Art Style Winter 2015

WINTER - SPRING 2015 FREE COPY

artstylemagazine.com

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INDICE/INDEX

EDITORIAL From monuments to the "Poo-Bus"

By Ferruccio Gard

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IL COLIBRI' A book, A painting

By Andrea M. Campo

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INTERNI Gruppo Euromobil

By C.P.

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ICONE A piece of Russia

By Ilario Tancon

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VERNISSAGE Pignatelli, the innocent Charm of classical antiquity

By Andrea M. Campo

SUGGESTIONS Items and products

By Giulietta Tisminetzky IMAGES Life color - Arlati

By Richard B.Browner Paolo Vegas, Budapest cloning

By Eros Rampone

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CONTEMPORARY Xhixha moving shapes 20

By Alain Chivilò Action, Reflection and reaction - Hartmann 26

By Max Willert

AGENDA Cesetti - Guidi Veneziano a non conformist artist

By Tobia Donà GALLERIES Jacques Villeglé Galleria Mucciaccia

By Tobia Donà MEDIA Cortinametraggio restarts from 10

By Marco Rossi

102 108

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OPENING The new style of Balla

by Alain Chivilò

EVENTS Collezione Burri

By Mirko Cassani

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INTERNATIONAL ART EXPO Desert City

By Luca Curci

SCULPTURES Alba Gonzales

By Giammarco Puntelli

68

STYLE Golden Goose, the journey continues 62

By Ilario Tancon

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PORTRAITS The Grappart

By Ferruccio Gard

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JEWELS Diamond, fragment of sky and eternity

By Ilario Tancon

40

PROJECTS Imago Mundi

By Stefania Prandi

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ARTWORKS Start Up of a Story...Muriotto

By Gaetano Salerno Paul Rousso re-invents pop

By Andrea M. Campo

EXHIBITIONS The dialectic of tendencies

By Simona Scopelliti

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PERFORMANCE Indelible signs for Michele Tombolini 48

By Diego Loreggian

OUTDOOR Post Pop, East meets West Guy Bordin Image Maker

By Giulietta Tisminetzky ARTISTS Capogrossi, a contemporary forerunner

By Alain Chivilò SPECIALE VENEZIA From the Divine...

Guggenheim, the continuity and the new Biennale Architecture 71. Mostra del Cinema

By Ferruccio Gard BRAND Borbonese women spring - summer 2015 Mambrini, Disco Riva or Rock and Roll star?

By Michela Zavka PHOTO Dancing Away ...in London

By Stefania Prandi

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CARPETS The East and its appeal

By Ilario Tancon

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MAESTRI Mitoraj, remembering a Myth

By Andrea M. Campo

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INSTALLATIONS Blue & Joy for FENDI

By Crisula Barbata

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PERSONALITIES James Franco intellectual celebrity 80

by Barbara Carrer James Franco for Daniel Arsham's 82

By Giulietta Tisminetzky DESIGN Modern. Essential. Elegant. Varenna 34

By Francesco Spinaglia FAIRS The best of Art Basel 2014

By Giulietta Tisminetzky ArtRooms 2015

By Armin R. Mengs

FURNISHING Total Home Design

By Marco Rossi IT ONEOFF

By Francesco Spinaglia

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ENCOUNTERS Gino Silvestri

By Dario Dall'Olio

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EXHIBITIONS&EVENTS

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SHOP AT BORBONESE.COM

VIA ROMA 4, CORTINA D’AMPEZZO

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L’ARTE NEL PIATTO Lasciatevi incantare dalla magia di Venezia Gustate le deliziose creazioni di Davide Bisetto Scoprite l’incanto del nuovo Ristorante Oro Nella stupenda cornice di Belmond Hotel Cipriani

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editoriale / editorial

di / by Ferruccio Gard

SITO INTERNET:

artstylemagazine.com info@artstylemagazine.com DIRETTORE RESPONSABILE: Ferruccio Gard e-mail: ferrucciogard@art-style.it HANNO COLLABORATO: Ilario Tancon, Armin R. Mengs, Eros Rampone, A.C., Francesco Spinaglia, Otis, Andrea Ferrazzi, Marco Rossi, Mirko Cassani, Elena Moretti, Cristina Gioacchini, Paolo Fontanesi, Lucia Majer, Gisella Pagano, Elena Zardini, Roberto Daolio, Sania Gukova, Franco Salvadori, Chiara Canali, Vania Conti, Umberto Mazzoni, Paolo Levi, S. C., Monica Migliorati, Michele Beraldo, Fabio Migliorati, Luigi Abbate, Luigi Meneghelli, Elena Pontiggia, Massimo Costa, Ivan Quaroni, Andrea M. Campo, Anna Maria Barbato Ricci, Francesca Giubilei, Valentina Fogher, Stefania Prandi, Emanuela Peruzzo, Viola Carugati, Vittorio Sgarbi, Emanuele Confortin, Luca Curci, Laura Bresolin, Valeria Pardini, Paolo Buda, C.P., Serafina Leozappa, Marco Bevilacqua, Milena Milani, Cosimo Mero, Luca Beatrice, Gaetano Salerno, Achille Salvagni, Dario dall’Olio, Sara Speggiorin, Alessandro Zangrando, Alain Chivilò, Tobia Donà, Eva Ravazzolo, Teresa Meucci, Giulia Rossi, Louis Meisel, Richard B. Browner, Michela Zavka, Giulietta Tisminetzky, Simona Scopelliti, Crisula Barbata, Max Willert.

TRADUZIONI: Valencia Scott Colombo, Sergio Gnesin, Yolanda Lidia Valdés - PREPRESS - PRINT - BINDING: Peruzzo Industrie Grafiche S.p.A. Mestrino (PD) www.graficheperuzzo.it GRAPHICS

PUBBLICITÀ: Euroedizioni s.r.l.

Tel. (+39) 393 31 10 007 Corso Milano, 103 - 35139 Padova E-mail: info@art-style.it EDITORE: Euroedizioni s.r.l.

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Prezzo della copia: € 8,00 Hosting web:

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winter-spring 2015

DAL MONUMENTO AL C….AI CACCA-BUS

I

nsomma, non se ne può proprio più. Il troppo stroppia, ricorda un saggio proverbio. Troppi artisti hanno capito come tira (certo) vento dell’arte e che, per diventare famosi, e magari anche ricchi, la via più facile e veloce è spesso il ricorso alle provocazioni. Meglio se porno, o blasfeme, o horror, o tutte e tre le cose assieme. Ci sono stati indubbiamente dei geni, dal nostro Maurizio Cattelan all’inglese Damien Hirst, però ora si sta esagerando. A Milano, che già ospita, in piazza Affari, l’ormai famoso “Dito di Cattelan”(lupus in fabula), ha suscitato nuove accese polemiche (e anche scandalo) una grossa scultura collocata nei giardini di corso Indipendenza. Su un piedistallo troneggiano 4 alti cilindri che, a sguardi innocenti, possono sembrare strani salsicciotti ma che, in realtà, assomigliano di più ( ma molto di più) a peni in erezione. Insomma, un monumento al c…., realizzato da un giovane artista americano (non ne scrivo il nome, farei il suo gioco). Lo ha collocato dopo una mostra in una galleria milanese, si dice con regolare autorizzazione del Comune (sino al 20 gennaio, pare). Comune che vi avrebbe visto interessanti processi di astrazione, sperimentazione di nuovi materiali e forme architettoniche ispirate ad antiche colonne, ecc.ecc. Un’opera d’arte, insomma, anche i burocrati talvolta hanno un cuore. Dà fastidio che lo scultore non lo abbia chiamato per nome e l’abbia invece intitolato “ Four Sentinels” (quattro sentinelle) e chi lo guarda si sente così preso in giro. Molto più sinceri gli amministratori di Bristol, che hanno istituito un collegamento fra l’aeroporto e la cittadina termale di Bath con bus alimentati da bio-metano ricavato da escrementi umani (prelevati dalle fogne) e rifiuti alimentari.

La cittadinanza si è dapprima preoccupata per il timore di cattivi odori, ma è stata poi rassicurata dagli inventori del progetto. Solo odore tipo- gas metano, nient’altro. Come garanzia, e ispirandosi probabilmente a qualche artista contemporaneo, hanno spiritosamente fatto dipingere sulle fiancate 5 persone serenamente sedute sul water. Insomma, nessuna presa per i fondelli e la stampa inglese li ha esplicitamente definiti “ poo-bus”, in italiano… cacca-bus.

Viva la sincerità, insomma, specie se accompagnata dallo splendido humor inglese. Tornando al nostro amico di Milano, a un giornalista che gli ha chiesto cosa volesse esprimere con la discussa scultura, ha detto: “ Nulla”. Visto che ci siamo, e senza offesa, una risposta del c…

FROM MONUMENTS TO THE “POO-BUS”

Hey! We cannot take it anymore! Too much is too much! Too many artists already understood which way the (some) wind of art blows and, in order to get famous and rich, they know that the shortcut is to provoke. So we see porn, blasphemies, horror or even all these things together. No doubts we had some geniuses such the Italian Maurizio Cattelan or the English Damien Hirst, but now we went too far. In Milan, where there is already the yet well-known “Dito di Cattelan” (Cattelan’s finger), there is now a huge sculpture exhibited in the gardens in Corso Indipendenza that is creating new, intense debates ( and a scandal too).

Standing on a pedestal are 4 tall cylinders that, to an innocent sight, may look like unusual sausages but that, actually, look more (much more) like penis on erection. In other words, a monument to D…., made by a young American artist (I’m not writing his name because I do not want to play his game) It was positioned after an exhibition at a Gallery in Milan, with, it seems, a regular authorization by the municipality. Municipality that would have seen in the work some strange processes of abstraction, experimentation of new materials and architectural designs inspired to antique columns etcetera etcetera. An art-work, in other words; sometime even the bureaucrats show to have a heart.

What bothers, it’s the fact that the author didn’t call it with its name, but “Four Sentinels”.

In this way, who’s watching the work feels like somebody’s making a fool of him/her.

Much more sincere were the Bristol’s administrators who created a connection between the airport and the thermal city of Bath using bus propelled by biometane extracted from human excrements (drawn from the sewers) and food wastes.

The citizenship was first worrying about pongs, but was suddenly comforted by the inventors of the project: just a smell like regular methane, nothing else. As guarantee and probably inspired by some contemporary artists, they designed on the sides of the bus 5 people peacefully sitting on the toilet bowl. So, no jokes. And the English press simply called these vehicles “poo-bus”.

Hooray for sincerity! especially if with the amazing English humor. Back to our friend in Milan, to a journalist who asked him what he would like to express with his controversial sculpture he answered: “Nothing”.

As to say, and no offense, a D.. answer!

il colibrì

di / by Andrea M. Campo

un libro, un quadro.

A book, A painting

PABLO PICASSO Les Demoiselles d'Avignon 1907

N I cacca-bus di Bristol (Inghilterra)

Piero Manzoni, Merda d'artista n.53, 1961

el 1957 l’editore Maurice Girodias, fondatore dell'Olympia Press, trovò sulla sua scrivania un mucchio di pagine sgualcite, piene di correzioni a mano e note aggiunte. Il manoscritto, nonostante l’ostinata intercessione di Allen Ginsberg, fu rimandato indietro con la richiesta perentoria all’autore di presentarne una copia “ordinata”. Era il “Pasto nudo” di William S. Burroughs, un lungo delirio visionario che tratteggia un mondo distopico e totalitario, dove la dipendenza è uno strumento di controllo delle masse. Una raccolta di istantanee allucinate, di comportamenti devianti e deviati che accompagnano il protagonista William Lee (Bill), alter ego dell’autore, in una lenta discesa nel buio. Burroughs utilizza la tecnica, che lui stesso teorizzerà, del cut-up e fold in: un montaggio a posteriori di immagini, di evocazioni, di digressioni e di deliri svincolati da ogni obbligo formale. Una composizione atonale e autonoma condensata in un unico impulso demolitore che, cinquant’anni prima, aveva

già pungolato lo spirito del fenomeno dada. I dadaisti sminuivano l’estetica, combattevano la tradizione, rifiutavano la sacralità dell’oggetto artistico, combattendo lo status quo, la morale comune e il sistema sociale: rifiutavano tutti i miti della ragione positivistica ritenendo l’arte stessa un prodotto della società, e per questo, una struttura da demolire. Burroughs propone una visione intimista, condizionata da una percezione alterata che sopravvive in un regime tirannico, offrendo un quadro satirico e grottesco dell’organizzazione sociale ma è lui stesso artefice di un cifra stilistica che respinge l’idea di lettore quale fruitore passivo del romanzo. Il dada celebra la preminenza del caso sulla regola che, provocatoriamente, scompone e ricompone accidentalmente. Perciò prendete l’articolo. Prendete una forbice.

Tagliate con cura ogni parola e mettete tutto in un cappello. Agitate dolcemente e tirate fuori le parole copiandole una dopo l’altra.

Tzara apprezzerà.

In 1957 the publisher Maurice Girodias, founder of Olympia Press, found on his desk the “Naked Lunch” by William S. Burroughs, a long delirium visionary who portrays a despotic and totalitarian world. A collection of crazed snap-shots going with the protagonist, William Lee (Bill), alter ego of the author, in a slow descent to the darkness. Burroughs uses the cut-up and fold in technique: an a posteriori editing of images detached from any formal obligation. An only breaking impulse that , fifty years before, had already prodded the spirit of the

dada phenomenon. The Dadaist were refusing the myths of the positivist intellect considering the art itself as a product of society.Burroughs presents a satiric and grotesque image of the social organization but it’s himself the creator of a style that rejects the idea of a reader intended as a passive user of the novel.

The Dada celebrates the preeminence of the coincidence on the rule that, provocatively, is accidentally decomposed and re-composed.

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PROJECTS

Imago Mundi

a global and non-profit project of contemporary art

LUCIANO BENETTON

di / by Stefania Prandi

MAROCCO

SOUTH AFRICA

ERITREA

MOZAMBICO

GAMBIA

A

Roma, fino al 25 gennaio, al Museo Carlo Bilotti (Aranciera di Villa Borghese), nuova tappa di “Imago Mundi”, progetto globale e non profit di arte contemporanea, promosso da Luciano Benetton e dalla Fondazione Benetton Studi e Ricerche.

Una mostra senza precedenti che, con oltre duemila opere tutte provenienti dall’Africa, intende raccontare la complessità di un continente incredibile, mediaticamente rappresentato soltanto attraverso le tragedie, le guerre e le storie di sfruttamento, e artisticamente troppo spesso confinato nei cliché del tribale, del primitivo e del naïf. In esposizione i lavori di artisti provenienti da sedici diversi Paesi africani - Egitto, Eritrea, Etiopia, Gambia, Kenya, Marocco, Mauritania, Mozambico, Senegal, Somalia, Sudafrica, Sudan, Tanzania, Tunisia, Zanzibar, Zimbabwe – che, attraverso una variegata coralità

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winter-spring 2015

espressiva, riescono a rompere con le immagini stereotipate di una terra ingiustamente bistrattata, fornendo visioni originali e preziose.

L’appuntamento romano fa parte di un progetto più ampio: la grande collezione di arte contemporanea formata da migliaia di opere che Luciano Benetton ha commissionato e raccolto nei suoi viaggi nel mondo, coinvolgendo, in modo volontario e senza scopo di lucro, artisti affermati ed emergenti. Ogni pittore ha realizzato per Benetton un’opera unica, formato 10 per 12 centimetri. Le collezioni, che per ogni Paese interessato comprendono tra i centoquaranta e i duecentotrenta artisti, sono fino ad ora cinquanta e coprono diverse regioni. Si va dagli Stati Uniti all'Australia, dalla Cina a Cuba, dall’Azerbaijan a Israele fino alla Corea (anche quella del Nord), parte dell’Europa (Grecia, Spagna,

A Roma, nuova tappa di Imago Mundi

ZANZIBAR

GAMBIA

Ungheria). In fase di ultimazione anche la collezione italiana, affidata a Luca Beatrice, che potrà contare sui lavori di più di quattrocento artisti.

Il progetto è ambizioso. Infatti, entro la fine del 2015, i Paesi di “Imago

Mundi” saranno cento per un totale di circa ventimila artisti. Ogni collezione ha un suo catalogo dedicato che contiene le opere e le biografie che sono consultabili anche sul portale www.imagomundiart.com.

ETHIOPIA

SOMALIA

TUNISIA

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EGITTO

“Imago Mundi” ha l'intento di costruire e portare nel futuro una mappa visiva delle culture umane, promuovendo gli artisti attraverso la partecipazione a rassegne ed esposi-

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winter-spring 2015

zioni internazionali, in collaborazione con istituti privati e pubblici. Il debutto è stato nel 2013 alla Biennale di Venezia. È seguita la Biennale dell’arte africana di Dakar e il Museo

Casa dei Carraresi a Treviso.

Oltre che a Roma, Imago Mundi è presente, fino al 25 gennaio 2015, anche al Noma di New Orleans con “Reparation”, la collezione comple-

tamente dedicata alla straordinaria creatività della città americana. Inoltre, a partire dalla fine del prossimo febbraio, sarà al Palazzo d’Inverno,Museo Belvedere di Vienna.

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Until January 25th in Rome, the Carlo Bilotti Museum (Aranciera di Villa Borghese) will take a new stage of “Imago Mundi” a global and non-profit project of contemporary art, promoted by Luciano Benetton and the Fondazione Benetton Studi Ricerche.

An exhibition never seen before featuring more than two thousand artworks from Africa, that wants to tell a story about the complexity of an incredible continent.

The Roman appointment is part of a bigger project: the great contemporary

art collection counting thousands of artworks that Luciano Benetton commissioned and collected during his travels all over the world, involving, in a voluntary and non-profit way, both well-known and emergent artists.

The project is challenging. Indeed, before the end of 2015 the Countries touched by “Imago Mundi” will be one hundred, for a total of twenty thousand artists.

Every collection features its own catalogue containing the artworks and biographies also visible on www. imagomundiart.com

Zimbabwe

SENEGAL

SUDAN

EGITTO

EGITTO

ERITREA

SOMALIA

Zimbabwe

ZANZIBAR

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EVENTS

CALENDARIO CON RIPRODUZIONE A COLORI DELLE GRAFICHE DI BURRI IN EDIZIONE LIMITATA DA COLLEZIONE. PREGIATA STAMPA FINITURA ARGENTO.

In occasione del centenario del maestro Burri il Gruppo Euromobil ha prodotto un calendario ad edizione limitata con alcune opere rappresentative dell’artista.

Per quanto riguarda invece le mostre d’arte, appuntamento dal 5 ottobre fino all’11 gennaio 2015 al Museo Nazionale di Ravenna che ospita “Giorgio Celiberti.

La Passione e il Corpo della Storia”.

Trentotto opere di Giorgio Celiberti, pittore e scultore, segnato negli ultimi anni da un’evoluzione mistica, eredità di un turbamento doloroso nella sua espressione, già evidente con i lavori legati al dramma storico dei lager durante il Nazismo.

CALENDARIO BURRI 2015 FONDAZIONE PALAZZO ALBIZZINI COLLEZIONE BURRI E GRUPPO EUROMOBIL di / by Mirko Cassani

GRUPPO EUROMOBIL PROMUOVE L’ARTE ITALIANA CON LA MOSTRA A RAVENNA DI GIORGIO CELIBERTI Burri 2015 calendar Fondazione Burri Collection Palazzo Albizzini and Gruppo Euromobil. Calendar illustrated with colour reproductions of Burri’s graphics in a limited collectors’edition.

Quality printing silver finish. On the occasion of the centenary of artist Alberto Burri Gruppo Euromobil has produced a limited edition calendar with some of the artist’s most representative works. Regarding art exhibitions, from 5 October 2014 to 11 January 2015 the Ravenna National Museum hosts the exhibition “Giorgio Celiberti. La Passione e il Corpo della Storia”. Thirty eight works by painter and sculptor Giorgio Celiberti, who over the years has undergone a mystic evolution that betrays a painful uneasiness in his expression, already evident in his works linked to the historic drama of the Nazi regime lagers.

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GIORGIO CELIBERTI

IL PREMIO GRUPPO EUROMOBIL UNDER 30 RADDOPPIA E SI FA SOCIAL CON LE VOTAZIONI DEI VISITATORI E DEL PUBBLICO SUL SITO GRUPPOEUROMOBIL.COM Cresciuto in autorevolezza, alla nona edizione il Premio Gruppo Euromobil under 30 definitivamente raddoppia.

Dopo il positivo numero zero dello scorso anno, il tradizionale Premio conferito dalla Giuria di esperti, è affiancato da un secondo riconoscimento assegnato direttamente dal pubblico. Vincitrice di questo Premio Speciale del Pubblico l’opera (quindi l’artista) con il maggior numero di voti dai visitatori ad Arte Fiera assommati ai voti che chiunque potrà assegnare visionando le immagine delle opere in concorso pubblicate sul sito www.gruppoeuromobil.com.

Il Premio della Giuria, si concretizzerà nell’acquisizione dell’opera vincitrice che arricchirà le collezioni di Gruppo Euromobil. Non muta l’ambito di indagine del Premio fondato e voluto da Gaspare, Antonio, Fiorenzo e Giancarlo Lucchetta, titolari del Gruppo Euromobil e collezionisti d’arte. Potranno

The ninth edition of the increasingly more authoritative Gruppo Euromobil under 30 Prize has permanently doubled. After last year’s positive “number zero” it has now been decided to permanently add this second acknowledgement assigned directly by the general public to the traditional Prize awarded by a panel of experts. The winner of this Special Prize will be the work (and therefore the artist) to obtain the highest number of votes from visitors to Arte Fiera, with those who has seen the pictures published on website www.gruppoeuromobil.com.

As usual, the Jury’s Award will take the form of the purchase of the winning work, which will be added to the wonderful Gruppo Euromobil collections. The search for the winner remains the same as when the Prize was founded by Gaspare, Antonio, Fiorenzo and Giancarlo Lucchetta, owners of Gruppo Euromobil and art collectors.

Works by artists under 30 years of age

concorrervi le opere di artisti under 30 presentate dalle diverse gallerie ad Arte Fiera. Il Gruppo Euromobil, con i marchi Euromobil cucine, Zalf mobili e Désirée divani leader nei sistemi e complementi d’arredo, sarà main sponsor della Fiera Bolognese. I fratelli Lucchetta incontreranno i visitatori, i galleristi e gli artisti nel proprio spazio “I luoghi dell’arte, I luoghi del design” dedicato a selezionati prodotti di design oltre che alle precedenti otto edizioni del Premio Gruppo Euromobil under 30.

presented to Arte Fiera by any gallery can take part. As well as the Prize, Gruppo Euromobil, with its Euromobil Cucine, Zalf Mobili and Désirée Divani brands, leaders in furniture systems and complementary items, will once again be the main sponsor of the Bologna Fair. The Lucchetta brothers will meet visitors, gallery owners and artists in a special area “I luoghi dell’arte, I luoghi del design” (Art Space, Design Space) dedicated to selected designer products and the previous eight editions of the Gruppo Euromobil under 30 Prize.

ARTE FIERA BOLOGNA 2015 APPUNTAMENTO CON LA NONA EDIZIONE DEL PREMIO UNDER 30 GRUPPO EUROMOBIL

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CONTEMPORARY

Xhixha

di / by Alain Chivilò

Le forme in movimento N

on scolpisco i materiali. Li uso per scoprire la luce.

In poche parole l’artista Helidon Xhixha (Durazzo 1970) sintetizza il personale approccio concettuale all’arte che plasma la materia. Il suo materiale prediletto è l’acciaio che attraverso la tecnica, la progettazione abbinata a una sapiente lavorazione, assume e si arricchisce di forti intensità energetiche.

Di conseguenza, il freddo della materia non è percepito, perché in essa si propaga un calore fornito dalla luce, dalle cromie e da una musicalità insita. Le sculture di Helidon non sono opere ancorate al terreno, ma vibrano e fluttuano in una sorta di cineticità che pur convive con un’effettiva staticità dell’essere. Una forza gravitazio-

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winter-spring 2015

nale si espande portando l’osservatore sia all’esterno, sia all’interno della lastra di acciaio, in modo simultaneo. Una sapiente elaborazione atta a creare una comunicazione mentale tramite movimenti ondulatori, convessi e concavi, che entrano e poi escono dalla dimensione scultorea. Esiste un racconto di libertà e d’infinito che l’anima delle sue sculture crea, arricchendosi di un’infinita e costante luce. Questa, rifrangendosi lungo tutta la superficie, determina nuove emozioni che vivono in forme poetiche, armoniche e musicali. La mente umana ha così modo di aprirsi attivando sempre nuove percezioni abbinate a nuove indagini visive e intellettuali. Si creano nuove domande, nuove definizioni e nuovi rapporti con l’opera stessa. Un’originalità che Xhixha esplora, partendo da echi e visioni assimilate interiormente come in Arnaldo e Giò Pomodoro, Burri fino ai lavori industriali, consumistici e pop degli anni ’60. In sintesi, il Maestro quando esegue una propria scultura, come affermava Constantin Brancusi, si nutre permettendo agli osservatori di vivere “della sua essenza per comprenderne il valore”.

Helidon è un’artista molto richiesto

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XHIXHA

moving shapes tanto ché nel 2014 la società immobiliare newyorchese Property Markets Group (PMG), una fra le più influenti d’oltreoceano, ha pensato alla sua Arte per iniziare una collaborazione inerente al nuovo progetto costruttivo del grattacielo Muse, (Florida, Sunny Isles Beach).

Nel foyer di tutti gli appartamenti ci sarà così un’opera unica commissionata e personalizzata dall’artista.

A conclusione della costruzione, estate 2017, l’edificio sarà inoltre abbellito anche all’esterno da sculture monumentali del Maestro, di cui una già presente in Collins Avenue dove sorgerà il progetto.

A novembre 2014 Xhixha è stato anche protagonista nella città Svizzera di Lugano, trasformando il lungolago in un museo d'arte a cielo aperto grazie a un nuovo monumento fronte Palazzo Mantegazza. La scultura ideata dall’artista rappresenta due fratelli: un omaggio a Sergio e Geo Mantegazza che hanno promosso la costruzione e lo sviluppo di questo imponente ed elegante progetto,

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winter-spring 2015

rendendolo uno splendore architettonico.

Invece il gallerista Cristian Contini, molto sensibile ai talenti artistici, ha fortemente voluto Helidon nella sua scuderia artistica di altissima qualità con base in quel tessuto britannico di Londra, attraverso la ContiniArtUk Modern & Contemporary Art Gallery, 105 New Bond Street. Una delle più frizzanti e interessanti realtà d’arte privata sorte recentemente nella città del Big Ben. In quest’ambito a gennaio 2015, dal 22 al 25, Helidon Xhixha in collaborazione proprio con la Contini Art Uk espone alla fiera Art Stage Singapore, una delle più importanti d’Asia.

Come anticipazione, l’evento più importante avverrà durante l’occasione della 56. Biennale di Venezia, che dal 9 maggio al 22 novembre vedrà le opere del Maestro protagoniste nella più importante esposizione d’arte al mondo.

Maggiori dettagli saranno disponibili nei prossimi mesi.

I don't sculpt materials. I use materials to sculpt light is the main personal conceptual approach of Helidon Xhixha (Durazzo 1970) to art that shapes natural substances.

Steel material is combined with skillful by the artist, through technology and design. Consequently, the cold

of its composition is not perceived, because it propagates a fervency provided by light, colors and an inherent musicality. Helidon sculptures are not anchored to the ground, but they vibrate and fluctuate in a sort of kineticism linked to an effective static being. A gravitational force, increases in intensity, brings simultaneously the observer outside and inside the steel sheet. In brief when he performs a sculpture, the Master feeds "of its essence to understand the value" as indicated

by Constantin Brancusi.

A sculptor, already very popular in Italy, that Cristian Contini gallerist strongly wanted in his artistic team with base in London, at ContiniArtUk Modern & Contemporary Art Gallery,

105 New Bond Street. One of the most vibrant and interesting art private realities recently risen in the Big Ben city. For this collaboration, on January 2015 from 22 to 25, Helidon Xhixha exhibits at Art Stage Singapore one of the most important Asia fair, in partnership with Contini Art Uk. Finally the main event will be at 56th Venice Biennale from 9/05 to 22/11: further details in the next months.

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Thomas Hartmann

action, reflection and reaction

di / by Max Willert

Il Suo approcciarsi alla pittura attraverso una via “fatta di azione, riflessione e reazione” viene detta realizzarsi alle volte durante gli anni per poter sviluppare una parte della propria piena espressione.

Dipingere una nuova immagine è quasi sempre un’impresa difficile perché implica andare ai propri limiti e ancora rimanere sorpresi, persino dopo 30 anni di pittura.

Il disappunto e la frustrazione sono inevitabili poiché il cammino verso una nuova immagine, che è di per sé sempre unica, può essere straziante.

Azione, reazione e riflessione sono inseparabili. Io provo a creare una forma da ogni situazione e parte della vita di cui ho esperienza.

Quindi, le concentro e cerco di visualizzarle attraverso la pittura.

Quando sono di fronte a una tela bianca prima di cominciare a dipingere io inizio una guerra di logoramento, quasi ad evitare il confronto, sulla falsa riga di Fabio Massimo il temporeggiatore.

Primi passi abituali: spazzare il pavimento dello studio, mescolare le vernici, mettere a terra le tele e uscire per un caffè.

Dopo che ho scelto il format, uso le mie proprie immagini, piccolo ritagli di giornale o strutture in scala ridotta che trasferisco sulle tele in maniera accurata, in modo da trasferire me stesso nell’immagine.

Nel migliore dei casi ricerco uno stato in cui le mie parti, conscia e inconscia riescano quasi a unirsi e a guidarmi, determinando il mio lavoro.

Dipingere richiede certe condizioni: pace interiore così come la capacità di immergervisi.

Fai un passo fuori e poi ci torni dentro.

Io cerco di creare un ritmo che abbia frequenze differenti. Non è un ritmo monotono. Si deve imparare a operare a velocità diverse.

Hartmann the way as far as

A volte dipingere è come ballare su di un fornello bollente: tutto deve avvenire velocemente, altrimenti ti scotti.

Ciò include contrattempi – piccoli incidenti che inevitabilmente capiteranno – ma le crisi stimolano la crescita e il maturare delle immagini.

Ti guidano a fare cose mai viste prima per poter mantenere o eliminare qualcosa dall’immagine. Guardando al passato, io di solito sono felice di aver osato lasciare il mio cammino usuale e di aver provato il rischio dell’incerto.

Da dove prende l’ispirazione per il linguaggio figurato che popola il Suo lavoro – le Sue tracce e movimenti di persone piccine, le pile su pile di libri, i crinali, gli alberi, i primi piani e le viste aeree della topografia che sono oltre il paesaggio naturale?

Le immagini prendono forma da immagini esistenti. Non ho teorie; la comparsa dei miei pensieri non segue una strategia particolare. Anche se oggi il mio approccio alla pittura e di conseguenza alle immagini prodotte, è molto diverso da quello che avevo a 20 anni, per me è una linea continua, il mio proprio modo. L’immagine non mi interessa poi così tanto: la mia passione è dipigere. Ci sono temi ricorrenti; alcuni soggetti vengono a me e si lasciano usare come un mezzo di trasporto.

Il punto di partenza è spesso un mix di storie, di foto di qualsiasi tipo, viste in precedenza e di forme e luoghi specifici preferiti. I motivi sono legati alle mie esperienze e alla mia biografia; amo ciò che è familiare. E’ il materiale a cui ritorno una volta che ho trovato la necessaria distanza. Ciascun pittore gestisce le proprie esperienze e percezioni nella propria, caratteristica maniera. Io posso avvicinare cose sia da vicino che mediante una vista aerea molto dall’alto. E’ questa una forma di sviluppo che non si rifà alla realtà di una mappa ma piuttosto dà forma a un processo interno.

Il Suo lavoro è visto come più vicino a

quello dei Romantici Tedeschi che a quello degli Espressionisti ed è stato comparato al fondamentale lavoro di Caspar David Friedrich.

I Suoi concetti allegorici, i toni attenuati e le piccolo figure che punteggiano ampi paesaggi rivelano, tutti assieme, un approccio contemplativo. A Suo parere, il Suo lavoro, con quale movimento artistico è più in linea?

Non ho modelli. I primi cataloghi che ho comprato erano su Bacon, Giacometti e Soutine, tutti artisti ai quali mi sono ispirato e che mi hanno stimolato quando ero un giovane pittore. Io mi ritengo un romantico, ma questo è più un atteggiamento che uno stile. Credo ci sia dell’ottima arte in ciascuna categoria artistica, ma non mi classificherei come appartenente a nessuna di esse. Io sono principalmente concentrato in questioni di significato, non di estetica.

Lei ha vissuto ed è stato testimone di più di tre decenni di storia dell’arte mentre essa stessa avveniva. In base alla Sua esperienza, Lei crede che siano gli artisti a influenzare lo spirito del tempo o viceversa?

L’arte è sempre un riflesso del nostro tempo. Agisce come un sistema di allerta anticipata.

Il confronto continuo con i media e le strutture globali cambia la nostra comunicazione, le nostre abitudini sul vedere e la nostra percezione. Ogni giorno siamo di fronte a un incredibile inondazione di immagini. Non esiste una legittima classifica fra i diversi modelli di rappresentazione. Per me, è sempre l’immagine d’insieme. Per quanto mi riguarda, creare arte vuol dire avere una particolare visuale del mondo e degli oggetti in esso. Perché ciò che davvero conta è senza tempo, le domande possono essere poste ancora e ancora. Forse non riceveranno mai una risposta che sia definitiva, ma devono essere poste nel giusto modo per ciascun periodo di tempo.

Quali artisti contemporanei vede come rappresentanti della Zeitgeist, sia influenzati da o che influenzino il nostro mondo di oggi.

Ci sono sempre dei “radiodiofari”, sembra che sia una cosa necessaria.

Io rispetto e apprezzo alcuni; a volte ne sono persino invidioso. Ma per poter rispondere a questa domanda dovrei

dire qualcosa che in realtà non penso.

Io non credo che un artista possa onestamente rispondere a questa domanda. Secondo me, è sempre la somma del tutto.

Lei preferisce giocare un ruolo attivo nella creazione dello spazio espositivo quando si tratta di esporre il suo lavoro?

Nel pianificare una mostra si dovrebbe sempre prendere in considerazione la location: l’architettura del luogo deve essere necessariamente considerata.

Ciò include lo spazio appropriato in cui appendere ciascun quadro. Di fronte a ciascuna immagine c’è un semicerchio immaginario che corrisponde allo spazio che l’immagine stessa reclama.

