L U J O
C O N
I N T E L I G E N C I A
ballos, arena y tradición
Wendell Castle El arte y la técnica
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Número 24. Diciembre 2013 / Marzo 2014/ Colombia: $12.000
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EDICIĂ“N N° ËžË
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DIRECTOR
COLABORADORES PERMANENTES
Juan FernĂĄndez
Cristina Grajales Ricardo Kling
EDITOR
LeĂłn Tovar
AndrĂŠs RamĂrez
Carlos Ferreirinha
ASESORES EDITORIALES
COLABORADORES EN ESTA EDICIĂ&#x201C;N
Cristina Grajales Poli Mallarino RuvĂŠn Afanador Ricardo Kling
Vanessa Rosales Ă lvaro Corzo Juliana Bedoya
DIRECTOR DE ARTE
RETOQUE FOTOGRĂ FICO
Pablo Barreto
AndrĂŠs GachancipĂĄ
ASESOR GRĂ FICO
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DarĂo Forero A.
ProducciĂłn El Espectador
DISEĂ&#x2018;O
MĂłnica VĂĄsquez Vargas CORRECCIĂ&#x201C;N DE ESTILO
Ă&#x201C;scar J. Arango Arboleda
PRESIDENTE CONSEJO EDITORIAL EL ESPECTADOR
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Antonino Barbagallo Photography Inc. / CortesĂa Wendell Castle studio
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Fidel Cano C.
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Ă lvaro Corzo Charles Roussel Wataru_shimosato Christophe Espagnon
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Š Comunican S. A. 2013 Todos los derechos reservados. Calle 103No. 69b-43 Conmutador: 423 2300. Fax: 423 7641. Apartado 3441. Bogotå, D. C., Colombia. ISSN 2027-1247
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MAURICIO UMAĂ&#x2018;A BLANCHE
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JULIEN BOUDET
RETRATO DE UN CAZADOR URBANO 36
Foto
Julien Boudet es un fotógrafo francés que reencontró en Nueva York su pasión por las imágenes. Ha trabajado para Dior Homme y Louis Vuitton; captura la moda en las calles como ningún otro.
Cortesía Wataru Shimosato
Pág. 24
El arte y la técnica
Pág. 74
Pág. 48
Zapateros y zapatos
Pág. 100 El largo camino de Fabergé
Pág. 60
Las musas de Louis Vuitton
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Vuelta a Mexico
Pág. 106 La Casa de los Cano Pág. 108 Hora de celebrar
SEBASTIAN ERRAZURIZ
12 ZAPATOS PARA 12 AMANTES 52
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DONATELLA BERTARELLI
LA PATRONA DEL AGUA 80
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EL ARTE DEL AUTOMÓVIL 90
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BREEDERS’ CUP
CABALLOS, ARENA Y TRADICIÓN 66
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La Breeders’ Cup es una de las carreras más fastuosas de la hípica mundial. El escenario es el monumental hipódromo de Santa Anita, en California.
Álvaro Corzo
Carta del director
Juan Fernández ]YXeaTaWXm3X_XþXÿTWbe!Vb`
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Jóvenes y viejos. Unos atrevidos, otros conservadores. Provienen de lugares distintos y dedican su vida a pasiones opuestas. Unos son artistas, otros prefieren la aventura. Al final, se dan el lujo de hacer lo que les place. Así son los personajes que logramos reunir en esta edición de Summus. Wendell Castle es uno de ellos. Tiene 81 años, pero conserva la mente joven después de 50 años de trabajo continuo. Pasa sus días diseñando en su estudio, ubicado en el pueblo de Scottsville, al norte del estado de Nueva York. Lo hace a mano alzada, jamás recurriendo a la computadora. Es una de las figuras del arte decorativo contemporáneo y considerado el padre del Art Furniture, un movimiento que tuvo su origen en la década de los 70. Dice que empezó haciendo muebles por accidente, y hoy crea algunos que desafían la gravedad. Ahí es donde precisamente se encuentran dos personajes tan disímiles como Wendell Castle y Donatella Bertarelli: desafiando la gravedad. Ella lo hace desde el
Spindrift 2, el trimarán más grande del mundo y con el que batió el récord de la denominada Ruta del Descubrimiento, entre Cádiz y la isla de San Salvador, en las Bahamas. El cruce del Atlántico le tomó 6 días, 14 horas, 29 minutos y 21 segundos. Es la mujer más rica de Suiza. Le sobra el dinero, pero también las ganas y la disciplina para cumplir su próximo objetivo: darle la vuelta al mundo comandando su barco y la tripulación de 13 personas que siempre la acompañan. Julien Boudet es otro de esos personajes a los que les gusta la acción. Lo suyo no es el agua, son las calles de Nueva York. Es un referente para los seguidores más dedicados de la moda, pues a través de sus imágenes les brinda lo que más desean: saber lo que tiene puesto la élite de la moda a las afueras de las más importantes pasarelas. Esta revista también cautiva contando historias de las marcas más icónicas de todos los tiempos. Para la muestra Fabergé, la firma de joyería rusa que después de dos guerras mundiales y una revolución quedó maltrecha, pero que hoy, casi un siglo después de la muerte de su fundador, Carl Fabergé, empieza a recuperar su posición como una de las más apetecidas del mercado de arte decorativo. Visitar lugares también nos agrada. Y esta vez sí que el destino nos ha sorprendido. El lugar: el hipódromo de Santa Anita, ubicado en el Valle de San Gabriel, a veinte minutos al este de Los Ángeles. El evento: la Breeders’ Cup, una de las carreras más fastuosas de la hípica mundial y que forma parte del recorrido por el mundo que hacemos para usted en cada edición de Summus.
Historias con alcance global Infografía
Caballos, arena y tradición Por Álvaro Corzo Santa Anita, California
No se sabe para quién se trabaja León Tovar Nueva York
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Hora de celebrar Por Juan Fernández Bogotá
Retrato de un cazador urbano
El arte y la técnica
Por Vanesa Rosales Nueva York
Por Andrés Ramírez Nueva York
La patrona del agua Por Juan Fernández Miami
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EN LA CIMA El arte y la técnica
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ENLACIMA
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Por Foto retrato Fotos muebles
Andrés Ramírez,Neva York Antonino Barbagallo Photography Inc. cortesía IV_UV]] 5Sþ]V þfUZ` IV_UV]] 5Sþ]V þfUZ` 8cZVU^S_ 4V_US 9S]]Vcj
Wende Castle El arte y la técnica
Wendell Castle es una de las figuras del arte decorativo contemporáneo. Nacido y educado en Kansas City, en el centro conservador de Estados Unidos, es considerado el padre del Art Furniture, un movimiento que tuvo su origen en la década del 60. Encuentro con un artista que, después de medio siglo de carrera, considera que «La línea equivocada, casi siempre es la correcta».
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ENLACIMA
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A New Environment, 2012
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La vida le dio a Wendell Castle un reloj biológico que marcha en direcciones contrarias. Las marcas de sus 81 años de vida se aprecian en su figura delgada, su rostro arrugado y su pelo encanecido. Pero a diferencia de su cuerpo, su cerebro parece rejuvenecer cada día, como si se tratara de un ente autónomo rebelde que siempre busca un camino distinto. Hoy, después de cinco décadas de trabajo continuo, la obra de Wendell Castle proyecta una vitalidad inusual que le otorga, y sin que nadie lo ponga en duda, la vanguardia del arte decorativo contemporáneo. A Wendell Castle parece importarle poco que lo consideren
el padre del Art Furniture Movement del siglo XX. Tampoco le gustan los homenajes. Lo que a él de verdad le emociona es hablar de arte, y en especial hablar de su trabajo. Pocas veces sale de su taller ubicado en el pequeño pueblo de Scottsville, al norte del estado de Nueva York, lugar donde construyó un acogedor estudiohogar en medio de un bosque. Aunque siempre está ocupado, ahora se le nota más que nunca. Supervisa los últimos detalles de una serie de mobiliario que exhibirá en la feria Miami Design este diciembre. «Decidí hacer muebles porque he creído que si estos objetos se conciben con unas cualidades estéticas y
técnicas especiales, pueden ser considerados obras de arte». Pero vamos desde el principio. Wendell Castle se graduó como diseñador industrial en la Universidad de Kansas, en 1958. Luego se mudó a Florida, donde trabajó de manera fugaz en una firma de diseño a gran escala. Esta experiencia le sirvió para confirmar su sospecha de que en el diseño pocas veces se tiene el control de lo que se crea. Entendió que a una escala industrial se deben crear pequeñas partes de un gran conjunto, y él no estaba dispuesto a hacer cosas que después no pudiera identificar como propias. «Así que decidí volver a la Universidad de Kansas, donde obtuve una maestría en escultura», recuerda. Al terminar sus estudios encontró que su formación era ideal para ejecutar las ideas creativas que desde niño había tenido en mente. Confiesa que empezó haciendo muebles por accidente, pues siempre se inclinó
ENLACIMA
Wendell Castle evita las patas tradicionales en sus sillas. Utiliza soportesque desafían la gravedad.
por otro tipo de objetos desprovistos de funcionalidad. «Desde el inicio trabajé con una perspectiva de la escultura que hoy sigo aplicando. Aunque cada vez me interesa más que mis objetos tengan una fuerte presencia escultórica, no quiero perder la funcionalidad que casi siempre ha tenido mi obra. A primera vista, pareciera que el campo artístico de la escultura y el funcional del diseño fueran opuestos, pero yo nunca lo he considerado en ese sentido». Entonces pone como ejemplo una silla. Dice que si se logra cumplir con ciertas exigencias técnicas como un ángulo correcto del espaldar, una altura precisa de los apoyos y una ergonomía óptima, luego se puede solucionar cómo sostener el volumen en el aire. Y ahí es cuando entra la escultura. «Evito las patas tradicionales, utilizo soportes, los cuales concibo de tal manera que se integren con el resto de la silla como un solo objeto. Me interesa desafiar la gravedad a través del uso de cantilevers (vigas voladizas) y otras técnicas que le dan continuidad y levedad a los objetos».
INSPIRACIÓN ORGÁNICA La obra de Castle alcanzó un primer reconocimiento a finales de la década de los 70, en pleno apogeo de la psicodelia hippie. De este período proviene una de sus obras más celebradas, Environment for Contemplation (Paisaje para la contemplación), una escultura compuesta por un espiral sin apoyos, unas bancas sobre el piso y una serie de troncos que ambientan un paisaje surreal. Esta obra introduce una nueva técnica de laminado que permite incrementar la complejidad de la geometría al aumentar la masa de madera excavada del tronco, además de brindar una mayor estabilidad y ligereza a los objetos. Una nueva serie de esta escultura, titulada A New Environment,
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se reeditó el año pasado dentro de una exhibición que la galería Friedman Benda de Nueva York hizo como homenaje a Wendell Castle por sus ochenta años de vida. Su carrera inició durante el apogeo de reconocidos maestros del diseño como Charlotte Perriand, Jean Prouvé, Gerrit Rietveld y George Nakashima. A pesar de confesar que las raíces de su trabajo son orgánicas, Castle no encuentra influencia alguna con los maestros de este movimiento, ni siquiera con el trabajo del arquitecto Frank Lloyd Wright, padre del organicismo en los Estados Unidos. «Siempre me han atraído los edificios de Antoni Gaudí y Erich Mendelsohn, de alguno de ellos seguro habré tomado cosas para incorporar en mi obra. Con respecto a los maestros del diseño del siglo XX, diría que admiro su trabajo, pero nunca me he sentido influenciado por ellos. Conocí a George Nakashima, y aún así mi visión está más cercana a la escultura». Si se quisieran encontrar entonces las raíces del trabajo de Wendell Castle, habría que remitir-
se a la obra de los escultores Constantin Brancusi y Henry Moore, impulsores de la primera generación del expresionismo abstracto dentro de la escultura, movimiento que se dio durante la primera mitad del siglo XX. «Si hoy me preguntaras cuál es mi escultor favorito, te diría que sigue siendo Brancusi». El estudio de la obra de los más importantes escultores en la historia, y en especial de expresionistas como Brancusi, lo impulsó a desarrollar un interés especial por la innovación constructiva. Más allá de una preocupación estética, le interesaba encontrar el camino más eficiente para esculpir formas que fueran a la vez complejas y sencillas, orgánicas y rígidas. Pasó largas temporadas en su estudio tratando de armonizar estas aparentes contradicciones. Al final, llegó a la conclusión de que con el uso de un nuevo sistema de laminado de madera, podría construir piezas más grandes, pero a la vez más livianas, con formas más inusuales y más lógicas. Hoy, después de cinco décadas, continúa utilizando esta técnica.
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AUNQUE LA GRAN MAYORÍA DEL TRABAJO DE WENDELL CASTLE ES EN MADERA, EN EDICIONES RECIENTES COMO THE SECRET OF A FEW HA INCORPORADO RESINAS Y METALES.
Entre los primeros trabajos hechos con laminados se encuentra la colección Three-Seater Settee, una escultura tallada de un tronco que contiene tres puestos. «Desde el principio y hasta hoy, sigo utilizando ciertas herramientas técnicas y estéticas que han identificado mi obra. Por ejemplo, sigo tallando y esculpiendo obras de gran formato. La evolución de mi obra radica en la posibilidad de aumentar la complejidad de las esculturas». Esta evolución también se refleja en la adopción de nuevos materiales. Aunque la gran mayoría del trabajo de Wendell Castle es en madera, en ediciones recientes como The Secret of a Few ha incorporado resinas y metales. Otra novedad en el estudio es la adopción de la impresión en tres dimensiones. «Estamos desarrollando una nueva colección a partir de experimentos geométricos modelados en el computador. Esto nos permite crear esculturas más livianas, estables y eficientes en su proceso constructivo. Con esta tecnología podemos establecer con mayor precisión la ubicación de las diferentes superficies, internas y externas, de las piezas». Los avances en la tecnología también le brindan al escultor la posibilidad de desarrollar comisiones de mayor escala, en especial para espacios públicos.
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Además de su trabajo como diseñador, escultor y profesor, Wendell Castle ha incursionado de manera empírica en la arquitectura, el diseño ]h}ÔYe o [b dibujo.
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Hace un año, por ejemplo, hizo una escultura metálica compuesta por tres sillas y siete lámparas que hoy adornan el Centennial Memorial Park de Rochester. Ahora está terminando una escultura en bronce que se instalará en una plaza cuyo nombre prefiere mantener en secreto. Para estas comisiones, Castle utiliza en esencia el mismo lenguaje de sus trabajos en madera, con la única diferencia que en ellos hace énfasis en la resistencia de los materiales frente a los factores climáticos y al uso del público. «Sin embargo, me preocupa que estas obras dependan demasiado de las condiciones exteriores y del paisaje, pues si en algún momento la escultura es trasladada, la esencia de la obra se perdería en su totalidad».
