Charco #002

Paisajismo naturalista

La Ribera se extiende a lo largo del Arroyo José Ignacio, cuenca hidrográfica del Océano Atlántico que desemboca en la Laguna Costera JI, conformando un paisaje de gran belleza escénica y valor ambiental.

ATRIBUTOS

• Parque privado de conservación

• Caminería

• Sistema de agua potable

• Luz subterránea

• Alto estándar de desarrollo

• Senderos y miradores

• 800 m de orilla Arroyo José Ignacio

• Botes y kayak

• Quincho y piscina

• Lagos

• Flora y fauna nativa

• Arquitectura local

• Seguridad

CONEXIÓN

• A 15 minutos de José Ignacio

• A 5 minutos de la Ruta 9

CHACRAS DESDE 88 ha

• Reglamento de convivencia y conservación USD $200.000

Superficie protegida a perpetuidad 90%

LAGOS

QUINCHO Y PISCINA ACCESO SENDEROS BAJADA AL ARROYO

UBICADO EN LA ZONA DE CHACRAS DE LA BARRA, LOTES DE 4.000 M2. 100 HECTÁREAS DE ESPACIO COMÚN.

E QUIPO

DIRECCIÓN EJECUTIVA

Agustín Leone

DIRECCIÓN EDITORIAL

Ana Mola

ARTE & DISEÑO

Brenda Straub

COMERCIALIZACIÓN

Mateo Rama comercial@charcomagazine.com

COLABORADORES

Rosalía Larocca

Fiorella Benavides

Laura Garganta

Serena Curbelo

Pía Susaeta

FOTOS

Arturo Aguiar

Matías Yardino

L’exclusif Studios

Virginia Zabaleta

Pablo Kreimbuhl

Mila Rodríguez

Fiorella Benavides

Arquitectura & Diseño @charco.mag

Contenido de tapa | Amalia Robredo Fotografía | Matías Yardino

SUMARIO

10. Opuestos e iguales

Matty Costa Paz

18. Tradición náutica

Victoria Brown

24. Un nuevo paradigma de diseño

Arquitectura sustentable

48. El arte de habitar el diseño

Colección Sur

56. Paisaje arquitectónico

Estudio RMA

74. Luxury unplugged

The Colette Farm

88. El arte como mapa emocional

Natalia Orlowski

98. Paraíso gastronómico

I’marangatú

EDITORIAL

Soy un ferviente y declarado admirador del universo femenino en todas sus expresiones y creo que, quizás como París, Kioto, Sídney, Cartagena y algunas otras, Punta del Este es también una de esas ciudades hipereclécticas y cosmopolitas que, indudablemente, tiene alma femenina. Desde el lomo de la Ballena hasta la Laguna Garzón, hay perfume de mujer.

En este mes de marzo, en el que se celebra a la mujer en el mundo entero, en CHARCO queremos reconocer y visibilizar a algunas de las figuras femeninas que habitan, transitan y embellecen Punta del Este, aportándole una gran cuota de inspiración, sensibilidad y magia.

Talentosas, sensibles, frescas, resilientes, pujantes y poderosas, cada una, desde su lugar y su rol, hace que Punta del Este sea tan linda y especial como es.

En estas pocas “elegidas” va el reconocimiento y la admiración a todas las demás (exmujer, hija y amigas incluidas) que no aparecen en estas páginas pero que todos los días aportan su alma y su espíritu para que Punta irradie la esencia femenina y la belleza que nos contagia a todos y nos hace elegirla como nuestra ciudad en el mundo.

En CHARCO hablamos de representar o ser “Soul of Punta”, pero el alma verdadera y la raíz más profunda de Punta del Este quizás sean sus increíbles protagonistas. Son ellas, mucho más que cualquier atractivo turístico o paisajístico, la verdadera riqueza de esta comunidad y de este lugar que tanto adoramos.

No puedo escribir sobre las mujeres de Punta del Este sin mencionar a Valentina Cancela y su ausencia.

Un abrazo al cielo para ella y un abrazo sentido para todas las demás.

AGUS LEONE

OPUESTOS E IGUALES

MATTY COSTA PAZ

DOS PROYECTOS DE INTERIORISMO REFLEJAN LAS CONEXIONES Y LOS CONTRASTES DE ESPACIOS REPLETOS DE EMOCIÓN.

POR ROSALÍA LAROCCA

La interiorista de renombre internacional, Matty Costa Paz, es conocida por su excepcional habilidad para crear ambientes que invitan a la reflexión en una conexión profunda entre el diseño y la naturaleza. Mientras se encuentra liderando varios proyectos en la costa esteña de Uruguay, presenta dos de sus proyectos más recientes al otro lado del charco: Casa con Alma y Caza Azul. Ambos proyectos, creados para un mismo cliente, presenta particularidades que los hacen únicos, aunque comparten una filosofía común: la simplicidad, la atemporalidad y la integración con el entorno.

Casa con Alma es un refugio contemporáneo y atemporal nacido en la pandemia, luego de que un emprendedor tecnológico le confiara a la interiorista el diseño de su nuevo hogar. Ubicado en un country de Buenos Aires, en un entorno de gran naturaleza, el marco conceptual se basa en la creación de un espacio contemporáneo con la luz como elemento protagónico.

Se opta por un lenguaje arquitectónico limpio, sin ornamentos, en el que la combinación de materiales nobles como el travertino, la madera de roble y el revestimiento mineral romano, tanto en el interior como en el exterior, aportan pureza y atemporalidad. Estos materiales se combinan con detalles cuidadosamente seleccionados que refuerzan la conexión con la naturaleza circundante, creando una casa que parece integrarse de manera casi invisible al paisaje.

Los 400 metros cuadrados del hogar se distribuyen en tres niveles interconectados que permiten una gran flexibilidad y adaptabilidad. La planta baja se convierte en un único espacio fluido que incluye estudio, living, cocina y galería cerrada con parrilla, todos orientados hacia el este, con aberturas corredizas que permiten una completa integración con el exterior. Un patio inglés en el subsuelo, diseñado como un espacio de concentración y creatividad, es otro de los elementos más cautivadores, donde la luz del sol, filtrada a través de los árboles, propicia un ambiente poético y sereno.

En la planta alta, el área privada está definida por una estética minimalista en tonos cálidos y materiales naturales. La suite principal, concebida como un refugio de relajación, cuenta con un baño de líneas puras y materiales nobles. La bañera se convierte en el punto focal, rodeada de ventanales que permiten una conexión visual total con la naturaleza. La sensación de bienestar y tranquilidad está presente en cada rincón, gracias a la combinación de detalles artesanales y soluciones funcionales que responden a las dinámicas del hogar.

MATERIALES NOBLES SE COMBINAN CON DETALLES CUIDADOSAMENTE SELECCIONADOS QUE REFUERZAN

El segundo proyecto, Caza Azul, es una casa de playa en la costa argentina. Después de varios años de colaboración, el proceso creativo entre cliente y diseñadora se volvió aún más fluido y orgánico, lo que permitió la creación de una vivienda que combina la belleza natural de su entorno costero con el confort y la funcionalidad que requiere una casa familiar. A pocos pasos del mar, el proyecto fue concebido para ser utilizado durante todo el año, con el objetivo de crear un hogar versátil, de fácil mantenimiento y apto para disfrutar en familia y con amigos.

El diseño se caracteriza por una estructura que se adapta perfectamente a la topografía del terreno, desarrollándose en distintos niveles para aprovechar las vistas y la proximidad al mar. El color azul es el hilo conductor de la decoración, presente en diversas gamas a lo largo de toda la casa, desde las alfombras y los sillones hasta los cuadros decorativos, creando una coherencia visual que refuerza el carácter del lugar.

La selección de materiales naturales y de alta calidad es una constante en este proyecto, al igual que en Casa con Alma. Maderas provenientes de gestión forestal sostenible y pinturas ecológicas se integran a la perfección con los muros de piedra y el cielorraso de hormigón, equilibrando la materialidad y otorgando ligereza al espacio. En Caza Azul, la sencillez del diseño se convierte en una de sus mayores fortalezas, logrando una casa moderna, atemporal y perfectamente contextualizada en su entorno.

Ambos proyectos reflejan la filosofía de Matty Costa Paz de crear espacios que no solo sean bellos, sino que también resuenen con la vida cotidiana de sus habitantes, ofreciendo comodidad, funcionalidad y un profundo respeto por la naturaleza y el entorno.

EL COLOR AZUL ES EL HILO CONDUCTOR DE LA DECORACIÓN , PRESENTE EN DIVERSAS GAMAS

A LO LARGO DE TODA LA CASA, DESDE LAS ALFOMBRAS Y LOS SILLONES HASTA LOS CUADROS DECORATIVOS.

TRADICIÓN NÁUTICA

VICTORIA BROWN

UN REFUGIO COSTERO DONDE LA ARQUITECTURA MARÍTIMA SE ENCUENTRA CON EL DISEÑO CONTEMPORÁNEO.

POR ROSALÍA LAROCCA

En la costa de Punta del Este, con una vista privilegiada al océano y sobre el emblemático Club de los Balleneros, esta obra diseñada por el arquitecto Martin Gómez fusiona lo clásico y lo moderno en un homenaje al mar. El diseño de interiorismo, liderado por Victoria Brown, se inspira en el espíritu marítimo y la tradición náutica, dando paso a una propuesta auténticamente innovadora.

La arquitectura de la vivienda se orienta hacia el mar y esta conexión con la naturaleza es el punto de partida para la creación de todos los espacios interiores. A partir de la pasión de los jóvenes dueños de casa por la navegación y el mar, la interiorista apuesta a un estilo contemporáneo que experimenta con la serenidad del entorno marino.

Los propietarios deseaban un hogar que reflejara su estilo de vida activo y social, así como un aprecio por el legado del diseño de los años 60 en Punta del Este. La referencia más evidente de este estilo es la curva náutica, característica de los yates de la época, que se convierte en un elemento fundamental de la propuesta.

Integrando curvas suaves y detalles de diseño que evocan las líneas fluidas de los barcos, los bordes biselados y los ángulos característicos de los interiores náuticos, cada espacio mantiene el perfecto equilibrio entre la audacia de lo contemporáneo y el respeto por las tradiciones locales.

Las costuras en tonos azules y crudos en las telas, junto con la madera de nogal, una de las preferidas en la construcción de barcos y muebles de alta gama, se convierten en los protagonistas de los interiores. La madera de nogal predomina en los muebles, creando un contraste elegante con los tonos neutros y suaves de las paredes y los textiles. Además, la paleta de colores emula los tonos naturales y serenos del entorno costero con grises suaves, blancos rotos, beiges y azules que evocan la tranquilidad del mar.

La planta baja de la casa se concibe como un gran espacio social, ideal para la dinámica cotidiana de los propietarios. La disposición abierta de los espacios, sin barreras visibles, permite una circulación fluida entre las diferentes áreas que, en su conjunto, invitan al disfrute, la conversación y el compartir.

El mobiliario fue concebido bajo el mismo concepto que la arquitectura, por lo que la gran mayoría de las piezas se diseñaron a medida. Funcional, contemporáneo y lleno de detalles, cada objeto hace referencia a la relación de los propietarios con el mar y la náutica. Para lograrlo, la interiorista diseñó elementos personalizados que son un culto a su meticulosa atención al detalle.

La barra del playroom es una joya de diseño que se inspira en los interiores de los yachts, utilizando las mismas curvas y líneas suaves que se observan en los barcos. También se diseñaron unas butacas altas con almohadones de cuero y una vinoteca que imita las ventanas de un barco.

Todas las piezas fueron pensadas para ser prácticas y reforzar el carácter único del proyecto. Otro diseño que no pasa desapercibido es el escritorio, un espacio de trabajo donde predominan las líneas simples y la madera noble para crear un ambiente elegante y cálido. Las estanterías, realizadas a medida, replican el lenguaje arquitectónico de la casa y contribuyen a una coherencia visual transversal a los espacios del proyecto.

Cada rincón de este interiorismo es una interpretación personal de la auténtica mirada de Victoria Brown. A través de su trabajo, la interiorista logra fusionar el legado de la arquitectura náutica con una visión contemporánea, creando una casa que es refugio y homenaje a la relación entre los seres humanos y la naturaleza mediante materiales honestos, formas suaves y una curaduría de mobiliario exquisita.

