CINDY SHERMAN · JEFF WALL · HIROSHI SUGIMOTO · THOMAS RUFF · GREGORY CREWDSON
AÑOS DESPUÉS Y E A R S L AT E R
DE FOTO es el podcast en el que los fotógrafos nos hablan, sobre todo, de fotografía.
Cuando lo escuches podrás ver la imagen completa.
Manel Esclusa José Manuel Navia José Manuel Ballester Alberto García-Alix Isabel Muñoz Joan Fontcuberta Pablo Genovés Cristina García Rodero Daniel Canogar
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AÑOS DESPUÉS
Y E A R S L AT E R
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Editorial
Tempus fugit Tempus fugit
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Ensayo / Essay
Fotoparadigmas contemporáneos Contemporary photoparadigms —David Bate
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Dossier
Cindy Sherman Retratos anónimos / Anonymous portraits Jeff Wall El umbral de la fotografía posmoderna A pioneer of postmodern photography
Portfolio
Índice de artistas Index of artists
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Hiroshi Sugimoto De la existencia de la realidad / On the existence of reality
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Thomas Ruff Ontología fotográfica / Photographic ontologic
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Gregory Crewdson El misterio de lo cotidiano / The mistery of the everyday
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Alejandra Carles-Tolrá Francesca Catastini Natalia Kepesz Marisol Méndez Charlie Tallott
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Editorial Tempus fugit
«Sed fugit interea, fugit irreparabile tempus» Geórgicas (III, 2, 84) Virgilio (Pero mientras tanto huye, huye irreparablemente el tiempo)
H
ace 25 años todo era diferente. Un pequeño y diverso equipo de profesionales acababa de publicar el número “cero” de una revista de fotografía y cultura y estaban a punto de entrar en imprenta con el primer número. Una publicación nada habitual en aquel momento. Posiblemente tampoco hoy sea nada habitual. Tal vez aquel tiempo puede parecer visto desde hoy, desde un entonces futuro improbable, más adecuado para la aventura. Pero no lo era, ningún tiempo que podamos haber vivido fue nunca favorable a la aventura, al riesgo o al desasosiego de un viaje sin certezas y con todos los vientos y el mar en contra. Que le pregunten a Ulises, o a Bas Jan Ader, si a mí no me creen. Aquella revista es la misma que tiene usted hoy en sus manos, EXIT. De aquel equipo ya no queda nadie, ni siquiera yo, que solo soy una voz en off, el narrador de esta historia. Porque 25 años son muchos años, y los redactores, los editores, los diseñadores, los traductores, los asesores... han ido cambiando con los años, moldeando la revista, que ha ido creciendo y mejorando gracias al esfuerzo de todos y cada uno de ellos. Ustedes también han cambiado, mis improbables y curiosos lectores. El tiempo pasa rápido y nosotros vamos arrastrados en el torbellino de su fuerza. Increíblemente aún conservamos bastantes de nuestros primeros sus-
criptores, y muchos de nuestros lectores que nos han acompañado estos 25 años y que son ya una parte esencial del equipo de EXIT. Lo que curiosamente apenas ha cambiado es la fotografía. Seguramente porque EXIT nace prácticamente con la eclosión de una nueva forma de pensar, de hacer y de ver fotografía. Porque el tiempo pasa rápido, pero los movimientos culturales y los cambios estéticos se cuecen a fuego lento. EXIT nace cuando nadie le presta especial atención, dentro del mundo del arte, a un movimiento que ya está en marcha desde finales de los 70 y que explota en los 80. Una nueva generación de artistas, no necesariamente formados en la idea canónica de lo que era entonces la fotografía, pero que se servirán de la fotografía para dar un cambio radical a la imagen y a la presencia fotográfica. Son jóvenes que provienen de las escuelas de arte, formados a partir de las derivas conceptuales de las generaciones anteriores, de los estudios de historia del arte, de filosofía, y de las escuelas de bellas artes. Algunos de ellos iban para pintores, para escultores, pero se les cruzó la fotografía y todos ellos, algunos cercanos entre sí, y otros cada uno por su cuenta, forman parte de esos extraños movimientos que en la historia clásica del arte se llaman ismos, y que hoy con la creciente velocidad del tiempo se llaman tendencias. Ellos y ellas (muchas ellas, por cierto) han subvertido la historia de la fotografía, han cambiado ya para siempre la idea de imagen y de fotografía. La han usado ya no solo como documento directo de la realidad, sino como crítica y transformación de esa realidad. EXIT crece y se forma con ellos, a su ritmo, con su trabajo y sus cambios, en el mismo centro de esa revolución conceptual y formal que vive la fotografía y la imagen en estos 25 años.
