Three Six O | Immersive Sound | August 2023 | deutsch

AT R G IS

Zeitung für Raumkunst | 11. Ausgabe | August 2023

IMMERSIVE SOUND Oceania: Der Sound der Unterwasserwelt Live Performance Ausstellung Hockneys großes Schaufenster: Der Lightroom in London Dark Matter: Berlin in Licht und Sound Ausstellung Interview Bildsinfonien: Die Panoramamusiken des belgischen Komponisten Eric Babak

2 Editorial

Liebe Leserinnen, Liebe Leser, Kitsch oder Kunst? Darüber streiten sie, die Experten.

Auch Panoramen sind immersive Kunst. Der Betrachter

Immersive Kunst wird jedenfalls von der Kunstkritik gern

findet sich inmitten einer anderen Welt. In einem Rund-

mal mit dieser Frage bedacht. Denn die ist in den ver-

bild, in dem sich, anders als in den digitalen Shows,

gangenen Jahren weitab vom eigentlichen Kunstmarkt

gar nichts bewegt. Es ist ein Augenblick eingefrorene

ein Megatrend geworden. Dazu gehören auch die Groß-

Zeit. Panoramen waren im 19. Jahrhundert durchaus

ausstellungen mit Werken von Superstars der Kunstge-

Entertainment. Aber auch künstlerisches Ausdrucksmit-

schichte wie Vincent van Gogh, Gustav Klimt oder Frida

tel. Man kann einigen von ihnen sogar vorwerfen, dass

Kahlo – in vielen Städten als digitale Projektionsschauen

sie als ideologisches Massenmedium fungierten, vor

zu sehen.

allem die großen Schlachtenpanoramen. Der Berliner

Das gefällt nicht allen. Die Edelfedern großer Feuilletons

Panoramakünstler Yadegar Asisi aber hat mit seinen

schreiben von niederschwelliger Unterhaltung, Effektha-

Panoramen des 21. Jahrhunderts eine einzigartige

scherei, von Überwältigung als Stilmittel usw., müssen

Kunstform geschaffen. Nicht weil seine Panoramen die

aber trotzdem zugeben, dass es sich um eine neue

weltgrößten Rundbilder sind. Es geht, anders als in den

Kunstform handelt. Nicht für die Kunstgeschichte. Aber

überbordenden digitalen Immersions-Shows, nicht um

für die Menschen. Also mit demokratischer Breitenwir-

die Sensation. Vielmehr nutzt der Künstler die Panora-

kung. Die digitalen Kunstschauen haben sich fast aus

men, um sein Verständnis unserer Welt und der Natur

dem Nichts zu den erfolgreichsten monothematischen

und der Gesellschaft, in der wir leben ganz faktisch

Museen entwickelt. Für Menschen, die sonst gar nicht

aber vor allem auch emotional zu vermitteln. Je größer

ins Museum gehen würden. Vielen ist es nicht wichtig,

die Rotunden sind, umso größer ist die illusionistische

sich in Amsterdam zum Beispiel die Originale von Vin-

Wirkung. Viele Besucher und Besucherinnen berichten

cent van Gogh anzusehen. Oder erst dann, wenn sie die

von überraschenden, offenbarenden Eindrücken. Die

Bilder als Show erlebt haben.

Asisi-Panoramen sind Orte der Ruhe, des In-sich-

Und das ist noch nicht alles: In Las Vegas wird im Sep-

Gehens, der Erhellung. Also: Kunst muss nicht immer

tember The Sphere eröffnet, eine Unterhaltungskugel

kompliziert sein und erklärungsbedürftig. Sie kann auch

für zwanzigtausend Zuschauer, das weltgrößte kugelför-

einfach zu verstehen sein und zutiefst berühren. Was

mige Gebäude, mit dem weltgrößten LED-Netz, innen

auch immer die Kunstkritik davon hält.

und außen. Die Riesenkugel verspricht ein immersives Kunsterlebnis der absoluten Superlative. Schon jetzt werden für The Sphere ganze Welten gefilmt oder animiert. Der kleine Mensch sitzt dann da in seinem Sessel inmitten des weiten Universums, in den Tiefen der Meere, in der unendlichen Schönheit der Natur.

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Umso mehr erfreut es, dass ein Star der modernen

erklimmen. Kunstkritiker nennen es Lichtdesgin. Chris-

Kunst, David Hockney, seine Malerei jetzt als immersives

topher Bauder nennt es Kunst. Und das Dark Matter ist

Gesamt-Kunstwerk konzipiert hat. „Bigger & Closer – not

in einem Randbezirk Berlins eine neue Adresse, an dem

smaller and further away“, („Größer & Näher – nicht klei-

die Menschen gern Schlange stehen, um sich erleuchten

ner und weiter weg“) ist in London zu besichtigen. Es ist

zu lassen.

Hockneys großes Schaufenster mit seinem Blick auf die Welt seiner Bilder. In einem Zyklus von sechs themati-

Anders als in den meisten immersiven Ausstellungen,

schen Kapiteln, mit einer eigens komponierten Musik von

bewegen sich in den Panoramen von Yadegar Asisi die

Nico Muhly und einem Kommentar des Künstlers selbst,

Zuschauer – nicht das Bild. Die Musik für diese Kunst-

offenbart uns Hockney seinen Prozess. Wir hören seine

werke, komponiert seit 20 Jahren der in London lebende

Stimme, wenn er mit der Perspektive experimentiert, die

Komponist Eric Babak. Yadegar Asisi und er haben damit

Fotografie als eine Art „Zeichnen mit der Kamera“ ein-

ein eigenes Musik-Genres erfunden, denn die Musik und

setzt, das Vergehen der Zeit in seinen Polaroid-Collagen

die Soundinstallationen dafür sind Bild-Musiken, die

und die Freude des Frühlings auf seinem iPad festhält.

