VISUAL por Morales Ramos

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Diseño 3d IIlustración

El teórico y diseñador Wucius Wong en su libro Fundamentos del Diseño, nos habla sobre los conceptos básicos.

El color es una experiencia sensorial visual, provocada por la luz al reflejarse en un objeto.

Si te preguntas cómo hacer una tipografía desde cero, te comentamos que esto es posible.

La fotografía nos ha acompañado para expresar y conectar con otros, permitiendo trascender cualquier origen, idioma o cultura.

CONTENIDO CONTENIDO CO TENIDO

En estos días, no puedes hacer un clic del mouse sin tropezar con contenidos digitales.

El diseño 3D es el conjunto de técnicas que nos sirven para proyectar en tres dimensiones.

El cine engloba distintas disciplinas como la iluminación, cámara, escenografía, guion, música, vestuario, etc. pero, ¿y el diseño gráfico?

La imagen está lista para ser imprimida; en la pantalla parece nítida y definida; pero, una vez impresa parece pixelado.

David Piñón Hernández pero firma sus obras bajo el nombre de Seher One.

Símbolo más icónico del modernismo, creando una fuerte influencia casi en muchas áreas del arte, la cultura y la sociedad.

10 programas que te pueden funcionar en el futuro.

La inteligencia artificial (IA) es la base a partir de la cual se imitan los procesos de inteligencia humana mediante la creación. La ilustración y el diseño gráfico son profesiones diferentes que suelen confundirse o mezclarse.

Wicius Wong Wicius Wong

El teórico y diseñador Wucius Wong en su libro Fundamentos del Diseño, nos habla sobre los conceptos básicos que debe tener en cuenta el diseñador gráfico. Los primeros conceptos se refieren a esos elementos conceptuales, es decir, los que no son visibles pero que dan un volumen a los objetos y que aparentemente se encuentran dentro de estos.

Elementos Conceptuales

Elementos del diseño

Estos elementos los conforman el punto, la línea, el plano y el volumen. El primer elemento solo indica el inicio y el fin de una línea, más no ocupa una zona en el espacio. El segundo elemento es el resultado del recorrido de un punto, tiene largo pero no ancho. Posee dirección, posición y forma los bordes de un plano. El tercer elemento define los límites extremos de un volumen y es el resultado del recorrido de una línea, posee largo y ancho pero no grosor. Por ultimo el volumen es el resultado del recorrido de un plano en movimiento, tiene una posición en el espacio y se limita por los planos.

Elementos Visuales

Posteriormente Wong nos habla sobre los elementos visuales que están conformados por los elementos conceptuales que adquieren forma. Estos tienen color, textura, forma y medida, es decir, son elementos que realmente vemos. La forma hace referencia a todo lo que pueda ser visto y se pueda identificar. La medida es por tanto el tamaño de las formas. El color ayuda a identificar y a diferenciar unas formas de otras. La textura la conforman las cercanías en la superficie de una forma.

Elementos de Relación:Los elementos de relación pautan la ubicación y la interrelación de las formas. Por sus características pueden ser percibidos y sentidos. La dirección de la forma depende de cómo esta relacionada con otras formas, el observador o el marco que la contiene. La posición por su lado, esta referida a la relación de esta respecto a la estructura. Toda forma tiene u ocupa un espacio respecto a su volumen. La gravedad se refiere a una sensación psicológica a la que se someten todos los elementos y esta atribuye a las formas peso, liviabilidad y estabilidad.

Elementos Prácticos

Estos elementos van más allá del alcance de un diseño, es decir, subyacen el contenido. Dentro de ellos se encuentra la representación que refiere las formas que han sido derivadas de la naturaleza o del mundo y han sido creadas por el hombre. El mensaje aparece cuando el diseño tiene significado y la función aparece cuando el diseño tiene un propósito determinado.

Los anteriores elementos existen dentro de unos límites que se denominan “referencias de un marco”. Estas definen los límites en los cuales los elementos coexisten sin embargo no referencia necesariamente un marco real. El marco se considera parte integral del diseño.

El Plano de la Imagen

El plano de la imagen es la superficie plana del papel o cualquier material y está dentro del plano de la imagen. Las formas están directamente pintadas sobre este. Forma y Estructura:Todo elemento visual constituye una forma la cual posee un color y una textura determinada y la manera en que es construida la forma es a lo que se le llama estructura.

La Forma y los Elementos Conceptuales:Anteriormente mencionaba que los elementos conceptuales no son visibles, sin embargo, cuando se hacen visibles se convierten en formas. Por tal motivo el punto, la línea, el volumen y el plano deben tener un tamaño y una figura.

La Forma como Punto

La forma es reconocida como punto por ser pequeña, sin embargo, su tamaño es relativo. La forma del punto puede ser variada, es decir, puede ser un círculo, un cuadrado, un triángulo, un ovalo y tener forma irregular. El punto posee dos características principales las cuales son: un tamaño comparativamente pequeño y una forma simple.

La Forma como Línea:Se caracteriza por que su ancho es extremadamente estrecho y su longitud es prominente. La delgadez de la línea al igual que la pequeñez es relativa. En una línea deben considerarse tres aspectos: la forma total que tiene que ver con su apariencia general. El cuerpo esta determinado por el borde de su ancho. Las formas de los bordes determinan el cuerpo. Las extremidades dependen de lo estrecho o ancho de la línea, es decir, si la línea es delgada carecen de importancia pero si es ancha pueden destacarse.

La Forma como Plano

En las superficies bidimensionales todas las formas que no sean reconocidas como líneas o puntos son planos. Las formas planas están conformadas por líneas conceptuales y estas presentan variedad de figuras que pueden ser geométricas, orgánicas, rectilíneas e irregulares, manuscritas y accidentales. Por otro lado, las formas planas pueden sugerirse por medio del dibujo y debe considerarse el grosor de las líneas.

La Textura

El raso, de superficie brillante, ofrece contraste con el tejido común, que es apagado, y a través de tal contraste podemos ver el dibujo. El color blanco constituye por sí mismo un ejemplo de textura visual. Si examinamos con un microscopio partículas de pigmento blanco, veremos cristales diminutos. La apariencia blanca se debe a la forma en que ellos descomponen la luz

Textura Visual

La textura visual es estrictamente bidimensional. Como dice la palabra, es la clase de textura que puede ser vista por el ojo, aunque puede evocar también sensaciones táctiles. Existen tres clases de texturas visuales como la decorativa, que se encarga de decorar las superficies y queda por debajo de la figura. La espontánea por su parte se encarga del proceso de creación visual. La textura y la figura no pueden ser separadas ya que las marcas de la textura son a su vez las figuras. La textura mecánica se obtiene por medios mecánicos especiales y la figura no esta subordinada a la figura.

Textura Táctil

La textura Táctil es el tipo de textura que no solo es visible al ojo sino que puede sentirse con la mano. La textura táctil se eleva sobre la superficie de un diseño bi-dimensional y se acerca a un relieve tridimensional. Hablando ampliamente, la textura táctil existe en todo tipo de superficie porque podemos sentirla. Esto supone que toda clase de papel, por suave que sea, y todo tipo de pintura y tinta, por lisa que sea, tienen sus características específicas de superficie, que pueden ser discernidas por la sensación del tacto. En el diseño bidimensional, podemos decir que una zona en blanco, o una zona lisa, sea impresa o pintada, carecen de textura visual, pero existen siempre la textura táctil del papel y la tinta o la pintura.

Contraste

Cuando percibimos una forma, ello significa que deben existir diferencias en el campo. Cuando hay diferencias, existe también contraste. Tal es la base de la percepción de la forma. El contraste es solo una especia de “comparación”, por lo cual las diferencias se hacen claras. Dos formas pueden ser similares en algunos aspectos y diferentes en los otros. Radiación:Es el caso de repetición de los módulos de un diseño y giran alrededor de un centro común. Además, puede tener el efecto de vibración óptica.

Radiación y gradación

¿Qué es el color?

El color es una experiencia sensorial visual, provocada por la luz al reflejarse en un objeto. Cada objeto absorbe una cantidad de luz, o, propiamente dicho, del espectro lumínico. Aquella luz que no es absorbida se remite o rebota, hasta llegar a nuestros ojos como un estímulo visual. Es decir, técnicamente el color “no existe”, sino que es una percepción lumínica.

Características y significado del color en el diseño gráfico

Antes de ponernos a diseñar y a trabajar con el color, vamos a repasar un poco el apartado técnico. Existen una serie de elementos que hacen que esa luz sea un color u otro. Tenemos el tono, o la cantidad de blanco (luz) o negro (ausencia de luz) que tiene un color. Aquí diferenciaremos entre colores fríos y colores cálidos, pero volveremos a ello en unos párrafos. Seguimos con la saturación, o la intensidad de un color dependiendo de la cantidad de blanco que contiene. Por último tenemos la luminosidad, que sería la cantidad de luz o claridad del color.

En diseño gráfico, diferenciamos entre colores primarios y secundarios o complementarios. Los segundos son una consecuencia directa de mezclar y combinar los primeros.

Una estructura de radiación puede ser superpuesta a una estructura de gradación o a un grupo de módulos de gradación, de la misma manera en que es superpuesta a una estructura de repetición o a un grupo de formas de repetición.

Gradación

Es un cambio gradual hecho de manera ordenada. Genera ilusión óptica y crea una sensación de progresión.

