Rodrigo Diaz Taboada - Architecture Portfolio - Historia del Arte - RIBA Parte 1 - ULIMA

Profesor: Maria de la Paloma Carcedo Muro de Mufarech

PORTAFOLIO HISTORIA DEL ARTE SECCIÓN: 321

RODRIGO EDUARDO DIAZ TABOADA 20193702

Facultad de Ingeniería y Arquitectura

Carrera de Arquitectura – Área de Historia y Teoría de la Arquitectura Ciclo 2020-2

ÍNDICE

1

DIBUJO COMENTADO DE UN ZIGURAT Criterios RIBA: CG2/CG3

2

Pág. 3

DIBUJO COMENTADO DE ESTRUCTURAS EGIPCIAS Criterios RIBA: CG2/CG3 Pág. 5

3

GRECIA, ROMA, PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO Criterios RIBA: CG2/CG3 / CG4 Pág. 9

4

ROMÁNICO Y GÓTICO Criterios RIBA: CG2/CG3 / CG4 / CG5 Pág. 14

5

RENACIMIENTO Y BARROCO Criterios RIBA: CG2/CG3 / CG4 / CG5 Pág. 22

1

6

NEOCLÁSICO Y ROMANTICISMO Criterios RIBA: CG2/CG3/CG4/CG5 Pág. 31

7

IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO Criterios RIBA: CG7 Pág. 43

8

CV E INFORMACIÓN DEL CURSO

Pág. 51

2

DIBUJO COMENTADO DE UN ZIGURAT CG2 / CG3

ZIGURAT DE UR CG2 / CG3 Santuario central consagrado al dios Templo central

Escaleras secundarias reyes

Salida de agua

Patio de congregación

Ficha Técnica

Figura 1 Escalera principal / para procesiones

Nombre de la estructura: Zigurat De Ur Cultura: Egipcia Materialidad: Adobe / ladrillos de adobe Ubicación: Sur de Mesopotamia Uso: Templo Fecha: 2100 a.C

Comentario La idea escalonada del Templo conocido como Zigurat de Ur se argumenta en la premisa de que los dioses bajaban a través de las plazas de la misma para llegar a la tierra. Se le vio como la morada por la que la deidad accedía a nuestro mundo. El principal fin de los espacios que ofrece es orientado hacia la religión. Desde el santuario central donde se encontraba la estatua de culto, hasta la escalera principal usada para procesiones que referenciaban un enlace entre la tierra y el cielo. Por otra parte, se tienen también las escaleras secundarias, integradas para los devotos de clases sociales más bajas. De esta forma, la escala monumental de este Templo fue ideada con la intención de que todos fueran participes de su religión.

4

DIBUJO COMENTADO DE ESTRUCTURAS EGIPCIAS CG2 / CG3

ESCULTURA EGIPCIA “OFICIAL” Y “POPULAR” CG2 / CG3

TRIADA DE MICERINOS • Escultura Egipcia “Oficial” • Escultura Hierática • Simetría y Frontalidad: Esta reforzada por la disposición de los brazos a los lados del torso y la rigidez de la nuca que sujeta la cabeza debido a que el objetivo es que sean vistas de frente.

• Material: Piedra, debido a su símbolo con la eternidad • Los cuerpos no representan ningún movimiento ni sentimiento, rostros inexpresivos con la mirada en el infinito.

• Imágenes frías y distantes totalmente alejadas al espectador • El faraón Menkaure se encuentra a lado de la Diosa Hathor y la

representación de lo que seria un nomo 2490 a.C

Figura 2

• Mide 93 cm aprox

SIRVIENTA DE MADERA • Escultura Egipcia “Popular” • Escultura cortesana • Para este tipo de esculturas se utilizaron materiales como: barro,

madera; posteriormente se policromaban.

• Los tonos que predominaron fueron el ocre y el pardo.

• Representa la acción de producción y presentación de alimento al difunto.

• Dicha acción debía asegurar que las ofrendas durarían para

mantener al difunto en la eternidad.

• Se puede apreciar que la sirvienta lleva una vestimenta de lino, típico de las personas hasta el Imperio Nuevo, pues a partir de esa época comenzaron a lucir prendas tejidas finamente con plegado.

Siglo XVIII

Figura 3

Dejando el vestido estallado y de lino solo para las diosas.

• Mide 38 cm aprox

6

CG2 / CG3 Comentarios en base a preguntas 1) ¿Cuál era el objetivo de la escultura egipcia?

La cultura egipcia tiene como objetivo representar la imagen como un elemento de supervivencia, es

decir crear una vida eterna y duradera. Este no tenia como objetivo perseguir la belleza si no glorificar al faraón y a los dioses. Representa la personalidad del Dios o del difunto. se distingue por la majestad y realismo que imprimen a la figura humana, copiando con bastante perfección las facciones del personaje y las escenas de su vida.

2) ¿Las esculturas oficiales eran hieráticas, Que significa esto ?

Hieratismo, se entiende por esta inmovilidad, rigidez y falta de expresividad. La actitud hierática esta relacionada con su función, de dar a conocer a un faraón como un Dios, como alguien completamente

diferente ante cualquier mortal, de ahí proviene la falta de movimiento y quietitud que sugiere atemporidad o sea eternidad. Es por ello que las esculturas egipcias no sufren cambios importantes a lo largo de los años. Esto por convención del Imperio Antiguo.

3) ¿Qué diferencia había entre la escultura oficial y la popular?

- Dimensiones: la escultura oficial podía ser un tamaño colosal o pequeña, mientras la popular se

trabajó de forma libre en las pequeñas proporciones.

- Materialidad: la escultura oficial utilizaba la piedra o el granito porque representaban materiales que perdurarían en la eternidad; las esculturas populares fueron trabajadas en madera o barro y posteriormente eran policromadas (pintadas).

- Lo que representan: la escultura oficial muestra a las deidades o acciones de estas; por otro lado, las esculturas populares presentaban acciones cotidianas (populares y de ofrendas), y personajes terrenales (sacerdotes, escribas, sirvientes, etc.)

7

CG2 / CG3

4) ¿ Qué representa la escultura “oficial” elegida y qué la “popular”?

Las esculturas oficiales representaban todo lo relacionado a las divinidades y no presentaban movimiento ni sentimientos pues al ser deidades tenían que transmitir seriedad y ese ímpetu de respeto, además de soberanía; eran encargados por el faraón y algunos privilegiados. Por

otra parte, las esculturas populares reflejaban acciones desde la escritura hasta tareas domésticas o de cultivo y recolección. Se enfocaron más en representar al hombre terrenal porque las ofrendas expresadas debían perdurar en la vida después de la muerte, pues el principal destino de dichas estatuas eran las tumbas ricas del Imperio.

8

GRECIA, ROMA, PALIOCRISTIANO Y BIZANTINO CG2 / CG3 / CG4

ANÁLISIS DE ESCULTURAS CG2 / CG3 / CG4

EL LAOCOONTE Y SUS HIJOS •

Autor: Alejandro, Polidoro, Atenodoro

•

Manifestación artística: Escultura exenta, de bulto redondo, lisa pulida

•

Material y Textura: Mármol

•

Composición: Asimetrica, de forma piramidal

•

Cuerpos: perfectamente proporcionados

•

Movimiento: Diagolanes y formas curvas (Serpientes y espiral o escorzo en el giro del cuepro de El Laocoonte)

Siglo XIX

Figura 4

•

Función: Decorativa en la villa del emperador

•

Significado: Narra la escena de la Eneida

•

Expresa el cambio de sensibilidad artística que caracterizo al periodo helenístico

•

Deja atrás el equilibrio, la austeridad y la serenidad del periodo clásico.

Comentario: En esta imagen observamos El Laocoonte y sus hijos.. Se encuentra en el museo Vaticano en Roma. La obra pertenece al estilo helenístico del Arte Griego. Los clientes en la época helenística fueron personajes poderosos, monarcas y generales. Esta esta formado por tres figuras, una gigantesca

masculina y desnuda con cuerpo de adulto mayor, que lucha desesperadamente por desenroscar a dos serpientes, que invaden el cuerpo de dos jóvenes también desnudos. La figura central cuenta con un apostura semisendente., apoyada en un asiento, del cual cuelgan rígidos ropajes, esta sujeta a la serpiente con ambas manos. La cabeza barbada y con abuntante cabellos. El joven de la izquierda esta desvanecida con el brazo en el alto y el de la derecha inclinada en sentido al grupo, ambas llevan un

tunica colgante por la parte de atrás.

