„Um den Körper neu sehen zu können, [muss man sich] den Raum neu vorstellen. […] Daher erfordert die Deterritorialisierung des Körpers eine Abkehr von der Schwere des Raumes und stattdessen die Erkenntnis, dass die physische Form dynamisch ist.“1
Legacy Russell
„Die Fixierung in Zeit und Raum ist eine der grundlegendsten und beständigsten Methoden des Kapitalismus, um unseres Körpers habhaft zu werden.“2
Silvia Federici
Künstler:innen
Stine Deja
Monika Grabuschnigg
Eva Papamargariti
Louise Sparre
Rowdy SS
Gastkuratorin
Frederike Sperling
Impressum
Texte: Frederike Sperling
Lektorat: Else Rieger (dt.), Charlotte Maconochie (engl.)
Übersetzung: Peter Blakeney & Christine Schöffler
Grafische Gestaltung: Wolfgang Gosch
Medieninhaber: NÖ Festival und Kino GmbH, Minoritenplatz 4, A-3500 Krems
Herausgeber: Kunstraum Niederoesterreich, Wien © 2022 NÖ Festival und Kino GmbH, Kunstraum
Niederoesterreich
Kunstraum Niederoesterreich
Herrengasse 13, A-1010 Wien www.kunstraum.net
ISBN 978-3-9505011-4-8
Künstler:innen
Stine Deja
Monika Grabuschnigg
Eva Papamargariti
Louise Sparre Rowdy SS
Das Palais Niederösterreich ist ein Sinnbild für die Schwere physischen Raumes. Seine klassizistische Fassade, die verborgenen Fresken an seinen meterhohen Decken – sie erzählen von politischen und kulturellen Funktionen und transportieren das Gewicht der Geschichte. Die monumentale Architektur des Palastes weist Körpern ihren Platz zu, presst sich auf sie, konturiert Welten und Vorstellungshorizonte.
Viele von uns haben diese Schwere von physischer Räumlichkeit in den letzten zwei Jahren zu spüren bekommen – sei es im Lockdown, im Homeoffice oder gar in Quarantäne. Aufgrund der Pandemie waren wir gezwungen, unsere Körper stets in Referenz zu geschlossenen Innenräumen zu erleben und zu definieren. Der digitale Raum, der dabei mitunter neue, virtuelle Mobilitäten und willkommene „Ortswechsel“ eröffnete, untergräbt immer mehr die Autorität des physischen Raumes als Legitimationsfläche alles Körperlichen, als Bühne der Lesbarkeit.
In einer Zeit, da die Grenzen zwischen digitalen und analogen Realitäten also unaufhaltbar verschmelzen, sucht die Gruppenausstellung LIMINAL SPACE RECORDS nach neuen Verortbarkeiten für Körperlichkeit in ihren hybriden, kosmischen Formen. In Anlehnung an das Manifest Glitch Feminism (2020)
von Autorin und Kuratorin Legacy Russell macht sie sich mit den Künstler:innen Stine Deja, Monika Grabuschnigg, Eva Papamargariti, Louise Sparre und Rowdy SS auf die Suche nach leichter Räumlichkeit. Die präsentierten Arbeiten deterritorialisieren Körperlichkeit, beleuchten sie als gleitende, flexible Formation und fragen: Was wäre, wenn wir beginnen würden, Raum als Ergebnis von Körperlichkeit zu denken und nicht als Voraussetzung?
LIMINAL SPACE RECORDS verhandelt das Verhältnis zwischen Körperlichkeit und Räumlichkeit neu, beleuchtet künstlerische Strategien zur Wiederaneignung des Körpers. Dies scheint gerade jetzt urgent, da techno-optimistische Infrastrukturen mit ihren deterministischen und binären Algorithmen unsere virtuellen wie auch analogen Realitäten beginnen zu dirigieren und dabei selbst immer mehr den Charakter „schwerer Räumlichkeit“ annehmen.
