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A mi madre Patricia Bremer de HenrĂ­quez, Gracias por abrazarnos bajo tus alas todos los dĂ­as.


Patricia Henríquez Bremer Julio César Schara

CUADERNOS DE INVESTIGACIÓN INSTITUTO DE INVESTIGACIONES MULTIDISCIPLINARIAS UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE QUERÉTARO 2016


Imágenes de Forros Portada: Fotografía de Patricia Henríquez de Alejandra Vega Contraportada: “Los Pájaros de mi madre” Pintura de Patricia Henríquez Bremer

Reservados todos los derechos conforme a la ley PRIMERA EDICIÓN 2015 D.R. © 2016 Universidad Autónoma de Querétaro Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias Edificio I (ex F. L. y L.) Facultad de Ingeniería Ciudad Universitaria Cerro de las Campanas s/n Colonia Las Campanas C. P. 76010 Querétaro, Qro. México. www.iim.uaq.mx Tel: 01 (442) 192 12 00 Ext. Qro. 70 14 Ext. SJR 4802 E-mail: jc.schara@gmail.com ISBN: En trámite

Diseño y Formación: L.A.V Artemisa Llorente Topete Traducciones: Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias L.A.V Ana Cristina Fragoso Tejeida Michelle Sudderman Calisto Searle Impreso y hecho en México Printed and made in Mexico


DIRECTORIO UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE QUERÉTARO Dr. Gilberto Herrera Ruiz Rector Dr. Irineo Torres Pacheco Secretario Académico Dra. Blanca Gutiérrez Grajeda Secretaria Particular de Rectoría Q. B. Magali Elizabeth Aguilar Ortiz Secretario de Extensión Universitaria Dra. Ma. Guadalupe Flavia Loarca Piña Directora de Investigación y Posgrado Mtro. Luis Alberto Fernández García Director Facultad de Ciencias Políticas y Sociales Dr. Aurelio Domínguez González Director Facultad de Ingeniería Dr. Julio César Schara Director del Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias Mtro. Edgar Manuel Montes de la Vega Coordinador General del IIM Campus Cerro de las Campanas Dr. Raúl Martínez Merling Secretario Académico del IIM Campus Cerro de las Campanas Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias. Facultad de ingeniería. Universidad Autónoma de Querétaro. Querétaro, México 2016


INTRODUCCIÓN


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PATRICIA HENRÍQUEZ Y LA POSMODERNIDAD Julio César Schara

Patricia Henríquez nació en la ciudad de México, hizo sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, institución que fundaron importantes artistas de la escuela del nacionalismo mexicano: “La historia de la ENPEG comienza formalmente con la fundación de la Escuela libre de Escultura y Talla Directa en el Exconvento de la Merced bajo la dirección de Guillermo Ruiz en 1927. En los años ‘30 la escuela se movió al Callejón de la Esmeralda del cual se originó su alias. Raúl Anguiano, Feliciano Peña y José Chávez Morado enseñaron durante el mando de Guillermo Ruiz. En 1943 Antonio M. Ruiz toma las riendas de la escuela y rediseña el edificio separando la educación en talleres y desarrollando el primer plan de estudios aprobado por la Secretaría de Educación Pública (SEP) en 1943 siendo aprobada de forma oficial como Escuela de Artes. Los Maestros notables de esta época fueron Diego Rivera, Francisco Zúñiga, Frida Kahlo, Carlos Orozco Romero, Federico Cantú, Luis Ortiz Monasterio, María Izquierdo y Agustín Lazo…” “En el plan conformado por Antonio M. Ruiz se incluían materias teóricas como aritmética, geometría elemental, dibujo lineal y aéreo, teoría de la composición, anatomía descriptiva, historia del arte precortesiano, arte moderno americano, arte oriental y africano, arte europeo, inglés y dibujo del natural. Se impartían talleres que determinaban la especialidad: pintura o escultura y el laboratorio, un lugar para familiarizarse científicamente con los materiales. Más tarde se estructuró un Plan Profesional de Pintor, Escultor y Grabador que cambió en 1984 a las licenciaturas de Pintura, Escultura y Grabado. A partir de 1994 se creó la licenciatura en Artes Plásticas, mismo año

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en el que “La Esmeralda” se traslada de la Colonia Guerrero al Centro Nacional de las Artes. A partir del 2007 un nuevo plan de estudios entró en vigor, con el objetivo de formar profesionales en la producción de las artes plásticas y visuales con capacidad para desarrollar un lenguaje, con sustento conceptual acorde a su momento histórico y cultural, el cual les permita integrarse a circuitos de formación, difusión y circulación del arte, y que les posibilite la incursión en subsecuentes niveles educativos propios del ámbito de la producción, docencia, promoción y teoría de las artes plásticas y visuales.” https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_Nacional_de_Pintura,_ Escultura_y_Grabado_%22La_Esmeralda%22. (11/11/2015)

Fue precisamente en esa histórica institución donde Patricia Henríquez fue mi alumna, justo a mi regreso de Europa y Centroamérica. Por aquellos años La Esmeralda era una escuela tradicional y retrograda que utilizaba los métodos de enseñanza y aprendizaje más obsoletos que pudieran existir en el mundo de las artes del fin del siglo XX. El director de esos años el maestro Lorenzo Guerrero después de detener mi sueldo por un año, estaba dispuesto hacer el pago siempre y cuando abandonara la escuela pues mis alumnos con performances, videos, instalaciones, y acciones interactivas, etcétera, ensuciaban la escuela… Pese a esa lamentable formación que se impartía en aquellos años en la Esmeralda (principios de los noventa), de esa escuela han surgido numerosos artistas muy importantes como lo es, en este caso, el trabajo creativo visual de Patricia Henríquez, espíritu generoso, posmoderno y filantrópico. Patricia es hija del famoso arquitecto autor de la emblemática torre del Instituto Mexicano del Comercio Exterior, en la colonia La Condesa y autor de libros y ensayos sobre historia de la arquitectura y el diseño, así como destacado profesor universitario, Patricia lo recuerda así: “Mi padre fue una enorme influencia en mi manera de percibir el arte y el mundo; siempre me dijo: escucha consejos pero sigue tu instinto. Él amaba el arte, conoció el mundo, vivió en Europa y viajó hasta Oriente. Me recuerdo desde muy pequeña hojeando en mi casa una gran cantidad de libros de arte que no imaginaba que serían tan

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importantes para mí cuando años después estudié en la Esmeralda. También recuerdo que los fines de semana nos leía a Wilde, a Dickens y muchos otros grandes escritores y que cuando ya era adolecente él pasaba todas las tardes en su estudio y mientras escribía su segundo libro escuchaba a Beethoven, Mahler o Bach y para mí es un hecho que el vehículo más directo para llegar a mis emociones, es la música ya sea clásica o el rock: la música ha sido mi gran compañera de trabajo. Mi obsesión por la atmósfera y la luz nació porque mi papá y yo algunas tardes, nos sentábamos a observar el atardecer, la “hora cero” o “submarina”, como la llamábamos, pues el mundo parecía que estaba sumergido bajo el agua; de hecho uno de sus pintores favoritos era Turner. Estudio e investigó el arte asiático en especial el de India, Japón y China y me lo transmitió, de tal manera que cuando por primera vez puse un pie en China, sin hablar el idioma, me sentí muy cómoda pues la iconografía me era conocida. La pasión y la curiosidad por el arte y por Asia, así como el acompañamiento de la música, son parte del legado de mi padre al igual que el gran amor por los animales, lo es de mi madre…” “…Mi visión trágica, viene de todo lo que he visto en mi diaria labor como voluntaria con perros y gatos de la calle; labor ininterrumpida y a la que le dedicado todo lo que he tenido desde hace 28 años. De hecho y, es un dato que considero que es muy importante, mi trabajo voluntario con animales data de antes de que entrara a la “Esmeralda” y para mí, fue lo que me centró en el mundo. Mi obsesión con las aves viene desde pequeña, pues mi mamá rescataba y curaba pájaros y diario les daba de comer a los que volaban a su casa. Yo también, durante años, los he rescatado cuando he podido. Con los árboles, mi cercanía hacia ellos viene de China, de las diferentes especies que conocí en mis estancias allá y de muchos jardines y paisajes que pude visitar. Durante años he tenido el compromiso de hacer algo desde mi trabajo por mejorar aunque sea muy poco el mundo en el que me ha tocado vivir, por lo que he donado obras, grabados, portadas de libros, posters y tarjetas postales a la Comisión Mexicana de Defensa

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y Promoción de los Derechos Humanos, al Instituto para la Seguridad y la Democracia, entre otras organizaciones de la sociedad civil e incluso a la Comisión de Derechos Humanos del Distrito Federal…” La familia de Patricia, por la parte materna está vinculada al antiguo linaje fundado por Don Félix y de Martino Díez, un industrial dedicado a la minería y al negocio de la banca, fue destacada su participación en las últimas décadas del siglo XIX, esto es en el Porfiriato fundando negocios exitosos y de ese árbol fecundo se han reproducido muchos talentos y filantropías. Recordar la reciente desaparición de Doña Guillermina A. de Martino, quien fundara la famosa ciudad Vicentina, y Cristina Bremer y de Martino, pintora, maga, quiromántica, bruja, quien convivio con el movimiento surrealista con Leonora Carrington, de los años cincuenta-sesenta en la Ciudad de México. Así mismo, Laura Bremer y de Martino cuya labor filantrópica es ampliamente conocida y reconocida en el norte del país. La abuela de Patricia doña Cristina y de Martino a quien mi madre veneraba como una hermosa, culta, y carismática dama de la sociedad mexicana de mediados del siglo XX, y que fuera ese árbol frondoso fundadora de este linaje de la que han salido hijos, nietos, bisnietos notables y talentosos y aquellos cuya riqueza se los ha permitido se han dedicado a proteger y dar lo mejor de ellos a los que más lo necesitan. Es importante que en México podamos construir ese árbol genealógico que forman parte, si bien es cierto de la biografía familiar, también lo son del país, ese ser social con nuestros pobres y ricos, con su inequidad en la distribución de la riqueza, con nuestra democracia incompleta, con nuestros fracasos en la economía y la educación, pero no por ello y también gente que ha puesto en el comercio y en la industria grandes éxitos de los cuales depende mucho el futuro de nuestra economía, y por lo tanto de nuestra sobrevivencia. Para hacer una lectura teórica sobre el trabajo creativo de la artista visual Patricia Henríquez, es necesario situarnos más allá del hecho fenomenológico de la obra en sí y para sí, pues a pesar de las notas criticas incluidas en este catálogo de obras, donde se destacan las imágenes contenidas en los dibujos, las pinturas, la videografía que ha recibido diferentes distinciones. La relación de las imágenes visuales construidas por Patricia, se significan de acuerdo al tratamiento que le han dado los diferentes autores que se han ocupado de su obra: movimientos gestuales, la espátula y los dedos para crear una relación más matérica y orgánica con la obra; planos que amplían los soportes de los tamaños formales para dimensionarlos hacia el mural que los coleccionistas que quisieran poseer una obra no podrían colocarla en la sala de sus casas, etcétera.

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Alambradas con pájaros, paisajes desolados son los personajes de Patricia que constituyen el mundo de la naturacosa, como adjetivara Carlos Pellicer a nuestra casa amplia y ajena del mundo que heredamos de nuestros ancestros, la casa-tierra-planetaria, en el que también, a veces, incluye el mundo canino. La veneración por la naturaleza se significa y simboliza principalmente por un espíritu altruista a la que entrega su energía, tiempo, recursos económicos para mantener un hogar que cuida, conserva y sana las heridas, entre otros, de los perros abandonados en la calle.

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LLANTO POR LA MUERTE DE UN PERRO Hoy me llegó la carta de mi madre y me dice, entre otras cosas: —besos y palabras— que alguien mató a mi perro. “Ladrándole a la muerte, como antes a la luna y al silencio, el perro abandonó la casa de su cuerpo, —me cuenta—, y se fue tras de su alma con su paso extraviado y generoso el miércoles pasado. No supimos la causa de su sangre, llegó chorreando angustia, tambaleándose, arrastrándose casi con su aullido, como si desde su paisaje desgarrado hubiera querido despedirse de nosotros; tristemente tendido quedó —blanco y quebrado—, a los pies de la que antes fue tu cama de fierro. Lo hemos llorado mucho…” Y, ¿por qué no? yo también lo he llorado; la muerte de mi perro sin palabras me duele más que la del perro que habla, y engaña, y ríe, y asesina. Mi perro siendo perro no mordía. Mi perro no envidiaba ni mordía. No engañaba ni mordía. Como los que no siendo perros descuartizan, destazan, muerden en las magistraturas, en las fábricas, en los ingenios, en las fundiciones, al obrero, al empleado, el mecanógrafo, a la costurera, hombre, mujer, adolescente o vieja. Mi perro era corriente, humilde ciudadano del ladrido-carrera, 12


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mi perro no tenía argolla en el pescuezo, ni listón ni sonaja, pero era bullanguero, enamorado y fiero. A los siete años tuve escarlatina, y por aquello del llanto y el capricho de estar pidiendo dinero a cada rato, me trajeron al perro de muy lejos en una caja de zapatos. Era minúsculo y sencillo como el trigo; luego fue creciendo admirado y displicente al par que mis tobillos y mi sexo; supo de mi primera lágrima: la novia que partía, la novia de las trenzas de racimo y de la voz de lirio; supo de mi primer poema balbuceante cuando murió la abuela; al perro fue en su tiempo de ladridos mi amigo más amigo. “Ladrándole a la muerte, como antes a la luna y al silencio, el perro abandonó la casa de su cuerpo —dice mi madre— y se fue tras de su alma —los perros tienen alma: una mojadita como un trino— con su paso extraviado y generoso el miércoles pasado…” Ay, en esta triste tristeza en que me hundo, la muerte de mi perro sin palabras me duele más que la del perro que habla, y extorsiona, y discrimina, y burla; mi perro era corriente, pero dejaba un corazón por huella; no tenía argolla ni sonaja, pero sus ojos eran dos panderos; no tenía listón en el pescuezo, pero tenía un girasol por cola y era la paz de sus orejas largas dos lenguas de diamantes. Abigael Bohórquez (http://revistareplicante.com/ llanto-por-la-muerte-de-un-perro/) (17/11/15)

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Pintura gestual, abstracta y figurativa que va marcando límites que se trastocan hasta la imagen del videoarte no puede solo significar lo que parece que es lo que es, según los lectores de la obra, por los contenidos de la misma. Para poder ubicar mejor un contexto que redifina y abra nuevos diálogos para la lectura de la obra de Patricia, hay que abrir los puentes: einfühnlung, para los espectadores de la misma más allá de su impronta gestual y matérica. Patricia Henríquez tiene una vida dedicada a la construcción de un universo visual que se remonta a sus primeros años universitarios en la escuela de la Esmeralda. Para Baudaire, citado por Pico; 1990, el discurso estético moderno lo constituye, lo transitorio, lo fugitivo, lo continente, en una mitad del arte, donde la otra mitad del otro es lo eterno, lo inmutable. La modernidad se afirma desde luego en la historia de las vanguardias, que se inician en los primeros años del siglo XX en la ex Unión Soviética, donde los conceptos del arte abstracto, el Constructivismo, el Rayonismo, etcétera, que como dice Ida Rodríguez Prampolini, constituyen: “El primer grito de rebeldía que se levanta…Cuando un grupo de treinta artistas con nuevos ideales se unen en el círculo llamados los vagabundos, con el objeto definido de llevar el arte al pueblo, servir a la sociedad y luchar contra la idea del arte por el arte (Rodríguez Prampolini, 1970, pp. 70-71).”

[ Fotogramas del Cortometraje de Patrica Henríquez “A vuelo de pájaro”, 2009.]

“El grupo de los vagabundos, estuvo vinculado con Dostoievski, Tolstoi, Turguenev, que viajaban por la Rusia de principios de la Revolución llevando exposiciones de sus obras. Inspirados en el arte popular ruso, en la música de Mussorgsky, Borodin y Rimski Korsakov. Esta vanguardia va a tener sus antecedentes en el impresionismo francés, que culmina con las obras de Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Antóine Pevsner y su hermano Naum Gabo. Las revoluciones pictóricas del Cubismo y el Futurismo cercano a la lección de Cézanne.

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La primera variable importante del abstraccionismo fue la teoría del Rayonismo de Natalia Goncharova (1881) y Mikhail Larionov (1881); para ellos los objetos desmaterializados están ligados entre sí por rayos de energía, que el artista capta en el dinamismo de la pintura y que años después en la Escuela de Nueva York retomara Jackson Pollock, con los chorreados, donde la conjunción del “azar conducido” daba a su obra una impronta de dinamismo y movimiento casi virtuales. El manifiesto de los rayonistas dice: …Nosotros afirmamos que el genio de nuestra época debe ser: pantalones, chaquetas, zapatos, tranvías, autobuses, aeroplanos, barcos maravillosos. ¡Qué estupenda, que gran época sin parangón en la historia mundial! …¡Viva el espíritu nacional! Nosotros marchamos al lado de los artistas rusos. ¡Viva nuestro estilo rayonista en pintura, independiente de las formas reales, que vive y se desarrolla, según las reglas de la pintura! El Rayonismo es una síntesis de cubismo, futurismo y orfismo! (De Micheli Mario, p. 315).” Contemporáneos al rayonismo son Kandinsky (1866-1944), Kazimir Malevich (1897-1935) y Vladimir Tatlin (1885-1953), quienes demandan un mundo constructivo, levantado en el andamiaje de la colectividad y no del individuo individualmente aislado. En 1913-1914, Tatlin experimenta con nuevos materiales: “mi máquina está construida por los principios de la vida orgánica. A través de esta observación de las formas he llegado a la conclusión de que las formas más estéticas son las más económicas”.

