Importancia del respeto al contexto cultural en la fotografía
Por: Diana Paola Ramírez
Altar de Muertos
Por: Noé Francisco García Pescador
Por: Margarita Celeste Prado Hernández y María Goretti Sánchez Maldonado
¿Porqué es importante el Diseñador Gráfico?
Por: Juan Pablo Miranda Arroyo
Historia y desarrollo del Diseño Gráfico en México y América Latina
Por: Nathaly Paola Pérez Guerrero
Por: Antonio Vera Rojas
Del artista al diseñador: Análisis histórico del Diseño Gráfico en México 22 26 28 25
Por: Ana Karen Alvarez Díaz Diseño como herramienta en la conciencia social
Por: Karina Chapa Oliver El humanismo renacentista en las pinturas de Giotto y Masaccio
Por: Natalia García Vargas Pros y contras del diseño asisitdo por computadora
Llegamos a la edición número 30 de nuestra gaceta Grafía + y estamos muy contentos y orgullosos de ello ya que en este espacio, tanto docentes como alumnos hemos plasmado pensamientos, actividades y sueños que a partir de la constancia y perseverancia hemos hecho tangibles en Escuela de Diseño.
En Grafía+30 hemos considerado algunos artículos que tocan temas interesantes como la conciencia social, vanguardia, inteligencia artificial, diseño sustentable entre otros, en donde se muestra la labor que realizamos como diseñadores en el mundo en que nos desarrollamos y vivimos. Para un diseñador gráfico, es importante saber y conocer de diversos temas para poder tener un sustento teórico que nos permita fundamentar los proyectos que realizamos; dentro de nuestro proceso de diseño, investigamos, analizamos referencias para de esta manera podamos tomar decisiones que nos lleven a una conceptualización de temas interesantes que generen un impacto social, tal fue el caso de Huellitas al Mictlán, altar de muertos 2024, en el que se promueve la conciencia crítica, la creatividad, la trascendencia de la cultura en México, plasmando tradiciones de una manera actual e innovadora, logrando el trabajo en equipo vital para nuestra profesión mostrado en un proyecto a gran escala.
Agradecemos a todos los que han participado en Grafía+ a lo largo de todo este tiempo, gracias los que lo han hecho posible; continuaremos en este proyecto tan importante de Escuela de Diseño de la Universidad Latina de México.
AGE QVOD AGIS.
LDG. María Michel Gómez Flores
Coordinadora Académica de Escuela de Diseño Universidad Latina de México.
LA FOTOGRAFÍA CONSUMISMO Y EL
Por: Lot Arturo García Mejía. Alumno de 3er. semestre
El consumismo es una tendencia que impulsa la adquisición de bienes y servicios de una manera excesiva, este fenómeno se ha visto impulsado por diversos factores, tanto sociales, económicos y culturales; pero a medida que ha avanzado la tecnología, la fotografía se ha convertido en una poderosa herramienta para promover este tipo de prácticas.
Actualmente todos conocemos la importancia de la fotografía, del alcance que tiene como un medio visual; una fotografía tiene la capacidad de congelar un momento, de captar las emociones y poder conectar con quien la aprecia o quien la consume, un claro ejemplo de esto es cuando se utilizan imágenes de personas “felices” para evocar sentimientos de felicidad y satisfacción en los consumidores y persuadirlos de adquirir dicho producto.
En la época actual la fotografía juega un papel muy importante en la publicidad, tanto en los medios de comunicación tradicionales como en las redes sociales; la alteración de la realidad utilizando imágenes sumamente cuidadosas de productos o relativas a la alusión de un estilo de vida. Aplicaciones como Instagram y Pinterest se han vuelto dos importantes fuentes de la cultura visual; los influen-
cers comparten en ellas imágenes que se viralizan rápidamente, imágenes no solo de productos sino también del día a día fomentan tendencias consumistas como el FOMO (Fear of Missing Out, miedo a perderse algo), ya que la gente que consume estas imágenes se ve en la necesidad de seguir las tendencias para no sentirse excluida.
Otro punto que hay que señalar es la psicología de los productos, el cómo las campañas de marketing generan imágenes atractivas para generar el deseo en los consumidores, como la gente percibe el status de los productos y cómo lo relaciona con el éxito, algo que se planea con antelación y promueve las compras impulsivas.
La fotografía ha transformado la forma en que los consumidores perciben y se relacionan con los productos, las imágenes atractivas no solo crean un deseo de posesión, también establecen tendencias y generan un sentido de urgencia que fomenta el consumo impulsivo; es crucial que tanto los consumidores como las marcas reflexionen sobre la ética de la fotografía publicitaria y su impacto en la sociedad. En el mundo actual una fotografía o imagen puede moldear nuestras decisiones, es por eso que hay que ser conscientes a la hora de consumir.
Por Diana Ramírez. Alumna de Tercer Semestre Diseño Editorial: Nami Camarena
La fotografía es ahora, más que nunca a lo largo de su historia, testimonio de momentos sociales, políticos, culturales y personales. Es muy difícil saber cuántas imágenes podemos ver en un solo día: online, redes sociales, en televisión, vallas publicitarias, revistas, etc.
La fotografía tiene funciones como:
Educar en el lenguaje y cultura visual para aprender a ser críticos y reflexivos sobre los que vemos.
Que la fotografía sirva como una herramienta a través de la cual se puede conocer al mundo y nuestra propia forma de verlo también.
La fotografía nos ayuda a inmortalizar momentos preciados, de ahí el valor que tiene. Sin embargo, es importante reconocer que su funcionalidad es más que estética, pues las imágenes influyen en cómo las personas perciben narrativas y contextos sociales de comunidades, así como la forma en la que estas se ven a sí mismas. Por eso, es importante respetar el contexto cultural al momento de fotografiar comunidades.
Jorge Baracutei
Estevez, líder de la comunidad
Taíno en Nueva York
Sensibilidad Histórica
El respeto al contexto cultural implica también un entendimiento de la historia de la comunidad. Elementos que podrían parecer inofensivos pueden tener resonancias dolorosas debido a experiencias pasadas y pueden influir en la manera en que las imágenes son recibidas. Por lo tanto, es esencial abordar estos temas con sensibilidad y cuidado.
