Glocal Design Magazine No. 61

Tendencias del Hábitat / Minimalismo Cálido

Suavidad, delicadeza y minimalismo con toques cálidos protagonizan esta corriente decorativa, que supone una reinterpretación con gráficas depuradas y colores renovados.

Así, en combinación con otros materiales naturales, se busca generar espacios propicios para la calma, el descanso, la reflexión e incluso la introspección.

Una línea decorativa especialmente indicada para el hogar, pero también para otros hábitats, como hoteles, donde se busca especialmente sensaciones de confortable calidez y relax.

Interceramic.com

Muro: 3D Wall Wave 40 x 80 cm y Samoa Ivory 80 x 150 cm; Piso: Celta Roble 23 x 208 cm y Samoa Ivory 80 x 150 cm.

Directora General

Editora en Jefe

Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx

Editora

Martha Lydia Anaya martha@glocal.mx

Editora de Arte

Andrea Flores andrea.flores@glocal.mx

Asistente de Dirección

Caly Pérez caly@glocal.mx

Colaboradores

Ana Paula Orozco

Gressia Arévalo

Karla Rodríguez

Mario Martínez A.

Prince Láuder

Roberto Zamarripa

The Raws

CONSEJO EDITORIAL

Consejeros Honorarios

Gina Diez Barroso

Miguel Ángel Aragonés

Jorge Arditti

Arturo Arditti

Juan Carlos Baumgartner

Fernando Camacho Nieto

Carmen Cordera

Juan Manuel Lemus

Beata Nowicka

Carlos Pascal

Gerard Pascal

Ariel Rojo

Sagrario Saraid

Contabilidad

Víctor Villareal

Gerente Comercial

Eduardo Rodríguez M. eduardo.rodriguez@glocal.mx

Contacto glocal.mx info@glocal.mx

Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 5533 6818

Portada Uribe & Krayer

Arte por Glocal Design

Magazine + Uribe & Krayer

Macrotendencias: Purismo local Arte por Prince Láuder

Moda La domesticación del fuego de FRANCISCO CANCINO | Rugs de rrres studio | Azalea de Christian Vivanco para Balsa | Génesis de Abel Zavala para Ángulo Cero | Novecento de Rodolfo Dordoni para The Village

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S. A. de C.V. Revista Trimestral: julio-agosto-septiembre 2021. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta

Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, Ciudad de México, México.

Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, Del. Benito Juárez, C.P. 03910, Ciudad de México. Tel. 55 5611 9653.

Construirnos por dentro

Toda labor de investigación y búsqueda para el desarrollo de un proyecto de arquitectura interior tiene incontables historias detrás, tantas que de cada proyecto se podría escribir un libro. El bagaje cultural del profesional de la arquitectura de interiores lo es todo: su ojo experto necesitó horas de paciencia, curiosidad y sensibilidad. No sólo la academia despertó su conocimiento, también lo fueron (lo son) cientos de museos recorridos y el arte que movió sus fibras más íntimas; múltiples galerías y el descubrimiento de noveles artistas; viajes que le permitieron tener un mejor entendimiento de la arquitectura; visitas a los talleres de artesanos en donde aprendió técnicas valiosísimas; múltiples ferias caminadas para descubrir proveedores únicos; cientos de libros que le han permitido descifrarse a sí mismo, y en sí, todo lo anterior y sus momentos más personales, es lo que permite al arquitecto de interiores convertirse en un creador de espacios que descifran la intimidad.

Por ello, sabemos que todo lo que construimos nos construye de regreso; de ahí nace el tema de esta edición: El interior que nos construye, para el cual convocamos a personajes con experiencias sumamente opuestas y diversas, pero quienes a través de su obra manifiestan un ‘yo’ muy particular. Los invitamos a conocer o a reconocer el trabajo de Roy Azar, Edmundo Salinas, José Carlos Lombana,

Mariana Rivera, David Dana, Kenya Rodríguez y Sulkin Askenazi, quienes con sensibilidad absoluta nos hablan de quiénes son, qué los mueve y los materiales que les significan (vean video reportaje completo en nuestro canal de YouTube).

¿Y quién mejor que Erica Krayer y Ofelia Uribe para hablar de interiorismo? Dos mujeres sensibles que compartieron vida profesional en el taller de Ricardo Legorreta. Ahí se reconocieron como profesionales y, años más tarde, se reencontraron para crear una de las firmas de interiores más valiosas. Mujeres que respetan el trabajo de sus iguales y siguen sumando su talento cuando las invitan o ellas solas toman proyectos completos. Entre sus clientes están cadenas de hotelería de Gran Turismo hasta espacios boutique que buscan un supremo cuidado al detalle, y nadie mejor que ellas para encontrar arte, diseño o artesanía; son expertas curadoras de espacios y creadoras de sensaciones como pocos.

Esperamos que gocen esta edición como lo hicimos nosotros al hacerla para ustedes. Nos vemos muy pronto por aquí, por Glocal TV o por Casa Glocal.

¡Gracias por seguir aquí! Greta Arcila Editora en Jefe

Contenido

Foto

cortesía Mariana Rivera

78 ENFOQUE

Ofelia Uribe & Erica Krayer | Uribe & Krayer

91 MATERIALES EXPUESTOS

92 Plantel Matilde | Javier Marín

96 Casa Octavia | PPAA

100 Casa Bugambilias | Taller Mexicano de Arquitectura

104 Casa Guanajal | Cubo Rojo Arquitectura

RESIDENCIAL

108 Casa Estudio Chimalistac | Vrtical

114 Casa Neró | DiFrenna Arquitectos

120 JD House | Studio Arthur Casas

COLUMNAS

126 Darío Ibargüengoitia

127 Homero Hernández

128 OBJETO GLOCAL

Foto

Maureen M. Evans

MOLINILLOS

Colección Estudio | Ángulo Cero

Esta serie es una fusión de arte, artesanía y diseño. Molinillos rinde homenaje a una pieza artesanal de la cultura mexicana: los molinillos para elaborar bebidas tradicionales. Con su propuesta de diseño, Colección Estudio busca innovar formal, material y técnicamente con el fin de repensar y revalorizar el concepto de la palabra artesanía.

coleccion.estudio angulo0.com

TONO

Cuchara Diseño

La cualidad ondulante del sonido, como consecuencia de su frecuencia, puede obsequiarnos formas fluctuantes. La colección Tono de Cuchara Diseño refrenda la frecuencia y explora los caminos lineales que caracterizan la marca con la forma añadida de la curva, en materiales sólidos como la madera; pretextos para explorar formas en superficies y construcciones.

cucharadiseño.com

Foto

cortesía

Cuchara Diseño

Foto Mariana Achach

MESA ROSEDAL RECINTO Comité de Proyectos | Ángulo Cero

Hecha en colaboración con la galería Ángulo Cero, Rosedal es una pieza que expone el uso de materiales: Recinto, Huanacaxtle y Vidrio Gris Ahumado, de manera simple y elegante. Es una mesa de centro escultural, compuesta por tres piezas, dos talladas a mano en madera sólida de Huanacaxtle y una en piedra volcánica; sobre de ellas se asienta la cubierta en vidrio enmarcándolas. El vidrio de la cubierta puede ser tipo ahumado o extra claro.

comitedeproyectos.mx angulo0.com

OBJ–01

Manu Bañó

Basándose en un diseño minimalista, simple y geométrico, Manu Bañó presenta su nueva lámpara metálica OBJ-01. Inspirada en el concepto de “menos es más” del diseñador industrial Ludwig Mies van der Rohe, esta lámpara da a conocer sus principales características a primera vista. Su cuerpo consta de una placa de metal en bruto que puede variar en su materialidad, siendo las opciones presentadas acero, acero inoxidable y latón. Para alcanzar la forma deseada esta placa es cortada con láser y ensamblada a mano con martillo de goma, lo que da un plus al producto final y la estética primordial de la lámpara. manubano.com

DISEÑO, arquitectura y gastronomía

Como parte del grupo de restaurantes de Enrique Olvera, Criollo surgió ante una respuesta a la inquietud de él y su colega Luis Arellano por motivar el consumo local y la lógica de los productos cultivados en Oaxaca. Su apuesta siempre ha sido hacia los procesos tradicionales y los sabores típicos de la comida mexicana para ofrecer una experiencia gastronómica única. Esto cobró especial importancia al ubicarse en Oaxaca y emplazarse en lo que originalmente fuera una casa catalogada. El equipo de JSa Arquitectura llevó esta filosofía al diseño del espacio para ofrecer una experiencia que combinara la arquitectura con la tradición gastronómica.

“Para lograrlo, basamos el proyecto en la recuperación del edificio preexistente, con cuatro tipos de espacios: interiores, exteriores porticados, un patio y un gran

jardín, lo que favorece un recorrido de atmósferas únicas”, platica la arquitecta Aisha Ballesteros.

Los espacios exteriores comparten experiencias complementarias: están los pórticos tradicionales para sentirse entre los pasillos de una casona antigua, el patio central donde la arquitectura preexistente y contemporánea dialogan y un gran jardín con vegetación endémica.

Criollo es un lugar íntimo que se abre entre materiales de la región, tierra de colores, aplanados y pisos homogéneos, aderezados con mobiliario hecho por artesanos oaxaqueños. En 2019, JSa Arquitectura revisitó el proyecto para crear Casa Criollo, una nueva experiencia de hospitalidad concebida como una extensión natural de la visión del restaurante. –ALM

Fotos

Jaime Navarro

Francisco I. Madero 129

Santa María del Marquesado Centro, Oaxaca de Juárez, Oaxaca jsa.com.mx

Criollo | JSa Arquitectura | Oaxaca de Juárez, Oaxaca – 2016 y 2019

PAZ y minimalismo ORIENTAL

Nada como disfrutar de un tiempo de placer y relajación en un ambiente inigualable, para lo cual la afable hospitalidad sumada a los detalles del interiorismo creado por el equipo de diseño de Sordo Madaleno en las nuevas villas y renovadas suites frente al mar de Banyan Tree Mayakoba es el place to be.

Ubicadas a unos cuantos pasos del mar azul turquesa, estas villas gozan de suma amplitud con una superficie que va desde 160 hasta 300 m2; algunas se encuentran en planta baja y su mayor atractivo es su cercanía inigualable al mar, mientras que otras se sitúan en un segundo nivel, sin descartar privacidad y la oportunidad de conectar con otras habitaciones.

En un equilibrio perfecto entre naturaleza y materiales locales de la más alta calidad, las villas cuentan con un patio

interior, una relajante ducha exterior, así como tina de hidromasaje y alberca privada, amenities que en su conjunto hacen posible que los huéspedes puedan disfrutar de las características puestas de sol de la Riviera Maya en primera fila y de la playa infinita que representa estar frente al mar caribeño.

La atención personalizada es otro rasgo relevante, pues quienes se hospeden en ellas tendrán acceso a un resort host dedicado exclusivamente a apoyar en todo momento de la estancia para que los huéspedes se sientan plenamente cómodos. Del mismo modo es posible disfrutar de un chef, quien puede acudir y preparar algo a medida, como un bbq privado.

Barefoot luxury es el concepto que Banyan Tree Mayakoba le ha asignado a este concepto de diseño, en donde sus

principales características son la calidez y la lujosa forma de destacar la integración de materiales locales –como maderas tropicales y chukum, el árbol insignia de la península– que se ensamblan a la perfección con la frescura de la piedra.

Otro espacio diseñado por el despacho Sordo Madaleno es el Sand’s Club de Playa en donde la gastronomía juega un papel muy importante. Y es que la cadena de hoteles –fundada en 1994– siempre se ha caracterizado por ser una empresa responsable con el medio ambiente y su papel en el terreno gastronómico no es la excepción. Con prácticas sostenibles y de apoyo a la localidad, todos y cada uno de los restaurantes que componen cada complejo en el mundo son un claro ejemplo de lo anterior. –MLA

Fotos

cortesía

Banyan Tree

Mayakoba

Villas frente al mar | Banyan Tree Mayakoba | Sordo Madaleno Arquitectos

Haciendo énfasis a su arraigado espíritu corporativo de “abrazar al medio ambiente y empoderar a las personas”, el enfoque de sustentabilidad de Banyan Tree se centra en construir en armonía con la naturaleza y contribuir al desarrollo de la comunidad en donde se sitúan cada uno de sus hoteles.

Carretera Federal Chetumal–Puerto Juárez K 298 Riviera Maya, 77710 Playa del Carmen, Q. R. banyantree.com

Cascata

Tierra de Diseño

Listelo Cerámico para Muro

30 X 6 CM

Mist Sand

Snow Smoke

REFLEXIONES de un largo PRESENTE

“Después de estos años de trabajo con nuestros artesanos, mezclando la visión del diseño mexicano con las técnicas y materiales indios y nepalíes, decidí llevar esta fusión al siguiente nivel: utilizar tintes naturales mexicanos como la grana cochinilla para darle vida y color a la colección Reflexiones”.

–JOSÉ MARÍA BALMACEDA

Texto

MARTHA LYDIA ANAYA

Goeritz está presente en los brillos de las sedas y los dorados, y todos los demás colores de la colección están inspirados en la parte nostálgica de Barragán.

Fotos

ISRAEL PALACIOS

“BALMACEDA STUDIO nace en el momento en que decidí hacer lo que siempre quise: un trabajo en el que podía viajar, mezclar culturas, tejer y básicamente un proyecto que podía llevar mi nombre. Gracias a esto comencé a empoderarme o “vestirme de mí”, pues finalmente nadie puede ser yo, más que yo. Así fue como me senté a dibujar y decidí comenzar mi propio proyecto”, comparte el joven diseñador José María Balmaceda, quien presentó su colección: Reflexiones durante la semana del arte de Zsona Maco 2021.

