MUJERES EN LA ARQUITECTURA MODERNA by E Leyva

MUJERES EN LA ARQUITECTURA MODERNA ESTHER LEYVA

AGOSTO - DICIEMBRE

2021

Este trabajo se elaboró dentro de la materia de: Arquitectura Moderna impartida por la profesora Alejandra Figueroa

Museografía impartida por Dra. Martha Sotho

ESTHER LEYVA LIC. ARQUITECTURA DE INTERIORES SEPTIMO SEMESTRE ESAV

MUJERES EN LA ARQUITECTURA MODERNA ESTHER LEYVA

CONTENIDO INTRODUCCION -01CAMINO A LA ARQUITECTURA MODERNA

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REDISEÑANDO CON EL PASADO Fey Kellog Virginia Andrescu Harret Estrid Erickson

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DE LAS CENIZAS RENACE UNA NUEVA CIUDAD

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DESTELLOS DE MODERNIDAD Bertha Yerex Whitman Sophia Hayden

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DEL LIBRO DE LA NATURALEZA Margaret Macdonal Mackintosh

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DE ARTISTAS Y ARQUITECTOS Sophie Taeuber Arp Charlotte Perriand

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LA ESCUELA MODERNA Gunta Stolz Marianne Brandt

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UN POCO DE BRILLO NO HACE DAÑO A NADIE Hildreth Meiere

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SIMPLICIDAD Y FUNCIONALIDAD Jane Drew Eileen Gray

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DESDE EL NORTE DE EUROPA

Ainno Aalto

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MENOS ES MAS Florence Knoll Lina Bo Bardi

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HUMANIDAD Y AMBIENTE Nobuko Tsuchiura Clara Porset

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INTRODUCCIÓN Nombres enterrados en la historia, obras sin autor, bocetos olvidados, muchos de ellos hechos por mujeres y es que en la historia se habla de grandes arquitectos, pocas veces de arquitectas, y no porque no hubieran mujeres ejerciendo, solo que como muchos casos atrás en la historia no era precisamente el rol que la sociedad había determinado para ellas y su trabajo es escaso o poco documentado. Afortunadamente el siglo XX estuvo lleno de muchos cambios, caídas de imperios y surgimiento de naciones; guerras, revoluciones e independencias; descubrimientos, hambrunas, migraciones y nacimiento de ciudades. con el siglo XX por iniciar, el sentimiento de rechazo a las viejas ideas se hacía presente, el rococó, barroco u otros estilos colmados de ornamentaciones se dejaba en el pasado, anexado con las innovaciones en cuanto a transporte y comunicación, llevar la noticia de nuevos materiales, procesos, investigaciones, etc. se volvió cada vez más fácil. La arquitectura moderna surge como resultado de muchas de las mencionadas, no tiene una fecha exacta, su aparición parece más una transición, una serie de eventos que llevaron a su establecimiento como estilo del siglo XX. Y con todos esos cambios algunas mujeres encontraron nichos, caminos para ejercer en el mundo profesional. Y el premio Pritzker es para… I. M. Pei, Philip Johnson, Frank Gehry, Kenzo Tange, Norman Foster... Hasta Zaha Hadid el trabajo o colaboraciones femeninas en el mayor premio de arquitectura no eran reconocidas.

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Solo por un instante podemos hablar de la silla Barcelona de Mies Van der Rohe, la Wishbone de Hans J. Wegner, el trabajo de Thomas Chippendale, los espacios de Victor Horta, todas ellos son piezas clave cuando estudiamos historia del mueble o arquitectura, pero qué hay de las mujeres. Si solo estudiamos superficialmente cada uno de los diferentes movimientos de estilos en la historia de la arquitectura (interior/exterior) parecería ser una carrera donde no destacan las mujeres, y hoy en día podemos decir que no se trata o trataba de una cuestión de talento sino de un anticuado constructo social. Afortunadamente con el paso de los años las mujeres se han abierto camino a una sociedad más equitativa y con ello surgen nombres casi olvidados de mujeres que si bien no tienen una participación tan grande y que sus historias tienen vacíos, fueron parte de diferentes proyectos. Este trabajo tiene como intención presentar fragmentos de la arquitectura moderna de la mano de mujeres para presentárselas a las siguientes generaciones.

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CAMINO A LA ARQUITECTURA MODERNA Exposiciones universales

Uno de los factores que permitieron el desarrollo y conocimiento de nuevos estilos fueron las exposiciones universales. Estas eran como un enorme catálogo de todas las nuevas invenciones del hombre, los motivos de exposición eran variados. Inician oficialmente como universales en Londres el 1 de mayo de 1851, la llamaron "Gran exposición de los trabajos de la industria de todas las naciones" la sede del evento fue una construcción de vidrieras transparentes y de hierro conocida como "El Palacio de Cristal", diseñado por el jardinero y paisajista Joseph Paxton fue construido en 35 semanas en Hyde Park, constaba de una nave central de 563 m de largo y 124 m de ancho, atravesada por un transepto de bóveda de medio punto de 33 metros de alto. Delgadas columnas de hierro sustentaban las paredes de cristal, varias hojas de vidrio de alrededor de 1,2 m que cerraban la construcción, inspirado en los jardines botánicos de la época tenía algunos robles y otras plantas dentro.

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Crystal Palace, Hyde Park, London: view across the Serpentine. Imagen de RIBA Library drawings collection

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Tras la exposición, el edificio fue trasladado desde Hyde Park a Sydenham, al sureste de Londres, en otoño de 1852 donde permaneció hasta que el incendió acaecido en 1936 lo arrasó por completo.

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Con el paso de los años, estas exhibiciones comenzaron a tener más expositores y se anexaron más países. Cada país agregando más detalles a las exposiciones por mencionar algunas París 1867 agregó los pabellones nacionales, donde cada nación tiene su propio espacio de exposición; Philadelphia 1876 presentó por primera vez alimentos con las palomitas de maíz y el kétchup Heinz; París 1889 tuvo la torre Eiffel la cual en su momento fue polémica al haber diferencia de opiniones; Chicago 1893 es particularmente importante para la arquitectura moderna, por lo que le dedicaremos un segmento propio; París 1900 y 1925 presentaron los estilos Art Nouveau y Art Deco. Ahora hay una organización encargada de llevar un orden, el Buró Internacional de Exposiciones (BIE) fundado en París 1928, evalúa todos los aspectos del evento y por supuesto con la arquitectura como una de sus asignaturas más sobresalientes. Habiendo pasado 170 años desde la primera exposición, numerosas exposiciones le han seguido, cada una ellas han traído consigo algo nuevo para mostrar, se han anexado premios a los mejores pabellones, los destinos son ahora internacionales, haciendo continuaciones a los valores originalmente planteados.

"En la conjunción de la ciencia y la tecnología, de la mano del comercio y las bellas artes"

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REDISEÑANDO CON EL PASADO El eclecticismo

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Palacio de Justicia de Bruselas. Arq. Joseph Poelart

Pese a los cambio vividos en la sociedad, para finales del siglo XIX se había vivido un periodo de neos donde traían los estilos del pasado a su época, una tendencia criticada por la falta de originalidad, pero es más viable que las altas clases querían revivir lo que alguna vez fue antes de revoluciones, huelgas y demás. Aunque cabe resaltar que el estilo que cada familia o casa traía de vuelta tenía mucho que ver con la imagen que deseaban dar al resto de las personas, por ejemplo las figuras políticas buscarán estilos asociados con roma y los griegos, los que querían una imagen similar pero menos rígida optaron por el renacimiento y para las damas y sus salas o cuartos el rococó, siendo el neoclásico el último en emplearse. Todos ellos aun respetando estrictamente los parámetros de los estilos elegidos. El último cuarto de siglo XIX surge el eclecticismo, este se deshace de los cánones establecidos y deciden si seguir empleando los viejos estilos, si aún seleccionando estilos dependiendo de la situación para la que se plantea pero esta vez unirán dos o más estilos, tomando solo elementos clave y actualizándolos a las técnicas del momento. Sus primeras obras aparecerán en Francia, pero será Rusia donde se construyó una mayor cantidad de edificios bajo este estilo. Este estilo terminaría alrededor de 1930 cuando las escuelas ya no estaban interesadas en practicarlo y se deja de lado para enfocarse en la modernidad. Pero el termino ecléctico se empleara en estilos y años posteriores.

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FEY KELLOG Arquitecta

"¿Y porqué una mujer no puede hacerlo igual de bien en esta profesión que un hombre? La respuesta en mi opinión es que la misma naturaleza de la disciplina invita a sus servicios. De hecho necesita de las mujeres."

