Yuko Miyagawa & Aki Kuroda / Black Swan - Heitor Villa-Lobos collection

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Heitor Villa-Lobos (1887-1959) 01. O canto do cisne negro, W122 (1917) 02'52 02. Divagação, W461 (1946) 03'07 Cello Sonata No. 2, Op. 66, W103 (1916)

03. I. Allegro moderato 07'33 04. II. Andante cantabile 06'48 05. III. Scherzo. Allegro scherzando 05'43 06. IV. Allegro vivace sostenuto 07'26

07. Ciclo brasileiro - II. Impressões seresteiras, W374 (1936) 06'26 Pequena Suíte, W064 (1913)

08. I. Romancette 02'35 09. II. Legendária 00'56 10. III. Harmonias Soltas 02'37 11. IV. Fugato (all’antica) 01'12 12. V. Melodia 02'37 13. VI. Gavotte-Scherzo 03'30

Bachianas brasileiras No. 2, W250 & W254 (1930) 14. II. Ária: O canto da nossa terra 05'02 15. IV. Toccata: O Trenzinho do Caipira 04'09 TOTAL PLAY TIME: 62'41

WORKS FOR CELLO AND PIANO 2 2

ENG

When I listen to the music of Villa-Lobos, my heart stirs and becomes elated. Is this sound new to me or is it an old, familiar tune? A mysterious tone and an addictive rhythm... Even the familiar sounds of the piano and the orchestra get cooked up, sometimes boldly and sometimes delicately, and a new sound is created.

It is a powerful language that is not immersed in the past. Villa-Lobos’ free spirit makes him stand out in the world of classical music.

2009 was the 50th anniversary of his death. Commemorative concerts that touched people’s hearts were held in various parts of the world, but unfortunately, the rippling effect was short lived. The world had not yet caught up with Villa-Lobos. Ten years later, I was lucky to have the opportunity to record the works of Villa-Lobos in Italy with the pianist Aki Kuroda, my long-time ally with whom I have played at many concerts.

Villa-Lobos was also a cellist, and it is the world that he poured into this instrument that I would like to express fully in this album. I hope that we can deliver a glimpse of this giant who had the heart of a child.

Yuko Miyagawa

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Heitor Villa-Lobos (1887-1959) was the 20th century’s most significant Brazilian composer of art music, combining European models with idiomatic Brazilian styles in a way that has shaped the course of Brazilian culture – and others besides – ever since. Villa-Lobos received his earliest musical education from his father, Raúl Villa-Lobos, a library worker and avid amateur musician. The composer recalled in an interview of 1957: “With him I always attended rehearsals, concerts and operas… I also learned how to play the clarinet, and I was required to identify the genre, style, character and origin of compositions, in addition to recognising quickly the name of a note, of sounds or noises… Watch out, when I didn’t get it right.”

Raúl also taught his son to play the cello, which became the composer’s favourite instrument.

Alongside this classical education, Villa-Lobos became fascinated by the popular music he heard on the streets of Rio de Janeiro, and he taught himself the guitar – an instrument not generally approved of in cultured circles – in order to participate in the city’s musical life. After dropping out of medical school, the teenage Villa-Lobos earned money playing the cello in the Teatro Recreio, the Odeon cinema, and in hotels. He then spent time travelling around Brazil, absorbing different musical styles, before returning to Rio, where he married the pianist Lucília Guimarães in 1913. During the next few years Villa-Lobos produced an astonishing number of works, among them O canto do cisne negro (‘The song of the black swan’) of 1917.

Villa-Lobos arranged this work from his 1916 symphonic poem Naufrágio de Kleônicos (‘The Shipwreck of Kleônikos’), W111, and it was later reworked for cello and orchestra by Andre Kostelanetz in 1948. The piece opens with a rippling piano texture, over which the cello unfurls a lyrical, seamless melody characterised by exotic inflections.

The lyricism of O canto do cisne negro would flourish in Villa-Lobos’s later music; much of his output of the 1940s and 1950s exhibits an emphasis on long-breathed, passionate melodies, on a par with the likes of Puccini. An exception to this trend can be found in Divagação (‘Wandering’), dating from 1946. This quirky piece is for cello and piano with ad lib percussive effects, and is remarkable for its jaunty rhythms, sparse allusions to tonality, and improvisatory, recitative-like cello writing.

The Cello Sonata No. 2 was written in 1916 during a fecund period of the composer’s life; he produced in the region of 100 compositions between 1912 and 1917. The work is in a densely-textured style blending romanticism and impressionism, with both instruments acting as equal protagonists. This quality is immediately established during the first movement’s expansive piano introduction, after which the cello joins in with brooding, stream-ofconsciousness material building to a more animated central section. After this enigmatic opening gambit comes a more subdued slow movement, languid and wistful, with a cello melody of aching beauty matched by the piano’s rich harmonies. Even the pithier, Debussyan Scherzo exudes a certain lyricism in its playful gestures, articulated via an urbane,

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jazzy language that anticipates Gershwin and Poulenc. The finale draws together these different elements in a swirling maelstrom of overlapping exchanges between the instruments, the piano’s fluid flourishes almost engulfing the cello, which is temporarily submerged as it descends to its lower range before coming up for air once more, floating above the piano’s undulations and navigating its way towards the work’s mysterious conclusion.

