PRPG.mx Presents | Fotografia 2022 | Eslabon Perdido | Carne de Ataud

#IRL

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PRPGmx shows available for view on Artsy.net/PRPGMX and in Mexico City Open to the public Saturday, April 2nd, 6-10 PM, Saturdays from 2-6, or by appointment via WhatsApp 52-55-1957-1452.

Exhibición disponible en Artsy.net/partner/PRPGMX y en de manera presencial en la PRPG.mx Ciudad de México del 2 de Abril al 14 de Mayo de 2022.

Calle Lucerna 1, Interior 100, Colonia Juárez, Ciudad de México, México, 06000.

Abierta al público los Sábados de 2 a 6, o con cita previa vía WhatsApp 52-55-1957-1452.

Director de Exposiciones y Residencias Curador Michael Swank thequeeralchemist Gestor Cultural Cultural Manager Rodrigo Arciniega rodriarciniega

Assistant de galeria Y Fotógrafo por eventos

Cristian Cecaldi ckldi

Fotógrafo Luis Reyes luis.reyes.foto Video Production Xuan Rios xuanrios

Fotografia 2022

No pasa nada

Alex Cabrera Annick Dongers Megan Hansen jessica ledwich fanxi sun AJ SCHNETTLER Paul Lorenz Micheal Swank

Director Exhibitions Residency, Activist, Curator, & Artist

In 2022, after two years of altered reality, we adopt the demeanor of a Mexican phrase ‘no pasa nada’ as our central theme. This often said phrase in Mexico is a statement of resilience regarding the hardships of reality and an ability to recognize there are more important places to put our emotions. Life is for living and there are many stories to be told.

For me, photography in Mexico is some of the most powerful images I have ever seen. Is it the light, the culture, the sheer reverence for the craft, or the undeniable respect for representation that makes it powerful? Combined or separated I never cease to be impressed by what I see, so it made sense to attend the Fotografia Biennial at Centro de Imagen in Mexico City as a starting point. Then I turned a corner and saw the work of Alex Cabrera and immediately began to cry. This became the starting point to build our exhibition.

It is the power of a well crafted image to tap into our humanity and reveal the truths of living. This group of photographers was chosen by our jurors as representative of how images can transform and unite us through beauty, violence, humor, sexuality, self examination, and reflection. We hope you can find yourself in these images and reflect upon how we are all connected in a seemingly divided world.

En 2022, después de dos años de realidad alterada, adoptamos el comportamiento de una frase mexicana “no pasa nada” como tema central. Esta frase tan repetida en México es una declaración de resiliencia ante las dificultades de la realidad y una capacidad de reconocer que hay lugares más importantes en donde poner nuestras emociones. La vida es para vivirla y hay muchas historias que contar.

Para mí, la fotografía en México es una de las formas artísticas más poderosas que existen. ¿Es la luz, la cultura, la pura reverencia por el oficio o el innegable respeto por la representación lo que la hace poderosa? Combinadas o separadas, nunca deja de impresionarme lo que veo, así que tenía sentido asistir a la Bienal de Fotografía en el Centro de Imagen de Ciudad de México como punto de partida. Entonces doblé una esquina y vi el trabajo de Alex Cabrera e inmediatamente me puse a llorar. Esto se convirtió en el punto de partida para construir nuestra exposición.

El poder de una imagen bien elaborada es lo que permite llegar a nuestra humanidad y revelar las verdades de la vida. Este grupo de fotógrafos fue elegido por nuestros jurados como representante de cómo las imágenes pueden transformar y unirnos a través de la belleza, la violencia, el humor, la sexualidad, el autoexamen y la reflexión. Esperamos que puedas encontrarte en estas imágenes para reflexionar sobre cómo estamos todos conectados en un mundo aparentemente dividido.

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Fotografia 2022 | No pasa nada

Pensando en ti (pensando en él), 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 30 × 20 × 1/10 in 76.2 × 50.8 × 0.3 cm Edition of 5 Pensando en ti (pensando en él), 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 30 × 20 × 1/10 in 76.2 × 50.8 × 0.3 cm Edition of 5 Pensando en ti (pensando en él), 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 30 × 20 × 1/10 in 76.2 × 50.8 × 0.3 cm Edition of 5

Alex Cabrera | Encarnación My body is the main tool in my photographic work. I retake events that marked me in the past to make a trip to the interior where I recognize myself as an actor, spectator and photographer in constant dialogue; at the same time I search in my life story for characters and memories that trigger my creative process.

Mi cuerpo es la principal herramienta en mi quehacer fotográfico. Retomo eventos que me marcaron en el pasado para hacer un viaje al interior donde me reconozco como actor, espectador y fotógrafo en constante diálogo; a la par busco en mi historia de vida los personajes y recuerdos que detonen mi proceso creativo.

Gender, body, family and memory are the main themes of my work. My photographs are windows to my intimacy, each image is the incessant search for a hidden desire, a disturbing discomfort and the relationships that forged who I am today.

Género, cuerpo, familia y memoria son los temas principales de mi obra. Mis fotografías son ventanas a mi intimidad, cada imagen es la búsqueda incesante de un deseo oculto, un malestar inquietante y de las relaciones que forjaron lo que soy actualmente.

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El mundo sin mí, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 15 × 23 × 1/10 in 38.1 × 58.4 × 0.3 cm Edition of 5

Estas piernas que no me dejan crecer, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 15 × 23 × 1/10 in 38.1 × 58.4 × 0.3 cm Edition of 5

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Encarnación, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 23 × 15 × 1/10 in 58.4 × 38.1 × 0.3 cm Edition of 5 En tus manos encomiendo mi espíritu, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 23 × 15 × 1/10 in 58.4 × 38.1 × 0.3 cm Edition of 5

Resurección, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 23 × 15 × 1/10 in 58.4 × 38.1 × 0.3 cm Edition of 5

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Sin título, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 19 × 12 × 1/10 in 48.3 × 30.5 × 0.3 cm Edition of 5 El deseo intangible, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 19 × 12 × 1/10 in 48.3 × 30.5 × 0.3 cm Edition of 5

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Sábana sabana, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 15 × 23 × 1/10 in 38.1 × 58.4 × 0.3 cm Edition of 5

Pensando en él, 2020 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 × 5 × 1/10 in 17.8 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5

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Fotografia 2022 | No pasa nada

Lucha Extrema #1, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 22 3/5 × 34 1/5 × 1/10 in 57.4 × 86.9 × 0.3 cm Edition of 5 Lucha Extrema #7, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5

Annick Donkers | Lucha Libre The Lucha Libre Extrema series emerged from a growing interest I had in Mexican professional wrestling. I was soon drawn towards sub-genres of the sport such as Lucha Libre Exótica and Lucha Extrema. This semi-clandestine hardcore genre is currently prohibited in Mexico City because of how dangerous it is, but events still take place outside the capital, notably at a car wash-turned-arena in Tulancingo, the village where El Santo, Mexico’s most famous pro wrestler, was born.