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"No puede haber condición más anómala que la que convierte a los hombres en los únicos constructores de nuestras casas, mientras que las mujeres, sus ocupantes principales y espíritus gobernantes, están excluidas de toda participación en su preparación.” - Fay Kellogg

Sobre vigas, a través de huecos, entre andamios a 30 metros sobre el suelo una figura femenina corriendo de un lado a otro con su falda y planos en la mano salta a la vista a finales del siglo XIX, no particularmente los años en los que ves a una mujer haciendo algo semejante. Nacida en 1871 Fay Kellogg Arquitecta y sufragista estadounidense, originalmente quería ser doctora pero su padre se ofreció a pagar por completo su matrícula si estudiaba dibujo, estudió dos años con un tutor y posteriormente trabajó en un estudio de arquitectura en Nueva York antes de viajar a París donde intentaría entrar a la Ecole des Beaux Arts quienes no admitían mujeres aunque por ella aprobaron la entrada a mujeres, desafortunadamente no llegó a inscribirse cuando viaja de vuelta a EUA donde un arquitecto la contrata y en 1903 funda su propio despacho, dedicaría el resto de su vida a la arquitectura y darle un lugar a las mujeres, iniciaría trabajando en Nueva York y luego a lo largo de todo el país, participará en la construcción de cabañas, casas, algunos proyectos de gobierno durante la guerra, incluso en un rascacielos en San Francisco.

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Fay Kellogg en 1912. Imagen de Una Dia Una Arquitecta.

Fay Kellogg era conocida por estar con su completa atención en sus proyectos desde el primer ladrillo hasta el ultimo clavo incluso si eso la llevaba un tanto alto.

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Fay Kellogg, John R. Thomas – Esculturas en fachada, Hall of Records, Manhattan, NY, 1907.

El trabajo de Fay aun es visible en el Salón de los registros de Manhattan donde se encargo de la colocación de las estatuas en la fachada y las escaleras centrales.

Fachada, Hall of Records, Manhattan, NY, trabajo de 1907. Imagen de Un día una arquitecta.

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VIRGINIA ANDRESCU HARRET Arquitecta

La primera arquitecta del mundo, Virginia Andreescu, casada con Haret, que entró por la "puerta grande", en el arte de construir, en 1919.

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Sobrina del pintor Ioan Andreescu, bien podríamos estar hablando de una artista con pincel o cincel en mano, pero se decidió por arquitecta, graduada alrededor de 1919, completó 2 años más de estudios en Italia y comenzó a ejercer en 1922. Tiene una carrera increíble no solo tiene 150 edificios diseñados y ejecutados, colaboró con revistas de arquitectura e ingeniería, fue miembro de los consejos docentes, trabajó en Urbanismo, fue docente, redactó varios documentos y sus traducciones, entre otras cosas. Se casó con quien fue uno de sus más grandes colaboradores el ingeniero Spiru Haret vicepresidente de la Sociedad Edilitatea, sin duda una gran ayuda a su carrera en aquella época. Tuvo un hijo llamado Radu, profesor doctor ingeniero, el cual tiene un importante papel en la preservación de la memoria de su madre, a través de artículos publicados en las revistas Muzeelor y Arhitectura y otros tantos de su propia colección de archivos.

“Dedicó su vida al arte y a la alta profesión de la arquitectura”

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Proyecto de Diploma - Escuela de Bellas Artes, realizado el 6/13 de julio de 1919 y premiado con el Premio del Ministerio de Educación. Imagen desde revista Arhitectura.

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Residencia de la familia Virginia y Spiru Haret, Bd. Lascăr Catargiu 14, 1931. Imagen desde revista Arhitectura.

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Palacio, 1923. Virginia Andreescu Haret. Fotografía de Mihai Petre.

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ESTRID ERICSON Arquitecta

"La sencillez de la habitación, la riqueza de los detalles".

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Diseñadora y empresaria sueca, nació en 1894 y creció en Hjo, donde inició su carrera como profesora de arte y artista del peltre. En 1924 fundó Svenskt Tenn (que significa "Peltre sueco") en Estocolmo. Svenskt Tenn ofrecerá piezas de peltre hermosas y de moda en la época, esculturas modernistas, cajas, candelabros y marcos de espejos, todas estas las piezas eran creadas en un pequeño taller detrás de la tienda. n la Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 en Paris Svenskt Tenn se ganó una reputación de calidad y recibió una medalla de oro. En unos pocos años, la empresa se había expandido hasta ser una de las tiendas de muebles y diseño de interiores de moda de Estocolmo, por lo que en 1927, se mudaron a Strandvägen una locación más grande para su creciente negocio, donde la tienda aún se encuentra.

En la década de 1930, Ericson colaboraria con varios artistas, pero 1934 iniciaría una de sus colaboraciones más importantes con el diseñador y arquitecto austriaco Josef Frank, con quien definiría el estilo característico de la marca, simple pero sofisticado, aplicado en una variedad de productos, incluidos muebles, iluminación, textiles y papel tapiz.

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En 1944, se casó con Sigfrid Ericson, capitán del transatlántico MS Gripsholm de la Swedish American Line. Estrid viajaba bastante recolectando piezas para su tienda y fue cuando se conocieron. Continuó dirigiendo Svenskt Tenn hasta 1975, cuando la vende a una fundación aunque permanece como directora por varios años.

Una caja de peltre Estrid Ericson con tapa, Svenskt Tenn, Estocolmo 1936.

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Mueble de Estrid Ericson y Josef Frank (1950). Imagen vía: Stockholms Auktionsverk

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Objetos de peltre de la primera producción de Svenskt Tenn, diseñados por Nils Fougstedt y Estrid Ericson. Imagen vía: © Carl Ander. Museo Röhsska

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DE LAS CENIZAS RENACE UNA NUEVA CIUDAD El incendio de Chicago

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Imágenes pertenecientes al archivo del museo de historia de Chicago.

Establecer una gran ciudad es un proceso caótico y en muchos casos no muy planeado, la necesidad de trabajar los recursos de la zona o establecer un punto de contacto estratégico no siempre ayudan o concebir la idea de una posible gran ciudad, lo que lleva a una mala planeación, posibles catástrofes o proyectos ridículamente grandes. En el caso de esta última podemos mencionar a París hoy la conocemos como la ciudad de las luces, pero alrededor de 1850 el crecimiento desmesurado de la ciudad y una pobre planeación llevó a todo un barrio a volverse una zona maloliente y por lo tanto indeseable, Napoleón III al ver la situación en Le Maris solicitó a George-Eugene Haussmann quien no era ni urbanista o arquitecto que rediseñara toda esa parte de la ciudad 19.730 hogares y 20 años después se dio por concluido el proyecto y hoy es un barrio que atrae a miles de turistas al año. Desafortunadamente esta no fue la situación para Chicago. Chicago fue fundada en 1833 con 350 habitantes, era un punto clave para el intercambio de bienes entre este y el aún muy deshabitado oeste (comparado con el este), en sus inicios (1780) no era más que una parada para los viajeros que deseaban cruzar al otro lado del naciente país, el asentamiento no fue planeado para la ciudad que es ahora y podemos verlo en el incendio de 1871. Si bien no era el primer incendio de Chicago -esa misma semana y hasta un día antes hubo incendios menores- una serie de detalles harán de este uno particularmente catastrófico. Era la noche del domingo 8 de octubre de 1871, después de un verano particularmente seco un incendio se origina cerca del granero O'Leary, las causas no -

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Fragmento de noticia, Incendio de chicago 1871. Colección digital de Universidad Loyola, Chicago.

- son concretamente conocidas, pero en aquel entonces la culpa cayó sobre una mujer de ascendencia irlandesa que supuestamente ordeñar su vaca por la noche casual- información reciente desmiente esta y surgen otras como un grupo de personas jugando juegos de azar en un cobertizo o como se hizo meses después del incidente se culpa al alcohol. Como haya sido la forma en la que estaba construida la ciudad y como operaba no ayudo en nada, las calles estaban cubiertas de madera, las casas eran adornadas con madera, en muchos barrios había madera a las afueras de las casas con la finalidad de construir, los puertos y el agua a las orillas de los ríos estaban cubiertos de grasa de los botes, la poca lluvia de ese año anexado con los fuertes vientos del suroeste, una vez iniciado el incendio apagarlo se volvió casi imposible. El fuego se extendió rápido y conforme llegaba consumía todo, los edificios, las calles, varios puentes y secciones del río. Los pocos puentes que quedaban para evacuar se aglomeraron de personas, familias fueron separadas, muchas personas resultaron heridas a causa de los empujones, personas trataron de salvar algunos bienes y otros saqueaban. Para el amanecer el martes 10 de octubre después de más de 24 hr en llamas, dos noches teñidas por el rojo y ámbar de las llamas, el caos y el humo asfixiante, el fuego finalmente había sido controlado o quizás ya no había mucho más por consumir, se destruyeron aproximadamente 120 km de carreteras y 190 km de aceras además de unos 17,500 edificios, al menos un tercio de la población quedó sin hogar.