Esta obra simboliza la lucha de Hombres y Dioses, un hombre que se entrega a la fatalidad y lo imprevisible.

10

CG2 / CG3 / CG4

AUGUSTO DE PRIMA PORTA •

Autor: Desconocido (se especula que su encargo lo hizo Livia, esposa de César Augusto)

•

Manifestación artística: Escultura exenta, de bulto redondo, lisa pulida

•

Material y Textura: Mármol, fue policromado con purpura, azul y dorado

•

Composición: Abstracta, natural

•

Cuerpos:

Personajes

guardan

proporción

individualmente, no entre ambas.

• Siglo I

Figura 5

Movimiento: Diagolanes en tren superior del personaje, posición de liderazgo

•

Función: Representa virtudes de alguien digno de gobernar

•

Significado: Idealizaciones atribuidas a un líder

•

La calidad de un líder militar que sale airoso

Comentario:

En esta imagen se aprecia a Augusto de Prima Porta. Esta copia fue descubierta en 1863, en la Villa Prima Porta, Roma. Donde residió su esposa Livia. Actualmente se ubican ahí los Museos Vaticano de Roma. La escultura comparte, al igual que el ejemplo anterior, un estilo próximo al idealismo helenístico, alejándose del realismo republicano . Se compone de dos figuras, en primero plano está Octavio Augusto, quien de pie y con una posición de mando se muestra como jefe supremo del ejército romano. En su indumentaria militar tiene presente una coraza con relieves distintivos que hacen referencia de dioses romanos: como Marte, dios de la guerra.

En segundo plano se alcanza a ver a Cupido, quien monta un delfín, abrazando su pierna derecha como símbolo de su inmortalidad.

Esta escultura muestra el carácter y en sí, las cualidades y virtudes que debe poseer alguien digno de liderar según las idealizaciones correspondientes a la época.

11

ANÁLISIS DE EDIFICACIONES CG2 / CG3 / CG4

BASILICA PALEOCRISTIANA DE SAN PEDRO

Testero

Diaconicum (sacrista)

Prótasis (preparacion eucaristia)

Nártex Atrio

Naves Longitudinal (Central mas elevada) Entradas del atrio Muros Lisos sin decoracion

Figura 6

Siglo XIX

Comentario: En esta imagen observamos la Basílica Paleocristiana de San Pedro en Roma, también conocido como la ''Basílica constantiniana’’. La mas antigua de hoy en día, esta desaparecida por la construcción en su mismo lugar de la basílica renacentista en el siglo XVI.. Era un edificio sin connotaciones religiosas usada como tribunal de Justicia. Se trata de un edificio de cinco naves, una amplia en el centro y dos mas pequeñas a cada una de los lados. así mismo cada una de las naves estaba dividida por 21 columnas

de mármol, que eran los restos tomados de antiguos edificios. Todo el edificio se encuentra adintelado y con cubiertas de dos aguas. La basílica paleocristiana refleja en su organización arquitectónica los diferentes espacios en los que se dividía el edifico según la función que debía cumplir.

12

CG2 / CG3 / CG4

IGLESIA SANTA SOFÍA Cúpula Nave lateral

Nave central

Pilares

Contrafuertes

Tribunas Nave lateral

Contrafuertes

Siglo VI Atrio

Figura 7 Nártex

Comentario: La Iglesia Santa Sofía, fue construida entre los años 532-537 en Estambul. Se estima su construcción entre el primer periodo de la arquitectura bizantina “ La formación”. Su uso responde al transporte de

los valores religiosos a la estructura. A diferencia de los romanos, que presentaban plantas basilicales, optaron por a su vez contar con una planta central. Con esto apuntaron al uso sistemático de elementos arquitectónicos abovedados. Que en comparación con los techos abovedados romanos que necesitaban paredes circulares como soporte. Las cúpulas bizantinas que presenta fueron apoyadas sobre una base cuadrada, con el uso de penachos. La más grande con un diámetro de treinta y tres metros. La Iglesia

Santa Sofía muestra en su composición arquitectónica influencias del románico y cómo trabaja en este para maximizar la eficiencia y la experiencia que brinda la estructura.

13

ROMÁNICO Y GÓTICO CG2 / CG3 / CG4 / CG5

PINTURA CG2 / CG3 / CG4 / CG5

MATRIMONIO ARNOLFINI • Titulo: Matrimonio Arnolfini • Autor: Jan Van Eyck • Fecha: Siglo XV (1434) • Estilo: Gótico Flamenco • Técnica: Pintura al oleo sobre tabla

• Ubicación: National Gallery de Londres • Asunto representado: Giovanni Arnolfini y su esposa, Jeanne Cenami, tras la celebración de sus nupcias.

• Interpretación: Matrimonio y Maternidad.

• Soporte: Tabla de soporte • Formato. pequeño. 0,840 x 0,570 m, apropiado para ser colocado en la casa de Arnolfini.

Figura 7 Elementos formales: Factura: Pincelada, Fino y de pelos suaves Luz: Iluminación por la ventana izquierda, Luz nórdica, difusa sin grandes contrastes Composición: Obra Equilibrada, con una simetría que empieza en la lampara (parte superior) y termina en el perro (parte inferior). A los costados se encuentran simétricamente las figuras, estas

también se encuentran en un eje vertical unida por las manos.

Cerrada: No hay conexión entre el exterior y lo representado en el cuadro, solo los bordes de metal.

Unitario: Los personajes se relacionan entre si, tanto ojos y manos Superficial: En el primer plano, cercano y paralelo al plano del cuadro se encuentran los protagonistas (Esposos) Formas de Expresión: psicológica, el esposo no parece en consonancia respecto a la solemnidad del momento.

15

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

Textura: De fondo se muestran una imitación de metal en el espejo, lampara, bordes en la ventana y

algunas piezas de bisutería, También se encuentra la madera en mobiliarios. De igual manera los textiles usados en la ropa y en los mobiliarios. Estas combinaciones de texturas transmiten sensaciones táctiles.

Los motivos y la figura humana tienen detalles realistas debido a la alta cantidad de detalles hechos con precisión y minuciosidad.También el efecto de fotografía en el espejo.

Lampara de metal Bordes de Ventana de metal Espejos con bordes de metal Madera en muebles Madera en ventanas

Efecto de fotografia en el Espejo

Textiles en ropas

Color: Tonalidades frías en (verde y azul), tonalidades cálidas (rojo) Tonalidades verdes y rojas se concentran en el lado derecho (Esposa) Tonalidades frías : Verde y azul

Tonalidad verde alude fertilidad

Tonalidades Cálidas : Rojo

Tonalidad Roja alude passion

Cuenta con una profundidad simulada del todo convincente, elementos perpendiculares al plano, que definen las líneas de fuga que al parecer se encuentran en un punto central superior. Aunque esta fue hecha por parte del pintor con una capacidade de imitar la realidad sin aplicar con exactitudad las leyes de la perspectiva.

16

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

Función: Conmemorar el matrimonio de Arnolfini.

EL contexto desarrollado en la pintura demuestra que los artistas denominados “primitivos flamencos” es el de una burguesía consolidada (decoraciones mediante tapices y cuadros).

La obra pertenece al estilo primitivo flamencos, esta escuela flamenca fue una de las mas importantes del mundo, durante el siglo XV, hasta el siglo XVIII. Se Desarrollo una escena costumbrista, al igual que el retrato y el paisaje. Lo mas significativo es la fe que le brinda a la revolución que se estaba Vivienda en esa época, paralela a las innovaciones italianas. Simbolismo en varios planos. En aquella época aparece una sociedad avanzada con una economía basada en productos textiles de lujo y en el comercio.

La burguesía francesa , debido a su alto desarrollo intelectual, gusta del lujo y de las obras de arte.

