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JACKIE CRUZ FOTO CARLOS MORA

TRAE SU CIELITO LINDO A MÉXICO

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JOSÉ MANUEL RINCÓN AGRADECIDO CON LA ACTUACIÓN

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MARÍA AURA LE APUESTA TODO A EL GALLO DE ORO

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MEMO VILLEGAS Y V E R Ó N I C A B R AVO L A ME JOR DUPL A EN HARINA 2

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ADRIANA LLABRÉS FOTO PINPOINT

ORGULLOSA DE SU TRABAJO EN TODO EL SILENCIO

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Ó S C A R

U R I E L

ARR ANCA UNA NUE VA TEMPOR ADA DE T.A.P.

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ALEXA CASTRO

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REVISTA CAMEO nace con el fin de difundir los proyectos de cine, series y teatro

AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

NÚMERO 27 OCTUBRE 2023 A ÑO 3 REVISTA DIGITAL

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Cinthya Salas Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Angélica Ramírez

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cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO revista_cameo issuu.com/revistacameo

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SERIES

J O S É

M A N U E L

R I N C Ó N

AGRADECIDO CON LA

ACTUACIÓN En 2019 el actor originario de Sonora debuto en el mundo de las plataformas de streaming en la serie Monarca de Netflix, ahora regresa con Pacto de silencio, una serie de crimen, drama y misterio mexicana, creada por José Vicente Spataro. También protagoniza Senda prohibida, la historia original de ViX+ al lado de Ela Velden y Raúl Méndez. por C A R L O S M O R A

Regresas a Netflix en la serie Pacto de silencio, ¿cómo te sientes del estreno?

Es un producto muy bueno, tiene una buena historia, intrigas que me parece muy interesante. El elenco es genial. De los actores con los que interactué más cercanamente, podrás verlos en la historia, especialmente con Camila Valero, ella es la protagonista y creo que es una gran actriz está haciendo un gran trabajo al contar esta historia que combinan melodrama con misterio e intriga. También al lado de dos grandes de la actuación que son Kika Edgar y Antonio de la Vega quienes interpretan a mis padres en la historia. Y me siento muy feliz y orgulloso de la serie.

Háblame un poco sobre tu personaje y de qué trata la historia.

Mi personaje es el hijastro de Kika Edgar. Esta familia está involucrada en la política, y ella está buscando un cargo político en las próximas elecciones.

Entonces, Camila Valero, quien está buscando a su madre, lo que es un elemento principal en la trama se acerca a mí para investigar y descubrir más sobre su familia y la posibilidad de que sabber quien es su madre.

Me gusta que las series brinden oportunidades a jóvenes talentos, también protagonizan Senda Prohibida en ViX+. ¿Qué opinas sobre estas oportunidades en comparación con las telenovelas?

Creo que la diversidad de oferta siempre es beneficiosa. La competencia nos lleva a ser más exigentes como espectadores y creadores. Ver a otros proyectos interesantes nos desafía a mejorar y atraer a la audiencia, lo que es cada vez más complicado en estos tiempos. Las plataformas y las series nos ofrecen oportunidades valiosas, especialmente para actores jóvenes como yo, que están empezando. Lo veo como una gran responsabilidad y un desafío emocionante.

Hablemos sobre la diferencia entre trabajar en series y telenovelas.

En las telenovelas, el tiempo es valioso y no suele haber mucho espacio para la exploración creativa.

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En las series, aunque el tiempo sigue siendo importante, hay más flexibilidad para proponer ideas y enriquecer la historia. También, la forma en que se consumen las series permite a los actores y creadores mantenerse alerta y mantener la atención del público. En resumen, las series ofrecen un ambiente más propicio para la creatividad y el desarrollo de personajes.

Sobre la duración de los proyectos, ¿cómo te sientes acerca de trabajar en series más cortas en comparación con las telenovelas más largas?

Las series más cortas permiten una mayor variedad de proyectos y me mantienen en constante movimiento, lo que es emocionante. También, al estar en proyectos más cortos, me obliga a seguir buscando trabajo y a no quedarme en mi zona de confort. Las telenovelas, por otro lado, pueden cambiar a medida que se desarrollan, lo que agrega sorpresa y desafío para los actores.

Trabajas al lado de grandes actrices y actores, ¿cómo te sientes?

Trabajar con el elenco de Senda Prohibida ha sido una experiencia enriquecedora. Ela Velden, Raúl Méndez, Iliana Fox, Plutarco Haza, por mencionar a algunos, la verdad que es un placer como actor estar al lado de gente tan genenora, quiero resalgar a la maestra Ofelia Medina, una actriz con toda la trayectoria del mundo y que sea tan generosa ha sido una lección valiosa en mi vida.

Por otro lado, con Chantal Andere en Pacto de silencio, en particular, es una actriz talentosa y una amiga con la que ya había trabajado anteriormente. Esto creó un ambiente de confianza que permitió propuestas creativas y una buena colaboración en las escenas.

Por último, ¿cómo fue conocer a Salma Hayek cuando produjo la serie de Monarca de Netflix?

Conocer a Salma Hayek fue emocionante y un honor. En la comida previa al estreno, me sorprendió su entusiasmo y su interés en la serie. Hizo preguntas sobre nuestras opiniones y perspectivas

Corina (Ela Velden) y Roberto, en Senda Prohibida.

de los personajes, lo cual me mostró su compromiso con el proyecto.

Su actitud abierta y apasionada fue inspiradora. Salma es un ícono en la industria y fue una experiencia enriquecedora conocerla y trabajar en la serie con ella. ¿Qué género te gustaría explorar en el futuro?

Me gustaría explorar el género de terror. Creo que sería emocionante trabajar en escenas de miedo y misterio. Además, en México se están haciendo cosas interesantes en el cine de terror, por lo que considero que sería un desafío emocionante. ¿Cómo ha sido la transición de mudarte de Sonora a la Ciudad de México?

La transición de Sonora a la Ciudad de México fue un cambio importante. Me ha llevado tiempo adaptarme a la ciudad y al mundo del entretenimiento aquí. Ha habido adversidades y desafíos, pero mi pasión por contar historias y mi determinación han sido mi impulso para seguir persiguiendo mi sueño en la actuación. | 15

SERIES

MARÍA AURA

"Me gusta dar vida

a mujeres fuertes" La actriz viaja en el tiempo a la década de 1940 en su nuevo proyecto, El Gallo de Oro, la producción más reciente de ViX+. En esta historia, la actriz mostrará su talento vocal al interpretar a Lucha Padilla, una mujer de moral distraída que, además de cantar en los palenques, hará lo que sea necesario para sobrevivir, sin importar con quién tenga que cruzarse. por C A R L O S M O R A

FOTO PINPOINT

¿Qué me puedes contar sobre la nueva serie en la que participas, El Gallo de Oro? Es un proyecto increíble. Es una serie de época con una atención especial a la ambientación, el arte, la fotografía, el vestuario y las locaciones. Fue un sueño para mí poder formar parte de esta serie y interpretar a un personaje tan divertido como Lucha Padilla.

Me parece increíble que ViX+ apueste por historias arriesgadas y diferentes, y también dé la oportunidad a un elenco diverso. Esto nos permite salir un poco de la convención y de la comercialización pura y dura, permitiendo que actores con experiencia en teatro y cine formemos parte de la serie. Esto habla de un deseo por parte de la producción de ofrecer algo más cinematográfico y enriquecedor a través de esta serie.

¿Cuéntame más sobre tu personaje, Lucha Padilla?

Claro, ella es una cantante de palenques que ha tenido una vida muy dura y vive en una época en la que las mujeres tenían mucha menos libertad que ahora. La única forma para ganarse la libertad era la vida ligera, además de ser cantante. Es un personaje muy apasionante porque es una mujer con mucha vida interior y con poca solvencia en general en la vida. Es una mujer bastante sola, pero es muy hábil para ganarse la vida y para encontrar las maneras para conseguir lo que quiere. Es un personaje atrevido y arrojado y rivaliza con La Caponera, el personaje que interpreta Lucero. Fue maravilloso trabajar en estas escenas y cantar con Lucero. Actuar 18 |

con Plutarco Haza, con quien nunca había trabajado antes, también fue increíble. Es un actor generoso y talentoso. ¿Cómo te preparaste para cantar?

No es fácil, y el reto de cantar con Lucero me tenía bastante asustada. No soy cantante, soy actriz y aunque he tomado clases de canto, no soy cantante. Estaba tan asustada que me quedé afónica en un momento. Tuve que tomar clases de canto y preparar las dos canciones que me tocaba cantar. Al final, logré grabar mis canciones y hacer las escenas en las que canto. Fue una experiencia maravillosa y emotiva.

EL GALLO DE ORO Dónde ver: ViX+

¿Cómo es para un actor entrar en el set de una serie de época?

Es muy divertido, pero también requiere preparación. Es importante estudiar cómo se comportaban las personas en esa época, cómo se vestían y cómo caminaban. Mi personaje, Lucha Padilla, rompe las reglas de su época, lo que lo hace interesante. A pesar de vivir en una época en la que muchas mujeres no tenían tanta libertad, ella es desparpajada, libre y atrevida. Es un personaje que vive sin ataduras. ¿La serie está dirigida por Chava Cartas?

Sí, Chava Cartas es un director talentoso. Fue genial trabajar con él porque tenía una visión clara de cómo debía ser la serie y qué tono debíamos seguir. Igualó al elenco para que todos estuviéramos en la misma sintonía y buscó escenas realistas y auténticas.

FOTOS VIX+

¿Qué opinas sobre las plataformas que están apostando por novelas de escritores latinos, como la adaptación de la novela de Juan Rulfo?

Me parece increíble. El Gallo de Oro es una novela fascinante que es perfecta para una serie. Además, el formato de serie permite explorar la historia, los personajes y profundizar en sus vidas. A pesar de que mi personaje no existe en la novela original, es emocionante imaginar el universo de la serie. La descentralización de la cultura es crucial, y el talento no se limita a la Ciudad de México. ¿Qué opinas sobre la diversidad en el elenco de la serie?

Se nota que hubo mucho cuidado en la selección del elenco para que la historia se contara de la manera deseada. Lucero es una actriz talentosa, y aunque haya estado tiempo sin actuar, su experiencia se refleja en su trabajo. Esta serie le permite mostrar su versatilidad. La diversidad en el elenco es fundamental y enriquece la serie. ¿Tienes proyectos adicionales en marcha?

Sí, estoy presentando mi monólogo Dios te hará invencible con esa espada en mi teatro en Querétaro. Es un monólogo de Juana de Arco en el infierno y que habla sobre la violencia contra las mujeres en México. También estaré haciendo una pastorela llamada Al contrario Luzbel, un proyecto familiar. Además, tengo tres películas por estrenar que espero que se lancen pronto. Mi carrera sigue adelante. | 19

SERIES

MEM O VILLEG A S Y VERÓ NIC A B R AVO

LA DUPLA PERFECTA

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El teniente Edson Prieto (Guillermo Villegas) y la oficial Ramírez (Verónica Bravo) regresan a la pantalla con nuevas aventuras y misterios que resolver en la segunda temporada de la serie de comedia Harina: Pericos, Rezos y Muerte.

B

por C A R L O S M O R A

ajo la dirección de Salvador Espinosa, en esta nueva temporada, creada y escrita por Pedro Esteves y Carlos Reichel, el teniente Prieto continúa con una vida de excesos, aunque su estatus de celebridad mexicana ha decaído, incluso para su hija Isabel, quien vive en Estados Unidos con su madre y su padrastro, y entiende que la fama de su padre proviene del abuso de drogas, y ya no lo mira con ojos de admiración. Por su parte, Ramírez, quien fue ascendida, sigue cada vez más dedicada y enfocada en su carrera. La vida de los dos policías más famosos de México dará un giro inesperado al tener que investigar el misterio de una nueva droga que poco a poco revelará una conexión inesperada e intrigante con el oscuro pasado de Ramírez en Puebla.

La primera temporada de la serie original Harina fue un éxito de audiencia en televisión y streaming. En Comedy Central se ubicó en primer lugar en México, y en Prime Video estuvo en el top 10 de contenidos más vistos en México y Estados Unidos durante las primeras semanas después del estreno. ¿Cómo se sienten al regresar con esta segunda temporada?

Memo: Estoy muy emocionado y muy nervioso, como es una segunda temporada siempre tenemos ese nervio de que esperemos que supere a la primera o que por lo menos se mantenga en ese nivel.

Pero es más la emoción de seguir contando esta historia.

FOTOS PRIME VIDEO

Vero: Tengo mucha expectación de cómo la va a recibir el público.

Desde que leí los guiones, me pareció que estaba increíble. Me gusta que tiene esta cualidad de segunda temporada en la que sientes que el entramado y los personajes se profundizan, y aparecen nuevos personajes que mejoran la trama. Siento que aumentaron las apuestas para esta segunda temporada y yo creo que la vamos a llevar a buen puerto, y estoy muy emocionada por ver cómo la reciben los fans. | 21

HARINA: PERICOS, REZOS Y MUERTE Dónde ver: Prime Video

Chava: ¿Cuál es uno de los retos de esta segunda temporada?

Es bastante complicado. En mi experiencia, muchas veces las segundas temporadas son las más difíciles.

Crees saber lo que funcionó bien en la primera temporada y decimos, "¿por qué no replicamos esto?" Pero creo que la manera de abordarla con seguridad es tomando riesgos, que es lo que sucedió con la primera. Hay que serle fiel a nuestras ideas, a nuestro lenguaje. A mí me emociona mucho que esta temporada es diferente, sigue siendo "Harina", pero es una historia que se centra un poco más en el teniente Harina y en Ramírez. La trama policíaca es mucho más importante y crece, y otras historias de otros personajes. Me parece muy emocionante llevarlo a un lugar que de cierta manera se siente un poco más arriesgado, entonces creo que la mejor manera de tomarlo es hacerlo y ya el público decidirá. ¿Memo y Vero hacen una muy buena mancuerna actoral? ¿Qué han aprendido uno del otro?

Memo: Yo he aprendido muchísimo de Vero desde que la conozco. Siempre digo en las entrevistas que ella me enseñó una frase que dice: "el trabajo no traiciona", y la acabo de usar aquí en donde estoy filmando en España.

Trabajar con ella es una comunicación más allá de lo actoral. Nunca vamos a competir, como a veces puede suceder en algún set. Siempre vamos a estar a favor de que la escena sea mejor, ya sea como pareja policial o como pareja, en el sentido que tuvimos en la película de los 15. Si me dicen que mi compañera va a ser Verónica, sé que mi lado de actor se va a enriquecer. No hay manera de disminuir la calidad de una escena si Verónica es mi compañera.

