MOLA | Invierno 2025

EL PODER DEL FUEGO

LA HERENCIA CULINARIA DE MALLMANN, CHIMENO Y LOS

BARBERO

LA RAZÓN Y LA EMOCIÓN NUNCA ESTUVIERON TAN DE ACUERDO.

Si buscás experiencias que te brinden grandes momentos en el camino, dónde puedas reconectar y escapar de la rutina, el nuevo BMW X3 es el SAV perfecto para ti.

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DIRECCIÓN EJECUTIVA ANA MOLA

DIRECCIÓN DE ARTE

BRENDA STRAUB

DIRECCIÓN COMERCIAL

NATALIA AMEZAGA SHALMA SUÁREZ

SERENA CURBELO

EDITORIAL DE ARTE PÍA SUSAETA

REDACCIÓN

ROSALÍA LAROCCA

BAHÍA LANCESTREMERE LAURA GARGANTA

FIORELLA BENAVIDES

ISABELLA ACERENZA

DIEGO FISCHER

BIANCA BARESE FOTOGRAFÍA

PABLO KREIMBUHL

HEIDI LENDER

CHARLIE NAVARRO

MARCOS MOREIRA NICOLÁS MORRISON MATÍAS VALENTÍN TAPA

LOCACIÓN: MANZANAR FRANCIS MALLMANN, VANINA CHIMENO, JIMENA, VICTORIA Y GUSTAVO BARBERO

AGRADECIMIENTO ESPECIAL ROLEX

CASA LUCÍA BUENOS AIRES CAMPO GARZÓN

Es una producción de MOLA Media Group

@anamola.uy ediciones.medios@gmail.com

Edición N° 33 - Mayo 2025

¡Nuevo shop Punta Carretas!

Nueva ubicación, misma excelencia

Punta Carretas l Carrasco l La Barra l José Ignacio

LO QUE PERMANECE

“Lo que permanece en nuestro corazón es siempre más importante que lo que existe en la realidad”

Haruki Murakami

Hay algo que resiste en medio del vértigo . Un hilo invisible que nos une a lo esencial , aunque todo a nuestro alrededor parezca gritar por velocidad, novedad y olvido. En tiempos de cambio constante , de inmediatez y reemplazo , hay gestos , sabores y miradas que se mantienen. No por nostalgia, sino por convicción .

Esta edición de MOLA celebra eso que permanece . Lo encontramos en la cocina que no se rinde a la prisa, en los rituales heredados, en los cocineros que eligen el camino largo porque saben que ahí está el alma. Hay algo profundamente humano en cocinar para otros: una forma de cuidado , de pertenencia , de belleza silenciosa que se comparte.

Uno de nuestros autores preferidos, Haruki Murakami , nos acompaña e impulsa en este editorial. Su literatura nos recuerda que lo importante no siempre es lo que se ve, sino lo que queda adentro . Como un aroma que nos devuelve a un lugar . Como una conversación en una cocina tibia.

En tiempos de algoritmos y distracciones , queremos recuperar la atención como un acto de presencia . Mirar con detenimiento, escuchar lo que no se dice. Habitar los espacios —y también los vínculos— con conciencia . Celebrar las ideas, los sabores, los gestos que invitan a senti r, no solo a consumir.

En cada página de esta edición hay una invitación a detenerse , a observar , a dejarse tocar por lo esencial . Porque hay cosas que no necesitan cambiar para seguir inspirándonos; basta con mirarlas de verdad.

Gracias por estar del otro lado, por seguir creyendo —como nosotros— en la profundidad , la calidad y el encanto de lo “hecho con fuego y alma”.

Por ANA MOLA

HÉCTOR ECHEGUÍA

Rematador y Tasador Público | Servicios Turísticos Inmobiliarios

ECHEGUÍA INMOBILIARIA

echeguia@gmail.com | www.echeguia.com.uy

Cel.: (+598) 98 786 148 | (+598) 98 721 796

La Guadalupe | La Barra

VERY GOOD GIRL ELIXIR THE NEW FEMININE FRAGRANCE

VERY GOOD GIRL ELIXIR THE NEW FEMININE FRAGRANCE

TRABAJAR EN FAMILIA Y CON AMIGOS

El secreto de Mallmann y Barbero para representar exitosamente a la gastronomía argentino-uruguaya en el mundo

Por LAURA GARGANTA Fotos PABLO KREIMBUHL

Era un mediodía de otoño que confundía, el aire estaba cálido y parecía primavera. El río quieto reflejaba el sol y la calma del entorno. La fuente de agua, frente al antiguo hotel y casino de la belle époque montevideana, sumaba su propio aura. Cruzando la calle, Manzanar: el restaurante que, con su atemporalidad y cocina honesta, colocaba a Uruguay en un nivel gastronómico superior. Todo sucedía en Carrasco, el tradicional y sofisticado barrio de calles arboladas y extensos chalets familiares, ampliamente reconocido como un oasis en la capital. Adentro, Jimena y Victoria Barbero corrían de acá para allá, mientras las acompañaba un entusiasta empleado que pensaba el decorado a la par de ellas: el set estaba listo, pero faltaba darle una vuelta de tuerca. Manteles, bandejas, limones (uno de los ingredientes que más utilizaba Chimeno en su cocina) y varias vueltas de macetas después, el styling quedaba terminado y todo giraba en torno a la paleta de colores tan característica del restaurante. Los sillones de madera eran coherentes con el espacio, y los toldos rayados rojos y blancos ya formaban parte de la identidad de la marca, algo que habían sabido construir y mantener exitosamente durante ocho años.

El ritmo que se vivía allí era propio de la adrenalínica vida gastronómica y, aunque en ese momento el lugar estaba cerrado al público, un montón de gente trabajaba como si fuera un día más de despacho. Gustavo nos sonreía, se presentaba (mientras sus hijas se aseguraban de que nada estuviera fuera de lugar) y contestaba llamadas. Enseguida entraba Francis Mallmann, enfundado en una chaqueta estilo navy y con su característica boina francesa, saludaba y comenzaba a posar naturalmente para las fotos y videos. “Una vida entera dedicada a estas cosas tengo”, le contestaba al fotógrafo, quien festejaba su facilidad para las cámaras. Vanina salía de la cocina y se integraba al grupo, acomodaba sus rulos naturalmente, sonreía y tomaba asiento. Una vez que todos ocupaban su lugar, se completaba el cuadro con las cinco personas de nuestra foto de portada, la representación de una gran unión entre familias y de una amistad que llevaba más de 30 años fortaleciéndose.

Nuestra visita, en esa ocasión, tenía un sentido muy especial: el reconocido chef argentino Francis Mallmann y su esposa —también chef— mendocina Vanina Chimeno, lanzaban la propuesta “Una semana con Francis Mallmann y Vanina Chimeno en Manzanar y Río Café”. La actividad consistía en una serie de almuerzos, cenas y clases magistrales de cocina abiertas al público, que se extendían a lo largo de cinco días. En ambos espacios, compartían en vivo recetas y técnicas para elaborar distintos menús de entrada, plato principal y postre. Como cierre especial, el sábado 26 de abril ofrecían un almuerzo en Plaza Rostand, a partir del mediodía, con opciones pensadas para toda la familia.

Lo primero que les pregunté fue cómo había nacido esta idea y Francis me contestó, entusiasmado, todo el proceso: “El invierno pasado empezamos a hablar sobre la posibilidad de hacer una semana intensiva de clases de cocina. Naturalmente, al tener una amistad de muchos años con Gustavo y su familia, pensamos en hacer un ciclo de pop-up con ellos de una semana, donde damos clases en ambos restaurantes, con más o menos seis platos cada una. También hay varias noches de cocina y un final muy alegre el sábado al mediodía, donde vamos a hacer una comida callejera de sándwiches con seis planchas de pollo, carne, calamares, vegano y, de postre, banana split a las brasas. Está todo pensado para la familia, la idea es que la gente esté afuera, que disfrute del día lindo y que puedan probar todo lo

“ EL GRAN CULPABLE ES Francis PORQUE HACE MÁS DE 32 AÑOS TUVE LA suerte DE CONOCERLO

Y DE ARMAR UN proyecto

MUY LINDO [...] ESO NOS unió DURANTE ESTOS AÑOS Y POR ESO LO CONSIDERAMOS

familia, SIGUE presente EN LOS momentos MÁS

”

IMPORTANTES

GUSTAVO BARBERO

que gusten. Hemos estado trabajando bastante tiempo en esto, organizándolo, pensando la logística, las compras, que cada producto sea de la mejor calidad y con los mejores proveedores, ya que trabajamos hace muchos años en Uruguay y conocemos el mercado y todo lo que tiene para ofrecer”.

Vanina me contó que a ella siempre le daba alegría volver a Montevideo por los lindos recuerdos que había vivido aquí junto a Francis y sus hijas durante la pandemia, cuando la familia Barbero los había recibido con mucho cariño. Por eso, explicó, la idea de hacer el pop-up con Francis surgía de manera muy natural, casi como una vuelta a casa. También recordó que ya había cocinado junto a él en Río y que les entusiasmaba mucho la posibilidad de armar esos menús especiales durante una semana, porque sentía que se complementaban muy bien en la cocina: mientras ella se especializaba en pastas y ensaladas, él se destacaba en las carnes, una parte que confesaba no disfrutar, y por la cual, aseguraba, hacían un gran equipo.

Lo segundo que entendí al conocer a las dos familias, fue la relevancia que tenía para ellos trabajar (valga la redundancia) en familia, y no de manera separada. Tanto Francis como Vanina, quienes juntos tuvieron a dos niñas llamadas Alba y Heloísa, aseguraban que las dos estaban muy acostumbradas a viajar y que, de hecho, les gustaba. “Están muy integradas a nuestro trabajo. La vida del cocinero es errante y nómada, y ellas desde que son chiquitas viajan con noso-

tros. Es más, una de las razones por las que me gusta tanto este trabajo es porque me permite viajar a lo largo del año con mis hijos. Me van acompañando a diferentes lugares y algunos incluso han empezado a trabajar conmigo, lo cual me da mucha felicidad”, enfatizaba Francis, y Vanina asentía: “Heloísa nos dice que sus 'piernitas' ya quieren viajar cuando ve que estamos quietos por un tiempo”.

Lo tercero que comprendí fue que, en cuanto a la historia que unía a Mallmann con Barbero, se podía ver en el aire la complicidad que manejaban. A ninguno de los dos les gustaba que les dijeran socios. “¡Somos amigos!”, exclamaban cuando les hablaba de una sociedad. “Al abrir este restaurante que fue extremadamente exitoso desde el principio, Río llegó casi de forma lógica y natural para complementarlo con una propuesta distinta. Pensaron muy bien la cercanía entre ambos y la hermandad que se maneja en los dos lugares es algo que se respira. Cuando los clientes pasan por acá saben que tienen las dos opciones, bien distintas a nivel gastronómico pero iguales en cuanto a calidad y atención, se nota la mano de sus dueños”, explicaba Mallmann evidentemente orgulloso de los logros de su colega. “El gran culpable es Francis porque hace más de 32 años tuve la suerte de conocerlo y de armar un proyecto muy lindo al cual yo pertenecía y él también. Eso nos unió durante estos años y por eso lo consideramos familia, sigue presente en los momentos más importantes”, afirmaba Gustavo.

Gustavo Barbero y sus hijas, Victoria y Jimena, comparten más que el parentesco: ambas se graduaron de la misma carrera que su padre, contaduría, y ambas decidieron seguir los pasos gastronómicos en los que estuvieron inmersas desde que tienen uso de razón. Al crecer, fueron descubriendo que su objetivo e ilusión se centraba en tener su propio lugar y darle al público la comida y la atención que ellas mismas buscaban en Montevideo y que tanto les costaba encontrar. Así fue que, unidas a la extensa experiencia de su padre, hace ocho años abrieron Manzanar y, hace dos, Río, a menos de dos cuadras de distancia. Pero, como si todo esto fuera poco, las hermanas fueron madres prácticamente al mismo tiempo. Sus hijos ahora tienen seis y siete meses, respectivamente, y aseguran que, aunque no lo planearon, se lo recomiendan a todas las mujeres que tengan hermanas y deseen ser madres: “Fue muy intenso porque en el proceso de los nueve meses de embarazo una piensa que ya conoce los miedos y no, te llenás de temores que ni imaginabas, y haber compartido todos esos sentimientos con Jime a la par fue lo mejor que nos pudo pasar”, cuenta Victoria emocionada y recalca que, al trabajar con pasión, todo sale mejor. “La gente acompaña nuestros desafíos porque reconoce el esfuerzo que hay detrás. Estamos atentos a las tendencias y a proponer cosas nuevas tanto para los clientes como para el equipo. En nuestros restaurantes familiares, el equipo de trabajo también es parte de la familia”.

“ ESTAMOS ATENTOS

A LAS tendencias Y A PROPONER cosas nuevas

TANTO PARA LOS clientes

COMO PARA EL equipo. EN NUESTROS RESTAURANTES

FAMILIARES,

EL EQUIPO DE TRABAJO TAMBIÉN ES

PARTE DE LA familia”

VICTORIA BARBERO

Ese legado se transmite de generación en generación. Comenzó desde el costado puramente comercial de Gustavo, pero como él mismo señala, “la gastronomía lo absorbió”. Hoy, con numerosos locales gastronómicos de éxito y 30 años de renombre en Uruguay en su haber, asegura que la clave radica en estar siempre en movimiento, y enumera el intercambio internacional que han tenido con chefs invitados y viceversa. Este año, de hecho, irán a Río de Janeiro y a Guatemala. “Es muy gratificante porque se arma una linda camaradería gastronómica de intercambio de sabores y saberes culturales. Ahora nos vamos el 9 de mayo al Copacabana Palace a cocinar a Río de Janeiro, en Cipriani, y

también vamos a Diacá en Guatemala, a hacer un almuerzo en una plaza al aire libre, superfamiliar, junto con otros representantes de la gastronomía de Latinoamérica”, añade Jimena entusiasmada.

Como buenas hermanas que conocen sus virtudes y debilidades, Victoria explica que ella se encuentra más por fuera de la situación social, ya que esa es la parte fuerte de su hermana, quien —sostiene— es la que ha desarrollado mucho más los vínculos profesionales, con chefs y clientes. No obstante, dice que cuando les toca viajar para cocinar en otros restaurantes del mundo, se divierte muchísimo y lo disfruta en todos los momentos, incluso en los más sociales. Sin embargo, Jimena quiere aclarar que Río es el “bebé” de Victoria, a lo que Gustavo se hace eco, asiente y me interpela: “Que te cuente ella mejor”, con cara de padre orgulloso. Victoria relata: “Desde que arrancamos abracé muy fuerte a Río junto a todos los chicos que trabajaban en él. Como fluctuó mucho hasta llegar a lo que es hoy, el año pasado y el anterior concentré allí la mayor parte de mi trabajo. Cuando me preguntan por el origen, explico que tiene que ver con los gustos que tenemos con Jime; a nosotras nos gusta comer rico y distinto, y siempre terminábamos yendo a José Ignacio para encontrar, por ejemplo, un buen desayuno con huevos benedictinos que no conseguíamos en ningún lugar. Así fueron surgiendo las ideas para toda esa parte deliciosa que no podíamos ofrecer en Manzanar. La cocina la enfocamos hacia el sudeste europeo, por eso buscamos un lugar para desarrollar esto que sabíamos que a la gente al principio le iba a costar, pero que, una vez que se tiraran al agua con nosotras, les iba a fascinar. Hoy en día tenemos clientes que prefieren Río, aunque la gran mayoría disfruta de alternar”.

En junio, Manzanar cumple ocho años y, al mirar hacia atrás, sus dueños coinciden en las mismas premisas para tener éxito: analizar todo lo que llega y decidir si los productos son buenos y si están acordes a los estándares establecidos al abrir; estar personalmente sobre todos los temas que tienen que ver con el manejo del lugar, desde la materia prima que llega al local hasta lo que se sirve en el plato; capacitar constantemente a sus empleados, mantenerse atentos a las tendencias y, por sobre todas las cosas, la pasión por el buen comer y el trabajo en familia.

“La vida del cocinero es errante y nómada, y una de las razones por las que me gusta tanto este trabajo es porque me permite viajar a lo largo del año con mis hijos. Todos me van acompañando a diferentes lugares y algunos incluso han empezado a trabajar conmigo, lo cual me da mucha felicidad”

FRANCIS MALLMANN

Juan Campodónico

Los artistas que crecimos en la era predigital conectamos con el entorno de una manera distinta

Por ISABELLA ACERENZA

Fotos LU LEE

Alguien descubre en lo propio lo que también otro tiene para decir. No importan las fronteras ni las lenguas: el idioma de la belleza implica abrirse a la experiencia de estar vivo. Solo así fueron posibles algunos de los mejores discos de la música nacional, y los puentes que Juan Campodónico ha tendido con artistas locales e internacionales de diferentes rubros. Solo así es posible pensar que tanto el candombe como el tango y la milonga –la música de nuestras raíces– estén sonando en desfiles de alta costura en Paris y Nueva York.

De las influencias del mundo del teatro en su infancia a su primer disco como solista, conversamos con el reconocido músico, compositor y productor uruguayo, merecedor de varios galardones internacionales como los Grammy Latinos y los Premios Gardel.

Un mano a mano en el que nos aceramos a sus referencias musicales, los desafíos de la autenticidad en la era digital, el debate actual entorno a la inteligencia artificial y la reivindicación de la música latinoamericana. Durante la charla nos revela algunos de los recovecos de esta pasión, a través de una perspectiva auténtica del arte: “Sostener la identidad propia del lugar del que venís es lo más básico y lo más potente que podés hacer”. Con ustedes, Juan Campodónico.

