Prix d'Art Robert Schuman 2019

Stephan BACKES *1982

Aline BOUVY

*1974

Werner BITZIGEIO *1956

Laura MANNELLI

Bettina GHASEMPOOR

Claudia PASSERI

Judith LEINEN

*1980 *1977

Éric SCHUMACHER

*1985

Stilbé SCHROEDER

Curatrice / Kuratorin *1985

*1965 *1985

Bettina LEUCHTENBERG

Curatrice / Kuratorin *1969

TRIER

LUXEMBOURG

SAARBRÜCKEN METZ

Dr. Andrea JAHN

Curatrice / Kuratorin

Marc AUFRAISE

Curateur / Kurator *1985

*1964

Kamila KOLESNICZENKO

Curatrice / Kuratorin *1985

Anaïs MARION

*1992

Marceau PENSATO

*1994

Émilie PIERSON

*1995

Thibaud SCHNEIDER

*1995

2

Frauke ECKHARDT *1968

Mirjam ELBURN *1976

Martin FELL *1985

Ida KAMMERLOCH *1991

1

pars.vdl.lu #pars2019

LUXEMBOURG 16 20 26

sommaire INHALT 6

Préfaces Vorwörter

136

Behind the scenes

144

Membres du jury Jurymitglieder

145

Biographies Biografien

158

32 38

Stilbé Schroeder curatrice Aline Bouvy Laura Mannelli Claudia Passeri Eric Schumacher

Historique Historie

METZ 46 50 56 62 68

Marc Aufraise curateur Anaïs Marion Marceau Pensato Émilie Pierson Thibaud Schneider

TRIER 106 110 116 122 128

Bettina Leuchtenberg Kuratorin Stephan Backes Werner Bitzigeio Bettina Ghasempoor Judith Leinen

SAARBRĂœCKEN 76

80 86 92 98

Dr Andrea Jahn, Kamila Kolesniczenko Kuratorinnen Frauke Eckhardt Mirjam Elburn Martin Fell Ida Kammerloch

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Lydie POLFER

VILLE DE LUXEMBOURG

Bourgmestre

Après une 10e édition remarquable en 2011, la Ville de Luxembourg est fière de pouvoir accueillir à nouveau en novembre 2019 le Prix d’Art Robert Schuman, dont ce sera la 14e édition.

Pour cette édition, deux lieux d’exposition étroitement associés aux débuts du projet européen ont été choisis : le Cercle Cité et la Villa Vauban, qui deviennent tous les deux sièges d’institutions de la Communauté européenne du charbon et de l’acier (CECA) à partir de 1952. Aujourd’hui, la Villa Vauban en tant que Musée d’Art de la Ville et le Cercle Cité avec son espace « Ratskeller » font partie intégrante de la scène culturelle de la capitale et se prêtent ainsi particulièrement à mettre en avant le travail de 16 artistes contemporains sélectionnés par les commissaires des villes du réseau QuattroPole dans le cadre du Prix d’Art Robert Schuman 2019.

C’est un très grand plaisir pour la Ville de Luxembourg d’organiser à nouveau le Prix d’Art Robert Schuman qui, depuis sa création en 1991, a constamment gagné en importance. Ce prix n’a pas seulement réussi à favoriser le dialogue interculturel au niveau international ; au Luxembourg, il a par ailleurs contribué à la visibilité de la ville en tant que haut lieu de la culture et au futur épanouissement de nos artistes.

En effet, une partie des artistes luxembourgeois ayant participé à des éditions précédentes du Prix d’Art Robert Schuman ont par la suite été invités à des événements d’envergure, comme par exemple la Biennale de Venise ou les Rencontres d’Arles.

Au nom du Collège des bourgmestre et échevins et de tous nos concitoyens, je tiens donc à remercier les artistes, les commissaires, les membres du jury et les équipes du Cercle Cité et de la Villa Vauban.

Je suis persuadée que cet événement rencontrera le succès qu’il mérite et donnera un nouvel élan à la création artistique transfrontalière et, dans l’esprit de Robert Schuman, à l’idée européenne.

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Die Stadt Luxemburg freut sich, nach der 10. Edition im Jahr 2011 nun im November 2019 den 14. Kunstpreis Robert Schuman ausrichten zu dürfen.

Für den diesjährigen Kunstpreis wurden zwei Ausstellungsorte gewählt, die eng mit den Anfängen des europäischen Einigungsprozesses verbunden sind: der Cercle Cité und die Villa Vauban, welche beide ab 1952 der Europäischen Gemeinschaft für Kohle und Stahl (EGKS) als Sitzungs- und Tagungsort dienten. Heute sind sowohl die Villa Vauban als Kunstmuseum der Stadt Luxemburg als auch der Cercle Cité mit seinem „Ratskeller“ integraler Bestandteil der Kulturlandschaft der Hauptstadt. Von daher sind sie geradezu prädestiniert, die im Rahmen des Kunstpreises 2019 durch die Kuratorinnen und Kuratoren des QuattroPole-Städtenetzwerks ausgewählten Werke von 16 zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern der Öffentlichkeit vorzustellen.

Für die Stadt Luxemburg ist es eine große Ehre, erneut Gastgeber des Kunstpreises Robert Schuman zu sein, der seit seiner Begründung im Jahr 1991 stetig an Bedeutung gewonnen hat. Nicht nur hat dieser Preis den interkulturellen Dialog auf internationaler Ebene gefördert, sondern auch auf nationaler Ebene zur Bedeutung der Stadt Luxemburg als Kulturstadt sowie zur Entfaltung luxemburgischer Kunsttalente beigetragen. So erhielten verschiedene Luxemburger Kunstschaffende im Anschluss an ihre Teilnahme am Kunstpreis Robert Schuman die Möglichkeit zur Teilnahme an wichtigen Veranstaltungen wie der Biennale von Venedig oder den Rencontres d’Arles.

Im Namen des Bürgermeister- und Schöffenkollegiums sowie unserer Mitbürgerinnen und Mitbürger möchte ich allen beteiligten Künstlerinnen und Künstlern, Kuratorinnen und Kuratoren, Mitgliedern der Jury sowie den Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern des Cercle Cité und der Villa Vauban herzlich danken.

Ich bin überzeugt, dass diese Veranstaltung den ihr gebührenden Erfolg haben wird und dass es ihr gelingt, dem grenzübergreifenden künstlerischen Schaffen sowie, ganz im Sinne Robert Schumans, der europäischen Idee einen neuen Impuls zu geben.

STADT LUXEMBURG

Lydie POLFER Bürgermeisterin

Dominique GROS

METZ

Maire / Conseiller départemental de la Moselle

Le Prix d’Art Robert Schuman, créé en 1991, est devenu, au fil des années, le prix le plus renommé de la Grande Région en matière d’art contemporain. Il offre une représentation à la fois fidèle et éclectique de la création artistique contemporaine, et sert souvent à lancer des artistes dans une carrière internationale.

Au sein du QuattroPole, à Trèves comme à Sarrebruck, Luxembourg ou Metz, nous offrons la possibilité à nos talents de s’installer et de travailler dans nos villes. Nous leur avons donné des moyens pour se faire connaître du public en s’appuyant sur les forces de notre réseau. Car la culture est primordiale dans une ville : c’est elle qui nous rassemble, nous fait vivre ensemble et nous donne le goût des autres. Elle est l’élan vital d’une cité.

Tous les deux ans, le Prix d’Art Robert Schuman incarne ainsi la concrétisation de coopérations culturelles fortes entre acteurs du monde de l’art contemporain des villes du QuattroPole, autour d’une exposition collective de seize artistes de la Grande Région. Outre l’hommage à l’homme illustre à qui ce concours emprunte le nom, le Prix d’Art Robert Schuman constitue un symbole fort de la construction d’une Europe des arts et de la culture. Il ne faut pas sous-estimer le potentiel de développement des territoires créatifs, qui grâce à des synergies communes dépassent les frontières et offrent la possibilité à de jeunes artistes de dessiner le paysage culturel de demain. Le Prix d’Art Robert Schuman en est l’exemple le plus prégnant dans la Grande Région : il participe à l’évidence de ce dynamisme culturel transfrontalier.

La Ville de Metz a eu l’immense plaisir de porter en 2017/2018 la treizième édition du Prix d’Art Robert Schuman, grâce à l’étroite collaboration des commissariats d’exposition et au soutien affirmé des villes du réseau QuattroPole. C’est avec une grande fierté que notre municipalité passe le flambeau à la Ville de Luxembourg, qui a désormais la responsabilité, en 2019/2020, d’accueillir cette nouvelle édition du Prix. Parmi les espaces d’exposition, la Villa Vauban – Musée d’Art de la Ville de Luxembourg et le Ratskeller du Cercle Cité : des lieux prestigieux, pour un Prix qui ne l’est pas moins !

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Seit der Kunstpreis Robert Schuman 1991 ins Leben gerufen wurde, hat er sich zur renommiertesten Auszeichnung der Gegenwartskunst in der Großregion entwickelt.

Er gibt umfassende Einblicke in die aktuelle Kunstszene und dient Künstlerinnen und Künstlern oft als Sprungbrett für eine internationale Karriere. Im Rahmen der Städtepartnerschaft QuattroPole ermöglichen wir es Kunstschaffenden sich in Trier, Saarbrücken, Luxemburg oder Metz zu etablieren, in den Partnerstädten zu arbeiten und sich mithilfe unseres Netzwerks einer breiten Öffentlichkeit vorzustellen.

Die Kunst ist ein äußerst wichtiger Faktor für unsere Städte: Sie bringt Menschen zusammen und beeinflusst das Zusammenleben positiv, indem sie das Interesse an unseren Mitmenschen weckt. Die Kunst ist das Lebenselixier einer Stadt.

Alle zwei Jahre wird der Kunstpreis Robert Schuman mit einer Gemeinschaftsausstellung von 16 Künstlerinnen und Künstlern aus der Großregion zum Sinnbild der intensiven Zusammenarbeit im Bereich der Gegenwartskunst in den QuattroPoleStädten. Der Preis versteht sich nicht nur als Hommage an seinen berühmten Namensgeber, sondern ist seinerseits ein Symbol für ein Europa der Kunst und der Kultur. Wir sollten das Entwicklungspotenzial der künstlerischen Territorien unserer Städte nicht unterschätzen, denn dank der von ihnen ausgehenden Synergien wirken sie grenzüberschreitend und geben jungen Kunstschaffenden die Möglichkeit, die Kultur der Zukunft zu gestalten. Der Kunstpreis Robert Schuman ist hierfür das prägnanteste Beispiel in der Großregion – mit ihm wird diese grenzüberschreitende kulturelle Dynamik in besonderer Weise sichtbar.

Die Stadt Metz hat 2017/2018 mit großer Freude die 13. Ausgabe des Kunstpreises Robert Schuman ausgerichtet und konnte hierbei auf die hervorragende Zusammenarbeit der Kuratorinnen und Kuratoren sowie auf die uneingeschränkte Unterstützung der Partnerstädte zählen. Mit großem Stolz reicht Metz nun den Stab an die Stadt Luxemburg weiter, die 2019/2020 für die Ausrichtung der nächsten Ausgabe dieses Preises verantwortlich sein wird. Führende Ausstellungsorte wie die Villa Vauban – Musée d’Art de la Ville de Luxembourg und der Ratskeller des Cercle Cité bieten einen angemessenen Rahmen für diesen renommierten Preis.

Dominique GROS METZ

Bürgermeister / Mitglied des Conseil Départemental de la Moselle

Uwe CONRADT

SARREBRUCK

Maire de la Ville de Sarrebruck

« Poursuivre des objectifs communs dans le domaine de la promotion artistique et documenter la production artistique dans la Grande Région », tel est, depuis son lancement, le credo du Prix d’Art Robert Schuman, qui sera attribué en 2019 pour la quatorzième fois. Le succès de cette initiative culturelle transfrontalière ne va pas de soi et concrétise la vision d’un des pères fondateurs de l’Europe à travers un engagement commun des villes formant le QuattroPole. Le prix met l’accent sur la rencontre des artistes sélectionnés, qui cette année exposeront à Luxembourg.

Promouvoir la compétition des villes en matière culturelle, c’est aussi faire connaître les réalisations artistiques au-delà de sa propre région, dépasser les frontières et saisir l’opportunité offerte par la diversité régionale en Europe.

Cette année encore, Andrea Jahn et Kamila Kolesniczenko ont sélectionné quatre artistes qui représenteront la ville de Sarrebruck avec des installations vidéo, sonores et spatiales et des œuvres conceptuelles. En tant que directrice de la Stadtgalerie de Sarrebruck, Andrea Jahn a axé sa programmation sur des expositions qui font la part belle aux installations, à l’art sonore et à la vidéo, ainsi qu’à des expositions thématiques internationales sur des problématiques sociopolitiques et artistiques actuelles. Conçue en collaboration avec l’historienne de l’art Kamila Kolesniczenko, la présentation pensée pour le Luxembourg reflète cette démarche. Les œuvres de Frauke Eckhardt, Mirjam Elburn, Martin Fell et Ida Kammerloch témoignent par ailleurs des innovations et développements artistiques impulsés par l’École supérieure des beaux-arts de la Sarre. Née de l’esprit de l’Europe, la HBKsaar continue aujourd’hui de défendre avec succès les idées démocratiques et transfrontalières qui ont présidé à sa fondation.

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„Gemeinsame Ziele im Bereich der Kunstförderung zum Ausdruck zu bringen und die künstlerische Produktion in der Großregion zu dokumentieren“ war und ist das Credo des Kunstpreises Robert Schuman, der in diesem Jahr zum 14. Mal vergeben wird. Der Erfolg dieser grenzüberschreitenden Kulturinitiative ist keineswegs selbstverständlich und dokumentiert die gelebte Idee des großen Europäers Robert Schuman im gemeinsamen Engagement der vier QuattroPole-Städte für Europa. Im Fokus des Preises steht die Begegnung der ausgewählten Künstlerinnen und Künstler in der ausstellenden Stadt – dieses Jahr in Luxemburg. Dabei geht es durchaus auch um den kulturellen Wettstreit der Städte, der seinerseits dazu beiträgt, die künstlerischen Leistungen über die eigene Region hinaus bekannt zu machen, Grenzen zu überwinden und die regionale Vielfalt in Europa als Chance zu begreifen.

Auch in diesem Jahr haben Andrea Jahn und Kamila Kolesniczenko als Kuratorinnen vier Künstlerinnen und Künstler ausgewählt, die Saarbrücken mit ihren Klang- und Rauminstallationen, Videos und konzeptuellen Arbeiten in Luxemburg vertreten.

Als Leiterin der Saarbrücker Stadtgalerie fokussiert Andrea Jahn ihr Programm auf Ausstellungen im Bereich der Installations-, Klang- und Videokunst sowie auf international besetzte Themenausstellungen zu aktuellen gesellschaftspolitischen und künstlerischen Fragestellungen. Gemeinsam mit der Saarbrücker Kunstwissenschaftlerin Kamila Kolesniczenko hat sie dieses Profil nun nach Luxemburg gebracht. Dabei spiegeln die Werke von Frauke Eckhardt, Mirjam Elburn, Martin Fell und Ida Kammerloch auch die künstlerischen Innovationen und Leistungen, die in unserer Stadt maßgeblich von der Hochschule der Bildenden Künste Saar angeregt werden. Sie ist ihrerseits aus dem Geiste Europas hervorgegangen und steht bis heute erfolgreich für seine demokratischen und grenzüberschreitenden Ideen.

Uwe CONRADT SAARBRÜCKEN

Oberbürgermeister der Landeshauptstadt Saarbrücken

Wolfram LEIBE

Thomas SCHMITT

Maire de la Ville de Trèves / Président de l’association QuattroPole e. V. 2019/20

Adjoint au Maire / Chargé de la culture, du tourisme, du marketing, de la sécurité et de l’ordre

TRÈVES

« L’Europe, concrètement » À l’heure de la menace imminente du Brexit, et à l’aune de la multiplication des mouvements nationaux et eurosceptiques, la mise en exergue des points communs au sein de notre région en plein cœur de l’Europe et le renforcement des liens qui nous unissent importent plus que jamais.

Le réseau de villes QuattroPole est né voici bientôt 20 ans de l’association des quatre plus grands centres urbains de la Grande Région – Luxembourg, Metz, Sarrebruck et Trèves – dans le but de pratiquer des échanges transfrontaliers et de développer des projets communs. Il offre un remarquable exemple de mise à profit des ressources communes et de création de synergies au service de la pérennisation et de la compétitivité d’une région entière. La mobilité, l’économie numérique, le développement durable, l’intégration, le tourisme et la culture constituent les axes majeurs de la coopération.

C’est précisément dans le domaine de l’échange culturel que nous pouvons nous prévaloir d’une longue et riche tradition. À travers le Prix d’Art Robert Schuman, nous œuvrons depuis plus de 28 ans déjà à offrir aux artistes contemporains de la Grande Région une visibilité transfrontalière et à documenter la création artistique actuelle. Le Prix d’Art Robert Schuman est l’un des projets phares de notre réseau de villes, et l’événement le plus important pour l’art contemporain dans la Grande Région.

Nous remercions les commissaires d’exposition ainsi que les collaboratrices et les collaborateurs des institutions participantes pour leur engagement et souhaitons bonne chance à l’édition 2019 du Prix d’Art Robert Schuman !

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„Europa konkret“ In Zeiten des drohenden Brexit und angesichts zunehmender nationaler und europakritischer Bewegungen ist es umso wichtiger, die Gemeinsamkeiten innerhalb einer europäischen Kernregion aufzuzeigen und die Verbindungen untereinander zu stärken. Das Städtenetz QuattroPole, in welchem sich die vier bevölkerungsreichsten Städte der Großregion – Luxembourg, Metz, Saarbrücken und Trier – vor knapp 20 Jahren zusammengeschlossen haben, um sich grenzüberschreitend auszutauschen und gemeinsame Projekte zu entwickeln, ist ein hervorragendes Beispiel dafür, wie eine ganze Region durch die Nutzung gemeinsamer Ressourcen und die Bildung von Synergien zukunfts- und wettbewerbsfähig gemacht werden kann. Besondere Schwerpunkte im Rahmen der Zusammenarbeit bilden die Themen Mobilität, Digitalwirtschaft, nachhaltige Entwicklung, Integration, Tourismus und Kultur.

Gerade im Bereich des kulturellen Austauschs können wir auf eine inzwischen lange und erfolgreiche Tradition zurückblicken: Im Rahmen des Kunstpreises Robert Schuman wurde und wird schließlich schon seit 28 Jahren an einem grenzübergreifenden Netzwerk gearbeitet, um den zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern der Großregion eine Plattform zu bieten und das aktuelle Kunstschaffen zu dokumentieren. Der Kunstpreis Robert Schuman ist eines der Vorzeigeprojekte innerhalb dieses Städtenetzes und wichtigstes Ereignis der Gegenwartskunst in der Großregion.

Wir danken dem Kurator und den Kuratorinnen sowie den Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern der beteiligten Institutionen für ihr Engagement und wünschen dem Kunstpreis Robert Schuman 2019 viel Erfolg!

TRIER

Wolfram LEIBE

Thomas SCHMITT

Oberbürgermeister der Stadt Trier / Präsident des QuattroPole e. V. 2019/20

Beigeordneter / Dezernent für Kultur, Tourismus, Stadtmarketing, Sicherheit und Ordnung

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LUXEMBOURG

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Stilbé SCHROEDER

LUXEMBOURG

Curatrice

De l’acceptation de ma nomination en tant que commissaire d’exposition pour la Ville de Luxembourg du Prix d’Art Robert Schuman 2019 se sont ensuivis de nombreux questionnements. Décerné tous les deux ans depuis 1991, qui est celui à qui on a emprunté le nom pour le donner à ce prix ? Comment envisager l’art et l’artiste contemporains dans ce contexte ? Enfin, quels sont les artistes (luxembourgeois) et les pratiques artistiques avec lesquels j’interagis ? À la manière parfois d’une étymologiste, parfois d’une sémanticienne, pour finalement retenir certains termes-socles et recourir à des associations : > Européen de la première heure, Robert Schuman est souvent appelé le « Père de l’Europe ». D’une part, son exemple nous incite à considérer l’engagement comme un principe de création. > D’autre part, l’expression même souligne que notre société a longtemps été et reste en grande partie patriarcale. > L’Union européenne repose sur un socle de valeurs communes, sur des fondements. Qu’en est-il des fondements de l’art ? Faut-il y revenir ou les dépasser ? > L’Union européenne est le fruit d’une construction, terme dont l’antonyme est « déconstruction ». > Le projet européen connaît-il des limites ? Et quelle est la place qu’il attribue à l’individu ? > L’Union européenne est protéiforme. Quel sens revêt le protéiforme dans l’art ? > L’Union européenne est un projet politique et économique ; l’Europe est un continent géographique ; Europe est une déesse mythologique. Soit deux réalités et une légende ou, pour recourir à un terme du XXIe siècle, une virtualité.

Sélectionné/adopté pour finalement désigner/préférer quatre artistes, en faisant fi de toute parité : Aline Bouvy, parce qu’elle s’insurge contre la société, ses codes et ses normes, notamment la place qu’elle réserve au principe du féminin ; Laura Mannelli, parce que sa pratique est profondément ancrée dans notre époque tout

en subvertissant les conventions artistiques et marchandes ; Claudia Passeri, parce que l’Union européenne et la politique en général ont une résonance particulière dans son travail, qui est par ailleurs en adéquation avec les impératifs écologiques de son temps ; et Eric Schumacher, parce que ses assemblages « équilibristes » reflètent la réalité du monde tout en suggérant la bienveillance pour un meilleur vivre ensemble.

Au final, le choix de ces quatre artistes relève de l’évidence. Eux et moi subissons des influences réciproques et entretenons des rapports horizontaux. Nous formons un tout dont fait également partie une sixième personne, Florence Bécanne, avec qui nous avons rédigé ces textes.

Im Zuge meiner Nominierung als Kuratorin der Stadt Luxemburg für die Ausstellung des Kunstpreises Robert Schuman 2019 stellten sich mir zahlreiche Fragen. Wer ist die Person, nach der man den seit 1991 alle zwei Jahre verliehenen Preis benannt hat? Wie wirkt sich dieser Kontext auf die Kunst und die zeitgenössischen Künstler aus? Und schließlich, mit welchen Künstlerinnen und Künstlern und mit welchen künstlerischen Ausdrucksformen interagiere ich?