ähnlich wie Film-Musiken entstehen. Eigens komponierte

Damit ist er der erste lebende Künstler, der sich zu die-

Musik und Sounds heben einzelne Szenen hervor und

ser Form der Kunstpräsentation bekennt. Einer, der sich

führen damit die Besucher durch das Panorama. Dar-

den modernen Medien nie verschlossen hat und schon

über, wie diese Bild-Musik-Collagen genau entstehen

in den 90er Jahren auch die digitale Zeichnung in sein

und wie das zwischen Regisseur und Komponist abläuft,

Werk aufgenommen hat. Jetzt ist sein Gesamtwerk als

haben wir mit Eric Babak gesprochen.

digital-immersives Kunstwerk erlebbar, wahrscheinlich aus dem einfachen Grunde, weil es jetzt erst die techni-

Und dass die Asisi-Panoramen manchmal auch andere

schen Voraussetzungen dafür gibt.

Musiker und Musikerinnen zu neuer Musik inspirieren, darum geht es in unserem Beitrag über die Stuttgarter

In dieser Ausgabe der ThreeSixO stellen wir die Instal-

Künstler „Boum-Percussion“ und ihrer Live-Percussion

lationen des Lichtkünstlers Christopher Bauder vor. Das

zum „Great Barrier Reef“ im Pforzheimer Panorama im

Dark Matter in Berlin ist sein Experimentierort, eine abge-

vergangenen Jahr.

dunkelte ehemalige Fabrik, in der nur das Kunstlicht, im Wortsinn, die Besucher und Besucherinnen durch die

Ich wünsche Ihnen gute Unterhaltung! Beim Lesen

sieben Rauminstallationen leitet. Da lässt es sich gemüt-

ebenso wie mittendrin in der immersiven Kunst.

lich an einem digitalen Lagerfeuer herumlungern, durch verspiegelte Räume irren, in denen 800 bewegliche Lichtpunkte den Himmel darüber in wabernde Bewegungen setzen oder dynamische Lichttexturen sowie Tonleitern

Ihre Juliane Voigt

Foto: WeLive

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Interview: Sebastian Oswald

Oceania – der Sound der Unterwasserwelt Boum-Percussion performte ein spektakuläres Filmkonzert im Panorama „Great Barrier Reef“

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Das Panorama „Great Barrier Reef“, welches für einige

musikalisch heraus, und entschieden uns im nächsten

Jahre im Gasometer Pforzheim zu sehen war, wurde

Schritt für verschiedene Spielpositionen im Raum des

von den Stuttgarter Künstlern „Boum-Percussion“, den

Gasometers mit entsprechend wechselnden Kameraper-

Schlagzeugern Marc und Kai Strobel klanglich interpre-

spektiven. So gelang es uns, auf spezifische Elemente

tiert und neu entdeckt: In einem 60-minütigen Live-Kon-

einzugehen und dabei klanglich mit dem Panorama zu

zertfilm kreieren die Brüder ein Gesamtkunstwerk, in

korrespondieren.

dem sich akustische und elektronische Musik, Performance und Theatralik, durch eine differenzierte Drama-

Die Kompositionen setzen sich u. a. mit den Themen

turgie in nie da gewesener Art mit dem von Yadegar Asisi

„Wasser, Riff und Weltmeere“ auseinander.

erschaffenen Panorama „Great Barrier Reef“ verbinden.

Den Großteil der Kompositionen im Film haben wir selbst Auf welche Art ist das Panorama „Great Barrier

geschrieben. Jedes Werk bezieht sich dabei auf eine

Reef“ im Film Oceania „neu entdeckt und interpre-

der vielen Facetten des Panorama und des Raums.

tiert“ worden?

Das Boum-Percussion Programm Oceania besteht aus vier Neukompositionen und einem bereits existierenden

Alle musikalischen Werke im Film beruhen auf den Ein-

Werk, welches sich klanglich wie thematisch perfekt ein-

drücken unseres Besuchs des Panoramas im Gasome-

fügt.

ter Pforzheim. Als Schlagwerker und Komponisten sind wir von Natur aus neugierige Charaktere und stets auf

Wir entschlossen uns bewusst, mit den Werken einen

der Suche nach neuen Formen der Inspiration. Im Falle

großen, dramaturgischen Kreis zu formen, ganz im

des „Great Barrier Reef“ hinterließ der enorme Raum,

Sinne des uns umschließenden Panoramas und des

mit seinem gekonnten Spiel aus Farben, Energie und

zylinderförmigen Raums. Ein wichtiger Bestandteil bildet

unglaublicher Höhe einen großen Eindruck, welcher

dabei die Synthese aus Live-Akustik und elektroakusti-

sich in der Grundstimmung der Kompositionen und ins-

scher Musik. Diese Verbindung zieht sich wie ein roter

besondere der Elektronik wiederfindet. Beim Besteigen

Faden durch das Programm.

des im Zentrums stehenden Stahlturms, eröffnen sich

Insbesondere durch die elektronischen Elemente dringt

den Betrachtenden detailreiche Perspektiven, wie durch

die Gesamt-Performance in tiefgründigere Ebenen vor.