Similitud

Son las formas que se parecen pero no son idénticas. La similitud no tiene la estricta regularidad de la repetición, pero mantiene en grado considerable la sensación de regularidad.

Existe similitud de módulos y de figuras. La primera se refiere al parecido de las figuras. En la repetición sus tamaños deben ser también parecidos. Cuando la diferencia sea reducida, los módulos pueden parecer repetitivos, si esta aumenta pueden parecer figuras individuales, solamente vagamente relacionadas. La segundas están relacionadas entre sí de manera psicológica.

Retícula:Se puede definir como una plantilla, impone orden, uniformidad y coherencia, transmite estructura y una cierta mecánica, frente a algo desordenado, desestructurado o caótico.

¿En qué se diferencian el color RGB y CMYK?

El color RGB (Red, Green, Blue) es el modelo que más se parece a la manera en la que nuestra vista codifica los colores. La pantalla que estás usando ahora mismo, por ejemplo, usa un modo de color RGB (colores luz), como también cualquier diseño digital que hayas visto últimamente. Todos los colores que ves en una pantalla están formados por una mezcla de estos tres colores.

El color CMYK (Cyan, Magenta, Yellow, Black) son los colores pigmento, utilizados para impresión. Si ves una hoja impresa a todo color (que haya sido impresa en imprenta offset) verás que está llena de pequeños puntitos de colores. Por lo general, una pieza impresa en cuatricomía utiliza estos cuatro colores. Utiliza una lupa o un cuenta hilos y verás cómo la cercanía entre sí de estos minúsculos puntitos crean el efecto del color. Si te preguntas si es mejor RGB o CMYK, todo depende del uso que vayas a darle. Un modo de color RGB te permite más adaptabilidad, sin embargo el modo de color CMYK nos permite crear colores más exactos. Al final depende del formato final, si vas diseñar una pieza impresa mejor trabaja con una paleta CMYK desde el principio, y lo mismo si lo harás para un formato digital, donde el RGB es el modo de color que deberías elegir.

Color Lo que todos vemos Color

Significado de los colores

Como decíamos, el color es percepción y cada color nos produce una percepción sensorial distinta. Cuando nos decantamos por un color u otro en diseño gráfico, normalmente lo hacemos para reflejar una serie de ideales, valores o conceptos con los que queremos que nos relacionen. Ya sabemos que el gusto en diseño essubjetivo: lo que sientes y la manera en la que reaccionas al ver un color, puede ser distinta dependiendo de mucho del tono, saturación, luminosidad o incluso de circunstancias personales o tu contexto cultural. Sí que te podemos decir que, pese a ello, el significado de los colores en diseño gráfico tiene algunas propiedades clave que te ayudarán a la hora de decidir un color para tu logotipo o que lata de pintura comprar para las paredes de tu salón.

Significado de los colores cálidos

Piensa en un atardecer de película o en un bosque de acres en pleno otoño. Los colores cálidos son pasionales, llenos de energía. Aquí incluiríamos a toda la familia de rojos, naranjas y amarillos posibles. Usar colores cálidos en diseño gráfico puede aportarte esa energía y vitalidad y, por qué no, cierta positividad.

Psicología del color rojo

Es la intensidad hecha color, puro fuego. Si pensamos en rojo, transmitimos coraje, pero también amor. También nos despierta cierta atención, por eso en diseño gráfico el color rojo lo encontrarás como una advertencia, para todo aquello que quiera generarte una cierta urgencia: ¡Ahora ya sabes por qué las etiquetas de descuento usan el color rojo!

Qué transmite el color amarillo

Dicen que es el color de la alegría y la felicidad, quizás por eso el color amarillo en diseño gráfico lo solemos encontrar en productos infantiles. Aunque, si lo usamos con el color negro, quizás te recuerda a las avispas y algunos réptiles, ¿verdad? Esto nos hace alertar un peligro y ahí está la magia de los colores: combinándolos pueden significar cosas totalmente distintas.

Psicología de los colores fríos

Y de la pasión de la paleta de colores roja, amarilla y naranja, pasamos a la calma de los colores fríos. Digamos que son los colores fríos amigos más introvertidos de los colores cálidos, incluyendo los azules, morados o verdes. Los colores fríos nos invitan a relajarnos, a tomarnos las cosas con calma e incluso, en cierta medida, son colores que transmiten confianza y profesionalidad.

Significado del color azul

Azul como el cielo y azul como el mar. Siempre se ha dicho que el azul es el color de la verdad y a él le asociamos valores tales como la paciencia, la estabilidad o la paz. En ocasiones nos puede llevar a sentir tristeza, recordándonos a esos días lluviosos o la expresión inglesa feeling blue, nada casual que se asocie al color.

Al denotar inteligencia, en diseño gráfico muchas marcas optan por este color para presentar productos tecnológicos o que vayan asociados a un público profesional.

También nos recuerda a la frescura y la pureza del agua, por eso algunos productos de limpieza utilizan diseños en tonos azulados. Como un soplo de aire fresco.

Significado del color morado

Un punto intermedio entre la fuerza arrolladora del color rojo y la estabilidad del azul. El color morado es el color de la nobleza, nostalgia y la sabiduría. En diseño gráfico el color morado puede remitirnos a marcas lujosas, aunque también lo encontraremos en productos de ficción por su punto misterioso e, incluso, mágico.

Psicología del color negro

El color negro, en sí mismo, es la ausencia de luz. Esa falta de luz nos lleva a los lugares oscuros, cierta sensación de miedo, aunque en diseño gráfico el color negro también se relaciona con el lujo. Pero, como decíamos, el significado de los colores depende de muchos condicionantes: mientras en occidente el color de luto es el negro, en oriente es el blanco. Llegamos a la última parada de nuestro recorrido por el color: ya sabes qué es el color y qué significados tiene, pero… ¿sabes cómo combinar colores? Existen diferentes teorías del color que llevan siendo utilizadas desde los tiempos de los grandes maestros de la pintura. Te las contamos aquí mismo.

Psicología del color blanco

En términos lumínicos, el color blanco es la suma de todos los colores. Es por eso que el color blanco significa pureza, bondad e inocencia, e incluso cierta simplicidad. El color blanco en diseño gráfico normalmente lo encontramos en productos médicos, aunque también en las marcas tecnológicas que desean transmitir transparencia.

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Teoría del color de Newton

Es el origen de todo. La manera en la que entendemos el color como fenómeno de la luz es gracias a una serie de experimentos de Isaac Newton en el siglo XVI. No vamos a ponernos a hablar de física: ¿reconoces la famosa portada The Darkside of the moon de Pink Floyd? Se basa en este experimento: en una habitación completamente a oscuras, crea un pequeño agujero. La luz pasa por el agujero hasta un pequeño prisma, del que aparecen los colores del arcoíris: magenta, rojo, naranja, amarillo, verde, azul y violeta, siendo el primer científico en entender el fenómeno. Pero, aunque esta teoría es fundamental para entender y manejar el color, esas sensaciones que explicábamos y esas percepciones no pueden explicarse simplemente en términos físicos y numéricos. En arte, el color es sensación y Goethe dio un paso más allá en su comprensión.

Teoría del color de Goethe

Psicología del color verde

No hay un color que nos haga pensar en la naturaleza como el color verde. Tiene el poder de transmitirnos seguridad y tranquilidad: si trabajas con plantas cerca, sabrás de lo que hablamos.

El color verde es renovación y crecimiento, por eso en diseño gráfico lo encontraremos asociado a productos sanitarios o de bienestar, ya que nos hace sentir cierta estabilidad.

Aunque también lo encontraremos en productos relacionados con la ecología y el medio ambiente, el color verde es también usado en aplicaciones financieras: el verde es el color del dinero.

Aunque en el apartado científico no fue el más preciso (a Goethe no le convencía mucho eso de que en la luz estaban todos los colores) la teoría del color de Goethe nos ayudó a entender, en el siglo XIX, cómo vemos el color y cómo reaccionamos ante él. Goethe diferenció entre los colores “positivos” (rojos, amarillos), aquellos que consideraba que son fuente de optimismo, y los colores “negativos”(azules, morado), los que producen sensación de angustia.

Para entender mejor como se relacionan y combinan los colores, creó un triángulo analítico del color. Este triángulo estaba, a su vez, dividido en nueve partes. Colocó en los vértices los colores primarios: rojo, amarillo y azul. En las pequeñas partes, agrupaba los colores secundarios, resultado de unir los vértices y, a su vez, los terciarios.

El triángulo del color de Goethe se convirtió en un gran aliado artístico, siendo una herramienta fundamental para entender cómo se forman los colores en pintura y como pueden combinarse por su posición en el mismo.

El triángulo del color, además, fue el precedente de la psicología del color tal y como la entendemos hoy en día. Aunque la comunidad científica no acogió su teoría, fueron muchos los estudiosos de las artes y la filosofía que continuaron su legado, uno de ellos Turner.

Teoría del color de Turner

Turner era fan absoluto de las teorías de los colores. Le fascinaba el simbolismo del color por parte de Goethe y siguió sus enseñanzas a través de la pintura. Además, hizo su propia aportación con el círculo de Turner.