Alcune immagini vanno bene assieme ad un’altra, con la quale si completano a vicenda; altre sono delle solitarie assolute. La complessità del dipingere è tanto importante quanto la distanza fra chi guarda e l’immagine stessa. La missione dell’osservatore è di trovare la giusta distanza dall’immagine.

Hartmann ground and depth

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Your approach to painting by way of “action, reflection and reaction” is said to unfold sometimes over years in order to develop a piece to its full expression.

Can you give us a glimpse into that process from the moment when you are face-to-face with a blank canvas?

Painting a new picture is nearly always a difficult undertaking since it involves going to one’s limits and still getting surprised, even after 30 years of painting. Disappointments and frustrations are inevitable because the path to a new image, which is always unique, can be excruciating.

Action, reaction and reflection are inseparable. I try to create a form out of every situation and every part of life I encounter. I then concentrate these and attempt to visualize them through painting. When I stand in front of a blank canvas to begin painting, I often do so with Fabian strategy1, very similar to avoidance. Common first steps: brushing the atelier floor, stirring the paint, grounding the canvas and going for a coffee. There is an abundance of manual, ritual work in the atelier; the step to direct artistic work has a lot of transitions.

After I choose the format, I use my own pictures, small newspaper clippings, or small-scale structures which I transfer onto the canvas through painstaking work, to transfer myself into the picture. In the best case I reach a state in which my conscious and unconscious minds nearly unite and carry me­--determining my actions.

Painting requires certain conditions: inner peace as well as the ability to become immersed in it. You take a step out and then get back in. I try to create a rhythm that has different frequencies. It is not an unchanging beat. One must learn to operate at different speeds. Sometimes painting is like dancing on a hot stove: everything has to be fast, otherwise you get burned. This includes mishaps-accidents that will inevitably occur-but the crises promote the growth and ripening of the images. They lead you to do things that you have never seen before in order to keep or destroy something in the picture. In retrospect, I'm usually happy about having dared to leave my usual path, having allowed for the risk of the unknown.

Where do you draw your inspiration for the imagery that populates your work--your trails and movements of tiny people, the stacks upon stacks of books, the ridges, trees, close-ups

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and bird’s-eye views of the topography which is beyond natural landscape?

Images are shaped out of existing images. I have no theories; the emergence of my thoughts does not follow a particular strategy. Although today my approach to painting, and thus the images produced, is very unlike the one I had 20 years ago, for me it is a continuous line, it is my own way. The image does not interest me that much, my passion is painting.

There are recurring themes; some subjects come to me and are used as a means of transport.

The starting point is often a mixture of stories, previously seen pictures of any kind, and preferences for specific locations and shapes. The motives are related to my experiences and my own biography; I like the familiar. It is the material I come back to, when I have found the necessary distance. Each painter handles his experiences and perceptions in his own characteristic manner. I can approach things best either by proximity or a type of bird'seye view from a great distance. This is a form of development which does not seek to map reality but rather to give form to an internal process.

Your work is seen as more closely associated with the German Romantics than the Expressionists and has been compared to the seminal work of Caspar David Friedrich. Your allegorical concepts, understated hues and tiny figures dotting expansive landscapes all reveal a contemplative approach.

Where do you find your work more closely aligned within the different art movements?

I have no role models. The first catalogues that I bought were from Bacon, Giacometti and Soutine, all of whom are artists that I was inspired and challenged by as a young painter.

I see myself as a romantic, but this is more of an attitude than a style. I think there is very good art in every category, but wouldn’t categorize myself in any.

I am primarily focused on questions of meaning, not aesthetics.

You have witnessed and participated in over three decades of art history in the making. From what you experienced, do you think that artists influence the spirit of the age or vice versa?

Art is always a reflection of our time. It acts as an early warning system.

The constant confrontation with the media and global structures changes our communication, our viewing habits

and our perception. We are confronted with an unmanageable flood of images every day. There is no justifiable ranking among the different modes of representation. To me it's always about the whole thing. For me making art is about having a special view of the world and the objects in it. Because the real concerns are timeless, the questions must be asked over and over.

Maybe they will never be definitively answered, but they must be set "right" for each and every time frame.

Which contemporary artists do you see as representing the zeitgeist, both influenced by, and influencing, our world today?

There are always "beacons" which seem to be a necessity. I respect and value many; sometimes I even feel envy. But in order to answer this question, I would have to say something that I truly do not feel. I do not think an artist can honestly answer this question. For me, it is always the Hartmann a smart man

sum of everything.

Do you prefer to play an active role in creating the exhibition space when showing your work?

In a planned exhibition one should always take the place into account; the architecture of the space has to be considered. This includes the proper spot to hang each picture. In front of each image there is an imaginary semicircle which is the space that a picture claims. Certain images get along with one another, complementing each other; others are total loners.

The complexity of the painting is just as relevant as the distance between the viewer and the image itself. The observer’s mission is to find the right distance to the image.

1 A military strategy where pitched battles and frontal assaults are avoided in favor of wearing down an opponent trhough a war of attrition and indirection (Wikipedia).

La Vetreria Bisanzio Gallery collabora con i più grandi maestri vetrai.

All’interno della fornace si possono trovare ancora i forni di fusione fatti nel 1960 dal Maestro Ermanno Nason.

La possibilità di differenziare le produzioni garantisce la creazione di oggetti d’arte sia contemporanea che classica, ovvero, eseguiti con criteri antichi quanto la storia dell’isola di Murano.

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VERNISSAGE

The innocent charm of classical antiquity

Il gallerista Giancarlo Gioacchini con il Maestro Luca Pignatelli

di / by Andrea Maurizio Campo Il tempo sembra essersi fermato, l’oggetto è congelato in un’atmosfera irreale, immerso in una realtà immutabile; i treni a vapore, i cacciabombardieri e i miti dell’arte classica, privi di un’investitura simbolica, raccontano ciò che è stato esaltando la metafora del ricordo (che continua ad essere qui e oggi). Luca Pignatelli, tra i più apprezzati artisti contemporanei, crea le sue composizioni pescando tra le rappresentazioni emblematiche

dell’epoche passate, offrendo “istantanee” cupe, estranianti, dove l’esperienza estetica del sensibile e del reale si tramuta in un elogio senza rimpianto, una sorta di fenomenologia della memoria dove la materia è prova empirica della sua continuità.

Pignatelli dipinge su teloni cerati utilizzati nei primi del novecento per coprire i vagoni merci, che nel corso degli anni sono stati danneggiati dal ghiaccio e dal sole, lasciando un'indelebile impronta del tempo che

passa: strappi, cuciture e la trama allentata della canapa parlano di un tempo che, per l’artista, è attore primo del linguaggio e testimonianza di una nuova dimensione, come già fu per Fontana e Burri. Valido esempio della poetica di Pignatelli sono le tele esposte presso la Galleria Gioacchini (Cortina d'Ampezzo) tra cui i tre acrilici su tela "Testa di Afrodite" del 2002, "Treno e montagne" sempre del 2002, e il più recente "Aereo" del 2008. “Nell’opera di Pignatelli – così

scriveva Achille Bonito Oliva - il tempo non è cronologico e lineare, ma piuttosto circolare. La storia non è archeologia ma retaggio culturale reso continuamente presente dalla immanenza dell’arte”. Pignatelli cita un valore in luogo di un’immagine dando un’impronta naturalistica della storia e lo fa preservando, da un lato, l’innocente incanto nello studio della classicità e, dall’altro, l'indagine critica sugli elementi mitici del contemporaneo.

pignatelli "Treno e montagne" 2002 acrilico su tela 60 x 80 CM

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Luca PIGNATELLI ALLA GALLERIA GIOACCHINI DI CORTINA D'AMPEZZO DAL 27 dicembre 2014 al 7 marzo 2015 Time seems to have stop, the object is frozen in an unreal atmosphere, immersed in an unchanging reality; the steam locomotives, the fighterbombers and the myths of the classic art, unchained from a symbolic investiture, tell about what has been, enhancing the metaphor of memories (which keeps being here and now).

Luca Pignatelli, one of the most appreciated contemporary artist, creates his compositions drawing from the emblematic representations of the past eras, offering dark and alienating snap-shots, where the aesthetic experience of what is perceivable and real gets transformed into a regretless acclaim, a kind of phenomenology of memory where the matter is the empiric proof of its continuity.

Pignatelli paints on oilskins that have been used at the beginning of 20th century to cover freight cars;

pignatelli Aereo 2008 acrilico su tela 100 x 150 CM

with the passing of years they have been damaged by the ice and the sun, leaving an indelible mark of the passing of time: rips, loosen stitching and weave tell of a time that, to the artist, is protagonist of a language and witness of a new dimension, as it was for Fontana and Burri in the past.

Good example of Pignatelli’s poetry are the works exhibited at the Galleria Gioacchini (Cortina d'Ampezzo) where it’s possible to admire three

acrylic paintings on canvas “Testa di Afrodite” (Head of Aphrodite) from 2002, “Treno e montagne” (Train and mountains) also from 2002 and the younger “Aereo” (Airplane) from 2008.

“In Pignatelli’s work - Achille Bonito Oliva wrote – time is not chronological and linear, but circular.

History is not archeological, but it is a cultural heritage that is continuously present thanks to the immanence of Art”. Pignatelli mentions a value

instead of an image, providing a naturalistic mark of history and he does so preserving on one hand, the innocent fascination for the study of classicism and, on the other hand, the critical investigation on the mythical elements of the contemporaneity.

pignatelli Testa di Afrodite 2002 acrilico su tela 170 x 170 CM

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DESIGN

di / by Francesco Spinaglia

Modern Essential Elegant

Moderne. Essenziali. Eleganti. Sono le linee di Phoenix, progetto firmato CR&S Varenna per Polifom, l’azienda lombarda icona del made in Italy.

Phoenix è il nome di una cucina caratterizzata da linee sottili e da un gioco di maniglie che le conferiscono un design moderno e un’ estetica esclusiva.

Una proposta che riduce ogni elemento compositivo alla propria geometria primaria: solidi fondamentali che esplorano inedite possibilità estetiche per una cucina contraddistinta dall’assenza di maniglie.

Il top in acciaio spessore 6 milli-

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metri caratterizza l’isola centrale scandita dalla maniglia Phoenix di nuovo disegno, ottenuta dalla combinazione delle ante con trafilatura passante e con sagomatura terminale a 90°.

Essenzialità ed eleganza abbinate alla funzionalità. In linea con la filosofia creativa che da sempre contraddistingue Poliform e che lavora sull’interpretazione degli spazi abitativi in maniera esclusiva.

Spazi che, come nel caso della collezione Varenna, sono interpretati in maniera moderna, andando alla ricerca di proposte originali,

definite da un’ampia gamma di materiali, finiture e colori. Perché la cucina è un ambiente che riflette l’individualità di chi la abita. Ecco dunque tecniche all’avanguardia e una declinazione stilistica sempre più personale, in piena continuità con l’idea di 0home project che contraddistingue la concezione Poliform della casa contemporanea.

Grande attenzione è posta anche alle finiture. Sono disponibili in laccato goffrato e lucido. In essenze di rovere che vanno dal siena al brown, dallo spessart al tinto grigio, dal rovere moro all’ olmo nero.

E, poi, ancora, noce canaletto massello, acciaio scotch brite e Dupont Corian Glacier white.

Un’ampia gamma di proposte e soluzioni, come del resto è nella tradizione di Poliform, azienda il cui elemento distintivo risiede nel saper attuare uno stretto legame con l’attualità, cogliendo le esigenze e i gusti di un pubblico eterogeneo ed internazionale. Ma, anche, nel saper anticipare e interpretare le tendenze dell’abitare.

Modern. Essential. Elegant. So are the lines of Phoenix, a project signed by CR&S Varenna for Poliform, the Lombard company, icon of the Made in Italy.

Phoenix is the name of a kitchen characterized by thin lines and a game of handles that give it a modern design and an exclusive aesthetic.

An offer that reduces every compositive element of its own primary geometry.

Substantial and elegance combined with functionality. Matching the creative philosophy that since ever characterizes Poliform and that works on the interpretation of living spaces in an exclusive way.

Spaces that, as per the Varenna collection, are interpreted in a modern way, looking for original offers, defined by a large range of materials, finishing and colors.

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GALLERIES

Jacques Villeglé RETROSPETTIVA

di / by Tobia Donà

E

’ in corso alla Galleria Partners & Mucciaccia di Singapore la mostra retrospettiva di Jacques Villeglé. Egli occupa, da più di quarant’anni, un posto nell’Olimpo degli artisti contemporanei. E’ sconcertante quanto la sua personale ricerca risulti negli anni sempre più attuale.

E’ dal 1968, con 122 rue du Temple, conservata al MoMA di New York, che le sue opere sembrano indagare tutti gli aspetti di una società piena di contraddizioni. Le immagini oramai affollano la nostra esistenza, con la loro presenza, a volte soffocante. Quello di Villeglé è stato sin dall’inizio uno sguardo premonitore, amaramente disincantato, che ha saputo cogliere, in tutta la sua interezza, ciò a cui stavamo andando incontro. All’affermarsi della facilità di accesso ai beni di consumo, all’enorme sviluppo della comunicazione, al notevole progresso delle conoscenze e delle tecnologie, si sono contrapposte di pari passo nuove forme d’incertezza. Manifesti strappati dalle strade, tracce di umanità, come reperti archeologici. Un innesco per l’artista, e quindi solo un inizio. Ogni opera diviene allora stratificazione di riferimenti, sovrapposizione convulsa d’immagini. Vi si scorgono: sguardi, lettere, grafie e colori. Ne deriva una riflessione sulla fragilità dei simboli del nostro contemporaneo. L’effetto è destabilizzante e i significati possono essere molteplici, poiché è l’arte che si manifesta nello spettatore. Un caos che produce tensione e sorpresa, ma che allo stesso tempo è fonte di rivelazione, poiché quella materia che Jacques Villeglé strappa e scortica per giungere in profondità, non è una materia qualsiasi, quella materia è il presente del mondo.

Villeglé Operation Quinperoise - Braden 2006 60 x 39,5 cm

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Is now open, at the Partners & Mucciaccia gallery in Singapore, the exhibition on Jacques Villeglé.

Villeglé Quai des celestins 1965 111,8 x 130,3 cm

Villeglé rue de proVence 1988 130 x 162 cm

It is bewildering how his personal research becomes more and more actual. It’s since 1968, with 122 rue du Temple, exhibited at the Moma in New York, that his artworks seem to investigate any aspect of the contemporary society.

The images fill our existence, in a suffocating way. Villeglé uses a premonitory sight, able to understand what we were facing. If, on one hand, we had an enormous development of communication, a huge progress of knowledge, on the other hand we can see new forms of uncertainty. Posters ripped from the streets, marks of humanity. Every artwork is a stratification of references. It’s possible to recognize: sights, letters and colors.

A consideration on the fragility of the symbols of our contemporaneity.

Various are the meanings because it is the art that manifests itself in the spectator. A chaos producing tension but, at the same time, it is source of revelation because that matter that Jacque Villeglé rips and strips to get to the core, it’s not a common matter, but the present of the world.

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FROM THE DIVINE MARCHIONESS TO THE POETRY OF LIGHT DALLA DIVINA MARCHESA ALLA POESIA DELLA LUCE

di / by Ferruccio Gard

Due straordinarie mostre a Palazzo Fortuny e al Museo Correr

F

LA Marchesa CASATI in un ritratto di Augustus Edwin John

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u forse la donna più scandalosa della belle èpoque, e amava passeggiare di notte a Venezia tutta nuda, anche se avvolta in un mantello, con al guinzaglio un ghepardo e accompagnata dal servitore nero che le illuminava la strada con una torcia. Soprannominata “ Divina Marchesa” da Gabriele d’Annunzio, uno dei suoi tanti amanti, fu contesa per ritratti memorabili da famosi artisti, dei quali fu modella e musa ispiratrice, da Giovanni Boldini e Man Ray a Balla, Boccioni, Alberto Martini e Romaine Brooks, ma conquistò anche il fondatore del Futurismo Filippo Tommaso Marinetti. Grande amante dell’arte, finì per atteggiarsi lei stessa a conturbante e folle opera d’arte. “ Voglio essere un’opera d’arte vivente”, diceva. E oltre un centinaio fra dipinti, gioielli, abiti favolosi, leopardi e pitoni imbalsamati, video e oggetti da collezione vari, insomma tutto il mondo di Luisa Casati Stampa (Milano 1881- Londra 1957) sono esposti in una mostra straordinaria a Palazzo Fortuny, ideata dal conservatore del museo Daniela Ferretti e a cura di Fabio Benzi e Gioia Mori. C’è da perdersi, rapiti e affascinati dalla ricostruzione del ritratto di questa donna mitica e misteriosa, grande collezionista d’arte e amante dell’occulto, convinta di essere una strega, ed eccentrica al punto di affittare, fra le sue tante follie, tutta piazza San Marco per una

festa. A Venezia visse per un decennio a Ca’ Venier dei Leoni, acquistata poi da un’altra eccentrica quale Peggy Guggenheim. Dopo un lungo soggiorno a Roma si trasferì a Parigi, noleggiando un treno merci per il trasloco, ma esagerò negli sperperi (in tutto una somma paragonabile a 23 milioni di euro) e trascorse gli ultimi anni della sua vita a Londra, praticamente in povertà.

La mostra, coinvolgente e bellissima, rimarrà aperta sino all’8 marzo, mentre al Museo Correr sarà visitabile sino al 15 marzo 2015 “ La poesia della luce. Disegni veneziani dalla National Gallery of Art di Washington”. Voluta dal direttore dei Musei Civici di Venezia Gabriella Belli, la mostra ripercorre quattro secoli dell’arte veneziana, dal Cinquecento all’Ottocento, con 130 pezzi provenienti da una delle più importanti collezioni di disegni del mondo.

E sono stupefacenti i risultati che la creatività dei grandi maestri veneti ha saputo trasferire anche nell’opera grafica: da Mantegna, Bellini e Carpaccio a Giorgione, Lotto, Tiziano, Bassano, Veronese, Tintoretto, Piazzetta, Canaletto, Tiepolo e Guardi, fino alle passioni veneziane di “foresti” come James McNeill Whistler, Rudolf von Alt, Edward Lear, Carl Friedrich Heinrich Werner, William Callow e John Singer Sargent. Anche questa una mostra da non perdere.

She’s probably been the most scandalous woman of the belle èpoque and she loved to stroll around Venice at night completely naked, even if protected by a cloak, with a cheetah on a leash and a black servant holding a torch to light up the walk.

Nickname “Divina Marchesa” (The Divine Marchioness), given to her by Gabriele D’Annunzio, one out of her many lovers, many famous painters competed for her unforgettable portraits, taking her as inspiring muse and model: from Giovanni Boldini and Man Ray to Balla, Boccioni, Alberto Martini and Romaine Brooks, but she also seduced Filippo Tommaso Marinetti, founder of the Futurism.

Passionate lover of the Art, she ended up as provocative and foolish artwork herself. “I want to be an artwork” she used to say. More the one hundred objects, paintings,jewels, fabulous dresses, leopard’s fur coats, embalmed pitons, videos and various collectables, in other words, the whole world of Luisa Casati Stampa (Milan 1881 – London 1957) are now shown in an extraordinary exhibition at Palazzo Fortuni, thanks to the museum’s curator Daniela Ferretti , curators Fabio Benzi and Gioia Mori.

It’s easy to get lost, enchanted and fascinated by the reconstruction of the figure of this mythic and mysterious woman, a great art collector and a lover of the occult, certain to be a witch and so eccentric to be able to rent, one out of her follies, the whole San Marco square for a party.

She spent a decade in Venice, living at Ca’ Venier dei Leoni, building later bought by another eccentric: Peggy Gugennheim. After a long permanence in Rome, she moved to Paris and, in occasion of that moving, she rented a freight train, but she overspent (nowadays something about 23 million Euros) and she then passed her last years of life in London, basically in poverty. The captivating and beautiful exhibition will last until March 8th while at Museo Correr it will be possible to visit, until March 15, 2015 “ La poesia della luce. Disegni veneziani dalla National Gallery of Art di Washington” (The poetry of light.

Venetian drawings from the National Gallery of Art in Washington) Wanted by Gabriella Belli, director of Musei Civici di Venezia, the exhibition

Canaletto - La festa del "Giovedì Grasso" davanti al Palazzo Ducale di Venezia - 1765/1766 penna e inchiostro bruno, acquerellato in grigio su tracce di grafite, punta di pennello acquerellato in nero, con lumeggiature ottenute con tocchi di tempera bianca - 38,6 x 55,5 cm National Gallery of Art, Washington - Wolfgang Ratjen Collection, Paul Mellon Fund

Giandomenico Tiepolo Pulcinella liberato - 1798/1802 penna e inchiostro bruno, acquerellato in bruno su carboncino - 35,1 x 46,7 cm National Gallery of Art, Washington - Donato da Robert H. e Clarice Smith

recalls four centuries of Venetian art, from the 16th to the 19th century, showing 130 pieces coming from one of the most important drawings collection of the world.

And astonishing are the results that the creativity of the great Venetian

master was able to transfer into the graphic works too: from Mantegna, Bellini and Carpaccio to Giorgione, Lotto, Tiziano, Bassano, Veronese, Tintoretto, Piazzetta, Canaletto, Tiepolo and Guardi, until the Venetian passions of “strangers” such as Ja-

mes McNeill Whistler, Rudolf von Alt, Edward Lear, Carl Friedrich Heinrich Werner, William Callow and John Singer Sargent.

Another must see exhibition.

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The continuity and the new

by Azimut/H at the Guggenheim Museum

LA CONTINUITA’ E IL NUOVO DI AZIMUT/H ALLA GUGGENHEIM

I

n arte è possibile una dialettica tra “continuità e nuovo”? Hanno cercato di provarci i protagonisti della rivista e della galleria Azimut/h, fondate a Milano nel 1959 da Piero Manzoni ed Enrico Castellani.

I quali, in realtà, azzerarono radicalmente ogni precedente concezione dell’arte e con una esperienza che pur durando pochissimo (meno di un anno), riuscirono a conquistare un ruolo di rilievo in ambito nazionale e internazionale, istituendo un ponte ideale tra una nuova generazione creativa e rivoluzionaria e la più stretta contemporaneità, come sottolinea in catalogo il curatore Luca Massimo Barbero.

Che, alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, ha selezionato una pregevole mostra che costituisce un importante tributo all’attualissimo contesto delle neoavanguardie, in un periodo (anni ’50 e ’60), entrato nella storia dell’arte per le grandi sperimentazioni e il fertile confronto internazionale.

In mostra alcune delle provocatorie e ormai celebri scatolette chiamate da Piero Manzoni (1933-1963) “Merda d’artista”, oltre ai pure famosi “ Fiato d’artista”, ai “ Panini

bianchi” e ai pacchi “Achrome”, mentre di Enrico Castellani fanno spicco pregevoli esempi delle sue rigorose “Estroflessioni”.

Azimut/h discende in parte dalle innovazioni di Jasper Johns e Robert Rauschenberg, fra i principali esponenti dell’americano “New Dada” e di Lucio Fontana e Alberto Burri, presenti con alcuni “Tagli” e “ Combustioni”, ed ha avuto collegamenti/confronto anche con il tedesco “ Gruppo Zero”, con i francesi Yves Klein e Jean Tinguely, con i cinetici del padovano “Gruppo N” e con il milanese “ Gruppo T”. Una accurata selezione, insomma, di artisti che hanno contribuito al rinnovamento dell’arte internazionale e che potrà essere visitata sino al 19 gennaio 2015.

Di fondamentale importanza la monografia pubblicata da Marsilio editori che, in oltre 600 pagine, arricchisce il percorso espositivo della mostra con una serie di studi scientifici, con saggi dello stesso Barbero, Francesca Pola, Flaminio Gualdoni, Federico Sardella e Antoon Melissen,e la riproduzione di materiali e documenti inediti.

Yves Klein Monocromo blu senza titolo 1958

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Enrico Castellani Senza titolo (Superficie bianca) 1959

It is possible, in the art field, a dialogue between “continuity and new”?

The protagonists of the magazine and art gallery Azimut/H, founded in 1959

by Piero Manzoni and Enrico Castellani tried to respond to this question.

The founders, actually, have radically reset any previous idea of art and, even through such a short experience (less than one year), they could achieve an important National and International role.

Indeed they created a connection between a new creative and revolutionary generation and the actual contemporaniety, as under lighted on catalogue by Luca Massimo Barbero, curator of the exhibition.

At the Peggy Guggenheim in Venice, he selected an exquisite exhibition that represents an important contribution to the very actual context of the new avant-gardes, in a period of time (50s and 60s) that became a milestone of the History of the Arts, thanks to its important experimentations and prolific international comparison.

On exhibit are some of the provocative and famous cans that Piero Manzoni (1933-1963) named “Merda d’artista” (Artist’s shit), also the well-known “Fiato d’artista” (Artist’s breath), the “Panini bianchi” (White

bread) and the packages “Achrome”.

By Piero Castellani we can find fine examples of his rigorous “Estroflessioni” (monochromatic canvas rendered dynamic by the action of disturbing elements: nails - Wikipedia) Azimut/H partially descends from the innovations of Jasper and Robert Rauschenberg, main protagonists of the American “New Dada” and from those of Lucio Fontana and Alberto Burri, represented with some “Tagli” (cuts) and “Combustioni” (combustions).

It also got in touch/debate also with the German “Gruppo Zero”, with the French Yves Klein and Jean Tinguely, with the kinetics being part of the “Gruppo N” from Padova and the “Gruppo T” from Milan.

In other words, a very accurate selection of artists who contributed to a renewal of the International art and that could be visited until February 19, 2015.

Essential is the monograph published

by Marsilio editori that, with more than 600 pages, enriches the exhibition with some scientific studies, with essays by Barbero himself, Francesco Pola, Flaminio Gualdoni, Federico Sardella and Antoon Melissen, together with some unpublished materials and documents.

BiennALE ARTI VISIVE E ARCHITETTURA

C

’è grande attesa per la 56.

Biennale d’arte che, per favorire l’afflusso dei visitatori dell’Expo di Milano, sarà anticipata di un mese, con apertura il 9 maggio 2015, sino al 22 novembre.

Il nigeriano Okwui Enwezor, primo curatore africano di una Biennale, ha scelto come titolo All the World’s Futures (Tutti i futuri del mondo).

E questa Esposizione sarà ispirata dall’ambizione di offrire al mondo una cassa di risonanza del mondo, ha dichiarato il Presidente Paolo Baratta alla riunione con i rappresentanti di 53 Paesi partecipanti.

Enwezor è freneticamente al lavoro da parecchi mesi, con l’intenzione di fare qualcosa di diverso.

Ci sarà tutto il pianeta, a incominciare dalla prima volta della Mongolia, in una Esposizione sì ambiziosa e non solo visiva, ma anche politica e letteraria. Una Biennale che non potrà non tenere conto – sostiene Enwezor - di quello che succede in Iraq, Siria e Palestina e che coinvolgerà artisti, drammaturghi e compositori.

Filo conduttore “acustico” sarà la lettura, in continuazione e in sottofondo, del “Capitale” di Karl Marx, che Enwezor considera non solo un libro ma un monumento, grande anticipatore del dramma della contemporaneità.

Fra le notizie sinora trapelate, l’unica cosa certa è che ci sarà un numero di artisti inferiore alla precedente edizione, con l’esposizione di un po’ di tutto: dipinti, sculture, video, installazioni.

Un progetto allettante visto che, ad esempio, in alcune edizioni i quadri erano merce rara.

“E dedicato – ha sottolineato il cura-

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winter-spring 2015

Aspettando Enwezor per le arti visive.

Successo di architettura tore – a una nuova valutazione della relazione tra l’arte e gli artisti nell’attuale stato delle cose”.

Gli addetti ai lavori sono fiduciosi in una grande mostra, in considerazione anche del prestigioso curriculum di Enwezor, unico, dopo il compianto Harald Szeemann, ad aver curato la Biennale e Documenta di Kassel.

Dopo aver diretto importanti musei in America, è ora responsabile della Haus der Kunst di Monaco di Baviera.

Per una Esposizione in arrivo, un’altra che ha chiuso con grande successo.

Fundamentals, 14. Biennale di Architettura, è stata visitata da 228mila persone, oltre alle 12mila invitate alla vernice. I giovani, studenti in particolare, sono stati il 45%, mentre gruppi di visitatori sono giunti da 120 facoltà di architettura di tutto il mondo.

65 le partecipazioni nazionali, numero record per la Biennale Architettura.

Fra i motivi del successo il coinvolgimento da parte del curatore Rem Koolhaas dei settori Cinema, Danza, Musica e Teatro della Biennale.

Successo di pubblico alla 14. Biennale Architettura

Il curatore della Biennale Arti visive, Okwui Enwezor, con il presidente Paolo baratta

Big expectation for the 56th Biennal of Arts that, to facilitate the inflow of visitors coming at the Expo in Milan, will be anticipated one month, opening May 9, 2015 and closing November 22, 2015.

The Nigerian Okwui Enwezor, first ever African curator for a Biennale, choose the title “All the World’s Futures”.

“This Exhibition will be inspired by the ambition to offer the world a sounding board of the world itself” declared Paolo Baratta, President, during the meeting with the delegate of the 53 Countries participating.

Enwezor is frantically working since several months to create something new.

The whole world will be participating, including, for the first time, Mongolia, for an exhibition that is going to be ambitious and not only figurative, but also political and literary.

A Biennale that - says Enwezor – couldn’t not consider what is happening in Iraq, Syria, Palestine and that will involve artists, playwrights and composers.

“Acoustic” theme will be reading, continuously and in the background, of the Capital by Karl Marx, that Enwezor considers not just a book, but a monument that anticipated the contemporary tragedy.

Some news became known, like the fact that the number of artists participating will be lower than the previous edition. Also, exhibited will be some of almost everything: paintings, videos, installations.

An attracting project, if we consider that during some of the previous editions, the paintings were very rare.

“It is dedicated - says the curator –

to a new evaluation of the relationship between art and artists in the actual condition of things.

The operators believe in a great exhibition, also considering the illustrious résumé of Enwezor, the only one who, after the lamented Harald Szeemann, curated both the Biennale and dOCUMENTA of Kassel.

After having been director of important museums in America, now he is in charge at the Haus der Kunst in Munich.

For an exhibition opening, another closed with a great success.

Fundamentals,14. Biannale di Architettura (the biennal of architecture) was visited by 228 thousand people, not considering the 12 thousand invited at the vernissage.

The young people, the majority students, have been the 45% while visitors came from 120 University of Architecture from all over the world.

65 the Nations represented, a record for the Biennale Architettura.

Reasons of such a great success, the engagement by the curator Rem Koolhaas, of the section Cinema, ballet, music and acting of the Biennale.

waiting Enwezor for the Visual Arts.

Success of Architecture

GIUSEPPE CAPOGROSSI ELEMENTI

Superficie AC/265/OT (il palazzo di cristallo), 1951 ca. - olio su tela / oil on canvas - cm 38x46

GIUSEPPE CAPOGROSSI ELEMENTI

24/11/2014 • 24/01/2015 lunedì / Monday - sabato / Saturday - h 10•13 - 15•19

In occasione della mostra sarà realizzato un catalogo curato da Luciano Caprile

On the occasion of the exhibition will be published a catalogue curated by Luciano Caprile

Il regista svedese Roy Andersson, Leone d'oro, con il presidente della Biennale Paolo Baratta

71. MOSTRA DEL CINEMA UNA GIURIA NON FAVOLOSA

H

a ottenuto un grande successo nelle sale Il giovane favoloso, uno dei tre film italiani in concorso alla 71. Mostra del cinema di Venezia, che il regista Mario Martone ha dedicato al poeta Giacomo Leopardi. Dell’autore di una poesia stupenda e commovente quale l’Infinito, Elio Germano è riuscito a incarnare con maestria uno spirito ribelle e politico non sufficientemente indagato nei libri di scuola. Benchè a grande maggioranza gli venisse dato per scontato il premio per il miglior attore, Elio Germano e il film sono stati totalmente ignorati dalla giuria che, anzi, ha addirittura assegnato entrambe le Coppe Volpi ai protagonisti di uno stesso lavoro: l’italiana Alba Rohrvacher (bravissima)migliore attrice e lo statunitense Adam Driver.

Il quale in Hungry Hearts, tratto da Saverio Costanzo dal romanzo Il bambino indaco del padovano Marco Franzoso, è un giovane padre che a New York cerca di salvare il figlio di pochi mesi, praticamente condannato a morte dalla strana alimentazione imposta da una madre possessiva e un po’ fuori di testa.

Come gli arbitri nelle partite di calcio, le giurie fanno quasi sempre

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discutere, e così pochi hanno capito l’innamoramento verso il pur bravo Adam Driver, visto anche che Birdman Or (The unexpected virtue of ignorance),del messicano-americano Alejandro G. Inarritu, pure a secco di riconoscimenti, sembra avviato a vincere qualche Oscar, grazie anche alla straordinaria interpretazione di Micheal Keaton. E’ il film che è piaciuto di più al pubblico e alla critica internazionale. Molto applaudito, sul red carper del Lido, anche Willem Dafoe, ottimo interprete dell’ultimo giorno di vita del poeta, scrittore e regista Pier Paolo Pasolini nel film di Abel Ferrara. Degli italiani in concorso il meno convincente, anche se da vedere, è stato Anime nere, di Francesco Munzi, storia di mafia calabrese, con un finale inedito e assolutamente a sorpresa. Un festival comunque deve premiare un film d’autore o di probabile successo al botteghino?

L’annoso dilemma è stato riproposto con il Leone d’oro a “A pigeon sat on a branch reflecting on existence” (Un piccione seduto su un ramo riflette sull’esistenza), di Roy Andersson (prima volta per la Svezia). Un’opera bellissima, colta, raffinata e umoristicamente noir (ma da cinema d’essai)

che ha per filo conduttore due commessi viaggiatori tristi e stanchi che tentano di vendere (ovviamente invano) articoli da scherzo, tipo denti di vampiro. Non preso in considerazione, perché ormai…troppo premiato, l’Al Pacino di Manglehorn, un anziano fabbro alle prese con problemi sentimentali ed esistenziali nel film del regista texano David Gordon Green. A rendere particolarmente difficile il lavoro della giuria, presieduta per la prima volta da un compositore, il francese Alexandre Desplat, è stato probabilmente proprio l’alto livello del Festival veneziano che, ha commentato il presidente della Biennale, Paolo Baratta, non ha risentito della crisi, stabilendo anzi il record degli spettatori (128 mila le presenze).