“Reflexiones –platica Balmaceda– habla justo del momento en el mundo en el que sucede una pandemia, y este hecho hace que dejemos de pensar en un futuro. El futuro de repente deja de existir, y nos suspende en un largo presente donde nos vemos a nosotros mismos, y nos damos cuenta de que siempre estamos pensando en la persona en que nos queremos convertir; esa casa que queremos tener y ese trabajo donde siempre queremos estar; básicamente esas metas a las que queremos llegar. Y de repente, el mundo nos pone en un largo presente, y tenemos que entender que ya somos esa persona que quisimos ser y que debemos apreciar las cosas en el presente y reprogramarnos hacia lo que somos ahorita”.

Por eso, la colección se inspira en figuras geométricas, cortes, colores y sombras que representan los desdobles en los cuáles hemos podido reconocernos y acercarnos, más abiertos

Reflexiones le hace un tributo a México al teñir cada pieza con grana cochinilla y tomar como referencia e inspiración a Luis Barragán.

y vulnerables a crear lazos mas profundos con nosotros mismos y los demás.

“El mundo conocido se detuvo, la maquinaria frenó marcha y un extraño silencio nos acorraló. Fue momento de cerrar los ojos y sentir, de adentrarnos en nuestro interior y sin distracciones escuchar esa canción que con el ruido de las máquinas, había sido sofocada. Llegó la introspección forzada en la que fuimos obligados a salir de nuestro estado social mecánico y tuvimos que lidiar con nosotros en silencio y calma. La crisis rompió nuestras máscaras, un suceso que nos suspendió en un largo presente; nos obligó a buscar hacia dentro, a visualizar el origen. Y con el origen en la mira empezamos a atar los cabos sueltos, hallamos las piezas faltantes del rompecabezas en nuestras vida. Descubrimos la importancia de la autoexploración, de la introspección y de nuestras reflexiones”. jmbalmaceda.com

PUNTOS de encuentro ARTICULADOS

Con espacios multiusos que hablan de generar comunidad, este proyecto también es un ejemplo de la reconstrucción y replanteamiento de espacios públicos dañados por fenómenos de la naturaleza, como los huracanes.

Texto

KARLA RODRÍGUEZ

Fotos

DANE ALONSO

FUNDADO POR Jorge Arvizu, Ignacio del Río, Emmanuel Ramírez y Diego Ricalde, Estudio MMX presenta un proyecto basado en la reconstrucción y el replanteamiento de espacios públicos en Nayarit, México, gravemente afectados e incluso perdidos tras la presencia en octubre de 2018 de Willa, el huracán más fuerte registrado en la región mexicana desde el 2006.

El equipo colaborativo tuvo un acercamiento directamente con las autoridades municipales para llevar a cabo el proyecto llamado Tres Plazas Nayarit (bajo el programa de Mejoramiento Urbano en Tecuala) que, si bien se divide en tres partes, es posible apreciarlo en conjunto gracias a la homogeneidad en su diseño y construcción, para lo cual el ladrillo fue el material predilecto por ser de fabricación local y por su gran identificación de la población con él.

Primero encontramos la Plaza Monumento a la Madre que conecta dos corredores paralelos: Calle México y Calle Guanajuato que cruzan el

Las Tres Plazas Nayarit ahora son identificadas como lugares de conexión que convergen en beneficio de la población de Tecuala y sus actividades cotidianas.

poblado de un lado a otro y unen el resto de las calles con los principales espacios públicos del municipio nayarita, como escuelas, el mercado e iglesias, por lo que es considerada el corazón urbano de Tecuala. Este centro, de 2,200 m2, conserva un carácter simbólico, cívico y formal rodeado de vegetación integrada y con flujos determinados para el tránsito diario de las personas. En los espacios perimetrales y los taludes (inclinaciones del terreno) se crearon zonas de permanencia bajo sombra al mismo tiempo de que tanto la luz como la temperatura brindan equilibrio en el entorno.

Después, el Deportivo Agua Verde, en total una superficie de 4,120 m2 localizada en el pequeño poblado de Agua Verde (con 433 habitantes aproximadamente), contempla principalmente espacios multiusos bajo condiciones de luz y sombra. El proyecto, llevado por Estudio MMX en conjunto con TO y Erik Valdéz, consistió en subdividir la manzana a través de densidades

diversas de vegetación, texturas cambiantes y pavimentación. Alberga un centro sombreado y protegido por una cubierta diseñada bajo los principios de tensegridad, rodeada de espacios delimitados por cambios de nivel como: canchas de futbol, gradas, jardines infantiles e incluso un área techada para eventos de la comunidad que anteriormente solo eran territorios abandonados con graves daños estructurales.

Y Plaza Agua Verde que conforma la nueva plaza de la iglesia principal del municipio con una topografía habitable. Anteriormente el espacio religioso no contaba con una extensión frente a su puerta principal. Con la intervención total de 760 m2 se articularon el espacio abierto y la iglesia y se reconocieron ejes primordiales como el borde del poblado, andadores peatonales y vehiculares, así como la misma carretera; por lo que, de ese modo, ahora la plaza se incorpora a las dinámicas del poblado y al paisaje. mmx.com.mx

Alegría, esperanza y optimismo

La tendencia Alegra mezcla colores con texturas y materiales que hacen referencia al simbolismo de ser optimistas, del bienestar, los buenos tiempos y de no caer en el desánimo.

Banquete 034-07

YA NO SOMOS LOS MISMOS, la Covid-19 ha marcado nuestra forma de vivir con grandes consecuencias sociales y económicas; lejos de desanimarnos, esta nueva realidad ha abierto paso a oportunidades diferentes de desarrollo para todas las industrias. Y es que, como seres resilientes que somos, es un hecho que tendremos nuevas prioridades y comportamientos. Ahora más que nunca se ha vuelto inminente hacer de nuestros espacios unos verdaderos templos de protección, comodidad y adaptabilidad. “Todo ocurrirá dentro de estos espacios y tenemos que estar listos para acogerlos”, opina el diseñador gráfico y tipográfico Luis Humberto Muñoz Parcero, quien por primera vez se ha integrado a la experiencia de Comex Trends.

Muñoz Parcero platica que fue a finales del 2019 cuando el equipo de Comex lo buscó para colaborar en esta interesante y divertida dinámica de forescast. El acercamiento se dio gracias al trabajo que él ha realizado, particularmente, en el tema de arquitectura floral, puestas escenográficas y montaje de varias instalaciones efímeras multidisciplinarias que transforman espacios en experiencias.

“Mi trabajo –dice– siempre se ha caracterizado por el uso de ciertos acentos y notas importantes de color; soy diseñador gráfico y escenógrafo y sin la expresión del color no lograría comunicar todo lo que quiero transmitir. Por eso, cuando me llamaron me pareció bastante enriquecedor poder integrarme a un pool de creativos muy diverso con el objetivo de crear vanguardia en cuanto al tema del uso del color”.

“Todo parte de un primer análisis al responder una serie de preguntas muy reales y básicas como nuestro punto de vista sobre la situación de México, su economía y realidad frente al mundo. Esto nos ayuda a compartir información y a tener una visión general para luego exponer, enfocados en nuestra propia línea de trabajo. Curiosamente, cuando justo estábamos en este quehacer fue cuando estaba empezando la pandemia y sin aún conocer el impacto que ésta tendría en nuestra vida, la prospectiva que surgió en cuanto a la

Aunque el presente inmediato se anticipa desafiante, la mejor fórmula para afrontarlo será mantener un estado de ánimo inspirado en la alegría, la esperanza y el optimismo.

visualización que se tuvo para integrar la nueva paleta de color fue muy acertada”, explica el también catedrático y consultor de distintas marcas.

“Construimos –agrega– una especie de narrativa que incluía una etapa sombría y de incertidumbre (Trend 1: Sombra) para luego regresar a los orígenes, sobre todo culturales y sociales, de México (Trend 2: Milpa). Después, como parte de este retorno a lo nuestro, buscamos el toque de elementos contemporáneos, de colores naturales y expresiones curativas (Trend 3: Flora) para finalmente cerrar el ciclo con el entusiasmo y la alegría de compartir nuevas esperanzas (Trend 4: Alegra)”.

“Para mí, la tendencia Alegra se identifica mucho con las oportunidades que fuimos descubriendo y que se nos presentaron durante la etapa en que tuvimos que estar encerrados por la pandemia, cuando nuestras casas se convirtieron en ‘multiespacios’. Su paleta mezcla colores con texturas y materiales que hacen referencia al simbolismo de ser optimistas, de ver las cosas con alegría, del bienestar, los buenos tiempos y de no dejarnos caer en el desánimo. Es una paleta muy vibrante y compuesta por tonos puros, a la que de hecho se integra el color del año: Banquete, que está muy inspirado en la urbanidad, en la fiesta y el jaleo de las tradiciones mexicanas y en la conexión entre la ciudad y el campo con los colores amarillos que se descubren en detalles como los granos del maíz. La dinámica de esta paleta es generar bienestar y felicidad para crear inspiración”, remarca Muñoz Parcero haciendo énfasis en que el color, la tipografía y la forma son los tres elementos constitutivos de su trabajo. comex.com.mx

‘Alegra’ es una paleta muy vibrante y compuesta por tonos puros. Su dinámica está inspirada en el ánimo de generar bienestar y felicidad para crear inspiración. Después de estos tiempos sombríos, el optimismo y la alegría son la mejor armadura.

MI PALETA DE COLOR FAVORITA:

Talavera R1-12

Prusia C3-08

Emanuel 176-07

2021, de Comex

Organizada por pabellones temáticos, centrada en la experiencia del visitante.

Un ciclo de conferencias con reconocidos ponentes nacionales e internacionales.

Arquitectos e interioristas presentan tendencias utilizando las novedades de los expositores.

Reuniones de negocios reservadas en nuestra plataforma digital. La voz de los profesionales del sector de los acabados para la construcción.

Purismo local

Imágenes CORTESÍA DISEÑADORES

En búsqueda de piezas que hablaran de la esencia de lo local y que reflejasen la fertilidad y delicadeza de lo hecho por manos artesanas primeramente en lo textil, la inmediata referencia fue Francisco Cancino a quien conocimos cuando creó el proyecto de Yakampot. Desde aquel entonces se apreciaba la franqueza lineal con la que crea cada pieza y el cuidado extremo por el tratamiento de los textiles. Hoy, Cancino y su más reciente colección titulada: La domesticación del fuego es la afirmación de ese camino y vemos cómo su patronaje tradicional y esquemático se adereza con fruncidos, alforzas y plisados –heradados de occidente–. Sus colores neutros (blanco, negro, beige y nude), materias naturales (lana, lino, algodón y seda) y acentos en rojo cardenal, amarillo paja, verde menta, morado orquídea y naranja redfox hablan de madurez, movimiento continuo y sinuosidad.

Arte PRINCE LÁUDER

Por GRETA ARCILA

Moda La domesticación del fuego de FRANCISCO CANCINO | Rugs de rrres studio 1 El Guaje y Azalea de Christian Vivanco para Balsa | Roots de AD HOC para Ángulo Cero Biombo H de Pedro Arturo | Génesis de Abel Zavala para Ángulo Cero | Cuencos de México de Ramses Viazcan | Novecento de Rodolfo Dordoni para The Village

SINCRETISMOS DEL AYER Y HOY

La selección de las piezas para este entendimiento de local también fue inmediata y lógica. Buscamos a diseñadores industriales con un gran conocimiento por los materiales locales y a quienes, en su proceso creativo, también involucraran una relación de crecimiento compartido con maestros artesanos. Hoy en México, y más que nunca en nuestra historia, en cada espacio en donde hay diseño están manos y mentes que tienen un diálogo con los sincretismos del ayer y hoy, quienes funden sus manos con materiales a veces endémicos y crean piezas con alma de la mano de creativos que entienden el momento que les tocó vivir.

*Busca en nuestro sitio web la historia de cada una de las piezas que son parte de esta sección. glocal.mx

Explosión Cítrica

Uno de los momentos más esperados por el gremio creativo cada año es la revelación por parte de Pantone Color Institute del color del año, y para este 2021 la selección fue atípica: por primera vez en la historia seleccionaron dos colores; esta decisión nace de la necesidad de transmitir sentimientos de esperanza durante el tiempo de incertidumbre. De tal manera PANTONE Ultimate Gray representa la fuerza y credibilidad, mientras que PANTONE Illuminating es un amarillo vibrante que simboliza la felicidad y vitalidad. Así, el equipo creativo de Formica® seleccionó los tonos Fog y Chrome Yellow, y con estos exploró y creó diferentes paletas de color con el fin de brindar a los profesionales herramientas de trabajo para explorar sus materiales de manera lúdica.

Arte GLOCAL DESIGN

Por GRETA ARCILA

AMBIENTES PROPOSITIVOS

La relajada y vibrante paleta de Explosión Cítrica permite que el diseño se combine con un sentimiento vintage con mucho brillo y textura. Por su parte, Bubble Organic aporta frescura y vitalidad junto al atractivo y reconfortante diseño Felt y el brillo metálico de Polished Copper de DecoMetal®. En la imagen vemos cómo el Crome Yellow vibra al conjugarse con Algae, Bubble Organic y Fog, tonos que vemos también en los objetos que seleccionamos para crear un ambiente propositivo y lleno de vida.

8796 Algae | 4974 Green Felt | 8957 Bubble Organic | 1485 Chrome Yellow | 961 Fog Mira Side Table N°1 de Maison Dada | Tamara Pendant Lights de Pedrali | Sam Son de Konstantin Grcic para Magis | Mariolina de Enzo Mari para Magis | Big Talk de Adam Goodrum para Blå Station

DIVERTIMENTO y MOVIMIENTO

Para esta segunda página, nuevamente utilizamos la paleta Explosión Cítrica y armamos otro collage con objetos y espacios en donde los tonos y texturas son: Orange Felt, Polished Copper, Copper Stainless y Luna Brite White. Los acentos los dan las piezas naranjas y amarillas, aportando divertimento y movimiento que, acompañados con la sinuosidad y formas bold de las piezas, generan también un sentido de actualidad

408 Luna Brite White | 4973 Orange Felt | M9428 Copper Stainless | M9426 Polished Copper

MSS02REU Copper Pendant de Tom Dixon | Segnacoli Ceramic Vase de Stella Orlandino | Totem Stool de Sylvain Willenz para Sancal | WAM de Marco Zito para Bross

El interior que nos construye

Dirección de Proyecto GRETA ARCILA

Entrevistas

GRETA ARCILA, MARTHA LYDIA ANAYA y GRESSIA ARÉVALO

Textos REDACCIÓN

Fotos

TALLERES INVITADOS

Foto Lorena Darquea

Elegancia, sofisticación y obras de arte

Roy Azar, originario de Líbano y con influencia de la cultura francesa, ha logrado traducir distintos elementos del Mediterráneo en espacios fascinantes.

