L U J O
C O N
I N T E L I G E N C I A
L U J O C O N I N T E L I G E N C I A
El arte y el diseño FOTO ANDRÉS SERRANO
Número 31. Septiembre - Diciembre 2015 / Colombia: $12.000
Patricia Castellanos: De ida y vuelta
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La magia de Pininfarina
Laura Catena: Medicina y Malbec
ch oa: El vuelo del GTA Spano
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CRISTINA GRAJALES Y LEÓN TOVAR
O Domingo
15/09/2015 10:28:13 p.m.
EDICIÓN N° 31
SEPTIEMBRE / DICIEMBRE 2015
DIRECTOR
COLABORADORES PERMANENTES
Juan Fernández
Ricardo Kling Carlos Ferreirinha Juliana Bedoya
EDITOR
Andrés Ramírez ASESORES EDITORIALES
COLABORADORES EN ESTA EDICIÓN
Juan M. Fernández Carlos Felipe Angulo Álvaro Corzo
Poli Mallarino Cristina Grajales Ricardo Kling
RETOQUE FOTOGRÁFICO
Andrés Gachancipá
DISEÑO GRÁFICO
Marcia Pedraza Sierra Lina Paola Gil Cardona
PREPRENSA
Producción El Espectador
DIRECTOR DE ARTE
Darío Forero A.
CORRECCIÓN DE ESTILO
Óscar Arango
PRESIDENTE CONSEJO EDITORIAL EL ESPECTADOR
Gonzalo Córdoba M.
FOTO PORTADA
Andrés Serrano
DIRECTOR
Fidel Cano C. GERENTE
Eduardo Garcés GERENTE DE PRODUCCIÓN
Fabio Chica
© Comunican S. A. 2015 Todos los derechos reservados. Calle 103No. 69b-43 Conmutador: 423 2300. Fax: 423 7641. Apartado 3441. Bogotá, D. C., Colombia. ISSN 2027-1247
IMPRESO EN PRINTER COLOMBIANA
VENTAS PUBLICIDAD CONMUTADOR: 4232300 FAX: 4055700 / CALLE 103NO. 69B-43 BOGOTÁ
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VENTAS INTERNACIONALES
BOGOTÁ
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TELÉFONOS
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Av. 9A – Norte Nº 9N-84
LA MAGIA DE PININFARINA 56
FERIA INTERNACIONAL DE ARTE DE BOGOTÁ 1 AL 4 DE OCTUBRE DE 2015 ARTBO.CO
Paolo Pininfarina es el heredero de una firma que creó su abuelo hace más de ocho décadas. Es ícono de la innovación en sectores como el diseño automotriz, la ingeniería y la arquitectura.
Un programa de
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Cortesía Pininfarina Patrocinadores
Pág. 20
El diálogo del arte y el diseño
Pág. 46
De ida y vuelta
Pág. 86
Mecánica femenina
Pág. 34
Hoteles con colección
Pág. 72
El vuelo del GTA Spano
Pág. 90
Música en caja
Pág. 40
Las joyas del amor
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UBER te lleva gratis a ARTBO - cód. ARTBO2015
Medios Aliados
Medio Aliado Online
Apoyo Cultural
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MEDICINA Y MALBEC 64
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Al mando de Catena Zapata, Laura Catena promete seguir marcando la historia del vino de su país sin olvidar su trabajo en el área de emergencias del centro médico de la Universidad de California.
Cortesía Catena Zapata
MÚSICA EN CAJA 90
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La suiza Reuge es uno de los pocos fabricantes de cajas musicales que subsiste en el mundo.
Cortesía Reuge
Carta del director
Juan Fernández jfernandez@elespectador.com
Hace siete años se distribuyó la primera edición de Summus. Han sido 31 números en los que hemos contado decenas de historias de hombres y mujeres alrededor del mundo que han marcado el rumbo del arte, la gastronomía, el diseño, los viajes, los automóviles, la moda y la alta relojería, entre otros. En ese recorrido se han ido sumando como colaboradores de la revista personajes que conocimos a través de sus historias y que hoy siguen apoyándonos desde múltiples flancos. Sus oficios y negocios continúan e incluso se han entrelazado al compartir un espacio en estas páginas. Entre ellos están los colombianos Cristina Grajales y León Tovar, quienes han decidido abrir su primera galería en conjunto, ubicada en el corazón de Manhattan, y que está distribuida en tres secciones: dos privadas para sus galerías y un espacio de encuentro común llamado The Third Room en el que se adelantan proyectos experimentales que vinculan el arte y el diseño. Cristina y León nos han puesto frecuentemente en contacto con grandes artistas. En esta oportunidad logramos a través de ellos que el fotógrafo Andrés Serrano tomará, a su manera, el retrato de la portada de la revista. Por la dureza de sus imágenes, la carrera artística de Serrano ha sido cuestionable, pero también exitosa: inclusive en una de las últimas subastas de arte contemporáneo
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de Christie’s en Nueva York, una edición de su obra “Piss-Christ” fue vendida por 277.000 dólares. En el mundo de la fotografía y las producciones también está, pero desde Bogotá, Patricia Castellanos, quien después de muchos años regresó a Colombia desde Estados Unidos y Suecia, donde trabajó en la industria del cine y la moda. Hoy es la directora artística del proyecto editorial que se lleva a cabo en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo. El diseño y sus múltiples facetas nos ha llevado a tocar la puerta de Paolo Pininfarina, heredero de la firma que creó su abuelo hace más de 80 años y que hoy es ícono en la creación de vehículos, aviones, proyectos de ingeniería ferroviaria, arquitectura e interiorismo, entre otros. También a buscar el taller de Domingo Ochoa, en Valencia, España, donde se fabrica artesanalmente uno de los automóviles más potentes del mercado: el GTA Spano. Igual de sorprendente es la historia de Laura Catena, quien al mando de la bodega argentina de Catena Zapata, promete seguir marcando la historia del vino con innovación y tradición sin olvidar su trabajo, una semana al mes, en el área de emergencias del centro médico de la Universidad de California. Son algunas de las historias que encontrará en esta nueva edición de la revista Summus.
Historias con alcance global
Las joyas del amor
Velocidad y delirio
Andrés Ramírez Miami
Álvaro Corzo Los Ángeles
El diálogo del arte y el diseño Andrés Ramírez Nueva York
El vuelo del GTA Spano Juan Fernández Valencia
Medicina y Malbec Juan M. Fernández Buenos Aires
De ida yPorvuelta Carlos Felipe Angulo Bogotá
Música en caja Juliana Bedoya Sainte-Croix
Del 8 al 16 de enero del 2016, Cartagena será el escenario de un viaje rítmico que partirá de la España del siglo XVI hacia el Nuevo Mundo, en un recorrido por la integración de costumbres, creencias y lenguajes que a lo largo de los siglos han influenciado los sonidos y contenidos de la música clásica y la tradicional popular. Con su lte la revista promocion al con la programación co m p l e ta e n WWW.CARTA GE NA MU SICF E STIVAL .COM Apoya
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ARTE INC. El diálogo entre el arte y el diseño Hoteles con colección
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Cortesía Cristina Grajales y León Tovar
Red de Concesionarios Autorizada: Audi City Center Bogotá Cll 86, Calle 86 No. 11-09, PBX: (1) 508 20 74 / Audi Center Bogotá Cll 127, Av. Calle.127 No. 54A-50 PBX: (1) 643 93 33 Audi Center Bogotá Cra. 7, Carrera. 7 No. 127C-69, PBX: (1) 508 24 89 / Audi Center 104 Bogotá , Calle 104 No. 23-41, PBX: (1) 257 35 05 / Audi Center Bucaramanga, Cra 27 No. 52-25 Esquina, PBX: (7) 647 88 88 / Audi Center Barranquilla, Vía 40 No. 69-19, PBX: (5) 360 36 40 / Audi Center Cali, Av. Cañas Gordas, Calle 18 No. 105-95, PBX: (2) 608 22 95 / Audi Center Manizales, Cra 23A No. 74-51, PBX: (6) 887 01 11 / Audi Center Medellín, Cra 43A No. 19-20 (Av. El Poblado), PBX: (4) 310 67 08 / Audi Center Pereira, Av. 30 de Agosto Calle 94 Esquina, PBX: (6) 317 07 07
ARTEINC.
ARTE Y EL DISEÑO
EL DIÁLOGO DEL
Por Foto
Andrés Ramírez, Nueva York Daniel Matallana / Matallana Studio
Los galeristas colombianos Cristina Grajales y León Tovar abren su primera galería en conjunto. Se encuentra ubicada en el corazón de Manhattan, y desde ya promete convertirse en paso obligado para todos aquellos devotos del arte y el diseño.
León Tovar y Cristina Grajales junto a la escultura "Picasso" (ca. 1977), de Marisol Escobar.
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Cristina Grajales y León Tovar abren las puertas de sus nuevas galerías de arte y diseño, en un espacio de exhibición ubicado en el sector del NOMAD (North of Madison Square Park), en la frontera que divide Midtown y Chelsea, en Manhattan. Hace seis años que esta revista publicó el primer perfil de Cristina Grajales en Colombia, a pesar de que su nombre era ya recurrente en las paginas de arte y cultura de las publicaciones más prestigiosas del mundo. Allí, Cristina confesó su pasión por el arte, la arquitectura y el diseño. También habló de su natal Pereira y su deseo de regresar algún día a vivir a su tierra. La entrevista concluyó dos días después con un recorrido a su casa de campo, ubicada a dos horas al norte de Nueva York. Cristina se convirtió desde entonces en consejera editorial de esta revista. Gracias a ella, por ejemplo, Massimo Vignelli (1931-2014) aceptó diseñar en exclusiva una portada para SUMMUS; Mira Nakashima abrió las puertas de la casa de su padre, George, en New Hope, Pensilvania; y Wendell Castle concedió una entrevista durante la feria Design Miami,
entre muchas otras historias. Al poco tiempo Cristina se convirtió en columnista permanente de esta revista. León Tovar apareció en las páginas de esta revista casi por la misma época. La entrevista se desarrolló en su galería del Upper East Side de Manhattan y luego en un restaurante cercano al Central Park. Al igual que Cristina, León se convirtió en asesor editorial de SUMMUS, y luego en columnista. Hasta ese momento, las vidas de estos dos exitosos colombianos en Nueva York transcurría de forma paralela, con una admiración mutua por el trabajo que cada uno realizaba desde su orilla, pero sin haber intercambiado jamás palabra alguna. Se conocieron años después durante la apertura de una exhibición en la galería de Cristina Grajales. Desde entonces creció una amistad entre colegas que los llevó a realizar su primer trabajo en conjunto el año pasado. Se unieron para apoyar una exhibición que ellos mismos imaginaron como la comunión orgánica entre las bellas artes y el diseño, y teniendo como tema central la naturaleza de Colombia.
Cristina Grajales es una de las galeristas más reconocidas de Nueva York. Su nuevo espacio en el Midtown de Manhattan ofrece cerca de 600 metros cuadrados de exhibición.
DANIEL MATALLANA / MATALLANA STUDIO
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CORTESÍA CRISTINA GRAJALES / LEÓN TOVAR
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Juntos planearon la exhibición Waterweavers: The River in Contemporary Colombian Visual and Material Culture, organizada y presentada por el Bard Graduate Center de Nueva York y curada por José Roca. Fue tan rotundo el éxito de este proyecto que el New York Times, entre muchos otros medios, la catalogaron como la mejor exhibición de arte del verano del 2014, por encima de la retrospectiva de Jeff Koons en el antiguo Whitney Museum. Meses después, Waterweavers sería reinaugurada durante la apertura de la feria Arco Madrid, en la que Colombia fue el país invitado. Era la primera vez que Cristina y León se asociaban con un tercero para adelantar un proyecto. Sus exitosas carreras las construyeron gracias al trabajo individual de sus galerías y el equipo de personas que trabajan en ellas. El resultado no podría haber sido más satisfactorio. Por esos mismos días, Cristina y León planeaban ciertos cambios que les permitieran adaptarse al movido mercado del arte de Nueva York. Cristina había decidido mudarse del espacio que ocupó durante los últimos catorce años, pues esta zona había perdido su encanto artístico y se había transformado más en un distrito de moda y gastronomía. Mientras tanto, León buscaba abrir un segundo espacio dedicado a la promoción del arte contemporáneo en un lugar menos estricto que el Upper East Side.
