le hablen a la generación que las está viendo ahora. No tengo ningún problema con que la gente elija títulos e intente rehacer cosas. Creo que es más difícil de lo que parece y creo que Magnum tuvo éxito en hacerlo. Creo que hay un montón de cosas que intentaron reiniciar y fracasaron porque muchas veces las historias en el trabajo son para su momento.

¿Cuál es la magia de esta nueva versión de Magnum P.I.?

Creo que tiene una energía un poco más amplificada con la energía de lo que está sucediendo. Tiene ese espíritu “Aloha” cuando se relajan en el bar. Hay una verdadera camaradería y eso es real, es un programa sobre amigos. Resulta que tienen trabajos con armas, automóviles y drogas, ¿sabes lo que estoy diciendo? Sí, y probablemente esa sea la razón por la que a la gente que le encantaba este tipo de series de acción.

Es divertido ver autos veloces conducir alrededor de volcanes en Hawaii y que la gente saque armas y todo eso y sobre todo persiguiendo cosas. Esa es una película de adrenalina.

Con información de Adolfo López

SC E IRNI E S

INSPIRA A CUMPLIR LOS

SUEÑOS LUZ CARREIRO ES UNA TIKTOKER MEXICANA ACLAMADA POR SU VISIÓN ECOLOGISTA EN SUS VIDEOS DE VIAJES, ENSEÑAR CÓMO VIAJAR CON ÉXITO COMO MOCHILERA Y PROMOVER UNA NUEVA MIRADA HACIA LA MATERNIDAD. SE DEDICA A RECORRER EL MUNDO E INSPIRAR A TRAVÉS DE SU HISTORIA. PLATICAMOS CON ELLA SOBRE SU NOMINACIÓN, INFLUENCER LATINO DEL AÑO EN LOS PEOPLE’S CHOICE AWARDS 2024.

POR CARLOS MORA

La influencer es oriunda de Chiapas, estudió diseño gráfico y su primer destino fue Playa del Carmen. A partir de ahí, comenzó a viajar conociendo más de 43 países, demostrando que a pesar de los obstáculos es posible cumplir los sueños. También es autora del libro El vuelo de una abeja, donde cuenta cómo viajó durante 10 años y conoció más de 40 países con poco presupuesto. ¿Cómo te sientes acerca de la nominación a Influencer latino del año en los People’s Choice Awards 2024?

Es algo que merece ser aplaudido. El mayor logro de estas nominaciones radica en el reconocimiento a otros tipos de creadores de contenido. Esto marca un gran avance, especialmente desde la perspectiva de una madre y una persona adulta. Personalmente, creo que es necesario regularizar el contenido que consumimos. Establecer límites claros entre el entretenimiento y otros aspectos es esencial. La existencia de espacio, enfoque y reconocimiento en premiaciones como esta es un punto de inflexión que puede motivar a más futuros creadores de contenido a enfocarse en aspectos importantes. Considero que es un golpe importante en términos de responsabilidad social, y eso me emociona enormemente.

Eres una madre que lleva a su hija al trabajo, ¿cómo combinas esta nueva faceta?

Yo era creadora de contenido exclusivamente de viajes antes de ser mamá.

La adaptación fue bastante interesante, tanto en mi contenido como en mi público. En el momento que me convertí en mamá, me preguntaba: ¿quiero seguir haciendo contenido? ¿o lo voy a mezclar? Tuve que aceptar que ya no solo era viajera, sino también una mamá viajera. Fue interesante porque recuerdo que cuando anuncié que iba a ser mamá, perdí muchos seguidores. ¡Imagina!

Todavía existe esa ideología de que tu vida se acaba, que ya no vas a viajar o que tu contenido no será interesante.

Pero cuando regresé con mi hija y seguí viajando, mucha gente me preguntó,

¿cómo? ¿es posible hacer ambas cosas? Creo que eso fue lo que atrajo a muchas personas. Comencé a compartir mis viajes con mi hija y ahora es una pequeña viajera de cuatro por cuatro, porque aguanta todo. Creo que esto motivó a muchas madres y futuras madres a decir: "yo también puedo seguir siendo yo, incluso si soy mamá". Eso me ha motivado.

Y cómo ha sido este proceso de adaptación tanto para ti como para tu hija, ahora que es una bebé viajera.

Bueno, para ella no ha significado ninguna adaptación porque simplemente es la vida que conoce desde que nació. Entonces yo creo que esto ha sido muy importante, que no he puesto pausa a esa parte, sino que desde su primer viaje a las once semanas de nacida. Para mí, ha sido un proceso, porque claro que hay muchas cosas que me ha tocado aceptar, como cuando le tocan sus siestas y debo respetarlas. Es un proceso de aprendizaje entre ambas. Ya no soy una mochilera que se va nueve meses a Sudamérica de aventón; ahora tengo que buscar un hotel para mayor comodidad. Es un proceso al que me he ido adaptando.

De los viajes que has hecho, ¿cuáles son los que más te han sorprendido, incluso te han cambiado la vida?

