PORTAFOLIO HISTORIA DEL ARTE

PORTAFOLIO

HISTORIA DEL ARTE

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Profesor: Cristina Isabel Dreifuss Serrancri

Francesca Torrico Menacho 20202102

Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura - Área de Historia y teoría de la Arquitectura Ciclo 2021-1

CONTENIDOS Índice

01 02 03 04 05 06 07 08 09 10

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EXTRAÑOS COMIENZOS

PAG. 05-06

CG2/CG3/CG7

PODER

PAG. 07-10

CG2/CG3/CG7

PODER Y PLACER EN LA ANTIGUA ROMA

PAG. 11-16

CG2/CG3/CG7

SINTESIS DE LA ANTIGUEDAD

PAG. 17-22

CG2/CG3

ISLAM

PAG. 23-28

CG2/CG3

ROMANTICO Y GOTICO

PAG. 29-36

CG2/CG3/CG7

RENACIMIENTO

PAG. 37-44

CG2/CG3/CG7

LA LUZ EN EL BARROCO

PAG. 45-50

CG2/CG3/CG7

PREIMPRESIONISMO

PAG. 51-60

CG2/CG3/CG7

NEOCLASICO

PAG. 61-70

CG2/CG3/CG7

TRABAJO FINAL

PAG. 71-79

CG2/CG3/CG7

REFLEXION FINAL INFORMACIÓN DEL CURSO CV

PAG. 80 PAG. 81 PAG. 82-83

CRITERIOS RIBA:

CG1 - Conocimiento adecuado de las historias y de las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG3 - Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

CG5 - Comprensión delos métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño

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EP1

01 EXTRAÑOS COMIENZOS

CG2/CG3/CG7

Realizar un resumen gráfico (mapa conceptual, cuadro sinóptico o similar) sobre la lectura "Extraños comienzos" (Gombrich: Historia del Arte, capítulo 1).

Incluir al menos 4 imágenes de obras mencionadas en la lectura, que no hayamos visto en clase.

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

05

06

EP1

02 PODER

CG2/CG3/CG7

En grupos de 2 o 3 integrantes escoger TRES IMÁGENES en las que se distinga una o varias figuras que representan poder (figuras jerárquicas).

Puede ser pintura, escultura, fotografía, grabado, relieve, etc.

Para cada imagen colocar los datos mínimos: autor, título de la obra, fecha.

Señalar cuáles son los recursos de los que se basa el creador para mostrar la figura jerárquica: luz, posición, emblemas, etc.

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

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EP1

03 PODER Y PLACER EN LA ANTIGUA ROMA CG2/CG3/CG7

1. Escoger DOS obras de arte realizadas durante la antigua Roma (aprox. 753 a.C. - 476 d.C.) en donde se representen ambas ideas: poder y placer. Las obras pueden ser pintura (revisar, por ejemplo, que los Romanos decoraban los interiores de sus casas con pinturas murales), arquitectura (templos, palacios, baños, estructuras deportivas) o escultura.

No olvidar colocar los datos básicos: nombre de la obra, autor (si se conoce), fecha y ubicación.

2. Explicar de qué manera los antiguos romanos transforman las ideas de poder y placer, y la adecúan a sus propias necesidades.

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

Tellus entre el Agua y el Aire UBICACIÓN

Relieve de Tellus

(13 y el 9 a. C)

Autor: desconocido Escultura original: (siglo 13 - 9 a. C) hecha en mármol Ubicación: Roma - Campo de marte - ara pacis Es el primer monumento de la escultura imperial en Roma (Ara Pacis); se llama "Relieve de Vellus" pero también es conocido como el altar de la Paz; tiene un fin conmemorativo desde la época del Imperio romano. Fue entregado por el Senado, al regreso del emperador Augusto tras sus victoriosas campañas y la paz que éste había impuesto. En el Ara Pacis hay más relieves al rededor pero el Tellus es uno de los mas destacados por su inspiración helenística.

La jerarquización de los personajes se evidencia por el relieve más acusado y las alegorías relacionadas con la mítica fundación de Roma.

Ara Pacis "ALEGORÍA SOBRE RIQUEZA Y ABUNDANCIA PROPORCIONADA AL IMPERIO ROMANO" Es la representación de la Tierra Madre sentada sobre rocas, con una vestimenta ligera de ropaje y una corona de flores con frutas; a los pies de la mujer hay un carnero un buey. La diosa sostiene a dos niños y se puede apreciar como uno le ofrece una manzana. Y en su vientre hay un racimo de uvas y granados que representan la vegetación. En los laterales del relieve podemos ver dos genias que tienen figuras féminas que tienen el nombre de "Aurae verificantes"y son fertilizantes del agua y aire; una esta sentada sobre un cisne (aire) y la otra sobre un monstruo marino (agua).

Genia de aire

Genia de agua

TÉCNICA ARTÍSTICA Esta obra posee alto detalle compositivo , elegancia y precisión, tanto en lo estético del fondo vegetal como el relieve de los personajes principales.

En el cuerpo de la diosa se observa un tratamiento de los pliegues con la técnica de los paños mojados lo que confirmaría que los artistas tendrían formación helenística.

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JERARQUÍA

La composición en conjunto procede de repertorios

La diosa Tierra madre es la que mas resalta en la obra, no solo por su tamaño en comparación con los genias sino tambien porque esta al centro de la composición. Así mismo, todos los personajes tienen su mirada hacia ella, observandola con admiración y en busca de una respuesta suprema.

helenístico ya que toda la obra esta siendo tratada por la influencias de los griegos en el arte romano.

Por este motivo, creemos que el escultor es griego de nacimiento, y debido a esto que pudo lograr la adecuada simetría y un ritmo ágil con detalles minuciosos que van incorporados perfectamente a la temática de la composición.

Detalles minuciosos

Augusto de Prima Porta Autor: desconocido Escultura conservada: (14 d.C) copia de la originial hecha en mármol policromado Escultura original: (19 a.C) hecha en bronce Ubicación: Museos Vaticanos, Roma La escultura de busto redondo retrata a Augusto, conocido también como Cesar Augusto, quien fue el primer emperador Romano con el reinado más largo de 41 años. (27 a.C.- 14 d.C.). Esta está inspirada en el Doríforo de Policleto del siglo V a.C. Utiliza el "contrapposto" que le da movimiento al cuerpo humano característico del arte clásico. En este caso, Augusto es retratado como jefe del ejército vistiendo un manto de general y luciendo una coraza con detalles importantes. Asimismo, se encuentra con un brazo levantado y con los pies descalzos que simbolizan la divinidad. Cabe mencionar que cupido y el delfín que se encuentran en sus pies hacen referencia su origen divino, pues se decía que era descendiente de Venus

CORAZA Augusto luce una coraza que se encuentra decorada con escenas y figuras talladas en relieve que mantienen un fuerte simbolismo y con rasgos divinos. Toda la escena se encuentra plasmada en un paisaje cósmico teniendo en la parte superior al cielo que cubre toda la composición. Es importante señalar que la parte posterior de la coraza no se encuentra tallada ni decorada, pues la estatua fue creada para ser vista de frente ya que estaba emplazada contra una pared.

Helios con carro solar

Marte y loba capitolina

POLICROMÍA Un aspecto de suma importancia en cuanto a esta obra es el hecho que se encontraron restos de policromía. Esto ayudó a que se pudieran reconstruir los colores originales de la escultura. Se pudieron identificar el rojo tanto en el abrigo como en la túnica y al azul en detalles en su vestimenta y en la coraza.

Cielo cubre el universo

Diosa Tierra

La funcionalidad de la escultura era hacer propaganda de la presencia del emperador retrtándolo fielmente.

Augusto aparece con la mirada sombría y el típico corte de pelo, así como también se refleja su carácter introvertido, nervioso, melancólico y majestuoso

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PODER - PLACER EN EL ARTE DE LA ANTIGUA ROMA El arte en Roma en especial la escultura, posee una relación directa con la cultura griega.

Esta inspiración proviene en parte por la actuación de los artistas procedentes de Grecia que transmitieron sus técnicas y visiones, debido a que su expresión artística siempre fue respetada y conservada por las generaciones romanas. En esta se evidencian los aspectos de placer y poder de la época. A continuación explicaremos dos obras importantes y su relación con ambos aspectos en la Antigua Roma.

Entre estas encontramos el "Tellus entre el Agua y el Aire" y la escultura de "Augusto de Prima Porta". Esta primera refleja mucho ese afán de los romanos por plasmar representaciones de corte realista, en especial sobre las crónicas históricas o sobre la mitología. Predomina mucho la técnica mural y ademas observamos un lenguaje escultórico naturalista y propagandista. Por otro lado, se distingue con mayor atención a los detalles, realismo en los rostros y expresiones de los personajes; ya que igual que la cultura griega buscan lograr un equilibrio y la perfección. Esto proviene de la necesidad y búsqueda del placer como a la ves transmitir la belleza visual de sus obras, se observa en el afán de plasmar los sentimientos y las facciones, de todos los personajes como los bebes que tienen cara de deseo y ansia hacia la diosa, y los posturas de admiración de las genias que la escoltan en los laterales del relieve.

Además de existir con un fin decorativo en las paredes del templo, era un símbolo conmemorativo del Senado para representar la victoria que tuvo el emperador Augusto, al poder conseguir acuerdos de paz con Hispania y Galia, por lo que colocó el mural cerca al Campo de Marte donde las legiones practicaban ritos de purificación al regresar de la batalla, y les podía recordar el hecho que la guerra civil había acabado, llevándolos así a tener un nuevos comienzos al tener una estabilidad política y social que los ayudaría a convertirse en los dueños del Mediterráneo. Dados estos motivos, podemos decir que el Relieve de Tellus transmitía un empoderamiento a la población Romana, por que reflejaba nuevos comienzos y la victoria del Imperio frente a la crisis superada por el Emperador Augusto.

Por esto mismo la escultura "Augusto de Prima Porta" trata de transmitir el aspecto del emperador de manera muy realista. La forma en que se le retrató se asemeja a las técnicas de la Grecia Clásica utilizando la posición de contrapposto y con la cabeza ladeada que le da naturalidad para apartarse del estilo rígido antiguo. Asimismo, es presentado como un personaje que a pesar de su minuciocidad para ser lo más parecido a la realidad, llega a verse como idealizado y casi representando a un dios. Sin embargo, este aspecto se podría decir que era algo común en los inicios del imperio, pues dan paso a ese retrato que busca una belleza perfecta que sin duda evoca un placer bastante evidente en la escultura. La anatomía es trabajada de forma bastante detallista dándole detalles a su vestimenta utilizando técnicas como la del paño mojado y también se aprecian detalles en la coraza que le dan un simbolismo de eternidad y divinidad al personaje.