Fenster. Er rahmt durch seine Stahlkonstruktion gewis-

Die Elektronik verstärkt die Größe und Tiefe des Raums

sermaßen Ausschnitte des Panoramas ein. Ein wichtiger

und wird von Marc Strobel als Komponist kammermusi-

Ansatzpunkt für unser weiteres Schaffen.

kalisch eingesetzt, quasi wie eine zusätzliche dritte Per-

Die Parallelen zur Musik sind hier offensichtlich: besteht

son.

das typische Musikstück doch ebenfalls aus einer großen Phrase, welche sich wiederum aus einer Vielzahl

Welche Schwerpunkte habt ihr euch in Bezug auf

von kleinen Phrasen, Motiven, Noten und Pausen zusam-

das Panorama „Great Barrier Reef“ ausgesucht?

mensetzt.

Inhaltlich waren wir von der Mannigfaltigkeit und diffizi-

Nun, da ist natürlich die pure Schönheit der Unterwas-

len Ornamentik des Korallenriffs und insbesondere den

serlandschaft im Panorama, die wahnsinnig detaillierten

dunkleren Bereichen des Meeres bewegt.

Verzierungen der Korallen und das Tiefblau des Meeres selbst, welches, je nach Art der Betrachtung und

Mit diesen vielschichtigen Eindrücken starteten wir unse-

Beleuchtung, eine beruhigende Wirkung erzeugen, oder

ren Arbeitsprozess, einen ganzheitlichen Ansatz verfol-

auch Unbehagen auslösen kann.

gend: unseren, beim Besuch der Installation erlebten

Der Beginn unseres Programms „Oceania“ bleibt in

Emotionen und Gefühlen, musikalisch Ausdruck zu ver-

ambivalenter Ungewissheit und bezieht sich auf jenes

leihen. Sie in größerem Kontext zu reflektieren und letzt-

Gefühl des Unbehagens: der Zuschauende wird ins

lich Musik und Panorama in einer Symbiose zusammen-

kalte Wasser geworfen, in einen mystischen Sog und bis

zuführen.

hinab in die Tiefen des Meeres gezogen. In Monolith II dominiert ein mystischer Charakter, der geprägt wird

Welche Herausforderungen bringt ein 360°-Pano-

von zwei großen Rahmentrommeln im Zusammenspiel

rama mit sich, im Hinblick auf ein Filmprojekt wie

mit elektro-akustischen Klängen. Erwartbares, typisches

„Oceania“?

Trommeln oder Schlagen mit Trommelstöcken findet hier nicht statt – die neuen Klänge sollen die Fantasie der

Sowohl filmisch als auch dramaturgisch stellt sich bei

Zuschauenden anregen. Beginnend mit dem ersten Ton

einem 360°-Bild unweigerlich die Frage nach der Per-

des Stücks, der durch Reiben eines Gummiballs auf

spektive. Man wendet sich bewusst einem bestimmten

dem Trommelfell erzeugt wird. Was ein dumpfes Dröh-

Ausschnitt zu, wohlwissend, dass man dabei gleichzei-

nen, einen langgezogenen Ton hervorbringt. Vielleicht

tig einen Teil des Panoramas im Rücken ausblendet. So

das Motorgeräusch eines Schiffs oder der Gesang eines

arbeiteten wir ausgewählte Elemente des Rundbildes

Wals?

6 Oceania – Der Sound der Unterwasserwelt

Klang und Bewegung werden im Film bewusst einge-

ven Reaktionen des aufmerksamen Kamera-Teams auf

setzt und verbunden.

unser Spiel hin, dem Film und dem „Great Barrier Reef“ Panorama seine ganz eigene Dynamik verleiht. Zudem

Durch die Verfilmung erschließen sich den Betrachten-

sind die Künstler auf der Konzertbühne plötzlich ganz

den weitere Ebenen: wischende Kreisbewegungen auf

nah, privat, fast intim. Der Zuschauende begleitet uns

dem Fell der Trommel skizzieren das Spiel der Wellen,

Musiker auf dem Weg durch den Raum, Kleidungswech-

kratzende Hände bewegen sich wie Lebewesen auf dem

sel werden Teil der Inszenierung.

Meeresgrund. Monolith II stellt bewusst Klang und Bewegung auf eine Ebene. Die Grenzen zwischen Musik, Choreographie und Performance verschwimmen.

Ist das Instrument Schlagzeug für so ein Großprojekt prädestiniert?

Mit den Stücken Ecochain und Time & Money – letzteres beinhaltet sogar eine reine Schauspielsequenz – sind

Gerade als Schlagzeuger können wir visuelle Eindrü-

wir in einem neuen Kapitel des Films. Das Meer ganz

cke, Formen und Bilder durch endlose Möglichkeiten an

reduziert betrachtet als Ressource und Handelsweg,

Klängen, Materialien und Instrumente in Musik verarbei-

Teil einer durchorganisierten „Just-in-Time“-Welt, wel-

ten und ihnen individuell Ausdruck verleihen. Durch das

che Kollateralschaden quasi im Vornherein einkalkuliert,

musikalische Einbeziehen von Metallfässern und Eisen-

denn „Zeit ist Geld“. Ein enormer Druck lastet auf den

ketten stellen wir, parallel zum dramaturgischen Gedan-

Ökosystemen und bedroht existenziell die einzigartige

ken, eine Verbindung zum Gasometer als industrielles

Unterwasserwelt.

