Artur Pizarro & Bamberger Symphoniker, dir. Thomas Rösner - Couleurs

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ENG

Ever since I started to listen to music, I have felt particularly attracted to French orchestral music of the 20th century.

As an assistant to the Orchestre de la Suisse Romande, to the Orchestre National de Bordeaux and to the inspiring work of Georges Prêtre in Vienna, I had the opportunity to get to know many works of this period from the “inside” at the beginning of my career.

On this CD, we compare Francis Poulenc and Charles Koechlin: two composers who – with all their stylistic differences – combine what I want to describe with Couleurs. The sensuality in the mixture of the brass colours, the opulence and simultaneous transparency of the entire orchestral treatment, give rise to an unmistakeably French sound.

Poulenc studied with Koechlin for four years, which may be surprising in the context of these works. Although both grew up in the same artistic and cultural environment, they took completely different paths as independent artists.

I admire how unrestrained Poulenc is in inventing tunes that are solitary, simple, sometimes banal, as if he’s picked them up in the street. Through the elegance of his workmanship, the charm, the rapid change in character and a sense of sonic poetry, he manages to combine these ideas into an enchanting whole. What an understatement that Poulenc calls his longest purely orchestral work, ‘Sinfonietta’! For me it is his most perfect example of a mixture of deeply-felt feelings and a winking nonchalance. I feel the last movement as a loving homage to Mozart, whose ‘Little Night Music’ Poulenc quotes almost literally.

Koechlin’s melody in the two works selected here is barely tangible at first. The melodic lines writhing through small but constant changes seem like a pretext to enter incomparable soundscapes. Koechlin turns out to be a tireless sound magician who does not shy away from extreme instrumental sonorities and dynamics. This creates completely unfamiliar and partially organic sound mixes, the exact nature of which can only be clarified in detail with the use of the score. To realise this enormous abundance of shades in a way that seems effortless requires a top orchestra like the Bamberg Symphony Orchestra. With their high tonal flexibility and their uniquely elegant phrasing they are, for me, the ideal orchestra for these works.

Thomas Rösner

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In the years approaching the Second World War, Poulenc declared: “I don’t like this epoch, where one feels so rarely free”. It was fitting, then, that when the war ended, Poulenc was greeted with symbolic commissions such as the Sinfonietta and Piano Concerto, both of which were part of a general effort to renew and reinvigorate the freedom of international cultural relationships.

Poulenc’s Sinfonietta includes three themes originally written for his abortive String Quartet, a work of which he thought so little that he had disposed of it in the sewers of Paris in 1947. It seems that Poulenc’s problematic relationship with writing for strings alone, rather than the innate qualities of the thematic material, prompted such a dramatic gesture, but the quartet’s loss is the Sinfonietta’s gain. In June 1947, by now in London, Poulenc wrote of the genesis of the work to Darius Milhaud, a fellow member of ‘Les Six’, a group of like-minded French composers: “I’ve had a good spring this year. Now I’m about to write a Sinfonietta for orchestra for the BBC Third Programme.” Cultural channels between the UK and the Continent were freed up after the defeat of Nazi Germany, and the BBC responded by commissioning new music from composers including Poulenc. The Third Programme (which has since become BBC Radio 3) broadcast the work’s premiere on 24 October 1948, performed by the Philharmonia Orchestra and conducted by Roger Désormière. Poulenc wrote from Boston

that “the Sinfonietta went very well in London”.

Poulenc’s choice of the diminutive ‘sinfonietta’ for the title may reflect the work’s light-hearted nature, and his own self-deprecating sense of humour, as well as the first movement’s unconventional structure, but in scale it could easily have been described as a full-size symphony. The mercurial opening movement contrasts spirited, darting material with more expansive, flowing lines, the tone shifting almost abruptly, with snatches of neoclassicism and Stravinskian harmonies. In the vibrant scherzo one can detect the influence of Tchaikovsky, Mozart, and the finale to Poulenc’s own Les Biches. The lyrical, nostalgic slow movement is followed by a busy, breathless finale. Poulenc adopts something of Stravinsky’s neoclassical style alongside his own more characteristically urbane character as those string quartet themes are introduced and explored.

Poulenc’s Piano Concerto was the last of his five concertos, and was commissioned by the Boston Symphony Orchestra in the wake of the composer’s increasing international success, partly as a way of cementing good relations between Boston and Paris following the Second World War. Poulenc composed the work in Boston, observing wryly of his time spent there: “I lead an austere existence in this very puritan town”. The official premiere took place 4 4

there in 1950, with the composer at the piano and Charles Munch conducting. Reception was rather muted, greeted with “more sympathy than real enthusiasm”.

Poulenc had written for piano and orchestra two decades earlier in Aubade, and the jaunty, extrovert nature of that piece infiltrates the concerto, offset by the composer’s take on Russian romanticism. As with the Sinfonietta, Poulenc’s approach to concerto form is playful and unconventional, prompting Le Figaro to argue that the work “isn’t a concerto at all but a little picture of manners, done up by a minor master.” Perceptions of Poulenc’s significance have changed radically since this rather snooty underestimation of the composer’s abilities.

Of the work’s shifts in tone, and in particular the juxtaposition of the Piano Concerto with the solemnity of his next work, the Stabat Mater, Poulenc explained: “I am as sincere in my faith, without any messianic screamings, as I am in my Parisian sexuality … My musical tone is spontaneous, and in any case, I think truly personal.”

The spirit of Rachmaninoff seems to hover over the Piano Concerto’s first movement, with its moments of full-throated romanticism and

Poulenc’s manner of varying the theme, redolent of the Rhapsody on a Theme of Paganini. The slow movement begins with an insistent, palpitating rhythm adding a sense of anticipation to its longbreathed lines. At first this tension is dispersed by the piano’s romantic chords, but drama is never far away and Poulenc veers between quiet but tremulous excitement and passionate outbursts.

In the finale, Poulenc favours Stravinskian neoclassicism over the heart-on-sleeve style of Rachmaninoff and, as with the Sinfonietta, there is also a Mozartian lightness of touch. Brazilian idioms are incorporated into the movement’s material, as well as the use of the sea shanty À la claire fontaine, which in early performances was mistaken for Swanee River.

