AILLEURS
RACHMANINOV PIANO WORKS
SERGEI RACHMANINOV (1873-1943)
I was always fascinated by the piano. Scattered around the house are photos of me ‘playing’ a keyboard from the age of one, lovingly taken by my mother. This attraction later developed into my passion because of two small but life-changing moments. The first was the movie Shine with its soundtrack of Rachmaninov; the second, an album of Claudio Arrau playing Debussy.
When I was six years old, I asked my mother if she would give me the score of Rachmaninov’s Third Piano Concerto for Christmas. My mother later went to the local music store and mistakenly asked for “Rachmanikov’s” concerto for her son. The shopkeeper, simultaneously reluctant and astonished, ordered the score.
As a self-taught musician, my love of the piano was ignited by Rachmaninov. His Third Piano Concerto pushed me to explore music further and I owe much of my musical development to him. Because of what he represents for me, alongside the 150th anniversary of his birth, I decided to record an album of Rachmaninov’s music. I opted to record his two piano sonatas and Corelli Variations as I feel they fully represent his array of style and personality, from introspective lows to moments of great passion.
Interestingly, none of these three works was composed entirely in Russia, hence the title Ailleurs, translating loosely into ‘Somewhere Else’. The First Sonata is filled with emotion but hints at the depression Rachmaninov faced in his life. The Second Sonata, which was begun in Rome and finished in Russia, features similarly brooding excerpts. I opted to play the ‘revised’ version as I feel it is closer to Rachmaninov’s disposition. Finally, I ended with the Corelli Variations, where depression seems to have taken precedence over passion. The final variation in the set reminds me of a ‘farewell,’ my way of closing this album.
Matthieu Bergheau
Sergei Rachmaninov started piano lessons at the age of four and progressed swiftly. In 1889, aged 16, he was asked to prepare a piano duet transcription of Tchaikovsky’s ballet The Sleeping Beauty; the older composer was dissatisfied with the result, but later became a devotee of Rachmaninov’s music. Rachmaninov graduated from the Moscow Conservatory in 1892, having already composed significant works including his Piano Concerto No. 1 (1891), but his productivity deteriorated after Tchaikovsky’s death, a decline compounded by the terrible reception of his own Symphony No. 1 (1895). Several years of depression and therapy followed, but Rachmaninov was offered his first conducting role at the time; this would soon become an integral part of his career, alongside piano performances and composing. It was not until 1906 that Rachmaninov attempted a fully-fledged Second Symphony, and his Piano Sonata No. 1 followed in 1907-8. This was an unsettling time for the Rachmaninov family. Political unrest in Russia drew them away from Moscow to Italy, where they stayed near Pisa. Their daughter’s ill health took them back to Russia, but the atmosphere there proved uninspiring and they left again when their daughter had recovered, this time settling for a while in Dresden. The First Piano Sonata is the first of Rachmaninov’s ‘Dresden pieces’.
By 1912, the weight of conducting commitments in Moscow was so heavy that Rachmaninov retreated to Rome to compose, staying in a flat once used by Tchaikovsky. He left Russia after the Revolution in 1917, settling in America in 1918. There followed an intensive touring schedule as a concert pianist in the States and across Europe; Rachmaninov completed just six works between 1918 and 1943. The States beckoned once again when, in 1939, the threat of war compelled Rachmaninov and his family to leave Europe and return to the USA. Rachmaninov felt somewhat musically adrift by this time, as he explained in 1939:
“I feel like a ghost wandering in a world grown alien… I cannot cast out the old way of writing, and I cannot acquire the new. I have made an intense effort to feel the musical manner of today, but it will not come to me. Unlike Madame Butterfly [Rachmaninov’s nickname for Stravinsky] with her quick religious conversions I cannot cast out my musical gods in a moment and bend the knee to new ones.”