La serie Lucha Libre Extrema surgió de un creciente interés que tenía por la lucha profesional mexicana. Pronto me sentí atraído por subgéneros de este deporte como la Lucha Libre Exótica y la Lucha Extrema. Este género semiclandestino está prohibido en la actualidad en Ciudad de México por su peligrosidad, pero todavía se celebran eventos fuera de la capital, sobre todo en un lavadero de coches convertido en estadio en Tulancingo, el pueblo donde nació El Santo, el luchador profesional más famoso de México.

The participants receive professional training and are paid a little bit more because of the risks they take. They perform with a variety of weapons: chairs, thumbtacks, wire, and fluorescent lights, turning the ring into a war zone. Yet the community of luchadores “extremos” is closely knit and few outsiders have gained access. Mexico has been a very violent place in recent years. As such, I found it fascinating that people were drawn to the dangerous world of Lucha Libre Extrema and turned my camera to the audience in an attempt to understand their reasons.

Los participantes reciben un entrenamiento profesional y se les paga un poco más por los riesgos que corren. Actúan con una gran variedad de armas: sillas, chinchetas, cables y luces fluorescentes, convirtiendo el ring en una zona de guerra. Sin embargo, la comunidad de luchadores “extremos” está muy unida y son pocos los forasteros que tienen acceso a ella. México ha sido un lugar muy violento en los últimos años. Por ello, me pareció fascinante que la gente se sintiera atraída por el peligroso mundo de la Lucha Libre Extrema y dirigí mi cámara hacia el público en un intento de entender sus razones.

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Lucha Extrema #5, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnem 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5

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Lucha Extrema #10, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5

Lucha Extrema #9, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5 PRPG.mx | 17

Lucha Extrema #6, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5

Lucha Extrema #3, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5 PRPG.mx | 18

Lucha Extrema #2, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5

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Lucha Extrema #8, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5

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Lucha Extrema #4, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 7 87/100 × 5 × 1/10 in 20 × 12.7 × 0.3 cm Edition of 5

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Fotografia 2022 | No pasa nada

Impossible Beef, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 11 3/5 × 1/10 in 20.3 × 29.5 × 0.3 cm Edition of 3

Megan Hansen | Wild West Wild West Show is a photographic body of work that utilizes appropriation, collage, and tableaux to speak to a collective relationship and understanding of the American West. I collapse the history and myths of Western Americana into imagery that is both a satire and a love letter.

Wild West Show es una obra fotográfica que utiliza la apropiación, el collage y los cuadros para hablar de una relación y una comprensión colectivas del Oeste americano. Reconstruyo la historia y los mitos del Oeste americano en imágenes que son a la vez una sátira y una carta de amor.

Backdrops are created with pieces of landscapes from my own and found photographs to create a scene that is believable at first glance, but impossible and untrue in reality. They represent the symbolically interchangeable sublime nature of Western landscape. These collages are then used as backings for a set featuring similarly farcical costume, props, and scenarios. Toy props are stand-ins for the real thing, and a reminder of inauthenticity that is often present in pop culture memory of the fantastical West. Costumes are embellished with cheap jewels and fringe somewhat haphazardly, “like a rhinestone cowboy,” yearning for a time period and a heroic glory that is impossible to reach on a real timeline.

Los telones de fondo se crean con trozos de paisajes propios y de fotografías encontradas para crear una escena creíble a primera vista, pero imposible y falsa en la realidad. Representan la naturaleza sublime, simbólicamente intercambiable, del paisaje occidental.

Estos collages se utilizan luego como soporte de un decorado con un vestuario, un atrezzo y unos escenarios igualmente farsantes. El atrezzo de juguete es un sustituto del real y un recordatorio de la falta de autenticidad que suele estar presente en la memoria de la cultura pop del Oeste fantástico. Los trajes se adornan con joyas baratas y flecos de forma un tanto desordenada, “como un vaquero de pedrería”, añorando una época y una gloria heroica imposible de alcanzar en una línea de tiempo real.

When the final image is realized, there are several layers that begin to collapse onto one another, situated in humor and fantasy, falling apart like the fragile notion of what the West is and stands for within American identity.

Wild West Show is work that is personal to me, as someone that has grown up and resided in the Western United States in both rural and urban areas. But it is also work that I hope will allow anyone to reflect their own perceptions and identities and subconscious into.

When writing about his famous traveling vaudeville Wild West Show, Buffalo Bill Cody said it was his “effort, in depicting the West, to depict it as it was.” I do something similar—depicting authenticity of the American West and Western identity as we understand it in the past and present, through measures of inauthenticity.

Cuando se realiza la imagen final, hay varias capas que empiezan a derrumbarse unas sobre otras, situadas en el humor y la fantasía, desmoronándose como la frágil noción de lo que es y representa el Oeste dentro de la identidad americana.

Wild West Show es una obra que me resulta personal, como alguien que ha crecido y residido en el Oeste de Estados Unidos, tanto en zonas rurales como urbanas. Pero también es una obra que espero que permita a cualquiera reflejar sus propias percepciones e identidades y su subconsciente en ella. Al escribir sobre su famoso vodevil itinerante Wild West Show, Buffalo Bill Cody dijo que era su “esfuerzo, al representar el Oeste, por representarlo tal como era”. Yo hago algo parecido: representar la autenticidad del Oeste americano y de la identidad del Oeste tal y como la entendemos en el pasado y en el presente, a través de medidas de inautenticidad.

Opossums of Instagram (The Finding of Moses), 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 9 × 1/10 in 20.3 × 22.9 × 0.3 cm Edition of 3

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A Long Road Ahead, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 9 × 1/10 in 20.3 × 22.9 × 0.3 cm Edition of 3

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Death of the Marlboro Man, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 11 × 1/10 in 20.3 × 27.9 × 0.3 cm Edition of 3

Afternoon Ride, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 8 9/10 × 1/10 in 20.3 × 22.6 × 0.3 cm Edition of 3

Americana, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 9 2/5 × 1/10 in 20.3 × 23.9 × 0.3 cm Edition 3/3

PBR, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 10 × 1/10 in 20.3 × 25.4 × 0.3 cm Edition of 3

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Suburban Paradise, ca. 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 10 × 1/10 in 20.3 × 25.4 × 0.3 cm Edition of 3

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New Rug for the Old Cabin, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 9 1/2 × 1/10 in 20.3 × 24.1 × 0.3 cm Edition 3/3

Duck Hunt, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 10 × 1/10 in 20.3 × 25.4 × 0.3 cm Edition of 3

Dogs Playing Poker, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 9 1/2 × 1/10 in 20.3 × 24.1 × 0.3 cm Edition of 3

Roasting Beans, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 11 × 1/10 in 20.3 × 27.9 × 0.3 cm Edition of 3

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Robbery in Spring, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 11 4/5 × 1/10 in 20.3 × 30 × 0.3 cm Edition of 3

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The Glamour of Silk Mud by the Water, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 9 × 1/10 in 20.3 × 22.9 × 0.3 cm Edition 3/3

Saturday Night at the Saloon, 2022 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 10 × 1/10 in 20.3 × 25.4 × 0.3 cm Edition of 3

Subliminal Messaging, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 10 × 1/10 in 20.3 × 25.4 × 0.3 cm Edition of 3

Domestic Evolution, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 8 × 8 × 1/10 in 20.3 × 20.3 × 0.3 cm Edition 3/3

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Fotografia 2022 | No pasa nada

Messy Beautiful 04, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 14 27/100 × 11 41/100 × 1/10 in 36.2 × 29 × 0.3 cm Edition Editionof8/8

Messy Beautiful 08, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 25 19/20 × 32 12/25 × 1/10 in 65.9 × 82.5 × 0.3 cm Editions Edition3, 4, 5of8 of 8

Jessica Ledwich | Messy Beautiful Messy Beautiful explore notions of collective shame and desire, giving voice to the more unconscious parts of my psyche. With much of my work drawing from themes of perversity and pleasure I seek to find a productive tension in the space between desire and the taboo to create work that is both erotic and visceral.