Imágenes pertenecientes al archivo del museo de historia de Chicago.

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Para sorpresa de todos Chicago no se quedó sentada a lamentarse, para el jueves ya había personas buscando inversionistas en Nueva York buscando hacer que se invirtiera en la que sería una de las más grandes ciudades del país, prometiendo que la ciudad renacería mejor de lo que fue antes del incendio; en unos días habían negocios entre las ruinas bajo gradas y cobertizos, el tráfico volvió a moverse. Los escombros fueron barridos, se restablecieron los servicios básicos rápidamente en alojamientos temporales, por ejemplo la oficina de correos se instaló en una iglesia metodista. En seis semanas, el trabajo había comenzado en 212 edificios de piedra y ladrillo solo en la División Sur. Entre revueltas, discusiones, huelgas y un aumento significativo de la población Chicago “terminó” su periodo formal de reconstrucción -se siguió construyendo pero no con la misma urgencia- para 1873. Con el incidente cambian las regulaciones de materiales en los edificios, además de darle una mayor importancia al departamento de bomberos. Se celebró con una semana jubilar en junio frente al lago en uno de los nuevos edificios construidos, Chicago volvió a ser

"Reina del Oeste una vez más".

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Detalle de Guaranty Building 1895. Louis Henry Sullivan. Obtenida desde Blogger.

Mucho antes del incendio de 1871 Chicago/América ya ofrecía oportunidades a quien decidiera quedarse en ella, si bien no estaba tan desarrollada como Nueva York tenía suficiente movimiento para mantenerla en la mira. Aun con la ciudad destruida los ánimos estaban por lo alto, en cuestión de días se movilizaron varias personas a restablecer el flujo de la ciudad, se barrieron los escombros y se adaptaron negocios y refugios, restablecieron servicios básicos y se buscaron inversionistas en Nueva York para reconstruir, esto atrajo la atención de arquitectos e ingenieros, toda una ciudad nueva para crear. Con la llegada de nuevas personas, los predios en la ciudad se habían vuelto más costosos, construir hacia arriba permitía también alojar a un mayor número de personas en menos espacio de tierra y las recientes innovaciones lo hacían posible con el uso de acero para estructuras y el invento de los elevadores. Estas decisiones serían tomadas por lo que hoy conocemos como la escuela de Chicago.

DESTELLOS DE MODERNIDAD Escuela de Chicago

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La escuela de Chicago no era propiamente una escuela, era más bien un par de generaciones de arquitectos que siguieron ciertas características diferentes a las convencionales en esa época, en primera instancia son reconocidos por los rascacielos. Para aquel entonces las construcciones eran más anchas que altas, poseían muros de carga y la mayoría de la estructura y/o acabados eran en madera, la ornamentación era común en los edificios y pese que América no tenia el sentimentalismo por el pasado como lo tiene Europa, descartar parte de los estilos de él aún era complicado. El incendio de Chicago llevó su atención a crear una nueva y mejor ciudad, una mejor preparada para lo que el futuro trajera consigo. Con ello se establecieron nuevas formas de construcción, mejores materiales, medidas de seguridad y por supuesto un nuevo estilo, un poco del pasado, pero con destellos de lo que sería al futuro.

Skyline del centro desde la orilla del lago, Chicago, IL, EE. UU. 2010. Fotografía de J. Crocker

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BERTHA YEREX WHITMAN Arquitecta

“"No soy Shakespeare ni Frank Lloyd Wright, pero disfruto lo que hago, y disfruto demostrando a los hombres que nosotras las mujeres somos tan buenas como ellos en lo que sea que hagamos (…)”. -Yerex para Chicago Tribune, 1984

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Se recibió de la Universidad de Michigan en 1920 bajo el título de arquitecta en los días en que menos del 1% de los arquitectos en ejercicio de EUA eran mujeres. Inició ejerciendo la arquitectura en Evanston alrededor de 1926, y a lo largo de su vida diseñó docenas de casas, iglesias, escuelas y edificios de apartamentos en Evanston y North Shore. Trabajó en Perkins, Fellows y Hamilton, y fue miembro fundadora del Women’s Architectural Club of Chicago. Mientras estuvo en Michigan, fue miembro y parte fundadora de la Sociedad T-Square un grupo de mujeres estudiantes de arquitectura, comenzó en 1928 y funcionó hasta 1940 cuando se volvió parte del AIA (Instituto Americano de Arquitectura) de Chicago y se convirtió más bien en un grupo para las esposas de los miembros. Fue la primera mujer dibujante en muchos estudios de arquitectura y durante un tiempo tuvo su propio estudio. En 1931 ganó el premio Better Homes Award (Premio a las Mejores Casas), por la residencia que diseñó para B.G. Lawrence, este diseño fue expuesto en la Feria Mundial de 1933 en Chicago, su trabajo se presentó bajo el nombre“1833 – 1933: Un siglo de progreso”. También llegó a realizar varias publicaciones entre ellas su libro inspirado en sus viajes alrededor del mundo titulado A Tyro Takes a Trip (Una Principiante se toma un Viaje), publicado en 1971. Su trabajo como arquitecta abarca más de doscientas casas, iglesias, escuelas, complejos de apartamentos y edificios comerciales.

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Miembros de la T-Square Society. (Bertha Yerex, Juliette Peddle y Ruth Perkins están representadas en esta fotografía). Michiganensian, Volumen 24, 1920, p. 665.

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Fragmentos de planos de Residencias privadas en Evanston, Bertha Yerex Whitman, Illinois. Imágenes de Una arquitecta un día.

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SOPHIA HAYDEN Arquitecta

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Nacida en Santiago, Chile, 1868, de madre peruana y padre del noreste de Estados Unidos. Tuvo una buena base de estudios es la primera mujer en recibir un título en arquitectura del Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) su orientación educacional se orientó al conocimiento tanto práctico como los métodos académicos de diseño establecidos por la École des Beaux-Arts de París. Para su tesis, Hayden presentó un diseño para un Museo de Bellas Artes, un programa cívico típico de la pedagogía académica del MIT. Después de su graduación del MIT, Hayden comenzó a enseñar dibujo mecánico en la Eliot School, una escuela primaria en Boston que enfatiza la educación vocacional. Su primer y único trabajo inició el 2 de febrero de 1891 cuando el Departamento de Construcción de la Exposición Mundial de Columbia anunció un concurso para el diseño del Edificio de la Mujer, una de las salas de exposiciones que se construirán para la exposición internacional de 1893 en Chicago. Solo mujeres serían elegibles, pero debían tener una formación formal en arquitectura. La autora de la obra ganadora sería nombrada arquitecta del Woman 's Building y recibiría un honorario de $1,000 por ejecutar sus dibujos de trabajo, lo que era muy poco comparado con el sueldo de los hombres. Fue de los primeros edificios de la feria en entrar en obra y estuvo dentro de su presupuesto. La inauguración formal fue en octubre de 1892 y las críticas variaron algunas lo consideraron un diseño mediocre, otras lo elogiaron como un logro notable y muchas ofrecen una atribución específicamente de género a su arquitectura. Después de ello acabó cansada y decidió retirarse de la arquitectura. Regresó a Nueva Inglaterra y, tras casarse con el retratista y diseñador de interiores William Blackstone Bennett, se estableció en Winthrop, Massachusetts. Si bien solo tuvo una obra, Hayden había atraído nueva atención a los esfuerzos y capacidades de mujeres al integrar en todo el edificio pequeños programas elaborados sólo por mujeres.

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Sophia Hayden, Edificio de la Mujer de la Exposición Mundial de Columbia, Chicago, 1893. Imagen de pioneering women

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Sophia Hayden, Woman's Building, World's Columbian Exposition, Chicago, 1893. Fotografía de William Henry Jackson, 1894. Archivos y colecciones especiales, documentos y dibujos de Ball State University.

