Art Premium Art Premium EDICIÓN NÚM. 21 | VOL. 4
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VOL. 4 - NÚM. 21
CARMELO SOBRINO - MUSEO DEL PRADO - IGNACIO CORTÉS - GUGGENHEIM BILBAO - ANTUAN - MERO - CARDIFF Y MULLER
ABA Art Contemporani - Palma De Mallorca / George Adams Gallery - New York / Evelyn Aimis Fine Art - Miami Gallery Paule Anglim - San Francisco / Art First - London / Art Nueve - Murcia / Galerie Benden & Klimczak - Viersen Galerie Renate Bender - Munich / Black & White Gallery - New York / Roy Boyd Gallery - Chicago Brancolini Grimaldi Arte Contemporanea - Florence / Rudolf Budja Gallery - Salzburg David Castillo Modern and Contemporary - Miami / Chelsea Galleria - Miami / CHINABLUE Gallery - Beijing Clampart - New York / Contessa Gallery - Cleveland / Galleria D'Arte Contini - Venice / Betty Cuningham Gallery - New York Danese - New York / De Soto - Los Angeles / Dot Fifty-One - Miami / Dunn and Brown Contemporary - Dallas Envoy - New York / Rosamund Felsen Gallery - Santa Monica / Forum Gallery - New York / Barry Friedman Ltd - New York Alfredo Ginocchio, Arte Internacional - Mexico DF / Goedhuis Contemporary - London / Gomez Fine Art - Galeria - San Juan James Graham & Sons - New York / Alexander Gray Associates - New York / Greene Contemporary - Sarasota Joan Guaita Art - Palma de Mallorca / Hackett-Freedman Gallery - San Francisco / Dwight Hackett Projects - Santa Fe Galerie Hafenrichter & Fluegel - Nurenberg / Haines Gallery - San Francisco / Hasted Hunt Gallery - New York Galerie Kashya Hildebrand - Zurich / Hirschl & Adler Modern - New York / Galerie Caprice Horn - Berlin Galerie Huebner - Frankfurt / Charlotte Jackson Fine Art - Santa Fe / Galerie Koch - Hannover Jennifer Kostuik Gallery - Vancouver / Galeria Kreisler - Madrid / Greg Kucera Gallery - Seattle Kunsthaus sf/Kunsthaus Miami - San Miguel de Allende/Miami / Anna Kustera - New York / Galerie Helene Lamarque - Paris Galerie Bernd A. Lausberg - Dusseldorf / Lennon, Weinberg, Inc - New York / Richard Levy Gallery - Albuquerque Apama Mackey Gallery - Houston / McCormick Gallery - Chicago / McKenzie Fine Art - New York Andrea Meislin Gallery - New York / Jerald Melberg Gallery - Charlotte / Laurence Miller Gallery - New York Yossi Milo Gallery - New York / Nichido Contemporary Art - Tokyo / Jonathan Novak Contemporary Art - Los Angeles Olyvia Oriental Ltd. - London / Galleria Pack - Milan / Pan American Art Projects - Miami / Franklin Parrasch Gallery - New York Plus Gallery - Denver / Quint Contemporary Art - La Jolla / Red Dot Contemporary - West Palm Beach Yancey Richardson Gallery - New York / Rose Gallery - Santa Monica / Juan Ruiz Galeria - Maracaibo Sakshi Gallery - Mumbai / Santa Giustina/Arevalo Arte - Lucca/Coconut Grove / Lucas Schoormans - New York Galerie Schuebbe Projekt - Dusseldorf / Senior & Shopmaker Gallery - New York / William Shearburn Gallery - St. Louis Soka Contemporary Space - Taipei / SolwayJones - Los Angeles / Spanierman Modern - New York Stefan Stux Gallery - New York / Sundaram Tagore Gallery - New York / TAI Gallery - Santa Fe / Susan Teller Gallery - New York Leslie Tonkonow Artworks + Projects - New York / Leon Tovar Gallery - New York / Tresart - Coral Gables Galerie von Braunbehrens - Munich / Alejandra Von Hartz Fine Arts - Miami / Von Lintel Gallery - New York Westwood Gallery - New York / Wetterling Gallery - Stockholm / Stephen Wirtz Gallery - San Francisco Galerie Erhard Witzel - Wiesbaden / Xin Dong Cheng Gallery - Beijing / Zolla/Lieberman Gallery Inc - Chicago
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Enfoco
UBS es una institución financiera internacional y es además una autoridad en el ámbito artístico internacional, siendo el principal patrocinador de Art Basel en Suiza durante los últimos 14 años, y de Art Basel Miami Beach desde su comienzo hace 5 años. En Puerto Rico UBS se ha convertido en mecenas desarrollando la plataforma artística y cultural de la Isla.
Galería
Virginia Miller ha destacado los movimientos y artistas contemporáneos más revolucionarios y noveles en la comunidad del sur de Florida y del mundo. Su incursión, muchas veces histórica, prefiere la calidad a la moda. Su más reciente primicia es el neo pop chino. Su propósito principal, que el arte sea un legado y no un mero adorno.
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Tema
El artículo plantea una reflexión en torno a una de las últimas prácticas artísticas en clara correlación con el fenómeno de la alteración genética en el marco de nuestra sociedad.
28 Historia del Arte
La retrospectiva visual Art in the USA: 300 años de innovación, que actualmente se encuentra en exhibición en el Guggenheim Bilbao es una imponente despliegue de 200 obras de arte que reflejan la evolución de arte estadounidense desde su época colonial hasta las más vanguardistas formas de arte contemporáneo, evidenciando la complejidad histórica y cultural de Estados Unidos PORTADA Yang Na, Fate From the Mirror, 2007, acrílico sobre lienzo, 35 3/8” x 31 1/2”. Cortesía de ArtSpace/Virginia Miller Galleries, Coral Gables (Miami), Florida
EDICIÓN NÚM. 21 - VOL. 4
sumario 8 Noticias de Puerto Rico, Miami, Internacionales. 18 Estudio
La codificación pictórica y orgánica de un lenguaje grafico se ha convertido en el estilo que define la obra de Carmelo Sobrino, con quien Art Premium ha dialogado en exclusiva, desde su estudio localizado en Puerta de Tierra, en San Juan.
24 Acontecimiento
El Museo de Arte Moderno de Nueva York ofrece un tributo al arte Latinoamericano y del Caribe a través de la exhibición “Nuevas Perspectivas en el Arte Latinoamericano, 1930-2006” que muestra al público una selección de obras adquiridas por esta institución durante los última década.
40 Retrato
El artista cubano, Antuan, nos abre un espacio para dialogar sobre la problemática ecológica e histórica recurrentes en sus piezas conceptuales como temas que buscan provocar al pensamiento.
50 Arquitectura
La ampliación del Museo del Prado en Madrid del prestigioso arquitecto Rafael Moneo es la remodelación arquitectónica más significativa en sus casi doscientos años de existencia.
56 Coleccionista
Ignacio Cortés, el actual presidente de las empresas de chocolate Cortés quiso compartir una selección de 70 obras de su colección personal de obras de arte caribeño y latinoamericano con el pueblo puertorriqueño celebrando los 70 años de aniversario de su empresa.
64 Nuevo talento
MERO va a utilizar todo lo aprendido formalmente y en la calle para darle aun más fuerza y originalidad cuando “traduce” sus preocupaciones socio-políticas al arte que reconoce que le llega mejor y más directamente al pueblo: el graffiti
66 Exposición Miami
The Killing Machine: una historia digna de ser contada por el Miami Art Museum. Janet Cardiff y George Muller exhiben sus obras en America luego de doce anos de llevar sus radicales puntos de vista por todo el mundo.
70 Biblioteca 72 Art Trivia
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ArtPremium Puerto Rico (ISSN: 1548-1468) es una publicación bimensual de ArtPremium, Inc.. Copyright© 2004 ArtPremium Inc.. Por material compilado de fuentes de las cuales se presume veracidad, ArtPremium Inc. no asume responsabilidad por errores u omisiones. ArtPremium Puerto Rico acepta publicar anuncios de clientes de buena reputación. Aún así, no asume la responsabilidad de garantizar la autenticidad y la calidad de los productos promocionados mediante dichos anuncios. ArtPremium no asume tampoco responsabilidad por material fotográfico y escrito enviado. Todo material enviado sin solicitud por parte de la Revista debe estar acompañado por franqueo para cubrir su devolución. Se reservan todos los derechos, incluyendo la traducción de todo escrito y la fotografía. Se prohíbe reproducir algún material de esta publicación sin permiso expreso del publicador. Enviar toda correspondencia, incluyendo suscripciones, a : 1452 Ashford Ave. Ste. 306-A, San Juan, P.R., 00907.
de la editora Miami siempre nos recibe soleada, colorida, ecléctica y, este año, con la celebración de la feria de arte más importante de los Estados Unidos, Art Basel Miami Beach, enfocada en una gran celebración cultural con más de 18 ferias alrededor donde miles de amantes del arte contemporáneo y coleccionistas confluyen para apreciar a los artistas emergentes. Y, una feria como Art Basel, es sin lugar a dudas, un esfuerzo que sólo es posible cuando se puede balancear el interés de promover la pasión por el arte y la cultura y la visión de los auspiciadores de la misma, como ha sido el caso de la institución financiera UBS que por cinco años ha estado apoyando con recursos esta feria y cientos de eventos culturales como principio fundamental de su visión de negocios contribuyendo cada año con la visita de 4,500 de sus clientes de distintos horizontes. Además de Art Basel, las miradas de Miami saldrán un poco de la periferia occidental para adentrarse en el nuevo pop art chino, uno de los más codiciados por coleccionistas internacionales, con la exposición Chinese Pop Art en la Art Space/ Virginia Miller Galleries, cuya trayectoria de más de tres décadas ha estado matizada por su arrojo en destacar a los artistas contemporáneos más noveles y revolucionarios. Virginia Miller nos demuestra con candidez y asertividad que su éxito se lo
Corinne Timsit
ctimsit@artpremium.com
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debe al compromiso inquebrantable por educar y sensibilizar la comunidad sobre el espíritu del arte. Les ofrecemos un artículo de profundidad sobre el polémico tema del arte transgénico; una nueva forma de expresión artística que traslada material de una especia a la otra para crear nuevas formas alternadas genéticamente. Definitivamente, un tema que, aparte del debate que ha provocado en la comunidad científica, ahora se traslada a los foros de discusión artística, espacios que siempre han sido provocadores y punzantes. En esta edición de ArtPremium damos un recorrido por la tan esperada renovación del Museo del Prado en España, la pinacoteca más importante de Europa y cuyo trabajo modernizará el espacio, sin borrar sus 200 años de historia, conversamos con el maestro Carmelo Sobrino sobre sus “garabatos” y nos adentramos en la vida/transformación de uno de los artistas emergentes del graffiti más destacados del momento, MERO. En fin, un celebratorio recorrido por los pasadizos del arte, la estética y la imaginación.
colaboradores Daniela Rusowsky (Isla de Jersey, Gran Bretaña) Daniela Rusowsky es Periodista, Licenciada en Comunicación Social (UPLA) y Msc. en Antropología (Universidad de Chile). Ha trabajado en destacados medios de prensa escrita y televisión, destacándose en el área de periodismo de investigación, ciencia y tecnología; y crónicas de viaje. También ha desarrollado trabajo docente de comunicacón visual para alumnos de antropología y arquitectura.
Iñigo Sarriugarte Gómez (Barcelona, España) Doctor y Profesor en el Departamento de Historia del Arte de la Facultad de Filología, Geografía e Historia (Universidad del País Vasco - España) y Profesor Colaborador en los Programas de Formación Permanente en la Universidad de Deusto (España), donde desarrolla materias relacionadas con la museística, las tendencias actuales del arte y la estética en el siglo XX. Ha publicado numerosos catálogos de artistas y más de una treintena de artículos, participando en numerosas conferencias, seminarios y congresos internacionales.
Violeta Izquierdo (Madrid, España) Es doctora en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, posee además la licenciatura en Historia del Arte por la Universidad de La Laguna y la licenciatura de Historia por la Universidad de Valladolid. Se ha especializado en Historia del Arte Contemporáneo español, concretamente en la figura de César Manrique y con posterioridad ha realizado diversos trabajos posdoctorales relacionados con el exilio artístico español en Francia, dando como resultado varios artículos, trabajos y exposiciones. En la actualidad es profesora de Arte Contemporáneo en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, colabora como crítica de arte en diferentes publicaciones nacionales e internacionales y programa actividades culturales y exposiciones.
Manuel Álvarez Lezama (San Juan, Puerto Rico) Poeta y Crítico de Arte (AICA). Manuel Alvarez Lezama obtuvo los grados de Bachiller y Master en Filosofía en la Universidad de Yale en Estados Unidos. Además de completar el grado de “Juris Doctor” en la Facultad de Derecho de la misma Universidad. Actualmente es profesor de Humanidades, Leyes e Historia del Arte en la Universidad de Puerto Rico, recinto de Río Piedras.
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NOTICIAS PUERTO RICO
Análisis de arquitectura puertorriqueña
Botello sobrepasa expectativas El 19 de noviembre la prestigiosa casa de subastas Christie’s de Nueva York llevó a cabo una subasta de arte latinoamericano. Una de las grandes vencedoras, y gran sorpresa de la noche, fue el cuadro titulado “Niña Durmiendo”. La pieza, hecha en 1939 por Angel Botello fue comprada por un comprador anónimo por la cantidad de $397,000. La obra fue presentada con un estimado de $ 40,000 a $ 60,000. Esta pieza del artista español radicado en Puerto Rico muestra las influencias que recibió el artista de maestros del arte post impresionista europeo, como Paul Gaugin. La misma puede apreciarse en los vivos colores de las sábanas rojas que contrastan estupendamente con la niña negra que duerme plácidamente. Aún con estas influencias tan marcadas la importancia de Botello es que pudo crear un arte propio que no se circunscribió a ningún movimiento particular y que permiten que sea reconocible por cualquier conocedor del arte. La importancia de la obra de Botello en el arte contemporáneo quedó evidenciada en la pasada subasta cuando el fenecido artista entró en el grupo selecto de los artistas latinoamericanos más codiciados.
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La Universidad de Puerto Rico Recinto de Cayey estará celebrando hasta el mes de febrero de 2008 una serie de paneles que tendrán como eje las obras del arquitecto Cayetano Ramón Frade. Los conversatorios, Frade Arquitecto, la práctica de una arquitectura práctica, explora los temas y lenguajes arquitectónicos que Frade utilizó para sus trabajos como arquitecto, los que van desde una línea neoclásica, al modernismo y finalmente adopta elementos de la tradición vernácula. Ese último aspecto de la arquitectura de Frade sirve de punto de partida al panel que presentamos hoy y que exploramos desde diversos campos: la arquitectura, la sociología y la antropología. Entre los oradores invitados se encuentran la profesora Isar Godreau, que presentará la ponencia “Techando la negritud: El proyecto de las casitas del barrio San Antón de Ponce”. Uno de los paneles estará centrado en la ponencia Imagining Puerto Rico: The New York experience de doctor Luis Aponte Parés. Finalmente el arquitecto Jorge Ortiz Colon presentará su conferencia Arquitectura vernácula puertorriqueña: ¿existe?
¡Chocolate Cortés en el Museo de Caguas! La productora de chocolate puertorriqueña, Chocolates Cortés, celebra su 70 aniversario por todo lo alto. La firma Sucesores de Pedro Cortés, Inc., presidida por Ignacio Cortés Gelpí, ha concebido que la celebración se llevará a cabo a través de una serie de actividades culturales, que también tienen la intensión de ser educativas.
Este regalo al pueblo por su fidelidad con el producto, como indicaron, comenzará con una exhibición de arte llamada “Colección de Arte Cortés”. La misma está abierta al público en el Museo de Artes de Caguas (MUAC). Gracias al apogeo que ha tenido esta muestra de arte el museo ha decido extenderla hasta la tercera semana de enero del 2008. Esta magna presentación de arte exhibirá setenta piezas de la colección privada de la familia que incluyen obras de artistas puertorriqueños, caribeños y latinoamericanos de la talla de Rafael Tufiño, Carlos Raquel Rivera, Antonio Martorell, Carmelo Sobrino, Rafael Trelles, Arnaldo Roche Rabell, Carlos Irrizarry, Augusto Marín, y José Morales.
Contando Historia con la galeria Cueto A Cueto Galeria celebró y participo a ICAFair, la primera feria anual internacional del Arte del Caribe en Nueva York. Esta feria se realizó en el Puck Building, 295 Lafayette Street, en Nueva York, exclusivamente con obras creadas por artistas de legado caribeño, del 1 al 4 de noviembre de 2007. Los artistas invitados a esta primera feria fueron: Luis González, Jaime A. Carreras y José Oscar Torres. La primera exposición de su especie mostro obras de artistas jóvenes y establecidos que viven en las 34 islas del Caribe. La muestra estuvo repleta de pinturas originales, dibujos, esculturas, fotografía y ediciones limitadas. Como parte de la actividad se celebró una preinauguración benéfica y recepción de coleccionistas. Los fondos recaudados en esta actividad se usarán para el beneficio de El Museo del Barrio, el único museo de Nueva York que representa la diversidad del arte y la cultura del Caribe y Latinoamérica. Marcel Wah, organizador y director de la feria expresó: “El objetivo de esta exposición es promover y darle impulso al arte caribeño y a los artistas del Caribe que viven en otras regiones del mundo. Este es un espacio no solo para adquirir arte que pocas veces se ve. La feria ofrece una apertura al público sobre la autenticidad, la complejidad y el valor del arte caribeño”.
El Tálamo de Elba Lugo La galería Silvana Facchini ubicada en Miami, Florida ha invitado a la artista puertorriqueña Elba Lugo para que exponga su obra Tálamo, como proyecto exterior. La pieza, obra invitada en la exhibición del artista Antuan, se podrá ver desde el 30 de noviembre de 2007 al 30 de marzo del 2008 Esta invitación es trascendental en la carrera de la artista boricua. Según declaraciones emitidas a través de comunicado de prensa “esta es mi primera
pieza hecha en metal, un medio que tiene extensas posibilidades. Con Tálamo la artista no sólo empieza a hacerse camino en el ámbito del arte internacional sino que encuentra una buena plataforma para expresar sus teorías acerca de lo que es buen arte “Una obra de arte es un trabajo completo y autónomo, sin embargo inacabado. La intención es llevar al público hacia su misterio y miríadas de preguntas acerca de los objetos cotidianos”, expresó.
San Juan experimenta con la foro galería En el número 201 de la Calle Luna del Viejo San Juan está ubicada una nueva galeria, la Galería Foro. Este proyecto, que intenta rescatar el gusto por el arte figurativo, abrió sus puertas el pasado 7 de noviembre con una exposición llamada, precisamente, “La Figura Contemporánea”. Los artistas invitados a esta exhibición fueron Luis Borrero, Mercedes Bou y Amber Lia-Kloppel. Las piezas expuestas por estos artistas demostraron las tendencias más recientes que mueven el arte puertorriqueño contemporáneo, dedicado a la figura humana. Esto quedó evidenciado en la muestra que presentó Luis Borrero, quién volvió a deleitarnos con sus pinturas al estilo neo-barroco que exploran la espiritualidad humana y la fragilidad de la misma. Mercedes Bou contribuyó a la exhibición con sus escenas figurativas cargadas de psicología y con sus obras majestuales de naturaleza muerta. Amber Lia-Kloppel, artista nacida en Nueva York que recientemente se trasladó a Puerto Rico, exhibió su exquisita serie de pinturas, las cuales fueron descritas por el crítico del Philadelphia Weekly Roberta Fallon como: “Íntimas escenas domésticas pintadas con un sutil toque de luces y sombras manifestadas en el lienzo que nos hacen recordar la obra de Vermeer”. Galería Foro será un espacio dedicado estrictamente al arte figurativo y al desarrollo del movimiento actual que busca el revivir este tipo de pintura dentro del arte contemporáneo, tanto en artistas locales como en internacionales.
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NOTICIAS MIAMI Convergen el diseño, la cultura y el comercio en Design Miami Design Miami, uno de los foros más importantes del diseño internacional, se celebra del 7 al 9 de diciembre. Este año, contará con instalaciones de 26 galerías líderes en diseño histórico y contemporáneo, y con una serie de diálogos estimulantes con algunos de los diseñadores más geniales del mundo. El tema de este año, “Ejecución / Proceso”, hace que la atención se centre en objetos de diseño ejecutados como parte de ‘performances’, y cómo el producto terminado interactúa con el usuario, creando un ‘performance’ de su comportamiento, su humor y su proceso de pensamiento. El premio Design Miami / Diseñador del Año, que reconoce anualmente a un diseñador prominente cuyo trabajo es influyente, original y extremadamente novedoso, se le otorgó al japonés Tokujin Yoshioka. Para la ocasión, Yoshioka presentará una instalación retrospectiva de su obra.
Martínez Celaya y el nomadismo del exiliado
M*A*S*H Miami presenta “The Expanded Painting Show”, un colectivo de pintura expandida, curado por Nina Arias y Paco Barragán, desde el 1 al 9 de diciembre. “The Expanded Painting Show” busca ampliar las exploraciones conceptuales del Premio Internacional de Pintura Expandida Castellón, el cual comenzó en 2004. La exhibición constituye hasta la fecha la presentación más extensa en Miami del concepto conocido como pintura expandida, destacando el trabajo Entre noviembre y enero, el Museo de Arte de Miami será hogar de la “Nomad”, instalación de nuevas pinturas del artista cubano Enrique Martínez Celaya, ganador del prestigioso National Artist Award del Centro de Artes Anderson Ranch, en Colorado. Su compromiso con el arte y sus esfuerzos por fomentar las colaboraciones entre el arte y otros campos intelectuales y creativos le valió este premio que reconoce a artistas que apoyan a otros artistas, entre otros atributos. Martínez Celaya se distingue por usar materiales no tradicionales en sus pinturas, como la brea, y en esta ocasión, el medio es el óleo y la cera. Las cinco pinturas de formato grande que componen “Nomad”, con una paleta más colorida de lo usual para Martínez Celaya, exploran los temas del exilio y la trasplantación, la soledad, la nostalgia y el deseo de pertenencia. La pintura central de la exhibición consiste de un leopardo cruzando un paraje invernal; es decir, un viajero fuera de lugar y de tiempo. Las obras evocan el estado de suspensión en que viven los exilados.
Fe de errata El articulo titulado Martorell D.F. en la edición #20 de ArtPremium fue escrito por Ilean Pérez Cruz
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El arte se expande en una exhibición expansiva
de 24 artistas emergentes de alrededor del mundo. La pintura expandida se entiende como la relación e interacción de la pintura con otros medios, como la fotografía, la instalación, la escultura o las nuevas tecnologías, en cualquier soporte. Los artistas que expondrán son Pedro Barbeito, Roberto Coromina, Ángelo Filomeno, Chus García-Fraile, Jaime Gili, Jacin Giordano, Ryan Humphrey, Ivelisse Jiménez, Yui Kugimiya, Clemencia Labin, Dominik Lejman, Pepe Mar, Dani Martí, Gean Moreno, Manfred Peckl, Gavin Perry, Tao Rey, David Rohn, Adam Ross, Diego Singh, Saso Stanojkovic, Vargas Suárez-Universal, Claude Temin-Vergez, y Tim White-Sobieski.
NOTICIAS
MIAMI
Los ángeles de Purvis Young hacen una visitación
Art & Culture Center de Hollywood y su edición de Crystal Vision Gala: $100,000 para el arte
Grace Gallery & Studios es sede, desde el 1 de diciembre hasta el 1 de febrero, de la exhibición “Angels” del artista Purvis Young, natural de Miami. La retrospectiva
El Centro de Arte y Cultura de Hollywood celebró en noviembre la novena edición de su Crystal Vision Gala, con la cual logró recaudar más de $100,000 para una de las instituciones culturales principales del condado de Broward. La gala, llevada a cabo en el Hard Rock Cafe de Seminole, contó con la participación de más de trescientas personalidades,
oficiales del gobierno y patrocinadores del arte que se reunieron para honrar a los galardonados con el Premio Crystal Vision por el Apoyo a las Artes, otorgado a quienes se esfuerzan por hacer prevalecer el arte en los momentos más cruciales, y disfrutar de una velada musical. El dinero que se recaudó ayudará al Centro de Arte a proveer una programación cultural de primera categoría a los residentes del sur de Florida, incluyendo a muchos niños que, de otro modo, no tendrían acceso a una educación artística.