Diferencia:

Siglo XIV

Siglo XV

Una de las principales características fue la

Una de las principal característica de esta época

importancia que se le daba a las líneas de dibujo,

fue la utilización del aceite como aglutinante de

cuyos limites eran las masa de color. Los

los colores, que supone la aparición del óleo,

tenemos que predominaban era el naturalismo

aporta una mayor viveza a los colores, aumenta

ingenuo, escenas que sean entendibles al publico,

su brillo, permite realizar veladuras y crear

se busca un arte amable en relación a esa época.

colores compuestos.

Las principales representaciones de esta pintura se realizan en tres tipos de obras, la pintura mural, la pintura sobre tabla y las miniaturas.

Comentario: La influencia que pudo tener el artista es la de represnar la riquesa de los burguesas mediante su pintura,

cpn varios simbolos en la pintura. Uno de los estilos que se uso en la obra fue el naturalismo el cual desenmarca la pintura medieval, acercandolo al Renacimiento . EL aparenta ser un rico mercader, esto se observa en el cuadro, en el vestuario, mobiliario, alfombra, la decoración de la estancia, un dato interesante es la presencia de las naranja, esto debido a su procedencia del sur de Europa se considera un lujo.

17

EDIFICACIONES CG2 / CG3 / CG4 / CG5

PLANTA IGLESIA ROMÁNICA Girola Absidiolos

Ábside

Crucero Puerta lateral Transepto

Nave central

Naves Laterales

Bóveda de cañón

Figura 8

Arco fajón Contrafuertes Columnas adosadas

Materiales:

Figura 9

CORTE IGLESIA ROMÁNICA

•

Piedra (caliza, granito, mármol).

•

La utilización de estructuras grandes y macizas de piedra viene de la necesidad de que estos debían soportar el peso de las grandes bóvedas

•

A nivel estético la piedra representa esa robustez, conservación en el tiempo que supone la religión en la sociedad.

18

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

Sistema arquitectónico: •

Abovedado

•

Cuenta con esa forma por la relevancia que se le quiso dar a la estructura. También para no verse afectados estructuralmente por los incendios de los techos de madera.

Elementos constructivos: •

Muros “…elemento de cierre, el principal soporte, esto determina su grosor y macicez, apenas se abrirán vanos y éstos serán abocinados. Se refuerza con estribos que se corresponden con los tramos y arcos fajones del interior” (Morante, y otros, página 106, 1997).

•

Cubiertas, predominaron las bóvedas de cañón, donde la ´principal ubicada en la nave central se sostiene mediante columnas, pilares, contrafuertes, y otras bóvedas de las naves laterales a cada lado.

Elementos decorativos: • Es abundante, se trabajó bastante la pintura en los espacios que ofrecían los grandes muros dado que

no existieron vanos en gran cantidad comparado con la arquitectura gótica. También se encuentran plasmadas en los interiores de las bóvedas.

• “…y vegetal o geométrica dispuesta tanto en el interior como en el exterior, organizada en bandas horizontales (subrayando frecuentemente la línea de impostas).” (Morante, y otros, página 106, 1997).

19

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

PLANTA IGLESIA GÓTICA En Francia se construyeron varias iglesias góticas, muy semejantes en sus usos, pero varían un poco en sus plantas. Según Laviña (2008), estas iglesias representan un nuevo estilo que rompe con la robustez del arte románico.

En la figura 10 podemos ver que para ingresar a esta catedral, uno lo puede hacer mediante cualquiera de los tres pórticos, el del centro siendo el más grande,

como siendo el ingreso principal al recinto. A este se Figura 10

accede subiendo por unas escalinatas como se puede observar en la figura número 2. De la figura 1 también podemos rescatar que esta edificación tiene tres naves con

una

estructura

parecida

a

las

basílicas

paleocristianas y románicas de cruz latina. También se aparece un transepto, el cual se encuentra de forma perpendicular. Por último a un extremo podemos encontrar el ábside, lugar donde se ponía el altar.

En la elevación se puede ver ya más el detalle de los pórticos de entrada, estos son tres arcos de medio punto. El sistema de arcos de medio punto conforman bóvedas de cañón, por lo que se puede considerar como una edificación abovedada.

Figura 11

20

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

El autor que se comentó anteriormente, también menciona que los constructores góticos fueron los primeros en crear y construir grandes edificaciones “cuya estabilidad no dependiera del grosor de las

paredes, sino en saber como transmitir el empuje a través de partes específicas de la estructura: los nervios y contrafuertes que forman el esqueleto” (pág. 11).

Si uno sigue subiendo la mirada se puede dar cuenta de la aparición de un rosetón en la parte del centro, se puede deducir esto porque se ve una ventana con diferentes dibujos y texturas que dan vida a la capilla. Por último, en la parte mas alta se puede

ver que esta edificación remata con dos pináculos con planta cuadrada y centralizada.

21

Figura 12: Corte donde muestra sistema abovedado de iglesias góticas

RENACIMIENTO Y BARROCO CG2 / CG3 / CG4 / CG5

ESCULTURA CG2 / CG3 / CG4 / CG5

PIEDAD DEL VATICANO

Miguel Ángel Buonarroti, 1498 - 1499

Figura 13

PIEDAD DE RONDANINI

Miguel Ángel Buonarroti, 1555

a) Clasificación de obra: La piedad del

a) Clasificación de obra: La piedad de

Vaticano es una obra Escultórica

Rondanini es una obra Escultórica

Autor: Miguel Ángel Buonarroti

Autor: Miguel Ángel Buonarroti

Estilo : Renacentista

Estilo : Renacentista

Cronología : 1498 1499, Finales del siglo XV

Cronología : 1555

Dimensiones: 174 – 195 cm

Dimensiones:

Materialidad: Mármol

Materialidad:; Mármol

b) Análisis Iconográfico:

b) Análisis:

Tema Religioso: Cristo muerto en brazos de

Las imágenes de Rondanini es de forma

María, el modelo iconográfico, “La piedad” aúna el

alargada y tanto el Cristo como la Virgen se

tema de descenso de la cruz con el del lamento

encuentran completamente unidos como si se

por la muerte, sin referencias evangélicas.

tratase de un cuerpo solo cuerpo.

Tema de origen Nórdico: Fue introducido en

En la Escultura se aprecia una frontalidad

Italia por artistas ambulantes.

dramática de origen medieval, esta es trágica y misteriosa.

23

Figura 14

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

Se solían presentar a manera de figuras toscas de

Esta escultura no se pudo culminar debido al

madera destinadas a conmover al creyente.

fallecimiento de Miguel Angel Buonarroti.

Interpretación: La escultura carece de ese

Se dice que dejo la escultura como legado a

patetismo típico optando por un sentimentalismo

su fiel servidor Antonio del Frenzese

sereno y noble

Análisis formal: Texturas: Acabado exquisito, pulido perfecto

Contexto Histórico: La naturaleza dramática influyo a que Miguel Ángel Buonarotus repitiera en su estilo iconográfico en algunas de sus obras de sus ultimas etapas. En ellas, su amargura interior se reflejo en el tono delicado y la composición clásica geométrica, adaptando un esquema revolucionario.

• Tuvo una disposición progresivamente mas vertical de los dos personajes, hasta disponer en la Piedad de Ronadanini dos figuras completamente de pie, que se funden en su dolor.

• En sus obras existe un dramatismo acentuado.

• Presencia de disposición quebrada del cuerpo de Cristo • Se abandona el pulimento optando por el valor expresivo del “ Nono Finito”.

a) ¿En qué época se desarrolló? ¿Cuáles son los principales centros de producción artística en ese momento?

Las Esculturas de Miguel Ángel Buonarotus se dieron en la época renacentista, uno de los centros de producción artística de la época es el centro de producción de Cinquecento ubicado en Roma. En ella se financiaron las obras más extraordinarias del período renacentista. b) Cita algunos escultores destacados de la época.