“POR AZARES DEL DESTINO, empecé mi carrera primero haciendo interiorismo y un poco más tarde desarrollando proyectos de arquitectura, disciplinas que he combinado muy bien y me han dado la opción de pensar, desde el primer instante, en la función que va a tener cada espacio de acuerdo con sus volúmenes y cómo es que los voy a vestir. Sin embargo, muchas veces ocurre que sólo se puede hacer arquitectura y hay alguien más que interviene para hacer los interiores o viceversa, lo que considero es una limitante para las dos disciplinas porque no existe una incursión completa desde que se crean y conciben los espacios hasta el momento de imaginarlos y ejecutarlos para lograrlos perfectamente bien terminados”, platica Azar quien ha cautivado con propuestas de carácter sofisticado en proyectos como Dôce 18 Concept House y L’Ôtel en San Miguel de Allende, Residencia Lomas en Ciudad de México y St. Regis Punta Mita, por mencionar algunos.

Desde su punto de vista, definitivamente sí hay una gran diferencia entre sólo diseñar/crear interiorismo y hacer arquitectura. “Hacer arquitectura –dice– es jugar con los espacios y con los volúmenes mientras que diseñar interiores es crear toda una historia alrededor de un espacio que ya existe y se te proporciona. Obviamente cuando se tiene las oportunidad de hacer las dos cosas es increíble; yo lo he vivido varias veces en mi carrera y es un quehacer que me llena muchísimo”.

Como parte de este proceso creativo, la tarea de selección de piezas y objetos que vestirán un espacio no es tan sencilla como parece, pues además de buen gusto y un ojo experto, se requiere de curaduría, conocimiento e incluso de lograr una empatía con quienes van a vivir esos espacios.

Retrato

Mario Martínez A.

“Mi casa es el proyecto de mis sueños, no solamente de mi formación como arquitecto e interiorista sino también de mi interés por el arte moderno y contemporáneo, lo cual me ha hecho formar una vasta colección desde hace muchos años”. –Roy Azar

“En mi caso, cuando alguien me busca para hacer un trabajo, primero trato de platicar y conocerlo para lograr un click y química entre ambos para que todo fluya. Habiendo pasado esa primera etapa, busco conocer físicamente el espacio a intervenir. Quizá ya lo haya visto a través de planos, pero las impresiones son muy distintas al pisar y mirar los espacios en tercera dimensión, eso puede cambiar completamente la visión. Y es que conocer la ubicación, la orientación de los lugares, cómo entra o salen los rayos del sol, si hay suficiente entrada de iluminación o qué tan sencillo o complejo es el espacio son algunos de los diversos elementos que –como interioristas– nos ayudan a recomponer y repensar las atmósferas y los ambientes”, explica el creativo.

“Después de esto, me siento en un lugar tranquilo. ¡Debo estar inspirado! La tarea de crear no es algo mecánico, con cada cliente es distinta y considero que sí se necesita encontrar el lugar y el momento para ‘echar a volar la imaginación’, es entonces cuando empiezas a hacer una secuencia e hilo de la distribución y composición de espacios y ambientes. A veces, los trazos de la primera propuesta son los buenos, pero –como seres creativos– siempre nos gusta seguir experimentando y pensamos en otras posibilidades, aunque por lo general terminemos regresando a los primeros trazos”, concluye Azar. royazararchitects.com

Con casi 40 años de trayectoria, Roy Azar ha forjado un estilo ecléctico, atrevido y vanguardista, con rasgos de sobriedad y una finísima curaduría de piezas.

Con su particular inquietud, Roy ha convertido su casa en ‘un lienzo en blanco’, el cual ha vestido con piezas y objetos a través de un proyecto muy abierto, simple en su estructura y distribución.

A través de una síntesis creativa compuesta por detalles en texturas y la combinación de materiales con maestría, Azar ha llevado sus proyectos a hoteles resort y residencias de lujo que resignifican lo contemporáneo.

L´Ôtel está rodeado de color y texturas deslavadas. El patio colonial es el que delimita las áreas privadas y públicas. El arte se hace presente en el diseño y creación de los espacios, contiene obras de las artistas Leigh Hyams y Marisa Boullosa. Cada habitación presenta una paleta de color distinta, haciendo contrastes de color, texturas y formas

MI PALETA DE COLOR FAVORITA

“Por su versatilidad, me gusta mucho trabajar con la paleta de color de Comex, y últimamente los colores con los que me identifico son la gama de blancos y crudos”.

La vida del espacio interior

DESPUÉS DE GRADUARSE en la carrera de arquitectura por el Tecnológico de Monterrey en 1995, el espíritu emprendedor de Edmundo Salinas lo llevó a recorrer el mundo y a conocer otros lugares, hasta que finalmente decidió regresar a México para crear su propio despacho.

Diversas pláticas previas y relativamente informales de aspiraciones e inquietudes compartidas guiaron a Salinas a encontrarse con los socios adecuados para ejecutar su capacidad como empresarios y fundar Salinas & Lasheras, un despacho de talla internacional con una solidez sostenida sobre tres pilares fundamentales: arquitectura, interiorismo y diseño gráfico.

El trabajo de Salinas & Lasheras se basa en un ‘todo’: lo ideal para ellos, es realizar arquitectura e interiorismo en el mismo espacio; algunos proyectos únicamente han estado enfocados en interiorismo y ese es el mayor reto para ellos: entender el espacio de alguien más para realizar el interiorismo de manera adecuada y óptima.

¿Cuál es la diferencia entre diseñar un proyecto totalmente de interiorismo a realizar un proyecto 100% arquitectónico? “Los proyectos de arquitectura normalmente parten de las limitantes que tiene el entorno mientras que un proyecto de interiorismo tiene limitantes más complejas porque se trabaja sobre la arquitectura que alguien más ya realizó, entonces de alguna manera depende mucho de la calidad de ese proyecto arquitectónico para que el resultado de intervención de interiorismo se resuelva con éxito”, dice Salinas.

Para él, cada proyecto que realiza lo hace con la filosofía de reinventarse, trata de no duplicar ningún proyecto para que cada uno sea único e irrepetible. “Nosotros no tenemos un estilo único, sino que vamos siempre explorando diferentes personalidades, diversas influencias y distintas necesidades por parte del cliente; entonces, hoy por hoy puedo decir que, por ejemplo, en mi espacio personal estoy empezando a hacer

Edmundo Salinas integra un equipo creativo junto con Manuel Lasheras y Mónica Salinas, quienes operan una firma multidisciplinaria enfocada al diseño arquitectónico, de interiores y gráfico, cuya meta principal es hacia la excelencia.

una remodelación total, en donde voy a cambiar completamente el estilo y estoy experimentando con diferentes cosas; me voy a adaptar a mí mismo porque yo soy mi cliente y no quiero algo igual, quiero algo renovador, nuevo e innovador. Busco siempre estar en constante evolución, con diferentes estilos y diferentes funciones”.

En este contexto, bien se sabe que la selección de los objetos y mobiliario es parte fundamental de un proyecto de interiorismo y para el despacho Salinas & Lasheras ha sido de suma importancia darse la oportunidad de conocer cada vez más marcas, más artistas y creativos que produzcan objetos o mobiliario para estar en constante descubrimiento; sin embargo, la selección que los arquitectos realizan es muy intuitiva: “es algo que se siente, que me sería muy difícil explicar porque realmente es una cuestión meramente intuitiva a través de la cual vamos tratando de encontrar la armonía de los objetos o de cómo van conviviendo al irse acomodando y formando parte de un espacio”.

Como parte de este quehacer creativo, otro de los elementos sumamente importantes para el desarrollo del interiorismo es el color, ¿a partir de qué momento y desde dónde se aborda este elemento para los proyectos? “El color es todo un tema para mí porque casi siempre forma parte importante de la solución de los proyectos que hacemos, sobre todo en interiores”. salinaslasheras.com

El objetivo del despacho es la creación de estilos de vida, haciendo partícipe a cada uno de los sentidos en una experiencia única e irrepetible

La selección de piezas y materiales que realizan los arquitectos es muy intuitiva; “es algo que se siente y que sería difícil explicar”. Es encontrar armonía de los objetos e irlos acomodando.

“Yo le tengo mucho respeto al color porque es un elemento que usamos para darle una personalidad a cada espacio, pero –insisto–se tiene que respetar mucho y seleccionar con mucho cuidado sin abusar de él”.

–Edmundo Salinas

La firma ha participado en un sinnúmero de proyectos de interiores residenciales y comerciales en las principales ciudades de México y Estados Unidos.

MI PALETA DE COLOR FAVORITA

“Cada espacio tiene su ‘alma concreta’, la cual me gusta sentir e interpretar a través de su composición en materiales y color que, por lo general, tiende a ser en una gama sobría y natural”.

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Tiza

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Partenón K5-10

Sensualidad de la arquitectura

“EN EL CONTEXTO del interiorismo casi nunca hay un diálogo con la ciudad, aunque no por ello he dejado de creer que un buen proyecto arquitectónico debe de resolver una mayor parte del interiorismo. Considero que es importante aterrizar que no se trata de un tema de egos, de profesiones o de disciplinas, sino que arquitectura e interiorismo se deben de entender como un proyecto integral”, dice el arquitecto José Carlos Lombana, fundador y director de José Lombana Arquitectos en el 2013.

conceptos e ideas nuevas. Yo trataba de absorber todo ese aprendizaje para luego aplicarlo en mi trabajo”.

José Carlos Lombana tiene un gran interés por generar una arquitectura muy personal y cercana con el cliente. Considera importante la relación con las nuevas tecnologías sin olvidar los lazos con nuestra cultura, y los grandes artesanos de nuestro país.

En su formación como arquitecto, Lombana tuvo la fortuna de trabajar con Bosco Gutiérrez Cortina, parte importante de la nueva arquitectura contemporánea mexicana, ¿de qué manera esta presente esa experiencia en su quehacer creativo? “Sin duda –responde el creativo– esta fue una época de muchísimo aprendizaje para mí, pues al mismo tiempo también estaba haciendo mi servicio social y dando tours en Casa Luis Barragán, lo que en conjunto me nutría de muchos

En este sentido y hablando de su proceso de diseño o de cómo aborda cada uno de sus proyectos, José Carlos está convencido de que más que buscar tener un estilo propio y diferenciador, su objetivo en cada proyecto se enfoca en adecuarse a las necesidades no sólo del cliente sino también de factores como el sitio, su contexto, su asoleamiento, presupuesto, vegetación etc. “De tal foma de que no sólo sea un buen proyecto hacia el interior sino de que también sea agradable a la ciudad. El objetivo es que nuestras obras se integren a la ciudad y que si pasan desapercibidas, de alguna forma, logremos que sean atemporales”, dice de manera convincente.

“Renzo Piano hablaba sobre la responsabilidad que tenemos como arquitectos al generar una obra que estará de pie por muchos años. Una mala canción o una mala pieza de arte es más

Retrato Mario Martínez A.

“El objetivo es que los proyectos preserven su carácter a través del tiempo; de ahí, que el uso del color busque la mejor integración con los espacios, con la finalidad de proveer simplicidad y belleza”. –José Carlos Lombana

fácil evadirla, en cambio un mal edifico estará ahí siempre”, agrega el arquitecto para quien la selección de objetos y materiales es algo sumamente importante en el desarrollo de sus proyectos: “Me gusta cuando los objetos cuentan historias, creo que una selección que sólo busque cierta composición o decoración es un objetivo poco corto. Al final, cada pieza nos ayuda a recordar o a imaginar, y eso es algo con mucho valor y muy poderoso como elemento de comunicación intrínseca”.

Otro elemento fundamental en interiores son las texturas, tema en el que Lombana platica que cuando visita obras de arquitectura le encanta tocar y sentir todos los acabados. “De tal forma, me inclino más por lo natural, por los materiales más expuestos, pues creo que son los acabados más verdaderos, puros y honestos. Más que materiales, nos interesa pensar en el ritmo, las secuencias, los umbrales, el juego de escalas

y proporciones que nos permitan jugar con la sensualidad arquitectónica y el ir descubriendo nuestros espacios poco a poco”.

En cuanto al uso del color, “me gusta más pensar en la luz y cómo dependiendo del material que la reciba, las sobras y las texturas irán cambiando totalmente el espacio. Intento recordar lo que hacía Luis Barragán al pintar con la luz”.

El equipo de Lombana no está cerrado a trabajar en diferentes escalas y con diferentes presupuestos. “Creemos que nos enriquece mucho más el poder diseñar casas de interés social y al mismo tiempo estar haciendo un residencial triple A; así como también buscamos diseñar en una escala macro como un plan maestro o edificios de varios departamentos y al mismo tiempo estar diseñando una silla o el detalle de nuestros proyectos de diseño de interiores”. joselombana.com

“Más que buscar un estilo propio y diferenciador, cada proyecto debe considerar al cliente y su contexto”.

“Me

gusta cuando los objetos cuentas historias”.

José Carlos Lombana

Fotos

“Una selección tanto de materiales como de paleta de color, que sólo busque cierta composición o decoración es un objetivo poco corto para lograr un buen interiorismo”. –José

Lombana

“Me inclino más por los materiales expuestos, pues creo que son los acabados más verdaderos, puros y honestos”. –José Carlos Lombana

Carlos

cortesía José Lombana Arquitectos

“Pienso que la arquitectura es el telón de fondo de todas nuestras actividades. Tenemos recuerdos del lugar donde nos enamoramos, donde nos morimos de la risa, del escenario de una buena borrachera o aquel rincón donde podemos rezar más a gusto”.