Se probabilmente c’è stata unanimità per il Leone d’argento per la migliore regia al russo Andrej Koncalovskij, autore del poetico The postman’s white nights, ha sollevato discussioni il Gran premio della giuria a The look of silence, un toccante e durissimo documentario con il quale lo statunitense Joshua Oppenheimer ha ricostruito il genocidio anti-comunista compiuto in Indonesia nel 1965 dalla dittatura militare.

Un’opera che probabilmente avrebbe meritato di più e che ha spaccato la giuria, come testimonia l’intervento del famoso attore e giurato Tim Roth il quale, impossessatosi fuori protocollo del microfono durante la cerimonia di premiazione, ha definito il documentario di Oppenheimer “ un capolavoro”.

Fra i film che hanno fatto più discutere, gli italiani La trattiva (sulla presunta trattativa fra Stato e mafia) di Sabina Guzzanti, e Belluscone. Una storia siciliana, di Franco Maresco, premiato nella sezione Orizzonti.

Fra le opere in concorso, pone una spaventosa domanda Good Kill (Bel colpo), del neozelandese di Los Angeles Andrew Niccol. Con i droni, aerei senza piloti, l’esercito americano, da una base in Nevada, uccide terroristi talebani in Afghanistan, premendo un pulsante come fosse il joystick di un videogioco. Inevitabile, in alcuni casi, l’uccisione di civili.

Ma chi ha incominciato questa terribile guerra senza regole? E chi deve finirla per primo?

E quante guerre hanno avuto regole?

In Fires on the plain (Fuochi nella pianura), il regista cult Shinia Tsukamoto ha portato al Lido di Venezia

un film (ne è anche il protagonista) sconsigliato alle persone con problemi di stomaco. Soldati giapponesi, bombardati nella giungla di un’isola filippina, sembrano destinati a morte sicura anche per la mancanza di cibo.

L’unica speranza di salvezza verrà dall’orrore del cannibalismo.

Tutto sommato sono meno impressionanti i film di zombie, specie se

come Buryng the Ex (presentato fuori concorso) del maestro dell’horror di Los Angeles Joe Dante. Ma qui c’è una parodia, ed anche molto divertente, con una ex ( la sexy Ashley Greene) che, resuscitata dalla tomba affamata e…arrapata, vuole riconquistare il fidanzato (Anton Yelchin)…mangiandoselo.

Elio Germano, grande interprete di Leopardi nel Giovane favoloso

A NOT FABULOUS JURY Il giovane favoloso (International title: Leopardi ) one out of three Italian films competing at the 71st Mostra del cinema di Venezia , obtained a great success; a movie that the director Mario Martone dedicated to the poet Giacomo Leopardi.

From the author of an amazing and moving poem such L’Infinito (The Infinite), Elio Germano was able to interpret well a rebellious and politic spirit that is not enough investigated in the school books.

Even if the majority of people were taking for granted that Elio Germano was going to obtain the award for best actor, him and the movie were completely ignored by the jury that, on the contrary, gave both the Coppa Volpi available to the protagonists of a same work: the (very good) Italian Alba Rohorvacher and the American Adam Driver.

Who, in Hungry Hearts, that Saverio Costanzo drew from the Novel Il bambino indaco (the indigo child) by Marco Franzoso from Padua, plays a young father living in New York who try to save his few months old child, almost condemned to death because of a strange nutrition by a possessive and crazy mother.

Alike the referee during a match of soccer, juries are almost always creating discussions, indeed only a few agreed with the passion for, even if good, Adam Driver, considering that Birdman Or (The unexpected virtue of ignorance), by the Mexican-American Alejandro G. Inarritu, with no rewards neither, looks like is going to win a few Oscars, also thank to the extraordinary performance of Michael

Fans in attesa del red carpet alla Mostra del Cinema di Venezia ( foto Asac)

Keaton.

This is the film that the public and the International critics liked the most.

Also Willem Dafoe, very good performer of the last day of the life of the poet, writer and director Pier Paolo Pasolini in the film by Abel Ferrara, received many applauses.

About the Italians, the less convincing, even if a must see film, it was Anime nere (black souls), by Francesco Munzi, story of the mafia in Calabria region, showing an original and surprising end.

Same dilemma for the Leone d’oro (Golden Lion) given to “A pigeon sat on a branch reflecting on existence)

by Roy Andersson (first time ever for Sweden).

A very beautiful work, cultured, refined and with a noir humor touch (but in a cinema d’essai style) that tells of two sad and tired traveling salesmen who try to sell (obviously with no success) prank items such as fake vampires teeth.

Not even considered, since already… too rewarded, Al Pacino in Manglehorn, a movie by the Texas born director David Gordon Green, that tells about an old ironsmith facing sentimental and existential problems.

To make the job even more difficult to the jury, for the first time ever leaded by a composer, the French Alexandre Desplat, it was probably the high level of the Venetian festival that, Paolo Baratta, president of Biennale commented, was not affected by the crisis, on the contrary, broke the record of number of spectators (128 thousand visitors).

If there was probably the unanimity for the Leone d’argento (Silver Lion) for best director, given to the Russian Andrej Koncalovskij, who directed the poetic The postman’s white nights, to create some discussion was the Gran Premio della giuria (Jury Special Prize) given to The look of silence, a moving and raw documentary used by the American Joshua Oppenheimer described the anti-communism genocide executed by the military dictatorship in 1965 in Indonesia.

Probably a work that would have deserved more and that divided the jury, as per the interference of the famous actor and juror Tim Roth who, caught the microphone during the award ceremony, defined the documentary of Oppenheimer “ a masterpiece”.

Out of the films that created the most discussions, the Italians La trattativa (the negotiation – telling about the

alleged negotiation between State and mafia) by Sabina Guzzanti and Belluscone. Una storia siciliana (Belluscone. A Sicilian story) by Franco Maresco, awarded in the Orizzonti section.

About the works in contest, to create some questions is Good Kill, by the New Zealander living in Los Angeles Andrew Niccol.

Thank to the use of drones, without any pilot, the American army, from a base in Nevada, kills Taliban terrorists in Afghanistan, just clicking a button alike it was the joystick of a videogame. Impossible, sometimes, to avoid killing civil people.

But, who was the first to start this horrible war with no rules? And who’s the one who will quit first?

And how many wars have had rules?

In Fires on the plain the cult director Shinia Tsukamoto brought to Lido of Venice a movie (he’s also the main actor) not appropriate for sensitive people. Japanese soldiers, with no food and under the bombs in a Philippine jungle, look to have no other escape than death. Only hope, the horror of cannibalism.

Under many aspects, the films about zombies are less terrifying, especially if they look like Burying the Ex (out of contest) by the horror master Joe Dante, from Los Angeles.

Here a parody, very funny: an “ex” (the sexy Ashley Greene) who, resuscitated from the grave hungry and… aroused, wants to get her boy friend (Anton Yelchin) back…eating him.

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PERFORMANCE

indelible signs

TOMBOLINI Progetto Murales

MICHELE TOMBOLINI di / by Diego Loreggian

Michele Tombolini è un artista con un percorso strutturato, in cui materia e messaggio indagati di pari passo non prevaricano mai l’una sull’altro. Ieri raccontando stati d’animo, oggi problematiche sociali come la pedofilia e la violenza sui minori.

Da più di vent'anni Tombolini espone sia in Europa che negli Stati Uniti.

Nel 2013 viene invitato ad esporre a Palazzo Bembo con “Personal Structures” in occasione della 55.

Biennale d'Arte di Venezia.

Lo studio di Michele Tombolini è diventato nel tempo una fucina che 48

winter-spring 2015

raccoglie pittori, videomaker, fotografi, performer... che li fa diventare in qualche modo complici di quell'atmosfera di segni e immagini che sgorga dalla mente dell'artista. Un’entusiasmo creativo che ha contagiato anche Diego Loreggian, produttore artistico che con la sua società DNA Cultura, ha investito in un progetto dal titolo “INDELEBILI SEGNI” .

Le “x” che campeggiano sulle bocche dei bambini di Michele invadono quadri, lightbox, murales, film ed animazioni in realtà aumentata con un nuovo concetto di coinvolgimento

emotivo esperienziale da parte dello spettatore.

Attraverso l’impiego della realtà aumentata si possono esplorare dimensioni diverse e interagire con esse in modo diretto. In altre parole, Tombolini ha voluto integrare il mondo fisico (opera esposta) con il mondo digitale (opera virtuale) ottenendo una nuova ed innovativa visione delle sue opere.

INDELEBILI SEGNI entra da protagonista anche nel Cinema all’interno del progetto cinematografico DOPPIA LUCE prodotto da Diego Loreggian

per la regia di Laszlo Barbo. Le opere di Tombolini crescono insieme al protagonista, interpretato da Salvatore Striano nel ruolo del rapitore da grande, e si intrecciano alla storia del suo passato interpretato dal giovane attore Diego Pleuteri .

Doppia Luce è un progetto cinematografico / televisivo in cui si raccontano le vicende di Francesca Swart, un’investigatrice privata di 33 anni dai contorni oscuri e controversi che possiede un dono, al contatto con gli oggetti e le persone appaiono davanti ai suoi occhi delle fugaci visioni, dei

lampi di luce, immagini che sono legate in qualche modo con la persona a cui sta dando la caccia. Francesca (interpretata da una straordinaria Angie Alexander) seleziona attentamente i casi a cui dedicarsi. Accetta solo casi di bambini scomparsi, innocenti da riportare al sicuro.

Doppia Luce diventerà una trilogia divisa in 6 serate televisive nelle quali Francesca, cercando nel proprio passato l’origine del suo dono, riaprirà segreti sepolti che non avrebbero dovuto essere svelati. Nella serie saranno poi trattati argomenti molto delicati come la sperimentazione sulle cellule staminali ed i suoi controlli politici e farmaceutici.

Attualmente impegnato nella realizzazione di un importante murales nel centro di Berlino, Michele Tombolini pensa al suo grido muto per eccellenza, una bambina alta più di 6 metri circondata da farfalle colorate ed elementi naturali, sarà l’opera di punta del progetto “Indelebili segni” realizzato con la collaborazione di DNA Cultura di Loreggian Diego ed ECPAT International (Onlus per la difesa dei minori). La prima grande mostra del progetto "Indelebili Segni" sarà visibile a Padova a Febbraio 2015 in collaborazione con la Vecchiato Art Galleries.

Michele Tombolini is an artist with a structured path in which matter and message, both inspected, never take advantage each other.

Yesterday he was telling of frames of mind, today of social problems such pedophilia and violence against children. For more than twenty years, Tombolini exhibited both in Europe and in the United States. In 2013 he was invited to show his “Personal Structures” in Palazzo Bembo during the 55th Biennale d’Arte di Venezia.

The Michele Tombolini’s workshop, as time went by, became a crucible gathering painters, video-makers, photographers, performers…making them part of that atmosphere of symbols and images pouring out of the mind of the artist.

A creative enthusiasm that infected also the artistic producer Diego Loreggian, who, with his company DNA Cultura, invested on a project named “INDELEBILI SEGNI” (indelible signs) The “X” on the mouths of the children

by Michele occupy paintings, light boxes, graffiti, films and augmented reality with a new concept of emotional engagement of the spectator.

Through the use of the augmented reality it is possible to explore different dimensions and interact with them in a direct way.

INDELEBILI SEGNI enters as protagonist also in the Cinema in the cinematographic project DOPPIA LUCE (double light), produced by Diego Loreggian, director Laszlo Barbo.

The artworks by Tombolini grew together with the protagonist, interpreted by Salvatore Striano in the role of the adult kidnapper and interlace to the story of his past interpreted by the young actor Diego Pleuteri.

Doppia Luce is a cinematographic/ television project that tells stories about Francesca Swart, a 33 years old unclear and controversial private investigator with a special gift: when she touches things or people she can see visions, images linked with the person she’s chasing.

Francesca (interpreted by an extraordinary Angie Alexander) carefully selects the cases to work with, accepting only cases regarding innocent children to bring back to safety.

Doppia Luce will become a trilogy in 6 episodes in which Francesca, investigating her past to discover the nature of her gift, will bring back to life very sensitive old secrets such experiments on stem cells and the control on them by politic and pharmaceutical powers.

Currently working to realize an important graffiti in the center of Berlin, Michele Tombolini thinks of his silent scream for excellence, a 6 meters tall little girl surrounded by colorful butterflies and natural elements that will be the main artwork of the project Indelebili Segni, produced in collaboration with Ecpat International, DNA Cultura by Loreggian Diego and Vecchiato Art Galleries.

TOMBOLINI Indelible marks 3 2014 mixed technique on canvas 120 x 150 CM

TOMBOLINI No comment 2014 lightbox 250 x 200 cm

TOMBOLINI E Luce fu X element 2012 mixed technique on board painting 213 x 173 CM

UNA SCENA DEL FILM

ARTISTS

di / by Alain Chivilò

Un precursore contemporaneo A contemporary

forerunner Giuseppe Capogrossi at the Tega Gallery

G

iuseppe Capogrossi. Elementi. è la mostra che la Galleria Tega di Milano propone fino al 24 gennaio 2015, attraverso un percorso espositivo tracciato da una ventina di opere di varie dimensioni.

Anagraficamente per Capogrossi Roma ha rappresentato la sua città (7 marzo 1900 – 9 ottobre 1972), ma la sua espressione pittorica è stata e lo è tuttora internazionale, fresca e contemporanea. Dal punto di vista artistico, la celebrità del Maestro nacque quando inserì nelle sue opere un segno che lo contraddistinguerà per tutta l’intera carriera: un elemento a forma allunata o a sorta di forchetta, nell’aspetto delle sue punte. Un vero e proprio “marchio” identificativo, conosciuto in ogni parte del mondo, nato durante un’elaborazione personale che segnò il passaggio da una figurazione ricca di luce, a una ricerca segnica di richiamo pseudo primitivo. Un elemento grafico di pura volontà, che nel gennaio 1950 la Galleria del Secolo di Roma presentò al mondo dell’arte.

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Un vero e proprio “caso” che il Maestro spiegò nel 1950 con questa dichiarazione: “la mia ambizione è aiutare gli uomini a vedere ciò che i loro occhi non percepiscono: la percezione dello spazio nel quale i loro pensieri si muovono e le loro azioni sono nate”.

Un tributo a Capogrossi che la Galleria Tega, con una serie di lavori fondamentali quali “Superficie” nelle diverse denominazioni (110, Ac248, 37, 120, 137), rende a un’artista sperimentatore il cui segno, come indicato dal critico d’arte Maurizio Fagiolo Dell’Arco, “non era il capriccio di un pittore” ma costituiva un processo evolutivo, che nella modernità portava a un astrattismo di pura valenza segnica.

Capogrossi Superficie 37 1952 olio su tela 85 x 100 cm

Capogrossi Superficie 686 955 -1968 olio su tela 23 x 16 cm

Capogrossi Il palazzo di cristallo 1951 olio su tela

Capogrossi Superficie 11b 1953 olio su tela 50 x 65 cm

"Giuseppe Capogrossi. Elementi� is the Tega Art Gallery exhibition in Milan to January 24. An exposition of twenty works characterized by different dimensions. Rome for Capogrossi represented his city (1900 - 1972), but also his international, fresh and contemporary pictorial expression.

From an artistic point of view, the celebrity of the Master was born when he inserted in works a sign that will distinguish him throughout entire career: a partial element similar to a shaped moon or better to the tips of the fork. A real "brand" known all over the world, born from an original art thought, that marked in Capogrossi the transition from figuration to pseudo primitive signs. Therefore, Tega Gallery with a series of fundamental works called "Superficie", in different denominations such as 110, Ac248, 37, 120, 137 pays tribute to an experimenter artist whose sign, as indicated by art critic Maurizio Fagiolo Dell’Arco, was "not the whim of a painter" but an evolutionary process that, in modernity, led to a pure abstraction of valence sign.

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BRAND

BORBONESE

WOMEN SPRING SUMMER 2015 COLLECTION di / by Michela Zavka

A

ccanto alle famose borse, un total look ben fatto, senza tempo, raffinato.

Voluto da Borbonese per esprimere al meglio lo spessore, la forza e l'eleganza di un marchio storico del Made in Italy Borbonese, che da sempre crea capi di prêt-à-porter per vestire la sua elegante donna, oggi ha ideato un intero guardaroba, una collezione bella e chic, realizzata con tessuti pregiati e freschi, che incarnasse l'eleganza del brand e funzionasse come accessorio perfetto da “intonare” alle iconiche borse create ad arte dal brand. Il tema top di questa PE - sia per gli abiti che per la pelletteria – è la stampa giungla, un fascinoso disegno tropicale, abbinato a colori pastello, rivistati in chiave glacée: l’avio, il rosa cipria, il pistacchio.

Non mancano il bianco avorio, il color noce, il verde smeraldo e il nero.

Su questa palette, moda e accessori dialogano perfettamente. La monocromia raffinata del bianco si sposa

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winter-spring 2015

su deliziosi abitini A-line, bloomers con le pinces, gilet androgini e chic, capri pants, top destrutturati e gonne a matita dall’allure sexy ma dalle proporzioni raffinate; cosi come su borse di gran classe, color latte, a mezza luna e con rimandi alla stampa Op. Il rosa femminile è la chiave per rivisitare il classico trench – oggi in proporzioni mini e con dettagli OP., e per dipingere clutch di suede o pelle con cristalli ricamati a mano o sofisticate handbag di pitone e coccodrillo completamente reversibili, una novità assoluta nella produzione del marchio. Morbidissime al tatto e facili da trasformare, assecondano lo spirito di glamour pratico della donna Borbonese: che esce al mattino con una tracolla di pelle minimal, e poi per il cocktail delle 6 pm, trasforma la sua borsa in una preziosissima handbag di cocco rosa cipria.

Il distinto celeste avio è giocato su bluse decostruite, bijoux, sexy sandali col plateau, e nei dettagli della pelletteria. Tutti i look di collezione sono

perfetti se indossati con icon bags destrutturate –come la Tropical di vitello nappato – o più strong – come la bella Lady Butterfly, una borsa-mito oggi “vestita” di un brillante color verde smeraldo.

Uno stile intelligente e vero, che si addice alla donna Borbonese, che vuole un total look per tutto il giorno.

Nel daytime, con al braccio una maxi bag ovale, di pelle Borbonissima nella nuova tinta palladio, se ne va in giro con pantaloni “mannish” e magari li mixa con camicie col fiocco di seta, un po’ da dandy e tacchi alti. Per la sera ama i tessuti di “carattere” come l’ottoman, scelto per caban con la spalla scivolata, o delicate georgette, vedi gli abiti lunghi con scollo all’americana e i vaporosi vestiti a stampa jungle, per aperitivi pied dans l’eau, da mixare a borse di pelle metallizzata e sandali gioiello.

Il suo tailleur, d’ordinanza ma mai ordinario, è un power dress nero e sagomato, con maniche a tre quarti e scollo a V, portato con sandali platform effetto “gabbia”. Queste linee essenziali si sposano con quelle delle executive bag di pelle martellata, con zip, tiralampo e un quadrante “piercing”. Come a dire: “Sono femminile e raffinata. Ma anche pratica, cool e determinata”. Per una donna come questa, Borbonese ha ideato novità assoluta - una lussuosa linea di evening wear. Una serie di abiti preziosissimi e glamorous, pensata per occasioni davvero speciali.

E infine il tocco speciale: grandi collier plastron e bracciali effetto space age, bangles tintinnanti che “mimano “la stampa Op. e gioielli con raffinati effetti traforo. Tanto oro, smalti, lucchetti e viti, in omaggio all'heritage di un marchio mitico.

Borbonese: women springsummer 2015 collection

Beside the popular handbags, a total look well done, timeless, refine.

That Borbonese wanted to express at best the substance, strength and elegance of an historical brand of the Made in Italy.

Today Borbonese, that has always created prêt-à-porter clothes for its elegant woman, designed a whole collection, beautiful and classy, made using exquisite and lively fabrics, able to represent the Brand’s elegance and to work as the perfect accessory to match the iconic purses created by the company.

The topic of this Spring/Summer collection – both for clothes and leather goods – is the jungle print, a fascinating tropical design that coordinates with pastel colors, revisited from a glacée point of view: the Air Force blue, the powder pink, the pistachio green. On this palette, fashion and accessories converse perfectly. The elegant monochrome of white is well represented on adorable A-line short dresses, bloomers with pinces, androgynous and chic waistcoats, Capri pants, soft tops and pencil skirts showing a sexy but proportioned design; or on very classy handbags in milky color, with an half moon design and reminding the O.P. print.

The feminine pink is the key to revisit the classic trench – today coming in mini proportions and with O.P. details

– and to paint clutches of suedes or leather with hand-embroidered crystals or sophisticated purses made of piton and crocodile skin, fully reversible, an absolute innovation for the Brand’s production. Very soft to touch and easy to transform, they go with the practical glamour spirit of the Borbonese’s woman: who leaves in the morning with a minimal design leather tote and then, for the 6 pm cocktail, transforms her purse in a precious handbag in pink powder crocodile. The distinguished Air Force blue is used for smocks, bijoux, sexy sandals with plateau and for some details of leather goods.

All looks are perfect if used with loose icon bags – for example the Tropical, made of nappa calf leather –or stronger ones – the beautiful Butterfly, a legendary purse today “wearing” a bright emerald green. A claver and real style that suits the Borbonese’s woman, who wants a total look for a all day long needs. During the daytime, holding a oval maxi bag made of Borbonissima leather in the new “palladio” tone, she strools wearing “mannish” pants and, possibly, she puts on a shirt with a silk ribbon, so dandy style and shoes with high heels. At night, she loves “determined” fabrics such as the ottoman, chosen to make caban with a reverse shoulder or fine georgette, such as the long dresses with an American neckline and the wispy dresses with a jungle print, for pied dans l’eau happy hours, to be matched with metallic leather handbags and jewel sandals.

Her usual but never ordinary suit is a black, shaped power dress, with 3/4th sleeves and a V décolleté, on a pair of platform sandals showing a “cage” design. These essential lines go well with those of the hammered leather executive bags, with zips, zip hooks and a “piercing” quadrant.

To say: “ I am feminine and classy.

But I’m practical, cool and determined too!” For such a woman Borbonese created - first time ever – a luxury line of evening wears. A collection of precious and glamorous dresses designed for very special events.

Even more, a special touch: large plastron colliers and space age effect bracelets, jingling bangles reproducing the O.P. print and precious jewels with a pierced effect. A lot of gold, enamels, padlocks and screws for a tribute to the heritage of a legendary brand.

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MAMBRINI

Disco Diva or Rock and Roll Star?

Disco Diva or Rock and Roll Star?

Per svettare in discoteca o scatenarsi on stage: il giro del mondo si fa sui tacchi.

Le calzature della collezione Mambrini P/E 2015 sembrano pensate per il guardaroba di una pop queen.

La donna Mambrini è come una star che si diverte a inventarsi look diversi ogni sera, la reginetta cool delle disco più belle e scintillanti del mondo, in una sognante tournée nello spazio e nel tempo: dallo Studio 54 di New York fino all’Amnesia di Ibiza, passando per il Byblos di St. Tropez e il Piper della Roma Sixties. Nelle suite dei suoi alberghi a 5 stelle sono schierate ai piedi di stendini colmi di abiti da urlo, le sue “fanciulle”, compagne di serate indimenticabili: del resto una scarpa è o no la migliore amica di una donna?

Ed ecco allora sexyssime platform Diamond, tacco 13 e iconico plateau a forma di taglio di diamante, ricoperto di specchietti come una mirror ball, in assoluto il pezzo cult della collezione Mambrini SS 15. In pelle tinta unita o in versione optical, sono da abbinare a mini pochette en pendant.

E ancora, vertiginosi sandali open toe decorati da pon pon gioiello, grintosi ankle boots da punk rocker di pelle laminata ravvivati da lampi glossy, futuriste scarpette a punta con applicazioni “a cono”, sandali con zeppa, d’oro e d’argento, abbelliti da una cascata di piume charleston, décolletée con cinturini gioiello, stivaletti con inattesi dettagli fishnet.

Più romantiche le varianti a tema farfalla, simbolo della Maison: la bella e raffinata scarpina di satin di raso, con piume, i sandalini bassi - perché

Per svettare in discoteca o scatenarsi on stage: il giro del mondo si fa sui tacchi.

è bello anche stare coi piedi per terra - con farfalle di filigrana.

Non mancano mai i colori nel Mambrini world: il sotto piede è giallo limone (un marchio di fabbrica), le nuance vanno dal fucsia al blu elettrico, dal rosso fuoco al nero con inserti metallizzati.

I pellami sono come sempre pregiatissimi, la manifattura italiana, la cura nei dettagli altissima.

Ogni scarpa Mambrini è l’espressione d’un desiderio di assoluta perfezione.

E in più è magica. Il suo tacco sembra sospeso in aria, allunga la gamba e snellisce la caviglia. Merito di un “invisibile” tocco; un geniale cm di plexiglass che fa si che le pump e i sandali sembrino appoggiare su una nuvola.

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winter-spring 2015

To stand out in the disco or to go wild on stage: the world tour is on heels.

The Mambrini’s woman is like a star who enjoys to invent a new look for every night, the cool beauty queen of the most beautiful and fascinating discos around the world, in a dreamy tour around space and time: from the Studio54 in New York to the Amnesia in Ibiza, from the Byblos in St. Tropez to the Piper in the Rome of 60s.

In the suites of the 5 stars Hotel she frequents, in front of coat hangers full of amazing clothes, are deployed her “babies”, partners in unforgettable nights: by the way, is the shoe the woman’s best friend or not?

And so, here they come super sexy platform Diamond, 13 cm heel and an iconic plateau cut in shape of a diamond, covered by small mirror pieces like a mirror ball, definitely the cult piece of the Mambrini SS 15 collection.

In one color leather or in the optical version, they match mini pochette en pendant.

And also, vertiginous open toe sandals decorated with pon pon jewels, punk rocker style fierce laminated leather ankle boots jazzed by glossy flashes, futurist peaky shoes with cone applications, sandals with a golden and silver wedge heel, embellished with a cascade of Charleston feathers, décolleté with jewelry anklet, booties with unexpected fishnet details.

More romantic, the butterfly models, showing the symbol of the company: the beautiful and refined shoe in satin, with feathers, the low sandals – because it is wonderful to keep the feet on the soil – with filigree butterflies.

Always present in the Mambrini’s world are the colors: the sole is yellow (a trade mark) the nuances go from fuchsia to electric blue, from fire red to black with metal inserts.

The leathers are always very exclusive, handmade in Italy, with a high attention to details.

Every Mambrini shoe is the expression of a desire for absolute perfection.

Even more, it is magical.

Its heel looks suspended into the air, extends the leg and slims the ankle thanks to an “invisible “ touch: a cleaver 1 centimeter tall Lucite base that makes the pumps and sandals look like they are laying on a cloud.

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OPENING

Balla

The new style La Nuova Maniera

Linee forza n. 10 1929 ca, olio su tela 77 x 77 cm

di / by Alain Chivilò

P

er definire un’artista futurista, Filippo Tommaso Marinetti scrisse che bisognava pensare ed esprimersi “con originalità, forza, vivacità, entusiasmo, chiarezza, semplicità, agilità e sintesi .… Chi vuole svecchiare, rinvigorire e rallegrare l’arte italiana, liberandola dalle imitazioni del passato, dal tradizionalismo e dall’accademismo e incoraggiando tutte le creazioni audaci dei giovani”. Un principio fondamentale che si affiancò al noto Manifesto pubblicato sul giornale parigino Le Figaro nel 1909. Progresso, tecnica, volontà, dinamismo, guerra e industria furono

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winter-spring 2015

i concetti maggiormente conosciuti del primo Futurismo. Un movimento che, non rimanendo ancorato a tali principi iniziali, nelle decadi tra il 1918 e il ’28 e dall’29 fino al ’38 sviluppò nuove tendenze, tali da creare un secondo Futurismo poco noto, caratterizzato da ulteriori esplorazioni concettuali care al costruttivismo, al cubismo con un avvicinamento finale anche al surrealismo.

Proprio in quest’ultima fase di tale storico movimento prettamente italiano, la Galleria Farsettiarte di Cortina d’Ampezzo propone durante le festività natalizie, dal 27 dicembre

all’11 gennaio, la mostra “Giacomo Balla. La nuova maniera 1920 – 1929”. Un’esposizione ricca di venti opere del Maestro che testimoniano e rappresentano una nuova ricerca, anche attraverso un nucleo di bozzetti dipinti tra il 1925/30 su carta intelata. Come da Manifesto del Colore pubblicato dall’artista stesso nel 1918, le tonalità cromatiche diventano preponderanti in quanto “privilegio tipico del genio italiano”. Dunque, vivaci colorazioni si stagliano in forme astratte dalla tipica connotazione dinamica, con influenze assimilate da echi avanguardisti allora in essere.

La Farsettiarte, in questi lavori di Giacomo Balla (1871 – 1958), evidenzia elementi artistici meno noti del suo essere futurista e del movimento stesso fin troppo abbinati ai soli primi decenni del novecento, dimenticando quello spirito creativo che arrivò fino a ridosso del secondo conflitto mondiale. La conseguente vicinanza al ventennio fascista non fece che mettere in secondo piano questa fase storico-artistica, ma fortunatamente dagli anni cinquanta è iniziata una rivalutazione tutt’ora in essere.

Dramma di paesaggio foglio 49 1925 – 1929 Tempera grassa su carta (intelata) 25 x 35 cm

Motivo con la parola Balla foglio 57 1925 – 1929 Tempera grassa su carta Fabriano (intelata) 25 x 33.5 cm

Luminosità spaziale foglio 36 1925 – 1929 Tempera grassa su carta (intelata) 25 x 35 cm

Linee spaziali n. 9 1929 ca olio su tela 77 x 77 cm

Filippo Tommaso Marinetti wrote that, in order to be defined as Futurist, an artist has to think and express him/ herself “with originality, strength, liveliness, clarity, simplicity, agility and synthesis… …Who wants to modernize, reinvigorate and lighten up the Italian Art, releasing it from the limits of the past, from the traditionalism and the academicism and encouraging all the courageous creations of the young artists.” A fundamental principle that went together with the famous Manifesto published on the Parisian newspaper Le Figaro in 1909.

Progress, technique, will, dynamism, war and industry were the most well-known concepts of the very first Futurism.

A cultural movement that, not being anchored to such initial principles, in two decades, 1918-1928 and 19291938, developed new tendencies able to create a second, not renowned Futurism, characterized by further conceptual searches typical of the constructivism, the cubism and with a final approach to the surrealism.

Precisely, in this last phase of such a typical Italian movement, the Farsettiarte Gallery in Cortina d’Ampezzo

hosts, during the Christmas’ holidays, from December 27, 2014 – January 1, 2015, the exhibition “Giacomo Balla.

The new style 1920 – 1929” This is an exhibition showing twenty artworks by the Master that testify and represent a new research, also through a nucleus of sketches drew on paper on canvas between 1925 and 1930 .

As per the Manifesto del Colore (The poster of color) published by the same artist in 1918, the chromatic tones become prevalent since “typical privilege of the Italian brilliance”.

Therefore, vivid colors stand out in

abstract shapes with the typical dynamic connotation, with influences absorbed by avant-garde echo’s of the time. Farsettiarte, in these works

by Giacomo Balla (1871 – 1958) highlights less known artistic elements of his futurist being and of the movement itself that are often linked just to the first decades of the 20th century, forgetting that creative spirit that continued almost until WWII. The consequent proximity to the Italy’s fascist era (20 years) hid this historical-artistic phase but, luckily, since the 50s has started a revaluation still working.

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MEDIA

Cortinametraggio restarts from 10 riparte da 10 di / by Marco Rossi

A

volte bastano pochi minuti per rendere un'opera cinematografica indimenticabile. Ne è convinta da sempre Maddalena Mayneri, che qualche anno fa ha avuto un'intuizione che le ha permesso di dare vita a una delle realtà culturali più interessanti non solo del Veneto, ma di tutta Italia. Stiamo parlando naturalmente di Cortinametraggio, festa del cinema in corto ad alta quota, la cui 10a edizione si terrà a Cortina d'Ampezzo dal 18 al 22 marzo 2015. Il Festival, organizzato dall’Associazione Cortinametraggio, è sovvenzionato da Enti Pubblici oltre che da Sponsor Privati e conferma anche quest'anno la sua collaborazione con la Rai, oltre che con altre realtà importanti che verranno svelate nei prossimi mesi. Come verranno svelati, con l'avvicinarsi del festival, anche gli ospiti che animeranno questa 10a edizione. Negli anni passati, lo ricordiamo, sono arrivati nomi importanti del mondo del cinema come Giuliano Montaldo, Paolo Genovese, Jane Alexander, Ambra Angiolini, Lorenza Indovina, Anita Kravos, Anna Foglietta e Andrea Bosca (solo per fare qualche esempio). Glamour a parte, l'essenza del festival, la sua portata principale rimane il cinema (o forse sarebbe più appropriato dire arte visiva) in “versione corta”. Quest'anno c'è pero una novità importante: la commedia rimarrà sempre il fil rouge di tutte le opere, ma potrà essere contaminata anche da altri generi, dall'horror alla fantascienza, fino al poliziesco. L'importante è che ci sia uno sguardo ironico sulla realtà e i personaggi rappresentati. Le sezioni sono sempre quattro: Corti Comedy e Dintorni, Booktrailers, Webseries e Instagram.

Quest'ultima è stata confermata dopo il successo della passata edizione

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winter-spring 2015

e come tema non poteva che avere “Food & Cinema”, essendo il 2015 l'anno dell'Expo (dedicato, per l'appunto, alla cultura enogastronomica).

L'apertura al mondo social è l'ennesima conferma dell'attenzione di Cortinametraggio nei confronti delle nuove forme espressive, già come era successo in precedenza con il mondo delle serie web o con i libri raccontati per immagini. Tutte prove del fatto che, nonostante le difficoltà che il nostro paese sta incontrando (e che ha non poche ripercussioni sul campo artistico), c'è ancora chi investe non solo denaro, ma anche idee e energie nella cultura, con risultati vincenti.

La festa del cinema corto ad alta quota è pronta per festeggiare la sua 10a edizione

Sometimes, just a few minutes are enough to make of a cinematographic work something unforgettable. Maddalena Mayneri has always been sure of that. A few years ago she had an intuition that allowed her to give birth to one of the most interesting cultural event not only of Veneto, but of whole Italy. We are talking, of course, of Cortinametraggio, a Festival of short movies at high altitude taking place with its 10th edition in Cortina d’Ampezzo from March 18-22, 2015.