Tengo muchos viajes, pero el año pasado tuve la oportunidad de llevar a mi mamá y a mi hija a Guatemala y mochilear con ellas dos. ¡Fue increíble! Honestamente, no fue tan desafiante como pensé que podría ser. Las dos son excelentes aventureras. Fue muy bonito poder adaptarnos a esos tres ritmos y saber que no importa la edad. Es algo que siempre trato de expresar cuando viajo con las dos: que no importa la edad, tus ganas de vivir y de aventura pueden ser en cualquier momento de la vida.

Cuéntame sobre tu libro El vuelo de una abeja.

Siempre tuve claro que quería escribir un libro. Antes pensaba que podría escribir sobre mi vida amorosa, pero al ver que era un fracaso, dije, "ok, no". Cuando empecé a viajar y vi a tanta gente que constantemente me preguntaba cómo lo hacía, dije, "ok, creo que si en algo soy experta, podría ser en esto".

Realicé un viaje enfocado únicamente en tener experiencias de viajes a bajo presupuesto para poder escribir el libro. El libro está lleno de consejos, historias y relatos. A la gente le ha gustado muchísimo, porque muchas personas incluso me han dicho que no solo pueden aplicarlo en sus viajes, sino que es aplicable en la vida en general. Habla mucho sobre tener un sueño, crear un plan de acción y seguirlo. No pienses en tus limitaciones como "no tengo dinero" o "mi familia no me deja", busca la manera de superar los obstáculos y alcanzar tus metas. Creo que todos debemos cumplir nuestros sueños al menos una vez en la vida, y el libro habla mucho de eso. La gente lo ha recibido bastante bien. Como autora independiente, ha sido un reto, pero creo que ha tenido bastante éxito en términos de ventas. ¿Qué consejo les das a los nuevos jóvenes que quieren ser creadores de contenido?

Es crucial entender el motivo detrás de querer ser creador de contenido. Muchos jóvenes aspiran a la fama, el dinero y el reconocimiento que este trabajo puede ofrecer, pero a menudo subestiman la complejidad de la labor. Existe una especie de utopía en torno a la idea de que basta con tomar una selfie en la cama para ganar millones de pesos, pero la realidad es que ser creador de contenido implica mucho más. Si no tienes claro tu propósito, es fácil perderse en el proceso.

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TED: LA SERIE Dónde ver: Universal TV.

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RISAS, BROMAS Y UN HUMOR NEGRO INIGUALABLE El oso de peluche más famoso de la televisión llega con una serie que descubre el origen de su inseparable amistad con John Bennet (Max Burkholder).

por A R M A N D O A R M E N T A

¿UNA AMISTAD entre un teddy bear y un adolescente? John Bennet (Max Burkholder) y Ted (Seth MacFarlane) lo harán posible.

Después de haber tenido su momento de fama, Ted regresa a Boston en los años 90 con su mejor amigo John para acompañarlo en los momentos más importantes de su adolescencia. Durante ocho capítulos, los mejores amigos irán juntos a la escuela, buscarán defenderse de los bullies, reirán y aprenderán muchas cosas de la vida, algunas no tan recomendables.

La historia sigue los pasos de esta divertida dupla que tiene su origen en un deseo concedido al John Bennett de 8 años, quien quería que su peluche favorito, Ted (con la voz original de Seth MacFarlane), cobrara vida para así convertirse en su mejor amigo. El deseo se concede: el osito se convierte en una celebridad, pero como todas las novedades de la cultura popular, termina por aburrir y cae en el olvido al poco tiempo.

Con un estilo fresco y divertido, los episodios de esta nueva producción transcurren en el año de 1993 en la ciudad de Framingham, Massachusetts. John Bennett tiene 16 años y aún continúa siendo amigo de su osito parlante, quien además no tiene empacho en mostrarse descarado, malhablado e irreverente.

Ted vive en casa de los padres de John, Matty (Scott Grimes) y Susan (Alanna Ubach), quienes se presentan aquí como dos polos opuestos y representan el claro estereotipo de una familia convencional pero disfuncional.

Aderezando la relación con sus progenitores, la prima de John, Blaire (Giorgia Whigham), intenta ser la parte racional y consciente de la familia, un contrapeso a la insolencia de Ted, lo que termina en ocasiones por colisionar en forma de entretenidas situaciones.

La serie aborda temas que nos pueden parecer muy actuales, a pesar de estar ambientada en los años 90, como las disputas familiares, el fastidio de la preparatoria, el consumo de drogas y el primer amor, todo sazonado al más puro estilo del director Seth MacFarlane, quien también dirigió la cinta de 2012.

De la mano del peculiar humor recalcitrante de los protagonistas, los siete episodios de esta precuela son una ventana a situaciones muy personales, pero que la serie convierte en un escape lleno de gracia y ocurrencia.

Sin duda, Ted, la serie es el inmejorable común denominador de esta comedia no apta para menores de edad que se estrena en México.

SERIES

GRISELDA: LA REINA DE LA COCAINA Dónde ver: Lifetime

C AT H E R I N E Z E TA - J O N E S

"No es la primera vez que interpreto a una narcotraficante" GRISELDA: LA REINA DE LA COCAÍNA es una película original de Lifetime que cuenta la historia real de Griselda Blanco, la narcotraficante colombiana más reconocida en el mundo de las drogas, quien de manera poderosa y despiadada manejó el tráfico de cocaína en Estados Unidos. La película está interpretada por la actriz ganadora del Premio de la Academia y el Premio Tony, Catherine Zeta-Jones.

