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Nº 89

MOVIMIENTO MOTION

89 Movimiento Motion

4. 6.

EDITORIAL

Que no se mueva nadie Nobody move! TEXT

Fotografía y movimiento Photography and movement Carlos Gollonet

22.

DOSSIER

Greg Anthon Un pájaro, un avión. La mirada que se desliza A bird, a plane. The sliding gaze

32.

Yuki Onodera Coreografías del volar The choreography of flight

42.

Sanna Kannisto Observing Eye & Act of Flying

52.

Hans-Christian Schink Movernos para ver al sol mover Moving so we can see the sun move

64.

Corinne Vionnet Un movimiento glaciar Glacial movement

74.

Michael Wesely Cross-Faded Nature

88.

Jonathan Shaw Representaciones del espacio, el tiempo y el movimiento Representations of space, time and movement

98.

Ricardo Sánchez Lo que el ojo no puede ver What the eye cannot see

Portfolio 108.

Maria Jou Sol

114.

Mark Duffy

120.

Miia Autio

126.

Simone Sapienza

132.

Douglas Mandry

Editorial

Que no se mueva nadie Nobody move! Hay dos advertencias ya inevitables cuando se hace una fotografía: sonrían, y no se muevan. La fotografía se caracteriza por intentar atrapar en un segundo, sobre un papel, un hecho, una persona, un instante concreto, ya para siempre, inamovible, estático, inalterable para toda la eternidad. La diferencia con la pintura la ponía la cámara, la supuesta objetividad de la mirada a través de un aparato sin alma ni opinión que garantizaba que lo que resultaba de ese proceso era no solo real sino incuestionablemente cierto. En la pintura, la subjetividad del pintor, la estética de época, alterarían la realidad; el punto de vista y sentimientos, estado anímico del artista, estarían por encima de la idea de lo real; el resultado sería una obra de arte. Sin embargo, la fotografía no aspiraba a tanto, solamente pretendía generar un documento, no se sabía entonces que toda fotografía antigua acabaría convertida en una obra de arte, más allá de la intención y la finalidad que tuviera en su día. No había ninguna necesidad de que la fotografía se obsesionase con reflejar el movimiento. Era algo que no entraba en la esencia originaria de la imagen fotográfica, que era inseparable de la inmovilidad, una forma de atrapar una imagen inmutable y estática. Sin embargo, esto no fue así. Desde el inicio la búsqueda de reflejar el movimiento, sea este el salto de un charco, el envejecimiento de las personas, la decadencia de un ramo de flores… se convirtió en objetivo de investigación de muchos científicos y artistas. Carlos Gollonet nos hace una breve historia de este proceso unas páginas más adelante, en el texto central, excelentemente documentado. Llegamos al día de hoy, cuando los fotógrafos usan cámaras con motor que les facilitan tomar miles de imágenes durante un partido de fútbol, dando a la edición la importancia real de la creación artística. Hoy es el fotógrafo el que se mueve para capturar edificios o paisajes a toda velocidad, generando unas abstracciones fotográficas dignas de algún otro número monográfico de EXIT.

EDITORIAL

Two instructions that are invariably given just before a photograph is taken are “Smile” and “Don’t move”. Photography is an act in which the intention is to capture, in a second and on paper, an event, a person or a specific moment forever, fixed, static and never to be changed again. The difference between it and painting was the camera, the supposed objectivity of the eye looking through a piece of equipment lacking both a soul and an opinion and which guaranteed that the result of the process was not just real but also unquestionably true. In painting, the subjectivity of the artist, the aesthetic of the day, altered reality. Their point of view, feelings and state of mind were above the idea of the real, and the result was a work of art. Photography, however, did not have such lofty aspirations. Its sole intention was to create a document. What nobody knew at the time was that photography, in its earliest days, would in itself become a work of art, regardless of the intention and purpose it had at the time. There was no need for photography to obsess itself with reflecting movement. It was something that did not form part of the original essence of the photographic image, which was inextricably linked with stasis, a way of capturing an immutable and static image. Many scientists and artists begged to differ, however, focusing their research right from the start on the quest to portray movement, whether it was someone jumping over a puddle, people ageing or a bunch of flowers rotting. Carlos Gollonet provides us with a potted history of this process a few pages further on, in this issue’s superbly documented central text. The photographers of today use motor-drive cameras to take thousands of images during a football match, for example, which is what lends editing its genuine importance as an act of