The Festival, organized by the Associazione Cortinametraggio, (Cortinametraggio Association) is subsidized by Public Authority and Private Sponsors and also this year confirms its collaboration with Rai (Italian Public Television) and with other important organizations that will be unveiled in the next months.

Also, approaching the Festival, the guests who will animate this 10th edition will be unveiled. The past years, we can remember it, there were important names of the world of cinema such as Giuliano Montaldo, Paolo Genovese, Jane Alezander, Ambra Angiolini, Lorenza Indovina, Anita Kravos, Anna Foglietta and Andrea Bosca, just to name a few. But it’s not

The festival of short movies on high altitude is ready to celebrate its 10th edition all about glamour, because the spirit and main range of the festival is the “short version” of cinema (even better: visual art). However, this year there is something new: comedy will always be the fil rouge of all works, but it could be also contaminated by other genres such as horror, sci-fi, crime. But an ironic sight on reality and characters is required.

Four the categories: Corti Comedy e Dintorni (comedy short movies and similar) booktrailers, Webseries and Instagram. This last one has been confirmed after the success in the last edition and the topic couldn’t be anything else but “Food &Cinema”, since 2015 is the year of Expo (that is dedicated indeed to the wine and food culture.) The openness to the world of socials represents a further demonstration of the attention paid

by Cortinametraggio to the new forms of expression, as per what already seen in the past with the world of web or the books described with images.

All this to demonstrate that, despite the problems our Country is facing ( problems that affect the world of art), even now there is somebody who invests not only money, but ideas and energies in culture, obtaining important results.

PIERO PIZZI CANNELLA CUORE MIO 2014 OLIO SU TELA 150 X 100 CM

ROMA

Largo della Fontanella Borghese, 89

Tel. +39 06.69923801 - Fax +39 06.69200634 - segreteria@galleriamucciaccia.it

CORTINA D'AMPEZZO

Piazza pittori fratelli Ghedina, 18

Tel. +39 0436.5546 - cortina@galleriamucciaccia.it

STYLE

GOLDEN GOOSE

DELUXE BRAND

Dopo Seoul, Milano, Tokyo, Amsterdam e Beirut, GGDB approda anche a Parigi.

the journey continues di / by Ilario Tancon

Golden Goose Deluxe Brand, il viaggio continua. Un viaggio di scoperta ma anche di riscoperta di gusti, mode, luoghi.

Un viaggio che come punti di riferimento ha la curiosità e la qualità, la voglia di stupire e affascinare, l’incanto dello gusto italiano che si sposa con gli stili del mondo.

E’ il viaggio dell’uomo Golden per la collezione SS15 che esplora il mondo rap degli anni ’80 e approda nel Bronx.

Un percorso nel quale il più genuino spirito della strada viene reinterpretato alla luce dell’eleganza e della raffinatezza. Una collezione nella quale la rottura delle categorie e il contrasto degli stili diventano un punto di forza grazie ad un abbinamento che diventa armonia e grazia.

Le forme, accostate a materiali classici e preziosi, diventano più morbide e voluminose. I tessuti tecnici assumono un ruolo primario nelle mantelle over e nei giubbini reversibili. Il pantalone, rivisitato con il cavallo più sceso, viene abbinato a giacche classiche e maglie dal filato in cotone o cashmere.

E’ un viaggio nel suono e nei suoni quello della donna Golden. La SS15 Women’s Collection di Golden Goose Deluxe Brand è un viaggio verso l’estate. Un viaggio che guarda al futuro, dunque, ma che trae ispirazione da un passato recente.

E’ infatti un viaggio alla riscoperta degli anni ’90, seguendo un ritmo pop ma pure facendosi inebriare dalla techno o divertire dal rap. Differenti movimenti che raccontano la strada, nella sua genuinità, reinterpretata con un tocco di eleganza e di tradizione.

Protagonista è una donna che ama scherzare con i colori: dal peonia al camouflage fino all’ocra delle stampe eccentriche, dedicate al mondo della musica e presenti nella maglieria e negli accessori.

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Musica e colori. Tessuti e linee. Per comporre un’armonia che è viaggio, ascolto, piacere di vestire, gusto, moda.

E il viaggio intrapreso qualche anno fa dalla giovane e dinamica azienda veneziana ha portato Golden Goose Deluxe Brand proprio nella capitale della moda. Dopo l’apertura dei flagship store a Seoul, Milano, Tokyo, Amsterdam e Beirut, GGDB ha concluso il 2014 approdando a Parigi. I giorni che hanno preceduto il Natale hanno infatti visto l’apertura della boutique GGDB sulla Rive Gauche, all’interno di uno storico palazzo all’angolo tra Rue des Saints – Perès e Quai Malaquais. Una location esclusiva per un brand esclusivo.

Golden Goose Deluxe Brand, the journey goes on. A journey to discover and re-discover styles, fashions, places. A trip that, as benchmarks, has curiosity and quality, the desire to wonder and fascinate, the charm of the Italian style mixing with the styles from all over the world.

It’s the journey of the SS15 Golden man collection, that explores the world of rap from the 80s and lands in the Bronx. An itinerary in which the truest street spirit is re-interpreted with elegance and refinement. In this collection the break of categories and the contrast of styles become a strong point thanks to an outfit that becomes harmony and elegance.

The forms, combined with classic and precious materials, become more smooth and loose. The fabrics get a fundamental role for the over cloaks and the reversible jacket. The pants, showing a re-designed lower crotch, are coordinating with classic jackets and cotton or cashmere sweater.

It’s a journey into sound and so it is the experience of the Golden woman.

The SS15 Women’s Collection by Golden Goose Deluxe Brand is a trip toward summer. A journey looking to the future, in effect, but that’s inspired by a recent past.

Indeed, it’s a journey to re-discover the 90s, following a pop rhythm, but also techno music and rap. Different trends that tell about the street, its authenticity, re-interpreted with elegance and tradition.

Protagonist is a woman who loves to play with colors: from the peony colors to camouflage and the ochre eccentric prints, dedicated to the world of music and used for knitwear and accessories.

Music and colors. Fabrics and lines. To create an harmony that’s journey, listening, pleasure for wearing, trend, fashion.

The young and dynamic Venetian company started its journey some years ago and today Golden Goose Deluxe Brand landed on the capital of fashion. After the flagship stores in Seoul, Milan, Tokyo, Amsterdam and Beirut, GGDB ended its 2014 opening in Paris.

During the days right before Christmas, indeed, opened the GGDB boutique on the Rive Gauche, in an historical building at the corner between Rue des Saints - Perés and Quai Malaquais.

An exclusive location for an exclusive brand.

Golden Goose e la Francia. Un binomio sempre più stretto. Che non è solo moda e lavoro. GGDB continua infatti la collaborazione con Bonpoint, la casa di moda francese dedicata ai bambini. Con essa nell’autunno appena trascorso ha organizzato un tour di eventi benefici a favore dei più piccoli. Il via nel flagship store milanese di Golden Goose, per poi proseguire nei monomarca Bonpoint di Parigi.

Una serie di workshop della durata di 45 minuti nei quali i bambini, tra i 5 e 10

anni, sono stati guidati da professionisti di laboratori educativi e ludici. I piccoli artisti che sono diventati dei veri e propri designer per un giorno!

A fare da cornice all’evento un allestimento ispirato alle vecchie aule scolastiche e alle “fair americane”, uno spuntino e tante altre piccole sorprese.

Tutti i partecipanti hanno inoltre avuto il privilegio di poter acquistare un’edizione limitata di sneakers GGDB-Bonpoint ad un prezzo speciale. L’intero ricavato

della vendita delle sneakers verrà devoluto all’associazione "Piccolo Principe" di Busto Arsizio che si prende cura dei bambini allontanati dalle famiglie e all’associazione francese “Les Enfants de BAM”. Un pomeriggio divertente che ha voluto premiare l’ingegno e la creatività dei più piccoli. Le prossime collezioni infatti GGDB CHILDREN’S SHOES prenderanno ispirazione dalle scarpe più belle realizzate per questo progetto…

Il viaggio continua …

Golden Goose and France. A more and more tighten duo. Which is not only fashion and work. GGDB, indeed, continues its collaboration with Bonpoint, the French fashion brand specialized in clothes for children. The past Autumn, they organized together a tour of charity events for the youngest that started at the Golden Goose flagship store in Milan to continue at the Bonpoint boutiques in Paris.

A series of courses during 45 minutes in which kids from 5 and 10 years of age have been guided by professionals of educational and recreational workshops.

For one day, the small artists became true designers. The event was showing a setup inspired to old school classes and “American fairs”, with a light meal and other surprises. All the participants, moreover, could buy at a special price a pair of limited edition sneakers GGDB - Bonpoint. The proceeds from the sale will be devolved to the “Piccolo Principe” association in Busto Arsizio, that takes care of children expelled from their families and to “Les Enfants de BAM” A funny afternoon that awarded the brilliance and creativity of the youngest. Indeed, the next collections GGDB CHILDREN’S SHOES will be inspired to the most beautiful design realized during this project…

The journey goes on…

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IMAGES

Mario Arlati

Life color Il colore è vita

Onofrio Loth

MARIO ARLATI

Natura morta olio su tela 37,5 x 47,5 cm

Potenza del colore 2014 tecnica mista su tela, 190 x 190 cm

L

’Arte Contemporanea può dialogare con il passato? Entrando nello specifico, le rappresentazioni artistiche dei nostri tempi possono essere avvicinate a lavori di secoli passati? La risposta è affermativa solo se l’accostamento delle opere propone, nella dissonanza temporale, un unicum concettualmente valido.

A Milano, fino al 23 gennaio, la mostra “Potenza del colore” dimostra come i lavori del Maestro Mario Arlati (Milano 1947) diventino sentieri artistici per un colloquio con opere antiche degli ultimi cinquecento anni. Un progetto che nella sede di Banca Generali Private Banking unisce opere della Collezione Giorgio Baratti, affermato antiquario di livello internazionale, con lavori dell’ultima decade di Arlati attraverso la dinamicità, l’esperienza e il savoir-faire di uno dei più importanti mercanti d’arte d’Italia, Stefano Contini, dell’omonima Galleria. Dunque, nelle

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di / by Richard B. Browner

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sale di Piazza S. Alessandro si apre una nuova prospettiva di ricerca museale che Banca Generali, nelle figure istituzionali dell’amministratore delegato Piermario Motta e del Coodirettore Generale Gian Maria Mossa, pone all’attenzione del tessuto culturale nazionale, permettendo d’implementare nuove riflessioni e approcci tra la contemporaneità e il passato dell’arte.

Una calibrata e colta esposizione che gravita intorno a un sostantivo maschile denominato colore. A livello enciclopedico esso rappresenta una sensazione e percezione visiva che i fotorecettori della retina inviano al cervello, attraverso radiazioni elettromagnetiche di determinate lunghezze d’onda. Ma in riferimento al mondo dell’Arte cosa significa?

In due parole il termine implica emozione e passione, o meglio una musicalità che caratterizza ognuno di noi, come le onde per il mare

senza le quali non esisterebbe. Come affermava Sam Francis “i colori sono messaggeri stellari. Un caos perfetto è la sola perfezione possibile. Il colore è un incendio dell’occhio”. Dunque le forme cromatiche rappresentano per Mario Arlati un costante studio che, dal significante, s’immergono in luminosità tipiche baleari care a Eivissa anche attraverso la tecnica dei “trapos”: superfici di stracci dove il colore interpreta la forma degli stessi ingentilendola nella stesura.

Dal figurativo, più di quarant’anni fa il Maestro trova la sua dimensione artistica in un informale pastoso.

Una matericità graffiante che nelle diverse cromie trasporta ognuno di noi in galassie sonore. Il colore diventa un linguaggio comune che nell’esposizione milanese dialoga, si confronta e si assimila con opere di artisti quali Carlo Cignani, Guido Reni, Antoine Van Dyck, Marco Ricci, Luca Forte e altri. La gestualità di

Arlati, dunque, preannuncia il disegno, mentre le semplici geometrie prive di forma si autoalimentano nella certezza del gesto. Lo spessore della materia si crepa e si graffia in differenti tonalità dove per esempio il nero è in sintonia con i vasi di fiori e le nature morte, i bianchi con le figure e gli edifici, mentre linee cromatiche diverse si assorbono nei colori delle nature silenti. Il simbolo pittorico che unisce il credo di Mario Arlati con la storia dell’Arte si idealizza nell’opera di Cignani, “Giuseppe e la moglie di Putifarre”, dove il manto rosso a destra in basso in diagonale al nero in alto a sinistra, nei due opposti prospettici, riassumono tutta l’evoluzione coloristica e materica giunta alla nostra contemporaneità, che il Maestro ha fatto propria in un unicum compositivo.

L’Arte Contemporanea può dialogare con il passato?

mAriO ArLAti LucE PALABrA dE hOmBrE 2007 tEcNicA miStA Su tELA 80 x 60 cm

mAriO ArLAti trAPOS GiALLO 2013 tEcNicA miStA Su tELA 150 x 100 cm

LOuiS JEAN FrANcOiS LAGrENÉE

mAriO ArLAti

NudO mASchiLE OLiO Su tELA 81 x 98 cm

LuZ Y SOmBrA 2007 tEcNicA miStA Su tELA, 40 x 40 cm

In Milan, to January 23, the exhibition "Potenza del colore" shows how Mario Arlati (Milan 1947) paintings are in an artistic dialog with ancient works of the last five hundred years.

A project, at Banca Generali Private Banking, combines works from the Giorgio Baratti collection, antiquarian of international level, with the production of the last decade of Arlati through the experience and expertise of one of the most important art merchants Stefano Contini, from homonym gallery. The halls of Piazza S. Alessandro open to a new artistic research that Banca Generali, in the figures of the Ceo Piermario Motta and the general co-director Gian Maria Mossa, draws the attention to the national cultural environment, allowing to develop new ideas and approaches between the contemporary and the past of art. From figurative, more than forty years ago, the Master finds its artistic dimension

in an informal pasty. A scratchy that materiality in different colors each of us carries in galaxies sound. The color becomes a common language in this Milan exposition, because it confronts and assimilates through works by artists such as Carlo Cignani, Guido Reni, Antoine Van Dyck, Marco Ricci, Luca Forte and others. The Arlati gestural expressiveness announces the drawing, while simple geometries formless self-reinforcing in the certainty of the act. The pictorial symbol that combines the Mario Arlati credo with the history of art is the work of Cignani, "Giuseppe e la moglie di Putifarre", where the red cloak in the lower right diagonal to the black in the upper left, in two opposite perspective, summarize the whole color evolution and material to our contemporary world, that the Master has made his own in a unique composition.

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CLONING in Budapest di / by Eros Rampone

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a città magiara di Budapest ha ispirato l’Arte di Paolo Vegas arricchendola di nuova creatività.

Partendo dal concetto principale che unisce i suoi scatti fotografici nelle Clonazioni, ossia situazioni e momenti di vita di uomini e donne bloccati in ambienti predefiniti, il Maestro ripercorre e cristallizza linguaggi di un tempo unendo scenari e personaggi attraverso le emozioni date dal vinile.

Il vecchio Lp, ma soprattutto la sua copertina, è fonte d’ispirazione per foto che vivono e si autoalimentano nella musica. Di conseguenza una canzone, legata al leggendario disco, degli anni ’50, ’60, ’70, ’80, ’90 ricrea

The Hungarian city of Budapest has inspired the Art of Paolo Vegas with new creativity. Starting from the main concept that combines his photographs in Cloning project, situations and moments of life about men and women stuck in environments default, the Master traces and crystallizes old languages joining scenarios and characters through emotions given by vinyl. The old Lp, but especially its cover, is a source of inspiration for living and self-reinforcing photo in music. Consequently a song, linked to a legendary disco of 50s, 60s, 70s, 80s, and 90s recreates vintage scenarios with specific costumes and settings. The shooting, carried out in a prestigious hotel in Budapest during November 2014, placed in action two models (Amina Malakona e Zsofia Gyongyos) who posed to create life actions linked to the vinyl cover, representing a collective imaginary born when it went on sale. Subsequently the clever Vegas post production has made unique visions, generating high emotionality pathos. scenari vintage con costumi e ambientazioni ad hoc. Le figure ricalcano così l’aspetto del tempo, dando vita a location da un sapore passato. Lo shooting, eseguito in un prestigioso albergo della capitale ungherese durante novembre 2014, ha visto in azione due modelle (Amina Malakona e Zsofia Gyongyos) che hanno posato per ricreare azioni di vita strettamente legate alla copertina del vinile, rappresentando quell’immaginario collettivo dell’epoca in cui uscì in vendita. Successivamente l’abile post produzione di Vegas ha ideato visioni uniche nel suo genere, generando patos ad alta emotività.

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SCULPTURES

INTERNATIONAL GONZALES L

e puoi sentire che ti osservano, che ti seguono. Le hai trovate nei luoghi più belli d’Italia.

Sono state ammirate, fotografate, hanno stupito ed emozionato. Hanno conquistato Ravello con la forza dei sentimenti, hanno popolato Roma eterna lungo il Tevere. Due mostre che non si possono dimenticare, che rimarranno nei ricordi del cuore, della mente.

Mentre scendevo le scale per passeggiare lungo il Tevere, con quell’inconfondibile accento che solo chi è nato e vissuto a Roma ha acquisito, un uomo di mezza età si improvvisava critico d’arte per spiegare ad alcuni coetanei spagnoli che la scultrice di

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winter-spring 2015

tali lavori è italiana. Anzi un nostro preciso orgoglio nell’arte contemporanea di questi tempi che replica se stessa. Sono i giganti della Gonzales.

Della italianissima Gonzales che è riuscita a far incontrare lo spirito di Roma e quello di Atene lungo il Tevere con i suoi simboli presi dal mito all’evoluzione darwiniana in un dialogo dove la creatività è il pretesto e la magia l’unica realtà possibile.

Un 2014 straordinario per mostre ed eventi quello vissuto da Alba Gonzales. Oltre alle personali a Ravello e a Roma la partecipazione a Imagine 2014, dove le sue opere sono state esposte a Milano nella Biblioteca Umanistica, a Biella nell’Archivio

Pria, ad Assisi a Palazzo Bernabei a pochi metri dalla Basilica Papale di San Francesco, a Firenze alla Simboli Art Gallery a Santa Croce. E all’Archivio Pria la sua attrice di burlesque 'Sensualità e potere' dialogava con un’opera di Marco Lodola che rappresentava una ballerina in una carta da gioco davanti allo sguardo di un multiplo del Mao di Andy Warhol. Una versione surreale di un dialogo pop.

Un anno 2014 nel quale la razionalità del mito ha incontrato la bestialità dell’uomo e si è sciolta nell’amore che genera nuove visioni.

Un 2015 che sarà ancora ricco di impegni su un palcoscenico internazionale. Infatti è già in programma la

di / by Di Giammarco Puntelli

presenza di opere di Alba Gonzales al progetto “La Spiritualità oggi: lungo le vie francescane”, progetto sperimentale che si terrà su tre location, Gualdo Tadino, Gubbio e Assisi, una dedicata ai figurativi e alla scultura, una agli informali e una ai paesaggisti. In tale occasione sarà presentata la mostra evento a Milano a giugno.

A giugno, da un’idea di Giulia Sillato, si svolgerà a Palazzo dei Giureconsulti in via dei Mercanti (piazza Duomo) “L’Arte e il Tempo” official event di Expo in Città in Expo 2015, con la direzione artistica di Giulia Sillato e Giammarco Puntelli. La mostra raccoglierà circa settanta artisti fra i più significativi dell’arte

roma 'quelle strane presenze lungo il tevere' BRONZO, 2014 l'artista con il critico G. Puntelli (Ph. E. Ruiz)

Gonzales Bronzo, 2013

contemporanea italiana nel segno dell’eccellenza. Alba Gonzales è fra i maestri selezionati e sarà presente con le seguenti opere: 'Lei, vede e non vede o altrove guarda' (La Giustizia), 'La mela violata'.

Un traguardo ambizioso per l’artista che si trova ancora una volta a rappresentare l’Italia con pochi selezionati maestri su un palcoscenico internazionale come mai in passato nel nostro paese.

Dopo Milano, un altro appuntamento a settembre riguarda l’approfondimento di una delle sedi delle opere dell’artista: il Pianeta Azzurro di Fregene. In questo luogo splendido è

in via di definizione un calendario con in programma serate dedicate alla letteratura, alla poesia e alla musica.

Fra queste, già decisa la mostra che farà dialogare il mito con la spiritualità, l’evento che vedrà il confronto fra le opere di scultura di Alba Gonzales con quelle pittoriche di Davide Foschi, artista fra i più noti del panorama contemporaneo, che porterà opere ormai mediaticamente conosciute come “L’eremita” e “L’illuminato” e il nuovo ciclo ispirato a opere di Leonardo da Vinci.

Un anno impegnativo e internazionale per i giganti di Alba Gonzales attualmente sopiti fra le rocce del Pianeta Azzurro.

La Mela Violata (Femminicidio) (Ph. E. Ruiz)

GONZALES 'amor maris' - Ravello Lei, Vede E Non Vede o altrove guarda (la giustizia) BRONZO, 2014 (Ph. Luca Bracali)

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You can hear them while they watch you, they follow you.

You have seen them in the most beautiful location of Italy. They have been admired, photographed, they wondered and moved.

They conquered Ravello with the powers of emotions, they populated the Tevere of the eternal Rome.

Two exhibitions it’s impossible to forget, that will remain in the heart, in the mind.

Descending the stairs for a walk on the Tevere’s pathway, a middle age man, speaking with the characteristic accent that only who was born and lived in Rome can have, try to play the art critic, explain to some same aged Spanish people that the sculptress of those artworks is Italian.

Even more, she represents a pride in the nowadays contemporary art panorama, that copy itself.

The artworks we are talking of are the giants by Gonzales. The very Italian Gonzales who was able to make meet the spirit of Rome and the one of Athens along the Tevere river, using symbols of the myth of the Darwin’s evolution, in a dialogue in which creativity is the justification and magic is only possible reality.

An extraordinary 2014 for what concerns exhibitions and events, the one lived by Alba Gonzales. Besides the personal exhibitions in Ravello and Rome, the participation at Imagine 2014, where her artworks where exhibited at the Biblioteca Umanistica (humanistic library) inMilan, at the Archivio Pria (Pria archive) in Biella, at Palazzo Bernabei in Assisi, right by the San Francesco’s papal cathedral, at the Simboli Art Gallery in Santa Croce, Florence.

At the Archivio Pria a burlesque actress was conversing with a Marco Lodola’s artwork, representing a danseuse pictured on a game card, in front of a Mao’s multiple by Andy Warhol.

A surreal version of a pop dialogue.

A 2014 during which the rationality of myth met the man’s beastliness and got melt in a love generating new visions.

A 2015 yet full of international appointments.

Indeed , it’s already scheduled the presence of some Alba Gonzales’s artworks at the project “La spiritualità

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oggi: lungo le vie francescane” (Spirituality today: along the Saint Francis paths), an experimental project that will take place at three locations: Gualdo Tadino, Gubbio and Assisi, respectively dedicated to figurative artists and sculpture, to informal artists, to landscape painters.

In the same occasion the event-exhibition of June in Milan will be presented.

In June, from an idea by Giulia Sillato, it will take place at Palazzo dei Giureconsulti, in via dei Mercanti (piazza Duomo), “L’arte e il Tempo” (Art and Time), an official event for Expo in Città , part of Expo 2015, artistic director Giulia Sillato and Giammarco Puntelli.

The exhibition, as a sign of excellence, will gather about seventy of the most influent artists of the Italian contemporary art. Alba Gonzales is one of the selected Masters and she will be present with the following artworks: 'Lei vede e non vede o altrove guarda' (La Giustizia), 'La mela violata'.

Gonzales La Perdita Della Ragione BRONZO, 2014 (Ph. Ruiz)

An ambitious goal for the artist who, once more, represents Italy together with just a few selected Masters, on an International stage as never before in the past for what concerns our country.

After Milan, another appointment in September concerns one of the locations of the artist: the Pianeta Azzurro in Fregene (Rome).

This magnificent place will be the location for a calendar of happenings dedicate to literature, poetry and music.

One of the events will be an event able to let converse myth and spirituality, confronting the sculpture of Alba Gonzales with the pictorial ones by Davide Foschi, one of the most well known artist of the contemporary panorama, who’s going to exhibit media-renowned pieces such as “L’eremita” (the hermit) and “L’illuminato” (the enlightened) and the new cycle inspired to artworks by Leonardo da Vinci.

A busy and International year for the giants by alba Gonzales, at the moment sleeping on the rocks of the Pianeta Azzurro.

Gonzales Shut Up BRONZO, 2014 (Ph. Ruiz)

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EXHIBITIONS

The dialectic of tendencies Dialettica delle Tendenze

di / by Simona Scopelliti

Guido Baldessari struttura in divenire Tecnica mista su cartoncino (plexiglass zigrinato linee orizzontali) 1972 70 x 70 cm

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winter-spring 2015

IL GRUPPO DI VERIFICA 8+1 NEL DICEMBRE 1994

VERIFICA 8+1

Franco Costalonga O.C.V. O.T.B Oggetto cromocinetico Sfere in metacrilato metallizzato e plexiglass 1972 52 x 52 CM

D

ialettica delle Tendenze” movimento nato a Venezia nel 1965, rappresenta una significativa parentesi all’interno di quella che é stata la grande riscoperta dell’arte cinetica e programmata degli anni ’60. Contava tra i propri componenti Sara Campesan, Marilla Battilana, Franco Costalonga, Romano Perusini, Guido Baldessari, Nadia Costantini, Aldo Boschin e numerosi altri.

Questo movimento, che in estrema sintesi costituí una serie di mostre itineranti, vedeva nel patrocinio del critico Domenico Cara il suo fondamento teorico. Cara, che è scrittore, editore, critico d’arte, vive e lavora a Milano dal 1952, dove ha fondato le edizioni “Laboratorio delle Arti”.

Oltre che autore d’innumerevoli opere letterarie, è stato collaboratore di eventi culturali in varie parti d’Europa. Proprio da Venezia partí quindi l’esperienza espositiva itinerante di questi giovani artisti. Evento decisivo la mostra alla Pinacoteca Comunale di Macerata nel 1966, inaugurata proprio con il titolo “Dialettica delle tendenze”.

Lo stesso Domenico Cara a proposito dei gruppi scrive: “Il vasto richiamo tecnologico, in una societá attiva e pragmaticamente volta a sperimentazioni e mutamenti matematici di oggettivitá, é una delle ragioni per cui l’operatore visuale ha riunito intorno al suo lavoro compagni di

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una medesima tendenza, ha fondato il “gruppo”. Si é creata la necessitá di un linguaggio dialogico a piú voci,un’individuale disponibilitá tecnica e creativa alle antinomie della forma e della struttura, rompendo i limiti romantici e personali della tradizionale solitudine per riportare gli altri in un unico terreno espressivo.”

Se é dunque vero che i gruppi sono destinati a sfaldarsi, é anche vero che la tendenza in molti casi punterá a ricostituirli, e cosí parte di quegli stessi intenti che andarono a costituire “Dialettica delle tendenze”, torneranno ad amalgamarsi nel piú tardo “Verifica 8+1”. Gruppo, o meglio collettivo autogestito dagli stessi artisti, che avvalendosi di uno spazio sperimentale per le arti, a Mestre, nella profonda terraferma veneziana, avrebbe mostrato, caso unico a tutt’oggi in Italia e forse in Europa, la capacità di promuovere eventi e talenti in maniera così innovativa da meritare ancor oggi l’attenzione del pubblico più vasto e approfondimenti da parte della critica più accorta.

l'11 aprile si inaugura una grande mostra al padiglione delle arti di Marcon, Con la partecipazione di tutti gli esponenti di Verifica 8+1.

Le opere di Dialettica delle Tendenze e verifica 8 + 1 sono trattate da Artetivù via Porta est Marcon Venezia www.artetivu.eu

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nadia costantini fluttuante acciaio inox lucido 8/10 2009 50 x 50 cm

“Dialettica delle tendenze”, (Dialectic of tendencies), a trend born in Venice in 1965, represents a short but important moment out of what has been the great revival of kinetic and programmed art of the 60’s.

Sara Campesan, Marilla Battilana, Franco Costalonga, Romano Perusini, Guido Baldessari and Nadia Costantini, were just a few of its components. This artistic movement, that, synthetically, organized a series of itinerant exhibitions, has as its theoretical structure the support of the critic Domenico Cara.

Who is writer, publisher, critic of art and lives, since 1952, in Milan where he founded the “Laboratorio delle Arti” (workshop of the arts) editions.

Guido Baldessari nucleo vibrante tecnica mista su cartoncino (plexiglass zigrinato linee orizzontali) 1975 39 x 32 cm

As well as author of innumerable literary works, he collaborated for cultural events that took place in several locations in Europe.

Four monographs have been written about his creative research and he’s still director for “Anterem” in Verona and “Tracce” in Pescara.

Precisely from Venice started this travelling kermesse of young artists and three were the exhibition organized: the first two in 1965 in Milan at the “Vittorio Emanuele” and “Arte Centro” galleries, the third one in Macerata at the Pinacoteca Comunale in 1966, where it was inaugurated with the name “Dialettica delle tendenze”.

Sara Campesan senza titolo plexIGLASS su cartone anni '70 100 x 100 cm

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Domenico Cara himself, telling about the group, says: “The large technological call, in an active and pragmatically focused on experimentations and mathematical changes of objectivity society, is one of the reasons because the visual operator gathered around his work fellows of a same trend, founding the “group”.

It was necessary to have a dialogue

On April 11 it will be inaugurated a great exhibition at the Art Pavillion in Marcon, with the participation of all the representatives of Verifica 8+1. The artworks by Dialettica delle Tendenze and Verifica 8+1 are an exclusive of Artetivù, via Porta Est Marcon – Venice www.artetivu.eu

ALDO BOSCHIN senza titolo Scultura luminosa Tecnica mista, plexiglass e fogli d'alluminiO 1973 66 X 45 CM

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language with more voices, an individual technical and creative availability for the antinomy of form and structure, breaking the romantic and personal limits of the traditional loneliness in order to bring others into an expressive field”.

Therefore, if it’s true that groups were destined to get divided, it’s also true that the tendency, in several cases,

had put them back together and so, those same objectives that created “Dialettica delle tendenze” appeared once more in the following “Verifica 8+1”, a group that achieved even more continuity, also thanks to a fully self-managed space for experimentations, one of a kind around the Venice area, active from 1978 to 2008.

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PERSONALITIES

JAMES FRANCO

DIVO INTELLETTUALE

intellectual celebrity di / by Barbara Carrer

P

asseggia sorridente vicino alla piscina dell'Excelsior con il nuovo look rasato, necessario alle riprese del film Zeroville sulla Hollywood degli anni Sessanta, il divointellettuale James Franco. Artista poliedrico e dai mille interessi, l'attore passa con disinvoltura da Hollywood al palcoscenico di Broadway, dai film da blockbuster come Spider-man, alle pellicole d'autore (Milk). E' musicista, performer in prestigiose gallerie d'arte, scrittore di romanzi e poesie, produttore, regista di lungometraggi, cortometraggi e documentari (l'ultimo sulla maison Gucci di cui è testimonial), fotografo e insegnante alla New York University. Si trova alla 71ma. mostra del Cinema di Venezia per presentare, fuori concorso, "The Sound and the Fury", da lui diretto e interpretato, tratto dal romanzo di Faulkner "L'urlo e il furore", storia di una famiglia del sud all'inizio del Novecento, raccontata dal punto di vista di tre figli tra cui Benjy, il ragazzo ritardato che James ha scelto di interpretare.

Niente male per uno che ( sono parole sue) seguendo l'istinto ha realizzato quasi tutti i suoi sogni...

In soli 36 anni e 15 di carriera lei ha raggiunto traguardi che la maggior parte delle persone non conquista in una vita...

"Sono un iperattivo, lo ammetto, ho un sacco di interessi e non amo limitarmi a un solo ruolo, ma non faccio mai nulla in modo superficiale o affrettato. Se una cosa mi interessa devo realizzarla al meglio che sia un 80

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film, un libro o una campagna pubblicitaria. Ho imparato a mie spese che non si può rinunciare alla disciplina e ciò è avvenuto dopo un passato turbolento nel corso del quale avevo abbandonato la scuola e spesso guidavo ubriaco o finivo in galera per piccoli furti" Ha però ripreso gli studi fino a diventare docente universitario...

"Sì a 27 anni, fortunatamente. Dopo il successo di Spider-Man 2 sono sfuggito all'ingranaggio dello star system hollywoodiano e mi sono iscritto all'università della California, corso di letteratura e scrittura creativa. Ho ritrovato l'amore per la cultura e la letteratura anche se devo ammettere che insegnando si impara di più che da allievi".

Come ha scelto la carriera di artista?

"Per molto tempo ho agito temendo di non avere abbastanza tempo; si trattava di una reazione alle pressioni che ho sentito quando ero ragazzo.

Col tempo fortunatamente ho capito che dovevo ascoltare soltanto la mia voce e discernere i veri interessi dalle passioni momentanee. Questo mi ha permesso di realizzare quasi tutti i miei sogni compreso quello dell'insegnamento. Oggi non ho nessuna paura di non riuscire a fare quello che amo e se devo scegliere tra girare un film con un gruppo di amici o trascorrere con loro una vacanza non ho dubbi: opto per il primo" A proposito di film, con quale criterio decide se recitarci o meno?

"Da un lato preferirei evitare di prendervi parte e stare dietro la macchina da presa, reputando il rapporto attore-regista come uno scambio estremamente creativo. Allo stesso tempo, essendo anche attore, ho il desiderio di partecipare per condividere in toto questa esperienza con il cast. E poi, ad essere onesti, se io recito nei miei film da regista questo aiuta il mio produttore a vendere meglio l'opera ".

Come nasce il suo interesse per la regia?

"Dopo aver recitato in ogni genere di film: da quelli di cassetta a quelli in nomination all' Oscar, mi sono reso conto che se avessi voluto vedere alcuni progetti sullo schermo l'unico modo sarebbe stato realizzarli come regista" Dopo centocinquanta repliche sold out di "Uomini e topi", lei definisce l'esperienza teatrale la più esaltante della sua carriera.

"Recitare su un palcoscenico, in particolar modo a Broadway, era un sogno segreto, un desiderio che volevo realizzare da almeno vent'anni. Allo stesso tempo la cosa mi spaventava, ritenendo che per eseguire la stessa performance ogni sera per mesi un artista debba essere assolutamente perfetto. Ho superato queste paure nel solito modo: lavorando duro e con la disciplina".

