Historia del mueble by E Leyva

HISTORIA DEL MUEBLE POR

ESTHER LEYVA

ESTILOS DE MUEBLE ELABORADO POR ESTHER LEYVA EN CUMPLIMIENTO DE

MATERIA - HISTORIA del MUEBLE IMPARTIDA - DRA. MARTHA SOTO PARTE DEL PROGRAMA DE 4Â° SEMESTRE DE LA LICENCIATURA ARQUITECTURA DE INTERIORES IMPARTIDA EN LA ESCUELA SUPERIOR DE ARTES VISUALES. (ESAV)

CONTENIDO INICIO DE LA CIVILIZACIÓN Inicio de la civilización Mueble Chino Mueble Japonés Mueble Egipcio Mueble Griego Mueble en Roma Paleocristiano-Bizantino Mueble Gótico

5 12 20 29 39 48 59 69

SEGUNDO MILENIO Mueble Renacentista Mueble Rococó Chippendale Mueble Imperio

79 91 104 112

Neogótico Neoclásico Neorrenacentista Neo Rococo Mueble Victoriano Mueble Mexicano

122 126 135 139 143 151

MUEBLE MODERNO Movimiento Art & Crafts Art Nouveau Art Deco Bauhaus Mueble Escandinavo

161 163 169 175 182

CONTENIDO Pop Art Minimalismo

188 195

ULTIMAS TENDENCIAS Mueble funcional Económico Mueble Ultramoderno Mueble Exótico Mueble Lujo Diseñadores internacionales Diseñadores mexicanos

205 211 216 221 225 241

"El mueble no es una necesidad biolรณgica, sino una necesidad cultural"

ANTIGÜEDAD

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APROX. 2´500,000 - 150,000 A.C.

PALEOLÍTICO INFERIOR El paleolítico significa «piedra antigua» , constituye al comúnmente llamado edad de piedra. Durante este periodo las personas llevamos un estilo de vida nomada

Herramientas simples. Bifacial abbevillense Guijarros del clactoniense Fragmentos de rocas con plano de percusión pulimentado. Material: piedra (normalmente Sílex) Técnica: tallado por los dos lados hasta lograr la forma de un triángulo con base semicircular.

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APROX. 150,000 - 40,000 A.C.

PALEOLÍTICO MEDIO A diferencia de la etapa inferior, en esta etapa las herramientas parecen tener mangos y las formas de tallado y acabado de la roca se diversifican. Comenzamos a refugiarnos en cuevas.

el neandertal es la especie predominante en esta etapa. Estos homínidos tienen con unas herramientas más especializadas y estrategias más elaboradas. Presumiblemente, contarían con un tipo de lenguaje comunicativo y cierta capacidad artística. Entierran a sus difuntos.

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La pileta. Málaga

El paleolítico superior se corresponde con el homo sapiens y en el caso de Europa se representa con el género cromagnon. Hay actividades como la caza, la pesca, la recolección, la industria lítica, el curtido de pieles, la creación de nuevas herramientas en piedra y en hueso como los arpones, fabricar útiles como lanzas, cestos, cuencos. La mayoría de los autores aceptan la teoría de que era una sociedad principalmente matriarcal, aunque se basa en las representaciones mobiliares de figuras femeninas que se encontraron por todo el territorio Europeo y en las pinturas rupestres realizadas en salas dedicadas exclusivamente a la figura de la mujer. La pieza de caza más abatida en el paleolítico superior era el Megalocerus giganteus, es un cérvido de gran tamaño, los machos podían medir 2 metros de altura y poseía unas impresionantes astas que alcanzaban los 3 metros y medio, desapareció por su caza. Se usan los huesos como platos, herramientas y adornos.

Cueva Altamira

PALEOLÍTICO SUPERIOR

Cueva Lascaux

APROX. 40,000 - 10,000 A.C.

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APROX.8,000 - 4,000 A.C.

NEOLÍTICO El periodo neolítico se lo conoce también como edad de piedra pulida o nueva. El neolítico tiene como características principales el desarrollo de la agricultura y ganadería, alfarería, arte, danzas, rituales, la domesticación de ciertos animales, consolidación del sedentarismo y la implementación de ejércitos. Tras el cambio climático de hace 10.000 años atrás, el planeta ofrecía temperaturas más templadas, lo que introdujo importantes cambios en la alimentación y costumbres de los seres humanos El tipo de población durante el neolítico ya es 100% sedentario. En las pinturas neolíticas el cuerpo humano ocupa un lugar predominante, con aspecto algo primitivo aún y de colores monocromáticos. la piedra comienza pulirse en vez de tallarse, pudiendo fabricar piedras de molino, azadas u hoces.Este dominio de las herramientas desembocó en la invención de técnicas como la cerámica, alfarería y fabricación de tejidos. De esta forma y con el dominio de la cerámica, se pudieron confeccionar vasijas que servían para almacenar los alimentos

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APROX. 4.000 - 2.000 A.C.

ENEOLÍTICO Periodo entre la edad de piedra y la edad de bronce. Se comienzan a usar metales en frío para armas, adornos y herramientas con técnicas de martillado o batido en frío, combinación de aleaciones como estaño y arsénico (metalurgia), también se usa la cerámica, mármol. Figurillas, vasijas, vaso campaniforme, herramientas, bisutería, tejidos, adquieren más detalles y ornamentación.

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APROX. 2,000 A.C.

EDAD DE BRONCE Diferentes civilizaciones de esta era lograron obtener el bronce como resultado de la aleación entre 9 partes de cobre y 1 de estaño. El crecimiento de ingenio en la fabricación de utensilios metálicos permitieron simplificar las actividades diarias en cada sociedad. Por otra parte, los asentamientos estaban más organizados y dedicados a actividades como la caza, la pesca, la agricultura y la cría de ganado, los cuales se desarrollaron con mayor eficiencia gracias a la integración de instrumentos de metal a dichas actividades.

Rituales fúnebres: En el principio, los entierros se hacían desorganizadamente y en fosas comunes. A la mitad de la era, los entierros se hacían en lugares específicos. Y al final de la era se hizo común la cremación. Arquitectura: Aunque la mayoría de las construcciones eran simples, hechas a base de barro, de madera y de rocas, también existieron poblados de construcciones bien estructuradas y muros reforzados que servían de defensa para los poblados principales.

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APROX. 1,000 A.C.

EDAD DE HIERRO La edad de hierro comprende el tercer y último periodo metalúrgico de la prehistoria. A partir de allí, se considera el comienzo de la historia de cada sociedad. Debido a que su punto de fusión es extremadamente elevado, se cree que este descubrimiento fue accidental cuando parte de este mineral se arrojó por error al fuego y, al enfriarse, se convirtió en hierro. Con la fabricación de joyas, artesanías e indumentaria nace el comercio e intercambio de bienes. Para ello se hace imprescindible la necesidad de viajar de forma terrestre y marítima

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MUEBLE CHINO CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA

La arquitectura china antigua tenía sus propios principios de estructura y diseño. Los antiguos chinos usaban marcos de madera y tierra para construir casas, templos y palacios. Las diferentes piezas del edificio eran apoyadas de diferentes maneras, de modo que la casa no estaba apoyada en una sola pared. Hay un viejo dicho que dice: “Las casas chinas se mantendrán de pie cuando sus paredes colapsen”. El patio era una parte importante de todos los edificios chinos antiguos, desde la granja más humilde hasta el palacio más grande. Los pobres no podían darse el lujo de tener un gran patio rodeado en tres lados por las alas de una casa y el cuarto lado custodiado por una portal, para crear un patio cerrado. En cambio, los pobres construían varias casas ..pequeñas alrededor de un espacio abierto y rectangular, creando un.patio compartido. Los patios eran creados en diferentes tamaños, pero cada uno estaba diseñado, como una pintura rectangular, para que se desplegara visualmente mientras uno se movía por el patio. Esto se hacía usando plantas, macetas y pantallas móviles. La puerta principal del conjunto residencial o casa (o palacio o templo) siempre daba al sur. Los antiguos chinos creían que los materiales de construcción adecuados (tierra y madera), un patio interior cerrado y una puerta frontal orientada al sur se combinaban para ofrecer energía beneficiosa a quienes pasaban tiempo allí.

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La puerta principal del conjunto residencial o casa (o palacio o templo) siempre daba al sur. Los antiguos chinos creían que los materiales de construcción adecuados (tierra y madera), un patio interior cerrado y una puerta frontal orientada al sur se combinaban para ofrecer energía beneficiosa a quienes pasaban tiempo allí. Un techo de pagoda tiene forma algo similar a la cima de una montaña, con picos y niveles. Los antiguos chinos no inventaron el techo de pagoda. Este diseño de techo llegó a la antigua China desde la India a través de la Ruta de la Seda durante los tiempos de Han, y fue un éxito instantáneo. Los arquitectos chinos se pusieron a trabajar en toda China, añadiendo techos de pagoda a las casasde los ricos. Este techo también se usó en el diseño de los .templos budistas.

ESTILOS DE ARQUITECTURA La arquitectura antigua china utiliza diferentes materiales estructurales, los cuales incluyen la construcción civil, los trabajos con ladrillo, la construcción en madera y construcción en bambú. Hay varios estilos arquitectónicos tales como el palacio, la torre, el templo, el jardín y el mausoleo, los que generalmente se pueden agrupar en arquitectura imperial, arquitectura religiosa, arquitectura de jardines y arquitectura general.

Jardín Yuyang

Palacio imperial - Ciudad Prohibida (Gugong)

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PERIODOS Y DISNASTIAS CHINAS PERIODO ARCAICO - 6000-2100 a.c. El período arcaico (o neolítico) es anterior a la dinastía Xia. Está regido por los Tres Augusto y los Cinco Emperadores, que los historiadores modernos consideran líderes de diversas etnias, ricos en mitología antigua, que con su sabiduría y poderes pudieron mejorar la vida humana. Ya en 5000 AC, la cultura Yangshao (y luego la cultura Longshan en 3000 AC) está presente en el valle del río Amarillo con una agricultura que asegura un aumento de la población, un sistema administrativo, construcción de casas, artesanías y culto a los antepasados. De ahí la existencia de jarrones y ánforas para fines familiares, conservación de granos y también para ritos funerarios que celebraban la memoria del antepasado. Las primeras cerámicas producidas en China datan de hace más de 10,000 años, con macetas de finas y delicadas pinturas de terracota, que muestran su belleza, maestría y practicidad.Los artesanos de Longshan conocían el uso del torno y producían cerámica de muy alta calidad. El cultivo de arroz, gusanos de seda y producción de seda ya estaba muy extendido en este período.

ÉPOCA ANTIGUA DINASTÍA XIA, SHANG Y ZHOU La dinastía Xia, es la primera dinastía de la que se tiene constancia, una dinastía que abarca los periodos desde el S. XXI a. C. hasta el siglo XVI a. C. Según los relatos de Sima Qian, en su obra «Memorias Históricas» o «Registros Históricos», se nombran los 17 reyes de la dinastía Xia. Fue una dinastía de carácter hereditario, su desaparición, aproximadamente en el año 1766 a.C., se debió a la expulsión de su último gobernante Jié, por el gobierno tiránico que ejerció contra su pueblo. La dinastía Shang se localizó en el centro y norte de China, su capital estaba situada en Anyang, cerca de la frontera de Henan. Su economía basada en la agricultura y ganadería, yacimientos encontrados pertenecientes a este periodo han podido contrastar la existencia de recipientes de bronce, armas y joyería, luego conocían las técnicas de la metalurgia. La dinastía Zhou, comienzan a desarrollarse artes y técnicas ornamentales relacionados con el deseo de los vivos por comunicarse con los muertos. Una época en la que vivieron los más grandes pensadores y filósofos chinos de la época antigua, como fue el caso de Confucio, donde nuevas religiones comienzan a tomar protagonismo, como es el caso del Confusionismo y el Taoísmo. Con los nuevos pensadores y filósofos nace un nuevo arte, la literatura china.

DINASTÍAS IMPERIALES Con la debilidad de la dinastía Zhou, China se sumió en un estado de total anarquía. Los enfrentamientos entre estados da lugar al nacimiento de una nueva dinastía, que aunque duro poco en el tiempo, fue de gran relevancia. Entramos en el período Imperial. En este momento el antiguo Rey, pasa a llamarse Emperador. Dinastía Qin: 221-206 a. C. Dinastía Han: 206 aC-220 dC Seis dinastías y 16 reinos: 220-589 AD Tres reinos: 220-280 Dinastía Jin: 265-420 Dinastías del sur y del norte: 420-589 Dinastía Sui: 581-618 Dinastía Tang: 618-907 5 dinastías, 10 reinos: 907-960 Dinastía Liao: 907-1125 Dinastía Song 960-1279 Dinastía Jin: 1115-1234 Dinastía Yuan 1271-1368 Dinastía Ming: 1368-1644 Dinastía Qing: 1644-1911

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Silla plegable 101 x 68.6 x 67.3 cm . El diseño es una variación de élite del taburete plegable más antiguo y humilde, llamado huchuang o "cama de bárbaro", una referencia a su origen extranjero. El diseño en forma de herradura, con su barra de cresta en forma de U, se adapta fácilmente al colapso. Cuando está plegado, el riel del asiento delantero se ajusta perfectamente dentro de los soportes curvos de los brazos.

Madera Huanghuali

Par de sillas 68 x 53.3 x 91.5 cm

Procedencia: Con Grace Wu Bruce. Propiedad de una colección privada distinguida.

Madera Huanghuali

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Mesa con patas de caballete 88.9 x 237.5 x 44.5 cm Mesa con patas de caballete, realizada en el siglo XVII, que presenta cabezas de elefante talladas y dragones calados.

Madera Huanghuali

Silla 101.9 cm x 56.8 cm x 45.7 cm Para mejorar el disfrute estético, la escritura en pincel de calígrafos famosos a menudo fue tallada en objetos favoritos en el estudio del erudito. Aquí, la caligrafía de dos literatos, Zhou Tianqiu (1514–1595) y Dong Qichang (1555–1636), en los símbolos muestra la popularidad de esa costumbre. Sándalo morado (zitan)

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Caballo 29 x 17 x 27 cm. Caballo realizado en terracota y decorado con engobes, perteneciente a un ajuar funerario de la dinastía Wei del Norte.

Escultura en terracota

Sofá Siglo XVII 66.7 X 205.1 X 114 cm En clima cálido, uno se sentaba en la estera de ratán con las piernas cruzadas o colgantes. En climas fríos, se agregaron edredones y cojines para mayor comodidad. Madera (huanghuali o Dalbergia odorifera)

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Cuadro de diversión en el palacio (gong yue tu)

Dinastía Tang Los muebles de la dinastía Tang incluyen principalmente mesitas, mesas largas y angostas, cofres, Huchuang, biombos y juegos de mesas y sillas. La silla que aparece en el mural de la tumba de Gao Yuangui en Xi'an, provincia de Shaanxi, tiene piernas gruesas y de

Pintura

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Banquete nocturno de Han Xizai (Han Xizai ye yan tu)

Dinastía Tang Sillas, mesas largas y angostas, renunciaron completamente a la vieja costumbre de sentare en el suelo.Los muebles altos se tornaron maduros con cada día que pasaba. Vale la pena señalar que los muebles en ese momento eran hermosos y simples de estilo en la decoración, cambiando las preferencias de lujo de la dinastía Tang a un estilo sencillo y sin adornos, sentando las bases para el desarrollo de preferencias de los muebles durante la dinastía Song.

pintura

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MUEBLE JAPÓNES LA ARQUITECTURA

La aparición del budismo en Japón en el año 538 trajo consigo a muchos arquitectos desde la península coreana que llevaron nuevas técnicas a Japón, reflejando el estilo chino de la arquitectura budista. El comienzo del desarrollo de la arquitectura japonesa antigua data de este período. Horyu-ji, construido en 607, un templo en la localidad de Nara cuya entrada principal y pagoda datan del período Asuka, fue construido en este estilo. Su diseño nunca fue modificado. La deidad budista adorada en este templo se encuentra en el salón principal, y es la estructura de madera más antigua del mundo y el centro de todo el complejo.

El amor por la naturaleza hace que la arquitectura japonesa emplee siempre materiales tomados de ella y guardando sus cualidades naturales. En la arquitectura tradicional, la madera se emplea siempre en su color y muchas veces sin ser tratada y tallada.

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El mobiliario tradicional japonés se reduce, a la mínima expresión y se rige por reglas extremadamente estrictas, a todo esto hay que añadir un factor importante a esta ausencia de mobiliario; la situación geológica de la isla. Situada entre dos placas tectónicas, sufre a menudo temblores de tierra, Japón a aprendido a desarrollar una arquitectura ligera de papel y madera que era la que mejor resistía.

En el Japón tradicional no existían asientos, porque se asentaban a la turca sobre el tatami o en el suelo, tampoco había armarios ni camas. La cama es un lecho que cada mañana se coloca en un cofre de laca o detrás de un panel móvil. Los únicos muebles de la casa son las mesas bajas de laca negra de la época Edo. Los tableros escritorios y los biombos constituyen piezas principales del mobiliario tradicional. Esta ausencia de mueble hace que se valore mucho cualquier objeto funcional de la casa, como las teteras, la vajilla de porcelana, etc. En los paneles o biombos los paisajes son el tema más ocurrente y tienen un significado, expresan las ansias de libertad y conocimiento del hombre, también de la belleza.

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PERIODOS DE JAPÓN

年号

Los periodos de Japón se listan en eras o nengō ( ), una clasificación que se sigue utilizando aún hoy en documentación oficial, así como en numerosas referencias bibliográficas o literarias: el año actual cuenta los años desde que empezó la era presente. Una característica interesante de la periodización es que los emperadores adquieren, tras su fallecimiento, el nombre de la era que han gobernado. Por ello, el actual emperador Akihito será denominado Emperador Heishei (Heishei Tennō) y dejará de utilizarse su nombre de pila como referencia.

La literatura también reconoce otros períodos arquitectónicos del antiguo Japón Época prehistórica: (hasta 552 d.C.) Abarca los periodos de Jomon, Yayoi y Kofun. Periodo Asuka: ( 552 – 645 d.C.) Época de la introducción, difusión y florecimiento del budismo Periodo Nara: (645 – 794 d.C. ) Época de un gran esplendor de la cultura japonesa Periodo Heiari: ( 794 – 1185 d.C.)

PERIODOS Período Asuka (538-710) Período Nara (710-794) Período Heian (794-1192) Período Kamakura (1192-1333) Período Nanbokuchō (1334-1392) Período Muromachi (1392-1573) Período Edo (1603-1867) Japón moderno (1868-presente)

El periodo histórico Edo (antiguo nombre de la ciudad de Tokio) comprende los años entre 1600 – 1868 y se caracteriza por el seguimiento de un nuevo arte: El arte del grabado una invención artística de la cultura burguesa. La burguesía, una clase social enriquecida por la industria y el comercio, deciden crear su propia cultura artística a través de los grabados, el arte del grabado con sus bellas estampas impresas en biombos verticales se desarrolla en Japón a partir del periodo Edo.

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LA ESTAMPA JAPONESA Las estampas de paisajes en los grabados son para ellos un camino para la ilustración, el entretenimiento y la liberación. Una forma de conocer, educar y enseñar a través del juego de palabras y doble sentido literario que aparecen en los textos que acompañan a las imágenes. El Zen persigue la integración del hombre con la naturaleza (el paisaje) considerando a los elementos naturales como sagrados y dignos del mayor respeto. El agua, la montaña, el bosque a través del grabado se convierte en género pictórico. Belleza en término zen es imperfección acompañada de antigüedad y de primitiva tosquedad. Cuando encontramos esta combinación se dice que estamos ante el resplandor “SABI” = rustica sencillez y arcaica imperfección en la aparente simplicidad. Los utensilios utilizados en la habitación de Té son básicamente de esta naturaleza.SABI significa “soledad” equivale a renunciar a toda visión espectacular, el aspecto estético zen se alimenta del ascetismo zen es decir de una ausencia de egoísmo personal. FLORES DE CIRUELA Y GRULLAS, ITO JAKUCHU

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Gabinete Maki-e Periodo Meiji 1860-1869 H 141 cm x W 143 cm x D 74 cm Estas escenas decorativas han sido creadas por un proceso llamado "maki-e". Esta técnica consiste en rociar polvos de oro y plata sobre la superficie de laca negra, utilizando pajitas de bambú y cepillos suaves. Estos diseños se cubren con una laca transparente o de colores claros para fijarlos. El gabinete también está adornado con el método "togidashimakie". Esto implica aplicar polvos metálicos, luego cubrirlos con laca negra y volver a exponer el diseño debajo mediante un proceso de lijado. Las hojas de oro y plata se cortaron en líneas finas, diamantes y triángulos, luego se adhirieron a la laca negra, en una técnica conocida como "kirikane".

Jarrón Satsuma Siglo XIX

62cm de alto Decoración dividida en cuatro grandes medallones representando escenas de palacio. Asas en forma de aves doradas.

Ceramica tecnica satsuma

Biombo H 168.91 cm x W 381 cm x D 1.27 cm PĂĄjaros exquisitamente detallados se sientan en las ramas de un viejo y retorcido cerezo cubierto de delicadas flores blancas. Las nubes doradas reflejan la luz maravillosamente. La costa rocosa en la que se encuentra el ĂĄrbol es sacudida por las olas del ocĂŠano. Lacado, madera dura, pintado a mano. Papel hecho a mano

Periodo Edo 1790

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Papelera laca Namban

Periodo Momoyama

Botella con flores de las cuatro estaciones.

1710

36 x 34 x 59 cm.

Altura de 21.9 cm

Laca namban e incrustaciones de madreperla. Presenta tapa frontal abatible pintada con un cáprido sentado entre ramas vegetales, bordes con motivos geométricos, interior con 12 cajones moldurados, asas laterales de bronce y bocallave de igual metal con decoración incisa.

japonés para mercado europeo, probablemente holandés

Aunque la forma cuadrada de la botella reproduce un recipiente de vidrio holandés utilizado para contener vino o licores, la decoración de las flores de las cuatro estaciones, incluidos los crisantemos que simbolizan la primavera y las peonías para el verano, se basa en las tradiciones china y japonesa.

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Mesa de escritura (Bundai) con melones y ardillas Primera mitad siglo XVII 10.2 x 34.6 x 58.4 cm Esta mesa de escritura, que probablemente se hizo originalmente como un conjunto con un cuadro de escritura a juego, está decorada con diseños de melones y ardillas, símbolos auspiciosos que representan buena fortuna y fertilidad. Este tema pictórico se origina en composiciones chinas que representan la naturaleza, incluyendo pájaros y flores, hierbas, vegetales e insectos, populares en las artes de la dinastía Ming. Los pintores en Japón durante el período Muromachi (1392-1573) incorporaron estos temas en su repertorio. El artista maki-e representó a las ardillas en una composición dinámica y lúdica, mientras que algunas de las hojas están diseñadas como si los insectos las comieran parcialmente. La aplicación de la aspersión plana maki-e y enashiji (“imagen de piel de pera”) sigue las tradiciones del período Momoyama (1573–1615) de las lacas Kōdaiji.

Madera lacada con oro hiramaki-e y enashiji ("imagen de piel de pera")

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Mesa con hierbas y flores de otoño Primera mitad de siglo XVII 41.8 x 25.6 cm Es posible que este soporte se haya convertido para usarlo en una ceremonia del té desde una mesa que se hubiera colocado frente a las pinturas budistas para contener quemadores de incienso. A fines del siglo XVI, Kioto, con sus numerosos talleres, se había convertido en el centro más importante del arte de la laca japonesa. Fue en este momento que Toyotomi Hideyoshi cambió la forma en que se aplicaba la decoración maki-e. El líder militar ordenó la decoración maki-e de grandes muebles, objetos domésticos y elementos interiores, objetos que normalmente no habrían merecido un tratamiento tan lujoso. Al utilizar varias técnicas relativamente simples, los artesanos pudieron crear diseños innovadores y audaces sin dibujos subyacentes complicados y podrían cubrir grandes superficies en un período de tiempo relativamente corto. Este estilo extravagante se llamaba Kōdaiji en honor al templo de Kyoto dedicado a Hideyoshi y su esposa, Nene.

