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Mehr unter www.zkb.ch/sponsoring Erleben Sie vom 3. bis 8. November 2015 die 19. Internationalen Kurzfilmtage Winterthur – mit einer Karte der Zürcher Kantonalbank sogar zum Vorzugstarif.

19. Internationalen Kurzfilmtage Winterthur, 3.-8. November 2015

Damit aus kurzen Filmen lange Nächte werden: Wir unterstützen die «Kurzfilmtage Winterthur».

19. K.

Katalog 19. Internationale Kurzfilmtage Winterthur The short film festival of Switzerland 3.–8. November 2015, www.kurzfilmtage.ch


V.V. Viel Vergn端gen. 19. Internationale Kurzfilmtage Winterthur The short film festival of Switzerland


Vorworte Spielplan Dank Wettbewerb Internationaler Wettbewerb I-VII Schweizer Wettbewerb I-III Jury 2015 Preise Wettbewerb Grosser Fokus Arab Encounters – Visions and Realities Arabilicious – Arab Cinema Reloaded Fever through the Night Arab Women: Measuring the World Iraq – Redefining Identities Family Affair – Far from Familiar The Syrian Revolution Will Not Be Televised Basma Alsharif – Nomad Diaries Beirut Video Visions Bhutan/Nepal Land im Fokus Past and Future Dreams and Nightmares Keeping and Breaking Traditions Christoph Girardet & Matthias Müller Person im Fokus The Unconscious of Cinema Haunted by Memories 5 Kurzfilme zum Thema «Im Exil» 5x5x5 ‘Every Picture Comes out Right’: Rare Early Warhol Shorts Einzelprogramme 99 J H E DADA: Im Dialog mit der Gegenwart I & II When I Grow Up I Wanna Be a Gangsta Short Mattters I & II Hot Shorts NIRVANA – Sexperimental Materialism Dismissed – Kill Your Darlings Kinder- und Jugendprogramm Jugendprogramm Zauberlaterne: Kurze für Kleine – Wirklich mutig? Art in Winterthur The Tethered von Sama Alshaibi Quantum. von Flatform Cut von Girardet/Müller Rahmenprogramm Filmgespräche / Podien Musik und Tanz Weiteres Rahmenprogramm Industry Events 8. Schweizer Filmschulentag Producers’ Day Writers’ Room Trailer Trailer 2015 Verzeichnis Namens- und Filmverzeichnis Information Tickets, Lageplan, Allgemeine Infos Team Team 2015 / Impressum

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Forewords Programme Thanks Competition International Competition I-VII Swiss Competition I-III Jury 2015 Awards Main Focus Arab Encounters – Visions and Realities Arabilicious – Arab Cinema Reloaded Fever through the Night Arab Women: Measuring the World Iraq – Redefining Identities Family Affair – Far from Familiar The Syrian Revolution Will Not Be Televised Basma Alsharif – Nomad Diaries Beirut Video Visions Bhutan/Nepal Country in Focus Past and Future Dreams and Nightmares Keeping and Breaking Traditions Christoph Girardet & Matthias Müller Person in Focus The Unconscious of Cinema Haunted by Memories 5 films on «In Exile» 5x5x5 Single Programmes ‘Every Picture Comes out Right’: Rare Early Warhol Shorts 99 YE S DADA: In Dialogue with the Present I & II When I Grow Up I Wanna Be a Gangsta Short Matters I & II Hot Shorts NIRVANA – Sexperimental Materialism Dismissed – Kill Your Darlings Children and Youth Programme Youth Programme Magic Lantern: Shorts for Kids – True Courage? Art in Winterthur The Tethered by Sama Alshaibi Quantum. by Flatform Cut by Girardet/Müller Special Events Film Talks / Panels Music and Dance Further Special Events Industry Events 8th Swiss Film School Day Producers’ Day Writers’ Room Trailer Trailer 2015 Index Index of Names and Films Information Tickets, Map, General Information Team Team 2015 / Imprint

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Grusswort Die arabische Welt steht im Grossen Fokus der diesjährigen Ausgabe der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur. Einen relevanteren Schwerpunkt hätte das Festival kaum wählen können. Der arabische Raum ist nicht nur von unvergleichlicher Vielfalt – er befindet sich auch seit einigen Jahren in einem langen gesellschaftlichen und politischen Umwälzungsprozess. Derzeit leidet die Bevölkerung in Teilen der Region unter einer der grössten humanitären Krisen unserer Zeit. Die Schweiz steht ihren Partnerländern bei dem schwierigen Übergang zu Stabilität und Demokratie zur Seite und leistet humanitäre Hilfe für besonders verwundbare Bevölkerungsgruppen, die direkt von den Konflikten betroffen sind. Dieses Engagement der Schweiz wurde 2011 verstärkt und wird auch in den nächsten Jahren eine sehr hohe Priorität haben. Welche Rolle spielt der Kurzfilm in einem solchen Kontext? Ich sehe gleich mehrere. Als Ausdrucksmittel ermöglicht er den Filmemacherinnen und Filmemachern der betreffenden Länder zunächst einen persönlichen und authentischen Blick auf den Alltag in ihrer Region. Dank seinem kurzen Format eignet er sich gut als Seismograph, der die Erschütterungen der gegenwärtig ausgelösten Entwicklungen abbildet. Wie ein Spiegel richtet sich jeder Film in erster Linie an das Publikum in der arabischen Welt. Finden diese Werke internationale Verbreitung, ermöglichen sie einen unabhängigen Blick, jenseits der durch die internationalen Medien geprägten Wahrnehmung. Der Kurzfilm erlaubt damit Filmschaffenden und Publikum, sich mit dem gesellschaftlichen Wandel, der im Zentrum jeder demokratischen Transition steht, auseinanderzusetzen und daran teilzunehmen. Diese Aufgabe des Kurzfilms ist selbstverständlich nicht auf die arabische Welt beschränkt. Der andere Fokus der Kurzfilmtage, der dem Filmschaffen in Bhutan und Nepal gewidmet ist, zeigt dies auf eindrückliche Weise. In beiden Ländern engagiert sich die DEZA seit längerem für demokratische Reformen, die Wahrung der Menschenrechte und die Teilnahme der Zivilgesellschaft an der öffentlichen Diskussion und an Entscheidungsprozessen. Das (Wieder-)Aufleben eines unabhängigen Filmschaffens ist in dieser Hinsicht zu begrüssen, und ich freue mich, dass die Arbeit der Filmschaffenden aus Bhutan und Nepal in Winterthur gewürdigt wird.

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Die DEZA unterstützt die Internationalen Kurzfilmtage Winterthur seit zehn Jahren, um Filmschaffenden aus den Ländern des Südens und Ostens den Zugang zum Publikum, zum Markt und zu den internationalen professionellen Netzwerken zu erleichtern, auf die sie für ihre Arbeit angewiesen sind. Wir freuen uns, auf das engagierte und professionelle Team der Kurzfilmtage zählen zu dürfen, damit dieser Zugang ermöglicht wird. Allen Mitwirkenden sei an dieser Stelle herzlich gedankt. Den Filmschaffenden, die in Winterthur zu Gast sein werden, wünsche ich bereichernde Erlebnisse und Begegnungen rund um ihre Werke und dem Publikum eine Fülle neuer Einblicke! Manuel Sager, Direktor, Direktion für Entwicklung und Zusammenarbeit DEZA

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Greetings In 2015 the Internationale Kurzfilmtage Winterthur short film festival directs its gaze at the Arab world. The festival couldn’t have picked a focus with greater relevance. Several years ago this extraordinarily diverse region embarked on a long journey of social and political transformation. Today, many people in the Arab world are directly caught up in some of the worst humanitarian crises of our time. Switzerland is working alongside its partner countries in their difficult transition to stability and democracy, and providing humanitarian assistance to the most vulnerable people directly affected by conflict. These efforts – reinforced in 2011 – will remain one of our main priorities in the years to come. What role does the short film play in a context like this? I can see several. As a means of expression, it allows film-directors in the countries affected to cast their original perspective on daily events – past and present – in their society. The short format makes it ideal for reflecting the fits and starts of the ongoing transformation. Each film is a mirror, intended mainly for audiences in the Arab world. On international screens the films offer an independent perspective that adds to the portrayals in the international media. In this way, the short film allows both filmmakers and audiences to understand and take part in the social transformation that is at the core of any democratic transition. This role of the short film is of course not unique to the Arab world. The cinema of Bhutan and Nepal – the other focus of the short film festival – is firm proof. In both countries, SDC has been working for many years supporting democratic reform, respect for human rights, and civil society’s participation in public debate and decision-making. The (re)birth of independent cinema is a welcome development in this sense, and I am delighted that the work of filmmakers from Nepal and Bhutan is being showcased in Winterthur. SDC has supported the Internationale Kurzfilmtage Winterthur for 10 years with the aim of helping filmmakers from countries in the South and the East reach the audiences, markets and international professional networks they need to feed and accomplish their projects. We are delighted to be able to count on a team as committed and professional as that of the Kurzfilmtage

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to make this access possible and I would like to warmly thank everybody involved in making the festival a success. I wish the filmmakers invited to Winterthur a festival full of rewarding encounters for their vital work and the public a unique opportunity to discover fresh perspectives. Manuel Sager, Director-General, Swiss Agency for Development and Cooperation SDC

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Liebe Freundinnen und Freunde des Kurzfilms liebe Filmschaffende, Als am 14. November 1997 im Saal der Alten Kaserne das Licht ausging, lief als erster Beitrag der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur «Und tschüss», ein fünfminütiger Kurzfilm von Walter Feistle und Stefan Schneider. Im Film ist − in einer einzigen Einstellung und mit fast ununterbrochen bewegter Kamera − ein Reigen junger Verliebter zu sehen, die am Bahnhof stehen und einander Lebewohl sagen. Damals fanden während des gesamten Festivals bereits beachtliche 750 Kurzfilmfans den Weg in den improvisierten Kinosaal. Für die Kurzfilmtage war dieser Abend denn auch keineswegs ein Abschied, sondern der Beginn einer Erfolgsgeschichte. Heute locken die Kurzfilmtage jährlich Tausende von Cineasten nach Winterthur und haben aus unserer Stadt die Schweizer Kapitale des Kurzfilms gemacht. Seit November 2014 stehen die Kurzfilmtage zudem auf der OSCAR®-Liste, dem Verzeichnis der «Short Films Qualifying Festival List» der Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Das heisst, die Gewinnerfilme des Schweizer und des Internationalen Wettbewerbs sind nominationsberechtigt für den populärsten aller Filmpreise. Die Kurzfilmtage sind damit nicht nur das bedeutendste Kurzfilmfestival der Schweiz, sondern nun auch international in der obersten Liga angekommen. Sie sind zugleich ein anerkanntes Kompetenzzentrum, einer der Höhepunkte im Kalender der Kulturstadt und ein über die Landesgrenzen hinaus wahrgenommenes Schaufenster für die Stadt Winterthur. Wir sind stolz auf diesen Erfolg der Kurzfilmtage und freuen uns sehr, dass uns auch an der 19. Ausgabe des Festivals ein facettenreiches und mutiges Programm geboten wird. Kern der Kurzfilmtage sind der Internationale und der Schweizer Wettbewerb. Aber das Festival bietet viel mehr als Preise und Premieren: Im Projekt 5x5x5 erarbeiten zum zweiten Mal in der Geschichte des Festivals 5 Filmschaffende aus Krisengebieten während eines 5-wöchigen Aufenthalts in Winterthur 5 Kurz-Dokumentarfilme zum Thema «Im Exil». Der Grosse Fokus 2015 heisst Arab Encounters – Visions and Realities. Er umfasst acht Programmblöcke, die uns Einblicke in den arabischen Kurzfilm für ein arabisches Publikum präsentieren. Sie setzen sich mit Tradition, Umbruch und Aufbruch in der arabischen Welt auseinander oder erzählen uns Lebens-, Leidens- und Liebesgeschichten von Menschen im arabischen Raum. In der Sektion Land im Fokus blicken die Kurzfilmtage noch weiter in die Ferne − auf das Film-

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schaffen in Bhutan und Nepal. Neben weiteren kuratierten Programmen bieten die Kurzfilmtage mit dem Angebot für Jugendliche und dem Programm Kurze für Kleine: Wirklich mutig? auch den jüngeren und ganz jungen Festivalbesucherinnen und -besuchern beste Unterhaltung und vermitteln Einblicke in die Welt des Kurzfilms. Abgerundet wird das Festival durch ein Rahmenprogramm mit Podiumsgesprächen, Spezialveranstaltungen und Konzerten. Im Namen des Stadtrates von Winterthur wünsche ich Ihnen viel Vergnügen beim Besuch des Festivals sowie bei Ihren Streifzügen durch die Kurzfilmund Kulturstadt Winterthur. Michael Künzle Stadtpräsident

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Dear friends of the short film Dear filmmakers When the lights went out at Alte Kaserne on November 14, 1997, the first film screened at the Short Film Festival Winterthur was «Und tschüss», a five-minute short by Walter Feistle and Stefan Schneider. Filmed in one take with an almost constantly moving camera, the film is a sort of dance of young lovers saying their goodbyes at a train station. That year, a considerable number of short film fans – about 750 – found their way into the improvised movie theatre throughout the festival. For the Short Film Festival, this evening was by no means a good bye, but the beginning of success story. Today, the festival attracts thousands of film buffs year after year, turning Winterthur into the Swiss capital of short film. Since November 2014, the festival has also been on the OSCAR® list, the «Short Films Qualifying Festival List» of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences. This means that the winners of the Swiss and International Competitions automatically qualify for nomination consideration for the most popular of all film awards. Thus, the Short Film Festival is not only the most significant one in Switzerland, but has reached the top league internationally. At the same time, it is an established centre of excellence, one of the highlights in the city’s cultural calendar, and a showcase for the city of Winterthur that is muchnoted well beyond the country’s borders. We are very proud of the festival’s success and looking forward to the 19th festival edition, which once again promises a multifaceted and bold programme. While the International and Swiss Competitions are the core programmes, the festival offers a lot more than awards and premieres: in the second edition of the project 5x5x5, 5 filmmakers from conflict areas create 5 short documentaries on the topic «In Exile» during a 5-week stay in Winterthur. The Main Focus of 2015 is entitled «Arab Encounters – Visions and Realities». It consists of eight programmes giving insight into Arab short films produced for an Arab audience, dealing with tradition and change in the Arab world or telling stories of living, loving, and suffering in the region. In the Country in Focus section, the festival looks to even more distant lands, to filmmaking in Bhutan and Nepal. Apart from other curated programmes, the screenings for teenagers and the programme «Short for Kids: True Courage?» offer entertainment and an introduction to the world of shorts to the young and

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youngest spectators. A series of specials including panel discussions, special events, and concerts rounds off the festival. In the name of the Winterthur city council, I wish you a wonderful time visiting the festival and exploring the cinematic and cultural city of Winterthur. Michael K端nzle Mayor

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Editorial 2015 Es ist keine neue Erkenntnis, dass von den Filmen, die an den 19. Internationalen Kurzfilmtagen Winterthur gezeigt werden, nur wenige den Weg in die Kinos finden. Umso wichtiger scheint deshalb unsere Rolle, leisten die Kurzfilmtage doch einen wesentlichen Beitrag zur Angebotsvielfalt und damit zur Filmkultur in der Schweiz. Auch die diesjährige Festivalausgabe hat sich dem Ziel verschrieben, diesem Anspruch gerecht zu werden. Wir laden Sie deshalb ein, mit unserem Internationalen und Schweizer Wettbewerb in das aktuelle Kurzfilmschaffen und damit in das Leben von Filmemachern aus aller Welt einzutauchen. Mit unseren Fokusprogrammen beleuchten wir gleich drei umfangreiche Themenkomplexe. Im Grossen Fokus: Arab Encounters – Visions and Realities richten wir mit acht Programmen den Blick auf die arabische Welt. Ein facettenreiches Panoptikum, das statt einer repräsentativen Übersicht über die lange Geschichte des arabischen Films die Vielseitigkeit des arabischen Raums zeigt. Die drei Programme im Land im Fokus: Bhutan/Nepal geben Einblick in das filmische Schaffen zweier Länder, die von starken politischen Veränderungen geprägt sind. Die Sektion Person im Fokus: Christoph Girardet & Matthias Müller führt uns vor, wie Filme funktionieren, wie sie mit unserer Wahrnehmung und unseren Emotionen spielen. Daneben zeigen wir sorgfältig kuratierte Einzelprogramme: Etwa zu Andy Warhol und seinen ersten filmischen Werken, zu 99 J H E Dada und damit zum Auftakt des grossen Jubiläums im Jahr 2016, mit When I Grow Up I Wanna Be a Gangsta zu Gangstern in der Filmgeschichte oder zu Nirvana – Sexperimental Materialism und damit dem Spektrum an Materialien, die für die Erfüllung von erotischen Fantasien verwendet werden. Mit dem Projekt 5x5x5 drehten 5 Regisseurinnen und Regisseure aus der Ukraine, Russland, Syrien, Palästina und Israel zum Thema «Im Exil» während den letzten 5 Wochen vor dem Festival 5 kurze Dokumentarfilme über die Region Winterthur und ihre Menschen, welche im Rahmen dieser Festivalausgabe Weltpremiere feiern. Unserem wichtigsten Ziel werden wir auch dieses Jahr treu bleiben, nämlich der Vermittlung des Kurzfilms in all seinen Facetten: So freuen wir uns etwa auf die zweite Durchführung des letztjährig lancierten Writers’ Room, welcher

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das Angebot für professionelle Filmschaffende nebst dem langjährigen Producers’ Day und dem Schweizer Filmschulentag ergänzt. Mit der Stärkung des Projekts Kurzfilme im Unterricht über zahlreiche Expertenbesuche im Schulunterricht. Sowie auf zahlreiche Filmgespräche, Podien und inspirierende Diskussionen unter Filmemachern und mit dem Publikum. All dies wäre nicht möglich ohne die tatkräftige Unterstützung all unserer Partner und Freunde, ohne den unermüdlichen Einsatz unseres Teams, zahlreicher engagierter Helfer und natürlich ohne Sie alle, unsere Besucherinnen und Besucher – vielen herzlichen Dank. Ich wünsche uns allen einen bereichernden Filmgenuss, spannende Begegnungen und lade Sie ein, sich auf Neues und Ungewohntes einzulassen. Remo Longhi Kaufmännischer Leiter der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur

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Editorial 2015 That only a few of the films shown at the 19th International Short Film Festival Winterthur will find their way into regular cinemas is not a new insight. All the more important is the role we play in contributing to the diversity of film culture in Switzerland. Once again, our festival is fully committed to fulfilling this responsibility. With our Swiss and International Competitions, we invite you to immerse yourself in contemporary short filmmaking and thus in the lives of filmmakers from around the world. With our focus programmes, we highlight three broad and varied themes. In the Main Focus: «Arab Encounters – Visions and Realities», we look at the Arab world in a total of eight programmes. A multifaceted panorama, showing the versatility of the Arab world, rather than a representative overview of a century of Arab film history. The three programmes of the Country in Focus: «Bhutan/Nepal» give insight into the film scenes of two countries experiencing radical political change. The section Person in Focus: «Christoph Girardet & Matthias Müller» demonstrates how movies work, how they play with our perception and our emotions. In addition, we screen carefully curated individual programmes, for instance about Andy Warhol and his first cinematic works, about «99 YE S of Dada» (anticipating next year’s big anniversary), about gangsters in «When I Grow Up I Wanna Be a Gangsta», or about the range of materials used for fulfilling erotic fantasies in «Nirvana – Sexperimental Materialism». In the project 5x5x5, 5 directors from Ukraine, Russia, Syria, Palestine, and Israel spent the 5 weeks before the festival shooting 5 short documentaries on the topic «In Exile» about the Winterthur area and its people. The films will have their world premiere at the festival. Our main goal is again to present and facilitate access to short film in all its facets. We are very happy about this year’s second edition of the Writers’ Room, launched last year as yet another offering for film professionals, in addition to the longstanding Producers’ Day and the Swiss Film School Day. The project «Short Films in Class» is also growing, with many school visits by film experts. And we are looking forward to numerous film talks, panels, and inspiring discussions among and between filmmakers and the audience.

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None of this would be possible without the active support of all our partners and friends, the tireless efforts of our team, countless committed volunteers, and, of course, all of you, our visitors and audience – thank you! I wish you and all of us rewarding movie moments and exciting encounters, and I invite you to let yourself in for the new and unfamiliar. Remo Longhi Managing Director of Internationale Kurzfilmtage Winterthur

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Tuesday 3.11.

Wednesday 4.11.

20:00 90' Opening Programme Theater Winterthur 21:30 Opening Night with DJ Pirx Foyer Theater Winterthur p. 264, 268

10:00 83' Youth Programme** Casino Theatersaal p. 243 14:00 85' International Competition V*** Casino Theatersaal + Q&A p. 29 16:30 84' Main Focus: Arab Women: Measuring the World Casino Theatersaal p. 93 17:00 87' International Competition II Theater Winterthur + Q&A p. 29 17:00 84' When I Grow Up I Wanna Be a Gangsta Casino Festsaal p. 207 18:30 30' Radio Stadtfilter Talk Foyer Theater Winterthur p. 265, 269 18:30 45' Behind the Scenes Foyer Casinotheater p. 265, 269 19:30 82' International Competition III Casino Theatersaal + Q&A p. 29 20:00 83' Swiss Competition I Theater Winterthur + Q&A p. 55 20:00 88' Main Focus: Iraq – Redefining Identities Casino Festsaal + Q&A p. 99 21:00 DJ Rastapopoulos Project Festival Bar at Casinotheater p. 264, 268 22:00 83' International Competition I Casino Theatersaal p. 29

International Competition Swiss Competition Main Focus: Arab Encounters – Visions and Realities Country in Focus: Bhutan/Nepal Person in Focus: Christoph Girardet & Matthias Müller Single Programmes Shorts for Kids & Youth Programme Swiss Film School Day Nocturne Cinema Nostalgia – Long Live the Analogue Cinema! Industry Events Special Events Opening Programme and Award Ceremony

*6 Years, **12 Years, ***18 Years

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Thursday 5.11.

Friday 6.11.

10:00 67' The Magic Lantern: Shorts for Kids* Casino Theatersaal p. 249 11:00 140' 8th Swiss Film School Day: HEAD & ECAL Casino Festsaal p. 271 14:00 83' Youth Programme** Casino Theatersaal p. 243 14:30 90' International Competition VII Theater Winterthur + Q&A p. 29 14:30 120' 8th Swiss Film School Day: HSLU Video & Animation Casino Festsaal p. 271 16:30 88' Main Focus: Family Affair – Far from Familiar Casino Theatersaal p. 107 16:50 70' 8th Swiss Film School Day: ZHdK Casino Festsaal p. 271 17:00 82' International Competition III Theater Winterthur + Q&A p. 29 18:30 30' Radio Stadtfilter Talk Foyer Theater Winterthur p. 265, 269 18:30 45' Behind the Scenes Foyer Casinotheater p. 265, 269 19:30 86' Swiss Competition II Casino Theatersaal + Q&A p. 55 20:00 87' International Competition II Theater Winterthur + Q&A p. 29 20:00 80' Hot Shorts Casino Festsaal p. 225 20:30 87' Main Focus: Fever Through the Night Kino Cameo + Q&A p. 87 20:30 30' 8th Swiss Film School Day: Award Ceremony Festival Bar at Casinotheater p. 271 21:00 30' Missue (Showcase) Festival Bar at Casinotheater p. 264, 268 21:30 Winti DJ Night with Radio Stadtfilter and OnThur Festival Bar at Casinotheater p. 264, 268 22:00 88' International Competition VI Casino Theatersaal p. 29 22:30 82' Main Focus: Arabilicious – Arab Cinema Reloaded Casino Festsaal p. 79

10:00 Producers’ Day 2015 Alte Kaserne Winterthur p. 283 10:00 67' The Magic Lantern: Shorts for Kids* Casino Theatersaal p. 249 11:30 86' International Competition IV Theater Winterthur + Q&A p. 29 11:30 81' Main Focus: The Syrian Revolution Will Not Be Televised Casino Festsaal p. 115 14:00 Producers’ Day 2015: Symposium «Cinéma engagé» Alte Kaserne Winterthur p. 283 14:00 83' Youth Programme** Casino Theatersaal p. 243 14:30 88' International Competition VI Theater Winterthur + Q&A p. 29 14:30 70' 99 YE S OF DADA: In Dialogue with the Present I Casino Festsaal p. 193 16:30 88' Main Focus: Iraq – Redefining Identities Casino Theatersaal + Q&A p. 99 17:00 90' International Competition VII Theater Winterthur + Q&A p. 29 17:00 84' Main Focus: Arab Women: Measuring the World Casino Festsaal p. 93 18:30 82' Country in Focus: Past and Future Kino Cameo + Q&A p. 145 18:30 30' Radio Stadtfilter Talk Foyer Theater Winterthur p. 265, 269 18:30 45' Behind the Scenes Foyer Casinotheater p. 265, 269 19:30 88' Swiss Competition III Casino Theatersaal + Q&A p. 55 20:00 83' International Competition I Theater Winterthur + Q&A p. 29 20:00 82' Main Focus: Arabilicious – Arab Cinema Reloaded Casino Festsaal p. 79 20:30 84' Short Matters I Kino Cameo p. 213 21:00 30' Coucou Makes Movies without Images Festival Bar at Casinotheater p. 265, 269 22:00 85' International Competition V*** Casino Theatersaal + Q&A p. 29 22:00 60' Nkelo (live) Festival Bar at Casinotheater p. 264, 268 22:30 83' Swiss Competition I Theater Winterthur p. 55 22:30 84' When I Grow Up I Wanna Be a Gangsta Casino Festsaal + Q&A p. 207 23:00 Grüter & Bürgin (Rosapony/SRF Virus) Festival Bar at Casinotheater p. 264, 268

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Saturday 7.11.

Sunday 8.11.

10:00 Writers’ Room 2015 Alte Kaserne Winterthur p. 287 11:00 87' International Competition II Casino Theatersaal + Q&A p. 29 11:30 90' Masterclass: Girardet/Müller Casino Festsaal p. 262, 266 14:00 86' International Competition IV Casino Theatersaal + Q&A p. 29 14:00 90' Panel: The Future of Short Film Hotel Krone p. 262, 266 14:30 90' International Competition VII Theater Winterthur + Q&A p. 29 14:30 81' Person in Focus: The Unconscious of Cinema Casino Festsaal p. 169 15:00 30' Coucou Makes Movies without Images Festival Bar at Casinotheater p. 265, 269 16:30 88' Swiss Competition III Casino Theatersaal + Q&A p. 55 17:00 90' 5x5x5 Theater Winterthur + Talk p. 177 17:00 78' Main Focus: Basma Alsharif – Nomad Diaries Casino Festsaal + Talk p. 125 17:30 45' Book Presentation and Performance: ultrashort I reframed Foyer Theater Winterthur p. 262, 266 18:30 30' Radio Stadtfilter Talk Foyer Theater Winterthur p. 265, 269 18:30 45' Behind the Scenes Foyer Casinotheater p. 265, 269 19:30 82' International Competition III Casino Theatersaal + Q&A p. 29 19:30 85' Country in Focus: Dreams and Nightmares ZHAW Architekturhalle + Q&A p. 151 20:00 86' Swiss Competition II Theater Winterthur + Q&A p. 55 20:00 88' Main Focus: Family Affair – Far from Familiar Casino Festsaal + Q&A p. 107 20:30 86' Short Matters II Kino Cameo p. 213 21:30 30' Zebra (Showcase) Festival Bar at Casinotheater p. 264, 268 22:00 83' International Competition I Casino Theatersaal p. 29 22:00 180' NIRVANA – Sexperimental Materialism / Dismissed – Kill Your Darlings (break incl.) ZHAW Architekturhalle p. 231, 237 22:30 85' International Competition V*** Theater Winterthur + Q&A p. 29 22:30 78' Main Focus: Beirut Video Visions Casino Festsaal + Talk p. 133 22:30 The Three Merry Bears Festival Bar at Casinotheater p. 264, 268

10:00 67' The Magic Lantern: Shorts for Kids* Casino Theatersaal p. 249 11:00 86' International Competition IV Theater Winterthur + Q&A p. 29 11:30 87' Main Focus: Fever Through the Night Casino Festsaal + Q&A p. 87 12:00 81' Person in Focus: Haunted by Memories Casino Theatersaal p. 173 12:30 60' Panel: Filmmaking in Bhutan and Nepal Foyer Theater Winterthur p. 262, 266 14:00 88' International Competition VI Theater Winterthur + Q&A p. 29 14:30 80' Country in Focus: Keeping and Breaking Traditions Casino Theatersaal + Q&A p. 157 14:30 64' 99 Y E S OF DADA: In Dialogue with the Present II Casino Festsaal + Talk p. 193 17:00 81' Main Focus: The Syrian Revolution Will Not Be Televised Casino Theatersaal + Talk p. 115 17:00 52' ‘Every Picture Comes out Right’: Rare Early Warhol Shorts Casino Festsaal + Talk p. 185 19:00 150' Award Ceremony and Best Of Programme Theater Winterthur 21:30 Living Room Party Festival Bar at Casinotheater p. 264, 268

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Dank / Thanks Wir danken für die finanzielle und materielle Unterstützung: Hauptsponsorin / Main partner

Medienpartner / Media Partners

Co-Partner

Öffentliche Hand / Public Authorities

Kanton Nidwalden Kanton Obwalden Kanton Schwyz Kanton St. Gallen Kanton Thurgau Kanton Wallis Kanton Zug Partner / Partners Canon cinegrell gmbh Corpmedia Die Grüne Fee

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Einsiedler Bier FedEx HEUBERGER - Weine & Gewürze Hutter Dynamics AG Jingle Jungle Tonstudios Kino Xenix La Semeuse SA Reseda SBB CFF FFS Stadtbus Winterthur Stadtwerk Winterthur Starticket Swisscom traktorgetraenke.ch Tweaklab Zürcher Verkehrsverbund Medienpartner / Media Partners WOZ Die Wochenzeitung Cineman Art-tv.ch Radio Stadtfilter Coucou – Kulturmagazin Winterthur Daily Movies 451° F Kommunikationspartner / Promotion Partners publisuisse APG I SGA Propaganda Winterthur Tourismus Stiftungen / Trusts Ars Rhenia Avina Stiftung Ernst Göhner Stiftung Johann Jacob Rieter-Stiftung Kulturstiftung Winterthur Oertli-Stiftung Prof. Otto Beisheim Stiftung S. Eustachius-Stiftung SSA – Kulturfonds der Schweizerischen Autorengesellschaft Suissimage – Schweizerische Genossenschaft für Urheberrechte an audiovisuellen Werken SWISSPERFORM Volkart Stiftung Technikpartner Baranday Dataquest Digital Store GmbH


Dr. W.A.Günther MediaRent HireBackline.com Schweizer AG Spielstellenpartner / Partner Venues Casinotheater Winterthur Theater Winterthur Kino Cameo Alte Kaserne Kulturzentrum Sorell Hotel Krone ZHAW Architekturhalle Hotelpartner / Accomodation Partners Park Hotel, Winterthur Hotel Banana City, Winterthur Bed & Breakfast Bagels, Winterthur Hostel Depot 195, Winterthur Sorell Hotel Krone, Winterthur Hotel Loge, Winterthur Hotel Wartmann, Winterthur Programmpartner / Programme Partners FOCAL SWISS FILMS Arsenal – Institut für Film- und Videokunst e.V., Deutschland Cabaret Voltaire, Zürich Claire Henry, The Andy Warhol Film Project, USA Ecole cantonale d’art de Lausanne Embassy of the United States Bern European Film Academy, Deutschland Flatform, Italien/Deutschland Fotomuseum Winterthur german films, Deutschland Gewerbemuseum Winterthur Haute école d’art et de design Genève Hochschule Luzern – Design & Kunst Ivana Lalovic, Schweden Jasmin Basic, Genf Langfilm / Bernard Lang AG, Freienstein Maike Mia Höhne, Deutschland Olivier Zobrist, Langfilm OnThur, Winterthur Radio Stadtfilter, Winterthur Sama Alshaibi, Irak Seminar für Filmwissenschaft der Universität Zürich Swiss Arab Network, Zürich Tom Kalin, USA TorinoFilmLab, Italien Zürcher Hochschule der Künste ZHdK Die Zauberlaterne, Genf

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Förderer / Promoters Arba Bioplan Genossenschaft, Winterthur art.I.schock GmbH, Zürich Christian Aus der Au, Winterthur Marietta Barman, Zürich Ursula Dobler und H.-J. Germann, Bauma Nicolas Galladé, Winterthur Headstand LLC, Wollerau Isler Architekten AG, Winterthur Antoinette Juchler, Winterthur Planforum GmbH, Winterthur Bernhard und Greti Schaffner-Aebi, Basel Christian Schaffner, Zürich Silvia Schaffner, Rheinfelden Sotronik GmbH, Winterthur Margrit Tröhler, Zürich Thomas und Francesca Wels, Oberrieden Zürichparis AG, Zürich Gönner / Benefactors Kathrin Bänziger, Winterthur Marlise Bänziger, Winterthur Clemens Baschung, Olten Andreas Baumgartner, Winterthur Francesca Baviera, Zürich Rolf Benz, Winterthur Heinrich Boner, Klosters Eliane Brown, Winterthur Maria-Theresia Bühler-Dormann, Zürich Maureen Canciani, Minusio Sandra Di Salvo, Winterthur Walter Peter Dietrich, Winterthur Jacqueline Engler, Winterthur Jacqueline Fehr, Winterthur Emanuel Feusi, Steinhausen Brigitta Fiechter, Zürich Silvio Foscan, Winterthur Marcel Frehner, Zürich Peter Fritzsche, Winterthur Daniel Fuchs, Zürich Franziska Gohl, Winterthur Christian Götz, Winterthur Regula Hauser, Zürich Ralph Henn, Rämismühle Sabina Hubacher, Zürich Reto Huwiler, Winterthur Angela Jäger, Winterthur Eliane Kreuzer, Winterthur Myrtha Lanz, Winterthur Cécile Ledergerber, Zürich Beatrice und Carlo Longhi, Stansstad


Lena Martina Mader, Zürich Elisabeth Mundwiler, Winterthur Marianne Ott, Winterthur Rainer Ott, Winterthur Franz Riklin, Volketswil Werner Rüegg, Winterthur Christine + Heinz Schafroth, Winterthur Carlo Schmid, Oerlingen Christian Schröckel, Winterthur Claudia Sedioli Maritz, Winterthur Simon Spiegel, Zürich Rudolf Staub, Moosseedorf Christine Staub, Moosseedorf Martin Stauch, Winterthur Dorothea Streckeisen, Pfungen Evelyne Tanner, Zürich Hans-Jakob Tobler, Winterthur Peter Vögele, Zug Adelheid Walser-Marty, Amriswil Andreas Wälti, Zürich Marcel Weidmann, Winterthur Daniel Weiss, Zürich Sandra und Thomas Widmer-Sichler, Winterthur Dorina Wohlgemuth, Winterthur Institutionen und Firmen / Institutions and Companies AG Kurzfilm, Deutschland Agencia – Portuguese Short Film Agency, Portugal Animateka International Animated Film Festival, Slowenien Berlinale Shorts, Deutschland Bidayyat, Libanon British Council, England Brussels Short Film Festival Cinébulletin, Lausanne Curtas Vila do Conde, Portugal Dazoo Film and Media Ltd., Ungarn Diagonale, Österreich DokuFest Prizren, Kosovo Du – Das Kulturmagazin, Zürich Edinburgh International Film Festival, Schottland EMAF Osnabrück, Deutschland Encounters Short Film and Animation, England EYE Film Institute Netherlands, Holland Fantoche, Baden Festival de cinéma de la ville de Québec, Kanada Festival européen du film court Brest, Frankreich Festival International du Court Métrage à Clermont-Ferrand, Frankreich Festival Internazionale del Film Locarno, Locarno FIFF Festival International de Films de Fribourg, Freiburg Film-Festivals.ch, Schweiz

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Filmbulletin, Winterthur Filmstelle VSETH, Zürich Fotomuseum Winterthur, Winterthur Freiluftkino Filmfluss, Zürich Genossenschaft Dreieck, Zürich Gewerbemuseum Winterthur Gewerbepolizei, Winterthur Glasgow Short Film Festival, Schottland Go Short International Film Festival Nijmegen, Holland IG Rote Fabrik, Zürich imagineNATIVE Film + Media Arts Festival, Kanada Indielisboa, Portugal Internationaal Kortfilmfestival Leuven, Belgien International Film Festival Rotterdam, Holland Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Deutschland Internationale Kurzfilmwoche Regensburg, Deutschland Internationales KurzFilmFestival Hamburg, Deutschland Jeonju International Film Festival, Republik of Korea Kino Cameo, Winterthur Kino Nische, Winterthur Kino Xenix, Zürich KMU-Gewerbeverband, Winterthur Kratkofil International Short Film Festival, Bosnien und Herzegowina Kunstachse Bern, Bern Light Cone, Frankreich London Short Film Festival, England LUFF Lausanne Underground Film & Music Festival, Lausanne LUX artists’ moving image, Grossbritannien Maximage, Zürich Moods, Zürich Museum für Kommunikation Bern, Bern Musikfestwochen, Winterthur Neugass Kino AG, Zürich New Horizons International Film Festival, Polen NIFFF Neuchâtel International Fantastic, Neuenburg Nordisk Panorama, Schweden Norwegian Film Institute, Norwegen OnCurating, Zürich One Minute Film & Video Festival, Aarau Pantalla Latina, St. Gallen Prague Short Film Festival Regard sur le court métrage, Saguenay, Kanada Rwanda Film Festival, Rwanda Saiten Kulturmagazin, St. Gallen Sarajevo Film Festival, Bosnien und Herzegowina Schüren Verlag, Deutschland Schweizer Filmakademie, Zürich Schweizer Jugendfilmtage, Zürich Shnit International Short Film Festival, Bern Short Waves Festival, Poland


SND Films, Holland SODEC Société de développement des entreprises culturelles Solothurner Filmtage, Solothurn SPOT MEDIA GmbH, Horgen Stadtmuur Café, Winterthur Standortförderung Region Winterthur Swedish Film Institute, Schweden Tampere Film Festival, Finnland Trigon Film, Ennetbaden umsetzerei.ch, Winterthur uniFrance films, Frankreich Uppsala Internationella Kortfilmfestival, Schweden Video Data Bank, USA VideoEx, Zürich VIS Vienna Independent Shorts, Österreich Visions du Réel, Nyon Zürcher Filmstifung, Zürich Zurich Film Festival, Zürich Trailerkinos / Trailer cinemas Wir danken den Partnerkinos von Publicitas Cinecom für die Ausstrahlung unseres Trailers. Weitere Trailerkinos / Further Trailer Cinemas Chinoworb GmbH, Worb Kinepolis AG, Schaffhausen Kino Cameo, Winterthur Kino in der Gems, Singen Kinok Cinema in der Lokremise, St. Gallen kult.kino atelier, Basel kult.kino camera, Basel Movies and More GmbH, Bülach Nachtlicht Media, Burgdorf youcinema AG, Olten Personen / Individuals Herzlichen Dank an alle, die unser Festival mit Ihrer Hilfe und Ihrem Wissen unterstützen Thanks to all that support our festival with their help and knowledge Reto Abderhalden, Stadtbus Winterthur, Winterthur Jad Abi-Khalil, Beirut DC, Libanon Nadine Adler Spiegel, Migros Kulturprozent, Zürich Pierre Agthe, FOCAL, Lausanne Geith Al-Amine, Libanon Bruno Allmendinger, Sulzer-Stiftung Winterthur, Winterthur Basma Alsharif, USA Sahar Amer, Professor and Chair of Arabic Language and Cultures, University of Sydney, Australien Thomas Anwander, Johann Jacob Rieter-Stiftung, Winterthur

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Ali Atassi, Bidayyat, Libanon Maëlle Azur-Camus, HEAD, Genf Jorrit Bachmann, Solar Wanderkino Nepal, Zürich Susanna Baer, so+ba design, Zürich Ruth Baettig, art-tv.ch, Zürich Lionel Baier, ECAL, Lausanne Luciano Barisone, Visions du Réel Jasmin Basic, Genf Jeffrey Baumann, Zürich Michel Bejjani, IESAV, Libanon André Benker, Zürich Catherine Ann Berger, SWISS FILMS, Zürich Sally Berger, MoMA, USA Tanja Berger, Zürcher Kantonalbank, Zürich Sandra Biberstein, Coucou – Kulturmagazin Winterthur, Winterthur Johannes Binotto, Winterthur Sibylle Birrer, Amt für Kultur, Kanton Bern, Bern Andrew Blackwell, Dänemark Jànos Blum, Zürcher Kantonalbank, Zürich Calmin Borel Borel, Festival International du Court Métrage Clermont-Ferrand, Frankreich Fyzal Boulifa, Grossbritannien Vassily Bourikas, Griechenland Laurence Boyce, Grossbritannien und Estland Daniela Britt, JingleJungle Tonstudios, Zürich Verena Bröhm, Sulzer AG, Winterthur Andy Brooks, Mettau Jordan Bryon, Australien Reto Bühler, Kino Xenix, Zürich Marc Bürge, Casinotheater Winterthur, Winterthur Georg Bütler, Zurich Film Festival, Zürich Christa Capaul, Schweiz Gregory Catella, SRG SSR, Bern Moreno Cavaliere, Publicitas Cinecom, Zürich Aldo Caviezel, Amt für Kultur, Kanton Zug Gert Christen, Stadtpolizei, Winterthur Stephan Civelli, Lotteriefonds, Kanton Zürich Kitty Cleary, Museum of Modern Art, USA Dominic Danner, umsetzerei.ch, Winterthur Rachel Dedman, Libanon Lucien Descombes, Canon (Schweiz) AG, Wallisellen Thomas Dittrich, Sulzer AG, Winterthur Andreas Dreckmann, Stadtwerk Winterthur, Winterthur Pierre Droz, Winterthur Tourismus, Winterthur Daniel Ebner, Vienna Independent Shorts, Österreich Pascal Edelmann, European Film Academy, Deutschland Herbert Egli, cinegrell gmbh, Zürich Michael Egli, cinegrell gmbh, Zürich Rami El Sabbah, Dawawine, Libanon Urs Engeler, Solothurn


Cornelia Etter, Zauberlaterne, Neuenburg Sara Fattahi, Libanon Edith Flückiger, HSLU Video, Luzern Duncan Forbes, Fotomuseum Winterthur, Winterthur Ken Frank, Starticket, Zürich Corinne Frei, Suissimage, Lausanne Michael Frei, Amriswil Peter Frei, Volkart Stiftung, Winterthur Lisa Fuchs, Fachstelle Kultur Kanton Zürich Daniel Fuchs, SWISS FILMS, Zürich Sandro Galli, Propaganda, Zürich Jose Garcia, Schweizer AG, Schlieren Lars Henrik Gass, Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Deutschland Steve Gasser, Radio Stadtfilter, Winterthur Reina Gehrig, Solothurner Literaturtage, Solothurn Kurt Gehring, Österreich Viktor Giaccobo, Casinotheater Winterthur, Winterthur Moreno Giancotti, Data Quest AG, Dietikon Raffaello Giorgio, Publisuisse, Zürich Christoph Girardet, Deutschland Ruth Girod, Kulturstiftung, Winterthur Hanspeter Giuliani, Tweaklab, Basel Alois Gmür, Brauerei Rosengarten, Einsiedeln Gerd Gockel, HSLU Animation, Luzern Marcy Goldberg, Filmhistorikerin/Media Consultant, Zürich Carmen Gray, Dazed, Grossbritannien Nicole Greuter, Bundesamt für Kultur, Bern Janine Greuter, Winterthur Tourismus, Winterthur André Grieder, Bildungsdirektion Kanton Zürich Marianne Guldimann, S. Eustachius-Stiftung, Winterthur Tobias Guldimann, S. Eustachius-Stiftung, Winterthur Tristan Gygax, Zürich Sandra Gysi, Donkeyshot Filmproduction, Zürich Mortada Gzar, Filmmaker, Irak Cécile Haas, SRG SSR, Zürich Jürgen Haas, HSLU Animation, Luzern Jing Haase, Nordisk Panorama, Dänemark Ursula Häberlin, ARF/FDS, Zürich Philipp Hardmeyer, Alte Kaserne Kulturzentrum, Winterthur Rainer Hartauer, Park Hotel, Winterthur Walter Hartmann, umsetzerei.ch, Winterthur Jela Hasler, HSLU Video, Luzern Ghislaine Heger, Blonay Claire Henry, The Andy Warhol Film Project, USA Gregor Hermanns, Canon Europe Ltd., Grossbritannien Jolanda Herradi, Schweizerische Autorengesellschaft SSA, Lausanne Madeleine Herzog, Fachstelle Kultur Kanton Zürich Beat Heuberger, HEUBERGER – Weine & Gewürze, Zürich Rolf Heusser, Kino Cameo, Winterthur

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Ruth Hodgins, Video Data Bank, USA Maike Mia Höhne, Berlinale Shorts, Deutschland Daniela Hollenweger, Dataquest, Zürich Liliane Hollinger, Kino Cameo, Winterthur Silke Hopf, Kulturstiftung, Winterthur Severin Hug, Stadtbus Winterthur, Winterthur Thomas Hüsser, Digital Store GmbH, Winterthur Stephan Hüssy, Casinotheater Winterthur, Winterthur Markus Hutter, Hutter Dynamics AG, Winterthur Sophie Hutter, Hutter Dynamics AG, Winterthur Benny Jaberg, Zürich Lamia Joreige, Libanon Claudia Jubeh, ALFILM, Arabisches Filmfestival Berlin, Deutschland Tom Kalin, USA Susa Katz, Bundesamt für Kultur, Bern Lukas Kaufmann, Schweizer AG, Schlieren Simon Koenig, SWISS FILMS, Zürich Lutz Konermann, Schweiz Alfred Kuenzler, Init7, Winterthur Ivo Kummer, Bundesamt für Kultur, Bern Daniel Kummer, Zürcher Kantonalbank, Winterthur Susanna Kumschick, Gewerbemuseum Winterthur, Winterthur Ronald Kundert, Zürcher Kantonalbank, Winterthur Michael Künzle, Stadtpräsident, Winterthur Nicole Kurmann, Bereich Kultur, Winterthur Jukka-Pekka Laakso, Tampere Film Festival, Finnland Ivana Lalovic, Schweden Olga Lamontanara, TorinoFilmLab, Italien Anne-Catherine Lang, Langfilm / Bernard Lang AG, Freienstein Dominik Lauber, Swisscom (Schweiz) AG, Bern Bernhard Lehner, ZHdK, Zürich Nik Leuenberger, Casinotheater Winterthur, Winterthur Lukas Liechti, Swisscom AG, Bern Matt Lloyd, Glasgow International Short Film Festival, Schottland Andy Loeber, slySOLUTIONS GmbH, Regensdorf Silvia Lorenz, Theater Winterthur, Winterthur Christin Luettich, Bidayyat, Libanon Annina Lutz, SWISSPERFORM, Zürich Delphine Lyner, Zürcher Theaterspektakel, Zürich Mehammed Mack Mack, Smith College, Grossbritannien Ivan Madeo, Contrast Film Zürich GmbH, Zürich Hubert Mäder, ZHAW, Winterthur Alessandro Marcionni, Festival del film Locarno, Locarno Yvonne Marti, cinegrell gmbh, Zürich Kathleen McInnis, Toronto International Film Festival, Kanada Pascal Mettler, Kulturstiftung, Winterthur Monika Meyer, Zürcher Kantonalbank, Zürich Martina Miciecki, Park Hotel, Winterthur


Gaby Milsom, SBB AG, Winterthur Vincent Moesch, LA SEMEUSE S.A., La Chaux-de-Fonds Ahmed Abdel Mohsen, Donkeyshot Filmproduction, Zürich Chantal Molleur, HSLU Video, Luzern Christopher Mondt, Hamburg Martha Monstein, Kulturamt Thurgau, Frauenfeld Stephanie Forman Morimura, Embassy of the United States, Bern Belinda Mosberger, Zürcher Kantonalbank, Zürich Elisabeth Moser, Kulturstiftung, Winterthur Vangelis Mourikis, Griechenland Carlos Mühlig, Daily Movies, Genf Angelo Müller, Data Quest AG, Dietikon Matthias Müller, Deutschland Roman Müller, Gewerbepolizei, Winterthur René Munz, Theater Winterthur, Winterthur Vanessa Nageler, Hotel Wartmann, Winterthur Yara Nashawaty, IESAV, Libanon Ewald Natter, Österreich Andreas Niederer, Reseda, Winterthur Marcia Nietlispach, Sorell Hotel Krone, Winterthur Beat Nievergelt, APG SGA, Zürich David Noth, Publicitas Cinecom, Zürich Adrian Notz, Cabaret Voltaire, Zürich Jan Parigger, Catering, Zürich Priska Passigatti, Kulturbeauftragte Kanton Zug Michael Pattison, Grossbritannien Maddalena Pellegrino, Stadtwerk Winterthur, Winterthur Simon Perks, HireBackline.com, Neudicken Jean Perret, HEAD, Genf Patrizia Pesko, Cinéforom, Genf Fabrizio Polpettini, Film Caravan, Frankreich Jonathan Pouthier, Centre Pompidou, Frankreich M. Denis Rabaglia, Schweizerische Autorengesellschaft SSA, Lausanne Raed Rafei, Libanon Filipa Ramo, Grossbritannien und Portugal Patrizia Rezzoli, Prof. Otto Beisheim-Stiftung, Baar Pascal Richard, Canon (Schweiz) AG, Wallisellen Camille Roseau, WOZ Die Wochenzeitung, Zürich Giella Rossi, Alte Kaserne Kulturzentrum, Winterthur Marie-Françoise Ruesch, Canon (Schweiz) AG, Wallisellen Clemens Rüttimann, Biotta AG, Tägerwilen Manuel Sager, DEZA, Bern Markus Sägesser, Stadtwerk Winterthur, Winterthur Ghada Sayegh, IESAV, Libanon Roy Schedler, Technorama, Winterthur André Scheibel, Federal Express Europe Inc. FedEx, Glattbrugg Felix Schenker, art-tv.ch, Zürich Aida Schlaepfer, International Arab Film Festival Zurich, Zürich Aline Schmid, Intermezzo Films, Genf

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Annelise Schmid, Villa Sträuli, Winterthur Colin Schmid, JingleJungle Tonstudios, Zürich Monika Schmon, Kulturamt Thurgau, Frauenfeld Pascal Schneider, Reseda, Winterthur Matthias Schoch, Solothurn Christine Schoder, Suissimage, Bern Wiley Schoop, Hotel Loge, Winterthur Katharina von Schroeder, Deutschland Nicole Schroeder, FOCAL, Zürich Stefanie Schulte Strathaus, Arsenal – Institut für Film und Videokunst e.V., Deutschland André Schwabe, Theater Winterthur, Winterthur Bettina Schwarz, European Film Academy, Deutschland Catherine Schweizer, SBB AG, Winterthur Marcel Schwierin, Deutschland Sonja Schwyzer, Migros Kulturprozent, Zürich Thomas Seelig, Fotomuseum Winterthur, Winterthur Anna Serner, Swedish Film Institut, Schweden Zeina Sfeir, Beirut DC, Libanon Viola Shafik, Filmkuratorin, Filmwissenschaftlerin Deutschland Corine Shawi, Libanon Alexander Sigrist, Embassy of the United States, Bern Michelle Silva, USA Toril Simonsen, Norwegian Film Institute, Norwegen Alex Sonderegger, so+ba design, Tokyo Jean Guillaume Sonnier, ECAL, Lausanne Dario Spilimbergo, Propaganda, Zürich Klaus Stahlmann, Winterthur Doris Stalder, Ernst Göhner Stiftung, Zug Eric Staub, Kino Xenix, Zürich Claudia Stehle, Universal Music, Zürich Juri Steiner Steiner, dada 100 zürich 2016, Zürich Carola Stern, FOCAL, Lausanne Peter Strassmann, Sulzer-Stiftung Winterthur, Winterthur Philipp Stucki, Stucki & Stucki, Zürich Maria Suhner Solar Wanderkino Nepal, Zürich Jan Sulzer, Basel Markus Sulzer, Zürcher Kantonalbank, Zürich Jacqueline Surchat, FOCAL, Lausanne Hans Tanner, Zürich Karelien Täschler, Universal Music, Zürich Stefano Tealdi, TorinoFilmLab, Italien Carmen Theiler, Publisuisse, Zürich Eckhard Thiemann, SHUBBAK, Grossbritannien Alice Thomann, DEZA, Bern Christine Tohme, Ashkal Alwan, Libanon Christoph Tonini, Tamedia, Zürich Susie Trenka, Wordsmith Translations & Proofreading, Zürich Patrick Trüby, Canon (Schweiz) AG, Wallisellen Regula Turtschi, S. Eustachius-Stiftung, Winterthur Hans-Jörg Turtschi, S. Eustachius-Stiftung, Winterthur


Alex Ulrich, Depot 195 Hostel Winterthur, Winterthur Enrico Vannucci, Venice Film Festival, Italien Sylvain Vaucher, SWISS FILMS, Genf Francesco Giai Via, Torino Film Festival, Italien Suzan Vis, Winterthur Eva Vitija, Winterthur Jürg Völkel, Fahrenheit, Winterthur Beatrice Volken, Fachstelle Kultur Kanton Zürich Hansueli Vollenweider, Vollenweider Confiserie, Winterthur Karin Vollrath, Bundesamt für Kultur, Bern Nicola Votta, Baranday, Zürich Jérôme Waldbauer, Hotel Banana City, Winterthur Sven Wälti, SRG SSR, Bern Rolf Wartmann, Hotel Wartmann, Winterthur Timo Wäschle, CorpmediaTM, Zürich Daniel Waser, Zürcher Filmstiftung, Zürich Roger de Weck, SRG SSR, Zürich Gabriela Wettstein, Tages-Anzeiger, Zürich Diego Wider, Zürcher Kantonalbank, Zürich Michael Widmer, Absinthe Distribution, Derendingen Selina Willemse, SWISS FILMS, Zürich Cedrick Wolf, Cinergy AG, Zürich Roland Wullschleger, umsetzerei.ch, Winterthur Lydia Zeller, Zürich Géraldine Zeuner, DEZA, Bern Ernst Zimmermann, Kino Xenix, Zürich Laura Zimmermann, ZHdK, Zürich Michael Zippermayr, 451.ch Filmportal, Adliswil Olivier Zobrist, Langfilm / Bernard Lang AG, Freienstein Walter Zollinger, Cinergy AG / Cineman, Zürich

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Internationaler Wettbewerb I, II, III, IV, V, VI, VII International Competition I, II, III, IV, V, VI, VII

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Internationaler Wettbewerb und Schweizer Wettbewerb Fiktion hat viele Gesichter und kann die Grenzen des Geschichtenerzählens sprengen. Viele Geschichten sind bereits erzählt, sodass wir uns jedes Jahr auf die Suche machen nach neuen Themen, neuen Ästhetiken und neuen Strömungen im zeitgenössischen Filmschaffen. Wir erleben die verschiedenen Formen, die Fiktion annehmen kann: jene, die unsere Wahrnehmung herausfordern und uns in mentale Gefilde fern unserer eigenen Fantasie mitnehmen, aber auch jene, die einfach Gefühle in uns hervorrufen. Mit vierzehn Spielfilmen im Internationalen Wettbewerb ist das Genre in diesem Jahr stark vertreten. Von Europa bis Afrika, von Asien bis Amerika überrascht uns die Erzählkunst: Während der brasilianische Film «Quintal» einem älteren Paar in seinem ungewöhnlichen Alltag mit einem Schuss Science Fiction und schwarzem Humor folgt, porträtiert «Koshtargah» iranische Drogendealer in ihrem täglichen Leben; das Musical «Bleu Tonnerre» wiederum kuriert die Lebenskrise des Mittdreissiger-Protagonisten mit kanadischen Indie-Rock-Songs. Schneiden. Aufnehmen. Zusammensetzen. Archivieren. Rekonstruieren. Dekonstruieren. Streamen. Visualisieren. Transformieren. Sampeln. Modernisieren. Recherchieren: Found Footage hat Experimentalfilmern schon immer sowohl Inspiration als auch Rohmaterial geliefert. Für die einen bietet es Zugang zum unendlichen Archiv der Kulturproduktion und die Möglichkeit, den Status des Bildes in der Gesellschaft zu hinterfragen oder die filmische Sprache zu dekonstruieren. Für andere ist es ein Mittel, die materiellen Qualitäten des Films selbst zu untersuchen, der stetig zwischen dem Bildinhalt und dessen formalen Aspekten schwankt. Dieses Jahr erkunden sechs Filme des Internationalen Wettbewerbs die vielfältigen Möglichkeiten von Found Footage. «‘[...] craving for narrative’ lässt sich einfach nicht gut übersetzen» dekonstruiert eine Szene aus dem amerikanischen Musical «Grease» auf der Suche nach Interpretation und einem postideologischen Mediengebrauch. Andere Filme stellen Bedeutung und Geschichten mittels Found Footage (wieder) her. In «Scrapbook» erhält Archivmaterial aus einer psychiatrischen Klinik durch die Worte der autistischen Erzählerin einen neuen Sinn. Als Subgenre der Fiktion führt das erotische Kino diese Sondierung fort und geht dabei tief unter die Haut. Obwohl der Körper in Peter Tscherkasskys Found-Footage-Film «The Exquisite Corpus» hypersinnlich und mystifiziert

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ist, wird die Erotik, die der Film ausstrahlt, nie ganz explizit. Über die körperliche Sinnlichkeit hinaus lotet der Film auch den Status des erotischen Kinos und dessen Wirkung auf das Publikum aus. Der Super-8-Film «While the Unicorn is Watching Me» überdenkt ebenfalls die Erotik: Er ist nicht nur eine erotische Ode an den Stummfilm und an die Homosexualität, die in Masturbationsfantasien kulminiert, sondern zugleich ein feministisches Statement zum Körper als Objekt der Begierde für den männlichen Blick. Viele Spielfilme drehen sich um weibliche Figuren, die ihre persönlichen Geschichten erzählen, um auf die Stellung der Frau in ihren Ländern aufmerksam zu machen. Im ersten bhutanesischen Film unseres Wettbewerbs, «3 Year 3 Month Retreat», leidet die Protagonistin unter der Bürde der Tradition in einer patriarchalen Gesellschaft. Im indischen Dokumentarfilm «Newborns» flüstern junge Überlebende von Säureangriffen von ihrem Schmerz und erörtern ihren Platz in der Gesellschaft. Auf der Suche nach neuen Tanzbewegungen und nach Kunden findet eine philippinische Stripteasetänzerin Wege zur Emanzipation. Niemals nur Opfer, zeigen uns die Frauen, dass der Wandel greifbar nah ist. Der Internationale Wettbewerb zählt acht Filme aus Asien, darunter die vietnamesische Dokumentation «The Living Need Light, the Dead Need Music», die uns mit traditioneller Musik auf eine Reise zu Beerdigungsritualen mitnimmt. Musik steht auch im japanischen Film «Ghost of OT 301» im Mittelpunkt, wo die zerkratzte Oberfläche des Films Found-Footage-Bilder verbirgt, die für das menschliche Auge kaum sichtbar sind. Doch mehrheitlich erzählen die Filme persönliche Geschichten, wie etwa in «Three Wheels», wo ein Rikschafahrer mit seiner gescheiterten Ehe konfrontiert wird, oder in der chinesischen Pastell-Animation «Monkey», in der drei Affen die Spannungen innerhalb einer Familie symbolisieren. Jedes Jahr widmen sich zahlreiche Filme des Internationalen Wettbewerbs – wie auch der kuratierten Programme – politischen Themen, hinterfragen Ideologien und suchen nach neuen Ausdrucksformen in Fiktion, Dokumentation, Animation oder Experimentalfilm. Während der sarkastische «Freedom & Independence» auf verschiedene Aspekte von Glauben, Religion und neoliberalem Kapitalismus blickt, lässt «The Reflection of Power» das Publikum langsam in die überflutete Hauptstadt Nordkoreas eintauchen, wo die Bevölkerung auf absurde Weise an ihrem patriotischen Verhalten festhält. In «Symbolic Threats» hinterfragt die Macht eines nationalen Symbols – der

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amerikanischen Flagge – den Status von Kunst selbst und erkundet die Widersprüche symbolischer Interpretationen. In der Tradition des Direct Cinema hält der Dokumentarfilm «9 Days – From my Window in Aleppo» den Beginn des syrischen Aufstandes fest und fragt gleichzeitig nach der Haltung des Künstlers zur Politik. Schweizer Filmschaffende befassen sich ebenfalls auf vielfältige Weise und mittels verschiedener Techniken mit politischen Belangen. «La Vague», ein Film, der Found-Footage-Techniken verwendet und von der Mutter der Filmemacherin erzählt, nimmt uns mit ins Spanien unter Francos Regime. In «The Meadow» stellen Kühe metaphorisch alltägliche Grenzsituationen im Nahen Osten dar, während «Just Another Day in Egypt» über die Krise nach der ägyptischen Revolution reflektiert. «Une histoire simple, la mienne, la tienne et celle de M.» ist ein Film über die Situation im Iran der 1980er Jahre, als die Revolution das Land destabilisierte und das Leben der ganzen Bevölkerung beeinflusste. Und «Lucens» behandelt das erste – und letzte – Atomkraftwerk, das komplett in der Schweiz erstellt wurde. Neunzehn Filme wurden für den Schweizer Wettbewerb ausgewählt, und einmal mehr sind Dokumentarfilme – und Werke, die als solche wahrgenommen werden – stark vertreten. Diese Tradition wird also fortgeführt. Zudem erleben wir zurzeit eine starke Generation weiblicher Filmschaffender: Wie schon im letzten Jahr haben Frauen bei mehr als der Hälfte der Filme Regie oder Co-Regie geführt. Ausserdem beobachten wir auch in der Schweiz eine Tendenz, Geschichten mittels Found Footage zu erzählen. Die zwei etabliertesten Schweizer Filmemacherinnen, Ursula Meier und Eileen Hofer, präsentieren uns je ein Porträt. «Kacey Mottet Klein, naissance d’un acteur» fängt den jungen Schauspieler in verschiedenen Lebensphasen mit der Kamera ein. Und in «Nuestro Mar» stellt uns Eileen Hofer den Kubaner Emilio vor, den sie während der Dreharbeiten zu ihrem Langfilm (der kürzlich seine Kinopremiere feierte) kennengelernt hat. Es scheint ein starkes Bedürfnis zu geben, persönliche Geschichten zu erzählen, nicht nur in politischen Werken wie «Nirin», einem autobiografischen Film von Josua Hotz über seine frühe Kindheit in Madagaskar. Da ist auch noch «O som da Casa» über eine Mutter und ihre Tochter, die Brasilien verlassen und nach Frankreich ziehen wird. «Moriom» erzählt die Geschichte eines Mädchens und die Tragödie, die sein Leben verändert hat. «On avait

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dit qu'on irait jusqu'en haut» handelt von den Erinnerungen eines Paares an die Zeit, als die beiden noch verliebt waren, und «Suspendu» zeigt die unendliche Leidenschaft eines jungen Tänzers. John Canciani, Delphine Jeanneret

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International Competition and Swiss Competition Fiction has many faces and can push the limits of storytelling beyond imagination. Many stories have already been told, and every year, we embark on a quest for new topics, new aesthetics, and new currents in contemporary cinematic creations. We witness the various forms fiction can take: those that challenge our perception and take us to a mental space far from our own, but also those that simply evoke feelings in us. With fourteen fiction films in the International Competition, this genre seems to leave a strong mark this year. From Europe to Africa, from Asia to America, storytelling continues to surprise us: while the Brazilian film «Quintal» follows a senior couple in their extraordinary day-to-day life with a touch of science fiction and dark humour, «Koshtargah» portrays young Iranian drug dealers in their everyday life, and the musical «Bleu Tonnerre» cures the protagonist’s thirty-something crisis with Canadian indie rock songs. Editing. Recording. Compiling. Archiving. Reconstructing. Deconstructing. Streaming. Visualising. Transforming. Sampling. Modernising. Researching. Found footage has always offered both inspiration and raw material for experimental filmmakers. For some of them, it means the possibility to access the infinite archive of cultural production and to question the status of the image in society, or to deconstruct cinematic language. For others, it is a way to explore the material qualities of film itself, constantly shifting from the content of the image to its formal aspects. This year, six films in the International Competition explore the vast possibilities of found footage. While «‘[...] craving for narrative’ lässt sich einfach nicht gut übersetzen» deconstructs a scene of the American musical «Grease», searching for interpretation and a post-ideological use of media, other films recreate meaning and storytelling through found footage. In «Scrapbook», archival images from a developmental centre acquire new meaning through the words of the autistic narrator. As a subgenre of fiction, erotic cinema continues this exploration, going deep under our skin. Although the body is hyper-sensualised and mystified in the found footage of Peter Tscherkassky’s «The Exquisite Corpus», the eroticism that emanates from the film is never quite explicit. Beyond its exploration of corporeal sensuality, the film also reflects on the status of erotic cinema and its effect on the spectator. Rethinking eroticism is also the subject of the super 8 film «While the Unicorn is Watching Me»: this short is not only

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an erotic ode to silent cinema and homosexuality, culminating in masturbation fantasies, but also a feminist statement on the body as an object of desire for the male gaze. Many fiction films centre on female characters telling their personal stories in order to bring attention to the status of women in their countries. The first Bhutanese film ever to run in our International Competition, «3 Year 3 Month Retreat», shows a female protagonist suffering under the weight of tradition in a patriarchal society. In the Indian documentary «Newborns», young survivors of acid attacks whisper their pain and question their place in society. In her quest for new dance moves and customers, a Filipina striptease dancer in «Junilyn Has» finds ways to emancipate herself. Never just victims, female characters show us that change is near. The International Competition contains eight films from Asia, among them the Vietnamese documentary «The Living Need Light, the Dead Need Music», in which traditional music takes us on a journey to witness funeral rituals. Music also takes centre stage in the Japanese film «Ghost of OT 301», in which the scratched surface of the film hides found-footage images barely visible to the human eye. But mostly, the films tell personal stories as in «Three Wheels», where a Cambodian rickshaw driver is confronted with the failure of his marriage, or in the Chinese pastel animation «Monkey» with its story of three monkeys symbolising family tensions. Every year, many films from the International Competition and the curated festival programmes address political issues, questioning ideologies and searching for new forms in fiction, documentary, animation, or experimental cinema. While the sarcastic «Freedom & Independence» looks into the various aspects of faith, religion, and neo-liberal capitalism, «The Reflection of Power» slowly immerses the viewer into the flooded capital of North Korea, where people absurdly keep exhibiting the same patriotic behaviour. In «Symbolic Threats», the power of a national symbol such as the American flag questions the very status of art and the potential disparity of interpretation. In the tradition of direct cinema, the documentary «9 Days – From my Window in Aleppo» records the beginning of the Syrian uprising while exploring the artist’s attitude toward politics. Swiss filmmakers also deal with political issues in different ways and with various techniques. «La Vague», a film using found-footage techniques and

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narrated by the filmmaker’s mother, brings us back to Franco’s regime in Spain. «The Meadow» metaphorically employs cows to show everyday boarder situations in the Middle East, and «Just another Day in Egypt» reflects on the depression in the aftermath of the Egyptian Revolution. «Une histoire simple, la mienne, la tienne et celle de M.» is a film dealing with the situation in Iran in the 1980s, a time when the revolution destabilised the country and influenced the lives of all Iranians. «Lucens» is about the first – and last – nuclear power plant completely «made in Switzerland». Nineteen films have been selected for the Swiss Competition, and once again, we find a strong participation of documentary works and films that are perceived as such. This Swiss tradition thus lives on. We also currently witness a strong generation of female filmmakers: like last year, more than half of the films were directed or co-directed by women. We also see a tendency within Switzerland to use found footage for telling stories. The two most established Swiss female filmmakers, Ursula Meier and Eileen Hofer, each present us a portrait. «Kacey Mottet Klein, naissance d’un acteur» captures the young actor with the camera in different stages of his life. And in «Nuestro Mar», Eileen Hofer introduces us to the Cuban Emilio, whom she met while working on her feature film (which just had its cinema release). There seems to be a strong urge to tell personal stories, not only in political works such as «Nirin», an autobiographical film by Josua Hotz about his early childhood in Madagascar. There is also «O som da Casa», a story about a mother and her daughter who will leave Brazil and move to France. «Moriom» tells the story of a girl and the tragedy that changed her life. «On avait dit qu'on irait jusqu'en haut» recounts a couple’s memories of the time when they were still in love, and «Suspendu» depicts the endless passion of a young dancer. John Canciani, Delphine Jeanneret

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I Runtime 83’ November 4, 2015, 22:00 Uhr Casino Theatersaal November 6, 2015, 20:00 Uhr Theater Winterthur November 7, 2015, 22:00 Uhr Casino Theatersaal II Runtime 87’ November 4, 2015, 17:00 Uhr Theater Winterthur November 5, 2015, 20:00 Uhr Theater Winterthur November 7, 2015, 11:00 Uhr Casino Theatersaal III Runtime 82’ November 4, 2015, 19:30 Uhr Casino Theatersaal November 5, 2015, 17:00 Uhr Theater Winterthur November 7, 2015, 19:30 Uhr Casino Theatersaal IV Runtime 86’ November 6, 2015, 11:30 Uhr Theater Winterthur November 7, 2015, 14:00 Uhr Casino Theatersaal November 8, 2015, 11:00 Uhr Theater Winterthur V Runtime 85’ November 4, 2015, 14:00 Uhr Casino Theatersaal November 6, 2015, 22:00 Uhr Casino Theatersaal November 7, 2015, 22:30 Uhr Theater Winterthur VI Runtime 88’ November 5, 2015, 22:00 Uhr Casino Theatersaal November 6, 2015, 14:30 Uhr Theater Winterthur November 8, 2015, 14:00 Uhr Theater Winterthur VII Runtime 90’ November 5, 2015, 14:30 Uhr Theater Winterthur November 6, 2015, 17:00 Uhr Theater Winterthur November 7, 2015, 14:30 Uhr Theater Winterthur

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The Reflection of Power

Quintal

France 2015, 9', digital file, colour, no dialogue, Doc/Exp

Brazil 2015, 20', digital file, colour, Portuguese/English subtitles, Fic/Exp

Director: Mihai Grecu Sound: Simon Apostolou Production and Distribution: bathysphere productions, Paris, France, Nicolas Anthomé, diffusion@bathysphere.fr, +33140213702

Director: André Novais Oliveira Script: André Novais Oliveira Photography: Gabriel Martins Editor: Thiago Ricarte Sound: Maurílio Martins Cast: Maria José Novais/Norberto Novais Production: Thiago Macêdo Correia, contato@filmesdeplastico.com.br Distribution: Filmes de Plastico, Contagem, Brazil, contato@filmesdeplastico.com.br, +55 (31) 8856 8622

In der geheimsten Hauptstadt der Welt nimmt eine Menschenmenge an einer Veranstaltung teil, während eine Katastrophe die ganze Stadt bedroht. In the most secret capital of the world a crowd attends a show while a disaster threatens the whole city. Mihai Grecu was born in Romania in 1981. After studying art and design in Romania and France, he has been pursuing his artistic research at the Fresnoy Studio of Contemporary Arts. Recurring topics such as distress, cloning, hallucination, city life, and war pervade his exploration of mysterious and subconscious beginnings. His work hes been shown at numerous film festivals and in exhibitions.

Ein gewöhnlicher Tag im Leben von Vorstadt-Senioren. Just another day in the life of a couple of suburban seniors. Born in 1984, André Novais Oliveira graduated in both History and Cinema Studies. He directed the feature film «She Comes Back on Thursday» (International Competition at the 25th FID Marseille) and the short films «Ghosts» and «About a Month», both selected for the Quinzaine des Réalisateurs.

