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STAFF Octubre / Cine

Foto: Isis López

DIRECTORA Ximena Espinosa Morey EDITORA Chiara Rizo Patrón Labarthe DIRECTOR DE ARTE & DIAGRAMACIÓN Felipe Esparza EDITOR FOTOGRÁFICO Alonso Molina COORDINACIÓN & COMUNICACIÓN María del Pilar Vicente SOCIALES & PR Marisol Tudela Corrección de Estilo Javier Salvador Redactores Ricardo Hinojosa, Camila Ferraro, Valeria López Cano, Vanessa Podestá, Marisol Tudela, Denisse Sotomayor, Javier Salvador, Daniel Goya, Inés Barúa, Gianmarco Mendoza. Fotografía Camila Rodrigo, Ronald Martínez, Victor Idrogo, Walter Higueras, Sebastián Incio, Mario Malone, Italo Campoblanco. Retoque Fotográfico Ale Hop Colaboradores Jacques Ferrand, Andrea García, Vanessa Vila, Letizia Poirier, Nina Medina, Isis López, César Becerra. Agradecimientos Neomutatis, Ripley, Estereofónica, Dédalo, Expresiones, Nu, Fundo Tres Luces.

FOTO: JACQUES FERRAND STYLING: ANDREA GARCÍA Y VANESSA VILA DIAGRAMACIÓN: FELIPE ESPARZA RETOQUE: ALE HOP MODELO: GUILLERMO CERPA

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Directores Luis Marcelo Indacochea, Juan Carlos Tassara, Jorge Ruiz, Martín Bedoya. Gerente General Martín Bedoya Gerente Comercial Nancy Girau Coordinadora de Cuentas Nathalie Rufino Marketing Nicole Bazo Ejecutivas de Ventas Yoydi Checa, Mónica Cordero, Karen Bernos, Carlos Mancilla. Administración Jorge Eduardo López- Cano, Maricarmen de Souza, María Isabel Pozo, Gian Sessarego.

Próxima Edición: Especial Coches Fecha de Publicación: 10/12/09 Publicidad: nrufino@bashmag.com N: 108*8311 Calle José María de la Jara y Ureta 355, Surco. T: (51.1) 627.5580 / Página Web: www.bashmag.com. Hecho el depósito legal N 2009-02418 Edición realizada por encargo de Gothic Entertainment y United Disco.

12 Hollywood / 14 El Sabor del Cine / 18 Bruno Ascenzo / 20 Editorial de Moda / 28 Tarata / 30 El Pésimo 32 Cine Erótico / 34 Mejores Películas /36 Frases Célebres /38 Editorial de Moda / 44 Cine Itinerante / 46 Lado B / 50 Moda y Cine / 54 Fragmentos / 60 Wonderworld / 63 Sociales/ 92 Agenda / 94 Circuito Libre.

Arte /

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Natasha Braier /


MANIFIESTO

“En Hollywood te pueden pagar 1.000 dólares por un beso, pero sólo 50 centavos por tu alma.” Como lo dijo la diva erótica Marilyn Monroe, todo medio de expresión crea estrellas, pero también las destruye. Personajes legendarios han vivido y muerto por el cine dejando huellas. La pantalla grande marca tendencias, potencia las grandes historias de la vida y revoluciona nuestra imaginación. Nos hace temblar, matarnos de risa, llorar, genera conciencia, acentúa nuestra memoria y hasta nos critica como sociedad. Nos regala héroes, sex symbols, sueños y pesadillas. Tal como lo señaló el director italiano Ettore Scola, “El cine es un espejo pintado.” Nos pinta de cuerpo entero y hay para todo público y para todos los gustos. Esta edición está dedicada a todos los que están en, detrás y frente a la pantalla grande. Así que disfruten de la función. Ch. RPL.

INTERVENIDOS

NATASHA BRAIER

BRUNO ASCENZO

“Mientras pueda seguir trabajando con gente interesante y en proyectos inspiradores, viajando por el mundo, no puedo pedir nada más…” pg. 10.

“Yo soy pro calatería, la fomento, todos deberíamos andar calatos.” pg. 18.

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ALINA FERRAND

“A los 14 años decidí regresar a Lima sola.” pg. 47.

ÁLVARO MALPARTIDA

“Viví una época increíble con mi padre, murió cuando era un héroe para mí.” pg. 46


EN LA MIRA

Natasha Braier: directora de fotografía

6 películas, 25 cortos, 14 videos de música, 6 documentales, 5 premios y dos nominaciones; raíces argentinas y españolas, 34 años y directora de fotografía de La Teta Asustada, película que representará al Perú en la pre-selección del Óscar. Ella es Natasha Braier.

Por: Chiara Rizo Patrón “Cuando era bebe de semanas, me ponían boca abajo y yo estiraba los brazos tipo yoga y levantaba la cabeza para mirar. Mis papás me decían ´periscopio´, supongo que desde ahí me interesaba mirar. Siempre he sido una voyeur.” Ahora, a sus 34 años, gana premios alrededor del mundo por seguir mirando. “Estaba en Macedonia en el festival de directores de fotografía Manaki Brothers (el festival más antiguo dedicado al cine), donde me acaban de dar el premio mayor: La Cámara de Oro 300 (2009).” Premio ganado nada menos que por la película peruana La Teta Asustada, que junto con la película Glue son las más representativas para Natasha Braier, directora de fotografía. No es coincidencia que también con Glue haya ganado el premio a Mejor Cinematografía en New York Latin ACE (2006). BASH 10

“Cuando leí por primera vez el guión de La Teta (…) me dije ¡¿qué?! y volví para atrás pensando que había leído mal. Una de mis líneas preferidas de la película es: su sobrina tiene una papa en la vagina.” A Braier, quien para de un lado al otro del mundo, aunque señala que sus bases están siempre entre Londres y Barcelona, le encanta el Perú. Por ello, después del rodaje se quedó viajando un mes y medio por nuestras tierras. Confiesa, además, que ha sido un honor trabajar con la directora Claudia Llosa y que espera con ansias rodar nuevamente con ella y como lo describe Braier, “en vuestro mágico país”. Su pasión Pero, ¿en qué consiste ser directora de fotografía? le pregunto. “Consiste en interpretar lo que necesita la historia y lo que te pide el director,


EN LA MIRA

y junto con él (o ella) desarrollar el lenguaje visual específico de esa película.” En un rodaje, explica Braier, la imagen nunca se puede buscar por la imagen en sí, sino siempre tiene que venir el contenido primero, la esencia. Por eso no necesariamente se busca la imagen más bella o estética. En La Teta Asustada, por ejemplo, ella nos comenta que el objetivo era capturar la esencia de la historia y por eso colocaban la cámara en lugares inesperados, o también encuadraban partes y no totalidades, buscando siempre el minimalismo. Hacer una película para Natasha es como parir un hijo. “Son meses de tu vida, casi como un embarazo, porque luego queda ese ´hijo´ para siempre en festivales, cines, DVD, etc. Así que cada vez que acepto una película, lo hago sabiendo que voy a dar el 150 por ciento.” Por eso ella solo hace películas en las que sabe cómo es todo, desde el guión hasta el director; películas de las que estará orgullosa, y sobre todo, en las cuales trabajará con gente que respeta y admira. “Si no, puede ser una tortura,” admite.

Con Claudia Llosa en el rodaje de la Teta Asustada

Inicios Comenzó estudiando fotografía fija en blanco y negro, y afirma que sus logros no han llegado por un gran salto, sino que ha ido creciendo “pasito a pasito”. Sin embargo, piensa que si no hubiera entrado al National Film School de Inglaterra, no hubiera podido arrancar con tanta fuerza. Pero todo tiene un costo. Los primeros años Braier no hacía más que rodar, no se iba de vacaciones y aprovechaba cada oportunidad interesante, aunque no hubiera dinero. “Ahora por suerte ya estoy en otro lugar y he aprendido a parar y salir con la mochila a viajar un par de meses al año, también porque ahora puedo permitírmelo.” Fuera del cine Del video No es lo Mismo de Alejandro Sanz, que fue el video latino # 1 en MTV, no se acuerda mucho, porque efectivamente han pasado 5 años. Pero hay algo que sí se acuerda: “Alejandro era muy colaborador, llegaba tarde al set, pero era muy buena onda.” Un recuerdo muy distinto tiene del video She is in Love de Oasis. Un miembro del grupo había hecho la canción para su novia; no obstante, después de un mes de intenso trabajo de postproducción, el chico rompió con ella y no quiso ni escuchar la canción. Tal vez por ese desinterés, el video se vio poco y la canción apareció en un double A side, sin llegar muy lejos.

Midiendo la luz en escena con Magaly Solier

Muy distinto fue con el video que rodó en Kenia para Live 8 con el single de Robbie Williams, Let Me Entertain You. “Fue un video que hicimos con el fin de recaudar fondos para África. Me da mucha satisfacción cuando mi trabajo de alguna forma contribuye a hacer un mundo mejor. Ya sea por la responsabilidad de las historias que se cuentan y lo que se dice, o cuando hago anuncios gratis para ONGs, Live 8, o ese tipo de causas.” Para ella cada película es un desafío. En cada una, como directora de fotografía, más allá de la sensibilidad en la iluminación y el encuadre, recomienda el buen humor y la paciencia, así como dejar el ego a un lado. Se siente dichosa por ser muy feliz con lo que hace y, como prueba fehaciente de esto, nos cuenta que su trabajo es como un juego. “Mientras pueda seguir trabajando con gente interesante y en proyectos inspiradores, viajando por el mundo, no puedo pedir nada más…” Foto fija XXY, Filme de Lucía Puenzo

Con el equipo de la Teta Asustada celebrando El Oso De Oro BASH 11


INSIDE

Holly wood: Galaxia TerrENal Por: Vanessa Podestá Gracias a sus días soleados, necesarios para rodar con luz natural, Hollywood se convirtió en la meca de la industria cinematográfica a principios del siglo XX, poniendo en la mira a la ciudad de Los Ángeles. Extravagante como ella sola, Hollywood es protagonista de esta historia sin rumbo ni mapas, bajo el delicioso clima californiano que la caracteriza.

Teo tocó la bocina y yo salté dentro de su convertible rojo. Con lentes de sol y mirando sobre las palmeras el cielo azul, comencé un viaje insólito a este universo de estrellas en la tierra. A lo lejos, un gran cartel se asoma marcando terreno; recordándome la entrada a Chorrillos con sus letras blancas de concreto que forman su nombre clavado sobre un montículo de la Costa Verde limeña. En algo se parece a Hollywood, con sus gruesas letras blancas que destellan luz sobre el Monte Lee; quizá una de las señales más reconocidas alrededor del mundo. Como todo, Hollywood se conoce mejor a pie. Y qué mejor manera de empezar por el emblemático Hollywood Boulevard, un pasaje que no discrimina razas, edades, ni condiciones sociales; viejos en patines, niños artistas, muchos tatuajes y poca ropa. El Museo de Cera de Hollywood, El Museo de Récords Guiness, El Teatro Chino Grauman y más de 2,000 estrellas de cinco puntas BASH 12

forman El Paseo de La Fama. Es acá donde artistas en las categorías de cine, televisión, música, radio y teatro son celebrados, y donde fanáticos lloran la muerte de sus artistas favoritos. Es acá donde se muestra en crudo el mejor ejemplo de la cultura Hollywoodense. Solo acá un vagabundo honra la muerte de su ídolo, Michael Jackson, colocando sobre su estrella los últimos $3.00 que lo amparan sin que nadie los robe. Solo acá desfilan Harry Potter, Superman, He-man, Jack Sparrow y Bob Esponja, al compás de la música de jóvenes cantantes y vibrantes breakdancers.

En palabras de Teo: “Es como la Av. Larco, solo que más ancha y llena de locos.” Para alejarnos del gentío escapamos al histórico Art-Deco Hotel Roosevelt, para visitar el famoso espejo de Marilyn Monroe junto a los ascensores del primer piso. Y para gozar un poco del teatro Hollywoodense paseamos por El Capitán, donde los dibujos animados de Disney cobran vida en un escenario de talentosos actores; y


INSIDE

Paseo de la Fama

Av. Hollywood Boulevard

Universal Estudios, donde se vive el Cine en directo

Geisha House, una de las discotecas más populares

por El Teatro Pantages, donde grandes obras como el Fantasma de la Ópera y El Rey León han sido expuestas. En los alrededores encontramos el masivo Centro Comercial Hollywood and Highland, con más de 75 restaurantes, tiendas de ropa, cines, discotecas y su famosísimo Teatro Kodak, que desde el 2002 acoge el evento anual más importante del séptimo arte, conocido como la estatuilla dorada -que muchos añoran y pocos obtienen-, Los Premios Óscar.

Teatro Kodak, sede de los Premios Óscar

Donde Teo se encontró con Tarantino

confundirnos, está el Cat ‘N Fiddle, uno de los bares favoritos de Los Rolling Stones, que dentro del menú de diversión ofrece, al estilo tradicional, un cuarto para dardos. Para tomar no olvides pedir un Snake Bite. En el corazón de Hollywood Blvd, Mood y Geisha House son las discotecas más populares y, más adelante, en Garden of Eden, un hombre alto decidirá a dedo si eres digno de entrar a este exclusivo paraíso de diversión.

Dentro de este enorme complejo encontramos el Lucky Strike Lanes, un conocido Bowling bar para sazonar la tarde. Y como es de esperarse, Hollywood promete una escena nocturna con los mejores clubs y bares de la ciudad, donde locales, turistas, celebridades, productores y directores de cine llegan en busca de buena música, un poco de diversión y uno que otro trago. El exclusivo bar The Room en Cahuenga Blvd. ofrece entre sus oscuros y estrechos pasadizos la mejor música para todo tipo de gustos. Los martes es sin duda el lugar favorito de actores y modelos y el lugar perfecto para empezar la noche.

En palabras de Teo: “Los artistas están mucho más cerca de la gente.”

Cruzando la calle encontramos The Burgundy Room, otro famoso bar con excelente música para los oídos. Pero si tu gusto es más rockero, a unos cuantos metros encontrarás Opium Den. Y por los rincones se esconde The Beauty Bar, un salón de belleza que se convirtió en un exclusivo bar.

Y para una experiencia realmente Hollywoodense, puedes formar parte de la audiencia en la grabación de un programa (cortesía de www.tvtickets.com) de las cadenas NBC, CBS o Paramount Pictures. Y si lo que quieres es vivir el cine en vivo y en directo, entonces no puedes dejar de visitar a la Universal Studios.