Villa-Lobos travelled to Europe in 1923, settling in Paris, where his reputation flourished. He met other composers including Manuel de Falla, Ravel, Stravinsky, Prokofiev and Varèse, and won the support of notable musicians including the pianist Artur Rubinstein. In 1930 Villa-Lobos returned home, intending to go back to Paris soon afterwards. Fate intervened during the revolution of October 1930, when Getúlio Vargas came to power in Brazil, overthrowing the Old Republic.

This had implications for the country’s currency, which meant that Villa-Lobos could not retain his Parisian flat. On the other hand, Vargas supported the composer’s pioneering attitude towards music education, which included establishing music lessons in schools and encouraging widespread choral singing, especially of Brazilian songs. In terms of his output, Villa-Lobos’s style evolved from the more overtly nationalist music of the 1920s to something mellower and more pared-down in the 1930s. This reflected Brazilian cultural trends, which embraced modernism in the 1920s, but shifted towards a more refined celebration and exploration of all things Brazilian in the 1930s, encompassing cinema, science, language and heritage.

The Ciclo brasileiro was composed in 1936, originally comprising four pieces for piano. From this suite we hear an arrangement of the second movement, ‘Impressões seresteiras’ (‘Evening impressions’), in which shimmering textures evoke a succession of nocturnal images, the music’s pace and mood ebbing and flowing with each new sensation.

The Pequena Suíte (‘Little Suite’) of 1913 is VillaLobos’s earliest published work for cello and piano, and reflects his love of Bach, which developed at an early age thanks to his aunt. This suite was first performed publicly several years after it was written, in the summer of 1919 at the Salão Nobre in Rio de Janeiro, with Villa-Lobos playing the cello part and Roberto Soriano at the piano. The work opens with meditative ‘Romancette’, juxtaposed with the more extrovert, witty ‘Legendária’. The ‘loose harmonies’ of ‘Harmonias Soltas’ are expressed through double-stopping for the cello and a tolling piano part, contrasted with the sprightly neoclassical ‘Fugato (all’antica)’. The composer’s flair for writing beautiful melodies, even so early in his career, is demonstrated in the ‘Melodia’, and the suite concludes with another allusion to the Baroque in the form of the ‘Gavotte-Scherzo’, in which the graceful ‘Gavotte’ gives way to livelier scherzando material.

The love of Baroque music, and of Bach in particular, that germinated in early works such as the Pequena Suíte, and in the composer’s 1910 transcription of Bach for cello and piano, came to fruition in the series of nine Bachianas brasileiras composed by Villa-Lobos between 1930 and 1945.

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The composer described these works as a “homage to the great genius of Johann Sebastian Bach” whom he considered “a kind of universal folkloric source, rich and profound … linking all peoples”.

Villa-Lobos conceived the works as a new way of interpreting Brazilian idioms, filtering them through the prism of Baroque techniques and structures.

Each is a suite in the manner of a Baroque collection of dances, employing harmonic and contrapuntal procedures that can also be traced back to that epoch. Most of the movements include titles in two parts, one formal and Baroque, the other informal and Brazilian. Bachianas brasileiras No. 2 dates from 1930 and may have begun life as three pieces for cello and piano and one for solo piano which were then orchestrated; some accounts suggest that the orchestral version came first. We hear the noble second movement ‘Aria’ entitled ‘O canto da nossa terra’ (‘Song of our land’), with its rugged central section, and the final movement, from which the overall work takes its title, the glorious toccata ‘O Trenzinho do Caipira’, which vividly evokes the acceleration of a small locomotive in Caipira, São Paolo, racing onwards before running out of steam.

Joanna Wyld

Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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After graduating from the renowned Toho Music College, Yuko Miyagawa received her Masters Degree from the Mozarteum University Salzburg.

She has been a prizewinner at several competitions, including first prize at the sixth International Chamber Music Competition in Tokyo, where she also received the Hideo Saito Award and the Asahi Award; first prize at the competition of the Art Festival in Calabria, Italy; second prize at the International Chamber Music Competition, Città di Pinerolo, Italy; the Aoyama Baroque Saal Award; and the 2018 Excellence Award from the Agency for Cultural Affairs, Japan.

Her first two solo albums, released by Victor Entertainment, as well as her most recent recording, Con anima, were all listed as the most recommended new recordings by Record Geijutsu, a monthly classical music magazine, and her “heart-touching performance” was highly acclaimed in the Tokyo Mainichi newspaper. Besides performing as a soloist with orchestras and in solo and chamber music recitals, she often appears in collaboration and ensemble with artists from diverse genres, while also visiting juvenile re-education homes and hospices to give performances, which she feels is her life’s vocation. She hosts her own radio programme in Japan and is a regular guest on radio and television at the Japanese broadcasting company, NHK.

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After graduating from the Tokyo National University of Fine Arts, pianist Aki Kuroda went on to further her studies in Italy with Bruno Mezzena, receiving a degree in 20th-century piano music with distinction from the Accademia Musicale Pescarese.

