Programa mensual mayo 2009

ÍNDICE

Programación mayo 2009 ESTRENOS Trazando Aleida Los bastardos Hijo de... Bush Mi vida dentro Entre la vida y la muerte Bajo Juárez, la ciudad devorando a sus hijas Un secreto

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CICLOS 29 Foro Internacional de la Cineteca Cine colombiano Cine y periodismo

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PROGRAMAS DOBLES Monstruos cuadro x cuadro Las horas de Orlando La belleza está en el interior Alrededor de Irvine Welsh Cómo duele crecer

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Historia del cine mudo Huérfanas de la tormenta Érase una vez Nanook el esquimal Oliver Twist Sangre y arena

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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Lic. Consuelo Sáizar Presidenta

CINETECA NACIONAL Leonardo García Tsao Director General Susana López Aranda Directora de Difusión y Programación Ángeles Sánchez Gutiérrez Directora de Acervos Nelson Carro Subdirector de Programación Ricardo Cázares Subdirector de Acervos Catherine Bloch Gerschel Subdirectora de Investigación Abel Muñoz Hénonin Subdirector de Documentación Ernesto Favela Escalante Subdirector de Salas y Apoyo Técnico Melina Diazmercado Delfín Jefa de Programación y Enlace Internacional

Programa Mensual de la Cineteca Roberto Garza Iturbide Subdirector de Publicaciones y Medios

Programación sujeta a cambios.

Para mayor información, consulte la página Internet www.cinetecanacional.net o llame al teléfono 4155 1190.

Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y el día viernes en Diario Monitor, Reforma, Milenio y La Crónica de Hoy. Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones.

Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite.

Mauricio Matamoros Durán Jefe de Información

Impresión: Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.V Av. Plutarco Elías Calles # 1321 Col. Miravalle

Jorge Martínez Micher Jefe de Publicaciones

Portada: Cartel del 29 Foro Internacional de la Cineteca. Diseño de Haydeé Pichardo.

Agustín Gendron Zárate Jefe de Redacción

Érika Magaña Euroza Diseño editorial Haydeé Pichardo Monroy Diseño de anuncios Mariana Ruvalcaba Rougerio Diseño de encarte Miriam Jiménez Hernández Jorge Magaña Molina Jose Luis Ortega Torres Orianna Paz Esmoris José Antonio Valdés Peña Investigación Patricia Talancón Solorio Investigación iconográfica Javier Rodríguez Almaraz Exposiciones y montajes

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Abreviaturas D: Dirección P: País, año G: Guión F en C: Fotografía en color F en B/N: Fotografía en blanco y negro M: Música E: Edición Prod: Producción Dur: Duración Dist: Distribución PC: Procedencia de copia

Mishima. Una vida en cuatro capítulos

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ayo es el mes del 29 Foro Internacional de la Cineteca, y para la presente edición de este ciclo se han seleccionado catorce películas que representan algo de lo mejor de la vanguardia fílmica internacional. Además, gracias al apoyo de Sony, algunas de estas cintas se exhibirán en proyectores digitales de última generación, dándole así al público la oportunidad de experimentar el alcance de las nuevas tecnologías en el cine. El programa de ciclos se complementa con una muestra de Cine Colombiano, con seis cortos y cinco largometrajes recientes, el XIII Festival Mix de diversidad sexual en cine y video, y un programa dedicado a la relación entre Cine y Periodismo, con seis cintas que se han vuelto referentes sobre este tema, mismas que serán presentadas por connotados especialistas y críticos.

En cuanto a los estrenos, se presentarán Trazando Aleida, documental de Christiane Burkhard sobre la suerte de algunos niños desaparecidos durante la llamada guerra sucia en México; Los bastardos, película dirigida por Amat Escalante que ha sido premiada en todo el mundo; Hijo de… Bush, nuevo capítulo de la saga histórica de Oliver Stone sobre los Estados Unidos; Mi vida dentro, documental de Lucía Gajá que muestra la historia de una indocumentada mexicana injustamente encarcelada en Texas; Entre la vida y la muerte, otro ejemplo de la revitalización del western, esta vez bajo la dirección de Ed Harris; Bajo Juárez, testimonio cinematográfico dirigido por Alejandra Sánchez y José Antonio Cordero sobre los impunes feminicidios perpetrados en la ciudad fronteriza, y Un secreto, filme francés de suspense realizado por Claude Miller.

Por su parte, el programa Historia del Cine Mudo presenta Huérfanas de la tormenta (D.W. Griffith, 1921), Érase una vez (Carl Theodor Dreyer, 1922), Nanook el esquimal (Robert Flaherty, 1922), Oliver Twist (Frank Lloyd, 1922) y Sangre y arena (Fred Niblo, 1922). Finalmente, los Programas dobles están dedicados a Ray Harryhausen, Virginia Woolf, un par de personajes con deformidades físicas, Irvine Welsh y Milos Forman.

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Trazando Aleida D

Trazando Aleida oña Quirina Cruz esperó cerca de 30 años D, G y F en C y B/N: Christiane Burkhard. P: México, para conocer a sus nietos Aleida y Juan Car2007. M: Guillermo González Phillips. E: Lucrecia Gutiérrez Maupomé. Testimonio: Aleida Gallangos. Prod: los. Ellos fueron desaparecidos durante la llamada Instituto Mexicano de Cinematografía, Fondo para la ‘guerra sucia’ en México.

Producción Cinematográfica de Calidad, Prysma Comunicación con Causa, Christiane Burkhard. Dur: 88 mins.

Pero por cosas del destino, a Juan Carlos no Dist: Nueva Era Films. ha podido conocerlo porque, siendo migrante ilegal en Estados Unidos, no puede regresar al país.

“No lo he podido ver en persona, sólo en la película… ¡y he hablado con él por teléfono!”, dice doña Quirina.

La película a la que se refiere la entrevistada es el documental Trazando Aleida, dirigido por Christiane Burkhard. Filmado a lo largo de tres años, aquí se da cuenta de cómo ambos niños fueron arrancados de su familia natural y entregados a otras. También de cómo, en los primeros años de este siglo, una nota periodística dio a conocer la búsqueda de doña Quirina.

Por casualidad la leyó la familia de Aleida y ella a su vez. Después, fue la misma “desaparecida” la encargada de dar con el paradero de su hermano, quien radica en la capital estadounidense, Washington.

“Pero lo que ha pasado después es otra historia”, dice Christiane Burkhard, la realizadora de este trabajo. “Ambos hermanos —comenta—, radican ya en Estados Unidos, tratando de ganarse la vida. Podría hacerse algo de lo qué pasó con ellos después de que se encontraron.

Lo que están viviendo es síntoma de lo que pasa en el país”, sugiere la egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica. “Lo que sé es que Aleida está tratando de escribir su propia vida” informa la realizadora.

Trazando Aleida es considerado por la cineasta como un pedazo de la memoria colectivasocial de México. “Me parece que puede dar esperanza y ayudar a revisar todo lo que ha pasado en el país. Se conocen casos de niños desaparecidos en Argentina, en Chile, pero pocos aquí… Es la historia poco conocida de muchísimos otros que están igual”.

César Huerta Diario El Universal, México Mayo 7 de 2008 A partir del 8 de mayo

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Los bastardos U

n golpe de guitarra eléctrica sobre la pantalla en rojo total es la obertura de este nuevo filme de Amat Escalante. Esa única nota, chirriante, que altera los sentidos, pone al espectador en guardia. Lo que verá a continuación será un relato de contenida violencia, que al estallar tendrá consecuencias inesperadas.

En 2005, Escalante, cineasta mexicano nacido en Barcelona en 1979, obtuvo con Sangre, su ópera prima,

Los bastardos D: Amat Escalante. P: México-Francia-Estados Unidos, 2008. G: Amat Escalante y Martín Escalante. F en C: Matthew Uhry. E: Ayhan Ergürsel y Amat Escalante.

Con: Jesús Moisés Rodríguez (Jesús), Rubén Sosa (Fausto), Nina Zavarin (Karen), Kenny Johnston (contratista), Aaron Briggs (adolescente racista), Trevor Glen Campbell (Trevor). Prod: Mantarraya Producciones, No Dream Cinema, Tres Tunas, Foprocine, Le Pacte, MCM Productions, Ticoman, BAC Films, Jaime Romandía, Carlos Reygadas. Dur: 85 mins. Dist: Mantarraya Films

el premio Fipresci de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes, dentro de la sección Una cierta mirada. Dicho filme llamó la atención por su sobriedad, tanto en la puesta en escena del cineasta (basada en extensos planos fijos que retratan los angustiantes tiempos muertos en los que se mueven los personajes), como por su elección de actores (encarnados por personas que aceptaron participar en el filme sin ningún antecedente en la actuación), sin olvidar el rigor narrativo, que más que plantear una historia convencional con su principio, nudo y desenlace, apuesta por un relato en apariencia nulo, capaz de atrapar la atención por la inquietud que su inmovilidad provoca.

Escrita en mancuerna por el director y su hermano Martín Escalante, Los bastardos es un acercamiento a la dolorosa realidad de nuestros paisanos en el país del dólar. Sus personajes son un par de inmigrantes ilegales: el obrero Jesús y Fausto, su compañero adolescente, interpretados por los migrantes mexicanos Jesús Moisés Rodríguez y Rubén Sosa. En el filme, ambos provienen de Guanajuato (estado de la República en el cual creció Escalante) y parecen condenados, como muchos otros connacionales, a vivir las consecuencias de estar en un país que no es el suyo, en el que no se habla su idioma y en el cual están expuestos a la constantes

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crueldades e injusticias de los güeros, representados aquí por contratistas y amas de casa, quienes hacen uso de sus servicios laborales, sexuales o de cualquier tipo, con una actitud en la que privan la soberbia y el racismo. La mencionada situación de ilegitimidad en la que viven los personajes sustenta el título del filme.

La puesta en escena de Escalante sufre un cambio notable en Los bastardos, atendiendo a las necesidades del relato. Sangre era un filme claustrofóbico, hecho a la medida del formato académico 1:85, mientras que en Los bastardos los personajes se mueven sin cesar, por lo que el formato panorámico era más que necesario. Escalante aprovecha este recurso con fortuna,

consiguiendo composiciones que no desperdician el gran tamaño de la pantalla, como el plano que abre el filme, retratando el canal de Los Ángeles con los personajes caminando hacia la cámara, o bien aquél en el cual los trabajadores ilegales laboran en un terreno baldío, con la urbe amenazante ante ellos.

Pero no es Los bastardos un filme de tesis sobre la realidad social de los paisanos en Estados Unidos, sino que gira violentamente hacia una reflexión sobre la miseria moral, las víctimas que se vuelven victimarios y la venganza de los oprimidos hacia aquellos que, en apariencia, “todo lo tienen”. Escalante no toma partido por nada ni nadie: tan triste es la situación de los paisanos, como la de la familia norteamericana que el filme retrata, asfixiada por su desamor y falta de comunicación. Con seguridad, contemplación y sobriedad, Amat Escalante orquesta uno de los clímax más escalofriantes del cine nacional reciente, no apto para espectadores sensibles.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

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Hijo de… Bush Entrevista con Oliver Stone ¿Qué piensa realmente de Bush?

Creo que ha sido magistral de un modo negativo.

Tuvo un impacto tremendo en el mundo, cambió la forma en que hacemos los negocios con el mundo, lo llevó todo a posiciones extremas, no sólo a nivel económico, sino social. Creo que estos años serán recordados, si es que tenemos memoria colectiva.