Messy Beautiful explora las nociones de vergüenza y deseo colectivos, dando voz a las partes más inconscientes de mi psique. Con gran parte de mi trabajo basado en temas de perversidad y placer, busco una tensión productiva en el espacio entre el deseo y el tabú para crear una obra que sea a la vez erótica y visceral.

The glossy and hyper-saturated images draw on the aesthetics and codes used in advertising, to display subject matter such as flowers, food, and the female body. Ultimately, I am interested in exploring the ambiguity and complexity of the emotions of female desire and pleasure.

Las imágenes brillantes e hipersaturadas se basan en la estética y los códigos utilizados en la publicidad para mostrar temas como las flores, la comida y el cuerpo femenino. En última instancia, me interesa explorar la ambigüedad y la complejidad de las emociones del deseo y el placer femeninos.

My practice is very performative as I seek to arouse sensations as both part of the creation of the work and in the viewer of the image itself. Turning the gaze on myself I take power through the interplay of my body and elements of nature to revel in the ‘messiness’ of the human experience. Liquids glimmering on the surface, sticky petals enclosing the female flesh, and wet organic matter appear gruesome and appealing at the same time.

Mi práctica es muy performativa, ya que busco despertar sensaciones tanto en la creación de la obra como en el espectador de la propia imagen. Volviendo la mirada hacia mí misma, tomo el poder a través de la interacción de mi cuerpo y los elementos de la naturaleza para deleitarme con el “desorden” de la experiencia humana.

Los líquidos que brillan en la superficie, los pétalos pegajosos que encierran la carne femenina y la materia orgánica húmeda parecen horripilantes y atractivos al mismo tiempo.

Constructing work that is exploring contrasts in various ways: visual, conceptual, material and thematic I aim to ultimately create a celebration of femininity.

Construyendo una obra que explora los contrastes de varias maneras: visual, conceptual, material y temática, mi objetivo es crear una celebración de la feminidad.

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Messy Beautiful 03, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 14 27/100 × 11 41/100 × 1/10 in 36.2 × 29 × 0.3 cm Editions Edition5, 6, 7, 8of8 of 8 Messy Beautiful 02, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 14 27/100 × 11 41/100 × 1/10 in 36.2 × 29 × 0.3 cm Editions Edition5, 6, 7, 8of8 of 8

Messy Beautiful 09, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 25 19/20 × 32 12/25 × 1/10 in 65.9 × 82.5 × 0.3 cm Editions Edition2, 3, 4, of8 of 8

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Messy Beautiful 05, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 14 27/100 × 11 41/100 × 1/10 in 36.2 × 29 × 0.3 cm Editions Edition4, 5, 6, 7, 8of8 of 8 Messy Beautiful 07, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 25 19/20 × 32 12/25 × 1/10 in 65.9 × 82.5 × 0.3 cm Editions Edition2, 3, 4, of8 of 8

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Fotografia 2022 | No pasa nada

Fanxi Sun | In Between In Between is a photography project shot in my home city Huzhou in China. Coming back home after a year and a half, I immediately feel a sense of disconnection. The city itself has changed drastically, while the people around me have also stepped into a new life chapter with a new routine. I thus become an outsider entering a somewhat strange environment.

I start to wander alone in the city, visiting places I was once familiar with and places newly built while I was gone. Lights and shadows begin to form shapes in my eyes. They bear my emotions and construct narratives originated from my subconscious mind. Sometimes the surroundings inspire me to incorporate human figures as another element, not to dominate the atmosphere but to enrich the experience brought to me by nature.

In the process, I become more aware that covid-19 has impacted me more than I have expected. I crave for human connections, but at the same time I am used to staying alone. This trait has been well strengthened by quarantine. Reflecting my paradoxical mindset, my photographs manifest tranquility, solitude, and even eeriness.

Meanwhile, the interactions among elements in frame are yet lively and dynamic.

Messy Beautiful explora las nociones de vergüenza y deseo colectivos, dando voz a las partes más inconscientes de mi psique. Con gran parte de mi trabajo basado en temas de perversidad y placer, busco una tensión productiva en el espacio entre el deseo y el tabú para crear una obra que sea a la vez erótica y visceral.

Las imágenes brillantes e hipersaturadas se basan en la estética y los códigos utilizados en la publicidad para mostrar temas como las flores, la comida y el cuerpo femenino. En última instancia, me interesa explorar la ambigüedad y la complejidad de las emociones del deseo y el placer femeninos.

Mi práctica es muy performativa, ya que busco despertar sensaciones tanto en la creación de la obra como en el espectador de la propia imagen. Volviendo la mirada hacia mí misma, tomo el poder a través de la interacción de mi cuerpo y los elementos de la naturaleza para deleitarme con el “desorden” de la experiencia humana.

Los líquidos que brillan en la superficie, los pétalos pegajosos que encierran la carne femenina y la materia orgánica húmeda parecen horripilantes y atractivos al mismo tiempo.

Construyendo una obra que explora los contrastes de varias maneras: visual, conceptual, material y temática, mi objetivo es crear una celebración de la feminidad.

Untitled 8, 2021 Photo Matt Fibre de 200 grs.

Hahnemühle 20 × 16 × 1/10 in 50.8 × 40.6 × 0.3 cm Edition of 5 Untitled 5, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 20 × 16 × 1/10 in 50.8 × 40.6 × 0.3 cm Edition of 5

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Untitled 3, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 20 × 16 × 1/10 in 50.8 × 40.6 × 0.3 cm Edition of 5 Untitled 1, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 20 × 16 × 1/10 in 50.8 × 40.6 × 0.3 cm Edition of 5

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Untitled 4, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 20 × 16 × 1/10 in 50.8 × 40.6 × 0.3 cm Edition of 5

Untitled 4, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 20 × 16 × 1/10 in 50.8 × 40.6 × 0.3 cm Edition of 5

Untitled 6, 2021 Matt Fibre 200grs Hahnemühle 20 × 16 × 1/10 in 50.8 × 40.6 × 0.3 cm Edition of 5

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Untitled 7, 2021 Photo Matt Fibre de 200 grs. Hahnemühle 20 × 16 × 1/10 in 50.8 × 40.6 × 0.3 cm Edition of 5

Untitled 2, 2021 Photo Matt Fibre de 200 grs. Hahnemühle 16 × 20 × 1/10 in 40.6 × 50.8 × 0.3 cm Edition of 5

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Fotografia 2022 | No pasa nada

AJ Schnettler | Addressing Myself | Artist in Residency @PRPGMX Social media has made reaching others evermore accessible. Many put on a happy facade in their online presence to maintain a positive form of self representation. Although this is an integral part of modern day queer society, to embrace flaws and individuality, society still tells us that the world around us is very much gendered. Arbitrary westernized standards and expectations define so many people, stepping outside of that construct ensures alienation.