Impacto en la Percepción
Las imágenes tienen el poder de moldear la percepción pública. Una fotografía puede perpetuar estereotipos o, por el contrario, desafiarlos. Al tomar decisiones informadas y respetuosas en el uso de la fotografía, los diseñadores y fotógrafos pueden contribuir a una narrativa visual que fomente l
Significados y Simbolismos
Cada cultura posee su propio conjunto de símbolos y significados que pueden variar de una comunidad a otra. Un color, un gesto o un objeto puede tener connotaciones positivas en una cultura, mientras que en otra puede ser considerado ofensivo o tabú.
Representación y Diversidad
La representación adecuada en la fotografía es fundamental para una comunicación efectiva. Las imágenes que muestran a personas de diversas culturas de manera auténtica y respetuosa no solo enriquecen el contenido visual, sino que también promueven la inclusión y la diversidad.
Narrativas Auténticas
Cada comunidad tiene sus propias historias, tradiciones y realidades. La fotografía que se adentra en estas narrativas locales puede crear conexiones emocionales profundas. Al respetar y comprender el contexto cultural, se puede capturar la esencia de la comunidad, ofreciendo una representación fiel que resuene con el espectador.
El respeto al contexto cultural también se traduce en prácticas éticas en la fotografía. Esto incluye obtener el consentimiento informado, mostrar una representación equitativa y evitar la explotación de sujetos vulnerables. Los fotógrafos deben abordar su trabajo con responsabilidad, reconociendo el poder que tienen sus imágenes. empatía y el entendimiento entre culturas.
Conclusión
La fotografía es un arte que, cuando se ejerce con respeto hacia el contexto cultural, puede ser una herramienta poderosa para la comprensión y el diálogo intercultural. Al reconocer y valorar la diversidad de experiencias humanas, los fotógrafos no solo enriquecen su propia práctica, sino que también contribuyen a un mundo más justo y comprensivo. Respetar el contexto cultural en la fotografía no es solo una cuestión de sensibilidad; es una responsabilidad ética que puede tener un impacto duradero en la sociedad. Ética en la Fotografía
Por: Francisco Noé García. Alumno 7mo. semestre Diseño editorial: Marco García Sáncen.
Anteproyecto:
Una vez decidida la propuesta de diseño para el altar de muertos de este 2024, con nombre “Huellitas al Mictlan”, se empezó a planificar entre los alumnos de 7° semestre y algunos de los maestros con un enlace directo con el proyecto toda la distribución del trabajo. Una vez resuelta toda esta área de planificación del proyecto, se tuvo una conferencia entre toda la carrera, donde los alumnos de 7° semestre proyectaron su idea para este nuevo altar, dando a conocer a todos los demás alumnos el concepto, la idealización, la idea estructural, entre algunas otras cosas.
Cabe mencionar que para ello, se acordó desde un inicio con cada uno de los semestres en la misma conferencia, los materiales que podrían llegar a necesitarse, aclarar que el trabajo en equipo y de cada uno de los integrantes era fundamental para poder llevar a cabo en tiempo y forma el proyecto, y unas palabras de aliento para poder motivar a cada uno de los alumnos.
Proyecto:
Ya una vez acordado todo, fuimos comenzando el proyecto como tal, donde los alumnos de 5° semestre fueron los antagonistas en esta ocasión, ya que fueron quienes apoyaron en muchos de los aspectos como el trazado del diseño para el tapete, la creación del dios Mictlantecutli, las creaciones de algunos componentes como las figuras en MDF de la trajinera hecha de perro, entre algunas otras cosas.
En cuestión de la distribución, los alumnos de 3° semestre fueron los encargados de la creación de las cabezas de pe-
rros que fueron instaladas en los bordes del altar, junto con la estructura de la trajinera en forma de perro, las decoraciones que fueron instaladas en los bordes del altar, incluyendo sus trazos, recortes, armados y sus pintadas.
1° Semestre fue el encargado de la creación de la decoración, siendo estas las flores de cempasúchil, las veladoras, el pintado del aserrín, algunas de las decoraciones de los bordes (en cuestión del pintado).
En caso de los alumnos de 7° semestre, cada uno fue dividido con los equipos, siendo nosotros los encargados de ir llevando
cada equipo en tiempo y orden, siendo caso mío, el equipo de 5° semestre, donde me tocó organizar las actividades que hicieron cada uno de ellos, ayudándoles en algunas ocasiones en el trazado del tapete, otras ocasiones solo en revisar y asesorar el proceso y avance. Ya concluido la mayor parte del trabajo de mi equipo, fui con el profesor Aldo, maestro clave para el altar, siendo él, el encargado de la construcción del área estructural. Comenzamos a construir la mesa, las bases en MDF para los personajes que irían dentro de la trajinera, algunas bases para otras zonas del altar, sus armados e instalaciones ya en el levantamiento del altar en la plaza.
Una vez realizado cada uno de los elementos para el altar, nos fuimos el día 24 por la noche, para amanecer al día 25 de Octubre, a instalar el altar para su gran inauguración ese mismo día 25 por la tarde. Fuimos al montaje todos los estudiantes de la carrera de Diseño, administrando de buena forma los roles para su instalación, como por ejemplo, unos alumnos poniendo el aserrín, otros las estructuras, otros dándole algún retoque a algunas de las cosas que pudieran haberse dañado un poco en cuestión de su estética, entre otras cosas del altar mismo.
Una vez que concluimos con el montaje del altar, cada quien se fue a descansar, ya que el altar terminó su instalación a las 2 de la mañana aproximadamente.
• Resultado:
El día 25 de Octubre por la tarde, fue el momento de su gran inauguración, donde la mayoría de los alumnos fueron para poder estar ahí cuando el listón de inaugurado fuese cortado. Hubo una gran cantidad de espectadores, más de las que cada uno de nosotros imaginó, debido a que muchos sentimos que logramos una mayor conexión con muchos de ellos, ya que en el altar se puso una gran ofrenda para cada uno de las mascotas que lamentablemente ya no están con nosotros. Esto hizo que la gente sintiera esa chispa nuevamente que tuvieron con sus seres amados que tuvieron que partir de este plano.
Los alumnos de 7° semestre fuimos quienes presentaron el altar de muertos 2024, “Huellitas al Mictlán”, ya que fue nuestro
proyecto final de 6° semestre, y nuestra creación. Tuvimos invitados como los representantes administrativos de la Universidad Latina de México, algunos reporteros de diversos medios, como El Sol del Bajío, algunos otros que iban con su equipo profesional de grabación, para poder reportar el proyecto en sus medios, como el periódico, algunas revistas digitales, redes sociales, entre algunos otros.