LA OFICINA DE CRISTINA GRAJALES ES UN ESPACIO ABIERTO QUE SE INTEGRA CON EL RESTO DE ACTIVIDADES DEL LUGAR. LA COLECCION PRIVADA DE MOBILIARIO Y LIBROS DE LA GALERISTA ADORNA ESTE ESPACIO
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CORTESÍA CRISTINA GRAJALES / LEÓN TOVAR
ENLACIMA
La apertura oficial de la galería de Cristina Grajales presenta un diálogo entre la obra textil de los hermanos Ladd y las esculturas de bronce de Stefan Bishop.
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CORTESÍA CRISTINA GRAJALES / LEÓN TOVAR
León Tovar se ha destacado por una sólida carrera en el segmento del Arte Moderno de América Latina. Su nueva galería se enfoca en artistas contemporáneos con una perspectiva global.
La apertura de la galería de León Tovar presentará la exposición “El Puente”, una selección de las obras más emblemáticas de Edgar Negret durante su estadía en Nueva York en la década de 1950.
DANIEL MATALLANA / MATALLANA STUDIO
Todos los astros parecían alinearse para que se asociaran con el fin de enfrentar estos nuevos retos. Solo se requirió una breve charla entre ambos para que en cuestión de minutos decidieran asociarse. Así nació, durante el otoño pasado, la galería que los dos dealers de arte colombianos más respetados en el ámbito internacional, que abren el panorama desde Nueva York.
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THE THIRD ROOM El sector oeste de Manhattan ha recibido en la última década una migración de galerías de arte contemporáneo proveniente de diferentes zonas de la ciudad. Chelsea y el Meatpacking District se convirtieron en el epicentro del arte nuevo de la ciudad, acogiendo de paso a reconocidas instituciones
como el Whitney Museum e importantes intervenciones urbanísticas como el High Line Park. Sin embargo, la alta demanda de nuevo espacio ha forzado a las galerías a expandirse hacia el costado este de la isla, uniendo el distrito de arte con el turismo del Midtown. Se trata de una frontera heterogénea y en franca transformación en la que conviven los restaurantes tradicionales del Korean Town con hoteles y residencias de lujo. Es allí donde se encuentra la nueva galería de Cristina Grajales y León Tovar. El interior de la galería está distribuido en tres secciones. En los costados se encuentran las galerías privadas de exhibición y las oficinas. El espacio de encuentro común está en el centro, en
un área de exhibición que comparten las dos galerías y en el que se adelantarán proyectos experimentales que vinculan el arte y el diseño. Este espacio se llama The Third Room (La Tercera Sala). En total, son cerca de 700 metros cuadrados de área de exhibición, diseñados de una manera respetuosa con el estilo industrial del edificio. Los pisos naturales de madera clara se funden con las paredes blancas que se modulan de acuerdo con las necesidades de cada exposición. El arquitecto y diseñador de textiles colombiano Jorge Lizarazo, quién es representado por Cristina Grajales, fue el encargado de diseñar este lugar. “La comprensión de los tejidos y el arte de tejer le permitió a Jorge ver las
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EL INTERIOR DE LA GALERÍA ESTÁ DISTRIBUIDO EN TRES SECCIONES. EN LOS COSTADOS SE ENCUENTRAN LAS GALERÍAS PRIVADAS DE EXHIBICIÓN Y LAS OFICINAS. EL ESPACIO DE ENCUENTRO COMÚN ESTÁ EN EL CENTRO, EN UN ÁREA DE EXHIBICIÓN QUE COMPARTEN LAS DOS GALERÍAS. ESTE ESPACIO SE LLAMA THE THIRD ROOM.
divisiones de nuestras galerías como las vías del metro de Nueva York, las cuales zigzaguean entre ellas a corta distancia hasta que en algún punto confluyen para seguir un mismo camino. Y es ese último cruce de caminos es lo que llamamos The Third Room”, explica Cristina Grajales. La sala de exhibición compartida le permitirá a las galerías realizar proyectos con artistas alternativos, desarrollar un programa de exhibiciones más académico que comercial y plantear un énfasis experimental que fusione las bellas artes y el diseño. La inauguración de The Third Room presenta una exhibición dedicada a la artista franco-venezolana Marisol Escobar, teniendo como pieza central la escultura Picasso (ca. 1977). Tallada en bronce, esta obra fue creada pocos años después de la muerte del artista español y presenta una imagen del maestro sentado en una silla austera. La escultura es parte de una serie creada por Marisol Escobar como homenaje a los artistas Marcel Duchamp, Georgia O'Keeffe y Martha Graham. Cristina Grajales presenta, por su parte, una exhibición compartida entre los diseñadores Stefan Bishop y los hermanos Steven y William Ladd. Bishop es un artista y diseñador autodidacta que ha trabajado por más de 20 años en la intersección entre
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la arquitectura, el diseño y la escultura. Sus muebles pueden ser sutiles y orgánicos como también complejos en su geometría. Para la exposición inaugural, Bishop presentará piezas nuevas de mobiliario realizadas en bronce y madera. Los hermanos Ladd construyen paisajes naturales a partir de materiales desechables. Se trata de enormes cajas que pueden verse como cuadros o esculturas. Para la inauguración presentan seis paisajes textiles inéditos, así como una enorme cortina tejida a mano y un candelabro. León Tovar abre su espacio con una exhibición en homenaje al escultor colombiano Edgar Negret (1920-2012). “Vamos a presentar una muestra sin precedentes de Negret, enfocada en lo podríamos llamar su período más crítico y personal, durante la década de 1950 y parte de 1960, período en el que el artista vivió en Nueva York”, explica León Tovar. La exhibición, compuesta por 25 esculturas y dibujos, se titula “El Puente”, como una clara alusión a la amistad que unió a Negret con Paul Foster, quien en su momento dedicó una de sus obras de teatro (Hurray the Bridge) a Negret. “También pone en evidencia el puente que tendió Negret entre el arte Latinoamericano y el Norteamericano: Louise Nevelson-Negret; Negret-
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El diseño de la galería estuvo a cargo del arquitecto colombiano Jorge Lizarazo. Este nuevo espacio promete convertirse en puente de encuentro para los amantes del arte y el diseño.
Ellsword Kelly; YungermanNegret. Es en este período próspero de su carrera cuando el MoMA adquiere su primera escultura y realiza exhibiciones (incluyéndolo en 1955); lo resaltan en la cuarta Bienal de Sao Paulo de 1957 con sus “Aparatos Mágicos”; recibe el premio de escultura David E. Brigth durante la 34 Bienal de Venecia en 1968 y gana el salón Nacional de artistas en Colombia”, dice León. Pero es la escultura de Picasso que se encuentra en The Third Room la que resume el espíritu que caracteriza a este nuevo lugar. León Tovar, quién es conocido por su larga experiencia en arte moderno, se ve reflejado en esta escultura a través del máximo exponente del arte del siglo XX. Picasso se ve allí como un anciano agotado, despojado de sus pinceles y apoyado tan solo en una sencilla silla. Y entonces se establece un diálogo espontáneo entre el arte y el diseño.
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Hoteles con colección Por
Juliana Bedoya
Algunos de los hoteles en los que reposan destacadas obras de arte.
THE DOLDER GRAND, ZÚRICH Muy pocos museos y colecciones de arte pueden darse el lujo de contar con las obras alojadas en este histórico hotel de Zúrich. Son 124 obras de arte de más de 90 artistas, exhibidas en las áreas sociales y algunas que solo están disponibles para huéspedes. Sobre la recepción, una notable pintura de Andy Warhol de 11 metros, a la entrada al restaurante, las Femmes métamorphosées de Salvador Dalí. En uno de los salones privados del restaurante, cuatro pinturas de Camille Pissarro; para el jardín del restaurante, una escultura de Henry Moore; en la terraza del spa, una opulenta escultura de Botero. Los nombres de míticos artistas no se detienen: Joan Miró, Zaha Hadid, Damien Hirst, Keith Haring, Takashi Murakami…
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Zúrich, Suiza Kurhasstrasse 65 8032 Zürich thedoldergrand.com
Louisville, Estados Unidos 700 West Main Street Louisville, Kentucky 40202 21cmuseumhotels.com/louisville/
La idea de los coleccionistas Laura Lee Brown y Steve Wilson de integrar su creciente colección de obras contemporáneas con hoteles resultó altamente exitosa. Ya son cuatro y preparan cuatro más. El ubicado en Louisville fue recientemente galardonado por la publicación Travel + Leisure World’s Best Awards 2015 como uno de los mejores cinco hoteles de una ciudad pequeña en Estados Unidos. Entre sus obras se encuentran la del artista especializado en luces, espejos y neón, Iván Navarro; una video instalación de la reconocida artista de la pintura y arte interactivo, Camille Utterback, o el artista y escultor famoso por sus obras basadas en la naturaleza, Ned Kahn.
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ELMA ARTS COMPLEX LUXURY HOTEL, ZICHRON YAAKOV, ISRAEL
THE SURREY, NUEVA YORK Entre la Quinta y Madison Avenue, en pleno Upper East Side de Manhattan, se encuentra este hotel cinco estrellas con una colección de 31 piezas de arte moderno. Se destaca el papel tapiz de Kate Moss creado por el legendario artista del retrato Chuck Close, usando una cámara de daguerrotipo. Las obras de artistas como Jimmie Martin, Jenny Holzer, Imogen Cunningham, e incluso la videoinstalación de William Kentridge están perfectamente integradas a los espacios públicos y privados de este lugar que recrea el legendario hotel Surrey. Nueva York, Estados Unidos 20 EAST 76TH STREET• NY • NY 10021 thesurrey.com
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Construcción histórica restaurada, vista al Mediterráneo, artes y música. La mejor forma de describirlo: centro cultural con hotel. Fundado por la reconocida coleccionista de arte isralelí Lily Elstein, el Elma incluye un museo y dos espacios para conciertos, recitales, operas, danzas con capacidad para 600 personas. El “Concert Hall” puede albergar 450 personas y fue diseñado bajo los más altos estándares acústicos, además cuenta con un órgano tubular avaluado en 420.000 euros. Su colección de arte incluye obras de Pablo Picasso, Braque, Jim Dine y destacados artistas locales.
Zichron Yaakov, Israel Yair 1, Zichron Yaakov 3094260 elma-hotel.com
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DI SE ÑO Las joyas del amor LA COLOMBE D'OR, CÔTE D'AZUR, SAINT-PAUL DE VENCE, FRANCIA
De ida y vuelta
No es un hotel con una colección de arte, es un hotel de artistas. De hecho su repertorio de obras es bastante reducido, pero se convirtió en el hogar de ‘libre pensadores’ que cambiaban sus trabajos por hospedaje o algunas comidas. Con el tiempo, su fama se hizo internacional y a él llegaban personalidades como Jacques Prévert, Joan Miró, Henri Matisse o Marc Chagall. En medio de este hotel de trece habitaciones y doce suites resaltan la escultura frente a la piscina de Alexander Calder, el mosaico de Georges Braque y el trabajo en cerámica del artista irlandés Sean Scully, en pleno jardín.
La magia de Pininfarina
Saint-Paul de Vence, Francia 06570 Saint-Paul de Vence la-colombe-dor.com
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Cortesía Arme De L’Amour
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Las joyas Por Fotos
Andrés Ramírez, Miami Cortesía Arme De L'Amour
De modelo de marcas de alta costura a reconocida empresaria de joyería, así ha transcurrido la vida de la serbia Ivana Berendika. Su firma Arme De L'A mour conquistó el mercado de la moda en tan solo dos años de existencia, rompiendo todos los récords de venta en el reconocido portal Net A Porter, quién distribuye de manera exclusiva sus productos a nivel mundial.