Aki performs extensively as a soloist and chamber musician both in Japan and in Europe, especially in Italy. She won first prizes in the French Music Competition, Kyogaku Contemporary Music Competition and was awarded the Xavier Montsalvatge Prize for Performance of Contemporary Piano Music in Spain.

Besides the standard classical repertoire, Kuroda has performed pieces by many 20th-century and contemporary composers, such as Ligeti, Xenakis, Donatoni, Boulez, Mochizuki and Sugiyama. In 2003 she gave an outstanding performance in the Teatro Regio di Parma, playing a composition dedicated to her by Maurizio Pisati. She subsequently performed Michael Jarrell’s Modifications at the Ticino Musica Festival. In 2004, Kuroda gave an acclaimed performance of Schoenberg’s Kammersymphonie, Op. 9 in its piano solo version, in Tokyo and Osaka. At present Kuroda is working with renowned musicians such as the clarinettist Alessandro Carbonare and the Prometheus Quartet.

She has devoted special attention to Astor Piazzolla’s works, to whom her first solo albums are dedicated. Kuroda is acclaimed not only as a classical and contemporary pianist, but also as a tango and jazz performer. Her videogame music recording Final Fantasy X. XIII, Piano Collection has been universally praised.

In 2004, she released the albums Tarkus and Pictures at an Exhibition, dedicated to the works of Keith Emerson. In 2008, she performed Sylvano Bussotti’s new composition The Poetic Keyboard at the Cagliari Spaziomusica Festival.

Aki Kuroda's 2014 disc Firebird, released by the Odradek label, has also earned her considerable critical acclaim, receiving 5 stars from BBC Music Magazine among various other distinctions. Kuroda is also a member of the Tokyo Gen'On project and the commission of the Piano Teachers' National Association of Japan.

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JAP ヴィラ＝ロボスの音楽を聴くと心がざわざわ時 にうきうきする。この音は新しいのか懐かしい のか？！音色の不思議さと癖になるリズム。耳 慣れたはずのピアノやオーケストラも大胆かつ 繊細に料理されて新しい音を紡ぐ。 それは過去のものに囚われない強烈な「言語」 ヴィラ＝ロボスはクラシック音楽界でとびきり 自由で異彩を放つ存在だ。 2009年はそんな彼の没後50年だった。世界の あちこちで意味深い記念コンサートが行われた が、残念ながらその波紋は一過性のものだった ようだ。時代は彼に追いついていなかった。 そしてその10年後、長く共にさまざまなコンサ ートに挑戦してきた盟友、ピアニストの黒田亜 樹とイタリアでヴィラ＝ロボスの作品を録音す る幸運がやってきた。時が満ちた！ このCDではチェリストでもあった作曲家が楽 器に託した世界を余すことなく表現したいと思 う。-子どもの心を持った巨人の片鱗がお届けで きますように- 水谷川優子

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エイトル・ヴィラ＝ロボス （1887－1959）はブ ラジル人の20世紀最高の芸術音楽作曲家であり、 ヨーロッパ様式とブラジル独特のスタイルとを、 ブラジル文化およびそれ以外の他のものが従来形 成されてきた様式に融合させている。ヴィラ＝ロ ボスは図書館勤めの熱心なアマチュア音楽家であ った父ラウル・ヴィラ＝ロボスから初期に音楽教 育を施された。1957年、ヴィラ＝ロボスはインタ ビューでこう回想している。 「私は父に付いて練習や演奏会、オペラに行 きました…またクラリネットの吹き方を習い ましたが音符や音、雑音…の名称、さらには ジャンル、スタイル、特徴、原曲を即座に当 てろと言われました。正しく答えられなかっ たときは大変。」 ラウルはまたその息子にチェロを教えたが、それ はヴィラ＝ロボスが愛好する楽器となった。この クラシック教育と同じ頃ヴィラ＝ロボスはリオデ ジャネイロの街頭で聴いたポピュラー音楽に魅惑 され、街の音楽ライフに参加するため、教養のあ るサークルでは普通好かれない楽器、ギターを自 習する。医学校を退学した後、10代のヴィラ＝ロ ボスはテアトロ・レクライオ、オデオン・シネマ やホテルでチェロを弾いて稼いだ。その後彼はブ ラジル旅行に時間を費やし、異なる音楽様式を吸 収してリオに戻り、1913年、ピアニストのルシリ

ア・ギマランイス（Lucília Guimarães）と結婚し た。その後数年、ヴィラ＝ロボスは驚くほど多数 の作曲を行い、1917年「黒鳥の歌（O canto do cisne negro）」もその中の一つである。ヴィラ ＝ロボスはこの作品を彼の1916年作曲の交響詩「 クレオニコスの遭難（Naufrágio de Kleônicos）」 W111から編曲しており、さらにその後1948年に チェロとオーケストラのためにアンドレ・コステ ラネッツ（Andre Kostalanetz）が改作している。 作品は波打つピアノテクスチャーで始まり、その 上にチェロのエキゾチックな抑揚で彩られた詩的 な旋律が絶え間なく展開される。 「黒鳥の歌」のリリシズムはヴィラ＝ロボスの後 期音楽にむしろ多く見られ、1940年代や1950年 代の作品の多くでは、プッチーニと比肩する息の 長い情熱的な旋律の強調が見られる。このトレン ドに対して例外的なものが1946年作曲の「さすら い（Divagação）」に見受けられる。この異趣な 作品はチェロとピアノにアドリブで打楽器効果が 加えられており、軽快なリズム、調性に対する希 薄な隠喩、即興的かつレシタティーヴ的なチェロ の筆致が際立っている。 チェロソナタ第2番は1916年、ヴィラ＝ロボスの 人生の中でも多作な時期に書かれており、1912 年から1917年の間に100曲を製作している。作品 はロマン派と印象派の様式を織り交ぜた濃密なタ

