Portafolio Historia del Arte 2021-2 Maria Fernanda Kosoy

MARIA FERNANDA KOSOY ZEGARRA

20213152

Profesora:

MARIA DE LA PALOMA CARCEDO

322

Facultad de Ingeniería y Arquitectura

IMAGEN: Impresión, sol naciente; C. Monet

Carrera de Arquitectura - Área de Historia y Teoría de la Arquitectura

Ciclo 2021-2 UNIVERSIDAD DE LIMA

MESOPOTAMIA

Terrazas

ZIGURAT DE UR

Capilla central Escaleras de acceso

Escalera principal Escaleras de acceso

ZIGURAT DE UR

CULTURA: Sumeria

FECHA: 2100 a.C.

UBICACIÓN: Valle Mesopotamico, Irak

MATERIALIDAD: El interior está compuesto por adobe, mientras que el exterior está hecho con ladrillos cocidos.

USO DE LAS DIFERENTES AREAS: La estructura está dividida en tres niveles, utilizando adobe en el interior, mientras que por fuera está revestida por ladrillos cocidos. Las paredes se inclinan hacia el interior, demostrando solidez.

COMENTARIO SOBRE SU CONSTRUCCION:

El Zigurat de Ur es una arquitectura religiosa construida durante el Imperio Nuevo, y teniendo en cuenta de los siglos que tiene, se encuentra muy bien conservada. Se demuestra desde ese entonces el buen resultado del material utilizado, el ladrillo y adobe.

TEMPLO DE KHONSU

CULTURA: Egipcia

FECHA: 1200 a.C.

UBICACIÓN: región de Tebas

MATERIALIDAD: piedra

USO DE LAS DIFERENTES AREAS:

La “sala hipetra” está rodeado de un pórtico con columnas. La “Sala hipóstila” está techada y rodeada de múltiples columnas. La “Sala de la barca” se utilizaba por el dios en sus viajes durante festivales sagrados. Finalmente el “Santuario de dios” está formado por múltiples habitaciones, para objetos preciosos y una estatua de dios. En este santuario sólo podía acceder el faraón. El objetivo del templo era hacer visible un concepto del mundo y la vida, regido por un sistema de relaciones muy ordenadas y formalizadas.

Ingreso

COMENTARIO SOBRE SU CONSTRUCCION:

Lo sorprendente de este templo, tomado como primer ejemplo en la historia del arte y la arquitectura, es que se puede apreciar la armonía y lo proporcionado en la organización y distribución de los espacios para su uso. Las escalas monumentales que utilizaron al construir esta estructura, crea una sensación de imponencia ante el espectador, una referencia al respeto que tenían los egipcio hacia sus dioses.

Calificación

4 de 5

Opinión personal

Me parece sorprendente las dimensiones y la monumentalidad de estas estructuras, teniendo en cuenta la fecha (2100 – 1200 a.C.) de creación, además de que todavía sigan intactos. También, la planificación y organización de áreas y de cómo priorizaban estos espacios a base de jerarquía, de religión y creencias de ambas culturas.

REFERENCIAS

Gombrich, E.H. (2007) Arte para la eternidad: Egipto, Mesopotamia, Creta. En: La Historia del Arte. Pp.55-73. Londres: Phaidon Press Limited

Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) Tema II Arte Egipcio” En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura, pp 31-39. Editorial Edinumen. Madrid. España

ESCULTURA

ESCULTURA GRIEGA:

LAOCOONTE Y SUS HIJOS

CULTURA: Griega

PERIODO: Periodo helenístico

FECHA: 175 – 150 a.C.

CARACTERISTICAS: Grupo escultórico; búsqueda de expresiones faciales (emoción, dramatismo) y corporales (movimiento); nuevo estilo de realismo y detalles en la vestimenta y el cabello; realismo como nuevo tema; según (Gombrich, 2007) humanización de los dioses; representación al desnudo; expresión en el movimiento corporal.

ESCULTURA ROMANA:

AUGUSTO DE PRIMA PORTA

CULTURA: Romana

PERIODO: Imperio Romano

FECHA: siglo I d.C.

CARACTERISTICAS: Escultura de bulto redondo; retrato de cuerpo entero; tallado en mármol; según (Morante y Ruiz, 1997) existe una tendencia helénica con el movimiento y detalle; estilo del realismo; “in memoriam” de los héroes para el pueblo.

COMENTARIOS:

Escultura de Cesar Augusto. Imagen: National Geographic

La escultura griega utilizaba estas esculturas como tributo a deidades, expresadas en escenas mitológicas. Mientras que los romanos utilizaban sus esculturas para expresar su admiración a los héroes en esos tiempos, además de ser propagandas políticas. Las similitudes se pueden encontrar en el estilo del realismo, pero con naturaleza divina. Ambos expresan la grandeza de sus personajes. Usaban principalmente el mármol, detallándolo con superficies lisas. Ambas modelaban en la escultura con la técnica del movimiento y con el detalle de las expresiones faciales.

Laocoonte y sus hijos. Imagen: Wikipedia

ARQUITECTURA GRIEGA: PARTENÓN DE ATENAS

ELEMENTOS FORMALES: Según (Morante y Ruiz, 1997), está construida con materiales como piedra caliza y mármol, utilizado desde el siglo VI a.C. Su estructura es simple, armoniosa y simétrica debido al uso de la proporción. Se prioriza el espacio exterior más que el interior (debido a razones religiosas). El exterior es interpretada como una gran escultura.

ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS QUE DISTINGAN: Los soportes son de orden dórico. Es un períptero (rodeado de columnas) octástilo (8 columnas). Está compuesto por un pronaos (pórtico, vestíbulo), naos (cámara central) y un opistódomos (cámara posterior).

INTERVENCIÓN DE: Ictíno y Calícrates (arquitectos); Fidias (escultor)

Opistodomos

Naos

Pronaos

Partenón de Atenas. Imagen: Wikipedia

COMENTARIOS:

Partenón de Atenas. Imagen: National Geographic

La arquitectura griega empieza en el siglo III a.C., mientras que la romana en el siglo II d.C. En la arquitectura griega se valoriza el espacio exterior, mientras que la arquitectura romana se valoriza tanto lo exterior con lo interior. Mientras que los griegos utilizan el edificio como un símbolo religioso, los romanos lo ven más como una construcción publica que da a entender el poder del estadio, sumando a esto con lo que sería una propaganda política. Los materiales que se utilizaba en la arquitectura griega son la piedra caliza y el mármol, en la arquitectura griega se utilizaban materiales como piedra, mármol, ladrillo y hormigón. Se sabe, según (Morante y Ruiz, 1997), que el Partenón de Atenas fue construida por los arquitectos Ictíno y Calícrates, mientras que el escultor fue Fidias.

ARQUITECTURA ROMANA: PANTEÓN DE ROMA

ELEMENTOS FORMALES: Según (Morante y Ruiz, 1997), está construida con materiales como piedra, mármol (griegos), ladrillo y hormigón. La decoración es un elemento característico e importante en la arquitectura romana. Podemos encontrar esculturas de estatuas y muros con relieves (en Grecia son lisos). Se le daba importancia al interior, al contrario de Grecia, decorados con mármoles, mosaicos y pinturas.

ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS QUE DISTINGAN panteón: Los soportes son de orden corintias. El pronaos es octástilo (8 columnas). Arquitectura abovedada (vista en la cúpula).

COMENTARIOS:

La arquitectura griega empieza en el siglo III a.C., mientras que la romana en el siglo II d.C. En la arquitectura griega se valoriza el espacio exterior, mientras que la arquitectura romana se valoriza tanto lo exterior con lo interior. Mientras que los griegos utilizan el edificio como un símbolo religioso, los romanos lo ven más como una construcción publica que da a entender el poder del estadio, sumando a esto con lo que sería una propaganda política. Los materiales que se utilizaba en la arquitectura griega son la piedra caliza y el mármol, en la arquitectura griega se utilizaban materiales como piedra, mármol, ladrillo y hormigón. Se sabe, según (Morante y Ruiz, 1997), que el Partenón de Atenas fue construida por los arquitectos Ictíno y Calícrates, mientras que el escultor fue Fidias.

Panteón de Roma. Imagen: MonumetosdeRoma

Panteón de Roma. Imagen: Wikipedia

Pronaos

Rotonda

3 de 5

Opinión personal

La perfección y delicadeza que tienen las esculturas de mármol parecen tan reales, con tantos detalles, que se ven imposibles de imitar. Cuesta creer que están hechas a mano. Teniendo en cuenta que si falla una cincelada, arruina la escultura, ya que no hay posibilidad devolver a moldear.

