Manual de la Aplicacion / Jardín Surrealista by Ivanna Samuel

Jardin Surrealista

Hecho por: Laura Botero Mauricio Baquero Ivanna Samuels

Indice

Introducción

Marco teórico

Concepto

Referentes

Componentes del montaje

Proceso

Evaluación y análisis

Bibliografía

Introduccion

En el presente documento se pretende explicar y analizar el proceso y finalización de la aplicación “Jardín surrealista”, basada en el video musical “Giving Me A Chance” de Gotye. El objetivo principal en este montaje fue plasmar un recorrido de sentimientos en donde todos los elementos hacen parte de una realidad efímera en lo más profundo del ser humano, relacionándose así con el mundo imaginario de los sueños. Este recorrido busca recrear los sentimientos de un personaje y evidenciar cómo van evolucionando linealmente a lo largo de la narrativa. Con el fin de explicar detalladamente el proceso del proyecto, el texto comienza con un marco teórico de los significados que ayudan a delimitar el concepto, al tiempo que son expuestos los referentes del lenguaje estético y conceptual que componen el montaje. Entre dichos referentes, se tomaron en cuenta diversos artistas, sus pinturas, instalaciones y esculturas, así como también se hizo uso de proyectos del mundo cinematográfico. Por otra parte, se realiza un registro de los componentes de la instalación y el proceso, tanto creativo como de producción. También se incluye un photoshoot que se le realizo al resultado final, buscando mostrar tanto el todo como los detalles presentes en el montaje. Para finalizar, se realiza el análisis y la evaluación, repasando todo lo ocurrido durante el proceso de dirección creativa.

Marco Teorico

Jardin

Un jardín es un lugar natural moldeado por el ser humano cuya finalidad se enmarca en el goce estético. Para ciertas personas es un espacio de paz y tranquilidad en donde se pueden relajar y reflexionar acerca de los afanes y dificultades de la vida. A partir de este concepto se desarrolló el montaje “Jardín Surrealista”, un sitio en donde el protagonista transita por diferentes etapas emocionales que lo transforman.

Surrealismo El surrealismo es un movimiento artístico que surgió a partir del dadaísmo, hacia 1920. Sus obras representan situaciones en donde la mente no ejerce ningún tipo de control, es decir, un espacio dominado por el subconsciente. En este montaje, el objetivo fue plasmar un jardín surrealista en donde todos los elementos hicieran parte de la realidad más profunda del ser humano, tanto que pudiera relacionarse estrechamente con el mundo fantástico de los sueños. Con tal fin utilizamos ciertos símbolos del surrealismo, como por ejemplo: aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, evocación del caos y representación de autómatas.

Subconsciente Subconsciente se refiere a los contenidos de nuestra mente que se hallan por debajo del umbral de la conciencia, es decir, son todas aquellas cosas que no se pueden analizar con la raz贸n. El subconsciente juega un papel importante en el surrealismo, pues este utiliza muchos conceptos y sensaciones mentales y las plasma en una obra. En el montaje de Jard铆n Surrealista, recreamos un recorrido introspectivo en el subconsciente del protagonista.

Naturaleza

La naturaleza es todo aquello que posee vida y se encuentra en perfecto equilibrio dentro de un espacio determinado. Es subjetiva e impredecible. Sus elementos se hallan en constante interacción y diálogo, tal y como sucede en el montaje “Jardín surrealista”. En esta aplicación, los personajes, la lluvia, las flores, el pasto y el árbol, comparten un mismo espacio, generando un ambiente de vida, donde predomina el orden, pero también lo inesperado.

Metamorfosis La metamorfosis es un proceso por el cual un objeto o entidad cambia de forma en su proceso de desarrollo, tomando en cuenta las condiciones del entorno para adaptarse a éste. Una metamorfosis es un cambio irreversible. En el montaje de Jardín Surrealista, el recorrido nos cuenta la historia de un personaje que, al atravesar una serie de eventos y emociones, genera cambios en su ser, adaptándose a una nueva condición.