Para concluir, quisiera agradecer a todos y cada uno de los alumnos y profesores involucrados en este altar, ya que no habríamos podido lograrlo sin ellos, ya que tuvimos problemas en cuestiones administrativas del tiempo.
Y sobre todo, agradecer a los alumnos de 5° semestre, ya que la mayor parte del proyecto fue hecho por ellos, ya fuese al 100% o en partes. Incluso llegando a pensar que eran ellos los encargados del proyecto.
La verdad, este proyecto fue algo memorable, porque fue el último altar de muertos que haremos mi generación, porque fue una ofrenda para cada uno de los animalitos que nos fueron acompañando en nuestras vidas, viviendo cosas alegres, tristes, pesadas y divertidas con cada uno de ellos.
Me llevo un gran recuerdo de este altar de muertos, no solo porque fue parte de un cierre de la etapa académica, sino porque logramos algo que queríamos, lo cual era, superar los altares pasados en los que participó nuestra generación.
DESING UP
Foro de Investigación Agosto-Diciembre 2024
Por: Margarita Prado Hernández y Goretti Sánchez Maldonado. Alumnas de 5to. semestre.
Diseño editorial: Miguel Angel
El campus de la Universidad Latina de México vibró con creatividad y conocimiento en la más reciente edición del Foro de Investigación 2024, organizado por la Escuela de Diseño Gráfico. El evento se llevó a cabo en la semana del 19 al 22 de noviembre del año en curso, en donde se reunieron los estudiantes y docentes para presentar los proyectos que se realizaron a lo largo del semestre Agosto-Diciembre 2024. El foro tuvo como nombre “Design Up”, y se des tacó por la retroalimentación y colaboración de cada uno de los presentes, donde la creatividad y experiencia fue la principal aportación a to dos los participantes.
DISEÑO Y COSTOS DE PRODUCCIÓN
D-SIGNERS
7mo. semestre
Los encargados de abrir el foro fueron los alumnos de 7mo semestre, quienes presentaron sus propuestas de producto junto con los costos de producción en equipo. Cada estudiante combinó los conceptos teóricos vistos en clase en conjunto con aplicaciones prácticas relacionadas al diseño, destacando tanto la creatividad para resolver su proyecto como también la integración del análisis de los costos de producción.
Este fue un proyecto que llamó particularmente la atención de los espectadores, ya que, el empaque diseñado para 5 juegos de vajilla fue diseñado con te-
mática de peces koi. Los asistentes no solo colaboraron con su experiencia y conocimientos previos, sino también con la dedicación detrás de su desarrollo. A su vez, los estudiantes de diseño explicaron cómo la elección de materiales, costos de producción y estética fueron cuidadosamente equilibrados para satisfacer tanto las necesidades funcionales de sus consumidores como de sus productores, sin embargo, esta parte de la exposición tuvo un giro inesperado al retroalimentar los fundamentos que dieron los estudiantes con respecto a su producto, ya que hubo variables que no coinciden con los puntos previos
DEL COLOR
1er. semestre
Continuando con el marco del Foro de Investigación “Design Up”, seguido de los alumnos de 7mo, fue el turno de los alumnos de 1er semestre con una exposición que reflejó la identidad de la ULM, ya que, el proyecto consistió en un diseño basado en la mascota oficial de la universidad: un lobo.
A través de este trabajo, demostraron sus habilidades iniciales, como su comprensión de conceptos fundamentales del diseño, el bocetaje, la psicología del color y lo más importante, el concepto que deseas comunicar visualmente.
El proceso que presentaron fue detallado y metódico, comenzando con una etapa de bocetaje donde exploraron diferentes formas y estilos para representar al lobo. Desde líneas simples y geométricas hasta trazos más dinámicos e intuitivos. Después de exponer el proceso de bocetaje, los alumnos llevaron sus diseños al siguiente nivel con la creación del diseño digitalizado, una versión más concisa y profesional que integraba las mejores características de cada diseño inicial. Al finalizar su exposición, se dió el espacio para preguntas y sugerencias, en donde quedó claro que los alumnos de primer semestre tuvieron un buen inicio de carrera a pesar de los obstáculos que atravesaron durante el semestre, mostrando su creatividad, colaboración y aprendizaje continuo.
ANTEPROYECTOS DE TESIS
7mo. semestre
Durante el foro, el tema a continuación fue el más esperado por todos los presentes de la carrera, en donde los alumnos de séptimo semestre presentaron sus anteproyectos de tesis.
La exposición dio inicio con el proyecto de Antonio Rojas, el cual habló sobre el funcionamiento del Frutiger Aero, un estilo gráfico caracterizado por su estética limpia, futurista y funcional. Antonio describió cómo este enfoque influenció la percepción del diseño digital durante los años 2000. Su proyecto consistió en explorar las aplicaciones actuales de este estilo, adaptándolo a plataformas contemporáneas.
Enseguida, Paulo Alcocer explicó detalladamente en su anteproyectos de tesis cómo el diseño de empaque puede transformar los juguetes en piezas únicas, destacando su valor no solo como simples juguetes, sino también como elementos coleccionables y memorables, ya que, para él un empaque bien diseñado tiene la capacidad de crear una conexión emocional con el consumidor y resaltar la exclusividad y/o funcionamiento del producto.
Después, Cristina Escobar expuso sobre el diseño editorial para una revista de moda digital. Inspirada por sus gustos personales en la moda y la elegancia, Cristina presentó un diseño editorial que combinaba fotografías estilizadas con tipografías modernas y composiciones equilibradas.
Finalmente, Nathaly Pérez presentó un proyecto cargado de significado social: el diseño de carteles de protesta. Inspirada en movimientos sociales recientes, Nathaly mostró cómo el diseño puede ser un aliado para amplificar voces y demandas mientras mostraba ejemplos que iban reflejando su pasión por el tema.
Esta exposición concluyó con un espacio para preguntas y comentarios, donde los asistentes retroalimentaron a los alumnos corrigiendo y sugiriendo respectivos puntos referentes al tema de cada uno de los estudiantes de 7mo. Además, a pesar de las correcciones, se pudo percibir que cada proyecto reflejaba la esencia y el compromiso de cada uno con el diseño, mostrando cómo siendo estudiantes de 7mo semestre están ampliando sus ideas sobre temas específicos que involucran al diseño gráfico más allá de lo convencional.