The Frolic Room podría definirse como un bar local, donde lo más remarcable de su arquitectura son sus murales al estilo más antiguo de Hollywood; un ambiente auténticamente artístico. Además, sin

Películas para reír y llorar, estrellas de cine para envidiar y admirar; una ciudad celestial hecha para entretener y pecar.

Si se trata de ver algún artista, Hollywood es la mejor opción. Ellos viajan a LAX, y no me refiero al aeropuerto, sino a un club decorado con una temática aérea. Por otro lado, Sunset Strip es el pedazo más célebre del Sunset Boulevard, donde cada noche la diversión se vuelve exponencial en lugares como The Whiskey a go-go, Roxy, The Key Club y The Viper Room, donde alguna vez Teo se encontró, por casualidad, al sangriento director Quentin Tarantino.

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ESPECIAL

El Sabor del Cine Por: Daniel Goya “Un buen vino es como una buena película: dura un instante y te deja en la boca un sabor a gloria; es nuevo en cada sorbo y, como ocurre con las películas, nace y renace en cada sorbo”. Federico Fellini

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Hitchcock, El Maestro del Suspenso

Lo que debes saber sobre el cine Lo primero que apuntó una cámara de cine fue a un grupo de obreros saliendo de una fábrica de Lyon, en Francia. Fue en 1895 y los Hermanos Louis y Auguste Lumière estrenaban su nuevo invento. Luego harían lo propio con un muro que se derrumbaba, un barco que salía de un puerto y el arribo de un tren. Fue justo a finales de ese año, exactamente el 28 de diciembre, que se realizó la primera proyección de una película. Para la anécdota quedaría que la imagen del tren hizo que el público abandone la proyección, temiendo una colisión inminente. Pero, si bien a los hermanos Lumière se les reconoce por haber inventado la técnica del registro, los aplausos de las historias en pantalla gigante se los debemos a otro personaje, George Mélies. Un parisino que había estado en la primera presentación de los hermanos y que había comprado el invento, entusiasta y raudo. Fue él quien se animó a aplicar las técnicas de narración teatrales para contar historias a través del cine. El público se aburría con las imágenes quietas y sin narración que se proyectaban a finales de la década del siglo XIX, y encontraron en Viaje a la Luna y Viaje a través de lo Imposible (las primeras películas de Mélies) un atractivo difícil de resistir. El cine y la narración evolucionaron y los efectos especiales hicieron su entrada. Todo el cine que se produjo antes de 1927 fue mudo. Época en que junto a la pantalla gigante se presentaban bandas sinfónicas, que interpretaban melodías a medida que se desarrollaba la trama. Era música en vivo, que la gente disfrutaba al igual

ESPECIAL

que las imágenes. Para los diálogos se utilizaban viñetas que aparecían de rato en rato, reproduciendo las conversaciones. Posteriormente, a mediados de 1927, se estrenó El Cantante de Jazz, la primera película con sonido de la historia. Luego de eso aparecieron maestros del cine que marcaron tendencias y hasta hoy se les reconoce como guías de géneros cinematográficos. Así destaca Alfred Hitchcock, llamado El Maestro del Suspenso. Con películas como Psicosis, La Ventana Indiscreta, Recuerda, Náufragos y Rebeca se colocó en lo más alto del cine. Hizo tan buen trabajo con su género, el suspenso, que obtuvo seis nominaciones a los premios Óscar, ganando dos de ellos. “Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspenso”, dijo alguna vez Hitchcock. El cine siguió avanzando. El color llegó en 1935, con la película La Feria de las Vanidades. Pero el reconocimiento de esta técnica recayó en la mítica Lo que el Viento se Llevó, que ganó 8 Óscares y se convirtió en la película más cara, y larga, producida hasta ese momento. Lo que siguió fue La industrialización, sobre todo en los años 50, luego de la II Guerra Mundial. Hollywood se perfiló como ´La Meca´ del cine comercial. Los presupuestos fueron cada vez mayores, y la distribución mundial hizo que la cultura estadounidense invadiera y se asentara con gran éxito en el resto de países.

Lo que no sabes del cine Alfred Hitchcock en suspenso El maestro del suspenso nunca pudo terminar su primera película. Se llamaba Number 13 y empezó a rodarla en 1923, pero la producción nunca fue buena y no se pudo completar el proyecto. Si bien intentó retomarlo en varias oportunidades, nunca terminó. Parece que el suspenso acompañó a Hitchcock desde el inicio. ¿Qué es Bollywood? No, no es un error de redacción. Bollywood es el nombre que reciben las producciones cinematográficas realizadas en La India. La industria del cine es tan grande en ese país que maneja presupuestos que nada tienen que envidiarle a Hollywood. Incluso, algunos directores han dado el salto a Estados Unidos y han conseguido bastante éxito. Un caso emblemático es el de Night Shyamalan, director de Sexto Sentido. Y no olvidemos que el último Óscar a mejor película se lo llevó Slumdog Millonaire, una cinta rodada en La India. Tarantino sin taras Quentin Tarantino aprendió lo que sabe de cine en Video Archives, una tienda de alquiler de cintas donde empezó a trabajar muy joven. Entusiasmado, improvisó una escuela de cine y comenzó a observar con detenimiento el uso de la cámara, la iluminación y la edición. Su primera película, Reservoir Dog, estaba pensada para ser barata, tan barata que actuarían sus propios colegas de la tienda de videos. BASH 15


ESPECIAL

Hilary Swank en Boys Dont Cry

Jack Nicholson en El Resplandor

Felizmente el productor Lawrence Bender se interesó por el proyecto y la cinta tuvo actores profesionales.

escritor y conquistar Boulder!”. Boulder es la ciudad en la que Steven King empezó a escribir El Resplandor.

En cuanto al comentado fetiche que tiene el director con los pies femeninos, él mismo ha dicho que le gustan y que por eso los filma. De ahí las frecuentes escenas con pies y hasta los primeros planos que utiliza para mostrarlos. “Me gusta filmarlos y verlos en pantalla gigante”, ha declarado. Pero si los pies son una marca en la filmografía de Tarantino, también lo son las artes marciales y los duelos típicos en que uno se enfrenta a decenas de adversarios. Esto lo adquirió de las tantas películas chinas que pudo ver de niño. No es casualidad, entonces, que el traje de Uma Thurman, en Kill Bill, sea una reproducción casi exacta del que usó Bruce Lee en la famosa Operación Dragón.

Charles Chaplin El actor y director de cine llegó a tener popularidad, pero no tanta. Cuando estaba en su mayor apogeo, se convocó un concurso para elegir a la persona que más se pareciera a Charles Chaplin. Centenas de postulantes se presentaron, incluyéndose, en secreto, el mismísimo Charles Chaplin. Este, sorprendentemente, fue descartado desde su primera presentación porque no se parecía a sí mismo.

El Resplandor de Kubrick Al final de los créditos de El Resplandor, el director Stanley Kubrick decidió agregar un audio perturbador. Mientras empiezan a desaparecer las letras blancas, en el fondo negro se pueden escuchar a los fantasmas del Overlook aplaudiendo y murmurando entre ellos. Otra curiosidad es que la película está basada en la novela homónima de Steven King y en un diálogo, de una de las discusiones entre Jack y Wendy, él le dice a ella: “¡Podría volver como un auténtico BASH 16

Se sabe, además, que antes de hacer la película El Dictador, Charles Chaplin recibió muchas advertencias de que no debía realizarla. Esa cinta hacía mofa de un joven político que escalaba vigorosamente en Alemania, Adolf Hitler. Chaplin no hizo caso a los avisos y fue uno de sus mayores éxitos y, hasta hoy, el discurso que escribió para la escena final de esa cinta es catalogado como uno de los mejores mensajes de paz: “(…) Pensamos demasiado y sentimos muy poco. Más que máquinas, necesitamos humanidad, más que inteligencia, tener bondad y dulzura. Sin estas cualidades, la vida será violenta, se perderá todo. (...).”

Hilary Swank Si bien antes había trabajado en otras producciones, el papel que puso en el mapa de Hollywood a Hilary Swank fue sin duda el de una chica que decide convertirse en chico, en la película Boys Don´t Cry. Este papel le significó, en 1999, su primer Óscar de la academia y le abrió las puertas para que trabaje con Clint Eastwood y consiga su segunda estatuilla. Todo antes de los 30 años. Lo increíble es que por su trabajo en Boys Don´t Cry, Swank solo recibió como pago 3 mil dólares. ¿Qué es Nollywood? Nigeria tiene una industria cinematográfica envidiable. Anualmente se producen, en promedio, unas 1200 películas y se manejan presupuestos de 20 millones de dólares. Esto hace que el país africano sea el tercer país con mayor producción cinematográfica del mundo, detrás de Hollywood y Bollywood. Sin embargo, la gran mayoría de películas nigerianas no se estrenan en los cines. Tampoco existen premios ni alfombras rojas. La distribución se hace a través de DVDs y en algunos casos en VCDs. Por otra parte, el gobierno tiene reglas muy duras para la clasificación de las cintas. Tal es así que si en una película se usa la palabra ´prostituta´, inmediatamente se le cataloga como `no apta para menores de edad`.


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PLACERES INCONFESABLES

Vestido con una tímida sonrisa, Bruno nos conversa…

DEBERÍAMOS ANDAR CALATOS

Por: Denisse Sotomayor Fotos: Alonso Molina Actor, guionista y ahora director, Bruno Ascenso lleva las zapatillas ajustadas para no perderle el paso al look ni al ritmo de su vida. Sentados en unos sillones negros del teatro, pienso en cómo desnudarle el alma. ¿Cómo fue tu primer acercamiento con la actuación? No sé si se le puede llamar actuación, pero yo empecé de extra en la novela Boulevard Torbellino. Mi función era caminar por el boulevard. Después me vieron y me hicieron un casting. Después de eso fue Travesuras del Corazón. Eras el galán de la época… ¿Galán? Tenía 13 años, imagínate. Esa novela fue un cambio radical en mi vida, pasé de ser el chibolo que pedía autógrafos a ser el que los firmaba. Tuve que dejar de ir a fiestas o lugares públicos, no regresé a una kermesse desde que, en una del colegio Santa Úrsula, me tuvieron que sacar porque todas las chicas se me tiraban encima. Yo no sabía qué hacer, la fama me llegó de pronto y de chico no sabes cómo manejarla. Solo sabía que no podía contestar el teléfono de mi casa, no sé de dónde lo averiguaban. Hasta ahora sigo traumado, ya no lo contesto. BASH 18

¿Y alguna vez un fan se sobrepasó? Una vez, una chica me escribió por Facebook un mensaje larguísimo, que al pegarlo en word resultaban dos páginas, preguntándome por qué había cambiado tanto. Dentro del mail describía momentos que habíamos pasado juntos, en el cine, en el muelle, y una serie de cosas que vivimos, pero que en realidad ella vivió conmigo, sola, porque eso nunca existió. Yo no tenía idea de quién era, nunca la conocí. Nunca le contesté, me moría de miedo, no supe más de ella. Con este trabajo puedes hasta enamorar gente que no conoces… Eso es lo que más me apasiona de mi trabajo, emocionarte y emocionar a las personas; por más que no nos conozcamos se genera un vínculo. Igual, yo prefiero que un fan venga con un floro chévere acerca de lo que haces, en vez del griterío o la foto con el celular. ¿Es difícil estar siempre expuesto? No me molesta tanto la exposición ni la popularidad, sino el excesivo


PLACERES INCONFESABLES

cuidado que tienes que tener contigo, o sea a lo que llaman “cuidar la imagen”. Yo siempre paro igual, a la universidad iba en pijama. Mi filosofía es no estresarte por nada, menos por la imagen. Pero no estresarte en un estreno es casi imposible… Al contrario de todo el mundo, antes de un estreno, como ya no hay nada que hacer, en vez de ponerme nervioso, me voy al otro extremo y me pongo ultra calmado. Así que, por ejemplo en el teatro, si dirijo, en el estreno no puedo hacer nada; si los actores se equivocan, se equivocaron. Y con Cuatro, la película, ya no puedo hacer más; ya está editada, en video y lista para verse este 15 de octubre. Estoy a la expectativa de las criticas, más no puedo hacer. Así que, relajado nomás. Primero actor, luego guionista y ahora director. ¿Por cuál te inclinas? Siempre he escrito, pero para mí, digamos. De pronto, empecé a practicar en eso y me di cuenta que armar a los personajes, crear las personalidades y situaciones, era increíble. Alta Sociedad fue la primera idea propia que me permitió, junto con un grupo, construir a todos esos personajes por una razón y con un propósito. Creo que no podría elegir uno, me encantaría hacer los tres siempre. Depende de tu disposición: dirigir es satisfactorio, pero cansador; a veces actuar tiene ‘menos responsabilidades’; y algunas veces no me provoca salir de mi casa, entonces escribir es genial. ¿Alguna vez dudaste de tu profesión? Sí, hace relativamente poco me decidí por esto. Hubo un periodo en el que estuve aburrido, harto. Siempre me daban papeles de chibolo o personajes menores que yo, que no me llenaban, así que decidí darle una oportunidad más e irme a Argentina por un mes y medio, a estudiar actuación con una profesora chilena. Ahí regresó la pasión, y apenas regresé a Lima me propusieron actuar en la película Mañana te Cuento. Era mi primer encuentro con el cine, así que me emocioné y todo comenzó de nuevo. ¿Existe alguna escena que no harías? Haría todo tipo de escenas. No he hecho desnudo frontal, pero ha salido el 90% de mi cuerpo en una pantalla gigante. Yo soy pro calatería, la fomento, todos deberíamos andar calatos. Así que por ese lado no hay problema, aunque me acabo de acordar que hace tiempo vi una película coreana donde el protagonista se come un pulpo vivo. Eso nunca haría, que me pongan un animal de goma que parezca de verdad, pero vivo no me lo como. ¿Tu posesión favorita? Mi cama. Mejor dicho, mi colchón nuevo, con mis sábanas nuevas. Todo nuevo. ¿Manías confesables? Cierro todas las puertas de mi cuarto antes de dormir. O sea, las del closet, la principal, la del baño. Todas. ¿Luz apagada o prendida? A media luz. La luz del fluorescente blanco te mata. Sin luz no ves nada, y siempre es chevere ver un poco. Además, esa luz es más estética, caletea las imperfecciones. ¿Qué no perdonarías? He perdonado de todo: sacadas de vuelta, traiciones de amigos, etc. Pero creo que ahora ya no perdonaría una sacada de vuelta. Una táctica de seducción… A menos que las hayan usado muy bien conmigo, no me gustan las tácticas. Se nota que hay algo detrás y se rompe todo. Es mejor cuando es espontáneo. Además, no me ligaría nada si planeara una táctica, soy una bestia para gilear. ¿Y alguien ya te pudo atrapar? Mmm, hay algún amor por ahí. Osea que tu cama ya se estrenó… No, no, no. Mi cama es sagrada, aun está intacta, con las sábanas blanquísimas, y así se va a quedar un tiempo…

