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Número 21. Marzo 2013 - Junio 2013 / Colombia: $12.000

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El arte nunca duerme

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Asher Edelman


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EDICIĂ&#x201C;N N°Ë&#x17E;Ë?

DIRECTOR

COLABORADORES PERMANENTES

ASESORES EDITORIALES

Cristina Grajales AndrĂŠs RamĂ­rez Ricardo Kling

Juan FernĂĄndez Cristina Grajales Poli Mallarino Ruven Afanador Ricardo Kling AndrĂŠs RamĂ­rez

LeĂłn Tovar Carlos Ferreirinha Fernando CarreĂąo COLABORADORES EN ESTA EDICIĂ&#x201C;N

DarĂ­o Forero A.

Catalina GĂłmez Laura Rojas Turbay AndrĂŠs Felipe Solano Sophie Doran Juliana Marques Manuela Fonseca

DISEĂ&#x2018;O

RETOQUE FOTOGRĂ FICO

MĂłnica VĂĄsquez Vargas

AndrĂŠs GachancipĂĄ

DIRECTOR DE ARTE

Pablo Barreto ASESOR GRĂ FICO

EDITORA DE FOTOGRAFĂ?A

PREPRENSA

Natalia Hoyos

ProducciĂłn El Espectador

CORRECCIĂ&#x201C;N DE ESTILO

Jairo Galvis Henao Juan SebastiĂĄn SĂĄnchez

PRESIDENTE CONSEJO EDITORIAL EL ESPECTADOR

FOTO PORTADA

Gonzalo CĂłrdoba M.

Contour By Getty Images Asher Edelman por Ethan Hill Enero de 2010

Fidel Cano C.

DIRECTOR

FOTOGRAFĂ?A

GERENTE

Natalia Hoyos Kaveh Kazemi Chang Hwa Jen Dessinger

Eduardo GarcĂŠs GERENTE DE PRODUCCIĂ&#x201C;N

Fabio Chica

Š Comunican S. A. 2013 Todos los derechos reservados. Calle 103No. 69b-43 Conmutador: 423 2300. Fax: 423 7641. Apartado 3441. Bogotå, D. C., Colombia. ISSN 2027-1247

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VICEPRESIDENTE COMERCIAL CARACOL COMERCIALIZADORA DE MEDIOS:

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Carta del director

Juan Fernández ]YXeaTaWXm3X_XþXÿTWbe!Vb` El artículo de portada de esta edición es, textualmente, una historia de película. Es la semblanza de uno de los personajes más influyentes, pero también más controversiales, de Nueva York: Asher Edelman. Para ubicarlo de inmediato, basta con recordar la taquillera película Wall Street (1987), dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Michael Douglas, quien interpreta a Gordon Gekko, un magnate de las inversiones, coleccionista de arte y dispuesto a casi todo por conseguir sus objetivos. Stone y Douglas se inspiraron en Edelman para crear el personaje de Gordon Gekko, con el que el actor consiguió un Premio Oscar. A los 74 años, Edelman está retirado de la turbulencia de Wall Street y vive por el arte a través de su firma comisionista de arte y su amplia colección, una de las más importantes de Nueva York. Fue en su casa donde recibió al galerista y cómplice de esta revista León Tovar, quien al final plasma una guía sobre el mundo del arte y su inevitable correlación con los negocios. El arte siempre ha sido uno de los pilares de SUMMUS. Por eso, en cada edición contamos historias de artistas talentosos que intentan modificar los comportamientos humanos a través de sus obras. El colombiano Pedro Ruíz es uno de ellos, quien piensa que la historia de este país no está en las trilladas escenas de violencia, sino en los colores

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de la vida cotidiana. No en vano recibió en 2010 la Orden de las Artes y las Letras en el grado de Caballero por parte de la República de Francia, una condecoración que el gobierno galo se reserva para los artistas e intelectuales que han aportado al mundo del pensamiento y el arte. Los lugares que sorprenden también nos obsesionan. Uno de ellos encarna la exótica variedad de especies marinas de Corea. Es el mercado de Noryangjin, la enorme despensa de pescado de Seúl, abierto al público por primera vez en 1927, y donde se abastecen los restaurantes de la ciudad. Un recorrido con imágenes impactantes repletas de detalles, similares a las del Valle de la Beka, en el Líbano, una zona que nos sorprendió con sus vinos, los más apetecidos de Oriente. También somos un referente para la industria en términos de negocios. Es en esta revista donde se encuentran estudios e informes actualizados sobre el mercado global del lujo. En esta oportunidad nuestro aliado, Luxury Society, presenta una radiografía que determina cómo las marcas de lujo están desarrollando productos y servicios para niños con las que esperan llamar la atención de sus padres. Son ellos, al final, quienes tienen la última palabra. Esta es una nueva invitación para adentrarse en las llamativas historias que presentamos en cada edición.


Historias con alcance global Infografía

El arte nunca duerme

El mar en una mesa

Por Cristina Grajales Nueva York

Por Andrés Felipe Solano Seúl

1. Destino LAN / Bogotá - São Paulo

2. Destino LAN / Bogotá - Chile

3. Destino LAN / Bogotá - Miami

Por León Tovar Nueva York

Diseño Natural

b+s

El poder de los jóvenes consumidores

La inocencia de las amapolas

Por Carlos Ferreirinha São Paulo

Por Laura Rojas Turbay Bogotá

La fuente del vino Por Catalina Gómez Líbano

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EN LA CIMA El arte nunca duerme

Foto

Jen Dessinger


ENLACIMA

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Por Fotos

León Tovar, Nueva York, con la colaboracion de Laura Sáenz Jen Dessinger

Asher Edelman:

El arte nunca duerme FXVeXgbfWXhaVb_XVV\ba\ĀT La figura de este coleccionista de arte neoyorquino es muy respetada dentro de las altas esferas del poder. Hace casi dos décadas se retiró del mundo de los negocios financieros para dirigir su propio museo en Suiza y una de las comisionistas de arte más importantes de Europa. En los ochentas, sus amigos Oliver Stone y Michael Douglas se inspiraron en él para crear el personaje de Gordon Gekko, en la película Wall Street. En esta entrevista, Asher Edelman habla sin prevenciones sobre lo que normalmente guarda como un tesoro: el secreto de cómo hacer dinero con el arte.

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Cuando conocí a Asher Edelman pensaba que era un colega galerista. No tenía idea de su pasado en el mundo financiero y mucho menos de que su vida profesional había inspirado la famosa película de Oliver Stone: Wall Street. En esta extensa entrevista hablamos de diferentes temas que un consultor como Asher se cuida de hablar en público: su vida profesional, la regulación del mercado del arte en las casas de subastas, o su relación con entrañables amigos como Jean-Michel Basquiat y Andy Warhol. Pero lo más importante es que veremos qué es mito y qué es realidad de todo lo que se especula acerca de este importante personaje de la sociedad neoyorquina. Asher es un invitado usual de los principales medios especializados de la ciudad, quienes lo llaman para consultarle sobre el mercado bursátil y la dirección que debe tomar el coloso del norte para salir de esta encrucijada económica en la que se encuentra. Me recibió en su oficina privada y estuvo especialmente elocuente en esta conversación carga-

da de anécdotas y revelaciones sobre el mercado del arte internacional. Me preparé para enfrentarme a un tigre de los negocios, un personaje idealizado por muchos y con un ego polichado a diario. Pero a pesar de mis prejuicios, me encontré a un hombre que no es un manso cordero, pero sí una persona accesible y amigable. Después de almorzar en su town house de cinco pisos, ubicada en el Upper East Side de Manhattan, pasamos a su oficina. Allí nos sentamos al lado de un soberbio Francis Bacon de más de dos metros de altura y de un Modigliani impecable. LEÓN TOVAR Hablemos sobre su vida, desde el principio. ASHER EDELMAN Soy neoyorquino, miembro de una familia que se desplazaba con frecuencia a Europa durante los veranos en la década de los cincuenta. Siempre fuimos una particular familia americana con una visión europea, muy interesada en el arte y en las manifestaciones culturales de la época. Mis abuelos

coleccionaban impresionismo, pero también estaban abiertos a las corrientes del momento. De niño veía cómo entraban y salían tapetes orientales y hermosos muebles art déco a la casa. Fue una infancia muy interesante. Fui educado en Burt College, y después estuve un año estudiando en Estocolmo. De adulto viví cinco años en Bélgica, dieciocho años en Suiza y luego, de manera intermitente, en Francia. Le di dos veces la vuelta al mundo en mi velero. Visité los lugares más remotos. LT ¿Cuándo fue su primer acercamiento con el mundo del arte? AE Mi primer acercamiento formal al arte fue a los 12 años, cuando comencé a comprar una serie de libros durante mis visitas al Museo Metropolitano de Nueva York, libros que aún poseo y están acá en mi biblioteca. A los 17 años compré mis primeros dibujos a estudiantes de pintura. LT ¿Los adquirió en subasta o en alguna galería? AE Los compré a los estudiantes. Mi primera pintura de un artista formado la compré

a los 20 o 21 años, y mi primer Jasper Johns lo compré a los 23. LT Leí que después estuvo en Suiza montando un museo, tuvo que ser un gran cambio de vida, pasar de la adrenalina del mundo financiero de Nueva York al de curador en Suiza. AE Mi interés siempre estuvo en el arte. Cuando trabajaba en Wall Street visitaba museos y galerías al menos dos veces por semana. A través del mundo financiero del que hacía parte, pude financiar algunas galerías, conocí de cerca a sus propietarios, a muchos coleccionistas y artistas. En esa época construí mi colección. Cuando me mudé a Suiza a manejar el museo, en 1987, sabía que nunca más volvería al mundo de las finanzas. Por eso creo que mi vida no cambió del todo, solo cambié de oficio. Lo curioso es que hoy en día el mundo del arte es una mezcla de finanzas y arte. Manejo una compañía que se dedica a ubicar las obras para venta basadas en garantías de subastas. También tengo una galería de mercado secundario. Es una mezcla difícil de

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La entrevista tuvo lugar en la biblioteca de una elegante casa de cinco pisos. Es un lugar imponente donde conviven piezas de arte decorativo, libros de colecci贸n y un cuadro del artista brit谩nico Francis Bacon.

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separar, diferenciar entre coleccionar arte que consideras extraordinario o negociar y vender arte que piensas que es extraordinario, pero que a veces, por cosas inexplicables, no tiene el éxito esperado. LT Hablando de su compañía, explíquenos, ¿cómo opera, qué novedades ofrece y qué diferencia su producto de los demás? AE Hay varias empresas que hacen diferentes segmentos de nuestro trabajo, pero nuestra empresa unifica todos estos bajo un solo paquete. Les brindamos a los clientes la posibilidad de vender una pieza o su colección de arte, ofrecemos financiar las obras mientras se venden, bien sea en privado o en subasta. También ayudamos a vender la pieza de forma privada porque contamos con más de treinta dealers alrededor del mundo. Una de las ventajas que ofrecemos, en conjunto con las casas de subastas, es lograr un contrato más amigable, el cual los clientes no podrían conseguir como particulares. Por último, nos aseguramos de que la catalogación sea correcta y bien posicionada. Si la pieza es importante o apetecida en el mercado, optimizamos todas estas ventajas. LT ¿Qué opina de las compañías que prestan dinero teniendo como soporte obras de arte? ¿Considera que este sistema funciona adecuadamente? AE Tengo entendido que cobran hasta un veinte por ciento de interés anual. LT Alrededor del dieciocho por ciento, algo que considero astronómico… AE Nuestra operación es conservadora, hacemos una investigación profunda de títulos, historia y autenticidad de las obras, porque los cuadros son nuestros seguros. Y tampoco somos baratos, cobramos un uno por ciento mensual. LT Sí, pero sigue siendo casi un cuarenta por ciento menos que la competencia. AE Pienso que ellos tienen un punto de vista diferente y lo que les interesa al final es quedarse con las obras. LT Lo que ustedes quieren es prestar un servicio. AE Exacto. No nos interesa quedarnos con la propiedad o los problemas de nadie. LT Desde luego entiendo que no hay una doble intención detrás de todo. Se ve que tiene una relación cercana con las casas de subastas. AE La cercanía que se puede tener con una casa de subastas depende de los negocios que les lleves (risas).

Pero debo admitir que me ayudan mucho. No siempre son fáciles, pero han desarrollado un sistema de negocios que es de gran ayuda. Muchos dealers prefieren las ventas privadas, pero es innegable la capacidad de las casas de subastas de contactar clientes alrededor del mundo. Todos, incluso yo, somos pequeños comparados con ellos. LT ¿Cómo fue su primera experiencia de compra en una casa de subastas? AE Fue en el antiguo Park-Bernet, antes de que se convirtiera en Sotheby’s. LT ¿En 1970? AE Al final de los sesentas. LT ¿Estaba nervioso con su primera compra? AE No. LT ¿Se arrepintió de lo que compró? AE Como coleccionista nunca me arrepiento de una compra, pero por negocio sí me he arrepentido. No se le olvide que en el fondo soy más un coleccionista apasionado. LT Yo no soy experto en el mundo financiero, pero tengo entendido que en los años ochenta había una fuerte manipulación en la bolsa. ¿Considera que en esa época el mercado del arte fue influenciado por personas que manipulaban la información desde adentro? AE El mercado del arte es un mundo sin regulación, y no tengo duda que varios artistas, ¿cómo decirlo?, han sido patrocinados. A diferencia de decir que se manipula el mercado, diría que existen grupos de personas que ayudan a establecer un nuevo mercado donde pueden ayudar a estos artistas. Ayudan a que los precios vayan hacia arriba y, cuando lo logran, esa misma gente los vende. En el mercado de hoy se puede ver claramente cómo, por ejemplo, los vendedores de Christhopher Wool son la misma gente que fue levantando agresivamente su mercado. Los vendedores de Andy Warhol fueron los mismos que trabajaron para elevar sus precios… Eso no es ilegal en el mundo del arte ni en el mercado bursátil. LT Por supuesto, porque no tienen ninguna regulación. AE Creo que quizás mucha gente ve el arte como una inversión transferible. Es posible, pero difícil. Si eres un estudioso y estás intercambiando arte, estarás atento todo el tiempo para ver quién y qué ha sido vendido. Si los precios de un artista suben y, a pesar de eso, siguen habiendo

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La biblioteca es el testimonio de una vida dedicada al arte. Allí se encuentran libros, catálogos, esculturas y fotografías de su propietario junto a importantes Ô]khWiZ[bWhj[" entre ellos Andy Warhol y Jasper Johns.