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Es evidente la representatividad del poder en la obra tan solo dándonos cuenta de quién era el hombre que es retratado en la escultura. Augusto fue el primer emperador de Roma y conocido como uno de los más venerados en su tiempo, pues proporcionó al Imperio una época de estabilidad y paz muy importantes que duró dos siglos. Su figura es presentada con un rostro sereno, con una pose que transmite movimiento, con músculos definidos que definitivamente pretenden idealizar su figura. Por ello, su función destacada es propagandística, pues se busca mostrar la importancia y el poder que Augusto representaba. Este recluía todas las virtudes y características tanto físicas como morales dignas de un héroe. Asimismo, es importante destacar que en la escultura es representado descalzo que para la época era símbolo de divinidad, es decir que ya era considerado casi un dios. Estos aspectos importantes hacen esta obra una representación fiel al poder que presentaba el emperador y al placer que se trataba de transmitir al pueblo debido a los detalles minuciosos y técnicas varias que presentaban a Augusto como un ser divino.

Finalmente, a pesar de sus grandes similitudes, los romanos dejan de lado las ideas de los egipcios y griegos con respecto al rol de los humanos en la Tierra. Ahora ellos tienen una autonomía y la potestad de cambiar el rumbo de su propia historia. Esto claro está se apoya en su religiosidad que se basa en cumplir la voluntad de sus dioses y que así los propios humanos puedan ser vistos de igual manera que ellos. Esta necesidad de poder demostrar esa actividad e importancia de los seres terrestres se plasma en la forma de hacer arte en la Antigua Roma.

Ahora se empieza a retratar a las personas con un detalle minucioso y preciso en el que el rostro deja pruebas del momento presente y de lo individual de la característica. Asimismo, se puede explicar el carácter divino con el que se presenta a los emperadores, pues sus logros son esperados y apreciados por los dioses que al final son imortalizados en monumentos como parte de hechos históricos importantes. Entonces, se puede afirmar que ese reconocimiento de poder en los seres humanos transmitido por los dioses y que además transmite placer y belleza es plasmado en el arte romano de distintas maneras. Los relieves del monumento “Ara Pacis” resaltan ese punto de equilibrio al igual que la obra de "Augusto del la Prima Porta” en la evolución de la escultura romana entre idealización y naturalismo, la belleza y el poder.

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EP1

04 SINTESIS DE LA ANTUGUEDAD CG2/CG3/CG7

Escoger tres obras de arte que representen las principales ideas sobre el arte de la antigüedad Explicar cuáles son esas ideas y por qué han escogido las obras que escogieron Colocar la información completa de las obras: nombre, fecha, cultura o estilo que las produjo

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

CREENCIAS En los inicios de la antigua edad el arte consistía en buscar la conexión del ser humano con el más allá. Los humanos desde la prehistoria han empleado el arte para rendirle culto a los dioses partiendo desde la primera idea del sol y la luna como controladores del clima y prosperidad de sus cosechas. Esta evoluciona a una idea más trascendental como lo es la vida después de la muerte. Para los egipcios esta segunda vida espiritual era el eje de toda su vida en la Tierra.

Los humanos tenían la necesidad de creer que existía una figura espiritual que juzgara sus decisiones a lo largo de su vida mortal. Esta serviría como una guia moral para no caer en las tentaciones, pues sino serian castigados en su próxima vida. El arte fue representando en infinidades de cosas como caretas, momias con escrituras que eran sus hojas de vida, vasos canopos, pinturas murales, etc.

Rahotep & Nofert

E G I P T O

Autor: ANONIMO AÑO: (siglo 2580 a. C) hecha en mármol de Paros Ubicación: Museo del Louvre, París; Francia Era muy común ver estas estatuas funerarias en los sarcófagos egipcios de los emperadores.

Se hacían cuando los faraones estaban vivos, los retrataban con todas sus facciones específicas y luego al morir colocaban las estatuas en sus tumbas. Estas tenían escritos Jeroglíficos suficiente información sobre su hoja de vida (saber quien era, que hizo, porque termina siendo digno), para que al momento de su muerte cuando llegaran al mas allá sean evaluados según sus creencias los dioses como Anubis e Isis pesarían su alma y después Horus la llevaba a la tumba.

https://biblioteca.acropolis.org/

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Poder y la política Una de las ideas más resaltantes sobre el arte antiguo en especial al término de esta etapa es el poder. El ser humano siempre ha tenido esa inclinación o necesidad de admirar a alguien que se encuentra por encima de él y el arte ha permitido satisfacer esa necesidad de simbolizar la autoridad, a la figura de dominio de la época, no solo como forma de idolatría sino también por orgullo y para mostrar su superioridad ante los demás pueblos.

Este poder se centraba más que todo en la política y las figuras de altos niveles como los emperadores y gobernantes y sus acciones hacia el pueblo, estos eran representados de tal forma que mostraran esta idea, ya sea por su postura, los detalles que tenían o también presentarlos junto con símbolos de dioses. Asimismo, hacían representaciones con gran jerarquía, es decir, que todo lo que fuera considerado poderoso tenía que reflejar una escala imponente que sorprendiera a cualquier espectador, por esto mismo las culturas romanas evitaban la escala humana y trabajaban mucho con la verticalidad en sus monumentos y edificios.

Arco de Constantino Autor: EL EMPERADOR CONSTANTINO MANDÓ A HACER AÑO: (siglo 315 d. C) hecha en mármol Ubicación: Via di San Gregorio, Roma RM, Italia

R O M A

Al ganar la guerra, se mandaban a mensajeros a esparcir la victoria para que se pudiera construir el arco. De tal modo que, cuando las tropas llegaban a Roma, pudieran hacer un desfile militar por debajo del arco como triunfo. Este arco conmemoraba la batalla, al emperador y hacía alusión a su gran poder.

Las esculturas talladas en el arco representaban momentos ocurridos durante la batalla misma por eso era tan sorprendente que lo hayan hecho tan perfecto y en tan poco tiempo, pues el arco se tallaba y terminaba de construir en el transcurso en el que las tropas regresaban del lugar de guerra hasta Roma misma.

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Placer Una de las ideas que aparecen a lo largo de los años es el arte como objetivo de representar placer.

En los inicios del arte antiguo como ya hemos mencionado, este solo tenía fines religiosos y de conexión con el más allá. Sin embargo, a finales de Egipto se presentaron ideas del arte como intento de plasmar el placer como una idea de belleza y estética. Es a partir de Grecia cuando se consolidan estos conceptos de simbolizar algo más que solo una representación rígida y sin expresiones.

El arte tiene una función decorativa, está muy ligado al ser humano, a la belleza de este en todos sus sentidos, produciendo así experiencias estéticas positivas.

Para los griegos la belleza era un equilibrio de las partes del ser humano, por ello sus dioses están basados en los humanos y se comportan como tal, teniendo las mismas debilidades que los mortales. Esta idea también va enfocada hacia tener un balance entre lo perfecto e imperfecto, entre lo feo y lo bonito, ellos consideraban la "fealdad" parte de la belleza.

VICTORIA DE SAMOTRACIA Autor: ANONIMO AÑO: (siglo 200 a. C) hecha en mármol de Paros Ubicación: Museo del Louvre, París; Francia Esta escultura es un claro ejemplo del arte como placer al ser humano, Victoria de samotracia conjuga una serie de emociones y captura ese lenguaje corporal plasmado en un instante muy difícil, antes de volar tomando impulso para salir con las alas extendidas. Y se ve como la túnica esta mas pegada al cuerpo por el efecto del aire, algo insólitamente bello para la época y para ahora.

La exageración e intensidad era típico del arte para representar el placer por lo que ayuda a consolidar la acción que esta apunto de suceder.

https://www.creativosonline.org/la-escultura-sin-brazo-del-louvre.html

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G R E C I A

EP1

05 ISLAM CG2/CG3/CG7

Investigar sobre el arte islámico, una obra de arte, puede ser arquitectónica, escultura, pintura, etc.

Identificar sus características principales y realizar una reflexión y/o conclusión de las técnicas empeladas.

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

MIHRAB DE LA MEZQUITA - C

Arquitecto: Hernán Ruiz, Autor de construcción: An Año: siglo X (961 - 969) Ubicación: CÓRDOBA, E

El mihrab del templo es una pieza situada en el muro de la qibla y que en toda mezquita debería servir para indicar al orante la dirección hacia la ciudad sagrada de La Meca.

La gran Mezquita con diferenciadas, el patio o sah levanta el alminar (bajo l única intervención de Abd sala de oración o haram.

El actual mihrab de la m parte de la gran reforma d ampliaciones a su sede, lle gobierno del califa Al-Hakam

Su acceso se trata de un a una decoración de mosai cuales se encuentran versí fue aportada por la lab enviados por el emperador

Los arcos policromados de e tratan de una construcción Como curiosas, este arco de a un precedente: posteriorment las mezquitas occidentales po este.

Mihrab conforma un espacio majestuoso, donde la pureza del mármol se decora con mosaicos bizantinos de oro y bronce

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CATEDRAL DE CÓRDOBA

Juan De Ochoa nónimo

ESPAÑA

nsta de dos zonas hn porticado, donde se la torre renacentista), d al- Rahman III, y la

mezquita de Córdoba fu del templo que pretendió evada a cabo durante el m II.

arco de herradura con icos de vidrio en los ículos del Corán. Esta bor de los artesanos r Nicéforo II.

estilo califal cordobés se recurrente en su época. acceso al Mihrab, marcaría te casi todos los arcos de osteriores se inspiraron en

MATERIALES CONSTRUCTIVOS

Se combinan distintas técnicas artesanales: talla del mármol, yesería, cerámica, pintura y decoración musicaría.

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DETALLES MINUCIOSOS

Toda la mezquita de C y nos llamó más la ate nos deslumbró en pri perfecta simetría no s servicio de la espiritu sorprendente. Lo que m sino la decoración y caligrafía en todo el b el significado de cada importancia no solo e toda una experiencia interesante. Otro aspe mezquita y por ende e es sumamente increíb pudimos apreciar esa

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APRECIACIÓN

Córdoba en sí es una gran obra de arte, pero la parte que presenta más detalles ención fue su Mirharb. Cada pieza y forma tiene un sentido dentro del conjunto, imera instancia por la combinación de mosaicos y geometrías abstractas, la solo artística sino también arquitectónicamente. Una verdadera obra de arte al ualidad. La paciencia y devoción con la que los musulmanes la hicieron es más usaban dentro del arte era no tanto la representación de figuras o símbolos aquí se evidencia eso, ese atractivo visual de los colores, cómo usaban la borde, un tipo de letra bello a los ojos. Asimismo, es importante también recalcar a una de las piezas que agregaban. Al saber que cada pequeño detalle tiene una en el aspecto visual sino también espiritual es bastante admirable. Es sin duda poder recorrer cada espacio aunque sea pequeño y eso nos pareció aún más ecto que nos llamó muchísimo la atención fue la carga cultural e histórica que la el mihrab conlleva debido a que fue concebido hace miles de años. Esto también, ble, pues la edificación se conserva en un estado bastante óptimo y al verlo belleza llevada a lo largo de los años.

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EP2

06 ROMANICO Y GOTICO

CG2/CG3/CG7

1. Escoger dos imágenes que representen el mismo hecho, una románica y la otra gótica (Posibles ejemplos: crucificción, nacimiento, visita de los reyes magos, etc).