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EDITORIAL DE MODA

LAND-IA FOTOS: JACQUES FERRAND DIRECCIÓN DE ARTE Y STYLING: ANDREA GARCIA Y VANESSA VILA PARA PRODUCCIONES ATÍPICAS MAQUILLAJE: PAOLA CHIARELLA PARA SONO PEINADO: DANIEL LUGO PARA GARBO PRODUCCIÓN: LORENA BENZA ELEFANTE PRODUCCIONES

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PANTALÓN BLANCO Y SACO NEGRO CON BOTONES LABRADOS DE ZOMBOID EN NEOMUTATIS.COM BASH 21


BLUSA DE SEDA BEIGE CON BOBOS DE AMARO CASANOVA PANTALÓN BLANCO, POLO DE ALGODÓN A RAYAS CELESTE Y BLANCO, SACO NEGRO CON BOTONES LABRADOS DE ZOMBOID EN NEOMUTATIS.COM


BOLERITO MANGA CORTA GRIS DE EVE EN MOOD SHORT DE COLORES PLUSH DE BALKANICA COLLAR DE CADENAS CON DIJES DE VIRGEN Y BUHO DE ARTEMISA PULSERA DE CACHO DE TORO DE MECHE CORREA EN DÉDALO ANILLO DE CACHO DE TORO DE MECHE CORREA EN DÉDALO MEDIAS GRISES DE LANA DE DÉDALO


BIKINI ESTAMPADO DE TOQUE D´ SOL PULSERAS TIPO MARCO DORADO DE MECHE CORREA EN DÉDALO JEAN NEGRO BILLABONG EN MOOD


VESTIDO STRAPLESS VERDE ESTAMPADO DE SHANTIK CHOMPA MARRON TEJIDA DE ROT EN NEOMUTATIS.COM COLLAR DE CADENAS Y TELAS DE BATIK DE PILARES EN DEDALO COLLAR DE CADENAS CON DIJES DE URSULA BERTELLO


CHALECO VERDE DE PIEL DE VANESSA DELLEPIANI PULSERAS DE MADERA DE MECHE CORREA EN DÉDALO COLLAR DE CADENAS, DIJES Y PLUMAS DE URSULA BERTELLO FALDA LARGA EN TONOS VERDE, AZUL Y BLANCO DE BALKANICA


MODELOS: ALONDRA GARCIA MIRÓ STEPHANIE DAY GUILLERMO CERPA ASISTENTE DE PRODUCCIÓN: LORENA ORTIZ PARA ELEFANTE PRODUCCIONES ASISTENTE DE FOTO: MAIK DOBIEY ASISTENTE DE STYLING: INÉS GALLEGOS


ESPECIAL

TARATA: ¿Cómo se hace cine?

El ADN del SEPtimo Arte Por: Camila Ferraro 11 mil espectadores el día del estreno; 50 mil en su primer fin de semana. 550 mil dólares invertidos. 5 países. Una gran historia por contar. TARATA ha sido el proyecto cinematográfico peruano más premiado antes de su realización y se demoró casi cinco años en nacer. Y tú que creías que hacer cine era fácil…

Los protagonistas son Gisela Valcárcel (Claudia), Miguel Iza (Daniel), Silvana Cañote (Sofi), Ricardo Ota (Elías).

¿Qué sería de Batman sin Robin? ¿Qué haría Tom sin Jerry y Shrek sin Burro? ¿Cómo sobreviviría Don Quijote sin Sancho Panza? Al igual que estos célebres coprotagonistas, decenas de personas que trabajan en la creación de un film prefieren dejar que la luz brille sobre alguien más y concentrarse en lo que mejor saben hacer: cine. ¿Alguna vez te has puesto a pensar en serio, qué implica filmar una película? Primero, tener una historia –de preferencia una buena, por supuesto-. Segundo, conseguir actores. Tercero, conseguir los equipos necesarios, ¿o ese es el segundo paso y el de los actores el tercero? Si bien no hay una fórmula exacta que dicte cómo se deben hacer las cosas, la experiencia y el ejemplo son siempre una buena guía y cuál mejor si se trata del equipo que estuvo detrás de Tarata. 1. La historia. Hace cinco años, Fabrizio Aguilar –director, coeditor y coautor de la película- tenía la idea de Tarata dando vueltas en su cabeza y se escapó a Buenos Aires para escribirla, donde conoció a la guionista, Sol Pérez. Juntos escribieron varias versiones del guión y ganaron una beca de Fundación Carolina/Casa de las Américas para una clínica de guiones BASH 28

550 mil dólares invertidos y 5 años de trabajo para la realización de esta película peruana.

en Madrid, donde mejoraron el guión con la ayuda de tutores especializados. 2. Show me the money. Fabrizio y Ana María Roca Rey –productora del film- tuvieron que salir de cacería en busca de fondos e interesados en coproducir la película. Necesitaban 550 mil dólares y se los ganaron en distintos fondos internacionales que han reconocido y premiado el guión, como Fond Sud, de Francia; Vision Sud Est, de Suiza; y Cnac de Venezuela; además de obtener uno de los premios de Conacine, de Perú, en el 2008. Lo único malo del sistema de fondos es que muchas veces te fuerzan a gastar el dinero en el país en que fue obtenido. En este sentido, Conacine destaca como un fondo especialmente interesante, ya que su única exigencia es que la película se haga en el plazo prometido. Una vez obtenido el dinero, le tocó a Ana María hacer magia para que alcanzara. 3. Luces, cámara, acción. Finalmente llegó la hora del rodaje. 50 personas en un día sencillo, 100 en una escena complicada. Ana María debe comandar un ejército a diario. Debe encargarse de que lo planeado con meses de anticipa-


ESPECIAL

Tarata es la recreación del recordado atentando terrorista de 1992, en la calle del distrito de Miraflores que lleva ese nombre.

ción, salga bien. Y, lo que salga mal, debe solucionarlo en media hora. Para ello cuenta con 2 asistentes de dirección, 8 de producción, 8 de fotografía, entre 6 y 20 de arte, 3 sonidistas, entre 2 y 8 maquilladoras y un largo etcétera. Es la hora de conseguir cámaras, locaciones, vestuarios, actores, pedir permisos, ofrecer almuerzos, pagar sueldos, revisar el audio, repetir la toma, reír un rato, cambiar de locación, trabajar hasta las 4 de la mañana, no dormir por una semana y repetir de nuevo esa toma. 4. Esto recién empieza. Tú creías que ahora solo faltaba editar y listo. Pues no, ahora viene la peor parte. La película, que se filmó en formato Super 16mm, se manda a Venezuela para ser revelada –como si fuese un rollo de fotos-. Ahí se crea una copia digital que se manda a Perú, para hacer una edición preliminar. Gracias a esta edición se envía una “lista de corte” a Venezuela, donde literalmente se corta y re-arma el negativo. Éste se manda a Francia, donde se transforma en un formato digital, profesional, y vuelve a Venezuela para pasar a una máquina en la que se colorizan las imágenes y, finalmente, es escaneado a un formato de 35mm, que es con el que se exhibe en las salas. Y si creías que el audio se gra-

baba en la misma cinta… lamento decírtelo, pero perteneces a una generación digitalizada que no sabe nada de nada. El audio se graba sincronizado con la imagen, pero en un disco duro; luego se mezcla en Francia y se escanea a un formato óptico sobre la cinta de 35mm. En el ínterin, Fabrizio y Jonatan Relayze – coeditor- tenían que darle un ritmo a la película, una luz y un clima; cortar escenas que no funcionaron, darles la vuelta y hacer que la historia cobrase vida. 5. The End. La película está lista, pero el trabajo no ha terminado. Todavía hay que hacer campaña de prensa, aparecer en medios, conceder entrevistas, posar para fotos, distribuir el film en cines, ir de gira a provincias. Ana María, Fabrizio y la tropa que lideraron detrás de cámaras vienen creando, y creyendo, en este proyecto hace más de cuatro años y todavía no acaban. Sin su chamba no habría historia, no habría plata, no habría público; no habría Tarata. Y tú, ¿todavía sigues creyendo que Batman es más chévere que Robin?

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EL PÉS

EXTRA

Waterword: Kevin Costner

Demi Moore en Streeptease

Un Marciano Llamado Deseo: Cristian Meier

The Blair Witch Proyect

Tom Cruise: Cocktail

Show Girls: Elizabeth Berkley Plan Nueve

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SIMO ARTE EXTRA

Así como la historia del cine nos ha dejado un legado de joyas imprescindibles y obras maestras de directores que han influido decisivamente en generaciones posteriores, también ha habido mamarrachos incalificables. Películas que, inexplicablemente, consiguieron presupuesto, actores y algún director de ánimo descabellado. A continuación, un breve listado de distintos tropiezos cinematográficos de los cuales a veces es mejor reírse que considerarlos arte.

Por: Ricardo Hinojosa Lizárraga Maremoto para Costner Filmada en 1995 y dirigida por Kevin Reynolds, Waterworld contaba con todos los elementos capaces de devolverle fuerza a la carrera de su protagonista, Kevin Costner. Contó con un elevadísimo presupuesto (estimado en 175 millones de dólares) y una cuidadosa realización que incluyó filmarla por completo en el mar. Sin embargo, fue un absoluto fracaso comercial y significó un nuevo revés para la, antiguamente, taquillera estrella. A esta pela, que trata sobre la inundación de enormes áreas del planeta por la subida del nivel del mar, como consecuencia del efecto invernadero, no la salva ni la buena actuación de Dennis Hopper. La copa rota Tom Cruise y Bryan Brown eran dos barmans que gileaban y hacían payasada y media sin mayor atractivo en un bar de Jamaica, en Cocktail: mamarracho de película dirigido por Roger Donaldson. La única pretensión del filme era consolidar la imagen de galán cinematográfico del pesadazo de Cruise, a pesar de que para ese año, 1988, ya había actuado en películas importantes como El Color del Dinero de Martin Scorsese, o The Outsiders de Francis Ford Coppola. Aunque fue un filme malísimo, cuyo único atractivo era la presencia de la hermosa Elisabeth Shue, logró su objetivo: al poco tiempo de su estreno la cara de Cruise era portada de casi todas las revistas de adolescentes. Con tetas no hay paraíso Demi Moore decidió en 1996 que era tiempo de dar un vuelco total en su carrera y que el público olvide a la dulce Molly del filme Ghost, la sombra del amor, quizá el papel más recordado de su carrera. Entonces, se dedicó a pasearse por diversos clubes nocturnos, aprendiendo de las bailarinas exóticas el arte del desnudo para su papel en la película Striptease. Este filme fue dirigido por Andrew Bergman que, por supuesto, no tiene nada que ver con el cineasta sueco Ingmar Bergman. La película fue un estrepitoso fracaso, aunque muchos agradecemos a Demi por habernos dejado ver eso que solo Ashton

Kutcher puede disfrutar en vivo. Tú me hiciste brujería The Blair Witch Project, dirigida por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez (1999) fue un fenómeno sin precedentes en los filmes de horror, pues para promocionar la película se dijo que se trataba de un documental real, como se hizo en su momento con la película de terror italiana Holocausto Caníbal de Ruggero Deodato (1980). Sin embargo, justamente por esta premisa, dirigir una segunda parte carecía absolutamente de sentido. The Blair Witch Proyect 2, también conocida como El Libro de las Sombras, dirigida por Joe Berlinger (2000), no cosechó el éxito comercial y fue un fiasco cinematográfico. Otra prueba más de que las segundas partes (casi) nunca son buenas. El infortunio de Fortunic Quizás no llegue al nivel paupérrimo de realización de los filmes de Leonidas Zegarra (ese que convocó a Susy Díaz para un proyecto lamentable, cuyo nombre prefiero olvidar), pero no cabe duda que Un Marciano Llamado Deseo, dirigida por Antonio Fortunic (2003) pasará a la historia como uno de los más grandes fracasos del cine nacional. Se trata de un limeño arribista (Christian Meier, antes de ser El Zorro) que se disfraza de extraterrestre para levantarse a una gringa que esta de visita en Cusco y así poder viajar a Norteamérica. La película no solo fue criticada en el Perú, sino que tras participar en el Festival de Huelva, España, fue calificada como “pobre, ridícula e inverosímil”. La vida no es tan Bela Bela Lugosi había sido, en su momento, uno de los actores más famosos de Hollywood, tras encarnar como nadie más a Drácula en numerosas películas. Sin embargo, para los años 50 era un olvidado anciano consumido por su adicción a la morfina. En ese contexto conoció a Ed Wood, quien años más tarde sería considerado el peor director de la historia del cine. Wood, sin embargo, se convirtió en su gran amigo y lo llamó para dos de sus más famosos filmes, tan malos que son considerados cintas de culto: Plan 9 del Espacio Exterior (1959) y

Glen o Glenda (1953). Argumentos descabellados y pésimos efectos especiales eran su sello. En 1994, el director y productor estadounidense Tim Burton llevaría la vida de Wood al cine y el actor Martin Landau ganaría un Oscar por interpretar a Lugosi. Franco, franco ¡qué mala! A pesar de haber recibido un Goya de Honor –la más alta distinción a una trayectoria que se otorga en España– la carrera del director Jesús Franco está llena de altibajos. Si bien es considerado un referente creativo para varias generaciones de cineastas, en 1970 dirigió El Conde Drácula, con Christopher Lee (Saruman en El señor de los anillos) y Klaus Kinski y, a pesar de que sus fans justifican sus errores en la puesta en escena argumentando la falta de presupuesto, lo cierto es que ni las actuaciones ni el éxito en taquilla salvan a esta película, de erotismo barato y efectos especiales lamentables, de la debacle. Ni la campana la salva Era 1995 y recién habían pasado dos años desde que Elizabeth Berkeley dejara de interpretar a Jessie, la inteligente y feminista joven de Salvado por la Campana. La serie había sido cancelada tras 5 temporadas y Elizabeth buscaba nuevas oportunidades profesionales en el cine cuando se cruzó con Paul Verhoeven, quien acababa de dirigir la exitosa película erótica Bajos Instintos. Tras un casting en el que dejó de lado a actrices como Denise Richards o Charlize Theron, la hermosa Berkeley obtuvo el papel de la bailarina erótica Nomi Malone. Sin embargo, la estética del filme, su argumento soso y los abundantes -y muchas veces injustificados- desnudos colaboraron para hacer que la crítica la demoliera. Elizabeth Berkeley demoró muchos años en volver a obtener papeles importantes. Hoy se la puede ver en The L World y CSI Miami.