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Sophia Hayden, elevación, Museo de Bellas Artes, tesis del MIT, 1890. Technology Architectural Review , 3, no. 5, 1890. Rotch Library, MIT

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Sophia Hayden, plano, Museo de Bellas Artes, tesis del MIT, 1890. Technology Architectural Review , 3, no. 5, 1890. Rotch Library, MIT

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DEL LIBRO DE LA NATURALEZA Art Nouveau

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PENDIENTE DE RENE LALIQUE

Este estilo particular nacido en Francia parte de la inspiración del Arts & Crafts inglés, pero encuentra su propia musa en la naturaleza, elemento que lo seguirá en todas sus formas de expresión, acompañado de la figura femenina. Su primera aparición oficial fue la exposición universal de París en 1900 (de ahí que el estilo sea llamado estilo 1900's) este tuvo una asistencia de casi 50 millones de personas de todo el mundo, a partir de ello el estilo será reinterpretado por cada país y llamado de manera diferente estilo Liberty o Floreale para Italia, Modernismo para España, Art Nouveau para Bélgica y Francia, Nieuwe Kunst para los Países Bajos, Sezession para Austria, Modern Style para Reino Unido, Jugendstil para Alemania y los paises nordicos y así sigue. Cada uno tendrá sus propias características por ejemplo en Alemania serán las estructuras quienes recibirán las curvas y detalles simplificados de la naturaleza, en algunos casos con sutiles mosaicos, o “apliques” de detalles vegetales; El sezession menos ornamentado, pero con un guión casi lírico en su arquitectura, Italia sería el que menos ejemplares genere de los mencionados y reservara el estilo solo para las orillas de la ciudad. Será un estilo multitudinario muebles, tapices, lámparas, cubiertos, joyería, edificios, publicidad, ilustraciones, aditamentos urbanos, vestimenta, etc. Entre sus características el Art Nouveau se caracteriza por lo ágil y fluido, de sus formas curvas y asimétricas en algunos de los casos. Sensuales diseños basados en formas orgánicas inspiradas en la naturaleza (flores, plantas, insectos)-

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- mostrando una influencia de parte del Arte Japonés. La naturaleza constituía el principal motivo del Art Nouveau principalmente las formas vegetales, ya que muchos de estos artistas poseían conocimientos de botánica. El otro punto de inspiración será la figura femenina, la mayoría de ellas caracterizadas por su largas cabelleras.

"Todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso." Antoni Gaudí

ENTRADAS DEL METRO, DISEÑADAS POR HECTOR GUIMARD.

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MARGARET MACDONALD MACKINTOSH Arquitecta y artista

"Recuerda, eres la mitad, sino tres cuartos en toda mi obra arquitectonica..." "Margaret tiene ingenio, yo solo tengo talento"

-Charles R.Mackintosh sobre Margaret M.

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Cuando hablamos de Margaret, es inevitable hablar de su esposo y viceversa, él apoyaba algunos de sus proyectos y ella era la musa de los de él. Inglesa nacida en 1864, fue estudiante en la Escuela de Arte de Glasgow junto a su hermana en 1890. Ambas colaboraron a lo largo de sus trabajos, lo que las llevó a abrir su propio estudio, Macdonald Sisters Studio en 1890. Algunos de sus trabajos son las ilustraciones para Defense of Guinevere de William Morris, que se encuentran en las colecciones especiales de la Universidad de Buffalo. Fue mientras estudiaban en la escuela de arte de Glasgow, que Margaret conoció a Charles Rennie Mackintosh quien se volvería su esposo. El trabajo de Margaret tenia influencia del arte celta, la poesía y el simbolismo. Formó parte de un grupo artístico llamado Glasgow Girls que incluía figuras como Bessie MacNicol, Helen Paxton Brown, Annie French, Jessie Marion King y Frances Macdonald. Esto fue posible en Glasgow debido a lo que se conoce como un "período de ilustración" en el cambio de siglo, entre 1855 y 1920. Después de casarse con Mackintosh en 1900 Margaret y él colaboraron en casi todos sus proyectos, a veces llevan la firma de él y de su esposa. Ella contribuyó a más de 40 exposiciones europeas y americanas a lo largo de su carrera. En Viena, Mackintosh y Macdonald expusieron en la Secesión de Viena de 1900. Entre sus trabajos como pareja están la sala de música para una villa en Viena encargada por Fritz Waerndorfer, quien fue el fundador inicial de Wiener Werkstätte.

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La villa fue diseñada para albergar y exhibir el trabajo de arquitectos y artistas locales: Josef Hoffman y Koloman Moser ya estaban trabajando en algunas de las habitaciones. Los diseños de House for an Art Lover fueron creados por la pareja en 1900, los diseños de Willow Tea Rooms comenzaron en 1902 y el Rose Boudoir en la Exposición Internacional de Turín en 1903. Completó su obra en 1921 y murió en 1933.

The May Queen (1900). Se exhibió en el Walters Art Museum de Baltimore. Foto: Glasgow Museum Collections

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Pinturas Queens"(1909) (1909)colocadas colocadasen enlalapared paredde delalacasa casade deCatherine CatherineCranston Cranstonen enGlasgow, Glasgow,Hous'hill. Hous'hill. pinturas"Four Four Queens Imagen desde William Morris Tiles.

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Margaret Macdonald y Charles R. Mackintosh, Perspectiva Interior de la Casa para un Amante del Arte. Imagen de un día una arquitecta

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Margaret Macdonald y Charles R. Mackintosh, Silla de Respaldar Alto. Imagen de un día una arquitecta.

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"Maqueta para casa particular" Theo Van Doesburg. Fotografía de Joaquín Cortes/Román Lores. Archivo fotográfico del museo Reina Sofia.

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DE ARTISTAS Y ARQUITECTOS Stijl

Fundado a finales de la primera guerra mundial en 1917 por un grupo de artistas y arquitectos holandeses, el estilo, también llamado neoplasticismo surge en contraparte del Art Déco y otros estilos con detalles ornamentales que fueron populares antes de la guerra; Al igual que otros estilos surgidos a partir de la guerra como el futurismo, expresionismo o el arte abstracto, consideraban que el arte, diseño y otros no podían seguir igual después de lo ocurrido por lo que crean el Stijil que significa “estilo” en holandes con la publicación de una revista, entre los fundadores estarán los pintores Piet Mondrian, Theo Van Doesburg y Vilmos Huszar, el arquitecto Jacobus Johannes Pieter Oud y el poeta A. Kok. Ante los excesos decorativos, la forma se limitará líneas y planos, los colores blanco, negro y gris seran acompañados con detalles usando únicamente los colores primarios. Piet Mondrian es el ejemplo más claro de este estilo. Piet Mondrian, pintura II, 1936.

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Portada de libro de Stijl Tapa dura, edición de 1971 de Hans L. C. Jaffe. Imagen desde Amazon.

La idea era dejar los estilos “barrocos” y mediante el uso de colores y formas «puros», equilibrados de manera dinámica empleando matemáticas, llegar a un estilo simple que se debería seguir a futuro.

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SOPHIE TAEUBER-ARP Arquitecta

no es posible para nosotros regresar a las circunstancias exactas de aquellos en una era pasada, intentar crear arte en el estilo pasado siempre es inauténtico

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Participó en una variedad de movimientos incluso antes de la Segunda Guerra Mundial en Europa, y fue una de las figuras más activas en el Café Voltaire de Zúrich. Dedicó su carrera a romper los límites artificiales y estáticos entre géneros y formas, y a celebrar la energía creativa que liberaba tal liberación. Para Taeuber-Arp, el arte era tanto algo político como algo que debía integrarse en la vida cotidiana por ejemplo, su trabajo con Theo Van Doesburg en el Café de L'Aubette incorporó los principios del diseño textil aplicado a la creación del espacio arquitectónico y la decoración. Más tarde abrazó los principios del constructivismo, y se convirtió en uno de sus practicantes más importantes fuera de Rusia. Las obras de arte de Taeuber-Arp, ya sea una marioneta, un movimiento de bailarina o un patrón textil, presentaban la posibilidad de crear un mundo más hermoso a partir de los elementos del presente. El dadá fue el movimiento más influyente en su carrera, por lo que manejó algunas de esas ideas con el resto de los movimientos.

Dada-Kopf (Portrait of Hans Arp) Sophie Taeuber-Arp Fecha: 1918. Imagen de wikiart

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Sophie Taeuber-Arp, bordado . C. 1920, lana sobre lienzo. Colección particular, cedida a la Fondation Arp, Clamart, Francia

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Sophie Taeuber-Arp, Composición de círculos y ángulos superpuestos 1930. Museo de Arte Moderno de Nueva York. Colección Riklis de McCrory Corporation. Fotografía: Museo de Arte Moderno, Departamento de Imagen y Recursos Visuales. © 2019 Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York / VG Bild-Kunst, Bonn

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CHARLOTTE PERRIAND Arquitecta

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Artista, Arquitecta, Urbanista, Diseñadora industrial, de muebles e interiores, hija de sastre y de modista de alta costura, nació en 1903 y estudió en la Ecole de l'Union Centrale des Arts Décoratifs, París, Francia durante 1920 a 1925. Dirigió su propia firma de interiorismo desde París durante 1927 a 1937 y trabajó en asociación muchos muebles en el estudio de Le Corbusier y Pierre Jeanneret en París, Francia durante los mismos años. Sus diseños fueron utilizados por Wohnbedarf AG. para hacer muebles para el apartamento modelo "Typ M" en la Werkbundsiedlung Neubühl (Zürich, Suiza) en 1931. Trabajó con muchas personas entre ellas Jean Prouvé, Pierre Jeanneret y Georges Blanchon en París desde 1937 hasta 1940. Perriand estableció una oficina para investigaciones de edificios prefabricados en París en 1940 y trabajó como diseñadora independiente en Tokio e Indochina. La colaboración con Cassina fue la última y es actualmente la única firma autorizada a editar sus diseños, inició en 1964, cuando comenzó a producir las primeras cuatro piezas de LC Collection. Charlotte Perriand continuó trabajando estrechamente como diseñadora para la empresa italiana hasta su muerte en 1999. La obra de Perriand se caracterizó por la suma de modernidad, tradición y funcionalidad, y un particular interés por el uso de formas orgánicas fruto de su amor por la Naturaleza. Fue una visionaria del interiorismo que nos dejó un legado incalculable. Sus innumerables piezas icónicas cambiaron para siempre como vemos los interiores de nuestras casas.