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La vida de la diseñadora de joyas Ivana Berendika gira en torno de la naturaleza. Su casa de Miami, por ejemplo, se encuentra rodeada por un bosque tropical que ella misma cuida con esmero. Es una pasión adquirida luego de largos años de viajes a través de los paisajes más hermosos. Ivana confiesa que le gusta viajar sin importar el destino, pues fue gracias a estas experiencias donde encontró la inspiración de su vida y su trabajo. Dice que cuando llega a un nuevo lugar se fija en los patrones geométricos de la naturaleza, en las texturas de los textiles y las fibras, en los olores y sabores de la comida. Es un ejercicio de percepción que involucra todos los sentidos, lo que al final busca proyectar en sus joyas. “Presto mucha atención a cómo la gente se viste en cada cultura. Para mí es básico poder
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incorporar esta cultura dentro de mis propuestas; así las joyas pueden dialogar con la prendas”, dice Ivana. El proceso de diseño de sus piezas se desarrolla de una manera orgánica, aunque bajo un calendario estricto que demanda una producción de cuatro colecciones por año, como cualquier marca de moda. El proceso de diseño inicia con bocetos que luego se depuran hasta llegar a unas formas que dialogan entre cada una de las piezas que componen la colección. Al tener una geometría definida de todas las piezas, los bocetos se digitalizan y transforman en impresiones en tres dimensiones. Con esta tecnología, las primeras muestras y moldes se producen en un período no mayor de 150 horas, mucho más eficiente, si se compara con los casi dos meses que llevaría alcanzar este nivel de perfección con métodos tradicionales.
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LA DISEÑADORA FIRMÓ UN CONTRATO DE DISTRIBUCIÓN EXCLUSIVA A NIVEL MUNDIAL CON NET A PORTER. ASÍ NACIÓ LA MARCA DE IVANA BERENDIKA “ARME DE L’AMOUR”.
DE LA GUERRA A LAS PASARELAS Nacer en la antigua Yugoslavia y crecer en Serbia durante la Guerra forjó el carácter que caracteriza a Ivana Berendika. “En esa época todos debíamos ser muy creativos porque no teníamos acceso a nada. Así que yo misma confeccionaba o modificaba mi ropa para que siempre luciera renovada. Busco que ese mismo concepto esté presente hoy en mis joyas”. Dejó su casa cuando tenía 18 años. Logró escapar de la guerra que azotaba a su país gracias a un contrato para modelar en Japón. Fue algo tan inesperado como oportuno, pues durante la década de 1990 Serbia era un territorio cerrado al mundo. “Una manager de modelos fue la que me ayudó. En ese momento fue como un milagro porque esa era la única oportunidad de escapar de la guerra. Era la primera vez que viajaba fuera de mi país”, recuerda Ivana. Al principio la comunicación fue la principal barrera, pues Ivana no hablaba Inglés. Recuerda que fue una experiencia tan difícil que le sirvió para medir su paciencia y determinación de triunfar en la industria de la moda. Esa fuerza provenía del simple hecho de no tener la posibilidad de volver a su país, así que desde ese momento rendirse nunca fue una opción para ella. Vivió en diferentes países de Asia durante los siguientes dos años, siempre sorprendida por la nueva cultura, pues provenía de un estado comunista en el que todo estaba prohibido. En Japón, por ejemplo, conoció la religión y la espiritualidad y la posibilidad de expresar su opinión sin ninguna censura. El siguiente paso de su carrera estuvo en Europa. Empezó a modelar en las principales pasarelas de Londres, París y Milán, aunque su meta final era llegar a Nueva York. Tuvo que esperar cuatro años para lograr su permiso de trabajo en Estados Unidos. Miami fue la primera parada. “En Miami viví un tiempo muy enriquecedor en mi vida. Al principio tenía la meta de vivir en Nueva York, pero Miami me sirvió como un paso previo para entender la cultura de este país”.
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Fue en ahí donde se conectó con el arte contemporáneo. Tuvo la oportunidad de ver el crecimiento y evolución de las ferias Miami Basel y Design Miami, que apenas iniciaban, así como todos eventos que tienen lugar en esta ciudad durante la primera semana de diciembre. Dice que allí entendió que todos los caminos creativos confluyen, incluso la moda y el arte. La carrera de Ivana Berendika como modelo empezó a transformarse después de diez años de trabajo ininterrumpido en la industria de la moda. Sintió que debía dar un paso hacia adelante para asegurar su futuro, pues el modelaje es una carrera muy corta. “Entendía la industria y me sentía en capacidad de iniciar mi propio negocio como diseñadora de modas. Sin embargo, decidí prepararme primero, así es que me inscribí en la facultad de modas de Parsons en Nueva York”, recuerda Ivana.
DE LA MODA A LAS JOYAS Ivana Berendika inició sus estudios en la facultad de modas, pero pronto sintió que necesitaba aprender algo nuevo. Se transfirió entonces al programa de diseño interior de la misma universidad. Aunque le gustaba trabajar en los espacios, durante el último año de la carrera decidió hacer una propuesta de diseño de joyas para ella misma y sus amigas después de clase y sin querer se transformó en un proyecto real. “Un día una amiga me invitó a tomar un trago, sin saber que una de las personas invitadas era Sasha Sarokin, gerente de compras del portal de modas Net A Porter. Esa noche llevaba puestas un par de mis joyas y a ella le gustaron. Fue muy amable conmigo, cosa que no es muy frecuente en esta industria. Cuando nos despedimos pensé que no había la más mínima posibilidad de que ella me llamara” recuerda Ivana. Pero al poco tiempo llegó la llamada de Sarokin pidiéndole que se encontraran en tres meses, durante la semana de la moda de París. Ivana debía preparar durante este tiempo una colección completa de su trabajo. “No tenía nada más que
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mostrar que las joyas que llevaba puesta. Durante esos meses dibujaba todo el día, sin poner mucha atención al concepto, pero con una alta productividad”. Viajó a París y esperó durante cuatro días en su hotel a que Sarokin le confirmara una hora de encuentro. “Cada día me cancelaba las citas porque estaba muy ocupada. Finalmente vino a mi hotel el día antes de que yo partiera. Estaba muy nerviosa, temblaba frente a ella”, recuerda Ivana. La reunión duró pocos minutos y la mayor parte del tiempo la diseñadora lo dedicó a explicar la fuerte conexión que existía entre el arte y sus joyas. Por eso aquella primera colección estaba inspirada en los vestidos geométricos de rayas y puntos que solía utilizar Emilie Flöge, quien fuera la famosa musa del artista austríaco Gustav Klimt. Al regresar a Miami recibió la confirmación por parte de Sasha de que en junio debía presentar una colección de 35 joyas para firmar un contrato de distribución exclusiva a nivel mundial con Net A Porter. Así nació la marca de Ivana Berendika “Arme De L’Amour” (El Arma del Amor). Esa llamada sucedió un viernes, y por primera vez en los últimos meses Ivana decidió tomar el fin de semana de descanso. Pero al regresar el lunes siguiente a su oficina encontró que estaba desmantelada, no estaban los computadores ni las libretas de dibujos. Ivana pensó al principio que alguien le estaba jugando una mala broma, hasta que se dio cuenta de que en realidad le habían robado todo lo que tenía hasta ese momento. “Ese fue otro momento de prueba de que tan fuerte estaba mentalmente, pero tuve la libertad de empezar a diseñar todo de nuevo, con la posibilidad de mejorar cada una de las piezas”. El resultado final fue mucho mejor, convirtiéndose en la colección más exitosa que ha hecho hasta ahora. Al poco tiempo celebridades como Alicia Keys y Kate Moss lucían las joyas de Arme De L’Amour en galas y eventos que atrajeron la atención de los medios especializados de modas. Fue un gran logro para una firma que
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El proceso de diseño de sus piezas se desarrolla bajo un calendario estricto que demanda una producción de cuatro colecciones por año, como cualquier marca de moda.
apenas cumplirá su segundo año de vida y que apenas tendrá sus primeras presentaciones oficiales durante las próximas semanas de la moda de Nueva York y París. “Nuestro equipo está compuesto por cuatro personas que trabajan en el área creativa y de comunicaciones. Deseo esta cantidad de personas porque considero mi equipo como mi familia, cada uno de ellos empezó conmigo”, dice Ivana. Para las próximas colecciones, Ivana quiere que el arte ocupe un espacio aún más preponderante. “Haber crecido
en un país comunista me impidió tener contacto con el arte en mi infancia. Cuando me involucré con Miami Basel quedé fascinada. Varios amigos que trabajan es este mundo me explicaron el mensaje que hay detrás de las obras que más llamaban mi atención. Luego de que abrí esa puerta, me siento cada día más hambrienta de conocer nuevos artistas y sus obras y de trasladar ese conocimiento a mis joyas”. También añora el día en que sus joyas se transformen en esculturas dispuestas en un inmenso jardín. Esa sería el sueño cumplido de Ivana Berendika.
De ida y vuelta Por Fotos
VESTUARIO NEW CROSS, CORTESÍA VANESSA GÓMEZ
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Carlos Felipe Angulo, Bogotá Cortesía Patricia Castellanos
Patricia Castellanos de Burén se inició en la industria del cine como asistente de fotografía buscando locaciones para importantes películas. Logró trabajar muy de cerca con directores como David Fincher y también se hizo conocedora del mundo de la moda. De regreso a Colombia, asumió la dirección artística de un proyecto editorial que se lleva a cabo en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo y comparte sus secretos en la LaBloom, una escuela especializada en producción fotográfica.
Imagen de la serie "Hermana perdida" que Patricia Castellanos construye desde hace varios años.
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Patricia Castellanos de Burén es una mujer joven y elegante que habla un español con una gramática impecable, aunque su acento deja ver que hace tiempo que no vive en Colombia. Su aspecto físico es tan equívoco como su acento, es rubia y parece más una mujer de ascendencia nórdica que una colombiana cuyo apellido, para cerrar la ironía, está en castellano. Ella es ahora la directora del diplomado en fotografía de moda de LaBloom, una escuela enfocada en producción ubicada en Bogotá, que ofrece programas para estudiar y especializarse en fotografía publicitaria y de moda y a donde fue invitada a trabajar por Claudia Montaña y Fabián Acosta, la directora general y el director académico de la escuela. Adicionalmente, ahora también es la directora artística de un bello proyecto editorial que se lleva a cabo en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo. Sorprendentemente, luego de casi toda una vida viviendo en Estados Unidos y en Suecia, de haber ido ascendiendo dentro del competido mundo de la fotografía y de la producción artística, ha decidido volver al país que dejó cuando apenas tenía siete años. Probablemente (así también lo piensa ella), porque para reconocer y alcanzar nuestros sueños es preciso en ocasiones desviarse del camino y tomar distancia, así se percibe todo más fácil y podemos regresar al camino; en definitiva, por muchos meandros que tenga el río, siempre termina por verter sus aguas al mar. Las razones personales que la trajeron de vuelta se truncaron ante las circunstancias que encontró a su regreso, y un reencuentro nostálgico y temporal terminó por convertirse en una visita permanente, llena de proyectos profesionales. Pero es mejor empezar por el principio. Patricia Castellanos partió con su familia a Estados Unidos, donde su padre fue enviado como diplomático y donde decidieron quedarse definitivamente para escampar del clima de violencia que se vivió en Colombia durante los años ochenta. Al cabo de sus estudios escolares se mudó para estudiar fotografía y artes plásticas en el San Francisco Art Institute y luego, con el objetivo de complementar una formación enfocada en la creación experimental, se fue a Yale a cursar una maestría en bellas artes enfocada en la fotografía, una pasión que modeló su voluntad desde cuando su madre le regaló su primera cámara. Allí recibió una instrucción más rigurosa en los aspectos técnicos de la fotografía, y esta decisión señaló otro aspecto que se entrevé en su personalidad, el escrúpulo metodológico, como el científico que sabe que toda empresa experimental requiere de la apropiación de los recursos técnicos de su oficio.