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EXTRA

“Bedtime St

Cine caliente

Antiguo y primitivo, así es el erotismo. Los teatros romanos de la época del César lo demuestran con actores y actrices que copulaban en público, cuando el argumento de la obra lo requería. O como las orgías a base de vino, baile, sexo e inquietantes desenfrenos de las religiones paganas. El cine también le ha hecho gala al amor apasionado, pues desde su nacimiento surgió el llamado cine erótico. Aquí, algunos aspectos reveladores de sus orígenes.

Ninetto Davoli en Los Cuentos de Canterbury

Por: Chiara Rizopatrón Liberación sexual A partir de los años 60 el mundo comenzó a cambiar. Los independientes crean el Nudie, es decir la película con desnudos, cuyo precursor es Russ Meyer. Tiempo después, el Centro de Cine y Video Moskva, organizó el Primer Festival de Cine Erótico en la extinta Unión Soviética. Su director dijo: “En un país donde no hay pan, es bueno que por lo menos haya juegos.” El sexo tenía la importancia que le corresponde estando libre de sus opresores. Ejemplo de ello es la versión cinematográfica de la novela Madame Bovary (1991), que describe los amores que pasan sobre su lecho. Otro ejemplo es Taxi Blues (1990), donde se ruedan secuencias de sexo explícito con un trasfondo de jazz, drogas y el difunto sistema soviético. Orgías El cineasta Cecil B. De Mille, uno de los mayores lujuriosos del cine americano, fue famoso por sus filmes bíblicos, como las dos versiones de Los Diez Mandamientos, en 1923 y 1956, mostrando una monumental orgía de judíos adorando un becerro de oro. Erich Von Stroheim fue otro cineasta conocido por sus orgías y escándalos; un director incomprendido por ser atrevido en una época muy conservadora. Para el rodaje de La Viuda Alegre (1925), hizo construir un burdel con señoritas de todos los países; la orquesta eran mujeres desnudas con los ojos vendados; el servicio lo llevaban mujeres y hombres negros semidesnudos, con cinturones de castidad y cadenas en forma de corazón. Incluso el cineasta se vistió de doncella para mostrarle a una actriz cómo debía actuar en una escena. Hollywood lo consideró un maníaco y se deshicieron de él, quien regreso a Europa diciendo: “Hollywood me ha matado.” BASH 32

Estrellas eróticas Clark Gable, apodado El Rey de Hollywood, representaba una imagen varonil y machista. El filme Sucedió en una Noche (1934) se llevó millones de suspiros femeninos. En la película, Gable se quitó la camisa y, al no estar con camiseta interior, dejó al descubierto sus pectorales. ¿La consecuencia? Un brutal descenso de ventas de camisetas en las tiendas. Este galán, además, trabajó con Greta Garbo y Marilyn Monroe. Por otro lado, Greta Garbo, a quien se le apodó “La Divina”, fue una actriz que llegó de Suecia al mercado Hollywoodense. Éste la aceptó, al principio a regañadientes, hasta que tuvo su primera oportunidad en la pantalla grande con la película El Torrente (1926); luego, la amaron. Ella fue la primera mujer que abría los labios cuando besaba, con un acento sueco que la impregnaba de misterio. Apenas hubo rastros de vejez en su rostro, abandonó el cine y la vida pública. Es considerada La Amante de la Humanidad. Pero el auténtico mito erótico fue Marilyn Monroe. Su nombre real es Norman Jean Baker y fue una de las mujeres más deseadas e incomprendidas, de un carácter inestable que se agudizó con la vida agitada de la fábrica de los sueños, llamada Hollywood. La película Algo Fallará (1962), no pudo concluirse, ya que la estrella falleció. En este filme, Monroe se desnudaría íntegramente para la pantalla grande. Otro ícono, y el primer héroe descaradamente erótico, fue el personaje de James Bond, el famoso agente 007 con licencia para matar. Su primera aventura cinematográfica fue en 1962 y desde allí es públicamente un seductor que pasa de cama en cama, haciendo suyas a toda clase de mujeres.


Stories�


EXTRA

tories” Japón al desnudo Pese a las extrañas restricciones culturales sobre el desnudo en público, el cine nipón ha sido rico en cintas de corte sadomasoquista. El filme más representativo ha sido, sin lugar a dudas, El imperio de los sentidos (1976). Está basada en hechos reales que conmovieron a la opinión pública y fue famosa en occidente. Se trata de una mujer que está en un obsesivo acto sexual con su amante y para prolongar la erección tratará de estrangular a su pareja, poniendo tanto ardor en su pasión que termina matándolo. Cine porno Gerard Damiano es el padre del cine pornográfico. El dijo “Necesito personas que se exciten consigo mismas, con el trabajo, con la cámara y conmigo.” El filme Garganta Profunda (1972) tuvo gran aceptación. La protagonista, Linda Lovelace, tiene un gran problema: no siente placer en sus relaciones sexuales; entonces va al doctor y descubre que el clítoris lo tenía en la garganta. Otra película fue Relaciones con Miss Aggie (1974), único filme porno que ganó 3 nominaciones al Óscar. Por último, su filme El diablo en la Señorita Jones (1972), es considerado una de las escasas películas porno de calidad. Con la desaparición de la censura, el mercado cinematográfico se llenó de este tipo de películas. Algunos ejemplos son Colegialas Lesbianas y El Placer de Pervertir (1982); Señora Necesitada Busca Joven Bien Dotado (1979); Cena de Asesinos (1989). Todas estas con repetidas escenas de sexo y sin trama argumental que las justifiquen. A pesar de todo, este cine sigue siendo marginal, proyectado en salas especiales a tal fin. Desde la década de los 80, con la aparición del cine doméstico, la calidad de éstas ha decrecido notoriamente. Además, han caído en la estandarización y se han convertido en un espectáculo sin ningún valor cinematográfico.

Salvador Sáinz, autor y actor y Pía Vangensen en una secuencia de Honor de Ninja, de Monzó Films

Gerard Damiano es el padre del cine pornográfico. El dijo “Necesito personas que se exciten consigo mismas, con el trabajo, con la cámara y conmigo.”

Censura Todo comienza cuando Thomas Alva Edison, en 1891, patentó el Kinetoscopio, que consistía en una caja que proyectaba imágenes impúdicas para el disfrute de un solo espectador. La censura americana al principio no podía intervenir porque no eran proyecciones públicas. En 1896 Edison, con un aparato de mayor calidad, filmó El Beso de May Irvin y John Rise, el primer beso filmado y proyectado en una pantalla. Luego hubo una proliferación de películas eróticas europeas en distintas salas, como El Baño de la Parisina o El Acostar de la Novia, en 1896. Fue en esa época, a principios de 1909, que se crea La Oficina Nacional de Censura de Películas. Lo cierto es que el fenómeno de la censura ha ido evolucionando. Hoy en día, hay advertencias que especifican la edad apta del público para ver la película y en los cines hay restricciones en el ingreso, dependiendo de la edad del espectador y del tipo de película. El erotismo ha existido siempre y en el cine ha creado escenas imborrables, películas legendarias e ídolos dionisiacos. Féminas que han estado y seguirán estando en las fantasías de muchos y hombres que han robado suspiros y sueños de muchas otras. Estas estrellas son mitos que han sido aplaudidos por su actuación y seducción. Todos ellos traspasaron la cámara y domaron el corazón del espectador.

El Imperio de los Sentidos, filme de Nagisha Oshima que levantó gran revuelo en todo el mundo, protagonizado por Eiko Matsuda y Tatsuya Fuji.

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EXTRA

Lo que no puedes dejar de ver

Por: Antonia Luque A pesar de que por lo general vemos películas acompañados, no es raro que terminado el filme cada espectador tenga una interpretación distinta, una opinión personal. Esta es la razón principal por la que determinar cuáles son las 11 películas que no se pueden dejar de ver, resulta tan difícil y arbitrario. Aún cuando esta selección estuvo hecha en base a la consulta de cinéfilos, amantes del cine, amigos –a quienes agradezco- y contrastada con rankings previos, para cada uno de ustedes es probable que alguna sobre y otra falte. Pero nos corremos el riesgo y presentamos 11 películas, que por diferentes razones, no deberían perderse.

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Cine GÁnster The Godfather / El Padrino (1972) Director: Francis Ford Coppola

Drama Schindler’s List / La Lista de Schindler (1993) Director: Steven Spielberg

Aunque se trata de una trilogía (las dos siguientes salieron en el 74 y en el 90), la crítica no duda en reconocer a la primera como la mejor. Narra la vida de Don Vito Corleone, (Marlon Brando, un auténtico capo) el jefe de una de las cinco familias que dirigen la Cosa Nostra en la Nueva York de los años cuarenta. A pesar de que hubo quienes la consideraron una apología de la mafia, fue premiada con tres premios Óscar y cinco Globos de Oro.

Spielberg, proveniente de una familia de judíos, declaró que se había preparado toda su vida para hacer esta película, que narra la historia de un empresario alemán que salvó de la muerte a más de un millar de semitas en la época del Holocausto. La película ganó siete premios Óscar, entre ellos el de Mejor Película y Mejor Director. En una escena los judíos salvados por Schindler le regalan un aro que lleva inscrito: “quien salva una vida, salva al mundo entero”.

Ciencia ficción - sátira A Clockwork Orange / La Naranja Mecánica (1972) Dirección: Stanley Kubrick

Comedia – Romántica Annie Hall Director: Woody Allen

Desde que descubrimos que la violación, la ultraviolencia y Beethoven son los máximos placeres de Alex de Large (Malcom McDowell), intuimos que La Naranja Mecánica es una obra surreal. Y claro que lo son las satíricas aventuras de este perturbado personaje y de su pandilla de “drugos”-como él llama a sus amigos-, su decadencia al ser entregado a la justicia por estos y las consecuencias del tratamiento experimental al que se somete.

Annie Hall ganó cuatro premios Óscar -entre ellos el de Mejor Película y Mejor Director- que Woody Allen, haciendo gala de su coherente rebeldía, no fue a recoger “porque se había olvidado”. Protagonizada por Allen y Diane Keaton, cuenta una historia de amor entre dos neuróticos hasta su ruptura, que se dijo estaba basada en la de su relación real. Es un filme que representa el genial estilo de Allen: regresiones y digresiones en el tiempo, secuencias animadas y personajes que hablan directamente a la cámara.

Acción Pulp Fiction / Tiempos Violentos (1994) Dirección: Quentin Tarantino Para muchos esta es la obra maestra de Tarantino. El director propone tres historias que se van entrecruzando a través de sus personajes, sus locaciones y sus líneas narrativas. De hecho, esta es una película que teniendo más de 10 años de estrenada, sigue generando suspicacias sobre detalles ocultos. Fue galardonada como el Mejor Guión del Óscar y de los Globos de Oro. Suspenso The Silence of the Lambs / El Silencio de los Inocentes (1991) Director: Jonathan Demme Ganadora de cinco premios Óscar entre los que destacan Mejor Película y Mejor Director. A lo largo del filme Clarice Starling (Jodie Foster), una agente del FBI, busca convencer al psiquiatra Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) de que colabore con ella para definir el perfil del asesino de varias jóvenes adolescentes para capturarlo antes de que encuentre a una nueva víctima. ¿Qué le pedirá a cambio? Ciencia Ficción Star Wars / La Guerra de las Galaxias (1977, 1980, 1983, 1999, 2002, 2005) Director: George Lucas Al inicio, parecía tratarse de una trilogía; pero dos décadas después se sumaron tres películas más a la saga Star Wars que, curiosamente, precedían narrativamente a las primeras. Los efectos especiales (sobretodo los de las primeras) revolucionaron el cine y marcan una pauta en lo que a Ciencia Ficción se refiere. Lucas ha declarado que ya puso el punto final a esta historia que ha consumido parte de su vida –y que le ha generado ganancias multimillonarias-. Cine Iberoamericano Hable con ella (2002) Director: Pedro Almodóvar

Thriller Fight Club / El Club de la Pelea (1999) Director: David Fincher El narrador (Edward Norton) es un personaje que sufre de insomnio y solo encuentra placer en las sesiones de ayuda para pacientes con desequilibrios mentales. En estas sesiones conoce a Marla Singer (Helena Bonham), una mujer con la que desarrolla una historia paralela a la que establece con Tyler Durden (Brad Pitt), un misterioso sujeto que una noche le pide que lo golpeé. Después de golpearse mutuamente descubren un extraño sentimiento de satisfacción. Con una estructura juguetona que captura al público, el final lo sorprenderá espectacularmente. Terror The Sixth Sense / Sexto Sentido (1999) Director: M. Night Shyamalan El final de esta película la convierte en un filme altamente recomendable que, además, insta al espectador a volver a verla para encontrar detalles que pudieron pasar desapercibidos y que podrían haber augurado el imprevisto final. Bruce Willis es un perturbado psicólogo infantil que trata de ayudar a un niño que dice ver muertos, protagonizado por Haley Joel Osment, a través de una “solución” que les permita a ambos recuperar la tranquilidad. Véala, hasta el final. Clásico Gone With the Wind / Lo que el Viento se Llevó (1939) Dirección: Victor Fleming Este filme narra la vida de Scarlett O’Hara (Vivien Leigh) desde que es una joven millonaria, engreída y enamorada del prometido de su prima: Ashley Wikes (Leslie Howard). Siguiendo el paso de los años, y con la Guerra de Secesión a cuestas, un hombre atractivo y narciso se enamora de Scarlett, aunque ella sigue fiel a su primer amor. Ganó 8 premios de La Academia, entre los que resaltan el de Mejor Película y Mejor Director. Un clásico de clásicos.