Una popular frase nos avisa de que “el movimiento se demuestra andando”, lo que no es del todo cierto, porque hay muchas variaciones de la idea de movimiento. Aunque nosotros no nos movamos, el tiempo nos va cambiando, el paso del tiempo es el gran movimiento que todo lo altera, y la fotografía siempre ha sido un gran testigo de este movimiento. El deporte, la velocidad, la carretera y la lentitud de cómo se marchita una flor, o de cómo se pudre una fruta, de la vanitas y la presencia de la muerte, hasta la velocidad, la guerra y el elogio de la máquina. Tal vez sea la muerte la inmovilidad absoluta, aunque tampoco, pues más allá de nosotros el tiempo sigue, y las cosas cambian. Si la fotografía siempre ha estado vinculada de alguna forma con la muerte, hasta el punto de que muchas sociedades pensaban que fotografiarse era perder el alma, tal vez su búsqueda de poder mostrar el movimiento a través de una imagen totalmente inmóvil sea una búsqueda de exorcizar ese final inevitable. En cualquier caso, mirar con ojos de hoy la evolución del movimiento en la historia de la fotografía nos conmueve y nos hace pensar en el cine, en el vídeo, en la real imagen en movimiento; un lenguaje que toma de la fotografía casi todo, para generar algo nuevo y diferente, que camina hacia otros objetivos y con otras filosofías muy diferentes, pero que tienen puntos de conexión en sus orígenes y en sus dudas, en su investigación y búsquedas. En este número 89 de EXIT hacemos un breve y somero repaso a algunos nombres, algunos clásicos, otros nuevos, intentando mostrar ejemplos de cómo la fotografía se esfuerza por salir de la inmovilidad sin moverse, sin dejar de ser una fotografía. Personas, paisajes, el cielo, el mar, la naturaleza, la ciudad… La fotografía y los fotógrafos se esfuerzan por mostrar sutilmente el movimiento latente de la vida, del mundo. No hace falta que nos movamos nosotros, el mundo se mueve, nosotros envejecemos, la naturaleza se mueve. La fotografía nos ha enseñado en gran parte las formas de esos movimientos. ¶

artistic creation. Today it is the photographer that moves around in capturing buildings and landscapes at high speed, creating photographic abstractions worthy in themselves of another themed issue of EXIT. A popular phrase in the Spanish-speaking world, “El movimiento se demuestra andando” (“Movement is shown by walking”) is not exactly true because there are many differing views on the concept of movement. Time changes us even when we are not moving. The passage of time is the great movement that alters everything, and photography has always been an excellent witness to this movement: sport, speed, the road, the slowness with which a flower withers or a piece of fruit rots, from still lives and the presence of death to speed, war and praise of the machine. Death is perhaps the absolute state of motionlessness, though perhaps it is not, as time continues once we are gone and things continue to change. If photography has always been linked in some way with death, to the extent that many societies believed that to be photographed was to lose one’s soul, perhaps its quest to show movement through a completely still image is a quest to exorcise that inevitable end. When we look at the development of movement in the history of photography, we are moved and we think of cinema and video, of actual moving images, a language that borrows almost everything from photography to create something different and new, that walks towards other objectives and with other philosophies that are very different but which have points of connection in their origins and in their doubts, in their research and quests. In Issue 89 of EXIT we take a brief look at some names – some of them very well established, some of them new – and provide examples of how photography strives to emerge from a state of motionlessness without moving, without ceasing to be a photograph. People, landscapes, the sky, the sea, nature, the city… Photography and photographers go to great lengths to subtly reveal the latent movement of life, of the world. There is no need for us to move. It is the world that moves. We grow old, nature moves, and photography largely shows us the shape of those movements. ¶

EDITORIAL

Thomas Ruff. neg◊marey_02, 2016. Courtesy of the artist and David Zwirner.

TEXT

Con una cámara de placas de gran formato, como Muybridge en sus orígenes, Nixon abre cada año una nueva ventana a esas vidas que discurren imparables. Y, cada vez que miramos, comprobamos que ellas no han permanecido inalterables, como lo están en nuestra memoria; es la constatación de nuestra vulnerabilidad, de que nuestra vida también se extingue. Por ello experimentamos una dolorosa sensación de pérdida y una profunda nostalgia, que es una de las cualidades primarias de la fotografía por su capacidad de detener el tiempo. Como colofón, y para entender la trascendencia de los pioneros, basta esta imagen de Thomas Ruff de 2016, una fotografía digital compuesta al estilo de las secuencias de Muybridge a partir de negativos de Marey. El artista, buen coleccionista de fotografía, se apropia y reinterpreta las imágenes de Marey en esta bellísima construcción que transforma fotografías analógicas históricas en negativos digitales con la apariencia del documento de archivo y con el eco de las filigranas de los logros del siglo XIX. ¶