Hibridos

Un híbrido es el organismo vivo o elemento ficticio creado a partir del cruce de dos especies u objetos de diferentes cualidades, que al mezclarse generan un nuevo ser que comparte características especiales de ambas partes. La hibridación de elementos, organismos o conceptos, es un recurso muy utilizado en el surrealismo. En el montaje todos los personajes del recorrido son híbridos de animales, máquinas y seres humanos.

Concepto

Los jardines son un espacio dedicado al placer de los sentidos. Son un lugar íntimo y exclusivo, al que ya sea por ubicación o restricción se convierte en único e irrepetible debido a su contexto. En éste caso ese espacio es la conciencia humana. Tomando como referencia el subconsciente presentado en el video de la canción “Giving me a chance” de Gotye, en el que se presenta la ruptura de una relación amorosa que atraviesa diversos sentimientos como la tristeza, el arrepentimiento y la esperanza. El jardín surreal entonces es mostrado como un lienzo de recuerdos en el que el subconsciente plasma sus emociones y las interioriza para lograr un recorrido emocional que atraviesa por una metamorfosis. Dicha metamorfosis representa los sentimientos que trascienden, que están hilados por un recorrido dentro del cual una visión introspectiva logra un cambio en el subconsciente. Para mostrar estos sentimientos se eligieron personajes y situaciones por las que los espectadores debían atravesar contextualizados en un jardín surreal. La vida del jardín fue el medio utilizado para generar ciertas experiencias.

Referentes

Cadaveres exquisitos

Cadáveres exquisitos es un juego de imágenes o palabras que se ensamblan colectivamente para producir un nuevo concepto, con un nuevo significado. Para la producción y desarrollo del “jardín surrealista”, estéticamente se hizo uso de esta técnica en la creación de los personajes que aparecen a lo largo del recorrido. Se hizo uso de esta técnica para darle contraste característico, sin sentido y abstracto a los personajes del montaje, siendo estos una mezcla entre animales, máquinas y seres humanos. En el surrealismo, la obra nace de cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerce ningún tipo de control. Es así que todos los personajes presentes en el “jardín surrealista” tienen ciertas características como la combinación de fragmentos anatómicos de diferentes criaturas, elementos incongruentes, metamorfosis entre dos elementos, entre otros.

Recuperado de: http://www.behance.net/gallery/CADAVERES-EXQUISITOS-(con-Pablo-Silva)/674352

Recuperado de: http://mskralsartroom.blogspot.com/2012/12/1st-grade-matisse-collages.html

Matisse

Henri Émile Benoît Matisse fue un pintor francés conocido por el uso que le daba al color en sus obras. Matisse siempre se destacó por el lenguaje expresivo que daba al color en cada uno de sus dibujos. Es por esta razón que se utilizó a Matisse como referente estético y conceptual para el montaje del “jardín surrealista”. Se utilizó a Matisse como referente conceptual en el manejo del color. El papel importante que este juega en la intención y significación que se le quiere dar a este. A lo largo del recorrido, buscamos transmitir emociones y sentimientos; y para ello utilizamos diferentes elementos, entre ellos el color. Usando cierta gama de colores en los personajes, las plantas y las luces, se quiere transmitir los sentimientos de tristeza, culpa, y el sentimiento de esperanza ante el perdón. también utilizamos a Matisse como referente estético en la forma de las flores presentes en el montaje, basándonos en ciertas formas que creo Matisse en gran parte de sus trabajos.

Gina Thorstensen

Gina Thorstensen es una joven artista noruega, estudió en ¨La Massana¨ arte y diseño en Barcelona , España. Mientras cursaba sus carreras hizo un intercambio a The Arts Institute in Bournemouth, donde se concentró en el desarrollo de ilustración y animación. El diseño de personajes de marionetas, diseño de producto y dirección de vídeos musicales, son algunos de sus trabajos en la actualidad. Thorstensen tiene como sello personal las mezclas, es amante de la combinación de texturas, materiales, formas, colores y hasta de técnicas, con lo que logra el diseño de híbridos que están presentes en la mayoría de sus obras. Con el fin de mantener la estética del video, usamos a Gina como referente, pues buscamos mantener la relación que hace ella entre las formas geométricas y las formas orgánicas. Asimismo, quisimos que la ilustración, la naturaleza y el uso de colores que Gina utiliza estuviera presente en cada una de las etapas del recorrido. Lo anterior lo hicimos por medio del pasto, el árbol y las flores. De igual forma, utilizamos la estética de las marionetas en el desarrollo de los híbridos del montaje.