Se discute el futuro del espacio urbano en DawnTown 2007
de más de 100 pinturas, dibujos y obras de medio mixto son muestra de su trabajo desde 1988 hasta hoy, con la predominante figura del ángel que ha caracterizado su obra siempre: ángeles en la Tierra y en el Cielo que simbolizan ayuda y guía o que nos hacen cuestionarnos sobre el estado del mundo. Esta exhibición es su primera muestra retrospectiva desde que el artista sufrió un transplante de riñón en enero de 2007. Young aprendió a dibujar desde pequeño, pero prefiere que le consideren un pintor. Últimamente se le ha catalogado como un pintor urbano expresionista. Su obra se encuentra en más de 60 colecciones públicas y privadas, en numerosos museos de los Estados Unidos.
El evento anual de arquitectura y planificación urbana DawnTown, que se celebra en Miami durante Art Basel Miami Beach, tendrá como invitado especial este año a Ricky Burdett, una figura reconocida mundialmente en el campo de la planificación y un experto en la interacción entre la ciudad, la sociedad y el medio ambiente. Burdett es director
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del programa de Edad Urbana en la Escuela de Economía de Londres y asesor arquitectónico de las Olimpiadas Londres 2012. Burdett ofrecerá una disertación sobre el efecto de la forma de las grandes ciudades en sus habitantes, la relación entre la arquitectura y la democracia, la transportación pública como forma de justicia social y económica y la relación entre la densidad poblacional, el diseño urbano y un gobierno bueno y sustentable.
NOTICIAS INTERNACIONALES El entusiasmo de Christie’s vale un millón o varios A pesar de los temores de que el mercado del arte finalmente sucumba, una reciente noche en Christie’s, demostró lo contrario. En una sala llena de entusiastas postores, se estableció un récord de 16 precios extraordinarios con obras de arte contemporáneo y de posguerra de artistas como Jeff Koons. Gerhard Richter y Lucian Freud. Además de los tradicionales coleccionistas y ‘dealers’, el poder de las estrellas también dijo presente. Personalidades como Sarah Jessica Parkert y el actor británico Hugh Grant igualmente estuvieron en el ‘spot’. Este último también rompió récord de ganancia pudiendo vender su Wharhol (una imagen de Elizabeth Taylor) en $21 millones, habiéndola adquirido en el 2001 por $3.5 millones. De las 66 obras ofrecidas, sólo 5 no se vendieron, ascendiendo las ganancias a un total de $325 millones. Basquiat y Rothko (Untitled Red, Blue, Orange (1955); la más costosa en esta subasta por $34.2 millones), fueron otros artistas ‘premiados’ gracias a importantes compradores como el renombrado joyero Laurence Graff, uno de los postores más ocupados de la noche adquiriendo obras como Sugar Ray Robinson (1982) de Basquiat por $7.3 millones (comisión de la casa incluida).
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Pekín, ¿la nueva cara del arte?
De artista a artista; mucha admiración y mucho dinero. Puede que Damien Hirst, el artista británico reconocido por sus obras de animales muertos suspendidos en formol, haya cedido su primer lugar como el más cotizado en subastas a Jeff Koons, pero aún así, continúa siendo uno de los artistas contemporáneos no sólo más ricos del mundo, sino uno de los que más invierte en arte. En una reciente subasta de Sotheby’s, éste adquirió un Autorretrato (1969) de Francis Bacon por $33 millones. Un verdadero récord considerando el tamaño relativamente pequeño de la obra (14 x 12 pulgadas) y el hecho de que es un artista el postor. Con esta adquisición, Hirst, quien ya posee cuatro obras de Bacon, se une a un grupo selecto de pródigos compradores que han disipado los temores de un declive en los precios del arte contemporáneo. Entre ellos, el negociante de diamantes Laurence Graff, el desarrollador Eli Broad y el inversionista Steve Cohen. Entre las obras que fueron adquiridas por este grupo en dicha subasta se encuentran: ‘Estudio para Corrida de Toros, de Bacon (la más costosa por $46 millones), Corazón Suspendido de Koons (escultura en acero inoxidable color magenta) y otras pinturas de Warhol y Basquiat. La exitosa subasta dejó en total un monto de $950 millones; cifra cercana a los más altos estimados hechos por los analistas de Wall Street.
Además de su actual desarrollo, la sobrepoblada y precipitada ciudad de Pekín, que ya cuenta con importantes museos, tiene ahora más razones para quizá convertirse en el nuevo escenario del mundo del arte. Recientemente abrió sus puertas en esta ciudad asiática, el Centro Ullens de Arte Contemporáneo. La exposición “Nueva Ola ’85: Nacimiento del Arte Chino Contemporáneo”, inauguró el lugar mayormente con piezas de la colección privada de sus fundadores, el matrimonio Ullens de origen belga. Se espera que este centro siente pautas y se convierta en pionero no sólo por su estilo y belleza, sino por establecer estándares de práctica profesional, programas de adiestramiento para directores de museos y contar con biblioteca, librerías y un auditorio; además de comisionar obras de artistas actuales. Las Olimpiadas del 2008, será también otro factor importante para que el mundo occidental ponga su mirada en este nuevo epicentro del arte asiático. Esperemos que otros factores como el económico y nuestra capacidad de apreciar e interpretar una cultura diferente, hagan de esta explosión cultural, una permanente y no una meramente pasajera.
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D O B A L
E L U A R D
Rapper’s Delight, 2007, óleo sobre canvas
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NOTICIAS INTERNACIONALES Impresionante subasta La importancia perdurable que las obras de arte siguen teniendo, tanto como objetos de valor, como de estandarte cultural, quedó demostrada en la reciente subasta de Impresionismo y Arte Moderno de Christie’s - Nueva York. Un total de casi $395 millones fue la cifra ‘a todo color’ recaudada, evidenciando el gran aprecio que continúan despertando obras de grandes maestros como Picasso, Matisse, Modigliani, Pisarro y Cézanne. Un Matisse, ‘La Odalisca, harmonía en azul’ (1937), alcanzó la suma de $33.6
millones, obra más costosa de la noche y récord mundial para el artista. Otra ‘odalisca’ (la mujer como epítome de belleza, sensualidad y fertilidad), de otro favorito de la noche, que obtuvo cifra millonaria, fue ‘Mujer en cuclillas en traje turco’ (1955) de Picasso, retrato de su compañera Jacqueline Roque vendido por $30.8 millones. Otros genios cotizados lo fueron, igualmente, Modigliani, cuyo Retrato del escultor Oscar Miestchaninoff (1916) alcanzó los 30.8 millones; Pisarro, cuyo conjunto de cuatro paisajes (considerados sus mejores) titulado las Cuatro Estaciones (1872/73) se vendió por $14.6 millones; y Cézanne, cuyas obras subastadas estuvieron encabezadas por su retrato del jardinero Vallier; emotiva pintura perteneciente al conjunto de campesinos y trabajadores que el artista realizó hacia los tardíos 1880’s y vendida en $17.4 millones. 16
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Un mecenas llamado Saatchi para un EAU sediento de Arte Actuales negociaciones del reconocido ex-publicista y coleccionista de arte, Charles Saatchi, podrían dar como resultado una galería de arte para los Emiratos Árabes Unidos. Esto como respuesta al deseo de crear otro espacio cultural relevante en esta zona floreciente del Medio Oriente. Aunque el Sr. Saatchi ha declarado haber rechazado ofertas para adquirir su ‘site’ Saatchi Online, sí ha expresado estar en negociaciones con tres posibles socios de Dubai y la zona del Golfo, para crear una versión en lengua árabe del espacio en Internet. Un edificio para una nueva galería también sería parte del trato. Saatchi Online es una especie de MySpace (red social virtual) del mundo del arte, que se ha convertido en uno de los 300 espacios cibernéticos más visitados en un periodo de dos años y que también cuenta con un ‘retoño’ en lengua mandarín para el mundo del arte en China. En un momento en que museos como el Louvre y el Guggenheim y las casas Sotheby’s y Christie’s han abierto sucursales en Abu Dhabi y Dubai, la creación de este ‘site’ en versión árabe y su parcial comercialización, sería ideal para promover y beneficiar artistas locales, permitiéndoles exponer su obra a una audiencia mundial.
La Internet da la bienvenida a Rembrandt Recientemente, y de manera discreta, el British Museum lanzó una abarcadora página de internet de lo que denomina su ‘arte plano’. A saber, su enorme colección de dibujos, grabados y reproducciones. 50,000 de sus dibujos ya han sido clasificados, los grabados (existe un gran número de ellos), todavía no. La página, aún en proceso, ofrece por primera vez, material hasta ahora inaccesible, como por ejemplo, una amplia colección de dibujos satíricos franceses. Esta ardua labor, que ha tomado más de una década, no sólo ha clasificado las obras, sino que provee información relevante desde el tema, autor, dimensiones y técnica; hasta literatura relacionada, proveniencia y quién fue el donante de la obra al museo. Si buscamos bajo autorretratos de Rembrandt, por ejemplo, encontraremos más de cien reproducciones de éstos, copias y hasta falsificaciones de los mismos. La página también permite, de manera gratuita, imprimir reproducciones de buena calidad para usos académicos o personales sin problema de derechos de autor. La razón de la forma discreta en que el British Museum ha realizado su lanzamiento, es porque además de ser un proyecto no completado (aunque avanzado), éste se está sometiendo a prueba para encontrar posibles fallas menores en su utilización. Aún así, ya es un enorme, admirable y utilísimo complemento a este museo excepcional.
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Y LA CONCIENCIA DE SUS GARABATOS La codificación pictórica y orgánica de un lenguaje grafico se ha convertido en el estilo que define la obra de Carmelo Sobrino, con quien ArtPremium ha dialogado en exclusiva, desde su estudio localizado en Puerta de Tierra, en San Juan. POR JOAN MICHELLE MÉNDEZ VIDOT
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ntre las imágenes creadas por el hombre de la prehistoria dentro de las cuevas y la obra de Carmelo Sobrino, no es tanta la diferencia. Los artificios de ambos se pierden en un laberinto de líneas irregulares. Líneas trazadas sobre una superficie y se resguardan en lo rudimentario, que convergen en un punto y dan forma al orden primario de nuestras facultades cognoscitivas: el garabato. ¿El garabato simboliza su obra?
La razón discrimina; el arte libera. Me inserto en el conocimiento inusual del arte. Busco la forma en el garabato. Busco el sentido en el garabato. Busco dar sentido al garabato de mis experiencias. Cuando materializo mi trabajo, cierro los ojos y abro paso a un tránsito incontrolable de líneas que encuentran su propia forma a lo largo del trayecto. Esas Carmelo Sobrino, Cuadro, 2007, óleo sobre lienzo
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formas las concibo como mapas que dan sentido de dirección a la liberación de mis emociones cuando veo la obra terminada. Yo me sorprendo de la corporeidad que adquirieren mis líneas... y mientras yo me sorprenda de todo lo que mi fantasía y mis manos logran desatar, será entonces en la medida en que los que contemplan mi obra se sorprenderán también. Cuando pinto o hago esculturas, lo hago pensando como espectador y no como artista, pues si pienso como artista, corro el riesgo de que al momento de enfrentarme con mi obra, descubra que pude haberlo hecho mejor. El artista por momentos es inconforme con su trabajo, sin embargo, el ojo del espectador es exigente, y con el garabato puedo satisfacer las exigencias que no discriminan, porque no es razón: esas exigencias son lo que se espera del arte... y el arte libera. Si, el garabato simboliza gran parte de mi trabajo.
Veo que sus garabatos trascienden la obra bidimensional.
¿Lo dices por lo que observas? Estás viendo “Enredaderas”; esculturas, dibujos tridimensionales. El garabato es irregular, lo que lo hace a su vez, irrepetible. Y estas esculturas trabajadas en alambre es la extensión de mi visión del garabato. Integro el proceso creativo de mis pinturas en estas esculturas y evito que sucumban en la estática. Pero esto último se logra mientras existan personas que quieran al igual que yo, cerrar los ojos y manipular el filamento. Esa es la peculiaridad de estas enredaderas: que las personas pueden moldear a su modo mi escultura, que a la larga será las de ellos, porque cuando desconstruyan la forma dada, construirán a su vez una forma totalmente distinta a la que tenía y por consiguiente se convertirá en otra escultura... irrepetible, como el garabato.
ESTUDIO
CARMELO SOBRINO
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El artista por momentos es inconforme con su trabajo, sin embargo, el ojo del espectador es exigente, y con el garabato puedo satisfacer las exigencias que no discriminan, porque no es razón: esas exigencias son lo que se espera del arte... y el arte libera.
página de derecha Carmelo Sobrino, Corina de baño I, 2007, acrílico sobre canvas Carmelo Sobrino, Sin título, 2007, acrílico sobre cajas de carton, shopping bag
Más que ser simbólicamente interactivo, “Enredaderas” es una incitación a la desintegración de la idea de la escultura como arte inerte. La escultura no va a morir, simplemente se insertará en una constante alteración a través de las manos y la creatividad de la persona que se encuentre con ella. Es como un renacimiento de la fuerza imaginativa. Es la acción infinita e irrepetible que puede generar una escultura. Yo pretendo que mis esculturas nunca vuelvan a su estado original, porque nunca tuvieron un estado original. Y de eso se trata el arte para mi, de una quimera que nunca tuvo su origen porque predomina siempre en la fantasía del artista que a fin de cuentas, termina en la interpretación del espectador... y con mis esculturas, el espectador tendrá una manera directa y literal de proyectar de un modo tangible sus interpretaciones.
de mis esculturas están expuestas en un espacio destinado al arte y diseño fundado por el diseñador Adam Brody en Zurich, Alemania. La exposición comenzó el 15 de noviembre y aunque no estaré presente, sería interesante ver la manera en que los curadores de la exposición proyectaron su modo de montar mis piezas. En mis esculturas yo dispuse de mi creatividad al mismo tiempo que permito que otras personas dispongan de sus respectivas creatividades. Y ya de por sí, esas esculturas dejan de ser solo mías para ser compartidas con personas que quieran emplearlas como vía canalizante de la fantasía. Por un momento pensé que mis “enredaderas” debían estar acompañadas con un manual de instrucciones, pero luego me di cuenta de que tal manual no hace falta porque a fin de cuentas las personas transformarán mis esculturas a su manera. ¡Me parece que las reglas se hicieron para romperlas!
¿Y cómo un espectador puede deconstruir un garabato tridimensional y de tres pies?
¿ De modo que “Enredaderas” representa un giro en la evolución de su obra?
¿Entonces el garabato en “Enredaderas” es simbólicamente interactivo?
Desmontándolas. Actualmente, algunas 20
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Seguramente. Porque deja de ser un lenguaje
pictórico que se nutre exclusivamente de la subjetividad, aunque con mis trabajos siempre me he inclinado a que el espectador las contemple sin ninguna referencia de antemano. “Enredaderas” es un circuito de líneas interactivas y es un “performance”. Con este trabajo pretendo sugerir más e interpretar menos. El “performance”, es una innovadora manera de crear un nuevo tipo de arte que no se limita a la subjetividad. Es una manifestación que trasciende el espacio, el tiempo y las cantidades. Representa un giro abarcador en el modo de contemplar el arte. Y gracias a esto, he podido comprender que mis trabajos no tienen que resguardarse en la plástica, que mis proyectos pueden convertirse en espacios multitudinarios. Ejemplo de mi evolución dentro de este oficio es saber que no me basta solo con pintar o hacer esculturas; Que también tengo la responsabilidad de fomentar la pasión por el arte de una manera sin precedentes, como “El día de la expresión creativa”. Se trata de un proyecto destinado a promover el arte a través de una reflexión creativa y colectiva. Reunir un conglomerado de personas que
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ESTUDIO
CARMELO SOBRINO Carmelo Sobrino, Dibujo tridimensional, 2007, alambre dulce y objetos
quieran integrarse al proceso creativo del artista a través de los trabajos que ellos mismos realizarían al unísono en un espacio tan grande como un coliseo. Para que un amante del arte pueda tener un acercamiento apropiado a la obra, sería bueno que aunque sea por sólo un día, puedan ponerse en el lugar de los artistas, pensar como los artistas, sentir como ellos, liberar emociones como ellos. “El día de la expresión creativa” es el gran “performance” que tengo en planes para el próximo año. Este tipo de “performance” se desvincula del arte que predomina en las galerías.
Es que no será arte de mercado, es algo totalmente distinto... es un proyecto que demanda emoción. “El día de la expresión creativa” será como la resurrección de talleres como Alacrán (que trabajé junto al maestro Antonio Martorell), el taller de arte Capricornio (en el que trabajé en el pasado), el taller de Fotoperiodismo... Pero una de las cosas que no logrará experimentar el que acuda a esa actividad masiva, es la posición del artista dentro del mercado del arte en Puerto Rico. ¿Qué usted piensa sobre el rol que desempeña las galerías?
Queda definida mi intervención como creador, no como negociante. Pienso que todo aquel que entrega la dignidad, la bondad, la mente y el espíritu en lo que le apasiona, tiene que conceptualizar del modo más efectivo las acciones a tomar cuando surge algún tipo de 22
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acontecimiento. Sobre mi -como artista-, recae el deber de buscar la manera más efectiva de conceptualizar la situación que oscila entre la inspiración y la creación, que no es otra cosa más que el arte mismo y los medios de os cuales me valgo. Gracias a Dios cuento con galeristas que reconocen la trayectoria de mi trabajo y la valoran, pero existen galeristas que deben trabajar en el mejoramiento del desempeño en su trato con los artistas que representan. Uno de los problemas en ciertas galerías es el hecho de que el galerista se entrena exclusivamente como comerciante en lugar de desarrollar una iniciativa por orientarse sobre la calidad de la obra y reconocer el talento detrás de ella. La visión netamente comercial de ciertos galeristas lo conducen a vender; pero no a educar. Y eso lleva al galerista a importarle muy poco la trayectoria del artista que representa, de modo que resulta difícil lograr una relación efectiva entre el galerista y el artista si el primero no reconoce los valores del segundo y éste a su vez, por su carácter de sensibilidad o nobleza se tiene que resignar a ser... un artista comercial. Los artistas somos en algunas ocasiones aventureros de la fe, porque el producto de nuestra labor se vuelve incierto cuando entregamos nuestras obras a ciertas galerías y casi automáticamente nos desvinculamos de ellas. Es comprensible el hecho de que las galerías tienen sus prioridades, el problema es que esas prioridades no son los artistas que representan, sino la fijación por vender, esa fijación por sus condiciones de negociantes. Por otro lado es importante indicar que en Puerto Rico aun quedan galerías que no comparten esa filosofía. Existen galeristas excepcionales que para ellos el respeto hacia el arte de los artistas que representan es prioridad. Pero del mercado del arte se puede esperar cualquier cosa. ¿Qué espera de una galería?
Un gran sentido de ética. Un alto desempeño educativo. Una galería que venda, pero que también oriente. Qué tenga consideración. Que proyecte seguridad. Que promueva de manera positiva el trabajo del artista que representa. Que valore el trabajo del artista, y muy importante: una galería cuyo espacio sea el sincretismo de pasión, humildad y dignidad entre el galerista y el artista. Que exista una democracia de lealtad y respeto. Dialogar con Carmelo Sobrino es trazar una línea de conciencia y otra de emoción, y ponerlas a transitar hasta converger en un punto como las que quedan plasmadas en las pinturas de este artista. Es desmontar la razón, moldearla sin restricciones y volverlas a montar sobre una libertad regida por la sensibilidad, como la que rige en los dibujos tridimensionales de este inventor. Hablar con Sobrino es contemplar la idea de que sus garabatos es otro tipo de orden; un orden que tal vez resulte más regular que el orden existencial. A
CARLOS SANTIAGO Mitos y Realidades: Viajes sin Regreso
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GALERÍAS PRINARDI ���������������� ������������������������������� ���������������������
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ACONTECIMIENTO
ROMPIENDO LOS ESTEREOTIPOS DEL ARTE LATINOAMERICANO
POR DANIELA RUSOWSKY
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n las galerías Paul J. Sachs ubicadas en el segundo y tercer piso del Museo de Arte Moderno de Nueva York, se ha puesto en escena una exhibición que logra representar la fuerza y diversidad del arte Latinoamericano, pero también deja entrever cómo han evolucionado los criterios de selección del MoMA durante una década. La exhibición presenta 200 obras de artistas latinoamericanos que han sido incorporados durante los últimos 10 años y forman parte de las colecciones de dibujos, libros ilustrados, arte mediático, pintura, fotografía, impresiones y escultura. Los trabajos exhibidos incluyen diversas técnicas de expresión artística y comprenden una gran variedad de estilos, desde los inicios del modernismo y la abstracción geométrica hasta el arte informal y conceptual. Esta muestra aborda la amplia gama de adquisiciones recientes y presenta tanto una perspectiva histórica como contemporánea del arte latinoamericano. Durante 24
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La recientemente inaugurada exhibición “Nuevas Perspectivas en el Arte Latinoamericano, 19302006: Selección de una década de adquisiciones”, que tiene lugar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), es una invitación a recorrer la trayectoria de notables artistas latinoamericanos y caribeños que forman parte de la colección del museo. Sin duda una selección de alto nivel que despliega la diversidad y riqueza de estos vanguardistas creadores.
la última década el museo ha incluido una serie de nuevas iniciativas que consolidan la adquisición de arte Latinoamericano y Caribeño. El museo se ha concentrado en la colección de objetos de arte que en su conjunto brinden un panorama acertado de la diversidad del arte Latinoamericano moderno y contemporáneo, representado a través de movimientos y artistas que en muchos casos han sido considerados también por otras importantes instituciones del mundo del arte de renombre internacional. DERRIBANDO MITOS
Por primera vez en la historia del museo, se presenta una selección de trabajos determinantes en la historia del arte Latinoamericano, la que demuestra un amplio rango de ejemplos del constructivismo latinoamericano temprano, junto a una variada gama de movimientos artísticos y técnicas de
expresión. Siguiendo una línea cronológica paralela a la trayectoria del museo, esta exhibición que estará abierta al público entre el 21 de noviembre del 2007 y el 25 de febrero del 2008, y sin lugar a dudas es una excelente oportunidad para adquirir una mirada global del arte de esta región del mundo. El curador de la muestra es Luis PérezOramas quien se unió al museo el 2003, como curador adjunto en el Departamento de Dibujo y fue nombrado el Curador Estrellita Brodsky para el arte latinoamericano en diciembre del 2006. Pérez-Oramas fue recientemente curador consultor, junto a John Elderfield, de Armando Reverón (febrero-abril, 2007), organizó Transforming Chronologies: An Atlas of Drawings (2006) y fue miembro del equipo de curadores que co-organizó junto a Gary Garrels El Museo: Latin American and Caribbean Art from the Collection of The Museum of Modern Art (El Museo del Barrio, 2004).
Más que un recorrido El conocer esta muestra de pinturas, esculturas, dibujos, impresiones, fotografías y trabajos mediáticos abre preguntas al espectador. Como una forma de dar respuesta a estas interrogantes, se han organizado dos eventos paralelos, orientados a entregar un soporte intelectual la muestra. Las entradas para ambas actividades tienen un valor de $10 para público general, $8 para socios y $5 para estudiantes, adultos mayores y staff de otros museos; y pueden ser adquiridas en el lobby u online en www.moma.org/ thinkmodern.