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ッチで、2つの楽器が対等な主役を担っている。 このクォリティは第1楽章の開放的なピアノ導入 部でたちまち繰り広げられ、次いでチェロが陰鬱 な「意識の流れ」を主題とし、より活気に満ちた 中央部へと盛り上がる。この謎のような序に次い で、さらに抑制的で悲しく物憂い緩徐楽章では、 悲しみの美女たるチェロの旋律にピアノの豊かな 和音が絡む。より明快なドビュッシー的スケルツ ォですら、ガーシュインやプーランクを彷彿とさ せる洗練されたジャズの語り口でアーティキュレ ートされる、あるリリシズムをその活発な動き の中に滲み出せさている。終楽章では2つの楽器 が、ピアノという流体がチェロをほとんど飲み込 まんばかりに阿鼻叫喚渦巻く混沌の中にこれらの 異質な要素を弄り寄せ、チェロは低音域に降下し てひとたび沈みながらも再び大空に戻り、起伏す るピアノの上を飛行して作品のミステリアスな結 末に向かう。 ヴィラ＝ロボスは1923年に欧州に移ってパリに 定住し、そこで名声を得た。彼はマヌエル・デ・ ファリャ、ラヴェル、ストラビンスキー、プロコ フィエフ、ヴァレーズといった作曲家たちと邂逅 し、ピアニストのアルトゥール・ルービンシュ タインなど著名音楽家の支援を得ることができ た。1930年、ヴィラ＝ロボスは帰国し、またすぐ にパリに戻ろうとしたが、1930年10月の革命でゲ トゥリオ・バルガス（Getúlio Vargas）がブラジ

ルを支配して旧共和国を崩壊させるという運命的 な出来事に妨げられる。これによる自国通貨への 影響でヴィラ＝ロボスがパリのアパートの所有を 維持することは叶わなかった。バルガスはヴィラ ＝ロボスの音楽教育への開拓的な姿勢をサポート しており、それには学校における音楽の授業や、 特にブラジルの曲を中心とした合唱の普及奨励も 含まれていた。彼の作品でいえばヴィラ＝ロボス のスタイルは、1920年代の公然たる国家主義音楽 から1930年代には幾分軟化し、軽いものになって いる。これはブラジル文化のトレンドを映してお り、1920年代のモダニズムを受け入れるも1930 年代ブラジルの映画、科学、言語、伝統など全て にわたるものへの、より純粋な称賛や探求を指向 したシフトであった。 「シクロ・ブラジレイロ」は1936年に作曲され、 最初はピアノ用の4曲構成であった。この組曲か らは、第2楽章「夕べのときめき（Impressões seresteiras）」のアレンジを聴き取ることができ る。その揺らぎの音調は、新しい感動を伴って潮 が引いたり流れたりするノクターン的イメージの 連続や音楽のペースとムードを想起させる。 1913年の「小組曲（Pequena Suíte）」はヴィラ ＝ロボスの初めて出版されたチェロとピアノのた めの作品であり、叔母のお陰で幼少時に聴いて育 ったバッハへの愛が映し出されている。この組曲

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は作曲後数年を経た1919年の夏、ヴィラ＝ロボス のチェロ、ローベルト・ソリアーノのピアノでリ オデジャネイロのサラオ・ノーブルにおいて一般 に初演された。作品の冒頭は瞑想的な「ロマンス （Romancette）」が外向的でウィットに富む「伝 説（Legendária）」と並ぶ。「ルーズハーモニー （Harmonias Soltas）」はチェロのダブルストッ プ（重音）と鐘のようなピアノパートにより表現 され、活発な新古典派の「フガート（all’antica） 」と対比をなす。美しい旋律を書く作曲者の嗅覚 が、キャリアは未熟だが、「メロディア」に表れ ており、組曲は優雅な「ガボット」が活発なスケ ルツァンド主題に道を譲る「ガボット・スケルツ ォ」でもう一度バロックを暗示して締めくくられ る。 「小組曲（Pequena Suíte）」などの初期作品や 1910年のヴィラ＝ロボスによるバッハ作品のチェ ロとピアノのための編曲において芽生えていたバ ロック、特にバッハの音楽への愛は1930年から 1945年の間にヴィラ＝ロボスが作曲した9連作「 ブラジル風バッハ／またはバシアーナス・ブラジ レイラス（Bachianas brasileiras）」で結実を見 るのである。ヴィラ＝ロボスはこれらの作品を彼 が「ある種の世界的な民族音楽の源であり豊かで 深遠…人々の絆」と考える「偉大なヨハン・セバ スティアン・バッハへのオマージュ」と表現して いる。ヴィラ＝ロボスはその作品をブラジルの特