DISEÑO Y
REDES SOCIALES
7mo. semestre
Durante el tercer día del Foro de Investigación “Design Up”, los alumnos de séptimo semestre de Diseño Gráfico impresionaron al público con su enfoque estratégico hacia el diseño en redes sociales. En su presentación, abordaron cómo combinar creatividad y marketing digital para alcanzar objetivos concretos en plataformas como Facebook e Instagram, utilizando la herramienta Meta Business Suite.
Los estudiantes explicaron su proceso, desde el análisis del cliente objetivo con metodologías como FODA y SMART, hasta la creación de estrategias de contenido alineadas con las necesidades del mercado. Mostraron calendarios de publicación, costos y un desglose detallado de cómo planificar campañas publicitarias efectivas. Al final, mostraron las propuestas de los resultados gráficos de cómo quedaron sus anuncios y las estrategias que utilizaron para su realización. Con esto, demostraron que el diseño gráfico no solo es visual, sino una herramienta estratégica en el mundo digital.
CIANOTIPIA
TEXTIL
5to. semestre
Continuando con el programa del día, los alumnos de 5to semestre de la carrera de Diseño Gráfico presentaron su proyecto de producción mediante la técnica de cianotipia textil en tote bags y playeras. Esta exposición mostró la capacidad para integrar diseño y viabilidad comercial en un solo producto.
La presentación inició con una breve introducción sobre la cianotipia, una técnica fotográfica alternativa que se caracteriza por sus distintivos tonos azules. Enseguida los alumnos explicaron cómo adaptaron esta técnica para aplicarla en sus soportes textiles y durante la exposición, una alumna de este semestre se dio a la tarea de describir detalladamente cómo fue el proceso de impresión que se empleó.
Mientras algunos estudiantes eligieron una tote bag como soporte para sus diseños, otros decidieron experimentar con camisetas, ampliando las posibilidades de aplicación de la técnica. Además, durante la presentación, se mostraron fotografías y ejem-
plos reales, permitiéndonos observar de cerca los resultados de la cianotipia en telas. Al finalizar, los presentes formularon preguntas sobre el costo generado y la posibilidad de adaptarlo para una mejor producción.
La exposición generó interés por la cianotipia como también admiración por parte de los compañeros de 1er semestre, ya que este es un tema que les gustaría aprender durante su estancia en la universidad.
TEORÍA DE LA DECONSTRUCCIÓN
5to. semestre
La presentación de los alumnos de quinto semestre fue un ejercicio de mucha creatividad, donde la teoría de la deconstrucción se convirtió en la base para crear unos cuentos con este concepto. A través de un enfoque creativo, los estudiantes explicaron cómo transformaron las estructuras narrativas convencionales, integrando personajes únicos creados con la técnica del cadáver exquisito, para relatar historias cuyo objetivo central era salvar la creatividad y llevando de la mano los distintos conceptos que han ido aprendido en la clase de Diseño Experimental.
Durante la exposición, explicaron cómo imaginaron las narrativas para cuestionar y resaltar el valor de la imaginación. El proceso de realización combinó trabajo colaborativo y diseño gráfico, equilibrando lo visual y lo narrativo para dar vida a historias originales.
DISEÑO DE TIRAS CÓMICAS
1er. semestre
Para finalizar las presentaciones del Foro de esta edición, los alumnos de primer semestre cerraron con un proyecto muy original, fue una de las intervenciones más divertidas y significativas del evento. Con gran entusiasmo, los estudiantes explicaron al público el proyecto que realizaron en la materia Taller de Expresión Gráfica: una tira cómica inspirada en la tradición del altar de muertos, que destacó por su contenido cultural y su ejecución técnica y estética.
Iniciaron explicando qué es una tira cómica y cómo la narrativa gráfica combina ilustraciones, texto y expresiones visuales para contar historias de forma dinámica. Su proyecto se enfocó en dar vida a personajes en torno a la festividad del Día de Muertos, mientras exploraban los elementos fundamentales del cómic.
Este proyecto fue, sin duda, un claro ejemplo de cómo el diseño gráfico trasciende lo visual para contar historias que inspiran, educan y conectan con las emociones.
Crearon cuatro personajes con la técnica de cadáveres exquisitos, los cuales estaban conformados por distintas piezas de animales, personas y ropas; se llamaban Dennis, Fortis,Dui y Jane. Además, estos cuentos fueron creados con algunas técnicas experimentales hechas a partir de distintos materiales artísticos, tradicionales, texturas escaneadas y algunos no convencionales como suavizante de telas, alcohol, limón, jabón, entre otros más. Con esto se logró que la teoría de la deconstrucción lograra captar la atención y así visualizar distintas formas de experimentar. Esta presentación demostró cómo el diseño gráfico trasciende lo visual, convirtiéndose en un poderoso medio narrativo para explorar ideas y promover el cambio creativo.
El Foro de Investigación 2024 dejó una huella imborrable en todos los asistentes. Con una mezcla de innovación, compromiso y talento, el evento realzó el diseño como herramienta transformadora, al igual que motivó a estudiantes y profesores a continuar explorando su potencial creativo.
Cada proyecto presentado reafirmó la importancia del diseño gráfico como un lenguaje universal que conecta ideas. El cierre del foro dejó un aprendizaje significativo: la investigación y la creatividad pueden generar un impacto positivo.
Finalmente, la comunidad de la Escuela de Diseño espera con entusiasmo que la próxima edición de este evento seguirá marcando un antes y un después en el panorama educativo y profesional.
¿Por qué es importante el diseño gráfico ?
El diseño gráfico es el responsable de convertir mensajes e ideas en realidad. Para conseguirlo, utiliza imágenes que deben comunicarse efectivamente a la audiencia, incluso a través de dibujos, bocetos, documentos, anuncios o libros.
Conoce las áreas principales en las que puede trabajar un diseñador gráfico
Director Creativo:
Este puesto de supervisión, en donde este profesional maneja un equipo de diseñadores enfocados en branding, campañas y en todo lo relacionado con artes visuales.
Director de arte:
Es una persona que administra y coordina el equipo de un proyecto para ga- rantizar que los tiempos de en- trega se cumplan y que la cali- dad del trabajo sea la esperada por el cliente.
Art Production Manager:
Es un puesto más administrativo, esta persona revisará cada parte de producción y de la creación de los diferentes productos visuales de manera eficiente y rentable.
Creador de imagen de marca:
Como su nombre lo indica, el diseñador que realiza este trabajo crea los elementos enfocados en el branding de una marca. Con el propósito de conectar con la audiencia y llegar al público especifico.