Vero: A mí también me maravilla ver a Memo y el arrojo que tiene como actor. Lo que más he aprendido es que es un clavado, no estudia de la forma convencional, está siempre con su texto, subrayando y haciendo sus notas, pero todo el tiempo está pensando en el personaje que está filmando en ese momento. Y eso quiero tenerlo. | 23

Cada vez que no sé cómo salir de una situación, esta forma de no soltar jamás el personaje es algo que él tiene y que tiene que ser siempre. Creo que Memo lo tiene muy bien entendido, y por eso es genial lo que hace. ¿Qué les ha dejado trabajar en Harina?

Chava: Mucha satisfacción. Obviamente, al tener éxito, te abre buenas puertas profesionalmente, pero lo más importante es la satisfacción. A pesar de que nuestro trabajo es muy chido en general, es difícil que dentro de lo padre que es, además hagas algo que te encanta. Esta serie a mí me encanta. Hacerla me divierte, me emociona ver cómo se verá editada. La temporada anterior la vi 10 veces. Este centro de editarla y verla terminada, ahora ya estoy empezando a verla otra vez. Y eso es algo muy padre, poder ver el trabajo que hiciste y disfrutarlo. No pasa siempre, entonces me siento con mucha satisfacción y muy agradecido.

Memo: Para mí, es un sueño en realidad. Me han preguntado si no tengo miedo de que me encasillen en un papel, pero siempre he dicho que me encanta lo que ha pasado con Edson Prieto, y todo lo que ha pasado con "Harina" hasta este punto de mi vida me encanta. Me encantaría seguir extendiendo este universo.

No sé cuántas temporadas, pero una más si me aviento. Si siguen funcionando las cosas como hasta ahora, si sigue este equipo, si sigue siendo. Esto era lo que yo soñaba cuando aspiraba a ser actor de chiquito, uno de los puntos que soñaba era esto. No hay encasillamiento, porque no se trata, sin demeritar a nadie, de una comedia al estilo de "El Chapulín Colorado", por ejemplo. Es una cosa distinta que yo disfruté muchísimo toda mi vida, pero él sí tenía unas fórmulas de siempre. Sabías que todos los capítulos iban a decir la misma frase y la estabas esperando siempre. Era la misma mecánica. Aquí no, es una comedia de otro tipo, donde los actores tienen que fluir bien en varios géneros y tipos de actuación, ya sea comedia, drama o como quieras llamarlo.

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Vero: Ahora que escucho a Memo decir lo del encasillamiento, pienso que lo chingón de "Harina" es que hemos sido muy valientes y nos hemos atrevido a tomar ciertos riesgos. Por lo tanto, no hay forma de que no sea un nuevo reto. Si nos aventuramos a una tercera temporada, estoy segura de que sería así, con esto nuevo del personaje, cómo lo afronto, el hecho de que sea una mezcla de géneros. No es una comedia claramente de comedia, sino que tiene género policíaco y mucho drama e intensidad. Eso hace que se vuelva delicioso de actuar e interpretar. Y no te encasilla en un molde, el personaje es tan grande como lo vayamos imaginando, y cada temporada descubres algo nuevo del personaje porque no hay nada rígido. Lo mágico de "Harina" es que es un proyecto hasta ahora sin sentirme, yo por lo menos, encasillada en un género, en un tono, en un personaje, porque es muy grande. | 25

SERIES

La actriz se apasiona cuando habla de la comedia, uno de los géneros favoritos de la actriz. "El humor negro y ácido es mi comedia favorita. La verdad disfruto mucho haciéndola", confiesa en una entrevista con la Revista Cameo. por C A R L O S M O R A

LUZ ALDÁN

"Disfruto mucho hacer comedia negra"

FOTO PRIME VIDEO

Platicamos sobre su reciente participación en las series de Supertitlán, Harina y Backdoor, que estrenan en Prime Video. "Es muy bonito estar en esta plataforma, ya me siento como en casa", afirma. ¿Qué te dejó trabajar en Supertitlán, la versión mexicana de Superstore, y de dar vida a Diana?

Yo soy muy fan de SuperStore y justo mi personaje favorito era Dina. Cuando me llegó el casting, no lo podía creer. Estaba súper nerviosa y emocionada, y creo que al final, con la dirección y mi trabajo, se logró que la esencia del personaje estuviera presente, sin importar de dónde viniera o dónde se situara la historia. Creo que se logró mantener la esencia del personaje, lo cual fue de las cosas más importantes. A pesar de que se situara en México, la esencia del personaje se mantuvo y eso, para mí, fue de las cosas más importantes, ya que se basaba en algo que ya estaba hecho. ¿Qué opinas de las versiones que se hacen para México?

Creo que hay público para todo y cada adaptación tiene su propio toque. SuperStore es una comedia con un humor negro muy inteligente, y había que adaptarse a eso, haciendo que nuestro humor y nuestra visión como mexicanos se acoplaran a ese humor tan estadounidense. La mezcla y adaptación fueron increíbles. Soy muy fan de ese tipo de humor, y creo que aquí se logró mantener la esencia de la serie original. ¿Cómo fue trabajar con el elenco?

Fue un elenco increíble. Fuimos muy afortunados porque la mayoría del elenco tenía experiencia en teatro, y esto aportó frescura y una manera distinta de hacer las cosas. Actores de la talla de Carmen Ramos, Laura de Ita, Carlos Orozco y otros enriquecieron el proyecto. Además, el hecho de no introducir personajes que no estaban en la versión americana y simplemente hacerlo funcionó de manera excepcional. Hacía falta unir fuerzas entre el teatro, el cine y la televisión, y creo que esto es un paso importante para producir contenido de calidad en México.

También estrenas la segunda temporada de Harina: pericos, rezos y muerte. ¿Cómo te sientes?

Espero que tenga tanto éxito como la primera temporada, porque quedó increíble. Personalmente, me gustó mucho más esta segunda temporada. Los escritores mexicanos hicieron un trabajo fenomenal, y el elenco de Backdoor, que está en Harina, se lleva muy bien, lo que se nota en la química en pantalla. Todo fue una mezcla perfecta.

Manejas muy bien el humor negro y ácido. ¿Qué opinas de este tipo de comedia?

Es mi favorita, el humor negro y ácido son mi comedia favorita. Disfruto mucho haciendo y viendo este tipo de humor. Siempre digo que para hacer comedia es necesario consumirla, ver diferentes tipos de comedia de otros países, teatro cómico en todas sus formas, y leer comedias. En mi caso, el humor negro y ácido es lo que más he estudiado y a lo que más me he dedicado en los últimos años. Espero seguir haciéndolo, ya que siento que me mantiene viva y alerta.

Recientemente estuviste en el musical Jamie, ¿qué te gusta del teatro?

Lo que me gusta del teatro es que está vivo. No hay cortes, es una sola toma y a seguir. Esta magia es única del teatro. Cada forma de entretenimiento tiene su propio encanto, pero la frescura y la vivacidad del teatro no se pueden comparar. Estar en alerta constante es algo que no dejaré de hacer. El teatro también es un excelente entrenamiento para nosotros, como actores, para estar en constante preparación.

SERIES

LAURA DE ITA

"LA VIDA ES UN CASTING":

FOTO CARLOS MORA

Conversamos con la actriz y cantante Laura de Ita sobre su participación en la serie Supertitlán, que recientemente se estrenó en Prime Video.

"Es un regalo del último cuatrimestre del año, me siento muy feliz".

por C A R L O S M O R A

¿Cómo creaste a tu personaje, Lola?

Primero, había hecho casting para el personaje de Remedios y luego, en el callback, me dijeron que querían que leyera para Lola. Les gustó mucho y me quedé con ese personaje. Me dijeron: "Tú eres Lola". Y sí, soy melodramática y de buen corazón.

Ella vive con su mamá, y aunque yo no vivo con la mía, soy vecina. La verdad es que tengo una Lola dentro de mí porque me gustó esta simbiosis que hago con mi personaje. Por otro lado, me encanta que tenga un trabajo de oficinista. Está en su banco dentro de Supertitlán. En eso no me parezco a mi personaje, ya que Lola tiene sus horarios, mientras que yo, como actriz y cantante, soy freelance y vivo altibajos (risas).

Sobre el elenco, ¿qué opinas?

Fue muy divertido. Cada uno tenía su ritmo, y no podíamos usar apuntador, así que todo tenía que ser aprendido de memoria. Si queríamos cambiar alguna palabra para que encajara mejor, podíamos hacerlo, y los guionistas nos daban la oportunidad para que todo fluyera mejor. Casi dos años después de terminar de grabar, ver la serie en Prime Video todavía me hace reír.

Algo que me gustó de esta versión mexicana es que, aunque los personajes principales como Jonás (Jesús Zavala) y Amelia (Sofía Espinosa) son los más centrados, todos los demás que estábamos alrededor de ellos estábamos como "loquitos". Estábamos en otro mundo dentro de la serie, y eso fue muy simpático. Para mí, nos veíamos como niñotas jugando, grabar esa serie fue muy divertido, especialmente por la improvisación de nosotros, los actores. Incluso el director nos decía: "Piensen en estas mujeres de Pedro Almodóvar que están al borde de un ataque de nervios", y así nos sentíamos, súper divertidas.

Para ti, ¿cómo es hacer comedia?

Para mí, el humor, la comedia farsa y el cabaret son muy sanadores. En algunos momentos de mi vida, me han salvado. Me gusta burlarme de mí misma. Sé que la vida es bella, pero también es difícil, llena de conflictos, problemas que

resolver y pérdidas que a veces te rompen el corazón. Por eso, el humor, burlarse de uno mismo y de ciertas situaciones, es como una vacuna. Te caes y te levantas de nuevo. Creo que sin la risa y el humor, no sé qué sería de mí. Todo sería tan triste y plano. La risa es necesaria para la vida.

Sobre las adaptaciones de series americanas, como Superstore, que hacen la versión mexicana Supertitlán, ¿qué opinas?

Creo que esta serie en particular funciona muy bien en diferentes países, porque de alguna manera, el tema central es universal. El amor, las pérdidas y los clientes son temas comunes en todo el mundo, ya que todos los países tienen supermercados. Está mal cuando el público se cierra y dice: "Ay, no, la versión mexicana va a ser mala", pero no necesariamente es así.

Creo que primero deben explorar y ver qué se hizo y luego opinar. En el caso de México, la adaptación fue muy divertida, un caos que refleja nuestra adorada Ciudad de México. ¿En qué otras cosas estás trabajando?

Actualmente, tengo una banda de música llamada Las Luz y Fuerza, y tocamos electro cumbia. La música me da una perspectiva diferente de la vida, en comparación con ser solo actriz. Me encanta el mundo de la actuación, pero abrirme a otras disciplinas me da una dimensión adicional y aligera esa sensación de rechazo que a menudo experimentan los actores. Hemos vendido canciones a amigos directores para sus películas, ya sea largometrajes o cortometrajes, lo cual es muy gratificante al integrar la música en proyectos de cine. Tenemos muchos proyectos para la banda y numerosos conciertos por venir.

También, en cuanto a actuación, tengo un monólogo de Darío Fo llamado Tengamos el sexo en paz, que es una adaptación para jóvenes en escuelas. Aborda temas como cómo ligar con alguien, o cómo el buen humor es mucho más seductor que discutir medidas físicas, por ejemplo. Además, tengo varios proyectos de películas que se estrenarán el próximo año y una serie en proceso.

SERIES

ÓSCAR URIEL HABLA DE T.A.P

"Siempre digo que la última temporada es la mejor"

T.A.P, Taller de Actores Profesionales, arranca su 12va temporada en la que 13 grandes personalidades de la actuación mexicana, en compañía del periodista Óscar Uriel, rememorarán sus inicios en esta profesión, así como sus mejores y peores momentos.

FOTOS IQ ICUNACURY ACOSTA

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por C A R L O S M O R A

Siempre es un evento muy importante para nosotros el lanzamiento de TAP, porque cada temporada la hacemos pensando que es la primera, así llevamos ya 12 y queremos que esto continúe", comentó en entrevista.

¿Cuál es la clave del éxito?

Yo creo que gran parte del éxito del Taller de Actores Profesionales T.A.P se debe a los seguidores del programa, a esos fans a quienes estamos realmente muy agradecidos. Gracias a sus visitas en YouTube y al registro de audiencia que año con año nos proporciona Canal Once, nos permite seguir ofreciéndoles el Taller de Actores Profesionales. ¿Cuál es el reto de hacer cada programa?

Soy una especie de esponja y no se me puede escapar nada, así que mi atención está al 200 por ciento en cada programa que hacemos.

Después llego a casa y no puedo ni moverme, y pienso, "ah, caray, si no hice ejercicio físico", pero es que realmente es muy demandante hacer cada programa, implica prestar mucha atención a los detalles.

Honestamente, es una experiencia gratificante. La cantidad de cosas que hemos vivido, a veces no nos damos cuenta hasta que estamos en el escenario escuchando a nuestros compañeros contar sus anécdotas de vida y sobre el oficio de la actuación. Estamos enormemente agradecidos con todos los invitados de estas 12 temporadas.

Siempre digo que la última temporada es la mejor para mí, pero la verdad es que todas lo han sido. Estoy, y estamos junto con toda la producción, muy orgullosos de todo lo que hemos logrado. ¿Qué actores y actrices participarán en esta nueva temporada?

Comenzamos con la gran Úrsula Pruneda, ella es nuestra primera invitada, después el señor Humberto Busto, Michelle Rodríguez,

Flavio Medina, Jacqueline Andere, Jimena Ayala, Christian Ferrer, Mauricio Ochman, Eréndira Ibarra, Valeria Vera, Adriana Paz, Ana Martín, y terminamos con el gran maestro Luis de Tavira. Creo que es una de las temporadas más emocionantes de T.A.P, Taller de Actores Profesionales.

ALGUNAS INVITADAS ÚRSULA PRUNEDA Su talento la ha hecho acreedora al Ariel a la Mejor Actriz por El sueño de Lú, así como múltiples nominaciones y reconocimientos en encuentros de cine internacionales; este año recibió el premio a Mejor Coactuación Femenina de la 65ª edición de los Premios Ariel por su interpretación en Trigal.

MICHELLE RODRÍGUEZ Proviniente de Xochimilco, al sur de la Ciudad de México, Rodríguez estuvo Iinclinada en un inicio por el Diseño y la Comunicación Visual, licenciatura que cursó en al UNAM; sin embargo, su verdadera vocación sería la actuación, un camino en el que daría su primer paso al comenzar a estudiar Teatro Musical en ​​Arte Estudio. Su deseo por conectar con el público la llevo a adentrarse en el mundo de la dirección y crear, en conjunto con Fernanda Eguiarte, la serie La flor más bella (2022) para la plataforma Netflix. Una exitosa comedia dramática basada en sus vivencias personales, en donde el personaje protagonista es un alter ego de su persona. | 33

ARANTZA RUIZ SERIES

SE DECLARA FAN DEL

K-POP

La actriz participa en L-POP, la nueva serie original de Disney+, que durante seis episodios que se sumerge en el universo de este fenómeno global nacido en Corea del Sur. Ella da vida a Indra, un personaje con el cual se siente muy identificada.

por C A R L O S M O R A

"El K-POP tiene muchos años, pero en México llegó fuerte

hace unos cuatro años. Siento que se habían tardado en sacar una serie sobre el tema, porque, al igual que podemos ver películas de la India y del cine danés, también escuchamos música de todo el mundo", explica la joven durante la entrevista con la Revista Cameo. ¿Cómo te sientes al estar en este proyecto?