色を解釈しバロック技術と構造のプリズムを透過 させ濾過するものと考えた。それぞれの曲はバロ ックの舞曲を集めた組曲であり、これまたその時 代に遡る和声と対位法の手法を使用している。楽 章のほとんどにはふたつのタイトルが冠せられ、 ひとつはフォーマルなバロック、もうひとつは砕 けたブラジル語である。「ブラジル風バッハ第2 番」は1930年作でありチェロとピアノのための3 曲と後にオーケストレーションされるもう1曲の ピアノ独奏曲の構成で作曲されたか、オーケスト ラ版が先という説もある。第2楽章の高貴な「祖 国の唄（O canto da nossa terra）」とタイトルさ れた「アリア」では中間部は激しく、最終楽章で は作品の全体にそのタイトルを冠される、壮大な トッカータ「カイピラの小さな汽車（O Trenzinho do Caipira）」がサンパウロ、カイピラの小さな 機関車が加速し、蒸気が尽きるまで突進するのを 生き生きと想起させている。 ジョアンナ・ワイルド

ジョアンナ・ワイルド(訳:小 GLOVA Corporation - グローヴァ)とオドラデック・レコーズLLCによる内容本文はクリエイティ ブ・コモンズ 表示-改変禁止4.0国際ライセンスの下に提供されています。ライセンスの許容範囲を超えるご利用については www.odradek-records.comまでお問い合わせください。

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水谷川優子 (チェロ) ５歳からチェロを始め、桐朋学園女子 高等学校音楽科卒業、同大学ディプロ マコースを経て、ザルツブルク·モーツ ァル テウム音楽院首席卒業、同大学 院修士修了マギスターの称号を得る。 同時期にローマのサンタ‧チェチーリ ア国立アカデミーのソリストコース にて研鑽を積んだ。最新のソロアルバ ム「CON ANIMA～魂をそえて」は『 レコード芸術』誌で準特選盤、優秀録 に選出。「勇気づけ、包んでくれるよ うな暖かい音色」（東京新聞）「心を ノックするチェロ」（毎日新聞）と評 されている。ソリストとしての他に邦 楽など異分野アーティストとのコラボ （NHK第35回日本賞授賞式で能管の一 噌幸弘氏と皇太子御夫妻のご列席のも とで記念演奏）や、「Ensemble Φ」 「Trio SolLa」などのメンバーとして も活動中。現在は日本とドイツに拠点 を置いて各国でソリスト、室内楽奏者 として活動、近年はエジプトやヨルダ ン、シンガポールなどでもオーケスト ラとも共演。コンサート活動の傍ら でライフワークとして少年院、ホス ピスなどの施設への訪問演奏を続け ている。ユニークな活躍ぶりが注目 されラジオやテレビにゲスト出演も 多く、2018年4月より1年間ラジオ番 組MUSIC BIRD「コンサートイマジン Presents 今トキ! クラシック」のパー ソナリティに抜擢、また出演したNHK FM「長崎‧祈りの音色」が平成30年度 文化庁芸術祭 優秀賞受賞、その演奏が 高く評価された。

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黒田亜樹（ピアノ） 東京芸術大学卒業後、イタリア·ペスカーラ 音楽院高等課程最高位修了。フランス音楽コ ンクール優勝。ジローナ20世紀音楽コンク ール現代作品特別賞受賞。現代音楽演奏コン クール優勝、朝日現代音楽賞受賞。卓越した 技術と鋭い感性は作曲家からの信頼も高く、 「ISCM世界音楽の日々」「現代の音楽展」 「サントリーサマーフェスティバル」「B→C バッハからコンテンポラリー」など、主要な 現代音楽演奏会にて内外作品の初演を多数手 がける。ビクターより「タンゴ·プレリュー ド」「タンゴ2000」をリリース。タンゴの本 質を捉えた表現と大胆なアレンジは各方面で 注目された。2013年にはバンドネオン奏者の 小松亮太氏とともにピアソラ作曲オペラ『ブ エノスアイレスのマリア』を、ピアソラ元夫 人で歌手のアメリータ·バタールを迎え完全上 演し話題を呼んだ。国外ではサルデーニャの SpazioMusica現代音楽祭でブソッティ作品の 初演、パルマのレッジョ劇場でキース·エマー ソンの代表作「タルカス」を現代作品として 蘇演、シチリアのエトネ音楽祭出演などイタ リアを中心に活動。作曲家·植松伸夫と浜渦正 志の指名により録音した「Piano Collections & FINAL FANTASY」やイタリアLIMENＬレー ベルよりリリースした「ブルクミュラー練習 曲全集」のDVDによっても、世界中のファン に親しまれている。2014年アメリカのオドラ デクレーベルより「火の鳥」～20世紀音楽ピ アノのための編曲集リリース。イギリスBBC ミュージックマガジン5つ星、レコード芸術誌 特選盤。「東京現音計画」メンバーとしてサ ントリー芸術財団2014年佐治敬三賞受賞。ピ アノ演奏法の優れた教師としても知られ、国 際コンクールの上位入賞者を多数輩出してい る。ペスカーラ音楽院教授。 14 14