Kulturerbe her: der metallene Sound und die pulsierend virtuosen Rhythmen verbinden sich im Bild mit der mar-

Diese extreme Form der Realität und Kehrseite zur Far-

kant eisernen Skulptur der Besucher-Plattform. Ein wei-

benpracht des Meeres und des Panoramas, kommt vor

teres Beispiel ist das Element Wasser, das wir auf subtile

allem durch den Fokus im Film in Richtung des Stahl-

Art und Weise als Resonanzkörper eingearbeitet haben:

turms, in der Raummitte des Gasometer, zum Tragen.

im Waterphone ist es für die wunderbar schaurigen und

Neben schnellen, dramatischen Schnittfolgen, prägen

gleichwohl schönen, langen Töne verantwortlich, der

kupferfarbene Ästhetik und extreme Dynamik die Sze-

Gong variiert, durch Eintauchen in Wasser nach dem

nerie. Sind wir Teil einer Maschinerie? Dringen wir musi-

Schlagen, die Tonhöhe und die „Water-Drum“ – ein riesi-

kalisch ins Innere eines Beinah-Verrücktgewordenen

ger, im Wasser schwimmender halbierter Kürbis – kommt

vor? Dies zu interpretieren ist am Ende aber Sache des

in Deep Current als Basston und kernige Fingertrommel

Betrachters.

zum Einsatz.

Boum-Percussion – als Ensemble – ist aus dem Bestre-

Das Hauptwerk von „Oceania“ für Marimba und Vibra-

ben entstanden, mit den gegebenen Möglichkeiten des

phon beschließt schließlich den großen klanglichen

Schlagwerks die Grenzen der Kunstformen zu überwin-

Spannungsbogen, der vor allem von der räumlichen

den. Durch Eigenkompositionen und der Verbindung von

Komponente des Meeres bzw. des Panoramas inspiriert

klassischem Schlagzeug, elektro-akustischer Musik, All-

ist.

tags-Gegenständen und Elemente aus der Natur, entwickelte sich so über die gemeinsamen Jahre eine eigene Tonsprache.

Wie läuft ein Filmdreh mit solch einem speziellen Rahmen ab? „Oceania“ by „Boum-Percussion“, Der Film ist wie ein Live-Konzert angelegt, das heisst

kreiert von Marc & Kai Strobel

alle Musikstücke werden ohne Unterbrechung gespielt und mit mobilen Kameras gleichzeitig aus verschiede-

Ein „weLive“-Film, produziert von „Punchline Studio“,

nen Perspektiven gefilmt. Da das filmische Konzept von

organisiert von „Lahrer Rockwerkstatt e.V.“

vornherein keine Zuschauer vorsah, konnten sich Künstler, Ton-, Film- & Lichtteam im Gasometer frei bewegen.

Oceania selbst entstand im Rahmen des „WeLive-Musikfestival“, einer von Punchline Studio und Lahrer Rockwerkstatt e.V. initiierten Konzert-Serie, die während der Corona-Pandemie einen bewussten Gegenpol zu den überwiegend eindimensionalen und flachen Livestreams darstellt. Im Mittelpunkt steht dabei der Live-Aspekt: Bild, Ton, Licht, die gesamte Stimmung entsteht im Moment.

Dramaturgische & technische Vorgaben werden bewusst variabel gehalten, da gerade die spontanen und intuiti-

Foto: Tom Schulze © asisi

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David Hockney Bigger & Closer (not smaller & further away) Photo by Justin Sutcliffe

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Hockneys großes Schaufenster: Der Lightroom in London Text: Sebastian Oswald

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London ist immer eine Reise wert – keine Frage. Und doch

Auf den Wänden sind Hockneys Werke eindrucksvoll ani-

bietet die Stadt mehr Kunststätten, als man im Rahmen

miert. Malerische Szenen aus den Straßen von Yorkshire

eines noch so ambitionierten Besuchs besichtigen kann.

und typische Hockney-Landschaften vermitteln die Illusion,

Man muss eine Auswahl treffen, eine Liste der Orte anle-

direkt in sein lebendiges Werk einzutauchen. Beim Betreten

gen, die man gesehen haben muss. Dass der Lightroom

des Lightroom wird deutlich, dass Hockneys Persönlichkeit

unbedingt in diese Liste gehört, beweist nicht nur der große

jeden Winkel des Raumes durchdringt. Der britische Künst-

Name David Hockney, dem als wohl populärstem britischen

ler war schon immer ein Performer. Seine Exzentrik, sein

bildenden Künstler der Gegenwart die Ehre einer ersten,

farbenfroher Stil, seine Herkunft aus Yorkshire und die Klar-

ganz ihm gewidmeten Ausstellung im Lightroom zuteil

heit, mit der er seine Ideen ausdrückt, haben seine Identität

wurde, sondern vor allem die räumliche Inszenierung sei-

geprägt und ihn zu einem der am meisten bewunderten

ner Malerei mit ebenso immersiven Klanginstallationen in

englischen Künstler aller Zeiten gemacht. So verwundert

einer neuartigen Ausstellungsform. Als eine Art Retrospek-

es auch nicht, dass über die X1-Matrix auch Hockneys

tive mit dem vielsagenden Titel „David Hockney: BIGGER

Stimme täuschend lebensecht für die Besucher wiederge-

& CLOSER (not smaller & further away)“ steht die Schau

geben wird.

gerade im Zentrum der öffentlichen Diskussion. Diese dreht sich um den Wert der Inszenierung und die von einigen

Seine Bilder werden von 27 Beamern auf die 11 Meter hohen

Feuilletonisten kritisierte Niedrigschwelligkeit und Zugäng-

Wände projiziert und füllen den gesamten Raum. Die kura-

lichkeit, die das immersive Erlebnis mit sich bringt. Doch

tierte Auswahl umfasst fast alle bekannten Gemälde und

springen wir zunächst zurück zum Anfang, zum Lightroom

Installationen des Künstlers. Besonders hervorzuheben ist

als Ausstellungsort mit einer zukunftsweisenden technolo-

der Wagner Drive in den San Gabriel Mountains, eine Ins-

gischen Ausstattung.