Recuperado de: http://cmykkld.blogspot.com/2011/07/originaler-tegninger-eller-a4-plakater.html Thorstensen, Gina. Play路Station. Recuperado de: http://www.ginathorstensen.com

Kandinsky

Kandinsky fue un pintor ruso, conocido especialmente por las abstracciones de sus pinturas. Las obras de Kandinsky se basan en un lenguaje de color y en todos los aspectos sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color. Estética y conceptualmente, Kandinsky es un referente muy fuerte para el montaje debido al manejo que da Kandinsky al color en cada una de sus obras. En el montaje, se buscó que cada sentimiento y sensación que se quería generar a lo largo del recorrido, estuviera a su vez asociado a una serie de colores, tonos y formas que generaran sensaciones específicas en las personas que participaban de este. Kandinsky tiene un manejo muy abstracto de la forma en cada una de sus obras, dándole al color una posición importante en la significación de estas. De forma estética, también se utilizó la geometría de las obras de Kandinsky, y la aplicamos a la lluvia del montaje buscando generar un ambiente de tristeza.

Recuperado de: http://www.fecalface.com/SF/good-stuff/4650-mexican-artist-curiot

Recuperado de: http://laughingsquid.com/cloud-an-interactive-sculpture-made-of-6000-light-bulbs/

Caitlind Brown

La escultura “Cloud” creada por la artista canadiense Caitlind Brown es un ejemplo de arte interactivo. Esta obra fue realizada a partir de la recolección de bombillos, que fueron dispuestos de cierta manera para formar una especie de nube que generara una precipitación. La lluvia se representó por medio de los cables eléctricos de cada uno de los bombillos y con estos se podían encender o apagar cada uno de estos. A su vez, en la instalación los espectadores se podía posicionar entre los cables. Esto fue de gran ayuda, como referente, para la construcción de la lluvia en la primera etapa del “Jardín de sentimientos”. En este se construyeron los cables a partir de lana azul en varios tonos, que los visitantes tenían que cruzar, haciendo inevitable la interacción al tener que tocarlos o bajar sus cabezas para poder seguir el camino.

Ernesto Neto Ernesto Neto es un artista visual contemporáneo nacido en Brasil, que se caracteriza por la creación de grandes esculturas e instalaciones. A lo largo del desarrollo de la aplicación “jardín surrealista”, este artista fue un referente importante tanto estético como conceptual. Estéticamente, se hizo uso de materiales característicos presentes en el trabajo de Neto, como lo son las telas elásticas y el icopor en la representación de las gotas de lluvia en la primera etapa del montaje (La tristeza). La relación con el montaje se puede ver directamente en la exposición de “While Nothing Happens”, en la que se ven tiras de tela que en sus terminaciones toman una forma redondeada. Lo anterior se hizo tratando de conseguir lo suave y biomorfico de las obras de Neto. Por otro lado, conceptualmente hablando, se trato de rescatar uno de los aspectos claves de las instalaciones del artista brasilero: la interacción física del público con las obras. Debido a esto se planeó que el montaje fuera interactivo, al poder entrar y caminar entre este para poder descubrir la narrativa expuesta.

Recuperado de: http://artco.blogosfere.it/2011/04/ernesto-neto-inebria-di-profumi-il-macro-di-roma.html

Recuperado de: http://www.wired.co.uk/magazine/archive/2011/02/play/buildings-come-alive

Philip Beesley Philip Beesley es un arquitecto y artista nacido en Canadá, su trabajo se caracteriza por realizar la fusión entre estos dos campos y en adición el uso de la tecnología. Su instalación “Hylozoic Ground” está inspirada en la supuesta arquitectura del futuro. Fue así como creó un bosque de filamentos rígidos, con el que busca que sus visitantes caigan en cuenta de la forma en la que se relacionan con el medio ambiente. La obra tiene un mecanismo que ocasiona que este se mueva e interactúe con el público. Este proyecto de Beesley fue utilizado como referente de la aplicación; sus grandes estructuras de cable ayudaron a la creación y diseño del enredo que se plasmó en la segunda etapa del recorrido, representando la confusión y angustia del protagonista.

