REVISTA ZIN BLOKEO

CARTA AL EDITOR

Zin Blokeo es una revista que tiene como propósito apoyar y servir de inspiración a las mentes creativas que enfrentan el desafío del “bloqueo creativo”. Este proyecto innovador busca brindar orientación y motivación a aquellos que necesitan superar este obstáculo, al mismo tiempo que busca ofrecer referencias y fuentes de inspiración para generar nuevas ideas. Es un objetivo necesario en este mundo digital en el que la creatividad juega un papel fundamental en el desarrollo de nuevas ideas y soluciones.

La Revista está diseñada para convertirse en una fuente de enriquecimiento tanto para los diseñadores como para aquellos que no lo son. La posibilidad de aprender y adquirir conocimientos sobre el trabajo creativo realizado por otros diseñadores profesionales es una oportunidad valiosa que seguramente atraerá a muchas personas.

Los amplios temas que Zin Blokeo abordará, tanto en diseño como en cultura, es un aspecto prometedor de esta publicación, al combinar la creatividad del diseño gráfico con la exploración de la diversidad cultural, el contenido será variado y cautivador, que abarcará diferentes aspectos relacionados con el diseño, el arte, la moda y mucho más, será un manantial de inspiración para sus lectores.

La inclusión de un personaje que se desarrollará a lo largo de las páginas de la revista es un nuevo enfoque que permitirá a los lectores seguir la revista de una manera amena y agradable. Esta idea es única y seguramente generará intriga y entusiasmo entre los lectores, incentivándolos a continuar cada página de la revista.

La utilización del estilo gráfico del collage porque el collage permite la creación de composiciones atractivas y sorprendentes. De seguro esta elección posicionara a la revista como la mayor exponente de diseño y cultura en la ciudad de Arequipa

Zin Blokeo, por su enfoque innovador y apasionado hacia el mundo del diseño y la creatividad, se convertirá sin duda, en una fuente infinita de conocimiento y motivación para aquellos que buscan superar ¨el bloqueo creativo¨ y explorar nuevas ideas del diseño en general.

TRES TRAZOS

SOBRE Z

Z es nuestro compañero fiel que nos guiará a traves del recorrido de la revista

Su nombre nace del comando CTRLZ que es el salvavidas de todo diseñador en su proceso creativo.

Hola! Nosotros somos 3trazos, te preguntarás por qué nos llamamos así, es simple, es por el número 3 el cual se relaciona con el crecimiento y el avance y por que trazos? Porque somos estudiantes de diseño gráfico lo cual cada día hacemos un trazo sea grande o pequeño.

Ahora bien, te explicaremos sobre el propósito de la creación de la revista, nosotros queremos compartirte ideas que te inspiren, te informen y que te cautiven.

Somos estudiantes de diseño gráfico como lo mencionamos antes, somos chicos que queremos ayudar a otros creativos que comienzan por este recorrido.

Z tiene muchas formas de proyectarse a si mismo, en diferentes estilos, colores y formas, lo que le parezca mejor.

Hola, me llamo Z.

COMO ESTAMOS EN EL MERCADO LABORAL

Una tendencia que llevamos viendo los últimos años y sigue creciendo, lo podemos ver en los nuevos diseños.

EXPLORANDO EL MUNDO Y LAS POSIBILIDADES DE las ilustraciones 3D

Descubre la increíble versatilidad y creatividad que ofrece el diseño 3D. Desde sus aplicaciones en diversas industrias hasta las opciones de software disponibles

El 3D es una nueva herramienta que se viene utilizando en el diseño digital. Los resultados de su aplicación son de gran calidad y ofrece múltiples posibilidades por lo que es muy solicitada y utilizada. Mediante el 3D se puede representar, cambiar, reinventar o crear una nueva realidad. Cada vez más aparecen nuevos programas de modelado 3D.

Esta técnica es muy versátil, creativa y artística. No solo podemos componer, colorear y utilizar formas. Con el diseño 3D podemos hacer uso de otros elementos como la luz, texturas, dar una sensación de volumen y movimiento a las ilustraciones.

El modelado 3D está en ascenso. Su estilo es el preferido de muchas marcas como Huawei, Apple, Instagram, Google o Facebook que vienen haciendo uso de esta tendencia gráfica en sus publicaciones y campañas publicitarias.

¿Qué son las ilustraciones 3D?

Las ilustraciones 3D son gráficos en tres dimensiones que nos proporcionan un estilo único, original y detallado en la creación de objetos, escenarios, personajes. Estas imágenes tridimensionales presentan detalles que se asemejan mucho más a la realidad en comparación con las ilustraciones 2D.

En el diseño 3D existen dos fases importantes. La primera se refiere al diseño en sí, es necesario crear la imagen mediante la recopilación de información, realizar bocetos y dibujo final. La segunda fase es el concepto de 3D, transformar la imagen 2D en un objeto tridimensional.

¿Qué podemos hacer con ellas?

Las Ilustraciones 3D, son de gran utilidad. Se usan en diversas áreas laborales, educativas y de entretenimiento:

• Cine y televisión: animaciones en 3D, películas animadas

• Arquitectura: animación arquitectónica, diseño de un edificio en 3d, decoración, diseño mobiliario, etc.

• Industria del entretenimiento, por ejemplo, los videojuegos, efectos especiales.

• Ingenierías, cómo, por ejemplo, el diseño de estructuras para ingeniería civil.

Las ilustraciones 3D son muy efectivas para comunicar ideas y conceptos, y muy útiles para explicar historias y hechos históricos.

¿Cómo se realiza una Ilustración 3D?

El ilustrador gráfico construye las imágenes a partir de polígonos que puede transformar, cambiar y dar forma según el proyecto que desee realizar. Para realizar un arte determinado se siguen varias fases:

• Modelado: en esta fase se produce la creación de las mallas 3D para crear las formas. Se utilizan programas especializados, como Maya, Autodesk, Cinema 4D y Blender.

• Texturizado: en esta fase se busca la simulación de materiales reales.

• Iluminación: en este punto se procedería a colocar fuentes de luz en una escena 3D.

• VFX: se procede a dar el paso de supervisar tanto efectos como simulaciones.

• Animación: la imagen animada dota a la escena de movimiento.

• Composición: en esta última fase, se mezcla la imagen real con el elemento 3D

Artistas Destacados:

En el mundo del diseño gráfico 3D, numerosos artistas y estudios han dejado su huella con su creatividad e innovación. Algunos ejemplos destacados incluyen:

• Raphael Rau: Este talentoso artista digital se ha destacado por sus ilustraciones 3D hiperrealistas. Sus obras recrean objetos cotidianos con una precisión y detalle asombrosos, logrando imágenes que parecen

sacadas directamente de la realidad.

• Filip Hodas: Con su estilo único y surrealista, este artista ha ganado reconocimiento en el campo de las ilustraciones 3D. Sus composiciones visualmente impactantes combinan elementos fantásticos con elementos de la cultura pop, creando un universo único lleno de sorpresas.

• Estudio ManvsMachine: Este estudio creativo ha cautivado a la audiencia con su enfoque innovador en el diseño gráfico 3D. Su trabajo abarca desde animaciones impresionantes hasta ilustraciones hipnóticas, desafiando los límites de lo posible en el diseño gráfico tridimensional.

«La tecnología hace posible lo que antes era imposible. El diseño hace que sea real.»

— Michael Gagliano

Una vuelta al pasado lleno de ingenio

COLLAGUE REGRESO A

LOS 90

El collage tuvo una relevancia significativa en el diseño de esa época, no solo en el ámbito del diseño, sino también en la música, la moda y como una forma de expresión y crítica social.

En la década de los años 90, el Collage fue una de las técnicas artísticas que más destacó en el mundo del diseño gráfico. Los diseñadores gráficos utilizaron el collage para crear composiciones únicas y originales.

¿Qué es el collague?

Es una técnica artista, en la que se utiliza diferentes elementos. Se pega sobre una superficie de papel o lienzo distintas imágenes pueden ser recortes de revistas o fotografías. Las imágenes que se utilizan tienen que expresar de forma efectiva lo que el diseñador o artista quiere comunicar.

No existen los collages ¨correctos¨, la característica más importante es que tenga personalidad, que se logré unir en una sola pieza varios elementos que sean capaces de transmitir lo que el artista desea comunicar.

Origen del Collage: Usos del collage en los años 90:

En 1912 Pablo Picasso y Georges Braque empezaron a utilizar en sus obras papeles de tapizar, trozos de mantel y envoltorios. La técnica ha pasado por diversos movimientos: cubismo, futurismo, surrealismo, constructivismo o dadaísmo. Figuras destacadas como Hannah Höch y Kurt Schwitters utilizaron la imágenes sobrepuestas y recortes de periódicos para crear obras de arte.

El Renacimiento del Collage en los años 90

Los diseñadores de los años 90 utilizando la técnica del collage consiguieron destacar y posicionarse en medio de la era digital, utilizando esta técnica para crear diseños poco comunes, distintos, frescos y emocionantes.

Con mucha habilidad ellos combinan el uso de elementos analógicos y digitales, obtienen creaciones de gran valor estético y con una tecnología moderna.

El uso del collage fue muy amplio, se utilizó en varios ámbitos del diseño, arte, música, moda y diseño editorial. Las portadas de álbumes musicales se elaboraron con esta técnica, con imágenes superpuestas y recortes destacados. Estas portadas se volvieron parte de la identidad de los grupos musicales y lograron captar fuertemente la atención del público.

En el cine y la televisión, varias películas utilizaron la técnica del collage. En 1994 la película “Pulp Fiction” tenía secuencias de títulos de apertura que mostraban una combinación de gráficos, tipografía y elementos visuales dinámicos que quedaban grabados en la memoria del espectador. Estas secuencias se convirtieron en referentes del uso del collage en el cine y marcaron tendencias visuales en la industria.

Importancia del collage en el diseño de esa época

El collage permitió a los artistas tomar imágenes y elementos de la cultura popular y combinarlos de nuevas formas. Esto resultó en obras de arte que desafiaban las normas establecidas y ofrecían una perspectiva fresca y provocativa sobre cultura y la sociedad.

El collage se convirtió en una herramienta para la crítica social y política en los años 90. Los artistas utilizaron imágenes y textos

de revistas, periódicos y otros medios para abordar cuestiones importantes como la desigualdad, la globalización y la violencia El collage permitió que estas ideas fueran comunicadas de manera impactante y visualmente atractiva. Los artistas se sintieron liberados por romper las barreras tradicionales del arte y por crear obras más arriesgadas.

El collage se convirtió en una herramienta clave para construir la identidad en diversos campos, como la música, la moda y el diseño editorial. Las portadas de álbumes, las revistas y otros medios visuales utilizaron el collage para captar la atención del público y transmitir una imagen distintiva y artística.

Diseño Editorial y el Collage: Plataformas para buscar inspiración:

Ahora bien, en el diseño editorial, el collage se puede utilizar como una técnica para crear diseños más dinámicos y visuales. En lugar de utilizar imágenes o ilustraciones, se pueden emplear collages para contar una historia de una manera más artística y llamativa recortando y combinando elementos visuales existentes para crear una composición única que se ajuste al tema y que se aleje de otros trabajos ya existentes.

En los años 90 muchas revistas utilizaban en sus páginas el collage para comunicar conceptos e ideas mediante imágenes visuales que impactaban al usuario. Una publicación destacada fue “Ray Gun”, famosa por sus diseños vanguardistas que combinaban tipografía experimental y fotografías collage.

Esta revista fue muy influyente en el estilo y creatividad, de los diseñadores de ese tiempo. El uso del collage en el diseño editorial puede aportar originalidad, creatividad, dinamismo y sobre todo puede captar la atención del lector transmitiendo uno o más mensajes de manera más memorable. Depende del enfoque e intención del diseñador en abordarlo de diversas formas porque, al final, la combinación del diseño editorial y el collage ofrece la oportunidad de crear diseños únicos y brindan una experiencia visual distinta.