–José Carlos Lombana

MI PALETA DE COLOR FAVORITA

“El interés de nuestro despacho es generar una arquitectura personal, en la que el uso del color la considero discreta, sofisticada y en armonía con cada proyecto realizado”.

“Siempre, sin darnos cuenta, estamos rodeados de arquitectura: testigo silencioso del transcurso de la vida y de los momentos fundamentales de ésta”.

Fotos

cortesía José Lombana Arquitectos

DESDE MUY JOVEN, Mariana Rivera comenzó a trabajar en la empresa familiar de interiorismo Dupuis, convirtiéndola en la escuela, en donde ella aprendió que todo lo que se imaginara y todo lo que quisiera diseñar, se podía crear. “Creo que un proyecto no es perfecto al 100% y es un poco parte del reto y de la diversión de ser interiorista”, dice Rivera al considerar que la esencia de su quehacer creativo está en saber identificar los problemas que vayan apareciendo y resolverlos de una manera estética y funcional. Es decir, se trata de que cada problema, se convierta en una oportunidad nueva para diseñar”.

Mariana Rivera comenzó a trabajar en Dupuis desde muy joven, convirtiéndolo en su escuela, en donde ella aprendió que todo lo que te imagines y todo lo que quieras diseñar, se puede crear.

Egresada de la escuela de diseño NY Parsons, Rivera recibió la medalla de oro en la categoría residencial en la Bienal Iberoamericana de Interiorismo CIDI Diseño y Paisajismo 2015. Con una gran capacidad de adaptación al espacio, sus proyectos destacan por su paleta cromática concisa, que otorga una atención inmediata a materiales naturales como la madera, el lino o la piedra.

Para ella, “la interacción entre la artesanía mexicana y el diseño contemporáneo se fusionan en un estilo de diseño de interiores cálido y sofisticado. Sin renunciar a la calidez mexicana, esta sinergia tiende a desplazarse hacia el diseño de interiores del norte de Europa. Por eso mis proyectos convocan el claro objetivo de generar experiencias donde la sofisticación y elegancia sean sus señas de identidad; donde calidad y tradición eleven el espacio interior”. En este sentido, Rivera considera que los proyectos más ricos son en los que se unen arquitectura e interiorismo. “La arquitectura –dice– es la piel de un proyecto y todo lo que es el interiorismo son los huesos y los órganos internos; a mí me ha gustado mucho trabajar con arquitectos porque tienen una visión completamente distinta, nosotros –como interioristas– nos metemos muchísimo en el detalle y creamos como una escenografía de la vida de cada uno de los habitantes de los lugares que imaginamos; sin

Retrato

Mario Martínez A.

La interiorista considera que parte del desafío es saber identificar los problemas y resolverlos de una manera estética y funcional. Haciendo que parezcan una oportunidad para diseñar

Mariana Rivera

“Creo que un proyecto no es perfecto al 100% y es un poco la parte del reto y de la diversión de ser interiorista”. –Mariana Rivera

embargo, creo que las dos disciplinas: arquitectura e interiorismo van muy de la mano y tienen que ir en la misma línea, cuando sucede así, los proyectos terminan siendo los más interesantes, los más completos, los más divertidos y con mucha historia que contar de las personas que los van a vivir”.

En su tarea de ‘imaginar y crear historias’, Rivera conjuga diversos elementos. “Siempre que llego a una obra –cuenta la interiorista– la veo mucho como un lienzo en blanco; me fijo muchísimo en las vistas que tiene el espacio, en las entradas de luz y en todo lo que es la paleta de materiales y cromática que conforman su entorno. Para mí, todo lo que está afuera de un espacio es también parte de mi inspiración; por ejemplo, hace poco colaboré en un proyecto para casa en Valle de Bravo y todo el entorno boscoso con sus piedras, maderas y piezas las integré a la parte de

interiorismo para que los acabados hablaran el mismo idioma”.

“De igual modo me gusta muchísimo involucrarme a entender el tipo de vida y el cómo se van a habitar los espacios que voy a intervenir, ahí es donde está la esencia de cada proyecto. Luego, me apoyo mucho en los trazos de un moodboard, el cual hago siguiendo las intenciones que se le quieren dar a cada uno de los espacios. Siempre he pensado que soy como una especie de filtro con cada uno de mis clientes, con quienes busco traducir sus gustos en necesidades en espacios habitables con ciertos muebles, colores y texturas. A veces ocurre que algunos espacios necesitan de más punch y otros sólo de algunas texturas visuales para resaltarlos, siendo ahí, justo en esa parte que mi labor y quehacer creativo se pondera”, concluye Rivera.

@marianarivera.s

Un buen diseño sumado a una paleta de color sobria y elegante contribuye a generar un sentido de pertenencia.

Fotos

cortesía Mariana Rivera

“Mi estilo cálido se basa en el uso de tonalidades neutras, imponiendo formas y líneas limpias”. –Mariana Rivera

MI PALETA DE COLOR FAVORITA

“La luz y el color son imprescindibles, ya que a través de estos dos elementos se transmiten todas las emociones e intenciones de diseño. En lo personal, me inclino hacia los tonos neutros”.

Mariana Rivera ha conceptualizado y diseñado casas, hoteles y restaurantes como Blanco Bistro, Carolo Palmas, Carolo Monterrey, Brick Hotel y los showrooms Dupuis Monterrey y High Point North Carolina.

Daiquirí E2-02

Dikkens I4-07

Búfalo F5-13

El balance como premisa

“MI CARRERA PROFESIONAL me ha dado la oportunidad de participar en proyectos de distintas escalas y usos, y aún intento abordar cada reto desde un enfoque único no desde una idea preconcebida sino por la creencia en la primacía del usuario y una intensa comunicación con los clientes”, platica David Dana, fundador y director de Taller David Dana/TDDA, un despacho de arquitectura, diseño y construcción que se ha enfocado en diferentes escalas y ha desarrollado proyectos de diversos tamaños. “En estos últimos años –agrega Dana– nos hemos envuelto cada vez más en proyectos de interiorismo con distintos programas y necesidades de los clientes”.

“Después de esto –continúa–, definimos una paleta de materiales y acabados que, generalmente cuando trabajo con los arquitectos del taller, les pido esté centrada en el balance como premisa fundamental. Tomando ese punto como arranque principal, tratamos de comprender el proyecto y desglosarlo conforme sus distintos encuadres y posibilidades. Si, por ejemplo, es un departamento que le entra muy bonita luz o es muy oscuro, o si es muy cálido o frío, son temas que busco entender muy bien. Una vez que entendemos cómo funciona la temperatura y los asolamientos, me voy al siguiente paso que es conocer el estilo que quiere abordar el cliente”.

David Dana, ha participado en proyectos de distintas escalas y uso, abordando cada reto no desde una idea preconcebida sino por la creencia en la primacía del usuario y una colaboración entre clientes y contratistas.

“Cuando abordamos interiorismo, lo primero que hacemos es comprender la relación del interior con el exterior a través de elementos básicos como el clima o la iluminación, de igual forma tratamos de entender mucho al cliente en función de sus necesidades y del proyecto en sí mismo”, dice el arquitecto.

En opinión del arquitecto, “a pesar de que la gente ya nos identifica y nos dice que es muy fácil identificar nuestros proyectos, hemos trabajado con gente que vive en Nueva York, con adultos de la tercera edad y hasta con parejas de chavos que apenas se van a casar, todos con ideas completamente distintas y a quienes hemos

Retrato Mario Martínez A.

Los proyectos de Taller David Dana fusionan la arquitectura tradicional mexicana con acentos contemporáneos, lo que supone un cuidadoso uso del color de acuerdo con el balance de cada propuesta.

entendido en sus necesidades y búsquedas para guiarlos y llevarles una solución de interiorismo que les guste”.

Como parte del quehacer de encontrar una solución adecuada para cada cliente, el equipo de TDDA se encarga de desarrollar una paleta de materiales y acabados “Cuando la ponemos sobre la mesa, de primer impacto siempre van a destacar los acabados primarios que son los más predominantes, luego tenemos acabados secundarios y terciarios que pueden englobar una lista de hasta 15 materiales adicionales que hay que saber cómo utilizar. En este sentido, me refiero a metales o telas, con los que empezamos a generar una correlación”.

Dana considera que uno de los problemas principales que aún nota en los arquitectos es que todavía no tienen ese ojo clínico y todavía les falta el criterio para generar una correlación de acabados y materiales que vaya en sinergia con los espacios. “De repente –enfatiza– sobre-

cargan y se salen completamente de balance en su propuesta; por ejemplo, crean espacios en los que destaca una celosía que tiene una intención de geometrías y al costado ponen un lambrín, que a mi parecer genera un choque entre materiales y en balance. Por eso, nuestro procedimiento es muy simple, siempre procurando la parte del equilibrio”.

“Para esta tarea, lo primero que hago es pedirle al cliente que me aviente una lluvia de ideas; hay quienes sí tienen una directriz congruente y, por el contrario, también hay quienes te mandan una ensalada de muchas cosas. Nuestra responsabilidad –como interioristas– es ayudarlos en los casos que no hay una directriz clara y ver qué les hace más sentido, a que le quieren dar prioridad y, a raíz de eso, crear un lenguaje que vaya en concordancia. A veces, incluso ponemos proyectos ya desarrollados como referencia para desmenuzar la gama de materiales”.

tallerdaviddana.com

“Cuando abordamos interiorismo, lo primero que hacemos es comprender la relación entre elementos básicos como color, clima o iluminación”. –David Dana

La premisa fundamental del equipo de

es enfocarse en proyectos con balance, para de ahí desarrollar un concepto integral.

Taller David Dana

Armonía entre paleta de colores, materiales y texturas es clave para lograr un interiorismo cálido.

Metales, telas, geometrías, volumetrías y paleta de color son algunos de los elementos arquitectónicos indispensables que se deben tomar en cuenta al momento de plantear una propuesta integral de interiorismo.

MI PALETA DE COLOR FAVORITA

“Los proyectos que desarrollamos nacen de un detallado entendimiento de las necesidades y funciones que deben cumplir; busco que los colores expresen una sensación de naturalidad”.

El color como herramienta poderosa

KENYA RODRÍGUEZ es cofundadora del estudio de arquitectura interior MUMO desde hace aproximadamente 18 años; asimismo, la arquitecta Rodriguez y tres socias más lanzaron una feria de diseño desde hace 4 años que se llama ‘Campamento’, el cual consiste en llevar a cabo una feria de diseño mexicana que busca ser un espacio de encuentro entre profesionales, estudiantes, instituciones y nuevos públicos, promoviendo la importancia del diseño como agente cultural, económico y de transformación social.

ella y quien es su familia. Su casa está construida con base en la arquitectura moderna de los años treinta de Guadalajara, Jalisco: acogedora, atemporal y con una mezcla entre diseño clásico y moderno.

Kenya Rodríguez, arquitecta egresada del ITESO, es fundadora de MUMO hace poco más de 12 años en la ciudad de Guadalajara. A lo largo de su trayectoria ha formando una red de artistas, artesanos y creadores cuya obra logra generar distinción en los espacios que decoran.

La arquitecta Kenya Rodríguez menciona que, para ella, la arquitectura es la base de la concepción de los espacios, y el diseño de interiores, es detallar a profundidad cada espacio. El diseño interior lo define como el vínculo entre la arquitectura y la persona que habitará ese espacio.

Los arquitectos expertos en la materia de interiorismo muestran una fuerte radiografía de quienes son ellos como seres humanos, el espacio que habita Rodríguez habla de quien es

Kenya se describe como una persona que siempre mantiene los ojos abiertos para alcanzar a percibir aquellos objetos, clásicos, modernos y novedosos para vestir el interior de su hogar, sin embargo, el factor principal para que seleccione un objeto, es que este cuente una historia que hable de las personas que las diseñaron.

El color y la ausencia de color son determinantes en el espíritu del espacio, por ello, la arquitecta considera importante dentro de todos sus proyectos que en cada uno de los espacios siempre haya un color o una textura que enfatice ese espíritu interior, así como también, que logren interactuar con la luz natural de las casas. El color es un elemento muy poderoso y sencillo que transformará el estado de ánimo de los

Retrato

Ana Paula Orozco

La comunión entre diseño industrial y arquitectura es la tarea esencial de los interioristas para crear puentes y proponer escenarios de vida.

Fotos

Lorena Darquea

“Los colores modifican tu estado de ánimo y enfatizan emociones, por eso considero que el color es un elemento muy poderoso.”

habitantes, sin embargo, la arquitecta lo trata con mucho respeto y pudor.

Sin duda, las texturas son otro elemento importante para el desarrollo de los proyectos interiores de Kenya, por ello, aplica en la mayoría de sus obras una serie de texturas selectas que puedan convivir con el ambiente para dar armonía y reflejar el carácter de cada uno de los espacios.

Hablar de la industria creativa en México no sólo se refleja en la arquitectura e interiorismo, sino también en la gastronomía, moda, pintura, diseño, entre muchos otros, por ello, Kenya considera que México se encuentra en un momento clave para aprovechar y maximizar al gremio creativo.

Todos los conocimientos intelectuales que actualmente los creativos mexicanos tienen, sumado al rescate e integración de la artesanía y

oficios tradicionales, están haciendo una mezcla muy poderosa en los talentos mexicanos.

Kenya cuenta con una interminable lista de artistas y galeristas aliados, sin embargo, para pertenecer a esa lista, los creativos deben de tener un compromiso para con su obra, es decir, que cada artista exprese un objetivo claro con su obra, que vaya más allá de solo ‘decorar’.

Kenya Rodríguez ha formado una red de artistas, artesanos y creadores, tanto nacionales como internacional a lo largo de su trayectoria, por ello, las obras del estudio MUMO han logrado diferenciarse y generar una distinción en cada uno de los espacios que han realizado. Asimismo, enaltecen y reconocen que las relaciones con sus clientes son primordiales durante el proceso creativo, ya que son ellos quienes habitarán ese espacio.

mumo.com.mx

Fotos

Lorena Darquea

“En ocasiones los proyectos que surgen con tiempos limitados y en los que el cliente otorga ‘carta blanca’ para su ejecución, son los que representan el mayor reto y al mismo tiempo, la mayor satisfacción”. –Kenya Rodríguez

“Cuando estudiaba la carrera me daba pudor poner colores en los espacios, ahora y después de años de experiencia, trato de que casi todos los espacios tengan un color.”