2. Explicar la evolución del románico al gótico, utilizando como referecia lo visto en clase y las dos imágenes escogidas.

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

Románico - Tímpano de Santa Fe de Conques Obra: "El Juicio Final" Autor: Anónimo Año: siglo XII Ubicación: Iglesia abacial de Sta. Fe de Conques Material: Piedra tallada

Este tallado en piedra del Tímpano de la iglesia de Santa Fe representa la salvación o condenación individual del pueblo, que esta presente en los sermones litúrgicos de la iglesia, como el Juicio Final. Esto era motivo de preocupación para los campesinos; pero teniendo en cuenta que no sabían leer el mensaje se transmitía en las escrituras, ellos solo podían interpretar el mensaje a través de las imágenes muy expresivas del mal que colocaban en las iglesias.

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la Virgen María y San Pedro incluyendo un abad y un rey , y se observa la mano de Santa Fe intercediendo. Las figuras disminuyen sus tamaños según nos acercamos el borde del tímpano, adaptándose al marco.

Son figuras retorcidas, desagradables y formas muy expresivas de los condenados: monjes y caballeros, y los ángeles los alejan con una lanza y escudo.

Análisis de elementos de la obra Las moradas

El cielo

Purgatorio

Futuro (La eternidad)

Presente (Tiempos Nuevos y vivos)

Pasado (Los muertos)

Reino de los cielos: Abraham recibe a las almas de los justos acompañado entre otras de las vírgenes sabias, y encima de él se observa como los muertos resucitan y a la izquierda la mano Santa Fe. Purgatorio/Infierno: Representa al infiero, Donde Lucifer practica sus torturas a las personas condenadas por sus faltas, como la codicia, avaricia, habladurías, un borracho, adulterio. Los castigos en esta obra son representados de forma grotesca y sobre todo muy expresivo en un ambiente desordenado que contrasta con el Paraíso.

Cristo juez sentado rodeado de la mandorla y tiene una aureola que representa su santidad . Su mano derecha señala al cielo y la izquierda al infierno. "Venid benditos de mi padre" está escrito en una cinta sobre su cabeza, "a tomar posesión del reino que os ha sido preparado"; y la otra dice "Apartaos de mi malditos".

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Gótico - Tímpano del Sarmental de la Catedra Autor: Anónimo Año: siglo XIII Ubicación: Burgos, España Material: piedra tallada

Se sitúa en la puerta que es uno de los cuat desde el exterior. Es considerado como escultóricos del clasicismo gótico del S. XIII en

Cristo está rodeado del tetramorfos: león, toro, águila, ángel. Asimismo, se representan a los evangelistas como monjes sentados delante de sus pupitres.

Características del gótico que aparecen: - Predomina el naturalismo, pero idealizado - Las figuras se humanizan y se busca el volumen de los cuerpos, el movimiento y la expresión de sentimientos, - La composición es clara y ordenada - El escultor gótico se preocupa por representar profundidad - Todo es presentado con gran detallismo

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al de Burgos

tro accesos de entrada al templo uno de los mejores conjuntos n España

En el tímpano se representa como el tema principal a Cristo en Majestad. La figura es todavía estática y no expresa sentimiento alguno, sin embargo aparece con un libro en una mano y bendiciendo con la otra dándole un aspecto más humano.

Realismo gótico

Todos tienen un tamaño menor que Cristo hecho que muestra la existencia de perspectiva jerárquica.

El tetramorfo es más realista, pues los evangelistas están humanizados en sus actitudes naturales de escribanos.

En cuanto a los apóstoles si bien los cuerpos son frontales, cambia la variedad de expresiones de sus cabezas, la posición de sus libros, los rostros están individualizados y algunos dialogan.

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EVOLUCIÓN DEL RO dos terminos de uno mismo cambio artistico

Románico - Tímpano de Santa Fe de Conques - "El Juicio Final"

Rigido

Miedo

SIMILITUDES INSPIRACIÓN: la fuente de inspiración para el arte sigue siendo la religión para mostrar en forma narrativa a fe cristiana de la época TAMAÑOS: el poder jerargico de Dios en la composición se mantienen en ambas etapas SIMETRÍA: la simetría comienza en la Dios y la mayoría de figuras están de mirando hacia el centro.

RELIEVE: en ambos se observa la importancia del relieve

Conclusion:

Tanto el Románico como el Gótico son dos etapas durante la edad media en las que hubo una evolución significante en especial con relación al arte influenciado por la nueva forma de pensar de la religión cristiana, su manera de interactuar con los ciudadanos y con sociedad. Así mismo la llega de nuevas herramientas, capacidades artísticas personales y técnicas.

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OMÁNICO AL GÓTICO Gótico - Tímpano del Sarmental de la Catedral de Burgos

Movimiento

Alegria y paz

DIFERENCIAS COMPOSICION: el gótico (tímpano Catedral de burgos) es mas realista con relación a la forma corporal y en las expresiones de los personajes. En cambio el en románico (Tímpano Conque) es más antinaturalista como las formas expresivas del mal.

ALCANCE AL PUBLICO: en el románico se utilizaba las figuras aterradoras en el infierno para mostrar a los ciudadanos que no creían en Dios como era el pecado, en contraste con el gótico donde se ve una religiosidad mas amable donde no se ven este tipo de miedo forzado en el tallado en cambio se ve a los apóstoles dialogando.

RIGIDEZ: en el románico los personajes divinos estan muy serios y rígidos por lo que ocaciona una falta de movimiento en general en cambio el gótico se observa fluidez como los animales que rodean a Dios y los evangelistas que da a entender que estan conversando TECNICAS: las técnicas artísticas del tallado en piedra evoluciono pues ya en el gótico (Catedral de burgos) se nota el tímpano mucho más definido y pulido la obra.

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EP2

07 RENACIMIENTO

CG2/CG3/CG7

Como continuación de la actividad anterior, el objetivo es buscar otra representación artística del mismo tema pero dentro de la época del renacimiento. Realizar diferencias y comparaciones con las demás obras de las otras épocas.

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

Renacimiento - Tímpano de la Basílica di Autor: León Battista Alberti Año: 1470 Ubicación: Florencia, Italia Material: Mármol blanco y verde

Se sitúa en la puerta del medio de la pesar de ser uno de los 3 tímpanos qu

Existe un pequeño frontón hundido en la fachada encima de la puerta de iglesia semicircular que casi pasa desapercibido en contraste con todo el resto de la fachada que es un diseño geométrico no figurativo, sin mayor profundidad ni significado.

En el arco del tímpano se aprecia el tallado de flores bastante detalladas en un patrón de cuadrados que se repiten a lo largo del mismo.

El tímpano mismo expone una pintura renacentista que presenta a un sacerdote junto a ángeles y a una escena ferial de la época.

Asimismo, en la parte inferior se utiliza la bicromía con mármol blanco y verde empleada en un patrón.

SE EVIDENCIA FUERTEMENTE ESE CAMBIO DE IDEAS E IMPORTANCIAS, ESE RE UNA NUE 39

Santa Maria Novella

a Basílica que es la entrada principal a la misma. Este toma una jerarquía importante a ue posee el recinto, pues posee un tamaño y posición importantes.

Se observa lo que viene a ser el humanismo, este es un nuevo concepto el cual da a entender que el centro de las preocupaciones de los ciudadanos deja de ser solo las iglesias, los cristianos, Dios, sino también la persona misma por ello en este tímpano se muestra un sacerdote en conjunto con el resto del pueblo cotidiano realizando actividades en la cuidad

ENACER CULTURAL, ASÍ MARCANDO EL HECHO DE QUE SE ESTA ENTRANDO A EVA ÉPOCA 40

Implementación de la características

Alto Medio

RELIEVE

SENSAC

Bajo Nulo

ROMÁNICO

Tímpano de Santa Fe de Conques

GÓTICO

Tímpano del Sarmental de la Catedral de Burgos

RENACIMIENTO

Tímpano de la Basílica di Santa Maria Novella

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Se evidencia más detalladamente el tallado en piedra, algo típico para realzar aún más la importancia de los personajes y de la historia en el tímpano para causar un impacto antes de entrar a la Iglesia.

Los artistas se esforz representar imágenes qu sensaciones de miedo para a lo pobladores y evitar que que era catalogado com pecadoras. Intenciones p supremacía religiosa.

Se observa un alto detalle en los relieves de los personajes humanizados y los animales que tienen un significado más simbólico, y el artista lo hizo con el fin de llamar la atención a las personas cristianas y no cristianas para mostrarles lo relacionado a la fe al ingresar a la catedral.

A partir de esta obra vem arte es modificado, por una humana y simbólica. Los dieron cuenta que podían mensajes más claros a las p figuras más realistas y ap rostro y cuerpo humano. Inc obras con expresiones facia son muy común en la Edad M los sacerdotes no estaban con esto.

La necesidad de resaltar la obra ya se dejó un poco de lado y pasó a ser segundo plano. Se reconoció lo válido de las etapas anteriores, por ello en el borde se observa un pequeño relieve meramente decorativo en forma de flores que acompañan a la imagen principal.

La religión en el tímpano resalta mucho a pa renacimiento, en este caso solo un sacerdote que muest de cristianismo, pero muy le len su mayoría expresa la h y una sensación de simpleza diaria del pueblo, lo que pe las personas se identifiquen

IÓN

zaban por ue brinden a así asustar e cometan lo mo acciones potencias y

MOVIMIENTO

La rigidez de las figuras crea un efecto distinto en el tímpano, limita mucho al público en crear un vínculo con la obra y el mensaje que esta quiere dar pues los cuerpos rígidos no reflejan ese realismo más humano.

COLOR

El color en los tímpanos es mayormente del tono natural de la piedra, ya que solo realizaban las técnicas de tallado en esta etapa del arte y todavía no era muy común ver construcciones o esculturas con colores, a menos que fueran los vitrales que contaban las parábolas de la iglesia.

mos cómo el versión más artistas se llegar con personas con pegadas al cluso existen ales que no Media, pues de acuerdo

En esta etapa del arte vemos cómo las figuras dejan del ser del todo rígidas y presentan un poco de movimiento como es el caso del tímpano de la Catedral de Burgos donde los personajes (los apóstoles) que están en la franja baja, están conversando. Esto se debe al avance más realista que le dieron al enfoque en las obras con fines religiosos para así llegar más al pueblo.

Al igual que el arte Románico, el gótico continúa usando el color natural de la piedra para las iglesias y en este caso los tímpanos, son del material de la piedra tallada.

ya no se artir del se colocó tra la idea evemente y humanidad a en la vida ermite que con este.

Al ser una obra que emplea principalmente la pintura, da paso al artista a crear un efecto de movimiento lo cual ayuda con la conexión visual entre las personas y la iglesia. Además, esta fluidez en los personajes brinda un realismo que permite representar la historia de mejor manera.