W. D: Oliver Stone. P: Estados Unidos-Alemania-AustraliaHong Kong, 2008. G: Stanley Weiser. F en C: Phedon Papamichael. M: Paul Cantelon. E: Joe Hutshing y Julie Monroe. Con: Josh Brolin (George W. Bush), James Cromwell (George Bush Sr.), Ellen Burstyn (Barbara Bush), Richard Dreyfuss (Dick Cheney), Scott Glenn (Donald Rumsfeld), Elizabeth Banks (Laura Bush), Jeffrey Wright (Colin Powell). Prod: Emperor Motion Pictures, Global Entertainment Group, Ixtlan Corporation, Millbrook Pictures, Omnilab Media, Onda Entertainment, QED Int., Bill Block, Paul Hanson, Moritz Borman, Eric Kopeloff. Dur: 129 mins. Dist: Z David Distribución.

¿Cree que el dinero y la guerra siguen siendo grandes motivadores en su país?

La violencia está en la naturaleza de las personas, todos la tenemos, y si no, fíjate en Asesinos por naturaleza. La violencia es nuestra forma natural de luchar. Los Estados Unidos tienen una gran historia sobre eso. Han subido los niveles de violencia, el hecho de utilizar la agresividad, la sangre, incluso dentro del país... De eso trata W., eso sí, narrado de una forma simple, que pueda entender el público estadounidense. Que entiendan cómo las medidas de seguridad nacional son cada vez mayores y mayores. Desde que nací, en 1946, ha crecido enormemente, y me pone muy triste en estos tiempos la manera en que la violencia en el mundo se ha extendido.

W. es el primer filme sobre un presidente mientras éste está en la Casa Blanca. ¿Fue difícil?

Es difícil, pero gratificante. En este país al menos tenemos la libertad de hacer una película así y presentarla, no creo que hubiese podido hacerla en China... La cuestión está en conseguir el dinero; ningún estudio estadounidense hubiera puesto la plata, eso es verdad. Es duro. La mayoría vino de Alemania, Francia, Hong Kong y Australia. Tengo que decirlo: la película no hubiese podido hacerse contando sólo con dinero americano. Tenemos una distribución muy limitada, pero aprovechamos las oportunidades e hicimos la película que queríamos hacer. Pero sí, nos han criticado por todos lados.

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Ha dicho que W. es una biografía cargada de realismo mágico. ¿En qué sentido?

Por ejemplo, en la escena en la que el protagonista sueña con su relación con su padre, éste viene a la Casa Blanca, y los sueños entran en la trama, que tiene realismo mágico, historia y drama. Creo que lo dije en ese contexto. ¿Le parece que Bush sueña demasiado?

No creo... Quiero decir, está orgulloso de sí mismo, de ser un cowboy. Tenemos que volver a 2004 para entender esta película. Hubo una enorme arrogancia en esa administración, y eso llevó a esta situación de guerra y depresión. Pudo empezar con Reagan, pero culminó con Bush hijo. Las cosas, a nivel histórico, fueron extrañas: nadie esperaba que Bush hijo llegase a Presidente. Era la oveja negra de su familia, todos lo sabemos, pero él se puso por encima de todo eso. Hubo tremendos secretos y mentiras en su administración. ¿Por qué no muestra el momento en que Bush se entera del ataque del 11 de septiembre? ¿De verdad crees que eso es importante? Lo vi en la película de Michael Moore; sé que reaccionó quedándose mudo. El centro de mi película es el personaje, y hay tres actos. En el primero es un hombre común, en el segundo, un hombre de mediana edad, y en el tercero, Presidente. ¿Quería ser Presidente? ¿Quería enfrentarse al 11/9? No sé si hubiese sido bueno mostrar eso otra vez. Ya hice una película basada en el día en que tanta gente fue asesinada y en los sobrevivientes.

La religión es un aspecto muy importante en la personalidad de Bush hijo. ¿Cree que él muestra algún tipo de redención o reconversión? ¡Nooo!, ¿redención?, no, no. La película se basa en la realidad: hasta los 40, él era un perdedor; no tenía dinero, era alcohólico, no era un político exitoso. Luego ascendió a nivel personal, encontró a Dios y nació otra vez. Como cristiano, parece ser correcto, no bebe, dice que no hace nada malo, que sólo gobierna. Muchos no están de acuerdo, pero la película no lo juzga. ¿Redención? En su cabeza, sí. En la religión, nacer de nuevo no va bien con el ego: se supone que tu ego se va, pero en sus acciones como Presidente él toma grandes decisiones de ego. “Yo soy el jefe”, dice, y esos no son los ideales cristianos. ¿Cómo concibió los diálogos entre Bush padre e hijo en la Casa Blanca? ¿Es todo imaginado?

Es difícil de explicar. Hicimos los diálogos sabiendo que entre padre e hijo existían ciertos sentimientos. Pero no, no lo hemos inventado; esa relación es la base de la historia.

Pablo O. Scholz Diario El Clarín, Argentina Enero 10 de 2009 A partir del 2 de mayo

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Mi vida dentro R

osa Estela Olvera Jiménez es apenas un nombre más entre los casi cinco millones de mujeres de origen mexicano que viven hoy en Estados Unidos, de los cuales mil 679 son casos penales. Su historia resume de modo particularMi vida dentro mente dramático la capacidad de daño que es capaz de D, G y E: Lucía Gajá. P: México, 2007. F en C: Érika infligir un sistema judicial discriminatorio sobre una indoLicea Orozco. M: Leonardo Heiblum y Jacobo Liberman.

Prod: Instituto Mexicano de Cinematografía, Ultra Films, cumentada. Llega casi adolescente, desde su natal EcaRodrigo Herranz. Dur: 120 mins. Dist: Ambulante. tepec, Estado de México, hasta Austin, Texas, en busca de mejores oportunidades de vida. Ahí se emplea como cuidadora de niños (baby-sitter) entre familias anglosajonas y chicanas y conoce luego a un hombre mexicano con quien se casa y tiene una hija.

Su proceso de integración es casi completo, excepto porque la joven sigue siendo indocumentada. Con cuatro meses de un nuevo embarazo, la tragedia se produce súbitamente. Un niño a su cuidado, el pequeño Brian de 18 meses, padece un ahogamiento repentino. Los vecinos intentan reanimarlo sin éxito, un paramédico le da respiración artificial, pero finalmente se descubre que había tragado una cierta cantidad de papel y que en lugar de serle extraído oportunamente, los intentos por salvar al niño le introdujeron todavía más el material en la laringe, complicando la situación y ocasionándole la muerte.

Al inicio de Mi vida dentro, el documental de la mexicana Lucía Gajá, aparece la joven Rosa completamente anonadada por la inculpación directa —y sin atenuantes— que se le hace de la muerte del pequeño Brian. La fiscal Allison Wetzel se muestra inclemente. En su opinión, no hay discusión posible: la acusada actuó con premeditación y crueldad, y todos los niños de Estados Unidos están en peligro potencial en caso de que monstruos como Rosa queden exonerados. El abogado defensor, Leonard Martínez, desmonta con indignación y astucia los argumentos de la inculpación: la muerte del infante, según las evidencias disponibles, sólo pudo ser accidental, y a la joven mexicana se le ha señalado desde el inicio con una presunción de culpabilidad, y no de inocencia, por tratarse de una persona indocumentada y poco instruida, y también para evitar toda posible demanda contra quienes quisieron salvar, con métodos contraproducentes, la vida de Brian. De poco sirven los testimonios que dan cuenta de la honorabilidad de Rosa, las evidencias en favor de la tesis de un deceso accidental; lo que pesa sobremanera es la condición misma de la acusada, su origen racial (“bastante inteligente para ser mexicana”, ironiza el abogado defensor, burlándose del prejuicio racial de la fiscalía), su desconocimiento de las leyes extranjeras y su vulnerabilidad civil que la vuelve de entrada culpable, hasta no poder probar ser inocente.

La saña con que se procede en el juicio y la evidente parcialidad de los miembros del jurado son apenas un botón de muestra del trato discriminatorio con que se topan los inmigrantes latinos en los tribunales de Estados Unidos. Argumenta el defensor de Rosa: aún cuando se probara una culpabilidad, cualquier anglosajón de clase media se habría beneficiado de

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atenuantes y de una condena reducida, y no habría soportado la delirante sentencia a 99 años de reclusión, más diez mil dólares de multa, que en 2005 se dictó contra la mexicana Rosa Olvera Jiménez.

Mi vida dentro se filma parcialmente en el interior del penal texano y presenta un resumen de las sesiones que conducen al veredicto infame. Lucía Gajá maneja con destreza los tiempos narrativos, el contraste de puntos de vista y la actitud de la acusada, que en dos años transita de una indefensión completa a una firmeza de carácter que sólo la dulzura de su trato atenúa. Desposeída

de su hija mayor y del bebé que nace en la cárcel, severamente incomunicada como un delincuente peligroso, humillada y reducida a contemplar el paso del tiempo como una perspectiva absurda, Rosa Jiménez sólo puede expresar, a los 26 años, su desesperanza radical y la constatación de la vida destrozada. Sobre la pantalla se inscriben esporádicamente sus estados de ánimo, su indefensión, su sensación de derrota y toda la melancolía que resume en un lamento: “Me hubiera gustado conocer el mar”. La próxima revisión de su caso está programada para el año 2035.

Carlos Bonfil Diario La Jornada, México Enero 18 de 2009 A partir del 28 de abril

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Entre la vida y la muerte E

l segundo filme de Ed Harris como director es un potente western clásico. A partir de los temas y constantes del género cinematográfico por excelencia, Harris realiza una película lúcida, apasionada y melancólica.

Entre la vida y la muerte (Appaloosa) es un western puro. Hace décadas que el género mutó hacia formas más modernas o postmodernas, aún cuando tiene la capacidad de hacer clásico cualquier elemento que se le incorpore. Pero si acaso había una autoconciencia en el western clásico, en el moderno, a esa autoconciencia se le suma la búsqueda de la recuperación de los temas esenAppaloosa D: Ed Harris. P: Estados Unidos, 2008. G: Robert Knott ciales, mediante nuevas vueltas de tuercas con respecto a y Ed Harris, basados en la novela de Robert Parker. F en la iconografía del género. El revisionismo en el western es C: Dean Semler. M: Jeff Beal. E: Kathryn Himoff. Con: Ed Harris (Virgil Cole), Viggo Mortensen (Everett Hitch), hoy obligatorio: aún los filmes más aferrados al clasicismo Renée Zellweger (Allison French), Jeremy Irons (Randall deben buscar nuevas formas para actualizar la superficie Bragg), Lance Henriksen (Ring), Phil Olson (Timothy Spall). Prod: Eight Gauge Productions, Groundswell sin trastocar el espíritu del género.

Productions, Ed Harris, Robert Knott, Ginger Sledge.

Appaloosa brilla justamente por eso, por jugar al reviDur: 115 mins. Dist: Gussi-Artecinema. sionismo aportando una mirada crepuscular y desencantada del héroe, pero guardando bajo la manga un espíritu romántico que se anuncia desde el comienzo pero adquiere toda su dimensión al final. Por lo pronto, discute el mito, lo analiza y termina respaldándolo como algo esencial para la construcción de la sociedad.

Virgil Cole y Everett Hitch son dos pistoleros contratados para salvar al pueblo de las manos del ranchero Randall Bragg, quien impone el caos mediante el uso indiscriminado de la violencia. Cole es el héroe, Hitch es su socio, un paso más atrás, ayudando a su compañero.