[Lirios rayonistas de

[Aves exóticas de Vasili Kandinsky]

Natalia Goncharova, 1913]

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[Rayonismo de Mijaíl Lariónov, 1911]

[Abstracto de Vasili Kandinsky, 1916]

[Composición VII de Vasili Kandinsky, 1913]

El trabajo para la transformación material de la vida es el arte. Así, el cuadro tradicional se convierte en esculturas que contienen la nueva visión del mundo contemporáneo que quiere dominar el espacio. Por otra parte Malevich, crea el cuadro blanco sobre el fondo blanco, con las cuales expresa el fin del arte tradicional y la fe en un cuadro constructivo, donde el artista trabaje en unidad con la ciencia, los ingenieros y los constructores pueden recrear el nuevo mundo. Así se unifican las artes: pintura, arquitectura, poesía, música y las artes menores como la cerámica, la tipografía, la escenografía teatral, el diseño industrial que son elevados a la altura del arte. Tatlin construye un modelo de estufa de combustible y la escultura más grande del constructivismo ruso: el Monumento a la Tercera Internacional, una enorme espiral con el eje inclinado que se proyecta en el infinito, que solamente quedó en maqueta ya que la ambición de su altura, dos veces el Empire State Building, de Nueva York y su realización en acero y cristal le impidió llevarse a cabo, además de las razones económicas. Tatlin también crea una serie de diseños para costura que sirven de patrones; moldes para la manufactura de trajes y vestidos que tenían como principio estético minimizar los costos: costo mínimo, minimalista. También en la fotografía, los fotomontajes, los novedosos carteles, las portadas de revistas, anuncios publicitarios, surgen en la Rusia de la pos revolución (Rodríguez Prampolini, I; 1964).

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La influencia de los constructivistas rusos, fueron asimiladas por el movimiento Holandés de Stijl y la escuela de la Bauhaus, cuyas repercusiones se encuentran en la cultura occidental del siglo XX. Josef Albers, el famoso teórico del color, fue el principal responsable de darle, por ejemplo a Black Mountain College su dirección y destino en las artes. Aunque personalmente estaba interesado en las posibilidades del Abstraccionismo Geométrico y promovía agresivamente el arte abstracto, también estaba consciente del hecho de que los alumnos necesitaban exponerse a una gran diversidad de estilos y acercamientos en su estudio de las artes, e invitó a muchos artistas que se desempeñaban en tendencias y estilos distintos del abstraccionismo, a dar clases y conferencias. La diversidad fue el pilar de la experiencia en el College, los docentes y alumnos eran artistas vivos, que ya estaban ejerciendo su influencia en el desarrollo de la cultura moderna en Estados Unidos. Así mismo las vanguardias del siglo XX se enriquecen con grandes pintores surgen de la Escuela de Nueva York, entre otros sus líderes: Jackson Pollock, Mark Rothko, Robert Rauschenberg, Jasper Johns; y de las tendencias subsecuentes: Roy Lichtenstein, Andy Warhol, David Smith, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etcétera.

[ Fábrica por Josef Albers: medios mínimos, efecto máximo., 1925]

En México la vanguardia se inicia en los años cincuenta con la primera generación de los abstraccionistas, de la Escuela de la Ruptura Mexicana: Rodolfo Nieto, José Luis Cuevas, Fernando García Ponce, Enrique Echeverría, Lilia Carrillo, Arnaldo Cohen, fueron influidos por la lección

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exuberante de Rufino Tamayo, que de la Escuela Mexicana de Pintura salta al expresionismo abstracto de Nueva York, en donde vive por más de quince años y construye las bases originales de la obra de Tamayo, abstracta y geométrica, el color jugoso, afrutado que representa la impronta mexicana, en la pintura universal.

[ Doodle de Google dedicado a El día y la noche por Rufino Tamayo, obtenida de: https:// arguzblog.wordpress.com/2013/08/26/quetzalcoatl-y-tezcatlipoca/]

Los ambientes culturales en las que surge la vanguardia en el estado industrial moderno del México de los años cincuenta se alimenta de los movimientos artísticos más emblemático del siglo XX: El Abstraccionismo y Expresionismo abstracto cuya naturaleza radica principalmente en la sensación del color como forma, y su impronta sensible y profundamente expresiva. El arte abstracto, informalista y principalmente no figurativo, lírico y expresivo, si bien surge con los constructivistas rusos –en el que no debemos de olvidar a Kandinsky, cuya experiencia y enseñanzas (De lo Espiritual en el Arte) influye la cultura visual del siglo XX–, van a utilizar el color como principal fuente de insumo para las artes visuales con la creación de obras suntuosas y prodigiosas que culminan con el Action painting y la escuela de Nueva York. Con el arte cinético, óptico y virtual de Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz Diez, cuya obra se inicia y desarrolla en los años cincuenta del siglo pasado en París, Francia. La vanguardia mexicana abreva en la modernidad y la postmodernidad, fiel a su vida íntima, y reproduce su actividad creativa material en un sinnúmero de movimientos creativos que incluyen las artes visuales, la arquitectura, el cine, la danza, el teatro (Jodorowski), que junto al desarrollo industrial contemporáneo y a la alternancia democrática del país nos han dejado como legado a las nuevas generaciones, un nuevo país, nuevas desolaciones y esperanzas que en las primeras décadas del siglo XX, se oscurecen, se iluminan, se repiten los mismos crímenes del 68, ahora Ayotzinapa, los feminicidios y las discriminaciones al mundo indígena, a las diferencias de las minorías

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sexuales y en fin al ecocidio del planeta. En esta larga historia se inscribe la obra de Patricia Henríquez en este proceso de modernidad-posmodernidad que se había presentado como un proceso emancipador de la sociedad tanto de la vertiente burguesa como en el mundo de la crítica socialista y marxista (J. Picó 1990). Va a surgir la postmodernidad como una crítica que reclama otra vez la revisión del proyecto ilustrado de la humanidad y pone en tela de duda la incesante racionalización, burocratización y cientifización de la vida social. Proponiendo que el trabajo artístico es el único medio donde se da un conocimiento no reificado que revela la irracionalidad y el carácter falso de la realidad existente y al mismo tiempo, su síntesis estética en la que prefigura un orden de reconciliación (Idem Pico). Así pues la escuela de Frankfurt: Habermas y Gadamer, la teoría crítica y la Hermenéutica, la filosofía del dinero y la moda de Simmel prefiguraran la crítica que ha dominado el fin y el principio del siglo XX, y aquí en esta crítica a la modernidad es donde podemos inscribir los paisajes grises oscuros, los pajaritos en las alambradas, en ambientes contaminados y hostiles de la obra de Patricia donde podríamos tener una visión más abarcadora, esto es más allá de lo materíco y gestual de su cultura. Es una obra que nos revela la vulnerabilidad de la naturaleza, de nuestra casa, de nuestra tierra, pero y que también se compromete con hacer consciente lo invisible que son nuestras acciones destructoras de los ambientes primigenios. Entre nosotros la crítica a la modernidad esto es el pensamiento postmoderno sigue sin brindar sus frutos, seguimos un proceso de industrialización, de contaminación y destrucción de la naturaleza y han hecho falta más expresiones del arte y la cultura que nos permitan resignificar está dramática realidad, explicarla, sentirla y de alguna forma impedir el proceso de destrucción de nuestro entorno. Muy pocos artistas se han preocupado por retroalimentar nuestra condición post moderna que a pesar de todo, vivimos, existimos junto a la sociedad global. Pocas obras se hacen presentes a la hora de buscar la emancipación de valores y proyectos económicos y sociales del neoliberalismo que nos haga reflexionar en la importancia de cambiar y transformar el mundo que nos rodea, por eso la obra de Patricia hay que ubicarla en este contexto, en esta necedad de buscar una conciencia estética de los grandes problemas que aquejan no solamente a nuestro país sino a la sociedad global y que por ello la obra de Patricia recobra múltiples significados estéticos-socialespolíticos-ecológicos. Por ultimo quiero transcribir un poema de Saul Bellow, que dice:

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SAUL BELLOW PREMIO NOBEL DEL AÑO Preguntó: ¿Qué está actualmente En el centro? “Ni el arte, ni la ciencia”. La humanidad. Es necesario iluminarlos Determinar si perduraran Todas las especies, Incluyéndonos a nosotros mismos. Hay impedimentos de educación Y todas las demás perogrulladas, Que nos impiden ver la realidad.” Jc. Schara; 2000, Suma Poética Diciembre de 1976

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PATRICIA HENRÍQUEZ AND THE POSMODERNITY

Julio César Schara Patricia Henríquez was born in Mexico City, made her studies at the National School of Painting, Sculpture and Engraving “La Esmeralda”, institution that was founded by important artists from the Mexican nationalism school “The story of the the National School of Painting, Sculpture and Engraving formally starts with the foundation of the Free School of Sculpture and Direct Carving in the former convent of La Merced under the direction of Guillermo Ruiz in 1927. In the 30’s the school was moved to the Emerald Alley from where originates it alias. Raúl Anguiano, Feliciano Peña and José Chávez Morado taught during the direction of Guillermo Ruiz. In 1943, Antonio M. Ruiz became head of the school and redesigns the building separating the training in classes and developed the first curriculum which achieved certification by the Secretaría de Educación Pública in 1943 accompanied by the official status of an art school. The notable teachers of this time were: Diego Rivera, Francisco Zúñiga, Frida Kahlo, Carlos Orozco Romero, Federico Cantú, Luis Ortiz Monasterio, María Izquierdo and Agustín Lazo. “In the curriculum formed by Antonio M. Ruiz were included teoric subjects as arithmetic , elementary geometry, linear and air drawing, theory of composition , descriptive anatomy , pre-Conquest history of art, American modern art , oriental and African art, European art , English and drawing of the natural. workshops were held to determinated the speciality: painting or sculpture and the laboratory, a place to familiarize scientifically with the materials. Later a Professional Plan for painter, sculptor or engraver got structured and changed in 1984 to degrees in painting, sculpture and engraving. For 1994 the Bachelor in Plastic Arts was created, this same year “La

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Esmeralda” is moved to the Colonia Guerrero National Arts Centre. In 2007 a new curriculum enter into force, with the objetive of prepare professionals in the production of plastic and visuals arts with the capability of develope a language, with conceptual support according to their historical and cultural moment, which allows them to be integrate in circuits of training, dissemination and circulation of art, and to enable them the incursion in subsequent educational levels in the field of production, education, advocacy and theory of the visual arts. “ https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_Nacional_de_Pintura,_Escultura_y_ Grabado_%22La_Esmeralda%22. (11/11/2015)

It was in that historical institution where Patricia Henríquez was my student, just after my return from Europe and Central America. For those years “La Esmeralda” was a traditional and retrograde school that used the most obsolete teaching and learning methods that could exist in the world of the arts of the late twentieth century. The director of those years the teacher Lorenzo Guerrero after holding my salary for a year, was willing to pay me as long as I quit the school because my students with performances, videos, installations and interactive actions , etc. , messed up the school … Despite this unfortunate training provided in those years in “La Esmeralda”( early nineties), from that school have emerged many important artists as it is, in this case , the visual creative work of Patricia Henriquez, generous, philanthropic and postmodern spirit. Patricia is the daughter of the famous architect, author of the landmark tower of the Mexican Institute of Foreign Trade, in the Condesa and author of books and essays on the history of architecture and design as well as a prominent university professor. She remembers him this way: “My father was a big influence in my way of perceiving the art and the world; he always told me: listen to the advices but follow your instincts. He loved the art, met the world, lived in Europe and traveled to the East. I remember me since I was young leafing through in my house a large number of art books, that I didn’t even imagined would be so important for me years later while studying at “La Esmeralda”. I also remember that in weekends he used to read to us Wilde, Dickens and

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some other great writers and that when I was a teenager he used to spend all the afternoons at his studio and while writing his second book he listened to Beethoven, Mahler or Bach and for me it‘s a fact that the most direct vehicule to my feelings is music, either classic or rock: Music has been my greatest work partner. I’m obsessed for light and atmosphere thanks to my dad; some afternoons we used to observed the sunset, the “zero time” or “underwater” as we used to call it, because the world seemed to be submerged under water; in fact, one of his favourite painters was Turner. He studied and investigated Asian art, specially the one from India, Japan and China, and transmitted it to me, so when I first travelled to China, without speaking the language, I felt very comfortable because I knew the iconography. The passion and curiosity for art and for Asia, as well as the music are part of my dad’s legacy as the great love for the animals I have is from my mother. “… My tragic visión, came from everything I’ve seen in my daily work as volunteer with dogs and cats from street; uninterrupted labor to the one I’ve been dedicated since 28 years ago. Actually, and it is a fact I consider it’s pretty important, my volunteer work with animals started before I entry to “La Esmeralda” and for me, it was what focused me in the world. My obsession with birds come from when I was younger, my mom used to rescue and cure birds and feed daily the ones that fly to our house. I’ve also rescue some when I got the chance. With the trees, my closeness come from China, from the different species I met during my stay there, and from the many gardens and landscapes I visited. During years I’ve been commited to improve, from my work, the world in which I live, and for that, I have donated art works, books covers, posters and post cards to the Mexican Commission for the Defense and Promotion of Human Rights, the Institute for Security and Democracy, and some other civil organizations, even to the Human Rights Commission of the Federal District…” Patricia’s family, by the mother’s side is linked to the ancient lineage founded by Don Félix y de Martino Díez, a man dedicated to the mining industry and the banking business , was highlighted his participation in the last decades of the nineteenth century, in the Porfiriato, founding successful businesses

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and from that fruitful tree has borned plenty of talents and philanthropies (remember the recent passing of Doña Guillermina A. de Martino who founded the famous organization “Ciudad Vicentina” and Cristina Bremer y de Martino, painter, magician, palmist, witch, who lived with the surrealist movement with Leonora Carrington, of the fifties to sixties in Mexico City). Patricia’s grandmother Cristina y de Martino whom my mother worshiped as a beautiful, cultured, charismatic lady of the Mexican society of the mid-twentieth century, married to a lawyer of the north. I don’t think he made her very happy, the outcome was tragic. He remarried with the surely richest widow of the seventies, Cecilia Camou, widow of López Negrete. The lineage of the y de Martino continued in Spain and in Mexico where exceptional talents have emerged and those whose wealth has allowed them have dedicated themselves to protect and give the best of themselves to those who need it most. Is important that in Mexico we build that family tree from where they’re part of, if it is true, they are also from the country, from that social being with our poor and rich, with unequal distribution of wealth, with our incomplete democracy, with our failures in economies and education, but also, people who have put in commerce and industry greatest hits from which depends the future of our economy and therefore our survival. To make a theoretical reading about the creative work of visual artist Patricia Enriquez, it is necessary to place ourselves beyond the phenomenological fact of the artwork, itself and for itself, because despite the critical notes included in this catalog of works, where the images contained in the drawings, paintings and the videography that has received several distinctions. The relationship of the visual images constructed by Patricia, has a meaning according to the treatment given by the different authors who have dealt with her work: the gestures , the spatula and the fingers to create a more materic and organic relationship with the work; bigger supports, similar to murals that collectors who will want the work won’t have a place in the room of their homes, etc. Barbed wire birds, desolate landscapes, are the characters Patricia constitute in the world of the naturacosa, as Carlos Pellicer would call our extensive and alien home that we inherited from our ancestors, the house -earthplanetary, which also sometimes includes the canine world. Reverence for nature means and symbolizes mainly for an altruistic spirit which gives its energy, time, economic resourses to maintain a home that cherish, preserve and heals the wounds, among others, the abandoned street dogs.