People naturally categorize others, meaning there will always be people assuming I am female; when I am nonbinary. That drives my body dysmorphia.

The simple invasive act of gender assumption. I continuously battle the need to look androgynous so people can maybe correctly assume my gender, or look the way I feel most comfortable, which isn’t always looking androgynous. Although some interactions make me uncomfortable due to an incorrect assumption of gender, I try to present myself the way I would like in order to properly adress and affirm myself.

In this piece, I am showing the behind the scenes of my life; the parts of me I don’t openly express but play an integral role in my day-to-day life. Whether it is how I dress, how I cut my hair, how I eat, it all plays a role. This will show some of my insecurities and how I adress them, but will also show what a lot of other nonbinary, trans, or gender nonconforming people do to feel happier with their appearance in this gendered, somewhat unaccepting society.

Las redes sociales han hecho que llegar a los demás sea cada vez más accesible. Muchos ponen una fachada feliz en su presencia en línea para mantener una forma positiva de auto-representación. Aunque esta es una parte integral de la sociedad queer de hoy en día, para abrazar los defectos y la individualidad, la sociedad todavía nos dice que el mundo que nos rodea es muy de género. Las normas y expectativas arbitrarias de Occidente definen a mucha gente, y salirse de esa construcción garantiza la alienación.

La gente categoriza a los demás de forma natural, lo que significa que siempre habrá gente que asuma que soy mujer, cuando no soy binaria. Eso es lo que impulsa mi dismorfia corporal. El simple acto invasivo de la suposición de género. Lucho continuamente contra la necesidad de tener un aspecto andrógino para que la gente pueda suponer correctamente mi género, o tener el aspecto con el que me siento más cómoda, que no siempre es el aspecto andrógino. Aunque algunas interacciones me hacen sentir incómoda debido a una suposición incorrecta de género, intento presentarme como me gustaría para dirigirme y afirmarme adecuadamente.

En esta pieza, muestro los entresijos de mi vida; las partes de mí que no expreso abiertamente pero que desempeñan un papel integral en mi día a día. Ya sea cómo me visto, cómo me corto el pelo o cómo me alimento, todo juega un papel importante. Esto mostrará algunas de mis inseguridades y cómo las afronto, pero también mostrará lo que muchas otras personas no binarias, trans o de género no conforme hacen para sentirse más felices con su apariencia en esta sociedad de género, algo inaceptable.

Shaving Undercut, 2022 Photo Matt Fibre de 200 grs. Hahnemühle 12 × 12 × 1/5 in 30.5 × 30.5 × 0.5 cm Edition of 5

Untitled #2, 2022 Photo Matt Fibre de 200 grs. Hahnemühle 30 1/2 × 30 1/2 × 1/2 in 77.5 × 77.5 × 1.3 cm Edition of 3

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Untitled #3, 2022 Photo Matt Fibre de 200 grs.

Hahnemühle 30 1/2 × 30 1/2 × 1/2 in 77.5 × 77.5 × 1.3 cm Edition of 3

PRPG.mx | 46

Untitled #4, 2022 Photo Matt Fibre de 200 grs. Hahnemühle 30 1/2 × 30 1/2 × 1/2 in 77.5 × 77.5 × 1.3 cm Edition of 3

Untitled #5, 2022 Photo Matt Fibre de 200 grs. Hahnemühle 30 1/2 × 30 1/2 × 1/2 in 77.5 × 77.5 × 1.3 cm Edition of 3

Untitled #6, 2022 Photo Matt Fibre de 200 grs. Hahnemühle 30 1/2 × 30 1/2 × 1/2 in 77.5 × 77.5 × 1.3 cm Edition of 3

Trans Tape, 2022 Photo Matt Fibre de 200 grs. Hahnemühle 12 × 12 × 1/5 in 30.5 × 30.5 × 0.5 cm Edition of 5

PRPG.mx | 47

Fotografia 2022 | No pasa nada

Paul Lorenz | Artist in Residency @PRPGMX My work is my autobiography.

Mi obra es mi autobiografía.

My current work explores my past and present, public and private imagery, handmade/machine-made media using photography as the means to establish image and composition. By examining my past images from sound projects, travel locations and an on-going self-portrait series, new ways of looking at space and geometry have emerged. Snippets of life, gesture and color are brought together to form a visual scape that is both representational and purely abstract.

For years I have pondered the notion of what is representation/reality and abstraction/truth. Is a photograph reality or truth? Is representation abstraction or reality? In an era of technology driven media, do boundaries blur, or do they simply stop existing?

Mi trabajo actual explora mi pasado y mi presente, las imágenes públicas y privadas, los medios hechos a mano y a máquina, utilizando la fotografía como medio para establecer la imagen y la composición. Al examinar mis imágenes pasadas de proyectos de sonido, lugares de viaje y una serie de autorretratos en curso, han surgido nuevas formas de ver el espacio y la geometría. Retazos de vida, gestos y colores se unen para formar un paisaje visual que es a la vez representativo y puramente abstracto. Durante años he reflexionado sobre la noción de lo que es representación/realidad y abstracción/verdad. ¿Una fotografía es realidad o verdad? ¿La representación es abstracción o realidad? En la era de los medios tecnológicos, ¿se difuminan las fronteras o simplemente dejan de existir?

Crossed; Mirrored; Two Hands #1, 2022 Photo printed on mylar layered 8 × 8 × 1/10 in 20.3 × 20.3 × 0.3 cm Crossed; Mirrored; Two Hands #2, 2022 Photo printed on mylar layered 8 × 8 × 1/10 in 20.3 × 20.3 × 0.3 cm Crossed; Mirrored; Two Hands #3, 2022 Photo printed on mylar layered 8 × 8 × 1/10 in 20.3 × 20.3 × 0.3 cm

PRPG.mx | 49

perdido Rococo: Rosenberg Covarrubias Collaborative, Noē Piña, Mia Capodilupo, & Sofia Fernandez Micheal Swank

Director Exhibitions Residency, Activist, Curator, & Artist

En un mundo de desechos y carencias, estos artistas se enfrentaron al reto de utilizar materiales encontrados y reciclados para construir sus piezas. Para la mayoría de los artistas, el proveedor de arte en línea o la tienda minorista es suficiente para sus necesidades.