Algunos escultores destacados de la época son: Miguel Ángel Buonarotus con sus esculturas, “David”, “Piedad del Vaticano”, “Moisés de Miguel Ángel” “Madonna de Brujas” “Piedad de Rondanini”. Leonardo Da Vinci “ LA Gioconda” , Bacccio Bandinelli con sus esculturas “Hércules y caco”. Donatello “Judith y Holofernes”. Andrea Mantegna “Lamentación sobre Cristo Muerto” etc…

24

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

c) Explica las principales influencias que pudo tener Miguel Ángel

Miguel Ángel pone en relieve las emociones y los conceptos por encima de la forma, esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo Della Quercia y Donatella. Busco el ideal de belleza, tuvo un influencia del “terrible florentino” en grabados, esculturas y pinturas mexicanas En lugar de adquirir la fácil manera de técnica de Ghirlandaio, Miguel Ángel se dedicó a estudiar obras de los grandes maestros del pasado, de Giotto, Masaccio, Donatello, y de los escultores griegos y

Doménico Ghirlandaio. El intento representar los secretos de los escultores antiguos representando la belleza del cuerpo humano en movimiento, con todos los músculos del cuerpo incluso los tendones.

Igual que Leonardo d) ¿Cuáles son los temas principales que desarrolla en su escultura?

Miguel Ángel concentraba su atención en el hombre y sus cualidades humanas, esas mismas virtudes que le permitirían encarar la amenaza de un gigante. Por ello el ”David” de Miguel Ángel se convirtió en un símbolo del Renacimiento italiano.

En sus esculturas muestra rostros expresivos, proporciones

inusuales, Esculturas monumentales

, también el idealismo, rebeldía, observación, veracidad y

impetuosidad.

25

PINTURA CG2 / CG3 / CG4 / CG5

LA SACRA CONVERSACIÓN

Piero della Francesca, 1472 - 1475

a)

Clasificación

de

obra:

Figura 15

La

Sacra

EL RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO

Pedro Pablo Rubens, 1616

Figura 16

a) Clasificación de obra: El rapto de las

Conversación es una obra Pictórica

hijas de Leucipo es una obra Pictórica

Autor: Piero della Francesca

Autor: Pedro Pablo Rubens

Estilo : Renacentista

Estilo : Barroco

Cronología : 1472 1475, Finales del siglo XV

Cronología : 1616

Dimensiones: 248 x 150 cm

Dimensiones: 222 x 209 cm

b) Análisis Iconográfico:

b) Análisis Iconográfico:

Tema Religioso: Relación de personajes divinos

Tema Mitológico: Representa mito en el

(como la Virgen María, los santos) con humanos.

que con ayuda de Cupido, Cástor Y Pólux,

Donde la pose de Federico de Montefeltro, duque

hijos de Leda y Júpiter, raptan a las hijas de

de Urbino, arrodillado muestra respeto y creencia

Leucipo, Hilaíra y Febe, quienes habían sido

en la divinidad.

ya comprometidas con otros hombres.

26

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

Elementos característicos:

Esta escultura no se pudo culminar debido al

- Huevo de avestruz: simboliza la creación,

fallecimiento de Miguel Angel Buonarroti.

también se entiende como el nacimiento del

Se dice que dejo la escultura como legado a

niño Jesús.

su fiel servidor Antonio del Frenzese.

- Ángeles: se diferencian por portar piedras

Análisis formal:

preciosas en la frente y lucir vestidos más

Composición: En esta escena del barroco

resaltantes que de los demás personajes.

se expresa el movimiento con un dinamismo

Análisis formal:

muy trabajado por el ritmo y las curvas que

Composición: Muestra gran profundidad y a su

mantiene.

vez un equilibrio entre los elementos verticales

Ambiente: Abierto, expuesto al aire libre,

(personajes, pilastras) y cómo se atenúan sin

la escena no se siente encerrada por los

romper bruscamente con los horizontales (el niño,

personajes o los elementos presentes sino que

la base bajo la Virgen).

la asimetría de estos la hacen ver como un

Ambiente: Cerrado, escenario delimitado por las

acto fluido que sigue transcurriendo.

pilastras de la bóveda y los personajes.

Ritmo: Dado por la diagonales y curvas

Semi círculo: Tras imagen de la Virgen como

como puede ser la diagonal generada por el

trono de la tradición bizantina, se encuentran tres

brazo estirado de una de la hijas, que choca

santos a la derecha y a tres a la izquierda,

con la curva que se crea a partir de las

formando así una media luna.

cabezas de los personajes en la parte

Luz: Los rayos provienen de la izquierda, son

superior.

intensos y claros (evidenciado en la bóveda),

Luz: Se vale de esta para trabajar detalles

además son diáfanos (pues atraviesan el esqueleto

como el trenzado del cabello, los pequeños

de la estructura y envuelven a los personajes

adornos de las hijas, así como también los

haciendo parecer que sus vestimentas son de

reflejos en la armadura de unos de los

colores más saturados).

raptores.

Contraste: Muestra la profundidad del escenario

Profundidad: Se logra gracias al manejo del

(evidenciado en el choque entre la luz y el ábside).

juego de luces y de las líneas curvas y diagonales.

27

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

Perspectiva: Tiene como punto de fuga la cabeza

Realismo: Expresa la vida tal como es,

de la Virgen, quien se ubica en el centro como un

incluye el dolor y la tristeza, entre otros;

eje de simetría.

dejando

Movimiento: Carece de este, la escena hasta

renacentismo.

de

lado

el

idealismo

del

parece congelada, también fría por las expresiones

de sus personajes.

Contexto Histórico/Artítico Piero della Francesca fue geometra y perspectivista antes de ser pintor, además participó como ayudante de Doménico Veneziano. Esto sin duda orientó al pintor hacia una tendencia por una perspectiva simétrica con un equilibrio entre los ejes verticales con los horizontales, como se evidencia en La Sacra Conversación.

Por otra parte, el desarrollo de Pedro Pablo Rubens tuvo pie en una época de transición entre los clásico e idealista del renacimineto frente al surgimiento del barroco. Considero que se presenta en El rapto de las hijas de Leucipo en relación a: si bien el barroco buscó expresar emociones y sentimientos más reales no vistos a profundidad en el renacimiento, en esa pintura la tragedia no se muestra en un nivel exagerado sino en uno tenue. Esto puede que se deba a que esta fue una de las pirmeras obras del artista.

a) ¿En qué época se desarrolló? ¿Cuáles son los principales diferencias que se observan entre ambas?

Se desarrollaron en dos periodos: uno durante el renacimiento y el otro durante el inicio del barroco.

Algunas de sus diferencias son: • La expresión del movimiento en La Sacra Conversación casi nula, como si la escena hubiese sido

congelada para ese preciso momento. Mientras que El rapto de las hijas de Leucipo muestra un movimiento dado por el ritmo, las curvas y diagonales que presenta.

• El realismo en estas obras son diferentes ya que la escena de la figura tres muestra un idealismo característico del renacentismo. Por otra parte, la figura 4 es capaz de plasmar sentimientos más trágicos como lo son la tristeza y el dolor.

• Mientras una pintura parte de un eje de simetría para lograr un equilibrio, la otra tiene tendencia hacia lo asimétrico y logra ese equilibrio a través de un movimiento cíclico gracias a la curvas y diagonales.

28

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

b) Cita algunos pintores destacados de la época y explica brevemente por que te gustan.

Dentro del Renacimiento: - Sandro Boticelli: Por lo complejas que llegan a ser sus composiciones sin perder la elegancia en su expresión. Otro punto es la transición que hay en lo que expresa, desde temas religiosos hasta otros de influencia neoplatónica.

- Rafael Sanzio: Considero que expresa un dominio increíble en la perspectiva, en la profundidad de

sus cuadros, además de la complejidad de los mismos y cómo logra incluir a bastantes personajes y elementos arquitectónicos sin dejar que se pierda el equilibrio entre ambos.

Dentro del Barroco: - Federico Barocci: Porque dentro de algunos cuadros suyos que vi me impactó cómo logra hacer que convivan y estén en armonía los tonos vivos y los grises, como puede ser su obra La circunsición. c) ¿Cuáles son los temas principales? ¿Por qué aparecen destacados en su frecuencia algunos de estos temas?

Los temas principales suelen religiosos en el renacimiento puesto que fueron habituales desde finales del gótico, donde el humanismo hace que el ser humano se vea con el mismo canon que las divinidades pero respetando la jerarquía de estas. En el barroco también se ven presentes, además de otras escenas de la vida cotidiana debido a que en estas se buscaba reflejar la vida tal y como es, sin idealismos.