EL ARTE ES PARA SIEMPRE Castle inauguró en Rochester, en 1980, una escuela de escultura y diseño que llevó su nombre por casi una década. Luego de haber educado a decenas de alumnos, aceptó fusionar la escuela con la Facultad de Artes del reconocido Instituto Tecnológico de Rochester, en donde hoy sigue dictando clases. La vida de Wendell Castle siempre ha sido activa. Además de su trabajo como diseñador, escultor y profesor, ha incursionado de manera empírica en la arquitectura, el diseño gráfico y el dibujo. Para Cindi Strauss, curadora del Museo de Bellas Artes de Houston, «Wendell siempre ha encontrado la manera de reinventarse durante su extensa carrera. Su obra es una reivindicación del hombre artesano». Esta concepción compleja del arte le ha permitido crear una obra que se intersecta con las diferentes
corrientes creativas contemporáneas. Y es por esto que su obra ocupa hoy lugares de privilegio en las colecciones permanentes de museos de todo el mundo, como el MoMA y el Metropolitan de Nueva York, el Art Institute de Chicago, y el Design Museum de Gent, en Bélgica, entre muchos otros. También ha construido dieciocho esculturas que se levantan en plazas y parques de diferentes ciudades de Estados Unidos. Hace dos años, el Instituto Tecnológico de Rochester le concedió un Doctorado Honoris Causa por su contribución al desarrollo creativo e intelectual de su comunidad. Son pocos los artistas que ven en vida este tipo de logros. Por eso sorprende que cuando se le pregunta por su legado, él prefiere mantener la conversación en el presente. Para él, el mundo gira alrededor de los bocetos que tiene encima de su mesa y no en las reseñas del futuro. Para Jane Adlin, curadora asociada del Museo Metropolitano de Nueva York, «Wendell es una versión contemporánea del hombre renacentista, un ser con una creatividad y una habilidad artística única que siempre está pensando en crear cosas nuevas». Wendell Castle dice, como epílogo de la conversación, que siempre piensa como si estuviera dibujando. Quizás por eso esta entrevista quedaría mejor escrita en un cuaderno de bocetos, y en vez de palabras, en ella habría dibujos, números y recortes de fotografías antiguas. Todo sería hecho a mano, como el cuaderno de un viejo carpintero. «Jamás me verán diseñar desde el computador. Siempre trabajaré con mis manos». Unas manos que son la extensión de una mente joven atrapada en el cuerpo de un hombre de 81 años.
DISEÑO ES UNO
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* Consultora de arte decorativo. Su galería en Nueva York es punto obligado de artistas y coleccionistas. cristina@cristinagrajalesinc.com
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El Amazonas en Nueva York
El pasado 7 de noviembre presentamos una de las exposiciones más ambiciosas en la historia de nuestra galería. Se trató de la apertura de la exhibición Voyages/Explorations, basada en el nuevo trabajo del arquitecto colombiano Jorge Lizarazo y su atelier Hechizoo. La fiesta de apertura fue intensa. Afuera había una larga fila de personas que querían entrar a ver las obras inspiradas en el Amazonas colombiano. También llegaron clientes de Alemania, Canadá, Los Ángeles, Maine, y por supuesto muchos amigos de Colombia. Por parte de la prensa, estuvieron presentes los críticos de arte de medios como el New York Times, Wall Street Journal, Architectural Digest, Wallpaper, Elle Decor, Art & Auction, y muchos otros blogueros que desde entonces han escrito reseñas favorables de la exposición. También nos acompañó Ambra Medda, fundadora de L’A rco Baleno y de la feria Design Miami, e importantes curadores de instituciones como el Museo de Arte y Diseño y el Cooper Hewitt de Nueva York. El apoyo de la gente de Colombia fue notable. Sin querer ser injusta con todas las personas que nos colaboraron en nuestro país, quisiera destacar el trabajo de Mónica Hoyos, una de las propietarias del restaurante Astrid y Gastón de Bogotá, quien se mudó a Nueva York durante la semana previa para ayudarnos con el montaje de la exposición.
Las obras de Jorge transformaron la sala fría e industrial de la galería en un paisaje característico del Amazonas. Esa noche, los visitantes se transportaron a un universo tropical gracias a una inteligente reinterpretación de la selva que el artista creó por medio de un nuevo paisaje artificial inspirado en la flora y la fauna nativas. Rodeado de alfombras, tapices y objetos escultóricos construidos a mano por artesanos colombianos, el público caminó por un entorno parecido al de las expediciones botánicas del siglo XIX. Además de rendir un homenaje al paisaje amazónico, Voyages/Explorations exalta la cultura ancestral de las comunidades indígenas nativas. Esta exhibición marca un punto importante en la historia de Hechizoo. Jorge Lizarazo está tomando cada vez más riesgos para extender al límite las posibilidades de los textiles, incorporando nuevas técnicas de tejido y materiales que ofrecen un resultado cada vez más inesperado.
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ALTA MODA Retrato de un cazador urbano Zapateros y zapatos 12 zapatos para 12 amantes Las mudSd UV >`fZd HfZ每`_
Foto
Cortes铆a Julian Boudet
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Julien Boudet
Vanessa Rosales, Nueva York Fotos cortesía Charles Roussel / Julien Boudet / Wataru Shimosato
Por Fotos
Retrato de un cazador urbano Julien Boudet es un fotógrafo de estilo que, desde Nueva York, intenta capturar «el momento decisivo» de la moda en las calles, afuera de las pasarelas y para sellos como Dior Homme y Louis Vuitton… Historia de una vocación callejera.
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Algunas escenas para iniciar. Individuos vestidos de negro caminando por las calles de Nueva York. El mar azul profundo de Sète, al sur de Francia. Un hombre oculto detrás de una cámara, su rostro coronado por un sombrero negro, pantalones holgados de cuero, chaqueta de piel para combinar, botas pesadas y el brillo de un arete largo en forma de cruz que atraviesa una de sus orejas. Imágenes tan nítidas como la realidad que muestran la forma en que unos zapatos de tacón se mueven sobre el asfalto, cómo luce el rosa azucarado con una chaqueta tipo motociclista, la muñeca de una mujer con su mezcla peculiar de anillos y pulseras. La espalda de una chaqueta saturada en ornamentos, el gesto de unas piernas acompañadas por una cartera amarilla Chanel, que descienden por las escaleras. Domingo en Nueva York. El ocaso espeso y violeta. El hotel Soho Grand. El hombre que está frente a la entrada es Julien Boudet, habla en francés por teléfono celular y viste enteramente de negro. Para algunos, el negro es una especie de uniforme, una vestimenta que expresa poca emotividad. Para los japoneses, vestirse de negro significa velarse, proteger la identidad, un gesto de ocultamiento, o «la reina» de los colores –«black is the queen of colors», black, con connotaciones femeninas en inglés–, como lo declaró un pintor, en el siglo XIX. Pero una inspección cercana puede revelar el grado de individualidad que permite esta oscuridad de lujo y detallismo que celebra la virtud del diseño. El negro, usado en su totalidad, puede ser una forma de celebrar con discreción la majestuosa calidad que puede haber en siluetas y materiales. Los pantalones de Boudet tienen forma tipo harén, con esa estética que domina las escuelas vanguardistas de diseño asiático o belga. La camisa, cerrada hasta el último botón, alcanza la mitad de las piernas. El sombrero que combina tiene el ala ancha. Una cadena de Martin Margiela cuelga del bolsillo del pantalón. En los dedos hombrunos brilla un anillo en forma de león, otro tiene una incrustación de ónix. En la simpleza de la primera impresión se oculta un gusto detallista y consciente en la combinación.
BWi _c}][d[i Z[ 8ekZ[j h[Õ[`Wd kdW capacidad para expresar, de forma Z_h[YjW" [b c bj_fb[ i_]d_ÔYWZe Z[b [ij_be y la belleza.
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Es cierto que Nueva York tiene un romance con el color negro. También que en sus aceras abundan las criaturas bien vestidas. Pero aunque la apariencia de Boudet es llamativa y sorprendente –con elementos de cuero, vanguardia asiática, simplicidad belga y matices urbanos de Hip-hop–, su aspecto es, de cierta manera, secundario. Boudet es el hombre detrás de la cámara digital, el cazador de criaturas que protagonizan imágenes de moda para las cuales nuestros ojos, habituados a las pantallas, están entrenados. Vivimos en un mundo donde podemos acceder a cómo lucen las criaturas bien vestidas de Nueva York. También las de Tokio y Copenhague. Un mundo donde nuestro gran contexto espacial es la red. Un mundo de geografía digital. Desde casa, los límites geográficos se deshacen; somos espectadores del universo: de lo que llevan las chicas en Ámsterdam, de lo que está pasando en las tendencias en Seúl, de cuál es la silueta imperativa entre las barcelonesas. Un clic, una fotografía instantánea, una página acertada y podemos enterarnos, rápida-
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mente, de los estilos predominantes alrededor del globo, que surcan la gran plataforma digital. Para los seguidores más dedicados de la moda, un tipo de información en extremo valiosa y de las más deseadas es saber lo que tiene puesto la manada más exclusiva a las afueras de las grandes pasarelas. El fácil acceso a estas escenas las ha vuelto naturales y cercanas, un componente evidente en el lenguaje visual de la moda contemporánea –aun cuando quienes las vean sean chicos o chicas en Colombia o Indonesia; es decir, individuos desconectados de París y Milán–. Boudet es uno de los creadores de estas imágenes. Uno de los que espera afuera de Lincoln Center, durante la gran Semana de la Moda, rápido y preparado, perdido entre la tribu de disparadores con cámaras en mano que retratan el dinamismo afuera de los shows. El que corre detrás de la mujer de piernas largas, con el cuerpo envuelto en un abrigo
La NSS Magazine, de Italia, asignó a Boudet como corresponsal en Nueva York; Louis Vuitton lo convocó como realizador de las imágenes que combinan performance y vitrina. Dior Homme solicitó también su mirada \eje]h}ÔYW$
fabuloso y opulento; en París, antes del show de Rick Owens, o después de la pasarela de Céline. El que consigue captar el detalle de un estilismo transgresor. El que capta con minucia los zapatos extravagantes de una de las editoras más adoradas de la industria. El que revela la imaginación para mezclar y combinar los detalles de alguna mujer joven en las calles de Brooklyn o Tokio. Tal vez, por eso la apariencia de Boudet es esencialmente simplista, un juego de formas y oscuridades, una celebración de negro y siluetas depuradas, una forma de velarse a la hora de captar el espectáculo vibrante de la moda en las calles.
ESTILO CALLEJERO Boudet, que vive hace media década en Nueva York, nació en 1985, lejos de los predios de la alta moda, en Sète, un pueblo francés en la costa de Languedoc. Su padre sostenía un trabajo en el puerto, su madre practicaba la enfermería. Como en la mayoría de los pueblos pequeños, la familiaridad entre vecinos era una convención y las actividades de los jóvenes transcurrían al aire libre. Boudet leía ficción, jugaba fútbol, escuchaba Hiphop francés. Cuando tenía ocho años, su padre, a bordo de una motocicleta, murió súbitamente. En el verdor de los campos de Languedoc y en los azules mari-
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nos de Sète, no había para Boudet un paisaje desde dónde adquirir los gustos estéticos y las prácticas que hoy lo definen. La quietud de los pueblos pequeños suelen incitar, como mucho, sueños febriles de futuros en destinos cosmopolitas. Pero la relación de Boudet con la fotografía tiene sus orígenes en un punto muy preciso: la cotidianidad del hogar que se convierte en un escenario inconsciente. El padre mantenía, a la vista de su esposa y dos hijos, todo un equipo de fotografía que permanecía punzante en la memoria de Boudet. La fotografía era para el padre una pasión que acariciaba tangencialmente en los escasos ratos libres que permitían las labores en el puerto. Una Pentax análoga de 35 mm, un set de lentes, impresiones en papel y un compendio de libros. Boudet, sin embargo, llegó a los dominios de la estética de otra manera: cuando hacía viajes en tren con primos y amigos a Montpellier a comprar zapatos Von Dutch, a hacer pericias en patineta con la tribu urbana que
escuchaba Hip-hop local y sonidos electrónicos emergentes. Entre esos clanes urbanos, coqueteó con el grafiti, aprendió las artes espontáneas y urbanas del break dance, adquirió una forma de vestir adepta para situaciones de andanza y movimiento que implica ese tipo de experiencia en la ciudad. Aunque a los dieciocho años, cuando con poca certidumbre de lo que dictaban sus deseos, Boudet ingresó a la universidad en una carrera de negocios, su estampa vital era ya callejera. Tal vez por eso La Haine, un film de 1995 que cuenta la supervivencia de tres jovenzuelos en las calles agrestes de Francia, resuena en sus fotografías, con sus escenas urbanas en blanco y negro. El régimen de gustos e influencias de Boudet es, como el de muchos individuos de hoy, de
naturaleza ecléctica. En el pecho, debajo del cuello, lleva tatuada la frase epónima «New York State of Mind»; sobre el corazón se leen las palabras «une femme seule» (una mujer solitaria), en alusión a su madre que crio a Boudet y a su hermano y quien nunca volvió a casarse. Sobre el antebrazo derecho están las palabras «les copains d´abord» (los compañeros primero), como la canción del músico Georges Brassens, cuya melodía retiene el clasicismo francés y su lírica habla sobre la importancia de la amistad. En el brazo izquierdo, sobre la masa de músculo de un hombre atlético, está el rostro de su padre y un subtítulo con su apellido. Luego de cinco años estudiando negocios, la certidumbre aún evadía a Boudet. Tal vez por ser un individuo habituado al instinto,
PARA LOS SEGUIDORES MÁS DEDICADOS DE LA MODA, UN TIPO DE INFORMACIÓN EN EXTREMO VALIOSA Y DE LAS MÁS DESEADAS ES SABER LO QUE TIENE PUESTO LA MANADA MÁS EXCLUSIVA A LAS AFUERAS DE LAS GRANDES PASARELAS.
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El género de fotografía de moda callejera, tan familiar para quienes siguen la moda, es un fenómeno que inició en los 80. La resaca cultural del punk, con iki Ôbeie\ Wi Z[ ½^Wpbe# j #c_ice¾ o ik Z[\[diW feh be ½Wkj dj_Ye¾" motivó que revistas inglesas como The Face Ô`WhWd bW c_hWZW editorial en la manera de vestir de las personas reales en las calles, con lo que se distanciaba de la perspectiva usual en las pasarelas, ceZ[bei o [Z_jeh_Wb[i oW producidas.
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Boudet comenzó a capturar la acción en las calles neoyorquinas y descubrió el jugoso material a las afueras de las pasarelas. Se aventuró a los exteriores de Lincoln Center, viajó por sus propios medios a París y creó bleumode.com.
a la aventura de la calle, uno de sus rasgos más notorios es la aparente simpleza en sus razonamientos. Al terminar, decidió viajar a Nueva York, donde lentamente, mientras trabajaba en restaurantes, aprendió inglés. Los efectos de una de las urbes más hostiles y deslumbrantes de la tierra movieron en él un deseo de quedarse. Desde su llegada, combinando los resultados de una cámara digital y la herencia análoga de su padre, Boudet acogió la fotografía como una forma de narrar visualmente su nueva vida, para amigos y familiares.