"Como todos ustedes saben, ésta no es la primera vez que interpreto a una mujer de ascendencia latina ni es la primera vez que interpreto a una mujer involucrada en el mundo de las drogas", aseguró Catherine Zeta-Jones.

La Madrina, quien fue una líder del Cartel de Medellín, una pionera en el tráfico de drogas de cocaína y que participó en las Guerras de cocaína en Miami a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980. Contada a través de los ojos de su hijo más joven, Michael Corleone Blanco, la película narra la historia de Griselda, desde que con tan solo 17 años utilizó un pasaporte falso para dirigirse a los Estados Unidos, sus estrategias como narcotraficante, entre ellas, el uso de bellas mujeres para contrabandear drogas desde Colombia hasta los Estados Unidos, hasta que finalmente se convirtió en la verdadera reina de la cocaína.

Viviendo en Queens con sus tres hijos, Griselda se sintió atraída por el dinero que ofrecía el mundo de las drogas y rápidamente se vio envuelta con los narcotraficantes locales.

Orquestó el uso de mujeres hermosas, ancianos y niños como mulas y creó maletas con fondo falso para contrabandear cocaína desde Colombia. Una vez que el dinero comenzó a llover, sus hijos abandonaron la escuela y se unieron al

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negocio familiar. Griselda era extremadamente cercana a sus hijos, quienes fueron fundamentales para ayudar a construir su imperio. Sin embargo, a los 36 años, Griselda, cuyo calor ascendía a los 100 millones de dólares, tuvo que luchar contra la soledad, la inseguridad y la paranoia.

En 1985, Griselda fue arrestada por agentes de la DEA en su casa, detenida sin derecho a fianza, y sentenciada a más de una década de prisión, donde continuó manejando su negocio de cocaína. En el año 2004, Griselda fue liberada de prisión y deportada a Colombia, donde finalmente fue asesinada a tiros en 2012, ejecutada en un tipo de asesinato que se le atribuye haber inventado ella misma: "el asesinato en moto".

"Como actriz, fue muy difícil encarnar el papel de esta mujer, que es muy diferente a mí en muchos sentidos, no solo culturalmente, sino también en cuanto a las decisiones que toma. Pero lo que no es diferente es que ambas somos mujeres fuertes, dispuestas a hacer lo que sea necesario por nuestro trabajo; sin dudas, no con armas como lo hizo Griselda. Pero tengo que decir que este fue un proyecto hecho con mucha pasión. Pudimos llevar la historia de Griselda a la pantalla de Lifetime y, si bien hay otros proyectos de Griselda en el horizonte que serán interpretados por latinas, esta mujer ha ocupado mi vida por muchos años y siento que la conozco íntimamente. Trabajé mucho y muy duro para lograr que este proyecto se hiciera y para contar esta historia. Y tuve la bendición de trabajar con nuestro maravilloso director Guillermo Navarro e increíbles actores como Juan Pablo Espinosa", concluyó la actriz.

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"EN MÉXICO ME SIENTO C O M O E N C A S A"

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edro Baldo es un actor originario de Argentina, donde comenzó sus raíces en la actuación en la ciudad de Buenos Aires. Despuésfue invitado a ingresar al CEA en la Ciudad de México, su primer protagónico juvenil fue en la telenovela Tierra de Esperanza. También ha destacado por su trabajo en series como El Secreto de la Familia Greco y Diario de un Gigoló en Netflix.

Ahora podremos verlo en Tu vida es mi vida que se transmite por Las Estrellas, ahí da vida a Arturo, el capitán del equipo de futbol y el galán de la preparatoria donde a travez de la trama, podremos descubrir su vulnerabilidad y todos los conflictos internos que vive. ¿Cómo te sientes del estreno de Tu vida es mi vida?

Muy contento. Mi personaje aparece hasta la mitad, así que hay que esperar. Pero estoy muy ansioso por ver cómo está progresando el proyecto, especialmente mis compañeros. ¿Podrías platicarme un poco sobre tu personaje Arturo y qué papel tendrá en la novela?

Bueno, es un personaje desafiante para mí. Interpretaré a un chico que aparenta ser el típico macho alfa de la prepa: capitán del equipo de fútbol, popular entre las chicas y admirado por todos. Sin embargo, por dentro, lucha con un gran conflicto de personalidad. ¿Cómo te sientes al estar en esta telenovela? ¿Estudiaste actuación?

Sí, estudié actuación. Me siento muy agradecido con Televisa por darme la oportunidad. Esta es mi segunda novela con ellos después de Tierra Esperanza. Estoy contento de trabajar con ellos.

Eres de Argentina, ¿cómo te sientes de trabajando en Televisa?

Desde Argentina sabía la magnitud de Televisa.

Fue una sorpresa ver sus instalaciones y la calidad de producción que tienen. Me siento muy honrado de estar aquí. ¿Qué opinas sobre las telenovelas en comparación con las series?

Creo que las telenovelas tienen un encanto especial.

Fidelizan a la audiencia y permiten compartir la historia en familia durante varios meses. Es una experiencia única. ¿Qué proyectos te gustaría hacer en el futuro?