Frederike Sperling Gastkuratorin
1 Legacy Russell, Glitch Feminismus. Ein Manifest (Leipzig: Merve, 2021), 78.
2 Silvia Federici, Jenseits unserer Haut. Körper als umkämpfter Ort im Kapitalismus (Münster: UNRAST, 2020), 125.
Eva Papamargariti
In ihrer Arbeit Always a Body, Always a Thing kombiniert Eva Papamargariti digitale Animation, persönliches Filmmaterial und computergenerierte Klangkulissen, um den Frosch als eigentümlichen biologischen Organismus und Ikone der Queerness herauszustellen. Frösche durchlaufen während ihres Wachstumsprozesses eine natürliche Metamorphose, können aber auch, beispielsweise infolge von Umweltgiften, mutieren. In Anlehnung an die transformativen Eigenschaften der Amphibien spekuliert Eva Papamargariti über die Fluidität des Seins und imaginiert den Körper als eine Ansammlung vielfältiger und sich ständig verändernder Formationen: „Ich mag dieses Gefühl von Fluidität, das ich in meinem eigenen Wesen erkenne [...] wenn wir alle immer wieder mutieren und uns transformieren, werden wir uns am Ende vielleicht alle verflüssigt haben“, heißt es in dem Video. Amorphie wird zur Strategie, sich der Identifikation und Fixierung zu widersetzen, und eröffnet für Papamargariti einen imaginären Raum für queere Zukünfte. Die nebenstehende Textilarbeit Spineless and Sublime bildet einen geradezu provokanten Kontrast zum Video, indem sie der Idee von Fluidität ihre haptischen Eigenschaften, ihre „Dinglichkeit“ hinzufügt: Sie wirft die Frage auf, wie sich das hier angeregte Nichtgreifbare des Körperlichen in die analoge Welt übersetzen lässt, eine Welt, in der wir darauf trainiert sind, Dinge und Körper zu benennen und damit festzulegen. Schon im Titel des Videos, Always a Body, Always a Thing, manifestiert sich dieses Verwirrspiel, was zu der Annahme führt, dass der digitale Bereich für Papamargariti, im Gegensatz zum physischen, ein großes Potenzial für eine „poetische Elastizität“1 birgt, die jeglichen Benennungen und damit Festschreibungen ausweicht. Mit anderen Worten: Das Digitale bietet der Formbarkeit und Flexibilität des Seins Raum.
1 Legacy Russell, Glitch Feminismus. Ein Manifest (Leipzig: Merve, 2021), 72
Rowdy SS
Auf die Geschichte, Architektur und die verschiedenen Funktionen des Palais Niederösterreich reagierend, hat Rowdy SS eine ortsspezifische Adaption seiner vielschichtigen Arbeit GLASS (2022) geschaffen. GLASS, eine Verschränkung aus Installation, Sound und Performance, birgt und setzt während der gesamten Dauer der Ausstellung vielfältige, ineinandergreifende Rhythmen und Frequenzen. In der Mitte des Kunstraums bildet ein scheinbar schwebendes Raster aus über hundert Glasgefäßen den Grundriss des Palais aus der Luftperspektive nach. Gefüllt mit Wasser, das die Formen und Farben der Umgebung reflektieren und brechen lässt, lösen die Gläser den Kunstraum von seinem Gewicht, heben ihn aus seinen Festen und lassen ihn schwerelos erscheinen. Die der Installation innewohnende Spannung, ihre minimalen Bewegungen sowie Gewichtsveränderungen aufgrund des Verdampfens der Flüssigkeit verdeutlichen die Vorstellung, dass alle physischen Dinge Energie enthalten und daher veränderlich sind. Auf eben dieser Idee aufbauend hat Rowdy SS ein neues Klangstück produziert, das sowohl auf die Energie der Skulptur reagiert als auch ein energetisches Feld mit ihr bildet und damit wiederum einen eigenständigen Raum entstehen lässt – einen Raum, der zwar aufgeladen, aber dennoch schwerelos und unsichtbar ist.
2017, HD-Video, Sound,15:25 Min.