algunos vendedores merodeando por ahí, significa que los precios de este artista no subirán más. LT Ahora que menciona este tema, hemos hablado de artistas importantes como Christopher Wool. ¿Qué opina de estos nuevos artistas que intentan formar parte de las subastas y a veces piensan que su carrera depende del precio que adquieran, cuando realmente no tienen experiencia? AE Si quieres ser coleccionado por los grandes jugadores del mercado, necesitas tener un registro de subasta, o ser apoyado por ellos. Me refiero, por ejemplo, a Jacob Kassay quien, sin calificarlo como buen o mal artista, no es muy diferente a otros que hacen lo mismo. Pero alguien se puso detrás de él y pasó de ser un artista de diez mil dólares a uno de doscientos mil por obra. Quiero decir que todo fue muy rápido, y eso tiene que ver con un patrocinio. Lo cual no significa que pueda seguir manteniendo ventas a esos precios. De lo que no hay duda es de que sin el apoyo de un jugador del mercado todo sería menos probable. Creo que los artistas jóvenes están cometiendo un error al lanzar sus obras a subastas sin tener aún una obra formada. LT Tiene que haber un proceso mínimo de exhibiciones: museos, galerías, bienales… Es el caso de Damien Hirst, por ejemplo, pues me sorprendió que Sotheby´s se involucrara tan directamente y pasara por encima del conducto regular que es el galerista o el coleccionista, quienes finalmente son los que ofrecen las obras para ser subastadas. AE Hoy, una vez que un artista crece en el mercado, no hay razón para que siga fiel a su representante. Me refiero a que la relación entre el artista y su representante es puramente comercial. Lo que se hacía en los viejos tiempos, lo cual aún hago y supongo que tú también, era apoyar a un artista hasta asegurarse de que su obra llegara a los museos, y se ubicaba en colecciones importantes donde pudiera ser visto por gente influyente. En general, eso no tiene nada que ver con el mundo del dealer de hoy. Hoy solo se intenta buscar artistas comerciales y usar los contactos para venderle al que esté dispuesto a pagar el precio. Por eso, el artista tiene el mismo derecho a romper con el dealer y decir “Voy a vender a todos los dealers del mundo” ¿Por qué no? Tendrán una mayor distribución. Gagosian, por ejemplo,

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"MI PRIMER ACERCAMIENTO FORMAL4?4EG89H84?BF˝˞4ɩOS, CUANDO COMENCÉ A COMPRAR UNA SERIE DE LIBROS DURANTE MIS VISITAS AL MUSEO @8GEBCB?<G4AB78AH8I4LBE>!4?BF˝ˣ4ɩOS COMPRÉ MIS PRIMEROS DIBUJOS A ESTUDIANTES DE PINTURA". puede tener doce galerías, pero si el artista hace tratos con cinco dealers diferentes, quizás pueda tener las doce de Larry más otras doce alrededor, y si trata directamente con las casas de subastas, quizás pueda vender cien piezas. Entonces, creo que las dinámicas ya no son de lealtad, y el artista tiene el derecho de trabajar de la manera que más le convenga. Estaría muy preocupado si uno de mis artistas hiciera eso, porque trabajo mucho para conseguir llevarlos a donde están. LT Bueno, pero Damien Hirst rompió relaciones comerciales con Gagosian y hubo de inmediato una notable baja en sus precios, de hasta un veinticinco por ciento, después de la subasta con Sotheby’s. AE Damien paró de hacer arte. Él fue un buen artista conceptual cuando lo exhibí en el museo en 1992 o 1993, cuando él mismo hacia sus trabajos de gabinetes con medicinas y cigarrillos. Fue un artista conceptual muy interesante, pero a finales de los noventas se convirtió en un hombre de negocios conceptual. Y eso para mí no es arte. Sin embargo, sus trabajos se siguen vendiendo por uno o dos millones, y como tiene a cien personas haciendo las obras sigue ganando mucho dinero. LT Viendo los precios astronómicos de las últimas subastas, en las que se rompieron todos los récords de ventas, ¿no cree que sea hora de regular el mercado de alguna forma? AE Todo depende de las garantías. Como se vio hace poco en Londres, cuando vendieron un Picasso por el precio estimado por la persona que la garantizó. La verdad, a muchos no les gusta cuando hay una garantía de por medio porque se sienten limitados, pero esa es la dinámica y lo importante es que el público sepa lo que pasa con antelación. (La garantía es el compromiso de la casa de subastas con el vendedor de lograr un precio mínimo por el lote, exista o no comprador. Esta modalidad es frecuente para motivar la venta de obras de muy alta calidad sin que exista mayor riesgo para el vendedor). LT No todo el mundo sabe exactamente cómo funcionan las casas de subastas, no importa qué tan alto o bajo sea el estimado del lote, casi siempre hay un precio de reserva o precio mínimo al que el vendedor accede a vender me-

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"Mi primera pintura de un artista formado la compré a los 20 o 21 años, y mi primer Jasper Johns lo compré a los 23". Asher Edelman.

diante contrato, y si no llega a ese número la pieza quedará como no vendida. Por este motivo, el subastador trata de subir las pujas, incluso haciéndolas él mismo, hasta llegar al mínimo precio de reserva; es ahí cuando la gente a veces me dice, “León, no entiendo contra quien estoy pujando, no veo a nadie levantando la paleta”. AE Es correcto, hasta que te llevan a la reserva. LT Sí, no importa cómo, no te la van a vender si la puja está por debajo de la reserva. AE Pero hay una respuesta para eso. Si está pujando contra nadie, pare sus ofertas y compre en posventa. LT Exacto, después de la venta. Pero algunos dirían que el registro del lote es de no vendido y no sería apropiado para el récord de la obra. AE Pero espere un momento, ¿está hablando como coleccionista o como dealer? LT Ese es un buen punto. AE Si compra como coleccionista no importa. Yo he comprado muchas piezas así. LT Llegando a este punto, hablemos un poco de su colección privada. AE Sigo comprando obras. En algún momento mi colección fue mucho más grande, pero paré de trabajar para hacer dinero en 1988. Tenía una colección importante en ese entonces, y aún hoy sigo comprando para mí. Las probabilidades de vender una de mis obras privadas se materializarán dentro de 20 años; bueno, tengo 73, mejor digamos diez años desde ahora. LT Ahora que me encuentro en su casa veo que tiene arte latinoamericano, como Vik Muniz. La otra vez vi un Matta precioso, hábleme un poco más sobre su relación con Latinoamérica. AE Tuve una mujer brasileña y un apartamento en Brasil a lo largo del camino. LT ¿Colecciona arte latinoamericano? AE Los suizos siempre venían a decirme que tenía que mostrar más artistas suizos y yo decía que sí, y los mostraba, pero en verdad a mí me interesa el arte como arte, no de dónde son los artistas. Me refiero a que como coleccionista no me importa la diferencia entre las subastas latinoamericanas, impresionistas, modernas o contemporáneas. Creo que muchos artistas latinoamericanos deberían incorporarse a las otras subastas. LT Creo que este punto es muy importante. ¿Ve a los artistas de Latinoamérica encasillados en estas subastas locales? AE Pienso que parte de todo esto se debe a que ellos mismos se metieron solos en esta caja y, por otro lado, los

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Edelman es consultado por los principales medios especializados de economía y arte del mundo. El artista americano Robert Mapplethorpe fue uno de sus grandes amigos y colaboradores.

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coleccionistas latinos solo quieren comprar arte latinoamericano. A ellos no les interesa, por lo general, el arte internacional. Entonces, si ustedes mismos se meten en esta caja, las casas de subasta aprovechan para ponerlos en ese segmento de venta, pues les generas otra venta y otro departamento. Como los israelitas, que tienen una subasta especial en Sotheby’s. Es una forma de mercadeo muy cómoda. LT Pienso que no debería ser así. Por ejemplo, al ver su preciosa biblioteca, notó que Gorky es un artista que quizás cuesta tres o cuatro veces lo que cuesta Matta. AE Y Matta fue la inspiración de Gorky. Recuerde que Matta fue el primero en hacer dibujos Abex (Abstract expressionism), lo cual nadie admitía en la época porque no querían que los referenciaran con Matta ¿Por qué? Porque no le ven como americano, por supuesto Gorky no era americano. Kooning, por su parte, decía que su influencia provenía de Gorky, y Gorky que venía de Matta, lo cual es obvio si se estudia su trabajo. LT ¿Qué opina del mercado del arte latinoamericano? ¿Cree que está subvalorado, que tiene futuro con el nuevo desarrollo económico de la región? AE Va a volar. Quiero que Latinoamérica se integre en los mercados internacionales. Y, entonces, me encantaría ver pinturas latinoa-

mericanas en ventas de moderno y contemporáneo. Pero, desafortunadamente, el mercado latinoamericano aún no ha empezado a volar. LT ¿Cree que hoy es buena inversión comprar arte de Latinoamérica? AE Depende de quién y qué, como sucede con todos los artistas. El problema es que el mercado ha cambiado mucho. Ya no se trata de gente mirando y pensando sobre arte. Ahora se trata de gente estudiando lo que sus vecinos pensarán y opinarán cuando pongan ese arte en su propia casa. LT ¿Sigue a algún artista contemporáneo de Latinoamérica, aparte de Vik Muniz? AE Voy a hacer una exhibición de Juan Paulo Laporte de Brasil, un artista que conozco desde hace treinta años. Su familia tiene una compañía de petróleo y no necesita vender su obra. Normalmente los artistas hacen muchas piezas, Juan Paulo no, y su trabajo es fantástico y con muchos detalles. LT Cuando compra una pieza de arte en subasta, ¿qué tanto de instinto y qué tanto de conocimiento técnico aplica? AE ¿Como coleccionista o como negociante? LT Como negociante. AE El negocio es negocio. Me hago una idea de cuánto creo que vale la pieza y por cuánto se puede vender.


¿Y cuánto es una buena suma para usted? AE ¿Sabe?, compré mis mejores pinturas sin preocuparme en absoluto por su precio. Tengo un Stella negro, muchos Jasper Johns, Acnes Martin, Tombly… LT Esa es la forma realmente… AE Pagué más de un millón de dólares a principios de los ochentas por una pintura negra de Frank Stella, cuando ningún Stella había sido comercializado por más de trescientos mil dólares. LT Una decisión arriesgada. AE Pero para mí esa pintura resumía la primera mitad del siglo XX. Era una pieza que tenía que tener. En otra ocasión no usé este criterio para una compra más grande. Después de la exhibición de Yves Klein en el Guggenheim, en los setentas, me ofrecieron una bella pintura con esponjas de pigmento azul. LT ¿De las grandes? AE Si, casi del tamaño del Bacon que ves en esa pared. LT Si son los que están numerados del uno al veinte creo saber cuánto costaron. AE Me la ofrecieron por cien mil dólares. Le dije al dealer, que era muy buen amigo mío, que por qué me ofrecía esta pieza si solo valía cincuenta mil dólares. LT Pero hoy en día se venden por veinte millones de dólares. LT

AE Olvidándonos del precio de hoy, cometí un error, yo debí comprar esa pieza. LT Recuerdo cuando llevé una exhibición a Colombia del minimalista Sol Lewitt. Pedíamos cinco mil, siete mil quinientos y doce mil quinientos dólares por cada wall drawing. Y luego, una exhibición de Josef Albers, con Denise Rene y piezas que provenían de la galería Sidney Janis. Tenía las piezas a la venta por doce, quince y veintidós mil dólares. Hoy 300 cuestan cincuenta mil y ochocientos mil dólares. AE Se vendían por pulgadas, me acuerdo. LT Exacto. Presenté obras de Lucio Fontana en la feria de Caracas y se vendían desde veinticinco mil dólares a principio de los noventas. También me acuerdo de que a la primera feria de arte de Bogotá, en 1991, llevamos unas flores sobre tela de fondo verde de Andy Warhol, por las que pedíamos ciento setenta y cinco mil dólares. Hoy pueden estar cerca de los diecisiete millones de dólares. AE No me haga hablar de Lucio Fontana, porque amé su trabajo desde el principio, pero nunca compré un corte. Adquirí piedras y su escultura más grande, todo mi comedor en Lausanne era de Fontana. Había seis Fontanas fabulosos y una escultura enorme llamada The blue leaves. Fontana no valía nada, máximo sesenta mil dólares.

LT El más caro que vendí en esa época fue por cincuenta y cinco mil dólares. AE Marisa del Re tenía una muestra en Nueva York. LT Sí, y luego ella hizo la primera exposición en espacio público de Fernando Botero en Montecarlo. En esa época, probablemente era una de los dealers más importantes en el mundo junto con Annina Nosei. AE Seguro. Yo descubrí a Basquiat antes que a Nina, en el 79, y para darle una buena historia, lo visité cuando estaba pintando en el sótano. Debe recordar que Basquiat hizo como cien pinturas en tiempo récord. Bajé a verlo antes de la exhibición, éramos buenos amigos y me dijo: “Asher, quiero que elijas las cuatro pinturas que más te gusten”, en ese entonces yo era un reconocido coleccionista y lo había presentado con Andy Warhol, como puedes ver en esa foto en el escritorio. Le dije a Jean-Michel que no le iba a comprar porque no tenía tiempo de escoger entre las cien piezas. Pero al final lo hice. Cuando elegí las cuatro pinturas, de las cuales terminé comprando solo dos, me dijo: “Si no vuelves con un gramo de cocaína antes de las cinco de la tarde voy a destruir tus pinturas”. No las destruyó. LT Usted mencionó que fue un coleccionista muy activo. ¿Esto fue en los ochenta?