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Le Corbusier (Charles-Édouard Jeanneret) , Pierre Jeanneret , Charlotte Perriand Chaise Longue 1928. 2021 Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York / ADAGP, París / FLC

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Aparador Nuage (1952-1956), Cassina. Charlotte Perriand. Imagen de Arquitectura y diseño.

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Perspectiva de su apartamento en la Place Sant-Sulpice, París, 1928. Charlotte Perriand. Imagen de Arquitectura y diseño

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Butaca Indochine (1943), Cassina. Charlotte Perriand. Imagen de Arquitectura y diseño.

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LA ESCUELA MODERNA Bauhaus

Logo de la Bauhaus, Oskar Schlemmer, 1922

La Bauhaus, en sólo catorce años de vida, se convirtió en la mayor escuela de arte del mundo. Las fechas oficiales de la bauhaus son de 1919-1933, sin embargo ciertos acontecimientos fueron importantes para llegar a su fundación. La historia comienza con Henry Van de Velde. Quien fundó el seminario de artes y oficios en Weimar en 1902, un centro de asesoramiento para oficios y oficios en el Gran Ducado de Sajonia-Weimar-Eisenach, y fue director de la escuela de artes y oficios de 1907 a 1915, poco después del inicio de la primera guerra mundial, Van de Velde quien era belga, decide abandonar Alemania, pero quiere dejar la escuela en buenas manos, a pesar de ello, la escuela no abrirá formalmente hasta después de la guerra, sin embargo ahora llevará el nombre de la Staatliche Bauhaus. Entonces aparece formalmente la Bauhaus El 1 de abril de 1919 Walter Gropius se convirtió en director de la Universidad de Bellas Artes Gran Ducal Sajona de Weimar, la cual unió formalmente el 12 de abril con la escuela de artes y oficios (1903) disuelta y le dio un nuevo nombre: State Bauhaus en Weimar.

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Las invitaciones a maestros fueron enviadas, los espacios abiertos y la bauhaus esperaba estudiantes, como la mayoría de los movimientos anteriores a él rechazaba en gran forma la academia y sus pretensiones clasistas. Y en su manifiesto de inauguración, Gropius convoca a artesanos y artistas a crear juntos "la nueva estructura del futuro, en que todo constituirá un solo conjunto, arquitectura, plástica, pintura y que un día se elevará hacia el cielo de las manos de millones de artífices como símbolo cristalino de una nueva fe". La bauhaus mostraría su trabajo por primera vez en “La exposición de la Bauhaus en 1923, la primera gran representación de la Bauhaus, tenía la intención de transmitir de manera impresionante esta nueva dirección al público.” Por circunstancias, la escuela deja Weimar y se muda a Dessau en 1925, pero antes Gropius entregaría a Weimar, 160 piezas producidas por la Bauhaus. La colección más grande de la Bauhaus hoy en día. En Dessau la escuela florecerá y consolidará, aquí tendremos la etapa de las fiestas, los festivales, la semana de la bauhaus, entre otras cosas. La bauhaus, tuvo bastantes mejoras en esta etapa, entre ellas darle su espacio a la sección de arquitectura que hasta el momento no se había dado. Si bien la arquitectura era parte del curso, no tenía un espacio más bien parece que se desarrollaba en torno al despacho de Walter Gropius, y daban una clase de “construcción y equipamiento interior”. Con la nueva dirección, se comienzan a tratar temas más arquitectónicos y problemas urbanísticos, aunque cada uno de los directores (arquitectos) de la Bauhaus la daría diferente.

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Three Heads, Superimposed (Drei Köpfe, ineinander), Oskar Schlemmer. 1920

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LAMPARA WA 24. Hecho por Wilhelm Wagenfeld, 1924.

En Dessau se producirían los tomos/catálogos de trabajos, de los cuales aun existen unos números y la dirección pasará a Hans Meyer, pero por la situación política de Alemania y las decisiones que se debieron tomar, la escuela aun en Dessau pasaría a manos de su último director Mies van der Rohe, nombrado el 31 de julio, y recibido en Dessau el 3 de septiembre de 1930.Bajo su tutela, la sección de arquitectura se volvería predominante. A pesar de ello, todo acabaría de igual manera, con el partido nacionalista ganando seguidores en la sociedad, llevaron a cerrar la Bauhaus de Dessau por “cosmopolitismo judío” y ganado el poder con Hitler al mando en 1933. cerraron definitivamente desde Berlín. Ahí acaba la Bauhaus, nació durante el expresionismo y primitivismo, Gropius la llevó durante la modernidad, Meyer incorporó el funcionalismo radical y su último director le presenta el minimalismo. Si bien la escuela cerró, sus miembros se dispersaron por el mundo y compartieron lo que la Bauhaus les enseño, lo que de alguna manera garantiza la continuidad de la escuela a pesar de ya no estar presente físicamente, si no en ideas.

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GUNTA STOLZ Arquitecta

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Nacida en Munich, Alemania en 1897, fue una importante diseñadora textil y tejedora. Estudio en la Kunstgewerbeschule (escuela de artes aplicadas) en Múnich de 1914 a 1916, sus estudios incluyen pintura decorativa, pintura de vidrio, cerámica e historia del arte. Por razones del destino trabajó de 1916 a 1918 como enfermera de la Cruz Roja. En 1925, Stölzl se convirtió en la directora de tejido de la escuela Bauhaus cuando esta se trasladó de Weimar a Dessau, por lo que contó con un amplió espacio para el taller de tejido y teñido. Aplicó ideas del arte moderno al tejido, experimentó con materiales sintéticos y mejoró la instrucción técnica del departamento para incluir cursos de matemáticas. Después de su salida de la Bauhaus en la primavera de 1931, Stölzl se fue a Suiza. En 1932, fundó la empresa de tejidos a mano SPH-Stoffe en Zúrich con los antiguos miembros de la Bauhaus Gertrud Preiswerk y Heinrich-Otto Hürlimann. En 1937, recibió el premio Diplôme Commémoratif Exposition Internationale des Arts et des Techniques por su trabajo en la Exposición Universal de París. Si bien Hürlimann también dejó el negocio en 1937, Stölzl continuó dirigiendo la empresa de tejidos a partir de entonces como Sh-Stoffe. En 1967, abandonó sus actividades en el taller y se dedicó a la producción de tapices. Participó en la gran exposición itinerante 50 Jahre Bauhaus en 1968.

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Tapiz de hendidura rojo-verde, autor: Gunta Stölzl, 1927–1928. Bauhaus-Archiv Berlín

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Borrador de 'Cinco coros', autor: Gunta Stölzl, 1928.

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Boceto hecho por Gunta Stölzl, 1927. Parte del archivo del MET sobre el Bauhaus

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MARIANNE BRANDT Arquitecta

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Alemana nacida en 1911, no solo trabajó en algunas de las áreas de la arquitectura, sino que también fue pintora, escultora y diseñadora industrial. Estudió pintura y escultura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Weimar. László Moholy-Nagy reconoció rápidamente su talento único. Con su apoyo, Brandt estudió en el dominio masculino del taller de metal, demostrando ser más exitosa que muchos de sus compañeros de clase. En 1926, diseñó los primeros accesorios de iluminación para el edificio Bauhaus en Dessau. De mayo de 1928 al 1 de julio de 1929, fue directora del taller de metal en la Bauhaus. Brandt dejó la Bauhaus a finales de 1929, después de haber trabajado en la oficina de arquitectura de Walter Gropius de julio a diciembre de 1929. Contribuyó al diseño interior de la urbanización Karlsruhe-Dammerstock. Posteriormente, dirigió el departamento de diseño de la empresa Ruppelwerk Metallwarenfabrik GmbH en Gotha hasta 1932. Su reputación se estableció sobre todo por sus productos industriales hechos de metal y vidrio. También realizó numerosas fotografías y fotomontajes.

Tetera modelo MT 49, 1924. Hecho por Marianne Brandt. Metal con mango de Ébano.