Mynarski Chute Mortelle / Mynarski Death Plummet Canada 2014, 7'45", digital file, colour and b/w, French/ English subtitles, Ani/Fic Director: Matthew Rankin Script: Matthew Rankin Photography: Julien Fontaine Editor: Elisabeth Olga Tremblay/Matthew Rankin Sound: Patrice LeBlanc Cast: Robert Vilar/Annie St-Pierre/Alek Rzeszowski Production and Distribution: La Distributrice de Films, Quebec, Canada, Serge Abiaad, serge@ladistributrice.ca, +1 514 577 9389

Ein analoges Kurzepos über die letzten Minuten von Andrew Mynarski aus Winnipeg, einem Helden des Zweiten Weltkriegs. Aus 21 000 handbemalten 35mm-Frames zusammengestellt, kombiniert der Film Luftfahrt-Agitprop mit abstrakter Animation, um sich den Themen Selbstaufopferung, Unendlichkeit und Quallen zu widmen. A completely hand-made historical micro-epic about the final minutes in the life of Winnipeg’s 2nd World War hero, Andrew Mynarski. Composed of 21 000 hand-painted 35mm frames, the film combines aviation agitprop with abstract animation to reflect on the themes of self-sacrifice, infinity, and jellyfish. Matthew Rankin studied Québec history at McGill University and Université Laval before he became a maker of art films. In 2013, he was artist-in-residence at the McDowell Colony in Peterborough, New Hampshire, and he is the first Winnipegger in film history to be nominated for Québec’s coveted Jutra award.

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Las Gitanas

The All-Hearing

Rate Me

USA 2014, 16'30", digital file, b/w, English and Spanish/English subtitles, Exp/Fic

Egypt/Netherlands 2014, 12'42", digital file, colour, Arabic/English subtitles, Doc/Exp

United Kingdom 2015, 17'15", digital file, colour and b/w, English/German subtitles, Exp/Fic

Director: Matthew Anderson Photography: Ava Benjamin Editor: Brendan Vaughan Cast: Mikandrew Perdaris/Edgar Pulido/ Michelle Ortiz/Carey Fox/Tanya Barajas/ Harry Karp/Sergio Alvarez Production and Distribution: Matthew Anderson, Los Angeles, USA, mclarkand@gmail.com, +12133610798 www.matthewandersononline.com

Director: Lawrence Abu Hamdan Photography: Tamer El-Demerdesh Editor: Noah Angell Cast: Sheikh Sayed Ramadan/ Sheikh Ahmed Al Mosayer Production and Distribution: Lawrence Abu Hamdan, lawrenceabuhamdan@gmail.com

Director: Fyzal Boulifa Script: Fyzal Boulifa Photography: Taina Galis Editor: Fyzal Boulifa/Taina Galis Sound: Anna Bertmark Cast: Zehra Zorba Production: Too True Films, London, United Kingdom, taina@tootruefilms.com, +44(0)7813701429 Distribution: La Distributrice de Films, Quebec, Canada, Serge Abiaad, serge@ladistributrice.ca +1 514 577 9389

In «Las gitanas» folgt die Kamera einem jungen Latino und einer Gruppe Kleinkrimineller während einer gemeinsamen Nacht in Los Angeles, geprägt von den zufälligen Begegnungen ungleicher Seelen und dem Lebensgefühl, das sie verbindet. «Las gitanas» follows a young latino and a group of hustlers over the course of a night in Los Angeles. It explores chance interactions amongst disparate souls and the common pulse that binds them. Matthew Anderson is an artist based in Los Angeles. He works with narrative and video. Works: «Albert! Or, My Life in the Ocean» (2010), «Frankly, Frankly» (2010), «A Moment of Youth» (2011).

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Abu Hamdans Film ist eine Ode an den Lautsprecher-Libertarismus und beschäftigt sich mit dem Zuhören und dessen Grenzen. In «The All-Hearing» werden wir mit Kairos omnipräsenter Lärmverschmutzung und der Entschlossenheit, diesem Thema Gehör zu verschaffen, konfrontiert. Abu Hamdans film is an ode to loudspeaker-libertarianism and deals with the act of listening and its boundaries. «The All-Hearing» confronts us with Cairo's omnipresent noise pollution and with the determination to bring this topic to the public's attention. Abu Hamdan, born 1985 in Amman, Lebanon, studied at Middlesex University, England. His works often deal with the relationship between politics, listening, boundaries, human rights, and truth. He uses documentaries, essays, audiovisual installations, and many other art forms to express his ideas.

Über eine Prostituierte (die vielleicht gar keine ist) kursieren im Internet verschiedene Gerüchte. Was als Zusammenfassung von Online-Reviews beginnt, wird zunehmend zu einem provokativen und formal unverfrorenen Kommentar über die Fluidität von Identitäten und der Wahrnehmung junger Frauen im Internetzeitalter. Various rumours about a prostitute (who perhaps isn't one) circulate online. What begins as a summary of online reviews increasingly turns into a provocative and formally audacious commentary on the fluidity of identities and the perception of young women in the internet age. Fyzal Boulifa is a British filmmaker with Moroccan roots. His short film «The Curse» won the Illy Prize for Best Short at the Cannes Directors‘ Fortnight in 2012 and was nominated for a BAFTA in 2013.

I


A Matter of Will

The Exquisite Corpus

Fucking Him

Montenegro 2015, 23'45", digital file, colour, Serbo-Croat/English subtitles, Fic

Austria 2015, 19', digital file, b/w, no dialogue, Exp

USA 2015, 1'45", digital file, colour and b/w, English, Exp

Director: Dušan Kasalica Script: Dušan Kasalica Photography: Igor Djordjevic´ Editor: Nataša Pantic´ Sound: Ivan Antic´ Cast: Stefan Boškovic´/Marija Backovic´/ Nikolina Bogdanovic´ Production: Cut Up, Podgorica, Montenegro, Jelena Miseljic, jelena@cut-up.me, +382 67 275 336 Distribution: Dušan Kasalica, Podgorica, Montenegro, dusan.k4@gmail.com, +38 267643444

Eine Gruppe übergewichtiger Kinder soll ihre Lebensgewohnheiten ändern, und ein ebenso autoritärer wie dysfunktionaler Instruktor soll ihnen dabei helfen. Aber vor allem ist es Sommer und einschläfernd heiss. A group of overweight kids is supposed to change their lifestyle with help of an authoritarian and dysfunctional instructor. And above all, it's summer and numbingly hot. «A Matter of Will» is Dušan Kasalica’s third short film. Before that, the director from Montenegro has presented «Reconstruction» (2010) and «Out of Range» (2009), both analysing relationships between men and women.

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Director: Peter Tscherkassky Script: Peter Tscherkassy Production: Sixpackfilm, Wien, Austria, office@ sixpackfilm.com, +43 1 526 09 90 12 Distribution: Sixpackfilm, Gerald Weber, Wien, Austria, gerald@sixpackfilm.com, +43 1 526 09 90 12, www.sixpackfilm.com

Die Strandidylle mit Männern und Frauen in unschuldiger Nacktheit wird unterbrochen durch eine Beschädigung des Filmmaterials. Von da an ist nichts mehr, wie es war. A beach idyll with men and women in innocent nakedness is interrupted when the film material is damaged. From this moment on, nothing is as it was before. Born 1958 in Vienna. Peter Tscherkassky is not only one of Austria’s most important avant-garde filmmakers, but also a founding member of sixpackfilm and organiser of several international avant-garde film festivals in Vienna and film tours abroad. Since 1984, numerous publications and lectures on avant-garde film.

Director: C.O. Moed/Adrian Garcia Gomez Editor: Adrian Garcia Gomez Production and Distribution: Adrian Garcia Gomez, Tel Aviv, Israel, adriang@rocketmail.com, +972 (0) 53 339 7885, www.superadriancito.com

Was ist Sex? Was Liebe? Was der Unterschied? Wie weiss man, was was ist? What is fucking? What is love? What’s the difference? How do you know? Adrian Garcia Gomez is an interdisciplinary artist working in film/video, photography, and illustration. His short experimental films, photographs, and drawings have been exhibited around the world. C.O. Moed’s short stories and dramatic works have been published in several anthologies and literary reviews.


Scrapbook

Mobilize

Canada 2015, 18'49", digital file, b/w, English, Exp/Doc

Canada 2015, 4', digital file, colour, no dialogue, Exp

Director: Mike Hoolboom Photography: Jeffrey Paull Cast: Donna Washington Production and Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Vom Geheimkamera-Genie und audiovisuellen Heiler Jeffrey Paull 1967 im Broadview Developmental Center Ohio aufgezeichnet, lässt «Scrapbook» die Autistin Donna Washington ihre Geschichte in eigenen Worten erzählen, während sie mit dem zeitlichen Abstand von 50 Jahren Bildern eines früheren Ichs begegnet. Lensed in Ohio's Broadview Developmental Center in 1967 by secret camera genius and audio visual healer Jeffrey Paull, «Scrapbook» tells the story of audacious autistic Donna Washington in her own words, as she encounters pictures of one of her former selves fifty years later. Mike Hoolboom is a Canadian artist working in film and video. He has made over fifty films and videos. Though most have been withdrawn from circulation, approximately a dozen remain on view. His works have appeared at over four hundred festivals, garnering thirty prizes and two lifetime achievement awards.

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Director: Caroline Monnet Script: Caroline Monnet Editor: Jesse Larivière Music: Tanya Taqaq Production: Caroline Monnet, Montréal, Canada, coco.monnet@gmail.com, +1 438 992 4814, carolinemonnet.ca Distribution: National Film Board of Canada, Toronto, Anita Lee, a.lee@nfb.ca

Eine Kanufahrt in die Stadt schafft eine dynamische Verbindung zwischen urbanem und natürlichem Raum. Dieser atmosphärische Kurzfilm zum hypnotisierenden Soundtrack von Inuk-Künstlerin Tanya Taqaq zelebriert den Einfallsreichtum indigener Völker im Umgang mit den atemberaubenden Veränderungen des letzten Jahrhunderts. A journey by canoe into the city creates a dynamic interconnection between natural and urban spaces. This evocative short set to a hypnotising soundtrack by Inuk artist Tanya Taqaq celebrates the fierce resourcefulness of indigenous people in adapting to the dizzying changes of the past century. Caroline Monnet is a self-taught multidisciplinary artist of Algonquin ancestry from Outaouais, Québec. Using film, video, painting, photography, and installation, her work communicates complex ideas around indigenous identity and bicultural living through the examination of cultural histories.

Lo Sum Choe Sum / 3 Year 3 Month Retreat Bhutan 2015, 20'07", digital file, colour, Dzongkha/English subtitles, Fic Director: Dechen Roder Script: Dechen Roder Photography: Jigme T. Tenzing Editor: Dechen Roder Sound: Benjamin Hörbe Cast: Dechen Zangmo Production and Distribution: Dakinny Productions, Thimphu, Bhutan, dakinny@yahoo.com, +975 17832814

In der traditionellen buddhistischen Meditationspraxis «Lo Sum Choe Sum» ziehen sich Mönche, Nonnen und andere tiefgläubige Menschen für drei Jahre und drei Monate von allem Weltlichen zurück. Das ist die Zeit, die nötig ist, um einen höheren Grad von Klarheit und Transformation zu erreichen. In the traditional Buddhist meditation practice of «Lo Sum Choe Sum», monks, nuns, and other devout practitioners withdraw from worldly life for 3 years and 3 months. This is the time period deemed necessary to attain a higher level of clarity and transformation. Dechen Roder (born 1980 in Bumthang, Bhutan) has directed three short films and several documentaries in Bhutan since 2004. She is a co-founder of the Beskop Tshechu documentary and short film festival in Bhutan and is currently developing her first feature film «The Honeygiver Among the Dogs».

II


Ghost of OT 301

Symbolic Threats

Koshtargah

Japan 2014, 8'50", digital file, colour and b/w, no dialogue, Clip/Exp

Germany 2015, 15', digital file, colour, English, Doc/Exp

Iran 2015, 24', digital file, colour, Persian and Kurdish/English subtitles, Fic

Director: Makino Takashi Script: Makino Takashi Photography: Makino Takashi Editor: Makino Takashi Production and Distribution: Makino Takashi, Yokohama, Japan, info.makinotakashi@gmail.com, +81 70-6942-0141, http://makinotakashi.net

Director: Lutz Henke/Matthias Wermke/ Mischa Leinkauf Sound: Alexander Heinze Production and Distribution: Wermke/Leinkauf, Mischa Leinkauf, Berlin, Germany, studio@wermke-leinkauf.com, www.wermke-leinkauf.com

Ein multipler Bildschichten-Spuk, in dem Ab- und Anwesenheiten, Vergangenes und Gegenwärtiges sich ineinander verweben. Inspiriert von einem Live-Auftritt der Gruppe Inconsolable Ghost im Amsterdamer OT 301.

Poesie oder Bedrohung? Ein Akt der Kapitulation oder Kunst? Diese Fragen stellte sich New York City letzten Sommer. Wie kann ein Ereignis auf so viele unterschiedliche Weisen interpretiert werden? Mittels Presseberichten erlaubt «Symbolic Threats» der Öffentlichkeit, ihre disparaten Interpretationen auszudrücken.

Director: Behzad Azadi Script: Behzad Azadi Photography: Shahin Araqi Editor: Fereshteh Parnian Sound: Hossein Ghourchian Cast: Himan Azadi/Salah Adim/Bahram Azadi/ Mohammad Karimi Production: Fariba Sumanska, Abu Dhabi, United Arab Emirates, fariba@picartfilm.com, +971 504154880 Distribution: PicArt Film Co., Prague, Czech Republic, Fariba Sumanska, fariba@picartfilm.com, +42 774619968

A multilayered phantom ride which interweaves absences and presences, past and present. Inspired by a live performance of the group Inconsolable Ghost at OT 301 in Amsterdam. Makino Takashi lives and works in Tokyo. In 2001, he moved to London to study music and lighting design at the atelier of the Brothers Quay. He continues to produce and exhibit filmst that make full use of the various techniques and methods from the twin media of film and video, treating both image and music as elements of equal importance. As Japan’s leading experimental film artist, his films have been invited for screenings at more than 30 international film festivals and video art festivals.

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Poetry or threat? An act of surrender or perhaps art? These were the questions that New York City puzzled over last summer. How can one incident be interpreted in so many ways? By means of press reports, «Symbolic Threats» allows the public at large to express their extreme disparity of interpretation. Mischa Leinkauf, Lutz Henke, and Matthias Wermke grew up in Berlin in the 1990s, learning to value and use the city’s possibilities. A shared enthusiasm for repurposing urban spaces brought them together early. They create images and mindscapes, tell stories and dissect events – always in the hope of making the unseen visible and of exploring a place’s fixed meaning and potential use.

Vier jugendliche Freunde haben grosse Pläne. Um schnell reich zu werden, wollen sie im Quartier mit Drogen handeln. Als erstes muss die Droge, die sie vom Schmuggler erhalten haben, getestet werden. Doch eine unerwartete Wendung lässt die Situation ausser Kontrolle geraten. Four teenage friends have big plans for their lives. They want to get rich quickly by dealing drugs in the neighbourhood. First, they have to test the drug they got from the smuggler. But there's an unexpected twist of fate and the situation gets out of control. Behzad Azadi was born in 1990 in Shahindej, Iran. He studied Dramatic Literature at the Art University of Tehran. He has worked as a filmmaker, photographer, and scriptwriter since 2009. Filmography: «Idris» (2012), «Temporary» (2013), «Slaughterhouse» (2015).


The Atom Station

Bleu Tonnerre

United Kingdom 2015, 13'20", digital file, colour, English/German subtitles, Exp/Doc

Canada 2015, 21', digital file, colour, French/ English subtitles, Fic

Director: Nick Jordan Photography: Nick Jordan Editor: Nick Jordan Production and Distribution: Nick Jordan, Manchester, United Kingdom, nick@nickjordan.info, www.nickjordan.info

Director: Philippe David Gagné/Jean-Marc E. Roy Script: Philippe David Gagné/Jean-Marc E. Roy Photography: Olivier Gossot Editor: Philippe David Gagné/Jean-Marc E. Roy Sound: Laurent Ouellette Cast: Dany Placard/Sandrine Bisson/Isabelle Blais/ Louis Champagne Production: Voyelles Films, Montréal, Canada, Gabrielle Tougas-Fréchette, gabrielle@voyellesfilms.com, +1 514 912 1982 Distribution: Travelling, les films qui voyagent, Canada, Alexandre Dostie, coordo@travellingdistribution.com

Mit Blick auf die industrielle wie auch die natürliche Landschaft Islands widmet sich der Film den kulturellen, wirtschaftlichen und ökologischen Faktoren, die die Insel prägen. Von dampfend heissen Quellen und Lavafeldern zu den eigentümlichen Strukturen von Geothermie-Kraftwerken überlappen sich zwei Stimmen: jene des Dichters W.H. Auden und des Umweltaktivisten Ómar Ragnarsson. Centered upon both the industrial and natural landscape of Iceland, the film addresses the cultural, economic, and ecological forces that shape the island. From vaporous hot springs and lava fields to the peculiar structures of geothermal power stations, two voices correspond: those of poet W.H. Auden and of environmental activist Ómar Ragnarsson. Nick Jordan (born 1967) is a visual artist and experimental filmmaker based in Manchester. His practice is cross-disciplinary, encompassing short film, drawing, painting, photography, objects, publications, and collaboration. It often explores the relationship between the natural world and cultural history.

Bruno – in seinen Dreissigern dringend auf Sinnsuche – ist nach einer Trennung obdachlos. Doch ohne zu verzweifeln, und unter den wachsamen Augen seiner mütterlichen grossen Schwester, findet der Sägewerk-Arbeiter die Energie, sein geliebtes blaues Kostüm nochmals anzuziehen und eine alte Flamme wieder aufleben zu lassen. Bruno, in his thirties and in desperate need of a purpose, ends up homeless after a breakup. Without despairing and under the watchful eye of his motherly big sister, the sawmill worker will find the drive to put his beloved blue suit back on and to rekindle an old flame. Philippe David Gagné holds an interdisciplinary BA in filmmaking. His intense interest in rural life and his native region come through onscreen as a sort of fictional and documentary psychoanalysis. His films have won several awards and toured the world. He is currently working on his first feature film «Boutefeu». Jean-Marc E. Roy’s work oscillates between documentary and fiction. Since 1999, many of his films have been presented and received awards at home and abroad. His previous film «Nevermind» was presented at Winterthur. He is currently working on his first feature-length documentary about director André Forcier.

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III


Three Wheels Cambodia/France 2015, 19'37", digital file, colour, Khmer/English subtitles, Doc Director: Neang Kavich Script: Neang Kavich Editor: Neang Kavich Sound: Jean-Betispt Healh Cast: Pho Phanna/Chea Kimhut/Ly Danam Production and Distribution: Aspara Films, Paris, France, Marine Arrighi, m.arrighi@apsarafilms.fr, +33 06 22 61 81 28

Der 58-jährige Nath ist Tuk-Tuk-Taxifahrer. Eine nächtliche Begegnung spült Erinnerungen hoch. Zu Hause schlägt Nath seiner Frau vor, mit ihm wegzuziehen. Ihre Weigerung offenbart einen Konflikt, der seine Ursachen in ihrer Zwangsheirat während des Regimes der Roten Khmer hat. 58-year-old Nath is a tuk tuk driver. A nocturnal encounter brings back memories. At home, he suggests to his wife that they move away. Her refusal reveals a conflict that has its origins in their forced marriage during the time of the Khmer Rouge regime. Only 26 years old, Kavich Neang is already a renowned filmmaker in Cambodia. His documentary «Where I Go» about racism in Cambodia was shown at international film festivals, and his latest short, «Elephants Seeking Shelter», recently premiered at Phnom Penh's Our City Festival.

9 Days – From My Window in Aleppo Syria/Netherlands 2015, 12'36", digital file, colour, Arabic/English subtitles, Doc Director: Thomas Vroege/Floor van der Meulen Photography: Issa Touma Editor: Thomas Vroege/Floor van der Meulen Sound: Tom Jansen Production: Deepfocus Webdocs, Amsterdam, Netherlands, Jos de Putter, info@deepfocus.nl, +31206124478 Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, Wouter Jansen, info@someshorts.com, +31622076717

An einem Morgen im August 2012 beobachtet der renommierte syrische Fotograf Issa Touma, wie junge Männer auf der Strasse Sandsäck stapeln. Es ist der Beginn des syrischen Aufstands in Aleppo. Touma verbringt die nächsten neun Tage in seiner Wohnung damit, Bilder vom Geschehen draussen zu machen. One morning in August 2012, renowned Syrian photographer Issa Touma saw young men lugging sandbags into his street. It turned out to be the start of the Syrian uprising in the city of Aleppo. Touma grabbed his camera and spent nine days holed up in his apartment, recording what was happening outside. Thomas Vroege was born 1988 in Rotterdam. He has worked as an editor and a video artist. For his film «The Son & the Stranger» he won a WILDCARD award from the Dutch Filmfund. Meanwhile, he is also advisor for the Dutch Cultural Media Fund for the selection of documentary films for Dutch film festivals. Floor van der Meulen (1989) studied Audiovisual Design at the Willem de Kooning Academy in Rotterdam and graduated in 2012 with «Jij&Ik». In 2014 she made the feature documentary «Paradijsbestormers».

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My Dad United Kingdom 2014, 5'37", digital file, colour and b/w, English, Exp/Ani Director: Marcus Armitage Sound: L.J. Stacey/Mike Wyled Cast: Divian Ladwa Production: Marcus Armitage, London, United Kingdom, marcus.animation@gmail.com Distribution: Future Shorts, London, United Kingdom, info@futureshorts.com, +44 (0) 207 739 60 55

Geerbte Meinungen. Geerbte Isolation. Ein Kurzfilm über den Einfluss eines Vaters auf das Leben seines Sohnes. Die wertende Haltung des Vaters und die Zuneigung seines Sohnes zu ihm ergeben eine schädliche Mischung, die eine lähmende Wirkung auf eine Welt der Möglichkeiten und Erfahrungen hat. Ein Animationsfilm mit Ölkreide und Zeitungsausschnitten. Inherited opinions. Inherited isolation. A short film depicting a dad's influence on a young boy's life. His judgmental character mixed with the boy's fondness for his dad prove to be a toxic mix that tears away at a world of opportunity and experiences. A short animation made with oil pastels and newspaper clippings. Marcus Armitage is a BAFTA-nominated animator and filmmaker from Yorkshire with an MA in animation from the Royal College of Art. Marcus makes films about change in modern Britain. Characters caught in the middle or fighting against it. He uses drawing, painting, and mixed media to show transformation in his animated worlds.


We Need New Names

[ˈdʊŋkl̩ˌdɔɪ̯ ʧlant]

Memorandum

United Kingdom 2015, 13'31", digital file, colour, English/English subtitles, Exp/Doc

Germany 2014, 13'13", digital file, colour, German/English subtitles, Exp/Doc

Spain 2014, 21', digital file, b/w, Spanish/English subtitles, Doc/Fic

Director: Onyeka Igwe Photography: Onyeka Igwe Editor: Onyeka Igwe Sound: Faraz Anoushepoor Production and Distribution: Onyeka Igwe, London, United Kingdom, onyeka.igwe@gmail.com, www.onyekaigwe.com

Director: Stefanie Schroeder/Juliane Jaschnow Script: Stefanie Schroeder/Juliane Jaschnow Photography: Juliane Jaschnow/Stefanie Schroeder Editor: Stefanie Schroeder/Juliane Jaschnow Sound: Stefanie Schroeder/Juliane Jaschnow/ Katharina Wittmann/Mark Hornbogen Production and Distribution: Stefanie Schroeder, Leipzig, Germany, info@schroederstefanie.de, www.schroederstefanie.de

Director: Juan Millares Script: Juan Millares Editor: Juan Millares Sound: Emilio Bustos/Joan Borrell Cast: José Ángel Egido Production: Matí SL, Majadahonda, Spain, Mercè Sampietro, j.millares@telefonica.net, +34916389800 Distribution: Marvin & Wayne, Barcelona, Spain, Josep Prim, info@marvinwayne.com, +34934863313

«We Need New Names» ist ein VideoEssay über die Identität von Diaspora Nigerianerinnen. Das Werk erörtert die Widersprüche in der ethnographischen Lektüre einer Beerdigung – jene der Matriarchin von der Familie der Filmemacherin. «We Need New Names» is a video essay about contemporary Nigerian diasporic female identity. It examines the contradictions inherent to an ethnographic reading of the funeral of the filmmaker's family matriarch. Onyeka Igwe is a documentary filmmaker from London. She came to filmmaking from a radical political activist experience, hoping to develop a filmmaking practice as a way of doing politics. Onyeka's filmmaking is dominated by an interest in identity, politics, culture, and place.

Dunkeldeutschland war in der BRD die hämische Bezeichnung für reaktionäre deutsche Regionen. Heute wird sie meist auf die Post-DDR bezogen, die sich im Imagewandel übt: Wellnesscenter statt Fabriken, Schafe unter Solarpanels. Die subjektive Kamera der dort geborenen Filmemacherinnen sucht stolpernd nach der richtigen Distanz. In West Germany, «Dark Germany» was a derisive term for reactionary regions of the country. Today it is mostly applied to former East Germany with its attempts to change its image: wellness centres instead of factories, sheep grazing under solar panels. The subjective camera of the filmmakers who were born there is searching for the right distance. Stefanie Schroeder, born 1981 in Weimar, studied Art History, Communication, and Art Pedagogy at the University of Greifswald. She is a co-founder of the independent cultural centre WBS70, Greifswald.

Ein Memorandum über die Beschäftigung mit Archivmaterial aus den Anfängen der Filmgeschichte, das Fabrikarbeiterinnen zeigt. Was wie eine wissenschaftliche Analyse der historischen Bilder beginnt, entpuppt sich im Laufe des Films als Psychogramm einer gescheiterten Liebesbeziehung. A memorandum on the treatment of archival material from early film history, showing female factory workers. What appears like a scholarly analysis of historic images at first, turns out to be the psychological profile of a failed relationship. Juan Millares is an architect and was a professor at Madrid University. In 1990, he wrote and directed the 13-episode series «Mucho cuento» for Spanish TV. In 2005 and 2009, respecitvely, the award-winning documentary and short films «Cuadernos de contabilidad de Manolo Millares» and «El pabellón alemán» followed.

Juliane Jaschnow studies Visual Art and Photography at the Academy of Visual Arts, Leipzig.

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IV


Freedom & Independence Germany 2014, 15'01", digital file, colour, English, Fic/Exp Director: Bjørn Melhus Script: Bjørn Melhus Photography: Eike Zulegg Editor: Bjørn Melhus Sound: Max Schneider Cast: Bjørn Melhus Production and Distribution: Limboland Productions, Berlin, Germany, festival@melhus.de, +49 (0)3028484660

Mit «Freedom & Independence» greift Bjørn Melhus den globalen ideologischen Paradigmenwechsel hin zu einem religiös geprägten Kapitalismus auf, indem er Zitate von Ayn Rand, der selbst ernannten Philosophin des Objektivismus, mit evangelikalen Inhalten des US-amerikanischen Mainstreamkinos konfrontiert. The experimental short film «Freedom & Independence» questions the current global ideological paradigm shift towards new forms of religious capitalism by confronting ideas and quotes of the self-proclaimed objectivist philosopher and novelist Ayn Rand with evangelical contents of US-American mainstream movies. Bjørn Melhus (1966) is a German-Norwegian media artist. In his work, he has developed a singular position, expanding the possibilities for a critical reception of cinema and television. His practice of fragmentation, destruction, and reconstitution of well-known figures, topics, and strategies of the mass media opens up a network of new interpretations and critical commentaries, and redefines the relationship of mass media and viewer.

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Le Park

Totem

France 2015, 14', digital file, colour, French and Arabic/English subtitles, Doc/Exp/Fic

Norway 2015, 20', digital file, colour, Norwegian/English subtitles, Fic

Director: Randa Maroufi Photography: Luca Coassin Editor: Randa Maroufi Sound: Randa Maroufi Cast: Young Folk of Yasmina Park Production: Le Fresnoy, Natalia Trebik, Tourcoing, France, ntrebik@lefresnoy.net, +3 20 28 38 64 Distribution: fpapon@lefresnoy.net, +320283864

Director: Marte Vold Script: Marte Vold Editor: Astrid Skumsrud Johansen Sound: Rune Baggerud Cast: Marte Magnusdotter Solem/Ole Giæver Production and Distribution: Norwegian Film Institute, Oslo, Norway, Toril Simonsen, ts@nfi.no, +4722474500, www.nfi.no

Die Kamera mäandriert langsam durch einen verlassenen Vergnügungspark mitten in Casablanca. Der Film porträtiert die Jugendlichen, die diesen Ort besuchen und präsentiert Schnappschüsse aus ihrem Leben, die oft von den Bildern aus sozialen Netzwerken inspiriert sind.

Ein Vorort von Oslo, ein Haus, ein Wintergarten, eine Beziehung, die sich totgelaufen hat und die doch am Leben erhalten wird.

A slow meandering camera in an abandoned amusement park in the heart of Casablanca. The film draws a portrait of the youth who frequent this place, and presents snapshots of their life, often inspired by images found in social networks. Randa Maroufi's multi-disciplinary practice is rooted in political issues, with a primary concern in gender studies. Her work takes the form of film, video, photography, installation, performance, and sound. She now lives and works between Lille and Tangier. She studied at Beaux-Arts de Tétouan, Beaux-Arts d’Angers, and Le Fresnoy.

An Oslo suburb, a house, a winter garden, a relationship that has run its course but that is nevertheless kept alive. The work of director and cinematopgrapher Marte Vold, born in 1978 in Tromsø, Norway, has been screened in both galleries and film venues. Filmography: «Out of nature» (co-director, 2014), and several shorts, among them «Totem» (2014), «Small Episodes» (2012), and «Solitaire» (2008).


While the Unicorn is Watching Me France 2014, 8'10", digital file, colour and b/w, French, Fic/Exp Director: Shanti Masud Script: Shanti Masud Photography: Tom Harari Editor: Shanti Masud Cast: Nicolas Maury/Antoine Heraly/Pierre Emo/ Yohan Campistron/Kevin Laplaige/Alexandre Elkouby/Jeremy Flaum/Barnabé D'Hauteville/ Olivier Marguerit Production: LOCAL FILMS, Paris, France, festival_local@yahoo.fr, +33144937359 Distribution: Shanti Masud, Paris, France, shantimasud@gmail.com, +33626480018

An einem kalten Sonntagmorgen wacht ein Mann unter dem schelmischen Blick eines Einhorns auf, das direkt seinem Traum entsprungen ist. Seine Fantasie verwandelt seine einsame Wohnung langsam in einen Lustgarten, wo der junge Faun die Früchte seiner Begierde frei ernten kann. On a cold Sunday morning, a man wakes up under the mischievous gaze of a unicorn straight out of his dream. His fantasies gradually transform his lonely apartment into a garden of delights where this young faun can freely reap the fruits of his desires. Shanti Masud is a prolific filmmaker of b&w and colour films in super 8, 16mm, and digital, alternating between experimental cinema and fiction. She has also directed several experimental music videos. Her work has been screened at many film festivals as well as in international art centres.

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Maku Japan 2014, 5'26", digital file, colour, no dialogue, Ani Director: Yoriko Mizushiri Editor: Yoriko Mizushuri Production: Yoriko Mizushiri, Tokyo, Japan, yoriko@shiripro.com, http://imoredy.com Distribution: CaRTe bLaNChe, Paris, France, entry@c-a-r-t-e-blanche.com, +33170323916

_ Der Vorhang hebt sich: eine KyogenBühne, ein Untersuchungsraum beim Augenarzt, eine Sushi-Theke. Zwei Menschen begegnen sich. Unterschiedlichste Gefühle – Furcht, Faszination, Zärtlichkeit – flammen auf und werden sofort in die Tat umgesetzt. Die Gefühle des anderen werden erkundet. _ The curtain rises: a Kyogen stage, an examination room at an eye specialist’s, a sushi counter. Two people meet. Feelings of the most diverse kind – between fear, fascination, and tenderness – flare up and are immediately put into practice. The feelings of the other are explored. Yoriko Mizushiri is a Japanese animator and designer born in 1984. In 2007, she received a Bachelor’s degree in Design from Joshibi University of Art and Design. She works as a freelance film director.

With Many Things to Come Serbia 2015, 22'09", digital file, colour, Serbian/English subtitles, Fic Director: Jelena Gavrilovic Script: Jelena Gavrilovic/Dimitrije Kokanov Photography: Igor Djordjevic Editor: Natasa Pantic Sound: Branko Topalovic Cast: Ana Mandic/Draginja Voganjac/ Saša Torlakovic´/Igor Žimbrek/Ljubica Nedic´ Production and Distribution: Faculty of Dramatic Arts Belgrade, Beograd, Serbia, +381112135684

Jovana ist vor Kurzem von zu Hause ausgezogen. An einem Sommertag überrascht sie ihre Familie mit einem Besuch. Als sie bemerkt, wie niedergeschlagen ihre Mutter ist, geht sie mit ihr spazieren und ein Bierchen trinken. Jovana recently moved out of her family home to live alone. One summer day, she decides to pay a surprise visit to her family and have some leftover lunch. She arrives to find her mother down and depressed, and decides to take her out for a beer. Jelena Gavrilovic´ was born in 1990 in Belgrade. Her short films were screened at numerous international film festivals, winning several awards. In 2013, she directed the first Balkan web series called «JustSaying», which won a Satellite award in Hollywood.

V


Monkey

Séance

Una Storia Normale

China 2015, 5'09", digital file, colour, no dialogue, Ani/Exp

Italy 2014, 30', digital file, colour, Italian/English subtitles, Exp/Doc

Italy 2015, 16'16", digital file, colour, Italian/English subtitles, Doc

Director: Shen Jie Editor: Shen Jie Sound: Keju Luo Production and Distribution: Jie Shen, Shanghai, China, zuowotuishang@gmail.com, +86 13122606941

Director: Yuri Ancarani Photography: Yuri Ancarani/Giuseppe Favale Editor: Yuri Ancarani Cast: Albania Tomassini/Fulvio Ferrari Production and Distribution: Yuri Ancarani, Milano, Italy, info@yuriancarani.com, +39 335206051

Konflikte zwischen Familienmitgliedern eskalieren schneller, wenn eines der Mitglieder stirbt. Der Regisseur machte diesen Film nach dem Tod seines Grossvaters. Eine Allegorie anhand von drei Affen.

Der Begriff «Séance» bezeichnet den Versuch, mit den Geistern zu kommunizieren. Im Casa-Mollino-Museum spricht ein Medium mit dem Geist von Architekt und Fotograf Carlo Mollino über seine Arbeit. Vom esoterischen Architekten als seine spirituelle Heimat konzipiert, wurde das Haus zunächst geheim gehalten. Es sollte nach seinem irdischen Leben seine Seele beherbergen.

Director: Michele Vannucci Script: Michele Vannucci Photography: Matteo Vieille Editor: Mauro Rossi Sound: Eric Guerrino Production: Kino Produzioni, Roma, Italy, Giovanni Pompili, assistant@kinoproduzioni.it, +39 3283848593 Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, Wouter Jansen, info@someshorts.com, +31622076717

Conflicts between family members tend to escalate when one of the members dies. According to the director himself, this film was inspired by the death of his grandfather. An allegory with three monkeys. Shen Jie (born 1989 in Shanghai, China) graduated from Shanghai Institute of Technology in 2012. Apart from «Monkey», his recent works include the short films «Horse» (2013), «Run! and Stammer» (2013), and «Flow» (2011).

The word «séance» defines an attempt to communicate with the spirits. In the Mollino house-museum, a medium is speaking with the spirit of the architect and photographer Carlo Mollino about his work. Conceived by the esoteric architect as his spiritual home, the house was kept secret and was meant to welcome his soul beyond terrestrial life. Yuri Ancarani is an Italian video artist and filmmaker born in 1972 in Ravenna, Italy. His works (among them «San Siro», «Da Vinci», «Il Capo») blend documentary cinema and contemporary art. They have been shown in national and international museums and exhibitions, as well as at many film festivals.

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Mirko ist vierzig Jahre alt und hatte schon vier Prozesse wegen Drogenhandels und zwei Mordversuchen am Hals. Heute hat er eine Frau, drei Kinder, eine Mutter, einen Vater und ein ganzes Quartier zu ernähren. Denn er ist der König von La Rustica, einem Aussenbezirk Roms. Mirko is fourty years old and has had four trials, having being accused of international drug trafficking and two attempted murders. Today, Mirko has a wife, three children, a mother, a father, and a whole neighbourhood to feed. After all, he is the king of La Rustica, a surburb of Rome. Michele Vannucci was born in Rome in 1987. He began theatre school, and in 2009 went on to study at the Experimental Cinema Centre (www.snc.it), graduating in 2012 with a degree in Directing. In three years, he has produced over 10 short- and medium-length films.


Fortunato – D’Aqui Até São Torcato Portugal 2014, 22', digital file, colour, Portuguese/English subtitles, Fic Director: João Rodrigues Script: João Rodrigues Photography: Paulo Abreu Sound: Pedro Ribeiro/Pedro Marinho Cast: Ivo Bastos/José Rodrigues/Carlos Adolfo/ Amarelo/Ângelo Torres/Paulo Abreu/ Pedro Almendra/José Eduardo Silva Production: Fundação Cidade de Guimarães, Guimarães, Portugal Distribution: AGENCIA - Portuguese Short Film Agency, Vila do Conde, Portugal, Salette Ramalho, agencia@curtas.pt, +351 252 646683

Von einem, der auszog, um die Lösung für seine finanziellen Probleme zu suchen, und dabei Erleuchtung fand. About a man who set out to find the solution for his financial problems and found enlightenment on the way. João Rodrigues was born 1981 in Porto, Portugal. He is a director and editor, known for his short films «The Tile-Jail Toilet-Tale» (2008), «Preto & Branco» (2004), and «Alexandrino» (2006).

Junilyn Has Philippines 2015, 14'28", digital file, colour, Tagalog/English subtitles, Exp/Fic Director: Carlo Francisco Manatad Script: Carlo Francisco Manatad Photography: Mikee Dela Cruz/ Carlo Francisco Manatad Editor: Carlo Francisco Manatad Sound: Addiss Tabong Cast: Star Orjaliza/Abby Hispano/Hasmine Formalejo Production: Ignatius Films, Quezon, Philippines, ignatiusfilms@yahoo.ca, Plan C, Makati, Philippines, carlo.manatad@gmail.com Distribution: Carlo Francisco Manatad, Makati, Philippines, carlo.manatad@gmail.com, +63 24038378

Junilyn ist Tänzerin in einem Nachtclub. Beim Besuch des Papstes auf den Philippinen muss sie neue Tanzbewegungen lernen, um mehr Kunden anzulocken. Aber im Rahmen ihrer Proben bereitet sie sich auch auf ihren mutigen Plan vor, sich selbst zu befreien. Junilyn is a dancer in a nightclub. During the pope's visit to the Philippines, she needs to learn new dance moves in order to attract more customers. But during her rehearsals, she also makes a courageous plan to liberate herself. Filmmaker Carlo Francisco Manatad is from Tacloban City in the Philippines. He studied Film at the University of the Philippines Film Institute and participated in the DocNet Campus Project in Jakarta (2014) as well as the Berlinale Talent Campus (2012). His first feature film «A Wrong Season» is currently in development.

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VI


The Living Need Light, The Dead Need Music Vietnam 2014, 21'15", digital file, colour, no dialogue, Exp Director: The Propeller Group Production: The Propeller Group, Ho Chi Minh City, Vietnam, hello@the-propeller-group.com Distribution: TPG Films, Ho Chi Minh City, Vietnam, hello@teepeegee.com, +84 904 427 423

Eine visuelle und musikalische Reise durch die exzentrischen Begräbnistraditionen im Süden Vietnams. Ein Dialog von Ritualen entsteht, überlagert von der rohen Symphonie einer SüdstaatenBlaskapelle. Auf der Schwelle vom Leben zum Tod begegnen sich Trauer und Freude. A visual and musical journey through the excentric funeral traditions and rituals of south Vietnam. A dialogue of funerary traditions that pulsate in the same vein throughout the global south. Cultures linked by the raw symphony of a brass band. Grief and joy meet on the threshold of life and death. The Propeller Group was established in 2006 as a cross-disciplinary structure for creating ambitious art projects. With backgrounds in visual art, film, and video, Phunam, Matt Lucero, and Tuan Andrew Nguyen created the collective to harness the synergetic spirit encountered in large-scale production efforts.

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Newborns India 2014, 8'37", digital file, colour, Hindi/English subtitles, Doc/Exp Director: Megha Ramaswamy Script: Megha Ramaswamy Photography: Satya Rai Nagpaul Editor: Rohit Pandey/Anand Gandhi Sound: Gabor Erdelyi Cast: Laxmi/Nasreen/Sapna/Daya Kishan/ Usha Devi/Heena Production: Harini Lakshminarayan, Mumbai, India, harini26@gmail.com, +919920053052 Distribution: Recyclewala Films, India, Ruchi Bhimani, ruchi@recyclewalafilms.com

«Newborns» ist ein Versuch, den Überlebenden von Säureangriffen eine Stimme zu verleihen, mit Blicken zurück und in die Zukunft. Die Protagonistinnen führen uns durch die Einöde ihrer privaten und öffentlichen Räume in einer namenlosen, dystopischen Stadt mit ihren Fabriken, Häusern, Motels, und ihren Versprechungen, die nie eingehalten werden. «Newborns» attempts to give a voice to the survivors of acid attacks, to look forward and gaze back. They take us through the bleakness of their domestic and public spaces in a nameless dystopian city with its factories, houses, and motels, and its promises, never honoured. Megha Ramaswamy is a screenwriter, director, and producer based in Mumbai. Megha's label, Missfit Films, is dedicated to producing innovative films, which don't necessarily subscribe to being independent or commercial.

«[...] Craving for Narrative» lässt sich einfach nicht gut übersetzen Germany 2015, 25'28", digital file, colour, English, Exp/Doc Director: Max Grau Production and Distribution: Max Grau, Berlin, Germany, post@max-grau.de, +49 17667846377, www.max-grau.de

«[...] craving for narrative» ist eine Art nicht-indexikalischer Essay-Film und basiert auf einem 23-sekündigen Ausschnitt aus dem Film «Grease» (Randal Kleiser) von 1978. Die kurze filmisch-musikalische Konfiguration ist der Anlass zu ausufernden Überlegungen und Erzählungen, und Überlegungen zu Erzählungen. «[...] craving for narrative» is a sort of non-indexical essay film, based on a 23-second clip from the 1978 film «Grease» (directed by Randal Kleiser). This brief cinematic-musical configuration is an occasion for excessive reflections and stories, and reflections about stories. Max Grau (born 1988) lives and works in Berlin. In 2014, he graduated from HBK Saar and began his studies at Kunsthochschule Weissensee. His films have been shown at festivals, exhibitions, and performances.


Edmond

Mama

United Kingdom 2015, 9'25", digital file, colour, English, Ani

Georgia 2015, 25'07", digital file, colour, Georgian/English subtitles, Fic

Director: Nina Gantz Script: Nina Gantz Photography: Ian Forbes Editor: Nina Rac Sound: Rob Turner Production and Distribution: Emilie Jouffroy, London, United Kingdom, jouffroy.emilie@gmail. com, +44 7826487765

Director: Davit Pirtskhalava Script: Davit Pirtskhalava Photography: Shalva Sokurashvili Editor: Nodar Nozadze Sound: Paata Godziashvili/Nika Paniashvili Cast: Mariam Maglaperidze/Vakho Chachanidze/ Mamuka Kiladze/Sandro Kalandadze/ Zviad Pirtskhalava Production: Millimeter Film, Tbilisi, Georgia, Mariam Kakabadze, info@millimeterfilm.com, +99532194500 Distribution: Davit Pirtskhalava, Tbilisi, Georgia, data.pirtskhalava@gmail.com

Eine schwarze Komödie über einen Mann mit einem ungesunden Persönlichkeitszug, der zurück in die Vergangenheit reist, um hinter die Ursachen für sein Unglücklichsein zu kommen. A dark comedy about a man with an unhealthy personality trait, who travels back in time, looking for the roots of his unhappiness. Nina Gantz was born in Amsterdam. Her graduation film «Zaliger» (2010) went on to be selected at 37 festivals. Other films: «Devastated by Love» (feature 2013), «Employee of the Month» (2013).

Lado ist neunzehn als sein Vater nach sehr langer Abwesenheit unerwartet nach Hause zurückkehrt. Mit allen Mitteln versucht der junge Mann, seinem Vater Antworten zu entlocken – vergeblich. Als der Vater wieder weggeht, kehrt Lado mit seinem jüngeren Bruder zu seinem kriminellen Leben zurück. Lado is nineteen when his father unexpectedly returns home after a very long absence. The young man desperately tries to get some answers from his parent, but in vain. When his father leaves again, Lado goes back to his life of crime, together with his younger brother. Born in 1987 in Tbilisi, Georgia, Davit Pirtskhalava graduated from Shota Rustaveli Theatre and Georgia State Film University (TAFU) in Tbilisi. He wrote and co-wrote several shorts and feature-length films. «Mama» (2015) is his first short as a director.

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VII


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Schweizer Wettbewerb I, II, III Swiss Competition I, II, III

I Runtime 83’ November 4, 2015, 20:00 Uhr Theater Winterthur November 6, 2015, 22:30 Uhr Theater Winterthur II Runtime 86’ November 5, 2015, 19:30 Uhr Casino Theatersaal November 7, 2015, 20:00 Uhr Theater Winterthur III Runtime 88’ November 6, 2015, 19:30 Uhr Casino Theatersaal November 7, 2015, 16:30 Uhr Casino Theatersaal

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Kacey Mottet Klein, naissance d'un acteur Switzerland 2015, 14', digital file, colour, French/English subtitles, Doc Director: Ursula Meier Script: Antoine Jaccoud/Ursula Meier Photography: Agnès Godard/Ursula Meier/ Jeanne Rektorik Editor: Julie Brenta Sound: Ursula Meier/Dimitri Haulet Cast: Kacey Mottet Klein Production and Distribution: Milos-Films SA, Neuchâtel, Switzerland, Isabelle Zampiero, izampiero@bluewin.ch, + 41 76 365 98 87

Acht Jahre. Zwölf Jahre. Fünfzehn Jahre. Ein Körper, der vor der Kamera heranwächst, in Empfindungen und Gefühlen schwelgt, seine Grenzen und Schattenseiten erkundet. Ein Körper, der sich im Laufe der Jahre der Figur unterwirft und so das, was wie ein (Kinder-)Spiel erscheinen könnte, zu einer wahren Schauspielleistung macht. Das Porträt eines Jugendlichen, der sich durch die Kamera entwickelt hat. 8 years. 12 years. 15 years. A body growing up in front of the camera, indulging in sensations and feelings, exploring boundaries and dark sides. A body subjecting itself to the character over the years and thus turning what might seem like a game into a true acting performance. The portrait of a teenager who developed through the camera. French-Swiss Ursula Meier was born in Besançon, France, in 1971. She studied at the IAD in Belgium. The success of her shorts enabled her to pursue an independent career. «Home», her feature debut, premiered at the Cannes Film Festival Critics’ Week in 2008 and received awards at many film festivals. Her film «Sister» received a Silver Bear Special Award at the 2012 Berlin Film Festival.

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La Vague

Ivan’s Need

Switzerland 2014, 13'08", digital file, colour and b/W, Spanish/English subtitles, Fic

Switzerland 2015, 6'20", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Irene Muñoz Martin Script: Irene Muñoz Martin Photography: Irene Muñoz Martin Editor: Irene Muñoz Martin Sound: Dominique Fabre Production and Distribution: Irene Muñoz Martin, Geneva, Switzerland, irenemunozmartin@gmail.com, +41 78 940 94 19

Director: Lukas Suter/Veronica L. Montaño/ Manuela Leuenberger Script: Veronica L. Montaño/ Manuela Leuenberger/Lukas Suter Sound: Etienne Kompis/Thomas Gassmann Cast: Frederic Siegel/Jonathan Wüst/ Michiko Hanawa Production: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, animation@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

Am 20. November 1975, während der Weltmeisterschaften der Rhythmischen Gymnastik in Madrid, stirbt der spanische Diktator Franco. Anhand von Privat- und Archivfotos erzählt der Film die Geschichte einer Turnerin – der Mutter der Filmemacherin – und hinterfragt gleichzeitig die Geschichtsschreibung und das kollektive Gedächtnis Spaniens. On 20 November 1975, during the rhythmic gymnastics World Championships in Madrid, Spanish dictator Franco dies. Using private and archival photos, the film tells the story of a gymnast – the filmmaker's mother – and questions historiography and Spain's collective memory. Irene Muñoz Martin was born in Spain in 1991. She completed a Bachelor in Fine Arts and later a Bachelor in Film at the HEAD, Geneva. She made her first film in 2013, entitled «Reflections from the Camp». «La Vague», part of this year’s Swiss competition, is her fourth film. She lives and works in Geneva.

Ein Bäcker knetet sich in Ekstase. A baker is obsessed with kneading dough. «Ivan's Need» is the bachelor graduation film of Veronica Montaño (1990), Manuela Leuenberger (1988), and Lukas Suter (1986) at the Lucerne School of Art and Design, Switzerland.


The Meadow Switzerland 2015, 8'57", digital file, colour, no dialogue, Doc Director: Jela Hasler Script: Jela Hasler Photography: Andi Widmer Editor: Stephan Heiniger Sound: Jela Hasler/Thomas Gassmann Production and Distribution: Jela Hasler, Luzern, Switzerland, jela.hasler@hslu.ch, +41 41 248 64 64

In einer steppenhaften Landschaft weidet eine Rinderherde, begleitet von Hunden, behütet von Cowboys. Doch nach und nach entpuppt sich diese scheinbare Idylle als trügerisch, Brüche im friedlichen Bild werden erkennbar – während die Kühe ihren Tag so beenden, wie er begann. A herd of cattle is grazing in a steppelike landscape, guarded by dogs, protected by cowboys. But little by little, this seeming idyll turns out to be deceptive and cracks start to appear in the peaceful image – while the cows end their day the same way it began. Jela Hasler was born in Baden, Switzerland, in 1986. She first studied photography at the University of Arts in Zurich and spent one semester at Marmara University in Istanbul, Turkey. Afterwards, she studied Video at the Lucerne School of Art and Design. Jela lives in Zurich and works as a freelance filmmaker.

Subotika – Land of Wonders Switzerland 2015, 13'25", digital file, colour, German/English subtitles, Fic Director: Peter Volkart Script: Anita Hansemann Photography: Hans Ulrich Schenkel Editor: Harald & Herbert Sound: Guido Keller Cast: Francesca Tappa/Alireza Bayram/ Heinz-Jürgen Steinhauer Production: RECK Filmproduktion, Zürich, Switzerland, Franziska Reck, info@reckfilm.ch, +41 44 241 37 63 Distribution: MAGNETFILM GmbH, Berlin, Germany, georg.gruber@magnetfilm.de, +49 (0)163 80 10 753

Subotika, eine kaum bekannte Insel auf der anderen Hälfte der Erdkugel. Um den Fremdenverkehr der Republik anzukurbeln, gibt der Aussenminister einen Reklamefilm in Auftrag. Ein Filmwerk über ein zauberhaftes Land mit aussergewöhnlichen Sehenswürdigkeiten, grossartigen Visionen und ein paar geringfügigen Problemen. Subotika, a little-known island on the other side of the globe. To boost tourism in the republic, the foreign minister commissions a promotional film. A cinematic work about an enchanting country with exceptional attractions, magnificent visions, and a few minor problems. Peter Volkart studied visual arts and filmmaking in Zurich and New York. He has made independent short films and documentaries for television, created trailers and commercial shorts, and collaborated on feature film projects as art director and editor. Since 1995, he has been running a graphic design studio in Zurich.

O som da casa* France/Switzerland 2015, 14'35", digital file, colour, Portuguese/English subtitles, Fic Director: Maxime Kathari Script: Maxime Kathari Photography: Maxime Kathari Editor: Maxime Kathari/Christine Kathari Sound: Leandro Coreido Cast: Mariana Mello/Josiane Mello Production/Distribution: Maxime Kathari, Paris, France, katharimaxime@gmail.com, +33 7 52 53 18 59, mkathari.tumblr.com

Vor der Abreise nach Europa verbringt eine junge brasilianische Studentin die letzten Augenblicke zu Hause mit ihrer Mutter. Eine stimmungsvolle Momentaufnahme, in der eine Umarmung und ein Gespräch die gegenseitige Liebe von Mutter und Tochter zum Ausdruck bringen. Before leaving for Europe, a young Brasilian students spends the last moments at home with her mother. An atmospheric snapshot, in which a hug and a chat express the mutual love between mother and daughter. Maxime Kathari was born and raised in Geneva. After obtaining his Matura in 2009, he was accepted to the Haute École d’Art et de Design (HEAD) in the Cinema section. At a young age, he starred in various television and cinema features that allowed him to discover the magic of filmsets.

Die mit einem * markierten Filme sind auch für die Preise des Internationalen Wettbewerbs nominiert. All films marked with an * are also nominated for the awards of the International Competition.

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I


Moriom

Suspendu

Switzerland 2015, 12'16", digital file, colour, Bengali/English subtitles, Doc

Switzerland 2015, 15', digital file, colour, French/English subtitles, Fic

Director: Francesca Scalisi/Mark Olexa Photography: Mark Olexa Editor: Francesca Scalisi Sound: Pierre Berset Production and Distribution: DOK MOBILE, Fribourg, Switzerland, Francesca Scalisi, francesca.scalisi@outlook.it

Director: Elie Grappe Script: Elie Grappe Photography: Lucie Baudinand Editor: Félix Rehm Sound: David Püntener Cast: Max Ricat/Julia Petit/Erwan Jeammot Production: Point Prod SA, Carouge GE, Switzerland, suspendu.film@gmail.com, ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne, Renens, Switzerland Distribution: Ecole cantonale d'art de Lausanne, Renens, Switzerland, Jean Guillaume Sonnier, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch

Sommer 2014 im ländlichen Bangladesh. «Ich komme vom Himmel. Ich komme, um alle schlechten Dinge zu zerstören. Ich bin ein Polizist. Ich bin ein Blumenengel. Ich arbeite auf einem Polizeiposten. Ich werde sie bestrafen, ich werde sie alle einsperren.» Die Geschichte eines Mädchens und die Tragödie, die sein Leben verändert hat. Summer 2014 in rural Bangladesh. «I came from Heaven. I came to destroy all bad things in the world. I'm a police officer. I'm a flower angel. I have a job at the police station. I will punish them. I will put them in jail.» The story of a girl and of the tragedy that changed her life. Francesca Scalisi and Mark Olexa are the founders of DOK MOBILE, a film production company based in Fribourg, Switzerland. Their academic background in Fine Arts is visible in their works, where social commitment and intercultural curiosity are blended with an artistic point of view. They have edited and directed several documentaries screened at some of the most important festivals such as Dok Leipzig. Their latest projects are two feature-length documentaries, «Digitalcurry» and «À l'envers», both currently in production. They are the creators and artistic directors of the «Flying Film Festival», the first film festival held in the sky, with passengers as spectators and judges.

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I

Die Tanzakademie liegt still in der Dämmerung, während ein Junge alleine Bewegungsabläufe übt – und stürzt. Der stechende Schmerz zwingt ihn innezuhalten. Aber an der heutigen Prüfung will er sich, den Klassenkameraden und seiner Tanzpartnerin beweisen, dass sein Körper keine Grenzen kennt. At dawn, at a classical dance academy, a boy falls while rehearsing some movements. Something breaks in his foot, causing sharp pain. But he doesn't give up. The exams are held today, and the boy tries to face his dance partner and classmates, convincing himself that his body has no limits. Born 1994 in Lyon. After studying music at the Lyon Conservatory and theatre in high school, Elie Grappe enrolled at ECAL in the Cinema section in 2011. He graduated with first class honours in 2015. He directed his first short fiction film, «Limbo», in 2014 as well as a short documentary, «Rehearsal».

Une histoire simple, la mienne, la tienne et celle de M. * Iran/Switzerland 2015, 32', digital file, colour and b/w, Persian/English and French subtitles, Doc Director: Atefeh Yarmohammadi Script: Atefeh Yarmohammadi Photography: Atefeh Yarmohammadi Editor: Sepideh Abtahi Sound: Atefeh Yarmohammadi Production: HEAD - Haute école d'art et de design Genève, Geneva, Switzerland, Jean Perret, jean.perret@hesge.ch, +41 22 388 58 89 Distribution: HEAD - Haute école d'art et de design - Genève, Geneva, Switzerland, Maëlle Azur-Camus, maelle-azur.camus@hesge.ch, +41 22 388 58 89

Die Gedanken der Filmemacherin, die Schilderungen ihrer Mutter und Erinnerungen an den unbekannten Vater überlagern sich: Eine persönliche Familiengeschichte und gleichermassen eine politische Entdeckungsreise in den Iran der 1980er-Jahre. The filmmaker's thoughts, the mother's narrative, and memories of the father overlap: a personal family history and simultaneously a political journey of discovery in 1980s Iran. Born in Tehran, Atefeh Yarmohammadi first studied painting at Azad University of Art and Architecture, then Art-Action and Film at the HEAD in Geneva. She holds two Bachelors in Visual Art. She works as an essayist and documentarian.


Seemannsgarn

A place I’ve Never Been Hausarrest

Switzerland 2015, 5'44", digital file, colour, no dialogue, Ani

Switzerland 2014, 4'40", digital file, colour, no dialogue, Exp

Switzerland 2015, 13'32", digital file, colour, Swiss German/English subtitles, Fic

Director: Julia Munz/Claudia Wirth Script: Julia Munz/Claudia Wirth Editor: Julia Munz/Claudia Wirth Sound: Christof Steinmann Production: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, animation@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal. molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

Director: Adrian Flury Photography: Countless Unknown Photographers Editor: Adrian Flury Sound: Jeroen Visser Production and Distribution: Adrian Flury Filmproduktion, Switzerland, a.flury@gmx.net, +41 (0)77 421 17 15

Director: Matthias Sahli Script: Matthias Sahli Photography: Pascal Reinmann Editor: Matthias Sahli Sound: Gina Keller Cast: Urs-Peter Wolters/Nicole Steiner/ Walter Menzi/Peter Hottinger Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, film.info@zhdk.ch, +41 43 446 31 14 Distribution: Matthias Sahli, matthias.sahli@zhdk. ch, Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, Laura Zimmermann, laura.zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 12

Wenn eine Mücke und ein Seemann sich mögen ... When a mosquito and a sailor like each other ... Julia Munz was born 1989 in Switzerland. In 2005, she completed an art course in St.Gallen and for many years she was part of an association named «Kleine Kunstschule». In 2006, she received a diploma in textile design and worked in the field for a couple of years. She went on to complete her Matura and then to study 2D Animation in Lucerne. Claudia Wirth was born in 1980. She completed her studies as a school teacher in 2001 in Biel, Switzerland. Later, she went on to study art, specialising in 2D Animation, at the University of Art and Design in Lucerne.

Das Filmexperiment ergründet anhand eines Ortes die angestauten Bilder in den digitalen Archiven. In Einzelbildmontage werden darin verborgene Spuren, Muster und Intervalle sichtbar gemacht, um der herrschenden Redundanz einen neuen Sinn abzugewinnen. By reference to one place, this cinematic experiment explores the images accumulated in digital archives. A montage of individual images makes visible hidden traces, patterns, and intervals in order to extract new meaning from the prevailing redudancy. Adrian Flury was born in 1978 in Zug, Switzerland. He first completed an apprenticeship as an electrician before studying animation at Lucerne University of Arts. He has been working in the field of moving images since 2005.

Die Geschichte von Max, der zu sechs Monaten Hausarrest verurteilt wurde und von der elektronischen Fussfessel «Percy» assistiert wird. Eines Tages stellt er mit Schrecken fest, wie weit sie dabei geht. Es bleibt ihm nur ein Ausweg, um sich von ihr zu trennen. The story of Max who is under house arrest for six months, assisted by the electronic ankle monitor «Percy». One day, he discovers how far the monitor goes in supervising him. There is only one way to escape from it. Matthias Sahli is a 27-year-old filmmaker. After finishing business school in addition to a professional diploma and several years of work experience, he found his true passion in making films. «Hausarrest» was shown at the film festival in Locarno, where it received a Special Mention by the Junior Jury.

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II


Nuestro Mar

Nirin

La fin d’Homère

Switzerland 2015, 15', digital file, colour, Spanish/English subtitles, Fic/Doc

Switzerland 2015, 15'45", digital file, colour, Malagasy/English and French subtitles, Fic

Switzerland 2015, 23', digital file, colour, French/English subtitles, Fic

Director: Eileen Hofer Script: Eileen Hofer Photography: Gregory Bindschedler Editor: Raphael Lefêvre Sound: Benjamin Benoit Cast: Emilio Bonne/Omara Portuondo Production/Distribution: 5 to Five Team Prod, Geneva, Switzerland, Eileen Hofer, info@eileenhofer.ch, +41 764325383

Director: Josua Hotz Script: Josua Hotz Photography: Julia Sangnakkara Editor: Youri Tchao Sound: Andry Ranoarivony Cast: Andry Tafika Harison Rakotozafy/ Marie Esther Razanamanga/ Nary Elysée dit Tapé Raherison/ Arnaud Olivier Rakotozafy/Nomena Andrianina Safidinekena Bryan Ainarifetra Production: Louise Productions, Vevey, Switzerland, lpv@louiseproductions.ch, +41 21 923 63 63, ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne, Renens, Switzerland Distribution: Ecole cantonale d'art de Lausanne, Renens, Switzerland, Jean Guillaume Sonnier, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch

Director: Zahra Vargas Script: Zahra Vargas/Andreas Fontana Photography: Mirjam Landolt/Masanori Omori/ Matthias Staub/Zahra Vargas Editor: Myriam Rachmuth Sound: Simon Cesar Forclaz/Matthias Staub Cast: Sonja Bruttin/Narcisse Seppey/Rodolphe Bauer/Daniel Roh/Viviane Roh/Patrick Theytaz/ Lionel Favre/Michel Breganti/Jean-Luc Dubosson/ Ludovic Dayer Production: Louise Productions, Vevey, Switzerland, lpv@louiseproductions.ch, +41 21 923 63 63, HEAD - Haute école d'art et de design - Genève, Geneva, Switzerland Distribution: HEAD - Haute école d'art et de design - Genève, Geneva, Switzerland, Maëlle Azur-Camus, maelle-azur.camus@hesge.ch, +41 22 388 58 89

Die Erde leuchtet rot, der Weg scheint endlos. Nirin weiss nicht, wo er hingebracht wird, doch er freut sich auf die Entdeckung von Madagaskar. Es war sein persönlicher Weg, der den Regisseur dazu gebracht hat, diesen aufrichtigen und bewegenden Film zu machen.

Das Tal, ein abgelegenes, von Bergen umgebenes Universum mit 2500 Jägern. Ein Ereignis machte einst Schlagzeilen: der Tod eines Bartgeiers, von Jäger Homer erschossen. Einige Jahre später ist aus der Geschichte ein geradezu surreale Fabel geworden, die – von jedermanns Fantasie angetrieben – die Runde macht.

Der Schuster Emilio beobachtet die Primaballerina beim Tanz. Nie spricht er sie an – er ist zu schüchtern. Zu Hause versorgt er seine alte Mutter und verweilt mit seiner Nachbarin, der Sängerin Omara Portuondo. Gemeinsam beobachten sie das raue Meer, die Wellen. Ein starker Sturm nähert sich Havanna. Cobbler Emilio likes to observe dancing prima ballerina, but he never speaks to her – he's too shy. At home, he looks after his old mother and spends time with his neighbour, singer Omara Portuondo. Together, they observe the rough sea, the waves. A severe storm is approaching Havana. Eileen Hofer (born 1979) worked as a press officer for a film festival, and has been a journalist since 2005. She spent two years as chief editor of a Swiss magazine before starting her career as a self-taught filmmaker. Her films ran at numerous festivals worldwide.

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II

The earth radiates a red light, the path seems endless. Nirin doesn't know where they're taking him, but he's looking forward to discovering Madagascar. His personal journey prompted the director to make this candid and moving film. Born 1986 in Madagascar and Swiss by adoption, Josua Hotz has lived in Neuchâtel since 1995. Fascinated by video and new technologies, he studied at ERACOM and later at the ECAL in Lausanne, graduating with honours in 2015. He attended the International Exchange Program at the School of Visual Arts (NYC). He founded Niri Studios in 2012.

The Valley, a remote universe surrounded by mountains, with 2500 hunters. An event hit the headlines once: the death of a bearded vulture, shot by Homer, a local hunter. Several years later, the story has turned into a truly surreal fable that goes around, fueled by the imagination of everyone. Born 1980 and resident in Vevey, Zahra Vargas completed a BA in Cinema at the HEAD in Geneva and a Diploma in Film & Photography at the SICA in Buenos Aires. She created Kairos, an audiovisual studio that works in fields such as anthropology and environmental issues. Zahra currently works as a freelance camerawoman and director.


Lucens Switzerland 2015, 6'30", digital file, colour and b/w, French and Italian/English subtitles, Doc/Ani Director: Marcel Barelli Script: Marcel Barelli Photography: Sergio Da Costa Editor: Marcel Barelli/Zoltan Horvath Sound: Louis Crelier Cast: Christophe Bugnon/Louis Crelier/Jerome Baur/ Baptiste Gaillard Production and Distribution: Nadasdy Film, Geneva, Switzerland, Nicolas Burlet, info@nadasdyfilm.ch, +41 22 300 20 54

Die Geschichte des ersten (und letzten) hundertprozentig schweizerischen Atomkraftwerks, das 1968 ans Netz gehängt und bereits 1969 nach einem Zwischenfall wieder eingestellt wurde. The story of the first (and last) entirely Swiss nuclear power plant, which was put into operation in 1968 and closed down again in 1969 after an incident. Born 1985 in Lodrino, Switzerland, Marcel Barelli received his degree from the Cinema section of HEAD in 2009, where he also worked as a teaching assistant. Today, he works and lives in Geneva as an animation filmmaker. His first film «No Penguin’s Land» won the Golden Pine award for Best Ecological Film at the MEFEST Serbia in 2008.

Just Another Day In Egypt * Serbia/Switzerland 2015, 10'50", digital file, colour, Arabic/English subtitles, Doc Director: Nikola Ilic´/Corina Schwingruber Ilic´ Photography: Nikola Ilic´ Editor: Corina Schwingruber Ilic´ Sound: Aleksandar Rancˇic´ Production: Cortha Film, Luzern, Switzerland, Corina Schwingruber Ilic´, info@corthafilm.com, +41 78 835 51 58 Distribution: Corina Schwingruber Ilic´, Luzern, Switzerland, info@corthafilm.com, +41 78 835 51 58, www.corthafilm.com

Was ist von der ägyptischen Revolution 2011 übrig geblieben? Nichts ausser volle Gefängnisse und leere Versprechungen. Der Ex-Militärchef Abd al-Fattah as-Sisi hat die Macht übernommen und führt sein Land mit eiserner Hand. Der Alltag geht weiter und das ägyptische Volk versucht das Beste daraus zu machen. What is left of the Egyptian revolution in 2011? Nothing but full prisons and empty promises. Former military chief Abd al-Fattah as-Sisi has seized power, ruling his country with an iron fist. Life goes on and the Eyptian people try to make the best of it. Born in Belgrade in 1977, Nikola Ilic´ moved to Switzerland at the age of 30. He first worked at the City Theatre of Lucerne before studying Video at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts. His short documentary «Kanton Jugoslawien» marked the end of his studies. Since 2013, he has been working as a freelancer in photography and filmmaking. Born in Switzerland in 1981, Corina Schwingruber Ilic´ studied Fine Arts/New Media in Basel where she also took part in an exchange program with the Fine Art Academy in Belgrade. She completed her studies at Lucerne, majoring in Video. She works as a filmmaker and teaches filmmaking. Her documentary «Baggern - Tons of Passion» was nominated for the Swiss Film Award.

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Paradies * Switzerland 2015, 14'52", digital file, colour, German/English subtitles, Exp Director: Max Philipp Schmid Photography: Max Philipp Schmid/Thomas Isler Editor: Max Philipp Schmid Sound: Max Philipp Schmid/Knut Jensen Cast: Thomas Douglas Production: Freihändler, Basel, Switzerland, Stella Händler, stella@freihaendler.ch, +41 61 386 98 30 Distribution: Max Philipp Schmid, Basel, Switzerland, pschmid@vtxmail.ch, +41 61 692 27 64, maxphilippschmid.ch

Vor der Kulisse eines Gewächshauses werden Texte, dokumentarische Bilder und Geräusche zu einem Fragenkomplex verwoben: Wie stellen wir uns das Paradies vor? Wie manifestieren sich diese Vorstellungen in Vorgärten und Stadtbegrünung? Wo ist das Paradies zu finden, umzäunt, künstlich angelegt oder in der Wildnis? Against the backdrop of a greenhouse, texts, documentary images, and sounds are interwoven to evoke a set of questions: what is our image of paradise? How are these ideas manifested in gardens and city layouts? Is it enclosed, artificially designed, or found in the wilderness? Born in Basel in 1962. After completing his studies in Art History, Max Philipp Schmid qualified as a visual arts teacher at the Art and Design University in Basel. He now works as an independent director and video-maker and has devoted himself to creating experimental films, shorts, musical films, and animation since 1990.

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On avait dit qu’on irait jusqu’en haut * Switzerland 2015, 17'00", digital file, colour, French/English subtitles, Fic Director: Tizian Büchi Script: Tizian Büchi Photography: Gabriel Lobos Editor: Thomas Marchand Sound: Masaki Hatsui/Zied Mokaddem Cast: Jenna Hasse/Thomas Coumans Production: Box Productions, Renens, Switzerland, +41 21 312 64 11 Distribution: Salaud Morisset Distribution, Berlin, Germany, festival@salaudmorisset.com, +49 152 2519 2336

Anna und Maxime sitzen sich im Zug schweigend gegenüber, ihre Blicke auf die vorbeiziehende Landschaft gerichtet. Das Paar hat beschlossen, gemeinsam den Berg hinaufzuwandern, an dem so viele Erinnerungen an vergangene glückliche Sommer hängen. Anna and Maxime are on a train, facing each other. Not talking, hardly exchanging a glance, they observe the countryside passing by. They have decided to hike up the mountain, re­igniting memories of previous summers when they were full of the joys of love. Born in Neuchâtel in 1981. After completing a degree in Arts and Film Theory at the University of Lausanne, Tizian Büchi worked in film distribution and as a programmer at various film festivals in Switzerland. He is currently pursuing a Master in filmmaking at the Institut des Arts de Diffusion in Belgium.

Die mit einem * markierten Filme sind auch für die Preise des Internationalen Wettbewerbs nominiert.

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All films marked with an * are also I nominated for the awards of the International Competition.


Jury 2015

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Luciano Barisone (ITA) Luciano Barisone ist seit 2011 Festivaldirektor des Visions du Réel in Nyon. Schon seit 1997 arbeitet der gebürtige Italiener für diverse internationale Filmfestivals, darunter das Filmfestival Locarno sowie die Internationalen Filmfestspiele Venedig. Im Jahre 2002 gründete er das Alba Infinity Festival und fungierte bis 2007 als dessen Künstlerischer Leiter. Von 2008 bis 2010 war er Künstlerischer Leiter des Festival dei Popoli in Florenz. Darüberhinaus veröffentliche Luciano mehrere Monographien, so etwa über Catherine Breillat, Robert Guediguian oder Clint Eastwood. Er war unter anderem Jury-Mitglied an den Festivals von Cannes, Marseille, Valladolid, Lissabon, Paris, Jihlava, Toronto, Sarajevo, Amsterdam, Krakau, Pusan, Montreal, Locarno und Dubai.