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En EXIT nos hemos dedicado todos estos años a hablar de ellos, a mostrar sus imágenes. En estos años han pasado por estas páginas, sus páginas, más de dos mil fotógrafos de todo el mundo. Todos aportan una vuelta de tuerca más a este movimiento renovador y diferenciador que crece con cada uno de ellos y con su trabajo. Esto es EXIT, ellos son nuestra razón de seguir aquí, todavía. Y en este número con el que cumplimos 25 años, cuando ya todo esto es historia y ellos son los artistas más importantes de su generación, les dedicamos este aniversario. Hablamos de sus influencias y de por qué ellos son ahora quienes influyen a las nuevas generaciones. Naturalmente no caben todos en una revista, por eso hemos hecho antes otras 96, les recomendamos a los que no las tengan todavía que las busquen, en papel o en digital, les aseguro que son esenciales para entender qué es la fotografía hoy, de dónde viene y cómo hemos llegado hasta aquí. Hoy ya ninguna revista hace un “número cero” cuando empieza, por eso este es el número 97 de
EXIT. En él empezamos otra vez, y para empezar reunimos solamente algunos de los nombres esenciales de este cambio que ha vivido la fotografía, para recordar lo que hacían cuando nace EXIT y lo que hacen ahora, 25 años después. Mostramos sus obras de entonces y las de ahora. Ya nadie les puede cuestionar su importancia. Y es que el tiempo vuela y a su paso todo cambia. Y la fotografía ya no es lo que era, después de estos 25 años ya nada será igual. Por eso EXIT cambia para seguir estando dentro de ese cambio. Más fotografía, más análisis, y nuestro equipo en permanente renovación y cambio como la vida, como el arte. En las siguientes páginas volverán a leer los nombres de una época, de una generación y verán sus obras más conocidas, pero también verán lo que llevan haciendo estos últimos años, lo más reciente, y a través de su evolución quizás comprendan mejor lo que es hoy la fotografía y cómo hemos llegado hasta aquí. Sus nombres ya los saben, los han visto en estas páginas muchas veces durante 25 años
Rosa Olivares Fundadora de EXIT, imagen y cultura, en 1999. Escritora, editora, crítica de arte y comisaria independiente. Ha comisariado más de 30 exposiciones, una gran parte de ellas de fotografía, como Einsamkeit, un sentimiento alemán (1992-1993), Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona, y Géneros de la Pintura. Una visión actual (1994-1995), Museo de Arte Contemporáneo de Madrid; CAAM de Canarias; Museo de Bellas Artes de Sevilla, en las que ha contado con la presencia de Bernd y Hilla Becher, Thomas Ruff, Andreas Gursky y Cindy Sherman, entre otros artistas internacionales. Actualmente vive entre Madrid y Ciudad de México, donde dirige una librería especializada en arte actual y cultura urbana, y edita las colecciones de libros Max & Rocco y libros mínimos.