El color es un factor de suma importancia en esta etapa que lo diferencia de las demás y en este tímpano se evidencia eso con colores muy vivos y alegres mostrando la obra aún más real. Crea una bonita impresión visual dado así más ganas de entrar a la iglesia.

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Implementación de la características

Alto Medio

RELIGIOSIDAD

TAMA

Bajo Nulo

ROMÁNICO

Tímpano de Santa Fe de Conques

La religión es el tema central de la mayoría de las obras. Se observa a Jesús como eje central tomando un aspecto jerárquico gracias a la figura de "almendra" en la que se encuentra. Asimismo, los apóstoles y pecadores tallados alrededor poseen relevancia religiosa en la pieza.

En el periodo Rom tímpanos eran utiliza partes altas de las e las iglesias y espacios Solo se ubicaba un sobre la entrada pr recinto. Este tenía una mayor por su tamaño y

En esta obra la religión es el tema expuesto. Jesús como eje central es rodeado por sus apóstoles.

Asimismo, se ven ángeles y figuras con simbolismos religiosos que hacen la pieza completamente enfocada en la espiritualidad de la época.

Los tímpanos eran em una forma muy simila período Románico. S solo uno en la entrad de las iglesias y p jeraquía importante d posición y dimensión d

GÓTICO

Tímpano del Sarmental de la Catedral de Burgos

RENACIMIENTO

Tímpano de la Basílica di Santa Maria Novella

43

La religiosidad en el renacimiento deja de ser el tema central en la obra. Ahora pasan a ser las personas el eje central de las obras gracias al movimiento humanista. Como se aprecia en la obra se ven comerciantes junto al sacerdote y los ángeles.

En el Renacimiento l dejan de ser elemento im los recintos religiosos y desaparecer. A diferen anteriores periodos, se u lo general 3 tímpanos d habían 3 entradas al re medio era el jeráqu tamaño mayor y los secundarios y más peque

ÑO

mánico los ados en las entradas de s religiosos. n tímpano rincipal del a jerarquía y posición.

mpleados de ar a la del Se ubicaba da principal poseía una debido a la del mismo.

los tímpanos mportante de y empiezan a ncia de los ubicaban por debido a que ecinto. El del uico por su demás eran eños

TÉCNICA

La técnica empleada fue el tallado en piedra. Este aún no era muy perfeccionado y se pueden observar figuras un tanto estáticas y sin mucho detalle. Asimismo, se ve la falta de realismo, de orden y de contenido realmente bello de las figuras, pues son un tanto aterradoras.

La técnica para los tímpanos era el tallado de la piedra, ya que permitía hacer relieves de alto detalle que expresaban las expresiones humanas y los elementos como la simbología en los animales. Además en el arte gótico perfeccionan sus técnicas y hacen más uso del movimiento realista.

Se empleó el tallado y pintado en el tímpano. Este primero, es bastante preciso y con detalles bastante minuciosos. Por otro lado, se precia una técnica distinta, la pintura que es bastante prolija intentando representar una especie de persepectiva y profundidad en la escena.

COMENTARIO GRUPAL Surge un cambio importante al hablar del período Románico, Gótico y del Renacimiento. Los temas centrales de las obras empiezan a cobrar un sentido distinto. En ambos períodos Románico y Gótico, la religiosidad es el eje central de la mayoría de piezas, sin embargo en el Renacimiento esto tiene una variable sumamente importante y distinta. La época trae unas necesidades complejas y se cubren con el nacimiento de un movimiento humanista centrado en la importancia de las personas.

Ahora el ser humano era el centro de todo, y en el arte esto se ve reflejado claramente con intenciones y dimensiones representadas en diversas obras.

Por otro lado, este carácter de cambio es impuesto en la función del tímpano como parte importante de las Iglesias. En el Renacimiento los tímpanos pasan de moda y son olvidados. En el ejemplo expuesto se puede ver cómo la religiosidad ya no forma parte del carácter central de la obra y se exponen también a personas del pueblo en la pintura.

44

EP2

08 LA LUZ EN EL BARROCO CG2/CG3/CG7

Luego de ver la película "La joven de la Perla", tomar capturas de pantalla de dos escenas en las que se demuestre cómo la luz contribuye a las emociones que busca recrear una determinada escena. La luz debe analizarse no sólo como un componente funcional (que hace ver) sino como un elemento que puede acentuar las emociones. Esta es una idea muy potente en el barroco.

Trabajo hecho por: Francesca Torrico

ESCENA 1

Esta imagen hace referencia la escena en la película donde Griet se quita por primera y única vez su ve por un lado, la hace sentirse más "pequeña" con relación al resto de los miembros de la casa y por el otro, y lo usa como manto protector. Al quitárselo deja salir su verdadero ser, aunque con miedo pues al princ característico que resalta y por fin deja por un momento de ser mas que una simple empleada, un objeto, Vermeer le pidió que se sacara el velo pues el es el único que la ve a ella realmente y eso era lo que Johannes Vermeer la mira a escondidas, no por un tema sexual ni mucho menos de placer sexual, es aqu deslumbre hacia tanta belleza.

ILUMINACIÓN: Los detalles de luz y sombra juegan un rol muy importante en esta escena. Existe una luz fuerte y potente que opaca casi el resto del cuarto, hasta se podría decir que es deslumbradora a la vista. Una peculiaridad es que no es de iluminación artificial como si fuera intencional y forzado el hecho de la luz, sino que es una natural y blanca signo de es única, correcta y extraordinaria.

Esta da de forma directa frontal hacia Griet en general pero existe un brillo particular que da en su cara únicamente, como si fuera un ángel, haciendo énfasis aun mas en sus emociones y sentimientos de pureza y libertad.

SOMBRAS Y OSCURIDAD

1. LIBERTAD 2. INOCENCIA 3. VERGUENZA 4. TEMOR

El resto del cuarto no esta iluminado, incluso existen parte donde esta completamente negro y no se puede visualizar nada convirtiéndolo en segundo plano en la escena y así dando a entender que la importancia y el protagonismo lo tiene Griet por fin.

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Sent orde mom esce

*Como Griet v trabaja ahí, ella cuarto o hasta conversaciones, a entonces esta esc de roles en los pe

elo blanco. Ese velo blanco que tiene dos contrastes, , existe una parte en ella que se esconder del mundo cipio no quería quitárselo; muestra ese brillo interior y se vuelve una persona. Y es por ello que Johannes quería plasmar en su pintura de ella. En la escena uí donde se evidencia ese deseo noble, admiración y

timientos en en de los mentos en la ena

vive reprimida cuando a siempre es casi tercer, a ultimo plano en las actividades entre otros, cena muestra un cambio ersonajes hacia Griet .

CLARO OSCURO "Su brillo interior saliendo a la luz"

1. ADMIRACIÓN 2. DESLUMBRE 3. ASOMBBRO

¿PORQUE ESCENA?

ESTA

Escogí esta escena porque me parece que aunque si se note muy fácilmente que se le quiere hacer énfasis en Griet al posicionarla en toda la luz, existe un detrás de la historia muy profundo que lleva hacia este momento y en la escena misma existen detalles únicos sorprendentes como la luz que me ayudan a entender aun mas la personalidad de Griet y que sentía.

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ESCENA 2

Esta escena es sobre cuando la despiden a Griet de la casa injustamente solo por el hecho de que Johann recibía de su esposo, además de que uso sus perlas, sintió que la "empleada" estaba a su nivel. Griet no t reclamara. La imagen muestra la melancolía, el dolor y en especial la soledad que sentía Greta, ella toc simple sirvienta, su "libertad". En ese momento Johannes Vermeer se encuentra en esa habitación triste sab

ILUMINACIÓN: La luz esta siendo utilizada para dramatizar aun mas la escena. Existe solo una pequeña, casi NULA luz natural directa proveniente de la habitación de pintura que llega en una parte de la cara de Greta, marcando así esa habitación como símbolo de esperanza, desahogo mental y autonomía. Convierte la escena en una penumbra donde al ser casi todo oscuro Griet se desvanece en la oscuridad.

Esta luz intensa al ser reflejada en su cara nos permite a lo espectadores observar con detalle las expresiones faciales de ella en ese preciso momento de rechazo de la persona en la que tenia mas simpatía dentro de la horrible casa. Esta cara es de angustia, pena, y desconsuelo.

HA LLEGADO A SU FIN

SOMBRAS Y OSCURIDAD

Tanto en la primera pero mas en la segunda imagen se observa la gran cantidad de sombras y casi nada de Luz. Muestra que ya nada esta claro, todo se convirtió en un mundo de confusión, tinieblas y tenebrosidad.

En la segunda imagen cuando ya se aleja de la puerta y solo la mira a lo lejos donde ya solo queda la oscuridad y opresión.

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nes Vermeer pinto su retrato. La esposa por superioridad y celos de la belleza de Griet y la atención que tenia como defenderse ni quejarse pues en esa época no era correspondido que una clase social tan baja ca con su mano la puerta de la habitación de pintura, el único lugar donde ella se sentía algo mas que biendo que Griet esta ahí pero no le abre la puerta, ya no puede hacer nada por ella.

"Su brillo interior se perdió y tal vez para siempre"

1. ANGUSTIA 2. PENURIA 3. TRISTEZA 4. NOSTLGIA

¿PORQUE ESCENA?

ESTA

Me parece esta escena es una de las mas logradas en la película, en la que mas se muestra el uso de la luz como recurso esencial para potenciar un momento en este caso la melancolía de Griet. Por otro lado al crear estos efectos de sombra, me hace sentir como si yo sintiera por lo que esta pasando Griet, haciendo la escena aun mas real y fuerte.

No se nota su cara, se desaparece en lo oscuro 50

EP2

09 PREIMPRESIONISMO

CG2/CG3/CG7

Escoger una obra de arte impresionista y señalar lo siguiente: - 5 diferencias con respecto al barroco, al neoclásico y/o al romanticismo. Considerar técnica, temas representados, paleta de colores, función, etc.

- ¿Cuál crees que es el rol del espectador en la pintura elegida?

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

IMPRESIÓN, SO Datos de la obra Autor: Claude Monet Fecha de Realización: 1872 Técnica: Óleo sobre lienzo Ubicación: Museo MarmottanMonet, París (Francia)

Esta obra representa un paisaje de amanecer co de Havre, hacia el fondo entre la niebla matinal sol intenso anaranjado proyectándose en las agu algún punto creando una tonalidad única interrum

Esta obra al ser más que todo una estructura gr es esto lo que permite que se detecten detalles naranja del cuadro. Uno de los detalles más re colores una sensación de vaporización que invad

La composición aparentemente espontánea permite a las formas desaparecer casi p 53

OL NACIENTE

otidiano, donde se observa tres botes más cerca y a lo lejos otros navegando por el puerto l se encuentran algunos contornos de mástiles, chimeneas de las fabricas y finalmente el uas tranquilas de aquel mar. Por otro lado el cielo, el agua y los barcos a vela se funden en mpida por las mismas pinceladas de las siluetas.

ráfica del momento fugaz hace parecer que está en desorden o no terminada, sin embargo s como la hilera diagonal de los barcos que atraen la mirada del espectador hacia el centro levante es la humedad que tiene la misma obra creando a través de las pinceladas y los de la superficie y acentuando aun más las tonalidades.