Realmente me siento bendecida. Sé que seguramente te lo dicen mucho en cualquier proyecto, pero en mi caso, es un sueño hecho realidad. Es el sueño y el deseo que una niña de cinco años pidió a una estrella de Disney Channel. Entonces, es como el milagro más bonito que me ha pasado en la vida. ¿Qué te gustó de tu personaje?

Me gustó que Disney se aventuró a hacer un personaje tan distinto, porque todos sabemos en el estado en el que está todo el tiempo.

Entonces, me parezco mucho a Indra porque las dos somos apasionadas por la energía y nos manejamos a través de la astronomía.

GLOSARIO DE K-POP ONLY STAN: el fanatismo por un único grupo de K-pop MULTISTAN: el fanatismo por más de un grupo de K-pop IDOL: artistas coreanos.

Incluye cantantes, actores, modelos, bailarines y músicos

Incluso el corte de pelo lo decide por la luna.

Curiosamente, la mayor parte de mis personajes siempre tienen algo de mí. Pero Indra es muy diferente a todo lo que había hecho antes, porque Disney te da la posibilidad de llevarlo al extremo, de hacer caras raras y exagerarlo. Nunca había sido así, y más en el género de la comedia. Siento que la comedia es un género muy difícil. Soy de las personas que creen que o la tienes o no la tienes. Puede aprenderse, pero con un guión tan bien escrito, no había mucho que hacer. Una vez que teníamos al personaje, los chistes que íbamos incorporando eran porque ya habíamos hablado del tono y estábamos de la mano del director. Creo que Indra es un conjunto del trabajo en equipo. ¿Qué tan fan eres del K-POP? Soy muy fan, desde hace muchos años. Me la paso cantando canciones mientras barro mi cocina o mientras cocino. Un día dije: "Voy a ser cantante de K-POP", y justo a la semana me llamaron de Disney, y al mes y medio estaba grabando la serie. ¿Cómo ves la influencia de Corea en el mundo?

Como dice la serie, somos el quinto país que más escucha K-POP en el mundo. Cuando vino Black Pink, vinieron a sacarnos nuestro dinero, y vieron que hay un mercado muy extenso. Luego vinieron otros grupos. Somos una comunidad de fanáticos muy apasionada, y en Latinoamérica, este género está teniendo un gran impacto, pero México destaca. México ya es un punto global del entretenimiento. Además de las películas de

Hollywood, también tenemos las telenovelas, y mucha gente de toda Latinoamérica viene a México en busca de un sueño. Esto hace que haya una convergencia tan grande de culturas, y cuando hay algo tan bueno como el K-POP, comienza a expandirse rápidamente de boca en boca. ¿Por qué crees que a los jóvenes les gusta tanto el K-POP principalmente?

Me encanta lo extravagante que son los videos.

Empecé a escucharlo en la pandemia. Recuerdo la primera vez que vi un video de Black Pink y dije: "Esto está increíble". Son cuatro chicas preciosas que cantan increíble, bailan impresionantemente y la producción del video es asombrosa. Cada video de equipo es una obra de arte, y te pones a investigar un poco más. Te das cuenta de que la cultura del K-POP es un show en sí mismo.

Los jóvenes que estudian desde los ocho años para debutar a los 14 o máximo 18 y se dedican a ello toda su vida. Les enseñan coreano, japonés, inglés y español para que puedan cantar canciones en todas sus versiones. La perfección que logran en el género es casi robotizada, pero tienen tanta alma que para mí son dioses de la música.

Estaba hablando con la chica que lidera el club de fans de Black Pink, y me dijo que era psicóloga y que esta serie representa a muchas personas que tenemos padres, abuelos e incluso hijos a los que no dedicamos tanto tiempo. A mí me emociona hablar de K-POP, me inspira, no sé por qué, y siento que eso es lo que tiene la comunidad, lo que no tienen otras comunidades. El K-POP te motiva a investigar, a conocer a los artistas, entender de dónde vienen. Es muy emocionante.

BIAS: el miembro favorito de un grupo de K-pop BIASWRECKER: se refiere al miembro del grupo que te hace dudar de quién es tu integrante favorito y lucha por convertirse en tu bias ULTIMATE BIAS: el idol que más te gusta de todos los grupos de K-pop VISUAL: el miembro de un grupo que se distingue por su belleza hegemónica MAKNAE: el miembro más joven del grupo FANDOM: el grupo de fanáticos que apoya a un idol o grupo FANCHANT: el coro de los fans de una banda para apoyarla durante una presentación AEGYO: expresiones tiernas que transmiten dulzura.

Muchos idols hacen gestos de aegyo a pedido de sus fans, como el popular “corazón coreano” TRAINEE: Se les llama a las personas que lograron unirse a una empresa de entretenimiento y están entrando para poder debutar como idol COMEBACK: se refiere a un nuevo lanzamiento musical de un grupo

SERIES

HUMBERTO ZURITA ESTRENA LA TERCERA TEMPORADA DE INEXPLICABLE LATINOAMÉRICA LA PRODUCCIÓN original basada en la exitosa franquicia original de History Inexplicable con William Shatner que profundiza en los eventos más misteriosos de la región latinoamericana.

América Latina es una tierra repleta de riquezas naturales y culturales, con todo tipo de increíbles y extrañas historias, que se entrelazan entre lo místico, lo popular y lo oculto; y la serie Inexplicable Latinoamérica con Humberto Zurita se adentra en muchas de estos hechos y leyendas, algunos conocidos y otros no tanto, que todavía no tienen explicación. En esta nueva temporada el anfitrión a cargo de desvelar los misterios y secretos más protegidos de Latinoamérica es, por segundo año consecutivo Humberto Zurita.

“Estoy realmente feliz de formar parte de esta nueva temporada porque además el resultado de la pasada tuvo mucho éxito y estoy contentísimo con eso”, cuenta Zurita, quien comparte su rol como presentador de aquellos casos sobre lo inexplicable en América Latina: “Todo este halo de misterio que tanto la producción como William Shatner trabajaron, yo trato de retomarlo para que se quede en ese mismo tono. Pero obviamente, con mi interpretación de cada cuento, de cada historia”. “Además, las historias están muy bien documentadas y hay un trabajo muy, muy profesional, muy exhaustivo de buscar estas historias y de tratar de darles una coherencia para que el público pueda entender de qué estamos hablando”, agrega.

La nueva temporada de 12 episodios. El primer episodio de esta tercera temporada Crónicas de prisión, profundiza en historias impresionantes sobre crónicas paranormales de cárceles, con investigaciones que revelan variadas presencias espectrales en distintas cárceles de Argentina, Brasil y México, generando dudas y temor. Las escalofriantes historias expuestas sitúan sus escenarios, entre otros, en la prisión de Carandirú (Brasil), la cárcel del fin del mundo en Ushuaia, Argentina, y la prisión de Lecumberri en México.

“Los hacinamientos y estos lugares siempre llaman mucho la atención. Y siempre queda ese esa idea de que hay ruidos, de que alguien se aparece por ahí, que se escuchan los lamentos de los presos. Y creo que es algo interesante porque ‘Inexplicable’ no te da respuestas. No te está diciendo esto sí fue así. Sino te dice aquí está esta historia y tú saca tus conclusiones. Se tú el que el que decida así es verdad o es mentira lo que está ocurriendo”, explica Zurita.

INEXPLICABLE LATINOAMÉRICA Dónde ver: HISTORY, estreno 27 de octubre 22:00 hrs.

FOTOS HISTORY

LISTA DE EPISODIOS 1. CRÓNICAS DE PRISIÓN A través de investigaciones paranormales llevadas a cabo en cárceles de Brasil, Argentina y México, se han documentado numerosas presencias espectrales, desencadenando un sentimiento de temor y desconcierto entre los guardias, los detenidos y aquellos involucrados en dichas investigaciones.

2. SERES FANTÁSTICOS Los interrogantes sobre la realidad de lo sobrenatural aparecen en los misteriosos crímenes en Barranco, Perú, el avistamiento de una criatura en el lago Nahuel Huapi, Argentina, los gigantes en México; los los aluxes en Cancún; y el hallazgo de hadas momificadas en Tultitlán, México.

3. EVOLUCIÓN SECRETA La evolución humana contiene algunos enigmas que se actualizan con otros paradigmas. Los cráneos deformados, los hongos psicodélicos y hasta una posible conexión con los extraterrestres plantean nuevos puntos de vista donde la ciencia no alcanza para responder los más profundos misterios.

4. CEMENTERIOS Sumergidos en un mundo donde lo sobrenatural se entrelaza con lo humano, estos casos de Colombia, Argentina, Brasil y México exploran conexiones enigmáticas entre vivos y muertos, desafiando la muerte, despertando la fe y revelando la resiliencia en historias cargadas de misterio y esperanza.

5. ENIGMAS MÉDICOS Marta Anders, una actriz brasileña con tumores inexplicables, mejora después de una experiencia extracorpórea, o Candela Giarda, una niña argentina conectada a un respirador artificial, sobrevive sin explicación médica. Estos enigmas plantean la influencia de factores desconocidos en la curación.

6. MADRES SUPERPODEROSAS Un bebé prematuro resucita al abrazo de su madre. Un diseñador sale del coma al sentir las caricias de su madre fallecida. Una madre muere en el desierto pero su leche mantiene vivo a su bebé. Las madres pueden mostrar habilidades sobrehumanas para salvar a sus hijos en situaciones extremas.

7. NATURALEZA MISTERIOSA La naturaleza se presenta con sus enigmas. En Argentina, luego de años de sequía, ¿puede una máquina provocar lluvias? ¿Un árbol puede dar cruces en las pascuas? ¿Un acto de brujería puede provocar inundaciones catastróficas en Perú? ¿Acaso los OVNIS impiden que los huracanes lleguen a Tampico?

10. SACRIFICIOS Un arqueólogo buscando en la montaña descubre que el volcán exige más sangre. Estudiantes escuchan extraños sonidos durante la noche y hallan cráneos de niños. Encuentros inquietantes dan cuenta de posibles reclamos para más sacrificios, historias que plantean incógnitas sobre el futuro.

8. CONSTRUCCIONES INQUIETANTES Existen construcciones que tienen algo que decir. En un hotel de Argentina habita el espectro de una niña. La ciudad de San Pablo sufre una maldición ligada al número 13. Muertes antiguas y recientes lo confirman. OVNIs contactan a un hombre. Esto lo lleva a construir un impresionante Ovnipuerto.

11. PERCEPCIÓN ANIMAL ¿Los animales poseen habilidades extrasensoriales? Los perros y gatos captan señales que nosotros no percibimos. La conexión entre un caballo y su dueño puede desafiar la distancia. Existen animales que pueden anticipar desastres naturales. Sin dudas debemos prestarles más atención.

9. AMAZONAS Un explorador encuentra un manuscrito que describe una ciudad perdida. Encuentra una estatua y recurre a la psicometría para obtener más información .Otro científico descubre un río hirviente en Perú, desafiando las certezas científicas. La selva Amazónica contiene innumerables misterios ocultos.

12. ENTES MALIGNOS Arqueólogo investiga pinturas en Chihuahua y sueña con una mujer que se transforma en ser maligno. ¿Pesadilla real o trastorno del sueño? En Argentina, un periodista vive sucesos aterradores al encontrar la imagen del demonio en un libro. Historias que desafían la razón y muestran el poder del mal.

CINE

FOTOS CARLOS MORA

"No pienso dejar la comedia... me encanta, pero hay que ampliar el horizonte"

EUGENIO DERBEZ, destacó que la película Radical representa un cambio drástico en su trayectoria.

Ahora, está interesado en personajes dramáticos y quiere alejarse un poco de la comedia, un género que todavía le gusta pero que, por ahora, no le permite explorar temas que fomenten una mayor reflexión.

"Me encanta la comedia, y sigo creyendo en lo

que todos dicen: es más difícil hacer reír que hacer llorar. Pero, por alguna razón extraña, parece que la gente tiende a menospreciar las comedias en festivales y premios. Creo que por eso muchos comediantes, como Tom Hanks, Robin Williams y Adam Sandler, terminan incursionando en el drama, porque se dan cuenta de que el drama les otorga estatus y respeto", comentó en una conferencia de prensa para presentar su nueva película Radical.

En esta película, el actor mexicano abre el debate sobre el sistema educativo, tanto en México como en el mundo. Dirigida por Christopher Zalla, la película narra la historia del maestro Sergio Juárez, quien en una escuela con muchas carencias cambió la manera de enseñar a sus alumnos, logrando que mejoraran sus calificaciones y que la estudiante Paloma obtuviera el mejor promedio en matemáticas en la prueba nacional Enlace 2012, siendo comparada con la próxima Steve Jobs.

"Quiero que iniciemos una discusión; quiero que esta película despierte muchas conciencias. Este no es un problema local, sino que ocurre en toda Latinoamérica, África, India. Necesitamos hacer muchos cambios, por eso he elegido un camino diferente con esta película. Quiero que se inicie una conversación".

El actor de La misma luna señaló que la película no busca ser un ataque contra las autoridades educativas. En cambio, espera que vean en el maestro Sergio un ejemplo que se pueda replicar en todas las escuelas.

"Lo que quisiera es que los organismos responsables de la educación vean la película y no la interpreten como un ataque. No lo es. Por eso está filmada de esa manera. No estamos juzgando ni señalando. No queremos que se defiendan, sino que digan '¡Qué gran idea! ¿Por qué no hacemos algo? Vamos a tratar de mejorar las cosas'. Me encantaría que alguien se acercara a Sergio y le dijera: '¿Por qué no replicamos tu método?'", expresó Derbez, quien, para dar vida al profesor, sostuvo conversaciones en las que este le explicaba su deseo de que sus alumnos dejaran de memorizar y aprendieran a pensar.

El profesor Sergio Juárez resalta la necesidad de un cambio en el sistema educativo, que considera inviable para los tiempos actuales.

"Llevamos 100 años con el mismo sistema escolar. Los niños todavía reaccionan al timbre para

salir al recreo, entre otros aspectos que debemos cambiar. Toda la escuela está cercada; tenemos que hacer que la comunidad sea un poco más libre y disfrutable", afirmó.