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Sally Berger (USA) Italian-born Luciano Barisone has been the Director of Visions du Réel in Nyon since 2011. He has been working for numerous international film festivals since 1997, including the Locarno International Film Festival and the Venice International Film Festival. In 2002, he founded the Alba Infinity Festival, for which he was the Artistic Director until 2007. From 2008 to 2010, he was the Artistic Director of the Festival dei Popoli in Florence. Luciano is also the author of several monographs about such individuals as Catherine Breillat, Robert Guediguian or Clint Eastwood. Among others, he has served as a jury member at the festivals of Cannes, Marseille, Valladolid, Lissabon, Paris, Jihlava, Toronto, Sarajevo, Amsterdam, Krakau, Pusan, Montreal, Locarno, and Dubai.

Sally Berger arbeitet als AssistenzKuratorin im Filmdepartment des Museum of Modern Art (MoMA) in New York City. Sie ist Kuratorin für Film und Medien, Dozentin und Publizistin. Ausserdem ist sie Direktorin des jährlichen Doc Fortnight, das im Jahre 2001 gegründet wurde, und fungierte als Mitkuratorin bei der Auswahl von Künstlern für Serien – so etwa Contenders, Modern Mondays und MoMA Presents. Für das MoMA arbeitete sie unter anderem in der Organisation von Retrospektiven von Filmemachern und Künstlern wie Harun Farocki, Su Friedrich, Bahman Ghobadi, Mahamat Saleh Haroun, Alanis Obomsawin, Lourdes Portillo, Sally Potter, Vittorio De Seta und Abderrahmane Sissako mit sowie für die Media-Installationen von Magdalena Campos Pons, Emily Jacir, Patty Chang und David Kelley, Seoungho Cho sowie Mary Lucier. Ihre Mitarbeit an aktuellen Ausstellungen beinhaltet Chinese Realities/Documentary Visions, Deborah Stratman: The Thing Unnamed, Roddy Bogawa: If Films Could Smell sowie Bill Morrison: Compositions.


Calmin Borel (FRA) Sally Berger is an Assistant Curator of the Department of Film at The Museum of Modern Art (MoMA) in New York. She is a film and media curator, lecturer, and writer. She is also the director of the annual Doc Fortnight, founded in 2001, and a participating curator in the selection of artists for series such as Contenders, Modern Mondays, and MoMA Presents. At MoMA, she has organised and collaborated on retrospectives of artists/filmmakers such as Harun Farocki, Su Friedrich, Bahman Ghobadi, Mahamat Saleh Haroun, Alanis Obomsawin, Lourdes Portillo, Sally Potter, Vittorio De Seta, and Abderrahmane Sissako; media installation shows of Magdalena Campos Pons, Emily Jacir, Patty Chang and David Kelley, Seoungho Cho, and Mary Lucier; and exhibitions that include «Chinese Realities/Documentary Visions», «Deborah Stratman: The Thing Unnamed», «Roddy Bogawa: If Films Could Smell», and «Bill Morrison: Compositions».

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Calmin Borel, geboren 1973, absolvierte an der Universität Clermont-Ferrand ein Studium in Audiovisuellem Produktionsmanagement. Während des Studiums war er Präsident der University Film Society. Von 1999 bis 2001 arbeitete er als Organisator bei Videoformes, einem internationalen Festival für Multimedia- und Videokunst. 2001 wurde er ständiger Mitarbeiter des Festival du Court-Métrage de ClermontFerrand, wo er heute als Mitglied der Auswahlkomission für den Internationalen Wettbewerb fungiert und die Koordination der Lab section, einem Wettbewerb, der Innovation und neuen Formen des Kurzfilmes gewidmet ist, verantwortet.

Calmin Borel, born in 1973, studied audiovisual production management at Clermont-Ferrand University, where he was president of the University Film Society. From 1999 to 2001, he worked as an organiser at Videoformes, an international festival of multimedia and video art. He joined the permanent staff of the Clermont-Ferrand International Short Film Festival in 2001 and is now on the selection committee for the international competition as well as the «Lab section», a competition dedicated to innovation and new forms in short film, which he also coordinates.


Lamia Joreige (LIB) Lamia Joreige ist eine in Beirut wohnhafte Künstlerin und Filmemacherin. Ihre Arbeit widmet sie insbesondere der Reflektion über die Beziehung zwischen individuellen und kollektiven Identitäten. Dabei bedient sie sich Archivmaterials genauso wie fiktiver Elemente. Auf diese Weise erforscht sie mögliche Darstellungen der Libanonkriege sowie der Stadt Beirut. Lamias Arbeiten wurden weltweit in Museen und an Festivals gezeigt, darunter FID Marseille, Paris Cinema, The Images Festival (Toronto), Rotterdam International Film Festival, Centre Pompidou (Paris), Tate Britain und Tate Modern (London), Mori Art Museum (Tokyo), The New Museum (NYC), SFMOMA (San Francisco), Kunsthalle Wien, Sharjah Biennial sowie an der Biennale Venedig. Lamia Joreige ist Mitgründerin und Vorstandsmitglied des Beirut Art Center, für welches sie fünf Jahre als Ko-Leiterin fungierte.

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Vangelis Mourikis (GRE) Lamia Joreige is a visual artist and filmmaker who lives and works in Beirut. She uses archival documents and fictitious elements to reflect on the relation between individual stories and collective history. In this way, she explores the possibilities of representation of the Lebanese wars and the city of Beirut. Lamia presented her works worldwide at institutions and festivals such as FID Marseille, Paris Cinema, The Images Festival (Toronto), International Film Festival Rotterdam, Centre Pompidou (Paris), Tate Britain and Tate Modern (London), Mori Art Museum (Tokyo), The New Museum (New York City), SFMOMA (San Francisco), Kunsthalle Wien, Sharjah Biennial, and Venice Biennale. Lamia Joreige is a co-founder and board member of the Beirut Art Center, which she also co-directed for 5 years.

Vangelis Mourikis, in Griechenland geboren und aufgewachsen, arbeitet als Schauspieler und gelegentlich auch als Produzent. Vor seiner Rückkehr nach Griechenland Anfang der 90er Jahre lebte er fast acht Jahre im Ausland – mitunter in Australien, wo er Film studierte und in mehreren Mainstream-Produktionen mitwirkte. Dazu spielte er in diversen Avantgardeund Experimentalstücken von unabhängigen Filmemachern und Künstlern mit. Heute konzentriert er sich in seiner Tätigkeit als Schauspieler ganz auf den Film und wirkte jüngst in Kurzund Langfilmen mit, die sowohl in Griechenland als auch international grosse Erfolge an Festivals feierten. Durch seine Rollen in «Norvigia» von Yannis Veslemes, «To mikro psari» von Yannis Economides, und «Attenberg» sowie «Chevalier» (Premiere am Locarno Film Festival 2015) von Athina Rachel Tsangari gestaltete Vangelis die Entwicklung des griechischen Kinos in den letzten Jahren massgeblich mit. Seine Inspiration schöpft Vangelis aus dem Talent, der Kreativität, dem Ausdruck sowie der Kultur der Filmschaffenden, mit denen er arbeitet.


Vangelis Mourikis, born and raised in Greece, works as an actor and occasionally also as a producer. Before his return to Greece in the early 1990s, he lived abroad for almost eight years – mainly in Australia, where he studied cinema and acted in a small number of mainstream films. He also took part in various avant-garde and experimental projects of independent filmmakers and artists. Currently, he focuses on film acting and has been involved in numerous short and feature films that won awards in Greece as well as at festivals worldwide. In recent years, Vangelis has played a major role in the development of Greek cinema, appearing in big features such as «Norway» by Yannis Veslemes, «Stratos» by Yannis Economides, as well as «Attenberg» and «Chevalier» (premiered at Locarno Film Festival 2015) by Athina Rachel Tsangari. Vangelis cherishes the chance to move amongst cinema people, finding inspiration in their talent, creative impulse, personal expression, and culture.

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Preise des Wettbewerbs Awards Unsere fünfköpfige Jury vergibt den Hauptpreis und den Förderpreis für den Internationalen Wettbewerb, den Preis für den besten Schweizer Film sowie den Schweizer Kamerapreis. Die Zuschauer bestimmen den Gewinner des Publikumspreises.

Our five-person jury awards the Grand Prize and the Promotional Award of the International Competition, the Award for the Best Swiss Film, and the Swiss Cinematography Award. The audience selects the winner of the Audience Award.

Hauptpreis des Internationalen Wettbewerbs CHF 12 000.– gestiftet von der SRG SSR

Grand Prize of the International Competition CHF 12,000.– Donated by SRG SRR

Förderpreis des Internationalen Wettbewerbs CHF 10 000.– gestiftet von der Sulzer-Stiftung Winterthur

Promotional Award of the International Competition CHF 10,000.– Donated by Sulzer-Stiftung Winterthur

Preis für den besten Schweizer Film CHF 10 000.– gestiftet von suissimage und der SSA Schweizer Kamerapreis CHF 11 500.– Sachpreis gestiftet von Canon Publikumspreis CHF 10 000.– gesponsert von der Zürcher Kantonalbank Ebenfalls im Rahmen der Preisverleihung (So 19.00 Uhr Theater Winterthur) jedoch ausserhalb des Wettbewerbs wird der Shortrun-Preis für ein vielversprechendes Drehbuch vergeben. Shortrun Preis CHF 12 000.– Sachpreis gestiftet von Tweaklab AG, Basel

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Award for the Best Swiss Film CHF 10,000.– Donated by suissimage and SSA Swiss Cinematography Award CHF 11,500.– Non-cash prize donated by Canon Audience Award CHF 10,000.– Sponsored by Zürcher Kantonalbank The Shortrun Award for a promising script is also announced during the awards ceremony (Sunday 8 November, 19.00h, Theater Winterthur) outside the competition. Shortrun Award CHF 12,000.– Non-cash prize donated by Tweaklab AG, Basel

Die Gewinnerfilme des Hauptpreises des Internationalen Wettbewerbs und des Preises für den besten Schweizer Film sind nominationsberechtigt für den OSCAR® (davon ausgenommen sind Dokumentarfilme), sämtliche für den Internationalen Wettbewerb selektionierten britischen Filme sind nominationsberechtigt für den British Academy Film Award BAFTA, sämtliche für den Internationalen Wettbewerb selektionierten Schweizer Filme sind nominationsberechtigt für den Schweizer Filmpreis und sämtliche für den Schweizer Wettbewerb selektionierten Filme aus dem Kanton Zürich (Regie oder Produktion) sind nominiert für den Winterthurer Kurzfilmpreis (Vergabe im Rahmen des Zürcher Filmpreises Cadrage). The winners of the Grand Prize of the International Competition and of the Award for the Best Swiss Film automatically qualify for OSCAR® nomination consideration (with the exception of documentaries). All British films selected for the International Competition qualify for BAFTA nomination consideration. All Swiss films selected for the International Competition qualify for nomination consideration for the Swiss Film Prize. All films from the Canton of Zurich selected for the Swiss Competition qualify for the Winterthur Short Film Prize (awarded at the ceremony for the Zurich Film Prize / Cadrage).


Arab Encounters – Visions and Realities GROSSER FOKUS MAIN FOCUS

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Arab Encounters – Visions and Realities – Eine Ent-Be-Gegnung mit der arabischen Welt Kurzfilm als eine Möglichkeit, der arabischen Welt zu begegnen? Das wirkt fast wie ein Widerspruch: Steckt im Be-gegnen nicht schon eine Spur von «gegen»? Be- und Entgegnen? Wohin geht die Richtung, die Bewegung? Auf uns zu oder weg von uns, Distanz oder Nähe? Im Kino passiert wohl beides: Sosehr wir uns einnehmen lassen, unsere Sinne, Augen, Ohren, schaffen wir doch wieder zeit-räumliche Entfernung. Vollständig absorbieren, bewegen lassen können wir uns nicht, aber ganz unberührt bleiben ist ebenso schwer. Eine Kino-Binsenwahrheit ist das. Dann kommt noch der Kontext dazu und damit eine weitere Weisheit: Bei der Filmbetrachtung spricht der Zusammenhang immer mit, die konzertierte Aktion: Erst Bild, Ton, Schnitt, Rhythmus, dann Aufführungsort, Programmgestaltung und schliesslich unser Wissen und Unwissen. Beim Kurzfilmprogramm sowieso: Da gibt es Programmschwerpunkte, Themen, Schlagworte, Titel, Formate, und die hören sich im Falle von Arab Encounters so spannend an wie vielfältig: Familienangelegenheiten, zu definierende Identitäten, nomadische Tagebücher, Stadtvisionen, Weltvisionen, nicht fernsehgerechte Revolutionen, nächtliches Fieber und ein höchst ominöses Arabilicious. Wissen wir damit schon alles? Unwissend gesprochen ist dies ein Rundumschlag. Wissend hingegen wäre eine andere Umschreibung statthaft: Ein postmoderner Mix, der sich gegen die Glattschreibung nationaler Filmgeschichte stemmt. (Doch warum national? Das bedarf einer nachfolgenden Erklärung!) Dieses Programm ist keine historisch repräsentative Kompilation. Ganz bewusst nimmt es die Widerspenstigkeit, die dem Kurzfilmformat innewohnt, zum Gestaltungs- und Ordnungsprinzip, und zwar ebenso raum- wie zeitüberschreitend, über die jeweiligen Landesgrenzen hinweg, auch wenn sich da Gräben auftun. Damit kommen wir zur Erklärung: Der notgedrungen politisch brisante Film aus dem Irak, der die kurdische Identität zementiert oder religiöse Grabenkämpfe zugunsten der Geschlechterfrage ausblendet, kann und mag sich nicht mit den subjektivistischen, medialen Dekonstruktionen der Diaspora-Araberinnen und Araber vergleichen, wie denen einer Basma Alsharif zum Beispiel, der hier eine Werkschau gewidmet ist. Ebenso: Die visuelle, intellektualistische Raffinesse des

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libanesischen oder marokkanischen Kurzfilms scheint von einem anderen Stern. Ungleichmässigkeiten der Länder- und Filmgeschichte können nicht ausgeblendet werden. Das geht weder politisch, kulturell noch ökonomisch. Ausserdem: Die arabische Kurzfilm- und Rezeptionsgeschichte hat ihre Hundertjahrfeier längst hinter sich. Erst waren da die Lumière-Kameraleute, die so viele Winkel der Region wie möglich abgrasten und nicht selten gleich vor Ort in den Kinematografen Verwertung für ihre Aufnahmen fanden. Das Pathé-Imperium betrieb schon 1906 Kinosäle in Alexandria, Kairo und anderswo. Die ersten bekannten arabischen Pioniere versuchten sich in den 1920er-Jahren im Kurzformat, ob spielerisch oder dokumentarisch. Um nur die wichtigsten Namen zu nennen: Mohamed Bayoumi aus Ägypten und Albert Shamama Chikly aus Tunesien. Doch eines blieb auch hier nicht aus: Trotz seines Potenzials stand der Kurzfilm bereits zu diesem Zeitpunkt im Schatten des Langspielfilms, insbesondere des ägyptischen. Die Melodramen, Komödien, Musikfilme und Stars des sogenannten «Hollywood am Nil» gehören seit den späten 20er-Jahren ebenso wie das US-amerikanische Kino zum filmischen Erbe der arabischen Welt und erreichen auch heute noch ein Millionenpublikum. Bis zum Einbruch des «digital turn» und des Satellitenzeitalters Anfang der 1990er-Jahre blieb es mit fünfzig bis hundert Spielfilmen pro Jahr in der Region federführend. Mit Ausnahme vom Libanon vor 1975 und dem Königreich Marokko nach 1990 machte man in anderen arabischen Ländern die Entwicklung der Filmwirtschaft vornehmlich zur Staatsangelegenheit, sei dies im Irak, in Syrien, Tunesien oder Algerien. Dementsprechend mussten sich Filmschaffende gegen Vetternwirtschaft, Bürokratie und Bevormundung wehren. Nicht anders erging es dem arabischen Kurzfilm, der da, wo er vorher nicht bereits dem nationalen Befreiungskampf verpflichtet war – wie im Falle Palästinas und Algeriens –, während der 1960er-Jahre erstmals gedeihen und sich entfalten konnte: Kurzspielfilme, Dokumentationen, Animationsfilme, Studentenfilme. In den 1980er- bis 90er-Jahren kristallisierte sich schliesslich im Spielfilmbereich das Neue Arabische Kino heraus, ein künstlerisch ambitioniertes «cinéma d’auteur» oder «arthouse»-Kino, das hauptsächlich durch europäische Fernsehgelder oder kulturelle Förderung am Leben erhalten wurde und in den Ursprungsländern kaum zur Aufführung kam. Auch wenn Marokko sich schliesslich zu einer staatlich subventionierten, mainstreamorientierten

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Filmindustrie mit bis zu zwanzig Spielfilmen im Jahr entwickelte, der Libanon mit ein paar transnationalen Kassenschlagern das Ende des Bürgerkrieges verbriefen konnte und in den Golfstaaten – vornehmlich den Vereinigten Emiraten – bisher kaum genutzte filmindustrielle Strukturen geschaffen wurden, hat sich das Bild bis heute kaum gewandelt: Der Langspielfilm blieb, im Gegensatz zu allen anderen Formaten, das Objekt des jeweiligen Nationalstolzes. Weitab vom Rampenlicht hatte der Kurzfilm der nachkolonialen Ära bis hin zur digitalen Wende es schwer, sich aus dem Griff des Staates zu lösen. Zensur und chronischer Geldmangel, verbunden mit den hohen Materialund Verarbeitungskosten von 35 und 16mm, liessen nur wenig Raum für künstlerische Experimente. Trotzdem entstanden einige ausserordentliche Werke in staatlicher Obhut, wie beispielsweise Omar Amiralays «Die Hühner» (1977) in Syrien oder die Filme der Experimentalfilm Einheit des nationalen Film Zentrums in Ägypten, das Ende der 1960er-Jahre unter der Leitung Shadi Abdessalams entstand. Auch Studenten- und Erstlingswerke, wie Oussama Mohameds «Step by Step» (1978), zeigten riesiges Potenzial. Die wirkliche Wende und Diversifizierung des arabischen Kurzfilms setzt allerdings erst mit der digitalen Wende Mitte der 1990er-Jahre ein, mit der sich Produktionsbedingungen und Verbreitungsmöglichkeiten grundlegend revolutioniert haben. Anfang der 1990er-Jahre führte bereits die in der Entstehung begriffene arabische Videokunst dem Kurzfilm neues Blut zu, vor allem Mona Hatoum mit «Measures of Distance» (Palästina, 1988), gefolgt von Werken libanesischer Künstler, z.B. Akram Zaatari und Walid Raad, oder des Ägypters Hassan Khan, in deren Fussstapfen heute libanesische Künstlerinnen wie Lamia Joreige und Marwa Arsanios treten konnten (beide im Programm vertreten). In Tunesien bot sich der Kurzfilm vor allem nach der Jahrtausendwende als Rückzugsgebiet unangepasster Filmemacher an, die verhalten politische Kritik übten, wie die Mitglieder der Film-Coop Exit. Im Vorfeld der Arabellion, teils auch als Reaktion, entstanden Kollektive wie Rufy’s, Mosireen und Hassala in Ägypten, oder die syrischen Abounaddara und Bidayat. Die Werke des Letzteren sind im Programm The Syrian Revolution Will Not Be Televised zu sehen. Durch ihre Online-Plattformen führen diese Kollektive den Kurzfilm einer anderen Nutzungs- und Verbreitungsform zu, die allmählich über das Ghetto der Festivals, Institute, Museen und Galerien hinausführt und sich eng mit dem politischen Geschehen verbindet. Ganz allgemein fällt die mittlerweile enorme Vielfalt an Formaten und Genres

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des arabischen Kurzfilms auf, die selbst animierte historische Filme umfasst, wie der in diesem Jahr in Cannes aufgeführte «Waves ‘98» aus dem Libanon. Dazu gehören auch virtuose Fingerübungen von Langspielfilmprofis, wie Annemarie Jacir, Rami Yasin oder gar Hicham Ayouch aus Marokko, der für seine expressiven Filmdramen bekannt ist; alle sind sie in diesem Programm zu sehen. Höchst variantenreich und experimentierfreudig zeigen sich vor allem die Filme aus dem Libanon, aus Ägypten, aber auch aus Marokko, wie z.B. Omar Hamiltons poetischer «Though I Know the River is Dry» oder Safia Benhaims «La Fièvre». Mit einem gehörigen Schuss Subjektivismus reflektieren sie Geschichte, Politik, persönliche Erinnerung und geschlechtliche Identität, ob gleich- oder gegengeschlechtlich, wie man an Marwa Arsanios‘ «Have You Ever Killed a Bear? Or Becoming Jamila» oder Roy Dibs «Mondial 2010» sieht. Die grosse Bereitschaft zu Tabubrüchen, die viele dieser Filme an den Tag legen, zeigt, dass das Schattendasein des arabischen Kurzfilms seiner Ausdrucksfähigkeit und -freiheit zum Vorteil gereicht und unsere Be- und Ent-Gegnung mit ihm zu einer wichtigen Kinoerfahrung macht. Dr. Viola Shafik, freischaffende Filmemacherin, Kuratorin und Filmwissenschaftlerin

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Arab Encounters – Visions and Realities: an En-Counter with the Arab World Short film as an opportunity to encounter the Arab world? That seems almost like a contradiction: isn’t there a trace of «countering» in the en-counter? Encountering and countering? What is the direction of the movement? Away from or towards us, distance or nearness? In cinema, both happens: however much our senses, eyes, ears are captivated, we then create spatial and temporal distance again. We’re never entirely absorbed, but remaining completely untouched is just as hard. A truism of cinema. Then we add context and thus another truism: context – all the coordinated activity – always plays a role in the film-viewing experience: first, the image, sound, editing, rhythm, then the screening venue and programming, and finally, our knowledge and ignorance. All the more so with short film programmes, with their highlights, themes, keywords, titles, formats – in the case of «Arab Encounters», they sound both fascinating and diverse: family matters, redefined identities, nomad diaries, urban visions, world visions, revolutions unsuitable for television, nocturnal fever, and a mysterious «Arabilicious». Do we know everything with that? From an uninformed perspective, this might seem a sweeping blow. But a more knowing view calls for a different description: a postmodern mix setting itself off against a smooth national historiography. (But why national? This calls for an explanation!) This programme is not a historically representative compilation. It consciously takes the unruliness of the short film format as its organising principle, transcending time and space, cutting across all national borders and chasms. So here comes the explanation: The inevitably politically-charged films from Iraq that cement Kurdish identity or dismiss religious warfare in favour of gender issues cannot and will not be compared to the subjective media deconstructions of diaspora Arabs such as Basma Alsharif, to whom a showcase is dedicated here. Similarly, the visual sophistication of Lebanese or Moroccan short films seems to come from a different planet. The unevenness of the various national and film histories cannot be disregarded – not politically, culturally, or economically. What’s more, the history of Arab short film and its reception has long celebrated its centenary. First, there were the Lumière cameramen, who explo-

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red as many corners of the region as possible, and often used their footage on the spot in the cinematograph. The Pathé empire ran cinemas in Alexandria, Cairo, and elsewhere as early as 1906. In the 1920s, the first known Arab pioneers experimented with the short format, producing both fiction films and documentaries. To mention only the most important names: Mohamed Bayoumi from Egypt and Albert Shamam Chikly from Tunisia. One thing, however, also happened here: despite their potential, short films were already in the shadow of feature films, especially features from Egypt. From the 1920s on, the melodramas, comedies, musicals, and stars of the so-called «Hollywood on the Nile» have been as much part of the cinematic heritage of the Arab world as American cinema, and they still reach an audience of millions. Until the onset of the «digital turn» and the satellite age in the early 1990s, the Egyptian film industry remained the leader in the region with fifty to a hundred feature films per year. With the exceptions of Lebanon before 1975 and Morocco after 1990, the film industries in other Arab countries developed mainly under state control, whether in Iraq, Syria, Tunisia, or Algeria. Accordingly, filmmakers were struggling against nepotism, bureaucracy, and paternalism. The same goes for Arab short film, which prospered for the first time in the 1960s with fiction, documentaries, animation, and student films – in places where it wasn’t already committed to the national freedom fight, as in the cases of Palestine or Algeria. Finally, in the 1980s and 90s, the New Arab Cinema emerged in fiction film: an artistically ambitious «auteur» or «arthouse» cinema, mainly supported by European television and cultural funding, and hardly screened in its countries of origin. Morocco eventually developed a state-funded, mainstream-oriented film industry with up to twenty feature films per year; Lebanon affirmed the end of the civil war with a few transnational box office hits; and the gulf states – mainly the United Arab Emirates – created film-industrial structures that have yet to be fully used. Yet, the overall picture has hardly changed: the feature film remained the national object of pride, in contrast to any other format. Far from the spotlight, short films of the postcolonial period had a hard time freeing themselves from the grasp of the state. Censorship and a chronic lack of funds, combined with the cost of acquiring and processing 35 and 16 mm film, left little room for artistic experimentation. Nevertheless, a few extraordinary works were made under state control, for instance

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Omar Amiralay’s «The Chickens» in Syria or the films of the experimental film unit of the Egyptian National Film Centre, founded in the late 1960s under the direction of Shadi Abdessalam. Student films and first features such as Oussama Mohamed’s «Step by Step» (1978) also showed enormous potential. But the true turning point for and diversification of Arab short film came with the digital turn in the mid-1990s, fundamentally revolutionising the conditions of production and the possibilities for distribution. In the early 1990s, an emerging Arab video art gave new lifeblood to short film, especially Mona Hatoum with «Measures of Distance» (Palestine 1988), followed by Lebanese artists such as Akram Zaatari and Walid Raad, or Hassan Khan from Egypt, in whose footsteps today’s artists follow – for instance Lamia Joreige and Marwa Arsanios, who are both represented in this programme. In Tunisia, short film became a welcome retreat for nonconformist filmmakers in the new millennium: the members of the film-cooperative Exit, for instance, levelled cautious criticism. Prior to the Arabellion – and partly also as a reaction to it – collectives emerged, for instance Rufy’s, Mosireen, and Hassala in Egypt, or Abounaddara and Bidayat in Syria. The works of the latter can be seen in the programme The Syrian Revolution Will Not Be Televised. Through their online platforms, these collectives open up new uses and forms of dissemination for short films, bringing them out of the «ghetto» of festivals, museums, and galleries, and intimately tying them to political events. In general, Arab short film now boasts an enormous diversity of formats and genres, including even animated historical films, such as «Waves ‘98» from Lebanon, which was shown in Cannes this year. There are also virtuosic «exercises» by feature film professionals such as Annemarie Jacir, Rami Yasin, or even Hicham Ayouch who is known for his expressive dramas – all of them can be seen in these programmes. Films from Lebanon, Egypt, or Morocco offer an especially diverse and adventurous selection, for example Omar Hamilton’s poetic «Though I Know the River Is Dry» or Safia Benhaim’s «La Fièvre». With a good dose of subjectivism, they reflect on history, politics, personal memory, and gender identity – whether homo- or heterosexual – as in Marwa Arsanios’ «Have You Ever Killed a Bear? Or Becoming Jamila» or Roy Dib’s «Mondial 2010». The breaking of taboos that can be observed in many of these films shows that the «shadowy existence» of Arab short films works to their advantage in terms of the

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freedom of expression. It makes our en-counter with them an important cinematic experience. Dr. Viola Shafik, freelance filmmaker, curator, and film scholar

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Arabilicious – Arab Cinema Reloaded Curated by: Andreas Bühlmann, Laura Walde

Runtime 82’ November 5, 2015, 22:30 Casino Festsaal November 6, 2015, 20:00 Casino Festsaal

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Arabilicious – Arab Cinema Reloaded Wer meint, das arabische Kino zu kennen, dürfte sich täuschen. Es wäre vermessen anzunehmen, dass sich der kinematografische Fundus aus der arabischen Welt lediglich aus sachte erzählten, ungewohnt erscheinenden, teils ethnologisch motivierten oder doku-fiktionalen Filmen zusammensetzt, deren Protagonisten meist in spartanischen Verhältnissen in Grossstädten oder in Wüstendörfern leben. Vielmehr präsentiert Arabilicious – Arab Cinema Reloaded Werke aus traditionsreichen, etablierten arabischen Filmindustrien, die der unseren gar nicht so fremd und morgenländisch erscheinen. Filmgenres wie Science-Fiction oder der (Psycho-)Thriller bestimmen seit der klassischen Hollywood-Ära unser (westliches) kollektives Filmgedächtnis, verbinden unsere Populärkulturen aus Musik, Literatur und Fotografie und schaffen ein Wertesystem, das von manchen als liberal-kommerzielles Ideal angesehen wird. Werte, die für vermeintlich westliche Stereotypen stehen, lassen sich aber keinesfalls nur im amerikanischen oder europäischen Kino beobachten. Vielmehr beweisen die ausgewählten Filme, dass auch der arabische Raum diese uns vertrauten Werte und einverleibten Filmgenres und Musikstile zu adaptieren weiss und in seine eigene (Film-) Sprache übersetzt hat. Uns bekannte Erzählstrukturen und Musikkompositionen werden hier – im Sinne eines «Cinema Reloaded» – aufgegriffen mit dem Ziel, sowohl ein arabisches als auch ein internationales Publikum zu begeistern. Auch wenn aus historischer Sicht all diese filmischen Konventionen vorwiegend durch die Erzeugnisse aus der Studio-Ära über den Globus gestreut wurden, so verstehen es diverse arabische Filmemacherinnen und Filmemacher, diese Konventionen auf ihre Weise als selbstverständliche Eigenmuster anzuwenden. Damit hat die arabische Filmindustrie – sofern man diese als abstraktes Konstrukt zusammenfassen darf – ebenfalls ein Mainstream-Kino entwickelt, das sich grosser Beliebtheit erfreut und ebenso zum kulturellen Verständnis der arabischen Popkultur zugehörig angesehen werden darf. Allerdings muss betont werden, dass solche Filme vorerst nur in arabischen Ländern anzutreffen sind, die auch eine etablierte und finanziell gesichertere Filmindustrie vorweisen. Es erstaunt daher wenig, dass vor allem Exponate aus den Vereinigten Arabischen Emiraten, Ägypten und dem Libanon auszumachen sind. Zu sehen sind Filme, die überraschen, verzaubern, uns altbekannt erscheinen und doch so fremd. Filmgenres, die wir bisher nur aus dem amerikanischen

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und dem europäischen Kino kannten, und «westliche» Musikstile, die eine entscheidende, narrative Funktion übernehmen – eben Arab Cinema Reloaded. Andreas Bühlmann und Laura Walde

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Arabilicious – Arab Cinema Reloaded Whoever considers themselves familiar with Arab cinema is likely to be mistaken. It would be hugely misguided to think that the cinematic repertoire of the Arab world consists merely of carefully narrated, unfamiliar, sometimes ethnographically motivated or docu-fictional films, whose protagonists mostly live a spartan life in big cities or desert towns. Instead, «Arabilicious – Arab Cinema Reloaded» presents works from established Arab film industries with rich traditions that aren’t all that foreign and oriental to us. Film genres such as science fiction or the (psycho)thriller have shaped our (Western) collective cinematic memories since the classical Hollywood era, linking our popular cultures of music, literature, and photography, and creating a value system that is considered a liberal-commercial ideal by many. Values representing supposedly Western stereotypes, however, are not limited to American or European cinema. Instead, the selected films show us that the Arab world also knows how to adapt these values and the film genres and music styles so deeply ingrained in us, translating them into their own (cinematic) language. Well-known narrative structures and musical compositions are revisited – in the sense of a «reloaded cinema» – with the aim to inspire an Arab as well as an international audience. From a historical perspective, these cinematic conventions spread around the globe mainly by way of studio-era Hollywood productions; yet various Arab filmmakers have found their own ways of applying them quite naturally, creating their own distinctive patterns. Thus, the Arab film industry – as far it can be lumped together as an abstract construct – has also created a mainstream cinema that is hugely popular and which contributes to a cultural understanding of Arab pop culture. However, it must be pointed out that these kinds of films are thus far only encountered in Arab countries with an established, financially sound film industry. It is not surprising, then, that the exhibits come mainly from the United Arab Emirates, Egypt, and Lebanon. The programme shows surprising, mesmerising films that seem well-known and yet so strange: film genres that we’ve hitherto known only from American and European cinema, and «Western» musical styles that assume a crucial, narrative function – «Arab Cinema Reloaded». Andreas Bühlmann and Laura Walde

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Sometimes

Heavy Metal Drummer

A Resident of the City

Egypt 2008, 15', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic

United Kingdom/Morocco 2005, 6', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic

Egypt 2011, 15'09", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc/Exp

Director: Mahmood Soliman Script: Mahmood Soliman Photography: Mohammad Hamdy Editor: Ahmad Abo Saada Sound: Mohammad Ghanem Cast: Said Ragab/Amr Mamdooh/Mona Hala Production and Distribution: January For Arts And Culture, Zayed – Cairo, Egypt, info@januaryfilms.org, +20 100 68 60 245

Director: Toby Macdonald/Luke Morris Script: Mike Lesslie Photography: Natasha Braier Editor: Jo Scott Sound: Nick Baldock Cast: Yassine Jari/Aziz Kouhal/Fouzia Boutour/ Salim Mohamed/Latifa Hayan/Latifa Charih/ Mahjoub Ben Ahmed/Boujamaa Kourchi Production and Distribution: Momac Films Ltd, London, United Kingdom, Luke Morris,info@cinema16.co.uk

Director: Adham El Sherif Script: Atef Nashed Photography: Bassam Ibrahim Editor: Islam Amer Sound: Ahmed Nabil Production and Distribution: Adham El Sherif, adham.elsherif@ymail.com, +20 1286018980

Ein verrückter, despotischer Busfahrer wirft alle Fahrgäste aus seinem Bus, die ihm nicht gehorchen. Am Schluss ist niemand mehr vor sich selbst sicher, nur die Liebe zwischen zwei jungen Menschen übersteht alles. Eine humorvolle Studie über Beziehungen und Akzeptanz in der äygptischen Gesellschaft. A crazy, despotic bus driver throws out all passengers who refuse to obey him. At the end, nobody is safe, even from themselves. Only the love between two young people withstands everything. A humorous look at relationships and acceptance in Egyptian society. Mahmood Soliman was born in Egypt in 1976 and graduated from the Higher Institute of Cinema in Cairo in 1997. He has published several social, political, and opinion essays in Egyptian and Arab newspapers and three short story collections. He is a director, script editor, and producer of several short films, including «Living Among Us» (2004), «Red & Blue» (2006), and «Sometimes» (2008).

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Die gleiche Geschichte wiederholt sich für Eltern und Teenager auf der ganzen Welt: «Heavy Metal Drummer» zelebriert die Kraft der Rockmusik und erzählt von den Bemühungen eines jungen arabischen Musikfans, seine Liebe zur Metal-Musik gegenüber seinem missbilligenden Umfeld zu verteidigen. The same story repeats itself for parents and teenagers around the world: «Heavy Metal Drummer» celebrates the power of rock music, telling the story of a young Arab music fan who tries to defend his love for heavy metal in the face of a disapproving environment. Luke Morris is a twice BAFTA-nominated independent producer and distributor. Toby MacDonald’s film «Je t'aime John Wayne» was also nominated for a BAFTA, chosen for the Cannes Film Festival, and won the EFA European Academy Award for Best Short Film.

Permanent auf der Suche nach Nahrung oder nach einem sicheren Schlafplatz und ständig gewalttätigen Konflikten mit Strassengangs ausgesetzt: Das Leben für einen Obdachlosen in einer schonungslosen Grossstadt wie Kairo ist hart, erst recht wenn der Obdachlose – wie in diesem Dokumentarfilm – ein Hund ist. Permanently in search of food or a safe place to sleep, and constantly exposed to conflicts with violent street gangs: in a merciless big city like Cairo, life is hard for the homeless, especially if – as in this documentary – the homeless one is a dog. Adham El Sherif (born 1988), is an Egyptian filmmaker and director of TV commercials who studied at the Higher Institute of Cinema in Cairo. In 2009, he directed «Water Gun» (short). «A Resident of the City» was selected at various festivals such as Rotterdam, Sao Paulo, and London and won the Jury Award at Tampere Film Festival 2012.


Ercevax

De l’autre côté

Lebanon 2014, 15'40", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic

Morocco 2010, 13'18", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic

Director: Oliver Bou Eid Script: Rawan Ghaly Photography: Jean Boutros Editor: Ralph Karam Sound: Shady Abi Shakra Cast: Jamil Ghrawi/Stephany Atala Production and Distribution: Oliver Bou Eid, Beirut, Lebanon, o.boueid@gmail.com, +961 70 211 498

Director: Youssef Maman Script: Youssef Maman Photography: Sarah Sellami Editor: Sara El Azrak Sound: Mehdi El Hajami Cast: Mohamed Ayyad/Zineb Samara Production and Distribution: ESAV Marrakech, Marrakech-Amerchich, Morocco, mohcine.kamal@esavmarrakech.com, +212 (0) 5 24 29 90 16

Nachdem er eine Impfung mit dem Namen «Ercevax» entdeckt hat, reist ein Wissenschaftler in die Vergangenheit, um das Leben seines Sohnes zu retten. Eine Story mit allem, was ein guter Sci-Fi-Film benötigt! After discovering a vaccine called «Ercevax», a scientist goes back in time in an attempt to save his son's life. A film with everything a good sci-fi story needs! Oliver Bou Eid is a CG and VFX artist based in Beirut, Lebanon.

Ein Roadmovie der anderen Art. Ein Mann und eine Frau warten unabhängig voneinander am selben Ort auf eine Mitfahrgelegenheit. Doch plötzlich wird die Weiterreise zur Nebensache, als die erotische Spannung zwischen den beiden steigt und nur noch eine Frage im Raum steht: Wo können die beiden Sex haben? A roadmovie of a different kind. A man and a woman are waiting for a ride in the same spot, but independently of each other. But suddenly, continuing their journey is of secondary importance, as the erotic tension between them increases and the important question is: where can they go to have sex? Youssef Maman studied at ESAV Marrakech and graduated with «De l'autre côté» in 2011.

Silence Radio (The Song Remains the Same) Lebanon 2015, 17'23", digital file, colour, Arabic/French with English subtitles, Fic Director: Reynald Bassil Script: Reynald Bassil Photography: Michael Lagerwey Editor: Lara Saba Sound: Myriam Chayeb Cast: Malek Rahbani/Elie Khalifeh/Cynthia Khalifeh/ Sahar M. Khoury/Hadi Bou Ayash/Julia Kassar/ Zeid Hamdan Production: On Line Films Beirut, Beirut, Lebanon, bahijho@hotmail.com, +961(0) 1 219139 Distribution: Reynald Bassil, Paris, France, ronibassile@hotmail.com, +33(0)1 42 33 12 60

Beirut kurz vor dem Beginn des Bürgerkriegs. Élie – ein Fan von Rockmusik und Verfechter von Gegenkulturen und Utopien von Freiheit – fühlt sich gefangen in seinem konventionellen Umfeld. Wie viele seiner Generation sucht er nach einer alternativen Lebensweise. Der Anfang eines epischen Biopic. Beirut in the months preceding the civil war. Élie – keen on rock music, countercultures, and other libertarian utopias of the 70s – feels trapped in his conventional environment and, like so many of his generation, embarks on a quest to find another way of life. The beginning of an epic biopic. Reynald Bassil was born and raised in Beirut, and educated in London. He works between Paris and Beirut in different fields related to filmmaking.

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Fever through the Night Curated by: Laura Walde

Runtime 87’ November 5, 2015, 20:30 Kino Cameo November 8, 2015, 11:30 Casino Festsaal

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Fever Through the Night «Everybody's got the fever / That is something you all know / Fever isn't such a new thing / Fever started long ago». Der King of Rock’n’Roll, eine Symbolfigur für den Westen par excellence, singt hier zwar über die (körperliche) Liebe, die ihn die ganze Nacht hindurch fiebrig in Bann hält. Doch egal ob West, Ost, Nord oder Süd: Nur wo die Liebe – für eine Person, für eine Sache, für eine Idee – weilt, kann auch die Revolution sich entfachen. Und wo die Revolution ist, da ist auch immer das Fieber – und so schliesst sich der Kreis. Nicht von ungefähr hat der US-amerikanische Historiker Crane Brinton in seinem Standardwerk «The Anatomy of Revolution» den typischen Verlauf eines Freiheitskampfs mit einer Fieberkurve verglichen. Diese dreiteilige Analogie zwischen Revolution, Fieber und Liebe wirft viele Assoziationen auf: die Revolution als Fiebertraum und Sinnestäuschung; die Revolution als hitzige Temperamenterscheinung, die bald wieder überwunden ist. Aber eben auch die Revolution als ultimativer Beweis der Leidenschaft für eine Sache, als Ausdruck eines Taumels, der die bestehende gesellschaftliche Ordnung schliesslich ins Wanken bringt. Die Liebe in all ihren Ausprägungen und Formen ist es auch, welche die Figuren in dieser Auswahl an Kurzfilmen immer wieder dazu antreibt, in ihre Heimatländer zurückzukehren, sich in Gefahren zu begeben, die Banden zu ihren Familien- und Landsleuten neu zu knüpfen. Mit seiner bahnbrechenden Webserie «Top Goon» bringt das syrische Künstlerkollektiv Masasit Mati nicht nur die Häupter des Regimes zum Rauchen, sondern setzt auch die eigenen Köpfe dabei aufs Spiel. Eine «cineastische Halluzination» nennt Safia Benhaim, Kind zweier politischer Flüchtlinge aus Marokko, ihren Film «La Fièvre», in dem ein junges Mädchen auf den Geist einer Frau trifft, die nach langer Zeit aus dem politischen Exil heimgekehrt ist. Zusammen durchqueren sie Marokko auf der Suche nach einer verlorenen Heimat und treffen dabei bereits auf die nächste Welle des Widerstands: den Arabischen Frühling in Marokko. Auch Omar Robert Hamilton – wie Safia Benhaim heute im Westen wohnhaft – verbindet in «Though I Know the River Is Dry» auf poetische Weise politische Ereignisse und emotionale Konflikte. Obwohl der Film vieles offenlässt, wird die politische und wirtschaftliche Realität in Palästina auf dringliche Weise angesprochen. Ob der Aufstand bloss einen kurzlebigen Fiebertraum oder doch den Beginn eines lang anhaltenden Prozesses markiert, dazu wagen die Filme in diesem Programm keine Prognose. Vielmehr thematisieren sie mal auf poetische, mal auf sinnliche Weise die Lebens-, Leidens- und Liebesbedingungen im arabischen Raum. Laura Walde

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Fever through the Night «Everybody’s got the fever / That is something you all know / Fever isn’t such a new thing / Fever started long ago». The King of Rock ‘n’ Roll – a quintessential symbol of the West – sings about (physical) love here, which casts a feverish spell over him through the night. But regardless if West, East, North, or South: only a place where there’s love – for a person, for a cause, for an idea – can spark the revolution. And where there’s a revolution, there’s always fever, too – and thus the circle is closed. It is not by chance that the American historian Crane Brinton compares the typical course of a freedom fight with a fever curve in his standard work «The Anatomy of Revolution». This three-part analogy between revolution, fever, and love arouses numerous associations: the revolution as a feverish dream and hallucination; the revolution as manifestation of a fiery temperament that is soon overcome. But also the revolution as ultimate proof of the passion for a cause, as expression of a frenzy, which eventually unhinges the existing social order. In this selection of short films, it is also love in all its shapes that drives the characters to return to their homelands, to put themselves in danger, to re-establish the ties with their families and compatriots. With its groundbreaking web series «Top Goon», the Syrian art collective Masasit Mati makes the regime’s heads spin while also risking their own heads. Safia Benhaim, daughter of two political refugees from Morocco, calls her film «La Fièvre» a «cinematic hallucination», in which a young girl encounters the ghost of a woman who has returned from political exile after a long time. Together, they travel through Morocco in search of their lost homeland, until they encounter the next wave of resistance: the Arab Spring in Morocco. Omar Robert Hamilton, who now lives in the West like Safia Benhaim, also connects political events and emotional conflicts poetically in «Though I Know the River Is Dry». Although the film leaves many questions unanswered, it addresses the political and economic reality in Palestine in pressing ways. Whether the revolution is just a short-lived feverish dream or, after all, the beginning of a long-lasting process comparable to the historical developments on other continents – the films in this programme won’t venture a prognosis. Instead they address – in sometimes poetic, sometimes sensual ways – the conditions of living, loving, and suffering in the Arab world. Laura Walde

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Kawabees Beeshu / Beeshu's Nightmares

Though I Know the River Is Dry

Syria/Lebanon 2011, 6'44", colour, Arabic with English subtitles, Fic

Egypt/Palestine/United Kingdom 2013, 19'23", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic

Director: Jameel Alabiad Script: Masasit Mati Collective Photography: Masasit Mati Collective Editor: Masasit Mati Collective Sound: Masasit Mati Collective Cast: Masasit Mati Collective Production and Distribution: Masasit Mati Collective, Syria, info.topgoon@gmail.com

Director: Omar Robert Hamilton Script: Omar Robert Hamilton Photography: Omar Robert Hamilton Editor: Omar Robert Hamilton Sound: Basel Abbas Cast: Kais Nashif/Maya Abu Alhayyat/ Selwa Nakkara/Hussam Ghosheh Production and Distribution: Louis Lewarne, London, United Kingdom, lblewarne@riverdryfilm.com, +44 201063810977, www.riverdryfilm.com

Der Traum vieler ist der Albtraum weniger. Der Diktator Beeshu – unmissverständlich eine Karikatur von Bashar al-Assad – wird von einem fiebrigen Albtraum geplagt, in dem sein Regime gestürzt wird. The dream of many is the nightmare of a few. Dictator Beeshu – a paranoid finger puppet that's an unambiguous caricature of Bashar al-Assad – is plagued by feverish nightmares about the fall of his regime. Masasit Mati is an underground group of Syrian professional artists of different creative backgrounds. Their seminal online series «Top Goon» is a daring political satire about the Ba’ath regime in Syria. Full series: youtube.com/user/MasasitMati

Eine Rückkehr nach Palästina. Auf seiner Reise durch das Land durchlebt ein Mann erneut vergangene Traumata und den Grund für seinen Wegzug nach Amerika. Gefangen zwischen der Vergangenheit seines Bruders und der Zukunft seines ungeborenen Kindes, besiegelt seine Entscheidung das Schicksal der gesamten Familie. A return to Palestine. On his journey through the country, a man relives the trauma of his past and the reasons that sent him to America. Caught between his brother's past and his unborn child's future, his choice triggers catastrophe for his whole family. Omar Robert Hamilton is a filmmaker, writer, and cultural organiser working in documentary and fiction. He helped found Cairo's Mosireen Collective and works on the documentation of the Egyptian revolution in various ways. He helped found the annual Palestine Festival of Literature and is now working on a novel about the Egyptian revolution.

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Waves '98 Lebanon 2015, 14'50", colour, Arabic with English subtitles, Ani Director: Ely Dagher Script: Ely Dagher Editor: Ely Dagher Sound: Zelig Sound Cast: Elie Bassila Production: BeaverAndBeaver, Beirut, Lebanon, prod@beaverandbeaver.com, Distribution: Premium Films, Paris, France, Jean-Charles Mille, jcm@premium-films.com, +33 142 77 06 39

Omar, geboren in einem Vorort der Stadt, war noch nie in Beirut. Sein Alltag ist gezeichnet von einem Mangel an Motivation. Eines Tages wird er Zeuge einer aussergewöhnlichen Erscheinung, die ihn in die Tiefen der Stadt lockt, wo er sein Gefühl von Heimat und Zugehörigkeit hinterfragen muss. Growing up in the suburbs of Beirut, Omar has never been to the city. His life is characterised by a certain lack of motivation. One day, Omar unexpectedly witnesses something strange and beautiful, finally leading him to venture into the depths of the city, where he loses track and finds himself struggling to keep his sense of home. Ely Dagher was born in Beirut, Lebanon, in 1985. Graduated with an MA in New Media and Contemporary Art Studies from Goldmiths College in London, after having completed a BA in 2d/3d Animation and Art Direction/Illustration at the Academie Libanaise des Beaux-Arts, Lebanon.


La Fièvre / A Spell of Fever

Salmiya Salmiya / Peaceful, Peaceful

France 2014, 41'03", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc/Exp

Syria/Lebanon 2012, 5'12", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic

Director: Safia Benhaim Script: Safia Benhaim Photography: Safia Benhaim Editor: Safia Benhaim/Mathias Bouffier Sound: Mathieu Farnarier Cast: Ouidad Benzarah Production and Distribution: Air Rytmo, Paris, France, info@airrytmo.com

Director: Jameel Alabiad Script: Masasit Mati Collective Photography: Masasit Mati Collective Editor: Masasit Mati Collective Sound: Masasit Mati Collective Cast: Masasit Mati Collective Production and Distribution: Masasit Mati Collective, Syria, info.topgoon@gmail.com

Eine fiebrige Nacht. Ein Mädchen trifft auf den Geist einer Frau, die aus dem politischen Exil zurückgekehrt ist. Auf der Suche nach einer verlorenen Heimat und einer vergessenen Kindheit durchreisen sie Marokko. Erinnerungen und die Geschichte des politischen Widerstands leben in cineastischen Halluzinationen auf, doch dann folgt bereits die nächste Welle der Revolution: Marokkos Arabischer Frühling.

Der Traum vieler ist der Albtraum weniger. In dieser Episode besteht der Albtraum des Diktators Beeshu aus einem friedlichen Widerstand gegen seine Gewalt. Friedliebende Menschen? Was für eine Katastrophe!

One feverish night, a girl meets the spirit of a woman returning from political exile. Together, they travel across Morocco, searching for a lost home and a forgotten childhood. Old memories and the history of political conflict re-emerge in cinematic hallucinations, but then the past is overrun by a new wave of resistance, Morocco's Arab Spring. Safia Benhaim (born 1977) is a filmmaker who was educated in Paris, where still she lives and works. As a child of Moroccan political refugees, she focuses on the theme of exile in her work. Her films lie at the intersection of documentary and science fiction.

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The dream of many is the nightmare of a few. In this episode, Beeshu’s nightmares come in the form of peaceful resistance to his violence. Peaceful people? What a catastrophe! Masasit Mati is an underground group of Syrian professional artists of different creative backgrounds. Their seminal online series «Top Goon» is a daring political satire about the Ba’ath regime in Syria. Full series: youtube.com/user/MasasitMati


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Arab Women: Measuring the World Curated by: Maike Mia HĂśhne

Runtime 84’ November 4, 2015, 16:30 Casino Theatersaal November 6, 2015, 17:00 Casino Festsaal

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Arab Women: Measuring the World «It’s only the gesture, that truly holds the power.» – Iman Issa Körper messen, Welten vermessen. Leben erzählen. Postkoloniale Verhältnisse schreiben sich in Körper ein und Körper zerbrechen an Grenzen, die keine andere Erfahrung als diese zulassen. Das Erbe eines gemeinsamen Sprachund Kulturraumes und die Kolonialisierung der Region eint die Frauen. Und trotzdem und deswegen: Die Damen eignen sich ihre Geschichte mit künstlerischen Strategien an und setzen so neue Landmarken in der arabischen Welt. Eine der Grande Dames des afrikanischen Kinos, Sarah Maldoror, hat mit ihrem kurzen Film «Monangambee» 1961 eine der ersten kinematografischen Landmarken in der Region gesetzt. Der Film reiht sich ein in das revolutionäre Befreiungskino der 1960er-Jahre. «Monangambee» ist Ausgangspunkt für dieses Programm, in dem es primär um das Vermessen von Verhältnissen, Körpern und Land geht. Weiblicher Körper erzählt sich in diesen Filmen vornehmlich am Rand und selbstverständlich. Noch wichtiger ist es aber, die Gemeinsamkeiten des Kulturraumes zu finden und zu erzählen. In «Cairography» werden die Grenzen ausgelotet, die für weibliche Körper gedacht sind. Ein Tanz durch die Stadt, eine Choreografie des Möglichen innerhalb des bestehenden Systems. Der Ausblick ist dieser Arbeit inhärent, es ist der Versuch einer Überschreitung von privatem und öffentlichem Raum. In diesem öffentlichen Raum findet die Exilirakerin Rheim Alkadhi Bilder, die sie mit Untertiteln versieht und so die imaginäre Geschichte einer verstorbenen Frau erzählt. Es ist ein Blick auf das Sterben aus der Entfernung. Die Hilflosigkeit der Exilsituation wird deutlich spürbar in «Subtitles for Stolen Pictures». Was bedeutet die Verkörperung der Freiheitskämpferin von gestern in einem Heute? «Have You Ever Killed a Bear? Or Becoming Jamila» von Marwa Arsanios dechiffriert die vielfältigen Layer von Geschichte und Genderkonstruktion – immer unter dem Banner der Revolution und der Frage nach dem Heute. Jenseits vom dokumentarischen Blick verwendet sie Strategien, um mit dem vorhandenen Material dem zeitgenössischen Blick die notwendige Dringlichkeit zu garantieren. In Annemarie Jacirs «Like Twenty Impossibles» versucht eine Gruppe Jerusalem zu erreichen und so Grenzen zu überschreiten und einen Film zu drehen. Fiktion trifft auf Realität. Wir sind im Heute gelandet, wenn wir nicht mehr wissen, was wir sehen. Reale und imaginierte Landschaften. Maike Mia Höhne

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Arab Women: Measuring the World «It’s only the gesture, that truly holds the power.» – Iman Issa Measuring bodies, surveying worlds. Telling life stories. Postcolonial conditions are inscribed into bodies and bodies are broken by boundaries that permit no other experience. The women are united by the legacy of a shared language and cultural area and by the colonisation of the region. And in spite and because of that: the women appropriate their history through artistic strategies, setting new landmarks in the Arab world. One of the grande dames of African Cinema, Sarah Maldoror, set one of the first cinematic landmarks in the region with her 1961 short «Monangambee». The film forms part of the revolutionary liberation cinema of the 1960s. «Monangambee» provides the point of departure for this programme, which primarily revolves around the measuring of conditions, bodies, and land. The female body in these films is narrated on the margins and treated as a matter of course. What is even more important is finding and narrating the commonalities of the cultural area. «Cairography» explores the boundaries imposed on female bodies: it’s a dance through the city, a choreography of possibilities within the existing system. An outward vision is inherent to this work, which attempts to transgress private and public space. In the same public space, exiled Iraqi Rheim Alkhadi adds subtitles to existing images in order to tell the imaginary story of a deceased woman. It’s a look at death from afar. The helplessness of life in exile becomes palpable in «Subtitles for Stolen Pictures». What does the embodiment of yesterday’s female freedom fighter mean today? «Have You Ever Killed a Bear? Or Becoming Jamila» by Marwa Arsanios deciphers the multiple layers of history and gender construction – always under the banner of the revolution and with a view to today. Beyond a documentary look, her artistic strategies give the existing material a pressing topicality from a contemporary vantage point. In Annemarie Jacir’s «Like Twenty Impossibles», a group tries to reach Jerusalem in order to cross boundaries and shoot a movie. Fiction meets reality. We have arrived in the present when we no longer know what we see. Real and imagined landscapes. Maike Mia Höhne

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Monangambeee

Cairography

Algeria 1969, 15', digital file, b/w, Portuguese/French with English subtitles, Fic

Egypt 2013, 18'36", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Exp

Director: Sarah Maldoror Script: Sarah Maldoror/Serge Michel/Mario de Andrade Photography: Abdelkader Adel Production: Sarah Maldoror Distribution: Arsenal Institut für Film und Videokunst e.V., Berlin, Germany, Nora Molitor, nm@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

Director: Dalia Naous/Kinda Hassan Script: Dalia Naous Photography: Ahmed Magdy/Mohamed Yehia Editor: Salam Yousri/Kinda Hassan Cast: Mohamed Fouad/Sherin Hegazy/ Ahmed El Gendy/Nadine Emile/Samar Ezzat/ Ali Khamis/Raafat El Bayoumy/Nadim Bahsoun/ Hossam Abdel Hamid/Marion Blondeau/Dalia Naous Production: Dalia Naous, Paris, France, dalianaous@gmail.com, +33 625846704 Distribution: Arsenal Institut für Film und Videokunst e.V., Berlin, Germany, Nora Molitor, nm@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

«Monangambee!» – Schrei der Revolte in Angola. Dieser Schrei liess alle erblassen und fliehen. «Monangambee» heisst so viel wie «weisser Tod» und bedeutete eine Deportation ohne Rückkehr. Heute ertönt immer noch der gleiche Schrei: Erkennungszeichen und Signal für die Volksbefreiungsfront. «Monangambee!» – cry of the revolte in Angola. «Monangambee!» spread from hut to hut, from village to village. In the past, this cry accompanied the arrival of the Portuguese slave traders. Today, the same cry still resounds, the same whistle accross the expanse of Angola: it is the identification and the signal for the People's Liberation Front. Sarah Maldoror, of African descent, is a revolutionary, political filmmaker from the island of Guadeloupe. After studying film in Moscow, her films had a decisive influence on Africa's political cinema of the 1960s.

Eine Tanzgruppe sucht in der Grossstadt Kairo nach Möglichkeiten, ihrer physischen Präsenz Ausdruck zu verleihen. Über die Bewegung der Körper im Raum werden gesellschaftliche Normen erfahrbar. Als einer stehen bleibt, stockt der Bewegungsfluss. In «Cairography», choreographer Dalia Naous and video artist Kinda Hassan work through the body’s possibilities of setting something against society’s restrictions, examining the visible and invisible barriers between public and private space in Cairo. Dalia Naous is a Lebanese video and multimedia artist living and working in Cairo. She studied in Beirut and Paris, among other places. Lebanese choreographer Kinda Hassan received classical dance training in France and now works between Beirut and Paris.

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Subtitles For Stolen Pictures Iraq/USA 2007, 8',digital file, colour, no dialogue with English subtitles, Exp Director: Rheim Alkadhi Production: Rheim Alkadhi, Distribution: Arsenal Institut für Film und Videokunst e.V., Berlin, Germany, Nora Molitor, nm@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

Das Video zeigt Pressefotos des Irakkriegs. Die Einzelbilder setzen sich zur Geschichte einer anonym bleibenden Zivilistin zusammen, deren häusliche Tätigkeiten von ihrem eigenen Tod unterbrochen werden. Die Untertitel jedoch leben auf geheimnisvolle Art und Weise weiter. Using appropriated news photos from the war in Iraq, this video is comprised of two elements: pictures and subtitles. Image fragments piece together a story of an anonymous civilian whose domestic activities are interrupted by her own death, yet her subtitles mysteriously persist. Rheim Alkadhi works in various artistic disciplines. Born in 1973, she grew up in Iraq and the US with double citizenship. Her early childhood in Baghdad shaped her emotional, linguistic, and aesthetic outlook, which influence her art to this day.


Have You Ever Killed a Bear? Or Becoming Jamila Lebanon 2014, 25', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Exp Director: Marwa Arsanios Photography: Karam Ghoussein Cast: Jessika Khazrik Production: Marwa Arsanios, Beirut, Lebanon, marwaarsanios@gmail.com, www.marwaarsanios.info Distribution: Arsenal Institut für Film und Videokunst e.V., Berlin, Germany, Nora Molitor, nm@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

Die Geschichte der ägyptischen Zeitschrift «Al-Hilal» in den 1950er- und 60er-Jahren bildet den Ausgangspunkt für ein Porträt der algerischen Freiheitskämpferin Djamila Bouhired: eine Feministin zwischen sozialistischem Gesellschaftsentwurf in Ägypten und antikolonialem Befreiungskampf in Algerien. The clear gender division used to marginalise women from the public sphere was overcome for a short moment during the Algerian war of independence. What does it mean to play the role of the freedom fighter? A video examining the life of Djamila Bouhired, the Algerian freedom fighter. Marwa Arsanios was born 1978 in Washington, DC. She studied at Wimbledon College of Art, University of the Arts, London (2007), and afterwards at Jan Van Eyck Academie in Maastricht (2011–2012). She lives and works in Beirut.

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Like Twenty Impossibles Palestine 2003, 17', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic Director: Annemarie Jacir Script: Annemarie Jacir Editor: Annemarie Jacir Cast: Reem Abu-Sbaih/Ashraf Abu-Moch/ Ismail Dabbagh/Raja'i Khateeb/Rami Mussalem/ Shadi Zumorrod Production: Columbia University, New York, USA Distribution: Arsenal Institut für Film und Videokunst e.V., Berlin, Germany, Nora Molitor, nm@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

Bei ihrer Entscheidung, auf eine abgelegene Nebenstrasse auszuweichen, um einen geschlossenen Grenzposten zu umgehen, wird eine palästinensische Filmcrew mit den politischen Gegebenheiten konfrontiert: Die Reisenden werden – mit der nüchternen Brutalität der militärischen Besatzer – voneinander getrennt. When a Palestinian film crew decides to avoid a closed checkpoint by taking a remote side road, the political landscape unravels: the passengers are separated from each other by the mundane brutality of military occupation. Palestinian filmmaker and writer Annemarie Jacir has worked in independent film since 1994. Her feature films have been presented at the festivals of Cannes and Berlin. She has taught at Birzeit Unversity, Columbia University, and Bernard College.


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Iraq – Redefining Identities Curated by: Delphine Jeanneret

Runtime 88’ November 4, 2015, 20:00 Casino Festsaal November 6, 2015, 16:30 Casino Theatersaal

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Iraq – Redefining Identities Fünfunddreissig Jahre Diktatur, drei verheerende Kriege, dreizehn Jahre radikalster Sanktionen, militärische Besetzung, der faktische Kollaps staatlicher Strukturen, hohe Arbeitslosigkeit und extreme Gewalt haben die Stimmen vieler Irakerinnen und Iraker praktisch verstummen lassen. Doch die Macht der Bilder ist auch in Kriegszeiten stark, und noch stärker, wenn es darum geht, die nationale Kultur einer zerrütteten Gesellschaft neu zu definieren. Heute bietet das irakische Kino dem Volk ein Mittel seine Geschichte zu erörtern, seine Gesellschaft mit eigenen Augen zu betrachten und die Zukunft abzuwägen. Der Irak hatte einst eine blühende Filmindustrie. In den 1940er Jahren, unter der Regierung von König Faisal II., produzierten die Filmstudios in Bagdad von Gesang und Tanz durchsetzte Liebesgeschichten, die in abgelegenen Dörfern angesiedelt waren. 1958 wurde die Monarchie durch einen Militärcoup gestürzt, und die neue Regierung förderte fortan ein idealistisches Programm sozialer Reformen. Infolgedessen konnte die Filmindustrie nur dank Propaganda-Filmen überleben, während künstlerische Projekte auf der Strecke blieben. Als die Baath-Partei 1968 durch einen weiteren Coup an die Macht kam und Saddam Hussein beinahe an die Spitze beförderte, wurde die staatliche Kontrolle weiter verschärft. Mit Husseins gänzlicher Machtübernahme 1979 kam die Produktion irakischer Filme praktisch zum Erliegen. Die wenigen Filme, die noch produziert wurden, erzählten vom Triumph der Araber oder glorifizierten Saddams Lebens und trugen so zur Mythenbildung bei. Nach der Invasion Kuwaits durch den Irak verhängten die Vereinten Nationen weitgreifende Sanktionen und die irakische Filmindustrie brach vollends zusammen. Ausrüstung, 35mm-Filmmaterial und Labor-Chemikalien waren durch die neuen Importgesetze verboten. Seither entstanden im Irak nur wenige Filme und Kinos sind nur noch ferne Erinnerung. Doch seit Beginn des 21. Jahrhunderts hat sich eine neue Generation von Regisseuren und Produzenten aufgemacht, die irakische Kinolandschaft langsam zu verändern. Mehrere junge Filmschaffende, Absolventen von Bagdads Independent Film and Television College (das von zwei Exil-Irakern 2004 gegründet wurde), begannen Filme zu drehen über die gesellschaftliche Realität, über den Alltag und über ihre Hoffnungen für die Zukunft. Ausserhalb des Landes gibt es zahlreiche Filmemacher und Videokünstler, die in jungen Jahren aus ihrer Heimat geflohen sind, und die ihr Verhältnis

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zum Irak, die Geschichte des Landes und imaginäre Zukunftsvisionen filmisch ausloten. Das Programm Iraq – Redefining Identities erkundet die Vielfalt irakischer Identitäten sowie den Film als Medium der Aufzeichnung und des Überlebens in einem Land, das von Krieg, Genozid, Menschenrechtsverletzungen und jüngst dem Aufstieg der IS heimgesucht worden ist. Die Filmemacherinnen und Filmemacher in diesem Programm sind entweder Iraker und Kurden, die immer noch im Irak leben und arbeiten, oder im Irak geborene Künstler, die geflüchtet sind und heute im Ausland leben. Die unterschiedlichen Horizonte schaffen ein kaleidoskopisches Bild dessen, was es heisst, heute im Irak – oder mit der Erinnerung an den Irak – zu leben, einem Land, das von Jahrzehnten des Krieges verwüstet wurde. Obwohl sich die Filme mit tragischen Realitäten befassen, bieten sie Dokumente der Vergangenheit («March, 1983»), Zeugnisse überlebender Familien («Ants Apartment»), Aufrufe zu Liebe und Freiheit («Buzz»), konzeptuelle Orte («Bagdad, Iowa»), Liebeserklärungen ans Kino («Slap»), absurde, tragikomische Geschichten («Home & Key») und Momente des Widerstands (in der Installation «The Tethered»). Mit den vielfältigen Hintergründen und filmischen Sprachen der Regisseurinnen und Regisseure präsentiert das Programm sozusagen eine gedankliche und emotionale Geschichte des Irak und fragt nach der Bedeutung von Identitätskonzepten für eine erschütterte Gesellschaft. Delphine Jeanneret

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Iraq – Redefining Identities Thirty-five years of dictatorship, three devastating wars, thirteen years of the most radical sanctions in history, military occupation, the virtual collapse of effective state structures, high unemployment, and extreme violence have all but silenced the voices of many Iraqi people. Yet, the power of images is strong in times of war and even stronger when it comes to redefining a national culture for a shattered society. Today, Iraqi cinema provides a tool for the people to question their history, to look at their society with their own eyes, and to consider their future. Iraq once had a thriving film industry. In the 1940s, under the government of King Faisal II, local production companies in Baghdad produced love stories with song and dance, set in remote villages. In 1958, a military coup overthrew the monarchy, and the new government promoted an idealistic programme of social reform. Consequently, the film industry could only survive with propaganda films, leaving aside any artistic projects. After the Baath party seized power in another coup in 1968, propelling Saddam Hussein into a high position of power, state control intensified. With Saddam Hussein’s ascension to power in 1979, the production of Iraqi films almost ceased. The few films produced recounted the triumph of the Arabs, or glorified Hussein’s life, thus building his mythology. After the Iraqi invasion of Kuwait in 1990, the United Nations imposed wide sanctions on Iraq and the cinema industry collapsed. Film equipment, 35mm film stock, and laboratory chemicals were forbidden due to the new import laws. Since then, few films have been made in Iraq and cinemas are only distant memories. Since the 2000s, however, a new generation of filmmakers and producers set out to slowly change the Iraqi cinema landscape. Several young filmmakers based in Iraq who attended Baghdad’s Independent Film and Television College – founded in 2004 by two Iraqi filmmakers in exile – started making films about the social reality they are facing, but also about everyday life and their hopes for the future. Outside Iraq, numerous filmmakers and video artists, who fled their country when they were younger, continue to explore their relationship to Iraq, the history of their country, and imaginary stories they wish for its future. The programme «Iraq – Redefining Identities» deals with the plurality of Iraqi identities, as well as with film as a medium to record and survive in

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a country that has been subjected to war, genocide, violations of human rights, and most recently, the rise of ISIS. The filmmakers featured in this programme are either Iraqis or Kurds still living and creating in Iraq, or Iraqi-born artists who fled Iraq and now live abroad. These diverse horizons create a kaleidoscopic image of what it means to live in Iraq today or to live with memories of a country devastated by decades of war. Even though these short films deal with tragic realities, they are above all documents of the past («March, 1983»), testimonies of surviving families («Ants Apartment»), manifestos for love and freedom («Buzz»), conceptual places («Bagdad, Iowa»), declarations of love for cinema («Slap»), absurd tragicomic tales («Home & Key»), and moments of resistance (in the installation «The Tethered»). With the filmmakers’ various artistic backgrounds and cinematographic languages, this programme in some ways represents a mental and emotional history of Iraq, asking what the concept of identity means for a devastated society. Delphine Jeanneret

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March, 1983

Ants Apartment

Baghdad, Iowa

Iraq/Switzerland 2015, 6'23", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc/Exp

Iraq (Kurdistan), 2014, 11'38", digital file, colour, Kurdish with English subtitles, Fic

Iraq/USA 2014, 34'02", digital file, colour, English/Arabic with English subtitles, Fic/Exp

Director: Al Fadhil Script: Al Fadhil Photography: Al Fadhil Editor: Ulrico Gonzato Sound: Al Fadhil Cast: Kadhum (voice) Production and Distribution: Al Fadhil, nopavilion@gmail.com

Director: Tofigh Amani Script: Tofigh Amani Photography: Mohammad Rasouli Editor: Loghman Sokhanvar Sound: Hosein Ghorchiyan Cast: Farshid Gaveli/Shawbo Soleymani Production and Distribution: Garmyan General Directorate Cultural and the Youth, Iraq, Tofigh Amani, tofighamani_roj@yahoo.com

Director: Usama Alshaibi Script: Usama Alshaibi Photography: Robert Ortega/Ryan Ela Editor: Usama Alshaibi Sound: Russ Hess/Grayson Simon Cast: Anastasia Davis/Natasha Lovaas/Shayn Herndon/Alfred Ferraris/Kristin Keating Production and Distribution: Artvamp, kristie.alshaibi@gmail.com

Eine Rekonstruktion der Hintergründe einer Fotografie, die den Vater und den Bruder von Al Fadhil mit Saddam Hussein zeigt – ein Bild, das den Betrachter für einen kurzen, aber intensiven Moment hinter die Kulissen des Regimes im Bagdad der 1980erJahre führt. Der Künstler berichtet mit schmerzhaftem Zartgefühl von einer Familienangelegenheit, in der sich die Vergangenheit eines ganzen Landes spiegelt.

Die Geschichte einer kurdischen Familie inmitten einer irakischen Wüste nach dem ersten Golfkrieg (1980– 1988). Die Ankunft einer Gruppe von Archäologen wird ihre persönliche Geschichte verändern.

Eine Grenzlandschaft, künstlich, aber in einem persönlichen kulturellen Mix von Erinnerung und Schmerz verankert, durch die Kamera und die Windschutzscheibe betrachtet. Ein Versuch, die Grenze zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren zu erreichen. «Baghdad, Iowa» ist ein imaginärer und konzeptueller Durchgangsort, mit Trauma und persönlicher Erinnerung verbunden.

A reconstruction of the circumstances behind a photograph that portrays the father and brother of Al Fadhil with Saddam Hussein – an image transporting the beholder behind the scenes of the regime in 1980s Baghdad for a brief but intense moment. The artist’s account of a family affair, told with painful delicacy, encapsulates the past of an entire country.

Tofigh Amani (born in Kurdistan in 1981), studied cinema at the Iranian Young Cinema Society in 2004. He directed seven short films before winning an award for «Ants Apartment» at the Beirut International Film Festival in 2015. He also teaches cinematography at the Iranian Young Cinema Society.

Al Fadhil (born in Iraq in 1954) is a visual artist who works in Lugano, Berlin, and Milan. He graduated from the Institute of Arts in Baghdad in 1977 and from the Accademia di Belle Arti in Florence. Since the 1990s, his work reflects on social, political, and economic themes, and is characterised by the use of mixed media.