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ITA Quando ascolto la musica di Villa-Lobos, mi emoziono e il mio cuore si riempie di gioia. È una melodia nuova per me o si tratta di un antico motivo familiare? Un timbro misterioso e un ritmo avvincente... Anche i suoni familiari del pianoforte e dell'orchestra vengono elaborati, in modo a volte audace, a volte delicato, così da creare un suono nuovo. È un linguaggio potente, non immerso nel passato. È lo spirito libero di Villa-Lobos a renderlo unico nel panorama della musica classica.

Nel 2009 è stato ricordato il 50° anniversario della sua morte. In varie parti del mondo si sono tenuti concerti commemorativi che hanno commosso il pubblico, ma, sfortunatamente, la loro eco è stata breve. Il mondo non era ancora pronto per Villa-Lobos. Dieci anni dopo, ho avuto la fortuna di poter incidere le opere di Villa-Lobos in Italia con la pianista Aki Kuroda, mia vecchia amica con cui ho suonato in molti concerti.

Villa-Lobos è stato anche un violoncellista, e in questo album vorrei poter esprimere pienamente il mondo che egli fu in grado di riversare in questo strumento, nella speranza di essere riuscite a rendere almeno in parte la grandezza di questo gigante dal cuore di un bambino.

Yuko Miyagawa

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Heitor Villa-Lobos (1887-1959) è stato il più importante compositore brasiliano di musica colta del 20° secolo. Egli ha coniugato modelli europei e caratteristici stili brasiliani in un modo che ha segnato il corso della cultura brasiliana, e non solo. Villa-Lobos ricevette la sua prima istruzione musicale dal padre, Raúl Villa-Lobos, bibliotecario e appassionato musicista dilettante. In un’intervista del 1957, il compositore ricordò: “Con lui ho sempre assistito a prove, concerti e opere ... Ho anche imparato a suonare il clarinetto, mi chiedeva di identificare il genere, lo stile, il carattere e l’origine delle composizioni, oltre a riconoscere rapidamente il nome di una nota, di suoni o rumori ... Erano guai se sbagliavo le risposte.”

Raúl insegnò al figlio anche a suonare il violoncello, che divenne lo strumento preferito del compositore. Accanto a questa istruzione classica, Villa-Lobos era affascinato dalla musica popolare che ascoltava per le strade di Rio de Janeiro, e imparò da autodidatta a suonare la chitarra – uno strumento generalmente non apprezzato nei circoli colti – per partecipare alla vita musicale della città.

Dopo aver abbandonato la scuola di medicina, l’adolescente Villa-Lobos si guadagnò da vivere suonando il violoncello nel Teatro Recreio, nel cinema Odeon e negli hotel. Trascorse quindi del tempo viaggiando per il Brasile, assimilando diversi stili musicali, prima di tornare a Rio, dove sposò la pianista Lucília Guimarães nel 1913. Nei pochi anni che seguirono, Villa-Lobos compose un numero sorprendente di opere, tra cui O canto do cisne negro (“Il canto del cigno nero”) del

1917. Villa-Lobos arrangiò quest’opera partendo dal suo poema sinfonico del 1916 Naufrágio de Kleônicos (“Il naufragio di Kleônikos”), W111, e in seguito essa fu riadattata per violoncello e orchestra da Andre Kostelanetz nel 1948. L’opera si apre con una struttura pianistica increspata, su cui il violoncello imposta una melodia lirica, senza interruzioni, caratterizzata da inflessioni esotiche.

Il lirismo di O canto do cisne negro sarebbe pienamente sbocciato nella musica successiva di Villa-Lobos; gran parte della sua produzione degli anni ‘40 e ‘50 è incentrata su melodie lunghe e appassionate, alla pari di artisti del calibro di Puccini. Un’eccezione a questa tendenza si può trovare in Divagação (‘Divagazione’), risalente al 1946. Si tratta di un bizzarro pezzo per violoncello e pianoforte con effetti percussivi improvvisati, degno di nota per i suoi ritmi spensierati, rari accenni alla tonalità e una scrittura per violoncello basata sull’improvvisazione, di tipo recitativo.

La Sonata per violoncello n. 2 fu scritta nel 1916 durante un periodo prolifico della vita del musicista; compose circa 100 lavori tra il 1912 e il 1917. L’opera è in uno stile densamente strutturato che mescola romanticismo e impressionismo; entrambi gli strumenti sono protagonisti in ugual misura, qualità, questa, immediatamente definita dall’ampia introduzione al pianoforte del primo movimento, a cui fa seguito il violoncello che si inserisce con del materiale riflessivo, in un flusso di coscienza che cresce piano verso una sezione centrale più animata. Dopo quest’enigmatico esordio, arriva un movimento lento più sommesso, languido e malinconico, con una melodia di