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LAMENT FOR THE DEATH OF A DOG Today I got the letter from my mother and she says, among other things: — kisses and words— that someone killed my dog. “Barking at the death, as before to the moon and silence, the dog left the house of his body, — tells me —, and went after his soul with his lost and generous step. last Wednesday We didn’t know the cause of his blood, He came dripping anguish, shaky, almost dragging by his howl, as if from his torn landscape wanted to say goodbye to us; sadly he lay — White and broken—, at the foot of what was before, your iron bed. We’ve cried a lot…” And, why not? I have also cried; the death of my dog without words hurts me more than the talking dog , and deceives , and laughs , and murders. My dog being a dog didn’t bite. My dog didn’t envy or bite. Didn´t deceive or bite. As the ones that aren’t dogs shred Cut into pieces, bite in the magistracies, in factories, in the mills , in foundries , the worker, the employee , the typist , the seamstress , man, woman, adolescent or old. my dog was mongrel, humble citizen of bark-race, 25


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my dog didn’t have a ring in the neck, or ribbon or rattle, but it was rowdy , lover and fierce. At the age of seven I had scarlet fever, and for the crying and caprice of being asking for money all the time, brought me the dog from far in a box of shoes. Was tiny and simple as wheat ; then he grew admired and lackadaisical to my ankles and my sex; Knew about my first tear : the girlfriend who left, the grilfriend with braids and voice of lily; Knew my first faltering poem when grandma died; the dog was in his barking times My biggest friend. “Barking at the death, as before to the moon and silence, the dog left the house of his body, — my mother says—, and went after his soul— dogs have souls: wet as a trill — with his lost and generous step. last Wednesday …” this sad sadness that I sink, the death of my dog without words hurts me more than the one of the dog , who talks, and extorts, and discriminates, and mocks my dog was mongrel, but he left a heart by footprint; Didn’t have ring or rattle, but his eyes were two tambourines; No ribbon in the neck, but he had a sunflower as tail and it was the peace of his long ears two tongues made of diamonds. Abigael Bohórquez (http://revistareplicante.com/ llanto-por-la-muerte-de-un-perro/) (17/11/15)

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Gestural, abstract and figurative painting that marks limits to disrupt the image of video art may not only mean what it seems to be what it is, according to readers of the work, the contents thereof. To locate a better context that redefines and open new dialogues for reading the work of Patricia, we have to open the bridges: einfühnlung, for viewers of it beyond their gestural mark and materic. Patricia Henriquez has a life dedicated to the construction of a visual universe that dates back to her early years in the Esmeralda University. To Baudaire, quoted by Pico; 1990, modern aesthetic discourse is constituted by the transitory, the fugitive, the continent, in a half of art, where the other half is the eternal, the unchanging. Modernity is stated of course in the history of the avant-garde, that start in the early twentieth century in the former Soviet Union, where the concepts of abstract art, Constructivism, Rayonism, etc., that as Ida Rodriguez Prampolini says, are : “The first cry of rebellion that rises … When a group of thirty artists with new ideals come together in the circle called the vagrants, defined in order to bring art to the people, serve the society and to fight the idea of art for art (Rodríguez Prampolini, 1970, pp. 70-71).” “The group of wanderers, was linked with Dostoievski, Tolstoi, Turguenev, who traveled along Russia in the begginings of the revolution carrying exhibitions of their works. Inspired by Russian folk art, in music of Mussorgsky, Borodin and Rimsky Korsakov. This vanguard will have their antecedents in the French impressionism, culminating with the works of Cezanne, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Antoine Pevsner and his brother Naum Gabo. The pictorial revolution of Cubism and the futurism near the lesson of Cézanne. The first important variable of the abstractionism was the Rayonism theory of Natalia Goncharova (1881 ) and Mikhail Larionov (1881 ); for them the dematerialized objects are linked by energy beams, for them dematerialized objects are linked by energy rays that the artist captures in the dynamism of painting and that years later in the New York School Jackson Pollock retake, with blasted , where the combination of “conducted random “ gave the work an impression of dynamism and almost virtual movement. The proclamation of rayonism says: …We affirm that the genius of our time should be: jeans, jackets, shoes, trams, buses, airplanes, wonderful ships. What a great, great moment unparalleled in world history! ... Long live the national spirit! We marched

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alongside the Russian artists. Long live our rayonist style, independent of the actual forms, which lives and develops according to the rules of painting! The rayonism is a synthesis of Cubism, Futurism and Orphism! (De Micheli Mario, p. 315).” Contemporary to the rayonism are Kandinsky (1866-1944), Kazimir Malevich (1897-1935) and Vladimir Tatlin (1885-1953), whom demand a constructive world created in the community and not in the isolated individual. In 1913-1914, Tatlin experiments with new materials: “my machine is built on the principles of organic life. Through this observation of the forms I have come to the conclusion that the most aesthetic forms are the most economical”. The work for the material transformation of life is art. Thus, the traditional picture becomes sculpture containing the new vision of the contemporary world that wants to dominate the space. Moreover Malevich creates the white painting on white background with which express the end of traditional art and faith in the constructive artwork, where the artist work in unity with science , engineers and builders can recreate the new world. This way the arts are unified: Painting, architecture, poetry, music and minor arts such as pottery, typography, stage design and industrial design that are raised to the level of art. Tatlin built a model of fuel stove and Russian Constructivism largest sculpture: the Monument to the Third International, a huge spiral with the inclined shaft that projecting to the infinity, it was only in model and because of the ambition of its height, twice the Empire State Building, in New York and its realization in steel and glass couldn’t be make, besides economic reasons. Tatlin also created a serie of designs for sewing patterns serving as molds for the manufacture of suits and dresses that had as aesthetic principle: minimize costs, minimal cost and minimalist. Also in photography, collages, novel posters, magazine covers, commercials, arised in Russia in the post- revolution (Rodríguez Prampolini, I; 1964). The influence of the Russian Constructivists, were assimilated by the Dutch movement of Stijl and the Bauhaus School, whose repercussions are in the Western culture of the twentieth century. Josef Albers, the famous theorist of color, was the main responsible for providing, for example, to the Black Mountain College a destination and direction in the arts. Although he was personally interested in the possibilities of abstractionism and aggressively promoted Geometric Abstract Art, he was also aware of the fact that students need exposure to a wide variety of styles and approaches in their study of the arts, so he invited many artists who worked in different styles and trends of

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abstractionism, to give classes and lectures. Diversity was the cornerstone of experience in the College, teachers and students were living artists, who were already exerting its influence on the development of modern culture in America. Likewise, the vanguards of the twentieth century are enriched by great painters arising from the New York School, including its leaders: Jackson Pollock, Mark Rothko, Robert Rauschenberg, Jasper Johns; and from the subsequent trends: Roy Lichtenstein, Andy Warhol, David Smith, Ellsworth Kelly, Frank Stella and so on. In Mexico the avant-garde begins in the fifties with the first generation of abstract artists, from the Mexican School Break: Rodolfo Nieto, José Luis Cuevas, Fernando García Ponce, Enrique Echeverría, Lilia Carrillo, Arnaldo Cohen, were influenced by the lush lesson of Rufino Tamayo, that of the Mexican School of Painting jumps to abstract expressionism in New York, where he lived for more than fifteen years and built the original bases of the work of Tamayo, abstract, geometric, color juicy, fruity representing Mexican imprint on the world of painting. The cultural environments in which the art emerges in the modern industrial state of Mexico in the fifties feeds on the most emblematic artistic movements of the twentieth century: Abstractionism and Abstract Expressionism whose nature lies mainly in the sense of color as form , and its sensitive and deeply expressive imprint. Abstract art, informal and mainly non-figurative , lyrical and expressive, arises with the Russian constructivists – in which we must not forget Kandinsky , whose experience and lessons (About the Spiritual in Art) influences in the visual culture of the twentieth century –, will use the color as a primary source of input for the visual arts with the creation of sumptuous and wonderful works that culminate with the Action painting and the New York School. With the kinetic, optical and virtual art of Jesús Rafael Soto and Carlos Cruz Diez, whose work begins and develops in the fifties of the last century in Paris, France. Mexican art thrives in modernity and postmodernity, true to its personal life, and reproduces its creative material activity in countless creative movements that includes the visual arts , architecture , film , dance , theater (Jodorowski), which together with the contemporary industrial development and the democratic change in the country have left us as legacy to the future generations , a new country, new desolation and hopes that in the first decades of the twentieth century, become dark and then light up, repeated the same crimes of the 68, Ayotzinapa now , feminicide and discrimination to the indigenous world, to differences of sexual minorities and, finally, the ecocide of the planet. In this long history the work of Patricia Henriquez gets involved in this process

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of modernity – postmodernity which it was presented as a liberating process of society both the bourgeois side and in the world of socialist and Marxist criticism (J. Picó 1990). The postmodernism will emerge as a critic again calling for the revision of the project illustrated of the humanity and puts into question the ceaseless rationalization, bureaucratization and scientification of social life. Proposing that the artwork is the only medium where knowledge is given not reified revealing the irrationality and false nature of the existing reality and at the same time, its aesthetic synthesis in which foreshadows an order of reconciliation (Idem Pico). So the Frankfurt School: Habermas and Gadamer, Critical theory and hermeneutics, money philosophy and the fashion of Simmel prefigure the criticism that has dominated the end and the beginning of the twentieth century, and here in this critique of modernity is where we can enroll the dark gray landscapes, the birds on the wire, in contaminated and hostile environments of the work of Patricia where we could have a broader vision, beyond the materic and gesture of her culture. It is a work that reveals us the vulnerability of nature, of our home, our land, but that is also committed to making the invisible conscious that are our destructive actions of primitive environments. Among us the critique of modernity that is the postmodernism still without giving results, we continue a process of industrialization, pollution and destruction of nature and there have been needed more expressions of art and a culture that allows us to give a new meaning to this dramatic reality, explain it, feel it and somehow impede the process of destruction of our environment. Very few artists have been concerned about retake our postmodern condition that despite everything, we are living, we exist with the global society. Really few works are present at the time of seeking the emancipation of values and economic and social projects of neoliberalism that makes us reflect about the importance of change and transform the world around us, that is why Patricia’s work must locate in this context, in this need to seek an aesthetic awareness of the major problems afflicting not only our country but the global society and therefore the work of Patricia recovers multiple - social political -ecological aesthetic meanings . Finally I would like to transcribe a poem by Saul Bellow, who says

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SAUL BELLOW NOBEL PRIZE OF THE YEAR He asked: What is currently In the middle? “Neither art nor science.” The humanity. It is necessary to illuminate them Determinate if they will last All the species, Including ourselfs There are impediments of education And all the other platitudes That impede us from seeing the reality.” Jc. Schara; 2000, Summa Poética December 1976.

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[FotografĂ­a de: Alejandra Vega]

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REFLEXIONES SOBRE MI TRABAJO Patricia Henríquez Bremer Mi trabajo se relaciona siempre con imágenes y hechos que me emocionan o estrujan …….. algo que me mueva. Camino en el umbral entre lo figurativo y lo abstracto; en la frontera de lo clásico y lo contemporáneo, entre el dibujo y la pintura, instinto e idea; me obsesiona la oscuridad y la luz; lo inmediato y lo lejano; lo que puedo tocar o lo que sólo puedo percibir; la extraña belleza de algo que permanece, pero ya no está…. Un mundo en constante devenir. Mi cuerpo es mi herramienta, mis ojos son mis manos. Trabajo el dibujo monocromático de primera intención; una línea lleva a otra, todo lleva a una nueva forma, otras veces sólo un elemento en el espacio vació atemporal. La composición es instinto, me acerco o me alejo…. Viajar es mi parte aguas. La posibilidad del asombro ante la cotidianidad y lo extraordinario…. Gestando nuevos universos. Poco a poco, tan intrigada como seducida por el movimiento, transité a la realización de cortometrajes de animación experimental: el dibujo como registro de imágenes y memoria, una idea moviéndose a través del tiempo. Trabajo especialmente la idea visual y la estructura, experimento con la relación aleatoria de sonido e imagen donde imágenes y sonido se desfasan en el tiempo… y se repiten, creando situaciones de reconocimiento y amnesia en el espectador.

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APPROACHES ABOUT MY WORK Patricia Henríquez Bremer My work is always related with images and acts that excites me or that squeeze me… … … something that moves me. I walk on the threshold between figurative and abstract, on the border of classical and contemporary, between drawing and painting, instinct and idea; I’m obsessed with darkness and light; the immediate and the distant; what I can touch and what I can only perceive; the strange beauty of something that remains, but no longer stays… A world in constant evolution. My body is my tool, my eyes are my hands. I work the monochromatic drawing in first intent; a line takes to another, everything carries a new form, other times only an element in the timeless empty space. The composition is instinct, I get close or I get away… Travelling is my starting point. The possibility of wonder at the daily life and the extraordinary… Creating new universes. Gradually, as intrigued as seduced by the movement, I journeyed to the realization of experimental animation short films: the drawing as image registration and memory, an idea moving through time. I work especially the visual idea and the structure, I experiment with the random relation between image and sound where the images and the sound offset in time ... and repeat, creating situations of recognition and amnesia in the viewer.

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NOTAS CRÍTICAS SOBRE LA OBRA DE PATRICIA HENRÍQUEZ


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PATRICIA HENRÍQUEZ Aurelio Asiain Un hombre acude al maestro para aprender el arte de la esgrima. El maestro acepta tomarlo como pupilo y de inmediato le impone tareas domésticas: barrer, lavar, partir leña, hacer fuego, cocinar. Pasado un tiempo, el discípulo protesta y el maestro responde que las clases ya han comenzado. Al día siguiente, mientras realiza la primera de sus tareas, le asesta un golpe con una vara. Lo mismo hace, en adelante, en cada momento. Pasado un tiempo, el discípulo empieza a esquivar los golpes y empieza a vivir en estado de alerta. Un día decide sorprender al maestro y le lanza un golpe súbito con la escoba o la cuchara, que el maestro detiene de inmediato. El discípulo guarda silencio, vuelve a sus tareas y sigue esquivando los ataques hasta que, pasado un tiempo, detiene un golpe con la espada. El maestro responde que ya ha empezado a hacerlo y, cuando el discípulo frunce el ceño, le advierte: “No reflexiones. Cuando quieras ver, ve inmediatamente”. El discípulo, entonces, recibe la iluminación. Esta parábola zen, que la tradición cuenta en múltiples variantes, me rondaba la cabeza mientras veía los cuadros de Patricia Henríquez. Pero digo mal: no sólo los veía, también los tocaba, los olía, los enrollaba mientras la oía a ella. Además, la palabra “cuadro” hace pensar en telas enmarcadas, tensadas en un bastidor, y de lo que se trataba era de grandes rollos de papel de amate. Una superficie rugosa, accidentada, con cicatrices, próxima al árbol todavía; un material noble y frágil, dice Patricia, que no usa pinceles sino manos y dedos para trazar con el acrílico, a gatas sobre la hoja enorme, esos seres que, como ella misma al renunciar a la mediación del pincel, están en la frontera. Perros famélicos, vacas flacas, pájaros entre redes, un hombre con una carga sombría. O ése sentado, cabizbajo, ensimismado, abatido, con una carga más sombría aun, aunque aparezca como una sombra blanca. O esos niños que hacen bolas de tierra. Pintar con las propias manos es pintar en un límite, una frontera. Las alambradas ominosas, los paisajes áridos y sin perspectiva, las situaciones límite; las escenas del destazamiento; los seres al borde de la muerte o de la sombra, son visiones de la realidad o figuraciones del sueño (más lo primero que lo segundo), pero también símbolos de una pintura que es, literal figuradamente, un cuerpo a cuerpo con la materia. Renunciar al pincel es eliminar la mediación, el arma y el instrumento. Es ver inmediatamente, pero también hacer una victoria del abatimiento.

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FRONTERA Kate Bonansinga Patricia Henríquez, artista radicada en la Ciudad de México, confronta el amplio tema de la frontera entre México y Estados Unidos en su primera exhibición individual en este país llamada “Frontera”. Esta línea divisoria internacional de casi dos mil kilómetros, atraviesa los desiertos de Sonora y Chihuahua así como las escabrosas montañas bañadas por los Ríos Bravo y Colorado. Esta es la frontera internacional más transitada de todo el mundo, con más de 350 millones de personas que cruzan legalmente cada año. Las quince obras, que fueron creadas especialmente para “Frontera”, reflejan el estilo expresionista y austero de Henríquez. La exhibición incluye un mural efímero y doce obras monocromáticas sobre papel o tela. Sólo dos pinturas, Paisaje fronterizo I y paisaje fronterizo II, presentan atenuados tonos aceituna, ocre y mostaza. Algunas de las pinturas de Henríquez transmiten la densidad de los centros urbanos de la frontera y otras se enfocan en el rigidez de la tierra. Dos de estas últimas se transforman en abstracción pura: En el paisaje fronterizo IV y en el V, se encuentran espacios con líneas en acrílico oscuro, aplicadas con gran seguridad, que sugieren ramas de árboles o se comparan con una vista aérea de varios ríos. Henríquez ha trabajado en temas de la frontera desde 2003. En su obra se puede apreciar cómo simplifica la forma hasta el extremo, como se puede observar en La línea, Bajo el sol, y Paisaje fronterizo IV y V, resultado quizá de su residencia en el Instituto de Bellas Artes de Sichuan en Chongqing, China, en 2005. Henríquez plasma la belleza y el sufrimiento humano con formas orientadas cuidadosamente, empleando técnicas similares a los dibujos de tinta china de los budistas Chan. La forma y el contenido unidos en culturas cruzadas. La forma procede de Asia y fluye a las Américas; el contenido proviene del impulso humano de querer alcanzar una mejor forma de vida, sin importar el tener que cruzar una división que ha sido políticamente impuesta. En su trayectoria como artista plástico, Henríquez ha tratado innumerables

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temas entre los que destacan la guerra y los animales domésticos, ambos desarrollados apasionadamente. Pero en su imaginería de la frontera entre El Paso y Ciudad Juárez, muestra específicamente el lado humano y sensible en esta época controversial de la reforma migratoria de Estados Unidos.