2022, bedruckte Textilien
An drei verschiedenen Stellen im Ausstellungsraum scheinen Bildschirme den glänzenden Boden des Kunstraum Niederoesterreich aufzubrechen und dabei Kieshaufen um sich aufzuwerfen. Jeder der Bildschirme zeigt ein anderes Video, in dem sich vieldeutige, hybride 3D-Wesen –halb biologisches Organ, halb künstliche Prothese – wie in einem Schaufenster präsentieren: ein Verdauungstrakt hüpft auf und ab auf etwas, das wie eine Sprintprothese aussieht; ein schimmerndes Herz, das auf einer Nasenspitze balanciert, dreht sich nach links und rechts, als würde es um potenzielle Kundschaft werben. Das Vogelgezwitscher und die maschinellen Geräusche von etwas, das eine Pumpe sein könnte, lassen die Szenerie noch bizarrer wirken. Mit Hard Core, Soft Bodies, einer absurd anmutenden Verschmelzung von menschlicher Anatomie und futuristischer Technologie, regt Stine Deja zum Nachdenken darüber an, was unseren Körper menschlich macht. Vor dem Hintergrund des Spätkapitalismus entwirft die Künstlerin eine neue Vorstellung von Körperlichkeit als kybernetisches Spektrum zwischen künstlicher Intelligenz und Virtualität.
Louise Sparre
Drei metallische Strukturen scheinen aus der Wand zu wachsen. Teilweise bedecken Haare das glänzende Metall der einzelnen Gebilde und winden sich in einer gewagten Choreografie um sie herum. Aufbauend auf ihrem Interesse an den verschiedenen Texturen, Formen und Oberflächen des menschlichen Körpers erschafft Louise Sparre hybride Objekte, die das (scheinbar) Organische mit dem Anorganischen zu abstrakten Existenzen verschmelzen. Wie posthumane Organismen, Prothesen oder Science-Fiction-Wesen stehen sie in einer fast performativen Beziehung zu dem Raum, den sie besetzen. Der vorgegebenen Architektur des Kunstraum Niederoesterreich Widerstand leistend, recken sie sich mal in den Raum, mal klammern sie sich an die weiße, glatte Wand. Die Herkunft dieser Wesen ist unklar, und doch schreiben sie dem Ausstellungsraum eine fast jenseitige Kosmologie ein.
2019, HD-Video, Sound, Kies, 05:00 Min.
2022, Metall, Haare
2022, ortsspezifische Installation (Glas, Metallrohre, Draht, Wasser), Sound, Performance (in Kooperation mit Rebecca Bellantoni)
Monika Grabuschnigg
In Auseinandersetzung mit den Auswirkungen der Digitalität auf den physischen Körper und die menschliche Selbstwahrnehmung präsentiert Monika Grabuschnigg zwei Keramikskulpturen aus ihrer Serie In Delirium I Wear My Body (2019). Als würden sie frei in der Luft schweben, verkörpern die Skulpturen schwerelose Figuren, die jeweils aus mehreren abstrakten Formen mit unterschiedlicher Textur und Farbe zusammengesetzt sind. Ihre glänzenden Oberflächen evozieren zusammen mit dem blauen Licht, das den Raum erfüllt, das Bild digitaler Bildschirme – ein Eindruck, der durch Grabuschniggs Materialwahl jedoch unterlaufen wird. Keramik, ein jahrtausendealtes Handwerk, das für Prozesse wie das Modellieren oder Glasieren den menschlichen Körper benötigt, suggeriert eine gewisse Melancholie oder Sehnsucht nach Berührung, nach dem Verbundensein mit dem eigenen Fleisch und der physischen Umgebung. Diese Wahrnehmung des verlorengegangenen Bezugs zur eigenen Körperlichkeit findet sich auch im Titel der Serie wieder: In Delirium I Wear My Body. Sind wir angesichts der virtuellen Realität und der sich darin zahlreich anbietenden sozialen Erlebniswelten nicht tatsächlich schon dazu übergegangen, „Haut zu tragen“ oder „unsere Körper zu tragen“? Wie wäre Körperlichkeit zu verstehen, wenn sich die Materialität des Körpers im World Wide Web auflöst?
