ArtPremium #19

Art Premium Art Premium EDICIÓN JULIO | AGOSTO 2007

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BEATRIZ MILHAZES EN EXCLUSIVA

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VOL. 4 - NÚM. 19

SOL LEWITT - MICHAEL LINARES - JAMES COHAN GALLERY - ABU DHABI - LOS DESAPARECIDOS - JOSÉ GARCÍA CAMPOS

50 En exclusiva

La artista brasilera Beatriz Milhazes conversó en exclusiva con ArtPremium sobre su delicada y original técnica de trabajo, sus referentes visuales, su trayectoria y sus novedosos proyectos que impulsan su carrera a nuevos escenarios creativos

Acontecimiento

Feria

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DOCUMENTA 12: Entre el 16 de junio y el 23 de septiembre de este año tendrá lugar en Alemania la más esperada feria de arte. Con más de 50 años de existencia, Documenta se ha posicionado como el barómetro de las nuevas tendencias del arte contemporáneo..

EDICIÓN JULIO | AGOSTO 2007 VOL. 4 - NÚM. 19

sumario 6 Noticias de Puerto Rico, Miami, el mundo.

18 Estudio

El escultor José García Campos nos invitó a recorrer su más reciente exposición titulada “Cautivo”. La visita se transformó en un viaje por la historia de cada pieza, las que nacen de sus experiencias más íntimas para ser representadas como temas universales.

22 Exposición (los Caballos) 30 Nuevo talento

El professor Manuel Álvarez Lezama de La Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras, relata su apreciación de la obra de Michael Linares, representante de una nueva generación de artistas puertorriqueños.

40 Exposición Miami

La muerte del norteamericano Sol LeWitt, el padre del minimalismo y el arte conceptual coincidió con la exposición Sol LeWitt x 2 en el Museo de Arte de Miami.

44 Galería

La galería de James Cohan, en Nueva York, ha sabido ganarse un distinguido espacio en el competitivo mundo del arte. ArtPremium conversó en exclusiva con su director, quien nos habló sobre su línea de trabajo que busca mantener un equilibrio entre exhibiciones de artistas consagrados y la revelación de nuevos talentos.

58 Arte e Historia

El Museo del Louvre de París asumió el reto de dedicarle una exhibición monográfica a un artista de la Grecia clásica a través de una retrospectiva de la magna obra escultórica del maestro Praxíteles.

62 Fotografía

El trabajo de Miguel Rocafort captura la poesía de objetos cotidianos que encuentra a su paso y nos entrega pequeños viajes de momentos atrapados en el tiempo.

70 Biblioteca 72 Art Trivia

ArtPremium 1452 Ashford Avenue #306A San Juan, PR 00907 T 787 721-6021 F 787 721-6024 E info@artpremium.com www.artpremium.com

eric bonici

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redacción edición y corrección redacción coordinador internacional

Colaboradores: Lda. Frances Santiago, Prof. Manual Álvarez Lezama, Violeta Sánchez, Raisa Clavijo (Miami), Violeta Izquierdo (Madrid), Ethan Banks (Nueva York), Maria de Mendoza (Londres), Abil Peralta Aguero, Alfredo Rivas, Laura Bravo, Ph.D. matilde santiago paula maurtua gerardo ayala eric bonici creative graphics

mercadeo ejecutiva de cuenta circulación diseño y pre-producción imprenta

ArtPremium Puerto Rico (ISSN: 1548-1468) es una publicación bimensual de ArtPremium, Inc.. Copyright© 2004 ArtPremium Inc.. Por material compilado de fuentes de las cuales se presume veracidad, ArtPremium Inc. no asume responsabilidad por errores u omisiones. ArtPremium Puerto Rico acepta publicar anuncios de clientes de buena reputación.

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de la editora ¿ Qué es lo que define el arte contemporáneo?

El arte contemporáneo provoca pasión, perplejidad, interés, irreverencia o sospecha, pero sobre todo el choque con nuestras identificaciones y nuestras referencias. ¿Por qué debe obligatoriamente sorprender, asombrar o crear fuertes emociones? ¿Es que la referencia a la realidad es una fatalidad? Lo que sucede es que lo cotidiano supera, construye o destruye nuestras pasiones.

Cuando exploramos la creación, no existe una fórmula válida, porque la sensación de poder participar en el nacimiento de una expresión aún inexplorada es la chispa reveladora de conciencia.

La creatividad se mueve en un verdadero desorden, dirigida y modificada, por el alboroto interactivo entre el artista y el mundo del arte.

Esta enormidad global de expresiones contemporáneas trata de competir con la creación.

El reconocimiento de lo excepcional ya no es el vínculo directo de la expresión sino de los que la representan. Todo está permitido bajo el amparo de la “creación contemporánea”. Lo incongruente, lo indecente, lo raro, la evidencia de un objeto cotidiano puesto en escena, lo teatral, etc. Hacer lo que otros no se atreverían, concede la etiqueta de expresión libre, liberada de referencias, materiales, esteticismo, verdadero concepto, idealismo; así va la expresión contemporánea.

de expresiones sin verdaderamente servir de guía.