EL MOMENTO DECISIVO Cuando el acto de fotografiar fue encontrando la semilla que tal vez y de manera inconsciente había sembrado su padre, Boudet experimentó la certeza de la vocación. Analizó también un desplazamiento importante: la nueva vanguardia artística palpita hoy, según él, en Nueva York, y no en París, como dictaban los mitos. Se inscribió en Parsons The New School for Design. Inició el programa en fotografía.
Alguna vez, explorando las teorías de su arte en una biblioteca, Boudet tropezó con la presencia de Henri Cartier-Bresson. En la década del 50, Cartier-Bresson irrumpió en la escena fotográfica con un estilo realista que capturaba, en tomas de blanco y negro, instancias callejeras, momentos cándidos, escenas de la vida cotidiana. Detrás de cada imagen se escondía lo que él mismo definiría como el «momento decisivo», un instante tremendamente preciso en que el inventor de la fotografía, apuntando con la cámara, ve la unión de todos los puntos que suman la imagen que imagina. El «momento decisivo» es ese momento en que la forma se transforma en significado. Poseído por esta idea, Boudet comenzó a capturar la acción en las calles neoyorquinas. Pronto descubriría el jugoso material a las afueras de las pasarelas. Se aventuró a los exteriores de Lincoln Center. Viajó por sus propios medios a París. Creó bleumode.com –nombre que significa «moda azul», en alusión a su crianza marítima en Sète–. Su trabajó circuló: de Italia, la revista NSS Magazine lo asignó corresponsal en Nueva York, también lo envió a París. Louis Vuitton lo convocó como realizador de las imágenes que combinan performance y vitrina. Dior Homme solicitó también su mirada fotográfica. Hace unos meses surgió una colaboración en Tokio. Abandonó la escuela, aplicó y ganó una visa de artista. Este género de fotografía de moda callejera, tan familiar para quienes siguen la moda, es un fenómeno que inició en los 80. La
resaca cultural del punk, con sus filosofías de «hazlo-tú-mismo» y su defensa por lo «auténtico», motivó que revistas inglesas como The Face fijaran la mirada editorial en la manera de vestir de las personas reales en las calles, con lo que se distanciaba de la perspectiva usual en las pasarelas, modelos y editoriales ya producidas. Las imágenes, acompañadas de leyendas que indicaban qué usaba el individuo en cuestión, qué música oía y a qué se dedicaba o cuál era su filosofía de vida, se volvieron recurrentes y altamente familiares, hasta que el mismo sistema de la alta moda lo adaptó. En la primera década del 2000, el género renació bajo el contexto de la era de Internet. En 2006 nació el célebre blog Facehunter, casi al mismo tiempo que otro de los más célebres en el género, The Sartorialist. Ambos blogs popularizaron la idea de retratar la acción estilística en las calles de las grandes ciudades, argumentando, a través de sus diarios visuales, que la moda callejera tenía un destello de espontaneidad e ingenio que valía la pena observar e imitar. Siete años después, la fotografía digital de estilo callejero es ubicua –está incrustada en blogs de toda índole, en las revistas, en el argot de la moda contemporánea, en el mundo editorial comercial. Hay fotógrafos como Tommy Ton que reportan para style.com lo que mezclan, escogen y combinan las mujeres de vestir alucinante durante las grandes semanas de la moda globales. No es extraño que Boudet, cuya propia biografía ha sido una tradición de experiencia callejera,
terminara ejerciendo su mirada fotográfica combinando la acción de la calle con la estética sofisticada. Una breve retrospectiva describe lo que parece ser una evolución: de la vida inquieta de jovenzuelo jugueteando en los exteriores de Sète, al joven con onda patinando y bailando en las calles de Montpellier, al fotógrafo neoyorquino siempre en movimiento sobre las aceras. La fotografía de Boudet tiene claros elementos de este género, reconocido ampliamente como street style. Sus imágenes nos acercan con extraordinario detalle a lo que llevan quienes tienen la destreza para componer vestimentas interesantes. Son imágenes de gran realismo, hechas para el embrujo cotidiano de pantallas en computadores y celulares. Imágenes de gran resolución, conectadas con el mundo digital que habitamos, imágenes que reflejan una capacidad para expresar, de forma directa, el múltiple significado del estilo y la belleza. En el discurso visual de Boudet hay algo más que el destello de cómo luce un bello look o el aspecto de un insider de la moda. La fotografía de Boudet demuestra su sensibilidad callejera, sus ojos urbanos. Una chaqueta juega con el fondo de una pared desgastada. Un estampado coordina juguetonamente con una cebra de tránsito. Si hay algo que refleja este «momento decisivo» de la moda contemporánea, es que la moda es un elemento vivo y ubicuo de la vida actual, que las superficies son de importancia, y que en el paisaje visual de la urbanidad posmoderna hay formas de poesía.
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Zapateros y zapatos Por
Juliana Bedoya
Maestros zapateros, dignos de estar en los mejores museos.
FERRAGAMO, EL ZAPATERO PRODIGIOSO Lecciones aprendidas de otros zapateros y un viaje a un país lejano donde los zapatos tienen poderes fascinantes y misteriosos son componentes de la historia del zapatero italiano Salvatore Ferragamo que se presentan en el Museo Ferragamo, de Venecia, en la exposición El Zapatero Prodigioso: Cuentos y Leyendas de Zapatos y Zapateros. El objetivo de esta exhibición, que va hasta marzo de 2014, es exhibir, a través de los ojos de artistas en diferentes áreas, la vida y obra de Ferragamo y las historias y mitos que desde siempre han rodeado a los zapatos, con cuentos infantiles, cortometrajes, esculturas y fotografías.
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Ferragamo Shoe Obsession Helman Delman Christian Louboutin
SHOE OBSESSION, LA FASCINACIÓN POR LOS ZAPATOS Convertir algo tan básico como un zapato en una obra de arte es un logro de pocos. El Fashion Institute of Technology de Nueva York reunió a comienzos de este año en una sola exposición a los mejores artistas zapateros de este siglo con más de 150 piezas únicas. Desde las diseñadas por grandes como Givenchy, Manolo Blahnik o Alexander McQueen, hasta zapatos que para muchos resultan imposibles de usar, como los diseñados por Noritaka Tatehana para la excéntrica Lady Gaga en 2012.
HELMAN DELMAN, ZAPATOS DE LEYENDA Delman fue el primero, a principios del siglo XX, en convertir un objeto de primera necesidad en un producto de lujo que marcaba el prestigio de las mujeres. Su maestría, que se pudo apreciar en la exposición Scandal Sandals & Lady Slippers (Fashion Institute of Technology Museum de Nueva York en 2010), consistía en convertir piezas únicas en productos para todas. Las famosas scandal sandals, por ejemplo, fueron diseñadas originalmente para la bailarina de tango Irene Castle, pero se transformaron en las sandalias amarradas al tobillo escandalosamente provocativas, encanto al que sucumbieron figuras de la época como Jacqueline Kennedy. O los zapatos de rubíes que usó la reina Isabel II el día de su coronación, otro ícono de la época que, sin las joyas fueron calzadas por miles de mujeres.
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De zapateros y zapatos
Ferragamo Shoe Obsession Helman Delman Christian Louboutin
CHRISTIAN LOUBOUTIN, EL ARTISTA DE LA SUELA ROJA Louboutin es el francés que traspasó los límites del diseño de zapatos y ha llevado la alta moda a otro nivel. Sus obras de arte, marcadas por la ya icónica suela roja, se presentaron en el Design Museum de Londres, en 2012, y en el Museo de diseño de Canadá, a mediados de este año. Desde sus famosos stilettos hasta las botas con cordones, cada pieza de la exposición es un paso por veinte años de ingenio en el que se unen la creatividad y el encanto. Veinte años que han perfeccionado el proceso creativo desde que el maestro bosqueja su idea en el papel hasta la obra de ingeniería que resulta su elaboración.
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Moda entre murallas La nueva tienda de Le Collezioni en la antigua Cartagena.
Juntar historia y modernidad nunca ha sido sencillo. Por eso cuando aparece un proyecto que busca restaurar y reconstruir un espacio de cientos de años, resulta todo un desafío. A eso se enfrenta hoy, en Cartagena, la firma Mínima Arquitectos que tiene a su cargo la remodelación de la casa El Estanco del Tabaco. En un área de 650 metros cuadrados, el remodelado Estanco del Tabaco, será la nueva sede de la boutique Le Collezioni y albergará marcas de la talla de Harmont & Blaine, Hackett London, Le Collezioni, Ermenegildo Zegna, Salvatore Ferragamo, Michael Kors y Le Collezioni Donna. En este proyecto el reto ha sido doble, pues los arquitectos no solo han tenido que respetar los espacios y la arquitectura pro-
pia del lugar, sino que conjugaron lo que ya ofrece el Estanco con la imagen corporativa que proyecta cada una de las boutiques que conforman la tienda. Un tema nada sencillo si se tiene en cuenta que muchos de los lineamientos y asesorías vienen directamente de las casas matrices de cada una de las marcas. Con la apertura de este nuevo centro de lujo, Cartagena se pone al nivel de otros grandes centros turísticos del mundo, reconocidos por sus calles y distritos de alta moda. De hecho, las tiendas que compartirán espacio en esta construcción histórica se encuentran presentes en muchos de estos lugares, es el caso de Hackett London, que acaba de abrir su tienda en Bond Street de Londres, o la de Ermenegildo Zegna en la exclusiva vía Montenapoleone de Milán.
Además, el proyecto se equipara a otros similares de las más grandes casas de moda, al utilizar grandes espacios llenos de historia y tradición. Es el caso de la boutique de Ralph Lauren en Moscú, ubicada en el distrito de compras de Tretyakovsky, en un edificio histórico cuya fachada en ladrillo esculpido recuerda el famosísimo Kremlin. Le Collezioni llega a ocupar este lugar de arquitectura colonial para unirse a otras tiendas de lujo y diseñadores que han decidido brindar sus servicios en Cartagena, una de las ciudades con más crecimiento del país. Los turistas que llegan a la ciudad amurallada son cada vez más exigentes, lo que la hace un excelente mercado para este tipo de proyectos de lujo.
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12zapatos para12amantes El artista y diseñador chileno Sebastian Errazuriz presentó durante la Feria Art Basel de Miami su nuevo proyecto de calzado experimental, hecho para la marca brasileña Melissa. La colección, fabricada en plástico, se construyó a través de una técnica de impresión en tres dimensiones. Estas piezas inspiradas en la historia íntima entre el artista y 12 de sus amantes del pasado, difuminan la frontera entre el arte y el diseño.
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Noviembre 19 1/12 Natasha se quitó la chaqueta y se arrodilló en la cama. —“Seb, te hice galletas”. Se quitó la camisa. —“Pobrecito, ¿cómo está tu pierna?” —“Todavía me duele un poco”—, sonreí avergonzado, mientras simulaba estar adolorido. —“¿Puedo hacer algo por ti?”—, me sonrió, mientras saltaba en un pie y se quitaba los pantalones. Tenía un cuerpo increíble. Lo hicimos. Ella cocinó. Ella limpió todo. Cuando me dormí, me dejó una galleta junto a la cama, dibujó un corazón y se fue a su casa silenciosamente. Natasha me cuidó mientras estuve en cama; nunca he conocido a otra mujer que fuera más feliz cuidando a un hombre. Tan pronto me recuperé, terminé con ella. No estaba acostumbrado a que me trataran tan bien.
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Noviembre 20 2/12 Alexandra apareció llorando en mi puerta. Estaba lloviendo, estaba empapada, temblaba. “Seb, ¿puedo dormir contigo esta noche?”. Murmuró algo acerca de haber terminado con el “imbécil de su novio”. Le preparé sopa mientras tomaba una ducha caliente. Alexandra estaba feliz nuevamente. Me miró amorosamente y se me tiró encima. Me besaba y mordía, me empujaba y jugaba. En segundos terminamos en medio de una relación sexual entre el odio y la reconciliación, de la que yo era claramente el beneficiario gracias al “imbécil de su novio”. Caímos exhaustos y ella comenzó a llorar. La abracé y le dije que todo iba a salir bien, sintiéndome raro por estar en la cama con una mujer que lloraba por otro hombre. En la oscuridad, Alexandra continuó llorando y enviando mensajes de texto a su ex durante el resto de la noche. Ensayé buscar un nuevo encuentro, pero claramente yo no le importaba. Ya no le importaba nadie más que el “imbécil de su novio”.
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Noviembre 21 3/12 Estacioné mi auto fuera de la casa de mi novia. Un Porsche azul se estacionó a mi lado, Alison se bajó de él. —“Mi jefe se reía, dice que es curioso como todos los artistas quieren tener un carro viejo y destartalado”. Alison trabajaba como reportera en una estación de televisión. Era hermosa, la cámara la adoraba, y aparentemente también su jefe... Alison me agarró una nalga. —“Ven conmigo, mi pobre artista muerto de hambre”. Enojado, me metí en la cama. Hicimos el amor duro y largo, pero yo no estaba en ello; solo quería probarme en la cama por todo lo que no le podía comprar. —“Seb, todas mis amigas van a viajar a Brasil invitadas por sus novios”. —“Sabes que ahora no puedo pagarlo, por favor espera un poco. Te prometo que algún día me irá bien”. Alison no quiso esperar. Aparentemente, su jefe tampoco.
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Noviembre 25 5/12 Cuando Sophie caminaba por la pasarela yo me sentía como el chico que había recibido el Lamborghini, cuya foto tenía colgada en la pared de su habitación. Era tan alta que acostado en la cama realmente tenía que estirar los brazos para cogerle las nalgas. La primera vez que tuvimos relaciones sexuales se acostó en la cama y no se movió. No dijo una palabra. En la cama me esforzaba por hacer valer el lugar que, cuando nos veían los demás, pensaban que no merecía. Después de un tiempo me gané mi lugar, y alcancé a seducirla un poco.
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Noviembre 26 6/12 “Qué lindo color, Sr. Errazuriz”, se reía Caroline, mientras acariciaba la corbata de mi padre durante el matrimonio de mi primo. «Deja de jugar con la maldita corbata», pensaba yo. “¿No sabes que jugar con la corbata de un hombre es como jugar con…?”. Caroline era una bomba sexual en un vestido rojo diminuto, bailaba como si tuviera que bailar para pagar sus estudios. Podía sentir las miradas desaprobadoras de las mujeres, pero me enfocaba en la envidia de los hombres. Abandonamos la mesa a la mitad de la cena para ir al jardín a hacer el amor. Cuando regresamos era como si tuviéramos un cartel que dijera “Acabamos de hacerlo”. Los envidiosos y las desaprobadoras nos odiaban. Incómodos y avergonzados, bebimos hasta que dejó de importarnos. Caroline terminó haciendo una escena y terminamos tropezándonos y cayendo en medio de la pista de baile. Mi traje se rasgó y ella perdió una tiranta de su vestido, mientras estábamos tendidos en el suelo, heridos y apenados, la multitud nos rodeó para avergonzarnos aún más. Yo era adicto a Caroline y ella era adicta a la atención. Hasta donde entiendo, Caroline me fue infiel a mí y a todos los demás hombres con los que estuvo.