“Los espacios más bonitos son los que no están sobre diseñados, en los que no se nota que hubo un interiorista, los que no son temáticos”. –Kenya Rodríguez

MI PALETA DE COLOR FAVORITA

“Un consejo infalible que comparto con nuestros clientes es atreverse y arriesgarse con los colores y accesorios atípicos, no les van a cansar porque no los van a ver todo el tiempo”.

Fotos

Lorena Darquea

Personalidad y carácter en el diseño

FUE EN EL 2016 cuando Jack Sulkin y Gabriel Askenazi sumaron su talento para crear Sulkin Askenazi, un estudio de arquitectura y diseño –con sede en la Ciudad de México– concebido por la pasión y el compromiso por mejorar el entorno a través de diseños frescos y atemporales que transforman las experiencias sensoriales del usuario.

zoom out hacia los interiores para luego explorar el cascarón, pero a final de cuentas todo cae dentro de un mismo lenguaje de diseño”, explica el arquitecto Jack Sulkin haciendo hincapié en que junto con su colega y amigo, Gabriel Askenazi, no dudan en tomar todos los retos que se presenten en su camino.

Jack Sulkin y Gabriel Askenazi, socios fundadores de Sulkin Askenazi en el 2016, se describen a sí mismos como unos apasionados por el diseño. Para ellos, cada proyecto debe tener un carácter propio y guiarse por un hilo conductor que transmita una cierta sinergia.

Ahora, los dos jóvenes emprendedores son reconocidos junto con su equipo de trabajo como un taller de arquitectura obsesionado con el diseño, la calidad espacial y el compromiso con la calidad de vida y la arquitectura mexicana, dando forma a una nueva y fresca propuesta de diseño integral en México.

Para ellos, la arquitectura e interiorismo son disciplinas que se enmarcan dentro del concepto del diseño. “Todo sigue siendo parte de lo mismo y cae bajo la misma capa del diseño; de repente puedes centrarte en temas sólo de detalles, acabados, cubiertas o textiles, e irte haciendo un

“De hecho –dice Askenazi– hemos estado involucrados en proyectos de todas las escalas; nos encantan los proyectos desde el más pequeño en donde puedas hacer algo espectacular hasta aquellos en los que simplemente permites que la imaginación y la creatividad hagan su trabajo. Hemos ejecutado desde una habitación, una cocina e intervenciones con temas artísticos hasta restaurantes, escuelas y edificios corporativos y residenciales. Todo se resume en que nos apasiona el diseño y ese ‘gusto por hacer’ sobrepasa si se trata de proyectos grandes o chicos”.

Haciendo memoria, Gabriel comparte que los inicios del despacho se remontan a varios pro-

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Mario Martínez A.

“Nos gusta mucho el tema de desarrollar conceptos con personalidad; que entres a un espacio y que éste haga click con lo que estás sintiendo, con lo que estás viviendo, que tenga una cierta armonía”.

–Jack Sulkin y Gabriel Askenazi

yectos de interiorismo residencial, con los cuales fueron creciendo hasta lograr un alcance mayor y realizar proyectos de gran rango en urbanidad, uso y escala.

“Nuestro primer proyecto fue un departamento en la Ciudad de México para una pareja de recién casados; realmente empezamos haciendo remodelaciones parciales de las áreas semi-públicas de espacios pequeños hasta que poco a poco nos fuimos haciendo de clientes que necesitaban proyectos de mayor escala. Hoy en día tenemos la fortuna de tomar proyectos completos, desde el desarrollo de la parte conceptual hasta la ejecución e incluso hasta el diseño de mobiliario”, dice Askenazi.

“Al principio sólo éramos Gabriel y yo; dibujando, cotizando, yendo a obra, cada quien desde su casa y sin una estructura real como empresa. Hoy contamos con un equipo sólido que nos apoya en la realización tanto de proyectos nacionales como internacionales. Somos la cabeza del taller

Sulkin Askenazi, pero estamos respaldados por gente que está en la oficina dándole al diseño y acomodando hasta el último artículo decorativo en los libreros de cada uno de nuestros proyectos”, enfatiza Jack.

Los dos arquitectos coinciden en describir su proceso creativo como ‘largo y divertido’. “Nos encanta estudiar a los clientes; esa es una parte importante del despacho porque lo primero que hacemos es conocer a nuestros usuarios, sentirnos identificados con ellos con la idea de desmenuzarlos desde lo más genérico hasta lo más particular con el objetivo de desarrollar una propuesta sólida. Por eso, considero que cada proyecto que hacemos se identifica por su carácter, por su personalidad propia, por ser diferente y único”, dice con entusiasmo Gabriel.

“Lo siguiente que presentamos –agrega Jack– es un tablero de imágenes que sirven como inspiración para el concepto”. sulkinaskenazi.com

“El tema de texturas es un personaje muy importante para nosotros; intentamos generar una armonía entre texturas con el objetivo de ver cómo dialogan los materiales uno con otro y encontrar un balance visual armónico para el usuario”.

“Creemos en los espacios con conexión y personalidad. Para nosotros, el concepto es lo que va a marcar el carácter de cada proyecto”.

–Jack Sulkin y Gabriel Askenazi

La pasión y obsesión por el diseño, la calidad espacial y el compromiso con la calidad de vida y la arquitectura es lo que ha dado forma al taller Sulkin Askenazi, una nueva y fresca propuesta de diseño integral en México.

“Claramente todos nuestros proyectos tienen el sello, la esencia y las vibras de lo que es Sulkin Askenazi, aunque sí es notorio que son distintos unos de otros”. –Jack Sulkin y Gabriel Askenazi

*Ve y escucha toda la conversación con los arquitectos en nuestro canal de YouTube, Instagram y Facebook. @glocal_design GlocalDesignMagazine glocaldesign

“Nosotros usamos el

color

con mucho cuidado;

generalmente nuestros proyectos son en escalas de grises y tonos madera, y de pronto tienen como ‘una chispa de color’ que se repite a lo largo de todo el proyecto como un mismo hilo conductor de diseño”.

“Por

NUESTRA PALETA DE COLOR FAVORITA

lo general, nos movemos entre los colores neutros y claros para dar luz y contraste a los espacios. A veces, predomina el negro con uno que otro acento de color”.

Instinto 272-03

Viuda Negra 316-07 Grava L5-12

El carácter está en los detalles

“La escala no dicta la complejidad de un proyecto, la finalidad es ir respondiendo a las necesidades tanto del uso como del espacio en sí mismo. Es el lugar el que te va pidiendo su propia escala, hay que ser proporcional con el sitio. Lo que cambia es la escala de los objetos y las configuraciones espaciales.”

–OFELIA URIBE & ERICA KRAYER

Entrevista

MARTHA LYDIA ANAYA

Retrato

MARIO MARTÍNEZ A.

“Nos gusta mucho rescatar artesanía, tratamos de localizar las mejores piezas y presentarlas de forma distinta.

Enmarcamos las piezas resaltando su valor artístico y expresivo, hasta lograr que se lean como objetos de arte”.

–URIBE & KRAYER

HACE MUCHOS AÑOS, Ofelia Uribe y Erica Krayer se conocieron en el despacho de Ricardo Legorreta cuando ambas trabajaban ahí; quizá nunca imaginaron que esa época sería el inicio de una gran amistad e historia de camadería que hoy ha madurado y se ha convertido en un proyecto de vida que las llena en lo personal y profesional.

“Estudié arquitectura en la Universidad Iberoamericana; de inicio un poco a ciegas, pero al final se fue convirtiendo en una carrera que me apasionó y me fue ganando”, comienza platicando Ofelia Uribe sobre la manera en que se acercó a la disciplina de diseñar y construir edificios. “En realidad, estás muy joven cuando decides tu carrera –reflexiona–. Después, en el despacho de Legorreta, ya casi a punto de terminar la licenciatura, empecé a trabajar un poco en el área

de interiores. En aquel entonces me tocó trabajar en el proyecto de una casa antigua, muy bonita y con mucho detalle en el barrio de San Ángel en la Ciudad de México. Desde ese momento me empezaron a gustar mucho los interiores. Erica también estaba trabajando en ese proyecto y, por azares del destino, comenzamos a colaborar juntas; desde el principio nos reíamos y divertíamos muchísimo trabajando juntas, nos llevábamos súper bien y desde entonces nos hicimos muy buenas amigas y hoy, aquí estamos: juntas como colegas, socias, empresarias y emprendedoras”. “Después de haber trabajado en el despacho de Ricardo Legorreta –retoma y continúa relatando Erica Krayer–, cada quien fue agarrando su camino. Yo me salí una temporada del despacho porque nació mi hija, aunque seguí trabajando

Casa Valle crea un balance entre lo natural del exterior y los materiales del interior, además de respetar su arquitectura en acero, concreto enduelado y muros de piedra caliza.

El interiorismo de Zadún, a Ritz-Carlton Reserve consta de materiales naturales sumado a objetos de diseñadores y artesanos mexicanos que, en conjunto, reflejan un diseño contemporáneo limpio, sofisticado y sencillo que se integra a la arquitectura

Fotos cortesía

Uribe & Krayer

El uso de telas en muros y madera en pisos sumado a una paleta de colores

por fuera. Ocurrió que Ofelia también se desconectó un rato del taller e hizo otros proyectos suyos. Luego de unos años, ya cuando mis hijos estaban un poquito más grandes, me hablaron para proponerme la realización de algunos proyectos y desarrollar diversas cosas. Yo no podía llevarlos sola por completo sobre todo porque mis hijos aún eran muy pequeños; fue entonces que se me ocurrió hablarle a Ofelia porque siempre nos llevamos muy bien y además de muy talentosa, es una súper arquitecta. Había una sinergia muy especial desde que trabajamos juntas con Legorreta. Como ella dice, nos reíamos todo el día y siempre fue muy divertido colaborar en conjunto. A raíz de que llevamos esos proyectos, empezamos a desarrollar uno y otro y así sucesivamente. Comenzamos trabajando en la sala de mi casa, después invadiendo el comedor y luego rodeadas del bambineto, la andadera y nuestros hijos. Finalmente y después de un tiempo dedicimos montar un mini-despacho y de ahí en adelante hemos ido creciendo y contratando a más gente para fortalecer el equipo. Así la historia desde 1999”.

“En estos momentos –agrega Uribe– somos unas 25 personas en el despacho. Llevamos como unos cinco años siendo entre 22 y 25 integrantes del taller, todos arquitectos o con alguna experiencia en áreas de administración, pues además

de diseñar y ejecutar nuestros proyectos también hacemos compras de todo lo que el proyecto en sí mismo requiere. De ahí que contemos con un área de compras muy importante. Afortunadamente, hemos ido creciendo y consolidándonos con el paso del tiempo; no ha sido fácil, pues mantener el equilibrio entre tener grandes y buenos proyectos y no crecer demasiado, es complicado, pero hemos tratado de mantener una buena fórmula para seguir teniendo proyectos interesantes sin perdernos en el intento”.

Erica refuerza estos comentarios al hacer énfasis en que han crecido no solamente en números, sino también en la creación de sistemas de trabajo. “Poco a poco, hemos ido desarrollando esquemas y dinámicas diversas; ha sido un poco de ‘prueba y error’, de cómo podemos mejorar ciertos procesos, incluidas la parte administrativa, el manejo del dinero y las compras, y de cómo mantener toda la información súper clara. Todo el despacho es como un engranaje”.

“Algo que hacemos es que siempre hay un gerente de proyecto, además de que una de nosotras se encarga de llevar la comunicación directa y personal con el cliente y la dirección del proyecto en sí mismo. El gerente nos ayuda y, dependiendo del tamaño del proyecto y de la ejecución de la obra, muchas veces ocurre que más personas se van sumando para apoyar el

en Casa M hace que el espacio sea más cálido y que cada rincón tenga su propio carácter y personalidad.

Foto

cortesía

Uribe & Krayer

neutros

Twin Dolphins Club tuvo retos únicos, ya que pedía integrar muebles ligeros para (en caso de huracanes) se pudieran quitar de manera fácil y rápida sin perder porte y elegancia, lo que fue una directriz que se llevó a fondo tanto en el diseño como en la elección de materiales, acabados y arte.

Foto Michael Calderwood

El esquema de colores en Casa Portafortuna va en la gama de blancos, gris claro y toques de azul que inspiran tranquilidad, dejando que los tonos de la naturaleza se conviertan en los protagonistas.

quehacer de ese gerente. Una de esas ‘pruebas y errores’ por las que hemos pasado fue que teníamos a alguien específicamente de compras para todos los proyectos y, al final, nos dimos cuenta de que es mejor que el gerente del proyecto esté de principio a fin haciendose cargo de esa parte, en lugar de pasarlo a otro departamento; así, el detalle nunca se pierde”, enfatiza Ofelia para quien la intención del detalle es un elemento clave en su quehacer creativo.

Para ella, “estar pendiente de hasta cómo se va a poner un florero y qué flores se le van a colocar y/o que si en algún rincón en particular va una velita y de qué color será, o de cuál será el lenguaje del arte en los espacios; todos son detalles que nos gusta supervisar. Eso nos ha funcionado muy bien. Y es que durante algún tiempo tuvimos gerentes de compras y, al final, decidimos que era mejor tener un centro de administración que llevara todos los proyectos en la cuestión financie-

ra, pero que un gerente se encargara del proyecto desde lo conceptual hasta la entrega de la obra y en comunicación con nosotras. Creemos que esta parte ha sido muy importante para el despacho, pues nos permite involucrarnos mucho más con cada uno de los proyectos. Nunca se pierde la información cuando es una sola persona la cabeza del proyecto de principio a fin”.