Madera lacada con oro hiramaki-e y enashiji ("imagen de piel de pera")

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MUEBLE EGIPCIO La cultura Egipcia o cultura del Antiguo Egipto, se desarrollo en el valle formado por el río Nilo, situado al extremo noreste ..de África. El río Nilo recorre el territorio de sur a norte haciendo prosperar la agricultura, la ganadería y la .....navegación. El territorio habitable de Egipto tiene la forma de una estrecha faja atravesada de sur a norte por el río Nilo. Geográficamente tiene dos regiones: el Alto y Bajo Egipto. La primera región se encuentra al sur. Comprende desde Asuán hasta El Cairo. Esta zona es montañosa en donde el río Nilo exhibe seis cataratas. La segunda región se encuentra en el norte y se extiende desde El Cairo hasta el mar Mediterráneo. Forma un valle muy fértil, regado por el ..Nilo que desemboca en el Mar Mediterráneo. Los egipcios ubican la mayoría de sus ciudades y pueblos en las cercanías del río, o a unas distancias considerables o elevadas sobre montículos, intentando en ambos casos evitar los efectos de la inundación. Las principales ciudades eran elegidas por el faraón y todas ellas estaban organizadas de forma caótica, tomando como centro los edificios públicos

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EGIPTO PERIODOS POR SU UBICACIÓN

POR LAS NUEVAS CRONOLOGÍAS

Periodo Legendario

Periodo Protodinástico o Pretinita de Egipto

Periodo Tinita

Periodo Arcaico o Tinita de Egipto

Periodo Mefítico

Imperio Antiguo o Menfita de Egipto

Periodo Tebano

Primer Periodo Intermedio de Egipto

Periodo del Apogeo

Imperio Medio de Egipto

Periodo de la Decadencia

Segundo Periodo Intermedio de Egipto Imperio Reino Nuevo Tercer Periodo Intermedio de Egipto Baja Época

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CASAS DEL ANTIGUO EGIPTO

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CIUDAD De ser de personas pudientes, eran construidas alrededor de magníficos jardines, muy pocas contaban con baño. CAMPO Construidas de dos niveles para evitar inundaciones, abajo almacenaban, arriba vivían, al igual que las primeras eran de techos planos, ya que la lluvia no es algo frecuente.

ALGUNAS CARACTERÍSTICAS

Había dos tipos de casas

En el antiguo Egipto los muros exteriores eran pintados de blanco, el interior dominaban los colores pasteles, y algunos acabados podían ser muy elaborados. No había baños, y tanto los ricos como los pobres utilizaban letrinas que frecuentemente eran vaciadas en el río Nilo. Sólo algunas personas ricas tenían baños privados. Los antiguos egipcios sacrificaban la ventilación y frescura del interior a cambio de mantener sus estancias libres de la arena del desierto. el acceso al agua se realizaba a través de pozos públicos para la población en general, así como canales y el agua del río Nilo; los ricos contaban con pozos particulares dentro de sus propiedades.

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MUEBLES

Todos los mobiliarios cuentan anécdotas Su mobiliario era; Sillas, taburetes, camas, reposaderas, arcones, cofres, Características: Madera cubierta o pintada de blanco, dibujos geométricos en colores primarios principalmente, dibujos o tallados de plantas, animales, esfinges, esclavos y guerreros, cabezas de dioses, jeroglíficos, cubiertos de marfil, maderas finas y chapas metálicas, ángulo recto, patas en forma de extremidades de animal

MATERIALES

El taburete era el mueble al acceso de todos

COLORES

Tienen un valor tanto practico como simbólico

Pigmentos de colores, cuero y pieles, madera importada como olivo, higuera, sicomoro, tejo y cedro, cuarzo, cobre y arcilla.

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TRONO DE TUTANKAMÓN S. XIV a. C.

178cm x 97cm x 21,5/315cm El sillón lujoso está realizado en madera con incrustaciones o laminados de materiales preciosos. Para la decoración de los detalles del relieve son usados el vidrio multicolor y las piedras preciosas. El asiento es adornado de láminas de cuarzo, recordatorio del mosaico bizantino. Sobre el trasfondo del oro brillante con el que es revestido el trono los colores de adorno se ven especialmente ventajoso.En la parte frontal aparece representada una escena cotidiana: el joven Tutankamón está siendo ungido en aceites por su esposa Anjesenamón. Si mirar muy de cerca se puede ver en el pie izquierdo de Tutankamón una pulsera de oro. Su esposa tiene la misma decoración en el pie derecho. En el Antiguo Egipto estas pulseras se consideraban un símbolo de los esponsales.

oro batido, madera tallada, piedras preciosas, cristal multicolor y esmalte

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CAMA HETEPHERES APROX. siglo XXVI a. C

178cm x 97cm x 21,5/31,5cm El armazón, de madera recubierta de una gruesa hoja de oro, está constituido por dos largas barras laterales que acaban en una forma estilizada de papiro y unidas entre ellas por dos travesaños de madera. La cama se sostiene sobre cuatro apoyos de madera dorada en forma de patas de león fijadas al armazón mediante tiras de cuero. Las patas del lado de la cabeza son más altas que las otras, de modo que el plano de la cama queda ligeramente inclinado. Madera cubierta de hoja de oro

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SILLA DE HETEPHERES APROX. siglo XXVI a. C

El respaldo de la silla de Hetepheres, realizado a partir de una pieza de madera rectangular, incluía en su parte exterior un gran número de virguerías y filigranas talladas sobre la madera de manera ornamental, lo que la convirtió en uno de los muebles más valiosos hallados durante la excavación.

Madera cubierta de hoja de oro

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TABURETE DE TUTANKAMON S. XIV a. C. Los cuatro lados de este taburete de madera, pintados de blanco, están decorados con el símbolo de la unificación del Alto y Bajo Egipto. Está dorado con lámina de oro. Las patas de la silla fueron modeladas para parecerse a las patas de un león. Los elementos se unen entre sí con pasadores de cobre. De la tumba de Tutankamón (KV62). Valle de los Reyes, West Thebes.

Madera

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CAMA FUNERARIA 18 DINASTIA Largo 288 / Alto 161

Esta cama de madera está cubierta con yeso dorado diseñado para representar dos leonas alargadas. Las dos leonas representan a la diosa Mehet. Según las antiguas creencias egipcias, Mehet fue identificada con Hathor, Sekhmet e Isis y ayudó a causar la inundación del Nilo cuando fue apaciguada. Los ojos de estos animales están incrustados con pasta de vidrio azul; los párpados son de color negro. El panel central está decorado con los signos Djed y Ankh.

Madera, Bronce

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Caja para Ungüentos del Rey Tutankamón 18 dinastía Este contenedor pomada de doble cara de madera chapada en oro con incrustaciones de pasta de vidrio coloreado.Cada bando está formado por dos orientado hacia el interior cartuchos que contienen la figura del rey en cuclillas en el Heb, o un festival, signo.Las cuatro imágenes del rey difieren ligeramente y se ha interpretado como muestra de él en diferentes etapas de su vida.La tapa está adornada con el disco solar y plumas de dobles, la base está chapada en plata y decorado con un friso de Ankh, o la vida, signos.

Madera, hoja de oro

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MUEBLE GRIEGO La historia griega se inicia, más o menos, a partir del siglo XII a.C. y se prolongó hasta el año 146 a.C. en que los romanos la someten y la convierten en una provincia de su imperio.Durante este tiempo, los griegos desarrollaron su historia en tres periodos: Arcadio o Primitivo, Grecia Clásica y el Periodo Helenístico. La organización política de los griegos era compleja, y fueron uno de los primeros pueblos en practicar la democracia, palabra que se derivaba del griego dé-mos (pueblo) y krá-tos (gobierno), en el que las personas consideradas ciudadanos griegos conformaban el cuerpo legislativo y tenían parte en la asamblea.Sin embargo, no todos eran considerados ciudadanos, de hecho sólo unos pocos adquirían ese título, donde se excluía a mujeres, niños, esclavos y extranjeros.

Entre las ciudades principales de la antigua Grecia se pueden mencionar a Macedonia, Esparta, Corinto, Cnosos, Mileto y Atenas. Sin embargo, las más sobresalientes fueron Atenas y Esparta.

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VIVIENDAS Originalmente, las casas en las ciudades griegas de la antigüedad por lo general no tenían una organización interna particular. Simplemente estaban construidas a base de ladrillos de barro y los pisos estaban diseñados con tierra endurecida.Sin embargo, a partir del siglo V a. C., se comenzó a utilizar otro tipo de materiales menos rudimentarios para la construcción de las edificaciones privadas.El uso de la piedra para las construcciones domésticas se hizo mucho más común a partir de este siglo. El interior de las casas estaba recubierto con yeso, lo que daba un toque de calidad a la estructura.Aunque la civilización griega era bastante organizada en términos generales, sus construcciones no tenían un orden particular. Es decir, el diseño urbano no era una de las prioridades de los helénicos. Como consecuencia de esto, las ciudades solían tener una organización bastante caótica, que resultaba en calles sin un orden particular.El problema de la desorganización en la construcción de las casas ocurrió a lo largo de todas las polis griegas, incluyendo las de mayor tamaño como Atenas. Sin embargo, cabe destacar que a partir del siglo V a. C. algunos arquitectos griegos comenzaron a dar importancia al planeamiento de las ciudades.

VIVIENDAS NOBLES Separadas por hombre y mujer Baños separados Tenían casas de campo VIVIENDAS BÁSICAS Sencillas Materiales ligeros Áreas comunes

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TEMPLOS La estructura pública que más se construyó en la antigua Grecia fue el templo. Los templos estaban presentes en todas las grandes ciudades, y tenían un diseño uniforme que era utilizado como base para la construcción de todas estas estructuras.Los templos eran edificaciones rectangulares, las cuales se basaban en las ideas de los micénicos (unos de los primeros exponentes de la arquitectura griega) y presentaban un cuarto central, un vestíbulo y un porche.Estos templos no funcionaban como los centros de alabanza actuales (como mosques e iglesias), sino más bien eran estructuras edificadas para honrar a un dios en particular. Usualmente, la escultura del dios a quien se honraba en el templo se encontraba en el cuarto central, al aire libre. A partir del desarrollo del planeamiento urbano, en el siglo V las ciudades se comenzaron a expandir de manera superior en lo que respecta a su organización. Por ejemplo, se construían fuentes en lugares públicos para que las familias pudiesen obtener agua.Las estructuras públicas eran lugares importantes para la civilización griega, y todos estaban relacionados entre sí. De hecho, la mayoría de los edificios públicos tenían las mismas características generales. MODELO DEL TEMPLO DE NIKE

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ESTILOS

RUINAS DEL TEMPLO DE APOLO

El orden dórico fue el que se creó cuando los griegos hicieron la transición entre materiales no permanentes, como el lodo y la madera, hacia otros materiales que sí se mantenían en buen pie con el pasar del tiempo, como la piedra.El estilo dórico se caracteriza por la utilización de columnas con un diseño bastante plano, las cuales descansan directamente en el templo sin tener una base que las conecte.

PARTENONDE ATENAS

Los estilos de arquitectura de la civilización griega se dividen en tres tipos definidos. A estos estilos se les refiere como “órdenes”, y cada uno representa el origen particular de cada estilo arquitectónico griego. Estos órdenes son el jónico, el dórico y el corintio. El orden arquitectónico define cada estilo de construcción presente en la antigua Grecia.

A diferencia del orden dórico, la arquitectura jónica sí presentaba soportes en las columnas de los templos y edificaciones.Además, se acostumbraba a adornar las bases con tallados artísticos que imitaban la forma de un pergamino. Esta arquitectura se originó a mediados del siglo VI antes de Cristo, pero llegó a las grandes ciudades helénicas a mitad del siglo siguiente.

TEMPLO DE HERA

ERECTEION

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ORDEN CORINTIO El orden corintio no solo fue el último de los órdenes arquitectónicos griegos en originarse, sino que además es el estilo de arquitectura más complejo que se utilizó en el mundo helénico. De hecho, este orden fue utilizado tanto en la arquitectura griega como en la arquitectura romana, luego de la conquista de Grecia por parte del Imperio romano.La primera estructura en presentar elementos de este orden fue el Templo de Apolo, el cual data del año 430 a. C. La característica principal de este orden es la utilización de formas que aparentan ser naturales. Las formas se asemejan bastante a las hojas de un árbol. Se dice que un aclamado escultor de Corinto desarrolló originalmente este método y de allí se dio nombre al nuevo orden arquitectónico, que se popularizó con rapidez.Las hojas que se tallaban en las estructuras tenían un corte bastante estilizado, y estas daban la sensación de estar creciendo alrededor de las columnas.Las propiedades esbeltas de esta arquitectura la convirtieron en un método favorito de los romanos. Estos la emplearon en la construcción de diversas estructuras, incluyendo el Panteón de Roma.

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Anforas griegas s. XIX Medidas de la mayor: 90x 61cm. Escena dionisĂaca y Mito de la Gorgona Medusa.

CerĂĄmica y engobe de color negro.

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Kline Replica 571⁄2 in largo x 241⁄2 ancho x 341⁄2 alto

Usadas como cama y sillas, Aunque las patas con formas de animales se ven en alguna ocasión, eran más comunes con forma de trompeta o de columna.

Madera de nogal y cuero

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Silla klismo Replica

La utilizaciĂłn del Klismos en pisos de tierra es lo que da lugar a esta exagerada curvatura de las patas a fin de que no se hunda y pierda la estabilidad.Esta silla nos sugiere practicidad y contemporaneidad en cierto modo. EstĂĄ considerada una pieza puramente femenina, que se ubicaba en un interior domĂŠstico lleno de comodidades

Madera y cuero

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Okladias Replica Bajo

Taburete con patas cruzadas, la madera por lo general era: cedro, pino, ciprĂŠs

Madera y cuero

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MUEBLE EN ROMA Se llama Imperio Romano a la etapa de la historia romana, en la que Roma fue gobernada por emperadores. Estos implantaron el gobierno absoluto, concentrando en una persona todos los poderes: político, administrativos, religiosos y militares. Esta etapa se inició en el año 29 a.C. con el gobierno de Augusto (Octavio) y concluyó con Rómulo Augústulo en el año 476 d.C. (Las causas fueron las crisis internas, combinadas con las invasiones de los bárbaros.) El territorio del Imperio Romano abarcaba tres continentes: sur y oeste de Europa, el oeste de Asia y el norte de África. Dentro de sus límites quedaron: Britania, Galia, España, Suiza, los países situados al sur del rio Danubio, Italia, Grecia, Turquía, Asia Menor y el norte de África. La Nobleza como siempre seguía teniendo el poder, pero no en lo político.La Clase Media había desaparecido. En cambio aumento la clase plebeya, en su gran mayoría eran desocupados y se conformaban con las donaciones que les daba el gobierno, en dinero, cereales, agua, juegos y espectáculos públicos. Los esclavos habían aumentado por las constantes conquistas. Se dedicaban a los servicios domésticos, la agricultura, la minería, las artesanías y las grandes construcciones.

BUSTO DE OCTAVIO

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TEMPLO DE VESTA

ARQUITECTURA Imitaron a los griegos en el empleo de columnas y capiteles. De los etruscos introdujeron el arco, la bóveda y la cúpula. Utilizaron materiales como la piedra, ladrillo y hormigón (mezcla de cascotes y cal).Con estos elementos los romanos construyeron edificios mas elevados y armoniosos que los griegos. Distinguiéndose por su tamaño y utilidad pública.Construyeron templos, anfiteatros y teatros, palacios, columnas conmemorativas, circos, foros o lugares de mercadeo, basílicas o locales donde se administraba justicia, las termas o locales de baño, calzadas, puentes, acueductos, cloacas, tumbas, etc.

Los Templos utilizaron las columnas de estilo corintio, con dos hileras de hojas de achanto. Entre los principales templos tenemos: el Panteón de Roma, destinado a todos los dioses; el Templo de Vesta de forma circular.

COLUMNA CORINTIA

Los Anfiteatros y Circos eran grandes recuentos, circulares construidos para brindar espectáculos al pueblo. Los más importantes: el Coliseo Romano con capacidad de albergar hasta 110000 espectadores; el Circo de Máximo. Estos tenían el escenario de arena para la lucha de gladiadores y posteriormente el enfrentamiento de las fieras con los cristianos. Las graderías que alojaban al público estaban sostenidas por galerías abovedadas. El Coliseo de Roma tenia muros externos cubiertas por placas de mármol. Los Termas eran un conjunto de edificios que tenían baños de agua caliente o fría, biblioteca, sala de reunión y conciertos. Las principales termas fueron: la de Caracalla y la de Diocleciano en Roma.

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VIVIENDA Encontramos 3 modalidades de vivienda en la época de Roma; la Domus e Insulae como viviendas urbanas y la Villae como casa de campo.

La Domus: casa con mucha riqueza, ostentosa que normalmente consta de un solo piso. Usualmente los dueños de la Insulae.

La Insulae: prácticamente era un edificio de apartamentos, donde usualmente eran habitados por personas muy pobres.

La Villae: eran viviendas en zonas rurales destinadas para personas económicamente fuer tes.

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MOBILIARIO

PANEL DE MOSAICO DEL SUELO DE UN LUGAR DE DAPHNE-HARBIYE

Los romanos por lo general usaban pocos muebles en sus casas. Se daba importancia a los ambientes diáfanos aunque esto no quiera decir que no existiera una gran variedad de muebles. Los muebles primitivos fueron muy rígidos y en su estructura se adivina primero la influencia oriental y siempre la influencia griega. Las armaduras de los muebles evolucionaron hacia unas líneas curvadas más naturales y apropiadas para su uso. Los muebles de bronce son muy importantes de este material se hacen casi todos los de lujo.Estos muebles, cuya decoración es muy rica, algunas veces se cincelan y otras se recubrían o incrustaban de plata y metales preciosos. Otros complementos de la decoración fueron el uso de las telas y de tapices, llegados desde los pueblos más alejados del imperio mientras que los de madera quedan para los muebles en que es imprescindible este material como en armarios, mesas, lararios, (Mueble arquitectónico; pequeña capilla situada en el atrio de la casa donde los romanos adoraban a los lares o dioses domésticos), etc. Las maderas más usadas eran las mediterráneas como: el pino, el ciprés, olivo, fresno, abeto, encina, nogal, haya, frutales y la madera estrella el cedro.La madera más valorada venía del árbol de citrus (Callitris quadrivalvis), que crecía en el norte de la costa africana y que, debido a su escasez por el uso excesivo, en la época de Plinio los árboles de mejor calidad quedaron confinados a la Mauritania.En el trabajo de la madera y en su embellecimiento se usaba el chapado y embutido de piedras preciosas, así como incrustaciones de marfil, ébano, boj, conchas...era el inicio de la marquetería que siglos después tendría tanto éxito. También el bronce y la piedra se usaban en la fabricación del mueble.

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MESAS

Su nombre común era "mensa "

La mesa para comer solía llamarse cilliba, que era cuadrada. Después se hicieron redondas, Cilliba era una mesa que se utilizaba como auxiliar, cuando los lechos todavía se situaban más separados Mensa delphica se llamaba a la mesa de tres patas con una tabla redonda encima (orbes). Este tipo es de origen griego, aparentemente, y habría sustituido, ya en el siglo IV a. C., a la forma rectangular. Los trípodes llamados Délficos, porque se dedicaban principalmente a recibir las ofrendas que se hacían al Apolo de Delfos, eran normalmente de cobre. El Cartibulum era la mesa característica con soporte de mármol, generalmente dos patas simulando dos leones con terminación con garras y entrelazados con hojas y volutas. El cartibulum era una mesa que los romanos utilizaban para poner la vajilla más lujosa de la casa . Se situaba en el atrio frente a la puerta, ante el impluvium. El monopodium era un velador o mesa auxiliar de un solo pie, que también se decoraba con profusión. Cneo Manlio introdujo las mesas de un solo pie tras su triunfo en las campañas de Asia. Con los emperadores empezó a utilizarse la mesa semicircular, mensa lunatae o sigmata, que se rodeaba de un lecho, también semicircular, stibadium, en el que se podían reclinar 7 u 8 personas.

La mesa que se ponía en las cocinas para sostener las vasijas del agua se llamaba urnarium.

FRESCOS

Las mesas de los pobres también solían tener tres pies, como la de Baucis y Filemón : "Baucis preparaba la mesa, pero una de las tres patas era más corta, y le puso un trozo de cerámica para calzarla." (Ovidio, Metamorfosis, VIII)

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Tintero Primera mitad del siglo primero Altura de 5.6 y diĂĄmetro de 8.6

Tintero esmaltado verde, decorado con hojas y bayas, principio dinastĂa Julio-Claudia.

Terracota esmaltada en plomo.

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Triclinio 161–169 d.c. Banco 105.4 × 76.2 × 214.6 cm, Reposapiés 23.5 × 44.5 × 64.8 cm Estos muebles se han vuelto a montar a partir de fragmentos, algunos de los cuales pueden provenir de la villa imperial de Lucius Verus, en la Via Cassia a las afueras de Roma. En las patas del sofá hay frisos de cazadores, caballos y sabuesos que flanquean a Ganímedes, el apuesto joven troyano que fue secuestrado por Zeus bajo la apariencia de un águila para servir como su administrador de vino; en el taburete hay escenas de cupidos alados y leopardos; y a los lados del marco de la cama, los llamativos protomas de león tienen ojos con incrustaciones de vidrio.

Madera, vidrio, marfil

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Lรกmpara Siglo 4 d.c Altura sin la tapa 5.1 cm

La lรกmpara tiene un zรณcalo profundo en su base que se ajusta al grillo en el soporte.

Bronce

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Anfora Primera mitad del siglo segundo

altura de 101.9 cm

Arcilla roja con hombro angular y fondo puntiagudo.

Terracota

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Silla curul altura 70 cm, anchura 59 cm.

la silla curul (sella currullis) que es una silla usada por los magistrados romanos, un asiento de rango social y honorĂfico que tenĂa una forma similar a una silla plegable y con los patas en forma de X.

Madera y cuero o tela.

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REPLICA

Mesa cilliba altura promedio de 1.20 m

Casa de Casca Longus en Pompeya. Mesa situada sobre el atrio.

Mármol

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EL PALEOCRISTIANISMO El arte paleocristiano es un estilo de arte que surge durante los primeros cinco siglos de nuestra era. Va desde que apareció el cristianismo, durante la conquista romana, hasta la invasión de los bárbaros, sin embargo en oriente continuo desarrollando este arte hasta llegar al arte bizantino. El Arte Paleocristiano puede decirse que fue como una evolución del arte romano tardío, siendo la religión cristiana la que le de un nuevo espíritu al arte y lo cargue de símbolos, convirtiéndolo en un arte simple, estilizado, que renuncia a la perspectiva y a la profundidad espacial, se eliminan las proporciones y los rasgos del cuerpo humano acentuando los aspectos religiosos, haciendo que predomina el fondo sobre la forma.

El arte paleocristiano es el centro la unión de dos grandes periodos de la cultura y del arte, estas son la Edad Media Cristiana y la Antigüedad Clásica. Es por ello por lo que en el arte paleocristiana se distinguen dos grandes periodos:La primera alcanza desde el siglo II al 313, fecha del Edicto de Milán, etapa de clandestinidad y persecución, en el que se otorga libertad al cristianismola segunda que abarca desde el 313 hasta el siglo VII. en este tipo la religión del Cristianismo fue la religión oficial en el siglo IV. En este periodo el arte se protegerá y se impulsara por las jerarquías eclesiásticas, el cristiano toma la calle y sus monumentos pueblan todo el espacio.

EMPPERATRIZ TEODORA. MOSAICO DE IGLESIA DE SAN VITAL DE RÁVENA

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EL ARTE PALEOCRISTIANO Podemos distinguir varias características principales de este tipo de arte entre las que están: Tiene una variedad de colores un poco limitada. Se conforma con representar a un número pequeño de figuras y con diferentes objetos. Es una pintura que sugieren en vez de figurar. Todas las figuras están dirigidas al espectador, colocadas de frente. Utilizan catacumbas que son derivadas de los panteones públicos. Es muy difícil encontrar alguna obra que contenga representaciones divinas ya que la esencia divina les era imposible de representarlas, aunque a partir del s IV se pueden ver algunas. Desde una vista formal es común los niveles de jerarquización de las figuras, las más importantes se representaban más grandes que el resto, también es común la perspectiva inversa, las figuras que están detrás tiene un tamaño mayor, también es habitual el interés del gesto, la desproporción y en alguna que otra ocasión el desnudo aunque este último desaparecerá con el tiempo.

CURACIÓN DE LA HEMORROÍSA. FRESCO DE LAS CATACUMBAS DE ROMA.

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IMPERIO BIZANTINO El Imperio Romano de Oriente o también llamado Imperio Bizantino, se originó en el año 395 d.C. cuando el emperador Teodosio dividió el Imperio Romano en dos: Oriente y Occidente.A diferencia del Imperio Romano de Occidente, que fue destruido por los germanos en el año 476 d.C., el Imperio Bizantino logró sobrevivir a la amenaza germánica. Por eso perduró por casi diez siglos, hasta el año 1453 en el que los turcos otomanos ocuparon su capital, Constantinopla.A lo largo de diez siglos, los bizantinos, que eran en realidad una pluralidad de pueblos, lograron fusionar la cultura de los griegos y romanos, los elementos religiosos de cristianos y paganos y las costumbres occidentales y orientales. De esta manera conservaron los aportes culturales de la antigüedad y los reelaboraron bajo nuevas formas. Aunque hablaban griegos, los bizantinos se llamaban así mismos romanos, pues consideraban herederos de este antiguo imperio. Por eso a Constantinopla se le conocía también como la nueva Roma CONSTANTINOPLA Actualmente esta ciudad no existe con este nombre, hoy en día esta antigua ciudad se llama Estambul.Fue construida por el emperador Constantino en el año 330, se construyó sobre la antigua ciudad griega de Bizancio. En sólo seis años edificó una ciudad cuyo tamaño y arquitectura eran equiparables a los de Roma y la llamo Constantinopla.