Tomas Saraceno El arquitecto y artista argentino Tomás Saraceno, trabaja con ayudad de las ciencias, ya que la mayoría de sus obras se relacionan con el planeta Tierra. Su instalación 14 Billion fue de gran ayuda en el desarrollo del montaje. En ésta el artista busca representar un elemento reproducido por la naturaleza; la telaraña de una viuda negra. El material utilizado fueron cuerdas negras, estas se usaron en grandes cantidades por lo que se construyeron tantas líneas que lograban reflejar un gran enredo. En el jardín se puede detallar claramente este referente en la segunda etapa del recorrido, en la que se buscaba representar un enredo creado por la naturaleza; raíces de plantas, que personificara los sentimientos de angustia, culpabilidad y de no saber qué hacer, pero tratando de encontrarse sentimentalmente. Tanto en la instalación de Saraceno como en el montaje realizado, el público se ve involucrado entre los hilos de lana.

35 Recuperado de: http://www.domusweb.it/en/news/tomas-saraceno-14-billion-working-title-at-baltic/

Avatar

En la película Avatar existe una tierra llamada Pandora la cual está habitada por una tribu de humanoides. Éstos se parecen a los humanos pero espiritualmente son muy diferentes a la cultura humana actual. Ya que los humanoides están conectados con la naturaleza a un nivel más allá de lo terrenal. Esta película se relaciona con la aplicación por los escenarios que tienen y por el papel que juega la naturaleza. Para el montaje nos inspiramos en las formas de la naturaleza y sus colores para lograr la atmosfera de la primera etapa del montaje. Pues, ésta buscaba un ambiente oscuro azul donde resaltaran las gotas de lluvia para inspirar el sentimiento de nostalgia y tristeza que buscábamos.

Recuperado de: http://www.fecalface.com/SF/good-stuff/4650-mexican-artist-curiot

Curiot

Curiot es un artista mexicano que realiza murales donde cuenta la historia de un personaje mítico. En el mural "Pasaje de Gorathma" representa el espíritu de la naturaleza en su forma animal, crea personajes mitad humanos y mitad plantas utilizando diseños geométricos y elementos triviales. Hace una mezcla entre los animales, las plantas y los colores para trasmitir historias y recuerdos. Conceptualmente es posible utilizar a Curiot como referente, pues nos ayudó para crear una fusión entre la naturaleza del un jardín con la creación de personajes y transmisión de una historia, en nuestro caso la historia es la transición de sensaciones. Además de ésto, este artista nos inspiro a crear figuras geométricas con fluidez para poder seguir con la estética del vídeo de “Giving me a chance” de Gotye.

Alexander Jansson Alexander Jansson es un ilustrador Sueco quien se especializa en la creación de personajes a través de la pintura digital. Involucra la fauna y la flora de forma surreal. Ésto lo logra al hacerlos difusos y retorcidos con un aspecto oscuro y misterioso como si provinieran de un sueño. El trabajo de este diseñador se relaciona con la aplicación del jardín surrealista de manera que es una

ilustración surrealista que involucra la naturaleza y utiliza ambientes oscuros para darles una atmosfera de sueño. Éste referente nos sirvió para ver el uso de las plantas y los personajes ilustrados dentro de un mundo surrealista. De igual forma nos ayudo a ver la forma del uso del color para ambientar una atmosfera y generar un sentimiento en el espectador.