Sin embargo, hay muchos artistas que utilizan materiales no convencionales para crear arte. Estas opciones alternativas satisfacen su deseo de estirar su imaginación creativa. Es posible que los encuentres paseando alegremente por las calles de tu barrio, haciendo descubrimientos durante los paseos por la naturaleza o rebuscando en los contenedores de reciclaje, los cajones de la cocina o las tiendas de segunda mano para encontrar sus materiales de arte. ¿Qué ocurre cuando el artista se libera de sus limitaciones para utilizar materiales comprados en la tienda? ¿Cómo se vuelve más significativa la expresión? ¿Podemos liberarnos de las expectativas del comercialismo y crear valor a partir de los residuos?

En esta exposición esperamos responder a estas preguntas, crear interrogantes y entablar una conversación sobre el futuro del arte en un mundo al borde del colapso.

In a world of waste and want, these artists were challenged to use found and recycled materials to build their pieces. For most artists, the online art supplier or retail store is sufficient for their needs.

However, there are many artists who use unconventional materials to create art. These alternative options satisfy their d esire to stretch their creative imagination. You may find them happily strolling down the streets of your neighborhood, making discoveries during nature walks, or rummaging through the recycled bins, kitchen drawers, or thrift stores to find their art supplies.

What happens when the artist is freed of their constraints to use store-bought materials? How does the expression become more significant? Can we break free from the expectations of commercialism and create value out of waste?

In this show, we hope to answer these questions, create questions, and engage in a conversation about the future of art in a world on the verge of collapse.

Eslabón Perdido

Rococo: Rosenberg Covarrubias Collaborative The collaborative duo known as RoCoCo is comprised of Dr. KC Rosenberg and Modesto Covarrubias. They began collaborating in 2015, and formally launched RoCoCo in 2017.

Early on they realized that when working together the potential for possible creative outcomes was greatly multiplied; indeed, two heads are better than one. They describe their practice as a dialog of making, and projects start from conversations that forge a path leading to ongoing research and a continuous exchange of ideas resulting in experimentation with form, materials and process, and content. Their projects have been concerned with the physical manifestation of forgiveness, expressing the anxieties of gentrification, and highlighting the way certain groups are systematically silenced by others, among other topics. They are drawn to how materials can transform and reassign meaning through the way they are brought together in the space they occupy, and are interested in connecting important human dilemmas to visual, tangible experiences.

Uncertainty and security are two topics of conversation that RoCoCo engaged with prior to the pandemic but became a focal point during the pandemic and which helped formulate the continuing series of sculptures called Cold Comfort. RoCoCo often posed questions to each other regarding safety, health, and overall well-being. The saying “that which does not kill you makes you stronger” was often met with a questioning reply of “really?” These sculptures evoke our compulsion to reach for things that are seemingly comforting but may in actuality assure a different outcome than expected. Reminiscent of pillows or stuffed toys, these textile sculptures question our need of finding tranquility through odd sayings and indulgent behaviors.

El dúo colaborativo conocido como RoCoCo está formado por el Dr. KC Rosenberg y Modesto Covarrubias. Empezaron a colaborar en 2015 y lanzaron formalmente RoCoCo en 2017. Desde el principio se dieron cuenta de que al trabajar juntos el potencial de los posibles resultados creativos se multiplicaba enormemente; de hecho, dos cabezas son mejores que una. Describen su práctica como un diálogo de hacer, y los proyectos comienzan a partir de conversaciones que forjan un camino que conduce a la investigación en curso y a un intercambio continuo de ideas que resulta en la experimentación con la forma, los materiales y el proceso, y el contenido. Sus proyectos se han centrado en la manifestación física del perdón, en la expresión de las ansiedades de la gentrificación y en poner de manifiesto el modo en que ciertos grupos son sistemáticamente silenciados por otros, entre otros temas. Se sienten atraídos por la forma en que los materiales pueden transformar y reasignar el significado a través de la forma en que se reúnen en el espacio que ocupan, y están interesados en conectar importantes dilemas humanos con experiencias visuales y tangibles.

La incertidumbre y la seguridad son dos temas de conversación con los que RoCoCo se comprometió antes de la pandemia, pero que se convirtieron en un punto central durante la misma y que ayudaron a formular la serie continua de esculturas llamada Cold Comfort. RoCoCo se planteaba a menudo preguntas sobre la seguridad, la salud y el bienestar general. El dicho “lo que no te mata te hace más fuerte” solía recibir la respuesta interrogativa de “¿en serio?”. Estas esculturas evocan nuestra compulsión por alcanzar cosas aparentemente reconfortantes pero que en realidad pueden asegurar un resultado diferente al esperado. Con reminiscencias de almohadas o juguetes de peluche, estas esculturas textiles cuestionan nuestra necesidad de encontrar tranquilidad a través de dichos extraños y comportamientos indulgentes.

It’s All Under Control, 2022 Various textiles, expanded polystyrene foam, mixed media.

6.25 x 6.25 x 6.25 15.875 × 15.875 × 15.875 cm

PRPG.mx | 53

With All My Heart, 2022 Various textiles, polystyrene, acrylic 8 × 6 1/4 × 3 1/2 in 20.3 × 15.9 × 8.9 cm

PRPG.mx | 54

...Makes You Think, 2022 Various textiles, expanded polystyrene foam, mixed media.

7 1/2 × 8 × 7 3/4 in 19.1 × 20.3 × 19.7 cm

PRPG.mx | 55

Through This, Together, 2021 Various textiles, high density knitted polyethylene mesh netting, ink.

7 × 7 × 2 in 17.8 × 17.8 × 5.1 cm

PRPG.mx | 56

Words Are Not Enough, 2022 Various textiles, expanded polystyrene foam, mixed media.

9 1/2 × 5 1/4 × 3 1/2 in 24.1 × 13.3 × 8.9 cm

PRPG.mx | 57

Two Scoops with Extra Sprinkles, 2020 Various textiles, mixed media, expanded polystyrene foam, acrylic.

8 × 8 1/2 × 4 in 20.3 × 21.6 × 10.2 cm

PRPG.mx | 58

Binge-Watching, 2022 Various textiles, high density knitted polyethylene mesh netting, polystyrene foam, mixed media.

13 1/4 × 9 3/4 × 3 1/2 in 33.7 × 24.8 × 8.9 cm

PRPG.mx | 59

Eslabón Perdido

Noē Piña Noé Piña works with found materials used in construction, using terracotta bricks, nails, and wood fragments to create sculptures and installations that address the complexities of maintaining balance, from personal to social to economic.

Noé explores the fragility, the precariousness in things, nature, and systems and how the forces of pressure and stress remain in or produce balance.

Noé’s installations display an environment that is at once an environment of graceful balance and crude counterbalance, thus a sense of tension.

The result is an anticipation of a disaster, the expectancy of a cataclysmic fall. Through his video projections, he reveals the catastrophic result of the pieces when they collapse as Noé removes their source of balance, stress, and weight - that typically being the bricks.