Define los siguientes términos relacionados con el arte del Renacimiento:

a) Esfumato: Este significa suave, difuminado o borroso, esta técnica fue popularizada por los antiguos maestros del movimiento artístico del renacimiento. b) Perspectiva: Durante el Renacimiento se produce el salto cualitativo fundamental con el pasaje de una búsqueda científica a una problemática artística, de la ciencia de la visión a la ciencia de la representación. Bruneleschi realizó una serie de experimentos por los que descubrió los principios

matemáticos y científicos que rigen la perspectiva. El descubrimiento de la perspectiva fue un aspecto importante para entender el periodo, esta idea del infinito fue relacionada con el concepto de punto de fuga. Esta represento una nueva forma de entender los espacios como algo universal, comprensible y controlable mediante la razón.

29

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

a) Escenario arquitectónico renacentista: Fue diseñada y construida durante el periodo artístico

del renacimiento europeo. La arquitectura renacentista se mostró clásica, pero no se pretendió ser neoclásica. b) Manierismo o deformación de la realidad: Es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI. La lógica renacentista de las relaciones espaciales se disgrega en un espacio revuelto; es la concepción

de un espacio desigual y contradictorio, con una disposición de las figuras en el mismo en absoluta tensión. c) Asimetría: Se refiere a la desigualdad entre las partes de un todo. Por ejemplo, en la composición de un cuadro asimétrico alguna parte podría tener mayor relevancia que otra. Algunas de sus ventajas son que permiten mayor libertad dentro de la composición pues no limitan a tener o compensar el mismo peso para ambos lados de un eje. d) Contrarreforma: Se desarrolló durante los años 1560 – 1700 d.C. y su finalidad fue mostrar las diferencias teológicas entre el catolicismo y el protestantismo. Hizo evidente la diferencia en los misterios de la fe, y el rol que desempeñan la Virgen María y los santos en ambos ramas. e) Tenebrismo: Trabaja fuertemente el contraste entre las luces y sombras, en algunos casos concentra la luz en un punto específico para darle el protagonismo casi completo de la escena, dejando el resto casi a oscuras. Como se lleva la tensión de la escena a su mayor punto a veces tenemos tendencia de asumir que se trata de una manifestación del barroco. f) Naturalismo: Nació como un movimiento principalmente literario, pero dentro del ámbito

artístico se enfoca en representar la realidad de las clases sociales, siendo usualmente el caso de las clases más bajas cuyas problemáticas se explican a través de una visión racional.

30

NEOCLÁSICO Y ROMANTICISMO CG2 / CG3 / CG4 / CG5

PINTURAS NEOCLÁSICAS CG2 / CG3 / CG4 / CG5

JURAMENTO DE LOS HORACIOS

Obra : Juramento de los Horacios Estilo: obra Neoclasica Autor: Jacques Louis David Cronología : 1784 Dimensiones: 3,30 x 4,25 cm

Material: Oleo Tecnica : lienzo al oleo Ubicación: Museo de Louvre, Paris

Jacques – Louis David

Figura 17

Análisis Iconográfico: El tema procede en 1782, en ese año se represento la comedia francesa “El horacio de Corneille” a la cual asistió el pintor Jacques Louis David, quien realizo un esbozo del ultimo acto. El ministro de Bellas Artes de Francia encargo al pintor que realizara esa misma obra, aunque finalmente plasmo otra obra famosa.

Es por ello que David tomo como inspiración esta obra teatral, sin embargo el neoclasicismo busca huir de las representaciones pictóricas excesivamente teatrales y grandilocuente por lo que, el pintor decide remitir al hecho histórico que representa la comedia francesa. El tema procede de un tragedia de corneille que a su vez parte de la historia de Tito Livio. Para decidir sobre la supremacía en dos ciudades (Alba Longa y Roma ) en ella se eligen a tres hermanos para que se enfrenten y así evitar ,mas derramamiento de sangre, Los tres hermanos Curiaceos por alba y los tres horacios por Roma.( siglo XVII a. C) El juramento tiene lugar en un marco arquitectónico clásico, arcos de medio punto y columnas dóricas.

32

CG2 / CG3 / CG4 / CG5 Eje central

Análisis formal: Existe una simplificación de personajes y una

fuerte presencia masculina. El eje central de la composición es la figura de Horacio padre y las tres espadas. Los tres hermanos se encuentran uno detrás de otro, en una línea horizontal marcada por el juramento mediante los brazos.

El espacio utilizado por David está reducido al mínimo: tres arcos de medio punto sobre Hombres con posiciones rectas

Tres Hermanos

Niños

Mujeres

Mujeres con posiciones curvas

columnas.

Al lado, se encuentran las mujeres y los niños, estos

otorgan

la

parte

sentimental. Es

impactante el contraste entre lo masculino y lo femenino: los hombres del cuadro tienen posiciones muy rectas y actitudes muy sobrias,

mientras que las mujeres están en posiciones curvas y representando sus sentimientos. Esto puede ser

una metáfora de la propia

confrontación de lo neoclásico, encarnado por los hombres, con lo rococó, estilo más

afeminado y de corte sentimental.

Cromáticamente: Los colores de la pintura son uniformes y esta unidad solo se rompe por la túnica de Horacio padre y del hermano que aparece en primer término.

La luz es completamente artificial y actúa casi como foco para reforzar la importancia de los protagonistas.

33

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO Obra : Los fusilamientos del 3 de mayo Estilo: Romanticismo Autor: Francisco de Goya Cronología : 1813 - 1814 Dimensiones: 2,68 x 3,47 m

Material: Oleo Técnica : lienzo al oleo Ubicación: Museo Nacional del Prado, Madrid

Figura 18

Francisco de Goya, 1813-1814

Genero: Pintura de Historia

Análisis Iconográfico: A esta obra también se le conoce como el nombre “Los fusilamientos en la montaña del príncipe pio”. La técnica utilizada por el pintor francisco de goya fue el cromatismo, están son propios de goya maduro.

La pintura nace de un encargo que se le hizo a goya, en un formato a la regencia liberal de Luis María de Borbon y Vallabriga, antes de la llegada del rey Fernando VII. El hecho histórico plasmado en esta obra tuvo lugar en una madrugada del 3 de mayo en 1808 en la montaña de pio, Madrid. En aquel lugar ocurrió una represalia por parte del ejercito napoleónico por el levantamiento popular que tuvo lugar el día anterior en las de Madrid. Este fue un episodio destacado del terror que provoco la invasión napoleónica en España. Goya perpetuo el holocausto de estos héroes anónimos, que ofrendaron su vida al alzarse contra la dominación de un invasor que reprimió con la mayor dureza su insurrección y así podemos ver sus rostros y su indefensión ante la crueldad de un ejercito invasor, que supuestamente venia con

la

intención

de

establecer

los

ideales

de

libertad,

igualdad

y

fraternidad.

34

CG2 / CG3 / CG4 / CG5 Composición

Análisis formal: En esta parte de la pintura se encuentran los soldados franceses

en una forma alineada, simétrica,

ordenada. Goya los representa de la manera con la que han sido entrenados y por la que están haciendo

ese cometido. Porque son máquinas de matar.

Representan la represión que comete el ejército de Napoleón durante la Guerra de Independencia El pelotón de fusilamiento francés

Española. Todos le dan la espalda al espectador, convertido en testigo de la escena mortal. Alineados todos sus fusiles, cuya horizontalidad rompe las diagonales del lienzo, parecen, según una signoguía del Museo del Prado, una “eficiente máquina de matar”.

El Pintor utiliza un juego de luces y sombras para

Luz

destacar el dramatismo de la situación. No existen luces naturales, la única luz artificial proviene del farol situado entre los que van a ser fusilados, y a los

que ilumina, y el pelotón de fusilamiento, al que oscurece, es decir que hace de eje divisorio entre los héroes y los villanos.

Hombre muerto con brazos extendidos

Incluso llama la atención al espectador en el personaje de la camiseta blanca con los brazos

abiertos.