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Noviembre 28 8/12 Siempre fue incómodo tener relaciones sexuales con Rachel. Nunca sabía cuándo debía entregar o tomar el poder. Era como jugar con una bomba sin saber cuándo iba a explotar. Era una feminista de línea dura, pero en la cama aparentaba ser una niña pequeña, o se ofrecía para hacer striptease, o a que yo le diera palmadas en el trasero. Si al día siguiente le llevaba flores me daba un discurso de una hora, acerca de lo machista que es llevarle flores a una mujer. Nunca sabía qué esperar. Cuando un día apareció utilizando mis calzoncillos nuevos, me vi obligado a decidir si quería utilizar sus calzones o ir a casa por otro par y escapar. La última vez que la vi estaba muy coqueta y sensible. Le di una palmada juguetona. Ella ronroneó. Y luego –mi error– le di otra palmada juguetona. Me pegó tan duro que casi caigo al suelo.
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Noviembre 29 9/12 Josepha me cogió la pierna por debajo de la mesa. Se veía guapísima. —“Sabes que mi padre tiene un avión. Casi nunca lo usa”—, me susurró. Su padre es un hombre importante. Estoy seguro de que la familia tiene varios aviones. —“¿Te dije que tenemos una casa vacía en París que sería perfecta para tu estudio de arte?” Josepha regresó del baño, yo ya había pagado la cuenta. —“Seb, perdí las llaves de mi apartamento. ¿Podemos ir al tuyo?” —“Pero ustedes son los dueños del edificio. Seguro que el casero tiene una llave de repuesto”. Permanecí en silencio durante todo el viaje en taxi. Entre más me trataba de convencer de la vida que llevaríamos juntos, menos guapa me parecía. Cuando llegamos a mi diminuto apartamento, recuperé mi dignidad. —“Lo siento Josepha, pero no puedo acostarme contigo”—, dije, sintiéndome estúpido. —“Puedes dormir en mi cama, pero no pasará nada”. Josepha lo intentó a la mitad de la noche. Aparenté estar dormido y la ignoré. A la mañana siguiente se fue iracunda en una camioneta negra que llegó a recogerla.
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Las musas de Louis Vuitton Fotos
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Ellas son las mujeres que durante décadas han inspirado a la casa francesa con audacia y espíritu de libertad.
EUGENIA DE MONTIJO LA DAMA DESTACADA DE UNA NUEVA ERA
CATHERINE DENEUVE EL ESPÍRITU LIBRE DEL CINE Nacida en una familia de artistas franceses, Catherine Deneuve aparentemente no había reparado en su belleza hasta que su hermana le sugirió la posibilidad de una carrera como actriz. Su éxito fue inmediato. De Buñuel a Polanski, los mayores cineastas del mundo la han convocado para roles que han dejado una marca en el mundo del cine. Es clienta leal de Louis Vuitton y afirma que la Monogram la cautiva por sus conexiones asiáticas. Su cartera Speedy la ha acompañado en sus aventuras cinematográficas en la década de 1960 y 1970. En 2008, se convirtió en la cara de la campaña Core Values.
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Fue su excepcional belleza la que cambió el destino de Eugenia de Montijo. La andaluza conquistó el corazón del Emperador Napoleón III a primera vista, a pesar de su reputación de ser un hombre de acero y de sangre fría. La emperatriz Eugenia, por rápida conversión, utilizó a María Antonieta como su modelo para crear a su alrededor una corte brillante y fascinante, la más deseada de Europa. Ella eligió personalmente a Charles Garnier para diseñar la Ópera de París, siguiendo su construcción con entusiasmo, y patrocinó a diseñadores de moda, lo cual originó el nacimiento de la Haute Couture. Como casa de verano, la emperatriz decidió construir un palacio en Biarritz, una pequeña aldea pesquera en donde había vivido un tiempo en su niñez. Ella contribuyó para que se convirtiera en el balneario más popular de Francia para la alta sociedad, en donde se juntaba todos los veranos con su mejor amiga, la reina Victoria. Eugenia descubrió una pasión por viajar y siempre estuvo acompañada por sus maleteros de Louis Vuitton, protegiendo sus finos vestidos, artículos de tocador y efectos personales.
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SOFIA COPPOLA EL OJO DE UNA GENERACIÓN Si el cine corre por sus venas, su ojo está claramente influenciado por la moda. Las películas de Sofia Coppola han establecido su propia estética única, cercana a la misma femineidad, ya sea en Las Vírgenes Suicidas, Perdidos en Tokio o María Antonieta. Es una fusión perfecta de lujo discreto y vitalidad juvenil. Como amiga íntima y musa de Marc Jacobs, a quien conoce hace veinte años, la directora ha mantenido una estrecha relación con Louis Vuitton desde que el diseñador llegó a la casa, convirtiéndose en la inspiración para la colección de viajes en 2008. En 2009, la marca la invitó para crear la cartera perfecta. Como resultado, la cartera SC se convirtió en un éxito rotundo.
FRANÇOISE SAGAN LA ENFANT TERRIBLE LITERARIA Todo lo hizo rápido: escribir, conducir, lograr el éxito, vivir, ni siquiera su matrimonio duró. Su pasión por la vida la hizo destacarse entre los conformistas y burgueses de la década de 1950. Françoise Sagan, a la temprana edad de 19 años, publicó su primer bestseller, Bonjour Tristesse, seguido de una serie de otras publicaciones que llegarían a vender más de 30 millones de copias. Fue incapaz de controlar su inconsiderable riqueza. Ganó y perdió fortunas en el casino, y hasta llegó a poder
comprar la mansión que alquilaba en una noche, al ganar 8 millones de francos un 8 de agosto, apostando en la ruleta al 8, su número de la suerte. Manejó sus amados Jaguares, Maseratis y Aston Martins, precipitándose por la noche. A cualquier lugar que iba, Sagan siempre llevaba su Keepall de Louis Vuitton, la cual lanzaba alegremente en la parte trasera de su auto antes de partir. Tenía muchas, y se las regalaba a sus amigos desprevenidos.
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Las musas de Louis Vuitton
KATE MOSS LA BELLEZA COMO LIBERTAD ¿Cómo podría sospechar Sarah Doukas, la agente que descubrió a una Kate Moss cuando tenía catorce años, que la noción de la belleza femenina cambiaría para siempre? Pura, femenina, infantil y con una cara que es quizá la más cautivante de los últimos veinte años. Su combinación única de inocencia y experiencia ha inspirado a artistas como Marc Quinn o Lucian Freud. A diferencia de otras modelos, Kate Moss no solo usa ropa y accesorios, los reinventa. Amiga íntima de Marc Jacobs, Kate aporta su presencia única a la pasarela de Louis Vuitton y a la atmósfera de la casa.
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SCHARLOTTE PERRIAND IDEALISTA DE VANGUARDIA Charlotte Perriand se destacó entre sus contemporáneos en el dinámico mundo del diseño, inclusive a la temprana edad de 24 años, en la feria de París de 1927. Incorporó piezas metálicas, su obra se percibió como una revolución en el mundo del diseño. Llamó la atención de Le Corbusier, quien se asoció con ella para diseñar piezas que se convertirían en íconos del siglo XX. El color y la modulabilidad eran primordiales para ella, lo cual la llevó a crear diseños de mobiliario que triunfarían en todo el mundo. Aún es considerada una de las más respetadas fundadoras del diseño de interiores contemporáneo. En 2014, Louis Vuitton le rendirá tributo creando un baúl con piezas coloridas e intercambiables.
EL CAMINO DEL LUJO
Por Carlos Ferreirinha* con colaboración de Roberto Jurgielewicz
* Presidente de MCF Consultoría & Conocimiento, firma con sede en São Paulo especializada en herramientas de gestión de la innovación del negocio del lujo en América Latina, Angola y Portugal. www.mcfconsultoria.com.br
Adaptación bajo medida
¿Cuánto cuesta un traje masculino digno? ¿Y si hablamos de piezas exclusivas, hechas a la medida con telas finas y artesanía cuidadosa? Para algunas personas este tipo de trajes están de moda, van y vienen. Para otros, especialmente en las salas de reuniones y oficinas de las grandes empresas, el traje jamás ha desaparecido. Hoy y siempre, un traje bien hecho no es solo un accesorio crucial, es también un mensaje sutil que distingue al hombre como una persona de criterio y buen gusto. Como resultado, los trajes se alejaron de ser «uniformes» y se han convertido en una expresión individual de estilo. También cambió la forma de comprarlos y los tiempos en los que se utilizan. En el siglo pasado, los hombres de todas las clases y carreras llevaban traje y corbata. En la actualidad, son más selectivos acerca de cuándo y dónde usarlos. En Francia, la cuna de la alta costura de las mujeres, el mercado de la sastrería de lujo corre el riesgo de desaparecer. Los números de la Federación de Maestros Sastres de Francia impresionan. Ellos estiman que actualmente solo hay 300 de los más de 10.000 profesionales que existían en el país en 1981. Los problemas relacionados con la falta de mano de obra calificada también deben generar preocupación. Con una edad promedio entre 60 y 70 años, el 80% está cerca de retirarse. Pero una nueva generación de clientes masculinos, que comienza a revertir la tendencia, contribuyen a un aumento de la demanda de diseños únicos y a la medida. Además de la búsqueda de placer personal, les gusta la moda, están muy bien informados y educados e incluso tienen cada vez más interés por su aspecto general. La vanidad es clara y la preocupación por la imagen es una realidad. En Brasil, no ha habido nunca nada
equivalente a Savile Row. Esta calle de Londres, meca de los sastres de lujo, muchos con el sello de calidad para La Familia Real, desde mediados de la primera década de 1800, es el lugar de elaboración de los trajes militares de la realeza. En São Pablo, con una carrera de más de 27 años, Ricardo Almeida es un nombre estrella que solo atiende en su estudio con cita previa. Entrega información de moda y estilo, y dice que «en un traje a la medida puede corregir las diferencias en tamaño y las proporciones de los hombros, por ejemplo, y crear una línea más armónica con el cuerpo». El estilo italiano también tiene gran influencia en el armario masculino. Además de los sastres Brioni y Domenico Caraceni, que toman hasta 20 horas para terminar una maga o curva o alguna curva incomoda, Armani, Dolce & Gabbana, Ermenegildo Zegna y Gucci son reconocidas marcas que ofrecen productos con un ajuste impecable y telas de alta calidad. Todos ellos también ofrecen un servicio a medida. En el centro comercial JK Iguatemi, en Sao Paulo, aprovechando el buen momento del comercio local, Gucci tiene un servicio diferenciado «a medida» para sus clientes. Disponible solo en 11 tiendas de la marca en el mundo, el cliente puede elegir entre más de 82 textiles y aproximadamente 178 combinaciones de colores y tejidos; especialmente, para aquellos que deseen personalización y exclusividad. Elegir un traje a medida significa que todo el perfil, corte y estilo, como telas, revestimientos y los botones se pueden crear a partir de cero para satisfacer los deseos de cada cliente. No se trata de que el hombre se adapte a la medida, sino al revés. La diferencia es increíble. Elegancia, comodidad y algunos pequeños detalles y ajustes que dan a cada pieza su propia personalidad. Es la eterna belleza de una antigua tradición.
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Caballos, arena y tradición Vuelta por México
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Álvaro Corzo
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Por Fotos
Álvaro Corzo V., Santa Anita, California Álvaro Corzo
Caballos, arena y tradición Con una bolsa de 27 millones de dólares, la Breeders’ Cup es una de las carreras más fastuosas de la hípica mundial. El escenario es el monumental hipódromo de Santa Anita, California.
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Los días parecen interminables para los aficionados que esperan conocer el nombre del caballo que se coronará como la nueva leyenda de la hípica en Estados Unidos. El escenario es el hipódromo de Santa Anita, ubicado en el Valle de San Gabriel, a veinte minutos del este de Los Ángeles. Santa Anita es el templo de los hipódromos de la costa oeste del país. El mismo lugar donde nació una de las leyendas más importantes en la historia de la hípica: Seabiscuit, el caballo símbolo de la esperanza estadounidense durante la Gran Depresión en 1930. Es la leyenda que todos los binomios que darán hoy la largada quisieran emular. Para eso, antes tendrán que vencer en la final a los equinos más veloces del mundo, competidores que persiguen un cheque de 5 millones de dólares y un pasaje sin escalas al salón de la fama. Así es como los mejores caballos, jinetes, entrenadores y apostadores se reúnen durante dos días, para entregarse a la champaña, las cábalas y las apuestas en el World Class Championship, la justa que mueve más de 450 millones de dólares en apuestas. En HRTV, cadena especializada en carreras de caballos, hay un panel de comentaristas que discuten sobre lo que será esa tarde llena de sorpresas para todos los que lleguen al hipódromo más grande de los Estados Unidos. «Este no es un año cualquiera. Por primera vez, los cuatro primeros lugares del año pasado, incluyendo al actual campeón, se volverán a medir en la gran final. Se estima que más de 100 millones de personas verán la carrera», dice el comentarista.
EN LA ENTRADA Es el aniversario número treinta de la Copa de Criadores. Una enorme alfombra morada adorna la entrada del parque y da la bienvenida a los invitados especiales, quienes desfilan como en una procesión solemne, enfundados en trajes y sombreros de flux. Dos palmeras de más de veinte metros de altura son la entrada a la escena. A pocos metros del pórtico están algunas estrellas de cine, Julia Roberts, Richard Branson y Bo Derek; el exgobernador del estado de California Arnold Schwarzenegger y el músico Elton John. Cada uno de ellos parece discutir con discreción con sus respectivos séquitos sobre sus favoritos para la gran carrera. Luego de atravesar una larga recta de jardines tupidos y simétricos, se ven las graderías de tres pisos que flanquean la histórica pista de carreras. En el primer piso hay un corredor amplio lleno de tiendas, restaurantes y bares que se empiezan a copar con el grueso de la élite de los apostadores profesionales. Abunda la
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champaña y los habanos. Los asistentes discuten sobre los doce binomios que se han ganado el puesto para estar hoy en la partida final. «Tienen que haber ganado por lo menos 2 millones de dólares en carreras en el último año, en la categoría élite», explica Clayton Willas, un curtido y amigable apostador profesional. «Este es el Super Bowl del mundo de los caballos. Si sumas el valor de cada caballo y lo que está en juego en esta carrera, en estos doce ejemplares que correrán la final de la Copa de Criadores, estamos hablando de más de 200 millones de dólares. Sin duda, esta es la crème de la crème de la hípica mundial», añade Willas, antes de despedirse diciendo: «Ganar hoy lo es todo». La pista es de color verde intenso y se vuelve más dramático cuando se mezcla con los rayos del sol del ocaso. La falda de las graderías, así como todos sus asientos (125.000 para ser exactos), está copada. Desde las graderías se ven banderas de Panamá, Puerto Rico y Venezuela, como símbolo de apoyo a los cuatro jinetes latinoamericanos que tomarán la partida. Hay una energía colorida y festiva impregnada en el ambiente. Rezos y miradas al cielo se mezclan con pequeños amuletos que frotan algunos de los apostadores para pedir suerte. «Las cábalas lo son todo para mí, igual que para todos los amantes de las
carreras de caballos —asegura el asistente Zack Dallaire—. Desde hace veintidós años no apuesto un centavo a un caballo que no haya visto primero en persona. Si no le doy la bendición, no gana. Eso no tiene reversa». ¿Cuánto es lo máximo que ha ganado en estos años de carreras? pregunto yo. «57.000 dólares en el Kentucky Derby del 2008. Esa ha sido la mayor bolsa que me he llevado en una sola carrera. Ese día, así como muchos otros, la cábala funcionó». Pierdo los estribos de inmediato y decido apostar 100 dólares en la final. Si atino al binomio ganador, no habrá que fantasear más con la idea de ser un apostador ganador. «Si quieres ver a las verdaderas estrellas tienes que ir al paddock, sentir la energía de los caballos, sentir sus vibraciones. En una carrera donde está lo mejor de lo mejor, lo único que diferencia a estos súper animales es el estado de ánimo en el que se encuentran», añade Dallaire.