¿CUÁLES FUERON LOS PRIMEROS DISCOS O ARTISTAS URUGUAYOS QUE INFLUENCIARON TUS INICIOS EN LA MÚSICA?

Tanto mi papá como mi mamá eran muy musicales. Ambos venían del mundo del teatro, mi papá fundó el Teatro El Galpón

en el año 49 con otro montón de gente. En esa época justo estaban haciendo unas obras muy musicales. Cuando nací, en el 71, él dirigía una obra musical que se llamaba Libertad y Libertad, en la que tocaban en vivo Eduardo Mateo y García Vigil, un gran director de orquesta uruguayo. Después había cuatro actores que cantaban, entre ellos mi mamá. Era una época muy virtuosa desde el punto de vista cultural y lo que sucedía en ese teatro era realmente vanguardista a nivel artístico. Después llegó la dictadura, que nos llevó al exilio en México, y esa también fue una etapa interesante. No te digo deseada, porque a nadie le gusta que lo echen de su país, pero había muchos personajes de la cultura uruguaya viviendo allí. Recuerdo que el día que llegó Zitarrosa, le hicieron una pequeña recepción en la que cantó y tocó la guitarra. Yo estaba a dos metros del tipo y ese es mi primer recuerdo de ver a alguien cantando en serio, digamos.

EN TU OBRA HAY UNA FUERTE FUSIÓN

ENTRE LO ELECTRÓNICO Y LA CANCIÓN LATINOAMERICANA, ¿DE DÓNDE CREES QUE PROVIENE ESO?

En mi casa se escuchaba mucha música. Por el lado de mi madre, más que nada bossa nova y tango; y por el lado de mi padre, de todo, desde música clásica a popular. Cuando empecé a escuchar por las mías, me regalaron un disco de Los Beatles y yo mismo me compré un simple de Another One Bites The Dust de Queen. Todo lo que empezaba a expresarse en los 80 fue muy influyente para mí, el crecimiento de la música negra hacia el área electrónica, el funk y el soul, y las raíces sudamericanas.

“ HAY UNA PARTE DE LA HISTORIA DE LA música popular uruguaya QUE NUNCA FUE BIEN CONTADA ”

¿PENSÁS QUE LA MÚSICA NACIONAL TIENE LA VISIBILIDAD QUE MERECE?

Creo que todavía hay mucho por contar sobre la historia de nuestra música. En Latinoamérica tenemos una forma de hacer música que es bastante novedosa para el mundo. Por ahí pensamos que la cumbia, el folclore, el tanto, la milonga y el candombe son sonidos muy viejos, pero si los comparás con la música clásica, en verdad son bebés y todavía tienen mucho por desarrollar. A veces lo que se concibe como viejo se siente que pasa de moda, pero si se revisa no pierde vigencia. Siento que hay una parte de la historia de la música popular uruguaya que nunca fue bien contada. No hay ningún organismo público que se dedique a contar esta historia, eso me parece tremendo. De hecho, trabajé en una exposición que se llamó “La milonga es hija del candombe, así como el tango es hijo de la milonga” para el Archivo Nacional de la Imagen y la Palabra. Fue una obra que hicimos con Andrés Torrón, en la que juntamos 11 artistas uruguayos, las conexiones musicales y artísticas, y armamos un pequeño canon de música popular uruguaya. Pero la historia es muy larga y en Uruguay falta museística. A su vez hay como una desidia con respecto a conservar cierta historia linda, que también te explica el presente.

EN TU PROYECTO SE PUEDE VER UNA GRAN IMPRONTA VISUAL Y PERFORMÁTICA, ¿CÓMO SE DESARROLLÓ ESA FACETA ARTÍSTICA?

Para mí es algo bastante natural que la música no sea solo música, sino una puesta en escena. Cuando estoy produciendo

un tema, me imagino la escena que está musicalizando. Toda esa educación en esa idea performática y de artes escénicas viene de ver a mis padres trabajar desde niño. Como muchas veces no tenía dónde quedarme, los acompañaba al teatro y los veía ensayar, discutir, teorizar. Allí empecé a ver los códigos del escenario, un lugar que te habilita a expresar determinadas cosas con determinados recursos.

EN TUS TRABAJOS CON ARTISTAS COMO DREXLER, SUPERVIELLE, EL CUARTETO DE NOS Y BAJOFONDO HAS ALCANZADO GRAN RECONOCIMIENTO INTERNACIONAL. ¿CÓMO ES REPRESENTAR A URUGUAY EN OTRAS PARTES DEL MUNDO?

Yo me siento muy uruguayo, pero también con mucha influencia de Sudamérica. Uruguay es un país que absorbe mucho a la región, con una personalidad propia a la hora de procesarlo. Creo que hay algo en mi capacidad producir, de buscar lograr un resultado que se entienda en varios lugares. A veces digo que los productores somos como traductores. Cuando era niño, iba a la escuela en México y hablaba como un mexicano más. Luego, volvía a mi casa, comía una milanesa y hablaba en uruguayo. Tenía que hacer esa traducción cultural porque se trataba de dos culturas muy diferentes en modos y costumbres. Esa experiencia seguramente me dio la riqueza de criarme entre dos territorios y, cuando mucho más tarde empecé mi carrera produciendo artistas, fue clave poder tener una visión que trascendiera lo local. Siempre traté de hacer cosas universales,

aunque desde Uruguay. Sostener la identidad propia del lugar del que venís es lo más básico y lo más potente que podés hacer. Nunca hubiéramos tocado en el Sadler Wells, ese teatro maravilloso al que fuimos con Bajofondo, si hubiéramos hecho una copia de los Beatles.

CON RESPECTO AL ENTRECRUCE DE DISTINTAS ARTES ¿QUÉ NOS PODÉS CONTAR SOBRE LA COLABORACIÓN CON GABRIELA HEARST PARA SUS DESFILES?

Esa colaboración me encantó. Me invitó el productor Danilo Astori, que es muy amigo de Gabriela, para ayudar a hacer la banda sonora de los desfiles, que son unos shows increíbles. Después, Gabriela empezó a trabajar con Chloé, una casa de alta costura francesa, así que por dos años estuve en los lanzamientos de París y Nueva York. El cruce fue superinteresante, sus moodboards, sus referencias, las inspiraciones en las que se basaron. Siempre muy adelante a nivel de la sensibilidad sobre el estilo y la moda. Al principio fue reloco partir de esas ideas, pero después de tres años fue sorprendente ver todo el planeta que se armó. En el universo de la moda están empujando los límites y creando nuevos estilos y formas.

¿QUÉ FUE LO QUE MÁS TE LLAMÓ LA ATENCIÓN DE ESA EXPERIENCIA?

Primero, lo profundo que era el trabajo de investigación. Para cada colección de repente se basan en una figura. Recuerdo

una que hicimos para Gabriela Hearst, basada en la figura de Hildegarda Von Bingen, que era una monja, pero que escribió mucha música coral. Fue un personaje con unas visiones impresionantes, medio psicodélico también. Se hizo toda una investigación sobre cuestiones estéticas que venían de ese universo de Hildegarda, que nos llevó a hacer la música basada en una pieza de ella. Luego de desarrollarla, terminó en un candombe. Me alimentó mucho poder ponerme al servicio de la creatividad. Hasta los modelos que elegían me llamaban la atención, porque no seguían un canon de belleza. Tenían un aspecto más indígena, con un cuerpo más voluminoso. Eso es raro en el mundo de la moda. Cinco años más tarde, me encontré con algunas modelos haciendo una campaña de Victoria's Secret y ahí me di cuenta de que esos desfiles también funcionaban como un under de ideas nuevas. No son las firmas comerciales que van tomando lo que es mainstream, sino que es una mirada mucho más nueva y alternativa la que luego toma el mainstream.

¿QUÉ TE TRAE DE NUEVO, COMO PRODUCTOR MUSICAL, TRABAJAR CON ARTISTAS JÓVENES COMO ZOE GOTUSSO O ZEBALLOS?

Lo de Zoe Gotusso fue bien interesante porque es una artista que hizo su primer disco en medio de la explosión de la escena del trap argentino. Ella se propuso hacer un disco atemporal, se fijó en la producción musical de Eco de Jorge Drexler y me convocó. Cuando hicimos ese álbum, Mi primer día triste, no queríamos hacer algo que encaje en la moda de ese momento,

sino que queríamos que fuera clásico y que perdurara. Todo fue grabado acá en Uruguay, excepto las cuerdas de Alejandro Terán, que se grabaron en Argentina. Los músicos también son de acá: Hugo Fattoruso toca el piano y Martín Ibarburu la batería. Sobre Zeballos, acaba de salir una colaboración con él, que es el tercer adelanto de mi próximo disco. Personalmente me gusta mucho la nueva escena de la música con influencias de rap y la música urbana. Cuando lo conocí, me llamó la atención su voz y su pluma. El tema con él se llama La distancia, y aunque definitivamente hay una gran distancia generacional, pienso que, si estás conectado con la música, no te sentís tan distante.

¿QUÉ IMPLICA ABRIRTE A SU PROPUESTA, CUANDO YA TENÉS UNA ESTÉTICA Y UNA FORMA DE TRABAJO TAN PROPIA?

Para empezar, soy un melómano y todo el tiempo estoy escuchando lo que está pasando. Pero muchas veces mi escucha no es únicamente por el gusto de escuchar música, sino para investigar: me gusta tratar de entender qué está pasando ahí, no solo desde el punto de vista técnico musical, sino cómo funciona la música socialmente. ¿Por qué es relevante este personaje ahora? ¿Qué está diciendo? ¿A quién le interesa?

ESTÁS POR SACAR TU PRIMER DISCO BAJO TU NOMBRE, DESPUÉS DE TANTOS AÑOS DE PRODUCIR JUNTO A OTROS. ¿POR QUÉ AHORA?

Lo hice porque me gustaba la idea de hacer una propuesta nueva, de vuelta. Otros proyectos de los que soy parte ya tienen su propuesta armada. Por ejemplo, el Peyote tiene su propia estética, podemos hacer cosas nuevas dentro de de un marco. Bajofondo también, es esa música con su lógica. Campo fue un momento reinteresante también, de unas cosas un poco más personales, aunque colectivas. Pero me gustaba la idea de decir algo nuevo a partir de impulsos personales.

¿QUÉ NOS PODÉS ADELANTAR DE ESTE NUEVO PROYECTO?

Ya salieron tres adelantos: uno fue Frik, una colaboración con Jósean Log; De un fulgor a otro, que es en base a un poema de Ida Vitale; y La distancia con Zeballos. Obviamente es un sonido muy ecléctico, tiene influencias de todo. Pero al mismo tiempo, hay algo que es reconocible también en esa manera de amalgamar y de producir. A eso se suma una mirada más escénica, donde cada canción es una pequeña parte de un universo nuevo. En ese sentido, no tengo recetas a la hora de empezar las canciones porque los temas que hago son tan distintos que no necesito las mismas herramientas puestas en el mismo orden.

¿Y CÓMO AFECTA LA INMEDIATEZ DE HOY EN ESTE PROCESO MÁS INTROSPECTIVO?

Pienso que mi proceso será más lento, pero capaz que genera un resultado distinto y perdura más. Comparado con las generaciones más nuevas, que son muy inmediatistas, siento que tengo otro ritmo. Hoy estás conectado todo el día, siempre pronto para responder con rapidez, que es un poco lo que te exige el mundo hoy. Para darte un ejemplo, en el video de la canción con Zeballos hicimos un video dirigido por Lucía Garibaldi, y cuando hablábamos sobre él, le dije: “Mirá que a mí no me molestan los planos largos, no tiene que estar todo cortadito, no pasa nada”.

Los artistas que crecimos en la era predigital conectamos con el entorno de una manera distinta. Creo que, hoy en día, es más difícil porque estás sacado de ambiente, fuera de contexto. Cuando publicás tu tema en Spotify, caes en un lugar que no sabés qué es. Obviamente, tus redes sociales empiezan a ser ese ambiente donde podés comunicarte, pero está todo mediado por una estructura que no es local.

¿UTILIZÁS INTELIGENCIA ARTIFICIAL EN TUS TRABAJOS COMO MÚSICO?

Siempre es interesante lo que trae la tecnología. Lo que me encargo de criticar últimamente es el discurso totalizador, porque para mí la experiencia humana es infinita, así como las posibilidades de conexión entre los seres humanos. Una posibilidad muy hermosa e interesante es la digital, que no es la única. “Ahora todos van a perder el trabajo”, escuché estos días sobre la inteligencia artificial. Y me di cuenta de que me encanta la inteligencia artificial, uso tecnología todo el tiempo, softwares de todo tipo. Entonces sí, la he utilizado. Para el disco de Julieta Rada tenía que hacer una versión de El tambor, y como los arreglos de Jaime Ross tienen sus trucos, usé el Moisés, un programa para separar pistas de grabación, para aislar los tracks. Pero es eso, una herramienta. ¿Lo podría haber hecho sin esa inteligencia artificial? Sí, y hubiera demorado mucho más.

¿PERO CREES QUE ESO PUEDE REEMPLAZAR, EN PARTE, EL TRABAJO DE LOS ARTISTAS?

Si vos con un prompt le pedís a un programa que te haga música, pienso que no hay nada de interesante. Y además alguien programó eso que está ahí adentro. Hay alguien que no se nombra, por más que el programa se encargue de hacer toda esa combinatoria infinita, que en verdad no es tan infinita. Por algo suena todo medio parecido. Para mí, la obra de arte la completa el que la ve, por lo que es un fenómeno cien por ciento humano. Hay artistas que te gustan por su manera de hacer las cosas y hay artistas que no. El discurso del fin del mundo sobre la IA le viene bien a Spotify, porque alimenta esa idea de que ellos van a hacer los temas con inteligencia artificial y ni siquiera van a necesitar de los artistas. Ahora, a mí me encanta hacer música: la voy a hacer siempre, sea un negocio o no, porque es una experiencia en sí misma.

¿QUÉ ES LO FUNDAMENTAL PARA VOS A LA HORA DE CREAR MÚSICA?

La belleza de las cosas no es técnica, la técnica es parte de lo que necesitás, son las herramientas. Sin embargo, la belleza está vinculada con el contexto, con lo interpersonal, con lo que conecta a distintas personas. Si vamos a hacer una golosina musical, es lo mismo cómo la hacés. Pero si vas a hacer una obra de arte, tu experiencia humana está puesta en ella. Digamos que, si no hay experiencia, no te exponés a las cosas, entonces tal vez pasarás desapercibido y tu música se pierda en miles de videos que hay en internet. Siempre es más interesante la mirada sobre tu propio lugar. Esa mirada la crean las personas, y particularmente los artistas aportamos mucho a eso; a crear una idea sobre algo. El trabajo del artista abarca un nivel de sutileza que no es del todo programable. Un artista puede ayudarse de cualquier herramienta, por ejemplo, de una guitarra o de un software de inteligencia artificial, pero ese es en definitiva un medio para construir otra cosa.

DISTINTOS E IGUALES

Sofía Domínguez & Kevin Jakter

Por ROSALÍA LAROCCA

Fotos MATÍAS VALETÍN

ÉL DE CÁNCER, ELLA DE PISCIS. YA DESDE LA ASTROLOGÍA LA AUTÉNTICA DUPLA DETRÁS DE ROTUNDA PARECE TENER MUCHO MÁS QUE UN PROYECTO EMPRESARIAL Y FAMILIAR EN COMÚN. Sensibles, emocionales e intuitivos HAN SABIDO CONSTRUIR UN IMPERIO A PARTIR DE UNA MIRADA REFLEXIVA Y PERSONAL DE LA moda. CON FUERTE IMPRONTA LOCAL, AMBOS CREARON LA MARCA HACE CASI 12 AÑOS. LO QUE COMENZÓ SIENDO UN DESAFÍO LABORAL, ACABÓ UNIÉNDOLOS COMO PAREJA. DE ROTUNDA SE ENAMORARON Y EN ROTUNDA SE ENAMORARON.

Distintos e iguales. ÉL ESPIRITUAL Y VERBORRÁGICO, ORGANIZADO Y AUDAZ. ELLA BOHEMIA Y CREATIVA, INQUIETA Y PASIONAL. A SOFÍA DOMÍNGUEZ Y KEVIN JAKTER LOS UNEN LAS DIFERENCIAS NECESARIAS PARA COMPLEMENTARSE. QUIZÁS ESE SEA EL SECRETO DEL ÉXITO DETRÁS DEL universo Rotunda.

¿CÓMO

SURGE LA IDEA DE CREAR ROTUNDA?

SD: Rotunda surge de un deseo innato de crear un universo que siempre supe que quería que trascendiera. Yo amo la moda y desde que tengo uso de razón me comunico a través de la ropa. Fue lo que estudié, de hecho. Pero siempre tuve claro que quería crear un universo que pudiera abarcar mucho más: una visión de diseño, de arte, de humor, de amor. Así surge Rotunda, y el nombre también venía ligado a que quería una identidad fuerte, clara y contundente. La primera oficina fue en el apartamento de mis padres, donde viví cuando llegué de Bella Unión a Montevideo..