35

CG2 / CG3 / CG4 / CG5 Contexto histórico

Francisco de Goya, 1813-1814 Jacques – Louis David

En 1804, Napoleón Bonaparte fue nombrado

El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para

Emperador, El le propone a España invadir

denominar de forma peyorativa al movimiento

Portugal (aliado de Inglaterra)

estético que venía a reflejar en las artes los

Ya que España e Inglaterra se enfrentaban a

principios intelectuales de la Ilustración, que

causa de la ocupación de Gibraltar, debilitar a

desde mediados del siglo XVIII se venían

Portugal

produciendo en la filosofía, y que

se habían

conveniente. En ese entonces el Rey Carlos

transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Es el

IV acepta el trato y en 180, se Permite la

movimiento estético que inicia el periodo del

ocupación Francesa en España.

S.XIX

marzo de 1808 estalla el llamado Motín de

La historia toma lugar en livio. Época en la que

Aranjuez. Su consecuencia inmediata es la

Roma y Alba se encontraban en guerra. Se decide

destitución de Godoy. La abdicación del rey y

que la disputa entre ambas ciudades debe dars e

el ascenso de Fernando VII. Napoleón se

mediante un combate inusual por tres hermanos

sentía confiado, refuerza la ocupación militar.

de cada lado, Los hermanos Horacio y los

Días después el ejercito francés demuestra un

hermanos Curiaceoss.

trato abusivo hacia los españoles . El pueblo

Existía un problema, eran familia entre ellos, uno

se levanta espontáneamente el 2 de mayo de

de los Curiaceos estaba casado con una hermana

1808 contra la caballería del mariscal francés

de la familia Horacio, y uno de los Horacios estaba

Murat,

casado con una hermana de la familia Curiaceos

de mamelucos (mercenarios egipcios al

lealtad al estado ante el padre.

servicio del ejército francés).

resultaba

en

la

que

estratégicamente

había

El 17 de

presencia

36

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

Por

tanto,

acabase

como

acabase

el

Este alzamiento popular fue representado en

enfrentamiento, las mujeres de la familia

el cuadro El 2 de mayo de 1808 en

perderían a un hermano o a un esposo. (estas

Madrid o La lucha con los mamelucos.

mujeres son las que aparecen en la obra, a la

Numerosas

derecha de la composición). En la escena juran al

figuraban inocentes, fueron asesinadas. Los

estado ante el padre. Al terminar la lucha, solo

fusilamientos se ejecutaron en diversos

quedo uno de ellos que al ver el estado de su

puntos de la ciudad como el paseo del Prado,

hermana casada con un curiaceo llorar, decide

la Puerta del Sol, la Puerta de Alcalá, el

asesinarla por lamentar la muerte de un enemigo

portillo de Recoletos y la montaña del

de Roma. El juicio posterior fue absuelto pues se

Príncipe Pío.

juzgo que prevaleció la lealtad a su ciudad por

Este fue este el inicio de la guerra de

encima de los vínculos de sangre.

independencia española, conocida también

Comentario:

como la Guerra de los Seis Años, finalizada en

David tomo como inspiración la obra a la cual

1814 con la restauración del absolutismo

asistió “ El horacio de Corneille. El decide hacer

español y el regreso de Fernando VII.

un esbozo del ultimo acto, aunque ese esbozo no

Comentario:

fue el final de su pintura, Fue el primer paso que

Cuando la Guerra termino, El Rey Fernando

realizo David para escoger el tema de la tragedia

volvió al poder. Goya en ese momento envío

de Corneille que a su vez parte de la historia de

una petición, par que conmemorara las

Tito Livio

acciones y escenas mas notables, También las

víctimas,

entre

las

que

heroicas de la insurrección contra el tirano de Europa. Por lo que estos eventos ocurridos influyo a que Goya realizara dos importantes cuadros, captando la dramática atmosfera de

aquel evento

37

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

a) Como se entendería con estas dos pinturas el término “Arte y Revolución”?

Ambas pinturas representan un hecho histórico, un momento impactante en la vida, lo que conmociona a las personas, quienes lo toman como un reflexión que son plasmados en las pinturas. Ambas pinturas muestran un momento y una acción. En los personajes se plasma la expresión en sus rostros, formas e incluso los colores usados le dan carácter a la pintura.

b) Por qué se dice que Goya más que un neoclásico ilustrado es un artista que anuncia el romanticismo con esta obra de los fusilamientos?

Por que emprende con un rasgo subyacente de naturalismo, del reflejo de la realidad sin una visión idealista que lo desvirtúe, donde es igualmente importante el mensaje ético. Para Goya la pintura es un vehículo de instrucción moral, no un simple objeto estético.

Con ayuda de La composición, ejemplo definitivo de lo que se llamó composición orgánica, propia del romanticismo, en la que las líneas de fuerza vienen dadas por el movimiento de las figuras y por las necesidades del motivo, y no por una figura geométrica impuesta a priori por la preceptiva. En este caso el movimiento lleva de la izquierda a la derecha, hay personas y caballos cortados por los límites del cuadro, como si fuera una instantánea fotográfica.

En las pinturas de goya se ve transmitido los sentimientos. c) Explica las principales influencias que pudieron tener los autores (políticas, artísticas, etc.) para realizar estas obras y si Velázquez pudo influir pictóricamente en la obra de

Goya.

David, tuvo como principales influencias la fuente de integración de la naturaleza tomando lo mejor de ella, El mensaje de la obra debían entenderse rápido y en primer plano.

Mientras que goya tomo como influencia los sentimientos transmitidos a través de la obra Velazquez influo en la obra de Goya, ya que eran tomados como inspiración, se dio la difusión de las

pinturas a través de la imagen impresa de un modelo que se consideraba digno de ser imitado y admirado.

38

PINTURAS DEL ROMANTICISMO CG2 / CG3 / CG4 / CG5

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO

LA BARCA DE LA MEDUSA

Figura 20 Figura 19

a) Clasificación de obra: La barca de la

a) Clasificación de obra: La Libertad guiando

Medusa es una obra Pictórica

al pueblo es una obra Pictórica

Autor: Théodore Gericault

Autor: Eugéne Delacroix

Estilo : Romanticismo

Estilo : Romanticismo

Cronología : 1818 - 1819

Cronología : 1831, Primer tercio del siglo XIX

Ubicación: Óleo Museo de Louvre, Francia

Ubicación: Museo de Louvre, Francia

Dimensiones: 491 x 717 cm

Dimensiones: 260 x 325 cm

Técnica: Óleo sobre lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo b) Análisis Formal:

- Pincelada: Al igual que en la pintura de

b) Análisis Formal: - Pincelada: Es suelta y vaporosa. Como

- Composición: En este caso son dos las

mencionan Morante, F. y Ruíz, A. (1994). Análisis y

pirámides que se distinguen, las bases de

comentario de la obra de arte. Esta pincelada es

ambas parte del marco inferior del cuadro

libre, viva y está llena de expresividad.

y comparte un área en el que se

- Composición: Es piramidal, cuya base se ubica en

encuentran personas muertas y en agonía.

la parte inferior de la pintura, se encuentran ahí

La punta de la pirámide de la izquierda

manifestantes caídos; y hacia la punta están tanto la

muestra la desesperanza, aparece el viento

mujer

soplando en contra de la dirección del

como

la

protagonizando la obra.

39

Delacroix esta es suelta y libre.

bandera

que

sostiene

barco.

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

Como mencionan Morante, F. y Ruíz, A. (1994).

Y la punta de la derecha es la esperanza y

Análisis y comentario de la obra de arte. En el

tiene como símbolo al joven agitando una tela

romanticismo si bien dominan las líneas oblicuas y

roja en señal de rescate y auxilio. Como

curvas en la composición, también hay autores que

mencionan Morante, F. y Ruíz, A. (1994).

se decantaron por las formas geométricas como es

Análisis y comentario de la obra de arte. La

el caso de este cuadro (forma piramidal).

composición es dinámica y muestra una abundancia de gestos dramáticos y a sus

Análisis Iconográfico:

personajes con posiciones convulsas.

- Formas de expresión: Representa la escena de una manifestación, posteriormente este cuadro se

Análisis Iconográfico:

convertiría en símbolo de la Republica Francesa.