EL PADDOCK Esta es una especie de glorieta donde se reúnen los caballos y sus dueños antes de cada carrera. Una multitud espera la salida de los jinetes. Se escucha primero el estruendo de las trompetas y luego aparecen uno a uno los binomios que formarán parte de la
Los mejores caballos, jinetes, entrenadores y apostadores se reúnen durante dos días, para entregarse a la champaña, las cábalas y las apuestas en el World Class Championship, la justa que mueve más de 450 millones de dólares en apuestas.
próxima carrera, la número 11 de la copa que entrega una bolsa de 2 millones de dólares al ganador. En la mitad del grupo de personas está Mike Smith, una de las leyendas vivientes en el mundo de los jinetes. Con 48 años, 1,61 metros y tan solo 51 kilogramos, este avezado jinete ha ganado 5.150 carreras en sus 25 años de trayectoria, incluyendo las más importantes como el Breeders’ Cup, el Kentucky Derby y el Dubai World Cup. En total, han sido 246 millones de dólares lo que ha ganado Smith. Aparece una mujer, Melani Bustamente, una experta equina del sur de California. Su destreza al nombrar las cualidades de cada uno de los jinetes, entrenadores y propietarios corroboran sus credenciales. No dudo en aprovechar la oportunidad para preguntar qué hacer con mi compromiso azaroso de jugar 100 dólares en la gran final. «Aquí está la respuesta a todo», dice Melani señalando la revista que lleva bajo el brazo. La abre en la pá-
gina 26. «Estos números son una ciencia exacta —añade entre risas—. Tienes dos rutas: te vas por los números como nosotros los puristas, o te la juegas por el instinto». Tiene razón, en este mundo cada detalle cuenta. A la hora de apostarle a un caballo, el éxito también depende de saber cuántas carreras ha largado el caballo durante su vida, su récord en las diferentes clases de pistas, su edad, la probabilidad que le asigne las casas de apuestas y hasta los medicamentos que está consumiendo. «Leer bien estos números es lo más cercano a predecir el futuro», dice un apostador. Ahora, solo restan dos minutos para la largada de la carrera número 11. El reloj electrónico ubicado sobre el marco del vestuario de los jinetes informa que falta una carrera y 35 minutos para la gran final.
EN LAS APUESTAS Las pantallas gigantes, ubicadas en la periferia del paddock, muestran las estadísticas necesarias para
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tomar una buena decisión de apuesta. Una voz dice: «lo emocionante es cuan rápido sucede todo, la victoria o la derrota te sorprenden sin avisar, no te puedes preparar». Es Armando, un fanático argentino quien viene hoy con un amigo a ver una de las nuevas estrellas de este deporte en la gran final, al jinete venezolano Javier Castellanos. Castellanos tiene 35 años y viene de Maracaibo, ciudad que lo vio crecer como jinete hasta que decidió instalarse en la Florida, antes de triunfar en Nueva York. Con más de un millón y medio de dólares en la bolsa en este año, el esbelto jinete venezolano se hizo a la monta de Last Gunfighter, un caballo que, aunque está valorado en 23 millones de dólares, tiene pocas posibilidades de ganar según los números. Miro de nuevo la revista para confirmar los cuatro favoritos de la gran final. Fort Laurden, Flat out, Ron The Greek y Game on Dude, este último tiene una probabilidad de 8-5 (más del 80%), es considerado por las casas de apuestas como el binomio más duro de vencer. El jinete es nada menos que Mike Smith. Sin pensarlo, me aproximo a la ventanilla de apuestas más cercana al paddock y le pregunto a alguacil cuánto tiempo tengo para hacer mi apuesta para la última carrera: «Cinco minutos antes del inicio de la largada», responde. Salgo de la fila y atravieso el hipódromo mientras recuerdo a Zack y sus historias sobre el poder de las cábalas. Me detengo y veo un tiquete en mi camino, me inclino y lo recojo. No puedo evitar la tentación de tomar esto como una señal. Su monto es de 666 dólares. De inmediato, regreso mi atención a la revista. Busco al binomio número 6
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EN LA CARRERA, UNA ENERGÍA COLORIDA Y FESTIVA IMPREGNADA EN EL AMBIENTE. REZOS Y MIRADAS AL CIELO SE MEZCLAN CON PEQUEÑOS AMULETOS QUE FROTAN ALGUNOS DE LOS APOSTADORES PARA PEDIR SUERTE.
A la hora de apostarle a un caballo, el éxito también depende se saber cuántas carreras ha largado el caballo durante su vida, su récord en las diferentes clases de pistas, su edad, la probabilidad que le asigne las casas de apuestas y hasta los medicamentos que está consumiendo.
en la partida, Mucho Macho Man, caballo que terminó en tercer lugar el año pasado. Veo sus números y todo resulta promisorio, hasta que veo el vaticinio de las casas de apuestas: 5-1, algo cercano al 38% de probabilidad. Entonces le doy un giro de 180 grados a mi suerte y convierto el 666 en un 999. Confirmo que en el partidor número 9 está nada menos que el binomio de Mike Smith, el gran favorito de todos, Game on Dude. En el pabellón, justo en frente de la edificación de los vestuarios para jinetes, pasa otra de las estrellas del mundo del galope. Es Bob Baffert, el niño malo de la hípica. El entrenador con más victorias y el más controversial de los últimos años en Estados Unidos. Más de 56 millones de dólares en ganancias desde 2010, y un total de 13 victorias en el Breeders’ Cup en la última década hacen que su nombre sea exclusivamente sinónimo de grandeza. Se detiene en el corral número 9. En efecto, Baffert es su entrenador. Mike Smith, quien viste un corbatín azul combinado con un traje a cuadros, sale al encuentro de Baffert. Los dos se persignan y estrechan sus manos mientras se alistan para salir rumbo al paddock. El reloj avisa que en veinte minutos se dará la largada. El equipo de Baffert le ajusta la cincha a Game on Dude, mientras que dos pala-
freneros le masajean los remos posteriores en una especie de ritual. Al terminar, salgo en busca de la ventanilla de la casa de apuestas y apuesto todo al número 9.
LA CARRERA Después del himno de Estados Unidos, dos trompetas repican al unísono anunciando la salida a la pista de los doce binomios. Los casi 125.000 espectadores se ponen de pie haciendo una especie de reverencia a la grandeza de los equinos que hoy, en cuestión de minuto y medio y a más de 50 kilómetros por hora, lo dejarán todo en la pista. Un estuario blanco impecable se posa sobre la pista, mientras uno a uno van llegando los caballos a sus distintas rejas de partidas. Un palafrenero y un juez se encargan de dejarlos listos para la largada. Todos se persignan por última vez. La categoría abierta para caballos mayores de cuatro años es la más veloz de todas. Tan solo en Estados Unidos, cada año, mueren dos jinetes en promedio corriendo en esta categoría. «La fuerza de estos experimentados animales se siente desde la salida», dice en medio de la euforia una mujer atractiva que puso su dinero en el gran favorito, también el número 9. Empieza la cuenta regresiva, suena el disparo y se abren las rejas, se liberan los doce
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SANTA ANITA ES EL TEMPLO DE LOS HIPÓDROMOS DE LA COSTA OESTE DE ESTADOS UNIDOS. EN SUS :E478EÛ4F ;4L 8FC46<B C4E4 ˝˞ˡ!˜˜˜ 4F<FG8AG8F!
caballos en medio de la pista. El galope retumba en el viento y tiembla el suelo, mientras los aficionados gritan y alientan a su binomio aplastando sus tiquetes de apuestas con todas sus fuerzas. El lote sigue igual de compacto cuando se completan los primeros 200 metros desde la largada. Los jinetes fustigan a los ejemplares preparándolos para la primera curva, la cual obligará a que se cierre la fila. Los cuatros favoritos confirman los pronósticos y se ponen al frente del lote. Una pantalla gigante en medio del óvalo permite ver la fuerza de los doce caballos, mientras corren por el costado externo de la pista ante la euforia del público que se mantiene de pie en espera del empalme de la tercera curva. Por ahora todo es perfecto, Game on Dude sigue en primer lugar luchando contra el campeón del año pasado, Fort Larner. Más atrás galopan Declaration of War y la estrella de la hípica europea, el caballo irlandés Planteur. Faltan los últimos 500 metros de carrera. Aquí se define todo. Game on Dude sigue en la lucha por el primer lugar con tres caballos más, pero en la recta final, todo cambia. El lote se contrae y el número 9 pierde velocidad, mientras que desde atrás Mucho Macho Man y Will Take Charge parecen haber pisado el acelerador. En menos de 100 metros, y ante la locura colectiva, estos dos ejemplares sobrepasan a los favoritos Game on Dude y Declaration of War para quedarse con el primero y el segundo lugar. Pocos lo pueden creer. El número 6, Mucho Macho Man, ha ganado. Tuve el triunfo en mis manos y lo deje ir, pienso. Después de la ceremonia de premiación me encuentro con un grupo que canta y baila con emoción: «¡Macho! ¡Macho! ¡Man! … ¡I Wanna be a Macho Man!». Les pregunto cuánto habían ganado hoy. Uno de ellos, aún con su sombrero muy bien puesto, me dice con una sonrisa de oreja a oreja: «89.000 dólares».
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Vuelta por México Por
Juliana Bedoya
HOTELITO DESCONOCIDO Ubicado a dos horas de Puerto Vallarta, en una reserva natural catalogada por la Unesco como paraíso acuífero de aves, Hotelito cuenta con 27 lujosas habitaciones privadas o palafitos. Estas construcciones, que simulan aldeas de pescadores indígenas mexicanos, están aisladas de tiendas, del ruido de la ciudad, y de otras distracciones electrónicas. El hotel funciona con energía solar de día y con la luz de las velas por la noche. Mismaloya s/n 48460 La Cruz de Loreto Tomatlán, Jalisco, México. www.hotelito.com
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Una selección de hoteles, bares y restaurantes para vivir el fervor mexicano.
Hotelito desconocido One & Only Zoetry Pujol Mr. Keller Viceroy
VICEROY RIVIERA MAYA Escondidas en la selva verde maya, pero a pocos pasos de la playa, se erigen las excepcionales villas recientemente remodeladas. En su oferta se destacan los patios privados con solárium, piscinas climatizadas, bañeras extraprofundas, camas king, muelle privado y mayordomo. Una excelente opción para aislarse, practicar buceo y arreglar alguna excusión por las ruinas mayas. Playa Xcalacoco, Riviera Maya. Quintana Roo, México. C.P. 77710. www.viceroyhotelsandresorts.com
ZOETRY, PARAÍSO DE LA BONITA Uno de los hoteles boutique más distinguidos de México. Situado a veinte minutos del aeropuerto internacional de Cancún, cuenta con 90 suites de lujo con vista al mar y su propuesta se centra en el bienestar de sus visitantes. Masaje maya, talasoterapia, culinaria saludable con una gran selección de platos vegetarianos y expediciones al arrecife coralino.
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ONE & ONLY PALMILLA PUJOL Ningún otro restaurante en México tiene mayor reputación. Pujol, especializado en gastronomía local, forma parte de la lista de los 50 Mejores Restaurantes del Mundo —patrocinada por S.Pellegrino & Acqua Panna—, y su chef, Enrique Olvera, es una leyenda conocida por su obsesión por los detalles, la elección de ingredientes y su exploración culinaria. El plato más icónico: el Madre Mole. Francisco Petrarca 254. Polanco, 11570, Ciudad de México. www.pujol.com.mx
Está ubicado donde el océano se une con el desierto y las aguas del Pacífico se mezclan con el Mar de Cortés, en el mejor lugar de toda la península de Baja California. Ha sido catalogado como el mejor resort de México por publicaciones especializadas como Condé Nast Traveler y Travel and Leisure, y desde su construcción en 1956 ha contado con huéspedes célebres como John Wayne, Bing Crosby, Lucille Ball y hasta el expresidente de Estados Unidos Dwight D. Eisenhower. Actualmente, cuenta con 173 suites ubicadas en la parte alta de la playa. Km 7,5 Carretera Transpeninsular. San José Del Cabo. BCS, CP 23400 México. palmilla.oneandonlyresorts.com
MR. KELLER Ubicada en el corazón de la Colonia Roma Norte, esta discoteca es un homenaje mítico a Studio 54. Su estilo de música va desde el indie hasta la electrónica, con toques de rock y pop de los 80. Ha sido catalogada como una de las cuatro discotecas más
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exclusivas de la ciudad y su coctelería es reconocida en todo el mundo. Imperdible el Mr. Keller, una base de bourbon con toques de chocolate y frambuesa. Monterrey N.º 47, Col. Roma Norte 64700. México D. F.
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La patrona del agua El arte del autom贸vil No se sabe para qui茅n se trabaja
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Juan Fernández C`ceVd S EaZ_UcZó DSTZ_X
La patrona del agua Piloteando el trimarán más grande del mundo, Donatella Bertarelli, la mujer más rica de Suiza, acaba de atravesar el Atlántico batiendo todos los récords. Su nuevo objetivo: darle la vuelta al mundo.