Mientras que en la arquitectura, es interesante la diversa valorización del espacio interior y exterior que tenían los griegos y los romanos en sus edificios religiosos.

REFERENCIAS

Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Londres: Phaidon Press Limited

Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) Arte Griego En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema III: Grecia, pp. 41-55. Editorial Edinumen. Madrid. España.

Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) Arte Romano En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema IV, pp. 57-74, Editorial Edinumen. Madrid. España.

BASÍLICA PALEOCRISTIANA DE SAN PEDRO (VATICANO)

ELEMENTOS FORMALES: Según (Roth, 2007), el arte paleocristiano surge en función a la nueva religión del cristianismo, desarrollada durante el Imperio Romano. Esta basílica está construida a extramuros de la ciudad, en la colina Vaticana, entre 319-329 d.C. La longitud total de la iglesia era de 203,9 metros. La nave principal tiene 92m largo x 65,9m ancho x 31,8m alto. La planta es a forma de “T”, ya que el extremo oeste tenia un brazo transversal de 90,7m largo x 21m ancho. Al centro del transepto salía un ábside semicircular sobre la tumba de San Pedro, que servía como martyrium. San Pedro fue una iglesia de peregrinos, y sus dimensiones debían ser grandes para que pudiese entrar un gran grupo de personas para las fiestas religiosas. Al pie de la nave se añade un atrio de concreto rodeado de galerías con columnatas, dedicadas a los catecúmenos y a los peregrinos.

ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS (ARTE PALEOCRISTIANO): Según (Morante y Ruiz, 1997), la arquitectura paleocristiana responde a las necesidades del culto cristiano (por ende, religioso) y se desarrolla en las dos etapas del Imperio Romano. Se utilizaban materiales de construcción baratos (ladrillo, mampuesto y madera), pero para las columnas se utilizaba el mármol. En los soportes se puede encontrar muro y columnas. La cubierta suele ser de armaduras de madera (menos en el ábside donde introducen la bóveda de cuarto de esfera). La decoración puede consistir en pinturas murales, mosaicos o incrustaciones de mármoles. El espacio interior era lo contrario a la sencillez del exterior.

Figura 2: Antigua basílica paleocristiana de San Pedro. Fuente: Wikipedia

Figura 1: Planta de la basílica Paleocristiana de San Pedro. Fuente: Gobierno de Canarias

IGLESIA DE SANTA SOFÍA (ESTAMBUL)

ELEMENTOS FORMALES: Según (Roth, 2007), Justiniano decidió reconstruir la basílica constantiniana de Santa Sofia, como un monumento a su gobierno, entre 532 y 537 d.C., por los arquitectos Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto. Según (Morante y Ruiz, 1997), la iglesia internamente se divide en tres naves longitudinales; la central, más ancha, está separada de las laterales por columnas y gruesos pilares, destacando un espacio central casi cuadrado entre dos trapecios. El material constructivo corresponde a mármoles de diversos colores y pórfido en columnas y pavimento. En los muros, piedra y ladrillo, y en las cubiertas ladrillo o algún otro material liviano. La cubierta está formada por una enorme cúpula, que presenta un ingenioso sistema de contrarresto en el sentido longitudinal. La decoración es fundamental en el interior, ya que está constituida por elementos arquitectónicos (columnas, arcos), escultóricos (relieves) y de mosaico.

ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS (ARTE BIZANTINO): Según (Morante y Ruiz, 1997), la arquitectura bizantina responde a conceptos funcionales, simbólicos y estéticos que se encuentran en los siglos VII al XI y continúan hasta el XVII. Su función es de carácter religioso y político. Hace dos tipos de aportaciones fundamentales: soluciones técnicas para los problemas de las cubiertas abovedadas y un nuevo concepto del espacio interno. Utilizan materiales variados, según las posibilidades del medio, si bien los más frecuentes son el ladrillo y piedra. El muro es grueso, aunque su apariencia se aligera por el uso de la luz y el color. Usan soportes de diversos tipos: columnas de capitel corintio, pilares o contrafuertes externos. Los arcos son de medio punto, a veces peraltados. Las cubiertas pueden ser: armaduras de madera o abovedadas. Los elementos decorativos tienen gran interés en los interiores, cubiertos de mosaicos o frescos, creando un nuevo sentido del espacio interno, continuo y dinámico, a diferencia del exterior.

Figura 1: Iglesia de Santa Sofía. Fuente: El Español

Figura 2: Planta de la Iglesia de Santa Sofía. Fuente: Editorial CDA ULPGC

IGLESIA ROMÁNICA

ELEMENTOS

CONSTRUCTIVOS (ARTE ROMÁNICO): Según (Morante y Ruiz, 1997), el románico nace en la Europa feudal, el primer estilo internacional, desarrollada en Europa central y occidental durante los siglos XI y XII. Nace de la arquitectura prerrománica y bizantina. Ya no se utiliza con frecuencia las cubiertas de madera en la construcción, por miedo a los incendios. Ahora serán de piedra, desde los cimientos hasta las cubiertas. El muro es el principal soporte, determinando su grosor. Se refuerza con estribos que se corresponden con los tramos y arcos del interior. Las columnas ya no tienen proporción ni órdenes clásicos, y se utiliza en criptas, pórticos, y claustros. Los arcos son de medio punto. En las cubiertas se emplean las bóvedas de cañón, generalmente reforzadas con arcos. La decoración se encuentra en los capiteles y portadas. Las iglesias de planta basilical tienen una o varias naves longitudinales, nave de crucero sobresaliente en planta y cabecera. El acceso principal suele ser el del lado oeste donde se desarrolla la fachada. Esta consiste en dos torres que flanquean el cuerpo principal del edificio donde está la portada. El exterior es reflejo de la articulación interna del edificio. A nivel estilístico se diferencia en dos etapas: románico temprano y románico pleno. El temprano surge a principios del siglo XI en Lombardía, Italia. Caracterizada por la utilización de un aparejo pequeño, poco regular, la cubierta de madera en las naves reservando la bóveda para el ábside y los campanarios exentos. Mientras que en el románico pleno, se caracteriza a base del lugar donde se encuentra. Se establecen prototipos arquitectónicos que aparecen en distintas regiones o países con rasgos comunes gracias a los caminos de peregrinación, comunes entre España y Francia.

Figura 1: Planta de una iglesia románica. Fuente: Wikipedia Figura 2: Corte de una iglesia románica. Fuente: Wikipedia

Según (Morante y Ruiz, 1997), la Iglesia de Santa Sofía tenia una influencia romana, griega y oriental. Sobre las plantas, la bizantina combina el modelo romano de la planta central y el modelo paleocristiano de la planta basilical. Las cupulas se encontraban sobre pechinas, y eran una representación del cielo, decorado con revestimientos de plata, lámparas de oro, paneles de cristal coloreado en las ventanas. Los materiales utilizados en la Basílica de San Pedro eran baratos, como el ladrillo, mampuesto y madera, pero para las columnas se utilizaba el mármol. Mientras que en la Iglesia de Santa Sofía, los muros estaban construidos en piedra y ladrillo.

FACHA Y SIGLO: Basílica de San Pedro (319–329 d.C.), Iglesia de Santa Sofía (532537 d.C.), Iglesia románica (siglos XI y XII)

ARQUITECTOS Y ESCULTORES QUE INTERVIENEN: Iglesia de Santa Sofía (arquitectos Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto)

Calificación

7 de 10

Opinión personal

La Iglesia de Santa Sofía fue la arquitectura que más me impresionó, sobre todo por dentro. Detallado con mosaicos que parecen que brillan por sí mismas al reflejo de la luz que entra por la parte superior, por la inmensa cúpula.

REFERENCIAS

Morante López, F. y Ruiz Zapata, A.M. (1997) Arte

Paleocristiano En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema V, pp.75-84; . Editorial Edinumen. Madrid. España. Arte Bizantino En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema VI, pp. 85-94. Editorial Edinumen. Madrid. España. Arte Románico Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Tema VIII, pp. 105122. Editorial Edinumen. Madrid. España.

Roth, L.M. (2007) Arquitecturas paleocristiana y bizantina. En: Entender la arquitectura. Sus elementos, historia y significado. Capitulo 13, pp. 255-281. Barcelona: Gustavo Gili.