El maestro Sergio comenzó a modificar su sistema de enseñanza en la Primaria José Urbina López, en Matamoros, Tamaulipas. Se inspiró para hacerlo después de ver un video de Sugata Mitra, un profesor del Reino Unido. Comenzó a incluir juegos en sus clases, a organizar equipos para que hicieran sus propios descubrimientos y a ayudar a los estudiantes a dejar atrás los problemas de sus hogares, aspectos que se muestran en la película 'Radical'.

Con esta película, Derbez también busca mostrar otro aspecto de lo que significa ser latinoamericano. "Me he propuesto cambiar la imagen que se ha proyectado de los latinos en Estados Unidos. En las películas de Hollywood, siempre nos presentan como pandilleros, asesinos o narcotraficantes. He tratado de dignificar, en la medida de lo posible, a los latinos".

Redacción

CINE

MALINTZIN 17

AMOR

UNA CARTA DE

Platicamos con Mara Polgovzky sobre su ópera prima Malintzin 17, resultado de un destino difícil y como el producto de años de colaboración con su hermano Eugenio Polgovzky.

"Encontré el material poco después de su muerte y mi acercamiento a él ha estado marcado por rituales de duelo y conmemoración. Desde el principio fue claro que la importancia de la cinta era múltiple: como testamento del amor entre una hija y su padre, perdido demasiado pronto; como un manifiesto ecológico; como un documental experimental; como la continuación póstuma de la trayectoria cinematográfica de Eugenio". por C A R L O S M O R A

S

eis años menor que Eugenio, Mara pasó lentamente de ser testigo de su formación como cineasta (guionista, asistente de dirección y coeditora), a participar activamente en ella. "Varios cineastas mexicanos se acercaron a mí para editar el material de 'Malintzin 17', pero, como la colaboradora más cercana de Eugenio, me encargué de dirigir este proyecto personalmente, trabajando con un equipo de profesionales con los cuales él había tenido una afinidad especial: Julio Chavezmontes y Pedro GonzálezRubio. Mi primera intención, marcada por el impacto de la pérdida de mi hermano, fue terminar la película tal como él lo hubiera hecho, fungiendo como una 'mano invisible', pero en vista de la falta de guion y las múltiples formas que la película podía tomar, me di cuenta rápidamente de que sería imposible. Es así que 'Malintzin 17' transmite una visión compartida: la mía y la de Eugenio, entrelazadas como resultado de una pérdida trágica", nos comparte en entrevista. ¿Cómo decidiste hacer este homenaje para tu hermano? Fue una forma de agradecimiento a mi hermano. Era una persona muy generosa conmigo; él me enseñó de alguna manera a hacer películas porque participaba con él. Después recuerdo que vi un folder que decía 'Pajarito'. Sabía que Eugenio había hecho unas pequeñas escenas de un pajarito fuera de su departamento. Fue maravilloso descubrir que había mucha riqueza de diferentes momentos que había filmado, también videos de su hija Milena cantándole las mañanitas.

Al ver todo eso, fue como empecé a desarrollar los personajes.

Empecé sola y me sentí así, ya me había acostumbrado a hacer cine entre dos. Siempre supe que quería hacer algo digno de Eugenio y de Milena. ¿Cuáles son los retos que enfrentaste como directora?

El mayor reto para mí fue la postproducción, porque es un proceso que nunca había hecho con Eugenio. Yo no fui a una escuela de cine, entonces tuve que hacerlo sola. Recuerdo el primer día de corrección de color, yo sola, fue muy raro. Pero al final estuve al lado de grandes profesionales con mucha experiencia, entonces tuve que hacer como una escuela de cine fast track, con mucho insomnio. Lo mismo me pasó con

el diseño sonoro, pero lo disfruté un montón. Estoy disfrutando mucho porque el cine tiene un alcance que me apasiona.

Siempre con la nostalgia de no poder compartir esto con mi hermano, pero sé que siempre me ha estado acompañando en cada uno de estos momentos, he sentido su compañía. Yo me quedo con su trabajo y lo termino de alguna manera, es una especie de destino y se lo agradezco enormemente. ¿Cómo han recibido el documental en los festivales en los que se ha presentado? La recepción ha sido excelente.

Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Róterdam, me han otorgado premios por esta película. No lo hago por los reconocimientos, ya que yo tenía otra vida antes de hacer cine. Lo que me interesa es que hay un valor intrínseco en esta manera íntima y respetuosa de contar historias, tanto a los personajes como a la naturaleza.

Es una película muy sonora, ¿cómo fue trabajar en esta parte? Trabajé con un gran diseñador de sonido llamado Javier Gutiérrez. Entendió que yo quería una festividad de sonidos, quería darle este tono de folclore que me encanta de la Ciudad de México. Son riquísimos, yo vivo en Cambridge, Inglaterra, y no tengo los sonidos de alguien afilando cuchillos o vendiendo tamales. La vida es más triste sin eso. Por eso quise que fuera un homenaje y enriquecer mucho la cultura mexicana sin caer en el cliché. Lo que sí es que se tuvo que limpiar mucho el sonido e introducir algunos efectos sonoros.

Al final, incluí una canción de cuna de indígenas norteamericanos que encontré en YouTube, me pareció interesante tener una canción de cuna en un momento de una película tan tierna. ¿Qué fue lo más difícil de hacer la película? El material que teníamos de mi sobrina Milena era muy limitado. Para ser sincera, de diez días de filmación, Milena aparecía en solo dos. Entonces, tuvimos que exprimir al máximo el material.

Hice dos cortes previos en los que Milena no estaba y simplemente no funcionaban. La película fue muy difícil de realizar.

Incluso tuve que usar efectos especiales para cambiar la ropa de Milena y darle continuidad. Te diré que rescatamos casi todo el material de ella.

CINE

MALINTZIN 17 Distribuidora: Piano

Poco más de un año antes de su fallecimiento, el documentalista Eugenio Polgovsky se dió a la tarea de filmar a una tórtola la cual hizo su nido en una maraña de cables cercanos a la ventana de su apartamento en un segundo piso, durante siete días y sus noches. Mientras hace la crónica del acontecer diario de su emplumada e improvisada vecina, sostiene conversaciones con Milena, su pequeña hija; al tiempo que registra con su cámara el transcurrir cotidiano en su calle. Y en su momento decide guardar lo filmado para trabajarlo posteriormente.

Tiempo después del deceso del realizador, su hermana Mara Polgovsky descubre en varios discos duros dicho material, y decide (un tanto a manera de homenaje) reunirlo y editarlo para darle forma. De este singular proyecto colaborativo surge Malintzin 17, obra cuyo título hace referencia tanto al lugar donde fue filmado -ubicado en la dele-

gación Coyoacán-, como al filme Jeanne Dielman, 23, quai du commerce, 1080 Bruxelles de Chantal Akerman, con el cual guarda sutiles vasos comunicantes.

En el que podría considerarse su largometraje debut, Mara consigue captar (y preservar) las constantes estilísticas de Eugenio, por ejemplo su minimalismo y austeridad evidenciados en la ausencia de un narrador omnisciente o cualquier otro tipo de explicación la cual no emane de las imágenes mismas, así como la ausencia de otros elementos que puedan ser distractores de las mismas -únicamente una escena es acompañada con música-, creando un fascinante ejercicio de contemplación desde un espacio cerrado, circunstancia que remite a los días de confinamiento forzoso por la pandemia, aunque en realidad las filmaciones se llevaron a cabo años antes de la aparición del COVID-19. Pero a diferencia de su hermano, ella decide volver

Malintzin 17 CONTEMPLANDO LA VIDA DESDE UNA VENTANA… Y DESDE UN NIDO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

al autor mismo protagonista e hilo conductor.

Así, dentro de la película se erigen tres líneas narrativas paralelas que coexisten y se tocan en ciertos momentos.

Por un lado, se encuentra la paloma que empolla su huevo, luego le procura cuidados a su cría, y finalmente, el inevitable abandono del nido cuando el polluelo ya ha crecido y empieza a valerse por sí mismo. Una bella representación del ciclo de la vida.

Esta línea se entrelaza y crea paralelismos entre dicho ciclo y lo que ocurre con el propio Polgovsky y su hija -que contaba entonces con cinco años-, quienes en sus conversaciones en la intimidad, discuten no sólo lo que ocurre con el ave y su bebé, sino otros temas que surgen de su diaria convivencia y que en el caso específico de la menor, resaltan el asombro que es crecer e ir descubriendo el mundo y la vida día con día, y la maravillas albergadas incluso en las cosas más pequeñas.

Transversalmente, sus espontáneas pláticas abarcan tópicos como la paternidad; los sueños; y nuestra relación con el entorno, con la naturaleza, y con el cine.

Y finalmente, surge una tercera narración, la cual se genera dese registro de la cotidianeidad, representada por

las imágenes de techos contiguos, personas, animales y automóviles que casualmente pasan por allí, captando sus pequeñas historias o fragmentos de las mismas, así como los cambios de sus dinámicas habituales cuando es de día o de noche, o si en una ocasión está soleado o en otra comienza a llover. Pero sobre todo, gracias al sonido generado por esas imágenes es como el documental cobra una especial dimensión, ofreciendo una serie de experiencias sonoras inmersivas a partir de esos eventos mundanos. Experiencias que muchas veces, por el ajetreo de la ciudad o por mera costumbre, ya no le prestamos especial atención.

El resultado en su conjunto es un trabajo que invita al espectador a reflexionar (y redescubrir) su propia percepción y relación con aquello que le rodea, con la naturaleza y con el inexorable paso del tiempo. Y funciona también como testamento cinematográfico de un notable cineasta.

Malintzin 17 se presentó en la sección de competencia Tiger del Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2022, formó parte tanto de la sección Competencia Internacional en la 12 edición del FICUNAM, como de la retrospectiva a Eugenio Polgovsky en la Gira Ambulante 2023. Y ahora llega a salas del circuito comercial y cultural.

CINE

HIPNOSIS: ARMA INVISIBLE

Llega el nuevo largometraje de Robert Rodriguez, Hipnosis: Arma Invisible, un thriller de acción y ciencia ficción escrito y dirigido por el propio Rodriguez.

Sobre el tema de la hipnosis, que es el tema central que aborda la película, entrevistamos a Diego Soria, psicólogo y experto en hipnosis, quien nos habla en profundidad acerca de este estado mental y su relación con la trama central de la película.

por C A R L O S M O R A

EL PODER

DE LA MENTE

L

a historia narra la vida del detective Danny Rourke (Ben Affleck), quien debe investigar un misterio asociado a la desaparición de su hija y un programa secreto del gobierno. Con la ayuda de Diana Cruz (Alice Braga), una psíquica superdotada, Rourke persigue y, al mismo tiempo, es perseguido por un espectro letal, el único hombre que él cree que tiene la clave para encontrar a su hija, solo para descubrir mucho más de lo que esperaba. Sin duda, este thriller lleno de ciencia ficción te mantendrá intrigado y en vilo desde el principio hasta el final. ¿En qué medida crees que Robert Rodríguez se basó para hacer su nueva película Hipnosis: Arma Invisible?

Para ser honesto, desde una perspectiva científica, se tomaron muchas libertades creativas para crear un personaje como Dellrayne (William Fichtner). Pero esto ocurre en todas las películas, ya que es difícil incluso crear un perfil psicológico o una idea concreta basada en la ciencia acerca de un personaje ficticio, y luego debes añadir elementos de fantasía, drama y otros, como en este caso, la hipnosis.

Desde tu punto de vista, ¿qué se necesita para hipnotizar a alguien?

Para hipnotizar a alguien, es necesario que la persona esté en un entorno completamente tranquilo y silencioso. Deben estar en una posición cómoda y enfocarse en el proceso. Existen regiones del cerebro asociadas con la atención que se activan durante la hipnosis, ya que la persona debe prestar mucha atención a su propio estado, lo que se llama propiocepción. También deben ser capaces de concentrarse en la voz del hipnotizador, su propia respiración o algún estímulo, como el movimiento de plumas, como se muestra al principio de la película. Estos estímulos ayudan a que la persona se concentre y se desprenda de otras distracciones, como ruidos de fondo. ¿Crees que se pueda hipnotizar a alguien como sucede en la película Hipnosis: Arma Invisible?

Es un hecho que se puede hipnotizar a alguien, pero no es posible hipnotizar a todas las personas.

A nivel mundial, menos del 5% de la población puede ser hipnotizada estadísticamente. Además, en casos documentados de hipnosis, una persona nunca hará algo que no quiera hacer. No se puede obligar a una persona a dar un beso o cometer un robo, como se muestra en la película. Si la persona no está dispuesta a hacerlo, se distraerá y se despertará, perdiendo el estado hipnótico. La hipnosis generalmente dura solo unos minutos y se rompe cuando la persona se distrae.

Lo que se ha observado es que, a largo plazo, es posible manipular la conducta de las personas a través de tecnología, como chips implantados en el cerebro. Sin embargo, esto es diferente de la hipnosis tradicional. También se ha documentado la manipulación conductual a través de microorganismos, como la microbiota, que puede influir en el comportamiento a través de productos químicos sin que la persona se dé cuenta. Esto se llama manipulación conductual y se relaciona más con bacterias, parásitos y virus que liberan químicos que alteran la conducta. ¿Por qué crees que la gente se emociona con estos temas en las películas?

Creo que la emoción que despiertan estos temas en las películas se debe a una mezcla de amor y miedo. Por un lado, nos asusta la idea de que la manipulación mental sea posible, aunque sea remotamente. Por otro lado, nos atrae la idea de tener el poder de controlar la mente y alterar la realidad. Es una mezcla de miedo y deseo, similar a la emoción que generan los amores tóxicos.

HIPNOSIS: ARMA INVISIBLE Distribuidora: Diamond films

¿Qué te resultó atractivo de la película Hipnosis: Arma Invisible?

Lo que me resultó atractivo de la película es lo perturbador de ver cómo una persona puede manipular o torturar a otra para obtener control sobre ella. Me resulta fascinante cómo alguien puede forzar a otro a perder la memoria o a tratar a otros como sujetos experimentales debido a la ambición y el deseo.

MÚSICA

J A C K I E

C R U Z

TRAE SU CIELITO LINDO A MÉXICO

ESCUCHA EL SENCILLO DE

CIELITO LINDO

CONVERSAMOS en exclusiva con la talentosa artista neoyorquina que busca conquistar al público con su música y lanza su nuevo trabajo musical titulado Cielito Lindo. La también actriz de la famosa serie de Netflix Orange Is the New Black nos confiesa: "esta es la primera vez que la música está en primer plano, aunque si Leonardo DiCaprio me llama para actuar a su lado, lo pensaré". por C A R L O S M O R A

FOTOS CARLOS MORA

M

i canción Cielito Lindo trata de honrar a México por su música y sus lugares, desde las canciones de Pedro Infante hasta el paraíso donde vivo (Oaxaca). También es una forma de demostrar el amor que le tengo a mi esposo y a mis hijos; así es mi nueva vida. ¿De dónde viene tu inspiración para componer?