Llega entonces al pueblo una viuda llamada Allison French, que provocará una situación de mayor tensión cuando Cole y Hitch, ya nombrados sheriff y ayudante, deban enfrentarse a Bragg y sus hombres.

Es justamente el personaje femenino lo que Harris ha decidido colocar en un espacio contrario a la historia del western, donde la mujer, (generalmente cantante / bailarina / prostituta debido al espacio salvaje donde transcurren las historias) tenía siempre un corazón noble. Pero lo que Harris comprende, como lo hacía Ford, entre otros, que en este género cinematográfico

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la mujer representa, generalmente, el futuro. A donde va la mujer está el futuro, y los espacios de hombres sin mujeres tienen los días contados. Por eso es tan doloroso el personaje femenino de esta cinta, porque acá la metáfora da paso a la literalidad, y por lo tanto, a una profunda decepción acerca de ese personaje. Sin embargo, el sheriff Cole, caído en desgracia, que renguea literal y metafóricamente, es la imagen misma del héroe caído, del sueño desecho de una sociedad justa, de una moral sin fisuras. Pero la película no lo juzga; Cole no se ha vendido, simplemente se ha civilizado.

Como James Stewart en La ventana indiscreta, su limitación de movilidad habla del fin de la aventura y la formación de un hogar. Ya no es un pistolero héroe: ahora es un trabajador que sin tanta dificultad debe mantener el orden en una sociedad más civilizada. Y es allí donde Hitch se termina mostrando como el verdadero héroe de la película.

Hitch, interpretado magistralmente por Viggo Mortensen, es el héroe lúcido que ve

el cuadro total, que entiende los cambios sociales y el camino que va a seguir —y tiene que seguir— la sociedad. Sostiene el concepto fordiano de que el progreso es inevitable.

El corazón del western está en la moral previa a ese progreso, donde cada uno responde por sus actos, donde no hay acuerdos políticos ni los villanos se vuelven prestigiosos ciudadanos. El progreso no se puede ni se debe evitar, las sociedades se conforman y eso conlleva nuevas virtudes. Entonces el trabajo del cowboy está terminado y debe partir hacia al atardecer, hacia el crepúsculo de un género y de una época. Cada nuevo western habla sobre esto; cada nuevo western es un último acto heroico y sacrificado. Una forma de resistencia cinematográfica que defiende al más grande de los géneros. Cada nuevo western de fuerza clásica, como Entre la vida y la muerte, nos recuerda que nuestro corazón también está con ese cowboy que cabalga hasta el atardecer, aun cuando la vida nos acerca cada vez más al sheriff que se quedó en esa nueva sociedad.

Fragmentos del texto de Santiago García www.leercine.com.ar A partir del 28 de abril

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Bajo Juárez,

la ciudad devorando a sus hijas Entrevista a Alejandra Sánchez y José Antonio Cordero Sin duda, las mujeres asesinadas en Juárez es un Bajo Juárez, la ciudad devorando a sus hijas D, G y E: Alejandra Sánchez y José Antonio Cordero. tema difícil de abordar, ¿de dónde surge su inteP: México, 2007. F en C: Érika Licea. M: Tareke Ortiz. rés por filmar este documental?

Prod: Instituto Mexicano de Cinematografía, Foprocine, Pepa Films, Érika Licea, Alejandra Sánchez. Dur: 96 AS: Surge en el año 2001 cuando era estumins. Dist: Decine diante de cine en el CUEC y decidí abordar el tema de las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez, Chihuahua, porque soy originaria de allí y me pareció indispensable poner en pantalla grande lo que venía ocurriendo desde 1993: asesinatos sistemáticos contra mujeres cuyos crímenes no se resolvían ni se detenían. En ese entonces se integró José Antonio Cordero como colaborador.

JAC: Alejandra me invita a codirigir la película en el 2004, y en ese momento pensamos que, a pesar de la atención mediática y oficialista, la situación empeoraba y era necesario hacer una investigación más profunda: hablar de los chivos expiatorios, darle seguimiento a las tesis de los diferentes periodistas, peritos, etcétera. El movimiento de madres y familiares crecía, sin embargo, las respuestas de las autoridades eran cada vez más absurdas.

¿Bajo qué criterio eligieron las historias de la quinceañera y de la chica veracruzana?

AS: El caso de Lilia Alejandra García Andrade es un caso emblemático dentro de los cientos de mujeres que han sido asesinadas en Ciudad Juárez, ya que las investigaciones hechas por los periodistas apuntan a que detrás de este caso (al igual que de los ocho cadáveres de mujeres encontrados en el campo algodonero) podrían estar los mismos personajes: un grupo de hombres ricos y poderosos muy cercanos a las altas cúpulas del poder político en México. Pero yo no sabía nada de eso antes de comenzar a entablar un diálogo con Norma Andrade, su madre, con quien tuvimos la fortuna de encontrar una profunda y entrañable comunicación lo cual permitió profundizar en la vida tanto de Lilia Alejandra como de la familia Andrade quienes nos permitieron conocer su trágica experiencia y el inmenso dolor por el que han venido pasando desde el asesinato de Lilia Alejandra. Con respecto a Gaudencia, la chava de Veracruz, sabíamos que muchas mujeres llegan a Juárez desde el sur de México y de Centroamérica, de manera que tomamos la decisión de incluir un personaje que llega a buscarse la vida en una ciudad donde en realidad se juegan la vida por el inmenso riesgo que corren al salir a la calle.

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¿Cuál es el sentimiento de la población de Juárez en general, no ante el problema de las mujeres asesinadas, sino ante la posición de las autoridades?

JAC: Es a través de la voz de los familiares y las organizaciones no gubernamentales que se deja sentir la indignación ante la indolencia, comisión y/u omisión de las autoridades de las distintas administraciones a lo largo de más de 15 años. No solamente en Juárez sino en todo el país existe distancia ante el tema y esto es producto de las versiones oficiales que se han encargado de mal informar dando por cerrados la mayoría de los casos y ubicando la causa como violencia intrafamiliar y/o social, eximiendo y/o ocultando a los verdaderos culpables. ¿Cómo reaccionó el público el día del estreno en salas de cine comerciales?

AS: Había mucha gente que estaba esperando poder ver la película y creo que la reacción ha sido muy positiva dado que se sostuvo cuatro fines de semana en cartelera, experiencia peculiar para una película mexicana y más aún para un documental. ¿Aún están en contacto con los entrevistados?

AS: Sí, tenemos contacto con la mayoría, Marilú García (hermana de Lilia Alejandra) y Norma Andrade son activistas importantes en la lucha por esclarecer y detener los feminicidios. Actualmente siguen recibiendo amenazas por el trabajo que desempeñan. Y en el caso de Víctor Uribe y David Meza fueron liberados por falta de pruebas.

Miriam Jiménez Cineteca Nacional A partir del 22 de mayo

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Un secreto B

asada en la novela homónima autobiográfica de Philippe Grimbert, Un secreto es un fino drama, sin duda el mejor del cineasta francés Claude Miller en al menos una década. La narrativa —muchas veces repetida— de una familia judía hecha pedazos durante la ocupación francesa de la Segunda Un secret D y G: Claude Miller, basado en la novela homónima Guerra Mundial es redescubierta de manera fresca, gracias de Philippe Grimbert. P: Francia, 2007. F en C y B/N: a una compleja estructura de flashbacks que abarca más Gérard de Battista. M: Zbigniew Preisner. E: Véronique Lange. Con: Cécile De France (Tania), Patrick Bruel de medio siglo y que mantiene el suspenso hasta el último (Maxime Nathan Grinberg), Ludivine Sagnier (Hannah rollo, cuando son revelados todos los secretos.

Golda Sirn Grinberg), Julie Depardieu (Louise), Mathieu Amalric (François Grimbert), Nathalie Boutefeu (Esther).

En un 1985 a blanco y negro, el parisino François —a Prod: Soficinéma 2, Soficinéma 3, UGC YM, Yves Marquien se le ve con un semblante ansioso—, es informado mion. Dur: 103 mins. Dist: Cine, Video y Televisión. que su anciano padre ha desaparecido. A partir de ahí, se desencadenan una serie de flashbacks hasta 1955, cuando él era un tímido y enfermizo niño, intimidado por sus dos vigorosos padres: Tania, ex campeona de natación, y Maxime, aficionado a la gimnasia. Mientras ambos se esfuerzan en ser pacientes y entenderlo, para François es suficientemente claro que él ha sido una desilusión, especialmente para su papá.

La mejor amiga del niño es Louise, quien tiene su negocio de masajes al otro lado de la tienda de ropa, propiedad de la familia. François también tiene un hermano imaginario que representa, por así decirlo, todo lo que él no es —intrépido y atlético—. Cuando descubre un juguete en el ático que misteriosamente molesta y perturba a sus padres, François logra que su amiga Louise le diga la verdad: que alguna vez él tuvo un medio hermano, y que a sus padres no los une el relato idílico que él se había imaginado, sino una historia enmarcada por la tragedia y la culpa.

En otro flashback, unas escenas previas a la guerra revelan que Maxime está comprometido con otra mujer: la atractiva Hannah, cuyos padres temen que el poder de Hitler se acreciente. Maxime, sin embargo, se considera ante todo francés y reconoce apenas su herencia judía, esperando que la sociedad siga su ejemplo. En su propia boda, Maxime no hace más que mirar lascivamente a la bella Tania, una mujer con un vigor físico similar al de él y quien,

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pese a su considerable y notoria vergüenza, siente una atracción recíproca hacia él.

Aun así, la vida de Maxime y Hanna transcurre más o menos como la habían planeado, incluso procrean a su primer hijo, Simón, y todo marcha bien hasta que los nazis invaden Francia.

Con una mezcla que abarca el gran espiral de eventos del libro de Grimbert —publicación ganadora de muchos premios—, apoyada en un impecable y contundente mosaico de pequeñas escenas, Miller logra construir un filme estupendo, con una dirección y un guión que dejan que las múltiples emociones emerjan sin caer en un melodrama ostentoso.

Es particularmente viva la carga erótica entre los protagonistas, aunque ésta muchas veces no pase de una o dos miradas vagas.

Los actores, entre los que se incluyen algunos ya frecuentes en la obra de Miller, son de primer orden. El espléndido diseño de producción enfatiza la buena vida del París de la pre-guerra, que volviera a su esplendor muchos años después de acabado el conflicto, no sin antes resaltar también la belleza de la campiña francesa, escenificada en las secuencias de la granja.

Mención especial merece el vestuario de época de Jacqueline Bouchard y la atractiva y ocasionalmente lírica fotografía de Gérard de Batista. Por su parte, la edición de Véronique Lange es un modelo de delicadeza y concisión.

Esta película compartió el Gran Premio de las Américas del Festival de Montreal con la película belga Ben X. Dennis Harvey Revista Variety, Estados Unidos Septiembre 10 de 2007 Traducción: Jorge D. Martínez Micher A partir del 22 de mayo

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29 Foro Internacional de la Cineteca Ventana digital

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l Foro Internacional de la Cineteca, consagrado a la exhibición de cintas de vanguardia, se ha ganado a pulso un lugar de privilegio dentro del calendario cinéfilo de México, al presentar año con año una selección de filmes propositivos, que se arriesgan y establecen nuevas formas de expresión.

Esta edición del Foro reconoce especialmente el alcance y la trascendencia de las nuevas tecnologías aplicadas al arte y la industria del cine. Con el apoyo de Sony, compañía líder en el desarrollo de dicha tecnología, la Cineteca Nacional abre una ventana al quehacer fílmico contemporáneo.