Noé Piña trabaja con materiales encontrados utilizados en la construcción, utilizando ladrillos de terracota, clavos y fragmentos de madera para crear esculturas e instalaciones que abordan las complejidades de mantener el equilibrio, desde el personal hasta el social y el económico. Noé explora la fragilidad, la precariedad en las cosas, la naturaleza y los sistemas y cómo las fuerzas de la presión y el estrés se mantienen o producen el equilibrio. Las instalaciones de Noé muestran un entorno que es a la vez un entorno de equilibrio elegante y un contrapeso crudo, por lo tanto una sensación de tensión. El resultado es la anticipación de un desastre, la expectativa de una caída cataclísmica. A través de sus proyecciones de vídeo, revela el resultado catastrófico de las piezas cuando se derrumban al eliminar Noé su fuente de equilibrio, tensión y peso, que suelen ser los ladrillos.

PRPG.mx | 61

Collapsing Bricks #1, 2021 Ink on Paper 22 1/4 × 30 × 1/10 in 56.5 × 76.2 × 0.3 cm

PRPG.mx | 62

Teetering Bricks, 2021 Ink on Paper 22 1/2 × 30 × 1/10 in 57.2 × 76.2 × 0.3 cm Edition of 5

Juggling Bricks on Wood Planks, 2021 Ink on Paper 22 1/4 × 30 × 1/10 in 56.5 × 76.2 × 0.3 cm

Balancing Bricks on Wood Slabs, 2021 Ink on Paper 22 1/4 × 30 × 1/10 in 56.5 × 76.2 × 0.3 cm

PRPG.mx | 63

Te animamos a que juegues con el set de juguetes, documentes tu experiencia en vídeo y etiquetes al artista @NOEPINA777.

We encourage you to play with the toy set, document your experience on video and tag the artist @NOEPINA777.

PRPG.mx | 64

Precarious Systems Art Toy / Miniature Model of Sculpture, 2022 Mix media 12 × 8 × 1 in 30.5 × 20.3 × 2.5 cm

PRPG.mx | 65

Eslabón Perdido

Trophy Series #2, 2022 Mixed Media 17 × 11 × 2 in 43.2 × 27.9 × 5.1 cm

Mia Capodilupo

My public work is a collaboration between human made objects and nature to create a hybrid of the natural and industrial world that reflects the urban environment. In the urban environment there is a constant need to control nature and a struggle to live with nature while maintaining order. Landscape and structures are created, destroyed and re-created, leaving a fascinating mix of nature and culture.

For the past few years I have created pieces exploring growing income inequality in my home city of Chicago, IL USA and the ways that it is made worse by climate crises and the Covid-19 pandemic.

Mi obra pública es una colaboración entre objetos hechos por el hombre y la naturaleza para crear un híbrido del mundo natural e industrial que refleje el entorno urbano. En el entorno urbano En el entorno urbano hay una necesidad constante de controlar la naturaleza y una lucha por convivir con ella manteniendo el orden. El paisaje y las estructuras se crean, se destruyen y se vuelven a crear, dejando una fascinante mezcla de naturaleza y cultura.

En los últimos años he creado piezas que exploran la creciente desigualdad de ingresos en mi ciudad natal, Chicago, IL, EE.UU., y las formas en que se ve agravada por las crisis climáticas y la pandemia de Covid-19.

Trophy Series #1, 2022 Mixed Media 17 × 10 × 4 in 43.2 × 25.4 × 10.2 cm

Trophy Series #3, 2022 Mixed Media 17 × 10 × 4 in 43.2 × 25.4 × 10.2 cm

PRPG.mx | 67

Eslabón Perdido

SOFIA FERNANDEZ The title of this project comes from a Spanish idiom “Darle Vuelta a la Tortilla”, meaning to reverse the meaning of something. Usually this is used in the context of someone trying to benefit from the alteration of the meaning. The literal translation of the phrase means to “flip the tortilla”. I chose this title for the project because it reveals my interaction with others, and their persistence to categorize and switch my culture and reality in an instance.

El título de este proyecto proviene de un modismo español “Darle Vuelta a la Tortilla”, que significa invertir el significado de algo. Normalmente se utiliza en el contexto de alguien que intenta beneficiarse de la alteración del significado. La traducción literal de la frase significa “darle la vuelta a la tortilla”. Elegí este título para el proyecto porque revela mi interacción con los demás, y su persistencia en categorizar y cambiar mi cultura y realidad en un instante.

This series of sculptural photographs consists of American food brands and logos printed onto traditional Mexican cooking utensils. This aggressive contrast creates a juxtaposition between two food cultures, and brings attention to the idea of cultural displacement. My own cultural identity lies between American, Mexican, and Spanish. But I can never fully be one of these cultures, and I can only ever partly belong to any one of them. My cultural identity fluctuates, depending on the people I am with, in their attempt to categorize me and fit me into one of the commonplace ethnic ranks, but which ultimately have never been representative of my background. I have found food and ingredient combinations to be a source of comfort and realignment. I use the gastronomy behind the meals I grew up with as an affirmation of my cultural upbringing.

Esta serie de fotografías escultóricas consiste en marcas y logotipos de alimentos estadounidenses impresos en utensilios de cocina tradicionales mexicanos. Este contraste agresivo crea una yuxtaposición entre dos culturas alimentarias y llama la atención sobre la idea del desplazamiento cultural. Mi propia identidad cultural se encuentra entre la estadounidense, la mexicana y la española. Pero nunca podré ser completamente una de estas culturas, y sólo podré pertenecer parcialmente a alguna de ellas. Mi identidad cultural fluctúa, dependiendo de la gente con la que esté, en su intento de categorizarme y encajar en uno de los rangos étnicos habituales, pero que en última instancia nunca han sido representativos de mi origen. He descubierto que las combinaciones de alimentos e ingredientes son una fuente de comodidad y realineación. Utilizo la gastronomía de las comidas con las que crecí como una afirmación de mi educación cultural.

This work is produced with the intention to spark ideas and conversations relating to cultural identity, inclusion of the “other”, and uncover stereotypes presented through food preparation and presentation.

Este trabajo se produce con la intención de suscitar ideas y conversaciones relacionadas con la identidad cultural, la inclusión del “otro” y descubrir los estereotipos que se presentan a través de la preparación y presentación de los alimentos.

Wonder-Pan, 2022 Mixed Media 8 4/5 × 5 1/4 in 22.4 × 13.3 cm

PRPG.mx | 69

Chīlpōctl, 2022 Mix Media 1 1/2 × 7 1/2 × 2 1/2 in 3.8 × 19.1 × 6.4 cm

PRPG.mx | 71

Paloma Press, 2022 Mix Media 7 1/2 × 5 1/2 × 5 1/2 in 19.1 × 14 × 14 cm

PRPG.mx | 73

Coca-Tole, 2022 Mix Media 3 1/2 × 4 1/2 × 4 3/4 in 8.9 × 11.4 × 12.1 cm

PRPG.mx | 75

satelite Carne de Ataúd

Alejandro Galvan

A lo largo de la historia, los seres humanos hemos atravesado tiempos sumamente oscuros, que nos han arrojado a situaciones catastróficas donde reina la violencia, el caos y la desesperanza.