Este sencillo fue escrito por Romina Chávez Baeza y por mí. Es una producción de José Carlos de la Parra Tonella, una exquisita mezcla de sonidos clásicos acústicos como los de la guitarra con sonidos modernos de dance hall y disco. La inspiración viene de muchos lugares, desde ver un amanecer en mi casa en Oaxaca, los colores del sol, ver ballenas pasar, hasta la naturaleza y las aves. Solo pienso, '¿dónde vine a vivir?'. Me quedo sin palabras ante la belleza de este lugar, y me hace sentir libre.

Sobre tu lado musical, ¿qué puedes comentar?

Nunca he dejado la música, pero la promoción de mi álbum se retrasó un poco debido a la pandemia. Ahora estoy empezando de nuevo, es como un renacimiento.

Estaba tratando de encontrar mi género, pero descubrí que no lo tengo porque elijo un poco de cada país o ciudad en la que he vivido. Lo defino como el género 'Cruz', porque nadie lo tendrá como yo. Es una combinación de géneros, desde el hip-hop, el tap, la balada e incluso canto en spanglish.

"Tengo muchas cosas que decir, pero a veces no puedo expresarlas con palabras. La música me permite comunicar lo que siento, y eso me ayuda a sanar y mantener mi cordura"

Claro, soy una de las primeras en hacerlo. En mi canción Loca, la hice bilingüe, porque me decían: "debe ser solo en inglés o en español", pero no estoy de acuerdo. No soy de aquí ni de allá, pienso en inglés y hablo en español, y viceversa. Tengo un acento de todas partes. Mi género es complicado, pero eso es lo bonito. El disco y el hip-hop los tomé de Nueva York, la bachata de la República Dominicana y las baladas de las guitarras de México.

Con mi productor José Carlos de la Parra Tonella, cuando pienso en música, visualmente cierro los ojos y le digo al productor: "Esto es lo que veo". Lo maravilloso de trabajar con él es que capturó mi visión, ya sea con la guitarra o los tambores africanos. Tenemos grabado todo, mezlcamos hip-hop, blues y más adelante un poco de salsa y hasta reguetón. ¿Cómo te has reinventado?

Me han sucedido muchas cosas en la vida. Tengo una vida larga aunque parezca corta, porque a los 16 años tuve un accidente de coche que mi canción Melly 16 relata. Dios me quitó muchas cosas que consideraba hermosas, como mi cabello y mi rostro.

"Nací en Nueva York, he vivido en la República Dominicana, California, Miami y ahora Oaxaca. Cada lugar ha robado un trozo de mi corazón, y lo reflejo en mi música" No podía reír y tuve que aprender a caminar de nuevo.

Hubo un momento en el que no quería vivir, pero fue mi madre quien me dijo que debía inspirar a las niñas que necesitaban escuchar mi historia de vida. Entendí que lo hermoso no está en el exterior, sino en lo que tienes dentro de ti. Ahora, como madre de dos niños, mi corazón se ha abierto aún más, y renací de nuevo.

Sobre el video de Cielito Lindo, ¿qué puedes contar?

Es muy especial, es como mi boda real, pero debido a la pandemia fue muy íntima, solo la familia asistió. Algunas amigas quedaron resentidas por no ser invitadas, pero no podía invitar a mucha gente. Fue en Oaxaca, todo fue hermoso y orgánico. Mientras escuchaba mi canción, pensé que encajaba perfectamente con mi boda, que fue tan natural como mi música y mi álbum.

Ahora hablemos de tu faceta actoral, sin duda, Orange Is the New Black fue un parteaguas en la plataforma a nivel mundial. ¿Te imaginabas el éxito que tendría la serie de Netflix?

Fuimos una de las primeras series fuertes de esos años. No, no sabíamos que se convertiría en un fenómeno. Solíamos reunirnos en una habitación y decíamos: 'Es como un experi-

mento de Netflix'. Nadie sabía quién sería parte del elenco ni si habría química. Recientemente vi a Diane Guerrero (Maritza Ramos), mi compañera en la serie, y fue una de las mejores cosas que me ocurrió en 'Orange'. Hice una amiga increíble en ese programa.

Mi papel como Marisol Gonzales la flaca es especial, es como una amiga. Trabajé como mesera durante las temporadas uno a la tres, algo que mucha gente no sabe. Netflix era nuevo y aparecía en uno o dos episodios. Pero después, nos llamaron a Diane y a mí con más frecuencia. Mi personaje se inspiró en una amiga de Ecuador que se volvía 'loca' después de unos cuantos tequilas (risas). Me gustaba imitar su acento y nos reíamos mucho. Le dije: 'Algún día crearé un personaje en la televisión basado en ti'. Cuando audicioné, las características me hicieron pensar en mi amiga Karina. Así que a ese personaje le puse su esencia y aporté mi personalidad y gustos musicales. Fue una experiencia hermosa y así nació la flaca. ¿En qué parte de tu corazón tienes a Marisol Flaca Gonzales?

Es mi amiga. Además, me han llamado flaca desde que era niña, porque no tengo muchas caderas y siempre he sido delgada (risas).

¿Cómo combinas tus dos pasiones, la música y la actuación?

Es un desafío, porque los personajes que interpreto son creaciones de otras personas o mías si los escribí, pero son personajes, no soy yo, Jackie. Sin embargo, la música es donde realmente me muestro como la auténtica Jackie. Aunque al principio puedo ser tímida, después de mi primera nota me siento muy cómoda en el escenario. Estoy haciendo muchas cosas en la actuación, pero esta vez quiero que la gente conozca a la verdadera Jackie, no solo a los personajes que he interpretado.

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¿Qué proyectos laborales tienes en mente?

Esta vez quiero poner mi música en primer plano. Quiero lanzar mi álbum. Cada vez que saco música, recibo ofertas para hacer películas, lo cual es genial, ya que me ayuda a pagar el alquiler. Aún no puedo vivir de la música, pero sé que poco a poco lo lograré. Por ahora, quiero centrarme al cien por ciento en mi música, algo que me apasiona y que hago con amor para mis seguidores. Me gustaría seguir cantando y que me reconozcan como cantante.

"Como he estado alejada de la música durante un tiempo, sé que debo comenzar desde cero. Muchas personas todavía no saben que soy cantante, así que estoy trabajando duro en eso. Espero que disfruten mi nuevo sencillo Cielito Lindo en todas las plataformas musicales y vean mi video en YouTube" | 57

MÚSICA

La banda chilena Tunacola regresa con un nuevo álbum titulado Todo es ceremonia en el jardín salvaje. Platicamos con Ricardo Luna, también conocido como Richi Tunacola, músico y productor de la banda, sobre su nueva gira por México.

por C A R L O S M O R A

"SOMOS UNA

MANIFESTACION

MÁS EN EL GRAN JARDÍN DE LA VIDA"

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a banda chilena de dream-pop, Tunacola, se complace en anunciar su regreso a la escena musical con el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio, titulado Todo es Ceremonia en el Jardín Salvaje. Con más de una década de innovación y experimentación musical, Tunacola ha forjado un camino único que abarca una amplia gama de géneros, que van desde el hip hop, power ballads, música de videojuegos, funk y letras en spanglish.

Su sonido distintivo, marcado por sintetizadores y letras que exploran temas tan diversos como el amor, las drogas, la política y los sueños, ha establecido a Tunacola como un proyecto musical inconfundible en la escena indie chilena. ¿Cómo te sientes con este regreso y con este disco?

Estoy feliz de regresar; han pasado cinco años desde que estuve tocando en México. Y no sabes lo que me encanta pasearme por esta ciudad, ese olor entre frutas tropicales y el humo que me trae tantos recuerdos. Además, visitar a mis amigos chilenos que viven aquí me llena de alegría. El público mexicano siempre ha sido genial con nosotros, lo que hace tocar aquí muy enriquecedor. Esta recepción cálida demuestra que hay un deseo de escuchar a la banda. Y tengo muchas ganas de tocar este nuevo disco en vivo. ¿Qué es lo que descubrirá la gente en esta nueva gira?

Bueno, Tunacola es una banda completamente diferente a las últimas visitas. Para empezar, tenemos 51 canciones ahora, por lo que el espectáculo es de larga duración y está estructurado en 3 grandes partes, donde la emoción es primordial. Está diseñado para emocionar al público. Obviamente, tocamos todas las canciones que conocen y disfrutan. Incluimos muchas canciones nuevas, pero sin aburrir. No se trata solo de tocar el nuevo disco, sino de ofrecer un viaje emocionante y único. En el fondo, es una experiencia que representa la ciudad. ¿Cómo surgió el nombre del álbum Ceremonia en el Jardín Salvaje?

Elegir el título de este álbum fue todo un desafío.

Faltaban solo dos meses para su lanzamiento y mi cuñada, que vive en Brooklyn, Nueva York, tenía una guardería. En ella, encontré una camiseta que decía un poema de Neruda en inglés, traducido como Ceremonia en el Jardín Salvaje de la Niñez.

Me encantó la imagen y decidí que sería el nombre del álbum. En el momento de la creación del disco, el mundo estaba experimentando momentos caóticos, entre la pandemia y conflictos globales. Necesitaba encontrar un sentido en todo eso, así que surgió la idea de creer en una fuerza mayor que guía todas las cosas y reconocer que nosotros, como raza, somos una manifestación más en el gran jardín de la vida.

Con las plataformas digitales, ¿cómo las utilizas?

Me gustan mucho las plataformas digitales. A pesar de que algunas personas creen que matan la música o la autoría y se quejan de las regalías, yo sé que, aunque me gustaría recibir regalías, estas no son mi fuente principal de ingresos. Me parece que son una forma más rápida de conectarse con la audiencia. Disfruto de la dimensión social que brindan las redes sociales, donde podemos interactuar de manera más cercana. Puedes escribirme en Instagram y te responderé. Estas herramientas digitales ayudan a estar más atentos y a conectarnos más rápidamente. Lo único negativo es la saturación de información; es importante saber filtrar lo que nos es útil. ¿Qué música mexicana te gusta?

En cuanto a música mexicana, me encanta la música antigua, como el trío Los Panchos y los boleros mexicanos clásicos. Solía ir a Plaza Garibaldi, tomar algo y escuchar boleros hasta llorar. Esa es la música mexicana que aprecio. Si me preguntas sobre la música actual, en realidad no sigo de cerca el género. Mi enfoque musical se inclina más hacia la electrónica experimental y otros estilos similares. No suelo escuchar indie pop ni estar al tanto de lo que sucede en ese género.

¿Puedes recordarnos las fechas de tus próximas presentaciones?

Claro, estaremos el 26 de octubre en Guadalajara, el 27 en Ciudad de México (aunque la primera función ya se agotó), el 28 en Xalapa y el 29 en Puebla.

Todo es Ceremonia en el Jardín Salvaje también incluye colaboraciones de destacados artistas como (Me Llamo) Sebastian, Loki da Trixta, Ed Neidhardt, EXE, Belén Fernandez y Fernanda Moroni.

El disco fue publicado por el sello de Richi, Apapachame, el pasado 5 de mayo y ya está disponible en todas las plataformas de streaming.

M CÚISNI EC A

ALEX A SE ABRE CAMINO EN LA MÚSICA

CASTRO Alexa Castro debuta como cantante, sus temas musicales abordan géneros que van desde el pop, pop urbano hasta la balada. Su primer tema, Si te miro, escrito por Horacio Palencia, cantante y compositor, es una canción centrada en el empoderamiento de la mujer. Habla sobre cómo, al salir de una relación amorosa, una mujer se vuelve más fuerte e independiente. El mensaje que transmite es nunca derrumbarse por la intervención de una tercera persona. por C A R L O S M O R A

¿Cómo surgió tu interés por la música?

Comencé con la idea de querer ser actriz, siguiendo los pasos de mi mamá, Daniela Castro. Mi hermana y yo pasamos mucho tiempo viviendo con mi mamá en los foros de grabación y siempre estuvimos rodeadas de este mundo. A ella no le gustaba dejarnos en casa, así que nos acompañaba y vivíamos todas las experiencias de grabación, y recuerdo que me encantaba.

Luego, hice una audición para una obra teatral llamada "Pistilos de Navidad", un musical navideño que hice durante tres temporadas. Recuerdo claramente cuando hice mi solo en la obra, fue una experiencia maravillosa, algo que nunca antes había sentido, y en ese momento supe que quería dedicarme a la música.

Amo la actuación, también me apasiona, pero la música es algo que siento que fluye dentro de mí. Mi abuelo, Javier Castro, una de las personas más importantes en mi vida, fue la primera persona que vio en mí ese potencial, justo en esa obra, en una de las primeras veces que canté. Él me dijo: "Tienes que dedicarte a esto, tienes el talento, es un don para ti y debes aprovecharlo". Su apoyo me impulsó mucho, y fue la primera persona en creer en mí. Creo que si no hubiera sido por él, quizás no habría tenido el valor de entrar en esta carrera. Estoy muy contenta de haber tomado esa decisión." ¿Cómo llegaste a esta canción?

Hace dos años, mi equipo y yo tuvimos una reunión con Horacio Palencia para tener una sesión de composición con él.

Fue una de las mejores oportunidades que me han dado, y fue un honor que viniera a México a componer conmigo.

Compusimos 4 temas juntos. Le conté algunas experiencias personales que había vivido, y en ese momento acababa de salir de mi primera relación, me sentía muy triste, traicionada, decepcionada y desolada. Escribo lo que siento y me baso en eso.

La canción "Si te miro" llegó a mí cuando Horacio me envió un mensaje diciendo: "Me quedé pensando en todo lo que me contaste sobre el susodicho y escribí esta maqueta. ¿Qué te parece?".

Literalmente, escuché el primer coro y le envié un mensaje a Horacio diciéndole que teníamos que grabar la canción. La canción es impresionante, él entendió perfectamente el mensaje. La grabamos y luego decidimos que sería el primer sencillo."

Tienes un mensaje muy claro que quieres transmitir con tu música.

Claro, mi objetivo principal es empoderar a las mujeres, y esta canción en particular refleja ese mensaje de manera muy fuerte. ¿Cuál fue la reacción de tu mamá cuando vio el video y escuchó la canción?

Cuando mi mamá escuchó la canción y la letra, se rió y me dijo: "Sé perfectamente bien para quién es esto", pero le encantó, en realidad le gustó mucho. Respecto al video, también me comentó lo impresionante que quedaron los lugares y lo estético que fue, le encantó el concepto del video." ¿Qué me puedes contar sobre tu video?