KJ: Yo me sumé unos seis meses después. Rotunda abrió en septiembre de 2013 y mi llegada al equipo fue en mayo de 2014. En ese momento, tenía 22 años, estaba estudiando Administración de Empresas y era compañero de Carolina Sosa, cofundadora de Rotunda junto con Sofi. Estaba trabajando en el departamento de Marketing de Hyundai, pero siempre fui muy emprendedor y soñaba con hacer muchas cosas. En un viaje por Estados Unidos surgió el deseo de crear una marca de ropa; no sabía nada de la moda ni de la industria fashion o retail, pero le escribí a Caro. Nos juntamos y me di cuenta de que las chicas eran tremendamente creativas, pero que yo podía sumar desde el desarrollo organizacional, la visión estratégica y otras cualidades intrínsecas a trabajar en una empresa de muchos años de trayectoria y consolidada. En realidad, fui a juntarme con la idea de conversar y tener más conocimiento para armar mi propia marca, y de pronto sentí una corazonada. “Me quiero asociar a ustedes, ¿cómo la ven?”, les dije. Y empezamos.

¿CÓMO FUE INTEGRARTE A ESE MUNDO TAN DISTINTO AL DE LA INDUSTRIA AUTOMOTRIZ?

KJ: Me río porque se me viene a la mente la primera colección en la que participé. Me acuerdo de ir a comprar telas con Sofi, Caro y Lau, que es directora de Diseño y está con nosotros desde que empezamos. En mis 22 años nunca en la vida había pisado un taller y era muy interesante ver cómo se hacían

“

SOMOS UNA MARCA DE GENTE MUY joven, MUY creativa

Y CON

UNA MIRADA BASTANTE

CONSCIENTE DEL MUNDO Y DEL impacto

QUE

TENEMOS EN ÉL”

las prendas. Lo vivía con muchísima curiosidad, ver cómo cortaban los moldes. Era un viaje, me fascinó. Esa colección fue mágica, y no me olvido de la sensación de estar creando algo nuevo. Me acuerdo perfecto de los tapados de paño, las t-shirts divinas. Después en 2015 empezamos con los zapatos y también fue un viaje hermoso. Tengo los mejores recuerdos del inicio de Rotunda, me emociona mucho cómo empezamos y todo nuestro desarrollo hasta el día que hoy. Seguimos aprendiendo y trabajando con el mismo amor.

¿SEGUÍS TENIENDO ALGUNA PRENDA DE LA PRIMERA COLECCIÓN, SOFI?

SD: Sigo teniendo algunas prendas tejidas de nuestra línea handmade y unas botitas de charol que son muy atemporales y siguen supervigentes. También conservo alguna prenda sastrera de lino. Tenía nuestra icónica t-shirt Cumbia Nena, pero la perdí en un viaje.

¿QUÉ DIRÍAN VINO A SUMAR LA MARCA AL ECOSISTEMA DE LA MODA URUGUAYA?

SD: Creo que, desde el diseño, vinimos a sumar un aire sofisticado y artístico de la moda. Y, a su vez, a nivel empresa, nos destacamos por el talento y la calidez humana. Somos una marca de gente muy joven, muy creativa y con una mirada bastante consciente del mundo y del impacto que tenemos en él. Así que diría que juntos somos una plataforma que trasciende el producto.

KJ: Siempre fuimos una marca vanguardista e innovadora, con valores intrínsecos que de alguna forma se exteriorizan en lo sutil o en lo dicho. Y eso sucede desde adentro hacia afuera. Ponemos a las personas en el centro de la organización, por eso hablamos de la Tribu Rotunda. Valoramos mucho al ser humano y creo que eso es un gran diferencial, aunque no me gusta hablar en términos de competencia. Nuestro gran valor y aporte es poner a las personas en el centro. Somos seres humanos viviendo en esta experiencia, todos con talentos diferentes, una gran pasión por lo que hacemos, jóvenes y emprendedores. Somos una marca con disrupción y con ganas de crecer con amor. Si tuviera que definir Rotunda a nivel de branding, es una marca sofisticada, elegante y de alta calidad. Después incluimos la calidez humana, que siempre la trabaja-

mos internamente, pero en un momento dijimos trabajémosla también en las tiendas y en la comunicación.

¿QUÉ PERSPECTIVA TIENE CADA UNO DE LA MODA?

KJ: Personalmente, me considero un hombre emprendedor, no sé si soy un amante de la moda. Me gusta el universo creativo, los negocios, el emprendedurismo y el liderazgo. Me apasiona cocrear, la expansión, la visión estratégica. Pero, si te soy sincero, la moda nunca fue una pasión ni antes ni después de Rotunda. Veo la moda como una posibilidad de comunicar nuestros valores y nuestra forma de vivir. A través de un outfit uno se puede sentir más empoderado o incluso cambiar la actitud. La forma en que nos vestimos habla de nosotros y nos hace sentir particulares. Ayer, por ejemplo, me puse un trench de mi abuelo, que en paz descanse, y me hizo sentir sensaciones. Hoy me puse un tapado de paño que compré hace poco porque me gustaba mucho, y me sentí identificado, muy cómodo. Entonces, desde Rotunda, vivo la moda como una forma de acompañar a las personas desde ese lugar. Nos preguntamos mucho cómo hacemos sentir a las personas a través de nuestras prendas.

SD: Mi mirada de la moda es mucho más visual, estética y conceptual. Pero también, con Kevin, vamos más allá y nos importa el impacto que queremos dejar en el mundo. Desde un comienzo los dos tenemos claro el mensaje que queremos transmitir. Hoy nuestros productos son el medio, el fin va más allá. Queremos contar historias que lleguen al corazón y disfrutamos la moda desde diferentes lugares.

¿CÓMO DESCRIBIRÍA CADA UNO A SU PAREJA EN LO LABORAL Y DE QUÉ MANERA SIENTEN QUE SE COMPLEMENTAN?

SD: Kevin es visión, expansión, liderazgo y riesgo. Tiene toda una parte emprendedora alucinante. Siempre digo que yo voy atrás de Kevin haciendo “lindos” sus proyectos. Obviamente tengo un factor líder también, superhumano y empático. Nos complementamos muy bien. Quizás yo vuelvo bello lo visual y estético de proyectos o cosas que se le ocurren a él. Kevin es mucho más arriesgado, es la pata de riesgo en este dúo. Yo soy más temerosa, pero acompaño.

KJ: Sofi es una crack, la mujer de mi vida y la madre de nuestro hijo Aki. Trabajando tiene un ojo estético creativo y único, siempre lo digo. Si bien no me considero una persona demasiado organizada, en eso somos muy distintos. Sofi tiene un nivel de creatividad y de arte inmenso, pero no usa mails. ¡Me hace viajar! Trabaja por Whatsapp. Al principio no entendía, le decía que se iba a volver loca. Pero nos complementamos de una manera increíble. Su visión creativa, estética y artística va al detalle del detalle. Capaz yo sueño con algo gigante y ella lo vuelve impresionantemente lindo. Mi perspectiva siempre es más macro. Tenemos miradas diferentes del mundo y es hermoso que eso pase. Coincidimos en liderar desde el amor, estamos completamente de acuerdo en los valores y creo que hemos aprendido a liderarnos nosotros mismos. Somos un match muy lindo. Ella confía en mí y yo confío en ella. Siempre es un: “¡hagásmolo!”.

¿QUÉ ES LO MÁS DIVERTIDO DE TRABAJAR

JUNTOS?

SD: Creo que conocernos y acompañarnos tanto en todo el proceso. Realmente como pareja, aparte de socios, conocemos luces y sombras de cada uno y eso también te da como una honestidad clave a la hora de trabajar juntos.

KJ: Lo más divertido es que hemos viajado por el mundo, conociendo ciudades y compartiendo un montón de experiencias maravillosas. También ver crecer un proyecto, que es casi como un hijo. Cuando arrancamos, yo tenía 22 y Sofi 25. Hoy, 12 años después, son impresionantes todas las experiencias y anécdotas divertidísimas que hemos vivido, además de compartir un proyecto mucho más grande que es el familiar.

¿Y LO NO TAN DIVERTIDO?

SD: Quizás que a veces los conflictos del trabajo se trasladan a la casa. Aunque probablemente eso pasaría sin ser socios. Pero bueno, a veces todo se ve permeado por Rotunda. Tenemos que saber cortar.

KJ: Lo mismo. Ser socios, pareja y padres, nos obliga a tener que regular un poco cuándo hablar de Rotunda y cuándo no para que no sea lo único de nuestras vidas. De repente yo puedo estar estresado por algo de la marca y Sofi no tiene cómo solucionarlo o viceversa. Hay que medir bien cuánto charlar en casa de trabajo, pero es mucho más lo bueno de estar juntos en este proyecto, que lo negativo.

YA HACE UN TIEMPO QUE APUESTAN POR HABLAR DE TEMAS FUERTES Y REFLEXIVOS: EL DÍA VERDE EN EL BLACK FRIDAY, LA ADOPCIÓN DE ANIMALES, Y AHORA EL PASO DEL TIEMPO. ¿CÓMO SE DAN ESOS PROCESOS CREATIVOS?

SD: Siempre hablo de los signos porque creo que está en nuestra naturaleza ser muy sensibles, profundos y reflexivos. Kevin es Cáncer y yo Piscis. Desde el día uno hemos querido traducir a Rotunda esa naturaleza. En un momento estuve un poco peleada con la frivolidad de la moda, pero después me amigué y encontré que desde una plataforma podíamos contar cosas interesantes. Es muy lindo comunicar a través del diseño. Siempre hemos puesto en juego cosas que nos movilizan personalmente para llevarlas a nuestro mundo, que es Rotunda. Hemos hecho pila de cápsulas y de proyectos con un impacto que va más allá del producto o de la moda, y eso nos llena el corazón. Rotunda tiene mucha energía de Piscis. A todos nos empuja contar algo más, cada shooting es una oportunidad de aportar algo.

KJ: Hace muchos años empezamos con nuestro desarrollo emocional y espiritual. En ese despertar hicimos un montón de terapias alternativas y caminos espirituales diferentes, meditaciones, reiki, constelaciones, biodecodificación, aprendimos un montón de cosas de la Kabbalah. Y empezamos a necesitar transmitir hacia afuera ese impacto emocional que estábamos viviendo adentro. Somos parte de una industria que puede parecer frívola, que contamina. Entonces, ¿cómo ponemos nuestra esencia en este gran proyecto? Así, comenzamos a comunicar lo que somos a través de Rotunda, a pensar en el impacto social, ambiental y espiritual. Como seres humanos estamos caminando en esta realidad física y queremos, desde nuestro humilde lugar, poder hacer un mundo mejor, arrancando por nosotros mismos, por nuestra familia, por nuestro entorno, por nuestra tribu y por los mensajes que podamos dar a la comunidad que nos sigue.

DE AQUELLAS TRES CAMPAÑAS, ¿CUÁL HA SIDO SU FAVORITA Y POR QUÉ?

SD: La realidad es que cada una tiene lo suyo. Me acuerdo puntualmente el día que creamos la de Green Friday. Estábamos en una sala de reuniones y nos preguntábamos cómo hacer para dar otro mensaje ese día. Personalmente, lo que hacemos con Animales sin Hogar me llena el corazón porque tengo un alma rescatista. Nosotros tenemos tres perros adoptados y hemos rescatado muchos más a los que les conseguimos hogares. Siento que en esa campaña realmente cambiamos la vida de las personas y de los animales, que tienen la posibilidad de encontrar un nuevo hogar.

KJ: A mí me gusta mucho la campaña de Green Friday porque siento que hicimos un cambio de paradigma. El Black Friday es un día de consumo a diestra y siniestra, de consumir por el simple hecho de hacerlo. Nosotros decidimos ponernos firmes en el mensaje de cuidar el planeta. Mientras otras marcas están vendiendo con un 50 o hasta un 70% de descuento, nosotros vendemos a precio lleno, donando el 30% de las ganancias a proyectos de reforestación nativa. La gente nos acompañó y fue un orgullo. Hoy vamos como por el quinto o sexto año haciendo el Green Friday.

DESDE ESA PERSPECTIVA, LEJOS DE LA FRIVOLIDAD, LA MODA ES UNA HERRAMIENTA POTENTE DE COMUNICACIÓN. ¿TENÍAN CLARO ESTE CAMINO DESDE EL COMIENZO O SE FUERON TRANSFORMANDO?

SD: Tal cual lo que decís. Me llevó años de terapia y de madurez vivirlo así. Me hubiese encantado incorporarlo antes para disfrutarlo más o sentir menos culpa, pero la idea fue madurando conmigo y con terapia, coaching y un proceso interno importante.

KJ: Definitivamente nos fuimos transformando y seguimos en transformación. Creo que el gran quiebre fue en 2018, cuando nos empezamos a cuestionar cómo extrapolar ese camino de desarrollo emocional y espiritual que estábamos viviendo, a nuestro emprendimiento. Por lo general, la industria de la moda comunica de forma muy frívola y nosotros estábamos formando parte de esa realidad que no estaba tan alineada con nuestros valores personales. Entonces, nos propusimos aprovechar la oportunidad y generar impacto. Para poder comunicar estas campañas, trabajamos desde el corazón, tocando alma a alma. Nos transformamos y nos seguimos transformando. Siempre nos planteamos cómo es el próximo paso para comunicar desde este lugar, para poder aportarle más a la vida y a las personas que confían en nosotros.

¿QUÉ

TIENEN USTEDES DE ROTUNDA, Y ROTUNDA DE USTEDES?

KJ: Wow, me interpela un poco esta pregunta. Rotunda es parte de mí y Rotunda parte de mí. Me siento identificado desde la innovación, la potencia, la expansión, la creatividad, el mensaje positivo, el desarrollo humano. Rotunda me enseñó muchas cosas que hoy incorporé en mi vida, cómo plantarme, cómo dejar algo positivo en el otro y cómo incorporar la belleza en mi vida diaria, en los detalles. Me enseñó todo un mundo creativo, a explorar lo desconocido. Crecí con Rotunda, entonces un montón de cualidades las fui adquiriendo en la marcha. También aprendí mucho de Sofi, de nuestros equipos, de los grandes líderes que tenemos. Rotunda es un viaje. Personalmente, es un sueño mucho más grande que una empresa. Es gran parte de mi vida y tengo sueños muy lindos para los próximos 12 años. Vamos bastante seguido a desayunar a Otero con Sofi y Aki, y sentimos que de a poco se va convirtiendo en una empresa familiar también. Tiene una cosa de dulzura y amor. Y Rotunda tiene gran parte de lo que somos nosotros y toda la tribu.

SD: De nosotros Rotunda tiene nuestro liderazgo humano, nuestros inputs de impacto, que nos movilizan personalmente. Diría que tiene mi amor por lo visual. ¿Y qué tenemos nosotros de Rotunda? Creo que nos fuimos mimetizando. Es como un ida y vuelta constante. El amor por el diseño, por el interiorismo, y por conocer causas que fuimos descubriendo a través del equipo. Rotunda también nos fue educando y mostrando diferentes mundos ópticos que nos enriquecen muchísimo, personal y profesionalmente.

“ NOS PROPUSIMOS APROVECHAR LA OPORTUNIDAD Y GENERAR impacto. PARA PODER COMUNICAR ESTAS

CAMPAÑAS, TRABAJAMOS DESDE EL corazón, TOCANDO ALMA A ALMA ”

ROLEX y el golf

ROLEX Y EL GOLF COMPARTEN UN APRECIO MUTUO POR LA tradición Y LA presición INQUEBRANTABLE, SIEMPRE HACIENDO HINCAPIÉ EN LA integridad, el respeto Y LA elegancia EN EL CAMPO Y FUERA DE ÉL

Rolex celebra los logros humanos, reconociendo el viaje marcado por hitos y emociones que culmina en momentos decisivos, que se definen por el camino recorrido y no tan solo un trofeo. Desde hace casi 60 años, Rolex cultiva un legado perdurable con el golf a través de asociaciones con deportistas de élite, eventos de clase mundial y organizaciones líderes, además de promover los más altos estándares de rendimiento en todas sus actividades. Esta colaboración a largo plazo se inició en 1967, cuando Arnold Palmer, junto con Jack Nicklaus y Gary Player, se convirtieron en los primeros Testimoniales de la marca en el golf. Conocidos como «los tres grandes del golf», estos legendarios jugadores cambiaron para siempre la imagen del juego, y su asociación con Rolex marcó el comienzo de una relación basada en el compromiso compartido con el perfeccionamiento continuo y la precisión inquebrantable. Desde entonces, esta asociación no ha hecho más que crecer y prosperar, extendiéndose a todos los niveles del deporte a nivel mundial. Rolex está siempre presente, junto a los jugadores de élite y las leyendas del golf, tanto en los majors, en los que el éxito representa el máximo logro en el deporte, como en los principales tours profesionales, competencias internacionales por equipos y campeonatos amateurs.

Rolex mantiene un firme compromiso con el golf amateur y sus valores, que incluye una asociación con los principales torneos amateurs en todo el mundo. El apoyo de la empresa suiza al golf y a sus custodios se basa en un fuerte sentido de integridad y respeto por una tradición que promueve la continuidad de la experiencia, la transferencia de conocimientos y la comprensión de la importancia de invertir en el desarrollo del deporte para las generaciones futuras.