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PATRICIA CASTELLANOS EMPEZÓ A TRABAJAR EN LA INDUSTRIA DEL CINE COMO ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA, BUSCANDO LOCACIONES PARA LA FILMACIÓN DE AS GOOD AS IT GETS. TAMBIÉN PARTICIPÓ EN LA PRODUCCIÓN SUECA KARLEK DELUXE.
EN CINE Casi de inmediato empezó a trabajar en la industria del cine como asistente de fotografía, buscando locaciones para la filmación de As Good as It Gets (Mejor imposible). El cine es, de todas las artes, la que más sujeta está a las exigencias metodológicas de un proyecto, cuya realización precisa del concurso de muchas personas y de distintas disciplinas; requiere de competencia para administrar egos, dinero —en ocasiones mucho dinero—, tiempo y, por supuesto, talento. Esta característica de la industria del cine le brindó la oportunidad de obtener
una visión de conjunto y reconocer cuáles son las piezas que precisa el tablero para iniciar y terminar a una partida. Gracias a esta habilidad pudo participar en distintas superproducciones cinematográficas y en proyectos teatrales, siempre jugando un papel cada vez más relevante, desde la producción fotográfica hasta la coordinación artística y escenográfica. Otro aspecto del mundo del cine que ayudó a formarla es la predominante influencia masculina en la industria, una característica que ayudó a cristalizar su disciplina y que la llevó a trabajar en producciones tan importantes
como The Insider (El informante) —nominada a siete premios Óscar— o Girl with the Dragon Tattoo (La chica del dragón tatuado), pues una mujer, para desenvolverse en este entorno, debe exigirse y entregar mucho más de lo que se espera de sus pares masculinos. Tal vez por eso, porque su trabajo la ha hecho consciente de las dificultades que se pueden encontrar las mujeres en su desempeño profesional y en su vida cotidiana, aceptó participar como coproductora de un proyecto para crear la versión cinematográfica de “7”, una obra escrita por siete autores norteamericanos que trata de crear consciencia sobre los
Patricia Castellanos trabajó en producciones como "La chica del dragón tatuado". En la foto, una de las tantas locaciones en las que intervino.
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Patricia Castellanos destaca a diseñadoras como Manuela Álvarez, Vanessa Gómez, Johanna Ortiz, Kika Vargas y a otros más tradicionales como Olga Piedrahita.
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Patricia Castellanos también ha trabajado en publicidad y es una conocedora del mundo de la moda.
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EN LA MODA Patricia Castellanos no solamente ha estado involucrada en el cine, también ha trabajado en publicidad y es una conocedora del mundo de la moda. Tal vez por eso, además de un claro sentido de la oportunidad, decidió ocupar su talento de productora, de hacer que sucedan las cosas, en la empresa de formar fotógrafos capaces de desarrollar y articular su talento de la mano de diseñadores locales y de poder crecer sin tener que emigrar para realizarse profesionalmente. Es verdad, es una ironía, pero en sus palabras se detecta auténtico asombro y, sobre todo, un compromiso justificado por su convicción de que esta parte del mundo es ahora un lugar para tener en cuenta, tanto así, que los centros más importantes de diseño ahora miran hacia Suramérica en busca de los productos de calidad que están acostumbrados a exhibir. Más aún, asegura que esta región está destinada a convertirse en un referente de la moda mundial, ya no un lugar del cual es preciso irse, sino que al que es necesario llegar. “Las condiciones están dadas —dice ella— El concepto de lo estético en Colombia puede seguir siendo autóctono, pero ya no es parroquial”. Cuenta que los diseñadores colombianos han alcanzado un nivel como el de muy pocos en Europa y necesitan que los demás elementos y actores necesarios para desarrollar una industria de la moda madura los acompañen, por eso está determinada a conseguir que una nueva generación de fotógrafos colombianos se vinculen más activamente a la industria para no solamente crear las condiciones para desarrollar sus destrezas artísticas, sino para abrirle espacios y darle visibilidad a los diseñadores. Con este propósito en mente, llegó a dirigir un diplomado para fotógrafos especializado en moda y actualmente es la directora artística de un proyecto editorial próximo a publicarse que pone de manifiesto la evolución estética de destacados artistas y artesanos —la diferencia suele ser difusa— que se han venido formando en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo en las cinco disciplinas que allí se enseñan: platería, trabajo en cuero, en madera, bordado y tejeduría en telar. Patricia ha vuelto para quedarse, al menos por un buen rato y con su disciplina y liderazgo, rebatirá esa
FOTOS CORTESÌA PATRICIA CASTELLANOS REVISTA FUSCIA
derechos de las mujeres. Su trayectoria profesional no solamente le ha permitido trabajar muy de cerca con directores como David Fincher, también la ha llevado a vivir entre Suecia y Estados Unidos y esta condición de desarraigo, de siempre ser una extranjera, la obligó a reclamar una identidad propia desprendida de los arquetipos nacionales; una gran ventaja, porque, según cuenta, esto le permite “sentarse en todas las mesas y sentirse a gusto en ellas”. En parte, este logro personal la motivó a regresar a Colombia y, al volver, se llevó la sorpresa de encontrar un país muy distinto del que dejó atrás y que hoy tiene las condiciones para desarrollar un proyecto profesional que le apuesta al talento de artistas, diseñadores y fotógrafos que vio al llegar. Su experiencia previa le permitió reconocer, para seguir con la analogía, que si bien estaban todas las piezas, no todas ellas estaban puestas sobre el tablero.
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CORTESÌA LABLOOM FELIPE DÍAZ
Los Ángeles trabajé con un productor reconocido que representaba a varios directores importantes, entre ellos Guillermo del Toro, Luc Besson y Mathieu Kassovitz, y lo que hacíamos era usar las ideas o el material conceptual que ellos tenían para desarrollarlas en un proyecto en concreto. Teníamos con Fox Studios, por ejemplo, lo que se conoce allá como un “housekeeping deal”, que consiste en que un estudio te da alojamiento dentro de sus instalaciones y firmas un contrato que le da la opción preferencial al estudio de revisar y desarrollar tus proyectos. / ¿Cuál ha sido la película en la que más le gustó trabajar? Naturalemente en The Girl with the Dragon Tattoo (La chica del dragón tatuado), pues construí una relación profesional muy cercana con David Fincher, un director genial que está por encima de cualquier tipo de prejuicio relacionado con el género, una persona a la que lo único que le interesa es la calidad de tu trabajo. También me gustó trabajar en As Good as It Gets (Mejor imposible), que fue mi primera película y con la que aprendí muchísimo. / ¿Cómo fue esa transición de la fotografía fija al cine y la producción? Lo que sucede es que a mí siempre me ha encantado la fotografía, a una edad muy temprana fui seducida por la ella, pero entre más me involucraba en la fotografía también terminé trabajando en cine, y el cine te seduce; por el dinero, por la cantidad de trabajo, especialmente cuando estás involucrada en grandes producciones como en las que yo participé. Terminé seducida de todo el proceso y poco a poco me fui desviando hasta que llegué a un momento de mi vida en el que me pregunté: ¿en qué momento
Patricia Castellanos
en siete preguntas
/ Usted ha colaborado con distintas producciones cinematográficas, ¿qué función ha desempeñado en ellas? He venido creciendo en lo que respecta a mi participación en las distintas producciones. Comencé como fotógrafa, como “exploradora de locaciones”, buscándolas en Nueva York y luego me fui a Los Ángeles en donde trabajé como
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asistente para un productor, desarrollando guiones. / ¿Quiere decir que también escribe guiones? No, yo lo que hago es involucrarme en la parte de producción. Organizo todo el equipo para desarrollar distintos aspectos del proyecto, que puede ser en el mismo acto de la producción cinematográfica o en la producción y logística general del proyecto. En
PATRICIA CASTELLANOS ES LA DIRECTORA DEL DIPLOMADO EN FOTOGRAFÍA DE MODA DE LABLOOM, UNA ESCUELA ENFOCADA EN PRODUCCIÓN DE FOTOGRAFÍA EN BOGOTÁ.
tomé este camino? Fue así como decidí volver a la senda que más quería, la de la fotografía fija. / ¿Cuáles diseñadores colombianos le han gustado? Entre los diseñadores que se me ocurren ahora puedo mencionarte a Manuela Álvarez, a Vanessa Gómez, diseñadora de la marca Ashes; Johanna Ortiz, Kika Vargas y a otros diseñadores más tradicionales como Olga Piedrahita, que es una diseñadora fantástica y que ejemplifica muy bien lo que estaba diciendo, pues ya existen diseñadores consolidados, como ella, que han permitido crear las condiciones para el crecimiento de los más jóvenes. Cuando yo vi el trabajo de Olga reconocí la calidad de diseño que puedes encontrar en Europa. / ¿Cuál es el papel de la fotografía en todo ese proceso de crecimiento del mundo de la moda en Colombia? El rol de la fotografía consiste en responder al llamado de todo ese talento, porque ahora esos diseñadores tienen que importar buenos fotógrafos, porque el mercado local hace que los fotógrafos adecúen su estética a lo que se vende en lugar de luchar por su visión. Por eso, mi apuesta es por un proyecto de largo plazo. Yo no quiero enseñar solamente dos o tres semestres, con la escuela (LaBloom) estamos tratando de desarrollar una visión de profundidad que permita sembrar la semilla para que, una vez los estudiantes salgan al mercado laboral, no tengan que irse del país para luchar por hacer algo interesante, sino que puedan desarrollar su visión artística aquí en Colombia. / ¿Cuáles son los requisitos para ser un buen fotógrafo de moda? En principio, hay que decir que un fotógrafo de moda también es un vendedor. Las características necesarias para cumplir con este aspecto del oficio son: entender la moda, conocer tu mercado, conocer a las personas que producen dentro de ese mercado, ser un entendido en lo que respecta al mundo audiovisual, porque tus referencias no pueden ser simplemente el mundo de la moda, tienen que incluir el arte, la música, el video y también los estilos de vida. Y esto me parece muy interesante de Colombia, pues ahora ya se entendió que para vender moda es necesario también vender un estilo de vida.
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Andrés Ramírez, Miami Cortesía Pininfarina
La magia de Pininfarina El diseño italiano ha estado a la vanguardia estética y tecnológica en el último siglo. Y en esta categoría, la firma Pininfarina ha sido el ícono de la innovación y elegancia en sectores tan disímiles como el diseño automotriz, la ingeniería y la arquitectura. Entrevista con Paolo Pininfarina, heredero de una firma con más de ocho décadas de historia.
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Paolo Pininfarina es el heredero de una de las marcas de diseño más reconocidas en el mundo. Bajo su responsabilidad hay una empresa con cerca de 700 empleados, la mayoría diseñadores, arquitectos e ingenieros encargados de dar vida a cientos de productos que han marcado la tendencia estética del diseño en las últimas décadas. La firma fue fundada en 1930 por Battista “Pinin” Farina, quien en ese momento decidió juntar su apodo y su apellido para bautizar una marca enfocada en la producción de carrocerías de vehículos. Aunque el comienzo fue duro y la Segunda Guerra Mundial amenazó el crecimiento de la empresa, Battista Pininfarina logró superar todas las adversidades para luego conquistar las principales ferias de automóviles de Europa. Sin embargo, el punto de quiebre de la firma llegaría solo hasta mediados de la década de 1950, cuando Pininfarina selló una alianza con Ferrari para crear una nueva serie de autos que cambiarían la industria automotriz
para siempre. En 1961, Pininfarina se convirtió en el apellido oficial de la familia y Sergio, hijo de Battista y padre de Paolo (actual presidente de la compañía), inició sus labores en la empresa. Sergio Pininfarina condujo a la marca hacia una ambiciosa expansión que le permitió diversificar sus clientes y trabajar para Jaguar, Alfa Romeo, Maserati, Cadillac, Peugeot y Lancia. Bajo la batuta de Sergio, la compañía se consolidó como una multinacional con ramificaciones en múltiples industrias, entre ellas la aviación, la ingeniería ferroviaria, la arquitectura y el interiorismo. Actualmente, Paolo Pininfarina es el presidente de la compañía, y bajo sus hombros reposa una empresa familiar que se ha convertido en leyenda.
En la década de 1950 Pininfarina selló una alianza con Ferrari para crear una nueva serie de autos que cambiarían la industria automotriz para siempre.