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ARQUITECTURA BIZANTINA Adopción de la planta basilical y desarrollo de la planta centralizada Con el tiempo, la planta basilical se convirtió en un modelo de iglesia cristiana, al que pronto se sumó la planta centralizada o de cruz griega en tiempos de Justiniano, una aportación original del arte bizantino.

Adopción de elementos constructivos romanos Entre los elementos romanos usaron principalmente las bóvedas de cañón, las cúpulas y los contrafuertes. Usaron también las columnas, aunque más con carácter ornamental, excepto en las galerías donde funcionan como soporte de las arcadas.

Nuevos usos y aportes arquitectónicos La arquitectura bizantina aportó el uso de pechinas como sostenimiento de las cúpulas, aplicadas en las plantas centralizadas. Asimismo, diversificaron los capiteles de las columnas, dando lugar a nuevos motivos decorativos. Prefirieron los fustes lisos.

Desarrollo del iconostasio Mención aparte merece el iconostasio, un objeto litúrgico característico del cristianismo oriental. El iconostasio, que proviene del templón, recibe su nombre por los iconos que lo "decoran". Este dispositivo se trata de un panel dispuesto en el altar de las iglesias ortodoxas de norte a sur.La función del iconostasio es resguardar al santuario donde se encuentra la eucaristía (el pan y el vino). En dicho santuario, normalmente ubicado al Este, tiene lugar la consagración eucarística, la cual se considera un acto sagrado protagónico de la liturgia.

Izquierda: San Apolinar in Classe, modelo de planta basilical. Derecha: San Vitale en Ravena, modelo de planta centralizada.

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MOBILIARIO BIZANTINO El mueble no es mas que un objeto cuyo fin es exclusivamente utilitario (no olvidemos que el cristianismo empieza en las clase mas desfavorecidas) y la ornamentación esta inspirada en la decoración romana. Muchas veces se resuelve con simples armaduras o esqueletos recubiertos de tapicerías más o menos ricas, según su destino. En general, son pobres, modestos y desprovistos de interés artístico. MATERIALES: La madera es el material más importante, pero el marfil fue el material más usado para los muebles de mayor importancia. Muchos muebles eran totalmente metálicos o enriquecidos al menos con aplicaciones de metal y cubiertos luego con suntuosas tapicerías. Trono de marfil bizantino, mueble de asiento chapado enteramente Los asientos con soporte torneados van siempre cubiertos de ricas telas de seda, tapices y almohadones. • El mobiliario bizantino se caracteriza por asimilar los modelos romanos revestidos de lujo oriental

Los "scriptorium" eran muebles muy utilizados por los monjes.

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Trono de Dagoberto Siglo IX

perteneció a Dagoberto I (circa 603–639), rey de los francos entre 629 y 634, considerado como el último rey merovingio poderoso. Cuatro prótomos de panteras forman los pies y patas; los apoyabrazos consisten en dos paneles tallados y perforados, decorados con rosetas (abajo) y motivos vegetales (registro superior). El espaldar, de forma triangular, está decorado con tres anillos y follaje. El asiento, originalmente plegable, es una obra del siglo VII o una réplica carolingia.

bronce fundido

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Cátedra de San Pedro Siglo IV aprox. su estructura es cúbica, el respaldo con arquerías coronadas por un frontón y con anillas laterales para su traslado.El frente del trono esta cubierto por 18 tablillas de marfil con tallas inspiradas sobre un tema pagano. (representan los trabajos de Hércules y las constelaciones celestes) Madera, marfil

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Trono de obispo Maximiano 545 - 547 d.c. Pieza única que en la actualidad se encuentra en el Museo de Arzobispal de Rávena, y que fue realizada en madera y decorada con veintiséis placas talladas en marfil.

Madera, marfil

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MUEBLE GÓTICO El arte gótico es un estilo artístico que tuvo su nacimiento en Europa Occidental, a finales de la Época Media. Inició en el siglo XII y perduró hasta la llegada de la época del Renacimiento en el siglo XV. La mayor cantidad de expresiones del arte gótico se dieron en el norte de Francia y luego se expandió a lo largo del occidente. El arte gótico se desarrolló en un largo período en el cual la cultura europea experimentó cambios profundos que influyeron en el arte. En los siglos XI y XII, el campo era más productivo y el comercio había resurgido. Surgió un nuevo grupo social, la burguesía que aumentó su protagonismo. Se construyeron edificios civiles, palacios, y, sobre todo, catedrales, como un símbolo del nuevo orgullo urbano. El interés por las cosas terrenales, por el placer y por el refinamiento del arte volvió a surgir y se empezó a forjar el espíritu moderno junto con una visión religiosa del mundo. El dinero adquirió más importancia y surgieron hombres que convirtieron la pobreza en virtud. La religiosidad era centrada en imitar a Cristo. El capitalismo y la vida urbana progresaron y varias epidemias de peste redujeron la población de algunas ciudades disminuyendo la economía. Las situaciones sociopolíticas que rodean el arte gótico hacen que, a partir de mediados del siglo XII, la estabilidad social sea mucho mayor al irse creando los poderes nacionales, las monarquías, y los señores feudales que eran al fin controlados por el poder real. La nueva forma de sociedad, más ciudadana y rica era dominada por un espíritu religioso tan profundo como diferente del de siglos anteriores. La sociedad oficial y cristiana había triunfado y la ley de Dios era su fundamento.

CATEDRAL DE SENS, FRANCIA 1534

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ARQUITECTURA La arquitectura gótica supuso la introducción de conceptos de espacio nuevos gracias a la utilización de arcos apuntados, arbotantes y otras innovaciones constructivas, pero el diseño del siglo XII no estaba influido por el nuevo estilo. Las catedrales eran manifestaciones de opulencia pero, para los interiores, los ricos benefactores de la Iglesia parecían preferir mobiliario de roble, funcional y sencillo, cubierto con tapicería.

El estilo gótico se divide en tres periodos: Gótico de transición: inicios, aun conserva elementos románicos. Gótico central: mayor apogeo, y pureza del estilo. Gótico decadente o florido: ornamentación exuberante y abundantísima

CARACTERÍSTICAS DEL MOBILIARIO Muebles de estructura prismática, bajorrelieves de arquerias ojivales, ornamentación que le da carácter, gran profusión de talla en bajorrelieve y calada de animales fantásticos, vegetales y animales domésticos.

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MOBILIARIO CARACTERÍSTICAS POR REGIÓN Gótico Francés: Arquería ojival, talla calada de tracería, talla de paños plegados o de pergamino, bajorrelieves de figuras, tallas de motivos geométricos y escudos de la familia. La talla es abundante y conseguido con perfección.

Gótico Alemán: Características: muebles ligeros con gran ornamentación, mas elegante, patas con arquerías ojivales, decoración de montantes con motivos vegetales y paneles con herrajes.Materiales: utiliza maderas blancas como abeto y pino. Gótico en Inglaterra : Características: sobriedad, muebles de escasa ornamentación, hay celosías por tallas caladas. Gótico En italia: la única ornamentación son la pintura y el estuco, incrustaciones de madera, hueso y marfil. G. del norte: recargado de ornamentación, en bajorrelieve o calada, a base de laceria y utilizando la flor de lis como elemento decorativo. Gotico en España: mas rudo y vigoroso, influencia de los moros, su ornamentación se basa en la arquitectura.Muebles: sillas, sillones, aparadores, armarios, credencias, etc.

ITALIANO

INGLÉS

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Silla Windsor 1760 Total : 106 × 58.4 × 55.9 cm; Altura del asiento:46,4 cm; Ancho del asiento: 55,9 cm Muebles rústicos ingleses, es una variante del diseño más tradicional de respaldo inclinado. Con su respaldo en forma de arco puntiagudo y símbolos de calado que muestran tracería gótica, estas sillas reflejan maravillosamente el gusto gótico que se puso de moda en Inglaterra a mediados del siglo XVIII.

Madera olmo, tejo, posiblemente cerezo.

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Puesto de coro triple con dosel

Siglo XV, Frances 307.3 x 204.8 x 45.4 cm Debajo de un dosel tallado, los puestos del coro están decorados a lo largo de los respaldos con arcadas ciegas góticas y tracería. Los asientos aquí están en su posición más baja; cuando se levanta, una misericordia proporciona un asiento poco profundo contra el cual el monje podría descansar durante los oficios litúrgicos.

Madera de roble

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Cofre con escudos de armas Siglo XVI, Frances 83.2 x 178.4 x 71.8 cm Debajo de los arcos conopial del góticos tardío, el escudo de armas real francés de Carlos VIII (1483– 98) y Francisco I (1515–47) se combina con las crestas familiares de sus reinas, Ana de Bretaña y Claude de Francia, y la cresta de Luisa de Saboya, la madre de Francisco I. Roble, soportes de hierro; parte superior y base restauradas

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Armario Siglo XVI, Norte de Francia o sur de Holanda

184.2 x 166.7 x 68.6 cm

Los armarios, decorados con paneles plegables de lino, molduras elaboradamente talladas y correas de bisagra, amueblaron el interior de las casas de comerciantes y nobles de la familia en el perĂodo gĂłtico tardĂo.

Madera de roble, detalles de hierro

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Azulejo Siglo XV, Málaga, España 24.8 cm Los mosaicos de estrellas de ocho puntas de la España nazarí son raros, pero este ejemplo tiene motivos específicos de lustre producido en Málaga, como la decoración botánica que irradia de una flor central o un motivo de planta. El patrón de vid con hojas naturalistas y racimos de frutas es una referencia a la herencia clásica del arte islámico. Ahora se cree que la llegada de la técnica de la pintura del lustre a la España islámica proviene de artesanos egipcios que se mudaron a la costa malagueña después de la caída del Imperio fatimí en 1171. La reubicación de tales artesanos contribuyó a la difusión de los diseños del norte de África. y el mundo islámico occidental en las artes andaluzas.

Loza de barro; pintado con brillo sobre esmalte blanco opaco

SEGUNDO MILENIO

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RENACIMIENTO

La estética renacentista valora las formas equilibradas y armónicas, y la idealización de la realidad. Además, surge un nuevo prototipo del caballero: ya no basta ser experto en las armas, como en la Edad Media, sino también en las letras y artes.

INTERIOR DE VILLA MADAMA, ROMA ITALIA

El Renacimiento fue un movimiento cultural y social que se dio en Europa a partir del siglo XV y se le considera la etapa de transición entre la Edad Media y la modernidad. Aunque se debate el inicio exacto del Renacimiento, se suele usar la caída de Constantinopla en 1453 como la fecha de inicio de esta época. Nuevos esquemas sociales y políticos fueron dejando atrás el mundo feudal y la economía agrícola, dándole paso a la economía mercantil y a nuevos ordenamientos en la sociedad. Así, el Renacimiento no fue solo un cambio en la estética artística sino un cambio en la mentalidad de las personas.De suma importancia anotar que el hombre es quien está ahora en el centro de interés, desplazando las creencias teocentristas en las que Dios era el centro de todo. Así mismo, la ciencia adquiere un valor nunca antes visto, y gracias a la observación se desarrollan y amplían disciplinas como la astronomía, la medicina, la biología, y la botánica, entre otras; de la misma manera la observación misma inyecta un optimismo por los avances técnicos y nuevas posibilidades que estos ofrecen para el hombre y su calidad de vida.

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CARACTERÍSTICAS Durante este período hay un renovado interés e inclinación por:

También hay que resaltar el crecimiento de la burguesía, clase social que adquiere poder durante esta época y va desplazando poco a poco a los señores feudales. Maestros como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael fueron líderes en la creación artística de este período.

PASILLO DEL PALACIO SPADA, FLORENCIA, ITALIA

El mundo grecolatino, su estética y sus temas La vida secular La importancia de los artistas para la sociedad El optimismoV ivir el presente y gozar de la vida (carpe diem) La ética y nuevos valores sociales La curiosidad científica La vida sencilla (beatus ille) La confianza en la razón por encima de la fe El antropocentrismo en contraste al teocentrismo de la Edad Media

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MOBILIARIO ITALIANO

PINO

NOGAL

Durante este período en Italia se introdujeron nuevos métodos de decoración: Las incrustaciones: que eran láminas de madera teñida embutidas en tallas para formar decoraciones. La taracea: que eran trabajos de decoración para las patas, utilizando nácar, mármol, marfil y piedras de colores. La marquetería: que eran adornos a base de pequeños trozos de láminas de madera teñida. El estuco: un enlucido o esmaltado que simula mármol. El mueble más característico del Renacimiento en Italia es el arca en sus múltiplesformas. La firma del cassone se fija mediante la presencia de una cornisa en fuerte saladizo bajo la tapa, unida mediante bisagras, ornadas con dentículos, perlas u otros motivos de repertorio clásico, el frente puede estar formado por un único panel, marco, etc..aptos para albergar la más variada decoración. Para la decoración del cassone nupcial, por parte de las familias adineradas se requiere de los servicios de artistas como Bonifacio, Botticelli, Venoso Gozzoli, etc..que pintaban escenas de temas históricos, mitológicos y literarios.

CEDRO

MADERAS UTILIZADAS

Características: Madera acertada y encerada con tonos oscuros y ricos, ornamentación escasa en periodo pre-renacentista con pintura, estuco y taracea, en el periodo cinquecento aumenta la ornamentación con la talla de muebles con figuras de vegetales y elementos griegos y romanos.

CASSONE

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MOBILIARIO FRANCES La influencia italiana hace su aparición en Francia a finales del siglo XV y a partir de ese momento habrá dos períodos diferenciables: Estilo Francisco I (1494-1557): El aspecto de los muebles es pesado como los muebles de la Edad Media, no obstante están decorados "a la italiana", presentan esculturas de gran relieve, paneles con arabescos, filigranas, adornos con animales reales o místicos, flora real o muy estilizada entre la que está la hoja de acanto. Estilo Enrique II (1547-1589): Cambia el estilo de los muebles, se introducen iniciativas de los artesanos franceses, adquiere un carácter mas arquitectónico y mas simple, al mismo tiempo que la decoración se hace mas moderada.

PINO

NOGAL

EBANO

BRONCE

MATERIALES

En Francia el mueble más representativo fue el dressoir o aparador como lo era en Italia el cassone. En Francia, durante el Renacimiento, se produjeron cambios importantes en la decoración de interiores y en la forma, decoración y uso del mobiliario, pero en finales de siglo la llama de la inventive empezó a languidecer y no fue hasta el reinado de Luis XIV cuando volvió a brillar. Caracteristicas: Muebles inspirados en formas arquitectónicas, con columnas, cariátides, fachadas, zócalos y cornisas. En decoración se usan motivos clásicos: molduras grecorromanas, columnas de diversas formas, talladas, cabezas de perfil en medallones circulares, arabescos, perlas, hojas de acanto, olivo y laurel.

DRESSOIR

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MOBILIARIO ESPAÑOL El Renacimiento llega a España a finales del siglo XV y esta tendencia se extiende hasta finales del siglo XVI, inicialmente tuvo una franca influencia italiana, no obstante, a partir de Felipe II (1556-1598) encontró su propia personalidad.

PATAS CON FORMA DE LIRA

Los muebles renacentistas españoles son en general mas moderados, aunque están decorados con gran riqueza, presentan paneles tallados con motivos como la cruz, rectángulos, cuadrados y cuarterones, realzados por herrajes calados. Los cierres y pestillos de las puertas son grandes; se labra el cuero muy minuciosamente y los clavos de cobre o hierro se colocan formando figuras geométricas. Las patas de las mesas son caladas en forma de lira y están unidas entre si por hierros forjados o travesaños de madera. Las maderas empleadas fueron el nogal, el roble, el pino melis (pinotea resinosa) y madera de los frutales de gran calidad. Para la marquetería se usaron materiales mas claros así como hueso y marfil. BARGUEÑO

El mobiliario español del Renacimiento tenia un estilo característico. El mudéjar era un tipo de decoración típicamente española, era el estilo preferido para decorar los populares arcones y los nuevos escritorios que se estaban poniendo de moda. La otra forma de ornamentación era una forma de decoración a base de incustraciones de volutas de flores y hojas con pequeños jarrones a la manera clásica. Los relieves de hierro forjado y a veces de plata, sobre un fondo de terciopelo rojo, era otra característica ornamentación española. Un mueble muy conocido en el Renacimiento español fue el bargueño, que era un arcón con el frente abatible que cuando era abierto dejaba ver numerosos cajoncitos cuyos frentes tenían una decoración muy rica.

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MOBILIARIO INGLÉS La influencia italiana hace su aparición en Francia a finales del siglo XV y a partir de ese momento habrá dos períodos diferenciables: Tudor: Formas rectangulares a base de montantes, larguero y tablas, travesaños cuadrangulares cercanos al suelo, bulbo de melón como elemento mas característico, medallones con cabeza de perfil en el centro, volutas, motivos vegetales y grotescos, taraceas, doseles que no formaban un solo cuerpo con la cama. Isabelino; Patas en forma de bulbo de melón, rosa Tudor, estructuras sencillas en forma rectangular, inicia decoración de India y China como pinturas barnizadas con laca, travesaños bajos. Jacobino: Estructuras rectangulares y contornos sencillos, muebles mas pequeños y ligeros, talla menos profunda, bulbo de melón mas pequeño sin tallar, patas a base de balaustres con estrangulaciones acentuadas, ornamentos como capiteles jónicos y delgadas hojas de acanto, círculos entrelazados, palmetas y guilloquis. Marcos tallados y sillas torneadas. Cromwelliano: Ornamentación austera, torneado sencillo en forma de huso o salchicha de patas, travesaños, barrotes de respaldo, etc. Pies labrados en forma de bola o bollo, almohadones en respaldos y asientos, utilización de cuero. Restauración: Enchapado con vegetales con incrustaciones florales como elemento nuevo, temas decorativos pintados y barnizados con laca, torneados en espiral y bases de patas desarrolladas en forma de volutas, patas de doble curva, la corona es la ornamentación mas utilizada. Jacobino tardío:Tallas florales en forma de s, en lunetas como rosas Tudor, en espigas, patas torneadas, bulbo de melón alargado y estriado, travesaños de patas muy bajos, respaldos con rejilla y asientos tapizados.

MUEBLE TUDOR

MUEBLE JACOBINO

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Cofre Italiano Mediados siglo XVI

H. 73.6 cm, W. 1.7 m, D. 63.5 cm Probablemente de Roma o Siena, la presencia de el escudo de dos familias en un cofre puede ser una sorpresa. El importante papel del cassone en la ceremonia de la boda condujo al rápido desarrollo del tipo como obra maestra artística que demuestra el estatus social y las ambiciones dinásticas del patrón. Como los cassoni se hicieron en su mayor parte en pares como cofres de novia, se aplicaron los escudos de la novia y el novio. Sin embargo, a veces, los matrimonios se llevaban a cabo dentro de diferentes ramas de la misma familia, lo que resulta en la aparición de insignias prácticamente idénticas en dos cofres.

Nogal, tallado y parcialmente dorado; madera conífera

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Alfombra "Lotto"

Siglo XVI 217.2 cm x 130.2 cm; 8.6 kg Las alfombras que muestran este llamativo diseño de arabescos vegetales estilizados en amarillo sobre un fondo rojo a menudo se llaman alfombras "Lotto" después de un famoso retablo del pintor renacentista italiano Lorenzo Lotto que representa una alfombra similar. Los primeros ejemplos de alfombras de Lotto exhiben bordes como el que se ve aquí. Se piensa que deriva de una forma rectilínea de escritura árabe conocida como cúfica, este tipo de borde entrelazado es característico de muchas alfombras turcas tempranas.

Lana (urdimbre, trama y pelo); pila simétricamente anudada

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Mesa Farnese 1565–73 95.3 × 379.1 × 168.3 cm Diseñado por Jacopo [Giacomo] Barozzi da Vignola Italiano En su forma, una tapa de mármol apoyada en tres pilares de mármol, la mesa refleja prototipos romanos antiguos. Cada muelle está tallado en el centro de cada lado con un torso grotesco y un escudo de armas y en cada uno termina con una esfinge que emerge del follaje. La parte superior es una losa de mármol blanco con incrustaciones suntuosas en estilo romano antiguo con muchas canicas de diferentes colores y con piedras semipreciosas llamadas pietre dure. Tan rica es la incrustación que la matriz de mármol blanco es visible solo en las líneas que rodean varios bordes y las figuras geométricas más grandes, que incluyen medallones, cartuchos, rectángulos y óvalos. En el centro de la losa, encerrados dentro de los bordes de pizarra negra decorados con rosetas de pietre y lirios estilizados, hay dos paneles de alabastro egipcio. Los escudos de armas en los muelles están adornados con seis lirios tallados en paneles ovales coronados por una cruz y un galero, o gorro de cardenal. Los lirios, las rosetas, la cruz y el sombrero se refieren a Alessandro Farnese (1520–1589), "el Gran Cardenal", un hombre de enorme riqueza y un entusiasta mecenas de las artes. La mesa Farnese se instaló más tarde en el Salón de los Filósofos, una habitación elaboradamente amueblada al lado de la Galería Carracci, en el lado del palacio de Tíber. La mesa Farnese y especialmente su parte superior se crearon después de los diseños de Jacopo Barozzi da Vignola, quien comenzó a trabajar en el palacio poco antes de 1547 bajo la supervisión de Miguel Ángel (se convirtió en el arquitecto jefe del cardenal alrededor de 1550). Muchos de los motivos decorativos favoritos de Vignola aparecen en la mesa, puede haberlos descubierto en los patrones de los antiguos pisos romanos, como el de la Curia de Diocleciano en Roma.

Mármol de diferentes colores, piedras semipreciosas, alabastro egipcio, restos de pintura de diferentes colores en los pilares.

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Silla Sgabello 1489–91 147.3 x 42.5 x 41.9 cm Atribuido al taller los hermanos Giuliano da Maiano (1432–1490) y Benedetto da Maiano (1442–1497) Como un objeto de exhibición conspicuo, adornado en todos los lados y destinado a ser independiente, el sgabello debe interpretarse en el contexto del Palacio Strozzi. Con la luna creciente como elemento de conexión, se adapta perfectamente a la decoración del edificio. El motivo de la luna se puede encontrar no solo en las ventanas biforium de la fachada y las famosas linternas grandes de hierro, sino también en el interior, en los soportes de apoyo, los marcos de la chimenea y los paneles de los muebles. El halcón, el emblema personal de Filippo, o impresa, en el tondo también funciona como un acertijo: la palabra italiana para halconero es strozziere. Un halcón mutante siempre ha sido una metáfora para la renovación.

Nogal, arce, ébano; madera ebonizada y frutal; rastros de dorado y pintura roja

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Cama del palacio Davanzati Siglo XV, Florencia, Italia H. (cama y tarima): 144.1 cm; Ancho. (tarima) 217,2 cm; Largo. (tarima) 261,3 cm; Alto. (tarima) 40,3 cm; Alto. (cama en la cabecera)103.8 cm; Ancho. (cama en la cabecera) (148,6 cm; Largo (cama) 224.8 cm

Esta pieza del Renacimiento Florencia habría sido la única pieza necesaria para amueblar una habitación. El estrado que rodeaba la cama servía como una unidad de asiento, con bisagras para acceder a los compartimentos de almacenamiento debajo.

Madera de nogal

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Cajita alrededor de 1400 20.6 x 63 x 20.2 cm Hecho posiblemente en Siena, Italia. La inscripciรณn en la tapa, "onessta fa belladonna,". Se traduce como "La virtud hace bella a una mujer"

Nogal, cuero, yeso, pintura y dorado.

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El Rococó fue un movimiento artístico que tuvo lugar en Francia para luego extenderse por diferentes lugares de Europa entre los años 1730 y 1770. Durante el reinado de Luis XV, las formas decorativas ganan libertad y el cambio iniciado durante la regencia se consolida definitivamente, el barroco da paso al rococó.El rococó es sinónimo de Luis XV, en esta época, el estilo de los luises alcanza su más deliciosa expresión con perfección, garcía, inventiva y elegancia.Las nuevas costumbres y gustos hicieron que la figura de la mujer cobrará importancia en la alta sociedad, las mujeres grandes conocedoras de las nuevas tendencias decorativas dieron un aire más femenino al mueble. La influencia se concretó en Madame Pompadour y madame Du Barry. Madame Pompadour llevó a crear en Versalles nuevos aposentos privados, de gran confort, intimidad y belleza.