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Study in Balance, del curso preliminar de László Moholy-Nagy, autor: Marianne Brandt / foto: Lucia Moholy, 1923.

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Juego de té y café, autor: Marianne Brandt, 1924 / foto: Lucia Moholy

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UN POCO DE BRILLO NO LE HACE DAÑO A NADIE ART DECO

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INTERIOR DEL MUSEO Durham , EN OMAHA, NEBRASKA. FOTO DE NIKOLYN McDonald.

Al igual que su antecesor el Art deco es Francés y toco de todo influyendo en la cultura de su tiempo y guiando la estética en nuevas y revolucionarias direcciones, aunque un estilo internacional que tuvo el ejemplares en India, Brasil, México y varios países Europeos, fue en los Estados Unidos de América donde alcanzó su mayor esplendor. Fue un estilo de entreguerras con un sentido positivista (¿Te suenan los felices 20?) El Art déco o Art deco (abreviatura de “Arts Décoratifs”, “artes decorativas”) surgió justamente cuando moría el Art Nouveau, hacia 1910, aunque fue evolucionando para alcanzar su cumbre en los años 20 del pasado siglo. En este periodo de entreguerras, se desarrolló este estilo ecléctico, que se refiere tanto al arte, como a la arquitectura y al diseño de interiores. Reflejo de una época de grandes contradicciones, desde los alegres años 20 a la Gran depresión de los años 30, la arquitectura y las artes aplicadas de esta época reflejan una gran variedad de influencias. Pronto se irradia hacia el mundo entero, con ejemplos de su arquitectura y diseño en los cinco continentes. Debe en gran medida su popularización (y su nombre) a la Exposición de Artes Decorativas de París en 1925, en esta ofreció un amplio catálogo de lo que este estilo –ya más que maduro- daba de sí. El Art Decó toma inspiración de varios lugares monumentalidad tomada del Antiguo Egipto, ingeniería aerodinámica y el uso de la iluminación tomada del futurismo, las formas del cubismo, los llamativos colores fauvistas, la geometrización de la Bauhaus entre otras.

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u forma se caracterizaba por la geometría y la simplicidad, a menudo combinadas con colores brillantes y nuevos materiales. El estilo dio lugar a formas sencillas sí, pero llenas de elegancia que ensalzaban el auge del comercio y tecnología. Encontraremos entre las artistas representativas a la artista polaca Tamara de Lempicka.

Título original: Tamara in a Green Bugatti Colección particular Técnica: Óleo (35 x 27 cm.)

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HILDRETH MEIERE Arquitecta

“Una maestra del muralismo: el mundo de las artes podrá escribir tu nombre alto en la lista de los más grandes pintores y escribir con verdad, pero no (abarcarte) por completo."

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Hildreth Meiere nació en la ciudad de Nueva York en 1892 en un hogar donde el arte era una parte importante de la vida. Inició sus estudios en Florencia, Italia, donde estuvo expuesta al arte clásico y a los grandes artistas del Renacimiento. Posteriormente continuó sus estudios en la Liga de Estudiantes de Arte en Nueva York y en escuelas de arte en San Francisco. Después de la Gran Guerra regresó a Nueva York y trabajó en proyectos de Bellas Artes y conoció a Bertram Goodhue, con quien realizó muchos trabajos como los mosaicos de la Iglesia de San Bartolomé en Nueva York, la cúpula de la Academia Nacional de Ciencias en Washington, D.C., y los pisos y techos del Capitolio del Estado de Nebraska, por lo que recibió la Medalla de Oro en Pintura Mural de 1928 de la Liga de Arquitectura de Nueva York. Su trabajo en el Capitolio del Estado de Nebraska hizo uso de baldosas policromáticas de Guastivino en los techos de mármol en los pisos. artista y diseñadora estadounidense Hasta su muerte en 1961 reconoció el Capitolio del Estado de Nebraska como su mayor logro.

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El mosaico de vidrio Banking Room en One Wall Street, una creación de la muralista Art Deco Hildreth Meière. La historia de su arte pionero se perdió durante décadas para todos menos un pequeño grupo de historiadores versados en Art Deco o arte mural estadounidense.Crédito...Richard Drew / Prensa asociada

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El espíritu de la música, representado en su diseño de 1932 de esta rotonda en el Radio City Music Hall.Crédito...Hildreth Meiere Dunn

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Fragmento Árbol de la vida, mosaico del templo Templo Emanu-El Nueva York, NY, 1929. Imagen de la asociación Hildred Meière internacional.

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SIMPLICIDAD Y FUNCIONALIDAD RACIONALISMO

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El racionalismo arquitectónico es la arquitectura de la postguerra que nace de la revolución industrial y la situación al finalizar la guerra, los grandes edificios no son costeables bajo los estándares de estilo del Art Deco por ejemplo, por lo que la decoración en el racionalismo será nula los edificios se vuelven un ejercicio de depuración conceptual, una búsqueda de la verdadera esencia de la arquitectura sin el ornamento, por lo que el diseño se verá a través de la geometría, forma del espacio y las técnicas constructivas empleadas. Busca una relación entre la estructura, la función del objeto y la forma que adopta, en este estilo la frase “La forma sigue a la función” de Louis Sullivan si bien parte de movimientos anteriores cobrará sentido de vuelta aqui, esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada donde cada parte tuviera una función a través de líneas sencillas y funcionales basadas en las formas geométricas simples y materiales de orden industrial más costeables y de buena calidad, renunciando a la ornamentación excesiva y otorgándole mayor importancia a la forma. La belleza del racionalismo radica en su abstracción, en cómo consigue transmitir que el objeto que estás observando, ya sea una mesa, un pilar o un edificio, es, en esencia, la definición misma de ese objeto. Su principal premisa era el funcionalismo una teoría que postulaba dar una mayor importancia a la función sin considerar su aspecto estético o Cualquier otra premisa secundaria fue un movimiento preocupado por influir en mejorar la vida de la gente a través de un lenguaje innovador que supuso un arma -

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- de construcción de una nueva forma de interpretar la relación del ser humano con su entorno. Sus principales características son el uso de materiales industriales como el acero vidrio y concreto armado predominio de grandes ventanales espacios abiertos forma determinada por la función elimina todo tipo de ornamentación. El 1929 pabellón de Alemania de la exposición internacional de Barcelona uno de los mejores ejemplos de la arquitectura ración lista por su pureza formal su concepción espacial y su inteligente empleo de estructuras y materiales

Villa "Savoye" Poissy , construida entre 1928 y 1930 según el diseño de Le Corbusier .

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JANE DREW Arquitecta

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Drew nació en Thornton Heath, Inglaterra, un 24 de marzo de 1911, fué una Arquitecta y urbanista que convirtió en uno de los principales fundadores de MARS - un movimiento modernista Inglés basado en el CIAM de Le Corbusier - el cual se basa en la declaración de la misión "el uso del espacio para la actividad humana en lugar de la manipulación de la convención estilizada ". Estudió en la Architectural Association School (AA) de Londres e inició una práctica únicamente con participación femenina, durante la guerra en Londres. Drew tomó una serie de grandes proyectos en toda la ciudad, y con el tiempo armó una sociedad con su esposo Maxwell Fry. Una enorme proporción de sus proyectos consistía en viviendas asequibles en Inglaterra, África Occidental e Irán. Impresionado por su trabajo en África Occidental, el primer ministro indú solicitó a Drew para diseñar Chandigarh, la nueva capital del Punjab. Drew estaba insegura de su capacidad para llevar a cabo el proyecto en el momento en que ella estaba diseñando la vivienda para el festival de Gran Bretaña, - por lo que convenció a su compañero modernista Le Corbusier para contribuir, creando una estrecha colaboración entre los dos. Drew utilizó la ciudad para experimentar con nuevas estrategias de vivienda con conciencia social, y con el tiempo logró efectuar el diseño de viviendas en toda la India.

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Escuela secundaria en Chandigarh diseñada por Drew en 1956 Cortesía de la colección de fotografías de la biblioteca RIBA

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Palacio de asamblea en Chandigarh, India, diseñado por Jane Drew y Le Corbusier. Imagen de Frederick M. Asher

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Interior image of the ICA with furniture by Jane Drew. Imagen obtenida de CIRCARQ

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EILEEN GRAY Arquitecta

"Lo notable de Gray es que fue subestimada, pero nunca miró hacia atrás", dijo StrizlerLevine. "Ella siguió avanzando".