Teils wie eine Etymologin, teils wie eine Semantikerin vorgehend, um Grundlagenbegriffe zu definieren und Assoziationen zu berücksichtigen: > Robert Schuman wird gemeinhin als „Vater Europas“ bezeichnet. Er war überzeugter Europäer und hat dieses Europa aufgebaut. Nehmen wir also das Engagement als Prinzip des Schaffens. > Gleichzeitig verweist der Ausdruck darauf, dass unsere Gesellschaft patriarchalisch geprägt war und es weiterhin ist. > Die Europäische Union gründet auf gemeinschaftlichen Werten. Was ist mit den Grundlagen der Kunst? Müssen wir zu ihnen zurückkehren oder sie überwinden? > Die Europäische Gemeinschaft ist das Ergebnis einer Konstruktion. Der Gegenbegriff hierzu ist „Dekonstruktion“.

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> Sechs Mal wurde Europa erweitert, 22 Staaten sind seit der Gründung hinzugekommen. Gibt es eine Begrenzung? Welcher Platz ist dabei dem Menschen bestimmt? > Da Europa vielfältig ist, stellt sich die Frage, ob die Kunst es auch sein sollte. > Die Europäische Union ist ein politischer und wirtschaftlicher Zusammenschluss, geografisch gesehen ist Europa ein Kontinent und in der Mythologie eine Göttin.

Also zwei reale Begebenheiten und eine Legende oder, um einen Ausdruck des 21. Jahrhunderts zu gebrauchen, eine virtuelle Existenz.

Ausgewählt und schließlich nominiert wurden vier Künstler, ohne Rücksicht auf Parität: Aline Bouvy, weil sie sich gegen die Gesellschaft, ihre Regeln und Normen, und vor allem gegen die gesellschaftliche Stellung der Weiblichkeit auflehnt; Laura Mannelli, weil ihre Arbeit tief verwurzelt in unserer Gegenwart ist und die Konventionen der Kunst und des Handels untergräbt und verändert; Claudia Passeri, weil die Europäische Union und die Politik im Allgemeinen eine besondere Bedeutung für sie haben und ihre Kunst im ökologischen Einklang mit der heutigen Zeit steht; und Eric Schumacher, weil seine „äquilibristischen“ Montagen unsere Welt widerspiegeln und dabei für ein besseres Miteinander werben.

Letztendlich ist die Auswahl dieser vier Künstler offensichtlich. Wir beeinflussen uns gegenseitig und unterhalten horizontale Beziehungen zueinander. Wir alle sind Teil eines Ganzen, zu dem noch eine sechste Person zählt: Florence Bécanne, mit der wir zusammen die Texte verfasst haben.

LUXEMBURG

Stilbé SCHROEDER Kuratorin

Mention spéciale / Besondere Auszeichnung 2019

Aline BOUVY Luxembourg

Villa Vauban

Aline Bouvy aime la matière, sa mise en forme et sa mise en difformité. Elle nourrit un penchant pour l’esthétique grotesque qui, selon l’historien de la littérature Rémi Astruc, « pourrait se ramener à la mise en œuvre d’un ou plusieurs de ces motifs : redoublement, hybridité, métamorphose1 ».

En ce qui concerne la mise en forme de la matière, on pense aux pieds géants qu’elle a conçus pour l’exposition Bastinado à la galerie Baronian Xippas à Bruxelles en 2018. Une mise en forme pourtant pas si conforme. Car de ceux qui se disent être des colosses n’étaient visibles que les pieds… d’« argile ». Leur fragilité invisible contrastait avec leur absurde démesure. Les canons (hier de la statuaire grecque) qui perdurent pourront-ils un jour s’émanciper ?

Quant à la mise en difformité de la matière, elle était très présente lors de l’exposition Late Dawn en 2018 dans l’espace MÉLANGE à Cologne, dans les formes pétries et noircies au charbon (dont l’artiste soulignait elle-même la ressemblance avec des anus) et les sculptures en Jesmonite déformées, pliées, de guichets automatiques : une critique non voilée du système de « valeurs » capitaliste.

Sous les angles du kitsch et de l'incongruité, le travail de l'artiste met en scène un éventail de figures et signes, plus ou moins indécents, passant hardiment du désir à la répulsion2. C'est précisément à cela que s'intéresse son intervention dans le cadre du Prix d'Art Robert Schuman, puisqu'elle défie l'architecture du lieu d'exposition dans un acte d'insoumission et l'embrasse dans celui d'une émancipation évocatrice et transgressive.

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21 Villa Vauban

Aline Bouvy mag die Materie, ihre Formen und ihre Unförmigkeit. Sie neigt zur Ästhetik der Groteske, die sich, so der Literaturwissenschaftler Rémi Astruc, im Wesentlichen auf den Rückgriff auf drei Motive zurückführen lässt: Doppelheit, Hybridität und Metamorphose1.

In Bezug auf Bouvy denkt man hierbei unweigerlich an die gigantischen Füße, die sie 2018 für die Ausstellung Bastinado in der Galerie Baronian Xippas in Brüssel erschuf – eine Formgebung, die nicht konform war, insofern von den mutmaßlichen Kolossen nur die „tönernen“ Füße sichtbar waren. Ihre unsichtbare Zerbrechlichkeit stand im starken Kontrast zu ihrem absurden Übermaß. Werden wir uns eines Tages von künstlerischen Kanons (einst die der griechischen Bildhauerkunst) befreien können?

Das Prinzip der Unförmigkeit des Materials war vor allem 2018 in der Ausstellung Late Dawn im MÉLANGE in Köln sichtbar. Anhand von gekneteten und mit Kohle geschwärzten Formen (deren Ähnlichkeit mit einem Anus die Künstlerin selbst mehrfach betonte) sowie von Skulpturen von zerknitterten, gefalteten Bankautomaten, hergestellt aus dem Verbundmaterial Jesmonite, übte sie offene Kritik am kapitalistischen „Werte“-System.

Unter dem Blickwinkel von Kitsch und Ungehörigkeit inszeniert die Künstlerin in ihrem Werk gewagt eine Fülle mehr oder weniger anstößiger Figuren und Zeichen, die gleichermaßen Begehren wecken wie Abscheu auslösen 2. Und genau darum geht es auch bei ihrer Intervention im Rahmen des Kunstpreises Robert Schuman, widersetzt sich diese doch der Architektur des Ausstellungsraums in einem Akt des Ungehorsams, der von einer evokativen und transgressiven Emanzipation zeugt.

1 Rémi Astruc, Le Renouveau du grotesque dans le roman du XXe siècle, Garnier, Paris 2010.

2 Françoise Lonardoni, L’image qui, entre mille, convient à mon désir (Roland Barthes – Fragments d’un discours amoureux, 1977), dans le cadre de l’exposition Aline Bouvy – Forme et langage de l'empathie, Espace arts plastiques Madeleine-Lambert, Vénissieux, 2014.

Villa Vauban 22

Empathy (III, IV, V), 2014-2015, Plexiglas, anguilles coulĂŠes en bronze / Plexiglas, gegossene Bronze, Courtesy Aline Bouvy + Nosbaum Reding, Luxembourg

23 Villa Vauban

Villa Vauban 24

Strategy of Non-Cooperation (VI), 2015, Jesmonite, fibre de verre, pigment, cire naturelle / Jesmonite, Glasfaser, Pigment, Wachs, Courtesy Aline Bouvy + Baronian Xippas, Bruxelles

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Piercing (I) & (II), 2018, Acier inoxydable, aimants / Rostfreier Stahl, Magnete, Courtesy Aline Bouvy + Baronian Xippas, Bruxelles

Laura MANNELLI

Villa Vauban

Luxembourg

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-. . > - L’artiste ·−·· ·− numérique --.- ..- . . .-. Laura Mannelli .-. . ...- . fait se rencontrer deux mondes .. -. ..-. .-. .- -- --- -. -.. . : celui du réel et celui du virtuel – non pas dans une opposition dialectique ou un rapport de forces, mais dans le contexte d’une évolution fluide, qui désormais nous semble quasi naturelle .. -. ...- --- .-.. ..- - .. --- -.

En effet, Internet s’est installé au cœur de notre quotidien et génère de nouveaux rapports ... ..- .--. . .-. .--. ..- .. ... ... .- -. -.-. . -- --- .. --.- ..- .

-. _^ - . - _-.:: _^ - . - _ - - _ - - . -. > - - .

-.:.Architecte de formation, Laura Mannelli insuffle dans des espaces où se mêlent concret et virtuel de nouvelles relations entre les réels .-. . .- .-.. .. - . ... -. --- -. --- .-.

-.. .. -. .- .. .-. . ... Elle invite à une expérience personnelle, intime avec l’œuvre d’art, ainsi dans l’installation La Vallée Dérangeante, exposée lors de l’édition 2019 du festival Multiplica aux Rotondes, une sorte d’expérience de corps-à-corps chorégraphique que l’on pouvait ressentir comme une naissance ou du moins une mue .-.. .----. . _- ^ - . - __ - -. - _^ - . - _ . - - _ - - . - _^ - . - _ > ‘- _ -‘ .- -... .- -. -.. --- -. -. . . .- .-.. . ..- .-. ... .- ...- . -. .. .-. ... C’est la vision du moi transformée par la réalité virtuelle que l’artiste interroge dans le sens de l’hétérotopie telle que définie par Michel Foucault1 . .-.. . .-. . . .-.. -. .----. . -..- .. ... - . .--. .- ... C’est à nouveau un corps-à-corps, tactile cette fois, que l’artiste a conçu pour le Prix d’Art Robert Schuman, une sculpture organique, sorte de puits en forme de plante carnivore dans lequel il faudra plonger, non pas pour se perdre, mais pour se retrouver : une invitation à se réconcilier (sur fond d’histoire d’amour) avec tous ses différents moi. .--- . . ... - ..- -. .- ..- - .-. . ... - ..- -. .- ..- - .-. . . - - _ - - . ‘- _ -‘ -¨>_<

27 Villa Vauban

-. . > - Die ·−·· ·− Digitalkünstlerin --.- ..- . . .-. Laura Mannelli setzt sich in ihren Werken mit der realen und der digitalen Welt .. -. ..-. .-. .- -- --- -. -.. . auseinander – nicht im Sinne eines dialektischen Machtverhältnisses, sondern im Kontext einer fließenden Entwicklung, die uns heute fast natürlich .. -. ...- --- .-.. ..- - .. --- -. erscheint. Tatsächlich ist das Internet aus unserem Alltag nicht mehr wegzudenken und schafft neue Zusammenhänge... ..- .--. . .-. .--. ..- .. ... ... .- -. -.-. . -- --- .. --.- ..- .-.

-. _^ - . - _-.:: _^ - . - _ - - _ - - . -. > - - .

-.:.Mannelli ist ausgebildete Architektin. Sie haucht Räumen, in denen sie Konkretes mit Virtuellem vermischt, ein völlig neues Verhältnis zwischen Wirklichkeiten ein .-. . .- .-.. .. - . ... -. --- -. --- .-. -.. .. -. .- .. .-. . ... Ihre Arbeiten laden den Betrachter zu einem persönlichen und intimen Erlebnis ein, so etwa die 2019 im Rahmen des Festivals Multiplica in den Rotondes ausgestellte Installation La Vallée Dérangeante, eine Art choreografierter Nahkampf, den der Besucher als eine Geburt oder zumindest als eine Wandlung empfinden konnte .-.. .----. .- ..- - .-. . _- ^ - . - __ - -. - _^ - . - _ . - - _ - - . - _^ - . - _ > ‘- _ -‘ .- -... .- -. -.. --- -. -. . . .- .-.. . ..- .-. ... .- ...- . -. .. .-. ... In ihren Werken hinterfragt Mannelli die durch die virtuelle Realität gewandelte Vorstellung des Ichs im Sinne der Heterotopie nach Michel Foucault1. .-.. . .-. . . .-.. -. .----. . -..- .. ... - . .--. .- ... Für den Kunstpreis Robert Schuman inszeniert sie erneut eine Begegnung, die der Betrachter diesmal selbst hautnah erfahren kann. Hierbei handelt es sich um eine organische Skulptur, genauer gesagt einen Brunnen in Form einer fleischfressenden Pflanze, in den man eintauchen kann – nicht um sich darin zu verlieren, sondern um zu sich selbst zu finden und sich (vor dem Hintergrund einer Liebesgeschichte) mit all seinen verschiedenen Ichs zu versöhnen. . .--- . . ... - ..- -. .- ..- - .-. . . - - _ - - . ‘- _ -‘ -¨>_< 1 «… du fond de cet espace virtuel qui est de l’autre côté de la glace, je reviens vers moi et je recommence à porter mes yeux vers moi-même et à me reconstituer là où je suis. » Michel Foucault, « Des espaces autres » [1967], in : Architecture, Mouvement, Continuité, no 5, octobre 1984, pp. 46-49. / „… und aus der Tiefe dieses virtuellen Raumes hinter dem Glas kehre ich zu mir zurück und beginne meine Augen wieder auf mich zu richten und mich da wieder einzufinden, wo ich bin.“ Michel Foucault, „Andere Räume“ [1967], in: Karlheinz Barck (Hg.), Aisthesis.

Wahrnehmung heute oder Perspektiven einer anderen Ästhetik, Leipzig 1992, S. 39.

Villa Vauban 28

. un amour d’Y2k . -- _ - . , Technique mixte / Mischtechnik Avec les participations de / Unter Beteiligung von: Agnès de Cayeux (auteure /Autorin), Juan De Guillebon aka DyE (compositeur /Komponist), Frederick Thompson (designer immersif /Immersiv-Designer), Courtesy Laura Mannelli

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Claudia PASSERI Luxembourg

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En 2011, Claudia Passeri a parcouru à pied, telle une pèlerine, bâton de marche dans la main, les trente kilomètres qui séparent Luxembourg de Schengen (Viaschengen).

Ce petit village viticole luxembourgeois sur les bords de la Moselle, situé au carrefour de l’Allemagne, de la France et du Luxembourg, a donné son nom aux accords de 1985 qui instaurent la libre circulation des personnes en Europe. Soit une performance éminemment politique.

La « croyante » avait-t-elle besoin de consolider, voire de retrouver sa foi ? N’allait-elle pas trouver la désillusion au bout du chemin ? Par le biais de cette performance, Claudia Passeri questionnait le rôle de l’artiste. Ne devrait-il pas relever de l’action, du militantisme ? Et l’artiste ne devrait-il pas s’éprouver soi-même au lieu de s’acharner à laisser des empreintes indélébiles ?

Avec la même conscience politique, l’artiste porte aujourd’hui un projet collectif auquel elle donne le nom de Common Wealth. Pour le Prix d’Art Robert Schuman, elle a conçu une action à la fois minimaliste et subversive, fidèle à un esthétisme revendiqué. Une fois encore, son objectif avoué est que nous cessions de nous conformer pour redevenir des individus dotés d’intelligence qui, face à la complexité du monde actuel, prennent conscience de la présence de l’autre pour échanger et s’entraider.

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2011 schritt Claudia Passeri die 30 Kilometer lange Strecke zwischen Luxemburg und Schengen mit einem Wanderstab in der Hand ab (Viaschengen). Das kleine Weindorf an der Mosel, im so genannten Dreiländereck zwischen Deutschland, Frankreich und Luxemburg, hat den Verträgen von 1985, die den freien Personenverkehr innerhalb Europas garantieren, seinen Namen verliehen. Eine hochpolitische Performance demnach.

Musste die „fromme Pilgerin“ ihren Glauben festigen oder gar wiederfinden? Würde sie am Ende des Weges nicht eine Enttäuschung vorfinden? Mit ihrer Wander-Performance fragte Passeri nach der Rolle des Künstlers in der Gesellschaft. Müsste er nicht dem Handeln, dem Aktivismus verhaftet sein? Und müsste er nicht sich selbst infrage stellen, statt immerfort zu versuchen, unauslöschliche Spuren zu hinterlassen?

Mit dem gleichen politischen Bewusstsein erarbeitet die Künstlerin heute ein Gemeinschaftsprojekt, dem sie den Titel Common Wealth gibt. Für den Kunstpreis Robert Schuman hat sie eine zugleich minimalistische und subversive Aktion entworfen, die ihren ästhetischen Prinzipien treu bleibt. Ihr Ziel ist es einmal mehr, uns dazu zu bringen, nicht der Masse hinterherzulaufen, sondern uns wieder zu intelligenten Individuen zu entwickeln und uns in komplexen Situationen der Gegenwart des Anderen bewusst zu werden, um uns auszutauschen und gegenseitig zu helfen.

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Claire-Voie, 2019, Bronze patinĂŠ / Patinierte Bronze, Courtesy Claudia Passeri

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Eric SCHUMACHER

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Eric Schumacher est sculpteur – une définition qui ne va pas forcément de soi pour le spectateur qui découvre son travail. D’une part, ses sculptures sont réalisées de bric et de broc – principalement de matériaux récupérés – et peuvent laisser un goût d’inachevé. D’autre part, ses interrogations sur sa propre place en tant que créateur prennent parfois le pas sur le rôle du matériau ou du support dans son travail. Pour preuve, sa participation à la Triennale Jeune Création 2017 aux Rotondes, un montage réalisé à partir des œuvres de candidats non retenus (Cluderer), ou l’exposition dis-play au CAW en 2018, pour laquelle, invité à dialoguer avec des œuvres de Roger Bertemes, il a conçu des constructions qui venaient s’ajouter telles des ancres ou des élévations au travail sculptural et pictural de ce dernier. Son travail questionne ce faisant le rôle de l’artiste, mais aussi celui des autres acteurs du monde de l’art – régisseurs, scénographes, curateurs… – dont la fonction introduit des rapports hiérarchiques.

Plus récemment, à la veille du Brexit, l’artiste a entrepris un road trip depuis l’Écosse – où il vit une partie de l’année – jusqu’en Grèce, berceau de l’Antiquité, en passant par les pays de l’ex-Yougoslavie. Tout étant trame, enchevêtrement volontairement inextricable d’idées et de mises en œuvre, son travail explore les différentes acceptions du voyage et les idées qui lui sont associées : vacances, loisirs, dépaysement, évasion, luxe, argent, « démocratisation », liberté, ouverture d’esprit, déplacement, nécessité, danger, survie, exil, statut social…

Le voyage et celui qui l’accomplit sont catalogués en fonction de la destination, du mode de transport et de l’hébergement – pas de la nature, si chère aux Romantiques.

Or, c’est précisément la nature que l’artiste se propose de réhabiliter dans le cadre du Prix d’Art Robert Schuman en réintroduisant des rituels simples, démocratiques et (éco-)responsables qui cherchent à rapprocher entre eux les spectateurs.

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Eric Schumacher ist Bildhauer. Diese Beschreibung scheint vielleicht nicht selbstverständlich für den Betrachter, der sich zum ersten Mal mit seinen Werken auseinandersetzt. Einerseits bestehen seine Skulpturen aus den unterschiedlichsten Dingen – hauptsächlich aus vorgefundenen Materialien – und können einen unfertigen Eindruck hinterlassen. Andererseits drängt die Auseinandersetzung mit seiner Rolle als Künstler den Umgang mit seinem Medium in den Hintergrund. Das zeigte sich beispielsweise anlässlich der Triennale Jeune Création 2017 in den Rotondes, wo er mit Cluderer eine Montage aus Werken abgelehnter Kandidaten zeigte. Gleiches galt für die Ausstellung dis-play im CAW, in der er im Dialog mit Roger Bertemes Konstrukte ersann, die er den Skulpturen und Bildern des Künstlerkollegen als eine Art Anker oder Erhöhung hinzufügte. In seiner Arbeit hinterfragt er nicht nur die eigene Rolle als Künstler sondern auch die der anderen Akteure – Regisseure, Bühnenbildner, Kuratoren… – deren Funktionen Machtverhältnisse implizieren.

Unlängst reiste er im Vorfeld des Brexit von Schottland – wo er zeitweise lebt – bis nach Griechenland, der Wiege der Antike, durch die Länder Ex-Jugoslawiens.

Seine Arbeit, ein rasterartiges, bewusst unentwirrbares Geflecht aus Ideen und Umsetzungen, kreist um die unterschiedlichen Auslegungen und Assoziationen des Reisebegriffs: Ferien, Freizeitbeschäftigung, willkommene Abwechslung, Eskapismus, Luxus, Geld, „Demokratisierung“, Freiheit, Aufgeschlossenheit, Umsiedlung, Notwendigkeit, Gefahr, Überleben, Exil, soziale Stellung…

Die Reise und derjenige, der sie unternimmt, werden je nach Ziel, Transportmittel und Unterkunft in Kategorien eingeteilt – nicht nach der Natur, die den Romantikern so wichtig war. Dabei ist es gerade die Natur, die Schumacher anlässlich des Kunstpreises Robert Schuman anhand von einfachen, demokratischen und (umwelt-)verantwortungsbewussten Ritualen, die uns einander näherbringen, in den Fokus rückt.

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\11;11;â&#x20AC;&#x2030;, 2019, Technique mixte / Mischtechnik, Courtesy Eric Schumacher

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Marc AUFRAISE

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Curateur

« … et il sentit son cœur battre plus fort, d’horreur et d’énigmatique désir. » Thomas Mann, La Mort à Venise

Dans La Mort à Venise, l’écrivain munichois Gustav von Aschenbach, anobli à 50 ans, est tiré d’une rêverie, devant un cimetière, par l’apparition d’un homme « de toute évidence (…) pas Bavarois ». Il éprouve alors « un étrange élargissement, une sorte d’inquiétude vagabonde, le juvénile désir d’un cœur altéré de lointain ». Ému intensément à l’idée de voyager, il est emporté par « une envie passionnée, le prenant en coup de foudre, et s’exaltant jusqu’à l’hallucination ». En 1912, lorsque cette nouvelle est publiée, Thomas Mann, son auteur, perçoit avec acuité la tension politique et les contradictions inhérentes à une vision sclérosée, unilatérale, des rapports internationaux. Son protagoniste, Aschenbach, personnifie l’Europe alanguie, tirée de sa suffisance par l’appel de l’ailleurs. Ce sursaut, teinté d’amour interdit, le conduit à la mort.

L’histoire multiséculaire de l’Europe s’écrit dans les conflits et les violences, mais également au-delà, dans l’attirance et le désir, dans le voyage, dans l’errance même d’un Ulysse dérivant. Elle se construit sur le commerce et l’exploration qui relient les rives de la Méditerranée, les côtes africaines, américaines et asiatiques, les États aujourd’hui ; au-delà des systèmes d’exploitation, ces marchés provoquent tôt ou tard le dialogue, ils laissent des traces.