Momentos devastadores que son, en principio, el resultado de nuestros propios actos y cuyas secuelas terminan reflejándose con mayor agudeza en los sectores más desprotegidos de la sociedad.

De ahí que el trabajo de Alejandro Galván resulte ser tan poderoso, al ser capaz de mostrar y sintetizar estas realidades tan crudas de una forma majestuosa. La selección de dibujos y pinturas −cuya materialidad es su sello distintivo− atiende a los relatos de aquellos que han s ido silenciados a lo largo de todos estos años.

Declarando que ¡todas las historias cuentan y son dignas de ser escuchadas!

Además, la exhibición se acompaña de una lista musical proporcionada por el artista, que servirá al espectador en su acercamiento con las obras, dotándolo así de una herramienta auditiva que terminará por enriquecer su experiencia.

Rodrigo Arciniega.

Curador | Gestor Cultural Throughout history, human beings have gone through extremely dark times, which have thrown us into catastrophic situations where violence, chaos and despair reign. Devastating moments that are, in principle, the result of our own actions and whose consequences end up being reflected most acutely in the most unprotected sectors of society.

That is why Alejandro Galván’s work proves to be so powerful, being able to show and synthesize these harsh realities in a majestic way. The selection of drawings and paintings -whose materiality is his hallmark - attends to the stories of those who have been silenced throughout all these years.

Declaring that all stories count and are worthy of being heard!

In addition, the exhibition is accompanied by a musical playlist provided by the artist, which will serve the viewer in their approach to the works, thus providing them with an auditory tool that will ultimately enrich his experience.

Rodrigo Arciniega Curator | Cultural Manager PRPG.mx | 76

My project is titled “Carne de Ataúd” (“Coffin Flesh”). It ́s a series of small, medium and large format drawings and paintings carried out with mixed techniques on primed wood and cement panels. It thrives on various visual resources taken from everyday life and the recent memory of the outskirts of Mexico City.

In this series, images from the red-top national press and other hemerographic elements concerning local tragedies caused and overflown due to institutional neglect -such as the San Juan Ixhuatepec’s gas pipelines explosion (1984), the earthquakes in Mexico City (1985 / 2017), the Analco explosion in the city of Guadalajara, Jalisco (1992), the explosions in the fireworks market of Tultepec (2016), and the San Fernando massacre in Tamaulipas (2010), among others- overlap with the iconography of the catastrophe taken from the recent western history -the Holocaust, the Spanish Civil War, the Middle East conflict, and Chernobyl, to name a few-.

All this happens in a repetitive landscape, no matter it’s latitude: human overcrowding of a distressing precariousness/instability, ignored until, for one reason or another, it exploded. Because in certain geographies life seems to be useful only to narrate death, to count the dead.

This project ́s title is a direct reference to the namesake novel by the mexican writer Bernardo Esquinca, both -the novel and my project- motivated by a similar spirit.. In this novel, a journalist follows in the footsteps of a beast that frightens Mexico City, leaving behind countless deaths, announcing a sort of apocalypse: the apotheosis of chaos.

The title also picks up the conceptual dimension of the novel: here, fantasy is incorporated into history. Fiction-terror overlaps with reality-horror, since the protagonists of these works are a kind of chimeras, halfway between mythological beasts and national symbols, imposing their presence on these landscapes, as if giving each hell a guardian. Because a patient, hungry, far-sighted monster is never too much in a turmoil scenario, in which the living will soon become feeding flesh.

This series also responds to a global time of crisis, in which I believe the artist -the quintessential visual devourer- must look again at what we have seen a thousand times, and aim towards the image’s blind spot, to what is concealed as a well-kept secret. Maybe this way, the episodes that gave origin to this series won’t happen again.

That which we forget never falls into oblivion: it haunts us. Hence, every story must be told, reviewed. Every trauma must be taken care of. Every hell must arise, and within the flames, an oracle might ever discern an answer.

Texto por: Tonatiuh López

Mi proyecto actual se titula Carne de ataúd. Es una serie de dibujos y pinturas de pequeño, mediano y gran formato realizados con técnica mixta sobre madera y cemento, que se nutre de diversos recursos visuales tomados del cotidiano y la memoria reciente de las periferias de las Ciudad de México y otras latitudes globales. En esta serie, las imágenes de la nota roja nacional y otros elementos hemerográficos que aluden a tragedias locales, ocasionadas y desbordadas ante la negligencia institucional (explosión de gasoductos en San Juan Ixhuatepec en 1984, los terremotos de 1985 y 2017, la explosión de Analco en Guadalajara Jalisco en 1992, explosiones en mercados de pirotecnia en Tultepec, la masacre de San Fernando en Tamaulipas en agosto de 2010, entre otras) Se superponen con iconografía de la catástrofe tomada de la historia reciente de occidente (el Holocausto, la Guerra Civil Española, el conflicto en Medio Oriente, Chernóbil, por mencionar algunos). Lo anterior sucede sobre un paisaje que, sin importar la latitud, es reiterativo: hacinamientos humanos de una precariedad angustiosa que fueron ignorados hasta que por una u otra razón tuvieron que explotar, porque para ciertas geografías la vida parece servir, únicamente, para contar y contabilizar la muerte. El título de este proyecto es una referencia directa a la novela homónima del escritor mexicano Bernardo Esquinca y la guía un ánimo similar. En la novela un periodista sigue los pasos de una bestia que atemoriza la Ciudad de México dejando tras de sí muertes incontables, anunciando una suerte de apocalipsis, la apoteosis del caos. Así, además de hacer alusión a quienes se convirtieron (y siguen convirtiendo) en “carne de ataúd”, el título retoma también la dimensión conceptual de la novela. Aquí lo fantástico se incorpora a lo histórico, la ficción-terror se traslapa con la realidad-horror, pues los protagonistas de estas obras son una serie de quimeras, a medio camino entre las bestias mitológicas y los símbolos nacionalistas, que imponen su presencia en estos pasajes; como si dando a cada infierno un guardián, porque un monstruo paciente, hambriento y previsor no está nunca demás en un escenario en ebullición en el que los vivos se tornarán muy pronto en alimento A lo anterior se suman referencias de la cultura popular, el cine, el blackmetal, las historietas y algunos guiños a los modos en los que la información y la imagen circulan, se inscriben y se olvidan en el mundo digital. Esta serie responde también a una época global de crisis en donde creo que el artista, devorador visual por excelencia, debe volver a mirar lo que hemos visto mil veces y apuntar hacia el punto ciego de la imagen, a lo que se esconde como un secreto bien guardado… Tal vez así, los episodios que dieron origen a esta serie no vuelvan a suceder. Lo que olvidamos no se olvida. Nos persigue. Por eso todas las historias deben ser contadas. Revisadas.

Todos los traumas deben ser tratados. Atendidos. Todos los infiernos deben brotar y en las llamas quizá algún oráculo en algún tiempo vislumbrará una respuesta.