«INTEGRANDO CURVAS SUAVES Y DETALLES DE DISEÑO QUE EVOCAN LAS LÍNEAS FLUIDAS DE LOS BARCOS, LOS BORDES BISELADOS Y LOS ÁNGULOS CARACTERÍSTICOS DE LOS INTERIORES NÁUTICOS, CADA ESPACIO MANTIENE EL PERFECTO EQUILIBRIO ENTRE LA AUDACIA DE LO CONTEMPORÁNEO Y EL RESPETO POR LAS TRADICIONES LOCALES »

ARQUITECTURA SUSTENTABLE

UN NUEVO PARADIGMA DE DISEÑO Y NATURALEZA EN PUNTA DEL ESTE

Punta del Este, con su combinación única de belleza natural y sofisticación, se ha convertido en un escenario ideal para el desarrollo de la arquitectura sustentable. En los últimos años, el crecimiento del sector inmobiliario en la zona ha estado acompañado por una creciente conciencia sobre la necesidad de construir con criterios ecológicos, minimizando el impacto ambiental y optimizando el uso de los recursos naturales.

La arquitectura sustentable no es solo una tendencia, sino una filosofía de diseño que busca equilibrar la eficiencia energética, la conservación del entorno y la calidad de vida de sus habitantes. En Punta del Este, este enfoque se traduce en el uso de materiales locales y reciclables, la integración con el paisaje, el aprovechamiento de la luz natural y la implementación de tecnologías que reducen el consumo de energía y agua.

Uno de los pilares fundamentales de la arquitectura sustentable es el diseño bioclimático: teniendo en cuenta el clima de la región, los arquitectos han desarrollado estrategias para aprovechar al máximo los elementos naturales.

ORIENTACIÓN Y VENTILACIÓN NATURAL

Las viviendas y edificios sustentables se diseñan con una orientación estratégica que maximiza la captación del sol en invierno y minimiza la exposición al calor en verano. La ventilación cruzada se incorpora como un mecanismo natural de refrigeración, reduciendo la necesidad de aire acondicionado.

AISLAMIENTO TÉRMICO

Se utilizan materiales de alto rendimiento térmico, como muros dobles, techos verdes y vidrios de baja emisividad, que permiten mantener una temperatura estable dentro de los espacios sin recurrir a sistemas de climatización artificial intensivos.

USO DE ENERGÍA RENOVABLE

La energía solar fotovoltaica y térmica es una de las principales fuentes de abastecimiento en construcciones ecológicas, permitiendo reducir la dependencia de la red eléctrica tradicional. Además, algunos proyectos incorporan aerogeneradores de pequeña escala para aprovechar los vientos característicos de la región.

En una ciudad costera como Punta del Este, el manejo eficiente del agua es fundamental. Las edificaciones sustentables implementan sistemas de recolección de agua de lluvia para su reutilización en riego, inodoros y otros usos no

potables. También se han desarrollado sistemas de tratamiento de aguas residuales a pequeña escala, que permiten su depuración y reinserción en el entorno sin generar contaminación. Los espacios verdes juegan un rol esencial en el diseño sustentable. En lugar de grandes áreas de césped que requieren un alto consumo de agua, se han incorporado jardines nativos con especies autóctonas de bajo mantenimiento, que contribuyen a la biodiversidad local y requieren un menor uso de fertilizantes y pesticidas.

Uno de los grandes desafíos de la arquitectura es lograr una integración armónica con el paisaje sin comprometer su esencia natural. Por ello, muchos desarrollos han adoptado un enfoque de baja densidad, donde las construcciones se distribuyen estratégicamente para preservar la topografía y las vistas panorámicas.

A nivel urbano, se han implementado medidas que promueven la movilidad sustentable, como la creación de senderos peatonales y ciclovías, reduciendo la dependencia de los vehículos motorizados. En paralelo, el concepto de “ciudad de 15 minutos” ha comenzado a tomar relevancia, impulsando desarrollos donde los residentes tienen acceso a servicios esenciales sin necesidad de largos desplazamientos.

El camino hacia una arquitectura más sustentable está marcado por una creciente demanda de proyectos ecológicos y la evolución de normativas que incentiven la eficiencia energética y la reducción del impacto ambiental. La combinación de diseño innovador, tecnología y conciencia ecológica no solo está transformando la manera en que se construye en la región, sino también la forma en que las personas experimentan y disfrutan el espacio.

En este contexto, la arquitectura sustentable no solo representa una solución a los desafíos ambientales actuales, sino que se perfila como el nuevo estándar del lujo responsable, donde la elegancia y el respeto por la naturaleza convergen en una propuesta de vida más equilibrada y sostenible.

CASA LA ROCA | MATHIAS KLOTZ

Ubicada en la punta de José Ignacio, a unos 80 km al norte de Punta del Este, La Roca es un refugio diseñado por el arquitecto chileno Mathias Klotz. El proyecto se compone de dos volúmenes principales que generan patios y espacios intermedios, integrándose de manera armónica con el entorno natural y aprovechando las vistas al océano Atlántico. La elección de materiales y la disposición de los espacios buscan minimizar el impacto ambiental y maximizar la eficiencia energética.

CASA PUNTA | MARCIO KOGAN

Diseñada por el arquitecto brasileño Marcio Kogan, Casa Punta es una residencia que se destaca por su diseño minimalista y su integración con el entorno natural. La vivienda utiliza materiales locales y técnicas de construcción que optimizan la eficiencia energética, logrando una armonía entre el diseño contemporáneo y el respeto por el medio ambiente.

GREENHOUSE ORCHID | MATEO NUNES DA ROSA

Este proyecto, desarrollado por el arquitecto Mateo Nunes Da Rosa, consiste en un invernadero diseñado para la conservación de orquídeas. Ubicado en Punta del Este, el diseño se caracteriza por su estructura liviana y el uso de materiales translúcidos que permiten el control de las condiciones climáticas internas, promoviendo un ambiente óptimo para las plantas y demostrando un compromiso con prácticas arquitectónicas sostenibles.

LA ARQUITECTURA SUSTENTABLE NO ES SOLO UNA TENDENCIA, SINO UNA FILOSOFÍA DE DISEÑO QUE

BUSCA EQUILIBRAR LA EFICIENCIA

ENERGÉTICA, LA CONSERVACIÓN

DEL ENTORNO Y LA CALIDAD DE VIDA DE SUS HABITANTES.

PAISAJISMO NATURALISTA

Los jardines de La Salada, en Punta Piedras, son un oasis natural sobre el Atlántico.

POR ROSALÍA LAROCCA

«EL ENCASTRE QUE SELECCIONARON PARA LA ÚLTIMA PÁGINA SE REPITE CON EL DE LA PRIMERA, SUSTITUIR POR ESTA ORACIÓN»

AMALIA ROBREDO

Recibiendo el embate del viento marino, la casa La Salada está apoyada sobre las rocas y dunas de Manantiales. Apenas con esta línea se describe una de las ubicaciones más exigentes para desarrollar un jardín en Uruguay, desafío que estuvo a cargo de la paisajista Amalia Robredo: “Los jardines que diseño tienen varias capas”, advierte. “La primera es la evidente, el aspecto estético y funcional, usando plantas que tienen las características necesarias para encajar en las condiciones existentes de suelo, clima y agua; pero por debajo hay otras capas invisibles”.

La arquitecta Aline Hernstadt deseaba mantener la magia de un lote de cara al mar y que a la vez fuera habitable lo más en armonía posible con su entorno. Ella conocía el trabajo de Robredo con la flora nativa, su exhaustiva investigación y posterior uso de las especies que crecen en la faja oceánica. Apoyaba su filosofía de diseño naturalista en el que la ecología está presente al momento de proyectar, por lo que la colaboración para emprender el proyecto fluyó desde el minuto cero.

En este momento, el paisajismo naturalista está liderando la tendencia de diseño. Este concepto habla de un movimiento que evoca la naturaleza, tiene presente la ecología a la hora de diseñar y busca la sustentabilidad. Se inspira en la naturaleza para resolver problemas ambientales, pone en valor los servicios ecosistémicos que aporta, favorece la biodiversidad en búsqueda del equilibrio fauna-flora y diseña de manera estética para una exitosa percepción del público. “Es el resultado de la alerta frente al cambio climático. Tomamos conciencia de que es necesaria la biodiversidad para la riqueza y conservación de los hábitats. Por eso el minimalismo es desplazado por el más es más”, dice Robredo.

Al usar plantas nativas diversas y disponerlas de cierta manera, se favorece la presencia de polinizadores, mariposas, aves y pequeños vertebrados que van allí sabiendo que encontra-

rán refugio, alimento y oportunidades de anidación. A su vez ellos enriquecen el paisajismo sonoro con sus cantos y sonidos potenciando la experiencia de habitar el jardín, tocando un punto emocional que relaja y da paz. La presencia de una variada fauna asegura un equilibrio entre los insectos buenos y malos, donde unos se alimentan de los otros, obteniendo así un jardín saludable.

Belleza, conservación, investigación y sostenibilidad son los pilares de los diseños de la paisajista Amalia Robredo. Y este proyecto no está exento. Las plantas nativas también ayudan a lograr la identidad local, clave para desarrollar un sentido de lugar, predominando especies costeras oceánicas de Uruguay como el Sporobolus coarctatus, Melica macra, Senecio vira-vira, Sisyrinchium palmifolium, Monnina cuneata, Petunia axillaris y Verbena bonariensis, entre varias otras.

También destacan la Grindelia orientalis y el Senecio ostenii, plantas endémicas locales que se encuentran en el listado de especies prioritarias para la conservación de nuestro país. Estas especies ayudan a borrar el límite del terreno con su entorno, ya que son las mismas que crecen espontáneamente en el ecosistema. Albergan, alimentan y anidan la fauna local enriqueciendo el paisajismo sonoro y la salud del jardín. La paisajista también optó por incluir especies no nativas que se adaptan perfectamente a la situación, pero cuidando mucho que no tengan el potencial de reproducirse de manera espontánea invadiendo y perturbando el hábitat natural.

Se evitó el uso de césped en la gran mayoría del terreno. “Siempre digo que poner césped en la primera fila del mar es como cuando en un juego uno saca la tarjeta ‘Vuelve ocho casilleros hacia atrás’”. En este sentido, solo hay pequeños espacios con césped que ofician de “lonas” o “alfombras”, donde uno se acuesta o los chicos se divierten.

« LA PRESENCIA DE UNA VARIADA FAUNA ASEGURA UN EQUILIBRIO ENTRE LOS INSECTOS BUENOS Y MALOS , DONDE UNOS SE ALIMENTAN DE LOS OTROS, OBTENIENDO ASÍ UN JARDÍN SALUDABLE»

Fotos: Matías Yardino / L’Exclusif Studios

«EN ESTE MOMENTO, EL PAISAJISMO NATURALISTA ESTÁ LIDERANDO LA TENDENCIA DE DISEÑO . ESTE CONCEPTO HABLA DE UN MOVIMIENTO QUE EVOCA LA NATURALEZA, TIENE PRESENTE LA ECOLOGÍA A LA HORA DE DISEÑAR Y BUSCA LA SUSTENTABILIDAD»

BOCONCEPT Y HELENA CHRISTENSEN

UNA NUEVA VISIÓN DEL DISEÑO DANÉS

La icónica marca danesa BoConcept redefine su esencia con la incorporación de Helena Christensen como directora creativa global. Su primera propuesta, “El arte de vivir al estilo danés”, no solo celebra la tradición escandinava, sino que la reinterpreta con una estética contemporánea que fusiona diseño, cultura y bienestar.

« CON LA LLEGADA DE HELENA CHRISTENSEN , LA FIRMA DA UN GIRO AUDAZ

AL INCORPORAR UNA

MIRADA CREATIVA QUE

TRASCIENDE EL DISEÑO DE INTERIORES Y SE

ADENTRA EN EL ARTE, LA MODA Y LA FOTOGRAFÍA »

UN NUEVO CAPÍTULO PARA BOCONCEPT

Desde su fundación en 1952, BoConcept ha sido un referente indiscutido del diseño danés, evolucionando constantemente sin perder su identidad. Ahora, con la llegada de Helena Christensen, la firma da un giro audaz al incorporar una mirada creativa que trasciende el diseño de interiores y se adentra en el arte, la moda y la fotografía.

Nacida en Copenhague y reconocida como una de las supermodelos más icónicas de los ‘90, Christensen ha explorado a lo largo de su carrera la intersección entre imagen, espacio y narrativa visual. Su nuevo rol en BoConcept representa la materialización de esta búsqueda: “El diseño no es solo cuestión de estética, sino de cómo los espacios nos hacen sentir. Quiero llevar esa filosofía a cada una de nuestras propuestas”, afirma la creadora.