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This is the story of a Kurdish family in the middle of an Iraqi desert after the first Gulf War (1980–1988). The arrival of a group of archeologists will change their own personal history.

This liminal landscape, artificial, yet grounded in a personal cultural mash-up of memory and pain, is seen through the camera and the windshield, as an attempt to reach a border between the seen and the unseen. «Baghdad, Iowa» is an imagined place, both transitional and conceptual, connected to personal memories and trauma. Usama Alshaibi (born in Baghdad, Iraq, in 1969) is an experimental filmmaker, visual artist, and producer (Artvamp) based in Colorado. Since the late 1990s, he has directed more than 40 short films and music videos, as well as two feature films, «Muhammad and Jane» (2003) and «Profane» (2011), and the documentary «Nice Bombs» (2004).


Slap

Buzz

Home & Key

Iraq 2015, 6'46", digital file, b/w, Arabic with English subtitles, Fic

Iraq 2013, 14'17", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic

Iraq (Kurdistan) 2014, 14'38", digital file, colour, Kurdish with English subtitles, Fic

Director: Salah Mansi Script: Salah Mansi Photography: Noor Aldeen Sari Editor: Salah Mansi Sound: Salah Mansi Cast: Muqdad A. Ridha/Hind Nazar/ Ahmed Moneka/Ahmed Naseem Production and Distribution: Salah Mansi, salahmansi3@gmail.com

Director: Harith Al Homaam Script: Harith Al Homaam Photography: Ali Jasim Editor: Hussien Alkaber Sound: Husain Bustana Cast: Fuad Hanoon/Nawal Ahmed/Ahmed Monika/ Ahlam Arab/Ali Jabar/Faleh Kareem Production and Distribution: Harith Al Homaam, hareth_alhomaam@yahoo.com

Director: Shwan Attoof Script: Shwan Attoof Photography: Amjad Mohammad Editor: Rekawt Mohammad Sound: Barzan Shakar Cast: Hama Rashid Haras/Jwan Salih Production and Distribution: Eye Love Films, info@eyelovefilms.co.uk

Drei Männer und eine Frau im Alter von 19 bis 50 Jahren erzählen von ihrem realen und ihrem geträumten Leben in Bagdad. Mit Themen wie Kino, Liebe, Weiblichkeit, Intimität, Tradition und Krieg vereinen sich die vier Erzählungen schliesslich zu einer Stimme.

Ein junger Mann und eine junge Frau meistern das tägliche Leben in Bagdad mit Familie und Freunden. Durch alltägliche Handlungen dokumentiert «Buzz» die gezwungene Art der Kommunikation zwischen Mann und Frau im heutigen Irak, wo die sozialen Medien der Intimität zwischen unverheirateten Paaren neue Perspektiven eröffnen.

Aged 19 to 50, three men and a woman talk of their real and dream lives in Baghdad. Addressing themes such as cinema, love, femininity, intimacy, tradition, and war, the four narratives eventually become one single voice. Salah Mansi graduated from the Fine Arts Institute in Baghdad Department of Performing Arts. He is a theatre director and actor, as well as a filmmaker and scriptwriter. He has directed several stage plays as well as nine feature films and documentaries.

A young man and a young woman navigate their daily life in Baghdad with their families and friends. Through the depiction of mundane actions, «Buzz» documents the stilted nature of communication between men and women in modern Iraq, where social media offer new perspectives of intimacy between unmarried couples. Harith Al Homaam (born in 1987) is an Iraqi director, writer, and producer. In 2012, he graduated from the Faculty of Fine Arts (cinema and television department) in Baghdad. His third short film «Buzz» (2013) was featured in the Welcome to Iraq exhibition for the National Pavilion of Iraq at the 55th Venice Biennale.

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Im Hinterhof eines Familienhauses angesiedelt, thematisiert «Home & Key» die soziopolitische Realität Kurdistans. Die minimale Handlung und die absurde Inszenierung schildern den Tod einer kurdischen Familie. Set in the backyard of a family home, «Home & Key» deals with the sociopolitical reality of Kurdistan. Its minimal narrative and absurd mise-en-scène depict the death of a Kurdish family. Shwan Attoof, born in Sulaimaniye (Kurdistan), works as an independent director and actor. He has acted in 18 stage plays, as well as in several popular TV series and feature films. «Home & Key» is his first short film as a writer and director.


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Family Affair – Far from Familiar Curated by: Andreas Bühlmann

Runtime 88’ November 5, 2015, 16:30 Casino Theatersaal November 7, 2015, 20:00 Casino Festsaal

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Family Affair – Far from Familiar Nicht nur in der arabischen Kultur bildet die Familie das Fundament der Gesellschaft. Die Familie beeinflusst die moralischen und sozialen Wertevorstellungen heranwachsender Menschen von Grund auf. Die Eltern leben vor, wie sich die Jungen zu entwickeln haben und wie man sich ausserhalb der Familie verhalten muss. Doch was geschieht mit diesem Fundament, wenn sich innerhalb der Familie einzelne Mitglieder nicht den gesellschaftlichen Normen und deren Zwängen unterordnen wollen, weil sie anders denken, anders fühlen oder anders lieben? Welche Konsequenzen hat solch ein Verhalten auf die Gemeinschaft? Bleiben solche «Probleme» eine Familienangelegenheit oder werden sie zu einer öffentlichen Sache? Bis dato gibt es kein arabisches Land, das Homosexualität nicht ahndet oder gar auf brutalste Art und Weise verfolgt. In besonders strenggläubigen Ländern wie Bahrain oder dem Irak wird gar schon «schwules Aussehen» mit Folter und Gefängnis bestraft. Selbst das «westlichste» aller arabischen Länder, der Libanon, setzt solch «unmoralisches Verhalten» noch immer – mit einem Gummiparagrafen im Gesetz – unter Strafe. Während Amerika und Europa derweil die «Ehe für alle» und das Adoptionsrecht für gleichgeschlechtliche Paare auf dem politischen Parkett debattieren, kämpfen LGBTI-Organisationen (Lesbian, Gay, Bi-, Trans- und Intersexual) in den meisten arabischen Ländern unter grösster Gefahr um ihr Überleben und können von einer gesellschaftlichen Anerkennung bisher nur träumen. Eine Sinneswandlung kann und muss daher schon in der Familie beginnen, um aus der Familienangelegenheit und dem Ungewohnten eine Normalität zu schaffen, die zur Gewohnheit für eine ganze Gesellschaft wird. Es ist daher nicht erstaunlich, dass viele arabische Filme mit homosexueller Thematik sich mit Familie und dem engsten Freundeskreis homosexueller Figuren auseinandersetzen. Die emotionale Nähe von Mutter und Tochter oder von Vater und Sohn bildet das Leitmotiv einer grossen Anzahl solcher Dokumentar- und Spielfilme. Mit immer grösserer Selbstverständlichkeit treten arabische Künstler in den letzten Jahren – auch dank Social-MediaBewegungen – aus dem Schatten ihres versteckten Daseins und sprechen offen über Homosexualität und das Anderssein. Alle ausgewählten Filme bestechen daher nicht nur durch ihre filmische Qualität, sondern auch

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durch ihren Beitrag zum öffentlichen Diskurs um Akzeptanz – innerhalb der Familie und in der Gesellschaft. Ganz ausklammern jedoch darf man auch die negativen Seiten nicht: So kann ein Outing als Schwuler, als Lesbe oder als Transgender noch immer das Todesurteil dieser Menschen bedeuten, vor allem dann, wenn dieses «Problem» eine Familienangelegenheit bleiben soll. Andreas Bühlmann

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Family Affair – Far from Familiar The family is the foundation of society, not only in Arab culture. It fundamentally influences the moral and social values of children and adolescents as they grow up. The parents set an example of how the young are to develop and how one is to behave outside of the family. But what happens to this foundation if individual members of a family refuse to comply with societal norms and their constraints, because they think, feel, or love differently? What are the consequences of such behaviour for the community? Do such problems remain a «family affair» or do they become a public concern? To date, there is no Arab country that does not punish, or even brutally persecute homosexuality. In especially religious countries such Bahrain or Iraq, even «looking gay» is punished with torture or imprisonment. And even in Lebanon, the most «Western» of all Arab countries, such «immoral behaviour» is still a punishable offense, according to an ambiguous clause. While same-sex couples in America and Europe debate marriage equality and adoption rights on the political scene, LGBTI organisations in most Arab countries fight for their survival at great risk, while social acceptance is something they can only dream of. A change of mind thus needs to begin within the family, creating a normality for the family affair and the unfamiliar, before it can become a habit for an entire society. It is not surprising, then, that many Arab films addressing homosexuality deal with the families and closest friends of their homosexual characters. The emotional proximity between mother and daughter or father and son is a guiding theme in many of these documentaries and fiction films. Over the past years, Arab artists have come out of their hidden existence to speak openly about their homosexuality and their otherness – not least thanks to social media movements. Thus, the selected films are captivating not just because of their cinematic qualities, but as contributions to the public discourse on acceptance – within the family and in society. However, we shouldn’t completely disregard the negative sides: to come out as gay, lesbian, or transgender can still mean the death sentence for these people, especially when this «problem» has to remain a family affair. Andreas Bühlmann

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La Grande Safae France/Morocco 2014, 15'56", digital file, colour, Arabic/French with English subtitles, Doc/Exp/Fic Director: Randa Maroufi Script: Randa Maroufi Photography: Sarah Blum Editor: Randa Maroufi Sound: Marie Spiller Cast: Latefa Ahrrare/Salima Benmoumen/ Ramia Filali/Ayoub Layoussifi/Amel Souaid Production: Le Fresnoy Studio National Des Arts Contemporains, Tourcoing, France, fbonenfant@lefresnoy.net, + 33 (0)3 20283864 Distribution: Le Fresnoy Studio National Des Arts Contemporains, Tourcoing, France, ntrebik@lefresnoy.net, + 33 (0)3 20283864

Der Film erzählt von der «Grossen Safae», einem Transvestiten, welcher als Hausangestellte für die Familie der Filmemacherin arbeitete, ohne dass jemand von seiner «wahren» sexuellen Identität etwas ahnte. The film is inspired by a character known as «The Great Safae». He was a transvestite, and spent part of his life working as a domestic servant for the filmmaker's family, who was quite unaware of his «true» sexual identity. Randa Maroufi (born 1987 in Casablanca) lives and works between Lille and Tanger. After studying visual arts and media in Tétouan (Morocco) and Angers (France), she studied cinema, visual arts, and digital creation as a postgraduate at the Studio National des Arts Contemporains Le Fresnoy. Her work is mainly concerned with social and political issues, focusing on gender identities by using various media such as installation, performance, sound, video art, and film.

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Kif Ma Yi Qulu / As They Say Morocco/United Arab Emirates 2011, 13', digital file, Arabic with English subtitles, Exp/Fic Director: Hicham Ayouch Script: Hicham Ayouch/Aicha Haroun Yacoubi Photography: Hicham Ayouch Editor: Belal Hibri Sound: Jana Saleh Cast: Abdelsslam Bounouacha/Zouhir Fidai Production: Sharjah Art Foundation Distribution: Arsenal Institut für Film und Videokunst e.V. , Berlin, Germany, Nora Molitor, epr@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

Vater und Sohn machen einen Ausflug in die Berge zu einem gemeinsamen Angelwochenende. Als der Sohn dem Vater gesteht, dass er schwul ist, eskaliert die Situation: Männlichkeitsproben, Rituale, Gewalt, Gefühlserruptionen, Sprachlosigkeit und ein unerwartetes Ende. Father and son take a trip to the mountains for a weekend of fishing. When the son confesses that he's gay, the situation escalates: tests of manliness, rituals, violence, outbursts of emotion, speechlessness, and an unexpected ending. Hicham Ayouch, born in France in 1976 to Moroccan parents, lives and works in Morocco. His films include «Cracks» (2008), «Angel‘s Dust» (2006), «Edges of the Heart» (2006), and «The King’s Queens» (2005).

Lesbanese Lebanon/Australia 2008, 26'30", digital file, colour, Arabic/English with English subtitles, Doc Director: Alissar Gazal Script: Alissar Gazal Photography: Alissar Gazal Editor: Walter McIntosh Sound: Alissar Gazal Production and Distribution: Alissar Gazal, Australia, alissar.gazal@optusnet.com.au

Dieser Dokumentarfilm fühlt den Lesben im Libanon auf den Zahn: Wer sind sie, wo treffen sie sich und vor allem, wie können sie ihre Wünsche innerhalb ihrer Familie und in einem turbulenten Land wie dem Libanon erfüllen? Er gibt Einblicke in eine versteckte Welt und zeigt Frauen, die klug, schön und zufrieden mit sich selbst sind. This documentary explores the lives of lesbians in Lebanon. Who are they, where do they hang out, and most importantly, how do they negotiate their desires within their families and within a troubled nation like Lebanon? It opens a window to a hidden world, and introduces us to women who are savvy, beautiful, and confident about their selves. Alissar Gazal, activist and artist, has worked in both theatre and film, behind the camera and the curtain as well as in front of the camera and on stage, e.g. as associate producer on «Billal» 1995 (doc), «Temple of Dreams» 2006 (doc). She is also a producer who has worked on various educational screen-based resources for local government and health organisations.


Fi Al Waqt Al Dae’a / In Overtime Jordan/Palestine 2014, 12'58", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic Director: Rami Yasin Script: Rami Yasin Photography: Hazem Berrabah Editor: Annemarie Jacir Sound: DB Studios Cast: Rami Yasin/Makram J Khouri Production and Distribution: Philistine Films, Amman, Jordan ramiyasin@mac.com, +971506520415

Amir, 40 Jahre alt, will seinem Vater am Sterbebett endlich sein lang gehütetes Geheimnis anvertrauen. Dieses Zusammentreffen von Vater und Sohn zeigt, welche Macht gewisse Geheimnisse über uns haben. Mithilfe einer pointierten Inszenierung ruft uns der Film auf, nicht zu lange zu warten. 40-year-old Amir wants to reveal his long-guarded secret at his father’s deathbed. This encounter between father and son shows the power certain secrets hold over us. With its pointed narrative, the film invokes us not to wait too long. Rami (born 1967), Jordanian/Canadian citizen of Palestinian descent, grew up in the UAE and completed his higher education in the UK. After 15 years as a director and producer in advertising, he moved to independent cinema, producing, writing, directing, and acting. He is currently developing his first feature «Dog’s Tail», a co-production between Jordan/Germany/France, selected at the Berlinale Co-Production Market.

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Mondial 2010 Lebanon 2013, 19'20", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic Director: Roy Dib Script: Roy Dib Editor: Roy Dib Sound: Fadi Tabbal/Stephan Reeves Cast: Abed Kobeissy/Ziad Chakaroun Production and Distribution: Roy Dib, Beirut, Lebanon, roydeeb@gmail.com, +9613724617, www.roydib.com

Ein Reisefilm in einer Anordnung, die keine Reisen erlaubt. Zwei männliche Liebende an einem Ort, an dem Homosexualität als schwere Straftat geahndet wird. Gedreht mit Handkamera, bedient sich «Mondial 2010» der Ästhetik des Reisevideotagebuchs. Der Film normalisiert das Abnormale und schafft dadurch sein eigenes Universum. A travel film in a situation that doesn’t allow travel, starring two male lovers, in a setting where homosexuality is a punishable felony. Shot with a handheld camcorder, «Mondial 2010» borrows the aesthetics of a travel video log. It normalises the abnormal, and by doing so creates its own universe of possibility. Roy Dib is an artist and art critic based in Beirut. His work focuses on subjective constructions of space. He has presented works at venues such as Ashkal Alwan Beirut, Palais de Tokyo, Videobrasil Sao Paulo, and the Berlinale. He currently writes for the cultural section of Al-Akhbar newspaper, Beirut.


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The Syrian Revolution Will Not Be Televised Curated by: Jasmin Basic

Runtime 81’ November 6, 2015, 11:30 Casino Festsaal November 8, 2015, 17:00 Casino Theatersaal

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The Syrian Revolution Will Not Be Televised Wir mögen denken, wir hätten alle Bilder gesehen, die Syrien beschreiben, und die Krieg, Elend, Folter, Zerstörung und Tränen zeigen. Wir mögen denken, das sei Syrien. Aber allzu oft ist dies kein korrektes Bild, sondern eben nur ein Bild. Es gibt Dinge des alltäglichen Lebens, die keine Schlagzeilen machen, die aber ein besseres und vollständigeres Bild abgeben. Mit dem Zitat aus Gil Scott-Herons Lied, das zum Slogan gegen die Massenmedien wurde, verleiht das Programm der wahren Revolution eine Stimme – jener, die von gewöhnlichen syrischen Bürgern im Kino herbeigeführt wurde. Wir leben in einer Zeit, die von einer fast unendlichen Bilderflut beherrscht ist: Bilder in den Medien, im Internet gepostet, in Filmen wiederverwendet, in den sozialen Netzwerken geteilt. Ein unablässiges Magma von Bildern, die vorgeblich die Realität zeigen. Doch das Gegenteil trifft zu: die Grenzen zwischen Realität und Fiktion, Objektivität und Subjektivität, visueller Demokratie und Diktatur werden zunehmend verwischt. Der Konflikt in Syrien gehört zu den am stärksten mediatisierten Ereignissen unserer Zeit, aber die enorme Zahl der Bilder ist auch eine gefährliche Illusion der Realität, die eine unvollständige und oft respektlose Sicht zeigt. Wir leben in einer Zeit, in der wir über die Politik von Bildern nachdenken müssen: inwiefern werden die Protagonisten respektiert und können sie auch ihre Sichtweise ausdrücken? Haben wir das Recht, unser Wissen in Bildern, die für Subjekt und Zuschauer unerträglich sind, zu begründen und zu verbreiten? Ja, wir leben in einer Zeit, in der solche Fragen zentral sind für ein besseres Verständnis der Geschichte und der Welt. Die syrische Revolution findet auch im Kino statt, wo Bilder hinterfragt werden: neben dem Werk hervorragender Kollektive, wie etwa Abounaddara oder die feministische Gruppe Estayqazat, werden syrische Filme von wichtigen Organisationen wie Bidayyat unterstützt und produziert. Sie verleihen damit dem künstlerischen Ausdruck in dieser Zeit der Umbrüche in der Region eine wichtige Stimme. Ihr Werk will «den Reichtum der soziologischen Realität Syriens mittels einer Filmsprache unterstreichen, die die Realität ebenso hinterfragt wie aufzeichnet, die Kunst über Propaganda stellt, Menschen über Machthaber, und die Revolution über den Status quo». Das Programm zeigt einige von Bidayyats Filmen junger syrischer Regisseurinnen und Regisseure, die über den Alltag und die sich ändernde Realität von Syriern

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reflektieren, und dabei individuelle Geschichten erzählen, die in der Berichterstattung der Mainstream-Medien allzu oft fehlen. Ein wesentlicher Beitrag zu diesem notwendigen Fenster zur Welt kommt von Sara Fattahi, einer der talentiertesten syrischen Regisseurinnen. Ihr Projekt kombiniert Videos von Syriern innerhalb und ausserhalb des Landes zu einem Kaleidoskop des Lebens: sie erhielten alle eine Kamera, um ihr tägliches Leben zu Filmen und betonen dabei Details, die ihre Gegenwart und deren Bezug zur Bürde der Vergangenheit aufzeigen: «der Krieg geht weiter und es gibt keine Anzeichen, dass er bald zu Ende sein wird; doch es gibt etwas, das den Menschen antreibt, von vorne zu beginnen und zu überleben». Jasmin Basic

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The Syrian Revolution Will Not Be Televised We might think that we’ve seen almost all kinds of images describing Syria and showing war, evil, suffering, torture, destruction, and tears. We might think this is Syria. Yet too often, it’s not a correct image, but just an image. Other things belonging to everyday life won’t make the headlines, but will give a wider picture. Quoting Gil Scott-Heron’s song, which became a slogan against the mass media, the programme gives voice to another revolution – the one brought about through cinema, by the ordinary Syrian citizen. We live in a time dominated by an almost infinite stream of images: those shown in the media, posted on the world wide web, recycled in films, shared through the social networks. A never-ending magma of images that is supposed to show reality. But the opposite is the case: the border between reality and fiction, objectivity and subjectivity, visual democracy and dictatorship is increasingly blurred. The Syrian conflict is is one of the most mediatised events of our times, but the enormous number of images is also a dangerous trompe l’oeil, an illusion of reality, giving a partial and often disrespectful view. We live in a time where we have to think about the politics of images: to which extent are the protagonists respected and can they also express their point of view? Do we have the right to diffuse and build our knowledge through images that are unbearable for both the subject and the viewer? Yes, we definitely live in a time where these kind of questions are crucial for a better perception of history and the world. The Syrian revolution also takes place in cinema through the questioning of images: besides the work of brilliant collectives such as Abounaddara or the feminist group Estayqazat, essential organisations like Bidayyat support and produce Syrian films, giving voice to the new artistic expressions of the cultural scene in this time of great change in the region. Their work aims «to underline the richness of Syria’s sociological reality through a language of cinema which interrogates reality just as much as it records it, which privileges art over propaganda, people over rulers and revolution over the status quo». The programme presents some of Bidayyat’s films directed by young Syrian filmmakers who reflect on and follow the daily lives of Syrians, exploring their changing reality, and telling individual stories that are too often absent from mainstream media coverage.

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A fundamental contribution to this necessary window on the world comes from Sara Fattahi, one of the most talented contemporary Syrian directors. Her project combines videos from Syrians living inside and outside the country, creating a kaleidoscope of life: they all received a camera to film their daily lives, focusing on details that reflect their present in relation to the burden of the past: ÂŤthe war is not stopping and there is no sign showing that it will soon, however, there is something that pushes the human being to start again and surviveÂť. Jasmin Basic

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MiG

99°

Frontline

Syria/Lebanon 2013, 12', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc

Syria/Lebanon 2013, 3'35", digital file, colour, no dialogue, Doc/Exp

Syria/Lebanon 2014, 12'40", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc

Director: Thaer Al Sahli Script: Thaer Al Sahli Photography: Hassan Attanji/Abdelnasser Al-Naji/ Hassan Hassan/Rashid Abou Hadid/Thaer Al Sahli Editor: Amen Al Arand Sound: Osloub Group Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

Director: Rawad Alzakout Script: Rawad Alzakout Photography: Rawad Alzakout Editor: Nour Al Amin Sound: Nour Al Amin Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

Director: Saeed Al Batal/Ghiath Had/Saeed Al Batal Photography: Saeed Al Batal/ Abd Al Rahman Al Najjar/Raafat Bayram Editor: Roy Al Haj Sound: Roy Al Haj Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

Ein Körper, in einem geschlossenen Raum eingesperrt, kämpft gegen den Schmerz des Krieges. Die Seele schreit nach Hoffnung, Erlösung, Menschlichkeit. Ein Aufruf zur Befreiung aller Gefangenen in Syrien – ob in den Händen des syrischen Regimes, der ISIS oder sonst eines Unterdrückers.

Die Front in der Nähe von Damaskus, zwischen der Freien Syrischen Armee und der Armee des syrischen Regimes, aus der Sicht eines Heckenschützen. Die Kreuzung zwischen Leben und Tod, zwischen einem Killer und seinen Opfern, zwischen der Musik von Fairuz, der Stimme einer Mutter am Telefon und Schussgeräuschen.

Yarmouk ist ein zwei Quadratkilometer grosses Flüchtlingslager in Damaskus, das die grösste palästinensische Flüchtlingsgemeinde in Syrien sowie zahlreiche vertriebene Syrier beherbergt. Am 16. Dezember 2012 wurde das Lager von Syriens MiG-Militärflugzeugen angegriffen, als Strafe für die Aufnahme von Flüchtlingen, deren Quartiere in früheren Angriffen zerstört wurden. Yarmouk is a 2 square-kilometre camp in Damascus, home to the largest Palestinian refugee community in Syria and also to numerous displaced Syrians. On December 16th, 2012, the camp was attacked by the Syrian regime's MiG military aircraft, as a punishment for sheltering those who lost their neighbourhoods in previous attacks. Thaer Al Sahli is a member of the Rad Fael (Reaction) Palestinian creative collective, an artistic collective that brings together writers, directors, photographers, and actors in the Yarmouk Camp, which has produced a number of films and a stand-up comedy series. He is also a member of Shararat Azar (March Spark) media center, which publishes the weekly newspaper ShararaAthar and produces documentary films and news reports, and he belongs to the General Union of Palestinian Writers and Journalists in Syria.

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A body confined in a closed space, fighting and resisting the pain of war. The soul calls for hope, salvation, and humanity. A call to freedom for all prisoners in Syria, whether they are in the hands of the Syrian regime, ISIS, or any other oppressor. Rawad Alzakout graduated from The Higher Institute of Dramatic Arts, Damascus. Founder of the Isharat contemporary dance group. Choreographer and director of several dance performances.

The frontline near Damascus between the rebel Free Syrian Army and the Syrian regime's army, seen from a sniper’s point of view. The crossroad between life and death, between a killer and his victims, between the music of Fairouz, a mother’s voice on the phone, and the sound of bullets. Saeed Al Batal is a young Syrian filmmaker and journalist. He has directed several short films and written for several newspapers about the siege of Ghouta near Damascus, Syria, where he still lives. Ghiath Hadad is a Syrian visual artist, video maker, and logo designer, born in 1989. After his graduation from the Faculty of Fine Arts in Damascus, he worked as a scenographer and art designer. He directed «Passing» in 2013.


I Love Death

Being Good So Far

Syria/Lebanon 2014, 4'18", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Exp/Fic

Syria/Lebanon 2013, 5', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc

Director: Amen Alarand Script: Batoul Mohammad Photography: Amen Alarand Editor: Amen Alarand Sound: Amen Alarand Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

Director: Orwa Al Mokdad Script: Orwa Al Mokdad Photography: Orwa Al Mokdad Editor: Lina Al Abed Sound: Lina Al Abed Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

Das Resultat dieser unerwarteten Begegnung zwischen japanischer Trash-Ästhetik und sozialistischen Pionieren ist ein provokativer und hochironischer Videoclip über Meinungsfreiheit und Individualität. Aber ist der Genosse von früher wirklich so anders als derjenige, der heute dschihadistische Slogans skandiert?

Ein ungewöhnlicher Einblick in das Leben in Aleppo, von den Medien vergessen und ignoriert. Inmitten der Zerstörung geht das Leben weiter, Strassenhändler bieten ihre Ware an und halten lächelnd der Finsternis des Krieges stand. Das Porträt ist ein Tribut an die wahre Seele der Stadt und ihren letzten Lebenshauch.

The result of the unexpected encounter between Japanese trash aesthetics and socialist is a provocative and highly ironical video clip addressing freedom of expression and individuality. But is the pioneer comrade from the past really different from the one chanting Jihadist slogans today?

A different look at life in Aleppo, forgotten and ignored by the media. In the midst of destruction, people continue their life, street vendors sell their goods, smiling and resisting the darkness of war. A portrait of and tribute to the true soul of the city and its last breath of life.

Amen Alarand studied at the Higher Institute of Dramatic Arts in Damascus. He is the director of two video clips, «Ya waladi» for the Syrian group «Gene» (2011) and «We Are Coming to Slaughter You» (2013), and the editor of «Revolutionaries of the Mountain» and «Homs Aladiyeh» (both 2012). He has also participated in many TV series and TV shows as an actor/presenter.

Orwa Al Mokdad studied Media at Damascus University. He works as a scriptwriter, photographer, and journalist for many local and Arab newspapers, and was notably a reporter during the Syrian revolution. He's a member of the collective Masasit Mati and has participated in the creation of the online magazine Suriatna.

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Being Good So Far – Part 2 Syria/Lebanon 2014, 6', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc Director: Orwa Al Mokdad Script: Orwa Al Mokdad Photography: Orwa Al Mokdad Editor: Orwa Al Mokdad Sound: Mohammad Siam Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

Zwei Jahre nach dem vorherigen Kurzfilm kehrt der Regisseur nach Aleppo zurück. Die Angriffe auf die Stadt haben inzwischen zugenommen, viele Freunde wurden verhaftet oder hingerichtet. Doch der Lebenswille der Menschen versucht die belagerte Geisterstadt immer noch vor der Dunkelheit zu retten. Two years after his previous short, the director goes back to Aleppo. In the meantime, the attacks on the city have increased, many friends have been arrested or executed. But the people’s will to live is still trying to save the besieged ghost town from darkness. Orwa Al Mokdad studied Media at Damascus University. He works as a scriptwriter, photographer, and journalist for many local and Arab newspapers, and was notably a reporter during the Syrian revolution. He's a member of the collective Masasit Mati and has participated in the creation of the online magazine Suriatna.


Siege – Four Stories from Yarmouk Syria/Lebanon 2015, 9'15", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc Director: Abdullah al-Khatib/Yahea Deea/ Moayad Zaghmout/Baraa Nmrawi/Jamal Khalife/ Mohammad Alsukari/Wassim Mnwar/ Abdul Rahman Saleem/Omar Abdullah/ Nawar Al-Youssef Sound: Raya Yamisha Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

Der Film ist das Resultat eines Workshops, der mit jungen Menschen im belagerten Yarmouk-Lager in SüdDamaskus via Skype durchgeführt wurde. Er zeigt vier alltägliche Momente dieser Realität, einzigartige Fragmente der Menschlichkeit. Während der Fertigstellung des Films spitzte sich die Situation in Yarmouk weiter zu, aber das Projekt konnte dennoch beendet werden. The film is the result of a workshop conducted via Skype with several young people under siege in the Yarmouk Camp in South Damascus. It expresses four daily realities of the siege, unique fragments of humanity. While the films were being finalised, the situation in Yarmouk got worse, but the project was completed nevertheless.

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Funfairs

A Day and a Button

Syria/Lebanon 2014, 9'40", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc

Syria/Lebanon 2015, 7', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc

Director: Nanda Al Dolani Script: Nanda Al Dolani Photography: Afraa Batous Editor: Afraa Batous/Majed Al Hamwi Sound: Raya Yamisha Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

Director: Azza Hamwi Script: Azza Hamwi Photography: Azza Hamwi Editor: Alaa Sound: Azza Hamwi Production and Distribution: Bidayyat for Audiovisual Arts, Beirut, Lebanon, info@bidayyat.org

In Beirut sieht man oft Kinder vertriebener Syrier, die als Strassenhändler Blumen oder Kaugummi verkaufen, um ihre Familien im teuren Libanon zu unterstützen. Der Film porträtiert diese Kinder bei ihren Nachtschichten. Kinder, deren Unschuld der Absurdität des Krieges zum Opfer gefallen ist.

Azza Hamwi nimmt uns mit auf einen Spaziergang durch Damaskus, mit einer versteckten Kamera in der Handtasche. Die Stadt ist geteilt: Ein Teil ist unter Kontrolle des Regimes, ein Teil ist befreit. Die Orte, die sie früher regelmässig besucht hat, haben sich verändert: Leute wurden getötet, verhaftet, vertrieben. Das Land ist zu einem grossen Gefängnis geworden.

In the streets of Beirut, the children of displaced Syrians try to help their families to survive in expensive Lebanon by selling flowers or chewing gum. A portrait of the nighttime workshifts of some of these kids, whose innocence has been touched by the absurdity of war. Nanda Al Dolani is a Syrian director born in 1988 who graduated from Damascus University, Faculty of Fine Arts/Graphic Department (2007–2012). Nanda has worked on several short films.

Azza Hamwi takes us on a walk through the streets of Damascus with a camera hidden in her purse. The city is split in two parts, one controlled by the regime, one liberated. The places where she used to go have now changed: people were killed, imprisoned, shelled, or displaced. The country has turned into a big prison. Born in 1980, Azza Hamwi is a Syrian visual artist and filmmaker from Hama. Her visual art includes animation, illustration, and graffiti. She earned a B.A. in Printmaking from the Faculty of Fine Arts at Damascus University in 2002.


Stranded Syria/Finland/Lebanon 2015, 12', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc Director: Sara Fattahi Script: Sara Fattahi Photography: Zeina Qahwaji/Waref Abu Quba/ Ward Ateek/Waed Alkhateeb Editor: Raya Yamisha Production and Distribution: FELM - Finnish Evangelical Lutheran Mission, Helsinki, Finland, sls@suomenlahetysseura.fi, + 358 9 12 971

Das tägliche Leben von vier Syriern, die in verschiedenen Teilen der Welt leben: in Damaskus, das vom Regime kontrolliert wird, in Aleppo, das in den Händen der Opposition ist, in Istanbul und Berlin. Alle vier filmen Facetten ihres gegenwärtigen Lebens. Das Resultat ist ein Mosaik persönlicher Erfahrungen, in dem isolierte, einsame Figuren auf eine ungewisse Zukunft warten. The daily life of four Syrians living in different parts of the world: Damascus, under the regime's control, Aleppo, in the hands of the opposition, Istanbul, and Berlin. Each one films parts of their present life. The result is a mosaic made of personal experiences where isolated and lonely characters are waiting for an unknown future. Sara Fattahi is a filmmaker and painter, born in Damascus in 1983. She studied Law at Damascus University, and is a graduate of Adham Ismail Fine Art Institute. «Coma», her first feature documentary, was awarded at Visions du Réel 2015. She recently moved to Lebanon where she is preparing her second documentary «Chaos».

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Basma Alsharif – Nomad Diaries Curated by: Laura Walde

Runtime 78’ November 7, 2015, 17:00 Casino Festsaal

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Basma Alsharif – Nomad Diaries Das arabische Wort für den ursprünglich griechischen Begriff «Diaspora» ist «al-shatat», was «verstreut, zerstoben oder getrennt» bedeutet. Zeitgenössische religiöse, wirtschaftliche und politische Konflikte haben eine beträchtliche Anzahl Araberinnen und Araber dazu veranlasst, in fremden Ländern Zuflucht zu suchen, ob innerhalb oder fernab der arabischen Welt. Der Überbegriff «arabisch» bezieht sich dabei auf Menschen mit unterschiedlichem ethnischem, religiösem und politischem Hintergrund, deren Herkunftsländer mehrheitlich arabischsprachig sind. So wie es zahlreiche Formen von und Gründe für Migration gibt, gibt es in deren Folge auch unzählige individuelle Geschichten zu erzählen. Doch was alle Araber in der Diaspora vereint, ist eine Reihe von Fragen bezüglich ihrer – traditionellen und neu erfundenen – Identität und deren Darstellung. Aus der Perspektive der Diaspora zu arbeiten heisst weniger, Geschichte und Entwicklung eines bestimmten Heimatortes zu ergründen, sondern vielmehr, angesichts der Herausforderungen der modernen Gesellschaft nach dem Grundlegenden der menschlichen Existenz zu fragen. Basma Alsharif gehört zu dieser Gruppe arabischer Emigrantinnen, die uns mittels einer detaillierten Beschreibung ihrer Heimat Palästina einen Einblick ins menschliche Dasein gewähren. 1983 in Kuwait geboren, von palästinensischer Herkunft, zwischen Frankreich, den USA und Palästina aufgewachsen und in Chicago ausgebildet gehört Basma Alsharif zu den aufregendsten nomadischen Künstlerinnen einer jungen Generation, die sich mit der Darstellung des Selbst und der potenziellen Kluft zwischen öffentlicher und privater Identität beschäftigt. Seit 2007 hat Alsharif nomadisch in Kairo, Beirut, Schardscha, Amman, Gaza, Paris und neuerdings Los Angeles gelebt und gearbeitet. Ihre Arbeit ist in einer Vielzahl von Medien zu Hause (Film, Installation, Fotografie, Zeichnung, Text). Sie fordert uns heraus, über die Definition von Ort, Herkunft und politischer Identität hinauszuschauen und den grundlegend menschlichen Moment in jedem Bild, jeder Geschichte, jedem Ausdruck zu betrachten. Dass Alsharif von palästinensischer Herkunft ist, mag für ihre Arbeit als Ganzes irrelevant sein; doch für den diesjährigen Grossen Fokus der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur steht Alsharif für die beachtliche Zahl arabisch-stämmiger Künstlerinnen und Künstler, die in der Diaspora leben und Themen der Zugehörigkeit durch einen Blick auf ihre heimische Kultur

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erkunden. Alsharif bedient sich dieser Kultur – und ihrer Beziehung, die sie als Nomadin ohne wahre nationale Heimat dazu hat – als Mittel, um das Menschsein und das menschliche Zusammenleben auszuloten. Dies tut sie nicht nur in Bezug auf ihre subjektive Erfahrung, sondern auch aus einer allgemeinen, sozialen Perspektive. Die Filme dieses Programms thematisieren die verschiedenen Facetten von Alsharifs Beziehung zu Palästina und zeigen, wie diese Beziehung ihre Erfahrung der Welt, in der wir alle leben, beeinflusst hat. So zeigt sie etwa den Zusammenstoss zwischen Politik und Privatleben in «Home Movies Gaza» oder thematisiert das aktuelle politische Klima zwischen Palästina und Israel in «O, Persecuted». Um das thematisch wie formal breite Spektrum von Alsharifs Werk zu zeigen, beinhaltet das Programm auch neuere Titel wie «Girls Only» (2014) oder «A Field Guide to the Ferns» (2015), die selbst-reflexiv die Beziehung zwischen der Präsenz vor und hinter der Kamera porträtieren oder die Darstellung von Brutalität in Form eines «Natur-Horrorfilms» erörtern. Die ausdrucksstarken, visuell verblüffenden Filme von Basma Alsharif ermöglichen dem Publikum eine emotionale Reaktion auf einen Ort, den es kaum kennt, und eine Selbstbetrachtung als Reaktion auf Alsharifs intimes Porträt nomadischer Identität. Laura Walde

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Basma Alsharif – Nomad Diaries The Arabic word for the originally Greek term «diaspora» is «al-shatat», which literally means «scattered, dispersed, or separated». Modern religious, economic, and political conflicts have led a significant number of Arabs to seek refuge in foreign countries, whether within the borders of the Arab World or far beyond. The umbrella term “Arab” is used to refer to people from different ethnic, religious, and political backgrounds who have their origins in predominantly Arabic-speaking countries. Just as there are numerous forms of and reasons for migration, there are countless individual, personal stories to be told in its aftermath. But what links all Arabs living in diaspora is a set of key questions they have to address in relation to their identity – traditional and reinvented – and its politics of representation. Working from the perspective of the diaspora, then, is less to explore the history and development of a particular place of origin, but to fundamentally enquire into what it means to be human when facing the challenges of modern society. Basma Alsharif belongs to this group of Arab émigrés who, through an exploration of her native Palestine, gives us an insight into the human condition. Born 1983 in Kuwait of Palestinian origin, raised between France, the US, and Palestine, and educated in Chicago, Alsharif is one of today’s most exciting young nomadic artists dealing with the representation of self and the potential disparity between public and private identity. Since 2007, Alsharif has lived and worked nomadically in Cairo, Beirut, Sharjah, Amman, Gaza, Paris, and now Los Angeles. Her work, too, is at home in a variety of media (cinema, installation, photography, drawing, text). Her work challenges us to look beyond the definition of place, origin, and political identity, and to consider the inherently human moment in every image, every story, and every expression. Although Alsharif’s Palestinian origins might be insignificant for her work as a whole, for this year’s Main Focus at the Internationale Kurzfilmtage Winterthur, Alsharif stands in for the considerable group of Arab diaspora artists who explore questions of belonging through a look at their native culture. Alsharif uses her native culture – and the specific relation she has to it as a nomad without a real national «homeland» – as a means to explore the human condition and humans’ coexistence. She does this not just in relation to her subjective experience, but also from a more general social perspective. The films in this programme address different facets of

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Alsharif’s relationship with Palestine, and how this relationship affected her experience of the world we all live in. She evokes, for example, the clash of the political with the private in «Home Movies Gaza», and addresses the current political climate between Palestine and Israel in «O, Persecuted». To feature the thematically and formally broad spectrum of Alsharif’s work, the programme also includes newer titles such as «Girls Only» (2014) or «A Field Guide to the Ferns» (2015): these also revolve around issues of the self by self-reflexively portraying the relationship between the subject on screen and the one behind the camera, and by exploring the representation of brutality in the form of a «horror nature film». Basma Alsharif’s visceral, visually stunning films allow the audience to have an emotional reaction to a place they might know little about, and to question their self in response to Alsharif’s intimate portrayal of nomadic identity. Laura Walde

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Everywhere Was the Same

We Began By Measuring Distance

USA 2007, 11'32", digital file, colour, English, Doc/Exp

Egypt/United Arab Emirates 2009, 19', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Exp

Director: Basma Alsharif Script: Basma Alsharif Photography: Basma Alsharif Editor: Basma Alsharif Sound: Basma Alsharif Production: Basma Alsharif, basmalsharif@gmail.com Distribution: Video Data Bank, Chicago, USA, Zachary Vanes, distro@vdb.org, +1 312.345.3550

Director: Basma Alsharif Script: Basma Alsharif Editor: Basma Alsharif Sound: Basma Alsharif Production: The 9th Sharjah Biennial Production Program, info@biennialfoundation.org Distribution: VDB Video Data Bank, Chicago, USA, abina@vdb.org, +1 312 345 3550

Ein leerer Raum. Eine Diashow mit Untertiteln, die Fakt und Fiktion vermischen, erzählt die Geschichte zweier Mädchen, die am Ufer eines präapokalyptischen Paradieses Zeugen eines Massakers werden. Wenn Bild und Text versagen und nicht mehr verständlich sind, wendet sich das Video anderen Geschehnissen zu. In an empty room, a slideshow projection of abandoned places plays alongside the narrative of two girls who find themselves on the shores of a pre-apocalyptic paradise. Told through subtitles that weave together fact and fiction, the story of a massacre unfolds. When image and text malfunction and the story is no longer comprehensible, the video wanders away, allowing us to see what is happening elsewhere. Basma Alsharif is an artist and filmmaker of Palestinian origin currently based in Los Angeles. She is represented by Galerie Imane Farès in Paris and distributed by Video Data Bank.

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Standbilder, Text, Sprache und Ton sind miteinander verwoben, um die Geschichte einer anonymen Gruppe von Leuten zu erzählen, die Distanzen messen. Ganz gewöhnliche Messungen werden politisch, wenn sie ergründen, wie Geschichte durch Bild und Ton kommuniziert wird. Der Film deckt Spannungen auf zwischen gängigen Vorstellungen und real gelebter Erfahrung. Still frames, text, language, and sound are weaved together to unfold the narrative of an anonymous group who pass their time by measuring distance. Innocent measurements become political as they examine how image and sound communicate history. The film explores the tension between images of the popular imagination and the realities of lived experience.

O, Persecuted Palestine/United Kingdom 2014, 11'38", digital file, colour and b/w, Arabic with English subtitles, Exp Director: Basma Alsharif Script: Basma Alsharif Photography: Ben Russell/Basma Alsharif Editor: Basma Alsharif Sound: Ben Russell/Basma Alsharif Production: Palestine Film Foundation, London, United Kingdom, info@palestinefilm.org Distribution: Video Data Bank, Chicago, USA, Zachary Vanes, distro@vdb.org, +1 312 345 3550

Die Restaurierung von Kassem Hawals militantem Palästinenserfilm «Our Small Houses» als eine Performance, die nur im Film möglich ist. Verschiedene Realitäten – Palästina, Israel, der Körper von Frauen, Vergangenheit und Zukunft – sind untrennbar verbunden und doch vollkommen getrennt. «O, Persecuted» turns the act of restoring Kassem Hawal’s 1974 militant Palestinian film, «Our Small Houses», into a performance that is possible only in film, bringing together realities – of Palestine, of Israel, of women’s bodies, of the past and future – that are inextricably intertwined but still completely disconnected from each other.


Girls Only

Home Movies Gaza

Greece/Malta/France/Palestine 2014, 2'28", digital file, colour, English, Exp

France/Palestine 2013, 24'08", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc/Exp

Director: Basma Alsharif Script: Basma Alsharif Photography: Basma Alsharif Editor: Basma Alsharif Sound: Basma Alsharif Cast: Daniela Zahlner Production: Galerie Imane Farès, Paris, France, contact@imanefares.com Distribution: Basma Alsharif, basmalsharif@gmail.com

Director: Basma Alsharif Script: Basma Alsharif Photography: Basma Alsharif Editor: Basma Alsharif Sound: Basma Alsharif Cast: Huda Abdel Shafi/Osama Abu Middain Production: Galerie Imane Farès, Paris, France, contact@imanefares.com Distribution: Video Data Bank, Chicago, USA, Zachary Vanes, distro@vdb.org, +1 312 345 3550

Eine Reihe von Reimen im Panathinaiko-Stadion in Athen. Licht, Kamera und Spiel definieren die Beziehung zwischen dem Subjekt vor und dem Subjekt hinter der Kamera. Und man überlegt sich: Wenn man weder einen Reim noch einen Grund findet wieso etwas passiert, dann vielleicht deshalb, weil es tatsächlich keine Erklärung dafür gibt.

Der Film zeigt den Gazastreifen als Mikrokosmos, der für das Scheitern einer Zivilisation steht. Ein Versuch, den Alltag eines Ortes zu beschreiben, der um die grundlegendsten Menschenrechte kämpft. Ein Blick auf ein Gebiet, untrennbar mit seiner politischen Identität verbunden.

«Girls Only» plays out as a rhyming game set in the Panathenaic Stadium in Athens. Set to the mechanics of light, camera, and action that constitute the relationship between the subject on screen and the one behind the camera, it leaves us wondering: if there is no rhyme or reason to why something happens, then maybe there is no obvious explanation for it.

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«Home Movies Gaza» introduces us to the Gaza Strip as a microcosm representing the failure of civilisation. In an attempt to describe the everyday reality of a place struggling for the most basic human rights, this video claims a perspective from within the domestic space of a territory that is impossible to separate from its political identity.

A Field Guide to the Ferns USA 2015, 9'44", digital file, colour, English, Exp Director: Basma Alsharif Script: Basma Alsharif Photography: Basma Alsharif Editor: Basma Alsharif Sound: Basma Alsharif Production: Galerie Imane Farès, Paris, France, contact@imanefares.com Distribution: Basma Alsharif, basmalsharif@gmail.com

Tief in den Wäldern von New Hampshire vermischen sich Gleichgültigkeit und Gewalt, wenn Basma Alsharif den zeitlosen Horrorschocker «Cannibal Holocaust» von Ruggero Deodato wiederaufleben lässt. Es entwickelt sich ein Natur-Horror-Film. Deep in the woods of New Hampshire, apathy and violence are blurred when Alsharif revives Ruggero Deodato’s timeless horror classic «Cannibal Holocaust». A horror nature film develops.


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Beirut Video Visions Curated by: Jasmin Basic

Runtime 78’ November 7, 2015, 22:30 Casino Festsaal

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Beirut Video Visions Die Hauptstadt des Libanons – eines Landes, dessen Fläche nur einen Viertel der Schweiz ausmacht – ist zweifellos eines der am häufigsten wiederkehrenden Motive in den Geschichten libanesischer Filmschaffender. Ob in der Hauptrolle oder lediglich als Hintergrund – Beirut prägt und verkörpert ein weites Spektrum an Emotionen und Visionen. Die meisten Kurzfilme dieses Programms spiegeln auf je unterschiedliche Weise die turbulente Geschichte des Landes und seiner multikulturellen und multireligiösen Identität. Geprägt von Perioden der Expansion und der Stabilität, gefolgt von Kriegen und Besetzungen, bleibt der Libanon eine einzigartige Erscheinung im Nahen Osten. Die Aura seiner Glanzzeit als Hauptstadt der endlosen Nächte voller Exzesse klingt immer noch nach, und Beirut hat die lebhafte Energie einer Stadt voller Widersprüche behalten, mit einer fast magischen Fähigkeit, sich immer wieder aus der Asche zu erheben. Solch ein Kontext beeinflusst zwangsläufig die Visionen der Kunstszene, hervorragend vertreten durch etablierte Videokünstlerinnen und Filmemacher wie Ghassan Salhab, Akram Zaatari, Lamia Joreige, Walid Raad, Rabih Mroué, Jalal Toufic, Joana Hadjithomas und Khalil Joreige. Diese und andere haben den Weg bereitet für eine jüngere Generation, die über die Grenzen des Libanons hinaus tätig ist. Institutionen wie das Beirut Art Center und Ashkal Alwan haben zweifellos zur Inspiration, Entwicklung und Produktion der verblüffend heterogenen und oft schamlos radikalen Werke libanesischer Videokunst beigetragen. Die Faszination für Beirut und für seine zeitgenössische Videokunst hat den Wunsch nach einem persönlichen, ungeführten Rundgang durch die Stadt mittels einer Auswahl von Kurzfilmen geweckt. Das Publikum wird bestimmt erkennen, dass die urbane Landschaft als Spiegel vieler Realitäten und Empfindungen dienen kann – die Stadt wird stetig von Spuren sozialer, politischer und persönlicher Geschichte geprägt. Beirut zu filmen kann ein Weg sein, sich selbst und andere zu entdecken, die persönliche Erinnerung wie auch das kollektive Gedächtnis wiederherzustellen. Das Programm gibt einen Einblick in die zeitgenössische libanesische Videoszene und deren Blick auf eine einzigartige, paradoxe, geheimnisvolle, so geliebte wie gehasste, wunderschöne, ärgerliche, schizophrene, so elegante wie vernachlässigte Stadt, die ihre Bewohner allen Widrigkeiten zum Trotz immer wieder von Neuem fasziniert. Jasmin Basic

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Beirut Video Visions The capital city of Lebanon, a country a quarter the size of Switzerland, is undoubtedly one of the central recurring motifs in stories narrated by Lebanese filmmakers. Whether as the main character or simply as background, Beirut clearly shapes and incarnates a wide range of feelings and visions. Most of the short films in this programme reflect, each in a different way, the turbulent history of the country and its multicultural and multifaith identity. With periods of expansion and stability, followed by a succession of wars and occupations, Lebanon remains a unique reality in the Middle East. Still surrounded by the aura of its glory years as capital of neverending nights and excesses, Beirut has kept the energy of a vibrant city full of paradoxes and an almost magical ability of rising from its ashes. Such a context inevitably influences the visions coming from the art scene, brilliantly represented by well-established video artists and filmmakers such as Ghassan Salhab, Akram Zaatari, Lamia Joreige, Walid Raad, Rabih Mroué, Jalal Toufic, Joana Hadjithomas, Khalil Joreige, and others, who paved the way for a younger generation expanding beyond the Lebanese borders. Institutions such as the Beirut Art Center and Ashkal Alwan undoubtedly inspired and contributed to the development and production of the amazingly heterogeneous and often shamelessly radical forms of many Lebanese video works. The fascination for Beirut and its recent video works nourished the desire to offer a special and personal unguided tour through a non-exhaustive selection of shorts. The spectator will surely perceive that the urban fabric can serve as a mirror of many realities and sensations – the city is continuously marked by the traces of social, political, and personal history. Filming Beirut can be a way of questioning oneself and others, and of restoring personal as well as collective memory. The programme offers an insight into the contemporary Lebanese video scene and its look at a paradoxical, mysterious, loved, hated, beautiful, exasperating, schizophrenic, elegant, neglected city that – against all odds – keeps on fascinating its inhabitants. Jasmin Basic

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The River

Under a Rainbow

I’ve Heard Stories

Lebanon 2013, 4'42", digital file, colour, English, Doc/Exp

Lebanon 2011, 17', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Exp

Lebanon 2008, 5', digital file, colour, no dialogue, Exp/Doc/Ani

Director: Lamia Joreige Script: Lamia Joreige Photography: Roy Samaha Sound: Fadi Tabbal Cast: Lamia Joreige (Voice) Production and Distribution: Lamia Joreige, 2058-7021, Lebanon, lamiajoreige@beirutartcenter.org, +961 3 22 34 33, www.lamiajoreige.com

Director: Roy Dib Script: Roy Dib Editor: Nour al Amine/Roy Dib Production: Ashkal Alwan, Lebanese Association for Plastic Arts, Beirut, Lebanon Distribution: Roy Dib, Beirut, Lebanon, roydeeb@gmail.com, +9613724617, www.roydib.com

Director: Marwa Arsanios Script: Marwa Arsanios Photography: Marwa Arsanios Editor: Marwa Arsanios Sound: Marwa Arsanios Production and Distribution: Marwa Arsanios, Beirut, Lebanon, marwaarsanios@gmail.com, www.marwaarsanios.info

«The River» ist der Anfang eines neuen Kapitels der fortlaufenden Serie «Under-Writing Beirut». Der Kapiteltitel «Jisr El Wati» bezieht sich auf das Quartier am Stadtrand von Beirut, von wo aus der ausgetrocknete Fluss der Stadt sichtbar ist. Das Video erkundet die Konzepte von Raum, Landschaft und Exil durch einen schwer zugänglichen Ort. «The River» begins a new chapter of the ongoing series «Under-Writing Beirut». The chapter is entitled «Jisr El Wati» after the neighbourhood on the edge of Beirut, from where one can see the dry river of the city. The video explores the notions of space, landscape, and exile through a place that is now difficult to access. Lamia Joreige is a visual artist and filmmaker based in Beirut. She uses archival documents and fictitious elements to reflect on the relation between individual stories and collective history. She explores the possibilities of representation of the Lebanese wars and their aftermath. She is a co-founder of the Beirut Art Center.

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«Als Kind war ReMi, Star des Films «Amani under a Rainbow», mein einziger Bezug zum libanesischen Bürgerkrieg. Ich verwende hier Material, das mein Vater in den 1980ern im Fernsehen aufgenommen hat und das meine Sicht als Kind wiedergibt: mein Bild von Beirut, bevor ich die Stadt je besucht hatte. ReMis Beirut wurde mein Beirut.» «When I was a child, ReMi, the star of the film «Amani under a Rainbow», was my only connection to the Lebanese civil war. For this film, I used footage my father recorded from TV during the 1980s to recreate the way I saw the war when I was a child: it constructed my image of Beirut before I ever visited the city, ReMi’s Beirut became my Beirut.» Roy Dib is an artist and art critic based in Beirut. His work focuses on subjective constructions of space. He has presented works at venues such as Ashkal Alwan Beirut, Palais de Tokyo, Videobrasil Sao Paulo, and the Berlinale. He currently writes for the cultural section of Al-Akhbar newspaper, Beirut.

«I've Heard Stories» greift die Geschichte auf, in der ein Politiker angeblich seinen Liebhaber im (seither abgerissenen) Beiruter Hotel Carlton ermordet hat. Der Film gehört zu einer Serie von Werken, in denen Arsanios die veschiedenen Arten auslotet, ein Ereignis zu erzählen, und reflektiert gleichzeitig ihre urbanen, architektonischen und politischen Anliegen. «I’ve Heard Stories» revisits the tale of a passionate gay murder in which a politician allegedly killed his lover in a Beirut hotel, the Carlton, which has since been torn down. Reflecting Arsanios’ urban, architectural, and political preoccupations, the film is part of a series of works that try to explore the different ways of narrating an event. Marwa Arsanios was born 1978 in Washington, DC. She studied at Wimbledon College of Art, University of the Arts, London (2007), and afterwards at Jan Van Eyck Academie in Maastricht (2011–2012). She lives and works in Beirut.


This Place Does Not Exist

Untitled (To The Lebanese Citizens)

Lebanon 2012, 29', digital file, colour and b/w, Arabic with English subtitles, Fic

Lebanon 2006, 3', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc/Exp

Director: Nour Ouayda Script: Nour Ouayda Photography: Jad Youssef Editor: Nour Ouayda/Jad Youssef Sound: Edwin Daou Cast: Fadi Abi Samra/Yumna Ghandour/Ramzi Hibri/Hady Zaccak/Nour Ouayda/Ghalas Charara/ Mohammad Berro/Rami Ouzon Production: University of St. Joseph IESAV, Beirut, Lebanon, michel.bejjani@usj.edu.lb, +961 1 421 000 Distribution: Nour Ouayda, Beirut, Lebanon, nourouayda@hotmail.com

Director: Ali Cherri Script: Ali Cherri Photography: Ali Cherri Editor: Ali Cherri Sound: Ali Cherri Production: Ali Cherri, Paris, France, ali.cherri@gmail.com, www.acherri.com Distribution: Galerie Imane Farès, Paris, France, contact@imanefares.com

«Es scheint, als ob das Bild der Stadt kein fiktionales Bild mehr ist»: eine Exkursion innerhalb und ausserhalb der Stadt, durch Vergangenheit und Gegenwart. Libanesische Filmklassiker weichen den Dreharbeiten für einen neuen Film. Es entsteht ein Film im Film, eine Stadt in der Stadt, auf der Suche nach einem anderen Fokus. «You feel like the image of the city is no longer an image of fiction»: we are taken inside and outside the city, through the past and the present. Classic Lebanese movies make way for the shooting of a new one. It becomes a film within the film, a city within the city, in search of a different focus. Nour Ouayda (born 1991) has always lived in Beirut, Lebanon. She graduated from IESAV – USJ in 2014 with a degree in performing arts and an emphasis on audio-visual practices. Her short films explore feelings of belonging and exile in relation to one’s country, questioning the ability of sounds and images to shape our identity and heritage.

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Im Libanonkrieg von 2006, während Kriegsschiffe die Ausländer aus Beirut evakuieren, unterbricht der israelische Staat ein Radioprogramm mit einer Botschaft an die libanesischen Bürger. Der Audio-Terrorismus erfolgt während eines Liedes von Fairuz – der beliebtesten Diva Libanons. Ali Cherri zeichnet die Bilder und Töne mit seinem Mobiltelefon auf. During the war in 2006, while warships are evacuating the foreigners from Beirut, the State of Israel intercepts a radio broadcast to deliver a message to the Lebanese citizens. This act of audio terrorism strikes during a tune by Fairouz, Lebanon's best-loved diva. Ali Cherri records these images and sounds with his mobile phone. Born in Beirut in 1976, Ali Cherri is a visual artist and designer working with video, installation, performance, multimedia, and print. Cherri is a graduate in Graphic Design from the American University in Beirut and received a Master's Degree in Performing Arts at DasArts, Amsterdam. He lives and works in Beirut and Paris.

Vorfreude Lebanon/France 2013, 3'30", digital file, b/w, no dialogue, Exp Director: Charbel Kamel Script: Charbel Kamel Photography: Charbel Kamel Editor: Charbel Kamel Sound: Joëlle Abou Chabke/Anthony Sahyoun Production and Distribution: Regard Indépendant, Nizza, France, regardindependant@gmail.com, +33 6 23 07 83 52

Über Beirut hinaus. Über die Sehnsucht hinaus. Über Gott und seine Kultur hinaus. Eine mysteriöse Frau mitten im labyrinthischen Bourj Hammoud, dem armenischen Quartier im Nordosten der libanesischen Hauptstadt. «Vorfreude» ist Teil einer in Super 8 gefilmten Trilogie. Transcending Beirut. Transcending «Sehnsucht». Transcending God and his culture. A somewhat mysterious woman in the middle of the labyrinthic Bourj Hammoud, the Armenian neighborhood in the northeast of the Lebanese capital. «Vorfreude» is part of a trilogy filmed in Super 8. Charbel Kamel graduated from ALBA Lebanese Academy of Fine Arts, Beirut, in 2008 with a BA in filmmaking. He has worked as an actor, editor, assistant director, producer, and at the Nice Short film festival, where he shot his first Super 8 film, «Sehnsucht». «Vorfreude» is his second Super 8 experimental film.


A Night in Beirut

A Bunker Fairy Tale

Lebanon 2006, 8', digital file, colour, Arabic with English subtitles, Doc/Exp

Lebanon/Bosnia-Herzegovina 2013, 8', digital file, colour, no dialogue, Exp

Director: Sirine Fattouh Script: Sirine Fattouh Photography: Sirine Fattouh Editor: Sirine Fattouh Sound: Frédéric Dutertre Production and Distribution: Sirine Fattouh, Paris, France, info@sirinefattouh.com, +33 60 916 4802, http://sirinefattouh.com

Director: Cynthia Zaven Script: Cynthia Zaven Editor: Cynthia Zaven Sound: Cynthia Zaven Cast: Cynthia Zaven (Voice)/ Vatche Boulghourjian (Voice) Production and Distribution: Cynthia Zaven, Beirut, Lebanon, czaven@yahoo.com, www.cynthiazaven.com

Eine ganze Nacht lang ist Sirine Fattouh einem Mann durch Beirut gefolgt. Jedes Jahr während des Ramadan wandert dieser Mann namens «El Tabbal» durch dasselbe Quartier, weckt die Bewohner mit seiner Trommel und lädt sie ein, vor dem neuen Fastentag zu frühstücken und zu beten. Sirine Fattouh followed a man around Beirut throughout a whole night. Every year, during the month of Ramadan, this man named «El Tabbal» wanders around the same neighbourhood, playing drums and inviting the inhabitants to wake up, have breakfast, and pray before a new day of fasting. A Lebanese artist living between Paris and Beirut, Sirine Fattouh graduated from the École Nationale Supérieure d'Arts of Paris Cergy. She teaches Visual Arts and is also a PhD candidate in Arts at the University of Paris. Fattouh is affiliated with the Centre for the Study and Research in Visual Arts. She worked at the Centre Pompidou as an assistant curator for Middle Eastern Art. Since 2006, she has shown her work in group shows and solo exhibitions.

Eine imaginäre Begegnung zwischen Peter Pan und Alice im Wunderland, mit einem im phonetischen Alphabet aufgezeichneten Dialog. Das 8mmFilmmaterial stammt von privaten Aufnahmen einer Geburtstagsparty aus dem Jahre 1975, dem ersten Jahr des libanesischen Bürgerkriegs. Gefilmt wurde im Elternhaus der Regisseurin in Ost-Beirut und im Haus ihrer Tante in West-Beirut, bevor die Stadt geteilt war. An imagined encounter between Peter Pan and Alice in Wonderland and their dialogue, recorded in the phonetic alphabet. The 8mm footage is taken from the personal archive of a birthday party in 1975, the year the Lebanese civil war started. It was shot in the director’s parents' house in East Beirut and at her aunt's in West Beirut, before the city was divided. Cynthia Zaven is a composer, pianist, and artist based in Beirut. She performs classical, experimental, and improvised music in solo shows as well as in collaboration with other artists. Her projects combine different media like video, photography, performance, and archival material to explore the relationship between sound, memory, and identity.

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Bhutan / Nepal

LAND IM FOKUS COUNTRY IN FOCUS

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Land im Fokus: Bhutan / Nepal Bhutan und Nepal liegen beide an der Südseite des Himalayas, eingequetscht zwischen den Riesen – auch was ihre Filmindustrie betrifft – Indien und China/Tibet. Die Filmgeschichte beider Länder ist jung, eine nennenswerte Filmproduktion entstand in Nepal erst Mitte der Achtzigerjahre unter dem Einfluss Bollywoods; wenig später wurde in Bhutan der erste Film produziert. In den letzten Jahren entwickelte sich hier wie dort eine bemerkenswerte unabhängige Filmszene. Bhutans im Buddhismus verankerte Monarchie führte erst 1999 Fernsehen und Internet im Lande ein. In diesem Kontext entwickelte sich Film als Kunst und Medium vor allem aus individuellen Initiativen. Heute unterstützt der Staat das Filmemachen, doch ist die Szene noch immer wenig sichtbar und um Kunstzentren herum organisiert (VAST Bhutan in Thimpu). In diesem Kontext macht eine Welle von jungen Filmemachern von sich reden und die kleine Kunstszene ist stark am Wachsen, auch wenn es noch keine nennenswerte Filmindustrie gibt. Seit 2010 wurden verschiedene Kurz- und Langfilme produziert, die an zahlreichen Festivals – so auch an der Berlinale – zu sehen waren. Dieses Programm mit Filmen aus Bhutan ist ausserhalb des Landes das erste überhaupt, das an einem Festival gezeigt wird. Nach den langsamen Anfängen in den Fünfzigerjahren blühte Nepals Filmindustrie in den Achtzigerjahren unter anderem dank staatlicher Förderung auf, wurde aber – wie das ganze Land – vom Schock des Bürgerkriegs 1996 bis 2006 überrollt. Seither jedoch hat Nepal eine beachtliche Anzahl von Filmen hervorgebracht. Der Einfluss der übermächtigen indischen Filmindustrie, die auch die Kinoleinwände Nepals dominiert, ist unverkennbar. Doch auch hier ist eine Szene von jüngeren, unabhängigen Filmschaffenden entstanden, die neue Wege geht, aktuelle Themen aufgreift und entsprechende formale Ausdrucksformen sucht und findet. Wir waren fasziniert und beschlossen, näher hinzuschauen. Dies war im März. Durch das schreckliche Erdbeben in Nepal am 25. April, gefolgt von einem starken Nachbeben am 12. Mai, erhielt unsere diesjährige Wahl für die Sektion Land im Fokus eine neue Dringlichkeit. War doch absehbar, dass das Interesse der Medien schnell wieder nachlassen würde, während die Menschen in der Region noch lange mit den Folgen des Erdbebens kämpfen müssen. In Nepal trat nach dem Erdbeben der Film vor dem unmittelbar Notwendigen zurück,

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Filmproduktionen wurden verschoben, da zahlreiche Regisseure sich auf das Praktische konzentrierten: Hilfe in die abgelegenen Dörfer zu bringen, die auch unter normalen Umständen über Land nur in langen Reisen erreicht werden können, und die nach dem Erdbeben von Hilfe völlig abgeschnitten waren. Trotz der schwierigen Umstände stiessen wir mit unseren Anfragen auf viel Interesse und Hilfsbereitschaft. Wir freuen uns sehr, dass wir drei Programme zusammenstellen konnten, die einen Einblick in ein vielseitiges Filmschaffen im Aufbruch geben. Delphine Jeanneret, Senta van de Weetering

mit freundlicher Unterstützung von with kind support of

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Country in Focus: Bhutan / Nepal Bhutan and Nepal are both situated on the south side of the Himalayas, jammed between the two giants India and China/Tibet – also with respect to their film industries. The film history of the two countries is young: only in the mid-1980s did a noteworthy film production begin in Nepal, under the influence of Bollywood; soon after, the first film was produced in Bhutan. Over the past years, a remarkable independent film scene has developed in both countries. Bhutan’s monarchy, rooted in Buddhism, only introduced television and internet in 1999. In this context, film as an art form and medium emerged mainly from individual initiatives. Today, the state supports filmmaking, but the scene still has little visibility and remains organised around art centres (VAST Bhutan in Thimpu). Here, a wave of young filmmakers have called attention to themselves, and the small art scene is growing considerably, even if there is still no film industry to speak of. Since 2010, several short and feature films were made and screened at numerous festivals – including the Berlinale. Our focus programme with films from Bhutan is the first one screened at a festival outside of the country itself. After a slow start in the 1950s, Nepal’s film industry began to flourish in the 1980s, partly thanks to state funding, but – like the country in general – it was overrun by the shock of the civil war that lasted from 1996 to 2006. Since then, however, Nepal has produced a considerable number of films. The influence of the superior Indian film industry, which also dominates the screens in Nepal, is unmistakeable. Nevertheless, a scene of younger, independent filmmakers emerged here as well, breaking new ground, addressing current issues, and exploring new formal means of expression. We were fascinated and decided to take a closer look. That was in March. Due to the terrible earthquake in Nepal on 25 April, followed by a strong aftershock on 12 May, our country focus gained new currency. It was predictable that the media’s interest would subside soon, while the people of the region would struggle with the consequences of the earthquake for a long time to come. After the quake, film in Nepal took a backseat to immediate necessities, and film productions were postponed because the directors focused on more pressing practical issues: bringing help to the remote villages that are hard to reach by land even under normal circumstances and that were completely cut off from

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help after the quake. Despite the difficult conditions, our enquiries were met with great interest and helpfulness. We are very happy that we were able to put together three programmes that give an insight into a diverse film scene in transition. Delphine Jeanneret, Senta van de Weetering

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Past and Future

Curated by: Delphine Jeanneret, Senta van de Weetering

Runtime: 82’ November 6, 2015, 18:30 Kino Cameo

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Past and Future In Bhutan wie auch in Nepal zeichneten sich in den vergangenen Jahrzehnten starke politische Veränderungen ab – von 1996 bis 2006 kostete der Bürgerkrieg zwischen Maoisten und der Monarchie in Nepal gegen 13'000 Personen das Leben. Das Land wechselte seine Regierungsform mehrmals und wurde zuletzt von einer Monarchie zur Republik, von einem hinduistischen zu einem säkularen Staat. In Bhutan stellte der König 2005 eine neue Verfassung vor, die das Land zur konstitutionellen Monarchie machte und die unter anderem deshalb weltweit von sich reden machte, weil in ihr «das Glück» offiziell als Ziel verankert ist. 2008 fanden die ersten demokratischen Parlamentswahlen statt. Die geografische Lage an den unzugänglichen Hängen des Himalaya führt dazu, dass ein grosser Teil der Bevölkerung abgelegen auf dem Land lebt, auch wenn junge Menschen auf der Suche nach Perspektiven verstärkt in die Städte und ins Ausland ziehen. Die rasche politische Veränderung und das gleichzeitige Existieren von Städten und abgelegensten Dörfern führen dazu, dass extrem unterschiedliche Lebensweisen parallel bestehen. So scheint für den Vater in «Home Alone» die Zeit in der Vergangenheit stehen geblieben; seine Kinder sind weggezogen und er führt nun im ländlichen Bhutan ein Leben, das für den alten Mann alleine fast nicht zu bewältigen ist. In «Kafal Pakyo» irren zwei Söhne mit einer Kuh durch die Landschaft und wissen nicht, dass ihre Mutter bereits in eine unbekannte Zukunft aufgebrochen ist. Die rote Türe, die ein Mann im gleichnamigen Film durch die Landschaft trägt, ist ein offenes Symbol, das als Verbindung zwischen Vergangenheit und Zukunft gelesen werden kann. Die beiden Männer in «Purple» scheinen sich gleichzeitig ganz in der Gegenwart und in einer utopischen Zukunft zu bewegen – der Nepal mit einer LGTB-freundlichen Verfassungsänderung im September einen Schritt näher gekommen ist. Mit «Abarohan» bricht ein Stück Science-Fiction in das Programm ein und «Saas Fere Jasto Lagcha» schliesslich verzichtet ganz auf lineares Erzählen und definierte Zeitebenen, die Vergangenheit ist hier beklemmend gegenwärtig. Senta van de Weetering

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Past and Future Both Bhutan and Nepal have seen radical political changes over the past decades. The civil war between Maoists and the monarchy in Nepal cost about 13,000 lives from 1996 to 2006. The country changed its system of government several times and most recently turned from a monarchy into a republic, from a Hindu kingdom to a secular state. In Bhutan, the king introduced a new constitution in 2005, transforming the country from an absolute to a constitutional monarchy; among other things, this constitution caught worldwide attention because «happiness» is officially enshrined in it as a goal. The first democratic parliamentary elections took place in 2008. Due to the countries’ geographic location on the inaccessible hillsides of the Himalayas, a large part of the population lives in remote rural areas, although young people increasingly move to the cities or abroad in search of better perspectives. Fast political changes and the simultaneous existence of cities and extremely isolated villages result in hugely different lifestyles existing in parallel. For the father in «Home Alone», time seems to have stopped in the past; his children have left, and it is hard for the old man alone to handle the life in rural Bhutan. In «Kafal Pakyo», two sons wander around the countryside with a cow, unaware that their mother has already embarked on a journey to an unknown future. The red door that a man in the eponymous film carries around is an open symbol, which can be read as a link between past and future. The two men in «Purple» seem to simultaneously live in the present and in an utopian future, which Nepal got one step closer to after an LGTB-friendly amendment was made to the constitution in September.. «Abarohan» introduces a piece of science fiction into the programme, while «Saas Fere Jasto Lagcha» entirely abandons linear storytelling and defined temporalities, conveying a sense of an oppressively present past. Senta van de Weetering

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Kafal Pakyo / Bayberries Have Ripened Nepal 2014, 16'25", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic Director: Niranjan Raj Bhetwal Script: Niranjan Raj Bhetwal Photography: Ujjal Bastakoti Editor: Animesh Shapkota Sound: Bipin Sthapit Cast: Prasun Ghimire/Bishnu Bhakta Phuyal/ Sangam Pariyar/Laxmi Giri/Kala Sangraula/ Uday Babu Khatiwada/Binita Ghimire Production and Distribution: shantinagar, Kathmandu, Nepal, niranjanrajbhetwal@hotmail.com, +977 9851071160

In einem abgelegenen nepalesischen Dorf schickt eine Frau ihre zwei Söhne auf den Weg, um die Kuh befruchten zu lassen. Es ist Bürgerkrieg, die Männer sind entweder im Krieg oder im Ausland. Die Rufe des Kuckucks, «Kafal Pakyo» genannt, begleiten die beiden Teenager. The film is set in the countryside of Nepal during the civil war, when most men were either abroad or displaced because of the war. A mother sends her two sons to take their cow for fertilisation. The tweets of the orient cuckoo bird, known locally as «Kafal Pakyo», follow them. Niranjan Raj Bhetwal from Nepal graduated from Oscar International College in Kathmandu in 2013. His graduation film received awards at film festivals around the world. It was followed by the short films «Black Boots», «Sahayatri», and «Euta Bato» in 2013 and «Baa» in 2014.