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Arquitecta, interiorista y diseñadora de muebles, la irlandesa Eileen Gray, hija de un pintor que alentó su lado artístico y una baronesa, inició en el campo de las artes en Londres, donde se matriculó en la escuela de Bellas Artes Slade (1898). En 1900, viajó a París por primera vez para visitar la Exposición Universal y fue allí donde la obra de Charles Rennie Mackintosh y el movimiento Art Nouveau captaron toda su atención, descubrió el mundo del lacado de la mano del artista japonés Seizo Sugawara. A partir de aquí creará sus propias piezas de mobiliario que la llevaran a abrir más tarde su propio taller. Tras la Primera Guerra Mundial, Gray reorientó su actividad al interiorismo y el diseño de muebles. Se adentra en el mundo de la arquitectura a pesar de no tener formación. Así, en 1924 levantó en la costa sur de Francia su propia casa de vacaciones, la E-1027, que amueblada con piezas de su propia creación que también se convertirían en icónicas, como la mesa auxiliar homónima. Tras participar en una exposición junto a Le Corbusier en 1937, Gray abandona su carrera como diseñadora, por lo que su trabajo quedó en gran parte olvidado hasta 1968, cuando el crítico Joseph Rykwert publicó un artículo sobre su obra en la revista Domus que reivindicó su legado. La escala de su logro es única, no solo por la inventiva y la calidad de los objetos que creó sino también por la extraordinaria fusión de la forma con la artesanía a lo largo de toda su obra.

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Casa E-1027, una villa modernista en Roquebrune-Cap-Martin, en el departamento de Alpes Marítimos de Francia. Fue diseñado y construido entre 1926 y 1929 por la arquitecta irlandesa y diseñadora de muebles Eileen Gray - ©National Museum of Ireland NATIONAL MUSEUM OF IRELAND

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esa auxiliar ajustable E-1027, 1927, Classicon.

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Eileen Gray, Dibujo para Boudoir de Monte Carlo (1923). Cortesía del Musée des Arts Décoratifs, París. Fotografía de Christophe Dellière.

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Eileen Gray, Mesa de servicio de comedor (1926-29). Cortesía del Centre Pompidou, Musée national d'art moderne. La mesa tiene un juego de cajones detrás disfrazado para objetos de valor.

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Eileen Gray, Biombo de madera lacada ( circa 1921–23). Cortesía de Kelly Gallery y Stephen Kelly, Nueva York.

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DESDE EL NORTE DE EUROPA ESCANDINAVO

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Cuando hablamos de este tipo de diseño nos referimos a los países del norte de Europa. En sus inicios únicamente engloba a Noruega y Suecia, aunque con el paso de los años el concepto se ha extendido a otros países como Dinamarca, Islandia y Finlandia. Su origen aparece entre las dos guerras mundiales; aunque ya se construían muebles antes del Siglo XX. La Exposición de Estocolmo de 1930 marcó una época. Un evento de diseño y decoración en el que diseñadores locales de la época mostraron sus piezas fabricadas de manera industrial, en contraposición a la defensa de la fabricación artesanal de los muebles de estilo escandinavo. El objetivo era mezclar lo mejor de ambos mundos; por un lado, el uso de materiales locales como la madera, y por otro lado, el aprovechamiento de la modernidad a la hora de fabricar sus muebles. Buscaban crear entornos cómodos, alegres y luminosos. Pese a la exposición no fue conocido internacionalmente hasta el año 1954 cuando se acuñó el concepto de diseño escandinavo a partir de una exposición con ese nombre recorrió Norteamérica promoviendo el estilo de vida en los países nórdicos y la decoración en los mismos. Fueron los años 50, cuando el movimiento saltó a la fama internacional, y entre las décadas de los 60 y los 70 comenzaron a introducir nuevos materiales como el plástico y las resinas en sus diseños. El diseño escandinavo está basado en simpleza, naturaleza y humanismo. La unión de estas características logran una mezcla de la tradición y folklore del pasado sueco, danes y noruego con una estética limpia y natural. Los muebles que acompañan los espacios son geométricamente puros, no tienen muchos adornos, pero son funcionales “Nada esta de mas” solo lo necesario.

EJEMPLO DE FUTÓN (SILLÓN). IMAGEN DE URBAN OUTFITTERS.

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AINNO AALTO Arquitecta

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Fue una de las primeras arquitectas finlandesas. Trabajó con su marido Alvar Aalto, hasta su fallecimiento en 1949. Muy poco se ha dicho de ella, aunque su trabajo del diseño de interiores y mobiliario (como el de la Villa Mairea, finalizada en 1939), fue pionero en el norte de Europa. Aino Aalto –Aino Marsio– nació el 25 de enero de 1894 en Helsinki. Se graduó en la Universidad Politécnica de Helsinki en 1920, y comenzó a trabajar para la oficina de Alvar Aalto como su asistente. A los seis meses, aproximadamente, Aino y Alvar Aalto se casaron. Él decía que le debía tanto dinero que esta era su única salida Entre sus primeros trabajos está la Parroquia Pöytyä que según Erling Bjertnae, asistente de la oficina fue obra completa de Marsio. Ella además se dedicó a la construcción de edificios de pequeña escala, especialmente villas veraniegas. El principal de ellos fue su propia casa de verano, Villa Flora en Alajärvi de 1926. A pesar de su modesta escala, ejemplifica muchas de las características del clasicismo nórdico: la combinación de los modos clásicos y vernáculos Marsio también diseñó varios objetos domésticos de vidrio para la empresa finlandesa Iittala. Su diseño más conocido es la serie de cristal Bölgeblick diseñada en 1932, con el cual obtuvo la Medalla de Oro en Diseño, en la VI Trienal de Milán de 1936. En 1938, participó en el concurso del Pabellón de Finlandia para la Feria Mundial de Nueva York, ganando el tercer puesto, mientras que su esposo ganó los primeros dos. El pabellón que finalmente se construyó contiene ideas de las tres propuestas presentadas por la pareja.

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El juego de cuatro vasos Aino Aalto fue diseñado por el diseñador Ainno Aalto en 1932 para la marca finlandesa iittala.

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Silla para niños (modelo 103) Diseñado en 1929 (este ejemplo hacia 1936)

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Photograph of stools designed by Aino Aalto. Alvar Aalto Foundation

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MENOS ES MÁS MInimalismo

El minimalismo surgió en Nueva York a principios de la década de 1960 entre los artistas que renuncian conscientemente al arte reciente que creían que se había vuelto obsoleto y académico. Wollheim fue el primero que utilizó el término, sin embargo, es la frase 'menos es más', popularmente atribuida a Mies van der Rohe (el arquitecto y alguna vez director de la Bauhaus) la que aparece como lema de esta corriente. Dentro de la arquitectura, el orden, la sobriedad y la influencia del racionalismo, marcan la edificación en su conjunto. Aunque en la práctica ya se utilizaban algunas ideas como la simplicidad en su concepto y la reducción de sus elementos, los primeros arquitectos que propusieron obras minimalistas se basaron en la tradición de la construcción japonesa donde la estructura se reduce a sus elementos necesarios, esta fue una de sus principales influencias pese a no ser la única donde practican conceptos de simplicidad estética.

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Este movimiento tuvo su auge hasta la década de los ochenta en ciudades como Londres y Nueva York, una salida del caos que habían dejado las vertiginosas tendencias del siglo XX. De acuerdo con los profesores Michael Ostwald y Josephine Vaughan, tiene su auge “de la sofocante presencia del tráfico, la publicidad, los enormes edificios y la imposición de anchas avenidas” lo que concuerda que sus primeras paradas hayan sido en grandes y conglomeradas ciudades ya que el minimalismo trata de reducir al mínimo el número de elementos que se perciben en un diseño, lo que incluye también reducir los colores y texturas, lo que se busca es que el ojo lo perciba como algo extremadamente sencillo. Encontraremos las obras de Luis Barragán, Tadao Ando y algunas otras mucho más recientes al ser un movimiento que de alguna manera aún prevalece. Sin importar la disciplina, el minimalismo se refiere a la importancia de los detalles esenciales de una obra, "Menos es más”, como algún momento mencionó Mies van der Rohe.

CASA ESTUDIO LUIS BARRAGÁN

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FLORENCE KNOLL Arquitecta

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Nacida de un panadero y huérfana a los doce años, creció en Saginaw, Michigan, demostrando un interés temprano en la arquitectura por lo que se inscribió en la Escuela para Niñas Kingswood, adyacente a la Academia de Arte Cranbrook. Acogida calurosamente por la familia Saarinen, posteriormente la recomendaría Eliel Saarinen y Alvar Aalto para que Florence estudiará con algunos de los mejores arquitectos del siglo XX, incluidos Walter Gropius y Marcel Breuer en Cambridge, Massachusetts y Ludwig Mies van der Rohe en el Instituto de Tecnología de Illinois. Tenía 24 años en 1941 cuando entró a trabajar en la empresa de muebles del empresario alemán Hans G. Knoll, con quien se casaría cinco años después. Su llegada a la compañía fue crucial para convertirla en la firma de diseño más grande y prestigiosa de la posguerra de Estados Unidos, con más de 35 tiendas en todo el mundo. Creó la Unidad de Planificación la cual se encargaba de investigar y encuestar rigurosamente a cada cliente, evaluando sus necesidades, definiendo patrones de uso y entendiendo las jerarquías de la empresa, antes de presentar un diseño integral, bellamente ejecutado en el estilo característico de Knoll. Florence y la Unidad de Planificación eran responsables de los interiores de algunas de las corporaciones más grandes de Estados Unidos, incluidas IBM, GM y CBS.