Anaïs Marion, Émilie Pierson, Marceau Pensato et Thibaud Schneider portent en eux ce patrimoine. Leur histoire personnelle, l’histoire que la France leur a léguée comme officielle se sont confrontées et mélangées au flux de l’esprit du temps. Leur génération est empreinte d’une vision du territoire européen pacifiée, où l’horreur viendrait de la périphérie. Ils ont grandi immergés dans des flots d’images ; ils sont imprégnés du quotidien du monde entier, banal, joyeux, tragique ou absurde, mais toujours dématérialisé via les outils de communication numérique. Avec la radicalité de leur jeunesse, ils s’interrogent sur ces héritages, sur la valeur et la puissance des

symboles, passés comme contemporains. Ils jouent avec le temps et s’approprient les espaces. Les formes qu’ils choisissent ancrent leurs œuvres dans la matérialité ; mais les objets, le bois, le métal, les mots inscrits et les images enregistrées, s’ils tentent et parviennent parfois à retenir les souvenirs, restent traversés par les oublis, les manques et les vides.

La contemplation n’a jamais détourné ces artistes de la distance critique. Ils absorbent, fascinés, les signes du pouvoir et ceux de la résistance, dessinant une ligne de crête subtile entre constatation et contestation. Leurs archipels mémoriels concrétisent l’essence hybride de l’être, tissé de connexions, de fluides, inscrits dans le corps autant que dans la psyché. Ils sont une jeune Europe, en perpétuel mouvement, regardant et regardée, désirant et désirée. Renaissant sur les cendres du vieux monde, ils démantèlent et remodèlent ses effigies.

„… und fühlte sein Herz pochen vor Entsetzen und rätselhaftem Verlangen.“ Thomas Mann, Der Tod in Venedig

In Der Tod in Venedig wird der im 50. Lebensjahr für sein Lebenswerk geadelte Münchner Schriftsteller Gustav von Aschenbach vor einem Friedhof durch das Erscheinen eines Mannes, „offenbar (…) durchaus nicht bajuwarischen Schlages“, aus seinen Träumereien gerissen. Er verspürt daraufhin „eine seltsame Ausweitung (…), eine Art schweifender Unruhe, ein jugendlich durstiges Verlangen in die Ferne“. Unter dem Eindruck dieser Vorstellung wird er von einer unbezwingbaren Reiselust ergriffen, die „als Anfall auftretend (…) sich ins Leidenschaftliche, ja bis zur Sinnestäuschung“ steigert. Bereits vor dem Erscheinen seiner Novelle im Jahr 1912 vernahm Thomas Mann die politischen Spannungen und Widersprüche, die sich aus der seinerzeit vorherrschenden, festgefahrenen und einseitigen Sichtweise der internationalen Beziehungen ergaben. Sein Protagonist Aschenbach verkörpert das träge Europa, das von dem Ruf der Ferne aus seiner Selbstgefälligkeit gerissen wird. Aschenbachs Ausbruch, im Zusammenspiel mit einer verbotenen Liebe, führt letztlich zu seinem Tod.

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Die jahrhundertealte Geschichte Europas ist geprägt von Konflikten und Gewalt, aber auch von Anziehung und Verlangen, genährt von Reisen, zu denen auch die Irrfahrt des Odysseus gerechnet werden muss. Sie ist das Resultat von Erkundungsfahrten und dem Handel zwischen den Mittelmeerländern und den Küstengebieten Afrikas, Amerikas und Asiens, heute zwischen Staaten; über ihren ausbeuterischen Aspekt hinaus führen solche Handelsbeziehungen früher oder später zum Dialog und hinterlassen Spuren.

Anaïs Marion, Émilie Pierson, Marceau Pensato und Thibaud Schneider tragen dieses Erbe in sich. Ihre persönlichen Geschichten und die „offizielle“ Geschichte Frankreichs sind eng mit dem unaufhaltsam fortschreitenden Zeitgeist verwoben.

Ihre Generation ist von der Vision eines friedlichen Europas geprägt, dem allenfalls Gefahr von außen droht. Sie sind mit der Bilderflut und unter dem Eindruck von globalen Ereignissen aufgewachsen, die, egal ob banal, glücklich, tragisch oder absurd, immer auch über den Weg der digitalen Kommunikationskanäle entmaterialisiert wurden. Mit der Radikalität der Jugend hinterfragen sie dieses Erbe sowie den Wert und die Wirkmacht von Symbolen aus Vergangenheit und Gegenwart. Sie spielen mit der Zeit und machen sich den Raum zu eigen. Die von ihnen gewählten Formen verleihen ihren Werken eine konkrete Materialität; doch selbst wenn es den Objekten, dem Holz, dem Metall, den Inschriften und aufgenommenen Bildern, manchmal gelingt, Erinnerungen festzuhalten, so bleiben sie letztlich geprägt von Vergessen, Mangel und Leere.

Diese Form der Kontemplation hat die Künstler nie daran gehindert, eine kritische Distanz zu wahren. Fasziniert greifen sie die Zeichen der Macht und des Widerstands auf und wandern auf dem schmalen Grat zwischen Bestandsaufnahme und Protest.

Ihre Inseln der Erinnerung vermitteln Einblicke in das hybride, vernetzte Wesen des physisch wie psychisch wandelbaren Menschen. Sie sind Vertreter eines jungen Europas, das immerzu in Bewegung ist, das beobachtet und beobachtet wird, das begehrt und seinerseits begehrt wird. Auf den Trümmern der alten Welt aufbauend, dekonstruieren und rekonstruieren sie deren Restbilder.

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Marc AUFRAISE Kurator

Mention spéciale / Besondere Auszeichnung 2019

Anaïs MARION

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Anaïs Marion parcourt inlassablement les scènes où s’écrit l’Histoire, ces zones de tensions, militaires, sociales ou symboliques, passées ou présentes. Elle enregistre des traces, elle collecte des vestiges, elle achète des souvenirs. Elle agence ensuite ces copies et ces trésors factices. Ses fétiches combinatoires nous invitent à examiner la notion de patrimoine : entre l’idéal universel, l’instrument de pouvoir politique et le produit de consommation, les déplacements sont insidieux.

Depuis 2013, elle catalogue ses visites dans les lieux de commémoration. Elle garde les brochures et s’offre des gadgets. Sa collection, Atlas Bellone, inventorie ce cheminement dans l’absurde qui relie des jalons de l’histoire de l’Europe au XXe siècle. L’espace d’étude de son installation matérialise l’écart paradoxal entre des artefacts reproductibles à bas coût, souvent grossiers, et des événements dont les conséquences conditionnent les relations internationales. Ses éditions possèdent l’apparente valeur objective de l’encyclopédie ; ses classements par thèmes, lieux, dates, ses schémas, ses tableaux s’approprient les codes des nomenclatures scientifiques, archivistiques ou administratives. En toile de fond, de la fausse monnaie et une main tenant une perche à selfie soulignent la manipulation, au cœur de sa pratique comme de l’industrie culturelle.

L’installation Baghdadbahn (une ligne dans le désert) (2019) condense le long d’un mur son périple de Berlin à Bagdad, de la Mésopotamie à l’Irak. De gare en gare se mêlent légendes, chroniques historiques et aléas des franchissements de frontières.

Les vidéos, les photographies, les objets fixent des repères d’espaces traversés, symboles du délitement des tentatives de contrôle politique. Ces îlots cristallisent également l’inatteignable, images des mythes partagés, continuellement réutilisées mais aux significations inépuisables. « Tu sais que je resterai sur le seuil », confie l’artiste au Lamassu, créature assyrienne, gardienne des palais du berceau de notre écriture.

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Anaïs Marion bereist unermüdlich Schauplätze, an denen Geschichte geschrieben wird, in militärische, soziale oder symbolische Spannungsgebiete der Vergangenheit oder der Gegenwart. Sie erfasst Spuren, sammelt Überreste und kauft Andenken.

Anschließend fügt sie diese Kopien und unechten Schätze zusammen. Ihre jeweilige Zusammenstellung der Objekte lädt dazu ein, den Begriff des Erbes zu hinterfragen: Die Sinnverschiebungen zwischen universellem Ideal, politischem Machtinstrument und Konsumprodukt sind schleichend.

Seit 2013 dokumentiert die Künstlerin ihre Besuche von Erinnerungsorten. Sie sammelt Broschüren und kauft Gadgets. Ihre Sammlung Atlas Bellone dokumentiert ihren Weg durch das Reich des Absurden, der die Meilensteine der europäischen Geschichte des 20. Jahrhunderts miteinander verbindet. Der Bezugsraum ihrer Installation verdeutlicht die paradoxe Diskrepanz zwischen den billigen reproduzierbaren Artefakten, die häufig von geringer Qualität sind, und den Ereignissen, deren Auswirkungen die internationalen Beziehungen bestimmen. Ihre Werke besitzen den vermeintlich objektiven Wert einer Enzyklopädie; die Klassifizierung nach Themen, Orten und Daten, die Schemata und Bilder ahmen die Kodes der wissenschaftlichen, archivarischen oder administrativen Nomenklatur nach. Im Hintergrund unterstreichen Falschgeld und eine Hand, die einen Selfie-Stick hält, die Manipulation, die im Mittelpunkt ihrer künstlerischen Praxis und der Kulturindustrie zugleich steht.

Die Installation Baghdadbahn (une ligne dans le désert) (2019) zeichnet an der Wand ihre Reise von Berlin nach Bagdad und von Mesopotamien bis in den Irak nach.

Von Bahnhof zu Bahnhof vermischen sich Legenden, historische Chroniken und Unwägbarkeiten der Grenzübertritte. Videos, Fotografien und Objekte dokumentieren die dabei durchquerten Räume – Symbole gescheiterter Versuche der politischen Kontrolle. Diese Inseln versinnbildlichen auch das Unerreichbare als Bilder geteilter Mythen, die unablässig wiederverwendet werden und deren Bedeutungen doch unerschöpflich sind. „Du weißt, dass ich an der Schwelle stehen bleiben werde“, vertraut die Künstlerin der assyrischen Kreatur Lamassu an, der Palasthüterin der Wiege unserer Schrift.

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Baghdadbahn (une ligne dans le désert), 2019, Installation, Courtesy Anaïs Marion

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Atlas Bellone, depuis / ab 2013, Installation, Courtesy Anaïs Marion

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Marceau PENSATO

Villa Vauban

Metz

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Les dessins et les installations de Marceau Pensato magnifient la lutte qui oppose, dans notre mémoire, l’ombre à l’éblouissement, l’évanescence à la précision. Des traces s’accumulent, se condensent, se dissolvent puis disparaissent. Ces visages, ces postures, ces motifs esquissent les lignes de fond qui sillonnent notre psyché.

Constellation de dessins dialoguant avec le souffle de la rue, États des lieux (2019) relève un défi illusoire : représenter des visions transitoires et des interférences.

Cet entrelacs, potentiellement recomposable à l’infini, fixe des éclairs qui ont impressionné les souvenirs de l’artiste. Les images ont été reproduites à partir d’archives personnelles ou patrimoniales, de photogrammes de films ou d’instantanés médiatiques ; les sons, enregistrés ici ou ailleurs. Les traits bruts et maîtrisés, profondément noirs, qui incisent la clarté du papier, intensifient les mouvements de regards, cadencés par la rumeur vibrante. Ils soulignent la partialité avec laquelle l’esprit restitue des événements vécus ou non, des atmosphères partagées ou fantasmées ; ils dévoilent comment ces empreintes jaillissent et se remodèlent en dehors de tout lieu ou toute chronologie.

L’installation vidéo Alessandria (2019) projette en boucle des rushs de film Super 8 qui nous conduisent de Sicile en Lorraine. Immigration, travail pénible, retour au village, vacances, fêtes et cérémonies, les épisodes de la vie d’un grand-père de l’artiste résonnent avec d’innombrables histoires. Ces chapitres du mythe familial se transmettent, se déforment puis tombent dans l’oubli, comme les fleurs dont les plans soulignent la fugacité de l’existence. La bobine du film n’étant pas enroulée, sa diffusion continue dessine de fines circonvolutions dans un carré de poudre de charbon sur le sol. À la finesse de l’ornement, en constante modification, répond la dégradation progressive des images recouvertes d’un voile de plus en plus opaque.

Alessandria célèbre l’âcreté des irrémédiables effets du temps.

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Die Zeichnungen und Installationen von Marceau Pensato kreisen um die in unserer Erinnerung wirkende Gegenüberstellung von Schatten und Blendung, Flüchtigkeit und Präzision. Spuren häufen sich, verdichten sich, lösen sich auf und verschwinden.

Diese Gesichter, diese Haltungen, diese Motive umreißen die Grundlinien, die unsere Psyche durchziehen.

In États des lieux (Bestandsaufnahmen) (2019) unternimmt eine Anordnung von Zeichnungen, die mit den Geräuschen der Straße kommunizieren, das aussichtslose Unterfangen, flüchtige Ansichten und Interferenzen darzustellen. Das nahezu unendlich kombinierbare Geflecht hält kurzweilige Augenblicke fest, die sich in die Erinnerung des Künstlers eingeschrieben haben. Die Motive sind persönlichen und öffentlichen Archiven, Filmstills oder medialen Standbilder entnommen, die Klänge wurden an unterschiedlichen Orten aufgenommen. Die groben, aber gekonnt gesetzten, tiefschwarzen Striche, die sich in das weiße Papier einschneiden, verstärken die Bewegungen des Blicks, der von der vibrierenden Geräuschkulisse geleitet wird. Sie unterstreichen die Befangenheit, mit der unser Verstand erlebte oder nicht erlebte Ereignisse, geteilte oder imaginierte Stimmungen aufruft, und zeigen, wie diese Eindrücke aufblitzen und sich ungeachtet des Orts und bar jeder Chronologie neu formieren.

Die Videoinstallation Alessandria (2019) besteht aus einer Endlosschleife aus Super-8Filmausschnitten, die von Sizilien nach Lothringen führen. Einwanderung, harte Arbeit, Rückkehr ins Dorf, Ferien, Feste und Feierlichkeiten: Die Eindrücke aus dem Leben des Großvaters des Künstlers stehen stellvertretend für unzählige Lebensschicksale. Als Teil des Familienmythos werden sie vererbt, verformen sich und geraten in Vergessenheit, wie jene Blumen im Film, die für die Vergänglichkeit des Seins stehen. Da die Projektion ohne Spule auskommt, zeichnet das Filmband bei jeder Umdrehung feine Linien in ein quadratisches Feld aus Kohlenstaub auf dem Boden. Der Zierlichkeit dieses sich stets verändernden Ornaments steht der schrittweise Verfall der Bilder gegenüber, die von einem immer dichter werdenden Schleier bedeckt werden. Alessandria untermalt melancholisch das unausweichliche Wirken der Zeit.

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Ă&#x2030;tats des lieux, 2017-19, Installation, Courtesy Marceau Pensato Alessandria, 2019, Installation, Courtesy Marceau Pensato

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Ă&#x2030;tats des lieux, 2017-19, Installation, Courtesy Marceau Pensato

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Alessandria, 2019, Installation, Courtesy Marceau Pensato

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Émilie PIERSON

Cercle Cité

Metz

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Les œuvres d’Émilie Pierson mettent en scène des récits tissés de rares réminiscences.

Ses acteurs (sa famille, les grands hommes, les géants, elle et nous), ses décors (la mer Noire, la France, la Bulgarie, la rue, le musée), ses temps (hier, aujourd’hui, ailleurs) se mêlent. Que croire ?

Pour la réalisation de l’ouvrage Milles pensées à toi (2018), l’artiste s’est plongée dans les lettres que sa mère bulgare envoyait à son père français suite à leur rencontre dans la station balnéaire de Slantchev Briag. Sur son ordinateur, elle a transcrit les innombrables mots de cet amour empressé, exprimé dans un français hésitant à la graphie approximative. Elle les a ensuite ciselés afin de ne magnifier, sur les pages blanches offertes au lecteur, que les signes irrationnels de la passion : un prénom qui revient sans cesse en écho, la répétition litanique des sentiments exaltés, les souvenirs partagés qui tentent de combler l’angoisse liée à l’absence.

Avec спомени 57-82 (Souvenirs 57-82) (2019) elle poursuit son exploration des archives afin d’apprendre et comprendre ce qui a construit sa mère, ou, plus exactement, ce qui l’a construit elle, à travers les souvenirs de la mère. Elle a cheminé dans les photographies familiales, récupéré des objets, recueilli des paroles. À nouveau, elle a épuré et recadré pour insister sur des détails, comme des indices ou des stigmates. En fixant sur les murs ces flashs à la dimension symbolique écrasante, l’installation nous contraint à l’arrêt ; puis elle nous invite à écouter, à accepter ou non de répéter, de revoir, d’avancer.

Nos mémoires comme nos légendes sont cousues par la nécessité de croire. Entre le Nouvel An et le Carême, la monstruosité et le bruit des cloches portées par les Kukeri font fuir les mauvais esprits. Les processions, comme les rites collectifs, ne disparaissent pas. Le colosse allongé à qui l’on demande, ou qui nous demande : Entends-tu les cloches sonner ? (2019), souligne la permanence cyclique des relations entre désirs et peurs, éléments inaliénables en chacun de nous.

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Im Mittelpunkt der Werke von Émilie Pierson stehen Erzählungen, die auf bruchstückhaften Erinnerungen gründen. In ihnen vermischen sich Protagonisten (ihre Familie, große Männer, Riesen, sie und wir), Orte (das Schwarze Meer, Frankreich, Bulgarien, die Straße, das Museum) und Zeiten (gestern, heute, irgendwann). Doch was ist daran wahr?

Für die Publikation Mille pensées à toi (Tausend Gedanken an Dich) (2018) hat sich die Künstlerin intensiv mit den Briefen beschäftigt, die ihre bulgarische Mutter an ihren französischen Vater geschickt hat, nachdem die beiden sich im Seebad Slantschew brjag kennengelernt hatten. Auf ihrem Computer hat Pierson die in stockendem Französisch und holpriger Schrift verfassten Liebesbekenntnisse abgeschrieben.

Anschließend hat sie die Wörterflut mit der Schere bearbeitet, um auf größtenteils leeren Seiten die irrationalen Zeichen der Leidenschaft hervorzuheben: einen unablässig wiederholten Vornamen, die Litanei der überschwänglichen Gefühle, die gemeinsamen Erinnerungen, mit denen man versucht, die mit der Abwesenheit einhergehende Angst zu überspielen.

Für ihre Arbeit спомени 57-82 (Erinnerungen 57–82) (2019) forschte die Künstlerin ebenfalls in ihrem Familienarchiv, um die Persönlichkeit ihrer Mutter zu rekonstruieren oder, genauer gesagt, um zu verstehen, in welcher Weise ihre eigene Persönlichkeit durch die Erfahrungen ihrer Mutter geprägt wurde. Hierfür hat sie Familienfotos durchforstet, Objekte gesichtet, Worte gesammelt. Anschließend hat sie alles aufbereitet und neu geordnet, um bestimmte Details wie Spuren oder Stigmata zu betonen. Das erdrückend symbolische Ausmaß dieser Erinnerungen lässt uns innehalten; zugleich lädt ihre Installation uns dazu ein, zuzuhören und uns zu entscheiden, ob wir nachsprechen, erneut hinschauen oder weitergehen möchten.

Unsere Erinnerungen und Legenden werden von der Notwendigkeit zu glauben bestimmt. Zwischen Neujahr und der Fastenzeit vertreiben die riesigen Kukeri mit lautem Glockengeläut die bösen Geister. Prozessionen und kollektive Rituale verschwinden nicht. Der liegende Koloss, den wir fragen oder der uns fragt: „Hörst Du die Glocken läuten?“ (Entends-tu les cloches sonner?, 2019), spiegelt das ständige Wechselspiel zwischen Wünschen und Ängsten wieder, die Teil unser selbst sind.

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спомени 57 - 82 (Souvenirs 57 - 82), 2019, Installation, Courtesy Émilie Pierson Entends-tu les cloches sonner?, 2019, Installation, Courtesy Émilie Pierson

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Entends-tu les cloches sonner?, 2019 (detail), Installation, Courtesy Ă&#x2030;milie Pierson

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спомени 57 - 82 (Souvenirs 57 - 82), 2019 (détail), Installation, Courtesy Émilie Pierson

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«Milles pensées à toi», 2018 / 2019, Livre d’artiste / Künstlerbuch, Courtesy Émilie Pierson

Lauréat / Preisträger 2019

Thibaud SCHNEIDER

Cercle Cité – Villa Vauban

Metz

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Thibaud Schneider compose ses sculptures et ses installations comme des poèmes élégiaques. Il prend appui sur la tradition : s’emparant des écritures bibliques, il paie son tribut aux peintres qui accompagnent ses rêveries mélancoliques. Il évoque l’amour et son évanouissement, l’inaccessible transcendance, le désir frustré de sublimation artistique. Pour conduire vers ces états insaisissables, ses œuvres échafaudent, autour d’importants fragments de vide, le bois, le métal, le plâtre et des objets du quotidien. Alliant rudesse et fragilité, elles témoignent de sa croyance en la valeur de l’art ; elles objectivent également son regard critique sur notre société contemporaine.

Un trivial escabeau de chantier, usé, dont le sommet est recouvert d’un voile figé, s’approprie le pouvoir chimérique de l’échelle entre ciel et terre : Sans titre (Jacob) (2018) s’amuse avec le blasphème. Ce morceau de ferraille au drapé statufié a été ou aspire à redevenir un intercesseur entre l’idéal et le quotidien, la révélation et l’occulte. Devant nos yeux sceptiques, il soutient que le ravissement artistique est affaire d’imaginaire. L’incrédulité de Saint-Thomas d’après le Caravage (2019) questionne également notre propension à accepter les expériences mystiques. À tout le moins, cette installation bouscule notre rapport à l’image. Ici, l’absence de figuration exclut une stérile confrontation entre confiance et défiance. En assemblant opacité et transparence, il ne s’agit pas de voir ou de croire, mais de ressentir la souffrance comme la passion.

Nostalgie de la terre dévorée de soleil (2019) s’annonce comme un hommage à Eugène Delacroix : accroché au mur, le Jeune Turc caressant son cheval (1826-27) dialogue avec un châssis presque nu, à même le sol. Celui-ci abrite une ancienne photographie amateur, un portrait de femme, dont le court poème rédigé au verso nous emporte en Orient. Cette terre fantasmée, aux cicatrices encore saillantes, sert de cadre au véritable sujet de l’œuvre : l’admiration de l’être aimé.