41 Recuperado de: http://www.visualnews.com/2012/04/19/bohemian-dreams-in-digital-art/

Recuperado de: http://www.businessinsider.com/photos-gorgeous-massive-sculptures-made-entirely-from-sticks-2011-5?op=1

Patrick Dougherty Patrick Dougherty es un artista que usa palos y ramas de los árboles para construir y tejer grandes esculturas como forma de interactuar su arte con el mundo natural. Se basa en recuerdos de la infancia, casas en los árboles, nidos, escondites, las ganas de explorar, esconder y jugar. Las obras de Dougherty se relacionan directamente con la aplicación puesto que está involucrado con la naturaleza y tiene como fuente de inspiración los recuerdos. La instalación Childhood Dreams, fue una fuente de inspiración para la segunda etapa del montaje , donde queríamos recrear un enredo y tejido de raíces que emitieran un sentimiento de confusión, frustración y arrepentimiento. Con esta obra se muestra la conexión que buscábamos entre la naturaleza y los recuerdos para poder construir la idea de un jardín surrealista de sentimientos.

44 Recuperado de: http://anthologymag.com/blog3/wp-content/uploads/2012/06/anthology-mag-blog-design-dana-barnes-1.jpg

Dana Barnes

Dana Barnes es una diseñadora textil y artista. Realizo una exposición llamada UNSPUN: Tangled and Fused donde las obras consistían en atar fibras naturales con nudos formando formas inspirados por la naturaleza. En su técnica son protagonistas los nudos y las redes. Estas técnicas fueron utilizadas en la aplicación tanto en la primera etapa de tristeza y lluvia, como en la segunda etapa de raíces enredadas que mostraban el arrepentimiento. Dana Barnes fue un referente gracias a sus técnicas y al concepto de crear formas a partir de nudos, enredos y redes de fibras, pues en el montaje se recrea la lluvia y las raíces con lana enredada o amarrada con nudos.

Edward James Edward James fue un millonario, poeta y escultor ligado al movimiento surrealista. Construyó las llamadas “Pozas de Xilitla” las cuales son un jardín oculto en las selvas de la Sierra Madre Oriental en México, cuenta con 16 hectáreas construidas con edificaciones y objetos surreales en concreto que evocaron de la imaginación de James. Las construcciones son una serie de monumentos, torres, edificaciones, objetos y fuentes que se funden con la selva en un espacio de ensueño debido a las formas orgánicas y surrealistas que maneja. En las propias palabras de James: “Construí el santuario para que fuera habitado por mis ideas y mis quimeras”. Su concepto fue de gran importancia durante el establecimiento del concepto del montaje. Un espacio para las ideas, los pensamientos, los sentimientos materializado en conjunción con el entorno para lograr una unidad. Un espacio dedicado enteramente a la imaginación, al placer de los sentidos. Un espacio donde cada quien genera su propia narrativa siguiendo un mismo hilo conductor, el recorrido de sentimientos.

47 Recuperado de: http://ecosvisuales.blogspot.com/2012/04/la-locura-de-edward-james-xilitla-slp.html

Alicia en el pais de las maravillas Alicia en el país de las maravillas es una obra literaria creada por Charles Lutwidge Dodgson. El país de las Maravillas que se describe en la historia es creado básicamente a través de juegos de lógica. Se utilizó como referente la versión original de la historia para la dirección de arte del montaje. En esta versión hay gran cantidad de elementos surreales en la naturaleza que usamos como referencia estética en el desarrollo de la aplicación “jardín surrealista”. Se tomó como referencia la descripción que Lutwidge hace de los árboles y plantas en la historia, para darle ese toque de surrealismo mágico que se hace presente en todo momento de la historia de Alicia.

49 Recuperado de: thisisthestoryof.wordpress.com

El imaginario mundo del doctor Parnassus

Una película de fantasía, El imaginario del doctor Parnasus, fue dirigida por Terry Gilliam. La cinta muestra una trama centrada en el espectáculo gitano, el cual es únicamente para un solo espectador. Consiste en atravesar una puerta al mundo de la imaginación la cual es controlada por el imaginario del Doctor Parnasus. Ésta puerta hace que la imaginación se materialice en formas de escenarios, objetos y personajes. La capacidad de proyectar un imaginario dentro de un espacio fue el concepto que se utilizó de la película, en la aplicación. La imaginación individualizada pero a su vez controlada, es un aspecto surreal del cual también se uso . Es decir, se presenta un mundo en el que el espectador y el autor generan un diálogo de imaginarios para generar uno nuevo y único que sólo se vive a través de la experiencia. Un mundo mágico y diferente para cada persona debido a sus interpretaciones.