tallation zu Hockneys Videoarbeit aus dem Jahr 2012, in der die Besucher die unterschiedlichen Perspektiven von

In einem dunklen Bunkersystem unter dem neuen Einkaufs-

Fahrer und Beifahrer einnehmen können. Sehenswert sind

zentrum King’s Cross taucht man in eine Welt ein, in der

auch die Installationen zu seiner „Pools“-Serie und zu „Sun-

fast alles immersiv ist. Die Reise durch die am 22. Februar

bather“, die ein ähnlich spannendes Kunsterlebnis bieten

2023 eröffnete Ausstellung BIGGER & CLOSER beginnt in

wie das Original, aber doch ganz anders und umfassender

einem riesigen, in sanftes grünes Licht getauchten Raum.

auf den Betrachter wirken. Erwähnenswert ist auch eine

Zunächst fällt auf: Der Sound ist unglaublich gut, lebensecht

Reihe bislang weniger bekannter Arbeiten, vor allem Büh-

und wahnsinnig räumlich.

nenbilder für die Londoner Oper, die Hockney bereits vor Jahrzehnten schuf. Alles in allem ergibt sich eine medial

Die für die Ausstellung genutzte Holoplot X1 Matrix ist tat-

äußerst eindrucksvolle und immer wieder neue Perspekti-

sächlich ein revolutionäres Soundsystem und verwandelt

ven eröffnende Werkschau, wie sie wohl kein anderer bil-

den Kunstraum in eine nahezu perfekt inszenierte Klang-

dender Künstler vor ihm inszeniert hat.

landschaft. Die Matrix ermöglicht eine präzise Steuerung von Schallwellen, was bedeutet, dass der Klang gezielt

Hockney, dessen Werke seit den frühen 1960er Jahren für

auf bestimmte Bereiche gerichtet werden kann und ver-

Aufsehen sorgen, widersetzt sich gekonnt den Erwartun-

schiedene Klänge gleichzeitig in unterschiedlichen Berei-

gen. Er ist bekannt für seine Technikbegeisterung, die ihn

chen ertönen können. So entsteht ein sehr eindringliches

von der Erstellung multiperspektivischer Fotomontagen in

und individuell anpassbares Klangerlebnis. Um es ein-

den 1980er Jahren bis zur Erforschung der iPad-Zeich-

fach auszudrücken: Stellen Sie sich vor, Sie befinden sich

nung Mitte der 2000er Jahre führte. Nun nutzt Hockney die

in einem Raum, in dem Sie in einer Ecke das Zwitschern

Möglichkeiten des Lightroom, um ein immersives Kunster-

eines Vogels, in einer anderen das Rauschen eines Flus-

lebnis zu schaffen, das die Beschränkung auf ein bestimm-

ses und direkt neben Ihnen eine sanfte Melodie hören kön-

tes Medium sprengt und mit einem ästhetischen Zusam-

nen – alles zur gleichen Zeit und ohne sich gegenseitig zu

menspiel aus Malerei, Animation, Licht und Sound eine

stören. Das ist die Art von Audioerlebnis, von der wir hier

umfassende Raumerfahrung erzeugt.

sprechen. Zusammen mit Hockneys Werken ergeben sich schon beim ersten Betreten des Rundgangs eine harmoni-

Im Gegensatz zu anderen immersiven Ausstellungen, die

sche Verbindung und eine Eindringlichkeit, die man wohl in

beispielsweise Van Gogh, Klimt oder Dali gewidmet sind,

keiner Galerie oder sonst einem Ausstellungshaus finden

handelt es sich hier nicht um eine posthume Hommage

kann.

oder ein Spektakel zum Selbstzweck. BIGGER & CLOSER wird von Hockney selbst mitgestaltet und als eigenständiges Kunstwerk betrachtet – eine greifbare, inhaltlich motivierte Erweiterung seines künstlerischen Schaffens und eine innovative Form der Retrospektive mit einem einzigartigen Sounddesign.

David Hockey at Lightroom, photo by Justin Sutcliffe

10 Hockneys großes Schaufenster: Der Lightroom in London

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Ich wollte die Bilder neu sehen, und ich denke, das habe ich geschafft.

David Hockney

Wer Hockneys Karriere verfolgt hat, mag zunächst skeptisch sein. Schließlich wird uns eine Reise durch 60 Jahre seiner Kunst versprochen, eine Chance, „die Welt durch Hockneys Augen zu sehen“. Man könnte fragen, ob es sich um eine weitere groß angelegte Dokumentation mit sentimentaler Musik handelt. Doch die Erfahrung, die sich in Lightroom vor dem Hintergrund von Hockneys Soundtrack und seinen dynamischen Bildern entfaltet, ist alles andere als überflüssig. Jede Installation ist eigen und bringt gänzlich neue Erfahrungen mit sich.

Sobald man Platz nimmt, wird man von einer zauberhaften Welt gefangen genommen, die Hockney mit großer Sorgfalt gemalt hat. Die Panoramalandschaften, die sich ständig verändernde Szenerie und Hockneys Stimme, die durch den Raum hallt, sind durchaus im positiven Sinne hypnotisch.