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Thibaud Schneider konzipiert seine Skulpturen und Installationen wie Elegien. Hierbei stützt er sich auf Traditionen: Indem er auf biblische Themen zurückgreift, zollt er den Malern, die seine melancholischen Tagträume begleiten, Tribut. Er schildert die Liebe und ihr Verschwinden, die unerreichbare Transzendenz, den unerfüllten Wunsch nach künstlerischer Perfektion. Um diesen nicht greifbaren Zustand darzustellen, gruppiert er die in seinen Arbeiten verwendeten Materialien – Holz, Metall, Gips und Alltagsgegenstände – um aussagekräftige Hohlräume herum. Sein Werk vereint Zerbrechlichkeit und Härte und verdeutlicht dadurch seinen Glauben an den Wert der Kunst, objektiviert aber zugleich seinen kritischen Blick auf die zeitgenössische Gesellschaft.

Eine banale abgenutzte Trittleiter, deren oberer Teil mit einem starren Tuch bedeckt ist, erhält die illusorische Macht einer Leiter zwischen Himmel und Erde: Sans titre (Jacob) (2018) spielt mit der Blasphemie. Dieses Stück Alteisen mit seiner versteinerten Drapierung beansprucht (erneut) die Rolle des Vermittlers zwischen Ideal und Alltag, zwischen Offenbarung und Verschleierung. Vor unseren skeptischen Augen verdeutlicht es, dass künstlerische Verzückung erst mit der Vorstellungskraft entsteht. Auch die Installation L’incrédulité de Saint-Thomas d’après le Caravage (Der ungläubige Thomas nach Caravaggio) (2019) hinterfragt unsere Bereitschaft, mystische Erfahrungen zuzulassen. Zumindest stellt sie unser Verhältnis zum Bild in Frage, denn das Fehlen jeglicher figürlicher Darstellung unterläuft die sterile Dichotomie von Glaube und Misstrauen. Die Kombination von Undurchdringlichkeit und Transparenz zielt nicht auf das Sehen oder den Glauben ab, sondern auf das Nachempfinden von Schmerz und Leidenschaft.

Nostalgie de la terre dévorée de soleil (Nostalgie der von der Sonne verzehrten Erde) (2019) gibt sich als Hommage an Eugène Delacroix, dessen Jeune Turc caressant son cheval (Junger Türke streichelt sein Pferd) (1826–27) an der Wand im Dialog mit einem fast leeren Bilderrahmen auf Bodenhöhe steht. Dieser enthält eine alte Amateurfotografie, ein Frauenporträt mit einem kurzen Gedicht auf der Rückseite, das uns in den Orient versetzt. Diese erträumte Welt, mit ihren noch frischen Narben, ist der Schauplatz für das wirkliche Thema dieser Arbeit: die Anhimmelung eines geliebten Wesens.

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L'incrédulité de Saint Thomas d'après Le Caravage, 2019, Installation, Courtesy Thibaud Schneider

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Sans titre (Jacob), 2018, Sculpture / Skulptur, Courtesy Thibaud Schneider Nostalgie de la terre dévorée de soleil, 2019, Installation, Courtesy Thibaud Schneider

En dialogue avec / im Dialog mit: Eugène Delacroix (1798-1863), Jeune Turc caressant son cheval, 1826/27, Collection Villa Vauban – Musée d’Art de le Ville de Luxembourg

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Nostalgie de la terre dévorée de soleil, 2019, Installation, Courtesy Thibaud Schneider En dialogue avec / im Dialog mit: Eugène Delacroix (1798-1863), Jeune Turc caressant son cheval, 1826/27, Collection Villa Vauban – Musée d’Art de le Ville de Luxembourg

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SAARBRÜCKEN

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Dr. Andrea JAHN

SARREBRUCK

Curatrice

Kamila KOLESNICZENKO Curatrice

Depuis plusieurs décennies déjà, l’École supérieure des beaux-arts de la Sarre est le berceau de l’art expérimental multimédia dans la Sarre. Elle fait fonction de catalyseur et de plateforme pour des artistes qui ont tous une chose en commun : l'utilisation de nouveaux médias (photographie, vidéo, installations sonores ou numériques) et de matériaux divers, et la curiosité et le goût de l’expérimentation artistique. La HBKsaar encourage par ailleurs l’interdisciplinarité, et en ce sens, elle soutient toute initiative visant à situer le travail de ses élèves, anciens ou actuels, dans le contexte plus large de la création artistique dans la Grande Région.

Les artistes sélectionnés cette année travaillent non seulement avec l’architecture des lieux d’exposition, mais aussi avec les espaces extérieurs et le public. L’artiste sonore Frauke Eckhardt nous encourage à devenir les interprètes actifs de son travail. Dans l’installation de Mirjam Elburn, la connotation intime du matériau peut susciter fascination ou rejet. Les auto-stéréogrammes de l’artiste multimédia Martin Fell nous obligent à aiguiser notre regard et à remettre en question nos habitudes de perception. Enfin, les installations d’Ida Kammerloch dénoncent le voyeurisme individuel et collectif suscité par la production et la reproduction d’images sur les réseaux sociaux.

Les œuvres présentées ici sont interactives et accessibles, et la plupart d’entre elles sont réalisées sur place. Pour certaines d’entre elles, leur sensualité leur confère un pouvoir affectif, tandis que d’autres font appel à notre imagination. Elles évoquent de manière directe les changements sociaux et perceptuels induits par la numérisation et ont recours à un large éventail de médias numériques et analogiques.

Mélangeant artistes confirmés et jeunes talents, la sélection opérée entend refléter toute la diversité de l’art contemporain à Sarrebruck.

Die Hochschule der Bildenden Künste Saar ist seit Jahrzehnten Ursprung experimenteller, multimedialer Kunst im Saarland. Sie ist Impulsgeberin und Plattform für Künstlerinnen und Künstler, die alle eines gemeinsam haben: den Einsatz neuer Medien (Fotografie, Video, Klang- und Computerkunst), die Vielfalt des Materialeinsatzes und die Freude und Neugier am künstlerischen Experiment.

Die Saarbrücker Kunsthochschule steht darüber hinaus für eine interdisziplinäre Ausrichtung zeitgenössischer Kunst, und so ist es nur selbstverständlich, den Blick auf ihre Absolventinnen und Absolventen, ehemalige und aktuelle, etablierte wie noch junge Positionen zu richten und sie in den Kontext des Kunstschaffens der Großregion zu stellen.

Die in diesem Jahr ausgewählten Künstlerinnen und Künstler arbeiten nicht nur mit der Architektur der jeweiligen Ausstellungsorte, sie beziehen den Außenraum und das Publikum mit ein. Die Klangkünstlerin Frauke Eckhardt fordert uns dazu auf, selbst als PerformerInnen aktiv zu werden. In der Rauminstallation von Mirjam Elburn werden wir mit den intimsten Spuren des Menschen konfrontiert, was zu Faszination und Abkehr führen kann. Die Autostereogramme des Multimedia-

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künstlers Martin Fell zwingen uns, genauer hinzuschauen und unsere Sehgewohnheiten zu hinterfragen. Und wir werden Zeuge von individuellem und kollektivem Voyeurismus, ein Resultat der digitalen Bild(re)produktion in sozialen Netzwerken und Plattformen, die Ida Kammerloch in ihren Installationen in den Blick nimmt.

Die gezeigten Arbeiten sind interaktiv, begehbar und die meisten von ihnen entstehen erst vor Ort. Sie wirken affektiv aufgrund ihrer besonderen Sinnlichkeit oder appellieren an unsere Vorstellungskraft. Sie erzählen Geschichten, die unmittelbar mit den sozialen und wahrnehmungsspezifischen Veränderungen der digitalisierten Welt verbunden sind, und arbeiten mit einem vielfältigen Spektrum digitaler und analoger Medien. Unabhängig davon, ob die ausgewählten Künstlerinnen und Künstler bereits in der Kunstwelt der Großregion etabliert sind oder noch am Anfang ihrer Karriere stehen, präsentieren sie die gesamte Bandbreite aktueller Kunst in Saarbrücken.

Dr. Andrea JAHN Kuratorin

SAARBRÜCKEN

Kamila KOLESNICZENKO Kuratorin

Frauke ECKHARDT

Villa Vauban

Saarbücken

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Frauke Eckhardt est sculptrice et artiste sonore de formation. Dans ses œuvres sonores, elle élargit la conception de la sculpture en y intégrant le spectateur, l’environnement et les sons ambiants. Situées à l’intérieur ou à l’extérieur, ses installations confèrent au spectateur un rôle actif en traduisant ses gestes haptiques en sons. Dans d’autres travaux, elle attire l’attention du visiteur sur la perception de l’espace et ses caractéristiques acoustiques.

Les sculptures interactives de Frauke Eckhardt sont en lien direct avec la nature et à la matière. Contrairement aux sons générés par ordinateur, elles puisent leur matériau dans le quotidien et suivent les préceptes futuristes de la musique bruitiste en affirmant tout ce que l’on appelle communément les bruits d’ambiance. Au lieu de compositions mélodieuses, elles mettent l’accent sur l’expérience auditive de l’environnement : la nature, y compris dans ce qu’elle a de plus artificiel – routes, circulation, asphalte – devient un espace sonore, comme dans la sculpture KlangWellen (Ondes sonores), qui enregistre les stimuli visuels et acoustiques du lieu.

L’espace environnant se reflète dans deux tôles courbées en acier inoxydable, tandis qu’une composition sonore se mélange de manière indissociable aux bruits du trafic de la route proche. Il en résulte une réalité déformée, sorte de condensation visuelle de l’espace extérieur empreinte de calme. L'expérience acoustique va de pair avec la perception visuelle de la sculpture minimaliste.

Son travail met par ailleurs l’accent sur une approche participative, inspirée des œuvres de Christina Kubisch, pionnière de l’art sonore auprès de qui elle a étudié.

Dans ses objets sonores interactifs, les mouvements des visiteurs captés par des microphones de contact ou des transducteurs sonores sont transposés en sons et transmis à des écouteurs. Dans son œuvre KlangLandschaft (Paysage sonore), ce sont ainsi les épines d’un cactus qui génèrent des sons lorsque les visiteurs les touchent. Ceux-ci assument alors le rôle d’interprètes et de compositeurs, sans qui aucun son ne pourrait se produire.

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Frauke Eckhardt ist ausgebildete Bildhauerin und Klangkünstlerin. Und so weitet sie auch in ihren Klangskulpturen den Begriff der Plastik aus und bezieht die RezipientInnen, die Umgebung und ihre Geräusche mit ein. Mit ihren Werken, die im Innen- und Außenraum angesiedelt sind, aktiviert sie die BesucherInnen und übersetzt ihre haptischen Gesten in Klang. In anderen lenkt sie die Aufmerksamkeit auf die Wahrnehmung von Raum und Akustik.

Ihre interaktiven Hörskulpturen stehen in Bezug zur Natur und zum Material. Im Gegensatz zu computererzeugten Klängen vertonen sie das Alltägliche und greifen das von den Futuristen etablierte Konzept der Geräuschmusik auf, und damit die Affirmation all dessen, was gemeinhin als Lärm oder Umgebungsgeräusche bezeichnet wird. Statt melodischer Kompositionen steht die auditive Erfahrung der Umwelt im Fokus; die Natur, auch die künstlich erzeugte – Straßen, der Verkehr, der Asphalt – wird zum Resonanzraum, wie in der Skulptur KlangWellen. Diese greift die optischen und akustischen Reize ihrer Umgebung auf und reflektiert durch zwei gebogene Edelstahlbleche die Nachbarschaft. Eine Klangkomposition spiegelt die Laute der nahen, stark befahrenen Straße und löst diese im Zusammenspiel quasi auf: verzerrte Realität, Ruhe und eine optische Verdichtung des Außenraums sind die Folge. Das akustische Erlebnis geht bei Frauke Eckhardt mit der visuellen Rezeption der minimalistischen Skulptur einher.

Der partizipative Ansatz ist dabei ein elementarer Bestandteil ihrer Arbeiten.

Er haftet bereits den Werken der Klangkunstpionierin Christina Kubisch an, deren Meisterschülerin sie war. In ihren interaktiven Klangobjekten übersetzt Frauke Eckhardt die von Kontaktmikrofonen oder Schallwandlern eingefangenen Bewegungen der BesucherInnen in Töne und gibt sie an Kopfhörer ab. In ihrer Arbeit KlangLandschaft sind es beispielsweise Kakteen, an deren Stacheln die BesucherInnen zupfen und Klänge erzeugen. Die RezipientInnen werden so zu PerformerInnen und KomponistInnen, ohne die kein Klang entstehen kann.

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Schiefer 5x7, 2019, Objet sonore interactif / Interaktives Klangobjekt, Courtesy Frauke Eckhardt KlangLandschaft, 2006, Objet sonore interactif / Interaktives Klangobjekt, Courtesy Frauke Eckhardt

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KlangLandschaft, 2006, Objet sonore interactif / Interaktives Klangobjekt, Courtesy Frauke Eckhardt

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KlangLandschaft, 2006, Objet sonore interactif / Interaktives Klangobjekt, Courtesy Frauke Eckhardt Schiefer 5x7, 2019, Objet sonore interactif / Interaktives Klangobjekt, Courtesy Frauke Eckhardt

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KlangWellen, 2016, Sculpture sonore spatialisĂŠe / Raumbezogene Klangskulptur, Courtesy Frauke Eckhardt

Mirjam ELBURN

Villa Vauban

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Les cheveux sont le matériau principal des œuvres de Mirjam Elburn. Au moyen d’un processus de tissage complexe, elle associe des cheveux humains à des objets du quotidien tels que journaux, caisses à savon ou vêtements, ou les intègre à des installations plus vastes où ils recouvrent le sol et les murs. Élément corporel, les cheveux déclenchent chez le spectateur des sentiments ambivalents : portés par l’homme, ils sont synonymes de beauté et de désir, mais détachés du corps, ils se transforment en vestiges évoquant la nature éphémère de l’existence. En les incorporant dans ses objets et installations, Mirjam Elburn convoque à la fois la présence et l’absence du corps. La provenance des cheveux reste inconnue, de manière à provoquer chez le spectateur un sentiment qui oscille entre intimité et rejet. L’ambivalence de ce matériau d’origine humaine, associé à des objets du quotidien, devient ainsi le principe esthétique du travail de l’artiste.

Le corps humain et les traces qu’il laisse sont également au cœur de ses séries de polaroïds, qui se signalent elles aussi par une approche sculpturale, comme en témoignent les images de lits anonymes dans lesquels l’artiste a dormi pendant ses déplacements. L’idée du lit comme lieu de rêve, de solitude, de sexe, d’amour, de violence, de naissance et de mort est ici déconstruite par le biais d’une décomposition matérielle de l’image et de son agrandissement. Depuis 2018, l’artiste travaille également sur les propriétés et la matérialité de différents tissus utilisés dans la confection de rideaux. La technique du feutrage, un artisanat traditionnellement féminin, lui permet d’entremêler le tissu enveloppant et intime avec les cheveux protecteurs pour suggérer chaleur et sécurité, à l’image de certaines œuvres de Joseph Beuys. La fragilité de ces voiles, leur structure organique et leur perméabilité rappellent également les objets de l’artiste américaine Eva Hesse, dont les œuvres sont tout autant chargées d’émotions, ambivalentes et énigmatiques.

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Haare sind das zentrale Material von Mirjam Elburn. Sie webt sie in einem aufwendigen Verbindungsprozess in Gegenstände wie Zeitungen, Seifenkisten und Kleidung ein oder macht sie zum Bestandteil raumgreifender Installationen, in denen sie Böden und Wände bedecken. Haare stehen in direkter Verbindung zum Körper und lösen dadurch ambivalente Gefühle aus: Verbunden mit dem Menschen offenbaren sie Schönheit und Begehren; losgelöst vom Körper mutieren sie zu Überresten, assoziieren Vergänglichkeit und Vergangenheit. Indem Mirjam Elburn sie als Teile des Körpers in ihre Objekte und Installation einbindet, thematisieren sie seine Anwesenheit und zugleich seinen Verlust. Von welchem Körper das Haar stammt, bleibt aber rätselhaft – Intimität und Abstoßung können die Folge der Betrachtung sein.

So wird die Ambiguität dieser mit Alltagsgegenständen verbundenen menschlichen Fragmente zu Mirjam Elburns ästhetischem Prinzip.

Aspekte des menschlichen Körpers und die Spuren, die er hinterlässt, sind auch das Thema ihrer Polaroidserien. Auch hier zeichnet ein bildhauerischer Umgang die Bearbeitung der Aufnahmen aus – Ansichten beispielsweise von fremden Betten, in denen die Künstlerin auf ihren Reisen geschlafen hat. Das Bild des Bettes als Ort von Traum, Einsamkeit, Sex, Liebe und Gewalt, von Geburt und Sterben wird dekonstruiert und abstrahiert, in Schichten zerlegt und vergrößert reproduziert.

Seit 2018 beschäftigt sich Mirjam Elburn zudem mit den Eigenschaften und der Stofflichkeit von Vorhängen. Das Durchfilzen als traditionell weiblich konnotiertes Handwerk verbindet den verhüllenden, Intimität produzierenden Stoff mit dem schützenden Haar und impliziert, ähnlich wie im Werk von Joseph Beuys, Wärme und Geborgenheit. Die Fragilität der Vorhänge, ihre organische Struktur und Durchlässigkeit erinnert dabei an die Objekte der Amerikanerin Eva Hesse, deren Arbeiten ebenso emotional aufgeladen, ambivalent und rätselhaft wirken.

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third skin (hinter geschlossenen Gardinen), 2019, Rideau en nylon avec cheveux humains / (Nylon-)Vorhänge mit menschlichem Haar durchfilzt, Courtesy Mirjam Elburn

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third skin (fremde Betten_1-_18 /_20-_25), 2019, Polaroid n/b, démonté / Schwarz-weiß Polaroids, demontiert, Courtesy Mirjam Elburn

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negative capability, 2019, Tas de cheveux / Haarschüttung, Courtesy Mirjam Elburn

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third skin (fremde Betten_1-_18 /_20-_25), 2019, Polaroid n/b, démonté / Schwarz-weiß Polaroids, demontiert, Courtesy Mirjam Elburn

Martin FELL

Cercle Cité

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Ce que nous voyons ne correspond pas toujours avec ce que nous reconnaissons.

Fidèles à l’idée de Kant selon laquelle la connaissance ne se limite pas à la perception, les installations et objets de Martin Fell rendent visibles des processus que nous ne comprenons que lorsque nous nous confrontons consciemment à ses œuvres. La nature apparemment évidente de processus quotidiens forme le point de départ du travail de cet artiste multimédia, qui reconstitue et déconstruit les systèmes optiques et les concepts naturels ou sociaux. La dualité joue un rôle central dans son travail : dans Flusslicht (2017), par exemple, les images analogiques d’un cours d’eau avec le jeu du soleil à sa surface sont retravaillées par ordinateur et projetées sous un pont. Les processus naturels sont ainsi amplifiés par des constructions technologiques.

De la même manière, un œuf d’autruche pris dans une broyeuse de poussins (subject 01, 2019) devient un symbole des excès de la consommation de masse et de la production industrielle, acceptés par la société pour assurer sa conservation. À quel niveau l’homme intervient-il et à partir de quand est-il impuissant ? L’image de cet œuf « luttant pour sa survie » est un catalyseur d’espoirs et de peurs. Un incident fortuit dans la mécanique de la production alimentaire permet ainsi à l’artiste d’interroger le système qui la sous-tend.

Dans ses récents auto-stéréogrammes – des images bidimensionnelles qui, lorsqu’on les observe de plus près, révèlent une structure tridimensionnelle, une image ou un texte sous-jacents – Martin Fell renvoie aux processus (de formation) et de perception de l’image. À condition que le regard se focalise sur le plan situé sous l’image abstraite, il saisit des messages cachés. L’artiste nous incite ainsi à regarder « derrière » les images ; le changement de contenu est, selon ses propres mots, vécu comme une « virtualité créée par le spectateur lui-même ».

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Was wir sehen, deckt sich nicht immer mit dem, was wir erkennen. Nach Kant ist Erfahrung verstandene Wahrnehmung, und so machen auch Martin Fells Installationen und Objekte vor allem Prozesse sichtbar, die erst bewusst erfahren werden, wenn wir uns mit seinen Arbeiten beschäftigen. Die Selbstverständlichkeit alltäglicher Abläufe wird bei dem Multimediakünstler zum Ausgangspunkt seiner Arbeiten, Sehsysteme sowie natürliche und gesellschaftliche Konstrukte werden darin re- und dekonstruiert. Dualität spielt dabei eine zentrale Rolle: Analoges, wie ein Flusslauf und das darin sich entfaltende Spiel der Sonne auf der Oberfläche, wird beispielsweise digital verstärkt und unter eine Brücke projiziert (Flusslicht, 2017). Natürliche Abläufe werden durch maschinelle Konstruktionen verstärkt.

Auf ähnliche Weise wird auch der Kampf eines Straußeneis in einer Schreddermaschine (subject 01, 2019), die ursprünglich für Küken gedacht ist, zum Sinnbild für Massenkonsum und Produktionsprozesse, die billigend von der Gesellschaft zu ihrer Erhaltung in Kauf genommen werden. Wo greift der Mensch ein, wo kann er nicht mehr eingreifen? Das Bild des tanzenden Eis wird zur Metapher eines natürlichen Überlebenskampfs und zum Katalysator von Hoffnung und Angst. Eine zufällig ablaufende Handlung in der maschinellen Lebensmittelproduktion dokumentiert einen Ausreißer und stellt das ganze System, das dahintersteckt, in Frage.

Auch in seinen neusten Arbeiten, den Auto-Stereogrammen − zweidimensionale Bilder, die bei näherer Betrachtung eine hinterlegte dreidimensionale Struktur, ein Bild oder einen Text offenbaren − setzt sich Martin Fell mit Bild(entstehungs-) prozessen und Bildwahrnehmung auseinander. Betrachtet man die abstrakten, computererzeugten Bilder „unscharf“, indem man eine Ebene hinter dem Bild fokussiert, erscheinen nach einiger Zeit neue Botschaften. Wir lernen „hinter“ die Bilder zu schauen und erfahren den Inhaltswechsel unmittelbar als eine „vom Betrachter selbst erzeugte Virtualität“, so der Künstler.