EL MATRIMONIO ARNOLFINI

Según (Gombrich, 2007), El matrimonio Arnolfini es una obra hecha por Jan van Eyck, en 1434, utilizando la técnica de oleo sobre un soporte de tabla 31.8 x 59.7 cm. Según (Woodford, 1983), es un retrato de un sacramento religioso, el del matrimonio, según (Gombrich, 2007), del comerciante italiano Giovanni Arnolfini y su reciente esposa Jeanne de Chenany.

ELEMENTOS FORMALES: Según (Morante y Ruiz, 1997), la factura presenta una pincelada acabada. La luz juega un papel importante en el apoyo de los valores volumétricos pero, en general, no es luz real y puede tener un contenido simbólico. El color es un elemento clave; suele utilizarse en gamas ternarias y alcanzará el preciosismo. Frecuentemente es un colorido irreal, subjetivo, lleno de contenido simbólico. El interés por la perspectiva también evoluciona. Se tantean los ejes de profundidad, a veces incluso el punto de fuga. Sobre la composición, se tiene muy en cuenta el eje de simetría; es una composición cerrada, con todos los elementos globalizados y orientados hacia el centro teórico del cuadro.

Figura 1 y 2: El matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck, 1434. National Gallery, Londres. Fuente: Wikipedia

EL MATRIMONIO ARNOLFINI

COMENTARIO Y DESCRIPCIÓN: Según (Morante y Ruiz, 1997), desde mediados del siglo XII se inicia un florecimiento de la civilización europea, manifestada a través de diversos cambios, dentro de las cuales se encuentra la aparición de un nuevo estilo artístico, diferente al románico, el cual seria el arte gótico. El gótico aparece a mediados del siglo XII y pervive hasta principios de XVI. A diferencia del románico, este supone una nueva forma de sentir y expresarse, en relación con los cambios y evolución experimentados por Europa en los siglos bajomedievales; es ciudadano y burgués y responde a una nueva mentalidad religiosa. Este estilo aporta novedades muy importantes, como el uso sistemático del oleo, naturalismo sin idealización, factura minuciosa y detallista e interés por el paisaje.

Jan van Eyck fue uno de los iniciadores de la escuela, y según (Gombrich, 2007), consiguió tal vez su máximo triunfo en la pintura de retratos. Uno de los más famosos es el que representa a un comerciante italiano, Giovanni Arnolfini, llegando a Países Bajos en viaje de negocios en compañía de su reciente esposa Jeanne de Chenany. El cuadro, probablemente, representa un momento solemne de sus vidas: sus esponsales. La recién desposada acaba de poner su mano derecha en la izquierda de Arnolfini, y éste está levantando su derecha para colocarla sobre aquellas en señal de su unión. Seguramente se llamó al pintor para que registrara este importante como testigo, y nos explicaría la razón por la cual colocó Jan van Eyck estuvo presente. En el espejo, al fondo de la habitación, vemos toda la escena reflejada y, al parecer, también la imagen del pintor y testigo. Por primera vez en la historia, el artista se convertía en un perfecto testigo ocular en el verdadero sentido de la palabra. En este intento de reflejar la naturaleza tal como se muestra a los ojos, Van Eyck, dejó a un lado los esquemas armónicos y las curvas sinuosas del estilo gótico.

Según (Woodford, 1983), cada detalle en sí mismo tiene un significado. En el candelabro hay una vela solitaria encendida, que en plena luz del día no sirve para iluminar, pero está allí simbolizando a Cristo que todo lo ve y cuya presencia santifica el matrimonio. El perro representa la fidelidad, los rosarios de cristal que cuelgan en la pared, y el inmaculado espejo simbolizan la pureza. Incluso tiene significado el que los personajes estén descalzos: las zapatillas de él se ven a la izquierda en primer plano y las de ella en el centro al fondo, indicando que la pareja está pisando un suelo santo y por eso se ha descalzado.

LA ESCUELA DE ATENAS

Fuente: Wikipedia

Según (Morante y Ruiz, 1997), el asunto representado es la producción de una obra pictórica, en la que se muestra un amplio interior arquitectónico y más de 40 personajes en diversas actitudes. La técnica, a juzgar por el soporte de la obra, debe ser fresco. Sobre el soporte, esta obra es realizada en la parte alta de un muro, acabado en luneta.

ELEMENTOS FORMALES: Según (Morante y Ruiz, 1997), la factura se caracteriza por una pincelada fundida, no apreciable en si misma, y una textura homogénea; no se han utilizado empastes gruesos y, por eso, la superficie es tersa. No hay líneas duras. Las formas presentan contornos bien definidos y se manifiesta de forma clara un magistral dominio del dibujo, pero sin sentido cerrado e incisivo del mismo. La luz, elemento básico tanto para el modelado como para la creación de espacio, es clara y ambiental. Procede de la parte alta – zona de la cúpula -, y fondo a cielo abierto, e incide de forma homogénea y realista sobre la escena. El color está manejado con destreza y tiene carácter real con predominio de los cálidos y gran riqueza de tonalidades y matices bien armonizados. La representación del espacio está basada en el conocimiento científico de la visión, sistematizado por la “ perspectiva artificial”. La composición destaca por su monumentalidad y armonía. El marco arquitectónico configura el esquema compositivo: es un ámbito grandioso, de espacios amplios – vestíbulo, gran pasillo con bóveda imponente, gran sala del fondo – , y luminosos, que generan un espacio dinámico y envolvente, y contrasta con la equilibrada distribución de los personajes.

FORMAS DE EXPRESION: Según (Morante y Ruiz, 1997), al igual que en la escultura encontramos una forma de expresión figurativa, naturalista e idealizada, que concede una importancia básica a la figura humana bella y proporcionada (a menudo aparece desnuda, lo que permite al artista hacer alarde de sus conocimientos en la representación de la anatomía), e individualizando, más que en el sentido de copia fidedigna del modelo, de forma psicológica.

Figura 1: La Escuela de Atenas, Rafael Sanzio, 1510/1512.

Museos Vaticanos.

LA ESCUELA DE ATENAS

COMENTARIO

Y DESCRIPCIÓN:

Según (Morante y Ruiz, 1997), la obra pertenece al clasicismo renacentista, según indican su perfección técnica, representación del espacio, forma de expresión… El autor esta obra es Rafael Sanzio, pues resulta inconfundible su armonía, serenidad, dominio del dibujo, el color y la composición. Es una obra de la etapa romana, que pertenece al ciclo de pinturas murales hechas para las estancias vaticanas. Tiene 770 cm de base y está firmado en la túnica de Euclides. Se muestra una reunión ideal de pensadores y artistas de la Antigüedad y del mismo siglo XVI, en una arquitectura grandiosa, que crea una atmosfera de nobles pensamientos.

Según (Morante y Ruiz, 1997), en el centro de la composición aparecen Platón y Aristóteles. Aparecen también otros filósofos (Sócrates, Diógenes, Heráclito), astrónomos (Pitágoras Ptolomeo) y geómetras (Arquímedes). Los personajes se reconocen por sus atributos y están en actitud de discusión o meditando. A través del testimonio de G. Vasari sabemos que existe una correspondencia entre ellos y los contemporáneos de Rafael: Platón tiene los rasgos de Leonardo, Heráclito es Miguel Ángel, Euclides es Bramante, e incluso, en un discreto personajes del lado derecho el mismo Rafael.

Según (Morante y Ruiz, 1997), el escenario elegido es una edificación que rebosa sencillez, claridad y regularidad, por lo que realza la monumentalidad de las figuras y la profundidad de sus pensamientos. Recuerda las grandes construcciones de la Roma imperial y también el proyecto de Bramante para San Pedro del Vaticano.

Según (Morante y Ruiz, 1997), la comprensión de este fresco exige que consideremos el conjunto decorativo de la estancia en que se encuentra, puesto que no es una obra aislada, sino parte de un sistema: Las Estancias Vaticanas, un encargo hecho al pintor, en 1508, por el Papa Julio II. Se trataba de habitaciones elegidas por el Pontífice personalmente para instalarse en ellas, ya que no le agradaban las de los Borgia, y al parecer ya habían sido pintadas por otros artistas. La Estancia de la Signatura, en la que trabajó de 1509-1511, era la más importante. Estaba situada junto a la Biblioteca papal y se destinó a la firma y sello de documentos importantes.

ARQUITECTURA GÓTICA

TIPOS CONSTRUCTIVOS: Según (Morante y Ruiz, 1997), los principales tipos de construcción son dos:

1. Religiosa: la catedral, gran iglesia de la ciudad. Presenta diversas variantes, pero el prototipo gótico es una obra integrada:

• Planta de cruz latina, con crucero poco marcado al exterior y varias naves, rematada en gran cabecera con girola y capillas radiales.