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Editorial Tempus fugit
«Sed fugit interea, fugit irreparabile tempus» Georgics (III, 2, 84) Virgil (Time flies, irretrievably)
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verything was different 25 years ago. A small and multi-faceted team of professionals had just published issue “zero” of a photography and culture magazine and were about to go to print with the follow-up. It was no ordinary publication at the time, which quite possibly remains the case today. Viewed from what was then an unlikely future, those days might seem more ripe for adventure. Yet that was not the case. In fact, there has never been a time that has been propitious for adventure, risk and uncertain journeys in which wind and sea are against, with all the unease that entails. Just ask Ulysses or Bas Jan Ader if you don’t believe me. That magazine is the same as the one you have in your hands today: EXIT. There’s no one left from that team, not even me. I’m just a voice off-screen, the narrator of the story. Twentyfive years is a long time, and in that time writers, editors, designers, translators, and consultants have come and gone, shaping a magazine that has grown and improved thanks to the hard work of each and every one of them. You have changed too, my unlikely and curious readers. Time goes by quickly, leaving us trailing in its mighty wake. Amazingly, we have held on to many of our first subscribers and to many of the readers who have accompanied us
in these last 25 years and who are key members of the EXIT team. One thing that has hardly changed is photography, strangely enough, probably because EXIT came into being with the emergence of a new way of thinking about, doing and seeing photography. Time passes quickly, whereas cultural movements and aesthetic changes are slow to come to the boil. EXIT saw the light of day when no one in the art world was paying much attention to a movement conceived in the late 1970s and which exploded in the 80s. It was formed by a new generation of artists who had not necessarily been trained in the canon of photography of the day but who drew upon the art form to radically transform the photographic image and presence. There were young and fresh out of art school, trained in the conceptual driftings of previous generations, art studies and philosophy, and schools of fine arts. Some had designs on becoming painters, some sculptors, but they came across photography and all of them – some close to one another and others doing their own thing – form part of these odd movements that the classical history of art terms “isms”, and which today, as time moves ever faster, are known as “trends”. These men and women (there are many of the latter, incidentally) have subverted the history of photography and changed the very idea of it and the image forever. They have used it not only to document reality directly but also to critique and transform that reality. EXIT has grown and developed with them, at its own pace, through its work and transformations, at the selfsame centre
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of the conceptual and formal revolution that photography and the image have undergone in these last 25 years. We have devoted all these years at EXIT to talking about them, to showing their images. In that time, more than 2,000 photographers from all over the world have made it onto these pages, its pages. They have all brought their own twist to a refreshing and distinctive movement that has grown with each of them and with their work. That is what has made EXIT and they are the reason why we are here, still. Now that all this is history and they are the most important artists of their generation, we dedicate this issue celebrating our 25 years to them. We talk about their influences and why they are influencing new generations. We can’t fit them all into a single issue, of course, which is why we’ve done 96 before this one. We recommend to those of you who don’t have these issues to go out and get them, either in paper or digital format. I can assure you that they are essential to understanding what photography is today, where it comes from and how we have got to where we are now.
These days, no magazine starts out with an issue 0, which is why this is EXIT 97, an issue in which we start over. In doing so, we bring together just some of the key names in the change that photography has undergone, to recall what they were doing when EXIT was born and look at what they are doing now, 25 years down the line. We show their works from then and now, when no one can question their importance. Time flies and everything changes in its path, including photography, which is not what it was. Nothing is after 25 years. That is why EXIT is changing to remain part of that change, with more photography and more analysis and a team in a state of flux and ongoing renewal, like life and like art itself. You’ll see the names that defined an era on the following pages and their best-known works. You’ll also see what they have been up to in the last few years, their most recent work. Through their development, you will perhaps gain a better understanding of what photography is today and how we have come to where we are. You know their names. You’ve seen them time and again on these pages in this last quarter of a century
Rosa Olivares Founder of EXIT, imagen y cultura in 1999. Writer, editor, art critic and independent curator. She has curated more than 30 exhibitions, most of them being photography exhibitions, such as Einsamkeit, un sentimiento alemán (1992-1993), Fundación La Caixa, Madrid and Barcelona, and Géneros de la Pintura. Una visión actual (19941995), Museo de Arte Contemporáneo (Madrid); CAAM (Canarias); Museo de Bellas Artes de Sevilla, in which she has had the presence of Bernd and Hilla Becher, Thomas Ruff, Andreas Gursky and Cindy Sherman, among other international artists. She currently lives between Madrid and Mexico City, where she runs a bookshop specialising in contemporary art and urban culture, and edits the book collections Max & Rocco and libros mínimos.