Con esta película Almodóvar advirtió que ya no podrían acusarlo de saber dirigir solo a mujeres ya que los protagonistas, esta vez, son dos hombres: Benigno (Javier Cámara) y Marco (Darío Grandinetti). Ellos se encuentran en medio de la soledad y el sufrimiento por la enfermedad de la persona que aman, lo que los lleva a vivir como dos espíritus a la espera de un milagro y a construir una profunda amistad. Gran película que le valió el Óscar al Mejor Guión Original y una nominación al Mejor Director. BASH 35


EXTRA

154 años de cine dejaron grandes frases…

“Are you gonna bark all day little doggy...”” Héroes con la palabra correcta en el momento correcto, villanos con el mensaje ideal para electrizarnos a todos, amantes con un libreto exquisito en sensualidad. Grandes frases, grandes personajes, grandes películas. Esa es la premisa.

Por: Javier Salvador

Robert De Niro en Taxi Driver

Desde sus inicios el cine ha convertido en estrellas a muchos de los que pasaron por la pantalla grande. Acaso los grandes personajes han sido inmortalizados por sus excelentes papeles, acaso por sus entrañables frases… Para recordar, y porque de alguna u otra manera siempre están presentes, una lista de las más emblemáticas frases que nos ha dejado el séptimo arte.

“Are you talking to me?”

Travis Bickle, en Taxi Driver. Robert De Niro reta al espejo en un trastornado monólogo, mientras ensaya cómo ser un gran héroe nocturno, combatiendo el crimen que la policía no puede ver.

“My name is Bond, James Bond…”

Tom Hanks en Forrest Gump BASH 34

La carta de presentación predilecta de un agente secreto con permiso para matar. A lo largo de la saga de películas sobre sus aventuras por salvar a Inglaterra, ha usado esta frase para intimidar y seducir a sus rivales, cuando el caso lo amerita.


EXTRA

Sean Connery en James Bond

Apocalipsis Now

“¡I am the king of the world!”

Leonardo Dicaprio, como Jack Dawson, a toda velocidad en la proa del Titanic, retando los clasismos de una sociedad hermética, se encuentra en amoríos con una aristócrata siendo solo un pobre pintor. En la cima del escalafón social se autoproclamó El Rey del Mundo.

“¡Luke, I am your father!”

Lo que todos imaginábamos, pero no queríamos confirmar. Darth Vader, en El Imperio Contraataca, le confiesa a Look Sky Walker que es su hijo. Extrañamente, lo hace después de cortarle un brazo y le extiende una invitación para comandar, junto a él, al más temible ejército intergaláctico de la historia.

“Hasta la vista baby…”

Arnold Schwarzenegger, El exterminador, haciéndole saber al hombre de goma quién manda, antes de jalar el gatillo.

“¡¿Qué me mira cadete?! ¡¿Quiere que le regale una foto mía calato?!”

El teniente Gamboa (Gustavo Bueno), increpándole a un cadete el lugar sobre el que pone los

ojos. Toda la jerarquía militar se pone de manifiesto en esta frase icónica del cine nacional, en La Ciudad y los Perros.

“¡Show me the money!”

Jerry Maguire. Tom Cruise y Cuba Gooding Jr. hablando de dinero, y enloqueciendo por él. Mientras el primero grita la frase a todo pulmón en su oficina, el segundo baila cantándola desde su cocina.

“I’m going to make him an offer he can’t refuse”

El Padrino, en un diálogo maestro, jugando entre lo violento y lo sutil, nos deja claro que todos tenemos un precio, aunque aún no lo hayamos conocido…

“I love the smell of napalm in the morning.”

Bill Kilgore, en Apocalipsis Now. Robert Duval le da vida a una frase ambigua y cuestionada. Referida al olor a Napalm, combustible que se usó para exterminar a vietnamitas y, a su vez, al olor del fin de la guerra.

“Say hello to my little friend”

Al Pacino, en Scarface, justo antes de reventar la puerta principal de la habitación con su arma y dar a conocer al mundo los escrúpulos que tenía uno de los más grandes exponentes de la mafia, cuando se salía de sus cabales.

“Life is like a box of chocolates.”

Con toda la autoridad del mundo Forrest Gump, en la película Forrest Gump, le dice a un incrédulo compañero de banca, en un paradero de autobús, que uno nunca sabe de qué sabor es el chocolate que nos va a tocar, pero que siempre puede ser agradable comerlo.

“Universitarios de Mierda, váyanse a la concha de su madre”

Jóven, guapo, retador y con toda una vida por delante, Giovanni Ciccia decide dejar los estudios para sumergirse en las drogas, el desenfreno y la bisexualidad. Esta frase marca el desarrollo de No se lo Digas a Nadie, película nacional basada en el libro del escritor Jaime Bayly.

“My precious”

Gollum, en el Señor de los Anillos, traicionando al hombre bueno que vive en él, por el deseo de sentir el poder del anillo una vez más.

Al Pacino en Scarface

BASH 37 Gollum en El Señor de los Anillos

Apocalipsis Now


EDITORIAL DE MODA

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FOTOS: ISIS LÓPEZ DIRECCION DE ARTE Y STYLING: ANDREA GARCIA Y VANESSA VILA MODELO: NINA MEDINA

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CULTURA TODO TERRENO

Camionetas cargadas de una pantalla gigante, un proyector, sonido y generador dejan huella en lugares alejados, donde nunca antes se ha visto cine. Esta aventura sobre ruedas es liderada por Los Nómadas, asociación sin fines de lucro, que no tiene frontera. Por: Denisse Sotomayor

Nómadas lleva cine gratis a distintos pueblos entre Perú, Ecuador y Bolivia, donde nunca antes se ha visto el sétimo arte.

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ESPECIAL

¡Cine gratis, cine gratis! pregonan con altavoces los itinerantes voluntarios entre Perú, Ecuador y Bolivia, llegando hasta el momento a más de cien mil espectadores en dos años de creación. Según la Real Academia Española, pregonar es divulgar algo ignorado. Eso es exactamente lo que Nómadas hace, pues el setenta por ciento de las personas que asisten a este espectáculo, nunca antes habían visto lo que es el cine. Y es que Nómadas, nombre que significa cultura sin residencia y de constante desplazamiento, va recorriendo más de 200 pueblos, sorprendiendo y mostrando documentales, cortometrajes y largometrajes en sus cuatro giras anuales. Pero lo más importante es que van por los pueblos creando talleres, donde los pobladores hacen desde el guión hasta la realización de sus propios filmes. Los talleres de documentales se realizan en cada gira durante unos diez días, invitando a participar aproximadamente a 18 jóvenes de varios países. Una vez finalizado el corto, ellos mismos lo presentan a toda la población en la pantalla de Nómadas. Antes de las películas, la protagonista es la espectacular pantalla airscreen que mide

En noviembre se inicia Cine en las Fronteras, que se llevará a cabo en los límites de PerúEcuador y Perú-Bolivia.

7x5 metros y tiene un mecanismo para inflarse, lo cual despierta gran curiosidad en grandes y chicos. Esta pantalla es utilizada en cualquier espacio abierto, mientras que el ecran es armado en lugares cerrados como locales comunales, auditorios y municipalidades. La visita cultural tiene una permanencia de un día. En la mañana se inicia el trabajo de coordinación con las autoridades y de difusión del evento en los colegios, a través de las radios locales, altoparlantes y el perífono que llevan en la camioneta. Durante el día se graban imágenes del pueblo: su gente, sus costumbres, sus casas; y luego se proyectan durante la función, que empieza al caer la noche. Estas imágenes tienen mucho éxito. Por ejemplo, ha sucedido que al peguntarles a los chicos qué película les había gustado más, ellos contesta: “la de mis vaquitas”. Para abrir el apetito cinematográfico, un par de cortos; de segundo, una película animada; y de postre, una proyección familiar o de adultos. Hasta el momento Nómadas cuenta con más de 100 películas, entre las que destacan los géneros de ficción, animación, experimentales y documentales de toda América Latina.

Primera Pantalla Nómada La idea nace en Chota, Cajamarca, donde unos años atrás Aldo Callegari, fundador de la asociación, había ido a proyectar documentales. Allí se dio cuenta del gran interés de la población por el tema, así que se adentraron hasta una comunidad en Chanchamayo, donde no hay luz, y empezaron a proyectar películas desde una laptop en la casa de Urbano, uno de los comuneros. De pronto, su casa se llenaba de gente y su comedor se transformó en una sala de cine. A partir de ese momento decidieron realizar la primera gira a Junín. Así, desde julio de 2007, el sueño de llevar cine a los lugares más lejanos no ha parado de tener adeptos. Las primeras giras se realizaron con el apoyo de empresas privadas. Actualmente trabajan el proyecto Cine en las Fronteras, que cuenta con el financiamiento de la Comunidad Andina y la Unión Europea. Asimismo, reciben ayuda de cineastas que han cedio sus películas, como Chicho Durant, Fernando Trueba, Francisco Lombardi, Javier Corcuera, etc. Así como también reciben colaboración de la UNESCO, de varias embajadas y del Grupo Chaski. Este último, es una asociación civil sin fines de lucro, que desde 1982 promociona el cine como una herramienta para el desarrollo cultural y económico de los países de la región Latinoamericana. Este proyecto no solo crea cultura, sino que también rompe con las estadísticas de la baja comprensión que tienen los niños en lugares alejados, porque les llevan una forma alternativa de aprender: la imagen y el audio son herramientas universales, entendidas por todo el mundo. Por ejemplo, con la película Doble Juego, de Chicho Durant, ellos dijeron: “Hemos aprendido mucho con esa película porque aquí, aunque somos una comunidad, también hay gente que estafa y nos tenemos que cuidar de eso”. Este noviembre se inicia la segunda edición de Cine en las Fronteras, que se llevará a cabo en los límites de Perú-Ecuador y Perú-Bolivia. Pero lo más interesante llega en febrero del próximo año porque junto con ´Cine-memoria´ de Ecuador, harán el Primer Festival de Cine de los Países Andinos, que se llamará ESPEJO 2010 –Festival de Cine Interandino-, con sede en Lima. Así que después de leer esto, empiece a desalojar las butacas y separe un espacio al aire libre para disfrutar de un cine que nunca antes vio.

Para colaborar: puedes depositar un donativo a la cuenta: 002-193-001604454115-15 en el Banco de Crédito del Perú. Para recibir tu ayuda: info@nomadasperu.com Dirección: San Ignacio 430, Urbanización Cahuache. San LuisLima / Teléfono: 435 8169 / Cel: 997 84836 / 997 84837

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LADO B

“Solo busco mantenerme vivo.” Comenzó a surfear a los 8 años, pero fue cuando tenía 11 que este deporte se convirtió en su pasión. Álvaro Malpartida ha participado en la película The Twelve Pack, de José Madalengoitia, donde cuenta un poco sus experiencias como tablista junto con los 12 mejores del Perú. El hermano de nuestra campeona mundial de box en peso pluma, Kina Malpartida, nos confiesa querer retomar algún día el dibujo y regresar a Australia a vivir.

La decisión más difícil que has tenido que tomar Irme de Australia. Viví allí 7 años. Tenía todo y pensé que me iba a quedar para toda la vida. Allá trabajaba limpiando botes y limpiando hoteles. Eran unas chambas recontra manuales, pero me pagaban bien. Por eso fue tan difícil irme, pero me ofrecieron correr tabla como profesional y fue una oportunidad imposible de rechazar. ¿Alguna vez has boxeado con tu hermana? De chiquitos, obviamente. Ella me pegaba, yo la perseguía y luego se encerraba en el cuarto. Me ha enseñado algunas cuantas movidas, pero no he boxeado contra ella ¡ni hablar! Me suena (risas). ¿Qué buenos recuerdos mantienes de tu padre? Todos. Viví una época increíble con mi padre, murió cuando era un héroe para mí. Mi memoria es de él sonriendo en la playa, en la casa, en todos lados. ¿Cómo fue tu participación en Twelve Pack de Barena? El tema principal es presentar al equipo, que la gente sepa quiénes BASH 46

Por: Valeria López Cano / Foto: Alonso Molina

Álvaro Malpartida

somos y cómo corremos. También que se diviertan con nuestros chongos y que disfruten viendo las olas de todo el mundo. ¿Otras pasiones? Mi mayor pasión es el arte de dibujar. Hoy en día, lo he dejado de lado, pero es algo que está en mí y que en cualquier momento sale a flote. ¿Un momento de felicidad intensa? Un sueño que tuve de mi papá, en Indonesia, hace un año. Nos vimos y nos reímos una vez más. Luego me levanté y me sentí increíble.También el día en que Kina salió campeona mundial. Yo parecía un mono que no paraba de gritar. Lo celebramos a lo grande. ¿Cuál es tu plan B? Irme a Australia a vivir. No soy un planeador a largo plazo, porque de hecho que con la carrera que tengo es un toque tranca. En realidad, sólo busco mantenerme vivo… con las olas que corres puede pasar cualquier cosa. Pero no tengo miedo, eso es lo rico de correr tabla.


"No tengo un plan B”

LADO B

Por: Valeria López Cano / Foto: Alonso Molina

Alina Ferrand

Alina es la bella actriz que interpretó a la seductora y compleja Alice en la obra Más Cerca (2008), y actualmente está trabajando en la producción y ensayo de Todos los Miedos, obra escrita por la dramaturga argentina Mariana Chaud. En lado B nos cuenta otros aspectos de su vida. La decisión más difícil que has tenido que tomar La más fuerte, y que dio un giro a mi vida, fue cuando a los 14 años decidí regresar a Lima sola,dejando a mi mamá en Estados Unidos. Nunca me sentí cómoda creciendo fuera y quería terminar mi desarrollo acá. Qué locura has hecho por amor El año pasado, terminando la temporada de Más Cerca, me fui a vivir a México con otra persona, dejándolo todo. Sin un plan, con visa de turista, agarré mis petacas y lo seguí.

¿A qué actor o actriz peruana admiras? En Comedia, me gusta Katia Condos; en Drama, Norma Martínez y Paul Vega. La gente se sorprendería de ti si supiera qué… Soy muy introvertida. ¿A pesar de haber hecho un semi streeptease en la obra Más Cerca? Es que me fui haciendo la idea. ¿Cuál es tu plan B? No tengo un plan B. Si mantienes un plan B estás esperando que tu primer plan falle. BASH 47


“Caminando un poco sin rumbo.”