Gracias a los nuevos proyectores Sony de alta definición, mismos que serán utilizados en la exhibición de algunos de estos filmes, el público podrá apreciar el nivel de calidad visual alcanzado por las películas realizadas en el formato digital, e incluso por la remasterización de cintas filmadas en 35mm, como en el caso de la deslumbrante Mishima. Una vida en cuatro capìtulos (Paul Schrader, 1985), nunca antes exhibida en México y que inaugura este 29 Foro Internacional.

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Happy-Go-Lucky / La dulce vida Happy-Go-Lucky D y G: Mike Leigh. P: Gran Bretaña, 2008. F en C: Dick Pope.

M: Gary Yershon. E: Jim Clark. Con: Sally Hawkins (Poppy), Elliot Cowan (vendedor de libros), Alexis Zegerman (Zoe), Andrea Riseborough (Dawn), Sinead Matthews (Alice), Eddie Maarsan (Scott).

Prod: Film4, Ingenious Film Partners, Summit Entertainment, Thin Man Films, UK Film Council, Simon Channing Williams. Dur: 118 mins. Dist: Cine, Video y Televisión.

Mishima. Una vida en cuatro capítulos Mishima: A Life in Four Chapters D: Paul Schrader. P: Estados Unidos, 1985. G: Paul Schrader, Leonard Schrader y Chieko Schrader. F en C y B/N: John Bailey. M: Philip Glass. E: Michael Chandler. Con: Ken Ogata (Yukio Mishima), Masayuki Shionoya (Morita), Junkichi Orimoto (general Mashita), Yasosuke Bando (Mizoguchi), Go Riju (Mishima, joven), Hiroshi Mikami (cadete), Junya Fukuda (cadete). Prod: Lucasfilm Ltd., American Zoetrope, Tristone Entertainment Inc., M Company, George Lucas, Francis Ford Coppola, Tom Luddy. Dur: 121 mins.

PC: Cineteca Nacional.

En 1970, el escritor japonés Yukio Mishima se quitó la vida después de tomar por asalto un cuartel del ejército. Este suceso es el punto de partida de una reflexión a cargo de Paul Schrader acerca de las contradictorias relaciones del arte con la sociedad, en la que alterna la vida del autor con recreaciones de algunos momentos cumbres de su obra. No exhibida comercialmente en nuestro país, Mishima llega a la pantalla grande en una copia digitalmente remasterizada, adquirida por la Cineteca Nacional.

Retrato de Poppy, una optimista irredenta interpretada por Sally Hawkins, premiada en Berlín con el Oso de Plata a la mejor actriz.

Mike Leigh (Vera Drake, 2004) nos confronta aquí con aquellas ideas preestablecidas acerca del realismo, el pesimismo y hasta la ironía.

Poppy es una maestra de primaria en Londres que ve la vida positivamente: tiene 30 años, vive con su mejor amiga, su hermana menor la adora y sus alumnos también. Aunque no todo es perfecto en su vida, ella está dispuesta a vivir nuevas experiencias.

Jueves 7 y viernes 8

Viernes 8 y sábado 9

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Los herederos Los herederos D, G, F en C y E: Eugenio Polgovsky. P: México, 2008. M: Banda Mixe de Oaxaca. Testimonios: Niños de los estados de Puebla, Oaxaca, Sinaloa y Veracruz. Prod: Tecolote Films. Dur: 90 mins.

Dist: Tecolote Films.

Involuntario De Ofrivilliga D y E: Ruben Östlund. P: Suecia, 2008. G: Erik Hemmendorff y Ruben Östlund. F en C: Marius Dybwad Brandrud. Con: Villmar Björkman (Villmar), Linnea Cart-Lamy (Linnea), Leif Edlund (Leif), Sara Eriksson (Sara), Lola Ewerlund (Lola), Olle Liljas (Olle). Prod: Plattform Produktion, Erik Hemmendorff, Ruben Östlund. Dur: 98 mins. Dist: Cinematográfica Macondo.

Rodado a lo largo de tres años en diversos estados del país, y ganador de varios reconocimientos —entre ellos el Ariel al mejor documental— este filme describe una típica jornada laboral de los niños que habitan el vasto México rural. Cámara digital en mano, Eugenio Polgovsky es testigo mudo de la siembra del maíz y del buen funcionamiento de un telar, siempre realizado por los herederos no sólo de la fértil tierra mexicana, sino también de la explotación, la pobreza y el abuso perpetuados por varias generaciones.

Mediante una estructura no lineal que privilegia el plano-secuencia casi estático, así como a través de encuadres que rompen con las convenciones cinematográficas, Ruben Östlund analiza en su segundo largometraje los efectos del grupo en la conducta del individuo. Un par de chicas seducidas por el alcohol, un grupo de hombres envueltos en una situación homosexual y una maestra que experimenta con sus alumnos, entre otros, protagonizan los cinco episodios de este filme triunfador en diversos festivales.

Sábado 9 y domingo 10

Domingo 10 y lunes 11

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Kabuli Kid Kabuli Kid D y G: Barmak Akram. P: Francia-Afganistán, 2008. F en C: Laurent Fleutot. M: Barmak Akram. E: Hervé de Luze, Elise Fievet y Pierre Haberer. Con: Hadji Gul (Khaled), Valéry Schatz (Mathieu), Amélie Glenn (Marie), Mohammad Chafi Sahel (Baba), Helena Alam (esposa de Khaled), Messi Gul (bebé abandonado), Saleha Khan Gul (hija de Khaled). Prod: Fidélité Films, 4 à 4 Productions, Les Auteurs Associés, Olivier Delbosc, Marc Missonnier. Dur: 94 mins. Dist: Cine, Video y Televisión.

Cazadores desde el principio de los tiempos Hunters Since the Beginning of Time D y F en C: Carlos Casas. P: Rusia-Italia-Suiza, 2008. M: Sebastián Escofet. E: Felipe Guerrero. Con: Edward Rypkhirgin, Vladimir Piniy, Antón Rypkhirgin. Prod: Fabrica/RTSI. Dur: 86 mins. Dist: Interior 13.

Barmak Akram regresó a su ciudad natal después de vivir como refugiado político en París desde los 14 años de edad, para filmar su ópera prima, Kabuli Kid. Con las calles de Kabul como telón de fondo, el realizador narra las peripecias de un taxista que debe encontrar a la madre de un niño abandonado en el asiento trasero de su auto. La película, una de las primeras en producirse en Afganistán tras la guerra, fue exhibida en la Semana de la Crítica de la 65 edición de la Muestra de Cine de Venecia.

Un grupo de cazadores de ballenas, al norte de Siberia, continúa hoy día una milenaria tradición. Sus arcaicas técnicas y su habilidad para la caza y su propia supervivencia se muestran aquí en toda su crudeza y espectacularidad, haciendo de este documental una experiencia visual inolvidable. Ganador del Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México 2008, es el último de una serie de tres documentales de Carlos Casas, en el que se explora la vida en algunas de las regiones más inhóspitas de la Tierra.

Lunes 11 y martes 12

Martes 12 y miércoles 13

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La sangre brota La sangre brota D y G: Pablo Fendrik. P: Argentina, 2008. F en C: Julián Apezteguia. M: Juan Ignacio Bouscayrol. E: Leandro Aste. Con: Arturo Goetz (Arturo), Guillermo Arengo (Mc Enroe), Nahuel Pérez Biscayart (Leandro), Stella Galazzi (Irene), Ailín Salas (Vanesa), Guadalupe Docampo (Romina). Prod: Magmacine, Acrobates Films, Neue Cameo Film, Juan Pablo Gugliotta, Natalia Videla Peña. Dur: 100 mins.

Dist: Cineteca Nacional.

Viaje de bodas Sveitabrúðkaup D, G y E: Valdís Óskarsdóttir. P: Islandia, 2008. F en C: Anthony Dod Mantle. M: The Tiger Lillies, Martyn Jacques, Adrian Stout y Adrian Huge. Con: Hanna María Karlsdóttir (Ingibjorg), Björn Hylnur Haraldsson (Barði), Erlendur Eiríksson (Síði), Ágústa Eva Erlendsdóttir (Auður), Nína Dögg Filippusdóttir (Lára), Rúnar Freyr Gíslason (Sigurður Atli), Árni Pétur Guðjónsson (Stefán). Prod: Mystery Island, Duo Productions, Ave Productions, WhiteRiver Productions, Hreinn Beck, Árni Filippusson, Davíd Óskar Ólafsson, Gudrun Edda Thorhanesdottir. Dur: 99 mins. Dist: Z David Distribución.

Ópera prima de Valdís Óskarsdóttir, quien inició su carrera como editora de filmes como Dogma #1: Festen, la celebración (1998), Dogma #3-Mifune: secretos de familia (1999) y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004), entre otras. La realizadora se apega a algunos puntos del Voto de Castidad de Dogma95 para relatar la historia de una pareja que decide casarse en una capilla ubicada a una hora de la ciudad. No obstante, cuando llega el gran día, las cosas no resultan como las habían planeado.

Arturo, taxista de sesenta años, debe conseguir mil dólares en menos de 24 horas, ya que Ramiro, su hijo mayor, acaba de llamar desde Amsterdam pidiéndole ayuda urgente. Al mismo tiempo, Leandro, el hijo menor, planea robarle sus ahorros, comprar drogas y huir a la costa para venderlas en los antros. Este filme de Pablo Fendrik, que participó en la Semana de la Crítica de la 47 edición del Festival de Cannes en 2008, es una intensa y violenta historia, para la cual la propia familia del cineasta le sirvió de inspiración.

Miércoles 13 y jueves 14

Jueves 14 y viernes 15

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Los que se quedan Los que se quedan D y G: Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman. P: México, 2008.

F en C: Juan Carlos Rulfo. M: Santiago Ojeda y Café Tacvba. E: Valentina Leduc. Testimonios: Familias de los Estados de Puebla, Jalisco, Yucatán, Chiapas y Michoacán. Prod: La Sombra del Guayabo, Nicolás Vale. Dur: 98 mins. Dist: La Sombra del Guayabo.

El limonero Etz limon D: Eran Riklis. P: Israel-Alemania-Francia, 2008. G: Suha Arraf y Eran Riklis. F en C: Rainer Klausmann. M: Habib Shehadeh Hanna.

E: Tova Ascher. Con: Hiam Abbas (Salma Zidane), Ali Suliman (Ziad Daud), Rona Lipaz-Michael (Mira Navon), Doron Tavory (Ministro de Defensa), Tarik Copty (Abu Hussam), Amos Lavie (capitán Jacob), Ammon Wolf (Leibowitz). Prod: Eran Riklis Productions, Heimatfilm, Bettina Brokemper, Antoine de Clermont-Tonnerre, Michael Eckelt, Eran Riklis. Dur: 106 mins. Dist: Alfhaville.

Tras dirigir la multipremiada La novia siria (2004), Eran Riklis se enfrasca en un proyecto donde, de nueva cuenta, muestra los conflictos entre israelíes y palestinos a través de una mezcla de humor y drama. Ganadora del Premio del Público en la Sección Panorama del Festival de Berlín 2008, El limonero sigue la lucha de Salma, una viuda palestina que se enfrasca en una batalla legal en contra de su nuevo vecino —nada menos que el Ministro de Defensa israelí—, para evitar que sus árboles de limón sean talados.