/ ¿Qué distingue al diseño italiano y de qué forma lo representa Pininfarina? Es una mezcla de tradición e innovación. En nuestro país, la cultura y el ambiente son útiles para producir un profundo sentimiento estético, y esto es la base para la creación de un buen diseño en cualquier sector. / ¿Cuáles elementos inspiran sus productos? Nuestra filosofía de diseño se basa en tres valores: elegancia, pureza e innovación. Además, tratamos de que en cada uno de nuestros proyectos exista un balance
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entre ellos. Además combinamos el arte y la industria, la tradición y la innovación, la elegancia y lo deportivo. En consecuencia, nuestro único carácter está en la habilidad de encontrar un balance entre lo opuesto. / ¿Cuál fue el logro más grande de sus antecesores? Mi abuelo creó un estilo, una empresa, una marca y una familia. Mi padre desarrolló la empresa y construyó un grupo industrial formado por personas con conocimientos en ingeniería, diseño y manufactura, pero siempre manteniendo la identidad original y
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“MI ABUELO CREÓ UN ESTILO, UNA EMPRESA, UNA MARCA Y UNA FAMILIA. MI PADRE DESARROLLÓ LA EMPRESA Y CONSTRUYÓ UN GRUPO INDUSTRIAL FORMADO POR PERSONAS CON CONOCIMIENTOS EN INGENIERÍA, DISEÑO Y MANUFACTURA, PERO SIEMPRE MANTENIENDO LA IDENTIDAD ORIGINAL Y EL NIVEL DE CALIDAD".
/¿Qué se requiere para tener éxito en el diseño automotriz? Dado que mi abuelo comenzó desde el principio a hacer proyectos especiales e innovadores, estaba tomando ciertos riesgos con proyectos que no existían y con esto creando tendencias. Mi abuelo y mi padre cambiaban lo ya visto y proponían nuevas ideas. El Maserati Birdcage, por ejemplo, es un auto adelantado al menos 20 años a su tiempo. Si haces algo que alguien puede recordar, entonces tuviste éxito.
el nivel de calidad. Gracias a mi padre, la empresa llegó a su 80 aniversario en 2010. / ¿En qué se diferencia de sus antecesores? Mi abuelo era más un artista, pues no pudo tomar ningún tipo de educación y todo lo hacia por intuición. Mi padre era ingeniero y de él aprendí la disciplina, la organización y el respeto por el equipo de trabajo. / ¿Cómo ha visto la evolución del diseño a lo largo de su vida? El diseño está presente cada vez más en nuestras vidas. Al principio lo veíamos en cosas de
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uso cotidiano, lo que representó una gran oportunidad de crecimiento para Pininfarina. Mi abuelo supo interpretar su época y desde ese momento le hemos dicho al público cómo deben verse las cosas. / ¿Cuáles son las premisas al inicio de cada proyecto? Siempre nos preocupamos por el cliente final, por lo tanto apuntamos a encontrar soluciones que nos ayuden a cumplir sus sueños y deseos. De ese modo, buscamos crear una belleza que no pase con el tiempo y, en particular, evitamos seguir una tendencia o todo lo que
esté de moda. Eso nos permite apreciar nuestra historia y pensar hacia adelante. Crear conceptos que otros van a seguir. / ¿Cómo resuelven el dilema de la función y la forma? No consideramos la función y la forma como elementos distintos, más bien creemos que son una unidad. De esa manera le prestamos mucha atención a la ergonomía y performance de los productos, porque son el punto de partida de nuestro diseño de líneas y formas. Al final, lo que diseñamos son soluciones estéticas a los requerimientos funcionales.
“NUESTRA FILOSOFÍA DE DISEÑO SE BASA EN TRES VALORES: ELEGANCIA, PUREZA E INNOVACIÓN. Y TRATAMOS QUE EN CADA UNO DE NUESTROS PROYECTOS EXISTA UN BALANCE ENTRE ELLOS”.
/La empresa se ha expandido más allá de la industria del trasporte ¿Cómo logran mantener el mismo lenguaje y unidad en todo lo que hacen? La actividad de Pininfarina se ha ido diversificanda a través de los años, empezando por el diseño de otros medios de transporte. Luego se diseñaron accesorios de marca compartida, mobiliario, productos y recientemente interiores. La relación entre el diseño automotriz y otros campos de diseño se puede encontrar en el uso de materiales, colores, tratamientos y tecnologías. Sin embargo, para nosotros el reto se encuentra en cómo conservar los mismos valores y la misma filosofía de diseño. Nos basamos en la innovación y la elegancia. / ¿Qué proyectos se desarrollan en la división Pininfarina Extra? Estamos trabajando en dos nuevos proyectos para diferentes sectores cada mes. En Pininfarina Extra desarrollamos teléfonos, lentes, relojes, accesorios de piel, bolsas y equipos industriales como máquinas de café y computadoras. A una escala más grande, diseñamos muebles para baños, cocinas integrales y hasta equipo deportivo. En realidad hacemos casi todo lo que el diseño industrial pueda abarcar.
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PLACERES Medicina y Malbec
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CortesĂa Catena Zapata
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Juan M. Fernández, Buenos Aires Cortesía Catena Zapata
Medicina y Malbec Laura Catena comparte sus días entre los viñedos de su familia y el área de emergencias del centro médico de la Universidad de California. Al mando de Catena Zapata, promete seguir marcando la historia del vino de su país.
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Quizás alguien se escandalice, pero hay que decirlo: Laura Catena probó su primera copa de vino cuando tenía cinco años. No recuerda el momento exacto, pero algunas imágenes en su memoria alcanzan para reconstruir la escena. Es domingo, brilla el sol, la familia disfruta un asado y ella anda por ahí sin saber qué hacer, hasta que alguien la invita a la mesa de los grandes. Entonces, curiosa como cualquier niño a esa edad, pide tomar lo que todos toman y así, por primera vez, siente el sabor cálido y frutal del vino. Difícilmente supiera ella en ese momento que hoy, 40 años más tarde, sería la directora de Catena Zapata, una de las bodegas más prestigiosas de Argentina y la compañía que, con mucho trabajo —y cierta temeridad— llevó al vino de ese país a competir con los mejores del mundo.
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Hoy es jueves y Laura está de paso en Buenos Aires. Dice que esta es su ciudad, que aquí fue al colegio y que esas cosas no se olvidan, pero pronto deberá seguir camino hacia la provincia de Mendoza —“la tierra del sol y del buen vino”— donde se encuentran las instalaciones de Catena Zapata. Cuando no está allí recorriendo viñedos, estudiando parcelas o degustando assemblages de diversos varietales, está en San Francisco, Estados Unidos, donde vive la mayor parte del año y donde, además, trabaja como médica part-time. “Sí, tengo una vida frenética”, reconoce. “Trabajo una semana al mes en el área de emergencias del centro médico University of California, que es considerado el mejor de la ciudad. En cierto sentido, es un trabajo más fácil que el del vino porque uno tiene un objetivo muy claro: salvar personas. En cambio, cuando uno cultiva uvas, vende botellas en todo el mundo y compite con las mejores bodegas del planeta, ¿quién sabe cuál es el camino para seguir?”.
EN EL CAMINO La aspiración de Laura era ayudar a la gente y, por mucho tiempo, estuvo segura de que la empresa familiar — fundada por su bisabuelo y dirigida hasta hace unos años por su padre, Nicolás Catena— tenía poco para ofrecer en ese sentido. Por eso, en cuanto terminó la escuela, tomó un avión con destino a Estados Unidos, decidida a estudiar biología y medicina. Se fue dispuesta a hacer su propio camino, y lo hizo, pero su amor innato por el vino nunca dejó de crecer, aun a la distancia.
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“A esa altura, había empezado a tomar vino de otra manera. Ya en el colegio era fanática del idioma francés —una gran profesora me había iniciado en Sartre, en Camus—, así que un día, cuando yo ya vivía en Estados Unidos, mi papá me pidió que lo acompañara a Burdeos como intérprete. En ese viaje, yo, que no tenía un gran conocimiento del vino, probé los mejores del mundo. Y ahí me picó el bichito”, cuenta. Cuando regresó a Estados Unidos, Laura recibió de su padre una tarjeta de crédito y una propuesta insólita: que cada vez que él fuera a visitarla, lo esperara con los mejores vinos que pudiera conseguir. Así, cada tres meses, padre e hija se encerraban en un cuarto de estudiante en Stanford e improvisaban degustaciones
a ciegas que nunca olvidarán. De a poco, esos juegos se transformaron en algo serio y, finalmente, Laura decidió unirse a Catena Zapata. Ella recuerda bien el momento, 20 años atrás. “En 1995 invitaron a Catena a participar de la New York Wine Experience, un evento organizado por la revista Wine Spectator, al que asisten las mejores bodegas del mundo. De hecho, era la primera vez que convocaban a una firma argentina. Mi papá me pidió que fuera en representación de la bodega porque, según decía, no había nadie en la empresa que hablara bien inglés, así que acepté. Me pasé toda la exposición paradita en el stand, viendo las colas que se formaban para probar vinos franceses y californianos, mientras que yo recibía a algún curioso
cada cinco minutos, con suerte. La gente pasaba por delante, veía que se trataba de una bodega argentina, bajaba la mirada y seguía camino. Al día siguiente, llamé a mi papá y le dije: ‘No puede ser que pase esto. Voy a trabajar con vos’”. En ese entonces, Laura tenía menos de 30 años y asistía a la Stanford Medical School, pero eso no la amedrentó a la hora de pensar su futuro en la empresa familiar. “Dije que quería ocuparme de la investigación en los viñedos y, al mismo tiempo, ser la responsable de las ventas en Estados Unidos. ¡Imagínate qué arrogancia! (risas). Y mi papá aceptó, porque sabía que él iba a ayudar a que no me equivocara demasiado”. Laura, de todas maneras, nunca olvidó ayudar a la gente. “Cuando
entré en este universo vi cómo había cambiado Mendoza, lo que había crecido, la importancia de la industria del vino en la generación de trabajo, y todo lo que había hecho mi padre para que eso sucediera. Entonces me di cuenta de que a través de la bodega también podía ayudar y lograr un impacto verdadero, aunque sea de manera menos inmediata que con la medicina”, dice. Así, a fines de los 90, se incorporó a la saga familiar que había comenzado cien años antes.
Catena Zapata vendió sus primeras partidas de vino fino a Estados Unidos y el Reino Unido
LA TIERRA PROMETIDA Esta historia, como muchas otras en tierras de inmigrantes, empezó con un hombre que llegó desde Europa a fines del siglo XIX, escapando de
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CADA AÑO, ARGENTINA EXPORTA CERCA DE 3 MILLONES DE HECTOLITROS DE VINO POR UN VALOR DE 900 MILLONES DE DÓLARES. CASI LA MITAD CORRESPONDE A LAS EXPORTACIONES DE MALBEC.