Durch die Verschmelzung der visuellen Technologie von Lightroom mit der X1-Soundmatrix von Holoplot nimmt uns Hockney mit auf eine Reise durch seine künstlerischen Obsessionen, von den vielen Facetten der Perspektive bis hin zu seiner Faszination für den Kubismus. Das Tempo der Ausstellung mag teilweise überhastet wirken, trägt aber zum Gefühl eines berauschenden audiovisuellen Spektakels bei, einer Erfahrung, die einen in Atem hält und dadurch in Teilen des Feuilletons Kritik hervorruft. So bezeichnete der Guardian die Ausstellung als „überwältigenden, leidenschaftslosen Kitsch“, der Evening Standard meint die Schau sei „weniger ein Kunsterlebnis als eine 360-Grad-Dokumentation“.

Natürlich gibt es auch viele begeisterte Gegenstimmen.

Im Independent lesen wir von einem „atemberaubenden Triumph“ und das Magazin Weltkunst spricht von einem „furiosen Auftakt im Lightroom“. Gerade die Kritik an BIGGER & CLOSER lässt jedoch schnell den Verdacht aufkommen, dass die Kommentatoren entweder Hockneys Werk generell nicht mögen oder grundsätzlich alle immersiven, auf ein größeres Publikum zielenden Ausstellungen gerade wegen der angestrebten Popularität und der Nähe zu einem vermeintlichen Mainstream verdammen. Ein Schelm, wer dabei an elitäre Reflexe denkt. Am besten, jeder Besucher macht sich bei seiner nächsten London-Reise selbst ein Bild und hört vor allem genau hin.

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Dark Matter: Berlin in Licht und Sound Text: Sebastian Oswald

Seit nunmehr zwei Jahren beherbergt eine ehemalige

wie ein passiver Betrachter wähnt, stellt sich spätestens ab

Fabrikhalle neben dem Techno-Club Sisyphos im Berliner

dem dritten oder vierten Raum ein absolut umfängliches

Bezirk Lichtenberg das DARK MATTER. Als Idee eines

Gefühl der Immersion ein. Einen wesentlichen Beitrag dazu

Museums an der Schnittstelle von Kunst und Technolo-

leistet der überwältigende Soundtrack und ein Audiosys-

gie zeigt die Dauerausstellung auf 1.000 Quadratmetern

tem, das insbesondere bei den letzten Installationen einen

sieben großformatige Installationen mit einer wohl einzig-

selten in dieser Qualität hörbaren Raumklang abliefert.

arten Licht- und Soundinszenierung. Die Installationen, die über eine reine multimediale Lichtshow hinausgehen,

Die erste Installation „Liquid Sky“ mit ihren 800 einzelnen,

treffen offenbar den Nerv der Zeit und haben bis heute

wellen- und kreisförmig bewegten Lichtpunkten inmitten

über 400.000 Besucher angezogen. Angesichts der Lage

eines verspiegelten Raumes vermittelt den Eindruck von

des Ausstellungsortes fernab der hippen Szeneviertel der

Unendlichkeit. Der Klang ist meditativ, elektronisch und

Berliner Innenstadt ist dies keineswegs selbstverständ-

mitreißend. Schließt man die Augen, eröffnet sich ein fast

lich. Worin liegt also das Geheimnis des Ortes und seiner

paradoxes Erleben von Natur, als stünde man am Meer und

immersiven Installationen? Wir haben genau hingesehen –

spüre Wind und See gleichermaßen. „Inverse“, die darauf-

sowie vor allem: hingehört.

folgende Installation, besteht aus 169 schwarzen Kugeln, die sich in einem choreografierten Tanz bewegen und so

Bereits beim ersten Betreten der Ausstellungsfläche tau-

die Illusion eines lebenden Organismus erzeugen. Die

chen wir ein in eine Parallelwelt. Einzig und allein die Lich-

Kugeln heben und senken sich vor einem strahlend wei-

tinstallationen beleuchten die sieben Ausstellungsräume

ßen Hintergrund, ihre Bewegungen sind mit einem tiefen

und sorgen für eine schnell einsetzende Trance, ein Gefühl

Bass-Soundtrack synchronisiert, der gelegentlich von sanf-

der absoluten Fokussierung auf die von Raum zu Raum

ten melodischen Elementen begleitet wird. Das Ergebnis ist

größer und interaktiver werdenden Installationen. Wie bei-

eine fesselnde Performance, die lebendig und organisch

läufig steigert die Dramaturgie des Ausstellungsrundgangs

wirkt.

den Grad der Immersion. Während man sich anfangs noch

Foto: Ralph Larmann

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Foto: Ralph Larmann

14 Dark Matter: Berlin in Licht und Sound

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Ganz auf Interaktion der Besucher setzt dagegen die fünfte Installation „Polygon Playground“: Eine 360-Grad-Projektion, die dynamische Lichttexturen über die Umgebung zu legen scheint. Besucher sind eingeladen, ihre Schuhe auszuziehen und auf die Installation zu klettern, um mit dem Lichtspektakel eins zu werden und dieses durch ihre Bewegungen zu verändern.

Nahezu überwältigt wurden wir von der schlicht und einfach „Grid“ genannten Installation, die im sechsten und größten Raum wartet. Während in Dreiecken angeordnete Leuchtröhren sich im Takt über den liegenden und sitzenden Besuchern bewegen, erzeugt eine Soundmatrix von Holoplot einen unglaublich wirkmächtigen, dreidimensionalen Raumklang. Alle Töne sind präzise verortbar und dynamisch an den Raum angepasst. Der von Robert Henke komponierte Sound ist mal perkussiv eindringlich, mal wabernd atmosphärisch und lässt einen in die Immersion der audiovisuellen Skulptur abtauchen, so dass der Durchlauf der kinetischen Performance wie im Flug vergeht. Man hat nun endgültig das Gefühl von einer Art Matrix und den raumschiffähnlichen Strukturen von „Grid“ umgeben zu sein.