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No, empecé en los sesenta hasta cuando abrí el museo, entre 1990 y 1991, luego todo cambió. Aún me considero un coleccionista activo, pero en aquellos días veía más arte, hasta que cumplí sesenta años. LT Sé que no le gusta hablar del tema, pero no puedo dejar de preguntarle por la película Wall Street, filmada por Oliver Stone en 1987. Se dice que Michael Douglas personificó su vida en el mundo financiero. Por este papel el actor se ganó el óscar y se convirtió en un filme de culto en el mundo de las finanzas y el coleccionismo de arte. AE Te voy a contar la historia de Wall Street. Oliver, quien es un viejo amigo, pero siempre un ser humano imposible, vino a mi oficina para decirme que quería ver cómo funcionaba Wall Street. Como sabes, durante ese momento tenía un negocio bastante agresivo, pero no el de insider traiding (recibir información privada del público sobre transacciones que se van a realizar para evitar pérdidas u obtener ganancias) que aparece en la película. Oliver fue un dolor de cabeza; lo eché, le dije que no quería tener nada que ver con él. Le dije que se fuera con su madre, una anciana de noventa años que sigue fumando hierba. Entonces Michael Douglas, quien también es un gran amigo, me llamó y me dijo: “Quiero ir a estudiarte y seré silencioso”. Sin embargo, como Oliver te dirá, y todo el mundo también, Gordon Gekko es una combinación de varias personas, incluido el papá de Oliver que también trabajaba en Wall Street. Pero como yo era el único con la AE

colección de arte, todo el mundo pensó que se trataba de mí. LT ¿Fue a verla al cine? AE Es una película tonta, pero entretenida. Estaba en primera fila, fue un momento muy vergonzoso. No podía esperar para salir de la sala. LT Parece que ya no se la lleva tan bien con Oliver Stone. AE Bueno, por supuesto que si nos vemos, somos amigables y nos saludamos, pero no salimos de fiesta ni compartimos. En lo que sí coincido con él es en algunas de sus posturas liberales. LT Como en el movimiento “Somos el noventa y nueve por ciento” , en el cual participó de manera activa. AE Sí participé. Escribí varios artículos y libros de economía con una ideología bastante liberal para el estándar de Wall Street. LT ¿Cree que esta protesta llegará a algún lugar? AE ¡Por supuesto que sí! Creo que ha cambiado la imagen que la gente tiene sobre los bancos. Se ha logrado que por fin la sociedad despierte y se dé cuenta de que está siendo violada por los bancos y por los gobiernos que le están dando todo su dinero a los bancos. ¿Por qué cree que finalmente se ha visto cierta reacción de los políticos con respecto a cómo se comportan los bancos? Creo que esto se trata de “Salvar Wall Street”, y no de “Ocupar Wall Street”.

La casa de Edelman es un museo. En la sala principal (izq.) hay un retrato excepcional pintado por el artista italiano Amadeo Modigliani, y una pequeña pieza del escultor americano Alexander Calder.

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ARTE INC. Con muchos quilates La inocencia de las amapolas

Foto

Archivo Pedro RuĂ­z


www.touche.com.co


ARTE INC.

Por Fotos

Laura Rojas Turbay, Bogotá Natalia Hoyos / Obras cortesía Pedro Ruíz

La inocencia de las amapolas Pedro Ruíz Todas las historias son susceptibles de ser contadas de tantas formas como ojos las vean. Aunque el artista colombiano Pedro Ruíz reconoce que lleva cada masacre y tragedia en su corazón, para él la historia de este país no está en las trilladas escenas de violencia, sino en los colores de la vida cotidiana. Es así como surge su última serie individual, Oro, una metáfora de Colombia.

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Un hombre está sentado sobre una barca suspendida en un fondo dorado, en el canto lleva una lanza y sobre la cabeza un sombrero. Un cardumen de peces rojos se acumula a su alrededor, y es casi posible ver algo de movimiento, como si los últimos peces pasaran fugazmente para unirse al bando. Con esta imagen, que por sí sola es seductora, el artista Pedro Ruiz cuenta, tal como él la ve, la historia de la tragedia del desplazamiento forzoso en Colombia. En ella está definida su habilidad como pintor y su gran sentido estético. Pedro Ruiz ha recibido varios reconocimientos a lo largo de su carrera. En 2010 le fue otorgada la Orden de las Artes y las Letras en el grado de caballero por parte de la República de Francia, condecoración que el gobierno galo se reserva para los artistas e intelectuales que con su obra han aportado al mundo del pensamiento y el arte. En 1988 recibió la Mención de Honor en el XXXII Salón Nacional de Artistas, y hace poco su obra fue invitada por la casa de subastas Christie’s para participar en una venta que logró triplicar el precio estimado inicial, esta fue una apuesta que conllevaba cierto riesgo, pues el precio con el que se comienza en las subastas es relativamente bajo; así, una buena venta podía posicionarlo en el mercado, pero una mala podía sentar un precedente indeseado. En virtud de su talento, salió airoso. Sin embargo, para conocer estos honores hace falta una búsqueda individual, ya que el artista no los menciona. Se ufana en decir que vende porque las personas se enamoran de su trabajo y no porque haga caso al mercado.

PEDRO RUIZ E86<5<ß8A˞˜˝˜?4BE78A78?4F 4EG8FL?4F?8GE4F8A8?:E47B786454??8EBCBE C4EG878?4E8Câ5?<64789E4A6<4!6BA786BE46<ßA DH88?:B5<8EAB:4?BF8E8F8EI4C4E4?BF4EG<FG4F 8<AG8?86GH4?8FDH8;4A4CBEG47B6BAFHB5E4 4?@HA7B78?C8AF4@<8AGBL8?4EG8!

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Isla Fuerte 2009 45,5 X 41 X 6,5 AcrĂ­lico sobre madera

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Blackman 2003 81 x 52 cm Oleo sobre tela

Rebaño 2011 Pintura sobre tela

La pintura es el medio con el que Pedro Ruiz se siente en casa y, como él mismo reconoce, es lo que mejor hace. Eso no quiere decir que su talento encuentre un precipicio mas allá de la pintura. Por el contrario, en su obra queda demostrado que aunque sus cuadros son los protagonistas, los artefactos alrededor de ellos completan la puesta en escena, estableciendo una atmósfera que suscita emociones en los espectadores. En ellos, también se materializan los distintos medios con los cuales ha experimentado y los momentos artísticos por los que ha pasado a lo largo de su carrera, todos ellos están presentes de alguna manera en su taller. Por ejemplo, una silla con alas hecha en madera recuerda La Biblioteca Natural, un encuentro multidisciplinario que reunía representantes del saber de distintas esferas, entre ellos, científicos, humanistas, indígenas y artistas, con el fin de equiparar conocimientos; o la fotografía de un hombre vestido de mujer con unas tijeras de podar en la mano, que es resultado de una colaboración con la diseñadora de modas

Whiteman 2003 81 x 52 cm Oleo sobre tela

PEDRO RUIZ DICE QUE ES DE LOS ARTISTAS QUE VENDEN PORQUE LAS PERSONAS SE ENAMORAN DE SU TRABAJO Y NO PORQUE HAGA CASO AL MERCADO.

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Olga Piedrahita. Alrededor de 800 personas posaron con el mismo vestido, confeccionado con una tela comprada en San Victorino; el señor de la fotografía es, además, el jardinero de Olga Piedrahita. También hay un cuadro en blanco y negro de un niño indígena con un atavío de plumas y collares sobre el pecho, el cual hace parte de la colección Fotografías; esta obra es un verdadero despliegue de habilidad para captar detalles con el pincel. El cuadro recuerda su paso por el colectivo Nadieøpina. Por iniciativa suya, y junto a artistas como Delcy Morelos y Rafael Ortiz, conformó este grupo que se define como “netamente conceptual”. La particularidad del colectivo es que no existían los trabajos individuales, lo que presentaban era el resultado de la intervención de todos sus miembros y de artistas invitados. En consecuencia, se produjo una dinámica de aprendizaje y camaradería poco común en el medio. Según el artista, Nadieøpina le enseñó a compartir su proceso creativo y significó “una prueba, porque uno tiene un sentido estético definido por el cual se ha lucido, y de pronto entra a un grupo en que [iedeb[_cfehjWWdWZ_[$BW experiencia giró alrededor de un crecimiento durante el cual el constante intercambio con sus pares le ayudó a descubrir la fuerza de su mensaje. Tomó conciencia de que no solo estaba denunciando las atrocidades que sucedían a su alrededor, sino también del impacto que tenía su constante proliferación en los medios, en el que

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La maja desnuda

La maja vestida

2011 90 X 60 cm Oleo sobre lienzo

2011 90 X 60 cm Oleo sobre lienzo

“asesinar es una oportunidad de salir en primera plana”; lo que para él no es más que una manera de prolongar el miedo. Cuando decide que es hora de dejar el colectivo, vuelve una vez más a su eterno destino que es la pintura. Sin pretensiones de relegar a un segundo plano la denuncia, lo que para él es su obligación como artista, se propone hacerlo manteniéndose fiel a su estilo. Es decir, lo haría con su característico sentido del humor, o como él dice, ÈYedY^WY^WY^}"fehgk[ finalmente eso es lo que soy”. Marguerite Yourcenar escribió alguna vez que “el catador de belleza termina por encontrarla en todas partes”, y Pedro Ruiz la encontró en el calor de la vida cotidiana. Para él, que hace una fuerte distinción entre denuncia y porno-violencia, la representación de los males que aquejan a este país no es fiel a los hechos hasta que se muestre el lado más amable, ese que encuentra en los teatros cuando el público entusiasta aplaude a pesar de la obra, o en las ciudades, en la amistad que se va desarrollando con los vendedores ambulantes que terminan por volverse familiares. Actos que “reflejan lo etéreo y sutil del carácter colombiano”. Reconoce que en esto puede haber ÈkdWb_][hW_d][dk_ZWZ"f[he se entrega a esta visión de las cosas porque piensa que en ella hay mucho que aprender.

ORO, ESPÍRITU Y NATURALEZA DE UN TERRITORIO Esta serie, compuesta por treinta cuadros pequeños,


La pintura es el medio con el que se siente en casa y, como el mismo artista reconoce, es lo que mejor hace.

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Biblioteca Natural 2000

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Arquiotectura 2011 150 × 80 cm Oleo sobre lienzo

nació a partir de otra llamada Desplazamientos. En circunstancias ideales la puesta en escena es en un recinto oscuro, donde los cuadros, enmarcados con gruesos bordes dorados y cuidadosamente iluminados, parecen estar flotando. Un homenaje silencioso al antiguo Museo del Oro y a la manera en que allí se exhiben los tesoros precolombinos. Al lado de cada cuadro hay una lupa con la que se puede observar en detalle lo que Pedro Ruiz considera “el espíritu de esta tierra”. Imágenes que para algunos son recuerdos de la cotidianidad que dejaron atrás, pero que en todo caso están en el imaginario de los colombianos. En ellas evoca familias e individuos que llevan consigo

aves, jaguares, una mujer con una frondosa falda de bambuco o el movimiento de los peces. Oro, como dice Pedro Ruíz, es su obra con más abolengo. Ha viajado a Pereira, Popayán, Santa Marta y Cartagena, en el marco del Foro Económico Mundial. También ha hecho presencia en diferentes países como España, México y recientemente Italia. Para él, es importante que esta obra tenga visibilidad, porque es su manera de dimensionar, a través de la belleza, la tragedia de miles de desplazados en este país. Pedro, quien conoce las emociones que estas imágenes despiertan en las personas, se ha tomado a pecho el compromiso de mantenerla a disposición del

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She is in fashion 2012 150 X 130 cm Acrilico sobre lienzo

público. Se ha negado a venderla, porque le parece inconcebible dividir la serie o que se mantenga en espacios en los que solo unos pocos tendrían acceso a ella. A propósito de esto, el artista dice que la primera vez que se la mostró a su hermana, quien también está vinculada al mundo del arte, ella encontró que le hacía falta un elemento contemporáneo. Ruíz estuvo de acuerdo, pero a su parecer lo contemporáneo es fWhWbeiZ[bY_hYk_je"oik_dtención era hacer una obra que estuviera al alcance de todos. Esto es el reflejo de lo que su sentido común le dicta, ajeno a cualquier inclinación política porque no se define ni zurdo ni diestro, f_[diWgk[begk[[ij}cWb[i j[d[hjWdjeodeYecfWhj_hbe$ Una de las reacciones del público que más lo impactaron fue cuando una mujer, después de haber visto el cuadro en el que aparece un grupo de ballenas jorobadas, se refirió a ellas con gran propieZWZ$BWiZ[\[dZˆWo[nWbjWXWYed tal vehemencia que él le preguntó si alguna vez las había visto, a lo

que la mujer respondió que nunca, f[hegk[WkdWiˆ[hWdikoWi$;i justo esta clase de apropiación la que Pedro Ruíz busca, en la gk[^WoWb]efWhWjeZei$9ece cuando estuvo en Santa Marta oWb]kdei_dZˆ][dWimWo’ki[ sintieron más conmovidos por la imagen del jaguar, al que asocian con gran poder, que por el cuadro que los representaba a ellos. Oro, dice Pedro Ruíz, es una c[j}\ehWl_lWZ[9ebecX_W$H[presenta su historia, su presente oik\kjkhe$FWhW„b"[bZ_iYkhie detrás de OrolWYWcX_WdZe1^eo no lo asocia solo al desplazamiento, también al caso de la minería que ve como un saqueo a la tierra. La naturaleza siempre ha tenido un lugar especial en su visión del mundo. Algo que se nota en otros trabajos, como Naturalezas vivas, en los que con surrealismo oknjWfed[bWeXhWZ[b^ecXh[ con la grandeza de lo verde.

Desplazamiento no. 151 2012 100 x 150 cm Oleo sobre lienzo

LOVE IS IN THE AIR ;bYkWhje[ij}eiYkheoZ[ manera leve suenan los acordes de las guitarras de Los Panchos.

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Tigre mariposa 2009 45,5 X 41 X 6,3 cm Acrílico sobre madera

Cuando entra la voz de Gigliola Cinquetti cantando Amapola, las luces se encienden sutilmente develando una a una las amapolas. Antes el público ha visto una serie de cuadros titulados con canciones de amor que muestran paisajes que parecen ser solo eso, paisajes. En ellos, aparecen montañas majestuosas, selvas frondosas, cultivos de amapolas y, como si fuera desde la distancia, se ven unas pequeñas avionetas que dejan una fina estela de humo; se trata, por supuesto, de imágenes que representan las fumigaciones con glifosato. Advierte que “la reflexión es sobre la naturaleza, y es sincera”, nunca deja de sorprenderlo la información drástica que recibe a partir de esta exhibición. Esta serie comenzó con Deseo, en la que pintó amapolas rojas y blancas sobre portadas de revistas. Para él, era una denuncia de un mundo que “nos incita al deseo”. Este “deseo furioso” que nos exige ser superlativos en todos los aspectos de nuestras vidas: belleza, trabajo, relaciones… Después vienen los paisajes Glifosatos. Decidió titularlos con canciones de amor conocidas porque siente que, aunque todo el mundo las canta, pocos las practican; algunos de los títulos son: I love you my way, Love is all around, Can’t buy my love. De hecho, muchas veces, los observadores se tardan dos o tres cuadros en darse cuenta de lo qué están viendo. Pedro Ruiz cree que el problema no son las flores sino lo que los hombres hacemos con ellas, y que la solución no está en su erradicación sino en el poder de la educación. En alguna oportunidad oyó decir que el efecto de estas erradicaciones hace menos daño a los cultivos que a las personas que viven en la zona. Esto se debe, según le contaron, a que los dueños de los cultivos suelen enterarse con anticipación de las fumigaciones y los rocían con miel para protegerlos. Sin embargo, los niños, que son los más vulnerables, no tienen protección, y con frecuencia llegan hasta un centro médico que demanda un viaje de muchas horas. Y no siempre logran llegar a tiempo. Pedro Ruiz considera que todas las interpretaciones son válidas, pero que su único propósito es retratar una realidad terrible desde el humor. En esencia, nos habla de la inocencia de las amapolas porque, como dice, el problema no son las flores, es lo que hacemos con ellas. Para él, la naturaleza es inocente, es el ser humano el que se hace daño a sí mismo.