El circulo de Turner es otro diagrama que nos ayuda a entender cómo reaccionan los colores primarios en acuarela en la luz y cómo estos pueden aportar profundidad a una obra. El azul y el rojo representan las sobras, mientras que el amarillo es la propia luz. El color es algo que nos lleva fascinando desde siempre: ya sea por el propio fenómeno lumínico como por sus usos y significados. En diseño gráfico seguimos aprendiendo y aplicando estas teorías, innovando y reflexionando. Sabemos que hay mucho detrás de una pregunta tan aparentemente sencilla como “cuál es tu color favorito” por eso, más cuando hablamos de una identidad visual, es una pregunta que necesita su tiempo.

TipografíaTipografíaLa más importante del diseño

La tipografía es uno de los elementos más importantes en las estrategias de marketing actuales. Tener en cuenta el tamaño, la forma, el color, el grosor y otros aspectos relacionados con los tipos y estilos de letra es esencial para transmitir el mensaje adecuado. Por ello, la tipografía se ha convertido en toda una disciplina dentro del diseño gráfico y el marketing digital. Permite reforzar el mensaje, haciéndolo más efectivo al momento de llamar la atención del usuario. En este artículo te mostramos qué es la tipografía, para que sirve y algunos conceptos relacionados con esta disciplina. Si llegas hasta el final, podrás descubrir cuáles son las tipografías de letras más utilizadas y qué sensaciones transmiten.

¿Cómo se clasifica la tipografía?

Ahora que ya sabes qué es la tipografía y cual su importancia para el diseño y la publicidad, es momento de hablar las diferentes fuentes que existen.

La lista de estilos tipográficos es amplia, por lo que señalar cada uno de ellos nos puede llevar años de entradas en el blog. No obstante, a continuación, te mostramos algunas de las clasificaciones tipográficas más importantes y las que son más populares en el mundo del diseño.

Esta tipografía de letra o número se distingue por tener un detalle al final del trazo conocido como serifa.

¿Qué es la tipografía en el diseño gráfico?

La definición de tipografía es el estudio e implementación de los diferentes tipos de fuentes de letras, símbolos y números con la intención de comunicar de forma adecuada un determinado mensaje.

Se trata de una herramienta muy importante en el diseño, puesto que se ha demostrado que los diferentes tipos de tipografía transmiten distintas sensaciones. De esta forma el diseño de las letras que se utilicen tiene la cualidad de comunicar ideas e informaciones por sí solos, conjuntamente con el contenido del mensaje que se proyecta.

De ahí que esta disciplina se haya convertido en un recurso sumamente útil para las marcas y otras entidades que necesitan publicidad.

¿Qué es y para qué sirve la tipografía?

Muchos se preguntan para qué sirve la tipografía cuando se tiene un mensaje que ya de por sí es atractivo. Sin embargo, si se transmite con un tipo de letra que no es adecuada para la imagen de la marca o no refuerza lo que se está contando, ese mensaje no tendrá ninguna efectividad sobre la audiencia objetivo.

De esta forma, conocer en profundidad todas las posibilidades que brinda el diseño tipográfico es esencial para ganarte la atención del usuario y generar emociones.

A continuación, te contamos algunas de los beneficios de la tipografía como herramienta básica del marketing digital.

Transmite diferentes tipos de sensaciones.

Permite la diferenciación y la construcción de una identidad de marca.

Contribuye a reforzar el mensaje que se transmite.

Ayuda al usuario a leer determinados textos de forma fácil y rápida.

Generalmente se utilizan en textos largos en formato impreso puesto que aumenta su grado de legibilidad. Suelen emplearse en proyectos tradicionales con un estilo convencional y serio. Todo ello debido a que transmiten formalidad, elegancia y autoridad, siendo las más utilizadas en el sector Moda.

Dentro de esta clasificación, las familias tipográficas más conocidos son: Times New Roman, Courier y Garamound.

Estas tipografías se destacan por la ausencia de serifas

o remates. Es el tipo de letra más utilizada en el medio digital puesto que son más legibles en dispositivos electrónicos como la PC, el teléfono móvil o Tablet. Los estilos que se encuentra dentro del grupo sans serif son considerados más modernos y creativos. Trasmiten dinamismo, fuerzas, seguridad, confianza, entre otras sensaciones similares.

Los ejemplos de tipografía más utilizados son Arial, Helvética y Frutiger.

Tipografías de visualización

Dentro de este grupo se concentran numerosos estilos y familias tipográficas que utilizan diferentes recursos para destacar. La negrita, la mayúscula o las conocidas como fuentes de lujo son las más utilizadas en el marketing digital.

Este tipo de fuentes tipográficas se utilizan en textos cortos como encabezados y títulos.

Otras clasificaciones tipográficas

Existen otras clasificaciones dentro del mundo de la tipografía como pueden ser: romanas, modernas, transición, egipcias, decorativas, góticas, manuscritas, caligráficas, entre otras. Si es de vuestro interés extenderé ésta información en otro post.

Consejos para elegir la tipografía adecuada

Luego de analizar todos estos conceptos tipográficos y comprender qué es la tipografía, ya estás listo(a) para elegir con criterio un estilo de letra u otro para transmitir un determinado mensaje.

Pero, si te preguntas cómo hacer una tipografía desde cero, te comentamos que esto es posible. Puedes construir tu propia fuente mediante diferentes softwares que te permiten crear estilos de letra personalizados, aunque son muchas las tipografías ya creadas entre las que probablemente encuentres opciones adecuadas para lo que tienes en mente.

Los diseñadores recomiendan que al momento de elegir un estilo de letra es mejor optar por la coherencia. Por ello, los expertos señalan que solo se deben utilizar una o dos fuentes por proyecto y estas deben ser complementarias.

Para darle mayor dinamismo, te recomiendo utilizar variantes de una misma fuente, aquellas que pertenecen a una misma familia tipográfica, utilizando recursos como las negritas «Bold», la cursiva «Itálica» o la mayúscula.

Partes de la tipografía

Para crear una composición tipográfica es preciso tener en cuenta los diferentes elementos que la conforman con el objetivo de otorgarle fuerza al mensaje. En este sentido el tamaño, el grosor, la inclinación, el color tipográfico, la jerarquía, el espaciado y el interlineado son algunos de los aspectos más importantes de la tipografía.

Por ejemplo, las palabras que se muestren en tamaño grande son las primeras que llamarán la atención del lector. Por su parte, las negritas permiten reforzar determinadas palabras claves.

Todos estos elementos inciden en la jerarquía del contenido para hacer que el usuario lea primero un texto y luego otro, según las intenciones del tipógrafo o diseñador gráfico.

En repetidas ocasiones hemos hablado sobre la importancia del marketing de contenidos. De igual manera, el por qué producir contenido sólido de forma constante aporta a una estrategia de marketing ideal. Dicho esto, sabemos que puede ser más fácil decirlo que hacerlo. Administrar la organización de contenidos puede ser complicado y abrumador. Especialmente, si utilizas varias plataformas, blogs o redes sociales al mismo tiempo. Veamos algunos tips esenciales para ayudarte en este aspecto.

¿Qué son los contenidos?

En estos días, no puedes hacer un clic del mouse sin tropezar con contenidos digitales. También conocidos como medios digitales, los contenidos vienen en muchas formas. Desde archivos de texto y audiovisuales, hasta animaciones e imágenes. Vamos a profundizar a continuación en la organización de contenidos.

¿Qué es la organización de contenidos?

Como puedes inferir, la organización de contenidos es el ejercicio de saber quién está creando tus contenidos, dónde se van a publicar y cuándo saldrán a la luz. Igualmente, es la mejor forma de administrar dónde están alojados y los temas que lo componen, estructurando toda la data bajo temas y subtemas. 8 tips para lograr una organización de contenidos en tu estrategia digital Estas son algunas formas destacadas en las que los especialistas organizan su contenido en línea:

Organiza ción Organización de contenido

2. Agrupación

Las etiquetas son palabras clave y frases asociadas con cada contenido. Para una sola pieza de redacción digital o video, permite que la audiencia comprenda rápidamente los conceptos importantes mencionados durante su desarrollo. En conjunto, proporcionan una forma poderosa de detectar tendencias recientes al destacar las etiquetas más populares.

Realizar la organización de contenidos relacionados tiene dos propósitos. Primero, ayuda a reducir el desorden de la pantalla al reunir contenido similar. En segundo lugar, la agrupación permite a los lectores encontrar rápidamente diferentes perspectivas sobre el mismo tema. Un ejemplo de contenido bien organizado que aprovecha la agrupación lo puedes encontrar ingresando a Google News.

3. Recomendaciones

4.Navegaciónpor facetas

Una excelente manera de lograr que las personas consuman contenido adicional es ofrecer recomendaciones basadas en sus patrones de consumo de contenido anteriores. Actualmente puedes instalar en tu blog un plugin que realice esta labor al tiempo que ofrece recomendaciones personalizadas a cada usuario.

Proporcionar una navegación por facetas permite a los lectores desglosar rápidamente sólo el contenido en el que están interesados. De esta manera la organización de contenidos se agrupa por palabras clave. Como consecuencia, el simple hecho de hacer clic en uno de estos nombres te lleva a más contenido sobre ese mismo tema.

5. Páginastemáticas

Posicionamiento SEO

Las personas comprenden cada vez más la importancia del marketing de contenidos. No obstante, a menudodescuidan su contenido a favor del SEO o descuidan el SEO en favor del contenido. La creación de contenido bajo una estrategia clara de posicionamiento SEO significa lanzar material que está escrito para las personas y, al mismo tiempo, optimizado para los buscadores como Google.