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PATRICIA HENRÍQUEZ David Israel Me gustaría comenzar diciendo que considero a Patricia Henríquez como una amiga, además, me gusta cómo pinta, por lo que el lector deberá entender que no va a leer un texto que analice su trabajo artístico como el doctor que ausculta asépticamente a su paciente, sino el de un amigo que lleva muchos años siguiendo la lenta y coherente producción de una creadora singular en el panorama contemporáneo. Nos conocimos en el año 2000, en la inauguración de su segunda exposición individual titulada “En el límite” realizada en el Instituto Cultural de México en España. Por aquel entonces, iba habitualmente a las inauguraciones de esa sede y durante aquella, la coordinadora del Instituto formó un grupo de pintores locales para que saliéramos a cenar junto a Patricia y su marido. Ya organizados, dejamos que la noche madrileña les diera la bienvenida y la verdad es que el fenomenal Rioja que bebimos selló una amistad que perdura hasta hoy. Recuerdo que cuando vi por vez primera la pintura de Patricia, no acababa de entender. Por aquel entonces, no conocía México, no imaginaba qué era el amate, ni cómo se hacía, no había visto un maguey ni mi juventud en Europa me había hecho entender qué significaba realmente la palabra frontera. No lo entendí esa noche, pero me provocó una honda sensación. Sin embargo, me gustaba cómo pintaba Patricia, tenía ese gesto roto y vigoroso que lo llenaba todo, me gustaba que pintara con las manos, (como lo hacían los pretéritos al arte), recordé inmediatamente una visita a Altamira, ¡aquello era pintura en estado puro! untar el dedo en pigmento y trazar el perfil de un bisonte en la piedra. Patricia hacía eso pero con los perros callejeros, con los pájaros atrapados en los nudos de cables, las cabras corriendo azotadas por el pastor. Me gustaba su economía en el color, me gustaba que no pintara sobre materiales nobles y que usara esas hojas de corteza de árbol que por su proceso de urdido ancestral tienen un color y una vibración única e irrepetible.

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Recuerdo que sus piezas me parecieron excelentes, su pintura era una figuración con tal economía de medios, que concentraba un mensaje contundente en la forma y en el fondo. Sin embargo, cuando conocí y hablé con Patricia esa noche, durante la cena, me pregunté en silencio, ¿de dónde sale esta obra?, ¿qué carácter se esconde sobre esta fachada tímida y gentil? Todavía me faltaba información para completar el enigma. Un año después, obtuve una beca para realizar un proyecto en México, estuve seis meses recorriendo el país, trabajando con artesanos, viendo multitud de escenas, de paisajes, de personas, acumulando la información para lo que más adelante se volvería un viaje sin retorno definido. Recuerdo la primera vez que Patricia y José Adolfo me invitaron a cenar en su casaestudio, la encontré llena de animales pintados en telas y amates colgados de la pared, sin bastidor claro, esas telas eran como una suerte de sudario sacado de la realidad que les acompañaba, Patricia cuidaba a diario a esos perros maltratados, ellos eran los protagonistas de sus relatos. Auténticos parias arrojados de la comodidad por gente sin escrúpulos ni conciencia. Ella los cuidaba, ahí fue donde descubrí su activismo en la lucha por los derechos de los animales, ¡claro! ahí estaba el combustible de las pinturas, ahí estaba el carácter austero y conmovedor de los trazos. Al igual que Dewey opino que muchas veces... las teorías... (y permitan que agregue los artistas)... parten de una concepción del arte ya “espiritualizado”, desconectando los objetos de la experiencia concreta. Patricia vierte en las pinturas su experiencia cotidiana, todo el dolor que le provocan los de su misma especie, entonces, imaginé que cuando Patricia acaricia con las manos la cabeza y el lomo de un perro, seguramente, reproduzca de una manera táctil el perfil del animal en su pintura, ¡cómo separar una cosa de la otra! Desde que nos conocemos, la experiencia de Patricia ha ido completándose con una pausada secuencia de muestras individuales y colectivas, acompañadas por varias experiencias en el extranjero, como fue la que realizó durante 2005 en Tank Loft Arts Center, Chongqing, China. Particularmente, considero que esta fue un gran impulso en su crecimiento artístico, su contacto con la cultura y filosofía chinas fueron de gran interés, transmitiendo en sus telas su sentir en ese gran país. Muestra de ello son la serie de telas tituladas, “Árbol chino” o las piezas que dedica a los mercados y sus animales.

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Patricia Henríquez Bremer

En 2006 realizó la exposición “Frontera” en el Stanle and Gerald Rubin Center for the Visual Arts, en El Paso, Texas, EE.UU. Por vez primera, las personas adquieren un papel protagonista en la serie “Bajo el sol”. Pintada sobre hojas de amate, es dramática, tanto por su sencillez y composición como por las escenas que representa. La crudeza y soledad del desierto que separa durante 2,000 kilómetros a los dos países norteamericanos se manifiesta como un reflejo del horror que padecen las miles de personas que, sin nada que perder, se juegan la vida para alcanzar un destino incierto. Ese mismo año, en el marco del XXII Festival del Centro Histórico en México se proyecta su primer corto de animación “Los pasos de la furia” en la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, en el que muestra los horrores de la guerra. No puedo enumerar cada una de las exposiciones, becas y premios que han ido sucediéndose en la trayectoria de Patricia, sólo quería destacar éstas por la relevancia que tuvieron en su desarrollo artístico y lo mismo podrán decir futuros escritores de la exposición que acompaña a este catálogo. Si el lector me lo permite, me gustaría señalarle unos libros desplegables que se titulan “Tormentas”, cada página documenta una tarde lluviosa pintadas desde el gran ventanal de su estudio en Ciudad de México.

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EL DIBUJO SE MUEVE. EL DIBUJO SE ESCUCHA Rodrigo González Bermejo Siempre me fascinaron Los Sueños de Akira Kurosawa. En la escena final del capítulo Los Cuervos, un hombre, que se encuentra dentro de un cuadro de Van Gogh, camina junto a un campo de trigo cuando, de repente, una bandada de pájaros comienza a levantar el vuelo, y el murmullo y el tono negruzco de sus alas se van apoderando, graznido a graznido, aleteo a aleteo, de toda la pantalla. Transición. Plano fijo sobre Campo de Trigo con Cuervos, el cuadro original de Van Gogh. La pintura en la que los pájaros levantan el vuelo sobre el campo de trigo ha sustituido al anterior fotograma y ocupa ahora nuestra mirada. La primera vez que vi el cortometraje A vuelo de pájaro de Patricia Henríquez, me vino a la cabeza ese preciso fotograma de Los Cuervos, esa transición en la que realidad y ficción se entrecruzan, en la que la imagen en movimiento se transforma en un cuadro estático. Entonces no conocía ni a la directora ni su trabajo. Posteriormente pude ver los dibujos que había realizado como germen de esta animación y fui más consciente del intervalo temporal entre las pinturas y el cortometraje, de cómo la transición a la animación había conseguido mantener la gestualidad y el trazo de la obra pictórica de la artista… Pero empecemos por el principio. Patricia Henríquez se formó en la Ciudad de México. Estudió Artes Plásticas en La Esmeralda y posteriormente desarrolló una sólida trayectoria enfocada hacia el dibujo y la pintura. Ha ido forjando un estilo y una técnica con características muy marcadas: tendencia hacia el gran formato, abundancia de monocromías, importancia del blanco y negro, uso de tintas chinas y acrílicos aplicados directamente con los dedos… Un estilo propio resultado de la mezcla de su identidad,

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sus filias y sus influencias, que van desde la tradición pictórica oriental al uso del formato y la gama cromática de algunos expresionistas abstractos norteamericanos como Robert Motherwell o Franz Kline, pasando por los ásperos y ocres territorios de la vieja Europa propuestos por Anselm Kiefer y Miquel Barceló en los años ochenta. Como otros artistas de su generación, Patricia ha estado inmersa en una continúa reflexión sobre la vigencia de la pintura en una contemporaneidad veloz, digital y con nuevos hábitos de consumo cultural. Una generación heredera de la posmodernidad, que se replantea su status y está familiarizada con la creación de productos híbridos, que transitan la línea divisoria entre pintura y otros formatos, que ayudan a resituar al dibujo y a la pintura fuera del papel, del lienzo, del muro…, fuera de su zona de confort. Es posible que la evolución en la carrera creativa de la artista sea fruto de ese pensamiento, que se encuentre en la base de la transición de la Patricia Henríquez dibujante y pintora a la Patricia Henríquez directora de cortometrajes de animación. A veces me planteo si los cambios importantes en las trayectorias de las personas vienen derivados de instantes decisivos, a manera de epifanías, ¡eurekas! o serendipias. En el caso de Patricia puede que ese momento sí sucediera, y que fuera durante un viaje a Vancouver a comienzos de siglo, visitando una exposición colectiva de dibujo contemporáneo. Allí, delante de un proyecto de William Kentridge que contenía dibujos y animaciones, tuvo “una de las experiencias más poderosas viendo el trabajo de otro artista” y descubrió que “el dibujo se mueve y el dibujo se escucha”. Tras el descubrimiento de Kentridge, y seducida por el movimiento, se aproxima al mundo de la animación y comienza a concebir proyectos desde otra perspectiva, tratando de vincular el dibujo con el lenguaje fílmico. Su paso de la pintura a la animación lo sentimos como una transición natural, que no deja de ser una respuesta a sus reflexiones, que valora su experiencia, los surcos que ha trazado en su camino, y que al mismo tiempo le permite ubicarse en el presente, en las posibilidades tecnológicas, y crear un efectivo diálogo entre dos lenguajes nacidos para entenderse. Pero hagamos una inmersión en las películas de Patricia Henríquez.

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Los Pasos de la Furia (2005) es su primer acercamiento al mundo de la animación. Es un cortometraje dirigido por Cristina Juárez Zepeda a partir de una serie de pequeños dibujos en tinta china realizados por la artista sobre conflictos bélicos. La artista consigue reflejar el horror, el miedo, la destrucción y la furia que habitan las grietas emocionales abiertas por la guerra. Una acertadísima selección musical, de sus fotogramas salen las notas de la Sinfonía nº3 de Górecki, que ambienta de forma inmejorable ese infierno en vida, esas tempestades de acero, y consigue arrastrar al espectador al estado de ánimo preciso para enfrentarse a las atrocidades humanas. Aunque Henríquez comenzó esta serie de dibujos a raíz de la invasión de Irak de 2003, la premisa con la que realiza este proyecto es la de mostrar la barbarie de la condición humana a través de la universalidad y atemporalidad de las guerras, más que intentar narrar un relato histórico concreto. Los soldados no tienen rostro, son manchas con forma humana, protagonistas anónimos que igual podrían estar en un paisaje bélico de Irak que poblando las páginas escritas por Ryszard Kapuściński en cualquier rincón insurgente del planeta. La película A vuelo de pájaro (2009) supone el debut de la artista como directora. Utiliza como base de la animación una serie de dibujos que realiza sobre aves. Son dibujos pintados con un intenso negro, de trazo enérgico, que no pierden vigor cuando son animados y que demuestran la capacidad de la artista para captar y sintetizar con apenas un gesto tantas horas de observación de los movimientos y dinámicas de los pájaros. Es interesante ver cómo comienza a utilizar recursos de la narrativa cinematográfica; cómo mezcla diferentes lenguajes -pintura, imagen animada y videoarte-; y cómo utiliza transiciones -la transformación del árbol en bandada de pájaros-, especialmente importantes en la animación ya que permiten modelar el ritmo y la narración, así como transformar la escala y el espacio fílmico. Nos encontramos ante una película que podría parecer más formalista que discursiva. Pero bajo el ir y venir de los anónimos pájaros, bajo el estudio de sus formas y sus movimientos, bajo la mezcla de pintura, animación y acción viva, planea una mirada que enfrenta la habitabilidad en entornos rurales frente a los urbanos.

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En su siguiente cortometraje como directora, Atmósfera Anímica (2010), Patricia Henríquez propone una confrontación audiovisual entre lo interno y lo externo, un choque entre “el corazón y el clima”. Lo visceral y las pulsiones exteriores se entremezclan en un rompecabezas de sonidos visuales: el rosado corazón truena y la indefinida naturaleza late. La imagen, arropada por un cuidadoso diseño de audio, trata de expresar ese impreciso mundo de sensaciones. A nivel estético existe un predominio de la imagen abstracta. La película juega con texturas heredadas del informalismo europeo de posguerra (pintura matérica, abstracción lírica) y del videoarte, e incluso algunos fotogramas se aproximan a la estética glitch. En 2011 Patricia Henríquez dirige Polifónico, una pieza comisionada por el Festival ANIMASIVO, cuya cuarta edición estuvo dedicada a repensar los roles de género. Para la realización del corto la directora parte de la idea de que mujeres y hombres tenemos más cosas que nos asemejan de las que nos diferencian. Bajo esta premisa comienza una serie de dibujos centrados en la morfología de pies y cerebros, partes del cuerpo similares en ambos sexos, que serán la base de la animación. El audio de la película transita nuevamente una línea narrativa diferente a la de la imagen. Es un sonido abstracto, basado en voces que encarnan roles genéricos de femineidad y masculinidad y que hablan de manera intermitente y entremezclada. Tanto la imagen como el audio sitúan al espectador en un espacio indefinido, obligándole a realizar una labor de reconocimiento y de reubicación de los signos y los significados para completar la percepción del mensaje. Visionar los fotogramas de las películas de Patricia Henríquez, con esa abundancia de trazos pictóricos y matéricos, me produce la sensación de recorrer auténticos lienzos en movimiento. Me permite descubrir cómo su universo animado es una extensión de su trabajo como artista. Mantiene sus recursos como pintora pero se ha fortalecido con el trabajo de otros compañeros de viaje. Ha sabido combinar la importancia del dibujo con un impecable trabajo de diseño de audio. Esto ha sido fundamental

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en su propuesta narrativa, en ocasiones basada en la confrontación de mensajes entre lo que se ve y lo que se escucha. También me percato de una constante en la filmografía de la directora: hay una querencia hacia los protagonistas anónimos. Como si planteara una búsqueda de la universalidad de sus preocupaciones a través del anonimato. En palabras de Octavio Paz, “los personajes son signos” y, en este caso, funcionan como emisores sin rostro del mensaje de la artista. Y quién sabe hacia dónde se guiarán los pasos de Patricia Henríquez en el futuro, cuál será su próxima transición y de qué manera expresará sus inquietudes en este “mundo en constante devenir”. Pero bueno, de momento quedémonos con que los dibujos se pueden mover y los dibujos se pueden escuchar, que no es poco.

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APROXIMACIONES A PATRICIA HENRÍQUEZ Alfredo Gurza La incursión en años recientes de Patricia Henríquez (Ciudad de México, 1967) en la animación y el videoarte es la consecuencia lógica de su afán por extender su dominio sígnico. No deja de maravillar la tersura del tránsito al nuevo medio, la naturalidad con que lo ocupa como si fuese su entorno más propicio. Con un ademán echa a andar sus figuraciones, que se despliegan en sucesión como lianas, frondas, alas, piedras, meteoros, células. Lo visceral es aquí un orden propio, junto al vegetal, el animal y el mineral. Sus murales, lienzos de gran formato y dibujos de extremado refinamiento dan lugar a concentradas creaciones en video, sin merma de la poderosa expresividad que ha destacado en su obra desde sus años de estudiante en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. El trazo de sus manos en las imágenes, creadas preferentemente con los dedos sin mediación de pinceles, cobra nueva vida en las animaciones, que son así doblemente digitales. De entre las numerosas respuestas críticas que han suscitado las animaciones de Patricia Henríquez, exhibidas en galerías, museos, universidades y foros alrededor del mundo, cabe destacar las de Cristiane Grando y Guo Jin, de quienes reproducimos a continuación un par de fragmentos, testimonios de la riqueza enunciativa de la poética de Henríquez y sus réplicas desde horizontes culturales muy diferentes, como nodos de un discurso significante de una afectividad refractaria al sentimentalismo, inserta en la vorágine, sobrecogida pero lúcida. Cristiane Grando (Sao Paulo, Brasil, 1974), poeta, curadora, promotora de iniciativas de arte público y notable difusora de la obra enigmática de la narradora y poeta brasileña Hilda Hilst, cuyo imaginario entrama para sí las hebras de lo mágico y lo sobrenatural advertidas en la madeja de lo cotidiano por una sensibilidad en constante tensión entre la comunión y el azoro. El amor de Hilst por los perros —parte de su divisa: “Devota de la

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literatura, los perros y el whisky barato”— halla eco en el admirable e incansable voluntariado de la artista mexicana en un benemérito refugio canino. Todo esto configura un punto de encuentro cargado de signos para los trabajos de Grando y Henríquez, como lo testimonia el texto que la crítica brasileña redactó en 2010 en ocasión de la exposición colectiva en el Centro Cultural Jardín de las Artes, en Cerquilho, Brasil, del que fue gestora: Los pájaros y los árboles se funden en la visión creativa de Patricia Henríquez. Los pájaros, así como las hojas, aportan dinamismo y movimiento a la vida enraizada de un árbol que brota poco a poco de la tierra. Rápidamente, tronco, ramas y hojas se transforman en pájaros en vuelo que a su vez tornan a ser árbol. Se trata de la unidad del universo, sugerida enseguida por un pájaro singular que ocupa todo el cuadro en close-up. Una ciudad es asaltada por el vendaval que veníamos escuchando y que ahora es representado por la imagen en el lienzo. Hojas y pájaros se confunden nuevamente. A continuación, los pájaros habitan las ciudades, sobre los cables eléctricos, porque los árboles —su hábitat— dejan la Naturaleza en estado bruto para vivir en el mundo urbano. Guo Jin (Chengdu, China, 1964) es uno de los pintores chinos más destacados en el escenario mundial contemporáneo, tutor en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Sichuan, de la que egresó en 1990. Su fina sensibilidad a la virtud atemporal de la inocencia, la suspensión del tiempo en el gozo puro de la vida como potencia, esa “ucrónica utopía” destilada en su exquisita serie de retratos de niños, informa el diálogo sostenido desde hace algunos años con la obra de la artista mexicana, con quien ha compartido experiencias y enseñanzas durante la residencia de Patricia Henríquez en Chongqing. En el catálogo de la exposición Found in China (Chongqing, 2005), Guo Jin apuntó: “Conocí a Patricia a mediados de otoño en Chongqing. Era la primera vez que viajaba fuera de su natal México. Tiene la apariencia de un espíritu que aún no experimenta el mundo: tímida, pero alegre y ansiosa por extender sus alas. Según sus propias palabras, venir a China es justamente lo que le ha dado alas”. En las obras producidas en el Tank Loft Arts Centre vemos reflejada la

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conmiseración y veneración que Patricia siente por la vida, así como su sensibilidad hacia todo lo que la rodea. Sus imágenes pueden parecer no tener relación entre sí, pero dicen mucho de la tácita delicadeza y preocupación de la artista por todos los seres vivos. Patricia dice que sólo pinta con los dedos y nunca emplea pinceles. Ese método táctil de pintura contribuye a crear un diálogo entre la artista y los seres vivos que son sus temas.