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Con muchos quilates Por

Fernando Carreño

PAUL HUNTER Hunter ha pasado toda su carrera artística en búsqueda de la luminosidad. Durante más de una década ha pintado paisajes abstractos en oro y hojas de metal como lienzos para lograr ese objetivo. “Poco a poco adapté la técnica milenaria de la pintura en hoja de oro para expresar mi propia visión modernista, con la luminosidad como tema subyacente, y que está completamente definida por la experiencia de vivir en Nueva York”, dice el artista. Su trabajo ha sido exhibido en lugares como el Whitney Museum of American Art, y en Canadá, Europa, Emiratos Árabes Unidos, India, China y Japón.

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Blando, brillante, maleable, valioso. Estos artistas utilizan el oro como su medio de expresión.

Paul Hunter Olga de Amaral

OLGA DE AMARAL La bogotana es, sin temor a equivocarse, una de las representantes más importantes del arte colombiano. Las estelas, los tapices, los murales y los móviles en fibras de oro y plata son un sello de su obra, exhibida en reconocidísimos lugares como el Museo Metropolitano de Nueva York, el Instituto de Artes de Chicago y los Museos de Arte Moderno de París y Nueva York. En su trabajo se encuentran las técnicas tradicionales del tejido y una evocación a la cultura precolombina.

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Con muchos quilates

Andrea Cagnetti –Akelo– Teresa Albor Víctor Escobar

TERESA ALBOR Artista estadounidense radicada en Chicago hace tres años, tras más de una década viviendo y trabajando en Londres y Europa del Este. Sus exposiciones y proyectos incluyen el Centro Cultural de Chicago; una exposición colectiva en el Museo Soane, en Londres; una gran instalación en el Centro Americano de Nueva Delhi, y la Trienal de Lodz, en Polonia. Dedica parte importante de su tiempo a experimentar con oro sobre lienzo y laminillas en paneles de madera y estructuras de yeso.

ANDREA 64:A8GG<˧4>8?B˧ Su obra es una evocación del mundo clásico. Oriundo de Corchiano, en la provincia de Viterbo, este artista italiano absorbió la atmósfera de esta villa levantada sobre ruinas etruscas, con un pasado legendario y rico en manifestaciones artísticas. Akelo, como se hace llamar, trabaja el oro para sus joyas y esculturas con un cuidado especial por su color y textura. Prefiere la técnica de la granulación, para generar esferas en la soldadura. Usa mixturas con cobre y plata para crear matices más pálidos o rojizos. Sus obras hacen parte de colecciones permanentes en diversos museos de los Estados Unidos.

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VÍCTOR ESCOBAR Seducido por los fenómenos sociales de los colombianos, Escobar ha puesto especial atención a la estética propia del narcotráfico. En su muestra Tráquira (Traqueto y Ráquira) une elementos de barro con diamantes, como metáfora del ascenso social que buscan los narcos. El oro como elemento alusivo al lujo, es reiterativo en sus reflexiones sobre los excesos… Estudió en la Academia Estatal de Bellas Artes de Surikof en Moscú, Rusia, y ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Inglaterra, Suiza, y Bogotá.


DI SEÑO Los secretos que guarda ‘El Baúl’ Diseño natural

Foto

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Fotos

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FXkbebUbflXþ„Tf Una antología de cuentos cortos escrita por once autores franceses componen el primer proyecto literario de Louis Vuitton. Presentamos un fragmento de El robo de la Mona Lisa, escrito por Patrick Eudeline.

Gaston-Louis Vuitton guardaba con dedicación recortes de prensa y fotos que documentaban hechos trascendentales de la historia, en especial aquellos relacionados con robos, sexo, espías, trenes, hoteles lujosos y, por supuesto, baúles.

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Gaston-Louis Vuitton, el nieto de Louis, y fundador de la legendaria marca francesa, tenía una pasión: solía investigar la prensa internacional en busca de artículos sobre el objeto que abarcó todas las fantasías de su época: el baúl. Gaston, quien tomó las riendas de la marca en 1936, guardaba con dedicación recortes de prensa y fotos que documentaban hechos trascendentales de la historia, en especial aquellos relacionados con robos, sexo, espías, trenes, hoteles lujosos y, por supuesto, baúles. Los archivaba por temas y fechas en valiosos cofres que fueron abiertos hace poco a un grupo de once autores franceses, cuyos intereses literarios van desde los viajes hasta el crimen, la magia o los inventos. Uno por uno, estos escritores fueron a tomar el té en la casa familiar Vuitton en Asnières, y allí se les reveló el secreto del baúl, que incluía descubrimientos sobre el mago Houdini, el cruce del Atlántico por Charles Lindbergh y el robo de la Mona Lisa del Museo del Louvre de París. Sobre este último tema, reproducimos un fragmento del cuento escrito por Patrick Eudeline, quien se sumergió en su colección de libros raros y extraños para escribir esta historia.

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“El extraño relato del robo de la Mona Lisa” Sophie Lisa Lunes, 21 de agosto de 1911

El escritor Patrick Eudeline, uno de los once elegidos de Louis Vuitton para contar historias secretas.

Pareciera como si todas las mujerzuelas, fulanas, cortesanas y casquivanas de París se hubieran reunido en el cuarto trasero de Ruc. Un pianista vestido con un frac barato color ciruela golpeaba las teclas al son de valses baratos. Un repertorio completo recibió este tratamiento de salón de baile. “Tonkinoise,” “Mattchiche,” y “La Valse Brune,” un poco de Mayol, Fragson, Ouvrard, y Dranem, y en medio de todo esto la pequeña canción pegadiza de Yves Beraud, “Toi Ma Jaconde:” “Mi Mona Lisa Me persigues Lisa eterna Profunda como el mar…” Una procesión de mujeres pasaba por el improvisado escenario (para ser sinceros, no habían hecho más que correr un poco las mesas hacia atrás). Solo morenas, cabe anotar. Con el corsé apretado, una apariencia levemente medieval debido a sus escotes cuadrados y el cabello recogido. Cada una de ellas con el busto levantado, de acuerdo con la moda. Gruesas, delgadas, gordas o anémicas se empujaban y cotorreaban en la fila, mientras un mesero, reclutado para vigilarlas, intentaba infructuosamente mantenerlas calmadas, mientras que lentamente se presentaban ante el jurado. Todas ellas maquilladas, tanto como se lo permitieran sus escasos recursos, como falsas Mona Lisas. Sentado tras una mesa repleta de papeles, Louis Beroud bostezaba. Solo una cosa era cierta, todas se veían – ¿cómo ponerlo? Sí – ridículas. No había otra forma de decirlo. Él hacía parte del jurado para el evento. Estaba atrapado entre el dueño del establecimiento, un escritorzuelo de medio tiempo y de enrojecidas mejillas conocido como H.E.C. (su nombre real, Henri Edouard Connaud, realmente no sonaba tan bien), quien haría cualquier cosa por ser reconocido, y un anciano miembro de alguna academia u otra (nadie sabía cuál) que hacía rato se había quedado dormido. Era cierto que Louis Beroud no ganaba nada con esto, un poco de vanagloria, pero nada más. Él, que soñaba con una exposición de arte en el Salón de Independientes, con la fama y el reconocimiento, era generalmente considerado como un artista terriblemente académico, por las pocas personas que lo conocían. Un Bouguereau, eso era todo, alguien de quien todos se burlaban, porque su trabajo, su especialidad, era hacer copias. Y en particular, copias de la Mona Lisa. Las vendía a los turistas, a algunos coleccionistas, e incluso al Louvre. Con este dinero pagaba su tabaco y su café, no con lo que conseguía de las pocas piezas que sin éxito intentaba exponer cada temporada. Decididamente desde Cézanne no había logrado nada, ahora la fama era para Braque y su amigo Picasso – fauvistas, cubistas, puntillistas, cloisonistas, artistas abstractos, los conocidos como Les Hydropathes. ¡Decadente! Pero no solo eso - ¡ricachones presumidos, impostores, maquinadores! Reyes del negocio y la venta, pero no pintores. Esa era su opinión. La afortunada ganadora obtendría una cena gratis y el inmenso privilegio de posar para él. Cada vez se organizaban más y más concursos de Mona Lisa. La dama se estaba convirtiendo en una obsesión. Según algunos, la imagen perfecta de la belleza ambigua. Las personas hablaban de la sonrisa de la Mona Lisa como otros solían hablar de los pastores griegos y el mito de la androginia. La gente solo pensaba en ella.

Sobre el robo de la Mona Lisa, Le Petit Parisien publicó el $%UVSX`þ` de 1911 la siguiente noticia:

La Mona Lisa fue robada del Louvre el 21 de junio de 1911. El mozo de un café declaró que sabía gk_„dbWj[dˆW$7Ôhc haberla visto escondida en una maleta en la casa de un conocido rico que estaba enamorado con locura de la Mona Lisa. Le ofreció al jefe del departamento de investigación criminal devolver la pintura a cambio de 200.000 francos. Luego se descubrió que el ladrón había sido el italiano Vincenzo Peruggia, un vidriero que ayudaba a enmarcar las principales obras del Louvre y que escondió la pintura debajo de su cama durante dos años.

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La Gioconda, o la Mona Lisa, pintada por Leonardo Da Vinci fue devuelta a la Escuela de Bellas Artes de París en 1914

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Existía una Señorita Mona Lisa para cada gusto. Incluso se presentaban en las ferias, colocadas entre la hotentote femenina y la mujer barbada. Solo existía un problema, él ya no quería ver una Mona Lisa más. En las noches soñaba con ella. Era el copista oficial del Louvre, había pasado días, años, sentado en la Gran Galería frente a aquella siniestra pintura. Había reproducido, firmado y entregado decenas de Mona Lisas. Sí, firmado. Su último trabajo mostraba una mujer arreglándose el cabello en el reflejo de la vitrina de vidrio que ahora protegía la Mona Lisa –la famosa vitrina que dos años atrás había causado tanto furor. Estaba bien proteger a la Mona Lisa con una vitrina de vidrio, con el fin de evitar actos de vandalismo a futuro, pero había sido una decisión controvertida; y bien fundamentada por demás, ya no se podía ver nada debido al reflejo. Beroud era uno de los pocos que estaban complacidos con la medida, ¡ya no tenía que ver la maldita Mona Lisa! Su mirada ya no lo perseguiría. Ahora veía el reflejo de lo que sucedía en el Louvre, la gente, la vida que pasaba frente a él. Después de todo, eso era mucho más emocionante. Pero tal era su destino, que aun cuando quería pintar a una transeúnte cualquiera, como era el caso de su más reciente obra, tenía que incluir a la Mona Lisa en alguna parte. Así era su destino. ¿Una transeúnte cualquiera? No, Sophie. Tan rubia como la Mona Lisa era morena, tan delgada y delicada como las seudo Mona Lisas eran regordetas. Sophie, quien merecía ser estrella en Peleas y Melisande, Sophie, una bailarina como Isadora. Sophie, quien era demasiado joven para él, a quien amaba demasiado, y quien, una vez más no le perdonaba perder el tiempo con la mujer florentina. Sí, una vez más Sophie arremetería en contra de esta condenada pintura, aquella que mantenía a su hombre alejado de ella; pero lo más divertido era que Beroud ya tampoco se aguantaba a la maldita Mona Lisa. No, él no era pintor, simplemente un copista oficial de la endemoniada Mona Lisa. Así se veía a sí mismo en sus momentos de flaqueza. Ya podía escuchar a Sophie hablar. “¿Eso es una mujer? No, una muchacha robusta tal vez. ¡Espera, ni siquiera, es un hombre! ¡Un mozo del mercado! A propósito, existen los rumores, los conozco. Pero pensar que ¿te gustan así? ¿Peludas como un húngaro? Se debe colocar todo tipo de ungüentos y cremas. Se ve bien, sentada frente a ese telón de fondo. Pensar que pasas tu vida entera con esa cosa. ¡Y esa sonrisa de la que todos hablan! ¿Qué hay con esa sonrisa, me lo puedes explicar? Mantiene la boca cerrada porque sus dientes son horribles. Es obvio, no puede ser otra cosa”. Sophie hablaba de la Mona Lisa como si fuera una persona viva, como si fuera su rival. Como si fuera la bella Otero, o Cleo, ¿por qué no? Como una hetaira, o la Nana de Zola, una prostituta. No, Sophie no la aguantaba, aunque ella era tan delgada como un riel, como la misma Pougy. ¡Bien! El desfile terminaba. El académico había despertado y con una risita obscena había votado por una de las mujeres más repuestas. Beroud había evitado mirar muy de cerca. Tenso, como si Sophie lo estuviera mirando desde la distancia. La iba a perder, era obvio, y era en lo único que podía pensar. Mañana tendría que vengarse. Con la Mona Lisa y la infortunada mujer, de un solo plumazo…

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EL DISEÑO ES UNO

Por

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* Consultora de arte decorativo. Su galería de Nueva York es punto obligado de artistas y coleccionistas. cristina@cristinagrajalesinc.com

Diseño Natural

Por estos días, hace un año, Lin Lougheed, manager de la Fundación Fairchild Gardens en Coral Gables, Florida, vino a visitarme a mi oficina para decirme que querían iniciar un nuevo programa llamado Design at Fairchild. Me comentó que nuestra galería había sido escogida para hacer la instalación de la inauguración. Nosotros quedamos absolutamente fascinados con la propuesta. Durante los últimos años, la Fairchild Gardens ha presentado prestigiosos programas de arte que se inauguran siempre en diciembre, en el marco de la feria Art Basel Miami. Desde 2005, el Gardens ha sido transformado en una galería de arte con exhibiciones de artistas como Dale Chihuly, Fernando Botero, Roy Lichtenstein, Mark di Suvero, Yayoi Kusama, Francois-Xavier, Claude Lalanne y Will Ryman. La idea de crear este nuevo programa en la Fairchild era establecer un diálogo entre el arte y el diseño de una manera novedosa y hermosa. Llamamos a nuestra exhibición “Sentándose naturalmente”. Le pedí a siete de los artistas que represento que diseñaran dos bancas, completando catorce piezas, que se ubicaron en los jardines de la Farichild, en total armonía con la naturaleza. La exhibición se abrió el pasado 1 de diciembre y va hasta el 31 de mayo próximo. Durante este tiempo, la muestra ha recibido muy buenos comentarios del

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público y la crítica especializada. Ha sido tan exitosa la exhibición que hace poco me ofrecieron ser la curadora de las siguientes exposiciones de diseño de la Fundación. Inspirados por la belleza de los jardines de la Fairchild, decidimos presentar, durante la feria Miami Design, una exposición que no se había hecho antes en este evento, la cual consistía en una propuesta de mobiliario exterior dentro de un área de exhibición interior. Estábamos muy emocionados con lo presentado en la Fairchild, por lo que quisimos incorporar parte de esta exhibición dentro de nuestra propuesta. Para este propósito, enviamos imágenes de los jardines de la Fairchild al diseñador Jorge Lizarazo, de Hechizoo, para que recreara la magia de la naturaleza de este lugar. Creíamos que la mejor manera de interpretar esta atmósfera era a través de los textiles. Le enviamos a Jorge una foto que tomamos de unas flores de Jacaranda cayendo sobre el pasto, así como de varias palmeras. El equipo de Hechizoo creó dos piezas que hizo que todos los espectadores se detuvieran frente a nuestro stand. La primera pieza fue una manta que llamamos Fairchild y, la segunda, una hermosa pieza colgante que llamamos Las Palmas. Fue un gran honor haber iniciado nuestra colaboración para la Fairchild Gardens, y estamos muy ansiosos de volver este diciembre a exponer en estos inigualables jardines.