Computing in between hollow clouds
2019, glasierte Keramik, Edelstahl
2019, glasierte Keramik, Edelstahl
“In order to reimagine the body, one must reimagine space […] Deterritorialization of the body requires a departure from the heaviness of space, with the realization, instead, that physical form is dynamic.”1
Russell
“Fixation in space and time has been one of the most elementary and persistent techniques capitalism has used to take hold of the body.”2
Silvia Federici
Artists
Stine Deja
Monika Grabuschnigg
Eva Papamargariti
Louise Sparre
Rowdy SS
Guest curator
Frederike Sperling
Colophon
Texts: Frederike Sperling
Copyediting: Else Rieger (Ger.), Charlotte Maconochie (Eng.)
Translation: Peter Blakeney & Christine Schöffler
Graphic Design: Wolfgang Gosch
Media Owner: NÖ Festival und Kino GmbH, Minoritenplatz 4, A-3500 Krems
Publisher: Kunstraum Niederoesterreich, Vienna © 2022 NÖ Festival und Kino GmbH, Kunstraum Niederoesterreich
Kunstraum Niederoesterreich
Herrengasse 13, A-1010 Vienna www.kunstraum.net
ISBN 978-3-9505011-4-8
Palais Niederösterreich is a symbol of spatial heaviness. Its classicist façade, the hidden frescoes on its metre-high ceilings – they speak of political and cultural functions and convey the weight of history. The monumental architecture of the palace assigns bodies their places, bears down on them, contouring worlds and imaginaries.
Many of us have felt this weight of physical space over the past two years – whether in lockdown, home office, or even quarantine. Due to the pandemic, we were forced to experience and define our bodies solely in reference to closed indoor space. The digital realm, which occasionally offered new, virtual mobilities and welcome “changes of scene”, increasingly undermines the authority of physical space as a surface legitimating everything corporeal, as a stage for legibility.
In a time when the borders between digital and analogue realities are merging unstoppably, the group exhibition LIMINAL SPACE RECORDS seeks new locationabilities for bodiliness in its hybrid, cosmic forms. Building on the manifesto Glitch Feminism (2020) by author and curator Legacy Russell, the show invites the artists Stine Deja, Monika Grabuschnigg, Eva Papamargariti, Louise Sparre, and Rowdy SS to go in pursuit of light spatiality. The presented works deterritorialise corporeal-
Artists Stine Deja Monika Grabuschnigg
Eva Papamargariti
Louise Sparre Rowdy SS
1 Legacy Russell, Glitch Feminism. A Manifesto (Verso Books, 2020), 84.
2 Silvia Federici, Beyond the Periphery of the Skin: Rethinking, Remaking, and Reclaiming the Body in Contemporary Capitalism, (PM Press, 2020), 121.
ity, shed light on it as a fluid and flexible formation and ask: What if we begin to think of space as the result of bodiliness and not as its premise?
LIMINAL SPACE RECORDS renegotiates the relationship between corporeality and spatiality, illuminating artistic strategies for reappropriating the body. This seems especially urgent today when techno-optimistic infrastructures are beginning to govern our virtual as well as physical realities with their deterministic, binary algorithms and increasingly take on the characteristics of “heavy space”.
Frederike Sperling Guest curator
Eva Papamargariti
Combining digital animation, personal footage, and computer-generated soundscapes, Always a Body, Always a Thing highlights the frog as a biologically peculiar organism and queer icon. Undergoing a natural metamorphosis during the process of growth, frogs have, for instance, also proven able to mutate as a result of environmental toxicity. Appropriating the amphibians’ transformative features, Eva Papamargariti speculates on the fluidity of being and proposes the body as a collection of multiple and ever-changing formations: “I like this sense of fluidity that I recognize in my own being […] if we are all mutated and transformed repeatedly, then maybe we will all become liquid in the end”, we read in the video. Amorphy becomes a strategy to resist identification and fixation and, for Papamargariti, opens an imaginary space for queer futurabilities. The adjacent printed textiles Spineless and Sublime then, stand in an almost provocative contrast to the video in that they add their tactile properties, their “thingness” to the notion of fluidity: they stir the question of how the proposed ungraspability of bodiliness translates into the analogue world, a world in which we are trained to name and thus to fixate things and bodies. It is a conundrum that manifests in the title of the video itself, Always a Body, Always a Thing, leading one to believe that, for Papamargariti, the digital realm holds a great potentiality for “poetic elasticity that refuses the name as static or definitive”1 that the physical does not. In other words, the digital offers space for the malleability and flexibility of being.