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TEXTO CATÁLOGO PARA LA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL

“FOUND IN CHINA” REALIZADA DURANTE UNA RESIDENCIA ARTÍSTICA EN TANK LOFT ARTS CENTER, ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SICHUAN, CHONGQUING, CHINA, 2005.

Guo Jin Conocí a Patricia a mediados de otoño en Chongqing. Era la primera vez que viajaba sola fuera de su natal México. Tiene la apariencia de un espíritu que aún no experimenta el mundo: tímida, pero alegre y ansiosa por extender sus alas. Según sus propias palabras, “venir a China es justamente lo que le ha dado alas”. En las obras producidas en el Tank Loft Arts Centre vemos reflejada la conmiseración y veneración que Patricia siente por la vida, así como su sensibilidad hacia todo lo que la rodea. Sus imágenes pueden parecer no tener relación entre sí, pero dicen mucho de la tácita delicadeza y preocupación de la artista por todos los seres vivos. Patricia dice que sólo pinta con los dedos y nunca emplea pinceles. Ese método táctil de pintura contribuye a crear un diálogo entre la artista y los seres vivos que son sus temas. En una pieza de video que describe la guerra, ella utiliza parte de la tercera “Sinfonía de las lamentaciones” del compositor polaco Henryk Górecki como parte de una pieza, cuyas líricas reflejan la clase de conmiseración y de condolencia demostrados en sus trabajos: “mi hijo, mi más querido, comparte tus heridas con tu madre....”.

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Guo Jin (Chengdu, China) es uno de los pintores chinos más destacados en el escenario mundial contemporáneo, fue Director del Tank Loft Arts Center, Academia de Bellas Artes de Sichuan, Chongquing y tutor de esta misma, de la que egresó en 1990.

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LOS PASOS DE LA FURIA IX SALÓN DE ARTE BANCOMER. APARENTEMENTE SUBLIME, MUSEO DE ARTE MODERNO.

Miriam Kaiser Los dibujos sobre la guerra que ahora muestra Patricia Henríquez provienen de una serie que ella ha titulado genéricamente Los pasos de la furia. Se trata de plasmar esa guerra, la que esté sucediendo, pues tal parece que el ser humano no puede estar sin guerra. ¿Cuál es la más reciente? ¿Cuál es la de hoy? ¿Cuál es la más atroz? Patricia no personaliza; señala, denuncia. A través de una técnica ancestral –el dibujo, en su más pura forma y aceptación– Patricia toma su papel y sus tintas y dibuja ese horror que observa constantemente en los medios de comunicación y, desde luego, en sus propios sentimientos, utilizando manchas y trazos en los que se percibe su furia que nos es transmitida; pues esas manchas de color son los incendios, son los tanques, los aviones, la destrucción que está sucediendo en el momento que hablamos, en que observamos los dibujos. Es notable cómo el artista percibe y transmite ese pasmo, ese dolor, esa rabia. Y a la vez, qué terrible darnos cuenta cómo, a la gran mayoría de los humanos, todo ello deja de conmovernos, quizá porque tanto nos lo endilgan en todas las formas posibles; sin embargo, en estos dibujos de Patricia, nos vuelve a cimbrar la terrible y dolorosa situación, porque estos están llenos de dolor, a pesar de la parquedad de sus trazos y de su color. Patricia Henríquez retoma la figuración, muy a su manera, acercándose – quizá – a las ancestrales formas de expresión que, por ejemplo en México, han tenido una larga historia en el campo de las artes plásticas, tanto en contenido como en técnica, y lo ha hecho de forma constante desde sus inicios. Hoy, con este tema tan vigente, tan vergonzoso para la humanidad, la artista nos impone su punto de vista y nos deja con la angustia inmersa en sus dibujos.

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LA MEMORIA DE PINTAR Miguel Ángel Muñoz A pesar de que difícilmente puede reducirse una trayectoria artística de más de una década a unas pocas páginas, y menos aún a unas cuantas líneas, hay dos cualidades clave que distinguen la obra de Patricia Henríquez: la insatisfacción y la intensidad. Lo primero tiene que ver con la evolución y las pautas que va marcando su obra al paso de los años; lo segundo está claramente vinculado a la pasión consciente e inconsciente que la artista va registrando en cada cuadro. La obra pictórica de Patricia Henríquez (México, D.F., 1967) se concreta en dos razones poéticas-estéticas: la atracción por el dibujo y la reflexión por los espacios. Prefiguración de un lenguaje, dibujante lúcida, Henríquez construye un discurso plástico fuera de los límites de la figuración. Ese huir —al espacio interior— es forma, ritmo, cualidad visual. La artista encuentra, a principios de los años noventa, una etapa de madurez clave para su obra, no sólo se sitúa delante de los movimientos estéticos racionales con una renovación de la figura, sino que va creando un diálogo con su trabajo. La artista parte de una posición minimalista que va cediendo paso a la visión poética de lo que el cuadro —sólo el cuadro— manifiesta. El poco color, o mejor dicho, los negros o sepias ganan funciones decisivas en su obra y se producen contrastes fuertes, intensos, dentro de una estructura general de su discurso estético. Cada trazo es un equilibrio delirante, cada figura crea un movimiento rítmico que conduce a otras formas. Figuras, animales, volúmenes, sombras, formas que predominan a lo largo del proceso pictórico; de alguna manera, su indagación estética es un preguntar qué busca y qué encuentra. Inventa y crea un fundamento que está más allá de la pintura. Universo que se plantea en diversos sentidos: al papel y la línea, lo pleno y lo vacío. Convergencia de fuerzas: creación e invención. Quizás quien ha formulado esto con mayor claridad es el pintor español Miquel Barceló, quien encontró en la fuerza de la naturaleza su principal definición artística. Pero en el caso de Henríquez hay que destacar que cada vez se ha desvinculado de esta tendencia para desarrollar una estética más particular, donde la ausencia de elementos da

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lugar a una expresión más espiritual y contenida, es más cercana a la pureza en el trazo y en contener el color de Rothko o Francesco Clemente. En la música, decía Hegel, la oposición entre la obra y el espectador se miminiza y “no alcanza, como en las artes plásticas, la fijeza de un espectáculo permanente, exterior, que permite contemplar los objetos por sí mismos”. En la obra de Henríquez, el dibujo y la pintura se mimetizan en un mismo discurso estético: asombro y rechazo por la figura. Sentido doble que conjuga en sus abstracciones, que en cierto momento son semifiguraciones. Visión y obsesión. Y recuerdo con asombro un fragmento de la poeta Wislawa Szymborska, que tiene mucho que ver con esta idea: Creo en sus apuntes en el fuego del primero al último ardiendo en cenizas. Creo en la dispersión de las cifras, en su dispersión sin remordimientos… La clave de esta obra obedece, a mi modo de entender, ver y determinar, a la visión crítica de Henríquez, que, por un lado, rehúsa del estereotipo del progreso lineal aplicado a la vanguardia por la historiografía académica, y, por otro, centra en la figura el último impulso de la modernidad. La obra parece respirar, evocar encarnaciones animadas por la aventura de cada línea, que sea trazada en cualquier espacio en blanco. Esta movilidad se incorpora al conflicto externo e interno de la artista. El diálogo estético de Patricia Henríquez es poético: verdadero espíritu de la pintura. El dibujo es sentido, manifestación fascinante; la pintura forma, el dibujo revela. Un dato significativo a la hora de valorar la evolución de su obra es su “conexión” espiritual con Antoni Tàpies, que le ha hecho dejar y al mismo tiempo retomar múltiples elementos de la pintura. En este somero planteamiento se explica un trabajo refinado y donde la búsqueda de una coherencia interna no ofrece concesiones. Una pintura dominada por la figura y limitada por el color; es ahí donde plantea el principal diálogo que está potenciado o delimitado. Todo en su trabajo es una ruptura y un regreso al punto de partida: el

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juego del espacio. Es revelador que al observar su producción en forma retrospectiva, cada pieza sea alquimista de sí misma. Memorable resulta, asimismo, el ciclo de enormes dibujos que Henríquez dedicó a diversos animales: cuervos, perros, gatos, que han marcado una continuidad de su proceso creativo. Sin embargo, en muchos de los cuadros más figurativos, el protagonista dominante, una protagonista intangible, es la luz. Sin duda, la luz es elemento fundamental de la pintura de Henríquez. Y en este modo de mosaico, disperso en la geografía laberíntica de atmósferas pictóricas muy claras, se reconstruye en un autorretrato fiel de la personalidad de la artista, de la dúctil intimidad de su poética, en extremo precisa, alérgica a toda afectación, pudorosamente erudita y dotada, con la ironía de un letal aguijón pictórico sorprendente. La artista plantea la vocación de todo su trabajo como un acto de franqueza y simplicidad que esconde, sin duda, aquellos elementos que de nuestro subconsciente surgen de forma más pura y simple. A pesar de poseer una lectura formal, articulada a partir de la interpretación y decodificación de su propio lenguaje, de los códigos construidos a lo largo de una década, en la pintura de Henríquez todo está en el cuadro, todo es inmediato e inapresable al mismo tiempo. Formas tensas, retorcidas, pero también llenas de una libertad sin límites. Todo lo contrario al gesto del expresionismo: dice y significa. Con ello encuentra un nuevo horizonte plástico, una tesitura en la que ese juego de espacios crea un sentido inédito. No es la memoria propiamente dicha lo que va creando ese itinerario, ni siquiera las huellas que alguien deja a su paso, sino la imagen de un viaje íntimo.

[ Y así como llegaron se fueron, 2010] No hay en sus cuadros o dibujos retórica ni la intención virtuosista, sino todo lo contrario: el ejercicio de sumisión al dibujo y a la pintura. Así, bajo el disfraz del juego y la grácil dispersión, fluye la que resulta una de las personalidades mayores e intensas de su generación, así como una de

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las que, de forma más libre y contundente, ha sabido tender puentes de constante complicidad entre abstracción y figuración. La obra reciente de Henríquez avanza cada vez más hacia una “abstracción”, que no es sino la manifestación en el cuadro de una privilegiada relación con lo no visible. La sorpresa y el interés de esta pintora radica en la manera como mira y se interesa por la transformación de la pintura, y de cómo logra un diálogo con las técnicas, materiales y reflexiones poéticas que la han llevado a descubrir su discurso plástico. Es obvio que Henríquez no se conforma con el consuelo que procuran los artificios conceptuales. Propuesta del enigma, tensión tan extrema que descarta límites y espacios a cuya definición pictórica y poética sólo una artista como Patricia Henríquez nos puede conducir.

[ Pájaros II, 2010]

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LAS VISIONES DE LAS MANOS

Pablo Raphael

[ La piel del horizonte IV, 2007]

¿Dónde se encuentra la frontera entre lo que se mira y lo que se es? La respuesta está en la temperatura. Acostumbrada a los contrastes, Patricia Henríquez lo sabe. Habitante de un mundo intersticial donde lo figurativo y lo abstracto forman su reino, ella no distingue la diferencia: su mirada es tacto. Cuando parecía que lo suyo era el gran formato, la pintora se amaneció dibujando insectos. Cuando sus amigos mirábamos esos cuadros de animales fabulosos que convertían su casa en una suerte

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de Arca, en alguna parte de su hígado se gestaban ejércitos, comedores de carne y fronteras trazadas con espinas. Cuando apenas nos empezaban a doler aquellas manchas humanoides, Patricia aparecía como una visionaria para hacer del paisaje un nuevo territorio. ¿Nuevo? Otra vez me pregunto: ¿Dónde está la frontera entre lo que se mira y lo que se es? Lo vengo a entender muy tarde, justo ahora que miro la naturaleza de este mundo suyo. Un mundo que empieza y acaba todo el tiempo. Patricia Henríquez es una suerte de demiurgo que ha encontrado la manera de cautivar a sus creaciones. Ante nosotros tenemos a un fabricante de atrapa sueños. El ejemplo más claro sucede en la colección llamada La piel del horizonte. Si miramos la obra que la corona, veremos que los manglares son los atrapasueños del paisaje. Si miramos en retrospectiva, nos daremos cuenta que igual sucede con el resto de su obra. Aficionada a encerrar a sus animales en jaulas, redes, vallas o frascos, lo de Patricia no es sólo una denuncia. Es también un acto liberador. Me explico: En su estudio hay un viejo bote de pintura negra cuyas capas y gotas secas lo han ido convirtiendo en una especie de molcajete donde tiene prisioneras a todas las sombras de sus figuraciones. Ahí radican las cosas que serán, porque las que son ya han sido liberadas. De su tacto, sin pinceles, han salido las sombras. En el otro extremo, frente a ese bote, están los colores básicos y un enorme ventanal. Es la luz y la contundencia con que, sin matices, la artista ha ido llamando a todos los animales de su Arca.

La piel del horizonte, es el turno del escenario. Henríquez entrega una serie de paisajes en apariencia inatrapables. Enfrentando lo irreconciliable, contraponiendo al acrílico industrial con el rústico papel de amate, sentando bajo el mismo cielo a la ciencia y al primitivismo, superponiendo pintura sobre maderas imposibles, utilizando al dibujo como si fuese un entomólogo de microscopio y al gran formato como si se tratase de un cazador que por las noches pinta el día en las paredes de su cueva, Patricia no hace otra cosa que entregar un mundo. Se trata de la construcción su Mundos imaginalis. Ese sitio donde los paisajes interiores y exteriores, microscópicos o universales,

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no tienen diferencia. Ráfagas de viento, latigazos de lluvia, bocanadas de calor, insinuaciones de Uxmal, arcos de tensión que de un extremo al otro convierten a la temperatura en temperamento. Se trata de sus continentes: el amarillo despoblado donde, si acaso, una parvada se confunde con la arena. El azul lluvioso y el verde húmedo donde algunos otros pájaros anuncian la llegada de la tormenta o el final de la ola y el mundo. Montículos, velocidad, páramo. Nubes negras o de salitre. Horizonte. Ya vendrán los animales. Por lo pronto sólo nos queda mirar. La piel del horizonte es un ejercicio de memoria, pero también de imaginación. Es luz que abraza, abriga, enfría o encierra. Para Patricia Henríquez hay un solo mandamiento: todo es tacto. Con sus manos la artista nos presenta el cierre de un ciclo creativo, donde con diluvio o sin él, nos regala la tierra.