Interlinking

El Interlinking permite proporcionar grupos de contenido para los algoritmos de búsqueda. En ellos se indican el contexto y la jerarquía, lo que le ahorra algo de esfuerzo a Google. A cambio, distribuye la autoridad de la página en todas las páginas o contenidos interconectados.

La clave es vincular la mayor parte del contenido relacionado en tu sitio web que ya existe y luego armar una estrategia de contenido que te permitirá vincular páginas continuamente. De esta manera estás usando todo el poder que tiene tu contenido organizado a tu favor.

Calendarios editoriales

Un calendario editorial se puede definir como un plan cohesivo que describe el estado del contenido en diferentes canales. Como tal, se debe crear planificando el contenido en sprints trimestrales. De esta manera podrás adaptar los temas a los cambios en tiempo real en la industria y en tiempo real.

Parrillas de contenido

7. Contenido destacado

Por nombrar solo algunos ejemplos, sitios como Quora o Pinterest se basan en páginas temáticas. Con las páginas que realizan una organización de contenidos en temas, los lectores encuentran todo en una sola página. Además, las páginas de temas son excelentes para la optimización de long tail keywords en motores de búsqueda.

6. Mapasde temas

Una forma divertida de organizar visualmente tu contenido es a través de esta forma visual y práctica. Esta es una manera de generar mapas mentales donde un nodo o tema central te lleva al siguiente, conectados en una especie de telaraña. También es una excelente manera de generar engagement con tu público objetivo.

8. Resumen semanal

Algunos blogs conservan la opción de destacar un fragmento del contenido. Usualmente esta opción se encuentra en la parte inferior, junto con los íconos para compartir y etiquetar. Cuando haces clic en la estrella, esa parte del contenido se mueve al primer lugar en la página de tu web y permanece allí hasta que la deseleccionas.

Son publicaciones que recopilan recursos útiles de toda la web sobre un tema determinado en un listado actualizado por fecha. De esta manera puedes hacer un breve resumen semanal destacado con enlaces a entradas nuevas o temas destacados que quieres impulsar.

Puntos clave en tu estrategia de contenido

Una estrategia de contenido define los objetivos que debe cumplir tu contenido, cómo los logrará y cómo se medirá su éxito. También debes identificar dónde centrar tus esfuerzos y cómo funcionará todo tu contenido en plataformas y canales. El aspecto de esta estrategia será diferente para cada administrador de contenido, sin embargo, existen algunos puntos en común que te permiten optimizar la entrega.

Una parrilla bien establecida, estará en la capacidad de analizar las tres etapas del embudo de marketing. Acto seguido, podrá relacionar los tipos de contenido enfocando sus objetivos en tus clientes potenciales. Más que todo es una herramienta que requiere esencialmente que comprendas quién es tu audiencia. Solo de esta manera podrá facilitar la creación y organización de contenidos.

Para finalizar, ahora sabes que tu contenido es la base de tu estrategia de marketing digital. Sin él, tendrás dificultades para atraer la atención que necesitas para recopilar clientes potenciales y convertirlos en clientes de pago. Sin embargo, cuando creas excelentes piezas de contenido, y aprendes más sobre la organización de contenidos, aumentas las probabilidades de éxito en tus esfuerzos de marketing digital.

La imagen está lista para ser imprimida; en la pantalla parece nítida y definida; pero, una vez impresa en el material escogido, obtenemos un producto pixelado y de baja calidad que estropea nuestro proyecto. ¿Qué ha pasado? En estos casos, comprender el significado del término resolución y sus conlleva en lo relativo a la impresión es esencial para evitar gastar dinero en resultados deficientes.

ResoluciónResolución de imágenes

Por resolución se entiende el número de píxeles que contiene una imagen. Generalmente se indica en ppi (pixels per inch, o píxeles por pulgada —ppp—), unidad que indica el número de píxeles que contiene una pulgada (1 pulgada = 25,4 mm). Cuanto mayor sea el número de píxeles por pulgada, más información contendrá y, por tanto, más detallada y nítida se verá la imagen. Cuando hay pocos píxeles por pulgada, la imagen se muestra como una cuadrícula en la que los píxeles son visibles.

La misma imagen en versión de 300 ppi con sus correspondientes secciones ampliadas

No obstante, fuera de contexto, los ppi de una imagen no significan mucho: es necesario relacionar este valor con otros parámetros para tener una comprensión completa y para poder imprimir con un buen grado de seguridad.

La misma imagen en versión de 72 ppi, con sus correspondientes secciones ampliadas.

Parámetros a tener en cuenta Anchura y longitud de la imagen

El número de ppi siempre está relacionado con los parámetros de anchura y longitud de la imagen de referencia, que se expresan en píxeles (término obtenido de la contracción de «picture elements»).

A menos que se someta la imagen a un remuestreo (operación de la que hablaremos más adelante), la proporción entre las dimensiones de la imagen y su resolución será constante. Por ejemplo, una imagen de 2000 x 1000 px a 72 ppi es equivalente en cantidad de información y calidad a su versión de 480 x 240 px a 300 ppi. Hay que tener en cuenta que el píxel es una unidad de medida digital, no física, es decir, no corresponde a una dimensión expresada en mm, o cm, sino que es una unidad mínima que depende del tipo de pantalla que se utilice.

Tamaño del archivo

La resolución y las dimensiones en píxeles de una imagen determinan la dimensión del archivo, expresada en kilobytes (KB), megabytes (MB) o gigabytes (GB), que indica el espacio que la imagen ocupará en el disco. Cuanto mayor sea el número de píxeles de una imagen, más detallada y nítida se verá al imprimirla en una determinada dimensión. Al mismo tiempo, aumentando el número de píxeles, también aumentarán las dimensiones del archivo y, por ende, el espacio que ocupará en el disco y requerirá más tiempo de elaboración e impresión.

Resolución de la pantalla

La propia pantalla en la que vemos las imágenes también tiene una determinada resolución, que se expresa en píxeles. Generalmente, cuanto mayor sea la pantalla, mayor será la resolución. Al igual que sucede con las imágenes, las pantallas tienen un número limitado de píxeles por pulgada (ppi), habitualmente 72, pero que puede ser mucho más alto en pantallas de última generación. Si la resolución de una imagen (pongamos por caso 1024 x 768) es exactamente la misma que la de la pantalla, la imagen se visualizará al 100 %. Si también los ppi fuesen exactamente los mismos, la imagen se verá nítida; pero, al ampliarla con el zoom, empezará a perder detalles.

Para preparar las imágenes pensadas para visualizarlas en pantalla, hay que tener en cuenta las dimensiones finales de la imagen y los ppi de las pantallas en las que se visualizarán. Con frecuencia, para preparar las imágenes para páginas web, resulta muy útil utilizar un formato de comprensión (como jpg) para evitar que la imagen ocupe demasiado espacio (y que, por tanto, tarde mucho en cargarse), pero conservando las dimensiones en píxeles de la imagen y manteniendo un buen control de la calidad.

Resolución de la impresora

Para indicar la resolución de una impresora no se utilizan los ppi (el píxel como unidad solo tiene sentido en pantalla), sino los dpi (dots per inch, o puntos de tinta por pulgada).

En líneas generales, cuanto mayor sea este valor, mayor será el grado de detalle de las impresiones que produzca.

ppi frente a dpi

Por todo esto, los ppi y dpi —la resolución en pantalla y la resolución de la impresora— son dos valores distintos pero en cualquier caso relacionados entre sí. El estándar para una impresión de calidad es 300 ppi. Con una impresora de chorro de tinta se pueden obtener buenos resultados incluso a 220 dpi, pero mejor no bajar nunca de los 150 ppi, ya que por debajo de este valor los píxeles saltarán a la vista y lo que en pantalla parecía una imagen nítida en papel se verá como una imagen borrosa —si no incluso pixelada—.

En función del tipo de material en el que se vaya a imprimir, también variará la resolución necesaria para obtener una imagen nítida. Sobre un papel estucado brillante, las imperfecciones serán mucho más evidentes que sobre un lienzo, por ejemplo. Por tanto, el primer tipo de papel será mucho más intransigente con la resolución que el segundo.

¿Qué se entiende exactamente por resolución de una imagen?

Formatos para la compresión de imágenes (bmp,

tiff, jpg)

La compresión entra en juego para mantener una buena calidad de la imagen pero evitando que esta ocupe demasiado espacio. Existen formatos, como tiff y bmp, que no emplean la compresión y que conservan todos los píxeles que tenía una determinada imagen. Estos formatos son ideales si la prioridad es la calidad de la imagen, aunque ello suponga que ocupe más espacio. Si, por el contrario, queremos reducir la dimensión del archivo, podemos optar por utilizar un formato de compresión como jpg, que permite determinar además cuánto se desea comprimirla. El método de compresión jpg analiza la imagen por bloques de píxeles y, dentro de cada bloque, reduce el número de píxeles. En función del objeto y de la cantidad de detalles y colores contenidos en una imagen, la compresión será más o menos eficaz.

La compresión como jpg conserva las dimensiones físicas de una imagen y reduce el espacio que esta ocupa en el disco, pero debe hacerse con cuidado, teniendo en cuenta el uso final que se pretenda dar a la imagen, ya que sacrificará la calidad y nitidez de la imagen. La misma imagen, con igual resolución (150 dpi) y dimensiones (259 x 295 px), pero distintos factores de compresión como jpg. A pesar de que el número de píxeles es igual, en la imagen de la derecha se ve claramente la cuadrícula usada para la compresión.