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Abarohan / Descent

Home Alone

Nepal 2013, 11', digital file, b/w, Nepali with English subtitles, Fic

Bhutan 2014, 9'05", digital file, colour, Dzongkha with English subtitles, Doc

Director: Karan Shrestha Script: Karan Shrestha Photography: Jonas Frykberg Editor: Karan Shrestha Sound: Udit Duseja Cast: Kiran Subedi/Sabin Silwal Khatri/ Thuli Silwal Khatri Production and Distribution: Karan Shrestha, skybugtissue@gmail.com

Director: Loday Chopel Script: Loday Chopel Photography: Loday Chopel/Norbu Editor: Loday Chopel Sound: Jigme Dorji Cast: Mame Tshering Production and Distribution: Loday Chopel, lodayc@gmail.com

Zwei im Dorf spielende Buben beobachten, wie ein grosses, glänzendes Objekt vom Himmel fällt – Minuten bevor ein Flugzeug gegen das nahe gelegene Gebirge prallt. Neugierig eilen sie zum Ort, wo das Objekt gelandet ist. Das Ding aus dem All wird ihre Freundschaft nachhaltig verändern. While playing in their village, two boys witness a large shiny object falling from the sky minutes before a plane crashes into the nearby mountains. Driven by their curiosity, they rush towards the site where the object landed. The space object will permanently alter their friendship. Karan Shrestha (born in 1985) is an independent filmmaker and artist who lives and works between Mumbai and Kathmandu. He studied at the Sydney Film School. Often using fantasy to underline contemporary social and cultural issues, his short films explore humans and the nature they inhabit. His first feature film is in development.

Ein 95-jähriger Mann lebt allein an seinem Geburtsort. Er denkt über die schrumpfende Gemeinschaft und über sein eigenes Leben nach. «Home Alone» beleuchtet die bitteren Realitäten von Landflucht und rascher Modernisierung. A 95-year-old man lives alone in his birthplace. He reflects on a diminishing community and on his own life. «Home Alone» highlights the bitter truths of rural-urban migration and rapid modernisation. Loday Chopel graduated in Arts and Humanities from Delhi University before studying filmmaking at the Asian Academy of Film and Television in Noida, India. He has directed three short films as well as acted in and edited the feature film «Prophecy» by Zuri Rinpoche. He is currently directing a Bhutanese TV series.


The Red Door

Purple

Bhutan 2014, 15'32", digital file, colour, Dzongkha with English subtitles, Fic

Nepal 2014, 4'40", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic

Director: Tashi Gyeltshen Script: Tashi Gyeltshen Photography: Kinzang Namgay Editor: Choling Sound: Akritchalerm Kalayanamitr Cast: Karma Wangchuk Production and Distribution: Tashi Gyeltshen, Thimphu, Bhutan, emadatsi@hotmail.com

Director: Saroj Shrestha Script: Saroj Shrestha Editor: Saroj Shrestha Sound: Santosh Dahal Cast: Mahesh Tripathi/Shankar Karki Production and Distribution: Cinepal Production, Kathmandu, Nepal, Saroj Shrestha, cinephilenp@gmail.com, +977 9851071160

Ein Mann wacht in einem ländlichen Haus in Bhutan auf. Er bereitet sich langsam auf eine metaphorische Reise durch sein Leben vor, dargestellt durch die wechselnden Landschaften üppiger bhutanesischer Vegetation. Mit einer roten Tür als Gepäck endet seine Reise auf dem Gipfel eines menschenleeren Berges. Wenn es die Wiedergeburt gibt, ist der Tod ein Neuanfang. A man wakes up in a rural Bhutanese home. Slowly, he prepares a metaphorical journey through his own life, depicted by the changing landscapes of Bhutan’s lush vegetation. Carrying a red door along the way, his quest ends at the top of a deserted mountain. If reincarnation exists, death is a new start. Tashi Gyeltshen worked as a journalist before making films. He has written and directed three short films: «Girl with a Red Sky», «A Forgotten Story», and «The Red Door», which premiered at the International Film Festival Rotterdam (2014). He is currently preparing his first feature film «The Red Phallus» to complete the «Red» trilogy.

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Zwei Männer liegen auf dem Waldboden und betrachten tagträumend die Wolken. In dieser saftigen Landschaft sind ihre Körper von gesellschaftlichen Zwängen befreit und die minimale Erzählung sagt viel über Ausdrucksfreiheit aus. Two men are lying on the ground in a forest, daydreaming and contemplating the clouds. In this lush landscape, bodies are freed from social constraints and the minimal narrative tells us a lot about freedom of expression. Born in Nepal, Saroj Shrestha graduated in Film Direction from Oscar International College (College of Film Studies, Nepal) in 2014. As an independent filmmaker, he has directed five short fiction films and documentaries. His short films «Voiceless» and «Purple» have been selected for various international film festivals.

Saas Fere Jasto Lagcha / Breathing... Am I? Nepal 2012, 25'31", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic Director: Santosh Bhattarai Script: Santosh Bhattarai/Abinash Bikram Shah Photography: Babu Shrestha Editor: Abinash Bikram Shah/Shankhajit Biswas Sound: Binayak Aryal Cast: Pooja Gurung/Bibhusan Basnet/Samuna K.C./ Prabin Khatiwada/Shanti Giri/Sunil Shrestha Production and Distribution: Santosh Bhattarai, Jawalakhel, Nepal, abinash_b_shah@yahoo.com, +977 9841855359

Ein Model im Koma, eine misshandelte Ehefrau, die aus ihrer Situation ausbrechen will, ein gefangener politischer Aktivist und eine junge Näherin, die sich nach ihrem Geliebten sehnt. Der Film zeigt einzelne Momente aus dem Leben dieser vier Figuren und ihrem Kampf um ein paar freie Atemzüge. A fashion model in a coma, an abused housewife plotting revenge, an imprisoned political activist during an autocratic monarchical regime, and a young seamstress longing for her lover – the film follows these four characters, who are all struggling for breath. «Saas Fere Jasto Lagcha (Breathing… Am I?)» is the first short film directed by Santosh Bhattarai. He has a Master’s Degree in Business Management and Rural Development has been involved in writing short films, TV dramas, and feature films. Currently, he is working on his own feature film script.


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Dreams and Nightmares Curated by: Delphine Jeanneret, Senta van de Weetering

Runtime: 85’ November 7, 2015, 19:30 ZHAW Architekturhalle

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Dreams and Nightmares Welche Art Kino erwarten wir von Nepal und Bhutan? In den beiden durch den indischen Staat Sikkim getrennten Himalaya-Ländern ist das unabhängige Filmschaffen noch jung. Der Kurzfilm ist da genau das richtige Medium, um zu experimentieren und neue Geschichten zu schaffen. Die acht Filme dieses Programms haben wenig mit dem sogenannten «World Cinema» zu tun. Sie bewegen sich in einer manchmal albtraumhaften, meist aber träumerischen Welt. Die jungen Filmemacher experimentieren mit filmischen Sprachen und haben keine Angst, eigene Geschichten zu erzählen. Vom Film noir bis zur Weltraum-Animation, von verirrten Kindern bis zu drogensüchtigen Teenagern bietet das Programm eine tatsächlich exotische Reise zu neuen filmischen Formen. In «The Director’s Mise en Scene Project» steht der Filmemacher Parser Wagley im Zentrum seines eigenen Drehbuchs. Um ihn herum bewegt sich das technische Team in einer Art Ballett, das in einer einzigen Einstellung gefilmt wird. Abinash Bikram Shahs Film «Ma Khushi Chu» bewegt sich zwischen dem Zimmer einer Prostituierten und einem Radiostudio, in welche die Kamera unbemerkt und voyeuristisch eindringt. «Nature Never Forgives» von Shankar Dhital gleicht einem Theaterstück, aufgeführt von Kindern, die es aufgegeben haben, von besseren Orten zu träumen. In «The Contagious Apparitions of Dambarey Dendrite» ziehen Pooja Gurung und Bibhusan Basnet durch Kathmandu – gefilmt wurde 2013 – und folgen jungen Drogensüchtigen, die sich in einer Welt falscher Versprechen verloren haben. Der Film noir «Pheri Euta Kathako Anthya Huncha» von Kushang Rai führt uns in eine albtraumhafte, von Verbrechen angetriebene Stadt und der Experimentalfilm «“ ”» von Karan Shrestha vermittelt das Gefühl, an einem merkwürdigen Ritual teilzunehmen, das von unerwartetem Found Footage unterbrochen wird. Im Animationsfilm «Nowhere» beschreibt der Bhutanese Chand Bhattarai eine surreale Welt, in der sich religiöse Symbole mit Zeichen aus der Zukunft vermischen. Der Heavy-Metal-Soundtrack von Swapnil Acharyas «Aajai Ra Raati» begleitet den Protagonisten durch einen städtischen, in sich selbst verschlungenen Albtraum. Das Programm Dreams and Nightmares taucht in die Vorstellungskraft junger Filmemacher und zeigt ein breites Spektrum filmischer Ausdrucksmittel und unterschiedlichster Genres. Delphine Jeanneret

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Dreams and Nightmares What kind of cinema do we expect from Nepal and Bhutan? Independent filmmaking is still young in the two Himalayan countries separated by the Indian state of Sikkim. Short film is just the right medium, then, for experimenting and creating new stories. The eight shorts in this programme have little to do with so-called «World Cinema». They explore sometimes nightmarish, but mostly dreamy worlds. The young filmmakers experiment with cinematic language and are unafraid to tell their own stories. From film noir to outer-space animation, from lost children to teenage drug addicts – the programme takes us on a truly exotic journey to new cinematic forms. In «The Director’s Mise en Scene Project», filmmaker Parser Wagley is at the centre of his own script. The technical crew moves around him in a sort of ballet filmed in one shot. Abinash Bikram Shah’s film «Ma Khushi Chu» alternates between a prostitute’s room and a radio studio, with the camera entering these rooms unobtrusively and voyeuristically. «Nature Never Forgives» by Shankar Dhital resembles a stage play, performed by children who have given up dreaming of better places. In «The Contagious Apparitions of Dambarey Dendrite», filmed in 2013, Pooja Gurung and Bubhusan Basnet follow young drug addicts through Kathmandu, finding them lost in a world of false promises. Kushang Rai’s film noir «Pheri Euta Kathako Anthya Huncha» leads us into a nightmarish, crime-driven city, and Karan Shrestha’s experimental film «“ ”» conveys the feeling of participating in a strange ritual, which is suddenly interrupted by unexpected found footage. In the animated film «Nowhere», Bhutanese filmmaker Chand Bhattari depicts a surreal world where religious symbols blend with signs from the future. Swapnil Acharya’s «Aajai Ra Raati» features a heavy metal soundtrack accompanying the protagonist through a convoluted urban nightmare. The programme «Dreams and Nightmares» plunges into the imagination of young filmmakers, showing a wide variety of cinematic devices and genres. Delphine Jeanneret

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Aajai Ra Raati / Imminence

The Director's Mise en Scene Project

Ma Khushi Chu / I Am Happy

Nepal 2013, 5'06", digital file, colour, no dialogue, Fic

Nepal 2015, 5'10", digital file, colour and b/w, Nepali with English subtitles, Fic

Nepal 2011, 27'19", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic

Director: Swapnil Acharya Script: Swapnil Acharya Photography: Swapnil Acharya Editor: Swapnil Acharya Sound: Prakash Babu KC Cast: Sambhav Neupane/Rajan Mandal/Prakash Babu KC. Production and Distribution: Swapnil Acharya, Kathmandu, Nepal, swapnet@gmail.com, +977 9801212771, www.cgswapnil.wordpress.com

Director: Parasar Wagley Script: Parasar Wagley Photography: Shishir Bishankhe Editor: Ashma Pokharel Sound: Shrawal Raj Pandey Cast: Prem Adhikari/Mahima Nawbagh/ Nigam Bhandari/Santosh Lamsal/Amar Maharjan/ Biswash Dahal/Iksa Tumbahangfe/Prabin Rawat/ Nimesh Shrestha/Prakash Bhujel/Sujata Koirala/ Santosh Giri Production and Distribution: Parasar Wagley, parasarwagley@gmail.com

Director: Abinash Bikram Shah Script: Abinash Bikram Shah Photography: Rajiv Manandhar Editor: Abinash Bikram Shah Sound: Binayak Aryal Cast: Shanti Giri/Rajan Khatiwada/ Siddarth Budhathoki Production and Distribution: Underground Talkies, Kathmandu, Nepal, anoopmimosa@gmail.com, +977 9813439657

Ein junger Mann träumt von seiner Ermordung. Der Traum setzt eine Spirale in Gang, in der immer schwerer zu erkennen ist, was nun Traum, was Wirklichkeit ist. «Aajai ra Raati» war ein 48-Stunden-Projekt, das mit einer erfrischenden Filmsprache überzeugt. A young man dreams about his murder. When he sets out to solve the mystery, it becomes more and more difficult to tell dreams from reality. «Aajai ra Raati» was a 48-hour-project that tells its story in a refreshing cinematic language. Swapnil Acharya is a Kathmandu-based storyteller working in media and the web. He has produced several independent documentaries and short films, as well as commissioned works. He is also a userinterface designer and has worked as the creative mind behind mainstream Nepali film publicity.

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In seinem eigenen Film gefangen, leitet Paraser Wagley die Besetzung und Crew seines Films zu Klängen aus Filmklassikern. Caught in his own film, Paraser Wagley directs his cast and crew to the sounds of classic film clips. Paraser Wagley (born in 1989) is a student at the Oscar International College of film studies in Kathmandu. He has directed three short films: «Exam» (2014), «There Is a Rule» (2014), and «The Director’s Mise en Scene Project» (2015).

Die Prostituierte Vashna und der Radiomoderator Aakash kennen sich nicht, doch die Briefe, die sie an die Radiostation schreibt und die er täglich vorliest, verbinden die beiden. Die Kamera beobachtet sie heimlich dabei. Prostitute Vashna and radio DJ Aakash are connected through the letters she sends to the station for the joy of listening to him reading them on air. Through the hidden camera, we get a glimpse of their lives. Abinash Bikram Shah is a Kathmandu-based independent filmmaker whose films have been selected for international festivals such as Berlinale, Venice, and Busan Film Festival. He is Programming Director of the Ekadeshma International Short Film Festival in Nepal and Assistant Professor at Oscar College of Film Studies in Kathmandu.


Nature Never Forgives

Nowhere

Nepal 2014, 3', digital file, colour, no dialogue, Exp

Bhutan 2013, 4'26", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Shankar Dhital Script: Shankar Dhital Photography: Sarad Mahato Editor: Gautam Raj Khadka/Ram Prasad Chaudary Sound: Manoj Rajbahak Cast: Archana DC/Sunrise School's Students Production and Distribution: Shankar Dhital, snkr1993@gmail.com

Ein Rollenspiel mit Kindern in einem Klassenzimmer zeigt auf, wie die Natur durch Industrialisierung und Urbanisierung ausgebeutet wird. «Nature Never Forgives» sagt eine Zukunft voraus, in der jede Regierung Änderungen beschliessen oder sich der Natur unterwerfen muss. A roleplaying game with children in a classroom shows how nature is being exploited by industrialisation and urbanisation. «Nature Never Forgives» foretells a future in which each government has to decide on changes or surrender to nature. Shankar Dhital (born in 1994) studies cinema at Oscar International College of Film Studies in Kathmandu. «Nature Never Forgives» is his first short film.

Director: Chand Bhattarai Script: Chand Bhattarai Photography: Chand Bhattarai Editor: Chand Bhattarai/Chador Lhendup Sound: Gaile Griciute Production and Distribution: Studio Kewa, Thimphu, Bhutan, Chand Bhattarai, chandk.bhattarai@gmail.com

Irgendwo im Niemandsland dreht sich das Lebensrad um seine fixe Achse. Manchmal muss man sich zwischen der toten Vergangenheit, der ungeborenen Zukunft und Momenten der Gegenwart entscheiden. Diese philosophische Animation zeigt eine surreale Welt, in der sich buddhistische Mystik und Zeichen der Zukunft vermischen. Somewhere in no-man's-land, the wheel of life is turning around its fixed axis. Sometimes, one has to choose between the lingering dead past, the unborn future, and moments of the present. This philosophical animation depicts a surreal world where Buddhist mysticism and signs of the future are all blurred. Chand Bhattarai is an artist, illustrator, and animator. He is a member of VAST, the only contemporary arts centre in Bhutan. Between 2006 and 2012, he worked for Green Dragon Media, illustrating, storyboarding, animating, teaching, and supervising many animation films. In 2013, he co-founded Kewa Studio, which specialises in animation.

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Pheri Euta Kathako Anthya Huncha / End of Another Story Nepal 2013, 12'03", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic Director: Kushang Rai Script: Kushang Rai Photography: Bishnu Bahadur Khadka Editor: Mukesh Chaudhary Sound: Amit Shrestha Cast: G.S. Pandey/Evan Joshi/Mahesh Tripathi/ Abhay Baral Production and Distribution: Kushang Rai, kushangkosansar@gmail.com

Nach drei Jahren in einem Gefängnis in Kathmandu will Antim sein Gangsterleben hinter sich lassen. Er möchte in sein Dorf zurückkehren und mit seiner Mutter und Schwester ein einfaches Leben führen, doch er steckt bereits zu tief in den Gangs drin. Um ein neues Leben zu beginnen, muss er das alte entweder ignorieren oder dessen Bedrohungen aus dem Weg räumen. After three years in a Kathmandu jail, Antim wants to start anew, far from his gangster life. He wishes to return to his village and live a simple life with his mother and sister, but he is already too deeply involved with the gangs. To start a new life, he must either ignore or eliminate the dangers and threats of his previous life. Kushang Rai (born in 1991) studies cinema at Oscar International College of film studies in Kathmandu. After directing several short films during his bachelor studies, «End of Another Story» is his final college project. He also works for Ekadeshma Film Festival in Kathmandu.


“ ” Nepal 2013, 9'49", digital file, colour, no dialogue, Exp Director: Karan Shrestha Photography: Karan Shrestha Editor: Karan Shrestha Sound: Karan Shrestha Production and Distribution: Karan Shrestha, skybugtissue@gmail.com

In einer anonymen Menge beginnt ein traumähnlicher Abend mit einem seltsamen Ritual, unterbrochen von animierten Bildern. Wie ein Bewusstseinsstrom thematisiert der Film «" "» persönliche Erinnerungen und Eindrücke einer schwindelerregenden modernen Welt. Lost in an unknown crowd, a dreamy evening is spent at a curious ritual interrupted by cartoon found footage. Like a stream of consciousness, the film «“ ”» addresses personal memories and impressions from a dizzying modern world. Karan Shrestha (born in 1985) is an independent filmmaker and artist who lives and works between Mumbai and Kathmandu. He studied at the Sydney Film School. Often using fantasy to underline contemporary social and cultural issues, his short films explore humans and the nature they inhabit. His first feature film is in development.

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The Contagious Apparitions of Dambarey Dendrite Nepal 2013, 18'03", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic Director: Bibhusan Basnet/Pooja Gurung Script: Bibhusan Basnet Photography: Narendra Mainali Editor: Rajan Shrestha Sound: Rohit Shakya Cast: Anupam Sharma Production and Distribution: Silence Entertainment Pvt. Ltd., Kathmandu, Nepal, bikrant@silenceentertainment.com, +977 1 9801011389

Leim schnüffeln macht das Leben einer Gruppe von Obdachlosen in Kathmandu gerade noch erträglich. Wie allerdings will man so betäubt noch wissen, ob durch die Luft fliegende Dollarnoten echt sind oder eine Halluzination? The life of a group of homeless in Kathmandu is made barely tolerable by glue sniffing. Being thus intoxicated, it is hard to tell if the dollar bills flying through the air are real or hallucinations. Bibhusan Basnet is a Nepalese singer, songwriter, actor, and screenwriter. Pooja Gurung began her career in Nepalese television, where she produced a TV show and appeared in several films. «The Contagious Apparitions of Dambarey Dendrite» is the first film they have made together.


Keeping and Breaking Traditions Curated by: Delphine Jeanneret, Senta van de Weetering

Runtime: 80’ November 8, 2015, 14:30 Casino Theatersaal

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Keeping and Breaking Traditions Fallen zuerst vor allem geografische Gemeinsamkeiten von Nepal und Bhutan auf, so werden auf den zweiten Blick die Unterschiede deutlich: Dem hinduistischen Nepal steht ein buddhistisches Bhutan gegenüber, Bhutans konstitutioneller Monarchie eine nepalesische Republik, der Einwohnerzahl von 27 Millionen in Nepal eine von lediglich 750'000 in Bhutan. Zudem gibt es politische Spannungen zwischen den beiden Ländern, da in Nepal nach wie vor etwa 30'000 nepalesischstämmige Südbhutanesen als Flüchtlinge leben. Und doch zeigen sich bei den Filmen thematische Parallelen. Am stärksten treten diese gerade dort zutage, wo Brüche durch die Gesellschaft gehen, wo lokale Traditionen mit einer globalisierten Welt konfrontiert werden, wo Migration Regionen entvölkert oder wo Frauen ihre Rollen und ihren Platz in der Gesellschaft infrage stellen. In «Malami» versetzt der Tod eines Müllers ein ganzes Dorf in Ratlosigkeit, weil niemand mehr da ist, der den Toten begraben könnte: Die jungen Männer sind auf der Suche nach Arbeit weggezogen. Geblieben sind nur Alte, die keine Kraft mehr haben, die Leiche zum Grab zu tragen, ohne sie zwischendurch abzusetzen, wie es die Tradition verlangt. In «Bansulli» hingegen zieht ein junger Mann vorübergehend vom Dorf weg, was seiner Freundin das Leben schwer macht. Die unterschiedlichen Lebenskonzepte zweier Frauen sind das Thema in «Chaukaith» von Deepak Rauniyar. Sie begegnen sich zunächst vor allem mit Staunen: «Wolltest du denn nach der Heirat keine Ausbildung machen?» – «Du hast deinen Mann nur darum verlassen, weil ihr nicht miteinander ausgekommen seid?» Doch die Begegnung hat Auswirkungen auf beide. Härter fällt die Konfrontation in Dechen Roders Film «Lo Sum Choe Sum» aus, in dem sich traditionelle Erwartungen in brutalem Einvernehmen mit den bestehenden Machtverhältnissen befinden. Symbolisch und liebevoll widmet sich «A Forgotten Story» einer alten Teekanne, die ausrangiert wird und dadurch die Stadt aus einer neuen Perspektive erlebt. Senta van de Weetering

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Keeping and Breaking Traditions While the geographic commonalities of Nepal and Bhutan are instantly apparent, the differences become obvious on second sight: Hindu Nepal contrasts with Buddhist Bhutan, Bhutan’s constitutional monarchy with Nepal’s republic, a population of 27 million in Nepal with only 750,000 in Bhutan. There is also some political friction between the two nations, with 30,000 South-Bhutanese refugees of Nepalese origin still living in Nepal. And yet, the films of the two countries exhibit thematic parallels. These are especially apparent in places characterised by social fissures, where local traditions are confronted with a globalised world, where regions are depopulated by migration, where women question their roles and their place in society. In «Malami», the death of a miller renders an entire village helpless, as there’s nobody left to bury the dead man: the young men have left in search of work. Only the old remain, but they are too weak to carry the body to the grave without putting it down, as tradition demands. In «Bansulli», in turn, a young man temporarily leaves his village, thereby making life difficult for his girlfriend. Two women’s differing concepts of life are at issue in «Chaukaith» by Deepak Rauniyar. Their first encounter is filled with amazement: «Didn’t you want to get an education after getting married?» – «You left your husband just because you didn’t get along?» But the encounter has consequences for both. In Dechen Roder’s film «Lo Sum Choe Sum», the confrontation is much harsher, as traditional expectations are in brutal agreement with the existing power structures. «A Forgotten Story» casts a symbolic and affectionate look at an old tea pot that is discarded and, as a result, experiences the city from a new perspective. Senta van de Weetering

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Lo Sum Choe Sum / 3 Year 3 Month Retreat Bhutan 2015, 20'07", digital file, colour, Dzongkha with English subtitles, Fic Director: Dechen Roder Script: Dechen Roder Photography: Jigme T. Tenzing Editor: Dechen Roder Sound: Benjamin Hörbe Cast: Dechen Zangmo Production and Distribution: Dakinny Productions, Thimphu, Bhutan, dakinny@yahoo.com, +975 17832814

In der traditionellen buddhistischen Meditationspraxis «Lo Sum Choe Sum» ziehen sich Mönche, Nonnen und andere tiefgläubige Menschen für drei Jahre und drei Monate von allem Weltlichen zurück. Das ist die Zeit, die nötig ist, um einen höheren Grad von Klarheit und Transformation zu erreichen. In the traditional Buddhist meditation practice of «Lo Sum Choe Sum», monks, nuns, and other devout practitioners withdraw from worldly life for 3 years and 3 months. This is the time period deemed necessary to attain a higher level of clarity and transformation. Dechen Roder (born 1980 in Bumthang, Bhutan) has directed three short films and several documentaries in Bhutan since 2004. She is a co-founder of the Beskop Tshechu documentary and short film festival in Bhutan and is currently developing her first feature film «The Honeygiver Among the Dogs».

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Malaamee / Funeral

Bansulli / The Flute

Nepal/France 2008, 20', digital file, colour and b/w, Nepali with English subtitles, Fic

Nepal 2012, 14'40", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic

Director: Subarna Thapa Script: Subarna Thapa/Christine Riche Photography: Romain Winding Editor: Jeanne Oberson Sound: Éric Lonni Cast: Chandra Dev Limbu/Anup Baral/Nisha Pokhrel/ Shanti Maske Production and Distribution: Imaginaires Productions, Paris, France, imaginaires.productions@noos.fr, +33 01 48 03 13 81

Director: Min Bahadur Bham Script: Min Bahadur Bham Photography: Narendra Raj Mainali Editor: Nimesh Shrestha Sound: Binayak Aryal Cast: Nikita Budhthapa/Ghanashyam Giri Production and Distribution: Shooney Films, Kathmandu, Nepal, shooneyfilms@outlook.com, +977 9851095120

Der Tod eines Müllers stellt ein ganzes Dorf vor ein Problem: Wer soll ihn begraben? Die Alten und die Kinder haben nicht die Kraft dazu, den Frauen ist es nicht erlaubt, Tote zu berühren, und die jungen Männer seiner Kaste, denen es zukäme, ihn zum Grab zu tragen, haben das Dorf auf der Suche nach einem Einkommen verlassen. The death of a miller presents an entire village with a problem: who should bury him? The old and the children aren't strong enough; the young men of his caste, who would normally carry him to his grave, have left the village in search of an income; and the women are not allowed to touch the dead. Subarna Thapa is a director and actor from Kathmandu who has been living in France since 1999. He has acted at the Théâtre du soleil and the Comédie Française, as well as in Tokyo and New York. «Malaamee» (2008) was his first short film. His first feature «Soongave» followed in 2012.

Nach einem zehnjährigen Bürgerkrieg sind die Maoisten im nationalen Wahlkampf für die verfassungsgebende Versammlung an fordester Front. Inmitten der politischen Veränderungen des Königreichs am Himalaya wird sich auch das Leben des zwölfjährigen Mädchens Bijuli für immer verändern. After a decade-long civil war, the Maoists have come into the frontline to compete in the national election for the Constituent Assembly. Amid the political changes in the pristine kingdom of the Himalayas, the life of Bijuli, a 12-year-old girl, is also about to change forever. Min Bahadur Bham (born 1984) graduated in Nepali Literature and Filmmaking. He is the President of the Independent Film Society of Nepal and Assistant Professor at Oscar College of Film Studies. «The Flute» was the first Nepali film selected at Venice Film Festival (2012). His debut feature «The Black Hen» premiered at Venice in 2015.


A Forgotten Story

Chaukaith / Threshold

Bhutan 2010, 6'15", digital file, colour, no dialogue, Exp

Nepal 2008, 18'40", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic

Director: Tashi Gyeltshen Script: Tashi Gyeltsen Photography: Pema Tshering/Dechen Roder Editor: Tashi Gyeltsen Sound: Dechen Roder Production: Zoom Out Productions, Thimphu, Bhutan Distribution: Tashi Gyeltshen, Thimphu, Bhutan, emadatsi@hotmail.com

Director: Deepak Rauniyar Script: Asha M. Magrati/Deepak Rauniyar Photography: Jyoti Keshar Simha Editor: Deepak Rauniyar Sound: Khagendra Lamichhane/ Shirish Bikram Thapa Cast: Ranju Jha/Asha M. Magrati/ Ghanshyam Mishra Production and Distribution: Aadi Production, Kathmandu, Nepal, deepakrauniyar@aadiproductions.com

«A Forgotten Story» erzählt von einer alten Teekanne für den traditionellen Buttertee (Suja), die durch eine moderne ersetzt wird. Nach langer Isolation wird Bhutan nun langsam vom kapitalistischen Konsumrausch erfasst. Neue Teesorten werden eingeführt und die traditionellen Teekannen finden immer weniger Verwendung. «A Forgotten Story» is about an old kettle, used largely for Suja (traditional butter tea), that is replaced by a modern one. After being isolated, Bhutan is now slowly being trapped in the frenzy of consumerist capitalism. New teas have come in and there is less use for traditional kettles. Tashi Gyeltshen worked as a journalist before making films. He has written and directed three short films: «Girl with a Red Sky», «A Forgotten Story», and «The Red Door», which premiered at the International Film Festival Rotterdam (2014). He is currently preparing his first feature film «The Red Phallus» to complete the «Red» trilogy.

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In einem intimen, häuslichen Kontext thematisiert «Chaukaith» zeitgenössische Aspekte der nepalesischen Gesellschaft und wirft Fragen nach den Barrieren zwischen verschiedenen Menschen und Klassen auf. Auf der Suche nach ihrer Identität träumt eine Frau von einem Leben jenseits ihrer Schranken. In an intimate and domestic context, «Chaukaith» addresses contemporary issues in Nepali society and raises questions about barriers among different people and classes. In quest of her identity, a woman dreams of a life beyond her threshold. Deepak Rauniyar (born in 1978) is an independent filmmaker who took part in the Berlinale Talent Campus and TIFF Talent Lab. After «Threshold» (2008), his first short film as a director and producer, his feature-length debut «Highway» (2012) premiered at the Berlinale. His second feature «White Sun» is in development.


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Christoph Girardet & Matthias M端ller

PERSON IM FOKUS PERSON IN FOCUS

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Person im Fokus: Christoph Girardet & Matthias Müller Die beiden Künstler Christoph Girardet (geb. 1966) und Matthias Müller (geb.1961) gehören zu den international profiliertesten Vertretern des Videound Experimentalfilms. Neben ihren viel rezipierten Einzelarbeiten sorgen sie seit 1999 – beginnend mit den «Phoenix Tapes», ihrer gemeinsamen Durcharbeitung der visuellen Motive im Werk Alfred Hitchcocks – auch mit einem grandiosen Gemeinschaftswerk international für Furore. Dabei bedienen sich die Künstler vorzugsweise mit Versatzstücken und Fragmenten aus fremden Filmen, um diese Fundstücke dann zu ebenso virtuosen wie bewegenden Filmcollagen zusammenzufügen. Dieses Found Footage, angeeignetes Material von vielfältiger Herkunft, erhält in der Verwendung durch Girardet und Müller komplett neue und ungeahnte affektive Qualitäten. Sei es, dass sie wie in «Meteor» die Bildwelten des Science-Fiction-Kinos zu einem betörenden Kindertraum verweben oder, wie in «Cut», über die Gegenüberstellung von konkreten und metaphorischen Wunden ganz neue Formen des Horrors und der Angst im Betrachter hervorrufen – das Werk von Christoph Girardet und Matthias Müller ist immer eine ganzheitliche Erfahrung, ebenso intellektuell anregend wie unmittelbar emotional erfahrbar. Dabei lernen wir in ihren spielerischen Analysen der Kinobilder und Genreklischees nicht zuletzt auch, wie der Film und seine Technik funktioniert und was eigentlich passiert, wenn wir Spielfilme betrachten, wie wir von deren Bildern und Verfahren bewegt, berührt und verführt werden. Christoph Girardet und Matthias Müllers Filme sehen heisst somit auch, das Unbewusste des Kinos – «The Unconscious of Cinema» – zu betreten und dessen geheime Mechanismen zu analysieren. Dabei operieren die beiden Künstler immer auch mit den Erwartungen und Erinnerungen der Zuschauer. Immer wieder spiegeln sich in den Versatzstücken und aufblitzenden Bildzitaten eigene Seherfahrungen und wir meinen Filme wiederzuerkennen, die wir bereits gesehen haben. Das Thema der Erinnerung, das in so vielen von Christoph Girardets und Matthias Müllers Filmen explizit zum Gegenstand gemacht wird, betrifft somit auch uns. Nicht nur die Filme erzählen von der Heimsuchung durch Erinnerungen, von Traumata und alten Sehnsüchten, auch wir sind «haunted by memories» und so kann es uns vorkommen, als würden wir in den Filmen

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von Girardet und Müller unserer eigenen Psyche bei der Erinnerungsarbeit zusehen. Auch wir sind von diesen Meisterwerken gebannt, genau wie jene Zuschauer, die man in ihrem Film «Play» im Saal sitzen sieht: betroffen, berührt, erschüttert, erregt, überrascht, überwältigt, begeistert. Johannes Binotto

mit freundlicher Unterstützung von / with kind support of

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Person in Focus: Christoph Girardet & Matthias Müller The two artists Christoph Girardet (b. 1966) and Matthias Müller (b. 1961) are among the most prominent exponents of video and experimental film internationally. Apart from their widely received individual works, their outstanding collaborations have been causing an international sensation since 1999, beginning with the «Phoenix Tapes», an examination of Alfred Hitchcock’s visual motifs. The artists preferably work with clichés and fragments from existing films, assembling these finds into cinematic collages that are both virtuosic and moving. This found footage, material appropriated from a variety of sources, acquires completely new and unforeseen affective qualities in its treatment by Girardet and Müller. Whether they interweave the visual worlds of science fiction cinema into a hauntingly beautiful child’s dream as in «Meteor», or whether they evoke new forms of horror and fear in the spectator by juxtaposing literal and metaphoric wounds as in «Cut» – the work of Christoph Girardet and Matthias Müller is always an integral experience, intellectually stimulating as well as palpable in its emotional immediacy. Not least, their playful analyses of film images and genre clichés also teach us how film and its technology work and what happens when we watch fiction films, how their images and processes move, touch, and seduce us. Watching the films of Christoph Girardet and Matthias Müller thus also means to enter «the unconscious of cinema» and to analyse its secret mechanisms. The two artists always operate with the audience’s expectations and memories. The clichés and visual quotes that flare up mirror our own viewing experience and lead us to believe that we recognise films we’ve seen before. The theme of memory, which is explicitly addressed in many of Girardet and Müller’s films, thus concerns us too. Not only do the films tell of haunting memories, traumas, and old desires; we too are «haunted by memories», and viewing the films of Girardet and Müller can sometimes seem like watching our own psyche doing its memory work. We are spellbound by these masterpieces, just like the audience we see in the cinema in «Play»: affected, touched, shocked, aroused, surprised, overwhelmed, delighted. Johannes Binotto

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Christoph Girardet & Matthias MĂźller I: The Unconscious of Cinema Curated by: John Canciani

Runtime 81’ November 7, 2015, 14:30 Casino Festsaal

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Play

Phoenix Tapes

Schwertkampf

Germany 2003, 7'20", digital file, colour and b/w, no dialogue, Exp

Germany/United Kingdom 1999, 45', digital file, colour and b/w, English, Exp

Germany 1991, 3'30", digital file, colour, no dialogue, Exp

Director: Christoph Girardet/Matthias Müller Script: Christoph Girardet/Matthias Müller Production: Christoph Girardet, Hannover, Germany, girardet@freenet.de, +49 511 3881323, Matthias Müller, Bielefeld, mueller.film@t-online.de, +49 151 40040478 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Director: Christoph Girardet/Matthias Müller Script: Christoph Girardet/Matthias Müller Sound: Dirk Schäfer Production: Christoph Girardet, Hannover, Germany, girardet@freenet.de, +49 511 3881323, Matthias Müller, Bielefeld, mueller.film@t-online.de, +49 151 40040478 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Director: Christoph Girardet Script: Christoph Girardet Production: Christoph Girardet, Hannover, Germany, girardet@freenet.de, +49 511 3881323 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Zuschauer im Kino: Was auf der Leinwand passiert, spiegelt sich in «Play» allein in den Gesichtern und Gesten des Publikums. In Schnittfolgen ähnlicher Reaktionen verdichtet sich individuelles Verhalten zu kollektivem. Das Geschehen verlagert sich von der Leinwand in den Saal, die Zuschauer werden zu Akteuren eines unvorhersehbaren Dramas. Spectators at the movies: in «Play», the onscreen action is reflected solely in the facial expressions and gestures of the audience. In sequences of similar reactions, individual behaviour condenses into that of the collective. The narrative is displaced from the screen to the auditorium, as the audience members become the protagonists of an unforeseeable drama.

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Die «Phoenix Tapes» zeigen neu montierte Einstellungen aus vierzig Filmen Alfred Hitchcocks. Die sechs Kapitel konzentrieren sich auf wiederkehrende, subjektiv ausgewählte Leitmotive seiner Filme. «Das Ergebnis zeigt nicht nur Hitchcocks Obsessionen durch Wiederholungen von stark aufgeladenen visuellen Bedeutungen, sondern erstellt einen universellen Kanon von Gesten, der sowohl die Kommunikationsformen des Kinos wie auch die des Alltags umfasst». (John Tozer. In: Camera Austria #67, 1999, S. 79) The «Phoenix Tapes» show re-edited excerpts from forty films by Alfred Hitchcock. The six chapters focus on a personal selection of various leitmotifs in Hitchcock’s movies. «The consequence of this is not only to highlight Hitchcock's obsessions with certain types of repetitive movements and highly loaded visual signifiers, but to suggest that these actions are part of a universal language of gesture that encompasses both cinematic and everyday modes of communication.» (John Tozer, in Camera Austria, 67 [1999], p. 79.)

Die Szenen sind einer japanischen Samurai-Serie entnommen. In Wiederholungen und rhythmischen Gegenübersetzungen ist das Duell auf das Wesentliche reduziert. Bilder unmittelbarer Aktion kontrastieren mit Grossaufnahmen von allgemein verständlichen mimischen Zeichen: Herausforderung, Erregung, Angst, letztlich Erleichterung. Blue and flickering scenes taken from a Japanese samurai series. The duel is reduced to its basic elements through repetitions and rhythmic juxtapositions. Images depicting direct action are contrasted with close-ups of universally recognisable facial expressions – provocation, agitation, fear, and ultimately, relief.


Contre-Jour

Meteor

Germany 2009, 10'40", digital file, colour and b/w, no dialogue, Exp

Germany 2011, 15', digital file, colour and b/w, English, Exp

Director: Christoph Girardet/Matthias Müller Script: Christoph Girardet/Matthias Müller Photography: Christoph Girardet Cast: Ralph Kostrzewa/Elisabeth Masé Production: Christoph Girardet, Hannover, Germany, girardet@freenet.de, +49 511 3881323, Matthias Müller, Bielefeld, mueller.film@t-online.de, +49 151 40040478 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Director: Christoph Girardet/Matthias Müller Script: Christoph Girardet/Matthias Müller Production: Christoph Girardet, Hannover, Germany, girardet@freenet.de, +49 511 3881323, Matthias Müller, Bielefeld, mueller.film@t-online.de, +49 151 40040478 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Der Blick, mit dem wir die Welt erfassen und den diese auf uns zurückwirft, zerfällt in «Contre-jour» in verstörende Fragmente. Unschärfen, Lichtblitze, Stroboskopmontagen zersetzen die Wirklichkeit in schemenhafte Bilder, die auf der Netzhaut schmerzen. Präzise schneidet Scheinwerferlicht das Individuum aus dem Schwarz der Umgebung. «I wish you could see what I see» bleibt vergebliche Hoffnung. Zwischen Selbst- und Fremdwahrnehmung klaffen blinde Flecken. (Kristina Tieke) The gaze that we grasp the world with and that it throws back at us dissolves into disquieting fragments in «Contre-jour». Blurs, flashes, and stroboscope montages disintegrate reality into schematic images that cause pain to the retina. A spotlight cuts the individual out of the surrounding darkness with precision. «I wish you could see what I see» remains a vain hope. Blind spots gape between self-perception and the perception of others. (Kristina Tieke)

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Zusammengesetzt aus Spielfilmbildern, entwurzelten Märchenfragmenten und altem Science-Fiction-Material, inszeniert «Meteor» die Erlebens- und Vorstellungswelt eines Jungen an der Schwelle zu Selbstfindung und Loslösung. In der von medialen Reizen gespeisten kindlichen Imagination beginnt eine phantasmatische Reise vom Kinderzimmer in einen künstlichen Kosmos. Assembled from film clips, displaced fairy-tale fragments, and vintage science-fiction motifs, «Meteor» stages the experiences and imaginary world of a boy at the threshold of self-discovery and detachment. The child's media-stimulated imagination takes us on a phantasmal voyage from his room to an artificial cosmos.

Christoph Girardet was born in Langenhagen, Germany, on November 24, 1966. He lives and works in Hannover. Matthias Müller was born in Bielefeld, Germany, on March 29, 1961. He lives and works in Bielefeld and Cologne. Girardet and Müller have been working in film, video, and photography since 1987 and 1980, respectively, and they have realised various joint projects since their «Phoenix Tapes» in 1999. Their work has been screened at major film festivals and exhibited at art institutions worldwide.


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Christoph Girardet & Matthias Müller II: Haunted by Memories 
 Curated by: John Canciani

Runtime 81’ November 8, 2015, 12:00 Casino Theatersaal

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Alpsee

Beacon

Locomotive

Germany 1994, 15', digital file, colour, German with English subtitles, Exp

Germany/Portugal 2002, 15', digital file, colour, English with English subtitles, Exp

Germany/Netherlands 2008, 21', digital file, colour and b/w, no dialogue, Fic/Exp

Director: Matthias Müller Script: Matthias Müller Photography: Raimond Goebel/Dirk Schaefer Cast: Christina Essenberger/Victor Helpap Production: Matthias Müller, Bielefeld, mueller.film@t-online.de, +49 151 40040478 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Director: Christoph Girardet/Matthias Müller Script: Christoph Girardet/Matthias Müller Production: Curtas Vila do Conde International Film Festival, Vila do Conde, Portugal, info@curtas.pt Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 46 59 01 53

Director: Christoph Girardet/Matthias Müller Script: Christoph Girardet/Matthias Müller Sound: Dirk Schäfer Production: Christoph Girardet, Hannover, Germany, girardet@freenet.de, +49 511 3881323, Matthias Müller, Bielefeld, mueller.film@t-online.de, +49 151 40040478 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Eine Kindheit in den 60-er Jahren. Im Schrank schlägt ein Herz. Stimmen regnen auf die Stadt hinunter. Auf dem Mars wächst ein Baum. Es ist ein Wunder. A childhood in the '60s. A heart beats in the cabinet. Voices rain down on the city. A tree grows on planet Mars. It’s a miracle.

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Alle Schauplätze liegen am Meer: Rund um die Welt gefilmte Aussenaufnahmen, ergänzt durch Spielfilmmotive und einen aus dem Off gesprochenen Text, verschmelzen zu einem neuen, imaginären Ort der Erwartung. «Beacon» is a montage of location shots filmed at different places around the world, each of them located by the sea. Seamlessly combining travelogue footage and appropriated clips from feature films, «Beacon» produces a new, imaginary place of expectation.

Abschied und Ankunft, Ende und Neubeginn, Exotismus und Abenteuerlust, Fernsicht und Introspektion: In «Locomotive» werden Einstellungen aus Hunderten Spielfilmen auf drei nahtlos nebeneinanderliegenden Projektionen zu einer Geisterfahrt durch mediale Reste. Departure and arrival, endings and new beginnings, exoticism and thirst for adventure, broad perspective and introspection: in «Locomotive», three adjacent projections combine shots from hundreds of movies into a phantom ride through media leftovers.


Fabric

Mirror

Cut

Germany/Netherlands 2014, 9'30", digital file, b/w, no dialogue, Exp

Germany 2003, 8', digital file, colour, no dialogue, Exp

Germany 2013, 13', digital file, colour and b/w, no dialogue, Exp

Director: Christoph Girardet Script: Christoph Girardet Production: EYE Film Institute Netherlands, Amsterdam, Netherlands, international@eyefilm.nl, +31 20 12 51 84 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

«Fabric» basiert auf aussortiertem Schnittmaterial für einen holländischen Industriefilm über Viskose aus dem Jahr 1949, der nicht mehr existiert. Die laufenden Nummern auf den Filmklappen rekonstruieren die originale Dramaturgie mit dem übrig gebliebenen Kameramaterial: Vor- und Nachläufe, aussortierte Wiederholungen, abgebrochene Einstellungen. Abwesend sind die Bilder, die offenbar für den Originalfilm verwendet wurden, diese Lücken sind auf der Tonspur gekennzeichnet, die ansonsten stumm bleibt. «Fabric» is a montage based on remaining workprints from a 1949 Dutch corporate film about viscose that no longer exists. The leftovers only show preliminary footage, faulty repetitions, and aborted takes – footage that was thrown out. All the parts that were probably used in the final film are missing, and the gaps are marked with beeps on the otherwise silent soundtrack.

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Director: Christoph Girardet/Matthias Müller Script: Christoph Girardet/Matthias Müller Cast: Elisabeth Masé/Nedzad Mrculic Production: Christoph Girardet, Hannover, Germany, girardet@freenet.de, +49 511 3881323, Matthias Müller, Bielefeld, mueller.film@t-online.de, +49 151 40040478 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Director: Christoph Girardet/Matthias Müller Script: Christoph Girardet/Matthias Müller Production: Christoph Girardet, Hannover, Germany, girardet@freenet.de, +49 511 3881323, Matthias Müller, Bielefeld, mueller.film@t-online.de, +49 151 40040478 Distribution: Light Cone, Paris, France, lightcone@lightcone.org, +33 1 4659 0153

Eine Frau, ein Mann, Gäste einer Abendgesellschaft. Schauplätze, die sich zunehmend leeren, Überreste eines Geschehens, Blicke, die ihren Gegenstand verloren haben. Eingefrorene Tableaus werden allein vom Licht belebt, das Verbindungen herstellt, die Figuren aber gleichzeitig isoliert und vom sie umgebenden Raum loslöst. Wie eine Spiegelachse verläuft ein Riss durch die Bildmitte, der die Motive sowohl trennt als auch vereint. «Mirror» kreiert ein Stimmungsbild eines Dazwischen, einer Sphäre zwischen Zusammengehörigkeit und Vereinzelung.

Der Körper als Wunde, die nicht heilt.

A woman, a man, guests at an evening party. Settings that gradually empty out, the remains of an event, gazes that have lost their object. Frozen tableaus are animated solely by light, which creates connections but at the same time isolates the characters from the surrounding space. Like the axis of a mirror, a crack runs through the centre of the image, simultaneously separating and uniting the motifs. «Mirror» creates an atmospheric image of an interstitial space, a sphere between belonging and isolation.

Christoph Girardet was born in Langenhagen, Germany, on November 24, 1966. He lives and works in Hannover. Matthias Müller was born in Bielefeld, Germany, on March 29, 1961. He lives and works in Bielefeld and Cologne. Girardet and Müller have been working in film, video, and photography since 1987 and 1980, respectively, and they have realised various joint projects since their «Phoenix Tapes» in 1999. Their work has been screened at major film festivals and exhibited at art institutions worldwide.

The body as a wound that never heals.


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5x5x5

5 Directors 5 Conflict Areas 5 Documentaries A joint project by Ivana Lalovic, Langfilm / Bernard Lang AG, ZHdK Zürcher Hochschule der Künste, HSLU Hochschule Luzern – Design & Kunst, Kurzfilmtage Winterthur Runtime 90’ November 7, 2015, 17:00 Theater Winterthur

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5x5x5 Im Jahr 2011 haben 5 Regisseure und Regisseurinnen aus 5 Kontinenten 5 Kurzfilme in und über Winterthur gedreht und damit 5 unerwartete und sehr persönliche Blicke auf die Stadt geworfen. Die Premiere an den Kurzfilmtagen war restlos ausverkauft, sodass kurzfristig eine Zusatzvorstellung programmiert wurde. In diesem Jahr findet 5x5x5 zum zweiten Mal statt, diesmal mit vier Regisseurinnen und einem Regisseur aus Krisengebieten, die in den letzten Monaten leider stetig in den Nachrichten waren: Layla Abyad kommt aus Syrien, Sahera Dirbas aus Palästina, Naama Noach aus Israel, Dmytro Tiazhlov aus der Ukraine und Alina Rudnitskaya aus Russland. Ihre Kurzfilme liefen weltweit an zahlreichen renommierten Filmfestivals. Nun kommen sie für 5 Wochen nach Winterthur und in dieser kurzen Zeit müssen sie recherchieren, drehen, schneiden und den Film fertigstellen. Die diesjährige Themenvorgabe heisst: «Im Exil». Unterstützt werden sie dabei von lokalen Mentoren sowie Studenten und Studentinnen und Dozierenden der Zürcher Hochschule der Künste, der Hochschule Luzern und der FFTON. Bei der ersten Ausgabe wurde der letzte Film zwölf Stunden vor der Premiere fertig. Die knappe Produktionszeit zwingt zu kreativen Entscheidungen, was auch die Einzigartigkeit der Filme ausmachen wird. Auch in diesem Jahr werden 5 spannende und eigenwillige Kurzfilme entstehen und 5 ungewöhnliche Blicke auf Winterthur und die Schweiz werfen. Das Ergebnis werden wir am 7. November 2015 im Theater Winterthur sehen. Olivier Zobrist, Ivana Lalovic Eine Zusammenarbeit von:

Mit grosszügiger Unterstützung von: S. Eustachius-Stiftung éducation21 / Filme für eine Welt

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Die 5 Filmemacher Dem Entscheid, welche Filmemacherinnen und Filmemacher für 5x5x5 in die Schweiz geladen werden, ging ein intensives Auswahlverfahren voraus. Am Ende fiel der Entscheid auf Layla Abyad, Sahera Dirbas, Alina Rudnitskaya, Dmytro Tiazhlov und Naama Noach.

Layla Abyad (Syrien) Die mehrfach ausgezeichnete Regisseurin empfahl sich unter anderem durch ihren Film «The Syrian War Zone Kids That Have Lost Their Innocence» (2012). Layla wurde 1983 geboren und stammt aus Damaskus (Syrien). Heute lebt und arbeitet sie vorwiegend in Deutschland. Sahera Dirbas (Palästina) Mit ihren Filmen «Jerusalem Bride» (2010) und «Stranger in my Home» (2007) lief Sahera an zahlreichen internationalen Festivals, darunter auch am internationalen Film Festival Dubai. Sahera wurde 1964 geboren und stammt aus Palästina. Heute lebt und arbeitet sie in Palästina und Italien. Alina Rudnitskaya (Russland) Mit ihren Dokumentarfilmen «Blood» (2013), «Vixen Academy: How To Be a Bitch» (2008) oder «Civil Status» (2005) bewies Alina, dass sie ein Gespür für bewegende, zuweilen absurde Geschichten hat. Alina wurde 1976 geboren und stammt aus dem Landkreis Murmansk. Heute lebt und arbeitet sie in St. Petersburg. Dmytro Tiazhlov (Ukraine) Der 1976 geborene Dmytro Tiazhlov stammt aus Dneprodzerzhinsk (östliche Ukraine). Von ihm dürfen wir eine feinfühlige Kameraarbeit erwarten, wie wir sie aus seinem Film «Cornered» (2013) kennen. Heute lebt und arbeitet Dmytro in Kiew, wo er mitunter an der Hochschule für Film und Fernsehen unterrichtet. Naama Noach (Israel) Naama Noach ist in Israel geboren und aufgewachsen. Mit einem Background in Tanz, Musik und bildender Kunst macht sie seit 2012 vermehrt auch Dokumentarfilme. Heute lebt und arbeitet Naama in Tel Aviv, wo sie im November 2015 ihren Master in Cinema und Films an der Tel Aviv University beginnen wird.

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Kamera: Studentinnen und Studenten der ZHdK Schnitt: Studentinnen und Studenten der HSLU Ton: Studentinnen und Studenten der FFTON


5x5x5 In 2011, 5 directors from 5 continents shot 5 documentaries in Winterthur, providing unexpected and very personal views of the city. The premiere at the Short Film Festival was completely sold out so that an additional screening was arranged at short notice. This year will see the second edition of 5x5x5, this time with 5 directors (4 female, one male) from conflict areas that have been in the news all too frequently over the past months: Layla Abyad from Syria, Sahera Dirbas from Palestine, Naama Noach from Israel, Dmytro Tiazhlov from Ukraine, and Alina Rudnitskaya from Russia. Their short films have been screened at numerous renowned festival worldwide. Now they are coming to Winterthur for 5 weeks, and in this short time, they have to research, shoot, edit, and complete their films. This year’s theme is «In Exile». They will work with local mentors as well as with students and lecturers of the Zurich University of the Arts, the Lucerne University of Applied Sciences and Arts, and the School of Sound Engineering. At the last edition, one of the films was completed only twelve hours before the premiere. Such a tight schedule demands creative decisions, which produce unique films. We expect another selection of fascinating and unconventional short films offering unusual views of Winterthur and Switzerland. We will see the result on November 7, 2015 at Theater Winterthur. Olivier Zobrist, Ivana Lalovic

A joint project by Langfilm / Bernard Lang AG, ZHdK Zürcher Hochschule der Künste, HSLU Hochschule Luzern, Internationale Kurzfilmtage Winterthur Financial support: Zürcher Filmstiftung, Direktion für Entwicklung und Zusammenarbeit DEZA, S. Eustachius-Stiftung, éducation21 / Filme für eine Welt, Ernst Göhner Stiftung, Stadt Winterthur, Katholische Kirche im Kanton Zürich

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The 5 Filmmakers An intense selection process preceded the decision of which filmmakers to invite to Switzerland for 5x5x5. In the end, Layla Abyad, Saher Dirbas, Alina Rudnitskaya, Dmytro Tiazhlov, and Naama Noach were chosen.

Layla Abyad (Syria) The multi-award-winning director distinguished herself with «The Syrian War Zone Kids That Have Lost Their Innocence» (2012), among others. Layla was born in Damascus, Syria, in 1983. Today, she lives and works primarily in Germany. Sahera Dirbas (Palestine) Sahera’s films «Jerusalem Bride» (2010) and «Stranger in My Home» (2007) were shown at many international festivals, including Dubai International Film Festival. Sahera was born in Palestine in 1964. She lives and works in Palestine and Italy. Alina Rudnitskaya (Russia) With documentaries such as «Blood» (2013), «Vixen Academy: How To Be a Bitch» (2008), or «Civil Status» (2005), Alina has demonstrated a keen sense for moving as well as absurd stories. Alina is from Murmansk and was born in 1976. She now lives and works in St. Petersburg. Dmytro Tiazhlov (Ukraine) Dmytro Tiazhlov, born 1976, is from Dneprodzerzhinsk (eastern Ukraine). We can expect delicate camerawork from Dmytro, as seen in his film «Cornered» (2013). Today, he lives and works in Kiev, where he sometimes teaches at the University of Theatre, Film and Television. Naama Noach (Israel) Naama Noach was born and raised in Israel. With a background in dance, music, and visual arts, Naama has increasingly been making documentary films since 2012. She now lives and works in Tel Aviv, where she will begin a Master in Cinema and Film at Tel Aviv University in November 2015.

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Camera: students of the Zurich University of the Arts Editing: students of the Lucerne University of Applied Sciences and Arts Sound: students of the FFTON (School of Sound Engineering)


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Einzelprogramme Individual Programmes

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‘Every Picture Comes out Right’: Rare Early Warhol Shorts Curated by: Claire Henry, Tom Kalin

Runtime 52’ November 8, 2015, 17:00 Casino Festsaal

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«Every Picture Comes Out Right»: Rare Early Warhol Shorts Der erste Teil dieses Programms markiert die europäische Premiere von vier der fünf Titel, die bis zu ihrer vollständigen Restaurierung 2013 nicht öffentlich zu sehen waren. All fünf dieser raren Stummfilme entstanden im Sommer und Herbst 1963, parallel zu den bekannten Filmen «Sleep» und «Tarzan and Jane Regained, Sort Of...». «Henry in the Bathroom» ist ein Porträtfilm, der den Metropolitan-Museum-Kurator Henry Geldzahler im Badezimmer zeigt, wie er mit amüsanter Souveränität Körperpflegerituale ausführt. In «Joe Jones» sehen wir Fluxus-Künstler und Avantgarde-Musiker Joe Jones mit einer seiner Musikmaschinen rumspielen, im hell ausgeleuchteten Loft von Tänzer, Choreograf und Theaterdirektor James Waring. Der Kurzfilm «Untitled (Rosenquist at Work)» ist teilweise dem Popkünstler James Rosenquist bei der Arbeit im Studio gewidmet. Weitere Sequenzen beinhalten eine Gruppenszene mit Dichter John Giorno (dem Star von «Sleep»), Maler und Filmemacher Wynn Chamberlain sowie Factory-Assistent und Dichter Gerard Malanga, gut gelaunt beim Kaffee in Warhols Stadthaus. «Kenward Elmslie» ist eine häusliche Szene mit New-York-School-Dichter Kenward Elmslie, der hier einen Braten zubereitet und seinen Windhund Whippoorwill füttert. «Elvis at Ferus» dokumentiert Warhols Ausstellung mit Bildern von Elvis und Liz Taylor in der Ferus Gallery in L.A. (1963). Warhol animiert die aufgehängten Elvisse, indem er sich in der Mitte des Raumes mit seiner Kamera im Kreis dreht und den Bildern so die zusätzliche Dimension filmischer Dauer verleiht. Andy Warhol scherzte nicht unbedingt, als er 1967 in einem Interview sagte: «Ich wollte nie Maler werden; ich wollte Steptänzer werden.» Im Modern Dance Club an der Carnegie Tech war er der einzige Junge gewesen, und als er nach New York zog, lebte er mit dem Maler Philip Pearlstein und der Tänzerin Francesca Boas zusammen. Seine frühen Zeichnungen aus den 1950er-Jahren, die an Cocteau erinnern, zeugen von seiner Obsession mit Persönlichkeiten des Modern Dance und des Balletts. Wie zuvor schon Cage und Cunningham, gemäss deren Überzeugung «Kunst auf dieselbe Weise wie das Leben funktioniert», so mied auch das Judson Dance Theater traditionelle Technik zugunsten von Bewegungen, die dem Alltag entliehen waren. «Jill and Freddy Dancing» von 1963 zeigt Judson-Tanzlegende Herko und Village-Voice-Kritikerin Jill Johnson beim Tanz auf Wynn Chamberlains Dach in Manhattan. Die 30-Meter-Filmrolle beginnt mit einer Totalen, und mit dem Runterkurbeln der stummen Bolex-Kamera erscheinen die letzten

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quirligen Fetzen in Grossaufnahme, mit leichtem Zeitraffer beschleunigt. Ähnlich wie andere reduzierte Warhol-Filme dieser Periode schafft «Shoulder» (1964) ein monumentales Ereignis aus der minimalen Landschaft von Tänzerin Lucinda Childs’ Schulter. Wir sehen das hypnotische Heben und Senken ihres atmenden Oberkörpers im gestreiften Trägerhemd, verlangsamt durch die Projektionsgeschwindigkeit von 16 Bildern pro Sekunde – und dann das zuckende Drama ihrer Schultermuskeln, die sich an- und entspannen. «Jill Johnston Dancing», Anfang 1964 in der kürzlich versilberten Factory entstanden, kombiniert fünf mit Handkamera gefilmte 30-MeterRollen. Während die Katze von Factory-Fotograf Billy Name ein und aus geht (und wir Billy flüchtig beim Fotografieren erblicken), tanzt Jill mit Wischlappen und Eimer, in gestreiftem Trägerhemd, Strumpfhosen und hohen Lederstiefeln. Tom Kalin, Claire Henry

mit freundlicher Unterstützung von / with kind support of

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«Every Picture Comes Out Right»: Rare Early Warhol Shorts The first part of this programme will mark the European premiere of four of these five titles, which were not seen publicly until preservation was completed in 2013. All five of these rare silent films date from the summer and fall of 1963 and were filmed concurrently with the well-known «Sleep» and «Tarzan and Jane Regained, Sort Of...». «Henry in the Bathroom» is a portrait film of Metropolitan Museum curator Henry Geldzahler performing grooming rituals with amusing aplomb in his bathroom. «Joe Jones» captures Fluxus artist and avant-garde musician Joe Jones fiddling with one of his music machines in the starkly lit loft of dancer, choreographer, and theatre director James Waring. «Untitled (Rosenquist at Work)» is a short film partially dedicated to capturing the Pop artist James Rosenquist active in his studio. Other sequences include a group scene with poet John Giorno, the star of «Sleep», painter and filmmaker Wynn Chamberlain, and Factory assistant and poet Gerard Malanga laughing over coffee in Warhol’s townhouse. «Kenward Elmslie» is a short film featuring New York School poet Kenward Elmslie in a domestic scene, preparing a roast and feeding his Italian greyhound Whippoorwill. «Elvis at Ferus» documents Warhol’s 1963 exhibition of Elvis and Liz Taylor canvasses at the Ferus Gallery in L.A. Standing in the middle of the room and spinning around with his camera, Warhol animates the hung Elvises, giving them the added dimension of cinematic duration. When Andy Warhol said in a 1967 interview, «I never wanted to be a painter; I wanted to be a tap-dancer», he wasn’t exactly kidding. He’d been the only boy in the Modern Dance Club at Carnegie Tech, and when he moved to New York, he lived with painter Phillip Pearlstein and dancer Francesca Boas. His early 1950s drawings, reminiscent of Cocteau, trace his obsession with modern and ballet dance personalities. Anticipated by Cage and Cunningham (among others) and their belief that «art can operate in the manner of life», the Judson Dance Theater eschewed traditional technique in favour of movement borrowed from the everyday. The luminous «Jill and Freddy Dancing», from 1963, finds Judson dance legend Herko and Village Voice critic Jill Johnston dancing on Wynn Chamberlain’s Manhattan rooftop. A wide shot begins the 100-foot film, and as the silent Bolex camera winds down, the last effervescent slivers quicken, in close-up, slightly under-cranked. Reminiscent of other pared-down Warhol films of this period, «Shoulder» (1964) makes a monumental event out of the minimal

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landscape of dancer Lucinda Childs’ shoulder. Her torso clad in a striped tank, we watch the mesmeric rise and fall of her breathing slowed by the 16-frame-per-second projection speed – and then the convulsive drama of her shoulder muscles as they flex and release. «Jill Johnston Dancing», filmed early in 1964 with the recently silvered Factory as a backdrop, combines five handheld 100-foot reels. While Factory photographer Billy Name’s cat wanders in and out (and we briefly glimpse Billy shooting photographs), Jill dances with a mop and mop bucket, clad in a striped tank, leotards, and high leather boots. Tom Kalin, Claire Henry

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Henry in the Bathroom

Joe Jones

USA 1963, 4'30", 16 mm, b/w, no sound, Exp

USA 1963, 4'30", 16 mm, b/w, no sound, Exp

Director: Andy Warhol Photography: Andy Warhol Cast: Henry Geldzahler Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Director: Andy Warhol Photography: Andy Warhol Cast: Joe Jones Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Dieser Warhol-Kurzfilm zeigt Henry Geldzahler, Kurator am Metropolitan Museum of Art, bei der Körperpflege im Badezimmer.

Fluxus-Künstler und AvantgardeMusiker Joe Jones spielt mit einer seiner Musikmaschinen herum im hell ausgeleuchteten Loft von Tänzer, Choreograph und Theaterdirektor James Waring.

This Warhol portrait shows Metropolitan Museum of Art curator Henry Geldzahler grooming himself in his bathroom.

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Fluxus artist and avant-garde musician Joe Jones fiddles with one of his music machines in the starkly lit loft apartment of dancer, choreographer, and theatre director James Waring.

Untitled (Rosenquist at Work) USA 1963, 4', 16 mm, b/w, no sound, Exp Director: Andy Warhol Photography: Andy Warhol Cast: James Rosenquist/Gerard Malanga/Wynn Chamberlain/John Giorno Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Pop-Künstler James Rosenquist ist beim Malen in seinem Studio zu sehen. Warhol-«Stammgäste» John Giorno, Wynn Chamberlain und Gerard Malanga treten ebenfalls in Erscheinung. Pop artist James Rosenquist is seen painting in his studio, while Warhol regulars John Giorno, Wynn Chamberlain, and Gerard Malanga also make appearances.


Kenward Elmslie

Elvis at Ferus

Shoulder

USA 1963, 4'30", 16 mm, b/w, no sound, Exp

USA 1963, 4', 16 mm, b/w, no sound, Exp

USA 1964, 4'16", 16 mm, b/w, no sound, Exp

Director: Andy Warhol Photography: Andy Warhol Cast: Kenward Elmslie/Whippoorwill Production: Andy Warhol, Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Director: Andy Warhol Photography: Andy Warhol Cast: Irving Blum/John Coplans Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Director: Andy Warhol Photography: Andy Warhol Cast: Lucinda Childs Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Ein Film zu Warhols Ausstellung mit Bildern von Elvis in der Ferus Gallery in Los Angeles, 1963. Kurz vor Ausstellungs-Eröffnung gedreht, zeigt er die Galerie leer von Besuchern, mit allen Bildern an ihrem Platz. Der Film beginnt mit Aussenaufnahmen der Galerie und führt dann ins Innere, um die Ausstellung zu dokumentieren.

Eine Nahaufnahme von der Schulter der postmodernen Tänzerin und Choreografin Lucinda Childs, am selben Tag gedreht wie ihr «screen test» in der Factory. Die dichte Komposition abstrahiert und verfremdet die kraftvolle Form der Tänzerin.

Eine liebevolle, häusliche Szene mit New-York-School-Dichter Kenward Elmslie, der einen Braten zubereitet und seinen italienischen Windhund Whippoorwill füttert. A tender domestic scene in which the New York School poet Kenward Elmslie prepares a roast and feeds his Italian greyhound Whippoorwill.

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A film of Andy Warhol’s 1963 exhibition of Elvis canvasses at the Ferus Gallery in Los Angeles. Shot just before the exhibition opened, with all the paintings in place and the gallery empty of visitors. The film begins with a few shots of the exterior of the gallery, then moves inside to document the exhibition.

Close shot capturing the shoulder of postmodern dancer and choreographer Lucinda Childs, shot on the same day as her screen test at the Factory. The tight composition of the shot abstracts and defamiliarises the performer’s powerful form.


Jill and Freddy Dancing

Jill Johnston Dancing

USA 1963, 4'30", 16 mm, b/w, no sound, Exp

USA 1964, 22', 16 mm, b/w, no sound, Exp

Director: Andy Warhol Photography: Andy Warhol Cast: Jill Johnston/Freddy Herko Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Director: Andy Warhol Photography: Andy Warhol Cast: Jill Johnston Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Vor dem Hintergrund der Skyline von Manhattan tanzt Freddy Herko, Mitglied des Judson Dance Theater, mit Autorin und Kulturkritikerin Jill Johnston auf Wynn Chamberlains Dach.

Ein «Home Movie» von Kulturkritikerin Jill Johnston beim Solotanz in Warhols Factory-Studio, Anfang 1964 gedreht. Johnston improvisiert eine postmoderne Nummer mit Requisiten aus der Factory: ein Holzwagen, ein Brot, eine Packung Milch, ein Besen und eine Banane.

Against a backdrop of the Manhattan skyline, Judson Dance Theater company member Freddy Herko and author and cultural critic Jill Johnston dance together on Wynn Chamberlain’s rooftop.

Alle Bilder / all images © 2015 The Andy Warhol Museum, Pittsburgh, PA, a museum of Carnegie Institute. All rights reserved.

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A «home movie» of cultural critic Jill Johnston dancing solo in Warhol’s Factory studio from early 1964. Johnston improvises a postmodern routine using props from the Factory: a wooden dolly, a loaf of bread, a carton of milk, a broom, and a banana.

In the five years during which Warhol worked intensively as a filmmaker, from 1963-1968, he produced hundreds of films, including nearly 500 4-minute «Screen Tests», dozens of unreleased features, and more than 60 released titles, ranging from blackand-white silent works to scripted, feature-length colour films.


