El trabajo se centra en el desarrollo de una serie pictórica basada en el paisaje naturalista costarricense, a partir de fotografías propias o de terceros.Algunas de estas fotografías pueden ser suministradas por familiares, amigos o bajadas de internet.
Puede incluir representaciones naturales de playa, montaña, zona rural, zona urbana o de actividades cotidiana y costumbristas (mascaradas, desfiles, bailes típicos, animales, etc.)
Para la parte teórica del curso se espera realizar al menos 5trabajos completosutilizando la técnica denominada “pouring” cuya traducción al español es algo así como “pintura fluida” y que será el termino a usar en el desarrollo de este proyecto.
Se quiere alcanzar una buena experiencia y conocimiento de la técnica, para posteriormente usar todo ese acervo de conocimientos en el desarrollo del proyecto final de graduación.
2.- Cómo voy a hacer mi proyecto: metodología
2.1. La técnica de la “pintura fluida”
Este proyecto tiene su base en una técnica conocida como “pintura fluida” se reconoce como parte del arte abstracto. En ella se utilizan acrílicos de una forma bastante líquida, mezclados generalmente con agua o algún otro médium que le dé fluidez al pigmento y se vierten sobre un soporte o un lienzo, dejando que los colores se mezclen por si solos, creando formas, efectos e imágenes de manera aleatoria.
Puede decirse que es un arte meditativo en el que se proyectan imágenes orgánicas y psicodélicas, relacionadas con el movimiento y el color, dejando que la pintura fluya sobre el soporte escogido sin buscar crear ninguna imagen o modelo figurativo en particular.
De acuerdo con Miranda (2020), existen algunas variaciones de este tipo de arte como lo es el “puddle” consistente en verter pintura de colores uno sobre el otro y que se vayan creando círculos concéntricos de los diferentes colores, sin que estos se mezclen (ver imagen No. 1).
Otra forma es la denominada “swipe” enla cual, una vez colocada la pintura enel soporte, se barre con un papel o una herramienta suave, sin apretar demasiado, hasta conseguir la mezcla de colores deseada o que agrade al autor. (ver imagen No. 2).
Imagen No. 2: ejemplo de pintura con técnica del swipe
Imagen No. 1: ejemplo de puddle
También existe la variante “String” utilizando una cuerda mojada para deslizarla sobre la pintura vertida en el soporte e ir creando figuras abstractas (ver imagen No. 3).
Imagen No. 3: ejemplo de pintura con técnica del string
Otra forma es el “Swirling” consistente en echar pintura de varios colores en algún recipiente e introducir dentro de ese recipiente algún objeto que se desee decorar (ver imagen No. 4).
Imagen No. 4: ejemplo de pintura con técnica del swirling
El “dipping” es una variación de esta técnica y consiste en presionar directamente el lienzo sobre la pintura que se vació en una superficie plana, generando con ello formas variadas (ver imagen No. 5).
Imagen No. 5: ejemplo de pintura con técnica del dipping
Se tiene otra forma de esta técnica que es el “dirty pouring”. Para hacerlo se utiliza un vaso o un recipiente plástico y se van colocando capas de pintura dentro del mismo. Luego se puede mezclar la pintura dentro del vaso o se vuelca sobre el lienzo haciendo que la pintura vaya saliendo lentamente y se esparza toda la mezcla. Algunos “artistas” le hacen huecos al recipiente en la parte inferior para que conforme vayan depositando la pintura, esta se desparrame sobre el soporte y los colores se mezclen (ver imagen No. 6).
Imagen No. 6: ejemplo de pintura con técnica del dirty pouring
Belghomari (2023) presenta una variante adicional de la técnica y consiste en utilizar pintura base de aceite, conocida como esmalte, o también pintura en spray, y depositar esta pintura sobre un recipiente o bandeja con agua. Por tener la pintura una base no acuosa (aceite), esta no se mezcla con el agua y se mantiene flotando en la superficie (ver imagen No. 7).
Imagen No. 7: pintura base aceite sobre una bandeja con agua
Luego de que la pintura se ha distribuido en toda la superficie del agua, se procede a colocar un soporte o bastidor suavemente sobre la bandeja, de tal forma que el agua, con la pintura sobre ella, apenas roce el bastidor (ver imagen No. 8)
Imagen No. 8: bastidor ligeramente posado sobre la superficie del agua
Al retirar el bastidor, la pintura que flotaba sobre el agua se adhiere al lienzo creando figuras orgánicas y abstractas bastante interesante, tal como se muestra en la imagen No. 9.
Mediante este proceso se pueden imprimir no solo bastidores, sino también papel, botellas, vasos y cualquier objeto que se pueda posar con suavidad sobre la superficie del agua empapada de pintura base aceite.
Imagen No. 9: figuras creadas sobre un bastidor con pintura base aceite sobre agua
Resultados similares al anterior se logran si en vez de usar pintura base aceite líquida sobre agua, se utiliza pintura en spray, tal y como se muestra en la imagen No. 10.
Imagen No. 10: imagen de papel sumergido en recipiente con agua y pintura en spray
Algunos artistas como Patty (2019) han probado la técnica de la “pintura fluida” usando en vez de acrílicos pintura al óleo. El ejemplo del a figura No. 10 es una prueba realizada de esa manera. Sin embargo, la queja generalizada al utilizar pintura al óleo es el tiempo que dura en secarse (de entre 4 y 5 semanas), lo cual pareciera ser poco práctico.
Imagen No. 10: prueba de técnica pintura fluida con óleos
2.2. Experimentación con el método de la “pintura fluida” para el proyecto
El proceso por utilizar en el desarrollo de este proyecto, si bien tiene una base sustantiva sobre lo que se conoce como “pintura fluida”, hay algunas diferencias importantes para mencionar:
1. La pintura a usar será exclusivamente a base de aceite, conocida como pintura esmalte de secado rápido.
2. El agua es el medio sobre la cual se colocará la pintura.
3. El bastidor se hunde totalmente dentro del agua y la pintura se pone sobre el agua una vez el bastidor se encuentre sumergido.
4. Se hace una combinación entre la parte aleatoria de la mezcla de colores generada por la técnica misma y se aplica luego un proceso manual para crear una obra de carácter figurativo a criterio del autor.
5. Hay una intervención manual e intencional para crear un diseño previamente definido, de tal manera que el resultado final no es un producto azaroso, sino un producto basado en una imagen figurativa escogida.