“Uno vuelve siempre a los mismos sitios donde amó la vida”, dice Chavela Vargas mientras en la pantalla los que se van y los que se quedan se despiden de sus familias. Varias escenas cotidianas son captadas por Rulfo y Hagerman —ganadores del premio al mejor documental en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara— en este retrato intimista de las familias de los que han migrado a Estados Unidos, país que para unos representa oportunidad y para otros, los de este lado del río, representa silencio, nostalgia y espera.

Viernes 15 y sábado 16

Sábado 16 y domingo 17

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La clase Entre les murs D: Laurent Cantet. P: Francia, 2008. G: Laurent Cantet, Robin Campillo y François Bégaudeau, basados en la novela homónima de este último. F en C: Pierre Milon, Catherine Pujol y Georgi Lazarevski.

E: Robin Campillo y Stéphanie Léger. Con: François Bégaudeau (François), Nassim Amrabt (Nassim), Laura Baquela (Laura), Cherif Bounaïdja Rachedi (Cherif), Juliette Demaille (Juliette), Dalla Doucoure (Dalla), Arthur Fogel (Arthur). Prod: Haut et Court, France 2 Cinéma, Canal +, Cinecinéma, Caroline Benjo, Simon Arnal, Barbara Letellier. Dur: 128 mins. Dist: Filmhouse.

El cielo, la tierra y la lluvia El cielo, la tierra y la lluvia D y G: José Luis Torres Leiva. P: Chile-Francia-Alemania, 2008. F en C: Inti Briones. E: Ilán Stehberg y José Luis Torres Leiva. Con: Julieta Figueroa, Pablo Krögh, Mariana Muñoz, Angélica Riquelme.

Prod: Bruno Bettati, Elise Jalladeau, Peter Rommel. Dur: 110 mins.

Dist: Interior 13.

Armado de paciencia, conocimientos y vocación docente, el profesor François y el resto de sus colegas se disponen a iniciar un nuevo ciclo escolar en la secundaria donde imparten cátedra, ubicada en un multirracial y conflictivo barrio parisino. Con una sorprendente capacidad de observación, el cineasta Laurent Cantet transforma un salón de clases en un complejo microcosmos social de la Francia contemporánea, por el cual obtuvo la Palma de Oro a la mejor película en el Festival de Cannes del 2008.

Cuatro personajes viven en una pequeña isla al sur de Chile: Ana, que cuida de su madre enferma y consigue un trabajo de empleada doméstica en casa de Toro, un hombre que vive aislado de la gente; Verónica, su amiga, mujer independiente, y Marta, una joven emocionalmente frágil que vive con su hermano boxeador. Sus solitarias vidas transcurren en el campo, mientras caminan sobre hojas secas y tierra mojada. Ópera prima de José Luis Torres Leiva, ganadora del premio FIPRESCI en el Festival de Rotterdam.

Domingo 17 y lunes 18

Lunes 18 y martes 19

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Tony Manero Tony Manero D: Pablo Larraín. P: Chile-Brasil, 2008. G: Alfredo Castro, Mateo Iribarren y Pablo Larraín. F en C: Sergio Armstrong. E: Andrea Chignoli. Con: Alfredo Castro (Raúl Peralta), Paola Lattus (Pauli), Héctor Morales (Goyo), Amparo Noguera (Cony), Elsa Poblete (Wilma).

Prod: Fábula Producciones, Prodigital, Juan de Dios Larraín. Dur: 98 mins. Dist: Mantarraya.

Vals con Bashir Vals im Bashir D y G: Ari Folman. P: Israel-Alemania-Francia, 2008. Director de animación: Yoni Goodman. M: Max Richter. E: Nilli Feller.

Testimonios: Ori Sivan, Ronny Dayag, Schmuel Frenkel, Zahava Solomon, Ron Ben-Yishai, Dror Harazi, Boaz Rein-Buskila. Prod: Bridgit Folman Film Gang, Razor Film, Les Films d’Ici, Ari Folman, Serge Lalou, Gerhard Meixner, Yael Nahlieli, Roman Paul. Dur: 90 mins. Dist: Filmhouse.

Aplaudido en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2008, el segundo largometraje de Pablo Larraín —Fuga (2006)—, construye una sátira social donde el furor por la música disco se mezcla con el clima represivo del régimen pinochetista. El filme, ganador del Primer Premio Coral en La Habana, retrata la obsesión de un cincuentón dispuesto a todo, con tal de ganar el concurso televisivo que busca al nuevo Tony Manero, el personaje de John Travolta en Fiebre de sábado por la noche.

El realizador Ari Folman escuchó en voz de un amigo un sueño recurrente que éste último tenía, en el que era perseguido por 26 perros salvajes. Concluyeron que era resultado de su mutua estancia en el ejército israelí a principios de los años 80, durante la primera guerra del Líbano. Al no poder recordar nada de aquel periodo, Folman entrevistó a varios antiguos camaradas de armas para poder rescatar sus memorias. Este original «documental de animación» ha ganado más de veinte premios en festivales de todo el mundo.

Martes 19 y miércoles 20

Miércoles 20 y jueves 21

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Cine

Colombiano El cine en el país del Sagrado Corazón de Jesús

L

a historia del cine colombiano es tan insólita como la realidad del país donde se han filmado sus películas: pioneros que secaban al aire libre los negativos de sus filmes a los que se pegaban, con rapidez instantánea, enjambres de moscas; técnicos que recibían como pago, cuando los estudios se declaraban en quiebra, caballos percherones que no cabían en sus casas; asesinos de la vida real que protagonizaban, un año después de cometer su crimen, el delito hecho ficción ante la cámara, convirtiéndose en estrellas cinematográficas que podían salir todos los días de la cárcel para rodar sus escenas.

Las versiones son diversas: en Santafé de Bogotá, para hacer una película, hay que tener santa fe: Yo reinaré, el emblema del Divino Niño, para los directores de cine significa Yo filmaré; la consagración del país al Sagrado Corazón de Jesús, sugiere que en el reino de los milagros lo imposible se hace posible.

Y el cine ha sido un milagro que sucede en las pantallas colombianas desde finales del siglo XIX, con la llegada al trópico del emisario enviado por los hermanos Lumière, Monsieur Gabriel Veyre, hasta hoy, cuando usted lee estas líneas.

Una tradición que en las décadas de los años 10 y 20 hizo de la intuición otra forma del aprendizaje; en los 40 y 50 una época de ansiedad para que la artesanía se tradujera en arte e industria; descubriéndose en los años 60 y 70 un grupo de realizadores que se formaron en la

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academia y regresaron a Colombia para exigir el derecho legítimo de tomarse el poder tras las cámaras, evolucionando desde entonces el registro visual del país a la sombra de su historia.

Un arte donde la violencia nos tocó en suerte como eje temático y pesadilla frecuente. El territorio del que surgen las preguntas para comprender el mundo del lado de acá de la pantalla.

La evolución es notable en la bisagra del siglo XX al XXI. El cine se ha convertido en una pasión generacional hecha carrera universitaria.

La producción independiente y privada viven en paralelo con el apoyo estatal. La ley 814 o Ley de Cine, aparecida en el paisaje jurídico en julio de 2003, permite que sea un hecho cada vez más frecuente la realización y sus derivados.

Temáticamente, las historias íntimas reemplazaron a las historias masivas. A las denuncias en tono de consigna política de los años 60, se prefieren las narraciones que logran una semblanza del país.

La amistad en situaciones extremas y el afán de supervivencia para evitar el desastre definen dos películas de matices diferentes tanto en su puesta en escena como en sus aspectos visuales: La sombra del caminante (Ciro Guerra, 2004) y Apocalípsur (Javier Mejía, 2005). La neurosis del asesinato como expresión delirante del rencor o como profesión al estilo de los gángsters son descritas en Satanás (Andrés Baiz, 2007) y Perro come perro (Carlos Moreno, 2008).

Los cortometrajes y su impulso para el desarrollo del cine por venir descubren otro tipo de visiones: el esmero de copistas medievales con el que trabajaron Andrés Barrientos, Carlos Andrés Reyes y su equipo de colaboradores, sumergidos en la cantidad inverosímil de dibujos que se anima En agosto (2008); las intervenciones sobre la imagen en Doña Ana (Marlon Vásquez, David Sánchez, 2008); el uso sin restricciones de la animación por computadora en

Los ciclos (Juan Manuel Acuña, 2005) y el interés por la experiencia humana que evidencia la fatiga ante las rutinas familiares según Andrés Baiz en Hoguera (2007).

En una geografía donde lo cotidiano es motivo de sorpresa permanente, no es del todo inesperado hacer del cine un “arte propio”; un recurso útil para registrar lo insólito a través de sus visiones. Así, ¡buena proyección! ¡Bienvenidos al país del Sagrado Corazón de Jesús!

Extractos del texto de Hugo Chaparro Valderrama Catálogo Colombia 2009. País invitado de honor Festival Internacional de Cine en Guadalajara, 2009

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Largometrajes

La sombra del caminante La sombra del caminante D y G: Ciro Guerra. P: Colombia, 2004. F en B/N: Emmanuel Rojas. M: Richard Córdoba y Diego Hernández. E: Ricardo Cortés e Iván Wild. Con: César Badillo (Mañe), Ignacio Prieto (el hombre de la silla), Julián Díaz (El Negro), Inés Prieto Sarvia (Marelvis), Lowin Allende (sargento Osvaldo Jaimes). Prod: Ciudad Lunar Producciones, Tucán Producciones, Cinematográfica Ltda., Jaime Osorio Gómez. Dur: 91 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

Apocalípsur Apocalípsur D y G: Javier Mejía. P: Colombia, 2007. F en C: Juan Carlos Orrego.

M: Mauricio Giraldo. E: Erick Morris. Con: Andrés Echavarría, Pedro Ochoa, Maricela Gómez, Ramón Marulanda, Camilo Diaz. Prod: Perro A Cuadros Producciones, Javier Mejía. Dur: 101 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

Mañe ha perdido una pierna y es blanco de las burlas y el desprecio de sus semejantes.

Mientras recorre las calles de Bogotá, buscando cómo sobrevivir, conoce a un silletero que se dedica a cargar gente en su espalda por una tarifa. Entre ellos surge una amistad, ya que comparten un pasado violento y el hecho de perderlo todo, excepto la esperanza de volver a empezar. Ópera prima del realizador Ciro Guerra sobre la reconciliación, el perdón y la redención, triunfadora en los festivales de San Sebastián, Toulouse, y La Habana, entre otros.

Martes 5

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Ópera prima del actor Javier Mejía, ubicada en los años noventa en la peligrosa ciudad de Medellín. El Flaco, quien huyó del país por las amenazas que existían contra su madre, regresa y es recibido por sus amigos en la camioneta Bola de Nieve .En Medellín las cosas parece que no han cambiado: la guerra continúa y la camioneta se ha convertido en un refugio para todos; es el momento de huir nuevamente de la ciudad e iniciar un viaje.

Obtuvo el premio a la mejor película en el Festival de Cartagena.

Jueves 7

Perro come perro Perro come perro D: Carlos Moreno. P: Colombia, 2007. G: Carlos Moreno y Alonso Torres. F en C: Juan Carlos Gil. M: Sultana. E: Carlos Moreno, Felipe Guerrero y Santiago Palau. Con: Marlon Moreno, Óscar Borda, Alvaro Rodríguez, Blas Jaramillo, Andrés Toro. Prod: Antorcha Films, Patofeo Films, Diego F. Ramírez. Dur: 97 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

Un tigre de papel Un tigre de papel D y G: Luis Ospina. P: Colombia, 2007. G: Luis Ospina, basado en la investigación realizada por él y Carolina Sanín, François Bucher y Bernardo Ortiz. E: Rubén Mendoza y Luis Ospina. Testimonios: Jaime Osorio, Carlos Mayolo, Arturo Alape, Joe Broderick, Jotamario Arbeláez, Vicky Hernández. Prod: Congo Films, Efe-X, Luis Ospina.