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violoncello di struggente bellezza accompagnata dalle ricche armonie del piano. Anche il più conciso ‘Scherzo’ debussiano trasuda un certo lirismo nei suoi movimenti spensierati, articolati attraverso un linguaggio sofisticato e jazzato che anticipa Gershwin e Poulenc. Il finale unisce questi diversi elementi in un turbinio di scambi sovrapposti tra gli strumenti: le fluide fiorettature del pianoforte quasi travolgono il violoncello, che viene temporaneamente sommerso mentre scende verso i toni più bassi prima di riaffiorare, fluttuando sopra le ondulazioni del pianoforte e facendosi strada verso la misteriosa conclusione dell’opera.

brasiliane, che abbracciarono il modernismo negli anni ‘20, ma negli anni ‘30 si spostarono verso una celebrazione e un’esplorazione più raffinata di tutto ciò che era brasiliano, includendo il cinema, la scienza, la lingua e il patrimonio culturale.

Villa-Lobos viaggiò in Europa nel 1923, stabilendosi a Parigi, dove la sua fama esplose. Incontrò altri compositori, tra cui Manuel de Falla, Ravel, Stravinsky, Prokofiev e Varèse, e ottenne il sostegno di noti musicisti, tra cui il pianista Arthur Rubinstein.

Nel 1930 Villa-Lobos tornò a casa, con l’intenzione di tornare a Parigi poco dopo. Il destino lo ostacolò con la rivoluzione dell’ottobre 1930, quando Getúlio Vargas salì al potere in Brasile, rovesciando la Vecchia Repubblica. Le ripercussioni sulla moneta del paese indussero Villa-Lobos a rinunciare al proprio appartamento parigino, che non poteva più mantenere. D’altra parte, Vargas sostenne l’atteggiamento pionieristico del compositore nei confronti dell’istruzione musicale, che includeva l’istituzione di lezioni di musica nelle scuole e l’incoraggiamento alla diffusione dei canti corali, in particolare delle canzoni brasiliane. In termini di produzione, lo stile di Villa-Lobos si sviluppò da una musica più apertamente nazionalista degli anni ‘20 a qualcosa di più dolce ed essenziale negli anni ‘30. Ciò rifletteva le tendenze culturali

La Pequena Suíte (“Piccola Suite”) del 1913 è la prima opera pubblicata da Villa-Lobos per violoncello e pianoforte, e riflette il suo amore per Bach, nato in tenera età grazie a sua zia. Questa suite fu eseguita pubblicamente per la prima volta diversi anni dopo essere stata scritta, nell’estate del 1919 al Salão Nobre di Rio de Janeiro, con Villa-Lobos al violoncello e Roberto Soriano al pianoforte. L’opera inizia con la riflessiva “Romancette”, in contrasto con la più estroversa e spiritosa “Legendária”.

Le “armonie sciolte” di “Harmonias Soltas” sono espresse attraverso doppie corde sul violoncello e i rintocchi del pianoforte, che si contrappone al “Fugato (all’antica)” vivace e neoclassico. Il talento del musicista nella composizione di belle melodie, anche all’inizio della carriera, si evince dalla “Melodia”, e la suite si conclude con un’altra allusione al barocco con la “Gavotta-Scherzo”, in cui l’elegante “Gavotta” lascia il passo al materiale più vivace dello scherzo. L’amore per la musica barocca, e in particolare per Bach, che sbocciò nelle prime opere, come la Pequena Suite, e nella

Il Ciclo brasileiro, originariamente composto da quattro pezzi per pianoforte, fu composto nel 1936.

Da questa suite ascoltiamo un arrangiamento del secondo movimento, “Impressões seresteiras” (“Impressioni serali”), in cui trame luccicanti evocano una successione di immagini notturne, e il ritmo e l’umore della musica rifluiscono ad ogni nuova sensazione.

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trascrizione per violoncello e pianoforte che il compositore fece delle opere di Bach nel 1910, si concretizzò nella serie delle nove Bachianas brasileiras composte da Villa-Lobos tra il 1930 e il 1945. Il compositore descrisse queste opere come un “omaggio al grande genio di Johann Sebastian Bach” che egli considerava “una specie di fonte folkloristica universale, ricca e profonda ... che unisce tutti i popoli”. Villa-Lobos concepì le opere come un nuovo modo di interpretare gli stili caratteristici brasiliani, filtrandoli attraverso il prisma delle tecniche e delle strutture barocche.

Ogni brano è una suite alla maniera di una raccolta barocca di danze, che utilizza procedure armoniche e contrappuntistiche a loro volta risalenti a quell’epoca. La maggior parte dei movimenti comprende titoli in due parti, uno formale e barocco, l’altro informale e brasiliano. Bachianas brasileiras n. 2 risale al 1930 e potrebbe essere nato nella forma di tre brani per violoncello e pianoforte e uno per pianoforte solista che furono poi orchestrati; alcune testimonianze suggeriscono che la versione orchestrale sia venuta prima.

Ascoltiamo il nobile secondo movimento “aria” intitolato ‘O canto da nossa terra’ (‘Il canto della nostra terra’), con la sua robusta sezione centrale, e il movimento finale, da cui l’opera prende il titolo, la gloriosa toccata ‘O Trenzinho do Caipira’, che evoca chiaramente l’accelerazione di una piccola locomotiva a Caipira, San Paolo, nel suo avanzare velocemente prima di rimanere senza vapore.