6. Se crean condiciones y herramientas claramente definidas para dirigir el proceso de la técnica a desarrollar en el proyecto.
2.3. Explicación de la metodología mediante las pruebas preliminares
Se hace necesario antes de iniciar la creación de obras propiamente para el proyecto, determinar si el proceso pensado para este trabajo funciona para cumplir con lo esperado o, de previo, saber que cosas deben ajustarse, cambiarse, mejorarse o eliminarse para que todo funcione según lo requerido.
Por lotanto,se procede a realizaralgunaspruebasponiendoenpráctica losprocedimientosypasos necesarios para realizar un trabajo de tipo pictórico, de corte figurativo, utilizando de base la técnica conocida como “pintura fluida”, según se detalla a continuación:
1. Lo primero a realizar es algo que para los efectos de este proyecto se va a denominar “la piscina”. Esta consiste enun marcode madera con fondo de acrílicoque sirve para llenarlo de agua y colocar dentro el bastidor para realizar la obra (ver imagen No. 11).
Imagen No. 12: marco para la piscina
En este caso el marco es un poco más grande de lo necesario, ya que los bastidores de prueba miden 20 x20 cms y fue necesarioentonces hacerle una división intermedia,ya que es importante que el marco quede de un tamaño apenas unos milímetros más grandes del bastidor para evitar derramar mucha pintura por los lados de este,
En el caso de las obras para el proyecto, se va a crear una piscina un poco más grande, posiblemente para un bastidor de tamaño 11 x 14 pulgadas.
2. Sobre el bastidor se hace un bocetorápidode la imagen a crear, sólo para guía enel manejo de la pintura (ver imagen No. 13).
Imagen No. 12: boceto sobre bastidor
3. Las partes para intervenirlas posteriormente de manera manual se cubren con plastilina y en ocasiones con papel aluminio (si el espacio es muy grande), para no mancharlas con la pintura colocada en las primeras fases. Sin embargo, si por alguna razón estas partes se manchan con algo de pintura, no hay ningún problema, pues estas partes ya estarían secas y se puede agregar otro color sin que se mezclen (ver imagen No. 13).
Imagen No. 13: reserva de espacio con plastilina
4. Antes de introducir el bastidor en la piscina, se debe colocar algún de aditamento para ayudar posteriormente a retirarlo del agua, dado que estará con pintura y hacerlo directamente sosteniéndolocon la mano no es muyconveniente. Porlotanto,se agrega una cuerda en dos de los costados (de forma opuesta) para ayudar a sostener el bastidor y sacarlo de la piscina con mayor facilidad (ver imagen No. 14).
Imagen No. 14: bastidor con agarraderas para sacarlo de la piscina
5. Después se procede con el llenado de agua de la piscina y la colocación del bastidor en la misma, de tal forma que todo el bastidor quede sumergido en el agua y se agrega la pintura de la parte que se desea colorear primero (ver imagen No. 15).
Imagen No. 15: pintura colocada sobre el agua y el bastidor
Como se nota en la imagen anterior, por ser la pintura un líquido aceitoso, no se mezcla con el agua de una manera total y homogénea; por el contrario, se mantiene flotando y dispersándose por todo el espacio donde hay agua, creando diversas formas orgánicas. Se puede utilizar un palillo o un pincel para mover la pintura por toda la superficie del agua y lograr una mezcla mayor de los diferentes colores vertidos. En este caso, los colores usados corresponden a una gama de azules, un poco de verde y otro poco de blanco.
6. Cuando se considera ya hay una suficiente mezcla de los colores según lo deseado, se procede a retirar el bastidor de la piscina y la pintura que antes flotaba sobre el agua, se deposita sobre el lienzo, generando un diseño como el de la imagen No. 16.
Imagen No. 16: bastidor retirado de la piscina con diseño creado por la técnica
Puede observarse en la imagen anterior, como mediante la técnica usada, la pintura base aceite se ha mezclado entre ella y se aprecia un diseño bastante orgánico y fantasioso. En este caso, ese diseño va a representar el mar y la parte que no contiene pintura aún, se trata manualmente para agregar el concepto subjetivo y figurativo deseado.
7. La parte reservada es tratada manualmente, colocando sobre esa área algunas gotas de alcohol en vez de agua y luego con un pincel agregando los colores requeridos según los establecido en la foto usada como referencia. El alcohol sustituye lo que en el proceso anterior hizo el agua, pero por su contenido etílico, se evapora con mayor rapidez. Igualmente se utiliza el mismo pincel o un palito de los usados para hacer pinchos, para remover la pintura sobre el alcohol y lograr los mismos efectos hechos por el agua cuando se hizo la primera parte (ver imagen 17).
Imagen No. 17: diseño final con la parte hecha manualmente agregada (Bahía Ballena)
La parte realizada manualmente pretende darle el sentido figurativo a la obra y por eso la misma se hace al final. Previo a eso, es posible haber realizado al menos una segunda parte siguiendo el procedimientoanterior, ya que la imagen original será dividida enplanos (al menos tres), en donde uno de los planos es el correspondiente al complemento figurativo. Como parte de este proceso experimental, se realizaron tres trabajos similares al anterior (ver imagen 18, 19 y 20).
Adicionalmente se trabajó una imagen también de manera experimental en la cual se dejó a la técnica actuar de manera aleatoria, sin intervención de ningún tipo y se obtuvo un trabajo como el de la figura No. 21. Este proceso será tentativamente utilizado al final del desarrollo de las obras propuestas, como una forma de agregar otras obras a todo el proceso y que sigue relativamente la metodología descrita en internet para hacer el pouring, cuya única diferencia sería utilizar pintura base aceite en vez de pintura acrílica. Sin embargo, la parte medular de todo el proyecto se va a ejecutar bajo lo descrito en los puntos anteriores.
Imagen No. 18; Crestones del Chirripó
Imagen No. 19: Playa Chiquita
Imagen No. 20: Volcán Arenal
Imagen No. 21: resultado del pouring
3.-Aspectos conceptuales del proyecto
3.1- La técnica:
Como ya se mencionó anteriormente, este proyecto se realiza utilizando una variación sustantiva de la técnica denominada “pouring”, la cual consiste en verter pintura acrílica de varios colores sobre un lienzo o bastidor y dejar que la pintura fluya de una manera aleatoria, quizá en algunos casos con ayuda de alguna herramienta, pero que al final crea un diseño muy policromático y con muchas texturas, pero de tipo abstracto.