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Ensayo
Fotoparadigmas contemporáneos —David Bate
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uede decirse que la fotografía “contemporánea” empezó con el fotolibro The Americans, de Robert Frank, publicado en los Estados Unidos por primera vez en 19601. El libro de Frank estableció una fotografía nueva que combinaba el espíritu del documental pero con un nuevo punto de vista subjetivo. Sus imágenes, que rechazaban el inamovible dogma tradicional de la objetividad técnica, se caracterizan por composiciones poco convencionales, por carecer de un enfoque definido o por tener más grano que detalles. Esas particularidades las dotaban de un carácter más vital, dinámico, emotivo y subjetivo de la sociedad y sus integrantes. En lugar de hacer gala de una “neutralidad” insulsa y falsa, las imágenes de Frank se posicionan y ensalzan distintos puntos de vista. Sus fotografías muestran una sociedad repleta de contradicciones (ricos y pobres, relaciones raciales y de poder de carácter binario, etc.) y revelan los conflictos como consustanciales a la subjetividad (por ejemplo, la aliena-
ción, el aislamiento, el amor y la muerte). El libro de Robert Frank gestó una nueva forma de pensar y, como tal, constituye un ejemplo muy claro de un nuevo “paradigma” en la fotografía contemporánea. Aunque aquello ocurrió hace sesenta y cinco años, la obra de Frank marca el comienzo de una serie de cambios de paradigma sucesivos que podríamos especular que continúa con el surgimiento de las nuevas prácticas fotográficas computacionales generativas y de inteligencia artificial. El concepto de “paradigma” como modelo para reflexionar sobre la práctica es consabido en la ciencia, pero en el arte y la fotografía sigue siendo una novedad. Un “cambio de paradigma” se produce cuando un conjunto de valores y un modelo de pensamiento nuevos se contraponen a un paradigma, tradición o convenciones existentes. Así pues, por ejemplo, es evidente que el fantástico libro The Ballad of Sexual Dependency (1986), de Nan Goldin, se desarrolla a partir del innovador paradigma “subjetivo” instituido por el
Robert Frank. Parade-Hoboken, New Jersey, 1955. Courtesy of June Leaf, Robert Frank Foundation and Pace Gallery.
¹ Se publicó una versión anterior en Francia en 1958, pero la que se ha hecho famosa es la edición estadounidense de 1960.
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libro The Americans, de Robert Frank, aunque al mismo tiempo lo supera. La originalidad de Nan Goldin radicaba en su uso del color y el tema, inspirados en una novedosa actitud íntima. Su enfoque íntimo plantea un nuevo formato híbrido en el que confluyen el punto de vista subjetivo de la fotografía analógica “instantánea” de 35 mm con la intimidad “privilegiada” de los retratos de Diane Arbus y su fascinación por los grupos e individuos marginados, tal y como se visualizan en la sociedad estadounidense moderna. La obra de Nan Goldin no resulta innovadora solamente por centrarse en la vida personal como imagen narrativa, sino porque consigue implicar al espectador en el espacio emocional de esas cuestiones de intersubjetividad. Entre las décadas de 1960 y 1980, los Estados Unidos
continuaron siendo un punto de referencia clave a nivel internacional en una sucesión de nuevos paradigmas creativos, cuya aparición se apreciaba también en otras partes, aunque en ningún sitio con tanta claridad como en ese país. En este punto, resulta significativo cómo Cindy Sherman convirtió en un arte la cuestión de la imagen propia, inspirándose en las representaciones de la feminidad en el cine, los medios de comunicación de masas, la publicidad y la historia del arte. Sherman toma esas imágenes a las que se ha visto sometida como los múltiples horizontes en los que se performa la imaginación del yo. Sherman las reelabora y “performa” de forma creativa como imágenes del “yo”: las fotografías que toma desgastan la superficialidad de cualquier autoaparición fotográfica y, al
Essay
Rober Frank. Trolley-New Orleans, 1955. Courtesy of the June Leaf, Robert Frank Foundation and Pace Gallery.
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Cindy Sherman • Jeff Wall • Hiroshi Sugimoto
• Thomas Ruff • Gregory Crewdson • Dossier
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Dossier
retratos. Sin embargo, sí reconocemos a esas personas que no existen cuando las vemos en las fotografías de Sherman. Toda su obra desarrolla un mismo argumento, mostrarnos una especie de tipología humana, social y cultural a través de su propio y desconocido cuerpo, de su propio y anónimo rostro, que modela cada vez alejándose más de su verdadero yo. No es coincidencia el esfuerzo de Sherman por no estar presente en sus exposiciones, por no dar práctica-
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mente nunca entrevistas. Es una maestra no del disfraz, sino de la desaparición. Justo al contrario de lo que marca el espíritu de los tiempos: la sobreexposición del yo, la era del selfie obsesivo. Sherman ha sabido marcar este momento en la historia del arte con una producción que sólo en la fotografía podía encontrar su lugar, pero que solo una artista que sabe transitar por la historia del arte y por la cultura contemporánea ha sabido construir
Cindy Sherman. Untitled #603, 2019. © Cindy Sherman. Courtesy the artist and Hauser & Wirth. [P. 41] Cindy Sherman. Untitled #661, 2023. © Cindy Sherman. Courtesy the artist and Hauser & Wirth.