El productor Andrés Moret hizo un trabajo realmente excepcional e impecable. Fue grabado en Pachuca, Hidalgo, y los lugares destacados en el video incluyen el Barrio Palmita y la Presa del Cedral, que se caracteriza por su impresionante mural de colores.

Una de las cosas que quería destacar en el video es mi profundo orgullo por ser mexicana. Amo mi país, y personalmente me involucré mucho en la selección de lugares. Participé activamente en el proceso de búsqueda y selección de locaciones, y decidí que quería grabar en Pachuca, Hidalgo.

Mi objetivo es destacar México y mostrarlo al mundo. Quiero resaltar y presumir las bellezas de mi país y darlo a conocer a nivel internacional."

¿Cómo ves la industria de la música en la actualidad?

Cuando mis tíos o mis padres me hablan sobre el pasado, me dicen que antes todo era muy diferente, que las cosas eran muy distintas. Mi mamá y mi abuelo, cuando grababan discos, solían trabajar con cintas y tocadiscos, y es algo que me resulta difícil imaginar.

Crecí en una época con una tecnología mucho más avanzada, y la forma en que se promocionan las cosas en las redes sociales es realmente impactante. Creo que la forma en que se maneja la industria en la actualidad es positiva, aunque no estoy segura de si antes era más fácil o complicado. A mí me encanta estar en las redes sociales y conectarme con la gente a través de ellas."

Sobre tu imagen, ¿cómo es tu look?

Si no hubiera sido cantante, seguramente hubiera sido diseñadora de modas. La verdad es que me encanta todo lo relacionado con el styling, la ropa y los diseños. Me fascina y quiero crear mi propio estilo. Disfruto diseñar, y los diseños que uso en mi imagen son creaciones propias. Me siento muy identificada con el mundo de la moda. Me atrae lo diferente, lo extravagante, lo inusual, lo novedoso, algo que no se haya visto antes, eso es lo que me gusta. ¿Tienes ídolos en la música?

En cuanto a mis ídolos musicales, crecí escuchando a los hermanos Castro y Gloria Trevi, y la verdad es que los amo; fueron mis cantantes favoritos desde muy temprana edad. También admiro a Michael Jackson con todo mi corazón, a Whitney Houston, Luis Miguel, Alejandro Fernández, Christina Aguilera, Britney Spears y otros artistas.

Tengo una inclinación por las canciones y la música de una época un poco más antigua."

MÚSICA FOTOS CARLOS MORA

DÓNDE VER: CDMX 5 noviembre, 18:00 hrs.

Auditorio nacional Monterrey 12 noviembre, 18:00 hrs Auditorio pabellón M Guadalajara 25 noviembre , 18:00 hrs Sala plácido domingo

BUGS BUNNY AT THE SYMPHONY, REGRESA A MÉXICO Dentro del marco de la celebración del 100 Aniversario de Warner Bros., Bugs Bunny at the Symphony regresa a México con un tour de tres ciudades este otoño.

Dirigido por George Daugherty, ganador de los Premios Emmy, y creado tanto por Daugherty y por el también ganador de los Emmy, David Ka Lik Wong, Bugs Bunny at the Symphony ha estado de gira por todo el mundo con importantes orquestas, en sedes icónicas desde 1990.

“Para Looney Tunes, México se encuentra entre los países más importantes del mundo y por esta razón era esencial poder traer los conciertos de Bugs Bunny at the Symphony a nuestro país. Sabemos que existe una gran cantidad de gente que creció viendo las caricaturas de Looney Tunes y que ahora, con nuevos episodios y música en vivo, estamos seguros que querrán recordar esos momentos”, comentó en conferencia de prensa desde el Auditorio Nacional, Javier Garza, director general de Warner Bros.

Discovery Consumer Products en México.

Para el director George Daugherty, quien ha dirigido a más de 250 orquestas estadounidenses e internacionales comentó: "si el público ama la música, ¡tendrá la mejor música del mundo! Y si les gusta la animación, experimentarán a los Looney Tunes más brillantes de la historia. . . 16 cortos de los Looney Tunes se proyectarán en la gran

pantalla, mientras la orquesta en directo interpreta las partituras originales de la animación clásica en directo en el escenario. . . dirigidas por mí”.

El productor David Ka Lik Wong, quien ha estado nominado en tres ocasiones a los premios Emmy, ha creado programaciones y conciertos en Broadway y para las más importantes orquestas sinfónicas y salas de concierto del mundo, afirmó: "para empezar, hace falta mucha coordinación y organización, porque nos movemos por todo el mundo muy deprisa. Hace apenas una semana estábamos dando un concierto en Roma, Italia, en el Festival Internacional de Música de Cine de Roma. Ahora hemos trasladado todo nuestro equipo, la música, ¡todo al otro lado del planeta, a México! Así que esto debe estar impecablemente planeado y minuciosamente organizado. No hay tiempo suficiente para olvidar algo y encontrarlo más tarde… todo debe estar allí”.

Daugherty y Wong crearon Bugs Bunny en Broadway en 1990, que hizo su debut en el Teatro Gershwin de Broadway con una temporada extendida totalmente agotada y junto con su secuela, Bugs Bunny at the Symphony ha sido tocada con la aclamación de la crítica y ha agotado las entradas a las salas de conciertos en todo el mundo, ante más de 2 millones de asistentes.

T E AT R O

TODO UN SUEÑO LA JOVEN DE 27 AÑOS ES LA ÚNICA ARTISTA MEXICANA QUE FORMA PARTE DEL SHOW DEL CIRQUE DU SOLEIL. por C A R L O S M O R A

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FOTOS CARLOS MORA

espués de una éxitosa gira por Europa, Corteo, del Cirque du Soleil, llega a México por primera vez. La cantante Sofía Montaño destaca en entrevista la diversidad que hay en el show que ha viajado por el mundo desde que se estrenó en Canadá, en abril de 2005.

“Me encanta que esta compañía tenga un fuerte sentido de diversidad y esté dispuesta a ampliar horizontes al incluir a personas de diferentes orígenes en su elenco. En Corteo somos un grupo diverso con representantes de 28 nacionalidades diferentes y que hablan 16 idiomas distintos. Aquí realmente se refleja el mundo, con personas de Asia, Europa, América Latina y más.

“Es maravilloso que la compañía valore la diversidad y la inclusión, una de las mayores fortalezas de estar aquí. Aprendemos de todas partes y esto nos permite conocer diferentes formas de vivir y comunicarnos, todo con el objetivo simple y puro de entretener”, explicó previo a uno de los ensayos del montaje.

“TODOS los que estamos en Corteo tenemos un amor por el arte muy fuerte; es sorprendente cómo el arte puede unir a las personas y ser una poderosa herramienta para ello. Todos tenemos una gran responsabilidad con la gente que pagó su boleto” Sofía Montaño, cantante y actriz

¿DE QUÉ TRATA CORTEO? Es un espectáculo muy humano y garantiza que te divertirás y emocionarás. La historia se centra en el personaje llamado Mauro, quien sueña con su propio funeral y todo lo que implica despedirse de todas las personas que conoció y amó.

Es hermoso, porque todos en algún momento nos hemos despedido de alguien. La historia es muy motivadora y conmueve; tiene algo que otros espectáculos del Cirque du Soleil no tienen. Algunos shows están basados en mundos fantásticos y criaturas de fantasía, pero aquí vemos a personas normales. Si te das cuenta, mi maquillaje es muy natural.

¿DE QUÉ MANERA LLEGASTE A FORMAR PARTE DE ESTA COMPAÑÍA DE NIVEL MUNDIAL? Siempre veía al Cirque du Soleil como la empresa más grande del mundo, y aún ahora que estoy dentro, sigo considerándola la empresa más grande del mundo. Pasé muchos años participando en audiciones y poniendo mucho esfuerzo. Envié mi material durante varios años. Tienen un portal en línea maravilloso para audiciones de todas las habilidades, desde actividades como cocina hasta cuestiones administrativas.

Afortunadamente las puertas se empezaron a abrir. Me hicieron una entrevista en persona y me incluyeron en su base de datos. Un año y medio después, me llamaron para unirme a Luzia, que fue el primer montaje en el que participé, y luego me invitaron a unirme permanentemente a Corteo. Estar en este show me hace sentir muy afortunada, y más aún al estar en mi propio país. No podrían haberme dado un regalo mejor.

¿CÓMO TE SIENTES AL ESTAR EN EL ESCENARIO JUNTO A TODOS LOS ARTISTAS? Es algo que siempre me impresiona de mis compañeros.

Siento que trabajo con auténticos superhéroes, cada uno de ellos es el mejor en lo que hace dentro de este mundo mágico del circo. Rodearme de personas tan talentosas me desafía constantemente y me hace sentir una gran responsabilidad. Mi voz debe estar a la altura de la energía que tienen los acróbatas en el escenario, ya que mi voz cuenta la historia de lo que está sucediendo. Es una responsabilidad para mí.

Quiero destacar la ingeniería de este espectáculo; es verdaderamente increíble. Ver cómo está diseñado el escenario, cómo los artistas vuelan literalmente por él, los hermosos telones, los acróbatas vestidos como ángeles y el escenario giratorio: todo ha sido creado específicamente para este montaje y es lo que llega al Palacio de los Deportes.

Eres la única artista mexicana en Corteo, todo un desafío... Estoy muy contenta de ser la única artista mexicana, aunque en realidad somos cuatro mexicanos en total en el elenco. Además de mí, hay dos riggers, que son responsables de garantizar la seguridad de los artistas mientras vuelan por el escenario, ya que hay muchas actuaciones aéreas en este espectáculo. También se ha unido recientemente un nuevo miembro del equipo de vestuario que es de Guadalajara. Me emociona mucho ver cómo los mexicanos están encontrando su camino en esta hermosa empresa.

Sofía Montaño es nieta del primer actor Ignacio López Tarso, quien murió el pasado 11 de marzo. Confesó sentirse “llena de orgullo” decir que es nieta de una de las figuras más representativas del teatro y cine en México.

ESTE ESPECTÁCULO CELEBRA TANTO LA VIDA COMO LA MUERTE, ¿CÓMO TE SIENTES POR LA PARTIDA DE TU ABUELO? Muy fuerte, este año será la primera vez que lo vamos a presentar en la ofrenda del Día de Muertos. El otro día estaba pensando en ello y dije: “Es fuerte, pero poderoso”. Fue maravilloso tenerlo como abuelo y como mentor. Sé que ya ha visto el espectáculo y es muy conmovedor pensar en ello aquí conmigo. Este montaje me ayudó activamente en mi proceso de duelo por su pérdida. Es muy especial cerrar este ciclo aquí en México y poder estar en el Día de Muertos, celebrando su vida, que fue realmente maravillosa.

HABLANDO DE LA DISCIPLINA QUE SE REQUIERE EN ESTE ESPECTÁCULO, ¡QUÉ MEJOR EJEMPLO QUE TU ABUELO, QUIEN TRABAJÓ HASTA LOS ÚLTIMOS DÍAS DE VIDA! Él es mi máximo ejemplo de perseverancia, disciplina y amor por su trabajo. Mi abuelo vivió durante tantos años gracias a que trabajó incansablemente durante toda su vida. Si se hubiera jubilado a los 80 años, habría fallecido a los 81. Desearía tener esa vitalidad y memoria a mis 27 años. Mi abuelo podía recitar el poema que recitó en su escuela primaria.

Fue su trabajo lo que lo mantuvo vivo y su memoria era asombrosa. Por eso busco honrarlo a él como mi abuelo y le dedico todas las canciones de Corteo.

T E AT R O

EL COJO DE INISHMAAN, UNA COMEDIA DE HUMOR NEGRO

FOTOS CARLOS MORA

LA HISTORIA de esta obra maestra de la comedia negra se desarrolla en una isla remota de Irlanda en 1934 que de pronto ve trastornada su monotonía habitual cuando un equipo de cineastas provenientes de Hollywood llega a una de las islas vecinas a grabar un documental sobre la forma de vida de sus habitantes. Los más jóvenes quieren salir en la película, pero nadie tanto como Billy Claven, joven huérfano y discapacitado quien ve en ello su única oportunidad para salir de Inishmaan, un pueblo lleno de seres peculiares, sarcásticos pero entrañables. A pesar de sus burlas, Billy hará hasta lo imposible para cumplir sus sueños. Bajo la dirección de Fernando Bonilla, la obra del dramaturgo Martin McDonagh, cuenta con un gran elenco: David Juan Olguín Almela, Sofía Álvarez, Gabriela Murray, Sergio Zurita, Meraqui Pradis, Demetrio Bonilla, Tina French, Juan Carlos Beyer y Aldo Escalante.

EL COJO DE INISHMAAN Dónde: Teatro Rafael Solana Hasta el 4 de noviembre de 2023.

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T E AT R O

ANNA MANSI "NO HAY QUE JUZGAR LA SALUD MENTAL" La actriz hace su debut actoral en la obra de teatro Creadores de mundos, que se presenta por primera vez en México. Narra la vida de Max (Hugo Luna) y Wendy (Anna Mansi) quienes tienen trastornos de personalidad que les obligan a retirarse a mundos imaginarios. Al participar en un ensayo clínico de medicamentos que tiene como objetivo librarlos de sus delirios, se enamoran. A medida que las píldoras surten efecto y las fantasías disminuyen, ellos deben decidir si vale la pena dejar atrás los mundos de sus cabezas. por C A R L O S M O R A

CREADORES DE MUNDOS Dónde: La Teatrería martes 20:30 hrs.

Ana, ¿puedes hablarme de qué trata la obra?

Creadores de mundos es una historia escrita por Johanna Adams y traducida por Paula Zelaya Cervantes, quien también es nuestra directora. Trata sobre dos personas que padecen un trastorno de personalidad: se aíslan y crean sus propios mundos de fantasía, en los cuales se sienten más cómodos y a gusto que en la realidad. Sus familias los envían a un ensayo clínico, donde comienza la obra y donde los vemos por primera vez. Los envían con la esperanza de "curarlos". El dilema central de la obra es por qué los envían allí si se sienten cómodos viviendo en sus mundos de fantasía y no están haciendo daño a nadie. Conforme comienzan a tomar las pastillas conocidas como "mata mundos", empiezan a experimentar sentimientos que nunca antes habían explorado, ya que se habían refugiado en sus mundos. Vemos a este par de treintañeros experimentar el amor por primera vez, de una manera inocente y novata. La obra explora la elección entre quedarse en su mundo o sumergirse en la realidad para experimentar este nuevo amor por Max o Wendy en su caso. ¿Qué te gustó de tu personaje, Wendy?