Texto por: Tonatiuh López

Gallos / Roosters, 2021 Gouache, watercolor, and ink on wood 48 × 37 × 1/5 in 121.9 × 94 × 0.5 cm

Chimalhuacán, 2022 Gouache, watercolor, and ink on wood 83 × 43 × 1/5 in 210.8 × 109.2 × 0.5 cm

PRPG.mx | 77

Chimalhuacán, 2022 Gouache, watercolor, and ink on wood 83 × 43 × 1/5 in 210.8 × 109.2 × 0.5 cm

PRPG.mx | 79

Untitled 06, 2020 Ink on cement 8 × 10 × 1/5 in 20.3 × 25.4 × 0.5 cm Untitled 07, 2020 Ink on cement 8 × 10 × 1/5 in 20.3 × 25.4 × 0.5 cm Untitled 02, 2020 Ink on cement 8 × 10 × 1/5 in 20.3 × 25.4 × 0.5 cm Untitled 08, 2020 Ink on cement 8 × 10 × 1/5 in 20.3 × 25.4 × 0.5 cm Untitled 04, 2020 Ink on cement 8 × 10 × 1/5 in 20.3 × 25.4 × 0.5 cm

Angel de mi guarda, mi dulce compañía / prayer, 2022 Ink on cement 29 × 32 × 1/5 in 73.7 × 81.3 × 0.5 cm

Untitled 05, 2020 Ink on cement 8 × 10 × 1/5 in 20.3 × 25.4 × 0.5 cm

La madrugada de San Juanico (the Down of San Juanico), 2022 Gouache, watercolor, and ink on wood 67 × 41 × 1/5 in 170.2 × 104.1 × 0.5 cm PRPG.mx | 80

Estudios abiertos Open studios para Artistas for artists en residencias in residency Ana Lopez-Montes Micheal Swank

My Primary Colors 2021 94 1/2 × 21 3/10 × 1/5 in 240 × 54.1 × 0.5 cm Monoprint

PRPG.mx | 84

Chroma’s Lockdown | Artist in Residency Ana López-Montes (Mexico City), Artist in StudioResidency @PRPGMX has focused her creative praxis on exploring the visual possibilities and materiality offered by the concepts of resilience and memory. Although recognized as a printmaker, she unfolds these concepts with other techniques such as collage, drawing, and painting.

Memory and its encounter with the present have been one of the main themes of her work in the past two years. To give space then meaning, or reinterpret, resignify those memories that inadvertently invade the present. A system of resilience through observation, listening, and introspection is shown as an inner landscape that offers a new possibility of the present.

Sometimes she hides in her gender or what is expected of it. She expresses this with layers of transparent color or different types of Japanese paper. The potentiality of her femininity, yet to be self-discovered, is given in faint lines, gestures, drawings without color. Minimizing expression, holding back, resisting passion, opinions, controlling her emotional experiences. Her work is a veiled interior design that seeks clarity, belonging, and above all, to stand out.

Ana López-Montes (Ciudad de México) Artista en EstudioResidencia @PRPGMX, ha centrado su praxis creativa en la exploración de las posibilidades visuales y la materialidad que ofrecen los conceptos de resiliencia y memoria. Aunque es reconocida como grabadora, despliega estos conceptos con otras técnicas como el collage, el dibujo y la pintura.

La memoria y su encuentro con el presente han sido uno de los temas principales de su trabajo en los últimos dos años. Dar espacio entonces al significado, o reinterpretar, resignificar esos recuerdos que invaden inadvertidamente el presente. Un sistema de resiliencia a través de la observación, la escucha y la introspección se muestra como un paisaje interior que ofrece una nueva posibilidad del presente.

A veces se esconde en su género o en lo que se espera de él.

Lo expresa con capas de color transparente o con diferentes tipos de papel japonés. La potencialidad de su feminidad, aún por descubrir, se da en líneas tenues, gestos, dibujos sin color. Minimiza la expresión, se contiene, se resiste a la pasión, a las opiniones, controla sus experiencias emocionales. Su obra es un interiorismo velado que busca la claridad, la pertenencia y, sobre todo, destacar.

PRPG.mx | 85

Micheal Swank (AMERICAN) The themes of Micheal’s studio work are about recovery, discovery, and transmutation of trauma and identity.

In 2018, Swank returned to Mexico City, Mexico to dive deeper into his work which uses the paper advertisements on the walls of the streets in this mega-city.

Micheal explores the duality of growing up with a mentally ill ‘identical twin’ and the resulting PTSD he manages daily through his studio practice, meditation, and work within the queer community.

PRPG.mx | 86

Swank decollages, photographs, gathers, reconstructs, revitalizes, and presents the materials as a dialogue; traditional materials vs. alternative, commercial vs. the streets, fear vs. strength, stigma vs. exaltation in art. “I am engaged in guerilla warfare for survival, but not against you or the elements, against myself.”

The prolific walls of disposable paper propaganda in the Mexico City streets reconnect the act of creation with life. The propaganda mirrors the immediacy of the process, acting as an anthropological snapshot and dialogue between the art and audience. I am embarked on a path fighting invisible demons, conversing with angels, and end in transfiguration.

Micheal Swank’s work is attitude transformed into authentic form, located to create dialogue, and engaged in ideology supporting transformation.

He is The Queer Alchemist.

Micheal Swank (estadounidense) Los temas que trabaja Micheal tratan sobre la recuperación, el descubrimiento y la transmutación dentro de experiencias traumáticas y la identidad. En 2018, Swank regresó a la Ciudad de

México, para seguir produciendo, en sus creaciones utiliza los anuncios de papel pegados en las paredes de las calle de esta enorme ciudad.

Micheal explora la dualidad de crecer con un “gemelo” enfermo mental y el TEPT que desarrolló y que trata de procesar diariamente a través de su trabajo en el estudio, la meditación y sus aportes a la comunidad queer.

Swank descoloca, fotografía, reúne, reconstruye, revitaliza y presenta todos estos materiales en forma de diálogo; confronta materiales tradicionales frente a alternativos, publicidad frente a la calle, miedo frente a fuerza, estigma frente a exaltación, todo por medio del arte.

“Estoy librando una guerra de guerrillas para sobrevivir, pero no contra ti ni contra los

elementos, sino contra mí mismo”.

Los prolíficos muros de propaganda de papel desechable en las calles de la Ciudad de México reconectan el acto de creación con la vida.

La propaganda refleja la inmediatez del proceso, actuando como suceso antropológico, para detonar un diálogo entre el arte y el público.

“Mediante cada acto de creación me embarco en un camino que lucha contra demonios invisibles, converso con ángeles, proceso que termina con la transfiguración.”

La obra de Micheal Swank es una actitud. transformadora de forma auténtica, pensada para crear un diálogo y comprometida con la ideología que apoya la metamorfosis.

El es el Alquimista Queer.

Shadow Work 1 - 8 10 × 14 × 1/10 in 25.4 × 35.6 × 0.3 cm Monoprint Original or limited edition print (5)

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