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Jeff Wall. A Sudden Gust of Wind (after Hokusai), 1993. Courtesy of the artist.
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Hiroshi Sugimoto. Pantheon, 2015. Courtesy of Fraenkel Gallery, San Francisco and Lisson Gallery.
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Hiroshi Sugimoto. Teatro dei Rozzi, Siena, 2014. Courtesy of Fraenkel Gallery, San Francisco and Lisson Gallery.
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EN ESTA SECCIÓN DAMOS VISIBILIDAD A FOTÓGRAFOS EMERGENTES Y A AQUELLOS QUE ESTÁN CONSOLIDANDO SU TRAYECTORIA. UNA VENTANA A LA FOTOGRAFíA QUE NO TE PUEDES PERDER, A NUEVOS PROYECTOS Y A NOMBRES QUE DARÁN QUE HABLAR. PORTFOLIO
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THIS SECTION RAISES THE PROFILE OF EMERGING PHOTOGRAPHERS AND THOSE WHO ARE CONSOLIDATING THEIR CAREER PATH. A WINDOW INTO THE PHOTOGRAPHY YOU CANNOT MISS; NEW PROJECTS AND NAMES THAT WILL GET EVERYONE TALKING.
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Francesca Catastini. Petrus 25, Petrus 27, from the Petrus series, 2019. Courtesy of the artist and OstLicht Galerie. @francescacatastini
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Francesca Catastini. Petrus 30, Petrus 31, from the Petrus series, 2019. Courtesy of the artist and OstLicht Galerie. @francescacatastini
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Natalia Kepesz. Dascha with family, 16th birthday, Lviv, Ukraine, from the Iron Curtain series, 2023. Courtesy of the artist. @nataliakepesz
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Natalia Kepesz. Bags for protection in front of a church in Lviv Ukraine, from the Iron Curtain series, 2023. Courtesy of the artist. @nataliakepesz
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Marisol Méndez. Remedios, from the PADRE series, 2023. Courtesy of the artist. @marisol___mendez [P. 154] Marisol Méndez. Político, from the PADRE series, 2023. Courtesy of the artist. @marisol___mendez
Charlie Tallott. Cole, from the At Least Until The World Stops Going Round series, 2024. Courtesy of the artist. @charlie_tallott
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Índice de artistas
Arbus, Diane (Nueva York, Estados Unidos, 1923 – Greenwich, Estados Unidos, 1971) Figura clave en la historia de la fotografía, Diane Arbus rompió con los estándares de su época al retratar a quienes vivían en los márgenes de la sociedad. Fue alumna de Lisette Model y comenzó en la fotografía de moda junto a su esposo Allan Arbus. Tras ver Freaks (1932) de Tod Browning, Arbus dejó atrás la fotografía de moda para centrarse en desarrollar un trabajo más documental, retratando a sujetos que le devuelven fijamente la mirada. En 1963 recibió la prestigiosa beca Guggenheim y en 1967 expuso en el MoMA, consolidando su legado. Su obra, en la que la luz y la composición enfatizan lo inquietante y lo humano, sigue siendo referencia en la fotografía contemporánea. Su suicidio en 1971, tras lidiar con severos y numerosos episodios de depresión, dejó una huella imborrable, y su influencia sigue presente en instituciones como el MoMA y el Metropolitan Museum en Nueva York y el San Francisco Museum of Modern Art. Becher, Bernd & Hilla (Siegen, Alemania, 1931-2007 / Potsdam, Alemania, 1934-2015) Bernd y Hilla Becher revolucionaron la fotografía con su meticuloso trabajo documental sobre la arquitectura industrial. Su serie de tipologías, que agrupa imágenes de estructuras como torres de agua, altos hornos o silos, establece un lenguaje vi-