Yet, while Stravinsky’s ability to try new and varied methods of composition may have been at odds with Rachmaninov’s approach, the enduring appeal of Rachmaninov’s music is founded in its lack of faddishness; he remained true to his own, unique voice, with its Romantic passion underpinned by great
depth of motivic organisation. The Piano Sonata No. 1 was originally conceived as a programmatic work inspired by Goethe’s Faust (recalling Liszt’s Faust Symphony as well as his Piano Sonata in B minor), and although Rachmaninov eventually decided against labelling the work, its inspiration is audible in elements of the music. This is an expansive and complex sonata, so much so that Rachmaninov sent the manuscript to pianist Konstantin Igumnov in 1907 with a request for advice on potential cuts and other edits. Rachmaninov produced a condensed version soon afterwards – premiered by Igumnov in 1908 –but the work remains symphonic in scale. Although the composer did not make his original programme public, Igumnov records that the first movement was intended to be a portrait of Faust, the second of Gretchen, and the third of Mephistopheles, complete with Witches’ Sabbath.
The First Piano Sonata, which is unified by the intricate development of small motivic units, opens with an angst-ridden first movement in which we may discern Faust’s moral dilemmas, played out via anguished drama and contrasted with chant-like passages representing faith and hope. The second movement is one of rich, ornate lyricism, and the final movement includes a figure reminiscent of the Dies irae (‘Day of Wrath’) chant from the Roman Catholic Requiem Mass – a chant to which Rachmaninov would return in many of his works. The whole movement unfolds as a visceral tussle between good and evil, often tumultuous but with references to the tenderness of the slow movement suggesting that redemption is always possible, even if the final bars are, like the conclusion of Goethe’s tale, less reassuring.
Rachmaninov’s Piano Sonata No. 2 was composed in 1913, during a fruitful period in the composer’s life. Gruelling tours of America and Russia had taken their toll and, to recover, he retreated to his summer residence, the Russian estate of Ivanovka, where he spent several summers composing in a serene setting, worlds away from his taxing performing schedule.
The Second Sonata, which was revised in 1931, begins with an arresting descending gesture before plunging into a turbulent and harmonically complex soundworld. Beneath the apparently spontaneous flow of ideas which then pours forth is a highly organised structure; Rachmaninov’s ideas are articulated within rigorous formal boundaries which, perhaps paradoxically, allow them to be expressed with freedom and
force. The outer sections of the second movement possess a wistful chromaticism rather similar to that of his contemporaries Debussy and Ravel, perhaps especially Ravel’s Pavane pour une infante défunte (1899). These passages frame a surging central section, and the finale is a fireworks display of dazzling technique and full-throated passion.
Rachmaninov’s final original solo piano work was written in 1931: the Variations on a Theme of Corelli, Op. 42, dedicated to the violinist Fritz Kreisler. The theme is based on the famous ‘La folia’ tune, an ancient and widespread melody used in numerous sets of variations; it was not composed by Corelli but was used by him in his Violin Sonata No. 12. The Corelli Variations also prepared the ground for Rachmaninov’s Rhapsody on a Theme of Paganini (1934), both in conception and in content – there are audible links between the two works.
Rachmaninov was not entirely satisfied with the Corelli Variations, and sometimes omitted some of them in performance, even mentioning in the score that variations 11, 12 and 19 were optional. On 21 December 1931 he wrote to his fellow Russian composer-pianist, Nikolai Medtner: “I was guided by the coughing of the audience. Whenever the coughing increased, I would skip the next variation. Whenever there was no coughing, I would play them in proper order”. This wry reflection does not do justice to the work’s structure; over and above the individual variations, there is a sonata-like shape to the work. The ‘Intermezzo’ functions as a cadenza, concluding the first ‘movement’, after which the sensual variation 14 (Andante, come prima) ushers in the ‘slow movement’ with a sensuality that anticipates the famous, passionate Paganini variation 18.
Joanna WyldMatthieu Bergheau is a French classical pianist. As a laureate of many international competitions, he has already performed as a soloist in France, Italy, Spain, Armenia, and the UK. In 2019, he performed at venues including the Teatro Ciudad in Marbella, Spain and the Fondation Cziffra in Paris, France on Cziffra’s own piano, among others. He has sixteen piano concerti in his repertoire, ranging from Bach’s Brandenburg in D-major to Prokofiev 3.