Instagram y Pinterest, son unas de las plataformas donde podemos encontrar increíbles creadores y artistas con diseños de gran estilo y profundidad que nos pueden servir de inspiración para realizar collages.

En Instagram, puedes explorar hashtags relevantes como #collageart, #collageartist, #collagedesign y muchos más para descubrir artistas que se especializan en la creación de collages.

Por otro lado, en Pinterest puedes buscar términos como “collage art”, “collage inspiration” o “collage design” en la barra de búsqueda de Pinterest para ver una amplia variedad de imágenes y tableros relacionados con el collage

Fotos propiedad de Esther Negrillo

Fotos propiedad de thptnganamst.edu.vn

TÉCNICAS PARA COMBATIR EL BLOQUEO CREATIVO

Para este tipo de profesiones que juegan mucho con la creatividad, esta te tiene que encontrar haciendo algo, BOCETEA COSAS AL AZAR. No debe tener algún sentido en absoluto, tú mismo conseguirás darle uno conforme sigues jugando a no dibujar nada.

Anota tus inspiraciones previamente

“Dicen que un elefante nunca olvida. Bueno, tú no eres un elefante. Toma notas, constantemente”. El consejo de Koblin es anotar absolutamente todo lo que te inspire: pensamientos, citas de películas, canciones, artículos, tecnologías; éstos compondrán tu arsenal de inspiración.

Inspiración en las masas

Otro consejo que propone Mike Brown es buscar la inspiración en la gente, lo que él llama crowdspiration. “Ve donde haya una multitud de personas y usa las miradas, conversaciones y el murmullo de la multitud para catalizar tu creatividad” dice.

En la era digital, la multitud también se puede encontrar en plataformas como Twitter o Facebook, ¡aprovéchalas!

En muchas ocasiones el bloqueo surge porque buscamos la idea, aquella perfecta que solucionará todos nuestros problemas. El ilustrador Marc Johns sugiere apagar el perfeccionismo y escribir absolutamente todas las ideas que tengamos, diez, veinte, treinta, las que sean suficientes para “soltar la mente”.

Recuerda tus motivaciones

Expresa lo que piensas Propón muchas soluciones 1 2 3 4 5 6

De hecho, hasta este consejo puede llegar a ser algo motivacional. Siempre que te atores recuerda el ¿por qué lo haces?, ¿para qué lo haces? O en el caso de proyectos ¿para quién lo haces?

Cambia de “lienzo” y enfoque

Brown propone también cambiar el “lienzo” si tenemos dificultades para llegar a nuevas ideas.

Algo similar dice el artista Marc Johns cuando hablar de fingir ser otra persona: “Deja de pensar como diseñador, escritor o lo que seas por un minuto. Finge que eres un repostero. Finge que eres un contratista que repara ascensores. Un piloto. Un vendedor de completos ¿cómo miran el mundo estas personas?”.

«Cada gran diseño comienza con una historia aún mejor.»

— Lorinda Mamo

Las tipografías retro destacan y capturan la atención del público de una manera única

LAS TIPOGRAFÍAS TIPO RETRO Y SU RESURGIMIENTO EN LA ERA DIGITAL

A medida que los diseñadores y las marcas buscan diferenciarse en un mundo digital saturado, las tipografías tipo retro ofrecen una forma única de captar la atención y transmitir un mensaje distintivo.

Durante los años 70 surgieron varios movimientos sociales y tendencias culturales que contribuyeron al nuevo estilo en que la gente buscaba expresarse a través de la música, el arte y la moda. Se buscaba el modo más extravagante de expresión que se reflejaba en los movimientos hippie, disco y punk

La década de 1970 estuvo llena de numerosos movimientos sociales y tendencias culturales que influyeron en el diseño gráfico. La gente quería expresarse de la forma más extravagante posible mediante la música, la moda y el arte. Los movimientos hippies, disco y punk de esta década ocasionaron un gran impacto en el mundo visual.

¿Cómo es la Tipografía Retro?

La Tipografía Retro tiene como fuente de inspiración las luces de neón; sus letras eran dibujadas a mano con un estilo libre y fluido. En publicidad se utilizaron fuentes de tamaño grande. El espacio y la escala eran considerados por los diseñadores para sus creaciones tipográficas.

«Retro» describe los tipos de letra que, o bien se hicieron en el siglo XX y

¿Cómo es la Tipografía Retro? Técnicas que se usaron para la transferencia de texto

• Los anuncios publicitarios eran muy coloridos y utilizaban muchas fotografías.

• Los diseños incluían ilustraciones que lucían desvanecidas en la parte más importante del diseño. En medio del estilo psicodélico se podía ver el Art Npuveau.

• Los grupos de movimientos sociales utilizaban el diseño gráfico como un medio para protestar, crearon diseños tipográficos a mano, algunos de estilo groovy como la música.

• El diseño de las tipografías retro usaba letras similares a las burbujas, su creación se inspiró en la música groovy, las letras script eran de forma redondeada y gruesas. También estaban presentes los caracteres collage y letras sans serif distorsionadas.

• Los diseñadores utilizaban full color en sus diseños, esto fue por influencia de movimientos actuales

Se utilizaron Letraset y el PhotoTypositor de Visual Graphics. El Letraset usaba la técnica de transferencia en seco y permitió conservar más detalles. La mayor parte de las tipografías de los años setenta proceden del diseñador Letraset, Colin Brignall: Aachen Bold, Italia, Octopuss, Superstar y muchas más.

Se empezó a utilizar el offset para la impresión y se inventaron una variedad de dispositivos para cambiar las tipografías de manera óptima. El estreno de películas era ocasión para realizar cambios en las obras de arte.

El PhotoTypositor de Visual Graphics utilizaba grandes tiras de película negativa que contenían caracteres uno al lado del otro. El personaje que se deseaba imprimir tenía que ser alineado mediante el uso de un lente, y después se proyectaba en papel fotográfico; de esta manera

era posible realizar ajustes en el espacio de los caracteres. Para que las palabras presenten distintas formas se usaba lentes de distorsión.

Técnicas que se usaron para la transferencia de texto

Los swashes eran florituras tipográficas que se utilizaban y estaban presentes en las fuentes de diseño vintage de los 70. Su uso proporcionaba un aspecto exagerado en las serifas y los terminales de un carácter. El movimiento Art Nouveau fue el que dio lugar al surgimiento de estas florituras en todo lo que se refiere al diseño y se utilizaron a las fuentes de los años 70

La tipografía de los 70 es elegante y divertida

Tipografías Retro en la actualidad

En la época actual, donde la tecnología y el diseño digital dominan, no es raro encontrar un regreso nostálgico a estilos y estéticas del pasado. Una de estas tendencias que ha ganado popularidad es el uso de tipografías tipo retro. Estas fuentes tipográficas evocan una sensación de encanto vintage y nos transportan a décadas pasadas llenas de carácter y personalidad.

A medida que avanzamos en la era digital, con pantallas de alta resolución y herramientas de diseño cada vez más sofisticadas, las tipografías retro han encontrado su lugar en el panorama actual del diseño. Estas fuentes de los años 70 se han adaptado y para encajar perfectamente en proyectos contemporaneoss.

Una de las razones del resurgimiento de las tipografías retro es el deseo de los diseñadores por escapar de la repetitividad y simplicidad de las fuentes modernas. Mientras que las tipografías más recientes tienden a ser limpias, minimalistas y geométricas, las fuentes retro son más expresivas, tienen serifas ornamentadas y dan una sensación nostálgica por el pasado.

Otra razón de su regreso es que los diseñadores han creado versiones digitales de estas fuentes, perfeccionadas para su uso en sistemas digitales permitiendo que las tipografías retro sean más accesibles y utilizadas en mayores proyectos, desde sitios web y aplicaciones, hasta diseños de productos y publicidades.

El diseño gráfico demuestra que las tipografías retro siguen siendo una elección popular y relevante, ya sea por la búsqueda de la autenticidad o por tratar de evocar nostalgia, estas tipografías han logrado adaptarse a la época actual de manera sorprendente. Esto es una muestra de que el diseño gráfico es un tan inmenso como impredecible

LUGARES ARTÍSTICOS EN AREQUIPA para inspirarte

Cuando se trata de actividades culturales en Arequipa, esta ciudad guarda sorpresas muy agradables. Estas galerías de arte te invitan a explorar la escena artística nacional e internacional. ¡A tomar nota!

Si te encantan los espacios artísticos o simplemente estás interesado en conocer lugares diferentes, una visita a una galería de arte en Arequipa puede ser una estupenda alternativa. A continuación, podrás conocer algunas galerías de arte, las cuales te pueden mantener al tanto respecto al mundo artístico.

Salas de extensión cultural del Monasterio de Santa Catalina

El recinto está conformado por diferentes dependencias, incluso, ha ampliado sus instalaciones para crear un espacio para el arte local y contemporáneo.

Sus salas de extensión cultural se encuentran en dos grandes bóvedas que formaban la antigua Procuración, además de una tercera que fue la sala capitular del monasterio. Estas salas se han convertido en el lugar de acogida de diferentes exposiciones temporales, y dan la bienvenida tanto a turistas y como lugareños.

Brescia Cafferata, fundada en 2009. Esta galería se encarga de dar a conocer valiosas obras del arte arequipeño y cuenta con tres salas de exhibición. La primera de ellas está dedicada a la historia y arquitectura de la casona. En la segunda, se muestran exclusivamente obras de acuarela arequipeñas. Finalmente, en la tercera sala, encontrarás información sobre el aporte de los artistas locales a la pintura peruana.

Complejo Cultural Chávez de la Rosa

Si lo que buscas es diferentes expresiones de arte, puedes visitar el Complejo Cultural Chávez de la Rosa, de la Universidad Nacional de San Agustín. Esta galería está situada en la Casona Arróspide, la que dispone de patios amplios, bóvedas y una portada barroca impresionante. Uno de los lugares interesantes para conocer en Arequipa, donde podrás disfrutar de fotografía, pintura y música. El Complejo Cultural Chávez tiene varias salas y es un espacio donde se realizan diversas actividades artísticas, las cuales están dirigidas a públicos de todas las edades.

Galería de Arte de la Casona Tristán del Pozo

Su historia se remonta al siglo XVIII y desde entonces ha pertenecido a notables familias arequipeñas. Actualmente, esta casona alberga la Galería de Arte Pedro

Galería de arte del Centro Cultural Peruano Americano

El Centro Cultural Peruano Americano, es una institución que se ha preocupado en fomentar diversas actividades culturales en Arequipa. Esto a través de sus diferentes programas, los que incluyen expresiones artísticas como danza, teatro, música y exposiciones de pinturas.

A lo largo del año, en su galería de arte se realizan exposiciones de distinto tipo, ofreciendo una variada agenda que puede ser consultada en su página oficial. Todas las muestras que se hacen aquí son de ingreso libre, por lo que es una excusa perfecta para disfrutar de una tarde diferente y única.

Galería de arte Luis Bouroncle Barreda

Otra institución comprometida con el fomento del arte y la cultura es la Alianza Francesa de Arequipa. Esta organización lleva muchos años entregando diferentes servicios a la comunidad en la ciudad, entre las que se encuentra su galería de arte Luis Bouroncle Barreda, situada en la calle Santa Catalina.

Uno de los objetivos principales de esta galería, es ser un espacio de expresión para artistas locales, nacionales e internacionales. Para conseguir lo anterior se realizan convocatorias públicas, las cuales están abiertas a toda la comunidad artística. ¡Una excelente oportunidad para descubrir nuevos talentos!

Las galerías de arte en Arequipa son una fuente de inspiración, tanto para aquellos interesados en ampliar sus horizontes, como para quienes buscan conocer más sobre arte contemporáneo, histórico y local.