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Le pregunto si siente miedo. «Lo he sentido antes, en circunstancias diferentes, y sé muy bien la sensación que produce. En los deportes extremos y de competición es saludable tenerlo para conocer los riesgos que se toman y aprender de ellos. El miedo te mantiene enfocado y lúcido en el momento de tomar decisiones difíciles. Funciona bien en las carreras en alta mar, donde debes conocer muy bien tus propios límites, los de tu equipo y los de tu barco. Al final, es esencial para el éxito». Quien responde es Donatella Bertarelli. Es 23 de noviembre de 2013 y han pasado 17 días desde que hizo lo que muchos dudaron y lo que su compañía de seguros le rogó que no hiciera: a bordo de su trimarán batió el récord de la denominada Ruta del Descubrimiento, entre Cádiz y la isla del San Salvador, en las Bahamas. La travesía le tomó 6 días, 14 horas, 29 minutos y 21 segundos y mejoró en más de 20 horas el récord que había conseguido en 2007 el francés Franck Cammas. Donatella está fondeada en Miami, dentro de dos días, con el récord en el bolsillo, se lanzará a cruzar el Atlántico de nuevo para regresar a sus trece tripulantes a casa. Esta vez lo hará en dirección oeste-este con el fin de terminar en Trinité- sur- Mer, Francia. Su trimarán lleva el nombre de Spindrift 2; tiene 47 metros de altura, 40 de eslora y para empezar es el más grande del mundo. Por supuesto, ella es la patrona del barco. Lo compró en febrero pasado, después de que en 2012 la tripulación del francés Loïck Peyron conquistara en este el Trofeo Julio Verne al dar la vuelta al mundo en 45 días, 13 horas y 42 minutos a una velocidad promedio de 92,6 kilómetros. Donatella Bertarelli no es un personaje cualquiera, es joven (tiene 45 años), bonita, inteligente, arriesgada y millonaria. La fortuna de su familia se calcula en más de 12.000 millones de dólares, lo que la convierte en la mujer más rica de Suiza. Pasa los días entre su Grand Hotel Park de Gstaad, sus inversiones, fundaciones y pulverizando récords en el agua.
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6B@4A74A7B 8? FC<A7E<9G ˞ DONATELLA BERTARELLI BATIÓ EL RÉCORD DE LA DENOMINADA RUTA DEL DESCUBRIMIENTO, ENTRE CÁDIZ Y LA ISLA DEL SAN SALVADOR, EN ?4F 54;4@4F! ?4 GE4I8FÛ4 ?8 GB@ß ˢ 7Û4F ˝ˠ ;BE4F ˞˥ @<AHGBF L ˞˝ F8:HA7BF!
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Su padre era Fabio Bertarelli, el mayor accionista de Serono, la compañía de biotecnología más importante de Europa, fundada en 1906 en Italia por Pietro Bertarelli, el abuelo de Donatella. Fabio Bertarelli decidió mudar la compañía familiar a Suiza y con ella a sus hijos Donatella y Ernesto. Donatella estudió en colegios privados en Italia y Ginebra y después se marchó a la Universidad de Boston. En 1992, a los 24 años, se convirtió en la directora ejecutiva de la compañía
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y su hermano mayor, Ernesto, en presidente en 1996, dos años antes de la muerte de su padre. Fabio Bertarelli les dejó como herencia a sus hijos una fortuna de unos 4.000 millones de dólares que supieron multiplicar. Convirtieron a Serono en la compañía líder en su sector y una de las más rentables del mundo, gracias, en buena medida, a Rebif, el medicamento más efectivo que se ha desarrollado hasta hoy contra la esclerosis múltiple. En 2007, cuando la compañía volaba, decidieron venderla
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a la alemana Merck. El cheque por su porcentaje del 64,5 % alcanzó los 10.600 millones de euros.
TODOS AL AGUA Donatella recuerda cómo su padre le enseñó el gusto por el agua. «Mi padre disfrutaba de carreras en el agua, pero recuerdo más la emoción que le producía tomar a mi madre, a mi hermano y a mí los fines de semana para ir a navegar. No había tripulación, era nuestro espacio y él lo disfrutaba», dice.
˨8? FC<A7E<9G ˞ ES EL MÁS GRANDE Y MÁS RÁPIDO MULTICASCO DE CARRERAS DEL MUNDO. UNA LEYENDA QUE HA CELEBRADO MÁS DE DIEZ RÉCORDS MUNDIALES, Y 8F FB?B 8? 6B@<8AMB˩ DONATELLE BERTARELLI
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Asegura que buena parte de las enseñanzas empresariales que le inculcó su padre las ha aplicado dentro del Spindrift Racing, el equipo de carreras que fundó en 2011 junto con su esposo Yann Guichard y del que forman parte, además del trimarán con el que cruzó el Atlántico, dos embarcaciones más: el Decisión 35 y el MOD70, que permanecen en Saint Philibert, en la bahía de Quiberon, en la región francesa de Bretaña. «En el Spindrift 2 nada se puede hacer solo. Lo mismo ocurre en una empresa. En Serono no fue diferente, el trabajo en equipo y una visión con un fuerte liderazgo fueron esenciales».
Donatella no es una novata en el agua. En 2007 ya había creado un equipo integrado solo por mujeres que bautizó Ladycat, con este competía en las regatas suizas y así obtuvo buenos resultados. Un par de años después convirtió la tripulación en mixta y se proclamó en la primera mujer patrón en 75 años en ganar la Bol d’Or, la regata más importante del mundo en cuenca cerrada. Hoy su atención está en el Spindrift 2 y lo describe con fascinación. «Es el más grande y más rápido multicasco de carreras del mundo. Una leyenda que ha celebrado más de diez récords mundiales y es solo el comienzo.
Hemos definido un programa de competencias intenso para los próximos tres años con el que buscamos quebrar nuevos récords y perseguir la excelencia», comenta Donatella, quien agrega que le hará algunas reformas a la embarcación para conseguir su objetivo. «En este primer año de uso hemos descubierto el barco y aprendido de sus fortalezas y debilidades. Ahora tenemos una visión clara sobre en cuál dirección queremos mejorarlo, así es que comenzará un período de patio para ajustarlo mejor», agrega sin ocultar que lo que busca es darle la vuelta al mundo y alcanzar una nueva marca.
Donatella no es la única de la familia a la que le interesan las competencias acuáticas. Su hermano Ernesto fundó en 2000 el famoso equipo de vela Alinghi, aquel que se coronó campeón de la Copa América en 2003 y se convirtió en el primero en ganar el trofeo en el primer intento. No le gustan las comparaciones con él, y en lo que respecta a las carreras se limita a decir: «Somos a la vez competidores, y por mucho que nos apoyemos y ayudemos el uno al otro, en las carreras no hay compromisos», concluye mientras decide irse a descansar. El Atlántico la espera de vuelta.
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Donatella Bertarelli en ocho preguntas
¿Qué significa Spindrift? Significa rosear aerosol sobre la superficie del agua y también la nieve superior durante de una avalancha. El Spindrift Racing es proyecto creado con mi pareja y marinero de renombre mundial, Yann Guichard. Yo vengo de las montañas y Yann, del mar, así es que este nombre nos representa bien. ¿Cómo se mide el éxito? Al batir un récord, pero también se puede medir de muchas maneras. Por ejemplo, construyendo un equipo, inspirando a la gente o teniendo socios y patrocinadores que te siguen. Todo esto significa éxito. ¿Cómo se prepara para competir? Teniendo una alimentación saludable, durmiendo bien, haciendo ejercicio en el gimnasio y formándome lo más
y mejor posible en el barco. ¿Cómo son sus días cuando está a bordo del Spindrift? Durante la Ruta del Descubrimiento, por ejemplo, trabajamos en turnos: son tres turnos en equipos de cuatro miembros cada equipo. Tenemos dos horas libres, dos horas en stand by y dos horas en la cubierta. ¿Cómo son sus días cuando no está en el barco? Cuando estoy con mis hijos, yo los despierto, les preparo el desayuno y los alisto para ir a la escuela. Después voy al gimnasio y de allí salgo para la oficina a atender mis negocios. ¿Qué pasa por su cabeza cuando está en el medio del Atlántico? Estar en mar abierto es muy exigente física y mentalmente. El principal objetivo es el rendimiento
y la seguridad de la tripulación. Realmente, no tienes ni el tiempo ni la energía para pensar en otra cosa. Las preocupaciones de oficina y del día a día se desvanecen una vez que la carrera inicia. Diciendo esto, mis hijos están a menudo en mi mente. ¿Cuál fue la parte más difícil de esta aventura? Nada era fácil y se necesita un compromiso completo. Pero las últimas 24 horas fueron muy difíciles. No solo porque nos encontramos con duras condiciones de mar y viento, sino también por el miedo que tenía de romper algo del barco tan cerca de la meta. Ya cruzó el Atlántico, ¿cuál es su próximo reto? Planeamos romper el récord del Atlántico Norte, recorreremos la Ruta del Ron y seguro le daremos la vuelta al mundo.
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El arte del automóvil A finales de noviembre, la casa de subastas Sotheby’s y RM Auctions lograron vender, en Nueva York, 34 piezas de colección por más de 62,8 millones de dólares, en la que ha sido calificada como una de las pujas por automóviles más exitosa de todos los tiempos. A la vista algunos de los mejores modelos.
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Ferrari 250 LM 1964
Precio estimado:
US$12 a 15 millones Vendido por:
US$14.300.000 El Ferrari 250 LM es el epítome de la perfección del diseño. Es un coche de carreras pura sangre y uno de los deportivos más espectaculares con motor central jamás construido. Este modelo de 320 caballos de fuerza posee un motor V-12, una caja de cambios de cinco velocidades, suspensión en las cuatro ruedas y frenos de disco. El automóvil subastado tiene el número de chasis 6107, y es el número 24 de un total de solo 32 construidos. Su primer dueño fue Steven Earle, de Santa Bárbara, California, conocido en el mundo de las carreras y quien lo ordenó a principios del verano de 1964 a Rezzaghi Motors, en San Francisco, por 14.750 dólares. Se calcula que tiene 10.000 millas y en 1967 fue comprado por su amigo Chris Cord, quien a su vez lo vendió a Guillermo Ortega y Fausto Merello, dos pilotos ecuatorianos que compitieron bajo la bandera del equipo Raceco. Años después, Pascal Michelet compró la participación de Ortega en el coche y lo siguió corriendo en Ecuador. El 250 LM pasó por dos manos más y fue restaurado hasta llegar al garaje de un coleccionista japonés en 1983, quien lo puso a disposición de Sotheby’s y RM Auctions.
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Talbot-Lago T150-C SS Teardrop Cabriolet 1938
Precio estimado:
US$8 a 10 millones Vendido por:
US$7.150.000 Fue durante la segunda mitad de la década de 1930 que Figoni et Falaschi dirigió su atención al Talbot -Lago, cuya misión era construir los mejores coches franceses de la época. Lo adecuó con un nuevo motor de 140 caballos de fuerza y un chasis de corta distancia entre ejes. La prensa se refería a él como “lágrima”. En 1938, la firma construyó tres descapotables identificados con el chasis 90111, 90019 y 90115. El numero 90111 (en la foto) fue registrada por primera vez en 1938 por Michael Dassonville, de Lille, un joven comerciante de lana con una exitosa empresa familiar. Vinieron cuatro dueños más hasta que el último lo restauró y lo puso a la venta con buen resultado.
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BMW 507 II Roadster 1958 Precio estimado:
US$1 a 1.4 millones Vendido por:
US$1.650.000 El 507 fue pensado por Max Hoffman, al igual que lo hizo con otros clásicos. Hoffman importaba carros a Estados Unidos y las marcas europeas se guiaban de sus consejos sobre los modelos que gustaban en ese país. El diseño del 507 tenía una ligereza que se combinó con un toque felino y gran refinamiento. El 507 fue construido a mano por un precio que llegó a más de 11.000 dólares. Se construyeron 251 unidades y Elvis Presley le dio uno a la actriz Ursula Andress. El de la foto es un “Serie II”, con una mayor potencia y un poco de espacio adicional detrás de los asientos.
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Mercedes-Benz 300 SL Roadster 1960 Precio estimado:
US$1 a 1.4 millones Vendido por:
US$1.650.000 El 300 SL Roadster es uno de los íconos de Mercedes Benz. Debutó en 1957 y se produjeron 1.858 unidades. El modelo subastado fue enviado en 1960 al distribuidor de Mercedes en Nueva York, ubicado en el 430 Park Avenue, donde fue comprado por el empresario Elston J. Tribble para su hija Marthé. El cuentakilómetros del 300 SL, el mejor deportivo del siglo XX, marca 34.646 millas y después de Marthé tuvo un segundo dueño que lo compró en 2006 y lo restauró de manera original con ayuda del Mercedes-Benz Classic Center.
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EL ARTE COMO NEGOCIO
Por
León Tovar*
* Experto y consultor en arte latinoamericano. Dirige su propia galería con sede en Nueva York. Info@leontovargallery.com
No se sabe para quién se trabaja
Quisiera compartir con ustedes lo que representa para una galería participar en este circuito de ferias internacionales. Por lo general, una galería debe participar entre cinco y diez ferias al año para lograr promocionar a sus artistas y su inventario de obras, de manera eficiente. Esto obliga a las galerías a incluir en su presupuesto anual una detallada lista de gastos que se deben organizar con precisión suiza, incluyendo calendario de exhibiciones e itinerarios de viajes. Para participar en las mejores ferias se debe enviar aplicaciones que son consideradas por el comité de cada evento, por lo menos con diez meses de antelación. Si se tiene la suerte de ser aceptado, se deberá congelar el inventario de obras de la galería por un buen lapso para poder presentarlo en la feria. Además, no pueden repetirse piezas exhibidas anteriormente en una feria, o si se ha presentado un proyecto específico con algún artista, este deberá ser exactamente igual a la aplicación presentada. Y hasta ahora solo hemos hablado del inicio del viacrucis en el que se ha convertido el trabajo de las galerías internacionales en la actualidad. Por otro lado, los costos son muy elevados. Para una galería mediana, los costos por evento pueden ser entre 50.000 y 100.000 dólares, y para una grande pueden llegar a los 300.000, aproximadamente. Estos gastos están repartidos entre el costo del stand, que puede ser entre 500 y 1.500 dólares por metro cuadrado, además de los costos de empaque, transporte, seguro, desempaque, montaje, desmontaje, hotel, tiquetes aéreos, cenas de representación, cócteles, invitaciones, publicaciones, publicidad, y un largo etcétera. En los años 70 había cuatro ferias en el mundo. En aquella época era tan difícil cautivar al público, que la feria XX (FIAC) duraba 12 días, tiempo exagerado que se requería para lograr el mayor número de visitantes posibles. Ya en los 90, las ferias de arte se volvieron un
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negocio rentable, alcanzando la cifra de 50 eventos principales por año, número insignificante si lo comparamos con las aproximadamente 180 que se presentan hoy, en lugares tan remotos como Shanghái, Dubái, Londres, Sao Paulo, Miami, Nueva Delhi… Con la nueva explosión de ferias se demuestra además el cambio dramático que ha experimentado el arte en relación con el público. Entre el 25% y 45% de las ventas de arte que se hacen hoy pueden provenir de las ferias, aunque también pueden consumir más del 50% del presupuesto de una galería, y el 100% de la energía física y mental de sus representantes. Antes, todo era más relajado. Recuerdo que hace cerca de veinte años, los primeros días de enero eran dedicados a empacar las obras para participar en la feria Art Miami, la cual se inauguraba en esa época festiva para coincidir con el período de descanso de los posibles compradores que viajaban a Florida en invierno, y las vacaciones en Latinoamérica. Ahora escucho a los colegas hablar de un cansancio extremo debido a un trepidante ritmo de viajes que no les permite muchas veces siquiera recordar el hotel donde se hospedan. En mi caso, confieso que hoy empiezo a experimentar este cansancio. Además del desgaste físico causado por los viajes, se suma el hecho de tener que dedicar alrededor de tres o cuatro semanas, entre el momento que se empieza a preparar la feria hasta cuando se termina. Es una dedicación de tiempo completo que obliga a descuidar la atención de su propia galería. Además, uno de los agravantes en esta profesión es que las ferias demandan la presencia de su director o propietario, puesto que los coleccionistas y clientes en general prefieren cerrar sus compras directamente con el dueño. En mi caso, nuestra galería asiste a alrededor de seis u ocho ferias al año. Los resultados finales de esta inversión de tiem-
po y recursos los conocemos solo al final de la temporada, pues las ventas muchas veces se cierran tiempo después de terminadas las ferias. Los resultados entre cada exhibición puede variar significativamente. Las galerías con propuestas jóvenes y los curadores privados aprovechan las ferias para ver los trabajos de muchos artistas y así no tener que viajar por todo el mundo. En el caso de nuestra galería, los coleccionistas quieren verla en todas las ediciones de las ferias para sentir una muestra de solidez y continuidad en el mercado. Cada vez que llego a una feria y veo el despliegue de logística que demandan, me pregunto, ¿cómo hacen las galerías jóvenes para sostener este tren de gastos? Promocionando artistas desconocidos con piezas que van desde los 10.000 dólares. Es como tratar un fuerte dolor de muela tan solo con anestesia. Todo esto sin contar con la inefable presencia del «experto» local que busca desvirtuar todas las ventas que haya alrededor si estas no cuentan con su «asesoría». El éxito de las ferias, basado en el hecho de que los precios en las subastas cada vez son más altas mientras que en estos eventos son cada vez más bajos, hacen que siempre me pregunte para quién se trabaja al final de la historia. Esa pregunta nunca ha sido respondida. A pesar de todos los factores descritos anteriormente, debo decir que para una galería con aspiraciones de ser reconocida en el circuito internacional del arte es vital participar en las principales ferias. A través de ellas se logra internacionalizar a los artistas, se consiguen dividendos colaterales insospechados, se conocen a nuevos coleccionistas y se da uno mismo a conocer. Llevo más de dos décadas participando con éxito en ferias en todos los rincones del mundo, por eso puedo decir que lo que se debe hacer es planear con pies de plomo, porque, de lo contrario, las ferias pueden llevar a sus propietarios a flaquear económicamente y a perder su enfoque.