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CHRISTOPHE CÔME ?dÔd_j_8[dY^ Design at Fairchild: Sitting Naturally Wood and iron, 2012

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SAM BARON La Georgette Bench Wood, metal and ceramic, 2012

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GAEL APPLER Salt Point Bench Honduran Mahogany, 2007

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HECHIZOO Las Palmas Gold-plated silver, bronze, glass and agave, 2012

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SEBASTIAN ERRAZURIZ Dawn Before Time Bench Wood, iron and crystal, 2012

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LUGARES 5cfTVc`dUVc‚` 7]^ScV_f_S^VdS

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Chang Hwa / YS_X^S_Z eZþ`cj T`^


LUGARES

Estilo a flote Por

Una selección de algunos de los mejores cruceros de río.

Fernando Carreño

AVALON “Hemos tomado todo lo especial de los cruceros de río y lo hicimos aún mejor. La vista se vuelve épica. Los espacios se convierten en un atractivo. Comer se vuelve algo personalizado. Los itinerarios se hacen legendarios”. Su lema se hace realidad con los camarotes más amplios para un crucero de río en Europa, productos L’Occitane,

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colchones ortopédicos y sábanas de algodón egipcio. Los cruceros de Avalon navegan por los ríos europeos más importantes; por el Yangtse y el Mekong, en Asia; y por el Nilo, en Egipto. www.avalonwaterways.com


Avalon Ama Waterways Viking

AMA WATERWAYS Esta línea de cruceros de río cuenta con 15 buques en Europa, Rusia, Vietnam, Camboya y África. Enfocada en una propuesta de lujo y exclusividad, Ama navega por el Danubio, el Rin, el Mosela, el Meno, el Volga y hasta el Mekong, y ofrece servicios de spa, entretenimiento de primer nivel y una sensación única de tranquilidad y confort. www.amawaterways.com

VIKING Una atención personalizada en cada detalle. Viking se enorgullece de ofrecer una clase con un maestro de taichí mientras se navega por el Yangtze, un concierge que conoce los mejores cafés de Viena, o un bartender disponible en cualquier momento para un buen coctel. Galardonada por Condé Nast, Travel + Leisure y National Geographic, Viking presta sus servicios en los principales ríos de Europa y Rusia, en el Yangtze, el Mekong y el Nilo. www.vikingrivercruises.com

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Andrés Felipe Solano, Seúl 5YS_X:hS!KS_X^S_Z þ`cj T`^

El mar en una mesa Mercado de Noryangjin El corazón de la comida coreana se encuentra en el mar. La exótica variedad de especies marinas de la región es la materia prima de una cocina tan exquisita como exuberante. Recorrido por la enorme despensa de pescado de Seúl.

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La noche fue larga. La idea era celebrar el final del rodaje de una película que estaban filmando unos amigos. Nos citamos con ellos en los alrededores de la Universidad de Hongkik, uno de los distritos con más afluencia de gente en Seúl, una ciudad de once millones de habitantes. Comimos en un restaurante de carne a la brasa al estilo coreano. Ahí empezamos con las primeras botellas de soju, el aguardiente local. Luego fuimos a otro lugar, esta vez un restaurante de pollo frito. Beber sin comer en Corea es un acto barbárico. La celebración siguió hasta las cinco de la mañana en uno de los clubes cercanos. Cuando estaba amaneciendo alguien tuvo una idea: desayunar en Noryangjin. En Corea solo los muy jóvenes desayunan con cereal o huevos revueltos. Aquí una sabrosa sopa o un pescado con arroz blanco son la mejor manera de comenzar el día. La proposición fue recibida con júbilo. Así nos encaminamos al mercado de pescado más grande de Seúl, que fue abierto al público por primera

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vez en 1927, y funciona en el sitio a donde nos dirigimos desde 1971. Noryangjin está abierto las 24 horas, todos los días del año. Siempre hay una actividad frenética. Para los coreanos es muy importante que los alimentos que vayan a consumir estén frescos, por eso no es raro encontrarse en las autopistas carrotanques que transportan peces, mariscos y moluscos vivos, recogidos en todos los puertos de Corea con destino al mercado de pescado de la capital. Seúl es quizás uno de los lugares del mundo con más restaurantes por kilómetro cuadrado. Muchos de ellos sirven delicias marinas traídas de toda la península y las decenas de islas que la rodean. Para abastecerse, los encargados de surtir a los restaurantes van en la noche y madrugada a las subastas de Noryangjin. La adrenalina fluye entre los asistentes. Todos quieren el mejor lote al precio más bajo. No es raro verlos hacer señas extrañas o pelear a los gritos para quedarse con una grandiosa pieza. A la una de la mañana empieza la subasta de ostras, media hora más tarde en otro punto empieza la pelea por el pescado fresco y a eso de las tres se abre la contienda por los productos vivos. Todos los restaurantes que ofrecen productos de mar tienen estanques donde los clientes, si así lo desean, pueden escoger lo que se quieren comer después de señalarlo con el índice.

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El mercado de pescado más grande de Seúl fue abierto al f’Xb_YeÀfeh primera vez en 1927.


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PARA ABASTECERSE, LOS ENCARGADOS DE SURTIR A LOS RESTAURANTES VAN EN LA NOCHE Y MADRUGADA A LAS SUBASTAS DE NORYANGJIN. TODOS QUIEREN EL MEJOR LOTE AL PRECIO MÁS BAJO.

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No es raro ver a los clientes o vendedores del mercado hacer señas extrañas o pelear a los gritos para quedarse con un lote de pescado.

INVIERNO, PRIMAVERA, VERANO, OTOÑO Dos líneas de metro llegan hasta el lugar, muy cerca del gran río Han, que divide la ciudad en dos. Desde la estación hasta la puerta principal hay que caminar unos quinientos metros. El olor a mar se siente desde mucho antes de entrar. Poner un pie en Noryangjin puede ser desconcertante. Podría ser el acuario más grande del mundo: setecientos treinta locales ofrecen todas las maravillas que viven en el mar. Se consiguen desde los pescados más modestos y económicos, como las sardinas y los bacalaos, pasando por joyas como atunes enteros, cangrejos del tamaño de un gato, centollas, calamares, langostinos enormes, camarones tigre y una multitud de seres extraños, algunos curiosos, otros simplemente monstruosos. En las mesas coreanas se viven las cuatro estaciones con intensidad. Cada una ofrece determinados productos marinos. En el invierno se consiguen lizas, caballa, pez globo, ciertos pulpos que estirados pueden medir lo mismo que un hombre adulto, y king crabs. La primavera es la época de los langostinos, los lenguados y los pargos. El intenso calor del verano es perfecto para comer anguilas a la parrilla, lubina, mero y orejas de mar. Cuando llega el otoño los calamares y los pulpitos baby son los preferidos junto a las rayas. Por supuesto, también se encuentran un millar de productos procesados, deshidratados, fermentados, secados, ahumados y una sección especial para adquirir lo que todo pescado necesita para llegar a la mesa como se debe: un magnífico cuchillo forjado al calor de una hoguera.

LA PESCA Nos disponemos a escoger nuestro desayuno. Vamos de local en local embrujados por los tamaños y las formas de los peces hasta que uno de nosotros -el director de la película- se decide. Regatea con la vendedora por unos minutos hasta que finalmente cierran el trato. La mujer, vestida con guantes y un largo delantal de plástico grueso, va hacia uno de sus estanques y se vale de una malla para sacar sin titubeos dos peces del tamaño de un antebrazo. Después los pasa a quien parece ser su marido. El hombre trabaja con ellos sobre una tabla de madera gastada por largos años de uso. Los destripa y los lava al detalle con una manguera. Después quita la cabeza, la cola, las espinas y saca un par de filetes. La mujer separa huesos y filetes y nos los entrega en bolsas diferentes. Pagamos veinte mil wones (U$20) y nos vamos. La idea es llevar nuestro producto a uno de los restaurantes del lugar para que preparen una bandeja de Hwae y una suculenta sopa picante de pescado, perfecta para amortiguar los tragos de la noche. Antes de ir al restaurante uno de nosotros se antoja de langostinos. Compra dos docenas por otros 25 mil wones. Es hora de comer. El sashimi es común en Japón. El pescado crudo, cortado en finas lonjas del tamaño de un bocado es uno de los platos preferidos

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Noryangjin podría ser el acuario más grande del mundo: setecientos treinta locales ofrecen todas las maravillas que viven en el mar.

de los oficinistas. En Corea se le conoce como Hwae. A la hora de consumirlo la diferencia es simple pero definitiva. Mientras que en la isla vecina el pescado vivo se arregla y va a una nevera por unos días, en la península se abre camino directamente a la mesa, lo que significa que en la boca la carne se siente más sólida, mientras que a la manera japonesa es mucho más blanda. En el restaurante nos reciben las bolsas y nos preguntan por el método de cocción. El pescado lo comeremos crudo pero también se puede pedir al carbón o estofado. Los huesos son para nuestra sopa reponedora y los langostinos a la plancha como entrada. En la mesa de al lado un par de turistas alemanes han pedido San Nakji, que no es otra cosa que pulpitos baby. Después de ser troceados, los pequeños tentáculos se retuercen un poco sobre el plato. Antes de ir a la boca se sumergen en sal y aceite de ajonjolí. A los diez minutos llega nuestra orden. Las bandejas con el Hwae en tiras blancas y las salsas de ají picante y soja con wasabi. Una montaña de langostinos y la sopa, que se terminará de hacer en la mesa, sobre una pequeña estufa a gas. Todo servido con una multitud de platos de acompañamiento y cuencos humeantes de arroz. Es, sin duda, la mejor manera de terminar una gran celebración al estilo coreano.

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PLACERES La fuente del vino Empapados por la mejor ‘Juvia’

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Kaveh Kazemi


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Catalina Gómez Ángel, Líbano Kaveh Kazemi

La fuente del vino Una tradición oculta El vino del Líbano es un arte con una tradición de más de 5000 años. Según la Biblia, fue en estas tierras donde Jesucristo transformó el agua en vino. Recorrido por el Valle de la Beka, región donde se produce la bebida más apetecida de Oriente.

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La mesa de madera rústica que atraviesa uno de los salones del ecléctico y sofisticado restaurante Tawlet se ha ido llenando con garrafas de vino rosado identificadas tan solo con un número. “Este que vamos a probar es el seis. Recuerden apuntar la calificación y escribir sus impresiones”, dice Michael Karam, quien lidera este experimento sin precedentes en la historia del vino Libanés. Por primera vez, los responsables de las principales bodegas de este pequeño país del Levante se sientan en la misma mesa para dejar que la competencia califique sus caldos. En esta ocasión se trata de los rosé, los cuales tienen grandes adeptos en el Líbano y el mundo. “Hace poco hubiera sido imposible hacer esto, nadie habría dejado que su vino fuera valorado en público por la competencia. Esto significa que ahora están orgullosos de su producto”, explica Karam. Habíamos quedado para almorzar después en Tawlet, un experimento gastronómico que haría sentir envidioso a cualquiera. El concepto de este lugar consiste en invitar a cocineras del país para que preparen los platos tradicionales de su región con productos orgánicos, al tiempo que se promueven los diferentes licores que identifican al Líbano. “La idea es hacer un homenaje a la

gastronomía libanesa. Y los vinos hacen parte de ella”, explica Christiane Codsi, una de las creadoras de Tawlet, quien asegura que el status del vino libanés ha cambiado dentro de los consumidores locales en los últimos cinco años. “Los libaneses aprecian su vino ahora mucho más que antes, pero todavía hay problemas con la distribución y publicidad de algunas de las bodegas”, señala Codsi, quien ha impulsado una campaña de promoción de los vinos locales a través de un proyecto conocido como “Vinos del Líbano”, la cual puso en marcha junto con el creador de Tawlet, Kamel Mouzawak, y Michael Karam, considerado uno de los expertos de la bebida en este país. Karam, nacido en Londres y de padres libaneses, trabajó por años como periodista económico, pero su descubrimiento de los vinos libaneses lo llevó a cambiar de interés hasta convertirse en el impulsor de estos caldos tanto dentro como fuera del país. Este esfuerzo terminó con la publicación de la guía de los vinos de Líbano, hace diez años. Hoy está terminando su segunda versión. “El panorama ha cambiado en los últimos años”, asegura Karam. Los estándares se han elevado y todo alrededor de este negocio se ha profesionalizado. Hoy los vinos

libaneses, cuya historia es tan antigua como el mismo vino, se encuentran en los catálogos de todas las tiendas que se precien de tener los caldos más variados y especiales del mundo. Y la campaña que promueve a los vinos libaneses en Inglaterra, llamada “La esencia del Líbano, nuestro territorio”, fue la ganadora de los premios internacionales del reto del vino, otorgados en Londres en 2012.

UN SORBO DE HISTORIA El hecho de que los vinos libaneses apenas empiecen a conocerse en el extranjero no significa que esta tradición sea nueva en el país. La relación de estas tierras con la vid es histórica. La población de Cana, donde según la Biblia Jesucristo convirtió el agua en vino, está ubicada al sur del país. Los romanos construyeron en esta región el gran templo de Baco, una imponente estructura desde donde se puede apreciar la ciudad de Balbek, una de las joyas del Valle de la Beka adornada con mezquitas color turquesa. Los fenicios, pobladores por siglos de estas tierras, son conocidos como los primeros exportadores de vino. Dice la historia que los primeros viñedos en llegar al Líbano provenían del Cáucaso, lugar donde se cree está el origen de esta bebida, hace más de 5000 años.