Mira

el recorrido de Z por Arequipa

Fotos propiedad Tres Trazos

Fotos propiedad Tres Trazos

Entrevista a THE13MONSTERS

Yo soy Wido, mi seudónimo es the13monsters, me considero alguien que dibuja y le gusta dibujar o trata de recrear la vida de otra manera que no sea real.

1. ¿Como fueron tus comienzos en el ámbito de la Ilustración?

3. ¿Qué técnicas y herramientas sueles utilizar al momento de ilustrar?

6. ¿Qué debe tener una de tus ilustraciones par que este satisfecho con el resultado?

2. ¿Cuál fue tu primer proyecto de ilustración a nivel profesional?

De hecho, es un proyecto inacabado con muchas partes de mi vida, que era de hacer los thirteen monsters, como una especie de división de personalidades que yo tengo. Solo llegué a ser tres porque son los he hecho demasiado complejos y me concentre demasiado con cada detalle, le puse mucho tiempo y encima también lo hice con tinta, ahí así que me demoré y hasta ahora no se finalizan, pero sí tengo la lista de los trece y espero que algún día pueda completarlo.

También a nivel más profesional hice una colección de libretas para Antana, que es una empresa de coaching con la que trabajo hasta ahora. Yo conocí a Paola, que es la CEO, le encantó mi dibujo, le gustó mucho cómo dibujaba, y me dijo que le hiciera las portadas de sus libretas. Me adjudicó todo a mí ese trabajo y le agradezco demasiado.

Qué interesante pregunta, recuerdo cuando estaba yo en la universidad, tenía al comienzo mucho afán por la arquitectura, porque yo era muy destacado en un examen de suficiencia, saqué el puntaje más alto, me creí por un momento que era el crack, el Brother, lo mejor de la arquitectura, yo era la autoridad. Hasta que me di cuenta de que mis notas no reflejaban lo mismo y me decepcioné. Y al final, me aburrían mucho con los cursos de matemática, que yo aborrecía con todo mi corazón. Y no podía soportar estar haciendo problemas; ya tengo muchos problemas en mi vida y no le veía sentido. Y, pues, empecé a garabatear en el cuaderno, como cualquier chiquillo. Al final, todas las personas, en sí, han dibujado, todos, solo que hay gente que no ha dejado de hacerlo y se han dedicado a hacerlo un hobby o lo han convertido en un empleo. Y creo que es mi caso, solamente que nació del Ocio.

Creo que soy una persona muy desorganizada en ese aspecto, o sea, un día puedo estar dibujando digital todo, después con lápiz, o después agarro una crayola, o se me antoja por agarrar plasticera y empezar a moldear algo. Pero por lo general, lo que utilizó siempre es la tinta digital básica de negro, con color relleno, y también la tinta en cualquier ilustración tradicional.

En programas para 2D utilizo Procreate en el iPad, también utilizo ClipStudio Paint que lo adoro, es mi favorito. Y usaba Photoshop, pero lo dejé por ClipStudio Paint. También use Adobe Fresco, que también está “paja”, por lo que quiero volver usarlo, pero todavía no me despego de Procreate.

4. ¿Como es tu día en tu trabajo como ilustrador?

Mi día de trabajo... eso es un desastre (risas), me falta organización, creo que padezco de esa palabra que empieza con P… , una Procrastinación brutal. Cuando hay términos finales o cuando hay una fecha de entrega, me acelero bastante y empiezo a correr. Al final, creo que funciona así, yo ya estoy grande, porque de esa manera ya aprendí a trabajar, también a ser más creativo por la falta de tiempo, pero al final también NO es lo más adecuado, pero funciona.

No sé, mis amigos, en especial los que son ilustradores, dicen que yo tengo un estilo y que me identifican “al toque”, igual en la universidad también me dicen eso. Pero yo pienso que es como mi letra, a veces escribo con una letra, luego otra, no tengo definido un estilo, pero creo que he logrado hacer varios, que de alguna forma es producto de la influencia de otros artistas y lo he resumido. Pero creo que tengo varios, algo que sí me gusta mucho es que no todo tenga curvas en la silueta, me gusta que haya ángulos rectos, porque casi no se usa mucho eso y me gusta mucho cuando hay una ilustración, que es curva, curva y luego recto.

Y eso creo que le da esa magia, ese desbalance, donde usted tiene todo tanta curva y sea tan amable, pero el espectador sea agresivo. Y en cuanto a color creo que en color me falta mucho, mucho, mucho. Pero creo que me gustan las paletas oscuras, creo que es bastante como una dicotomía, porque me gusta mucho que sean muy oscuros o claritos.

Creo que depende del tipo, si es algo que sea más como loco, como algo más trillado, que tenga, no sé, en un sentido cartoon, que lo vea y me ría, que me genere gracia o que lo vea y diga, qué “paja”, qué “mostro”. Y si es el caso del pin up, que es algo que yo estoy viendo recién, es que me enamore, que yo vea a esa chica y que me enamore.

7. ¿Qué te sirve de inspiración en momentos de bloqueo creativo?

Creo que, en ese aspecto, casi no me pasa. Y si es que llega a pasar, pues hay unos ejercicios que he aprendido en Crehana, un curso de literal es garabatear y hacer un par de manchas y te sale cualquier cosa, eso es supergenial. Pero también es bueno, por ejemplo, tengo como dos cuadernos llenos de puras ideas, cosas que me vienen a la mente o las escribo o, más que todo, las dibujo y siempre las hago en inglés, y pongo ahí todas las anotaciones que se me

8. ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado a ti como ilustradora y cuál es el consejo que darías a quienes están interesados en dedicarse en este rubro?

Creo que voy a responder las dos preguntas con un consejo que me dio el mismo Alberto Mont cuando vino acá, Arequipa. Yo le dije en su conferencia, “oye, yo también soy ilustrador y estoy haciendo unos libros...” y él me cortó, me dijo, “no, por favor, no vengas acá porque este es un nido de ratas, es un Averno, un hoyo, un fango viejo, ya estamos acá saturados, aparte que los libros son por el amor al arte”. Porque créeme que tal vez tú y yo sí compramos libros, pero la gran parte de la gente acá, no.

Si lo haces, tiene que ser por pura pasión y por pura entrega, porque tu vida te manda a hacer esto y tienes que ser muy disciplinado, ser muy prolífico. Y creo que es lo que también falta. Pero al final, no sé, es como dice Séneca: ‘Si vas a vivir, pues, que lo valga. Vive para hacer recuerdos’; y es lo que trato de hacer últimamente. Y, pues, voy a seguir haciendo esto hasta que me muera, no importa lo que pase, es

9. ¿Cuáles son los ilustradores o artistas que te han inspirado durante tu carrera?

A ver, creo que habría cinco en esa lista.

Creo que estaría, MacBest, es un ilustrador con el cual yo tengo una afiliación enorme por lo que es el blanco y el negro, por el uso solo de colores monocromáticos, nada más. Y él maneja mucho esa técnica, él hace cosas que sean irreales, a mí me interesa que alguien plasma lo que no existe ¿Para qué vas a dibujar lo que ya está? ya existe, aunque yo sé que hay gente que lo encuentra mucha belleza, tiendo a cualificar la producción artística, por cuán irreales o por cuánta imaginación tiene el artista. Su estilo es medio fantasmagórico cartoon. Me encanta, es precioso.

Después está un ilustrador de libros del cual me encantan sus obras, creo que se llama Johansson. Que es “buenazo”, he visto un libro de él que se llama Stop Monsters, porque yo tengo también un gustito por los monstruitos, y he visto un manejo brutal del color. Es loco, o sea, tiene una forma más regular, de que los dibujos, la tinta, el relleno y todo tiene

Por ejemplo, él agarra y pone la acuarela, y deja que el material corra, tenga su propio dominio y luego puede utilizar otro material encima, como por ejemplo, crayolas pasteles y hace una composición mixta, le da esa carga en color, le da esa saturación tan fuerte y viva, y eso me gusta muchísimo.

Después, hay un “brother” que me gusta mucho su estilo, pero ultimamente pone “memes”, todos los días y ya no dan ganas ni de seguirlo. Se llama Pat Kili. él es un “brother” que creo que es estadounidense.

Él trabaja solo con, tintas y acuarelas, creo que solo trabaja con acuarelas, porque hasta la línea que hace, que es el contorno, la hace con una acuarela pura. Y su trabajo es bien bonito, tiene full color y tiene una imaginación brutal. Yo he visto unos trabajos que hizo de IT El Payaso, brutales con los niños en un campo, el payaso, y ves toda la cantidad de colores, y también

5. ¿Como llegaste a tu estilo de ilustración? 10. ¿ Qué plataformas de redes utilizas para promocionar tu trabajo?

otros que usa como reflejos, como si unos personajes miraran al centro, a un espacio verde y en ese espacio hay un charco, y este a la vez, reflejaba una puerta a otra dimensión, y la posición estaba invertida. Era una obra que impactaba y era hermosa.

Después hay dos más, está Shawn Dickinson, que es como, el artista que yo quisiera ser. Cuando lo encontré dije, “dios mío, hay alguien que, de verdad, le gusta todo lo que a mí me gusta en mi ilustración”. Fue hermoso verlo, porque combinaba esas pasiones del cartoon medio vintage con sus logos y por un lado el Pin up, con sus mujeres voluptuosas y sugerentes, y lo combinaba. Él hace esa magia, tiene esa capacidad de poner una chica y atrás como tres logos.

Y el último sería, bueno serían dos, pero son demasiado parecidos, Shane Lane y Bruce Team, que ambos trabajaron en La Liga de la Justicia en Warner, ellos se encargaban del diseño de personajes, de Batman, de Superman, y demás héroes y heroínas. Tengo libros solo de Agustín, de Ilustraciones, de las cuales son más estilo Pin Up.

Principalmente Instagram, Me encuentran como the13monsters, los trece monstruos.

“Si vas a vivir, pues, que lo valga. Vive para hacer recuerdos”.

Fotos proporcionadas por el artista

Entrevista a NIKOMIKO

Hola, soy Nicole actualmente estudio Ingeniería

Industrial, pero siempre trato de darme tiempo para la Ilustración, ahora que estoy en vacaciones, finalmente, estoy dedicándome a full afiches, ilustraciones, y seguir varios proyectos que he tenido pausados durante media año.

3. ¿Qué técnicas y herramientas sueles utilizar al momento de ilustrar?

Actualmente uso tableta gráfica y estilo tradicional, ya que, como decía, no tengo muchos recursos, y mi tableta es muy pequeña por lo que trato de adaptarlo, tipo, haciendo un dibujo tradicional y

1. ¿Cómo fueron tus comienzos en el ámbito de la Ilustración?

Bueno, de por sí siempre dibujaba  desde niña, será tipo 2019, que empecé a  dibujar ya digitalmente, pero por el  contexto en el que estaba, que  tampoco no tenía mucho material ni  recursos para hacerlo, pues empecé a hacer  stickers en un papel adhesivo que se  podía dibujar encima y ahí empecé a  ilustrar ya más seriamente y a  vender y a pegar por las calles.

4. ¿Cómo es tu día en tu trabajo como ilustradora?

Bueno, como estaba en momento en tiempos de universidad, pues no me daba mucho tiempo para avanzar con trabajos, pero siempre que tenía, digamos, fines de semana o feriados, trataba de darme ese tiempo, para hacer bocetos o anotar ideas, cosa que en un tiempo que tenga prolongado de tiempo libre, como ahora, vacaciones, pues, alto de graficar esas ideas.

5. ¿Cómo llegaste a tu estilo de ilustración?

Creo que, como todos, dibujamos tipo anime, no voy a negar, y creo que es algo que muchos artistas actualmente tenemos en común, pero poco a poco fue inspirándome de otros artistas para de repente adaptar ciertas características al estilo de dibujo que quería, que es algo un poco más simple, pero anatómicamente agradable.