DE CASAS DE PLAYA A GRANDES HOTELES

¿Cómo ha sido la línea del tiempo en el desarrollo y ejecución de sus proyectos? “Los primeros proyectos a los que nos invitó el arquitecto Diego Villaseñor eran medio compartidos con el arquitecto Ricardo Legorreta –cuenta Ofelia–. Estos despachos han sido una constante en nuestra historia y aunque hemos trabajado con muchos más arquitectos, los primeros proyectos que hicimos con el arquitecto Villaseñor nos

permitieron aprender muchísimo. La mayor parte de éstos eran en playa y gracias a ello tuvimos la oportunidad de experimentar y conocer muchísimo de cómo funcionan ciertos materiales en la playa. Considero que este aprendizaje ha sido un parteaguas relevante en nuestra historia juntas, ya que nuestros primeros proyectos realizados fueron casas en Ixtapa, Acapulco, de palapas muy de la arquitectura del arquitecto Villaseñor. Aprendimos mucho de vivir en la playa y de cómo convivir con materiales que no te compliquen la vida: usar mucha madera, tejidos, no usar ciertos metales, a tener mucho cuidado con ciertas telas. Esa fue como nuestra primera etapa: la ejecución de casas grandes”.

Como parte de esta etapa, las arquitectas comparten que hubo proyectos muy interesantes que les tocó ejecutar, como uno que hicieron en Punta Mita que se llama Panosola. “Para mí –dice Ofelia– ese fue uno de los más importantes

Foto

cortesía

Uribe & Krayer

“Tenemos

cierta inclinación por espacios

cálidos y acogedores; usamos muchos materiales naturales e integramos arte”.

porque después de tener a mis hijos fue con el que regresé al despacho después de dos años de ausencia. Era un cliente súper exigente y para quien diseñamos hasta el color del shampoo, la crema, la forma de sus botellitas de agua, el logotipo de la casa, las toallas y sábanas y hasta nos encargamos de la organización de la cena de inauguración de la casa. Fue el primer proyecto que hicimos en Punta Mita y a partir de ahí hemos tenido muchos más en la zona”.

rectas. Hasta para los baños tuvimos que hacer lavabos curvos. Fue interesante la forma en la que nos adaptamos para ejecutarlo”.

Villa Four Seasons cuenta con una rica variedad de acabados, texturas y tejidos que le dan una atmósfera de ligereza y frescura, acentuando sus vistas espectaculares al Océano Pacífico y a uno de los campos de golf más emblemáticos de este desarrollo turístico.

“Ese proyecto –agrega Erica– fue el primero que nos contrató el cliente directamente, no fue a través del arquitecto. Entonces ahí volamos solas un poco más, gracias a que tuvimos una mayor libertad en el sentido de creatividad. Era una casa muy especial, en la que muchos de los espacios eran redondos u ovalados, no había paredes

Ofelia rememora que esa casa ha sido uno de sus retos más grandes sobre todo porque ya estaban solas y el cliente exigía un detalle en el diseño muy particular. “A la fecha –dice– es un cliente que se ha convertido en muy recurrente porque cualquier cosa que cambia en su casa, nos vuelve a hablar, así sea para un: ‘oye, quiero cambiar las jaboneras ¿cuáles me recomiendas?’ Es un cliente que hemos tenido durante 20 años y de quien hemos aprendido mucho”.

Algo relevante –según platican las arquitectas– fue que se trató de su primer cliente internacional. Otro fue una casa en Grecia a la que las invitó a colaborar el arquitecto Legorreta.

Fotos Michael Calderwood

Para lograr que el diseño de interiores de Careyes fuera contemporáneo, fresco y sofisticado se utilizaron colores neutros con acentos en accesorios y arte, un elemento clave en el espacio.

“Estamos juntas desde hace muchos años, hemos podido ver y experimentar un progreso gradual. Empezamos

en las salas y comedores de nuestras casas. Todos los procesos y resultados se han ido refinando con el tiempo”.

El arte en los diseños de Ofelia y Erica es imprescindible, ya que compone una estética en donde todas las disciplinas creativas toman lugar, materializándose como una respuesta a cada cliente.

Cada espacio de Casa La Cruz está en armonía con la arquitectura de Legorreta, aunque se distingue por un lenguaje en íntima relación con la naturaleza.

“Nos llamó y nos dijo: tengo un proyecto ¿le quieren entrar? Sólo ocurre que tendrían que viajar a Londres y a Grecia. Obviamente aceptamos de inmediato y, al final, fue una experiencia muy bonita, primero porque trabajamos nuevamente con el arquitecto Legorreta y segundo porque colaboramos con un equipo internacional compuesto por diseñadores e interioristas muy famosos y reconocidos en temas de interiorismo.

Otro parteaguas en la historia de Uribe & Krayer han sido los hoteles. “Llevamos siete años con un proyecto de Four Seasons en Tamarindo, todavía no decimos su nombre, pero ya se encuentra en la última etapa. Mientras, en el intermedio de éste, hemos hecho varios hoteles más como uno en Los Cabos, la remodelación de las habitaciones del Four Seasons en Punta Mita y la restauración de algunas haciendas en Yucatán. Habíamos hecho hoteles, pero no tan grandes, entonces este fue un paso más para el equipo que incluso también nos permitió crecer en número”.

En su opinión, el tema de los hoteles ha sido una enseñanza y aprendizaje similares a los de una maestría. “Ha sido entender todo lo que tiene que ver con contract y, al mismo tiempo, romper un poco con los paradigmas de la parte interna-

cional y proponer a proveedores y diseñadores mexicanos. Hemos tratado de usar cosas que quizá los hoteleros no acostumbraban; también hemos querido integrar detalles diferentes, más residenciales y más locales como el arte y las artesanías, lo que ha signifcado romper con ciertos estereotipos en el interiorismo de los hoteles tradicionales. Al principio nos ha costado trabajo convencer a los hoteleros de atreverse a experimentar, pero al final el resultado habla y transmite un mensaje por sí solo al ser lo que distingue al proyecto”. En este sentido, ¿ha habido algún proyecto que sea su favorito? “Ha habido muchos –responde Erica casi de inmediato–. En particular, en el que estamos trabajando en estos momentos: una casa en Valle de Bravo dentro de una reserva ecológica, cuya obra se caracteriza por ser totalmente sustentable (la cual –dicho sea de paso– ha servido como una locación maravillosa para la realización de este artículo de portada y de edición de video para Glocal Design). uribekrayer.com

*Revive la entrevista completa en nuestro canal de YouTube.

GlocalDesignMagazine

La intención de remodelación de Casa La Cruz fue revivir espacios con muebles y acentos contemporáneos que dialogaran con la arquitectura de Legorreta, lo que motivó la mezcla de materiales y texturas.

Alianzas que dan frutos: Uribe & Krayer y Koon Artesanos.

LA MAGIA de un diseño increíble

Para un diseñador, interiorista o arquitecto, elegir a los proveedores y aliados correctos es de las decisiones más importantes para culminar un proyecto con éxito.

La confianza y el vínculo estrecho con colegas y colaboradores es una de las claves para obtener la excelencia en nuestros diseños. Así es como comienza la sinergia entre el despacho de interiorismo Uribe Krayer y la marca de diseño de proyectos Koon Artesanos, una alianza que ha fructificado en el tiempo con proyectos exitosamente ejecutados.

Cuando diseñadores, creativos y artesanos suman su talento y aportan su expertise, el resultado se traduce en el desarrollo de piezas únicas, basadas en la inspiración, dedicación y compromiso, demostrando la gran pasión que depositan en su trabajo.

Su objetivo en común es transformar ambientes sutiles y armónicos, utilizando desde pequeños elementos de interiorismo hasta la ambientación

del espacio, resaltando la calidad y la excelencia del trabajo hecho en México 100% a mano.

Hablar de Koon Artesanos es sinónimo de exigencia, calidad, dedicación, amor por México y de expresar con el alma lo que se fabrica con el corazón. Con 20 años de experiencia, Koon Artesanos es una marca mexicana reconocida por diseñar y desarrollar proyectos, escuchando y resolviendo los sueños e ideas que cada cliente propone.

Conoce lo que hay detrás de Koon Artesanos y de cada proyecto que desarrollan, contando historias, sumando esfuerzos y conservando una calidad impecable que refleja lo bien hecho en México. koonartesanos.com

Sencillez y versatilidad en el uso de materiales

Entrevistas y Textos

MARTHA LYDIA ANAYA y KARLA RODRÍGUEZ

La experiencia 10 años atrás fue tan enriquecedora para Javier Marín, que actualmente asegura que lo de menos a esta altura de su trayectoria es si trabaja o no dentro de Plantel Matilde, ahora sabe que lo importante de esto fue el proceso de conseguirlo y construirlo.

De

la firmeza

a LA CONTEMPLACIÓN

PLANTEL MATILDE | JAVIER MARÍN

A 45 minutos de la ciudad de Mérida, en un terreno de 400,000 metros cuadrados –anteriormente un plantío henequenero– existe un punto de encuentro de ideas y residencia de mentes libres, cuyo trazado arquitectónico se edificó inspirado en los claustros virreinales.

Gloria. Cortesía del Archivo Fotográfico del Estudio de Javier Marín

Fotos Verónica

EN BUSCA de un lugar tranquilo dedicado a la contemplación y la inspiración, el artista visual mexicano Javier Marín se encontró hace 10 años atrás con una gran oportunidad en la región de Acanceh en Mérida, Yucatán, México. Tiempo después éste se convertiría en su primer proyecto arquitectónico llevado a cabo desde cero luego de convivir durante la mayor parte de su vida rodeado de restiradores, escalímetros y maquetas por la labor de su padre arquitecto.

Plantel Matilde es el nombre de éste, cuyo origen viene de ser un terreno antiguo henequenero. Yucatán, al ser la región principal en esta agroindustria, dividía las áreas de cultivo en fragmentos que denominaban Planteles, y cada uno de ellos tenía un nombre específico, en su mayoría haciendo alusión a santos y personas. “Desde el día que compré el terreno me gustó su nombre y decidí conservarlo para el proyecto”, confirma entusiasmado el artista.

La inquietud que tenía Javier de realizar un proyecto arquitectónico se vio materializada con ello. Decidió darle un sentido de construcción muy simple, sin tantos acabados por el mantenimiento que éstos suelen requerir para su conservación. Esto, sumado a las exigencias del proyecto, a los tiempos reducidos para su edificación a una especie de claustro y el poco acceso a

la mano de obra de calidad en la región lo llevó a trabajar de lleno con el concreto prefabricado.

Este material es de gran gusto para el mexicano, “es honesto, aparente, estructural, con una vida útil y larga, muy definitivo, no disfraza nada, es tal cual es”, describe. La experiencia en este sitio de reencuentro con uno mismo y de incitación al arte se vive en una planta cuadrangular de 70 metros de lado, cuyos grandes muros de una altura de 12 metros de piso a techo acogen las esculturas de gran escala de la autoría de Javier y envuelven mágicamente a los asistentes con majestuosa grandeza.

Si bien el concreto es el material que caracteriza a Plantel Matilde, es importante dar lugar a otro elemento que se fusiona a él, es el caso del agua. A manera de espejos, este recinto se ve avivado a través de la intención estética, pero también funcional, dentro de éste, pues resultan ser piezas claves para regular las altas temperaturas de la región. Es quizá el agua la que le brinda a la construcción un equilibrio en peso. El concreto, por su parte, es un material sólido, fuerte y de gran cuerpo, y el agua, por su lado, transciende del exterior al interior ofreciendo ligereza y fluidez. javiermarin.com.mx fundacionjaviermarin.mx

Este recinto de estructura firme y ligera, a la vez, es el punto de encuentro de ideas y residencias de mentes libres, y tiene como objetivo dar rienda suelta a la creatividad mediante el apoyo al trayecto y la práctica de diversas disciplinas artísticas.

Gloria. Cortesía del Archivo Fotográfico del Estudio de Javier Marín

Verónica

Fotos

El proyecto despertó mucho interés en su momento, quizá por ser el resultado de una perspectiva de un escultor que busca y obtiene la oportunidad de hacer arquitectura; una visión que resalta el enfoque de un artista con mente absolutamente libre.

“Después de un rebote de ideas, hace unos tres años arrancamos este proyecto con PPAA, desde la demolición y hasta la construcción. Al final decidimos que fuera una extensión de la marca de ropa Octavia y un nuevo camino hacia una línea de lifestyle, que incluye ropa de cama, blancos, manteles, servilletas, pijamas y batas”, platica Roberta Maceda, fundadora de Octavia.

Natural, simple y FRESCA

CASA OCTAVIA | PPAA | CDMX – 2020

Tras cinco años de éxito en la industria de la moda, Octavia –fundada por Roberta Maceda– tradujo su sello al lenguaje arquitectónico con la colaboración de Pérez Palacios Arquitectos Asociados.

CASA OCTAVIA nace de la intención de trasladar los valores de la marca Octavia a un espacio habitable; el valor de lo natural, simple, limpio, honesto, fresco se llevan a un espacio arquitectónico donde el usuario pueda vivir una experiencia de alojamiento única en la Ciudad de México ubicado en la colonia Condesa, una de las zonas urbanas más consolidadas y con carácter peatonal de la ciudad de México. El proyecto busca responder a esta condición de barrio y sumarse como un proyecto más dentro de este tejido urbano y social

A nivel urbano, Casa Octavia se concibe como un elemento que se abre a la ciudad y en especial al peatón, dejando el espacio de la planta baja libre y con un carácter público fomentando encuentros entre la ciudad y los huéspedes.

Este espacio público tiene múltiples configuraciones y aperturas controladas, puede ser desde propiamente una extensión de la calle hasta un espacio más definido donde puedan albergar diferentes tipos de actividades, desde tomar un café y un desayuno hasta convertirse en una tienda o simplemente un lugar de reunión.

Parte importante del proyecto es el espacio que se deja sin construir, el vacío que toma forma de patio lateral y que en planta baja visualmente se comunica con el exterior.