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Hülle eines Aktes 1, 2019, Autostéréogramme / Autostereogramm, Courtesy Martin Fell

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Hülle eines Aktes 2, 2019, Autostéréogramme / Autostereogramm, Courtesy Martin Fell

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subject 01, 2019, Objet cinétique / Kinetisches Objekt, Courtesy Martin Fell

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Ida KAMMERLOCH

Villa Vauban

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Les œuvres d’Ida Kammerloch ont pour point de départ des artefacts visuels, le plus souvent des photographies trouvées provenant de sources diverses : forums, réseaux sociaux, plateformes de vente en ligne, banques d’images, archives privées ou prospectus commerciaux. À travers ces images, l’artiste documente et questionne le voyeurisme social à l’ère du numérique. Démocratisée par Internet, la création et la transformation d’images, de même que la place grandissante de la visualité dans le quotidien, ont radicalement altéré la manière dont nous percevons les images : celles-ci deviennent des acteurs qui font circuler l’information et génèrent à leur tour de nouvelles significations. Comme d’autres artistes du net, Ida Kammerloch exploite les possibilités offertes par les médias numériques, tout en adoptant une approche analytique qui consiste à disséquer des représentations existantes.

En explorant ces images toutes faites, l’artiste porte un intérêt particulier aux décors, aux conventions de représentation du féminin et au statut de la femme comme objet d’identification. Une photographie issue d’une banque d’images déclenche ainsi une recherche de la personne qui prête son visage à cette effigie publicitaire (Chloe 15 x 20 cm, 2017). Au cours de son enquête, l’artiste se rapproche de son modèle, l’imite et la contacte de façon anonyme sur un forum en ligne. Son intérêt quasiobsessionnel renvoie à l’influence de ce type de photographie sur l’image de la femme dans la société et l’envie qu’elle suscite d’y correspondre ou de l’imiter.

Cette approche féministe caractérise également son travail sur des clichés amateurs trouvés en ligne. Ses interactions avec leurs auteurs, comme celle avec un vendeur de photographies érotiques sur eBay, documentent l’origine des images et mettent en lumière leur statut complexe en tant qu’objets ou produits. L’artiste opère ainsi à la frontière entre l’explicite et la suggestion, entre clarification et floutage. Son regard critique sur les images ouvre de nouvelles significations à mesure que ces dernières perdent leur nature statique et permettent d’autres manières de voir. Par ailleurs, la disposition spatiale de ses installations donne une forme concrète à ces observations immatérielles en reliant entre elles les histoires et différents niveaux de signification des « séries » proposées à la vente et en les rendant accessibles au spectateur.

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Gegenstand der künstlerischen Beschäftigung von Ida Kammerloch sind visuelle Artefakte, meist gefundene Fotografien. Sie stammen aus Quellen unterschiedlicher Art, beispielsweise Internetforen, Handelsplattformen, sozialen Netzwerken, Stockfoto-Agenturen, aber auch aus privaten Archiven und Warenhäusern. Mit ihnen dokumentiert und reflektiert die Künstlerin den gesellschaftlichen Voyeurismus im digitalen Zeitalter. Denn die durch das Internet hervorgegangene Selbstverständlichkeit unaufhaltsamer Bilderzeugung und -transformation, sowie die Ausrichtung von Alltagspraktiken auf das Visuelle haben zu einer drastischen Veränderung der Auffassung von Bildern geführt: Diese sind zu Akteuren mutiert, transportieren Informationen und erzeugen ihrerseits wiederum neue Bedeutungen und Bilder.

Wie andere Netzkünstlerinnen, arbeitet Ida Kammerloch mit den Möglichkeiten der digitalen Medien, geht dabei aber vor allem analytisch vor, indem sie in ihren Werken fremdes, vorgefundenes Bildmaterial zerlegt.

Wenn sie bereits konstruierte Bildwelten untersucht, werden Hintergründe, persönliche Geschichten, Darstellungskonventionen des Weiblichen und ihr Status als Identifikationsobjekt zum eigentlichen Thema der Arbeiten. Ein Stockfoto in einem Bilderrahmen dient beispielsweise als Grundlage für die Suche nach dem Menschen, der sich hinter dem schönen Werbegesicht versteckt (Chloe 15 x 20 cm, 2017). Im Laufe ihrer Untersuchung nähert sich Ida Kammerloch immer mehr dieser Frau an, imitiert sie, nimmt anonym Kontakt über ein Online-Forum mit ihr auf. Die fast schon obsessive Auseinandersetzung der Künstlerin mit dem Modell spiegelt den Einfluss dieser Bilder auf das auferlegte Selbstbild der Frau sowie den Drang, diesem zu entsprechen und nachzueifern.

Dieser feministische Ansatz zeigt sich ebenso in der Beschäftigung mit Amateurund Hobbyfotografien, die sie im Netz findet. Interaktionen wie die mit einem eBayVerkäufer, der Aktfotografien vertreibt, dokumentieren Herkunft und Hintergründe der Fotografien und beleuchten deren komplexen Status nicht nur als Bild, sondern auch als Objekt oder Ware. So operiert Ida Kammerloch an der Bruchlinie zwischen Sagen und Zeigen, Schärfe und Unschärfe. Der erweiterte Blick auf die Bilder setzt neue Bedeutungen frei, sie verlieren ihren statischen Charakter und werden zum Ort für neues Sehen. Ihre installative Anordnung im Raum verleiht den immateriellen Beobachtungen aus dem Netz darüber hinaus erst ihre Substanz, durch ihn werden die Geschichten und Bedeutungsebenen der unterschiedlichen zum Kauf angebotenen „Serien“ miteinander verknüpft und begehbar gemacht.

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Resusci-Anne, 2019, Installation, Courtesy Ida Kammerloch

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Bettina LEUCHTENBERG

TRÈVES

Curatrice Les quatre artistes nommés par la ville de Trèves pour le Prix d’Art Robert Schuman ne sauraient être plus différents. Pourtant, tous les quatre abordent le thème de l’Europe sous le signe et à l’époque de la mondialisation. Leurs œuvres témoignent d’approches individuelles qui ont toutes pour sujet l’être humain dans son environnement immédiat ou élargi.

Deux hommes, deux femmes, différentes générations et différents lieux de vie se côtoient dans ce choix et formulent ensemble une idée : l’état de l’Europe démocratique au début du XXIe siècle mérite un regard critique ; en effet, c’est le seul moyen de développer les idées qui formeront la base de nouvelles réflexions et de points de vue inédits sur la vie en société. Leurs œuvres démontrent, de manière directe et sensorielle, que l’Europe est capable, même et surtout en période de fortes turbulences, de produire des choses admirables et intéressantes.

Dans ses œuvres, Stephan Backes donne à voir un monde numérique vécu de manière tantôt surprenante, tantôt sphérique. À travers le travail qu’il présente ici, l’artiste, qui vit désormais à Berlin, renoue avec ses origines dans le QuattroPole. Celui-ci est le sujet d’une simulation en temps réel qui, à travers la visualisation d’un lotissement résidentiel fictif, questionne la suburbanisation rampante.

Werner Bitzigeio crée des espaces filigranes mais solides, à la fois transparents et enveloppants. En pénétrant dans ses sculptures praticables, le spectateur apprend à écouter son corps et vit une expérience spatiale inédite. Son triptyque fait de bouts de bois local macérés dans des vins de différents pays européens fait appel à tous les sens. Les qualités de l’Europe sont ici présentées dans un état originel : une découverte sensorielle dans un contexte muséal.

Photographe, vidéaste et artiste conceptuelle, Bettina Ghasempoor multiplie et mélange les supports. Son travail a pour sujet le présent, considéré dans ses rapports avec le passé et ce qui marque l’homme et sa culture : un monde en mutation et son histoire, l’Europe aux prises avec la migration et avec ceux qui n’ont rien appris du passé.

Judith Leinen analyse les rapports et corrélations entre systèmes mondiaux et régionaux. Son travail en est un parfait exemple, puisqu’il exprime de manière concrète les notions d’éloignement et de proximité. L’artiste vit aux États-Unis et conçoit des

installations pour lesquelles elle importe des produits de la Grande Région. Ses sculptures sont ensuite assemblées à partir de notices de montage et d’éléments de connexion qu’elle envoie par courrier des États-Unis.

Les œuvres des artistes de Trèves et de l’arrondissement Trèves-Sarrebourg illustrent chacune à sa manière les célèbres mots de Robert Schuman (1886-1963) : « Nous ne coalisons pas des États, nous unissons des hommes. » Pour moi qui, en tant que commissaire d’exposition, ai eu le privilège d’accompagner ces quatre artistes, de les conseiller, de les représenter et de les présenter durant ces derniers mois, cette union est parfaitement réussie.

L’échange avec autrui est toujours enrichissant. La communication avec les commissaires d’exposition de Luxembourg, Metz et Sarrebruck ainsi qu’avec les collègues des musées luxembourgeois a été cordiale et stimulante à plus d’un égard. Je crois pouvoir associer à mes remerciements les artistes, qui apprécient la possibilité de disposer d’une vitrine internationale. Un grand merci à toutes et à tous pour cette expérience pratique de la culture de l’échange.

Für den Kunstpreis Robert Schuman hat die Stadt Trier vier Künstler nominiert, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Dennoch bearbeiten alle vier das Thema Europa im Zeichen und in Zeiten der Globalisierung. Zu entdecken sind individuelle Herangehensweisen, die immer den Menschen oder seine Produkte in dessen unmittel- und mittelbarer Umgebung zum Gegenstand haben.

Zwei Männer, zwei Frauen, unterschiedliche Generationen und Lebensorte stehen künstlerisch nebeneinander und beschreiben gemeinsam eine Idee: Das Hier und Jetzt eines demokratischen Europa im frühen 21. Jahrhundert lohnt einen kritischen Blick.

Nur so können Ideen wachsen, die eine Basis für neue Gedanken und Blickwinkel auf das gemeinsame Zusammenleben bilden. Dass Europa gerade in turbulenten Zeiten Angenehmes und Entdeckenswertes hervorbringt, wird direkt sinnlich erfahrbar.

Stephan Backes zeigt mit seinen Werken eine digitale Welt auf, die mal überraschend, mal sphärisch erlebt werden kann. Der in Berlin lebende Künstler knüpft mit seiner hier gezeigten Arbeit an seine Heimat in der QuattroPole an. Sie liefert das Thema für seine Echtzeitsimulation, in der die Visualisierung eines fiktionalen Neubaugebietes eine omnipräsente Suburbanisierung hinter-fragt.

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Werner Bitzigeio erschafft filigrane aber stabile Räume, die zugleich transparent und verhüllend sind. Wer in seine begehbaren Skulpturen eintritt, lernt, sich selbst zu spüren und erlebt eine neue Raumerfahrung. Mit allen Sinnen erfahrbar ist sein Triptychon aus heimischen Hölzern, die zuvor in europäische Weine eingelegt wurden.

Die schönen Seiten Europas werden ganz urpsrünglich präsentiert. Eine sinnliche Entdeckung im musealen Umfeld.

Bettina Ghasempoor ist von der Fotografie über Video bis hin zur Konzeptkunst kreativ breit aufgestellt. Ihr Thema ist das Heute, das Jetzt – in Bezug zu dem, was war, was den Menschen und seine Kultur prägt, beziehungsweise geprägt hat. Eine Welt im Wandel und ihre Geschichte. Europa in der internen Auseinandersetzung mit Migration und mit denen, die aus der Vergangenheit nichts gelernt haben.

Judith Leinen untersucht das Verhältnis von globalen und regionalen Systemen und Zusammenhängen. Sie selbst ist dafür bestes Beispiel, drückt sie doch Entfernung und Nähe in ihrer Kunst ganz konkret aus. Sie lebt in den USA und konzipiert Installationen, für die Produkte aus der Großregion angeliefert und montiert werden.

Anhand von Bauanleitungen und Verbindungsstücken, die sie per Post aus den USA schickt, entstehen ihre Skulpturen.

So wird in den Werken der Künstlerinnen und Künstler aus Trier und dem Kreis TrierSaarburg auf jeweils individuelle Art deutlich, was Robert Schuman (1886–1963) sagt: „Wir verbinden keine Staaten, sondern Menschen.“ Für mich als Kuratorin, die ich die vier Trierer Teilnehmer in den Monaten vor der Ausstellung begleiten, beraten, vertreten und präsentieren durfte, ist diese Verbindung bestens gelungen.

Der Austausch untereinander ist befruchtend, die Kommunikation mit den Kuratoren aus Luxemburg, Metz und Saarbrücken sowie den Kolleginnen der Luxemburger Museen inspirierend und freundschaftlich. Gleiches betonen die Künstler, welche die Möglichkeit, sich auf internationaler Ebene präsentieren zu können, überaus schätzen.

Herzlichen Dank an alle für diese praktisch gelebte Kultur der Begegnungen!

TRIER

Bettina LEUCHTENBERG Kuratorin

Stephan BACKES

Villa Vauban

Trier

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Les installations multimédia de Stephan Backes, qui se signalent par leur complexité technique, sont le fruit de recherches approfondies. Né à Trèves en 1982, l’artiste plasticien aborde ses sujets de manière très réfléchie, observant avec attention la société autour de lui, notamment au Luxembourg et dans la région frontalière. « Le contexte luxembourgeois est très intéressant et je m’en inspire pour mon travail », explique-t-il. « En même temps, celui-ci appelle à une lecture globale. » Stephan Backes vit et travaille à Berlin, dont le contexte urbain tranche avec celui du QuattroPole. Ici, en plein cœur de l’Europe, il voit se multiplier les nouveaux lotissements pavillonnaires, dont il a choisi de faire le sujet de ses œuvres. Il note comment la communauté internationale s’y établit peu à peu, parfois de manière éphémère. Son regard se pose sur un paysage « protopique 1 », tel que l’a défini le futuriste Kevin Kelly , qui se caractérise par une architecture homogène. Mais dans son installation vidéo, ces nouvelles constructions virtuelles, bâties à la hâte pour pallier le manque de logements urbains, vieillissent, s’effritent et semblent enfin être désertées par l’homme.

Il s’avère que cette usure inéluctable est due à la présence des visiteurs dans l’espace muséal. En effet, l’installation réagit de manière imperceptible aux spectateurs, qui contribuent ainsi à donner vie à cette métaphore de la disparition et de l’effacement de toute origine, tradition ou identité. Chaque visiteur laisse par ailleurs une trace numérique, qui se révèle à mesure que l’architecture se délite. À cette projection aux accents réalistes, des meubles en apesanteur ajoutent un niveau de lecture supplémentaire.

Stephan Backes montre de manière impressionnante comment la maison intelligente vise à éliminer peu à peu toute notion d’intimité. Il renvoie ce faisant à ses travaux antérieurs, qui avaient déjà pour thèmes l’identité, l’individualité et la sphère privée.

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Basierend auf einer fundierten Recherche mit tiefgründigen Ideen setzt Stephan Backes seine Mixed-Media-Installationen technisch ausgefeilt um. Sehr überlegt geht der 1982 in Trier geborene bildende Künstler an seine Themen heran. Subtil beobachtet er die Gesellschaft um sich herum, auch in Luxemburg und der grenznahen Region. „Der Kontext in Luxemburg ist spannend, die Thematik für meine Arbeit ist hier inspiriert.

Sie kann und soll aber zugleich global gelesen werden“, sagt er.

Backes lebt und arbeitet in Berlin, wo das Leben und Wohnen in urbanem Milieu ganz andere Formen hat als in der QuattroPole. Räumlich mitten in Europa sieht er Neubaugebiete mit Einfamilienhäusern aus dem Boden schießen und nimmt diese neu entstehenden Ansiedlungen digital in den Fokus. Die Nominierung zum Kunstpreis Robert Schuman nimmt er zum Anlass, Europa neu zu betrachten. Er schaut, wie die internationale Gemeinschaft hier Wurzeln schlägt, sei es auch nur für eine begrenzte Zeit. Sein Blick ist der auf eine nach dem Futuristen Kevin Kelly charakterisierte „protopische“ 1 Landschaft mit einer homogenen Architektur. Das im Zeichen des Fortschritts aufgrund fehlenden urbanen Wohnraums virtuell entstandene Neubaugebiet setzt mit der Zeit Altersspuren an, bröckelt und wirkt menschenleer.

Die Abnutzung passiert allein durch die Anwesenheit der Betrachter im musealen Raum und ist unaufhaltbar. Erstmalig setzt Backes seine philosophischen Betrachtungen auch technisch um, indem seine raumgreifende Installation auf die Besucher reagiert. Letztere nehmen unbemerkt Einfluss und gestalten so eine Metapher für die Aufhebung und Entwurzelung von Ursprung, Tradition und Identität. In der Computersimulation hinterlässt jeder Besucher eine digitale Spur, die in der immer deutlicher werdenden visuellen Abnutzung der Architekturen sichtbar wird. Schwerelos treibende Möbelstücke eröffnen der bis dahin realitätsnahen Projektion eine weitere Ebene der Betrachtung.

Backes zeigt eindrücklich, wie digitale Smart Homes die Privatsphäre immer mehr aufzuheben gedenken. Damit knüpft er an seine früheren Arbeiten an, die vor allem Identität, Individualität und Privatsphäre des Menschen thematisierten.

1 https://kk.org/thetechnium/protopia/.

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Protopian Dreams, 2019, Simulation en temps rĂŠel / Echtzeitsimulation, Courtesy Stephan Backes

113 Villa Vauban

114 Villa Vauban

115 Villa Vauban

Werner BITZIGEIO

Villa Vauban

Trier

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Pour se rendre chez Werner Bitzigeio, il faut emprunter les routes sinueuses de l’Eifel.

C’est là, près de la frontière belge, que le sculpteur a trouvé le lieu qui lui permet de s’adonner à ses passions : la collecte et le recyclage artistique de toutes sortes de matériaux. Voici plusieurs générations déjà que les Bitzigeio, une famille de tailleurs de pierre, sont venus d’Italie pour enrichir de leurs œuvres nombre d’églises, de cimetières et monuments de la région. Fidèle à la tradition familiale, leur descendant, né en 1956 à Schönecken, a appris l’art de la taille de pierre. Artiste indépendant depuis 1986, il a peu à peu délaissé la pierre pour s’intéresser à l’acier.

Werner Bitzigeio travaille à grande échelle avec des câbles en acier sortis tout droit de l’aciérie, mais qui ont échoué au contrôle de qualité et ne peuvent par conséquent être affectés à leur destination première. « L’objectif de rentabilité est atteint », se réjouit le sculpteur, qui profite de ce rebut industriel. « Je n’ai pas besoin de matériaux neufs et encore moins de normes DIN. » Ce dont il a besoin, en revanche, c’est une certaine ouverture d’esprit de la part des spectateurs, qui sont appelés à pénétrer ses sculptures praticables et à les laisser agir sur eux.

Ses constructions à partir de panneaux de bois récupérés sur des vieilles armoires et imprégnés de différents vins provoquent quant à eux une expérience de l’espace d’une tout autre nature. La traditionnelle prééminence du regard dans l’espace muséal est remise en question par ce triptyque à caractère olfactif. Accessoirement, il s’agit de matériaux d’origine purement naturelle, qui esquissent ainsi, de manière aussi intemporelle qu’archaïque, un espace artificiel faisant appel à tous les sens.

Ses sculptures filigranes, enfin, sont réalisées à partir de matériaux trouvés tels que des emballages, qu’il assemble avec des spirales métalliques pour former des sortes de « cocons » organiques. La métamorphose du matériau industriel donne forme à des corps aériens qui s’animent dans l’espace.

117 Villa Vauban

Der Weg zu Werner Bitzigeio führt über Serpentinen mit Haarnadelkurven durch die Eifel. Nahe an der belgischen Grenze hat der Bildhauer einen Ort gefunden, an dem er seinen Leidenschaften frönen kann: dem Sammeln von Materialien und Bearbeiten derselben. Vor mehreren Generationen bereits kam die Steinbildhauerfamilie Bitzigeio aus Italien in den beschaulichen Landstrich und hat zahlreiche Kirchen, Friedhöfe und Bauwerke mit ihren Werken bereichert. Ganz der Familientradition folgend hat der 1956 in Schönecken geborene Nachkomme auch das Handwerk des Steinbildhauers erlernt. Seit 1986 arbeitet er als freier Künstler und ist vom Werkstoff Stein abgekommen, um vor allem ein Freund des Stahls zu werden.

Er verarbeitet in großem Maße Stahldrähte, die im Stahlwerk neu produziert werden, aber bei der notwendigen DIN-Kontrolle durchfallen, also nicht für ihren ursprünglichen Zweck brauchbar sind. „Der ökonomische Zweck ist erfüllt“, freut sich der Bildhauer über den so für ihn nutzbaren Industrieschrott. „Ich brauche kein neues Material und schon gar keine DIN-Normen.“ Was er für seine begehbaren Skulpturen jedoch braucht, sind offene Menschen, die in sie hineintreten, um sie auf sich wirken zu lassen.

Eine Raumwirkung ganz anderer Art provozieren seine in verschiedenen Weinen getränkten Holzfüllungen alter Schränke. Die so bekannte wie gewöhnliche Vorherrschaft des Sehens in musealem Raum wird durch das olfaktorisch wirkende Triptychon in Frage gestellt. Ganz nebenbei präsentiert er dabei Werkstoffe, die rein natürlichen Ursprungs sind und damit so zeitlos wie archaisch einen artifiziellen Raum vollends und mit allen Sinnen einnehmen.

Bitzigeios fast lebendig wirkenden Skulpturen sind filigran und entstehen aus Werkstoffen, die er beispielsweise als Verpackungsmaterial entdeckt und die zusammen mit Stahlspiralen organisch anmutende „Cocons“ bilden. Die Metamorphose lässt das Industriematerial zu sich leicht im Raum bewegenden Körpern werden.