ARTE INC. El largo camino de Fabergé La Casa de los Cano
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Cortesía Fabergé
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Por Fotos
Andrés Ramírez , Nueva York Cortesía Fabergé / ;^aVcZS] 7SþVc 7XXd / 8`c̎Vd 5`]]VýZ`_
El largo camino de Fabergé Dos guerras mundiales y una revolución se atravesaron en el camino de la firma de joyería rusa Fabergé. Hoy, casi un siglo después de la muerte de Carl Fabergé, la marca empieza a recuperar su posición como uno de los objetos más apetecidos del mercado de arte decorativo en el mundo.
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Peter Carl Fabergé heredó de su familia una pequeña joyería fundada en San Petersburgo, Rusia, en 1830. Después de estudiar y trabajar al lado de los mejores joyeros de Europa, inició su propia obra, la cual cambiaría poco tiempo después el rumbo de la joyería y el arte decorativo modernos.
La galería 555 se encuentra a un costado del corredor sur del Museo Metropolitano de Nueva York. A este lugar se llega luego de atravesar dos pasillos eternos que albergan las colecciones de escultura griega, egipcia y romana, en una suerte de recorrido cronológico en el que se aprecian diminutas piezas talladas en madera e inmensas figuras esculpidas en piedra. Sobre una pared del corredor sur, hay tres vitrinas medianas, selladas con vidrios blindados y vigiladas a través de dos cámaras de seguridad. En el interior de la primera urna se encuentran tres objetos resplandecientes fabricados con piezas milimétricas. El brillo que emana de estos objetos que caben en la palma de la mano proviene de cientos de diamantes, rubíes y esmeraldas extraídos de minas de África varios siglos atrás. Los objetos de color verde, rojo y rosado intenso son identificados en las fichas técnicas como: "Imperial Danish Palaces Egg" (1890), "Imperial Caucasus Egg" (1893), e "Imperial Napoleonic Egg" (1912). Se trata de uno de los ejemplos más importantes de la colección Imperial Easter Eggs, piezas hechas por la firma Fabergé por encargo de la Casa Real Romanov. Estas piezas expuestas en el Museo
Metropolitano pertenecen a la colección privada de Matilda Geddings. Peter Carl Fabergé (1846-1920) heredó de su familia una pequeña joyería fundada en San Petersburgo, Rusia, en 1830. Después de estudiar y trabajar al lado de los mejores joyeros de Europa, Carl Fabergé inició su propia obra, la cual cambiaría, poco tiempo después, el rumbo de la joyería y el arte decorativo modernos. Su trabajo se basó en una concepción más artística del diseño, y en una obsesión casi enfermiza por los detalles. Estas condiciones posicionaron a Fabergé como el símbolo de estatus más importante de la época. El prestigio de la marca alcanzó su máxima expresión cuando el Zar Alexander III le encargó a Carl Fabergé, en 1886, la creación del primer Imperial Easter Egg. Se trataba de regalo que el Zar le daría a su esposa, la Zarina María Feodorovna, en conmemoración del Easter, una de las fechas más importantes dentro de la Iglesia Ortodoxa Rusa, y en donde se acostumbra regalar huevos de pascua. Carl Fabergé hizo para los Romanov cincuenta de estos objetos, en un período de treinta años. Cada uno de estos huevos fue inspirado en los gustos particulares de sus destinatarios, quienes en su mayoría fueron las Zarinas y las Casas Reales europeas.
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De los cincuenta Imperial Easter Eggs fabricados por Fabergé, hoy solo se conoce el paradero de cuarenta y dos, los cuales permanecen, por el momento, fuera del mercado del arte, en poder de casas reales, museos y colecciones privadas. Al mismo tiempo, Carl Fabergé y sus cerca de cuatrocientos joyeros fabricaron relojes, joyas y portarretratos que fueron coleccionados por miembros notables de la sociedad rusa.
EL FIN Y EL NUEVO COMIENZO El esplendor de Fabergé llegó de la mano de los Romanov, pero con ellos también vino su desgracia. En 1917, la Revolución Bolchevique arrasó cualquier rastro del antiguo imperio, incluido el estudio de Fabergé. Carl tuvo que huir con su familia hacia Suiza, donde murió tres años después. El período de las guerras fue turbulento para la casa Fabergé. Durante las siguientes tres décadas la producción se detuvo y se presentó un inusita-
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do contrabando y falsificación de estas piezas en Europa. Solo con el fin de la Segunda Guerra Mundial, los herederos de Carl Fabergé pensaron en reabrir el estudio, pero una demanda fallada en 1951 les arrebató los derechos de propiedad y se los entregó a diferentes compañías que los explotaron a través de franquicias. Fue un período quizás más difícil que el de la guerra, pues cada día se producían decenas de piezas que no guardaban ninguna calidad estética con la obra de Carl Fabergé. El mercado del arte castigó sin contemplación esta situación, haciendo que la marca se dividiera en dos segmentos. Los objetos fabricados después de 1917 carecían de cualquier valor comercial, mientras que la leyenda de las piezas antiguas, y en especial de los Imperial Easter Eggs, crecía y se cotizaban como pocos otros objetos de la época. Años después, la caída del comunismo y el ascenso del capitalismo en Rusia precipitaron
el nacimiento de una generación de billonarios privilegiados con inmensos contratos mineros. Esta nueva élite de oligarcas ha sido uno de los principales responsables del auge del mercado del arte de hoy, tanto en el sector de la posguerra y el contemporáneo con Roman Abramovich a la cabeza. Por otro lado, en el arte antiguo ruso, aparece la obsesión de Viktor Vekselberg. Este último fue el protagonista de una de las ventas privadas más comentadas de los últimos años. En 2004, Vekselberg adquirió a través de la casa de subastas Christie´s nueve Imperial Easter Eggs, pertenecientes a la colección del magnate estadounidense Michael Forbes. Aunque por tratarse de una venta privada el precio se mantiene en reserva, se estima, con un alto grado de exactitud, que la venta alcanzó un valor de 102 millones de dólares. Dentro de la antigua colección Forbes se encuentra el Coronation "Easter Egg," creado por Carl Fabergé para
DE LOS CINCUENTA IMPERIAL EASTER EGGS FABRICADOS POR FABERGÉ, HOY SOLO SE CONOCE EL PARADERO DE CUARENTA Y DOS, LOS CUALES PERMANECEN, POR EL MOMENTO, FUERA DEL MERCADO DEL ARTE, EN PODER DE CASAS REALES, MUSEOS Y COLECCIONES PRIVADAS.
El prestigio de la marca alcanzó su máxima expresión cuando el Zar Alexander III le encargó a Carl Fabergé, en 1886, la creación del primer Imperial Easter Egg.
conmemorar el ascenso del Zar Nicolás II, con un precio estimado de venta de 22 millones de dólares. Viktor Vekselberg acaba de inaugurar el Museo Fabergé en el Palacio Shuvalov de San Petersburgo, donde se exhiben la muestra más importante del legado de Carl Fabergé. El apetito de los coleccionistas por las piezas imperiales, unido al prestigio del nombre Fabergé, hizo que en 2007 el gigante de la minería Gemfields adquiriera la marca Fabergé por un valor de 154 millones de dólares. Gemfields posee la mayor explotación de piedras preciosas de color en África, y es además la principal comercializadora de este segmento en el mercado. Con esta jugada empresarial se consolidó un grupo que hoy lidera el segmento de extrac-
ción de piedras preciosas y joyería en el mundo. La encargada de liderar el nuevo rumbo de la marca Fabergé es Katharina Flohr, antigua editora de la revista Vogue en Rusia. Bajo su cargo como directora creativa y mánager mundial de la marca, ha implementado una estrategia enfocada en recuperar el legado de Carl Fabergé, y a partir de él crear nuevas colecciones de joyería y relojes diseñados bajo una perspectiva contemporánea. Durante este período, por ejemplo, se ha presentado con éxito una colección de pendientes y collares inspirados en los Imperial Easter Eggs, así como nuevas colecciones de joyas y relojes que buscan rescatar el prestigio que las guerras le arrebataron al máximo exponente del lujo y la extravagancia rusa.
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Katharina Flohr Fabergé posee una larga tradición. ¿Cómo logran mantener la calidad de diseño y fabricación que caracterizó el origen de la marca? Desde un principio he trabajado con mi equipo creativo enfocada en la investigación de los diferentes aspectos estéticos y técnicos relacionados a la herencia de Fabergé. Concebimos este legado como una plataforma desde la cual iniciamos cada uno de los nuevos diseños. Nuestras joyas reflejan la visión de lo que creemos hoy haría Carl Fabergé y sus maestros artesanos. Pero también nos adaptamos a nuestro tiempo e incorporamos técnicas innovadoras que nos permiten ampliar las fronteras entre el arte y la joyería, así como el uso de piedras preciosas de colores superlativos y vibrantes. ¿Siguen haciendo objetos de manera artesanal? Nuestros collares de alta joyería, por ejemplo, son obras maestras hechas a mano. Tree of Life es un collar que demandó más de 600 horas de trabajo para ser terminado. En su fabricación se utilizó una antigua técnica conocida como Blanc Limoges, la cual es reconocida por la división de la Unesco dedicada a la protección del patrimonio cultural inmaterial. Otro collar importante es el Train de Fleurs, el cual incorpora un mecanismo de cerámica que recuerda los objetos automatizados creados por Peter Carl Fabergé hace más de un siglo. Uno de las colecciones más exitosas en los últimos años, y que ayudó en gran medida a recuperar el prestigio de la marca, fue la serie de anillos Emotion… La serie Emotion ha sido una
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Directora creativa y mánager mundial de Fabergé
de las colecciones más populares en los últimos años. Cada anillo contiene más de 300 piedras preciosas (Pavé-set), incrustadas con una enorme precisión gracias a un microscopio que permite una gran exactitud dentro de un entorno irregular y casi invisible. La colección representa la estética fauvista, con colores vivos y salvajes que expresan la emoción de los sentimientos. La colección la llamamos The Art of Color, e incluye hermosos matices que resaltan las características naturales de cada una de las piedras. Estas joyas son el matrimonio perfecto entre diseño y artesanía. ¿Cómo analiza lo que está sucediendo con el mercado de los Imperial Easter Eggs, y otras piezas de Fabergé pertenecientes a la etapa previa a la Revolución Bolchevique, vendidas en recientes subastas por millones de dólares? Los Imperial Easter Eggs fueron la última comisión artística encomendada por la Casa Real Rusa antes de su desaparición. El apetito de los coleccionistas y del mercado por estas piezas antiguas demuestra la veneración que hoy se tiene de la marca. Trabajamos con un legado que nos esforzamos por mantener y proyectar hacia el futuro, apoyados siempre en la filosofía y el espíritu creativo de Carl Fabergé. Por eso mantenemos una estrecha colaboración con el Consejo de Patrimonio de Fabergé, compuesto por Tatiana y Sarah Fabergé (biznietas de Carl Fabergé), John Andrew (amigo de la familia por varias décadas), y Géza von Habsburg, Directora de Curaduría de Fabergé, todos ellos expertos en las piezas de la era imperial de Fabergé.
Three of life.
Diversos historiadores afirman que los únicos objetos de Fabergé que pueden ser considerados como arte decorativo son aquellos fabricados antes de la Primera Guerra Mundial, pues argumentan que después de este momento la marca se enfocó en una producción industrial a mayor escala. ¿Cuál es su opinión? Fabergé ha tenido una historia turbulenta. En 1917, la Revolución trajo un desenlace violento no solo a la dinastía Romanov, sino también a la Casa de Fabergé. Los Bolcheviques saquearon los talleres y sus tesoros, la producción fue cerrada y Peter Carl Fabergé y su familia huyeron de Rusia. Décadas después, en un acuerdo legal firmado en 1951, la familia de Carl Fabergé perdió el derecho a producir objetos bajo su nombre. Durante este oscuro período de la marca se otorgaron trece licencias a personas ajenas a la familia, quienes produjeron fragancias y todo tipo de objetos de dudosa calidad. Sin embargo, el prestigio de Fabergé se mantuvo casi intacto con el paso de los años. En todo momento, la leyenda se ha conservado, junto con un cierto enigma ligado al misterio del paradero de muchas joyas imperiales de Fabergé. Este ciclo se cerró en octubre de 2007, cuando se oficializó la reunificación de la marca y la familia Fabergé. Esto abrió un nuevo capítulo en la intrigante historia de Fabergé, y sentó las bases para una revitalización total de la marca, en sintonía con sus valores originales. En 2009 se presentó la primera línea de joyería del nuevo Fabergé, una colección que fue aclamada por la crítica.