¿Qué hacer para mejorar la resolución de una imagen?

¿Qué podemos hacer cuando la resolución de la imagen que queremos imprimir es demasiado baja para la dimensión prestablecida? La respuesta corta es que, por desgracia, no hay nada que hacer. No hay nada que parezca más chapucero y obra de un aficionado que una imagen impresa a baja resolución y pixelada. Seguramente, lo mejor será hacerla más pequeña hasta que alcance una resolución adecuada para poder imprimirla.

No obstante, si de todas formas necesitamos usar la imagen en una dimensión específica a pesar de su baja resolución, hay algunas pequeñas operaciones que nos pueden ayudar a obtener un resultado mejor. No son trucos que vayan a resolver el problema, sino maneras de minimizar los daños.

1.Remuestreo de la imagen.

El remuestreo puede llevarse a cabo con Photoshop y consiste en modificar la cantidad de píxeles contenidos en una imagen. Puede utilizarse para reducir la resolución de una imagen, con el fin de que ocupe menos espacio en el disco; pero también, para aumentar la resolución. Aparentemente, es una estratagema perfecta para sortear los problemas debidos a la resolución; pero, en realidad, esta operación no genera nuevos detalles en la imagen ni le añade nitidez. Lo que hace el programa es generar nuevos píxeles a partir de los ya existentes, «adivinando» qué color deberán adoptar. Esta operación puede ser útil para evitar que la cuadrícula de píxeles sea muy evidente, pero la imagen seguirá estando pixelada. Puede ser útil añadir un poco de ruido en la fase de postproducción; pero, en general, es mejor no abusar de este procedimiento y hacer pruebas para ver si realmente aporta alguna mejora.

La misma imagen, en versión de 216 x 147 px y 72 ppi (arriba), y 1500 x 1021 px y 300 ppi, tras haberla remuestreado (abajo), con sus correspondientes secciones ampliadas. Tal como puede verse en la sección ampliada, la imagen remuestreada no presenta un mayor grado de detalle, sino solo un mayor número de píxeles.

2.La trama de medios tonos.

Otra opción es mantener el objeto de la imagen, pero aplicarle un tratamiento especial para evitar el aspecto pixelado o «cuadriculado». La trama de medios tonos es un tratamiento que puede llevarse a cabo con Photoshop y que consiste en dividir el original en pequeñas zonas de impresión, de un único color. Evidentemente, no es una opción válida para todo tipo de imágenes y fotos, pero puede ser muy útil para imágenes en blanco y negro.

La misma imagen habiéndole aplicado una trama de medios tonos (abajo).

3.Imprimir y escanear la imagen.

Un último intento que vale la pena probar es imprimir la imagen en una dimensión con buena resolución y, después, hacer una escaneo a alta resolución de la impresión, para utilizarla en una dimensión mayor.

Aumentando la imagen escaneada se verán los puntos de tinta y, aunque esto no sea ideal, en muchos casos será mejor que la cuadrícula de píxeles. Por desgracia, cuando la resolución de una imagen es demasiado baja, no hay demasiados trucos que se puedan utilizar. Lo importante es comprender cómo funciona la resolución y cómo influye en las imágenes impresas. En muchos casos, podrá ser evidente que cambiar de imagen y escoger otra en una dimensión y resolución adecuadas es un paso clave para una impresión profesional y eficaz.

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Bauhaus y Bauhaus y el diseño

Una apertura al modernismo

DAS STAATLICHE BAUHAUS (“Casa de la Construcción” en alemán) o Bauhaus fue fundada por Walter Gropius y funcionó en Alemania en menos de 15 años, de 1919 a 1933, pero se ha convertido en el símbolo más icónico del modernismo, creando una fuerte influencia casi en muchas áreas del arte, la cultura y la sociedad del siglo XX, especialmente en el diseño de productos industriales modernos, el diseño de muebles, la arquitectura, la pintura, el tejido y mucho más. En la búsqueda artística del sentido de las formas, la belleza de los colores y su interpretación en la vida moderna, inducida por las máquinas, la Bauhaus no se detuvo al final de la existencia física de la escuela en Berlín, sino que se ha estudiado y aplicado continuamente en todo el mundo, en todos los campos de las artes. Comenzó como una iniciativa patrocinada por el Estado para integrar al artista y al artesano con la intención de salvar la brecha entre el arte y la industria.

La misión declarada por los primeros miembros fundadores era proporcionar un diseño nuevo, asequible, sencillo y utilitario que pudiera ser universal, accesible a todo tipo de personas y en cualquier ámbito.

“El objetivo último de toda actividad artística visual es la construcción.”

Walter Gropius

Se consideró un paso radical desde las épocas del Art Nouveau y el Art Déco, con decoraciones muy elaboradas, hacia el Modernismo y la vida moderna, con sus famosas formas aerodinámicas y simétricas, sin excesivos adornos. Es importante destacar que fue una de las primeras escuelas de arte/diseño que abrió sus puertas a las mujeres, aunque de forma limitada: las mujeres sólo podían entrar en el taller de tejido.

La Bauhaus recibió una fuerte influencia del constructivismo (una filosofía artística y arquitectónica originada en Rusia alrededor

Evolución de la escuela

La ubicación física cambia periódicamente:

De 1919 a 1925: Weimar

De 1925 a 1932: Dessau

De 1932 a 1933: Berlín

En 1933, la escuela fue cerrada por decisión del consejo de administración bajo la presión del régimen nazi por tener el “enfoque comunista” en su funcionamiento y métodos de enseñanza. A esto se suma el cambio de liderazgo: Walter Gropius de 1919 a 1928

Hannes Meyer de 1928 a 1930

Ludwig Mies van der Rohe desde 1930 hasta 1933

Este entorno en constante cambio, tanto físico como metodológico, dio lugar a grandes transformaciones de enfoque, técnicas, instructores y políticas.

Diseños Bauhaus

El diseño de la Bauhaus a veces también se denomina Estilo Internacional, pero hay una diferencia entre ambos, aunque ambos comparten principios y objetivos muy similares al haber sido introducidos y practicados por las mismas personas, como Walter Gropius y Mies van der Rohe. El estilo Bauhaus puede considerarse el precedente que condujo a la proliferación del Estilo Internacional después de la segunda guerra mundial en Norteamérica y en todo el mundo. Aunque podría decirse que la Bauhaus se concentró sobre todo en el aspecto del diseño, el Estilo Internacional se refiere casi siempre específicamente como un término arquitectónico.

Principios

La Bauhaus trató de combinar el arte, la artesanía y la tecnología para alcanzar un objetivo común y una visión común de una forma más pura de diseño sin decoración innecesaria. Sus principios de diseño se apoyaban en tres pilares: practicidad, funcionalidad y limpieza. Los objetivos reinantes eran la unidad de forma y función, la idea de que el diseño está al servicio de la comunidad y la creencia en la perfección y la eficacia de la geometría. Su objetivo principal era un concepto radical: reimaginar el mundo material para reflejar la unidad de todas las artes. A diferencia de la mayoría de las escuelas de arte/diseño, BAUHAUS consideraba que el diseño y la producción eran igual de importantes: los diseños para la producción en masa eran sencillos, racionales y accesibles para todas las personas.

Regla nº 1: La forma sigue a la función - Cada elemento del diseño debía tener su función y uso práctico.

Regla nº 2: Importancia visual de la tipografía - Los profesores de la Bauhaus pronto se dieron cuenta del papel esencial de los tipos en la comunicación visual efectiva.

Regla nº 3: Geometría: la geometría estricta y las formas rectilíneas presiden para maximizar el uso del espacio y los materiales

Regla nº 4: Colores - El estudio de los colores en la Bauhaus estaba incluido en el plan de estudios oficial. A menudo volvían a los colores más básicos y monocromáticos con rojos, amarillos y azules.

de 1919, que rechazaba la idea del arte autodirigido) y abogaba por hacer arte por el bien de la comunidad, considerando el arte como una práctica con fines sociales. También se consideraba la combinación del movimiento Arts and Crafts con una visión moderna.

FotografíaFotografíaPlasmando el presente

A lo largo del tiempo la fotografía nos ha acompañado para expresar y conectar con otros, permitiendo trascender cualquier origen, idioma o cultura. Vale la pena preguntarnos ¿Cuál es el valor de una fotografía hoy en día? Hace muchos años tomar una foto implicaba todo un proceso, una fotografía requería de una buena razón, una justificación para que fuera memorable. No lo hacía cualquiera y eran selectas las personas que se retrataban o tomaban alguna fotografía, por lo que sacar una foto era todo un acontecimiento especial. En el presente los innovadores avances tecnológicos nos permiten realizar e interactuar con las fotografías cotidianamente, sin miedo de llegar a un límite, ahora todos somos parte de un universo frenético lleno de instantes. En el presente artículo indagaremos sobre la definición, etimología, importancia y características de este fascinante y apasionante arte visual con el que puedas empezar a introducirte como fotógrafo profesional.

Etimología de la fotografía

La palabra fotografía se deriva de los términos de origen griego: phos (luz) y grafis (escritura), lo cual significa escribir o dibujar con luz.

¿Qué es la fotografía?