Vik Muniz (Brazil), Narcissus, after Caravaggio, 2005, Chromogenic color print, 7’ 5 1/16” x 5’ 117/8”. Acquired through the generosity of Kara and Stephen Ross, 2006/ Art © Vik Muniz/Licensed by VAGA, New York, NY
La instalación no incorpora ninguna perspectiva individual, por el contrario, ha sido concebida como una variedad de obras las que en su conjunto ejemplifican la necesidad de múltiples miradas entrelazadas, dando lugar a un arte complejo. En el pasado, el arte Latinoamericano ha sufrido de ser caracterizado como “exótico” o de “realismo político”, sin embargo, especialmente a partir de la década del 20, ha contribuido y continúa aportando a la riqueza inimaginable de la modernidad, formando parte de una de las muchas raíces del arte contemporáneo, con un notable desarrollo del arte abstracto y conceptual. El arte desarrollado en América Latina y el Caribe durante el siglo XX no puede ser encasillado en una sola corriente estética, ni bajo un mismo paradigma. Por el contrario,
estos artistas formaron y continúan siendo parte de tendencias artísticas globales, aportando en su obra algunos referentes locales y su sello personal, lo que los ha llevado a ganarse un reconocido espacio en el mundo artístico global. Esta muestra derriba los estereotipos que asocian al arte latinoamericano con la tradición precolombina o el realismo, evidenciando una enorme riqueza en el arte abstracto, crítico de la modernidad y postmodernidad, como también vanguardista en el uso de técnicas y materiales de trabajo. Cabe mencionar la positiva influencia del arte europeo en los artistas latinoamericanos, ya sea a través de pintores de origen europeo que emigraron a América, como a través de diversas formas de intercambio cultural. Como resultado de este proceso, las principales
El jueves 24 de enero, a las 6:30 p.m. en el Teatro Celeste Bartos, 4 West 54 Street tendrá lugar la mesa redonda “Obras de arte como objetos”, donde académicos explorarán las formas en que algunas obras y artistas seleccionados revolucionaron las artes visuales en sus países en un período determinado. Gabriel Pérez-Barreiro, curador de Arte Latinoamericano, del Museo de Arte de la Universidad de Texas, Austin, examina la obra de Gyula Kosice’s Mobile Articulated Sculpture, realizada en 1948; Juan Carlos Ledezma, curador independiente se concentra en el trabajo de Alejandro Otero’s Ortogonales (1951–52); Amy Rosenblum Martín, curadora asistente del Bronx Museum of the Arts, examina el trabajo Mira Schendel’s Droguinha (1967); y Anna IndychLopéz, profesora asistente de arte de The City College de Nueva York dará paso a un debate sobre la obra de Victor Grippo’s Vida, Muerte y Resurrección (1981). Luis PérezOramas, curador de Estrellita Brodsky en Arte Latinoamericano y organizador de esta muestra será el moderador de este evento. Por otro lado, el miércoles, 13 de febrero a las 6:30 p.m., también el Teatro Celeste Bartos, tendrá lugar una jornada de lectura de Poesía Contemporánea Latinoamericana. El Museo de Arte Moderno invitará a destacados poetas a recitar sus propias obras, y a dar su opinión sobre las obras presentadas en la exhibición. Esta actividad es parte de la serie de Poetas Modernos, que revitaliza el legado de Frankv O’Hara’s y el compromiso histórico del MoMA con la poesía. Los autores han sido invitados a incorporar la cultura literaria a la colección del museo, generando un espacio interdisciplinario de las artes y enriqueciendo la experiencia estética y creativa de la exposición. Loa escritores leerán obras clásicas y de su autoría, que reflejen una forma de arte moderno y contemporáneo. ArtPremium 25
ACONTECIMIENTO MoMA
Esta muestra derriba los estereotipos que asocian al arte latinoamericano con la tradición precolombina o el realismo, evidenciando una enorme riqueza en el arte abstracto
Carlos Garaicoa (Cuba), Sin título (L.A.), 2004, gelatin silver prints, thread and pins. Cada una: 391/2” x 591/4”. Fund for the TwentyFirst Century, 2005. © 2007 Carlos Garaicoa página de derecha Jesús Rafael Soto, (Venezuela), Sin título, 1959-60. Wood, painted wood, metal, and nails, 353/8” x 113/4” x 133/8”. Committee on Painting and Sculpture Funds, 2003 © 2007 Jesús Rafael Soto
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corrientes del arte contemporáneo han hecho eco en América Latina, influenciando la creación de sus propios movimientos artísticos. LOS PROTAGONISTAS
En estas galerías se incluyen obras del artista uruguayo Joaquín Torres-García, creador del Constructivismo Universal quien en 1941 declaró su profundo compromiso con la cultura latinoamericana, particularmente su identificación como artista sudamericano. “En realidad, nuestro norte es el Sur. No debe haber norte, para nosotros, sino por oposición a nuestro Sur. Por eso ahora ponemos el mapa al revés, y entonces ya tenemos justa idea de nuestra posición, y no como quieren en el resto del mundo. La punta de América, desde ahora, prolongándose, señala insistentemente el Sur, nuestro norte.” También se hace presente la argentina Gyula Kosice, una de las fundadoras del movimiento MADI durante la década del 40. Esta corriente artística se alejó de estéticas de raíz romántica y del arte figurativo para aproximarse a la perfección a través de la precisión y la minuciosidad basándose en formas geométricas pero delicadas y con una ausencia total de la representación de imágenes concretas.
Hélio Oiticica, Lygia Clark, Willys de Castro, Lygia Pape, Hercules Barsotti, y Alfredo Volpi, los principales protagonistas del neo-Concretismo brasilero de la década del 60; también se dan cita en el MOMA. La intención de los neo-concretistas rompe con los conceptos tradicionales de artista, obra y espectador, y busca incorporar al público como agentes activos de la obra de arte. Para ellos la participación de quienes se exponen al arte son quienes realmente finalizan la misma, cambiando su rol pasivo por una experiencia que los lleve a descubrir su propia poética e invitándolos a ser creadores de su propia obra de arte. De esta forma el proceso creativo es infinito, pues cada persona crea y recrea la obra cada vez que se enfrenta a ella. Asimismo, esta forma de expresión fue también una respuesta en contra del arte geométrico concreto que buscaba marcar una profunda distancia entre la obra creada por el artista y el público a través de la creación de obras de formas puras, universales y carentes de cualquier referencia a objetos “reales” o interpretaciones poéticas. Por otro lado, Gego, Alejandro Otero, Jesús Rafael Soto, y Gerd Leufert (Venezuela), Sergio Camargo (Brasil), y Carmen Herrera (Cuba), figuras fundamentales de movimientos
En un continente cuyo arte encuentra sus raíces en una gran diversidad de culturas y tradiciones estéticas, el resultado no puede ser más que una sorpresa constante de innovación y búsqueda.
constructivos y concretos en América Latina, también podrán ser apreciados en esta muestra. El concretismo aparece dentro de la historia del arte universal como una variante más del arte geométrico del siglo XX. El arte concreto busca apropiarse de las formas geométricas transformándolas en un nuevo lenguaje plástico por considerarlas ordenadas, claras y de comprensión universal, accesible a todo espectador por la simplicidad de sus formas: concretas, libres de contextos específicos y emotividad. El trabajo de estos notables artistas es esencial para entender el arte moderno en América en general y el arte contemporáneo en América Latina en particular. Algunos de los más importante artistas emergentes reconocen en estos pioneros latinoamericanos como artistas que sentaron las bases de su propia exploración estética. Es posible establecer profundas relaciones de contenidos, por ejemplo, entre los Neo-Constructivistas, tales como Oiticica y Kosice, quienes concibieron las obras de arte como equivalentes del cuerpo humano, y el interés general de artistas contemporáneos en la fenomenología del tiempo y nociones tales como territorialidad, arquitectura y constructivismo – manifestada en los trabajos de Víctor Grippo (Argentina), Eugenio Dittborn (Chile), Carlos Garaicoa y Los Carpinteros (Cuba), Anna Maria Maiolino, Waltercio Caldas, José Leonilson, Iran do Espírito Santo, y Rivane Neuenschwander (Brasil). La tendencia de esta generación de artistas de desarrollar vínculos identitarios con el espacio circundante, pero utilizando una perspectiva artística global e interdisciplinaria, le ha entregado las alas para desplegar su arte más allá de sus fronteras nacionales, pero sin perder su esencia. La forma y el contenido de sus obras se constituye a partir de varios campos de interés: biología, física, matemática, literatura, música, filosofía, e incluso la tecnología, pues todos los conocimientos pueden ser puestos al servicio de la transformación de materiales, objetos e imágenes. En un continente cuyo arte encuentra sus raíces en una gran diversidad de culturas y tradiciones estéticas, el resultado no puede ser más que una sorpresa constante de innovación y búsqueda. Un camino de exploración identitaria que mira al pasado precolombino y colonial, es crítico de su presente político y social, y se ha sumado a los movimientos vanguardistas del siglo XX y XXI. En un mundo donde ya todo parece descubierto, es en el arte donde los exploradores siguen navegando intrépidos a la conquista de nuevos mundos. A ArtPremium 27
HISTORIA DEL ARTE
Con aproximadamente 200 obras y una especial atención a la pintura, la más completa muestra de este tipo llevada a cabo en el Guggenheim Bilbao, ofrece un extraordinario panorama de la diversidad cultural e histórica estadounidense.
Tres siglos de arte norteamericano se despliegan en Europa POR DANIELA RUSOWSKY
Como toda retrospectiva plástica, la exposición Art in the USA: 300 años de innovación es un recorrido que explica no sólo el desarrollo de las artes visuales, sino de la historia política y social de Estados Unidos, evidenciando su proceso de gestación como nación independiente y su búsqueda de identidad cultural propia. La muestra -abierta al público el pasado11 de octubre y que se extenderá hasta el al 27 de abril del 2008- se enmarca dentro de las actividades de celebración del Décimo Aniversario del Museo Guggenheim Bilbao, y reúne préstamos de importantes coleccionistas norteamericanos y europeos. La exhibición se presentó por primera vez en el Museo Nacional de Arte de China en Pekín y, simultáneamente, en el Shanghai Museum y en el Shanghai Museum of Contemporary Art. Posteriormente viajó al Museo Estatal Pushkin de Moscú, donde recibió el reconocimiento de la crítica. Para su exhibición en el Museo Guggenheim Bilbao, la exposición ha sido ampliada de forma considerable con la inclusión de aproximadamente 75 nuevos préstamos e instalaciones de diversos artistas. Instalada en el primer y segundo piso del Museo, esta exposición crea una composición narrativa de la experiencia norteamericana capturando sus mitos, sus sueños, sus dificultades 28
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y vulnerabilidades. Dividida en seis períodos históricos, la exposición presenta cerca de 120 artistas representados en aproximadamente 200 obras que abarcan un período desde comienzos del siglo XVIII hasta la actualidad. Desde los retratos de líderes civiles y figuras públicas del período colonial norteamericano hasta los magníficos paisajes de la salvaje naturaleza del oeste; desde la popularidad de las pinturas impresionistas francesas de comienzos del siglo XX y las exploraciones post-industriales del Expresionismo Abstracto y el Arte Pop hasta algunas de las obras más interesantes que se han producido en EEUU en la actualidad, la amplitud de esta muestra evidencia las distintas fases del desarrollo histórico, cultural y social norteamericano. COLONIZACIÓN Y REBELIÓN (1700–1830)
Las pinturas del período colonial norteamericano constituyen una pequeña parte de la creación artística del país. Los colonos europeos se establecieron en las fronteras de los asentamientos de los nativos americanos que tenían sus propias tradiciones artísticas. A su Ralston Crawford, Buffalo Grain Elevators, 1937, óleo sobre lienzo, 40 1/4” x 50 1/4”. Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. Museum.
EXPANSIÓN Y FRAGMENTACIÓN (1830-1880)
Roy Lichtenstein, Grrrrrrrrrrr!!, 1965, óleo y magna sobre lienzo, 68” x 56 1/8”. Solomon R. Guggenheim New York. Donación del artista.
vez, entre los colonos también se contaban personas procedentes de Asia y África que tenían gustos artísticos no europeos. Por ello, las artes de este período representan los valores de diferentes culturas. Pero cuando la historia política de EEUU se centra en la relación de las colonias con Gran Bretaña, también el arte lo hace. Sin embargo, existieron sutiles variaciones en el arte norteamericano desde el principio. Los primeros retratos reflejan la cultura puritana de Nueva Inglaterra y la rigidez de las figuras, símbolo del estricto código moral del ciudadano ideal. Ya en el siglo XVIII, los valores coloniales se habían relajado y los ricos americanos, como los europeos, demandaba retratos que mostraran sus lujosas vestimentas y posesiones materiales. Pero los americanos evitaron los símbolos europeos de nobleza y poder, prefiriendo mostrar sus logros como comerciantes y coleccionistas. A partir de 1776, cuando las colonias proclamaron la Declaración de Independencia, hubo un deseo renovado de marcar diferencias entre el arte norteamericano y la tradición europea. Los retratos de líderes civiles y figuras públicas no estaban destinados a inspirar ni reverencia ni admiración, sino orgullo nacional y entusiasmo. Algunas obras destacadas de este período son Retrato de una dama con vestido azul, de John Singleton Copley (1763, Terra Foundation for American Art), George Washington, de Charles Willson Peale (ca. 1780–82, Walton Family Foundation) y el retrato Munro-Lenox de George Washington obra de Gilbert Stuart (ca. 1800, Judy and Michael Steinhardt). Estos pintores crearon algunas de las mejores y más conocidas obras del período colonial.
La necesidad de desarrollar una identidad nacional después de la Guerra Revolucionaria (1775–83) animó a los ciudadanos del recién formado país a debatir el significado de ser estadounidense. Ya en la década de 1820 las pinturas que describían la vida contemporánea y el paisaje ofrecían a los artistas americanos una forma de ilustrar su creencia de que los ciudadanos del país eran excepcionales por amor de su libertad económica y personal. Las pinturas de género celebraban al individuo normal en un entorno democrático. Estas obras divertían o provocaban el reconocimiento por parte de quienes se veían a sí mismos o a sus vecinos reflejados en escenas anecdóticas de la vida cotidiana. Como tales, las pinturas de género contribuyeron a desarrollar una conciencia nacional entre la diversidad cultural del país. Los paisajes que mostraban la naturaleza prístina y la casi ilimitada extensión del continente virgen, simbolizaban el potencial de grandeza de la nación. A mediados de siglo, el Destino Manifiesto —la expansión de la democracia y la libertad hacia el oeste por mandato divino— legitimaba, para la mayoría de los estadounidenses, el doblamiento de todo el continente. Las obras de este período ponen de relieve estos hechos y exploran la evolución y agitación de la época, documentando la diversidad del paisaje americano. Entre las piezas más destacadas se encuentran Un reino apacible con cuáqueros portando estandartes de Edward Hicks (1829 ó 1830, Terra Foundation for American Art), YoholoMicco de Henry Inman (1832–33, High Museum of Art, Atlanta), Hogar, dulce hogar, de Winslow Homer (ca. 1863, National Gallery of Art, Washington), Sierra Nevada, de Albert Bierstadt (ca. 1871, Reynold House Museum of American Art), Los alegres tripulantes de la barcaza, de George Caleb Bingham (1877-78, Terra Foundation for American Art) y Niebla en Kanab Canyon, Utah de Thomas Moran (1892, Smithsonian American Art Museum). COSMOPOLITISMO Y NACIONALISMO(1880-1915)
El arte estadounidense a comienzos del siglo XX refleja los retos que afrontaba un país que entraba en la escena política mundial. Su nueva riqueza permitía a los artistas y coleccionistas dejar su impronta en el extranjero. Al tiempo, la masiva inmigración a América procedente de todos los confines del mundo disipó definitivamente la identidad de EEUU de antigua colonia británica, convirtiendo a ciudades como Nueva York en las más cosmopolita. Era la época del barco de vapor, que llevó a América y su arte al alcance de la comunidad mundial y del crisol de la modernidad. La popularidad del Impresionismo se vio favorecida por los numerosos artistas que trabajaban en París, y por las obras impresionistas francesas que pasaron a formar parte de colecciones norteamericanas. La pintora de más éxito del país, Mary Cassatt, se convirtió en un importante miembro del grupo de impresionistas modernos de París. Las nuevas tecnologías, especialmente la fotografía, también tuvieron una poderosa influencia en los artistas norteamericanos, lo se refleja especialmente en su forma de tratar los temas urbanos. En lugar de las coloristas vistas de la ciudad, propias del Impresionismo, los pintores del estilo Ash Can buscaron la imagen de una palpitante urbe del comercio. Totalmente conscientes de las tendencias modernas, estos pintores creían en su interpretación genuinamente americana del arte moderno. ArtPremium 29
HISTORIA DEL ARTE GUGGENHEIM BILBAO
Las artes del período colonial representan los valores de diferentes culturas. Pero cuando la historia política de EEUU se centra en la relación de las colonias con Gran Bretaña, también el arte lo hace.
plasmada en formas abstractas. Marsden Hartley, uno de los primeros artistas modernos de EEUU, Ralston Crawford (precisionista), fascinado por el paisaje industrial de la nación, y Thomas Hart Benton, el artista regionalista más conocido, se encuentran entre los autores de este período. También se incluyen en esta sección piezas como Muchacha y máquina de coser de Edward Hopper (1921–22, Museo Thyssen- Bornemisza) y Mujer-Luna de Jackson Pollock (1942, Peggy Guggenheim Collection, Venecia). PROSPERIDAD Y DESILUSIÓN (1945-1980)
Baldessari, Umbrella, fotografía
Entre las obras de esta sección destacan Verano, de Mary Cassatt (1894, Terra Foundation for American Art), Interior en Venecia, de John Singer Sargent (1898, Royal Academy of Arts, Londres), Luchadores, de Thomas Eakins (1899, Los Angeles County Museum of Art), Salomé de Robert Henri (1909, John and Mable Ringling Museum of Art), o Patios traseros, Greenwich Village de John Sloan (1914, Whitney Museum of American Art). MODERNIDAD Y REGIONALISMO (1915-1945)
En una época de efervescencia política entre las dos guerras mundiales, la lucha de los artistas norteamericanos por afrontar las complejidades nacionales e internacionales de su tiempo contribuyó al surgir de uno de los períodos más diversos y contradictorios del arte norteamericano. La Gran Depresión de los años treinta puso fin a la exuberante era del jazz, llevando el desorden a la vida cultural. Muchos artistas que habían cultivado la abstracción dejaron de atender a cuestiones estéticas para hacer proclamas acerca de la injusticia política y social (el realismo social) y para representar la iconografía regional americana (regionalismo). Los regionalistas describían a EEUU como una nación de gente llana y gran diversidad geográfica, y, además, demostraron que los artistas podían ser independientes de Nueva York. Por su parte, los creadores que vivían en esa ciudad buscaban la innovación artística en el mundo natural y en la geometría de los espacios arquitectónicos 30
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La profunda ambivalencia es característica del país tras la II Guerra Mundial. Pese a su triunfal recuperación de la depresión económica de los años treinta, la preocupación por la vuelta de los malos tiempos perduraba. Pese a que el auge de los suburbios proporcionaba una seguridad nueva, surgieron contraculturas que desafiaban el status quo. El optimismo de la próspera posguerra era contrarrestado por el miedo a la guerra atómica, tema presente en el inconsciente colectivo de occidente y manifiesto en todas las formas de arte, incluyendo también al cine y la literatura. El desarrollo del Expresionismo Abstracto coincide con la consolidación de EEUU como potencia internacional. Rompiendo con las convenciones imperantes, tanto en lo relativo a técnica como a tema, las nuevas obras trataban de conciencias individuales. El proceso creativo se convierte en fundamental para unos artistas que maniobran con gran espontaneidad e improvisación en lienzos de escala monumental. Las obras de pintores como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell y Mark Rothko, que escapan la clasificación dentro de una categoría, pueden definirse vagamente como estilos muy abstractos cuyo énfasis radica en el gesto dinámico y enérgico o en el interés reflexivo y cerebral por jugar con amplios campos de color. Los años sesenta siguieron siendo testigos de dramáticos cambios en el arte americano a medida que el Arte Pop y el Minimalismo acaparaban la atención del mundo del arte. Artistas pop como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y James Rosenquist se inspiraron en la publicidad, las vallas, el cine, la televisión y los envases comerciales para presentar imágenes, a veces transformadas mediante el
Ya en la década de 1820 las pinturas que describían la vida contemporánea y el paisaje ofrecían a los artistas americanos una forma de ilustrar su creencia de que los ciudadanos del país eran excepcionales por amor de su libertad económica y personal
humor, la ironía, o el ingenio, que pueden ser interpretadas como celebración y como crítica de la cultura popular. Contrastando con la fascinación por la sociedad de consumo de los artistas pop, los minimalistas primaron el concepto sobre el material, la idea sobre la cualidad sensorial, a menudo prefiriendo la escultura a la pintura, y buscando alternativas entre estas categorías y más allá. Algunos de estos artistas como Dan Flavin, Donald Judd y Ellsworth Kelly rechazaron la pintura como inherentemente ilusionista y prefirieron crear objetos y estructuras que, siendo tridimensionales, no entraban en la tradicional definición de escultura. Entre las muchas piezas de esta sección se encuentran Composición, de Willem de Kooning (1955, Solomon R. Guggenheim Museum), Naturaleza muerta n.º 33, de Tom Wesselmann (1963, Colección Mugrabi), Ciento cincuenta Marilyns multicolores de Andy Warhol (1979, Museo Guggenheim Bilbao), y Desnudos con balón de playa de Roy Lichtenstein (1994, Colección particular). MULTICULTURALISMO Y GLOBALIZACIÓN (1980-ACTUALIDAD)
Desde 1980 los artistas de EEUU han afrontado su herencia del Pop, del Minimalismo, del Arte Conceptual, el performance y el vídeo, llevando estas formas de arte a manifestaciones más sofisticadas. Durante los años ochenta resurge la figuración en la pintura con un enorme éxito comercial, especialmente gracias al boom económico de esta década y pese a la amenaza de la regresión (Julian Schnabel, Eric Fischl y David Salle). Sin embargo, las obras de Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Félix González-Torres y Robert Gober, tratan de problemas sociales, desigualdad e incluso de la nueva epidemia del VIH/SIDA, en contraste con el triunfo económico de los años ochenta, temas poco evidenciados a través de los medios de comunicación, pero donde el arte ha intervenido como espejo de una realidad no tan próspera como aparenta. La diversidad de prácticas del arte contemporáneo estadounidense continúa cuestionando y redefiniendo el arte y su función, tratando las exigencias de la sociedad actual. Entre las obras destacadas de este período se cuentan Sin título, de Keith Haring (1982, cortesía Tony Schafrazi Gallery), Chorro (para Ian Giloth) de Eric Fischl (1982, Colección particular, Suiza), y Celos sexuales y profesionales (Tennyson) de David Salle (1983, Museum of Contemporary Art Kiasma, Finlandia). Las obras de los años noventa hasta la actualidad están organizadas en salas monográficas que muestran obras de Edward
Marsden Hartley, Painting No 50, 1914-15, óleo sobre lienzo, 47”x47”. Terra Foundation for American Art, Daniel J. Terra Collection.
CATÁLOGO Con ocasión de la muestra el Museo Guggenheim Bilbao editó un catálogo profusamente ilustrado que incluye un ensayo de Michael Leja, Profesor de Historia del Arte de la Universidad de Pennsylvania, a modo de recorrido por los movimientos más importantes del arte norteamericano desde el período colonial hasta el presente. Las seis secciones de la muestra se presentan mediante textos cortos a cargo de los comisarios de la exposición. Concluye el catálogo con una amplia cronología y una bibliografía seleccionada.
PROGRAMACIÓN EDUCATIVA Simposio académico y un curso-taller para profesores, In transit: Three Hundred Years of Innovation, que tendrá lugar en el Museo Guggenheim Bilbao el 9 y 10 de enero de 2008. Estas sesiones reunirán a un completo panel de especialistas que debatirán y reflexionarán acerca de los Estados Unidos y de su influencia, a lo largo de sus 300 años de historia, en el arte, la cultura y la política en un contexto internacional. Entre otros, se contará con la participación de Thomas Krens, Juan Ignacio Vidarte, Susan Davidson, Elizabeth Kennedy y David Lubin. Taller especial para educadores Finding Connections:Across the Sea, Across the Galleries, que tendrá lugar entre el 9 y el 11 de octubre. La sección Didaktika de la exposición proporciona al visitante el contexto necesario para comprender las obras que se exhiben en la muestra, incluyendo algunos de los hitos más importantes en materia artística, cultural y política de la historia de EEUU.
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HISTORIA DEL ARTE GUGGENHEIM BILBAO
Desde 1980 los artistas de EEUU han afrontado su herencia del Pop, del Minimalismo, del Arte Conceptual, el performance y el vídeo, llevando estas formas de arte a manifestaciones más sofisticadas.
Gilbert Stuart, George Washington (conocido como el retrato de Muno-Lenox), ca. 1800, óleo sobre canvas, 95” x 64”. Judy y Michael Steinhardt, New York.