A finales de 1990, Laura Catena se incorporó a la saga familiar que había comenzado cien años antes.
la miseria. Se llamaba Nicola Catena, había nacido en la región de Le Marche, en el centro de Italia, y llegó a Argentina en 1898. Apenas cuatro años más tarde, Nicola —hijo de trabajadores vitivinícolas— estaba instalado en Mendoza y ya había plantado su primera viña de Malbec, una cepa originaria de Burdeos, la meca del vino, en el sudoeste de Francia. Los primeros especímenes de esa planta habían llegado a Argentina poco antes, a mediados del siglo XIX, de la mano de otros inmigrantes españoles, italianos y franceses. Michel Aimé Pouget, ingeniero agrónomo francés que arribó al país en 1852, fue quien más se dedicó a estudiar las distintas variedades de semillas y a probar, en aquella época, cuál era el Malbec que se adaptaba mejor al suelo mendocino. De alguna manera, Nicola siguió sus pasos. Intuía que la aridez de esa tierra podía ofrecer, paradójicamente, una nueva vida a esa especie, y estaba en lo correcto: en la actualidad, el Malbec argentino es considerado el mejor del mundo por muchos especialistas y, desde hace años, el país es el
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mayor productor de esta cepa, superando incluso a Francia. Según las cifras del Instituto Nacional de Vitivinicultura, cada año, Argentina exporta cerca de 3 millones de hectolitros de vino por un valor de 900 millones de dólares. De esas cifras, la mitad, aproximadamente, corresponde a las exportaciones de Malbec. “Hoy este país es conocido a nivel mundial por sus vinos, tanto como por el fútbol o el tango”, sostiene Laura Catena. “Hay mucha gente a la que le encanta el Malbec y que sabe que los mejores exponentes de esa uva provienen de este país. Hemos construido una reputación”. Por supuesto, lograrlo le llevó mucho tiempo y, sobre todo, dedicación. El hijo de Nicola, Domingo, continuó el trabajo que había comenzado su padre, pero fue Nicolás Catena, nieto del fundador de la empresa y padre de Laura, quien llevó a la empresa familiar —y a toda la industria del vino en Argentina— a otro nivel. Nicolás Catena estudió Economía y, cuando tenía 23 años, se puso al frente de la compañía. En 1981, sin embargo, fue invitado a dictar clases en
el Departamento de Economía Agrícola de la Universidad de Berkeley, y se radicó en California. A pocos kilómetros de allí, Catena conoció el Napa Valley, la región vitivinícola más fértil de Estados Unidos, y notó, no sin cierta sorpresa, que los norteamericanos estaban empeñados en desarrollar un vino tan bueno como el francés. Ese descubrimiento le sirvió de inspiración y unos años más tarde regresó a Argentina, convencido de que él podía hacer lo mismo. Poco después, a principios de los 90, la bodega Catena Zapata vendió sus primeras partidas de vino fino a Estados Unidos y el Reino Unido —y hoy exporta a las principales ciudades del mundo—.
El Malbec argentino es considerado el mejor del mundo por muchos especialistas y el país es el mayor productor de esta cepa, superando a Francia.
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Para dar ese salto de calidad, Catena se apoyó en dos pilares: por un lado, llevó adelante una revolución tecnológica que impulsó una modernización inédita para la industria local; por otro, exploró —y explotó— zonas de alta montaña que habían sido descartadas hasta ese momento por su baja fertilidad. Sí, en el suelo pobre y el clima desértico de los Andes, encontró los aliados perfectos. “Todo lo que logró mi papá no hubiese sido posible si no hubiéramos dado con la materia prima, con ese suelo tan especial”, dice Laura. “Encontramos una combinación ideal. Nuestro viñedo Adrianna (el más famoso de la bodega, ubicado a 1.450 metros sobre el nivel del mar, en la región de Tupungato) ha cambiado la historia del vino en Argentina”. En su cruzada por llevar el vino local a lo más alto, la empresa creó, en 2002, el Catena Institute of Wine, un centro de investigación y desarrollo que tiene, entre otros objetivos, la misión de descubrir nuevos microclimas para la plantación de vides de baja producción y alta calidad. En ese proyecto, el background de Laura —que enseguida se puso al frente de la iniciativa— fue clave. “Si
Catena llevó adelante una revolución tecnológica y exploró zonas de alta montaña que habían sido descartadas hasta ese momento por su baja fertilidad.
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no estudiáramos en detalle cada una de nuestras parcelas, nunca podríamos saber cómo se logra un buen vino”, explica. “Hay que hacer estudios minuciosos y, en ese sentido, la disciplina científica fue mi aporte. Ese rigor es el que puede hacer que nuestros vinos alcancen los 100 puntos. No es tan arduo llevar un producto de los 80 a los 90 puntos; lo realmente difícil es llevarlo de los 98 a los 100”. La búsqueda de la perfección, hay que decirlo, es otro pilar fundamental en Catena Zapata. Es algo, dice Laura, que viene de familia. Cuando tenía 16 años, Nicolás Catena le comentó a su madre, Angélica Zapata, que quería ser físico. Ella estuvo de acuerdo y le dijo que, entonces, debía llegar a lo más alto: ganar un Premio Nobel. Finalmente, Nicolás no estudió física, pero en aquella conversación aprendió algo: que aunque hubiera nacido en un pequeño pueblo junto a la Cordillera, podía —debía— aspirar a ser el mejor. “Yo soy igual”, dice Laura. “No me contento hasta alcanzar el mejor nivel. En Catena nunca nos damos por satisfechos y eso nos lleva a seguir investigando. Es lo que aprendí de mi padre: a aspirar, siempre, a lo máximo: al Nobel”.
El vuelo del GTA Spano Velocidad y delirio
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Cortesía Spania GTA
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Juan Fernández Cortesía Spania GTA
El vuelo del GTA Spano En Valencia, España, se fabrica uno de los automóviles más potentes del mercado. Es el GTA Spano y su creador, Domingo Ochoa, asegura que la suya es una marca que perdurará en el tiempo.
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Como todos los días, Domingo Ochoa llega a las oficinas de Spania GTA, ubicadas en Valencia, España, a las 8:30 de la mañana. Revisa minuciosamente la fabricación de los Spano, el superdeportivo que presentó como un prototipo en 2009 y que hoy se ha convertido en una de esas piezas que interesan a coleccionistas y amantes de la velocidad que pueden pagarlo. Su rutina incluye visitar los diferentes departamentos de la compañía y sugerir las mejoras que se pueden aplicar en modelos futuros, así como el desarrollo de los mismos. No olvida tocar la puerta del director financiero de la compañía porque, como dice, “siempre hay que prestar atención al crecimiento de la compañía y consolidar un futuro tranquilo”. La historia de Spania GTA comenzó en 1994 cuando Ochoa, mecánico de profesión, decidió concentrarse en las carreras de carros y participar en diferentes campeonatos por Europa con un modelo GT. Años atrás había dejado su trabajo en el concesionario de Ferrari en Valencia y obtuvo una concesión de automóviles Hyundai, que a la postre le sirvió para ir formando una estructura que le permitiera entrar al mundo de las carreras y el desarrollo de modelos GT. Al final, las competencias
le dieron la experiencia, y el tiempo, la oportunidad de construir un superauto de manera artesanal. “El superdeportivo GTA Spano es un proyecto que se empezó a gestar en los mejores años de la economía española, pero que vino a nacer durante la crisis que vendría algún tiempo después”, cuenta Ochoa. Ese, quizás, ha sido su mayor reto: cuidar hasta el último centavo. Su desarrollo técnico ha sido interesante, incluso la consecución de patentes incluidas en su construcción. “La capacidad de sus cristales de opacarse o aclararse a voluntad del cliente; una patente electrónica que le permite ahorrar más de un 40% de la instalación del cableado convencional o la aplicación del Grafeno (un material ultrarresistente formado por átomos de carbono) en el chasis, carrocería, pieles, baterías y otros componentes actualmente en desarrollo hacen del Spano uno de los vehículos tecnológicamente más avanzados y vanguardistas del mercado”, asegura Ochoa. En la fábrica del Spano trabajan unas 40 personas, de los cuales el 50% son ingenieros de alta calificación. Son los responsables al final del futuro de este tipo de autos que Ochoa ve de la siguiente manera: “el futuro en un principio es optimista
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EL GTA SPANO FUE PRESENTADO COMO UN PROTOTIPO EN 2009 Y HOY SE VENDEN UNAS CINCO UNIDADES AL AÑO A COLECCIONISTAS Y AMANTES DE LA VELOCIDAD QUE PUEDEN PAGARLO.
porque estos vehículos, al igual que el resto, deberán ir desarrollando nuevas tecnologías de movilidad que se adaptarán con el tiempo a las exigencias de mercado. Lo importante es tener esa capacidad de evolución, y avanzar en la misma forma en que lo hace el mercado. Siempre va a existir en el mercado del automóvil una demanda sobre vehículos excepcionales y para eso existen empresas como Spania GTA”, dice Ochoa. Pero en la industria de los constructores independientes de automóviles abundan los fracasos y pocos son los éxitos. “En la industria del automóvil exclusivo, como en cualquier industria, siempre hay éxitos y fracasos. Eso no
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es un indicador del segmento de negocio, en cambio sí lo es la capacidad de una empresa de crear un buen producto para consolidarse en el mercado. Desde el principio, Spania GTA ha aprovechado los recursos para hacer algo y llevarlo hasta la excelencia porque no teníamos margen de error, y el desarrollo de todo el diseño y componentes del vehículo ha sido revisado con un cuidado exquisito para ofrecer al mercado un producto exclusivo y muy bien concebido”, se anticipa a señalar Ochoa. Por políticas de confidencialidad, Ochoa se reserva las cifras de las unidades vendidas de su vehículo y el nombre de sus clientes, en su mayoría de Singapur, China y Emiratos
Árabes. Sin embargo, comenta que este año entregará unas cinco unidades del nuevo modelo GTA Spano 2015 de 950 caballos de fuerza, presentado en Ginebra con un precio cercano a los 890.000 euros, y para el 2016 espera construir unos 16 vehículos adicionales y estabilizar así la fabricación de los próximos años en unas 25 unidades. Ochoa mantiene su promesa de desarrollar un superdeportivo que perdure en el tiempo con características similares la de los legendarios Pagani o Koenigsegg. Recuerda, mientras se despide, que para lograrlo debe supervisar al detalle los diferentes departamentos de su compañía y ser excesivamente cuidadoso con los costos.
En la fábrica del Spano trabajan unas 40 personas, de las cuales el 50% son ingenieros de alta calificación.
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EL MODELO GTA SPANO 2015 DE 950 CABALLOS DE FUERZA PRESENTADO EN GINEBRA TIENE UN PRECIO CERCANO A LOS 890.000 EUROS.
¡A volar! (Ficha técnica del Spano GTA)
Prestaciones Velocidad máxima (Km/h): más de 370 Aceleración de 0 a 100 Km/h: 2,9 segundos Chasis y carrocería Estructura monocasco realizada en fibra de carbono, grafeno, titanio y Kevlar Carrocería de fibra de carbono Peso oficial (kg): 1400 Depósito de combustible (litros): 100 Maletero (litros): 150
Motor Cilindros: GTA V10 Twin Turbo Intercooler Cilindrada: 7.990 cm3 Potencia máxima cv/rpm: 925/6300
Domingo Ochoa
en cinco preguntas
Frenos
Suspensión Configuración de doble trapecio Spoiler adaptativo con regulación electrónica Neumáticos Pirelli P Zero: 255/35ZR19 y 335/30ZR20 Amortiguadores multirregulables Regulación electrónica de altura del vehículo
Dimensiones Longitud/anchura/altura/batalla (metros): 4,68/1,98/1,18/2´8
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Transmisión Tracción: trasera Caja de cambios: CIMA automática secuencial de 7 velocidades con levas en el volante
Sistema carbón-cerámico AP Racing Ventilación forzada Pinzas de 6 pistones Sistema de ABS
¿Cómo describe la experiencia de conducir el GTA Spano? Emocionante. Desde un principio, en el desarrollo del GTA Spano se marcaron unas pautas claras para fabricar un superdeportivo que tuviera las prestaciones que lo clasifican de esa manera, y a su vez que fuera un automóvil con las posibilidades de usarse a diario. Lo hemos conseguido. ¿Admira a algún diseñador? Si hay un diseñador que me ha sorprendido por su capacidad y por su creatividad, sin duda es Sento Pallardó, mi socio, jefe de ingenieros y el diseñador del GTA Spano. ¿Además del GTA Spano, cuál es su automóvil favorito? Ferrari, siempre me han encantado sus modelos.
Un vehículo clásico que disfruto de vez en cuando conduciendo es un Ferrari 208 Turbo que tuve el placer de poder adquirir hace años. ¿Y cuál conduce a diario? Como soy muy sentimental, el vehículo que conduzco es un Hyundai Sonata V6 que adquirí en otra parte de mi trayectoria profesional, durante los años que GTA Motor, empresa embrionaria de Spania GTA, que era de un concesionario Hyundai. ¿Además de los automóviles, tiene algún otro hobby? Conducir motocicletas de altas prestaciones, deportes de riesgo, como volar en ala delta, puenting, descenso de barrancos y submarinismo.