En el caso particular del presente proyecto, se usa pintura industrial base aceite (esmalte brillante), la cual se vierte sobre un bastidor que se encuentra sumergido en el agua. Por razones de la composición química de la pintura, esta no se mezcla con el agua y se mantiene flotando sobre la misma y, con alguna herramienta como un palillo de hacer pinchos o un pincel, se “orienta” la pintura que se colocó en lugares específicos, para que se realice algún tipo de mezcla entre los colores vertidos. Posteriormente se drena el agua muy despacio, para que la pintura se vaya depositando sobre el bastidor; en algunos casos, si se considera pertinente, se nueve esa pintura ya colocada sobre el lienzo para mejorar la mezcla o esparcirla aún más.
Dado que la idea es crear un paisaje de tipo naturalista, los colores colocados se busca ubicarlos en sitios concretos y en algunos casos, se reservan ciertas partes para que no se pinten, ya sea para hacer un segundo proceso sobre esas partes protegidas o, para intervenir esas áreas posteriormente de forma manual.
Una vez la pintura ha secado, se procede con una intervención manual, creando con un palillo o con pincel, aquellos elementos que le dan a la obra el aspecto figurativo del paisaje deseado, siempre tratandode que estaspartesmantenganuna armonía conel restodel cuadro. Porlogeneral al realizar este proceso, se usa un gotero para agregar alcohol o espíritu mineral y de esa manera, crear texturas parecidas a las iniciales.
Lo novedoso de la técnica es el uso de pintura base aceite, el agua como medio para dispersar la pintura y luego la intervención manual para producir obras con una paisaje figurativo del género paisaje naturalista.
3.2- El paisaje:
El paisaje es una fuente de inspiración para muchos artistas desde tiempos antiguos, quienes siempre han buscado generar en sus obras, visión y emoción para sus espectadores. La pintura del paisaje se puede expresar utilizando diferentes estilos pictóricos, tales como el realista, impresionista o abstracto, y cada enfoque artístico busca establecer una perspectiva del entorno natural que intenta representar.Así mismo, el paisaje puede contener representaciones simbólicas y hasta sicológicas, muchas veces reflejando los estados psíquicos de su autor, o expresando estados de ánimo, emociones o ideas que sobrepasan la representación visual de la misma.
Según los establece Contreras (2005), “El paisaje no es resultado de una generación espontánea, ni siquiera sólo de un proceso evolutivo, por tanto, estudiar el paisaje sin retroceder a sus antecedentes es condenar el estudio a lo inmediato coartando su real comprensión”
De acuerdoconesto,el conceptode paisaje tiene una larga trayectoria enel desarrollode la pintura y que involucra también a otras disciplinas, como la arquitectura, la geografía y la antropología, cuando menos.
Cuando se habla de paisaje, se piensa entonces en elementos naturales, tales como montañas, ríos, nubes, mezcladas con acciones humanas: caminos, edificios y hasta personas, las cuales el artista recoge en un lienzo utilizando alguna técnica y poniendo en su trabajo, su propia interpretación de lo que observa.
El historiador mexicano, Luis González que el paisaje es “el radio de cada una de estas mini sociedades y que se puede abarcar de una sola mirada y recorrer a pie de punta a punta en un solo día” (González 1987, p 52).
Es entonces el concepto de paisaje desde el punto de vista artístico, una forma de reproducir en un espacio delimitado por el tamaño del lienzo sobre el que un artista trabaja, la imagen visual de una territorio o espacio físico observado y que incluye una serie de elementos propios de la naturaleza y eventualmente afectados o mezclados por elementos creados por el hombre.
1. La técnica pictórica del paisaje:
En todas las épocas, desde la prehistoria cuando el hombre hacía representaciones de lo cotidiano en las cavernas hasta nuestros días y bajo todas las corrientes pictóricas, el paisaje ha servido para crear grandes obras, en donde la naturaleza es representada con toda su estética y majestuosidad; sin embargo, el paisaje como técnica artística, no ha existido por siempre en la pintura.
En la Quinta conferencia de ciclos Géneros de la Pintura, dada por Armando García Rodríguez (2019), dice:
“El paisajismo en la pintura se constituyó como un género autónomo en la pintura holandesa del siglo XVII. Anteriormente, en el siglo XVI el arte flamenco y alemán utilizaban los paisajes para ensalzar los personajes. En el Barroco el paisajismo se instauró como un género en Europa. En el sur de Europa se seguía necesitando una anécdota religiosa, mítica o histórica como pretexto para pintar paisajes. En el siglo XVIII destaca dentro del paisajismo un artista como Canaletto, mientras que en el s. XIX, en la época romántica, el paisajismo se convirtió en protagonista e influenció a artistas impresionistas y a generaciones de estilo abstracto.” (García, 2019).
Si bien es cierto, la técnica del paisaje ha evolucionado con el tiempo y los avances tecnológicos, desde el óleo sobre el lienzo hasta llegar a la acuarela y más recientemente, la pintura digital, los artistas se han dado la libertad de experimentar con diferentes materiales y estilos para representar un paisaje de la forma más fidedigna y expresiva.
Dentro de este desarrollo pictórico, es quizá el óleo, la técnica que ha permitido crear famosos paisajes, dada su posibilidad de generar detalles, crear texturas y utilizar una amplia paleta de colores. Aquí, los pintores suelen jugar con la luz y la sombra, mediante el uso del claroscuro, el contraste y la perspectiva, ofreciendo al espectador una visión sorprendente, haciendo que un paisaje cobre vida y les permita transportarse a un lugar desconocido, pero maravilloso.
Si volcamos la mirada hacia la técnica de la acuarela, dada su característica de colores transparentes, su apariencia acuosa y su suavidad, con ella los artistas producen efectos de luz y atmósfera sin igual, logrando con capturar la delicada y efímera belleza de un paisaje, de una manera muy diferente a la lograda por el óleo.
No se puede pasar por alto la intención de muchos pintores de realizar sus cuadros de paisaje utilizando la pintura acrílica. Con esta técnica se puede conjugar algunos aspectos característicos del óleo, como la textura y una amplia gama de colores, lo cual en algunos casos sirve para captar del paisaje, algunos aspectos particulares y ofrecer un resultado más realista a la obra.
En la actualidad, la pintura manual compite abiertamente con la pintura digital, en donde esta última se ha convertido en una nueva técnica utilizada para crear paisajes naturales. Programas especializados como Photoshop, potencializan la posibilidad de que personas deseosas de crear arte, puedan crear paisajes sumamente detallados y realistas, utilizando para ello las herramientas y efectos propios de la aplicación de software y obteniendo paisajes con una visión única de la naturaleza.