EL APOYO QUE ROLEX LE PRESTA AL golf DESDE HACE MÁS DE CINCO DÉCADAS REPRESENTA

UNA DE LAS ASOCIACIONES MÁS DURADERAS

Y CON MÁS ÉXITO DEL mundo del deporte. ESTA LONGEVIDAD DENOTA EL APASIONADO compromiso

DE LA MARCA CON ESTE ANTIGUO JUEGO

CASA LUCIA

Oda a la cultura argentina

Por BAHÍA LANCESTREMERE

Fotos CHARLIE NAVARRO | Modelo AYLEN HERVAZ

Buenos Aires es una ciudad de múltiples identidades. Es el espíritu salvaje del gaucho, la fuerza del campo, el fulgor del tango y la sofisticación urbana de influencia europea. Esta esencia híbrida puede descubrirse a través de sus habitantes, caminando por sus calles y descubriendo su arquitectura local. La emblemática calle Arroyo del barrio de Recoleta es un buen punto de partida para hacerlo. Caminar por ella y mirar sus boutiques, galerías de arte y sus edificios históricos es vivenciar la cultura de un país que combina la calidez latinoamericana con la elegancia del viejo continente. Y es en este escenario donde se encuentra el hotel ideal para descubrir más de la ciudad porteña entre lujo, sofisticación y cultura argentina: Casa Lucia.

Casa Lucia Member of Meliá Collection invita a los viajeros a descubrir la cultura local a través de un viaje por la edad dorada argentina, uno de los momentos más brillantes del país entre los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX, que estuvo marcada por una gran influencia europea en la innovación y el estilo de nuestra ciudad, y por grandes hitos nacionales donde se pudo vislumbrar la fuerza de Argentina en el mundo.

Su distinguida propuesta desembarcó en el país de la mano del grupo español Unico Hotels y redefine el concepto de lujo. Combina las comodidades de un hotel 5 estrellas con un servicio totalmente personalizado, experiencias genuinas y respeto por la esencia única del lugar. Debido a esto, a los pocos meses de su inauguración se convirtió en miembro de The Melía Collection, una exclusiva y pequeña selección de hoteles de lujo de estas características seleccionada por la firma a lo largo del mundo, siendo el primero de América en formar parte.

En Casa Lucía, cada estadía es un viaje en el tiempo, donde el pasado y el presente convergen para celebrar el patrimonio cultural de una de las épocas más brillantes de Buenos Aires. Así, cada ambiente del hotel relata un hito importante que tuvo lugar durante esta época, creando un hilo conductor que comienza en la entrada y termina en las

habitaciones de los huéspedes.

Y este viaje comienza donde el hotel está emplazado. La sofisticación del edificio Mihanovich también conocido como Bencich se observa desde lejos, su fachada histórica y su cúpula impactante son símbolos del esplendor de esta época. Inaugurado en 1929 por la familia Bencich, este edificio fue el resultado de la visión del empresario y marinero Mihanovich, que tenía su propia flota de buques en el puerto de Buenos Aires y tenía una visión muy particular: quería que su residencia sea como un faro y poder ver llegar y partir sus buques hacia Uruguay desde sus ventanas.

La familia Bencich creó así una torre impactante con un estilo de arquitectura distinguida de influencia europea, que logró estar a la altura de los requerimientos de Mihanovich siendo durante muchos años el edificio residencial más alto de Latinoamérica, y volviéndose un lugar tan emblemático de la ciudad que fue reconocido como patrimonio histórico. Tras la muerte de Mihanovich, la familia continuó el legado de este monumental edificio transformándolo en hotel, en el que hoy de la mano del grupo español Unico Hotels, cobra vida como el hotel Casa Lucía.

Tras cruzar la imponente entrada de herrajes negros art decó originales de 1930, el viaje continúa en el lobby, uno de los espacios más icónicos de la propiedad. Una imponente barra con cálidos livings en materiales nobles y diseño argentino invitan a los visitantes a ingresar y descubrir el lugar. “Queremos darle la bienvenida a toda la comunidad. El edificio Bencich es tan querido en la ciudad que los propios vecinos quieren venir a conocerlo y estar aquí al

EXPERIENCES

/ Casa Lucía

EN SU INTERIOR LOS materiales nobles SON PROTAGONISTAS, SUAVES TERCIOPELOS EN TONOS PROFUNDOS Y CÁLIDOS, LUZ NATURAL Y OBJETOS REALIZADOS POR LOS MÁS DESTACADOS diseñadores argentinos LOGRAN UN ESTILO ÚNICO

DE elegancia Y distinción

menos un rato, admirando su arquitectura e historia”, cuenta Soledad Aquilano, directora de Ventas del hotel. Este sector rinde culto a los años 1880, cuando Buenos Aires se convierte en la capital de Argentina.

A cada lado del lobby se encuentran las dos propuestas culinarias de Casa Lucía, el restaurante La Cantina y el bar Le Club Bacán. Al ingresar en La Cantina, retratos de caballos y reminiscencias al campo en el interiorismo son el entorno para degustar los platos locales que expresan la cultura del país en este espacio que le rinde culto al polo, el reconocido deporte argentino.

Le Club Bacán es el bar de cocktails que propone tragos de autor y tapeo para compartir. Sillones Chesterfield y colores oscuros en su decoración remiten a la influencia europea de esta época. Aquí se celebra la música argentina, con retratos de artistas argentinos en sus paredes y nombres de canciones icónicas en sus tragos: El día que me quieras, Labios de Seda, Cambalache, cada uno cuenta una historia propia y supera la expectativa al ser creados por el Bar Manager, Ramiro Monteagudo, destacado bartender de la ciudad de Buenos Aires.

Cruzando el lobby llegamos a La Cava para descubrir otro de los momentos históricos de Argentina, cuando el país se convirtió en un gran productor y exportador vitiviníco-

la. Aquí los visitantes pueden encontrar más de 250 etiquetas de vinos nacionales que nos representan de norte a sur y participar de experiencias pensadas en torno a la coctelería, el vino y el buen vivir.

Continuamos el viaje subiendo a las suites, y el espíritu del tango nos invade. Cada una de sus 142 habitaciones expresan el fulgor de esta expresión artística argentina que nos representa en el mundo desde la belle epoque hasta el día de hoy. Se pueden elegir diversas vistas y alturas, desde las Residences, las más amplias con vistas al Río de la Plata, o las suites con vistas a la emblemática calle Arroyo, o los sofisticados interiores del hotel. En su interior los materiales nobles son protagonistas, suaves terciopelos en tonos profundos y cálidos, luz natural y objetos realizados por los más destacados diseñadores argentinos logran un estilo único de elegancia y distinción. Para completar una estadía de lujo, cultura e historia, Casa Lucía propone un momento de relajación y wellness en su segundo piso, con el completo gimnasio que rinde honor al deporte automovilístico -con Fangio como protagonista-, y luego en el subsuelo con su impactante spa. Al ingresar, aroma a lemongrass, sonidos de cuencos tibetanos y una inmensa piscina de borde infinito iluminada con una tenue luz refleja en el agua una impactante fotografía que homenajea al Río de la Plata realizada por Marc Zimmermann. Este oasis de relajación ofrece sauna húmedo y seco y tratamientos de masajes pensados para regalar un momento de calma al huésped luego de un día de intensa recorrida por la increíble historia de esta ciudad.

Germán Martitegui

Una revolución vegetal con firma propia

Por años, Germán Martitegui fue sinónimo de excelencia gastronómica en Argentina. Su nombre —inmediatamente asociado a Tegui, el mítico restaurante que durante más de una década marcó un antes y un después en la alta cocina porteña— se convirtió en referencia global de sofisticación, técnica y reinvención. Pero como todo verdadero creador, Martitegui no se conforma con la cima alcanzada: prefiere desarmar lo construido para volver a empezar, una y otra vez.

Así nació Marti, su proyecto más personal y, quizás, más valiente. Inaugurado en 2021, este restaurante 100% basado en plantas —que recientemente ingresó en la Guía Miche-

lin— es mucho más que un nuevo local: es un manifiesto. Una apuesta por una alimentación consciente, sustentable y profundamente deliciosa, que rompe con los moldes de la cocina tradicional sin perder ni un gramo de sofisticación.

Instalado en el jardín interior de una petit mansion porteña, Marti ofrece una experiencia inmersiva: una barra-cocina central permite a los comensales observar en primera fila la preparación de cada plato, donde ingredientes de estación, técnicas precisas y una estética cuidada se conjugan para contar una historia. Los hongos —cultivados en el intrigante “hongario”— son protagonistas absolutos, y platos como el

shawarma de hongos o el soufflé de queso preparado al momento ya son clásicos de culto.

Los fines de semana, un brunch relajado invita a descubrir otras facetas del universo Marti, con waffles, tortilla de mandioca y spritz de uvas verdes. Y hacia junio, una nueva etapa comienza: Casa Marti, una evolución natural que expandirá el concepto hacia nuevos espacios dentro de la misma casona. Un restaurante de fine dining en el primer piso, espacios exclusivos para eventos en la planta alta y, sobre la calle, una panadería y café de autor que prometen redefinir la escena porteña.

Detrás de cada plato, de cada decisión estética o conceptual, está Martitegui. Un chef que no sólo cocina, sino que investiga, viaja, narra. Desde su Proyecto Tierras, que lo llevó a recorrer el país para descubrir sus productos originarios y honrar a los productores locales, hasta su rol como jurado en Masterchef Argentina, Germán se ha convertido en un puente entre lo popular y lo exquisito, entre la tradición y la vanguardia.

En tiempos de cambios urgentes, Marti es mucho más que un restaurante premiado. Es una declaración ética, una celebración sensorial y una guía hacia la cocina del futuro. En cada plato se intuye una certeza: para Germán Martitegui, la verdadera innovación siempre nace del respeto —a los ingredientes, a los procesos, al planeta.

MARTI EN NÚMEROS

• Año de apertura: 2021.

• Estilo culinario: 100% plant-based.

• Reconocimiento: Ingreso en la Guía Michelin (2024).

• Ubicación: Jardín interior de una petit mansion en Buenos Aires.

“Hoy cocinar no es solo dar de comer. Es tomar posición, reflexionar sobre el origen de cada ingrediente, y proponer una manera más humana, ética y deliciosa de estar en el mundo”

GERMÁN MARTITEGUI

• Experiencias destacadas: Brunch de fin de semana, barra-cocina central, hongos cultivados en casa.

• Evolución 2025: Apertura de Casa MARTi con restaurante fine dining, café y espacios para eventos.

BOA VISTA SURF LODGE

Lujo y olas en el corazón de Brasil

UBICADO EN Porto

Con la inauguración del Boa Vista Surf Lodge, el Grupo Fasano marca un nuevo hito en Latinoamérica: el primer hotel con una piscina de surf de tecnología avanzada en la región. Ubicado en Porto Feliz, en el estado de São Paulo, el nuevo lodge fue concebido para los amantes del surf, el bienestar y la exclusividad.

Esta nueva joya hotelera ocupa 8.000 m² dentro del desarrollo Boa Vista Village —parte del prestigioso complejo Boa Vista— y representa una innovadora expansión del Grupo Fasano en alianza con la desarrolladora brasileña JHSF. El diseño interior lleva la firma de los reconocidos Sig Bergamin y Murilo Lomas, con la curaduría del propio Grupo Fasano.

UN DESTINO PARA VIVIR

EL SURF Y EL RELAX

El gran protagonista del Boa Vista Surf Lodge es su piscina de surf de 220 metros, equipada con la tecnología PerfectSwell® de American Wave Machines. Se trata de la primera instalación de este tipo en toda Latinoamérica, capaz de generar más de 100 tipos de olas diferentes. Rodeada de arena, la piscina replica la atmósfera de una verdadera playa paradisíaca.

El hotel cuenta con 57 habitaciones distribuidas en ocho categorías. Su suite principal, la Surf Lodge Suite, ofrece vistas privilegiadas a la piscina de surf, sala de estar, comedor, cocina y un generoso balcón.

Además del surf, los huéspedes pueden disfrutar de múltiples instalaciones: canchas de tenis y beach tenis, gimnasio, piscinas cubiertas, spa y salas multifuncionales para relajarse o entrenar.

GASTRONOMÍA CON

EL SELLO FASANO

La experiencia se completa con una propuesta culinaria de alto nivel. El restaurante del hotel, Boa Vista Surf Lodge, está liderado por el chef William Lima y ofrece un menú basado en mariscos, pastas y carnes a la parrilla, con el sello de excelencia del Grupo Fasano.

La tarifa promedio por noche ronda los USD 600, y el hotel abrió sus puertas en diciembre pasado.

SOBRE EL GRUPO FASANO Y JHSF

Fundado en 1902, el Grupo Fasano es sinónimo de elegancia y calidad en hospitalidad y gastronomía. Actualmente cuenta con 11 hoteles y 30 restaurantes en Brasil y el exterior, incluyendo destinos como São Paulo, Río de Janeiro, Salvador, Trancoso, Uruguay y Estados Unidos. Entre sus próximas aperturas se destacan Miami, Londres, Cascais y Cerdeña.

Por su parte, JHSF es una compañía brasileña con presencia internacional que opera en sectores como el desarrollo inmobiliario de alta gama, retail, hotelería, gastronomía y aeropuertos ejecutivos. Desde 1972, se especializa en proyectos de ingresos recurrentes que combinan lujo, innovación y sustentabilidad.

EL Grupo Fasano MARCA UN NUEVO HITO

EN Latinoamérica: EL PRIMER hotel CON

UNA piscina de surf DE TECNOLOGÍA AVANZADA EN LA REGIÓN

La geometría de la elegancia

Rolex presenta un nuevo brazalete metálico —creado exclusivamente para el Perpetual 1908 y bautizado como Settimo— en una modalidad en oro amarillo de 18 quilates con esfera blanco intenso.

Fino, flexible y confortable, este nuevo brazalete de siete elementos de pequeño tamaño está íntegramente pulido y se caracteriza así por la profusión de sus reflejos. Debido a su diseño, que evoca el de los brazaletes de inspiración joyera con los que se adornaban antiguamente algunos relojes elegantes, encaja de maravilla en el espíritu de la colección Perpetual, concebida por Rolex como un homenaje a la tradición relojera. Está dotado de un cierre invisible Crownclasp, que le confiere una perfecta armonía visual a su superficie.

El 1908 está equipado con el calibre 7140, un movimiento a la vanguardia de la tecnología relojera, que le permite mostrar el segundero pequeño además de las horas y los minutos. El calibre 7140 se distingue por sus puentes con la decoración Côtes de Genève Rolex y su masa oscilante calada.

Como todos los relojes Rolex, el Perpetual 1908 cuenta con la certificación de Cronómetro Superlativo, que garantiza su excelente rendimiento en la muñeca.

Créditos ROLEX

TRADICIÓN

CONTEMPORÁNEA

El 1908, inspirado en uno de los primeros relojes con rotor Perpetual de Rolex, pertenece a la colección Perpetual, lanzada en 2023 y que combina de forma armoniosa una reinterpretación del estilo relojero tradicional con la quintaesencia del savoir-faire y del patrimonio estético de la marca. Este reloj elegante y sobrio se bautiza con el nombre de «1908» en homenaje al año en que Hans Wilsdorf ideó el nombre «Rolex» para firmar sus creaciones relojeras y registró la marca en Suiza. El 1908 destaca por un diseño en el que la sencillez de la visualización le otorga al reloj toda su fuerza, así como por detalles escogidos que le confieren una identidad única. Encarna a la perfección el espíritu de la colección Perpetual, cuya esencia es la celebración del más noble arte relojero. El 1908 luce una esfera de diseño distinguido en la que aparecen los números 3, 9 y 12 e índices facetados. La aguja de las horas es de tipo Breguet, mientras que la de los minutos presenta una forma de espada. Un contador de segundos se ubica en la posición de las 6 h, coronado con la mención «Superlative Chronometer» en forma de arco.

CAJA REFINADA Y ELEGANTE

El 1908 consta de una caja de 39 mm de diámetro de gráciles líneas y dotada de un fondo transparente que permite admirar los detalles estéticos del movimiento, así como las rotaciones de la masa oscilante. El contorno de las asas de la carrura se perfila mediante unas aristas superiores ligeramente achaflanadas, mientras que el bisel luce un delicado estriado en su parte inferior y una parte superior abombada. En zafiro prácticamente imposible de rayar, el cristal abombado y el fondo transparente presentan un tratamiento antirreflejos. La caja, con una hermeticidad garantizada hasta 50 metros de profundidad, protege de manera óptima el movimiento que alberga en su interior y, en la modalidad presentada, está fabricada en oro amarillo de 18 quilates.

De José Ignacio a Cannes

Por tercer año consecutivo, el José Ignacio International Film Festival (JIIFF) viajó al Festival de Cannes.

Entre el 13 y el 19 de mayo, la delegación uruguaya del José Ignacio International Film Festival (JIIFF) vivió una semana intensa en el marco del Festival de Cannes, consolidando su presencia en uno de los eventos culturales más importantes del mundo. El barco Alhambra, amarrado frente al Palais des Festivals, se transformó en un punto de encuentro estratégico y cultural que impulsó el cine uruguayo, celebró su identidad y fortaleció las alianzas regionales en la industria cinematográfica global.

Durante siete días, el Alhambra albergó más de 15 eventos cuidadosamente diseñados. Con una delegación liderada por los socios del JIIFF –Fiona Pittaluga, Martín Cuinat, Mariana Rubio Pittaluga y Pablo Mazzola– y el apoyo de instituciones clave como ACAU, Uruguay XXI, el Ministerio de Turismo y Uruguay Audiovisual, el festival de José Ignacio dejó en claro su rol como catalizador de proyección internacional para el cine uruguayo y como referente latinoamericano de articulación cultural.

Una de las apuestas más fuertes de esta edición fue la búsqueda por fortalecer vínculos latinoamericanos, con el objetivo de fomentar coproducciones y colaboraciones sostenidas. En ese marco, el barco fue anfitrión de encuentros de coproducción propios y otros organizados por ACAU, posicionándose como un espacio para generar redes de trabajo concretas.