99 YE S OF DADA: In Dialogue with the Present 193


99 J H E DADA: Im Dialog mit der Gegenwart Dada ist alles und nichts; Dada ist tot, Dada lebt; Dada ist ein gut gemeinter Widerspruch, der beabsichtigt ist und sich bis heute durch die Literatur zu diesem Thema zieht. Das Cabaret Voltaire, damals auch «Künstlerkneipe» genannt, eröffnete am 5. Februar 1916 in Zürich. Es war der Ort für Experimente, wo Künstlerinnen und Künstler – darunter Flüchtlinge, Deserteure, Pazifisten – zusammenfanden und Dada ins Leben riefen. Vor 99 Jahren legte eine Gruppe von Menschen fest, dass keinen Regeln mehr zu folgen war, weder künstlerischen noch gesellschaftlichen, mit einer Anti-Haltung, die das Nichts proklamierte. Oder um es mit den Worten von Greil Marcus zu formulieren: «Dada was received as nonsense with a straight face, or maybe vice versa». Die Gruppe veranstaltete Soireen, welche vom absurden Witz lebten, es fanden Lesungen von Lautgedichten sowie Tanzvorführungen statt, Kunstwerke wurden ausgestellt und Musik gespielt. Die Bewegung war heterogen und brachte keine bestimmte Kunstrichtung hervor – Poesie, Tanz, Fotografie, Collage, Film oder Malerei waren gleichbedeutend. Zwei Merkmale jedoch waren wegweisend für das 20. Jahrhundert und strahlen bis in die heutige Zeit hinein: Dada war virulent und global. In Berlin, Paris, New York, Madrid oder Amsterdam, gar auf dem Monte Verità oder in Tokio fand die Idee verschiedene Ausformulierungen – mal stark politisch und in Reaktion auf das Zeitgeschehen, mal spielerisch auf der Suche nach neuen Kunstformen. Die Publikation von Zeitschriften sowie die Organisation von Veranstaltungen und Aktionen waren ein wichtiges Mittel zur Verbreitung ihrer Ansichten. Dada war international ausgerichtet wie keine andere Avantgarde je zuvor. In Bezug auf das Filmschaffen war die Bewegung ein Nährboden für den Austausch von Ideen und führte zu fruchtbarem Zusammenarbeiten. Die Vorreiter des experimentellen Films Hans Richter und Viking Eggeling lernten sich 1918 in Zürich kennen und arbeiteten gemeinsam an einer Schrift über den abstrakten Film; der Regisseur und Schriftsteller René Clair, der Künstler Francis Picabia und der Komponist Eric Satie spannten 1924 für den dadaistischen Kurzfilm «Entr’acte» zusammen, um nur zwei Beispiele zu nennen. Auch im Film galt es Sehgewohnheiten zu hinterfragen, andere Realitäten zu erzeugen. Film war nicht das neutrale Medium, das Wahrheiten zeigte, sondern Spielereien erlaubte. Viele der damaligen Neuerungen gehören heute

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in den Kanon des Experimentalfilms: Dieses Ineinandergreifen soll mit der gezeigten Auswahl sichtbar gemacht werden. So treffen in den beiden Programmen alte, auf analogen Kopien gezeigte Werke auf neue filmische Experimente zeitgenössischer Autorinnen und Autoren. Die Ähnlichkeiten sind mal formal, unverkennbar bei «Jailbreak» und «Symphonie Diagonale», mal von atmosphärischer Natur, wie bei «How to Make Money Religiously» und «Emak Bakia». Oder es wird ein Thema aufgegriffen, an dem die Dadaistinnen und Dadaisten ihre helle Freude gehabt hätten, wie die choreografierte Prügelei in der Kneipe von Miranda Pennell. Aline Juchler

mit freundlicher Unterstützung von / with kind support of

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99 YE

S OF DADA, in Dialogue with the Present

Dada is everything and nothing; Dada is dead; Dada is alive; Dada is a wellmeaning contradiction, which is intentional and which pervades the literature on the topic to this day. The Cabaret Voltaire, also called «Künstlerkneipe» («artists’ joint») at the time, opened in Zurich on 5 February 1916. It was a place for experiments, where artists – including refugees, deserters, pacifists – assembled and gave birth to Dada. 99 years ago, a group of people determined that no rules were to be followed anymore, neither artistically nor socially, with an antiattitude proclaiming nothingness. Or, in the words of Greil Marcus: «Dada was received as nonsense with a straight face, or maybe vice versa». The group hosted evenings full of absurd humour, there were readings of sound poems, dance performances, art exhibitions, music. The movement was heterogeneous and did not favour a specific art form – poetry, dance, photography, collage, film, or painting were all equal. But two characteristics were seminal for the 20th century and resonate until this day: Dada was virulent and global. Its ideas were variously manifested in Berlin, Paris, New York, Madrid, or Amsterdam, even on Monte Verità or in Tokio – sometimes politically in reaction to current events, sometimes playfully in search of new art forms. The publication of magazines and the organisation of events and campaigns were important means of spreading the movement’s views. Dada had an international outlook like no avant-garde ever before. With respect to filmmaking, the movement proved a breeding ground for the exchange of ideas, leading to fruitful collaborations. Hans Richter and Viking Eggeling, pioneers of experimental film, met in Zurich in 1918 and worked on an essay on abstract film together; and director and writer René Clair, artist Francis Picabia, and composer Eric Satie joined forces for the Dadaist short film «Entr’acte» in 1924, to name but two examples. Like the other arts, film was to question common viewing patterns and to create different realities. It was not the neutral medium showing the truth, but one that allowed for playfulness. Many of the era’s innovations now belong to the canon of experimental film: to show this kind of intertwining of old and new is the aim of the selection presented here.

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In both programmes, works screened in old analogue copies are juxtaposed with new cinematic experiments by contemporary authors. The similarities are sometimes of a formal kind – unmistakeably in «Jailbreak» and «Symphonie Diagonale» – sometimes of an atmospheric nature, as in «How to Make Money Religiously» and «Emak Bakia». Or, the films address a topic that the Dadaists would have taken great delight in, such as the choreographed bar brawl in Miranda Pennell’s film. Aline Juchler

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99 YE S OF DADA: In Dialogue with the Present I Curated by: John Canciani, Aline Juchler

Runtime 70’ November 6, 2015, 14:30 Casino Festsaal

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© Light Cone

Filmstudie Germany 1926, 5', 16mm, b/w, no dialogue, Exp Director: Hans Richter Script: Hans Richter Photography: Hans Richter Editor: Hans Richter Distribution: LIGHT CONE, Paris, France, lightcone@lightcone.org, + 33 1 46 59 01 53

Hans Richters bahnbrechender DadaFilm «Filmstudie» war ein früher Versuch, dadaistische Ästhetik und Abstraktion zu kombinieren. 1926 entstanden, präsentiert der Film dem Publikum eine verwirrende Collage aus unheimlichen falschen Augäpfeln, verzerrten Gesichtern und abstrakten Formen. Hans Richter’s pioneering Dada work «Filmstudie» was an early attempt at combining Dadaist aesthetics and abstraction. Made in 1926, Richter’s film presents the viewer with a disorientating collage of uncanny false eyeballs, distorted faces, and abstract forms. Hans Richter (1888–1976) was an experimental film pioneer, graphic designer, art theorist, painter, and publisher. He was part of the Dada movement in Zurich. He is known for the first abstract films such as «Rhythmus 21» (1921), «Rhythmus 23» (1923), and «Vormittagsspuk» (1927).

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Häivähdys elämää / Gates of Life

Emak Bakia

Finland 2012, 6', 35mm, colour, no dialogue, Exp/Doc

Director: Man Ray Script: Man Ray Photography: Man Ray Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

Director: Hannes Vartiainen/Pekka Veikkolainen Script: Hannes Vartiainen/Pekka Veikkolainen Photography: Hannes Vartiainen/ Pekka Veikkolainen Editor: Hannes Vartiainen/Pekka Veikkolainen Sound: Joonatan Portaankorva Production: Pohjankonna Oy, Helsinki, Finland, Hannes Vartiainen, hannes@pohjankonna.fi, +35 8503209050 Distribution: Finnish Film Foundation, Helsinki, Finland, Suvi Paavola, suvi.paavola@ses.fi

Augenblicke des Lebens und Bilder von vorbeigehenden Passanten verschwimmen vor den Augen des Betrachters zu surrealen Welten, deren wahre Natur sich häufig erst auf den zweiten Blick erschliesst. Brief moments of life stolen from passersby blur into a surreal sequence of events, which only reveal their true nature on second sight. Hannes Vartiainen (born 1980) has a background in film. Pekka Veikkolainen (born 1982) has worked in the fields of animation and illustration since 2000. The two started their own production company in 2008. Recent films are «Emergency Calls» (2013), «Gates of Life» (2012), «The Death of an Insect» (2010), and «Hanasaari A» (2009).

France 1926, 18', 16mm, b/w, no dialogue, Exp

«Emak Bakia» (baskisch «lass mich allein») trägt den Untertitel «cinépoème». Der Film stellt Techniken zur Schau, die Man Ray auch in der Standfotografie verwendete, wie etwa Rayographie, Doppelbelichtung oder Weichzeichner. Fluide mechanische Bewegungen, rotierende Objekte, Alltagsgegenstände, die zweckentfremdet werden. Emak Bakia (Basque for «leave me alone») is subtitled a «cinépoème». It features techniques that Man Ray also used in his still photography, including «rayography», double exposure, or soft focus. Fluid mechanical motions, rotating artifacts, everyday objects rendered useless. Man Ray (1890-1976) was a photographer, painter, and experimental filmmaker known for his collaborations and friendships with avant-garde artists – including the Dadaists – in Paris and New York.


© Courtesy of Laure Prouvost and LUX, London.

© Light Cone

© Light Cone

How To Make Money Religiously

brouillard passage #14

Symphonie Diagonale

United Kingdom 2014, 17'38", digital file, colour, English, Exp

Canada 2014, 10', 35mm, colour, no dialogue, Exp

Director: Laure Prouvost Script: Laure Prouvost Photography: Laure Prouvost Editor: Laure Prouvost Sound: Laure Prouvost Production/Distribution: LUX, London, United Kingdom, Alice Lea, distribution@lux.org.uk, +44 207 503 3980

Director: Alexandre Larose Script: Alexandre Larose Photography: Alexandre Larose Editor: Alexandre Larose Production: Alexandre Larose, alex_larose@hotmail.com Distribution: LIGHT CONE, Paris, France, lightcone@lightcone.org, + 33 1 46 59 01 53

Director: Viking Eggeling Distribution: LIGHT CONE, Paris, France, lightcone@lightcone.org, + 33 1 46 59 01 53

Zwei leicht verschiedene Versionen desselben Werks werden nacheinander in einem Loop gespielt und erzeugen so einen Déjà-vu-Effekt. Mittels der Möglichkeiten und Probleme von Erinnerung und Vergessen thematisiert das Stück die willkürlichen Unterschiede zwischen Macht und Besitz.

Ein Weg, der sich vom Garten meiner Familie nach Lac-Saint-Charles (Québec) erstreckt, in mehreren Schichten verdichtet.

Two slightly altered versions of the same piece play sequentially in a loop, creating a moment of deja-vu. Centering on the problems and possibilities of memory and forgetting, the piece addresses the arbitrary distinctions that can be ascribed to power and possession.

Alexandre Larose is a French-Canadian artist based in Montreal. While completing a bachelor in mechanical engineering in 2001, Larose became interested in cinematography as a tool to reconfigure temporal experiences. His work has been screened internationally since 2006.

Laure Prouvost (born 1978) studied at Goldsmiths College and Central Saint Martins, London. Her recent solo presentations include Whitechapel Gallery in London and Collezione Maramotti in Reggio Emilia. She was awarded the Turner Prize and was a featured artist at the Internationale Kurzfilmtage Oberhausen.

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A path that extends from my family's backyard into Lac-Saint-Charles (Québec City), condensed in multiple layers.

Sweden 1923, 6'40", 16 mm, b/w, no dialogue, Exp

Ein kosmischer Tanz abstrakter Figuren – Raum und Zeit erscheinen interaktiv. Der Film zeigt die Entstehung von Formen, asymmetrische Transformationen, rotierende Symmetrien, Umkehrungen und Wiederholungen und evoziert so die Prinzipien musikalischer Komposition. A cosmic dance of abstract figures – time and space seem interactive. The film shows the emergence of shapes, asymmetric transformations, symmetries in rotation, inversions and repetitions, thus evoking the principles of musical composition. Viking Eggeling (1889–1963) was an experimental film pioneer, painter, and part of the Dada movement in Zurich and Berlin. He is known for his experimental, abstract films «Horizontal-Vertikal-Messe» (now lost) and his absolute film «Diagonal-Symphonie», which premiered in Berlin in 1923.


Jailbreak

Burning Star

Netherlands 2011, 2'39", digital file, b/w, no dialogue, Ani

USA 2011, 4', digital file, colour, no dialogue, Exp

Director: Guusje Kaayk Script: Guusje Kaayk Production: NIAF, Tilburg, Netherlands, niaf@niaf.nl, +31 13 5324070 Distribution: KLIK! Distribution Service, Tilburg, Netherlands, ursula@klikamsterdam.nl, +31 6 20689423

Die Choreografie in «Jailbreak» ist von der gleichnamigen Musik von Eric Vloeimans/Gatecrash inspiriert und wird von Fünfecken mit je eigener Identität aufgeführt. Skurrile furchterregende Töne wechseln sich mit runden, organischen Klängen ab, welche das Merkmal des Tanzes sind. The choreography for «Jailbreak» is inspired by the eponymous music of Eric Vloeimans/Gatecrash and is performed by pentagons, each with their own identity. Whimsical, terrifying tones alternate with rounded, organic sounds, which are the hallmark of the dance. Guusje Kaayk (born 1950) studied at the Academy of Industrial Design in Eindhoven and has worked as an artist since 1973. Recent films are «Secunde» (2009), «Being and Nothingness» (2010), «Victory» (2010), and «Birds» (2010).

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Director: Joshua Gen Solondz Production/Distribution: CFMDC, Toronto, Canada, Aimée Mitchell, bookings@cfmdc.org, +1 416 588 0725

Für meinen Vater, der wollte, dass ich ein bunteres Werk schaffe. «Burning Star» entstand während meiner Zeit im (nicht mehr existierenden) Experimental Television Center und ist eine farbenfreudige Implosion/Explosion des zwölfseitigen Sterns. Der Titel bezieht sich auf Kenji Onishis «A Burning Star». – Joshua Gen Solondz Dedicated to my father, who asked that I make a more colourful work. Made during my residency at the now defunct Experimental Television Center, «Burning Star» is a colourful implosion/explosion of the twelve-sided star. The title refers to Kenji Onishi’s «A Burning Star». – Joshua Gen Solondz Joshua Gen Solondz is a media artist, filmmaker, and musician. He has shown work at venues including MoMA, Light Industry, UnionDocs, and the Harvard Film Archive. Josh has also screened at various festivals worldwide. Selected films: «Little Fountains» (2010), «Outsourcing» (2010), and «RED» (2011).


99 YE S OF DADA: In Dialogue with the Present II Curated by: John Canciani, Aline Juchler

Runtime 64’ November 8, 2015, 14:30 Casino Festsaal

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© Light Cone

Anémic Cinéma

21.04.02

Broken Tongue

France 1925, 8'25", digital file, b/w, no dialogue, Exp

France 2002, 9'40", digital file, colour, no dialogue, Exp

USA 2013, 3', 16 mm, colour and b/w, English, Exp

Director: Marcel Duchamp Distribution: LIGHT CONE, Paris, France, lightcone@lightcone.org, + 33 1 46 59 01 53

Dieser typisch dadaistische Film von Marcel Duchamp besteht aus einer Reihe visueller und verbaler Wortspiele, mit unsinnigen Schriftzügen und rotierenden Spiralen, die einen fast hypnotischen Effekt erzeugen. This characteristically dadaist film by Marcel Duchamp consists of a series of visual and verbal puns with nonsense phrases inscribed around rotating spiral patterns, creating an almost hypnotic effect. Marcel Duchamp (1887-1968) was a conceptual artist and painter, and is one of the central art figures of the 20th century. He was part of the Dada movement in New York and Paris, and was looking for anti-art even before Dada was founded in Zurich in 1916.

Director: Jean-Gabriel Périot Production/Distribution: Heure Exquise! Distibution, Mony-en-Baroeul, France, Thierry Destriez, contact@exquise.org, +33 3 20 432 432

Der Film sucht nach Antworten auf eine existenzielle Krise, hervorgerufen durch persönliche Gründe, doch vermischt mit einem Gefühl der Ohnmacht gegenüber politischen Entwicklungen – in diesem Fall die erste Runde der französischen Präsidentschaftswahlen am 21. April 2002, einer Wahl zwischen Pest und Cholera. The film tries to find answers to moments of deep existential crisis, caused by personal matters mixed with a feeling of impotence in view of political developments – in this case the first round of the presidential elections in France on 21 April 2002, a choice between pest and cholera. Jean-Gabriel Périot (born 1974) has worked in the fields of film and art since 2000. He is interested in the manipulative power of images, unafraid to address political matters through his films. Selected films: «We Are Winning Don't Forget» (2004), «Even if She Had Been a Criminal» (2006), «The Devil» (2012).

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Director: Mónica Savirón Photography: Mónica Savirón Editor: Mónica Savirón Sound: Mónica Savirón Cast: Tracie Morris Production/Distribution: Mónica Savirón, New York, USA, monicasaviron@gmail.com, +1 917 513 1319

Eine Ode an die Freiheit von Bewegung, Assoziation und Ausdruck, die unsere Art des Geschichtenerzählens herausfordert. Mit Bildern der Neujahrsausgabe der New York Times seit ihren Anfängen 1851 ist «Broken Tongue» ein aufrichtiger Tribut an AvantgardeKünstlerin Tracie Morris und ihr Gedicht «Afrika». An ode to the freedom of movement, association, and expression that challenges the way we represent our narratives. With images from the January 1st issues of The New York Times since its beginning in 1851, «Broken Tongue» is a heartfelt tribute to avant-garde performer Tracie Morris and to her poem «Afrika». Mónica Savirón has worked as a film writer, editor, and programmer. Her work explores the cinematic possibilities of sound and avant-garde poetics. With «To Begin With» (2012), she started her career as a filmmaker. We show «Broken Tongue» on 16mm for the first time.


© Light Cone

Komposition in Blau

Modern No. 2

Entr'acte

Germany 1935, 4', 16 mm, colour, no dialogue, Exp

Japan 2011, 4'10", digital file, colour, no dialogue, Ani

France 1924, 14', 16 mm, b/w, no dialogue, Exp

Director: Oskar Fischinger Production: Oskar Fischinger, Distribution: LLIGHT CONE, Paris, France, lightcone@lightcone.org, + 33 1 46 59 01 53

In diesem abstrakten Film ist jede Bewegung genau mit der Musik synchronisiert. In einer tiefblauen Umgebung treibt ein roter Würfel langsam über einen spiegelnden Boden, bis wir eine Vielzahl an Formen und Farben in Busby-Berkeley-artigen Formationen sehen. In this abstract film, every motion is strictly synchronised with the music. Within a deep blue environment, one red cube slowly drifts on a reflecting floor until we see a multitude of different shapes and colours moving in Busby Berkeley-like formations. Oskar Fischinger (1900-1967) was an abstract filmmaker and painter, known for creating abstract musical animations, decades before the appearance of computer graphics and music videos. Selected films: «Raumlichtkunst» (1926), «Kreise» (1933), «An Optical Poem» (1938).

Director: Mirai Mizue Script: Mirai Mizue Editor: Mirai Mizue Production/Distribution: CaRTe bLaNChe, Paris, France, hello@c-a-r-t-e-blanche.com, +33 9 70 44 03 71

Director: René Clair Script: René Clair/Francis Picabia Photography: Jimmy Berliet Cast: Jean Börlin/Inge Frïss/Francis Picabia/ Erik Satie/Marcel Duchamp/Man Ray Distribution: MoMA Museum of Modern Art, NY 10019, USA, Kitty Cleary, kitty_cleary@moma.org, +1 (212) 708-9532

In diesem scheinbar einfachen Animationsfilm, nur aus geraden Linien bestehend, die mit Bleistift auf ein kariertes Blatt Papier gezeichnet wurden, erwachen architektonische Details und an optische Täuschungen erinnernde Muster zu Leben. Eine kurze und reizvolle Arbeit, die durch den eindringlichen Soundtrack angetrieben wird.

«Entr'acte» ist ein Kurzfilm von René Clair aus dem Jahr 1924, der seine Premiere als Zwischenspiel einer Ballettproduktion am Théâtre des Champs-Elysées in Paris feierte. Die Musik für das Ballett wie auch für den Film stammt von Erik Satie, und Dadaist Francis Picabia war als Schauspieler und Autor involviert.

In this seemingly simple animation, which consists only of straight lines drawn with a pencil on a sheet of squared paper, architectural details and patterns that resemble optical illusions come to life. A short and appealing work driven by a powerful soundtrack.

«Entr'acte» is a 1924 French short film directed by René Clair, which premiered as an actual entr'acte for a ballet production at the Théâtre des Champs-Élysées in Paris. The music for both the ballet and the film was composed by Erik Satie, and the Dadaist Francis Picabia was involved as an actor and writer.

Mirai Mizue (born 1981) studied animation at Tama Arts University. He also works as an illustrator and provides drawings to some Japanese novelists. He is a member of the Japan Animation Association and a teacher at the O-HARA school.

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René Clair (1898–1981) was an infamous French director and writer; Francis Picabia (1879–1953) was one of the most important Dada collaborators and artists in Paris, New York, and Zurich; Erik Satie (1866–1925) was a composer and pianist, and an important figure in the avant-garde movement.


Courtesy of Miranda Pennell and LUX, London.

Symphony No. 42

Fisticuffs

Hungary 2013, 09'42", digital file, colour, no dialogue, Ani

United Kingdom 2004, 11', digital file, colour, English, Exp

Director: Réka Bucsi Sound: Péter Benjámin Lukács Production: Moholy Nagy University of Art and Design, Budapest, Hungary, szirtesjano@gmail.com, +36204499450 Distribution: Magyar Filmunió, Budapest, Hungary, Katalyn Vajado, kati.vajda@filmunio.hu, +36135177 60

Director: Miranda Pennell Script: Miranda Pennell Photography: Patrick Duval Editor: John Smith Sound: John Smith Cast: Adrian Ross-Jones/Edward Marsden/ Ian Bourn/Paul Benzig/Terry Kvasnik/ Clare McKenna/Kevin Rowntree/Johnny S' Production: Tracy Brass; Production Executive, Film London: Maggie Ellis Distribution: LUX, London, United Kingdom, Alice Lea, distribution@lux.org.uk, +44 207 503 3980

Der Film wendet eine unkonventionelle Erzählform an. In 47 Szenen stellt er eine subjektive Welt nach. Kleine Ereignisse, verflochten durch Anspielungen und Assoziationen, drücken den unlogischen Zusammenhalt unserer Umgebung aus. Die surrealen Situationen basieren auf Interaktionen zwischen Mensch und Natur. The film uses an unconventional narrative. It presents a subjective world through 47 scenes. Small events, interlaced by associations, express the irrational coherence of our surroundings. The surreal situations are based on the interactions between humans and nature. Réka Bucsi (born 1988) is a Hungarian independent animation filmmaker and illustrator. She studied at the Moholy-Nagy University of Art and Design (MOME) in Budapest (2008–2013). Films: «Mime Appétit» (2009), «Relish» (2010), and «Ron» (2012).

Sechs Schauspieler prügeln, treten und ringen sich durch den wilden Westen einer Kneipe in East London. Das Ritual dieser Bar-Prügelei wird in einen Londoner Arbeiterclub verlegt. Die Gewalt scheint keine Konsequenzen zu haben – die Körper der Schauspieler sind zäh und unverwundbar wie jene der TVWestern, die den Film inspiriert haben. Six actors punch, kick, and wrestle their way through the Wild West of an East London drinking establishment. The ritual of the Western bar-brawl is relocated to a London working men's club. The violence appears to have no consequences, with the actors' bodies being as rubbery and invulnerable as those in the TV Westerns that inspired the film. Miranda Pennell originally trained in contemporary dance and later studied visual anthropology at Goldsmiths (London). Her current practice reworks colonial photographic archives as a material for film. Prior to this, she produced a body of work exploring aspects of collective performance through film and video.

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When I Grow Up I Wanna Be a Gangsta Curated by: Senta van de Weetering, John Canciani

Runtime 84’ November 4, 2015, 17:00 Casino Festsaal November 6, 2015, 22:30 Casino Festsaal

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When I Grow up I Wanna be a Gangsta Gangster sind Bestandteil der Filmgeschichte seit ihren Anfängen. Solange der Production Code die hollywoodsche Filmindustrie bestimmte, waren sie mindestens in Amerika dazu verdammt, am Ende die Verlierer zu sein. Die Faszination, die sie auf das Publikum ausübten, schmälerte dies nicht, auch nicht ihren Einfluss auf die Modeindustrie. Der Mythos hat eine Fortsetzung gefunden im Gangster-Rap, dessen Protagonisten sich mit allen dazugehörigen Accessoires, von Kleidung über Waffen bis zu sexy Frauen, ausstatten. Was macht also den Gangster so attraktiv? Sind es wirklich «Wardrobe, worship, weapons and women», wie der Journalist Rich Jepson behauptet? Auf jeden Fall ist mit dieser Aufzählung ein wichtiges Detail benannt: Der Gangster ist männlich. Die Frau hat den gleichen Status wie das Auto oder die Waffe, die ihrerseits durchaus erotisch aufgeladen werden kann. Und: Lange Zeit war der Film-Gangster erfolgreich, es dauerte eine Weile, bis die Kleinganoven, diejenigen, denen das Leben nicht allzu viel Wahl lässt, deren Ganoventum mehr Elend als Glanz verströmt, zu Filmhelden wurden. Was also geschieht, wenn Gangster-Glamour mit der Realität kollidiert und diese sich als weit weniger glamourös erweist? Wenn jemand wegen zwanzig Dollar umgebracht wird? Wenn der Tod zur täglichen Realität gehört und das Gefängnis kein Filmelement, sondern ein Teil der eigenen Biografie ist? Ein Programm über Gangster-Träume und Ganoven-Albträume. Senta van de Weetering

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When I Grow up I Wanna be a Gangsta Gangsters have been a part of film history from its beginnings. As long as the Production Code governed Hollywood’s film industry, gangsters were doomed to lose at the end, at least in America. But that didn’t diminish their appeal for the audience, nor their influence on the fashion industry. The myth continues in today’s gangsta rap, whose protagonists adorn themselves with all the attendant accessories, from clothes through guns to sexy women. So what makes the gangster so attractive? Is it really «wardrobe, worship, weapons and women», as journalist Rich Jepson claims? In any case, the list points to an important detail: the gangster is masculine. Women have the same status as cars or weapons, which can be erotically charged, too. And: for a long time, movie gangsters were successful. It took a while for small-time crooks, who have few choices in life and whose criminal existence exudes more misery than glamour, to become movie heroes. What happens, then, if gangster glamour collides with a reality that turns out to be much less glamorous? If somebody is killed over twenty dollars? If death is everyday reality and jail not a cinematic fiction, but a part of one’s own biography? A programme about gangster dreams and trickster nightmares. Senta van de Weetering

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It's Not Just You, Murray!

M.I.A.: Bad Girls

Gangster Backstage

USA 2012, 3'48", digital file, English, Clip

USA 1964, 15', 16 mm, b/w, English, Fic

France/South Africa 2013, 37'38", digital file, colour, Afrikaans/English with English subtitles, Doc

Director: Romain Gavras Photography: André Chemetoff Production: Mourad Belkeddar Distribution: Universal Music Group, Zürich, Switzerland, Karlien Taeschler, karlien.taeschler@umusic.com

Director: Martin Scorsese Script: Martin Scorsese/Mardik Martin Photography: Richard H. Coll Editor: Eli F. Bleich Cast: Ira Rubin/Sam De Fazio/Andrea Martin/ Catherine Scorsese/Robert Uricola Production: Sikelia Productions, New York, USA, inquiry@sikelia-ny.com Distribution: Bonner Kinemathek e. V., Bonn, Germany, kino@bonnerkinemathek.de

Eine Gebrauchsanweisung für Gangsterfilme. A manual for a gangster rap clip. A manual for gangster movies. Like no other, «It's Not Just You, Murray!» charts the gangster terrain that Martin Scorsese would later explore with films such as «Goodfellas» or «Departed».

«Live fast die young, bad girls do it well.» Romain Gavras shot his first short in 1994 and his first music video in 2001. His 2008 video for Justice’s «Stress» was controversial: the idea behind it and its radical execution was praised, but Gavras was also criticized for glorifying violence.

Director: Teboho Edkins Script: Francois Xavier Drouet/Teboho Edkins Photography: Samuel Lahu Editor: Florence Jacquet Sound: Mathieu Villien Cast: Ghaironesa Wessels/Grant du Plessis/Edward Rustin/Lincon Cupido/Brendon Jamsen Production: bathysphere productions, Paris, France, contact@bathysphere.fr, +33140213702 Distribution: bathysphere productions, Paris, France, diffusion@bathysphere.fr, +33140213702

Casting-Interviews mit Gangstern in Südafrika – in einem Schulzimmer, dem einzigen sicheren Ort in der Umgebung. Auf der Suche nach Gangsterträumen und Gangsterrealität. Casting interviews with gangsters in South Africa – in a class room, the only safe place in the area. In search of gangster dreams and gangster realities. Teboho Edkins was born in the USA and grew up mainly in Lesotho, South Africa. He studied Fine Art at the University of Cape Town. His films include «Gangster Project» (2011), «Gangster Project 1» (2006), and «Looking Good» (2005).

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Twenty Dollars

Rewind

The Roots: What They Do

China 2011, 14'56", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic

India 2007, 8'30", digital file, colour, English, Fic

USA 1996, 4'25", digital file, colour, English, Clip

Director: Atul Taishete Script: Atul Taishete Photography: Sudhakar Yakkanti Editor: Neeraj Grover/Suvir Nath Sound: Dara Singh Saihmee Cast: Rajeev Mishra/Raj Singh Verma/Salim Javed Production and Distribution: Ketan Gohil Productions, Mumbai, India, Ketan Gohil, ketan_gohil@hotmail.com, +91-22-28081221

Director: Charles Stone III Production: Charles Stone III, Distribution: Universal Music Group, Zürich, Switzerland, Karlien Taeschler, karlien.taeschler@umusic.com

Drei Diebe, ein Diamantenraub, Poker, russisches Roulette und ein blinder Mann.

A manual for a gangster rap clip.

Director: Lam See Chit Script: Lam See Chit Photography: Li Yin Tao Editor: Lam See Chit Sound: Cheung Kam Wu/Lam See Chit Cast: Ng Kam Pui/Tsang Ying Lin/Wong Pui Ying/ Cheng Ka Wai Caric/Ng Kai Ho Production and Distribution: Lam See Chit, Hong Kong, seechitlam@gmail.com, +852 64256607

Ein Obstmarkt in Hongkong. Hier finden sich Früchte, aber auch Prostitution, Spiel, Drogen und Gangs. Was ist hier alles für zwanzig Dollar zu kaufen? At the fruit market in Hong Kong, you'll find more than just fresh fruit: prostitution, gambling, drugs, and gangs. What can you get here for $20? Lam See Chit was born in 1988 and graduated from the Academy of Film, Hong Kong. «Twenty Dollars» was her graduation project.

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Three thieves, a diamond robbery, poker, Russian roulette, and a blind man. Atul Taishete studied at the Film and Television Institute of India. «Rewind» was his first independent narrative fiction film and the first Indian short film to have an all-India theatrical release. In 2015, he directed the feature film «Vartak Nagar».

Gebrauchsanweisung für einen Gangster-Rap-Clip.

Among the dozens of Charles Stone's III hip-hop videos were five collaborations with The Roots. He went on to create the «Whassup?» commercial campaign for Budweiser and directed the films «Drumline», «Paid in Full», and «Mr. 3000».


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Short Matters European Film Academy

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Short Matters Kurzfilme erlauben kreative, ja provokative Experimente und laden die Künstler ein, mit filmischen Stilmitteln zu spielen. Für viele Filmemacher markieren sie den Beginn ihrer Karriere, für andere bleiben sie das zentrale Ausdrucksmittel, dessen Möglichkeiten es voll auszuloten gilt. Es ist ein wichtiges Anliegen der European Film Academy, talentierte junge Filmemacher zu fördern und die Vielfalt der europäischen Filmkultur zu feiern. Die Short Film Initiative wird von der European Film Academy und EFA Productions in Zusammenarbeit mit einer Reihe europäischer Festivals organisiert. An jedem der fünfzehn Partner-Festivals nominiert eine unabhängige Jury einen europäischen Kurzfilm aus dem Wettbewerb für den European Short Film Award. Aus diesen Filmen wählen die Mitglieder der European Film Academy den Gewinner aus und vergeben den Preis im Rahmen der European Film Awards. Das Programm «Short Matters» ist die Kurzfilm-Tour der European Film Academy. Sie bringt die nominierten Filme an zahlreiche Filmfestivals und Institutionen in und ausserhalb von Europa. Die EFA Short Film Initiative ist seit Langem ein Fixpunkt in der internationalen Kurzfilm-Agenda: Im Laufe der letzten dreizehn Jahre hat das Interesse daran stetig zugenommen. Die nominierten Filme werden in fünfzig Vorführungen rund um die Welt gezeigt, von Madrid bis Macau, von Taiwan bis Tallinn. Wir sind stolz auf die weltweite Aufmerksamkeit gegenüber diesen Filmen und ihren Schöpfern aus verschiedenen Gegenden Europas. Die Auswahl im Short Matters-Programm von 2015 beinhaltet Dokumentar- und Spielfilme ebenso wie Experimentalfilm und Animation und bietet so ein vielfältiges Panorama des jungen zeitgenössischen Filmschaffens in Europa. Die Internationalen Kurzfilmtage Winterthur freuen sich sehr, die zwei Programme Short Matters im neuen Winterthurer Kino Cameo zu präsentieren! John Canciani

mit freundlicher Unterstützung von / with kind support of

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Short Matters Short films allow for creative experiments and provocation and invite artists to play with cinematic styles. For some filmmakers they only mark the starting point of their career, for others they remain the main form of expression and they fully explore the format's possibilities. It is important for the European Film Academy to support and promote young and talented newcomers and to celebrate this variety in European film culture. The short film initiative is organised by the European Film Academy and EFA Productions in co-operation with a series of film festivals throughout Europe. At each of these festivals, an independent jury presents one of the European short films in competition with a nomination in the short film category of the European Film Awards. The members of the European Film Academy get to watch all nominated films and it is they who vote for the overall winner, who is presented at the European Film Awards Ceremony. The programme Short Matters is the European Film Academy’s short film tour which brings the films nominated for the European Film Awards to a number of film festivals and institutions across Europe and beyond. The EFA Short Film Initiative has long been a fixed point on the annual international short film agenda. During the past thirteen years, the interest in the short film initiative and this collection of short films has constantly been increasing. The nominated films go through a series of 50 screenings across the world. From Madrid to Macau, from Taiwan to Tallinn, we are proud to draw world-wide attention to these short films and their creators. The choice of nominated films in these two programs are from various regions of Europe, the 2015 Short Matters programmes includes documentary, fiction, experimental and animation films in a manifold panorama of young contemporary European filmmaking. The Internationale Kurzfilmtage Winterthur is very happy to present the two programmes Short Matters at the new cinema Cameo! John Canciani

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Short Matters I European Film Academy

Runtime 84’ November 6, 2015, 20:30 Kino Cameo

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Ich hab noch Auferstehung / Still Got Lives Germany 2012, 22'49", DCP, colour, German with English subtitles, Fic Director: Jan-Gerrit Seyler Script: Katarina Kokstein Photography: Jürgen Kemmer Editor: Max Mittelbach Sound: Hartmut Teschemacher Cast: Swantje Kohlhof/Bazon Rosengarth Production and Distribution: Hamburg Media School/Filmwerkstatt, Hamburg, Germany, festival@hamburgmediaschool.com, +49 40 413468 61

Marco und Lisa sind verliebt. Online kämpfen sie Seite an Seite gegen grausame Monster. Aber Lisa weigert sich, Marco im realen Leben kennenzulernen. Als sie eines Tages nicht zum Spiel erscheint, beschliesst Marco, sie zu suchen. Er findet eine neue Welt und lernt das wahre Grauen kennen. Marco and Lisa are in love. Online, they fight side by side against dreadful monsters. However, Lisa refuses to meet Marco in real life. When one day she stops showing up for the game, Marco decides to go look for her. He finds a new world – and learns what real dread is. Born in 1979, Jan-Gerrit Seyler has been committed to visual as well as performing arts since his childhood. His first short film was «Handicap» (2007/08), which he wrote and directed. He studied film at the European Film College in Denmark, graduating with «Camille», and directing as a postgraduate at the Hamburg Media School in Germany. His other shorts include «The Philatelist» (2011) and «Cowboys and Indians» (2011).

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Taprobana

The Missing Scarf

Portugal/Denmark/Sao Tome and Principe/Sri Lanka 2014, 24', DCP, colour, Portuguese with English subtitles, Fic

Ireland 2013, 6'35", DCP, colour, no dialogue, Ani

Director: Gabriel Abrantes Script: Gabriel Abrantes Editor: Natxo Checa Sound: Hugo Leitão/Daniel Gries Cast: Jani Zhao/Natxo Checa Production and Distribution: Mutual Respect Productions, mutualrespectproductions@gmail.com, +33 11213430205

Der Film folgt Luís Vaz de Camões, dem grössten portugiesische Renaissancedichter, und seiner Geliebten Dinamene, wie er sein Meisterwerk schafft, das epische Gedicht «Os Lusíadas». Er reist durch die Kakofonie des indischen Dschungels, umgeben von allegorischen Elefanten und reimenden Makaken, zur Grenze von Himmel und Hölle, wo er mit seiner Fantasie konfrontiert wird: Ruhm und Unsterblichkeit. The film follows Luís Vaz de Camões, the greatest Portuguese Renaissance poet, and his lover Dinamene, as he writes his masterpiece, the epic poem «Os Lusíadas». He travels from the cacophony of the Indian jungles, surrounded by allegorical elephants and rhyming macaques, to the frontier of Heaven and Hell, where he is confronted by his fantasy: fame and immortality. Artist and filmmaker Gabriel Abrantes (1984) studied at The Cooper Union, École National des Beaux- Arts, and Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains. His films have won various awards and he has exhibited his work in museums such as the MIT List Visual Art Center in Boston, Palais de Tokyo and Musée d’Art Moderne in Paris, and Museu Serralves in Porto.

Director: Eoin Duffy Script: Eoin Duffy Animation: Eoin Duffy Cast: George Takei (Voice) Sound: Gavin Little/Joe McHugh Production and Distribution: Belly Creative Inc., hi@wearebelly.com, +1 604 728 244

George Takei ist der Erzähler dieser mehrfach preisgekrönten Fabel über ein weises Eichhörnchen auf der zunehmend existenziellen Suche nach seinem Schal. Der Film begibt sich auf eine Reise voller Missgeschicke, die vier menschliche Ängste erkundet: Die Angst vor dem Unbekannten, vor dem Versagen, vor Ablehnung und schliesslich vor dem Tod, die auf komische Weise aufgebläht wird und das ganze Universum miteinbezieht. George Takei narrates this multiaward-winning fable about a wise squirrel on an increasingly existential quest to find its scarf. The film sets out on a misadventurous route to exploring four common human fears. Presented in order, they are: fear of the unknown, fear of failure, fear of rejection and, finally, fear of death, which is comically blown out of proportion to include the entire universe. Eoin Duffy is an Irish director and filmmaker. His work has been shortlisted for an Oscar at the 86th Academy Awards. In addition, his films have secured multiple international accolades, including awards at the San Francisco IFF, Savannah FF, Dallas IFF, Seminci, and many others.


Shipwreck

Whale Valley

Netherlands 2014, 14'58", DCP, colour, Tigrinya with English subtitles, Doc/Exp

Denmark/Iceland 2013, 15'16", DCP, colour, Icelandic with English subtitles, Fic

Director: Morgan Knibbe Photography: Morgan Knibbe Editor: Morgan Knibbe Sound: Noah Pepper/Taco Drijfhout/Vincent Sinceretti Production and Distribution: Morgan Knibbe, Amsterdam, Netherlands, mork@workofmork.nl, +31 6 81146787

Director: Guðmundur Arnar Guðmundsson Script: Guðmundur Arnar Guðmundsson Photography: Gunnar Audunn Jóhannsson Editor: Anders Skov Sound: Gunnar Óskarsson Cast: Ágúst Örn B. Wigum/Einar Jóhann Valsson/ Valdimar Örn Flygenring/Unnur Ösp Stefánsdóttir Production and Distribution: Anton Máni Svansson, Alftanes, Iceland, anton@fraefilms.com, +35 46150005

Am 3. Oktober 2013 sank ein Boot mit über 500 eritreischen Flüchtlingen vor der Küste von Lampedusa. Über 360 Menschen ertranken. Einer der Überlebenden, Abraham, geht durch einen Schiffsfriedhof und erinnert sich an das albtraumhafte Erlebnis. Währenddessen werden im Hafen Hunderte von Särgen auf ein Militärschiff geladen. On 3 October 2013, a boat carrying 500 Eritrean refugees sunk off the coast of the island of Lampedusa. Over 360 people drowned. One of the survivors, Abraham, walks through a ship graveyard and remembers this nightmarish experience. Meanwhile at the harbour, hundreds of coffins are being loaded onto a military ship. Morgan Knibbe graduated from the Netherlands Film Academy (AHC) in 2012 with his short experimental «A Twist in The Fabric of Space». «Shipwreck» is his first independent film. He is currently developing his first feature film, which focuses on the lives of refugees at the borders of Europe.

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Ein dunkles Geheimnis verbindet zwei Brüder an einem abgeschiedenen Fjord in Island, wo ihre Eltern einen Bauernhof betreiben. Wenn hier mal ein Fremder strandet, ist es garantiert ein Wal. Wie schwierig muss es also für Heranwachsende sein, in dieser rauen Einöde zu überleben! The film shows a strong bond between two brothers who live on a farm with their parents on a remote fjord. We follow the younger brother on a journey that marks a turning point in the brothers’ lives. Guðmundur Arnar Guðmundsson was born in Reykjavik, Iceland in 1982. He has a Fine Arts Degree from the Icelandic Art Academy and studied screenwriting in Denmark. He now works as a filmmaker and a part time teacher in screenwriting, directing and video art.


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Short Matters II European Film Academy

Runtime 86’ November 7, 2015, 20:30 Kino Cameo

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Hätäkutsu / Emergency Calls Finland 2013, 14'59", DCP, colour, Finnish/English with English subtitles, Ani/Doc/Exp/Fic Director: Hannes Vartiainen/Pekka Veikkolainen Script: Hannes Vartiainen/Pekka Veikkolainen Photography: Hannes Vartiainen/Pekka Veikkolainen Editor: Hannes Vartiainen/Pekka Veikkolainen Sound: Joonatan Portaankorva Cast: Lauri Hynninen/Jonna Uhrman/ Eeva Putro/Juha Hippi Production: Pohjankonna Oy, Helsinki, Finland, Hannes Vartiainen, hannes@pohjankonna.fi, +35 8503209050 Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, Stine Wangler, stine@shortfilm.com, +49 40 39106319

Mensch sein heisst, das Leben und das Universum um uns herum als zerbrechliche und flüchtige Erfahrung wahrzunehmen. Konfrontiert mit einer überwältigenden Dunkelheit, können wir uns nur gegenseitig Trost spenden. «Emergency Calls» basiert auf echten Notrufen und Funksprüchen. Being human is a fragile and fleeting opportunity to experience life and the universe around us.In the face of overwhelming darkness, all we can do is to rely on and find solace in one another. This film is based on authentic emergency calls and radio traffic. Hannes Vartiainen (born 1980) has a background in film. Pekka Veikkolainen (born 1982) has worked in the fields of animation and illustration since 2000. The two started their own production company in 2008. Recent films are «Emergency Calls» (2013), «Gates of Life» (2012), «The Death of an Insect» (2010), and «Hanasaari A» (2009).

Fal / Wall

Dinola

Hungary 2013, 11', DCP, colour, Hungarian with English subtitles, Fic

Georgia 2013, 14'38", DCP, colour, Georgian with English subtitles, Fic

Director: Simon Szabó Script: Simon Szabó Photography: Albert Czomba Editor: Albert Czomba Sound: Alex Hunyadi Cast: Sándor Tóth Production and Distribution: ProductionProton Cinema, Budapest, Hungary, berkesjuli@protoncinema.hu, +36 70 422 7110

Director: Mariam Khatchvani Script: Mariam Khatchvani Photography: Konstantin Esadze Editor: Levan Kukhashvili Sound: Ivane Gvaradze Cast: Nutsi Khaptani/Katie Lortkipanidze/ Vakhtang Chachanidze/Datuna Guledani/ Nukri Khatchvani Production and Distribution: 20 Steps Productions, Tbilisi, Georgia, katcharava@20steps.ge, +995 32 2520945

Laci ist ein 16-jähriger Zigeuner, der sich mit Gelegenheitsjobs durchschlägt. Eines Tages wird er für einen Baustellenjob von der Strasse rekrutiert. Er soll bei der Fertigstellung einer Mauer mithelfen, die eine Siedlung von Miethäusern umgibt. Der Film begleitet die verschiedenen Bauphasen. Am Ende soll Laci die letzten Arbeitsschritte ausführen. Nun blickt er zum ersten Mal hinter die Mauer, wo er eine ungewöhnliche Entdeckung macht. Laci is a 16-year-old gypsy boy, who lives off casual jobs. One day, he gets picked up from the streets, along with a small group of workers, for a construction job. He has to participate in the completion of a wall that surrounds a group of tenement buildings. The film follows the various stages of construction as Laci helps out the other workers. In the end, Laci is asked to complete the work. He now takes his first look beyond the wall, which holds an unusual revelation for him. Born in 1979, Simon Szabó is a well-known actor, director, and musician/DJ. He won the prize for best short film for «Let's Roll» at the Hungarian Film Week in 2008, and in 2009, he took home the Sándor Simó Award for his first feature «Paper Planes».

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In der rauen, gebirgigen Landschaft von Svaneti (Georgien) ist das Glück von kurzer Dauer: Dinas geliebter Mann stirbt. Die Tradition verlangt, dass sie ihr Kind verlässt und den ersten Mann heiratet, der um ihre Hand anhält. In the harsh mountainous countryside of Svaneti (Georgia), happiness is brief: Dina's beloved husband dies. Tradition demands that she must leave her child and marry the first man who asks for her hand. Born in 1986 in Georgia, Mariam Khatchvani studied Film Directing at the Shota Rustaveli Theatre and Film State University. She has directed various short documentaries.


Pequeño bloque de cemento con pelo alborotado conteniendo el mar / Little Block Of Cement With Disheveled Hair Containing The Sea Spain 2013, 15'32", DCP, b/w, no dialogue, Fic Director: Jorge López Navarrete Script: Jorge López Navarrete Photography: Carlos Mora Editor: Jorge López Navarrete Sound: Cristina Arias Production and Distribution: Jorge López Navarrete, Badalona, Spain, jolopezster@gmail.com, +34646722376, www.littleblockofcement.com

Ein Hund und ein Pferd brechen gemeinsam zu einer Reise auf. Mit jedem Schritt werden die Unterschiede zwischen ihnen klarer. Doch die Freundschaft, die sich entwickelt, offenbart das Potenzial für einen leuchtenden Moment zwischen den beiden. A dog and a mare embark upon a voyage together. With every step they take, the differences between them become clearer. And yet, the profound mutual knowledge they develop over time shows the potential to suddenly produce a luminous moment between the two. Jorge López Navarrete was born in Barcelona. After working in advertising for several years, he started developing personal video projects. He attended an international filmmaking workshop at San Antonio de los Baños Film School in Cuba and completed a master's degree in Digital Video at the Pompeu Fabra University of Barcelona. This is his first professional short film, a self-produced low-budget project shot in Ecuador.

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Yect / Pride Bulgaria/Germany 2013, 30', DCP, colour, Bulgarian with English subtitles, Fic Director: Pavel G. Vesnakov Script: Vanya Rainova/Pavel G. Vesnakov Photography: Orlin Ruevski Editor: Karen Tonne Sound: Veselon Zografov Cast: Mihail Mutafov/Aleksandar Aleksiev/Ani Bakalove/Svetlana Yancheva Production and Distribution: Portokal Ltd, Sofia, Bulgaria, rainova@hotmail.com, +35 9887916692

Manol, ein General im Ruhestand und liebender Grossvater, ist auch ein starrköpfiger Patriarch mit strikten Moralvorstellungen. Als er erfahren muss, dass der Junge, den er aufgezogen hat, homosexuell ist, gerät seine Welt ins Wanken – und er selbst in eine Schlacht, die er bereits verloren hat. Manol − a retired general and loving grandfather − is also a stubborn patriarch of firm morals and unwavering beliefs. But one day he learns that the boy he has raised is gay. As his worldview and values are challenged, he finds himself in a battle lost from the outset. Pavel G. Vesnakov is an award-winning Bulgarian film director born in 1987. He holds a bachelor’s degree in Visual Arts and a master’s degree in Film Arts from the New Bulgarian University. He is the scriptwriter, director, and editor of the short film trilogy «Inches of Suburbia». He has worked as a matte-painting artist, photographer, editor, and director in various companies. Currently Pavel is working on his first feature film.


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Hot Shorts Curated by: Christof Hächler, Eszter Montvai, Sandro Schmid

Runtime 80’ November 5, 2015, 20:00 Casino Festsaal

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Hot Shorts Aus den rund 4000 Wettbewerbseinreichungen in diesem Jahr konnten es zwangsläufig nicht alle ins Endrennen schaffen. Knapp daneben ist jedoch ab diesem Jahr nicht mehr ganz vorbei. Zum ersten Mal werden die kultigsten, amüsantesten und stimmungsvollsten unter den Abgewiesenen im Programm Hot Shorts versammelt. Hot Shorts – das sind Filme, die Spass machen. Eine gewagte Aussage, könnte man meinen, bedeutet Spass doch für jeden etwas anderes. Für dieses Programm meint es in erster Linie: Kurzweile! Hier wird gelacht, geliebt, geweint und gestorben – Hauptsache ist, es passiert in unterhaltsamer Art und Weise. Wir alle kennen den Nervenkitzel beim Beobachten des ahnungslosen Opfers, das seinem Mörder direkt in die Klinge läuft. Die Bauchschmerzen vor Lachen während einer guten Komödie. Oder auch die Tränen, die man bei einem herzzerreissenden Drama weint. Fern von intellektuellen Hochleistungen sollen die Kurzfilme in diesem Block pure Emotionen hervorrufen. Mit den auf der Zielgeraden knapp auf der Strecke gebliebenen Kurzfilmen haben wir ein Programm zusammengestellt, das die titelgebenden Attribute «Hot» und «Shorts» in bester Manier in Szene setzt. Sandro Schmid

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Hot Shorts Inevitably, most of the roughly 4,000 entries for our competition didn’t make it into the final selection. But as of this year, cast down is not forsaken. For the first time, we present some of the funkiest, funniest, most atmospheric ones among the declined films in the programme Hot Shorts. These are fun movies. A bold statement, you would think – after all, fun doesn’t mean the same thing to everybody. In this case, it mainly means entertainment! Love, laughter, tears, and death – as long as it’s presented in an entertaining way. We all know the thrill of watching the clueless victim walk into the murderer’s trap. The belly-aching laughter caused by a good comedy. Or the tears shed over a heartbreaking drama. Far from intellectual challenges, the shorts in this programme are meant to provoke pure emotion. With these films that dropped out on the home stretch, we’ve put together a programme that fulfils the eponymous attributes of «hot» and «shorts» in the best manner. Sandro Schmid

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Confessions

Violence en Réunion

Garázs Inventory

France 2015, 3'56", digital file, colour, English, Ani

France 2015, 15'03", digital file, colour, French with English subtitles, Fic

Hungary 2015, 12'20", digital file, colour, Hungarian with English subtitles, Doc

Director: Karim Boukercha Script: Karim Boukercha Photography: Benoit Soler Editor: Clément Chabault Sound: Michel Adamik Cast: Vincent Cassel Production and Distribution: ICONOCLAST, Paris, France, Lucas Demerdjibachian, lucas@iconoclastfilms.tv, +330180505543

Director: Alyx Ayn Arumpac Photography: Matteo Gariglio/Alyx Ayn Arumpac Editor: Alyx Ayn Arumpac Sound: Matteo Gariglio Production/Distribution: Alyx Ayn Arumpac, Budapest, Hungary, alyx.arumpac@gmail.com, +32485605144

Director: Philippe Carron Animation: Philippe Carron Production and Distribution: Luce Grosjean, Paris, France, inscription@sevefilms.com, +33674232951

Was entspricht wirklich der Wahrheit, wenn eine Berühmtheit ihre Lebensgeschichte erzählt? Zwischen dem, was wir sagen und was wir sagen müssen, liegen Welten. When a celebrity is invited to tell their life story, how much of what is told is really the truth? In between what we say and what we have to say, there's a world of difference. Philippe Carron is a painter, illustrator, and filmmaker.

Jede Nacht verhöhnt eine mysteriöse Frau mit einer Burka die Polizisten, die in der Sozialwohlsiedlung auf Streife sind. In der Zwischenzeit wird Vince, eine ehemalige Strassenlegende, mit seinen Dämonen konfrontiert und muss sich gegen den erneuten Absturz wehren. Every night, a mysterious woman wearing a burka taunts police officers patrolling the projects. Meanwhile, Vince, a former street legend, must face his demons and avoid falling off of the wagon, and back into the streets. Karim Boukecha is a writer, journalist, screenwriter and director. After writing for numerous music publications during the early 2000s, he published several landmark books about Parisian graffiti, a movement that he was a part of for 10 years. In 2010, he co-wrote two feature films: «Our Day Will Come» starring Vincent Cassel and «Capital» by Costa Gavras. «Violence en Réunion», which he both wrote and directed, is his first short film.

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Was geschieht hinter verschlossenen Türen? In einer Industriestadt im Norden Ungarns sind Garagen zu Orten der Rebellion gegen die Monotonie des Alltags geworden. Welche Geschichten, Geheimnisse und Leben werden von der Lokalbevölkerung in diesen Garagen versteckt? What happens behind closed doors? In an industrial town in Northern Hungary, garages have become venues of rebellion against the monotony of repetitive, everyday life. What stories, secrets, and lives are kept by the local folk in these garages? Alyx Ayn Arumpac is an independent filmmaker and television producer from the Philippines. She holds degrees from the Docnomads Master Program in Documentary Film Directing and the University of the Philippines Film Institute. She lives and works between Manila and Europe.


Seide

Sonámbulo

Kung Fury

Kyrgyzstan 2015, 13'40", digital file, colour, Kirghiz with English subtitles, Fic

Canada 2015, 4'20", digital file, colour, no dialogue, Ani

Sweden 2015, 30'20", digital file, colour and b/w, English, Fic

Director: Elnura Osmonalieva Script: Elnura Osmonalieva Photography: Chananun Chotrungroj Editor: Victor Opekin Sound: Andrei Nikitenko Cast: Kaliman Kalybek kyzy/Kanat Abdrakhmanov/ Razha Alieva Production/Distribution: Elnura Osmonalieva, eosmonalieva@gmail.com

Director: Theodore Ushev Script: Theodore Ushev Editor: Theodore Ushev Sound: Olivier Calvert Production: Les Productions l'Unité centrale, Montréal, Canada, Galilé Marion-Gauvin, galile@unitecentrale.ca Distribution: Bonobostudio, Zagreb, Croatia, Vanja Andrijevic, vanja@bonobostudio.hr, +385 1 4834445

Director: David Sandberg Script: David Sandberg Photography: Martin Gärdemalm Editor: Nils Moström Cast: David Sandberg/Jorma Taccone/ Leopold Nilsson/Steven Chew Production: Laser Unicorns, linus@laserunicorns.com Distribution: Swedish Film Institute, Stockholm, Sweden, Theo Tsappos, theo.tsappos@filminstitutet.se, +46 8 665 11 33

Die junge Seide lebt in einem abgelegenen Bergdorf. Ihre engste Seelenverwandte ist ihr Pferd. Ihre Ausdauer und positive Einstellung entgehen den Menschen nicht und bald wird sie mit der Aussicht auf eine arrangierte Heirat konfrontiert. Aufgewühlt und machtlos gegenüber der Entscheidung, ist Seide umso schockierter, als sie erfährt, dass sie auch das Pferd verlieren soll. Unfähig ihr eigenes Schicksal zu ändern, unternimmt sie einen verzweifelten Versuch, das Pferd zu retten. Young Seide lives in a secluded mountain village. The closest soul she has in her life is her horse. Her stamina and good spirit don't go unnoticed, and soon she is faced with the prospect of an arranged marriage. Upset and feeling voiceless in the decision, Seide is shocked when she learns she's losing her horse, too. Unable to change her own fate, Seide makes a desperate attempt to save the horse. Elnura Osmonalieva (born 1981) is a writer and director from Kyrgyzstan. She attended a Soviet school and later studied in the US. Her works explore human experiences in the circumstances of poverty and strong societal pressures. She is a mother of three and currently pursues her MFA in Directing at the NYU Tisch School of the Arts, where she is a recipient of the Steven J. Ross fellowship.

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«With the shade around her waist / she dreams on her balcony, [...] Under the gypsy moon, / all things are watching her / and she cannot see them.» Eine surrealistische Reise durch Farben und Formen, inspiriert durch das Gedicht «Romance Sonámbulo» von Federico García Lorca. Visuelle Poesie im Rhythmus fantastischer Träume und leidenschaftlicher Nächte. «With the shade around her waist / she dreams on her balcony, [...] Under the gypsy moon, / all things are watching her / and she cannot see them.» A surrealist journey through colours and shapes inspired by Federico García Lorca's poem «Romance Sonámbulo». Visual poetry to the rhythm of fantastic dreams and passionate nights. Theodore Ushev (born 1968) is an animator, graphic designer, illustrator, and multimedia artist. He graduated from the National Academy of Arts in Sofia and moved to Montréal in 1999 to explore new media and digital animation. He is the director of award winning films such as «Gloria Victoria» (2013), «Lipsett Diaries» (2010), «Drux Flux» (2008), «Tower Bawher» (2005), and many others.

Kung Fury ist ein Detektiv im Miami Police Department und ein Kampfsport-Meister. Nach dem Tod seiner Polizei-Kollegen durch die Hand von Adolf Hitler (aka «Kung Führer»), beschliesst er, aus den 1980ern zurück in die Zeit des Zweiten Weltkriegs zu reisen, um den Naziführer zu töten. Doch aufgrund eines Fehlers schickt ihn die Zeitmaschine stattdessen ins Wikinger-Zeitalter. Kung Fury is a Miami Police Department detective and a martial arts master. After the deaths of his colleague cops – at the hands of Adolf Hitler, a.k.a. «Kung Führer» – he decides to travel back in time from the 1980s to World War II in order to kill the Nazi leader. But an error occurs and the time machine sends him further back to the Viking Age. David Sandberg is a Swedish filmmaker with years of experience in directing television commercials and music videos. In 2012, he quit the commercial directing business and focused on writing a script for an action comedy film set in the 1980s, inspired by action films of that era - «Kung Fury».


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NIRVANA – Sexperimental Materialism Curated by: Stefan Dobler, Eszter Montvai

Runtime 67’ November 7, 2015, 22:00 ZHAW Architekturhalle

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NIRVANA – Sexperimental Materialism Die sinnliche Anziehung zweier Personen beschäftigt die Menschheit seit jeher. Wann immer Menschen erotische Erfahrungen spielerisch bereichern wollten, setzten sie auch diverse Gegenstände und Materialien kreativ ein. Dieses Thema wird im Film sowohl auf ernste, als auch auf amüsante Weise gezeigt, sodass die Grenzen zwischen Scham, Lust und Humor sich verwischen. Die Filme zeigen ein breites Spektrum an Materialien, die für die Erfüllung von erotischen Fantasien verwendet werden. So sehen wir beispielsweise in «Elektrotechnique», wie aus Alltagsgegenständen verschiedene Sexspielzeuge gebastelt wurden. Oder in «Zucht und Ordnung» erklärt uns ein älteres schwules Paar erfrischend offen die Prinzipien des Sadomasochismus und führt uns die Gegenstände vor, die sie dafür brauchen. In «Dame Factory» werden die Protagonistinnen selbst zu Nahrungsmitteln verarbeitet und verschmelzen so zwei weltliche Gelüste: Erotik und Essen. Die Internationalen Kurzfilmtage Winterthur zeigen das Programm NIRVANA – Sexperimental Materialism in Kooperation mit dem Gewerbemuseum Winterthur. Die Ausstellung «NIRVANA – wundersame Formen der Lust» befasst sich mit dem Einfluss von Erotik auf Design, Mode und zeitgenössische Kunst. Eine zentrale Rolle spielen dabei edle Verarbeitungstechniken und hochwertige Materialien wie Leder, Glas, Samt und Edelmetalle, wie wir sie von Luxusgütern und traditionsreichen Handwerksarbeiten kennen. Stefan Dobler, Eszter Montvai

Die Ausstellung «NIRVANA – wundersame Formen der Lust» läuft vom 29. November 2015 bis zum 8. Mai 2016. Mehr Informationen: gewerbemuseum.ch

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NIRVANA – Sexperimental Materialism The sensual attraction between two people has been one of humanity’s central concerns from time immemorial. Whenever humans wanted to playfully enhance erotic experiences, they would make creative use of various objects and materials. Films address this topic in humorous as well as serious ways, thus blurring the boundaries between shame, lust, and humour. The films in this programme show a wide variety of materials used to realise erotic fantasies. In «Elektrotechnique», for instance, we see how everyday objects have been turned into various sex toys. In «Zucht und Ordnung», an older gay couple explains the principles of sadomasochism in a refreshingly open way, demonstrating the objects they use. «Dame Factory» has its protagonists processed into food products, thus blending two worldly pleasures: eroticism and eating. The International Short Film Festival Winterthur shows the programme NIRVANA – Sexperimental Materialism in cooperation with the Gewerbemusem Winterthur. The exhibition «NIRVANA – Strange Forms of Pleasure» deals with the influence of eroticism on design, fashion, and contemporary art. High-quality technology and valuable materials such as leather, glass, velvet, and precious metals, as we know them from luxury goods and traditional craftsmanship, play a central role. Stefan Dobler, Eszter Montvai

The exhibition «NIRVANA – Strange Forms of Pleasure» runs from November 29, 2015 to May 8, 2016. More information: gewerbemuseum.ch

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Elektrotechnique

Kinbaku

Ivan’s Need

Netherlands 2011, 3'08", digital file, colour, no dialogue, Exp

Finland 2010, 29', digital file, colour, English/Japanese with English subtitles, Doc

Switzerland 2015, 6'20", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Lernert/Sander Script: Lernert/Sander Photography: Ram van Mee Editor: Derek van Egmond Sound: Diederik Idenburg Production: Lernert & Sander, Amsterdam, Netherlands, we@weloveourwork.com, +31 (0) 6 2707 3415 Distribution: LIMA, Amsterdam, Netherlands, Theus Zwakhals, theuszwakhals@li-ma.nl, +31 (0)20 389 20 30

Director: Jouni Hokkanen Script: Jouni Hokkanen Photography: Jussi Käkkis Arhinmäki Editor: Kim Finn Sound: Pekka Lipponen/Janne Timonen Cast: Asagi Ageha/Haruki Yukimura/Steve Osada/ Asagi Ageha/Mira Kurumi Production: Hakalax Productions, Helsinki, Finland, Jouni Hokkanen, somafilm@yahoo.com Distribution: Finnish Film Foundation, Helsinki, Finland, Suvi Paavola, suvi.paavola@ses.fi

In diesem Film verwandeln Lernert & Sander Haushaltsgeräte in Sexmaschinen und sadomasochistische Accessoires.

Tokio, die Sadomaso-Hauptstadt der Welt. In der Shinto-Religion werden Dinge geheiligt, indem man ein Seil um sie knüpft. Dies ist auch ein Aspekt des Kinbaku, der Fesselkunst, die eine erotische, spirituelle und künstlerische Verbindung zwischen denjenigen schafft, die sie praktizieren. Sie geht auf die Samurais zurück, die vor fünfhundert Jahren ihre Feinde auf dem Schlachtfeld gefangen nahmen.

Director: Lukas Suter/Veronica L. Montaño/ Manuela Leuenberger Script: Veronica L. Montaño/ Manuela Leuenberger/Lukas Suter Sound: Etienne Kompis/Thomas Gassmann Cast: Frederic Siegel/Jonathan Wüst/ Michiko Hanawa Production: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, animation@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

In this video, Lernert & Sander transform domestic appliances into sex machines and sadomasochistic accessories. Ever since they began collaborating in 2007, artists and filmmakers Lernert & Sander have been known for their high-conceptual art films, eye-catching installations, and keen fashion aesthetic. They live and work in Amsterdam.

Rope meets flesh in Tokyo, the sm-capital of the world. In Shinto religion, things are made sacred by having a rope tied around them. This sacred quality of tying can also be applied to Kinbaku, «tight binding», which creates an erotic, spiritual, artistic connection between the people doing it. It started with samurais capturing enemies on battlefields 500 years ago. Jouni Hokkanen is a documentarist and «freelance everything» from Helsinki. After dozens of radio features, he shot his first documentary «Pyongyang Robogirl» in 2000 in North Korea. After countless adventures and guerilla filmmaking around the Korean Peninsula, Hokkanen created the «Pyongyang Trilogy», which has been screened on all five continents.

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Ein Bäcker knetet sich in Ekstase. A baker is obsessed with kneading dough. «Ivan's Need» is the bachelor graduation film of Veronica Montaño (1990), Manuela Leuenberger (1988), and Lukas Suter (1986) at the Lucerne School of Art and Design, Switzerland.


Våt

Zucht und Ordnung

Amourette

Sweden 2010, 3'30", digital file, colour, no dialogue, Exp

Germany 2012, 8'42", digital file, colour, German with English subtitles, Doc

Switzerland 2009, 5'20", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Ninja Thyberg Script: Ninja Thyberg Cast: Ninja Thyberg/Markus Laving Production and Distribution: Ninja Thyberg, info@ninjathyberg.se

Director: Jan Soldat Script: Jan Soldat Photography: Jan Soldat Editor: Jan Soldat Sound: Jan Soldat Cast: Manfred und Jürgen Production and Distribution: Jan Soldat, Berlin, Germany, jan.soldat@yahoo.de, +4917682177630

Director: Maja Gehrig Script: Maja Gehrig Photography: Maja Gehrig/Ueli Nüesch Editor: Nora de Baan/Fee Liechti Sound: Peter Bräker Production and Distribution: SCHICK Productions, Zollikon, Switzerland, Ruedi Schick, ruedi.schick@gmail.com, +41 44 307 10 10

Richtige deutsche Erziehung: Manfred und Jürgen, beide Mitte siebzig, lernen nicht aus. Ein kurzer Dokumentarfilm über die Natürlichkeit des Körpers und der Sexualität im Alter.

Zwei Holzpuppen liefern sich auf einem Schleifpapier eine heisse Nummer. Durch konstanten Wechsel der Stellungen schleifen sie sich dabei immer mehr ab. Die Stimmung schwankt zwischen Ringkampf und Liebesspiel. Der Liebesakt wird zum Rennen gegen die Schleifmaschine Zeit.

Eine pulsierende, saftige und bunte Explosion von Lust und Begierde. A throbbing, juicy, and colorful explosion of lust and desire. Ninja Thyberg was born 1984 in Gothenburg, Sweden, and now lives in Stockholm. Besides film studies, Ninja also studied sociology and gender studies.

A proper German upbringing. Manfred and Jürgen, both in their mid-seventies, never stop learning. A short documentary about the naturalness of body and sexuality in old age. Born in Karl Marx Stadt (now Chemnitz) in 1984, Jan Soldat has been making short films at Chemnitzer Filmwerkstatt since 2006. He took up studies in film and television directing at the Konrad Wolf College of Film and Television in Potsdam-Babelsberg in 2008.

Two wooden dolls are having sex on sandpaper. By constantly changing positions, they sand themselves off as they rub against the floor. The mood varies between wrestling and amorous play. Finally the love act turns into a race against time. Maja Gehrig was born 1978 in Zurich. She took the preparatory class at the Zurich University of the Arts and went on to study Media Art at Fachhochschule Aarau. After an internship at Eesti Joonisfilm, Tallinn, she studied Animation at Lucerne University of Applied Sciences and Arts. She was a curator of installations and performances at ARM and founded Gehrigtrick & Sohn in 2011.

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Fertility Baptism

Dame Factory

Canada 2014, 3'30", digital file, colour, no dialogue, Exp

USA 2011, 7'51", digital file, colour, no dialogue, Exp

Director: Mikel Marton Script: Mikel Marton Music: Essy Mae Production and Distribution: Mikel Marton, mikel.r.marton@gmail.com

Ein kurzer Experimentalfilm über Fruchtbarkeitstränke und erotische Synästhesie, begleitet vom Song «Thornhill» von Dreamboyy. Die Inspiration für diesen Nachmittag mit Nigel stammt aus dem erotischen Werk «Die Geschichte des Auges» von Georges Bataille. An experimental short film exploring reproductive libations and erotic synesthesia, accompanied by the song «Thornhill» by Dreamboyy. This brief afternoon with Nigel was inspired by the erotic piece of literature «Story of the Eye» by Georges Bataille Mikel Marton is a left-handed queer witch, and a self-taught photographer, illustrator, and budding filmmaker who creates and funds every aspect of his artistic endeavours. Each element of his work is authentically directed and applied by himself.

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Director: Melanie Abramov Script: Melanie Abramov Photography: Chad Battinelli Editor: Melanie Abramov Sound: Weston Fonger Cast: Heather Andersen/Catherine Davies/ Nicole Haddad/Sena Khoda/Rebecca Spiro Production and Distribution: Dame Productions, melabramov@gmail.com

Der kurze Experimentalfilm «Dame Factory» ist gleichzeitig stilvoll und grotesk, zynisch und doch sexy. Er wirft einen Blick auf die Kommerzialisierung und Objektivierung des weiblichen Körpers und darauf, wie wir Vorstellungen von Weiblichkeit und Sex miteinander verbinden. «Dame Factory» is a short experimental film. It's a stylish yet grotesque, cynical yet sexy look at how our culture commodifies and objectifies female bodies and how we distort and merge concepts of womanhood and sex. Melanie Abramov is a creative from Coney Island, Brooklyn. She received her BFA from Parsons School of Design and uses motion graphics and filmmaking to bring her unique point of view to life. Under her freelance alias, Dame Designs, she has worked for clients such as Scion, Y&R, UVPH, Digitas, and Ralph Lauren on high-profile commercial campaigns.


Dismissed – Kill Your Darlings Curated by: Tiziana Pelusi

Runtime 79’ November 7, 2015, 24:00 ZHAW Architekturhalle

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Dismissed – Kill Your Darlings Alles erstunken und erlogen. Alles! Nicht viertausend Filme wurden dieses Jahr eingereicht, sondern gerade mal sieben Stück. Diese Tatsache jagte der handverlesenen achtköpfigen Auswahlkommission gehörig Existenzängste ein. Sieben Filme für acht Leute, die nichts Anständiges gelernt haben, nichts können und nichts wissen, ausser «NEIN NEIN NEIN!» zu brüllen und Geniales abzulehnen. Das sind mindestens zwei zu wenig. So mussten schleunigst Filme her, und zwar sofort! Egal aus welchem Material, egal aus welchem Land. Zerkratzte Milchrahmdeckel, verkleckerte US-Flaggen, mundgemaltes japanisches Toilettenpapier. Fürs «Drehen» reichte die Zeit nicht; der Inhalt von nächtens abgeschraubten Überwachungskameras, Porn-Sites und geklauten Handys genügte. Mit den Herkunftsländern war die Kommission noch dreister. Damit Gelder von unfähigen Kulturbeamten flossen, wurden ganze Länder erfunden. Oder waren Sie etwa schon mal in Bhutan? Eben! Hier sind sie also: die einzigen wirklich eingereichten Wettbewerbsfilme, die dieser Bezeichnung würdig sind. Tiziana Pelusi

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Dismissed – Kill Your Darlings What a pack of lies! All of it! Not four thousand films were submitted this year, but a mere seven. This fact certainly scared the heck out of our handpicked, eight-piece selection committee. Seven movies for eight people who’ve never learned anything decent, who know nothing except to scream «No No No!» and reject masterpieces. That’s two too few. At least. Films had to be found quickly. Instantly. No matter what material they were made of, no matter what country they came from. Scratched aluminium lids, soiled US flags, mouth-painted Japanese toilet paper. There was no time for «shooting» – the contents of dismantled surveillance cameras, porn sites, and stolen cell phones had to do. The committee was even bolder when it came to the movies’ countries of origin. To fork out money from incompetent culture officials, entire countries were invented. Or have you ever been to Bhutan? Exactly! So here they are: the only competition entries worthy of that label that were actually submitted. Tiziana Pelusi

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Swiss:Cam:Crash

With Joy and Merriness

Meat is Murder

United Kingdom 2015, 6', digital file, colour, no dialogue, Ani

Belgium 2014, 5'15", digital file, colour, French with English subtitles, Ani

France 2014, 9'31", digital file, colour, French with French subtitles, Fic

Director: Stephen Hurrel Editor: Stephen Hurrel Production and Distribution: Stephen Hurrel, Glasgow, United Kingdom, hurrels@gmail.com, +417973114067, www.hurrelvisualarts.com

Director: Jeanne Boukraa Script: Jeanne Boukraa Editor: Julien Jauniaux Sound: Benoit Charron/Jeremy Bocquet Cast: Jean-Louis Froment (Voice) Production and Distribution: Adifac, Bruxelles, Belgium, Vincent Gilot, info@adifac.be, +32 485 66 68 27

Director: Elodie Desprès/Stéphane Elmadjian Script: Élodie Desprès/Stéphane Elmadjian Photography: Stéphane Elmadjian Editor: Élodie Desprès/Stéphane Elmadjian Cast: James D. Lee Production: Agiti Films, Montreuil, France, agitifilms@gmail.com Distribution: Agiti Films, Montreuil, France, Christian Cesbron

«SWISS: CAM: CRASH» besteht aus Hunderten von Standbildern, die aus Webcams aus der ganzen Schweiz stammen. Deren Animation wird synchronisiert mit einem ThrashMetal-Song, eingespielt von der südkoreanischen Band CRASH. Es ist eine Coverversion von Deep Purples «Smoke on the Water», der als Reaktion auf den Brand in Montreux geschrieben wurde, bei dem die Band ihr Aufnahmestudio in Flammen aufgehen sah. «SWISS:CAM:CRASH» features hundreds of still images sourced from webcams located throughout Switzerland. The animation of these is accompanied by and synchronised to a thrash metal song played by the South Korean band CRASH. The song is a cover version of Deep Purple's «Smoke on the Water», which was written in response to the band seeing the venue they were about to record in go up in flames in Montreux, Switzerland. Stephen Hurrel studied sculpture and environmental art at Glasgow School of Art, Scotland, UK. Over the past twenty years, he has produced films, video, audio-visual and interactive installations, and public art works in the UK/Europe, Australia, and the USA.