Me encantaría explorar diferentes géneros y plataformas. El cine es algo que me apasiona. También me gustaría trabajar en proyectos internacionales y mejorar mi inglés.

En esta novela trabajas con otro argentino, Juan Soler. ¿Qué consejos te ha dado?

Hemos conversado sobre cosas personales más que sobre consejos profesionales. Es un actor increíble y lo admiro mucho. ¿Cómo te has adaptado a México?

Me siento como en casa. Hay ciertas cosas que me costó adaptarme al principio, como la comida picante, pero ahora ya estoy más acostumbrado. ¿Cuáles son tus referentes en la actuación?

Admiro a Daniel Day-Lewis y a Leonardo DiCaprio.

También me gusta mucho el trabajo de Gael García Bernal.

Pedro, ¡mucha suerte con la telenovela y gracias por la entrevista!

Gracias a ti. No se pierdan el estreno el lunes a las 6:30 PM. ¡Se sorprenderán! Pueden seguirme en Instagram como @pedrobaldoey | 67

SERIES

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LOCOS DE AMOR 1 y 2, CELEBRA EL AMOR Locos de Amor 1 y 2 son dos comedias deseo de salir de la rutina que a veces musicales que exponen situaciones co- se convierte la vida en pareja. “Me sientidianas que se dan en las relaciones de to muy feliz por esta nueva aventura pareja, como el replanteamiento de la que es Locos de Amor. Es una historia hermosa y espero que más y más mujer con la llegada de la menopersonas puedan sentir la múpausia, las rupturas, enfrentarsica y el amor de esta pelícuse al despido del trabajo, los LOCOS DE AMOR la. Espero que mucha más hijos y el reencuentro con el 1Y2 gente se enamore con Locos primer amor. Estas comeDónde ver: de Amor", comentó la actriz dias musicales, que batieLIFETIME peruana Gianella Neyra, una ron récords de taquilla en de las protagonistas de Locos Perú, muestran historias de de Amor 1. amores y desamores, donde las protagonistas enfrentarán situaciones tragicómicas que se mezclan con Locos de Amor 2, explora las complejiinolvidables canciones románticas que dades del amor y la superación, abordando lo que sucede con las personas harán suspirar y cantar a la audiencia. después de una relación. Se pregunta Locos de Amor 1, es una comedia mu- cómo se superan las separaciones, el sical que narra las tragicómicas aven- amor en la madurez o cuando en una turas de Lucía, Viviana, Gloria y Fer- relación solo uno desea tener hijos. Es nanda, cuatro primas muy cercanas, una historia romántica que se complequienes se apoyan mutuamente para menta con baladas del recuerdo y que hacer frente a las diversas situaciones muestra que, a pesar de todo, la vida que les presenta el destino, como el di- continúa, planteando que sí es posible vorcio, las desilusiones amorosas o el enamorarse más de una vez.

¿QUIÉN DA MÁ$?, LLEGA LA DECIMOQUINTA TEMPORADA La adictiva serie combina las grandes a arriesgarlo todo, a luchar por el contehabilidades de los subastadores Dan y nido de los depósitos y, si tienen suerte, Laura Dotson, las fuertes personalida- encontrar un gran tesoro. En California, des del diverso grupo de compradores cuando el alquiler de un depósito de aly la enorme intriga de ver qué escon- macenamiento no se paga durante tres de cada unidad de almacenamiento: meses, su contenido puede ser vendi¿enormes tesoros o pura chatarra? Los do en lote a un subastador que abona profesionales compradores -en parte en efectivo. Esta serie insignia en materia de remates sigue la trayectoria jugadores de apuestas, en parte de compradores profesionales detectives-, pujan por depósique visitan distintas instalatos confiscados y obsoletos ciones de almacenamiendespués de solo verlos bre¿QUIÉN DA MÁ$? to, durante cinco minutos vemente en una subasta.

Dónde ver: pueden ver los materiales Por ende, existe un riesgo HISTORY (desde el acceso a la bodega inherente cada vez que los sin tocar nada) y en base a su compradores comienzan experiencia calcular cuánto paa hacer sus ofertas, ya que las garían por ello. Así se inicia la puja. unidades podrían estar llenas de basura o podrían estar escondiendo La exitosa serie ¿Quién da ma$? estrereliquias. Así, en un viaje por West nó en América Latina en el año 2011 Covina, Riverside, Stanton, Fullerton, por A&E y en el 2018 comenzó a transRosamond, Lancaster, Palm Springs, mitirse por HISTORY. Actualmente, Oceanside y otras regiones de Califor- está transcurriendo por su temporada nia que veremos en esta decimoquinta número 15, que le permitirá alcanzar la temporada, los compradores irán en impresionante suma de 305 episodios búsqueda del gran hallazgo, dispuestos en total para toda la serie.

T E AT R O

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Samuel Zarazúa "DISFRUTO MUCHO HACER TEATRO" Platicamos con el actor sobre sus nuevos proyectos en teatro, Hércules, un héroe de leyenda y Pachecas después del funeral. por C A R L O S M O R A

¿Cómo es el reto para hacer teatro infantil en esta obra de Hércules, un héroe de leyenda?