“EL ARTE DE VIVIR AL ESTILO DANÉS”: MINIMALISMO CON ALMA

Esta nueva dirección creativa se traduce en una serie de colecciones y conceptos que reimaginan la esencia del diseño escandinavo. “El arte de vivir al estilo danés” combina la funcionalidad del minimalismo nórdico con una sensibilidad artística y emocional.

La iniciativa incluye una serie de colaboraciones con diseñadores emergentes, así como una curaduría de objetos y piezas que exploran materiales naturales, formas orgánicas y una paleta de colores sutil pero expresiva.

“SWEET ART”: DISEÑO INSPIRADO EN LA DELICADEZA ESCANDINAVA

Dentro de esta nueva etapa, Christensen presenta “Sweet Art”, una colección cápsula en colaboración con la diseñadora danesa Charlotte Høncke. Inspirada en la repostería escandinava, esta línea de mobiliario y accesorios juega con volúmenes suaves y texturas envolventes, proponiendo una reinterpretación del diseño danés desde una perspectiva más lúdica y sensorial.

Entre las piezas destacadas se encuentra una butaca con formas onduladas y tapizados en tonos cremosos y florales, evocando la sofisticación y el placer sensorial de los postres nórdicos a través del diseño.

EL PODER DE LA IMAGEN EN EL DISEÑO CONTEMPORÁNEO

La visión de Christensen también se plasma en “Flora”, una serie de impresiones fotográficas inspiradas en la naturaleza, que refuerzan la conexión entre el diseño y el entorno. Esta colección busca capturar la belleza de lo efímero y trasladarla al espacio doméstico, reafirmando la importancia de lo visual como un elemento esencial en el diseño de interiores.

BOCONCEPT: UN LEGADO DE DISEÑO CON PROYECCIÓN GLOBAL

Con presencia en más de 64 países y una trayectoria de más de siete décadas, BoConcept se ha consolidado como un referente global en diseño contemporáneo. La llegada de Helena Christensen marca un hito en su evolución, fusionando la esencia del diseño escandinavo con una nueva sensibilidad artística y emocional.

“El arte de vivir al estilo danés” estará disponible en las tiendas BoConcept a partir de marzo de 2025, con contenido exclusivo en sus plataformas digitales, redefiniendo la forma en que experimentamos el diseño en nuestra vida cotidiana.

«‘EL ARTE DE VIVIR AL ESTILO DANÉS’ COMBINA LA FUNCIONALIDAD DEL MINIMALISMO NÓRDICO CON UNA SENSIBILIDAD ARTÍSTICA Y EMOCIONAL»

EL PODER DEL COLOR

TENDENCIAS Y CLAVES PARA UNA

DECORACIÓN VANGUARDISTA

El color ha sido siempre un reflejo de la psique humana, de nuestras vivencias y de las transformaciones sociales. Desde los tonos apagados en épocas de incertidumbre hasta explosiones cromáticas que acompañan momentos de efervescencia creativa, el color no es solo una elección estética: es una herramienta de comunicación que moldea la percepción del espacio y nuestro bienestar.

En 2025, los interiores recuperan el color como protagonista, alejándose de la neutralidad extrema para abrazar matices que evocan la naturaleza, la emoción y la identidad personal. No se trata solo de seguir tendencias, sino de entender cómo la luz, la textura y los materiales pueden potenciar el impacto cromático en un espacio. Desde la arquitectura hasta el diseño de interiores, pasando por la moda, el color se convierte en una declaración de intenciones, capaz de definir un estilo de vida.

Las tendencias cromáticas de este año están marcadas por una vuelta al origen, donde la naturaleza dicta la gama de colores. Pantone y otros referentes de la industria han identificado una transición hacia tonos terrosos y orgánicos, en una clara respuesta a la necesidad de calidez y conexión con lo auténtico. La paleta del año, definida como Ecos de la Tierra, fusiona verdes profundos, ocres, terracotas y marrones cálidos, junto con acentos de azul cobalto y burdeos, agregando sofisticación y carácter.

Estos tonos no solo se manifiestan en paredes y mobiliario, sino en elementos como tapizados de terciopelo, revestimientos de piedra caliza y cerámicas con acabado mate, creando una sensación envolvente y multisensorial.

En contraste con la predominancia de colores neutros en la última década, este año marca un regreso al maximalismo cromático, donde el color en grandes superficies se convierte en un recurso clave para la expresión personal.

Fuente: www.pantone.com

Las tendencias cromáticas de este año están marcadas por una vuelta al origen, donde la naturaleza dicta la gama de colores. Pantone y otros referentes de la industria han identificado una transición hacia tonos terrosos y orgánicos, en una clara respuesta a la necesidad de calidez y conexión con lo auténtico.

EL COLOR EN LA MODA Y SU INFLUENCIA EN LOS INTERIORES

La relación entre moda y decoración nunca ha sido tan estrecha. Las paletas cromáticas de las principales casas de moda encuentran eco en el diseño de interiores, estableciendo un diálogo entre ambas disciplinas.

• Los tonos joya y su influencia en el diseño: Burdeos, esmeralda y ámbar protagonizan las colecciones de firmas como Dries Van Noten y Jacquemus, trasladándose a los interiores en la elección de tapizados aterciopelados, alfombras de lana y papeles pintados con acabados satinados.

• Minimalismo cálido y tonos crudos: En respuesta a la saturación del gris y el blanco puro, la moda y la decoración se inclinan por tonos cálidos desaturados, como el beige cremoso, los ocres y los marrones claros. Loewe y Bottega Veneta han llevado estos matices a sus colecciones, mientras que en interiores se reflejan en sofás de lino sin tratar, paredes texturizadas y maderas claras con acabado mate.

• El resurgimiento del rojo en acentos decorativos: Valentino y Ferragamo han apostado por el rojo intenso en pasarelas, y este tono se introduce en el hogar a través de detalles estratégicos como una una lámpara, un sillón o una obra de arte que inyecte energía y contraste.

TÉCNICAS Y MATERIALES QUE ELEVAN EL COLOR

Más allá de la selección cromática, el modo en que el color es aplicado influye en la percepción del espacio; en este sentido, el diseño de interiores explora nuevas técnicas y materiales para potenciar su impacto.

• Paredes con efecto degradado: Se aplican transiciones de color que generan profundidad y suavizan los contrastes.

• Microcemento pigmentado: Ya no limitado a tonos grises, este material adopta colores cálidos como el terracota y el beige arcilla, integrándose con la arquitectura en una solución uniforme y sin juntas.

• Vidrios de color translúcido: En puertas y separadores de ambientes, el vidrio en tonos ámbar, azul petróleo o verde oliva filtra la luz de manera sutil, agregando un efecto envolvente y sofisticado.

• Maderas teñidas en tonos profundos: Desde el nogal oscuro hasta el roble con matices rojizos, la madera vuelve a ser protagonista en mobiliario, aportando calidez sin perder modernidad.

EL COLOR COMO FIRMA PERSONAL

El uso del color en interiores trasciende la mera tendencia para convertirse en un medio de expresión personal. Ya no se trata de reglas rígidas, sino de interpretar las paletas de manera única, combinando matices, texturas y materiales que reflejen una identidad propia.

Desde los interiores monocromáticos sofisticados hasta los espacios maximalistas que celebran la audacia cromática, el color define experiencias y emociones. En un mundo donde la estandarización ha perdido su encanto, los interiores se convierten en lienzos que narran historias personales, donde cada elección de color es una declaración de estilo.

EL ARTE DE HABITAR EL DISEÑO COLECCIÓN SUR

POR FIORELLA BENAVIDES

En el corazón de Punta del Este, donde la arquitectura y el diseño se encuentran con el estilo de vida, Colección Sur se erige como un espacio donde la excelencia y la personalización redefinen el interiorismo. Más que una casa de diseño de alta gama, es una fuente de inspiración donde cada mueble, cada textura y cada terminación dialogan con quienes buscan transformar su entorno en una extensión de su identidad.

Detrás de esta propuesta están María Caldeyro y Soledad Gattás, dos referentes en el mundo del diseño y la decoración, que han reunido en un mismo espacio una selección curada de marcas internacionales y talentos regionales. Entre ellas, destacan los muebles de Saccaro, una firma brasileña con más de 75 años de trayectoria que trabaja con reconocidos diseñadores y es la estrella indiscutible de la selección de Colección Sur; las alfombras de Saccaro, Maiori y Tapetah, que permiten personalización en diseño, colores y dimensiones; las piezas de Tora, una firma brasileña de diseño de muebles en madera certificada de la Amazonia; las luminarias de Objetos Luminosos y Mínimo Iluminación, Artimage con sus obras de arte enmarcado, y Vasap con macetas de plástico reciclado de diseño autoral, se suman en una propuesta donde la estética y la sustentabilidad van de la mano.

Con sus nuevas colecciones se mantiene una propuesta actualizada en diseño contemporáneo a nivel internacional. En ese marco la presencia del diseño uruguayo también es clave en la curaduría de Colección Sur. Figuras como Menini Nicola, creadores de alfombras innovadoras, integran los diseños de Tapetah, y el estudio MUAR, conformado por Carolina Arias y Federico Mujica , con su enfoque contemporáneo forman parte de las líneas de Saccaro junto a diseños atemporales de la arquitecta Ana Revello Vázquez, reafirmando el talento uruguayo en la escena internacional.

SACCARO: LA MARCA INSIGNIA DE COLECCIÓN SUR

Saccaro es la primera marca representada por Colección Sur y continúa siendo su principal referente en equipamiento. La firma, que destaca por su diseño autoral, con un 80% de sus productos diseñados por reconocidos profesionales, se mantiene en constante evolución, generando nuevas colecciones que integran productos y terminaciones innovadoras. Su filosofía de personalización permite que cada pieza se adapte a las necesidades y gustos del cliente, desde piezas tapizadas de interior y exterior, hasta maderas trabajadas artesanalmente con un acabado sedoso, resultado de un meticuloso proceso de producción.

“La gente muchas veces no dimensiona el nivel de diseño y calidad que tiene Saccaro. No son muebles de lujo inalcanzables, sino piezas pensadas para ser parte de la vida cotidiana, que con el tiempo se integran al espacio y adquieren aún más valor”, explica Soledad Gattás. “Queremos que los clientes se apropien del diseño, que entiendan que elegir una pieza personalizada es una inversión en identidad y en sustentabilidad”.

«EN UN MUNDO DONDE EL DISEÑO DE INTERIORES SE ALEJA DE LO ESTANDARIZADO, LA MARCA OFRECE A DISEÑADORES, INTERIORISTAS Y CLIENTES LA LIBERTAD DE SELECCIONAR MATERIALES, DIMENSIONES Y ACABADOS , ASEGURANDO QUE CADA PROPUESTA SEA ÚNICA Y REFLEJE LA IDENTIDAD DE QUIEN LA HABITA»

La sustentabilidad es un valor fundamental en la propuesta de Saccaro. Sus muebles, diseñados para perdurar en el tiempo, promueven un consumo consciente y alejado de la producción masiva. Esta misma visión se extiende a la selección de marcas complementarias en Colección Sur.

Además de la curadoría propia de sus directoras que viajan a las ferias de diseño internacionales, Colección Sur ofrece un servicio exclusivo de consolidación y compra directa en Europa y Estados Unidos, facilitando el acceso a piezas únicas no exhibidas en el showroom.

La casona de Colección Sur, un ícono arquitectónico en Punta del Este, se ha consolidado como un punto de referencia para el diseño y la creatividad. Sus ambientes fueron intervenidos por profesionales del medio y hoy conforman un recorrido variado y muy rico en propuestas. En el exterior de la casona, el paisajista Fernando Bianco, junto a sus colegas Inés Nan y Virginia Morixe, han diseñado una propuesta paisajística que transforma el entorno en un paseo estético y funcional.

Más allá de ser un showroom de alta gama, este espacio se convierte en un punto de encuentro con una agenda de actividades que involucra a interioristas, diseñadores y artistas en un diálogo constante sobre tendencias, materiales y formas de habitar. Todos los años, en los meses de octubre o noviembre, Colección Sur organiza El Pulso del Diseño, una jornada de charlas exclusivas con diseñadores y profesionales, donde se exploran nuevas perspectivas y se debate sobre la evolución del interiorismo y la arquitectura.