Although Matthieu plays pieces from all epochs, he has a predilection towards romantic composers, including Chopin, Rachmaninov, and Scriabin. He has played the complete études by both Scriabin and Rachmaninov, as well as all of the Rachmaninov concerti, including Rhapsody on a Theme by Paganini. In addition, he has played the complete études by Chopin, as well as the composer’s complete ballades and Scherzi.
Matthieu Bergheau is one of the most-recognised figures of classical music on social media. His account features over 1000 videos that have garnered millions of views.
J’ai toujours été fasciné par le piano. Ma famille possède plusieurs photos de moi à l’âge d’un an au piano. Puis cette attirance pour cet instrument s’est transformée en passion grâce à deux événements : le premier était le film Shine avec toute la musique de Rachmaninoff, et le second fut un album de Claudio Arrau interprétant Debussy.
Quand j’ai eu six ans, j’ai ainsi demandé la partition du troisième concerto de Rachmaninoff à ma mère pour Noël. Plus tard, ma mère se rendit au magasin de musique local et demanda par erreur la partition du troisième concerto de « Rachmanikoff ». Le vendeur fut à la fois réticent et surpris, mais finit par commander la partition.
En tant que musicien autodidacte, ma passion pour le piano commença avec ma passion pour Rachmaninoff. Son troisième concerto me poussa à explorer davantage l’univers de la musique et je dois beaucoup de mon développement musical à ce compositeur. En raison de ce que Rachmaninoff représente pour moi et considérant que c’est son 150ème anniversaire de naissance, j’ai donc décidé d’enregistrer un album consacré à sa musique. J’ai choisi d’enregistrer ses deux sonates pour piano et les variations Corelli car je pense que ces œuvres représentent bien l’éventail de son style et de sa personnalité, montrant des moments de dépression ainsi que des moments de passion intense.
Curieusement, aucune de ces œuvres ne fut entièrement composée en Russie, c’est pourquoi j’ai choisi de nommer cet album Ailleurs. La première sonate est pleine de passion mais avec quelques moments de dépression. La seconde sonate, que Rachmaninoff commence d’écrire à Rome et termine en Russie, met davantage en avant sa personnalité dépressive. J’ai décidé d’interpréter la version révisée car elle est plus conforme au souhait final de Rachmaninoff. Enfin je termine cet album avec les variations Corelli, qui mettent très clairement en avant les aspects dépressifs de sa personnalité. La dernière variation sonne comme un « adieu ».
Sergei Rachmaninoff a commencé les cours de piano à l’âge de quatre ans et a progressé à grands pas. À l’âge de 16 ans, en 1889, on lui demande de préparer une transcription pour duo de piano du ballet de Tchaïkovski, La Belle au bois dormant ; bien que mécontent du résultat, le compositeur aîné deviendra plus tard un grand admirateur de la musique de Rachmaninoff. Ce dernier sort diplômé du Conservatoire de Moscou en 1892, ayant déjà composé des œuvres importantes dont son Concerto pour piano n° 1 (1891), mais sa productivité se détériore après la mort de Tchaïkovski, un déclin aggravé par la terrible réception de sa propre Symphonie n° 1 (1895). Plusieurs années de dépression et de thérapie s’ensuivent, mais Rachmaninoff se voit offrir durant cette période son premier rôle de chef d’orchestre – une activité qui deviendra bientôt partie intégrante de sa carrière, aux côtés des interprétations au piano et de la composition. Ce n’est qu’en 1906 que Rachmaninoff tente une Deuxième Symphonie à part entière, et sa Sonate pour piano n° 1 suit en 1907-8. C’est une période troublante pour la famille Rachmaninoff. Les troubles politiques en Russie les éloignent de Moscou pour l’Italie, où ils vivent près de Pise. La mauvaise santé de leur fille les ramène en Russie, mais l’atmosphère s’y avère peu propice et ils repartent une fois leur fille rétablie, en s’installant cette fois quelque temps à Dresde. La Première Sonate pour piano est la première des « pièces de Dresde » de Rachmaninoff.