1 Legacy Russell, Glitch Feminism. A Manifesto (Verso Books, 2020), 59
Responding to the history, architecture, and various functions of the Palais Niederösterreich, Rowdy SS has created a site-specific adaptation of his multi-faceted piece GLASS (2022). Unfolding as installation, sound, and performance, GLASS holds and releases different entangled rhythms and frequencies throughout the duration of the exhibition. At the centre of the gallery, a seemingly floating grid of over a hundred glass vessels appropriates the alignment of the Palais from an aerial perspective. Filled with water that reflects/refracts the shapes and colours of the surroundings, the glasses unhinge the heaviness of the gallery, make it seem weightless, lift it out of its solidity. The tension inscribed into the installation, its minimal movements as well as its changing weights as a result of the vaporization of the liquid, reinstate the notion that all physical things hold energy and are, therefore, malleable. Building on this very idea, Rowdy SS has produced a new sound piece which relates to the poetics of the sculpture and in so doing calls into existence a space in its own right –one that is charged, but weightless and invisible.
HD video, sound, 15:25 min
At three different points in the exhibition space, screens seem to crack the shiny floor of Kunstraum Niederoesterreich wide open, producing heaps of gravel around them in the process. Each of the screens shows a different video in which ambiguous, hybrid 3D beings – part biological organ, part technological prosthesis – are presented as in a shop window: a digestive system jumps up and down on what looks like a prosthetic blade runner; a shiny heart, balanced on the tip of a nose, turns left and right as if praising itself to a potential customer. The sounds of birds chirping together with the machinic noise of what might be a pump only add to the bizarreness of the scene. With Hard Core, Soft Bodies, Stine Deja has created a seemingly absurd amalgamation of human anatomy and futuristic technology that urges us to think about what it is that makes our bodies human. Unpacking corporeality against the background of late capitalism, Deja reimagines bodiliness as a cybernetic spectrum of artificial intelligence and virtuality.
Three metallic structures seem to grow out of the wall. On each structure, hair partially covers the shiny metal, winding itself around it in a daring choreography. Building on her interest in the different textures, shapes, and surfaces of the human body, Louise Sparre has created hybrid objects that fuse the (seemingly) organic with the inorganic into abstract existences. Associative of posthuman organisms, prosthetics, or sci-fi creatures, they stand in an almost performative relationship with the space they occupy. Disobedient to the present architecture at Kunstraum Niederoesterreich, they variously stretch themselves into the room or cling to the white, slick wall. The origins of these beings are obscure and yet they instil an almost otherworldly cosmology into the gallery.
2022, site-specific installation (glass, metal tubes, wire, water), sound, performance (in collaboration with Rebecca Bellantoni)
Monika Grabuschnigg
Building on her interest in the impact of digitality on the physical body and human self-perception, Monika Grabuschnigg presents two ceramic sculptures from her series In Delirium I Wear My Body (2019). As if free floating, the sculptures embody weightless figures, each composed of several abstract shapes with different textures and colours. Their surfaces are shiny and, together with the blue light that fills the room, they evoke the image of digital screens – an impression that is yet subverted by Grabuschnigg’s choice of material. Ceramics, a millenniaold manual craft that requires the human body for processes like moulding or glazing, suggest a certain melancholy or longing to feel, to be in touch with one’s flesh and the physical environment. This perceived lack of connection with one’s bodiliness recurs in the series’ title In Delirium I Wear My Body. Given virtual reality and the various social worlds it offers us to experience, are we not indeed starting to “wear skin”, or to “wear our bodies”? How are we to understand corporeality when the materiality of the body dissolves into the world wide web?