• Alzado de dos tipos: naves de altura diferente, con la central más alta o naves de igual altura (iglesia-salón).

• Fachadas enmarcadas por torres, divididas verticalmente en calles, con portadas abocinadas, rosetón y arquerías.

2. Civil: corresponden a épocas más tardías: son castillos, lonjas, ayuntamientos...

• La duración del estilo da lugar a una evolución del mismo, que se suele clasificar en las siguientes etapas:

1. Proto gótico, s. XII.

2. Gótico Clásico, s. XIII. Significa la floración de elementos formales y contenido espiritual del gótico, representado por la escuela franco-champañesa

3. Gótico Radiante, que surge en Francia en la 2da mitad del XIII y continua en el XIV refinado y complicado. Se interesa por la luminosidad, lo que le lleva a ventanas inmensas y muro extraordinariamente aligerado.

4. Gótico de las Órdenes Mendicantes, contemporáneo del anterior, aunque diferente pues hace construcciones sencillas –iglesias de una nave o iglesia salón-, con capillas entre contrafuertes y escasos ornamentos.

5. Gótico Tardío o Flamígero, que se da de fines del XIV hasta comienzos del XVI. Se caracteriza por su complicación decorativa (arcos conopiales, tracerías complejas, bóvedas ornamentadas con muchos nervios) y libertad de planos. Muestra además un mayor interés por los edificios civiles: castillos, ayuntamientos...

Fuente: Wikipedia

Figura 1: Plano y fachada de una iglesia gótica.

Figura 2: Corte de una iglesia gótica. Fuente: Las partes del arte

ARQUITECTURA GÓTICA

MATERIALES: Según (Morante y Ruiz, 1997), nace en Ile-de-France entre 11501200, y se difunde con gran rapidez. La arquitectura gótica se realiza en piedra: mamposterías elásticas con sillares bien tallados y ligaduras metálicas afirmadas con plomo. El muro abandona su carácter macizo y presenta aparejo homogéneo y paramento uniforme. Técnicamente se basa en un sistema de 3 elementos, lo que permite una estructura lógica y compuesta por tramos:

1. arco puntado = es seguro, menos estático que el de medio punto y con gran capacidad de transformación.

2. bóveda de crucería = deriva de la bóveda de aristas románica reforzada por nervios. Se apoya en cuatro puntos, lo que permitirá abrir grandes vanos en los muros y presenta variedad de tipos, de acuerdo con los nervios y disposición de los mismos. Al ser una bóveda liviana, se protege exteriormente con techumbres muy empinadas.

3. soportes = controlan los empujes de las bóvedas y son de dos tipos: interiores (pilares fasciculados) y exteriores (estribos o contrafuertes y arbotantes, arcos exteriores de descarga que van por encima de las naves laterales hasta un estribo exterior, consolidando su unión con un pináculo).

ELEMENTOS DECORATIVOS: Según (Morante y Ruiz, 1997), los elementos decorativos son de diversa índole: arquitectónicos, escultóricos y pictóricos, de carácter naturalista. Se centran en las fachadas y aunque son abundantes no enmascaran las estructuras.

• Se da mucha importancia a la proporción, tanto a la originada por un sistema de relaciones simples como a otra más compleja, basada en trazados geométricos, y en algunas obras se rectifican las impresiones visuales mediante la perspectiva, buscando una mayor armonía del conjunto.

• La simetría, en cambio, no es imprescindible. Se evita la fría regularidad y aunque la planta es simétrica se rompe la monotonía con detalles pues interesan más la variedad y el equilibrio de masas.

• Aporta una nueva concepción del espacio interno, que se concibe como unidad espacial con dos directrices: vertical (de movimientos ascendentes) y longitudinal (de progresión hacia el altar).

• Se busca la transcendencia celestial y para ello se utilizan dos elementos: la luz (que se filtra por un muro calado) y el color (que aparece en las vidrieras, capiteles, claves y nervios de bóvedas y también en los tapices y paños murales).

• Los volúmenes exteriores son la respuesta a los interiores místicos y revelan claramente el complicado mecanismo estructural, a la vez que muestran la integración en la vida urbana.

Calificación

10 de 10

Opinión personal

El detalle que brinda van Eyck en la obra El matrimonio Arnolfini fue lo que más me impactó. El espejo, uno de los símbolos que expresaba el pintor fue una tarea compleja, ya que se puede observar el reflejo de la habitación vista desde atrás, incluyendo la pareja y el pintor.

Por otra parte, Rafael retrata perfectamente en La escuela de Atenas la filosofía de la Antigua Grecia, a la misma vez con detalles de la época del Renacimiento.

REFERENCIAS

Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Editorial Phaidon Press Limited. London.

Lajo, Rosina y José Surroca (1997) Léxico de Arte. Ediciones Akal, Madrid.

Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) Tema IV Arte Gótico. En: “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura”, pp, 123-140. Editorial EDINUMEN. Madrid.

Tema XI. Arte Renacentista. En: “Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura”, pp. 147-173. Editorial EDINUMEN. Madrid.

Woodford, Susan (1983) Introducción a la Historia del Arte: Como mirar un cuadro. Universidad de Cambridge. Editorial Gustavo Gilí, S.A. Barcelona

EL DESEMBARCO DE MARIA DE MÉDICIS EN EL PUERTO DE MARSELLA

Características formales: Según (Morante y Ruiz, 1997), la técnica es al oleo, ya que esta técnica fue muy utilizada durante el barroco. Sobre la factura, la pincelada en este caso tiende a ser suelta y abierta, generando una textura lisa. No se pueden distinguir líneas gruesas en la composición, esto se debe a que durante el Barroco, según (Morante y Ruiz, 1997) la línea pierde importancia en la delimitación de contornos, por lo que algunos se llegan a perder en las sombras de la pintura. Con el modelado representan claramente los volúmenes mediante las gradaciones de color y de luz, además de contrastes violentos en las sombras. En la pintura se presenta una luz blanca, aparentemente natural procedente de una única dirección, la cual se concentra en ciertas partes de la composición generando violentos contrastes con las sombras (tenebrismo). Predomina una gama de colores fríos y poco intensos. La relación con la luz genera diferentes matizados y sombras marcadas. Como Morante y Ruiz (1997) afirman, los colores ayudan a generar efectos espaciales en la composición, lo cual se hace visible en el contraste que hay entre las tonalidades de los seres de la parte superior e inferior del cuadro. Se utilizó una perspectiva aérea, evidenciando un gran interés por la representación espacial. Se evidencia una preferencia por una composición muy dinámica, algo representativo del estilo Barroco, ya que se presentan diversas formas, profundidades, además de las diversas expresiones y movimientos en los personajes.

Autor, estilo y fecha: El desembarco de Maria de Médicis es una obra hecha por Pedro Pablo Rubens, en entre 1621 a 1625, utilizando la técnica de óleo sobre lienzo 394 x 295 cm.

Análisis formal: Esta obra pictórica representa un acontecimiento histórico que tuvo lugar el 3 de noviembre de 1600. Este día María de Médicis, la nueva reina, llega al puerto de Marsella. En esta obra pictórica se representa dicho suceso acompañado de diferentes seres mitológicos como “la fama” (el ser volador en la parte superior de la composición) y la representación de Neptuno, tritones y nereidas (de la mitología griega), los cuales aparentemente cuidaron y guiaron el transporte durante el viaje.

Figura 1: Pedro Pablo Rubens, El desembarco de María de Médicis en el puerto de Marsella, 1621-1625. Museo del Louvre. Fuente: Wikipedia

EL DESEMBARCO DE MARIA DE MEDICIS EN EL PUERTO DE MARSELLA

Comentario:

El Barroco fue el estilo artístico que vino luego del Renacimiento, según Morante y Ruiz (1997) tuvo lugar entre XVII – XVIII y se originó como resultado de un periodo de crisis política, económica, social y religiosa Este periodo se caracterizó principalmente por disputas religiosas entre los países católicos y protestantes, por lo que uno de los intentos de la iglesia para frenar esto fue llevar a cabo medidas que busquen reforzar los principios católicos Es debido a esta coyuntura que nace “un barroco cortesano y católico” (Morante y Ruiz, 1997, pág. 175) en países como Italia, Francia, España y Alemania, cuya finalidad fue servir como propaganda de la Iglesia Católica Universal Esto tuvo una gran influencia en la temática de las primeras obras, puesto que se mostraban de carácter religioso y mitológico, como en el caso de “El desembarco de María de Médicis en el puerto de Marsella”, ya que en esta obra pictórica se evidencian representaciones de tritones, nereidas y otras criaturas mitológicas.