Hay numerosos ejemplos de edificios rococó, así como arquitectos. Entre los más famosos se encuentran el Palacio de Catalina en Rusia. El Palacio Nacional de Queluz en Portugal. Los Palacios de Augustusburg y Falkenlust en Brühl. La Casa China en Potsdam. El Palacio de Charlottenburg en Alemania, así como elementos del Castillo de Versalles en Francia.

Existen dos teorías respecto del origen de su nombre: Por un lado se dice que el nombre nació cerca del año 1797 y surgió producto de una broma pues el nombre rococó intenta unir dos palabras francesas “rocaille” (concha marina) y “Baroque” (roca) porque los primeros diseños eran de aspecto irregular semejantes a conchas marinas o rocas. Por otra parte se dice que el nombre proviene de la palabra “rocalla”, tipo de decoración realizada con plantas y rocas que son semejantes al estilo que utilizó el movimiento rococó.

Palacio de Catalina

ROCOCÓ

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CARACTERÍSTICAS ROCOCÓ ALEMAN Muebles:Sillas, sillones, sofás, bufetes, armarios y cómodas. Caracteristicas: Decoración exuberante con motivos tallados, dorados y pintados al gusto galo, al estilo Luis XV combinados con formas naturalistas (flores, frutas, pájaros, jardinería, instrumentos musicales y motivos grotescos). Motivos curvos asimétricos, pata de arco de ballesta, líneas pesadas. Material: Madera.

ROCOCÓ HOLANDES Muebles: Armarios y cómodas. Materiales: Madera de nogal y caoba. Características: Armarios de dos cuerpos, juego de curvas y rectas, esquinas achaflanadas, listones metálicos, labrados con motivos vegetales, diseño simple, pies enrollados en voluta.

ROCOCÓ ITALIANO Muebles: Vitrinas y sillones. Materiales: Material de baja calidad. Características:Diseño pobre, efectos teatrales superficiales, estructura recargada con proliferación ornamental mal incluida.

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Estuche con reloj 1745–50, Alemania 10.8 × 12.9 × 9.5 cm

Equipado con instrumentos de costura y escritura, así como un reloj, este nécessaire sin marcas muestra una deliciosa decoración de chinoiserie en el estilo rococó, haciéndose eco del trabajo del influyente diseñador de Munich François Cuvilliés (1695-1768).

Exterior: oro y nácar, forrado con terciopelo rojo oscuro; Reloj: latón y acero parcialmente azulado

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Sillon Siglo XVIII, Italia 108.6 x 151.1 x 60.3 cm

Esta silla ilustra claramente la fuerte influencia de los muebles rococรณ franceses actuales en Venecia en ese momento.

Nogal, pintado y plateado; bordado de punto de lana

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Par de apliques de pared 1765–68, Alemania 55.9 x 45.4 x 26.7 cm; 56.8 x 47.6 x 20 cm Real Fábrica de Porcelana, Berlín Federico el Grande fue un ardiente campeón del estilo rococó, que floreció en Berlín y sus alrededores bajo su patrocinio. La versión del Rococó del norte de Alemania se caracterizó por una pronunciada asimetría y exageración de la forma, una preferencia por una combinación de materiales ricos y el uso de colores fuertes, cualidades que distinguían al Rococó asociado con la corte de Frederick de la de Francia y el sur de Alemania. . Una característica específica del gusto rococó de Frederick fue el uso prominente de flores naturalistas y audaces escultóricas. Los que dominan el diseño de este par de apliques son un sello distintivo de la Real Fábrica de Porcelana, que Frederick estableció en 1763 al adquirir una fábrica de porcelana en apuros.

Porcelana de pasta dura y bronce dorado; latón

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Par de apliques de pared de tres luces (Bras de cheminée)

1760–61 44.1 × 27.9 × 18.4 cm Sèvres Manufactory French En las décadas de 1760 y 1770 en particular, la fábrica de Sèvres introdujo constantemente productos con nuevas formas, nuevos tipos de decoración e incluso nuevas funciones. Hasta ese momento, los apliques de alta calidad estaban hechos de bronce dorado o madera dorada. Fue un logro técnico significativo producirlos en porcelana, y pequeñas grietas de cocción en estos objetos en áreas donde las curvas de porcelana dan testimonio de las dificultades involucradas.

Pasta de porcelana suave, bronce dorado

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Sillón bergère en cabriolet 1760-70 87.6 x 58.4 x 55.9cm Este sillón de transición combina el diseño curvilíneo del estilo rococó con motivos que se usaron ampliamente durante el período neoclásico, como el borde continuo de medallones superpuestos en los soportes de los brazos y el patrón labrado en los rieles del asiento. El área cerrada entre los brazos y el asiento, junto con el respaldo cóncavo, lo clasifican como bergère en cabriolet, uno de los nuevos tipos de silla introducidos durante el siglo XVIII que expresó el creciente interés en la comodidad y la informalidad. Madera de haya tallada y dorada, tapizada en moderno faile de strié rojo

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Mesa 1758, Alemania 78.7 x 83.8 x 55.9 cm Esta es una de las dos mesas de consola talladas por Franz Anton Weber para el Gabinete de los Espejos abundantemente decorado o Spiegelkabinett, el punto culminante rococó del palacio de Adalberto II von Walderdorff (r.1757-59), Príncipe-Obispo de Fulda. El par de consolas aún se conserva in situ. Tales gabinetes con espejo eran una parte estándar de una elegante sucesión de camarotes que aludían a la autoridad absoluta del patrón. En la Alemania del siglo XVIII, un Príncipe-Obispo gobernó como el jefe espiritual de la Iglesia Católica regional y como un príncipe independiente del Sacro Imperio Romano. En la residencia de Fulda, el Gabinete de los Espejos ocupaba el espacio más importante en el segundo piso al lado del dormitorio del Príncipe-Obispo.

Tilo dorado, pino; mármol verde

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Espejo trumeau 1760, Reino Unido 289.6 × 139.7 cm

Estos espejos chinoiserie rococó, que incorporan elementos de los diseños de Thomas Chippendale (The Gentleman and Cabinet-Maker's Director, 1754) y William Ince y John Mayhew (The Universal System of Household Furniture, 1762), estaban anteriormente en Shillinglee Park, Sussex.

Madera de tilo tallada y dorada, vidrio

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Comoda 1735–40, Alemania 84.5 × 130.8 × 62.2 cm El diseño de la cómoda se puede atribuir al ingenioso arquitecto de la corte bávara François Cuvilliés, uno de los principales exponentes del estilo rococó en Alemania. Sus famosos diseños de muebles influyeron en Abraham Roentgen (1711–1793), el más grande ebanista alemán de las décadas de 1750 a 1770. un diseño de "Décoration de Lambris" de Cuvilliés ilustra una cómoda con cabezas barbudas talladas coronando volutas de término en sus esquinas, como se ve aquí. Además, la decoración de yeso dorado en los lados de la cómoda del museo, un busto femenino en un pedestal alargado con forma de C enmarcado por follaje enrollado y enrejado, corresponde estrechamente a un grabado ornamental en la obra del arquitecto. Un detalle característico de Cuvilliés es el pie, y especialmente su elemento de rizado, que también aparece en los muebles del pabellón de caza de Amalienburg en Nymphenburg, diseñado por Cuvilliés y tallado por Johann Joachim Dietrich entre 1735 y 1739. El nombre de Dietrich se menciona en los documentos de la corte de Munich por primera vez en 1729. El 14 de marzo de 1736, fue nombrado escultor de la corte y alabado por "buena mano de obra" en su documento de nombramiento.

Madera de pino y tilo; yeso tallado, parcialmente pintado y dorado, parcialmente inciso; Tegernsee top de piedra caliza

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Pantalla de chimenea 1736–40, Alemania 147.3 x 108 cm Probablemente tallado por Ferdinand Hundt Durante mucho tiempo se pensó que era de origen francés, de hecho, esta pantalla representa el virtuoso tallado rococó franconiano en su máxima expresión escultórica. El diseño expresivo y el tallado hábil sugieren que fue una de varias pantallas ordenadas para el lujoso palacio amueblado, o Residenz, en Würzburg, el capital cultural de Franconia, por Friedrich Karl von Schönborn (1674-1746). Como príncipe obispo de Bamberg y Wurzburgo, este noble prelado gobernó como el jefe espiritual de la Iglesia católica regional y como un príncipe independiente del Sacro Imperio Romano, quien, en teoría, consideraba al emperador como su señor feudal. Se decía que el oficio de príncipe obispo, unicum político del Sacro Imperio Romano y algunas áreas vecinas, se basaba en el modelo bíblico de Melquisedec, a quien se describe como sumo sacerdote y rey en el libro de Génesis.

Roble tallado y dorado; panel de seda no original a la pantalla

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THOMAS CHIPPENDALE Thomas Chippendale, (bautizado el 5 de junio de 1718 en Otley, Yorkshire, Inglaterra, enterrado el 13 de noviembre de 1779 en Londres), uno de los principales ebanistas de la Inglaterra del siglo XVIII y una de las figuras más desconcertantes de la historia de los muebles. Su nombre es sinónimo del estilo rococó anglicizado. Nada se sabe de los primeros años de la vida de Chippendale hasta su matrimonio con Catherine Redshaw en Londres en 1748. En 1753 se mudó a St. Martin’s Lane, donde mantuvo sus salas de exposición, talleres y su hogar por el resto de su vida. En 1754 publicó su célebre Director de Caballeros y Ebanistas. Este trabajo fue la colección más importante de diseños de muebles publicada hasta ahora en Inglaterra, que ilustra casi todos los tipos de muebles domésticos de mediados del siglo XVIII. La primera y segunda (1755) ediciones contenían 160 placas, y la tercera edición (publicada en partes semanales, 1759–62) tenía 200. Los diseños fueron en gran medida las mejoras de Chippendale en los estilos y diseños de muebles de moda de la época. ESCULTURA DE THOMAS CHIPPENDALE EN LA FACHADA DEL MUSEO VICTORIA & ALBERTO, LONDRES.

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CARACTERÍSTICAS DEL CHIPPENDALE CAOBA

Enrejado Motivo oriental Rosa (detalle floral) Incrustaciones de concha Estilo: Chino- hoja de oro, lacas, tintas. Gótico Irlandés

CEDRO

CEREZO

TAFETÁN

MATERIALES

DISEÑO

Su estilo cosiste en una interpretación. La característica fundamental del estilo. Estriba en la perfecta combinación de elementos del Rococó Francés, motivos chinos y góticos con las formas propias, llenas, Sobre todo de buen gusto, que introduce chippendale en el mueble.Consigue con esto un estilo caracterizado por la armonía de la composición y el tono elegante y equilibrado.Su Mobiliario estan influidos por los estilos Reina Anna, Luis XV. por motivos chinos, gótico y neoclásico.

TERCIOPELO

CUERO

LATÓN

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Espejo de casa Harewood 1780 Alto 201.5 cm; Ancho 123.5 cm Un espejo de madera dorada George III del White Drawing Room de Thomas Chippendale. Este espejo, un descubrimiento notable, es idéntico en muchos elementos tallados y en construcción a un par de espejos vendidos de Harewood House en 1987. Ese par, ahora en una colección privada, difiere en no tener plataformas de esfinge.

Chippendale

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Canapés de la sala Brocket 1773 Alto 110 cm; Alto del asiento 54.5 cm; Ancho 246.5 cm; Profundidad 86.5 cm La suite de salón encargada por Lord Melbourne en 1773 para Brocket Hall, Hertfordshire, Inglaterra, compuesta por doce sillones, doce sillas laterales y cuatro sofás, fue la suite más grande de muebles de asiento jamás hecha por Chippendale. Cuando Country Life fotografió a Brocket Hall en 1925, no solo la suite del salón estaba completa, sino que también su damasco floral carmesí original estaba sorprendentemente intacto.

Chippendale

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Gabinete GEORGE III de caoba SECRÉTAIRE 1770

219.5 cm x 108 cm x 46 cm El gabinete conserva todas las manijas originales. La sección secrétaire está forrada en tela verde y equipada con ocho casilleros y cuatro cajones.

Chippendale

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Mesa de tambor George III

1790 72.5 cm x 61cm Una pequeña mesa giratoria circular de tambor giratorio de madera satinada y tulipwood de finales del siglo XVIII que tiene una tapa superior con incrustaciones cruzadas con superficie de cuero verde dorado doblado sobre cuatro cajones de friso con manijas de latón torneadas posteriormente; en un anillo cónico convertido en columna con patas de cabriole de trípode que terminan en pies de pala.

Sheraton

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SILLONES GEORGE III ABIERTOS DE LATTICE DE CAOBA 1770

94 cm x 64.5 cm x 61 cm Valoradas entre £10,000.00 - £50,000.00 Trabajando desde su taller en St Giles, Londres, George Hepplewhite fue instrumental en la introducción de rasgos e influencias estilísticas francesas en el diseño de muebles ingleses. Cuando uno de los tres grandes diseñadores de muebles del siglo XVIII George Hepplewhite se mudó de la chinoiserie de Thomas Chippendale y, junto con Thomas Sheraton, marcó el comienzo de una nueva limpieza de línea, basándose en gran medida en la figura de la madera en lugar de cualquier tipo de talla intrincada.

GEORGE HEPPLEWHITE

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Escritorio Rolltop 1776-79 135.9 x 110.5 x 67.3 cm. Cuando la llave se gira hacia la derecha, el compartimento a la derecha del agujero de la rodilla se desliza hacia adelante. Se puede presionar un botón debajo para liberar su mitad frontal. Esto se hace a un lado para revelar dos paneles de cajones, cada uno con cuatro tiradores estilo Birmingham Chippendale Sin embargo, no todos los tirones son funcionales, ya que el compartimento contiene solo dos cajones profundos, no cuatro someros. La chapa, que era linda de las sábanas a juego, tiene un aspecto de cortina, a pesar de que las líneas de grano están rotas por molduras de latón. roble, cerezo, pino, caoba, chapada con arce, madera de burl, acebo, carpe (todo parcialmente teñido), madera de tulipán, caoba y otras maderas; nácar; cuero parcialmente dorado y labrado; aplica bronce, hierro, acero, latón, latón parcialmente dorado

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MUEBLE IMPERIO

El mueble imperio tiene la virtud de ser realizado con un buen sentido de la medida y la proporción y el empleo de los discretos motivos ornamentales se lleva a cabo con sobrio y eficaz sentido decorativo. Todo esto dentro de su falta general de originalidad le da cierta magnificencia y dignidad sin embargo se trata de un mueble fuera de tiempo ya que si bien el estilo Luis XVI se tiende hacia una asimilación de formas clásicas esto se hace de un modo orgánico, es decir, no trata de ser una copia exacta del mueble romano o griego como lo hace el Imperio sino que se incorporan sin violencia del mueble de la época formas de la antigüedad.

corbeille aux cygnes

El estilo Imperio que algunos historiadores se engloban con los estilos directorio y consulado, tiene su desarrollo máximo durante el periodo del imperio napoleónico, es decir de 1804 a 1813, aunque una vez caído Bonaparte aún perdura en europa por lo menos hasta 1830. El nacimiento del mismo que tiene procedente en la revolución de 1789, es fruto sobre todo de la enorme personalidad de Napoleón Bonaparte, que seducido por los imperios antiguos Egipto y Roma especialmente, crea un descomunal estado de estado de tipo centralista donde rige su dictado y naturalmente su orientación. Dos arquitectos son los encargados de canalizar en práctica esa tendencia Carlos Perches y Pedro Fontaine el pintor David es el tercero de los grandes dictadores estéticos de la época.

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CARACTERÍSTICAS Las características más sobresalientes del mueble imperio podemos definirlas así Los muebles imperio en cuanto su estructura, se concretan en formas geométricas regulares: prismas, cubos, bloques simétricos de superficies planas, la simetría domina de un modo acusado en todo estilo. la curva se utiliza con discreción. En lo referente a materiales utilizados dos son los más importantes La caoba maciza y en un tono rojizo brillante utilizada para la construcción de los muebles. El bronce finamente cincelado y dorado al fuego que se emplea como elemento ornamental aplicado. Las telas que se emplean en cortinajes, tapizados, etcétera. Son de textura densa y tonos fuertes: verdes, amarillos y castaños. Los chapados marquetería e incrustaciones se utilizan muy poco. Es frecuente el uso del mármol para tapas de mesa.

Se suprime casi por completo la talla, sólo se emplea en brazos de muebles de asiento y en patas de mesa, susceptibles de tomar formas de cariátides, grifos, etcétera. Entre los tipos decorativos más utilizados están las columnas dóricas y corintias con capitel y base de bronce muy utilizadas en las patas de las mesas. Guirnaldas y coronas de rosas y laurel, palmetas y rosetas, hoja de acanto y helecho, estrellas, arcos, liras, camafeos, emblemas guerreros, animales Fabulosos de tipo egipcio, águilas imperiales romanas, cisnes, representaciones femeninas de la mitología antigua como Gracias, Musas, Venus, etcétera. Las pateras grecas y meandros son muy utilizados. Napoleón aportado símbolos personales constantemente repetidos inicial de su nombre N y la abeja símbolo de trabajo continuado.

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MOBILIARIO Hubo en el estilo imperio predilección por las mesas redondas u ovaladas sostenidas por una columna central Toscana o bien por 3 pies cuadrados que adoptan formas de esfinges o animales fabulosos y acaban en garras. Uno de los muebles más característicos de este periodo es la mesa tocador toilette cuya forma más simple consiste en una mesa cualquiera sobre la que se situaba un cajón que sostenía un espejo. Como complemento tenía un lavado consistente en un trípode de tipo Romano con pies de ciervo, con dos estantes en uno de ellos es superior se colocaba la palangana, y en el inferior la jarra de agua. Tenía además dos montajes por lo general en forma de cuello de cisne que sostenían un espejo redondo y una barra para la toalla. Se le llamó lavabo ateniense. Sofá Meridienne: Con un brazo mas alto que otro y unidos por un respaldo inclinado; butacas en forma de góndola, la chaise-longe llamada a la pommiers, de respaldo muy bajo que se continua por los laterales para formar los brazos. Psiques: Grandes espejos sostenidos entre dos columnas. En próximos estilos de transformación, se le llamara, armario de luna.

Del taller de Duncan Phyfe

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Frutero 1814-15, Inglés 33.3 × 26.4 cm

Hecho por Paul Storr, Británico. Su dueño fue Mrs. Chester Hamilton Lehman, hasta 1925

Plata dorada

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Vidrio Cheval (psyché)

1810-14, París, Francia 218.4 x 123.5 x 80.3 cm Atribuido a François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter French La psyché fue nombrada así por la heroína en Les amours de Psyché de La Fontaine, quien tenía fama de haber mirado un reflejo integral de sí misma. Una referencia específica al mito está en el friso que contiene mariposas, símbolos de Psique. Un friso de bronce dorado idéntico estaba en una psyché hecha para la emperatriz Marie-Louise en 1810. Las dos criaturas fantásticas aladas en la cresta sostienen una corona, que probablemente originalmente contenía un motivo decorativo o monograma.

Amboyna chapada en roble; monturas de bronce dorado; vidrio

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Sillon 1828, Alemania 90.2 × 61.6 × 59.1 cm Karl Friedrich Schinkel Alemán

Entre 1826 y 1828, en el apogeo de su influencia como el principal arquitecto y diseñador más solicitado de Alemania, Karl Friedrich Schinkel fue comisionado por el Príncipe Karl de Prusia (1801-1883) para remodelar el palacio del príncipe de Berlín (destruido en la Segunda Guerra Mundial) .

Fresno dorado de montaña; soportes y ruedas de latón; tapicería moderna

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Lavabo athénienne 1800-14. Francia.

Alto 92.4 cm, Diámetro 49.5 Diseño atribuido a Charles Percier La forma de este elegante lavabo deriva en última instancia del antiguo quemador o brasero de perfume grecorromano de tres patas, del cual el diseñador Charles Percier había estudiado. La decoración refleja su familiaridad con las decoraciones de la pared en la Casa Dorada del emperador Nerón y su adaptación en Raphael's Logge en el Vaticano. Una revalorización durante el Renacimiento del trípode como un artículo de lujo de gran refinamiento se documenta ya en 1499 por un ejemplo ilustrado en Hypnerotomachia Poliphili de Francesco Colonna, publicado en Venecia ese año.

Patas, base y repisa de madera de tejo; monturas de bronce dorado; placa de hierro debajo del estante

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Mesa de centro 1830 Alto 75.7 cm, diametro 87.6

Anthony G. Quervelle Aunque se cree que Anthony Quervelle, quien emigró a Filadelfia desde París en 1817, produjo muchos muebles, pocos están documentados. Esta tabla lleva la etiqueta que Quervelle usó entre 1825 y 1849. Detalles tales como la colocación de gadgets alrededor de la parte superior y los soportes de las patas de desplazamiento frontal se relacionan con los diseños publicados en la "Guía del fabricante de gabinetes y tapiceros" de George Smith (Londres, 1829) y aparecen en tablas similares, incluidas tres que Quervelle hizo en 1829 para la Sala Este de la Casa Blanca.

Caoba, mármol intarsia, latón

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Mesa Pier 1815-19

89.5 x 123.2 x 53.3 cm Charles-Honoré Lannuier Esta mesa de muelle combina el diseño de muebles neoclásicos franceses con las tradiciones estadounidenses en sus cariátides exquisitamente talladas y monturas de latón dorado. Lannuier era un ebenisté (ebanista) talentoso, entrenado en París, que emigró a Nueva York y encontró el patrocinio entre la élite estadounidense y los exiliados franceses que huían de la Revolución. Lannuier diseñó esta mesa de muelle, y su acompañante en una colección privada, para Jacques-Donatien Leray de Chaumont (1760-1840), el vástago de una familia de comerciantes adinerada y titulada, para usar en su mansión a lo largo del Río Negro cerca de Watertown, Nueva York.

Caoba, chapa de caoba, pino, álamo de tulipán, arce, mármol, latón dorado, latón estampado, vidrio de placa

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Mesa para cartas 1817

79.1 x 91.4 x 45.1 cm Charles-Honoré Lannuier Esta mesa de cartas superlativa es una de las dos en la colección del Museo documentada para el taller de la ébéniste francesa residente en Nueva York del período federal, Charles-Honoré Lannuier. Las mesas son notables no solo por su exquisita belleza, sino también porque son obras maestras firmadas y fechadas descendientes de la familia de su propietario original, Stephen Van Rensselaer IV de Albany. Comisionada por el comerciante de la ciudad de Nueva York William Bayard, la mesa era parte de una compra más grande que incluía un par de mesas de cartas casi idénticas y dos mesas de muelle con soportes de cisne dorado, regalos de boda para sus hijas Harriet y Maria La factura de las piezas Campbell sobrevive, revelando cuán caros eran los muebles de la tienda de Broad Street de Lannuier. El par de mesas de cartas tenía un precio de $ 250 y la mesa del muelle de $ 300, sumas asombrosas en un momento en que el salario de un ebanista era solo de un dólar por día.

Chapa de caoba, pino blanco, álamo amarillo, yeso dorado, vert antiguo y latón dorado.

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NEOGOTICO La arquitectura neogótica fue un movimiento que comenzó en Inglaterra para revivir las formas góticas durante la segunda mitad del siglo XVIII y duró hasta el siglo XIX. Los ejemplos del neogótico fueron arquitectura doméstica altamente decorativa como se ve en Strawberry Hill que puso este estilo de moda. En el siglo XIX el mayor referente de la arquitectura neogótica fue Augustus Welby Northmore Pugin.El Parlamento de Londres (1840-1860) es un famoso ejemplo del estilo neogótico.

WESTMINSTER ABBEY. PARLAMENTO DE INGLATERA.

El actual edificio del parlamento inglés (WESTMINSTER ABBEY) , originalmente era una residencia real, pero a partir del siglo XIII sirvió como parlamento y la estructura se adaptó poco a poco a sus funciones. En 1834, un incendio lo destruyó casi por completo, para la reconstrucción se pensó en un estilo gótico, por estar relacionado con los valores conservadores. La idea no era seguir con el estilo del edificio anterior, pero sí permanecer en armonía con las estructuras supervivientes. En 1836 se convocó a un concurso de diseño, que ganó Charles Barry, y años después se le concedió un título de caballero. El arquitecto Augustus Welby Pugin fue su colaborador, y a él se atribuye gran parte de los interiores.