Claude Monet Monet fue el pionero del movimiento imprecionista. De hecho, debido a su cuadro Impresión, sol naciente se nombra al movimiento. De pequeño empezó en el arte con las caricaturas que lo llevaron a estudiar pintura años después.

Monet se convertiría en un artista bastante experimental y poco comercial. Es así que en la exposicion de 1874 gana mucha fama con el cuadro mencionado anteriormente. Su estilo se vio definido por representar escenas de paisajes y de la sociedad burguesa siempre a través de su visión del momento.

or completo.

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COMPARACIÓN

IMPRESIONISMO

-Olvida los contornos definidos y el perfilad -Pinceladas que se observan a simple vista

-Se ven un conjunto de pinceladas sueltas imágenes, Las pinceladas no se valora equilibran toda la obra. Estas son gruesa sutiles, libres y precisamente ubica predominantemente en la forma de los vele salpicaduras de pintura en tonos grisáceos.

TÉCNICA DE PINCELADAS El crítico Louis Leroy comentó la primera vez que lo vio: " Al contemplar la obra pensé que mis gafas estaban sucias. ¿Qué representa esta tela?…, el cuadro no tenía derecho ni revés…, ¡Impresión!, desde luego produce impresión…" https://historia-arte.com/obras/elcuadro-que-dio-nombre-al-impresionismo

PALETA DE COLOR

-También se visualizan las manchas de col reflejos del sol en el amanecer, algo pecu amanecer este se refleja en el mar de f horizonte pero en este caso Monet los repr captando aun más ese momento.

-La mayoría de las pinceladas bases separadas una de las otras de tal manera q perfecta que tenga la potencia necesaria. E en la que Monet trabaja las pinceladas del agua dejando los rayos de luz más resaltan

-La clave no era hacer capas y capas de "correcto" en el lugar "correcto" con cada tr

Este tipo de pincelada ayuda a captar esa impresió

En la paleta de colores destacan grisáceos empleados en distintas la composición como en la neb barco.

Estos están comp contrastados con las tonalidades d intenso que se emplea para el a Monet utiliza la teoría de l complementarios descubierta en un químico llamado Eugene Che ello, es que al contraponers tonalidades permite que cada una sin la necesidad de utilizar el ne tono bastante oscuro.

Es importante señalar que casi no contraste de valores, pues al ver en blanco y negro se aprecia al algunas sombras lejanas como el principal. Así, el sol que vendría punto focal más llamativo importancia por su contraste de s y tono.

55

BARROCO

do de las figuras

-Pinceladas que controlan el volumen de la pintura, su espesor y su trasparencia -No existen pinceladas a simple vista

cortas, dinámicas que crean an solas sino que unidas as, rápidas, pero pensadas, adas, como se observa eros al fondo del mar, como .

lor naranja que muestran los uliar pues cuando existe un forma pareja a lo largo del resenta de diferente manera

y finales están ubicadas que permitiera lograr una luz Esto se evidencia en la parte l reflejo de los veleros en el tes.

pintura sino poner el color razo.

-Se pone mayor énfasis en la precisión del trazo, los distintos colores que manejan para esto y la variedad de pinceles para cada detalle de la obra para crear así una dramatismo aun mayor.

-A diferencia del impresionismo se utilizan pinceladas más delicadas, pero igualmente acertadas para la representación.

No existe una separación realmente distinguida en las obras, Rubens es un claro ejemplo con la Condesa de Brigida, el cómo utiliza pinceladas superpuestas a otras capas de color para dibujar las formas del vestido. .

ón fugaz de la naturaleza

los tonos partes de blina y el letamente de naranja amanecer. os tonos 1839 por vreul. Por se ambas a destaque egro o un

o existe un la imagen barco y a contraste a a ser el o cobra saturación

Condesa Brigida Doria, Peter Paul 1606

Spinolar Rubens,

BARROCO En el Barroco, se utilizaba la técnica del claroscuro para hacer destacar al protagonista del cuadro, en muchas ocsasiones eran personas. A diferencia de Monet y el impresionismo, se utilizaba el negro y tonalidades de valor oscuras para las sombras que le daban un contraste y dramatismo a la obra representada.

NEOCLÁSICO

La joven de la Perla, Johanes Vermeer , 1665

A comparación de las tonalidades complementarias de Monet, en el neoclásico se utilizaban los colores puros, pues la paleta era bastante reducida. Principalmente se empleaban tonos oscuros para los fondos que hacían que destacara la escena principal dándole así un simbolismo único a cada obra.

El juramento de los Horacios, Jacques Louis David , 1786

56

COMPARACIÓN

IMPRESIONISMO

La obra fue hecha decorativos y ser simple por el arte", ya que Mon escena experimental incidencia de luz en el de un amanecer.

FUNCIÓN

Esta obra recibió muchas críticas negativas en su época y especialmente por Louis Leroy, que en su cónica se refirió a este tipo de cuadros como la "exposición de los impresionistas"; y de esta manera se dio nombre a este movimiento, pero lo que empezó como un término despectivo, fue ganándose la apreciación de crítica y público.

El cuadro de Monet, fue apreciado como de mal gusto por la época ya que trataba de reflejar la belleza de un feo paisaje industrial.

Esta inspiración nace de hizo Monet, al puerto d 1872, donde hizo una cuadros a diferentes ho el día, durante la noche, y el amanecer. A Mone impresionante la veloci nuevos medios de tran rapidez con la que acontecimientos de la v que para él se debía rapidez con la que acontecimientos y lo donde se aprecia la belle entorno.

Lo innovador en el caso es que su objetivo reproducción exacta y r “motivo”, sino la imp tenemos de ella.

IMPRESIONISMO

Por efecto de la luz se logran difuminar mostrar la desmat que busca el mov Impresionismo.

Debido a las compactas y pastos de líneas definidas convierte en pr representando así donde se da el am paisaje.

LUZ

Al renunciar al uso de líneas como medio de expresión, se utiliza la luz que se hace con los colores primarios, que se mezclan en la retina; además, se deja de utilizar el negro para las sombras, y envés el uso de grises hechos con colores complementarios.

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Monet tuvo en co como un factor muy la utilización de luz cambia dependiendo del día o la estación

con fines emente "arte net pintó una sobre la agua dentro

un viaje que de Havre en serie de 6 oras, durante el atardecer et le parecía idad de los nsporte y la pasan los vida; además plasmar la pasan los s instantes eza fugaz del

o de Monet no es la realista del resión que

, las formas r y llegan a erialización vimiento de

pinceladas sas sin uso , la luz se rotagonista, el instante manecer del

onsideración y importante natural, que o de la hora n del año.

NEOCLÁSICO El movimiento de arte Neoclásico, en cambio crea obras con fines de mostrar ideales que estuvieran ligados a la ilustración, ya que nació de los burgueses que buscaban brindar educación a las clases bajas con el uso de metáforas, escenas históricas o mitológicas que mostraran un momento en el que se represente el ideal que ellos buscan.

La muerte de Sócrates, Jacques Louis David , 1787

En los cuadro neoclásicos siempre hay una doble lectura, ya que está lo visual, y lo que se debe analizar, ya que se debe ver qué valor quisieron representar en la escena. Antes de analizarlo las personas debían informarse sobre la historia, ya que se debe hallar su significado. Además la mayoría de obras del movimiento Neoclásico tienen un porqué a analizar, como los elementos, los personajes, la vestimenta y en sí la escena que a simple vista se ve sencilla, pero mientras más uno la mira, es más compleja.

Un claro ejemplo, que refleja esto es obra "la muerte de Sócrates" que representa la liberación del pensamiento impuesto por la sociedad, ya que buscaba que las personas tuvieran una propia opinión sobre las cosas, y que no se limitaran a lo que mandara el poder por su ignorancia.

BARROCO La luz se vuelve efectista, lo más importante son los contrastes marcados entre luces y sombras, complementada de una iluminación exagerada.

Resalta mucho la técnica de claroscuro y aunque esto en la realidad no se de de manera tan marcada, el barroco persigue los exagerado y centrar la atención del espectador en un personaje, objeto o lugar sin tener distracciones.

La vocación de San mateo - 1599 - 1600 Caravaggio

NEOCLÁSICO La luz que se utiliza en la mayoría de los casos es clara y fría.

Se implemento la técnica de claroscuro, que focaliza con una iluminación intensa a los personajes que interpretan la escena, dejando el resto del cuadro oscuro.

Además se centran en los efectos de la luz natural sobre los objetos y no solo en la representación exacta de la forma, ya que la luz difumina los contornos.

El 3 de mayo de 1808 - Francisco de Goya

58

IMPRESIONISMO

COMPARACIÓN

El tema principal es el paisaje, que ha sido representado capturando el momento en el que sale el sol al amanecer.

Además que el autor busca mostrar los instantes en que se mueven los barcos en el puerto y la naturalidad con la que se da la vida cotidiana.

TEMAS REPRESENTADOS

Dentro del movimiento impresionista no existen unos temas más importantes que otros, todos son válidos, lo importante es cómo se resuelve el cuadro, y si es capaz de capturar el instante.

Como antes se mencionó, esta obra tuvo muchas críticas, por la misma razón que mostraba "un feo paisaje" por el humo de las fábricas que protagoniza el fondo del cuadro. Debido a esto Monet buscaba cambiar la percepción de las personas hacia las cosas consideradas bonitas y las no tan atractivas a la vista.

Por esto mismo, este tipo de arte no fue entendido por muchos críticos, pero los jóvenes si lo pudieron percibir y rápidamente se volvieron fieles seguidores de Monet, lo que permitió que se expandiera el Impresionismo.

ROMANTICISMO La pintura romántica abandona los motivos clásicos para comprometerse con la realidad política y social de las naciones.

El tema predilecto de los pintores románticos son los paisajes, en su aspecto más salvaje y misterioso. Reflejan la lucha de la humanidad por la supervivencia frente a la naturaleza o problemáticas de la época .

También se pintan cuadros con temática exótica, dramática, melancólica y hablan de temas políticos como revoluciones.

La Libertad guiando al pueblo, Eugene Delacroix, 1830

El arte también es inspirado por ideales de la Revolución Francesa de 1789 y se planeaba recuperar las tradicionales nacionales,

59

ROL DEL ESPECTADOR EN LA OBRA En comparación con las anteriores épocas artísticas ahora la función del espectador es mucho más intensa, se le da a este la tarea de imaginar, unir, reconstruir la obra viéndola como un todo para darle sentido a los espacios "en blanco" menos definidos con la habilidad de la observación y detalle del mismo espectador.