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«With Joy and Merriness» ist ein experimenteller Dokumentarfilm, der anhand von Alltagsszenen die Degeneration einer Gesellschaft beobachtet, in der die Technologie zum grössten Traum der Menschheit führt: Unsterblichkeit. «With Joy and Merriness» is an experimental documentary observing, through every day scenes, the degeneration of a society where technology leads the population to the biggest dream of mankind: immortality. Jeanne Boukraa was born in France. She studied animation at a visual art school in Belgium. In 2014, she graduated with a Master from ENSAV LA CAMBRE, Brussels.

James D. Lee hält es nicht mehr aus, dass Leute Fleisch essen. Er verlässt den Vorort Ivry, um mit seiner Gitarre und seinem Verstärker aufs Land hinauszuziehen. Unterwegs trifft er auf eine Stute und ihr Fohlen. James D. Lee can't bear to see people eating meat any longer. He leaves his suburb of Ivry to go to the countryside with his guitar and his amp. Along the way, he meets a mare and her foal. Filmografie: «Hamdryade» (2014), «Le souffle des raisons» (2010), «Comme un chat noir au fond d’un sac» (2008), «Freedub #1» (2003), «Je m’appelle» (2002)


Splintertime

Ewe Topia

Loch

France/Netherlands/Belgium 2015, 10'58", digital file, colour, Ani

USA 2015, 8'32", digital file, colour, no dialogue, Fic

Germany 2015, 2'30", digital file, colour, German with English subtitles, Fic/Exp

Director: Rosto / Nicolas Schmerkin Photography: Stephan Schmidt Editor: Rosto / Nicolas Schmerkin Sound: Tom Hambleton Music: Thee Wreckers Production and Distribution: Autour de Minuit, Paris, France, festivals@autourdeminuit.com, +33142811728

«Zip up and let's dance to the sound of breaking glass.» Einer Band verschlafener Geister in einem Krankenwagen geht die Luft aus. Der dritte einer Serie von Musikfilmen mit «Thee Wreckers». «Zip up and let's dance to the sound of breaking glass.» A band of sleepy spirits in an ambulance runs out of road. The third in a series of musical films featuring «Thee Wreckers». Filmmaker/artist Rosto and his Studio Rosto A.D are internationally known for their music videos, TV work, and independent short films. «Splintertime» is Rosto’s third in a series of four Wreckers-films, and he’s currently meditating on a couple of feature film ideas

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Director: Ben Hillman Script: Ben Hillman Photography: Richard Sands Editor: Ben Hillman Sound: John Davis Cast: Ilana Siegal/Mary Shalaby/Donald Sosin Production/Distribution: Ben Hillman, Sheffield, USA, ben@benhillman.com, +1 413 229 3448

Ein Klavier steht auf einer grünen Wiese, wo eine Hirtin, eine Tänzerin und Johann Sebastian Bach eine Schafherde unterhalten. A piano sits in a verdant meadow where a shepherdess, a dancer, and Johann Sebastian Bach entertain their flock of sheep. Ben Hillman is a filmmaker, designer, writer, and illustrator who loves subatomic particles and Betty Boop. Ben's company works on multifarious projects across all media except for macramé and EtchA-Sketch.

Director: Willehad Eilers Script: Willehad Eilers Photography: Willehad Eilers Editor: Willehad Eilers Sound: Willehad Eilers Cast: Willehad Eilers Production and Distribution: Wayne Horse, Willehad Eilers, Amsterdam, Netherlands, wayne@waynehorse.com, +31649913369, www.waynehorse.com

«Nein» meint nicht immer «Ja». «No» does not always mean «yes». Willehad Eilers (*1981, Peine, Germany) also works under the pseudonym of Wayne Horse. His career began in the German graffiti scene, later he went on to graduate from the Royal Academy of Arts in Amsterdam. His eclectic body of work includes video, drawing, performance, and installation, and is distinctive for its lyrical quality, playful humour, and expressiveness. A recurring theme in his oeuvre concerns the bizarre, occasionally ugly, but always compelling aspects of humanity.


The Natural Look Netherlands/USA 2014, 36'32", digital file, colour, English, Exp Director: Steve Reinke Producer: Steve Reinke Distribution: VDB Video Data Bank, Chicago, USA, Zachary Vanes, distro@vdb.org, +1 3123453550

Das Video «The Natural Look» widmet sich allen Dingen rund um die Plazenta. Es besteht aus Material, das aus dem Internet heruntergeladen wurde, hauptsächlich von YouTube – AmateurNaturfilme ebenso wie professionelle Produktionen. Das Geschlechtsteil ist überflüssig, aber Popmusik ist zentral. «The Natural Look» is a video dedicated to all things placental. It is constructed out of material downloaded from the internet, mostly from YouTube. Nature films — both professional and amateur. The genital is superfluous, but pop music remains central. Steve Reinke (born 1963) is an artist and writer best known for his videos. His work is screened widely and is in several collections. He is currently associate professor of Art Theory & Practice at Northwestern University

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Jugendprogramm Youth Programme Curated by: Annina Canciani, John Canciani, Norma Giannetta, Sandro Schmid, Tina Vellacott

Runtime 83’ November 4, 2015, 10:00 Casino Theatersaal November 5, 2015, 14:00 Casino Theatersaal November 6, 2015, 14:00 Casino Theatersaal

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Jugendfilmprogramm Das Bildungsengagement ist ein zentrales Anliegen der Kurzfilmtage und soll auch künftig weiter gestärkt werden. Das Jugendprogramm hat sich so als fixer Bestandteil der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur etabliert. Die dritte Vorstellung, die letztes Jahr zusätzlich programmiert wurde, fand entsprechend grosses Echo. Das Vermittlungsangebot der Kurzfilmtage, das durch die wertvollen Rückmeldungen der Lehrpersonen mitgestaltet wurde, beinhaltet den Besuch von Filmexperten im Schulunterricht, die den Jugendlichen die Grundkenntnisse der Filmanalyse näherbringen. Am Festival können die Lehrpersonen mit ihren Schulklassen an drei Tagen ein altersgerechtes Programm besuchen. Zusätzlich erhalten sie Unterrichtsmaterialien zum Einstieg in die Thematik und zur Nachbearbeitung im Schulbetrieb sowie Arbeitsmaterial für die Schülerinnen und Schüler. Eine Jugendjury wird auch dieses Jahr entscheiden, welcher Film den Preis für den besten Jugendfilm gewinnt. Drei Jugendliche zwischen 16 und 18 Jahren haben im Vorfeld des Festivals die Filme des Programms gesichtet und gemeinsam einen Gewinner bestimmt. Der Kurzfilm ist ein geeignetes Medium für die Film- und Kulturvermittlung: In angemessener Zeit können zahlreiche Aspekte eines Films behandelt werden. Durch seine thematische Vielfalt sowie die unterschiedlichen Genres und Sprachen bietet er ein einmaliges Spektrum. Mit einer durchschnittlichen Dauer von zehn bis fünfzehn Minuten können im Gegensatz zum Langfilm mehrere Filme angeschaut und diskutiert werden. Kurzfilme liefern zahlreiche Denkanstösse und erlauben eine gemeinsame Reflexion im Unterricht. Filme vermitteln neben Emotionen auch neue Sichtweisen, zeigen Rollenmuster auf, thematisieren andere Lebensweisen und geben Einblicke in fremde Kulturkreise. Bei diesen drei öffentlichen Vorstellungen für Jugendliche ab zwölf Jahren 
ist ein Programm an aktuellen Filmen zu sehen. Das Programm soll einen breiten Überblick des aktuellen 
Kurzfilmschaffens geben und aufzeigen, dass es auch eine Filmkultur nebst dem gängigen Mainstream und YouTube-Filmen gibt. Jugendliche wie auch Erwachsene sind herzlich willkommen. John Canciani und Remo Longhi

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Youth Programme Educational commitment has been a central concern of the Short Film Festival and will be further strengthened in the future. The Youth Programme has thus established itself as a permanent component of the festival programme, and last year’s additional third screening met with a wide response. Valuable feedback from teachers has helped to shape the festival’s educational offerings, which include school visits by film experts who introduce teenagers to the basics of film analysis. On three days during the festival, teachers can attend an age-appropriate programme with their students. Further, they are provided with teaching materials for classroom discussions before and after the screenings. Once again, a young jury will select the winner of the Youth Film Award: three teenagers aged 16 to 18 have seen the films of the programme prior to the festival and decided on a winner together. Short film is a suitable medium for cultural mediation: numerous aspects of a film can be discussed within a reasonable time frame. Due to their thematic diversity and the variety of genres and languages, shorts offer a uniquely wide range of topics. In contrast to feature films, an average runtime of 10 to 15 minutes enables the screening and discussion of several films. Shorts provide diverse food for thought and permit collective reflection in the classroom. Apart from emotions, films also impart new viewpoints, illustrate role patterns, show different lifestyles, and give insight into foreign cultures. The three public screenings for teenagers aged 12 and older offer a selection of recent films, chosen by team members of the Short Film Festival. The aim is to provide a broad overview of current short filmmaking and to introduce young people to a film culture beyond the usual mainstream and YouTube clips. Teenagers and adults are welcome! John Canciani and Remo Longhi mit freundlicher Unterstßtzung von / with kind support of

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If Mama Ain't Happy, Nobody's Happy Netherlands 2014, 24'48", digital file, colour and b/w, Dutch with German subtitles, Doc Director: Mea Dols de Jong Photography: Nina Badoux Editor: Jose van Koppenhagen Sound: Laura Solleveld Production: Netherlands Film Academy, Amsterdam, Netherlands, Juul Op den Kamp, juulopdenkamp@gmail.com, +31 6 54 93 12 32 Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, Wouter Jansen, info@someshorts.com, +31 6 22 07 67 17

«Wenn du einen Film über unabhängige Frauen machen willst, wieso nicht einen über unsere Familie?» Also machen sich Mutter und Tochter auf, die vier Generationen zu porträtieren, die alle ohne Mann auskamen. Das Bild einer rätselhaften Familientradition kommt langsam zum Vorschein – eine Tradition, auf die die Mutter stolz ist, doch die Tochter hat ihre Zweifel. «If you want to make a film about independent women, why not make a film about our family?» And so mother and daughter embark on a journey together to portray the four generations who all managed without a man. A mysterious family tradition slowly emerges. A tradition the mother is proud of, but the daughter has her doubts. Mea Dols-de Jong (1988) studied Philosophy and Physics before turning to the world of documentary filmmaking. Mea’s graduation film «If Mama Ain't Happy, Nobody's Happy» had its international premiere at the International Documentary Festival Amsterdam (IDFA) and won awards at several festivals.

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Stay Awake

All the Pain in the World

USA 2015, 13'54", digital file, colour, English with German subtitles, Fic

United Kingdom 2014, 12', digital file, colour, English with German subtitles, Fic

Director: Jamie Sisley Script: Jamie Sisley Photography: Alejandro Mejia Editor: Jamie Sisley Sound: Ryan Billia Cast: Owen Campbell/Rebecca Harris/ Lori Brown-Niang/David Rysdahl Production and Distribution: Jamie Sisley, Brooklyn, NY, USA, jamie.sisley@mac.com, +1 571 213 8273

Director: Tommaso Pitta Script: Tommaso Pitta Photography: Tristan Chenais Editor: Daniel Davies Sound: Marton Kristof Cast: Peter Faulkner/Philippa George/Cornelius Clark Production and Distribution: Tommaso Pitta, London, United Kingdom, tommipitta@gmail.com, +44(0)7414685029

Brüder, eine Mütter, Songs aus den Siebzigern, Xanax und eine Frau namens Vicki. «Stay Awake» dreht sich um Sucht und um die Opfer, die man für geliebte Menschen bringt. Brothers, a mother, songs from the seventies, Xanax, and a woman named Vicki. «Stay Awake» explores addiction and making sacrifices for the people you love. Jamie Sisley lives in New York City and has an M.F.A. in Film from Columbia University. «Stay Awake» premiered at the 2015 Berlin Film Festival and won the Jury Prize at the 2015 Slamdance Film Festival. His first narrative feature film is in development.

Ein älterer Mann geht an Weihnachten in eine Tierhandlung, um die Besitzer darauf aufmerksam zu machen, dass ein Fisch zwischen der Glasscheibe und einer Pflanze stecken geblieben ist. Der unglückselige Fisch ist offensichtlich in Lebensgefahr – kümmert das denn niemanden? Der Mann besteht darauf, den Fisch zu retten, doch die Situation gerät langsam ausser Kontrolle. Der Film basiert auf der Kurzgeschichte «Tutto il dolore del mondo» von Michele Mari. An older man, alone on Christmas, stops in a pet store to let the owners know that one of their fishes is stuck between the glass and a plant. The ill-fated fish is choking and is clearly about to die. Doesn't anyone care?! As the man insists on saving the fish, the situation slowly spirals out of control. Based on the short story «Tutto il dolore del mondo» by Michele Mari. Tommaso Pitta graduated in Modern Literature from the University of Milan and is an alumnus of the Paolo Grassi School of Dramatic Arts. He started his career as a theatre director in Italy. In 2010, he directed his first short film, «Già Domattina», which allowed him to enrol at the National Film and Television School.


The Hole

Share

Switzerland 2015, 1'50", digital file, colour, no dialogue, Ani/Fic

USA 2015, 11'21", digital file, colour, English with German subtitles, Fic

Director: Bart Wasem Script: Bart Wasem Editor: Bart Wasem Production: Encore Pictures GmbH, Zürich, Switzerland, Juerg Steudler, juerg.steudler@encore-pictures.ch, +41 44 256 15 64 Distribution: Sydney Neter Distribution, Amsterdam, Netherlands, info@sndfilms.com, +31204040707

Director: Pippa Bianco Script: Pippa Bianco Photography: Ava Berkofsky Editor: Oliver Harwood Sound: Nathan Ruyle Cast: Madisen Beaty/Keir Gilchrist/ Taissa Farmiga/Andre Royo Production and Distribution: Tyler Byrne, tylerjbyrne@gmail.com

Macker Bruce verliert langsam seine Anziehungskraft. Eine mysteriöse Erscheinung bietet ihm eines Tages die Möglichkeit, sich den alten Glanz wieder zu holen. Ob es sich lohnen wird?

Ein 15-jähriges Mädchen kehrt zur Schule zurück, nachdem jemand ein Sexvideo von ihr verbreitet hat.

Balding macho Bruce is losing his appeal. But one day, a mysterious hole offers him an unexpected chance to recapture his former glory. Will it be worth it? Bart Wasem (1972) graduated with a Master in Graphic Design in Bern before moving into motion graphics and film animation. He has designed projects for MTV Europe, ARTE France, IWC Switzerland, ZDF Germany, and many more. He has also directed music videos and won several prizes in advertising. He’s a co-founder of the LeMob motion design studio in Zurich.

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A 15-year-old girl returns to school after someone has shared a sexually explicit video of her. Pippa Bianco studied film and photography at Yale University before moving to New York and São Paolo to make films. She recently relocated to LA to be one of eight fellows in The American Film Institute’s Directing Workshop for Women. «Share» won prizes at SXSW and Cannes Film Festival this year.

The Face of Ukraine: Casting Oksana Baiul Ukraine/Australia 2015, 7'15", digital file, colour, Russian with German subtitles, Doc/Fic Director: Kitty Green Photography: Michael Latham Editor: Kitty Green Sound: Jed Palmer Production: Film Camp, Brunswick, Australia, Philippa Campey, pip@filmcamp.com.au, +61410 665 032 Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, Anna Leimbrinck, anna@shortfilm.com, +49 40 3910 6325

Kleine Mädchen in rosa Glitzerkleidern aus der vom Krieg zerrissenen Ukraine beim Vorsprechen für die Rolle der Eiskunstläuferin und Goldmedaillengewinnerin Oksana Baiul, deren Freudentränen einst das geplagte Land einten. Adorned in pink sequins, little girls from across a divided, war-torn Ukraine audition to play the role of gold medalwinning figure skater Oksana Baiul, whose tears of joy once united their troubled country. Kitty Green is an award-winning Australian director. In 2012, Kitty spent a year in Ukraine, shooting with the provocative protest movement Femen. Her feature documentary «Ukraine is Not a Brothel» premiered at the Venice Film Festival in 2013. «The Face of Ukraine: Casting Oksana Baiul» premiered at Sundance and won the non-fiction jury prize.


00:08

Alienation

Japan 2015, 5'19", digital file, colour, no dialogue, Exp/Ani

Germany 2014, 6'14", digital file, colour, German, Ani/Doc

Director: Yutaro Kubo Sound: Ikumi Takahashi Production and Distribution: Yutaro Kubo, Oita, Japan, yutaro960@gmail.com, +81 (0) 90 7292 0151

Director: Laura Lehmus Script: Dirk Böll/Laura Lehmus Sound: Sebastian Müller Production: Markus Kaatsch, makus@augohr.de Distribution: Interfilm Berlin, Berlin, Germany, Christian Gesell, christian@interfilm.de, +49 - (0)30 - 25 80 08 96

Dieses Stück dauert acht Sekunden. Es geht um Ausdehnung und Vergrösserung, nicht um Zeit. Acht Sekunden werden so viel üppiger. This piece takes 8 seconds, creating intervals between the frames and making them bigger. It's about expansion and enlargement, not the passage of time. 8 seconds becomes that much more luxuriant. Yutaro Kubo (1990) graduated from Tokyo University of the Arts, Graduate School of Film and New Media, Department of Animation, in 2014. He is particular about drawing on paper for the production of his short animations, and has been very active in the international film festival scene. His works have been shown at the festivals of Annecy, Ottawa, Anima Mundi, and Zagreb.

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Ein Animationskurzfilm über die Pubertät, basierend auf Interviews mit Teenagern. A animated short film about puberty, based on interviews with teenagers. Laura Lehmus (born 1972 in Finland) studied at the Academy of Media Arts Cologne. After graduation, she lived in Berlin, where she worked as an on-air producer and art director for film and television (Arte, Nickelodeon, Solarfilms Helsinki). Since 2012, she's been living in Helsinki, producing films whenever her little son is asleep.


Zauberlaterne: Kurze für Kleine – Wirklich mutig? Magic Lantern: Shorts for Kids – True Courage? Curated by: Dustin Rees and Zauberlaterne

Runtime 67’ November 5, 2015, 10:00 Casino Theatersaal November 6, 2015, 10:00 Casino Theatersaal November 8, 2015, 10:00 Casino Theatersaal

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Kurze für Kleine – Wirklich mutig? Generell sind Kurzfilme viel weniger sichtbar als Langfilme und Kinder kommen nur selten in deren Genuss, wenn man von den animierten Serien absieht, die von früh bis spät über den Fernsehbildschirm flimmern. Dies ist umso bedauerlicher, als die Entdeckung der Kurzfilmkunst sowohl in emotionaler wie pädagogischer Hinsicht oftmals prägender ist als das Schauen von Spielfilmen. Bei der Entdeckung eines Kurzfilms tauchen die jungen Zuschauerinnen und Zuschauer meist tiefer in den narrativen Prozess des ganzen Films ein. Nach einem Kurzfilm können sich Kinder deutlich besser an die gesamte Handlung erinnern als nach einem Langfilm, der seine Zuschauer auf eine emotionale Achterbahnfahrt voller Abenteuer mitnimmt und dabei viele verschiedene Themen streift. Das Phänomen der «Miniaturisierung» fördert den kritischen Geist. Es ist immer wieder faszinierend, wie schnell und deutlich sich Kinder eine Meinung zu einem verschlungenen Kurzfilm bilden. Aus diesem Grund zeigt die Zauberlaterne im Rahmen ihrer regulären Vorstellungen verschiedene Kurzfilmprogramme und arbeitet nun seit beinahe 15 Jahren bei der Zusammenstellung des Programms Kurze für Kleine mit den Internationalen Kurzfilmtagen Winterthur zusammen. Die diesjährige Auswahl trägt den Titel Wirklich mutig? und umfasst sowohl Perlen des Animationsfilms als auch kleine Meisterwerke des Realfilms. Das Thema Mut zieht sich dabei als roter Faden durch die Filme. Ist Papa etwa insgeheim ein Superheld? Soll die malträtierte Giraffe aus dem Zirkus gerettet werden? Darf man schummeln, um dem besten Freund zu helfen, der nicht singen kann? Traut sich der Junge, vom hohen Sprungturm zu springen? Das Thema ist auch deshalb so faszinierend, weil es ein Sinnbild für die Kindheit und ihre Herausforderungen ist. Die Filme zeigen darüber hinaus, dass man mit guten Filmen, insbesondere Kurzfilmen, besonders gut mitwachsen und fürs Leben lernen kann. Vincent Adatte Kodirektor der Zauberlaterne – Filmklub für Kinder

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Shorts for Kids – True Courage? Short films are generally much less visible than features, and children rarely get to enjoy them (apart from the animated series shown all day on television). This is especially regrettable because discovering the art of short films is often a more formative experience emotionally and pedagogically than the viewing of feature films. When discovering a short film, the young spectators are usually more immersed into the narrative process of the whole film. After watching a short, children remember the entire plot much better than after a feature, which takes its audience on an emotional rollercoaster ride full of adventures while touching on many different issues. The phenomenon of «miniaturisation» fosters a critical mind. It is always fascinating to see how quickly and clearly kids form an opinion on an intricate short film. For this reason, the Magic Lantern includes short film programmes in its regular screenings. And for almost 15 years now, the organisation has been working with the International Short Film Festival Winterthur to curate their annual programme Shorts for Kids. This year’s selection is entitled «True Courage?» and it includes animated gems as well as little masterpieces of live-action film. The theme of courage forms the common thread running through the films. Is daddy secretly a superhero? Should the mistreated giraffe be saved from the circus? Is it OK to cheat in order to save your best friend who can’t sing? Will the boy dare to jump off the highboard? The theme is especially fascinating because it is an emblem of childhood and its challenges. Moreover, the selection shows us how we can grow with good films – especially short films – and learn for life. Vincent Adatte Co-Director of the Magic Lantern – Film Club for Kids

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Kleine Helden Switzerland 2014, 8'42", digital file, colour, Swiss German, Fic Director: Fabienne Andreoli Script: Fabienne Andreoli Photography: Ramon Königshausen Editor: Martin Arpagaus Sound: Gregg Skerman/Moritz Willenegger Cast: Cyrill Bühler/Kurt Grünenfelder/Nicole Tobler Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, film.info@zhdk.ch, +41 43 446 31 14 Distribution: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, Laura Zimmermann, laura. zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 12

Thommi ist ein grosser Superman-Fan. Als er auf dem Estrich ein altes Superman-Kostüm findet, beginnt für ihn alles Sinn zu machen: Sein Vater ist so oft abwesend, weil er selbst ein Superheld auf geheimer Mission ist! Als Sohn eines Superhelden ist Thommi wohl ebenfalls im Besitz von Superkräften und mithilfe seiner Fantasie versucht er diese zu testen. Thommi is a big fan of Superman. His father doesn't spend a lot of time with him. When Thommi finds an old Superman costume in the attic, everything suddenly makes sense: his father is away so often because he is himself a superhero on a secret mission. As the son of a superhero, Thommi expects to have superpowers too and tries to test them with the help of his imagination. Fabienne Andreoli (born 1987), grew up in Zurich. She received her BA in Psychology from the University of Zurich in 2012 and began her BA in Film at the Zurich University of the Arts the same year.

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Maly Cousteau / The Little Cousteau

Le Plongeon / The Dive

Czech Republic 2013, 8'14", digital file, colour, no dialogue, Ani

France 2013, 9'50", digital file, colour, French with German subtitles, Fic

Director: Jakub Kouril Script: Jakub Kouril Editor: Roman Tesácˇek Sound: Vladimír Chorvatovicˇ Production/Distribution: FAMU, Pague, Czech Republic, viera.cakany@gmail.com, +420736255077

Director: Delphine Le Courtois Script: Delphine Le Courtois Photography: Raul Fernandez Editor: Fanny Servant Sound: Bruno Auzet/Luc Cadiau Cast: Louis Leenart Production: Hippocampe Productions, Vincennes, France, contact@hippocampe-productions.com, +33 1 79 56 48 17 Distribution: Origine Films, Paris, France, contact@originefilms.fr, +33 1 77 15 01 29

Dieser kurze Animationsfilm über einen kleinen Jungen, der sich in einer verschneiten Stadt nach Tiefsee-Abenteuern sehnt, ist eine Hommage an Jacques Cousteau. This short animated film about a little boy who longs for deep-sea adventures in a snow-covered city is an homage to Jacques Cousteau. Jakub Kourˇil (born 1987) is a student of animation at FAMU, Prague, Czech Republic. He was awarded the Magnesia Award for Best Student Film in 2012 for «M.O», and in 2013 for «The Little Cousteau». Many of his films were selected and well-received by audiences and juries at festivals around the world.

Ein Dreizehnjähriger, an der Schwelle zum Erwachsenwerden, schaut von einem Sprungturm aus dem Unbekannten ins Gesicht. Thirteen years old, on the edge of adulthood, a boy on a diving board faces the unknown. After graduating from the University of Salford in England with a Bachelor in Media and from a Film school in Paris, Delphine Le Courtois has regularly worked as an assistant director on film sets in Europe and in Canada. Her first short film «Papillon» was screened at several festivals around the world where it received a nice welcome from the audience. «Le Plongeon» is her second short film.


Zebra

The Giraffe and Me

A Friend for My Friend

Germany 2013, 2'45", digital file, colour, no dialogue, Ani

Russia 2014, 4'56", digital file, colour, no dialogue, Ani

Iran 2013, 5'25", digital file, colour, no dialogue, Fic

Director: Julia Ocker Script: Julia Ocker Sound: Christian Heck Cast: Ferdinand Engländer Production/Distribution: Studio FILM BILDER GmbH, Stuttgart, Germany, studio@filmbilder.de, +49 711 481 02

Director: Daria Kashcheeva Script: Daria Kashcheeva Photography: Daria Kashcheeva Editor: Daria Kashcheeva Sound: Daria Kashcheeva Production/Distribution: Daria Kashcheeva, Moscow, Russia, dariakashcheeva@gmail.com, +79 265857368

Eines Tages lief das Zebra gegen einen Baum. One day, the zebra ran against a tree. Julia Ocker was born 1982 in Pforzheim.
She studied Visual Communication in Pforzheim and Cairo from 2003 to 2005. In 2006, she continued her studies of animation at the Filmakademie in Baden-Württemberg. Since graduation, she has been working for different studios in and around Stuttgart.

Grelles Scheinwerferlicht, tosender Applaus, Geschrei. Die Giraffe neigt den Hals und geht weiter im Kreis, im Takt mit der fröhlichen Musik. In der Menge der vom Gelächter verzerrten Gesichter erblickt sie ein Paar strahlende Augen. Blinding spotlights, deafening applause, shouting. The giraffe bends its neck and continues going in circles, keeping time with the cheerful music. Then, it meets a pair of vivid eyes in a crowd of faces distorted by laughter. Daria Kashcheeva was born in 1986. In 2012, she graduated from the Moscow Academy of Music as a sound engineer, and in 2013 she began making animations. Now Daria studies Film and TV at the Academy of Performing Arts in Prague, where she is transforming from a fanatic into a professional animator.

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Director: Sarkaot Mohammadi Script: Sarkaot Mohammadi Photography: Rahmat Abdiani Editor: Soran Fahim Sound: Soran Fahim Cast: Sasan Mohammadi Production: Fidan Film, Urmia, Iran, yusef.kargar@gmail.com, +98 9149415957

Eine Freundschaft zwischen einem Jungen und einer Kuh. Oder: Ein Bauernjunge versucht mit allen Mitteln, ein Strassenschild zu stehlen. Als alle seine Bemühungen nicht ausreichen, greift er zu einer gefährlichen Methode. A friendship between a boy and a cow. Or: a farmer’s boy is trying very hard to steal a road sign. When his efforts aren't enough, he resorts to a very dangerous method because he is so very keen on taking the sign home. Sarkaot Mohammadi was born in 1982 in Sanandaj and started photography as an amateur in 1994. He entered the field of filmmaking in 2004 and has since written and directed five short films. He has also been involved in various films and series as an assistant, production manager, and stage designer.


Trudes Tier: Bagger Germany 2014, 6'14", digital file, colour, German, Ani Director: Klaus Morschheuser/Johannes Weiland/ Michael Bohnenstingl Script: Marcus Sauermann Sound: Christian Heck Production: Studio Soi GmbH & Co.KG, Ludwigsburg, Germany, contact@studiosoi.de Distribution: Westdeutscher Rundfunk, Köln, Germany, kirsten.schneider@fm.wdr.de, +49-221-220-4355

Trude teilt ihre Wohnung seit Neustem mit einem grossen unbekannten Tier, das die Kraft eines Elefanten und die Dreistigkeit eines Kindes besitzt, aber keinen blassen Schimmer hat, was sich gehört – etwa, dass man nicht einfach Sachen mitgehen lassen darf. Nein, auch keine Bagger! Zurück zur Baustelle damit und sich entschuldigen! For a little while, Trude has been sharing her apartment with a big obscure beast that has the strength of an elephant and the boldness of a child, but no clue about good manners – such as not being supposed to steal things. No, not an excavator either! Time to return it to the construction site and apologise! Born 1977 in Freiburg, Germany, Johannes Weiland began his studies at Ludwigsburg Filmakademie Baden-Wuerttemberg in 1998, where he currently teaches animation classes. Since his graduation, he has worked as director/animator at Studio Soi, Ludwigsburg, and Studioaka, London. Michael Bohnenstingl is 21. He sings in a band, studies film in Ludwigsburg, and has a short biography. Born in 1971, Klaus Morschheuser studied at the Filmakademie Baden-Wuerttemberg. After freelancing as an animator, he co-founded Studio Soi in 2002.

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Verhon Takaa / Behind The Curtain Finland 2013, 7'04", digital file, colour, Finnish with English subtitles, Fic Director: Teemu Nikki Script: Teemu Nikki Photography: Jyrki Arnikari Editor: Kerttu Jaatinen/Teemu Nikki Sound: Samu Kiiski Cast: Valtteri Koivumies/Olavi Niemi/Pekka Huotari Production: Its Alive Productions, Helsinki, Finland, info@itsalive.fi, +358 50 5264304 Distribution: Finnish Film Foundation, Helsinki, Finland, Suvi Paavola, suvi.paavola@ses.fi

Ein Vorsingen in der Schule in den 1980er-Jahren. Mikko hat viel geübt, aber er ist ein schlechter Sänger. Besonders vor Publikum zu singen, fällt ihm nicht leicht. Wäre es vielleicht einfacher, hinter einem Vorhang zu singen? A school audition in the 1980s. Mikko is a bad singer, although he has been rehearsing a lot. Especially performing in front of an audience is not easy. Would singing behind a curtain be easier? Teemu Nikki (born 1975) is a Finnish film producer, director, screenwriter, and editor. He loves Italian food and making films. He has directed a feature film called «Simo Times Three», many awardwinning short films, music videos, and the popular television series «#lovemilla».

Lost Property United Kingdom 2014, 6'14", digital file, colour, no dialogue, Ani Director: Åsa Lucander Script: Åsa Lucander Editor: Åsa Lucander Sound: Chris Turner/Alex Wilson-Thame Production/Distribution: 12foot6, London, United Kingdom, Åsa Lucander, asa.lucander@gmail.com, +44 7810893813

Ein netter älterer Herr arbeitet in einem Fundbüro. Jeden Tag kommt eine alte Dame und sucht nach einem neuen Gegenstand, den sie verloren hat. Und jeden Tag hilft ihr der Mann bei der Suche. Wird sie am Ende finden, was sie sucht? In a lost property office, a kind old man works behind the desk. Every day, an old lady comes into this office looking for a new item she has lost, and every day, he tries to help her find it. But will she find what she's looking for in the end? Åsa Lucander is an illustrator and animator, with 10 years of industry experience working in the UK as well as Scandinavia. Originally from Finland, Åsa moved to London in 2001. She has recently joined Aardman in Bristol where she is now based.


Wombo Germany 2013, 8'02", digital file, colour, German, Ani Director: Daniel Acht Script: Daniel Acht Photography: Daniela Knapp Editor: David Fabra Sound: Tim Altrichter/David Ziegler Cast: Diana Simone Bogwardt/Jette Spangenberg Production and Distribution: Wolkenlenker, Berlin, Germany, info@wolkenlenker.com, +49 (30)44312282

Wombo ist ein Ausserirdischer, der auf der Erde notlandet. Doch hier hat er nichts zu lachen. Erst wird er von einem Hund verfolgt, der Wombo wohl für Futter hält, und dann gerät er beinahe als Beilage in die Gemüsesuppe! Das hat einen einfachen Grund: Wombo sieht einer Kartoffel zum Verwechseln ähnlich! Wombo the alien makes an emergency landing on planet earth. But life here is no laughing matter. First, he is chased by a dog, then he ends up in a vegetable basket and nearly gets cooked for dinner! But why is all of this happening to him? The reason is simple: our alien friend happens to look like a potato! Daniel Acht has taken part in numerous theatre and film workshops before working as an assistant director for several short and advertising films. In 2011, he founded the company Wolkenlenker together with Sebastian Wehner and Christopher Zitterbart. Wolkenlenker produces various media for children.

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Art in Winterthur

«The Tethered» by Sama Alshaibi «Quantum.» by Flatform «Cut» by Christoph Girardet & Matthias Müller

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The Tethered

The Tethered

Quantum.

2012, 8'42'' Loop Installation (Single Channel), Di bis So, Foyer Theater Winterthur

2012, 8’42’’ Loop Installation (Single Channel), Tues through Sun, Foyer, Theater Winterthur

2015, 8' Loop Installation (Single Channel), Di bis So, Oberes Foyer Theater Winterthur

«The Tethered» umfasst 48 Kreise in Anlehnung an die Gründung Israels im Jahre 1948. Intime Momente des Krieges – ikonische, kollektive genauso wie persönliche – werden durch Wiederholung und Gegenüberstellung präsentiert. Aus 12 Jahren ihrer persönlichen Video-Dokumentation extrahiert Alshaibis Video Elemente aus den vertrauten «News» – der plumpen Darstellung bedeutungsloser Konflikte – und entwickelt daraus ein Werk des Widerstandes. «The Tethered»  untersucht das Gewöhnliche und Aussergewöhnliche im alltäglichen Leben der Palästinenser in den besetzten Gebieten und im historischen Palästina genauso wie die israelischen Besatzertruppen in ihrem Kampf um Macht und Kontrolle. Die Installation orchestriert eine humanistische Neubewertung der oft ignorierten und marginalisierten Not des palästinensischen Volkes.

«The Tethered» consists of 48 circles, a nod to the birth of Israel in 1948. Intimate moments of war are visually captured and presented through repetition and juxtaposition – struggles of the iconic, the collective, and the personal. Based on 12 years of her own personal video documentation, Alshaibi’s video extracts components from familiar «news» – the crude depiction of meaningless conflict – turning them into a work of resistance. «The Tethered» re-examines the ordinary and extraordinary daily life of Palestinians living in the Occupied Territories and historical Palestine, as well as the Israeli occupying forces in their fight for power and control. The installation orchestrates a humanistic reconsideration of the often ignored and marginalised plight of the Palestinian people.

Ein italienisches Städtchen liegt auf einem scheinbar weit entfernten Hügel gleich einem architektonischen Modell vor uns. Klänge suggerieren plötzlich Nähe und nehmen uns das Gefühl der Distanz. Orte und Handlungen erscheinen in Miniatur und werden animiert vom An- und Abschalten des Lichts im Raum. Das Pfeifen des Windes und die Geräusche des Städtchens heben sich, während eine dem Gesange entzogene Arie durch Licht und Landschaft hallt.

Sama Alshaibi Sama Alshaibis (Palästina/Irak) Werke wurden weltweit ausgestellt, so etwa an der 55. Biennale in Venedig, an der Honolulu Biennial, im Museum of Modern Art in New York, am Arab World Institute in Paris, am Instants Video Festival sowie am Thessaloniki Film Festival. Ihre Monographie «Sand Rushes In» wurde 2015 von der Aperture Foundation publiziert, zudem erhielt sie 2014/15 das «Fulbright Scholars Fellowship to Palestine». Sama Alshaibi wird von der Ayyam Gallery vertreten und hat eine ausserordentliche Professur für Fotografie und Videokunst an der University of Arizona.

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Sama Alshaibi The works of Palestinian-Iraqi artist Sama Alshaibi have been featured in prominent venues, including the 55th Venice Biennale, Honolulu Biennial, MoMA (NYC), Arab World Institute (Paris), Instants Video Festival, and Thessaloniki Film Festival. Her monograph «Sand Rushes In» was published by the Aperture Foundation in 2015 and she was awarded a Fulbright Scholars Fellowship to Palestine (2014– 2015). She is represented by Ayyam Gallery and is Associate Professor of Photography/Video Art at University of Arizona.

Flatform Flatform wurde 2007 gegründet und ist heute in Mailand und Berlin stationiert. Arbeiten von Flatform wurden in diversen Museen und Instituionen weltweit gezeigt – darunter im Hirshhorn Museum in Washington, im Centre Pompidou in Paris oder dem Garage Centre of the Arts in Moskau. Videoarbeiten von Flatform wurden zudem an Filmfestivals wie dem IFF Rotterdem, den Internationalen Filmfestspielen in Venedig, den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen oder dem Nouveau Cinéma in Montréal gezeigt.


Quantum.

Cut

Cut

2015, 8’ Loop Installation (Single Channel), Thues through Sun, Upper Foyer, Theater Winterthur

2013, 13’ Loop Installation (Single Channel) 2.10. bis 29.11.2015, Fotomuseum Winterthur

2013, 13’ Loop Installation (Single Channel) 2.10. to 29.11.2015, Fotomuseum Winterthur

A small Italian town on a seemingly distant hill appears like an architectural model illuminated by interior lighting. Suddenly, sounds seem to cancel the distance, suggesting nearness. Places and actions appear in miniature, animated by the light that is switched on and off. The whistling of the wind and the sounds coming from the town increase. A voiceless aria reverberates through the landscape in the absence of light.

Film wäre nicht Kino ohne den Schnitt: ob als unsichtbare Naht oder sichtbare Narbe, der «Cut» bildet das Grundelement jeder filmischer Erzählung. Im Rahmen von SITUATIONS (situations. fotomuseum.ch) zeigt das Fotomuseum Winterthur den Kurzfilm «Cut» (2013) von unseren Personen im Fokus Christoph Girardet & Matthias Müller. Hier wird der Schnitt gleich auf mehreren Ebenen inszeniert, wenn die Künstler den Korpus der Spielfilmgeschichte «sezieren» und Aus-Schnitte von Wunden und Narben, Stichen und Ritzen zu einem neuen Werk zusammenkleben. Bilder, die unter die Haut gehen – wie das Kino selbst. Und so sind die filmischen «found footage» Kompositionen von Girardet/Müller immer auch Reflexionen über das eigene Medium, die im Transfer vom Kinosaal in den Ausstellungsraum zusätzlich verstärkt werden.

Film wouldn’t really be cinema without the cut: whether as invisible seam or visible scar, the cut is a fundamental element of every cinematic narrative. As part of its series SITUATIONS, the Fotomuseum Winterthur shows the short film «Cut» (2013) by our Persons in Focus, Christoph Girardet & Matthias Müller. Here, the cut is staged at multiple levels, as the filmmakers dissect the corpus of film history, reassembling snippets of wounds and scars, stitches and cracks into a new work that gets under the skin – just like cinema itself. Girardet/Müller’s cinematic found footage compositions are always also reflections on the medium itself, additionally amplified by the transfer from the cinema to the exhibition room.

Kombi-Ticket «Cut» Die Besucher der Sektion Person im Fokus sowie Besitzer eines Festivalpasses erhalten am Samstag, 7. November sowie am Sonntag, 8. November 2015 mit ihrem Ticket freien Eintritt zur SITUATION #21: Christoph Girardet & Matthias Müller, Cut, 2013 im Fotomuseum Winterthur.

Combined ticket Visitors of the «Person in Focus» section and owners of a festival pass receive free admission on November 7 and 8 to «SITUATION #21: Christoph Girardet & Matthias Müller, Cut, 2013» at the Fotomuseum Winterthur.

Flatform Flatform was founded in 2007 and is based in Milan and Berlin. Works by Flatform have been shown in many museums and institutions, including the Hirshhorn Museum in Washington, Centre Pompidou in Paris, and Garage Centre of the Arts in Moscow. Videoworks by Flatform have also been screened at several film festivals around the world, such as IFF Rotterdam, International Film Festival Venice, Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, and Nouveau Cinéma Montreal.

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Rahmenprogramm Special Events

Film Talks Panels Masterclass Music and Dance Further Special Events

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Filmgespräche Im Anschluss an diverse ProgrammScreenings bieten wir Gespräche mit Filmschaffenden und Experten an. Der Eintritt für die fortfolgenden Filmgespräche ist im Eintritt des dazugehörigen Filmscreenings inkludiert. 5x5x5 Filmgespräch im Anschluss an Screening (en) Sa 17:00 Uhr Theater Winterthur 5 Filmemacherinnen und Filmemacher aus 5 Länder sind für 5 Wochen zu Gast in Winterthur und realisieren 5 Kurz-Dokumentarfilme. Im Anschluss an die Welt-Premiere dieser 5 Filme diskutieren Layla Abyad (SYR), Sahera Dirbas (PLE), Naama Noach (ISR), Alina Rudnitskaya (RUS) und Dmytro Tiazhlov (UKR) mit Prof. Christian Iseli über ihre Filme und ihre Erfahrungen während der fünf Wochen in der Schweiz. Basma Alsharif – Nomad Diaries Filmgespräch im Anschluss an Screening (en) Sa 17:00 Uhr Casino Festsaal Geboren 1983 in Kuwait, aufgewachsen zwischen Frankreich, den USA und Palästina, widmet sich das Werk von Basma Alsharif dem nomadischen Leben und Arbeiten zwischen verschiedenen Kulturen und dem Ausdruck des Menschseins zwischen öffentlicher, privater und vergänglicher Identität. Anschliessend an die Filmvorführung folgt ein Gespräch mit der Künstlerin, moderiert von Nico Ruffo (Journalist/ Kurator). Beirut Video Visions Filmgespräch im Anschluss an Screening (en) Sa 22:30 Uhr Casino Festsaal Ein Einblick in die blühende libanesische Video-Szene, die bereits über den Nahen Osten hinaus bekannt ist. Eine Diskussion über einige der Werke aus dem Programm Beirut Video Visions und die Beziehung zur Stadt, von der die Geschichten libanesischer Filmemacher so oft geprägt sind. In Anwe-

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senheit von Lamia Joreige, Künstlerin, Filmemacherin und Mitbegründerin des Beirut Art Center, sowie Roy Dib, Künstler und Kunstkritiker. 99 J H E DADA: Im Dialog mit der Gegenwart Filmgespräch im Anschluss an Screening (en) So 14:30 Uhr Casino Festsaal Im Anschluss an das Film-Screening sprechen Juri Steiner (Geschäftsführer und Kurator des Vereins «dada 100 zürich 2016») und Jonathan Pouthier (Filmkurator, Centre Pompidou, Paris) über die Ideen der Dada Bewegung und deren aktuelle Bedeutung heute. «Every Picture Comes out Right»: Rare Early Warhol Shorts Filmgespräch im Anschluss an Screening (en) So 17:00 Uhr Casino Festsaal Eine Schweizer Premiere von sieben seltenen Warhol-Kurzfilmen. Das Programm ist in zwei Blöcke unterteilt: Der erste Teil widmet sich Portraits von Künstlern und Schriftstellern in Warhols Umfeld. Der zweite Teil zeigt sein Zusammenwirken mit legendären Avant-Garde Tänzern. Die Kuratorin Claire Henry vom «The Andy Warhol Film Project», einem Gemeinschaftsprojekt des Whitney Museums und des MoMA zur Katalogisierung und Bewahrung von Warhols Filmen, kommentiert beide Programmblöcke ausführlich und steht für Fragen zur Verfügung. The Syrian Revolution Will Not Be Televised Filmgespräch im Anschluss an Screening (en) So 17:00 Uhr Casino Theatersaal Die syrische Revolution findet auch im Kino statt. In einer Zeit, die von einer unaufhörlichen Bilderflut beherrscht ist, sollten wir uns ein paar zentrale Fragen stellen: Inwiefern werden die Protagonisten respektiert? Haben wir das Recht, alle möglichen Bilder zu verbreiten? Wie lässt sich eine

künstlerische Sprache in einem Land im Kriegszustand entwickeln? Ein Gespräch mit Produzentin Christin Luettich über die Arbeit der Film-Produktion Bidayyat, einer Organisation, die engagiertes zeitgenössisches Kino in Syrien fördert.


Podien Im Rahmen von Podien diskutieren wir zu ausgewählten Themen und Programmen vertiefter. Unsere Podien sind öffentlich, der Eintritt ist frei. Masterclass mit Christoph Girardet & Matthias Müller (de/en) Sa 11:30 Uhr Casino Festsaal Die Sektion Person im Fokus ist 2015 Christoph Girardet und Matthias Müller gewidmet, zwei der wichtigsten Vertretern des zeitgenössischen Experimentalfilms. Am Samstagmorgen laden sie zu einer Masterclass im Casino Festsaal. Im Gespräch mit dem Kultur- und Medienwissenschaftler Johannes Binotto sprechen die beiden Künstler über ihre Arbeitsmethoden und Verfahren, ihren Umgang mit fremdem, gefundenem Bildmaterial, ihre Inspiration durch das Kino der Vergangenheit und ihre Gedanken über jenes der Zukunft. The Future of Short Film: Curating/ Programming Short Film Festivals Podium (en) Sa 14:00 Uhr Hotel Krone Die diesjährige Ausgabe des Podiums widmet sich der Diskussion um die Aufgabe, die Verantwortung, die Bedeutung und eben auch um die Zukunft des Kuratierens und Programmierens von Kurzfilmfestivals. Seit den 90er-Jahren werden die beiden Begriffe geradezu inflationär verwendet. Auch die Organisatoren und Programmverantwortlichen von Kurzfilmfestivals arbeiten mit diesen Bezeichnungen, doch findet die Auseinandersetzung damit, was sie genau beinhalten und welche Konsequenzen ihr Gebrauch für die Arbeit und das Selbstverständnis der Festivalmacher hat, selten statt. Wo positioniert sich das Kurzfilmfestival als dritter (Spiel) Raum neben und zwischen Kino und Galerie/(Film)Museum?

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Es diskutieren: Sally Berger (MoMA, NYC), Jonathan Pouthier (Centre Pompidou, Paris), Lars Henrik Gass (Internationale Kurzfilmtage Oberhausen), Filipa Ramos (art-agenda, Vdrome). Moderation: Jasmin Basic ultrashort I reframed Buchpräsentation und Performance (de) Sa 17:30 Uhr Foyer Theater Winterthur ultrashort I reframed ist eine Publikation zu grundlegenden Veränderungen, die den Film erfasst haben: Kurzfilme werden zu Kürzestfilmen, zugeschnitten auf die verschiedensten Bildschirme und Rezeptionssituationen. Die Mobilität moderner Medien verändert unseren täglichen Medienkonsum. Begleitet wird die Buchpräsentation live von einer experimentellen Ton- und Bildperformance zur Kürze der Bilder und beschleunigten Produktionsweisen – eine Kooperation der Film- und Kunstwissenschaftlerin Eva Kuhn mit den Flug Design-VJs Catriona Paffhausen und Patrick Portmann, in deren Zentrum die Rekonfiguration von Filmfragmenten von Jonas Mekkas stehen. Im Anschluss an die Präsentation findet ein Apéro statt. ultrashort I reframed ist ein Projekt der Hochschule Luzern in Zusammenarbeit mit dem Seminar für Medienwissenschaft der Universität Basel. Filme machen in Bhutan und Nepal Podium (en) So 12:30 Uhr Foyer Theater Winterthur Unabhängig von einander entwickelte sich in Bhutan und Nepal in den letzten beiden Jahrzehnten eine lebhafte unabhängige Filmszene neben der von Bollywood geprägten Mainstreamproduktionen. Wie entstand diese? Welche Einflüsse prägen die Filmschaffenden, die sich in ihr bewegen? Mit welchen Schwierigkeiten haben sie zu kämpfen und welche kulturellen Voraussetzungen kommen dem Filmemachen entgegen? Welche

Bedeutung haben Filmfestivals im Inund Ausland? Und was heisst es, heute, nach den verehrenden Erdbeben im Frühjahr, in Nepal Filme zu drehen? Der Eintritt zum Podium ist frei. Es diskutieren: U.a. Abinash Bikram Shah (Regisseur, Produzent, Programmdirektor Ekadeshma International Short Film Festival, Assistenz-Professur Oscar College of Film Studies, Katmandu), Tashi Gyetshen (Filmemacher, Bhutan) und Subarna Thapa (Filmemacher, Nepal/Frankreich) Moderation: Delphine Jeanneret und Senta van de Weetering


Musik & Tanz Nach den Augen gibt's was auf die Ohren! Unter diesem Motto laden wir alle Kurzfilm-Liebhaber allabendlich zum Tanz – bei Live-Konzerten, Performances oder zum Sound ausgewählter DJs. Der Eintritt zu all unseren Partys und Konzerten ist frei.

Konzerte Missue (Showcase) Do 21:00–21:30 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Missue verführen euer Unterbewusstsein mit rauschhaften Tracks, die trotz ihrer synthetischen Ursprünge organisch und lebendig anklingen. Atilla Bayraktar und Philipp Gnägi, musikalisch seit Jugendtagen verbunden, navigieren ihre Beats geschickt durch die Untiefen zwischen Electronic, Minimal, Trip-Hop, IDM, Ambient und Glitch. All dies kombinieren sie mit wundervoll assoziativen Visuals zu einer eindrucksvollen Live-Performance. www.missuemusic.com Nkelo (live) Fr 22:00–23:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Sie faszinieren ihn, die Knöpfe, die uns in unentdeckte Welten befördern. Ein geborener Astrophysiker – könnte man denken. Nur ist Angelo Repetto nicht Astrophysiker, sondern Musiker geworden. Knöpfe und Geräte bedient er trotzdem, das Sound-Tüfteln wurde ihm sozusagen in die Wiege gelegt. Resultiert ist, wie aus dem Nichts, sein jüngstes Projekt Nkelo. Studio und Synthi statt Space-Shuttle und Supercomputer, Beats und Rhythmen statt Differentialgleichungen, wir können’s verstehen und finden’s gut. www.soundcloud.com/nkelo Zebra (Showcase) Sa 21:30–22:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Mit Zebra geht der Zürcher Luca Burkhalter einen Schritt weiter als die meisten. Wogende Drum-Machines schwin-

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gen im Gleichschritt mit verschlungenen Bässen auf der Zwerchfell-Ebene, klare Gesangslinien schmiegen sich in ihr Bett aus sorgfältig aufgetürmten Synthesizern und präzis choreografierte Lichtkostüme erhellen im stampfenden Takt des Galopps den dunklen Raum. Zebra umhüllt die Komplexität eines audio-visuellen Experiments mit einem leichten Gewand aus tanzbaren Tracks und souveräner Pop-Musik. Das ist ganz nah am Puls zeitgenössischer Electronica – und richtig grosses Kino. www.zebramusic.ch

Partys & DJs Eröffnungs-Ausklang mit DJ Pirx Di 22:00–00:00 Uhr Foyer Theater Winterthur Nach dem Eröffnungsprogramm der Kurzfilmtage sorgt DJ Pirx dafür, dass der Abend im Theater Winterthur ausund nachklingt. DJ Rastapopoulos Project Mi 21:00–00:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Das DJ Rastapopoulos Project serviert eine exquisite Auswahl bester LoungeMusik. Winti-DJ-Nacht mit Radio Stadtfilter und OnThur Do 21:30–03:30 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Radio Stadtfilter, das Super-8 unter den Radios, und OnThur, der Verein der Winterthurer Live-Clubs Albani, Gaswerk, Kraftfeld, und Salzhaus, bespielen an den Kurzfilmtagen die lange Winti-DJNacht in der Festival-Bar. www.stadtfilter.ch, www.onthur.ch 21:30–01:30 Uhr Da Carlo Del Phine (Kraftfeld) 01:30–03:30 Uhr Diamond Skull (Radio Stadtfilter)

Grüter&Bürgin (Rosapony/SRF Virus) Fr 23:00–04:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Dass Radio-Menschen eine Ahnung von Musik haben, das versteht sich von selbst. Rosanna Grüter und John Bürgin (Grüter&Bürgin, SRF Virus) können mehr: Der Liebe zur Club-Kultur und zur elektronischen Musik widmen sie sich nicht nur in ihrer wöchentlichen Sendung, vermehrt sind sie auch gemeinsam hinter DJ-Pulten hiesiger Clubs anzutreffen und lassen kein Tanzbein neben dem anderen. Nichts für müde Füsse, Augen und Ohren! www.srf.ch/sendungen/grueter-undbuergin Die drei lustigen Bären Sa 22:30–04:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Höret die Geschichte dreier wundersamer Gesellen, die da waren: DJ Stimpee Kutz, dreifacher Gemeinschaftsmeister im Kratzen drehender Platten, Pfaff Cäsi, seines Zeichens unvollendeter Klosterschüler, und Famosum DjReeDo, der doch australischen Gestaden bis jetzt gänzlich fern geblieben ist. Höret weiter, dass diese Meister Petz selber nicht genau wissen, was sie tun, Ihnen aber geistreiche Musik von Dings bis Bums und von Kreti bis Pleti zu kredenzen gedenken. Versehen mit reichlich Stil und gehörig Äther verkündet sich eine unvergessliche Nacht, fürwahr! www.djreedo.com Schtubetanz So 21:30–04:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Das Team der Kurzfilmtage lädt zur legendären finalen Sause. Bodenloser Trash, himmelstürmerische Hits und hopsende Beats – it’s time to sweat your brains out!


Weiteres Rahmenprogramm Radio Stadtfilter Talk Mi bis Sa jeweils 18:30–19:00 Uhr (de/en) Foyer Theater Winterthur Das Winterthurer Kulturradio sendet täglich live aus dem Foyer des Theater Winterthur. Von 18.30–19.00 Uhr diskutieren die RedaktorInnen von Radio Stadtfilter mit FilmemacherInnen und anderen Vertretern der Filmbranche live vor Publikum. Der Radiotalk kann vor Ort im Theater Winterthur (freier Eintritt) oder im Äther über 96.3 MHz und über Kabel auf 107.35 MHz mitverfolgt werden. Die Gäste: Mi: Ivan Madeo (Produzent (u.a. Heimatland, Der Kreis) und Juror des Schweizer Filmschulentags) Do: Christoph Girardet und Matthias Müller (Filmemacher und die diesjährigen Personen im Fokus) Fr: Jasmin Basic (Kuratorin div. Programme aus Arab Encounters) Sa: Eliane Boner (Kommunikation) und Laura Walde (Assistenz Künstlerische Leitung) der Kurzfilmtage Coucou macht Film ohne Bild Fr 21:00–21:30 Uhr Sa 15:00–15:30 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Warum nur sehen, wenn wir auch nur hören können? Das Winterthurer Kulturmagazin Coucou macht Kino im Ohr und lässt in unserer FestivalBar zwei fiktionale Drehbücher aus dem Programm im Vorfeld an die Film-Screenings lesen. Vorgetragen von der Schauspielerin Anna Diener, erwarten uns szenische Lesungen, die garantiert Lust auf mehr machen. So hörintensiv war Kino noch nie! Der Eintritt ist frei.

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Blick hinter die Kulissen Mi bis Fr jeweils 18:30–19:15 Uhr (de) Foyer Casinotheater Wollten Sie schon immer mal wissen, was hinter den Kulissen eines Kurzfilmfestivals abläuft? Wir bieten Blicke hinter die Kulisse, in die Vorführkabine, in die sonst nur dem Team zugänglichen Festival-Räuem und auf die Organisationsabläufe. Sie schauen den Operateuren über die Schultern und haben die Möglichkeit, einem langjährigen Team-Mitglied bei einem offerierten Getränk Fragen zu stellen. Der Eintritt ist frei.


Film Talks Following many film screenings, we offer talks with filmmakers and experts. Admission to the following film talks is included in the ticket for the respective screening. 5x5x5 Film talk after the screening (en) Sat 17:00, Theater Winterthur 5 filmmakers from 5 countries visit Winterthur for 5 weeks, producing 5 short documentaries. Following the world premiere of these 5 films, Layla Abyad (SYR), Sahera Dirbas (PLE), Naama Noach (ISR), Alina Rudnitskaya (RUS) and Dmytro Tiazhlov (UKR) discuss their works and their experiences during their stay in Switzerland with Prof. Christian Iseli. Basma Alsharif – Nomad Diaries Film talk after the screening (en) Sat 17:00, Casino Festsaal Born 1983 in Kuwait, raised between France, the US, and Palestine, Basma Alsharif’s work addresses the nomadic conditions of her life and work between different cultures, and the expression of being human between public, private, and transient identities. After the screening, the artist will be present and answer audience questions, hosted by Nico Ruffo (Journalist/Curator). Beirut Video Visions Film talk after the screening (en) Sat 22:30, Casino Festsaal An insight into the thriving Lebanese art scene, already well-known beyond the Middle East. A discussion about some of the works presented in the programme Beirut Video Visions and about the relationship with the city that so often shapes the stories narrated by Lebanese filmmakers. In the presence of Lamia Joreige, visual artist and filmmaker, co-founder of Beirut Art Center, and Roy Dib, artist and art critic.

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99 YE S OF DADA: In Dialogue with the Present Film talk after the screening (en) Sun 14:30, Casino Festsaal After the film screening, Juri Steiner (manager and curator of the association «dada 100 zürich 2016») and Jonathan Pouthier (film curator at Centre Pompidou, Paris) discuss the ideas of the Dada movement and their relevance today. ‘Every Picture Comes out Right’: Rare Early Warhol Shorts Film talk after the screening (en) Sun 17:00, Casino Festsaal The Swiss premiere of seven rare Warhol shorts. The programme is divided into two parts: the first one is dedicated to portraits of artists and writers from Warhol’s entourage. The second part shows his collaboration with legendary avant-garde dancers. Curator Claire Henry of the Andy Warhol Film Project – a joint project of the Whitney Museum and the MoMa dedicated to cataloguing and preserving Warhol’s films – will provide extensive commentary on both parts of the programme and answer audience questions. The Syrian Revolution Will Not Be Televised Film talk after the screening (en) Sun 17:00, Casino Theatersaal The Syrian revolution also takes place in the cinema. In a time dominated by a never-ending magma of images, we should focus on some crucial questions: to which extent are the protagonists respected? Do we have the right to diffuse all kinds of images? How to develop an artistic language when dealing with a country at war? A talk with producer Christine Luettich on the work of «Bidayyat», an organisation supporting contemporary and committed Syrian cinema.


Panels We offer free admission to various panel talks, and the master class. Master Class with Christoph Girardet & Matthias Müller (de/en) Sat 11:30, Casino Festsaal The 2015 Person in Focus section is dedicated to Christoph Girardet and Matthias Müller, two of the most important contemporary experimental filmmakers. On Saturday morning, we invite you to a Master Class at Casino Festsaal. Cultural and media scholar Johannes Binotto will talk with the two artists about their work and methods, their treatment of found images, about drawing their inspiration from the cinema of the past, and about their thoughts on its future. The Future of Short Film: Curating/ Programming Short Film Festivals Panel Discussion (en) Sat 14:00, Hotel Krone This year’s edition of the panel series is dedicated to the task, responsibility, relevance – and the future – of curating and programming short film festivals. Since the 1990s, these two terms have been used somewhat excessively. Organisers of short film festivals work with these labels, but there is little debate about the consequences of their use for the work and self-conception of festival makers. Where does the short film festival position itself as the third key player next to and in between the cinema and the gallery/museum? Participants: Sally Berger (MoMA, NYC), Jonathan Pouthier (Centre Pompidou, Paris), Lars Henrik Gass (Internationale Kurzfilmtage Oberhausen), Filipa Ramos (art-agenda, Vdrome). Moderation: Jasmin Basic

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ultrashort I reframed Book Launch and Performance (de) Sat 17:30, Foyer, Theater Winterthur ultrashort I reframed is publication dealing with the fundamental changes affecting film: short films are becoming ultra-short and are adapted to a variety of screens and viewing situations. With the mobility of modern devices, our daily media consumption changes. The book launch includes an experimental live performance of sound and vision addressing ultra-short images and accelerated modes of production – a collaboration between film and art scholar Eva Kuhn and VJs Catriona Paffhausen and Patrick Portmann, centring on a reconfiguration of film fragments by Jonas Mekas. The presentation is followed by a reception. ultrashort I reframed is a project of the Lucerne University of Applied Sciences and Arts in collaboration with the Institute of Media Studies at the University of Basel. Filmmaking in Bhutan and Nepal Panel Discussion (en) Sun 12:30, Foyer, Theater Winterthur Independently of each other, Bhutan and Nepal saw the emergence of a lively independent film scene (alongside mainstream Bollywoodstyle productions) over the past two decades. How did it develop? What influences inspire the filmmakers? What are the difficulties they encounter and which cultural conditions are favourable for filmmaking? What is the relevance of film festivals at home and abroad? And what does it mean to make movies in Nepal, after the devastating earthquake last spring? Free admission.

Participants: Abinash Bikram Shah (director, producer, programme director at Ekadeshma International Short Film Festival, assistant professor at Oscar College of Film Studies, Kathmandu), Tashi Gyetshen (film-maker, Bhutan), and Subarna Thapa (film-maker, Nepal/France) Moderation: Delphine Jeanneret and Senta van de Weetering


Music and Dance Tired eyes? We can also make it all about your ears! We invite you to join our free live concerts and parties at the festival bar every evening. Free admission.

Concerts Missue (Showcase) Thu 21:00–21:30 Festival Bar, Casinotheater Missue will seduce your unconscious with ecstatic tracks that sound organic and lively despite their synthetic origins. Atilla Bayraktar and Philipp Gnägi, musical allies since their youth, navigate their beats through the shoals between electronica, minimal, trip hop, IDM, ambient, and glitch – all combined with wonderfully associative visuals into a stunning live performance. www.missuemusic.com Nkelo (live) Fri 22:00–23:00 Festival Bar, Casinotheater The buttons transporting us to undiscovered worlds fascinate him. A naturalborn astrophysicist, you would think. Except Angelo Repetto didn’t become an astrophysicist, but a musician instead. He operates buttons and machines nonetheless, as if he’d been doing it from the cradle. And as if out of nowhere came his latest project, Nkelo. Studio and synthesisers instead of space shuttles and super-computers, beats and rhythms instead of differential equations – we understand and we like it. www.soundcloud.com/nkelo Zebra (Showcase) Sat 21:30–22:00 Festival Bar, Casinotheater With Zebra, Luca Burkhalter from Zurich goes one step further than most people. Swaying drum machines vibrating in step with intricate bass lines, clear melodies enveloped by

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towering synthesisers, accurately choreographed lights illuminating the dark room in time to the stomping, galloping beats. Zebra cloaks the complexity of an audiovisual experiment in a light guise of danceable tracks and competent pop music. At the pulse of contemporary electronica – and a real big show! www.zebramusic.ch

Partys & DJs Opening Night with DJ Pirx Tue 22:00–00:00 Foyer, Theater Winterthur After the festival’s opening programme, DJ Pirx will make the evening linger on at Theater Winterthur. DJ Rastapopoulos Project Wed 21:00–00:00 Festival Bar, Casinotheater The DJ Rastapopoulos Project will serve an exquisite selection of the best lounge music. Winti DJ Night with Radio Stadtfilter and OnThur Thu 21:30–03:30 Festival Bar, Casinotheater Radio Stadtfilter, a kind of Super 8 among radio stations, and OnThur, the association of Winterthur’s music clubs (Albani, Gaswerk, Kraftfeld, and Salzhaus) will play the Festival Bar during the long Winterthur DJ Night. www.stadtfilter.ch www.onthur.ch 21:30–01:30: Da Carlo Del Phine (Kraftfeld) 01:30–03:30: Diamond Skull (Radio Stadtfilter)

Grüter&Bürgin (Rosapony/SRF Virus) Fri 23:00–04:00 Festival Bar, Casinotheater It goes without saying that radio people know something about music. Rosanna Grüter and John Bürgin (Grüter&Bürgin, SRF Virus) know a lot more: in addition to dedicating their weekly show to electronic music, they are increasingly found behind the DJ decks at local clubs, where they make every leg shake. Not for tired feet, eyes, and ears! www.srf.ch/sendungen/grueter-undbuergin Die drei lustigen Bären (The Three Merry Bears) Sat 22:30–04:00 Festival Bar, Casinotheater Hear the story of three wondrous fellows: DJ Stimpee Kutz, threefold champion in the discipline of scratching turning discs, Pfaff Cäsi, failed convent student, and Famosum DjReeDo, who has thus far stayed away from Australian shores. Hear further that these three Brothers Bear hardly know what they do themselves, though they plan to deliver a feast of ingenious music from here to there and back again. Style galore wafting through the airwaves heralds an unforgettable night! www.djreedo.com Schtubetanz (Living Room Party) Sun 21:30–04:00 Festival Bar, Casinotheater Join the festival team for their legendary closing party. Bottomless trash, heavenly hits, bouncing beats – it’s time to sweat your brains out!


Further Special Events Radio Stadtfilter Talk Wed to Sat, 18:30–19:00 (de/en) Foyer, Theater Winterthur Winterthur’s culture radio will broadcast live every day from the Foyer at Theater Winterthur. From 18:30 to 19:00, radio hosts will talk to filmmakers and industry representatives in front of a live audience. The radio talk can be followed live at Theater Winterthur (free admission) or over the air at 96.3 MHz and on cable at 107.35 MHz. Guests: Wed: Ivan Madeo (producer «Wonderland», «The Circle» and jury member for the Swiss Film School Day) Thu: Christoph Girardet and Matthias Müller (filmmakers and this year’s Persons in Focus) Fri: Jasmin Basic (curator of several programmes within «Arab Encounters») Sat: Eliane Boner (communication) and Laura Walde (assistant to the aristic director) from Kurzfilmtage Coucou Makes Movies without Images Fri 21:00–21:30 Sat 15:30–16:00 Festival Bar, Casinotheater Why see, when we can just hear, too? Winterthur’s cultural print magazine Coucou makes movies for the ears, reading two screenplays from the festival programme before the respective screenings. Presented by actress Anna Diener, these dramatic readings are guaranteed to whet your appetite for more. Come get an earful of cinema! Admission is free.

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Behind the Scenes Wed to Fri, 18:30–19:15 (de) Foyer Casinotheater If you always wanted to know what goes on behind the scenes of a short film festival, this is your chance to get a glimpse. We show you the projection booth and rooms that are normally only accessible to the team, and explain some festival procedures. You get to look over the projectionist’s shoulder and have the opportunity to ask a long-time team member questions over a free drink. Admission is free.