Villa Vauban 118

Cocons, 2019, Thermoplastique, tendu sur fil mĂŠtallique / Thermoplast auf Draht gespannt, Courtesy Werner Bitzigeio

119 Villa Vauban

Weinbretter, 2019, Bois d’épicéa, saturé en vin / Fichtenholz, in Wein gesättigt, Courtesy Werner Bitzigeio

Villa Vauban 120

Kubik 450, 2015 / 2019, Fil d’acier, empilé et soudé / Stahldraht, geschichtet und verschweißt, Courtesy Werner Bitzigeio

121 Villa Vauban

Bettina GHASEMPOOR

Cercle Cité – Villa Vauban

Trier

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On ne se lasse jamais de rendre visite à Bettina Ghasempoor dans son atelier. En bas se trouve la galerie Netzwerk qu’elle dirige avec son partenaire, en haut, les espaces privés. Les deux parties sont reliées par un escalier extérieur qui mène aussi vers un jardin ouvert. « Je me sens comme une déléguée à la culture qui vit dans une maison ouverte dédiée à la culture », dit-elle avec perspicacité. Cette « maison de la culture » est située au centre-ville, parmi les boutiques, restaurants et cafés de la zone piétonne de Trèves. Les grandes portes ouvertes de la galerie d’art invitent à la discussion spontanée, à l’échange, à la réflexion. La galerie entend mettre en réseau et réunir les habitants de la ville en organisant des expositions aux thématiques diverses, des manifestations autour de la musique et de la lecture, ou encore des débats sur la politique ou l’environnement. Art et culture font ainsi partie du quotidien et de la vie sociale.

La simplicité, l’ouverture et la spontanéité qui caractérisent l’environnement quotidien de l’artiste tranchent avec la profondeur, la circonspection et la réflexion qui président à son travail. Née en 1965, cette Européenne convaincue a vécu dix ans à Paris. Son travail de photographe, d’artiste conceptuelle et d’écrivain participe d’une approche pluridisciplinaire. Pour le Prix d’Art Robert Schuman, elle a ainsi recours au film pour animer ses installations sur le plan visuel et sonore.

Bettina Ghasempoor se penche sur l’instant présent en décrivant et en documentant l’homme dans la société, la vie, les évènements et les contradictions du quotidien.

C’est au travers d’associations d’idées que le spectateur accède peu à peu au sujet de chaque œuvre. Il en gagne ainsi une perception intime, ses réflexions, ses sentiments et sa propre histoire faisant partie intégrante de celle-ci.

Le travail de l’artiste puise également dans le temps. Il peut ainsi avoir pour objet les affrontements meurtriers du XXe siècle aussi bien que le monde actuel en mutation, notamment dans ses aspects politiques et sociaux : le mouvement migratoire

123

Es ist spannend bei Bettina Ghasempoor, wenn man sie an ihrer Wirkungsstätte besucht. Unten die mit ihrem Partner betriebene Galerie Netzwerk, oben der Privatbereich. Verbunden sind die beiden Lebensräume mit einer Freitreppe, die auch in den offenen Garten führt. „Ich fühle mich als Kulturbeauftragte und lebe in einem offenen Haus der Kultur“, beschreibt sie sich selbst sehr treffend. Das Haus der Kultur befindet sich im Zentrum der Stadt zwischen kleineren, inhabergeführten Läden, Restaurants und Cafés mitten in der Trierer Fußgängerzone. Die großen Türen der Kunst-Galerie stehen einladend offen zum spontanen Gespräch, zum Austausch und Verweilen. Die Galerie möchte vernetzen und die Menschen in ihrer Stadt zusammenbringen – durch Ausstellungen unterschiedlichster Prägung, Musikund Leseveranstaltungen oder Politik- und Umweltdebatten. So werden Kunst und Kultur Teil des Alltags und der Gesellschaft.

So unkompliziert, offen und spontan Ghasempoor ihr Umfeld gestaltet, so tiefgründig, bedacht und überlegt sind ihre eigenen Werke. Die 1965 geborene Künstlerin hat zehn Jahre in Paris gelebt und ist überzeugte Europäerin. Sie arbeitet genreübergreifend als Fotografin, Konzeptkünstlerin oder auch Literatin. Für den Kunstpreis Robert Schuman bedient sie sich auch wieder des Mediums Film, um ihre Installationen zu beleben, optisch wie akustisch.

Ghasempoor setzt sich mit der Gegenwart auseinander, beschreibt und dokumentiert den Menschen in der Gesellschaft, das Leben, Ereignisse und das Widersprüchliche.

Der Betrachter wird durch Assoziationen ganz unwillkürlich an das Thema einer Installation herangeführt. Er erlebt sie dadurch unmittelbar, da seine eigenen Gedanken, Gefühle, seine eigene Geschichte Teil des Kunstwerkes werden.

Die Themen reichen nicht nur inhaltlich tief, sondern auch zeitlich weit zurück. So sind nicht nur die leidvollen Konfrontationen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts Gegenstand ihrer Arbeit, sondern gleichermaßen die aktuelle Welt im Umbruch, auch im gesellschaftspolitischen Sinne. Thematisiert wird gleichfalls die aktuelle Fluchtbewegung in das vermeintlich friedliche und einige Europa. Eine komplexe Welt, ohne einfache Wahrheit.

Cercle Cité – Villa Vauban

en direction de l’Europe, réputée pacifique et unie, est ici thématisé. La vision qui se dégage de son œuvre est celle d’un monde complexe, où il n’existe pas de vérité toute faite.

Cercle Cité 124

MeeeeeeeeeeR, 2019, Installation avec vidéo / Installation mit Video, Courtesy Bettina Ghasempoor

125 Cercle CitĂŠ

DAME, 2019, Installation spatiale / Rauminstallation, Courtesy Bettina Ghasempoor

Villa Vauban 126

UKKV Ungeist. Kompromisslosigkeit. Kampfbereitschaft. VerschwĂśrungen., 2019,

Installation spatiale / Rauminstallation, Courtesy Bettina Ghasempoor VidĂŠo / Video: Bettina Ghasempoor, Musique et montage / Musik und Schnitt: Christian Dieck

127 Villa Vauban

WWW WeltWahrheitWert, 2019, Installation spatiale / Rauminstallation, Courtesy Bettina Ghasempoor VidĂŠo / Video: Bettina Ghasempoor, Montage / Schnitt: Marc Kalbusch

Judith LEINEN

Cercle Cité

Trier

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Judith Leinen traverse New York à vélo et franchit l’East River en direction de Manhattan pour atteindre son atelier, dont la taille, tout à fait honorable à l’échelle de cette ville, peut sembler minuscule en comparaison des espaces auxquels sont habitués ses collègues européens. Plantée dans ses 18 mètres carrés, elle déborde pourtant d’enthousiasme : « Ici, je peux me concentrer exclusivement sur mon travail. C’est un cadeau, et les journées sont bien trop courtes pour tout ce que je veux faire ! » C’est à la prestigieuse bourse Balmoral de la Fondation pour la culture du Land de Rhénanie-Palatinat, qui inclut notamment six mois de « résidence illimitée » à New York, qu’elle doit de connaître cet état d’euphorie. Depuis quelques années déjà, cette native de Prüm se sent chez elle aussi bien en Allemagne qu’aux États-Unis, où elle enseigne à l’université de Denver.

Le travail de cette voyageuse entre les continents gomme littéralement les distances. Judith Leinen réunit des matériaux provenant de contextes différents, à partir desquels elle crée de nouvelles structures. L’un de ses magasins préférés à Manhattan est « Canal Rubber », une entreprise familiale en quatrième génération spécialisée dans le caoutchouc sous toutes ses formes, dimensions et qualités. Eva Hesse y était cliente à son époque et y a souvent puisé son inspiration. Au milieu des accessoires pour artisans, techniciens et autres vendeurs de reptiles, Judith Leinen trouve à son tour les matériaux pour son art.

Aux matériaux provenant des lieux dans lesquels elle expose, elle associe ainsi des objets qu’elle trouve ou crée spécialement là où elle vit. Elle témoigne ce faisant de son attachement géographique aux deux lieux, élevant la logistique au rang de processus. Ses installations et objets unissent et représentent également ses deux lieux de vie. L’envoi et le montage d’après instructions sont érigés en principe, dont font partie la réintroduction des matériaux régionaux dans le cycle économique et la disparition à terme de l’objet. L’artiste voit cette circulation des marchandises et des idées comme un pendant du lifestyle virtuel, où l’on prône le refus de la propriété et la culture du partage.

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Judith Leinen radelt durch New York, über den East River nach Manhattan, wo sie ein für New Yorker Verhältnisse großes, für europäische Verhältnisse eher winziges Atelier erreicht. In ihren knapp 18 Quadratmetern ist sie voller Enthusiasmus: „Ich kann mich hier ausschließlich auf das Atelier konzentrieren. Das ist wie ein Geschenk, der Tag ist viel zu kurz für meine Ideen!“ In diesen Glückszustand hat sie das angesehene Balmoral-Stipendium der Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur katapultiert.

Es beinhaltet unter anderem sechs Monate „Residency Unlimited“ in New York. Die 1985 in Prüm geborene Künstlerin, die an der University of Denver unterrichtet, sieht bereits seit einigen Jahren Deutschland und die USA als ihr Zuhause an.

Leinen ist eine Grenzgängerin zwischen den Kontinenten und eine Künstlerin, die Distanzen aufhebt. Sie bringt Materialien aus verschiedenen Welten zusammen und baut damit neue Strukturen auf. Eines ihrer Lieblingsgeschäfte in Manhattan ist „Canal Rubber“, ein in vierter Generation betriebener Laden, der Gummi in jeder erdenklichen Form, Größe und Qualität verkauft. Schon Eva Hesse hat hier eingekauft und sich inspirieren lassen. Mitten im Zubehör für Reptilienhändler, Handwerker und Techniker findet Leinen Elemente für ihre grenzenlose Kunst.

Denn sie verbindet Materialien aus den Orten, an denen sie ihre Kunst zeigt, mit Objekten, die sie an ihrem Standort dafür herrichtet, findet oder speziell entwickelt.

Hiermit macht sie ihre regionale Verbundenheit mit beiden Orten deutlich, ernennt die Logistik zum Prozess. Ihre Installationen und Objekte vereinen und repräsentieren auch ihre beiden Lebensorte. Das Verschicken des Materials und der Aufbau nach genauen Anweisungen wird zu ihrem Prinzip. Das Rückfließen der regionalen Materialien in den Wirtschaftskreislauf und das spätere Verschwinden des Objekts sind mit inbegriffen. Diesen Waren- und Ideenkreislauf sieht sie als Pendant zum virtuellen Lifestyle, in dem die Abkehr von Besitz gelebt wird und sich eine SharingKultur entwickelt.

Weniger abstrakt sind die in New York aufgenommenen Fotografien, die mit Materialien wie Schaum oder Gummi oder auch einer Zeichnung kommentiert sind und die oft Stadträume oder urbane Situationen porträtieren.

Cercle Cité

Dans une veine moins abstraite, ses photographies de New York montrent pour la plupart des situations urbaines et sont associées à des dessins ou des matières telles que la mousse ou le caoutchouc.

Cercle Cité

2.1. fehlt, 2019, Installation (assiettes de petit-déjeuner Villeroy&Boch) / Installation (Frühstücksteller Villeroy&Boch), Courtesy Judith Leinen 2019, VG Bildkunst

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Digestion de 130 Éclairs, 2019, Installation, Courtesy Judith Leinen 2019, VG Bildkunst

131 Cercle Cité

Cercle CitĂŠ 132

Thanks for using priority, 2019, Sculpture pliable / Faltbare Skulptur, Courtesy Judith Leinen 2019, VG Bildkunst

133 Cercle CitĂŠ

Watch the Gap, 2019, Photographie et collage, impression UV / Fotografie und Materialcollage, UV- Druck, Courtesy Judith Leinen 2019, VG Bildkunst

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Behind the scenes 136

Visite de l'exposition par les commissaires et les membres du jury / FĂźhrung durch die Ausstellung mit den Kuratoren und Jurymitgliedern

137 Behind the scenes

Behind the scenes 138

Les membres du jury lors de la dĂŠlibĂŠration / Beratung der Jurymitglieder

139 Behind the scenes

140 Behind the scenes

141 Behind the scenes

De gauche à droite : Serge Wilmes (Premier Échevin de la Ville de Luxembourg), Thibaud Schneider (Lauréat 2019), Anaïs Marion (Mention spéciale 2019), Aline Bouvy (Mention spéciale 2019) / Von links nach rechts: Serge Wilmes (Erster Schöffe der Stadt Luxemburg), Thibaud Schneider (Preisträger 2019), Anaïs Marion (Besondere Auszeichnung 2019), Aline Bouvy (Besondere Auszeichnung 2019)

Behind the scenes 142

Vernissage de l'exposition au Cercle Cité et à la Villa Vauban / Eröffnung der Ausstellung im Cercle Cité und in der Villa Vauban

143 Behind the scenes

Membres du Jury / Jurymitglieder Anouk WIES

Présidente du Jury / Vorsitz der Jury

pour / für

pour / für

LUXEMBOURG

SAARBRÜCKEN

Danièle WAGENER

Gabriele LANGENDORF

Directrice honoraire / Honorardirektorin Les 2 Musées de la Ville de Luxembourg

Suzanne COTTER

Directrice / Direktorin Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean

pour / für

METZ

Nathalie FILSER

Directrice / Direktorin Ecole Supérieure d’Art de Lorraine

William SCHUMAN

Président / Präsident TCRM-BLIDA, Metz

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Rectrice / Rektorin Hochschule der Bildenden Künste Saar

Nicole NIX-HAUCK

Directrice / Leiterin Städtische Galerie Neunkirchen

pour / für

TRIER

Dr. Gabriele RASCH

Historienne de l'art et curatrice / Kunsthistorikerin und Kuratorin Mayence / Mainz

Dr. Dorothée HENSCHEL

Collaboratrice scientifique / Wissenschaftliche Mitarbeiterin Stadtmuseum Simeonstift Trier

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LUXEMBOURG LUXEMBURG Stilbé SCHROEDER Curatrice / Kuratorin 1985, Niedercorn, LU Vit et travaille à Luxembourg / Lebt und arbeitet in Luxemburg Depuis / seit 2019 Co-initiatrice / Mitbegründerin Podium, plateforme expérimentale / Plattform für experimentelle Kunst Depuis / seit 2018 Commissaire d’exposition indépendante / Freischaffende Kuratorin Depuis / seit 2017 Commissaire d’exposition / Kuratorin Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain Depuis / seit 2015 Coordinatrice des expositions / Ausstellungskoordinatorin Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain 2009–2011 Master Design graphique et typographie / Grafikdesign und Typografie, École de recherche graphique, Bruxelles / Brüssel 2005–2008 Licence Art visuels / Bachelor Freie Kunst, Université Marc Bloch, Strasbourg / Straßburg 2004–2005 Histoire de l’art et archéologie / Kunstgeschichte und Archäologie, Université Marc Bloch, Strasbourg / Straßburg

2020 Sophie Jung, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain 2019 Alasdair Asmussen Doyle & Judith Deschamps: At the Edges of Our Absence, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain 2019 Mona Young-Eun Kim: Too Much and Not Enough, VRBox, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain 2019 Marco Godinho: Written

by Water (co-commissaire / Co-Kuratorin), Pavillon luxembourgeois / Luxemburger Pavilion, Biennale di Venezia

2018 dis-play (Roger Bertemes, Aude Legrand, Eric Schumacher), CAW, Walferdange

Aline BOUVY 1974, Watermael-Boitsfort, BE Vit et travaille à Bruxelles et Luxembourg / Lebt und arbeitet in Brüssel und Luxemburg www.alinebouvy.info 1999–2001 Post-graduate studies, Jan van Eyck Academie, Maastricht 1995–1999 École de recherche graphique, Instituts St-Luc, Bruxelles / Brüssel

2019 Caméra Silex Patates germées, groupe d’étudiants / Studentenkollektiv No Name (Haute École des Arts du Rhin), Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain

Expositions personnelles / Einzelausstellungen

2019 cherry pickers, exposition de groupe internationale / Internationale Gruppenausstellung, espace abandonné / Leerraum, Luxembourg / Luxemburg

2018 Maturity, Loggia, Munich / München

2018 Philomène Hoël: Show Me Love, BlackBox, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain 2018 Nicolas Clément & Barbara Massart, BlackBox, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain 2018 Suspended Time, Extended Space (Eva L’Hoest, Laura Mannelli & Art Zoyd, Rachel Rossin, Olivier Pesch), VRBox, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain 2017 Mike Bourscheid: Thank You So Much for the Flowers (cocommissaire / Co-Kuratorin), Pavillon luxembourgeois / Luxemburger Pavilion, Biennale di Venezia

2019 Pup, Künstlerhaus Bethanien, Berlin

2018 People with Vaginas, Galerie Nosbaum Reding, Luxembourg / Luxemburg 2018 Bastinado, Galerie Albert Baronian, Bruxelles / Brüssel 2018 Slender Thrills, A Temporary Monument For Brussels #1, Bruxelles / Brüssel 2017 The Future of Not Working, CIAP, Hasselt 2017 Pale, Havoc (avec / mit Simon Davenport), Maison Grégoire-Observatoire Galerie, Bruxelles / Brüssel

Biografien

Expositions / Ausstellungen

Expositions collectives / Gruppenausstellungen

Résidences / Künstleraufenthalte

2019 cherry pickers, Podium, Luxembourg

2019 Künstlerhaus Bethanien, Berlin

2019 Labour par Komplot, Constantin Meunier Museum, Bruxelles / Brüssel

2015 Cité Internationale des Arts, Paris

2019 Bad Romance, Gussglashalle, Berlin 2019 A Closed Mouth Gathers No Feet, Dash, Courtrai 2018 Even If It’s Jazz Or the Quiet Storm, NEST, La Haye / Den Haag 2018 Late Dawn, MÉLANGE, Cologne / Köln 2018 L’esprit souterrain, Domaine Pommery, Reims 2018 Norma, Maison Pilgrims, Bruxelles / Brüssel 2018 Somewhere in Between, Bozar, Bruxelles / Brüssel 2018 Face my boost by your ShotSpotter, HardHardSpace, Bâle / Basel 2018 Scar/Face, Galerie CeyssonBénétière, Paris 2018 Agua Del Dia, El quinto pisco, Mexico City 2017 Unclear Clarity, ABC Klubhuis, Anvers / Antwerpen 2017 How Deep Is Your Love?, Galerie Cooper Cole, Toronto 2017 Plant B, Parc de la Fonderie, Bruxelles / Brüssel 2017 A Shooting Star Is Not a Star, Roberta Pelan, Toronto

Biographies

2017 L’Écart absolu, Le Quadrilatère, Beauvais

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2017 Hypokeimenon – En dessous du sang, Galerie Nadine Feront, Bruxelles / Brüssel

2009 Cité Internationale des Arts, Paris

Collections publiques / Öffentliche Sammlungen Musée National d'Histoire et d'Art, Luxembourg / Luxemburg Espace Arts Plastiques MadeleineLambert, Vénissieux

Laura MANNELLI 1980, Luxembourg / Luxemburg, LU Vit et travaille à Luxembourg et Paris / Lebt und arbeitet in Luxemburg und Paris lauramannelli.space revv.studio Depuis / seit 2018 Co-fondatrice et directrice de création / Mitbegründerin und Kreativdirektorin REVV Studio, Luxembourg / Luxemburg, / Paris 2008–2013 Co-fondatrice / Mitbegründerin Human Atopic Space, Paris 2009–2011 Co-fondatrice / Mitbegründerin Atopic Festival #1, #2, #3, Paris 2001–2013 Diplôme d’architecture HMNOP / Architekturdiplom École nationale supérieure d’architecture de Paris-Malaquais

Projets / Projekte La Vallée Dérangeante (Uncanny Valley) (installation architecturale et sonore interactive et performance chorégraphique / interaktive architektonische Klanginstallation und choreografische Performance) avec / mit Aude Arago (chorégraphe / Choreografin), DyE (Tigersushi Records) (artiste sonore / Klangkünstler) 2019 L.E.V. Matadero, Madrid 2019 Festival Multiplica, Rotondes, Luxembourg 2019 Centre des Arts d’Enghienles-Bains Emotion Xr (œuvre collaborative et participative en réalité mixte (XR) / kollaborative und partizipative XR-Arbeit) avec / mit Frederick Thompson, Jamil Meh-Daoui (Projets REVV Studio) 2019 Laval Virtual, Laval 2019 Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain Near Dante Experience (composition électro-acoustique immersive / immersive elektroakustische Komposition) avec / mit Gérard Hourbette (Art Zoyd) 2018 L.E.V. Matadero, Madrid 2018 Suspended Time, Extended Space, (exposition collective / Gruppenausstellung) Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain 2018 Laval Virtual, Laval 2017 Festival Versus, Lille 2017 Triennale Jeune Création, Rotondes & Cercle Cité

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2018 Centre des Arts d’Enghienles-Bains 2017 Galerie L’Indépendance, BIL, Luxembourg (Projet lauréat de la Bourse Indépendance / Gewinner des Indépendance-Stipendiums) Le Continent Noir _ liste h (installation littéraire et sciencefictionelle pour 2 galets lunaires / literarische und science-fiktionale Installation für 2 Mondkiesel [Google Home Assistant]) avec / mit Agnès de Cayeux

Expositions personnelles / Einzelausstellungen

Prix et résidences / Preise und Künstleraufenthalte

2019 Aedicula, Rencontres de la Photographie d’Arles, Chapelle de la Charité, Arles

2018 Common Wealth, résidence de recherche et de production / Forschungs- und Produktionsaufenthalt, Ombrie / Umbrien

2017 Mangia Mina, Centre d’Art Nei Liicht, Dudelange / Düdelingen; SRISA Gallery, Florence / Florenz 2016 Zeitgeist – Karl Cobain, œuvre permanente / dauerhaft ausgestellt, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain

Expositions collectives / Gruppenausstellungen

2019 Hors Pistes 14e édition, La Lune : Zone imaginaire à défendre, Centre Pompidou, Paris

2019 Common Wealth, Scheggia e Pascelupo

Claudia PASSERI

2019 F(l)ight Sketches – for Bert Theis, Cercle Cité, Luxembourg / Luxemburg

1977, Luxembourg / Luxemburg, LU Vit et travaille au Luxembourg et en Ombrie / Lebt und arbeitet in Luxemburg und in Umbrien claudiapasseri.net transitus-immobilis.com common-wealth.lu borderline.lu

2017–2018 Black Box(es), Faux Mouvement, Metz; Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain

2002–2004 Istituto Europeo di Design, Rome / Rom 1999–2002 Le 75, École supérieure des arts de l’image, Bruxelles / Brüssel 1998–1999 Accademia di Belle Arti di Bologna