Aprender el texto de Wendy fue un poco complicado, ya que ella crea siete mundos diferentes, lo que implicó aprender los nombres de planetas y personajes, un reto como actriz. Lo que más disfruté de interpretar a Wendy fue su autoestima y la seguridad que tiene sobre sus creaciones. Como actores, a veces enfrentamos dudas sobre cómo nos percibe el público y lo que piensan nuestros colegas actores. Además, fue divertido interpretar la intensidad de Wendy, lo que permitió explorar diferentes tácticas para convencer a Max de unirse a su batalla por defender los mundos. Wendy tiene mucha energía, y los martes después de la función, no puedo dormir debido a la energía que me queda. Sin embargo, no me convierto en Wendy, sino que esa energía me afecta un poco. Ha sido un desafío cuestionarme a mí misma y volver a mi ser. ¿La obra aborda temas de salud mental?

La obra aborda temas de salud mental, lo cual es muy importante en la realidad. A veces, a algunas personas les cuesta admitir que asisten a terapia, mientras que otros son más abiertos al respecto. Es esencial que las personas se den la oportunidad de trabajar en sí mismas. Durante los ensayos, discutimos cómo estamos acostumbrados a etiquetar lo que es "normal". En realidad, lo que nos hace humanos son nuestras diferencias, lo que enriquece y hace más interesante el mundo en el que vivimos. En un momento de la obra, Wendy y Max debaten lo que es "normal" y si la locura está mal. Es vital respetar las diferencias y abrazarlas. ¿Cómo te sientes actuando en un escenario tan íntimo como la teatrería?

Me encanta actuar en la teatrería. Es un lugar que ya tiene su público y un amplio historial de obras, lo cual ayuda. Es un reto llenar el espacio, aunque sea pequeño, y queremos que esté lleno. La intimidad del lugar también es beneficiosa. A veces, puede resultar más fácil distraerse, pero cuando estamos presentes y viviendo la obra, apreciamos la presencia del público. La obra es una comedia romántica, y cuando la audiencia se ríe, es como un regalo invisible que nos motiva. Lo maravilloso de este teatro es su intimidad, que nos ayuda a conectarnos con el público.

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"Todo el silencio, llega en el mejor momento de mi vida" La talentosa actriz Adriana Llabrés debuta como productora en la película Todo el silencio, ópera prima del director Diego del Río. La actriz es la protagonista y da vida a Miriam, quien enseña lenguaje de señas y por las tardes es parte de un montaje de teatro profesional, mientras mantiene una relación estable y pasional con su novia, Lola (Ludwika Paleta). A pesar de vivir una vida muy cercana a la de una persona sorda, su mundo comienza a desmoronarse cuando descubre que está perdiendo la audición. por C A R L O S M O R A

¿En qué momento llega Todo el silencio?

Llega en el mejor momento de mi vida. Es una película que produzco junto a grandes productores como Inna Payán, María Ayub y Luis Salinas. La idea surgió junto a Luis, a quien admiro mucho, y ya queríamos trabajar juntos en algún proyecto. Desde que empecé a actuar, me gustó trabajar con Diego del Río, a quien decidimos involucrar en el proyecto como director. Luego trabajamos en el guion con Lucía Carreras, y así se fueron sumando diferentes actores y actrices con los que hicimos una excelente colaboración.

Con Ludwika Paleta, hice una colaboración muy especial. Es una mujer a la que admiro mucho y disfruté mucho trabajar a su lado.

Agradezco su apoyo, ya que fueron momentos de compañerismo en los que mostró toda su experiencia. Incluso Luis me ha dicho que ha sido uno de los procesos más armoniosos que ha tenido en su carrera como productor. También Diego supo apoyarse en una de sus grandes virtudes, que es trabajar en equipo.

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¿Cómo fue aprender el lenguaje de señas?

Fue difícil en el sentido de que es un idioma propio, y no es simplemente hablar español con señas. La película da mucha visibilidad a la comunidad del teatro y a la comunidad de sordos. También se necesita agilidad en las manos, que se adquiere con la práctica.

Debutas como productora, ¿cómo te sientes?

Es todo un reto, siento que tengo mucho que aprender. Sin embargo, fui muy bien guiada por Luis e Inna, y he aprendido lo suficiente como para atreverme a hacerlo por mi cuenta. Tengo proyectos en mente que quiero llevar a cabo con personas del teatro y llevar mis producciones al cine. No me interesa actuar por actuar, sino que encuentro la producción necesaria. Al observar a las mujeres que admiro y valoro, he aprendido que debo atreverme a perseguir mis sueños a pesar de las dificultades. Con Todo el silencio, estamos haciendo una película que da visibilidad a la comunidad sorda y a la comunidad LGBTQ+. Quiero producir mucho más, crecer como actriz y contribuir a construir.

¿Qué opinas de las voces de directores jóvenes como Diego del Río?

Me parece importante que existan todas las voces, incluso aquellas con las que no esté de acuerdo, exceptuando las voces de odio. Es fundamental incluir diversas perspectivas y tener el derecho de expresarse, al igual que uno camina por la calle y puede hablar con la calle. Es esencial que la diversidad de voces sea respetada.

Estrenan en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), ¿cómo celebrarán esto?

Vamos a celebrar que estaremos allí. Quiero que mi familia vea la película. Me pongo más nerviosa cuando mis hermanas y mi mamá asisten que si algún crítico o director que admire. Siento que el festival es como estar en casa, y quiero que sea bien recibido por quienes quiero y admiro. En otros lugares, puede que no comprendan la película, por lo que es crucial que en mi país y con personas que aprecio, se reciba de manera positiva. | 79

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"Desde pequeña me gusta jugar a hacer diversos personajes" Tras su paso por diversos festivales de cine internacionales, la nueva cinta de la directora mexicana Lila Avilés, Tótem, tendrá su estreno nacional en la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). Platicamos con su protagonista, Montserrat Marañón, sobre sus impresiones. por C A R L O S M O R A

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espués de La Camarista Lila Avilés regresa a las pantallas con Tótem, la historia de Sol (Naíma Sentíes), una niña de siete años que pasa el día en casa de su abuelo ayudando con los preparativos de una fiesta sorpresa para su padre. Poco a poco, todo comienza a volverse más caótico, fracturando los cimientos familiares. Montserrat Marañón da vida a Nuri, tía de Sol. Tótem tuvo su premier mundial en el 73.º Festival de Cine de Berlín, donde recibió el Premio de Competencia del Jurado Ecuménico. ¿Cómo te sientes de Tótem?

Muy contenta. Recuerdo cuando hice una audición, y cuando me dijeron que me quedaba, llegué sin expectativas. No quise dar lata y hasta use mis propios aretes, todo con el fin de crear algo.

Después me dijero me dijeron: "Vamos a ir al Festival de Berlín". Imagina estar en la Berlinale, es increíble. Hicimos esta película con el corazón, suena a cliché, pero así fue. Nunca había ido a tantos festivales como con esta película. Me tocó ir a China y me dieron un premio a mejor actriz, fue muy divertido porque no me lo esperaba. Nunca imaginé llegar hasta China y traer un premio para México. En cada festival al que vamos, nos traemos un premio para la película, desde festivales en Corea hasta Francia y Lima. No te puedes imaginar el alcance que puede tener hacer las cosas sin expectativas. ¿Qué opinas sobre la nominación de Tótem como la elegida para representar a México en la preselección del Oscar a mejor película extranjera?

Imagínate en esta industria tan competitiva, con tantos proyectos, películas, productores, directoras, directores, tanta gente haciendo cine. Ver que somos las elegidas para tocar la puerta del Óscar es la cereza del pastel, es increíble. ¿Cómo te sientes ahora que estrenan a nivel nacional en el marco de la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM? Ya nos urge, imagínate, mucho Perú y mucho Berlín, pero ¿y México? Hay muchas expectativas de la gente aquí. Me muero de ganas de que mi familia, mis amigos y la gente cercana y no cercana reconozcan esta película. Es muy emocionante.

Eres una actriz que ha destacado en cine, series y teatro, ¿cómo ves la diversidad en tu carrera?

No hay nada como la variedad y la diversidad. Contar historias de nuestro país es lo más importante. No

importa dónde, lo importante es que se hagan y se dé voz a todos y todas. Recuerdo que cuando era pequeña, lo que más me gustaba era jugar a hacer diversos personajes. Por eso me siento privilegiada, ya que uno puede tener ganas, pero luego no te llaman. No hay que encasillarse. Puedo interpretar muchos papeles como actriz, pero el punto es que alguien te dé la oportunidad de hacerlo. Me he sentido muy afortunada de trabajar con personas que han creído en mí y en mi trabajo. Puedo dar diferentes registros en la actuación, y me hace feliz que me llamen para divertirme con diferentes personas y contar todas las historias posibles sobre diversos temas. | 81

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FOTO CARLOS MORA

"CONSEGUÍ EL ELENCO QUE SIEMPRE SOÑÉ"

El director Rodrigo García Saiz habló del estreno de su película Lluvia en el marco de la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). La película cuenta con las actuaciones de Bruno Bichir, Cecilia Suárez, Arcelia Ramírez, Martha Claudia Moreno, Mauricio Isaac, Kristyan Ferrer, Mayuko Nihei, Esteban Caicedo y Morganna Love.

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por C A R L O S M O R A

a historia se desarrolla a través de seis relatos que presentan distintos personajes transitando por las calles de la Ciudad de México, perseguidos por una lluvia intermitente y sumidos en una desesperanza cotidiana. Sin embargo, cada uno se enfrenta a un momento imprevisto, un acontecimiento extraño, luminoso o absurdo que les revela quiénes son, aunque sea por un breve instante. Después de estos insólitos encuentros, vuelven a sumergirse en la rutina de sus vidas. Esta es la trama de la ópera prima del mexicano Rodrigo García. ¿Cómo te sientes con esta ópera prima?

Es un proceso que ha llevado muchos años. La vida me llevó por circunstancias personales a trabajar en publicidad durante un tiempo, pero mi formación siempre ha sido en el cine. Hace unos cinco años, retomé lo que para mí es un sueño, hacer cine. Este guion llegó a mí; es una historia que me conmovió mucho, escrita por Paula Malkovich, y me encantó. Lo que me sedujo es que son seis historias que se entrelazan, pero al mismo tiempo forman una sola película. Aborda muchas sensaciones de la condición humana: hay esperanza, desesperanza, alegría, tristeza, amor y desamor. Eso es algo que siempre quise contar desde que era niño. La lluvia fue una incorporación posterior, ya que en el guion original no estaba.

Fue una adición personal, influenciada por el hecho de que crecí en una ciudad como la Ciudad de México, que es una de las que más llueve y menos está preparada. La lluvia se convirtió en una hermosa metáfora para reflejar diferentes estados de ánimo y sirvió como hilo conductor de estas historias que se entrelazan. Sin embargo, debo admitir que filmar bajo la lluvia resultó ser un gran desafío, pero cuando ves la película, te brinda esa sensación de lo que es la lluvia. ¿Cómo te sientes acerca del elenco de tu película?

Fue algo muy hermoso porque conseguí el elenco que siempre soñé. Todos aceptaron el desafío y fueron muy amables. La película involucró un rodaje complejo

debido a la lluvia, ya que filmamos con lluvia real y artificial. La mayoría de la filmación tuvo lugar de noche, por lo que todos tuvieron que mojarse literalmente.

Me siento muy afortunado y bendecido de tener a actores a quienes admiro mucho. ¿Vas a Morelia? ¿Qué significa para ti el festival?

Significa muchísimo estar en el festival que más admiro, no solo en México. Es un gran honor y una oportunidad para compartir la película con colegas y con personas a las que amamos. Yo fui espectador de cine en este festival en muchas ocasiones, incluso en etapas previas a esta película. Sentarme allí en esa sala hoy me llena de emoción y es un punto de partida para que la película despegue y la vean ustedes, que al final del día, es lo que deseo.

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LATIDO LATIDO narra la historia de dos mujeres con perspectivas de la maternidad completamente opuestas. Una bailarina de 16 años embarazada se cruza en el camino de una mujer madura con problemas de fertilidad.

Esta película dirigida por Katina Medina Mora, es parte de la categoría Largometraje Mexicano en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2023 y ha sido producida por Animal de Luz Films. La película está protagonizada por Marina de Tavira y la talentosa joven Camila Calónico.

Leonor, de 45 años, ha intentado todo por quedar embarazada pero su cuerpo parece no responder. En una audición conoce a Emilia, una adolescente de 16 años con un talento innegable bailando ballet pero su carrera se verá truncada el día que se entera que está embarazada.

Leonor y Emilia harán un trato y compartirán el proceso de embarazo. Lo que parece sólo una transacción para conseguir lo que quieren se convierte en otra manera de ver la maternidad.

Una mirada a la maternidad entendida desde la dualidad: la adolescencia y la adultez. Por un lado, un embarazo visto como un obstáculo a largo plazo; mientras que del otro, la percepción de la fertilidad idealizada, como un complemento perfecto de la vida femenina en plena madurez.

Medina Mora, también realizadora de las cintas LuTo (2013) y Sabrás qué hacer conmigo (2015), regresa al cine después de un periodo dedicado a la dirección en series como Las bodas de Malena (2016) para Discovery Home & Health.

El dúo protagónico de esta historia, Marina de Tavira y Camila Calónico , estará acompañado de grandes personalidades de la actuación como el fallecido Fernando Becerril, Juan Manuel Bernal, Juan Carlos Colombo, Teresa Sánchez y Daniela Schmidt, Mauricio García Lozano y Armando Espitia. Bajo la producción general de Inna Payán, directora de Animal de Luz Films.

Latido ya ha tenido un exitoso recorrido en festivales, con su estreno internacional en el Mill Valley Film Festival en California y su estreno europeo en el Meztizo Lab en Madrid. Ahora, la película se prepara para su estreno nacional como parte del 21° FICM el próximo domingo 22 de octubre.

DESAPARECER POR COMPLETO EL FILME protagonizado por Harold Torres y dirigido por Luis Javier Henaine, conocido por su trabajo más reciente en la dirección de la comedia Solteras (2019) y quien ahora incursiona en el cine de género.

La cinta aborda la historia de Santiago Mendoza (Harold Torres), el mejor fotógrafo de nota roja, profesión que lo ha vuelto insensible e incapaz de mostrar afecto con nadie. Una noche Santiago intercepta una llamada y a pesar de las advertencias de la policía, se logra introducir a una perturbadora escena del crimen. Al poco tiempo, comienza a sufrir una misteriosa enfermedad que le hace perder, uno por uno, los cinco sentidos. Sin saber qué tiene ni por qué, Santiago deberá encontrar una cura a este mal, antes de que el mundo que conoce, desaparezca por completo.

Harold Torres regresa a un papel protagónico mostrando una faceta distinta a las actuaciones a las que nos tiene acostumbrados. Luego de su reciente nominación como mejor actor en los Independent Spirit Awards y su participación en producciones internacionales, el actor lidera el talento de Desaparecer por Completo sumado a las actuaciones de Teté Espinoza (Marcela), Fermín Martínez (Catoche), Vicky Araico (Lupe), Eligio Meléndez (Elías) y Norma Reyna (Leonor).