Nicolás Schreiber

Se apasionó por el windsurf en un viaje a Atenas en el año 98 y este año se coronó como campeón mundial del windsurf. Su meta es ganar la ISAF el próximo año en el mundial. Ha estudiado administración hotelera, pero no sabe si algún día pondrá en práctica esa profesión. En Lado B, no tiene miedo de confesar sus roches, paltas y locuras.

Un momento de felicidad intensa Fue en el primer campeonato mundial de windsurf en Ancón, Perú. Estaba de Presidente de la Asociación Peruana de Windsurf, de organizador del campeonato y de competidor. Fue una triple felicidad el haber ganado el campeonato; haber hecho, como presidente, que se promueva más el deporte; y ver que todo salió perfecto como organizador. Un papelón Lo más rochoso fue cuando fui a una discoteca en San Borja, hace dos años, y me subí a la barra a bailar Axe Bahía. Hubo un momento en el que quisiste renunciar al windsurf Sí, hubo un momento en el que sentía que ya no disfrutaba del deporte, porque había mucha presión de competir por parte de los auspiciadores, que te agobian. Si no ganas te quitan el auspicio. BASH 48

Por: Valeria López Cano / Foto: Alonso Molina

LADO B

Otras pasiones El parapente o coleccionar armas. Lo último a mucha gente le da miedo, pero en realidad a mi me encanta porque mis dos abuelos eran coleccionistas. También me apasiona hacer tiro al blanco. ¿Cuál fue tu último pensamiento? Que extraño a una persona. ¿Se puede saber quién es? Camila. ¿Cuál es tu plan B? Siempre tengo un plan B en todo lo que hago. Pero me gusta ser espontáneo, yendo por el camino y, mientras se van presentando situaciones, ir tomando decisiones. Así disfruto más la vida, caminando un poco sin rumbo.


LADO B

“Mi plan B es el plan A reorientado.” Por: Valeria López Cano / Foto: Alonso Molina

Pamela Rodríguez

Su último disco es En la Orilla, ganador del premio Luces, 2007. En éste, la cantante afirma que ha compuesto las canciones más tristes de su vida, porque fueron compuestas en el proceso de ruptura de una relación muy dolorosa del pasado. Ahora está feliz, viveNDO ENTRE Venezuela, ESPAÑA Y PERÚ Y CON ALGUNOS CONCIERTOS PENDIENTES EN NUESTRO PAÍS a fin de año y otros dos más en Nueva York. ¿La decisión más difícil que has tenido que tomar? Todas las que significaron cortar algo radicalmente, de raíz, como algunas parejas, algunas amistades venenosas; arrancar todas esas relaciones nocivas que nadie necesita, pero que a veces son difíciles de cortar. ¿Qué locura has hecho por amor? He hecho todas. La gente se sorprendería de ti si supiera que… Es verdad que hice todas las que he podido, (risas). ¿Un sabor con el que te quedarías? Me quedaría con el olor de mi bebé, es tan rico que hasta lo puedo saborear. Lema Lo tengo pegado en mi piano, y dice “Wheather or not is clear to you,

the universe is unfloding as it should”/”aunque para ti esté o no claro, el universo se desenvuelve como debe.” Un papelón El anticipado Premio Nobel de La Paz a Obama, cuando solo ha hablado y no ha hecho mucho. Ojalá sea una estrategia para que rea mente haga lo que prometió. ¿Qué es lo primero que harías si fueras invisible? Desaparecería las armas y las bombas nucleares... y, si es posible, a uno que otro inhumano que las utiliza. ¿Cuál fue tu último pensamiento? Que debí decir nombres en la pregunta anterior, pero que es mejor así. ¿Cuál es tu plan B? Mi plan B es el plan A reorientado. BASH 49


TRENDS

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Boutiques para

Proyectar Objetos, ropa y accesorios inspirados en películas y directores maestros, estrellas e ídolos cinematográficos. Por: Marisol Tudela Fotos: Walther Higueras

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Estereofónica: Mujeres: Enrique Meiggs 141 (Alt. Cdra. 7 de C. Espinar), Miraflores. Teléfono: 2430403. Hombres: Av. Comandante Espinar 849, Miraflores. Teléfono: 242-8266. www.estereofonica.net. Expresiones: Jr. José Gálvez 438, Miraflores. Teléfono: 241-6761. www.expresiones-peru.com. Dédalo: Paseo Sáenz Peña 295, Barranco. Teléfono: 477-0562.


TRENDS

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1. Monedero y billetera, con el diseño del papel de la historieta Wonderwomen, plastificados con tela de colores. Diseños de Washa: Jazmín Perea. De venta en Estereofónica. Precios: S/. 15.00 el monedero y S/. 40.00 la billetera. 2.Cartera con diseño de papel de historieta Superman, plastificado y forrado con tela de colores por dentro. Diseño de Washa: Jazmín Perea. De venta en Estereofónica. Precio S/. 90.00. 3.Polo gris, manga corta de algodón, para hombres, con el estampado de películas de los años 60. Diseñado por Punto. Lugar de venta, Estereofónica. Precio S/. 88.00. 4.Posavasos de Ana María Herrera, elaborados en trupán y pintados a mano. Diseños de Audrey Hepburn a S/. 21.00, de Elizabeth Taylor a S/. 24.00 y de Marylin Monroe a S/. 25.00. De venta en Dédalo. 5.Polo marrón, manga corta de algodón, para hombres, con el estampado de Madonna. Di-

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señado por Tercer Mundo. Lugar de venta, Estereofónica. Precio S/. 98.00.

papel. Diseñado por Luitpol Ruiz. De Venta en Expresiones. Precio S/. 109.00.

6.Polo verde agua, manga corta de algodón, para hombres, con el estampado de Alfred Hitchcock, de la película Psicosis. Diseñado por P4LOU4N. Lugar de venta, Estereofónica. Precio S/. 80.00.

11.Polo rosado, manga corta de algodón, para hombres, con el estampado de Marilyn Monroe. Diseñado por Tercer Mundo. Lugar de venta, Estereofónica. Precio S/. 88.00.

7.Plato decorativo, simulando un disco de vinilo, con diseño de la película Casablanca. Diseñado por Diana Arce. De venta en Dédalo. Precio. S/. 27.50.

12.Polo blanco, manga corta de algodón, para hombres, con el estampado de Robert de Niro, en la película Taxi Driver. Diseñado por Tercer Mundo. Lugar de venta, Estereofónica. Precio S/. 98.00.

8.Cartera de lona con tela estampada de Los Beatles. Diseñado por Romina Armesto. De venta en Dédalo. Precio S/. 96.00.

13.Billetera de plástico con serigrafía de la película Metropolis. Diseñado por Natalia PiloPais. De venta en Dédalo. Precio S/. 42.00.

9.Perchero abstracto de Elvis Presley, hecho como impresión fotográfica en papel. Diseñado por Luitpol Ruiz. De venta en Expresiones. Precio S/. 109.00.

14.Bandejas decorativas y utilitarias de Ana María Herrera, elaboradas en trupán y pintadas a mano. Diseños de James Dean a S/. 85.00 y de Marylin Monroe a S/. 100.00. De venta en Dédalo.

10.Perchero de Halle Berry en la película Catwoman, hecho como impresión fotográfica en

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TRENDS

Indy Jacket

Estilos que trascienden el siglo XX “Cuando nació el arte cinematográfico nadie imaginó que, además de servir como vía de entretenimiento y de información, llegaría a ser un fuerte vehículo de imposición de ideas e ídolos y, por tanto, difusor de modas y maneras” (Jacome D. en Moda y Cine, 1996).

El lunar de Monroe

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Bikini-cinturón, chica Bond

Audrey Hepburn, elegancia.

Por: Marisol Tudela


Corte Amelie

Aviador

Los 80

TRENDS

Es imposible imaginar el mundo de la moda sin la influencia del cine y viceversa; así que si se afirma que “la moda es lo que acomoda”, veamos qué nos dice el séptimo arte. 1. Sex & the City: vitrina femenina Esta historia de cuatro amigas que protagonizan escenas de amor y sexo en Nueva York, ha impuesto el perfil de la mujer independiente. El fenómeno se ha extendido de la televisión a la pantalla grande y se ha convertido en un auténtico escaparate de moda. Zapatos Jimmy Choos, carteras Prada y vestidos de Dior, Chanel, De la Renta, Dolce & Gabanna y Gucci desfilaron durante los seis años que duró la serie, multiplicándose las ventas de sus marcas. Incluso, los famosos tacones de aguja del diseñador español Manolo Blahnik, gracias al personaje de Carrie Bradshaw, hoy se venden hasta en 2 500 dólares. 2. Corte de pelo estilo Amelie La actriz Audrey Tautou es conocida en el mundo de la moda por el corte de pelo inspirado en el clásico estilo Bob (melena corta con un flequillo poblado), que muestra en este filme francés. Este estilo nunca ha sido anticuado, pero en los últimos años ha adquirido fuerza, más que nada gracias a muchas celebrities y estarlets que han optado por este corte peliculero, como Katie Holmes, Victoria Beckham y Riahanna. 3. Audrey Hepburn: distinción y ternura Audrey Hepburn es uno de los mayores íconos cinematográficos de todos los tiempos. Con su pelo corto y su vestido negro de espalda descubierta -lucido en Desayuno en Tiffany’s, novela de Truman Capote adaptada al cine- marcó un antes y un después. Su estilo elegante, sobrio y dulce ha sido imitado por las grandes firmas para vestir a la mujer actual. Las bailarinas, combinadas con pantalones de pitillo pesqueros; elegantes vestidos de color negro sin mangas; collares de perlas sofisticados y recogidos; y grandes gafas de sol son complementos que no pueden faltar en el armario de toda mujer y que han sido inspirados por esta estrella de cine. 4. Bikini de la chica Bond: Ursula Andress El bikini-cinturón que usó la chica Bond al salir del agua en la película El agente 007 contra el Doctor No (1966), es una escena que quedó en la memoria de todo el que la vio. Ursula Andress fue desde entonces una sex symbol y lanzó fuera del closet al bikini, que no ha dejado de reinventarse permanentemente.

5. Grease: onda vaselina Filmada en 1978, pero inspirada en los años 50, Grease fue un grito juvenil de libertad, inconciencia y rebeldía. El eslogan del cartel promocional de la película fue “Black leather, tight jeans: bad boys and cool girls” o “Cuero negro, jeans apretados: Chicos malos y chicas frescas”. Esta película marcó una generación que empezó a vestir como John Travolta y Olivia Newton-John. Los hombres se cuidaban el cabello y las mujeres se maquillaban agresivamente. Además, fue un boom en la moda el predominante color negro, los ajustados pantalones pitillo, las casacas de cuero con cremalleras; los zapatos de tacón alto, en el caso de las mujeres, y el calcetín blanco a la vista en los hombres. ¡Que época! 6. Indiana Jones y su mítica casaca La marca Belstaff ha recreado, para los que no son Harrison Ford, la chaqueta estilo Indiana Jones o Indy Jacket por unos 1200 euros cada una. Pocos cambios sufre el ‘uniforme de batalla’ del personaje en cada una de sus aventuras, aunque nunca se ha re-usado su vestuario. Fue trabajo de cada diseñador rehacer el look y el glamour del aventurero Jones para cada película desde La Búsqueda del Arca de la Alianza, hasta la muy rentable Calavera de Cristal. 7. James Dean: “vive intensamente, muere joven y que nunca te olviden.” Hombre que personificó el fin de la inocencia de una generación, ícono de rebeldía y un auténtico inconformista: James Dean falleció a toda velocidad (en su auto deportivo) a los 24 años. Su estilo desenfadado ha sido imitado no sólo por su peinado tupé, sino por su casaca de cuero y camiseta blanca debajo de sus vaqueros (jeans) y, sobre todo, por su actitud de chico rudo ante la vida. Aún ahora, 54 años después, este artista sigue siendo un símbolo vigente para todos aquellos rebeldes con o sin causa. 8. Marilyn Monroe: inmortal sensualidad y belleza Desde que apareció la rubia Marilyn con sus prominentes curvas, su cara de ángel y ese sexy lunar en la mejilla… nació la mayor diosa del cine. Hoy los lunares atraen a todos, naturales o artificiales, como lo sigue haciendo la novia eterna de Estados Unidos.

9. Aviator look de Tom Cruise Los lentes de sol modelo Aviador de Ray-Ban causaron sensación en los años ochenta. Después de que el ídolo de masas Tom Cruise los luciera en la película Top Gun, las ventas de Ray-Ban Aviator se incrementaron en un cuarenta por ciento. Durante esa década, Ray-Ban recibió dos importantes reconocimientos: el premio a Las Mejores Gafas de Sol en el Mundo (1986), otorgado por el Consulado de Diseñadores de Moda de Norteamérica; y el Premio Woolmark (1989), por su marcada influencia sobre la apariencia del hombre norteamericano. Esta tendencia ha vuelto con furia en los últimos tiempos. 10. Los ochenta: colores muy vivos Esta década fue de diversión y baile, caracterizada por películas como Flashdance y la conocida serie Fame. Eran los tiempos del pelo crespo con permanente, de licra, cintas en el cabello y calentadores. Las mujeres vestían leggings, amplias sudaderas recortadas -era imprescindible enseñar el hombro- y grandes zapatillas de colores vivos. Ropa muy adecuada para hacer deporte, pero no tanto cuando la moda se extendió y la gente vestía así para ir a la discoteca, a pasear y… en fin, a todos lados. ¡Qué tiempos aquellos! 11.Jennifer Aniston se inmortaliza como “Rachel” Esta cotizada actriz ha marcado la tendencia de la peluquería juvenil y adulta, especialmente en los Estados Unidos. El clásico look lacio en capas que llevó por años como Rachel, en la conocida serie televisiva Friends, fue un estilo que se hizo famoso. Este corte fue el más pedido y copiado durante una época en casi todos los salones de belleza. Aniston, fue seleccionada como “La famosa con el estilo de cabello más deseado” por la revista In Touch. Su look ha sido votado como “El corte de pelo más influyente de todos los tiempos”, sobrepasando las capas rubias de la recientemente desaparecida Farrah Fawcett, quien interpretaba a la bella Jill en la serie Los Ángeles de Charlie de los años 70. No se puede dudar, pues, de la influencia social que ha tenido el cine en la moda y en las conductas de nuestro siglo. Miles de personas nos hemos vestido, actuado y hablado como las estrellas que admirábamos y aún admiramos. BASH 53


FRAGMENTOS

Película peruana: El Acuarelista.