Charles Koechlin was born in Paris just over 20 years before Poulenc. He had what he described as an Alsatian temperament, prizing naivety and industry, although he considered his life to be a “series of happy chances under a cloud of general misfortune”. Koechlin’s sincerity chimes with his love of the music of his composition teacher, Fauré. Yet his tastes were remarkably catholic, embracing a range of influences to develop a distinctive voice, with a particular gift for harmony, including the use of polytonality.

Musicologist Wilfrid Mellers argued in 1942 that Koechlin “is among the very select number of 5 5

contemporary composers who really matter”.

Koechlin remained loyal to the large orchestral symphonic poem long after it was fashionable, and his works in the genre represent the composer at his best. His particular interests and sources of inspiration found expression in the spacious resources of a post-Romantic ensemble: nature, dreams, mythology, fantasy, the night sky, the wonders of the universe… Koechlin’s most famous achievement is his orchestral Jungle Book cycle, begun in 1899 and spanning 40 years.

The symphonic poems Vers la voûte étoilée, Op. 129 and Sur les flots lointains, Op. 130 date from 1933, and both were published posthumously in 1996. Vers la voûte étoilée (‘Towards the vault of stars’) was begun in the early 1920s, partly adapted from Koechlin’s piano Nocturne in E flat.

The piece was subsequently revised in 1939, but was not performed until its premiere in the late 1980s. Generously paced to create a sense of awe and mystery, the work reflects Koechlin’s love of the stars; one of his earliest ambitions was to become an astronomer, and he frequently observed the night sky through his own telescope.

In the elegiac Sur les flots lointains (‘On the distant waves’), originally for strings alone, Koechlin makes use of a melody composed

by his student and correspondent, American composer Catherine Murphy Urner (1891-1942); the full title of the work is Sur les flots lointains en collaboration avec Catherine Urner. Koechlin first met Urner in 1918 on his lecture tour of the United States, and she became his devoted student from 1919 to 1933. They collaborated on numerous works, harmonising one another’s melodies and composing several pieces together.

Urner married another of Koechlin’s students, Charles Shatto (Koechlin himself had married in 1903), but poor wartime communications meant that Koechlin only learned of Urner’s death in a motoring accident in 1942 some three years later, in a letter from Milhaud written in March 1945. As with Vers la voûte étoilée, Sur les flots lointains was premiered in the 1980s. The work is based on one of Urner’s songs and unfolds in a slow, impressionistic haze, exuding a subtle and enigmatic sensuality.

Joanna Wyld

Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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Artur Pizarro piano

Born in Lisbon in 1968, Artur Pizarro gave his first public performance aged three and made his television début aged four. He was introduced to the piano by his grandmother, pianist Berta da Nóbrega, and her duo partner, Campos Coelho, a student of Vianna da Motta, Ricardo Viñes and Isidor Philipp.

Artur studied with Sequeira Costa, who had been a student of Mark Hamburg, Edwin Fischer, Marguerite Long and Jacques Février. This distinguished lineage immersed Artur in the tradition of the ‘Golden Age’ of pianism, and in both German and French piano schools and repertoire. Artur studied with Jorge Moyano in Lisbon, and in Paris worked with Aldo Ciccolini, Géry Moutier and Bruno Rigutto. He won first prizes in the 1987 Vianna da Motta Competition, the 1988 Greater Palm Beach Symphony Competition, and at the 1990 Leeds International Pianoforte Competition.

Artur performs internationally in recital, chamber music and with the world’s leading orchestras and conductors, including Sir Simon Rattle, Philippe Entremont, Yan Pascal Tortelier, Sir Andrew Davis, Esa-Pekka Salonen, Yuri Temirkanov, Vladimir Fedoseyev, Ilan Volkov, Franz Welser-Most, Tugan Sokhiev, Yakov Kreizberg, Yannick Nézet-Séguin, Libor Pešek, Vladimir Jurowski, Ion Marin, John Wilson and the late Sir Charles Mackerras.

Artur has received awards from his native Portugal for services to classical music and culture, including the Portuguese Press Award, the Portuguese Society of Authors award, the Medal of Culture of the City of Funchal, and the Medal of Cultural Merit from the Portuguese Government. He has also been awarded the Albéniz Medal in Spain.

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Viennese born Thomas Rösner conducted his first concerts aged 14. Thomas has enjoyed great success for his interpretations of Mozart’s operas, such as Così fan tutte with Michael Haneke in Brussels, Zauberflöte with Robert Lepage at the Quebec Opera Festival, and at the Zurich Opera, Glyndebourne, Rome, the Korean National Opera and Houston Grand Opera.

He has been Music Director of the Orchestre Symphonique Bienne Soleure in Switzerland and currently holds the position of Artistic Director of the Beethoven Philharmonie in Austria.

Thomas has been invited to conduct many orchestras such as the Wiener Symphoniker, Deutsches Sinfonieorchester Berlin, Bamberger Symphoniker, Salzburg Mozarteum Orchestra, Houston Symphony, City of Birmingham Symphony, Scottish Chamber Orchestra, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Polish National Radio Orchestra, Les Violons du Roy in Montreal, Tokyo Symphony and the Israel Sinfonietta.

His operatic work includes engagements at the Semperoper in Dresden, Bavarian State Opera in Munich, Stuttgart, Geneva, the New National Theatre in Tokyo, National Center for the Performing Arts in Beijing, Théâtre du Châtelet in Paris, Edinburgh Festival, Welsh National Opera and the Opera National de Lyon.

Thomas has recorded Il Trovatore on DVD at the Bregenz Festival, discs with the Bamberg Symphony and the Polish National Radio Symphony Orchestra, featuring works by Paul Kletzki and Czesław Marek. Other recordings include Janáček’s Glagolitic Mass. His CD Haydn Arias & Overtures was the winner of the Juno Award in Toronto in 2012.