Este rol es el resultado de la representación de la visión que el pintor tuvo de la escena escogida. Monet trata de captar su impresión al ver el amanecer en el puerto dándole un énfasis a los efectos más potentes como lo son la luz del sol y su reflejo en el mar. Así como lo explicó: "yo quiero pintar la atmósfera en la que están situados el puente, la casa y la barca. La belleza del ambiente en que se encuentran, y esto no es otra cosa que lo imposible”

Es importante señalar que la obra es de alguna forma borrosa e indefinida haciendo que el espectador tenga la tarea de dar una paso a atrás. De esta forma, Monet les enseña a no ver simplemente lo que esta al frente de ellos sino que retrocedan y vean la atmósfera completa para así darle un mayor sentido. Puesto que, mientras más lejos y con más detenimiento veas la obra, más cohesionada está la imagen.

Un ejemplo de cómo Monet invita al espectador es cuando se observa el reflejo del sol en el mar, donde gracias a los colores y a las pinceladas rápidas crea en la retina del espectador una impresión que lo obligará a comprender y participar de manera activa en la contemplación del cuadro.

Monet explicó su cuadro de la siguiente manera: "El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea,.. desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havre y dije "pongan impresión" Esta es la impresión que quiere Monet causar en los espectadores, que ellos mismos se puedan ubicar en el lugar de la escena y perciban el rayo de luz, el viento, el sonido de las olas del mar. Lo más importante no es hacer la escena perfecta como una fotografía sino subjetiva para que así se acomode a cada espectador de forma diferente.

http://ejemploscomentariosarte.blogspot.com/2015/11/impresion-solnaciente.html

60

EP2

10 NEOCLASICO

CG2/CG3/CG7

Escoger una obraa de arte neoclásico: 1. Describir brevemente cuál es el mito o evento histórico que el artista está representando. (6 puntos) 2. Explicar cómo ese mito o evento histórico se ve reflejado en el cuadro. ¿Qué escena se escoge? ¿Qué elementos/emblemas/detalles se utilizan? (8 puntos) 3. ¿Cuál creen que es la idea principal detrás de la obra, más allá de la narración del mito o evento histórico?

Trabajo hecho por: Francesca Torrico, Gabriela Arnillas, Luciana Corzo

EVENTO HISTÓRICO En 399 a.C Sócrates es acusado, enjuiciado y condenado a muerte. Él fue uno de los filósofos más importantes de todos los tiempos que se centró en el estudio de la Ética y la moral y que llegaría a ser el primero de muchos otros que cambiaron la visión del mundo y su conocimiento de él.

Anito, Meleto y Licón, tres filósofos que van en nombre de los poetas, políticos y oradores respectivamente, acusan a Sócrates de corromper a la juventud y de introducir nuevos dioses.

Sin embargo, él ya cargaba con calumnias y difamaciones de muchos otros acusadores anónimos que le crearon una mala fama que lo llevarían a su acusación formal.

Cabe recalcar que ambas acusaciones tuvieron argumentos basados en por un lado, la intención de Sócrates de ayudar a los jóvenes a pensar por sí mismos y que no cayeran en falsedades del poder. Por otro lado, la acusación de proposición de nuevos dioses fue impugnada, pues Sócrates creía que tenía una "divinidad" dentro suyo que realmente no era más que la sabiduría que él poseía. Se realizó un juicio para que pudiera defenderse en el cual se designaron 500 jueces por sorteo, sin embargo, la popularidad del acusado hizo que el proceso estuviese polarizado desde el comienzo.

Sócrates expone sus argumentos siempre hablando con la verdad y sin mostrar arrepentimiento alguno, pues él creía que había actuado de forma correcta. No trató de reducir su condena, pues incluso se le dio la opción de huir o pagar una fianza, pero él no aceptó ninguna de las propuestas.

Sócrates optó por reivindicar su trabajo de vida cumpliendo la ley que se le impugnaba. Finalmente, se le encontró culpable y se le sentenció a muerte. Murió a los 71 años, tras beberse un vaso de cicuta, veneno que se utilizaba desde el antiguo Egipto para la ejecución de reos.

Álvarez, R. (2020, 3 julio). Sócrates: una pésima defensa y un final aceptado. La Vanguardia. https://www.lavanguardia.com/historiayvida/historia-antigua/20200703/482054362631/socrates-greciaatenas-juicio-cicuta-filosofia-platon.html Fernández-Blanco Inclán, J. (2018, 11 abril). A 2000 años de la muerte de Sócrates. La otra h. https://blogs.herdereditorial.com/la-otra-h/la-muerte-de-socrates-para-la-filosofia/

63

IDEA PRINCIPAL DE LA OBRA Unos años antes de la Revolución Francesa, La muerte de Sócrates fue encargada por los hermanos Trudaine de Montigny, dos reformadores políticos que pedían una alteración de las normas francesas, ellos querían una participación en el sistema político, buscando así la democracia. Para ellos Sócrates era un símbolo de heroísmo, ya que él representaba al mártir que se sacrifica por sus principios en lugar de aceptar el exilio y la vergüenza.

La obra de Jacques-Louis David, muestra cómo la muerte de Sócrates trasciende mas allá del hecho histórico. Esta se basa en la liberación del pensamiento terrenal impuesto y la valentía ante la defensa de los ideales. David con esto quiere hacer un llamado a todos los franceses sobre cómo deberían de actuar dejando de lado la cobardía y debilidad que los discípulos representan siempre a oscuras. Los invita a verse reflejados en Sócrates que se encuentra iluminado en posición recta siempre mostrándose con la cabeza en alto.

David propone el acercamiento al pensamiento filosófico de Sócrates, pues la muerte no debe ser temida, sino más bien aceptada.

Este era el mensaje ético que David buscó darle a los franceses dos años antes de la Revolución Francesa. La monarquía estaba en declive y en ese momento los reformistas deseaban instalar una democracia como la de los tiempos de Sócrates en la Antigua Grecia. Era hora de que salgan a defenderse y buscar una revolución ideal con el fin de cambiar el campo político y social de Francia aunque eso signifique morir en el intento.

El neoclasicismo interpretado por David fue muy importante en ese entonces, uno de los más reconocidos, pues logró plantear sus argumentos de manera severa y contundente con símbolos importantes. Esto fue una directa oposición al estilo dominante Rococó, que solo reflejaba los estilos de vida caprichosos de la monarquía. David marcó un antes y un después en el arte neoclásico trasmitiendo mensajes tan poderosos. Además él fue partidario activo de la Revolución siguiendo su propio principio de valentía y defensa por los ideales.

Pérez, C. P. (2019).

La muerte de Sócrates (TP https://fido.palermo.edu/servicios_dyc/portfoliodc/archivos/77265_86266_14646.pdf

1.).

64

ANÁLISIS DE Datos de la obra Titulo: La Muerte de Sócrates Autor: Jacques-Louis David Fecha de Realización: 1787 Técnica: Pintura al oleo

La obra muestra la escena exacta en la que se sobre al muerte de su maestro. Refleja sus últ beber el aceite de cicuta, una planta venenosa Se aprecia al centro a Sócrates en posición mostrándoles así la última lección filosófica c como natural de la vida, algo glorioso y digno.

Lira

Formato La forma de esta obra es muy peculiar, al ser horizontal brinda así dos modos de leerla, de derecha a izquierda donde si lo miramos desde el punto de vista de Platón empieza a desarrollarse la obra casi como un dinamismo cinematográfico frente a nosotros de la memoria de Platón sobre los hechos. Por otro lado, si la vemos de izquierda a derecha le brinda un significado diferente, en el que se ve la angustia de los seguidores de Sócrates y se abre a la expresión de calma de él mismo y fluye hasta su brazo derecho, que se ubica la copa de veneno tomando la obra como un todo y solo en un plano.

#1 ma

vi

de Da

Estos representan las escrituras del juicio que hizo Platón, ya que él al no estar presente, entrevistó a las personas que estuvieron, para así plasmar el testimonio de Sócrates.

65

Discípulos

d

F

ir

La Lira es sinónimo del arte y con la muerte de Sócrates este arte se detiene y una parte desaparece.

Pe

rga minos

Al estar ubicados en una caverna esto hace referencia al mito de la caverna de Platón donde se usan las cadenas para atar a las personas a la ignorancia donde no le permiten mirar mas allá. Al estar las cadenas abiertas simboliza esa libertad de pensamiento e ideas propias, no los impuestas.

Cad

e

E LA OBRA

e da la muerte de Sócrates en la caverna, es la interpretación de los recuerdos de Platón imos momentos como el gran filósofo. Donde bajos los cargos impuestos es sentenciado a a. de tomar el toxico, acompañado de sus estudiantes que de encuentran a su derecha, como maestro, que la muerte no debe ser temida sino que debe ser valorada y aceptada

Cicuta

Símbolos 1) La pose de sócrates David el autor, coloca su brazo señalando hacía arriba, apuntando con un dedo apuntando hacia el cielo. Esto es una representación filosófoca platónica, que este siempre apunta hacia lo alto.

La escuela de Atenas, Rafael (1511)

2) Número de personas Según los escritos de platón en este momento habían 15 personas, pero David los reduce a 12, es decir, 6 a cada lado; haciendo referencia a la pintura de la última cena por el número de apóstoles. Sócrates era visto como un Jesús (un ícono) y las personas querían aprender de él.

La última cena, Leonardo da Vinci (1495 - 1498)

Socrates

ir

Debajo de Critón, podemos ver que David ha firmado su propio nombre señalando un sentimiento de conexión con Sócrates y deseo de estar ahí en la lucha por él.

#2 ma

i

d

En el suelo se ven las cadenas abiertas, símbolo de la liberación tanto de el mismo como de la ignorancia que mostraba Atenas sobre las acusaciones de que el trasmitía el verdadero mal

F

enas

El espacio entre la copa y la mano, es el foco de máxima narrativa, ya que Sócrates lo recibe con tranquilidad (aceptando su muerte), mientras que el guardia baja la mirada.

v de Da

66

Personajes y Sentimientos

1

Sócrates

Es significado de:

Fortaleza y valentía sobre su poderosa pasión

En ese momento Sócrates le esta conversando sobre la inmortalidad del alma y dado su ultima lección de valores morales.

EXPRESIÓN FACIAL:

Compromiso estoico filosófico al controlar sus sentimientos por un ideal abstracto, incluso en el momento de su muerte

2

Él se encuentra sereno como si pareciera no importarle el hecho de estar a punto de tomar el veneno que lo matara. Y desafiante hacia lo que le espera en el mas allá señalando con su dedo hacia el cielo

EXPRESIÓN CORPORAL: David lo idealiza, como sabemos momento Sócrates tiene 70 años y de mucho menos músculo de como lo haciendo la obra un poco irreal. Por otro el único que no toca el piso en la obra, un ladrillo, con la idea de que Sócrate esta en el este mundo, sino por encima actitud y su pensamiento.

Objetivo de David: repre un hombre hermoso y p

Platón

EXPRESIÓN CORPORAL: Se le ve cabizbajo y pensativo sentado a los pies de la cama de Sócrates con las manos cruzadas quieto.

SENTIMIENTOS: Triste: Sócrates fue su maestro y había una relación de respeto entre ambos, pues eran cercanos.