6. ¿Qué debe tener una de tus ilustraciones para que estés satisfecha con el resultado?

Que se vea sucio, que se vea como si lo hubiera hecho solo en una hoja. Creo que esa es una las características de por las que, de mis ilustraciones, que se tienen que ver un rayón, que se tienen que ver la suciedad.

2. ¿Cuál fue tu primer proyecto de ilustración a nivel profesional?

Creo que el primer trabajo fue hasta el año pasado en octubre, que era una amiga que conocí en un concierto, vio mis dibujos por los mismos stickers, y me dijo para hacer un afiche, para un fanzine.

Y desde ese momento ya se empezaron

7. ¿Qué te sirve de inspiración en momentos de bloqueo creativo?

Siempre he tratado de ver los trabajos de los artistas a los que admiro, como Yuri de México, como de Perra negra de Arequipa o de Wati baKan, que es de Chile. Y además la música, siempre que escuchas música, se te vienen ideas a la mente, Igual, como muchos dicen, si tienes un bloqueo de creativo, puedes salir a caminar, pero yo creo que para solucionar mi bloqueo de creativo personal siempre es salir escuchar conciertos o música general.

8. ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado a ti como ilustradora y cuál es el consejo que darías a quienes están interesados en dedicarse en este rubro?

Creo que algo que me gusta de otras personas o de algunos artistas es que me critique porque así tengo un punto de vista un poco más profesional. Sí me dijeron que de repente pueda mejorar anatómicamente o que también trate de ser un poco más expresiva en las emociones de los personajes que dibujo. Pero en sí, el ilustrar significa hacerlo a tu manera y como tú quieres o como a ti te gusta.

Pero claro, siempre tomando en cuenta sus recomendaciones, y creo que una recomendación que daría es que no se no se encasillen en un solo estilo, siempre traten de explorar diferentes métodos, materiales, personajes, dibujos, etcétera.

9.¿Cuáles son los ilustradores o artistas que te han inspirado durante tu carrera?

Desde que empecé a equivocar, La perra negra fue la primera persona, la primera artista que me llamó la atención, siendo todavía de la ciudad. Teniendo una idea de que en la ciudad no había arte, no había cultura, todo eso. Además de la perra negra, que sería un artista local, creo otra artista que me inspira es Yuri de México y Lucero Yanke de Lima.

10. ¿Qué plataformas de redes utilizas para promocionar tu trabajo?

Actualmente es solo uso Instagram, pero últimamente estoy usando más Twitter para publicar bocetos o simplemente ideas o procesos de otros dibujos. Estoy en Instagram Como nicomiKoo, con C, K doble O y en Twitter, como  Basónica7.

“El ilustrar significa hacerlo a tu manera y como tú quieres o como a ti te gusta”.

Fotos proporcionadas por el artista

Entrevista aPeluza TINTA

Empecé a formarme de manera independiente, porque en la ciudad que vivimos actualmente, Arequipa, pues no hay una escuela, por así decirlo, profesional. Hay, pero institutos y, sinceramente, las currículas son un poco pobres y deja mucho que desear.

Entonces, como no hay una escuela, encontré que es más factible, impartir el dinero en cursos, ya sea por Domestika, Masterclass e incluso cursos de artistas internacionales, que ofrecen sus paquetes, ya sea por Patreon u otras plataformas.

a enseñar a niños pequeños con una academia que me contactó, que eran conocidos y de recomendaciones. Me di cuenta de que me gusta enseñar, y dije “no, me tengo que dedicar al arte”.

Y, pues, una rama que a mí me encanta es el mundo de la Ilustración, porque prácticamente empecé a dibujar gracias a artistas que yo seguía y demás, y me gusta todo lo que es la animación en sí también. Entonces, inicié en este mundillo. Me puse a investigar bastante. Yo tenía una página, un perfil algo más mío, por así decirlo, de puros fanarts y demás cosas personales, pero dije que lo haría más pulcro, más profesional, donde sea mucho más vendible.

Hay mucho proceso de arrepentimiento acá, porque no es fácil el hecho de cambiar totalmente de carrera y de educarte de lo que realmente te apasiona. No es fácil. Actualmente sigo sufriéndolo, pero me acuerdo de que mi primer trabajo de ilustración llegó gracias a una página que se llama Artwork. Porque empecé como freelancer, y, pues me creé full perfiles en páginas freelancers a nivel internacional, porque en lo nacional no creía poder encontrar mucho trabajo. Por ello, es mejor uno ofrecerse por diferentes perfiles. Lo recomiendo bastante.

2. ¿Puedes hablarnos un poco más de este primer proyecto de ilustración a nivel profesional que tuviste?

Es una forma muy fácil de educarte, si quieres dedicarte a la ilustración con la mejor enseñanza. Y respecto a ser autodidacta, yo lo que siempre digo es: “copiar no está mal, si es que lo haces para aprender”. Entonces el copiar a otros artistas y analizar cómo lo han hecho, cómo pintan las obras y demás, siento que es parte de Peluza. Juntado un proceso, claro, quedé todo artista, el proceso de ir aprendiendo de otros, ¿no? De, por ejemplo, de otros artistas. Y al final tener una esencia, algo tuyo y hacerlo tuyo, y bueno, trabajar en ello día a día.

A ver, yo soy contadora de primera profesión, pero debido a que empecé a sentirme insatisfecha en este mundo del área administrativa, y diferentes situaciones llegaron, que al final, por alguna razón, llegué al mundo de la educación. Entonces, yo ya sabía dibujar, pero no tenía ninguna experiencia como educadora. Y empecé durante pandemia

Y buscando las diferentes ramas de la Ilustración, porque hay muchísimas, mire el rubro de Ilustración infantil, para cuentos y libros infantiles, dije, “ok, voy a perfilar mi estilo a esto. Y voy a publicar mis redes y voy a ser constante”, porque me di cuenta que como artista tienes que vender sí o sí por redes sociales para conseguir algo, y yo no conocía nada. Entonces, empecé de ese modo. Empecé a perfilar mi perfil, empecé a perfilar una paleta de colores y demás, a darle una estética, por así decirlo, a mi arte, y no lo logré en el primer año. Es así que decidí totalmente dejar la contabilidad; me dije, “me voy a lanzar si o si”. Tenía unos ahorritos y junto con el apoyo de mi familia, decidí lanzarme.

Recuerdo que mi primer encargo, fue el de una portada de un libro, un libro independiente. Era de una persona que quería publicar, ni siquiera publicarlo, sacar su libro web y ofrecerlo en Amazon. Quería vender un libro de cuentos que tenía, por lo que me pidieron hacer un conejito, y nunca volví a olvidarme de esa primera portada que hice como pude. Fue con un mexicano, y de ahí que tenía una gran facilidad con el idioma. Más adelante tuve experiencias ya con otros clientes con otros idiomas, más que todo el inglés, que es muy primordial. O sea, es muy primordial de verdad, a ti o los que leen esto, se los digo, si se quieren dedicar a la ilustración, el inglés es básico para poder vender tu arte en el mercado internacional, por que en el mercado nacional tengo muy pocos pedidos. He tenido tres pedidos como máximo en Perú. Y es de manera internacional donde yo trabajo más.

No me conocían muy bien por mi arte, de ahí que no lo cuento, porque fue un perfil que me creé y puse imágenes a referencia. Osea, un portafolio muy básico, porque como no tenía experiencia ni demás, eran solo proyectos personales, y de acuerdo con eso me contactaron. Sin embargo, he de decir que por esta página ofrecen varios puestos de trabajo, entonces, si tú postulas no es como que si ellos te pidieran el trabajo específicamente a ti.

Y de ahí podría contar que hace poco fue realmente mi primer trabajo oficial, digamos, como una persona que me cotice por mi estilo de arte. “Quiero tu estilo, y no modificar nada, lo quiero a tu estilo, a tu modo y te lo dejo a tu libertad creativa”.

¡Hola! Yo soy PeluzaTinta, llevo recién cumpliendo mi segundo año como ilustradora en esta carrera, pero dibujo de toda la vida.

Un poco más de peluza...

1. ¿Cómo fueron tus comienzos en el ámbito de la Ilustración?

Fue una colaboración con la Feria Punto Feliz, de acá de Arequipa, e hice el afiche oficial de su evento y quede muy contenta. Obviamente, tiene los toques de la empresa y todos los rasgos de ellos, sus colores y demás, así como también las modificaciones que hemos trabajado con el cliente, pero diría que fue mi primer trabajo y con mi propio estilo. Porque normalmente los trabajos que tengo no son de mi estilo. Pero es algo que me ayuda a destacar como ilustrador, pues, algunos sí tienen el nivel y la fama para poder vivir de su arte con su estilo y como ellos quieren. Pero siempre nos tenemos que acomodar quiera o no al cliente, y en mi caso, por ejemplo, yo trabajo acomodándome cien por ciento al cliente. Hago varios estilos, me dicen, “hazme un estilo más cartoon, hazme un estilo más Disney, hazlo más anime”; entonces uno se acomoda al trabajo de hoy.

4. ¿Cómo es tu día en tu trabajo como ilustrador?

Solo enfocándome en la ilustración, porque actualmente estoy formándome para una carrera, mi segunda carrera que es educación. A mí me encanta lo que es educar, perdón, enseñar. Entonces, solo mi tiempo de ilustración es por encargos, tengo dos clientes fijos, que mes a mes me cotizan. Trabajo para lo que son videojuegos Indie, del estilo RPG, ARPG y visual novel, dependiendo de lo que me piden.

Para los Visual Novel normalmente son bustos, lo que le llamamos un personaje de cuerpo completo, más o menos hasta los muslos, en diferentes poses, ya sea hablando o conversando. Porque solo van a contar una historia, entonces el personaje que tiene que reaccionar asustado, temerosa, con un concept art, por así decirlo, de un personaje entero. Por detrás, por delante y demás, y también fondos, que también es lo que me piden, pero los fondos son mucho más sencillos.

Entonces, el día a día es levantarme, prender la computadora y, pues, mirar lo que me han dejado pendiente. Porque como trabajo con un español, y con personas de Europa, su horario es de ocho horas de diferencia. Más o menos, cuando yo me despierto, ellos ya me dejaron full trabajo y ellos no están despiertos. Cuando me levanto, ellos ya están en la tarde, ahí me responden y estamos como tres horitas conectados en línea, para correcciones y demás. Porque lo que hago es revisar las correciones que me hacen y mando bocetos, realizo los bocetos y les envío. Una vez que me aprueben los bocetos, ya ellos se despiden de mí hasta el día siguiente, y yo me pongo a colorear y terminar.

Además, tienes que hacerlo rápido, o sea, en el área de los videojuegos tienes que trabajar muy rápido. Es la diferencia con los trabajos de encargos.

También tengo trabajitos por encargos, pero son mucho más relajados. Cada cuatro días, por ejemplo, puedo entregar un encargo, ya que es a pedido personal, o comisiones como normalmente lo llaman.

5. ¿Cómo llegaste a tu estilo de ilustración?

Utilizo Photoshop, todo lo que es la familia de Adobe. Porque a veces también me piden animaciones, entonces uso lo que es After Effects y para lo que es ilustrar netamente utilizó ClipStudio un poco y PaintTool C, que es un programa muy básico de dibujo, pero me ayuda bastante. Eso es en la computadora y en formato tablet, uso el Adobe Fresco, también de la familia Adobe.

Este mundito de los juegos es bien pesadito, diría yo. Bueno, esto es más independiente, a diferencia de trabajar en una empresa de manera profesional, como Nintendo, ignoro como sea, pero supongo que es más exigente incluso. Pero en este mundo que es más Indie y es más independiente, trabajo de la mano con un programador. El detalle es que al día, mínimo estoy haciendo cinco a seis dibujos totalmente terminados, y a veces les comento esto a mis compañeros ilustradores y se sorprenden por esta cantidad por día.