En contraparte con el elemento construido, este espacio tiene mucho mayor textura tanto en los materiales del piso como en los muros, generando una sensación de algo mucho más orgánico y libre, enfatizando así el contraste entre la arquitectura y el vacío. A través de la ventilación y la iluminación natural, así como de los acabados orgánicos con matices en madera y tela, se consiguió un ambiente de relajación completa y libre de pretensiones.

Las habitaciones, parte esencial de este proyecto tienen como prioridad la iluminación y ventilación natural, además de la privacidad. Se ubican en dos bloques, uno de ellos en la parte posterior abierta al patio; y otro, en la parte frontal viendo a la calle con un filtro de celosía de madera que, además de dotar de privacidad a la calle, crea un juego de luz y sombra y protege de la luz del poniente.

Cada cuarto tiene su propio carácter, dejando el más grande en planta baja que, además de la recámara, tiene un espacio que se puede utilizar con un espacio más social o una segunda recámara dentro de la misma habitación. perezpalacios.mx

El resultado es un inmueble de siete habitaciones: dos estudios, un cuarto grande (del tamaño de un departamento) y cuatro recámaras tipo hotel, además de un patio lateral y un rooftop, que juegan con lo privado y lo público a través de luces y sombras, múltiples configuraciones y aperturas controladas.

Las fachadas enrejadas del patio ayudan a mantener la casa bien iluminada y aireada, y también se convierten en un elemento decorativo. Al entrar, este espacio se abre al jardín principal y crea un ambiente al aire libre, acercándonos al exterior y alejando la sensación de estar ‘encajonado’.

CONTRASTE y materialidad

CASA BUGAMBILIAS | TALLER MEXICANO DE ARQUITECTURA | MÉRIDA, YUCATÁN – 2019

Un monolito rosa champán que descansa sobre uno gris claro compone Casa Bugambilias, cuya arquitectura residencial transmite una ligereza concreta en dos pisos, diseñada en diálogo con su entorno.

Fotos

Alejandro Loustanau

CASA BUGAMBILIAS se emplaza en un terreno de 300 m2 ubicado en la colonia que le da su nombre, en la ciudad de Mérida, Yucatán. “Es un proyecto que surge de una forma bastante curiosa, ya que fue de las primeras obras que diseñó el despacho hace 10 años y, por azares del destino, se había quedado almacenada, sin ejecutarse. Es hasta hace dos años apenas que el proyecto se retoma y se empieza a construir por la necesidad y el contexto de la colonia en donde se encuentra, pues se trata de una zona en desarrollo y en pleno crecimiento con espacios como hoteles y un centro de convenciones”, cuenta el arquitecto Salvador Román Hernández.

La intención original del proyecto era principalmente funcionar como refugio hacia su contexto inmediato, cerrándose hacia dentro y brindando bienestar y seguridad a la comunidad a su alrededor. “Un objetivo que, al retomar el proyecto y renovarlo, no dejamos pasar de largo y le dimos mayor énfasis al mejorarse la técnica constructiva que se había planteado”, dice el arquitecto.

Formalmente la casa pretende formar un basamento en concreto gris en la planta baja sobre el que descansa un volumen monolítico de concreto pigmentado para generar ese contraste entre los dos materiales. El uso de materiales en bruto es

algo característico y busca intencionalmente el envejecimiento de estos con el paso del tiempo. “Se había propuesto chukum, pero a la hora de la construcción se ajustó la paleta de materiales y usamos concreto rojo pigmentado natural y cemento. Conceptualmente el diseño responde al contexto social y climático en donde se encuentra la casa.”, detalla Román.

La casa se abre en ciertos puntos con ventanas y un muro de celosía en la fachada que permite ver hacia el exterior, más no al contrario, lo cual da la sensación de seguridad estando dentro. La planta baja aloja las áreas de servicio y sociales, las cuales se conectan con el jardín y terraza traseros gracias a un patio interior que funciona como el corazón del proyecto. Dicho patio funciona como regulador térmico por su muro de celosía generando ventilación e iluminación natural en ambas plantas de la casa.

El sistema estructural fue uno de los elementos más importantes del edificio; por lo que, se evidenciaron las trabes y columna que cargan el monolito de la planta alta dejándolos aparentes. Subiendo a la planta alta se pasa por las escaleras, las cuales están iluminadas naturalmente con un tragaluz el cual genera diferentes efectos de luz y sombra durante el día.

tallermexicanodearquitectura.com

Además de las paredes enrejadas, Casa Bugambilias también se abre en ciertos puntos con ventanas rectangulares y cuadradas, permitiendo vistas al exterior, en conjunto con mamparas de vidrio que se pueden abrir adosadas a las paredes del salón que conectan armónicamente con la terraza.

Fotos Alejandro Loustanau

Monumentalidad ESPACIAL

CASA GUANAJAL | CUBO ROJO ARQUITECTURA | ESTACIÓN PEDRITO, JALISCO – 2019

Proyectada por Cubo Rojo Arquitectura, esta casa se lee como un juego de paredes y bóvedas de ladrillo, las cuales conforman un sorprendente diálogo de monumentalidad espacial y cuidadosa adaptación de escalas en un entorno rural.

El resultado de la disposición de los volúmenes a lo largo del terreno, nos genera más allá de una fachada, un paisaje que entre sólidos y vacíos que se adapta a un entorno más rural, donde las bóvedas y los materiales dialogan con el campo abierto.

UBICADA en la pequeña localidad de Estación Pedrito en el estado de Jalisco –en el municipio de Unión de San Antonio, lejos de la capital Guadalajara y muy cerca de la ciudad de León en Guanajuato– está Casa Guanajal, un proyecto surge de la necesidad de una familia por tener una casa de descanso lejos del caos de la ciudad, el sitio se ubica en una zona del bajío mexicano.

“Partimos de la idea de dos tipologías tradicionales de la región y del campo. La cabaña, como un espacio que se relaciona de manera íntima con el entorno natural y de una escala más cálida, un espacio de aislamiento y reflexión; y por otro lado la hacienda, como un espacio que va creando sus propias atmósferas gracias a los patios y jardines, mismos que sirven para extender la actividad del interior al exterior”, explican los arquitectos del estudio mexicano Cubo Rojo Arquitectura.

“La vivienda generó no sólo una fachada, sino un paisaje que entre sólidos y vacíos se adapta a un entorno más rural, donde las bóvedas y los materiales dialogan con el campo abierto, en un juego de espacios y volúmenes abiertos complementarios y, como en una ‘hacienda’, están conectados y entrelazados a través de patios y jardines”.

El terreno es mucho más largo que ancho, por

lo que el programa arquitectónico se fue esparciendo por el terreno para generar todo el tiempo recorridos dentro y fuera de la casa. Se aprovechó la disposición alargada del terreno para yuxtaponer en el sentido más angosto los espacios techados y crear entre ellos espacios abiertos complementarios, al igual que una hacienda se va conectando y distribuyendo mediante patios y jardines.

Volumétricamente se generan tres cuerpos que son delimitados con un elemento muy tradicional de la zona, la bóveda de barro. Cada una de estas bóvedas nos funciona a manera de cabañas que de acuerdo a su ubicación y uso se van transformando. La primera funciona como una cabaña para los visitantes, un cuarto de huéspedes y la sala con su chimenea que invita a descansar en la doble altura de acceso; la segunda principalmente alberga las habitaciones de la familia, que a una mayor altura permite disfrutar en las ventanas del paisaje, y la tercer bóveda se difumina a una escala más cercana al jardín, para generar simplemente una techumbre que al igual que un árbol nos genera sombra para disfrutar de actividades más exteriores como la fogata o la piscina.

@el_cubo_rojo

Particularmente, en cuanto a la paleta de materiales se opta por el ladrillo como elemento protagonista, el cual recuerda la tradición de la región y sus orígenes; al mismo tiempo éste transmite una visión de momentos presentes y futuros que pueden suceder.

“Buscamos que la entrada de luz por las tardes fuera cálida, pero que por la noche se tornará fría, algo así como un positivo y un negativo”. –Vrtical

Sobre la genealogía y la tectónica

DOS CASAS Y ESTUDIO EN CHIMALISTAC | VRTICAL (LUIS BELTRÁN DEL RÍO Y ANDREW SOSA) + ADRIÁN MARTÍNEZ FRAUSTO | COYOACÁN, CDMX – 2020

Fotos ÓSCAR HERNÁNDEZ

Una casa articulada cuya selección de materiales estuvo basada en la tectónica, sumado a un festín de elementos que, más que verse como un caos, se funden en la transparencia de su materia.

Al darse la oportunidad de escuchar lo preexistente, sin interrupciones, los arquitectos se dieron cuenta de que el inmueble pedía luz.

UBICADO en la colonia Chimalistac, en la Ciudad de México, este proyecto trae consigo un sinfín de sorpresas que, como lo mencionan los arquitectos Luis Beltrán y Andrew Sosa en entrevista, hacen imposible su lectura completa en un solo recorrido.

El inmueble, heredado al escenógrafo Adrián Martínez Frausto (conocido por su labor en obras como Hedda Gabler, Dutchman, La Sociedad de los Poetas Muertos, Billy Elliot, entre otras), está compuesto por dos casas y un estudio que son el resultado de una labor en conjunto integrada por el taller de diseño Vrtical y el mismo Adrián, quien puso de su talento escenográfico a lo largo de ésta.

“Todo comenzó con pláticas con Adrián sobre qué y cómo podría llenar de vida su nuevo espacio. Era un monstruo de casa, de un metraje cuadrado excedido. Encontrabas el antecomedor, el comedor y el postcomedor, la antesala, la sala y la postsala… Él nos dio prácticamente carta abierta para llevar el proyecto (cerrado a inicios de la pandemia por Covid-19) de manera libre. Fue uno de esos clientes que conoce, entiende y valora el proceso de diseño y de construcción”, menciona Andrew.

Fue entonces durante esta obra arquitectónica que Vrtical desarrolló uno de los principales ejercicios que tienen como taller: reciclar los espacios en la ciudad para llegar a densi-

dades mayores sin ser la demolición un principal recurso; de hecho, especifican que la ampliación total que realizaron para completar aquello que hiciera falta en la casa fue de aproximadamente 10 metros cuadrados.

La selección de materiales estuvo influenciada por la tectónica, la cual en arquitectura se entiende como la ciencia o el arte de la construcción tanto en relación con el uso como con el diseño artístico. No solo se trata de construir con ciertos materiales por requisito, sino que esta actividad también plantea la construcción a forma de arte. Dos Casas y Estudio alberga concreto expuesto, yeso en blancos, repellados pintados, muros de piedra volcánica, pisos de concreto, acero expuesto y madera, un festín de elementos que, más que verse como un caos, se funden en la transparencia de su materia.

El proyecto se conforma “por varios pequeños detalles que no ocultamos. Si ocupamos un dintel para sostener un lugar donde había un muro de carga, lo evidenciamos; si los muros de concreto son nuevos en algunas áreas, que demuestren que son nuevos; si el concreto está siendo brutalista, que lo sea; si la madera es vieja, que lo diga, una filosofía que hace que la casa sea difícil de clasificar en su lenguaje, pero que expresa momentos muy emblemáticos del proceso creativo”, explica el arquitecto Luis Beltrán. vrtical.mx

La ejecución del proyecto fue muy orgánica, pues veló por el objetivo de no demoler una casa que, si bien no estaba catalogada, hubiera sido un crimen demolerla sin detenerse a mirarla.

Después de un ejercicio de observación, el equipo de arquitectos respondió al proyecto con estrategias que satisfacieran esas ausencias de espacios y dieran fuerza a los puntos débiles.

“El reciclaje de espacios no es sólo un discurso de sustentabilidad energética, sino de sensibilidad, con el que además se pueden lograr espacios pragmáticos”.

La selección de materiales estuvo influenciada por la tectónica que, en arquitectura, se entiende como la relación tanto con el uso como con el diseño artístico.

El proceso de la obra estuvo guiado por su gran admiración e influencia de artistas y profesionales como José María Buendía; Luis Barragán, Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal, Álvaro Siza, Peter Zumthor y David Chipperfield.

Contrastes volumétricos

CASA NERÓ | DI FRENNA ARQUITECTOS | COLIMA – 2021

La alusión a los volcanes que transmite la edificación, fue una casualidad no planificada que finalmente rinde honor a este gran hito en el contexto. El color negro y la sensación palpable de la materialidad elegida rememoran a la piedra volcánica, protegen el interior de los rayos del sol y se vuelven un gesto de respeto para mimetizarse en el contexto.

Fotos

LORENA DARQUEA

Elementos robustos y de gran peso sumados a detalles de carpintería ofrecen la calidez, ligereza y fluidez necesarias a la edificación.

Casa Neró se aprecia desde la imperfección de las montañas o desde la perfección de la naturaleza.

Las piedras en muros y la misma paleta de color se relaciona con las franjas de cristal y la carpintería seleccionada para los interiores de Casa Neró.

ENTRE EL JUEGO de la imperfección y la perfección, este inmueble, cuyo proyecto de diseño y construcción corrió a cargo de la firma multidisciplinaria Di Frenna Arquitectos, deja notar que ambos términos son muy subjetivos cuando se trata de arquitectura.

El volumen de éste es monumental visto desde afuera y también lo es en su interior. El acceso principal se observa a una altura moderada que contrasta con el tamaño de la construcción y su imponente presencia en recubrimiento de concreto enduelado, sin embargo, al continuar el trayecto el usuario se expone frente a una doble altura que aloja las dos principales áreas comunes: la sala y el comedor.

Dicha volumetría, sin planearse, hace honor al paisaje del cual goza esta privilegiada casa: el Volcán y el Nevado de Colima, en México, lo cual significó un gran reto al ser considerada una región sísmica del país.

El color carbón que predomina en el exterior e incluso en el interior de ésta, sumado a la fuerte impresión del material principal elegido: la piedra volcánica, ofrece una perspectiva de estar en armonía con el entorno.