Ruscha, Richard Prince, nuevas pinturas de Ellsworth Kelly, una selección de piezas encargadas por el Deutsche Guggenheim a John Baldessari, así como instalaciones y vídeo de Bill Viola, Kara Walker, Matthew Barney y Tom Sachs. DERRIBANDO FRONTERAS A FAVOR DEL ARTE
Co-organizada por la Solomon R. Guggenheim Foundation y la Terra Foundation for American Art, la presentación en Bilbao ha sido posible gracias al patrocinio de Iberdrola, compañía que ha proporcionado un significativo apoyo al Museo Guggenheim Bilbao desde su apertura en 1997. La itinerancia internacional de la muestra ha sido facilitada por Alcoa Foundation, y la dotación original al proyecto corrió a cargo de Henry Luce Foundation. Fundada en 1937, la Solomon R. Guggenheim Foundation tiene como misión promover la comprensión y apreciación del arte, la arquitectura y otras manifestaciones de la cultura visual, fundamentalmente de la época moderna y contemporánea, así como coleccionar, conservar e investigar el arte de nuestro tiempo. Para realizar su misión, la Fundación organiza exposiciones excepcionales, programas educativos, iniciativas de investigación y publicaciones, en un esfuerzo por educar a una audiencia cada vez más diversa e internacional a través de su red singular de museos y alianzas culturales. Actualmente la Solomon R. Guggenheim Foundation posee 32
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y gestiona tres instituciones: el museo Guggenheim de la Quinta Avenida neoyorquina; la Peggy Guggenheim Collection en el Gran Canal de Venecia; y el Guggenheim Hermitage Museum de Las Vegas. La Fundación también aporta programas y asesoramiento a otros dos museos europeos que llevan su nombre: el Museo Guggenheim Bilbao y el Deutsche Guggenheim de Berlín. La exposición Art in the USA: 300 años de innovación ha sido co- organizada junto a la Terra Foundation for American Art, institución que tiene como misión fomentar proyectos innovadores que favorezcan la perspectiva y participación multinacional. A lo largo de sus 27 años de historia, la Terra Foundation ha financiado exposiciones, dotado becas y programas educativos diseñados para individuos de todo el mundo en un diálogo rico y enriquecedor sobre el arte estadounidense. La colección de la Terra Foundation abarca desde la era colonial hasta 1945 y consta de más de 700 piezas. El resultado de varios años de trabajo y un enorme esfuerzo interinstitucional es la exhibición Art in the USA: 300 años de innovación, un recorrido a través de más de 300 años, que traza la forma en la que el arte estadounidense ha discurrido en conexión con los grandes acontecimientos de su historia, es diversa y heterogénea. La muestra, que comienza con la construcción de las bases de una cultura visual propia durante la colonización, independencia y expansión hacia el Oeste; continúa con la adaptación de lenguajes europeos, para luego dar paso a la industrialización, permite al espectador entender por qué Nueva Cork se ha consolidado como uno de los epicentros del arte moderno. Las obras del siglo XX demuestran cómo diferentes estilos e imágenes iconográficas de la prosperidad norteamericana de ciudades y barrios residenciales, de la industria y la moda, y del mundo del ocio y el entretenimiento se han convertido –ya sea positiva como negativamente- en referentes culturales en todo el mundo. A través del arte abstracto, del Arte Pop, y de las instalaciones de vídeo y multimedia, este mensaje se vuelve a veces crítico e incluso irónico. En un mundo globalizado donde los espacios virtuales han expandido los espacios reales, el arte sigue encontrando cabida en museos y espacios públicos, contando la historia del mundo a través de los ojos de los artistas, espectadores de la realidad que reflejan la visión de mundo de un momento dado. Es así como la historia de Estadios Unidos hoy está pintada sobre las paredes del Guggenheim Bilbao. A
TEMA
DEL USO CREATIVO DE LA GENÉTICA AL CONCEPTO DE ARTE TRANSGÉNICO
POR IÑIGO SARRIUGARTE GÓMEZ (BARCELONA)
Desde que se ha implantado el uso masivo y cada vez más incipiente de los cultivos transgénicos en el mundo, el arte se ha lanzado a su estudio y observación, inmiscuyéndose en su complejo entramado con la creación de varias propuestas artísticas, lo que nuevamente ha sacado a la luz el debate sobre al uso de la transgénesis. Iñigo Manglano-Ovalie, Retrato de Doug, Joe Y Genevieve, 1998
Estos debates entre artistas y científicos pretenden demostrar que la ciencia también puede aprender del arte, ya que los científicos pueden empezar a pensar de forma diferente y pensar de forma diferente no siempre es abordar una cuestión de forma metodológica.
Simulación del proyecto GFP K-9
ESTADO DE LA CUESTIÓN:
Uno de los centros que más tiempo lleva analizando y profundizando en la relación arte-ciencia es el Wellcome Trust1, donde se abordan aquellas propuestas que exploran la belleza de los descubrimientos científicos. Esta institución británica se establece en 1936 gracias a las aportaciones millonarias del magnate farmaceútico Henry Wellcome. En la actualidad, emplea más de 400 millones de libras esterlinas al año para la investigación biomédica en el campo de la enfermedad y la salud, lo que suele derivar en importantes resultados médicos. Igualmente, ha realizado grandes avances respecto al genoma humano y las terapias de comportamiento cognitivo para los desordenes psicológicos. Dentro de este espacio, se han organizado diferentes encuentros entre artistas, médicos y científicos, buscando aquellos nexos que relacionen todos estos campos. En definitiva, una apuesta que enlaza perfectamente con el pensamiento del filósofo Antonio Banfi al afirmar que “el arte y la ciencia, como descubridores de la realidad en beneficio de una vida más intensa y una acción más eficaz del hombre, se liberan del símbolo y el mito, adquiriendo sentido y valor humanos.”2 Estos debates entre artistas y científicos pretenden demostrar que la ciencia también puede aprender del arte, ya que los científicos pueden empezar a pensar de forma diferente y pensar de forma diferente no siempre es abordar una cuestión de forma metodológica. En este sentido, para Gillo Dorfles, “el término mismo de creatividad,
hoy tan utilizado, suele aplicarse no sólo al arte sino también a la ciencia. Disponemos ya de suficientes testimonios de hombres de ciencia y artistas que demuestran la identidad del fenómeno creativo sobre el que se basan unas y otras disciplinas. Sólo que el mismo debe someterse a un proceso de racionalización, más o menos incompleto en el caso de las artes, y más completo en el de las ciencias….”3 Esta colaboración anterior pretende hacer llegar a la sociedad el conocimiento de la ciencia en lugares en donde hasta ahora no se había podido entrar. Ya se sabe que hay artistas que recrean retratos mediante la visión por microcospio electrónico de las enzimas de las personas o mediante imágenes de resonancia magnética del cerebro de una persona o a través de un análisis de ADN de la sangre de la persona. En definitiva, toda una serie de trabajos que recaban ciertas ideas sobre la reducción del ser humano a su mínima esencialidad biológica, es decir, a sus genes. Se ha pasado de la constitución anatómica general, a sus tejidos y órganos4 y actualmente, al uso de un retrato a base de los códigos genéticos del propio individuo5. Este tipo de trabajos están planteando cuestiones sobre el control y la propiedad del cuerpo, desde que el científico John Moore6 patentó su línea celular, lo que ha conllevado la creación de los Derechos de Autor sobre el Código Genético. LA ÚLTIMA AVENTURA CREATIVA: EL ARTE TRANSGÉNICO:
El arte siempre ha sido un foco de de-
bate, reflexión y a su vez de escándalo y provocación. En este sentido, el tema a tratar en este artículo se encuentra actualmente en el candelero de los debates más acalorados, siendo un episodio más de ciertas experimentaciones, que nos siguen sorprendiendo y que lógicamente requieren una toma de posición reflexiva. No seré yo el que se adentre en esta diatriba posicional, ya que mi propósito es mostrar lo más objetivamente posible una realidad cada vez más cercana y familiar, y a partir de aquí motivar una reflexión en el lector. Entre los casos más encendidos, se encuentra la muestra celebrada en 1998, en el Museo Estatal del Trabajo y la Tecnología en Manheim (Alemania), convertida hoy en día en una itinerante y modelo de otros proyectos similares. En esta ciudad alemana, se presentó una exposición totalmente chocante, que para muchos fue una clara apuesta por el mal gusto y la falta de la más mínima condición de valores éticos. La exposición en cuestión fue “Korperwelten” (“El mundo del cuerpo humano”), donde se expusieron 200 partes corporales y figuras de tamaño natural, es decir, partes y cuerpos enteros de cadáveres humanos. El trabajo fue preparado por el artista, médico y profesor de Anatomía en la Universidad de Heidelberg: Gunther Von Hagens, quien conservó y preparó los cuerpos y las secciones anatómicas mediante procesos de plastinación, lo que permitía dar mayor firmeza a los tejidos y órganos corporales, con el objetivo de ser expuestos de un modo seguro. Por otra parte, también han sido sonadas las acciones relacionadas con el body art de la artista Orlan al manipular su propio cuerpo, sometiéndose a varias operaciones de cirugía estética en las galerías de arte, con el propósito de adaptar sus rasgos y hacer que se parezcan a los de personajes históricos y míticos. Se trata de propuestas donde se cuestionan los límites de las fronteras corporales y evidentemente los límites éticos de ArtPremium 35
TEMA
ARTE TRANSGÉNICO
El “arte transgénico”, una nueva forma de arte basada en el uso de las técnicas de ingeniería genética con el objetivo de transferir material de una especie a otra y crear de esta manera singulares organismos vivientes con genes sintéticos. Propuestas de combinaciones genéticas realizada por Eduardo Kac
la ciencia. Son numerosos los ejemplos de aportaciones artísticas, que han requerido un posicionamiento ético, moral, religioso o ideológico, tal y como está ocurriendo actualmente con el “arte transgénico”, una nueva forma de arte basada en el uso de las técnicas de ingeniería genética con el objetivo de transferir material de una especie a otra y crear de esta manera singulares organismos vivientes con genes sintéticos. La genética molecular permite al artista construir el genoma de la planta y del animal con el fin de crear nuevas formas de vida. En definitiva, un nueva actitud artística que genera una nueva relación entre el artista, el público y el organismo transgénico. De hecho, como bien afirma Jorge Wagensberg, “el arte es una forma de conocimiento, porque pretende hacer imágenes de acontecimientos del mundo; además de ser un forma que acepta tratar una complejidad”7, así que mediante la implantación de genes artificiales en el genoma de una especia determinada, el artista puede exponer o vender todo tipo de propuestas, que pueden ser cultivadas en el jardín o criadas como animales domésticos. La intencionalidad de esta nueva modalidad artística resulta muy diversa, pero ciertamente ha sacado a la palestra la necesidad de generar un profundo y serio debate sobre el uso de la alteración genética, a la cual ya se han posicionado contrariamente los grupos ecologistas y cristianos del mundo. Ante esta situación, varios artistas, entre ellos especialmente el brasileño Eduardo Kac, han planteado una férrea defensa de su trabajo transgénico al proponer que ante la desaparición paulatina de especies animales, tanto los científicos como los artistas contribuyan a incrementar la biodiversidad global, aportando nuevas formas de vida. 36
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Ante estas nuevas propuestas bio-artísticas, las cuestiones éticas y religiosas adquieren una dimensión extraordinaria, ya que un ser vivo es alterado genéticamente, convirtiéndose directamente en obra de arte, aunque esto último no es nada nuevo, ya que el arte povera en los años 70 dio el asentamiento definitivo a este tipo de aventuras, pero con el arte transgénico se va más allá al intervenir sobre un ser vivo en base a alteraciones genéticas. Ahora, ciertamente el artista se convierte en un programador genético, capaz de crear formas de vida al alterar este código. Resulta una realidad, guste o no, la existencia de cosechas transgenéticas, las cuales empiezan a formar parte fundamental de nuestro paisaje agrícola. De hecho, desde 1995, se han plantado sistemáticamente semillas de soja, patatas, maíz, calabaza y algodón alterados genéticamente. Incluso, ya se han planteado los “planticuerpos”, es decir, genes humanos transplantados al maíz, a la soja, al tabaco y otras plantas para producir acres de anticuerpos con calidad farmaceútica. Toda una arriesgada aventura que no esconde una alta dosis de peligrosidad y de futuro incierto para la humanidad por sus consecuencias o efectos secundarios. Este tipo de apuestas científicas están en clara relación con la “Declaración Transhumanista” del Extropy Institute8, donde se aboga por trasladar el término de humanismo más allá, al desafiar los límites humanos por medio de la ciencia y la tecnología, combinadas con el pensamiento crítico y creativo. Este posthumanismo considera el desarrollo tecnológico como algo central dentro de la evolución inevitable de lo humano. Los principios de Extropy Institute toman forma a partir de los años 80, apoyando todo tipo de iniciativas que generen aperturas de las capacidades humanas. Esta organización ha planteado exportar prin-
cipios, valores o perspectivas que relancen nuevos ideales activos de vida. De hecho, son muy conocidos sus encuentros entre pensadores independientes que comparten la necesidad de exportar nuevas cuestiones a la ciencia y a la sociedad. Uno de sus máximos exponentes ha sido Hans Moravec (1948), profesor e investigador del Robotics Institute (Carnegie Mellon) of Carnegie Mellon University, muy conocido por sus trabajos en robótica, inteligencia artificial y predicciones respecto al transhumanismo. CREADORES DEL ARTE GENÉTICO AL TRANSGENÉTICO:
Se han recogido varias colectivas que han ido mostrando este tipo de aportaciones creativas, como la realizada en Nueva York en la Galería “Exit Art” en el año 2000 bajo el título de “Paradise Now”. La exposición agrupó el trabajo de 39 artistas internacionales, que aportaron numerosas propuestas de carácter genético, demostrando que las implicaciones de la investigación genética conllevan importantes aportaciones y aplicaciones de la biotecnología y la biomedicina, además de sus correspondientes derivaciones hacia el discurso artístico, lo que demuestra que son numerosos los artistas que se han embarcado en el uso de las posibilidades genéticas como base de su comportamiento artístico. Este es el caso del artista británico Neil White, cuya obra se basa en relaciones físicas, personales y sociales implicadas dentro del marco de la ciencia y la tecnología; para ello, utiliza marcadores genéticos, que se convierten en una obra de arte. Se trata de una propuesta enfocada en la noción de herencia como forma visible a la vez que se descubren aspectos de la genética y la manera en que la gente se relaciona. Por otra parte, Kevin Clark emplea muestras de ADN, obtenidas a partir de la sangre de sus modelos, con el fin de realizar retratos. Nancy Burson utiliza el “race machine”, un método que permite al espectador alinear su rostro con una plantilla que te traspasa fisonómicamente a otra raza. Susan Anker explora la imaginería genética con
representaciones de cromosomas, moléculas y secuencias de ADN. Igualmente, colecciona códigos de barra de identificación por ADN, siendo ampliados y decorados con bocetos de cuerpos humanos. La artista norteamericana Catherine Wagner emplea los media para parafrasear cuestiones referentes a su persona mediante aspectos genéticos. Por ejemplo, Karl Mihail and Tran T Kim –Trang son dos creadores de Los Angeles y fundadores del Gene Genies Worldwide©, espacio donde se tratan aspectos relacionados con la modificación y los descubrimientos genéticos. Susan Rankaitis es otra creadora de Los Angeles con un trabajo basado desde principios de los años 90 en propuestas abstractas centradas en códigos y estructuras genéticas, que funcionan a modo de metáforas físicas y metafísicas. Igualmente, Gail Wight, artista conceptual interdisciplinario, que vive y trabaja en California, parte de instalaciones multimedia y medios electrónicos, con el propósito de abordar aspectos críticos de la ingeniería genética y la biotecnología. En muchos de estos trabajos anteriores, se plantea la capacidad de transformar toda la composición del genoma del organismo cultural a través de la composición genética, de ahí, que numerosos críticos estén empleando la etiqueta de “arte genético” para agrupar todas estas experiencias, siendo la primera referencia recogida de este término la del artista y escritor George Gessert en 1993. Especialmente, destaca el artista hispano-colombiano Iñigo Manglano-Ovalle, establecido en los Estados Unidos, quien
emplea el ADN como base de su trabajo en proyectos de colaboración con genetistas, bioéticos y representantes de la industria de la tecnología genética. Por ejemplo, a finales de los años 90, realiza una serie de retratos genómicos, basados en una colección de 48 reproducciones de ADN, que exploran la genética y las representaciones de la identidad individual, poniendo en la calle el debate de cómo la sociedad todavía sigue planteando cuestiones relacionadas con los viejos problemas de la discriminación racial y de clases. Los retratos del ADN a pesar de ser de personas individuales, al verlos juntos se convierten en anónimas y abstractas. Para este proyecto, Manglano-Ovalle parte de las pinturas de casta españolas, obras del siglo XVIII, que representan la superioridad del colonizador español sobre las razas del Nuevo Mundo. El artista realiza dieciséis trípticos, pero no con tres figuras, sino con el ADN de tres individuos, planteando de este modo la desaparición del
Wake Forest en Winston-Salem, Carolina del Norte, con el propósito de que se hicieran reproducciones del ADN. Estas reproducciones fueron ampliadas a tamaño natural en paneles que mostraban un espectro de carácter individual con la exposición del código invisible que hay bajo la piel. Igualmente, esta propuesta generó un debate en torno a los usos sociales de la identificación del ADN; por otra parte, al ser donado el ADN como material artístico, también se cuestionó quien sería el dueño del material genético de estos donantes. El artista colombiano, residente en México, Daniel Rivera presenta en 1998 la instalación “The Garden of Delights” (El Jardín de las Delicias), un proyecto de arte transgénico basado en el pasto. Tomando como referencia la obra de El Bosco, la propuesta recorre paisajes generados por la biología molecular, a la vez que muestra un dispositivo que reconstruye ciudades, donde aparecen futuros jardines públicos, de ori-
Ante estas nuevas propuestas bio-artísticas, las cuestiones éticas y religiosas adquieren una dimensión extraordinaria, ya que un ser vivo es alterado genéticamente, convirtiéndose directamente en obra de arte cuerpo. Para la elaboración de este proyecto, el artista invitó a una serie de personas para que dieran su propio ADN, siendo enviado este material al laboratorio de genética de la Facultad de Medicina de la Universidad de
Eduardo Kac, Medusa Aequorea Victoria empleada para la extracción del GFP ,
gen transgénico, lo que supondría la recuperación de numerosas fragancias florales. En definitiva, se trata de mostrar lo que podrían ser los futuros jardines, tecnológica y científicamente controlados y artísticamente diseñados. Se pretende redefinir la noción de jardín y actualizar los parámetros de relación entre el humano y las especies vegetales involucradas en la ornamentación. Por otra parte, otras de sus propuestas han intentado cuestionar las tecnologías médicas, tal y como ocurre en “Banks in Pink and Blue” de 1999. Resulta muy relevante, dentro de esta misma línea del arte transgénico, los trabajos del artista brasileño Eduardo Kac, quien ha expuesto en el OK Centro de Arte Contemporáneo en Linz, Austria (OK CAC) y Centro de Inter Comunicación en Tokio, Japón (ICC), entre otros espacios. Durante el año 2000, toma parte en un proyecto ciertamente polémico, para el cual colabora asiduamente con tres especialistas del Instituto Nacional de Investigación Agronómica (INRA), en Jouy-en-Josas, Francia: el taxonómo zoológico Louis Bec ArtPremium 37
TEMA
ARTE TRANSGÉNICO Eduardo Kac, GFP Bunny, 2000
y los científicos Louis-Marie Houdebine y Patrick Prunnet. Su proyecto transgénico denominado “GFP9 Bunny” plantea la creación de un conejo verde fluorescente, así como el debate público generado por el propio proyecto, y la consiguiente integración social del animal doméstico. Su propuesta dio como resultado el nacimiento de “Alba”, un conejo de laboratorio, al cual se le introduce una mutación sintética del gen de una medusa, que produce una proteína verde fluorescente. El aspecto de “Alba” es absolutamente normal, pero cuando se expone a una luz azul con un nivel de 488 nanómetros, entonces su piel emite un resplandor verdoso, siendo este mismo el efecto que va a querer lograr con su proyecto “GFP K-9”, donde esta vez se intentará intervenir en un perro con la administración de la misma proteína de la medusa. Esta implantación se había comprobado de manera científica que resultaba totalmente inofensiva, habiéndose probado anteriormente en células de mamíferos, insectos y plantas. También, se han empleado otras variantes de la anterior proteína como la GFPuv, siendo 18 veces más luminosa. El anuncio de su creación generó un fuerte debate público con una contundente respuesta por parte de ecologistas y activistas por los derechos animales, así como por grupos religiosos, quienes rechazaron todo tipo de experimentación gestionada por la inserción de genes de una especie a otra. Eduardo Kac se ha defendido afirmando que los seres humanos poseen secuencias de diferentes virus, adquiridas durante el largo proceso de evolución, siendo esta la prueba que tenemos en el cuerpo DNA de otros organismos, lo que significa que también somos de alguna forma transgénicos. Igualmente, ha defendido su postura artística, anotando que durante siglos el hombre ha cruzado diferentes razas de perros, buscando ciertas características estéticas. También, en la instalación “Jugada 36” de (2004), Eduardo Kac recrea la derrota del campeón mundial de ajedrez Gary Kasparov frente a la computadora Deep Blue. En la casilla de la jugada decisiva, el artista colocó una planta transgénica. La cuestión de la transgénesis empieza a resultar una parte fundamental en nuestras sociedades tecnologizadas, especialmente en lo referente a aplicaciones alimentarias y médicas, lo que ha generado que la ingeniería genética empiece a ser tomada en cuenta por diferentes artistas, quienes lógicamente 38
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comienzan a interesarse en la aplicación de técnicas de ingeniería genética, con el propósito de transferir genes sintéticos a un organismo o material genético natural de una especie a otra, con el propósito de impulsar organismos vivientes y singulares en su forma o color corporal. Por este motivo, en un futuro próximo, tendremos la posibilidad de comprar obras de arte transgénicas, que pueden ser perfectamente cultivadas en nuestros jardines o incluso animales alterados genéticamente. Esto no se trata de una cortina de humo futurista, ya que desde 1980 la Oficina de Patentes y Marcas de los Estados Unidos (PTO) ha otorgado varias patentes de animales transgénicos, entre otras, patentes de ratones y conejos transgénicos. Todo organismo vivo tiene un código genético que puede ser manipulado y el ADN recombinado puede pasar a las siguientes generaciones. No obstante, es cierto que desde un punto de vista científico como artístico se están planteando manipulaciones que van en contra de la evolución normal de la naturaleza, siendo extrañas y contra natura. Actualmente, nos empezamos a adentrar en recreaciones casi fantásticas10, como plantimales (plantas con material genético de animales o animales con material genético de plantas) y animanos (animales con material genético humano o humanos con material genético de animales). CONCLUSIÓN
El arte ha ayudado a sacar a la luz un debate de tintes actuales, pero con fuertes proyecciones de incremento futurista, ya que surge la duda y especialmente una seria preocupación hasta que punto nuestro pla-
neta no será poblado masivamente por cultivos transgénicos, formando parte predominante del paisaje, así como por organismos transgénicos, que puedan ocupar todas las granjas e incluso la creación de animales de compañía transgénicos, que pasen a ser parte de nuestro hogar. A Para recabar más detalles sobre las actividades y encuentros organizados por este centro, se debe visitar su página web: http://www.wellcome.ac.uk 2 Banfi, Antonio. “Filosofía del arte”. Barcelona: Ediciones Península. 1987, p. 173. 3 Dorfles, Gillo. “El intervalo perdido”. Barcelona: Editorial Lumen. 1984, p. 214. 4 Sobre el tema relacionado con con tejidos humanos, códigos genéticos y derechos de autor, remitirse al libro Andrews, Lori; Nelkin, Dorothy. “The Market for Human Tissue in the Biotechnology Age”. New York: Crown Publishers. 2000. 5 Este tema es ampliamente analizado en Nelkin, D. “The Gene as Cultural Icon”. Art Journal, spring, 1996. 6 John Moore es especialmente conocido por su investigación en cruces genéticos a partir de proteínas asociadas, con la intención de generar nuevos organismos, lo que ha representado un precedente de inspiración para algunos artistas, como el brasileño Eduardo Kac. 7 Wagensberg, Jorge. “Ciencia, arte y revelación”, en Giannetti, Claudia (ed.). “Arte en la era electrónica. Perspectivas de una nueva estética”. Barcelona: ACC L’Angelot. 1997, p. 95. 8 Para más información sobre este organismo cultural, remitirse a su página web: http://www. extropy.org 9 GFP es el acrónimo de “Green Fluorescent Protein” o proteína verde fluorescente de la medusa Aequorea Victoria, existente en el noroeste del Pacífico; una medusa que emite luz verde brillante cuando se expone a los rayos ultravioletas. 10 Resulta de gran interés la siguiente publicación: Molina, Angela (ed.). “Futuros Emergentes: El Arte en la Era Post-biológica”. Valencia: Centro Cultural La Beneficiencia. 2000. 1
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RETRATO
MÁS ALLÁ DEL CONCEPTO…EL OBJETO EN SU HISTORIA Fuera de los libros de texto o de interpretaciones académicas, Antuan traza en sus piezas la importancia de ser conscientes de los procesos históricos. POR ILEAN PEREZ CRÚZ
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Mi propuesta de arte desde el principio ha sido una propuesta de arte de protesta.