Las diversas técnicas para pintar como el óleo, la acuarela o el acrílico, (siendo estas las más utilizadas para pintar) ha permitido que, durante todas las épocas de la historia de la pintura, los artistaspudieran utilizarel paisaje natural comouna formadeinspiraciónyunamanera deexpresar su creatividad, tratando de capturar la belleza de la naturaleza, en un lienzo, para su satisfacción personal y la admiración de los espectadores.
2. El paisaje en la pintura costarricense:
La pintura de paisaje en Costa Rica ha inspirado igualmente a varios de los artistas más representativos del arte visual, tales como Francisco Zúñiga, Fausto Pacheco, Margarita Bertheau y Manuel de la Cruz González, entre los más destacados. Ellos buscaron dejar en sus pinturas, la visión y conexión con la naturaleza costarricense y lo hicieron utilizando diferentes técnicas y corrientes artísticas.Además, por una cuestión cultural,la pintura del paisaje ha sidoutilizada para
promover la conservación del medio ambiente, exponer las bellezas naturales del país y para crear conciencia ambiental entre los habitantes y turistas.
Según Zavaleta (2019), el paisaje en el arte costarricense tuvo sus inicios en las llamadas Exposiciones de Artes Plástica entre 1928 a 1937. En ese periodo, casi el 50% de las pinturas presentadas correspondían a paisajes.
Zavaleta establece: “Los pintores que participaron en las “Exposiciones de Artes Plásticas” ayudaron a crear una expresión visual con la que los costarricenses se identificarían a sí mismos y a su nación: el paisaje rural o semi rural del Valle Central con hermosas casas de adobes, rodeadas de una exuberante naturaleza.” (Zavaleta, 2019).
Entre los más destacados pintores que hizo suyo ese concepto del paisaje costarricense, encontramos a Fausto Pacheco, a quien apodaron el “papa de la casa de adobe”. En el periódico
La Nación del 28 de octubre de 1973, el periodista Guillermo Solera lo caracteriza como “Artista laborioso de una característica singular, porque sus producciones fueron hechas al natural. De él se dice que es “el hombre que descubrió el color del paisaje costarricense”. (Pacheco, 2022).
No hay dudade que la bellezanatural de Costa Rica ha permitidoexplorarlosconceptosdel paisaje y sumar ese acervo artístico, a la identidad cultural y social de Costa Rica. También ha permitido a algunos artistas nacionales, aprovechar el desarrollo de nuevas corrientes artísticas para explorar la creación del paisaje, no solamente utilizando estilos realistas, sino también el impresionismo y hasta el concepto abstracto.
3. La abstracción del paisaje:
El paisaje, como los demás géneros pictóricos han tenido su evolución hacia la abstracción. Esta forma deexpresiónartística se haconvertidoen una maneradeexperimentaciónmuyevolucionada para representar la naturaleza, haciendo uso de elementos no figurativos que busca capturar la belleza y la esencia de un espacio natural.
De la misma manera que se utiliza en otras facetas artísticas, en pintura del paisaje la abstracción se utiliza para representar la esencia y la energía implícita en lo natural, a través de la simplificación de las formas y los colores.
La manera como los artistas aplican el arte abstracto es basarse en la utilización de técnicas tales como pinceladas gestuales, la superposición de capas de color, la creación de texturas y la utilización de figuras geométricas. A través de estas técnicas, pueden evocar sensaciones de movimiento, luz y energía, creando así, paisajes que se presentan con mucho dinamismo y emoción.
Con la libertad de expresión obtenida por el artista al hacer uso de la abstracción, se le permite explorar de manera subjetiva, la relación entre la forma y el color, los cuales, ante los ojos del espectador, desafían su percepción y su interpretación. Cuando desaparecen las formas y detalles reconocibles a simple vista, el espectador se ve obligado a explorar y descubrir el paisaje implícito en la obra, de una manera personal e intuitiva, haciendo de esto una experiencia visual única y muy propia.
Ejemplos de este tipo de arte se puede aprecia en la obra de Kandinsky, quizá el artista más representativo de esa evolución del género del paisaje abstracto y una de las muestras más claras de la abstracción en el paisaje.
Al revisar la obra de Kandinsky (1866-1944) en un período de tiempo comprendido iniciando en 1901, se pueden explicar las razones del artista para ir deshaciendo las formas, el espacio y las figuras que en él se encontraban para llegar, finalmente, a la abstracción total.
Entre 1901 y 1908 hay algunas obras del pintor donde abundan paisajes con la representación de la naturaleza, caminos, ríos y, en los que la presencia de casas es ocasional, en donde predomina la pincelada impresionista.
En 1908 pinta Los Paisajes de Murnau, (ver anexos del 1 al 4), una serie de paisajes rurales, en donde la pincelada impresionista va desapareciendo y da paso a la mancha y al color. Si todavía
en estas obras se pueden reconocer los motivos representados, los mismos van desapareciendo.Ya no hay un espacio tan ordenado y la atención de la obra recae en el uso del color pudiendo generar emociones en el espectador.
Apartir de 1909 los trabajos de Kandinsky marcarán el camino a seguir por el artista. Desaparece la forma y el color empieza a tomar su lugar para darle a sus trabajos intensidad y dinamismo. Un trabajo suyo en acuarela de 1910, sin nombre, se tiene reconocida como la primera obra completamente abstracta, la primera composiciónenla que lasfigurassonirreconocibles.Le sigue un año después, la obra titulada Dentro del Círculo. Son obras de formas abstractas, a donde no se puede inferir ninguna referencia mimética, flotando sobre la superficie del cuadro. Ya no hay un espacio tridimensional, no hay una escena, más bien son formas que “emergen” dentro del lienzo.
Apartir de este momento es posible afirmar que la desaparición de los objetos reconocibles en sus obras es un hecho importante, sin relegar el desarrollo de otros recursos pictóricos como el color, la mancha, la línea, el ritmo, el dinamismo y la luz.
En Costa Rica, encontramos artistas como Margarita Bertheau, quien estudió arte en Cuba. Ahí aumentó la calidad de su aprendizaje pues este país era un importante centro de cultura donde las últimas tendencias artísticas se conocían y discutían.
También realizó estudios de ballet; por eso, al regresar a Costa Rica, su primera relación fue realizando trabajos con los diseños de vestuario para la presentación de estos espectáculos de ballet.