Thomas Rösner conductor 8 8

The Bamberger Symphoniker is an extraordinary orchestra in an extraordinary city. Since 1946 it has been delighting audiences worldwide with its characteristically dark, rounded, radiant sound. Countless concerts, recordings for radio, television and CDs, as well as more than 7000 concerts in over 500 cities and 63 countries attest to this. As the Bavarian State Philharmonic these musicians are cultural ambassadors for Bavaria and all of Germany.

The circumstances surrounding its birth make the Bamberger Symphoniker a mirror of German history. In 1946, ex-members of Prague’s German Philharmonic Orchestra met fellow musicians who had likewise been forced to flee their homes by the war and its aftermath, and together they founded the Bamberger Symphoniker. Its lineage can be traced back through the Prague Orchestra to the 18th and 19th centuries, so that the Bamberger Symphoniker’s roots reach back to Mozart and Mahler. Now, more than 70 years after it was founded, with Jakub Hrůša as the Orchestra’s Chief Conductor, there is a living link from the Bamberger Symphoniker’s historic roots to its present.

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DEU Seit ich begonnen habe Musik zu hören, fühle ich mich zur französischen Orchestermusik des 20.

Jahrhunderts besonders hingezogen. Als Assistent beim Orchestre de la Suisse Romande, beim Orchestre National de Bordeaux sowie in der inspirierenden Arbeit mit Georges Prêtre in Wien hatte ich zu Beginn meiner Laufbahn die Gelegenheit, viele Werke dieser Periode von « innen » kennenzulernen.

Auf dieser CD stellen wir mit Francis Poulenc und Charles Koechlin zwei Komponisten gegenüber, die – bei allen stilistischen Unterschieden – das verbindet, was ich mit couleurs beschreiben möchte.

Die Sinnlichkeit in der Mischung der Bläserfarben, die Opulenz und gleichzeitige Transparenz der gesamten Orchesterbehandlung lässt für mich einen unverwechselbar französischen Klang entstehen.

Poulenc hat vier Jahre bei Koechlin studiert, was bei den hier aufgenommenen Werken überraschend klingen mag. Auch wenn beide im selben künstlerischen und kulturellen Umfeld aufwuchsen, so schlugen sie doch völlig verschiedene Wege als eigenständige Künstler ein. Ich bewundere, wie hemmungslos Poulenc Melodien erfindet, die allein betrachtet, so einfach, ja manchmal banal sind, als hätte er sie auf der Strasse aufgeschnappt. Durch die Eleganz ihrer Verarbeitung, den Charme, die raschen Wechsel im Charakter und die klangliche Poesie gelingt es ihm, diese Einfälle zu einem bezaubernden Ganzen zu verbinden. Welch Understatement, dass Poulenc sein längstes, gut halbstündiges reines Orchesterwerk Sinfonietta nennt! Es ist für mich sein vollkommenstes Beispiel einer Mischung tief empfundener Gefühle und einer augenzwinkernden Nonchalence. Den letzten Satz empfinde ich als liebevolle Hommage an Mozart, dessen Kleine Nachtmusik Poulenc fast wörtlich zitiert.

Koechlin’s Melodik in den beiden hier ausgewählten Werken ist aufs Erste kaum greifbar. Die sich in ständigen kleinen Veränderungen windenden melodischen Linien scheinen mir wie ein Vorwand, um Klangräume zu öffnen, die unvergleichbar sind. Koechlin entpuppt sich als unermüdlicher Klangmagier, der vor extremen Lagen und Dynamik in den Instrumenten nicht zurückscheut. Dies erzeugt völlig ungewohnte und teilweise orgelhafte Klangmischungen, deren genaue Beschaffenheit sich nur mit Verwendung der Partitur im Detail klären lässt. Diese enorme Fülle an Schattierungen scheinbar mühelos zu realisieren, vermag nur ein Spitzenorchester wie es die Bamberger Symphoniker sind. Mit ihrer hohen klanglichen Flexibilität und der ihnen eigenen Eleganz in der Phrasierung sind sie für mich der ideale Klangkörper für diese Werke.

Thomas Rösner 10 10

In den Jahren vor dem Zweiten Weltkrieg erklärte Poulenc: „Ich mag diese Epoche nicht, in der man sich so selten frei fühlt“. Es war daher folgerichtig, dass Poulenc am Ende des Krieges mit symbolischen Aufträgen wie der Sinfonietta und dem Klavierkonzert begrüßt wurde, die beide Teil der allgemeinen Bemühungen waren, die Freiheit der internationalen Kulturbeziehungen zu erneuern und wiederzubeleben.

Poulencs Sinfonietta enthält drei Themen, die ursprünglich für sein misslungenes Streichquartett geschrieben wurden, ein Werk von dem er so wenig hielt, dass er es 1947 in den Pariser Abflusskanälen verschwinden ließ.

Seine problematische Beziehung zum Genre des Streichquartetts und die Eigenschaften des thematischen Materials lösten ein persönliches Drama aus, das zum Verlust des Quartetts führte und dafür die Sinfonietta entstehen ließ. Im Juni 1947 schrieb Poulenc über die Entstehung des Werkes von London aus an Darius Milhaud, einem Mitglied der Gruppe gleichgesinnter französischer Komponisten Les Six: „Dieser Frühling war gut für mich. Jetzt schreibe ich eine Sinfonietta für Orchester im Auftrage des Dritten BBC-Programms“. Nach dem Untergang der Nationalsozialisten wurden die kulturellen Beziehungen zwischen Großbritannien und dem Kontinent wieder aufgenommen, und die BBC gab Werke neuer Musik von Komponisten wie Poulenc in Auftrag. Der dritte Kanal (mittlerweile als BBC Radio 3 bekannt) strahlte die Uraufführung des

Werks am 24. Oktober 1948 aus, aufgeführt vom Philharmonia Orchestra unter der Leitung von Roger Désormière. Poulenc schrieb von Boston aus, dass „die Sinfonietta in London sehr gut gelaufen ist“.