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El dibujo de Florence Knoll con la "Silla Diamond" y un separador de ambientes del artista italoamericano Harry Bertoia está inspirado en la portada de la revista. Foto: Documentos de Florence Knoll Bassett, 1932-2000. Archivos de arte estadounidense, Smithsonian Institution

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Florence Knoll aprecia trabajar con pegados. Las muestras de materiales, pegadas en planos a escala, representan los detalles del equipo y crean una impresión de espacio. Foto: Archivo Internacional Knoll

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En la sala de exposiciones de San Francisco, ubicada en una antigua fábrica de escobas del siglo XIX, Florence Knoll mostró sus propios sofás y mesas en 1956 junto con muebles de su maestro Mies van der Rohe y Eero Saarinen. Foto: Archivo Internacional Knoll

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LINA BO BARDI Arquitecta

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Arquitecta moderna italo-brasileña. Nacida en 1914, se graduó de la Escuela Superior de Arquitectura de Roma y se trasladó a Milán, creando su propio estudio en 1942. Con la falta de comisiones debido a la guerra, en 1943 fue invitada a ser directora de la revista Domus. En 1947 Bo Bardi fue invitada a establecer la Assis Chateubriand Museum of Art of São Paulo (MASP) mismo que es uno de los museos más importantes de América Latina. Su diseño incluye lo que se consideran las primeras sillas modernas en Brasil. En 1948 creó Studio d'Arte Palma con otro arquitecto italiano, con diseños de muebles de madera contrachapada y otros materiales brasileños. En 1951 terminó la casa de cristal, su residencia privada, que se convirtió en una pieza clave del modernismo en Brasil. Entre 1955 y 1957 es profesora de Teoría de la Arquitectura en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Sao Paulo. En 1958 Bo Bardi recibió una invitación para ir a Salvador para ejecutar el Museo de Arte Moderno de Bahial . Después del golpe militar de São Paulo en 1964, su obra sufrió una simplificación enorme, convirtiéndose en lo que ella llama "arquitectura pobre". Sin embargo, las circunstancias no limitaron su trabajo, ya que en 1991, recibió el Premio Latino Americano IV Bienal de Arquitectura de Buenos Aires.

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Lina Bo Bardi. Museo de Arte de São Paulo, São Paulo. 1958

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Lina Bo Bardi. Dibujo

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Lina Bo Bardi. Solar do Unhão, Salvador BA.

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Lina Bo Bardi. Silla Bowl. 1951

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HUMANIDAD Y AMBIENTE Arq. Orgánica

Cuando las “selvas de concreto” se volvieron agobiantes aparece esta corriente que busca crear espacios armoniosos utilizando los elementos de la naturaleza. Crea una conexión con el hábitat construido por el propio ser humano y con el hábitat natural. Esta arquitectura comprende el espacio y evita crear bloques pesados que invadan todo el paisaje. Es por ello, que cualquier estructura arquitectónica forma parte de la naturaleza sin modificarla, creando una composición integral y homogénea. El término arquitectura orgánica fue acuñado por Frank Lloyd Wright. Aunque se considera moderno, difiere mucho del empuje principal de la arquitectura moderna que enfatiza ideas como la forma sigue a la función. La forma de la arquitectura orgánica sigue la naturaleza y no es tan funcional como los edificios rectangulares y sin decoración que caracterizan la arquitectura moderna.

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Se utilizan materiales naturales, de origen local provenientes de fuentes naturales o lo menos procesado posible; utiliza una geometría sólida y racional para crear un edificio comprensible que puede entenderse como una entidad única; el vidrio proporciona vistas al entorno natural, pero también rompe las formas del edificio. Esto reduce el edificio a sus masas individuales y rompe la sensación de encierro. Actualmente los problemas ambientales refuerzan la reaparición de esta tendencia en los proyectos, estos proyectos pueden poseer dos frentes. La primera de ellas parte de un concepto más orientado hacia casas muy modernas, con rasgos claramente artificiales y las otras son construcciones más conceptuales y que llevan al pie de la letra la idea de orgánico, inspirándose en diseños naturales.

CASA DE LA CASCADA. LLOYD WRIGHT, ILUSTRACION DE ESTHER LEYVA

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NOBUKO TSUCHIURA Arquitecta

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Conocida como la primera arquitecta en ejercer en Japón. Nació en 1900 en el distrito de Hongo de Tokio. Su padre era profesor en la Universidad Imperial de Tokio, y fué a través de él, que conoció a su esposo Kameki Tsuchiura, un estudiante de arquitectura en la universidad. En 1921, se le pidió a Kameki que fuera dibujante para el Hotel Imperial de Frank Lloyd Wright en Tokio. Cuando Frank regresó a los Estados Unidos en 1922, Nobuko y Kameki lo siguieron y se convirtieron en sus aprendices . Nobuko ayudó en las casas de bloques textiles de Frank en el sur de California, como Millard House. De regreso en Japón, trabajaron con el arquitecto checoslovaco Bedrich Feuerstein en algunos concursos para el Centro Cultural Saito Kaikan en Sendai y el Edificio Chikatetsu en Tokio. Abrieron su firma, en la que se enfocaron a residencias privadas, incluyendo la propia, misma que se considera uno de sus trabajos más importantes Nobuko dejó de trabajar en arquitectura y fundó el "Ladies' Photo Club" donde se centró en la fotografía y el arte abstracto. Nobuko falleció en 1998, y su protegido publicó un libro sobre ella titulado 'Big Little Nob' en 2001.

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Nobuko Tsuchiura, Kameki Tsuchiura, Casa Tsuchiura, Meguro, Tokio, 1935.

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Nobuko Tsuchiura, Kameki Tsuchiura, Edificio Ginza Tokuda, Tokio, 1933.

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Nobuko Tsuchiura, Kameki Tsuchiura, Casa Tsuchiura, Meguro, Tokio, 1935.

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CLARA PORSET Arquitecta

"Incluso en el caso de los adultos, cuando la fisionomía mental y física ya está mucho más establecida, el entorno mantiene su papel crítico como elemento transformador y, a menudo, tiene el poder de cambiar incluso los factores hereditarios”

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Defensora de la artesanía tradicional y del modernismo, Clara Porset fue una profesora revolucionaria que introdujo el gusto por el diseño en las clases populares. Trabajó mano a mano con arquitectos como Luis Barragán y Mario Pani y sus muebles están considerados la quintaesencia del funcionalismo nacional mexicano. Nacida en Cuba en 1895, recibió educación de varias partes del mundo, inició en Estados Unidos en un colegio de Manhattan, la Academia Manhattanville del Convento del Sagrado Corazón. Y prosiguió sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Columbia. Recibió clases en la École de Beaux-Arts y en el taller del arquitecto Henri Rapin. Por recomendación de Walter Gropius, acudió al Black Mountain College, escuela que dirigía el legendario Josef Albers y mantenía vivos los principios del diseño moderno de la Bauhaus.Al acabar sus estudios regresó a Cuba y se presentó como una autoridad del diseño y la arquitectura. Se hizo miembro de los círculos más elitistas de La Habana y ofreció charlas sobre diseño funcionalista. En 1941 participó del concurso Organic Design for Home Furnishing organizado por el MOMA de Nueva York ganando uno de los premios. En 1948 participó en otro concurso del museo para el New York Prize Design for Modern Furniture, que no ganó pero aun así una silla de estructura de varilla y tejido de mimbre fue seleccionada para el catálogo. Llega a México durante la presidencia de Lázaro cárdenas, cuando el muralismo está aún presente, se casa y termina quedándose en México produciendo muebles icónicos con un alcance internacional une el mueble mexicano contemporáneo con la artesanía mexicana y la industrialización en el diseño de mueble y aprovecha esta época en la que el arte mexicano tendrá fama en EUA y Europa. Sus muebles eran prácticos y no solo estéticos, se planteaban bajo el estilo nacionalista.

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Butaque 'Miguelito' que Clara Porset diseñó para el arquitecto Luis Barragán. | ADN GALERÍA

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Sofá 'Loveseat' diseñado por Clara Porset en los años 50 en madera de caoba. | ADN GALERÍA

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Clara Porset, Exposición «El arte en la vida diaria» en Museo de Bellas Artes, 1952

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