Por: Juan Pablo Miranda. Alumno de 3er. semestre Diseño Editorial: Camila Pérez
Historia y Desarrollo del Diseño Gráfico en México y América Latina
Por: Nathaly Paola Pérez Guerrero. Alumna de 7mo. semestre Diseño editorial: Nely Alexandra Paredes Mendoza
El diseño gráfico en México ha experimentado una evolución compleja y multifacética, reflejando tanto las características culturales propias del país como las influencias extranjeras que han moldeado su desarrollo. En su artículo “El diseño gráfico en México: Un análisis histórico”, Óscar Salinas Flores ofrece una revisión profunda de este proceso, destacando los momentos clave y las figuras que han influido significativamente en la historia del diseño gráfico mexicano. Al complementar estas ideas con el trabajo de Silvia Fernández en “El diseño gráfico en América Latina”, se puede situar este desarrollo dentro de un contexto regional más amplio, donde las dinámicas sociopolíticas y culturales han desempeñado un papel crucial en la configuración del diseño en toda América Latina.
1.
El Desarrollo Histórico del Diseño Gráfico en México: Un Legado Cultural
Salinas Flores (2003) sostiene que el diseño gráfico en México no puede entenderse sin considerar su vínculo intrínseco con el arte popular y las tradiciones gráficas que anteceden a la modernidad. Desde las expresiones prehispánicas, como los códices y murales, hasta las influencias europeas durante el período colonial, el diseño gráfico en México ha sido un reflejo constante de la identidad cultural del país. En el período posterior a la Revolución Mexicana, el diseño gráfico comenzó a consolidarse como una disciplina autónoma influenciada por movimientos artísticos locales, especialmente el muralismo. Este movimiento no solo influyó en el arte público, sino también en la gráfica impresa y el diseño editorial, generando un enfoque estético que buscaba representar los valores e ideales nacionales (Salinas Flores, 2003).
De esta forma, un punto crítico en la profesionalización del diseño gráfico en México fue la fundación del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) en 1946. Salinas Flores destaca que esta institución fue fundamental para promover la educación en diseño y para integrar el diseño gráfico en el discurso cultural del país. El INBA se convirtió en un centro de formación para generaciones de diseñadores que utilizaron su trabajo para explorar tanto temas estéticos como sociales. Esta etapa también vio la emergencia de figuras clave como Vicente Rojo, quien revolucionó el diseño editorial mexicano al combinar técnicas modernistas con un
enfoque experimental que desafiaba las normas visuales de su tiempo (Salinas Flores, 2003).
2.
El Papel del Cartel y la Gráfica Popular como Expresión de Identidad Nacional
El uso del cartel y otros medios de gráfica popular ha sido central en la historia del diseño gráfico en México. Desde los famosos carteles de la lucha libre hasta los murales de Diego Rivera y los carteles de protesta de los movimientos estudiantiles de 1968, el diseño gráfico ha funcionado como un medio poderoso de comunicación política y cultural. Salinas Flores (2003) analiza cómo estos elementos gráficos no solo reflejan los valores sociales y culturales del momento, sino que también actúan como herramientas de resistencia y de construcción de una identidad nacional.
En este contexto, Silvia Fernández (2011) aporta un análisis complementario al señalar que en América Latina, y particularmente en México, el diseño gráfico ha funcionado como un espacio de resistencia cultural frente a las influencias coloniales y neocoloniales. Fernández destaca cómo los diseñadores gráficos han recurrido al arte popular y las tradiciones locales para crear un lenguaje visual que no solo sea estéticamente distintivo, sino también políticamente relevante. Este enfoque ha permitido que el diseño gráfico en México se convierta en una herramienta para el activismo social y la preservación de la identidad cultural.
3.
Modernización y la Búsqueda de una Identidad Gráfica Propia en América Latina
El análisis de Salinas Flores puede enriquecerse al considerar las ideas de Fernández en su obra “El diseño gráfico en América Latina”. Fernández (2011) argumenta que el desarrollo del diseño gráfico en Latinoamérica, incluyendo México, ha estado marcado por un proceso de constante diálogo entre las influencias extranjeras y las tradiciones locales. Este diálogo se ve reflejado en la adopción y adaptación de estilos gráficos internacionales, como el Art Deco, el Constructivismo y el Modernismo, que fueron reinterpretados a través de la lente cultural de cada país. En México, por ejemplo, el modernismo no solo significó la adopción de nuevas técnicas y estilos, sino también una adaptación de estos elementos a un contexto donde el nacionalismo y el arte popular desempeñaron un papel fundamental.
Por otra parte, Fernández (2011) también subraya que los diseñadores gráficos latinoamericanos han luchado por definir una identidad visual propia que sea a la vez moderna y profundamente enraizada en su herencia cultural. En México, esta búsqueda ha dado lugar a un estilo único que combina elementos del muralismo, la gráfica popular, y las tradiciones indígenas, creando un lenguaje visual que es tanto global como local. La incorporación de símbolos prehispánicos y colores vibrantes, por ejemplo, no solo ha servido para distinguir el diseño mexicano a nivel internacional, sino que también ha funcionado como un medio de resistencia contra las narrativas culturales dominantes que a menudo minimizan las contribuciones de las culturas no occidentales.
El Diseño Gráfico como Herramienta de Transformación Social y Política
Un aspecto crucial que ambos autores exploran es el papel del diseño gráfico como herramienta de transformación social y política. Salinas Flores (2003) examina cómo, durante momentos de agitación social, como el movimiento estudiantil de 1968, el diseño gráfico se convirtió en un vehículo esencial para la comunicación de mensajes de protesta y resistencia. Los carteles creados durante este período no solo sirvieron para movilizar a la población, sino que también crearon un registro visual de la lucha por la democracia y los derechos humanos en México.
De igual forma, Fernández (2011) amplía esta idea al señalar que en toda América Latina, el diseño gráfico ha servido como un medio para articular una respuesta visual a las injusticias sociales y políticas. En este contexto, el diseño gráfico se convierte no solo en una expresión estética, sino en una forma de activismo que refleja las luchas históricas y contemporáneas de la región. Desde las dictaduras en el Cono Sur hasta los movimientos por los derechos indígenas en México y Guatemala, el diseño gráfico ha proporcionado una plataforma para que los diseñadores participen activamente en el cambio social.
4. 5.