DURANTE LA GUERRA QUE AZOTÓ A LÍBANO8AGE8˝˥ˣˡL˝˥˥˜FB?B ;45Û4 6<A6B 5B78:4F DH8 F8 ?4F <A:8A<454A C4E4 6E868E FHF I<ɩ87BF 8A@87<B78G8EE<GBE<BF7BA78F<E<BF<FE48?<G4FL7<98E8AG8F9466<BA8F ?<54A8F4FC8?8454ACBE8?6BAGEB?78?C4ÛF!

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Después de producidos, los caldos eran transportados en tinajas desde el Líbano hasta el antiguo Egipto y otras zonas del Mediterráneo. Desde entonces mucho ha pasado en esta región, incluido el dominio del Imperio Otomano que prohibió la producción de alcohol durante varios siglos. Solo los cristianos podían tomar bebidas alcohólicas, y fue en los conventos y monasterios donde se conservó la tradición de hacer vino. A pesar de esta larga historia, la industria del vino en Líbano se remonta tan solo a varias décadas atrás. Durante las guerras que padeció el país entre 1975 y 1990, había cinco bodegas que se las ingeniaban para crecer sus viñedos en medio de territorios en disputa por sirios, israelitas y diferentes facciones libanesas en la que conviven 18 confesiones. Quizás por esa razón Chateau Musar, la bodega libanesa más conocida en el extranjero, fue muy bien recibida en Europa cuando inició sus exportaciones en la década de los ochenta. De inmediato, los productos de esta bodega llamaron la atención de los amantes del vino europeo, pues era promocionado en aquel entonces como una bebida producida en medio de la guerra. Y lo era. Bajo estas mismas circunstancias también eran producidos los vinos de bodegas como Kefraya y Ksara, que pasa-

rían a convertirse en líderes de un mercado que explotó cuando terminó la guerra. Todas estas bodegas se habían creado en medio del conflicto. Pero lo interesante fue que después de que se restauró la paz en 1990, la producción de vino se disparó y se empezaron a crear diversas bodegas hasta completar 41 en la actualidad. La velocidad con la que creció el negocio, según explican los expertos, se debe a que muchos de estos nuevos empresarios ya producían entonces el famoso Arak libanés, el cual también se extrae de la vid y ha acompañado desde siempre a la gastronomía libanesa. Aquí se asegura que un buen kibbeh Nayeh (carne con sémola cruda), un tabuleh y babaganoush, solo por nombrar algunos platos típicos de la mesa libanesa, tienen que estar acompañados por un vaso de este aguardiente destilado de las uvas que crecen en el país. El vino, dicen aquellos expertos en la gastronomía local, se deja para acompañar otras comidas como la francesa, tan asentada en la cultura local.

Después de que se restauró la paz en el Líbano en 1990 la producción de vino se disparó y se empezaron a crear diversas bodegas, hasta completar 41 en la actualidad.

DE BODEGA EN BODEGA Este fue el caso de los vinos Wardy, una de las bodegas que visitamos durante el recorrido por el valle de la Beka, donde están ubicados la mayoría de viñedos del país. “Esta bodega lleva más de 100

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LOS VINOS DE LA BODEGA AYDAR PROVIENEN DE LOS VIɩEDOS QUE SE SIEMBRAN EN OCHO DE LOS MONASTERIOS DEL PAÍS. SU PRODUCCIÓN ES VIGILADA POR LOS MONJES MARONITAS.

años produciendo arak. Tal vez es la más antigua de todas”, asegura Aziz Wardy, quien hace parte de la segunda generación de bodegueros, muchos de ellos reconocidos enólogos que están transformando el panorama del vino en el país. Varios han estudiado en Francia y saben con mayor precisión lo que quieren de sus vinos, como es el caso de Aziz, quien nos recibe en un centenario palacete en la ciudad de Zahle, la capital cristiana del Valle de la Beka. Aziz cuenta que su padre pensó en expandir el negocio familiar en 1981, en plena guerra, cuando sembró cepas traídas de Francia. Los Aziz complementaron sus cultivos locales con Cinsault, Syrah, Merlot, Cabernet Sauvignon y Grenache, entre otras cepas. “El riesgo económico de producir vinos en Líbano es más alto que en muchos otros países”, explica Aziz, mientras asegura que siempre está la posibilidad de que estalle un nuevo conflicto. “Los vinos libaneses son muy exóticos porque son difíciles de hacer. Acá es fácil sembrar las uvas porque en ese sentido ninguna comunidad religiosa se opone. Todos convivimos. Pero siempre está el factor político de por medio”, explica Aziz, quien asegura que este negocio es de largo tiempo. “Cuando se siembra, solo se empiezan a ver los beneficios una década después. Por eso el que hace vinos en Líbano lo hace por pasión”. Pero las dificultades no se limitan a la seguridad, según afirma Said Tome, que al igual que Aziz ha tomado el mando de la bodega creada por su padre, St. Thome. Líbano es un país pequeño y el valor de la tierra es muy alto. Esto hace que la producción de la mayoría de las bodegas sea pequeña y que el costo de la botella sea alto. “Todos quisiéramos que fuera más económico, pero es imposible”, cuenta Said, y precisa que el promedio de una botella de vino de “entry level ” está alrededor de diez dólares. Esto no solo hace que beber vino en el país, especialmente en un restaurante libanés, todavía sea costoso, sino que dificulta su exportación pues el precio final en el extranjero es alto comparado con otros caldos equivalentes provenientes de Australia, Nueva Zelanda o Argentina. Aunque lo interesante, dice Said, es que a pesar del precio los vinos libaneses empiezan a ser buscados por sus características especiales. “Cuando se bebe un

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vino tinto libanés siempre se encuentran frutos rojos, especias y un volumen de alcohol alto debido al fuerte sol que tenemos durante casi todo el año”. Said está feliz, en 2012 presentó el primer Pinot Noir del Líbano, el cual ha recibido buenas críticas. “Cada vez nos diversificamos más y hay más variedad de opciones en el mercado”, cuenta Said, quien asegura que llegar a este Pinot Noir les llevó varios años pues tuvieron que plantar la vid en diferentes terrenos hasta encontrar el adecuado. Uno de los aspectos que destacan los expertos como Karam es que la producción del vino en Líbano se ha expandido en todos los campos. Hay más variedad de productos debido a la expansión de los vinos blancos y rosé. La producción ha salido del Valle de la Beka y se ha expandido a otros lugares del país, e incluso algunas casas de vino han decidido apostar por el concepto de vinos Gourmet. Es el caso de la bodega Domaine des Tourrelles, catalogada el año pasado por el Financial Times de Londres como la casa de vinos más “seductora” del Líbano. Las razones para haber merecido este reconocimiento son varias. Para empezar es la bodega más antigua del país. Sus orígenes se remontan a 1860 cuando el francés Francoise Eugene Brun llegó a estas tierras a construir la carretera entre Beirut y Damasco, la capital de Siria. Pocos años después se dio cuenta de que los viñedos que crecían en los campos podían dar buen vino y empezó una producción que lo hizo ganador de varios premios internacionales. De estos tiempos gloriosos queda como testimonio un antiguo palacete rodeado de viñedos

que hoy alberga las bodegas donde se conservan los caldos producidos por dos familias cercanas a los Brun. “Tratamos de guardar todas las tradiciones de aquel entonces. Incluso el enólogo, mi hermano Faouzi, estudió en la misma escuela que lo había hecho Brun en su momento”, cuenta Christiane Issa, encargada de las relaciones públicas de la bodega, quien asegura con orgullo que la joya de la casa, el Marques des Beys 2007, ganó el galardón en la competencia internacional de vinos, IWSC, en 2011. Si algo caracteriza a los vinos libaneses de hoy es que muchos de ellos llevan pegados etiquetas que los identifican como ganadores de premios alrededor del mundo. “Creo que el mercado seguirá creciendo y mejorando porque cada vez hay más gente enamorada de este negocio”, asegura Karam, quien durante aquel almuerzo estuvo calificando los tintos de la bodega Aydar, los cuales tienen una de las historias más interesantes del Líbano, pues provienen de los viñedos que se siembran en ocho de los monasterios alrededor del país y su producción sigue siendo vigilada por los monjes maronitas. Por eso en Líbano el vino es más que vino. Cada sorbo está cargado de historia, y solo por esa razón vale la pena probarlos.

“Los libaneses aprecian su vino ahora mucho más que antes, pero todavía hay problemas en la distribución y publicidad de algunas de las bodegas”, Christiane Codsi, entusiasta del vino libanés.

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Manuela Fonseca, Miami Beach, FL 5`ceVd‚S<fgZSDVþSfcS_eV

Empapados por la mejor ‘Juvia’ Juvia, más que un restaurante, parece el mejor de sus platillos. Ubicado en el penthouse de la emblemática pieza arquitectónica 1111 Lincoln Road, en South Beach, es un lugar simplemente mágico que brinda una perspectiva distinta de la ciudad y de los colores de la tarde entre gente sin prisa. Es una construcción arriesgada y diferente diseñada por la reconocida firma Herzog & Meuron que, una vez abiertas las puertas del ascensor que lleva directamente al restaurante, un jardín vertical del lado izquierdo invita a entrar al canvas de un bello paisaje. El equipo de Juvia apostó por lo mejor y en una comisión arreglada entre Juvia y uno de los mejores botánicos del mundo, Patrick Blanc, se hizo posible esta instalación que la conforman miles de especies de plantas. Arregladas de una manera artística previamente estudiada, esta pieza de arte viva, es una experiencia diferente para aquellos que saben apreciarla. Una vez más adentrado en el espacio, la presencia de sus propietarios es una apuesta ganada. El siempre atento Jonás Millán, de origen venezolano, ya es todo un icono en lo que a proyectos de tal magnitud respecta. Junto a su esposa Alexandra, han viajado alrededor del mundo absorbiendo ideas e inspirándose para dar a luz lugares como Juvia y Bonito, otra joya culinaria en la isla de St. Barths. Las mesas están arregladas dentro y fuera del penthouse para

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darle opción a los clientes de elegir lo que más quieran con respecto a clima y ambiente. Allí es cuando se comienza a voltear a los lados y a prestar cuidado ante el gusto de Alejandro Barrios, arquitecto y diseñador proveniente de Caracas, Venezuela. Sin duda alguna, su objetivo principal en este proyecto fue crear un balance perfecto entre arquitectura, diseño y paisajismo. En contraste con la estructura fría y calculada de Herzog & Meuron; Barrios le da un toque liviano, de origen natural, que lo suspende más arriba del tope del edificio. Sin embargo, uno de los principales ingredientes del éxito de Juvia es la muestra culinaria que se ofrece desde el mediodía hasta la medianoche. El chef ejecutivo, Laurent Cantineaux, ha brindado sin duda una propuesta que enloquece al paladar con sabores realmente definidos, pero muy finos a la hora de su preparación. Su carta es amplia, complace el gusto y la exigencia de cualquiera que tenga inclinaciones particulares. Cilantro, romero y otras especias dan un sabor preferido en sus carnes y pescados, pero más que ello el conocimiento profesional y la experiencia de Cantineaux junto con Sunny OH, también chef ejecutivo de Juvia y especializado en los productos

del mar. Originario de Seúl, pasó por la escuela de Nobu por muchos años y ahora brinda un conjunto de ideas distintas, que dan como resultado entradas como el sashimi espuma, y la demás selección de platos crudos, que en combinación de sus ingredientes exóticos, dan una verdadera sensación de placer. Culminando la experiencia culinaria nos recibe Gregory Gourreau, chef de pastelería de Juvia y elemento esencial de esta mezcla perfecta. Protegido de reconocidos chefs como Daniel Boulud y Francoise Payard, es un aporte esencial para el conjunto de Juvia. Utilizando en su mayoría técnicas francesas, combina una serie de frutos tropicales que hacen la diferencia en los sabores dulces de su selección. Aquí es cuando se deja completamente libre aquello de la imaginación para inventarse una combinación de sabores dulces, cítricos y amargos, que dejan satisfechos a todos aquellos que tienen la dicha de vivir la experiencia Juvia, que representa una propuesta culinaria distinta al resto de los nuevos sitios que abarrotan la ciudad. De vuelta en el elevador se disfruta de haber despertado los sentidos, de cumplir los antojos y de una sonrisa permanente que marca el tiempo de principio a fin.


MÁQUINAS DE TIEMPO Los relojes de la Fórmula 1

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Cortesía Audemars Piguet


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Los relojes de la Fórmula 1 Los cronómetros que miden el tiempo de la máxima categoría. Por

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Varias de las marcas de relojes más importantes del mundo han tenido contacto con el deporte de la máxima categoría del automovilismo. La Fórmula 1 es el show deportivo de mayor audiencia en el mundo. Es en el que confluyen la moda, el glamour y la tecnología –características esenciales compartidas también por la industria relojera – con una exposición y una divulgación impresionantes. La Formula 1, que comenzó en 1950, es la competencia de automotores de carreras de más prestigio del mundo y la serie deportiva anual mas popular del planeta. En 2012, el campeonato de la F1 de la Federación Internacional de Automovilismo (FIA) fue vista por más de 500 millones de televidentes en 187 territorios y duró desde marzo hasta noviembre abarcando 20 carreras en 19 países de los cinco continentes. La empresa Formula One World Championship Limited es parte del Grupo Formula Uno, fundado por el inglés Bernie Ecclestone y posee los derechos exclusivos para el Campeonato de F1. El pasado mes de diciembre se firmó, entre los directivos de la empresa Rolex S. A. de Ginebra y el señor Ecclestone, el CEO de la Formula 1, un importante acuerdo de largo plazo para convertir a Rolex, a partir de 2013, en el reloj oficial y el cronometrador oficial de la Formula 1. Esta alianza entre dos destacadas empresas de diferentes campos que comparten la pasión por la precisión, el desempeño, la excelencia y la innovación, demuestra el interés de Rolex, la más importante casa relojera del mundo, en consolidarse como líder en el patrocinio de actividades y deportes de gran

Ricardo Kling

valor simbólico y reconocimiento global. Este nuevo proyecto de Rolex se suma a otros importantes eventos automovilísticos en los que ya participa, como las 24 horas de Le Mans, las 24 horas de Daytona y el fabuloso Concours d’Elegance en Pebble Beach, USA. Pero no solo Rolex es la figura del automovilismo profesional. Tag Heuer es un viejo auspiciante de las competencias deportivas del deporte veloz y posee también un impresionante palmarés de figuras y prestigiosos circuitos en los que su nombre se destaca. Desde la década de 1960, Heuer ya participaba activamente en la cronometría de las pruebas de la F1. De hecho, sus más exitosas líneas, el “Carrera” y el Fórmula 1, tienen sus orígenes en las competencias de autos deportivos y sus emblemáticos modelos eran lucidos por numerosos pilotos y destacadas figuras el mundo del entretenimiento que encontraron en estos magníficos relojes una identidad moderna y muy atractiva.