In cosa consiste la magia del teatro rispetto al cinema?

"Nella seduzione dell'eterea compli-

cità tra pubblico e artista. Questo scambio energetico è fortissimo, inebriante".

Parliamo di "The Sound and the Fury"... Non è la prima volta che lei porta sullo schermo una grande opera letteraria...

"Ho scelto di realizzare un film tratto da un grande classico americano, uno dei miei romanzi preferiti, perchè, nonostante sia stato scritto ottant'anni fa, potrei definirlo sperimentale. Quest' opera di Faulkner aveva già conosciuto un adattamento cinematografico nel 1959: "L'urlo e la furia con Yul Brynner", il quale, però, si limitava a raccontare la storia di una famiglia, mentre l'interesse del romanzo risiede soprattutto nella sua struttura narrativa.

Con l'amico scrittore Matt Rager abbiamo cercato di trovare un equivalente cinematografico alla scrittura straordinariamente attuale di Faulkner".

Chi meglio di lei può raccontarci la storia di questa famiglia americana del sud vista dall'ottica dei tre figli...

"Faulkner diceva che questa non era altro che la storia di tre fratelli che guardano la propria sorella salire su un albero e le osservano le mutandine. Si tratta di un modo umile per descrivere una famiglia che incarna i valori di un sud ormai in decadenza. Questa immagine colorita di tre fratelli ossessionati dalla sorella, indicata dall'autore stesso, ci ha guidato nella realizzazione del film".

James Franco, intellectual star, walks cheerful by the pool of the Excelsior exhibiting his new shaven look, necessary for the shooting of the movie Zeroville, about Hollywood during the 60s. Versatile artist with thousands of interests, the actor comfortably passes from Hollywood to the stage of Broadway, from Blockbuster movies such Spiderman to art films (Milk).

He’s a musician, performer for important art galleries, writer of novels and poems, producer, director of full-length and short films and documentaries (the last one about the Gucci maison he’s testimonial for), photographer and teacher at the New York University. He’s at the 71st Mostra del Cinema di Venezia to present, out of competition, “The Sound and the Fury”, of which he’s director and main actor, a story from the novel of the same name written by Faulkner: story of a family from the South in the early 20th century, narrated according to the point of view of the three sons, especially Benjy, a mentally retarded kid who James decided to interpret.

No bad for a person who (his words), following his instinct, could achieve all his dreams…

At just 36 years of age and 15 of career, you achieved goals that the majority of people couldn’t achieve in a whole lifetime…

“I have to admit, I am an hyperactive person, with a lot of interests and I do not like to dedicate myself to just one thing, but I never do something with superficiality or briskness.

If something interests me I feel like I have to do it at my best whether be a film, a book or an advertising.

I have learned the hard way that you cannot renounce to discipline and this has happen after a troubled period of time when I quitted school and I was use to often drive drunk or I was put in jail for small thefts.

But you went back to school and now you are a University teacher…

“Yes, at 27, thank God. After the success of Spiderman2 I ran away from the Hollywood star system and I entered the University of California, literature and creative writing.

I re-discovered the passion for literature but I have to say that when you teach you learn more than as a student”.

How did you choose the artistic career?

“For long time I behaved as if I had not enough time; it was a reaction to the pressures I felt during my childhood.

With the passing of time, luckily, I understood that I had to listen to my voice only and to distinguish the real interests from the temporary passions.

This allowed me to achieve all my goals, including teaching.

Today, I don’t fear anymore not to be able to do what I love and if I have to choose to direct a film with a couple of friends or to spend some time in a vacation with them, no doubts, I pick the first one”.

About films, how do you decide to recite a specific role or not?

“On one side, I would prefer to direct than perform, because I consider the relationship actor/director as an extremely creative exchange.

At the same time, since I am also an actor, I like to perform in order to share this whole experience with the cast.

And then, to be honest, if I perform as character in the films I am director, this helps the producer to sell them in a more effective way” How your interest for directing was born?

“After having performed in any kind of films, from the VHS’s to those nominated for the Oscar, I realized that to be able to see some project on screen, I would have made them as director.” vAfter 150 sold out soirée for “Of mice and men” you define the theatrical experience as the most exciting of your whole career.

“Acting on stage, especially in Broadway, was a secret dream I have had for more than twenty years. At the same time it was scaring me because I thought that being able to play the same performance every night for months, an artist has to be just perfect. I rode over these fears the same way: working hard and thanks to discipline.”

Which is the magic of theatre compared to cinema?

“The seduction of the ethereal complicity between the public and the

artist. This energetic exchange is very strong, inebriating.”

Let’s talk about “The Sound and the Fury” …It’s not the first time that you bring on the wide screen a great American story” “I decided to make a movie excerpted by a great American classic, one of my favorite novel, because, even if written 80 years ago, I would define it experimental.

This artwork by Faulkner was already a movie in 1959: “The Sound and the Fury” performing Yul Brynner , but that film was telling the story of a family, while the attractiveness of the novel is its narrative structure.

Together with a friend of mine, the writer Matt Rager, we tried to find a correspondence for cinema for the extraordinary actual writing style of Faulkner.”

Who, better than you could have told us about this American family from the South, narrated through the point of view of three sons…

“Faulkner was use to say that this was nothing else but the story of three brothers who look at their sister climbing a tree to watch her underwear. It’s a humble way to describe a family representing the values of the South already down falling.

This bright imagine of the three brothers obsessed with their sister, under lighted by the author himself, drove us to make the movie”.

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di / by Giulietta Tisminetzky

L’ artista interdisciplinare americano Daniel Arsham, ha presentato al Chiltern Firehouse il suo film d'esordio con James Franco e Juilette Lewis. La serata è stata ospitata da Jefferson Hack e ha compreso la proiezione di tre parti del suo film futuristico Future Relic. Il lavoro dell'artista si è sviluppato attraverso l’incorporazione e la cooperazione. Egli infatti unisce elementi di architettura, performance e scultura nel suo lavoro, ma ha anche spesso collaborato con diversi artisti. Seguendo lo stesso modus operandi, il mezzo cinematografico offre lo spazio ideale per combinare il suo stile personale di ricreare oggetti di uso quotidiano con elementi naturali, che sono rintracciabili in tutta la narrazione, collaborando con l'artista hip-pop Swizz Beatz per la colonna sonora; con lo stilista Richard Chai per i costumi; e con Ben Louis Nicholas come direttore della fotografia.

La prima parte del film che abbiamo visto, "Future Relic 01" presenta uno scenario post-apocalittico, in cui il personaggio principale, ispirato da Laurence d'Arabia (1962), si aggira

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per una spiaggia coperta di rifiuti.

L’aura spirituale che abbraccia la figura si scontra con quello che sembra il risultato di un disastro ecologico, condannando il consumismo alla sua dannazione. Il cortometraggio che segue, ambientato in uno spazio futuristico che ricorda una navicella spaziale, presenta James Franco che ha il compito di elencare e di distruggere gli oggetti della nostra civiltà passata. L'ultimo corto proiettato, Future Relic 03, presenta Juliette Lewis, la quale vaga attraverso un edificio minimalista e incontra una statua greca.

Durante il Q & A che ha seguito la proiezione tra Jefferson Hack e Daniel Arsham, l'artista ha raccontato del suo interesse per gli oggetti iconografici della nostra vita quotidiana, rintracciabile in tutte le sue opere d'arte. Gli oggetti che i personaggi dei film incontrato, quali telefoni e telecamere, sono modellati da oggetti reali, in materiali organici naturali, come la cenere vulcanica e il cristallo.

Ashram descrive questa pratica come una sorta di archeologia di finzione,

con l'obiettivo di creare un arco temporale in cui in un futuro l'umanità scoprirà oggetti della nostra civiltà passata. I legame tra gli elementi geologici con l'elemento tempo creano un ponte spazio-temporale in cui il pubblico viene trasposto in una realtà futuristica, in una dimensione cosmica, dove diverse civiltà fondamentalmente coesistono. Durante il Q & A, Ashram ha raccontato della sua esperienza presso le Isole di Pasqua, in cui gli scavi archeologici hanno prodotto tracce di siti di scavi più remoti, da cui erano emersi antichi utensili. Affascinato dalla capacità della terra di conservare gli oggetti del passato, Future Relic si avventura nella esplorazione di come gli elementi del nostro presente si manifesteranno in un futuro. Arsham crea una piega nel tempo trasferendo le icone della nostra società in una realtà futura, e ulteriormente esplora questa possibilità, dando agli oggetti un'essenza geologica.

Tutte le nove parti di Future Relic saranno presentati al Tribeca Film Festival nel 2016. Alcune opere di

Daniel Arsham sono in mostra alla Saatchi Gallery di Londra fino al 23 febbraio 2015.

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James Franco for Daniel Arsham’s new movie “Future Relic” The interdisciplinary American artist Daniel Arsham, presented his debut film starring James Franco and Juilette Lewis at the Chiltern Firehouse. The evening was hosted by Jefferson Hack and comprehended the screening of three parts of his futuristic movie Future Relic. The artist’s work has developed through inchrporation and cooperation. combining elements of architecture, performance, and sculpture in his work but also collaborating with different artists. Following Arsham’s modus operandi, the film medium offers the perfect space for combining his personal style of recreating everyday objects with natural elements, which are retraceable throughout the narrative, and collaborating with hip-pop recording artist Swizz Beatz for the soundtrack; fashion designer Richard Chai for the costumes; and Ben Louis Nicholas as director of photography.

The first part of the film we saw, “Future Relic 01” presents a postapocalyptic scenario, where the main character, inspired from Laurence of Arabia (1962), roams through a shoreline covered with waste. The spirituality that embraces the figure clashes with what seems like the result of an ecological disaster, comdenning consumerism to its damnation. The short film that followed, set in a futuristic space which recalls a spaceship, stars James Franco who’s duty is to list and shatter objects of our past civilization. The last short film screened was Future Relic 03, featured Juliette Lewis, who wonders through a minimalist building and encounters a greek statue.

During the Q&A that followed the screening between Jefferson Hack and Daniel Arsham, the artist described his interest for iconic objects of our everyday life, retraceable throughout his works of art. The objects that the

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characters in the films come across, such as telephones and cameras, are molded from real objects into natural, organic materials, such as volcanic ash and crystal. Ashram describes this practice as a sort of fictional archaeology, aimed to create a time arc in which a future humanity will uncover objects of our civilization. The geological element ties with the time element creating a time and space bridge where the audience is transposed to a futuristic reality, in a cosmic dimension where different civilizations fundamentally coexist. During

the Q&A, Ashram recounted of his experience at the Easter Islands, on which the excavations produced trails of older excavations, where ancient utensils had emerged. Fascinated by the ability of earth to preserve objects of the past, Future Relic ventures in the exploration of how elements of our present will manifest in the future.

Arsham creates a wrinkle in time by transferring icons of our society into a future reality, and further explores this possibility by giving the objects a geological essence.

The whole nine-parts of Future Relic

will be presented at Tribeca Film Festival in 2016. Some pieces of Daniel Arsham works are showcasing at the “PostPop: East Meets West” at Saatchi Gallery, London, until the 23d of February 2015.

H A R T M A N N

Viele Einzelne 8, 2014, Oil on canvas, 23.62 x 19.69 inches (60 x 50 cm) Š 2014 Rosenbaum Contemporary

T H O M A S

M A R C H

Preview

Tuesday, March 24, 7-9 p.m.

Miami | St. Regis Bal Harbour 9703 Collins Avenue Bal Harbour, FL 33154

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A P R I L

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exhibition oPening

Thursday, March 26, 6-8 p.m.

150 Yamato Road Boca Raton, FL 33431 Regular gallery hours: Tue-Sat 10-5

r s v P : rsvp@rosenbaumcontemporary.com or 561.994.9180 x203

FAIRS

di / by Giulietta Tisminetzky

The best of Art Basel Miami Beach 2014 Brian KOKOSKA

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dal 4 al 7 Dicembre a Miami Beach la fiera ha ospitato 267 delle gallerie d'arte più importanti al mondo

U

na delle più celebri fiere d'arte contemporanea del mondo si è svolta dal 4 al 7 Dicembre a Miami Beach con un ordine del giorno ricchissimo. Con più di 70.000 visitatori l'anno che invadono la Florida, la fiera ospita 267 delle gallerie d'arte più importanti al mondo. Anche se gran parte della conversazione durante la settimana è dedicata alle feste memorabili di Miami Beach per celebrare l'evento, con concerti di musica e cocktail party, c’e anche un sacco da dedicare all'arte. Sebbene sia molto difficile scegliere tra le numerosissime mostre e i tanti artisti in esposizione, abbiamo selezionato alcune delle nostre preferite:

Jon Rafman La fiera d’arte NADA, ha ospitato al 11° piano dell'hotel Deauville, un nuovo pezzo dell’artista Jon Rafman.

Nei lavori precedenti dell'artista canadese ricordiamo il suo pezzo 9-eyes, un reportage fotografico che raccoglie le immagini surreali di Google Street View, egli utilizza le innovazioni tecnologiche per indagare i paradossi della modernità e criticare la cultura contemporanea. Ma in questo suo nuovo progetto l’artista porta questa indagine ad un livello successivo. Rafman crea infatti una realtà virtuale interattiva usando il sistema Oculus Rift per ricreare e decostruire la stanza 1111.

Urs Fischer La Sadie Coles HQ di Londra ha messo in mostra la grande installazione scultorea di Urs Fischer “Small Rain”, 2014. L'installazione, presentata all'inizio di quest'anno alla galleria Sadie Coles di Londra, dispone di 1.080 gocce di pioggia in gesso e una scultura di argilla ritraente un divano con un corpo femminile decapitato sdraiato su di esso, apparentemente in un processo di deterioramento, dovuto alla pioggia stessa. Con il suo umorismo macabro, questo pezzo d'arte esemplifica l'approccio sovversivo di Fischer all'arte, influenzato dai movimenti anti-arte come Neo-Dada, Lost Art, e Situazionismo. Il declino delle opere d'arte, intrinseco nella natura stessa dell’argilla che si piega naturalmente nel tempo, offre uno spunto di riflessione sulla condizione umana, sul suo inevitabile deterioramento e la sua temporalità.

Domique Levy Gallery, “Seeing Double” La Galleria Domique Levy mette in mostra "Seeing Double", dove si confrontano due maestri del pantheon dell'arte contemporanea come John Baldessari e Jeff Koons. La loro arte mette in discussione il feticismo dei prodotti che ha caratterizzato la cultura americana, convertendo i banali prodotti di consumo in oggetti estetici preziosi. Le opere degli artisti uniscono la banalità e la qualità affascinante dei prodotti di consumo sottolineando la nostra vulnerabilità all'illusione del capitalismo.

Jon Rafman

Urs Fischer

Domique Levy Gallery

Alison Knowles, The Boat Book Nella sezione New Surbey di Art Basel, James Fuentes espone alla galleria l’installazione The Boat Book di Alison Knoweles. Il lavoro dell'artista multidisciplinare incorpora performance, il suono, la manipolazione della carta e della stampa e i diversi media.

Knowles è stata parte del movimento Fluxus, e il suo recente lavoro segue questa eredità, inoltre, nel 1960 ha fatto parte della comunità di artisti di

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Domique Levy Gallery

New York, lavorando accanto a Marcel Duchamp e John Cage.

Galerie Gmurzynsk Celebrando l’anniversario dei cinquant’anni, la galleria d’arte svizzera Galerie Gmurzynska, esibisce allo stand intitolato “A Kid Could Do That!” (Un bambino ne sarebbe capace), una considerazione ironica sulla percezione dell’arte contemporanea.

Il pluripremiato regista, scrittore e produttore musicale Baz Luhrmann in collaborazione con il premio Oscar produttrice e costumista Catherine Martin, ed il compositore Nelle Hooper, porta all’Art Basel la loro visione Hollywoodiana dell’arte moderna. Il progetto presenta i capolavori del ventesimo secolo, tra cui Francis Bacon, Robert Indiana, Wassily Kandinsky, Yves Klein, Wifredo Lam, Mikhail Larionov, Kazimir Malevich, Joan Miró, Pablo Picasso, Kurt Schwitters, Cy Twombly. Lo stand è organizzato come un'aula scolastica, con un grande tavolo pieno di libri al centro, con l'obiettivo di aiutare le persone a capire meglio l'arte contemporanea.

Marina Abramovic: Sleeping Exercise Per l'atmosfera caotica dell’Art Basel di Miami, performance artist MarinaAbramovic propone, in collaborazione con la Foundation Beyeler, un esercizio che è meglio della psicoterapia: una speciale sala relax. In collaborazione con MAI (Marina Abramovic Institute), l'installazione pubblica interattiva progettata dal guru dell'arte si intitola Sleeping Exercise, “esercizio di dormire” invitando i visitatori a sdraiarsi, rilassarsi e dormire senza limiti di tempo.

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Brian Kokoska Ospitato dal NADA, il East Hampton Shed dedica uno spazio alle opere di Brian Kokoska. Le opere dell'artista newyorkese comprendono dipinti di volti, fiori, maschere, ed installazioni scultoree monocromatiche che incorporano teste, piedistalli e gli oggetti, estendendo la pittura nello spazio. La Revista La Tempestad ha detto di lui "i suoi personaggi sono fantasmi che vagano ai margini della sessualità" e che “[egli] ha inventato una sorta di genere post espressionista che inizia a definire la mascolinità in termini di sensualità elementare e adolescenziale”.

Galerie Gmurzynska

Alison Knowles

Galerie Gmurzynska

E se l'arte in mostra non è sufficiente, Art Basel Miami Beach non manca mai di divertire con feste e concerti incredibili. Come riscaldamento, W. Magazine ha ospitato il lancio del loro nuovo libro, mentre la sera stessa Harper Bazaar ha celebrato l’edizione del giornale Latin American Art. Miley Cyrus ha spiazzato il pubblico di Art Basel con il suo spettacolo audace al Raleigh Hotel, come parte dei festeggiamenti esclusivi del V Magazine a cui hanno partecipato anche Jeffrey Deitch e Tommy Hilfiger. Giovedi 'la maison italiana Emilio Pucci ha avuto un cocktail in onore della collabora-

zione con il marchio di lusso Bisazza, leader mondiale nella produzione di mosaici di vetro. La collezione "Bisazza veste Emilio Pucci" sarà in mostra a Miami presso il Bisazza (3740 NE 2nd Avenue), ed Emilio Pucci (155 NE 40th Street) showroom. E per chi avesse voluto portare le celebrazioni a un ulteriore passo avanti, la casa di produzione musicale Friday Bromance ha ospitato una festa al Grand Central al ritmo di techno e musica elettronica. Il Bromance Homieland Tour ha ospitato i suoi migliori dj francesi tra cui Brodinski, Para One, Gener8ion, Louisahhh !!!, Sam Tiba e MYD. La mostra d'arte

si è conclusa con l'evento di Fool’s Gold "Day Off", sostenuto da A-Trak, Danny Brown, DJ Mustard e molti altri ospiti speciali e il suo annuale "Art to Leave" after-party. Per non dimenticare la mitica festa in piscina del MOMA PS1 al Delano. Art Basel offre uno spazio di riflessione, immergendo gli spettatori in una magica atmosfera ricca fra arte e cultura, ma anche di distrazione, con i suoi numerosi eventi mondani che non mancano mai di stupire. Art Basel Miami Beach è stata una grande esperienza e non vediamo l'ora di vedere l'edizione del prossimo anno.

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tury, including Francis Bacon, Robert Indiana, Wassily Kandinsky, Yves Klein, Wifredo Lam, Mikhail Larionov, Kazimir Malevich, Joan Miró, Pablo Picasso, Kurt Schwitters, Cy Twombly. The booth is arranged as a schoolroom, with a large table filled with books, aiming to help people understand art better.

Marina Abramovic, Sleeping Exercise For the chaotic atmosphere of Miami, performance artist Marina Abramoviccame up with an exercise that is better than therapy: a special resting room the Fondation Beyeler. In collaboration with MAI (Marina Abramovic Institute), the interactive public installation designed by the art guru entitled Sleeping Exerci-

Marina Abramovic

One of the world’s most celebrated contemporary art fairs returned this years with an extraordinary agenda.

With more than 70,000 visitors flying into Florida per year and hosting 267 of the leading art galleries in the world, Art Basel Miami Beach opened its door from the 4th of December to the 7th.

Although much of the talk during the week is dedicated to Miami Beach’s memorable parties to celebrate the event, with music concerts and cocktail parties, there was also a lot of time and effort devoted to art. Although it is hard to choose between so many great artists and shows, here are some of the most striking exhibitions: Jon Rafman NADA art fair, which runs in parallel with Art Basel, hosted Jon Rafman’s newartwork at the 11th floor of the Deauville hotel. The Canadian artist’s previouswork -we all remember his piece 9-eyes, a reportage collecting surreal Google street images- has always utilized modern technologies to investigate the paradoxes of modernity and criticize contemporary culture. The artist brings this critique a step further by creating a virtual, interactive reality using Oculus Rift system to recreate and deconstruct room 1111.

Urs Fischer London’s Sadie Coles HQ showcased Urs Fischer’s large sculptural installation Small Rain, 2014. The installation, presented earlier this year at Sadie Coles gallery in London, features 1,080 plaster raindrops and clay sculptures of a sofa with a decapitated female body lying on it, seemingly in the process of deteriorating, as if melting due to the rain. With his black humor, this piece of art exemplifies Fischer's subversive approach to art, influenced by anti-art movements like Neo-Dada, Lost Art, and the Situationist International. The decli90

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ne of the art works, intrinsic in the very nature of clay which naturally bends in time, offers a place for reflection about the human condition, about its inevitable deterioration and ephemerality.

Domique Levy Gallery showcases “Seeing Double” Domique Levy Gallery showcases “Seeing Double” where two masters of the pantheon of contemporary art such as John Baldessari and Jeff Koons are confronted. Their art has discussed the commodity fetishism that has characterized American culture, converting mundane consumer products into precious aesthetic objects. The artists’s works blend banality and seduction pointing out our vulnerability to the capitalist illusion.

Alison Knowles, The Boat Book At the New Surbey section of Art Basel, Miami Beach, James Fuentes exhibited with the LES gallery Alison Knowles’s installation The Boat Book. The multidisciplinary artist’s work incorporates performance, sound, paper making and print and different mediums and media. Knowles was part of the Fluxus movement, and her recent work follows that legacy. In addition, in 1960s she was part of the New York City's downtown artist community, working beside Marcel Duchamp and John Cage.

Galerie Gmurzynska Celebrating their half-century anniversary, Swiss art Gallery Galerie Gmurzynska's showcased the booth entitled “A Kid Could Do That!” .

The multi-award winning director, writer, producer, music producer Baz Luhrmann in collaboration with Oscar-winning production and costume designer Catherine Martin, and music composer Nellee Hooper, brought to Art Basel Miami Beach 2014 their collective Hollywood vision. The project presented the key master works of the 20th cen-

se invited visitors to to lie down, relax, and sleep with no time restriction.

Brian Kokoska Hosted by NADA, The East Hampton Shed dedicates a space to Brian Kokoska’s works. The New York-based artist’s works include paintings of faces, flowers, masks and monochromatic sculptural installations that incorporate heads, pedestals and acquired objects, extending the painting into space. Revista La Tempestad said "his characters are ghosts wandering on the fringes of sexuality" and "[he] has invented a sort of post expressionism genre that begins to define masculinity in terms of elementary and teen sensuality”.

Brian KOKOSKA

And if the incredible art showcased was not enough, Art Basel Miami Beach never fails to entertain with incredible parties and concerts. As a warm up, WMagazine’s hosted their new book (what book? Is it an actual book) launch party. While the same evening Harper’s Bazaar celebrated the Latin America Art Issue. Miley Cyrus swept the public of Art Basel with its blunt performanceat the Raleigh Hotel, as part of Jeffrey Deitch, Tommy Hilfiger, and V Magazine's exclusive ABMB starting celebrations. On Thursday the Italian maison Emilio Pucci had a cocktail reception in commemoration of thecollaboration with the luxury brand Bisazza, the world leader in the production of glass mosaics. The collection “Bisazza Wears Emilio Pucci” will be on viewin Miami at the Bisazza (3740 NE 2nd Avenue), and Emilio Pucci (155 NE 40th Street) showrooms. For those who wanted to

take the celebrations a step further, on Friday Bromance records hosted a party at the Grand Central with therhythm of techno and electronic music. The Bromance Homieland Tour hosted its best French DJs including Brodinski, Para One, Gener8ion, Louisahhh!!!, Sam Tiba and MYD. The art show ended with Fool’s Gold event “Day Off,”supported

by A-Trak, Danny Brown, DJ Mustard and many other special guests and its annual after-party “Art to Leave”. Not to forget about the legendary third MOMA PS1’s pool party at the Delano. Art Basel offers a space for reflection, plunging viewers into a magicalatmosphere filled with high culture, and also for distraction, with its numerousmundane events that never fail to impress. Art Basel Miami Beach has been agreat experience and we look forward for next year’s edition.

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Welcome to ARTROOMS2015 di / by Armin R. Mengs 92

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Willow

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el 2015 Londra accoglierà una fiera d’arte assolutamente innovativa a cominciare dal concept: 76 artisti indipendenti esporranno i propri lavori in altrettante lussuose camere d’albergo. Collezionisti, investitori e appassionati d’arte avranno un motivo in piu’ per venire a Londra poiché ARTROOMS2015 avrà luogo dal 23 al 26 gennaio, in concomitanza alla tradizionale London Art Fair.

L’unicità di ARTROOMS2015 inizia dalla prestigiosa sede: The Level al Meliá White House Hotel.

L’intero primo piano dell’albergo verrà convertito in spazio espositivo per ospitare artisti indipendenti e gallerie. Stando a quanto affermano gli organizzatori – la galleria d’arte Le Dame, Triumph UK e GEM Creative – la fiera è stata ideata per garantire al visitatore una vera e propria esperienza artistica. Per una prima edizione di alta qualità, gli artisti sono stati selezionati da un Comitato, che annovera tra i propri membri esponenti di prestigio come Roberta Cremoncini, direttrice

dell’Estorick Collection, l’attrice Greta Scacchi, Ian Rosenfeld, curatore della galleria d’arte Rosenfeld Porcini e Arturo Galansino, curatore alla Royal Academy of Arts. Tra gli artisti confermati, Rafal Zawistowski, Joe Reddy, Richard Niman e Lorenzo Belenguer.

ARTROOMS2015 ospiterà anche gallerie indipendenti come Amstel Art con opere di Warhol, Lodola e Willow, Accorsi Arte, Reissue Korea e The Cult House. “Abbiamo deciso di prolungare ARTROOMS2015 di un giorno proprio per dare la possibilità ai direttori delle tante gallerie internazionali

presenti alla London Art Fair di venirci a trovare e scoprire i nostri talenti” dice Cristina Cellini Antonini, fondatrice di ARTROOMS2015 e co-direttrice insieme a Chiara Canal di Le Dame. La fiera sarà anche un’occasione per raccogliere fondi per Bow Arts Trust, durante la cena di Gala si terrà un’asta di beneficenza con opere donate dagli espositori.

RAFAl ZAWistoWsKi

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In 2015, London will be welcoming an innovative concept of art exhibition that offers independent artists the opportunity to exhibit their artworks in the intimate dimension of 76 luxury hotel rooms. On January, art buyers will have one more reason to show up in London, as two important events will dress the capital with contemporary art during the same week. One of these is the established London Art fair, one of the UK’s leading exhibitions of the sector. The other event is ARTROOMS2015 set for the 23rd – 26th of January, a new fair that will convert the entire first floor of the Level at Meliá White House Hotel into an exhibition

REGINA

space. According to its organisers – Le Dame Art Gallery, Triumph UK and GEM Creative – the new art fair has been conceived around the importance of the visitor’s experience. To assure an impeccable first edition, the artworks on show are being selected by a Committee. Among its members there are Roberta Cremoncini, Director at the Estorick Collection, Greta Scacchi, Ian Rosenfeld, Curator at Rosenfeld Porcini Gallery and Arturo Galansino, Exhibition Curator at the Royal Academy of Arts. Among confirmed artists Rafal Zawistowski, talented Joe Reddy, Richard Niman and Lorenzo Belenguer, just to name a few.

ARTROOMS 2015 will also host few independent galleries, such as Amstel Art with selection of artworks by Warhol, Lodola and Willow, Accorsi Arte; Reissue Korea and The Cult House. “We trust that galleries exhibiting at the London Art Fair will also be interested in discovering “our” talented artists” says Cristina Cellini Antonini, Founder of ARTROOMS 2015 and Co-director together with Chiara Canal at Le Dame. The fair will represent as well a great opportunity to raise funds for its Charity Partner Bow Arts Trust, during the Gala Dinner there will be an auction with pieces of art being donated by exhibiting artists.

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OUTDOOR

Post Pop East Meets WesT The exhibition will be on display from 26 Nov 2014 to 23 Feb 2015 di / by Giulietta Tisminetzky

Alexander Kosolapov Hero, LeadeR, God at the Post

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La Saatchi Gallery di Londra ospita una mostra dedicata al movimento che ha influenzato in modo significativo la pratica artistica post-moderna: la Pop Art. PostPop presenta una serie di opere di artisti provenienti da Stati Uniti, Cina, Unione Sovietica e Regno Unito, raggruppandoli in diversi contesti: "Habitat", "Pubblicità e consumismo", "Celebrity e mass media", "Storia dell'Arte", "Religione e ideologia", "Sesso e il corpo".

Qui la Pop Art occidentale incontra il suo equivalente orientale comprendente "Sots Art" nell'Unione Sovietica e "Politica!- -Pop" o "Realismo Cinico", che fiorì in Cina nel 1990.

Utilizzando le immagini della cultura popolare, come manifesti di propaganda, pubblicità e motivi patriottici, gli artisti hanno creato uno spazio di riflessione per le preoccupazioni moderne.

Saatchi Gallery hosts an exhibition dedicated to the art movement that has significantly influenced post-modern art practice: Pop Art. PostPop presents a series ofworks from artists from USA, China, Soviet Union and the UK, grouping them in different frameworks: "Habita","Advertising and Consumerism", "Celebrity and Mass Media", "Art History", "Religion and Ideology", "Sex and the Body".

Here Western Pop Art encounters its eastern complement comprising "Sots Art" in the Soviet Union and "Political-Pop" or "Cynical Realism", which flourished in China in 1990s.

Utilizing pop culture's imagery, such as propaganda posters, advertisement and patriotic motifs, Pop artists have produced a space for reflection for modern preoccupations.

La mostra testimonia come gli artisti contemporanei hanno utilizzato questa eredità, commentando le ossessioni e le preoccupazioni, come il controllo da parte dello stato nell'Unione Sovietica, il feticismo dei prodotti a seguito del capitalismo nel mondo occidentale e la crescente fascinazione della società cinese con la ricchezza e il lusso in contrapposizione con l'austerità del suo recente passato.

La mostra è curata da rinomati maestri dell'arte contemporanea come il critico e scrittore Andrey Erofeev, il curatore indipendente Marco Livingstone e Tsong-Zung Chang, curatore e docente, co-fondatore di Asia Art Archive e Hanart TZ Gallery di Hong Kong. È composta da 250 opere di 110 artisti provenienti dalle quattro regioni, tra cui Daniel Arsham, Mare Quinn, Jeff Koons, Alexander Kosolapov e Wang Guangyi.

The exhibition portrays how contemporary artists have taken on that legacy, commenting on current obsessions and concerns such as state contro! in the Soviet Union, the commodity fetishism as a result of capitalism in the Western world and Chinese society's growing fascination with wealth and luxury following the austerity of its past.

The exhibition is co-curated by renewed masters of contemporary art such as critic and writer Andrey Erofeev, independent curator Marco Livingstone and curator and professar Tsong-Zung Chang, co-founder of Asia Art Archive and Hanart TZ Gallery in Hong Kong. It features 250 works by 110 artists from the four regions, including Daniel Arsham, Mare Quinn, Jeff Koons, Alexander Kosolapov and Wang Guangyi.

La mostra è aperta dal 26 Nov 2014 al 23 Feb 2015.

The exhibition will be on display from 26 Nov 2014 to 23 Feb 2015.

More info at: Saatchi Gallery Duke ofYork's HQ King's Road London SW3 4RY

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Guy Bourdin

Image Maker at Somerset House

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La Somerset House di Londra mette in mostra la più ampia raccolta di opere di uno dei più iconici ed enigmatici fotografi di moda, Guy Bourdin. La mostra presenta oltre 100 opere e materiale inedito tracciando la rinomata carriera di Bourdin. Il lavoro dell’allievo di Man Ray sfuma i confini tra reale e surreale, trasformando la moda in qualcosa di bizzarro e provocatorio.

Le sue opere discutono i cambiamenti sociali della sua epoca: la libertà sessuale, il capitalismo, gli eccessi del consumismo e la crescente presenza dei media.

Guy Bourdin è considerato uno dei più interessanti artisti fotografici del 20° secolo e le sue opere sono caratterizzate da una ricerca della perfezione. Alla fine degli anni Settanta Bourdin diventa

promotore e sostenitore di un cambiamento radicale nel settore della fotografia di moda e l'imaging creativa. Influenzato dal movimento surrealista, con un gusto per la provocazione e la stilizzazione, Bourdin esplora i temi della morte, il desiderio, la sessualità e la bellezza, che credeva di essere gli elementi chiave dell'esistenza. Caratterizzate dalla ricerca per la perfezione,

le sue fotografie hanno avuto un impatto radicale nel mondo della fotografia, della moda e dell'arte, e questa esibizione dimostra senza ombra di dubbio il genio artistico di Guy Bourdin.

Somerset House showcases the most extensive collection ever made of works by one of the most iconic and enigmatic fashion photographers, Guy Bourdin. The exhibition features over 100 works and unpublished material tracing Bourdin’s celebrated career.

The work of Man Ray’s pupil blurs the boundaries between the real and surreal, turning fashion into something

bizarre and provocative. His works discuss the social changes of that period: sexual freedom, capitalism, the excesses of consumerism and the growing presence of the media.

Guy Bourdin is considered one of the most interesting photo artist of the 20th century, at almost 18 years after his death, his artistic legacy is celebrated all over the world.

By the end of the seventies Bourdin become a promoter of a radical change in the field of fashion photography and creative imaging. Influenced by surrealist movement, with a taste for provocation and stylization, Bourdin explored themes of death, desire, sexuality and beauty, which he believed to be the key elements of existence.