También tengo trabajo a la mano con una persona que se encarga de hacer polos, diseño de polos, pero estilo Disney. Entonces, ya no es tanto mi estilo ahí y me cotiza mínimo dos o tres comisiones al mes. Aun así, son mejor pagadas, porque su precio es por unidad y por derechos comerciales, ya que ellos lo imprimen en polos y gorras. Y ya, esos dos trabajitos que tengo.

Entonces, mi trabajo consiste en prender mi computadora, hago a bocetos, dibujo, y ya en la noche termino y los envío y me

Tomando muchas referencias como dije al principio, perfilé mi estilo para que sea más comercial, entre comillas, como artista, a lo que pide el mercado. Algunos ilustradores estarán en contra de lo que digo, porque hay muchos que son muy “yo solo hago mi arte y la gente debe pagarme por mi arte”, cada uno tiene su punto de vista. En mi caso, me acomodo lo que pide el mercado, pero en este personaje personal, yo le digo, “niñas cabezonas”, me gusta dibujar brujitas, me relaja bastante, todo el mundo, lo que es fantasía, medieval, todo ese mundo onírico

me encanta. Y he buscado referencia de bastantes ilustradores, y es como que tomas un poquito de lo que te gusta de cada uno. “Este me gusta por su estilo de pintado, me gusta este por cómo hace su line art o me encanta este por cómo dibujo los rostros, los cuerpos”. Y es como una fusión de todo, una mezcla de todo y al final de estar copiando y copiando y así, al final sale algo muy tuyo. Tu propio trazo.

Me he dado cuenta, y me lo han dicho también, “tu trazo es como otros artistas”. El trazo que tiene uno se acostumbra a hacer esas formas, la forma de los ojos, la forma de la nariz, la forma del cuerpo. Incluso al pintar, los fondos que pintas, poner manchones acá, luces acá, es algo que, instintivamente, incluso, surge, de tanto dibujar.

Y es bonito tener ese logro, el que la gente lo identifique solo mirando y sepa, “ah, no, ese dibujo, esa obra es de tal artista”, que puedan lograr identificarte.

3. ¿Cómo fueron tus comienzos en el ámbito de la Ilustración?

6. ¿Qué debe tener una de tus ilustraciones par que estés satisfecha con el resultado?

¡Brujitas! (risas). Diría yo, que las luces y sombras estén bien ubicadas, y nada más, incluso podría ser un pintado super simple. El renderizado, le llamamos a que se vea más realista, entonces no necesita ser demasiado renderizado para que esté a mi gusto. Después diré el nombre, pero hay una artista que hace sombras, colores planos, y solo con ubicar sombras y luces, ya me da una sensación de profundidad, de enfoque, todo, incluso planos, primer plano, segundo plano, tercer plano. Solo con luces y sombras. Yo creo que eso es muy genial y todavía me falta, soy consciente, todavía me falta, y, pero estamos en proceso.

7. ¿Qué te sirve de inspiración en momentos de bloqueo creativo?

Vas a sonar muy feo, pero rara vez he tenido un bloqueo creativo. Y es que cuando trabajas del arte, no puedes tener bloqueos creativos, no puedes darte ese lujo. Lo bonito es que, como trabajo por encargo, es fácil, porque ya me dicen qué hacer, no tengo que ser tan creativa, entre comillas. A lo mucho, no hay tanta libertad creativa, en mi tipo de trabajo al momento.

En lo que son comisiones por encargo, ahí sí puedo decir que puedo sufrir con el bloqueo creativo. La música, todo lo que es el folk, celta, incluso metal que me encanta, y la música electrónica, para que veas que son contrastes bien fuertes, siento que me puede sacar de ese bloqueo y sobre todo mirar las redes sociales de los artistas que sigo, sobre todo cuando tengo que hacer algo mío, quiero publicar para mis redes sociales o, no sé, quiero hacer un dibujo para mí, estoy ay qué dibujo, estoy dos horas ahí frente al papel mirándolo por delante y por detrás. Me inspira mucho a ver a otros artistas, a sus feed o sus páginas, me inspira muchísimo, yo también quiero hacerlo y me pongo a dibujar.

8. ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado a ti como ilustradora y cuál es el consejo que darías a quienes están interesados en dedicarse en este rubro?

Dominen el inglés, y si quieren dedicarse al público europeo, el alemán, dominen idiomas. Sobre todo, el inglés es básico para trabajar. Busquen de frente trabajo en el extranjero por páginas. Yo encontré por páginas freelancer, y sobre todo manejar las redes sociales, sé que es un poco tedioso, pero tómenselo como un trabajo. Yo me lo tomé como una publicación interdiario, háganse un planner, un tipo de contenido que voy a publicar cada día, interdiario. Y ¿Por qué de redes sociales? Yo me he dado cuenta del poderoso alcance de las redes sociales, y solo voy a hablar de Instagram. TikTok

también tiene sus puntos buenos, pero más voy a hablar de Instagram. He hecho un seguimiento, porque yo también trabajo en lo que es publicidad un tiempo, lo que se dice en el video, y de ahí que tengo esos conocimientos. De hecho, hice un estudio, más o menos de cómo ha ido según el tiempo, ha sido un año completo de full publicaciones y al año ya me llegaron encargos, comisiones, entre comillas. No solo es publicar por publicar, que sea un tipo, sobre todo cositas para enseñarlo, un día que enseñes algo, otro día que te muestras a ti y otro día que publicas algo que te guste, lo que te nazca y se nota cuando alguien comparte contenido que le nace, cuando es muy tuyo, la gente lo percibe. Otra cosita que recomiendo también es el hecho de nunca dejar de dibujar. Te tiene que apasionar, si quieres dedicarte a la ilustración, tiene que apasionarte totalmente, porque cuando uno se dedica a lo que ama, las puertas se abren, tiene su explicación, porque al hacer algo que te gusta lo haces con pasión.

9. ¿Cuáles son los ilustradores o artistas que te han inspirado durante tu carrera?

Uno es Derek Claudman, hace ilustraciones para historietas independientes. De hecho, ya publicó todo su segundo o tercer tomo de historietas suyas, me inspira mucho. Lo que me encanta de él son sus personajes y su line art. Y el otro que me inspira también es una artista asiática, no me acuerdo su nombre muy bien, pero en sí me inspira más que todo su marca, porque maneja muy bien su marca de papelería. Yo en un tiempo quise hacer mi propia marca de papelería, para todo lo que es el mundo del Bullet Jounarl y el Scrapbook. Ellos diría que son los más grandes top que tengo.

10. ¿Qué plataformas de redes utilizas para promocionar tu trabajo?

Todas las redes sociales excepto Facebook. Bueno uso más lo que es Instagram, el mismo TikTok, ArtStation. Behance, para tener el portafolio, y poder compartirlo. Es muy fácil que te llegue en vista sola por entrar a mi Behance, vistos ya profesionales, y a veces te contactan, no me han contactado, pero es una forma muy fácil de enviar el portafolio y que lo vean de manera pulcra y más profesional. Y como la que mencioné, Artwork y Fiveer, que hace poco he estado recibiendo bastante trabajito por ahí.

Fotos proporcionadas por el artista

Una tendencia creciente en el diseño de interfaz de usuario

El Vidrio De La Era Moderna: El Estilo Único Del Glassmorfismo

El Glassformismo es una nueva tendencia que se ha vuelto muy popular debido a que viene siendo utilizada en muchos sitios web como Dribbble, y en compañías grandes y reconocidas como Apple y Microsoft.

Esta tendencia UI se empezó a llevar a popularizar en el año 2020 y actualmente su uso continúa en proceso de fortalecerse para el diseño de aplicaciones web.

¿Cuáles son las características del glassmorfismo?

¿Cuáles son las características del glassmorfismo? ¿Cuáles son las características del glassmorfismo?

• Se parece a un cristal translúcido. Es transparente y vidrioso, con un fondo borroso o desenfocado. Se usa en ventanas o elementos de texto tipo cards.

• Las personas pueden observar a través de varias capas, lo que da la sensación que los objetos estuvieran ¨en el aire¨ cómo flotando en el espacio.

• El observar mediante varias capas da como resultado un efecto tridimensional en páginas web, ya que las capas están en diferentes niveles.

• Utiliza elementos y formas con colores vibrantes de alto contraste por debajo de los elementos translúcidos para aumentar el efecto glassmórfico.

• Un borde sutil en los objetos translúcidos.

• Los elementos creados con la técnica del Glassmorfismo tienen bordes redondeados finos y delicados,

• El Glassformismo atrae mucho más la atención del espectador o del usuario (UX) y ayuda a que las personas tengan presente todos los elementos importantes de la interfaz.

El Glassmorfismo está teniendo un crecimiento rápido y acelerado, cada día tiene más seguidores. En 2020 apareció una aplicación de este estilo de diseño, en macOS Big Sur de Apple. Actualmente es muy utilizado y podemos verlo en la comunicación de diversas marcas, blogs, proyectos etc.

Esta nueva tendencia de diseño que utiliza transparencias puede ser utilizado en un gran número de interfaces de usuario. Con el Glassmorfismo la lectura de las ventanas emergentes se realiza con mayor facilidad y de manera más rápida sin modificar el diseño general de la interfaz.

Este efecto visual se utiliza principalmente en sistemas operativos como Windows y otros, en los diseños UI/UX para aplicaciones web y también en ventanas de apps eb MacOS o iOS.

Los diseños del Glassformismo pueden plantear desafíos de accesibilidad para personas con problemas de visión, por eso mismo es importante tener precaución al seleccionar los colores y las fuentes tipograficas para garantizar una correcta apreciación por parte de lectores de pantalla y otros dispositivos. Además, el uso del glassmorfismo puede afectar el rendimiento y el consumo de energía de un sitio web, lo que debe ser considerado y revisado antes de implementar este estilo de diseño.

¿Cuáles son las características del glassmorfismo?

El Glassmorfismo ofrece una amplia variedad de posibilidades estéticas, esto le da un gran potencial en el diseño de interfaces debido a sus características distintas y atractivas.

Los diseños pueden ser diseños sofisticados, llamativos, elegantes, modernos, simples y sencillos; depende de la aplicación y de la creatividad del diseñador. También pueden añadirse animaciones en los elementos de vidrio para generar dinamismo y encanto visual a la interfaz.

Un efecto «vidrio esmerilado».

EL PODER DEL MAXIMALISMO EN EL DISEÑO Y LA DECORACIÓN

Un estilo que abraza el exceso, la extravagancia y la combinación ecléctica, vuelve a conquistar el diseño en este año 2023

El Maximalismo es un nuevo estilo que surgió en los últimos años y que se viene utilizando en el mundo del diseño. Es tendencia en el presenta año 2023, su propuesta es un estilo de diseño excesivo, es extravagante y ecléctico. Se opone a la simplicidad del minimalismo y actualmente esta tendencia se ha vuelto dominante en el mundo del diseño.

características del maximalismo:

Es un tipo de diseño que se caracteriza por aplicar un estilo audaz y vibrante. Los colores son llamativos, se utilizan estampados extravagantes, diversas texturas y elementos de decoración. Se trata de una tendencia que destaca por su opulencia y personalidad en el diseño. El maximalismo es un estilo que permite la expresión personal sin límites.

algunos como un estilo agresivo, desagradable y polarizador. Para utilizar el maximalismo en libros o páginas web obtener y conseguir una sensación de equilibrio es necesario combinar con elementos minimalistas.

1. No hay que tener miedo de experimentar. La filosofía “más es más” no es rígida y puede amoldarse a muchos gustos. Atrévete a mezclar colores fuertes como lo hacen los grandes diseñadores, esto hará despertar tu creatividad.