LA MUERTE DE MARAT

Autor, estilo y fecha: Según (Gombrich, 2007), La muerte de Marat es una obra hecha por Jacques-Louis David, en 1793, utilizando la técnica de óleo sobre lienzo 165 x 128,3 cm.

Análisis formal: Según (Gombrich, 2007), se retrata a Marat, uno de los líderes de la Revolución Francesa, asesinado en el baño por una joven fanática. Pero David lo retrata como un mártir sacrificado por su causa. Marat aparece en esta obra en actitud de haber estado trabajando metido en su baño, con un sencillo pupitre adaptado a la bañera. Su atacante le había entregado una solicitud que él estaba a punto de firmar cuando ella le asesinó.

Características formales: Según (Morante y Ruiz, 1997), la técnica sigue siendo óleo sobre lienzo, también se utiliza la acuarela para tomar apuntes. La factura es corta y acabada, la textura lisa y brillante, a veces casi esmaltada. El dibujo es la base de la pintura, se inspira en la escultura; delimita las figuras, organiza los ritmos de la composición. El modelado se consigue por suaves gradaciones de luces y sombras, por estudio tonal; las figuras tienen volumen claro. La luz es difusa, clara, a veces fría; ilumina todo más o menos por igual. Pierde el protagonismo y el efectismo que tenía el Barroco. El color es convencional, es un elemento secundario en comparación con el modelado y el dibujo. Se busca el equilibrio entre gamas y tonos. La perspectiva no interesa; en general no hay grandes espacios desarrollados en profundidad, quizá porque los pintores, al tomar como modelo los relieves clásicos, optan por distribuir sus figuras sobre un plano a modo de friso. La composición busca la claridad, el equilibrio y la simetría. Muchas veces están sometidas a rígidos esquemas geométricos. En las grandes composiciones el gesto y la actitud de las figuras suele pecar de teatralidad; el movimiento aparece congelado. Es una pintura figurativa con fuerte carga de idealización. Los temas están en la misma línea: mitología, retratos y otros, como los históricos, tanto del presente como del pasado.

Figura 1: Jacques-Louis David La muerte de Marat, 1793. Museo del Louvre.

Fuente: Wikipedia

LA MUERTE DE MARAT

Comentario:

Según (Morante y Ruiz, 1997), entre 1750 y 1830 se desarrolla en Europa el Neoclasicismo. Es una época que toma la Revolución Francesa (1789-1795), el Imperio Napoleónico y luego, la Restauración. Son años, por tanto, de profundos cambios políticos que afectaran a Francia y a todo el continente. En la economía son también importantes las transformaciones; el centro de interés está en Gran Bretaña, con un profundo proceso de revolución industrial.

Según (Morante y Ruiz, 1997), el termino Neoclásico se acuñó en el siglo XIX con un marcado acento peyorativo, literalmente significa nuevo clasicismo, o sea, de vuelta a la antigüedad. A mediados del siglo XVIII el Barroco como estilo está agotado, además se le identifica con la aristocracia y la realeza, y, por tanto, con lo que hoy llamaríamos Antiguo Régimen. Los ilustrados atacan este sistema y defienden nuevas ideas basadas en la importancia de la razón y del individuo, como hombre con unos derechos naturales que la sociedad debe respetar, en realidad, todo un conjunto de valores que ya habían existido en la Antigüedad; renace así el interés por lo clásico. Según (Morante y Ruiz, 1997), el Neoclasicismo surge sobre las cenizas del Barroco y del Rococó, sin embargo las primeras obras del nuevo estilo deben mucho al Barroco, sobre todo en arquitectura. Por otra parte, se desarrolla a la par de lo que podríamos llamar prerromanticismo y, al final, convivirá con el Romanticismo. Todo esto hace que su estudio sea difícil pues confluyen corrientes diferentes que aparecen, incluso, en la producción del mismo artista.

Autor, estilo y fecha: Según (Zelazko, 2020), La libertad guiando al pueblo es una obra hecha por Eugéne Delacroix, en 1830, utilizando la técnica de óleo sobre lienzo 260 x 325 cm.

Análisis formal: Según (Zelazko, 2020) conmemora la Revolución de Julio de 1830 en París en el cual se destituyó a Carlos X del trono. Una figura femenina semidesnuda, como personificación de la libertad, es seguida por una multitud de revolucionarios. Características formales: Según (Morante y Ruiz, 1997), el Romanticismo, opuesta a los valores del Neoclasicismo, supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro. Cultiva diversas técnicas; si bien predomina la pintura al oleo, acuarelas, grabados y litografías tienen también gran utilización. Las texturas comienzan a ser apreciadas en sí mismas y aparecen las superficies rugosas, junto a tratamientos aún sutiles de la materia. La pincelada, al menos en algunos artistas, será libre, viva y visible, llena de expresividad. El uso de la línea es variado: de la linealidad de la pintura germana a la pictoricidad de la francesa. El modelado se hace según los métodos tradicionales de claroscuro, pero apuntan ciertas novedades, como intuir el valor de los complementarios. Se sigue empleando la perspectiva tradicional, pero se hace hincapié en luces y colores para la creación del espacio y hay atisbos de innovación en cuanto a la elección de puntos de vista o enmarques laterales. El papel jugado por el color es protagonista, recuperándose frente al dibujo, en un triunfo de lo irracional ante lo intelectual. Hay un gran interés por la teoría del color y sus efectos, y se le considera agente emocional de primer orden – la tonalidad general implica un estado psicológico –, lleno de potencialidad simbólica. La luz, así mismo, es importante, y se cuidan sus gradaciones, dando, con frecuencia, un carácter efectista y teatral. La composición habitualmente es dinámica, con dominio de líneas oblicuas y curvas, y abundancia de gestos dramáticos y posiciones convulsas, que obligan a escorzos forzados, si bien algunos artistas se muestran más reposados y prefieren esquemas geométricos. En las formas de expresión encontramos que éstas son figurativas, realistas, pero llenas de subjetivismo y con una clara preferencia por los valores expresivos, como reflejo de una visión emotiva e intuitiva. Finalmente, la temática aparecerá variada y nueva respecto a la pintura Neoclásica. Se cultiva el paisaje, dominado por lo infinito e inconmensurable por la acción de la Naturaleza, y ante la que el hombre aparece relegado y oprimido.

Figura 1: Eugéne Delacroix, La libertad guiando al pueblo, 1830, Museo del Louvre. Fuente: Wikipedia

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO

Comentario:

Según (Zelazko, 2020), Delacroix comenzó a pintar después de presenciar la violenta escalada de protestas contra un conjunto de ordenanzas restrictivas que Carlos X emitió el 26 de julio de 1830. Durante tres días, más tarde conocidos como les Trois Glorieuses (27-29 de julio), ciudadanos de clase trabajadora y media instaló barricadas en las calles de París y luchó contra el ejército real. Incapaz de contener la insurrección, Carlos X pronto abdicó. Según (Zelazko, 2020), los historiadores especulan que la dependencia de Delacroix de las comisiones reales le impidió participar directamente en la rebelión, pero sin embargo, se conmovió cuando vio a los insurgentes izar la bandera nacional francesa, en Notre Dame. Delacroix terminó la pintura en tres meses y se mostró con otras 23 obras inspiradas en la revolución en el Salón de 1831, una exposición anual de arte francés que se celebra en el Louvre. Sin embargo, Delacroix, al combinar el realismo con el idealismo y al aplicar su pincelada característicamente expresiva, creó una escena más moderna que contrastaba con la de sus competidores. Según (Zelazko, 2020), una figura femenina semidesnuda domina la monumental pintura, seguida de una multitud de decididos revolucionarios. Es una personificación de la libertad, un símbolo clásico utilizado a lo largo de la historia del arte. Con un gorro rojo que se asemeja al gorro que usaba la clase trabajadora y que se hizo popular durante la Revolución Francesa (17871799) como un "gorro de la libertad", pero que tiene su origen en la antigüedad.

LA BARCA DE LA MEDUSA

Autor, estilo y fecha: La barca de la Medusa es una obra hecha por Théodore Gericault, entre 1818 y 1819, utilizando la técnica de óleo sobre lienzo 491 x 716 cm. Análisis formal: En la presente obra se representa el naufragio que sufrió la fragata Medusa en el año 1816. En el primer plano se destaca una balsa muy deteriorada en donde se encuentran varios cuerpos y hombres intentando llamar la atención de posiblemente una embarcación cercana. Esta temática representa una de las características del romanticismo, ya que como (Morante y Ruiz, 1997) mencionan, durante este periodo “se cultiva el paisaje, dominado por lo infinito e inconmensurable por la acción de la naturaleza (aludes, torrentes, naufragios, etc.) y ante la que el hombre aparece relegado y oprimido” (pág. 227).