Recuperado de: http://design-milk.com/dana-barnes/

Mas alla de los suenos La película de fantasía dirigida por Vincent Ward y protagonizada por Robbin Williams, “Más allá de los sueños”, representa un hombre quien al morir en un accidente se reencuentra con su fallecida esposa en un mundo fantástico y surreal creado por las pinturas hechas por su esposa después de su muerte. Éste mundo de ensueño, fue un referente muy fuerte para el montaje debido a que presenta una realidad mezclada con la pintura. Por otro lado, muestra sentimientos y emociones de una forma mucho más compleja que la realidad, porque genera un diálogo entre colores, pinceladas y personajes que hace que se transmitan los sentimientos enn el lienzo de una pintura. La interacción entre el arte y la realidad convierte a éste mundo en un espacio de imaginarios que cambian y dialogan entre si . El subconsciente y los sentimientos expresados por medio de pintura fueron tomados como referentes para generar éste tipo de ilusiones en el montaje y poder, por medio de elementos como la pintura, lo colores y las tecnicas, representar sentimientos y los cambios que estos transitan. La estética surreal y de ensueño que maneja la película sirvió de inspiración para los colores y ;a naturaleza incluida en la instalación. Todo lo anterior, no dio a entender el gran poder de expresión que tiene el arte.

Recuperado de: http://www.theartshouse.com.sg/Programmes/EventPage.aspx?EventID=2883

Ada Buchholc

Ada Buchholc es una artista Polaca, ganadora del “50 Watts' Polish Book Cover Contest” en 2008 con su portada para el libro “Alicia en el país de las maravillas”. Una característica muy importante que comparte con Gina Thornstensen es la humanización de sus personajes surreales por medio de la adición de piernas humanas. Las piernas connotan movimiento y autonomía, lo que refleja la vida en sus personajes. Todo esto genera una narrativa que parece que tuviera vida propia, eso la hace “impredecible”. La automatización en los personajes genera una mayor empatía y reconocimiento en cuanto a que más humanizado sea el personaje, con mayor facilidad logrará transmitir emociones. Además, crea la idea de autonomía en los objetos construyendo un imaginario del espectador que tienen la capacidad de moverse e interactuar entre sí. Durante la creación de los personajes del montaje fue muy importante ésta característica ya que a pesar de que fueran elementos estáticos por su forma creaban la ilusión del automastismo, contando una historias.

Recuperado de: http://50watts.com/1542390

Componentes del montaje

Narrativa La narrativa que se intento desarrollar a través del montaje fue la de un personaje principal, el cual estaba representado por el todo y por uno de los híbridos ilustrados. Este mini universo creado en el espacio representaba una historia lineal de los sentimientos vividos por este protagonista. En un comienzo, este estaba sumergido en una gran tristeza causada por sus propias acciones. Luego, esta nostalgia se transformó en un estado de arrepentimiento y culpa generando un enredo y confusión en la mente del personaje. Por ultimo, para salir de esta confusión el personaje realiza una introspección en la cual encuentra una posible solución y llega a un estado de esperanza, para buscar así el perdón de sus actos.

Espacio

Espacio del Montaje

Plano del sal贸n con las medidas del montaje.

Recorrido Entrada

Salida

Etapas Etapa 1 El recorrido empieza en una tapa de lluvia fría y oscura donde se puede percibir tristeza y soledad dentro de un jardín.

Etapa 2 La segunda etapa genera confusión y frustración al ser un recorrido lleno de raíces enredadas que lo hace difícil de atravesar.

Etapa 3 La última etapa del recorrido es un espacio verde lleno de naturaleza con colores alegres y mucha vida. Al mismo tiempo se representa el renacer y la esperanza.