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En Francia, la revolución rompió sus lazos con el pasado cristiano y monárquico, un hecho que creó un profundo trauma social y cultural. La nostalgia de un glorioso pasado nacional, un pasado imaginario fue la fuente de una nueva inspiración. La Edad Media fue considerada como la edad de oro del cristianismo, la fuente mística de la religión.La pasión por la Edad Media, evidente en las nuevas pinturas del estilo trovador (1802) muy apreciada por la emperatriz Josefina, se vio obstaculizada hasta el período de la restauración, cuando las imágenes neogóticas florecieron plenamente en las artes. De hecho, los gustos personales de Napoleón estaban más centrados en las influencias griegas y romanas.Fue en la arquitectura que prosperó el estilo con Prosper Merimee, fundador del museo francés de Monuments Historiques, y Eugene Viollet-le-Duc, el arquitecto que restauró muchos edificios góticos franceses.Influenciado por la arquitectura medieval, la simetría se dejó caer y las casas se adornaron con el enmarcado vertical y los gables de esquina altamente adornados. Edificios públicos, iglesias y grandes propiedades burguesas estaban adornadas con almenas, agujas y gárgolas. Los muebles y los objetos de arte estaban igualmente influenciados por ideas neogóticas; artistas inspirados en objetos góticos flamígero del siglo XV utilizaron el estilo también llamado “à la cathédrale”.

JOSEFINA DE BEAUHARNAIS, LA PRIMERA ESPOSA NAPOLEÓN BONAPARTE Y POR LO TANTO, EMPERATRIZ DE FRANCIA.

SALON DE STRAWBERRY HILL.

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Diseño para la decoración del castillo de Eastnor, Hertfordshire 1850 John Gregory Crace. Britanico Esta acuarela registra la redecoración del salón en el Castillo Eastnor, un edificio diseñado por Robert Smirke en 1811. Partes del interior fueron rediseñadas por A.W.N. Pugin En 1849-50 en un estilo neogótico, con gran parte del trabajo realizado por la firma londinense de decoración Crace. John Gregory Crace muestra aquí el salón con un techo azul abovedado con costillas doradas, paredes verdes adornadas con un patrón de rayas, cortinas rojas, pinturas y un manto gótico y gabinete.

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Mesa de ajedrez 1856 76.2 × 66 × 54.3 cm

Hecho por Fabbrica C.V., Italia Debajo del tablero de ajedrez hay treinta y dos compartimentos forrados de terciopelo para guardar a los ajedrecistas. La decoración de la mesa combina elementos chinoiserie, neorococó y neogótico.

Madera

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NEOCLASICO RETRATO DE MARIA LUISA DE PHARMA. PINTADO POR ANTON RAPHAEL MENGS. (PRIMA DE ENRIQUE XVI).

El neoclasicismo fue un movimiento artístico que se originó en Francia durante el siglo XVII, aunque su auge se presentó en los siglos XVIII. A este siglo se le conoce como “El siglo de las luces”, entiendo a las luces como la razón.

El pensamiento ilustrado

La Revolución Francesa

Fue el precursor de la Revolución Francesa. Se trata de un grupo de intelectuales que empezaron a concientizar al pueblo francés. Así sus principales ejes eran: la razón, el progreso y la ciencia. Además hacían a un lado las ideas eclesiásticas (principalmente al catolicismo).

Al llegar Luis XV la situación económica en Francia se encontraba en una crisis como consecuencia de una mala gobernación. Esta crisis empeoró durante el reinado de Luis XVI quien decide elevar los impuestos. Por ello el pueblo se levantó en armas. Así el 14 de julio de 1789, se realizó “La toma la Bastilla”, símbolo del régimen absolutista. Se tomaron como prisioneros a los Reyes y la nobleza. Luego se los degolló estableciendo un nuevo orden social.

Una ley única para los ciudadanos. Supresión de los privilegios monárquicos. Derechos e igualdad para todos

El estilo que atraviesa a este movimiento es el de la sencillez, la estética y la simetría. expresa la situación política, social y económica de la época La arquitectura del neoclásico tiene como características generales la sobriedad y la elegancia. Utilizaron la división tripartita y la ausencia del color. La pintura se basaba en una completa simetría y estática. Se intenta llevar la razón al arte, intentando expresar la lógica y el escepticismo de la época en las obras. . Utilizaban luz clara y muy poco color. Los paisajes se ponen de moda, así como las ciudades muestran las costumbres de la época.

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LUIS XVI Nació en Versalles, Francia, 1754 y falleció en la plaza de la Concordia, París, 1793, Rey de Francia y duque de Berry. Heredero de Luis, delfín de Francia, y nieto de Luis XV, contrajo matrimonio con la hija de la emperatriz de Austria, la archiduquesa María Antonieta, quien le dio cuatro hijos. Hombre de buenas intenciones pero débil de carácter, poco interesado en los asuntos políticos. Su padre murió en 1765 y él se convirtió en el nuevo príncipe. En 1770 se casó con María Antonieta. Cuatro años más tarde, en 1774, el rey Luis XV murió a consecuencia de la viruela negra y Luis XVI se convirtió así en el nuevo rey a la edad de 20 años junto a Maria Antonieta. Los historiadores señalan que Luis XVI era influenciado a nivel político por su mujer y la nobleza. De hecho, sus primeras medidas económicas de carácter liberal fueron rechazadas por los nobles. El gobierno de este monarca encontró una gran oposición en los más privilegiados de la sociedad por las medidas económicas que quería implantar, lo que provocó una crisis interna. Esta situación, sumada al descontento que comenzó a surgir por parte del conocido como ‘Tercer Estado’, una asamblea de representantes del pueblo, fue lo que acabaría derivando en la Revolución Francesa.

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CARACTERISTICAS En reacción a los excesos del rococó e inspirado por el redescubrimiento de Herculano (1738) y Pompeya (1748), el neoclasicismo dominó durante el reinado de Luis XVI (1774-93) (Grolier, 1997). Al final del siglo XVIII los muebles son cada vez más numerosos y su técnica llega a su máxima perfección. Con el naciente sentido del culto a lo clásico las líneas se hacen rectas y reposadas. Así llega a tener el estilo Luis XVI o neoclásico rasgos propios que le distinguen de los precedentes y del Imperio que después de los breves años de la revolución le sigue; su elegancia, ligereza y finura no es rebuscada sino natural y no está exenta de coquetería y feminidad, aunque no llega a la de Luis XV, que es más graciosa y movida.

Luis XVI

Luis XV

El Luis XVI se diferencia del imperio, por ser una adaptación más original y elegante, aunque a veces algo amanerada, de lo antiguo, pero siempre con un sentido más femenino. El estilo Luis XVI presenta una mayor rigidez en su diseño con algunas piezas en que, por dominar exclusivamente la línea recta, ofrecen un aspecto algo severo, pero el mobiliario en su conjunto no desdeña la curva graciosa ni la decoración ondulada.

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Destaca por su sencillez y mesura volviendo al rigor de las formas geométricas siendo el rectángulo, el cuadrado y el óvalo las principales. Los muebles se vuelven más austeros, sobrios, estilizados y elegantes. Reaparece la linea recta y vuelve la simetría.Los elementos decorativos son austeros y simétricos siendo los favoritos de la época los lazos de cinta y las cortinas festoneadas con toques dorados puntuales. Detalles clásicos en la ornamentación como las guirnaldas, rosas, palmas… Los muebles son de menor tamaño que en el año anterior y más fáciles de transportar.La rejilla es uno de los elementos más característicos de este estilo. Los colores que hubiese elegido para los salones de la época serían el rosa, el azul claro, el gris pálido o el marfil. El mueble, técnicamente, es perfecto; a los ensambles de caja y espiga, de lengüeta, de cola de milano o golondrina siguen variaciones de los mismos cada vez más complicados, obligados por la calidad de la obra y avance de la técnica. Los torneados, que estaban desterrados desde el Luis XIII, vuelven ahora decorados con pequeñas aplicaciones de bronce,como goterones,capiteles,ramas de laurel en espiral y sobretodo las típicas estrías talladas. Hay un grupo de muebles fabricados totalmente en línea recta y con la única ornamentación de finas molduras de cobre encuadrando cajones y detalles de estructura, mientras que otro grupo combina armoniosamente rectas y curvas con predominio rectilíneo. Por último quedan los muebles sobrecargados de ornamentación: apliques de bronce, placas de porcelana y de concha. Con la excepción de los últimos muebles señalados, todos los restantes presentan una estructura clara y una decoración limitada geográficamente a su función específica sin salirse de sus cuadros ni invadiringuna línea constructiva. El estilo Carlos IV es la versión española del estilo Luis XVI.

El uso de maderas exóticas (en especial, la caoba, el ébano o el palo de rosa) en chapeado se generaliza y extiende. Siguen los bronces aplicados, mucho más ligeros pero muy finamente dorados y cincelados.

Papel tapiz, fragmento de pintura con papel tapiz de fondo

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Luis XVI compró la residencia de campo del duque de Orleans, a pocos kilómetros al oeste de París, para María Antonieta en 1785. Al necesitar una renovación, el palacio fue ampliado y alterado para la reina, y le encargó muchos muebles a Jean-Bautista-Claude Sené. Miembro de una importante dinastía de presidentes parisinos, Sené había sido nombrado menuisier de la Corona en 1784. Una descripción detallada de 1788 de este conjunto, incluía cuatro sillones a juego y un taburete, indica que las piezas estaban destinadas a una de las habitaciones privadas de Marie-Antoinette en SaintCloud . En el sofa, los capiteles jónicos superan las patas cortas, y lo más notable de todo son las medias figuras femeninas egipcias sobre soportes cónicos que decoran los montantes frontales. Aunque en su proyecto de ley Sené los llamó simplemente cariátides, estas figuras expresan claramente el gusto de la reina por los adornos derivados del antiguo arte egipcio, mucho antes de que la campaña de Napoleón en África del Norte lo pusiera de moda. Adornos similares se encuentran en el bergère (un cómodo sillón tapizado entre los brazos y el asiento), que, además, tiene un medallón en la parte superior con las iniciales de María Antonieta enmarcadas por ramas de mirto y rosas. La pantalla correspondiente, sin embargo, muestra figuras femeninas clásicas en sus pies y en el riel superior. Desafortunadamente, se desconoce la identidad del escultor, pero se documenta que Louis-François Chatard pintó y doró las superficies de madera.

Vestuario de María Antonieta en el castillo de Saint Cloud

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CANAPÉ (LIT DE REPOS O SULTANE) Con las misma especificaciones que el sillón, las medidas de este son 92.7 x 175.3 x 80.0 cm. Aquí se vuelven a hacer presentes las figuras de las cariátides egipcias.

PANTALLA DE CHIMENEA

SILLON (bergère) Diseñada en 1788 por Jean-Baptiste-Claude Sené (1748–1803), esta hecha de nogal tallado, pintado y dorado; la tela, sarga es moderna de algodón bordada en seda. Con sus iniciales M.A. Mide 99.1 de alto, por de ancho 69.2 y 64.1 cm de profundidad.

Medidas de 112.4 x 70.5 x 43.2 cm. Mismos materiales que sus dos acompañantes.

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Boiserie del Hôtel de Cabris, Grasse Encargado para la nueva residencia de Jean-Paul de Clapiers, marqués de Cabris, en Grasse, este revestimiento realizado en París es una expresión pura del estilo neoclásico. Originalmente, la habitación tenía cinco juegos de puertas dobles y un número igual de espejos, logrando una hermosa armonía por la alternancia de los paneles tallados y dorados con las superficies de vidrio reflectantes.

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Mesa mecanica 1781 72.4 × 78.1 × 48.3 cm Descrita en un inventario de 1789 simplemente como una mesa de escritura, esta maravillosa pieza ofreció a su propietaria original, María Antonieta, muchas más opciones que eso. Hecho por Jean-Henri Riesener en 1781 para el Grand Cabinet Intérieur de la reina en Versalles, la mesa está equipada con un mecanismo que permite que la parte superior se deslice hacia atrás y, al mismo tiempo, el cajón principal se mueva hacia adelante. El compartimento central del cajón encierra una superficie de escritura de terciopelo que puede engancharse para formar un soporte de libros y revertirse para mostrar un espejo. La superficie de marquetería en la parte superior está ricamente adornada con un patrón de enrejado que encierra rosetas utilizadas con frecuencia por Riesener en los muebles para María Antonieta. Roble chapeado con caoba y marquetería de bois satinado, sicómoro, acebo, filetes de acebo ebonizado y bayberry, la parte superior con un borde de amaranto; monturas de bronce dorado; espejo de cristal; herrajes de hierro y latón; terciopelo verde (no original)

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SOFA (canapé à confidents) 1875 - 1880 86.4 × 228.6 × 62.2 cm Hecho por Claude I Sené Un sofá de este tipo, con una amplia sección central y un solo asiento hacia afuera en cada extremo, se llamaba canapé à confidents, aunque sería difícil imaginar un diseño con menos probabilidades de fomentar el intercambio de confidencias. Se hicieron ejemplos principalmente en los períodos Luis XV y Luis XVI, y solo un pequeño número sobrevive. Aunque poco práctico, la forma era altamente decorativa, y aparece en diseños para elevaciones de paredes neoclásicas donde la forma y la talla se conciben en armonía con los paneles de pared.

Madera de haya tallada y dorada tapizada en moderna seda punteada azul

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NEO RENACIMIENTO 1840-1890

La arquitectura neorrenacentista está formada no solo por la arquitectura original italiana sino también por la forma en que la arquitectura renacentista se desarrolló en Francia durante el siglo XVI. Durante los primeros años del siglo XVI, los franceses estuvieron involucrados en guerras en el norte de Italia, trayendo de vuelta a Francia no solo los tesoros artísticos del Renacimiento como su botín de guerra, sino también ideas estilísticas. En el valle del Loira se llevó a cabo una ola de construcción de castillos utilizando estilos góticos franceses tradicionales, pero con adornos en forma de frontones, arcadas, pilastras poco profundas y entablamentos del Renacimiento italiano. Los ebanistas de Emigre de Francia, como Roux Marcotte y Pottier & Stymus, popularizaron el estilo en la posguerra civil en Estados Unidos. Las arquitecturas más grandes se construyeron a partir de palo de rosa, nogal y otras maderas burladas adornadas con cabezas clásicas, placas de porcelana, monturas de ormolu, líneas incisas doradas, bandas ebonizadas y marquetería de madera exótica.

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invernadero de Sanssouci (1851)

Comenzando con el invernadero de Sanssouci (1851), “el Neo-Renacimiento se convirtió en el estilo obligatorio para la universidad y los edificios públicos, para los bancos y las instituciones financieras, y para las villas urbanas” en Alemania. Entre los ejemplos más logrados del estilo se encuentran Villa Meyer en Dresde, Villa Haas en Hesse, Palais Borsig en Berlín, Villa Meissner en Leipzig; la versión alemana de Neo-Renaissance culminó en proyectos tan turgentes como el Ayuntamiento de Hamburgo (1886-1897) y el Reichstag en Berlín (finalizado en 1894).

Ópera Estatal de Viena, 1861 - 1869

Ópera de Dresde (1870) de Gottfried Semper, incorpora elementos arquitectónicos del Barroco y el Renacimiento.RBP

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Una de las características más copiadas de la arquitectura renacentista fueron las grandes escaleras de los castillos de Blois y Chambord. Blois había sido la residencia favorita de los reyes franceses durante todo el renacimiento. El ala Francis I, completada en 1524, de la cual la escalera es una parte integral, fue uno de los primeros ejemplos del Renacimiento francés. La arquitectura renacentista francesa era una combinación del estilo gótico anterior junto con una fuerte influencia italiana representada por arcos, arcadas, balaustradas y, en general, una línea de diseño más fluida que la que se había visto en el gótico anterior. Charles Barry introdujo el neorrenacimiento en Inglaterra con su diseño para el Travellers Club, Pall Mall (1829-1832). Otros ejemplos domésticos tempranos pero típicos, son las Torres Mentmore y el castillo de Ferrières, ambos diseñados en la década de 1850 por Joseph Paxton para los miembros de la familia de banqueros Rothschild. En 1890 este movimiento ya estaba en declive. El Palacio de la Paz de La Haya, que se concluyó en 1913 en una pesada manera neorenacentista francesa, fue uno de los últimos edificios notables en este estilo.

Escaleras del Palacio de Chambord, inspiración del neo renacimiento

Las inglesas Torres Mentmore en neorrenacimiento jacobino (1852-1854), deriva de Wollaton Hall completada en 1588

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Gabinete 1866 135.6 x 186.4 x 46.7 cm

Hecho por Alexander Roux

Diseño para chimenea en estilo renacentista renacentista francés 1856

El Renacimiento y el estilo Luis XVI de finales del siglo XVIII introducido en Francia y popularizado por la emperatriz Eugenia, esposa de Napoleón III, durante el Segundo Imperio (1852-1870). La forma de este gabinete se deriva de la credenza renacentista italiana, y su adorno, con delicadas incisiones, monturas de metal dorado, ricos paneles de marquetería y placas de porcelana rodeadas de cintas de ormolu, es una combinación ecléctica de motivos de Luis XVI y clásicos.

Palisandro, tulipwood, cerezo, álamo, pino

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NEOROCOCO

Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera en revalorar el estilo Luis XIV, que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Con esta moda, se llegaron a pagar cifras importantes para comprar objetos Rococó de segunda mano que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como Delacroix y mecenas como la emperatriz Eugenia redescubren el valor de la gracia y de la ligereza aplicada al arte y al diseño. Los nuevos métodos para el recubrimiento y las innovaciones en el tallado en madera ayudaron a popularizar el renacimiento del rococó, el estilo asociado con el reinado de Luis XV (1715-1774) y Madame de Pompadour, que se caracteriza por una profusión de curvas en C y S, conchas, flores y cintas. Con la introducción de resortes helicoidales para asientos más cómodos, innovadoras técnicas de fabricación, como el método de doblar madera, nuevos métodos de recubrimiento para laminar láminas de madera delgadas, como lo practicó en Estados Unidos el inmigrante alemán John H. Belter (1804– 1863), y el uso de nuevos materiales como papel maché, el renacimiento rococó había llegado a los salones y gabinetes de las casas de clase media en el segundo cuarto de siglo.

EMPERATRIZ EUGENIA DE MONTIJO

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El estilo Rococó Revival se introdujo en América alrededor de 1840 y siguió siendo dominante durante la década de 1860. Conocido en ese momento como el estilo Louis XIV, aunque está aún más cerca del estilo Louis XV, es mucho más audaz que su modelo del siglo XVIII. El adorno está tallado en alto relieve, y los detalles decorativos suelen ser mucho más realistas. Los ejemplos del renacimiento rococó suelen ser más pequeños que los prototipos del siglo XVIII.

CAPITONÉ

CARACTERISTICAS Proporciones Medianas a grandes. Elementos esenciales son las curvas de formas generales. Perforaciones atrevidas y naturalistas o tallados sólidos de flores, frutas y hojas enmarcadas por pergaminos. Tapizado capitoné y muelles interiores. Tableros de mesa de mármol. Maderas caoba o palo de rosa; también nuez para piezas de menor precio. Madera laminada utilizada en algunas piezas. Formas notables Sillas con respaldo de globo y respaldo tapizado. Sofá completamente tapizado con respaldo serpentino, méridienne, sofá y tete-a-tete. Mesas auxiliares y centrales. Camas elaboradas. La mayoría de los ejemplos de muebles de estilo Rococó Revival tienen una decoración floral exuberante y curvilínea.

El estilo se usaba más comúnmente para muebles de salón y dormitorio; juegos de salón elaborados incluyen sofás o sofás, sillas, mesas centrales y accesorios.

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John Henry Belter Nacido y formado como ebanista y tallador de madera en Alemania, Belter emigró a Nueva York, donde, en 1844, tenía su propio negocio. Lo continuó hasta su muerte en 1863. Sus muebles son generalmente de palo de rosa laminado con una decoración distintiva perforada y tallada. Mejor conocido por sus sillas, Belter también hizo algunas mesas, sofás, sofás, camas, armarios y secretarias a juego. Algunas piezas de Rococó Revival están intrincadamente talladas y perforadas, gracias a una nueva técnica introducida por John Henry Belter de Nueva York. El suyo fue uno de varios talleres que usaban madera para formas rococó intrincadamente talladas. Su uso de la laminación en piezas de Rococó Revival fue ampliamente imitado.

CARACTERISTICAS

El Mobiliario

Mesas: las mesas centrales y laterales a menudo tenían encimeras de mármol y formas festoneadas. Sofá: El tête-à-tête, o sofá de conversación, era una nueva forma popular. Sillas: Todos los muebles fueron hechos en formas curvas exageradas. Muchas sillas tenían respaldos en forma de globo y, como la mayoría de las piezas Rococo Revival, patas de cabriole. Tapicería: la tapicería, frecuentemente con mechones, se convirtió en una característica importante a medida que crecía la preocupación por la comodidad y se perfeccionaron los resortes interiores. Hierro fundido: el estilo rococó también era popular para formas fundidas en hierro y utilizadas en exteriores.

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Tête-à-tête 1850 - 60 113 x 132.1 x 109.2 cm

Hecho por John H. Belter El estilo Rococó Revival fue popular para la decoración de salones formales o salas de recepción, y este tête-à-tête pertenece a un conjunto de muebles de salón que incluye un sofá, dos sillones y dos sillas laterales, todos los cuales están en mostrar en The Richard and Gloria Manney John Henry Belter Rococo Revival Parlour en el Museo Metropolitano de Arte.

Palisandro, fresno, pino, nuez

Tela 1850 248.9 x 53.3 cm Este textil de decoración personifica los textiles Rococó Revival, con flores encerradas en cartuchos asimétricos compuestos de pergaminos "" "y" S ". Los textiles rococó de mediados del siglo XVIII no hicieron uso del cartucho de esta manera; este motivo se ha levantado de otros Las formas artísticas del siglo XVIII, como los muebles, los paneles de pared tallados (boiserie) y la plata, los estilos de renacimiento fueron particularmente populares en los Estados Unidos, y los textiles franceses se importaron con frecuencia para su uso en hogares estadounidenses de clase alta de mediados del siglo XIX.

Seda

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Queen Victoria. Franz Xaver Winterhalter, retrato de 1859.

ÉPOCA VICTORIANA Se conoce como época victoriana o era victoriana a un período en la historia del Reino Unido de Gran Bretaña. Fue la época de mayor esplendor del Imperio Británico y la cúspide de la Revolución Industrial en dicho país. Se extendió durante los 64 años del reinado de Victoria I (desde 1837 a 1901), uno de los más largos de la historia del reino. Antecedida por la Regencia y continuada por el Período Eduardiano, fue un período de estabilidad referido como la Pax Britannica (“Paz Británica”). Estuvo caracterizado por una serie de cambios políticos, culturales, económicos y científicos, que convirtieron al país agrario que era Inglaterra en una nación altamente industrializada e interconectada por una extensa red ferroviaria. La arquitectura de este período presenció un notorio renacimiento del gótico, que expresaba el interés por la modernidad y la continuidad cultural al mismo tiempo.Entre sus muestras más significativas están la reconstrucción del Palacio de Westminster, gravemente dañado en 1834 por un incendio, que en manos de Charles Barry se erigió respetando los principios medievales de la porción intacta del edificio.Esta arquitectura se interpreta como una muestra de continuidad cultural que se opone a los estilos de corte abrupto como los que engendró en su país la Revolución Francesa.

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A finales de 1871 su hijo Eduardo, el heredero al trono, también enfermó de fiebre tifoidea, sin embargo, se recuperó y Victoria, agradecida, salió a la calle nuevamente. Años después tuvo que enfrentar la muerte de varios de sus hijos y de Brown, su confidente, a quien lloró amargamente. Para esa época, Victoria ya era un símbolo: los británicos la veían como una madre y como un estandarte de la moral y buenas costumbres.Además, las celebraciones por sus 50 años (jubileo de oro) y sus 60 años en el trono (jubileo de diamante) habían sido fiestas inolvidables que engalanaron las calles de Londres. Finalmente murió en 1901, a los 81 años, y su funeral fue uno de los grandes eventos de la monarquía europea antes de la Primera Guerra Mundial. Hoy descansa junto a su esposo en los terrenos del Castillo de Windsor. Para muchos es la directa responsable de que la corona británica siga viva. Tal vez sin saberlo, creó el concepto de monarquía familiar, que representa muy bien su tataranieta, la reina Isabel II.