Es una obra donde los niños siempre salen felices junto a toda la familia. Creo que cuando haces teatro infantil, la energía tiene que estar hasta arriba para atrapar a los niños desde el minuto uno y que se enamoren de los personajes. A veces, cuando van a ver teatro infantil, los papás se aburren, pero en este caso hay algunos chistes que quizás los pequeños no entiendan, pero los papás sí, entonces es para que ambas partes no se aburran. Me gusta también interactuar con los asistentes; de pronto el villano Hades baja del escenario y va a jugar un poco con los niños, ya que ellos son piezas clave de esta obra. Va a hacer una gran temporada, estoy seguro.

HÉRCULES, UN HÉROE DE LEYENDA Dónde: Teatro Enrique Lizalde Domingos 16:00 hrs.

¿Cómo te preparaste para este personaje?

Hércules, un héroe de leyenda es una obra que quiero mucho porque fue la primera que hice profesionalmente, hace ya muchos años. Le tengo un cariño especial al personaje. Y me gusta mucho meterle un poco el acento de la cinta animada; el doblaje lo hizo Ricky Martin, entonces me gusta jugar con eso, creo que está padre. Es una obra que te exige mucha energía: tienes que moverte por todo el escenario, hablar fuerte, cantar y hasta bailar. Por eso hago mucho ejercicio (risas).

También estás en un proyecto totalmente diferente, ahora de teatro de cabaret, con Pachecas después del funeral, ¿qué significa para ti?

Es la continuación de Pachecas a Belén, una de las primeras obras LGBTQ+ que hay en México, lleva casi 38 años montándose en el teatro. Empecé haciendo el Ángel, ya sabes, todo lo contrario a Hércules; acá tenía que quitarme la camisa, usar calzoncillos dorados y unas alas. Ya llevo siete años participando en esta obra, y me gustó justo el año pasado porque ahora hice de la diabla. Entonces le tengo mucho cariño a la obra.

Ahora se monta Pachecas después del funeral; apenas el año pasado se hizo la segunda parte y todos teníamos mucho miedo porque dicen que las secuelas casi siempre son malas. Y justo la gente salía diciendo que le encantaba igual o más que Pachecas a Belén, y eso es un halago. Me gustó que el director nos dio la libertad de poder modificar un poco el texto y meterle más de nosotros mismos, y eso enriquece el texto y la obra.

¿Cómo ves el mundo Drag en México, ya se disfruta en teatro y se quita ese estigma de que solo se ve en antros?

Creo que ya hay más oferta LGBTQ+ en teatro y eso está bien, pero nos olvidamos un poco de que no todo el público es de esa comunidad, y eso es bueno que vayan evolucionando como Mentidrags.

Ya tenemos que quitar ese estigma de decir que las obras son solo para la comunidad LGBTQ+; son para todo el público, es para quien quiera reír, pasarla bien un rato. Entonces, en esta nueva etapa, hay una enorme transición y eso es bueno. Se logra cada año cuando montamos Pachecas a Belén y ahora con Pachecas después del funeral, de que la gente vea que no es nada vulgar y que no tiene nada de malo ir a pasar un buen rato al teatro. ¿Tú te mueves en este ambiente del teatro, cómo ves el teatro en México?

Creo que México tiene muchísima propuesta cultural. De pronto, el público tiene la idea de que es muy caro, entonces eso creo que lo aleja un poco.

Y tristemente, después de la pandemia, esta inmediatez de las cosas, de que todo sea rápido, de que todo sea ágil, hace que la gente diga, "ay no, mejor me quedo en mi casita y veo algo en una plataforma". Entonces, justo creo que es donde está nuestra misión de rescatar a la gente para que vayan al teatro, de que justo todas estas nuevas versiones de teatro sean así, rápidas, o sea que todo sea risas. Hay muchas propuestas culturales, hay mucho teatro y por lo regular todos tienen, hay para todo tipo de bolsillos, porque incluso el teatro de gran formato. ¿Cuando te subes al teatro, aún te dan nervios?

Fíjate que nervios ya no me dan. Me da una emoción muy fuerte. Casi siempre, cuando voy a estrenar algo, más cuando hago musicales y empieza a sonar la primera canción, como que se me enchina la piel y me dan unas ganas de llorar... es demasiada emoción. Disfruto mucho hacer teatro y actuar para mí es algo que no podría dejar de hacer. Me encanta.

Hablando de los estereotipos, tú ¿qué tanto te has enfrentado a ellos?

En la pantalla chica sí me he topado un poco, cuando me ven y creen que solo puedo ser el stripper o cosas así. Lo contrario al teatro es que ahí no tanto. A veces piensan que el hombre musculoso o el hombre que se cuida es bobo o mal actor, entonces entras en una cesta y que salgas de esa cesta es muy complicado. Entonces, sí es complicado salir de ese estereotipo.

¿Y cómo te cuidas en las redes sociales?

Siento que a veces las redes sociales pueden mostrar vidas falsas, porque cada quien decide qué subir para que la gente conozca lo que quiere saber de ellos. Yo procuro subir siempre cosas positivas, siempre cosas donde me vean feliz, donde demuestre algo de mí. No me gusta que la gente vea algo triste o algo malo. Procuro llevar mis redes muy limpias en ese aspecto.