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a historia cobra vida como parte determinante de la cotidianidad para transformar, delimitar y provocar al sujeto quien, ocasionalmente, hace también las veces del objeto en las obras de Antuan. Sus obras denotan mensajes que instigan explorarse y reclaman la interpretación del espectador. El artista consigue que la historia protagonice sus piezas, ya sea a través de narraciones conceptuales de la Segunda Guerra Mundial o interpelaciones ante problemas tan actuales
mediante unas piezas que se mueven más allá de su estética conceptual. El artista nació en Santa Clara, Cuba y fue inscrito como Antuan, nombre que facilita la pronunciación del mote francés, Antoine, gracias al ingenio materno. “No es un nombre artístico, contrario a lo que mucha gente piensa.” Una vez que regresa de Europa (poco después de su segundo proyecto) la posibilidad de exponer sus instalaciones en Cuba se dificulta amén de problemas de
tener diferentes lecturas. Hubo obras muy problemáticas debido a sus imágenes. Al igual que su mudanza a los Estados Unidos marca el inicio de una nueva etapa, sus obras pueden ubicarse en periodos, ¿cómo se refleja en sus obras este determinante salto cultural? Ha habido varias evoluciones, la primera fue en Francia donde tuve la oportunidad de viajar por primera vez, contaba con veintitrés años. En Europa fui al Museo de Barcelona,
Antuan, Traffic (marfiles), 2007 , media mixto, 19’ x 5’ x 1’
como la contaminación desmedida. “Por varias razones. Mi propuesta de arte desde el principio ha sido una propuesta de arte de protesta, de involucración social, de crítica social, de pensamientos sobre el comportamiento del hombre contemporáneo; fundamentalmente, sobre el mundo ecológico.” Su segundo proyecto, “Memorias del siglo XX”, se inicia antes de 1997 momento en que sale por vez primera de Cuba gracias a unas becas. “Memorias del siglo XX” funge como plataforma para el artista al recalcar la importancia del arte como portavoz de la problemática social. “Durante toda mi carrera ha habido una relación de arte y sociedad y de arte y sociología; de arte e investigación sobre el hombre, sobre el pensamiento del hombre y la interioridad del hombre.” Antuan busca desenmascarar verdades ocultas y provocar el pensamiento en pos de distanciarse del sujeto pasivo-indiferente
política interna con la pieza “La familia”. Tal situación le resultó familiar dado que desde sus inicios como artista que exponía en galerías, a los dieciséis años, enfrentó un evento similar con la obra “Los objetos se sublevan”. Finalmente, opta por mudarse del país y se dirige 90 millas al norte, a los Estados Unidos. ¿La resonancia que tuvieron sus obras en Cuba fue motivo para que eligiera mudarse?
Tuve que irme debido al efecto de mis obras. Fui censurado, inicialmente, a los dieciséis años con mi primer proyecto “Los objetos se sublevan.” Era como un juego ya que no podía utilizar un lenguaje directo, por lo que usaba un lenguaje metafórico y creaba imágenes que tuvieran una gama de lecturas que al mismo tiempo no ofendieran directamente al gobierno. Igual que, como me interesa que el público tenga una visión abierta y muy auténtica en su cabeza, mis obras eran muy abiertas y podían
viajé por la zona sur de Francia para visitar los museos y fundaciones y en Paris visité Pompidou… Durante este viaje es que siento que me encuentro, verdaderamente, con el arte contemporáneo del momento, a nivel europeo e internacional. Sucede un despertar, veo una actualización sobre el arte que se está moviendo en ese momento por lo que cambio, y cambio mi obra. De hecho, tenía una escultura, que guardaba alguna relación e influencia con obras de Giacometti, Brâncuşi, Henry Moore y Agustín Cárdenas. A partir de ahí me muevo a trabajar en una investigación en torno al lenguaje de las metáforas y el juego de las imágenes y las lecturas a modo de conceptualizar temas que para que para mi no morirán. Son como la existencia del ser humano: a dónde vamos, a dónde queremos ir y de qué forma vamos a llegar. En el año 1999 llego a los Estados Unidos donde vuelvo a ver arte contemporáneo. Fue como un encuentro entre los continentes, entre el arte de los continentes. ArtPremium 41
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ANTUAN
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RETRATO
Voy tirando imágenes, lecturas, de todo lo que al hombre se le esconde o lo que se tapa.
De la inspiración que gozó al vivir en Cuba frente a aquellas experiencias que tuvo al visitar museos y exposiciones internacionales, ¿puede hallar diferencias en torno a su propuesta pasada y su propuesta futura? Sí, hallé muchas diferencias en mi criterio porque el arte latinoamericano, tiene, de cierta forma, una imagen. Los artistas tienden a encerrarse en esa imagen. Sin embargo, creo es posible ser latinoamericano y tener una propuesta muy actualizada, sutil y a la par con el movimiento de lo que se está haciendo a nivel mundial. Ser latino o del Caribe no impide tener una propuesta de arte que sea una verdadera y actual. ¿Sus obras, entonces, manifiestan su contemporaneidad y su conceptualización del aura como artista? Sí, y mi evolución de igual forma. Creo que lo que más felicidad me ha dado es haber evolucionado como artista. Muchos críticos y mucha gente que han seguido mi trayectoria desde muy joven han visto una evolución. Aunque, continúo trabajando los mismos temas y trabajando con objetos.
En cuanto a los temas que explora, ¿qué temas son recurrentes en su obra? Trabajo temas ecológicos, sociales, humanistas, psicológicos y sobre determinados hechos históricos. Por ejemplo, la obra titulada “La negra” se expondrá en un momento crítico, en el que dependemos del combustible. La pieza mide 20´ x 8´ pies y utiliza tanques de petróleo. En esta pieza envuelvo al objeto como forma de representar lo que se le oculta al ser humano y de cierta forma, aquellas grandes verdades que no permiten que tengamos una vida mejor. Se trata de un objeto que, a la vez, es un símbolo que nos cambia la vida. Uso el negro como ese sinónimo del misterio de la muerte, de lo macabro y de lo triste. Es como si fuera un ataúd pero derivado de la imagen de una tubería. Arrojo imágenes, lecturas de todo lo aquello que al hombre se le esconde o lo que se tapa con un telón. Pero que para mi presentan un gran teatro que luego se convierte en mi obra que es, por momentos crítica y a veces, agresiva ya que en muchas instancias es una obra que está avisando.
Antuan, Update, 2007, media mixto, 7’ x 5’ x 2’
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¿Qué puede comentarnos acerca de algunas de sus obras? En ‘‘Universal Healthcamp’’ me enfoco en criticar el sistema de salud de los Estados Unidos que a mi entender es sumamente injusto. Resulta irónico que se puedan gastar millones de dólares en una guerra y que una vista al hospital cueste mucho dinero. Esta pieza mide 12´ x 7´ y es una composición abstracta, simbólica. Tuve la oportunidad de ir a una fábrica donde se produce la ropa de enfermeras y cirujanos. Allí compré 70 yardas del mismo tejido. En esta obra cuelgo muletas ya que entiendo que la salud en los Estados Unidos es coja y cojea. Es una obra que arremete contra un sistema. Hacía lo mismo cuando vivía en Cuba. La pieza ‘‘Iron Clamp” mide 11´ x 11´ y en ella se presentan 15 guayaberas originales convertidas en planchas de hierro. Trabajé el hierro molido con unos pigmentos de resina. Esta obra representa lo inflexible y lo crudo que son algunas personas que se visten con una pieza tan representativa como lo es la guayabera. Es una pieza que antes la usaban hombres campesinos y que ahora se
Antuan, Iron clad, 2007, media mixto, 10’ x 7’ x 2”
Antuan, Bare, 2007, fotografía, edición 1/8, 56” x 37”
ha convertido en una pieza de hombres de negocio. La obra titulada “Tráfico” trata el problema ecológico. En ella uso marfiles hechos por mi, todos en bolsas azul oscuro que tienen la textura de la piel del elefante. Esta pieza es irónica porque es fálica y a la vez erótica cuando en realidad se trata de una manada de elefantes que huye. Parece la parte delantera del elefante que huye del encubrimiento que hace el hombre con la materia del marfil para hacer negocios. ¿Le preocupa que el espectador pueda acogerse a una versión distinta a la que expone? No. Lo que me encanta es que el público pueda tener una versión diferente de mi obra, una que sea distinta a la mía. Realmente, ni me gusta explicar mi obra, me gusta que la gente piense con su propia cabeza. Lo que les sugiera la obra es lo que ellos tienen que llevar en su interior.
audiovisuales. Acompaña al artista, Elba Lugo, artista invitada con la obra Tálamo como proyecto exterior.
Actualmente, Antuan expone sus obras durante Art Basel Miami Beach en la galeria Silvana Facchini en Miami, Florida del 30 de noviembre de 2007 al 30 de marzo del 2008. Su exposicion incluye instalaciones, fotografias, esculturas y
Al igual que el poeta puertorriqueño, Jorge Luis Morales, recalcara que la poesía es vida, Antuan abraza esta idea a través de un arte cuya función no recae en la estética kitsch ni en lo banal. Más bien retoma la disciplina del pensamiento en función de la historia, de la sociedad y del imaginario tanto colectivo como individual. Inserta al individuo en su medio ambiente a través de obras que señalan los cambios que el ser humano provoca y apoya ya sea al protagonizarlo o por participar de la indiferencia. Al preguntársele si cree que agotará sus temas principales en algún momento, responde que, “No. El hombre siempre estará molestando y yo estaré molestando también, el hombre no se cansa de darme temas…yo hago la crítica y doy conflicto.” A
Antuan, La negra, 2007,media mixto, 18’ x 8’ x 2’
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ART SPACE/
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Virginia Miller es fiel defensora de la responsabilidad que tiene un tratante de arte contemporáneo de ayudar al público a ver el arte, sentirlo y no dejarse intimidar por sus nuevas formas.El espíritu de la Galería, que exige la integridad y la técnica que le dan valor a una obra, es lo que la define. Afín con esa tradición, Art Space / Virginia Miller Galleries vuelve a dejar una huella en la comunidad artística del sur de Florida al presentar “Six 21st Century Chinese Neo-Pop Artists”, la primera exhibición en la región de este movimiento artístico pionero, desde el 2 de noviembre hasta febrero de 2008.
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Arte excitante, novedoso e inteligente. POR ISABEL BATTERIA
ctualmente, el arte contemporáneo chino se considera una de las categorías más codiciadas por los coleccionistas de arte alrededor del mundo. Según Miller, los trabajos de los artistas neo pop chinos proveen un atisbo del proceso de digerir las influencias occidentales que experimentan los artistas de China y que precipitan otros cambios en la sociedad de esa nación. Los seis exponentes incluyen a Lu Peng y Liu Yan, ambos con decenas de exhibiciones internacionales en su cartera. Su trabajo tiende a contrastar sujetos tradicionales con estrellas de rock e íconos mediáticos. Xiong Lijun y Kang Can están influenciados fuertemente por el manga y la animación. El arte de Yang Na expone su preocupación sobre el materialismo que emerge hoy en China, gracias a las influencias occidentales. Las yuxtaposiciones de Li Bo también dan fe de las grandes diferencias entre la cultura china y la occidental, con énfasis en la importancia del Internet, con el cual pueden florecer relaciones tan fortuitas como las imágenes de sus obras. Miller afirma que esta exhibición será un importante precedente que podremos consultar en el futuro para apreciar la inserción y la posición del neo pop chino en la evolución de la historia del arte internacional. “El arte es novedoso; la calidad es de siempre”.Esa es la costumbre de Virginia Miller: destacar los movimientos y artistas contemporáneos más revolucionarios y noveles, de visiones personales y técnica únicas, y darles luz en la comunidad artística de Florida y del mundo. Por más de 35 años, Miller ha sido una de las más importantes tratantes de arte moderno. Ha llevado a una docena de espacios, incluyendo las múltiples galerías que ha tenido a través del tiempo, una gran gama de artistas modernos noveles y reconocidísimos, y sus esfuerzos se consideran hitos históricos en las artes en Florida. Las primeras exhibiciones que curó Miller constituyen las primeras fusiones del arte y los negocios para fines caritativos. Miller ha propiciado exhibiciones de inmensa importancia artística e histórica: las esculturas y pinturas de Karel Appel, las fotografías de sacerdotes y monjas sexuados de Fernando Luis, el arte contemporáneo ruso en la época en que lo soviético era enemigo de lo estadounidense, la primera retrospectiva de Alice Neel en Florida, la primera exhibición en la región de la historia de la fotografía (incluyendo obras del inventor del negativo, William Henry Fox Talbot, y la primera fotógrafa, Anna Atkins), ArtPremium 45
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VIRGINIA MILLER
Mi meta desde el principio ha sido exhibir a los artistas más destacados que puedo encontrar, independiente de la moda en el mercado.
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Liu Yan, The Man’s World, 2007, tinta, media mixto sobre papel de libro chino instalado en seda, 571/2” x 511/8”
página de derecha Kang Can, Don’t Wake Me Up, 2006, óleo sobre lienzo, 17”x 213/4” Xiong-Lijun, Sunny Kiss, 2003, óleo sobre lienzo, 78”x 62” Fotos: Cortesía de ArtSpace/Virginia Miller Galleries, Coral Gables (Miami), Florida
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dos importantes retrospectivas de Richard Pousette-Dart, la primera exhibición y venta en Florida de arte aborigen australiano, la primera exhibición en los Estados Unidos del artista dominicano Ramón Oviedo... ¿Cómo fue su inicio en el mundo del arte hace 35 años?
Mientras estudiaba psicología con una concentración menor en arte, en la Universidad de Miami, entablé amistad con varios artistas que se quejaban de que las pocas galerías locales a finales de los años 60 y principios de los 70 parecían interesarse más en exhibir artistas reconocidos nacionalmente y había pocos foros para ellos. Yo había trabajado en un banco, una agencia publicitaria y un bufete de abogados, y, por mi trasfondo en los negocios, pensé que podía ayudarlos, a la vez que ganaba algo de dinero para sufragar mis gastos universitarios, organizando exhibiciones en los bancos y para recaudar dinero para organizaciones caritativas. La primera fue en el First National Bank de South Miami en 1969. Luego, tuve la maravillosa experiencia de pasar mi último semestre de universidad viajando por el mundo en un programa llamado World Campus Afloat. En ese viaje, encontré al arte internacional tan intrigante que, al volver a Miami, decidí abrir una galería y continuar estudiando arte en vez de terminar la carrera en psicología, aunque
mis estudios en ese campo me han servido mucho en el mundo del arte. ¿Por qué eligió a Karel Appel y a Richard Poussette-Dart? Son dos grandes artistas de estilos opuestos. ¿Cuál es su línea de expresión?
Las exhibiciones de Karel Appel y Richard Pousette-Dart son sólo dos de las más de 300 que he curado a través de los 34 años de la historia de mi galería. Siempre he tratado de introducir a la comunidad nuevos artistas, formas de arte y visiones excitantes. Siento que exhibir artistas significantes históricamente que nunca han expuesto en esta área, o que no lo han hecho por muchos años, ha sido no sólo algo que aporta a la reputación de mi galería, sino que me ha permitido conocer y trabajar con muchos artistas importantes y fascinantes y contribuir a sus carreras. Al exhibir a artistas como Alice Neel, pude introducir a esta comunidad a una de las retratistas más importantes del siglo XX. Mi meta desde el principio ha sido exhibir a los artistas más destacados que puedo encontrar, independiente de la moda en el mercado. Constantemente, busco artistas que provoquen un “Wow!”: una declaración única y muy personal que aporte a la historia del arte, ejecutada de forma profesional en un medio perdurable. Quiero que mis clientes disfruten su arte por el resto de sus vidas y
que puedan legárselo a un museo o a sus hijos o nietos. También busco una cualidad espiritual, más allá de los medios o del sujeto, que me hable y me emocione. El arte que muestro es ecléctico, pero con la calidad como denominador común. La exhibición de los maestros latinoamericanos y de arte aborigen fue un acercamiento interesante. ¿Busca usted educar a su público respecto a la forma en que deben percibir y entender las diferentes culturas?
Sí, disfruto aprendiendo sobre otras culturas e introduciendo su arte en mi comunidad. En los 70 y 80, mostré arte y artefactos africanos, precolombinos y nativo americanos. La exhibición aborigen australiana de los 90 fue otra en la serie de exhibiciones que me permitió trabajar con una cultura que nunca se había mostrado aquí. Siempre busco cosas que estimulen mi curiosidad e intelecto. Aunque abrí mi galería para los artistas regionales y de Florida, empecé a mostrar arte latinoamericano a mediados de los 70. Me impresionó la variedad y calidad de mucho del arte que vi, mayormente de artistas desconocidos aquí, así que empecé a mostrar sus trabajos y lo he seguido haciendo hasta ahora. En los 70 y 80, aquí, y más en el resto del mundo, había relativamente poco interés o conocimiento sobre arte latinoamericano. La mayoría de los críticos tenían un conocimiento muy somero del arte y la historia latinoamericanos. Pensé entonces, y aun lo pienso hoy, que estaba entre las artes más fuertes, pero menospreciadas, del mercado. Otra de mis metas ha sido presentar el arte en una forma bien integrada, considerando la composición y el tema de la instalación. Se parece mucho a cómo un artista confronta un lienzo en blanco, cuando comienzo con las paredes en blanco de mi galería y convierto las obras de arte divergentes en una cohesión que las realza a cada una por su contexto. Esto significa una gran diferencia en la experiencia visual y contribuye a su componente educativo. Desde el principio, me he asegurado de que cada visitante se sienta bienvenido en mi galería. Saludamos a todo el mundo, y yo o uno de mis empleados le mostrará el lugar y le hablará sobre las obras. Creo que ésta es una parte muy importante del papel educativo de las galerías. ArtPremium 47
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VIRGINIA MILLER
que uno tenga un asociado chino que viva en China y pueda servir de enlace con los artistas y manejar los asuntos locales como empaque y envío. ¿Cuáles son sus proyectos para los próximos cinco años?
Además de algunas exhibiciones temáticas, estamos planificando exhibiciones individuales de los artistas de nuestra galería, incluyendo una para Michelle Concepción de mayo a julio próximos. Ella es una joven artista puertorriqueña que vive en Alemania. ¿Qué potencial tiene el desarrollo de las artes en Miami, independiente del efecto de Art Basel Miami Beach?
Yang Na, A Cup of Yang Na, 2007, acrílico sobre lienzo, 39 3/8” x 311/2”
¿Influencian alguna vez los objetivos comerciales al propósito educativo de la galería?
Sí, la naturaleza variada de nuestras exhibiciones tiene el fin de educarme a mí y a cualquiera que las visite. Muestro arte que me excita, que es novedoso e inteligente. Así, he conservado mi entusiasmo y mi galería ha prosperado por 34 años. Las ventas son necesarias para que los artistas vivan y la galería exista, pero el arte que muestro nunca ha estado determinado por qué venderá, aunque trabajamos fuerte para que se venda. Siempre se elige con base a la calidad y el espíritu del arte. Si hubiera mostrado obras de fácil venta, mi galería hubiera sido una institución muy diferente y me hubiera retirado hace años por el aburrimiento. Además de exhibir y vender las obras de los artistas que representamos y 48
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promovemos, somos corredores de arte moderno para clientes que desean revender el arte que han adquirido de nosotros, otras galerías, subastas o herencias. Nuestros servicios incluyen ayuda con cualquier aspecto de la compra, elección, donación, restauración, enmarcado, empaque, envío e instalación del arte. Se trata de un mercado muy global, y enviamos cada vez más alrededor del mundo. Está exhibiendo artistas de China. ¿Cómo tomó esa decisión y eligió las obras?
Nuestra exhibición de neo pop chino es otra de nuestras primicias históricas en esta región. Me la propuso uno de mis asociados, Pierrette van Cleve, y aproveché la oportunidad. Había tratado de mostrar arte contemporáneo chino hace seis o siete años, pero es difícil conseguir el arte a menos
Independientemente de Art Basel y sus ferias y eventos, Miami siempre será el enlace internacional al arte latinoamericano y caribeño, lo cual asegura una escena artística diversa y vibrante. Desde mi posición, los últimos 38 años de la escena artística han sido de cambio constante. Las ferias han creado una publicidad enorme y han atraído [a Miami] a coleccionistas nacionales e internacionales, artistas, celebridades, representantes de museos y galerías y otros curiosos al área. Estas ferias, especialmente Art Basel, han impulsado a Miami a la estratósfera del arte mundial. Miami continuará creciendo y madurando culturalmente por la naturaleza única de nuestra ciudad y la mezcla fascinante de la población diversa, proveniente de todas partes del mundo, que visitan y viven aquí. Encuentro que el criterio de los coleccionistas se está volviendo más sofisticado cada año. Aunque considero que todavía algunas de mis exhibiciones son pioneras, muchas otras galerías ahora están introduciendo arte novedoso, lo cual indica lo mucho que nuestra comunidad ha progresado en las artes visuales en los últimos 38 años. La meta principal de la galería de Miller, la de suprimir la moda y lo rentable con lo único, lo elocuente y lo perdurable, nos transmite un mensaje muy importante a los artistas, amantes del arte y coleccionistas que podemos aplicar a nuestra visión personal y gustos particulares del arte: hay que creer en el arte que se adquiere. Como dice Miller, el arte no es sólo una inversión financiera, sino una inversión en calidad de vida. A
Jacqueline Cooper Noviembre 2008
Angel Botello “Girl Dreaming”
Samuel Ruíz
Angel Botello Myrna Báez José García Campos Gretchen Haeussler Roxanna Jordán Ruth Lugo- Bolán Adriana Mangual Jeannine Marchand María Josefina Melero Cecile Molina Nora Mité Nieves Mari Mater O’Neill Néstor Otero Masaro Pérez Marta Pérez García Nora Rodríguez Samuel Ruíz Julio Valdez Juan R. Velázquez Jorge Zeno
Enero 2008
208 Del Cristo | Viejo San Juan T 787.723.9987 | 787.724.6776 F botello@botello.com www.botello.com
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ARQUITECTURA
EL MUSEO DEL PRADO SE RENUEVA EN EL SIGLO XXI La última ampliación de la pinacoteca mundial madrileña se ha inaugurado en noviembre de 2007
POR VIOLETA IZQUIERDO (MADRID)
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on la culminación del proyecto de Rafael Moneo en torno al área de los Jerónimos, el Museo del Prado completa la ampliación más significativa de sus casi doscientos años de existencia. Este proyecto, que incluye la creación de nuevas salas de exposiciones y la restauración del antiguo claustro de los Jerónimos, forma parte de un programa continuado de expansión que prevé la incorporación al Prado de distintos edificios de su entorno como son el Gasón y el Salón de Reinos, últimos vestigios del antiguo Palacio del Buen Retiro. El Museo del Prado conformará así un Campus museístico original que reforzará extraordinariamente la rica oferta de uno de los distritos de arte y cultura más importantes del mundo como es el “paseo del arte “en la capital de España. La ampliación del Museo del Prado cierra el proceso de modernización de las más prestigiosas instituciones museísticas internacionales, que arrancó a finales del siglo pasado con la ampliación de la National Gallery de Washington, y que a lo largo de las tres últimas décadas ha permitido convertir los veteranos museos en modernas instituciones para 50
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la conservación y la difusión social de sus colecciones y actividades, tarea a la que se ha aplicado el talento de algunos de los más sobresalientes arquitectos internacionales. Conscientes de esta tendencia internacional, los responsables del Museo del Prado, su Real Patronato y el Ministerio de Cultura que lo tutela, decidieron en 1994 poner en marcha el necesario programa de ampliación que le permitiera al Museo responder a la demanda creciente de sus visitantes, extender de una forma más amplia sus ricos fondos y desarrollar con los más altos niveles de calidad su misión investigadora y pedagógica. La importancia del proyecto de ampliación y modernización del Museo del Prado se reflejó en un inédito pacto parlamentario celebrado en 1995, respetado durante estos años, que ha permitido desarrollar el proyecto a pesar de los cambios en el escenario político español. Después de la convocatoria de dos concursos el proyecto de Moneo fue elegido para la ampliación del Prado en 1998. Su ejecución empezó en febrero de 2002 bajo la supervisión del Ministerio de Cultura. El nuevo edifico incorpora más de
22.000 metros cuadrados de superficie (un incremento de más de un 50% sobre la superficie actual), y permite disponer de una forma más ordenada y amplia los diferentes servicios públicos y funciones relacionadas con la exhibición y conservación de las colecciones del museo. La inauguración en otoño de este año será la culminación de una parte importante de la creación del nuevo Campus del Museo del Prado, la que se refiere a la extensión del edificio principal del Museo en el área del Claustro de los Jerónimos según el proyecto del arquitecto Rafael Moneo. LAS ANTERIORES AMPLIACIONES DEL MUSEO DEL PRADO
Cada época ha dejado su huella en la constante evolución del Museo del Prado. Comenzadas en 1785 las obras del proyectado Museo Real de Ciencias Naturales encargado por Carlos III al arquitecto Juan de Villanueva, hubieron de transcurrir 35 años antes de que Fernando VII decidiera completar el proyecto para alojar el Real Museo de Pinturas. Los trabajos se prolongaron durante otro decenio, hasta la década de 1830.