Abgeschlossen wird der Ausstellungsrundgang von einem weiteren interaktiven Sound-Experiment. Die Installation „Tonleiter“ verwandelt eine Leiter in ein Musikinstrument zum Ausprobieren, wobei jede Stufe mit einem Klangbeispiel und Lichtern an der Decke verbunden ist. Besucher können ihre eigene Musik kreieren und dem Erlebnis damit eine persönliche Note verleihen.

Hinter dem Projekt und den Werken steht Christopher Bauder, Gründer des Designstudios WHITEvoid und des Lichttechnikherstellers KINETIC LIGHTS. Er ist der kreative Kopf hinter DARK MATTER. Bekannt für seine großformatigen Lichtkunstinstallationen wurden Bauders Arbeiten weltweit ausgestellt, darunter auch sein Projekt SKALAR, Einen ebenso schönen wie hypnotisierenden Tanz des

das weltweit zahlreiche Besucher anzog. In DARK MATTER

Lichts bietet „Circular“, ein Art Ballett aus drei Lichtringen,

wird Bauders Vision der Verschmelzung von digitaler und

die im Raum schweben und sich zum pulsierenden, elek-

physischer Welt zum Leben erweckt und den Besuchern

tronischen Soundtrack bewegen. Zurück zur Natur geht

durch modernste Technologie und immersive Installationen

es in der ersten deutlich größeren Installation, dem „Bon-

ein einzigartiges Erlebnis geboten. Die erzeugten Klang-

fire“. Simuliert wird hier eine zutiefst soziale und gleichzei-

landschaften sind ebenso integraler Bestandteil des Erleb-

tig archaische Institution – das Lagerfeuer – mit moderner

nisses wie Licht und Bewegung und verleihen den Instal-

Technologie. 20.000 Lichtpunkte schaffen ein digitales

lationen eine weitere Ebene der Immersion. Man spürt die

Feuer, einen Treffpunkt für Besucher, die sich im Kreis

hohe Kunstfertigkeit und den aufwendigen Prozess, der in

hinsetzen und das flackernde Licht inklusive täuschend

allen äußerst hochwertig produzierten Installationen steckt.

echtem Funkenflug und (digitalem) Kerzenlicht betrachten

Wir haben selten eine stimmigere Verbindung von Kunst

können.

und Technologie gesehen und gehört.

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Seit 20 Jahren arbeiten Yadegar Asisi und Eric Babak zusammen. Der Panoramakünstler und der Komponist.

Angefangen hat es mit dem Mount-Everest-Panorama 2003 im Panometer Leipzig. Es war die Wiederentdeckung des Panoramas im 21. Jahrhundert. Als Malerei mit digitalen Techniken und unterschiedlichsten Motiven und Themen wurde auch die Inszenierung völlig neu gedacht – mit wechselnden Lichtstimmungen und den von Eric Babak komponierten Soundcollagen als einem der wesentlichen Gestaltungselemente. Die Musik, die Eric Babak dazu komponiert ist ähnlich wie die Filmmusik ein unverzichtbarer emotionaler Verstärker. Auf einer 360°-Klangmatrix führt sie die Besucherinnen und Besucher als sinfonische Bildbegleitung durch die Szenen und verstärkt auch die räumliche Wirkung des Bildes. Wie diese Musik entsteht, darüber sprachen wir mit Eric Babak an seinem Wohnort im Londoner Bezirk Soho.

Text: Juliane Voigt

Bildsinfonien Die Panoramamusiken des belgischen Komponisten Eric Babak

ERIC BABAK Eric Babak ist ein Warner/ChappellKünstler und komponiert neben seiner Arbeit für Yadegar Asisi zahlreiche Werke für das europäische Fernsehen und viele weitere Kulturinstitutionen.

Foto: Tom Schulze © asisi

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ThreeSixO

Woher nehmen Sie Ihre musikalische

Inspiration? In Pergamon zum Beispiel weiß niemand, wie die Musik damals geklungen hat.

ThreeSixO

In Filmproduktionen gibt es eine Phase Das stimmt, in anderen Fällen kann ich

der Postproduktion, in der Regisseur und Komponist

Eric Babak

zusammenkommen, um über die Platzierung der musi-

mich in die Musik den entsprechenden Zeiten reinhören.

kalischen Segmente zu entscheiden. Wie läuft dieser

Aber wir haben ja Fantasie. Yadegar Asisi arbeitet in

Prozess bei Ihrer Zusammenarbeit mit Asisi ab?

seinen Bildern immer sehr genau und führt wissenschaftliche Erkenntnisse mit seiner künstlerischen Interpretation

Ja, tatsächlich ähnlich. Ich kenne das

zusammen. Ich bin in der Komposition meist noch freier.

jeweilige Panoramabild vom ersten Gedanken an. Schon

Jede Panoramamusik hat, wie es auch in Filmen wichtig

bevor ich den ersten Entwurf bekomme, sprechen wir über

ist, ein großes musikalisches Hauptthema. Wir setzen es

seine Idee und seine Vision. Nehmen wir mal das PERGA-

meistens für den Übergang aus der Nacht- in die Tagva-

MON-Panorama. Da geht es um die antike Stadt Pergamon,

riante ein. Aber es kommt auch ständig in kleineren Vari-

die Yadegar Asisi in Zusammenarbeit mit den Archäologen

anten vor. Bei DRESDEN BAROCK klingt es dann wie in

der Staatlichen Museen zu Berlin zu neuem Leben erweckt

der Barockzeit. Beim Soundtrack zum TITANIC-Panorama

hat. Sein Bild der Stadt zeigt unter anderem, wie der Perga-

haben wir mit einem großen Orchester gearbeitet, um die

monaltar während eines antiken Theaterfestivals als Opfer-

Größe zu erreichen. Für das PERGAMON-Panorama haben

stätte genutzt wurde. Da wird Theater gespielt, der Kaiser

wir in der Schweiz jemanden gefunden, der sich auf sehr

Hadrian betritt die Arena und wird von Massen gefeiert, in

alte Flöten spezialisiert hat. Ihm habe ich dann meine Parti-

anderen Szenen wird musiziert und getanzt. Wenn dann

turen gesendet, die er dann eingespielt hat. Manchmal

die ersten Entwürfe vorliegen, besprechen wir das ganze

bringt Yadegar Asisi auch Sounds von seinen Reisen mit.