La fotografía es una técnica que forma parte del arte visual. Consiste en capturar imágenes perdurables utilizando como medio principal la luz, la cual entra al cuerpo de la cámara a través del lente u objetivo a fin de ser proyectada sobre medios fotosensibles (físicos o digitales). En realidad existen diversas perspectivas para entender qué es la fotografía, claramente la fotografía va más allá de capturar un momento de manera profesional o de manera aficionada. El fotógrafo le brinda importancia y valor a su trabajo desde que decide controlar su iluminación, elegir una temática, revisar sus encuadres así como sus ángulos, entre diferentes componentes elocuentes de la fotografía.

Y una de las cosas más relevantes es saber qué se desea comunicar, mientras se tenga claro lo que se busca transmitir, el resultado final de la fotografía perdurará en los espectadores, dejando de ser algo inefable para ser memorable.

Origen de la fotografía

Desde el comienzo de los tiempos, el ser humano se ha interesado por representar y manifestarse visualmente transmitiendo un mensaje o información, sin embargo, tuvimos la exigencia de mejorar y experimentar para ser más eficientes al momento de comunicarnos.

La facultad de capturar imágenes ha sido un largo recorrido dónde decenas de inventores, innovaciones y sucesos han contribuido para que actualmente tomar una fotografía parezca de lo más común.

La fotografía paso por un gran periodo de aceptación para que fuera como lo es hoy en día, ya que no era considerada como un arte, creían que no exponía nada de valor, ya que para representar la realidad preferían el arte de la pintura. En cambio, durante el siglo XX se desarrollaron tendencias novedosas que influyeron y le abrieron campo al arte fotográfico para demostrar su potencial, convirtiéndose en una herramienta de expresión imprescindible de nuestra era.

Fotografía e imagen

En primer lugar, la palabra «imagen» proviene del griego eikon, que se refiere a la representación visual ya que posee cierta semejanza con el objeto al que representa. Así que la imagen es la representación visual de la apariencia de un objeto real o imaginario.

Hay que destacar que la fotografía es la técnica que nos permite obtener imágenes fijas de la realidad, como se pueden apreciar en ambas las connotaciones son parecidas pero las definiciones son totalmente diferentes a pesar de ser aplicadas de forma común para ambos casos.

Composición fotográfica

Lo más importante antes de realizar una buena fotografía es pensar en nuestra composición, ya que permitirá dar orden a nuestros elementos para que exista un equilibrio en nuestra imagen. Además, la composición fotográfica te permite tomar el control de lo que quieres mostrar en una fotografía. Para empezar debemos tener claro cuál será nuestro punto de interés, ya que es un elemento que permite guiar al ojo humano a través de la fotografía, para que nuestro receptor pueda interpretar correctamente nuestra imagen. El centro de interés debe ser lo más interesante posible, y es factible que tenga un gran espacio en el encuadre, además de que se vea lo más nítido posible, asimismo contar con una buena iluminación.

Otro elemento clave es el uso del color, es muy importante ya que los colores pueden generar diferentes tipos de emociones, aquí es notable hacer un buen uso y aprovechar el balance de blancos para que puedas modificar los tonos a tu preferencia, puedes experimentar entre los colores fríos y los cálidos.

Por ejemplo, se puede transmitir tranquilidad, equilibrio, calma con tonalidades azules, violetas o blancos. Por el contrario, las tonalidades cálidas como lo son los rojos, naranjas, amarillos o magenta, provocan una sensación de energía y dinamismo.

De modo similar el tono provoca emociones, puesto que es el nivel de intensidad del color en una fotografía, por ejemplo, una imagen con demasiadas sombras u oscura evocará misterio o soledad y una más clara se verá con más euforia e inspiración.

Por otra parte, el uso de líneas sirve como herramienta para crear un orden de lectura y dirigir la mirada de nuestros espectadores a un sitio de interés. Podremos encontrar una variedad diferente del uso de las líneas, como las líneas horizontales que demuestran dinamismo o las líneas verticales con las que podemos demostrar solides, así como la regla de tercios para colocar entre dos o más intersecciones nuestro punto de interés para que sobre salga.

También la textura es un elemento indispensable, le brinda una información extra a las fotografías ya que todo lo que fotografiamos tiene su propia textura y brinda una sensación tridimensional. Lo que realmente es importante, es tu capacidad de interpretar, construir y materializar tus ideas para transmitir lo que tú quieras.

¿Cuál es la importancia de la fotografía?

Las fotografías son una herramienta de comunicación social que tienen un gran poder y significado, todo registro fotográfico es una muestra de lo que es o era el mundo, una persona, un lugar, un acontecimiento, un momento; por tanto, es una herramienta social y una de las formas más efectivas para comunicar.

Nos permite crecer y merar en varios sectores sociales como: medios informativos, temas científicos, políticos, económicos, así como en viajes, retratos, paisajes, ventas y hasta las selfies de hoy en día.

¿Qué es la fotografía en la actualidad?

La fotografía ha marcado un antes y un después significativamente, ha evolucionado de forma sumamente rápida desde sus inicios con el invento del francés Louis Daguerre con el Daguerrotipo en 1839. Así el mundo fotográfico trajo consigo las cámaras digitales, las cuales nos permiten descargar directamente fotografías digitales.

Estamos acostumbrados por los dispositivos electrónicos a pasar de una historia a otra, debido a la inmediatez, sin embargo, la fotografía es una herramienta capaz de transformar nuestras vidas.

Al ver muchas fotografías de gran impacto cotidianamente, se llega a perder la sensibilidad de apreciar y entender sus mensajes. Pero, cada fotografía puede significar el comienzo de una gran posibilidad, para generar un impacto social.

Se debe tener en cuenta que la fotografía no es una cuestión de azar, a través de la fotografía nos estamos expresando, mostramos nuestra esencia, capturando parte de nuestra personalidad. Hoy en día debido al privilegio y al rápido acceso a una cámara, fotografiamos todo, pero ¿realmente somos conscientes de la proyección de nosotros mismos que tienen nuestras fotografías?

Tipos de fotografía

Es importante hacer hincapié en las distintas especialidades y subespecialidades que se pueden realizar en el arte fotográfico.

Fotografía Científica

Es capturada a través de telescopios, microscopios y otros implementos, para mostrar lo que comúnmente no se puede observar a simple vista. Es aplicada por diversas disciplinas, principalmente en la astronomía, la biología y la medicina.

Fotografía Publicitaria

Se aprovecha para la publicidad o difusión de servicios o productos de cualquier carácter. Fotografía de Moda. Se basa y acompaña a los desfiles y otros eventos de moda, haciendo hincapié en las prendas de vestir y lucir las tendencias.

Fotografía Documental

Se realiza con fines informativos, es decir, es testimonial. Nace de la práctica de observar fotográficamente al mundo, basada en temas políticos, sociales, observación de la realidad, etc.

Fotografía Paisajística

Consiste en mostrar la naturaleza en su máximo esplendor, tanto de flora como fauna, y se requiere de un gran conocimiento en diferentes técnicas ya que es una disciplina muy amplia.

Autorretrato Fotográfico

Implica la producción de una imagen cuyo sujeto es el propio ejecutante que realiza la fotografía.

Fotografía Callejera

Consiste en capturar la realidad de forma espontánea, directa en lugares públicos.

Fotografía de Producto

Aquí es posible fotografiar cualquier tipo de elementos: comida, botellas, ropa, joyería, perfumes, muebles, dispositivos electrónicos o hasta platos de cocina, etc.

Fotografía Macro

La fotografía macro trata de mostrar un sujeto más grande de lo que es en la vida real: un primer plano extremo de algo pequeño.

Fotografía Nocturna

La fotografía nocturna es la actividad de capturar fotos al aire libre durante la noche, entre el ocaso y el alba.

Fotografía Deportiva

Se basa en capturar los momentos más importantes de un evento deportivo. Debido a que los deportistas están en constante movimiento.

Fotografía de Arquitectura

Se encarga de hacer tomas de los exteriores o interiores de edificios, de su estructura y de su acondicionamiento.

Retrato Fotográfico

La fotografía de retrato consiste en capturar la esencia del rostro de una persona, sus facciones y los detalles más característicos de sus expresiones.

Objetivos fotográficos

No olvidemos lo relevante que son los objetivos fotográficos, todas las cámaras cuentan con uno, los cuales pueden ser intercambiables o fijos, los objetivos nos permiten modificar las perspectivas de las cosas para cambiar la manera en que las vemos, permitiéndonos trabajar con diferentes ángulos de visión.

A menor distancia focal = mayor ángulo de visión = mayor profundidad de campo.

Algunos objetivos más usados son:

Cortos o normales

Tienen una distancia focal desde los 35 mm a los 60 mm y producen un efecto bastante similar al del ojo humano, con un ángulo de visión entre 43° y 56°, lo que produce perspectiva sin distorsión.

Grandes angulares

Abarcan una distancia focal corta, de menos de50 mm, obteniendo un ángulo de visión amplio (entre los 60° y 180°). Por esto, suelen ser más requeridos para la fotografía de paisajes.

Teleobjetivos

La distancia focal es mayor, sobre los 135 mm. Esto permite fotografiar sujetos u objetos a distancia.

Ojo de pez

Tiene una distancia focal de entre 8 mm a 17 mm, permite que posean un ángulo de visión incluso mayor a los 180°, por lo que se observa una distorsión que se aprecia en un efecto óptico de curvatura en la imagen.

Macro

Se utilizan para hacer macrofotografía, es decir, para tomar fotografías de calidad a objetos a muy corta distancia.