Impacto del Neoliberalismo y la Globalización en el Diseño
Gráfico Mexicano
A medida que el diseño gráfico en México entró en la era contemporánea, enfrentó nuevos desafíos y oportunidades debido a la globalización y el auge del neoliberalismo. Es así que Salinas Flores (2003) sugiere que
la apertura económica de México en las últimas décadas ha influido significativamente en la práctica del diseño gráfico, exponiéndo a nuevas tendencias y demandas del mercado internacional. Sin embargo, este fenómeno también ha generado tensiones sobre cómo preservar la identidad gráfica local en un contexto de creciente homogeneización cultural.
Por otro lado, Fernández (2011) argumenta que la globalización ha llevado a los diseñadores gráficos latinoamericanos a reflexionar sobre su papel en un mercado cada vez más competitivo. Aunque algunos han adoptado estilos más internacionales para atraer a un público global, otros han optado por profundizar en sus raíces culturales y utilizar el diseño gráfico como un medio para reivindicar la diversidad y la riqueza cultural de sus países. Este fenómeno es particularmente evidente en México, donde muchos diseñadores contemporáneos están reimaginando el diseño gráfico como un espacio para la innovación cultural y la resistencia frente a las dinámicas del mercado global.
Conclusión
Es pertinente concluir que el análisis histórico de Óscar Salinas Flores sobre el diseño gráfico en México revela la profundidad y complejidad de esta disciplina en el contexto nacional. Sin embargo, al situar estas ideas dentro del marco más amplio del desarrollo del diseño gráfico en América Latina, como lo propone Silvia Fernández, es posible apreciar cómo México no solo ha sido influenciado por su propia historia cultural, sino también por las dinámicas sociopolíticas y culturales que han afectado a toda la región. El diseño gráfico en México, al igual que en el resto de América Latina, ha evolucionado a través de un proceso de sincretismo cultural, en el que las influencias externas se han combinado con las tradiciones locales para crear una expresión gráfica que es tanto global como profundamente enraizada en la identidad cultural de la región. En última instancia, el diseño gráfico en México sigue siendo un campo dinámico que refleja las complejidades de su historia, sus luchas y su constante búsqueda de identidad.
Referencias Bibliográficas
Fernández, S. (2011). El diseño gráfico en América Latina. Editorial ABC.
Salinas Flores, Ó. (2003). El diseño gráfico en México: Un análisis histórico. Revista de Diseño, 12(3), 45-67.
De artista a diseñador: Análisis histórico del
Diseño Gráfico en México
Por: Antonio Vera Rojas. Alumno de 7mo. semestre
Diseño editorial: Ricardo Uriel Méndez Ángeles
Este ensayo busca hacer un análisis sobre el escrito de Oscar Salinas Flores, el cual nos deja ver su visión de como fue el camino que tuvo que recorrer el diseño gráfico dentro de nuestro país para convertirse en una de las carreras más influyentes que vemos hoy en día, pasando por diversas evoluciones no solo en el ámbito tecnológico, si no tambien en rostros que sirvieron de guía para darle una identidad al diseño mexicano.
Si bien el diseño gráfico es una disciplina profesional reconocida a nivel mundial, su origen, al menos en lo que respecta a tierras mexicanas, data de apenas un siglo atrás. El autor nos describe como es que debemos dar un viaje al pasado prehispánico de nuestras tierras “…para encontrar los antecedentes que dieron paso al origen de un oficio que en sus inicios se encontraba ligado al termino “artista”.” (Salinas, 2019, 184). Esto debido a que se tiene una imagen de lo que es un diseñador hoy en día, y aunque la tarea parecía ser más simple en aquella época, podemos decir que los “artistas” de la época comparten una característica que es fundamental en lo que respecta a la profesión del diseño contemporáneo, que es el poder comunicar eficientemente las ideas y/o pensamientos de la época, todo esto evolucionando en conjunto con una sociedad que buscaba la solución a sus problemas necesarios de ese momento.
Un ejemplo de la resolución de problemas en aquella época lo encontramos en la antigua Mesopotamia, donde los signos, a pesar de su simplicidad, lograban transmitir mensajes eficaces que satisfacían necesidades del momento, como expresar una idea, un pensamiento, o plasmar hechos importantes de su cultura o del lugar donde vivían.
Además de resolver problemas sociales, el diseño también proporcionaba a las sociedades una sensación de pertenencia e identidad, utilizando elementos tan simples como el color. Un ejemplo es el azul maya, que llegó a tener un fuerte vínculo con la sociedad antigua, hasta el punto de recibir un nombre específico para reforzar esa conexión.
Con el paso de los años, los signos propuestos por las sociedades fueron evolucionando hasta estructurarse en códigos visuales que permitieron preservar las vivencias y conocimientos de esos pueblos. Durante el virreinato, un punto de inflexión en la historia de México es que surgen nuevas formas de expresión para continuar resolviendo los problemas de una sociedad en constante avance, ahora apoyada por la tecnología, que se convirtió en uno de los mayores aliados del ser humano “moderno”. En un esfuerzo por marcar un cambio visible en la sociedad de esa época, se intentó eliminar los vestigios de las culturas que habían dominado las tierras mexicanas, destruyendo los códices antiguos, lo que casi borró por completo la gráfica prehispánica.
La llegada de la litografía a México en el siglo XVIII resolvió una de las principales dificultades que enfrentaban los diseñadores: la reproducción de sus obras de manera rápida y económica, lo que facilitó el acceso a las ideas y la información que se deseaba comunicar en ese entonces.
Posteriormente, con la caída del régimen de Porfirio Díaz, varios sectores y organizaciones del país buscaron que el diseño también fuera una herramienta para reconectar a la sociedad bajo una nueva identidad que fomentara el desarrollo cultural de México.
Figura
Años más tarde, con la llegada de tres exiliados españoles a México, la identidad gráfica del país experimentó un cambio significativo. Joseph Renau, Miguel Priet y Vicente Rojo trajeron consigo conocimientos que se ajustaban a las necesidades del momento y enriquecieron la gráfica mexicana. Las aportaciones de Renau tras su llegada en 1939 a las tierras aztecas, promueve mediante sus dotes de dibujante y fotógrafo, establecer una empresa de diseño la cual le ayudaría a su mayor meta, el poder proveer a su familia. Dicha actividad en su empresa le valió para poder realizar múltiples trabajos como lo eran: revistas, carteles, entre otros.