Characterized by a search for perfection, his photographs have had a radical impact on the world of photography and art, and this exhibition show beyond doubt Bourdin’s artistic genius.

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La mostra sarà esposta fino al 15 Marzo 2015 alla Somerset House, Londra

The exhibition will run until the March 15, 2015 at Somerset House, London

INTERNI

GRUPPO EUROMOBIL NUOVA STRATEGIA DI COMUNICAZIONE: UNICA, DISTINTIVA E INTERATTIVA

di / by C. P.

CATALOGO EUROMOBIL CUCINE “LIVING AND COOKING” EUROMOBIL CATALOGUE “LIVING AND COOKING” KITCHEN FURNITURE

Nuovi strumenti di vendita differenziati per il network commerciale e il grande pubblico, cataloghi generali con una veste raffinata ed elegante con una logica visiva e narrativa speciale in grado di enfatizzare i prodotti e suscitare emozioni. Destinati al grande pubblico, i “giornaloni”, pratici, dinamici e dall’immediato impatto visivo, presentano una grafica elegante con un linguaggio fresco e versatile in cui vengono riassunti il mondo TOTAL HOME DESIGN - dove si integrano i 3 brand Euromobil cucine, Désirée divani e Zalf mobili - la nuova filosofia delle cucine Euromobil, e tutta la creatività dello spazio Bambini e Ragazzi.

New communication strategy: unique, distinctive and interactive. New differentiated sales instruments for our sales network and the public at large; refined elegant general catalogues employ a special visual and narrative logic that emphasizes the products and catches the eye.

For the public, practical dynamic “magazines” with immediate visual impact present elegant graphics and use a fresh versatile language that summarizes the TOTAL HOME DESIGN - concept which integrates our three brands, Euromobil Cucine, Désirée Divani and Zalf Mobili the new philosophy of Euromobil kitchen furniture and all the creativity of rooms for Children and Juniors.

A SINISTRA IN ALTO: GIORNALONE EUROMOBIL CUCINE “LIVING AND COOKING” A SINISTRA IN CENTRO: GIORNALONE GRUPPO EUROMOBIL “TOTAL HOME DESIGN” A SINISTRA IN BASSO: GIORNALONE ZALF MOBILI “BAMBINI E RAGAZZI” TOP LEFT: EUROMOBIL “LIVING AND COOKING” KITCHEN FURNITURE MAGAZINE CENTRE LEFT: GRUPPO EUROMOBIL “TOTAL HOME DESIGN” MAGAZINE BOTTOM LEFT: ZALF MOBILI “CHILDREN AND JUNIORS” MAGAZINE

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A DESTRA: APPLICAZIONE GRUPPO EUROMOBIL PER SMARTPHONE E TABLET DISPONIBILE SIA PER DISPOSITIVI iOS CHE PER DISPOSITIVI ANDROID INTERAGIBILE CON I CATALOGHI CARTACEI DOVE RIPORTATO IL SIMBOLO DELL’APPLICAZIONE ON THE RIGHT: GRUPPO EUROMOBIL APPLICATION FOR SMARTPHONES AND TABLETS, AVAILABLE FOR iOS OR ANDROID DEVICES AND INTERACTIVE WITH OUR PAPER CATALOGUES WHERE THE APP SYMBOL IS PRINTED

TANTI CONTENUTI EXTRA CON LA NUOVA APP GRUPPO EUROMOBIL

IL DESIGN DIVENTA PIÙ ACCESSIBILE CON IL NUOVO CONCEPT DEL SITO WEB

Un modo innovativo di sfogliare i cataloghi e visualizzare i contenuti multimediali. Con l’applicazione mobile del Gruppo Euromobil puoi divertirti e scoprire contenuti extra con video foto e animazioni dei prodotti con la realtà aumentata. Puoi sfogliare e avere sempre con te i cataloghi e trovare il punto vendita più vicino. Inoltre condividere tutti i contenuti extra ed il mondo Gruppo Euromobil con chi vuoi tu. Oltre all’app è stato rinnovato il sito web con una veste grafica più fresca, elegante ed accattivante. Un sito ricco di contenuti, news e tipologie di prodotto del mondo Gruppo Euromobil con i suoi 3 barand, fruibili in maniera semplice, immediata ed efficace.

Lots of extra content with the new Gruppo Euromobil app. A new way to browse our catalogues and view multimedia contents. Use the Gruppo Euromobil mobile application to enjoy exploring extra contents with videos, photos and animation that make the products appear more real. You can browse catalogues available at a touch and find your nearest point of sale.

You can also share all the extra content and the world of Gruppo Euromobil with anyone you want. Besides the app, the website has been refreshed with new elegant attractive graphics. The site has a wealth of contents, news and product types from the three brands of Gruppo Euromobil, to enjoy easily, quickly and effectively.

A SINISTRA: NUOVO CONCEPT DEL SITO INTERNET “GRUPPO EUROMOBIL”, ZALF MOBILI, EUROMOBIL CUCINE, DÉSIRÉE DIVANI ON THE LEFT: NEW CONCEPT FOR THE “GRUPPO EUROMOBIL” WEBSITE ZALF MOBILI, EUROMOBIL CUCINE, DÉSIRÉE DIVANI

GRUPPOEUROMOBIL.COM 101

AGENDA

Giuseppe Cesetti VIRGILIO GUIDI

di / by Tobia Donà

Visionary poets and great painters POETI, SOGNATORI E GRANDI PITTORI 102

winter-spring 2015

GIUSEPPE CESETTI AUTORITRATTO 1934 OLIO SU TAVOLA 42 X 40 cm

GIUSEPPE CESETTI SULLY SUR LOIRE 1957 OLIO SU TELA 65 X 80 cm

N

on poteva mancare la parola Poeti, nel titolo di un’esposizione che si presta ad essere prima di tutto un importante evento culturale. Alla Galleria Contini, in piazza Franceschi 7 a Cortina, turisti e non, avranno la possibilità di vedere dal vivo le opere pittoriche di due straordinari artisti del XX secolo, Giuseppe Cesetti e Virgilio Guidi. Poiché riconosciuti in vita e ampliamente storicizzati, e per il fatto che, più volte, sono stati presenti alla Biennale di Venezia con sale personali, o perché le loro opere oggi sono esposte in importanti musei pubblici, ebbene, per tutto ciò nessuno mi potrà smentire nell’affermare che si tratta di pittori

di grande prestigio ed enorme valore.

Ma c’è qualcosa di più che emerge tra le righe della storia e che credo sia importante sottolineare, essi sono forse gli ultimi uomini del Novecento. Persone per le quali fare arte, significava un impegno sociale e politico, nell’accezione più alta del termine. Entrambi scrittori e poeti, uomini di cultura. Hanno lasciato un segno indelebile in quello che è stato il secolo più straordinario, ma anche sconvolgente, dell’intera storia dell’umanità. Tante le cose che li accomunano, come l’amore per Parigi e Venezia o, i rapporti con intellettuali del loro secolo, quali; Giuseppe Ungaretti, Giorgio De Chirico, Filippo de Pisis, ma anche

Salvatore Quasimodo e Roberto Longhi, solo per citarne alcuni. Non solo vi invito a visitare la mostra, ma anche a leggere ed approfondire le loro biografie, per trovare voi stessi le innumerevoli relazioni che hanno accomunato nel passato le loro vite e che potrebbero accomunare oggi, il nostro futuro. “Il tempo o logora le relazioni o le chiarisce a se stesse” scriveva Guidi nel ’63. Credo che la mostra di Cortina sia un contributo fondamentale al loro chiarimento.

GIUSEPPE CESETTI BUOI E CAVALLI IN MAREMMA 1929 OLIO SU TAVOLA 75 X 145 cm

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VIRGILIO GUIDI

Two Poets are exhibited at the Galleria Contini in Cortina. An important cultural event.

Shown are the artworks by two extraordinary painters of 20th century: Giuseppe Cesetti and Virgilio Guidi.

Largely historicized, several times present at the Biennale of Venice, today their artworks are shown in important public museums.

However, there is something more emerging from the lines of the history and I think it’s important to be under lighted: they have been the last men

of the Novecento. People putting efforts into socials and politics throughout their art. They were writers, poets, men of culture and they left an indelible sign in the most extraordinary and shocking century of the whole history of humanity.

They loved Paris and Venice, meeting Giuseppe Ungaretti, Giorgio De Chirico, Filippo de Pisis in addition to Salvatore Quasimodo and Roberto Longhi. Therefore, I’m not only inviting you to visit the exhibition, but also to examine in depth their biographies,

ISOLA DI SAN GIORGIO 1953 OLIO SU TELA 61 X 75 CM

Virgilio Guidi grande testa 1970 olio su tela 60 x 50 cm

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winter-spring 2015

Stampare su carta significa realizzare un’idea.

Costruire un libro, una brochure, un catalogo è concretizzare un progetto e portarlo a conoscenza del mondo, dargli vita. Tutto questo, è la nostra arte.

graficheperuzzo.it

PERUZZO Advertising | graficheperuzzo.it

Print to life

VIRGILIO guidi

VIRGILIO guidi

Venezia Riva degli Schiavoni olio su tela 50 x 70 cm

marina spaziale 1948 olio su tela 90 x 120 cm

to find yourselves the infinite relationships linking their lives in the past and that could link our future today. “Il tempo o logora le relazioni o le chiarisce a se stesse� (Time either ruins relationships or clarifies them to themselves) (V.Guidi 1963).

I believe this exhibition is a fundamental contribution to their clarification.

virgilio guidi marina spaziale 1977 olio su tela 150 x 182 cm

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Virgilio Guidi

Virgilio Guidi

Virgilio Guidi

testa le maschere tragiche 1967 olio su tela 50 x 60 cm

Danae (dal Correggio) 1918-19 olio su tela 164 x 193 cm

Alberi 1974 olio su tela 240 x 200 cm

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gas

luce L’arte di trasformare il mercato dell’energia per la casa e l’impresa in un mondo semplice è la specialità di Argos Energia. Azienda dinamica e giovane, è il partner ideale per tagliare i costi di gas e luce e per garantirti bollette chiare e trasparenti. Con Argos Energia sai sempre quanto spendi e sai sempre quanto risparmi.

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da rete fissa e mobile

UN ARTISTA CONTRO

Veneziano

a nonconformist artist

V

i sarà capitato spesso di trovare l’aggettivo provocatoria, al seguito della parola arte.

Certo, l’arte può essere tante cose, anche una provocazione poiché cerca di instillare in noi delle riflessioni, delle domande.

E proprio perché è l’esigenza di un artista di comunicare con noi, l’arte è contemporaneamente, osservatrice e coscienza critica della storia. Succede che su determinati argomenti, l’artista dichiari perfettamente il contrario di ciò che pensa e prenda in considerazione solo gli opposti. E c’è chi, tra gli artisti contemporanei, per mantenerne alta l’attenzione, per instaurare una determinata comunicazione, scelga di sposare un’icona del cinema porno o di impiccare tanti bambini ad un albero (fortunatamente dei manichini). Sto parlando di noti e quotati artisti.

Faccio questa premessa poiché anche per Giuseppe Veneziano l’appellativo provocatorio è stato utilizzato spesso. Vittorio Sgarbi, uno che di provocazioni se ne intende, più volte è intervenuto in difesa di alcune

VENEZIANO Venere Turchina 2014 acrilico su tela 180 x 120 cm

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VENEZIANO www.sangerolamo_labibbia.com 2014, acrilico su tela 120 x 155 cm courtesy galleria Contini

VENEZIANO La Madonna di Krypton 2014 acrilico su tela 130 x 130 cm

sue opere, spiegandone il significato e tentando di mediare a superficiali interpretazioni benpensanti che sono di fatto il bersaglio di Veneziano.

Ora, l’intensa mostra cortinese alla Galleria Contini di Via Roma 2, puntualizza sulla figura di questo importante artista, facendo luce sul suo duplice universo, che

dietro la falsa allegria del colore, è un’inquietante specchio della realtà.

Quello che ne emerge è un’eccezionale dote creativa, che unisce un’acuta duplicazione della memoria collettiva a una complessa riattivazione di risonanze di senso: frammenti di percezioni quotidiane, fantastiche registrazioni di fatti ed eventi, pronti

a diventare remoti reperti della memoria. Fatti di cronaca, immagini iconiche di civiltà massmediatica, sono ricomposte nelle tele di Veneziano, in una messa in scena che sconvolge i significati usuali e li spiazza, li rovescia, in simboli del contemporaneo, provocando naufragi di sensi, falsi miraggi, ossessioni di sogno o malinconici riflessi. Un'arte che riflette lo stato della cultura, termometro di istanze sociali, come l’incertezza e la morte dei valori del passato, con le quali tutti dobbiamo definitivamente convivere, a volte con ironia, altre con incerti presagi.

VENEZIANO Pussy Riot 2014 acrilico su tela 175 x 160 cm

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Often the word “art” is followed by the adjective “provocative”.

The reason is that the artists, in order to capture our attention, say the contrary of what they think and consider only the opposites.

I start by saying that because Giuseppe Veneziano too has been frequently defined “provocative”.

More than once Vittorio Sgarbi defended some paintings by

VENEZIANO l'enigma di pikachu 2013 acrilico su tela 100 x 100 cm

Veneziano, trying to mediate summary conformist interpretations.

The exhibition at the Contini Gallery in Cortina, Via Roma 2, investigates around the figure of this important contemporary artist, under lighting the extraordinary creative talent that is a mirror of reality.

Veneziano unites an acute duplication of the common memory and fragments of daily perceptions.

News stories, iconic images of our media-based society are pictured by Veneziano in a set up that subverts and floors the common meanings.

It’s an art that reflects the present, the uncertainty and the end of past values. We all have to keep that in mind, sometimes ironically, sometimes thinking of uncertain presages.

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VENEZIANO the first time 2014 acrilico su tela 140 x 100 cm

FURNISHING

di / by Marco Rossi

SISTEMA GIORNO Z453 DI ZALF DESIGN R&S ZALF E ROBERTO GOBBO DIVANO MONOPOLI DI DÉSIRÉE DESIGN MARC SADLER Z453 LIVING ROOM SYSTEM BY ZALF MONOPOLI SOFA BY DÉSIRÉE

GRUPPO EUROMOBIL ALTO DESIGN E QUALITÀ

TOTAL HOME DESIGN: UNA NUOVA IDEA D’ARREDO DI CASA TOTALE Il Gruppo Euromobil introduce una nuova concezione d’arredo per soddisfare in modo concreto le esigenze dell’abitare, attraverso un progetto in grado di esprimere valori e contenuti tangibili frutto di passione e ricerca.

Total Home Design comprende sistemi e complementi di arredo di alta qualità integrati, trasversali, ad un costo accessibile. Un’idea di

Gruppo Euromobil has introduced a new interior decor concept that provides practical furnishing solutions through a project designed to express the tangible values and contents of our commitment and research. Total Home Design comprises top quality integrated universal furnishing systems and complementary items at affordable prices. The idea is of a contemporary

A SINISTRA DIVANO ENDOR DI DÉSIRÉE DESIGN MARC SADLER ®

ON THE LEFT ENDOR SOFA BY DÉSIRÉE

EUROMOBIL OFFICIAL FURNITURE PARTNER EXPO VILLAGE CASCINA MERLATA FOR EXPO MILANO 2015

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casa contemporanea con Euromobil cucine e living, Désirée divani, poltrone e letti, e Zalf giorno, notte, bambini e ragazzi. Gli ambienti non sono più visti singolarmente, ma sono tra loro strettamente connessi in una sorte di continuum organico. Una visione di arredo in linea con i desideri di chi vuole trovare in ogni spazio la perfetta armonia.

Euromobil in vista dell’Expo 2015 di Milano è stata selezionata come official furniture partner, in quanto azienda espressione del Made in Italy, per fornire tutti gli arredi degli spazi domestici del Villaggio Expo di Cascina Merlata, l’ampia zona a Nord-Ovest di Milano a ridosso del sito espositivo di Expo.

home with Euromobil kitchen and living space furniture, Désirée sofas, armchairs and beds, and Zalf living room, bedroom, children’s and junior furniture. Rooms are not considered individually, but are closely connected in a sort of organic continuum.

This is a vision of furniture in line with the wishes of those who seek perfect harmony throughout their homes.

Because it perfectly represents manufacturers of products labelled Made in Italy Euromobil has been selected as an official furniture partner for the Milan Expo 2015 to supply all the decor for the accommodation areas of the Cascina Merlata Expo Village, located north east of Milan, adjacent to the site of the Expo.

IN ALTO: ARMADIO SCORREVOLE COMBI SYSTEM LETTO E COMPLEMENTI SHELL DI ZALF DESIGN R&S ZALF E ROBERTO GOBBO ABOVE: COMBI SYSTEM SLIDING DOOR WARDROBE SHELL BED AND COMPLEMENTARY ITEMS BY ZALF

SOTTO: CUCINA FILOANTIS33 DI EUROMOBIL DESIGN R&S EUROMOBIL E ROBERTO GOBBO BELOW: FILOANTIS33 KITCHEN FURNITURE BY EUROMOBIL

THD TOTALHOMEDESIGN

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FOUR WINDS RESIDENCE ISTANBUL-TURCHIA ARCHITETTO AKTINS E YAVUZ ADIGÜZEL FOUR WINDS RESIDENCE ISTANBUL-TURKEY ARCHITECTS AKTINS AND YAVUZ ADIGÜZEL SOTTO: GRAND MELIA HOTELS & RESORTS CRETA - GRECIA ARCHITETTO 3SK STYLIANIDIS ARCHITECTS BELOW: GRAND MELIA HOTELS & RESORTS CRETE - GREECE ARCHITECT 3SK STYLIANIDIS ARCHITECTS

Le forniture internazionali rappresentano per il Gruppo Euromobil uno scenario progettuale importante. Infatti, grazie a sistemi e collezioni integrabili e all’adattamento su misura del prodotto, l’Azienda può misurarsi con soluzioni differenti da quelle richieste dal mercato dell’arredamento contemporaneo di serie. Design, flessibilità e funzionalità consentono così ad Euromobil Cucine, Zalf Mobili e Désirée divani di produrre solo ed esclusivamente in Italia, nelle tre sedi in Veneto, sistemi d’arredo utilizzabili in progetti eterogenei per la committenza internazionale. Il Gruppo Euromobil si pone innanzitutto sul mercato del Contract come fornitore di servizi. Dal dialogo con il committente nasce un progetto a cui segue una serie di fasi di realizzazione controllate: qui il concetto di “problem solving” diventa prioritario per l’ottimizzazione del progetto stesso.

L’azienda si propone così come referente unico, garantendo un servizio chiavi in mano.

Spesso realizza specificatamente per gli hotels, camere complete di tutte le funzioni.

Per il settore contract, l’azienda ha dedicato un’attenzione particolare affinché il grado di personalizzazione sia il più ampio possibile, ponendosi come obiettivo un alto livello formale.

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CONTRACT GRUPPO EUROMOBIL

MAKE & PROJECT IN ITALY SISTEMI INNOVATIVI E FLESSIBILI

Gruppo Euromobil Contract make & made in Italy innovative flexible systems.

Customized projects and solutions for international supplies to residences, hotels, offices and shops, institutions and public areas. International supplies are an important factor for Gruppo Euromobil.

Thanks to mix and match systems and collections of customizable items the company can provide solutions different

from those normally proposed to meet the market demands for mass produced contemporary furniture. Design, flexibility and functionality combine so that Euromobil Cucine, Zalf Mobili and Désirée Divani can supply furniture systems manufactured exclusively in Italy in three facilities located in Veneto, for use in heterogeneous projects for international customers. Gruppo Euromobil

PROGETTI E SOLUZIONI PERSONALIZZATE PER FORNITURE INTERNAZIONALI RESISIDENCES, HOTEL, UFFICI E SPAZI COMMERCIALI, ISTITUZIONI E SPAZI PUBBLICI is first and foremost a service supplier on the Contract market. Working together with the customer a project is produced, followed by a series of controlled stages: here the concept of “problem solving” is a priority for project optimization. In this way the company is a single partner that guarantees a turnkey service. Often systems are produced specifically for hotels to supply rooms complete with all functions. In the contract trade the company dedicates special attention to customizing as fully as possible, with the aim of achieving extremely high standards.

SOPRA E A SINISTRA IN ALTO: VILLE LP GROUP SOFIA - BULGARIA ARCHITETTO ATANAS PANOV ABOVE AND TOP LEFT: LP GROUP VILLAS SOFIA - BULGARIA ARCHITECT ATANAS PANOV A SINISTRA IN BASSO: VILLE ARLOGIS SELESTAT - FRANCIA BOTTOM LEFT: ARLOGIS SELESTAT VILLAS - FRANCE

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Vittorio Veneto Tarzo

Cison

Colle Umberto S. Pietro di Feletto Refrontolo Pieve di Soligo San Vendemiano Farra di Soligo VALDOBBIADENE CONEGLIANO COLLALTO SUSEGANA

Vidor

Fiume Piave

TENUTA 2 CASTELLI - V i a C u c c o , 2 3 - 3 1 0 5 8 C o l l a l t o d i S u s e g a n a ( T V ) - I t a l y - Te l . + 3 9 0 4 2 2 8 3 6 7 9 0 - F a x + 3 9 0 4 2 2 7 3 0 7 3 9 Email: info@2castelli.com - w w w . 2 c a s t e l l i . c o m

Technology and design

di / by Francesco Spinaglia

Italian winning combination FOR

IT ONEOFF S

i afferma che la differenza per un’artista in ambito internazionale consista in un’unione di personalità, abilità e tecnica al fine di creare uno stile unico, innovativo e riconoscibile all’interno di una storia dell’arte che molto ha già esplorato soprattutto negli ultimi cento anni. Tale approccio metodologico è applicabile anche a livello tecnologico dove design, ingegnerizzazione, artigianalità, gusto artistico e savoir-faire rappresentano e determinano la differenza a livello progettale.

IT ONEOFF è una società che sintetizza tutti questi concetti.

Costituita da un gruppo di quattro persone (Marco e Mattia Travaini, Alessio Ferrari, Alberto Agnoletto), la frizzante realtà imprenditoriale veneta opera ideando oggetti esclusivi unendo altissima artigianalità con materiali ricercati e pregiati, all’interno di progetti

tecnologicamente avanzati.

Il primo esempio concreto di questa mission aziendale si è realizzato nella prima seduta basculante al mondo, denominata UFO. Si tratta di una poltrona avveniristica che si adagia lungo una monoscocca sferica in fibra di carbonio, del diametro di 170 cm, che poggia su un punto sempre variabile. Una comodità sempre garantita grazie a un cuscino, di diverse densità in memoryfoam, rivestito da pelle pregiata. Una costante e incessante ricerca che ora si materializza in un nuovo prodotto chiamato HOLO. Si tratta di un sistema di riproduzione audio olofonico in fibra di carbonio vetrificato, sviluppato in collaborazione con l’amico artigiano Crespan. Dunque, un concentrato tecnologico rivolto a coloro i quali prediligono o hanno sempre voluto un suono puro, talmente affinato che la riproduzione domestica diventa

simile o superiore alla realtà, tanto da portare idealmente l’usufruitore in un luogo atto alla musica dal vivo. A livello tecnico, la realizzazione degli stampi è prodotta da un’importante azienda coinvolta nelle forniture dei più importanti team dell’America’s Cup e il processo di verniciatura necessita tre settimane di tempo mentre lo smalto speciale vetrificante 17 passaggi.

Grazie alle collaborazioni con il fotografo MarcKus Milo www.marckusmilo.com - e con l’azienda di moda Maison Ròde www.maisonrode.com - conosciuta per la creazione di vestiti e oggetti dalla realizzazione originale, IT ONEOFF, in un’epoca di prodotti relativamente standardizzati e di larga diffusione, eccelle nella sperimentazione continua rilanciando un made in Italy che unisce genialità artistica e tecnica sopraffina.

HOLO, Caratteristiche tecniche: 2+2 VIE DIFFUSORE OMNIDIREZIONALE MANGER MSW + COMPRESSION TWEETER ALKÈMIA W10 + BASS REFLEX CABINET IN FIBRA DI CARBONIO SPESSORE 3,5 MM, ACCIAIO INOX E ALLUMINIO IMPEDENZA NOMINALE 8 OHM FREQUENZA RISPOSTA 28/32.000 HZ IN INTERNO, -6DB AT 34HZ IN ESTERNO POTENZA 87 DB/W/M POTENZA 300W RMS, 600W PICCO (40/200W AMPLIFICATORE RACCOMANDATO) VOLUME MASSIMO RACCOMANDATO DELLA STANZA 300 M3 DIMENSIONI LXDXH 38 X 38 X 150 CM PESO 36 KG CAD 118

winter-spring 2015

WWW.ITONEOFF.COM

The difference for an artist, in the international arena, consists in a combination of personality, skill and technique in order to create a unique style, innovative and recognizable.

This methodological approach is also applicable to a technological level where design, engineering, craftsmanship, artistic taste and savoir-faire represent and determine the difference in planning. IT ONEOFF is a company that synthesizes all these concepts. Formed by a group of four people (Marco and Mattia Travaini, Alessio Ferrari, Alberto Agnoletto) the sparkling Venetian entrepreneurial reality works designing exclusive items combining high craftsmanship, quality materials and fine within technologically advanced projects.

The first concrete example of this mission has been reflected in the first rocking lounge-chair of the

world, called UFO. It is a futuristic armchair which lies along a spherical monocoque carbon fiber, with a diameter of 170 cm, which rests on a point always variable.

A comfort always guaranteed thanks to a cushion, of different densities in memoryfoam, covered with fine leather. A constant and incessant research that now materializes in a new product be named HOLO. It is a sound reproduction system in carbon fiber vitrified, developed in collaboration with the friend craftsman Crespan. Holo speakers create a tridimensional holophonic stage. A concentrated technology designed for those who prefer or have always wanted a pure sound, so refined that the domestic reproduction becomes similar or greater than the reality, to bring ideally the listener in a real place to live music. The technical molds making are produced

by the suppliers for the America’s Cup and the carbon coatings require three weeks drying time while special enamel overglaze requires 17 coats.

Thanks to collaborations with photographer MarcKus Milo www.marckusmilo.com - and with the fashion company Maison Rode - www.maisonrode.com - known for creating original clothes and objects, IT ONEOFF, in an era of relatively standardized and widespread products, excels in the experimentation continuing to revive a made in Italy that combines artistic genius with excellent technique.

holo, technical specifications 2+2 ways omnidiRecTional diFFUseR mangeR msw + comPRession TweeTeR alKĂˆmia w10 + bass ReFleX caRbon FibeR cabineT 3,5 mm ThicK , inoX sTeel and alUminiUm nominal imPedance 8 ohm FReQUency ResPonse 28/32.000 hZ indooR, -6db aT 34hZ oUTdooR sensiTiViTy 87 db/w/m PoweR handling 300w Rms, 600w PeaK (40/200w amPliFieR Recommended) maXimUm Room VolUme Recommended 300 m3 dimensions lXdXh 38 X 38 X 150 cm weighT 36 Kg each 119

maesTRi

igoR miToRaJ

RemembeRing a myTh RicoRdo di Un miTo

di / by Andrea Maurizio Campo

i

busti maschili e le monumentali teste bronzee, i frammenti di un corpo spezzato e le icone della mitologia greca che intrecciano un fitto dialogo di rimandi e citazioni alla scultura “ideale”, agli archetipi della tradizione classica e all’effetto del fluire del tempo su di essa. Questo è l’immenso patrimonio che ci ha lasciato igor mitoraj, il grande scultore polacco scomparso a Parigi all’età di 70 anni. Un’eredità culturale che ancora oggi è possibile ammirare in ogni parte del mondo: le sculture monumentali a milano (il grande Toscano in piazza del carmine, la Fontana del centauro a gratosoglio e omaggio a de sabata al Teatro alla scala); a Roma dove realizza i portali laterali in bronzo della basilica di santa maria degli angeli e dei martiri, a Parigi (Tindaro e altre sculture monumentali a la défense);

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Mitoraj VALLE DEI TEMPLI

a Londra (Thsuki-No-Hikari presso il British Museum e le tre sculture a Canary Wharf), e ancora ad Atlanta e a Tokyo. Altrettanto importanti sono state le retrospettive a lui dedicate ai Mercati di Traiano a Roma, nella Valle dei Templi di Agrigento e ai giardini delle Tuileries di Parigi.

Senza contare le numerose mostre personali, tra cui da ricordare

quelle al Museo Nazionale di Castel Sant'Angelo a Roma, alla Biennale d'Arte di Venezia, presso la Compagnia del Disegno di Milano, a Palazzo Strozzi di Firenze, alla The New York Academy of Art, al Castello Sforzesco di Milano, al Museo d'Arte Moderna di Lugano, nella Piazza e nel Museo Nazionale di Poznam in Polonia, a Palazzo Reale di Varsavia e a Ca' Pesaro a Venezia. Le sue opere

hanno impreziosito Pietrasanta in Toscana, città in cui giunse nel 1979 e a cui fu molto legato. Qui, infatti, incontra il marmo e nel 1983 decide di aprirvi uno studio dividendo la sua vita tra l’Italia e la Francia. Il legame con l’Italia è reso ancora più forte dallo stretto rapporto che lo scultore instaura con Stefano Contini delle Gallerie Contini; un legame di reciproca stima che si è rinnovato

con Traces of Time, un’antologica tutta da scoprire, nella nuova sede delle gallerie: Contini Art UK, gestita da Cristian Contini, sita in New Bond Street 105, nei pressi di Oxford Street a Londra. Ultima grande mostra monumentale di Mitoraj è "Angeli" ancora visitabile presso il complesso monumentale di Piazza dei Miracoli a Pisa. Circa cento opere tra sculture monumentali, bronzi, fusioni in ghisa,

disegni, esposti fra le nuove sale dell’Opera Primaziale del Duomo, il Museo delle Sinopie e l’esterno, oltre a cinquanta gessi e alcuni dipinti, realizzati negli ultimi anni, che svelano un Igor Mitoraj inedito. La mostra chiuderà il 12 aprile 2015, per ammirare l'ultimo battito d'ali dell'Icaro involato.

MITORAJ VALLE DEI TEMPLI

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The male busts and the monumental heads of bronze, the fragments of a broken body and the icons of the Greek mythology that intertwine a dense dialogue of references and connections with the “ideal” sculpture, with the archetypes of the Roman and Greek tradition and with the effect the passing of time has on it. This is the enormous legacy left

by Igor Mitoraj, the famous Polish sculptor who died in Paris at the age of 70. A cultural heritage that is still possible to admire in every part of the world: the monumental sculptures in Milan (the Grande Toscano in piazza del Carmine, the Fontana del Centauro in Gratosoglio and Omaggio a De Sabata at the Teatro alla Scala), in Rome where

he made the lateral bronze gates of the Basilica di santa Maria degli Angeli e dei Martiri, in Paris (Tindaro and other monumental sculptures at the La Défense) in London (ThsukiNo-Hikari at the British Museum and the three sculptures in Canary Wharf) and yet Atlanta and Tokyo. Of the same importance have been the retrospectives dedicated to him at the

Mitoraj Tindaro La Défense - Paris

Mitoraj Ikaro Cielo Bianco 2014 Mixed Media 200 x 210 cm

Mitoraj MERCATI DI TRAIANO

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Mercati di Traiano, in Rome, in the Valle dei Templi in Agrigento and a the gardens of the Tuileries in Paris.

And more, the numerous personal exhibitions including the one at the Museo Nazionale in Castel Sant’angelo in Rome, at the Biennale d’Arte di Venezia, at the Compagnia del Disegno in Milan, at Palazzo Strozzi, in Florence, at the New York Academy of Art, at the Castel Sforzesco in Milan, at the Museo d’Arte Moderna in Lugano, in the main square and at the National Museum in Poznam, in Polland, at the Real Palace in Warsaw and at Ca’ Pesaro in Venice. His artworks embellished Pietrasanta, in Tuscany, a city where he arrived in 1979 and to which he was very attached. Indeed, it’s here where he met the marble

Mitoraj Mitoraj

Bacio dell' Angelo 2003 Bronze Ed. H.C 80 x 80 x 35 cm

Eclisse 1992 Marble 21 x 33 x 25 cm (Time machine - BRITISh MUSEUM)

and, in 1983, decided to open a studio, living his life between France and Italy. The bond with Italy became even more tighten thanks to the relationship that the sculptor started with Stefano Contini, owner of the Gallerie Contini; a relationship made of mutual respect that was renewed with Traces of Time, an anthological exhibition to be discovered at the new location of the Gallerie Contini: Contini Art UK, in New Bond Street, 105, by Oxford Street in London, driven by Cristian Contini. The last important monumental exhibition

by Mitoraj was “Angeli” still visible

at the monumental complex in Piazza dei Miracoli in Pisa. About one hundred artworks, bronzes, cast iron fusions, drawings, shown in the new halls of the Opera Primaziale del Duomo, the Museo delle Sinopie

Mitoraj Donne II 1990 Bronze, Edition 3/6 44 x 80 x 37 cm

end the outside, together with fifty plaster works and some paintings, made during the very last years and showing an unseen Mitoraj. The exhibition will close on April, 12 2015.

Mitoraj Testa Addormentata canary wharf london

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ARTWORKS

ANGELO MURIOTTO

Startup of a story…

I

nizia a delinearsi con più chiarezza, la storia dell’artista senza storia.

Capitolo dopo capitolo, una serie di mostre in prestigiosi spazi museali (tra queste la recente personale alla Ca’ dei Carraresi di Treviso nel mese di ottobre 2014 e in attesa di Villa Pisani di Strà ad aprile 2015), gallerie e critici d’arte che si sono avvicinati e interessati al suo lavoro contribuendo a farlo conoscere e riconoscere, hanno reso Angelo Muriotto in soli quattro anni (ha iniziato infatti a realizzare opere nell’agosto del 2010) una delle presenze più interessanti del mercato italiano dell’arte contemporanea.