2. Investigar mucho. Procurar estar al día sobre las nuevas tendencias para lograr combinaciones extraordinarias.

3.Crear armonía. No hay que descuidar que, si bien la esencia de la filosofía opuesta al minimalismo es mezclarlo todo, al final lo que se debe transmitir es la sensación de que toda combina y complementa

4.Ver hacia atrás. Uno de los objetivos del maximalismo es combinar lo mejor de cada movimiento artístico. ¿Qué es lo más trascendental de las corrientes artísticas pasadas? Es una pegunta necesaria para hacer un diseño maximalista

5.Buscar influencias culturales. Se puede recurrir a la mezcla de estilos de distintas culturas para generar mayor impacto, aunque hay que tener en cuenta encontrar el equilibrio entre lo sofisticado y lo exótico, entre lo moderno y lo antiguo.

6.Aprovecha cada espacio. El enfoque maximalista nos dice que debemos usar

Maximalismo y reciclaje

todo el espacio que tengamos para trabajar. Nada de espacios en blancos, todo debe tener color. La conciencia de re-utilizar es favorable para el desarrollo del Maximalismo. Las personas conservan antiguos elementos y piezas que el Maximalismo combina con nuevas piezas y eclécticas generando espacios de gran riqueza visual, donde se combinan estilos, culturas y épocas.

Se aplica también el maximalismo para diseñar libros y embalajes.

El maximalismo repite elementos para crear patrones más grandes en sus extensiones más amplias.

MERCADO LABORAL: AGENCIA MOON

Hay un pequeño problema en cuanto a lo que son los rangos salariales y también lo que percibimos nosotros como empresa, lo que son nuestros clientes. Son pocos clientes que tienen una gran inversión grande en cuanto a lo que es publicidad. Esto hace que nosotros también nos limitemos en cuanto a la cantidad de personal y en cuanto a lo que son los rangos salariales.

Es muy difícil manejar como lo hacen las diferentes agencias que tienen director de arte, director de fotografía, director comercial y todo eso. Acá el mercado es totalmente nuevo y recién está comenzando.

1. ¿Cuál es la importancia del talento creativo en la agencia y cómo contribuyen a su propuesta de valor?

Para nosotros, una de nuestras misiones es, aquí en Arequipa, como agencia es posicionarnos, trabajar de la forma correcta, ya que muchas veces en diferentes ciudades grandes se lo han estado haciendo y aquí no. Entonces, ¿nosotros cómo decidimos? Primero, priva lo que es la química en cuanto al equipo.

Es muy difícil de conseguir eso, ¿por qué? Ya que hay química acá en el equipo, vamos a poder lograr todos los objetivos, metas en cuanto a nuestros clientes que nos piden. Muchas veces ha sido difícil conseguir el equipo adecuado, ya que, en nuestro ámbito local, la fuga de talento o mejor dicho, es muy rotativo en cuanto a todo lo que es el personal.

Entonces, nosotros tratamos primero para eso, crear unos procesos, ya que vamos a tener que hacer procesos comerciales, procesos también de inducción. Hemos estado yendo poco a poco, ya que somos una agencia totalmente, como se podría decir, nueva.

Y la forma en la que queremos trabajar es, primero formal, para que también nosotros vender toda esa misión y visión que tenemos a nuestros colaboradores. ¿De ahí qué más podemos comentarles? Es muy difícil, por el tema de que acá las agencias nos ganan lo que es la operación. Los clientes quieren todo de un día para el otro, de tal manera que hemos estado implementando poco a poco de que se cumplan procesos. ¿Eso qué quiere decir? Que cuando el cliente es así, también nosotros no podemos llegar a algunos procesos como lo que es la captación de personal, la debida inducción.

De que cuando llega un nuevo personal, se le tiene que hacer un proceso de selección y todo eso. Y lo otro que les estaba contando es que es muy rotativo. Eso nos hace que las opciones sean menos y también por la experiencia que yo manejo, sé en cuanto al personal, qué tipo de personal nosotros queremos contar.

2. ¿Cómo ves el mercado actual para las personas que son creativas, Ilustradores, fotógrafos y diseñadores gráficos? ¿Qué cambios significativos has notado en este mercado?

Nosotros somos conscientes en el mercado en el que estamos. Sabemos la ciudad, los nichos y nuestro objetivo público. Pero también somos conscientes de que esta ciudad recién está creciendo en cuanto a lo que es marketing digital y en cuanto también lo que es agencias.

agencias que bajan totalmente sus precios y tienes que competir con eso.

Lo segundo es la informalidad aquí en el mercado para nosotros los creativos. ¿Qué significa? Que cualquier persona que tiene el alcance de las redes sociales promociona su servicio y puede conseguir clientes. Eso baja y hemos visto un ejemplo. Ademir que es de fotografía sabe que un equipo cuesta, que tiene un proceso y todo eso, él no va a poder bajar el costo de sus productos. Ponte que sus fotografías valen de 500, 600 soles. Pero hay otras personas que no necesariamente son fotógrafos, no necesariamente han estudiado esto, cuentan con los equipos y también ofrecen el producto.

El mismo servicio, mejor dicho. Entonces eso hace que en cuanto a competitividad el cliente vea por precio y malogra totalmente el mercado. Entonces es difícil competir en cuanto a precio. Sabemos que nosotros como profesionales tenemos una apuesta de valor, pero estamos hablando de un mercado recién nuevo y totalmente pequeño. Entonces eso hace que todavía nosotros no nos demos el gusto de poder decir que esto es lo que vale y esto es lo que te va a costar porque debería ser así.

Entonces es totalmente difícil para los nuevos creativos que están saliendo porque en cuanto a precios todavía no estamos llegando a lo que se debería manejar como son las otras ciudades.

todo con agencias del Lima y ya nosotros nos dejan lo operacional que es lo que nadie quiere hacer.

Entonces nosotros sí hay un avance que hemos visto porque gracias a las agencias, a los pequeños inversionistas, a los pequeños publicistas, mercadólogos que han sacado sus agencias han hecho que el sector empresarial que apuesta por nuestros servicios empiezan poco a poco a ver que son procesos que se tienen que cumplir y presupuestos que se tienen que pagar sí o sí para que exista una inversión y un retorno para ellos. Pero es poco a poco. O sea, nosotros sí como agencia queremos conseguir este tipo de clientes, queremos que el sector deje de ser tan informal, pero sabemos que es muy muy difícil.

3. Bueno, ya vimos la parte externa a ustedes como agencia ahora la parte interna. ¿qué es lo primero que ven? ¿Qué es lo que más les importa? ¿Qué buscan en el momento de reclutar talento?

Y lo otro es por lo que siempre también me imagino que pasa en todos los rubros es la competencia desleal que hace que tú tienes que estar sobre el mercado, tienes que competir ya veces hay algunas

Y lo otro que también tenemos que competir es de que acá las empresas grandes, sus campañas publicitarias no las manejan las agencias de Arequipa, mandan

Depende mucho del área donde nosotros queremos buscar. Hemos intentado hacer algunas alianzas. Por ejemplo, hicimos una alianza con la Universidad Católica, que ellos nos daban una facultad y nosotros los apoyamos recibiendo sus practicantes y ellos nos colocaban en la bolsa de empleos. De ahí nosotros realizamos mayormente nuestras convocatorias con las redes sociales, que es lo que manejamos. Pero es totalmente diferente al área que va a ser. Para lo que son diseñadores gráficos, para lo que son

creadores de contenido, sinceramente, diseñadores gráficos buscamos mayormente de institutos.

Porque las universidades no mandan, no se enfocan a lo que son diseñadores gráficos. Te mandan más personas, más teóricas. Entonces, preferimos en cuanto a esa área buscar en ese lugar. En cuanto a lo que son de creación de contenido, no es muy técnico. Hay personas que no han estudiado sobre este medio, pero que se han dedicado por años a grabar, porque tienen talento. Entonces, nosotros ahí nos abocamos más a lo que es el portafolio. Más que la experiencia, vemos lo que es el portafolio. Y para las otras áreas es totalmente diferente.

Hemos intentado, con lo que es La Católica, no nos ha resultado. Y los otros canales que nosotros utilizamos para poder reclutar es redes sociales, pagos de anuncios, tal vez en Meta, que es Instagram. O si no, ahora lo que estamos usando es por el rubro. Es muy pequeño el rubro todavía. Conoces la mayoría de los diseñadores. Entonces, te comunicas con algún diseñador y preguntas si tiene algún contacto y todo eso. Es la única forma. Nada más creo, ¿no?

4. ¿No utilizan ningún canal como LinkedIn, Behance o los mismos sitios web de empleo como Computrabajo.?

Por ejemplo, en Computrabajo no lo podemos hacer porque varía mucho. Ponemos el ejemplo del diseñador gráfico. Los buenos diseñadores ni sus portafolios los tienen actualizados. Es

totalmente diferente. ¿Por qué? Porque hay un factor que a nosotros nos gana mucho, que son las operaciones. Los clientes quieren todo el rato de un día para el otro. Y no debería hacerse así, ¿no? Pero lamentablemente los mejores diseñadores cuando nos han mandado sus portafolios no los tienen actualizados. Sus trabajos son del 2019, 2020, 2021. Pero es rápido saber cuándo es un buen diseñador. Es muy rápido. Y ahora, como no tienen ellos sus canales actualizados, no puedes buscar en esos canales adecuados porque no los tienen actualizados.

Primero, Computrabajo para nuestro nicho no funciona. Totalmente no funciona. Nuestro rubro también, nadie utiliza un perfil de Computrabajo para nada. Nuestro rubro utiliza más el perfil de Behance. LinkedIn también podrían utilizarlo, pero no lo actualizarán. Otro error en Computrabajo es el monto de inversión para conseguir este tipo de personas. ¿Cuánto es el anuncio?

¿El qué hemos hecho ahora? No, no, no, el de Computrabajo. Ah, creo que está 100 soles 3 anuncios. Sí, y mientras que en Facebook hemos invertido 200 dólares por puesto y nos llegan los portafolios. Ahora, hay un precedente, que es pandemia. Antes de pandemia teníamos full portafolios completos. Después de pandemia, ¿cuál ha sido lo que han hecho los creativos? En el puesto de diseñadores gráficos, ya no han intentado trabajar en agencias. O bien, trabajan en agencias el 50% y el otro 50% lo trabajan freelance.

no lleguen al bloqueo creativo. Y eso hace que sea difícil conseguir, como lo hacíamos antes, que cuando publicabas algo te llegaban 100, 150 portafolios.

Y ahora, por más que aumentemos el presupuesto, nos llegan 50, 70, 80 portafolios en total.

Ahora nosotros como medimos, es rápido, depende. Diseñador gráfico ve 80% portafolio y Behance. Si no tiene cuenta en Behance y me manda un portafolio en PDF, no pasa el filtro. Después de Behance, vemos recientemente sus trabajos. La experiencia, sí, debería contar, pero como te dije, acá no hay muchas agencias buenas.

Porque todo el mundo quería todo en una semana, por lo que estábamos viendo. Entonces, vemos mucho lo que es el talento. Digamos, formación, por el momento, sí, es parte de, pero priorizamos más lo que es el talento y lo que podemos hacer mediante su portafolio.

Por ejemplo, en Computrabajo no lo podemos hacer porque varía mucho. Ponemos el ejemplo del diseñador gráfico. Los buenos diseñadores ni sus portafolios los tienen actualizados. Es totalmente diferente. ¿Por qué?

Porque hay un factor que a nosotros nos gana mucho, que son las operaciones. Los clientes quieren todo el rato de un día para el otro. Y no debería hacerse así, ¿no? Pero lamentablemente los mejores diseñadores cuando nos han mandado sus portafolios no los tienen actualizados. Sus trabajos son del 2019, 2020, 2021. Pero es rápido saber cuándo es un buen diseñador. Es muy rápido. Y ahora, como no tienen ellos sus canales actualizados, no puedes buscar en esos canales adecuados porque no los tienen actualizados.