Posteriormente conoció algunos artistas de la época como el grabador Francisco Amighetti y el escritor y artista Max Jiménez. Con este último le unía su estadía en Cuba donde los dos vivieron esporádicamente.
Fue en ese momento cuando empezó a incursionar en la pintura y a dar a conocer sus trabajos de acuarela. En la década de 1940 incursionó en el retrato, más por razones de amistad que por motivos artísticos, pues algunos eran de amigas y de personas más cerca de ella; por ejemplo,
Yolanda Oreamuno. Al mismo tiempo, con Francisco Amighetti empezó a trabajar en un interés común: la pintura mural.
Cuando se fue a vivir a Golfito, pintó una cantidadimportante de acuarelas y desarrollo una mayor identificación con esa técnica. Fue en la década de 1950 cuando Margarita tuvo una muy fructífera producción artística, porque estaba totalmente involucrada en sus pinturas y realizó diferentes actividades que fueron viajes de exploración en la búsqueda de definición en el desarrollo de su pintura. Fue a partir de ahí cuando se interesó en el estudio de la abstracción, al igual que otros pintores nacionales.Ya para finales de los años 50, había depurado su técnica de la acuarela y tenía un estilo con sello propio el cual se caracterizaba por la ausencia del uso del color blanco y la abundancia del agua.
A partir de 1960, Margarita Bertheau empezó su trabajo de pintura del paisaje del Valle Central, en especial de Escazú, que justo vendría a convertirse en su tema favorito. Fue en este lugar donde ademásdesarrollosugusto,nosólopor elpaisaje,sinotambiénsuarquitecturacolonial yla belleza sintética de los interiores de sus viviendas rurales construidas en adobe, tanto así que tomó la decisión de fijar su residencia en ese cantón josefino. A partir de entonces su arte la llevó a Incursionar en el interior de las casas y estas empezaron a ser tema de sus acuarelas.Al ser un arte de corriente vanguardista, el detalle y el uso de la menor cantidad de elementos figurativos en sus obras se convierten en las características sobresalientes de sus acuarelas de la década de 1970 y algunos ejemplos de sus obras expresionistas se muestran el los anexos del No. 5 al No. 8.
Otro gran pintor costarricense que dejó su huella en el paisajismo pictórico fue Manuel de la Cruz González,quientambién recurrióal arte abstracto para crearalgunasde susmásimportantesobras. Aunque González practicó varias técnicas como el grabado y la tempera, fue en sus trabajos de óleo donde implantó su sello de pintor abstracto. En 1961 fundó lo que se llamó El Grupo de los Ocho a través del cual se encargó de introducir el arte abstracto en la escena artística. Este grupo lo conformaron los artistas: Rafael ángel García,Harold Fonseca,Luis Daell, CésarValverdeVega y Guillermo Jiménez Sáenz y dos escultores Néstor Zeledón Guzmán y Hernán González Gutiérrez.
En el año 1971 realizó la primera exposición de arte abstracto contemporáneo en la I Bienal
Centroamericana de Pintura y todoeso la valió para que en el año 1981le fuera otorgado el premio Nacional de Cultura Magón, por su aporte a las artes plásticas, al posicionar el arte abstracto en el ambiente artístico costarricense.
Entre sus obras de referencia con el paisaje y el arte abstracto se pueden mencionar las que se muestran en el anexo No. 9 No. 10.
3.3-
La paleta de colores:
La paleta de colores es una herramienta fundamental en el campo del diseño, la moda, la decoración y las artes visuales en general.La combinación de colores puede transmitir emociones, crear impacto visual y ayudar a transmitir un mensaje o una idea. En este ensayo, exploraremos una paleta de colores compuesta por los colores primarios, el verde sapo, la sombra tostada, el blanco y el negro.
Los colores primarios, como el rojo, el azul y el amarillo, son los colores fundamentales en la teoría del color.
Son llamados primarios porque no se pueden crear mezclando otros colores, y son la base para la creación de todos los demás colores. El rojo se asocia con la pasión, el amor y la energía, el azul con la calma, la serenidad y la confianza, y el amarillo con la alegría, la felicidad y la creatividad.
El verde sapo es un color intenso y llamativo que se sitúa entre el verde esmeralda y la verde oliva. Se asocia con la naturaleza, el crecimiento y la frescura, y puede transmitir una sensación de equilibrio y armonía. El verde sapo es un color versátil que puede utilizarse para crear contraste o para añadir un toque de color a un diseño más sobrio.
La sombra tostada es un tono cálido y acogedor que se encuentra entre el beige y el marrón. Se asocia con la tierra, la estabilidad y la seguridad, y puede transmitir una sensación de calidez y confort. La sombra tostada es un color neutro que se combina fácilmente con otros colores, lo que lo hace ideal para utilizar como base en un diseño o como complementopara resaltarotros colores.
El blanco es un color que representa la pureza, la claridad y la simplicidad. Se asocia con la luz, la limpieza y la tranquilidad, y puede transmitir una sensación de frescura y amplitud. El blanco es un color muy versátil que funciona bien en cualquier tipo de diseño, ya sea minimalista o más elaborado, y se combina fácilmente con otros colores para crear contrastes o armonías.
El negroesuncoloreleganteysofisticadoque se asocia conla elegancia, laautoridadyel misterio. A menudo se utiliza para crear contraste añadir profundidad a un diseño, y puede transmitir una sensación de poder y fuerza. El negro es un color atemporal que nunca pasa de moda y que se utiliza en una amplia variedad de contextos, desde la moda hasta la decoración.
Como una parte experimental del proceso agregó el color dorado a la paleta inicial para crear una de las obras. Al ser este un color cálido y brillante, a menudo se asocia con riqueza, lujo y elegancia. Se dice que el dorado estimula la creatividad y la sabiduría y puede evocar sentimientos de positivismo o éxito.
Dentro de la paleta de colores de este proyecto, el dorado se utiliza para destacar y atraer la atención, o como un acento para agregar un toque de sofisticación. En conjunto con el negro y el blanco, como se hizo en uno de los trabajos de este proyecto, se crean combinaciones armoniosas, muy vistosas, atractivas, con texturas ricas y relevantes.
Esta paleta de colores que incluye los colores primarios, el verde sapo, la sombra tostada, el blanco el negro y el dorado, es una combinación equilibrada y versátil que puede utilizarse para transmitir una amplia gama de emociones y sensaciones. Cada uno de estos colores aporta su propia personalidad y carácter al diseño, y juntos crean un conjunto armonioso y atractivo.