rush. All we have to do is wait another year. Using a large-format plate camera, just as Muybridge did in his early years, Nixon opens a new window every year on lives that pass inexorably by. And every time we look, we see that they have not remained unaltered, just as our memories have pictured them. It is proof of our vulnerability, that our lives are slowly reaching their end, which is why we experience a painful sense of loss and profound nostalgia. That is one of the essential qualities of photography, thanks to its ability to stop time. By way of conclusion, this 2016 image by Thomas Ruff encapsulates the importance of the pioneers, a digital photograph composed in the style of Muybridge’s sequences using Marey’s negatives. The artist, an avid collector of photographs, appropriates and reinterprets Marey’s images in this extremely beautiful construction, which transforms historical analogue photographs into digital negatives that take on the appearance of archive documents and which echo the intricacies of the achievements of the 19th century. ¶ TEXT

Greg Anthon. D31367-Untitled, 2011. Courtesy of the artist. @greganthon

DOSSIER

Greg Anthon. D61118-Untitled, 2012. Courtesy of the artist. @greganthon

DOSSIER

Más allá del reto técnico que suponía para Schink este proyecto, con el tiempo se dio cuenta de que 1h le permitía experimentar con los aspectos más esenciales de la fotografía: la luz y el tiempo. Schink consigue, siempre desde un gran cuidado técnico, reproducir la luz del sol de un modo poético y sutil a la vez que representar el paso del tiempo y, también, del movimiento. A pesar de tratarse de un documento contemporáneo, estas fotografías nos devuelven a los principios analógicos y primarios de la fotografía consiguiendo, como resultado, una serie de paisajes surrealistas, cercanos a la ciencia ficción, en los que el sol se aleja de su forma original para convertirse en un objeto casi inidentificable. 56

DOSSIER

Hans-Christian Schink. 3/28/2010, 6:43 am – 7:43 am, S 08°27.131’ E 119°52.396’, from 1h series, 2003‑10. Courtesy of the artist, Kicken Berlin and Galerie Rothamel Erfurt/ Frankfurt am Main.

perfected and popularised thanks to its accidental rediscovery by the photographer Lee Miller, working with Man Ray. Schink took a number of decisions in creating 1h: setting an exposure time of one hour – the most common unit of time – and working with a single lens, with the intention of balancing the length of the line of the sun with the image as a whole. To achieve his end results, Schink carried out tests over several years, experimenting with different types of films until identifying one that provided the desired outcome. On occasion, the films he used caught the line of the sun but failed to show anything of the landscape or created unwanted effects.

Quite apart from the technical challenge posed by the project, as time went by Schink realised that 1h allowed him to experiment with the more essential aspects of photography: light and time. In taking great technical care throughout, he manages to reproduce sunlight subtly and poetically, while also representing the passage of time and of movement. Although they amount to a contemporary document, these photographs take us back to photography’s analogue, primary beginnings and create, as a result, a series of surrealist landscapes that are close to science fictions and in which the sun is removed from its original form to become an almost unidentifiable object.

Hans-Christian Schink. 4/12/2009, 4:11 pm – 5:11 pm, S 21°47.094’ E 015°39.829’, from 1h series, 2003‑10. Courtesy of the artist, Kicken Berlin and Galerie Rothamel Erfurt/ Frankfurt am Main.

DOSSIER

Manuel Padín

Corinne Vionnet

Un movimiento glaciar Glacial movement El Arco del Triunfo, el Big Ben, el Taj Mahal, el Moulin Rouge… Conocemos todos y cada uno de los hitos turísticos y emplazamientos representados en la serie Photo Opportunities de la fotógrafa suiza Corinne Vionnet. Como sucede en los cuadros de J. M. W. Turner, que plasman atmósferas etéreas donde el océano se (con)funde con el cielo, una densa neblina nos impide contemplar el lugar retratado con la claridad a la que estamos acostumbrados. Ante estas imágenes, nuestro extrañamiento es doble: en primer lugar, puesto que desconocemos a ciencia cierta la naturaleza del medio técnico con el que han sido creadas; en segundo lugar, a causa de la inusual falta de nitidez con la que se muestran estos icónicos monumentos. Deudora de la tradición de la ecología visual y de la postfotografía, Corinne Vionnet genera imágenes por ensamblaje, superponiendo cientos de fotografías de un mismo entorno turístico (rescatadas de Flickr) en una sola imagen. El resultado consiste en una suerte de trampantojo fotográfico: un destilado visual que adopta la apariencia de un dibujo hecho a carboncillo o de una pintura difusa —espectral, “ruidosa”—, como si se tratase de una imagen de la memoria que se desvanece por momentos. Su emborronamiento nos hace sospechar el tránsi-