Joanna Wyld Testo di Joanna Wyld (Trad: Adriana Giugno) /Odradek Records, LLC è distribuito con licenza Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International. Autorizzazioni oltre lo scopo di questa licenza potrebbero essere disponibili su www.odradek-records.com.

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Dopo essersi diplomata presso il rinomato Toho Music College, Yuko Miyagawa ha conseguito la laurea magistrale presso l’Università Mozarteum di Salisburgo. Ha ricevuto numerosi premi come vincitrice di vari concorsi, tra cui: primo premio al sesto Concorso internazionale di musica da camera di Tokyo, dove le sono stati anche conferiti il premio Hideo Saito e il premio Asahi; primo premio al concorso dell’Art Festival in Calabria, Italia; secondo premio al Concorso internazionale di musica da camera, Città di Pinerolo, Italia; premio Aoyama Baroque Saal Award; premio Eccellenza 2018 dell’Agenzia per gli Affari Culturali del Giappone.

I suoi primi due album da solista, pubblicati da Victor Entertainment, così come la sua più recente incisione, Con anima, sono stati tutti inseriti da Record Geijutsu, rivista mensile di musica classica, tra le nuove registrazioni più consigliate, e la sua “commovente esecuzione” è stata acclamata dal quotidiano Tokyo Mainichi. Oltre ad esibirsi come solista con orchestre e in recital sia per solista che per musica da camera, collabora spesso con artisti di diversi generi musicali e si reca in visita anche presso istituti di rieducazione minorile e ospizi per tenere concerti, vocazione della sua vita. Conduce il proprio programma radiofonico in Giappone ed è ospite regolare alla radio e alla televisione per l’azienda radiotelevisiva giapponese NHK. Dopo essersi laureata presso la Tokyo National University of Fine Arts, la pianista Aki Kuroda ha proseguito gli studi in Italia con Bruno Mezzena, laureandosi con lode in musica per pianoforte del 20° secolo presso l’Accademia Musicale Pescarese.

Aki si esibisce assiduamente come solista e musicista da camera sia in Giappone che in Europa, soprattutto in Italia. Ha vinto il primo premio al Concorso di Musica Francese e al Concorso di Musica Contemporanea di Kyogaku e le è stato conferito il Premio Xavier Montsalvatge in Spagna per l’esecuzione di musica per pianoforte contemporanea. Oltre al repertorio classico standard, Kuroda ha eseguito brani di molti compositori del 20° secolo e contemporanei, come Ligeti, Xenakis, Donatoni, Boulez, Mochizuki e Sugiyama. Nel 2003 ha tenuto una straordinaria esibizione presso il Teatro Regio di Parma, interpretando una composizione a lei dedicata da Maurizio Pisati. Successivamente ha eseguito le Modifications di Michael Jarrell al Ticino Musica Festival. Nel 2004, Kuroda ha tenuto un’acclamata esibizione della Kammersymphonie di Schoenberg, op. 9, nella sua versione solista per pianoforte, a Tokyo e Osaka. Attualmente Kuroda collabora con musicisti di fama come il clarinettista Alessandro Carbonare e il Quartetto Prometeo.

Ha rivolto particolare attenzione ai lavori di Astor Piazzolla, a cui sono dedicati i suoi primi album da solista. Kuroda è apprezzata non solo come pianista di musica classica e contemporanea, ma anche come interprete di tango e jazz. La sua registrazione di musica per videogiochi Final Fantasy X. XIII, Piano Collection ha ottenuto grande consenso in tutto il mondo. Nel 2004 ha pubblicato gli album Tarkus e Pictures at an Exhibition, dedicati alle opere di Keith Emerson. Nel 2008, ha eseguito la nuova composizione di Sylvano Bussotti, La tastiera poetica, nell’ambito del festival Spaziomusica di Cagliari. Il disco di Aki Kuroda, Firebird, pubblicato nel 2014 dall’etichetta Odradek, è stato acclamato dalla critica, ricevendo, oltre ad altri riconoscimenti, 5 stelle dalla BBC Music Magazine. Kuroda è anche membro del progetto Tokyo Gen’On e della commissione dell’Associazione Nazionale Giapponese dei Docenti di Pianoforte “PTNA”.

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Recorded at Studio Odradek “The Spheres” 16-20 September 2019 Piano: Steinway D (Fabbrini Collection) Piano Technician: Luigi Fusco Producer: John Clement Anderson Engineer: Marcello Malatesta Mixing and Mastering: Thomas Vingtrinier, Sequenza Studio, Paris

Translations: Adriana Giugno (Italian) GLOVA Corporation - グローヴァ (Japanese, Liner Notes) design: Photos: Tommaso Tuzj

www.yuko-miyagawa.com www.kuroaki.net www.odradek-records.com

℗ & © 2020 Odradek Records, LLC, Lawrence (KS) USA. All rights reserved. Unauthorized copying, hiring, lending, public performance, and broadcasting of this sound recording are strictly prohibited.

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