Dai recenti esordi, questa storia si è arricchita attraverso una ricerca rigorosa, coerente e innovativa, orientata su due linee principali di sviluppo: lo studio dei linguaggi artistici del primo e secondo Novecento, riletti e interpretati con originalità e l’uso di selezionati materiali di recupero per giungere a una produzione ormai ripulita da ogni virtuosismo decorativo, svuotata delle ridondanze, pura e minimale come la luce, l’aria, l’ombra, il vuoto (concetti ai quali l’artista da sempre si rivolge, cogliendone l’essenza per smaterializzare i propri oggetti artistici e caricarli di nuovi valori critici ed estetici). Due anche le principali ricerche sulle quali si concentra oggi l’artista, entrambe punto di arrivo di un processo guidato dalla capacità di inventare e re-inventarsi, intuendo nuove potenzialità aggregative della materia per istruire continui scambi emozionali tra ambiente, osservatore, opera. Le Trasparenze, realizzate con pannelli di plexiglass forati sui quali vengono

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ANGELO MURIOTTO VOLUME DI SPAZIO (blu) specchio colorato, plexiglass e cristalli blu

di / by Gaetano Salerno

incollati cocci di cristallo di Murano e pezzi di plexiglass residuo dei fori precedentemente praticati, vivono nel silenzio, rivelandosi infatti come raffinato ed esile grafismo di ombre sul bianco della parete retrostante, riflessi della luce sui cristalli e filtrate dall’assenza della superficie. La serie Volumi di Spazio invece, monocromi di vari formati, rompe la bidimensionalità dell’oggetto espandendo l’opera al di fuori del quadro, moltiplicando esponenzialmente i cocci colorati applicati sulle superfici specchianti sovrapposte (acciaio inox lucidato e specchi colorati), accarezzando l’indefinito e l’imponderabile. L’oggetto è così un verso poetico ermetico, funzionale alla visualizzazione di un pensiero libero di permeare l’Universo, condotto da colori traslucenti, da livelli spaziali di lettura che estendono l’opera ben oltre la sua presenza; riflettendo e riverberando la luce o lasciandosene attraversare, gli specchi e le trasparenze del plexi-

glass consentono viaggi multidimensionali oltre le superfici, scomposte e ricomposte nella virtualità, intercettando un pensiero armonico e definendo percorsi mentali verso spazi neoplatonici che ne subordinano i valori estetici – comunque presenti e comunque evidenti – ai loro valori concettuali. Un catalogo ragionato del lavoro di Angelo Muriotto (con interventi critici e opere selezionate secondo un percorso cronologico) di prossima pubblicazione rappresenterà l’occasione per apprezzarne la ricerca e l’originalità linguistica, tracciando inoltre le linee guide di questa storia che continua.

Le opere sono esposte in permanenza presso l’Hotel Crowne Plaza di Quarto d’Altino (Venezia) e di Limena (Padova).

Difficili da fotografare per i riflessi e le trasparenze, questi lavori richiedono di essere conosciuti e apprezzati dal vero.

ANGELO MURIOTTO VOLUME DI SPAZIO (bianco) specchio argentato plexiglass e cristalli

ANGELO MURIOTTO TRASPARENZE (Nudo che corre), plexiglass e cristalli

The story of the artist with no story goes on. Personal exhibitions in prestigious museum spaces and the interest of galleries and art critics made of Angelo Muriotto, in just four years (indeed, he started creating artworks in 2010, August) one of the most interesting presences of the Italian contemporary market. Two are the main lines of his research (the study of the artistic languages of 20th century and the use of recycled objects) and two also

the collections the artist is working on today: Trasparenze ( transparencies) thin perforated plexiglass panels (with Murano glass fragments and glued plexiglass pieces), living of the shadows reflecting on the surface on the background and Volumi di Spazio ( Volumes of Space - monochromes coming in several dimensions) that brake the bi-dimensionality of the object, caressing the indefinite and the imponderable.

ANGELO MURIOTTO VOLUME DI SPAZIO (GIALLO) specchio colorato plexiglass e cristalli gialli

So the object is released by its own consistency to become an hermetic poetic line, a though free to permeate the Universe. A catalogue on the Angelo Muriotto’s works will be soon published and it will represent the opportunity to appreciate his research and linguistic novelty.

The artworks are permanently exhibited at the Crowne Plaza Hotel in Quarto d’Altino (Venice) and in Limena (Padua).

Very difficult to be photographed because of reflections and transparences, this works require to be seen and appreciated in person.

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Paul Rousso

RE-INVENTs POP

di / by Andrea Maurizio Campo

N

Paul Rousso It's OK Washing Powderscont

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el gioco del rovesciamento dialettico tra il realismo e l’astrazione, tra l’esasperazione giocosa e l’analisi sociale, tra la carta stampata e la digitalizzazione, Paul Rousso reinventa il pop affidandosi ai simboli della società del consumo.

L’ artista americano, nativo del North Carolina, esplora le potenzialità e i rischi della comunità ipertecnologica aspirando, nell’evoluzione estetica, alla ricerca di “ciò che viene dopo”.

Adottando accorgimenti e simbologie con cui già operarono Roy Lichtenstein e Claes Oldenburg, Rousso, da un lato, restituisce allo spettatore lo straniamento prospettico nel rapporto con l’opera in un continuo avvicendamento e, dall’altro lato, offre una critica a una società spaesata e schiava dei fenomeni di massa. Rousso compie, poi, un ulteriore passo nell’analisi di un mondo digitalizzato dove la carta perde, gradualmente, il ruolo di veicolo culturale. Le sue icone sono carte di caramelle, gomme o di altri prodotti dell’industria dolciaria, e ancora giornali e soprattutto banconote che appaiono spiegazzate, stracciate, incollate e ricomposte..

“Dopo centinaia di anni di stampa su carta – afferma l’artista - presto la rivoluzione informatica stravolgerà qualsiasi documento, dalle riviste ai libri, dai documenti agli atti. In questa proiezione, forse le banconote saranno l’ultimo “ausilio” stampato su carta”. I soggetti sono riprodotti su grandi lastre in plexiglass che, successivamente, vengono deformate con il calore: le gigantesche riproduzioni fuggono dalla bidimensionalità della carta stampata per acquisire

un nuovo volume e una nuova visione prospettica. Nella sua lunga carriera Paul Rousso ha lavorato come art director e illustratore freelance per Revlon, Clairol, CondÊ Nast, and Bloomingdale. Inoltre ha realizzato un progetto con Time Warner Cable Arena di Charlotte, e come parte di un team di interior design per la casa di Robert De Niro. Il suo lavoro è stato

esposto nelle gallerie di Atlanta, Charlotte, Los Angeles, New Orleans e Miami.

Le sue opere sono presenti alla ContiniArtUk di Londra INFO: 105 New Bond Street, t.+44(0)2074955101 www.continiartuk.com

Paul Rousso

Paul Rousso

Bomber

Hot Pop Corn

Paul Rousso Purple Madame Majesty

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Paul Rousso Petty Cash

Paul Rousso The New C-Note

Paul Rousso A Really Big Riyal

In the game of the dialectical overturning between realism and abstraction, between the joyful exasperation and the social analysis, between printed paper and digitalization, Paul Rousso re-invents the pop committing himself to the symbols of the consumer society.

The American artist, from North Carolina, explores potentials and risks of the hyper-technological community aiming for, in the aesthetic revolution, the research of “what follows”.

Adopting expedients and symbolisms already used by Roy Lichtenstein and Claes Oldenburg, Rousso, on one hand returns the viewer the perspective estrangement in the relationship with the artwork, in a continuous alternation and, in the other hand, offers a critic to a disoriented society, slave of mass phenomenon.

Rousso goes further in the analysis of a digitalized world, in which paper looses gradually its role of cultural vehicle.

His icons are especially the papers used for candies, chewing gums or other products from the confectionary industry; and yet, newspapers and bills, that look puckered, ripped, glued and then put back together.

“After hundreds of years of printed paper - says the artist – the informatics revolution will soon revolutionize every document, from magazines to books, from files to records. In this projection, the bills perhaps will be the last “instrument” on paper.”

Subjects are reproduced on large plexiglass sheets that, lather, are deformed by the heath: the giant reproductions escape from the bi-dimensions of the printed paper to acquire a new volume and a new perspective visual.

During his long career Paul Rousso worked as art director and freelance illustrator for Revlon, Clairol, Condé Nast, and Bloomingdale.

He also realized a project with Time Warner Cable Arena from Charlotte and another as member of a team of interior designers for the house of Rober De Niro.

His work was exhibited in galleries in Atlanta, Charlotte, Los Angeles, New Orleans and Miami.

His artworks are exhibited at the ContiniArtUk in London 105 New Bond Street, t. +44(0)2074955101 www.continiartuk.com )

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CARPETS

The East and its appeal L

’Oriente e il suo fascino. La sua eleganza. Le sue atmosfere.

L’Oriente e la capacità di stupire e ammaliare. E il potere di arricchire un interno. L’Oriente da guardare e toccare. L’Oriente dei tappeti. Quelli proposti nello show room in Largo delle Poste a Cortina d’Ampezzo da D.S.V. Carpets, realtà che è un punto di riferimento internazionale nell’ambito di tappeti e arazzi.

«India, Nepal e Persia sono alcune tra le proposte dell’inverno 2014-2015.

Tappeti di design particolarmente apprezzabili – spiega Salvatore Di Sarno -. Abbiamo, ad esempio, un tappeto il cui vello è costituito da lana, la parte scura, e seta di bambù, quella chiara.

La lana viene ritorta insieme alla seta di bambù, con effetto nuance di particolare suggestione. Annodato con la tecnica del nodo tibetano, la sua misura è 350x280 cm» «Abbiamo poi un tappeto classico iraniano, annodato in India, con la tecnica del nodo persiano – prosegue Di Sarno -. E’ molto pregiato: la lana proviene dalla Nuova Zelanda e la parte in viscosa è a rilievo».

«Abbiamo inoltre tappeti completamente realizzati in lana – spiega ancora l’imprenditore campano -. Si tratta di tappeti annodati in Turchia

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di / by Ilario Tancon

e che presentano la particolarità, davvero di non poco conto, di essere ritagliati, una volta terminata l’operazione di annodatura, con particolari forbici per creare dei rilievi».

Ci sono poi alcuni tappeti realizzati in lana e canapa, annodati in Iran. E dall’India – conclude Di Sarno - realizzazioni sia in lana e seta di bambù sia in viscosa».

Si conferma una gamma di altissimo profilo, quella proposta da D.S.V. Carpets, realtà che oltre allo show room ampezzano si propone alla propria clientela con le esposizioni di Caserta e Vercelli. Esposizioni che sono luoghi unici, luoghi che danno la possibilità di entrare in contatto con oggetti vivi, ricchi di vita e di sapere.

Tappeti moderni e antichi, delle più diverse provenienze: europei, anatolici, iraniani, caucasici, del Turkestan, indiani. E poi gli arazzi, tra i quali quelli fiamminghi hanno, evidentemente, un posto di rilievo assoluto.

Tappeti e arazzi, creazioni artistiche che permettono di avvicinarsi alla conoscenza di mondi o di epoche lontani. Tappeti che sono pezzi da collezione. Rarità fatte di arte, tradizione e artigianato di eccellenza assoluta per rendere unica la propria casa.

The East and its appeal. Its elegance. Its atmospheres. The East and its capability to wonder and charm. And its power to enhance the interiors. The East to be seen and touched. The East of carpets.

Those that are exhibited at the D.S.V. Carpets show room, in Largo delle Poste, in Cortina d’Ampezzo. An International benchmark for what concerns carpets and tapestries. “India, Nepal and Persia are just some of the offers of winter 2014-2015. Remarkable carpets of design – explains Salvatore Di Sarno – We have, for example, a carpet the fleece of which presents a dark side made of wool and a clear side made of bamboo silk . The wool is mixed to the bamboo silk providing a very evocative nuance effect. Made of Tibetan knots it measures 350x280 cm (137 ½ “ x 110”) “We also have a classic Iranian carpet, entwined in India using the Persian knot technique – Di Sarno continues to explain – It’s very precious: the wool comes from New Zealand and the viscose is on relief. Moreover, we have carpets in full wool. They are carpets hand-knotted in Turkey presenting a

very particular characteristic: after the process of knotting, they were cut using special scissors in order to create some designs in relief.

Or carpets made of wool and hemp, knotted in Iran.

From India - Di Sarno concludes – we present some works made either of wool and bamboo silk and of viscose”. The selection offered by D.S.V. Carpets, a reality that, together with the show room in Cortina, exhibits in its locations in Caserta and Vercelli, confirms to be of a very high level.

Show rooms that are unique places where is possible to touch living objects, full of life and knowledge. Modern and antique carpets coming from all over the world: Europe, Anatolia, Iran, Caucasus, Turkestan, India. And then the tapestries, with the Flemish that stand out above the others.

Carpets and tapestries, artistic creations that allow to approach faraway worlds and eras. Carpets that are collectable pieces. Rarities made of art, tradition and absolute craftsmanship, able to make our home unique.

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SUGGESTIONS

ITEMS & PRODUCTS

La borsa a tracolla DEE OCLEPPO per MARC QUINN DEE OCLEPPO X MARC QUINN Tote Bag

D

ee Ocleppo collabora con Marc Quinn per creare un pezzo davvero esclusivo in edizione limitata . Rappresentando il famoso quadro a olio dell’artista raffigurante la modella Lara Stone, il motivo marmoreo blu richiama il colore caratteristico della fondazione “Autism Speaks”.

Dee Ocleppo collaborates with Marc Quinn to create a limited edition statement piece. Representing the artist’s famous oil painting of model Lara Stone, the blue marbled pattern echoes the signature colour of the ‘Autism Speaks’foundation.

di / by Giulietta Tisminetzky

LA COLLEZIONE BLACK OUT DI MONCLER MONCLER’S BLACK OUT COLLECTION

Per l’autunno/inverno 2014 Moncler presenta la nuova collezione Blackout, una serie di 21 motivi colorati che sono un omaggio al fotografo inglese Dan Holdsworth. Le serie di foto scattate dall’artista nel 2010 ritraggono il ritirarsi dei ghiacciai in Islanda. Il progetto è un omaggio alla maestosità della natura, che ha sempre rappresentato una fonte di ispirazione e una sfida continua per la Casa di Moda italo-francese.

For Autumn/Winter 2014 Moncler presents the new collection Blackout, a series of 21 color prints, homage to British photographer Dan Holdsworth.

The series of pictures made by the artist in 2010 portrays the retreat of the glaciers in Iceland. The project is a tribute to the majesty of nature, which has always been an inspiration and challenge for the French-Italian Fashion House.

La Nuova collezione Valentino per Fornasetti Valentino x Fornasetti New Collection La maison italiana Valentino, per celebrare l’apertura dell’ultima boutique a New York, lancia una nuova collezione in una collaborazione con la maison di design italiano Fornasetti. La collaborazione svela una collezione di oggetti e accessori di design per tutti e 5 i sensi: occhiali, foulard di seta, piatti e posate.

Le stampe raffigurano tratti del viso della cantante soprano Lina Cavalieri, figura emblematica del design di Fornasetti.

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The Italian maison Valentino launches a new collection to celebrate the new boutique opening in New York with a collaboration with the Italian design maison Fornasetti. The collaboration reveals a collection of design objects and accessories for all 5 senses: glasses, silk foulards, plates and cutlery. The prints present features of soprano singer Lina Cavalieri, emblematic figure of Fornasetti’s design.

Verso Skincare di Stoccolma Stockholm’s Verso Skincare

I laboratori per la cura della pelle Selego Ab, con sede a Stoccolma presentano una nuova linea di prodotti per la pelle, Verso, che in Latino significa “rovescio”. La nuova linea non si prefigge soltanto l’obiettivo di ridurre gli effetti del tempo, ma addirittura di rovesciarli grazie alla riduzione dei danni già subiti dalla pelle. Verso si propone con una formula esclusiva di Retinolo 8, otto volte più efficace di una crema contenente retinolo. La nuova formula non solo impedisce al retinolo di cedere alla luce del sole come accade per le formule di altri competitors, ma contiene anche alte concentrazioni di Vitamina A e estratti di polifenoli.

Stockholm’s Selego Ab laboratories of skincare introduce a new skincare line, Verso, which in Latin stands for “reverse.” The new line doesn’t just aim to reduce the effects of time, but to reverse them by reducing the damage skin has already undergone.

Verso puts forward an exclusive formula of Retinol 8, eight times stronger than regular creams containing retinol. The new formula not only impedes retinol to break under sun light like other competitors’ formulas, but also contains high concentrations of Vitamin A and polyphenol extracts.

LE LABO SOLID PARFUMES LE LABO SOLID PARFUMES Dal sud della Francia ai laboratori grunge di New York, la più giovane ed esclusiva marca di profumi firmata Fabrice Penot e Edouard Roschi presenta una nuova linea di profumi solidi che va ad aggiungersi alle loro 14 fragranze unisex, tutte create da alcuni dei “nasi” migliori del mondo. Ciò che rende questi aromi unici è l’uso di ingredienti freschi e naturali, interamente fatti a mano e in linea con la filosofia artigianale dell’azienda.Il numero delle fragranze corrisponde alla quantità di note olfattive che compongono un dato profumo e si presentano in forma solida all’interno di eleganti, ricaricabili contenitori di metallo.

From the south of France to New York’s grunge laboratories, Fabrice Penot and Edouard Roschi’s most modern and exclusive perfume brand release a new line of solid perfumes adding to their 14 unisex fragrances, all created by some ofthe world’s finest “noses”. What makes these scents unique, is the use of fresh, natural ingredients, entirely handmade in line with the philosophy of craftsmanship of the brand.

The numbered fragrances refer to the number of olfactory notes that compose its scent and come in solid form inelegante refillable metal cases.

La collaborazione Vitra & G-Star per celebrare Jean Prouvé Vitra & G-Star Collaboration to celebrate Jean Prouvé L’ultima collaborazione di G-Star con l’impero del design d’arredamento Vitra rende omaggio all’architetto e designer modernista francese Jean Prouvé il quale, inizialmente, costruì oggetti funzionali e tecnici negli anni ’40. La collezione include 13 oggetti d’arredo che mantengono lo stile industriale caratteristico di Prouvé.

G-Star’s latest collaboration with furniture design empire Vitra, pay omage to French modernist architect and designer Jean Prouvé who originally crafted utilitarian, technical objects in the 1940s. The collection includes 13 items of furniture design that maintain the industrial style characteristic of Prouvé.

IL LIBRO DI ANOTHER MAN, UN VIAGGIO ATTRAVERSO LO STILE MASCHILE ANOTHER MAN BOOK A JURNEY THROUGH MAN’S STYLE Gli editori della rivista AnOther Man hanno pubblicato un’autentica bibbia sullo stile maschile. Se la rivista AnOther è considerata la quintessenza della moda maschile, aspettate a leggere il libro. Il libro AnOther Magazine mescola un’eccezionale prospettiva sullo stile maschile con contenuti editoriali raffinati. Include alcuni dialoghi fra Jefferson Hack con alcune icone senza tempo della moda quali Jack e Dino Champman, Jarvis Cocker, William Gibson, Kate Moss e presenta centinaia di fotografie dei più grandi fotografi di moda come Alasdair McLellan, Willy Vanderperre, Nick Knight, e David Sims.

AnOther Man magazine’s editors published an authentic bible on Men’s style. If AnOther magazine is considered the quintessential guide through men’s vogue, wait till you read the book. AnOther Magazine book combines a unique perspective on men’s style with refined editorial contents. It includes conversations by Jefferson Hack with timeless fashion icons such as Jake and Dino Chapman, Jarvis Cocker, William Gibson, Kate Moss, and presents hundreds of photos by the greatest fashion photographers such as Alasdair McLellan, Willy Vanderperre, Nick Knight, and David Sims.

IL NUOVO ALBUM DEI PINK FLOYD PINK FLOYD’S NEW ALBUM

Venti anni dopo “The Division Bell” il nuovo album dei Pink Floyd “The Endless River” è sul mercato. Omaggio di David Gilmour e Nick Mason a Richard Wright, amato tastierista scomparso nel 2008, “The Endless river” è un disco strumentale, diviso in quattro parti con un unico brano vocale, “Louder Than Words” il cui testo è stato scritto da Polly Samson, la moglie di Gilmour. La malinconia d’Avanguardia che caratterizza la loro musica è stata ora rivisitata in termini maggiormente new age, dominati dalla tastiera e dall’inarrivabile chitarra di Gilmour.

Twenty years after “The Division Bell”, the new album by Pink Floyd “The Endless River” arrives on the market.

Tribute by David Gilmour and Nick Mason to Richard Wright, beloved keyboardist who died in 2008, “The Endless River” is an instrumental album, divided into four parts, with a single vocal track, “Louder Than Words”, who’s lyrics have been written by Polly Samson, Gilmour's wife. The avant-garde melancholy that characterized their music has now been reshaped in more new age terms, dominated by the keyboard an Gilmour’s indisputable guitar.

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JEWELS

diamond, fragment of sky and eternity I

l diamante, frammento di cielo ed eternità, dal greco adamas, "forza indomabile", racchiude in sé eccezionale durezza, notevole tenacia in termini di assorbimento di urti e resistenza al calore, caratteristiche che nel corso dei secoli lo hanno reso emblema del potere e privilegio di pochi.

Fuoco e pietra fusi in un unico corpo formano la pietra indistruttibile per eccellenza, concentrato di poteri infiniti, rivelatrice dell'anima di chi lo indossa, incastonata in un anello, montata su oggetti di culto o corone

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di tutto il mondo, che affascina e alimenta l'idea di un potere senza tempo.

Questo splendido minerale, estratto, ritagliato, pesato e stimato, viene trasformato in gemma, e dopo millenni affascina ancora l'uomo per le sue infinite proprietà.

Il gioiello serve a rendere una donna più bella ma possiede anche un significato più profondo: rappresenta un sentimento, un desiderio, un ricordo.

Non a caso l'etimologia richiama la parola "gioia". I gioielli, oltre ad un

sicuro investimento, hanno un profondo valore per quello che significano per chi li riceve e li dona.

Il gioiello è un’opera d’arte ma non è solo estetica. Deve essere pensato per essere indossato come una seconda pelle, deve essere ergonomico, un piacere da toccare e da indossare.

Il percorso di come nasce un gioiello è un altrettanto affascinante universo da esplorare.

Abbiamo avuto il piacere di incontrare Carlo Bartorelli che ci ha accompagnato all’interno del suo mondo,

di / by Ilario Tancon Ph: Marco Fattorusso, Diego Taroni

alla scoperta del processo creativo e produttivo che porta alla realizzazione di un pezzo di alta gioielleria.

Il dna dei gioielli Bartorelli sono le pietre più pure al mondo, selezionate dai più abili e celebri esperti di pietre preziose.

«Attraverso la selezione delle gemme più uniche e rare, abbinate alla nostra maestria artigianale, esprimiamo il nostro amore per la bellezza, per ciò che è unico, come la donna che lo indossa» spiega Carlo Bartorelli, presidente dell’omonimo gruppo. «Prima di acquistare le pietre abbiamo

già pensato a cosa desidereremmo realizzare ma è solo quando troviamo la gemma giusta che allora il gioiello prende veramente forma- dice ancora Bartorelli -. E' un lavoro di gruppo: io do delle idee, mi confronto con la

mia famiglia. Il team dei designer, capitanati da mia moglie Emanuela, realizzano gli schizzi di quello che ho trasmesso loro e finalmente le nostre idee iniziano a prendere forma.

Il percorso produttivo inizia dalla rea-

«Per l'acquisto delle gemme, abbiamo fornitori in tutto il mondo – dice ancora Carlo Bartorelli -. Ad Anversa, Israele e New York per i diamanti; in Birmania, Cambogia e altre zone dell'Est Asiatico per la maggior parte delle pietre colorate; in Colombia per gli smeraldi. L'accostamento dei colori delle gemme richiede un'attenta selezione delle pietre da parte degli esperti gemmologi del nostro staff, coordinati da mia sorella Leda, come

per la realizzazione di questa parure composta da anello e orecchini».

Diamanti incastonati a uno a uno fanno da cornice a due splendidi esemplari di zaffiro e smeraldo taglio a cuore, accuratamente selezionati per forma, dimensione e colore.

La fusione dell’oro, l’incastonatura delle pietre, dalle più piccole a quella principali, la lucidatura, ogni singolo passaggio è un incanto di maestria artigiana.

«Quando creiamo un gioiello pensiamo alla donna, ai suoi gusti e alle sue emozioni. Desideriamo suscitare quell’emozione che toglie il fiato e che in un istante la spinge a dire: “mi piace”».

di un gioiello "B rare and unique", perché nell’alta gioielleria l'equilibrio, le proporzioni, le sfumature, tutti questi dettagli impercettibili fanno la differenza. Un lavoro certosino dal quale nascono capolavori di arte orafa, pezzi unici e orologi, pensati per le occasioni speciali in cui saranno indossati e per mettere in luce la bellezza delle donne che li sceglieranno».

«I gioielli della collezione “B rare and unique” sono quelli nei quali riusciamo ad esprime al meglio la nostra originale creatività e il virtuosismo del nostro laboratorio orafo – afferma ancora il presidente del Gruppo Bartorelli -. Disegniamo gioielli con passione e artigiani dallo straordinario talento lavorano allo sviluppo

Una storia, quella del gruppo Bartorelli, che inizia nel 1882: una famiglia, una passione tutta italiana tramandata da generazioni, lasciata

lizzazione del prototipo sulla base del disegno eseguito a mano libera, che spesso è solo uno schizzo a matita ma che racchiude già l’emozione di quello che sarà il gioiello finale.

Poi entrano in gioco gli antichi

strumenti di oreficeria che, abbinati ad un’originale creatività e a gemme certificate, consentono di creare curve fluide e morbidi intrecci.

in eredità di padre in figlio, e che oggi vede i figli Marco e Federica in prima linea.

Bartorelli-. Vedere tanto impegno tradursi in creazioni meravigliose e lo sguardo ammirato dei clienti che si innamorano dei nostri gioielli, proprio come abbiamo fatto noi, è per me motivo di grande orgoglio. Non c'è niente di più gratificate della felicità che prova una donna nell'indossare i nostri gioielli. Dopo così tanti anni, la passione e il piacere sono gli stessi che ho provato il primo giorno, ancora ragazzino, quando presentai la mia prima creazione».

«Lo stretto legame familiare sarà sempre un punto di forza. Ci sosteniamo a vicenda nelle scelte, come solo una famiglia può fare: ci legano la sintonia di idee e la volontà di perseguire gli stessi obiettivi. Abbiamo avuto la fortuna di poter imparare il mestiere accanto a mio padre, uomo visionario e talentuoso. Con lui abbiamo imparato a trasformare una professione artigiana in un'attività imprenditoriale - dice Carlo

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The diamond, from Greek adamas, ”untamable strength”, fragment of sky and eternity, has an incredible strength, high resistance to impacts and heat, characteristics that, during the centuries, made of it a symbol of power and a privilege for a few.

Fire and stone, fused together, create the unbreakable stone par excellence, a concentration of infinite powers, revealing the soul of who wears it, set in ring or in ritual objects or crowns from all over the world, the diamond fascinates and incites the idea of a timeless power.

This wonderful mineral, once mined, cut, weighted and estimated, is transformed in a gem and still after thousands of years fascinates the human being due to its infinite properties.

A jewel is intended to enhance the beauty of a woman, but it also has a deeper meaning: it represents a feeling, a desire, a memory.

It is not by chance that its etymology recalls the word “joy”. Jewels are not just a profitable investment, but also have a deep value for what they mean and to who receives them.

A jewel is a piece of art but it’s not just aesthetic. It has to be intended as a second skin, it has to be ergonomic, a pleasure to be touched and to be wear.

The way how a jewel is made is also a very fascinating universe to be explored.

We had the pleasure to meet Carlo

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Bartorelli who led us into his world to discover the creative and manufacturing process that results in a piece of high jewelry.

The Bartorelli’s DNA is made of the hardest stones from all over the world, selected by the most capable and famous experts on precious stones.

“Through the selection of the most unique and rare stones, together with our craftsmanship, we express our love for beauty, for what is unique to the woman who wears them” explains Carlo Bartorelli, president of the group carrying his name.

“Before to buy the stones – keep saying Bartorelli - we already thought of what we want to create, but it’s just when we find the perfect gem that the jewel gets its shape.

It is a team work: I tell my ideas and my wife Emanuela share hers. A team of designers, led by my sister Leda, draws some sketches of what we suggest and, finally, our ideas start taking form” The manufacturing process starts from a prototype made according to a freehand drawing, that often is just a sketch but it’s already capable to provoke the emotion of the final jewel.

Then, it’s time for the antique instruments of jewelry to do their part: together with an original creativity and certifed gems, they allow to create fluid curves and soft twines.

“We buy stones from all over the world – is once more Carlo Bartorelli talking – In Antwerp, Israel, New York the diamonds; in Burma, Cambodia and other Eastern Asia areas the majority of the colored stones; in Colombia the emeralds. The combination of the colors of the gems requires an accurate selection of the stones by the expert gemologist of our staff, as you can see looking at this set made of a ring and two earings” One by one set diamonds create a frame for two beautiful sapphires and emeralds cut in shape of a heart, carefully selected for their form, size and color.

Every single step, fusing the gold, setting the stones, from the smallest to the main ones, polishing, are a fascinating example of craftsmanship.

“While creating a jewel, we think of a woman, her gestures and emotions.

We want to cause that breathtaking reaction that, for a moment, pushes her to say: I love it!

The jewels from the “B rare and unique” collection are those in which we better express our unique creativity and the virtuosity of our goldsmith workshop – continues the President of the Bartorelli GroupWe design jewels with passion and our incredibly talented artisans work to develop a “B rare and unique” jewel because, in the high jewelry, balance,

proportions, shades, all these imperceptible details make a difference.

A specialized job from which it is possible to create masterpieces of goldsmith art, unique pieces and watches, thought to be wear for special occasions and to highlight the beauty of those women who will choose them”.

A story, the one of Bartorelli, starting in 1882: a family, an Italian passion handed down since generations, from father to son.

“The close family relationship will always be a strong point. We support each other in deciding, as just a family can do: we are unite by common ideas and the will to achieve common goals.

We were so lucky to learn this job by my father, a visionary and talented man.

From him we learned to transform an artisan job into an entrepreneurial activity – says Carlo Bartorelli .

Seeing so much efforts to be transformed in wonderful creations and the delighted sight of clients who fall in love with our jewels, as we did, it makes me very proud.

There is nothing as gratifying as the happiness of a woman who wears our jewels. After so many years, the passion and the pleasure are the same I felt the very first day, when still a kid, a presented my first collection.”

BONALUMI

Bonalumi: “Progetto”, anno 1972, inchiostro, matita e collage su cartoncino, cm 70x50

GALLERIA

GIOACCHINI

Cortina d’Ampezzo: Corso Italia 116 Ancona: corso Garibaldi 26 www.galleriagioacchini.com

iCOne

a pieCe OF RUssia in The VeniCe laGOOn

di / by Ilario Tancon

U

n pezzo di Russia si affaccia sulla laguna d Venezia. e’ la Collezione Orler di Marcon, una delle più importanti collezioni di icone russe di tutto l’Occidente. Creata da davide Orler più di mezzo secolo fa, portata ora avanti dalla passione e dalla competenza dei figli, è una realtà unica per i pezzi esposti e per il loro significato artistico e religioso. Oggi conta su oltre cinquecento pezzi di altissimo livello, provenienti dalle maggiori scuole conventuali iconografiche. pezzi di eccellenza assoluta che coprono un periodo temporale che va dal XVi al XX secolo e provengono dalle scuole di Mosca, Jaroslavl’, palech, M’stera, ma anche dalle remote steppe del nord, costituendo una preziosissima testimonianza delle diverse anime della pittura e della spiritualità russa. sì, perché l’icona è un ponte tra l’uomo e dio. allo stesso modo, anche collezione Orler vuole essere il ponte tra questa ancora troppo misconosciuta e tutti gli appassionati e i neofiti. Una vera guida per essere traghettati attraverso queste vere e proprie

GiUdizio UniveRsale

calendaRio

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tUtti i santi

tRinitÀ

“Finestre sull’infinito”. del resto, come ben sanno le decine e decine di collezionisti più esigenti, l’esperienza pluridecennale di Collezione Orler consente a questa azienda di rappresentare uno scrigno a cui poter attingere per ampliare e migliorare la propria collezione, seguiti con quella competenza ed onestà che ormai sono diventate proverbiali, tanto da rendere un binomio indissolubile la parola “icona” e la tradizione di Collezione Orler.

Orler, che oltre alle icone propone anche un’ampia rappresentanza di oggettistica russa di inestimabile valore, rappresenta la possibilità perfetta di regalarsi un’opera d’arte di alto livello artistico e culturale.

Ma anche un’opportunità unica per coloro che da poco si sono avvicinati all’affascinante mondo dell’iconografia. Recandosi infatti presso la sede di Marcon (aperta tutti i giorni, festivi compresi), sia coloro che da anni hanno fatto propria questa passione, sia coloro che muovono i primi passi in questo mondo affascinante, troveranno numerosi cataloghi e pubblicazioni da cui

san nicola

Scala di San GiovanNI Climaco

Dormizione

Madre di Dio di Vladimir

attingere importanti informazioni e conoscenza. E troveranno al contempo la massima disponibilità da parte del personale e dei collaboratori specializzati in tutti i settori dell’antiquariato che partecipano attivamente alla vita dell’azienda stessa. E per coloro che non hanno la possibilità di recarsi alla sede Orler, ci sono le trasmissioni televisive durante le quali si potranno infatti

seguire dirette dedicate, oltre che all’iconologia, anche all’Antiquariato (ebanisteria, argenti, porcellane), all’ archeologia, alla gioielleria, alla tappetologia e a tutti i settori artistici che da sempre costituiscono il nerbo di Collezione Orler, azienda da sempre protesa ad esplorare ed abbracciare nuovi territori per meglio servire la propria clientela.

Rinnovamento della chiesa

Le trasmissioni di Collezione Orler sono visibili in in Streaming web tv, su Sky 918 e sul digitale terrestre ai seguenti canali: Nord Italia: canale 78; Toscana: canale 210; Marche canale 113; Lazio canale 219; Campania canale 290; Basilicata canale 115; Puglia canale 213; Calabria canale 217; Sicilia canale 640.

INFO: Collezione Orler Via Porta Est, 9 30020 - Marcon (Ve) Tel: +39 041.4567816 Fax: +39 041.5969450 www.collezioneorler.it

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Icona della settimana

A piece of Russia in the Venice Lagoon. This is what Collezione Orler, based in Marcon, Venice, presents: one of the most important collections of Russian Icons of the whole West.

Started by Davide Orler more than half a century ago, today consists of more than 500 pieces of very high

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level produced by the best iconographic schools of convents.

The icons of the Orler collection covers the artistic period from the 16th to the 20th century and comes from the most important schools: Moscow, Jaroslavl’, Palech, M’stera, but also from the faraway Northern Steppes, constituting a very

precious testimony of the different souls of the Russian painting and spirituality.