3.4.- La composición:
La composición en la pintura es uno de los aspectos fundamentales que determina la calidad de una obra y su impacto visual en el espectador. Se refiere a la organización de los elementos en el lienzo de manera armoniosa y equilibrada, con el propósito de crear una imagen coherente y convincente.
Unode losprincipios básicosde la composiciónenla pintura esla regla de lostercios,que consiste en dividir el lienzo en tres partes iguales tanto horizontal como verticalmente y ubicar los elementos clave en los puntos de intersección de estas líneas. Esta técnica ayuda a generar un mayor interés visual y a mejorar la distribución de los elementos en la obra.
Otro aspecto importante de la composición en la pintura es el uso de líneas y formas para guiar la mirada del espectador a través de la obra y crear un sentido de movimiento y dinamismo. Estas líneaspuedenserdiagonales,curvas,verticalesuhorizontales,ysirvenparadireccionarlaatención hacia los elementos más importantes de la composición.
Además, la iluminación y el color también juegan un papel crucial en la composición de una pintura. La manera en que se distribuyen las luces y sombras en la obra puede afectar la sensación de profundidad y volumen, mientras que la elección de la paleta de colores puede transmitir diferentes emociones y crear un determinado ambiente en la obra.
No hay duda de que la composición en la pintura es un aspecto fundamental que determina la calidad y el impacto de una obra de arte. A través de la organización de los elementos en el lienzo, el uso de líneas, formas, color e iluminación, el artista puede crear una imagen coherente y convincente que capte la atención del espectador y transmita un mensaje o emoción específica.
3.5- La mancha en la pintura:
Regularmente la mancha en la pintura ha sido un recurso estético y conceptual con un desarrollo evolutivo importante a lo largo de la historia del arte. Desde el uso de pigmentos en las pinturas rupestres hasta las innovaciones del arte contemporáneo, esta ha desempeñado un papel fundamental en la representación visual y la expresión emocional.
Como elemento expresivo, la mancha se convierte en algo propio y visceral de los artistas tal y comolohapuestodemanifiestoJacksonPollockconsutécnicade “dripping”, utilizandolamanca no solo como un elemento visual, sino como una forma de captura del proceso creativo. Según el crítico de arte Harold Rosenberg (1972), Pollock transforma la pintura en una “acción”, donde cada mancha es un testimonio del movimiento del artista. Esta forma de realizar arte sugiere que lamanchatrasciendesufunción decorativayseconvierteenunmedioparaexplorarlasubjetividad y la experiencia del momento.
El uso de la mancha también esta relacionado con la teoría del color. Josef Albers, en su obra “Interaction of Color” (1971), argumenta que las manchas de color pueden alterar la percepción visual del espectador. Las relaciones entre diferentes colores y su disposición generan efectos visuales que pueden evocar emociones diversas. Albers (1971), enfatiza que la mancha no es solo un elemento aislado, sino que interactúa con otros colores y formas para crear una experiencia visual mucho más compleja
En el arte contemporáneo, la mancha sigue siendo un tema relevante. Aristas como Anselm Kiefer y Gerhard Richter, exploran la mancha como símbolo de la memoria y la historia. En obras como “The Secret Life of Plants” (1971), Richter utiliza manchas de pintura para crear una atmósfera de ambigüedad y nostalgia,sugiriendoquela mancha puede serunreflejode lashuellasdel pasado (Richter, 1993). Esta utilización de la mancha se aleja de la mera representación para convertirse en un medio de reflexión sobre la condición humana.
La mancha en la pintura ha sido un recurso permitiendo a los artistas explorar nuevas formas de expresión y comunicación. Desde el informalismo hasta el arte contemporáneo, la mancha ha
evolucionada, tanto en su significado como en la función dentro del arte, convirtiéndose en un elementovital en la construcción de estilosy experienciasestéticas. Al considerar lamancha como un punto de partida para la exploración del color, la emoción y la memoria, se puede apreciar su relevancia en la historia del arte y su capacidad para llamar la atención en los sentidos del espectador.
4.-Para qué lo voy a hacer (intención artística)
El objetivo primario de este proyecto es realizar algunas obras (al menos cinco) para completar el proceso del curso Pictórico IV de la carrera de Artes Plásticas de la UCR en su parte teórica. Adicionalmente se espera alcanzar un conocimiento superior y experto en el manejo de la técnica para posteriormente desarrollar el proyecto de graduación utilizando este procedimiento.
Este último objetivo se vuelve de vital importancia para aspirar a una licenciatura de la carrera de Artes Plásticas con Énfasis en Diseño Pictórico, razón por la cual se hace necesario obtener todo el conocimiento posible para una buena y excelente aplicación de la técnica con miras a posteriormente desarrollar todo un proyecto de pintura capaz de sustentar la base práctica para ganar el título de la licenciatura.
El trabajo, además, busca crear las herramientas necesarias para la aplicación de la técnica mencionada en los apartados anteriores ya que, hasta el momento, pareciera nada ha intentado utilizar esta técnica mas allá de lo que la misma puede generar de manera aleatoria y abstracta, por lo que llevar el desarrollo de la misma a un concepto figurativo y enfocado al paisaje naturalista, reviste un sello de autenticidad e identidad único.
5.- Lectura libro Robar como un artista
Conceptos fundamentales del libro:
a. Roba como un artista: tomar prestadas ideas y elementos de diferentes fuentes y adaptarlos al estilo personal, transformando lo robado y convertirlo en algo nuevo y auténtico.
b. No esperar a descubrir quién eres: explorar y experimentar para descubrir una identidad propia y creativa.
c. Escribirel libro que quieresleer: crear obras que el mismoartista sienta ganas de consumir.
d. Usar las manos: importancia del trabajo manual y la creación física en un mundo cada vez más digital ya que el proceso físico alimenta la creatividad.
e. Proyectos paralelos y hobbies: mantener varios proyectos que no estén relacionados con el trabajo principal que puedan causar inspiración y nuevas ideas.
f. El secreto de la creatividad: la creatividad no es tanto un don sino más bien una habilidad que puede ser cultivada a través de la práctica y la perseverancia.
El libro es una oda a la creatividad, animando al lector y al artista a utilizar la influencia de otros artistas para reforzar su propia identidad artística y ver el arte como un proceso colaborativo en vez de un esfuerzo solitario.