2019 Luxembourg-ArlesLuxembourg, Cercle Cité, Luxembourg / Luxemburg

2015 Steichen! Making Meaning of a Legacy, Bozar, Bruxelles / Brüssel 2015 Tous les chemins mènent à Schengen, FRAC Lorraine, Metz 2014 NY-LUX: Edward Steichen Award 2004–2014, Mudam Luxembourg 2013 Keep Your Feelings in Memory, Musée national de la Résistance, Esch/Alzette 2012 Open Studio Days, International Studio & Curatorial Program, New York

2016 Résidence de recherche / Forschungsaufenthalt / Fonderie Darling, Montréal / Montreal 2012 Résidence de recherche / Forschungsaufenthalt ISCP, New York 2011 Edward Steichen Award Luxembourg

Projets collectifs et curatoriaux / Kollektive und kuratorische Projekte Depuis / seit 2018 Common Wealth Depuis / seit 2018 Transitus immobilis (avec / mit Catherine Lorent, Serge Ecker) Depuis / seit 2007 Agence Borderline (avec / mit Michèle Walerich)

Espace public / Öffentlicher Raum 2019 Sous le haut patronage de nous-mêmes, Chambre des Salariés du Luxembourg 2014 That Troublesome Knot, Lycée du Nord, Wiltz 2012 Red Sunset, Emerald Flash..., Hudson Valley Center for Contemporary Art, Peekskill, NY

Biografien

The Promises of Monsters (œuvre protéiforme dérivée du projet / vielgestaltige Arbeit abgeleitet aus Near Dante Experience, technique mixte / Mischtechnik (exposition personnelle / Einzelausstellung)

Eric SCHUMACHER 1985, Luxembourg / Luxemburg, LU Vit et travaille à Édimbourg et Luxembourg / Lebt und arbeitet in Edinburgh und Luxemburg www.ericschumacherartist.com 2015–2017 Laboratoire spatial interdisciplinaire / Interdisziplinäres Raumlabor, TU Berlin 2008–2010 BA (Hons) Sculpture, Edinburgh College of Art 2006–2008 École de recherche graphique, Institut St-Luc, Bruxelles / Brüssel

2012 We Don’t Have to Take Our Clothes off, Embassy Gallery, Édimbourg / Edinburgh 2012 Arrives In Starting, Festival International des Arts Visuels, Glasgow 2011 Embassy, Outpost Gallery, Norwich 2011 They Had Four Years, GENERATORprojects, Dundee 2010 HOY***, Pier Arts Centre, Stromness

Prix et résidences Preise und Künstleraufenthalte

2018 finders keepers surface sweepers, Centre d’Art Dominique Lang, Dudelange / Düdelingen

2015 Snehta Residency, Athènes / Athen

2019 Störende Wahrheiten, Lorentzweiler 2019 cherry pickers, Podium, Luxembourg / Luxemburg 2019 Blip., Edinburgh Annuale, Embassy Gallery, Édimbourg / Edinburgh 2018 Un autre monde est possible, Galerie Zidoun-Bossuyt, Luxembourg / Luxemburg 2018 dis-play, CAW, Walferdange

Biographies

2013 Drawn Away Together, Galerie Talbot Rice, Édimbourg / Edinburgh

Expositions personnelles / Einzelausstellungen

Expositions collectives / Gruppenausstellungen

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2015 Curious Artefacts, The Art Wall, Athènes / Athen

2017 jet lag/out of sync, Triennale Jeune Création Luxembourg et Grande Région, Rotondes, Luxembourg / Luxemburg 2015 Snehta Outreach, Snehta, Athènes / Athen

2014 Dave Bown Projects – 7th Semiannual Competition, Award of Excellence 2011 Visual Arts Award Edinburgh 2011 Royal Society of Sculptors Bursary Award, Londres / London

METZ Marc AUFRAISE Curateur / Kurator 1980, Fontainebleau, FR Vit et travaille à Paris / Lebt und arbeitet in Paris 2013 PhD, Histoire de l’art contemporain / Zeitgenössische Kunstgeschichte, Paris 1 PanthéonSorbonne 2001 Master, Histoire médiévale / Mittelalterstudien, Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Enseignement / Unterrichtstätigkeit Depuis / seit 2013 Histoire de la photographie / Geschichte der Fotografie, Institut National du Patrimoine, Paris 2019 Histoire de la photographie / Geschichte der Fotografie, École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Paris 2014–2018 Culture visuelle / Visuelle Kultur, Coordinateur Mémoires et Recherche / Koordinator Diplomarbeiten und Forschung, École Supérieure d’Art de Lorraine, Metz 2017 Création et Direction de l’Atelier Recherche Création / Gründung und Leitung der Forschungs- und Kreativwerkstatt Documents. Le ravissement du réel, École Supérieure d’Art de Lorraine, Metz 2014–2016 Histoire de la vidéo / Geschichte des Videofilms, École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Paris

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2009–2013 Digital Humanities, Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Art, mention Systèmes graphiques et narratifs / Fachrichtung Grafische und narrative Systeme, École Supérieure d’Art de Lorraine, Metz

Recherche appliquée / Angewandte Forschung

Anaïs MARION

Depuis / seit 2013 Responsable éditorial / Herausgeber ERSILIA, plateforme numérique d’éducation à l’image / Online-Plattform für Bilderziehung, LE BAL - La Fabrique du Regard, Paris

1992, Metz, FR Vit et travaille à Poitiers / Lebt und arbeitet in Poitiers anaismarion.eu

2016–2017 Ateliers d’analyse théorique sur les images fixes et animées / Theorieworkshop Stand- und Bewegtbilder, Centre Pénitentiaire de / Haftanstalt Nancy-Maxéville 2010–2012 Atelier Analyse, représentation et construction des images / Workshop Bildanalyse, -darstellung und -konstruktion, / Maison d’arrêt de / Haftanstalt Fleury-Mérogis 2008–2011 Chargé de contenus, responsable d’ateliers / Programmund Workshopleiter, LE BAL - La Fabrique du Regard, Paris

Jurys 2018 Président du Jury / Leiter der Jury, DNSEP, École Nationale Supérieure de Photographie, Arles 2017 Mémoires et épreuves plastiques / Schriftliche und praktische Diplomarbeiten, DNSEP Art, École Européenne Supérieure de l’Image, Poitiers 2014 Mémoires et épreuves plastiques / Schriftliche und praktische Diplomarbeiten, DNSEP

2017 Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, félicitations du jury / mit Auszeichnung, École européenne supérieure de l’image, Poitiers 2012 Licence / Bachelor, Culture et Communication, option journalisme / Kultur und Kommunikation, Schwerpunkt Journalismus, Université de Lorraine, Nancy

Expositions / Ausstellungen 2018 Étais-tu là au moment des faits ?, Musée d’Angoulême, Angoulême 2018 Laatikkomo project, Jyväskylä 2018 Habiter la frontière, Confort Moderne, Poitiers 2018 Ba mu amee ya ko fekke, Biennale de Dakar 2017 Les colosses aux mains d’argile, artiste et commissaire d’exposition / Künstlerin und Kuratorin, Rencontres Michel Foucault, Théâtre Auditorium de Poitiers 2017 This is not poetical, commissaire d’exposition / Kuratorin, Hôtel Saint-Simon, Angoulême

2016 Nettoyage I-00057, FRAC Poitou-Charentes, Linazay 2016 Prélude : clos, puis / anschließend Clos, commissaire d’exposition et artiste invitée / Kuratorin und eingeladene Künstlerin, CACP Villa Pérochon, Niort

Résidences Künstleraufenthalte 2019 Résidence de création, Rochefort-Océan 2018–2019 Artiste en résidence, Ateliers de la Ville de Poitiers 2016 Résidence des Rencontres internationales de la jeune photographie

Prix et bourses / Preise und Stipendien 2019 Aide individuelle à la création, Région Nouvelle Aquitaine

Publications / Publikationen 2019 Habiter la frontière, catalogue d’exposition / Ausstellungskatalog, Poitiers 2018 Les morts, livre d’artiste édité en 5 exemplaires / Künstlerbuch in 5 Exemplaren, Dakar 2016 Carte blanche, catalogue d’exposition / Ausstellungskatalog Rencontres de la Jeune Photographie Internationale, Niort 2016 7,62, livre d’artiste / Künstlerbuch, Poitiers

Biografien

2013 Histoire de l’art contemporain / Zeitgenössische Kunstgeschichte, Université Paris Est, Marne-la-Vallée

Marceau PENSATO 1994, Metz, FR Vit et travaille à Metz / Lebt und arbeitet in Metz marceaupensato.fr 2018 Diplôme National d’Art, avec mention pour les qualités plastiques / mit Auszeichnung für herausragende künstlerische Qualität, École Supérieure d’Art de Lorraine, Metz

Expositions / Ausstellungen 2019 On s’infiltre !, Musée historique de Strasbourg / Straßburg 2019 Scène d’écriture, Galerie de l’ESAL, Metz 2018 Attraction(s), Biennale de la photographie, Mulhouse / Mülhausen 2018 Vous reprendrez bien un peu de dessin ?, Galerie Neuf, Nancy 2017 Sous le col de cygnes, Les ateliers ouverts, Diedendorf 2017 Nos corps sentant, Festival des paysages, Site de la Heidenkirche, Butten 2017 Graines d'ambiance, Musée de l'image d’Épinal, Épinal 2017 Bureau du Dessin, Musée Saint-Rémi, Reims 2017 T’as pris gravure !, Galerie Modulab, Metz

Biographies

2016 Les messagers, La Conserverie, Metz

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Créations sonores / Klangarbeiten

Résidences / Künstleraufenthalte

2019 The Sea, en collaboration avec / in Zusammenarbeit mit Marc Bauer, Mal Être / Performance, The Drawing Room, Londres / London

2017 Résidence de création, Artopie, Meisenthal

2018 O’ super(sports)man, Ballet de Lorraine, Opéra Théâtre de Metz

Résidences / Künstleraufenthalte 2017 Résidence de création, Artopie, Meisenthal

Émilie PIERSON 1995, Nancy, FR Vit et travaille à Metz / Lebt und arbeitet in Metz emiliepierson.com 2018 Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, félicitations du jury / mit Auszeichnung, École Supérieure d’Art de Lorraine, Metz

Expositions / Ausstellungen 2019 In Champion, LieuxCommuns, Champion, Namur 2019 69e édition de Jeune Création, Fondation Fiminco, Romainville 2018 Voyage Voyage, Galerie de l’Esplanade, Metz 2017 Nos corps sentant, Festival des paysages, Site de la Heidenkirche, Butten 2017 Bureau Expérimental, Collectif Penché, Gare de Metz, Metz 2016 Pourquoi faire, Galerie de l’Esplanade, Metz

Projections / Filmvorführungen 2019 À la mer noire (court-métrage / Kurzfilm, 2018), Cinéma Klub, Metz

Publications / Publikationen 2019 Milles pensées à toi, livre d’artiste en 70 exemplaires / Künstlerbuch in 70 Exemplaren 2019 69e édition de Jeune Création, catalogue d’exposition / Ausstellungskatalog, Vitry-surSeine

Thibaud SCHNEIDER 1995, Saverne, FR Vit et travaille à Metz / Lebt und arbeitet in Metz thibaudschneider.com 2018 Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, École Supérieure d’Art de Lorraine, Metz

Expositions / Ausstellungen 2018 Voyage Voyage, Galerie de l’Esplanade, Metz 2018 Ouvrez les guillemets/ Cohabitation 10, Centre d’Art Faux Mouvement, Metz 2016 Très forte augmentation, Bureau du Dessin, Modulab, Metz

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2019 Résidence de production, BLIIIDA, Metz

1997–2001 Curatrice et responsable du bâtiment / Ausstellungskuratorin und Baubeauftragte Kunstmuseum Stuttgart 1997 Doctorat / Dissertation

Prix et bourses / Preise und Stipendien 2019 Projets jeunes, Ville de Metz, Aide à la préparation de l’exposition / Zuwendung der Stadt Metz zur Vorbereitung der Ausstellung Tirer le rideau (2020), Église des Trinitaires, Metz

1987 Maîtrise Histoire de l’art, philologie anglaise, philologie allemande / Magister Kunstgeschichte, Anglistik, Germanistik

Expositions / Ausstellungen 2019 Christina Kubisch, Stadtgalerie, Sarrebruck / Saarbrücken

SARREBRUCK SAARBRÜCKEN Andrea JAHN Curatrice / Kuratorin 1964, Neu-Ulm, DE Vit et travaille à Sarrebruck Lebt und arbeitet in Saarbrücken Depuis / seit 2012 Directrice / Direktorin Stadtgalerie Saarbrücken 2008–2012 Directrice artistique / Künstlerische Leiterin Kunstverein Friedrichshafen 2006–2012 Représentante de la maison de ventes aux enchères / Repräsentantin Auktionshaus Villa Grisebach, Berlin 2002–2005 Curatrice et directrice adjointe / Kuratorin und Stellvertretende Direktorin Württembergischer Kunstverein Stuttgart.

1999 Joan Jonas, Kunstmuseum Stuttgart 1998 Man Ray, Kunstmuseum Stuttgart

Publications (dir.) / Publikationen (Hg.) 2019 In the Cut – Der männliche Körper in der feministischen Kunst, Sarrebruck / Saarbrücken 2017 Russell Maltz, Bielefeld 2016 Martin Walde – Hallucigenia.

Facts from Fiction, Bielefeld 2013 NEON – Vom Leuchten in der Kunst, Cologne / Köln

2018 Das letzte Bild – Ansichten vom Tod in der Zeitgenössischen Kunst, Stadtgalerie, Sarrebruck / Saarbrücken

2009 Sabine Groß – Dauerbrenner, Berlin

2018 In the Cut – Der männliche Körper in der feministischen Kunst, Stadtgalerie, Sarrebruck / Saarbrücken

2004 Chiharu Shiota – Way into Silence, Heidelberg

2017 Paul Morrison, Stadtgalerie, Sarrebruck / Saarbrücken 2015 Martin Walde, Stadtgalerie, Sarrebruck / Saarbrücken 2014 Nezaket Ekici & Shahar Marcus, Stadtgalerie, Sarrebruck / Saarbrücken 2013 NEON – Vom Leuchten in der Kunst, Stadtgalerie, Sarrebruck / Saarbrücken 2012 Michael Sailstorfer, Kunstverein Friedrichshafen 2010 Tamara Grcic, Kunstverein Friedrichshafen 2004 Cornelia Parker, Kunstmuseum Stuttgart 2003 Chiharu Shiota, Kunstmuseum Stuttgart

2005 Cornelia Parker – Perpetual Canon, Bielefeld

2003 Bettina Pousttchi – Screen Settings, Ostfildern 2002 Body Power/Power Play – Ansichten zum Sport in der zeitgenössischen Kunst, Ostfildern 1997 Louise Bourgeois – Subversionen des Körpers, Berlin

Kamila KOLESNICZENKO Curatrice / Kuratorin 1985, Knurów, PL Vit et travaille à Sarrebruck Lebt und arbeitet in Saarbrücken 2016–2018 Responsable de projet / Projektmanagerin kreativzentrum. saar, Sarrebruck / Saarbrücken Depuis / seit 2016 Rédactrice en ligne / Online-Redakteurin Universität des Saarlandes, Sarrebruck / Saarbrücken

Biografien

Résidences / Künstleraufenthalte

Depuis / seit 2014 Assistante scientifique et curatrice indépendante / Freie wissenschaftliche Mitarbeiterin und Kuratorin, Stadtgalerie Saarbrücken, Sarrebruck / Saarbrücken 2006–2013 Arts plastiques, économie, littérature comparative / Kunstgeschichte, Betriebswirtschaftslehre, Allgemeine und Vergleichende Literaturwissenschaft, Universität des Saarlandes, Sarrebruck / Saarbrücken

Expositions / Ausstellungen 2018 Sélection des artistes de Sarrebruck / Künstlerauswahl für Saarbrücken (avec / mit Dr. Andrea Jahn), Prix d’Art / Kunstpreis Robert Schuman, Metz

Depuis / seit 2017 Membre du comité / Vorstandsmitglied Saarländisches Künstlerhaus, Sarrebruck / Saarbrücken 2009–2011 Chargée de cours / Lehrauftrag HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken 1999 Diplôme d’arts plastiques / Diplom Meisterschülerin, HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken 1997–1999 Arts sonores / Klangkunst, Prof. Christina Kubisch, HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken 1993–1997 Sculpture / Bildhauerei, Prof. Timm Scott, AdBK, Nuremberg / Nürnberg

2017 Artmix10: Wandering Across the Harvest Moon. Marion Cziba, Naomi Liesenfeld, Aude Legrand, Nora Wagner, Stadtgalerie Saarbrücken, Sarrebruck / Saarbrücken; Saarländische Galerie, Berlin

Expositions individuelles / Einzelausstellungen

2019 In the Cut – Der männliche Körper in der feministischen Kunst, Sarrebruck / Saarbrücken 2018 Prix d’Art / Kunstpreis Robert Schuman, Metz 2017 François Martig. HypoLandscapes: Politics of Battlefields, Sarrebruck / Saarbrücken

Biographies

1968, Frankfurt/Main, DE Vit et travaille à Sarrebruck / Lebt und arbeitet in Saarbrücken

2017 François Martig. HypoLandscapes: Politics of Battlefields, Stadtgalerie Saarbrücken, Sarrebruck / Saarbrücken

Publications / Publikationen

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Frauke ECKHARDT

2015 Kunstblick – Zeitgenössische Kunst im Ärztehaus, Sarrebruck / Saarbrücken

2019 DurchDringen, Pumpwerk, Kunstverein Rhein-Sieg, Siegburg 2019 klang treats, Haus am Werderplatz, Heidelberg 2019 Flüchtige Fakten (avec / mit Gertrud Riethmüller), Kunstverein Bellevue-Saal, Wiesbaden 2018 En Passant, Kulturbahnhof, Sarrebruck / Saarbrücken

Expositions de groupe / Gruppenausstellungen 2018 Herbstsalon, Kulturbahnhof, Sarrebruck / Saarbrücken

2017 Schloss Wiepersdorf – Stipendiaten 2017, Saarländische Galerie, Berlin 2017 TheRhinePrize, Katharinenhof, Bonn 2017 Klangkunst – A German Sound, Festival Acht Brücken, Philharmonie Köln, Cologne / Köln 2017 Ein Vierteljahrhundert, Landtag, Dresden / Dresde 2017 Saarart11, Forschungszentrum für Künstlernachlässe, Saarlouis 2017 EsPOCHt, AKM Coblence / Koblenz

Prix et bourses / Preise und Stipendien 2017 Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf 2017 1er prix / 1. Preis TheRhinePrize, Katharinenhof, Bonn 2016 ArToll Kunstlabor, BedburgHau, Kleve 2009 Künstlergut Prösitz, Grimma 2006 1er prix / 1. Preis 9. Bautzener Herbstsalon, Bautzen 2004 Künstlerinnenhof Die Höge, Högenhausen 2001 Bourse de la Ville de Sarrebruck / Förderstipendium der Stadt Saarbrücken, Akademie der Künste, Berlin

Radio et télévision / Radio und Fernsehen 2018 Frauke Eckhardt: Das Rauschen von Lorch, The Artist’s Corner, Hessen Hören 31, hr2-kultur (diffusion / Sendetermin 03.03.2018) 2015 Kulturlandschaften, Wladimir Kaminer, 3sat (première diffusion / Erstausstrahlung 26.8.2015)

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1976, Siegen, DE Vit et travaille à Siegen / Lebt und arbeitet in Siegen 2007 MA Histoire de l’art, histoire contemporaine, histoire économique et sociale / Kunstgeschichte, Neuere Geschichte, Wirtschafts- und Sozialgeschichte, Universität des Saarlandes, Sarrebruck / Saarbrücken

Expositions collectives / Gruppenausstellungen 2019 Schichten–Stränge– Stofflichkeiten, Künstlerhaus Dortmund 2019 auszusondern 19_, Finanzamt Pfaffenhofen, Pfaffenhofen 2018 open studio, Tétouan 2018 I Am a Fan of, Projektraum MONOPOL:i, Siegen 2017 Herbstsalon, KuBa, Saarbrücken

2009 Diplôme d’arts visuels (peinture) avec mention / Diplom Freie Kunst (Malerei) mit Auszeichnung, HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken

2017 //link, Projektraum MONOPOL:i, Siegen

2009 Étudiante assistante Meisterschülerin Prof. Sigurd Rompza, HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken

2017 Move Your Homeland, Dyad Creative, Norwich

Expositions individuelles / Einzelausstellungen

2014 Verliebte Künstler, Galerie der HBKsaar, Saarbrücken

2019 You can’t hide anymore, Kulturbahnhof Kreuztal 2018 privado, Airgentum Hoya de Ruta, Séville / Sevilla 2017 mondkuchen – tomorrow’s touch, L’Endroit indiqué, Montréal / Montreal 2017 Rebel Rebel, wvh2, Siegen 2016 Zweite Haut, KUBA, Sarrebruck / Saarbrücken 2016 Patterns, IHK-Galerie, Siegen 2010 See-Saw, HBKsaar Galerie, K4 Forum, Sarrebruck / Saarbrücken 2010 offensichtlich, Prix d’encouragement de la Ville de Sarrebruck / Förderpreis der Stadt Saarbrücken

2017 Saarart11, Städtische Galerie Neunkirchen

2015 #glaubeliebehoffnung, KuBa, Saarbrücken

2014 Artbridge Siegen–Zakopane, Städtische Galerie Haus Seel, Siegen 2013 Residui – Respiri, Mirjam Elburn – Hermann Reiter, Galleria Oblom, Turin 2013 The Others Art Fair, Turin

Prix et bourses / Preise und Stipendien 2010 Prix d’encouragement de la Ville de Sarrebruck / Förderpreis der Stadt Saarbrücken

Biografien

Mirjam ELBURN

Martin FELL 1985, Völklingen, DE Vit et travaille à Leipzig / Lebt und arbeitet in Leipzig 2010–2016 Media Art, Prof. Daniel Hausig (Lumière et multimédia / Licht und Intermedia), Prof. Eric Lanz (Photographie et vidéo / Fotografie und Video), HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken 2015 Co-fondateur du collectif d’artistes / Mitbegründer der Künstlergruppe TMQL 2016 Co-fondateur de l’initiative d’artistes / Mitbegründer der Künstlerinitiative tjurip

Expositions / Ausstellungen 2018 Winde, Installation permanente / Permanente Lichtinstallation, Unionstiftung, Malstatt 2018 Revolver, Projection sur façade / Fassadenprojektion, Moderne Galerie, Saarlandmuseum, Sarrebruck / Saarbrücken 2017 u.A.w.g., Majolika Museum, Karlsruhe 2017 aus druck, Reha-Zentrum, Malstatt 2017 Flusslicht, Installation permanente / Permanente Lichtinstallation, Bismarckbrücke, Sarrebruck / Saarbrücken 2016 tjurip Absolventenausstellung, Fasanerieweg 17, Sarrebruck / Saarbrücken 2016 Verliebte Künstler – Losing Control, AKKU, Karlsruhe

2016 Switch, Zentrum für Internationale Lichtkunst, Unna 2016 Milk Your Body, Hellwighaus der Künste, Sarrebruck / Saarbrücken 2015 Swap Your Shoe, German House Gallery, Manhattan, NY 2015 Vorhallen, Saarlandmuseum, Sarrebruck / Saarbrücken 2015 Nachhallen, Hochschulgalerie der HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken

Prix et bourses / Preise und Stipendien 2019 Résidence / Gastatelier Baumwollspinnerei, Leipzig 2019 Résidence / Atelierstipendium Kulturamt Köln 2018 Bourse de production Projektförderung für die Arbeit Winde, Union Stiftung, Sarrebruck / Saarbrücken 2018 Résidence Gastatelier Raketenstation, Hombroich 2017 Bourse de production / Projektförderung für die Arbeit Flusslicht, Stadt Saarbrücken, Stiftung ME Saar 2016 Gagnant / Preisträger Peter und Louise Hager-Preis, Sarrebruck / Saarbrücken 2015 Bourse de soutien aux jeunes artistes / Förderstipendium für junge Künstler, Stadt Saarbrücken 2015 Bourse de production / Projektförderung Deutsche Gesellschaft der Vereinten Nationen

Ida KAMMERLOCH 1991, Ijevsk Ischewsk, RU Vit et travaille à Sarrebruck / Lebt und arbeitet in Saarbrücken 2018 Semestre d’échange / Gastsemester, Rodchenko Art School, Moscou / Moskau Depuis / seit 2017 Études de troisième cycle / Meisterstudium, Prof. Eric Lanz, HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken

Biographies

2019 DAAD Jahresstipendium für Graduierte, Fédération de Russie / Russische Föderation 2018 Nomination 24e Prix fédéral pour étudiants d’art / 24.