“In order to reimagine the body, one must reimagine space […] Deterritorialization of the body requires a departure from the heaviness of space, with the realization, instead, that physical form is dynamic.”1
Russell
“Fixation in space and time has been one of the most elementary and persistent techniques capitalism has used to take hold of the body.”2
Silvia Federici
Artists
Stine Deja
Monika Grabuschnigg
Eva Papamargariti
Louise Sparre
Rowdy SS
Guest curator
Frederike Sperling
Colophon
Texts: Frederike Sperling
Copyediting: Else Rieger (Ger.), Charlotte Maconochie (Eng.)
Translation: Peter Blakeney & Christine Schöffler
Graphic Design: Wolfgang Gosch
Media Owner: NÖ Festival und Kino GmbH, Minoritenplatz 4, A-3500 Krems
Publisher: Kunstraum Niederoesterreich, Vienna © 2022 NÖ Festival und Kino GmbH, Kunstraum Niederoesterreich
Kunstraum Niederoesterreich
Herrengasse 13, A-1010 Vienna www.kunstraum.net
ISBN 978-3-9505011-4-8
Palais Niederösterreich is a symbol of spatial heaviness. Its classicist façade, the hidden frescoes on its metre-high ceilings – they speak of political and cultural functions and convey the weight of history. The monumental architecture of the palace assigns bodies their places, bears down on them, contouring worlds and imaginaries.
Many of us have felt this weight of physical space over the past two years – whether in lockdown, home office, or even quarantine. Due to the pandemic, we were forced to experience and define our bodies solely in reference to closed indoor space. The digital realm, which occasionally offered new, virtual mobilities and welcome “changes of scene”, increasingly undermines the authority of physical space as a surface legitimating everything corporeal, as a stage for legibility.
In a time when the borders between digital and analogue realities are merging unstoppably, the group exhibition LIMINAL SPACE RECORDS seeks new locationabilities for bodiliness in its hybrid, cosmic forms. Building on the manifesto Glitch Feminism (2020) by author and curator Legacy Russell, the show invites the artists Stine Deja, Monika Grabuschnigg, Eva Papamargariti, Louise Sparre, and Rowdy SS to go in pursuit of light spatiality. The presented works deterritorialise corporeal-
Artists Stine Deja Monika Grabuschnigg
Eva Papamargariti
Louise Sparre Rowdy SS
1 Legacy Russell, Glitch Feminism. A Manifesto (Verso Books, 2020), 84.
2 Silvia Federici, Beyond the Periphery of the Skin: Rethinking, Remaking, and Reclaiming the Body in Contemporary Capitalism, (PM Press, 2020), 121.
ity, shed light on it as a fluid and flexible formation and ask: What if we begin to think of space as the result of bodiliness and not as its premise?
LIMINAL SPACE RECORDS renegotiates the relationship between corporeality and spatiality, illuminating artistic strategies for reappropriating the body. This seems especially urgent today when techno-optimistic infrastructures are beginning to govern our virtual as well as physical realities with their deterministic, binary algorithms and increasingly take on the characteristics of “heavy space”.
Frederike Sperling Guest curator
Eva Papamargariti
Combining digital animation, personal footage, and computer-generated soundscapes, Always a Body, Always a Thing highlights the frog as a biologically peculiar organism and queer icon. Undergoing a natural metamorphosis during the process of growth, frogs have, for instance, also proven able to mutate as a result of environmental toxicity. Appropriating the amphibians’ transformative features, Eva Papamargariti speculates on the fluidity of being and proposes the body as a collection of multiple and ever-changing formations: “I like this sense of fluidity that I recognize in my own being […] if we are all mutated and transformed repeatedly, then maybe we will all become liquid in the end”, we read in the video. Amorphy becomes a strategy to resist identification and fixation and, for Papamargariti, opens an imaginary space for queer futurabilities. The adjacent printed textiles Spineless and Sublime then, stand in an almost provocative contrast to the video in that they add their tactile properties, their “thingness” to the notion of fluidity: they stir the question of how the proposed ungraspability of bodiliness translates into the analogue world, a world in which we are trained to name and thus to fixate things and bodies. It is a conundrum that manifests in the title of the video itself, Always a Body, Always a Thing, leading one to believe that, for Papamargariti, the digital realm holds a great potentiality for “poetic elasticity that refuses the name as static or definitive”1 that the physical does not. In other words, the digital offers space for the malleability and flexibility of being.