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Por Fotos
Álvaro Corzo V., Los Ángeles Cortesía Camilo Pardo
Velocidad y delirio Camilo Pardo se hizo famoso cuando diseñó el legendario Ford GT. Ahora corre el suyo por las carreteras de Estados Unidos y desde su estudio en Detroit trabaja en múltiples proyectos.
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Si tuviera que salir a la pista de la Fórmula 1, se imagina vistiendo un traje de fibra de carbono, botas espaciales y un casco ultraaerodinámico con visor digital. Su conducción sería una mezcla entre el delirio de Steve McQueen en la película Le Mans y el arrojo en la pista del heptacampeón Michael Schumacher. En realidad, su estilo no dista mucho del que se imagina y que se ha hecho popular en Detroit desde que diseñó una de las piezas automotrices más innovadoras de todos los tiempos: el brabucón y estilizado Ford GT, un coche de carreras y Grand Turismo que rebarajó las fronteras del diseño y la velocidad. Como es costumbre en el verano, al menos durante la última década, su taller de diseño y bellas artes, ubicado en el centro de Detroit, cierra sus puertas. Es ahí cuando Pardo toma el timón por cerca de mes y medio y recorre las carreteras del oeste de Estados Unidos. Realiza un recorrido de más de 3.000 kilómetros al mando, por su puesto, de su
GT, el mismo que diseñó en 2005 y esculpió a mano para Ford, donde fue el diseñador estrella de la casa por 15 años. “Es único e imponente. Puedo dedicar años en ponerlo a punto hasta que su diseño esté listo, el modelaje, los interiores. La paleta de colores tiene que ser perfecta, los terminados, su peso. No es simplemente un carro, es toda una obra de arte”, señala Pardo sin modestia. Aún construye algunos GT de manera especial, seis en total bautizados como Ford GT Signature Series, con los cuales ha recorrido todo el país para llevarlos a las pistas más rápidas y a los festivales más emblemáticos para enseñarlo a los coleccionistas. Su última venta alcanzó algo más de 400.000 dólares. Esta mañana de agosto, Pardo, de 56 años pero con aspecto de treintañero, está en Los Ángeles, donde tiene un estudio satélite que utiliza para darle los últimos ajustes a su GT Signature Series durante la segunda parte de su tour, que incluye Sonoma
y Pebble Beach, pistas donde se pueden llegar a vender varios millones de dólares en autos de alta velocidad en tan solo un fin de semana. “Estar en la pista y poder correrlo no tiene precio. Más allá de venderlo para pensar en el próximo, es el gusto de tomarme el verano en la carretera antes de volver a mi estudio”, señala. En Detroit lo espera su próxima exhibición de pintura, un show donde expondrá más de treinta de sus piezas llenas de color y movimiento, las cuales incluyen acrílicos, óleos y acuarelas que se han convertido a través de los años en referencia del mundo automovilístico. “Mi obsesión por encontrar esa relación con la velocidad de una forma particularmente tan fluida, en eterno movimiento y de forma abstracta, siempre han sido mi meta como artista. Dónde y cómo priorizo mis trazos, las entradas de la luz sobre los coches de carreras y las estelas que dejan han sido mi fascinación”, comenta Pardo.
Las piezas de Pardo están llenas de color y movimiento, e incluyen acrílicos, óleos y acuarelas.
PARDO DISEÑÓ UNA DE LAS PIEZAS AUTOMOTRICES MÁS INNOVADORAS DE TODOS LOS TIEMPOS: EL BRABUCÓN Y ESTILIZADO FORD GT, UN AUTO DE CARRERAS Y GRAND TURISMO QUE REBARAJÓ LAS FRONTERAS DEL DISE�O Y LA VELOCIDAD.
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En las subastas de casas como RM Auctions, algunos modelos del Ford GT han alcanzado precios astronómicos. ©2014 CORTESÍA RM AUCTIONS
CAMILO PARDO DISEÑÓ Y ESCULPIÓ A MANO EL GT EN 2005, LO HIZO PARA LA CASA FORD, DONDE FUE EL DISEÑADOR ESTRELLA DE LA CASA POR 15 AÑOS.
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The Factory, parte de su estudio en Detroit, se ha convertido en una verdadera institución en la ciudad y epicentro de las mejores fiestas.
Fue en el verano de 1984 cuando pudo poner mano por primera vez sobre el Lamborghini Miura y el Ferrari P4, aquellos con los que creció soñando en Nueva York. “Cuando hacía mi pasantía de diseño automotriz en Italia decidí ir a cuanta carrera automovilística pude. Cuando puse un pie en Le Mans sentí un escalofrío al ver todos esos coches, sus diseños, su potencia, fue algo increíble. Ya había visto carreras en el Detroit Raceway, pero nada como la imponencia de estas pistas y sus autos. Me marcaron para siempre”, recuerda. La nostalgia por los diseños de entonces, las formas, trazos y colores han sido una influencia constante para los suyos. “Las curvas de los años 1970, los diseños de Pininfarina, Giorgetto Giugiaro, los Ferrari y
los Lamborghini de esa época me obsesionan. Eran otros tiempos, cuando todo se hacía a mano. Cuando empecé en la universidad no había computadores, todo se dibujaba a mano. Se esculpía, y toda la ingeniería se hacía en modelos de arcilla, justo como se diseñó el primer coche en 1807”, dice Pardo. Luego de pasar por una de las mejores escuelas de diseño automotriz, el College for Creative Studies, con sede en Detroit, Pardo fue a parar a Ford Motors, donde, a través de los años, vivió toda la evolución del diseño automotriz computarizado que rápidamente fue aplicando a otras áreas, como en el diseño de muebles y accesorios. “Cuando comenzamos a diseñar el Ford GT solo tuvimos modelos computarizados, el resto fue
hecho todo a mano sobre lienzos gigantes, los bosquejos iniciales, los archivos de referencia, los colores, las texturas, todo el mobiliario. Era una especia de telaraña gráfica, un rompecabezas que era toda una obra de arte en sí misma. De ahí salió el modelo en arcilla que cobró vida en el Ford GT que conocemos”, recuerda. Pardo no solo es un diseñador automotriz: crea muebles, accesorios, artículos de moda y sus óleos alcanzas buenos precios en el mercado. “Diseñar moda es muy parecido a diseñar interiores de autos porque ya sabes cómo trabajar con texturas y superficies, justo como con los paneles de un auto. Todo se mezcla, desde las gráficas, los diseños, los colores”, asegura al relatar cómo terminó diseñando ropa femenina décadas a atrás.
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LOS ACRÍLICOS, OLEOS Y ACUARELAS DE CAMILO PARDO SE HAN CONVERTIDO A TRAVÉS DE LOS AÑOS EN REFERENCIA PARA MUNDO AUTOMOVILÍSTICO.
“Fue algo natural. En 1989 un amigo me invitó a diseñar una línea de chaquetas para corredores de motos. Las recibieron tan bien en el Detroit Expo Show que de ahí surgió una nueva vena creativa que no ha tenido pausa”. Su última colección fue presentada en una galería en Nueva York en mayo de este año. The Factory, parte de su estudio en Detroit, se ha convertido en una institución para la ciudad. Es lugar de confluencia de artistas donde cada semana se presentan shows de fotografía, exposiciones de arte, desfiles de moda, fiestas, entre otras. “Siempre quise que mis estudios fueran lugar de diálogo creativo, por eso cuando entré a trabajar a Ford compré un edificio en el centro de la ciudad y ahí me quedé, aun cuando la crisis pegó más duro en Detroit que en cualquier otro lado”, señala. Hoy su estudio es sede del Detroit
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Auto’s Designers’ Night, que reúne durante el Detroit Auto Expo Show a los diseñadores de autos más prestigiosos del mundo. Pardo regresa a su estudio en Detroit para desde allí seguir con la idea de vender uno de sus Signature Series por un millón de dólares, mientras que sueña con diseñar otro Shelby Cobra, uno de sus coches consentidos, creado en 1962 por otro de sus ídolos, el diseñador y corredor de autos Carroll Shelby. “Me encantaría dedicarme seis meses solo a correrlo por las pistas de carrera del mundo entero. Mi sueño es la velocidad”, concluye al dejar ver su nuevo pasatiempo: volar los ultrarápidos aviones militares MIG 39. “Si llevas toda una vida viviendo a alta velocidad lo lógico es que te vayas a estrellar. Lo importante es dejar el miedo atrás para poder crear más allá de lo posible”.
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Mecánica femenina Música en caja
Foto
Cortesía Reuge
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Mecánica femenina Un repaso a la historia de la relojería para mujeres. Por
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Los primeros relojes mecánicos para uso femenino datan del siglo XVIII, cuando los artesanos relojeros ginebrinos desarrollaron increíbles piezas para uso a manera de joya. Las elegantes damas de la época colgaban sus relojes de preciosas cadenas y de broches estilo prendedor. Simultáneamente, los relojeros influenciados por las estrictas normas religiosas calvinistas trabajaban en sofisticados relojes de bolsillo para caballeros y daban lugar a las casas de renombre que hoy son el estandarte de la industria relojera suiza. Sin embargo, fue AbrahamLouis Breguet quien creó para la reina de Nápoles en 1810 el primer reloj de pulsera. Luego, Patek Philippe diseñó un extraordinario reloj para la Condesa Koscowicz de Hungría en 1868 que se sujetaba a la muñeca con fibras de cabello y de oro. A través del siglo XX se comenzó a valorar el gran potencial del mercado de relojes para dama y fue de gran interés para los suizos el desarrollo de mecanismos que se ajustaran a los requerimientos de las mujeres. Movimientos de pequeño volumen, inicialmente producidos de cuerda manual y luego complementados con dispositivos de cuerda automática llegaron
a todos los distribuidores del mundo y se vendieron con mucho éxito. Compañías como Rolex emplearon incluso a destacadas deportistas para promover su marca, al innovar sus modelos Oyster de alta resistencia al agua. Con la revolucionaria tecnología de las baterías minúsculas surgieron movimientos de relojería eléctricos y posteriormente de cuarzo y casi toda la producción de relojes para mujeres se volcó a esa innovadora y muy conveniente tecnología, aprovechando sus posibilidades de reducir considerablemente el tamaño, espesor y mejorar la precisión. Los relojes de pequeño volumen tuvieron su auge en los años 80, cuando, con el desarrollo de movimientos de cuarzo, se lograron impresionantes miniaturas que eran la tendencia de la época. Posteriormente, superando la crisis de la industria, surgieron y se popularizaron los relojes más grandes y las mujeres comenzaron a aceptar y apreciar la sofisticación de los movimientos que un reloj mecánico posee. Ahora casi todas las marcas producen relojes con mecanismos mecánicos de cuerda automática o manual y se han presentado recientes innovaciones que ofrecen complicaciones que hace años no se consideraban aptas para un reloj femenino. Es así como en recientes colecciones se aprecian movimientos con tourbillon, complicaciones como repetición de minutos y calendarios perpetuos que son incorporados de manera magistral a las preciosas cajas de metales preciosos o de acero
y que son llevadas con orgullo por mujeres en todo el mundo. Probablemente, la casa relojera más fiel a los principios de la relojería es Rolex, que siempre creyó en la calidad y precisión de sus movimientos mecánicos y nunca sucumbió ante la presión del mercado para producir movimientos de cuarzo para sus relojes Oyster de mujer. Rolex produjo por unos años varios modelos de la línea Oysterquartz para hombre y luego en su línea depurada de relojes de pila de la colección Cellini. Patek Philippe siempre ha guardado un inmenso respeto por su tradición relojera de clásicos y aunque produce gran cantidad de relojes con movimientos de cuarzo para dama, que incluye la muy exitosa colección “Twenty-4”, se ha concentrado el los últimos años a complacer al mercado de mujeres en todo el mundo con asombrosas piezas de gran complicación. Igualmente, Audemars Piguet ha desarrollado una oferta muy completa de mecanismos de pequeño volumen que instalados en sus cajas del “Millenary” y del tradicional Royal Oak Off Shore causan sensación por la originalidad y aspecto moderno de sus modelos. La tendencia global actualmente es volver a los relojes más pequeños, probablemente obedeciendo a la demanda de ese tipo de piezas de los mercados más fuertes como son la China y los países árabes. Simultáneamente, este hecho constituye un reto para la industria relojera mundial que, sin duda, acogerá con gusto para introducir maravillas de la miniaturización de sus creaciones mecánicas.