La esencia de Colección Sur radica en la posibilidad de personalización. En un mundo donde el diseño de interiores se aleja de lo estandarizado, la marca ofrece a diseñadores, interioristas y clientes la libertad de seleccionar materiales, dimensiones y acabados, asegurando que cada propuesta sea única y refleje la identidad de quien la habita. Desde una alfombra diseñada a medida hasta un mueble concebido para un espacio específico, cada elección se convierte en una declaración de estilo. “Siempre buscamos que cada espacio refleje la identidad de quien lo habita. No se trata solo de seleccionar muebles, sino de contar historias a través del diseño”, afirma Soledad Gattás, cofundadora de Colección Sur. “Nuestra apuesta es por la personalización y la curaduría de piezas que trasciendan tendencias y se conviertan en parte de la vida de las personas”.

En un mercado que valora la exclusividad, la atemporalidad y la integración de diseñadores locales en propuestas internacionales, Colección Sur se posiciona como un referente indiscutido. Porque diseñar un espacio es mucho más que elegir muebles: es construir una experiencia, un lenguaje estético y una forma de vivir.

Fotos: Pablo Kreimbuhl

POLTRONA PATAGONIA

MARCA: SACCARO

DISEÑO: BRUNO FAUCZ

Con el objetivo de crear una pieza elegante que resaltara la madera y combinara diversos materiales, se inició un proceso de investigación. La exploración del concepto de hábitat llevó el diseño a la región patagónica y su cultura. Entre la información recabada, las cabalgatas destacaron por su arraigo local y su relevancia como práctica turística.

SILLA ANDROS

MARCA: SACCARO

DISEÑO: STUDIO SACCARO

Inspirada en la isla griega del mismo nombre, la silla Andros fue concebida para optimizar espacios reducidos con elegancia y sofisticación.

MESA LATERAL DAFNE

MARCA: SACCARO

DISEÑO: DECOMA DESIGN

Los pequeños detalles hacen la diferencia en la decoración. Más allá de su funcionalidad, las mesas auxiliares Dafne se convierten en piezas clave para aportar equilibrio y armonía a los espacios. Su diseño, con la tapa descentrada respecto a la base, permite una mayor versatilidad al integrarlas en distintos ambientes. Además, su estructura personalizable en materiales y acabados permite múltiples combinaciones para adaptarse a diferentes estilos.

SILLA OKO CUADRO GOTA

MARCA: SACCARO

DISEÑO: ALAIN BLATCHÈ

El término “OKO” evoca prosperidad y crecimiento, simbolizando la plenitud en distintas áreas de la vida. Con un diseño que refleja equilibrio y armonía, la silla OKO se convierte en una pieza versátil y atemporal para cualquier ambiente.

SOFA ATOL

MARCA: SACCARO

DISEÑO: ALAIN BLATCHÈ

MARCA: ARTIMAGE

DISEÑO: BAR DESIGN

Creado por Angélica Aoki y Rafael Tortella, el equipo de Bar Design apuesta por la innovación y el diseño estratégico. Su colaboración con Artimage se centra en la exploración de la OP ART, generando composiciones visuales que desafían la percepción y aportan dinamismo a los espacios.

LUMINARIA FLAG

MARCA: MÍNIMO

DISEÑO: CRISTIAN MOHADED Inspirado en la belleza de los atolones, formaciones geológicas únicas rodeadas de arrecifes de coral, el sofá Atol combina diseño contemporáneo con versatilidad modular. Sus módulos se ensamblan para crear composiciones dinámicas y confortables, adaptándose a diversos espacios con un estilo relajado y sofisticado.

Una pieza de diseño que captura el movimiento del viento a través de texturas y siluetas orgánicas. Fabricada con materiales que absorben hasta un 70% de la energía sonora, refleja el compromiso sustentable de Hunter Douglas en la integración de materiales reciclados o reciclables. Su estructura se mantiene suspendida, combinando ligereza y presencia escultórica.

DISEÑO VANGUARDISTA EN ARMONÍA CON EL ENTORNO

RMA ARQUITECTURA

UN ESTUDIO QUE REDEFINE EL PAISAJE ARQUITECTÓNICO

Desde su fundación en 2010, el estudio de arquitectura RMA se ha posicionado como un referente en el diseño residencial y comercial de alto nivel. Liderado por los arquitectos Carlos Ravecca, Nicolás Montaño y Matías Artagaveytia, el estudio combina creatividad, funcionalidad y una profunda comprensión del entorno para desarrollar proyectos que desafían lo convencional y establecen nuevos estándares en la arquitectura contemporánea.

POR ANA MOLA

VISIÓN Y FILOSOFÍA DE DISEÑO

La esencia de RMA radica en la originalidad y la capacidad de concebir cada proyecto como un relato único. “Nos gusta diferenciarnos con propuestas innovadoras, evitando la repetición de un mismo concepto. En cada uno de nuestros proyectos buscamos aportar diseño y valor, garantizando que la experiencia arquitectónica sea siempre singular”, destaca Carlos Ravecca. Este enfoque se traduce en obras que van más allá de lo estético, priorizando la relación entre el espacio, el usuario y el contexto natural.

Con oficinas en Montevideo y Punta del Este, el estudio ha logrado un crecimiento sostenido gracias a su metodología de trabajo minuciosa, enfocada en definir cada detalle antes de iniciar la construcción. Este proceso garantiza que el cliente tenga una visión clara y precisa del resultado final, minimizando imprevistos y asegurando un producto arquitectónico atemporal y refinado.

UN DIÁLOGO CON EL PAISAJE

Uno de los sellos distintivos de RMA es su capacidad para integrar arquitectura y entorno de manera armónica. Su visión bioclimática permite aprovechar al máximo las características naturales de cada emplazamiento, maximizando la relación entre espacios interiores y exteriores. Esto se refleja en su trabajo en Punta del Este y Canelones, donde han desarrollado proyectos residenciales en ubicaciones privilegiadas como Plantación Narbona, Pueblo Mío, Chacras del Golf, Mirasoles, Reserva Montoya y Arenas de José Ignacio.

El estudio también está llevando adelante destacados edificios residenciales en la Mansa, La Barra y Montoya, abordando la diversidad arquitectónica del departamento de Maldonado con soluciones innovadoras. Desde terrenos con pronunciadas pendientes en Montoya hasta exclusivos apartamentos con vistas panorámicas al mar en la Mansa, cada proyecto es una respuesta a los desafíos específicos del contexto.

INNOVACIÓN Y PERSONALIZACIÓN

El compromiso con la precisión y el detalle es otro de los pilares de RMA. La firma trabaja con clientes que valoran la excelencia arquitectónica y buscan soluciones a medida que potencien la calidad espacial. Cada diseño es concebido para mejorar la experiencia del usuario, asegurando una perfecta integración entre forma, función y materialidad.

A través de una búsqueda constante por la innovación y el diseño de vanguardia, RMA sigue consolidando su liderazgo en el panorama arquitectónico uruguayo. Con una sólida trayectoria y una filosofía basada en la excelencia, el estudio continúa redefiniendo la arquitectura contemporánea, creando espacios que trascienden el tiempo y se funden con la esencia del lugar.

CADA DISEÑO ES CONCEBIDO PARA MEJORAR LA EXPERIENCIA

DEL USUARIO, ASEGURANDO UNA PERFECTA INTEGRACIÓN ENTRE

GREEN CONCEPT CARRASCO: UN PROYECTO

RESIDENCIAL QUE REVALORIZA LA CONEXIÓN

CON LA NATURALEZA

Green Concept Carrasco se presenta como una propuesta arquitectónica vanguardista que fusiona la modernidad con la naturaleza, estableciendo nuevos parámetros en el diseño residencial contemporáneo. Enfocado en los principios biofílicos, el proyecto busca integrar el entorno natural en cada rincón del espacio, estableciendo una relación fluida entre la arquitectura y el paisaje circundante.

El complejo residencial está compuesto por tres bloques de apartamentos de siete niveles, dispuestos de manera que rodean un extenso jardín, diseñado por el paisajista Fernando Bianco. Este jardín no solo es un elemento estético, sino que juega un papel crucial en la experiencia de los residentes, ofreciendo vistas y una constante conexión con la naturaleza. A través de la disposición estratégica de los bloques y el jardín, se crea un microcosmos natural dentro del entorno urbano, donde cada apartamento se beneficia de esta integración verde.

Uno de los aspectos más innovadores del proyecto es la incorporación de un patio central elevado, que reemplaza los pasillos convencionales por corredores colgantes. Estos pasillos se abren hacia el patio y el cielo, permitiendo que la luz natural y la vegetación penetren el interior, generando una transición más fluida entre lo público y lo privado. Esta organización del espacio no solo maximiza la entrada de luz, sino que también fomenta un vínculo constante entre los habitantes y su entorno natural.

En cuanto a la funcionalidad, el diseño de los apartamentos ofrece una flexibilidad espacial única. La disposición abierta y el uso de paredes móviles permiten que los espacios se adapten rápidamente a las necesidades cambiantes de los residentes, sin sacrificar la estética ni la relación con el paisaje exterior. Esta versatilidad facilita la creación de diferentes configuraciones para satisfacer diversas configuraciones familiares y estilos de vida.

El desarrollo también incluye una serie de amenities que se encuentran fuera de los bloques, integrados al entorno natural. Estos espacios, conectados por caminos peatonales, invitan a los habitantes a salir y disfrutar del paisaje, reforzando el concepto biofílico del proyecto. Al mismo tiempo, las amenidades están diseñadas para mejorar la calidad de vida de los residentes, proporcionándoles espacios para el esparcimiento y la conexión con la naturaleza.

Ubicado en el este de Carrasco, el terreno ofrece vistas despejadas al mar y una rica vegetación, lo que amplifica la experiencia sensorial de los residentes. Green Concept Carrasco se destaca como un proyecto que no solo responde a necesidades funcionales, sino que también crea una experiencia sensorial enriquecida por la calidad de su entorno natural, unificando la vida moderna con el bienestar que proporciona la naturaleza.

Desarrollado por Dwell Developers y Boreal Inmobiliaria, Green Concept Carrasco es un claro ejemplo de cómo los principios biofílicos y la flexibilidad espacial pueden ir de la mano en una propuesta residencial, ofreciendo no solo un hogar, sino un estilo de vida que valora la conexión constante con la naturaleza.

LA CASA BH: DISEÑO Y CONEXIÓN

CON LA NATURALEZA

La Casa BH es una obra arquitectónica que destaca por su diseño singular y su capacidad para integrarse armónicamente con su entorno. Ubicada en un terreno triangular en el acceso al Barrio San Nicolás en Montevideo, Uruguay, la casa se erige como un referente de innovación en el aprovechamiento del espacio y la conexión con la naturaleza.

Desde el inicio, el proyecto fue concebido para aprovechar al máximo la luz solar y las vistas, mientras que se le da la espalda al sur para optimizar el asoleamiento. Esta disposición estratégica permite que la vivienda se apropie del terreno, generando un vínculo de 180º con el jardín, lo que potencia la relación de los habitantes con el entorno natural. El diseño también prioriza la circulación de aire y la luminosidad, buscando siempre una experiencia abierta y fluida.

Uno de los elementos más distintivos de la Casa BH son los aleros de hormigón, que no solo aportan una estética moderna y ordenada, sino que cumplen una función práctica esencial. Estos aleros, que forman un triángulo rectángulo en la fachada, actúan como una pantalla que bloquea la radiación solar directa en verano y permite su entrada en invierno, optimizando las condiciones térmicas del interior. Su rol también se extiende al aportar una lectura horizontal que organiza los volúmenes desfasados de la fachada, creando una sensación de equilibrio.

La elección de materiales en la Casa BH responde a un concepto de simplicidad y elegancia. Se emplearon dos materiales principales: un texturado similar a un estuco, que da una textura única a la fachada, y madera de lapacho, que aporta calidez y sobriedad al conjunto. Esta combinación de materiales logra una estética atemporal, en la que la modernidad y la naturaleza se funden de manera fluida.

En el interior, el estilo minimalista predomina, con espacios abiertos y fluidos que permiten una circulación constante de aire y luz natural. Cada habitación fue diseñada para aprovechar al máximo las vistas al exterior, creando una sensación de amplitud y conexión constante con el jardín y el paisaje circundante. El diseño busca no solo la funcionalidad, sino también una experiencia sensorial que invita a la relajación y la contemplación de la naturaleza.

La Casa BH es un ejemplo de cómo el diseño puede transformar un espacio, optimizando las condiciones naturales del terreno y generando un ambiente que fusiona la modernidad con la calidez. Su simplicidad, elegancia y conexión con la naturaleza hacen de esta vivienda una pieza única que trasciende el tiempo.