Poulencs Diminutivform des Titels „Sinfonietta“ spiegelt möglicherweise die Unbeschwertheit des Werks und seinen selbstironischen Sinn für Humor sowie die unkonventionelle Struktur des ersten Satzes wider, auch wenn man sie als eine vollständige Sinfonie bezeichnen könnte. Der launige Eröffnungssatz stellt dem lebhaften, spritzigen Material expansive, fließende Linien gegenüber, wobei sich der Klang abrupt verschiebt, nicht ohne einen neoklassizistischen Hauch und Strawinskyähnliche Harmonien. Im pulsierenden Scherzo kann man den Einfluss von Tschaikowsky, Mozart und das Finale von Poulencs Les Biches nachspüren.

Dem lyrischen, nostalgischen langsamen Satz folgt ein energisches, atemberaubendes Finale. Neben seinem charakteristischen urbanen Stil greift Poulenc etwas von Strawinskys Neoklassizismus auf, immer da wo die Streichquartett-Themen vorgestellt und entwickelt werden.

Poulencs Klavierkonzert war das letzte seiner fünf Konzerte und wurde vom Boston Symphony Orchestra im Anschluss an den zunehmenden internationalen Erfolg des Komponisten in Auftrag gegeben, auch um die guten Beziehungen zwischen Boston und Paris nach dem Zweiten Weltkrieg zu festigen. Poulenc komponierte das Werk in 11 11

Boston und betrachtete dabei ironisch seine dort verbrachte Zeit: „Ich führe eine asketische Existenz in dieser sehr puritanischen Stadt“. Dort fand 1950 die offizielle Uraufführung mit dem Komponisten am Klavier und Charles Munch als Dirigent statt.

Die Rezeption war eher gedämpft und wurde mit „mehr Sympathie als wirklicher Begeisterung“ aufgenommen.

Poulenc schrieb zwei Jahrzehnte zuvor Aubade, ebenfalls für Klavier und Orchester. Sein unbeschwerter, extrovertierter Charakter fließt in die Bereiche des Concerto ein, unter dem Einfluss der vom Komponisten angenommenen russischen Romantik. Wie bei der Sinfonietta ist Poulencs Herangehensweise an die Konzertform spielerisch und unkonventionell und veranlasste Le Figaro zur Aussage, dass das Werk „überhaupt kein Konzert sei, sondern ein kleines Bild von Eigenarten, das von einem kleinen Meister geschrieben wurde.“ Die Bedeutung Poulencs hat sich nach Unterschätzungen dieser Art seitdem radikal geändert. Über die Stimmungswechsel des Werks und insbesondere die Gegenüberstellung des Klavierkonzerts mit der Feierlichkeit seines nächsten Werks, dem Stabat Mater, erklärte Poulenc: „Ich bin, ohne großes Gehabe, in meinem Glauben genauso aufrichtig wie in meiner Pariser Sexualität… Mein musikalischer Ton ist spontan und auf jeden Fall sehr persönlich.“

Der Geist von Rachmaninoff scheint über dem ersten Satz des Klavierkonzerts zu schweben, mit seinen romantischen Momenten und Poulencs typischer Weise, ein Thema zu variieren, die an die Rhapsodie über ein Thema von Paganini erinnert. Der langsame Satz beginnt mit einem eindringlichen, pulsierenden Rhythmus, der den langatmigen Linien ein Gefühl der Vorfreude verleiht. Anfangs wird diese Spannung durch die romantischen Akkorde des Klaviers aufgelöst, aber das Drama ist nie weit weg, und Poulenc pendelt zwischen stiller, aber zitternder Aufregung und leidenschaftlichen Ausbrüchen.

Im Finale bevorzugt Poulenc den Neoklassizismus von Strawinsky gegenüber Rachmaninows gefühlsbetontem Stil, und wie bei der Sinfonietta vernimmt man ebenfalls eine gewisse Mozartsche Leichtigkeit. Brasilianische Klänge fließen ebenso in das Material des Satzes ein wie die Verwendung des Seemannsliedes À la Claire Fontaine, das einst mit Swanee River verwechselt wurde.

Charles Koechlin wurde etwas mehr als 20 Jahre vor Poulenc in Paris geboren. Er besaß das, was er als elsässisches Temperament bezeichnete, und schätzte Naivität und Fleiß, obwohl er sein Leben als „eine Reihe glücklicher Chancen unter einer Wolke allgemeinen Unglücks“ ansah. Koechlins Aufrichtigkeit steht im Einklang mit der Liebe zur Musik seines Kompositionslehrers Fauré. Sein Geschmack war jedoch von seinem Katholizismus 12 12

beeinflusst, der eine unverwechselbare Stimme mit einer besonderen Begabung für Harmonie, einschließlich der Verwendung von Polytonalität, hervorbrachte. Der Musikwissenschaftler Wilfrid Mellers behauptete 1942 von Koechlin, „er gehöre zu jener Gruppe ausgewählter, zeitgenössischer Komponisten, die wirklich wichtig seien“.

Koechlin blieb der sinfonischen Dichtung für großes Orchester lange nach deren Erscheinung treu, und seine Werke in diesem Bereich zeigen den Komponisten von seiner besten Seite. Seine besonderen Interessen und Inspirationsquellen fanden ihren Ausdruck im postromantischen Repertoire: Natur, Träume, Mythologie, Fantasie, Nachthimmel, die Wunder des Universums...

Koechlins wichtigster Beitrag ist sein sinfonischer Dschungelbuch-Zyklus, 1899 begonnen und über 40 weitere Jahre hinweg fertiggestellt.

Die sinfonischen Dichtungen Vers la voûte étoilée, Op. 129 und Sur les Flots Lointains, Op. 130 stammen aus dem Jahr 1933 und wurden beide 1996 posthum veröffentlicht. Vers la voûte étoilée (Im Anblick des Sternenhimmels) wurde in den frühen 1920er Jahren begonnen, teilweise umgeschrieben aus seinem Nocturne in Es-Dur für Klavier. Er überarbeitete das Stück 1939, aber erst Ende der 1980er Jahre erfolgte die Uraufführung.