Además, se destacaron colaboraciones con importantes agentes de la industria. En un evento titulado Revolução Latam se rindió homenaje al festival Mostra de São Paulo por su trayectoria para la construcción del audiencias y visibilidad del cine latinoamericano. Participaron de la actividad la directora del festival brasileño, Renata de Almeida,

con destacados productores y directores de Brasil, Chile y otros países invitados a bordo. Uno de los hitos más esperados fue el lanzamiento de la segunda edición del Premio Fondo Pfeffer del Sur, que otorgará 50.000 dólares a un proyecto iberoamericano de largometraje de ficción en desarrollo, seleccionado para participar en el JIIFF Lab. Este fondo, único en su tipo en la región, es impulsado por los benefactores María y John Pfeffer, quienes desde 2020 acompañan al festival de forma comprometida. A su vez, se reconoció a los galardonados de la primera edición con su proyecto Morir de pie.

El JIIFF también enfocó esfuerzos en dar visibilidad a talentos emergentes a través de su alianza con Le Cinéma de Demain, una plataforma clave dentro de Cannes para cineastas en desarrollo. En este contexto, la realizadora uruguaya Cecilia Moreira Pagés, ganadora del Premio Fundación Diciembre por su cortometraje Carlota, viajó a Cannes como parte del reconocimiento otorgado por los benefactores del festival de José Ignacio, Sandra Sakai y Ricardo Torres.

Carlota formó parte del catálogo oficial del Short Film Corner, acompañada por otros destacados participantes de la competencia de cortometrajes de JIIFF, Rita del Valle, Tristán Guercovich y Fede Moreira, quienes compartieron experiencias y generaron nuevos vínculos internacionales.

Como parte de esta colaboración estratégica, se llevó a cabo a bordo del Alhambra el lanzamiento oficial de FilmConnector, una innovadora plataforma digital dedicada exclusivamente a cortometrajes, orientada a fomentar visibilidad, distribución y networking entre jóvenes realizadores de todo el mundo.

CULTURA ESTEÑA A BORDO DEL ALHAMBRA

Además de ser un espacio de industria, el barco también fue escenario de la celebración de la cultura uruguaya en todas sus formas. De los momentos más emotivos y simbólicos fue la presentación de La Rueda de Candombe en Cannes, representando un acto de conexión profunda con las raíces uruguayas. El evento, cargado de ritmo, color y espíritu, reafirmó la identidad del festival como un reflejo del espíritu nacional más allá de sus fronteras.

La gastronomía de todos los encuentros realizados abordo estuvo a cargo del Parador La Huella de José Ignacio, con su chef Vanessa González a la cabeza, quien ofreció una propuesta basada en sabores locales y reinterpretaciones de platos tradicionales. Como novedad, este año se sumó Cocó Weissmann con una propuesta de sushi. Junto a esto se pudo disfrutar de una selección de productos uruguayos de alta calidad, además de gin, vermouth y vinos de renombradas bodegas nacionales.

La experiencia a bordo fue acompañada por la música en vivo de Fer Gómez, DJ y alma máter del legendario Ferona de La Juanita, encargado de aportar su sello sonoro distintivo a cada jornada y convirtiendo el Alhambra en un verdadero refugio cultural uruguayo en medio del glamour de Cannes.

La delegación uruguaya del José Ignacio International Film Festival (JIIFF) vivió una semana intensa en el marco del Festival de Cannes, consolidando su presencia en uno de los eventos culturales más importantes del mundo.

Fiona Pittaluga (socia y directora de JIIFF), Mariana Rubio Pittaluga (socia y directora de Comunicación de JIIFF), Martín Cuinat (socio y productor ejecutivo de JIIFF), Pablo Mazzola (socio y director de Working JIIFF).

Un viaje suizo en el corazón de Punta del Este

En cada rincón del Bungalow Suizo, el pasado y el presente se encuentran en una experiencia gastronómica que atraviesa generaciones. Más que un restaurante, es un refugio de sabores clásicos y memorias compartidas, donde la fondue y las papas a la suiza siguen siendo el alma del lugar, y cada plato es un regreso a lo esencial.

Por

FIORELLA BENAVIDES

Fotos PABLO KREIMBUHL

“ NUESTRA FORMA DE recibir,

cocinar Y compartir ES LA MISMA. CON LOS AÑOS SUMAMOS NUEVAS recetas, MEJORAMOS EL servicio, INCORPORAMOS UNA cava A LA VISTA CON MÁS DE 130 ETIQUETAS. PERO EL ALMA DEL LUGAR NO CAMBIÓ”

Entrar al Bungalow Suizo es una experiencia que trasciende la comida. Basta cruzar su umbral para sentir que el tiempo se ralentiza. La cabaña de madera, las luces cálidas, los banderines de colores colgados del techo componen un escenario que parece sacado de otra época y de otro lugar. En las mesas con manteles blancos se repite una postal entrañable: familias de varias generaciones compartiendo una fondue, entre risas, charlas pausadas y copas de vino.

Desde hace 74 años, el Bungalow Suizo ofrece mucho más que platos típicos: propone una vivencia que se transmite de generación en generación. Ignacio Viña, actual responsable del restaurante, lo resume así: “Sostener el Bungalow Suizo es honrar el espíritu del restaurante, adaptándonos a los tiempos sin perder la esencia que ya es parte del alma de Punta del Este”. La historia se remonta a 1951, cuando Rolf Haederli —un inmigrante suizo— abrió el primer Bungalow en Camino Carrasco, Montevideo. Allí alquilaba caballos y, con el tiempo, comenzó a compartir también las tradiciones culinarias de su tierra. En 1960 inauguró el restaurante en Punta del Este, y en 1970 la familia Viña Prieto tomó la posta, consolidando el tono cálido y familiar que define hasta hoy al lugar.

Aunque el entorno cambió por completo —de un médano junto a las vías del tren a pleno centro de ciudad—, el espíritu permanece intacto. “Nuestra forma de recibir, cocinar y compartir es la misma. Con los años sumamos nuevas recetas, mejoramos el servicio, incorporamos una cava a la vista con más de 130 etiquetas. Pero el alma del lugar no cambió”, cuenta Ignacio.

Esa alma se expresa en sabores entrañables y compartidos: la fondue de queso en sus cuatro versiones, la bourguignonne, las papas a la suiza. “Son platos que muchos tienen incorporados desde chicos, y que siguen emocionando”, dice. También los postres —con la fondue de chocolate y sus otras versiones de dulce de leche, chocolate blanco y Nutella— aportan dulzura a un ritual que se repite desde hace décadas.

En un contexto que muchas veces premia lo efímero, el mayor desafío ha sido sostener una identidad sin ceder al vértigo. “Y el mayor aprendizaje es que la calidad, el compromiso y el amor por lo que uno hace es todo lo que importa”, reflexiona Ignacio.

Volver al Bungalow Suizo es volver a un espacio en donde la experiencia se construye con lo simple, con lo cercano, con lo compartido. Una historia que sigue viva, año tras año.

HACE MÁS DE UNA DÉCADA QUE

TRABAJAMOS JUNTO A Nicant, NUESTRO proveedor de quesos. UNA alianza

CONSTRUIDA CON EL COMPROMISO Y AMOR POR LO artesanal

“Desde nuestro tambo hasta tu mesa: en Establecimiento Nicant elaboramos quesos artesanales con la herencia suiza que nos define. Calidad y sabor en cada pieza de Colonia, Masdam y Emmental”

ESTABLECIMIENTO NICANT

APRENDER HACIENDO

Una metodología de vanguardia, con sede en Zonamerica, impulsa el talento de quienes desean incursionar en el mundo IT .

Cuando la Fundación Zonamerica decidió traer a Uruguay la metodología Holberton para formar programadores hábiles en pocos meses, se abrió en el panorama local una propuesta que desafía los conceptos tradicionales de educación y aprendizaje. Originario de Silicon Valley, el programa se inserta en el campus de Jacksonville y ofrece una forma distinta de estudiar: en un parque empresarial y tecnológico abierto a los estudiantes los 365 días del año. Sin aulas ni docentes tradicionales, la consigna es aprender haciendo. Se trata de una carrera intensiva que forma profesionales en desarrollo de software y especializaciones como Ciberseguridad, Machine Learning, AR/VR, Desarrollo low level y Algoritmos, entre otras. Cada estudiante es su propio mentor y el proceso se desarrolla a través de proyectos, con una duración total de entre 9 y 18 meses.

La metodología de Holberton se centra en potenciar habilidades clave para la inserción en la industria tecnológica. Adaptabilidad, resolución de problemas, pensamiento crítico, trabajo colaborativo y comunicación de ideas son, desde esta perspectiva, un conjunto indispensable para el perfil laboral. “Si bien en otros ámbitos educativos se habla mucho del desarrollo de competencias, todavía el diseño de programas suele mantener una impronta tradicional, muy centrada en los contenidos”, advierte Andrea Malaquín, del equipo de Holberton Uruguay y directora del campus de Fundación Zonamerica.

El enfoque es autónomo y los espacios de trabajo están diseñados para favorecer ese aprendizaje distinto: pizarras, coworkings y áreas abiertas reemplazan a las aulas convencionales. Incluso desde la prueba de admisión el proceso es singular, ya que no mide conocimientos previos de tecnología, sino afinidad con la metodología (básicamente, para identificar si la persona está lista para un entorno así). Según Malaquín, solo un 10% de los postulantes logra superar esa instancia, por lo que están desarrollando un pre-

curso que permita introducir a más jóvenes en este modelo y “resetear” ciertos hábitos de estudio poco efectivos.

Uno de los pilares del proyecto es la accesibilidad financiera a través del Acuerdo de Ingreso Compartido. “Al traer este programa, Fundación Zonamerica no ignoró las barreras que supone en Uruguay acceder a formación de calidad”, explica Malaquín. “Hoy las alternativas de pago, como vemos en cualquier sector comercial, son herramientas que definen el acceso a productos y servicios. Y en educación esto también es clave”. En este sentido, Holberton permite cursar y completar el programa para luego pagar al final, cuando el estudiante ya está inserto en el mercado laboral.

MIRADA TRANSGRESORA

La evolución constante de la tecnología plantea desafíos cada vez más complejos para los sistemas educativos. En una era donde inteligencia artificial, automatización y digitalización transforman tanto herramientas como dinámicas de trabajo, la educación en tecnología debe ir más allá de la enseñanza técnica tradicional. Desde Holberton Uruguay y Fundación Zonamerica, Andrea Malaquín reflexiona sobre el impacto de la revolución tecnológica y la necesidad de formar adultos capaces de integrar este lenguaje en su desempeño profesional.

¿CÓMO HOLBERTON PREPARA A LOS ESTUDIANTES PARA ADAPTARSE A LOS RÁPIDOS CAMBIOS DE LA INDUSTRIA TECNOLÓGICA?

Hay dos habilidades clave: la adaptabilidad y el aprendizaje continuo. En el último Demo Day —la instancia de presentación de proyectos finales— organizamos un panel con mentores referentes de grandes empresas. Coincidieron en destacar la capacidad de nuestros estudiantes para aprender tecnologías

nuevas, incluso aquellas que no estaban en el currículum, y adaptarse a los cambios durante el proceso, sin desmoralizarse ni trabarse. Nosotros sabemos que los preparamos para eso, pero cuando la experiencia lo confirma, la satisfacción es enorme.

EN TÉRMINOS

DE INCLUSIÓN Y

DIVERSIDAD,

¿QUÉ ESTRATEGIAS IMPLEMENTAN PARA FOMENTAR LA PARTICIPACIÓN DE MUJERES EN TECNOLOGÍA?

Es algo que nos preocupa y nos ocupa, no solo a mí como mujer, sino a todo el directorio de la fundación, que siempre apoya acciones para atraer a más mujeres. Trabajamos en sostener un clima seguro y atractivo para todos: las reglas de convivencia son claras y la diversidad se abraza en el sentido más amplio. Un lugar seguro es donde podés ser vos mismo, hablar, equivocarte, y aun así sentirte cómodo. Además, hacemos actividades en conjunto con otras empresas. En abril nos sumamos a “Techy x el día” (una iniciativa de la Cámara Uruguaya de Tecnologías de la Información) e invitamos a niñas y niños de liceos a vivir una jornada en Zonamerica, visitando empresas y participando en talleres. Este año también hicimos una alianza con Fundación Los Rosales, una institución educativa de Casavalle solo para niñas, donde apoyamos con un piloto de un programa de Formación a Formadores, que prepara docentes de informática, robótica, programación y pensamiento computacional. Aun así, el desafío sigue siendo enorme: menos del 20% de nuestros graduados son mujeres. El objetivo es superar ese número.

“

citando en IA y desde el primer día quise no solo probar qué era, sino comprender las amenazas que implica. Si tuviera que mencionar una, diría que más que nunca estamos en la era del pensamiento. Debemos esforzarnos para que los jóvenes tengan espacios reales para desarrollar pensamiento lógico, pensamiento crítico, pensamiento creativo… incluso pensamiento filosófico, que nos lleva a reflexionar sobre nuestra existencia y propósito, más allá de cualquier revolución tecnológica.

¿CÓMO ABORDAN EL TEMOR GENERALIZADO DE QUE LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL REEMPLACE EMPLEOS HUMANOS EN TECNOLOGÍA?

Lo que pasa es que los programadores no serán como los entendemos hoy. Y eso es parte de un proceso evolutivo que atraviesa muchas profesiones. Ya nadie —ni abogados, ni eco-

LA tecnología VA A SER

SUBYACENTE A CUALQUIER OTRA disciplina. SE DEBERÁ

INTEGRAR COMO UN

lenguaje elemental”

¿CUÁL ES SU PERSPECTIVA SOBRE LA IMPORTANCIA DE LA DIVERSIDAD DE GÉNERO EN EL SECTOR TECNOLÓGICO?

En un reciente encuentro de mujeres en ciencia hablamos de esto. La mujer aporta valor en cualquier sector porque la diversidad siempre suma, no solo por un principio inclusivo, sino por lógica. Hoy en día vemos más equilibrio de género en áreas como medicina, derecho o economía, pero tecnología e ingeniería tienen todavía mucho camino por recorrer. Una participación representativa de hombres y mujeres —porque también existen sectores extremadamente feminizados, como la educación o los cuidados— permitiría atender mejor las necesidades y problemáticas de forma integral.

LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL ESTÁ TRANSFORMANDO DISTINTAS ÁREAS, INCLUIDA LA EDUCACIÓN. ¿CÓMO VE SU IMPACTO EN LA FORMACIÓN DE FUTUROS PROFESIONALES TECNOLÓGICOS, ESPECIALMENTE EN UN MODELO COMO EL DE HOLBERTON?

Soy entusiasta frente a los desafíos: incluso durante la pandemia nunca dejé de pensar en anticiparnos y encontrar oportunidades, al menos como aprendizaje. Hoy me estoy capa-

nomistas, ni arquitectos— puede pensar su profesión en los mismos términos que antes. Lo realmente crítico son los sectores que, como todavía vemos en Uruguay, dependen de oficios como transporte o construcción y no tienen posibilidades reales de reconversión laboral para acompañar la transformación de esas industrias.

EN TÉRMINOS DE HABILIDADES, ¿CUÁLES CREE QUE SERÁN LAS MÁS VALIOSAS PARA LOS PROFESIONALES DEL FUTURO?

El aprendizaje continuo, es decir, la capacidad y las ganas de aprender constantemente cosas nuevas. El pensamiento computacional, más que la programación en sí misma. La adaptabilidad, el trabajo colaborativo y en equipo, la resolución de problemas, y también la capacidad de cuidar el bienestar emocional y físico propio y del entorno.

MIRANDO AL FUTURO, ¿CÓMO IMAGINA LA EVOLUCIÓN DE LA EDUCACIÓN TECNOLÓGICA EN UNA DÉCADA?

Creo que la tecnología será subyacente a cualquier otra disciplina. Tendrá que integrarse como un lenguaje elemental, como hablar un idioma. No puede ser una materia aparte: debe introducirse en todas las materias, por poner un ejemplo académico. Para eso es fundamental capacitar docentes, transformar los modelos educativos y llevar la transformación digital a todas las áreas.

“ TRABAJAMOS EN SOSTENER UN clima seguro Y atractivo PARA TODOS [...] UN LUGAR SEGURO ES DONDE PODÉS ser vos mismo, hablar, equivocarte, Y AUN ASÍ

SENTIRTE CÓMODO”

EL REFUGIO DEL POETA

Por DIEGO FISCHER

“ De

Punta del Este

al mar y del mar dónde iría que me dejaran cantar ”

En este 2025 se cumplen 80 años de la inauguración de la casa en Punta del Este del poeta español Rafael Alberti. El chalet ubicado en la parada 15 de la Mansa sobre la calle Lincoln y a pasos de la avenida Francia, es hoy testigo silencioso del tiempo en que Alberti, su mujer, la también escritora María Teresa León, y Aitana, la hija de ambos, transcurrieron una parte muy importante de su exilio en el Río de la Plata.

El romance entre Alberti y Punta del Este nació en 1940 a poco de que el poeta y su mujer desembarcaran en Buenos Aires, huyendo de la España de Franco. Fue un idilio que en poco tiempo se convirtió en un amor para toda la vida.

Desde que el matrimonio recaló por primera vez en la Península, comenzó a soñar con construir una casa en el balneario. A Alberti, Punta del Este lo hacía sentir más cerca de su natal Puerto de Santa María y María Teresa revivía junto al mar de la Mansa.