Impotente: Platón recordaba el momento como una injusticia hacia su maestro.

3

Platón es representado a pesar de no haber estado presente.

QUÉ REPRESENTA:

2

La escena es como una proyección de Platón, quien es representado como un anciano, pues el espectador no está en el evento sino en el recuerdo que Platón creó del acontecimiento.

EXP

Critón

EXPRESIÓN CORPORAL:

SENTIMIENTOS:

Critón, el estudiante mas viejo y fiel, se encuentra sentado a su lado mientras mira detalladamente a Sócrates y le agarra la pierna como si estuviera aferrándose a el.

Contempla a su maestro con preocupación, profundo respeto y admiración inspirado por la dignidad que este tiene hasta el ultimo momento, Le entristezca su partida y la injusta sentencia.

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4

5

4

en ese e seguro o pinta, o lado es lo eleva es ya no a con su

Verdugo

EXPRESIÓN CORPORAL:

QUÉ REPRESENTA:

El guardia de Sócrates tiene la mirada hacia abajo y se tapa los ojos con su mano.

Además no mira a Sócrates mientras le entrega la cicuta.

El guardia sosteniendo la copa, representa la llegada de la muerte a la vida terrenal ó según Sócrates la liberación de su alma.

SENTIMIENTOS: Pena: El guardia ya se había familiarizado con la sabiduría que representaba Sócrates y sentía lástima por su destino final.

esentarlo como perfecto

5 1

6

Esposa de Sócrates (Jantipa)

EXPRESIÓN CORPORAL:

QUÉ REPRESENTA:

La esposa de Sócrates se queda parada en las escaleras y con la mano se despide de su esposo.

Según investigaciones se estima que Jantipa tenía alrededor de 30 años, ya que cuando ella lo va a visitar le lleva su hijo en brazos, esto quiere decir el dolor de una esposa al perder a su compañero y quedar viuda.

SENTIMIENTOS:

3

PRESIÓNES FACIALES:

Según las expresiones faciales de Jantipa vemos como tiene una mirada seria y triste, ya que luego de irse de la caverna, nunca más lo volvería a ver.

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Discípulos

EXPRESIÓN CORPORAL:

QUÉ REPRESENTA:

Los discípulos se curvan y retuercen, agarrándose con las manos el rostro y otros muy serios.

Representan la desesperación por perder a su maestro, ya que este les abrió los ojos, y los sacó del pensamiento monótono impuesto por su gobierno; por lo que de alguna manera los hizo libres.

SENTIMIENTOS: Desesperación, tristeza, dolor, impotencia.

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Composición Simetría

Ejes a) La obra es cerrada en su composición, ya que el eje central es la copa del veneno que se encuentra al medio de la composición, además Sócrates el personaje principal de la obra, está por tomarlo.

b) También se puede considerar a Sócrates como eje central, ya que la mayoría de los personajes tienen la mirada en él; pero la copa tiene mayor peso en la pintura.

Elementos DIVISIÓN: En la pintura hay un división entre Platón y Sócrates, ya que en la pared de atrás existe una línea que los divide.

PLATÓN: Además vemos que todas la escena proviene desde la nuca de platón y le da vida a la obra.

LÍNEAS GUÍA: Las Líneas de guía recaen en la cicuta lo que hace que la mirada de todos recaiga en esta.

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la obra no es simétrica, ya que lado derecho de la obra no refleja la imagen del lado izquierdo de la pintura. Aún así hay un equilibrio ya que Sócrates que esta ligeramente al lado derecho se compensa con el guardia que le da el veneno.

Ambos personajes tienen la misma luminosidad y composición en la obra; a la derecha están los seguidores de Sócrates, y estos se equilibran con el peso compositivo de Platón y las personas en el fondo izquierdo.

Movimiento DINÁMICO: El movimiento dentro de la obra es dinámico, ya que se captura a los seguidores de Sócrates y a las personas del fondo, donde también esta Jantipa.

FORMAS: 1. Curvas: a los personajes del fondo y a los seguidores de Sócrates los dibuja en base a curvas, dándole así la sensación de movimiento y marcando su debilidad.

2. Rectas: Sócrates es el único personaje que ha sido dibujado en base a líneas rectas, que representan su posición tranquila y fuerza; esto hace un contraste con el sufrimiento de sus seguidores.

Iluminación y Color Luz Esta luz se encuentra de forma natural, ingresa directamente hacia 3 personas.

En Sócrates en el tono mas claro de toda la obra porque es no solo el centro de la obra sino también es la luz de la filosofía un ejemplo a seguir por todos.

Platón que aunque toda la obra es un recuerdo reproducido de él, igual se encuentra iluminado para darle enfasis en sus emociones.

El verdugo también mas iluminado por el hecho de que es el quien va a cometer la mayor injusticia y finalmente

Ocuridad

1

Una de las partes mas oscuras es precisamente donde esta Jantipa que no puede ver a su esposo morir y un discípulo que tampoco puede ver a su maestro morir.

Apoya el efecto profundidad en la obra

2

LUZ

OSCURIDAD

de

Por otro lado al extremo derecho se encuentran en oscuridad los discípulos pero sus pies ante todo se ven mas claros lo cual no es muy realista pues debería de estar ocursos también pero David lo hace con el objetivo de marcar que ellos siguen pegados al mundo., por eso se lamentan, por eso están en dolor, no logran entender como separarse del mundo. Se le pone énfasis en la forma de los pies, están medios levantados, en puntas, muestra ese esfuerzo que hacen los que recién están aprendiendo filosofía, en este caso los disipulos tratando de separarse del piso.

Color Se trata de mantener una paleta de colores uniforme para mantener una estética armoniosa. Predominan los colores cálidos en el vestuario y en la pigmentación de la piel.

Los colores no son tan intensos debido a que recibió muchas críticas en su pintura "El juramento de los Horacios".

El rojo funciona como color subordinado para resaltar algunos personajes secundarios y llamar la atención del espectador.

El blanco es el color principal que se utiliza en el vestuario de los personajes principales, Sócrates y Platón para darles importancia.

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EP2

11 TRABAJO FINAL

CG2/CG3/CG7

1) Suspendiendo por un momento criterios éticos y prácticos, si pudieras robarte una obra de arte, ¿cuál sería y por qué?

2) Relata brevemente la historia de un objeto utilizando tres obras de arte de tres períodos diferentes.

Trabajo hecho por: Francesca Torrico

¿QUE OBRA ME ROBARIA Y PORQUE?

Titulo: "La matanza de los inocentes",

Autor: Pedro Pablo Rubens.

Fecha: 1612

Sin pensarlo dos veces definitivamente me robaría la obra de Pedro Pablo Rubens, "La matanza de los inocentes". Se que puede sonar algo frio o fuerte decir que es mi obra favorita, pero si lo es y les diré porque. Esto viene por un tema de verdadera admiración, al autor y a la obra, como Rubens puedo representar majestuosamente la escena que estaba pasando ahí, aunque a muchas personas les parezca algo vulgar o sangriento yo sinceramente creo que es una obra de arte por como de algo 2D como una pintura logra mostrar sentimientos y sensaciones de los personajes y en especial evocando tensión a nosotros los espectadores al observarla. Muy pocos artistas pueden lograr aquello, hacer una obra que te ponga los "pelos de gallina" pero en el buen sentido. Yo desde chica siempre he pintado y dibujado entonces al ver este cuadro es como un ejemplo a seguir para mi en todos los sentidos. Desde el día que la vi me quede impresionada con la calidad, la excelente definición de los cuerpos, la expresiones faciales tan reales tanto de los hombres como la de las mujeres sufriendo, la forma corporal en la que se encuentran todo, el movimiento que crea, el uso de color entre mucho otros mas. La matanza de los inocentes fue un episodio relatado en el que entran personas enviadas por Herodes a matan cruelmente a los bebes de las mujeres donde muestra el dolor, lucha e impotencia de ellas.

Antes ya había visto obras que representaban la misma escena de la matanza de los inocentes como la de Giotto en 1305, pero nada en comparación a la versión de Rubens que verdaderamente produce una tragedia eminente.

Esta obra al pertenecer al Barroco, lo que Rubens intenta hacer es mostrar la cruda realidad, no lo hace perfecto sino tal igual como es y eso le brinda mucho mas valor.

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En lo personal siento como si estuviera dentro de la escena de la matanza mirando desde lejos el momento que esta pasando. Me produce tantas emociones hasta podría decir que he llorado pero no de tristeza sino de admiración, no sabría como explicar este sentimiento, pero no me pasa con ningún otra obra, por eso es tan especial para mi.

Entrando un poco mas en la obra en si a continuación quiero mostrar unos aspectos por los cuales me "la robaría".

01 Cuerpo La piel la maneja muy bien, la forma de la musculatura de los hombres mas marcada para mostrarlos como bestias, como verdaderos seres crueles porque si tuvieran ropa como las mujeres ya no se vería ese detalle. (VS la debilidad que muestra la mujer).

También las marcas de los humanos son mucho mas reales, el cuerpo se marca mas, por ejemplo hay partes mas rojas eso se da cuando alguien te agarra fuertemente, así mostrando verdaderamente la lucha de que le están robando a sus bebes

02Composision Al no haber líneas rectas compositivas y solo curvas y diagonales se ve como si estuviera a punto de pasar muchas cosas terribles al mismo tiempo.

El movimiento que genera, uno encima de otro luchando.

03 Color No es un solo color de piel para todo, sino diferentes entonces se identifica más fácil quienes están sufriendo y quienes están empezando la lucha, además se observa el uso del color para aquellos que ya están muertos, por ejemplo los niños de color azul muy cruel. Por otro lado el color rojo para la sangre toma real importancia en esta escena, se encuentra dispersada en todos lado, en especial en la columna izquierda, mostrando la terrible forma de matanza. (Esa parte no me gusta mucha pues me da un poco de miedo, la forma en la que el hombre con toda su fuerza quiere tirar al bebe)

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EVOLUCIÓN DEL CANON DE BELLEZA FEMENINO EN EL ARTE

La percepción de lo que se "considera" como la belleza femenina hoy en día ha sufrió una profunda metamorfosis muchas veces durante nuestra historia con muchos ideales apareciendo y desapareciendo cíclicamente. La manera como ha sido representada, vista y tratada ha cambiando notablemente y esto porque se debe, si la belleza es algo relativo, ¿Por qué en un momento del tiempo se considera de una forma y en otro punto de otra?, ¿Qué es lo que varia?, ¿Quién es el que decide como y cuando? Antes de empezar me gustaría aclarar el significado de "canon" este se le define como un modelo que reúne las características que se consideran PERFECTAS en su genero, especialmente haciendo referencia a la figura humana y sus proporciones físicas IDEALES. Resalto estas dos palabras: perfectas e ideales pues no existe tal, sino que el canon de la belleza femenina va a ir dependiendo de las creencias del momento ya sean religiosos o sociales, adecuándose a los conocimientos de la época disponible, las técnicas artísticas dominantes, la libertad, entre otros.