DE CARRERA EN CARRERA Gran parte del éxito de la Fórmula 1 se basa en las estrellas que se han producido por su destacado desempeño en esta exigente competencia. Desde el principio del campeonato mundial de Formula 1, en 1950, año en el que Giuseppe Farina ganó el primer título conduciendo un Alfa Romeo, y siguiendo con Juan Manuel Fangio, el piloto argentino genio de la velocidad que rompió todos los récords, el deporte ha estado lleno de ídolos. Pilotos como Jack Brabham -campeón tres veces en 1959 ,1960 y en 1966y quien logró algo que jamás nadie

NICO ROSBERG

JENSON BUTTON

El hijo del veterano conductor finlandés Keke Rosberg, que corrió en los años 80, es Nico Rosberg, piloto estrella del equipo AMG Mercedes Benz y portador de un precioso reloj de la colección Ingenieur de la ;_eVc_SeZ`_S]ISeTY5`^aS_j

El conocido piloto del equipo McLaren es embajador de Tag Heuer, la casa relojera del automovilismo por excelencia. Button lleva siempre con orgullo un emblemático reloj FSX:VfVcUV]S]‚_VS5SccVcSSfe`mático con cronógrafo de precisión del calibre 16, propio de la marca.

EB?8K9˝˜˝ Durante la firma del convenio de patrocinio el pasado mes de diciembre se hizo presente una de las figuras más queridas de la Formula 1: Sir Jackie Stewart (izq.). Aquí en compañía del presidente ejecutivo de Rolex, Gian Riccardo Marini , el presidente ejecutivo del Formula 1 Group, 4Vc_ZV7TT]Vde`_Vj<VS_5]SfUV=Z]]jD`]ViFVdeZ^`_VVj^ZV^̎c`UV] directorio de Rolex S. A.

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pudo hacer hasta el momento: ganar el título con un auto de su propia construcción (el Brabham BT19/20-Repco), el exótico mundo de la Formula 1 ha marcado huella en la historia. Legendarios personajes como Jackie Stewart, Niki Lauda, Carlos Reutemann, Nelson Piquet, Emerson Fittipaldi, Nigel Mansell, Alain Prost, Mika Hakkinen y Michael Schumacher son sinónimo de la popularidad que ha cautivado a un gran número de aficionados a través de los años. Cabe mencionar al brasileño Ayrton Senna, quien demostró poseer la habilidad y rapidez de Fangio y la pericia y determinación de Gilles Villeneve y que le puso el “sabor picante” a la Formula 1 cuando más lo necesitaba. Lamentablemente, en 1994 durante el Gran Premio de San Marino, en Italia, su veloz Williams sufrió problemas técnicos y chocó contra un muro de protección que le provocó la muerte en un feroz accidente. Se dice que desde ese momento la Formula 1 cambió y se ha vivido de otra manera: en la F1 moderna, la máquina ha desplazado al piloto y la tecnología al talento. Los cambios permanentes de las reglas de la FIA también hicieron que se perdiera el interés del público, que en el fondo parecía buscar con algo de crueldad, los momentos de peligro y los accidentes espectaculares. Sin embargo, en los últimos años el ambiente de la Fórmula 1 parece haber recuperado su magia con jóvenes talentos como el español Fernando Alonso, el piloto Lewis Hamilton o la joven estrella alemana Sebastian Vettel, quienes han demostrado ampliamente que el piloto sigue siendo el elemento más importante de los grandes premios. Las casas relojeras buscan en muchos casos asociarse con ellos

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y con los equipos vinculados al deporte para promocionar, con su buena imagen, sus marcas y llevar a cabo las campañas de publicidad que se requieren para conquistar mercados. Así mismo, debido a la restricción publicitaria impuesta a los productos de tabaco en la Fórmula 1, la organización ha visto con agrado las inversiones que hacen las empresas relojeras en sus equipos y a la vez los relojeros han encontrado en este espectacular deporte una plataforma adecuada y con mucha visibilidad para promover sus marcas. Audemars Piguet ha sido otra de las marcas que ha producido modelos especiales para pilotos como Juan Pablo Montoya y Sebastien Buemi; recientemente también firmó a Michael Schumacher como su embajador. Viceroy tiene a Fernando Alonso, Richard Mille a Felipe Massa, Certina a Pedro de La Rosa, Tag Heuer a Jenson Button, TW Steel a Emerson Fittipaldi y Rolex, desde hace muchos años, a Jackie Stewart, el legendario tri-campeón de la Formula 1. Igualmente, las increíbless innovaciones tecnológicas que e se usan en las competencias de loss bólidos de la F1 son hoy parte de los miles de automóviles que cirirculan por las carreteras del mundo ndo y hacen que el tránsito sea más seguro, eficiente y mucho mas cómodo. Este desarrollo también ién se ha transmitido a la relojería que con sofisticados elementos y emmpleando materiales de vanguardia rdia producen bellas piezas que son n llevados por miles de personas como omo símbolo también del prestigio que posee la “Máxima Categoría”. No importa si el reloj es un n clásico de los años sesenta o un modelo contemporáneo de alta tecnonología: si evoca el espíritu de la Forormula 1, vivirá por siempre.

TAG HEUER 9BE@H?4˝ Proyectados junto con Vodafone, McLaren Mercedes, y comprobados en condiciones de competición por Jenson Button, todos los relojes incorporan las seis características clave de TAG Heuer: Indicación de centésimas de segundo, agujas y marcadores luminiscentes, sumergibles hasta 200 m, corona enroscada de fácil agarre, hebilla plegable con doble seguridad y cristal de zafiro. Mecanismo de cuarzo.

BE<FGG˝ BE<FGG˝ BE<F GG˝ CHRONOGRAPH El TT1 Chronograph de Oris es finamente elaborado y se reconoce fácilmente por su diseño y llamativo uso del color. Está inspirado en los instrumentos de los autos de carreras y el diseño de las ruedas. El reloj está dotado de una caja de acero inoxidable chapada en PVD negro y un reverso transparente de cristal mineral. Su diseño subraya la influencia del equipo Williams F1.

AUDEMARS PIGUET JARNO TRULLI Para destacar la importancia del piloto italiano Jarno Trulli, al igual que lo hizo para Juan Pablo Montoya, la prestigiosa fábrica fábr de Le Brassus, en Suiza, diseñó y produjo prod característiun reloj de edición limitada de caracterí cas muy especiales. Se aprecia el fondo de cristal con el logosímbolo de Trulli.

ROLEX DAYTONA El líder indiscutible de la relojería mundial se vincula este año a la Fórmula 1 como patrocinador especial y cronometrista oficial. El legendario Rolex Cosmograph Daytona adquiere una trascendencia aún mayor, pues es el reloj más apetecido de la marca y el símbolo genial de las carreras de autos.


HUBLOT Espectacular reloj de Hublot fabricado en fibra de carbono para el equipo Ferrari de la Formula 1. Su esfera transparente deja ver perrfectamente el movimiento esqueletizado que se ajusta a la muñeca a con una correa de cuero con las costuras rojas típicas de la marca. a. Los pilotos Fernando Alonso y Felipe Massa son los encargados de e ]]VgSc]SZ_dZX_ZSUV]VbfZa`UV]5SgS]]Z_`DS^aS_eVS]SdaZdeSdVdeV V año. La escudería Ferrari firmó acuerdo con Hublot para proveer al equipo de un reloj oficial.

VICEROY FERNANDO ALONSO MICHAEL SCHUMACHER La manufactura Suiza Audemars Piguet presentó recientemente una edición ]Z^ZeSUSUV]cV]`[D`jS]AS\AWWEY`cVbfVWS̎cZT‡aScSdf^wd_fVg`V^̎S[SU`c, el siete veces campeón Michael Schumacher. Este magnífico reloj está disponi̎]VV_ecVdgVcdZ`_Vd,FZeS_Z`Ac`D`dSjB]SeZ_`e`U`dVbfZaSU`dT`_f__`gVU`d`̎ZdV]WS̎cZTSU`V_TVc^Ve Vc^Vef_Sd`WZdeZTSUSS]VSTZ‡_UV^VeS]VdjTVcw^ZTS WZdeZTSUSS]VSTZ‡_UV^VeS]VdjTVcw^ZT

El genio diseñador de Aude^ScdBZXfVeVdATeSgZ`9Sccía, quien con sus acertados trazos diseñó el magnífico re]`[aScSETYf^Z

La marca fundada en Suiza en 1952 tiene un fuerte arraigo en España, que aumentó desde 2008 cuando inició una campaña en los premios de la Fórmula 1 teniendo como imagen al campeón Fernando Alonso. Este modelo, que lleva el nombre del piloto español, posee movimiento de cuarzo, cronógrafo, calendario, esfera negra, caja de acero combinada con acero IP negro y correa de caucho. Es sumergible a 50 metros.

El reloj concebido inicialmente fue hábilmente construido empleando las más avanzadas técnicas de la metalurgia y provisto de un mecanismo automático con cronógrafo de alta precisión.

TAG HEUER CARRERA

IWC INGENIEUR La manufactura ufactura de Schaffhausen se vinculó nuevamente este año a los deportes automovilísticos AMG Mercedes Benz. Para vilísticos a través de una alianza especial con AM conmemorarlo, morarlo rediseñó algunos de sus clásicos relojes de su línea Ingeniero, como este que está construido en fibra de carbono con brazalete de kevlar.

7]Tc`_‡XcSW`FSX:VfVcUV]S]‚_VS5SccVcSWfV`cZXZ_S]^V_eVTcVSU`a`c<ST\:VfVcaScS]S]VXV_UScZS5SccVcS Panamericana-México y totalmente rediseñado para celebrar los 150 años de la marca en 2010. Por sus magníficas prestaciones técnicas, este cronógrafo automáeZT`5S]Z̎cV#(Vdf_SSfe~_eZTS_VTVdZUSUaScSe`U`d los amantes del automovilismo. El avanzado movimiento Sfe`^weZT`5S]Z̎cV#(STTZ`_SWf_TZ`_VdUVTc`_‡XcSW` como el segundero central, así como los contadores de minutos y de horas. Segundero pequeño a las 9 y ventanilla de calendario a las 3. La escala taquimétrica del bisel permite calcular la velocidad media. El cristal zafiro del fondo de la caja permite admirar el movimiento en acción.

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NEGOCIOS

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Por Fotos

Sophie Doran, Luxury Society Cortesía Plaza Athenne, París

No es un juego de niños Las marcas de lujo están desarrollando productos y servicios para niños con los que esperan llamar la atención de sus padres.

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A la par de los numerosos servicios para Personas Muy Importantes o VIP, los Hoteles y Resorts Four Seasons ahora ofrecen servicios para los Niños Muy Importantes que se alojan en sus hoteles. Estos son solo unos de los muchos hoteles de lujo que han desarrollado programas específicos para niños en los últimos años, como respuesta a las necesidades de los viajeros que, con mayor frecuencia, viajan con sus hijos a hoteles de gama alta. Como parte de la “máxima experiencia de hotel de lujo para niños”, los huéspedes menores de edad del Four Seasons de Berlín pueden dar una vuelta alrededor del lobby en un Mercedes-Benz miniatura, tomar el té en platos de porcelana para niños, sentados en pequeños asientos dorados, y acercarse a la recepción con la ayuda de una escalera de caoba especial para hacer el check-in infantil. En los Hoteles y Resorts Rosewood, los huéspedes entre los nueve y los trece años pueden disfrutar de una amplia gama de servicios de spa, y los niños de cinco en adelante pueden recibir

manicure y pedicure. La marca lanzó su programa infantil, llamado Botones de rosa, en 2011, el cual se basa en la aproximación Montessori a la educación, y se encuentra disponible en sus 17 hoteles a nivel mundial. El Hôtel Plaza Athénée de París lanzó sus habitaciones especiales para niños en agosto de 2011, decoradas de piso a techo con accesorios de Barbie o Hot Wheels. El icónico hotel de lujo les ofrece a los jóvenes huéspedes que llegan leche y galletas, y tiene disponible para ellos batas y pantuflas en tallas infantiles, un menú especial y servicios de niñera para los padres que quieran disfrutar de una noche romántica en la ciudad. El Mandarin Oriental Hotel Group ha comenzado a entrenar a sus empleados en las etapas del desarrollo infantil, para que los empleados sepan a qué edad ofrecer una silla de comer para bebé o que puedan recomendar los servicios más apropiados para sus huéspedes. En el Hotel Península de Hong Kong, a los niños les ofrecen un paseo en el Rolls Royce del hotel.

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NEGOCIOS

Como parte de la “máxima experiencia de hotel de lujo para niños”, los huéspedes menores de edad del Four Seasons de Berlín pueden dar una vuelta alrededor del lobby en un Mercedes-Benz miniatura, tomar té en platos de porcelana para niños y acercarse a la recepción con la ayuda de una escalera de caoba especial para hacer checkin infantil.

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Tras años de enfocarse en el viajero de negocios o las parejas adineradas de las ciudades metropolitanas, los hoteles de lujo han comenzado a reconocer el valor de consentir a los hijos de estas parejas. En especial, dado el crecimiento de la riqueza en Asia y el Medio Oriente y a que sus culturas son fundamentalmente familiares y que, con frecuencia, viajan juntas.