« LA ELECCIÓN DE MATERIALES EN LA CASA BH RESPONDE A UN CONCEPTO DE SIMPLICIDAD Y ELEGANCIA. SE EMPLEARON DOS MATERIALES PRINCIPALES: UN TEXTURADO SIMILAR A UN ESTUCO, QUE DA UNA TEXTURA ÚNICA A LA FACHADA, Y MADERA DE LAPACHO, QUE APORTA CALIDEZ Y SOBRIEDAD AL CONJUNTO»

MAGDALENA GIURIA

PIONERA EN REAL ESTATE GLAM

Nos encontramos en uno de sus lugares en Punta del Este: los viñedos de la familia Bouza en los cerros de Punta Negra, donde no hace mucho inauguraron el icónico wine bistró Las Espinas. Baja de un auto clásico descapotable que se mimetiza con el entorno y, de alguna manera, la representa. Magdalena Giuria exuda glamour y nos remite a la época dorada de la Punta del Este más esplendorosa.

Ella es su empresa, a la que desde hace mucho definió como una real estate boutique agency. El concepto de inmobiliaria boutique le calza de manera perfecta. Habiendo iniciado su actividad inmobiliaria en los 80 y siendo testigo de las múltiples transformaciones en el desarrollo del sector, es una enciclopedia de Punta del Este en todo sentido.

Nos empieza a contar sobre aquellos inicios. “Cuando vine a vivir a Punta del Este, nos conocíamos todos. Era desolado en invierno y tumultuoso en verano”, comienza. Producto de su vida social hiperactiva, conoce a Armando Sagasti, quien fuera uno de los primeros inmobiliarios instalados en Punta del Este, junto a Antonio Mieres, Luis Sader, el Bocha Gattas y algunos pocos otros. Era una mesa chica en aquel entonces, y Magda tenía 30 años. “En esa primera temporada de verano con Armando, gané una ‘fortuna’ inimaginable para una señorita uruguaya de 30 años”, nos cuenta con una sonrisa pícara y ojos vidriosos al recordar aquellos tiempos.

“Después de ese exitosísimo verano, explotó el mercado y vinieron los primeros inversores que edificaron las torres que cambiaron el perfil de la primera esencia del Este, que hasta ese entonces era verano familiar y glamour increíble”. Hay algo de nostalgia en su tono cuando habla de esa Punta del Este que mutó para siempre.

Magdalena se mantuvo, de alguna manera, ajena a ese ritmo de compras y ventas millonarias y feroces de aquel entonces, y fue encontrando su propio ritmo, su espacio y su nicho de mercado. Ella no quería esa competencia despiadada ni ese ritmo vertiginoso. Dice que el concepto de inmobiliaria boutique la protegió de la tentación del gran cambio que se iba produciendo a su alrededor y en su amado Este.

Mientras los personajes masculinos impulsores del desarrollo inmobiliario abrupto y algo caótico de Punta se dedicaban al “cómprame y véndeme” feroz, ella fue construyendo el listing más glamoroso y selectivo, que desde hace mucho la ubica como una referente del mercado de lujo. “Mi mundo inmobiliario era y es tener las mejores propiedades para el disfrute de la gente más glamorosa del Río de la Plata”, dice con una cuota genuina de orgullo. “Como soy muy sensible, jamás competí en la jungla de los hombres de negocios del Este”, agrega.

Llegamos a la última pregunta. Cuando le consulto dónde invertiría hoy, me dice: “Sugiero los lugares alejados, con espacio, con vistas al mar o a las sierras, que son el verdadero lujo de este mundo y que todavía existen”.

El tiempo se voló. El sol se empieza a poner sobre el mar de Punta Negra en uno de esos atardeceres que nos llenan el alma y nos remiten a la gratitud. Disfrutamos la última copa del Albariño de Las Espinas en silencio. No quedó nada por decir.

«MI LEMA ES SIMPLE: JAMÁS VENDO ALGO

QUE YO NO COMPRARÍA»

JAPCI OCAMPOS

DE LITUANIA A PUNTA DEL ESTE:

EL ANTICUARIO QUE DESAFÍA AL TIEMPO

EN EL CORAZÓN DE LA PENÍNSULA

POR

LAURA GARGANTA

La primera vez que supe de la existencia del anticuario Antiques Art Nouveau en la península, empecé a hacer un repaso mental por las calles donde me habían dicho que estaba ubicado. No podía entender exactamente dónde se encontraba, ya que creía conocer muy bien ese brazo que se mete al mar, sus calles, negocios y antiguas casas fundacionales, en contraposición a cantidades de edificios modernos y posmodernos. Pero este pequeño negocio, que se abre en una especie de pasillo hacia el fondo, está ahí solo para el que se anima a observar mejor. Es verdad, Japci Ocampos, su nuevo propietario (y con “nuevo” me refiero a los últimos 20 años, ya que el local tiene 47), abre sus puertas al público todos los años desde octubre hasta abril, pero, aun así, no pude salir de mi asombro cuando lo fui a ver en persona. “Podría ser un museo”, dijo él con un cierto dejo de pesimismo y humor, y continuó: “Seguro ganaría más, en este momento las antigüedades no están de moda”. Pero quienes apreciamos la calidad y la historia sabemos que las tendencias se evaporan, y que lo que perdura suele terminar en lugares como este, donde personas como Japci lo vuelven a ofrecer, reiniciando el ciclo vital del objeto una vez más. Desde CHARCO, nos sentamos a dialogar con su propietario una cálida mañana, para conocer en detalle cómo se mantiene durante tantos años un local de antigüedades en una pequeña ciudad balneario.

¿Cómo comenzó la historia del anticuario?

Mis abuelos huyeron de Lituania antes de que estallara la Segunda Guerra Mundial. Al llegar, mi abuelo abrió un bazar en Maldonado y empezó a comercializar antigüedades. Después, mi tío y mi mamá abrieron este comercio acá, hace 47 años. Yo nací en el año 76, en las Islas Canarias, porque mi mamá y mi papá se enamoraron en Uruguay y se fueron a probar suerte. Los primeros cuatro años de mi vida los vivimos allá, pero después regresamos e hice la escuela en Punta del Este, el secundario en Montevideo y la universidad en las Islas Canarias. Estudié Ciencias del Mar (Biología Marina) y terminé trabajando en una multinacional de ingeniería.

¿Y cómo fue que decidiste volver y trabajar en el negocio familiar?

Fueron varias cosas, pero una de ellas, por ejemplo, es que mi madre quiso abrir un negocio de antigüedades en España, así que la ayudé a abrirlo en Marbella. Yo, a su vez, dejé de trabajar en la empresa para abrir ese negocio. Después me volvió a contratar una empresa similar a la anterior, en Canarias. Mientras estaba trabajando allí, el socio de mi mamá, que era mi tío, falleció, por lo que volví para ayudar. Hablé con mi jefe y le dije que me iba a Uruguay seis meses a solucionar temas de familia y volvía, pero no volví nunca más. Me quedé, conocí a mi mujer, me enamoré y tuvimos a nuestro hijo. Desde ese momento estoy al frente del comercio, hace más o menos 20 años.

¿Cuánto de obligación familiar y cuánto de gusto por el rubro tenés hoy en día?

Mi papá falleció cuando yo era muy chico, tenía 13 años, pero mis padres ya se habían divorciado cuando yo tenía un poco más de cinco. A raíz de ambas situaciones me encargué de mi hermano y tuve que madurar más rápido de lo normal por la responsabilidad que adquirí de golpe. Consideraba que era un deber mío encargarme del negocio familiar, mantener a mi mamá y ayudar a mi hermano en sus estudios, para que todos progresáramos. Lo que quiero decir es que a mí siempre me gustaron las antigüedades, aunque no eran mi vocación, pero como dice el dicho: “el roce hace al gusto”. Empecé a profundizar en cosas a las que antes no prestaba atención. Por ejemplo, ahora adoro la joyería y me gusta ir a los museos. Si voy a París, me gusta ir al Louvre y disfrutar del arte y las esculturas. El Art Nouveau y el Art Decò marcaron una tendencia y, aunque ahora la mayoría de la juventud no lo pueda apreciar o no le genere mucho interés (y yo suene como un viejo), las cosas que se hacían antes, como se hacían antes, no se hacen más.

Antes yo no era capaz de apreciar la calidad y el diseño que tenía cada pieza en la joyería y en la porcelana; pero al final del día es como tomar un buen vino en una buena copa de cristal francés; es como degustar una cena con porcelana inglesa, con una cubertería fina y usar los posacubiertos. Sentirse de la realeza simplemente con un plato, dos cubiertos, un posacubierto y una copa de cristal. Lamentablemente, creo que es algo que se está perdiendo. Por suerte, tengo clientela que lo sabe ver y disfrutar, gente joven que también siente esa admiración por las cosas antiguas.

Fotos: Pablo Kreimbuhl

« ME ENCANTA RECORRER, SOY UN CAZATESOROS. AMO METERME EN LOS MERCADILLOS, HABLAR CON LOS COMERCIANTES, INVESTIGAR SI HAY ALGUNA SUCESIÓN EN ALGÚN PUEBLO DE PARÍS E IR. O TAMBIÉN EN ITALIA, BERLÍN. VOY VIENDO, SIEMPRE ESTOY BUSCANDO, PORQUE NUNCA SÉ QUÉ ME PUEDO LLEGAR A ENCONTRAR»

¿Cómo buscás las piezas que vas a vender?

A lo largo de los años, uno se va profesionalizando en el rubro. Al principio, buscaba solo por gusto personal, pero después te das cuenta de que tenés que buscar para los clientes y te vas adaptando a lo que quieren. Igualmente, sigo comprando cosas que me gustan a mí, eso jamás va a cambiar. En cuanto a los lugares, principalmente voy a Europa porque, además de que me tomo vacaciones, aprovecho para ir a trabajar. Disfruto con mi familia; vamos los tres, ellos se vuelven antes y yo me quedo trabajando. Acá, en Uruguay, también compro, aunque muchas de las piezas que están en mi negocio me las ofrecen en momentos en que vacían casas de familiares fallecidos, cuando se hacen sucesiones, remates. También tengo objetos en consignación, así le doy a la gente la oportunidad de no malvender sus cosas y, a su vez, que sepan que siguen siendo de su propiedad. Mañana, si cambian de opinión, las pueden venir a buscar y no perdemos ninguno de los dos. Es parte del negocio.

La ventaja de las antigüedades (como todo en la vida, supongo) es que cada comprador o coleccionista tiene su gusto particular y lo que para alguien es hermoso, para otro puede ser espantoso. También están las piezas que, para un común denominador, son lindas, por supuesto, pero yo ando en busca de cosas que les gusten a mis clientes. Por ejemplo, sé que a Juanito le gustan los cristales o que a Pepito le gustan los mármoles, y quiero complacerlos porque vienen todos los años. Es como una especie de presión que me invento para encontrarles algo que realmente les pueda gustar, aunque quizás no vengan. Es una apuesta, obvio, pero la satisfacción más grande es venderle la pieza exacta que imaginé al cliente exacto. Esas son las recompensas emocionales que me da este negocio..

¿Cuáles son tus lugares predilectos en Europa para ir a comprar antigüedades?

En realidad, las cosas que traigo de Europa para vender son pequeñitas, es decir, no traigo una estatua de mármol o de bronce, pero si encuentro una linda cigarrera con esmalte, una piecita de plata, algo delicado, cosas que no puedo llegar a encontrar acá, me las traigo. Si no, se las dejo a mi hermano en Canarias y, en sus viajes de visita, me las trae. Me encanta recorrer, soy un cazatesoros. Amo meterme en los mercadillos, hablar con los comerciantes, investigar si hay alguna sucesión en algún pueblo de París e ir. O también en Italia, Berlín. Voy viendo, siempre estoy buscando, porque nunca sé qué me puedo llegar a encontrar, y eso es lo más divertido.

¿Cuáles son los perfiles de clientes que llegan a comprar al anticuario?

Si tuviera que clasificar a los clientes de la forma más fría posible, y por la experiencia que llevo en el local, te diría que al argentino le gusta todo. Todo, todo. Desde los muebles hasta la joyería, se fascinan con todo. Es así, no hay con qué darle. Después, al brasileño le gusta más la joyería, la porcelana y el cristal. A los europeos les gustan muchas cosas, pero, por lo que conlleva viajar de vuelta cargados, se les complica. Sin embargo, si tienen casas acá, sí pueden llegar a comprar

piezas más relevantes. Ahora se usa tener en un ambiente moderno un toque antiguo, por lo que vienen a buscar ese tipo de piezas que hagan la diferencia. En cuanto a mi cliente uruguayo, en su mayoría es de campo, del interior del país, porque vendo platería gaucha autóctona.