PREHISTORIA Es sorprendente como desde la Edad de la Piedra en Europa hace aproximadamente 25.000 años existía o ya empezaba a salir a la luz las primeras ideas o expresiones conocidas de lo referente a la belleza femenina. Estas están contenidas en figurillas, llamadas colectivamente Venus, en especifico lo mas resaltante la Venus de Willendorf.

Esta escultura me parece un poco perturbadora por varias razones, una de ella va por el hecho de que se caracterizan por la ausencia de rostro y pies, lo que los hace más simbólicos que personales. La mujer en aquella época no tenia mucho lugar que digamos, era considerada un símbolo mas no algo significativo y al no tener facciones la Venus da a entender que lo único que se admiran es la forma del cuerpo. En contraste se debe mencionar que al no tener muchas herramientas artísticas era mas complicado esculpir.

La Venus ciertamente no se ajusta mucho a nuestro sentido actual de un cuerpo ideal; se cree que estas imágenes iban ligadas con la idea de un homenaje a la fertilidad, la capacidad de sobrevivir en condiciones difíciles y también de parir y criar hijos sanos y fuertes, algo super importante para los hombres. La acumulación de grasa puede verse como un medio de almacenar energía cuando las fuentes externas esperadas estaban fuera del alcance. Se podría deducir que los hombres las escogían con los órganos reproductores muy marcados (pechos, vientre, caderas anchas…) para que a la hora del alumbramiento les resultase mas fácil y no muriesen durante el parto y tuvieran mas niños.

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Como se observa en la imagen de Venus, los hombres preferían a las mujeres de grandes senos y caderas anchas, no era importaba otra parte del cuerpo. No se trataba de ser realista al crear la Venus sino de mostrar cuales eran las "ideas" de los hombres hacia la perfección de la mujer. Es aquí donde me cuestiono ¿Era en realidad un modelo de belleza o simplemente era lo que se podría denominar como los principios de sexualización hacia la mujer?

Anatómicamente analizando la escultura es imposible las proporciones en especial de las manos y los pues que podríamos deducir que como no eran "útiles" y "sirve" para algo de fertilidad o beneficio alguno para los hombres la ponen extremadamente delgada, casi como si no estuviese ahí, sin importar.

Sin duda alguno se traba de un canon estetico.

ANTIGUA GRECIA El concepto de belleza clásica ha influido profundamente en el arte a lo largo de la historia. La belleza se basaba en la simetría, física y mental armonía, equilibrio proporción s y la relación matemática de las partes al todo, conocida como la sección áurea. Se le dio la tarea principal del artista a dar un patrón de contorno idealizado del cuerpo humano en proporciones exactas para ganar Equilibrio y Armonía. El canon de la belleza femenina tuvo un cambio mas a lo simétrico, extracto y "perfecto" pues era una belleza calculada literalmente. Un gran ejemplo es la estatua de la “ Venus de Milo” una de las mas famosas en la historia del arte, esta se convirtió en el símbolo de la belleza femenina clásica con atractivo universal donde las proporciones matemáticas producían, lo que se pensaba, un perfecto equilibrio y armonía.

Venus de Milo contiene muchas asimetrías faciales intencionadas que son muy difíciles de notar a menos que uno mida cada detalle o aplique una cuadrícula.

"Venus de Milo", Alejandro de Antioquía, 130 a. C.-100 a. C.

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El modelo de belleza ya no se trataba de resaltar lo "útil de la mujer" como en la prehistoria sino lo verdaderamente perfecto físicamente por lo que esto ya no se podía poner en discusión. Ya no dependía era mas rellena o mas flaca ahora había un "medida exacta" para la cual calificar para ser considerada bella. Por ello se observan los pechos mucho mas chicos y "proporcionados" a su cuerpo.

Por otro lado la desnudez fue un factor importante, los artistas querían resaltar la forma del cuerpo pero no vulgarmente pues no era aceptado en aquella época, por lo que cubrian la parte intima en forma de tela, haciendo la ilusión que se esta cayendo y se quiere ver algo pero no.

BARROCO Los ideales de belleza fueron redescubiertos y se convirtieron en parte de la vida cotidiana. El estilo antiguo clásico con simetría, matemáticas y proporciones revivió con los cuerpos de las mujeres representados de manera más voluptuosa y bastante redondeados con elegantes brazos y piernas. Con pechos pequeños y firmes, tez blanca delicada como de porcelana, labios rojos y mejillas sonrosadas que se visten con un poco de carmín, lo suficiente para demostrar el aspecto joven, saludable y vigoroso de la mujer. Así mismo se estilaba un cabello rubio y largo, con una frente despejada y ojos claros.

Como vemos la idea del canon de la belleza femenina cambio completamente a uno mas real y un claro ejemplo es la obra de Rubens "Tres Gracias" Siempre ha sido una controversia la polémica a lo largo de la historia sobre tema de la desnudez como símbolo de pureza y nunca debía a estar representando al publico pues existía mucho pudor. En el Barroco eso cambio, se procura no solo mostrar las cualidades físicas de las mujeres sino también de acentuarles de forma erótica y sexual donde como se observa en la obra se destaca la carnosidad palpitante de las mujeres y su esplendor vital. La forma mas provocadora posible relatando sus extremidades, las piernas tan poderosas y lo mas relatante también son esas sonrisa de las dos mujeres y la miradita hacia atrás de la mujer del medio como si se "hiciera la loca" de que esta desnuda y que todos pueden ver su cuerpo, aun mas erótico. .

"Tres Gracias", Pedro Pablo Rubens, 1636-1639

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La forma en la que las mujeres se están tocando entre si y la celulitis en las piernas, brazos, espalda con un pedazo de tela trasparente que no cubre nada es algo super revelador y erótico, se encuentran están totalmente descubiertas, no era como antes donde se tapaban las partes intimas en cambio ahora las acentúan. El canon de la belleza sigue siendo algo un poco sexualizado por los hombres de la época, entre mas rellenitas mejor, la única diferencia por ejemplo con la Venus de la prehistoria es que antes tenia un fin de utilidad por supervivencia y ahora eso cambio a un fin útil sexual, de deseo y pasión

CONCLUSIÓN El canon de la belleza femenina sin lugar a duda a evolucionado para bien o para mal es difícil decir en realidad. Se vio como al principio en la Prehistoria el modelo perfecto de la mujer respondía a una motivación primigenia por representar todo aquello que era mágico para el hombre primitivo y que impresionaba sus sentidos: el amor, el sexo, la reproducción. Luego mas adelante en la Antigua Grecia tenia que ver por un tema de simetría, proporciones, ya no tanto en lo útil que puede ser la mujer sino mas centrado en matemáticamente que tan bella debe ser. Y finalmente como todo eso cambia de forma radical con el Barroco donde el canon era mujeres que fuesen de tez blancas, robustas y provocadoras, mucha mas libertad definitivamente pero igual respondían al hombre y a lo márgenes que este daba y sentía. Si seguimos con la evolución de la belleza femenina y el arte hasta el día de hoy pues es muy diferente, este "modelo" esta en constante cambio y lastimosamente siempre va a existir. Finalmente lo que quiero terminar diciendo es que en todas las épocas han existido estas ideas de perfección, de como debe ser, cuando en realidad no es así cada mujer es diferente y única

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REFLEXION FINAL Este ciclo fue una experiencia verdaderamente enriquecedora desde el día 1. Empezamos viendo cuales fueron los inicios del arte desde la prehistoria, algo sorprendente conocer como el arte tenia un función muy distinta a lo que conocemos hoy. Yo desde chica siempre he pintado y me encanta trabajar con oleos y acrílicos pero nunca había investigado sobre el arte en si sobre como evoluciono a lo largo del tiempo, sobre las distintas técnicas de materiales o pinceles como las del impresionismo que fue una de mis clases favoritas, o por ejemplo la forma en la que manejan los colores algunos artistas, colores que no se usarían para ciertas cosas como el naranja para el cielo como Edvard Munch.

A lo largo de este ciclo he aprendido a valorar mucho mas las obras de arte y entender que existe métodos y componentes tridimensionales importantísimos como la iluminación, la jerarquía de algunos objetos, la perspectiva, colores, entre muchos otros mas. Comprendí como el arte cambio, antes era enfocado en algo super realista y tangible y ahora luego de varias etapas el arte es mas "libre" y nosotros los espectadores estamos involucrados cada vez mas.

La explicación detallada de la profe verdaderamente hizo la diferencia, me divertí mucho analizando cada obra y participando en clase pues fue muy dinámica.

Finalmente quiero decir que este curso de Historia del Arte sin lugar a duda, ha sido uno de mis favorito hasta ahora no sólo por la variedad de los ejercicios interesantes de obras, de distintas épocas del arte sorprendentes sino también por el hecho de que éste curso me abrió la mente hacia la interpretación del arte, la mejor forma de "sacarle el jugo a las pinturas", a no solo analizarlas de forma superficial sino entender y reflexionar sobre su significado.

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INFORMACIÓN DEL CURSO NOMBRE DEL CURSO Historia del Arte SECCIÓN 322 NOMBRE DEL PROFESOR Cristina Isabel Dreifuss Serrancri

SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días

II. OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

III. OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica

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996372295

francescatorrico@hotmail.com 20202102@aloe.ulima.edu.pe francescatorrico2@gmail.com

Pasaje isabellita 164. Urb. Monterrico Surco, Lima. Perú

Mi nombre

es Francesca Torrico Menacho, tengo 18 años

estudio actualmente en la Universidad de Lima segundo año.

Me gusta pintar, y dibujar, de niña participé en varias exposiciones de arte. Decidí estudiar arquitectura porque siempre me ha intrigado los planos, el cómo diseñar una casa, una edificación importante, y aún más hoy en día ya que hay muchísima más flexibilidad en las ideas arquitectónicas por la modernidad. Soy una persona creativa, desde chica siempre me ha gustado hacer mis trabajos, tareas del colegio con muchos colores, plumones, témperas, todo lo que encontraba para que se vea llamativo y armonioso buscando nuevas formas de hacerlo cada vez para que no sea lo mismo. La creatividad es esencial para la carrera. Esto me ayudara a buscar diferentes alternativas de solución en caso salgo un imprevisto. Me considero una persona organizada y disciplinada, una habilidad que se requiere en esta carrera para distribuir bien el tiempo para cumplir con las diferentes tareas en especial para arquitectura ya que se tienen que realizar las maquetas que toman más tiempo.

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CV

EDUCACIÓN 2007-2010 2010-2019 2020-xxxx

INTERESES

Jones Lane Elementary School Liceo Naval Almirante Guise Universidad de Lima

Reconocimientos: Quinto superior en el colegio Decimo superior de 4 y 5 de secundaria Certificado y diploma de la participacion del programa “elideres” Certificado en el programa de bachillerato internacional Decimo superior en estudios generales en el ciclo 2020-2

HABILIDADES PROGRAMAS

IDIOMAS TECNICAS ARTISTICAS

Español Ingles avanzado

APTITUDES Respetuosa Honesta Amigable Responsable Positiva

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