Finalmente hay un mundo para capturar este arte, todo el mundo tendrá ideas preconcebidas, debes buscar más profundamente y ser creativo. No todas las fotos que realices se volverán icónicas o trascenderán a la historia, pero es importante entender, sobre todo cuando eres apasionado por la fotografía que todas y cada una de las fotos que haces son importantes, porque para los protagonistas de esas imágenes, sus historias son importantes.

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Diseño 3D Diseño 3D

El diseño 3D es el conjunto de técnicas que nos sirven para proyectar en tres dimensiones. Sería el primer paso para idear los objetos, construcciones y piezas tridimensionales antes de modelarlas o construirlas. El diseño 3D no exclusivo pero si directamente relacionado con el diseño asistido por computadora. Sin embargo, antes de la aparición de los computadores, los diseñadores industriales, arquitectos e ingenieros necesitaron proyectar sus diseños, para esto además de los planos técnicos y el manejo de la geometría descriptiva, que muchas veces requería de maquetas o modelos a escala, indispensables en la arquitectura, por ejemplo.

Más con la aparición de los gráficos asistidos por computadora, el término diseño 3D, pasó a ser casi que de uso exclusivo de el lenguaje de los computadores, Autocad, ha sido el programa ícono de diseño 3D, pues si en sus previas versiones se proyectaba desde los planos técnicos, fué abriendo poco a poco la posibilidad de un entorno 3D y permitió visualizar los proyectos ideados desde el papel en entornos 3D. Este hecho cambió las normas del juego ocasionando que empezara una nueva disciplina y campo profesional, el de los modeladores y diseñadores 3D.

Técnica única

Hoy en día son innumerables las disciplinas profesiones que requieren de la ténica del diseño 3D, entre ellas: la arquitectura, la ingeniería, el diseño industrial, la animación 3d, la geometría descriptiva y el diseño gráfico, entre otras, incluso las artes plásticas se aproximan a la tridimensión de varias maneras. El diseño 3D es indispensable para las máquinas que operan en lenguajes CAD-CAM, por ejemplo en mecanizado automático, y corte láser. En estos procesos las piezas a maquinar deberán ser diseñadas con antelación y programadas para que el robot de mecanizado las interprete apropiadamente y con sumo detalle. Lo mismo ocurre con las impresoras 3D, las piezas deberá ser diseñadas en 3D y luego incorporadas el brazo de impresión a través de un software desarrollado exclusivamente para este propósito.

En el campo de la ingeniería, el diseño 3d es con frecuencia usado para generar simulaciones, con las cuales se pueda medir el impacto de determinados procesos bajo ciertas variables para así evitar riesgos en la ejecución del proyecto real.

El diseño 3D nos permite proyectar la realidad con diversos objetivos, llegando incluso a la rama del entretenimiento, en donde día a día se diseñan impactantes personajes para luego ser animados, imprimiéndoles carácter y vida, volviéndose protagonistas de las increíbles producciones 3D que apreciamos hoy en día.

Si apreciamos la raíz de las palabras diseño 3D, vemos la conjunción de: diseño (acción de designar o proyectas, creación de signos) y 3D (alusivo a las tres dimensiones, a un ambiente en donde los ejes del plano cartesiano van más allá de X y Y, incorporándo el eje Z al asunto), es por esto que diseño 3D definir como designar y proyectar objetos en tres dimensiones.

Piñón David Piñón

Su nombre es David Piñón Hernández pero firma sus obras bajo el nombre de Seher One. Este artista mexicano comenzó a pintar muros a las edad de 16 años en su barrio de Iztapalapa rodeado de graffitti y el boom de los stickers.

Hoy, uno de sus muros más famosos se puede observar en la Contraloría de la Ciudad de México, con el nombre de “Mexico: Cultura y Sociedad que renace” el cual se inspira en el Sismo ocurrido en la Ciudad de México el pasado 19 de septiembre del 2017

Los comienzos de Seher One

A los 18 años tuvo que abandonar el arte para trabajar, sin embargo esto lo hizo retomar su pasión con más fuerza y un año después regresó a la preparatoria donde tenía la visión de estudiar Ingeniería Industrial, hasta que un maestro le vio el potencial para el Diseño por lo que le sugirió que se inscribiera a la Escuela Nacional de Artes Plásticas y así lo hizo.

A partir de ese momento sus dibujos en papel pasaron a ser de mayor tamaño hasta plasmarlos en grandes muros.

El sello de Seher One está en traslapar formas orgánicas y geométricas, así como contrastar la vida con la muerte, todo esto a través de una gama cromática electrizante.

Una de sus grandes influencias es el muralista Jorge González Camarena, sin embargo como representante del nuevo muralismo Seher opinó para Muros Somos:

Neo-muralismo

«Para que sea muralismo, debe cumplir un fin específico y cerrar un ciclo de comunicación propio donde el espectador pase, lo vea y lo entienda sin necesidad de que el artista esté ahí explicando de qué va su obra».

Seher también confesó a pesar de que vivimos en la era digital, está influenciado por las antiguas ilustraciones a mano que se hacían en los 50 y 60, así como la animación hoja por hoja y el cómic. Por último Seher expresó que su principal objetivo en su obra es detonar emociones, por medio del color, el movimiento y las formas.

«El lenguaje que normalmente utilizo gráficamente habla mucho sobre naturaleza y lo que transmite son ciclos de vida»… «Me gusta creer que las cosas son como las que sabemos que son, un conjunto de átomos que se juntan, forman cosas más figurativas pero se pueden desintegrar y soltar pequeños átomos que se vuelven a juntar y a seguir».

«Lo que quiero transmitir es que hay vida pero también hay muerte. Y de la muerte también puede hacer vida. Es un ciclo eterno y siempre está en constante movimiento. Todo el universo y todo el tiempo todo se está moviendo».

ProgramasProgramasde diseño

Quizás no es el programa de edición más poderoso y sofisticado del mundo, pero al estar preinstalado en todos los sistemas de Windows goza de una gran popularidad.

Un programa de edición de imágenes rápida, ligera y con herramientas de visualización.

#8

#4

Illustrator es un programa muy popular, pero su uso puede ser difícil para los más novatos. Con Ilustrator se pueden crear diseños desde cero. Junto con Photoshop forman el tándem de herramientas que cualquier diseñador tiene en su ordenador.

#7

Gimp es considerado el mejor software de diseño gráfico gratuito. Se dice que una vez que usas Gimp renuncias a pagar por un programa como Photoshop.

Corel Draw es considerado el oponente más fuerte para Photoshop. De hecho, muchos diseñadores que usan esta herramienta ni tan siquiera tienen instalado Photoshop en sus ordenadores.

#2 GooglePicasa

Google Sketchup es un programa de diseño gráfico que se centra en objetos 3D. Al igual que otras aplicaciones de Google, también es de uso libre. No es la única aplicación de diseño de Google, como veremos a continuación.

#1 Adobe Photoshop

#6

Irfanview se centra más en la visualización de imágenes. Es muy útil para trabajos sencillos como cambiar de tamaño, etc. Debido a que es de uso libre, goza de una gran popularidad para determinadas tareas.

Podemos decir que es el hermano de irfanview. Tiene algunas funciones más, pero es un software de pago.

Google Picasa no tiene funciones de edición demasiado avanzadas, pero es fácil de usar por cualquier internauta. Además, se una herramienta de Google siempre da un plus de popularidad.

Sin duda estamos ante la estrella de las herramientas de diseño gráfico. Tanto es así que en el lenguaje colectivo se han hecho famosas expresiones como fotoshopear. Algo que, ya de paso, no creemos que le haga mucha gracia a la RAE. Pero más allá del retoque fotográfico, Photoshop tiene otras muchas funciones interesantes.

Gimp

Diseño Gráfico Diseño Gráfico en el cine

El cine engloba distintas disciplinas como la iluminación, cámara, escenografía, guion, música, vestuario, etc. pero, ¿y el diseño gráfico? a nadie se le ocurre pensar que ocupa una parte importante en la elaboración de cualquier película. su participación se intuye en los carteles promocionales, pero su papel dentro del cine va mucho más allá.

El cartel promocional es la primera imagen que el posible espectador tiene de la película, es, el que, en muchas ocasiones, va a determinar que se decida a ir a verla. Por tanto, hay que tener especial cuidado en su elaboración. Un cartel sugerente hará que el espectador no pase de largo, le interese y quiera consultar la sinopsis de la película.

Rogue One

Otro ejemplo clásico de utilización del diseño en el cine son los créditos. Existen créditos iniciales y finales, siendo más común estos últimos. En los títulos de los créditos se enumeran todas las personas que han trabajado en la producción de la película. En un primer momento, se limitaban a una imagen de fondo sobre la que iban apareciendo rótulos con los nombres. Actualmente podemos encontrar créditos de todo tipo imágenes estáticas o en movimiento, animaciones, etc., siempre acompañados de la banda sonora de la película.

Un ejemplo son los créditos finales de la película de “Sherlock Holmes”.

Pero como hemos dicho al principio de este artículo, el papel del diseño gráfico va mucho más allá. A lo largo de la película, el diseño gráfico se encarga de introducir al espectador dentro del mundo de la película. Hace posible que elementos tan cotidianos como un periódico, se conviertan en narradores de la historia. Esta disciplina diseña los elementos que interactúan con los actores para dar vida a la trama, como los carteles de metro, de las tiendas o simples tarjetas de visita. Por ejemplo, ¿alguien se imagina a Harry Potter sin el “Mapa del Merodeador”? o ¿de dónde salían las publicaciones de “El Profeta”? El estudio que se encargó de estos diseños y de las películas de “Harry Potter” en general, fue MinaLima. Este estudio también se ha encargado de todo el diseño gráfico de la película “Animales fantásticos y donde encontrarlos”.