"Desaparecer por completo es mi tercera película, alejándome temporalmente de la comedia para explorar un nuevo territorio con un thriller sobrenatural que aborda dos aspectos importantes de la cultura mexicana: la nota roja y la brujería. Ambos, un reflejo de nuestro país, a través de nuestras supersticiones y la falta de sensibilidad

a la que nos hemos acostumbrado en nuestra vida diaria.

Aunque en el fondo, la película es un drama muy íntimo y personal sobre un fotógrafo con ambiciones artísticas, que lucha por encontrar el equilibrio entre su profesión y su matrimonio, mientras da su vida por sentada ”, ha compartido el director.

En esta entrega, el director Luis Javier Henaine dirige a partir de un guion original de Ricardo Aguado-Fentanes, bajo la producción de Pablo Zimbrón de Varios Lobos, Gerardo Gatica de Panorama y la propia compañía de Henaine, Moonlight Pictures. Cuenta con la edición de Jorge Macaya y el diseño de sonido de José Miguel Enríquez Rivaud, además de un score original del reconocido músico Alejandro Otaola.

Desaparecer por completo tendrá su estreno en México en el marco de la edición número 21 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), uno de los festivales cinematográficos más importantes de Latinoamérica.

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THE MICHOACAN FILE THE MICHOACAN FILE es un nuevo documental que explica el origen, historia e impacto de la comida mexicana en la sociedad moderna. Desde hace 300 años México ha sido el lugar donde las rutas comerciales asiáticas y europeas se encontraban, dejando atrás una fuerte y vasta cultura gastronómica con un enorme repertorio de recetas lo que explica por que hoy, la comida mexicana es infinita en recetas, variedad y sabor.

En 2010, la UNESCO nombró a la comida mexicana como Patrimonio Cultural Intangible de la Humanidad y por primera vez, la gastronomía es protegida y elevada al mismo rango que las artes y la ciencia.

Explorando a través del pasado y presente desde el punto de vista de expertos culinarios, antropólogos y cocineros tradicionales quienes participan activamente en este debate, The Michoacán File es un documental oportuno, culturalmente significativo y provocador, que cambia y deconstruye lo que entendíamos acerca de la comida mexicana.

Sábado 21 de octubre a las 20:00hrs.

En la plaza Benito Juárez, Morelia, michoacán.

HOMENAJE A FERNANDO DE FUENTES

MIGUEL BOSÉ

SERÁ INVITADO ESPECIAL EN EL FICM El legendario cantante, compositor y actor español, Miguel Bosé, será Invitado Especial en la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), donde presentará una función especial de Tacones lejanos, película de 1991 dirigida por Pedro Almodovar.

Previamente a la función, Miguel Bosé conversará con el Presidente del FICM, Alejandro Ramírez, y la directora y cinefotógrafa Victoria ClayMendoza.

Miguel Bosé inició su carrera de actuación en la adolescencia, poco antes de dedicarse a la música. Además de participar en Tacones lejanos, ha interpretado roles en películas como Suspiria (1971, Dario Argento), California (1978, Michele Lupo) y La reina Margot (1995, Patrice Chéreau), entre otras.

En Tacones lejanos, Miguel Bosé interpreta a un abogado que por las noches se convierte en una drag-queen.

La conversación entre Miguel Bosé y Alejandro Ramírez antes de la función especial de Tacones lejanos tendrá lugar el lunes 23 de octubre a las 20:45 horas en el Teatro Mariano Matamoros.

Este año, el FICM rinde homenaje al director Fernando de Fuentes, un pilar del cine mexicano. Fundación Televisa se suma a esta celebración presentando una de sus películas más emblemáticas: Doña Bárbara, interpretación que le valió el apelativo de La Doña a su protagonista, María Félix.

Sáb. 21 de octubre, 19:00 Teatro Emperador Caltzontzin, Pátzcuaro, Michoacán Jue. 26 de octubre, 13:15 Cinépolis Centro Sala 5, Morelia, Michoacán Jue. 26 de octubre, 21:30 Plaza Benito Juárez, Morelia, Michoacán

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA Como parte del homenaje, Fundación Televisa presenta la exposición al aire libre "El rancho que forjó una industria, la gesta de Fernando de Fuentes"; imágenes de gran formato que relatan la fascinante historia de este pionero de la industria cinematográfica nacional. La muestra se presenta hasta el 29 de octubre en la emblemática Cerrada de San Agustín, en el Centro Histórico de Morelia. Te invitamos a formar parte de un recorrido virtual por la exposición que guiará el investigador y curador de la Colección y Archivo de Fundación Televisa Héctor Orozco, el domingo 22 de octubre a las 14 hrs. a través del Facebook de @FotograficaMx o disfruta del recorrido de manera presencial con los medios de comunicación a las 15 hrs.

ESTRENO MACARIO EN SU VERSIÓN RESTAURADA Por último, Fundación Televisa nos transporta a la época de oro con el estreno en México de la versión restaurada de Macario, el clásico del cine mexicano dirigido por Roberto Gavaldón, en 1959. Antes de la proyección se ofrecerá la charla Macario. Una película para la eternidad”, sobre la importancia de la conservación fílmica y la labor que Fundación Televisa ha desempeñado en los últimos años. No te pierdas esta oportunidad única de sumergirte en la historia del cine mexicano y descubrir los tesoros que Fundación Televisa tiene para ti. ¡Te esperamos del 20 al 29 de octubre en Morelia, Michoacán!

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JODIE FOSTER RECIBIRÁ EL PREMIO A LA EXCELENCIA ARTÍSTICA La legendaria actriz y directora de cine Jodie Foster recibirá el Premio a la Excelencia Artística en la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), como reconocimiento a su extraordinaria trayectoria y a las valiosas aportaciones que ha hecho a la industria cinematográfica. Además, la Invitada Especial del FICM ofrecerá un clase magistral en el Teatro Melchor Ocampo.

Con una carrera que abarca más de cincuenta años, Jodie Foster ha trabajado con grandes directores como Martin Scorsese, Robert Zemeckis, Roman Polanski, Jean Pierre Jeunet, y David Fincher. Hizo su debut como directora en 1991, y ha dirigido las películas Home for the Holidays y Money Monster, entre otras, además de episodios de series.

El Premio a la Excelencia Artística fue entregado por primera vez en 2018 al realizador mexicano Alfonso Cuarón y lo han recibido, desde entonces, reconocidas personalidades de la cinematografía como Robert Redford, Claire Denis y Alejandro G. Iñárritu.

MEMORY DE MICHEL FRANCO TENDRÁ UNA GRAN GALA Protagonizada por la ganadora del Oscar, Jessica Chastain, y el ganador de la Copa Volpi a Mejor Actor en el Festival de Cine de Venecia, Peter Sarsgaard. Memory tuvo su estreno en el Festival de Cine de Venecia y se presentó en diversos festivales, como el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), seguido por San Sebastián, Zurich y Londres.

Escrita y dirigida por el ya reconocido Michel Franco, Memory es un drama que nos narra la historia de una trabajadora social y madre soltera (Jessica Chastain) que busca superar su alcoholismo y se enfoca en apoyar a su hija sin olvidarse de destacar en su trabajo.

Pero todo esto cambia cuando se encuentra con sus antiguos compañeros de escuela y es seguida por un hombre (Peter Sarsgaard) que la hace entrar en un viaje de introspección en su pasado. “Quería hacer una película sobre la gente que, por alguna razón, es marginada de la sociedad. Su incapacidad —o falta de voluntad— de cumplir las expectativas recae en sucesos presentes únicamente en su memoria. Pero en ocasiones, su misma exclusión significa un escape de la sombra del pasado y una oportunidad de reconstruir su presente. Memory es sobre si uno realmente puede escapar de esa sombra”, resaltó Michel Franco.

PRISCILLA, DE SOFIA COPPOLA, FUNCIÓN DE CLAUSURA Priscilla, la más reciente película de la directora Sofía Coppola, será la función de clausura de la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). El filme fue estrenado en el pasado Festival de Cine de Venecia, donde recibió una ovación de casi ocho minutos.

Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu conoce a Elvis Presley en una fiesta, él, quien ya es una superestrella del rock and roll, se convierte en alguien completamente inesperado: un flechazo, un aliado en la soledad, un mejor amigo vulnerable. El lado oculto del gran mito estadounidense durante su largo noviazgo y turbulento matrimonio se cuenta a través de los ojos de Priscilla, desde una base militar alemana hasta su finca de ensueño en Graceland.

APNEA DESPUÉS de presentarse con éxito en el Festival Internacional de Cortos de Sao Paulo Kinoforum (Brasil) y el Bengaluru International Film Festival (India), entre otros encuentros cinematográficos, el cortometraje mexicano Apnea, dirigido por Natalia Bermúdez, será parte de la programación de la edición 21 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

El corto escrito por Bermúdez y Danae Reynaud, es protagonizado por Victoria White y Claudette Maillé.

Esta producción del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) cuenta también con la música original compuesta por Antonio Tranquilino, músico conocido por ser integrante del grupo mexicano de rock Yokozuna.

Renata es una joven y talentosa nadadora que mantiene una relación secreta con su estricta entrenadora de natación, quien es mayor que ella; cuando se acercan los estatales, la frontera entre el amor y el abuso se vuelve más vertiginosa, el lugar de Renata en la competencia se ve comprometido por el tétrico juego de poder con su entrenadora y cuando el velo de la pasión adolescente abandona los ojos de Renata, esta entiende que el interior de la alberca no es el único lugar en donde alguien puede sentir que deja de respirar.

“La concepción de Apnea fue en sentido contrario a la forma en que cotidianamente se crean los proyectos, al menos los proyectos que yo había hecho antes. Siendo mi cortometraje de titulación, yo tenía claro que quería arriesgarme y salir por completo de mi zona de confort, era la última oportunidad que tenía de equivocarme sin responsabilidad de por medio. Estaba acostumbrada a trabajar con improvisaciones, con diálogos que cambiaban y los trazos de cámara, aunque planeados, también

tenían una forma flexible. Esta vez quería que la estética fuera la guía de la película, quería intentar trazos de personajes y de cámara planeados cautelosamente, quería diálogos en tiempos específicos, que todo lo que involucraba color, brillo y contraste en la película fuera también pensado minuciosamente y que el lenguaje cinematográfico fuera la herramienta narrativa principal. La forma de narrar fue el punto de partida, y con esa directriz fue que posteriormente nació la historia, inspirada en mi creciente preocupación por las relaciones sexo-afectivas dentro de cualquier ámbito educativo y cómo el hecho de que éstas sean consensuadas no implica que no haya abuso de poder involucrado. Apnea es una carta a mi yo directora que cursó la carrera con una inseguridad brutal y que sufrió abuso de maestros cegada por su admiración, y a pesar de haber sido un proyecto abordado desde la forma y la frialdad, hizo vibrar fibras profundas que resultaron en mucha más madurez tanto como persona, como directora”, comenta Natalia Bermúdez sobre su cortometraje.

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JODIE FOSTER RECIBIRÁ EL PREMIO A LA EXCELENCIA ARTÍSTICA La legendaria actriz y directora de cine Jodie Foster recibirá el Premio a la Excelencia Artística en la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), como reconocimiento a su extraordinaria trayectoria y a las valiosas aportaciones que ha hecho a la industria cinematográfica. Además, la Invitada Especial del FICM ofrecerá un clase magistral en el Teatro Melchor Ocampo.

Con una carrera que abarca más de cincuenta años, Jodie Foster ha trabajado con grandes directores como Martin Scorsese, Robert Zemeckis, Roman Polanski, Jean Pierre Jeunet, y David Fincher. Hizo su debut como directora en 1991, y ha dirigido las películas Home for the Holidays y Money Monster, entre otras, además de episodios de series.

El Premio a la Excelencia Artística fue entregado por primera vez en 2018 al realizador mexicano Alfonso Cuarón y lo han recibido, desde entonces, reconocidas personalidades de la cinematografía como Robert Redford, Claire Denis y Alejandro G. Iñárritu.

MEMORY DE MICHEL FRANCO TENDRÁ UNA GRAN GALA Protagonizada por la ganadora del Oscar, Jessica Chastain, y el ganador de la Copa Volpi a Mejor Actor en el Festival de Cine de Venecia, Peter Sarsgaard. Memory tuvo su estreno en el Festival de Cine de Venecia y se presentó en diversos festivales, como el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), seguido por San Sebastián, Zurich y Londres.

Escrita y dirigida por el ya reconocido Michel Franco, Memory es un drama que nos narra la historia de una trabajadora social y madre soltera (Jessica Chastain) que busca superar su alcoholismo y se enfoca en apoyar a su hija sin olvidarse de destacar en su trabajo.

Pero todo esto cambia cuando se encuentra con sus antiguos compañeros de escuela y es seguida por un hombre (Peter Sarsgaard) que la hace entrar en un viaje de introspección en su pasado. “Quería hacer una película sobre la gente que, por alguna razón, es marginada de la sociedad. Su incapacidad —o falta de voluntad— de cumplir las expectativas recae en sucesos presentes únicamente en su memoria. Pero en ocasiones, su misma exclusión significa un escape de la sombra del pasado y una oportunidad de reconstruir su presente. Memory es sobre si uno realmente puede escapar de esa sombra”, resaltó Michel Franco.

PRISCILLA, DE SOFIA COPPOLA, FUNCIÓN DE CLAUSURA Priscilla, la más reciente película de la directora Sofía Coppola, será la función de clausura de la 21ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). El filme fue estrenado en el pasado Festival de Cine de Venecia, donde recibió una ovación de casi ocho minutos.

Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu conoce a Elvis Presley en una fiesta, él, quien ya es una superestrella del rock and roll, se convierte en alguien completamente inesperado: un flechazo, un aliado en la soledad, un mejor amigo vulnerable. El lado oculto del gran mito estadounidense durante su largo noviazgo y turbulento matrimonio se cuenta a través de los ojos de Priscilla, desde una base militar alemana hasta su finca de ensueño en Graceland.

LA HUELLA DE UNOS LABIOS LA HUELLA DE UNOS LABIOS tendrá su estreno nacional en el marco de la 21 edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

Román (Hugo Catalán) es un actor de videohomes que está recluido en su departamento mientras una pandemia mantiene en vilo al mundo. Aldo, un joven indígena, es un trabajador esencial que tiene permitido salir. Ambos

viven frente a frente en una unidad habitacional. Se conocen en línea, pueden hablarse, e incluso verse por video-llamada, pero no pueden encontrarse. Eventualmente, la tentación de romper el encierro se presenta.

Contaremos con la presencia del director Julián Hernández; los productores Roberto Fiesco e Iliana Reyes y los actores Mauricio Rico, Mauro González y Luis Vegas.