REINA VICTORIA

Tuvo el segundo reinado más largo en la historia del Reino Unido, solo superado por Isabel II. En su tiempo el país vivió una época de gloria. La primera vez que Victoria supo que algún día reinaría sobre el Imperio británico solo tenía 10 años y estaba en clase de historia con una institutriz privada en el palacio de Kensington. Pero lejos de asustarse, reaccionó con una frase corta y contundente: “Seré buena”. Como sucede con frecuencia con los grandes monarcas, ella no estaba destinada a ser reina, pues cuando nació apenas era la séptima en la línea de sucesión al trono. Pero la muerte de su padre y de varios tíos que no dejaron hijos legítimos la convirtieron en la heredera del rey Guillermo IV. Si el rey Guillermo hubiera muerto antes de que Victoria fuera mayor de edad, habría asumido su madre como regente. Pero la vida no lo quiso así y el 20 de julio de 1837, un mes después de cumplir 18 años, la princesa ascendió al trono. Su corta edad y su cercanía con el primer ministro Lord Melbourne generaron rumores en la corte. Varias veces, además, tomó partido por los whigs (liberales) en el parlamento, lo que generó la ira de los tories (conservadores) y de mucha gente que no estaba de acuerdo con que interviniera en política.Pero todo cambió cuando se casó con su primo, el príncipe Alberto de Sajonia, con quien estaba comprometida desde que eran niños. A lo largo de su matrimonio tuvieron nueve hijos y varios de ellos se casaron con miembros de la realeza de otros países, una idea de Victoria para forjar alianzas, de manera que muchos de sus nietos gobernaron reinos como Alemania, Dinamarca y Noruega. En 1861, cuando Alberto murió de fiebre tifoidea. Victoria, destrozada y deprimida, entró en un larguísimo duelo: se enclaustró en sus palacios y empezó a vestirse de negro, una costumbre que mantuvo hasta su muerte.

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ESTILO VICTORIANO

NENÚFAR

Si hay un estilo que resuma el mueble inglés es el Victoriano. Las casas victorianas son las principales beneficiadas de este universo femenino reducido a las cuatro paredes de su hogar. La mujer inglesa estaba muy ocupada eligiendo muebles y toda clase de objetos para que su casa resultase elegante y confortable.También introdujeron plantas en la decoración de interiores y empezaron a cultivar plantas exóticas recién llegadas de tierras remotas (como el nenúfar).No concebían la decoración sin las telas. Les gustaban las paredes tapizadas en sombríos tonos oscuros (La Reina Victoria tenía su dormitorio forrado de chintz), las ventanas vestían con complicadisimas cortinas y a mediados de siglo apareció por primera vez la figura del tapicero. El capitoné , por ejemplo, era muy apreciado y se utilizaba para sujetar esas telas tan gruesas y los primeros muelles de la historia.

CHINTZ

El chintz fue en su origen un tejido calicó (un tejido de algodón, realizado con ligamento tafetán, de aspecto rústico debido a los restos de almidón en la fibra que lo compone que está sin blanquear) fuerte y brillante, procedente de la India, estampado con flores, frutas, pájaros y otros diseños en diferentes colores, típicamente sobre un fondo liso claro, su lustrosa apariencia se debía a la finísima capa de cera que lo recubre para proteger el tejido y el dibujo.

CAPITONÉ

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También introdujeron el petit-point .Las mesas y el petit-point .Las mesas y sillas victorianas tienen las patas También estriadas introdujeron y los victorianas respaldos curvos. Eran piezas sillas pequeñas para tienen las patas estriadas y los respaldos curvos. Eran piezas pequeñas para adaptarse a las nuevas casas de la naciente burguesía, adaptarse a las nuevas casas de la naciente burguesía, que además incorporaban detalles distinguidos, tales además incorporaban detalles distinguidos, tales como la porcelana china y pequeños que muebles lacados como la porcelana en negro y rojo, típicos de oriente. Las tallas china y pequeños muebles lacados en bolas negroque y las rojo, típicos de oriente. Las tallas acanaladas de sus patas y las pequeñas acanaladas de sus patas y las pequeñas bolas que las decoran son su seña de identidad.Para estas nuevas BORDADO sonmuy su seña de identidad.Para estas nuevas casas de ciudad se idearon otro tipo decoran de muebles PETIT-POINT dede ciudad ingeniosos como los revolvings, quecasas sirven mesase idearon otro tipo de muebles muy como auxiliar y de guardalibros, y queingeniosos giran sobre sí los revolvings, que sirven de mesa auxiliar y de guardalibros, y que giran sobre sí mismos; así como el pupitre Davenport . mismos; así como el pupitre Davenport . Los sofás y butacas mullidas son otro invento inglés. PUPITRE DAVENPORT Aquí la referencia obligada es el Chéster . Los sofás y butacas Chéster son del siglo XIX; nacieron para decorar los exclusivos clubes sociales londinenses (vetados para las mujeres). Los Chéster tienen brazos curvos, respaldo bajo y tapizado capitoné. Hoy están de última moda. También se pusieron de moda las mesas de despacho y los escritorios, muy ligados al mundo masculino. SOFÁ CHESTER

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FOTO DE ILFRACOMBE, POR FRANCIS BEDFORD 1870. PASEO

Silla de papel maché Sillon Gondola 1830 - 60 83.2 cm x 44.7 cm x 38.5 cm 82 cm x 50.8 cm x 40.5 cm

Hechas en Inglaterra. Parte de la colección de Robert Lehman , 1975 Madera, papel maché, lacado negro, pintado y dorado, nácar.

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Jarrón "Persa" con forma de abanico 1872 26.7 × 25.4 × 8.3 cm, 1.7 kg

Hecho por Minton. Minton fue la fábrica de cerámica más importante durante el período victoriano y comenzó a exhibir productos en la primera Gran Exposición de 1851. Loza vidriada con plomo

Mesa de lado 1872 74.8 × 40.6 × 81.6 cm

Hecha por Edward William Godwin Entre los primeros arquitectos y diseñadores victorianos en amueblar al estilo japonés, Godwin comenzó su carrera como renacentista gótico y discípulo de John Ruskin. Sin embargo, a principios de la década de 1860, Godwin se convirtió en un apasionado admirador de las artes de Japón. El elegante diseño lineal de la mesa refleja el conocimiento de Godwin del arte japonés y sus principios. Godwin puede haber tenido conocimiento de primera mano de los muebles japoneses o puede haber estado familiarizado con Le Japon illustré (1870) de Aimé Humbert, que ilustra muchos tipos de muebles japoneses.

Nogal y latón dorado

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Gabinete 1870 - 75 100.3 × 205.7 × 58.4 cm Hecho por Jackson & Graham Los productos de la firma se mostraron en las grandes exposiciones internacionales, comenzando con la Exposición del Palacio de Cristal de 1851 en Londres, donde se les dedicó un stand completo. Veintisiete años después, en 1878, montó una exposición aún más lujosa para la Exposición Universal de París. Un crítico destacó el trabajo de marquetería en muebles, que comprendía la mayoría de las exhibiciones de la firma. Elementos de marquetería similares distinguen este gabinete bajo, que combina motivos neoclásicos inspirados en el Renacimiento, junto con el efecto de la riqueza sobria transmitida por sus proporciones y decoración, califican este gabinete como un tour de force de alta producción de muebles victorianos.

Caoba chapada con ébano y ébano de Macassar, con incrustaciones de boj y marfil, vidrio.

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Silla 1880 88.3 × 43.2 × 48.3 cm Hecho por George Edmund Street La silla fue diseñada para los tribunales de justicia de Londres por el arquitecto inglés George Edmund Street, un destacado practicante del Renacimiento gótico victoriano que se especializó en trabajo eclesiástico. El diseño de la silla es de naturaleza ecléctica, ya que combina elementos tomados de la tradición gótica (como el splat en forma de panel de lino) con otros derivados (pero modificados) de la antigua silla griega Klismos (como la delgada curva patas y el ancho riel superior horizontal). La silla fue fabricada por Gillows & Co, una empresa de fabricación de muebles en Lancaster, como lo indica el sello debajo del riel del asiento trasero.

Roble con azotes

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Los cronistas de Indias dejaron asentadas algunas aseveraciones al respecto, por ejemplo Clavijero afirma en su Historia Antigua de México que la cama de la gente del pueblo consistía en una o dos esteras de enea, mientras que a las de los ricos se les “añadían esteras finas de palma y lienzos de algodón más o menos curiosos, y los señores telas entretejidas de pluma. La almohada de los pobres era una piedra o un madero y la de las personas distinguidas era verosímilmente de algodón… no usaban mesas, comían en esteras que tendían sobre la tierra, sus asientos eran unos taburetes bajos de madera, enea o pluma, o de cierta especie de cabañas a los cuales llaman icpalli.” Si bien los muebles y los utensilios del menaje doméstico evolucionaron con el desarrollo de la sociedad mexicana en sus diferentes etapas de transformación y de cambio, en muchos casos subsistieron productos de origen prehispánico que casi no han sufrido modificaciones por su fuerza cultural inobjetable, lo que se demuestra con la vigencia de algunos muebles y enseres domésticos entre los diferentes grupos étnicos del país, por ejemplo: los petates, las hamacas, los equipales, los zarzos (armazones de carrizo con una base para colgar los alimentos en el techo y evitar que los roedores los alcancen), los garabatos (especie de perchas), los tenates, las jaulas y, desde luego, los metates y los molcajetes.

EJEMPLO DE ICPALLI

MUEBLE MEXICANO

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ZARZOS HAMACA

En algunas regiones cálidas la estera fue sustituida por la hamaca como una forma de mitigar el calor. Los mayas adoptaron la hamaca que sirvió entonces, y hasta la fecha, para descansar y dormir.

MOLCAJETE

METATE

TENATES

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El mueble religioso. Paralelo a la producción del menaje para las casas, se desarrolló el mobiliario para las construcciones religiosas: sillerías de coros, púlpitos, ambones, sitiales, sillones fraileros, confesionarios, vitrinas, nichos, facistoles, tenebrarios y portacirios, marcos de espejos y de cuadros, imágenes para los altares, cruces y retablos para los templos. Dentro de este grupo se consideran también los muebles utilizados en las sacristías, tales como: cajoneras, mesas, armarios, escritorios, atriles de mesa y de pie y estuches para guardar el misal, objetos todos en los que el arte de la ebanistería produjo verdaderas joyas, algunas de las cuales todavía se conservan en diferentes iglesias del país.

En algunos casos los asientos se reducían a un simple madero, aunque fue común el uso de pequeñas esteras llamadas “asentaderas” donde se descansaba, se conversaba o se ejecutaban labores de trabajo. Otros materiales que complementaron los muebles prehispánicos de madera, fueron las pieles de animales como el jaguar, el coyote, el lobo y el venado, que eran usadas para forrar asientos, algunos de forma simple y otros imitando la figura de animalitos, con cabeza y cola que servían de asideros.

EQUIPAL

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Silla Arrullo, Oscar Hagerman, 1969 recibió un premio del Instituto Mexicano de Comercio Exterior en 1974.

Icpalli. Silla galardonada en Dimueble 2013 (Guadalajara Jal. México) - Rinde homenaje a la silla mas representativa de México el "equipal"

UN PAR DE DISEÑOS ACTUALES

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DURANTE EL PORFIRIATO Antes del porfiriato, la ornamentación con yeseria era muy comun, el estilo que regia era el barroco, un estilo un tanto religioso, las yeserías más antiguas de México se encuentran en las bóvedas y cúpulas de las iglesias poblanas de principios del siglo XVII. Sus formas manieristas estaban inspiradas en los trabajos de los“estucadores” y arquitectos italianos. Con la conclusión del barroco a fines de la Colonia Y la pérdida de poder de la Iglesia durante la Reforma,es de suponer que la demanda para el trabajo de los maestros yeseros decayó. Para el Porfirato, las yeserías habían perdido su relación estrecha con la glorificación religiosa y aparecían como simple ornamentación para edificios lujosos, públicos o privados. Una vez más, elestilo de las yeserías se basó en los diseños europeos,sobre todo en la moda ecléctica de la arquitectura francesa. A partir de 1900 se integraron también los diseños del estilo Art Nouveau.Se ha dicho que la Guadalajara de finales del Porfiriato era una de las ciudades más afrancesadas del país. No sería sorprendente, entonces, que muchas delas casonas ostentaran relieves de yeso en techos y muros. Sin embargo, después de la Revolución, esta moda decayó rápidamente, hasta quedar prácticamente en el olvido.

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Por iniciativa de Porfirio Díaz, en 1878, aquel acceso fue transformado en concordancia con la dignidad de la casa presidencial: se construyó así una nueva escalera, realizada en mármol blanco con pasamanos de latón

MUEBLE PORFIRIANO Muebles porfirianos de patas y molduras retorcidas, repisas y nichos sembrados de porcelanas, vitrinas de cristales biselados, cuadros antiguos enmarcadoscon hoja de oro, lamparitas de pantallas emplomadas.

ESCALERA DE LOS LEONES, EN EL CASTILLO DE CHAPULTEPEC

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Porfirio Díaz en Chapultepec: La familia presidencial tenía su residencia en la casa número 8 de la calle de La Cadena (hoy Venustiano Carranza), que ocupaba la mayor parte del año, y durante el verano frecuentaba el Castillo de Chapultepec, que fue adaptado para realizar lujosos bailes y recepciones. Desde su juventud, Porfirio Díaz mantuvo el hábito de levantarse de madrugada, realizar ejercicios de gimnasia y practicar la natación. A tempranas horas dictaba órdenes y recibía a sus ministros en Palacio Nacional, sede oficial de la presidencia. Y cuando los asuntos públicos se lo permitían, salía de la Ciudad de México hacia Querétaro, Michoacán o Jalisco a dedicarse a una de sus diversiones favoritas: la cacería.

RECÁMARA DE PORFIRIO DÍAZ, EN EL CASTILLO DE CHAPULTEPEC

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MUEBLE MODERNO

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MOVIMIENTO

ARTS & CRAFTS El movimiento Arts and Crafts, ligado al diseño y a las artes decorativas, nació en Gran Bretaña hacia 1880 y se desarrolló hasta la I Guerra Mundial. Se extendió rápidamente a través de América y Europa hasta llegar a Japón. Su máximo ideólogo fue el artista y escritor William Morris (1834-1896) y tomó su nombre de la Arts and Crafts Exhibition Society, fundada en Londres en 1887. Fue un movimiento nacido desde los ideales, la preocupación por los efectos de la industrialización en el diseño, el saber y la vida cotidiana. Abogada por una reactivación de la artesanía tradicional, un retorno a una forma de vida más simple y una mejora en el diseño de objetos domésticos ordinarios El movimiento se extendió rápido por Europa y floreció con carácter propio en ciudades como Glasgow (Mackintosh), Viena (Hoffmann) y Barcelona (Gaudí), curiosamente en las segundas ciudades en importancia de cada país, lo suficientemente importantes para que existiera esa inquietud artística, pero al mismo tiempo alejadas de la deshumanización de las grandes urbes. El movimiento Arts & Crafts ya convertido en Art Nouveau, cruza el Atlántico para llegar a Estados Unidos de la mano del genial Frank Lloyd Wright quien integra elementos decorativos en sus famosas vidrieras.

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ESTUDIO EN 449 DE LA CALLE OXFORD STREET DE LONDRES

1. PAPEL TAPIZ ACANTHUS. MORRIS. 1875 2. PAPEL PINTADO PIMPERNEL, MORRIS. 1876 3. PAPEL CRAY, MORRIS. 1884 4. AZULEJO, MORRIS. 1876

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ART NOUVEAU Sus raíces pueden encontrarse en el Reino Unido, en el movimiento Arts & Crafts liderado por el artista y diseñador William Morris. Los primeros ejemplos arquitectónicos aparecen en Bélgica, aunque París fue el gran foco de un movimiento que se extendió con cierta rapidez, básicamente por Europa. Dependiendo del país se conoció como Art Nouveau (Bélgica y Francia), Jugendstil (Alemania y países nórdicos), Sezession (Austria), Modern Style (Reino Unido), Nieuwe Kunst (Países Bajos), Liberty o Floreale (Italia) y Modernismo (España). Todo esto ocurre en un momento en el que la variedad de estilos regionales provocó cierta confusión tanto en lo referente a la terminología como a las fuentes. No existió una idea clara sobre un origen ni unas características comunes hasta que el estilo estuvo en declive.. El propio término “Art Nouveau” procede de la tienda parisina del mismo nombre, una tienda que mostraba la obra de diseñadores contemporáneos, así como de pintores y escultores. Una combinación de galería, tienda y sala de exposiciones que se convertiría en la sede parisina del mismo estilo.

"Todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso." Antoni Gaudí

El Art Nouveau experimentó un fuerte impulso con la Exposición Universal de París de 1900, que atrajo unos 50 millones de visitantes de todo el mundo y supuso una apoteosis de la Belle époque. No fue el estilo predominante en aquella muestra (aún más cercana al pomposo eclecticismo Beaux-Arts), pero sí el que llamó la atención de los ojos más avezados. De hecho, otro de los nombres que ha recibido el Art Nouveau es “Estilo 1900”. La exposición coincidió con la apertura de la primera línea del metro de París, cuyas emblemáticas estaciones fueron diseñadas por Héctor Guimard, ya en un nouveau pleno.

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CARACTERÍSTICAS

Inspiración

El Art Nouveau se basa en lo ágil, lo fluido, en el movimiento que aportan las curvas y la asimetría. Se caracteriza por sensuales diseños basados en formas orgánicas inspiradas en la naturaleza (flores, plantas, insectos), mostrando una fuerte influencia del Arte Japones. La naturaleza constituía el principal manual de consulta del artista de Art Nouveau, en especial el mundo de las plantas, ya que muchos de estos artistas poseían unos conocimientos de botánica a nivel científico. Las posibilidades decorativas también se buscaban en las curvas del cuerpo femenino, especialmente cuando se combinaba con una cabellera larga.

ENTRADAS DEL METRO, DISEÑADAS POR HECTOR GUIMARD.

Desaparece así la jerarquía de artes mayores y menores. Tiene el mismo valor un edificio que una joya, un cartel que un cuadro. De hecho, los propios artistas realizan los marcos para sus cuadros, los arquitectos diseñan también los muebles. En su decoración se define una forma ya no estructural si no que se muestra viva, dinámica y armónica.

PAGINAS DEL VER SACRUM, REVISTA EN ALEMÁN

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El profundo interés suscitado entre el público por la nueva moda en el campo del arte, y de forma especial en el mundo de las artes decorativas, también tuvo su reflejo en la enorme cantidad de revistas y publicaciones periódicas nuevas dedicadas a las tendencias aparecidas en el periodo del Art Nouveau. Publicaciones como Jugend y Pan, de Alemania, y VerSacrum, de Viena. Estas publicaciones incluían crítica, poesía y literatura contemporáneas, pero como en todas las publicaciones de esta época, la atención principal al nuevo estilo no se plasmaba en artículos específicos sino en el diseño mismo de la propia publicación. La portada, el tipo de letra y las ilustraciones eran todas obras de los artistas gráficos del estilo Art Nouveau.

Entre sus exponentes se encuentran Víctor Horta, Louis Comfort Tiffany y René Lalique. Antoni Gaudí en España, otros artistas como Stanisław Wyspiański, Alfons Mucha, o Toulouse Lautrec.

PENDIENTE DE RENE LALIQUE LAMPARA DE CONFORT TIFFANY

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Silla 1900 94 x 45.7 x 58.4 cm

Esta silla fue diseñada como parte del mobiliario de un comedor modelo en el pabellón "L'Art Nouveau Bing", en la gran Exposición Universal Universitaria Internacional de 1900 en París. Fue la primera gran oportunidad de Gaillard para exhibir sus diseños y la exposición lo estableció prácticamente de la noche a la mañana como el principal discípulo del movimiento moderno.

Nogal, cuero, clavos de latón

Gabinete "Ombellifères" 1900 101.6 x 125.7 x 30.5 cm, 16.3 kg Hecho por Emile Gallé Gallé fue el primer gran exponente en infundir sus diseños con uno de los conceptos principales de este nuevo estilo, recurriendo a la naturaleza en busca de inspiración. Inspiró a numerosos artistas en su ciudad natal de Nancy, a abandonar el uso anterior de estilos históricos. El grupo conocido como la Ecole de Nancy, ahora es reconocido como un importante exponente del Art Nouveau. El propio Gallé trabajó en dos campos, vidrio y muebles. Si bien la mayoría de sus diseños de muebles existen en numerosos ejemplos, este modelo es raro, la única otra versión conocida es la del Museo de la Escuela de Nancy.

Birchwood, palo de rosa, varias otras maderas

TRABAJO DE VICTOR HORTA

Hecho por Eugène Gaillard

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Pantalla de tres paneles 1910 - 15 114.9 x 139.1 cm, panel 114.9 x 46.4 cm Hecho por Louis Comfort Tiffany Papel de cuero japonés en relieve, bermellón y pan de oro sobre marco de madera

Pantalla de chimenea 1909 101.6 x 101.1 x 35.1 cm

Hecho por Gustave Serrurier-Bovy El arquitecto, diseñador y minorista belga Gustave SerrurierBovy fue un importante defensor del estilo Art Nouveau. La interpretación de Serrurier-Bovy del Art Nouveau lineal, sinuoso y vegetal es una versión menos escultural y algo más simple, que muestra sutilmente la artesanía de los muebles.

Hierro

Sillon 1905 143.5 x 59.4 x 66.0 cm

Hecho por Henri-Jules-Ferdinand BelleryDesfontaines Esta es una de varias piezas hechas para un médico parisino llamado Tissier. Las cubiertas de tapices probablemente se ejecutaron en la fábrica de Aubusson de Antoine Jorrand después de los diseños de Bellery-Desfontaine.

Tapiz de nogal, latón, cobre y algodón, lana y seda

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Aplique de la pared 1910 48.6 cm x 12.4 cm Hecho por Louis Comfort Tiffany Hecho en Nueva York, por el estudio Tiffany. Apliques "Five-Light Lily". Los cinco tallos curvos estรกn espaciados alrededor del accesorio de pared. Terminan en tonos dorados en forma de lirio.

Vidrio y bronce

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El Art déco o Art deco (abreviatura de “Arts Décoratifs”, “artes decorativas” de nuevo en francés) surgió justamente cuando moría el Art Nouveau, hacia 1910, aunque fue evolucionando para alcanzar su cumbre en los años 20 del pasado siglo. En este periodo de entreguerras, se desarrolló este estilo ecléctico, que refiere tanto al arte, como a la arquitectura y al diseño de interiores. Reflejo de una época de grandes contradicciones, desde los alegres años 20 a la Gran depresión de los años 30, la arquitectura y las artes aplicadas de esta época reflejan una gran variedad de influencias. Pronto irradiar hacia el mundo entero, con ejemplos de su arquitectura y diseño en los cinco continentes. Ha pervivido a lo largo del tiempo con periodos de decadencia, cruce con otros estilos e interesantes revivals. El Art déco debe en gran medida su popularización (y su nombre) a la Exposición de Artes Decorativas de París en 1925, que esta vez sí ofrecía un amplísimo catálogo de lo que este estilo –ya más que maduro- daba de sí. Entre los grandes hitos destacan las puertas monumentales de acceso al recinto, la espectacular sala de fiestas diseñada por Süe, Mare y Jaulmes, el Pabellón del Perfume con una enorme fuente de cristal de Lalique o el Hôtel du Collectionneur realizado por Patout como una lujosa villa entre clásica y futurista.

ART DECO

CARTEL DE LA EXPOSICIÓN DE PARÍS 1925

INTERIOR DEL ROCKEFELLER CENTER.

Los interiores del Rockefeller Center, el Chrysler Building o el Empire State Building de Nueva York, son algunos de los ejemplos mas monumentales de Art Deco.

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CARACTERÍSTICAS

El Art Nouveau, el estilo de la Bauhaus, el Cubismo y el ballet Ruso, se encuentran entre sus influencias formativas. En cuanto al aspecto decorativo, la inspiración se tomaba de de la cultura de los indios americanos, de Egipto, de las formas clásicas y la naturaleza. Cubismo (abstracción). Constructivismo ruso (distorsión). Futurismo italiano (simplicidad) A pesar de esta variedad de fuentes, los diseños de esta época comparten ciertos puntos distintivos: la geometría y la simplicidad, a menudo combinadas con colores brillantes y nuevos materiales. dieron lugar a formas sencillas y llenas de elegancia que ensalzaban el auge del comercio y tecnología. Para esta corriente es importante: Profusión Ornamental. Materiales de Calidad. Ejecución Cuidada. Se aparta de líneas sinuosas y serpenteantes del movimiento anterior. Busca el diseño abstracto. Es desenfadado, serio y práctico.

INTERIOR DEL MUSEO DURHAM , EN OMAHA, NEBRASKA. FOTO DE NIKOLYN MCDONALD.

Inspiración

Evolucionó en París, donde se manifestó emocional, exuberante, colorido y juguetón.Mientras que en EUA recibió una interpretación más intelectual basada en el funcionalismo y economía = Modernismo. Como diseñadores destacados están: Ronault, Dérain, Macoussis y Braque. Dos formas: Tradicionalistas: Formas elegantes, sencillas, modernas en decoración y detalle. Muebles como sillas, escritorios, armarios y mesas. Modernistas: Influencia africanas y modernistas. Muebles como mamparas, mesas y sillas.