Es ist großzügig angelegt, um ein Gefühl der Ehrfurcht und des Mysteriums zu erwecken, und spiegelt Koechlins Liebe zu den Sternen wider.

Einer seiner frühesten Wünsche war es, Astronom

zu werden, und er beobachtete den Nachthimmel häufig mit seinem eigenen Teleskop.

In dem elegischen Sur les Flots Lointains (Auf fernen Wogen), ursprünglich für Streicher gedacht, verwendet Koechlin eine Melodie, die von seiner Studentin und Brieffreundin, der amerikanischen Komponistin Catherine Murphy Urner (18911942) stammt. Der vollständige Titel des Werkes lautet Sur les flots lointains en collaboration avec Catherine Urner. Koechlin lernte Urner 1918 auf seiner Vortragsreise durch die USA kennen, und sie wurde von 1919 bis 1933 seine ergebene Schülerin. Sie arbeiteten an zahlreichen Werken zusammen, orchestrierten gegenseitig ihre Melodien und komponierten gemeinsam. Urner heiratete den weiteren Koechlin-Schüler Charles Shatto (Koechlin selbst hatte 1903 geheiratet).

Aufgrund der schlechten Verbindungen während des Krieges erfuhr Koechlin erst in einem Brief von Milhaud aus dem Jahre 1945 vom Tod Catherine Urners bei einem Autounfall drei Jahre zuvor. Wie bei Vers la voûte étoilée wurde Sur les flots lointains in den 1980er Jahren uraufgeführt. Das Werk basiert auf einem Lied von Urner und entfaltet sich langsam in einem impressionistischen Nebel, der eine subtile und rätselhafte Sinnlichkeit ausstrahlt.

Joanna Wyld

Autor des Textes Joanna Wyld (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

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Der 1968 in Lissabon geborene Artur Pizarro trat im Alter von drei Jahren zum ersten Mal öffentlich auf und gab sein Fernsehdebüt mit vier Jahren. Er wurde von seiner Großmutter, der Pianistin Berta da Nóbrega, und ihrem Duopartner Campos Coelho, einem Schüler von Vianna da Motta, Ricardo Viñes und Isidor Philipp, an das Klavier herangeführt.

Pizarro studierte bei Sequeira Costa, einem Schüler von Mark Hamburg, bei Edwin Fischer, Marguerite Long und Jacques Février. Durch die Ausbildung bei diesen distinguierten Lehrern reihte er sich in die Tradition des „Goldenen Zeitalters“ des Klavierspiels sowie in die deutschen und französischen Klkavierschulen und deren Repertoire ein. Pizarro studierte bei Jorge Moyano in Lissabon und arbeitete in Paris mit Aldo Ciccolini, Géry Moutier und Bruno Rigutto. Er gewann 1987 erste Preise beim Vianna da Motta-Wettbewerb, 1988 bei der Greater Palm Beach Symphony Competition und 1990 bei der Leeds International Pianoforte Competition.

Artur Pizarro tritt international bei Klavierabenden, in der Kammermusik und mit weltweit führenden Orchestern und Dirigenten auf, darunter Sir Simon Rattle, Philippe Entremont, Yan Pascal Tortelier, Sir Andrew Davis, Esa-Pekka Salonen, Juri Temirkanov, Vladimir Fedoseyev, Ilan Volkov, Franz Welser-Most, Tugan Sokhiev, Yakov Kreizberg, Yannick Nézet-Séguin, Libor Pešek, Wladimir Jurowski, Ion Marin, John Wilson und der verstorbene Sir Charles Mackerras.

Von seiner Heimat Portugal erhielt Pizarro Auszeichnungen für Verdienste um klassische Musik und Kultur, darunter den Portugiesischen Pressepreis, den Preis der Portugiesischen Gesellschaft für Autoren, die Kulturmedaille der Stadt Funchal und die Medaille für kulturelle Verdienste der portugiesischen Regierung.

In Spanien wurde er zudem mit der Albéniz-Medaille ausgezeichnet.

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Der gebürtige Wiener Thomas Rösner dirigierte seine ersten Konzerte mit 14 Jahren. Er erzielte große Erfolge für seine Interpretationen von Mozarts Opern wie zum Beispiel mit Così fan tutte mit Michael Haneke in Brüssel, mit der Zauberflöte mit Robert Lepage beim Quebec Opera Festival und an der Zürcher Oper, in Glyndebourne, in Rom, bei der Korean National Opera und an der Houston Grand Opera.

Er war Musikdirektor des Orchesters Symphonique Bienne Soleure in der Schweiz und ist derzeit künstlerischer Leiter der Beethoven Philharmonie in Österreich.

Rösner wurde eingeladen, zahlreiche Orchester zu dirigieren, darunter die Wiener Symphoniker, das Deutsche Sinfonieorchester Berlin, die Bamberger Symphoniker, das Salzburger Mozarteum-Orchester, die Houston Symphony, die City of Birmingham Symphony, das Scottish Chamber Orchestra, das Orchestre National du Capitole de Toulouse, das Polish National Radio Symphony Orchestra, die Violons du Roy in Montreal, das Tokyo Symphony Orchestra und das Israel Sinfonietta.

Zu seiner Tätigkeit an Opernhäusern zählen Engagements an der Semperoper in Dresden, der Bayerischen Staatsoper in München, in Stuttgart, in Genf, an dem Neuen Nationaltheater in Tokio, dem Nationalen Zentrum für darstellende Kunst in Peking, dem Théâtre du Châtelet in Paris, dem Edinburgh Festival, der Welsh National Opera und an der Opera National de Lyon.

Thomas Rösner hat Il Trovatore bei den Bregenzer Festspielen auf DVD aufgenommen sowie CDs mit den Bamberger Symphonikern und dem Nationalen Sinfonieorchester des Polnischen Rundfunks mit Werken von Paul Kletzki und Czesław Marek. Weitere Aufnahmen enthalten Janáčeks Glagolitische Messe. Mit seiner CD Haydn Arias & Overtures gewann er 2012 in Toronto den Juno Award.