sual sistemático y objetivo. Influenciados por la Nueva Objetividad alemana, comenzaron a fotografiar en los años 50, creando un archivo monumental de la memoria industrial europea. Su método, basado en la repetición y la comparación, influyó en generaciones de fotógrafos, especialmente en la Escuela de Düsseldorf, donde enseñaron a artistas como Andreas Gursky y Thomas Struth. En 1990, su obra recibió un reconocimiento revolucionario al ganar el León de Oro en la Bienal de Venecia en la categoría de escultura, redefiniendo los límites entre fotografía y arte conceptual. Recibieron el Premio Hasselblad en 2004, y su legado perdura en instituciones artísticas de todo el mundo como el MoMA, el Centre Pompidou y la Tate Modern. Crewdson, Gregory (Nueva York, Estados Unidos, 1962) Es licenciado en psicología por la Universidad de Nueva York, y doctorado en fotografía por la Yale School of Art, donde es profesor. Su fotografía, de gran formato, se caracteriza por un tratamiento cinematográfico de producción y un misterio intrínseco en la imagen, muy cercano a la estética de David Lynch. Paisajes de los suburbios, interiores y escenas cargadas con una fuerte impronta psicológica y un misterio que incide en la narración, y en los que la escenografía y la luz definen la situación. Ha expuesto en los más importantes museos del
mundo y tiene obra en las colecciones del Metropolitan Museum of Art, el MoMA, el Whitney Museum, todos en Nueva York; el Albertina Museum en Viena; The Broad, Getty Museum y Los Ángeles Cluny Museum en Los Ángeles y en el Victoria and Albert Museum de Londres. Dijkstra, Rineke (Sittard, Países Bajos, 1959) Graduada en fotografía por la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam, comenzó trabajando como retratista comercial antes de desarrollar su estilo característico. Un autorretrato tomado tras un accidente de bicicleta en 1990 marcó un giro en su obra, llevándola a explorar la vulnerabilidad y los momentos de transición. Su serie Beach Portraits (1992-1994), recoge retratos a gran escala de adolescentes en la playa con una franqueza y vulnerabilidad que capturan la complejidad de la identidad en formación. Su exhibición en el MoMA en 1997 la catapultó a la fama y desde entonces ha trabajado en series que capturan el crecimiento y la transformación personal, como Mothers (1994), Almerisa (1994-2008) o Park Portraits (2003-2006) y se aventuró con el video en The Buzz Club, Liverpool, UK/Mysteryworld, Zaandam, NL, grabando a adolescentes en discotecas entre 1996 y 1997. Ha expuesto en museos como el Guggenheim de Nueva York, la Tate Modern, el SFMOMA y el Stedelijk Museum, entre otros, y ha
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recibido numerosos premios como el Citibank Prize (1998), el Macallan Royal Photography Prize (2012) y en 2017 el prestigioso Premio Hasselblad. Frank, Robert (Zurich, Suiza, 1924 – Nueva Escocia, Canadá, 2019) Hijo de padres judíos alemanes –su familia tuvo que cambiar de nacionalidad durante la II Guerra Mundial–, Frank llega en 1947 a Estados Unidos, aunque vivirá en París un tiempo, y se instalará en Canadá finalmente. Robert Frank une la tradición de la fotografía alemana y una mirada educada en la historia de una cultura europea, con la observación de una nueva sociedad. Su libro The Americans, publicado en París en 1958, marca un antes y un después en la historia de la fotografía. Sin duda es el libro de fotografía más influyente del siglo xx, en todo tipo de fotografías. Una beca, dos años de viaje en coche por Estados Unidos y 28.000 fotografías después –de las que el libro solo incluirá 83– The Americans se erige como una obra que hoy sigue siendo el marco definitorio de la fotografía contemporánea. En 1966 Ganó el Hasselblad Award y, además de sus grandes exposiciones y publicaciones, su trabajo tiene especial importancia en el cine, al que se dedicó especialmente desde que en 1959 publicaran este libro en Estados Unidos, realizando 20 películas hasta 2008. Goldin, Nan (Washington, Estados Unidos, 1953) A veces a un artista le basta una sola obra para marcar una época, para hacer escuela. Es el caso de Nan Goldin con su Balada de la Dependencia Sexual, 1985. A través de instantáneas de su vida cotidiana en una proyección de diapositivas, con música de la época, nos muestra a “su familia”: los amantes, los amigos, los padres, los muertos y las relaciones tóxicas. Retrata la época de auge del SIDA y la huella del suicidio de su hermana mayor desde una intimidad mostrada sin filtros. Su evolución hacia el cine (León de oro en el Festival de Cine de Vene-