Mientras que Renau rompe con algunos de los estigmas gráficos de la época, Priet opta por irse al lado del diseño editorial basándose en sus aptitudes como lo son la tipográfica. Logrando así poder trabajar con la revista “Romance” la cual le permite explotar el talento en tipografia, lo cual tambien lo lleva a pulir y rediseñar otros múltiples trabajos dentro del diseño editorial mexicano.
Vicente Rojo llego siendo uno de los últimos llegados de la deportación, con 10 años de diferencia que los anteriores, sin embargo, gracias a Priet logra formarse en el diseño gráfico para posteriormente el ser quien forme a los siguientes diseñadores. Por todas estas personalidades México no solo crece en cuanto a identidad gráfica, si no que tambien se enriquece culturalmente en mayor o menor medida con las aportaciones que hicieron los reconocidos españoles.
En conclusión, el desarrollo del diseño gráfico en México ha sido el resultado de las acciones de toda una sociedad y de algunos pilares destacados que han dejado una huella que sigue siendo relevante hasta el día de hoy. El análisis de Óscar Salinas Flores es digno de admirar y analizar, ya que resalta puntos clave en la historia de esta profesión: la resolución de problemas comunicativos en una sociedad, la construcción de una identidad y la integración de capacidades creativas de personas externas a la cultura mexicana, quienes lograron articular elementos de diversas fuentes para lograr una comunicación efectiva entre los individuos de una sociedad que siempre ha dependido de una comunicación funcional.
Rivera, D. (1929-1935). Epopeya del pueblo mexicano. Mural. Palacio Nacional, Ciudad de México. México. https:// es.wikipedia.org/wiki/Epopeya_ del_pueblo_mexicano#/media/ Archivo:De_la_Conquista_a_1930_ (2011).jpg
Flores, O. S. (2019). El diseño gráfico en México. Un análisis histórico. InfoDesign - Revista Brasileira De Design Da Informação, 16(2), 184–197. https://doi.org/10.51358/ id.v16i2.725
Figura 2: La epopeya del pueblo mexicano, mural. Palacio Nacional.
EL DISEÑO GRÁFICO COMO HERRAMIENTA EN LA CONCIENCIA SOCIAL
Por: LDG. Ana Karen Alvarez Díaz. Docente de la Escuela de Diseño
Diseño editorial: Daniel Alejandro Salinas González
Seguramente recuerdas alguna marca o mascota que viste en los empaques de tus productos favoritos o a esos artistas que protagonizaban comerciales con coreografías y canciones pegajosas y que, de algún modo, transformaron tu forma de ver las cosas. Está comprobado que una buena narrativa gráca, acompañada de un guión bien pensado, tiene el poder de inuir en nuestra percepción, y resulta aún más valioso cuando esas historias logran crear un impacto positivo en la sociedad.
Siempre he creído que el diseño gráco tiene una capacidad única para despertar la conciencia social, en lo personal, usar el diseño como un medio de comunicación poderoso que me ayude a comunicar mensajes que inspiran a la reflexión, promueven el cambio y movilizan a tomar acción en este tipo de temas, ha dejado en mí una satisfacción y aprendizaje aún más grande que otro tipo de proyectos.
Y te preguntarás como es que se puede llegar a tocar temas a través del diseño, bueno, la bondad de este ocio creativo es que existen muchos medios a través de los cuales nos podemos expresar y transmitir, como lo son carteles, campañas publicitarias, diseño digital y arte urbano; el diseño logra visibilizar problemáticas sociales, ambientales, políticas y culturales. Aquí nombraré algunos de los aspectos clave de cómo el diseño impacta en la conciencia social:
Amplicación de mensajes sociales:
Generación de empatía:
El diseño tiene el poder de humanizar las problemáticas sociales. Al hacer que el público se identique con las personas afectadas, el diseño ayuda a crear una conexión emocional y conciencia sobre realidades ajenas y es mucho más probable que el espectador llegue a involucrarse en hacer un cambio si sintió alguna emoción o sensación a través del diseño.
Impulso al activismo:
Desde los movimientos de derechos civiles en los años 60 hasta campañas modernas como Black Lives Matter, #CuentaHasta10, #NoEsNormal, los diseños de posters, camisetas, murales y grácos en redes sociales juegan un papel central en convocar a las personas y fomentar la participación activa en este tipo de movimientos.
Educación y acceso a la información:
El diseño gráco también simplica y organiza información compleja, lo cual es muy importante en temas de salud, derechos, educación por mencionar algunos temas. Las infografías, grácos interactivos y experiencias de marca, permiten a las personas entender mejor su entorno y tomar decisiones informadas, mejorando su capacidad para participar en la sociedad de forma consciente
Cultura y diversidad:
Los diseñadores tenemos la capacidad y compromiso de convertir mensajes complejos en visuales accesibles y efectivos, ayudando a permear mejor temas como el cambio climático, la igualdad de género, los derechos humanos, entre otros temas. Es fascinante como a través de carteles y campañas digitales podeos lograr captar la atención del público y transmitir ideas poderosas de manera rápida, incluso en un vistazo. 1 3 5 4 2
Hoy en día el diseño gráco es indispensable para crear pertenencia y comunidad; con frases, marcas, colores, símbolos y elementos, el diseño nos invita a celebrar la diversidad cultural, fomentando el respeto y la comprensión entre diferentes comunidades. Los diseñadores somos agentes que contribuyen a una sociedad más inclusiva y respetuosa de la identidad.
Conclusión
Me gustaría dejar como punto a reexionar la inuencia tan poderosa que podemos llegar a lograr a través del diseño gráco como herramienta para la creción de una sociedad más consciente y activa. Al combinar creatividad con responsabilidad social, el diseño tiene el potencial de hacer visible lo invisible y de transformar el pensamiento colectivo hacia un futuro más equitativo y sostenible.
Renacentista En las pinturas de Giotto y Masaccio
Por: Karina Chapa Oliver. Docente Escuela de Diseño.
Diseño editorial: Halle Mares
El Renacimiento, fue un periodo en la historia de la humanidad que marcó una enorme trascendencia en la cultura occidental. Nació en Italia en el siglo XIV, concretamente en la ciudad de Florencia, posteriormente llego a Roma y Venecia. Mas tarde se expandió por Europa, llegando a Francia, España y Alemania, marcando el final de la Edad Media y el inicio de la Edad Moderna.