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Die Bamberger Symphoniker sind ein außergewöhnliches Orchester in einer außergewöhnlichen Stadt. Seit 1946 begeistern sie ihr Publikum weltweit mit ihrem charakteristisch dunklen, runden und strahlenden Klang. Davon zeugen zahllose Konzertmitschnitte für Funk und Fernsehen ebenso wie Produktionen für Schallplatte und CD, außerdem weit mehr als 7.000 Konzerte in über 500 Städten und 63 Ländern. Als Bayerische Staatsphilharmonie sind sie Kulturbotschafter Bayerns und ganz Deutschlands in der Welt. Die Umstände ihrer Gründung machen sie zu einem Spiegel der deutschen Geschichte: 1946 trafen ehemalige Mitglieder des Deutschen Philharmonischen Orchesters Prag in Bamberg auf Musikerkollegen, die ebenfalls infolge der Kriegs- und Nachkriegswirren aus ihrer Heimat fliehen mussten, und gründeten die Bamberger Symphoniker. Ausgehend von dem Prager Orchester lassen sich Traditionslinien bis ins 19. und 18. Jahrhundert ziehen und damit zurück bis zu Mahler und Mozart. Mit Chefdirigent Jakub Hrůša spannt sich nun, mehr als sieben Jahrzehnte nach der Orchestergründung, wieder eine Brücke zwischen den geschichtlichen Wurzeln der Bamberger Symphoniker und ihrem Heute.

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FR Depuis l’âge où j’ai commencé à écouter de la musique, je me suis senti particulièrement attiré par la musique orchestrale française du XXe siècle. En tant qu’assistant de l’Orchestre de la Suisse romande, de l’Orchestre National de Bordeaux et des travaux inspirants de Georges Prêtre à Vienne, j’ai eu l’occasion dès le début de ma carrière d’explorer de « l’intérieur » de nombreuses œuvres de cette période.

Sur ce CD, nous comparons Francis Poulenc et Charles Koechlin : deux compositeurs qui, à travers toutes leurs différences stylistiques, combinent ce que j’ai souhaité décrire avec Couleurs. La sensualité dans le mélange de couleurs des cuivres, l’opulence et la transparence simultanée de tout le traitement orchestral, donnent naissance à un son indéniablement français.

Poulenc a étudié avec Koechlin pendant quatre ans, ce qui peut surprendre dans le contexte de ces pièces. Bien qu’ayant tous deux grandi dans le même environnement artistique et culturel, ils ont emprunté des chemins complètement différents en tant qu’artistes indépendants. J’admire l’aptitude effrénée de Poulenc à inventer des airs solitaires, simples, parfois banaux, comme s’il les ramassait dans la rue. Par l’élégance de son travail, son charme, ses changements rapides de caractère et son sens de la poésie sonore, il réussit à combiner ces idées en un ensemble enchanteur. Quel euphémisme que Poulenc ait appelé sa plus longue œuvre purement orchestrale ‘Sinfonietta’! C’est selon moi l’exemple le plus parfait d’un mélange de sentiments profondément ressentis et d’une nonchalance espiègle. Je ressens ce dernier mouvement comme un hommage affectueux à Mozart, dont la « Petite Musique de Nuit » est citée presque littéralement par Poulenc.

La mélodie de Koechlin dans les deux œuvres sélectionnées ici est initialement à peine tangible. Les lignes mélodiques qui se tordent à travers des changements infimes mais constants semblent être un prétexte pour explorer des paysages sonores incomparables. Koechlin s’avère être un inlassable magicien du son, ne craignant pas les sonorités et les dynamiques instrumentales extrêmes. Cela crée des mixages sonores totalement inconnus et partiellement organiques, dont la nature exacte ne peut être clarifiée en détail qu’à travers la partition. Pour parvenir à toute cette gamme de nuances d’une manière qui semble facile, il faut un orchestre de premier plan comme le Bamberg Symphony. Avec sa grande souplesse tonale et son phrasé à l’élégance unique, c’est selon moi l’orchestre idéal pour interpréter ces œuvres.

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Dans les années précédant la Seconde Guerre mondiale, Poulenc a déclaré : « Je n’aime pas cette époque, où l’on se sent si rarement libre ». À la fin de la guerre, il était donc approprié que Poulenc reçoive des commandes symboliques telles que la Sinfonietta et le Concerto pour piano, faisant tous deux partie d’un effort général visant à renouveler et à redynamiser la liberté des relations culturelles internationales.

La Sinfonietta de Poulenc comprend trois thèmes écrits à l’origine pour son Quatuor à cordes avorté, une œuvre dont il pensait si peu de bien qu’il l’avait jetée dans les égouts de Paris en 1947. Il semble que la relation problématique de Poulenc avec l’écriture pour cordes seule, plutôt que les qualités innées de la matière thématique, aient provoqué un geste aussi dramatique, mais la perte du quartet est le gain de la Sinfonietta. En juin 1947, vivant désormais à Londres, Poulenc a écrit à Darius Milhaud - un autre membre des « Six », un groupe de compositeurs français aux vues similaires – au sujet de la genèse de l’œuvre : « J’ai eu un bon printemps cette année. Je suis sur le point d’écrire une Sinfonietta pour orchestre pour le troisième programme de la BBC. » Après la défaite de l’Allemagne nazie, les relations culturelles entre le Royaume-Uni et le continent furent libérées, et la BBC décida de commander de nouvelles musiques à des compositeurs tels Poulenc. Le Third Programme (devenu depuis BBC Radio 3) a diffusé la création de l’œuvre le 24 octobre 1948,

interprétée par le Philharmonia Orchestra et dirigée par Roger Désormière. Poulenc a écrit de Boston que « la Sinfonietta s’est très bien déroulée à Londres ».

Le choix par Poulenc de la petite « sinfonietta » pour le titre reflète peut-être la nature enjouée de l’œuvre, son sens de l’autodérision, ainsi que la structure non conventionnelle du premier mouvement, mais on pourrait facilement la décrire, par son ampleur, comme une véritable symphonie.