A partir de la apertura del Museo y a lo largo de toda su historia se han sucedido un gran número de intervenciones de mayor o menos importancia para ganar espacio expositivo y para mejorar los accesos y la circulación interna, intervenciones que han ido transformando la fisonomía de la fábrica original. La primera reforma (1847-52) del proyecto original de Villanueva se debe a Narciso Pascual y Colomer. La intervención consistió en cubrir la sala basilical (anteriormente un espacio con doble altura sobre el que se volcaba la galería superior) para crear una tribuna-galería, la nueva Sala de la Reina Isabel. Entre 1880 y 1892, Francisco Jareño realiza tres intervenciones en el Museo: escalinata de seis tramos en el testero norte del edificio, sustitución de la tribuna-galería de Colomer por un forjado completo y construcción de dos pabellones exentos de nueva planta en la parte trasera del edificio. Entre 1918 y 1921, Fernando Arbós y Tremanti desarrolla lo que puede considerarse la primera ampliación del Museo, ocupando la fachada posterior del edificio Villanueva con dos nuevos volúmenes destinados a salas para la exposición de pinturas. Entre 1943 y 1946, Pedro Muguruza construye una nueva escalera en la fachada norte en sustitución de la de Jareño y realiza algunas reformas en el interior del edificio. Fernando Chueca y Manuel Lorente duplican, entre 1954 y 1956, las crujías de Arbós a cada lado de la sala de Velázquez Entre 1964 y 1968, José María Mu-
guruza realiza la última intervención, que supone una ganancia de espacio dentro del edificio al cubrirse los dos patios que había dejado la ampliación de Arbós Entre 1981 y 1983, José María García de Paredes realiza el proyecto y la obra del salón de actos (lo que ahora es el gran distribuidor entre el edificio Villanueva y la ampliación de Rafael Moneo) En 1987 se ejecuta el proyecto de la sala de instalaciones para el proyecto integral de climatización e iluminación del edificio. EL PROYECTO DE RAFAEL MONEO (19982007)
Rafael Moneo, uno de los más distinguidos arquitectos españoles (autor de los proyectos arquitectónicos para la construcción de sendos museos en Houston y Estocolmo, además del de la Catedral de Los Angeles, del Kursaal de San Sebastián, del Museo Nacional de Arte Romano de Mérida y la estación de Atocha, entre otros), ha ideado una fórmula de ampliación del Prado que, respetando el antiguo edificio, su entorno y las estructuras colindantes, une el Museo con un complejo formado por una construcción de nueva planta y el Claustro restaurado de los Jerónimos. El que la ampliación del Museo se haya producido en el ámbito de los Jerónimos ha permitido actuar en el flanco más débil de su arquitectura: la fachada posterior, resultado, como se ha visto, de lo que han sido las sucesivas ampliaciones y reformas del mismo. De ahí que la actuación haya tenido un doble efecto: por un lado, proporciona
los espacios necesarios que demandaba el Museo, garantizando la continuidad entre el nuevo volumen construido en los Jerónimos y el proyectado por Villanueva; y, por otro, ha mejorado notablemente la espalda de este último. El impreciso e inseguro encuentro que anteriormente se producía entre la ladera ajardinada que se situaba detrás del edificio histórico del Museo y los parámentos de los volúmenes añadidos al mismo a lo largo de los años se ha transformado en un complejo conjunto en el que la arquitectura de Villanueva y las nuevas construcciones quedan trabadas y enlazadas con la ayuda de la plataforma ajardinada con parterres que cubre el área de enlace entre ellas, produciéndose un indivisible y continuo episodio arquitectónico. La propuesta edificatoria en torno al Claustro, por su parte, ha contemplado una volumetría escueta aceptando y haciendo suyos los límites establecidos en las bases del concurso de anteproyectos para la ampliación del Prado. El resultado es un volumen animado por una “loggia” (hilera de columnas en la fachada principal) en el que la puerta de acceso se convierte en el elemento de mayor calado sin competir ni con la puerta ni con la escalinata de la Iglesia de los Jerónimos, al estar situada seis metros por debajo de éstas. Consciente del protagonismo que debía asumir esta puerta del nuevo edificio, Rafael Moneo encomendó su creación a la escultora Cristina Iglesias. El resultado de esta feliz colaboración entre arquitecto y artista ha sido un monumental portón-pasaje de entrada ArtPremium 51
ARQUITECTURA
MUSEO DEL PRADO
fundido en bronce que confiere al edificio una especial singularidad potenciando sus valores arquitectónicos de forma notable. En cuanto a la distribución de los distintos espacios dentro de la ampliación, como reconoce el propio arquitecto, su intención ha sido “conservar hasta donde fuera posible el carácter de lo que fue el antiguo Museo”. Con este objetivo, su proyecto ha concentrado todos los espacios dedicados a instalaciones complementarias e imprescindibles, como la tienda, cafetería, auditorio, consignas, etc. en el gran vestíbulo que separa y une a Tío de la colección permanente, y el público podrá encontrar todos estos servicios reunidos en un mismo espacio, lo que hará más cómodo y fácil el acceso y utilización de los mismos.
La nueva arquitectura permite al Museo disponer de los espacios e instalaciones adecuadas para el desarrollo de su actividad de conservación y custodia de una de las más excelentes colecciones de arte del mundo,
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UNA CONSTRUCCIÓN DE PIEDRA, MADERA, VIDRIO, LADRILLO... Y LUZ.
La materialidad de la piedra, la madera y el vidrio, característica en la arquitectura de Moneo, protagoniza cada uno de los nuevos espacios del Museo del Prado. La arquitectura de la ampliación ha combinado sabiamente el granito madrileño, el ladrillo y el bronce patinado en las fachadas exteriores. En los interiores, adquiere protagonismo igualmente el granito pero en este caso acompañado por maderas de roble y de cedro y bronce en color natural. El cristal ocupa también un espacio protagonista en el conjunto de la ampliación, gracias a la también habitual característica del arquitecto de establecer imaginativas fórmulas para crear verdaderos pasajes de la luz natural. Gracias al imaginativo trabajo de Mo-
neo, la luz solar se filtra por ambos lados en todo el vestíbulo que enlaza los dos edificios, antiguo y nuevo, así como cenitalmente en los nuevos espacios de exposiciones temporales que se organizan en tres niveles en torno al claustro. Para poder crear distintos efectos lumínicos en estos espacios, el arquitecto ha concebido una linterna que atraviesa los distintos niveles a partir del Claustro distribuyendo la luz natural que entra directamente a través del lucernario situado sobre el mismo, pudiendo funcionar simultáneamente, si se considera necesario, como lámpara de luz artificial. Para el exterior curvo del nuevo auditorio, que se ubica en uno de los niveles inferiores bajo el claustro penetrando en los espacios correspondientes al área de enlace, y el gran distribuidor de planta basilical, que comunica el edificio Villanueva con la ampliación, el arquitecto ha escogido un decorativo estuco rojo pompeyano planchado en caliente que contrasta muy acertadamente con el granito gris de Madrid utilizado en los paramentos que lo circundan. EL ENLACE
El enlace entre los edificios antiguo y nuevo, que actúa como vestíbulo, ha quedado oculto mediante la construcción de un pabellón semiexento cubierto por una plataforma ajardinada que remite a los jardines del siglo XVIII. Gracias a esta solución, la espalda del Museo queda envuelta en un manto verde (creado por una geométrica composición formada por hileras de boj enanos), tras el que, por primera vez, su galería principal y el ábside de ésta se pueden volver a contemplar como Villanueva los proyectó. EL NUEVO EDIFICIO
El edificio de nueva planta que incorpora el antiguo claustro del desaparecido monasterio preside el espacio en alto junto a la iglesia de los Jerónimos y frente a la fachada noreste del Museo, destacando por su particular geometría y sus paredes de ladrillo macizo con los vanos enmarcados en bronce. En su fachada principal, destaca la hilera de columnas o loggia situada en el nivel del claustro, y la monumental puerta de acceso diseñada por Cristina Iglesias por invitación de Rafael Moneo. LA PUERTA DE CRISTINA IGLESIAS
La puerta de Cristina Iglesias, realizada también en bronce patinado y definida por la artista como un “tapiz vegetal”, está formada por seis elementos: dos fijos, que invaden los huecos laterales, y cuatro móviles, dos que forman las hojas y otros dos el um-
bral. Todo ello se conforma de bajorrelieves cuyo motivo es una invención vegetal. Las diferentes posiciones de los elementos construyen distintos espacios como los que forman las hojas externas de la puerta con la fachada. Asimismo las hojas internas con los lados del umbral construyen un pasaje de entrada. La puerta, que “al abrirse y cerrarse provocará un momento de atención y una experiencia visual”, no funcionará como acceso habitual al edificio pero tendrá una función ceremonial y cuenta con un sistema hidráulico que permitirá su apertura en distintas posiciones. Cristina definía así su creación a los medios de comunicación “No sólo se trata de una puerta sino que forma un pasaje de entrada.[...]. Añade nuevas perspectivas porque he asumido crear una puerta que a la vez es una escultura que es autónoma en sí misma pero cumple la función que se le ha pedido”. EL CLAUSTRO
Visible parcialmente desde el exterior a través del pasaje que separa la Iglesia de los Jerónimos del nuevo edificio, el antiguo Claustro protagoniza indiscutiblemente la actuación desarrollada en torno al mismo. Rafael Moneo ha conseguido no sólo reconvertir esta histórica pieza en uno de los espacios más destacados de su intervención sino aprovechar sus características para instalar un lucernario que irradia luz a todas las estancias que lo circundan, a modo de galerías, descendiendo también a las salas de exposiciones temporales a través de una escultórica estructura de acero cubierto de cristal transparente concebida como linterna. La linterna permite el paso de la luz natural desde el lucernario hasta las salas de exposición y podrá funcionar a la vez como una lámpara de luz artificial al haberse dotado de una instalación eléctrica con este fin. Como una prueba más de la especial significación otorgada a este espacio dentro de la ampliación, el claustro se integra en el nuevo edificio como el corazón simbólico de toda la actividad de restauración y estudio de las obras de arte y lo hace además con un nuevo uso en sí mismo como espacio expositivo, lo que le otorgará por primera vez una visibilidad y disfrute público de los que nunca antes había gozado. Está previsto que pueda dedicarse a la exhibición de obras escultóricas, tanto de la colección permanente como de las exposiciones temporales. El claustro fue cuidadosamente desmontado, restaurado y restituido como primera fase del proyecto de ampliación. LOS NUEVOS USOS
La nueva arquitectura permite al Museo disponer de los espacios y las instalaciones
adecuadas para el desarrollo tanto de su actividad interna de conservación y custodia de una de las más excelentes colecciones de arte del mundo, como de su actividad pública en relación con el público que lo visita o participa en sus actividades. La ampliación rehabilita el uso de la entrada principal del edifico Villanueva, la llamada puerta de Velázquez, al conectar este acceso de forma directa con la ampliación a través de la gran sala basilical, convertida en hall de distribución para la visita a la colección. Junto a esta, dos nuevas entradas dan acceso a un amplio vestíbulo que conecta los dos edificios y donde se sitúan los principales servicios de atención al visitante, así como las nuevas tienda y cafetería. Por su parte, el desarrollo de la actividad expositiva y cultural del Museo se amplía extraordinariamente con la dotación de nuevos espacios para la celebración de exposiciones temporales y un nuevo y moderno auditorio. Con esta ganancia, el Prado podrá incrementar su programación cultural en paralelo con su actividad expositiva. Al disponer de un acceso diferenciado desde el vestíbulo creado por la ampliación, el visitante podrá encontrar una oferta complementaria de actividades durante el horario de apertura del Museo. El nuevo edificio dedica una parte importante de su extensión a alojar departamentos y servicios que garantizan la conservación y la movilidad de sus colecciones (talleres de restauración, laboratorios, gabinete de dibujos y grabado y depósi-
tos de las colecciones no expuestas). Estos nuevos equipamientos se distribuyen en cinco de las siete plantas del nuevo edificio comunicadas internamente permitiendo desarrollar una mayor actividad de conservación sin alterar el normal funcionamiento de la vida pública del museo. Asimismo, la ampliación absorbe la mayor parte de las necesidades del Museo para los servicios internos. Finalmente, y derivado del desalojo de servicios tradicionalmente instalados en el edificio Villanueva, la ampliación de los Jerónimos posibilita la recuperación de una cuarta parte de espacio en el Museo. Esta otra ampliación permitirá en un futuro próximo extender más la presentación de la colección, así como que servicios tan fundamentales como el Área de Educación dispongan de un espacio más adecuado de ubicación. LA OTRA AMPLIACIÓN: EL CAMPUS DEL MUSEO DEL PRADO
La apertura del edificio de los Jerónimos es una parte importante del desarrollo del más ambicioso plan de ampliación del Museo del Prado. Diseñado desde el origen en forma de un campus museístico que incorpora distintos edificios del entorno del Museo, el diseño definitivo de sus usos se decidió con la aprobación del plan de actuación del organismo público en octubre del 2004. El nuevo campus estará integrado por el complejo Villanueva-Jerónimos, el Gasón del Buen Retiro y el Salón de Reinos (sede del Museo del Ejército) y se completará fuera de Madrid con ArtPremium 53
ARQUITECTURA
MUSEO DEL PRADO sumará pronto el ampliado y rehabilitado Casón del Buen Retiro, sede de la actividad investigadora del Museo al constituirse como Centro de Estudios del mismo, incluyendo los depósitos y sala de lectura de la Biblioteca y un innovador proyecto formativo, pionero en España, que se pondrá en marcha bajo la denominación de Escuela del Prado. EL SALÓN DE REINOS
Este amplio complejo museístico aspira a su desarrollo definitivo con la futura integración del Salón de Reinos del antiguo Palacio del Buen Retiro (anterior sede del Museo del Ejército), que dotará al Museo del Prado de un importante incremento de espacio expositivo que podrá redundar en beneficio tanto de la extensión de las colecciones como del programa de exposiciones temporales. EL CENTRO DE GESTIÓN DE DEPÓSITOS EN ÁVILA
la creación del centro de Gestión de Depósitos en Avila. EL COMPLEJO VILLANUEVA-JERÓNIMOS
El complejo de Villanueva y Jerónimos se convierte en el principal escenario del servicio público del Museo, donde se ofrece una visión completa de sus colecciones, cuya presentación se verá notablemente ampliada, a la vez que sirve de espacio para el desarrollo del programa de exposiciones especiales del Museo y del programa de educación. El nuevo edificio de los Jerónimos y la recuperación de más de una cuarta parte del espacio expositivo del edificio Villanueva permitirán poner en marcha un nuevo programa para la presentación de las colecciones basado en la integración de las distintas identidades históricas de los fondos del Museo (Colecciones Reales, Museo de la Trinidad, Museo de Arte Moderno...), las escuelas, géneros y maestros, dentro de un discurso histórico completo desde la Antigüedad hasta el siglo XIX. La principal novedad de este programa reside en la inédita integración de las colecciones modernas con las colecciones históricas del Museo; ofreciendo por primera vez al visitante la oportunidad de identificar el conjunto de las colecciones del Prado en un recorrido ininterrumpido unido por los criterios de representatividad histórica y de excelencia característicos del Museo. Con esta integración, los maestros modernos adquieren el mismo nivel de visibilidad del que han gozado siempre los maestros antiguos representados en el Museo. Además de un notable crecimiento de la representación de las diferentes escuelas, que 54
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supondrá un incremento de alrededor de un cincuenta por ciento respecto a la presentación actual, la inauguración del complejo Villanueva-Jerónimos permitirá la creación de nuevos espacios temáticos que identifiquen núcleos y aspectos de la colección hasta ahora no representados (salas monográficas, salas iconográficas, grandes series, gabinete numismático, galería de retratos clásicos,...) Un ejemplo de especial relevancia alcanzará la disposición del conjunto de escultura renacentista del Museo, especialmente del grupo de obras de los Leoni que se instalará en el antiguo Claustro de los Jerónimos. Por su parte, las colecciones no expuestas también alcanzarán una mayor accesibilidad gracias a los nuevos depósitos de obras situados en la planta sótano del edificio Jerónimos, que podrán abrirse a investigadores y estudiosos. EL GASÓN DEL BUEN RETIRO COMO CENTRO DE ESTUDIOS Y ESCUELA DEL PRADO
Dentro de la nueva realidad física del Museo, al configurarse en distintas sedes independientes situadas dentro de un mismo entorno urbano, el conjunto de edificios en los que se integra se constituye en un auténtico “campus” museístico, con diferentes usos, públicos, académicos e internos. Respondiendo a esta nueva realidad, que se completará en su totalidad con la incorporación del antiguo Salón de Reinos, el Museo ha concebido su programa de desarrollo y expansión como lo que ha dado en denominar el ‘Campus del Museo del Prado. Como parte integrante, física y conceptualmente, de este Campus, al complejo Villanueva-Jerónimos se
Fuera del Campus del Museo del Prado, pero integrado como una pieza fundamental de su organización, se sitúa el futuro Centro de Gestión de Depósitos en la Casona de los Águila en Ávila. Esta sede excéntrica del Museo del Prado concentrará la actividad relacionada con el control, el estudio y la conservación de las colecciones depositadas por el Museo en otros museos e instituciones oficiales, dentro y fuera de España. La reforma de la Casona de los Águila, según el proyecto del arquitecto Pedro Feduchi, permitirá al museo disponer de modernas instalaciones adecuadas para el desarrollo de esta fundamental labor de conservación que afecta a más de 3.500 obras de su colección. La fórmula de ampliación ingeniada por Moneo propone, respetando el antiguo edificio, su entorno y las singulares arquitecturas colindantes (la Iglesia de los Jerónimos y la Academia Española), unir el Museo con un complejo formado por una construcción de nueva planta y el Claustro restaurado de los Jerónimos. La solución dada, que ha permitido al Museo extenderse en la totalidad de la única área disponible en sus inmediaciones, libera además la fábrica original permitiendo que ésta se vea como Villanueva la proyectó. La nueva arquitectura permite al Museo disponer de los espacios e instalaciones adecuadas para el desarrollo de su actividad de conservación y custodia de una de las más excelentes colecciones de arte del mundo, al mismo tiempo que ampliar y mejorar los servicios y actividades que ofrece a sus visitantes. A
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COLECCIONISTA
Artista de alma, COLECCIONISTA POR LA VIDA POR JOAN MICHELLE MÉNDEZ VIDOT
Para Ignacio Cortés, el discurso pictórico de la expresión humana no se rige por los movimientos, se rige por la cultura. Su colección que comprende más de doscientas obras de arte provenientes del Caribe, Latino América y incluyendo también arte africano, refleja una expresión artística sugestiva narrando la figura humana, que no se maneja por los estilos, sino por la emoción. Su colección lo lleva al origen de su razón de existir, de su espíritu, de esa sensibilidad que agita sus pasiones, la misma que lo lleva a compartir con el pueblo de Puerto Rico su “Colección Cortés” que actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Caguas, hasta el 19 de enero de 2008.
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Sí. Para mí, el arte del Caribe, el de Latino América y el de África, tienen algo en común: la expresión de la figura del ser humano como elemento importante dentro del proceso cultural de un pueblo.
Ignacio Cortés, el actual presidente de las empresas de chocolate Cortés, apoderado de una sensibilidad flexible, se nutre con curiosidad de una pasión hacia el arte que ha trascendido las generaciones de su familia. ¿Qué se puede esperar de la “Colección Cortés”, que actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Caguas?
Lo que se puede esperar de la “Colección Cortés”, es el resultado de la vehemencia de la familia Cortés por el arte, que ha proliferado a lo largo de todos estos años, y a la postre, se ha convertido en una selección de setenta obras que prevalecerán en la muestra hasta enero de 2008. La colección, -que es de Arte del Caribe y Latino América-, aunque me pertenece, la comparto con el pueblo puertorriqueño por dos razones en particular: la primera se puede traducir en el deseo de llevar la colección afuera la metrópolis hacia la apreciación del pueblo. Además, Caguas es un pueblo rico en arte y cultura y en constante desarrollo artístico. Quise extender la celebración de mis raíces con un público con quien comparto la misma cultura; una cultura que se vierte en excelentes obras de arte provenientes de las manifestaciones artísticas más libres y honestas, de artistas de la cuenca del Caribe y Latino América. La segunda razón se debe a que éste año se celebra el aniversario número setenta
de las empresas Cortés. Y me encomendé la tarea de buscar una manera diferente de celebrarlo, mediante un evento que no fuera protocolar. Ahí fue cuando me di cuenta que podía integrar mi fijación en compartir la colección con el público y la celebración de la empresa. Mediante ésta muestra, que no se limitará a la exposición de pinturas. Habrá talleres de arte, conciertos de tango, jazz, bomba y plena, trovadores... en fin, habrá actividades para toda la familia. Y es que creo que si se comparte arte con el pueblo, hay que hacerlo lo más cabal posible. Además, aprovecho la “Colección Cortés” para agradecer la sensibilidad que me inyectó mi familia desde que tengo uso de razón. Hablando de familia... ¿cómo se origina el interés de usted y su familia por el arte?
El interés de mi familia por el arte circula a través de la vena artística de mi bisabuelo. Él era pintor de salón. Luego mi abuelo (quien llegó desde Cataluña en el año 1914 y se estableció en el pueblo de Manatí), se convirtió en un apasionado de la fotografía. Él realizó una crónica fotográfica del pueblo de Manatí. La crónica develaba el estilo de vida de ese pueblo: sus costumbres, sus tradiciones, sus comunidades, su ambiente, la esencia de las personas que vivían en ese pueblo... en fin, mi abuelo vivió amando el arte de la fotografía. ArtPremium 57
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COLECCIONISTA IGNACIO CORTÉS
Mi padre, a pesar de haberse inclinado por los negocios, sintió gran pasión por el dibujo. Él tenía una sensibilidad por el dibujo que se traducía en arte para mí. Y en cuanto a mí pues... debo aceptar que me considero fotógrafo, pero un fotógrafo frustrado. La verdad es que estudié fotografía mientras estaba en la universidad de George Town, en Washington. También estudié cine y recuerdo mi primera y última incursión en el mundo del cine, como director. Había realizado un documental sobre la tradición de la pelea de gallos. Me acuerdo que se transmitió en horario “prime time”, en el canal once, en el año 1978. De ahí entonces no he desarrollado más cosas que mantengan un vínculo con las artes. Ahora las admiro, las vivo y las celebro en la medida en que las contemplo y establezco un diálogo emocional con ellas. Al presente, quiero que ese diálogo se convierta en una conversación a través de la “Colección Cortés”. ¿Qué tipo de medios empleados en las obras de arte le provoca más interés?
Mientras más tecnología intervenga en una obra de arte, yo tiendo a separarme más y más de ella. Busco la obra de arte que me motive a escudriñar el origen de lo que soy como ser humano y como caribeño. Yo persigo la obra de arte que representa una manifestación artística natural y por qué no... primitiva. Es por eso que mientras más elementos orgánicos intervengan en una obra de arte, mientras más honesta y visceral sea la 58
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intervención del artista en su obra de arte, mientras más quede resaltada la expresión de la figura del ser humano en una obra de arte... yo tiendo a unirme cada vez más y más a ella. Eso me lleva a comprender la presencia de arte africano en su colección personal...
Sí. Para mí, el arte del Caribe, el de Latino América y el de África, tienen algo en común: la expresión de la figura del ser humano como elemento importante dentro del proceso cultural de un pueblo. Tengo una fijación por el tema del ser humano en la búsqueda de su origen, porque de cierta manera, me representa, porque me encuentro en la constante búsqueda de mi origen y las pinturas que he adquirido a lo largo de los años, las veo como el reflejo de mis inquietudes. El arte africano no deja de ser un arte que surge de lo primario, y su única aspiración es la de ubicar al ser humano como artífice de una comunidad, con su grupo, en su entorno y con sus medios para poder relacionarse con el cosmos. En el arte del Caribe y de Latino América que forman parte de mis adquisiciones, inconscientemente o no, quedan incorporados elementos tan primarios como los de África, por eso es que me apasiona el arte que he adquirido, porque dentro sus diversificaciones pictóricas, prevalece un origen particular: el de la expresión de la figura del ser humano como factor importante en el desarrollo de una cultura universal.