Parecés una persona muy activa y que siempre está buscando nuevos desafíos. ¿Te dedicás a trabajar en otras cosas cuando cerrás el local hasta la próxima temporada?

Sí, siempre estoy buscando nuevos negocios. Por ejemplo, en marzo estaré en China con unos amigos que son importadores para dedicarme al e-commerce, pero no tiene nada que ver con las antigüedades. Yo tomo este negocio familiar como si fuera un depósito que abro para vender mis cosas en verano, con el amor y el trabajo que conlleva, pero es lo que tengo. En invierno, Punta del Este se para radicalmente en rubros puntuales, por lo que tengo que buscar otra fuente para mantenerme.

De las piezas que tenés en tu local, ¿cuáles son tus predilectas?

Hay tres piezas que mi madre me pidió que nunca vendiera: una fuente azul inglesa que tengo en el centro de la vidriera, que no tiene nada particular, pero la tenemos desde su madre, es decir, mi abuela; después, el perrito que sostiene la puerta y un par de candelabros que están hacia el frente, dos mujeres aladas, Art Nouveau de 1920. Son amuletos, una columna del negocio que no se va a ir nunca. Debido a eso, he tenido conversaciones muy graciosas (y hasta tensas) con clientes. En este negocio hay clientela de todos los ámbitos económicos, y hay gente que no entiende el “no”, que en esta vida no todo es plata. Con esa gente he tenido roces. Me ha pasado que me anoten un número exorbitante para la pieza en un papel, mucho más alto de lo que vale en sí, casi como si fuera una película. Eso ha generado algún problema, pero con algunos después hasta terminamos siendo amigos. Hay momentos muy divertidos.

¿Sentís algún tipo de carga emocional al trabajar con objetos que acarrean tanta historia?

Un cliente que nos compró toda la vida, y que ya está viejito, pasó a la etapa de vendernos lo que nos ha comprado muchos años atrás. Imaginá un negocio con 47 años en el mismo lugar. Había clientes que venían desde sus 40 o 50 años y ahora ya están en el momento en que me cuentan que sus hijos no quieren nada, y por eso nos venden o dejan en consignación sus “tesoros”. Cuando una persona se desprende de algo que compró con mucha pasión, puedo notar la nostalgia que produce. Es un ciclo que se cierra, que dio toda la vuelta y volvió al origen.

Mencionás que las antigüedades tuvieron un auge de moda en la década del 90, pero que ahora no pareciera interesarle a mucha gente. ¿Qué modas, más allá del flujo fluctuante de las antigüedades per se, detectás cuando vienen tus clientes?

En este tipo de negocio se puede ver perfectamente cómo vuelven las modas. Pongo como ejemplo a las perlas: siem-

pre vuelven, son un clásico. Tarde o temprano, pasan 10 o 15 años y vuelven a estar de moda, y me las compran. Después, quizás quedan estacionadas mucho tiempo. Este año, por ejemplo, tuve la grata sorpresa de recibir a jóvenes de entre 20 y 27 años que venían a comprar relojes antiguos de los años 20 y 30, con las mallas labradas en bronce y plata. Esas cosas me encantan y me dan esperanza.

Al fondo del local tenés algunos juguetes antiguos, pero dijiste que son apenas unos pocos, en comparación a los que tenés guardados, ¿qué hallazgo hiciste?

Tengo muchos juguetes antiguos porque compré una parte de una juguetería. Quería esas cosas con las que yo jugaba de chico, como el scalextric, que lo armé para mi hijo con la ilusión de hacerle sentir lo que nosotros sentíamos cuando nos tirábamos en el piso a jugar, sin tecnología. De todas formas, en nuestro rubro hay mucha apuesta, pero soy de la idea de que si compro un lote de 10 cosas y salvo dos, ya es un triunfo. Después, comercialmente, es lógico que quiera tener un rédito. Pero comprar ese depósito casi a ciegas fue como volver a la niñez, y lo compartí mucho con mi hijo.

¿Estás consciente de que hay muchísima gente que vive en Punta del Este que no sabe de la existencia de este local?

Hay un montón de gente que no tiene idea de que existimos y, cuando entran, disfrutan. Es que también somos como una especie de museo. Siempre digo lo mismo: si cobrara entrada, ganaría más como museo que vendiendo. Mucha gente entra a mirar por curiosidad. También sucede que se asocia a las antigüedades con cosas caras y, encima, estamos en Punta del Este, pero la realidad es que tengo todos los precios y para todos los gustos.

¿Te gustaría tener un lugar más grande o estás tranquilo así?

A mí me gusta el local así, creo que es el espacio justo. Intento mantener un orden, meter todo en vidrieras y vitrinas, y mantenerlo lo más limpio posible para no desprestigiar a las piezas. No es lo mismo exponer una antigüedad buena en un mantel o mesita de feria que ponerla en una vitrina Art Decò de 1920. Por eso, desarmo la vidriera cada año, saco todo, limpio, pulo y pongo las cosas de nuevo en su lugar. Restauro, arreglo, pongo a punto. Todo lleva un proceso para que la gente vea este producto final.

¿Qué le aconsejarías a alguien que sueña con tener su propia casa de venta de antigüedades?

Me cuesta aconsejar porque yo vine a ayudar a mi familia a encargarse de esto y después todo se fue desarrollando para que perdurara y siguiera en este rubro. Pero creo que si no tenés pasión por lo que comprás, tampoco vas a tener pasión a la hora de venderlo. No es lo mismo que yo pretenda vender una pieza diciendo: “Una pieza de mármol”, a decir: “Mirá qué pieza de mármol, qué diseño, qué arte, de tal año y de tal corriente artística”. El diferencial va a estar dado por cuánto te apasiona lo que hacés. Después, es fundamental moverse, recorrer mercadillos, ir a sucesiones, a remates, hablar con gente y, si se tiene la oportunidad de viajar, buscar en otros lugares. Culturalmente, sirve para aprender cosas nuevas. Yo he cometido miles de errores mientras aprendía y, en estos rubros, los errores son dinero. Es decir, comprar cosas que pensaba que eran una baratija y que terminaran siendo muy valiosas, o completamente al revés. Es una apuesta constante. Supongo que, como en todo en la vida, hay que moverse por lo que uno quiere lograr. Y cuanta más pasión tengas, mejor te irá.

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LUXURY UNPLUGGED

THE COLETTE FARM

En 2025 llega al mercado de los desarrollos premium un nuevo proyecto del reconocidísimo The Colette Group. Luego de la experiencia en The Colette Residences y Beach, a tres kilómetros de José Ignacio, el grupo conducido por Marcelo Devitta y Juan Ball, con los aportes invaluables de Federico Álvarez Castillo y Nacho Ramos, desembarca para redefinir José Ignacio con The Colette Farm.

Un proyecto que reúne la cercanía de una ubicación privilegiada con la contemplación de la naturaleza en todo su esplendor. Dentro de un campo quebrado, con ondulaciones naturales y espejos de agua, donde la naturaleza es la verdadera protagonista, los desarrolladores y el Estudio Ramos se propusieron conservar esa majestuosidad natural lo más intacta posible. Entre quebradas, lagunas y coronillas, The Colette Farm propone un conjunto hiperexclusivo de 25 maravillosas chacras de tres hectáreas.

The Colette Farm es un proyecto pensado para mirar a la naturaleza de manera plena, en un entorno con vistas bellísimas, inmensas, variadas y cercanas.

Por las dimensiones del campo, se podría haber pensado en una propuesta con muchos más lotes, pero

esa no era la idea de los creadores de The Colette. Lo que los entusiasmaba era desarrollar un proyecto con menor impacto, privilegiando el espacio, el sentido de pertenencia y la exclusividad.

Después de las experiencias de Colette Residences y Colette Beach, el grupo desarrollador quiso llevar el concepto The Colette a otro territorio y a otro formato. En lugar de apartamentos de lujo sobre el mar, este proyecto propone chacras para construir casas unifamiliares que convivan al máximo con la belleza del lugar y preserven lo existente. En The Colette Farm, como en los proyectos anteriores, la presencia del agua es una insignia.

La arquitectura singular y vanguardista, producto de la simbiosis entre The Colette Group y el Estudio Ramos, se hará presente en las áreas comunes, con amenities que deslumbrarán a los privilegiados 25 dueños de este pequeño paraíso a solo tres minutos de José Ignacio.

The Colette Farm es la mejor expresión de esa mezcla única entre campo y mar que hace que José Ignacio sea, desde hace mucho, el reducto elegido por la crème de la crème.

THE COLETTE FARM

DEVELOPER THE COLETTE GROUP

Superficie y Master Plan: 25 chacras de tres hectareas

Amenities Premium

Seguridad 24 horas y todos los servicios

Director de obras Ing. Carlos Marasco

Comercializa The Colette Group y Antonio Mieres

Ventas: (+598) 94 735 553

SO/ PARIS

ARTE, MODA Y DISEÑO EN UN HOTEL ICÓNICO A ORILLAS DEL SENA

Ubicado en el vibrante barrio del Marais, en la encrucijada de la moda, el arte y la historia parisina, SO/ Paris redefine la hospitalidad contemporánea con una propuesta que entrelaza diseño de vanguardia, lujo y una inmersión total en el estilo de vida de la capital francesa. Este hotel, insignia de la prestigiosa colección de Ennismore, se ha convertido desde su inauguración en 2022 en un referente del diseño y la sofisticación, atrayendo tanto a viajeros como a creativos de todo el mundo.

UNA ARQUITECTURA CON LEGADO

El edificio que alberga SO/ Paris data de 1966 y originalmente funcionaba como oficina municipal. Su transformación en un refugio de lujo estuvo a cargo de RDAI, el estudio de arquitectura responsable de las icónicas boutiques de Hermès, garantizando un diseño que equilibra la historia con la modernidad. El interior del hotel se inspira en los orígenes de París y su relación con el Sena, integrando elementos orgánicos, materiales nobles y una paleta cromática que evoca la ciudad en sus distintas facetas: clásica, vibrante y contemporánea.

Los espacios del hotel están concebidos para crear una sensación de fluidez y movimiento, con grandes ventanales que enmarcan las vistas del Sena y permiten una interacción constante entre el interior y el exterior. Los acabados en piedra natural y madera aportan calidez, mientras que los toques metálicos y el mobiliario de diseño refuerzan su identidad sofisticada. Cada habitación ha sido diseñada con un enfoque minimalista pero elegante, donde la iluminación indirecta y los reflejos del agua juegan un papel clave en la atmósfera del espacio.

UN HOMENAJE AL ARTE Y LA MODA

Desde su concepción, SO/ Paris ha apostado por la creatividad en todas sus expresio-

nes. La moda es un pilar fundamental, con los uniformes del personal diseñados por Guillaume Henry, director creativo de la maison Patou, y con colaboraciones anuales con firmas emergentes y consagradas. El arte también ocupa un lugar central en la propuesta del hotel: cada espacio está curado con piezas que dialogan con la ciudad y su efervescencia cultural, consolidándolo como un destino imprescindible para los amantes del diseño y la estética parisina.

EXPERIENCIAS SENSORIALES

SO/ Paris ofrece mucho más que alojamiento. Su restaurante y bar, gestionados por Paris Society, llevan la hospitalidad francesa a un nuevo nivel, fusionando gastronomía de autor con una ambientación que seduce los sentidos. Además, el hotel cuenta con un exclusivo espacio de bienestar con cabinas de tratamiento de Maison Codage, la firma francesa de skincare que combina ciencia y lujo.

Pero si hay un rasgo que distingue a SO/ Paris, es su privilegiada ubicación y las vistas incomparables de la ciudad. Desde sus ventanas, París se despliega en un espectáculo de luces y arquitectura, confirmando que este hotel no solo es un punto de encuentro para diseñadores y viajeros, sino también un tributo a la esencia misma de la capital francesa.

« DESDE SUS VENTANAS, PARÍS SE DESPLIEGA EN UN ESPECTÁCULO DE LUCES Y ARQUITECTURA , CONFIRMANDO QUE ESTE HOTEL NO SOLO ES UN PUNTO DE ENCUENTRO PARA DISEÑADORES Y VIAJEROS, SINO TAMBIÉN UN TRIBUTO A LA ESENCIA MISMA DE LA CAPITAL FRANCESA»

BASADO EN HECHOS REALES

ARGENTINA 1985

El actor Ricardo Darín y el exfiscal Luis Moreno Ocampo compartieron en el Parador La Huella reflexiones sobre la historia real que inspiró la película que los une.