Le mouvement d’ouverture volatil contraste des passages fougueux et piquants avec des lignes plus larges et plus fluides, et un ton changeant presque brusquement, avec des bribes de néoclassicisme et des harmonies stravinskiennes.

Dans le vibrant scherzo, on peut détecter l’influence de Tchaïkovski, Mozart et le finale des Biches de Poulenc. Le mouvement lent, lyrique et nostalgique, est suivi d’un finale chargé et haletant.

Poulenc adopte quelque peu le style néoclassique de Stravinsky aux côtés de son propre caractère, plus typiquement urbain, à mesure que les thèmes du quatuor à cordes sont introduits et explorés.

Le Concerto pour piano de Poulenc est le dernier de ses cinq concertos, commandé par le Boston Symphony Orchestra à la suite du succès international grandissant du compositeur, en partie pour consolider les bonnes relations entre Boston et Paris après la Seconde Guerre mondiale. Poulenc a composé l’œuvre à Boston, en observant avec ironie le temps qu’il y a passé : « Je mène une 19 19

existence austère dans cette ville très puritaine ».

La première officielle a eu lieu à Boston en 1950, avec le compositeur au piano et Charles Munch à la direction. La réception fut plutôt silencieuse et accueillie avec « davantage de sympathie que de réel enthousiasme ».

Poulenc avait écrit pour piano et orchestre deux décennies plus tôt avec Aubade, et la nature désinvolte et extravertie de cette pièce s’infiltre dans le concerto, compensée par l’interprétation par le compositeur du romantisme russe. Comme pour la Sinfonietta, l’approche du concerto par Poulenc est ludique et non conventionnelle, ce qui incita Le Figaro à affirmer que l’œuvre « n’est pas du tout un concerto, mais un petit tableau de manières concocté par un maître mineur ». La perception de la signification de Poulenc a radicalement changé depuis cette sous-estimation plutôt arrogante des capacités du compositeur. À propos des changements de ton de l’œuvre, et en particulier la juxtaposition du Concerto pour piano avec la solennité de son œuvre suivante, le Stabat Mater, Poulenc a expliqué : « Je suis aussi sincère dans ma foi, sans déclamation messianique, que je le suis dans ma sexualité parisienne… Mon ton musical est spontané et, en tout cas je le pense, vraiment personnel. » L’esprit de Rachmaninov semble planer sur le premier mouvement du Concerto pour piano, avec ses moments de romantisme débridé et l’aptitude de Poulenc à varier le thème, rappelant la Rhapsodie

sur un thème de Paganini. Le mouvement lent commence par un rythme persistant et palpitant, ajoutant un sens de l’anticipation à ses longues lignes inspirées. Au début, cette tension se dissipe dans les accords romantiques du piano, mais le drame n’est jamais bien loin et Poulenc oscille entre une excitation silencieuse mais tremblante et des élans passionnés.

Dans le finale, Poulenc préfère le néoclassicisme stravinskien au style à cœur ouvert de Rachmaninoff et, comme pour la Sinfonietta, il existe une certaine légèreté de toucher mozartienne. Les idiomes brésiliens sont incorporés au mouvement, ainsi que la chanson À la claire fontaine, qui lors des premières représentations fut confondue avec Swanee River.

Charles Koechlin est né à Paris un peu plus de 20 ans avant Poulenc. Il avait ce qu’il appelait un tempérament alsacien, faisant preuve de naïveté et d’assiduité, bien qu’il considérait sa vie comme une « série de hasards heureux sous un nuage général d’adversité ». La sincérité de Koechlin reflète son amour pour la musique de son professeur en composition, Fauré. Pourtant, ses goûts étaient remarquablement catholiques, englobant toute une gamme d’influences pour développer une voix distinctive, avec un don particulier pour l’harmonie, et notamment la polytonalité. Le musicologue Wilfrid Mellers a écrit en 1942 que Koechlin « (faisait) partie du nombre très restreint de compositeurs contemporains qui comptent vraiment ».

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Koechlin est resté fidèle au grand poème symphonique orchestral longtemps après qu’il soit passé de mode, et ses œuvres dans ce genre représentent le compositeur à son apogée. Ses intérêts particuliers et ses sources d’inspiration ont trouvé leur expression dans les vastes ressources d’un ensemble post-romantique : nature, rêves, mythologie, fantaisie, ciel nocturne, merveilles de l’univers… L’œuvre la plus célèbre de Koechlin est son cycle orchestral Jungle Book, commencé en 1899 et couvrant 40 ans.

Les poèmes symphoniques Vers la voûte étoilée, op. 129 et Sur les flots lointains, op. 130 datent de 1933 et furent publiés à titre posthume en 1996. Vers la voûte étoilée a été amorcé au début des années 20, en partie adapté du piano du Nocturne en Mi bémol de Koechlin. La pièce fut ensuite révisée en 1939, mais ne fut interprétée que lors de sa création à la fin des années 1980.

Généreusement rythmée pour créer un sentiment d’émerveillement et de mystère, l’œuvre reflète l’amour de Koechlin pour les étoiles ; l’une de ses premières ambitions était de devenir astronome et il observait fréquemment le ciel nocturne à travers son propre télescope.

Urner. Koechlin a rencontré Urner pour la première fois en 1918 lors de sa tournée de conférences aux États-Unis, et elle devint son élève dévouée de 1919 à 1933. Ils ont collaboré sur de nombreuses œuvres, harmonisant leurs mélodies et composant plusieurs pièces ensemble. Urner épousa un autre élève de Koechlin, Charles Shatto (Koechlin luimême s’était marié en 1903), mais les mauvaises communications de temps de guerre firent que Koechlin ne fut au courant du décès de cette dernière dans un accident de la route en 1942, que trois ans plus tard, par une lettre de Milhaud écrite en mars 1945. Comme Vers la voûte étoilée, Sur les flots lointains a été donné en première dans les années 1980. L’œuvre est basée sur l’une des chansons d’Urner et se développe dans une brume lente et impressionniste, dégageant une sensualité subtile et énigmatique.