Personajes

Los personajes se crearon para generar una ilusión de vida en el jardín surreal, convirtiéndolo así en un ser autómata con una historia propia. Siempre buscando mantener la estética presentada en el video “Giving me a chance”, se tomó como referente principal a los cadáveres exquisitos en los cuales es muy común encontrar hibridaciones entre seres y objetos. Las marionetas diseñadas por Gina Thorstensen fueron una gran fuente de inspiración para la creación de los híbridos del jardín.

El personaje principal, siendo desde el comienzo surreal, atraviesa por una metamorfosis a lo largo del recorrido de la aplicaci贸n. Atrav茅s de los sentimientos descritos anteriormente, este protagonista va cambiando sus gestos corporales, contextualizando el recorrido de emociones.

Otros elementos

Vegetación Al ser un jardín, en la aplicación debían estar presentes los elementos representativos de este. El pasto y las flores delimitaban un espacio íntimo y a su vez direccionaban el recorrido. Otra de sus funciones esenciales era mantener la estética del video por medio del uso de los mismos tonos y técnicas de ejecución.

Árbol En la etapa final se posicionó un árbol que connotaba la importancia de la naturaleza, la evolución de la vida y el paso del tiempo. Asimismo, el árbol es la representación de los ciclos y las segundas oportunidades. Al cambiar de estaciones este elemento natural tiene una muerte y un renacer, lo que nos ayudó a simbolizar la transición de los sentimientos, partiendo de la tristeza hasta llegar a la esperanza.

Proceso

Maqueta Para el desarrollo de la propuesta fue necesario tener una clara ubicación del espacio de trabajo. Primero se tomaron las medidas exactas del salón asignado, para poder construir una maqueta. Esta fue realizada a escala 1:20 para así ayudarnos a delimitar cada una de las etapas o zonas que se diseñaron para el montaje. A su vez fue de gran ayuda para poder hacer un inventario de todo los elementos y materiales necesarios en el desarrollo de la aplicación. Asimismo, nos sirvió para definir las proporciones y tamaños precisos de los objetos. En general la maqueta nos ayudo a visualizar el montaje.

Materiales Con la intención de seguir la estética del video “ Giving me a Chance” y los referentes escogidos para la aplicación, hicimos uso de materiales que generaran la noción de ilustraciones hechas a mano con materiales no industriales. El material más utilizado fue el cartón doble flauta, con el que se recrearon los elementos de la naturales y los personajes. Se escogió el cartón con el fin de darle un aspecto bidimensional a un elemento tridimensional, tratando de mantener la idea de que todo era un dibujo. La lana al ser un elemento flexible nos ayudó a representar dos ideas diferentes dependiendo de la etapa del recorrido. En la primera etapa, simbolizó una lluvia geométrica basada en las obras de Kandinsky, al estirar el material generando líneas rectas. Mientras en la segunda etapa, la lana nos permitió realizar formar orgánicas, creando un enredo para asemejar raíces de las plantas y así expresar un estado o sentimiento.

En la estación de la tristeza también se utilizo una tela elástica y bolas pequeñas de icopor para crear las esferas dispuestas en las terminaciones de la lana. Para delimitar el espacio se utilizaron telas de color beige, buscando generar un ambiente similar al del video.

Se seleccionó la tela quirúrgica, ya que esta tiene poros, para que simulara papel acuarela. Mientras que el tono de las acuarelas se obtuvo con el juego de las luces y las sombras. Se hizo uso de una maquina de humo con el fin ambientar el espacio con la apariencia de un sueno y el inconsciente del personaje principal.

Iluminacion

La iluminación de la aplicación se baso en la utilización de luces y sobras. Decidimos que el espacio fuera oscuro con el fin de que los reflectores de luz crearan una atmosfera especifica según cada etapa del recorrido. En primer lugar, se hizo uso de luz azul para generar un ambiente de nostalgia y tristeza. En la segunda etapa, se hizo uso de las sombras generadas por los reflectores para conseguir un tono café que transmitiera una sensación de confusión y la sensación de un callejón sin salida en el cual no se sabe que hacer. Para finalizar, en la última etapa se ubicó un reflector amarillo con visos verdes detrás del árbol con la intensión de crear la ilusión de esperanza.