« EL CINE TIENE ALGO MUY BUENO, NOS HACE VIAJAR LEJOS [...] HUMANAMENTE SOMOS TODOS MUY PARECIDOS, AUNQUE CREAMOS QUE TENEMOS TANTAS DIFERENCIAS» RICARDO DARÍN

En una tarde de verano en José Ignacio, un encuentro impensado reunió a dos figuras claves del otro lado del charco. Ricardo Darín, protagonista de la película Argentina 1985, y Luis Moreno Ocampo, exfiscal y personaje real detrás de la historia que inspiró el guion, coincidieron en el Parador La Huella para compartir una charla que mezcló reflexión, anécdotas y emoción.

Argentina 1985, dirigida por Santiago Mitre, relata los esfuerzos del fiscal Julio César Strassera (interpretado por Darín) y el fiscal adjunto Luis Moreno Ocampo (representado por Peter Lanzani) por condenar a los responsables de la dictadura cívico-militar en Argentina. En ese contexto, los protagonistas de la ficción y la realidad ofrecieron sus perspectivas sobre cómo se construyó la historia, los desafíos del rodaje y los sentimientos que despertó la película en la audiencia.

En cuanto al proceso de adaptación de los hechos reales a la pantalla, Moreno Ocampo se refirió a que tuvo que entender la diferencia entre una historia de ficción y una película documental. En ese intento debió aceptar que “el cine es una forma de articular ideas” y que, por lo tanto, no puede contemplar todos los hechos que sucedieron en la realidad.

Darín coincidió en la importancia de diferenciar entre una ficción y un testimonial, advirtiendo sobre la confusión que a veces se produce a la hora de interpretar. “Esta es una película de ficción basada en un hecho real, por lo que el director y el guionista tienen el derecho de hacer que la modulación de la historia pase por dónde tenga que pasar”.

Sobre la experiencia interpretando a Julio César Strassera, Darín reflexionó: “Lo que ocurrió con Julio fue que un hombre de familia, golpeado por lo que pudo y no pudo hacer, de repente se vio enfrentado a la necesidad de llevar adelante semejante empresa, cuando no existían garantías políticas para hacerlo”. También destacó la relación entre Strassera y su hijo, un vínculo que, según él, fue fundamental para dar un giro hacia el futuro, línea narrativa que él mismo se dedicó a cuidar.

Por su parte, Moreno Ocampo recordó con claridad aquellos días de trabajo intenso. “Recuerdo que un General se acercó a mí y me dijo: ‘Nosotros hicimos lo que hicimos porque estábamos luchando por la libertad y la democracia’”, relató. “Le respondí que cómo se podía luchar torturando y matando, y su

respuesta fue: “’Esos son nuestros valores, ellos son el enemigo’”. Esta anécdota ilustró la visión que los represores tenían sobre la violencia que desataron durante la dictadura.

La película no solo rescató la historia de un juicio que marcó la historia reciente argentina, sino que también logró conmover a los jóvenes que, aunque no vivieron la dictadura, se sintieron interpelados por la lucha por la justicia. Citando la frase “la guerra se libra primero en el campo de batalla y luego en la memoria”, el exfiscal afirmó que Argentina 1985 permitió que se actualice la revisión del tema del pasado violento a las nuevas generaciones.

Siguiendo este concepto, Darín explicó: “El cine tiene algo muy bueno, nos hace viajar lejos”, refiriéndose a cómo una historia local puede tener un impacto global. “Podemos contar una historia pequeñita de una familia del Chuy que, si tiene la suerte de viajar lejos, va a encontrar réplicas en cualquier parte del mundo”. Y agregó: “Humanamente somos todos muy parecidos, aunque creamos que tenemos tantas diferencias”.

Ambos, Darín y Moreno Ocampo, compartieron también su reflexión sobre una de las controversias más discutidas: la ausencia del presidente Ricardo Alfonsín en la película. “Creer que no haber puesto a Alfonsín en las manos de un actor fue una falta de respeto, es un error cinematográfico”, opinó Darín; mientras que Moreno Ocampo justificó esa decisión al explicar que la ausencia de Alfonsín en el film expone su grandeza de no haber interferido con la independencia de los fiscales y los jueces.

Lo que también quedó claro en la charla fue el impacto que el proceso judicial dejó en los involucrados. Según Moreno Ocampo, el juicio de 1985 fue una experiencia profundamente humana para todos los que participaron.

Darín, por su parte, relató cómo las emociones se apoderaban del set en cada toma, especialmente en la grabación de la emblemática escena final del alegato de Strassera, que se rodó más de 20 veces. “La energía que había en el set no era para nada normal. Y creo que fue un reflejo de lo que después causó la película en las audiencias”. La escena logró representar la magnitud de lo que se estaba interpretando y, sobre todo, la importancia de una historia que, aún décadas después, sigue conmocionando a todos.

EL ARTE COMO MAPA EMOCIONAL

ENTREVISTA A NATALIA ORLOWSKI

POR AGUSTÍN LEONE

La entrevista ocurre en el Café del Tesoro y su local de decoración adjunto, 3 Mundos. De algún modo, parece que el lugar la representa y tiene algo que ver con ella y con su arte. Rubia, vestida de negro, con mirada limpia, sonrisa fresca y carcajada contagiosa, llega Nat Orlowski para contarnos más sobre su obra y su vida.

Fotos: Arturo Aguiar

«NADA ES INOCUO EN NUESTRO INTERIOR, TODO ES ENERGÍA Y ESA ENERGÍA GENERA UN MOVIMIENTO Y UNA MARCA. UN MAPA. MI

OBRA TRATA DE RETRATAR Y COMUNICAR ESE MAPA EMOCIONAL » NATALIA ORLOWSKI

Su vínculo con Punta del Este y con el arte se remonta a la época de sus abuelos y a algún título nobiliario que la hace ser la nieta del conde polaco Carlos Orlowski. Habitué de Punta casi desde la cuna, pasó sus veranos entre los míticos edificios Península y Vanguardia hasta recalar en la casa de Montoya, su reducto familiar desde hace casi 20 años. Hoy sus obras se exponen en el Paseo de las Artes del emblemático Palacio Duhau y, en Punta del Este, en distintas galerías boutique o tiendas como Lavanda de Bea Pereira en La Barra. Para Nat, Punta del Este parece ser el lugar en el que mejor logra combinar arte, familia, placer y descanso.

Su proceso creativo empieza en las entrañas, desde lo emocional. “Me invade y me atraviesa”, me cuenta. “Tiene profunda raíz en mis emociones y mi vida. Trato de estar disponible para que la obra suceda”, agrega. Hablar de su arte la conmueve y, de algún modo, también me conmueve a mí.

Hace una pausa larga cuando le pido que describa su obra. Después de la pausa, su tono cambia, mostrando que hablar de su arte es hablar de su vida y de su profundidad. “Tengo distintas etapas que reflejan y expresan diferentes momentos físicos y espirituales de mi vida. Creo que mi obra es un resultado de mi interior y de las distintas búsquedas que voy transitando”.

Es placentero escucharla hablar. Lo hace pausado, con un dejo de media sonrisa y ojos vidriosos. Continúa: “Podría decir que mucho de lo que pinto tiene simbología femenina, sensual y conceptual. Los abstractos dicen más que los figurativos, pero los figurativos aluden a lo espiritual. Son una suerte de oración en el oficio y el tiempo que implican”.

La emoción, el alma, la búsqueda, lo espiritual parecen ser parte constitutiva de su arte. Profundizamos y le preguntamos por un término recurrente en su obra que nos llama la atención y nos obliga a preguntar.

Fotos: Pablo Jantus

“Los registros son la información que tiene nuestra alma al nacer”, nos explica. “Digo yo que accedo a través de mi arte a una suerte de conocimiento con el que espejo la vida misma. Todo lo que nos pasa emocionalmente deja un registro o un mapa en nosotros y nuestro ser. Es un rostro emocional con el que vamos viviendo”. Le gusta el tema y amplía: “Nada es inocuo en nuestro interior, todo es energía y esa energía genera un movimiento y una marca. Un mapa. Mi obra trata de retratar y comunicar ese mapa emocional”.

“Mis obras son enormes y trato de convertirme en un canal para que la obra suceda. Los materiales que uso—los pigmentos, las lacas, los acrílicos, la tinta china, el agua, el sol y la luz de la luna—se mueven, danzan y van reflejando el proceso de estar viva. En el secado de mi obra interviene y decide la naturaleza, ya que todo el proceso transcurre a la intemperie. Mi obra sorprende y me sorprende”. Se dice generosa con la vida y le creo. Hay generosidad en su manera de comunicar y de expresarse. Vamos llegando al final y el lugar se ha vuelto algo más silencioso.

¿Quién es Natalia Orlowski? “Mujer, artista, madre de cinco, hija, amiga, un poco chamana y un poco inocente. Una mujer de 51 años que pinta desde los 17 y es madre desde los 27. Amo hacer, pensar y vivir con arte. Soy curiosa y tengo avidez de conocimiento y de conexión. Me hago las preguntas que todos nos hacemos: de dónde venimos, quiénes somos y adónde vamos. Mi arte son mis preguntas y mi búsqueda. Yo soy eso. Mi búsqueda y mi tránsito”.

La respuesta tiene mucho que ver con ella. Sonreímos. Pagamos. Nos vamos.

ARTISTA EN FOCO

POR PÍA SUSAETA

Santiago García (Montevideo, 1974). Si bien tiene formación en cerámica, dibujo y grabado, tanto en Uruguay como en España, destacan sus pinturas que abarcan desde una figuración prácticamente hiperrealista hasta sus últimos trabajos sobre la Antártida, en donde logra una síntesis de abstracción muy potente. García ha realizado numerosas muestras en Uruguay, pero su carrera se ha forjado principalmente en el exterior, representado por varias galerías internacionales.

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PROYECTO ULTRAMAR

LA CRIANZA SUBMARINA DE VINOS EN JOSÉ IGNACIO

UN INNOVADOR EXPERIMENTO QUE FUSIONA EL VINO CON LA ESENCIA DEL OCÉANO

A 15 metros de profundidad en el Atlántico, productores uruguayos impulsan el “Proyecto Ultramar”, experimentando con botellas de vino conservadas bajo las aguas de José Ignacio. Las botellas se sumergen en jaulas de acero inoxidable abiertas, en una logística compleja que involucra barcas de pescadores y buzos profesionales. Uruguay fue pionero en la región en la crianza de este tipo de vinos, después de que, en plena pandemia, la bodega impulsara este proyecto con la intención de profundizar su vínculo con el mar. Cada año se sumergen unas 120 botellas, que permanecen en contacto con el agua por cuatro meses. Sin embargo, debido a que el proyecto aún se encuentra en etapa experimental, la tasa de conservación no es totalmente efectiva: en la última extracción se descartó el 50% de las botellas, y en alguna ocasión se perdieron jaulas enteras en las profundidades.

EL CHEF DETRÁS DEL MENÚ

Mariano Carlucci, argentino oriundo de Rafaela, Santa Fe, tiene 28 años y estudió gastronomía en el Colegio de Cocineros Gato Dumas en Rosario. Inició su trayectoria en 2018 con una pasantía en el restaurante Mostrador Santa Teresita junto a Fernando Trocca. Luego, viajó a Montauk, Nueva York,, para trabajar como cocinero de línea en el Mostrador de Montauk, continuando su formación con diversas técnicas y productos internacionales.

En Uruguay, trabajó en Mostrador Santa Teresita bajo la dirección de Stefano Mastracchio y Fernando Trocca, y luego se desempeñó en el restaurante El Preferido de Palermo, reconocido en los “50 Best Latin America”. En 2023, asumió el rol de chef en Mostrador Bodega Oceánica José Ignacio, donde sigue desarrollando una propuesta culinaria basada en el respeto por los productos locales y su estrecho vínculo con el mar.

UN PROYECTO DE VANGUARDIA

La primera experiencia de crianza submarina de vinos en Uruguay comenzó en 2020 como una iniciativa de Bodega Oceánica José Ignacio para elevar su concepto de bodega con un sello de mar. A partir de una fase de investigación teórica y experimentación práctica, lograron implementar esta innovadora técnica sin antecedentes en el país.

El proceso implica sumergir las botellas en jaulas de acero inoxidable abiertas, permitiendo su contacto con el agua. Gracias a la colaboración de actores locales, el equipo utilizó un catamarán remolcado por un barco de pescadores para trasladarlas y un equipo de buzos se encargó de la logística de inmersión y extracción.