Joanna Wyld

Dans l’élégiaque Sur les flots lointains, initialement pour cordes, Koechlin adapte une mélodie composée par son élève et correspondante, la compositrice américaine Catherine Murphy Urner (1891-1942). Le titre complet de l’œuvre est Sur les flots lointains en collaboration avec Catherine Texte de Joanna Wyld (Trad. : Yannick Muet) / Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com

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Né à Lisbonne en 1968, Artur Pizarro a donné son premier concert en public à l’âge de trois ans et a fait ses débuts à la télévision à l’âge de quatre ans. Il a été initié au piano par sa grand-mère, la pianiste Berta da Nóbrega, et son partenaire de duo, Campos Coelho, élève de Vianna da Motta, Ricardo Viñes et Isidor Philipp.

Artur a étudié avec Sequeira Costa, élève de Mark Hamburg, Edwin Fischer, Marguerite Long et Jacques Février. Cette lignée distinguée a plongé Artur dans la tradition de « l’âge d’or » du piano et dans le répertoire des écoles allemandes et françaises. Artur a étudié avec Jorge Moyano à Lisbonne et a travaillé à Paris avec Aldo Ciccolini, Géry Moutier et Bruno Rigutto. Il a remporté les premiers prix aux concours Vianna da Motta de 1987, Greater Palm Beach Symphony de 1988 et au Concours International de Pianoforte de Leeds en 1990.

Artur se produit à travers le monde en récital, en musique de chambre et avec les plus grands orchestres et chefs d’orchestre, parmi lesquels Sir Simon Rattle, Philippe Entremont, Yan Pascal Tortelier, Sir Andrew Davis, Esa-Pekka Salonen, Yuri Temirkanov, Vladimir Fedoseyev, Ilan Volkov, Franz Welser-Most, Tugan Sokhiev, Yakov Kreizberg, Yannick Nézet-Séguin, Libor Pešek, Vladimir Jurowski, Ion Marin, John Wilson et le regretté Sir Charles Mackerras.

Artur a reçu plusieurs distinctions de son Portugal natal pour services rendus à la musique et à la culture classiques, notamment le prix de la presse portugaise, le prix de la Société portugaise des auteurs, la médaille de la culture de la ville de Funchal et la médaille du mérite culturel du gouvernement portugais. Il a également reçu la médaille Albéniz en Espagne.

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Né à Vienne, Thomas Rösner a dirigé ses premiers concerts à l’âge de 14 ans. Il a rencontré un vif succès dans l’interprétation des opéras de Mozart, comme Così fan tutte avec Michael Haneke à Bruxelles, Zauberflöte avec Robert Lepage au Festival de l’Opéra de Québec ainsi qu’à l’Opéra de Zurich, Glyndebourne, Rome, l’Opéra National Coréen et le Houston Grand Opera. Il a été directeur musical de l’Orchestre Symphonique Bienne Soleure en Suisse et occupe actuellement le poste de directeur artistique de la Philharmonie de Beethoven en Autriche.

Thomas a été invité à diriger de nombreux orchestres tels que le Wiener Symphoniker, Deutsches Sinfonieorchester Berlin, Bamberger Symphoniker, Salzburg Mozarteum Orchestra, Houston Symphony, City of Birmingham Symphony, Scottish Chamber Orchestra, l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, le Polish National Radio Orchestra, Les Violons du Roy à Montréal, Tokyo Symphony et Israel Sinfonietta.

Son travail lyrique inclut des engagements au Semperoper de Dresde, à l’Opéra national de Bavière à Munich, à Stuttgart, Genève, au Nouveau Théâtre national de Tokyo, au Centre national des arts de la scène de Beijing, au Théâtre du Châtelet à Paris, au Festival d’Édimbourg, au Welsh National Opera et à l’Opéra National de Lyon.

Thomas a enregistré Il Trovatore sur DVD au Festival de Bregenz, ainsi que des disques du Bamberg Symphony et de l’orchestre symphonique de la radio nationale polonaise, comprenant des œuvres de Paul Kletzki et de Czesław Marek. Parmi ses autres enregistrements, citons la Messe glagolitique de Janáček.

Son CD Haydn Arias & Overtures a remporté le prix Juno à Toronto en 2012.

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Le Bamberg Symphony est un orchestre extraordinaire dans une ville extraordinaire. Il ravit depuis 1946 le public du monde entier avec son son caractéristique, sombre, rond et radieux.

D’innombrables concerts, enregistrements pour radio, télévision et CD, ainsi que plus de 7 000 concerts dans plus de 500 villes et 63 pays en témoignent. En tant que Philharmonique de l’Etat de Bavière, ces musiciens font figure d’ambassadeurs culturels pour la Bavière et toute l’Allemagne.

Les circonstances entourant sa naissance font du Bamberg Symphony un miroir de l’histoire allemande.

En 1946, d’anciens membres de l’Orchestre philharmonique allemand de Prague rencontrèrent des musiciens qui furent eux aussi contraints de fuir leur région à la suite de la guerre et de ses conséquences, et fondèrent ensemble la Symphonie de Bamberg. Sa lignée remonte aux 18ème et 19ème siècles de l’Orchestre de Prague ; les racines du Bamberg Symphony remontent ainsi à Mozart et à Mahler. Aujourd’hui, plus de 70 ans après sa création, avec Jakub Hrůša comme chef d’orchestre, il existe un lien vivant qui relie les racines historiques du Bamberg Symphony à son présent.

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Recorded at Konzerthalle Bamberg, Joseph-Keilberth-Saal 6-8 July 2017 (Poulenc Sinfonietta, Koechlin Vers la voûte étoilée) 21-22 January 2019 (Poulenc Piano Concerto, Koechlin Sur les Flots lointains) Executive Producers: John Clement Anderson (Odradek) Pauline Heister (BR) Recording Producer & Mastering Engineer: Sebastian Braun Recording Engineer: Bastian Schick Piano Technician: Erich Friedrich Translations: Antonio Gómez Schneekloth (German) Yannick Muet (French) Photos: Tommaso Tuzj Photo Orchestra: Andreas Herzau Photo Thomas Rösner: Marco Sommer Video: David Boos Design:

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