El Acuarelista se estrenó a fines del año pasado, sin suscitar mayor expectativa. ¿Por qué pasamos por alto una película peruana hecha con cuidado y detalle? Aquí trazamos algunas posibles respuestas y renovamos los argumentos por los que vale la pena verla, desde el próximo enero, en DVD. Por: Antonia Luque En las costas de Florida, uno junto a otro, vio Daniel Rodríguez a una fila de pintores. Sentados frente a sus lienzos y con el mar de fondo, pintaban paisajes perfectos penetrados de color y agua. Eran acuarelistas. Inmediatamente invadió a Rodríguez la sensación de que la acuarela era un arte idealista e imaginó a uno de esos acuarelistas con la personalidad aguada (débil), como su arte. Ópera Prima Rodríguez ya tenía experiencia dirigiendo 5 cortometrajes y en el 2005 sintió que se cerraba un ciclo artístico y, en consecuencia, se iniciaba otro que daría lugar a su primer largo: un dramedy, un género híbrido que combina el drama con la comedia (humor negro, en este caso). El Acuarelista narra la historia del Señor T (Miguel Iza), un sujeto que desde el inicio se presenta frágil de personalidad. Cansado de su trabajo de oficina decide abandonarlo para abocarse a su máximo placer: las acuarelas. En medio de ese trance es interrumpido por sus vecinos -cada uno más insufrible que el otro- que llaman a su puerta intentando alejarlo de su sentido fin, para asistirlos en el cumplimiento de otros más prácticos y terrenales. Sobre gustos y colores Hay escenas de la película donde la fantasía BASH 52

se filtra con la realidad y se hace más evidente la decisión de Rodríguez de contar una historia fabulosa. Las propias acuarelas animadas, creadas especialmente por el afamado artista peruano Juan Pastorelli, contribuyen con esa intención. Lo mismo que el escenario de la historia, un edificio tradicional del Centro de Lima, que a decir del director, podría estar ubicado en cualquier ciudad del mundo. A ello se suma el sentido de atemporalidad, ya que aún cuando el vestuario y el peinado podrían retratar los años setenta, el rodaje se limitó a los interiores del edificio (pasillos, ventanas y puertas) evitando referentes exteriores que pudieran situar el filme en una época específica. Esos detalles, junto a la excelente fotografía –a cargo del tailandés Tanon Sattarujawong-, la correcta musicalización y la cuidadosa dirección de arte fueron elogiados por la crítica, que no tardó en resaltar el prolijo acabado formal del filme. Pero como lo señala el propio director, hay cosas que gustan y hay otras que no. La crítica fue dura con su obra y la reprobó desde varios ángulos. De entrada, se dijo que el guión proponía escenas aisladas, evitando que el interés del espectador en la película fuera in crescendo. También se culpó al guión de convertir al protagonista en un personaje soso, con el que resultaba imposible identificarse. Y del resto de personajes se dijo que eran arquetípicos, disforzados y sobre actuados.

Motivos de sobra Además de la crítica, ocurre con El Acuarelista, algo que ha ocurrido con otras películas alternativas. La mayoría de espectadores, educados por el cine Hollywoodense, asisten al cine esperando que se cumpla siempre la misma estructura: inicio, trama y final; y que al protagonista bondadoso se oponga el antagonista detestable. Esta película escapa a ese esquema y ello suele suscitar dos opiniones: la que la considera una obra de arte, y la que la encuentra lenta y aburrida. Y algo que justifica parte de la baja taquilla, y que escapa a la calidad del filme, es la fecha de su estreno. Hacia finales del 2008 invadieron las salas de cine cinco películas peruanas, siendo El Acuarelista la última en estrenarse. A este hecho se sumaron la avalancha de películas que EE.UU. estrena con motivos navideños y que son un éxito de taquilla. En las últimas escenas de la película, el mundo del acuarelista parece desproporcionarse y él mismo salirse de control. El final de este enigmático personaje y el de la anhelada acuarela que aún no era capaz de pintar, quedan inciertos. Mientras la pantalla va apagándose se oye la voz en off del vendedor de pinturas recitando: “prefiero creer que ha alcanzado el mundo de colores que tanto andaba buscando”.


FRAGMENTOS

Profilaxia

Interior Bajo Izquierdo

Jáuregui

El Lugar Indicado

CORTOS

Por: Denisse Sotomayor

Daniel Martín Rodríguez: “Tomo los problemas como oportunidades.” Estudia artes visuales en la Universidad Católica y hasta el momento ha realizado 3 cortos: Apetito, El Pájaro y El lugar Indicado. Explícame cómo tu segundo corto te costó cincuenta soles… Todos pusieron lo suyo y solo gasté en gasolina y papitas. Conseguimos la cámara, que siempre es lo más caro, y logramos hacerlo así de barato. En una realidad sin dinero, como esta, es necesario tener buenos amigos e ingresar al “banco de favores”, al cual entras haciéndole un favor a un amigo y luego éste te lo retribuye. Todos los que nos hemos metido en este arte sabemos que la manera de hacer cine acá es dándonos la mano. Es casi un cine de guerrilla… Claro, en vez de tomas en helicóptero son tomas en parapente; en vez de sacar todos los permisos necesarios para grabar en la calle, buscas un espacio donde no frecuenten serenazgos; grabamos de día porque no tenemos luces, etc. Yo tomo los problemas como oportunidades. Jonatan Relayze: “Hacer una película es un esfuerzo titánico” Ocho cortos editados –cinco en película y tres en video–cineasta, productor de Rap, cantante y fotógrafo. ¿Aún más problemas? Claro, hay más trabas que camino fácil, pero como en cualquier arte independiente tienes que ver cómo esquivas o saltas los muros. Acá no hay un mercado real, tienes que optar por

Todos coinciden en que están cortos de presupuesto, pero que les sobran ideas. Estos cinco personajes dedicados al cine, nos revelan las dificultades y satisfacciones que les genera hacer un cortometraje en una realidad como esta.

la auto-distribución o distribución por canales no convencionales, como festivales y concursos. Tienes que saber que los cortos tienen un tiempo de caducidad, que dura un año o dos, después los festivales no los reciben. No es negocio rentable… No es negocio ni siquiera, es ir a la pérdida, pero si no los hubiera hecho me sentiría inútil. Es por pasión. Aunque es cierto que desde que yo egresé de la universidad la creación de cortos ha aumentado en un 300% y la cantidad produce calidad. Los hermanos Vega: “No había otra, la combinación era necesaria” Fusión sanguínea. Los hermanos Diego y Daniel Vega han producido, escrito y dirigido el corto Interior Bajo Izquierda, ganador del Mejor Corto Nacional, en el Festival Internacional de Cortometrajes de Cusco; el premio de CONACINE; Mejor Dirección, en el Festival de Florianapolis, Brasil, entre muchos otros premios. Daniel tiene una maestría en cine en Madrid, mientras que Diego hizo una maestría en Cuba en la Escuela Internacional de Cine y Televisión, en San Antonio de los Baños. Los dos aseguran que la combinación era necesaria. ¿Cuáles son las ventajas de hacer un corto? En un corto uno se la puede jugar más, puede ser más atrevido. Incluso puede fallar y no pasa gran cosa. Sirve para acercarte a temas que te atraen, para mostrar tu trabajo. También para conocer el circuito de festivales y ver cómo puede funcionar el tema de la distribución. Hacer cortos te ayuda a conocer a un equipo de rodaje y comprobar si funciona (incluyéndote a

ti mismo). Y si funciona, cabe la posibilidad de premios… Por suerte CONACINE premia varios cortos al año y si se gana se puede reinvertir en hacer otro. Por lo demás, hay equipos, talento, buenas locaciones, actores y, sobre todo, hay voluntad de ayudar a la gente cuando es un buen guión o proyecto. Chema, Víctor Manuel Checa: “No soy un cineasta de contar historias, soy un creador de atmósferas” Fue alumno de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Los Baños, en Cuba, y llevó cursos de dirección en Nueva York. Sus producciones son Las palabras No Suenan (2007); Jáuregui, que participó en el Festival de Montreal; y Salvador (2008). ¿Qué es lo que te motiva a hacer cine? No soy un cineasta de contar historias, soy un creador de atmósferas. Me interesa crear mi propio lenguaje. Lo ideal es arriesgar, proponer. No hay que perder las esperanzas… Para nada. Los jóvenes tienen que filmar, llámese corto, propuesta estética, un video experimental o lo que sea. Ahora puedes filmar con el celular y la cámara de fotos. Es indispensable probar. Si un crítico ve mis antiguas filmaciones las descartaría en un segundo, mi estética era horrible, pero es parte de una construcción y un reconocimiento de tu propio estilo.

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3 FRAGMENTOS

CUATRO INTERPRETACIONES

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Cuatro, es una película que presenta, como su nombre lo dice, 4 episodios donde los protagonistas atraviesan la dura realidad de vivir ante la ausencia del ser querido. Este es un recuento de la experiencia que fue para los actores interpretar estos complejos papeles en la pantalla grande..

Por: Gianmarco Mendoza 1. Vanessa Saba (Cecilia) Frente a las cámaras Cecilia arregla una casa cuya historia es posible respirar, a través de la pantalla. Su esposo ha muerto y la protagonista pasea su pena por el espacio que compartió con él. Lava los platos, limpia y contesta el teléfono: una interlocutora invisible le recuerda su pérdida. “El espacio funciona como un personaje. Este representa la historia vivida con su esposo, sus emociones y la lucha por no derrumbarse”. Pocas personas en el set de grabación; la madrugada, Vanessa y su director; el equipo indispensable y su espacio personal, un ambiente para retraerse entre escenas. La escenografía, muda pero vibrante, interpreta su propio papel. No había mucho que ensayar. La soledad y el vacío se encargarían de deconstruir a Cecilia. 2. Natalia Parodi (Chiara) Enfrentó su papel como si fuera la vida diaria -la irónica vida diaria- y la psicología, su otra profesión, no representó una fuente de consulta para la construcción de su personaje. Ser empático fue lo más importante. Chiara sufre, ha perdido a su padre, y junto a su hermano Alex (Bruno Ascenzo) carga con la penosa responsabilidad BASH 56

de organizar su sepelio, el que una impasible vendedora le ofrece con destreza. “No necesitas haber perdido a alguien para dotarte de una noción de profunda tristeza; tienes que haber vivido, sí, y recoger las experiencias que te trasladen a un universo ajeno”. Chiara carga con su pena, y la mecanizada vendedora le habla con la gracia de una aeromoza y el gesto de una anfitriona. “No debías ser psicólogo, artista o director, solo haber vivido un poco”, enfatiza Parodi. 3. Gisela Ponce de León (Gabriela) Construyó a Gabriela con sutilezas, no con estereotipos. Una adolescente golpeada por el suicidio de su madre y sumida en una profunda depresión, que desarrolla un extraño vínculo con el mejor amigo de Pedro (Gonzalo Torres), su padre. “Hubiese sido delicado conocer a chicas como Gabriela (como deseamos al principio), pues la depresión es tan íntima que varía según la persona”. Durante cuatro días Gisela se convirtió en el personaje del que tanto habló con Bruno Ascenzo, el director de la historia. Era su primera vez en el cine, la primera en una producción tan ambiciosa como acelerada. Lejos de sus temporadas en el tea-

tro, en las que cada función ofrece una chance para mejorar, Cuatro simbolizó una vorágine emotiva hacia el personaje más intenso que le ha tocado realizar. 4. Renzo Schuller (Peter) En el teatro, el humor; en el cine, el drama. En Cuatro, interpretó a Peter, el joven a quien una enfermedad amenaza con separar de Raúl (Paul Vega), su pareja. La esclerosis múltiple, el mal que postra a su amado en una silla de ruedas esta inevitablemente presente, como si fuera un tormentoso personaje secundario, dejando a la homosexualidad en un segundo plano. Para conocerla, Schuller se entrevistaría con una pareja de esposos que atraviesa por una situación así, donde la mujer mantiene en pié la relación, tal como lo hace Peter. “La enfermedad es el factor más importante, el elemento que se interpone entre los protagonistas. Los besos fueron fáciles, no tienen tanta importancia”. De esta manera, el estricto morbo de dos hombres que se quieren se trasladó a un segundo plano, y lo principal y difícil se basó en adentrarse en una relación con un final escrito: imbuirse en la pena que embarga a Peter.


FRAGMENTOS FRAGMENTOS

DIRECTORAS MUJERES

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2Mujeres Estilos

Marianela Vega y Valeria Ruiz, jóvenes cineastas peruanas, tratarán de definir su estilo cinematográfico.

Todos coinciden en que están cortos de presupuesto, pero que les sobran ideas. Estos cinco personajes dedicados al cine, nos revelan las dificultades y satisfacciones que les genera hacer un cortometraje en una realidad como esta.

Por: Valeria López-Cano

Marianela Vega

Intimista y contemplativo. Así define Marianela Vega su propio estilo cinematográfico. Sus cortos son evaluaciones de sus decisiones y sentimientos en diferentes momentos de su vida. Así lo hizo desde su primer cortometraje, Ausencia, hasta el último, Payasos, ganador de dos premios en el III Festival de Cortometrajes de Lima. Marianela se graduó de Bachiller en la Universidad Católica y ha terminado su maestría en dirección de cine en la Universidad de Texas, Austin. La cineasta de 30 años no tiene reglas ni límites para crear. En Ausencia, por ejemplo, muestra la experiencia de tres personajes de distintas edades, relacionados por un solo tema: la pérdida de un ser querido. Lo que hizo la cineasta fue acercarse a distintas personas para hablar de la muerte, evitando el morbo y logrando que tuvieran la confianza suficiente para abrirse profundamente. Con Payasos, por otro lado, es la primera vez que Marianela trabaja una ficción en Lima junto a un equipo de producción tan grande (30 personas). Este corto cuenta la historia de un periodista que se refugia en el mundo de los payasos callejeros, después de la muerte de su padre. La inspiración de Marianela Vega también se sirve de los hermanos belgas, Jean Pierre y Luc Dardenne, quienes en sus películas trabajan con `no actores´. “Me funcionó muy bien en Payasos, donde el único actor profesional era Tommy Párraga,” cuenta. Por otro lado, su película favorita es Fireworks de Takeshi Kitano, por la ternura que tiene para retratar historias personales. Kitano se basa mucho en los silencios, imágenes y pocos diálogos; al igual que Marianela, quien lo plasma en Payasos. Ella sabe lo que quiere.