[ La piel del horizonte II, 2007]

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LA PIEL DEL HORIZONTE Rafael Alfonso Pérez y Pérez Cuando miro un cuerpo, me da la idea de lo que puedo plasmar en una pintura, lo que encaja y lo que no. Existe una diferencia entre el hecho y la verdad. La verdad tiene un elemento de revelación añadido. Si algo es verdad, golpea de una manera mucho más fuerte que si sólo es un hecho. Lucien Freud La obra de Patricia Henríquez se caracteriza por el empleo de un vocabulario estético muy simplificado, con formas que han sido esquematizadas o reducidas a lo esencial, de carácter plano o con poco efecto de volumen, en una austeridad compositiva con elementos aislados; cuerpos deformados en espacios disueltos sin perspectiva, trabajados en monocromo o en alto contraste mediante trazos violentos, empastados y agresivos, pintados con un pincel grueso o de forma directa con los propios dedos, lo cual le transfiere a su obra un carácter potente. Mediante la deformación de sus personajes logra reforzar la expresión y representar una realidad subjetiva existente, es decir, la esencia de las cosas, aquello que no es evidente, sino que corresponde a un campo meramente emotivo. Imágenes que se caracterizan por sus formas llanas, violentas, rudas y despreocupadas en espacios intemporales; trabajadas bajo las potencialidades de un automatismo gestual a manera de siluetas, sombras o imágenes congeladas en el tiempo y el espacio, reducidas mediante la intensidad del efecto del toque del color rojo para remitirnos a un trabajo casi orientalista. Representaciones en las que subordina el equilibrio formal y el contenido naturalista de la forma, a la libre interpretación de su contexto, mediante formas creadas, no copiadas, y por las que logra una fuerza psicológica y

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expresiva extraída de su mundo interior y subjetivo, poblado de animales domésticos que humaniza para encontrar en el espectador la compasión, el auxilio y el rescate de la realidad actual en la que prevalece la destrucción de la naturaleza, la guerra, el dolor, el miedo y el horror. La territorialidad le es indiferente, lo que nos permite apreciar tanto en el pequeño formato como en sus lienzos y dibujos a gran escala una uniformidad en sus soluciones formales que le han logrado caracterizar desde hace ya algunos años y que han sido apropiadas por otros artistas visuales. Asimismo, en su búsqueda de soluciones formales que puedan acomodarse a las necesidades de su lenguaje visual, ha adaptado algunos de los soportes hasta hacerlos cóncavos, en los que los paisajes parecen abrazar al espectador que los mira.

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TEXTO PARA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL “VIENTO SEMBRADO”, MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO NO 8 DE AGUASCALIENTES. AGUASCALIENTES, MÉXICO, PRIMAVERA 2009

Marcela Rodríguez Loreto Los pájaros florecen, los árboles cantan ¡y entonces nieva: locuras de primavera! Ho-o I El pájaro en el nido, el nido en el árbol, el árbol en la nada. ¿Es el viento que no cesa quien brama? La borrasca por cortina desdibuja lo que oculta la ciudad. Cuántas maneras tiene el oscurecimiento de la luz. Del cielo encapotado ya llegan los pájaros recogiéndose entre ramas pelonas, poco antes sucedió algo, pájaros en desbandada, y perros salvajes ―no, no son lobos―, perros salvajes inquietos olfateando lo que el humano no puede. El humor de la presa se desvanece en la tempestad. No hay seres humanos además. II La mujer se desliza sobre la manta en el piso, trae historias en la palma de la mano, con los dedos sinuosa las deja escapar en acrílico. A ras de suelo la perspectiva siempre es correcta, creo escuchar qué dice, y casi me parece verla embadurnar satisfecha esos animales errantes. En su andadura alguna gota escapa. Sucede el prodigio de la belleza natural que el arte consigue emular. La belleza de lo imperfecto (wabi-sabi), una rama torcida, nudosa, ajada. Que guarda una beldad oculta lo sabe el shihan cuando un trazo no es perfecto y, sin embargo, no altera la composición.

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III La pintura como vía de entrenamiento. El artista se expresa de todo corazón-mente como unidad indisoluble. Para ello escoge el camino de la simplicidad. El grado mayor de dificultad: reducir al mínimo los elementos. Ejemplo, papel amate, manta, madera; acrílico y dedos; óleo y espátula. Aparece lo sugestivo, detalles de una obra mayor inabarcable, atmósferas constreñidas por la sensación de vaciedad. La imaginación del observador se ve estimulada para completar lo que está incompleto… Las obras no se terminan, sencillamente se abandonan, Valèry, si no mal recuerdo. IV La ilusión óptica de atrapar el movimiento mientras ocurre. El trazo grueso, serpenteante, dinámico. Andar reconcentrado del felino de un cuadro a otro. La ráfaga de viento enturbia el paisaje. El horizonte se confunde, adónde acaba el cielo y comienza la tierra. Perros lobo aguzando los sentidos, listos a la llamada. La mujer pintor (así, en femenino-masculino, lo uno) pisa entre las telas al modo de los expresionistas abstractos norteamericanos, y sin proponérselo me remite al expresionismo alemán. Y enseguida a cierta pintura oriental. Los pájaros no vuelan de noche, alguien lo dijo. V Tras el viento iracundo se desnuda lo bello hasta convertirlo, o mejor, devolverlo a su crudeza. Lo cotidiano vulgar se muestra poetizado. Con un rosario de estados malsanos, desolación, confusión, abandono, aridez, depredación, la mujer realiza el acto poético: encuentra un lugar para ellos, no reniega, se muestra compasiva, cede el espacio. El aire que les asigna en la tela es tan importante como el sujeto/objeto que lo ocupa; crea espacio más que llenarlo, el espacio como composición espacial y rítmica (acaso una canción de cuna ancestral), es justo la expresividad que otorga a sus criaturas, llámense dolor, árbol reseco o viento iracundo. Es entonces cuando el pájaro florece…

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Marcela Rodríguez Loreto, es autora de las novela Los extraditables, y El libro blanco de Mateo. La revista del Pen Internacional UK, la tiene como una de las plumas jóvenes representativas de América Latina Es libretista de TV y creadora de las series radiofónicas Una habitación propia, Grandes esperanzas, finalistas del Best Drama New York Festival Awards, y Ella, la peor del mundo... Él, Octavio Paz.

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REVIEWS ABOUT PATRICIA’S WORK (TRANSLATIONS)


Patricia Henríquez Bremer

PATRICIA HENRÍQUEZ BREMER Aurelio Asiain A man goes to the teacher to learn the art of fencing. The teacher agrees to take it as a pupil and immediately imposed chores: sweeping, washing, chopping wood, making fire, cooking. After a while, the student protest and the teacher responds that classes have begun. The next day, while performing the first of their tasks, deals a blow with a stick. So he does, on, at all times. After a while, the disciple begins to roll with the punches and begins to live on alert. One day the teacher decides to surprise and throws a sudden hit with the broom or spoon, the teacher stops immediately. The disciple keep silence, back to his tasks, still dodge attacks until, after a while, he stops a blow with the sword. The teacher responds that he finally starts doing it and when the disciple frown, the teacher advertise him: “No reflexions, when you wanna see, go inmediately”. The student then receives illumination. This Zen parable, that tradition has multiplie in diverse variants, rounded my mind as I saw Patricia Henriquez’s paintings. But I say wrong: not only saw them, also touched them, smell them and rolled them while I smell her. Also, the word “frame” suggests fabrics stretched on a frame, and what was there was large rolls of paper. One rugged and rough surface with scars, close to the tree; a noble and fragile material, says Patricia that does not use brushes but hands and fingers to draw with acrylic, crawling on the huge sheet, those beings that as herself renounce to the mediation of the brush, living on the border. Famelic dogs, skinny cows, birds trap on grids, a man with a grim load. Or that sitting, head down, absorbed, dejected, still with a grim load, although it appears as a white shadow. Or those children who do ground balls. Painting with your own hands is to paint in a limit, a border. The ominous barbed wire, arid landscape without perspective, the extreme situations: butchering scenes; beings on the verge of death or shadow, are visions of reality or sleep figurations (more the former than the latter) but also symbols of a painting that is, literally and figuratively, a body to body with matter. Quitting the brush is removed the mediation, the weapon and the instrument. Is to see immediately, but also make a victory of the despondency.

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PATRICIA HENRÍQUEZ FRONTERA Kate Bonansinga Mexico City-based painter Patricia Henríquez tackles the rich subject of the U.S.-Mexico border in Frontera, her first solo exhibition in the U.S. This international boundary stretches nearly two thousand miles, slicing through the Sonoran and Chihuahuan deserts and their rugged mountains, nourished by the Rio Grande and Colorado Rivers. It is the most frequently crossed international border in the world, with more than 350 million people crossing legally each year. All of the fifteen works created especially for Frontera are expressionistic and raw, reflecting Henríquez’s signature style. Frontera includes a sitespecific mural and twelve monochromatic works on paper or cloth. Only two paintings, Border Landscape I and II are rendered in the muted tones of olive, ochre and mustard. Some of the Henríquez’s paintings convey the density of the border’s urban centers, and others focus on the starkness of its land. Two of the latter morph into pure abstraction: In Border Landscape IV and V linear passages of confidently applied dark acrylic reference branches of a tree or aerial views of multiple rivers. Henríquez has portrayed border-related topics since at least 2003 and with these most recent images she further distills the subject by simplifying her compositions. This is true of The Line, Under the Sun II and Border Landscape IV and V, and may be a result of her experience as a resident artist of Sichuan Fine Arts Institute in Chongqing, China in 2005. Henríquez expresses the beauty and the struggle of the human condition with a few carefully placed forms, and thus employs a tactic similar to that of Chan Buddhist Chinese ink paintings. Style and content unite, and both cross cultures: The style reaches from Asia to the Americas; the content addresses the human impulse to reach out to one another and to achieve a better life, even if it means crossing a politically imposed divide. Over the course of her career, Henríquez has conveyed myriad subjects,

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including warfare and domestic animals, all of which are passionately executed. But it is her imagery of the U.S.-Mexico border, that speaks clearly and well to our audience in El Paso/Juarez and its surrounding areas, especially during these times of proposed and controversial immigration reform in the U.S. HenrĂ­quez captures the human and compassionate side of this struggle.

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PATRICIA HENRÍQUEZ David Israel I would like to start saying that I consider Patricia Henríquez as a friend, in addition, I like how she paints, so the reader should understand is not going to read a text that scan her artwork, as the doctor that checks his patient aseptically, but the friend who has spend many years following the slow but coherent production of a singular creator in a contemporary scene. We met in 2000, in the opening of her second individual exposition named “On the border” in the Cultural Institute of Mexico in Spain. By then, I used to go frequently to the openings of that space and during that one, the Institute coordinator made a group of local painters so we went out for dinner with Patricia and his husband. Already organized, we let the night of Madrid gave them welcome and the truth is that the phenomenal Rioja we drank sealed a friendship that continues today. I remember when I first saw Patricia’s painting, I couldn’t fully understand. At that time, I hadn’t been to Mexico, couldn’t imagine what was the amate, neither the way it was made, hadn’t seen a Maguey, even my youth in Europe hadn’t made me really understand what the word border meant. I didn’t understand that night but caused me a deep feeling. However, I liked Patricia paintings, she had that broken and vigorous gesture that filled everything, I liked that she paints with her hands (as the bygone art did) I immediately remembered a visit to Altamira, this was pure painting! Spread your finger on pigment and draw the outline of a bison in stone. Patricia did that but with stray dogs, with birds caught in the knots of wires, goats running whipped by the pastor. I liked her economy in color, I liked that she doesn’t paint on fine materials and that she use those sheets of bark that by her ancestral hatched process have a color and a unique and unrepeatable vibration. I remember I though her pieces were excellent, her painting was a figuration with such an economy of means that concentrate a strong message in the form and the background. However when I met and spoke with Patricia that

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night, during the dinner, I asked to myself quietly, where does this work came from? What nature is hiding on this shy and gentle face? I still hadn’t information to complete the puzzle. A year later, I got a scholarship to realize a project on Mexico, I was there for six months traveling around the country, working with artisans, watching numerous scenes of landscapes, people, accumulating the information for what in the future would be a trip with undefined return. I remember the first time Patricia and José Adolfo invited me to have dinner at their homestudio, I found it full of painted animals on fabrics and amates hanging on the walls, without a clear canvas, those fabrics were like a kind of shroud removed from the reality that accompanied them, Patricia took care of those abused dogs daily, they were the protagonists of her stories. True pariahs thrown out of the comfort by people without scruples or conscience. She take care of them, there was where I found her activism in the struggle for animal rights, of course! there was the fuel of the paintings, there was the austere and moving character of the traces. Like Dewey, I think that many times… the theories… (and allow me to add the artists)… they move from a concept of art already “spiritualized”, disconnecting the objects from the concrete experience. Patricia poured in the paintings her daily experience, all the pain that cause those of the same species, then, I imagine that when Patricia caress with the hands the head and back of the dog, surely, reproduce in a tactile way the outline of the animal in her painting, How to separate one from the other! Since we meet, Patricia’s experience has been completed with a slow sequence of individual and collective samples, accompanied by several experiences abroad, as was the one she made in 2005 in Tank Loft Arts Center, Chongqing, China. Particularly, I think this was a big boost in his artistic growth, her contact with Chinese culture and philosophy were of great interest, transmitting on the fabrics her feelings in that great country, “Chinese tree” or the pieces she dedicate to the markets and its animals. In 2006, she realize an exposition named “Border” in Stanlee and Gerald Rubin Center for the Visual Arts at El Paso, Texas, EE.UU. For the first time, people acquire a leading role in the series “Under the sun”. Painted over amate leaves, is dramatic, both for its simplicity and composition and for the scenes depicting.

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The harshness and solitude of the desert separating over 2,000 kilometers the two North American countries it’s manifested as a reflection of horror suffered by thousands of people that, without nothing to loose, risk their lives to reach an uncertain destiny. That same year, under the XXII Festival of the Historic Center in Mexico, it’s projected her first animated short film “The fury steps” at the Secretary of Finance and Public Credit, where she shows the horrors of the war. I can’t numerate each of the expositions, scholarships and awards that have had happened in Patricia’s trajectory, I just wanted to emphasize the relevance that these had in her artistic development and so may say future writers of the exposure that accompanies this catalog. If the reader allows me, I would like to point out a few books which entitled Storm each page documents a rainy afternoon painted from the great window of her studio at Mexico City. As usual, in silence.

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THE DRAWING MOVES. THE DRAWING IS HEARD Rodrigo González Bermejo Always fascinated me The dreams of Akira Kurosawa. In the final scene of the chapter, the Ravens, a man, who is inside a Van Gogh painting, walks on a wheat field when, suddenly, a flock of birds begins to take flight, and the murmur and the blackish tone of its wings goes taking over, croak to croak, flutter to flutter, on the entire screen. Transition. Locked-Down Shot over Wheatfield with ravens, the original painting of Van Gogh. The painting in which the birds take flight over the wheatfield has substituted the previous frame and now occupies our attention. The first time I saw the short film Bird Flight by Patricia Henríquez, came to my mind that precise frame of The Ravens that transition in which fiction and reality intersect, in the one the moving image transforms into a static painting. Then I didn’t knew neither the director nor her work. Lately I could see the drawings she realized, cause of this animation and I was more conscious of the time interval between the paintings and the short film, about how the transition to animation kept the gestures and the strokes of the painting of the artist. But first things first. Patricia Henríquez formed in Mexico City. Studied Fine Arts at La Esmeralda and lately developed a solid trajectory focus on the drawing and the painting. She has forged a style and technique with very marked characteristics: trend towards the large format, abundance of monochromes, importance of the white and black, usage of Chinese ink and acrylic applied directly with fingers... A own style as a result of mixing of identity, her philias and her influences,

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ranging from oriental painting tradition up to the use of format and chromatic range of some American abstract expressionists such as Robert Motherwell or Franz Kline, through the rough and ocher territories of the old Europe proposed by Anselm Kiefer and Miquel Barceló on the 80’s. Like other artists of her generation, Patricia has been immersed in a continuous reflection on the relevance of painting in a fast contemporaneity, and with new habits of cultural consumption. An heiress generation of postmodernism, that reconsiders its status and it is familiar with the creation of hybrid products, passing the line between painting and other formats, that help reposition the drawing and painting out of the paper, the canvas, the wall... out of its comfort zone. It’s posible that the evolution on the creative career of the artist it’s a consequence of that thinking, that is on the basis of the transition between the Patricia Henríquez artist and painter to the Paticia Henríquez director of animated short films. Sometimes I wonder if the important changes in people trajectory come from a decisive instant, as an epiphany, eurekas! Or serendipities. In Patricia’s case, it may had happened during a trip to Vancouver at the century beginnings, visiting a collective exposition of contemporary drawing. There, in front of William Kentridge’s art project containing drawings and animations, had “one of the most powerful experiences came from other artist’s works” and discover that “the drawing moves and the drawing is heard”. After the discovery of Kentridge, and seduced by the movement, she approaches to the world of animation and begins to conceive projects from another perspective, trying to link the drawing with the film language. Her passage from painting to animation feels like a natural transition, which continues to be a response to her reflections, valuing her experience, the furrows drawn on her way, and at the same time it allows her to be in the present, in the technological possibilities, and create an effective dialogue between two languages born to understood. But lets do an immersion in Patricia Henriquez’s movies The Steps of Fury (2005) it’s her first approach to the world of animation.