Dur: 114 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

La vida de Pedro Manrique Figueroa, precursor del collage en Colombia, se parece demasiado a una novela de aventuras, a la vez incompleta y contradictoria. Utilizando como pretexto la vida y obra de este artista, el cineasta y escritor Luis Ospina yuxtapone aquí el documental con la ficción para recorrer la historia del arte y la política en Colombia desde 1934 hasta 1981, año de la misteriosa desaparición del artista. Premio Especial del Jurado y Premio Signis en Toulouse, entre otras distinciones.

Miércoles 6

Filmada en video digital y ganadora del premio al mejor guión original en el Festival de Huelva, Perro come perro narra la historia de una venganza por la muerte de William Medina. Sin saberlo, Víctor y Eusebio están condenados a muerte. Son dos ex policías, ahora sicarios bajo las órdenes de El Orejón, un empresario devoto de la brujería, deseoso de vengar la muerte de su ahijado y obsesionado por encontrar su dinero. Una historia de suspenso acerca de dos hombres que han roto las reglas del mundo del hampa.

Viernes 8 y sábado 9

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Satanás Satanás D: Andi Baiz. P: México-Colombia, 2007 G: Andrés Baiz, basado en la novela homónima de Mario Mendoza. F en C: Mauricio Vidal. M: Angelo Milli. E: Alberto De Toro. Con:, Héctor García, Martina García, Damián Alcázar, Blas Jaramillo, Marcela Mar, Teresa Gutiérrez, Marcela Valencia, Andrés Parra. Prod: Grupo Dynamo, Proyecto Tucán, Rodrigo Guerrero. Dur: 95 mins. Dist: Gussi-Artecinema.

Ganadora del Premio Pablo Neruda al mejor largometraje en el Festival de Huelva, Satanás es una historia coral cuyo eje central es un veterano de guerra del ejército estadounidense. Inspirada en hechos reales y en la exitosa novela de Mario Mendoza, narra tres relatos que se entrelazan para mostrar la interconexión de eventos en el mundo, y el efecto dominó que las acciones de una persona pueden tener sobre las vidas de otros. Fuerte y gráfica, la película analiza los conflictos internos del hombre y su efecto destructivo.

Domingo 10

La Cineteca Nacional agradece al Ministerio de Cultura de la República de Colombia, a la Embajada de la República de Colombia en México, al Fondo para el Desarrollo Cinematográfico de Colombia y al Festival Internacional de Cine de Guadalajara su colaboración en la elaboración del presente ciclo.

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Cortometrajes Doña Ana Doña Ana D, G, F en C y P: Marlon Vásquez y David Sánchez. P: Colombia, 2005. M: Ambient. E: David Sánchez. Con: Ana Martha Guzmán.

Dur: 2 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

Mientras come las fresas que tanto le gustan, Doña Ana —una anciana que vende plantas medicinales en la ciudad de Medellín— nos cuenta su historia, y así revela el profundo conocimiento que se encuentra en el espíritu de la cultura popular. Documental experimental premiado en la tercera Bienal Interamericana de Video Arte.

Martes 5

Los ciclos Los ciclos D y G: Juan Manuel Acuña. P: Colombia, 2005. M: Alejandro Ramírez Rojas. E: Juan Manuel Acuña, Carlos Moreno. Prod: Patofeo Films, Carolina Barrera. Dur: 21 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

Cortometraje de ciencia ficción realizado en animación 3D, que habla de una catedral mecánica donde los robots esperan ser elegidos por un rayo de luz para poder salir del claustrofóbico mundo de metal en que viven. Sin embargo, cuando el sistema falla, un robot comienza a tener extrañas visiones.

Domingo 10

Hoguera Hoguera D, G y E: Andi Baiz. P: Colombia, 2007. F en C: Mauricio Vidal. M: Mateo de los Ríos. Con German Jaramillo, Marcela Valencia, Julio Medina, Pablo Arellano, Oriana Spataro. Prod: María Quintana, Matthías Ehrenberg. Dur: 16 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

Andi Baiz, director, productor y crítico de cine, participó en la Quincena de los Realizadores de Cannes con Hoguera, que relata la historia de Ernesto, hombre de familia acomodada que debido a una extraña crisis existencial decide construir una fogata gigantesca para celebrar su cumpleaños.

Sábado 9

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El deseo de Juanita El deseo de Juanita D, G, E y Prod: Mónica Cifuentes Toro. P: Colombia, 2008. M: Canción Mándal, COBA, Sebastián Cruz. Animación: Mónica Cifuentes Toro, Ramiro Munera. Dur: 3 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

Juanita es una mujer mayor con sueños y expectativas, y sus opiniones sobre la vida van más allá de las palabras. Mónica Cifuentes estudió cine en San Antonio de los Baños, Cuba, y trabaja actualmente con comunidades en estado vulnerable, así como en proyectos de animación y documental.

Miércoles 6

Rojo red Rojo red D y G: Juan Manuel Betancourt. P: Colombia, 2008. F en C: Natalia Pérez Pabón. M: Fabián Torres. E: Juan Manuel Betancourt, Valeria Lombo y Natalia Pérez Pabón. Con: Apsod Camargo, Valentia Umaña, Talego, Marisol Correa, Raúl González. Prod: Gatoencerrado Films, Natalia Pérez Pabón. Dur: 13 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

Federico, un niño de siete años, forzado por su madre a ponerse zapatos ortopédicos, decide huir de casa.

Corre y cae en un agujero. Divertido, busca la forma de destruir sus odiados zapatos. Corto galardonado en los festivales de Cartagena y Fantasporto.

Jueves 7

En agosto En agosto D, G y F en C: Andrés Barrientos y Carlos Andrés Reyes. P: Colombia, 2008. M: Sergio A. Trujillo y Sinapsis. E: David Gallego y Augusto Caro. Voces: Carlos J. Vega, Patricia Castaño Valencia, Isabel Gaona, Odo Bigidima. Prod: DíaFragma, Fábrica de Películas, Oruga Animación Studios, Daniel García. Dur: 14 mins. PC: Embajada de Colombia en México.

En el futuro, Verónica, joven indígena, camina por un puente en una Bogotá inundada y en la que no para de llover. Ella intuye que algo malo ocurrirá y acelera su paso. En el presente, Pedro, un anciano, espera el fin del mundo. Verónica y Pedro están unidos por una visión y una realidad. viernes 8

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Cine y

Periodismo

E

l presente ciclo, organizado por la Academia Nacional de Periodistas de Radio y Televisión (ANPERT), con el apoyo de RTC y Cineteca Nacional, pretende ofrecer al público de la Cineteca, así como a todos los estudiantes de Periodismo, una oportunidad para reflexionar y comparar puntos de vista sobre el papel y el estado actual del llamado cuarto poder en nuestra vida cotidiana. Para ello se han reunido seis filmes que abordan desde diversos aspectos el mundo periodístico, mismos que serán comentados por personalidades del mundo de la información, entre ellos Carlos Ramos Padilla, Enrique Lazcano, Salvador Quiauhtlazollin, Armando Reyna, Nicolás Alvarado, Eduardo Marín Conde y Rafael Cardona.

La Cineteca Nacional agradece a la Academia Nacional de Periodistas de Radio y Televisión (ANPERT) y a la Dirección de Radio, Televisión y Cinematografía de la Secretaría de Gobernación su colaboración en la organización de este ciclo.

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El cuarto poder Mad City D: Constantin Costa-Gavras. P: Estados Unidos, 1997. G: Tom Matthews y Eric Williams. F en C: Patrick Blossier. M: Gary G-Wiz, Thomas Newman y Philippe Sarde. E: Francoise Bonnot. Con: John Travolta (Sam Baily), Dustin Hoffman (Max Brackett), Mia Kirshner (Laurie), Alan Alda (Kevin Hollander), Robert Prosky (Lou Potts), Blythe Danner (señora Banks), William Atherton (Dohlen). Prod: Arnold Kopelson Productions, Punch Productions, Anne Kopelson, Arnold Kopelson. Dur: 114 mins.

Frost / Nixon:

la entrevista del escándalo Frost / Nixon D: Ron Howard. P: Estados Unidos-Francia-Gran Bretaña, 2008.

G: Peter Morgan, basado en su pieza teatral homónima. F en C: Salvatore Totino. M: Hans Zimmer. E: Dan Hanley y Mike Hill. Con: Frank Langella (Richard Nixon), Michael Sheen (David Frost), Kevin Bacon (Jack Brennan), Sam Rockwell (James Reston, Jr.), Matthew Macfadyen (John Birt), Oliver Platt (Bob Zelnick). Prod: Imagine Entertainment, Papillon Productions, Relativity Media, Studio Canal, Working Title Films, Tim Bevan, Eric Fellner, Brian Grazer, Ron Howard. Dur: 122 mins.

Costa-Gavras cuestiona el impacto mediático que ha colocado a la televisión por encima de la legalidad, así como el enorme poder que les permite a los medios desdeñar su misión informativa en este filme protagonizado por John Travolta y Dustin Hoffman. El cineasta se enfoca en la historia de un periodista sin escrúpulos que se aprovecha de un secuestro en un museo para cubrir la nota, servir de mediador y, al mismo tiempo, moldear los sucesos a fin de elevar el rating del noticiario para el que trabaja.

Basado en la obra teatral homónima del dramaturgo Peter Morgan, Ron Howard dirige este largometraje que recrea la entrevista realizada por David Frost a Richard Nixon en el verano de 1977, acerca del escándalo Watergate. Nominado a cinco premios Oscar —mejor película, mejor director y mejor edición, entre otros— Frost / Nixon no sólo aborda la conversación televisada, sino que se adentra en las semanas precedentes de negociaciones y maniobras entre los dos hombres y sus respectivos equipos de trabajo.

Martes 26

Miércoles 27

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Escándalo en la Casa Blanca Wag the Dog D: Barry Levinson. P: Estados Unidos, 1997. G: Hilary Henkin y David Mamet, basados en la novela American Hero de Larry Beinhart.

F en C: Robert Richardson. M: Mark Knopfler. E: Stu Linder. Con: Dustin Hoffman (Stanley Motss), Robert De Niro (Conrad Brean), Anne Heche (Winifred Ames), Denis Leary (Fad King), Willie Nelson (Johnny Dean). Prod: Baltimore Pictures, New Line Cinema, Punch Productions, Tribeca Productions, Robert De Niro, Barry Levinson, Jane Rosenthal. Dur: 97 mins.

Remolino de pasiones Shock Corridor D y G: Samuel Fuller. P: Estados Unidos, 1963. F en C y B/N: Stanley Cortez y Samuel Fuller. M: Paul Dunlap. E: Jerome Thoms.

Con: Peter Breck (Johnny Barrett), Constance Towers (Cathy), Gene Evans (Boden), James Best (Stuart), Hari Rhodes (Trent), Larry Tucker (Pagliacci). Prod: Leon Fromkess-Sam Firks Productions, Sam Firks, Leon Fromkess, Samuel Fuller. Dur: 101 mins.