En 1912, le poids des engagements de direction à Moscou est si lourd que Rachmaninov fait retraite à Rome pour composer, séjournant dans un appartement autrefois utilisé par Tchaïkovski. Il quitte la Russie après la Révolution de 1917 et s’installe en Amérique en 1918. S’ensuit alors un programme intensif de tournées en tant que pianiste de concert aux États-Unis et à travers l’Europe ; Rachmaninoff n’achève que six œuvres entre 1918 et 1943. L’Amérique le croise à nouveau quand, en 1939, la menace de guerre contraint Rachmaninoff et sa famille à quitter l’Europe et à retourner aux États-Unis. Durant cette période, Rachmaninoff se sent musicalement quelque peu à la dérive, comme il l’explique en 1939 :
« Je me sens comme un fantôme errant dans un monde devenu étranger… Je ne peux pas me débarrasser de mon ancienne façon d’écrire, et je ne peux pas en acquérir de nouvelle. J’ai fait des efforts intenses pour ressentir le style musical d’aujourd’hui, mais cela ne me viendra pas. Contrairement à Madame Butterfly [Le surnom de Rachmaninov pour Stravinsky] avec ses conversions religieuses rapides, je ne peux pas chasser mes dieux musicaux en un instant et me mettre à genou devant de nouveaux. »
Pourtant, bien que la capacité de Stravinsky à aborder des méthodes de composition nouvelles et variées semble à l’opposé de l’approche de Rachmaninoff, l’attrait durable de la musique de Rachmaninoff repose
sur son absence de contemporanéité à tout prix ; il est resté fidèle à sa propre voix unique, à sa passion romantique soutenue par une grande profondeur d’organisation motivique. La Sonate pour piano n° 1 a été conçue à l’origine comme une œuvre programmatique inspirée du Faust de Goethe (rappelant la Faust Symphonie de Liszt ainsi que sa Sonate pour piano en si mineur), et bien que Rachmaninoff ait finalement décidé de ne pas catégoriser l’œuvre, son inspiration est perceptible dans certains éléments de la musique. Il s’agit d’une sonate expansive et complexe, à tel point que Rachmaninov a envoyé le manuscrit au pianiste Konstantin Igumnov en 1907 en lui demandant des conseils sur d’éventuelles coupes et autres modifications. Rachmaninoff a produit peu de temps après une version condensée – inaugurée par Igumnov en 1908 –mais l’œuvre reste à l’échelle symphonique. Bien que le compositeur n’ait pas rendu public son programme original, Igumnov rapporte que le premier mouvement était destiné à être un portrait de Faust, le deuxième de Gretchen et le troisième de Méphistophélès, avec le Sabbat des Sorcières.
La Première Sonate pour piano, unifiée par le développement complexe de petites unités motiviques, s’ouvre sur un premier mouvement anxieux dans lequel nous pouvons discerner les dilemmes moraux de Faust, joués à travers un drame angoissé et en contraste avec des passages ressemblant à des chants représentant la foi et l’espoir. Le deuxième mouvement possède un lyrisme riche et orné, et le dernier mouvement comprend une figure rappelant le chant Dies irae (Jour de la colère) de la messe de Requiem catholique romaine – un chant auquel Rachmaninoff reviendra dans plusieurs de ses œuvres. L’ensemble du mouvement se déroule comme un bras de fer viscéral entre le bien et le mal, souvent tumultueux mais avec des références à la tendresse du mouvement lent suggérant une rédemption possible, même si les dernières mesures sont, comme la conclusion du conte de Goethe, moins rassurantes.
La Sonate pour piano n° 2 de Rachmaninoff a été composée en 1913, au cours d’une période fructueuse de la vie du compositeur. Epuisé par des tournées exténuantes en Amérique et en Russie, il se retire dans sa résidence d’été, le domaine russe d’Ivanovka, où il passe plusieurs étés à composer dans un cadre serein, à des lieues de son programme de représentation éprouvant.