6.- Lectura libro Cómo piensan los artistas
Resumen de principales conceptos del libro:
a. Percepción única del artista: los artistas son observadores agudos. Esto les permite captar matices, texturasyemocionesque otraspersonasnoperciben.Elartista transformalobanal en arte y de esta forma logra conectarse con la audiencia a un nivel más profundo.
b. Proceso creativo como un viaje: el arte parece un producto final, pero en realidad es una creación que define al artista, en donde se han generado incertidumbres, experimentación y hasta fracasos. Estos fracasos han contribuido a generar nuevas oportunidad y crecimiento personal en muchos artistas.
c. Intuición y razonamiento de la creación: los artistas navegan entre estos dos polos en su proceso creativo. La intuición puede servir de motor para impulsar la creación, mientras que el razonamiento sirve para estructurar las ideas. Debe mantenerse un equilibrio entre estos dos elementos para desarrollar una obra.
d. El entorno y la comunidad: los artistas no crean de la nada. Requieren un contexto social, cultural y físico que influya en su trabajo. La relación con otros creadores, la exposición a otras disciplinas y la colaboración, son elementos necesarios para enriquecer la práctica artística. La creatividad es un fenómeno colectivo donde se intercambian ideas y experiencias para convertirlas luego en resultados nuevos e innovadores.
e. La disciplina y la práctica: realmente no hay inspiración súbita, sino que esta nace de una práctica regular y dedicación constante para ir desarrollando habilidades y perfeccionar el arte. Muchos artistas crean rutinas y rituales para mantenerse enfocados y motivado. Con ellos mejoran su técnica y encuentran la confianza necesaria para experimentar y correr riesgos.
f. Reflexiones sobre el arte y la vida: es muy probable que a través de su voy y su propósito, lo artistas encuentren una conexión entre arte y vida. Así, el arte se convierte en su forma de procesar emociones, contar historias y reflexionar sobre el mundo y la condición humana. De esta manera los artistas se humanizan mostrándose no solo como creadores, sino también como personas que buscan conectarse con otros y comunicarse.
El libro busca explorar de manera profunda y accesible la menta creativa del artista, quien, medianteunprocesocreativo,deintuiciónydisciplinageneracreatividad,paraluegollevar su obra a la comunidad buscando un dialogo y una interconexión con la misma.
7.- Referentes visuales:
a. Hellen Frankenthaler. Pintora expresionista abstracta de E.U.
b. Alejandro Villalobos: artista costarricense. Utiliza la pintura industrial en sus trabajos pictóricos. Entrevista con él.
8.- Desarrollo del proyecto
8.1. Logros alcanzados
a.
Formatos pequeños
Para iniciar el proceso se crearon 4 obras en formato pequeño de 20 x 20 cms. con la intención de ir conociendo el uso de la técnica: sus ventajas y desventajas, limitaciones, retos, comportamiento de la pintura sobre el lienzo, las posibilidades reales de mezclar lo aleatorio del proceso con la intencionalidad de crear elementos figurativos, la explotación del paisaje natural mediante este tipo de técnica y cualquier otra situación que pudiese aportar conocimiento al desarrollo del proyecto.
En las imágenes de la No. 1 a la No. 4, se pueden observar los resultados de este primer proceso y de cómo la técnica intervenida mediante aplicaciones manuales directas permite generar composiciones multicolores de paisajes naturalistas.
Imagen No. 1: Crestones del Chirripó. Técnica pintura fluida, 2024
Imagen No. 4: Playa Península de Osa. Técnica pintura fluida, 2024
b. Formatos intermedios:
Se han desarrollado 15obrasenbastidoresde 12por14pulgadas,(30,5por35,5 cms) de lascuales a 3 de ellas les hace falta terminar una parte correspondiente a la intervención manual directa para darleelcarácter figurativo propuesto.Adicionalmente se hancreado4obrasadicionalesdelmismo tamaño, pero en un soporte de tela impregnada sobre cartón, siendo este formato un poco más flexible que el tradicional bastidor. A estas 4 obras les hace falta eventualmente agregar un poco de trabajopara crear la parte figurativa,aunque existe la intencióntambién de dejarlassinesa parte y que la obra se configure con sólo lo que la técnica creó desde la primera vez.
En las siguientes imágenes se pueden apreciar algunos de estos trabajos, tanto de los que están acabados (del No. 5 al 8), los que están el proceso (9 y 10) y los que se hicieron sobre soporte de tela sobre cartón (11 y 12).
Lasobrasenprocesorequierenlapartedelaintervenciónmanual,paralocualesnecesarioprimero que este totalmente seca del proceso previo de la técnica de “pintura fluida” .
Es importante agregar que, de acuerdo con el cronograma de trabajo establecido, las 25 obras propuestas deberían estar terminadas al 100%, por lo que, desde ese punto de vista del calendario de trabajo, hay un retraso en el desarrollo del proyecto. Sin embargo, también dentro del cronograma está prevista una semana de comodín, para ajustar cualquier atraso en el proyecto; así las cosas, este retraso se podrá completar en la semana siguiente y se estaría cumpliendo con la propuesta inicial de crear 25 obras
Imagen No. 5: Árbol en el campo. Técnica pintura fluida, 2024
Imagen No. 10: Playa con palmera (en proceso). Técnica pintura fluida, 2024
Imagen No. 11: Erupción. Pintura fluida en tela sobre cartón, 2024
Imagen No. 12: Tempestad. Técnica pintura fluida en tela sobre cartón, 2024
c. Formatos grandes:
Aunque en el proyecto original no estaba planeado crear obras en formatos grandes, en vista de los resultados positivos obtenidos, se ha decidido hacer al menos 2 obras en formatos un poco más grandes, los cuales ya están casi terminados.
Uno de ellos es en formado de120 cms por 50 cms y corresponde a una medusa, a la cual se incorpora la característica de un color adicional a la paleta inicial correspondiente al color fucsia y con características fosforescente. La intención de agregar este color es para darle mucho realce a la imagen de la medusa que se encuentra sobre un color azul, en su mayoría oscuro.
Un elemento adicional desarrollado y necesario para una obra en este tamaño, fue la creación de una “piscina” lo suficientemente grande para colocar en ella el bastidor sobre el que se trabajaría la medusa. Y pensando en futuros trabajos en donde eventualmente sea necesario utilizar “piscinas” de otros tamaños, se creó una modelo de piscina modular, capaz de poder soportar bastidores desde los 20 cms de lado hasta el más grande que puede ser de 150 cms por 100 cms.