Su colección consiste de arte puertorriqueño, caribeño, latinoamericano y africano. ¿Ha sentido interés por el arte europeo, asiático, o norteamericano...?
Me interesa todo el arte que apele mi interés y me sugestione. Aunque me inclino por el arte que me defina, que en este caso, es el que ocupa mi colección. Ser coleccionista de arte demanda una actualización constante de referencias relacionadas a la actualidad del mercado del arte.
Bueno, yo no me considero tanto un coleccionista de arte. Más bien me autodenomino como amante del arte que me apasiona. Si se pasa revista sobre mi colección, se puede notar que a pesar de que la misma está anclada bajo el concepto de la expresión del ser humano, también se puede notar que devela un lenguaje pictórico variado. El discurso conceptual de las obras que adquiero es convergente, pero la ejecución de las mismas... no lo son tanto. Comento esto porque opino que el coleccionista de arte se encarga de mantener una constancia en el estilo, en el movimiento, en el marco histórico y social de las obras que adquiere. Existen coleccionistas que se limitan a comprar obras de un sólo artista. De modo que tomando en consideración la diversidad en el arte que poseo, llego a la conclusión de que soy simplemente un hombre con una sensibilidad que no se rige por los movimientos o los estilos.
Y sí; trato de actualizarme en cuanto a las referencias vinculadas con el arte y su mercado. Asisto a ferias como la Art Basel Miami Beach , ARCO, en España y otras... voy a subastas y a exhibiciones de artistas internacionales. Acostumbro ir a los talleres de algunos de los artistas para charlar, para tomar una buena botella de vino y hablar sobre la vida... pero todas estas cosas las hago cuando puedo, y acepto que aunque quisiera estar más activo en estos que haceres, no cuento con el tiempo. Y es que mi posición dentro de la empresa “Cortés” demanda mucho tiempo y dedicación... pero las alternativas de actualizarme e informarme sobre el mercado de arte y la adquisición de nuevas obras siempre están presentes. Esas alternativas incrementan aún más el deseo de involucrarme cada vez más en el mundo del arte. ¿Cómo contempla la condición del arte en Puerto Rico?
Me sorprende positivamente el “boom” que ha surgido en cuanto a la presentación y promoción del arte de Puerto Rico en todo el sentido de la palabra. La proliferación de galerías y de artistas emergentes, y el aumento del interés en los medios por respaldar el arte del País se traduce en un esfuerzo por llevar la esencia artística puertorriqueña al público en general. Por otro lado, pienso que hace falta más opciones dirigidas a levantar la plataforma del artista plástico puertorriqueño a nivel internacional. Y definitivamente, Puerto Rico necesita beneficiarse de la presencia de arte internacional, mediante actividades, exposiciones que fomenten el reconocimiento del arte internacional. Es lo justo. Pero lo más apremiante para mí al momento, es que aumenten las posibilidades de que los artistas jóvenes puedan establecer un diálogo conceptual y artístico a nivel internacional, a través de sus obras. ¿Cuáles son sus proyectos como amante del arte?
Tener el privilegio y la oportunidad de poder compartir algo tan personal en un espacio público, que en este caso lo es el Museo de Arte de Caguas, es algo que ha cambiado rotundamente mi perspectiva en cuanto a lo que hago, en lo que soy y hacia dónde voy. Ahora, voy al Museo de Arte de Caguas con
Nick Quijano, El sabor lo dice todo, 2005, gouache sobre papel, 22”x29 1/2”, Puerto Rico
la intención de re-establecer un diálogo con esas obras que acostumbraba a contemplarlas en un espacio tan íntimo como mi hogar. Canalizo las obras de la “Colección Cortés” de un modo completamente distinto a como las contemplaba desde que las comencé a adquirir, lo que me lleva a pensar que esta situación representa una nueva búsqueda de mi esencia, esa esencia que se me ha esparcido por los pasillos del museo y ahora trato de recogerlas en la medida en que siga recorriendo las salas que atesoran mi cultura... convertida en obras de arte. Y ese es mi proyecto a corto plazo... recoger los fragmentos de mi origen en un lugar que no es mi hogar... eso es parte de ser un amante del arte.
Federico Uribe, Madre Naturaleza, 2004,escultura en medio mixto y materiales prefabricados en resina plástica, 32”x16”x12”, Colombia página de izquierda Arnaldo Roche Rabell, Omnipresente, 1987, óleo sobre lienzo, 84”x95 3/4”, Puerto Rico César Menéndez, De la Serie: El Circo, 1997, óleo sobre lienzo, 57”x58 1/2”, El Salvador
La diversidad dentro de la colección de Ignacio Cortés es inevitable debido a la búsqueda de las raíces que definen el pueblo de Puerto Rico. La fuerte presencia de la herencia africana es el elemento que da forma a la esencia de esa fuerza expresiva del ser humano que tanto le apasiona a Cortés, y que queda perpetuada en el arte caribeño y latinoamericano que se entrelazan libremente a través de las salas del Museo de Arte de Caguas. A ArtPremium 59
EN FOCO
UBS y el Arte: Nobleza obliga
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sta empresa es además una autoridad en el ámbito artístico internacional, siendo el principal patrocinador de Art Basel en Suiza durante los últimos 14 años, y de Art Basel Miami Beach desde su comienzo hace 5 años. El éxito logrado de UBS se debe a sus diferentes vertientes. A través de los años y de las transformaciones y fusiones de UBS, se fue formando la Colección de Arte UBS, una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes. Con ella, UBS deja entrever su firme compromiso de abrir espacios para una nueva manera de contemplar su participación en el mundo de las artes y, sobre todo, compartir su colección con el resto del mundo. Compuesta de más de 1,000 pinturas, fotografías, dibujos, esculturas y videoarte de algunos de los mejores artistas de la segunda mitad del siglo XX en adelante, la colección es el estandarte de la filosofía de UBS hacia el arte: existe un compromiso de apoyar y fomentar a las comunidades artísticas en las regiones del mundo donde UBS está presente. Los artistas son tanto establecidos como emergentes. UBS trabaja con curadores independientes que evalúan adiciones potencialmente significativas a la colección, ya sean establecidas o prometedoras.El público se moviliza cuando la colección viaja a lugares tan distantes como la Galería Victoria, en Melbourne, y la Galería de South Wales, en Sydney, dos ciudades australianas, y el Museo Mori, en Tokio, a donde planifican llevarla en febrero de 2008. En septiembre de 2005, Puerto Rico tuvo el privilegio de ser el segundo lugar donde la Colección de Arte UBS hizo su parada. El Museo de Arte de Puerto Rico fue el espacio dedicado a la apreciación de 53 de sus obras. Mientras tanto, la Colección de Arte UBS recorre el mundo por su cuenta, en su afán por
Esta empresa es además una autoridad en el ámbito artístico internacional, siendo el principal patrocinador de Art Basel en Suiza durante los últimos 14 años, y de Art Basel Miami Beach desde su comienzo hace 5 años. 60
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UBS es una institución financiera internacional que toma en consideración los elementos que incrementan la calidad de vida tanto como los que fructifican los bienes. El arte es un componente importante de la buena calidad de vida, y además refleja un instrumento de inversión ligado al placer de adquirir una colección de obras de arte, circunscribiéndose en el mercado internacional y en la historia. POR REDACCIÓN ARTPREMIUM
comunicar y compartir su pasión por el arte. UBS constantemente presta obras a algunas instituciones como el MoMA o el Tate. Los curadores de la colección organizan algunas obras temáticamente y las muestran en diferentes países. En proyecto para 2008 se organizaran 2 exposiciones en China, la primera antes los juegos olímpicos en el Shangai Art Museum y la segunda después los juegos olímpicos en el National Museum of China en Bejín. Además, se realizan exposiciones de museos virtuales cada cierto tiempo, lo cual pone la colección al alcance de aquellos que no puedan viajar o a cuyas ciudades no lleguen las exposiciones en vivo. De hecho, la Colección de Arte UBS está organizada virtualmente de modo que sea de fácil acceso y apreciación. Hay un directorio alfabético de los artistas, con enlaces a fotografías de las obras. También se puede ver un resumen de la historia del arte contemporáneo mediante una selección de las obras más destacadas de la colección. El portal de la Colección de Arte UBS (www.ubs.com/artcollection) pone a disposición de todos un importante documento de la historia del arte. Algunos eventos patrocinados por UBS UBS sostiene que tener la Colección de Arte UBS implica una gran responsabilidad hacia el mundo de mostrar esas obras y compartirlas, ya sea con sus clientes, empleados, accionistas y cualquier persona que se interese por el arte en la comunidad mundial. Una de las diligencias de UBS en el ámbito cultural es establecer nexos con las instituciones culturales y los museos más importantes dentro y fuera de los Estados Unidos, como la de su patrocinio a la expansión del Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, California, en enero de 2007. Otro de los múltiples logros de este año fue patrocinar la exhibición “Francis Bacon: Paintings from the Fifties”. También, contribuyó
a su exposición inaugural, “Modern American Masters: The Farris Collection”. Otros dos eventos magnos auspiciados por UBS son “Tutankhamun: The Golden Beyond”, en consorcio con el Museo Basel de Arte Antigua y “Chuck Close: Self-Portraits 1967-2005”, en el Centro de las Artes Walker de Minneapolis, el Museo de Arte Moderno de San Fransisco y el Museo de Arte High de Atlanta. También, UBS propició la exhibición “NeoRealismo: Italy’s New Image 1932-1960”, en el Fotomuseo Winterthur, y ha auspiciado, por más de 26 años, el Festival de Cine de Lorcano. UBS se une al MoMA y al Museo de las Bellas Artes de Houston para presentar el programa mensual de beneficios a los miembros de esos museos. UBS y Art Basel UBS, patrocinador oficial de Art Basel en Suiza y en Miami Beach, ofrecerá a los clientes que asistan a la edición de Art Basel Miami Beach de diciembre de este año una serie de incentivos, como parte de su compromiso global con las artes. Se espera que alrededor de 4,500 clientes de UBS visiten la feria, a quienes se agasajará con dos cenas privadas previas al evento y se les proveerá un ‘lounge’ para que coman y descansen durante la feria. También les proveerán recorridos privados y guiados en varios idiomas. El director del Departamento de Arte de la Universidad de Cornell, Frank Robinson, también estará disponible para visitas guiadas de la feria. UBS representa un gran estímulo para el crecimiento de las posibilidades de la integración de las artes en una cultura internacional. La creación de un espacio para el reconocimiento de una colección que trasciende las barreras geográficas y generacionales, se circunscribe en el esfuerzo de empresas privadas que, como UBS, luchan día a día mediante sus aportaciones, en pos de levantar una plataforma de sensibilidad colectiva que se confirma con cada éxito logrado. A
UBS Puerto Rico: retando al intelecto y estimulando la creación
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on la gestión de UBS en Puerto Rico, se abre una ventana a una nueva contemplación del arte nacional e internacional. UBS Puerto Rico ha construido una colección importante de más de 300 obras de artistas puertorriqueños emergentes y establecidos, y ha traído exhibiciones de importancia e impacto internacional. Una de esas exhibiciones que hizo eco en los medios y fue un éxito sin precedentes fue “El Impulso Figurativo” en el Museo de Arte de Puerto Rico (2005); el primero de los ambiciosos proyectos de UBS Puerto Rico, y constituyó un abrir de ojos importante de parte del público puertorriqueño con relación al arte contemporáneo. Muchas personas que no se habían interesado por una exhibición en los museos de Puerto Rico convirtieron a “El Impulso Figurativo” en una prioridad. La muestra de envergadura internacional de obras originales, “Jean-Michel Basquiat: Una antología para la Puerto Rico”, realizada también en el MAPR, provista y copatrocinada por Art Premium, fue una perspectiva excepcional de esta figura de la historia del arte contemporáneo. También se llevó una exhibición de obras de la Galería Malborough de Nueva York a la Galería Petrus de Puerto Rico. La instalación “Martorell: D.F.” (Después del Fuego), en el Museo las Américas del Viejo San Juan, fue un proyecto muy original que convirtió la destrucción en belleza. Ahora, de cara al 2008, UBS se encuentra inmerso en el desarrollo de varios proyectos que apuntan al reconocimiento del arte de Puerto Rico a nivel internacional, sin dejar a un lado su contribución que, año tras año, mantiene viva la misión y la visión de las instituciones culturales más importantes del País. “Las actividades auspiciadas por UBS en Puerto Rico han despertado el interés de un público amplio sobre nuestras instituciones y nuestras contribuciones para el arte de Puerto Rico”, comenta Miguel Antonio Ferrer, presidente y director ejecutivo de esa institución financiera.
Ferrer se ha esforzado para que UBS Puerto Rico sea una fuente importante de apoyo a las artes en Puerto Rico, subvencione actividades culturales –desde el Festival Pablo Casals y Pro Arte Musical–, y convoque al estímulo de artistas jóvenes que, por medio de su obra artística, luchan por ganar terreno en el mundo de las artes plásticas del País. Continuar erigiendo una plataforma para artistas locales a nivel internacional mediante un intercambio cultural, a través de actividades realizadas por UBS Puerto Rico en conjunto con distintas instituciones culturales, es una de las ideas que proyectan Miguel Antonio Ferrer y UBS Puerto Rico para el 2008. Uno de los intrigantes proyectos será “Los 1,000”, que destacará a los íconos del pueblo puertorriqueño y los llevará a salas internacionales. También, UBS Puerto Rico se comprometerá con la historia cultural puertorriqueña al propiciar, con un evento dentro de marco de las artes, la restauración de la Iglesia San José, las más antigua de América. Uno de los proyectos más revolucionarios de UBS Puerto Rico, que de seguro será también controvertible por mérito propio, estará involucrado con el graffiti, ese arte público al que tanto trabajo le ha costado ganar reconocimiento como arte auténtico y perder sus implicaciones o asociaciones negativas. “El proyecto del graffiti es un esfuerzo de nuestra empresa, el MAPR y seis municipios de la Isla por empujar una buena proyección del movimiento, que es uno de gran trascendencia y presencia”, dice Miguel Antonio
Ferrer. Este evento se efectuará durante el mes de mayo de 2008 y la convocatoria para todos los artistas que deseen participar se abrirá a finales de este año. Cabe señalar la importancia que este proyecto representa, no solamente para las instituciones culturales, sino también para las instituciones municipales, pues cinco de los seis municipios que participarán han confirmado la disposición de un espacio público en para la creación del arte, mientras que el MAPR y UBS Puerto Rico se encargarán de proveer a los artistas participantes los materiales necesarios. Según Miguel Antonio Ferrer, hay muchas empresas del sector privado que tienen gran interés en fomentar la calidad artística del País y, sobre todo, que los puertorriqueños se beneficien con intercambios culturales, que no tienen otro propósito más que provocar las ganas de conocer el arte contemporáneo nacional e internacional en vivo y de cerca, retar el intelecto y la imaginación y estimular la creación de los artistas puertorriqueños. A ArtPremium 61
Miguel A. Ferrer El mecenas del arte y la cultura en Puerto Rico al interés de nuestra gente por conocer más a fondo el arte internacional y anima el deseo de las personas del extranjero por conocer nuestras aportaciones artísticas”.
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iguel Antonio Ferrer, presidente y director ejecutivo de UBS Puerto Rico, es un apasionado coleccionista de arte local e internacional. Pero su pasión por las artes no se detiene ahí; es un visionario que sabe evaluar el potencial de un artista emergente y el valor y el interés que puede generar una exhibición. Él es una figura clave para la cristalización de exposiciones y eventos artísticos de gran envergadura en Puerto Rico, asegurándose de que las artes se desarrollen y se solidifiquen. Su mayor virtud es saber dar el impulso cuando más se necesita: los artistas jóvenes tienen en él un aliado que promueve proyectos artísticos inteligentes. Para Miguel Antonio Ferrer, el arte que se está forjando en Puerto Rico es muy atractivo. Él ha desarrollado un sentido especial, una sensibilidad, para identificar a esos artistas y darles un foro necesario, más allá del local. Ferrer interviene en el mundo de las artes, como miembro de la junta de directores del Museo de Arte de Puerto Rico y colaborando con eventos que enriquecen el ofrecimiento artístico en la Isla, como el Festival Casals, Pro Arte Musical y contribuyendo con las necesidades el Museo de Arte Contemporáneo, entre otros. Gracias a su presidente, UBS Puerto Rico es una institución financiera que para muchos es sinónimo de mecenas de las artes, porque la asociamos con las exhibiciones extraordinarias que han galardonado nuestros museos en los últimos años. UBS se dirige ahora a Art Basel Miami Beach, del 6 al 9 de diciembre. Sobre ello, Miguel Antonio Ferrer comenta, “promover el intercambio cultural entre Puerto Rico y el extranjero contribuye enormemente 62
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¿Cuáles han sido algunos de los proyectos destinados a promover ese intercambio? “El Impulso Figurativo”, en 2005, fue el primero: 53 obras de arte internacional, parte de la Colección de Arte UBS, realizadas luego de la Segunda Guerra Mundial. Luego, junto a “Art Premium”, llevamos al mismo museo una importante colección de más de 130 obras en papel de Jean-Michel Basquiat, en lo que personalmente considero como una exposición de carácter individual sin precedentes en Puerto Rico. También, contribuimos a la presentación de las pinturas de Frida Khalo en el Museo de Arte de Ponce y, recientemente, auspiciamos en su totalidad la exposición en el Museo de las Américas del maestro Antonio Martorell, “Martorell: D.F.”. ¿Define UBS un presupuesto fijo para el auspicio a las artes? El fin principal de UBS Puerto Rico es servir al desarrollo de las artes. No tenemos un presupuesto fijo, porque cada actividad tiene su importancia particular, pero UBS Puerto Rico ha invertido hasta el momento alrededor de cinco millones de dólares en los últimos cinco años que hemos estado contribuyendo al arte en este país. Hemos sido el patrocinador principal del Festival Casals durante los últimos cuatro años. Creo que es uno de los eventos para los cuales se requiere mayor presupuesto, porque requiere que se traigan músicos desde otros países, pero la satisfacción de ver el producto final hace que la inversión valga la pena. ¿Qué se puede esperar sobre la intervención de UBS en Art Basel Miami Beach? UBS es el patrocinador principal de Art Basel Miami Beach, de modo que se puede esperar sólo lo mejor. Habrá una atención de primera para los clientes de UBS que asistan. El director del Departamento de Arte de la Universidad Cornell, Nueva York, Frank Robinson, se encargará de realizar recorridos y visitas guiadas, exclusivamente para nuestros clientes, por las distintas áreas de la feria.
¿Usted colecciona arte? Sí. Colecciono arte desde hace 40 años, cuando era estudiante de escuela superior. Me inclino por los artistas emergentes; considero de suma importancia respaldar al arte joven. Considero que uno de los tipos de arte joven más honestos de la cultura urbana e internacional es el graffiti. De hecho, para principios del año próximo, UBS Puerto Rico proyecta auspiciarlo, en un esfuerzo por hacer reconocer al graffiti como arte legítimo, junto al MAPR y los municipios de Bayamón, Guaynabo, Ponce, Mayagüez, Caguas y San Juan. Con este proyecto, se estaría extendiendo una filosofía cultural ya artística a otros espacios, sacándolo de uno en particular. Le daremos la misma importancia que a cualquier tipo de arte que se muestra en los museos, y produciremos un catálogo y la documentación típica que requiere. ¿Qué proyectos traerá UBS Puerto Rico en el 2008? Con el fin de promover y reconocer el esfuerzo artístico local a nivel internacional y hacer reconocer a la Isla en el mundo, UBS Puerto Rico, junto al MAPR, proyectan realizar la exposición “Los 1,000”, una muestra fotográfica de reconocidos fotógrafos locales e internacionales, en la que se reseñarán a las 1,000 personas más influyentes del pueblo de Puerto Rico. Planificamos llevar luego la exhibición al extranjero. Hay otra actividad, pensada para septiembre: un desfile de moda, en el cual participarán diseñadores destacados mundialmente, y que abarcará lo mejor del mundo de la moda internacional. El evento se hará en beneficio de las mejoras de la iglesia San José, del Viejo San Juan. Aunque no puedo dar más detalles todavía, auguro que será una actividad muy atractiva para la prensa internacional, que promete ser una gran oportunidad para proyectar a Puerto Rico internacionalmente. Esperamos con mucho interés esas novedades. Hasta el momento, Miguel Antonio Ferrer nunca le ha temido a lo gigante ni a lo controvertible, como lo han sido las exhibiciones que ha traído a través de UBS Puerto Rico, y como lo serán los proyectos que se vislumbran para el año que viene. A
Rafael Irizarry: “En Puerto Rico, hay mucho
talento por descubrir y por disfrutar”
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afael Irizarry figura un papel muy importante en la participación de UBS en Puerto Rico, pues además de fungir como director comercial de la firma, es poseedor de una sensibilidad que despunta particularmente hacia las artes plásticas y las artes musicales. Rafael Irizarry pertenece a la junta directiva de la Corporación de Puerto Rico para la Difusión Pública y del Conservatorio de Música de Puerto Rico. También ejerce su vocación como director de orquesta de Pro Arte Musical y, junto a Miguel Antonio Ferrer, es mediador de las actividades artísticas que ha desarrollado UBS en Puerto Rico durante los últimos cinco años. Al igual que Miguel Antonio Ferrer, este empresario considera que la proliferación cultural en Puerto Rico es un hecho, pues la aceptación del público local con respecto a las diversas actividades culturales desarrolladas por la empresa, en conjunto con las principales instituciones culturales, demuestra un acercamiento al interés por apreciar el arte nacional e internacional de un modo como nunca antes. “Hoy por hoy, considero que UBS Puerto Rico se encuentra muy bien posicionado con proyectos de gran relevancia que van directo a incentivar el quehacer cultural a nivel local e internacional. Nuestras contribuciones nos han puesto a un nivel de reconocimiento muy bueno. Nos hemos convertido en un tipo de ‘branding’ para grandes eventos culturales del País”, comenta Rafael Irizarry respecto al giro que ha tomado la apreciación de los eventos realizados por UBS Puerto Rico durante los últimos cinco años. ¿Cuál considera que es el rol de UBS en Puerto Rico en el arte nacional?
Antes, quisiera hacer la salvedad de que nuestra misión con respecto al arte local e internacional es la extensión de la filosofía de UBS en Europa y los Estados Unidos. Esta firma financiera, reconocida a nivel mundial, se caracteriza por sus ingerencias hacia todo lo que represente un beneficio para la manifestación artística y su apreciación a través de diversas actividades, como la de “El Impulso Figurativo”, exhibición de la Colección de Arte UBS en la que se destacó la manera en que diversos artistas de la segunda mitad del siglo XX –como Jean-Michel Basquiat, Lucian Freud, Chuck Close– canalizaban sus respectivas maneras de contemplar la figura humana a través de sus obras. Esta exposición, a mi entender, abrió un espacio para un nuevo modo de admirar el arte contemporáneo. Eso es un logro. Y eso auguró de cierta manera el éxito de nuestras intervenciones posteriores. Además de las exhibiciones, UBS Puerto Rico ha contribuido económicamente a la elaboración del techo del Museo de Arte Contemporáneo. Nuestra agenda de gestiones a nivel cultural ha crecido en los últimos años y esperamos que siga creciendo aun más. ¿Cuál es el costo de colaboraciones en el que incurre UBS al contribuir al arte de Puerto Rico? No puedo decirte con exactitud, porque es que nosotros no tomamos tanto en cuenta la cantidad invertida en nuestras colaboraciones. Nuestro quehacer como contribuyentes al crecimiento del arte en este País es lo más que nos apela. Pero cabe indicar que el presupuesto para las artes depende de cada proyecto. El presupuesto que otorgamos para un festival de música clásica o una sinfónica no es el mismo que el que disponemos para una exhibición de obras de arte. El presupuesto para adquirir
piezas de arte para la colección de la empresa o donaciones como las que cada dos años concedemos al MAPR tampoco es el mismo. Nuestro presupuesto es variado y depende de muchos factores. ¿Qué tipo de propuestas culturales UBS Puerto Rico se inclina a fomentar? Nosotros respaldamos toda propuesta artística orientada a impulsar de manera efectiva la cultura de nuestro País. Esas son las propuestas que apoyamos, sin importar a qué rama del arte pertenezcan. ¿Había usted mencionado que suelen donar cada dos años una obra de arte al MAPR? Cada dos años, UBS Puerto Rico, junto al MAPR, lleva a cabo un certamen en el cual se resalta el trabajo de artistas emergentes locales. Nuestra firma compra la obra ganadora, la donamos al MAPR y finalmente forma parte de la colección permanente del Museo. El pasado certamen lo ganó el artista emergente “Chemi” Rosado, y el próximo certamen se llevará a cabo durante los primeros meses de 2008. ¿Algo qué decir a los artistas jóvenes que día a día luchan por destacarse en el mundo del arte con su trabajo? Es indiscutible el aumento de la cantidad y la calidad de las obras que he tenido la oportunidad de apreciar durante los últimos años. Eso demuestra que en Puerto Rico hay mucho talento por descubrir y por disfrutar. Este incremento positivo en el arte –en todas las artes– es el producto del modo tan abierto y maduro en que jóvenes con gran talento, llenos de energía y gran sensibilidad, están contemplando los diversos aspectos de nuestra cultura. A ArtPremium 63
NUEVO TALENTO MERO
O R ME
E D A ST I N O OS P CR M IE T S SU POR MANUEL ÁLVAREZ LEZAMA
En Puerto Rico ha venido desarrollándose en los últimos l0 anos un excelente grupo de grafiteros ...quien paso a paso esta revolucionando esta propuesta en su Isla.