¿El qué hemos hecho ahora? No, no, no, el de Computrabajo. Ah, creo que está 100 soles 3 anuncios. Sí, y mientras que en Facebook hemos invertido 200 dólares por puesto y nos llegan los portafolios.

Ahora, hay un precedente, que es pandemia. Antes de pandemia teníamos full portafolios completos. Después de pandemia, ¿cuál ha sido lo que han hecho los creativos? En el puesto de diseñadores gráficos, ya no han intentado trabajar en agencias. O bien, trabajan en agencias el 50% y el otro 50% lo trabajan freelance.

Porque quieren manejar sus propios tiempos, no se quieren saturar, para que no lleguen al bloqueo creativo. Y eso hace que sea difícil conseguir, como lo hacíamos antes, que cuando publicabas algo te llegaban 100, 150 portafolios. Y ahora, por más que aumentemos el presupuesto, nos llegan 50, 70, 80 portafolios en total.

bueno para las agencias porque todo se ha digitalizado, pero en cuanto a procesos, todo eso, nos ha malogrado.

Porque todo el mundo quería todo en una semana, por lo que estábamos viendo. Entonces, vemos mucho lo que es el talento. Digamos, formación, por el momento, sí, es parte de, pero priorizamos más lo que es el talento y lo que podemos hacer mediante su portafolio.

Nos han llegado portafolios, mejor dicho, CVE, que tienen todo impecable, que han trabajado en 3 o 4 agencias, pero el portafolio no acompaña eso. Entonces, en cuanto al portafolio, nos han mandado una hojita de portafolio y nada que ver.

Porque quieren manejar sus propios tiempos, no se quieren saturar, para que

No me sirve de nada que venga de una agencia que tenga el mismo nicho, si recién estamos empezando todas juntas. Porque casi todas tienen un promedio de 5 o 4 años que recién están saliendo. Sin contar el año pandemia, que hace un año y medio que sí, ha sido bueno para las agencias porque todo se ha digitalizado, pero en cuanto a procesos, todo eso, nos ha malogrado.

Primero, Computrabajo para nuestro nicho no funciona. Totalmente no funciona. Nuestro rubro también, nadie utiliza un perfil de Computrabajo para nada. Nuestro rubro utiliza más el perfil de Behance. LinkedIn también podrían utilizarlo, pero no lo actualizarán. Otro error en Computrabajo es el monto de inversión para conseguir este tipo de personas. ¿Cuánto es el anuncio?

Ahora nosotros como medimos, es rápido, depende. Diseñador gráfico ve 80% portafolio y Behance. Si no tiene cuenta en Behance y me manda un portafolio en PDF, no pasa el filtro. Después de Behance, vemos recientemente sus trabajos. La experiencia, sí, debería contar, pero como te dije, acá no hay muchas agencias buenas.

No me sirve de nada que venga de una agencia que tenga el mismo nicho, si recién estamos empezando todas juntas. Porque casi todas tienen un promedio de 5 o 4 años que recién están saliendo. Sin contar el año pandemia, que hace un año y medio que sí, ha sido

Entonces, eso no debería pasar, ¿no? Entonces, esto debería manejarse como los otros rubros que se manejan, que tanto tu portafolio como tu formación personal debería ser importante. Entonces, ¿eso qué hace? Eso hace que uno que estudia sobre la carrera tenga que competir informalmente también con otras personas que solo son, ¿cómo lo podemos decir? Aficionados, ¿no? Entonces, un ejemplo, vamos a una sesión de un cliente y el cliente te dice, mira, vas a hacer team con tal persona. Tú miras su portafolio y es excelente, buenas fotos, todo.

Le pregunto, ¿qué está estudiando? Estoy estudiando ingeniería comercial o estoy estudiando psicología o estoy estudiando una carrera que no tengo nada que ver con marketing, ¿no? Entonces, eso hace que no exista la formalidad en cuanto a la formación académica.

Y eso hace que también las empresas nos vean como informales tanto como en nuestros procesos como en lo que son nuestros talentos.

5. ¿Qué valoran de un candidato?

80% portafolio y en la manera en que también nos envían los correos. A veces nosotros colocamos y se pone toda la información en el post, se pone que se tiene que enviar a un correo corporativo y muchas personas nos escriben mediante los canales que no son oficiales.

Llega el correo y tenemos un proceso donde vemos el mensaje y que tiene que poner el enlace de Behance. Ahora, si no pone el enlace de Behance y vemos que su portafolio es convincente, ahí ya es donde vemos la formación personal para ver si compensan con todo lo que es su formación académica.

Después de eso pasamos a una entrevista personal, donde ahora es otro de los problemas. ¿Por qué? Porque muchas veces en el área creativa las personas se sienten o, mejor dicho, forman algo que es como un alto ego, porque son artistas. Y hay diseñadores totalmente buenos, pero que,

a hacer eso. Pero como hemos cambiado ahora nuestro concepto de cuanta agencia, por más que sea bueno, si tiene ese tipo de personalidad, no lo vamos a tener.

Y ahora hay otro problema, que la mayoría de los diseñadores son casi todos calcados, igualito en cuanto a personalidad, o sea, cambian solo nombres y tal vez entorno social, pero todos son idénticos. Entonces, en cuanto a personalidad, tratamos de que también sea balanceado. Si vemos que es muy bueno, le tenemos que dejar las cosas claras, diciendo que mantenemos estas cosas, estas cosas, estas cosas para la química.

Entonces, y ahora lo otro es muy, muy variable porque este sector es totalmente también nuevo acá y estamos hablando de que, en la industria, en cuanto a los rubros, Perú todavía es un poco conservador.

Si esa persona que se dedica a marketing, si se dedica a publicidad, no sabe que tienen que pasar esos filtros, entonces es el primer filtro donde sabemos si va o no va. Y a veces duele, ¿por qué? Porque a veces hay buenos diseñadores de que, no, te lo mando por WhatsApp, y que no cumplen ese proceso, entonces estaríamos cayendo de nuevo a eso de informalidad que estamos pasando.

en cuanto a la química, en cuanto a su personalidad, no van a encajar.

Y anteriormente aceptábamos ese tipo de personas. Digamos que tú lo tenías sentado en la computadora con los audífonos, mirando la computadora 24-7, y tú le decías, necesito esto, esto, ok. Y lo enviaba. Por el lado administrativo, lo rentable nos convenía porque se dedica

Y tal vez algunas cosas respetamos sus decisiones y otras no. Entonces, uno de los ejemplos, casi a todos los diseñadores no les gusta TikTok. O sea, te estoy hablando de los diseñadores que son diseñadores nativos, o sea, diseñadores, no los nuevos diseñadores que están saliendo ahora, que se están metiendo en la fotografía, no. Se están metiendo a crear también trens, contenido. No, te estoy hablando de diseñadores nativos, que a ellos les apasiona crear marcas, les apasiona crear brand, conceptos, o sea, les apasiona eso. Tú le dices, mira, vamos a hacer un tren de TikTok bailando, no. Ellos están dibujando, imprimiendo todo el rato en el computador. Entonces, sí, sabemos este tipo de creativos.

Por eso digo, es totalmente diferente. Digamos, por el lado comercial, que son los de cuentas, ellos son más de escuchar música. Igual, el área de media, social media, son más de hacer TikTok, de estar hablando de las tendencias y todo eso.

Digamos, aquí en una empresa, si tienen un bloqueo creativo y lo tienes echado en un sillón, en una empresa convencional no te va a funcionar. O sea, te van a decir, no eres productivo. Una empresa quiere que seas productivo, productivo, no importa que estés haciendo la pinta que estás tecleando. Entonces, eso también tenemos que ver porque acá, en cuanto a las agencias, la idea no es que yendo o viniendo va a venir. Tienes que estar caminando, dándole vueltas al asunto y todo eso.

6. Correcto. De hecho, justo de ahí viene la siguiente pregunta. ¿Cómo ustedes fomentan el trabajo colaborativo entre la agencia? ¿Qué es lo que ustedes ayudan en equipo? Porque al final el trabajo al cliente es algo en equipo. ¿Cómo lo fomentan?

Exacto. Ese es uno de los puntos que lo queremos trabajar este año. Es muy difícil. ¿Por qué? Porque una de las cosas que nos gana a nosotros es lo operacional. Entonces, a veces cuando es demasiado operacional, hace que no tengamos algunos puntos para hacer este tipo de estrategias, para romper lo que es el bloqueo creativo, para ver los feedback, entonces, hemos implementado, pero poco a poco. Les voy a ser sincero, habremos

implementado el 10%. Y de ahí, de nuevo, ha recaído. ¿Por qué? Porque nos gana lo operacional. Un ejemplo. Primero hemos creado nuestros procesos, después teníamos lo que son las reuniones de equipo, reuniones de área, los sábados de deporte, porque anteriormente, la agencia iba a ser un poquito informal, o sea, cuando salieron todas las agencias, todas las agencias querían parrilladas, terrazas, los creativos, alcohol, ¿no? Porque el creativo podía fumar, antes aquí estaba permitido fumar. Cuando teníamos una mesa de ping-pong, teníamos una pantalla para jugar play, entonces el creativo se sentaba y jugaba, teníamos una mesa de billar, pero no nos funcionó. Porque hay otra de las cosas. Sí, somos conservadores, pero también en cuanto a nosotros como colaboradores, todavía no tenemos esa mentalidad como es en el extranjero, ¿no? Digamos, si tú le dices al trabajador, ya, échate para tu bloqueo creativo, tú confías en eso y a tu regreso está durmiendo, igualmente teníamos una mesa de ping-pong para que cuando tengas un bloqueo creativo estés jugando, regresabas y hacían campeonatos de ping-pong que duraban semanas. Entonces, recién estamos implementando, pero uno de los problemas que tiene todas las agencias es que nos gana la operacionalidad.

¿Cómo es eso? Mañana nosotros nos podemos programar para tener un día, pero de repente una cuenta nos llamó y nos dijo mañana hay un evento y necesito que nos apoyen en cubrir. Por más que hemos estado poco a poco los procesos que nos tienen que avisar tres días antes, que nos tienen que avisar para hacer nuestro planning, falla. Porque esas empresas

tampoco no tienen procesos comerciales, no tienen procesos de contabilidad. Y no son pequeñas empresas, son hasta las grandes empresas. Entonces, a veces presentamos presupuestos gigantes de 19.000, 20.000, 25.000 para solo una semana de actuación, la cuenta no deposita, hay muchos problemas. Y esos problemas hacen que nosotros también tengamos esos problemas y no podemos cumplir. Pero sí queremos. ¿Qué queríamos implementar? Queríamos implementar lo que es un día de salida a los restaurantes. ¿Cuál era la idea? Que cada uno tenía que implementar un día para ir a un restaurante. Pero no ir a comer. O sea, sí ir a comer, pero ver cómo se mueve el restaurante, cuál es su proceso, su carta, todo eso. No necesariamente ir a los restaurantes o empresas que nosotros manejamos. Entonces, eso queríamos implementarlo. Pero ¿cuál es uno de los

Es la desorganización de estos clientes hacen que nosotros no podamos cumplir con esas cosas y tengamos que cambiar nuestras fechas de actividades. Manejamos una cuenta que es Academia Mendel y a veces nosotros nos planificamos, ya este domingo vamos a viajar y de repente la UNSA manda un comunicado dos días antes diciendo que se cambia el examen para el próximo domingo. Ya no podemos hacer nada porque ya habíamos programado. Entonces tendríamos que esperar. Y después la UNSA publicada tres días, se cambia, no hay fecha. O teníamos mañana que hacer una actividad que el cliente quiere y por más que hemos estado presionando no se ha podido hacer. Pero poco a poco estamos 50 y 50. O sea, a veces el cliente no responde no lo hacemos.