A LA MODA En Emiratos Árabes, el almacén Louis Vuitton cuenta con un salón familiar donde pueden entretenerse grupos de múltiples edades, mientras uno o dos de los miembros de la familia son atendidos por los vendedores. Burberry ha decidido concentrar la mayoría de sus almacenes para niños en Asia y Medio Oriente. Entre 2011 y 2012, 99 millones de dólares de los ingresos de Burberry provinieron de la venta de ropa infantil, lo cual significó un aumento del 19% en la categoría, impulsado principalmente por la región de Asia Pacífico. La marca inauguró ocho nuevos almacenes de ropa infantil durante ese año. Recientemente, Giorgio Armani confirmó el lanzamiento de Armani Junior en India, con la ayuda del diseñador local Suneet Varna. La empresa del Sr. Varna, Unique Eye Luxury Apparel, ha estructurado un acuerdo para la apertura de tres almacenes, después de que una investigación exhaustiva sobre el potencial futuro de los diferentes segmentos del mercado de lujo identificara que la ropa infantil ofrecía una oportunidad clave. En 1967, Dior lanzó su colección de ropa infantil. Un par de décadas más tarde, lo hizo Ralph Lauren, y, más recientemente, Gucci, Stella McCartney, Marni y Lanvin, Oscar de la Renta, Fendi, Marc Jacobs, Roberto Cavalli, Missoni, Milly y Phillip Lim. La mayoría de ellos se concentran en copiar colecciones de pasarela y prendas icónicas en miniatura. “Yo creería que ninguno de ellos está haciéndolo por el dinero”, explicó Andrew Rosen, presidente de Theory en entrevista con el New York Times. “Es cuestión de rele-

vancia. Están hablando del uno por ciento, o menos, de la población. Lo que quieren es mantener a los clientes comprometidos con la marca”. Sin embargo, se han presentado algunas preocupaciones en relación con los increíbles precios y la calidad comparada de las colecciones infantiles con las adultas. “Los niños tienen barriga y se paran distinto a los adultos,” dice Rachel Riley, la diseñadora británica de ropa infantil, al referirse no solo a lo poco prácticas que son las versiones miniatura de los estilos de pasarela, sino lo incómodas y poco halagadoras que pueden ser. “Si se tratara de su línea principal, nunca hubieran hecho esto”, dice Rosen observando un vestido de seda Gucci de 375 dólares, en el cual el estampado no coincide en las costuras. El desarrollo agresivo de nuevas fuentes de ingresos se ha convertido en parte integral de la intensa industrialización del lujo, pero semejante incremento en el interés de la ropa infantil nos lleva a preguntarnos: ¿qué tanto es demasiado cuando se trata de una expansión de categoría? En su discurso en la Cumbre de Negocios del Lujo de 2011, organizada por el Financial Times, la presidenta de Balenciaga, Isabelle Guichot, descartó la posibilidad de entrar en el mercado de ropa infantil, por lo menos durante su presidencia. Guichot confirmó que la marca había explorado el mercado infantil, pero consideraba que hacía falta un vínculo real con el legado de Balenciaga y su posicionamiento como una marca de lujo seria. Sin embargo, el caso sigue siendo interesante, en especial en este momento en el cual los diseñadores y los presidentes de empresa reportan a los presidentes de los conglomerados de lujo y a los accionistas, y cuando el mercado de ropa infantil se estima en 34 mil millones de dólares solo en Estados Unidos. Según la compañía de investigación NPD Group Inc. aunque las ventas de lujo solo representan el tres por ciento de ese monto, se estima que su crecimiento es más acelerado que el de las demás categorías. Por el momento, el interés en la ropa infantil no parece detenerse.

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ALTAMODA

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Fotos

Cortesía Chanel

PASO A PASO DE UN VESTIDO

DE ALTA COSTURA A pesar de que las casas de modas de alta costura acostumbran revelar sus diseños en las más importantes pasarelas y revistas, guardan como un tesoro la construcción de estas prendas artesanales. En un ejercicio poco común, la casa francesa Chanel revela el paso a paso detrás de la construcción de su vestido de novias para la colección Primavera-Verano 2013.

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Las pasarelas de Chanel son unas de las más esperadas durante la Semana de la Moda de París, Nueva York, Londres y Milán. Es un espectáculo que sorprende, tanto por su propuesta de diseño como por la puesta en escena que incorporan. Cada concepto de Karl Lagerfeld, diseñador en jefe de la marca, se incorpora tanto en la estética de la ropa como en la atmósfera del escenario. Para la colección de alta costura Primavera-Verano de 2013, presentada en París, la casa de modas se inspiró en la naturaleza, en el canto de los pájaros y en la brisa que durante estas temporadas llega a los bosques de Europa. El escenario de la pasarela se convirtió,

entonces, en un anfiteatro decorado con hojas y madera áspera que emergieron y abrazaron de manera literal a los espectadores. El momento cumbre de la pasarela llegó cuando dos modelos desfilaron el traje de novia, la prenda que mayor trabajo artesanal demanda. Los espectadores y la crítica presente aplaudieron la maestría con la que Karl Lagerfeld construyó estas piezas cargadas de pedrería, encajes y detalles de costura. A continuación presentamos lo que nadie pudo ver durante esta pasarela: el paso a paso de cómo se construye el vestido de novias de esta colección.

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Vestido de novia hecho en tul y seda Z[cWhÔb$ El corpiño y la falda están bordados con cuentas de cristal y adornado con plumas y gasa de Y^_úedZ[i^_bWY^WZW$:[cWdZ 300 horas de trabajo en los talleres de costura de Chanel; 500 horas de bordado en el Atelier Lesage, y 130 horas de trabajo en el Atelier Lemarié, ZedZ[i[_dYehfehWhedbWifbkcWi$

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1. ESTUDIO DE CHANEL

El boceto original se dibuja sobre una tela de fondo. La posición del bordado se traslada a la tela, mientras que la ubicación de las plumas trenzadas se posicionan con la ayuda de muestras. BWkX_YWY_dZ[beifkdjeiZ[ikjkhWi[Z[Ôd[YedbWWokZWZ[ pasadores. Luego, esta primera muestra se reproduce en el j[`_Ze[iYe]_Zefeh[b[ijkZ_e"[d[ij[YWiekdWi[ZWYebehcWhÔb$ Después la muestra es enviada a los Atelier Lesage y Lemarié para la incorporación de los accesorios.

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2. ATELIER LESAGE Una vez que la prenda de prueba ha sido validada por el estudio, se crea una réplica basada en un patrón enviado por el diseñador. La tela se monta en un bastidor para que las bordadoras instalen las perlas que se adhieren a la tela a través de una técnica de costura conocida como Luneville.

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3. LEMARIÉ ATELIER Las bordadoras trabajan cosiendo las plumas y las pequeñas hojas deshilachadas de gasa, las cuales están intercaladas siguiendo un patrón geométrico sobre el tul del vestido.

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4. ATELIER CHANEL Las diferentes piezas bordadas en el Atelier Lesage y Lemarié se envían de regreso al Atelier de Chanel. Allí las diferentes piezas son ensambladas de acuerdo a los patrones originales. Se hacen los últimos retoques de costura y corte antes de enviar el vestido fWhWbWfhk[XWÔdWb[d[b[ijkZ_eZ[AWhbBW][h\[bZ$

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5. ESTUDIO DE KARL LAGERFELD BWfhk[XWÔdWbi[bb[lWW cabo[d[b[ijkZ_efh_lWZe Z[bZ_i[ŒWZehAWhb BW][h\[bZ"kdZˆWWdj[i Z[bWfWiWh[bWeÔY_WbZ[ FWhˆi$ÉbZWbei’bj_cei h[jegk[iWbl[ij_Ze$I[ jecWdbWi\eje]hW\ˆWi eÔY_Wb[iZ[bl[ij_Ze$

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6. DETRÁS DEL ESCENARIO DEL GRAND PALAIS DE PARÍS El equipo de diseño y producción supervisa el vestuario y el maquillaje de las modelos antes de salir a la pasarela.

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7. MODELOS EN LA PASARELA :eiceZ[beiWYecfWŒWZWiZ[kdfW`[Y_jeZ[iÔbWdfeh[b[iY[dWh_edWjkhWbYh[WZe fWhWWbX[h]WhbWYeb[YY_dZ[WbjWYeijkhWFh_cWl[hW#L[hWde(&')$:[jh}iZ[iki l[ij_Zeii[WiecWdlWh_WiYWfWiZ[jkb"]WiWofbkcWi"[b[c[djeigk[h[\k[hpWdbW fWhj_YkbWhl_i_dZ[bWdWjkhWb[pWZ[bZ_i[ŒWZeh$ C}iZ['&&&^ehWiZ[jhWXW`eZ[ Z_i[Œe"Yehj["YeijkhW"XehZWZeo[ij_b_iceZ[cWdZbWYh[WY_dZ[[ijWf_[pW’d_YW$

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A LA MODA

Por

Juliana Marques*

* Editora del blog: fashiononrock.blogspot.com/

Diario de una semana de modas

Aquí estoy para hablar sobre la pasada Semana de la Moda de Nueva York, que pese al frío desgarrador no fue suficiente para detener la energía fashionista de la ciudad que se respiró entre el 9 y el 14 de febrero. Llegaba al Lincoln Center todas las mañanas y me quedaba allí hasta la noche, viendo a mi alrededor a personajes de la moda provenientes de todas partes del mundo; todos reunidos allí con el propósito de dar la bienvenida a las colecciones de otoño 2014. Tuve la fortuna de asistir en primera fila a 35 pasarelas. El otoño de 2014 será más que interesante. No sé cómo lo hace, pero Michael Kors siempre trae propuestas divertidas, con mucho cuero y grandes cierres que representan a la mujer dinámica y exitosa de hoy. Zang Toi fue absolutamente encantador, con un toque de cuento de hadas, un sueño en el que todos quisiéramos vivir. Carolina Herrera, como siempre, mostró su elegancia con flores y más flores estampadas en largos vestidos. Billy Reid también trae el cuero para su colección de frío. Por su parte, Vera Wang desafió el clima con una colección de fiesta inspirada en el disco, con estampados de diferentes materiales y largos guantes negros, absolutamente seductores. Diane Von Furstenberg refleja su confianza en su ropa, es como “soy sexy y lo sé, y no me importa”. La colección de Jill Stuart

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habla de Rock and Roll, con piezas de encaje y terciopelo exuberante. Rebecca Minkoff presentó un otoño moderno inspirado en una mujer de ciudad, ocupada, que sabe que incluso en la nieve puede ser elegante. Bibhu Mohapata cautivó al público con una colección elegante, con varias piezas singulares que incluyen elementos de la naturaleza, como muchas sombras y geometría sinuosa hecha para una mujer que sabe lo que quiere y lo que lleva. Además de las pasarelas, esperaba con ansias encontrarme con amigos adorables, como Stefano Toncci, editor de la revista W, con quien me senté en la primera fila del show de Rachel Zoe. Con Robert Verdi tuve una larga conversación en la que me habló de la diferencia entre ojear las revistas y los libros, y entender la moda y su historia. Otro momento especial fue cuando me topé con la adorable Linda Fargo, vicepresidente de Bergdorf Goodman. Un día decidí tomar la tarde libre para ir a una de mis zonas preferidas de Manhattan: el West Village. Allí, aún más que en el resto de la ciudad, la moda se vive en la calle. Me tomé una foto en las mismas escaleras en las que Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker en Sex and the City) solía esperar horas a Mr. Big, el amor de su vida. Permanecí sentada en este lugar viendo gente pasar y pensando en el show de Betsy Johnson al que


había asistido esa mañana. Nunca había visto nada igual. Escuché a algunos comentaristas decir que la colección era muy divertida, y lo era. Betsy estuvo fuera del circuito de la Semana de la Moda, pero ahora está de regreso, llena de vida y felicidad. Su pasarela fue como un juego en el que se reflejaba la energía que la diseñadora y sus prendas proyectan. Creo que la industria de la moda necesita más personas como Betsy. Después de terminar la última pasarela me fui a caminar con mis amigos frente al Central Park. La última noche fue de celebración con todas las personas con las que compartí estos días. Estar en Nueva York durante la Semana de la Moda es una experiencia que todos deberían vivir. Fueron momentos en los que pude ver, tanto en las pasarelas como en la calle, las tendencias que se impondrán muy pronto, y que tendrán como protagonistas al cuero, las botas largas, las bufandas, los jeans, las faldas estilizadas y los sombreros. Las neoyorquinas nunca pierden el estilo y el buen gusto para vestir, incluso con las montañas de nieve derritiéndose en las aceras. Acá no son pocas las mujeres que tienen el coraje de usar largos tacones para caminar entre el hielo. No tengo idea cómo lo hacen, pero es increíble ver cómo nadie se queja por el clima. Todo lo que vi alrededor era felicidad, mujeres glamorosas caminando como si tuvieran el mundo a sus pies.

La Semana de la Moda de Nueva York reúne a grandes diseñadores, estrellas del modelaje y lanza las tendencias que imperarán durante la siguiente temporada.

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EL CAMINO DEL LUJO

Por

Carlos Ferreirinha*

* Presidente de MCF Consultoría & Conocimiento, firma con sede en São Paulo especializada en herramientas de gestión de la innovación del negocio del lujo en América Latina, Angola y Portugal. www.mcfconsultoria.com.br

El poder de los jóvenes consumidores

En el mercado del lujo, la edad está jugando un papel muy importante. Ya no cabe el apelativo de ser “maduro” a los 40 años, “viejo” a los 50 y “más viejo” después de los 60. Ahora, la gente llega a los 80 años con un espíritu joven, con energía y, muchas veces, con ganas de insertarse en la sociedad de consumo. La tercera edad es una buena edad, y las oportunidades dirigidas a este público, un nuevo consumidor en estos tiempos, todavía están por debajo de lo esperado. En la dirección opuesta, con la misma fuerza de los que creíamos viejos, están los niños, determinantes en la toma de decisiones en los momentos de consumo, algo que anteriormente no ocurría, cuando eran nuestros padres los encargados de moldear nuestros hábitos de consumo; lo que sucedía también porque no teníamos acceso a la comunicación de la forma en la que la tenemos hoy. Y es en esta era de conocimiento en la que vivimos actualmente, en la que niños y adolescentes quieren, y creen, saberlo todo, y desarrollan una admirable capacidad de aprehender ese conocimiento para tomar decisiones, o al menos para emitir opiniones que nos sorprenden cada vez

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más. Ellos entienden la moda, los colores, las formas, las marcas; están mucho más insertos que los adultos en los conceptos de sostenibilidad y conciencia social. Ellos saben también dónde y cómo se venden algunos productos, cuáles son sus precios y dónde se consiguen más baratos o no. No en vano, las compañías y el mundo en general empezaron a hablar con ellos directamente, sin adultos de por medio. Así, los adolescentes son “utilizados” por las marcas de perfumes para decidir sobre nuevos productos. Hasta existen vehículos que utilizan la imagen de los niños en Estados Unidos para estimular a sus padres para que compren una determinada marca. Eso falta aún en nuestros países, donde se cree que abrir el espacio es cambiar hacia una educación más permisiva y relajada. Ellos poseen una fuerza que jamás pensamos fuesen a tener con sus conocimientos y opiniones objetivas que, al final, conducen al poder de elección. En esta nueva era, las marcas en general, tienen que aprender a leer este nuevo mercado que presenta nuevas oportunidades que surgirán continuamente en estos próximos años. ¿Estamos todos listos?


Revista Summus 21  

Lujo con Inteligencia

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