Filme ganador del Oso de Plata y del Premio Especial del Jurado en el Festival de Berlín en 1998, protagonizado por dos de los actores más reconocidos de Hollywood: Dustin Hoffman y Robert De Niro. No muy alejada de la realidad, esta comedia relata cómo el presidente de Estados Unidos intenta desviar la atención de la opinión pública tras ser sorprendido en un escándalo sexual. Para lograrlo, crea una guerra ficticia que él mismo solucionará de manera heroica, con los medios de información como testigos.

Obsesionado con ganar el Premio Pulitzer, el periodista Johnny Barrett se hace pasar por enfermo mental para descubrir un crimen que se cometió años atrás en un hospital psiquiátrico. Mientras avanza en la investigación, su percepción de la realidad se distorsiona y, aunque cada vez está más cerca de la verdad, pagará un alto precio por su proyecto. Fuller, quien desde los 17 años trabajó como reportero de nota roja, escribió el guión de este filme tal vez basándose en sus propias experiencias en el medio.

Jueves 28

Viernes 29

40

Tierra de nadie No Man’s Land D, G y M: Danis Tanovic. P: Bosnia y Herzegovina-Eslovenia-ItaliaFrancia-Gran Bretaña-Bélgica, 2001. F en C: Walther van den Ende. E: Francesca Calvelli. Con: Branko Djuric (Ciki), Rene Bitorajac (Nino), Filip Sovagovic (Cera), Serge-Henri Valcke (Dubois), Sacha Kremer (Michel), Alain Eloy (Pierre). Prod: Noé Productions, Fabrica, Man’s Films, Marc Baschet, Frédérique Dumas–Zajdela, Cédomir Kolar. Dur: 98 mins.

Buenas noches, buena suerte Good Night, and Good Luck D: George Clooney. P: Japón-Francia-Gran Bretaña-EUA, 2005. G: George Clooney y Grant Heslov. F en B/N: Robert Elswit. E: Stephen Mirrione. Con: David Strathairn (Edward R. Murrow), Robert Downey Jr. (Joe Wershba), Patricia Clarkson (Shirley Wershba), Ray Wise (Don Hollenbeck), Frank Langella (William Paley), Jeff Daniels (Sig Mickelson). Prod: Marc Butan, Ben Cosgrove, Mark Cuban, Jennifer Fox, Grant Heslov. Dur: 93 mins.

Primer largometraje de Danis Tanovic, con el que obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera y el premio al mejor guión en Cannes. El director hizo gala de su experiencia como responsable de los archivos fílmicos del ejército bosnio —rodó más de 300 horas en el frente— para retratar los efectos devastadores de la guerra de los Balcanes y el papel que jugaron los medios de comunicación en dicho conflicto bélico, a través de un par de soldados —uno bosnio y otro serbio—, atrapados en una trinchera.

Tras Confesiones de una mente peligrosa (2002), George Clooney vuelve a la dirección, pero esta vez en un filme que reconstruye la lucha pública entre el periodista de la CBS Edward R. Murrow, y el senador Joseph McCarthy. Ganadora de los premios a la mejor película y mejor guión en el Festival de Venecia de 2005, la cinta, filmada en blanco y negro, se centra en los programas de TV en los que Murrow se dedicó a denunciar las violaciones a las garantías individuales perpetradas por la cacería de brujas de McCarthy.

Sábado 30

Domingo 31

41

Programa doble I: Monstruos cuadro X cuadro

Permanencia voluntaria

El gran gorila Mighty Joe Young D: Ernest B. Schoedsack. P: Estados Unidos, 1949. G: Merian C. Cooper. F en B/N: J. Roy Hunt. M: Roy Webb. E: Ted Cheesman. Con: Terry Moore (Jill Young), Ben Johnson (Gregg), Robert Armstrong (Max O’Hara), Frank McHugh (Windy), Douglas Fowley (Jones), Denis Green (Crawford). Prod: Argosy Pictures, Merian C. Cooper. Dur: 94 mins.

El valle de Gwangi The Valley of Gwangi D: Jim O’Connolly. P: Estados Unidos, 1969. F en C: Erwin Hillier.

M: Jerome Moross. E: Selwyn Petterson y Henry Richardson. Con: James Franciscus (Tuck Kirby), Gila Golan (T. J. Breckenridge), Richard Carlson (Connors), Laurence Naismith (profesor Horace Bromley), Freda Jackson (tía Zorina), Gustavo Rojo (Carlos dos Orsos). Prod: Morningside Productions, Ray Harryhausen, Charles H. Schneer.

Dur: 96 mins.

A

ntes de que la animación se convirtiera en esclava de los efectos especiales por computadora, el ingenio de Ray Harryhausen inundaba las pantallas con mundos fantásticos y monstruos que parecían cobrar vida gracias a su destreza en la técnica del stop-motion. Admirador del trabajo que Willis O’Brien —inventor de esta técnica, misma que consiste en utilizar modelos a escala y animarlos cuadro por cuadro— realizó en la exitosa King Kong (1933), Harryhausen llevó a cabo sus primeros experimentos animados en varios cortometrajes para la Paramount. Su talento llamó la atención de O’Brien, quien lo invitó a colaborar en El gran gorila, secuela de King Kong —realizada por el mismo equipo de aquel clásico y que obtuvo el Oscar en 1950 a los mejores efectos especiales— en la que un ambicioso empresario descubre un inmenso gorila; la criatura perfecta para su show en Hollywood. Cuando la bestia llega a la ciudad las cosas se salen de control. Algo similar sucede en El valle de Gwangi, filme basado en una idea de O’Brien que Harryhausen materializó, dando vida a sus monstruos favoritos: los dinosaurios, criaturas que habitan en este valle al que llega un grupo de vaqueros en busca de aventuras.

Orianna Paz Cineteca Nacional Martes 28 y miércoles 29 de abril, y sábado 2 de mayo

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Programa doble II: las horas de Orlando

Orlando Orlando D y G: Sally Potter, basado en el libro homónimo de Virginia Woolf.

P: Gran Bretaña-Rusia-Francia, 1992. F en C: Alexei Rodionov. M: Sally Potter y David Motion. E: Herve Schneid. Con: Tilda Swinton (Orlando), Billy Zane (Shelmerdine), Lothaire Bluteau (el Khan), John Wood (Archiduque Harry), Charlotte Valandrey (Sasha), Heathcote Williams (Nick), Quentin Crisp (Elisabeth I), Peter Eyre (Señor Pope).

Prod: Adventures Pictures, Lenfilm Studio, Mikado Film, Rio, Sigma Film Productions, British Screen, Christopher Sheppard. Dur: 92 mins.

Las horas The Hours D: Stephen Daldry. P: Estados Unidos, 2002. G: David Hare, a partir de la novela de Michael Cunningham. F en C: Seamus McGarvey. M: Philip Glass. E: Peter Boyle. Con: Meryl Streep (Clarisa Vaughan), Nicole Kidman (Virginia Woolf), Julianne Moore (Laura Brown), Stephen Dilllane (Leonard Woolf), Miranda Richardson (Vanessa Bell), George Loftus (Quentin Bell), Ed Harris (Richard Brown). Prod: Paramount Pictures, Miramax Films, Robert Fox, Scott Rudin. Dur: 114 mins.

A

unque empezó su carrera escribiendo ensayos y crítica literaria, el mejor legado que dejó Virginia Woolf es su obra como novelista. Destacan, dentro de este género, La señora Dalloway (1925), ubicada en la Inglaterra de la posguerra y que detalla un día en la vida de Clarissa Dalloway, quien piensa en quitarse la vida; y Orlando (1928), considerada la novela de mayor éxito de la autora y que fuera basada en la aristócrata Vita Sackville-West, con quien se dice que Woolf mantuvo una relación amorosa. Tanto Orlando (1992), adaptación de la obra homónima de Woolf, como Las horas (2002), inspirada en La señora Dalloway, son protagonizadas por personajes del sexo femenino, inherentes al tiempo y al espacio, que analizan a su manera el rol asignado a la mujer tanto en la época isabelina como en los albores del siglo XX. Dichos personajes están siempre permeados por una perspectiva feminista, también presente en muchas de las obras de la autora inglesa, quien se suicidaría en el año 1941.

Jorge D. Martínez Micher Cineteca Nacional Martes 5, miércoles 6 y sábado 9

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Programa doble III: La belleza está en el interior

Permanencia voluntaria

El hombre elefante The Elephant Man D: David Lynch. P: Estados Unidos, 1980. G: Christopher De Vore, Eric Bergren y David Lynch, basados en los textos de Sir Frederick Treves y Ashley Montagu. F en B/N: Freddie Francis. M: John Morris. E: Anne V. Coates. Con: Anthony Hopkins (Frederick Treves), John Hurt (John Merrick), Anne Bancroft (Sra. Kendall), John Gielgud (Carr Gomm), Wendy Hiller (Mothershead), Phoebe Nicholls (madre de Merrick). Prod: Brooksfilms, Jonathan Sanger. Dur: 124 mins.

Máscara Mask D: Peter Bogdanovich. P: Estados Unidos, 1985. G: Anna Hamilton Phelan. F en C: László Kovács. M: Dennis Ricotta. E: Barbara Ford.

Con: Cher (Florence Rusty Dennis), Sam Elliott (Gar), Eric Stoltz (Roy L. Rocky Dennis), Estelle Getty (Evelyn), Laura Dern (Diana Adams), Richard Sysart (Abe). Prod: Universal Pictures, Martin Starger. Dur: 127 mins.

E

n un mundo en el que la belleza física es indispensable para triunfar, las personas con deformaciones visibles son víctimas de abusos, burla, rechazo y falta de amor. David Lynch y Peter Bogdanovich llevaron a la pantalla las vidas de dos peculiares personajes: John Merrick y Rocky Dennis.

Para ambos directores, lo importante era destacar la relación entre sus deformes protagonistas y el mundo que los rodea, a su vez también defectuoso. El hombre elefante, fotografiada en blanco y negro, narra la vida de John Merrick, un inglés del siglo XIX desfigurado por una enfermedad congénita y a quien el doctor Treves rescata de una feria ambulante. Cuando éste ve la posibilidad de alcanzar mayor prestigio académico mediante la exposición del apasionante caso clínico, acaba dándole a Merrick la dignidad que siempre se le había negado. Por otro lado, Máscara presenta a un adolescente con una severa deformación en el rostro, pero sumamente inteligente y cálido, y a su madre, apodada Rusty, una mujer poco convencional que forma parte de una banda de motociclistas y que lucha para que su hijo tenga las mismas oportunidades que los otros chicos. Cher recibió en Cannes el premio a la mejor actriz por este papel.

Catherine Bloch Cineteca Nacional Martes 12, miércoles 13 y sábado 16

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Programa doble IV: Alrededor de Irvine Welsh

La vida en el abismo Trainspotting D: Danny Boyle. P: Gran Bretaña, 1996. G: John Hodge, basado en la novela homónima de Irving Welsh. F en C: Brian Tufano. M: Underworld, Lou Reed, New Order, Iggy Pop, Brian Eno y otros.

E: Masahiro Hirakubo. Con: Ewan McGregor (Mark Renton), Ewen Bremner (Spud Murphy), Jonny Lee Miller (Sick Boy), Kevin McKidd (Tommy), Robert Carlyle (Francis Begbie), Kelly McDonald (Diana), Peter Mullan (Swanney). Prod: Channel Four Films, Figment Films, PolyGram Filmed Entertainment, The Noel Gay Motion Picture Company, Andrew McDonald. Dur: 93 mins.