Bild und wählen die Szenen aus, die musikalisch unter-

Bei dem AMAZONIEN-Panorama konnte ich zum Beispiel

stützt werden sollen, die ich dann mit Sounds und Musik

den Gesang eines indigenen Amazonas-Bewohners an

erkennbar mache. Yadegar Asisi ist hier der Regisseur und

einem Feuerkreis im Urwald in die Collage einsetzen. Oder

hat immer klare Vorstellungen. Es ist mir wichtig, zu wissen,

die originalen Urwaldgeräusche. Wenn wir uns dann wohl

was er will. Erst dann setze ich im Studio meine ersten Ideen

fühlen mit dem Ergebnis wird alles im Studio produziert und

um. Die Arbeit am Soundtrack ist ein ständiger Austausch

die Orchester, Chöre oder Solisten aufgenommen und alles

von Musik und Gedanken.

mit den Geräuschen in eine Klangwolke verwandelt.

Eric Babak

18 Bildsinfonien – Die Panoramamusiken des belgischen Komponisten Eric Babak

ThreeSixO

Sie kreieren aufwendige Klangcollagen

oder ‚Klangwolken‘. Im Panorama PERGAMON gibt es Fanfaren für Kaiser Hadrian, jubelnde Menschen, klappernde Räder, kreischende Tiere am Opferaltar, Schritte, Regen, Wind, zirpende Zikaden ...

Alles, was in dem Bild gezeigt wird, kann

Eric Babak

auch zu hören sein, wenn es für Yadegar Asisis Inszenierung von Bedeutung ist. Im Film sind das die Geräusche, die die Szenen authentisch machen. Die Panoramamusik führt die Besucher durch das Bild. Licht und Musik sind genau aufeinander abgestimmt. Bei Bildern mit einem Tag und Nacht Wechsel wird das natürlich auch unterstützt. Manchmal ist es für eine Weile einfach still, oder es zwitschern nur die Vögel, oder es regnet, auch das kann Ruhe erzeugen.

Insgesamt läuft der Sound im Tag-Nacht-Rhythmus etwa 15-20 Minuten pro Durchgang, aber viele Besucher bleiben viel länger für mehrere Durchgänge und entdecken auf ihren Rundgängen immer wieder neue Details im Panorama und in der Musik.

ThreeSixO

Im Bereich der klassischen Musik gibt

es die symphonische Dichtung, Musik, die ohne Worte erzählt. Ihre Panoramamusik scheint mir ähnlich zu sein, vor allem wenn man bedenkt, welch tiefe emotionale Wirkung sie auf das Publikum hat. Wenn man die Besuchenden beobachtet, kann man sehen, wie sie allein durch den Anblick und den Klang mitgerissen werden. Wie gehen Sie beim Komponieren von Emotionen vor?

Eric Babak

Um ehrlich zu sein, weiß ich das nicht

genau. Ich will gar nicht verstehen, wie es entsteht. Ich wehre mich immer dagegen zu analysieren, wie es entsteht, es muss aus einer Leichtigkeit, einer Unbeschwertheit heraus entstehen. Meine Zusammenarbeit mit Yadegar Asisi ist sehr spontan und der ständige Austausch inspiriert sofort zu neuen Ideen. Wir entwickeln gemeinsam das Konzept vom Soundtrack, und ich hatte noch nie das Gefühl, dass ich mich im Ergebnis verbiegen musste. Er hat sehr klare Vorstellungen wie sein Bild klingen soll, und ein sehr feines Gespür bezüglich der Intensität der Emotionen. Das können Gedanken sein wie beispielsweise Traurigkeit mit einem Hoffnungsschimmer oder Freude mit einem Hauch von Sorge. Dies umzusetzen ist ein spannender Vorgang für mich. Glücklicherweise stimmen unsere Vorstellungen darüber überein, wie es klingen soll, welche Emotionen es hervorrufen soll. Nach unseren Gesprächen kristallisiert sich für mich immer eine Idee klare heraus. Erst wenn es im Kopf fertig ist, gehe ich ins Studio für die Umsetzung, weil ich die Musik dann mit Orchester und Chören aufnehme.

Für mich ist wichtig, dass das Bild für Yadegar so klingt wie er es im Kopf hatte, dann ist meine Mission erfüllt. Ich freue mich auf jedes neue Werk als wäre es das erste. Wenn man dann die Besucher mit staunenden Augen sieht, und hier und da eine Träne, ist das ein toller Moment.

Foto: Felix Broede © asisi

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ALLE AKTUELLEN PROJEKTE VON YADEGAR ASISI: NEW YORK 9/11 Bis Anfang 2024 PANOMETER LEIPZIG Richard-Lehmann-Straße 114 04275 Leipzig T +49(0)341.35 55 34-0 www.panometer.de

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DIE MAUER

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