También podemos encontrar la huella del diseño gráfico en el cine de animación. Pero, a pesar de su importancia, el diseño gráfico es el gran desconocido dentro del mundo del cine. Aunque en los últimos años, se ha empezado a dar a conocer gracias a figuras como Annie Atkins, diseñadora gráfica a cargo de la creación de películas como “El Gran Hotel Budapest” o “Boxtrols”, que se encarga de ir enseñado su trabajo con conferencias por todo el mundo. Para todos aquellos aficionados al cine y al diseño gráfico, ya sabéis que tenéis un sitio en el maravilloso mundo del séptimo arte. ¡Disfrutad de la película fijándoos en todos los detalles gráficos!

InteligenciaInteligencia

La inteligencia artificial (IA) es la base a partir de la cual se imitan los procesos de inteligencia humana mediante la creación y la aplicación de algoritmos creados en un entorno dinámico de computación. O bien, dicho de forma sencilla, la IA consiste en intentar que los ordenadores piensen y actúen como los humanos. Para conseguirlo, se necesitan tres componentes fundamentales:

Sistemas computacionales

Datos y gestión de los mismos

Algoritmos de IA avanzados (código)

Cuanto mayor sea el parecido al comportamiento humano que queremos conseguir, más datos y capacidad de procesamiento se necesitará.

¿Cómo se originó la inteligencia artificial?

Desde al menos el siglo I a.C., los humanos se han planteado la posibilidad de crear máquinas que imiten al cerebro humano. Ya en la época moderna, John McCarthy acuñó el término «inteligencia artificial» en 1955. En 1956, McCarthy y algunos otros organizaron una conferencia denominada «Dartmouth Summer Research Project on Artificial Intelligence». Este encuentro dio lugar a la creación del aprendizaje automático, el aprendizaje profundo, el análisis predictivo y, ahora, el análisis prescriptivo. También dio lugar a un campo de estudio totalmente nuevo: la ciencia de los datos.

¿Por qué es importante la inteligencia artificial?

Hoy en día, la cantidad de datos que se genera, tanto por parte de los humanos como por parte de las máquinas, supera en gran medida la capacidad que tienen las personas de absorber, interpretar y tomar decisiones complejas basadas en esos datos. La inteligencia artificial supone la base de todo el aprendizaje automático y el futuro de todos los procesos complejos de toma de decisiones. Por ejemplo, la mayoría de los humanos pueden averiguar cómo no perder cuando juegan al tres en raya, aunque haya 255 168 movimientos únicos, de los cuales 46 080 terminan en tablas. Muchos menos podrían llegar a ser grandes maestros de las damas, con más de 500 x 1018 o 500 trillones de posibles movimientos diferentes. Los ordenadores son extremadamente eficientes a la hora de calcular estas combinaciones y permutaciones para llegar a la mejor decisión. La IA (y su evolución lógica del aprendizaje automático) y el aprendizaje profundo constituyen los cimientos del futuro en la toma de decisiones empresariales.

Casos prácticos de inteligencia artificial

La IA se aplica en nuestro día a día, como en los servicios financieros, la detección de fraude, las predicciones de compras en comercios y en las interacciones de asistencia al cliente en línea. Estos son algunos ejemplos: Detección del fraude. El sector de servicios financieros utiliza la inteligencia artificial de dos formas diferentes. La clasificación inicial de aplicaciones de crédito utiliza la IA para saber cuál es la capacidad crediticia. Para supervisar y detectar las transacciones de tarjeta fraudulentas al realizar los pagos en tiempo real se necesitan motores de IA más avanzados. Ayuda virtual para clientes (VCA). Los centros de llamadas usan VCA para predecir y responder a las consultas de los clientes sin interacción humana. El reconocimiento de voz, junto con un diálogo humano simulado, es el primer punto de interacción en una consulta al servicio al cliente. En las consultas de mayor dificultad se redirigen a una persona con la que se pueda interactuar directamente. Cuando una persona inicia un diálogo en una página web mediante un chat (bot conversacional), la interacción se realiza a menudo con un ordenador que ejecuta un sistema de IA especializado. Si se llega a un punto en el que el bot conversacional no puede interpretar o abordar la pregunta, interviene una persona que se comunicará directamente con ella. Estas instancias no interpretativas alimentan un sistema de computación de aprendizaje automático que mejora la aplicación de la IA en las interacciones futuras.

NetApp y la inteligencia artificial

NetApp es el referente en materia de datos para el cloud híbrido y, como tal, conoce el valor que tiene el acceso a los datos, su gestión y control. Data Fabric de NetApp® proporciona un entorno de gestión de datos unificado que abarca todo tipo de dispositivos periféricos, centros de datos y varios clouds de hiperescala.

Data Fabric permite que organizaciones de todos los tamaños tengan la capacidad de acelerar aplicaciones críticas, obtener visibilidad de datos, optimizar la protección de los datos y aumentar la agilidad operativa.

Las soluciones de IA de NetApp se basan en los siguientes pilares fundamentales:

Con el software ONTAP®, la IA y el aprendizaje profundo puede estar presente en las instalaciones y en el cloud híbrido.

Los sistemas AFF All-Flash aceleran las cargas de trabajo de IA y aprendizaje profundo y eliminan los cuellos de botella que se crean en el rendimiento.

El software ONTAP Select hace que los datos se puedan recopilar de forma eficiente en la periferia, usando dispositivos de IoT y puntos de agregación.

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La ilustración y el diseño gráfico son profesiones diferentes que suelen confundirse o mezclarse, un diseñador gráfico no tiene porque saber ilustrar y un ilustrador no tiene por qué tener conocimientos en diseño gráfico. Sin embargo, estas dos profesiones se complementan una a la otra ya que el trabajo de ambos se refleja en el producto final.

¿Qué es la ilustración?

La ilustración engloba a las imágenes capaces de transmitir un mensaje, normalmente acompaña textos o historias o conceptos, aunque no siempre tiene porqué hacerlo. A diferencia de la escultura u otras artes, la ilustración hace uso de imágenes bidimensionales que comunican y transmiten una idea.

Para realizar las ilustraciones se pueden utilizar diversas técnicas, materiales y también soportes digitales.

Hoy en día, la ilustración se utiliza mucho en el ámbito de la comunicación, es por esta razón que tiene un papel importante en el desarrollo del diseño gráfico, ya sea en la publicidad u otro tipo de comunicación visual. En el diseño publicitario encuentra un buen escaparate para ayudar a potenciar el mensaje de la marca o la campaña que se esté llevando a cabo.

Existen distintos tipos de usos para la ilustración:

Ilustración Publicitaria: es la más utilizada en cartelería, para publicidad digital, web etc. Su finalidad es ofrecer un impacto visual que refuerce el mensaje y la identidad corporativa de la marca

Ilustración narrativa: Es la que se utiliza a la hora de acompañar un texto a la que deben estar sujetas las ilustraciones. Muy utilizada en libros infantiles, de texto, comics…

Ilustración conceptual: el ilustrador elabora su propio dibujo según lo que le sugieren las palabras, no se ciñe a los datos que dan el texto Ilustración científica: Son aquellas que se usan para temáticas más científicas y tratan de explicar a través de una imagen lo que explica el texto en un modo realista.

Ilustración editorial: es el tipo que se suele utilizar en periódicos y revistas. Suelen ser ilustraciones más conceptuales, como viñetas y caricaturas.

Importancia en el diseño gráfico

En el mundo del diseño gráfico la ilustración es utilizada para ilustrar un documento o mensaje de cualquier tipo; es considerada una herramienta versátil, ya que puede ser utilizada en diferentes formatos y técnicas.

Las posibilidades son infinitas, lo que abre un universo de oportunidades para transmitir mensajes de forma precisa y efectiva.

Son extensibles en el tiempo ya que no es una cuestión de modas y se adaptan a las tendencias de manera fácil.

La ilustración puede ir acompañada de fotografía, texto de otro tipo de imágenes y da un toque más artístico y original. La infografía, ejemplo máximo donde no podría existir uno sin otro, ya que la dota de dinamismo y precisión. La infografía se utiliza mucho en el desarrollo de diseños para empresas, inmobiliarias o instituciones educativas o científicas que buscan dar a conocer sus servicios de manera más intuitiva para los lectores.

La ilustración es capaz de transmitir un mensaje más emocional que llame la atención del espectador de manera instantánea, tratar temas complejos o incluso desagradables de manera eficaz y amable

La ilustración resulta muy útil y efectiva para el diseño gráfico, ya que puede aportar creatividad y dinamismo a cualquier pieza de diseño, se vuelve un aliado más, al ser una técnica ágil donde se pueden conseguir resultados que con otras técnicas sería mucho más difíciles de plasmar.

En conclusión, aunque son profesiones distintas y cuentan con enfoques diferentes, ambas disciplinas se complementan al estar orientadas a un mismo objetivo visual. La ilustración es un recurso muy apropiado a la hora de transmitir emociones, dar un toque artístico y transmitir el mensaje que el diseñador quiere plasmar en su trabajo.

Existen varias razones para las que la ilustración resulta importante para el diseño gráfico:

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