Esta época se caracterizó por el florecimiento de diversas disciplinas artísticas, científicas y sobre todo por un cambio en la concepción del mundo y el nacimiento del humanismo, que pone al ser humano en el centro del universo, haciendo énfasis en la razón, el conocimiento y la educación, fomentando la creatividad y el pensamiento crítico.
En el ámbito de la pintura, dos de los precursores de este nuevo renacer son Giotto di Bondone y Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai “Masaccio”, aunque los separe un siglo, fueron los que imprimieron en sus pinturas emociones reales a la figura humana.
Por su parte, Giotto di Bondone (ca. 1267-1337) nació en Colle di Vespignano en una familia de pequeños terratenientes, que luego se trasladó a Florencia. Fue un pintor y arquitecto italiano, que renovó por completo la pintura e inspiró con su obra el nacimiento del humanismo.
En sus pinturas, las figuras humanas muestran emociones reales con profundidad y movimiento, fue uno de los primeros en emplear la técnica del claroscuro o contraste de luz y sombra, para dar volumen a las figuras y hacerlas parecer mas reales. Utilizó de manera intuitiva la perspectiva, ya que no conocía los modelos matemáticos para la profundidad de campo, fue el primero en utilizar de manera empírica la tercera dimensión, sin un fundamento científico, también, cambio los fondos dorados de herencia bizantina por cielos azules y arquitectura ficticia, aumentando de esta manera la representación espacial.
Por su inclinación naturalista y realista ya no utilizó una representación jerárquica de los personajes, otorgándoles una dimensión congruente entre ellos, tomando en cuenta la acción de la escena. Este cambio es fundamental desde la perspectiva humanista, ya que refuerza la conexión entre el espectador y los personajes representados, destacando la dignidad y humanidad de los mismos.
El enfoque en la emoción y la realidad física, contribuye a que las escenas religiosas tengan un impacto mucho más profundo y personal. Las figuras son cercanas, sus expresiones visibles y comprensibles, lo que invita a una interpretación íntima y humana de lo divino, mostrando a los santos, como seres dotados de emociones, experiencias y vivencias reales.
Cien años mas tarde, llega Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai, mejor conocido como Masaccio (1401, dio un paso más allá en la pintura renacentista. Basándose en el realismo y la emoción de Giotto, que un siglo antes ya había plasmado en su obra las nuevas técnicas tridimensionales de manera empírica.
Es así como, Masaccio, introdujo el rigor científico y matemático al arte, utilizando la perspectiva lineal, que permitía crear la ilusión de profundidad en un plano bidimensional, aplicó las leyes geométricas precisas, creando un espacio tridimensional donde las figuras parecen vivir y moverse, otro avance importante para el humanismo.
Otra aportación importante, es el tratamiento de la figura humana como entidad corpórea y autónoma, en la que la anatomía se presenta con precisión, con ayuda del manejo de las sombras profundas y formas redondeadas, muestran cuerpos solidos y expresiones faciales que transmiten un sin fin de emociones, como: la tristeza, asombro, alegría, dolor, etc., que hacen que el espectador logre una conexión intima con cada uno de los personajes. También, el uso de perspectiva atmosférica que consiste en hacer que los objetos dis-
tantes aparezcan más desvalidos, permitió crear un entorno natural en el que los personajes parecen integrarse de manera perfecta.
De esta manera ambos artistas, separados por un siglo, fueron piezas fundamentales para desarrollar una visión humanista en el arte, al dotar a la figura humana de emociones y volumen, como si pareciera que los personajes tuvieran vida propia. Al imprimir perspectivas tridimensionales tanto de manera empírica como científica, logrando demostrar que la expresión artística no esta peleada con la ciencia. Por otro lado, rompieron esquemas ya establecidos del medievo y mos traron al mundo en cada una de sus obras, que el ser humano puede pen sar y sentir por si mismo, deshaciéndose de las cadenas de la opresión y la ignorancia. Sin duda una ventana abierta al conocimiento y a la conexión subjetiva del arte, dando la oportunidad a vivir una conexión real a los senti mientos mas profundos del expectador.
Pros y contras del diseño asistido por computadora
Por: Natalia García Vargas. Alumna 1er. semestre
En lo personal, una de las ventajas que puedo advertir del diseño asistido por computadora es que es posible crear diseños con una mayor precisión, debido a que en muchas ocasiones el software es extremadamente exacto, facilitándonos la creación de diseños detallados, así como el poder ajustarlos con facilidad.
Además de la precisión, esta herramienta nos permite ser más eficientes, dado que nos permite trabajar más rápido y de manera más eficiente, reduciendo considerablemente el tiempo necesario para concluir un proyecto.
Por otro lado, nos facilita la colaboración con otras personas toda vez que es posible compartir nuestros diseños con clientes y colegas, siendo así más sencillo recibir la retroalimentación y hacer los ajustes necesarios rápidamente, mejorando la comunicación y el trabajo en equipo.
Otra ventaja del uso de estas herramientas es la reducción de costos que se puede lograr haciendo las correcciones o ajustes necesarios, antes de llevar los diseños a producción o a impresión o, simplemente, antes de la obtención de los los materiales.
Aunque el diseño asistido por computadora tiene muchas ventajas, también presenta algunas desventajas y una de ellas es que muchas de estas herramientas pueden se muy costosas, lo que puede ser un impedimento para los diseñadores independientes y pequeñas agencias de diseño, además de que se necesita de muchas actualizaciones.
Otra desventaja es que se requiere de tiempo de capacitación, lo cual puede ser difícil para los que no están familiarizados con la tecnología.
En muchos casos esta dependencia puede causar retrasos en los trabajos si hay fallos técnicos.
Desde mi experiencia, es más fácil dibujar empleando un lápiz o un color, que empleando un mouse; pues muchos de los efectos que les doy a mis dibujos puedo hacerlos fácilmente con mis lápices y colores, mientras que en la computadora, necesito saber cuál es la herramienta exacta que se usa para crear ciertos efectos, e incluso, si quiero emplear otra técnica es más difícil de conseguir si lo quiero hacer con una de estas herramientas. Aunado a lo anterior, he tenido que renunciar a la colocación de ciertos detalles en mis diseños, debido a que no encuentro la forma de reproducirlos en la computadora.
En conclusión el diseño asistido por computadora presenta numerosas ventajas para los diseñadores pues nos ayuda en la precisión, eficiencia, colaboración y ahorro de costos, pero también se debe considerar que implica un costo significativo inicial, tiempo de capacitación y dependencia.