La Deuxième Sonate, révisée en 1931, commence par un geste descendant saisissant avant de plonger dans un monde sonore turbulent et harmoniquement complexe. Sous le déluge d’idées apparemment spontanées se cache une structure hautement organisée. Les idées de Rachmaninoff sont articulées dans des limites formelles rigoureuses qui, peut-être paradoxalement, leur permettent de s’exprimer avec liberté
et vigueur. Les sections extérieures du deuxième mouvement possèdent un chromatisme nostalgique assez semblable à celui de ses contemporains Debussy et Ravel, peut-être en particulier la Pavane pour une infante défunte (1899) de Ravel. Ces passages encadrent une section centrale déferlante, et le final est un feu d’artifice d’une technique éblouissante et d’une passion implacable.
La dernière œuvre originale pour piano solo de Rachmaninoff a été écrite en 1931 : les Variations sur un thème de Corelli, op. 42, dédiée au violoniste Fritz Kreisler. Le thème est basé sur le célèbre air « La folia », une mélodie ancienne et répandue utilisée dans de nombreux ensembles de variations ; elle n’a pas été composée par Corelli mais ce dernier l’a utilisée dans sa Sonate pour violon n° 12. Les Variations Corelli ont également préparé le terrain pour la Rhapsodie sur un thème de Paganini (1934) de Rachmaninoff, tant dans la conception que dans le contenu – il existe des liens perceptibles entre les deux ouvrages.
Rachmaninoff n’était pas entièrement satisfait des Variations Corelli et en omettait parfois certaines dans l’interprétation, mentionnant même dans la partition que les variations 11, 12 et 19 étaient facultatives. Le 21 décembre 1931, il écrit à son collègue compositeur-pianiste russe, Nikolai Medtner : « J’étais guidé par la toux du public. Chaque fois que la toux augmentait, je sautais la variation suivante. Chaque fois qu’il n’y avait pas de toux, je les jouais dans le bon ordre ». Cette réflexion ironique ne rend pas justice à la structure de l’œuvre ; au-delà des variations individuelles, on retrouve dans l’œuvre une forme proche de la sonate. L’« Intermezzo » fonctionne comme une cadence, concluant le premier « mouvement », après quoi la sensuelle variation 14 (Andante, come prima) amorce le « mouvement lent » avec une sensualité qui anticipe la célèbre et passionnée variation 18 de Paganini.
Joanna Wyld
Texte de Joanna Wyld (Trad: Yannick Muet) / Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com
Matthieu Bergheau est un pianiste classique français. Lauréat de nombreux concours internationaux, il s’est déjà produit en soliste en France, en Italie, en Espagne, en Arménie et au Royaume-Uni. En 2019, il s’est produit dans des salles telles que le Teatro Ciudad de Marbella en Espagne, et la Fondation Cziffra à Paris, sur le propre piano de Cziffra, entre autres. Il compte seize concertos pour piano à son répertoire, allant du Brandebourg en ré majeur de Bach au Prokofiev n° 3.
Bien qu’interprétant des pièces de toutes époques, Matthieu a une prédilection pour les compositeurs romantiques tels Chopin, Rachmaninov et Scriabine. Il a joué l’intégrale des études de Scriabine et de Rachmaninoff, ainsi que tous les concertos de Rachmaninoff, dont la Rhapsodie sur une Thème de Paganini. Il a par ailleurs joué l’intégrale des études de Chopin, ainsi que l’intégrale des ballades et des scherzi du compositeur.
Matthieu Bergheau est l’une des personnalités les plus reconnues de la musique classique sur les réseaux sociaux. Son compte comporte plus de 1000 vidéos ayant recueilli des millions de vues.
Recorded at Studio Odradek “The Spheres”
4-5 October 2022
Piano: Steinway D (Fabbrini Collection)
Piano Technician: Francesco Tufano
Producer, Editor & Sound Engineer: Marcello Malatesta
Mixing and Mastering: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris
French Translations: Yannick Muet (Liner notes)
Photos: TommasoTuzj.com
Graphics: marcoantonetti.com
www.odradek-records.com