1 Legacy Russell, Glitch Feminism. A Manifesto (Verso Books, 2020), 59
Responding to the history, architecture, and various functions of the Palais Niederösterreich, Rowdy SS has created a site-specific adaptation of his multi-faceted piece GLASS (2022). Unfolding as installation, sound, and performance, GLASS holds and releases different entangled rhythms and frequencies throughout the duration of the exhibition. At the centre of the gallery, a seemingly floating grid of over a hundred glass vessels appropriates the alignment of the Palais from an aerial perspective. Filled with water that reflects/refracts the shapes and colours of the surroundings, the glasses unhinge the heaviness of the gallery, make it seem weightless, lift it out of its solidity. The tension inscribed into the installation, its minimal movements as well as its changing weights as a result of the vaporization of the liquid, reinstate the notion that all physical things hold energy and are, therefore, malleable. Building on this very idea, Rowdy SS has produced a new sound piece which relates to the poetics of the sculpture and in so doing calls into existence a space in its own right –one that is charged, but weightless and invisible.
HD video, sound, 15:25 min
At three different points in the exhibition space, screens seem to crack the shiny floor of Kunstraum Niederoesterreich wide open, producing heaps of gravel around them in the process. Each of the screens shows a different video in which ambiguous, hybrid 3D beings – part biological organ, part technological prosthesis – are presented as in a shop window: a digestive system jumps up and down on what looks like a prosthetic blade runner; a shiny heart, balanced on the tip of a nose, turns left and right as if praising itself to a potential customer. The sounds of birds chirping together with the machinic noise of what might be a pump only add to the bizarreness of the scene. With Hard Core, Soft Bodies, Stine Deja has created a seemingly absurd amalgamation of human anatomy and futuristic technology that urges us to think about what it is that makes our bodies human. Unpacking corporeality against the background of late capitalism, Deja reimagines bodiliness as a cybernetic spectrum of artificial intelligence and virtuality.
Three metallic structures seem to grow out of the wall. On each structure, hair partially covers the shiny metal, winding itself around it in a daring choreography. Building on her interest in the different textures, shapes, and surfaces of the human body, Louise Sparre has created hybrid objects that fuse the (seemingly) organic with the inorganic into abstract existences. Associative of posthuman organisms, prosthetics, or sci-fi creatures, they stand in an almost performative relationship with the space they occupy. Disobedient to the present architecture at Kunstraum Niederoesterreich, they variously stretch themselves into the room or cling to the white, slick wall. The origins of these beings are obscure and yet they instil an almost otherworldly cosmology into the gallery.
2022, site-specific installation (glass, metal tubes, wire, water), sound, performance (in collaboration with Rebecca Bellantoni)
Monika Grabuschnigg
Building on her interest in the impact of digitality on the physical body and human self-perception, Monika Grabuschnigg presents two ceramic sculptures from her series In Delirium I Wear My Body (2019). As if free floating, the sculptures embody weightless figures, each composed of several abstract shapes with different textures and colours. Their surfaces are shiny and, together with the blue light that fills the room, they evoke the image of digital screens – an impression that is yet subverted by Grabuschnigg’s choice of material. Ceramics, a millenniaold manual craft that requires the human body for processes like moulding or glazing, suggest a certain melancholy or longing to feel, to be in touch with one’s flesh and the physical environment. This perceived lack of connection with one’s bodiliness recurs in the series’ title In Delirium I Wear My Body. Given virtual reality and the various social worlds it offers us to experience, are we not indeed starting to “wear skin”, or to “wear our bodies”? How are we to understand corporeality when the materiality of the body dissolves into the world wide web?