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8. Schweizer Filmschulentag 8th Swiss Film School Day

Thursday, November 5, 2015 11:00–12:10 Haute école d’art et de design HEAD, Genf 12:10–13:20 École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) 14:30–15:40 Hochschule Luzern Design & Kunst: Video 15:40–16:30 Hochschule Luzern Design & Kunst: Animation 16:50–18:00 Zürcher Hochschule der Künste ZHdK

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8. Schweizer Filmschulentag Die Schweizer Filmschulen leisten einen wichtigen Beitrag zur Förderung des Filmnachwuchses und sind wichtige Kurzfilmproduzenten. Die fünf wichtigsten Bachelor-Lehrgänge der Schweiz stellen sich am Donnerstag, 5. November 2015 im Casino Festsaal mit einem 40-minütigen, aktuellen Kurzfilmprogramm vor. Eine Jury, bestehend aus Ivan Madeo, Jing Haase und Laurence Boyce, gibt den Studierenden eine Rückmeldung und vergibt um 20.30 Uhr in der Casino Lounge den Preis für den besten Schweizer Bachelorfilm in der Höhe von CHF 5000.–. Eine Veranstaltung in Zusammenarbeit mit SRG SSR und dem Bundesamt für Kultur und der Unterstützung der Oertli Stiftung. Die Vorführungen sind öffentlich und der Eintritt frei. Zutritt nur zu Beginn der einzelnen Schulprogramme. Hochschule Luzern, Design & Kunst: Video Seit 20 Jahren bietet die Studienrichtung Video der Hochschule Luzern Design & Kunst Studierenden die Möglichkeit zu experimentieren und ihre Visionen und Fähigkeiten zu entwickeln. Was 1992 als Kurs mit je drei Studierenden pro Jahrgang startete, ist zu einer dreijährigen Vertiefung in Video im Bachelor Visuelle Kommunikation gewachsen. Bisher haben mehr als 120 Studierende den Studiengang Video abgeschlossen. Unser Ausbildungsprogramm fokussiert die Grenzüberschreitung der Genres und setzt auf Individualität. Die Studierenden profitieren dabei vom Knowhow der Dozierenden und der eingeladenen Gäste, wie FilmemacherInnen und KünstlerInnen. Die AbsolventInnen arbeiten als AutorInnen und KünstlerInnen im breiten Feld der audiovisuellen Medien und/oder als spezialisierte technische Mitarbeitende in verschiedenen Filmproduktionssparten, vor allem in der Postproduktion. www.hslu.ch Hochschule Luzern, Design & Kunst: Animation In der Bachelor-Ausbildung Animation an der Hochschule Luzern Design & Kunst lernen die Studierenden das Geschichtenerzählen für kurze animierte Formate. Sie entwickeln eine individuelle Filmsprache und haben die Möglichkeiten sich in 2D oder 3D (Puppentrick, Computeranimation) zu vertiefen. Das dreijährige Studium schliessen sie als Einzel- oder in Gruppenarbeit mit einem Film ab. www.hslu.ch

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École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) Die von Yves Yersin gegründete Filmabteilung der École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) bildet seit 1989 Regisseure aus. Sie wird seit 2002 von Lionel Baier geleitet. In der dreijährigen Ausbildung haben die Studierenden die Möglichkeit Ateliers/Workshops von Filmemachern wie Abbas Kiarostami, Jacob Berger, Ursula Meier, Noémie Lvovsky oder Jean-Stéphane Bron zu besuchen. Während des Bachelor-Studiengangs werden die Studenten ermuntert, ihr eigenes visuelles Universum durch das Realisieren von kurzen Dokumentar-, Spiel oder Experimentalfilmen zu entwickeln. 2006 wurde in Zusammenarbeit mit den Universitäten Lausanne und Zürich, sowie der ZHdK und zahlreicher Partner ein nationaler Masterstudiengang eingerichtet. www.ecal.ch Haute école d’art et de design (HEAD), Genf Das Departement Film der Haute école d’art et de design (HEAD), Genf, ist ein Exzellenzzentrum für Dokumentarfilm. Dieses Kino, verankert in Traditionen des Dokumentarischen wie auch der Fiktion. Es reflektiert die Komplexität der Vieldeutigkeit der Welt und hinterfragt seine soziologischen, historischen, politischen, imaginären oder spirituellen Realitäten. Dieses Kino fordert den eigenen Standpunkt heraus, es nimmt an der Welt teil. Die HEAD bietet einen dreijährigen Bachelor-Studiengang an, sowie einen zweijährigen Master in Zusammenarbeit mit der ECAL. http://head.hesge.ch/cinema Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) Film studieren an der ZHdK ist praktisches Lernen. Bachelor und Master of Arts in Film sind aufeinander abgestimmt und bilden zusammen ein vertiefendes Studium: Im Bachelor werden die grundlegenden Kompetenzen der filmischen Gestaltung vermittelt. Im Master können die individuellen Begabungen in selbstgewählten Fachgebieten weiterentwickelt werden. film.zhdk.ch

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8th Swiss Film School Day The Swiss film schools are making an important contribution to the promotion of filmmaking talent and are important short film producers. The top five Swiss undergraduate courses will present themselves on Thursday, 5 November 2015 in the Casino Festsaal with a 40-minute short film programme with their latest films. A panel of experts (Ivan Madeo, Jing Haase and Laurence Boyce) will provide the students with feedback and at 20:30 hrs they will hand out the prize for the best Swiss Bachelor Film Project, worth 5'000 CHF. The event is organised in collaboration with SRG SSR and the Federal Office of Culture and the support of the Oertli Stiftung. The screenings are open to the public and admission is free. Access is only granted before the start of each school’s presentation. Lucerne University of Applied Sciences and Arts, School of Art and Design: Video For 20 years, the school of Art and Design's video programme gives students the opportunity to experiment and to develop their visions and skills. What started in 1992 as a course with 3 students per academic year, has since developed into a three-year video specialisation for the Visual Communications BA programme. Since then, more than 120 students have graduated from this course. Our training programme focuses on the transgression of genre limits and emphasises an individual approach. The students thereby benefit from the expertise of the faculty and the invited guests, which include filmmakers and artists. The graduates end up working as authors and artists in a broad field of audiovisual media and/or as specialised technical staff in various production sectors, especially in post-production. www.hslu.ch Lucerne University of Applied Sciences and Arts, School of Art and Design: Animation In the animation B.A. programme at the school of Art and Design, the students learn to tell stories for short animated formats. They develop their individual film language and have the ability to deepen their knowledge in 2D or 3D (puppet or computer) animation. They conclude the three-year course in individual or group work with a film. www.hslu.ch

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University of Art and Design, Lausanne (ECAL) The film department at the University of Art and Design Lausanne (ECAL), which was founded by Yves Yersin, has been training directors since 1989. Since 2002, the programme is headed by Lionel Baier. In the three-year course, the students have the opportunity to visit the workshops of filmmakers such as Abbas Kiarostami, Jacob Berger, Ursula Meier, Noémie Lvovsky or Jean-Stéphane Bron. During the Bachelor programme, the students are encouraged to develop their own visual universe through the direction of short documentaries, fictional shorts or experimental films. In 2006, a national Master’s programme was established in collaboration with the Universities of Lausanne and Zurich, as well as the Zurich University of the Arts and numerous partners. www.ecal.ch Geneva University of Art and Design (HEAD) The film department at the Geneva University of Art and Design (HEAD) is a centre of excellence for documentary filmmaking. This cinema, which is anchored in the traditions of documentary as well as fiction, questions the world and its values. It reflects on the complexity and the ambiguity of the world and questions the sociological, historical, political, imaginary or spiritual realities. This cinema challenges the individual standpoint, and takes part in the world. HEAD offers a three-year B.A. programme as well as a two-year Master’s programme in collaboration with ECAL. http://head.hesge.ch/cinema Zurich University of the Arts (ZHdK) Studying filmmaking at the Zurich University of the Arts is all about learning the practice. The Bachelor and Master of Arts in Filmmaking are geared to each other, and together they form a thorough course of studies: the undergraduate programme teaches the basic competences for cinematic creation, while the Master’s programme allows the students to develop individual talents in self-chosen fields of study. film.zhdk.ch

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Léchez-nous, Miaou, Miaou Switzerland 2015, 15'44", digital file, colour, French with English subtitles, Fic Director: Marie de Maricourt Script: Marie de Maricourt Photography: Alain Arnaud/Fanny Mazoyer Editor: Marie de Maricourt Sound: Thomas Goguelin Production: HEAD - Haute école d'art et de design - Genève, Geneva, Switzerland, info.head@hesge.ch, +41 22 388 58 60 Distribution: HEAD - Haute école d'art et de design - Genève, Geneva, Switzerland, Maëlle AzurCamus, maelle-azur.camus@hesge.ch, +41 22 388 58 89

Jeanette lebt in einer Anstalt. Begierig darauf, Erfahrungen mit Gefühlen und Sex zu sammeln, wird sie sowohl mit der Autorität ihrer Familie wie auch der Anstalt selbst konfrontiert. Die anderen Bewohner schliessen sich der Revolte an, um sie zu unterstützen. Jeannette lives in an institution. Eager to feel emotions and experience a sex life, she is confronted with the authority represented by her family and the institution itself. Other residents join the revolt to support her. Marie de Maricourt was born in Paris in 1987. After receiving her diploma «BTS audiovisuel» (option montage), she participated in an artist residency programme in Paris for three years. She started her film studies at Haute école d'art et Design de Genève in 2013.

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Le Don

Joconde

Switzerland 2015, 20'43", digital file, colour, French with English subtitles, Fic

Switzerland 2015, 14'29", digital file, colour, French with English subtitles, Fic

Director: Sophie Perrier Script: Sophie Perrier Photography: Erika Meda Editor: Océane Yvert Sound: Marc Alberisio Cast: Paulo Dos Santos/Christophe Bugnon/ James Chimmi/Nathalie Oberson/Coralie Genilloud/ Liam Genilloud/Valentin Moulin/Edmond Ottinger Production: HEAD - Haute école d'art et de design - Genève, Geneva, Switzerland, info.head@hesge.ch, +41 22 388 58 60 Distribution: HEAD - Haute école d'art et de design - Genève, Geneva, Switzerland, Maëlle Azur-Camus, maelle-azur.camus@hesge.ch, +41 22 388 58 89

Director: Lora Mure-Ravaud Script: Lora Mure-Ravaud Photography: Julie Blanco Editor: Lora Mure-Ravaud/Yatoni Roy Cantu Sound: Pauline Jeanbourquin/Aude Sublet Cast: Laure Sauret/Abderrahmane Coulibaly/ Edmond Henchoz Production: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne, Renens, Switzerland Distribution: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne, Renens, Switzerland, Rachel Noël, Renens, rachel.noel@ecal.ch, +41 21 316 92 23

Eine Organisation, die arme Familien an Weihnachten unterstützt, legt beachtliche Grosszügigkeit an den Tag. Das gute Gewissen, das über die Wohltätigkeitsorganisation und ihre Würdenträger wacht, wird auf eine harte Probe gestellt, wie die Familie Rapin und die Filmemacherin bezeugen können. An organisation helping low-income families at Christmas exhibits striking generosity. The good conscience that presides over this charity well organized by the dignitaries is put to a severe test, witnessed by the Rapin family and the filmmaker. Sophie Perrier (1984) studied political science at the University of Lausanne and went on to receive Master of Arts in European Studies from the University of Geneva. She then worked in Lisbon for the North-South Centre of the Council of Europe. Back in Switzerland, she started a BA at the Geneva University of Art and Design, in the department of «Cinéma/cinéma du réel».

HEAD

Louise kehrt in ihr Chalet in den Schweizer Bergen zurück, Abder in den Norden Frankreichs. Ihr erster Skype-Chat wird zu einem Gespräch bis tief in die Nacht. Louise returns to her chalet in the Swiss mountains and Abder goes back to the North of France. It’s their first chat on Skype. They have a virtual conversation that stretches into the middle of the night. Born in Bordeaux, Lora Mure-Ravaud has lived in many parts of France. After a two-year preparatory course in literature, she first studied philosophy, then film. Afterwords, she worked as a trainee in production and programming for two years. In 2014, she started the Film course at the École cantonale d’art de Lausanne.


Swizzair Switzerland 2014, 19', digital file, colour, French with English subtitles, Fic Director: Hugo Radi Script: Hugo Radi Photography: Augustin Losserand Editor: Imanol Pittaluga Sound: Imanol Pittaluga Cast: Ismael Taha/Abimael Ouaedraogo/ Shaarmaké Ali-Abdule Production: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne, Renens, Switzerland Distribution: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne, Renens, Switzerland, Rachel Noël, Renens, rachel.noel@ecal.ch, +41 21 316 92 23

Während seines Urlaubs kehrt ein junger Rekrut in seine Heimatstadt Genf zurück. Er trifft sich mit zwei seiner besten Freunde. Sie wandern durch die Strassen. Von leeren Räumen zu maximalem Komfort. Sie schauen sich sie Stadt an und fragen sich, was es hier zu tun gibt. During his leave, a young recruit comes back to his hometown, Geneva. He meets up with two of his closest friends. They wander around the streets. From empty spaces to maximal comfort. They look at this city and wonder what to do here. Hugo Radi lives between Lausanne and Geneva. He has been studying at ECAL since 2012.

ECAL

Die schlimmsten Wetter Herzblut kommen von innnen Switzerland 2015, 13'42", digital file, colour, Switzerland 2015, 5'05", digital file, colour, German with English subtitles, Exp Director: Brigitte Grüter Script: Brigitte Grüter Photography: Brigitte Grüter Editor: Brigitte Grüter Sound: Brigitte Grüter Production: Hochschule Luzern HSLU – Video, Luzern, Switzerland, design-kunst@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

Die persönliche Befindlichkeit einer jungen Frau zeigt sich in alltäglichen Geschehnissen: Einer Möwe werden die Fragen unter den Füssen weggezogen, der Handschuh hängt alleine im Gelände, ein Frauenfurz explodiert. The emotional states of a young woman manifest themselves in everyday events: a seagull gets all the questions ripped from under its feet, a glove is hanging out on the grounds by itself, a cracker explodes. Brigitte Grüter grew up in the Lucerne area. After studying philosophy, she began a degree in Video at the Lucerne University of Applied Sciences and Art in 2013. «Die schlimmsten Wetter kommen von innen» was made in the second year of her studies.

Swiss German with English subtitles, Doc Director: Justin Stoneham Script: Justin Stoneham Photography: Roman Hodel Sound: Julia Furer/Lucien Furrer Production: Hochschule Luzern HSLU – Video, Luzern, Switzerland, design-kunst@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

Eine Stripperin, ein Eishockeyfan und eine Nonne zeigen uns ihre Welt und ihre persönliche Leidenschaft: den verrauchten Nachtclub, das tosende Stadion und die stille Kapelle – ein Mosaik aus Menschen und Orten. Was sie verbindet, ist ein individueller Zugang zur Erfüllung. A stripper, a hockey fan, and a nun invite us into their worlds and talk about their individual passions. The smoky nightclub, the roaring stadium and the quiet chapel – a mosaic of people and places. What unites them is an individual approach to personal fulfilment. Justin Stoneham first trained as a goldsmith. He completed his vocational A-levels focusing on art in 2011, and in 2012 went on to attend the foundation course at the School of Art and Design of the Lucerne University of Applied Sciences. This led him to complete a Bachelor of Arts in Video, which he successfully completed in 2015, producing his final film «Dedicated».

Video

HSLU


Julian

Einä Meh

Ruben Leaves

Switzerland 2015, 19'53", digital file, colour, German with English subtitles, Doc

Switzerland 2015, 4'55", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Ani

Switzerland 2015, 5', digital file, colour, English with German subtitles, Ani/Fic

Director: Julia Furer Script: Julia Furer Photography: Julia Furer Editor: Amaury Berger Sound: Julia Furer Production: Hochschule Luzern HSLU – Video, Luzern, Switzerland, design-kunst@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu. ch, +41 41 248 64 64

Director: Theo Barmettler Script: Theo Barmettler Sound: Thomas Gassmann/Géraldine Cammisar Production: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, animation@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

Director: Frederic Siegel Script: Frederic Siegel Sound: Kilian Vilim/Thomas Gassmann Production: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, animation@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

Murmler arbeitet mit seinem Vater an einem Bau. Dabei bekommen sie Hilfe von Mäusen, die so einige Veränderungen mit sich bringen.

Ruben wird auf dem Weg zur Arbeit von Zwangsvorstellungen heimgesucht: Ist die Wohnungstür verschlossen? Ist der Gasherd wirklich ausgeschaltet? Immer absurdere Szenarien plagen Rubens kreativen Geist, wodurch sich Realität und Fantasie langsam, aber stetig miteinander vermischen.

Zwölf Jahre hat Julian als Cembalobauer in einer Lagerhalle in Zürich gelebt. Durch den erzwungenen Auszug aus seinem Wohnatelier wird er mit der eigenen Verwahrlosung konfrontiert, mit Fragen zu seinem bisherigen Leben, seiner Zukunft und seinem Lebensinhalt. Julian has been living in an old warehouse for twelve years, building harpsichords. When he faces eviction from his live-in workshop, he is confronted with the fact that he has neglected himself as a human being. He becomes aware of his lifestyle, and of the ever more pressing questions about his future and his purpose in life. After various positions as a graphic designer and photographer, Julia Furer attended the preparatory course for design at the F+F School of Art and Media Design in Zurich. She began to study at HSLU in summer 2012. Filmography: «Ich bin Julian» (2012), «Infekt» (2012), «Niemand war schon immer da» (2013), «Plural» (2013), «Furer-Soldan» (2014).

Video

HSLU

Murmler is digging with his father. Suddenly, a bunch of mice show up, bringing a lot of changes. Theo Barmettler was a postman before turning to art, studying 2D animation at the Lucerne University of Applied Sciences and Art from 2012 to 2015, graduating with a Bachelor of Arts. His films include: «Einä Meh» (2015), «Bleach» (2014), «Bodenlos» (2012), «Weichei» (2012).

On his way to work, Ruben is haunted by obsessive-compulsive worries: is the front door locked? Is the stove really turned off? As Ruben’s creative mind is invaded by increasingly absurd scenarios, reality and imagination begin to merge. Frederic Siegel, born 1991 in Cham, Switzerland, studied animation at the Lucerne University of Applied Sciences and Art. He works as an animator and independent filmmaker.


Seemannsgarn

Ivan’s Need

Switzerland 2015, 5'44", digital file, colour, no dialogue, Ani

Switzerland 2015, 6'20", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Julia Munz/Claudia Wirth Script: Julia Munz/Claudia Wirth Editor: Julia Munz/Claudia Wirth Sound: Christof Steinmann Production: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, animation@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

Director: Lukas Suter/Veronica L. Montaño/ Manuela Leuenberger Script: Veronica L. Montaño/Manuela Leuenberger/ Lukas Suter Sound: Etienne Kompis/Thomas Gassmann Cast: Frederic Siegel/Jonathan Wüst/ Michiko Hanawa Production: Hochschule Luzern HSLU – Animation, Luzern, Switzerland, animation@hslu.ch, +41 41 248 64 64 Distribution: Hochschule Luzern HSLU, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64

Wenn eine Mücke und ein Seemann sich mögen ... When a mosquito and a sailor like each other ... Julia Munz was born 1989 in Switzerland. In 2005, she completed an art course in St.Gallen and for many years she was part of an association named «Kleine Kunstschule». In 2006, she received a diploma in textile design and worked in the field for a couple of years. She went on to complete her Matura and then to study 2D Animation at Lucerne.

Ein Bäcker knetet sich in Ekstase. A baker is obsessed with kneading dough. «Ivan's Need» is the bachelor graduation film of Veronica Montaño (1990), Manuela Leuenberger (1988), and Lukas Suter (1986) at the Lucerne School of Art and Design, Switzerland.

Aujourd'hui il ne pleut pas en Suisse Switzerland 2015, 10'32", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Fic Director: Lara Stoll Script: Lara Stoll Photography: Cyrill Oberholzer Editor: Cyrill Oberholzer Sound: Benoit Barraud Cast: Hansueli Zbinden/Luc Estapé/Karin Estapé/ Timon Estapé/Cédric Estapé/Esther Kuduku Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, film.info@zhdk.ch, +41 43 446 31 14 Distribution: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, Laura Zimmermann, laura.zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 14

Eine Schweizer Familie begibt sich auf einen ungewöhnlichen Ausflug. Während der durchchoreografierten Führung wird es Sohn Elias schlecht und eine seltsame Geschichte nimmt ihren bitteren Lauf. A Swiss family go on an unusual trip. During a rather staged tour of a sewage plant, son Elias starts to feel unwell and a peculiar story takes its bitter course.

Claudia Wirth was born in 1980. She completed her studies as a school teacher in 2001 in Biel, Switzerland. Later, she went on to study art, specialising in 2D Animation, at the University of Art and Design in Lucerne.

Lara Stoll was born in 1987 in Schaffhausen. Known as a slam poet since 2009, she was Swiss champion repeatedly, as well as European champion. She received a Bachelor of Arts in Film from the Zurich University of the Arts in 2015 and has made several short films, a comedy series, and a web series.

Animation

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HSLU ZHdK


Taking the Dog Out

Luftschloss

Switzerland 2015, 9'59", digital file, colour, German/ Swiss German with English subtitles, Fic

Switzerland 2015, 18'26", digital file, b/w, Russian with English subtitles, Fic

Director: Felix Hergert Script: Felix Hergert Photography: Kevin Rodriguez Editor: Felix Hergert Sound: Jonathan Hug Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, film.info@zhdk.ch, +41 43 446 31 14 Distribution: Felix Hergert, Zürich, Switzerland, felix_hergert@gmx.ch, +41 79 579 32 24, Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, Laura Zimmermann, laura.zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 14

Director: Olga Dinnikova Script: Olga Dinnikova Photography: Tom Keller Editor: Olga Dinnikova/Markus Fischer Sound: Andrey Trainovsky Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, film.info@zhdk.ch, +41 43 446 31 14 Distribution: Olga Dinnikova, dinnikovaolga@bluewin.ch, Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, Laura Zimmermann, laura.zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 14

Ein Blick in die Stadt. Menschen tauchen auf, stehen still, stolpern und verschwinden in der Dunkelheit und im Schein des Neonlichts. Weiter geht es auf der Suche nach dem guten Moment.

1991, Riga, Lettland. Lena, das Scheidungskind, erträgt die Trinkerei ihres Vaters nicht mehr länger und haut mitten in der Nacht ab. Hier beginnt ihre «Reise» zurück nach Hause.

A glimpse of a city at night. Humans appear, stand still, stumble, and disappear into the darkness and the glow of the neonlight. The search for that one good moment continues. Felix Hergert lives in Zurich, where he made films at the Zurich Unviersity of the Arts until recently. Previously, he was assistant director at Theater Neumarkt. He currently dedicates himself to summer and to making movies. Works include: «Hometown Holidays» (2012), «N'Importe» (2013), «Nachtperlen» (2013), «Stadtaffen» (2014), «Taking The Dog Out» (2015), «Drande» (2015).

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1991, Riga, Latvia. Lena, a child of divorced parents, escapes from home in the middle of the night, fed up with her father's drinking habits. That’s when her journey back home begins. Olga Dinnikova was born 1985 in Riga and grew up in Latvia and Israel. From 2004, education at the European Film Actor School in Zurich. Since then, she has been working as a freelance actress. In 2014, she obtained her Bachelor in Film from the Zurich University of the Arts, where she is now pursuing a Master's degree in screenwriting. «Luftschloss» is her graduation film.

ZHdK


Laurence Boyce (GBR)

Jing Haase (DEN)

Ivan Madeo (SUI)

Laurence Boyce verfügt über einen Bachelor in Film- und Literaturwissenschaft. Er arbeitete unter anderem als Kurator und Vermittler am Leeds International Film Festival und fungierte als Leiter des GLIMMER: The Hull International Film Festival. Zurzeit arbeitet er als Kurator und Vermittler für das Black Nights Film Festival in Tallinn sowie für die Kurzfilm-Sektion des Leeds International Film Festival und ist Programmleiter des Kurzfilmfestivals Sleepwalkers in Tallinn. Darüberhinaus ist Laurence ein preisgekrönter Journalist, der unter anderem für Screen International, The Guardian, Variety, Little White Lies, Moviescope, Dazed and Confused, International Film Guide und The Baltic Times schreibt. Zudem ist er der baltische Korrespondent für Cineuropa sowie Redakteur für Cineuropa Shorts.

Jing Haase ist Market Managerin bei Nordisk Panorama, einer gemeinnützigen Organisation, die sich der Förderung nordischer Kurz- und Dokumentarfilme verschreibt. Unter anderem ist Nordisk Panorama Veranstalterin des Nordic Shorts and Doc Film Festival. In dessen Rahmen verantwortet Jing den Nordisk Panorama Market, eine Online-Screening-Plattform sowie eine Vortragsreihe mit Market Professionals. Darüberhinaus ist Jing für die internationale Promotion sowie für die Distributionsberatung der bei Nordisk Panorama registrierten Filme zuständig. Jing verfügt über einen Master in Germanistik und Filmwissenschaft. Sie ist seit 2007 bei Nordisk Panorama tätig, zuvor arbeitete sie als freie Kuratorin sowie in der Filmproduktion.

Ivan Madeo promovierte in Psychologie und Filmjournalistik. Danach war er als Filmverantwortlicher in einigen der grössten Werbeagenturen in der Schweiz, in Deutschland und in Italien tätig, arbeitete bei diversen Produktionsfirmen und führte bei Kurzfilmen Regie. 2006 gründete er die CONTRAST FILM, wo er heute zusammen mit den Partnern Urs Frey und Stefan Eichenberger vielfach prämierte Kurz-, Dokumentar- und Spielfilme wie «Un mundo para Raúl», «Der Kreis» oder «Heimatland» entwickelt und produziert. Madeo ist Mitglied der European Film Academy, der Schweizer Filmakademie sowie Stiftungsratsmitglied des International Shortfilm Festival shnit.

Laurence Boyce has a BA in Film and Literature. He has worked for the Leeds International Film Festival as a programmer (including the short films and UK section) and moderator, and later as the director of GLIMMER: The Hull International Film Festival. He currently works at the Black Nights Film Festival in Tallinn as programmer and moderator, and for the shorts section of the Leeds International Film Festival. Moreover, he is the programme director of Sleepwalkers Short Film Festival in Tallinn. Laurence is an award-winning regular contributor to the likes of Screen International, The Guardian, Variety, Little White Lies, Moviescope, Dazed and Confused, International Film Guide, and The Baltic Times. He is the Baltic Correspondent for Cineuropa as well as the editor for Cineuropa Shorts.

Jing Haase is the Market Manager at Nordisk Panorama, a non-profit organisation dedicated to the promotion of Nordic shorts and documentaries. Each year, Nordisk Panorama organises the Nordic Shorts and Doc Film Festival, showcasing the best shorts and documentaries from the five Nordic countries. Jing is responsible for the «Nordisk Panorama Market», an online screening platform, and a series of talks with market professionals. Additionally, she works to promote the films registered at Nordisk Panorama internationally and provides advice on the international distribution of short films. Jing holds a master’s degree in German and Film, and previously worked as a festival programmer and in film production. She has been with Nordisk Panorama since 2007.

Ivan Madeo has a doctorate in psychology and film journalism. After graduation, he worked as a film representative in some of the largest advertising agencies in Switzerland, Germany, and Italy, as well as in various production companies. He also directed numerous short films. In 2006, he established CONTRAST FILM where he currently works with partners Urs Frey and Stefan Eichenberger, producing award-winning shorts, documentaries, and fiction films such as «Un mundo para Raúl», «The Circle», and «Wonderland». Madeo is a member of the European Film Academy, the Swiss Film Academy, and the foundation board of the International Shortfilm Festival shnit.

JURY


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Producers’ Day 2015

Friday November 6, from 9:30 Alte Kaserne Winterthur

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Producers’ Day 2015 Unter dem Namen «Producers’ Day» bieten FOCAL und die Kurzfilmtage ein Angebot für Kurzfilmprofis. Wie immer ist der Vormittag dem Austausch zwischen Produzenten, Regisseuren und der internationalen Branche gewidmet. Das nachmittägliche Symposium bietet dieses Jahr unter dem Titel «Cinéma engagé» einzigartige Workshops und Referate mit dem Aufruf an die Kurzfilmbranche, bestehende gesellschaftliche Normen und formale filmische Konventionen unablässig zu reflektieren, sich initiativ der eigenen Handschrift zu bedienen und getrieben von Verantwortung und Solidarität engagiertes Kino zu schaffen. Der Eintritt ist frei, die Platzzahl beschränkt. Weitere Informationen und Anmeldung bis 29. Oktober 2015 unter: www.kurzfilmtage.ch/producersday Veranstaltungsort Alte Kaserne (Technikumstrasse 8, CH-8400 Winterthur)

Ein Angebot von

Freitag, 6. November 2015 Ab 09:30 Uhr Kaffee und Gipfeli 10:00–11:15 Uhr Industry Information (de) Bundesamt für Kultur (Ivo Kummer), SRG SSR (Sven Wälti), Cinéforom (Patrizia Pesko), und Berner Filmförderung (Sibylle Birrer) geben Auskunft über die Kurzfilmförderung und die Finanzierungsmodelle 2015 und die Strategien für 2016. Moderation: Marcy Goldberg (SUI), Filmhistorikerin/Medienberaterin 11:30–13:00 Uhr Market Meetings Während je ca. fünf Minuten führen Filmemacher mit 20 bis 25 Branchenleuten ein individuelles Gespräch an einem Tisch, um Kontakt zu knüpfen, Screeners auszutauschen oder sich über künftige Projekte zu unterhalten. ab 14:00 Uhr Symposium «Cinéma engagé» Begrüssung durch FOCAL und Internationale Kurzfilmtage Winterthur 14:00–15:00 Uhr Eröffnungsrede: «Cinéma engagé – Yesterday, now and tomorrow (en)» Mit: Pamela Pianezza (FRA), Film Festival Programmer and Film Journalist. 15:15–16:45 Uhr Workshops (en) Vier Workshops zum Thema «Cinéma engagé»:

Mit der Unterstützung von

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1. Wo steht das engagierte Kino heute? (en) Mit: Vangelis Mourikis (GRE), Schauspieler; Christin Luettich (GER), Produzentin und NGO-Mitarbeiterin Bidayyat; Aline Schmid (SUI), Produzentin Intermezzo Films Moderation: Jukka-Pekka Laakso (FIN), Festivaldirektor Tampere Film Festival

Dieser Workshop richtet sich an Filmemacher, Produzenten, Kuratoren und Festivalvertreter. 2. Kurzfilme im Spannungsfeld zwischen Kunst- und Filmjournalismus (en) Mit: Filipa Ramos (POR/GBR), Chefredakteurin art-agenda und Kuratorin Vdrome; Michael Pattison (GBR), Filmkritiker und Program Consultant Moderation: Laurence Boyce (GBR/EST), Filmkritiker und Festivalkurator Dieser Workshop richtet sich an Filmemacher, Produzenten, (Film-/ Kunst-)Journalisten, Kuratoren und Festivalvertreter. 3. How to create the Buzz? (en) Mit: Kathleen McInnis (CAN/USA), Kurzfilm-Programmatorin Toronto International Film Festival Film-Promotorin/Beraterin für Festivalstrategien; Fyzal Boulifa (GBR/MAR), Filmemacher; Simon Koenig (SUI), Promotion Kurzfilm, SWISS FILMS Moderation: Carmen Gray (NZL/ GBR), Journalistin und Filmkritikerin, Sight&Sound/Dazed Dieser Workshop richtet sich an alle Interessierten. 4. Women on Fire – Engagement für genderunabhängige Filmproduktionen (en) Mit: Anna Serner (SWE), CEO Swedish Film Institute; Maike Mia Höhne (GER), Filmemacherin und Kuratorin Berlinale Shorts Dieser Workshop richtet sich an alle Interessierten. 17:00–18:00 Uhr Diskussion: «Where is ‘Cinéma engagé’ today» (en) Die Workshop-Hosts präsentieren die gewonnen Erkenntnisse sowie ihre Positionen und diskutieren die innovativen Tendenzen und Möglichkeiten der Kurzfilmproduktion. Moderation: Gregory Catella (SUI), Pacte de l’audiovisuel, SRG SSR 



Producers’ Day 2015 The «Producers’ Day» for short film professionals is jointly organised by FOCAL and Kurzfilmtage. Once again, the morning is dedicated to the exchange between producers, directors, and international industry representatives. The symposium in the afternoon is entitled «Cinéma engagé» and offers unique workshops and presentations with an appeal to the short film industry to constantly reflect social norms and cinematic conventions, and to employ their personal creative signature in creating a cinema driven by responsibility and solidarity.

Friday November 6, 2015

Admission is free, but seating is limited. For more details and registration until October 29, 2015, please visit: www.kurzfilmtage.ch/producersday

11:30–13:00 Market Meetings For about five minutes each, filmmakers will have the chance to sit down and meet individually with 20 to 25 industry representatives in order to establish contacts, exchange screeners, and discuss potential projects.

Venue Alte Kaserne Winterthur, Technikumstr. 8, 8400 Winterthur

From 09:30 Coffee and pastries 10:00–11:15 Industry Information (de) Swiss Federal Office of Culture (Ivo Kummer), SRG SSR (Sven Wälti), Cinéforom (Patrizia Pesko), and Berne Film Foundation (Sibylle Birrer) present information on short film promotion and funding models for 2015, as well as their strategies for 2016. Moderation: Marcy Goldberg (SUI), film historian/media consultant

from 14:00 Symposium: «Cinéma engagé» Welcoming speech: FOCAL and Internationale Kurzfilmtage Winterthur 14:00–15:00 Opening Talk: «Cinéma engagé – Yesterday, now and tomorrow (en)» With: Pamela Pianezza (FRA), Film Festival Programmer and Film Journalist. 15:15–16:45 Workshops (en) Four workshops in small groups focusing on «cinéma engagé»: 1. Where Is Committed Cinema Today? (en) Guests: Vangelis Mourikis (GRE), actor; Christin Luettich (GER), producer & NGO collaborator Bidayyat; Aline Schmid (SUI), producer Intermezzo Films Moderation: Jukka-Pekka Laakso (FIN), festival director Tampere Film Festival

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This workshop is aimed at filmmakers, producers, curators, and festival representatives. 2. Short Films Between Art Journalism and Film Journalism (en) Guests: Filipa Ramos (POR/GBR), editor-in-chief of art-agenda and curator of Vdrome; Michael Pattison (GBR), film critic and programme consultant Moderation: Laurence Boyce (GBR/EST), film critic and festival curator This workshop is aimed at filmmakers, producers, (film/art) journalists, curators, and festival representatives. 3. How to Create the Buzz? (en) Guests: Kathleen McInnis (CAN/USA), short film programmer at Toronto International Film Festival, film promoter/consultant for festival strategies; Fyzal Boulifa (GBR/MAR), filmmaker; Simon Koenig (SUI), promotion short film, SWISS FILMS Moderation: Carmen Gray (NZL/GBR), journalist and film critic, Sight& Sound/Dazed This workshop is aimed at everyone interested 4. Women on Fire – Committed to Gender-Independent Film Productions (en) Guests: Anna Serner (SWE), CEO Swedish Film Institute; Maike Mia Höhne (GER), filmmaker and curator Berlinale Shorts This workshop is aimed at everyone interested. 17:00–18:00 Discussion: «Where is ‘cinéma engage’ today?» (en) The workshop hosts present their results and positions, and discuss innovative tendencies and possibilities in short film production. Moderation: Gregory Catella (SUI), Pacte de l’audiovisuel, SRG SSR


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Writers’ Room 2015

Saturday November 7, from 9:30 Alte Kaserne Winterthur

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Writers’ Room 2015 Unter dem Namen «Writers’ Room» bieten die Kurzfilmtage ein Angebot im Bereich der Drehbuchentwicklung und -förderung für angehende und professionelle Drehbuchautoren. Der Anlass gilt als Informations-, Begegnungs- und Weiterbildungsplattform für Schweizer Drehbuchautoren, Autoren-Regisseure und Interessierte. In Zusammenarbeit mit FOCAL und dem TorinoFilmLab werden die Teilnehmer über Weiterbildungsmöglichkeiten informiert und in der Drehbuchentwicklung und -vermarktung geschult. Der Eintritt ist frei, die Platzzahl beschränkt. Weitere Informationen und Anmeldung bis 29. Oktober 2015 unter: www.kurzfilmtage.ch/writersroom Veranstaltungsort Alte Kaserne (Technikumstrasse 8, CH-8400 Winterthur)

Ein Angebot von

In Zusammenarbeit mit

Mit der Unterstützung von

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Samstag, 7. November 2015 Ab 09:30 Uhr Kaffee und Gipfeli 10:00–10:25 Uhr FOCAL: Präsentation Weiterbildungsmöglichkeiten (de) FOCAL präsentiert ausseruniversitäre Drehbuchaus und -weiterbildungen in der Schweiz. Referentin: Jacqueline Surchat (SUI), Verantwortliche Bereich Drehbuch, FOCAL 10:30–12:00 Uhr FOCAL-Seminar: Kurzfilm – Langfilm: Unterschiede im Drehbuch (de) Was zeichnet ein Kurzfilmdrehbuch aus? Worin unterscheidet es sich vom Drehbuch für einen Langfilm? Erfordern die beiden eigenständigen Filmformen unterschiedliche Herangehensweisen ans Schreiben, an die Dramaturgie? Dieses Seminar sucht Antworten und gibt Gelegenheit zur Diskussion anhand von konkreten Beispielen. Referentin: Christa Capaul (SUI), Drehbuchautorin/Dramaturgin von Fernseh-/Kinofilmen/Serien, FOCAL-Script Coach 13:00–14:00 Uhr TorinoFilmLab: More than Script Development (en) Als ganzjährige, internationale Werkstätte unterstützt das TorinoFilmLab aufstrebende Talente aus der ganzen Welt – mit einer speziellen Fokussierung auf Filmemacher, die an ihren ersten oder zweiten Werken arbeiten – mit Trainings-, Drehbuchentwicklungs- , Funding- und Distributionsdienstleistungen. Dieses Porträt über die Institution gibt einen tieferen Einblick in die Arbeit des TorinoFilmLab. Referentin: Olga Lamontanara (ITA), Kommunikationsleiterin, TorinoFilmLab

14:15–15:45 Uhr TorinoFilmLab: Perfect Pitch for Scripts (en) Jedes Jahr bietet das TorinoFilmLab den Kurs «Script&Pitch» an, ein professioneller DrehbuchentwicklungsKurs für Spielfilme von ausgewählten Drehbuchautoren und Filmemachern aus aller Welt. Dieser Workshop liefert wichtige Tipps und Unterstützung, wie ein Drehbuch optimal und erfolgreich gepitcht wird. Referent: Stefano Tealdi (ITA), Produzent/Regisseur, Coach bei TorinoFilmLab 16:00–17:30 Uhr Speed Dating – Meet the Filmmakers Während je fünf Minuten führen Autoren und Schreibtalente mit 10 bis 15 auserwählten Regisseuren individuelle Gespräch an einem Tisch, um Kontakte zu knüpfen, Drehbuchideen und Treatments auszutauschen und sich über mögliche Projekte zu unterhalten.


Writers’ Room 2014 The «Writers’ Room» is dedicated to script development and funding for prospective and professional screenwriters. A platform for information and education, the event is a meeting point for Swiss screenwriters, authordirectors, and anyone interested in the topic. In collaboration with FOCAL and the TorinoFilmLab, we provide participants with information on training programmes, script development, and marketing. Admission is free, but seating is limited. For more details and registration until October 29, 2015, please visit: www.kurzfilmtage.ch/writersroom Venue: Alte Kaserne Winterthur, Technikumstr. 8, 8400 Winterthur

Saturday November 7, 2015 From 09:30 Coffee and pastries 10:00–10:25 FOCAL: Presentation of training programmes (de) FOCAL presents options for nonuniversity scriptwriting courses in Switzerland. Speaker: Jacqueline Surchat (SUI), Head of Scriptwriting, FOCAL 10:30–12:00 FOCAL Seminar: Short Film – Feature Film: Differences in the Script (de) What characterises a short film screenplay? How is it different from the script for a feature film? Do the two forms require a different approach to writing and dramatic composition? This seminar seeks to answer these questions and provides opportunities for discussion by reference to specific examples. Speaker: Christa Capaul (SUI), screenwriter/dramaturg of TV series and feature films, FOCAL script coach 13:00–14:00 TorinoFilmLab: More than Script Development (en) The TorinoFilmLab is a year-round international workshop that supports emerging talent from around the world, with a special focus on filmmakers working on their first or second film. Services include training, script development, funding, and distribution. This introduction portrays the institution, providing insight into its work. Speaker: Olga Lamontanara (ITA), Head of Communications, TorinoFilmLab

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14:15–15:45 TorinoFilmLab: Perfect Pitch for Scripts (en) Every year, the TorinoFilmLab offers the «Script&Pitch» course, a professional course on script development for fiction films by selected screenwriters and filmmakers from around the world. This workshop gives advice on how to successfully pitch a script. Speaker: Stefano Tealdi (ITA), producer/ director, coach at TorinoFilmLab 16:00–17:30 Speed Dating – Meet the Filmmakers For five minutes each, authors and talented writers meet with 10 to 15 selected directors individually, in order to establish contacts, exchange script ideas and treatments, and talk about possible projects.


«There is no such thing as reality» – Trailer 2015 Crew Written and directed by: Benny Jaberg Director of photography: Felix von Muralt Editing and visual effects: Brigae Haelg, brimp Music: Marcel Vaid Producers: Caterina Mona, Benny Jaberg Gaffer: André Fürst, Raphael Toel Lighting technician: Steven Vit Key grip: Jürg Albrecht Grip: Till Schlatter, Caspar Brog Camera assistant: Maxime Raymond, Caspar Brog Color grading: Roger Sommer, Timo Inderfurth Sounddesign: Robert Büchel, Benny Jaberg Re-recording mixer: Robert Büchel Assistant director: Jela Hasler Production coordinator Kurzfilmtage: Christiane Dankbar Production assistant: Karin Lenherr Produced by: MINUSMINUS Film www.bennyjaberg.com I www.minusminusfilm.ch

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Cast Cast in order of appearance

Many thanks to all extras and collaborators

Woman with telescope: Yvonne Eisenring Man with smartphone-camera: Florian Steiner Documentary filmmaker: Daniel Casparis Script continuity: Eliane Boner Camera assistant: Karin Lenherr Cinematographer: Giorgio Zehnder Gaffer: André Fürst Sound recordist: Felix Hergert Director: Caterina Mona Clapper Loader: Steven Vit

This Brunner, Hercli Bundi, Ueli Nüesch, Raoul Walzer, Fabian Wegmüller, Arthouse Uto, Kino Xenix Special thanks for the generous support to Berghaus Oeschinensee: Familie Hirschi Arthouse Le Paris: Annette Bleichenbacher Eberle Filmequipment: Oliver Eberle, FTK Filmtechniker Kollektiv: André Simmen Cinegrell: Michael Egli, Richard Grell, Yvonne Marti Hassler Jingle Jungle Tonstudios: Daniela Britt, Colin Schmid, Roland Schmid Picture credit for the image of «star-forming region S106» used at the beginning of the 45-seconds-version of the trailer: NASA, ESA, and the Hubble Heritage Team (STScI/AURA)


Namensund FilmVerzeichnis Index of Films and Names

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Filmliste / Index of Films # “ ” 156 «[...] Craving for Narrative» lässt sich einfach nicht gut übersetzen 52 [ ] 47 00:08 248 21.04.02 204 9 Days – From My Window in Aleppo 46 99° 120 A 138 A Bunker Fairy Tale 122 A Day and a Button A Field Guide to the Ferns 131 161 A Forgotten Story 253 A Friend for My Friend 42 A Matter of Will A Night in Beirut 138 59 A Place I’ve Never Been A Resident of the City 84 Aajai ra Raati / Imminence 154 Abarohan / Descent 148 Alienation 248 246 All the Pain in the World Alpsee 174 Amourette 235 204 Anémic Cinéma 104 Ants Apartment Aujourd’hui il ne pleut pas en Suisse 279 B 104 Baghdad, Iowa 160 Bansulli / The Flute Beacon 174 121 Being Good So Far 121 Being Good So Far – Part 2 45 Bleu Tonnerre Broken Tongue 204 201 brouillard - passage #14 202 Burning Star Buzz 105 C Cairography 36 161 Chaukaith / Threshold Confessions 228 Contre-Jour 171 175, 258 Cut

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D Dame Factory 236 De l’autre côté 85 Die schlimmsten Wetter kommen von Innen 277 Dinola 222 E Edmond 53 278 Einä Meh Elektrotechnique 234 191 Elvis at Ferus 200 Emak Bakia Entr’acte 205 Ercevax 85 130 Everywhere Was the Same Ewe Topia 241 F Fabric 175 222 Fal / Wall Fertility Baptism 236 Fi Al Waqt Al Dae’a / In Overtime 113 Filmstudie 200 Fisticuffs 206 Fortunato – D’Aqui Até São Torcato 51 Freedom & Independence 48 Frontline 120 42 Fucking Him Funfairs 122 G Gangster Backstage Garázs Inventory Ghost of OT 301 Girls Only

210 228 44 131

H Häivähdys elämää / Gates of Life 200 Hätäkutsu / Emergency Calls 222 Hausarrest 59 Have You Ever Killed a Bear? Or 37 Becoming Jamila Heavy Metal Drummer 84 Henry in the Bathroom 190 Herzblut 277 105 Home & Key 148 Home Alone 131 Home Movies Gaza How to Make Money Religiously 201

I I Love Death 121 I’ve Heard Stories 136 Ich hab noch Auferstehung / Still Got Lives 213 If Mama Ain’t Happy, Nobody's Happy 246 It’s Not Just You, Murray! 210 56, 234, 279 Ivan’s Need J Jailbreak 202 192 Jill and Freddy Dancing 192 Jill Johnston Dancing Joconde 276 190 Joe Jones Julian 278 51 Junilyn Has Just Another Day in Egypt 61 K Kacey Mottet Klein, naissance 56 d’un acteur Kafal Pakyo / Bayberries 148 Have Ripened Kawabees Beeshu / Beeshu’s 90 Nightmares Kenward Elmslie 191 112 Kif Ma Yi Qulu / As They Say Kinbaku 234 252 Kleine Helden 205 Komposition in Blau Koshtargah 44 229 Kung Fury L La Fièvre / A Spell of Fever 31 La fin d’Homère 60 La Grande Safae 112 56 La Vague Las Gitanas 41 Le Don 276 48 Le Park Le Plongeon / The Dive 252 Léchez-nous, Miaou, Miaou 276 Lesbanese 112 97 Like Twenty Impossibles Lo Sum Choe Sum / 3 Year 3 Month 160, 43 Retreat Loch 241 Locomotive 174


Lost Property 254 Lucens 61 Luftschloss 280

Q Quantum 258 Quintal 40

M M.I.A.: Bad Girls 210 Ma Khushi Chu / I Am Happy 154 Maku 43 Malaamee / Funeral 160 Maly Cousteau / The Little Cousteau 252 Mama 53 March, 1983 104 Meat is Murder 240 Memorandum 47 Meteor 171 MIG 120 Mirror 175 Mobilize 43 Modern No. 2 205 Monangambeee 96 Mondial 2010 113 Monkey 50 Moriom 58 My Dad 46 Mynarski Chute Mortelle / Mynarski Death Plummet 40

R Rate Me 41 Rewind 211 Ruben Leaves 278

O 57 O som da casa O, Persecuted 130 On avait dit qu’on irait jusqu’en haut 62

S Saas Fere Jasto Lagcha / Breathing... Am I? 149 Salmiya Salmiya / Peaceful, Peaceful 91 Schwertkampf 171 Scrapbook 43 Séance 50 Seemannsgarn 59, 279 Seide 229 Share 247 Shipwreck 219 Shoulder 192 Siege – Four Stories from Yarmouk 122 Silence Radio (The Song Remains the Same) 35 Slap 105 Sometimes 84 Sonámbulo 229 Splintertime 241 Stay Awake 246 Stranded 123 Subotika – Land of Wonders 57 Subtitles For Stolen Pictures 36 Suspendu 58 Swiss:Cam:Crash 240 Swizzair 277 Symbolic Threats 44 Symphonie Diagonale 201 Symphony No. 42 206

P Paradies 61 Pequeño bloque de cemento con pelo alborotado conteniendo el mar/ Little Block of Cement with Disheveled Hair Containing the Sea 223 Pheri Euta Kathako Anthya Huncha / End of Another Story 155 Phoenix Tapes 170 Play 170 Purple 149

T Taking the Dog Out 280 Taprobana 218 The All-Hearing 41 The Atom Station 45 The Contagious Apparitions of Dambarey Dendrite 156 The Director’s Mise en Scene Project 154 The Exquisite Corpus 42 The Face of Ukraine: Casting Oksana Baiul 247

N Nature Never Forgives 155 Newborns 52 Nirin 60 Nowhere 155 Nuestro Mar 60

293

The Giraffe and Me 253 The Hole 247 The Living Need Light, The Dead Need Music 52 The Meadow 57 The Missing Scarf 213 The Natural Look 242 The Red Door 149 The Reflection of Power 40 The River 136 The Roots: What They Do 211 The Tethered 258 This Place Does Not Exist 137 Though I Know the River Is Dry 90 Three Wheels 46 Totem 48 Trudes Tier: Bagger 254 Twenty Dollars 211 U Una Storia Normale 50 Under a Rainbow 136 Une histoire simple, la mienne, la tienne et celle de M. 58 Untitled (Rosenquist at Work) 191 Untitled (to the Lebanese Citizens) 137 V Våt 135 Verhon Takaa / Behind The Curtain 254 Violence en Réunion 228 Vorfreude 137 W Waves ’98 90 We Began By Measuring Distance 130 We Need New Names 47 Whale Valley 219 While the Unicorn is Watching Me 49 With Joy and Merriness 240 With Many Things to Come 49 Wombo 255 Y Yect / Pride 223 Z Zebra 253 Zucht und Ordnung 235


Namensliste / Index of Names A Abdul Rahman Saleem 122 Abdullah al-Khatib 122 Abinash Bikram Shah 154 Adham El Sherif 84 59 Adrian Flury Adrian Garcia Gomez 42 Alexandre Larose 201 137 Ali Cherri 112 Alissar Gazal 228 Alyx Ayn Arumpac Amen Alarand 121 40 André Novais Oliveira Andy Warhol 190, 191, 192 37 Annemarie Jacir Åsa Lucander 254 58 Atefeh Yarmohammadi Atul Taishete 211 122 Azza Hamwi B Baraa Nmrawi Bart Wasem Basma Alsharif Behzad Azadi Ben Hillman Bibhusan Basnet Bjørn Melhus Brigitte Grüter

122 247 130, 131 44 241 156 48 277

C 42 C.O. Moed Carlo Francisco Manatad 51 Caroline Monnet 43 Chand Bhattarai 149, 155 137 Charbel Kamel 211 Charles Stone III Christoph Girardet 170, 171, 174, 175 59 Claudia Wirth Corina Schwingruber Ilic´ 61 Cynthia Zaven 138 D Dalia Naous Daniel Acht Daria Kashcheeva David Pirtskhalava David Sandberg

294

96 255 253 53 229

Dechen Roder Deea Yahea Deepak Rauniyar Delphine Le Courtois Dušan Kasalica

43, 160 122 161 252 42

E Eileen Hofer Elie Grappe Elnura Osmonalieva Elodie Desprès Ely Dagher Eoin Duffy

60 58 229 240 90 218

F 252 Fabienne Andreoli 280 Felix Hergert Flatform 258 46 Floor van der Meulen Francesca Scalisi 252 278 Frederic Siegel 41 Fyzal Boulifa G Gabriel Abrantes Ghiath Had Gudmundur Arnar Gudmundsson Guusje Kaayk H Hannes Vartiainen Hans Richter Harith Al Homaam Hicham Ayouch Hugo Radi Hussain Fadhil

218 120 219 202

200, 222 200 105 112 277 104

I Irene Muñoz Marti

56

J Jakub Kouril Jamal Khalife Jameel Alabiad Jamie Sisley Jan Soldat Jan-Gerrit Seyler Jean-Gabriel Périot Jean-Marc E. Roy Jeanne Boukraa Jela Hasler

252 122 90, 91 246 235 218 204 45 240 58

Jelena Gavrilovic João Rodrigues Johannes Weiland Jorge López Navarrete Joshua Gen Solondz Josua Hotz Jouni Hokkanen Juan Millares Julia Furer Julia Munz Julia Ocker Juliane Jaschnow Justin Stoneham

49 51 254 223 202 60 234 47 278 59 253 47 277

K Karan Shrestha Karim Boukercha Kinda Hassan Kitty Green Klaus Morschheuser Kushang Rai

148 228 96 247 254 155

L 211 Lam See Chit 136 Lamia Joreige 279 Lara Stoll 248 Laura Lehmus 201 Laure Prouvost 41 Lawrence Abu Hamdan Lernert 234 148 Loday Chopel 276 Lora Mure-Ravaud 56, 234, 279 Lukas Suter 84 Luke Morris 44 Lutz Henke M Mahmood Soliman Maja Gehrig Man Ray Manuela Leuenberger Marcel Barelli Marcel Duchamp Marcus Armitage Mariam Khatchvani Marie de Maricourt Mark Olexa Marte Vold Martin Scorsese Marwa Arsanios Matthew Anderson

84 235 200 56, 234, 279 61 204 46 222 276 58 48 210 97, 136 41


Matthew Rankin 40 Matthias Müller 170, 171, 174, 175 Matthias Sahli 59 Matthias Wermke 44 Max Grau 52 Max Philipp Schmid 61 Maxime Kathari 57 Mea Dols de Jong 246 Megha Ramaswamy 52 Melanie Abramov 236 Michael Bohnenstingl 254 Michele Vannucci 50 Mihai Grecu 40 Mike Hoolboom 43 Mikel Marton 236 Min Bahadur Bham 160 Mirai Mizue 205 Miranda Pennell 206 Mischa Leinkauf 44 Moayad Zaghmout 122 Mohammad Alsukari 122 Mónica Savirón 204 Morgan Knibbe 219 N Nanda Al Dolani Nawar Al-Youssef Neang Kavich Nick Jordan Nikola Ilic´ Nina Gantz Ninja Thyberg Niranjan Raj Bhetwal Nour Ouayda

122 122 46 45 61 53 235 148 137

O Olga Dinnikova Oliver Bou Eid Omar Abdullah Omar Robert Hamilton Onyeka Igwe Orwa Al Mokdad Oskar Fischinger

280 85 122 90 47 121 205

P Parasar Wagley Pavel G. Vesnakov Pekka Veikkolainen Peter Tscherkassky Peter Volkart Philippe Carron

295

154 223 200, 222 42 57 228

Philippe David Gagné Pippa Bianco Pooja Gurung R Rami Yasin Randa Maroufi Rawad Alzakout Réka Bucsi René Clair Reynald Bassil Rheim Alkadhi Romain Gavras Rosto (Nicolas Schmerkin) Roy Dib

45 247 156

Tizian Büchi Toby Macdonald Tofigh Amani Tommaso Pitta

62 84 104 246

113 48 120 206 205 85 96 210 241 113, 136

U Ursula Meier Usama Alshaibi

56 104

S Saeed Al Batal 120 Safia Benhaim 91 Salah Mansi 105 Sama Alshaibi 258 Sander 234 Santosh Bhattarai 149 Sara Fattahi 123 Sarah Maldoror 96 Sarkaot Mohammadi 253 Saroj Shrestha 149 Shankar Dhital 154 Shanti Masud 49 Shen Jie 50 Shwan Attoof 105 Simon Szabó 222 Sirine Fattouh 138 Sophie Perrier 276 Stefanie Schroeder 47 Stéphane Elmadjian 240 Stephen Hurrel 240 Steve Reinke 242 Subarna Thapa 160 Swapnil Acharya 154 T Takashi Makino Tashi Gyeltshen Teboho Edkins Teemu Nikki Thaer Al Sahli The Propeller Group Theo Barmettler Theodore Ushev Thomas Vroege

44 149 210 254 120 52 278 229 46

V Veronica L. Montaño Viking Eggeling

56, 234, 279 201

W Wassim Mnwar Willehad Eilers

122 241

Y Yoriko Mizushiri Youssef Maman Yuri Ancarani Yutaro Kubo

49 85 50 248

Z Zahra Vargas

60


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Allgemeine Informationen General Information

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Allgemeine Informationen Festivalzentrum Für Informationen, Akkreditierungen während des Festivals, Tickets für die Vorstellungen oder für Verpflegung in unserer Festival-Bar besuchen Sie unser Festivalzentrum im Casinotheater. Öffnungszeiten: Di ab 18:00 Uhr, Mi bis So ab 10:00 Uhr; +41 52 212 11 66.

Veranstaltungsorte 1 Casinotheater Winterthur Stadthausstrasse 119 8400 Winterthur 2 Theater Winterthur Theaterstrasse 6 8400 Winterthur 3 Kino Cameo Lagerplatz 19 8400 Winterthur 4 Alte Kaserne Technikumstrasse 8 8400 Winterthur 5 Hotel Krone Marktgasse 49 8400 Winterthur 6 ZHAW Architekturhalle Sulzer-Areal Tössfeldstrasse 11 8400 Winterthur Weitere Veranstaltungsorte Fotomuseum Winterthur Grüzenstrasse 44+45 8400 Winterthur

298

Gastronomie 1 Festival-Bar im Casinotheater (1. Stock) 2 Bar im Theater Winterthur (Foyer) 1 Restaurant «Casinotheater» (Reservation unter +41 52 260 58 58) 2 Restaurant «Les Coulisses» (Fr/Sa 18.00–22.00 Uhr; Reservation unter +41 52 267 50 53) Unterkunft Die Kurzfilmtage bieten in Zusammenarbeit mit Winterthur Tourismus Übernachtungsmöglichkeiten in unmittelbarer Nähe zu den Veranstaltungsorten. Kontakt: tourismus@win.ch, +41 52 267 67 00


Tickets Einzeleintritt Multipass (3) Festivalpass Kurze für Kleine (4)

Zürcher Normal Legi (1) Kantonalbank (2) CHF 16.– CHF 13.– CHF 12.– CHF 52.– CHF 42.– CHF 42.– CHF 98.– CHF 78.– CHF 78.– CHF 5.– CHF 5.– CHF 5.–

E rmässigung gegen Vorweisen der Legi oder Carte Blanche. Die Ermässigung Carte Blanche gilt nur für Einzeleintritte, pro Carte Blanche Bezug von max. zwei Einzeleintritten. Ermässigung nur gegen Vorweisen einer Karte der Zürcher Kantonalbank. (3) Der Multipass berechtigt zum Eintritt in vier Vorstellungen nach Wahl. (4) Eintrittspreis für Kinder. Für Mitglieder der Zauberlaterne ist der Eintritt frei. (1)

(2)

Vorverkauf Vorverkauf ab 14. Oktober 2015 unter www.kurzfilmtage.ch oder www.starticket.ch sowie bei Winterthur Tourismus (Bahnhof Winterthur). Der Vorverkauf endet eine Stunde vor Vorstellungsbeginn. ZVV-Ticket Dank der Zürcher Kantonalbank gelten Vorverkaufstickets am Veranstaltungstag auf dem gesamten ZVV-Netz für die Fahrt zum Festival und zurück als Fahrschein 2. Klasse. Der Zuschlag für das ZVV-Nachtnetz ist nicht inbegriffen. Kombi-Ticket «Cut» Die Besucher der Sektion Person im Fokus sowie Besitzer eines Festivalpasses erhalten am Samstag, 7. November sowie am Sonntag, 8. November 2015 mit ihrem Ticket freien Eintritt zur SITUATION #21: Christoph Girardet & Matthias Müller, Cut, 2013 im Fotomuseum Winterthur.

Ticketverkauf am Festival Tickets können vor Ort an den FestivalKassen im Casinotheater und im Theater Winterthur bezogen werden. Festivalpässe sind ausschliesslich am Infodesk im Casinotheater oder online erhältlich. Öffnungszeiten Festival-Kassen: Di ab 18:00 Uhr; Mi bis So ab 10:00 Uhr Türöffnung / Eintritt Türöffnung ist jeweils 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn. Die Plätze sind nicht nummeriert – ein Einzeleintritt, Multi- oder Festivalpass garantiert nur bei frühzeitigem Erscheinen (mind. 20 Minuten vor Vorstellungsbeginn) einen Sitzplatz. Frei gebliebene Plätze werden 15 Minuten vor Spielbeginn «last minute» verkauft. Untertitel Alle Filme werden in der Originalsprache gezeigt und englisch untertitelt. Ausnahmen sind im Programm entsprechend vermerkt. Das Kinder- und das Jugendprogramm verfügen über deutsche Untertitel oder werden live synchronisiert. Altersbegrenzung Die Filmprogramme sind generell ab 16 Jahren freigegeben. Ausnahmen: Internationaler Wettbewerb V ist ab 18 Jahren, das Jugendprogramm ab 12 Jahren und Kurze für Kleine ab 6 Jahren.

299


General Information Festival Centre For information and accreditation during the festival: Infodesk at the Casinotheater (Tue from 18:00, Wed to Sun from 10:00), +41 52 212 11 66

Tickets Single-Ticket Multi-Pass (3) Festival Pass Shorts for Kids (4)

Venues 1 Casinotheater Winterthur Stadthausstrasse 119 8400 Winterthur 2 Theater Winterthur Theaterstrasse 6 8400 Winterthur 3 Kino Cameo Lagerplatz 19 8400 Winterthur 4 Alte Kaserne Technikumstrasse 8 8400 Winterthur 5 Hotel Krone Marktgasse 49 8400 Winterthur 6 ZHAW Architekturhalle Sulzer-Areal Tössfeldstrasse 11 8400 Winterthur

(1)

Other Venues Fotomuseum Winterthur Grüzenstrasse 44+45 8400 Winterthur Catering 1 Festival Bar at the Casinotheater (1st floor) 2 Bar at the Theater Winterthur (Foyer) 1 Restaurant «Casinotheater» (for reservations contact +41 52 260 58 58) 2 Restaurant «Les Coulisses» (Fr/Sa 18:00–22:00; +41 52 267 50 53) Accommodation The festival offers accommodation close to the venues in collaboration with the Winterthur Tourist Bureau. Please contact tourismus@win.ch, +41 52 267 67 00

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Zürcher Normal Student(1) Kantonalbank (2) CHF 16.– CHF 13.– CHF 12.– CHF 52.– CHF 42.– CHF 42.– CHF 98.– CHF 78.– CHF 78.– CHF 5.– CHF 5.– CHF 5.–

Upon presentation of student ID or Carte Blanche. The discount for Carte Blanche owners is for single tickets only; there are two reduced single tickets available per Carte Blanche. Only upon presentation of Zürcher Kantonalbank Card. (3) The Multi-Pass gives access to four different screenings of your choice. (4) Discount for children. The admission is free for members of the Magic Lantern. (2)

Advance Sales Ticket sales start on October 14, 2015 at www.kurzfilmtage.ch or www.starticket.ch, and at the Winterthur Tourist Bureau (main station). Advance sales end one hour before the respective screening. ZVV-Ticket (Free Public Transit) Thanks to the Zürcher Kantonalbank, your advance sales ticket includes free public transit within all ZVV zones on the day of the screening, for both the outward and return trip (2nd class). The late-night supplement is not included. Combined ticket «Cut» Visitors of the «Person in Focus» section and owners of a festival pass receive free admission on November 7 and 8 to «SITUATION #21: Christoph Girardet & Matthias Müller, Cut, 2013» at the Fotomuseum Winterthur. Ticket Sales during the Festival Tickets can be purchased on site at Casinotheater and Theater Winterthur. Festival passes are only available from the Infodesk at Casinotheater. Box office opening hours: Tue from 18:00, Wed-Sun from 10:00

Admission Times Doors open 30 minutes before each screening. Seats are not numbered. With a single ticket, multi-pass, or festival pass, a seat is only guaranteed until 20 minutes before the screening! Empty seats will be sold last minute, starting 15 minutes before the screening. Subtitles All films are shown in their original language and subtitled in English, except where otherwise indicated. The «Youth Programme» and «Shorts for Kids» are subtitled in German. Age Limits The general lower age limit for the film programmes is 16. Exceptions are «International Competition VII», which is approved for audiences aged 18 and above, the «Youth Programme», which is approved for audiences aged 12 and above, and «Shorts for Kids», approved for children aged 6 and above.


Das Team / The Team Präsidentin / President Dorothea Schaffner Vorstand / Board John Canciani, Katrin Gygax, Remo Longhi, Thomas Pittino, Dorothea Schaffner, Marisa Suppiger, David Taddeo Künstlerischer Leiter / Artistic Director John Canciani Kaufmännischer Leiter / Managing Director Remo Longhi Praktikantinnen / Interns Corinna Haag, Josephine Tedder Zivildienst / Civil Service Benny Jaberg, Lorenz Fehr, Bernhard Michel, Sven Sutter Programmation Internationaler Wettbewerb / Selection International Competition John Canciani, Delphine Jeanneret, Kyros Kikos, Kilian Lilienfeld, Massimilliano Nardulli, Tiziana Pelusi, Laura Walde, Senta van de Weetering Programmation Schweizer Wettbewerb / Selection National Competition John Canciani, Andrée Barman, Christof Hächler, Christian Stark, Marisa Suppiger Kuratierte Programme / Curated Programmes John Canciani, Laura Walde, Andreas Bühlmann, Stefan Dobler, Christof Hächler, Delphine Jeanneret, Aline Juchler, Eszter Montvai, Tiziana Pelusi, Sandro Schmid, Senta van de Weetering

301

Programmation Jugendprogramm / Selection Youth Programme Annina Canciani, John Canciani, Norma Giannetta, Sandro Schmid, Tina Vellacott Mitarbeit Filmauswahl / Collaboration Selection Andreas Bühlmann, Annina Canciani, Pascal Kurtansky, Estzer Montvai, Josephine Tedder, Stephanie Werder Industry Events Andreas Bühlmann, John Canciani, Remo Longhi Kuratoren Installationen / Curators Installations John Canciani, Lorenz Hubacher Rahmenprogramm / Side Events Sarah Bleuler, Andreas Bühlmann, John Canciani, Lorenz Hubacher, Remo Longhi, Marisa Suppiger, David Taddeo Filmlogistik / Logistics Sandro Schmid, Lorenz Fehr, Bernhard Michel Finanzen / Finances John Canciani, Florian Lanz, 
 Remo Longhi Gästebetreuung / Guests Andrée Barman, Annina Canciani, Katrin Gygax, 
Christian Stark, Tina Vellacott, Senta van de Weetering Gastro und Verpflegung / Catering Andrée Barman, Anna Berger, Laura Bösiger, Delphine Jeanneret, Sebastian Henn, Benjamin Paul
, Kilian Lilienfeld, Roman Müller, Martina Wettstein

Gönner und Förderer / Benefactors and Patrons Helene Walser, Katrin Gygax, Florian Lanz, Remo Longhi HelferInnenkoordination / Coordination volunteers Stefan Dobler Infodesk Josephine Tedder, Norma Giannetta, Andreas Bühlmann, Anna Berger, Aline Juchler, Rebecca Boguska, Christian Stark Produktion und Infrastruktur / Production and Infrastructure Yvonne Dünki, Remo Longhi Kasse / Box office Denis Haramincic, Florian Lanz, Dorothea Schaffner, Valentina Zingg Festival-Bar, Gastronomie und Deko / Festival-Bar, Catering and Decoration Benjamin Paul, Anna Berger, Laura Bösiger, Helene Walser, Sebastian Henn, Kilian Lilienfeld, Jan Parigger, 
Martina Wettstein Mediathek und Archiv / Media centre and Archive Sandro Schmid, Lorenz Fehr, Bernhard Michel Kommunikation / Communications Eliane Boner, 
Corinna Haag, Sarah Bleuler, Remo Longhi Promotion Eliane Boner, Stefan Dobler, Corinna Haag, Olivia Keller, Remo Longhi, Eszter Montvai, Christian Stark Jugend und Schule / Youth and School Josephine Tedder, Norma Giannetta, Remo Longhi


Impressum Spielstellen / Venues Katrin Gygax, Pascal Kurtansky, Florian Lanz, Eszter Montvai, Dustin Rees, Dorothea Schaffner, Simone Späni Ticketing Lorenz Hubacher, Olivia Keller Trailerproduktion / Trailer Production Christiane Dankbar Untertitel / Subtitles Sandro Schmid Blick hinter die Kulissen / A Glimpse Backstage Christof Hächler Zauberlaterne / Magic Lantern Dustin Rees

Externe Mitarbeit / External Collaboration Datenbank / Database Andrew Blackwell (Ballet Mécanique), Ewald Natter

Gastro / Catering Jan Parigger Grafik / Design Susanna Baer (so+ba design) Alex Sonderegger (so+ba design) Haus- und Tontechnik / House maintenance and 
Sound Engineering HireBackline.com (Simon Perks, Andy Brooks und Roberto de Tata) Externe KuratorInnen / External Curators Jasmin Basic, Claire Henry, Maike Mia Höhne, Tom Kalin Lektorat / Lectorate Lydia Zeller, Eliane Boner, Laura Walde Projektion / Projection Giuseppe Gagliano, Carsten Knoop, 
Cora Piantoni, Stephanie Hippich Riebe, Heinz Rutschmann Trailer Benny Jaberg Übersetzungen / Translations Ghislaine Heger, Susie Trenka

Digitale Projektion (Betreuung) / Digital Projection (Support) Nicola Votta und Sandro Tanner (Baranday)

Simultanübersetzung / Simultaneous translation ZHAW Linguistik, Petra Sevinç

Digitales Filmarchiv / Digital film archive Kurt Gehring, Ewald Natter

Treuhand / Trust Consulting Consultive Treuhand AG (Nunzio Scioscia) und Thomas Widmer

Filmtechnik / Film Tech Ernst Zimmermann, Christopher Mondt

Untertitel / Subtitles Ministry of Subtitles

Fotografie / Photography Susanne Hefti, Eddy Meltzer

Website Stucki & Stucki GmbH

Filmmontage / Montage Ernst Zimmermann

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Kontakt / Contact Internationale Kurzfilmtage Winterthur Postfach CH-8401 Winterthur Tel +41 52 212 11 66 Fax +41 52 212 11 72 info@kurzfilmtage.ch www.kurzfilmtage.ch Redaktion / Editors Laura Walde, Eliane Boner Gestaltung / Design so+ba design, zurich/tokyo Druck / Printed by Mattenbach AG, Winterthur Auflage / Number of copies published 900


Seemannsgarn Julia Munz, Claudia Wirth SRF

Suspendu Elie Grappe RTS

Ivan’s need Lukas Suter, Veronica Lingg, Manuela Leuenberger SRF

Kacey Mottet Klein, naissance d’un acteur Ursula Meier RTS Lucens Marcel Barelli RSI

Subotika Peter Volkart SRF

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1001 Nacht I–III (PT 2014) von Miguel Gomes. Tragisches, Komisches und Fantastisches aus dem portugiesischen Alltag. Die ergreifende, sechsstündige Chronik – in Cannes gefeiert! –, die der Wirtschaftskrise und deren Folgen für die portugiesische Bevölkerung nachgeht. Ixcanul Volcano (GT 2015) von Jayro Bustaman. Die 17-jährige María aus der Maya-Kultur nimmt ein Risiko in Kauf, um die Welt jenseits des Vulkans kennenzulernen.

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Che strano chiamarsi Federico (I 2013) von Ettore Scola. Halb Fiktion, halb Dokumentation – die Reise in die Welt Fellinis anlässlich seines 20. Todestages ist eine Hommage, die gleichermassen zum Lachen und Weinen anregt.

Here She Comes! – Kinovamp Mit elf The Visit (FI 2015) Dokumentarfilm von Michael Madsen. Was wäre, wenn Ausserirdische bereits auf der Erde gelandet wären?

Yes, No, Maybe (CH 2015) von Kaspar Kasics. Zwei Paare, zwei Soziologen. Was ist mit der Liebe los? Gibt es sie noch oder ist sie eine Utopie?

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Ob ausgelöst durch Alkohol, Drogen oder andere Mittel, oder hervorgerufen durch Gefühle transzendent-religiöser Art, durch Liebe oder Hass, Veräusserung, sinnliche Überwältigung oder Hypnose – der Rauschzustand ist Teil der Filmgeschichte. Filmemacher fanden stets neue Möglichkeiten, den Rausch auf der Leinwand zu inszenieren und gleichzeitig die Zuschauer in rauschhafte Zustände zu versetzen. Der Zuschauer, der sich im traumhaften Rausche der Bilder verliert, ist ein gängiges Motiv somatischer Konzeptionen in der Filmtheorie. Außerhalb des Schwerpunkts gibt es den Filmbrief zum Thema Änderungen in der Festivallandschaft und einen Überblick über das Filmschaffen der Schweiz im vergangenen Jahr in der Rubrik Sélection Cinema Cinema 60: Rausch|Schweizer Filmjahrbuch | € 25,-/SFr 38,- UVP 224 S. |Pb., viele Abb. | ISBN 978-3-89472-611-9 www.cinemabuch.ch Im Januar 2016 erscheint Cinema 61 zum Thema Verwandlung

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Länge / max00011100101101 length: 30 Min 0010110100100100100110100100100100111001010100100100111001001001010101000100100100001010010010010011000011100101010111010111010111010101100001110010110120101101 Edition_22 // März_March 16 // www.kurzfilmwoche.de 0010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010010011010010010010011100101010010010011100100100101010100010010010000101


32nd Hamburg International ShortFilmFestival

www.shortfilm.com

May 31 – June 6 2016


DAS 7.LATEINAMERIKANISCHE

F I L M F E ST I VA L

18. BIS 22. NOVEMBER 2015 ST. GALLEN, KINO STORCHEN www.pantallalatina.ch

40. Schweizer Jugendfilmtage Festival Ciné Jeunesse Suisse Filmbeiträge einsenden bis Envoyez vos films jusqu’au 10. Januar 2016


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FESTIVAL INTERNATIONAL DE CINÉMA NYON DOC OUTLOOK INTERNATIONAL MARKET DU 15 AU 23 AVRIL 2016

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INTERNATIONALE KURZFILMTAGE WINTERTHUR November 3–8, 2015

THIS FESTIVAL’S WINNING FILMS MAY QUALIFY FOR CONSIDERATION

ENTRY REQUIREMENTS: OSCARS.ORG/RULES


V.V. Viel Vergn端gen. 19. Internationale Kurzfilmtage Winterthur The short film festival of Switzerland


19

Mehr unter www.zkb.ch/sponsoring Erleben Sie vom 3. bis 8. November 2015 die 19. Internationalen Kurzfilmtage Winterthur – mit einer Karte der Zürcher Kantonalbank sogar zum Vorzugstarif.

19. Internationalen Kurzfilmtage Winterthur, 3.-8. November 2015

Damit aus kurzen Filmen lange Nächte werden: Wir unterstützen die «Kurzfilmtage Winterthur».

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Katalog 19. Internationale Kurzfilmtage Winterthur The short film festival of Switzerland 3.–8. November 2015, www.kurzfilmtage.ch

Catalogue – 19th Internationale Kurzfilmtage Winterthur (2015)  

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