Sin embargo, la pesadez de la piedra y de la construcción vista como un todo no toca su límite gracias a los espacios de reposo, como lo define la firma con base en la misma región

mexicana, identificados por el uso de cristal en ventanas y ventanales de piso a techo, así como por las entradas de luz natural definidas de manera minuciosa con el objetivo de captar la mayor iluminación durante el día y postergar en medida de lo posible el uso de luz artificial.

Para lograr eso último el diseño del proyecto contempló aperturas cenitales que pintan de luz los muros durante la mayor parte del día adicionalmente a las paredes transparentes a lo largo de Casa Neró, cuyo proyecto concluyó este año.

La planta baja constituye un espacio libre, en el que son pocos los muros que demarcan las zonas a excepción de las que requieren de mayor privacidad como el área de cine y el de servicio. Esta parte de la casa busca culminar su recorrido en la terraza, a través de la cual es posible apreciar un lago en el que se refleja el bello panorama.

Posteriormente, en la planta alta se encuentran las habitaciones con proximidad a pequeños balcones y favorecidas por el efecto generado por las extrusiones comprendidas en el diseño. Así, la construcción, cuyo total en metros cuadrados es de 684, se corona por un rooftop que sin más es un área libre en la que la contemplación del paisaje se origina de manera inmediata.

difrennaarquitectos.com

El color negro y la sensación palpable de la materialidad elegida rememoran a la piedra volcánica, protegen el interior de los rayos del sol, y se vuelven un gesto de respeto para mimetizarse en el contexto.

El terreno y su ubicación son las premisas predominantes de Casa Neró, pues la locación regaló al proyecto un paisaje inigualable: el Volcán y el Nevado de Colima.

Entre matices almendrados y turquesas

JD HOUSE | STUDIO ARTHUR CASAS | SAN SEBASTIÁN, BRASIL – 2020

LEONARDO FINOTTI

Un espacio que abraza el cuerpo y la mente. Con vistas al mar, un volumen color arena se acomoda miméticamente en medio de la exuberante vegetación verde, en plena integración con la naturaleza.

Fotos

En la planta principal tiene lugar una sala de cine delimitada por un mueble de madera que adopta el sentido de una escultura, así como también mobiliario de carácter minimalista en colores neutros y almendrados.

La naturaleza cobra lugar dentro y fuera de la casa, de hecho, la flora en sí misma forma muros de piso a techo que definen el perímetro de ésta en sus tres plantas.

CON LUGAR en la playa de Baleia, en São Paulo, Brasil, esta residencia es el resultado de un trabajo en equipo entre arquitectos y los clientes, quienes buscaban tener en ella ambientes espaciosos y privados que fueran ideales tanto para ellos, como para sus invitados.

La amplitud es, sin titubear, una característica sobresaliente de este proyecto llevado a cabo por Studio Arthur Casas con sede en São Paulo y Nueva York. Se buscó un punto central de la construcción del que partieran el resto de los espacios y se mantuviera conexión con el entorno natural. Se elevó una gran fuente de luz en el salón principal con un solo pilar circular en su extremo que soporta toda la losa y la cubierta exterior a modo de viga voladiza.

Así, con el objetivo de beneficiar y dar mayor amplitud al área social se hicieron diferentes alturas de techo. En el centro, a doble altura, se hizo uso de un lucernario (abertura que brinda luz y ventilación) cenital que ilumina de manera natural la pared suspendida y ésta a su vez a toda la estancia común.

La naturaleza cobra lugar dentro y fuera de la casa, de hecho, la flora en sí misma forma muros de piso a techo que de-

finen el perímetro de ésta en sus tres plantas y sobresalen ante los tonos neutros del diseño interior. La vista infinita en tonos turquesa de la estancia hacia el área frontal exterior cubierta por una pérgola, donde se ubica la piscina, se mezcla con la restinga (entendida en Brasil como el área cercana al mar de suelos arenosos) de la zona que invita a la contemplación. En esa área de terraza se insertaron toldos retráctiles dentro de la estructura que permiten la entrada total de luz solar cuando se retraen.

Ahora bien, en cuanto a las dos plantas restantes que conforman la casa tenemos que la planta baja de Casa JD cuenta con una sala de juegos con home theater, spa y dos suites para huéspedes con un jardín privado; y la planta superior aloja cuatro suites distribuidas por su extensión, así como la principal con vista directamente hacia el mar. Todas bañadas por la pureza y elegancia del color beige en diferentes tonalidades en sus muros de hormigón. Las tres están unidas entre sí por una escalera, elemento protagonista del proyecto, mezcla dos materiales: madera de roble y varillas de metal. arthurcasas.com

Con una decoración minimalista, la selección de muebles en tonos neutros permite que la naturaleza asuma un papel protagonista en el espacio. Piedra, madera, lino, metal, terciopelo y ante son algunas de las texturas que se funden en armonía en el entorno.

Los pisos de la casa brasileña están definidos por la misma superficie conformada por piedra caliza, excepto las áreas húmedas. Este material hace mancuerna con la madera de roble también presente en los techos y el panel en el área del comedor, y madera Accoya, conocida por su procedencia de fuentes sostenibles y pensada para que ningún tipo de hongo pueda atacarla y pudrirla.

¿Cómo saber si los espacios cerrados tienen calidad de aire?

Por DARÍO IBARGÜENGOITIA

Ilustración @zamarripa.mx

AHORA que hemos vivido esta pandemia, hemos desarrollado (o debimos de haberla desarrollado) una nueva cultura de prevención, cuidados y respeto hacia las personas que nos rodean.

Ahora nos fijamos en el uso correcto del cubrebocas, de la sana distancia y de evitar estar en lugares con muchas personas y hemos cambiado nuestras costumbres de esparcimiento, compras y hasta de trabajar.

Cuando nos encontramos en nuestro hogar, es fácil tener un control de con quien estamos, como ventilamos y por supuesto, cuando solo está la familia, no hacemos uso del cubrebocas, pero ¿qué sucede en cuanto salimos del hogar?

Como hemos platicado en comentarios anteriores, se ha demostrado por la Organización Mundial de la Salud, que los virus y bacterias no tienen la capacidad de desplazarse por si solos, si no que necesitan de medios de movilidad como son las gotículas (pequeñas gotas) que emitimos al hablar, toser o estornudar, pero también se sirven de muy pequeñas partículas suspendidas en el aire, por lo que es indispensable que la calidad del aire en los espacios cerrados, se garantice para disminuir los riesgos de contagio, fuera del contacto directo.

Hemos mencionado que en cualquier espacio ocupado por humanos, hay una emisión natural y constante de contaminantes, desde el bióxido de carbono (CO2) que emitimos, así como los compuestos orgánicos volátiles de muebles y

La crisis sanitaria ha motivado una nueva cultura de prevención, en la que la ventilación se manifiesa como la mejor forma de diluir los contaminantes en los espacios.

sobre todo, poder limpiar ese aire antes de usarlo para ventilar.

Esta ventilación puede ser pasiva, es decir, por medios naturales, aunque reduce o imposibilita la opción de limpiarlo, o por medios mecánicos con sistemas de filtros y, la cantidad de aire mínimo, la podemos calcular dependiendo del número de personas máximo a ocupar cada espacio, del área de cada espacio y la determinación de posibles fuentes de contaminantes específicos al interior, como sería una cocina o cualquier tipo de combustión.

Pero, ¿cómo saber si al espacio cerrado que voy a ingresar tiene buena calidad del aire? La primera forma sería ver que tenga su Dictamen de Calidad Ambiental, emitido por el ONNCCE –Organismo Nacional de Normalización y Certificación para Construcción y la Edificación– o por medio de sensores que tengan los espacios de Calidad del Aire, que al menos pueda realizar la medición de CO2 y de preferencia de otros contaminantes, como partículas suspendidas, medidas en PM2.5, entre otros, y que indiquen claramente si hay o no buena calidad del aire.

Ver el dictamen en la pantalla del sensor nos dará más tranquilidad de que el espacio está ventilado. acabados y otra fuentes, que es indispensable diluirlos, no nada más por riesgos de contagio, si no por que una mala calidad del aire llega a generar lo que se conoce como acidosis leve, que es una disminución de saturación de oxígeno en la sangre, por una alta concentración del mismo CO2.

La mejor forma de diluir estos contaminantes es por medio de una ventilación, que consiste en suministrar aire del exterior a los espacios, pero si este aire, como en la Ciudad de México y el área metropolitana, tiene una mala calidad, entonces estaremos haciendo una mezcla de contaminantes al interior, por lo que resulta importante saber las condiciones del aire exterior y,

Hay muchas marcas y modelos de estos sensores, pero los mejores son los que tienen indicadores directos de calidad del aire con código de colores.

Se buscan diseñadores de espacios virtuales

Por HOMERO HERNÁNDEZ TENA

Ilustración

@zamarripa.mx

¿QUIÉN NO RECUERDA MATRIX?, la famosa película de inicios del siglo xx de las hermanas Wachowski en las que se plantea una guerra entre la humanidad y sus máquinas a través de una compleja conexión entre los usuarios de la Matrix, que de manera artificial controla la mente de los que la habitan.

¿O la multipremiada Avatar? Película escrita y producida por el estadounidense James Cameron, ambientada en el año 2154 en una luna del planeta Polífemo llamada Pandora. Esta película nos cuenta una historia en la que una raza humanoide llamada na'vi, se encuentra en conflicto con los humanos por un mineral muy cotizado y que supondría la solución a los problemas energéticos de la Tierra: el unobtainium. Para ello se plantea una vez más una conexión interesante entre mundos virtuales y reales. O más recientemente la novela Ready Player One escrita por el autor estadounidense Ernest Cline y llevada a la pantalla grande por el famoso director Steven Spielberg en 2018, quien plantea un universo virtual paralelo en el año 2044 donde los seres humanos tienen un personaje dentro de un juego llamado OASIS y en donde tienen que encontrar un tesoro o easter egg como es llamado en la película. En esta historia difícilmente se llegar a disociar la realidad contra la virtualidad y todo sucede en mundos imaginarios que se han inspirado en la aparente manera de vivir los videojuegos arcade.

No cabe duda de que a raíz de la pandemia se han detonado nuevas habilidades de interacción entre personas a través de videoconferencias y video llamadas que permiten acercar a las personas en cualquier lugar del mundo. Plataformas como TEAMS, Zoom, Go to Meeting o Google Meet, por decir las más comunes nos conectan de manera natural para conversar y reconocernos. Otras plataformas especializadas como ZWIFT nos permiten conectarnos entre ciclistas y corredores para descubrir Watopia, un mundo virtual para deportistas que incluye islas, lagos, desiertos, ciudades y montañas.

Por otro lado nuevas plataformas nos ofrecen experiencias más integrales como es el caso de Gather.town, ecosistema digital enfocado a interactuar con las personas por medio de pequeños avatares que caminan en espacios bidimensionales similares a juegos de video de los años ochenta y también en esta misma línea, Virbela, otra plataforma para interacción virtual entre personas de una comunidad en la que se visualizan los asistentes por medio de un personaje tridimensional con visión de primera persona.

Aún no sabemos si esté cerca el fin de la pandemia, pero lo que es seguro, es que nuestro regreso a la normalidad será muy diferente y para entonces la pandemia nos habrá heredado nuevas formas de interacción a través de plataformas digitales en donde hayamos construido una representación virtual de nosotros mismos.

Son muchas las especulaciones de lo que pasará en el futuro cercano, la única certeza es el gran campo laboral para quienes diseñen espacios y mundos digitales.

¿Quién no se siente emocionado por imaginar cómo serán estas interacciones virtuales en un futuro cercano? ¿Cómo se conectará el mundo real con el digital? ¿Cómo serán los puntos de encuentro y las interfaces que nos permitan conectarnos a la red?

¿Cómo serán estos nuevos mundos digitales y cómo los mundos físicos que los soporten?

¿Quién diseñará cada uno de estos espacios? ¿Qué profesiones tendrán los que diseñen estos ambientes? ¿Serán urbanistas, arquitectos, interioristas, diseñadores de ambientes, ingenieros cibernéticos o en sistemas, o diseñadores de videojuegos?…

La belleza de la naturaleza

Hortensia Armchair | Andrés Reisinger & Júlia Esqué | moooi

La silla Hortensia surgió como una representación 3D que pronto se volvió viral en Instagram. Este repentino éxito despertó el interés del mercado y múltiples órdenes de venta, aunque la silla como tal aún no existía.

En respuesta, Andrés Reisinger & Júlia Esqué –diseñadores de la pieza– buscaron una forma de hacer que la pieza se convirtiera en un producto de la vida real, creando así una edición limitada. Hortensia reproduce la belleza de la naturaleza. La inspiración para crear esta icónica silla voluminosa surgió de la necesidad de recrear una sensación de suavidad, aquella misma que uno siente al momento de recibir un abrazo calmante y reconfortante. Reisinger & Esqué querían saber qué se sentiría al estar sentado en una flor, envuelto en pétalos suaves y pacificadores.

Después de crear digitalmente la silla Hortensia, Reisinger llamó a la diseñadora textil

Júlia Esqué para perfeccionar la sensación suave y relajante de sentarse en una flor que se abre.

El siguiente paso lógico fue hacer que la silla estuviera más disponible. Inmediatamente los diseñadores pensaron en moooi, sabiendo de antemano que la marca de estilo de vida era perfecta para afrontar el desafío de producción de la pieza. Juntos completaron la última etapa de la evolución de la silla: su tapicería de pétalos característicos se compone de más de 30,000 pequeños pétalos cortados con láser y es una pieza que se prevé esté disponible en todo el mundo –a través de moooi– bajo el formato de dos colores: petal pink y petal grey

El tejido Petal, diseñado por la diseñadora textil Júlia Esqué, es el tejido característico Hortensia, pero la silla se podrá configurar en moooi entre una amplia gama de tejidos, incluida la colección Extinct Animal Fabric. –MLA moooi.com

Permiten la entrada de luz natural, utilizando menos energía en iluminación interior.

Reduce el calor transmitido al interior, disminuyendo la necesidad de aire acondicionado.

Ahorro considerable en uso de energía eléctrica.

Mayor confort térmico y productividad.