Corinne Vionnet. Paris, from Photo Opportunities series, 2006. Courtesy of the artist and Danziger Gallery, New York. @co_vionnet

The Arc de Triomphe, the Big Ben, the Taj Mahal, the Moulin Rouge, etc. We know each and every one of the sights and locations depicted in Photo Opportunities, a series by the Swiss photographer Corinne Vionnet. As is the case in the paintings of J. M. W. Turner, which portray ethereal scenes where sea and sky seem to fuse and merge as one, a dense mist prevents us from viewing the landmark in question with the clarity we are used to. These images puzzle us for two reasons. Firstly, we cannot be sure of the technical means employed to create them, and, secondly, these iconic monuments are unusually blurred around the edges. They lack sharpness. Drawing on the tradition of visual ecology and post-photography, Vionnet does not so much create images as assemble them, superimposing hundreds of photographs of the same tourist setting (rescued from Flickr) in a single image. The result is a type of photographic illusion, a visual distillate that takes on the appearance of a charcoal drawing or a blurry painting – spectral, “noisy” – as if it were an image in the mind’s eye and which gradually vanishes. Its blurriness is such that we suspect there are lots of people passing through. It also recalls the mass circulation of images in cyberspace. However, the vast virtual archive that Vionnet passes through remains coagulated and reflected in the nebulous, unique and essential image (of everyone and no one), the vision of which reveals the pluralistic trace of the journeys of hundreds of tourists, for whom the photograph of the iconic monument becomes a trophy, in other words irrefutable evidence of their presence there. “I was here”, says DOSSIER

DOSSIER

Michael Wesely. Black-Lives-MatterDemonstration, Berlin (13.59–14.17 Uhr, 6.6.2020). Courtesy of the artist. @michaelwesely DOSSIER

Jonathan Shaw. Wembley Arena, London, UK, from Budweiser Basketball Championship series, 1997. Courtesy of the artist.

DOSSIER

Rosa Olivares

Ricardo Sánchez

DOSSIER

Lo que el ojo no puede ver What the eye cannot see

Confiamos en nuestros sentidos y confiamos, cada vez más, en la técnica y en la tecnología: una prolongación de nuestros sentidos, de nuestro cuerpo. Lo que el ojo no puede ver, lo puede captar una cámara fotográfica. Donde el tiempo es incalculablemente rápido y los hechos suceden sin que lleguen a definirse como imágenes, la lente puede captar el rayo de luz que produce un gesto. La confianza en nuestros sentidos como única posibilidad para atrapar la existencia es solo tema para los poetas; la definición de la realidad, de lo cierto, ha cambiado hasta desvanecerse en el aire. La técnica, la máquina, está hecha para perfeccionar la percepción, para llegar más allá de lo que un hombre puede percibir con su oído, con sus ojos. Hay máquinas que pueden retratar lo que no vemos, haciéndonos no solamente dudar de nuestra capacidad sensorial, sino alterar los límites de lo que consideramos real. Hay máquinas fotográficas que, al parecer, pueden reflejar el aura, ese halo de calor que todos los cuerpos vivos producen y que siempre ha sido un símbolo de la santidad de algunas personas. Es ese aro dorado que la pintura religiosa ha inmortalizado. Pero ese símbolo, esa idea de santidad ya no lo es más; ahora es otra cosa totalmente diferente pues sabemos que todos —cada cuerpo vivo— lo tienen. Además, es algo que se puede plasmar en una fotografía. Este conocimiento puede cambiar nuestro concepto de lo que es real, hacernos dudar sobre lo que creemos —porque lo vemos— y lo que no creemos, simplemente porque no lo podemos ver o percibir con nuestros sentidos. Pero, ¿qué es lo que prueban estas fotografías de Ricardo Sánchez? No ponen rostro a ese hombre, a ese torero que se juega la vida, a aquel otro que hace un largo y elegante pase. Naturalmente, algunos aficionados pueden llegar a identificar al diestro por el cuerpo, por el gesto… pero no es eso lo que el fotógrafo busca. Acaso sean estas imágenes la prueba de que una vez más el rito, el juego entre la muerte y la vida, sucedió y

Ricardo Sánchez. Derechazo, César Rincón, Real Maestranza, Sevilla, 26‑4‑1993, from Pases series. Courtesy of the artist.