Le Train des Fleurs
Y después vino la fusión con la gigante de la minería Gemfields. ¿Cómo los afectó este nuevo cambio? A principios de este año, Fabergé se fusionó con nuestra empresa hermana Gemfields, el proveedor más importante en el mundo de piedras preciosas extraídas legalmente. La fusión buscaba consolidar el liderazgo de las dos compañías en el mercado de piedras preciosas de color. Fabergé ha venido trabajando por varios años con esmeraldas de Zambia extraídas por Gemfields. Creamos, por ejemplo, el collar Fabergé Romanov, que cuenta con 79 esmeraldas Gemfields de más de 185 quilates. Este encuentro filosófico entre ambas compañías se va a seguir profundizando con el tiempo. Lo más importante es que juntos creemos que la sostenibilidad, en su conjunto, es un factor clave en el negocio del lujo hoy en día. Se acaban de inaugurar en San Petersburgo dos museos dedicados al legado de Fabergé. ¿Ustedes apoyan este tipo de iniciativas? ¿Cómo protegen el legado de Fabergé? Nos esforzamos siempre por perpetuar las técnicas artesanales de diseño y fabricación empleadas por Carl Fabergé y sus joyeros. No es algo fácil, pues la tecnología y el mercado de hoy se enfrentan a este tipo de emprendimientos. También protegemos el nombre Fabergé, identificando posibles falsificaciones o infracciones de derechos de autor dentro del mercado. Las piezas prerrevolucionarias de Fabergé se encuentran hoy en colecciones privadas como las de la Familia Real Británica y la del Estado de Qatar, la colección privada de Victor Vekselberg, y en museos como el Kremlin de Moscú, Virginia Fine Arts y el Metropolitan de Nueva York, en Estados Unidos. También apoyamos exposiciones dedicadas al patrimonio excepcional de Fabergé que tienen lugar alrededor del mundo.
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Foto Luis Ángel
La Casa de los Cano La casa familiar del fotógrafo Fernando Cano en Bogotá se transforma en Casa Cano, una nueva galería que apunta a convertirse en un referente de artistas colombianos. Tres hermanos, una casa familiar y la inquietud por el arte son el inicio de la nueva galería Casa Cano, que se perfila como uno de los espacios más relevantes para el arte en Bogotá. Para los hermanos Fernando, Camilo y Ricardo Cano, trabajar en un proyecto familiar no es nuevo. Sus carreras han estado ligadas a El Espectador, el periódico de la familia hasta 1997. Fernando se desempeñó como editor fotográfico del diario, mientras que Camilo y Ricardo trabajaron como cronistas. Hoy, los une nuevamente un proyecto conjunto que toma vida en el primer piso de la propia casa de Fernando, ubicada en el tradicional barrio de Quinta Camacho. De María Isabel, la hija de Fernando, tam-
bién surgió la idea de este proyecto. En sus épocas de estudiante de Artes, María Isabel se quejaba constantemente de la falta de espacios para exponer sus trabajos y los de sus compañeros, además de los altos costos y de los lugares disponibles. «Fue así como empezamos a gestar la idea de crear un espacio que pudiera resolver este tipo de necesidades», dice Fernando. Después de analizar y diseñar la galería decidieron trasladar toda su vivienda al segundo piso y abrir este nuevo lugar dedicado al arte. Así, la casa familiar se convirtió en un espacio que cuenta con un gran salón para exposiciones, dos salas alternas y un amplio salón posterior con jardín, pensado para el cine, la literatura, el performance, la música y otras manifestaciones artísticas. Para presentar la galería en sociedad, eligieron el trabajo de Gustavo Vejarano y titularon su exposición «Océanos y Bosques Tropicales». Las más de treinta piezas, entre esculturas y pinturas que evocan bosques y selvas, ocupan los salones de la casa, que está lista para dar cabida a grandes maestros y artistas jóvenes.
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MÁQUINAS DE TIEMPO Hora de celebrar De relojes y príncipes
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Cortesía AP
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Hora de celebrar Una de las empresas más antiguas de Colombia celebra sus 120 años de fundación con ediciones especiales de las más famosas casas relojeras de Suiza.
Por
Juan Fernández
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La historia inicia con el alemán Christian Bauer, quien estableció en Bogotá, en 1893, la joyería que lleva su apellido. Llegó al país invitado por una familia que había conocido en uno de sus viajes y rápidamente encontró la posibilidad de desarrollar el negocio de la joyería, oficio de tradición familiar que desempeñaba con habilidad. Halló en Bogotà una sociedad que gustaba del arte orfebre y artesanos talentosos que contribuyeron con el desarrollo de su almacén, ubicado en el corazón comercial de Bogota, en aquel entonces la calle 12. Pronto invitó a otro alemán para que vinera a ayudarle: el joyero Reinhard Kling, quien años más tarde se casó con la hija mayor de Bauer. De esa unión nació Reinaldo Kling-Bauer, quien todavía preside la empresa centenaria. En los años 30, obtuvieron importantes representaciones de casas relojeras suizas que hoy permanecen fieles a la tradición de Bauer. Los estrechos vínculos con Patek Philippe, Rolex, IWC y otras que llegaron más tarde, le han dado a Joyería Bauer un lugar importante en el negocio de la distribución relojera. Con motivo de la celebración del 120 aniversario de Bauer, las casas Patek Philippe, Rolex, Audemars Piguet y Chopard entregaron al más antiguo joyero de Colombia varios relojes conmemorativos que fueron diseñados y producidos especialmente para esta fecha. Nunca se había visto que cuatro de las más grandes e importantes empresas relojeras del mundo se unieran en una fecha para producir, cada una de ellas, una serie de relojes de edición especial.
LA HORA UNIVERSAL DE PATEK PHILIPPE Patek Philippe escogió su legendario «World Time», o reloj de hora universal, para lanzar una edición limitada con la ciudad de Bogotá en su esfera, certificada por el mismo Thierry Stern, presidente de la firma. El cristal de zafiro de la tapa posterior ha sido cuidadosamente marcado con el escudo de armas de Bauer y con la leyenda «Limited Edition 120 Anniversary». El reloj, del que se produjeron solo cinco piezas en oro rosa y cinco en oro blanco,
PATEK PHILIPPE “WORLD TIME” posee un sofisticado mecanismo que permite ver simultáneamente la hora en 24 ciudades del mundo. Igualmente, mediante la pulsación de un botón en la parte superior izquierda de la caja, se permite el cambio de la ciudad local, de modo que en los viajes el usuario podrá seguir viendo la hora exacta de su ciudad de origen. El movimiento es preciso y robusto y posee un sistema de cuerda automática con microrrotor de oro de 22 quilates que otorga al reloj una reserva de marcha de 48 horas.
LA ECUACIÓN DE AP Audemars Piguet es una empresa familiar que se rige por estrictas normas de calidad. Se estableció en Le Brassus, un pequeño pueblo del corazón de los Alpes suizos, su manufactura produce relojes desde 1875, los que describen como audaces e innovadores, pero que tienen un ADN bastante conservador. Año tras año reciben estupendos comentarios, tanto por su diseño estilizado, como por su complejidad y fidelidad a los principios de sus fundadores. Desde hace casi 10 años, se estableció una fructífera relación comercial entre la joyería Bauer y la Audemars Piguet y para vincularse al aniversario de su representante en Colombia, la marca escogió dos modelos que fabricó en
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AUDERMARS PIGUET “ROYAL OAK OFFSHORE”
edición limitada especialmente para Bauer. En primer lugar, se diseñó y construyó una pieza única de su más importante modelo, el Royal Oak, que fue provisto de un sistema complejo y extraordinario: la «Ecuación del TiempoBauer Bogotá». El reloj, con la caja diseñada hace más de 40 años por el legendario Gérald Genta, es de oro macizo de color rosa y alberga un sofisticado mecanismo de alta complejidad que se basa en un movimiento de calendario perpetuo y automático, en una superficie extraplana, que complementa una serie de funciones singulares y exclusivas de AP. La expresión «La Ecuación del Tiempo…» es la diferencia entre el tiempo solar verdadero y el tiempo legal. En efecto, el día solar varía continuamente a lo largo del año debido a la trayectoria elíptica de la tierra en torno al sol y a la inclinación de su eje de rotación. Por eso, «…Bauer Bogotá» fue diseñado para indicar esa corrección específicamente para este lugar del planeta en cada uno de los días del año. Adicionalmente, está equipado con dos relojes en miniatura que indican la hora del amanecer y la del anochecer en todos los días del año. El precioso mecanismo lleva una masa oscilante de oro que ha sido calada con el 120 y grabada con las fechas 1893 y 2013 en homenaje a Joyería Bauer. El segundo reloj de Audemars Piguet para Bauer es un Royal Oak de la colección Off Shore y la línea Divers, con una robusta caja de acero inoxidable impermeable a 300 metros y provisto de un bisel giratorio interno que se maneja con la corona ubicada en el «10». El espectacular reloj tiene un movimiento
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de cuerda automática con fecha y viene con una correa de caucho que le da un poderoso look. Cada uno de los cinco ejemplares está grabado por detrás y ha sido numerado.
EL MILLE MIGLIA DE CHOPARD Karl Friedrich Scheufele, el copresidente de Chopard, visitó Colombia por primera vez en 2008 para inaugurar el corner de su compañía en la joyería Bauer del Centro Andino, en Bogotá. Allí conoció a varios clientes de la joyería que compartían con Scheufele la pasión por los carros antiguos y quienes lo motivaron para dar luz verde a la organización de una versión criolla de la «Mille Miglia», la carrera de autos antiguos más famosa del mundo y que recorre mil millas entre Brescia y Roma. Es la columna vertebral de la colección de Chopard que incluye relojes, instrumentos de escritura, cueros y accesorios de lujo que llevan el distintivo de marca. Cuando se llevó a cabo el primer Haciendas Classic Chopard Rally por la Sabana de Bogotá, Scheufele condujo un Alfa Romeo y de paso se comprometió con los asistentes a realizar el rally cada dos años. Para el 2013, la marca diseñó un ejemplar de edición limitada Haciendas Classic Chopard Rally con la inscripción «Special Edition Bauer 120 Anniversary», que evidencia la cercanía entre las casas. Se trata de un modelo de la colección Mille Miglia, en acero pavonado negro, con el clásico brazalete de caucho labrado de llanta y provisto de un movimiento automático con indicador de husos horarios.
CHOPARD “MILLE MIGLIA”
ROLEX “SUBMARINER”
EL SUBMARINER DE ROLEX Muy pocas veces Rolex accede a llevar a cabo ediciones especiales para conmemorar eventos. En este caso, el gigante de la relojería suiza rinde un sentido homenaje a su distribuidor en Bogotá, el que lleva más de 65 años representando a la marca, con una ejecución especial de sus más emblemáticos relojes: los Submariner. Con la fina inscripción del escudo Bauer en la tapa posterior del reloj, elaborada en su fábrica de Ginebra, Rolex produjo un reducido número de relojes en acero, unos en acero y oro, y otros en oro amarillo y oro blanco. Todos ellos con lo más actual del diseño como su bisel en cerámica Cerachrom, su brazalete con el siste-
ma de tamaño ajustable y, desde luego, con el movimiento del espiral de Parachrom, que ofrece una precisión increíble. Es así como los relojes que las compañías suizas más importantes produjeron, con motivo del 120 aniversario de Bauer, un legado para los coleccionistas, que seguramente se valorizará de manera significativa en el futuro. Un Rolex, un Patek Philippe, un Chopard o un Audemars Piguet son, de hecho, piezas importantes para integrar una colección, pero si se le añade, como en este caso, el hecho de que sean ediciones limitadas y en especial para la más famosa joyería del país, será mucho más valiosas en unos años.
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De relojes y príncipes Para los 70 años de El principito, una de las obras más recordadas de la literatura infantil, la casa relojera IWC creó dos piezas de colección de las que se fabricarán muy pocas unidades.
Por
Juliana Bedoya
IWC “BIG PILOT WATCH EDITION LE PETIT PRINCE”
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«Me encontraba más aislado que una almadía en medio del océano. Figuraos, pues, mi sorpresa cuando al amanecer me despertó una graciosa vocecilla que decía: “¡Por favor… píntame un cordero!”». Así se dio la primera interacción de Saint-Exupéry con ese rubio y trigueño principito que se le apareció en el desierto del Sahara luego de que su avión sufriera una avería. Esta historia, que llega a su aniversario 70 y ha sido traducida a 270 idiomas, ahora es honrada por IWC. «Como fabricantes de relojes de aviador de gran tradición, nos sentimos vinculados a Antoine de SaintExupéry de muchas maneras», explica Georges Kern, presidente ejecutivo de IWC. «Nos inspira el apasionado constructor, que ya en 1936 adquirió su primera patente de tecnología aeronáutica, justo el mismo año en que IWC presentó al público su primer Reloj Especial para Aviador. Nos causa una gran admiración el valeroso piloto dispuesto a arriesgar su vida por el progreso técnico. Y veneramos al gran escritor y filántropo, con cuyas obras crecimos muchos de nosotros».
Y es que la marca suiza alojada en Schaffhausen ya tiene la tradición de honrar al escritor y piloto de líneas civiles y comerciales, y al voluntario en las fuerzas aéreas francesas de la Francia Libre, durante la Segunda Guerra Mundial. En 2006, con el Reloj Aviador Cronógrafo se rindió tributo a su novela Vuelo nocturno. En 2007, el Reloj de Aviador Automático se inspiró en la cautivadora obra Correo del sur, y un año después el Reloj de Aviador UTC fue dedicado a la novela poética Viento, arena y estrellas. Posteriormente, ediciones de lujo seguirían aludiendo a «Saint-Ex», como le decían sus amigos. Este año, dos ediciones están relacionadas con su obra más recordada, la fábula melancólica sobre la infancia, el añorado planeta al que nunca podremos volver. Por un lado, el Reloj de Aviador Mark XVII «Le Petit Prince», de acero fino se limitará a mil ejemplares, mientras que el reloj de Aviador Calendario Perpetuo, en oro rojo, solo llegará a los 270. En este último, los protagonistas son El principito y el pequeño asteroide donde vivía. Aquí, magistralmente fue reemplazada la caja de las fases lunares por el
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asteroide B612, el hogar del rubio príncipe: «Su planeta de origen era apenas más grande que una casa». La edición especial de oro rojo además estará acompañada de una reproducción de la primera edición original inglesa y la reimpresión del manuscrito original en francés. Pero los homenajes no acaban con estas ediciones y accesorios de colección. Sotheby’s celebró una subasta en Ginebra con una pieza única en platino del reloj que se vendió por 173.000 francos suizos, unos 191.000 dólares, mientras el actor Kevin Spacey realizaba una lectura del libro a los hijos de los invitados VIP de IWC en Harrods. Todo el dinero recaudado será destinado a la fundación Antoine de Saint-Exupéry —dirigida por Olivier d’Agay, sobrino menor del autor—, quien construirá un edificio escolar con una biblioteca anexa, en Camboya. «Antoine de Saint-Exupéry es hasta hoy un modelo de valentía, espíritu pionero, afán de resistencia y pasión», explica Kern. La misión de la fundación con el aporte de IWC parecen resumirse en esta frase del escritor: «No se trata de predecir el futuro, sino de hacerlo posible».
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IWC PILOT PIL MARK XVII EDITION XVI “LE PETIT PE PRINCE”