cia en 2023) y el activismo político ha resignificado su lugar en el mundo de la cultura. Ganó el Hasselblad Award en 2007 y en 2022 el Käthe-Kollwitz-Preis, en Berlin. Hay obra suya en las colecciones del MoMA, el Guggenheim y el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, en el Centre Pompidou de París o la Tate Modern de Londres, entre otras muchas instituciones. Gursky, Andreas (Leipzig, Alemania, 1955) De familia de fotógrafos, Andreas Gursky estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf, donde fue alumno de Bernd y Hilla Becher, adoptando su enfoque sistemático, pero llevándolo a una escala monumental. Allí conoció a artistas como Candida Höffer, Axel Hütte, Thomas Struth y Thomas Ruff, junto a quienes conformó la influyente "escuela de Düsseldorf". Siendo conocido por sus imágenes de gran formato que exploran la globalización y la sociedad de consumo, sus fotografías presentan escenarios urbanos, arquitectura y multitudes con un detalle minucioso y una composición meticulosa. Tratados bajo un enfoque sin jerarquías, Gursky es pionero en la utilización de técnicas digitales avanzadas para generar perspectivas imposibles de infinitos detalles, construyendo fotografías de cualidades casi abstractas. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente y sus obras se encuentran en importantes colecciones como el MoMA de Nueva York, la Tate Modern de Londres y el Centre Pompidou de París. Ha alcanzado récords en subastas y, en 2018, la Hayward Gallery de Londres organizó una gran retrospectiva de su trabajo. Kruger, Barbara (Newark, Estados Unidos, 1945) Formada en artes visuales en la Parsons School of Design, trabajó en diseño gráfico y dirección de arte en revistas como Vogue, lo que marcó su estilo inconfundible. A finales de los 70, comenzó a desarrollar su obra característica: imágenes en blanco y negro intervenidas con textos en blanco, en
la característica tipografía Futura sobre fondo rojo, con frases directas y provocadoras que, desde una marcada perspectiva feminista, cuestionan el poder, el sexismo, el consumo y los medios de comunicación. Su trabajo, donde estética publicitaria y crítica mordaz convergen, ha sido exhibido en el MoMA, la Tate Modern y el Whitney Museum, entre otros, y en 2005 recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia, consolidando su impacto en el arte contemporáneo. Recientemente, su obra ha girado hacia el vídeo y las grandes instalaciones, manteniendo su compromiso con la crítica social. Ruff, Thomas (Zell am Harmersbach, Alemania, 1958) Aficionado desde niño a la fotografía, estudió con Bernd y Hilla Becher en la Kunstakademie Düsseldorf entre 1977 y 1985 –donde más tarde sería profesor entre 2000 y 2005–, convirtiéndose en uno de los más famosos y reconocidos miembros del grupo de alumnos de su generación. El trabajo de Ruff, siempre en series, abarca prácticamente cualquier tema y método, en un proceso ontológico en el que construye una especie de tipología fotográfica que le ha convertido en uno de los artistas más influyentes de la fotografía contemporánea. Desde el paisaje al espacio exterior, la fotografía analógica, el uso de internet, la foto digital, la manipulación tecnológica, el collage, la arquitectura, los desnudos, la guerra, la fabricación en serie, el retrato, la fotografía antigua y un largo etcétera que abarca todo lo que su curiosidad y sus variadas influencias generan, desde la literatura, la política, o la historia, entre otros muchos. Hay obra suya en las colecciones de todos los museos alemanes, así como el MoMA de Nueva York o la Tate Modern de Londres, entre otros muchos. Sherman, Cindy (New Jersey, Estados Unidos, 1954) En 1972 inicia sus estudios en pintura en la Buffalo State University (Nueva York) pero acaba abandonando
9 771577 272008
ISSN: 1577-2721
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Imagen y Cultura / Image & Culture • Año 25 — #097 Revista semestral / Biannual Magazine • Marzo / March 2025 PVP España / Spain: 35 €