MMF:

T E AT R O

AMOR, DESEO, APEGO Y LA GENTE QUE NO ENTIENDE LA DIFERENCIA REGRESA EN SU SEGUNDA TEMPORADA la obra MMF, de David L. Kimple. Una historia de amor entre tres personas, es una relación poliamorosa. Es la hermosa y desafortunada historia de la comunicación no asertiva en una relación amorosa. La historia nos habla de la relación poliamorosa de Daniel (Solkin Ruz), Julia (Fernanda Mijares-Bracho) y Miguel (Axel Arenas), que después de casi dos años de estar juntos, llega a su fin, obligándolos a afrontar las consecuencias de una relación no tradicional. Cualquier persona que ha atravesado por un enamoramiento podría reconocerse en esta obra que explora el amor, el deseo, el apego… y las personas que no entienden la diferencia. "No importa cuántas personas sean realmente una relación, sino yo creo que lo que importa

es cómo se comunican. Creo que es una obra con la cual nos podemos sentir identificadas, identificados cualquier persona, porque al final es simplemente la historia de una relación amorosa. El asunto aquí es que es entre tres personas y cuando hay cosas que no se hablan, que no se dicen entre algunas, entre otras, los secretos es lo que sostiene toda esta obra", comentó la directora de la obra Valeria Fabbri.

El problema nunca va a ser que sean 3, 4, 5 o 2 personas, sino el cómo se comunican. Ni el amor, ni la 'honestidad sin filtros' son suficientes para mantener una relación. Habría que hablar de necesidades, deseos, inseguridades, miedos, límites, acuerdos, salud mental, emocional, sexual. Abrazar el campo de la responsabilidad afectiva en una relación.

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MMF Dónde: Foro Lucerna, todos los jueves hasta el 9 de mayo, a las 20:30 hrs.

T E AT R O

LA GAVIOTA Dónde: Foro Lucerna, todos martes 20:30 horas.

LA GAVIOTA, LA VERSIÓN ÍNTEGRA DE CHÉJOV EN 1896 se estrenó La Gaviota del dramaturgo ruso Anton Chejov. El tiempo se encargaría de convertir esta obra en una de las joyas del arte ruso.

La Gaviota narra la historia de un grupo de artistas y escritores que se reúnen en una finca rural propiedad de Sorin, un anciano enfermo.

Los personajes principales son la joven actriz Nina, el escritor Boris Trigorin, el dramaturgo Konstantin Treplev y la famosa actriz Irina Arkádina. La trama se centra en los deseos de reconocimiento artístico y amor de los personajes, así como en las tensiones entre las generaciones y las diferentes concepciones del

arte y la vida. La relación entre Nina y Treplev se convierte en el eje central, mostrando la fragilidad de los sueños y las aspiraciones.

Ahora llega al Foro Lucerna bajo la dirección de Cristian Magaloni, "montamos una versión íntegra de La Gaviota, casi no le cambiamos nada, es decir, que está casi completo el texto, porque quisimos mostrar cómo funciona en la actualidad un clásico como esta obra", comentó.

El elenco lo integra grandes actores como: Boris Schoemann, Roberto Beck, Assira Abbate, Pablo Perroni, Lourdes Gazza, Julio César Luna, José Ramón Berganza, Ana Kupfer, Ditmara Náder y Margarita Sanz.

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VA DE NUEZ,

T E AT R O

UNA OBRA LLENA DE DIVERSIÓN, SONRISAS, RISAS Y MÁS SIÉNTATE, anda, ponte cómodo, porque tenemos una historia para contarte que te va a encantar. Va de nuez, cuatro historias que se entrelazan de una manera extraña como la vida misma.

Dos personas de limpieza no entienden por qué sus patrones no comen jamón.

Una joven enamorada se juega el todo por el todo. Dos matrimonios cargan con venganzas pendientes. Una misteriosa mancha aparece en la pared de la cocina.

Todo se desordena, para regalarnos una comedia necesaria para nuestra salud emocional: diversión, sonrisas, risas y más.

Los nombres de las cuatro obras cortas son : "La Azotea", de José Appo; "La Prueba", de Hugo Yoffe; "Ojo por Ojo", de Jacobo Levy Parra; y "La Fuga", de José Appo. Con una duración aproximada de 20 minutos cada una, bajo la dirección de Daniela Parra y las actuaciones de Astrid Mariel Romo, Carlos Ordóñez, Ana Isabel Esqueira y Hamlet Ramírez.

Esta obra es la décima producción de Fundación Teatral Davar, una institución no lucrativa que nació de personas comprometidas con el teatro y la diversidad cultural en el país.

El elenco nos da su opinión: Hamlet Ramírez: "Para mí es una fortuna estar en este proyecto. El año pasado tomé la decisión de alejarme un tiempo de la comedia para ir buscando partes más oscuras en mí, pero creo que me pasé, porque hice un par de obras demasiado oscuras. Entonces, salí deseando una comedia y en ese momento me llamaron para hacer 'Va de nuez', y claro que dije que sí. Para mí ha sido un buen momento en mi vida para reconciliarme nuevamente con la comedia. Lo estoy disfrutando enormemente".