Bundespreis für Kunststudierende 2017 Gagnante / Preisträgerin Peter und Luise Hager-Preis, Sarrebruck / Saarbrücken 2016 Deutschlandstipendium StudienStiftungSaar

2012–2017 Licence d’arts plastiques / Bachelor Freie Kunst, Prof. Eric Lanz, HBKsaar, Sarrebruck / Saarbrücken

Expositions / Ausstellungen 2018 Последняя буква, Rodchenko Art School, Moscou / Moskau 2018 T&T#2, Soeht 7 (ancienne prison pour femmes / ehemaliges Frauengefängnis Lichterfelde), Berlin 2017 Saarart11, Städtische Galerie Neunkirchen 2017 Chloe 15 x 20 cm, KUKÜ, Sarrebruck / Saarbrücken 2017 État d’esprit, PingussonGebäude, Sarrebruck / Saarbrücken 2017 Kreis, Saarländische Galerie, Berlin 2016 Switch, Zentrum für Internationale Lichtkunst, Unna 2016 Grtsk, plan.d, Düsseldorf 2015 Lichtungen, Weinsziehr, Hildesheim

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Prix et bourses / Preise und Stipendien

2014 Pronostica Festival de Creación Contemporanea, Minorque / Menorca

TRÈVES TRIER Bettina LEUCHTENBERG Curatrice / Kuratorin 1969, Würzburg, DE Vit et travaille à Trèves / Lebt und arbeitet in Trier textschnittstelle.de architektur-podcast.de Depuis seit 2016 Coordinatrice indépendante / Freie Koordinatorin Museumsstadt Trier Depuis seit 2012 Rédactrice en ligne indépendante / Freie Online-Redakteurin Stadtmuseum Simeonstift Trier Depuis seit 2000 Rédactrice et auteure indépendante / Freie Redakteurin und Texterin 2001 Master of Art, Universität Trier 1992–2001 Histoire de l’art, histoire, histoire urbaine / Kunstgeschichte, Geschichte, Stadtgeschichte, Universität Trier

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Expositions / Ausstellungen 2017–2020 Hans Proppe (1875–1951). Visionär, Gestalter und Lebensreformer, Stadtmuseum Simeonstift Trier; Universitätsbibliothek der Bauhaus-Universität Weimar 2014–2015 Kennen Sie Trier? Sehen, klicken, hören, staunen, Bühne an der Südallee; 1. Trierer Kulturbörse; Haus Britanien; Euroakademie; Trier und Design- und Kulturtage, Trèves / Trier

Publications / Publikationen 2019 „Hans Proppe – Wegbereiter für die Ideen des Deutschen Werkbundes in Trier“, in: bauhaus – form und reform.

Von der Reformbewegung des Kunstgewerbes zum Wohnen mit Ikonen, catalogue d’exposition / Ausstellungskatalog, Leipzig 2019 „Alles ums Theater.

Deine Stadt – mitgestalten“, documentation d’atelier / Workshop-Dokumentation, Theater der Stadt Trier, Trèves / Trier 2017 Hans Proppe (1875–1951).

Visionär, Gestalter und Lebensreformer, vol. 6 / Bd. 6 „Museumssammlung im Blickpunkt“, Stadtmuseum Simeonstift Trier, Trèves / Trier 2014 „Hans Proppe – Garant für Innovationen in Trier“, in: TRIER UNIVER.CITY. Auf dem Weg zur kreativen Stadt. Beiträge vom Campus für Gestaltung, Trèves / Trier

2012 „Das Städtische Museum Trier in der NS-Zeit 1933–1945.

Eine Institutionsgeschichte“, in: Kurtrierisches Jahrbuch, Trèves / Trier 2008 Stolpersteine erzählen.

Ein Wegbegleiter zu den Mahnmalen für Nazi-Opfer auf den Bürgersteigen der Stadt Trier, Trèves / Trier

Expositions de groupe / Gruppenausstellungen 2018 I’m sorry, I didn’t quite catch that, Arebyte Gallery, Londres / London 2018 2:00, Fig, Tokyo 2017 A Highly Dazed World, Daily Lazy Projects, Athènes / Athen 2016 Bizarre, A.I.A.P/Unesco, Monaco

Stephan BACKES 1982, Trèves / Trier, DE Vit et travaille à Berlin / Lebt und arbeitet in Berlin stephanbackes.com 2012–2014 MA Painting, Royal College of Art, Londres / London 2005–2009 Communication visuelle, spécialité animation / postproduction Visuelle Kommunikation, Schwerpunkt Animation / PostProduction, FH Trier

Expositions individuelles / Einzelausstellungen 2016 Untitled to Participate, Westminster Waste, Londres / London 2014 Fight (11), Center, Berlin 2013 it’s way too early for dessert, Haydon Boss Gallery, Londres / London 2012 1st Come 1st Served, Light & Wire Gallery, Los Angeles

2016 Plural Melts – Dunmore Cave, Yvonne Lambert, Berlin 2015 Sunscreen, Westminster Waste, Londres London 2015 I Am Here, Almost 360 – Scene 1, Take 1 & Take 2, Livestream-Broadcast-Performance, Berlin 2014 Sanssouci Reality, Tank TV, Londres / London 2014 Annual Graduate Show, Royal College of Art, Londres / London 2014 Emy-Roeder-Preis, Kunstverein Ludwigshafen 2014 Contribution à / Beitrag zu Palace of Peace and Reconciliation (Viktor Timofeev), Arcadia Missa, Londres / London 2013 PNTG NOV, Henry Moore Gallery, Londres / London 2013 Retouched 1.0, SSZ Süd, Cologne / Köln 2013 Triennale Jeune Création, Luxembourg 2012 dOCUMENTA (13), Kassel

Bourses / Stipendien 2014 Royal College of Art Study Bursary

Biografien

1989–1992 Histoire de l’art, folklore, conservation du patrimoine, français / Studium der Kunstgeschichte, Volkskunde, Denkmalpflege, Französisch, OttoFriedrich-Universität Bamberg

2014 Nomination, Emy-RoederPreis, Kunstverein Ludwigshafen 2013 Christopherson Award 2012 Royal College of Art Bursary 2010 DAAD Artist Travel Grant

Werner BITZIGEIO 1956, Schönecken, DE Vit et travaille à Winterspelt / Lebt und arbeitet in Winterspelt bitzigeio.com 1988–1992 Kunstwerkschule, FH Köln 1984–1986 Apprentissage de la sculpture sur pierre / Steindesign, Fribourg / Freiburg

Expositions collectives / Gruppenausstellungen 2019 Ostrale, Dresde / Dresden 2018 Triennale, Bad Ragaz 2018 Skulpturenausstellung, Korb 2018 anders – 70 jahre, 70 künstler, 70 ateliers, BBK Mainz 2018 Flux 4 Art, Montabaur 2017 Im Weg stehend VI, Schwetzingen 2017 Quadratur, Seligenstadt 2017 Biennale de Montreux 2017 Werkform, Trèves / Trier 2016 Kunsttage Winningen 2016 Château de Jehay, Amay 2015 Triennale, Bad Ragaz

Expositions individuelles / Einzelausstellungen 2019 Retrospektive, Gesellschaft für Bildende Kunst e. V., Trèves / Trier 2016 Galerie am Pi, Weißenseifen 2015 Ziegeleimuseum Jockgrim 2014 Galerie Kühnen, Stolberg 2012 Kunst- und Literaturpfad Loreley

Biographies

1965, Sarrebruck / Saarbrücken, DE Vit et travaille à Trèves / Lebt und arbeitet in Trier bettinaghasempoor.com 1988–1990 Cours d’histoire de l’art / Studium der Kunstgeschichte, École du Louvre, Paris

Expositions individuelles / Einzelausstellungen 2018 WeltWahrheitWert 1918–2018, Galerie Netzwerk, Trèves / Trier 2018 Jeu de l’Espace, Festival Voies Off, Les Rencontres d’Arles 2015 Attribute, Galerie Neues Bild, Trèves / Trier

2014 Gesellschaft für Bildende Kunst e. V., Trèves / Trier

2013 Farbvergnügen / Le plaisir des couleurs, Galerie Ansichtssache, Konz

Espace public / Öffentlicher Raum

Expositions collectives / Gruppenausstellungen

2019 Begehbare Skulptur, Dreiländereck

2019 Biennale Saulieu, Galerie Pompon, Saulieu

2017 Stelen, Prüm

2018 Les rencontres de Verdun, circuit artistique / Kunstweg, Beaumont-en-Verdunois; Haus der Wirtschaft Baden-Württemberg, Stuttgart; Regierungspräsidium, Karlsruhe

2015 Weinstock-Skulptur, Irrel

2011 Galerie Contemporanea, Oberbillig

2014 Stille, Pirmasens

2011 Galerie Krüger, Kunst & Design, Coblence / Koblenz

Prix / Preise

2011 Galerie Esch-Renner, Cologne / Köln

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2014 ARTWiltz 2, Château de Wiltz

Bettina GHASEMPOOR

2018 Schweizer Skulpturenpreis, Bad Ragaz 2016 Kaiser-Lothar-Preis, Prüm

2017 Kunstsalon Trier 2016 Kunstsalon Trier 2014 Jahresausstellung Gesellschaft für Bildende Kunst e. V., TUFA, Trèves / Trier

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2013 Jahresausstellung Gesellschaft für Bildende Kunst e. V., TUFA, Trèves / Trier 2013 Artothek, TUFA, Trèves / Trier

Expositions individuelles / Einzelausstellungen 2017 Die Croissantstrategie, Architekturgalerie, Kaiserslautern

2012 kurz gedacht, Galerie Ansichtssache, Konz

2016 Dropped Tile, Sculpture Space et 10 lieux publics / und 10 öffentliche Orte, Utica, NY

2010 TUFA Mail Art, TUFA, Trèves / Trier

2015 Investigating Dooberville, 1078 Gallery, Chico, CA

Prix / Preise

2013 Das Haus Burgund, Haus Burgund-Franche-Comté, Mayence / Mainz

2018 Gregor International Calendar Photo Award, Preis der Photo Jury, Stuttgart

Judith LEINEN 1985, Prüm, DE Vit et travaille à Boulder, CO, et en Allemagne / Lebt und arbeitet in Boulder, CO, und in Deutschland judithleinen.com Depuis / seit 2019 Adjunct Faculty, School of Art and Art History, University of Denver, CO 2015–2018 Collaboratrice artistique et scientifique, spécialité Création artistique / Künstlerischwissenschaftliche Mitarbeiterin, Fachgebiet Künstlerisches Gestalten, Département d’architecture / Fachbereich Architektur, Technische Universität Kaiserslautern 2013–2015 Guest Scholar, Department of Art and Art History, California State University, Chico, CA

2012 Romantische Weihnacht, Landesmuseum Mainz 2011 Die drei Kipperell zeigen, was sie gebaut haben, Abgeordnetenhaus RheinlandPfalz, Mayence / Mainz 2010 Mit freundlichen Grüßen aus Upper Bleistein, BBK-Galerie, Mayence / Mainz

Expositions collectives / Gruppenausstellungen 2019 Compère Collective, Brooklyn, NY 2019 Ave, Kunstraum Super, Présentation de magazine et exposition / Magazinveröffentlichung und Ausstellung, Vienne / Wien 2019 Printed Matter, New York Art Book Fair, MoMA PS1, NY 2019 artdepot, Innsbruck 2018 Vier, Galerie Zimmermann Kratochwill, Graz

Espace public / Öffentlicher Raum 2019 Watch the Gap, Subway, New York, NY 2016 Гена, Atelier D, Le Centre de Documentation sur les Migrations, Luxembourg 2014 Die Schaumzünder, sculpture mobile interactive / interaktive mobile Skulptur, MKH Biennale Halberstadt

Prix et bourses / Preise und Stipendien 2019 New York Stipendium, Künstlerhaus Schloss Balmoral, Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur und Residencies Unlimited, New York 2018 Residency, NAIRS Zentrum für Gegenwartskunst, Scuol

Biografien

2014 Trierer Ansichten, Architekturfotografie, Trier Galerie

1991 TRIER Monique Sary & Danièle Wagener ›D ieter Ahrens ›W alter Blankenburg ›A lbert Fürst ›G erhard Losemann ›P aul Schneider Marie-Paule Schroeder 58 artistes ont soumis un dossier / 58 Künstler haben ein Dossier eingereicht

1993 x 1995 LUXEMBOURG L

Urs Raussmüller ›A ntoine Prum ›F ernand Roda ›S onja Roef ›L uc Wolff M Hervé Bize ›S ylvie Antoine ›L orraine Pellegrini ›E ric Poitevin ›N icolas Schneider SB Jo Enzweiler ›H ans Dahlem ›L eo Kornbrust ›A nnegret Leiner Wolfgang Nestler TR Birgit Schwarz ›M anuel Cholango ›R uth Clemens ›B odo Korsig ›W erner Müller

1997 SAARBRÜCKEN L

Elisabeth Vermast › J ean-Marie Biwer ›B ertrand Ney ›D oris Sander ›B arbara Wagner M Monique Auburtin › J ean-Jacques Dumont ›P ascal Hallou › J ulien Maire ›E tienne Pressager

Historique

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SB Josef

Gros › Werner Bauer › Lukas Kramer › Christiane Mewes › Rolf Viva TR Dr. Ingeborg Schnettler › Rainer J. Czech › Britta Deutsch

Andrea van der Straeten › Karl Willems

1999 TRIER L

Lucien Kayser › Tina Gillen › M + M › Roger Wagner › Vera Weisgerber & Steve Kaspar M Stéphane Ackermann › Virginie Barbaise › Guillaume Janot

Dominique Petitgand › Nicolas Pinier SB Josef Gros › B ettina van Haaren › Seiji Kimoto › Sigrùn Ólafsdóttir › Thomas Wojciechowicz TR Prof. Klaus Steinmann › Thomas Duttenhoefer › Michael Schulze › Karin Veldhues › Irmgard Weber

2001 METZ L Laure

Faber & Bettina Heldenstein › Jerry Frantz & Dany Prum

Su-Mei Tse › Yvan Klein › Charles Wennig M Bernard Copeaux › Odile Kolb › Joël Leick › Patrick Nardin › Jean-Luc Tartarin SB Josef Gros › G alli › Dieter Kunz › Till Neu › Jacqueline Wachall

TR Gabriele

Lohberg › Rut Blees Luxemburg › Christine Henn › Hans Rath › Ursula Wevers

2003 LUXEMBOURG L

Christian Mosar › Véronique Kolber › Stéphane Meyers › O wnyourown › Armand Strainchamps M Richard Meier › Gerson Bettencourt Ferreira Philippe Jacq › Olivier Nottellet › Florence Paradeis SB Ernest W. Uthemann › Frauke Eckhardt › Jens Titus Freitag › Alexander R. Titz › Stoll & Wachall TR Ute Bopp-Schumacher › B odo Korsig › Jan Leven › Renate Wolff › Achim Wollscheid

2005 SAARBRÜCKEN L

René Kockelkorn › Jerry Frantz › Steve Kaspar › Serge Manes › Edmond Oliveira M Olivier de Monpezat › Sébastien Gouju › Simona Nutiu Gradoux › Alain Simon › Pierre & Jean Villemin SB Ernest W. Uthemann › Klaus Harth › V era Kattler Margit Schäfer › Maja Sokolova TR Klaus Hinrichs › Joe Allen & Doris Kaiser › Katarina Veldhues & Gottfried Schumacher › Franziskus Wendels

159

2011 LUXEMBOURG

2015 TRIER

L Anne

L

Sabine Dorscheid › Christophe de la Fontaine › Catherine Lorent › Armand Quetsch › Danielle Scheuer M Marie Cozette › B enoît Billotte Mathis Collins › Marco Godinho › Justin Morin SB Ingeborg Besch › Sven Erik Klein › Philipp Alexander Neumann › Susanne Specht › Gisela Zimmermann TR Laas Koehler › Rut Blees Luxemburg Simon Rummel › Daniel Schieben › Markus Zender

L

2013 SAARBRÜCKEN

2017 METZ

Kayser & Kevin Muhlen ›M artine Feipel ›V era Kox ›M ax Mertens › J eanine Unsen M Jean Jacques Dumont ›E tienne Boulanger ›S amuel François ›A ndrea Keen ›O livier Lounissi SB Ernest W. Uthemann ›C laudia Brieske ›H enrike Kreck ›A ndrea Neumann › J udith Sturm TR Dr. Ulrike Gehring ›M artin Klein › L iquid Penguin (Katharina Bihler & Stefan Scheib) Pia Müller ›K arola Perrot Invités de Sibiu / Gäste aus Sibiu ›D umitru Gorzo ›L iviana Dan

2009 METZ L

Didier Damiani ›S tina Fisch ›P aul Kirps ›F ilip Markiewicz ›P asha Rafiy M Marco Godinho ›B enoît Billotte ›H arold Guérin Julien Grossmann ›N icolas Muller SB Ernest W. Uthemann › I ngo Bracke ›G abriele Langendorf › J ae Jin Park ›V olker Sieben TR Dr. Christiane Häslein ›N icole Ahland ›M arkus Bydolek › J ürgen Waxweiler ›K arl Willems

L

Florence Thurmes › Claire Barthélémy › Jeff Desom › Misch Feinen › Christian Frantzen M Hélène Doub › Guillaume Barborini › Lingjie Wang & Jingfang Hao › Anne-Sophie Trindade Elodie Lanotte SB Ingeborg Besch › Mert Akbal › Leslie Huppert › Armin Rohr › Sounds like Paint – Sieben & Thewes & Schmidt TR D. Johannes Stolpe, David L. Vamosi & Benjamin A. Vamosi › Sebastian Böhm › Florian Luxenburger › Judith Spang › Laurent Steinmayer

Daniela Del Fabbro › Laurianne Bixhain › Mike Bourscheid › Gilles Pegel › Letizia Romanini M Elodie Stroecken › Claire Decet › Céline Fumaroli › Marianne Mispelaëre › Clément Richem SB Andreas Bayer › Juliana Hümpfner › Simon Kloppenburg › Peter Strickmann › Claudia Vogel TR Alexandra Orth › Jáchym Fleig › Helge Hommes › Katharina Jung Gaby Peters

L

Fanny Weinquin › Justine Blau › Chantal Maquet › Mary-Audrey Ramirez › Daniel Wagener M Nathalie Filser › François Bellabas › Morgane Britscher › François Génot › Julie Luzoir SB Dr. Andrea Jahn & Kamila Kolesniczenko › Katharina Hinsberg › Gertrud Riethmüller › François Schwamborn Thilo Seidel TR Sebastian Böhm › Klaus Maßem › Werner Müller › Matthias Platz › S alman Rezaï

Historie

2007 TRIER

COLOPHON / IMPRESSUM Cette publication a été éditée dans le cadre de l’exposition du Prix d’Art Robert Schuman au Cercle Cité et à la Villa Vauban – Musée d'Art de la Ville de Luxembourg du 21.11.2019 au 19.01.2020.

Diese Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung Prix d’Art Robert Schuman im Cercle Cité Luxembourg und der Villa Vauban – Musée d'Art de la Ville de Luxembourg vom 21.11.2019 bis 19.01.2020. Éditeur / Herausgeber Cercle Cité – Agence luxembourgeoise d’action culturelle Villa Vauban – Musée d’Art de la Ville de Luxembourg Réalisation graphique / Grafische Gestaltung Comed, Luxembourg Photographies d’ambiance et d’exposition / Fotos und Eindrücke aus der Ausstellung Olivier Minaire Relecture / Korrektur Patrick Kremer Impression et production / Druck und Gesamtherstellung Reka, Luxembourg Tirage / Auflage 800 Typographies / Schriften Blacker, Brother 1816 Papier / Papier Munken Lynx 150g/m2 Couverture, sérigraphie sur / Deckel, Siebdruck auf Curious Matter Adiron blue 270g/m2 ISBN : 978-2-9199438-2-1

© Cercle Cité – Agence luxembourgeoise d’action culturelle, les artistes et les auteurs, Luxembourg, 2019

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LUXEMBOURG METZ SAARBRÜCKEN TRIER