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It’s a short film directed by Cristina Juárez Zepeda from a series of small drawings in Chinese ink made by the artist about belic conflicts. The artist manages to reflect the horror, the fear, destruction and the fury inhabiting the emotional cracks opened by the war. A successful musical selection, from her frames come out notes of Gorecki ‘s Symphony No. 3, acclimated in a unbeatable way that hell, that storms steel, and gets to drag the viewer to the precise state of mind to confront the human atrocities. Although Henríquez began this series of drawings following the 2003 invasion of Iraq, the premise with which makes this Project It’s to show the barbarity of the human condition through the universality and timelessness of war, rather than trying to tell a particular historical account. The soldiers are faceless, spots with human form, anonimous protagonists that might be in an Iraq’s war landscape or populating the pages written by Ryszard Kapuściński in any insurgent corner of the planet. The movie Bird Flight (2009) is the debut of the artist as a director. She uses like basis for the animation a series of drawings she made about birds. They are drawings painted with an intense black, with energic stroke, that do not lose force at the moment to become into animation and that demonstrate the ability of the artist to capture and synthesize with just a gesture many hours of observation of the dynamic movements of the birds. It is interesting to see how she starts to use resources of cinematic narrative; how she mixes different languages -painting, animated picture and video art-; and how she uses transitions -the transformation of the tree to a flock of birds-, especially important in animation because of the modeling of the rhythm and the narrative, as well as transform the scale and film space. We have a film that might seem more formal than discursive. But under the comings and goings of the anonymous birds, under the study of its forms and movements, under the mixed paint, animation and live action, she plans a glance facing habitability in rural versus urban environments. In her next short film as director, Animic Atmosphere (2010), Patricia Henríquez propose an audiovisual confrontation between the internal and the external, a crash between “the heart and the weather”.

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The visceral and the external drives intermingle in a visual puzzle of sounds: the pink heart thunders and the indefinite nature beats. The image, sheltered by a careful design of audio, tries to express the vague world of sensations. Aesthetically there is a predominance of the abstract image. The film plays with textures inherited of the European Informalism of the postwar (material painting, lyric abstraction) and of the video art, and even some frames approximate to the aesthetic glitch. En 2011 Patricia HenrĂ­quez directed Polyphonic, a piece commissioned by the Festival ANIMASIVO, whose fourth edition was dedicated to rethinking gender roles. For the realization of the short film the director goes from the idea that women and men have more to resemble than to differentiate them. Under this premise begins a series of drawings focused on morphology of brain and feets, similar parts of the body in both sexes that will be the foundation of the animation. The audio of the film passes again a different story line from the image. It is an abstract sound, based on voices that embody different gender of femininity and masculinity and that talk intermittently and intermixed. Both the image and audio place the spectator in an undefined space, forcing them to perform a work of recognition and relocation of signs and meanings to complete the perception of the message. Watch the frames of the movies of Patricia HenrĂ­quez, with the abundance of pictorial strokes, I got the feeling of authentic paintings in motion. It allows me to discover how her animated universe is an extension of her work as an artist. HenrĂ­quez maintains her resources as a painter but she has strengthened with the work of fellow travelers. She has combined the importance of drawing with an impeccable audio design work. This has been essential to her storytelling proposal, sometimes it based on the confrontation of messages between what is seen and what is heard. I also noticed a constant in the filmography of the director: there is a fondness towards the anonymous protagonists. As if she raised a search

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for her universal concerns through anonymity. In words of Octavio Paz, “the characters are signs” and, in this case, they act as issuers without face of the artist’s message. And who knows where Patricia Henríquez steps be guided in the future, what would be her next transition and how she will express her concerns in this “world in constant evolution”. But well, for now let’s stay with the fact that drawings can be moved and drawings can be heard, which is something.

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APPROACHES TO PATRICIA HENRÍQUEZ Alfredo Gurza The incursion of Patricia Henríquez (Mexico City, 1967) in recent years in animation and video art is the logical consequence of her efforts to extend her semiotic domain. One is amazed by the terseness of her transit into this new medium, the naturalness with which she occupies it, as if these were her more propitious surroundings. With a wave of her hand, she sets figurations in motion, fashioned as vines, foliage, wings, stones, meteors, cells. Here, alongside the vegetable, animal, and mineral orders, a visceral order is effectively constituted. Her murals, large scale canvases, and extremely refined drawings, give rise to concentrated video creations, without losing any of the powerful expressivity which has been a trademark of her work ever since she attended “La Esmeralda”, the National School of Painting, Sculpture and Engraving. The trace of her hands on the images, created mostly with her fingers, without the mediation of any brushes, gains new life on her animations, which thus become digital in a twofold sense. From among the varied critical responses to her animations –which have been exhibited in galleries, museums, universities and art spaces around the world- we can single out those made by Cristiane Grando and Guo Jin, of whom we reproduce here a couple of fragments. These are testimonials to the expressive richness of Patricia Henríquez’s poetics, engaging in conversations with interlocutors from very different cultural horizons, as nodes of a discourse which signifies an affectivity opposed to any mawkish sentimentality; immersed in the maelstrom, deeply moved by it all, but ever lucid. Cristiane Grando (Sao Paulo, Brazil, 1974), poet, curator, cultural promoter of public art initiatives, and an outstanding promoter of the enigmatic work of the Brazilian narrator and poet Hilda Hilst, whose imagination weaves together magical and supernatural strands, which Hilst reveals in the skein of everyday life, through her sensibility, in constant tension between communion and awe. Hilst’s love of dogs –part of her personal motto: “Devoted to literature,

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dogs, and cheap whisky”- is echoed by Patricia Henríquez´s admirable and tireless voluntary work at a praiseworthy dog refuge in Mexico City. All of this configures a signically charged meeting point for the work of Grando and Henríquez, as can be gleaned from the text that the Brazilian critic prepared in 2010, for the collective exhibition at the Garden of the Arts Cultural Center in Cerquilho, Brazil, which she organized: Birds and trees merge in the creative vision of Patricia Henríquez. Birds and leaves provide dynamics and movement to the rooted life of a tree emerging from the soil. Rapidly, trunk, branches and leaves turn into flying birds, which then become a tree again. This is the unity of the universe, suggested right away by a singular bird which occupies the whole frame in close-up. A city is assaulted by the wind storm we had been hearing and which now is represented by the image on the canvas. Leaves and birds merge into each other yet again. Next, the birds inhabit the city, on top of the power lines, because the trees –their habitat- leave Nature in their raw state in order to live in the urban world. Guo Jin (Chengdu, China, 1964) is one of the most world-renowned Chinese painters working today. He is a tutor at the prestigious Fine Arts Academy in Sichuan, from which he graduated in 1990. His delicate sensibility, geared towards the timeless virtue of innocence, that suspension of time in the pure joy of life as potency, that “uchronic utopia” distilled in his exquisite series of drawings of children, has informed over the years his dialogue with the work of Patricia Henríquez, with whom he has shared teachings and experiences during the Mexican artist’s residency in Chongqing. In the catalog for the Found in China exhibition (Chongqing, 2005), Guo Jin wrote: I met Patricia in the middle of autumn in Chongqing. It was the first time she travelled outside her native Mexico. She has the appearance of a spirit that has not yet experienced the world: shy, but happy and eager to spread her wings. According to her own words, coming to China is precisely what has given her wings. Her works produced at the Tank Loft Arts Centre reflect the commiseration and veneration which Patricia feels towards life, as well as her sensitivity to everything that surrounds her. Her images may seem unrelated, but they say a lot about the artist’s tacit delicacy and concern for all living beings. Patricia says she only paints with her fingers and never uses brushes. This tactile method of painting contributes to the dialogue between the artist and the living beings that are her themes.

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“FOUND IN CHINA” REALIZADA DURANTE UNA RESIDENCIA ARTÍSTICA EN TANK LOFT ARTS CENTER, ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SICHUAN, CHONGQUING, CHINA, 2005.

Guo Jin I met Patricia in the middle of autumn in Chongqing. This, the first time that she has travelled alone outside of her native Mexico, she has something of the appearance of a spirit yet to experience the world: shy, yet joyful and eager to spread her wings. Acording to her it is coming to China that has given her these wings. In the works produced at the Tank Lodt Arts Centre we see reflected Patricia’s brimming commiseration adn reverence for life, as well as a sensibility towards the things around her. The images in “Caged Ducks”, “Old Trees” and “Cityscapes” described in her work may appear to bear no relation to each other, when in fact they may speack volumes of the artist’s tacit gentleness and concern for living tings. She says, she only uses her fingers to paint and never uses brushes. This tactile painting method seems to hel in creating a dialogue between the artist an the living things which are her subjects. In a video pice describing war, she uses part od Polish composer Gorecki’s Third Symphony as part of the piece, whose lyrics reflect just the kind of commiseration and sympathy shown in her works: “My son, my most beloved, share your wounds with your mother...” She is a sentimentalist and a vegetarian... We wish Patricia every success in her exhibition! -

Guo Jin (China) is one of the most world-renowned Chinese painters working today. He is a tutor at the Fine Arts Academy in Sichuan, from which he graduated in 1990, he was director at The Tank Loft Art Center Guo Jin wrote for the catalog Found in China exhibition (Chongqing, 2005), during the Mexican artist’s residency in Chongqing.

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THE PATHS OF FURY Miriam Kaiser Patricia Henríquez’s drawings about war come from a series with the generic title, The Paths of Fury. The idea is to represent war, the war that is going on right now, because it seems that human beings cannot exist without war. Which is the most recent one? What one is it today? Which is the most brutal? Patricia does not personalize: she observes, she denounces. Using an ancestral technique –drawing, in its purest form, in the purest sense of the word– Patricia takes paper and ink and draws that horror she constantly observes in the media and, obviously, in her own feelings, using splashes and lines which transmit her own fury. Because those splashes of color are fire, tanks, planes, the destruction that is occurring at the moment we speak, at the moment we see her drawings. It is remarkable how the artist perceives and transmits that terror, pain and rage. And at the same time, it is terrible to realize how none of it moves most human beings anymore, perhaps because of the way it is rammed down our throats in every way possible. Still and all, observing these drawings of Patricia we are again assailed by the terrible, agonizing situation, because they are full of pain, despite their frugality of line and color. Patricia Henríquez makes a return to the figurative tradition but in her own fashion, perhaps approaching the ancestral form of expression that in México, for instance, have enjoyed such a long history in the visual arts, in terms of both content and technique, and she has achieved this constantly since her beginnings. Today, with such a compelling topic, this disgrace to humanity, the artist imposes her own point of view, leaving us with the anguish that permeates her drawings.

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THE MEMORY OF PAINTING Miguel Ángel Muñoz Although it can hardly be reduced an artistic career spanning over a decade in a few pages, let alone a few lines, there are two key qualities that distinguish the work of Patricia Henríquez: dissatisfaction and intensity. The first has to do with evolution and guidelines which marks his work to over the years; the latter is clearly linked to the conscious and unconscious passion the artist impress on each frame. The paintings of Patricia Henríquez focuses on two poetic-aesthetic reasons: the attraction for drawing and the reflection for spaces. Prefiguration of a language, lucid artist. Henríquez constructs a plastic discourse beyond the limits of figuration. That escape -to the interior space- is shape, rhythm, visual quality. The artist, in the early nineties, finds a stage of maturity key for her work. Not only it is located in front of the national artistic movements with a renewal of figuration but also goes creating a dialogue with her personal work. The artist starts from a minimalist position that gives way to the poetic vision of what the picture -only the picture- manifest. The lack of color, the blacks and sepias earn decisive roles in her work and strong, intense contrasts occur within a general structure of her aesthetic discourse. Each stroke is a delirious balance, each figure creates a rhythmic movement that leads to other forms. Figures, animals, volumes, shadows, forms that predominate throughout the painting process; somehow, her aesthetic inquiry is a question that searches and also finds. Invents and creates a foundation that is beyond painting. Universe that arises in various ways: the paper and the line, the full and the empty. Convergence of forces: creation and invention. Perhaps who has made this more clearly is the Spanish painter Miquel Barceló, who found in the force of nature his main artistic definition. But in the case of Henríquez, it is noteworthy that every time has disconnected from this trend to develop a more particular aesthetic, where the absence of elements results in a more spiritual and contained

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expression, closer to the purity of the line and the way that Rothko or Francesco Clemente contain the color. In the music, Hegel said, the opposition between the artwork and the viewer gets minimized and “Doesn’t reach, as in the plastic arts, the fixity from a permanent performance, exterior, that allows to contemplate the objects by themselves”. In the artwork of Henríquez the drawing and the painting blend into a same esthetic speech: astonishment and reject for the figure. Double sense that combines in her abstractions, that in certain moment are some kind of figurations. Vision and obsession. And I remember with wonder a fragment from the poet Wislawa Szymborska, that has a lot to be with this idea. I believe in his notes on the fire From the first to the last Burning on ashes I believe on the dispersion of the numbers In its dispersion without regrets… In my opinion, the key to this work respond to the critical view of Henríquez that, firstly, refuses the stereotype of linear progress applied to the forefront by the academic historiography, and secondly, focuses on the figure the last pulse of modernity. The work seems to breathe, evoke animated incarnations by the adventure of each line, to be drawn on any whitespace. This mobility incorporates to the internal and external conflict of the artist. Patricia Henriquez’s aesthetic dialogue is poetic: true spirit of painting. The drawing is sense, fascinating demonstration; the painting forms, the picture reveals. A significant fact when assessing the evolution of her work, is her “spiritual connection” with Antoni Tàpies that has made her leave and at the same time return to multiple elements of painting. In this brief approach a refined work is explained and in which the search of an internal coherence does not offer concessions. A painting dominated by the figure and limited by the color; is there where the main dialog is powered or delimited. Everything in her work is a break and return to the starting point: the game space. Tellingly, when it is looking retrospectively her production, each piece is alchemist. Memorable is also the enormous cycle of drawings Henríquez

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dedicated to various animals: crows, dogs, cats, that marked a continuity of her creative process. However, in many of the more figurative paintings, the dominant player, an intangible protagonist is light. Undoubtedly, the light is a fundamental element of Henríquez’s painting. And in this mosaic way, dispersed in the labyrinthine geography of clear pictorial atmospheres, It’s reconstructed in a faithful self-portrait of the artist’s personality, privacy ductile of her poetry, extremely precise, allergic to all affectation, modestly erudite and gifted, with the irony of a lethal pictorical sting. The artist raises the vocation of all her work as an act of openness and simplicity hiding undoubtedly elements that arise from our subconscious pure and simple. Despite the formal reading, articulated from the interpretation and decodification of her own language, the codes constructed on a decade, in Henríquez painting everything is in the frame, everything is immediate and ungraspable at the same time. Tense and twisted forms but also full of freedom without borders. The opposite to the expressionism gesture: says and mean. With it finds a new plastic horizon, a conjuncture in which that game of space create an untold sense. Is not the memory properly the one that goes creating that itinerary, not even the trace that someone leaves on its way, but the image from an intimate journey. There is no rhetoric or virtuous intention in her paintings or drawings, quite the contrary, the exercise of submission to drawing and painting. So, under the disguise of the game and the graceful dispersion, emerge, one of the largest and intense personalities of her generation. As well as one that in a more free and forceful way has managed to build bridges of constant complicity between figuration and abstraction. Henríquez’s recent work is increasingly moving towards an “abstraction”, which it is but the manifestation in the framework of a privileged relationship with the unseen. The surprise and interest of this painter lies in the way she looks and interested in the transformation of painting, and achieves to dialogue with the technic, materials and poetic reflections that have led her discover her artistic discourse. Henríquez isn’t, obviously, satisfied with the comfort of the conceptual artifice. Proposal of riddle, so extreme tension that rule limits and spaces whose pictorial and poetic definition only an artist like Patricia Henríquez can lead us.

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VISIONS OF THE HANDS Pablo Raphael Where is the boundary between what is seen and what is? The answer lies in the temperature. Accustomed to the contrasts, Patricia Henríquez know it. Citizen of an interstitial world where the abstract and the figurative form her kingdom. She doesn’t distinguish the difference: her look is touch. When it looked like her thing was the big formats, the painter dawned drawing insects. When her friends watched those paintings of fabulous animals that turn her house in a sort of Ark, in some part of her liver it got form some kind of armies, meat eaters and borders traced with thorns. When it barely started hurting us those humanoids stains, Patricia appears as a visionary that does the scenery a new territory. New? I ask myself again: Where is the border between what it looks like and what it is? I understand it too late, just now I look the nature from this world of her. A world that starts and ends all the time. Patricia Henríquez is a sort of demiurge that has found a way to captivate her creations. We have before us a manufacturer of dream catchers. The clearest example happens in this collection called The Horizon Skin. If we look at the work that crown it, we’ll see the mangroves are the dream catchers of the landscape. If we look back, we’ll realize that the same happens with the rest of her work. Fond of locking up her animals in cages, nets, fences or jars, Patricia’s thing isn’t just a complaint. It is also a liberating act. I explain: In her studio is an old can of black paint whose layers and dried drops have been turning it in a kind of molcajete where she has prisoners all the shadows of her figurations. There lies the things that will be, because the ones that are have been already released. Her touch, without brushes, have left the shadows. At the other end, opposite the can, they are the basic colors and a large window. Is the light and the force with which, without qualification, the artist has been calling all the animals in her ark.