Características formales: Según (Morante y Ruiz, 1997), Sobre la factura, la pincelada es libre, suelta y se muestra llena de expresividad. Los contornos de los elementos son muy imprecisos ya que, como (Morante y Ruiz, 1997) afirman, durante el romanticismo el uso de las líneas pierde su preponderancia frente al color. El modelado en esta obra pudo lograr un buen efecto volumétrico mediante el buen manejo de la luz, sombras y las gradaciones de los colores en los diferentes elementos. La luz presentada es de tipo natural, de un tono cálido y de poca intensidad. Esta ayuda a configurar el ambiente que se busca proyectar, ya que se cuidan mucho las gradaciones de luz, buscando generar un carácter teatral. Como (Morante y Ruiz, 1997) mencionan, en esta etapa hay un gran interés por la teoría del color y sus efectos, Además, se menciona que la tonalidad general de la obra representa un estado psicológico, es por esto que en esta gama predominan los colores oscuros e intensos para expresar la tragedia y la agonía de aquel suceso. (Morante y Ruiz, 1997) mencionan que durante el romanticismo se sigue empleando la perspectiva tradicional, pero se presenta un gran juego de luces y sombras para la creación del espacio. Además, el encuadre de esta obra es frontal y se evidencia un gran interés por mostrar la profundidad en el espacio. La composición es dinámica, predominan las curvas, hay abundancia de gestos dramáticos y posiciones convulsas. Por otro lado, se destaca la presencia de formas geométricas como el triángulo a la derecha de la composición, lo que ayuda a representar la esperanza o ilusión.

Figura 1: Théodore Gericault, La barca de la Medusa, 1818/1819, Museo del Louvre. Fuente: Wikipedia

LA BARCA DE LA MEDUSA

Comentario:

La obra pictórica llamada “La barca de la Medusa” fue realizada por el pintor francés Théodore Gericault durante los años 1818 - 1819, en donde se retrata un suceso impactante ocurrido en 1816. Durante este periodo Francia atravesaba por una profunda transformación de la vida política y social tras la caída de Napoleón Bonaparte y la revolución francesa. Es en este contexto en el cual una fragata perteneciente a la marina francesa llamada “La Medusa”, sufrió un terrible naufragio en donde sólo un grupo privilegiado de oficiales y el capitán pudieron subir a los botes de emergencia, mientras que el resto tuvo que utilizar una pequeña balsa, lo que cobró la vida de muchas personas. Cuando esta noticia se hizo pública molestó a la sociedad francesa, quienes culpaban a las autoridades y a la nueva monarquía constitucional, por lo que el pintor Théodore Gericault quiso ilustrar el famoso suceso. Esta pintura consiguió un gran impacto no solo por el tema que aborda, sino por cómo fue representado. Gericault eligió presentar un momento de ilusión mediante los hombres que gritan y agitan sus camisas a la derecha de la composición, pero a la vez se refleja la falta de esperanza por medio del anciano a la izquierda. Esta obra pudo expandir el mensaje del naufragio a todo el mundo, mostrando de una manera gráfica el desafortunado incidente y provocando indignación en las personas, generando un gran impacto en la sociedad.

Calificación

9 de 10

Opinión personal

Es interesante saber la importancia del contexto histórico en La libertad guiando al pueblo, ya que, según lo estudiado en clase, el pensamiento de Delacroix sobre la Revolución Francesa, el pueblo y los ciudadanos era interpretar los valores de la libertad, ya que no podría existir una republica sin este valor.

REFERENCIAS

Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Editorial Phaidon Press Limited. London

Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) El Arte

Barroco En: En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 175-198. Editorial EDINUMEN. Madrid.

Tema XIII El Arte de la Segunda Mitad del XVIII al XIX. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 199-214. Editorial EDINUMEN. Madrid.

Tema XV La pintura del romanticismo En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 225-232 Editorial

EDINUMEN. Madrid

Zelazko, Alicja (2020). Liberty Leading the People.

Recuperado el 16 de Noviembre de 2021, de Encyclopedia

Britannica: https://www.britannica.com/topic/LibertyLeading-the-People

Las obras que se van a comparar a lo largo del ensayo son Autorretrato con la oreja vendada, de Vincent Van Gogh, y El Grito, de Edvard Münch. Ambas obras abarcan el tema del retrato de un hombre, pero con diferentes estilos pictóricos. Una de las razones por la cual elegí estas obras fue porque ambos artistas son representantes del Postimpresionismo y Expresionismo, respectivamente. Especialmente en estos retratos, se muestra y expresa el estado psicológico de los pintores dentro de las obras en esta etapa de sus vidas.

Palabras Clave: Van Gogh, Münch, Postimpresionismo, Expresionismo, pintura del siglo XIX

1.1 Contexto Histórico

Según (Morante y Ruiz, 1997), durante la segunda mitad del siglo XIX asistimos a cambios importantes en el mundo del arte, se pasará de una pintura realista a otra impresionista que abrirá las puertas de todos los cambios posteriores.

La vida en Europa en esta época sigue marcada por el cambio económico y social que ha traído, y sigue trayendo consigo, la actividad industrial.

Francia continúa siendo el corazón del continente y por tanto todo lo que allí se haga repercutirá en los demás países. A nivel político es el siglo de las revoluciones burguesas, acaba de salir una de ellas, la del 48, y ha comenzado la era de Napoleón III que, con el barón Hausmann y su reforma urbanística de París, harán de esta ciudad la capital del continente. Años después, 70, la guerra franco-prusiana favorecerá el resurgir revolucionario en la Comuna del 71 y, tras ella, la III República. Durante todos estos años una rica burguesía controla la política y también el gusto artístico a través de los Salones anuales o bianuales, medio por el que los artistas exponen su obra y se dan a conocer; frente a ella estarán el socialismo y buena parte de la intelectualidad y de los artistas que claman por una mayor libertad. En esta época se produce la gran expansión colonial de Europa, esto favorece el gusto por lo exótico. El comercio con regiones lejanas introduce la estampa japonesa.

1.1.1 Postimpresionismo

Según (Morante y Ruiz, 1997), el impresionismo con su afán por capturar la luz del natural había ido disolviendo las formas en su ambiente, todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del siglo XIX y primeros del siglo XX nos encontramos con unos pintores que, habiendo partido del impresionismo, derivaron hacia una pintura personal que anuncia algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX.

1.2 Vincent Van Gogh

Según (Gavaldá, 2019), Vincent Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Zundert (Países Bajos) y fue hijo de un pastor protestante. Durante su infancia sufrió por haber sido el sustituto de un hermano que nació muerto justo el mismo día, pero un año antes que él, y al que también habían llamado Vincent. En 1869 empezó a trabajar como aprendiz en una importante compañía internacional de comercio de arte de La Haya. Le gustaba el trabajo ya que se sentía atraído por el arte. Le gustaban los pintores holandeses del siglo XVII como Rembrandt y los paisajistas franceses como Millet. Según (Gavaldá, 2019), en 1879 fue enviado como misionero evangelista a Wasmes y allí se dedicó por completo al cuidado de los mineros. De este periodo es Los comedores de patatas (figura 1), una de sus obras más célebres. Van Gogh impregnó sus obras de una oscura personalidad fruto de su carácter. Quería pintar gente trabajando y reflejar con un absoluto realismo la vida cotidiana de los más desfavorecidos. Como punto de partida, tuvo un claro referente en Rembrandt en cuanto al color. A partir de entonces usará gamas de tonos más oscuros e iluminará escasamente los ambientes.

Según (Gavaldá, 2019), se trasladó a París con su hermano Theo, donde pudo ver la obra de los impresionistas y conocer a Lautrec y Gauguin. En esa época, Van Gogh experimentó con el neoimpresionismo, y se decantó por el paisaje y el retrato empleando colores puros y pinceladas de pequeños toques que recuerdan al puntillismo.

Según (Gavaldá, 2019), en 1887, durante su estancia en Arlés, en el sur de Francia, Van Gogh realizó un gran número de obras: autorretratos, paisajes, pinturas de flores como Los girasoles (figura 2) o La terraza de café en la Place du Forum (figura 3), en las que logrará superar las limitaciones cromáticas de los impresionistas y sus composiciones estarán dominadas básicamente por dos tonos: el azul y el amarillo.