Pero a veces los clientes dicen ah, no lo haces, entonces me voy a esta agencia que me va a aguantar todo. Y eso hace que se a ruine todo. Entonces, sí, queremos implementar, pero es una de las cosas que tenemos que lidiar mucho, ¿no? Igual tenemos un convenio con ese departamento de psicología y ellos ¿cuántos grupos? ¿dos, tres grupos? Tres, claro. Nos han estado también ayudando de algunas actividades y todo eso. Hemos hecho actividades durante los fines de semana donde podemos integrarnos como equipo. ¿Qué tipo de actividades? Son actividades mayormente deportivas o actividades que tengan que ver para crear contenido.

7. Ultima pregunta, ¿Cómo agencia qué es lo que ustedes aconsejan a los estudiantes para el mundo laboral? ¿Qué es lo más importante a futuros diseñadores gráficos para que puedan postular tanto como en su portafolio, como ellos, en qué se pueden formar?

Mira, como agencia para nosotros es muy importante que ustedes estén creando, inspirándose, pero ya. No tienen que esperar que al último año voy a hacer mis prácticas o el último año voy a empezar a crear mi página personal, mi cuenta personal, no. Nosotros les aconsejaríamos que el punto de partida debería ser el primer día que pisan y estén sobre esa carrera. Es muy importante la práctica, eso va a ser de que ustedes mismos se den cuenta del primer logo que crearon el primer día al primer logo que tienen como primer año trabajando en una agencia. Lo otro es siempre estar pendiente de las tendencias, no tendencias en cuanto al nuevo trend de TikTok, en cuanto al nuevo baile, no. O sea, tendencias en general, si bien es cierto Behance es nuestro portafolio ahorita de los creativos, pero a veces durante todos estos años empiezan a salir nuevas plataformas. Entonces tú tienes que estar a la par de esas tendencias. Tal vez algunas plataformas no dan, mueren, pero igual tú tienes que seguir las tendencias durante todos los años. Y lo otro es siempre va a cambiar. Lo que estás hablando ahora de acá 5, 6, 7 años tal vez no esté funcionando, va a cambiar totalmente. Anteriormente lo de las redes sociales hace 10, 15 años no

era como que es el boom. Entonces me imagino que de acá 5, 6, 7, 8 años sea lo del Metaverso sea lo que es otro tipo de diferentes plataformas entonces tú con tu con la capacidad y la constancia que tienes durante todos estos años, vas a la par. Lo otro es no te tienes que des actualizar, dejas un mes, dos meses de crear contenido, te des actualizas y es muy

importante lo visual para nosotros, muy importante. Entonces tienes que invertir en ti en capacitarte en cuanto a si es diseño gráfico, si es social media y todo eso. Y las mejores, yo les voy a aconsejar no todo está en la universidad, en el instituto, no todo. Hay cursos, no siempre tiene que ser todo técnico. Hay cursos. En la Católica donde yo estudié nunca me enseñaron a hacer un anuncio en ads. Nunca me enseñaron a cómo se leían métricas en las redes sociales. Porque ellos se basan en cuanto a su malla curricular totalmente diferente. Y ahora hay, ustedes tienen a la mano todo lo que es tutoriales y también hay cursos que se pagan 9 dólares.

Y hay buenos cursos que donde ustedes podrían. Nosotros como agencia, por ejemplo, queremos volvernos parte de Meta, lo cual ahora estamos gestionando. Donde Meta te da la opción de mandarte personas en Meta mismo para que te puedan capacitar. Y lo otro es no siempre es talento, es disciplina. Con la experiencia que tengo he tenido amigos que diseñadores buenos no eran, o sea, yo en mi error decía, pucha pobrecito no creo que sea diseñador y que ahora son diseñadores top. O sea, práctica. Si, talento. Tal vez puedes tener un compañero que sepa dibujar, tal vez tengas un compañero que haga hermosas fotos, pero si no lo practica, si forma el alto ego que dice, yo soy talentoso y no lo practica y no se sigue actualizando, actualizando, actualizando va a manjar. Yo les recomendaría que sí o sí sigan estudiando, siguiendo las tendencias y practicando. Otra cosa es la disciplina, muchas veces confunden que los creativos 10 de la mañana tienen que estar, tienes que fumarte un porrito para que te venga

la creatividad, muchas veces piensan que los creativos tienen que pintarse el cabello de rojo, verde, ser los diferentes. No siempre es así. Cada uno de nosotros tiene diferentes personalidades. Nosotros las respetamos totalmente. Pero si no eres disciplinado mandas al tacho todo el talento que tienes. Ahora imagínate ser talentoso y tener la disciplina ¡boom! Pero poco a poco digamos. Arequipa todavía no está preparada para eso, creo. Entonces poco a poco.

El Instituto del Sur no te va a dar una página donde te vas a poder sacar los recursos sin la marca de agua, porque es delito. Pero también tienes que regionalizar. Estamos en Arequipa. Un cliente no te va a pagar el derecho de esa foto que está a 200 dólares.

Hay que ver la realidad. Entonces, tienes que tener una página que te quite y va también contra los institutos. Es igual lo de Photoshop, digamos si un cliente te paga 800, 900 soles, no vas a poder pagar el Photoshop en full o sea, no compara.

Entonces, lamentablemente a veces tienes que hacer ese tipo de cosas. Pero lo que sí me gustaría es que si las agencias empiezan todas en el mercado. Y ya se ha empezado poco a poco. Entonces, eso es lo bueno. Ya había un inicio. Si no había ese inicio, hubiéramos estado ahora como Cusco, como las otras ciudades pequeñas. Ahorita la idea es de nosotros es apuntar como se está moviendo en las agencias de Lima. Digamos, donde estás tú el diseñador de gráfico y tú tienes un director de arte. Los diseñadores son por categorías. Está el junior y está el senior.

Al junior ni loco te va a entrar a una cuenta grande, vas aprendiendo. El senior sí maneja todo. Igual, todo eso tiene un director y ese director le llega el arte para la conceptualización. Entonces, ahí tú aprendes y hay una línea de carrera. Sabes que vas a llegar junior. Y qué es lo que hacen la mayoría de agencias es convertir al junior como un semi-senior y es el cargado de subir. Y hay otras agencias que peor, ellos son los que tienen que hacer la animación, es decir, tienen que subir también la publicación. Entonces, nosotros estamos abiertos a que nuestros compañeros, nuestros colaboradores nos den cualquier tipo de herramientas que podemos tomar. Nosotros trabajamos con un aplicativo donde podemos seguir el trabajo, podemos implementar. No utilizamos una parrilla de contenidos no utilizamos un drive, no utilizamos un exel. No, utilizamos un software. No podría

ser un CRM, funciona también como un CRM, pero es un software donde tú puedes ver el estado del trabajo, la parrilla de contenidos y se puede implementar más cosas, más cosas, más cosas, mucho mejor. Entonces, como consejo chicas practiquen mucho.

Y respecto a la presentación, no es como un médico, ¿no? Un médico presenta sus cinco títulos y probablemente lo contraten. En este caso tienes que demostrar que eres creativo y que no puedes presentar una hoja que diga curriculum vitae

Exacto. Tienes que ver todas las plataformas, la forma en la que tú te diriges a la empresa, ¿no? Buenos días, bla, bla, bla, mis nombres son tantos... soy titulado de esto, bla, bla, bla. Claro, eso suma mucho a la personalidad de la persona.

Y lo otro es la realidad, es muy importante la realidad. Muchas veces te venden la idea de la agencia de que vas a llegar, vas a encontrar, una zona de meditación, una zona de yoga, taca-taca y que las reuniones van a ser en las pantallas.

Sí, o sea, sí tenemos televisores que se voltean, pero también es parte del trabajo, pero… poco a poco vamos cambiando, pero es la realidad. Y muchas veces, a veces, el alto ego ha hecho que estos diseñadores, es por eso que no les gusta agarrar. ¿Por qué? Porque solo quieren agarrar marcas grandes. Y a veces cuando llega un emprendimiento, ¿no? Una joyería o un restaurante pequeño, no lo quieren agarrar. ¿Por qué? Porque, o sea, están dedicados a trabajar en ese tipo de proyectos. Entonces es la realidad, muchas veces, a veces hasta puedes hacer

un manual de marca y si tu nicho, tu cliente, no lo va a entender, por la cual te gastas haciendo todo ese manual de marca avanzadazo, para que el cliente te diga, no sé si le puedes poner alto relieve al logo para que se note más, ¿no? Y si le puedes poner dorado, por favor, porque se ve más bonito dorado, no, difícil. Entonces, es la realidad de Arequipa. O sea, totalmente, pero lo bueno es que estamos cambiando. Estamos cambiando y también es gracias en conjunto en cuanto a las agencias.

Si hay competencias en agencias, va a haber competencia en cuanto también a los clientes y también en cuanto al personal. Es muy importante eso. Y de ahí nada más, ¿no? Ah, lo otro también sería bueno de que, si abarcas varios puntos, pero que te especialices en algo, que sea tu sello, ¿no? Hay algunos que se dedican más al gran, hay otros que se dedican más a lo que es las ilustraciones, hay otros que se dedican más a lo que es social media. Entonces, vean para que se vayan especializando en ese punto, ¿no?

Y de ahí, no vean, ya para terminar, no vean cómo van otros. ¿Qué utilizan? ¿Qué herramientas tienen otros? Porque ahí en verdad lo que importa es el talento, pueden tener las ultimas herramientas digitales, pero si no lo practican, por las puras va hacer todo ese material y de ahí es poco a poco. Y otras de las cosas es que en nuestro rubro todo caro. ¿La Sony Alpha cuánto nos ha costado? 9,000 soles. ¿Un drone? 10,000 soles. ¿Un lente? 3,000 soles.

Para que te digan en el presupuesto de fotos, tengo un presupuesto de 150 soles.

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Del 6 al 31 de julio

Calle San Francisco 127

AGENDA CULTURAL2023

Y para despedirnos, te dejamos esta pequeña agenda, con las actividades que puedes ver durante el mes.

Converstorio: los retos del diseño 15 de julio

Concurso artistico de caricatura

Taller de lettering

20 y 21 de julio

AGENDA CULTURAL2023

Exposiciones y talleres de diseño industrial

Del 27 de junio al 20 de julio

Alto hablaban susurrando los cuerpos agrietados

Del 7 al 31 de julio

Centro Cultural UNSA

Santa Catalina 101

Pintores Alfeniques

Del 7 al 31 de julio

Centro Cultural UNSA

Santa Catalina 101

Exposicion Colectiva Jose Luis Pantigoso

Del 7 al 31 de julio

Centro Cultural UNSA

Santa Catalina 101

Historias de Juguete

Del 22 de Junio al 21 de Julio

Gerencia Regional de Comercio Exterior y Turismo, CercadoArequipa.

Taller de Origami Colección Sotelo

22 de julio

Calle San Francisco 127

Jiménez

Del 17 de junio

al 27 de julio

Galeria de Ar te del Cultura

Taller de Caricatura 22 de julio

Del mito al carboncillo

Del 7 al 27 de julio

Casa Museo San Lázaro 120

Del 7 al 31 de julio

Centro Cultural UNSA

Santa Catalina 101

El ser hecho color

Del 7 al 31 de julio

Centro Cultural UNSA

Santa Catalina 101

Concurso de Tallado en sillar

Del 8 al 10 de agosto

El Por tal de Flores, Plaza de Armas de Arequipa

EXPODECO

Diseño de Interiores y Arquitectura

Del 23 al 27 de Agosto

Centro de Convenciones

CORPORACIÓN E. WONG Av. Raúl

Ferrero 229. La Molina - Lima

Exposición Retrospectiva

45 años de Trazos y Risas

Del 14 al 31 de julio

Centro Cultural UNSA

Santa Catalina 101

Concurso nacional de pintura rápida en acuarela

26 de agosto

Centro Histórico de Arequipa

Hasta

la próxima...