La casa se llama La Gallarda y fue construida por el arquitecto catalán Antonio Bonet, también exiliado, que por aquellos años llevaba adelante la urbanización del bosque Lussich en Punta Ballena. Ha sobrevivido casi tal cual fue concebida por Bonet, a los cambios y la transformación

permanente que vive Punta del Este. El matrimonio compró el terreno a Mauricio Litman, que por entonces comenzaba con la urbanización del Cantegril. El dinero lo obtuvo María Teresa y fue el pago que recibió por la realización del guion para la película La dama duende (adaptación de la obra de Calderón de la Barca), filmada en Argentina.

Dos años más tarde, a fines de 1943, comenzaron las obras. El resultado fue un chalet con una amplia galería sobre un terreno ondulado donde abundaban los pinos. Al fondo, el poeta hizo construir para él una pequeña habitación independiente.

"Mi cuarto de trabajo en La Gallarda es chico y separado de la casa, en una esquina del jardín del fondo. Celda clara de cal, el techo azul, ventanal alargado, abierto a las acacias y los pinos. Tres metros por dos son casi un palacio para mi necesario recogimiento… (…) Si algún día cuando ya no esté yo, le preguntaseis, entrando en él y cerrando la puerta, os diría latido por latido, todas mis agonías de estos años desgajo de España, mis oscuros y luminosos amaneceres de lucha, trabajando para mejorar mi poesía…".

En esa habitación nacieron dos libros: Poemas de Punta del Este y Abierto a todas horas, en am-

bos el mar y las playas de Maldonado fueron la fuente de inspiración.

La Gallarda fue también un cenáculo literario frecuentado por Pablo Neruda, Manuel Mujica Laínez, Jules Supervielle, Enrique Amorím, el pintor brasileño Cándido Portinari y la actriz catalana Margarita Xirgu, entre otros.

Aitana Alberti suele recordar que estos encuentros comenzaban al atardecer y se prolongaban hasta bien entrada la noche. Ella sabía cuando la tertulia llegaba a su fin, porque desde su habitación escuchaba a su padre o a su madre, recitar versos de García Lorca, de Antonio Machado o de Juan Ramón Jiménez. Era la manera en que Alberti y María Teresa despedían a sus invitados y también la forma con que acunaron a su hija.

Fue también en esos días de conversación y poesía, que Aitana comprendió el dolor y la tristeza que para su padre significó vivir lejos de España. En más de una ocasión le escuchó recitar:

“Hoy el mar y los pinos uruguayos me consuelan. Y las canciones que me suben ya en la mitad de la vida se hacen más hondas y ligeras arrulladas por ellos".

Si algún día cuando ya no esté yo, le preguntaseis, entrando en él y cerrando la puerta, os diría latido por latido, todas mis agonías de estos años desgajo de España, mis oscuros y luminosos amaneceres de lucha, trabajando para mejorar mi poesía …

“ “

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DE MAYO

Por PENGUIN LIBROS URUGUAY

VICTORIAN PSYCHO

El señor y la señora Pounds han contratado a Winifred Notty para que cumpla el rol de la perfecta institutriz victoriana: dará clases a sus pupilos (francés y costura a Drusilla y álgebra e historia al pequeño Andrew) y les contará cuentos antes de dormir. Pero Ensor House y sus habitantes ocultan más perversiones y secretos que la perturbada señorita Notty, capaz de convertir un té con elegantes invitados y bebés en el salón en un acontecimiento macabro. ¿Qué ha pasado en su vida para que una fría mañana de Navidad todas las piezas del pasado y el presente encajen y un final opuesto al de un cuento de hadas nos estremezca como un regalo sangriento?

EL LOCO DE DIOS EN EL FIN DEL MUNDO

Este es el arranque fulgurante de este libro único, que nadie había tenido la oportunidad de escribir, entre otras razones porque el Vaticano jamás le había abierto de par en par sus puertas a un escritor. Pero, además de único, este es un libro de plenitud, donde su autor logra convertir una propuesta insólita en un relato propio y magistral: un thriller sobre el mayor misterio de la historia de la Humanidad. Con esta novela sin ficción, Javier

Cercas vuelve a su línea más personal, en la que logra enlazar sus obsesiones íntimas con una de las preocupaciones fundamentales de la sociedad actual: el papel en la vida humana de lo espiritual y lo transcendente, el lugar en ella de la religión y el ansia de inmortalidad.

RECETARIO ESENCIAL

PARA TU COCINA

Con más de 200 recetas prácticas y sabrosas —desde panes, pizzas y empanadas, hasta dulces, ensaladas y guisos—, este libro te ofrece opciones para cada momento y gusto. Las preparaciones están pensadas para que cualquier persona, con o sin experiencia, pueda lograr platos deliciosos usando ingredientes accesibles y técnicas simples.

Lucas, reconocido chef y docente, comparte los secretos que enseñó a cientos de alumnos: cómo cocinar con confianza, cómo resolver errores comunes y, sobre todo, cómo disfrutar del proceso.

Ideal para quienes buscan inspiración y resultados asegurados. Ya sea que cocines para vos, tu familia o tus amigos, este libro es una herramienta indispensable que vas a querer tener siempre a mano.

MADRES AL LÍMITE

La madre debe ser abnegada, inmaculada y estar dispuesta a sacrificarlo todo por sus hijos, sin perder la sonrisa jamás. Si no es capaz de comportarse de acuerdo a este decálogo del “deber ser materno”, la culpa aparece con todo su rigor La periodista Mónica Bottero cuenta cinco historias de maternidad uruguayas donde la devoción no responde a este estereotipo. Hay mujeres que secuestran, mujeres que matan, mujeres que buscan… todas ellas con el factor común de las ambigüedades de ese amor que dispara fuerzas desconocidas y resulta tan difícil de explicar.

LA HISTORIA VIVIDA. EL GOBIERNO 1990-1995

Con la perspectiva que otorgan los años, el autor nos invita a recordar una época crucial de nuestra historia contemporánea. A partir de una sólida construcción teórica y unos principios bien asentados, el Partido Nacional accedió al poder después de un largo período, y su gestión tuvo que enfrentar no pocos desafíos. Este libro da cuenta de los logros obtenidos, pero no rehúye los aspectos conflictivos de aquellos años: las crisis bancarias, el caso Berríos, los sucesos ocurridos en el hospital Filtro, entre otros.

Marcos Moreira, autodidacta y agudo observador, encontró en la fotografía su medio de expresión artística. Inició su carrera en Brasil en 2018 y, en pocos años, se ha posicionado como un referente del sector. Su portafolio captura escenas íntimas de destacados chefs, restaurantes y hoteles del sur de Brasil, revelando la esencia de la alta gastronomía. Apasionado por la culinaria, utiliza su lente para plasmar lo que solo las experiencias más exclusivas ofrecen: desde el proceso meticuloso de un plato hasta las texturas y emociones que transforman la comida en arte

“ME ENAMORÉ POR LA sensación DE SER fotógrafo INCLUSO ANTES DE SERLO REALMENTE. CUANDO TOMÉ POR PRIMERA VEZ UNA cámara, SENTÍ LA libertad DE PODER HACER

LO QUE QUISIERA ”

Pero Moreira no se detiene ahí: su mirada se extiende a la arquitectura, las culturas y los viajes, humanizando cada escena con un estilo genuino que lleva su firma. Con un MBA en marketing estratégico y una reciente formación como sommelier y ceramista, conecta el arte con su propósito, reinventándose cada día. En esta fotogalería, nos invita a detenernos, contemplar y saborear la belleza de los detalles que, bajo su lente, alcanzan su instante perfecto.

ATHLEISURE CHIC

Un lenguaje que redefine la elegancia

Por BIANCA BARESE

EL athleisure chic RESPONDE A LA necesidad DE ADAPTARSE A distintos escenarios SIN

RENUNCIAR AL estilo

El athleisure chic se presenta como un lenguaje contemporáneo que redefine los códigos de la elegancia. Fusiona la comodidad de las prendas deportivas con la sofisticación del diseño, proponiendo estilismos versátiles, funcionales y con identidad.

UN ENCUENTRO ENTRE LO ATEMPORAL Y LO URBANO

• Boxer shorts: frescura y sofisticación para un look moderno y cómodo.

• Zapatillas rojas: un acento vibrante que aporta energía al conjunto.

• Camisa blanca + corbata: un guiño preppy que rompe con la formalidad y suma un giro inesperado.

• Medias blancas + cartera roja: detalles que completan el estilismo con intencionalidad.

Este look refleja la versatilidad del Athleisure Chic, donde la elegancia y la comodidad se complementan armoniosamente.

LAYERING Y TEXTURAS PARA EXPRESAR IDENTIDAD

• Medias rojas: una nota de audacia y sensualidad que eleva el estilismo.

• Zapatillas deportivas: el componente sporty que define el estilo.

• Radio vintage: un accesorio con historia y personalidad

Una propuesta que combina diferentes estilos y texturas, promoviendo la experimentación y la expresión individual.

MAKE UP & HAIR STYLIST | Mariana Fernández

PH. | Charlie Navarro

FASHION STYLIST | Bianca Barese

MODEL | Eliana Villalba

Bonazola

VALMONT VITALITY

Desafío y logro científico

Valmont, referente en cosmética celular, celebra su aniversario con una revolución en el cuidado de la piel.

En 2025 Valmont llega a sus cuatro décadas con un lanzamiento que no pasa desapercibido: Vitality. La innovación antiedad, global de Valmont marca un hito en su trayectoria y al mismo tiempo una declaración de principios: la belleza no tiene edad y el cuidado de la piel debe adaptarse a esa premisa con eficacia, placer y responsabilidad.

La eficiencia clínicamente medida de la completa colección Vitality como línea de tratamiento universal, fue diseñada específicamente para combatir los signos de la edad causados por la fatiga y la contaminación, independientemente de la edad, el sexo y el tipo de piel. Su esencia está potenciada por el nuevo ingrediente exclusivo de la marca, el ADN de Silanol.

Este dasfío y logro científico es reconocido por la IFSCC —autoridad en el campo de la investigación cosmética— y ha seleccionado dos publicaciones científicas de Valmont Research & Development centradas en un nuevo tipo de ADN. La elección refleja el reconocimiento internacional a la excelencia de la marca en cosmética celular, así como su visión pionera para el futuro de la belleza.

UNA PIEL QUE VIBRA DESDE DENTRO

Gracias al logro científico, el corazón de Vitality late con fuerza y además de ser un avance, el ADN de Silanol es una novedad cosmética. Esta nueva fórmula de alto rendimiento y tecnología surge de la unión entre el ADN de salmón, — desde los inicios componente clave de Valmont por su capacidad regeneradora —, y el Silanol, una forma activa del silicio.

El Silanol cumple un rol vital en la arquitectura cutánea. Es como el andamiaje que mantiene la piel firme y flexible. Su habilidad de atravesar la barrera cutánea y entrar en acción directamente donde se necesita, favorece la producción de colágeno, reactiva la comunicación celular y refuerza la estructura de la dermis. En pocas palabras, le devuelve a la piel su capacidad de autorepararse y mantenerse funcional.

La sinergia entre ambos da como resultado una estructura más compacta y eficaz, penetra mejor, actúa más rápido y ofrece beneficios visibles: más energía, más defensa antioxidante, más regeneración.

CUANDO LA PIEL PIDE AYUDA

Piel opaca, textura irregular, poros dilatados, tirantez, falta de elasticidad, señales claras de que la piel necesita recargarse. Vitality responde con una rutina de tres pasos pensada para ser simple, sensorial y eficaz.

El Vital B Serum es el primer gesto: un gel lacteado que se absorbe al instante y actúa como chispa inicial. Le sigue el contorno de ojos Vital Contour Cream, que ilumina la mirada y suaviza las líneas de expresión. El paso final se adapta a cada tipo de piel: Vital B Fluid para pieles mixtas a grasas o climas cálidos, Vital 24 Hour Light para un equilibrio perfecto o Vital Regenera I Rich, ideal para quienes buscan confort y nutrición en profundidad.

SPA VALMONT, MÁS ALLÁ DEL CUIDADO DIARIO

La experiencia Vitality también se vive en sus spas, con tratamientos inspirados en la energía de los glaciares suizos. Vitalité des Glaciers es un viaje de 60 minutos donde cada gesto está pensado para oxigenar, estimular y relajar. Para los hombres el tratamiento específico Le Réveil du Gentleman combina eficacia y placer adaptado a las necesidades masculinas.

BELLEZA CON CONCIENCIA

El nuevo envase también cuenta una historia. Con un diseño sobrio y color inspirado en las batas quirúrgicas de la clínica original, Valmont actualmente apuesta a un lujo responsable: frascos de vidrio reciclable, ausencia de plásticos innecesarios y sustitución de prospectos por códigos QR. Detalles que suman y reflejan una filosofía comprometida con el entorno y el medio ambiente.

“

Vitality es un manifiesto de cómo la ciencia, la experiencia sensorial y la sostenibilidad, pueden unirse para ofrecer algo real: una piel visiblemente más sana, más viva, más fuerte. Y sobre todo, una rutina

que se siente tan bien como funciona”

PARA MUJERES +40

La empresa uruguaya INNER desarrolló dos nuevos suplementos nutricionales diseñados para mitigar los síntomas de la menopausia.

La manera en que las mujeres atraviesan la mediana edad ha cambiado profundamente. Con una vida laboral activa y roles cada vez más diversos, la etapa de climaterio significa un momento de transición que exige nuevas herramientas para vivir con bienestar y plenitud. Lejos de ser un tema tabú, la menopausia ocupa un espacio que merece conversación y reflexión.

En esta revolución de las mujeres +40, se vuelve indispensable repensar el abordaje de la salud femenina desde múltiples facetas: la nutrición, el descanso, la salud emocional y el equilibrio metabólico forman parte de una mirada más integral. Y es ahí donde la innovación en suplementación adquiere un rol clave como un recurso posible para acompañar, aliviar y prevenir muchas de las molestias asociadas a los cambios hormonales.

Desde esa mirada se impulsa el último desarrollo de INNER, una empresa uruguaya especializada en salud femenina, que acaba de presentar dos fórmulas especialmente diseñadas para mujeres en climaterio y menopausia. Los nuevos suplementos nutricionales AM y PM no contienen hormonas y apuntan a mitigar síntomas frecuentes como el cansancio, los cambios de ánimo, la alteración del sueño y los sofocos.

Fundada por la farmacéutica Andrea Sgarbi, la empresa combina la experiencia en laboratorio con la visión de largo plazo de crear productos específicamente formulados para mujeres. A diferencia de los suplementos generales, esta línea de productos considera particularidades hormonales y fisiológicas propias del organismo femenino, con ingredientes activos en dosis efectivas.

Ambos productos, reconocidos como Marca País, se lanzaron al mercado a principios de mayo en colaboración con No Pausa, una organización argentina de alcance latinoamericano que busca visibilizar esta etapa con una perspectiva contemporánea. El desarrollo contó con el apoyo de la Agencia Nacional de Investigación e Innovación (ANII) y representa un hallazgo a escala global.

Según Sgarbi, “la novedad de estos productos está en la combinación de componentes tradicionales con innovadores y formulación especializada para el organismo femenino”. Además, el uso de dosis clínicamente efectivas y micronutrientes adecuados permite que cada suplemento responda a una necesidad concreta, ofreciendo soluciones efectivas y seguras para quienes transitan el climaterio.

Además del desarrollo de los suplementos, la experta señala la importancia de una propuesta de acompañamiento integral. “Cada persona que se contacta con nosotros puede acceder a asesoramiento nutricional profesional, tanto a través de redes sociales como mediante videollamadas gratuitas con el equipo de nutricionistas de INNER”. La colaboración con No Pausa refuerza ese objetivo de ofrecer herramientas científicas junto con información clara y acompañamiento humano.

“ LA NOVEDAD DE ESTOS productos ESTÁ EN LA COMBINACIÓN DE componentes TRADICIONALES CON INNOVADORES Y formulación ESPECIALIZADA PARA EL organismo femenino”

DOS FÓRMULAS, DOS MOMENTOS

Ya están disponibles en Uruguay los primeros suplementos nutricionales creados para acompañar a las mujeres en esta etapa de transformación física y emocional. Ambas propuestas representan un enfoque innovador y especializado.

Fórmula AM

Está orientada a quienes atraviesan esta etapa con síntomas como fatiga, estrés, cambios de humor o alteraciones en el metabolismo. Su composición incluye Rhodiola Rosea, un adaptógeno natural que mejora la resistencia física y mental; Garcinia Cambogia, que contribuye al control del apetito y del peso; vitamina B6, fundamental para la síntesis de serotonina y el metabolismo energético; y ácido fólico, que apoya la salud cardiovascular y cognitiva. Esta combinación ayuda a reducir el agotamiento, mejorar la concentración, mantener un metabolismo activo y aliviar la inflamación. Se recomienda especialmente en mujeres que buscan fortalecer su bienestar emocional y físico durante el día. No se aconseja su consumo durante el embarazo ni en personas con hipertensión no controlada o en tratamiento médico sin la debida consulta profesional.

Fórmula PM

Diseñada para acompañar el descanso nocturno y reducir síntomas frecuentes como los sofocos, la irritabilidad y el insomnio, está compuesta por aceite de onagra, magnesio, triptófano y 5-HTP. Estos ingredientes actúan en conjunto para favorecer la producción de serotonina, mejorar la calidad del sueño y reducir el estrés acumulado. Además, ayudan a equilibrar los niveles hormonales, disminuyen los despertares nocturnos y promueven una sensación general de calma. Por su efecto sobre la regulación del colesterol y los triglicéridos, también puede tener beneficios metabólicos adicionales. En mujeres con bajo consumo de omega 3 en la dieta, se sugiere evaluar una suplementación complementaria. Al igual que con la fórmula AM, no está indicada durante el embarazo ni en combinación con ciertos tratamientos médicos sin supervisión profesional.