Según (Morante y Ruiz, 1997), Vincent Van Gogh es también un apasionado del color, en su caso es el principal vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pintura cuenta además con una pincelada muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos en contrastes no frecuentes – amarillo sobre naranja… –. Abre las puertas de los movimientos expresionistas del siglo XX.

1.3 Autorretrato con la oreja vendada

Según (Pollitt, 2015), Autorretrato con la oreja vendada es una obra pintada por Vincent Van Gogh en 1889, de material oleo sobre lienzo, con dimensiones de 60cm x 49cm.

Según (Calvo, 2019), Van Gogh y Gauguin vivieron juntos durante dos meses en la casa amarilla de Arlés. Pero con el paso de las semanas, la convivencia entre los dos fue empeorando. Tuvieron discusiones intensas, sobre todo de arte: Van Gogh valoraba la pintura de la naturaleza, mientras que Gauguin dio prioridad a la invención de la imaginación. Lo que un principio fue una sana relación de amistad entre dos artistas apasionados, fue empeorando porque en realidad eran dos personalidades con un gran temperamento, que no cedían ni un milímetro ante cualquier cuestión. Según Gauguin, único testigo de la mutilación más famosa de la historia del arte, el 23 de diciembre de 1888 Van Gogh lo amenazó con una navaja y acto seguido se automutiló el lóbulo de la oreja izquierda.

Sin embargo, según (Walther, 2019), en una carta que le escribe Gauguin a Bernard poco después de aquel 23 de diciembre no menciona nada de esto. Probablemente Van Gogh no quiso atacarle aquella noche, sino que más bien buscaba únicamente apaciguar su desconfianza. Luego, Vincent permanece 14 días en el hospital. Al regresar a su estudio se dedica a pintar el resultado de la catástrofe: su Autorretrato con la oreja vendada.

Según (Walther, 2019), toda la parte derecha de la cabeza está cubierta por un ancho vendaje que hace aparecer aún más seria la mirada triste y casi fija del pintor. Van Gogh se ha envuelto en una gruesa y áspera capa, como queriendo protegerse de un ambiente hostil. La parte izquierda de su cabeza está enmarcada por una xilografía japonesa de alegre colorido, en rudo contraste con la mancha blanca en la zona de la herida.

Según (Calvo, 2019), aún con su estilo habitual de pinceladas vibrantes, Vincent se muestra calmado y sereno. Es curiosos que aparezca el vendaje en la parte derecha de la cabeza cuando la oreja amputada fue la izquierda. Todo indica que el cuadro debió ser pintado delante de un espejo.

2.1 Contexto Histórico

Según (Gamonal, 1992), en un país como la Alemania Guillermina, fuertemente conservador en el plano político y social, vaya a contar, sin embargo, que en los primeros años del siglo XX gozarán de un cierto reconocimiento público, extensible a otros artistas avanzados. Este hecho se debe a un fenómeno, también muy particularmente alemán, inspirado en la Sociedad Anónima de Artistas y demás asociaciones surgidas en el París impresionista y postimpresionista de la década de los ochenta: la Secesión. Emergiendo con fuerza en los países de habla alemana y con la multiplicidad propia de un sistema descentralizado, Múnich, Berlín y Viena se abrirán al arte moderno en la década de 1890 a la sombra de sus respectivas agrupaciones artísticas.

2.1.1 Expresionismo

Según (Morante y Ruiz, 1997), con el expresionismo se denomina una pintura en la que prima la “expresión subjetiva” sobre la representación de la objetividad; la obra se convierte así en un vehículo de comunicación entre los sentimientos del pintor y el público. Se plantean las angustias vitales del hombre; tiene, en consecuencia, una carga dramática, pesimista y crítica.

Según (Gombrich, 2007), el valor fundamental es la libertad individual de expresión, pero con unos nexos comunes: el artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta. En Alemania, las ciudades de Dresde, Múnich y Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos, junto con París, donde surgen agrupaciones de artistas que perfilan el expresionismo.

Según (Gombrich, 2007), con este término se denomina una pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica. Este término engloba obras y autores de un amplio período, aunque el país de donde esta vanguardia alcanza mayor intensidad es en Alemania. Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis.

2.2 Edvard Münch

Según (Watson, 2021) Edvard Münch nació el 12 de diciembre de 1862 en Löten, Noruega. Nació en una familia de clase media que estaba plagada de problemas de salud. Su madre murió cuando él tenía cinco años, su hermana mayor cuando él tenía 14, ambas de tuberculosis; Munch eventualmente capturó este último evento en su primera obra maestra, La niña enferma. El padre y el hermano también murieron cuando él aún era joven y otra hermana desarrolló una enfermedad mental. “Enfermedad, locura y muerte”, como decía, “fueron los ángeles negros que vigilaron mi cuna y me acompañaron toda la vida”.

Según (Gombrich, 2007), cuando expone por primera vez en Berlín, en 1892, escandaliza y su exposición es clausurada. Münch se consagra al estudio de los problemas psicológicos de la sociedad moderna, por ellos enfermedad y muerte se convierten en una constante en su obra. La forma nace con la participación subjetiva en el objeto del cuadro, objeto que en primer lugar es el hombre con sus sentimientos y sus sensaciones, elementos que hasta entonces han estado vedados.

Según (Kempt, 2014), Münch buscaba una manera de pintar que expresara la angustia que formaba parte de su personalidad. Siempre fue consciente de estar al borde del abismo de la locura. El espectro de la mala salud física y mental lo acompañó toda su vida. Como Van Gogh, tenía un punto de vista cerebral del funcionamiento del arte.

2.3 El grito

Según (Kempt, 2014), existen cuatro versiones del Grito realizadas con técnicas diferentes: dos en pintura y técnica mixta, en 1893 y 1910, y dos en pastel, de 1893 y 1895. Que Münch pudiera realizar estas cuasi copias sin que entre ellas exista una perdida significativa de potencia desmiente la idea de que el cuadro original se ejecutase en un arrebato de terror irracional. El terror era genuino, pero estaba canalizado mediante un pleno control de las técnicas artísticas.

Según (Kempt, 2014), su cuadro más conocido es, por supuesto, El grito (figura 5), aunque una mejor traducción del titulo que le puso el propio Münch sería El grito de la naturaleza. Sobre ello escribió poéticamente en el marco de la versión de 1895: “Iba caminando con dos amigos por el paseo –el sol se ponía –, el cielo se volvió de pronto rojo, yo me detuve, cansado, me apoyé en una baranda – sobre la ciudad y el fiordo azul oscuro no veía sino sangre y lenguas de fuego –, mis amigos continuaban la marcha y yo seguía detenido en el mismo lugar, temblando de miedo – y sentía que un alarido infinito penetraba toda la naturaleza –.”

Según (Kempt, 2014), los dos amigos aparecen a la izquierda del cuadro, andando por un puente o viaducto que pasa por encima de una ensenada del mar oscuro. Sin embargo, en la versión de 1983 parece que caminan hacia la figura que grita. El cielo es rojo como la sangre, no tanto una impresión meteorológica como la evocación de un estado mental. Las agresivas vetas diagonales de pintura que trazan la carretera y la barandilla contrastan con las curvas naturales de la tierra, el agua, el aire y el fuego.

Según (Kempt, 2014), la figura que grita representa a Münch, pero no es un retrato. El alma del artista está prisionera en una silueta casi fetal, o como se ha insinuado en alguna ocasión, parecida a la de una momia peruana que este quizá viera en París o Florencia. Las momias peruanas (con las orbitas de los ojos huecas y la boca abierta) se sujetaban la cabeza con ambas manos.

CONCLUSIONES

Conclusión 1

Según (Vergara, 2017), los postimpresionistas creían que una obra de arte no debería de girar alrededor de un estilo, proceso o enfoque estético en particular. En cambio, la obra debería de hacer énfasis en el simbolismo al comunicar los pensamientos más profundos del subconsciente del artista. En lugar de emplear el sujeto como una herramienta visual o como un medio para un fin, los postimpresionistas lo percibieron como una forma de transmitir sentimientos. La mayoría de las pinturas postimpresionistas presentan pinceladas gruesas y perceptibles. Además de añadir textura y un sentido de profundidad a la obra de arte, estas marcas también apuntan a las cualidades pictóricas de la obra, dejando que no pretenda ser una representación realista. Por otro lado, según (Morante y Ruiz, 1997), el expresionismo, más que un estilo, es una actitud ante la pintura, marcada por un espíritu de rebeldía y oposición a todo lo establecido. A nivel formal la expresión de estos sentimientos suele recurrir al color hiriente, los ritmos lineales fuertes y, a veces, a un afán de ruptura con toda norma pictórica.