El resultado teórico es una aceleración del proceso de crianza en botella hasta tres veces mayor. Un vino con 60 días en el mar se asemeja, a nivel sensorial, a un vino que se mantuvo en una cava por 180 días, con una clara evolución positiva. Además, las botellas desarrollan una estética particular, cubiertas de crustáceos que dan testimonio de su viaje submarino.

LA CRIANZA SUBMARINA Y SU IMPACTO EN EL VINO

La crianza submarina tiene como principal particularidad que las botellas están en contacto directo con el agua salada. Factores como la baja temperatura, las corrientes marinas y la presión a esa profundidad generan un proceso de crianza acelerado, que en algunos casos puede ser hasta tres veces más rápido que el tradicional.

Los vinos obtenidos tras este proceso presentan una evolución sensorial notable, reflejando la interacción única con el océano. El resultado es un vino con una complejidad particular, caracterizado por aromas salinos y una clara influencia del terroir marino.

UN MENÚ CON SABOR A MAR

Para celebrar el último tramo de la vendimia, el restaurante Mostrador Bodega Oceánica, gestionado por Bambou Pittaluga, organizó por primera vez una cata de vinos de ultramar en un evento exclusivo. La propuesta incluyó una degustación gastronómica a cargo del chef Mariano Carlucci, quien representa a una joven y talentosa generación de nuevos chefs al frente de las cocinas esteñas.

El menú, inspirado en el océano y en la esencia del “Proyecto Ultramar”, incluyó ingredientes como salicornias recolectadas en las rocas de la zona donde se sumergen las botellas. Como homenaje a la relación entre la gastronomía, el mar y el vino, se presentaron platillos como pakoras de algas con alioli de limón en conserva, kofta de cordero con hierbas frescas y camarones al ajillo. El plato principal fue una paella de camarones, maridada con Albariño de ultramar.

I’MARANGATÚ

UN PARAÍSO GASTRONÓMICO

RODEADO POR LA

TRANQUILIDAD DEL AGUA

POR ROSANA DECIMA

Ubicado en la parada 7 de la Playa Mansa de Punta del Este, Imarangatú se ha consolidado como uno de los paradores más emblemáticos de Uruguay, con una vista privilegiada, un firme compromiso con el medio ambiente y una propuesta gastronómica con personalidad. Más allá de ser un punto de encuentro para turistas y locales durante todo el año, es un refugio para los sentidos, donde la buena cocina, el bienestar y la sostenibilidad se entrelazan, con la paz del mar de fondo. Su nombre, “Imarangatú”, significa precisamente eso en guaraní: aguas tranquilas.

UN ENFOQUE RESPONSABLE

I’marangatú es un ejemplo de cómo las empresas del sector pueden liderar el cambio hacia un modelo más sostenible. Desde hace años se centran en cuidar el entorno que los rodea, una misión que los ha llevado a implementar una serie de medidas innovadoras en su infraestructura. Con más de 100 paneles fotovoltaicos, el 40% de la energía que consumen proviene del sol. Esto ha permitido la implementación de soluciones como potabilizadoras de agua, calentadores solares y cargadores de vehículos eléctricos.

Uno de los aspectos que más resalta de su compromiso con el medio ambiente es su sistema de limpieza de la playa. Cuentan con una máquina especial que se encarga de oxigenar y limpiar la arena, retirando plásticos, colillas de cigarrillos y otros desechos que son altamente perjudiciales para el ecosistema costero. Este proceso se realiza semanalmente, asegurando que el parador mantenga sus estándares ecológicos.

El esfuerzo por hacer de I’marangatú un referente en sustentabilidad fue reconocido en 2023, cuando recibieron el Premio a la Eficiencia Energética del Ministerio de Industria, Energía y Minería (MIEM) en la categoría de Medianas Empresas. Esta distinción resalta su labor para cuidar el entorno natural, no solo en términos de consumo energético, sino también a través de prácticas que benefician a la comunidad. Además, el parador apuesta por productos locales y orgánicos. En su cocina, se prioriza la compra de ingredientes provenientes de productores de la zona. Esto no solamente contribuye a una menor huella de carbono, sino que también apoya la economía local y permite ofrecer un producto fresco y de alta calidad. Es decir, todos ganan.

LA PROPUESTA GASTRONÓMICA: UN ESPECTÁCULO DE SABOR

Si bien I’marangatú es reconocido por su compromiso ecológico, el punto fuerte que cautiva a los visitantes es su propuesta gastronómica. A cargo del chef Matías Sanjurjo, quien lleva más de ocho años al frente de esta cocina, han logrado equilibrar la calidad con la cantidad sin perder la sofisticación.

En decir de Sanjurjo, “la palabra parador ya le queda chica” al lugar, porque la infraestructura y los recursos disponibles permiten brindar una gastronomía de alto volumen pero muy cuidada, precisa y elegante. “Nuestro nicho es la masividad. Tenemos que sacar platos con velocidad, pero siempre cuidando el sabor, la presentación y la calidad”, explicó. En un día normal de verano, sirven hasta 2000 cubiertos, pero cada preparación se hace con la misma atención al detalle.

El desafío de manejar tal cantidad de pedidos y mantener el nivel es lo que impulsa a Sanjurjo a seguir perfeccionando su estilo. “Hacemos 2000 cubiertos, pero los hacemos bien. Aquí todo es un ritual, y el equipo lo siente. Es como darle play a una sinfonía gastronómica. Si no hay alma en

la cocina, todo eso se pierde”, reflexionó, dejando en claro que, a pesar de la magnitud del servicio, no se sacrifica ni un ápice en la calidad.

Su enfoque hacia la gastronomía se caracteriza por una filosofía que prioriza la simplicidad en los sabores, la precisión en la preparación y una apuesta constante por los ingredientes frescos. Su cocina se distingue por el mayor uso posible de productos que llegan directo de las manos de proveedores locales. La pesca fresca es el plato más demandado, pero la carta es extensa y hay para todos los gustos y momentos del día, como por ejemplo las opciones saludables ideales para las mañanas: bowls de matcha, jugos detox y desayunos proteicos, todos alineados con las tendencias de bienestar y nutrición consciente.

“Tratamos que la carta sea ágil y dinámica, con productos de buena calidad. Buscamos lo mejor para nuestros clientes, sin elevar los costos innecesariamente”, comentó el chef, resaltando la importancia de una carta que funcione tanto para los comensales como para la rentabilidad del parador.

UN EQUIPO UNIDO Y CON VISIÓN

La cohesión del equipo de I’marangatú es otro de los pilares que sostiene el éxito del parador. Con más de 60 personas trabajando en la cocina y un total de 150 empleados durante la temporada alta, Sanjurjo destaca la importancia de la lealtad y el compromiso del personal. “Lo más importante es abrazar una filosofía culinaria. Una vez que sabés qué querés cocinar y cómo hacerlo, es cuando todo encaja”, señaló, subrayando que la clave para que el equipo funcione es tener claro el objetivo y ser coherentes con esa visión.

Con su estilo, Sanjurjo ha logrado transformar un lugar que comenzó como un parador de playa en una auténtica referencia gastronómica. A través de su propuesta llena de sabores, su compromiso con el medio ambiente y el bienestar, y su habilidad para liderar a su equipo, I’marangatú se ha consolidado como un destino que no solo busca satisfacer el apetito, sino también nutrir el cuerpo y el alma.

UN ESPACIO

PARA EL BIENESTAR

I’marangatú no es solo un lugar para disfrutar de buena comida, sino también un refugio para aquellos que buscan equilibrio y bienestar. Además de su propuesta gastronómica, el parador ofrece una boutique con productos confeccionados de manera ecológica, utilizando telas orgánicas y fibras naturales. En línea con su filosofía de salud y cuidado personal, en los meses de verano también se llevan a cabo actividades como clases de Silent Yoga, una experiencia integral de relajación y conexión con el entorno.

Con todo esto, I’marangatú es uno de los sitios destacados de Punta del Este al que siempre vale regresar, por su gastronomía y también por su propuesta integral que es disfrutable con todos los sentidos.

« EL PARADOR APUESTA POR PRODUCTOS LOCALES Y ORGÁNICOS. EN SU COCINA, SE PRIORIZA LA COMPRA DE INGREDIENTES PROVENIENTES DE PRODUCTORES DE LA ZONA. ESTO NO SOLAMENTE CONTRIBUYE A UNA MENOR HUELLA DE CARBONO, SINO QUE TAMBIÉN APOYA LA ECONOMÍA LOCAL Y PERMITE OFRECER UN PRODUCTO FRESCO Y DE ALTA CALIDAD»

Fotos: Pablo Kreimbuhl

COCINAR, ESCRIBIR, CREAR: EL ARTE DE MATÍAS SANJURJO

El fuego crepita, las manos crean, los sabores se entrelazan. En la cocina de I’Marangatú Beach, Matías Sanjurjo no solo cocina, también escribe. Sus versos emergen entre ingredientes, se mezclan con el aroma de especias y encuentran su propia alquimia en el vaivén de los fuegos.

“Cuerpos cansados y valientes / ya ni sienten, ya no mienten”, escribe Sanjurjo en su poema A la Vista. En estas líneas se dibuja la vida de una cocina, la resistencia del que crea y la crudeza honesta del oficio. Como en la gastronomía, su poesía es visceral, real y profundamente sensorial.

Nacido en Montevideo hace 41 años, Sanjurjo ha recorrido un extenso camino entre los sabores y las texturas. Su carrera inició en Costa Brava de La Pedrera y siguió por espacios icónicos como Rara Avis en el Teatro Solís, Estancia Vik y La Susana. En Nueva York, su paso por Blue Hill afiló su visión gastronómica, y en Uruguay, dejó su impronta en Alquimista, Sacromonte y, hoy, en I’Marangatú Beach.

Su cocina es un viaje, un mapa de sensaciones donde los colores y las texturas se anticipan a los sabores. “Es en un plano abstracto donde veo las combinaciones de platos”, dice. En esa dimensión visual, casi pictórica, cada ingrediente encuentra su lugar antes de cobrar vida en el plato. Es una cocina que respira arte, donde la intuición guía el equilibrio entre la estética y el gusto.

La identidad culinaria, como la poesía, se descubre en el tiempo. Para Sanjurjo, encontrar y abrazar una línea de trabajo es fundamental. Solo cuando el estilo está consolidado, la cocina cobra su estructura ideal. Bajo esta premisa, ha desarrollado una propuesta donde la técnica y la creatividad se cruzan en armonía, y cada plato cuenta una historia. Pero más allá de los platos, hay un propósito. “Tenemos sueños, tene -

mos metas, tenemos un pasado que nos enseñó y fortaleció”, afirma. Con esta mirada, su presente se construye con convicción, y su futuro se proyecta como una confirmación de estilo y vocación.

Desde niño, la poesía fue su refugio. Su primera incursión en la escritura surgió de la pérdida, un intento por darle forma al dolor de perder a su hermano. Con los años, la poesía se convirtió en un vehículo para expresar lo que la cocina le hace sentir. Habla de momentos, de emociones potentes que solo el calor de los fogones puede despertar. “Hoy mi profesión me llena de estados, sensaciones tan viscerales que me motivan a expresarme y darle cuerpo a vivencias genuinas del día a día dentro de una cocina”, explica. Así nació su concepto de “poesía gastronómica”.

Si su cocina tuviera una paleta de elementos esenciales, estos serían sus matices: carne roja, coriandro, salsa thai, negroni, canela y dorado. Elementos que, como en sus versos, hablan de fuerza, especias inesperadas y un equilibrio entre intensidad y profundidad.

En su camino, admira a colegas que desafían los límites. Ignacio Mattos es uno de ellos, por su capacidad de trascender y construir una identidad propia en el exterior. También sueña con sentarse en Diverxo, el restaurante de David Muñoz, por su audaz visión de una cocina sofisticada y provocadora. Pero cuando la jornada se vuelve larga y el hambre aprieta, elige lo simple, lo auténtico: una pizzería de barrio, una porción de pizza al metro, un buen fainá de orillo. Ahí, en la sencillez, también se encuentra la poesía. Matías Sanjurjo es un chef que crea con fuego y escribe con instinto. Sus platos y sus versos comparten una misma esencia: la búsqueda de algo genuino, algo que hable de verdad y de emociones que, como un buen plato, quedan grabadas en la memoria.

THE PHOTOGRAPH

Elaiza Pozzi

Invertí

y cohabitá los lugares naturales más increíbles del mundo

Sé parte de un innovador modelo de conservación habitable en la Patagonia Chilena y Uruguay.

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