Viaje ácido The Acid House D: Paul McGuigan. P: Gran Bretaña, 1998. G: Irvine Welsh. F en C: Alasdair Walker. M: Dan Mudford. E: Andrew Hulme. Con: Ewen Bremner (Coco), Kevin McKidd (Johnny), Maurice Roëves (God), Martin Clunes (Rory), Jemma Redgrave (Jenny). Prod: Picture Palace North, Umbrella Productions Limited, David Muir, Alex Usborne.

Dur: 111 mins.

E

ntre las formas más socorridas de la literatura moderna se encuentra aquella que busca retratar personajes marginales enfrentándose a situaciones cotidianas y expresándose por medio del lenguaje que se emplea en la vida diaria. Uno de los mejores ejemplos de lo anterior es el escritor escocés Irvine Welsh, autor de Trainspotting (1993) y The Acid House (1994), relatos que tras su publicación fueron adaptados al cine. El primero de la mano de Danny Boyle —reciente ganador del Oscar como mejor director por Quisiera ser millonario (2008)— y el segundo dirigido por Paul McGuigan. Trainspotting, película ganadora del premio de la Academia Británica de Cine (BAFTA) al mejor guión adaptado, se convirtió a la postre en una obra referencial de los años 90, al retratar a una juventud apática y sin futuro que encuentra en las drogas su único escape. Por su parte, The Acid House es un compilado de historias que vuelven a recrear las obsesiones autorales de Welsh: la entrada y salida de paraísos artificiales que son el único refugio ante una realidad que sólo ofrece mediocridad, explotación y alienación.

Miriam Jiménez Cineteca Nacional Martes 19, miércoles 20 y sábado 23

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Programa doble V: cómo duele crecer: Los inicios de Milos Forman

El concurso Konkurs D: Milos Forman. P: Checoslovaquia, 1963. G: Ivan Passer y Milos Forman. F en B/N: Miroslav Ondrícek. M: Jirí Slitr. E: Miroslav Hájek. Con: Jirí Suchý, Jirí Slitr, Karel Mares, Vladimir Hrabánek, Jaroslava Razova, Marketa Krotka, Ladislav Jakim. Prod: Filmové Studio Barrandov, Milos Bergl. Dur: 79 mins.

Pedro oveja negra Cerný Petr D: Milos Forman. P: Checoslovaquia, 1964. G: Milos Forman y Jaroslav Papousek. F en B/N: Jan Nemecek. M: Jirí Slitr. E: Miroslav Hájek. Con: Ladislav Jakim (Petr), Pavla Martinkova (Asa), Jan Vostrcil (padre de Petr), Vladímir Pucholt (Cenda), Pavel Sedlacek (Lada), Zdenek Kulhanek (Zdenek), Bozena Matuskova (madre de Petr).

Prod: Ceskoslovenský Státní Film, Rudolf Hájek. Dur: 85 mins.

L

a otra Nueva Ola europea fue un movimiento fílmico cuyo esplendor ocurrió en Checoslovaquia durante los años previos a la invasión rusa de 1968. A este grupo perteneció Milos Forman, futuro ganador del Oscar por Atrapado sin salida (1975) y Amadeus (1984). El concurso y Oveja negra son sus dos primeros filmes, en los cuales reflejó su interés por retratar las aspiraciones y frustraciones de la juventud checa de la época, confrontada a una rígida sociedad de adultos dominados por la ideología política. El concurso está compuesta por dos breves semi-documentales (titulados “Si esas canciones no existieran” y “El concurso”), en los cuales varios jóvenes relacionados con la música encuentran difícil la convivencia con sus mayores, y compiten reñidamente por ganarse un lugar en la sociedad. Por su parte, Petr, protagonista del segundo filme, apodado oveja negra por sus padres, es un joven desencantado y sin perspectivas que se enfrenta a su primer empleo y, por tanto, a su primera responsabilidad como adulto.

José Antonio Valdés Cineteca Nacional Martes 26, miércoles 27 y sábado 30

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Programa 53

Huérfanas de la tormenta Orphans of the Storm D: D.W. Griffith. P: Estados Unidos, 1921. G: D.W. Griffith, inspirado en la novela Les deux orphelines de Adolphe d’Ennery y Eugène Cormon. F en B/N: G.W. Bitzer, Hendrik Sartov y Paul H. Allen. E: James Smith y Rose Smith. Con: Lillian Gish (Henriette Girard), Dorothy Gish (Louise Girard), Joseph Schildkraut (Chevalier de Vaudrey), Frank Losee (conde de Linieres), Sheldon Lewis (Jacques Frochard), Monte Blue (Danton), Sidney Herbert (Robespierre). Prod: D.W. Griffith Productions, United Artists, D.W. Griffith. Dur: 150 mins.

Basado en documentos y escritos sobre la Revolución francesa, D.W. Griffith utiliza este contexto histórico como lujoso telón de fondo para narrar la turbulenta odisea de dos huérfanas, criadas como hermanas y separadas por las pugnas entre el pueblo y la aristocracia. Si bien esta superproducción está más cerca del melodrama decimonónico que de una lección de historia, con este filme, en el cual dirigió nuevamente a las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Griffith obtuvo su último éxito comercial.

Jueves 30 de abril

Programa 54

Érase una vez Der var engang D: Carl Theodor Dreyer. P: Dinamarca, 1922. G: Palle Rosenkratz y Carl Theodor Dreyer, basados en una pieza teatral de Holger Drachmann. F en B/N: George Schnéevoigt. E: Edla Hansen y Carl Theodor Dreyer. Con: Clara Wieth (princesa de Illyria), Svend Methling (príncipe de Dinamarca), Peter Jendorff (rey), Hakon Ahnfelt-Rønne (Kasper Røghat), Mohamed Archer (fraile), Bodil Faber (ama de llaves), Wilhelmine Henriksen (doctor Dorthe). Prod: Det Danske Filminstitut, Sophus Madsen. Dur: 75 mins.

Un príncipe se propone conquistar el corazón de una caprichosa princesa, aunque deba esconderse bajo la apariencia de un plebeyo. Realizado en 1922, al regresar Carl Dreyer de una temporada en las filas del cine alemán, este filme se ve envuelto en una onírica atmósfera de cuento de hadas. En un tono ligero, lejano al dramatismo de sus grandes obras, el gran realizador danés reflexiona sobre los amores difíciles y las falsas apariencias, iluminando sus fantásticos escenarios bajo los claroscuros propios del Expresionismo alemán.

Jueves 7

48

Programa 55

Nanook el esquimal Nanook of the North D y F en B/N: Robert Flaherty. P: Estados Unidos-Francia, 1922.

G: Robert Flaherty y Frances Flaherty. E: Robert Flaherty, Herbert Edwards y Charles Gelb. Con: Allakariallak (Nanook), Nyla (esposa de Nanook), Cunayou, Allee, Allegoo (hijos de Nanook). Prod: Pathé Exchange, John Révillon, Robert Flaherty. Dur: 79 mins.

Considerado el primer largometraje documental de la historia del cine, Nanook el esquimal es el resultado final de años de investigación que el ingeniero, geólogo, cartógrafo y documentalista Robert Flaherty realizara en los páramos helados del norte de Canadá, entre 1920 y 1922. Las andanzas del Inuit Nanook y su familia, en su lucha diaria por sobrevivir ante las fuerzas mismas de la naturaleza, sorprendentemente capturadas por la mirada de Flaherty, son la médula de este clásico del cine mundial.

Jueves 14

Programa 56

Oliver Twist Oliver Twist D: Frank Lloyd. P: Estados Unidos, 1922. G: Frank Lloyd y Harry Weil, con intertítulos de Walter Anthony, basado en la novela homónima de Charles Dickens. F en B/N: Glen MacWilliams y Robert Martin. E: Irene Morra. Con: Jackie Coogan (Oliver Twist), Lon Chaney (Fagin), George Siegmann (Bill Sikes), Eddie Boland (Toby Crackit), Aggie Herring (señora Corney), Lionel Belmore (señor Brownlow), James Marcus (señor Bumble). Prod: First National Pictures, Sol Lesser. Dur: 74 mins.

Filmada por vez primera en 1909, Oliver Twist, la célebre novela de Charles Dickens sobre un joven huérfano cuya búsqueda de afecto familiar termina develando un entramado de crueldad y abuso infantil, llegó a las pantallas en 1922. Ambientada en la Inglaterra victoriana, esta versión fue protagonizada por Jackie Coogan, la superestrella de El chico (1921) de Charles Chaplin, y Lon Chaney, luciendo sus dotes de transformación como el mísero explotador Fagin.

Jueves 21

49

Programa 57

Sangre y arena Blood and Sand D: Fred Niblo. P: Estados Unidos, 1922. G: June Mathis, sobre una pieza teatral escrita por Tom Cushing, inspirada en la novela homónima de Vicente Blasco Ibáñez. F en B/N: Alvin Wyckoff. E: Dorothy Arzner. Con: Rodolfo Valentino (Juan Gallardo), Lila Lee (Carmen), Rose Rosanova (Angustias), Leo White (Antonio), Rosita Marstini (Encarnación), Charles Belcher (don Joselito), Fred Becker (don José).

Prod: Famous Players-Lasky Corporation, Paramount Pictures, Jesse L. Lasky, Fred Niblo. Dur: 108 mins.

U

n joven torero español consigue fama y fortuna, sin importarle dar la espalda a su humilde origen, mientras se debate entre su amor de juventud y las delicias de una destructiva vampiresa. Adaptación de un original literario de Vicente Blasco Ibáñez, este melodrama romántico ambientado en la España de inicios del siglo XX se beneficia de la trágica presencia y languidez interpretativa del galán Rodolfo Valentino, los elegantes decorados que recrean la época y el buen oficio de Fred Niblo tras la cámara.

Jueves 28

50

La Cineteca Nacional

agradece el valioso apoyo de

en la organización del evento especial del Día del Niño.

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La Cineteca Nacional agradece el valioso apoyo de

Recuerda que martes y miĂŠrcoles la entrada general es de $ 25 pesos.

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ÍNDICE

alfabético mayo 2009

Apocalípsur Bajo Juárez, la ciudad devorando a sus hijas Bastardos, Los Buenas noches, buena suerte Cazadores desde el principio de los tiempos Ciclos, Los Cielo, la tierra y la lluvia, El Clase, La Concurso, El Cuarto poder, El Deseo de Juanita, El Doña Ana En agosto Entre la vida y la muerte Érase una vez Escándalo en la Casa Blanca Frost / Nixon: la entrevista del escándalo Gran gorila, El Happy-Go-Lucky / La dulce vida Herederos, Los Hijo de… Bush Hoguera Hombre elefante, El Horas, Las Huérfanas de la tormenta

60

30 16 8 41 23 33 26 26 46 39 34 33 34 14 48 40 39 42 21 22 10 33 44 43 48

Involuntario Kabuli Kid Limonero, El Máscara Mi vida dentro Mishima. Una vida en cuatro capítulos Nanook el esquimal Oliver Twist Orlando Pedro oveja negra Perro como perro Que se quedan, Los Remolino de pasiones Rojo red Sangre brota, La Sangre y arena Satanás Sombra del caminante, La Tierra de nadie Tony Manero Trazando Aleida Un secreto Un tigre de papel Valle de Gwangi, El Vals con Bashir Viaje ácido Viaje de bodas Vida en el abismo, La

22 23 25 44 12 21 49 49 43 46 31 25 40 34 24 50 32 30 41 27 7 18 31 42 27 45 24 45