Según (Calvo, 2015), tenemos así técnicas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte… El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que podían plasmar su concepción del arte de una manera directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban.

Conclusión 2

Según (Morante y Ruiz, 1997), el término Expresionismo se viene utilizando aproximadamente desde 1910 aunque refleja una realidad anterior. Su significado supone una clara contraposición frente al término Impresionismo; éste supone un movimiento de fuera a adentro mientras que el Expresionismo implica un movimiento de dentro a afuera en la relación del artista con lo que le rodea. Según (Gombrich, 2007), lo que irritó al público en cuanto al arte expresionista no fue tanto, tal vez, el hecho de que la naturaleza hubiera sido trastocada como que el resultado prescindiera de la belleza. Que hombres que decían ser artistas serios olvidaran que, si tenían que alterar la apariencia de las cosas tendrían que idealizarlas más que afearlas, fue tenido por grave ofensa. Pero Münch podría replicar que un grito de angustia no es bello, y que sería insincero no mirar más que el lado agradable de la vida. Los expresionistas sintieron tan intensamente el sufrimiento humano, la pobreza, la violencia y la pasión que se inclinaron a creer que la insistencia en la armonía y la belleza en arte sólo podían nacer de una renuncia a ser honrado. El arte de los maestros clásicos, de un Rafael o un Correggio, les parecía insincero e hipócrita. Ellos querían afrontar los hechos desnudos de nuestra existencia y expresar su compasión por los desheredados y los contrahechos. Casi se convirtió entre ellos un punto de honra rechazar cuanto oliese a distinción y galanura, sacando al burgués de sus casillas en cuanto a su satisfacción real o imaginaria.

REFERENCIAS

Calvo, Miguel (2019). Autorretrato con la oreja vendada. Recuperado el 29 de noviembre de 2021, de Historia-Arte: https://historia-arte.com/obras/autorretrato-con-laoreja-cortada

– (2015). Expresionismo. Recuperado el 8 de diciembre de 2021, de Historia-Arte: https://historia-arte.com/movimientos/expresionismo

Gamonal Torres, Miguel Ángel (1992). El expresionismo y las vanguardias en Alemania. Cuadernos de arte de la Universidad de Granada, XXIII.

Gavaldá, Josep (2019). Edvard Munch, un artista desesperado. Recuperado el 29 de noviembre de 2021, de National Geographic: https://historia.nationalgeographic.com.es/a/edvard-munch-artista-desesperado_15015

– Vincent Van Gogh, un pintor atormentado e incomprendido. Recuperado el 29 de noviembre de 2021, de National Geographic: https://historia.nationalgeographic.com.es/a/vincent-van-gogh-pintor-atormentado-eincomprendido_14554

Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Editorial Phaidon Press Limited. London

Kemp, Martin (2014) El Arte en la Historia: 600 a.C. al 2000 d.C, Editor Digital Titivillus.

Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) Tema XVI Las Artes Plásticas en la Segunda Mitad del XIX En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 233-248. Editorial EDINUMEN. Madrid.

- Tema XIX Las Artes Plásticas en el Siglo XX En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 269- 308. Editorial EDINUMEN. Madrid

Pollitt, Ben (2015). Vincent Van Gogh, Self-Portrait with Bandaged Ear. Recuperado el 29 de noviembre de 2021, de Smarthistory: https://smarthistory.org/van-gogh-self-portraitwith-bandaged-ear/

Vargas, Sofía (2017). Explorando la visión y los diversos estilos de los pioneros postimpresionistas. Recuperado el 8 de diciembre de 2021, de My Modern Met: https://mymodernmet.com/es/postimpresionismo/

Walther, Ingo F. (2019) “La explosión del color”. En Walther, Ingo F. Van Gogh. Alling: Taschen.

Watson, Gray F. (2021), Edvard Munch Encyclopedia Britannica. Recuperado el 8 de diciembre de 2021, de Britannica: https://www.britannica.com/biography/Edvard-Munch

Opinión personal

Me identifico más con la corriente postimpresionista, ya que mi visión del mundo y de la vida no es pesimista a comparación de los expresionistas. Si bien me interesa la expresividad de las emociones internas y la habilidad de poder retratarlo en una obra, prefiero hacer mi propia interpretación de la realidad con diversos colores como se usa en el postimpresionismo de Gauguin o Van Gogh.

VALORACIÓN PERSONAL

Dificultad

Entendimiento

Horas dedicadas

Satisfacción

Como reflexión final del curso de Historia del Arte, puedo decir que finalmente he entendido la importancia de la historia del arte en su totalidad. Descubrí que estudiar el contexto histórico y los propios artistas nos enseña cómo las personas ven e interpretan el mundo de formas diferentes y nos lo transmiten mediante el arte. Nos enseña nuestro pasado en la humanidad (social y políticamente), y cómo lo podríamos relacionar en nuestro presente. Me parece increíble que en un mismo periodo artístico encontremos a artistas que ven el mundo de formas distintas, como es el caso del Postimpresionismo con Seurat y Van Gogh, o la pintura flamenca con van Eyck y El Bosco. Estudiar el arte es entender que cada obra cuenta su propia historia y significado. Es aprender a interpretar, analizar y opinar sobre algo, que al final, todos lo podemos percibir de diferente manera. Como por ejemplo, en la clase estábamos viendo la pintura Cuadrado negro de Malévich, y me pregunté: ¿cómo es que podemos llamar arte a un cuadrado negro sobre blanco, a la misma vez que llamamos arte a la bóveda de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel? Y se explicó que llegó un momento donde el artista, al ver que todo estaba creado, buscó la simplicidad y la abstracción como máxima expresión del arte.

CONTACT

EMAIL

mapetakoze@gmail.com

DATE OF BIRTH 28/08/2002

ADDRESS

Av. Boulevard de Surco 162

San Borja, Lima, Perú

Sobre mi

Soy Maria Fernanda Kosoy, y decidí estudiar arquitectura porque quiero formar parte del mundo profesional que predomina la parte creativa y artística, que tiene la oportunidad de materializar estas ideas. Soy una persona dedicada, analítica, observadora, con la destreza de inventar y plasmar mis ideas fácilmente

Las carreras automovilísticas de la Fórmula 1 siempre ha sido una parte importante de mi vida. El ambiente competitivo, la pasión de los fanáticos, la elegancia en el diseño, la precisión en la monoplaza y los avances tecnológicos, son algunas de las cosas que me cautiva e incentiva a querer ser participe de la principal competencia de deportes de motor más prestigioso.

En el mundo del deporte automotriz no se nota un gran aumento en popularidad, y los antiguos usuarios quieren un cambio en lo que se refiere a nuevos circuitos y escenarios para disfrutar de las competencias. Mi misión personal, es visualizar y proyectar nuevas ideas novedosas, a la par de la innovación tecnológica y el ideal de la estética clásica, pero teniendo siempre presente la esencia de este deporte.

Programas

Autocad 2021

LayOut 2020

SketchUp 2020

Revit 2021

Adobe Photoshop

Idiomas

Inglés

Italiano Español

Intereses

Deportes automovilísticos

Cine

Música

Arte

Literatura

Viajes

Educación

2009-2013 Primaria Colegio Italiano Antonio Raimondi

2014-2019 Secundaria Colegio Italiano Antonio Raimondi

2019-2020 Bachillerato Colegio Italiano Antonio Raimondi

2021-Actualidad Pre-grado Universidad de Lima

Reconocimientos

ADCA Arte 2017 Seleccionado para exposición.

ADCA Arte 2018 Seleccionado para exposición.

Exposición Fotográfica de Viaje de Estudios 2019 Seleccionado para exposición.

Diploma de Bachillerato Internacional

2020

Diploma de Film, Images & Historical Interpretation in the 20th Century: The Camera Never Lies, por la Universidad de Londres & Royal Holloway University of London

2021

Materias En Curso 2021-2

- Proyecto Arquitectura II

- Dibujo III

- Física

- Estadística

- Construcción I

- Historia del Arte

INFORMACIÓN DEL CURSO

CURSO: Historia del Arte

SECCIÓN: 322

PROFESORA: Maria de la Paloma Carcedo

I. SUMILLA

El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

II.OBJETIVO GENERAL

Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

III. OBJETIVOS ESPECÍFICOS

1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

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