DE FARMACÉUTICA A REFERENTE EN SALUD FEMENINA

La historia de INNER está directamente ligada al recorrido profesional de su fundadora, Andrea Sgarbi, farmacéutica uruguaya con más de dos décadas de experiencia en el rubro de los suplementos nutricionales. Su camino comenzó a principios de los 2000, cuando ingresó a trabajar en la primera farmacia del país en ofrecer suplementos nutricionales deportivos. Allí tomó contacto por primera vez con una categoría que todavía era incipiente en Uruguay, pero que desde entonces no ha dejado de crecer. Con el tiempo, su interés la llevó a integrarse a un laboratorio especializado en la producción de suplementos nutricionales, donde profundizó su conocimiento técnico y adquirió experiencia en desarrollo de fórmulas, procesos de fabricación y gestión de calidad. Ese paso por la industria fue clave para conectar la investigación científica con las necesidades reales del mercado.

A partir de esa experiencia, en 2015 decidió emprender con la idea clara de crear productos diseñados especialmente para el cuerpo femenino, que atendieran las distintas etapas de la vida de la mujer. En un sector muchas veces generalista, Sgarbi identificó una oportunidad concreta: desarrollar suplementos con efectos reales, pensados desde la innovación y con foco en el bienestar integral. Así nació INNER, una marca que se consolidó durante los primeros meses de la pandemia, con un modelo de ventas 100 % online y un crecimiento sostenido que la llevó, en poco tiempo, a ingresar en las principales cadenas de farmacias del país.

Según su visión, el mercado actual ofrece soluciones parciales para los síntomas del climaterio, muchas veces con contraindicaciones médicas. La propuesta de INNER busca revertir esa lógica con productos compuestos y seguros, diseñados para abordar de forma integral los cambios físicos y emocionales que ocurren en esta etapa.

LAS nuevas fórmulas

CONTIENEN UNAS plantas adaptógenas

QUE AYUDAN AL cuerpo A ADAPTARSE

MEJOR AL ESTRÉS

Y A RECUPERAR SU equilibrio

Asistencial Médica

VANGUARDIA EN SALUD Y CUIDADOS

La presidente de la Asistencial Médica, Dra. Claudia Volonté, comparte su perspectiva de gestión como líder de la institución de asistencia médica de Maldonado. Desde hace 65 años, la organización se consolida como referente en el cuidado de la salud de la comunidad en todos sus niveles.

¿CÓMO HA EVOLUCIONADO LA ASISTENCIAL MÉDICA EN LOS ÚLTIMOS AÑOS?

La evolución de nuestra institución ha sido sumamente positiva, caracterizada por un crecimiento continuo. En los últimos años, hemos experimentado un aumento significativo no solo en la cantidad de socios, sino también en la diversidad de servicios, la expansión de nuestros centros de atención y el incremento de nuestro personal médico, técnico y administrativo. Este crecimiento constante ha sido esencial para acompañar el aumento demográfico de nuestra región.

nal, ya que mi padre también fue presidente y mi vida ha estado estrechamente ligada a la Asistencial Médica Departamental de Maldonado. Esta conexión personal me llevó a asumir la presidencia como un acto de compromiso, dedicando tiempo y esfuerzo a una institución que considero mi segunda casa.

¿QUÉ FACTORES CREE QUE HAN SIDO CLAVE

PARA ALCANZAR UNA COBERTURA DE MÁS DE 90.000 AFILIADOS EN MALDONADO?

“ NOS ENORGULLECE EL avance técnico EN

TODAS

NUESTRAS especialidades, LO QUE

Creo que un factor crucial para el desarrollo sostenido de nuestra institución ha sido la calidad y calidez de nuestros recursos humanos. No solo valoramos la idoneidad técnica de nuestro personal, sino que también enfatizamos dos pilares fundamentales: el trabajo en equipo y una dirección unificada hacia nuestra misión: “Brindar una atención integral de salud de alta calidad y seguridad para nuestros usuarios, sin importar su ubicación, utilizando los mejores recursos humanos y tecnológicos”. Nos esforzamos cada día para que todos los recursos y esfuerzos estén destinados a ofrecer un servicio que se distinga por su calidad técnica y humana.

NOS HA PERMITIDO RESOLVER CADA VEZ

MÁS PROCEDIMIENTOS Y ATENCIONES

localmente, SIN NECESIDAD DE TRASLADAR A NUESTROS PACIENTES A MONTEVIDEO ”

¿CUÁLES CONSIDERA HAN SIDO LOS HITOS MÁS IMPORTANTES EN ESE PROCESO?

La evolución de la Asistencial Médica ha estado marcada por hitos destacados como la construcción de nuestros dos sanatorios y sus posteriores ampliaciones, la descentralización de policlínicas en todo el departamento de Maldonado, la creación de nuestro propio servicio de emergencia móvil, y el desarrollo de tecnología de imagenología avanzada. Esto incluye resonador, tomógrafos, densitómetros y mamógrafos. Además, hemos incorporado técnicas de alta complejidad en nuestro Centro Cardiológico, como hemodinamia y angioplastia, y recientemente inauguramos un Centro Traumatológico para el implante de prótesis de cadera. Nos enorgullece el avance técnico en todas nuestras especialidades, lo que nos ha permitido resolver cada vez más procedimientos y atenciones localmente, sin necesidad de trasladar a nuestros pacientes a Montevideo.

¿CUÁLES HAN SIDO SUS PRINCIPALES

OBJETIVOS DE GESTIÓN DESDE QUE ASUMIÓ LA PRESIDENCIA?

Al asumir la presidencia, no tenía plena conciencia del desafío que implicaba gestionar una institución de esta magnitud. Mi motivación provino de un profundo vínculo familiar y emocio-

ACTUALMENTE TIENEN TODAS LAS ESPECIALIDADES CUBIERTAS. ¿QUÉ MECANISMOS SE UTILIZAN PARA GARANTIZAR LA COBERTURA DE MANERA SOSTENIDA?

Garantizamos la cobertura de todas las especialidades a través de una planificación estratégica integral. Realizamos un análisis constante de la demanda de servicios y ajustamos nuestros recursos de acuerdo con las necesidades emergentes de la población. Implementamos políticas efectivas de reclutamiento y retención de profesionales altamente calificados, al tiempo que fomentamos la formación continua de nuestro personal.

¿CÓMO TRABAJAN EN LA MEJORA CONTINUA DE LA CALIDAD ASISTENCIAL, ESPECIALMENTE CON UNA POBLACIÓN TAN DIVERSA EN EDAD, ORIGEN Y NECESIDADES?

La mejora continua de la calidad es una prioridad fundamental para nosotros. Contamos con un sistema de gestión de calidad que se basa en la evaluación constante de nuestros procesos y resultados. Realizamos encuestas de satisfacción para entender las experiencias de nuestros pacientes y adaptamos nuestros protocolos de atención a las características demográficas y necesidades de nuestra población. Además, trabajamos en la capacitación del personal en temas de diversidad y atención centrada en el paciente, asegurando que todos se sientan valorados, escuchados y bien atendidos.

Sofía Donovan

Lo frágil como forma de resistencia

Por FIORELLA BENAVIDES

Desde la cerámica como lenguaje vital, Sofía Donovan explora la tensión entre belleza y caos, cuerpo y tiempo, ruina y recomienzo. Su obra, siempre al borde de lo frágil, desafía la idea de perfección y convierte lo imperfecto en una forma de resistencia profundamente humana.

“ ME INTERESA LO QUE SE CAE, LO QUE QUEDA DE PIE. LAS ruinas. LAS formas torcidas”

"Hay algo en el barro que guarda memoria", dice Sofía Donovan. Y en sus manos, esa memoria se vuelve gesto, cicatriz, volumen, historia. Ceramista, artista visual y fundadora del espacio La Roca en Chile, Sofía trabaja desde hace más de una década con la cerámica como lenguaje vital: una forma de pensar el cuerpo, el tiempo, la ruina y la posibilidad.

Su obra parte de una tensión que nunca se resuelve del todo: el orden y el caos, la belleza y lo monstruoso, la construcción y la caída. "Trabajo mucho con lo gestual, con formas que parecen hechas apuradamente, que están por explotar o por derrumbarse", cuenta. En "Cargas peligrosas", una de sus exposiciones más recientes, esculturas con forma de bomba estallan en sonido gracias a silbatos precolombinos. "Hay grito, humor negro, ironía. No puedo escapar de ese filo".

La serie explora las metáforas del fuego y la explosión como símbolos de una tensión constante entre destrucción y renacimiento. El fuego aparece como una paradoja: representa tanto la ruina como la transformación. La explosión, semilla del caos,

también puede ser el inicio de algo nuevo. "Me interesa esa quietud activa, ese instante en que todo puede estallar pero también recomenzar", dice. En un mundo convulsionado, la obra revela una brasa que aún arde en el crisol de la existencia. En ese filo también aparece lo femenino, no como temática, sino como forma. "Mis obras son comentarios sobre mi feminidad, sobre mi experiencia. No son literales, pero están cargadas de signos". Como en la serie "Poética doméstica", donde tazas rotas, unidas por pedazos de arcilla, desafían la idea de belleza y reparación.

Desde su taller en Santiago, Sofía construyó un espacio abierto al intercambio, que nombró La Roca. Allí realizó muestras, charlas, encuentros. Ahora proyecta un nuevo espacio en Uruguay, pensado como taller y showroom, pero también como un lugar donde otros artistas puedan crear. "Me gustaría trabajar desde otro tempo. Uruguay me da esa posibilidad".

La maternidad, los duelos, las crisis sociales, la enfermedad: todo eso atraviesa su obra. "No son temas que planeo, sim-

plemente aparecen. Me interesa lo que se cae, lo que queda de pie. Las ruinas. Las formas torcidas. Los esmaltes que se superponen como capas de tiempo".

Para Sofía, la cerámica no es solo un medio. Es un modo de estar. Un lenguaje que la obliga a entregarse al proceso, a aceptar lo impredecible, a trabajar con las manos hasta que duelen. "Hay una magia en el horno que me encanta. Nunca sabés qué va a salir. Me gusta no poder controlarlo todo".

Juan Forn la describió como alguien que "soporta altas temperaturas y a la vez puede quebrarse por nada". En su obra, esa tensión se vuelve forma. Como una tormenta que arrasa pero también revela.

Hoy, cuando la cerámica gana terreno en el arte contemporáneo, Sofía Donovan se mantiene fiel a su intuición. "No hago piezas lindas. Hago piezas que cuentan algo. Que se animan a ser raras, a no gustar. Pero que no pasan de largo". En ese gesto hay una forma de resistencia. Frágil, imperfecta, pero profundamente humana.

Hay una magia en el horno que me encanta. Nunca sabés qué va a salir. Me gusta no poder controlarlo todo.

“LA ARMONÍA EXTERIOR ES RESULTADO DE UN CUIDADO INTEGRAL”

DR. ISMAEL AGUIRRE

LIMPIEZA FACIAL CON DERMAPEN | BOTOX | HILOS TENSORES | PLASMA | PLASMA CAPILAR RELLENO CON HIALURÓNICO | SKINBOOSTER | RADIO FRECUENCIA CON MICROAGUJAS | SCULPTRA ESCLEROSANTE PARA VÁRICES | INYECCIONES LIPOLÍTICAS | MESOTERAPIA CAPILAR DR. ISMAEL AGUIRRE - (+598) 98 591 139 - PUNTA DEL ESTE

CAMPO AIR: ARTISTAS EN RESIDENCIA

Una invitación a detenerse , crear y habitar el tiempo de otro modo .

En los días templados de abril, cinco artistas llegaron a Pueblo Garzón con una premisa sencilla pero esencial: detenerse. Durante casi un mes, compartieron un mismo cielo, una misma tierra y un tiempo sin interrupciones para crear, investigar y vincularse con el entorno. CAMPO los reunió bajo su programa de residencias CAMPO AIR para abrir un paréntesis en sus vidas y dejar que la experiencia del campo —y de los otros— los atraviese.

Entre el 31 de marzo y el 25 de abril, el paisaje rural de Garzón se transformó en un punto de encuentro para distintas disciplinas, trayectorias y lenguajes. Diseñado como un espacio colaborativo e interdisciplinario, el programa apuesta por reunir artistas en diversas etapas de su recorrido, promoviendo el intercambio entre prácticas contemporáneas, naturaleza y comunidad.

En esta temporada, la residencia reunió a un chef, un artista visual, un fotógrafo, un periodista y una escultora, cuyas búsquedas dialogaron con el territorio desde ángulos distintos:

— Behzad Jamshidi (CA), chef y director culinario de Moosh, organización dedicada a la antropología alimentaria.

— Damon Davis (US), artista no-disciplinario que entrelaza arte, activismo y mitología en torno a la identidad negra.

— Biju Ibrahim (IN), fotógrafo de Kerala cuya mirada arqueológica y poética retrata comunidades y paisajes.

— Bronwyn Katz (ZA), artista visual que investiga la relación entre tierra, memoria y trauma.

— Anjan Sundaram (IN), periodista y escritor que ha narrado conflictos en África y Medio Oriente con una voz íntima y precisa.

A medida que pasaban los días, los proyectos fueron tomando forma. Algunas ideas encontraron cuerpo en textos o imágenes; otras, en conversaciones, caminatas o ingredientes locales. El proceso se mantuvo abierto, en movimiento. En un encuentro final, esa energía compartida se volvió visible, cuando los residentes presentaron sus trabajos ante un público que se acercó desde distintos puntos del país. Entre copas de vino y murmullos de bienvenida, el campo se convirtió en escenario y celebración.

EL campo COMO ESCENARIO Y COMO MATERIA: UN espacio DONDE LAS

prácticas

artísticas SE ENTRELAZAN CON EL paisaje, LA comunidad Y EL tiempo

Campo Air NO SOLO REÚNE artistas: CONSTRUYE encuentros, cruces Y diálogos QUE TRASCIENDEN LAS disciplinas

Montevideo según Ghierra

MEMORIA URBANA Y ARQUITECTURA EMOCIONAL

Alfredo nos recibe en una tarde cálida y nos permite conocer su refugio. Digno de un artista impulsado por la curiosidad eterna, cada uno de los espacios de la casa se ve como de museo —pero de arte decorativo—. Desde los vitrales estratégicamente ubicados mirando a las escaleras hasta los muebles adquiridos en remates y ferias a lo largo de los años, todo en su casa grita personalidad y pasión.

Alfredo vive donde uno imaginaría (y desearía) que viva alguien como él: en una hermosísima casa de principios del siglo XX, de tres pisos en el barrio de Pocitos. El lugar —y su conservación— representan una excepción que alegra el corazón de quienes admiramos el patrimonio de una ciudad tan particular como Montevideo, por lo que entendemos la urgencia de preservar lo poco que queda en pie.

Montevideo Inolvidable, su documental y ópera prima, representa una fotografía muy actual del estado en que se encuentra la capital del país y adónde podría dirigirse si existiese la voluntad de hacerlo en comunidad. Por eso desde MOLA invitamos a conocer la historia de Alfredo Ghierra, un hombre crítico y nostálgico pero, de forma paradójica, profundamente esperanzado.

Por LAURA GARGANTA Fotos NICOLÁS MORRISON

Mientras nos sentamos en su cocina a tomar café, disfrutamos de la luz que entra por las ventanas y la puerta que da a un patio casi escondido. Es una pequeña selva urbana, en un piso y medio más abajo de la planta baja, que Alfredo ideó al encontrarse con metros desperdiciados y oscuros. Rápidamente se evidencia la capacidad espacial que maneja y el sentido común —que suele faltar— con que ocupa los lugares que una casa como la suya ofrece. Es que Alfredo es un local de pura cepa, nació y vivió de manera permanente en Montevideo hasta los 20 años, en Punta Carretas, un barrio muy distinto al actual: “Donde ahora hay un shopping, antes había una cárcel”, sentencia. “En aquella época ibas porque tenías un pariente preso o porque vivías en la zona. Era un barrio muy particular, con una atmósfera muy tranquila, todo arbolado y con muchas casas”. Un barrio de “clase media, media profesional”, aclara mientras continúa contando su historia.

Sus bisabuelos paternos compraron el terreno y construyeron la casa donde más tarde nacería su padre. Antes de eso, vivían en una chacra ubicada en la zona donde hoy se extiende la Rambla Sur. Allí tenían un pequeño almacén de frutas

y verduras y formaban parte de una comunidad integrada por inmigrantes; ella era genovesa y él provenía de las Islas Canarias. Cuando el Estado resolvió construir la rambla, las tierras fueron expropiadas y, con la indemnización recibida, decidieron mudarse a Punta Carretas, un barrio que por entonces era prácticamente un descampado. Sin embargo, ya estaba presente la cárcel. Con el tiempo, la elección pareció visionaria: hoy es uno de los barrios más cotizados de Montevideo.

Por el lado de la familia Ghierra, la historia también se vincula con ese rincón de la ciudad. Su abuelo, que llevaba el mismo nombre que él, fue futbolista e integró la selección uruguaya que conquistó la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de París en 1924. Convertido en una celebridad, llevó una vida intensa, viajó por el mundo, jugó en el Club Nacional y fue uno de los fundadores de Defensor Sporting. Cerca de los 40 años se retiró, se estableció definitivamente donde conoció a quien sería su esposa: la hija de aquellos inmigrantes desplazados por la construcción de la rambla. De esa unión nació su padre y, desde entonces, el barrio quedó ligado a su historia familiar.