MATERIALES Incrustaciones: Marfil, madre perla, piel de tiburón (zapa y galuchat), pergamino, piel de serpiente, pan de oro y plata y laca. Metal: Cromo y metal plateado. Madera: Palo de rosa, amaranto, amboina, ébano y madera. violeta. (Enchapado) Esmaltes japoneses. Cristales. FORMAS EN EL ESPACIO, ESCULTURA DE JOHN HENRY BRADLEY STORRS. 1927

EDIFICIO EMPIRE STATE. ARQUITECTOS SHREVE, LAMB & HARMON

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Lampara 1926 74.9 x 19.7 cm, diámetro 34.9

Hecho por Emile-Jacques Ruhlmann Esta lámpara consta de una pantalla de alabastro translúcida elevada sobre una base de trípode de bronce dorado alto. Cuando se enciende la bombilla, el alabastro moteado proyecta un cálido brillo ambiental exterior, mientras que la luz más brillante y más enfocada se dirige hacia arriba.

THE SINGLE STANDARD, PELÍCULA DE 1932 , SET DISEÑADO POR EL DIRECTOR DE ARTE CEDRIC GIBBONS

Bronce dorado y alabastro

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Silla 1929 110.2 x 45.7 x 48.3 cm

Hecho por Eliel Saarinen Nogal negro con tapicería de cuero nuevo.

Panel "Fortissimo" 1925 - 26 248.9 x 88.9 x 3.8 cm

Hecho por Séraphin Soudbinine Creadas para la sala de música de la residencia de Solomon R. Guggenheim en Port Washington, Long Island, estas pantallas son una colaboración artística entre el diseñador Jean Dunand y el escultor Séraphin Soudbinine.

Madera lacada, cáscara de huevo, nácar, oro

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Escritorio 1925 Escritorio 76.8 × 163.8 × 85.7 cm Silla 87 × 60.3 × 57.8 cm

HECHO POR LOUIS SÜE El pabellón de Süe et Mare, Musée d’Art Contemporain (Museo de Arte Contemporáneo), en la exposición de 1925 fue notable por su lujoso interior: diseños extravagantes, abundancia de color y diseños audaces que se inspiraron en el estilo Luis XV.

Madera ebonizada (probablemente haya), roble, madera de cebra, bronce dorado, cuero.

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BAUHAUS

Logo de la Bauhaus, Oskar Schlemmer, 1922

Fundada en 1919 en Weimar, Alemania, la Bauhaus (nombre derivado de la unión de las palabras en alemán “Bau”: construcción y “Haus”: casa) cuenta con tres periodos históricos importantes: su primer periodo con la dirección de Walter Gropius, veterano de guerra e inspirada en el movimiento Arts and Crafts inglés; su segundo periodo en 1925 con su traslado a Dessau y el nombramiento de un nuevo director Hannes Meyer, que más tarde sería destituido por Ludwig Mies van der Rohe; Y finalmente con el traslado de la escuela a Berlín y su inminente cierre a causa del régimen fascista en 1933. En el contexto de creciente industrialización en Europa, el progreso tecnológico, la masificación y la producción en serie, trajo consigo importantes cambios en el sector social y económico. El manifiesto de fundación de la Bauhaus alentaba el regreso de la artesanía y el arte como unidad y vinculación al ámbito social. La nueva Alemania destruída por la guerra sería reconstruida por una generación de jóvenes con habilidades prácticas e intelectuales para construir una sociedad más civilizada y menos egoísta. Este estilo surge de la creación del fundador de la escuela, el alemán Walter Gropius, que buscaba crear muebles económicos aplicando las técnicas de ingeniería. El diseño Bauhaus busca conferir a los elementos cotidianos, una importancia similar a la de las obras de arte, empleando las nuevas tecnologías y el sentido predominantemente práctico en el mobiliario.

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Los grandes maestros de la Bauhaus contribuyeron a crear un estilo eminentemente utilitario, pero revestido de connotaciones artísticas, a la vez que incorporan el uso audaz de materiales y tecnología. Walter Gropius, Marcel Breuer, Mies van der Rohe, crearon modelos de sillas de tubos de acero, que todavía son empleados en la decoración de ambientes elegantes. Sus diseños incluyen serios estudios ergonómicos y estéticos. Poseían líneas limpias y claras, formas geométricas sencillas y, de manera característica, daban la impresión de estar hechas industrialmente y no a mano. Fue realmente entonces cuando se empezó a hablar de hacer diseños industriales en forma positiva. Se trataba de crear productos que fueran funcionales pero que a la vez presentaran un diseño atractivo para el mercado, manteniendo bajos los costos de producción. Para lograrlo, se empezó a producir con materiales comunes y baratos como el metal, el vidrio, el cristal y la madera, entre otros. Se creía que las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era "fluido y central", el cuadrado resultaba "sereno" y el triángulo, "diagonal". Three Heads, Superimposed (Drei Köpfe, ineinander), Oskar Schlemmer. 1920

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Mies van der Rohe

Wilhelm Wagenfeld

László Moholy-Nagy

Marcel Breuer

Entre los diseñadores más destacados estuvieron Walter Gropius, Mies van der Rohe (quien remplazó a Gropius en 1930 como director de la Bauhause), Wilhelm Wagenfeld, László Moholy-Nagy y Marcel Breuer.

Walter Gropius

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1927 8 1/2 x 11 1/8 in.

Hecho por Gunta Stölzl Parte del archivo del MET sobre el Bauhaus

Gouache y grafito sobre papel

Tetera modelo MT 49 1924 16 cm de diámetro y 41 de altura

Hecho por Marianne Brandt Está destinado a destilar un extracto concentrado que, cuando se combina con agua caliente en la taza, puede producir té con la intensidad deseada.

Metal, con mango de ébano

LAMPARA WA 24 1924 16 cm de diámetro y 41 de altura

Hecho por Wilhelm Wagenfeld La base en forma de disco, el pie cilíndrico y la pantalla esférica de vidrio se funden en una estructura lógica de funcionalidad y estética.

Vidrio, acero y otros metales

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Sillon F51 1920 70 x p. 70 x h. 70 |hs 42 cm

Hecha por Walter Gropius El sillón F51, al igual que el de Guerrit T. Rietveld está compuesto por un estructura de madera de cuatro piezas prismáticas, obtenidas a partir de la idea inicial de un cubo al que se le han sustraído algunas partes.

Madera y cuero.

Silla Brno 1929 - 1930 80 × 57 × 54 cm

Hecha por Ludwig Mies van der Rohe Reduce los objetos, hasta sus elementos basicos.

Acero tubular acabado cromado, cuero.

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Silla Wassily 1925 - 1926 79 cm x 69 cm. x 73 cm x alto asiento 42 cm.

Hecha por Marcel Breuer La silla también conocida como modelo B3 lleva el nombre del pintor ruso Wassily Kandinsky, amigo de Breuer. acero tubular sin uniones con acabado pulido, asiento y respaldo en cuero

Silla Barcelona 1929 29.5"x 30"x 30.25" ,altura del asiento 17" Hecha por Ludwig Mies van der Rohe, quien trabajó junto a Lilly Reich en un espacio geométrico y limpio, construido con vidrio, acero y mármol. Para el pabellón alemán en la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

Metal cromado y 40 piezas de cuero (capitone)

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Lámpara Kandem 702 1928 altura 22.5cm diámetro 11cm

Hecha por Marianne Brandt & Hin Bredendieck La lámpara de la imagen es una original subastada en Alemania. A partir de esta se crearon copias y versiones, aún existentes hoy en dia.

Metal, cubierto de un esmalte (actualmente desgastado)

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MUEBLE ESCANDINAVO Podemos situar su origen entre las dos guerras mundiales; no obstante, como resulta lógico, en los países del norte de Europa se venían construyendo muebles desde antes del Siglo XX. Sin embargo, un punto claro de referencia fue la Exposición de Estocolmo de 1930. Un evento de diseño y decoración en el que diseñadores locales de la época mostraron sus piezas fabricadas de manera industrial, en contraposición a la defensa de la fabricación artesanal de los muebles de estilo escandinavo. El objetivo de los diseñadores era mezclar lo mejor de ambos mundos; por un lado, el uso de materiales locales como la madera, y por otro lado, el aprovechamiento de la modernidad a la hora de fabricar sus muebles. Buscaban crear entornos cómodos, alegres y luminosos. Pero no fue muy conocido hasta el año 1954 cuando se acuñó el concepto de diseño escandinavo cuando una exposición con este nombre recorrió Norteamérica promoviendo el estilo de vida en los países nórdicos y la decoración en los mismos. En los años 50, saltaron a la fama internacional grandes diseñadores como Jacobsen, los cuales hicieron que el estilo escandinavo fuera ganando popularidad a pasos agigantados gracias a una combinación exquisita de las tendencias más vanguardistas con la tradición nórdica.Entre las décadas de los 60 y los 70 los diseñadores comenzaron a introducir nuevos materiales como el plástico y las resinas en sus diseños. POSTER DE LA EXPOSICION DE ESTOCOLMO 1930. DISEÑADO POR LEWERENTZ

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El diseño escandinavo esta basado en simpleza, naturaleza y humanismo.

Este conjunto de características, produce una mezcla de limpieza y estética natural, con la tradición y el folklore del pasado sueco, danes y noruego. Son muebles geométricamente muy puros, sin adornos, que transmiten una sensación de espacio único y relajado, ideal para El vida diseño escandinavo esta simpleza, la contemporánea. "Nadabasado esta deenmas" solo lonaturaleza necesario y humanismo. funcional, materiales muy naturales, acabados lisos y maderas como pino, haya, peral, cerezo y maderas oscuras. Se adaptan muy bien a los ambientes claros, y modernos; inclusive al look oriental que tambien pisa fuerte.Es un nuevo concepto en equipamiento que responde a una formula: diseño, mas calidad, y acabados naturales, con funcionalidad. Desaparecen en esta linea los acabados brillantes, las curvas en exceso y se incorporan los rodamientos, el vidrio arenado, y el acero semimate. Compañeros ideales son los colores hueso y el blanco. SILLA "EGG". DISEÑADA POR ARNE JACOBSEN EN 1958 PARA LA RECEPCIÓN DEL HOTEL SAS DE COPENHAGUE.

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En mobiliario de cocina predomina el acero pulido semimate, y el vidrio arenado e iluminado, líneas rectas y formas rectangulares. La iluminación jerarquiza este diseño de muebles.En líneas generales se dice que el diseño italiano es sensual, que la racionalidad destaca en los diseños alemanes, que los escandinavos son naturales y ecológicos, prácticos los británicos y sofisticados y creativos los diseñadores franceses. Estocolmo es la que marca la pauta en el mundo del diseño, actualmente, y junto a Italia, en Europa. La reciente devaluación de la corona sueca permite ahora mismo la adquisición de objetos de diseño en Estocolmo a precios muy ventajosos. Los "futones", autentico invento norteamericano, que puebla todas las salas de estar de las casas country, y posibilita convertir en cama un sillón, para eventuales huéspedes. En madera y siempre acompañados de textiles color hueso, combinan con ambientes modernos y despojados. De este modo, las líneas geométricas y de contornos duros, dieron lugar en Dinamarca, Suecia y Finlandia a formas biomórficas , mas suaves e irregulares, en lugar de acero y cristal, se utilizo como materia prima la madera laminada, generalmente de color claro, que dava lugar a las a formas sugerentes, que se adaptan mejor al cuerpo humano. Entre sus máximos exponentes se encuentra el arquitecto y diseñador danes Arne Jacobsen, cuya importante influencia ha llegado a nuestros días. Siguiendo los pasos de estos diseñadores, el matrimonio formado por Charles y Ray Eames desarrollo en Estados Unidos sus experimentos para moldear la madera contrachapa, dando lugar a sillas y butacas de estudiada ergonomía que siguen estando de plena actualidad en todo el mundo. EJEMPLO DE FUTÓN (SILLÓN). IMAGEN DE URBAN OUTFITTERS.

Silla "SCARCE GIRAFFE" 1957 altura de 103 cm

Hecho por ARNE JACOBSEN fabricado para Fritz Hansen específicamente para su uso en el SAS Royal Hotel, Copenhague

Haya laminada, fresno y tapicería

IMAGEN DE IKEA. MUEBLES ESTILO ESCANDINAVO. COLECCION HAVSTA.

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Silla "Wishbone" 1950 57 x 54 x 75 cm, asiento a 54 cm

Hecho por Hans J Wegner fabricado porÂ Carl Hansen & son AS. Madera de roble, tejido de cordon.

Silla giratoria "Mosquito" 1955 40.5 ancho x 88 cm alto, asiento a 53.5 cm

Hecho por ARNE JACOBSEN fabricado para Fritz Hansen Marco metal cromado y chapa de teca.

IMAGEN DE IKEA. MUEBLES ESTILO ESCANDINAVO. COLECCIÓN BJÖRKSNÄS.

IMAGEN DE IKEA. MUEBLES ESTILO ESCANDINAVO. DISEÑO DE EMMA PARKINSON.

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POP ART

En los años 1950-60 tuvo lugar una nueva renovación estética de la mano del movimiento Pop Art, que supuso una inyección de vigor en las artes aplicadas, reflejando la frescura y la ironía de la cultura popular mediante una intensa paleta de colores y la utilización de nuevos materiales, muy especialmente el plástico. El diseño pop supuso, en consecuencia, un reto de nociones de tradición y longevidad, produciendo mobiliario divertido y desechable, cuyo diseño partía de la estética propia de las viñetas de comic. Este tipo de muebles que exploraban la vulgaridad, la tosquedad y los colores brillantes, fabricados con materiales sintéticos y desechables de bajo coste, se convirtieron en el símbolo del crecimiento económico de los años 60. Paralelamente, la llegada del hombre a la luna generó un tipo de estilo futurista, inspirado en la carrera espacial de fines de los años 60. la utilización del plástico permitió a los diseñadotes una mayor libertad para diseñar todo tipo de formas y utilizar todo tipo de colores, dando lugar a muebles que combinan la diversión con la funcionalidad. Entre los pioneros que utilizaron este nuevo material en el diseño industrial, se encuentra el danés Verner Panton, uno de los grandes nombres de la estética Pop, quien desarrollo el primer mueble hinchable y la primera silla en voladizo realizada con una única pieza de plástico (la conocida Panton Chair); el finlandés Eero Aarnio, con sus famosos asientos en forma de pelota o burbuja; o el italiano Joseph Cotes, que puso especial énfasis en la experimentación con los nuevos tipos de plásticos y las nuevas tecnologías, con la pretensión de crear el entorno domestico en el futuro.

VERNER PANTON, LIVING TOWER

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MOBILIARIO Mobiliarios como sofás, mesas largas, jarrones de cristal de colores pasteles (también llamativos), cojines en el piso, son los componentes perfectos para disponer de ambientes acogedores, tranquilos y modernos, aislados de todo el ambiente de trabajo y ciudad. “Las Líneas se cruzan con el color y la publicidad para dar vida a una expresión que va más allá del consumo”. Pop Art, es color, estridencia con sentido, es el abuso a conciencia de las formas geométricas y algo parecido a lo que podría llamarse la espontaneidad premeditada. Es un estilo que permanece por su esencia citadina y el uso de las imágenes para crear una estética.

ALGUNOS REPRESENTANTES

¿QUÉ ES LO QUE HACE DE LOS HOGARES DE HOY EN DÍA TAN DIFERENTES, TAN DIVERTIDOS?

RICHARD HAMILTON, 1956. LA OBRA DEL BRITÁNICO HA SIDO CONSIDERADO LA PRIMERA OBRA DEL ARTE POP.

Roy Lichtenstein Lo más característico son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Tom Wesselmann se interesa por el tema de la sensualidad y la mujer como reclamo publicitario y como objeto de consumo. Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándose de su contexto habitual y trasladándose al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.

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VERNER PANTON

VERNER PANTON SUITE AT HOTEL ALEXANDRA, COPENHAGE

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Panton Chair 1999 Viene en 6 colores diferentes polipropileno teñido. Acabado mate. 100% reciclable.

Heart Cone Chair 1958 Viene en 13 colores diferentes Estructura: GRP (plástico laminado reforzado con fibra de vidrio).Acolchado: espuma de poliuretano. Base: pie en cruz de acero inoxidable

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"Calla" Side Chair (model no. 1005) 2001 80 x 55.9 x 59.7 cm

Hecho por William Sawaya

Ball Chair 1962 Eero Aarnio Fibra de vidrio

En 1960, Verner Panton diseñó la primera silla apilable monobloque moldeada por inyección de un solo material. Sobre la base de este concepto cuarenta años después, Sawaya reinventó el concepto. Los avances tecnológicos permiten que su diseño dinámico sea más audaz y ligero que su predecesor. De bajo costo y fácil de producir en masa, esta silla es eminentemente práctica, se puede apilar y usar en interiores o exteriores, además de ser cómoda y ofrece un diseño asequible de alta calidad para el público en general.

Polipropileno reforzado con fibra de vidrio

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Silla "Capitello" 19711910 67.3 x 101.6 x 113 cm Hecho por Studio 65 Franco Audrito y Piero Gatti fundaron Studio 65 como una respuesta radical al funcionalismo. La silla lateral Capitello subvierte un ícono tradicional de la alta cultura clásica, el capital y la columna iónica griega, y lo reemplaza con un ícono inspirado en el pop para una nueva generación escéptica del establecimiento. El mármol noble y duro se sustituye por espuma de poliuretano cómoda, barata y autoadhesiva..

Espuma de poliuretano, pintura que contiene goma de látex.

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Sillon "marshmallow" 1956 George Nelson Metal y vinil

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MINIMALISMO El minimalismo surge a finales de la década del 60 en Nueva York, pero sus orígenes están anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes de este siglo. Según el diccionario de la real academia española (RAE), el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, etc.Wollheim fue el primero que utilizó el término, sin embargo, es la frase 'menos es más', popularmente atribuida a Mies van der Rohe, la que aparece como lema de esta corriente. Ludwig Mies Van Der Rohe elabora sus ideas acerca de la pureza de las formas (precursoras del minimalismo) durante el ejercicio de su cargo en la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, en Alemania, a finales de los años 30. La reducción de las formas a lo elemental, así como la predilección por emocionar a través de la mínima expresión, fueron los principales criterios que eligieron los primeros minimalistas de la pintura y la escultura. Dentro de la arquitectura, el orden, la sobriedad y el alto influjo del racionalismo precedente, marcan la edificación en su conjunto. En la decoración, priman las líneas rectas, la ausencia de ornamentos y florituras, los muebles sencillos y funcionales, la disposición ordenada y los acabados finos. FARNSWORTH HOUSE, MIES VAN DER ROHE.

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CARACTERÍSTICAS • Abstracción • Economía de lenguaje y medios • Producción y estandarización industrial • Uso literal de los materiales • Austeridad con ausencia de ornamentos • Purismo estructural y funcional • Orden • Geometría Elemental Rectilínea • Precisión en los acabados • Reducción y Síntesis • Sencillez • Concentración • Protagonismo de las Fachadas • Desmaterialización La característica de un salón minimalista radica en introducir el menor número posible de elementos en el espacio o de optar por muebles meramente necesarios

Derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo es completamente lo opuesto. La importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra. Las atmósferas de cada una de las habitaciones, desligadas de lo superfluo, inauguran una renovada frescura y nos invitan a la relajación. Hay que recordar que minimalismo no es sinónimo de insustancial y que el gran éxito del mismo está precisamente en sugerir significados sin caer en lo anodino.

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DISEÑADORES DESTACADOS Donald Judd Carl Andre Ad Reinhardt David Smith Tony Smith Sol Lewitt Luis Barragán CARL ANDRE

TONY SMITH

LUIS BARRAGAN

DONALD JUDD

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PAREDES

MATERIALES Los materiales son otro de los puntos claves del minimalismo. En la ambientación minimalista se utiliza la madera, tanto en pisos como en muebles, y los materiales rústicos: cemento alisado, vidrio, alambre de acero, venecita y piedras, principalmente en estado natural, mínimamente manipulados.

En las paredes se trata de evitar todo adorno que esté de más, aunque se puede utilizar algún cuadro destacado en presencia o importancia. Paredes lisas de colores claros o revestidas con piedra, cómo único elemento de decoración.

COLORES El uso del color es muy importante, ya que el estilo en su versión más dogmática requiere de una monocromía absoluta en suelos, techos y paredes, complementándose con los muebles. Es decir, el contraste lo aportan algunos detalles ornamentales de los que, en ningún caso, hay que abusar. En una decoración influida por el minimalismo el contraste blanco-negro es el rey absoluto. No hay que olvidar que el blanco es un color con una amplia gama de variaciones tonales capaces de multiplicar sobremanera la luminosidad.

TEXTILES Las telas que se utilicen en la decoración minimalista deben evitar lo agresivo y barroco, aportando frescura e invitando a la relajación. Se deben dejar afuera las telas estampadas y floreadas, optando por la austeridad de los lisos. Se prefieren las telas rústicas en color marfil, texturas como el lino o lonetas. Cortinas, almohadones y tapizados tendrán que obedecer a una unidad y un equilibrio. Las cortinas, cuando existen, deben ser blancas, de líneas rectas y simples; romanas o roller. Aunque se pueden prescindir tranquilamente de ellas. La coordinación textil es otro de los grandes fines que debemos perseguir. Cortinas, cojines y tapizados en general han de obedecer al equilibrio. De esta forma, los estampados quedan desterrados en los ambientes más esenciales, rindiéndose a la austeridad de los lisos.

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CASA ESTUDIO LUIS BARRAGÁN

MOBILIARIO DE DONALD JUDD

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Cama, una tumbona y un pouf. 2017 Cama: 190 x 120 x h 25 cm. Tumbona: 1.200 x 60 x h 70 cm. Pouf: 60 x 60 x h 32 cm. Diseñada por Florian Kallus y Sebastian Schneider del estudio Kaschkasch. para la empresa alemana Blomus

Textil de fibras sintéticas relleno de bolas EPS (poliestireno expandido)

Silla 2017 Hecho por Carl Andre Nørstebø

Madera laminada, metal

ARPA, COLECCIÓN DE EXTERIOR DISEÑADA POR RAMÓN ESTEVE PARA MDF ITALIA, marzo 23, 2020

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ULTIMASÂ TENDENCIAS

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MUEBLE FUNCIONAL Con el paso de los años, la sobrepoblación a provocado que los espacios se hagan cada vez mas y mas pequeños, el espacio que antes se hubiera considerado como espacio solo de sala, ahora es sala, comedor y oficina. Ya no son tan comunes las grandes casas, por lo que los muebles tienen que acomodarse a las nuevas necesidades y medidas. Aparecen en el mercado, están ganando posición los muebles multifunción. Sobre todo, pensado especialmente para aquellos espacios en los que se necesita ahorrar metros cuadrados o para quienes buscan sacar el máximo provecho a sus inversiones en mobiliario. Las ofertas son variadas, Por lo general, se trata de piezas con un diseño fuerte y mucho lugar para diferentes aplicaciones. El punto de estos muebles es o no ocupar demasiado espacio, o tener varias funciones que justifiquen el que ocupen un espacio, que propongan soluciones ingeniosas, que sean modulares, fáciles de almacenar, sin dejar de ser accesibles.

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Estante de bicicleta Chris Brigham de Knife & Saw

Un problema para muchos que tienen departamentos y en su ciudad o rutina les permite el uso frecuente de una bicicleta. Hecho de madera maciza (en este caso, nogal) y suspendido por un soporte de varilla cuadrada de acero, este estante puede contener tanto su bicicleta como cualquier otra cosa que desee con bastante facilidad. Si solo quiere exhibir su bicicleta, estĂĄ bien, pero si desea utilizar el espacio para libros, flores, accesorios para bicicletas, etc., para eso estĂĄ. A: 13.3 cm - Altura total del estante. B: 5.7 cm - Altura del estante debajo de la ranura. C:Â 43.8 cm - Ancho del estante.

D: 4.45 cm - Abertura de la ranura. E: 30.5 cm - Distancia del tallo a la pared. F: 40.65 cm - Profundidad total del estante

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Oficina Ludovico por Claudio Sibille Galardonado diseñador industrial uruguayo. Ahorre espacio con este ingenioso diseño escondiendo una silla dentro del gabinete y un escritorio plegable completamente funcional. Esta micro-oficina se compacta en un pequeño gabinete para darle más espacio cuando termine de trabajar. Hay mucho espacio para archivos en el archivador inferior y 2 cajones para suministros de oficina. De esta manera, incluso puede mantener una computadora portátil o una almohada en el compartimento superior. Disponible en blanco completo. Gabinete: 20.5 in x 18.5 in x 35 in Mesa abre un ancho adicional de 28.5 in (Gabinete + Mesa = 49 pulgadas de ancho) la altura de la mesa es de 29 pulgadas de alto. Dimensiones del archivador interior: ancho 11 in x altura 9 1/4 in x longitud 14 in

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STAIRCASE - REPISA ESCALERA Danny Kuo

La forma más eficiente de construir es verticalmente. Construir verticalmente ahorra espacio, ya que utiliza metros cuadrados mínimos de tierra. Cuando se trata de diseño de interiores, se puede aplicar la misma regla. Al centrarse en la altura en lugar del ancho, se pueden crear diseños de almacenamiento eficientes. Sin embargo, los diseños de alto almacenamiento pueden crear un nuevo problema porque las partes de mayor almacenamiento serán difíciles de alcanzar. Es una estantería que combina una estantería con un sistema de escalera extraíble en los tres estantes inferiores. La unidad de estantería tiene 2,6 metros de altura y se puede acceder a las repisas superiores utilizando las repisas inferiores como pasos para acceder a las repisas superiores. Bambú y acero inoxidable. Profundidad 55cm x Ancho 74cm x Altura 260cm

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Sofá mostrador CARAMELLA Piano Isola, HIRASHIMA Un sofá cama que combina las funciones de un sofá y un mostrador. Es una idea revolucionaria que ofrece una amplia gama de formas de gastar en la sala de estar. Diseñado sobre la base de una belleza de diseño minimalista, la cómoda tensión expresada por los materiales naturales crea un espacio de mayor grado. Este producto está disponible en 5 tamaños. en color roble y nuez.