Astrid Mariel Romero: "Me siento muy privilegiada por ser la segunda ocasión en la que estoy con Davar. Estoy muy feliz ahora de tener nuevos compañeros y compañeras. Es maravilloso poder hacer comedia. Mientras pasan tantas cosas fuertes en el mundo afuera, este está trinchera y de regresar un poco a nuestro público y que nos devuelva un poco la fe".

Ana Isabel Esqueira: "Yo creo muchísimo en el poder de la comedia, no solamente

como un espacio de entretenimiento, que por supuesto deseamos que así sea, que vengan también se diviertan.

Pero también en esa mirada aguda, pues picadas en esa crítica muy inteligente que puede ser el uso de la risa y del humor, no solamente como para entretenerse, sino justamente verse reflejado en aspectos de lo humano que no necesariamente son nuestros favoritos. Y creo que estos hombres lo han hecho de manera brillante y en ese sentido, les invito a que vengan a que disfruten y que también pues hablamos a reflexionar sobre ¿qué es lo que estamos haciendo hoy en día en nuestras parejas, en nuestras amistades?".

Carlos Ordóñez: "Hacer teatro en este país y en el mundo no es una cosa sencilla, es un esfuerzo que requiere muchísimo trabajo y eso ayuda a que muchos de los actores y actrices que estamos aquí sentados y los que estamos en un proyecto, pues podamos seguir trabajando y podamos seguir estando en un escenario que resulta muy complicado en esta actualidad. Entonces, creo que hacen una labor increíble.".

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VA DE NUEZ Dónde: Teatro Varsovia Todos los jueves a las 20:30 hrs.

MÚSICA

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ESCÁNDALO MEXICANO DESMENUZAN L A HISTORIA Escándalo Mexicano es el podcast que narra algunos de los escándalos políticos y sociales más sonados en voz del periodista Carlos Puig. Presentado por Amazon Music y producido por Wondery, cubre un escándalo específico. Esta nueva temporada contará el controvertido y polémico caso de La Casa Blanca, escrito por Rafael Cabrera, el periodista que investigó y realizó el reportaje en su momento.

POR CARLOS MORA

ESCÁNDALO MEXICANO Dónde: AmazonMusic

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¿Cómo surgió la idea de Escándalo Mexicano: La Casa Blanca, y de combinar un tema político con la prensa rosa?

Un poco de la idea provino del periodista Rafael Cabrera. Él reveló el asunto de La Casa Blanca de Enrique Peña Nieto. Aunque ha pasado mucho tiempo, afectó su vida porque incluso perdió su trabajo y no fue fácil regresar a hacer otros trabajos periodísticos. Cuando le propusimos que nos ayudara con este podcast y que participara en el guion, inteligentemente creyó que queríamos combinar ambas cosas porque entendía que la casa no habría existido sin Angélica Rivera y Peña casándose. Es tan así que cuando surgió el tema de la casa, ese matrimonio empezó a desmoronarse por el escándalo que se generó. Creo que fue una buena propuesta de Rafa con la que trabajamos en equipo, editamos y al final creo que quedó muy bien. Creo que lo van a disfrutar mucho porque aborda ambos aspectos en la actualidad. ¿Cuánto tiempo les llevó hacer la investigación para el podcast?

A Rafa se lo propusimos en septiembre del año pasado.

Nos entregó el primer guion en octubre, del primer capítulo, y el último, el cuarto capítulo, nos lo entregó en diciembre.

¿Cómo ha sido para ti entrar en este mundo del podcast?

Hace siete años, con parte del grupo que conoces hoy, periodistas, yo regresaba de vivir algunos años en Estados Unidos haciendo periodismo allá, y ya había conocido los podcasts. Me había apasionado y creamos una empresa para hacerlos, y eso venimos haciendo desde entonces.

La verdad es que yo escucho podcasts todos los días, al igual que buena parte del equipo, no solo porque los producimos, sino porque nos parece que es un medio para experimentar con el género, y nos parece delicioso. Estoy encantado de hacer podcasting. Cuando me llamaron para participar en este proyecto, ya era fan de American Scandal, así que cuando me dijeron que querían hacer Escándalo pero en versión mexicana, dije ¡claro! Nos ayudaron mucho desde Estados Unidos, nos dieron esquemas y consejos, y hemos aprendido mucho de ellos. No creo que hoy seamos el tercer escándalo en el mundo. Hay uno en Gran Bretaña, que es British Scandal, está American Scandal y en México somos el tercero. Espero que cuando se les ocurra uno en Brasil, volteen a ver Escándalo Mexicano y digan, ¡no lo hicieron mal! Estamos agregando nuestro toque narrativo, pero seguimos lo que nos enseñó American Scandal hace algunos años.

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¿Cómo ha sido trabajar con Amazon?

Me gusta que no nos prohíban absolutamente nada, al contrario. Creo que por el talento del equipo de contenido, es un proyecto muy bueno. Nos lo pasamos muy bien, lo disfrutamos mucho y reímos mucho.

Entiendo que cuando uno dice "trabajo con Wondery y Amazon", se sorprende por la calidad y el compromiso de todos los involucrados. Cada semana medimos cómo va cada episodio.

Hay mucho por explorar en los siguientes capítulos, a ver qué nos deja este sexenio.

Ya lo veremos, solo cubrimos escándalos concluidos, así que tendremos que esperar para ver si seguimos haciendo escándalo y a quién abordamos en unos años.