En la instalacion-performance Sala de Exhibición de Producto Inc. de Braulio Espinosa en la feria CIRCA 07. Foto: Cacheila Soto Gonzalez
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ArtPremium
E
l movimiento internacional globalizado del arte urbano (el grafiteo, como se le llama en Puerto Rico), aunque tiene sus orígenes en el mundo greco-romano trata de romper con los cánones establecidos desde el Renacimiento hasta la primeras Vanguardias, desde el arte de la Post-Guerra hasta las aperturas de la posmodernidad, sin darse cuenta que siempre se ha nutrido enormemente de todos estos momentos históricos, y que la única diferencia es que su discurso es contestatario, rebelde y hasta insolente, y que se presenta en la calle, convirtiéndolo en una expresión “invasiva” y poderosa, pero en última instancia efímera. Esto le ocurrió a Basquiat, como a los más sobresalientes exponentes de este discurso en los Estados Unidos, Latinoamérica, Europa y, claro está, nuestro Caribe – específicamente en esta contradictoria colonia, tan rica y tan llena de injusticias, llamada Puerto Rico. No obstante, lo que comenzara como un arte alterno, de protesta, plasmado en los vagones de los trenes y las paredes públicas y privadas (de gran valor comercial ambas, pero totalmente abandonadas) poco a poco se ha ido metamorfoseando y tomando distintos caminos – uno de ellos, entrar en
“el main stream”: galerías, ferias, bienales y hasta herramientas propagandistas de los distintos poderes comerciales y políticos. En Puerto Rico ha venido desarrollándose en los últimos l0 años un excelente grupo de grafiteros – que incluye desde artistas de peso como ISMO, Sofia Maldonado, EXOR, Rimex, Son, Sez y Edgardo Larregui, sólo para mencionar algunos – hasta Joel Romero Martínez, conocido como MERO, quien paso a paso esta revolucionando esta propuesta en su Isla, y a quien presentaremos hoy en ArtPremium. MERO (San Juan, 1981), quien tiene una excelente educación académica – se gradúa de escuela superior de la reconocida Escuela Central de Artes Visuales en el 200l y obtiene su bachillerato en Artes en la Universidad de Puerto Rico en el 2005 -- va a utilizar todo lo aprendido formalmente y en la calle para darle aun más fuerza y originalidad cuando “traduce” sus preocupaciones socio-políticas al arte que reconoce que le llega mejor y más directamente al pueblo: el graffiti – un graffiti inteligente sin ser elitista; un graffiti poético y dramático a la vez sin ser inaccesible. En conversaciones con MERO, el artista ha logrado demostrarme como él puede comunicarle a través de su arte un pensamiento de Montesquieu (“Una cosa
MERO, La gallina que mira al cielo por más, 2007, acrílico y aerosol (esmalte) sobre lienzo, 36”x60”.
no es justa por el hecho de ser ley. Debe ser ley porque es justa”) a un público limitado desde el punto de vista académico. Desde un principio su obra, aunque juguetona a veces, demuestra fuerza y profundidades. Pero con el tiempo, y a medida que iba madurando estética y éticamente, se va a ver un proceso de sofisticación donde el artista va a usar el humor, la parodia y la ironía de maneras nuevas para que su obra fuera, a la vez más mordaz y, sorprendentemente, más lírica. Y es esta combinación la que hace que tanto en público en general como la crítica de arte más respetada se interese en la carrera de este joven artista (como lo habían hecho con ISMO y Sofía Maldonado) y que los entusiasmen sus nuevos proyectos. No obstante, no es hasta que MERO comienza a llevar su complejo/interesante/provocador imaginario al lienzo, y a exhibirlo en algunas de las prestigiosas galerías de San Juan – como Petrus (en una colectiva titulada “Bastardos” en el 2007) y Blackbox (también en una colectiva del 2007) – que MERO pasa de ser “otro” grafitero para convertirse en un fenomenal cronista de algunas de las realidades que definen a una singular colonia que está sufriendo múltiples quiebras – tanto a nivel económico (de injusticias sociales) como a nivel de los valores básicos que definen a una sociedad civilizada. Después de pertenecer al famoso grupo de grafiteros SWAT – que exhibieron sus obras en Galerías Prinardi luego en CIRCA’06 – MERO se dedica a sus “gallinas y pollos” (“Gallinas” el artista nos dirá, “porque corremos ante cualquier elemento desconocido; gallos porque seguimos siendo machos en una sociedad nominalmente patriarcal, pero claramente matriarcal). Tanto “Mergallinas” y “Llegó el cupón de la gallina”, como “El sal’pa fuera civilizado de gallinas sublevadas” y “Tuércele en cuello a la gallina”, son obras que de una manera muy original pueden verse como espejos de la sociedad en
MERO, Sponsor, 2007, 48” x 36”, acrílico sobre lienzo
que vive, pero son obras donde también se ve un inteligente diálogro con José Morales, el posmo-POP y la Historia del Arte Puertorriqueño. En este “sal’pa fuera” ya se ve claramente tanto al poeta como al cronista de una generación. Pero es en ARWI’07 que MERO, junto a su compañera, Cacheila Soto, cuando el joven artista logra integrar de nuevo, con total magisterio, la literatura urbana de principios de su carrera (ahora más educada, más efectiva, más convincente; ahora convertida en expresionismo literario) con su enorme dominio de la neo-figuración posmoderna. Y van a ser esta serie de proyectos los que van a llevar a su obra a algunas de las colecciones más prestigiosas del país y los que le abrirán las puertas a importantes proyectos como el que acaba de terminar con la Yellow Media Group (que organizara Taxi-Galería): un gigantesco mural afuera y dentro del hangar de Yellow Media Group, localizado en Isla Grande (Muelle Panamericano), San Juan. Para esta “aventura estática y ética”, MERO (con la ayuda de su hermano EXOR y de Cacheila Soto) ha intervenido tanto la fachada del edificio como las paredes de la recepción usando como “pie forzado” los elementos que definen los proyectos de la compañía tales como taxis y aviones. No obstante, el artista se ha tomado valientes libertades y usa la repetición de palabras, textos, formas para crear un verdadero microcosmos del consumismo y el mundo de la publicidad. Como hemos visto, “el viaje” MERO está comenzando y ya es importante. Vamos a ver a cuántos puertos, a cuántas transgresiones, a cuántos sueños nos logra llevar para que veamos con más claridad nuestras propias caras. A ArtPremium 65
EXPOSICIÓN MIAMI
LAS HISTORIAS DE LA MAQU
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os artistas canadienses radicados en Berlin llegan a Estados Unidos gracias a la exhibición que prepararon llamada “The Killing Machines and Other Stories: 1995-2007”. El Miami Arte Museum recibe estas once piezas que fueron curadas para ser exhibidas en el Museo de arte Contemporáneo de Barcelona. Estas piezas fueron seleccionadas por la habilidad que tienen para cuestionarnos todos los temas que las rodean. ¿Para qué sirve el arte? ¿Es que en serio tiene una razón de ser? Desde las impresiones hechas en la cueva de Altamira el arte ha servido para que los seres humanos nos expresemos, reflejemos el ambiente que nos rodea o simplemente para que nos distraigamos y lo disfrutemos. Sin embargo, hay una serie de artistas, la mayoría de ellos nacidos en el siglo XX, que se han dedicado a rebuscar una nueva función para el arte contemporáneo. Durante el pasado siglo fueron numerosos los artistas que redefinieron el concepto arte así como las razones que hay para crearlo y para admirarlo. 66
ArtPremium
Cardiff y Muller se han caracterizado por crear obras de arte en las que no solo se manifiesta la vena escultorica tambien crean un ambiente completo en el que la musica toma un lugar prominente
Janet Cardiff – George Bures Miller, Playhouse, 1997 media mixto instalación auditiva. Cortesía Galerie Barbara Weiss, Berlin Janet Cardiff – George Bures Miller, The Paradise Institue, 2001, media mixto instalación auditiva. Cortesía Janet Cardiff Janet Cardiff – George Bures Miller, The Dark Pool, 1995 media mixto instalación auditiva. Cortesía Galerie Barbara Weiss, Berlin
¿Cómo podemos olvidarnos de las Señoritas de la Calle Avigno de Picasso o de la Monalisa de Duchamp o de los numerosos Sin título de Jackson Pollock o de las millones de latas de sopas Campell’s de Andy Wharhol? Estos nombres no sólo redefinieron la razón de ser del arte si no que redefinieron el arte mismo. Tal vez, entre las características más importantes de estos artistas se encontraba el atrevimiento, esas ganas de experimentar y de romper con las reglas tradicionales del arte que todos conocían extremadamente bien. Esta nueva forma de concebir el arte, lejos de retirarse de la academia artística llegó para arraigarse con fuerza en el mundo del arte y para seguir evolucionando y desarrollando su mayor potencial de experimentación. Ese es el caso de la pareja de escultores Janet Cardiff y George Bures Miller. Estos artistas canadienses radicados en Alemania han dedicado su vida artística a crear diferentes esculturas instalaciones que van mucho más allá de simplemente usar medios mixtos.
U INA ASESINA
Los trabajos de estos consagrados artistas retoman la experimentación artística a la hora de crear sus piezas, sin embargo, se toman bastantes libertades a la hora de usar los materiales para dar forma a sus piezas. En fin ver una escultura creada por Cardiff o por Millar es una experiencia completa para todos los sentidos. Los más importantes por su puesto son el visual y el auditivo. Estas características, que se han convertido en el emblema de esta pareja de escultores, pueden apreciarse con más detenimiento en la más reciente exhibición que han montado los artistas. Janet Cardiff and George Bures Miller: The Killing Machine and Other Stories 1995-2007, consta de una serie de once instalaciones que exploran diferentes formas de llevar un mensaje de crítica social al gobierno de los países, de recrear las sensaciones que las personas sienten al pasar por sitios incómodos o simplemente de honrar algo que creen importante en la cultura popular del siglo XX. Este es el caso de una de las piezas llamada “The Secret Hotel”, basada en una
POR GLADYS GUERRA ARCELAY
de la más exitosas creaciones del escritor estadounidense Stephen King, “The Shining”. Esta pieza, una instalación que asemeja el recibidor de un hotel como el descrito en el libro, lleva a los espectadores por un sin número de escaleras hasta que por fin se encuentran en el segundo piso del “hotel”. Ya en este segundo piso de la instalación los asistentes tienen la oportunidad de integrarse a la pieza paseándose por ella como si estuvieran disfrutando de la estadía en el hotel. Sin embargo, como fiel tributo al trabajo del importante escritor el paseo no necesariamente refleja una estadía placentera. Ruidos construidos para provocar la sensación de que algo no anda bien en el lugar acompañan a los espectadores de la exhibición durante su recorrido por este singular hotel. Estos ruidos no sólo hacen referencia al clásico del terror escrito por King, si no que integran en la obra de arte una referencia claramente popular que de otra forma, probablemente, no entraría ni encontraría espacio en el académico mundo del arte.
Ahora bien, que rindan algo de homenaje a la cultura popular de ninguna manera convierte esta pieza en una panfletera o vulgar ni mucho menos en un arte fácil del copiar y pegar. La propuesta concreta para reformar el arte en esta pieza se encuentra precisamente en el cuarto del hotel. Desde el segundo piso los espectadores deben asomarse por un hueco. Allí verán un cuarto sumamente arreglado y que gracias al ingenioso juego con la perspectiva que han creado estos artistas parece tamaño normal, pero realmente mide tres cuartas partes menos de lo que se aprecia cuando se mira desde arriba. Este tipo de juegos para engañar el ojo y el oído del espectador se han convertido en la rubrica distintiva de esta pareja de genios escultores. Esto podemos apreciarlo en la pieza titulada “Pandemonium”. Con esta instalación Cardiff y Miller se alejan un poco los temas triviales y comienzan a concentrarse en los mensajes que quieren que sus piezas digan al público. Pnademonium es una recreación de la cárcel más famosa de los Estados Unidos, ArtPremium 67
EXPOSICIÓN MIAMI CARDIFF Y MULLER
Janet Cardiff – George Bures Miller, The Killing Machine (detalle), 2007, media mixto instalación auditiva. Cortesía de los artistas. ©Foto Seber Ugarte.
“The Eastern State Penitentiary”, en la que figuras como Al Capone cumplieron sus penas. El pandemonium se produce cuando una serie de sonidos arreglados para que se escuchen en diferentes tonos, lugares y volúmenes cuando el espectador va pasando por la obra convierten la reproducción de la cárcel en una especie de instrumento de percusión gigantesco. Sin lugar a dudas, esta pieza no sólo evidencia la agilidad que tienen los escultores para compenetrar en su arte los medios tradicionales para crear una obra con los elementos audiovisuales como la música y la media. Sin embargo, creemos que lo importante de esta pieza es que a través de las sensaciones que experimenta el espectador de la pieza un lugar como esta cárcel gótica deja de ser un lugar incómodo y mortificante para convertirse en un gran instrumento musical capaz de crear algo bello para aquel que lo está disfrutando. Pero la crítica social y esa necesidad de explorar las paradojas de la vida están mucho mejor ejemplificadas en la pieza que nombra la exhibición: “The Killing Machine”. Esta obra maestra de la exhibición presenta un sin número de contradicciones. Tal vez, la más importante y llamativa es que puede crear arte, algo hermoso, de una máquina, que como su nombre dice, su única función en el mundo es torturar y matar. La máquina para matar está inspirada en elementos de nuestra cultura actual como la guerra, la situación política de los Estados Unidos y en un sistema de justicia que todavía permite la pena de muerte como método de castigo para aquellos que no saben comportarse como es debido en una sociedad civilizada. La obra también está inspirada en la historia de Franz Kafka “En la Colonia Penal”. Sin lugar a dudas esta pieza también cuestiona los valores de los espectadores ya que por su belleza e innovación como pieza artística nos invita a que nos acerquemos a ella. Sin embargo, la temática a la cual está dedicada también busca que se cree una repulsión por los métodos de tortura y otras formas legales que los estados proveen para matar a los convictos a la pena de muerte. Estas piezas, así como las otras que se presentan en el MAM, tienen el denominador común de manifestar las paradojas e ironías del arte y de la vida misma en lo que a temática se refiere. No obstante, en el campo del arte, en el campo de Cadiff y Miller, también son excelentes manifestaciones de lo que distingue a estos artistas desde que comenzaron a trabajar juntos. Y es esa capacidad que tienen no sólo para crear una verdadera obra de arte de objetos cuestionables. También es la capacidad que tienen para crear una historia completa que parte de esa obra recién creada. Cardiff y Miller, como mencionamos anteriormente, utilizan 68
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elementos de los medios audiovisuales, como los videos, las películas y la música para crear una obra completa que cuenta una historia por sí misma y otra historia cuando las piezas se ponen una al lado de la otra y se exhiben como un conjunto. Esta característica de las piezas creadas por Cardiff y Miller fue precisamente lo que atrajo la atención de los curadores del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), quienes se dieron a la tarea de recopilar estas obras y luego de exhibirlas prestarlas al MAM. El MAM es un museo que desde su fundación en el 1996 se ha comprometido en llevar al público con las formas de arte contemporáneo desarrolladas en los siglos XX y XXI. A pesar de lo reciente del museo han logrado construir una gran colección de arte contemporáneo que será su legado con futuras generaciones. El compromiso del MAM con las nuevas manifestaciones del arte queda evidenciado con la presentación de Janet Cardiff and George Bures Miller: The Killing Machine and Other Stories 19952007, artistas canadienses que comenzaron sus carreras artísticas casi al unísono, pero no fue hasta la década de los 90’s que despuntaron como verdaderos maestros de su arte y de las creaciones que ofrecen a los públicos conocidos. Según Terence Riley, director del MAM, en el museo están completamente animados con la idea de presentar los trabajos de Janet Cardiff y George Miller. Riley añadió que las personas que se acerquen a ver la exhibición se encontrarán inmersos en nuevos mundos de ensueños. A
La imagen y la palabra: las maneras de decir la poesía. Escogido como uno de los mejores libros del 2005 por El Nuevo Día, la edición homenaje de Canto de la locura –uno de los principales poemas de la literatura Hispanoamericana conjuga el fino diseño tipográfico de Sof ía Sáez Matos con la plástica de Rafael Trelles, Elizam Escobar, Alfonso Arana y Nelson Sambolín, entre otros, enmarcados por el arte memorable de Antonio Martorell.
Edición de Ángel Darío Carrero Estudio preliminar de Mercedes López-Baralt
Una pieza de arte. Un libro de colección. Un poeta memorable. Al gusto de Terranova.
Canto de la locura De Francisco Matos Paoli
De venta en las principales librerías del país y en amazon.com
biblioteca
30,000 years of Art Phaidon, 1,064 páginas 1,000 ilustraciones id. inglés, $49,95
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Phaidon nos trae la secuela a “The Art Book”, el fenomenal recuento alfabético de los grandes artistas universales. “3000 Years of Art” inclue 1000 grandes obras de arte de todos los períodos y regiones del mundo. Es un compendio entretenido y accesible que ofrece una forma original de ver toda la historia del arte, desde 28,000 años antes de Cristo hasta el presente. La distribución cronológica de las obras revoluciona las clasificaciones y jerarquías de siempre en el arte, para demostrar lo que se creaba alrededor del mundo al mismo tiempo. Por ejemplo, mientras se creaba la Venus de Milo, se erigía la civilización Maya. Junto a las Meninas de Velásquez, se presenta una copa de jade hecha para el shah de India. La yuxtaposición de las obras de diferentes culturas a través del tiempo provee una evaluación balanceada de la historia del arte, revelando su inmensa diversidad y las similitudes en los logros artísticos del ser humano.
Este libro es una bienal impresa: una selección de los 100 artistas emergentes y establecidos más significantes del mundo en la actualidad, seleccionados por expertos renombrados del arte contemporáneo. Los curadores de esta exhibición-libro son Carolyn Christov Bakargiev, Charles Esche, Rubén Gallo, Yuko Hasegawa, Udo Kittelmann, Adriano Pedrosa, Beatrix Ruf, Nancy Spector, Hamza Walker e Igor Zabel. La obra de cada artista está representada con CREAM 3 una selección generosa de imágenes a color, un texto introductorio y Curadoria por Carolyn Christov una historia de la exhibición. En Bakargiev, Charles Esche, esta edición, se incluye una nueva Rubén Gallo, Yuko Hasegawa, sección en la que cada uno de los Udo Kittelmann, Adriano curadores eligió a un artista clave Pedrosa, Beatrix Ruf, Nancy que considera como la inspiración Spector, Hamza Walker e Igor o influencia de las generaciones de Zabel. artistas más jóvenes. Esta colección de la crema del arte debe estar en Phaidon, 448 páginas 700 ilustraciones en color la biblioteca de los expertos y los 400 ilustraciones en blanco que comienzan, pues supone una y negro referencia para los años venideros. id. inglés, $59.95
Lucian Freud
Smee, Sebastian Taschen, 96 páginas id. inglés, $10.00
El artista británico Lucian Freud se considera como el pintor figurativo actual de mayor importancia. Freud es un retratista consumado y se especializa en los desnudos. Utiliza la técnica del impasto, en la que se crean texturas muy gruesas con la pintura sobre el lienzo, de modo que los trazos y marcas son claramente visibles, para crear profundidad e intensidad, a la vez que restringe su paleta cromática a tonos débiles. Los sujetos de sus retratos pueden no ser hermosos, pero son honestos y francos y no piden disculpas por ello. “Pinto a la gente”, ha dicho Freud, “no por lo que parecen, no exactamente a pesar de lo que parecen, sino por como resultan ser en realidad.”
A diferencia de la mayoría de las enciclopedias de arquitectura, que tienden a concentrarse más en las estructuras y los planos que en los diseñadores, “The A–Z of Modern Architecture” destaca y describe a los arquitectos como personas, para que los lectores puedan tener una idea más clara de sus obras. Cada arquitecto tiene un retrato, una cita y una biografía corta, seguidos por una descripción de sus obras importantes, su contexto histórico e ilustraciones numerosas The A-Z of Modern de dibujos, fotografías y planos. Architecture Además de individuos, también Peter Gössel, se reseñan grupos, movimientos Taschen, 2 Vol. 1,072 páginas y estilos. El libro, organizado id. inglés, $250.00 en orden alfabético, tiene 600 entradas que comprenden desde el siglo XVIII hasta el XXI, y 5,200 ilustraciones. “The A–Z of Modern Architecture” es un recurso muy completo que todo profesional, aficionado o estudiante de arquitectura debe tener. Su editor, Peter Gössel, es también el editor de las monografías TASCHEN sobre Julius Shulman, R. M. Schindler, John Lautner y Richard Neutra.
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art trivia 1. Cuánto tiempo tomó a Leonardo Da Vinci pintar los labios de la Mona Lisa?
2. Qué color no usó jamás Piete Mondrian en sus pinturas?
a. 7 días b. 3 meses c. 1 año d. 12 años
a. Verde b. Rojo c. Negro d. Azul
3. En 1987, la obra IRIS de Van Gogh se vendió en la cifra record de 49 millones de dólares. ¿Cuàl de estas razones influyò en el precio?
4. Quién es el fotógrafo que enseñó durante 10 años en el MIT ydesarrolló el “Zone System” a. Andrés Serrano b. Minor White c. Alfred Stielitz d. Barbara Morgan
a) Fue una obra inconclusa por su muerte b) Fue su última obra c) Fue su primera obra d) Fue dibujada en un asilo
5. ¿Dónde se encuentra la famosa obra de Edward Hoppers Nighthawks?
6. La obra The Scream de Munch fue considerada violenta y su primera exhibición fue cancelada. ¿En qué ciudad ocurrió?
a. Whitney Museum b. The Art Institute of Chicago c. The DesMoines Art Center d. The MoMA
7. ¿Còmo se llamò el restaurante que abriò Damien Hirst en Londres”? a. The Sex Shop b. The Morgue c. The Pharmacy d. The Museum
a. Berlin b. Oslo c. Londres d. Paris
8. La revista ArtNews le consideroel hombre más poderoso en el mundo del arte. ¿Quien es? a. Charles Saatchi (Agencia de Publicidad) b. François Pinault (Dueño de Christie´s) c. Samuel Keller (Director de Art Basel) d. Steven Cohen (Fundo de Inversion)
¿Quién dijo? “EL ARTE NO REPRODUCE LO VISIBLE. EL ARTE HACE VISIBLES LAS COSAS”
PAUL KLEE JASPER JOHNS
GUSTAV KLIMT REMBRANDT
“POR MUCHO TIEMPO ME HE LIMITADO A UN SOLO COLOR, COMO UNA FORMA DE DISCIPLINA”
YVES KLEIN PABLO PICASSO
MARLENE DUMAS ANDY WARHOL
“YO NO PINTO LA NATURALEZA, YO SOY LA NATURALEZA”
TOMAS SANCHEZ WIFREDO LAM
JACKSON POLLOCK ARNALDO ROCHE-RABELL
1. 12 años - 2. Verde - 3. Fue dibujada en un asilo- 4. Minor White - 5. The Art Institute of Chicago - 6. Berlin - 7. The Pharmacy - 8. François Pinault 1. Paul Klee - 2. Pablo Picasso- 3. Jackson Pollock
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Art Premium Art Premium EDICIÓN NÚM. 21 | VOL. 4
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VOL. 4 - NÚM. 21
CARMELO SOBRINO - MUSEO DEL PRADO - IGNACIO CORTÉS - GUGGENHEIM BILBAO - ANTUAN - MERO - CARDIFF Y MULLER