Ricardo Kling
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Patek Philippe
Omega
Rolex
IWC
Cartier
Tag Heuer
El reloj ultraplano de Patek Philippe con mecanismo de gran complicación para dama posee un movimiento de calendario perpetuo que muestra la hora, fecha, mes, día y cambia automáticamente la fecha en los meses de 30 y 31 días, así como el mes de febrero teniendo en cuenta los años bisiestos. Está instalado en una caja de oro rosado adornado con brillantes de la mejor calidad.
La precisión del calibre Co-Axial 2500 de cuerda automática complementa este reloj de la casa Omega que viene adornado con un diseño de mariposas en su esfera de nácar. El nuevo Omega De Ville “Butterfly” en acero y oro está inspirado en la belleza de la naturaleza y es una adición a la colección “Prestige”.
Este año Rolex presentó el nuevo “Yacht Master” de oro rosado “Everose” con bisel de cerámica “Cerachrom” que incorpora el novedoso brazalete Oysterflex, cuya estética, flexibilidad y confort son los de una correa de caucho, pero su resistencia corresponde a un brazalete metálico. El movimiento posee el novedoso sistema de espiral azul “Parachrom” que otorga al reloj gran precisión.
El nuevo reloj de la casa IWC de Schaffhausen es el modelo Portofino Automático Día & Noche. Tiene un segundo huso horario que lo hace perfecto para las mujeres que actúan globalmente. Mientras que las agujas de las horas, los minutos y los segundos informan sobre la hora local actual, la aguja azul indica una segunda hora local opcional en el anillo interior de las 24 horas.
Louis Cartier creó el reloj Tank en 1917. Su estética viene determinada por sus enganches disimulados bajo sus angarillas verticales y planas de aristas vivas. Convertido en ícono, el reloj Tank ha dado origen a múltiples variantes, como el Tank Anglaisen, que con un diseño aerodinámico reinterpreta el modelo original, dándole una nueva dimensión.
TAG Heuer lleva más de 150 años superando con éxito todos los retos a los que se ha enfrentado. Ahora ha redefinido los códigos femeninos con la nueva colección cerámica para mujer: una mezcla de altas prestaciones y glamour. El elegante estilo deportivo del TAG Heuer Formula 1 Lady Acero y Cerámica cumple ampliamente con los estándares elevados de la marca.
Vacheron Constantin
Breguet
Celebrando 260 años de existencia, Vacheron Constantin es considerado como uno de los grandes maestros de la relojería Suiza. El modelo “Traditionelle” agrupa los más destacados valores de la empresa y los proyecta sobre un reloj para dama que está equipado con un movimiento de cuerda manual, con indicadores de fases de la luna, reserva de marcha y segundero pequeño, instalados en una delicada caja de oro blanco meticulosamente engastada de brillantes con esfera de nácar.
El reloj “Reina de Nápoles” de Breguet es indudablemente modelo excepcional, pues con su renovada caja ovalada invoca la más femenina de las formas. Su mecanismo de cuerda manual late con precisión debajo de la suntuosa esfera de madre perla, donde las agujas clásicas de la casa indican la hora muy claramente.
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Chopard
Audemars Piguet
El reloj Chopard “Happy Sport” es la combinación perfecta entre líneas deportivas y diseño elegante. Elaborado artesanalmente en oro blanco de 18 quilates y engastado con resplandecientes diamantes, este sorprendente reloj certificado cronómetro por el COSC está dotado del movimiento mecánico tourbillon L.U.C 02.16-L con un puente engastado con diamantes, y además luce el sello de calidad Poinçon de Genève. Los diamantes móviles de Chopard le confieren el toque final revoloteando alegremente sobre la esfera con pavé de diamantes, creando un destello de luz.
El éxito de la línea “Millenary” de la manufactura Audemars Piguet radica en la bella interpretación que sus diseñadores le han concedido a la forma única de su caja ovalada con esfera descentrada. La arquitectura tridimensional de los modelos Millenary fusiona diseño contemporáneo y mecánica de excepción.
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Juliana Bedoya Cortesía Reuge
Música
en caja Con 150 años de historia, Reuge es uno de los pocos fabricantes de cajas musicales de alta gama que sobrevive en el mundo.
Al son de la música: Kurt Kupper, director ejecutivo de Reuge.
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Las puertas de la caja de madera se abren y la bailarina queda al descubierto. Mientras el sonido metálico de Fairies in The Moonlight, de Verne Langdon, repica, ella hace elaborados saltitos de ballet. Sus movimientos son programados, generados por un mecanismo complejo; la música proviene de un tambor con puntas que gira y golpea una especie de peine templado. El silencio regresa y las puertas de la caja de madera se cierran. El protagonista de la escena es Reuge, una compañía suiza que elabora cajas musicales en la villa de Sainte-Croix. Los relojes y las cajas musicales son primos hermanos. De hecho, los primeros artefactos eran relojes de bolsillo que al abrirlos ejecutaban cortas melodías. Su pionero, Charles Reuge, se estableció en el lugar en 1865 y ahí creó su primer reloj de bolsillo musical. Se las arregló para incorporar un cilindro musical y un peine en
miniatura en un movimiento de reloj. Fue el inicio de las cajas de música y el de un negocio familiar que celebra 150 años. La filosofía de uno y otro sigue siendo la misma, y entre más complejos sean sus mecanismos, más valiosos son. Un tourbillon o calendario perpetuo equivalen a un movimiento de 36 notas o una caja con un pájaro en movimiento. De estas comparaciones sabe Kurt Kupper, director ejecutivo de Reuge, y quien trabajó en la casa relojera Hublot durante trece años: “cada caja musical toma tres meses para su creación y un total de 34 expertos están involucrados en las distintas fases de producción”. Luego de que el arreglista transforma la partitura en una melodía, una máquina trabaja en la disposición de los agujeros en el cilindro. Es ahí cuando se insertarán delgados alambres de acero que un artesano recubre con una resina para optimizar la calidad del sonido.
LOS RELOJES Y LAS CAJAS MUSICALES SON PRIMOS HERMANOS. DE HECHO, LOS PRIMEROS ARTEFACTOS ERAN RELOJES DE BOLSILLO QUE AL ABRIRLOS EJECUTABAN CORTAS MELODÍAS.
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Paso siguiente, una pieza de acero se corta y templa para formar el peine. Se afinan las notas bajas y altas para que suenen a la frecuencia correcta. Por su parte, los ebanistas y decoradores se encargan de las cajas que alojarán el movimiento musical. El resultado es una pieza con un mecanismo complejo que se activa proporcionándole cuerda como a un reloj.
MALA NOTA Los relojes y las cajas musicales también han compartido sus crisis. A los primeros los desequilibró la “revolución del cuarzo”, que en los setenta y ochenta casi acaba con los movimientos mecánicos suizos. A los segundos varias décadas antes, cuando se popularizó el fonógrafo, inventado por Thomas Alva
Edison. Los dos, tanto relojes mecánicos como cajas musicales, terminaron sobreviviendo, pero como objetos de lujo. Pero le fue peor a los ‘relojeros musicales’. Solo una minoría de artesanos sobrevivió para fabricar juguetes con melodías, pero al final, todos desaparecieron con el tiempo. Solo Reuge permaneció de pie y en los años más críticos de la industria tomó el control de empresas como Bomtens, en 1960, y Eschle, en 1977. “Somos el único fabricante de movimientos musicales mecánicos en el mundo dedicado a piezas de gama alta”, cuenta Kupper. “Hay dos empresas asiáticas, una China y otra en Japón, que fabrican movimientos de música mecánica, pero se centraron casi exclusivamente en los movimientos del nivel más básico y de pocos dólares”.
Charles Reuge y su familia se establecieron en Sainte-Croix en 1865.
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REUGE ELABORA SUS CAJAS MUSICALES EN LA VILLA DE SAINTE-CROIX. SIN EMBARGO, HA INCURSIONADO EN MODELOS MODERNOS Y DISEÑOS VANGUARDISTAS. CREAN CILINDROS QUE HACEN SONAR A COMPAY SEGUNDO, THE CLASH, PINK FLOYD O DEEP PURPLE Charles Reuge creó su primer reloj de bolsillo musical en 1865, fue el inicio de las cajas de música.
“Cada caja musical toma tres meses para su creación y un total de 34 expertos están involucrados en las distintas fases de producción”, Kurt Kupper, director ejecutivo de Rouge.
OUD, base negra de madera lacada. Movimiento CH 3,72. Medidas 649 x 293 x 195 mm
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Los ebanistas y decoradores se encargan de las cajas que alojarán el movimiento musical.
Luego de que el arreglista transforma la partitura en una melodía, una máquina trabaja en la disposición de los agujeros en el cilindro. Es ahí cuando se insertarán delgados alambres de acero que un artesano recubre con una resina para optimizar la calidad del sonido.
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Las bailarinas por ahora solo están en manos de coleccionistas, pero las jaulas y cajas de pájaros están en boga, como también los pedidos ‘a la medida’. De hecho, el núcleo del negocio ahora se basa en peticiones personalizadas de todo el mundo para conmemorar fechas o visitas especiales. El Dalai Lama, Barack Obama, Benedicto XVI, el Rey Juan Carlos de España, Jalifa bin Salman Al Jalifa han recibido cajas musicales Reuge en algún momento, y grandes empresas como Rolex, Maybach, el Inter de Milán, o Ferrari tienen ediciones alusivas a su imagen. “Tomemos como ejemplo una pieza que le entregamos el año pasado a Ilham Aliyev, presidente de Azerbaiyán. Creamos no una caja sino un mueble musical”, recuerda Kupper. “Las patas hacen alusión a la arquitectura de Bakú (la capital), los instrumentos en la
parte superior hacen referencia a la música tradicional del país, las melodías del gabinete son composiciones azeríes y los diseños de la madera representan las alfombras de la ciudad natal del presidente”. Aunque Reuge es una empresa que vive de la tradición, ha incursionado en modelos modernos y diseños vanguardistas, y ahora aparte de Brahms, Tchaikovsky, Shostakovich, Strauss y compañía, se crean cilindros que hacen sonar a Compay Segundo, The Clash, Pink Floyd, Deep Purple y hasta la “Guerra de las galaxias”. Tradicionales cajas musicales u otras en forma de naves interestelares, estos artefactos vencen a la racionalidad. La bailarina, el cantar de un pajarito o una reconocida melodía reducida de unos cuantos segundos, sigue teniendo el mismo poder hipnotizador. El mismo que en 1865.
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El Biomuseo de Gehry
Acaba de recibir su visitante número 100 mil y el número se convirtió en festejo. Y no es para menos, el Biomuseo de Ciudad de Panamá es el único edificio en Latinoamérica diseñado por el famoso arquitecto Frank Gehry. En él se cuenta la historia del surgimiento del istmo de Panamá, el conocimiento sobre su naturaleza y biodiversidad. Para lograrlo, un equipo de expertos del Instituto Smithsonian y la Universidad de Panamá elaboró el contenido científico del Biomuseo. El diseño conceptual de sus galerías es obra de Bruce Mau Design, una de las firmas de diseño más importantes del mundo. Sus ocho galerías, o “artefactos de asombro”, ligan el surgimiento del istmo de Panamá con los cambios biológicos y climáticos que transformaron el mundo natural que hoy conocemos. El programa educativo del Biomuseo atiende a 40 mil estudiantes de las escuelas públicas de forma gratuita cada año, que al final reconocen cómo su país cuenta con una de las mayores concentraciones de especies en un territorio de apenas 75.000 kilómetros cuadrados. El istmo tiene más especies de aves, mamíferos, reptiles y plantas que Estados Unidos y Canadá juntos. Es, al final, el sello de Gehry en América Latina.
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