For those of you who do not have the possibility to visit our prestigious location Spazio Eventi in the Venice area, is always valid the invitation to watch the live TV shows by Collezione Orler, visible on streaming web TV, on Sky 918 and

on the following channels of the DTT (Digital Terrestrial Television): NORTHERN ITALY : Channel 78 TUSCANY: Channel 210 MARCHE: Channel 113 LAZIO: Channel 219 CAMPANIA: Channel 290 BASILICATA Channel 115 PUGLIA: Channel 213 CALABRIA: Channel 217 SICILIA Channel 640

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DANCING AWAY ON D N O L N

di / by Stefania Prandi

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n evento con ospiti di eccezione ha celebrato l'opening della mostra “Dancing Away” di Mikhail Baryshnikov, artista poliedrico, tra i ballerini più celebri ed apprezzati al mondo, che ha lavorato con il New York City Ballet e con l’American Ballet Theatre.

Lo scorso 29 novembre, durante la London’s Russian Art Week, gli attori Stanley Tucci e Tomas Arana, le attrici Kim Cattrall (Samantha di Sex and the city), Miranda Richardson, Olivia Grant e Camilla Rutherford, l’ambasciatrice per i diritti umani Bianca Jagger, i registi Martha Fiennes e Mike Figgis, l’interior designer Nicky Haslam, il fashion designer Ozwald Boateng, la top model Eliza Cummings, hanno preso parte al vernissage alla Galleria Contini Art UK – fondata da Cristian Contini - di Londra. Esposte, nello splendido spazio bianco di 450 metri quadrati di New Bond Street, le fotografie dell'artista eclettico, da sempre attirato dall'arte figurativa (Tiepolo, Caravaggio e Degas). Le opere di Baryshnikov, che ha cominciato a scattare durante gli anni della sua carriera come ballerino, come hanno ribadito diversi critici su quotidiani, magazine e televisioni (tra questi, solo per citarne alcuni, Financial Times, The Times, The Observer, Vogue, Vanity Fair, Evening Standard, BBC),

Untitled #36, 2014 Escola de Samba Portela, rehearsal for Carnival competition in Ireneo Portela, Buenos Aires Edition 1/3 Print size: 155.52 cm × 111.76 cm / 61.23” × 44.00” Archival Pigment Print on Canson Edition Etching Paper

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Untitled #24, 2010 Robert Fairchild and Wendy Whelan in “Namouna, a Grand Divertissement”

by Alexei Ratmansky Edition 1/3 Print size: 119.70 cm × 111.44 cm / 47.13” × 43.88” Archival Pigment Print on Canson Edition Etching Paper

rappresentano una riflessione originale sulla danza e sulla perfomance. Un omaggio alle coreografie di Pina Bausch, Marta Graham e Jerome Robbins e alla danza nelle sue diverse forme. Immagini di grandi dimensioni, che catturano movimenti dai contorni e dai colori sfuocati ed evanescenti, che resteranno alla Galleria Contini Art UK fino alla fine di gennaio 2015. Durante la serata di inaugurazione dell'attesa mostra “Dancing Away”, continuata al Dorchester Hotel, con una cena esclusiva, sono state esposte anche le creazioni di Damiani, unica azienda orafa al mondo ad aver ricevuto 18 Diamonds International Award, l’Oscar mondiale della gioielleria.

Untitled #15 2008 Dancing Bachata in the Dominican Republic Edition 1/3 Print size: 144.78 cm × 111.44 cm / 57.00” × 43.88” Archival Pigment Print on Canson Edition Etching Paper

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An event with special guests celebrated the opening of the exhibition “Dancing Away” by Mikhail Baryshnikov, versatile artist, one of the most well-known and appreciated dancer of the world.

On November 29th, 2014, during the London’s Russian Art Week , actors Stanley Tucci and Tomas Arana, actresses Kim Cattrall (performing Samantha in “Sex and the city”), Miranda Richardson, Olivia Grant and Camilla Rutherford, the ambassador for human rights Bianca Jagger, directors Martha Fiennes and Mike Figgis, interior designer Nicky

Haslam, fashion designer Ozwald Boateng, top model Eliza Cummings, participated in the preview at the Galleria Contini Art UK – founded by Cristian Contini – in London.

In the beautiful 450 square meters white space in New Bond Street were exhibited the pictures by the eclectic artist. During the following inauguration night, at the Dorchester Hotel, where an exclusive dinner took place, have been shown also some creations by Damiani, the only jewelry company of the world to have received 18 Diamonds International Awards, the worldwide jewelry Oscar.

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Untitled #7, 2008 Merce Cunningham Dance Company in “eyeSpace” by Merce Cunningham Edition 3/3 Print size: 111.76 cm × 137.16 cm / 44.00” × 54.00” Archival Pigment Print on Canson Edition Etching Paper

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INSTALLATIONS

Blue and Joy for FENDI di / by Crisula Barbata

Fendi ha ospitato, Il 18 Dicembre il duo Blue and Joy per celebrare l'apertura dello store presso il nuovissimo piano di Harrods dedicato ai Superbrands

I

l 18 Dicembre presso il nuovissimo piano di Harrods dedicato ai Superbrands, Fendi ha ospitato il duo Blue and Joy per celebrare l'apertura dello store e una delle ultime tappe della gigantesca collaborazione tra i due artisti e la grande casa di moda italiana. Blue and Joy, al secolo Fabio La Fauci e Daniele Sigalot, hanno infatto letteralmente invaso 28 flagship store di Fendi in tutto il mondo con più di 5000 delle loro sculture di alluminio raffiguranti aeroplanini di carta.

La collaborazione tra il due di artisti italiani basati a Berlino ormai da 6 anni, ha avuto inizio dopo che Blue and Joy hanno esposto le loro sculture alla Triennale di Milano e a Palazzo Reale a Napoli, ed ha visto viaggiare i loro aeroplanini di alluminio da New York a Tokyo, da Parigi ad Hong Kong, e come ultima tappa appunto Londra.

Lo studio berlinese di Blue and Joy, ironicamente battezzato “La Pizzeria”, per 6 mesi si è trasformato in una vera fabbrica, arruolando dozzine di assistenti e producendo probabilmente la più grande flotta di aeroplani di carta (all'apparenza) del mondo.

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On December 18th, at the Harrods, Fendi hosted the duo Blue and Joy to celebrate the opening of the store On December 18th, at the Harrods very new floor dedicated to Superbrands, Fendi hosted the duo Blue and Joy to celebrate the opening of the store and one of the last phase of the enormous collaboration between the two artists and the Italian fashion house.

Indeed, Blue and Joy, artistic name for Fabio La Fauci and Daniele Sigalot, have literally occupied 28 Fendi’s flagship stores all over the world with more than 5000 of their aluminum sculptures representing small paper airplanes.

The collaboration with the 2 Italian artists living in Berlin since already 6 years, started after Joy and Blue exhibited their sculptures at the Triennale di Milano and at Palazzo Reale in Naples and their small aluminum airplanes travelled from New York to Tokyo, from Paris to Hong Kong, with a last stop in London.

The Blue and Joy’s studio in Berlin, ironically nicknamed “La Pizzeria”, for 6 months got transformed into a real factory, hiring dozens of assistants and producing the probably largest air fleet of paper (looking) small airplanes.

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INTERNATIONAL ART EXPO

Desert City

a project proposal for a sustainable way to live the desert progetto per un modello sostenibile di vita nel deserto

di / by Luca Curci

L

o studio di architettura Luca Curci architects presenta Desert City, pro­posta progettuale di un modello di vita nel deserto. Sostenibile.

Il proget­to parte dalla interpretazione del concetto di confine, come linea che di­vide due luoghi, ma che spesso può rappresentare un punto di unione tra spazio privato e luogo collettivo.

L’obiettivo è di creare un modello di vita caratterizzato dal risparmio energetico, ottimizzazione delle risorse, rispetto della natura e valorizzazione dei rapporti umani, proponendo una comunità basata sulla elaborazione di nuove identità e appartenenze, un modello socio-economico teso alla cooperazione e capacità di coinvolgi­ mento. Comunità Sostenibili.

Il project plan si compone di una serie di luoghi-identità, simbioticamente interconnessi tra loro, a configurare un unico sistema organico e artico­ lato. Esistono tre macro tipologie architettoniche che distinguono ogni luo­go-identità, diverse per dimensione, funzioni e numero di abitanti.

Ogni luogo-identità è sviluppato secondo soluzioni abitative e costruttive che rispettano la tradizione del luogo di appartenenza, le condizioni climatiche e le risorse del territorio.

Ci sono tre tipologie di luoghi-identità, differenti per dimensione e funzio­ni: gli edifici più piccoli possono ospitare residenze mono 150

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o plurifamiliari, piccole comunità composte da 1 a 5 nuclei familiari; gli edifici di dimensio­ni intermedie ospitano strutture specialistiche al servizio delle comunità, come centri di ricerca, centri culturali, amministrativi o terziari. Gli edifici più grandi ospitano comunità più articolate, con popolazioni da 2.000 a 5.000 abitanti e le loro attività lavorative, culturali e sociali. Desert City si pone come aggregazione di comunità mirate al raggiungi­mento di uno sviluppo sociale nel pieno rispetto delle risorse e delle con­dizioni di vita del territorio che le ospita. La costruzione sarà realizzata con materiali naturali a basso impatto ambientale provenienti dalle zone di in­tervento. Il progetto, inoltre, punta ad ottimizzare al massimo l’utilizzo degli elementi naturali del deserto, sole e vento, per la produzione di energia, oltre ad un attento e consapevole utilizzo dell’acqua, attraverso il recupero e il riutilizzo delle acque di scarto, la raccolta delle rare ma abbondanti precipitazioni, e

la produzione di acqua potabile attraverso la desalinizzazione ottenuta attraverso l’energia solare. Anche i rifiuti saranno recuperati attraverso il riciclaggio ed il compostaggio.

Desert City è una riflessione su possibili strade di riorganizzazione sociale ed economica. Una visione. Di un futuro che già stiamo vivendo.

Luca Curci architects studio presents Desert City, a project proposal for a sustainable way to live the desert.

The project was born from the inter­pretation of border’s concept, conceived not only as a line which divides 2 places but, at the same time, as a conjunction point between private and public space. The project aims to create a lifestyle characterized by energy saving, resources streamlining, respect of nature and human relationship enhance. It proposes a community based on new characteristics and social identities, a social-economic model aimed to cooperation and people par­ticipation.

Sustainable Communities. The project-plane is made by a series of identity-places with symbiotic inter­connections among them which create an organic and articulated system. The identity-places can be divided in 3 macro architectural types, different for dimension, function and inhabitants. Each identity-place is developed following residential and

the little ones can host houses for 1 or 2 families, little communi­ties with a maximum of 5 families; the middle size structures can host facil­ities such us research centres, cultural centres, administrative and service centres. The bigger buildings can host more complex communities with a population of 2.000/5.000 inhabitants and all their needed job, cultural and social facilities.

Desert City is an aggregation of communities which aim to reach a social development respecting the resources and characteristics of environment in which they live. The buildings will be made by natural eco-compatible materials from the surrounded area of construction.

Furthermore the project aims to optimize the use of desert’s elements, sun and wind, for energy supply. There will be a sustainable water consump­tion thanks to the reuse of waste water, rainwater recovery and production of drinking water desalinated with solar energy. Waste will be reused by

architectural solutions which respect the environ­ment’s tradition, climatic condition and resources. The 3 kinds of identity-spaces models are different for dimensions and functions:

recycling and composting.

Desert City is a reflection about the possible new ways of social and eco­ nomic organizations. A vision. About a future we are already living.

Giuseppe Veneziano "Indignados" 2013, acrilico su tela, cm 120x160

Giuseppe VENEZIANO UN ARTISTA CONTRO . . .

Giuseppe Cesetti "Buoi e cavalli in Maremma" 1929, olio su tavola, cm 75x145

Virgilio Guidi "Marina spaziale" 1948, olio su tela, cm 90x120

Giuseppe Cesetti - VIRGILIO GUIDI POETI, SOGNATORI E GRANDI PITTORI. CORTINA D’AMPEZZO, 28 DICEMBRE 2014 – 6 APRILE 2015 VIA ROMA, 2 - PIAZZA FRANCESCHI, 7 - TUTTI I GIORNI 10-13/16-20 www.continiarte.com cortinaitalia@continiarte.com tel. 0436 867400

PORTRAITS

THE GRAPPART

BY RENATO MISSAGLIA di / by Ferruccio Gard

D

iavolo di un Missaglia. L’artista bresciano, sempre attivissimo e grande frequentatore di Cortina, una ne fa e cento ne pensa.

La sua ultima e, lasciatecelo dire, inebriante fatica, è la bellezza di 999 etichette, tutte ritoccate a mano e quindi pezzi unici, di bottiglie di grappa della distilleria Serafino Levi, fondata settant’anni fa da Romano Levi a Neive, nelle Langhe(Piemonte), patrimonio dell’Unesco.

I nuovi proprietari della distilleria si sono proposti di proseguire la produzione di grappa secondo le raffinate regole e i rigorosi principi di Romano ( da qui la notorietà internazionale) ma anche la sua passione verso l’arte. Le antiche etichette volute da Romano Levi, e già allora disegnate a mano una ad una, erano diventate mitiche per la misteriosa figura di una “ Donna selvatica che scavalica le colline…”

L’immagine è stata reinterpretata in chiave contemporanea da Renato Missaglia, che ha evidenziato la fatica delle donne al lavoro sulle collinose Langhe, ma denunciando simbolicamente anche la fatica che la donna ancora fa per affermarsi nella società di oggi e sottolineando, al contempo, la forza e la determinazione che contraddistinguono il mondo femminile.

La “ Grappa della donna selvatica che scavalica le colline” ha un fitto e prestigioso programma di presentazioni, da Monte- Carlo e Venezia a Cortina, dove Missaglia allestirà una mostra di dipinti ed etichette nell’arco del periodo di apertura dell’Expo di Milano.

All’Expo sarà invece presente con 70 ritratti di grandi chef italiani e di 25 esponenti di importanti famiglie del settore enogastronomico.

Una etichetta di Renato Missaglia per la Grappa Levi

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Missaglia, the very active artist from Brescia who is a regular in Cortina, is always up to something.

His last, heady effort was to design and hand-paint 999 labels for bottles of grappa for the Serafino Levi’s distillery, that was founded seventy years ago by Romano Levi in Neive, a village in the middle of Langhe (Pindemont), that is a UNESCO World Heritage Site.

The new owners of the distillery decided to continue producing grappa according to the refine rules and the meticulous rudiments of Romano (this caused the International celebrity), but also considering his passion for the arts.

The antique labels that Romano Levi wanted for his bottles, also hand-painted one by one, became legendary thanks to the mysterious shape of a “wild woman crossing the top of the hills…”

The image has been reinterpreted with a contemporary eye by Renato Missaglia who highlighted the strain of women at work on the hills of the Langhe, but also symbolically denouncing the struggle that women go trough to get realized and underlining, at the same time, the strength and determination that distinguish the feminine world.

The launch of the “Grappa of the wild woman crossing the top of the hills” will be featured in Monte-Carlo, Venice and Cortina, where Missaglia will exhibit his paintings and labels during the Expo in Milan.

At the Expo, he will also exhibit 70 portraits of great Italian chefs and of 25 representative of important families operating in the wine and food field.

Ph Diego Gaspari Bandion

Grand HotEl SAVoiA CortinA d’AMpEzzo Cultura del vivere, vivere nella Cultura.

É bello quando si torna a casa! E tornare al Grand Hotel Savoia Vi darà la stessa sensazione di esclusiva familiarità, di lussuoso calore, in una struttura completamente rinnovata. Sul comfort non siamo scesi a nessun compromesso, abbiamo pensato solo a quello che poteva farvi stare bene, con camere e suite di grande pregio, il ristorante Savoy, il bar Giardino d’inverno, il Cigar Bar, spazi per mostre d’arte ed eventi musicali, il centro benessere Messeguè e il centro congressi, storico punto di incontri della cultura, donato nuovamente a Cortina d’Ampezzo. Grand Hotel Savoia, il nuovo hotel a 5 stelle di Cortina d’Ampezzo: è qualcosa di meglio, ed è bello poterlo scegliere!

grand hotel savoia via Roma, 62 - 32043 Cortina d’ampezzo (Bl) tel. 0436/3201 - Fax 0436/869186 info@grandhotelsavoiacortina.it - www.grandhotelsavoiacortina.it

ENCOUNTERS

GINO

SILVESTRI

di / by Dario Dall'Olio

E

ra il giorno dell'inaugurazione della mostra di un noto Artista Gino Silvestri Da Belun, come amabilmente soleva denominarsi, proprio a Belluno in Palazzo Crepadona. Un artista da una vita a Parigi insignito l'anno precedente, il 1989, del prestigioso premio cittadino S. Martino e preceduto dalla sua fama di docente e punto di riferimento dei fermenti culturali parigini del dopo guerra. A pochi passi da casa e dal "bar delle rose" un noto locale che furoreggiava a quei tempi in Valbelluna e a lato strada il cofano aperto di una storica Bentley con un uomo in frack non poteva certo passare inosservato, anche se a dir la verità l'unico a fermarsi senza alcuna titubanza "sei stato prontamente tu e anzi ti son ancora grato oggi per essere ripartiti in Spider in tempo per l'inaugurazione." L'aneddoto infatti è ancora vivo nella mente del Gino Silvestri oggi rientrato in patria dopo quasi sessant'anni di vita artistica parigina. Ed é davanti ad un antico confortevole caminetto che ci ritroviamo a parlare amichevomente d'arte e storie varie. La vivezza intellettuale di questo artista di ottantasei anni, compiuti da pochi giorni con un'aneddotica forbitissima lascia veramente stupiti. Il palazzo che ci ospita, al quale si sta' dedicando con un recente restauro, in realtà era un castello, una casa forte, una villa veneta in cui lo stemma sopra il portale d'ingresso mostra l'inconfondibile firma dei Conti di Cesana, una rappresentazione dell'armatura dei crociati. Il fermento artistico del mondo parigino in realtá coinvolge il giovane Gino da consentirgli immediatamente di realizzare grandi mosaici, opere di abbellimenti di palazzi che ancora oggi ornano la bellezza della città.

Tra il 1967 e il 1971 nell'intento di far conoscere i giovani artisti italiani di Parigi che lo promuovono a loro leader

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nominandolo poi ufficialmente loro presidente, organizza nel quartiere latino importanti manifestazioni d'arte.

In seguito vince la cattedra di storia dell'Arazzo nella Scuola Superiore di Belle Arti di Parigi. La sua reazione fu in seguito di creare attraverso il colore rosso un impatto emotivo quasi violento per la passione e la potenza che è racchiusa, secondo l'artista, nel rosso. Il rosso dunque come passionalità, ma non come simbolo di passionalità politica. L'ambiguità è implicita nella natura del colore rosso, eros e thanatos, passione e violenza, sangue, carne e fiamma, incandescenza spirituale. "Per molti anni - ci precisa - ho pensato che la pittura oltre che un'attitudine a manipolare il colore e a rappresentare immagini e progetti fosse un mestiere basato in prevalenza su un'idea. E ho lavorato in questo senso. Le "idee" alle quali feci riferimento hanno dato origine ad un lavoro apparentemente discontinuo. E la pittura che ne è emersa si è rivelata una continua sperimentazione su colori e forme, quasi una ricerca vera e propria di "valori", un'approdo irto di difficoltà.

Oggi, con alle spalle un'esperienza di

oltre mezzo secolo, avverto finalmente che la mia pittura si realizza seguendo una pulsione interiore ed istintiva quasi mai suggerita dalla volontà. In realtà mi preoccupa non solo il fine estetico della rappresentazione ma soprattutto un'insieme di sentimenti e di meditazioni, talvolta sconfortanti, che alimentano il mio stato d'essere, lo stesso processo della creazione artistica. Dipingere a questo punto è come vivere un'avventura irta di problemi irrisolti, come percorrere un lungo itinerario in cui la vera avventura (il suo contenuto, cioè) risiede nel viaggio, non nell'arrivo - il risultato pittorico - che in definitiva all'artista interessa di meno. Una vita dedicata a questo mestiere, vissuto fra incertezze, dubbi e continue esitazioni, mi convincono sempre di più che devo proseguire la ricerca di far vivere un giorno di luce proprie il colore, i segni e le forme, in piena autonomia. Perciò ogni giorno riprendo i pennelli, con l'entusiasmo degli inizi, alla ricerca disperata della luce, della mia luce" A questo punto una luminosa, e auspicabile "Vie En Rose"

It was the inauguration day of the exhibition on a famous “Artist Gino Silvetri, from Belluno” as he was used to define himself, right in Belluno, at Palazzo Crepadona.

An artist living in Paris since long time, who the year before, in 1989, was awarded with the prestigious City Award S. Martino and who was famous for being a teacher and a benchmark of the cultural ferments of Paris after WWII. The intellectual brightness of this just turned 86 years old artist, characterized by a very polite ability to tell anecdotes, is just fascinating.

Between 1967 and 1971, in order to promote the young Italian artists living in Paris, who first make of him their leader, to then nominate him their official president, he organizes important art exhibitions in the Latin neighborhood. He then obtains the chair as professor of history of the tapestry at the École Nationale Supérieure des Beaux Arts (National School of Fine Arts) in Paris.

His continuous research produced artworks of a almost relative colorism, full of suffused light, that was perceived as “refined”, “seductive” from the public. His reaction was after to create through the red color an emotional, almost violent impact, due to, according the artist, the passion and power naturally in it.

Red as passion so, but not as symbol of political passion. Today, with more than half a century experience, I finally feel that my way of painting gets realized following an interior and instinctive force that’s almost never suggested by will.

Specializzati nella realizzazione di siti web responsive, mobile apps, e-commerce. Dedichiamo attenzione all'impatto comunicativo, al SEO, all'usabilitĂ , all'accessibilitĂ , all'autonomia per la gestione dei contenuti.

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EXHIBITIONS AND EVENTS

There is no greatness if nobody can recognize it Non esiste grandezza senza qualcuno che la sappia riconoscere.

Cristian Contini

a cura della redazione by the editorial staff Un nuovo prestigioso riconoscimento per Fabrizio Plessi, artista assurto ormai da molti anni a notorietà internazionale. La soprintendente per il Polo Museale di Venezia, Giovanna Damiani, ha annunciato che nel 2015, in concomitanza con la Biennale Arti Visive, sono previsti tre grandi appuntamenti, primo dei quali sarà una mostra di Fabrizio Plessi alla Ca’ d’Oro sul tema dell’”acqua tecnologica”. Inaugurazione prevista all’inizio di maggio.

A Palazzo Grimani, in collaborazione con la Tagore Foundation ci sarà una mostra sul tema “Frontiers Reimagined”, con la partecipazione di 38 artisti di tutto il mondo.

Terzo e duplice appuntamento alle Gallerie dell’Accademia. In primavera verrà inaugurata una mostra dedicata a Willem de Kooning mentre in autunno, in occasione del 500. anniversario della morte, sarà allestita una mostra su Aldo Manuzio, grande tipografo, editore ed umanista. La mostra espone, sino alla fine di gennaio 2015, una pregevole selezione dei famosi dipinti e sculture di Vizzini, inventore nel 1980 della pittura teoretica, che presentò per la prima volta alla Galleria Ravagnan e poi al Museo Ca’ Pesaro di Venezia.

E Vizzini, cultore della filosofia teoretica, sottolinea in catalogo Emilio Rei, ha introdotto nella pittura la filosofia del linguaggio pittorico.

Inaugurata con una mostra di Andrea Vizzini, Jesolo (Venezia) ha finalmente una galleria dedicata all’arte contemporanea con l’obiettivo di puntare ad alti livelli. E’ la Artemente Gallery, situata nella frequentatissima Piazza Drago, a Jesolo Lido.

Un'opera di Andrea Vizzini esposta PRESSO LA GALLERIA

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Sotto la neve il pane, recita un antico proverbio, con riferimento al frumento che matura la sua futura crescita appunto sotto la bianca coltre. A Cortina d’Ampezzo, sotto la neve c’è invece la cultura perché è proprio durante l’inverno che il comm. Santino Galbiati, gestore del rinnovato Grand Hotel Savoia, mette a punto l’intenso programma estivo degli ormai tradizionali aperitivi con l’autore. In tutto il mese di agosto sono previsti, ogni giorno, incontri e presentazioni di libri con autori di fama nazionale ed internazionale.

Fra i tanti appuntamenti della stagione inverno-primavera(dal 16 dicembre al 6 aprile), sono previsti un raduno di automobili d’epoca, nell’ambito della partnership con Maserati, e una serie di manifestazioni nell’ambito della prestigiosa associazione del Made in Italy Altagamma.

il Comm. Santino Galbiati

“ Una montagna di libri” a Cortina d’Ampezzo. 35 gli appuntamenti, da Santo Stefano a Pasqua, della XI edizione della manifestazione letteraria.

Il via il 26 dicembre. Fra presentazioni di libri e dibattiti su temi di attualità, interverranno personaggi noti, da Paolo Mieli e Aldo Grasso, critico televisivo del Corriere della Sera, a Marco Travaglio e Vittorio Feltri.

In programma anche appuntamenti dedicati alla musica, alla cucina e all’arte.

A Giuseppe Spagnulo, scultore di fama internazionale, la prestigiosa Galleria dello Scudo, a Verona, dedica una vasta personale interamente dedicata, per la prima volta, alla terracotta. E’ una nuova fase dell’intensa attività dell’artista pugliese-milanese, maestro di creatività ma anche in fatto di tecniche di lavorazione di

vari materiali, essendosi formato, giovanissimo, nel laboratorio di ceramica del padre (dove imparò ad usare anche il tornio) e poi come assistente negli studi di Lucio Fontana e Arnaldo Pomodoro.

Opere in terracotta di Giuseppe Spagnulo

Con i lavori esposti a Verona (molti i dittici e i trittici, alcuni alti oltre due metri,tutti realizzati negli ultimi due anni)Spagnulo, erede di quella plastica che dopo Medardo Rosso ha avuto interpreti autorevoli in Arturo Martini, Lucio Fontana, Leoncillo e Fausto Melotti, fa tornare di estrema attualità aspetti della scultura che sembravano appartenere a un tempo irrimediabilmente perduto.

Fisicità del linguaggio plastico, nel bisogno del ritorno a una antica manualità. Un artista che non modella ma costruisce e che ha raggiunto in modo evidente “l’intensità di una liturgia panica e sciamanica”, sottolinea nel catalogo trilingue il curatore della mostra Bruno Corà, autore della monografia uscita per le edizioni “Gli Ori” nel 2013.

Sino al 31 marzo 2015.

Il Festival Cortinametraggio festeggerà la sua X edizione dal 18 al 22 marzo 2015.

Intenso il programma, illustrato alla recente Mostra del Cinema, al Lido di Venezia.

La presidente Maddalena Mayneri ha confermato le 4 sezioni, con proiezioni al cinema Eden di Cortina: Corticomedy, dedicato al genere commedia; Booktrail, in collaborazione con la Rai, su trailer di libri; Webseries e Instagram, dedicati a video di non più di 15 secondi, rispettivamente di produzione italiana e internazionale.

Maddalena Mayneri con Laura Delli Colli, Presidente del Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici

I cittadini di Cortina saranno coinvolti anche con incontri di formazione sul cinema, mentre per i giovani saranno tenuti corsi di montaggio e lezioni gratuite di giornalismo cinematografico. Cortinametraggio, ha sottolineato al Festival di Venezia Maddalena Mayneri, vuole essere un trampolino di lancio per giovani talenti emergenti che sappiano sfruttare tecniche innovative al passo con le nuove tecnologie. In collaborazione con Regione Veneto, Comune di Cortina D’Ampezzo e Provincia di Belluno.

“ Racconti cortinesi” è il bel libro della giornalista, scrittrice e critica d’arte ampezzana Maria Irma Mariotti, con illustrazioni del noto pittore e scultore Angelo Rinaldi.

LA COPERTINA DE i RACCONTI CORTINESI di MAria Irma mariotti

E’ stato presentato a Padova alla galleria La Teca, dove sino al 31 gennaio 2015 rimarrà aperta una mostra di incisioni e disegni di Amedeo Modigliani.

Cinque i disegni inediti, con tanto di certificato di autenticità degli Archives Legales Amedeo Modigliani di Parigi.

Il suo materiale preferito era il ferro, e le sue sculture, alle quali dava una patina di ruggine, rappresentavano l’amore e il tormento per le sorti di una città meravigliosa e fragile quale Venezia.

Natovi nel 1920, Ferruccio Bortoluzzi ha lasciato per sempre la sua amata Venezia a 87 anni, nel 2007.

La sua arte ha avuto apprezzamenti e riconoscimenti importanti, ma non come si sarebbe meritato. Per una doverosa rivalutazione di Bortoluzzi è ora arrivato il Catalogo generale, un ponderoso volume pubblicato da Electa e curato da Michele Beraldo, con introduzione di Enrico Crispolti.

INTERNATIONAL EXHIBITIONS AND EVENTS

Julio Le Parc at the Serpentine Sackler Gallery 25 November 2014 – 15 February 2015 The Serpentine Sackler Gallery presents the first UK solo exhibition by Argentine artist Julio Le Parc. Engaged in the defense of human rights, forerunner of kinetic art and Op Art movement, he founded the activist group Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) and was eventually expelled fromFrance during the turmoil of 1968 in Paris, where he lived most of his life. Julio Le Parc has highly influenced a certain mode of art making exploring thedifferent facets of the visual spectrum, considering movement, light and therelationship between the oeuvre, the viewer and his physical involvement. Theexhibition presents the artist’s intentions to place the spectatorship at the center for an active engagement with his art works. As Le Parc stated “The idealspectator is the most free, most open, least connected. The most important thing for me is that brief moment of interconnection.”

La Serpentine Sackler Gallery presenta la prima personale dell'artista Argentino, Julio Le Parc. Impegnato nella difesa dei diritti umani, precursoredell'arte cinetica e del movimento Op Art, ha fondato il gruppo attivista Groupede Recherche d'Art Visuel (GRAV) e fu’ espulso dalla Francia durante idisordini del 1968 a Parigi, dove ha vissuto maggior parte della sua vita. Julio Le Parc ha influenzato altamente un certo metodo di fare arte, esplorando lediverse sfaccettature dello spettro visivo, del movimento, della luce e sulrapporto tra l'opera, lo spettatore e il suo coinvolgimento fisico. La mostrapresenta le intenzioni dell'artista di posizionare lo spettatore al centro dell’operapromuovendo la partecipazione attiva con l’opera stessa. Come ha affermato Le Parc "Lo spettatore ideale è il più libero, più aperto, meno collegato.

La cosa più importante per me è quel breve momento di interconnessione".

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Allen Jones at The Royal Academy of Arts.

13 November 2014 – 25 January 2015 The Royal Academy of Arts showcases an extensive tribute to British Pop artistand pupil, Allen Jones. Ironic and incorrect, a true provocateur, Jones has been highly contested throughout his career by feminists for his controversialsculptures depicting objectified female bodies. His satirical work commentsupon capitalism, male voyeurism and our male chauvinist, misogynist society. The exhibition is organized in terms of the themes and motifs that characterized Allen Jones’ works over the decades of his career.

Finally, for the catalog cover Jones has chosen Kate Moss, imposing her role as the undisputed muse in thecontemporary artistic pantheon.

La Royal Academy of Arts mette in mostra un ampio omaggio all'artista pop inglese Allen Jones. Ironico e provocatore, Jones è stato contestato durante tuttala sua carriera da femministe per le sue sculture controverse raffiguranti corpifemminili oggettivati. La sua opera satirica è un commento sul capitalismo, ilvoyeurismo maschile ed il maschilismo della nostra società misogina. La mostraè organizzata secondo i temi e i motivi che hanno caratterizzato le opere durantela carriera di Allen Jones.

Infine, per la copertina del catalogo Jones ha scelto Kate Moss, imponendo il suo ruolo di musa indiscussa nel pantheon artistico contemporaneo.

“Kandinsky Before Abstraction, 1901-1911” at theSolomon R. Guggenheim Museum 27 June 2014–Spring 2015 The Guggenheim Museum dedicates a show to Wassily Kandinsky’s worksbefore maturing the abstractism that brought him to fame. After abandoning hislegal profession in 1895, Kandisnky moved to Munich where he formed associations with avant-garde artists and eventually started developing printmaking techniques such as etching, lithography and woodcut, which provided him a mean to develop his romantic tendencies.

Il Museo Guggenheim dedica una mostra alle opere di Wassily Kandinsky prima della sua maturazione dell’astrattismo che lo porto` alla fama. Dopo aver abbandonato la sua professione di avvocato nel 1895, Kandinsky si trasferì aMonaco dove formo` associazioni con artisti d'avanguardia. Fu a Monaco che inizio` lo sviluppo di tecniche di stampa come l'incisione, la litografia e xilografia, che gli fornì un mezzo per sviluppare le sue tendenze romantiche.

“Sturtevant: Double Trouble” at MOMA 9 November, 2014– 22 February, 2015 The Museum of Modern Art will host the first comprehensive solo exhibition dedicated to Eleine Sturtevant since her solo show at the Everson Museum of Art in 1973. The exhibition presents a historical overview of her career from a contemporary view point. Her work began in 1965 and consisted in reproducing art works created by her contemporary artists challenging ideas of originality. Her works focused replicating works by Joseph Beuys and Duchamp, Roy Lichtenstein, Jasper Johns, and Andy Warhol. In most cases, her decision to start copying an artist happened before those artists achieved broader recognition, this led to discussions amongst critics on Sturtevant’s ability to identify their genius.

Il Museo d'Arte Moderna ospiterà la prima mostra personale dedicata alle opere di Eleine Sturtevant dopo la personale al Museo d'Arte Everson nel 1973. La mostra presenta una panoramica storica della sua carriera dal punto di vista odierno. Il suo lavoro, iniziato nel 1965, consisteva nel riprodurre opere d'arte create da artisti suoi contemporanei, mettendo in discussione il concetto di originalità. Le sue opere si concentrano nella replica di opere di artisti come Joseph Beuys, Duchamp, Roy Lichtenstein, Jasper Johns e Andy Warhol. Nella maggior parte dei casi, le sue copie delle opere vennero fatte prima che gli artisti raggiungessero la loro fama, questo ha portato a discussioni tra critici d’arte sulla capacità di Sturtevant di identificare il loro genio.

Mikhail Baryshnikov Untitled #19 - 2008 - print on canson - 151 x 115,5 x 5,08 CM

27 November - 31 January 2014

ARTSTAGE SINGAPORE 2015 22-25 January 2015

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