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Now, with The Horizon Skin, is the turn of the scenario, Henríquez delivers a series of landscapes uncatchable. Facing what can’t be reconciled, industrial acrylic contrasting with rustic bark paper, sitting under the same sky science and primitivism, superimposing paint on impossible wood, using the drawing as if it were an entomologist microscope and large format as if it were a hunter that at night painted on the walls of his cave, Patricia does nothing but deliver a world. Is the building of her Imaginalis Worlds. That place where the landscapes interior and exteriors, microscopic or universals, has no difference. Wind, rain lashes, puffs of heat, Uxmal advances, voltage arcs that from one end to another convert temperature in temperament. It’s her continents: yellow depopulated where, if anything, a flock gets confused with sand. The rainy blue and humid green, where some other birds announce the arrival of the storm or the end of the wave and the world. Mounds, speed, moor. Black clouds or made of salt. Horizon. Now will come the animals. For now we can only look. The Horizon Skin is an exercise of memory, but also of imagination. It is light that hugs, cool or contains. For Patricia Henríquez there is only one commandment: everything is touch. With her hands the artist presents the closure of a creative cycle, where with flood or not, she gifts us a land.

[ La piel del horizonte IV, 2007]

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THE HORIZON SKIN Rafael Alfonso Pérez y Pérez When I look a body, gives me the idea of what I can express in the painting, what does fit and what doesn’t. There is a difference between fact and truth. Truth has an added element of revelation. If something is true, it strikes in a much stronger way than if it is just a fact . Lucien Freud Patricia Henríquez’s work is characterized by the use of an aesthetic vocabulary very simplified, with forms that have been sketched or reduced to the essential, of flatness or low volume effect, in a compositional austerity with isolated elements; deformed bodies dissolved without perspective spaces, worked in high contrast monochrome or through violent, bound and aggressive lines, painted with a thick brush or directly with one’s fingers, which transferred to her work a powerful character. By deforming her characters she achieved to enhance the expression and represent an existing subjective reality, that is, the essence of things, what is not clear, but corresponds to a purely emotional field. Images that are characterized by their flat shape, violent, rude and careless in timeless spaces; she works on the potential of a gestural automatism, by way of silhouettes, shadows or images frozen in time and space, reduced by the intensity of the effect of the red touch to send us to a work almost orientalist. Performances in which she subordinates the formal balance and naturalistic content to the free interpretation of the context, by created forms, not copied, and by the ones she achieves a psychological and expressive force drawn from her interior and subjective world populated by domestic animals that she humanizes to find in the viewer compassion, help and

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rescue from the actual reality in which prevails the nature destruction, war, pain, fear and horror. Territoriality is indifferent for her, allowing us to appreciate both in the small format as in his paintings and drawings on large-scale a uniformity in her formal solutions that have characterized her for quite some years and that have been appropriated by other visual artists. Also, in her search for formal solutions that can accommodate to the needs of her visual language, has adapted some of the supports to the point of making them concave, where the landscapes seem to embrace the spectator that is watching.

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TEXT FOR INDIVIDUAL EXPOSITION “SOWN WIND”, CONTEMPORARY ART MUSEUM NUMBER 8 OF AGUASCALIENTES, AGUASCALIENTES, MÉXICO, 2009.

Marcela Rodríguez Loreto Birds flowers, trees sing And then it snows: Spring Follies! Ho-o I The bird in the nest, the nest in the tree, the tree in the emptiness. Is it the wind that never ceases who roars? The storm blurred blurs the curtain that hides the city. How many ways has the light obscuration. From the sky overcast the birds arrive, collecting themself between empty branches, something happened shortly before, birds in disarray, and wild dogs ― No, not wolves ―, restless wild dogs sniffing what humans can’t. Humor prey vanishes in the storm. No further humans. II The woman slips on the rug on the floor, brings stories in the palm of her hand, with fingers, sinuous, lets out in acrylic. At ground level perspective is always right, I think I hear what she say, I see her almost satisfied smearing those stray animals. In her walking, a drop escape. It happens the miracle of the natural beauty that art gets to emulate. The beauty of imperfection (wabi-sabi), a twisted branch, gnarled, withered. Keeping a hidden beauty, Shihan knows it when a stroke is not perfect, however, does not alter the composition. III “Painting as a way of training. The artist expresses herself in a heart-mind indissoluble unit. To do it chooses the path of simplicity. The higher degree of difficulty: to minimize the elements. Example, bark paper, blanket, wood; acrylic and fingers; Oil and spatula. It appears suggestiveness, details of

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a major work, atmospheres constrained by a sense of emptiness. The observer’s imagination is stimulated to complete what is incomplete… The works don’t get finish, simply get abandoned, Valéry, if I remember correctly. IV The optical illusion of catching the movement as it goes happening. The thick, winding, dynamic stroke. Concentrated walking of the feline from one frame to another. The gust of wind clouds the landscape. The horizon is confused, where the sky ends and the land begins. Dogs, wolf sharpening the senses, ready to call. The woman painter (in feminine - masculine, the oneness) step between the fabrics in the manner of American abstract expressionists, and unwittingly brings me to the German expressionism. And then to some oriental painting. Birds do not fly at night , someone said it. V After the angry wind the beauty get naked, until convert it, or better, return it to its rawness. The vulgar everyday shown poetized. With a prayer beads of unhealthy states, desolation, confusion, abandonment, aridity, predation. The woman performs the poetic act: find a place for them, not deny, shown compassionate, yields space. The air assigned to them on the fabric is as important as the subject / object who occupies it; creates space more than fill it, space as spatial composition and rhythmic (perhaps an ancestral lullaby), It is just the expression that gives her creatures, whether they are pain, dry tree or angry wind. That’s when the bird flowers ... Marcela Rodríguez Loreto writer, Author of the novel “ the extraditables” (Plaza & Janés, 1999) . The International Pen magazine published in London, considered her as one of the young Latin American pens. She is the creator of the radio series “ An own room “ finalist of the New York Festival Awards.

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OBRA PICTÓRICA


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PAISAJES

Título: Nocturno Técnica: Óleo sobre tabla Dimensiones: 20 x 60 (3 piezas)

Título: Y así como llegaron se fueron Técnica: Óleo sobre tabla Dimensiones: 47 x 124 2011

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LUZ SONORA

Título: Hora cero Técnica: Óleo sobre madera Dimensiones:122 x 182 2001

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Título: Días de lluvia Técnica: Óleo sobre madera Dimensiones: 150 x 122 cm 2001

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Título: El origen de la niebla Tomado del Libro de Miguel Ángel Muñoz Técnica: Óleo sobre madera Dimensiones: 122 x 180 cm 2004

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FRONTERA Stanlee and Gerald Rubin Center for the Visual Arts, U.T.E.P, El Paso, Texas, EEUU. 2006

Título: La línea Técnica: Acrílico sobre papel amate Dimensiones: 160 x 168 cm (díptico) 2006

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Título: Bajo el sol III Técnica: Acrílico sobre papel amate Dimensiones: 120 x 147 cm 2006

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Dibujos seleccionados para la exposición colectiva “Parcels For The Promised Land” Kunstbüroberlin - Berlín Alemania.

Título: Border I Técnica: Tinta china sobre papel Dimensiones: 22 x 28cm 2009

Título: Border II Técnica: Tinta china, limón y fuego sobre papel Dimensiones: 22 x 28cm 2009

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Título: Border III Técnica: Tinta china sobre papel Dimensiones: 22 x 28cms 2009

Título: Border V Técnica: Tinta china, limón y fuego sobre papel Dimensiones: 22 x 28cms 2009

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Título: Border VI Técnica: Tinta china sobre papel Dimensiones: 22 x 28cm 2009

Título: Border VII Técnica: Tinta china limón y fuego sobre papel Dimensiones: 22 x 28 cm 2009

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FOUND IN CHINA Sichuan Fine Arts Institute, Tank Loft Arts Cen.

Título: Chongqing Técnica: Óleo sobre tela (6 piezas) Dimensiones:120 x 270 cm 2005

Título: Chongqing Técnica: Tríptico, Óleo sobre tela Dimensiones: 60 x 200 cm 2005

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Título: Birds (Autorretrato) Técnica: Acrílico sobre manta Dimensiones: 200 x 200 cm 2003

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NATURALEZA

Título: Al caer la noche I Técnica: Óleo sobre madera Dimensiones: 140 x 120 cm 2014

Título: Al caer la noche II Técnica: Óleo sobre madera Dimensiones: 140 x 120 cm 2014

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Título: Árbol que camina Técnica: Acrílico sobre manta Dimensiones: 2.22 x 1.88 m 2015

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Título: Bosque de la Habana (Libro acordeón) Técnica: Tinta china sobre papel Dimensiones: 25 x 335 cm 2015

Título: Ciénaga Técnica: Tinta china sobre papel de arroz Dimensiones: 50 x 120 cm 2013

Título: Detalle crónica de un día nublado (libro acordeón plegable) Técnica: Tinta china sobre papel 16.5 x 283 cm

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Título: Enramada IV Técnica: Acrílico sobre manta Dimensiones: 136 x 70 cm 2013

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Título: Entrada V Técnica: Acrílico sobre papel amate Dimensiones: 136 x 197 cm 2013

Título: Fósil I Técnica: Tinta china sobre papel de arroz Dimensiones: 138 x 280 2014

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Título: Enramada Técnica: Intervención efímera vinílica sobre mampara Dimensiones: 250 x 600 cm 2010

Título: Árbol Técnica: Intervención efímera vinilica sobre muro Dimensiones: 400 x 800 cm 2009

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Título: Nido Técnico: Acrílico sobre manta Dimensiones: 240 x 170 cm 2014

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Título: Pájaros al vuelo Técnica: Acrílico sobre manta Dimensiones: 156 x 170cms 2014

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Título: La llamada I Técnica: Acrílico sobre papel amate (tríptico) Dimensiones: 360 x 240 2009

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Título: Nidos II Técnica: Acrílico sobre manta Dimensiones: 195 x 200 cm 2009

Título: Enramada II Técnica: Acrílico sobre papel amate Dimensiones: 120 x 180 2011

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Título: Pájaros Técnica: Acrílico sobre manta Dimensiones: 210 x 160 cm 2010

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CORTOMETRAJES DE ANIMACIÓN EXPERIMENTAL


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ATMÓSFERA ANÍMICA Título: Atmósfera anímica Técnica: Animación mixta (animación mixta, post producción). Temática: El clima como el estado de ánimo. Duración: 3:50 minutos. Año: 2010 Dirección, idea, dibujos: Patricia Henríquez. Animación digital y post producción: Luis Martínez. Diseño y sonido: · Rodolfo Romero · Emmanuel Romero. Este proyecto se realizó gracias al apoyo de Sistema Nacional de Creadores de Arte

PROCESO CREATIVO Y FOTOGRAMAS DEL VIDEO

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A VUELO DE PÁJARO Título: A vuelo de pájaro Técnica: Animación mixta (animación mixta, post producción). Temática: La vida impredecible y aparentemente silenciosa como el vuelo de pájaro. Duración: 4 minutos. Año: 2009 Dirección, idea, dibujos y video: Patricia Henríquez. Animación digital y post producción: Luis Martinez. Diseño y sonido: Rodolfo Romero Este proyecto se realizó gracias al apoyo de Sistema Nacional de Creadores de Arte

FOTOGRAMAS DEL VIDEO

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Patricia Henríquez Bremer

LOS PASOS DE LA FURIA Título: Los pasos de la furia Técnica: Animación mixta (animación mixta, post producción). Duración: 7:18 minutos. Año: 2005 Dirección: Cristina Juárez Zepeda Idea y dibujos: Patricia Henríquez Fotografía: Pablo Ramírez Durón Producción: Alejandro Juárez Zepeda Edición: · Cristina Juárez Zepeda · Alejandro Juárez Zepeda Música: · Górecki: Sinfonía No.3 · Lento: Cantabile Semplice, Warsaw Filarmónica

FOTOGRAMAS DEL VIDEO

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Patricia HenrĂ­quez Bremer

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Patricia Henríquez Bremer

POLIFÓNICO Título: Polifónico Técnica: Animación mixta (animación mixta, post producción). Temática: Una reflexión en torno al concepto de género. Duración: 3:24 minutos. Año: 2011 Dirección, idea, dibujos y animación tradicional: Patricia Henríquez. Animación digital y post producción: · Luis Martínez. · Pixeles Invasores (Michelle Florencia y Chema Hernández) Diseño y sonido: · Rodolfo Romero · Emmanuel Romero

FOTOGRAMAS DEL VIDEO

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Patricia HenrĂ­quez Bremer

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INSTALACIÓN


Patricia Henríquez Bremer

PROYECCIÓN EL CUERPO CALLADO GALERÍA MANUEL FELGUÉREZ U.A.M. RECTORÍA y MAC8 AGUASCALIENTES El cuerpo callado es una instalación-proyección de techo a piso en un colchón como pantalla alternativa, flotando en un espacio oscuro e intimo para así evitar cualquier tipo de referencia visual, de espacio, tiempo o social y explora la posibilidad de dormir, que es el momento mas libre de nuestro subconsciente y el más vulnerable del cuerpo; durante el sueño, se mezclan los sonidos del exterior con los sonido del sueño. Este proyecto se realizó gracias al apoyo de Sistema Nacional de Creadores de Arte

[Vista frontal inferior central]

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[Vista frontal inferior]

[Vista frontal inferior]

[Vista superior izquierda]

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Patricia HenrĂ­quez Bremer

[Vista frontal derecha]

[Vista lateral izquierda]

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[Vista superior derecha]

[Vista superior central]

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ÍNDICE INTRODUCCIÓN PATRICIA HENRÍQUEZ Y LA POSMODERNIDAD --------------------------------------- 7 PATRICIA HENRÍQUEZ AND THE POSMODERNITY ---------------------------------- 21 REFLEXIONES SOBRE MI TRABAJO -------------------------------------------------- 36 APPROACHES ABOUT MY WORK ----------------------------------------------------- 37 NOTAS CRÍTICAS SOBRE LA OBRA DE PATRICIA HENRÍQUEZ PATRICIA HENRÍQUEZ ------------------------------------------------------------------ 39 FRONTERA ------------------------------------------------------------------------------ 40 PATRICIA HENRÍQUEZ ------------------------------------------------------------------ 42 EL DIBUJO SE MUEVE. EL DIBUJO SE ESCUCHA ------------------------------------ 45 APROXIMACIONES A PATRICIA HENRÍQUEZ ----------------------------------------- 50 TEXTO CATÁLOGO PARA LA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL “FOUND IN CHINA”------- 53 LOS PASOS DE LA FURIA -------------------------------------------------------------- 55 LA MEMORIA DE PINTAR -------------------------------------------------------------- 56 LAS VISIONES DE LAS MANOS ------------------------------------------------------- 60 LA PIEL DEL HORIZONTE ------------------------------------------------------------- 63 TEXTO PARA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL “VIENTO SEMBRADO”, MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO NO 8 DE AGUASCALIENTES. ------------------------------------ 65 REVIEWS ABOUT PATRICIA’S WORK (TRANSLATIONS) PATRICIA HENRÍQUEZ ------------------------------------------------------------------ 68 FRONTERA ------------------------------------------------------------------------------ 69 PATRICIA HENRÍQUEZ ------------------------------------------------------------------ 71 THE DRAWING MOVES . THE DRAWING IS HEARD ---------------------------------- 74 APPROACHES TO PATRICIA HENRÍQUEZ --------------------------------------------- 79 TEXTO CATÁLOGO PARA LA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL “FOUND IN CHINA”------- 81 THE PATHS OF FURY-------------------------------------------------------------------- 83 THE MEMORY OF PAINTING ----------------------------------------------------------- 84 VISIONS OF THE HANDS -------------------------------------------------------------- 87 THE HORIZON SKIN -------------------------------------------------------------------- 89 TEXT FOR INDIVIDUAL EXPOSITION “SOWN WIND”, CONTEMPORARY ART MUSEUM NUMBER 8 OF AGUASCALIENTES, AGUASCALIENTES, MÉXICO, 2009. ----------- 91


OBRA PICTÓRICA PAISAJES -------------------------------------------------------------------------------- 94 LUZ SONORA --------------------------------------------------------------------------- 95 FRONTERA ------------------------------------------------------------------------------ 98 FOUND IN CHINA --------------------------------------------------------------------- 103 NATURALEZA ------------------------------------------------------------------------- 105 CORTOMETRAJES DE ANIMACIÓN EXPERIMENTAL ATMÓSFERA ANÍMICA ---------------------------------------------------------------A VUELO DE PÁJARO ---------------------------------------------------------------LOS PASOS DE LA FURIA -----------------------------------------------------------POLIFÓNICO --------------------------------------------------------------------------

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INSTALACIÓN PROYECCIÓN EL CUERPO CALLADO GALERÍA MANUEL FELGUÉREZ U.A.M. RECTORÍA y MAC8 AGUASCALIENTES ---------------------------------------------------------- 132


El registro fotográfico de la obra revelada en el presente libro fue realizado por : Alejandra Vega, César Flores y Fernando Carranco.

Este número se terminó de imprimir en Talleres Gráficos de la Universidad Autónoma de Querétaro, con domicilio en Prol. Pino Suárez #467 Col. Ejido Modelo C.P. 76177, Querétaro-México el día 3 de Febrero de 2016 con un tiraje de 500 ejemplares.


Catálogo-libro Patricia Henriquez  

Cuadernos de Investigación Trasdiciplinarios Instituto de Investigaciones Multidisciplinarias Universidad Autónoma de Querétaro Julio César...

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