Esta “piscina” está compuesta por 4 barras de madera que forman un rectángulo y las mismas pueden correrse vertical y horizontalmente para aumentar o disminuir su tamaño y adecuarlo al bastidor. En las esquinas tiene unos soportes metálicos y se les colocan unas prensas para sostenerlo. Luego se coloca plástico negro cubriendo las barras y generando el espacio suficiente a manera de una “piscina” para colocar agua y que esta no se derrame y posteriormente sobre esa agua el bastidor e iniciar el proceso de la técnica de pintura fluida como ya se explicó en el reporte inicial.
En la imagenNo 13 puede verse la piscina lista para recibir el bastidor de la medusa yen la imagen No. 14 se muestra cómo va esa obra hasta el momento y aunque le falta un poco de trabajo manual para tener el acabado final, lo que se tiene hasta el momento es una buena muestra para hacerse una idea del desarrollo de este trabajo. También, la imagen No 15 presenta la segunda obra en formato grandes; en este caso de 100 cms por 60 cms.
Imagen No. 13: piscina modular para bastidores de hasta 150 cms por 100 cms
Imagen No. 14: Medusa (en procesos). Técnica pintura fluida, 2024
Como parte de las diferentes posibilidades a experimentar en el uso de esta técnica, se desarrollo una obra utilizando cartón de presentación. Este cartón fue tratado primeramente con geso para darle una mayor consistencia y soporte, especialmente porque el mismo debe ser sumergido totalmente en agua y esto, por ser cartón, puede afectarlo negativamente.
El resultado obtenido es bastante interesante, en especial porque la pintura se adquiere de una manera mucho más pastosa, intensa, brillante y hasta con mezclas de colores muy vistosas.
Sin embargo, aún cuando estaba de alguna manera protegido por el geso, el cartón sufrió algún nivel de deterioro, que no es notable en la parte frontal (donde está la pintura depositada) pero sí en la parte posterior. Es necesario darle un nivel de protección mayor para evitar el deterioro provocado por la gran cantidad de agua que puede absorber el cartón.
El resultado de este trabajo puede verse en la figura No. 16.
Imagen No. 16: Ola. Técnica de pintura fluida sobre cartón, 2024
9.- Conclusiones
Después de realizar varias obras con la técnica de “pintura fluida”, es posible concluir que esta técnica permite desarrollar obras de gran colorido, con ricas texturas, amplia gama de colores provocada por lo técnica misma, aun cuando se use una paleta básica como la usada para el desarrollo de este proceso.
Se requiere cuidado para controlar el agua en la piscina, buscando una forma de utilizar el agua como medio de dispersión de la pintura base aceite para crear las formas deseadas, y manejar la parte manual para lograr una representación mucho más cercana a la imagen y agregar detalles a la parte final del diseño.
Se ha podido determinar también que con esta técnica se pueden desarrollar obras en pequeño formatoyenformatosgrandesconresultadossatisfactorios; nocabeduda de queesuna retomayor trabajar esta técnica en formatos mayores pues las variables a controlar se vuelven mucho más difíciles y hasta aparecen nuevas.
También es posible aplicar esta técnica nosolo sobre bastidores de tela, sino sobre tela con soporte de cartón y sobre cartón mismo. En este último caso, se requiere un tratamiento previo al cartón para impermeabilizarlo y evitar daños por el agua.
En la medida de lo posible y si el tiempo lo permite, se intentará realizar más obras de esta técnica en tamaños grandes para conocer mejor sus particularidades y poder aplicar este aprendizaje a un eventual proyecto de graduación.
10.- Referencias`
Albers, J. (1971). Interation of Color. Yale University Press. London. England.
Arnheim, R. (2008). El pensamiento visual. Barcelona. España. Editorial Paidós.
American Psychological Association. (2020). Publication manual of the American Psychological Association (7th ed.). Consultada en https://doi.org/10.1037/0003-066X.55.1.84
Araya, M. (2008). Francisco Zúñiga: el paisaje y la figura humana. Editorial Universidad de Costa Rica.
Baxandall, M. (2002). Painting and Experience in Fifteenth Century Italy: A Primer in the Social History of Pictorial Style. Oxford. London. England. Oxford University Press.
Berman, M. (1981). El paisaje y la ideología de la naturaleza. Ensayos sobre la pintura de la naturaleza en el siglo XIX. EdicionesAkal.
Bolaños, F. (2005). El paisaje en la pintura costarricense. Editorial Costa Rica.
Carvajal, M. (2010). La pintura de paisaje en Costa Rica: una mirada histórica. Editorial Universidad de Costa Rica.
Chaves, M. (2008). El paisaje en la pintura costarricense del siglo XX. Editorial EUNED.
Chaves, M. (2012). Fausto Pacheco: la luz y el color del paisaje costarricense. Editorial EUNED.
Contreras, C. (2005). Pensar el paisaje. Explorando un concepto geográfico. Trayectorias, 7(17), 57-69.
Gage, J. (1997). Arte y percepción visual: Psicología del ojo creador. Madrid. España. Editorial Debate.
González, A. (2015). La pintura de paisaje en Costa Rica: una aproximación histórica y estética. Editorial Universidad de Costa Rica.
Maduruelo, J. (2005). El Paisaje: génesis de un concepto. 3ra. Edición. Abada Editores. Madrid. España.
Novak, B. (1996). Naturaleza y cultura: la pintura de paisaje yel sentido del lugar. EdicionesAkal.
Richter, G. (1993). Gerhard Richter: ALife in Painting. University of Chicago Press. USA.
Rosenber, H. (1972). The Tradition of the New. Editorial McGraw Hill. USA.
Sáenz, M. (2003). El paisaje en la pintura costarricense del siglo XIX. Editorial Universidad de Costa Rica.
Belghomari, Djamel.(2023). Arte fluido con esmaltes sintéticos. Consultado en: https://www.youtube.com/watch?v=Gd_09ZhOQo4
Miranda, D. (2020). ¿Qué es el pouring? Definición y técnicas. Artemiranda. Madrid. España Consultado en: https://www.artemiranda.es/blog/index.php/que-es-el-pouring-definicion-ytecnicasbasicas/#:~:text=El%20Pouring%20o%20arte%20fluido,un%20lienzo%20u%20otro%20soporte.
Patty AAP. (2019). Base y secretos del arte fluido. Taller Tutorial de Arte Acrílico Líquido Pouring.