Entre los casos que se han tocado hasta el momento son el asesinato del ex Gobernador José Francisco Ruiz Massieu, el engaño de “Frida Sofía, La Niña que nunca existió” escrito por María Scherrer, “Paulette: Desaparición y Muerte”, escrito por Galia Garcia Palafox y “Los Cachirules” escrito por Salvador Camarena. Los casos está escrito por reconocidos periodistas como María Scherrer, Galia García Palafox y Salvador Camarena.

RAFAEL CABRERA Escritor

¿Qué opinas del podcast Escándalo Mexicano: La Casa Blanca?

Para mí, es muy importante crear escenas, ambiente e incluir muchas cosas en los podcasts. Fue un reto para mí.

Lo que me gustó es que unieron tanto la prensa política como la prensa del corazón. No lo veo lejano, creo que muchas veces menospreciamos al periodismo rosa o al periodismo de espectáculos, pero creo que todo tiene profundidad. Siempre me ha gustado; soy muy frívolo y no tengo problema con que me gusten ambas cosas.

Cuando veo la Casa Blanca, pienso: ¿es periodismo rosa con un tono político o es periodismo político con un tono rosa? Es ambivalente y, en ese sentido, creo que por eso fue un éxito, ya que convirtieron una telenovela en la vida real. Era un culebrón, básicamente. Yo titularía el podcast "Pasión en Sierra Gorda"; siempre bromeaba diciendo que si algún día nos hacían nuestra telenovela en Telemundo, o algo así (risas). ¿Cómo es recordar todo el tema de la Casa Blanca?

Creo que quizá Carmen Aristegui o Daniel Lizárraga, que era mi jefe en ese entonces en la unidad de investigaciones, eran personas más curtidas, más maduras. Ellos tenían más claridad. Tenía alrededor de 30 o 31 años cuando se hizo ese reportaje. Fue complejo, en cuanto a las dimensiones, la fuerza y todo lo que tuvo. Uno no imagina lo que va a pasar y el impacto que iba a tener, las repercusiones políticas y sociales que iba a tener. Fue una carga negativa.

Mucha gente cree que esto se hizo en contra del PRI o que era parte de un complot contra el presidente de entonces, Enrique Peña Nieto, pero no fue así; fue un tema de investigación. Entiendo que muchas veces en México pensemos que todo el periodismo tiene una connotación política en el sentido de que puede ser un complot, por así decirlo, pero esto era periodismo puro. Me siento orgulloso, porque hicimos un buen trabajo. Este año se cumplen 10 años de ese reportaje y ver que todavía es una historia que puede sorprender a la gente y que puede ser contada en dos formatos, creo que habla bien de la historia, no más allá de nosotros o lo que sea, sino genuinamente de eso.

MÚSICA

FOTOS CARLOS MORA

AMAZON SE UNE AL

VIVE LATINO 2024

Paul Forat, Head de Amazon Music en México.

AMAZON

se une a OCESA para ser el patrocinador de uno de los festivales de música más emblemáticos de México: el Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino. El Vive Latino es un referente de la cultura musical no solo en la región, sino en el mundo, y gracias a la importancia que tiene el festival y la conexión con el público fue que Amazon decidió, por primera vez desde su llegada a México, unirse a un festival de música de este calibre. El objetivo principal de esta colaboración es que todos los asistentes puedan vivir una experiencia única de la mano de Amazon dentro del festival, junto con la música que disfrutan, mediante actividades para los fans y clientes, donde se siga promoviendo la manera en que nuestro país impulsa la cultura y el entretenimiento.

“Reconocemos la valiosa labor del comité organizador del Vive Latino que, a través de 24 exitosas ediciones, ha ofrecido una experiencia inolvidable a todos sus asistentes con artistas de primer nivel, tanto nacionales como internacionales. Amazon se identifica con el Vive Latino ya que también comparte la pasión de ofrecer día con día la mejor experiencia de compra a sus clientes, una pasión que buscaremos transmitir a todos los fans y asistentes de este increíble festival”, señaló Gabriel Mas, Chief Marketing Officer de Amazon México.

Amazon tendrá diversas sorpresas para que tanto artistas como asistentes puedan conocer lo que ofrece en esta edición, y de esta forma disfruten al máximo el festival y pasen el mejor fin de semana

del año. Dentro de las sorpresas que tenemos preparadas para los asistentes se encuentran: “Nos sentimos orgullosos de unir el nombre Amazon Music a este prestigioso festival, con el que arrancamos una estrecha y duradera colaboración para seguir complaciendo y ofreciendo más experiencias para los fans de la música. Vive Latino nos ofrece una oportunidad única de conectar con los fans y sus artistas favoritos a través de experiencias únicas.

"Amazon se caracteriza por esa pasión por el cliente, y ahí es donde nos encontramos, seguros de que va a ser algo especial. Referente a la cultura, no solo en México, sino en Latinoamérica, la cultura musical es algo muy importante para Amazon. El objetivo principal es muy simple: brindarle a los fans, de la mano de Amazon. Por eso estamos aquí. Y es la primera vez que Amazon hace algo de estas características, donde unimos la gran mayoría de las áreas de Amazon", comentó Paul Forat, Head de Amazon Music en México.

Redacción