Valeria Ruiz

“Quiero compartir las cosas que me impresionan o me conmueven de la vida, dejar que el público tenga sus propias sensaciones con lo que le presento.” Para Valeria Ruiz no es fácil definir su estilo, pero tiene claro que sus trabajos siempre parten de hechos que la conmueven y que no entiende por qué suceden en esta vida. Es en el proceso de realización que ella empieza a comprenderlo y a sentirse mejor. Tal vez por eso Un Momento es el cortometraje que más disfrutó hacer porque, a pesar de sentirse lejos de su abuela (que se encontraba muy delicada de salud), aprendió mucho conversando con personas de 80 años acerca de la muerte, la esperanza y el sexo. El Rey de Londres, por ejemplo, trata de un inmigrante búlgaro, a quien conoció en un restaurante en el que trabajó. Este joven vivía solo en Londres, manteniendo a su familia que estaba en Bulgaria, y se sentía frustrado por sus limitaciones y sueños. Valeria no dudó en escribir sobre él. La joven directora tiene un máster en la National Film and Television School (NFTS) y ahora está enfocada en terminar su primer largometraje, llamado Encontrando a Paloma. Este filme contará la historia de una empleada doméstica que la cineasta conoció al asistir a La Marcha de la Empleada Audaz, para protestar contra algunos abusos que estas mujeres reciben. Gracias a este proyecto, Valeria fue seleccionada por Conacine para participar en el Morelia LAB, taller para jóvenes productores de Latinoamérica. “No estoy segura de querer ser identificada con un estilo preciso, solo sé que quiero poder plasmar honestidad en lo que hago.” BASH 57


MITICOS

Sangre, Sudor

Kill bill

Pulp Fiction

Inglourious Bastards

y Lágrimas:

UN REPASO POR LAS PELÍCULAS

DE QUENTIN TARANTINO

Un cinéfilo convertido en director de cine. Un ganador del Óscar y la Palma de Oro. Sus filmes son, sin duda, referencia ineludible del cine americano contemporáneo. Ha trabajado con celebridades como Robert de Niro, Uma Thurman y John Travolta y acaba de estrenar Inglourious Bastards, su primera colaboración con Brad Pitt. Con ustedes, el maestro de la violencia inteligente y de la acción churrigueresca: Quentin Tarantino. Por: Ricardo Hinojosa Lizárraga BASH 58


MITICOS

–Dime, cuando viniste a mi casa ¿viste un cartel que dijera ‘carroña negra’? –No. – ¿Y sabes por qué no lo hay? Porque recolectar negros muertos no es mi puto negocio. La palabra clave en el cine de Tarantino es diálogo. Diálogo y sangre dirían otros, quizás por haber recibido algún salpicón desde la pantalla, o quizás porque las películas de Tarantino solo deben escribirse con tinta roja. Las líneas iniciales de esta nota pertenecen a Pulp Fiction y se producen en una conversación que el mismo Quentin – quien también actúa en varias de sus películas – sostiene con John Travolta y Samuel L. Jackson. Era 1994 y Tarantino acababa de encontrar que “su puto negocio” era hacer grandes películas. Conocida también como Tiempos Violentos, la película obtuvo la Palma de Oro en Cannes, un Óscar al mejor guión y, por si fuera poco, resucitó para el cine a un John Travolta que estaba en franca decadencia. Esta no sería la última vez que Tarantino le devolvía la fama a un ídolo. Por ejemplo, Robert Foster y Pam Grier también verían resurgir sus carreras tras protagonizar Jackie Brown. Aunque hay voces que subestiman su trabajo, lo cierto es que solo 6 películas le han bastado para convertirse en parte importante de la historia del cine americano.

Buscemi y Tim Roth se unieron al proyecto. Conocida en nuestro país como Perros de la Calle, la película tuvo una exitosa acogida en el Festival de Cine de Sundance: la quijada de Quentin empezaría un vertiginoso camino de fama y admiración mundial. Ahora, para muchos de sus fanáticos es inolvidable la escena en que Michael Madsen baila el clásico setentero Stuck in the Middle with You mientras se prepara para torturar a un aterrado policía apresado. Un nuevo estilo de filmes había nacido convirtiendo en adjetivo su apellido, porque si hay sangre, violencia y un ritmo trepidante bajo cierta estética kitsh, no cabe duda que es tarantiniano. A Band Apart Tras el éxito de su primera colaboración juntos, Bender y Tarantino deciden manifestar su admiración por el gran director francés Jean Luc Godard (una de las figuras prominentes de La Nueva Ola francesa) fundando su productora A Band Apart. El nombre es un tributo al título de una de las obras maestras del director parisino. La productora es la que estuvo detrás de todas las películas posteriores de Tarantino, incluyendo la reciente Inglourious Bastards.

Perros de la Calle Un presupuesto exiguo, actores novatos y un guión minimalista era todo lo que tenía Tarantino, en 1991, para llevar a la pantalla grande a Reservoir dogs, su ópera prima. Hasta que una barbacoa en la casa del director Scott Speigel fue escenario del primer encuentro con el productor Lawrence Bender, quien le dio la mano.

En los años posteriores, algunos guiones que había escrito con anterioridad se vendieron como pan caliente. Asesinos por Naturaleza es un filme que tuvo gran éxito. Esta es la historia del romance entre Nick y Mallory, dos peculiares asesinos que dejan una estela de crímenes a su paso. Fue dirigida por Oliver Stone en 1994 y se convirtió en uno de los filmes referentes de la década de los noventa. Sin embargo, el guión había sido reescrito por Stone y a Tarantino solo le dieron crédito por la historia. Como era de esperarse, no quedó nada contento con el resultado final y criticó abiertamente la película.

Bender se entusiasmó tanto con el guión que le dijo a Tarantino algo como “Brother, dame un mes y convertiré esto en una película de verdad”. Bender contactó al actor Harvey Keitel, a quién también le encantó la idea de unos cuantos tipos en terno cometiendo un asalto y refugiándose en un depósito, con escenas de sangre, violencia y diálogos inteligentes. Keitel mismo decidió protagonizar la película y reunió a un reparto de lujo: Michael Madsen, Steve

Pataletas y pucheros aparte, 1994 sería un año clave para él, pues estrenaría la ya mencionada Pulp Fiction. La escena de baile rocanrolero de John Travolta junto a Uma Thurman, es ya un clásico del cine. Tras el éxito y los galardones, esperaría hasta 1997 para dirigir. Jackie Brown sería su tercer filme como director e incluiría en su reparto a personajes como Robert de Niro y Michael Keaton y los ya mencionados Pam Grier y Robert Foster, antiguas estrellas

de la televisión norteamericana de los años 70. Aunque el filme no tuvo mucho éxito, Tarantino mantuvo su estatus en Hollywood. También es conocida su colaboración en 1996 con otro de sus grandes amigos, el director Robert Rodríguez, en Del Crepúsculo al Amanecer. Y en el 2003 reaparecería tras las cámaras con Kill Bill, su febril historia de una venganza. Estrenada en dos partes y teniendo como protagonista a Uma Thurman (Beatrix), este filme también marcaría el retorno de David Carradine (Bill), relegado a filmes de serie B tras la desaparición de la serie Kung fu. La escena de la conversación final y posterior muerte de Bill, en el Vol. 2, es otra de esas postales tarantinianas imposibles de olvidar. Bill le dice a Beatrix en la conversación final de la película: “Hacer creer a alguien que alguien a quien se quiere esta muerto es una crueldad. (…) no solo no estás muerta, sino que estás casada y embarazada. (…) Soy un asesino, un cabrón despiadado y hay consecuencias cuando una traiciona a un cabrón despiadado. (…).” Bastardo con gloria Dejando de lado su afición por las espadas samurái y las artes marciales, olvidando las veces que estuvo en prisión por no pagar multas de estacionamiento y los porros que consumía mientras filmaba; Tarantino prosigue con su apasionado affaire por la violencia y las muertes a granel. Inglourious Bastards (Bastardos sin Gloria), filme que ya podemos ver en salas limeñas, es protagonizada por Brad Pitt y cuenta la historia de un grupo de soldados maestros en el dedicado oficio de asesinar nazis, con singular brutalidad, en el marco de la II Guerra Mundial. Filmada con la estética de los spaghetti western –de estética sucia y estilizada, con personajes aparentemente carentes de moral y rudos– la película ya ha recogido las más diversas críticas. A pesar de ello, Tarantino nos ha dejado, sin duda, con otra joya de su repertorio de trucos o milagros cinematográficos. Después de todo, como dijo recientemente Brad Pitt en una entrevista, “Tarantino sí que es Dios”.

(Haciendo referencia al tema de Madonna) Voy a decirles de qué va Like a Virgin. Trata sobre una putita que es una máquina de follar. (…) Entonces, un día se encuentra con un tío que tiene un pollón enorme, (…) y siente algo que no había sentido nunca: dolor. ¡Dolor! Le duele y no debería. El paso debería estar ya bien abierto, pero cuando ese pájaro se la folla... le duele. Le duele como la primera vez. El dolor le recuerda a la máquina de follar lo que sintió cuando era virgen, Like a Virgin

Quentin Tarantino (Mr. Brown) en Reservoir Dogs (1991)

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FOTO-ENSAYO POR CAMILA RODRIGO

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El Primer Congreso Nacional de Cortometrajes del Cusco Este congreso tiene como finalidad establecer lazos entre los cortometrajistas del país; concretar proyectos; poder constituir un gremio de cortometrajistas y promocionar el cortometraje nacional. Además, se contará con la presencia de reconocidos especialistas audiovisuales tanto peruanos como extranjeros. Las inscripciones para los interesados se vienen realizando en la página Web de FENACO. Lugar: Cusco. Fecha: 5 al 7 de Noviembre. http://www.festivalcinecusco.com/

Green Porno Isabella Rossellini es la actriz, guionista y directora de Green Porno. Este es un libro y DVD compuesto de 18 cortometrajes que exploran la sexualidad de inusuales animales. Ella plantea que si los humanos hicieran las mismas poses sexuales se quedarían boquiabiertos. Habrá que aprender. http://www.sundancechannel.com/greenporno/

Vacas en la Ciudad: Cow Parade Exposición de arte público formada por 70 vacas de tamaño natural, que han creado e intervenido diversos artistas y personalidades del espectáculo. Lo que se hizo fue convocar a todos los interesados para que enviaran su diseño y, de ser este elegido, pintar una de las vacas. Estos mamíferos estarán rondando por diversos puntos de la capital con el objetivo de romper distancias entre la gente y el arte; colaborar con el desarrollo de artistas locales y recaudar fondos para caridad. Fecha: Desde el 4 de Noviembre hasta inicios de Febrero. Abierta al público. http://www.gpovallas.com/cowparadeli-

CUSCO

Urban Parade: desfile de modas Las principales marcas de moda urbana se unen para poner una vez más en boga al diseño peruano. Matt Da Lucci, Inusual, Kull, Mírala y Susan Wagner mostrarán su talento y originalidad en las pasarelas. Lugar: Nu Larcomar. Fecha: 21 de Noviembre.

Eternity La exposición Eternity reúne obras en video, película y fotografía del artista holandés Wouter Verhoeven, realizadas en India, África, Holanda, EE.UU. y Perú. Su mayor interés es reflexionar acerca de la práctica de la contemplación como una experiencia perceptual pura. Lugar: Calle General Recavarren 298, Miraflores. Galería Revolver. Fecha: Del 23 de Octubre al 14 de Noviembre.

AGE NDA

El Cinematógrafo de Barranco El único cine independiente sin fines de lucro de la cuidad. Difunde cine clásico, extranjero e independiente, proyectando cine peruano, tanto en formato de corto como largometraje. Lugar: Pérez Roca 196 (Alt. Cda 4 de Av. San Martin), Barranco. Horario: Lunes a viernes excepto miércoles de 6:00pm a 9:30 pm y feriados de 4:00pm a 9:30pm.

Billabong Moda con Arte Billabong Girls ha introducido como parte de su colección Summer 2010 obras de arte plasmadas sobre prendas de vestir. Para ello incluyó en su staff de diseñadores a las artistas australianas Catherine Campbell y Eugenia Tsimiklis. KEI Café Ambiente romántico y acogedor: tapices de flores, cuadros de clásicos artistas franceses, y flores naturales en la decoración. Nada mejor para acompañar con deliciosos postres, empanadas, enrollados, sánguches y golosinas. De tomar variados cafés, tés, infusiones y chocolate caliente y por si fuera poco, los saludables menús del día a solo 10 soles. Lugar: Henry Revett 259, Miraflores. Fecha: De lunes a viernes de 10 a.m. a 8 p.m. Delivery: 4459913. Noches de Placer con Incorpore Es una organización que brinda consejerías sobre temas de sexo de forma divertida, a través de juegos y técnicas. Los grupos pueden ser mixtos o solo de mujeres. En estas reuniones todos se podrán librar de los prejuicios del sexo y hablar del Punto G, fantasías sexuales, infidelidad, tipos de orgasmo, etc. http://www.centroincorpore.com/eventos.php


CIRCUITO LIBRE

FaRah a la Francesa Por: Valeria López-Cano Su Trabajo “Siento que en casi todos mis trabajos hay una cosa muy teatral. Yo misma creo el ambiente que deseo, si es necesario me trepo a un árbol para colocar una tela y le pongo una iluminación misteriosa, como si fuera una película de David Lynch.” “Me encanta descontextualizar los objetos que utilizo (básicamente muebles antiguos, con influencia francesa del siglo XVIII) y colocarlos en un mundo mágico creado por mí misma.”

Ana Cecilia Farah es peruana y ha hecho una maestría en artes plásticas en Londres, ciudad en la que actualmente vive. la naturaleza y el estilo francés del siglo XVIII son sus inspiraciones a la hora de crear.

Materiales “Los materiales que utilizo son encajes, mostacillas, cristales, plumas, cabellos, piel de alpaca, bordados con hilos y papeles murales.” Nuevos proyectos: estilo francés “Estoy investigando más acerca de los frenchs formal gardner/jardines formales franceses. Estos jardines estructurales que existen en el palacio de Versalles, me interesan muchísimo para mi nuevo proyecto. Quiero romper con esa estructura rígida y ordenada y poder mostrar el lado misterioso, lo oculto de estos jardines que eran considerados un símbolo de poder.”

BASH7 CINE  

BASH CINE 7

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