Temática: En la escena se aprecia la

Como mencionan Morante, F. y Ruíz, A. (1994).

desesperanza de la mayoría de los hombres,

Análisis y comentario de la obra de arte. La

ahí atrapados en un naufragio, mientras como

expresión en este cuadro es realista y con una

contraparte también existe la esperanza de

preferencia de los valores expresivos como reflejo

aquellos que hacen un esfuerzo por pedir el

de una visión emotiva . En este caso se toma a la

auxilio de algún barco en la lejanía. . Como

libertad del pueblo como dicho valor expresivo.

mencionan Morante, F. y Ruíz, A. (1994).

- Temática: se retrata a la libertad moderna, real y

Análisis y comentario de la obra de arte. La

contemporánea, una libertad que encarna los

temática es diferente y variada respecto a la

deseos del pueblo. Delacroix logra expresarla

presentada en el neoclásico. Donde aparecerá

además de forma rebelde y llena de energía. Como

el hombre derrotado u oprimido. En este

mencionan

cuadro domina el paisaje y la acción de la

Morante, F. y Ruíz, A. (1994). Análisis y

naturaleza (naufragio) dejando desahuciados a

comentario de la obra de arte. Los temas

los tripulantes del barco.

contemporáneos, como pueden ser los políticos (democracia, libertad) son de bastante interés para los autores del romanticismo.

40

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

c) Contexto Histórico - Artístico

La Libertad guiando al pueblo, de Eugéne Delacroix. Pertenece a inicios del movimiento del romanticismo. Representa el nacionalismo en forma de una manifestación del pueblo, y se decanta por expresar la disconformidad de este frente a la monarquía impuesta y las políticas que esta conlleva. El contexto de la obra se remonta posterior a la caída de Napoleón Bonaparte, cuando el rey Carlos X publicó tres ordenanzas que contrarias a la constitución, lo que despertó una ola de disturbios que se

convirtieron en una movimiento popular. Teniendo esto como premisa, considero que influyó en que Delacroix decidiese orientar la interpretación del cuadro como una defensa de la libertad del pueblo, que estaba siendo sometida.

La barca de la Medusa, de Théodore Gericault. Pertenece también a los inicios del romanticismo. Su cuadro muestra ese gusto por la exaltación de los sentimientos, en este caso lo trágico, la muerte. Y hasta se llega a tener a la naturaleza como protagonista, pues es la causante de la catástrofe del naufragio que viven los personajes del cuadro. Considero que esos inclinaciones llevaron a Gericault pese a ser joven, a expresar de manera explícita esos sentimientos trágicos, de desesperanza, la muerte.

Comenta: a) ¿Cuáles son las principales diferencias que encuentras entre ambas pinturas?

- Dentro de las principales diferencias creo que están el que en el cuadro de Delacroix se presenta una rama del romanticismo que muestra el nacionalismo, como búsqueda de la identidad propia del individuo, quien también lucha por su libertad. Mientras, por otra parte, Gericault expresa la rama del romanticismo que mira más hacia la exaltación de los sentimientos trágicos y relacionados a la

muerte. Como se evidencia en la desesperanza que invade a los tripulantes debido al naufragio en que se encuentran por acción de la naturaleza.

Análisis: Con el fragmento anterior consideramos que se intenta marcar bien la diferencia entre lo que expone el neoclasicismo y lo que supone el romanticismo. Pues donde en el neoclasicismo se tienen referentes de

ideales para todos los ámbitos (belleza, política, entre otros), en el romanticismo se aprecian más dichos ámbitos cuando se reflejan más cercanos a la realidad de la época en que representa. Esto tiene sus ventajas, dado que mientras que en el neoclasicismo se vivía aspirando a esos ideales y cánones.

41

CG2 / CG3 / CG4 / CG5

En el romanticismo se veía como si ya los hubieran alcanzado porque era su realidad la que se plasmaba

en las más grandes obras, ya fuesen escultóricas, pictóricas o arquitectónicas. Como mencionan Morante, F. y Ruíz, A. (1994). Análisis y comentario de la obra de arte. La pintura del romanticismo “ Tiene un gran sentido de la Naturaleza, no en sus aspectos científicos, sino mágico-religiosos, y a veces con connotaciones nacionalistas.” Con esto nos deja en claro que este movimiento se desprende de la representación de aquello de lo que se tenía conocimiento, y en consecuencia se orienta más en la

búsqueda de nuevo y diferente. Como pueden ser los movimientos nacionalistas, la búsqueda de la libertad, los emociones más trágicas, de desesperanza, etc.

42

IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO CG7

PINTURA IMPRESIONISTA CG7

LE DÉJEUNER DE CANOTIERS Figura 21:Le déjeuner de canotiers (el

almuerzo de los barqueros) Autor: Pierre-Auguste Renoir Cronología: 1880-1881) Estilo: Impresionismo Fuente: Google Arts and Culture

Material: oleo Técnica; oleo al lienzo Dimensiones: 129.5 x 172.7 cm Figura 21

1880 - 1881

Museo: The phillips collection Ubicación: Whashington

Paisaje mas abocetado que las figuras, contrasta con el detalle de estas

Las camisas presentan sombras que aumenta la luminosidad

Personajes se distribuyen en grupos triangulares

El mantel presenta reflejos tenues: pantalón, silla y manos

Gran banquete de comida preside la composición

44

PINTURA EXPRESIONISTA CG7

POTSDAMER PLATZ

Figura 22: “ Potsdamer Platz” Autor: Ernst Ludwig Kirchne

Cronología: 1914 Fuente:Todo cuadros Estilo: Expresionismo Material: oleo Técnica; oleo al lienzo

1914

Dimensiones: 200 x 150 cm Museo: Hamburger Bahnhof Ubicación: Berlín Figura 22

Presenta una llamativa mezcla de colores de la gama fría yuxtapuestos a la gama cálida de los edificios

1914

Los hombres de atrás por su uniformidad, parecen un producto industrial, autómatas

Destaca la línea que marca el contorno de las figuras

Las dos mujeres del cuadro miden 2 metros de alto, están situadas a la altura de los ojos del observador

45

Las dos mujeres exhiben llamativos sombreros de plumas estos eran, los ojos de Kirchner, llamado cocotas

ENSAYO CG7

IMPRESIONISMO Y EXPRESIONISMO En este ensayo se compararan a dos pintores de dos diferentes periodos artísticos. Uno perteneciente al

impresionismo francés, Pierre Auguste Renoir, con su obra “Le déjeuner de canotiers” , de 1880-1881 (Figura 21) y otro al expresionismo Aleman, Ernst Ludwig Kirchne con su obra “Potsdamer Platz” de 1914 (Figura 22). Ambas obras muy diferentes en cuanto temática y ejecución han sido elegidas por tener un tema en común, el paisaje urbano. Se comentara acerca de como ambos estilos (impresionismo y expresionismo) influenciaron en las pinturas elegidas, su evolución pictórica y como cambiaron de un estilo impresionista a otro tan opuesto cono el expresionista.

1- ¿Cómo representan ambos cuadros las corrientes impresionistas o expresionistas?

La pintura, “Le déjeuner de canotiers” del artista Renoir de 1880-1881(Figura 21) representa la corriente impresionista por conseguir una representación de una escena de manera espontanea (con personajes que se divierten, en una naturaleza agradable.), directa y equilibrada, tanto en el punto cromático como compositivo, con gran luminosidad de color. Renoir ofrece una interpretación mas sensual del impresionismo, mas inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo mas áspero de la vida moderna, como lo hicieron a veces Manet o Van Gogh. En cuanto a su estilo y técnica

se nota en el un fuerte influjo de Corot. Por otro lado la pintura de “Potsdamer Platzr” del artista Ludwig de 1914 (Figura 22), presenta la corriente expresionista por reflejar a un creador decidido a forzar distintas perspectivas y por utilizar colores según las emociones y no obedeciendo a la realidad, Ludwig tradujo aquellos impulsos en arte, versiones de la emoción acompañado de edificios y paisajes.

El también utiliza detalles en sombreros y en la punta de los zapatos a manera de narradores inesperados

de la escena.