CULTURE

/ Alfredo Ghierra

Alfredo asegura que salir a caminar con su mamá desde muy chico para ir a visitar, por ejemplo, a su tía, fue el primer estímulo para convertirse en el apasionado de la ciudad que es hoy, pero también de poder apreciar las cosas con otro ritmo: “Ella siempre me decía: 'Mirá qué linda esa casa, mirá cómo florece este arbusto, mirá cómo cambian de color las hojas de este árbol'. Gracias a ella, a partir de los cinco años aproximadamente, nunca más pude ser indiferente a la ciudad, nunca más pude transitarla sin mirarla. Y no solo mirarla, demorarme en esa mirada también”.

Este recorrido por su vida temprana nos lleva de forma irreversible a su prolífico y ecléctico presente. Sin embargo, si hubiera que encasillarlo en una sola categoría, la mejor sería artista, ya que absolutamente todos los caminos que emprende lo llevan a la creación, aunque quien lo conoce sabe también que es un pensador reflexivo, un observador quieto, pero un determinado hacedor, al mismo tiempo. “Siempre dibujé, pero todo me interesaba, por eso me costó mucho elegir qué estudiar. He hecho cine, arte y arquitectura, y he desarrollado esa gimnasia de mirar, que al fin y al cabo es la base del dibujo. Saber dibujar es saber mirar”.

Su adolescencia coincidió con el final de la dictadura, cuando cursaba cuarto año de liceo. Fue una etapa de despertar personal en un contexto social aún limitado: había pocas opciones de ocio en la ciudad y el dinero escaseaba. En aquel entonces la diversión consistía, muchas veces, en caminar de un extremo a otro de Montevideo y sacar fotos. Un amigo suyo consiguió una cámara, y así empezaron a experimentar con la fotografía.

Ingresó a la Escuela de Bellas Artes apenas terminó el liceo, ya que en ese momento aún no se había convertido en facultad y bastaba con haber completado cuarto año. Era el más joven de su generación. La escuela reabrió ese mismo año, luego de haber permanecido cerrada durante la dictadura. A pesar de haber sido saqueada, seguía en pie, lo que él interpretó como una prueba más de que la cultura suele ser uno de los primeros blancos en tiempos de represión. Luego de dos años allí, decidió comenzar también la carrera de arquitectura en paralelo. “El arte se ataca primero porque es lo que menos entienden”.

“

EL arte SE ataca

PRIMERO PORQUE ES LO QUE MENOS entienden

”

Hasta los 35 años llevó una vida nómada, siempre dispuesto a moverse de un lugar a otro sin pensarlo demasiado. Esa actitud abierta lo llevó a construir una red de contactos en distintas ciudades y a aprovechar cada oportunidad que se le presentaba. Hoy sigue viajando, aunque, admite que ya no con la misma facilidad: le pesa el trajín de los aeropuertos y le cuesta

más empezar cada nuevo recorrido, algo que antes hacía sin esfuerzo. Tenía 22 años cuando llegó a San Pablo, el destino más lejano que le alcanzaba con su dinero. Había trabajado ese verano en un restaurante de Punta del Este, pero lo echaron junto a un compañero. Con lo que les pagaron, decidieron ver hasta dónde podían llegar, y así fue como terminaron en Brasil. Allí se quedó dos años.

“Lo que más se aprende de estas experiencias de vivir afuera es la importancia de las amistades. A mí me gusta tener amigos, así que lo primero que hice cuando llegué a San Pablo fue armarme una buena red de amigos. Ahí entendí que había una chance de quedarme más tiempo que unas vacaciones, por lo que empecé a buscar trabajo en estudios de arquitectura. En ese momento tenía tres años de facultad completos, y en Brasil la carrera de arquitectura dura solo cuatro. Para ellos yo ya era arquitecto, por el tipo de formación que había en esa época, en la que se hacía hincapié en el dibujo. Era muy buena, muy exhaustiva. Te obligaban a dibujar y a mirar arquitectura constantemente, era una parte enorme de la carrera. Gracias a todo eso conseguí trabajo en un estudio alucinante, pequeño, pero que realizaba proyectos muy costosos. Mi trabajo era hacer las perspectivas de lo que estaban fabricando, porque no había renders. Ahí me perfeccioné en el arte de la perspectiva. De hecho, dibujaba en la oficina, y después, cuando llegaba a mi casa, seguía dibujando pero arquitectura fantástica, ciudades oníricas. Cuando volví a Montevideo (dos años después con una carpeta de dibujos) hice mi primera exposición”.

Durante su estancia en San Pablo, recibió de regalo un libro de Giovanni Battista Piranesi, el artista italiano del siglo XVIII que fue arqueólogo, arquitecto, investigador y grabador. Especialista en grabado en metal, Piranesi realizó una célebre serie de vistas de Roma en tiempos en que aún no existía la fotografía. La precisión y el nivel de detalle de esas imágenes, casi fotográficas, lo impactaron profundamente. Se sintió identificado con la técnica y, a partir de allí, decidió crear una serie de postales de Montevideo inspiradas en el enfoque de Vedute di Roma. La exposición fue un éxito y reafirmó su vínculo artístico con la ciudad.

Tras su regreso de Brasil, se instaló nuevamente en Montevideo y vivió allí entre 1995 y 2002. Durante ese período trabajó en el mundo audiovisual, principalmente en publicidad, desempeñándose como director. Su formación en la Cinemateca le abrió las puertas del rubro: comenzó como asistente de arte en equipos de filmación y rápidamente ascendió a director de arte. Fue una etapa intensa y creativa, marcada por un auge en la producción publicitaria en Uruguay. Sin embargo, la crisis económica de 2001 interrumpió ese ritmo, y decidió partir hacia Europa. Su primer destino fue Bulgaria, donde lo recibió Flora, una amiga brasileña que había conocido en Montevideo y que trabajaba en el servicio diplomático. Ella lo ayudó a salir del país justo antes del colapso, contratándolo como su secretario. Allí pasó un año, y luego continuó viaje hacia Venecia. En esa ciudad vivía Maura Mondini —entrevistada en Montevideo Inolvidable—, a quien también había conocido en Uruguay. Fue ella quien lo invitó a conocer la famosa ciudad y, lo que iba a ser una visita de una semana, se convirtió en una estadía de dos meses. El impacto fue inmediato: Alfredo asegura haberse sentido inmerso dentro de un gran dibujo. La belleza lo desbordó. Se enamoró del

lugar y terminó quedándose un año.

"A la vuelta de Italia, sentí que algo estaba por suceder. Había una efervescencia en el aire, una energía de cambio que no experimenté en ningún momento durante mi tiempo en Europa. Se notaba un alineamiento entre la gente y el gobierno, una sensación de empuje colectivo que nunca había visto, todos tiraban para el mismo lado. Incluso empezaron a venir amigos de los lugares que yo había visitado, y muchos me preguntaban: '¿Por qué te quedás acá?' Y yo les respondía: 'Porque acá está todo por hacerse'. Al final, las oportunidades uno se las inventa. Somos el resultado de lo que logramos construir de nosotros mismos".

MONTEVIDEO INOLVIDABLE

Montevideo Inolvidable evoca la nostalgia y la idealización que podría asemejarse al comienzo de Manhattan, cuando la voz en off de Woody Allen romantiza a Nueva York de manera tal que el espectador inmediatamente, sin necesidad de haber ido jamás, se enamora de la ciudad. De manera similar, Alfredo y su equipo saben manejar los ritmos y las emociones a través de su relato honesto y melancólico, para llevar al espectador a un viaje de amor y desencanto que, considero, hubiera sido muy difícil de procesar si quedaba estacionada solo en uno de esos dos extremos.

Alfredo comenzó por recordar que las ciudades del Río de la Plata poseen una riqueza arquitectónica excepcional, fruto de la gran prosperidad que vivieron Uruguay y Argentina entre fines del siglo XIX y comienzos del XX. Esa bonanza se tradujo en una intensa actividad constructiva que, incluso durante las guerras mundiales, mantuvo un alto estándar. Aseguró que hasta bien entrados los años 40 y 50, lo mejor de la arquitectura global se construía en esta región. Contó que uno de los mayores desafíos al hacer Montevideo Inolvidable fue encontrar la forma de decir lo que quería sin caer en una mirada editorializada. Por eso se propuso incluir la mayor cantidad posible de voces, dejar que otros respondieran las preguntas que lo inquietaban. Sabía que esa diversidad fortalecería el mensaje. Aun así, hubo un sector que no logró incorporar: las empresas de demolición. “Ninguna aceptó participar. Sentían incomodidad, miedo al juicio público y al posible impacto en su trabajo. Pero del resto no me faltó nadie”. Logró reunir testimonios de gremios de la construcción, promotores privados, académicos, funcionarios, ciudadanos comunes, e incluso personas que recuperaron y restauraron casas antiguas.

El equipo detrás de Montevideo Inolvidable fue clave para darle forma al proyecto. Ghierra conoció a Laura Gutman trabajando en publicidad —él como director de arte y ella como productora—, pero su vínculo va mucho más allá del oficio. Gutman es música, exbaterista de Los Buenos Muchachos, fundadora de Isterix, primer grupo de chicas del país, y creadora de la banda Laura y los Branigan. “Las películas son un poco de los productores también”, sostiene, y remarca que en este caso no se trató solo de una producción ejecutiva, sino de una colaboración sensible: Gutman también pasó por la Facultad de Arquitectura, tiene una mirada artística y un profundo amor por Montevideo.

Con ese enfoque compartido se fue conformando un equi-

po que no solo trabajó técnicamente en el documental, sino que se involucró emocional y conceptualmente con el tema. Rodrigo Labella, por ejemplo, fue quien le imprimió al film su tono cinematográfico, y todos terminaron contagiados por esa forma particular de mirar la ciudad. “Si ya no lo tenían dentro suyo, ahora no pueden zafar”, bromea. El guión fue escrito junto a Javier Palleiro, y la edición estuvo a cargo de Agustín Arce, un joven poeta de 30 años que un día se animó a mostrarle a Alfredo unas frases que había escrito para la voz en off. “Se me caían las lágrimas”, recuerda. A partir de ese momento, ese aporte espontáneo se convirtió en una de las capas poéticas del film.

“El proceso de hacer la película fue largo, duró tres años y medio. En ese tiempo pasaron muchas cosas, incluso pérdidas. El último año y medio fue el más intenso en la etapa de edición. Hubo un momento en que estábamos muy tristes, como equipo, porque el material mismo nos empezaba a afectar. Pero yo siempre tuve claro cómo empezaba y cómo terminaba la película. Trabajar el guión con Javier Palleiro fue clave: él me animó a meterme más como Alfredo Ghierra y no como el personaje de Ghierra Intendente. En cuanto a lo estético, al principio elegimos solo imágenes con niebla, lluvia y cielos grises. Aunque era a propósito, se volvió pesado. Todo era frío, gris, con gente revolviendo la basura… era dantesco. Al principio quería que la película durara más de tres horas, no quería sacar nada. Todos me miraban preocupados. Por suerte entré en razón y quedó en una hora y veinte. Igual, nunca perdí de vista que esto es cine. Más allá del mensaje, el cine también es entretenimiento. Tiene que haber un equilibrio entre lo que se quiere decir, el lenguaje y el resultado. No puede ser una enciclopedia de 10 tomos. Yo quiero que la vea la mayor cantidad de gente posible. No me interesa quedarme en el nicho del arte, quiero llegar a todos. No para banalizar el mensaje, sino para que, con un mensaje potente, se conecten tanto quienes ya están preocupados por estos temas como quienes nunca se los habían planteado antes”.

GHIERRA INTENDENTE

El proyecto Ghierra Intendente nació como una idea compartida entre amigos durante los tiempos muertos de los rodajes publicitarios. Alfredo trabajaba entonces con el director de cine Guillermo Casanova. Mientras esperaban que se acomodaran las luces en el set, hablaban de la ciudad y sus posibilidades. Casanova le repetía en broma: “Vos tendrías que ser intendente, Ghierra”. Esa frase, dicha al pasar, fue la chispa que encendió el experimento. A partir de ahí, Alfredo empezó a imaginar cómo sería Montevideo si él fuese intendente. Tomaba fotos, las intervenía con Photoshop y convocó a otros a participar con ideas similares. El proyecto funcionó como un imán: artistas, estudiantes y curiosos se sumaron con propuestas y con observaciones valiosas sobre la ciudad. Así se gestó la primera exposición en el año 2010, justo antes de las elecciones municipales, en el Centro de Exposiciones Subte, un espacio que originalmente iba a ser una estación de metro bajo la Plaza Fabini. La directora en aquel momento, Ana Nobel, lo invitó a hacer algo allí, y aprovechó la ocasión para lanzar una falsa candidatura a la intendencia como disparador artístico. Convocó a docentes y alumnos de la Facultad de Arquitectura, a ciudadanos sin afiliación ni plan urbano definido, pero con mirada crítica. La respuesta fue tan entusiasta que la exposición, que originalmente duraría un mes, fue extendida a pedido del propio espacio.

Cinco años después, en 2015, el proyecto volvió a activarse, nuevamente en coincidencia con un ciclo electoral. Esta vez, de la mano del Centro Cultural de España en Montevideo, dirigido en ese momento por el gestor cultural Ricardo Ramón, quien empujó la iniciativa más allá de lo que él imaginaba. “Dame el triple”, le dijo Ramón cuando Alfredo le propuso una idea inicial. Con más presupuesto, más apoyos y una estrategia digital que trasladó a las redes sociales, Ghierra Intendente explotó. La convocatoria superó todas las expectativas. El día de la inauguración, a varias cuadras del lugar, ya no se movía el tránsito.

“

EN

2025 TODOS LOS partidos TIENEN UN APARTADO patrimonial

, ESO ANTES no existía”

En cuanto al alcance que él cree haber tenido todos estos años de activismo y militancia artística, responde con seguridad: “En 2025 todos los partidos tienen un apartado patrimonial, eso antes no existía. Me suelen llamar para asesorar: qué hacer con una fachada de teatro, qué plantar en determinados espacios… no son cosas gigantescas, pero que haya una intervención real ya me parece un montón. Como en cada edición desarrollamos un spot de campaña, un jingle, un programa de gobierno (que es el catálogo de la exposición) y una lista con todos los participantes, nos invitan los periodistas, los programas de política, de arte, de cultura y logramos un lugar en la mesa. Y, también es verdad que

“

MIENTRAS NO HAY elecciones

,

ME SUELEN LLAMAR

PARA OPINAR O HACER consultorías

SOBRE

LA ciudad”

mientras no hay elecciones, me suelen llamar para opinar o hacer consultorías sobre la ciudad”.

Según Alfredo, hoy falta avanzar con mayor profundidad en el relevamiento del patrimonio. No lo haría padrón por padrón, aclara, sino por épocas, estilos o barrios. Lo que sí considera un logro es la construcción de una masa crítica, no solo entre quienes participan de Ghierra Intendente, sino también entre quienes consumen el proyecto. Personas que ya se hacían preguntas sobre la ciudad y que, de pronto, encontraron algo que los reúne. A ese efecto él le llama un agente químico: "Echás una gota y ¡PUM!, todo se transforma". Cuando se alcanza esa masa crítica que empieza a percibir ciertas situaciones como negativas, comienza el verdadero camino del cambio, según explica: “Se activan acciones legales, se organizan los vecinos, se genera ruido, se molesta. Y sobre todo —enfatiza— se evita esa sensación de soledad frente a la demolición de una casa, y otra y otra más”.

Muchas veces, y eso es lo que denuncia la película, se construye sin identidad ni arraigo, sin respetar el contexto, sobre todo en lo que refiere a la altura. “Lo de la altura es enloquecedor. En barrios bajos como Cordón Sur están levantando edificios de 32 metros. Te quitan el sol, cambian el paisaje y sientan precedentes: una vez que uno consigue ese permiso, en semanas empiezan a demoler a su alrededor. No siempre lo nuevo es una porquería, a veces mejora lo existente. Pero en la mayoría de los casos no hay nada relevante, nada que uno diga ‘esto va a ser el patrimonio de mañana’”.

“Hay un dato increíble que creo que mencionamos en la peli: el barrio de Pocitos, donde está la playa, se parecía a los balnearios europeos. Estaba lleno de mansiones de los años 20 y 30, verdaderas joyas. Hoy no queda ninguna. Si hacés la cuenta, esas casas se terminaron de construir en los años 30 o 40 y empezaron a demolerse a fines de los 60. Casas hechas para durar más de 100 años, con mantenimiento, se tiraron abajo a los 40. Es un despropósito económico y ecológico. Está mal por donde lo mires: generás basura, crisis ambiental, y encima después no vive nadie”.

Afuera, Montevideo sigue corriendo hacia lo nuevo. Ghierra, sin embargo, sigue apostado en su trinchera de belleza, memoria y viajes. Su casa —como su película— me corrijo, no es un museo: es una forma de resistencia. Un recordatorio de que, incluso en una ciudad que a veces parece olvidar, todavía hay quienes se toman el trabajo de recordar por todos.

“La literatura quizá hace a los seres humanos más aptos para la infelicidad, porque despierta unos apetitos y deseos que no pueden cumplirse, pero enriquece la sensibilidad de las personas y les da una compresión mayor del mundo. Los hace sentir mucho más aptos para la libertad”

MARIO VARGAS LLOSA (28 DE MARZO DE 1936 – 13 DE ABRIL DE 2025)