We trust our senses and we place ever-growing trust in technology as an extension of our senses and our body. What the eye cannot see can be caught by a camera. When time goes incalculably fast and events occur without us being able to define them as images, the lens can capture the ray of light produced in an action. The faith we have in our senses as the only possible means of capturing existence is something for poets alone. The definition of reality, what is true, has changed to such an extent that is has vanished into thin air. Technology, the machine is made to perfect perception, to venture further than a human being can with their hearing and their eyes. There are machines that can portray what we cannot see, making us doubt not just our sensory capabilities but also the limits of what we consider to be real. There are cameras that can seemingly reflect the aura, the heat halo, that all living beings produce and which symbolises the saintliness of some. Religious paintings have immortalised this golden ring. That idea of saintliness is no longer a symbol, however. It is now a totally different thing, as every living thing possesses it, as we know. It can also be caught in a photograph. This knowledge changes our concept of what is real, makes us doubt DOSSIER

// PORTFOLIO //

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En esta sección damos visibilidad a

fotógrafos emergentes y a aquellos que están

consolidando su trayectoria. Una ventana a la

fotografía que no te puedes perder, a nuevos

proyectos y a nombres que darán que hablar.

This section raises the profile of emerging

photographers and those who are consolidating

their career path. A window into the

photography you cannot miss; new projects and

names that will get everyone talking.

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PORTFOLIO

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Mark Duffy. On Pugin, from Brexit is Your Fault series, 2019. Courtesy of the artist. @markduffyphoto

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Mark Duffy. On Pugin, from Brexit is Your Fault series, 2019. Courtesy of the artist. @markduffyphoto

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Douglas Mandry. Gletscher tor um 1910, from Monuments series, 2020. Courtesy of the artist and Bildhalle Galerie, Zurich. @doulgasmandry 136

PORTFOLIO

Douglas Mandry. Eistuerme im Persgletscher, Engadin, from Monuments series, 2019. Courtesy of the artist and Bildhalle Galerie, Zurich. @doulgasmandry

Douglas Mandry. Eismeer, from Monuments series, 2019. Courtesy of the artist and Bildhalle Galerie, Zurich. @doulgasmandry

PORTFOLIO

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¿Qué tienen todos ellos en común? Tabakalera _ ARCO Madrid/Lisboa _ Museo de El Prado _ ARTIUM _ Museo Amparo (México) Fundación Botín _ Trienal de Brujas (Bélgica) _ Fundación Banco Santander _ Comunidad de Madrid CEART _ Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana _ Es Baluard _ Fundación Telefónica Fundació Joan Miró _ Alliance Française _ Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana _ MUSAC Institut Ramón Llul _ Museo Oteiza _ San Telmo Museoa _ Universidad Tres de Febrero (Argentina) Bienal de Cuenca (Ecuador) _ Sala El Brocense _ TEA de Tenerife _ Azkuna Zentroa _ Sala Kubo-Kutxa Blue Projects Foundation _ Arts Libris _ PROM PERÚ _ Museo Guggenheim Bilbao _ Art Paris Fundación Sorigé _ La Fábrica _ Matadero Madrid _ La Casa Encendida _ Zeleste Price (Italia) Premio Pilar Citoler _ MACBA _ Casal Solleric _ Fundación Foto Colectania _ Consonni _ LABoral…

Que todos utilizan exitmail en sus comunicaciones

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NOVEDADES 2023 Ellas (Vol. nº 1) Año: 2022 Idioma: Español Páginas: 592 Encuadernación: Rústica con solapas Editor: Rosa Olivares ISBN: 978-84-120832-7-9

Diferenciando el canon Griselda Pollock Año: 2022 Idioma: Español Páginas: 456 Encuadernación: Rústica con solapas ISBN Español: 978-84-120832-8-6 ISBN mexicano: 9978-84-125910-3-3

Arte sonoro: una indisciplina José Iges

Año: 2022 Idioma: Español Páginas: 328 Encuadernación: Rústica con solapas ISBN edición mexicana: 978-607-99962-1-5 ISBN edición española: 978-84-125910-4-0

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