2. ¿Cómo percibe la evolución pictórica del Impresionismo y Expresionismo teniendo en cuenta los cuadros elegidos?

Se tiene conocimiento que el impresionismo se fragua alrededor de 1863 con algunas obras en el Salón de Rechazados. Como mencionan Morante, F. y Ruíz, A. (1994). Análisis y comentario de la obra de arte. La pincelada y el color son los protagonistas en las obras pictóricas de este movimiento mientras que la línea va perdiendo terreno al igual que la composición geométrica.

46

CG7

En el caso de “Le déjeuner des canotiers”, al ser su elaboración entre los años 1880-1881 no en todos los

casos son muy acentuadas las características anteriormente mencionadas pues todavía Renoir trabajaba ese contraste entre algunas líneas y las pinceladas que dejan un efecto abocetado. Por ejemplo, en el caso de los árboles que se encuentran atrás de la escena del almuerzo. Aún no se llegaba al extremo del postimpresionismo donde la luz natural fue disolviendo las formas y volúmenes del ambiente. Otra evidencia de la que vemos que no se despega del todo el autor es la composición geométrica, en ese caso los personajes se distribuyen en formas triangulares. De igual forma “Potzdamer platz” elaborada en 1914 no se aleja de la fecha en que se aproxima el inicio del expresionismo (1912). Y como menciona Bassie, A. (2019). Expresionismo, Arte a través del tiempo. Las obras eran dibujos de modelos vivos, utilizando jóvenes con poses breves que solo podían captarse con pinceladas rápidas y decisivas. De esa forma se evitaba el meticuloso dibujo de modelos en poses rígidas y eternas. Esto refuerza la postura antiacadémica del movimiento, donde al contrario de los impresionistas (quienes reflejaban el mundo de manera fiel y realista) sus autores buscan representar sus emociones y sentimientos más profundos.

3- ¿qué piensa llevo a los artistas a cambiar de un estilo impresionista a otro tan opuesto

como el expresionista?

Los artistas cambiaron de un estilo impresionista al expresionismos debido a que surgió como una reacción, así como los impresionistas trazaron en el lienzo una impresión del mundo, un reflejo de los sentido, los expresionistas intentaron reflejar su mundo interior, como una “expresión” de sus propios sentimientos. Es como así surgen las líneas y color de una manera mas temperamental y emocional con

un fuerte contenido simbólico. También este hecho se acelero con la llegada de la primera guerra mundial, ya que trajo consigo un pesimismo y unas sensaciones contrapuestas que se vieron reflejadas en el arte, donde las formas pierden todo su protagonismo frente al mensaje que autor quiere transmitir.

De esta manera los artistas como Ludwig tuvieron un nuevo concepto del arte, entendido como un forma de capturar la existencia, de traducir imágenes al subtrato que existe bajo la realidad aparente, reflejando la naturaleza inmutable y eterna de los seres humanos. Esta sensación de desasosiego se refleja en los colores de forma violenta y con la temática que transmite, como una sensación de agobio, soledad

47

CG7

y miseria. Ludwig llega en la segunda oleada del expresionismo alcanzando un reconocimiento dentro

del panorama intelectual del momento. Este se fundo en la ciudad de Alemania en el años de 1905.

4. ¿Con cuál de las dos corrientes se identifica más?

Nos identificamos más con lo que representa el movimiento del impresionismo. Pues como mencionan Morante, F. y Ruíz, A. (1994). Análisis y comentario de la obra de arte. La pincelada pese a ser a base de manchas forma un dibujo preciso, muy hábil, y que también ayuda a construir un ambiente. Y dentro de la carrera de arquitectura consideramos que predomina la precisión y exactitud en los dibujos para buena representación, sea el caso de dibujos técnicos (plantas arquitectónicas, cortes, elevaciones, entre otros) o los fotomontajes de un proyecto, donde también debe existir el manejo de la precisión para representar la profundidad de los objetos en el espacio. Otro motivo por el que nos decantamos por este movimiento es por la relevancia de la luz en sus obras. La luz en la arquitectura es un factor con una importancia inimaginable dado que se diseña no solo pensando en el programa (planificación ordenada de las distintas partes o espacios que componen un proyecto que se va a realizar), el espacio construible disponible o el presupuesto del proyecto, sino que se piensa en cómo se va a querer que la luz invada los

diferentes espacios y las sensaciones que se quiere lograr en los usuarios al transitar por ellos. Algunas nociones pueden ser los espacios permeables y de conceptos abiertos donde se opta por menor cantidad de muros (a veces dejando solo los estructurales) para un alto flujo de personas y por consecuencia también un alto ingreso de luz; por otra parte, los espacios cerrados suelen estar orientados hacia la privacidad, donde se cuenta con ingresos de luz son más controlados. Esas son algunas de las razones por

las que no sentimos más identificados con las características del inicio del impresionismo.

Como conclusión los pintores impresionistas se destacaron porque pintaban al aire libre algo nuevo para su tiempo, había un interés por captar los cambios de color y tonos provocados por la luz en los distintos elementos de la naturaleza en las diferentes horas del día. Mientras que los expresionistas se enfrentan a una realidad trágica como la guerra logrando conectarse con sus sentimientos mas profundos para representarlos en la distorsión que lo envuelve. Con esta investigación observamos características

48

CG7

similares y opuestas, ambas destacan en su propia época, reflejando distintas maneras de sentimientos, a

través del color, formas, proporciones. Ambas pinturas se vieron representadas por medio de diferentes personalidades de la época que le dieron una nueva concepción al diseño de la pintura.

49

REFERENCIAS

REFERENCIAS TEXTUALES • Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Editorial Phaidon Press Limited. London

• Vasari, Giorgio (1550, 2011): Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos. España: Editorial Cátedra.

• D'ORS FÜHRER, Carlos, y MORALES MARÍN, Carlos.: Los genios de la pintura: Francisco de Goya, Madrid, Sarpe, 1990.

• HAGEN, Rose-Marie y Rainer Hagen.: Francisco de Goya, Colonia, Taschen, 2003.

• Beatriz de Rojas Laviña. (2008). La construcción. En ARQUITECTURA GOTICA(47). España: Las Catedrales .

• Cirlot, Lourdes, (1988) Las claves de las vanguardias Artísticas del S. XX., como identificarlas.

Editorial Ariel S.A. España.

• Ballesteros Arranz, Ernesto (2014) El Impresionismo. En: Historia Universal del Arte y la Cultura.

Editorial Digital Titulivillus Lectulandia • Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) capitulo XIX las artes plásticas del siglo XX. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 269-281. Editorial EDINUMEN. Madrid.

• Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) Tema XVI Las Artes Plásticas en la Segunda Mitad del XIX. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 233-248. Editorial EDINUMEN. Madrid.

• Bassie, Ashley , (2019) Expresionismo , Arte a través del tiempo . Editor Parkstone International

50

RODRIGO

DIAZ

CONTACTO roddiazt

rodrigo.diaztaboada +997 118 772 rodrigodiaztaboada@gmail.com Calle Dominguez 180

SOBRE MI

Soy una persona que sabe trabajar en equipo. Me gustan los deportes.

Me considero una persona que

EDUCACION 2008-2013 Primaria

2014-2018 Secundaria San Luis Maristas 2019-Actualidad Pre-grado Universidad de Lima

intentar hacer los trabajos con mucho detalle y esfuerzo.

PROGRAMAS

Estudio la carrera de Arquitectura en

la

Universidad

de

Lima.

Actualmente curso el cuarto ciclo de la carrera.

AutoCAD 2018 Revit 2018 Adobe Illustrator Adobe Photoshop Sketch UP Pro 2020 Geogebra Corel Draw

IDIOMAS Inglés Español

INTERESES

51

San Luis Maristas

INFORMACIÓN DEL CURSO NOMBRE DEL CURSO Historia del Arte SECCIÓN 321 PROFESOR Maria de la Paloma Carcedo Muro de Mufarech I. SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte

desde la antigüedad hasta nuestros días.

II. OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

III. OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1.

Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la

historia del arte occidental.

2.

Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3.

Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4.

Desarrollar habilidades básicas de investigación.

52

Enlace a ISSUU