Musica Durante el recorrido se reprodujeron tres sonidos que reforzaran los sentimientos que se buscaban representar en cada una de las etapas. En la primera etapa se ambientó con el sonido de la lluvia y el sonido de los grillos para formar una atmosfera de nostalgia y soledad. En la segunda etapa, se utilizó el sonido del viento para representar el desconcierto y misterio emocional por el cual atravesaba el personaje. La tercera etapa, tenia un sonido donde se escuchaban varios pájaros cantando y otros animales despertando, esto hacia alusión a un ambiente de esperanza al ser como el amanecer de la naturaleza. Con este se dejó a un lado la soledad al hacerse presente otros seres vivos.

Produccion

Montaje

Evaluacion y analisis

El proceso para el montaje se realizó en varias etapas. Primero se conceptualizó y se realizó una propuesta para el montaje. En ésta etapa logramos un largo recorrido a través de los diferentes conceptos que se mostraban en el video y se relacionaban con el montaje, lo cual centró el concepto y lo reforzó. La conceptualización no presentó problemas Luego se hizo una búsqueda de referentes tanto estéticos como conceptuales. En éste proceso tuvimos varias fallas ya que muchos referentes que encontramos no se conectaban con la estética y/o el concepto o presentaban conexiones muy lejanas. Por eso debimos realizar una búsqueda más extensa y selectiva para poder ser más precisos en la exploración. Cuando logramos encontrarlos, las cosas fueron más claras. Además un proceso de categorización fue de gran ayuda. Luego procedimos con la maqueta, para la cual tuvimos que encontrar los símbolos y objetos que queríamos representar en el montaje. También tuvimos que tomar las medidas del salón, un gran reto que se nos presentó fue el tamaño del salón, para el cual decidimos recortarlo para poder ubicar nuestro recorrido de tal forma que cupieran todos los objetos y no nos faltara espacio. Durante el proceso de selección de objetos fue necesario no caer en la obviedad para incentivar lo más posible a la imaginación del espectador. Encontrando los símbolos nos dimos cuenta que la estética y la corriente artística (surreal) del video tenían mucho potencial. Mientras realizábamos la maqueta debíamos pensar en los materiales reales que debíamos utilizar en el montaje, la forma en que los íbamos a disponer, los precios, los tiempos que nos iban a tomar y tratar de imaginarnos cómo quedarían. En este proceso logramos coordinar los procesos para no tener que correr mucho en la etapa final.

A continuación comenzamos ya a realizar los objetos que se irían a disponer en el montaje. El reto más grande fue la estética del video ya que al ser todo ilustrado era el camino que debíamos tomar para conservarla, lo cual nos tomaría un mayor tiempo que debía ser considerado. El trabajo manual fue el mayor reto para el montaje. Las piezas grandes se recortaron a mano y las pequeñas a laser, lo cual nos ahorro muy poco tiempo. La pintura fue lo más demorado del proceso ya que implicó un proceso de capas y secado que en una escala tan grande era muy poco factible acelerarlo mucho. El orden de éste proceso implicaba que se debían primero cortar las piezas para luego pintarlas, lo que no era lo mejor para el tiempo. El montaje como tal presentó varias dificultades pero teníamos casi todo contemplado así que no se presentaron mayores contratiempos. Todos los objetos iban colgados del techo, para lo cual habíamos considerado la ventaja que provee el salón T 109 con sus rejas en el techo y la facilidad para colgar cosas. Aunque por supuesto que la cinta adhesiva fue de gran ayuda. Los objetos se colgaron con nylon. Todos los personajes y plantas, incluyendo el árbol central se realizaron con cartón. Lo que presentó una gran ayuda en cuanto al peso de los objetos y su transporte, aunque su cantidad no era poca y eran bastante frágiles. La lana presentó también dificultades debido a que para que se viera tupida debía extenderse una gran cantidad de lana. La repetición fue el mayor problema durante el montaje; recortar, colgar, enredar. Al ser labores tan repetitivas generan un gran cansancio que tuvimos que enfrentar debido al corto tiempo que se dispone.

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