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MUEBLE ULTRAMODERNO Este estilo combina tecnología y función. Este estilo conlleva pensar en un diseño elegante y de alta tecnología que incorpore el mundo natural con espacios de vida interior. El diseño ultramoderno está aumentando en popularidad a medida que crece el movimiento a favor de la sostenibilidad ambiental. Entre sus adeptos se cuentan quienes aman la decoración pero sin sacrificar el medio ambiente y los que cultivan interés por las novedades tecnológicas.

Claves del estilo ultramoderno -Poco impacto ambiental. Reducir y eliminar el impacto de los materiales de construcción sobre el medio ambiente es un objetivo clave en el diseño ultramoderno. Los hogares ultramodernos están diseñados para proporcionar el máximo confort y satisfacción para las personas que viven en ellos, sin sacrificar el medio ambiente. Este estilo concibe la casa como una extensión de su entorno natural, por lo que los hogares ultramodernos están diseñados para armonizar con la naturaleza en el exterior y brindar al dueño de una casa amplias vistas desde el interior. -Libre. Busca que la vida “de interior” se sienta como estar al aire libre, esto implica el uso de materiales naturales y el uso de paredes de vidrio. -Los espacios fluyen. El diseño ultramoderno da valor a los espacios abiertos donde la energía puede fluir libremente y los propietarios pueden pasar fácilmente de la cocina al sala y de aquí a la oficina en casa. La comodidad es un objetivo clave en el diseño ultramoderno. -Materiales naturales. En cuanto a los materiales para los muebles aboga por aquellos naturales, renovables, con contenido reciclado, o de larga duración. Esto incluye aluminio, madera, bambú, linóleo.

UN PROYECTO DE CASA DE DOS NIVELES EN LA CIUDAD DE CORIGLIANO CALABRO, PIERLUIGI SAMMARO.

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Silla esfera

Mesa auxiliar Terrie

1971

58 x 54 x 70 cm

22'' ALTO x 19'' ANCHO x 19'' PROFUNDIDAD

Diseñadas por Boris Tabacoff para Mobilier Modulaire

Diseñadas por Orren Ellis

Un fantástico juego de 4 sillas Sphere Metal cromado, plexiglás ahumado, cuero blanco

Crea formas de vidrio doblado que se forman en múltiples direcciones para confundir al observador sobre cómo podrían haber sido creadas.

Vidrio

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Mesa de centro "forest" L. 150 x A. 40 x P. 80 cm

Diseñadas por Cédric Ragot Mesa de centro con patas compuestas por 5 tubos de acero.Sobre cristal Natural (grosor 12 mm).

Vidrio y acero

QAIO ofrece una variedad de tamaños y estilos de espejos, que también funcionan como pantallas táctiles, muestran información como clima, la hora o tu buzón de correo, incluso puedes enlazar tu teléfono.

Colección de Cédric Ragot para Roche Bobois

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Lampara "Chroma" L. 61 x A. 184 x P. 40 cm

Diseñadas por Arturo Erbsman Estructura en acero lacado negro PMMA coloreado

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MUEBLE EXÓTICO No existe una definición en concreto para un mueble exótico, ya que cada uno de ellos forma parte de la propia definición. Son piezas de mobiliario realmente especiales, fabricadas con materiales especiales, distintos, peculiares, de lugares lejanos, con técnicas peculiares o tradicionales, pero siempre de calidad. Y lo mismo con sus acabados y diseños, que no pasarán desapercibidos para nadie. Hoy en día se fabrican piezas de mobiliario exóticas, afortunadamente ahora tenemos una regulación de los materiales que tenemos permitido utilizar, en que cantidad y cuando y como es prudente extraerlos. Con la sobrepoblacion la demanda de ciertos articulos se vuelve mayor, no es de sorprenderse que varias personas coincidan en querer algo unico. Mobiliarios hechos de ciertas maderas o de materiales como el marfil (extraido de los colmllos de los elefantes) hoy estan prohibidos. Aunque aun podemos ver piezas decorativas en museos o galerias.

PANTALLA DE MARFIL TALLADO CHINA DEL SIGLO XIX

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DE DESTINOS EXÓTICOS

India Los muebles nunca han sido parte de la tradición de la India, ya que la mayoría de la gente se sentaba, dormía y comía en el suelo. La India se conoce como el país sin muebles. Los primeros visitantes europeos que llegaron a la India se sorprendieron por la falta de muebles en mansiones y palacios. Lo que encontraron fueron pequeñas mesas, sillas bajas y los charpoys (simples camas de cuerda con postes de madera). El mobiliario convencional que conocemos hoy en día se desarrolló a partir de la influencia extranjera. Cuando llegaron los portugueses, que fueron los primeros europeos en llegar a la India, no encontraron ningún mueble utilitario como a los que estamos acostumbrados. Fueron ellos, y más tarde, los holandeses, los franceses y los ingleses, quienes inspiraron y alentaron la fabricación de muebles para atender a sus necesidades.

Charpoy Pieza unica 200 cm x 95 cm - altura 65cm madera y cuerda

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Pitarra o Damchiya, mueble de madera de la India que originalmente se usaba para guardar la dote de la novia, se puede usar como mueble para guardar artículos valiosos.

Damchiya antigua Pieza unica 138cm x 100cm x 63cm Madera de teca

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DE MATERIALES EXÓTICOS

Madera

Procedentes de los bosques tropicales de América, África y Asia, las maderas exóticas son muy cotizadas por su gran belleza y resistencia. Las características de materiales como la teca, el iroco, el palisandro, el okume, el wengué o la caoba hacen que sean muy apreciadas en ebanistería de lujo, chapeado, suelos y fabricación de mobiliario de exterior. Todas ellas provienen de grandes árboles, con troncos homogéneos, de los que se pueden obtener tableros de grandes dimensiones y una amplia gama de colores. Además, son maderas de una gran dureza y resistencia ante los xilófagos (organismos que se alimentan de los principales componentes de la madera), la humedad, el paso del tiempo y las inclemencias climatológicas.

La más conocida de estas maderas es la teca. De gran resistencia, su único enemigo declarado son las termitas. El ébano, la madera preciosa más conocida y utilizada, debido a la espectacularidad de su color negro. Dio el nombre a la profesión de los ebanistas. Resiste a hongos, termitas e insectos y tiene una dureza casi extrema. El ébano africano se emplea en la construcción de instrumentos musicales como guitarras o violines. De origen amazónico, la caoba es una madera de color pardo-rojizo, grano muy fino, con pocos nervios y peso elevado. Aunque es dura y compacta, tiene un buen acabado, ya que es fácil de aserrar, pulir y barnizar. Es muy apreciada en ebanistería, muebles de lujo y revestimientos. Otras maderas de interior son el okume, el merbau, el balau o la limba.

Teca

Ébano

Caoba

Okume

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Aparador madera de mango En produccion sobre pedido 160 x 45 x 85 cm, patas: 45 cm El mueble dispone de dos puertas correderas que descubren la balda central de la que dispone en su interior, y que divide el mismo en dos amplios estantes o compartimentos para guardar y distribuir tu vajilla, enseres de menaje, etc.

Madera de mango

Materiales como la raiz de cactus, forman parte de la lista de materiales exóticos, se usa por lo general como base para mesas; Aunque te pone a pensar que tan viejo era el cactus para tener ese tamaño de raíz.

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MUEBLE DE LUJO El concepto de lujo, cambia con el tiempo a medida que varían las tendencias en decoración, aparecen nuevos materiales y nuevas técnicas que permiten acabados renovados, no sólo eso, sino que en ocasiones las modas cambian y algo que hasta un momento había pasado desapercibido, de repente es descubierto por decoradores e interioristas que comienzan a aplicarlo y lo ponen de última actualidad. Por ejemplo, si pensamos en la madera nos daremos cuenta que determinadas calidades y tonos se han ido asociando con lo vanguardista y lo mejor con el paso de los años por diversos motivos, por su parte el cristal que desde siempre ha formado parte de la decoración, ha ido cambiando también su aspecto y hoy en día es habitual que incorpore notas de color, desde blanco hasta negro pasando por todas las tonalidades. En cuanto a iluminación si las tendencias lujosas de hace décadas se orientaban hacia lámparas de cristal y metal ostentosas y de gran tamaño, en la actualidad se han invertido, se busca la calidad de la luz y el ahorro energético y la tendencia es a encastrar los puntos de luz en el techo, haciendo que pasen lo más desapercibidos posibles y que se integren como si de iluminación natural se tratase.En ocasiones son sólo detalles los que se modifican, si en el pasado fue el dorado el color que se identificaba con el poder y el lujo poco a poco se ha ido cambiando al plateado, el acero, el aluminio y los cromados son hoy en día protagonistas de los ambientes con un aspecto más depurado y de un gusto exquisito.

SILLÓN LADY B L. 84 x A. 90 x P. 67 cm Diseño Cécile Maia Pujol Tela de lana en 45 colores

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SILLA HERALD, VERSACE

PALAZZO VERSACE DUBAI (HOTEL)

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Sofá Profile Diseño Roberto Tapinassi & Maurizio Manzoni L. 159 x A. 76 x P. 95 cm Revestido de terciopelo Cabaret o de tela Sakura dorada Jean Paul Gaultier. Estructura de abeto macizo y multilaminado de pino. Suspensión de cinchas elásticas XL entrecruzadas. Patas de haya maciza tintada wengué (disponible en tinte gris), reforzada por metal.

PARIS PANAME BIOMBO Diseño Bruno MOINARD L. 198 x A. 200 x P. 3 cm Estructura latón cepillado o latón cepillado oscuro, paneles plexiglass Frost impresión digital.

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SUNSET LA CIENEGA HOTEL, L.A.,Â PROYECTO DE SOM

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KELLY WEARSTLER Estados Unidos (1967) En 1996 la diseñadora abrió Kelly Wearstler Interior Design, más adelante decoró la casa del promotor inmobiliario Brad Korzen (con quién se casaría después) y empezó su carrera como diseñadora de interiores con una clientela dedicada al mundo del entretenimiento. Tras la renovación del interior del hotel Avalon en Beverly Hills, Wearstler empezó a ganar reconocimiento en la industria hotelera.

SILLA FAIRFAX

SILLA LUCIEN

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STINE GAM Y ENRICO FRATESI GAMFRATESI La nativa de Copenhague Stine Gam estudió diseño de muebles en la Escuela de Arquitectura de Aarhus, graduándose en 2006. Originario de Pesaro, Italia, Enrico Fratesi estudió diseño industrial en la Universidad de Florencia y la Universidad de Ferrara, graduándose en 2007. Se establecieron en Copenhague, donde fundaron el estudio GamFratesi, enfocado en muebles e interiores. GamFratesi recibió el Premio Internacional de Diseño Elle Decoration (EDIDA) como Joven Diseñador Internacional del Año en 2013. Sus piezas se han exhibido en La Triennale di Milano, Design Museum Denmark en Copenhague, la Real Embajada de Dinamarca en Tokio y Art Basel en Miami.

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SOFÁ TARGA

SILLA BEEATLE 2012

SOFA MINOTTI 2019

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HENRIK PEDERSEN

SILLA LMOLA 2016

Dinamarca (1967) Se graduó como diseñador de moda en 1990 y ahora dirige 365 °, un estudio de diseño danés con sede en Aarhus que se centra en el diseño basado en el estilo de vida, que abarca desde muebles e iluminación hasta proyectos para empresas de ropa.

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EAMES Estados Unidos (1907-1978) Charles Ormond Eames estudió arquitectura en la Washington University de St. Louis y diseñó varias casas e iglesias en colaboración con diversos socios. Su trabajo captó la atención de Eliel Saarinen, quien le ofreció una beca en la Cranbrook Academy of Art en Michigan en 1938. En 1940, él y Eero Saarinen ganaron el primer premio en el concurso «Industrial Design Competition for the 21 American Republics», también conocido como «Organic Design in Home Furnishings», organizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el MoMA.Los muebles de Charles y Ray Eames han sido la piedra angular de la colección del Vitra Design Museum desde sus comienzos

SILLA CON OTOMANA SILLA EAMES

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ZAHA HADID Bagdad, 1950 - Estados Unidos, 2016 Cursó estudios de Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut (Líbano) y en 1972 se trasladó a Londres (Reino Unido) para ingresar en la Asociación de Arquitectura, donde se graduó en 1977 y en la que poco después ejerció como docente.En 1979 fundó su propio estudio de arquitectura en la capital británica, ciudad en la que la arquitecta iraquí pasaría la mayor parte de su vida. En 2003 recibió Hadid un nuevo galardón de carácter internacional, el Premio de Arquitectura Contemporánea Mies Van Der Rohe de la Unión Europea. Un año más tarde cuando la arquitecta alcanzó el máximo reconocimiento a nivel mundial con la consecución del Premio Pritzker (fue la primera mujer que mereció tal distinción).Por las mismas fechas le fueron otorgados también otros galardones, como la Orden del Imperio Británico

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Mesa Le-a Inspirada en Star-Wars

SILLA RISE Hecha de material PLA biodegradable 780x810x1180mm

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ANDRÉE PUTMAN Francia(1925-2013) Andrée centra su atención y concentración en los estudios de composición en el Conservatorio Nacional de París, y a los diecinueve años recibe el Primer Premio de Armonía del Conservatorio de manos de Francis Poulenc. A finales de los años 70 decide fundar el estudio Ecart El proyecto de diseño de interiores del hotel Morgans en Nueva York en 1984 marcó un punto de inflexión en la carrera de Andrée Putman. Se las ingenio para crear un hotel de lujo con un presupuesto muy reducido y consolidó su estilo con habitaciones sencillas y efectos visuales. Desde 1980 trabaja en cada vez más proyectos de decoración de interiores, como los de Le Lac en Japón, Im Wasserturm en Alemania, las boutiques Balenciaga, Bally o Lagerfeld, y de edificios como, muy especialmente, el del Ministro de la Cultura francés Jack Lang en 1984. Asimismo ha diseñado los interiores de museos como el CAPC, el museo de arte contemporáneo de Burdeos.En 1997 Andrée Putman abre su estudio del mismo nombre, que se especializa en el diseño de interiores, el diseño de productos y la escenografía. Como diseñadora de interiores, Andrée realiza proyectos para el Pershing Hallen de París, el Morgans Hotel en Manhattan y el Blue Spa en el Hotel Bayerischer Hof en Múnich.

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Sillones para el hotel Wasserturm, 1990

Proyecto para el despacho del ministro de cultura francĂŠs, 1985.

SILLA BASTIDE

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OKI SATO (NENDO)

SILLA CABBAGE 2007

Canadá (1977) Sato se formó en arquitectura en la Universidad Waseda de Tokio y terminó sus estudios en el año 2002, el mismo en el que fundó sus propia estudio de diseño, Nendo. En 2012 fue premiado como Diseñador del Año por la revista Wallpaper y ha recibido en dos ocasiones el premio Elle Deco International. También ha sido galardonado con el Premio de diseño Red Dot, el iF Product Design Award, el Good Design Award y el German Design Award.

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CHAIR APPARENT Colección ‘Thin Black Lines"

SILLA MANGA Colección ‘Thin Black Lines"

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HERMANOS CAMPANA Humberto Campana (1953, Rio Claro, São Paulo, Brasil) Fernando Campana (1961, Brotas, São Paulo, Brasil) Los hermanos Campana ya ocupan un lugar en los grandes museos internacionales como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), en el Museo de Diseño Vitra ( Weil am Rhein, Alemania) y en el Centro Georges Pompidou (París) En 1972 Humberto entró a estudiar derecho en la Universidad de São Paulo pero ya a finales de los años 70 decidió dedicarse a convertir materiales reciclados y económicos en objetos decorativos.En 1998 trabajó como instructor de Diseño Industrial en la Fundación Armando Alvares Penteado (FAAP) de São Paulo y en 1999 hasta el 2000 en el MUBE (Museo Brasileño de Escultura) de la misma ciudad.Fernando entró a estudiar arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de São Paulo en 1979, y se encontraba finalizando la carrera cuando se sumó al proyecto de su hermano poco tiempo después. Los hermanos Campana han sido galardonados con múltiples premios entre los que se destaca el George Nelson Design Award; el primer premio en la Feria Internacional del Mueble de Valencia, y el de Diseñador del Año 2008 en Design Miami.

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Colecciรณn raqueta

SOFร CIPRIA Sushi series (2002-2004)

CAMA CORALLO Para Edra 2013

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PATRICIA URQUIOLA España (1961) Estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid y en el Politécnico de Milán, donde se graduó en 1989En 2001, abre su propio estudio, en el que trabaja en diseño de producto, arquitectura e instalaciones. Entre sus últimos proyectos arquitectónicos: el Museo de la Joya en Vicenza, el Hotel Mandarin Oriental en Barcelona, Das Stue Hotel en Berlín y el Spa del Hotel of Four Seasons en Milán; showrooms e instalaciones para Gianvito Rossi, BMW, Cassina, Missoni, Moroso, Molteni, Officine Panerai, H&M, Santoni y el concepto general de Pitti Immagine Florencia. Algunos de sus productos están expuestos en diversos museos y colecciones, tales como el MoMA de Nueva York, Les arts decoratifs en París, el Museo de Diseño de Zúrich, el Museo Vitra Design en Basilea, el Victorian&Albert Museum en Londres, el Stedelijk en Ámsterdam y el Museo Triennale en Milán. Ha ganado varios premios y galardones internacionales. Entre otros la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, otorgada por el Gobierno de España; la Orden de Isabel la Católica, otorgada por Su Majestad el Rey de España Juan Carlos I; “Diseñador de la década” para dos revistas alemanas, Home y Häuser, “Diseñador del año” para Wallpaper, Ad Spain, Elle Decor International y Architektur und

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ARMARIO CREDENZA Patricia Urquiola, Federico Pepe, 2016.

SOFÁ BOWY Patricia Urquiola para Cassina

SILLA TROPICALIA

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HANS KNOLL Alemania (1914-1955) Knoll fue primero a Inglaterra, donde abrió su propia compañía de diseño de interiores, Plan Ltd. En 1937 llegó a Nueva York y en 1938 formó Hans G. Knoll Furniture Company en un espacio pequeño en East 72nd Street.

OFICINAS DE LA CBS. 1965

Fue la asociación de Knoll con Florence Schust, a partir de 1943, lo que impulsó a la compañía hacia una excelencia sin igual. (Florence y Hans se casaron en 1946).

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HECTOR ESRAWE

Silla Tandem

Madera maciza de encino entintado Dimensiones / 59 x 63 x 70h cm

Sofá CN

Tapicería en tela, con nogal, encino o tzalam Dimensiones / 266 x 80 x 75h cm

Silla Ibar con brazos Nogal, encino o tzalam, con tapicería en tela Dimensiones / 54 x 55 x 78h cm

Héctor Esrawe nació en 1968 en la Ciudad de México. Se graduó de la Universidad Iberoamericana (UIA) con el título de Diseñador Industrial en 1992. Inició su carrera como diseñador independiente bajo la firma Esrawe Studio en 2003. Creó la Licenciatura de Diseño Industrial en la casa de estudios CENTRO, donde fue Director de Diseño durante tres años Su obra está presente en la colección permanente del High Museum of Art de Atlanta, con la banca Centípede y la colección de joyería Vestigios. Ha participado en distintas conferencias y talleres alrededor del mundo; AZ Awards winner 2018, Jury Prize and People’s Choice en FRAME Awards 2018, Wallpaper Design Award winner 2018, Interior Practice of the year en World Interior News 2018 y Best of the Year Award 2017 entre otros.

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JOSE DE LA O

Banco carpintero Madera de cedro rojo

Silla estandar de oficina ratán, cedro rojo y mimbre natural.

Se graduó como Diseñador Industrial por la Universidad Iberoamericana y posteriormente se trasladó a Holanda para estudiar en la famosa Academia de Diseño de Eindhoven, donde fue galardonado con un Master en Diseño Conceptual. Después de terminar sus estudios fundó un estudio donde ofrece servicios de consultoría creativa a empresas, artistas y diseñadores, además creó su propia línea de productos. Su trabajo ha sido expuesto en el pabellón de Ventura Lambrate durante el Milan Design Week, en el Inside Design Amsterdam, la Semana del Diseño Holandés, “Fábrica Mexicana” en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, The Perfect Future en Nueva York y en la exposición La Máquina: La nueva revolución industrial en la ciudad belga de Genk.

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DAVID POMPA ALARCÓN

Hielo Talavera

Origo Recinro

Ambra

Cantera rossa

Meta Recinto

Este diseñador que estudió en Londres abrió su primera tienda en la Ciudad de México en 2013. Su estudio de diseño interdisciplinario tiene sede tanto en México como en Austria, países donde creció. Mantiene una fuerte relación con la cultura mexicana, por lo que comenzó a trabajar con la artesanía nacional a partir de un viaje que realizó en 2009 por Oaxaca, ahí vio a los artesanos trabajar con el barro negro por primera vez y desde entonces se encuentra comprometido con dicha cultura y artesanía. En su estudio mezcla la tradición e innovación para crear productos de iluminación y mobiliario a partir de una reinvención de las artesanías mexicanas, donde convergen materiales tradicionales con nuevas técnicas e ideas.

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JOEL ESCALONA

Colección Aceleración Para BREUER

Este diseñador mexicano ha trabajado con una amplia variedad de compañías, industrias y fabricantes y ahora con su estudio de diseño industrial crea desde productos para el hogar, industria de la construcción y mobiliario, hasta estilo de vida, moda y productos de lujo. De esta manera nace una colaboración desde 2013 con Roche Bobois, siendo esta la primera vez que la compañía Europea trabaja con un diseñador Latinoamericano. La más reciente pieza que surge de esta unión es Bells, una mesa que cuenta con una estética arquitectónica formada por una silueta circular.

Coleccion Noviembre Para BREUER

Mesa Canotier Para Roche Bobois

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RICARDO LEGORRETA

Colección Vallarta

Creada en 1972 para los hoteles Camino Real

Graduado de la Universidad Nacional Autónoma de México, quien destacó su obra arquitectónica al abstraer y aplicar las raíces de la arquitectura mexicana a la arquitectura contemporánea. Durante su larga carrera obtuvo el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes en 1991 y la Medalla de Oro de la AIA en el año 2000.

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PEDRO RAMÍREZ VÁZQUEZ

SILLA

Madera de caoba

EQUIPAL

Nació en la Ciudad de México en 1919. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México, en la que también fue profesor de Diseño y Planificación Urbana. Fue el primer Rector General de la Universidad Autónoma Metropolitana, y ha dado cursos y conferencias en muchas universidades alrededor del mundo.Es el arquitecto y urbanista mexicano más prolífico e influyente en la vida nacional del siglo XX. Aunque el proyecto más significativo para él fue el diseño y construcción de un modelo de escuela rural prefabricada con casa para el maestro, que se instauró en México y en varias partes del mundo, sus obras arquitectónicas son las que le han dado fama internacional.

PRINCIPALES FUENTES DE INFORMACION ALVAREZ VIDORRETA, Fernando, CADENA PORTAL Y OTROS. Biblioteca basica de la decoracion. España: CEAC, 1984. AYWARD, Helena. World furniture. Checoslovaquia: Hamlyn, 1972. SOTO, Martha. Curso de historia del mueble, lic. en Arquitectura de Interiores. México: ESAV,enerojunio 2020. (extraído de apuntes de clase)

Sitios y recursos de interés. Blog historia del mueble, coordinado por Martha Soto <http://historiadelmueble.pbworks.com/w/page/26420746/FrontPage?_ci=15839.QULrvb-2> Sitio web de "The Metropolitan Museum of Art" <www.metmuseum.org> Redes sociales de museos. Ej. "Egyptian Museum" <https://www.facebook.com/EgyptianMuseum09>

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