Lo que el arte contemporáneo creó es un sello de reconocimiento y de éxito: artistas emergentes…

La innovación puede ser un impulso efímero, mientras que la creación es el principio de un universo en formación. Mi encuentro con un universo de creación, percepción, visión, estética y sinceridad tuvo lugar durante nuestra entrevista para esta edición de ArtPremium con una excepcional artista joven, ampliamente reconocida por los más grandes museos del mundo, me refiero a Julie Mehretu.

Su obra exalta dentro de una libertad de pensamiento, un lenguaje cósmico donde todo se organiza en el caos. La forma geométrica, la danza de los colores, el sonido de la composición restituye con emoción y actualización contemporánea la inspiración de Kandinsky.

El intercambio natural y sensible del discurso de Julie Mehretu durante nuestra entrevista, nos demostró la autenticidad y la pasión de una obra y de una artista modulada dentro de la vorágine de la creación contemporánea.

Hoy en día, la impaciencia de los artistas emergentes y de sus representantes es lo que frena el desarrollo de la pasión creativa. ¿O es que la pasión, uno de los elementos clave de la expresión contemporánea, no es suficiente para iniciar un proceso de creación que define al individuo creativo y revelador en un universo en formación?

Todo es posible y todo está permitido pero, ¿es que lo posible puede dar vida a una obra única y creativa? ¿Es que innovar significa unirse con la creación?

El mundo del arte actual expone una multitud

Corinne Timsit

Como opinaba Hegel en 1937 en La razón en la Historia: “Nada grandioso se realizó en el mundo sin pasión”.

ctimsit@artpremium.com

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| ¿qué pasa en puerto rico? |

Los grandes maestros de la pintura en el MAP José Campeche, Francisco Oller y Miguel Pou comulgan en la exposición Mi Puerto Rico: los grandes maestros de la pintura, 1780-1952, la cual después de exhibirse exitosamente en el Worcester Art Museum en Massachusetts y The Newark Museum en Nueva Jersey, llega al

enfoques del trabajo de cada uno de estos artistas.

Como dato curioso, Mi Puerto Rico incluye una obra de José Campeche que fue descubierta durante el proceso de preparación de dicha exhibición. El retrato de un letrado es una pieza que aparecía firmada por “Espada”, artista que intentó restaurarla en fecha no identificada.

Luego de ser estudiada y restaurada por el personal del Laboratorio de Conservación del museo, fue confirmado que la obra era en efecto del pintor puertorriqueño y que incluso estaba firmada por este en el extremo inferior izquierdo.

Galería Lempicka exhibe la obra de maestros puertorriqueños como Osiris Delgado y Félix Rodríguez Báez y de los postimpresionistas franceses Pierre Dumond y Elisée Maclet. Asimismo, representa internacionalmente a los pintores venezolanos contemporáneos Félix Perdomo, Trino Sánchez y Eleonora Tugues.

Galería Lempicka: Nueva propuesta cultural

Museo de Arte de Ponce (MAP) donde se mantendrá abierta hasta el 29 de julio.

Curada por Cheryl Hartup, curadora en jefe del MAP y Marimar Benítez, directora de la Escuela de Artes Plásticas de San Juan, esta exhibición permitió presentar por primera vez en Estados Unidos el trabajo de estos tres maestros puertorriqueños. Organizada por el MAP, Mi Puerto Rico: los grandes maestros de la pintura, 1780-1952 incluye 47 obras provenientes de colecciones públicas y privadas, así como dieciséis del MAP. Esta muestra pretende explorar la evolución de una visión artística, que en esta ocasión se concentra en la manera en que José Campeche (1751-1809), Francisco Oller (1833-1917) y Miguel Pou (1880-1968) percibieron y representaron su entorno a lo largo de dos siglos.

Asimismo la obra de los contemporáneos de Oller y Pou forma parte de esta exhibición. Por tal razón, la exhibición logra proyectar algunos aspectos de la situación social, económica, política y la riqueza natural del país a través de los

Con el propósito de crear un vínculo entre los artistas latinoamericanos y el público, hace un año abrió en San Juan la Galería Lempicka, la cual también cuenta con sedes en Uruguay y Argentina.

Entre sus objetivos despuntan la proyección internacional del arte puertorriqueño y el apoyo representativo a los artistas latinoamericanos emergentes. Dentro de estos últimos están el argentino Mario Segundo Pérez y los uruguayos Fernando Oliveri, Adolfo Sayago, Yanny Ippoliti, Gabriela Acevedo, Carlos Presto y Enrique Medina.

Según uno de sus directores “el arte no es ni ha sido jamás sólo decoración.

Actualmente, en el mundo globalizado, el arte es una forma de inversión económica sumamente importante. Por esa razón, con Galería Lempicka nos proponemos ir más allá de lo decorativo. Queremos proyectar el arte latinoamericano como un modo reconocido y atractivo de inversión financiera”.

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Lexus en continuo apoyo al arte Lexus y la Fundación Comunitaria de Puerto Rico entregaron recientemente las Becas Lexus para Artistas, que permitirán el desarrollo de tres proyectos de arte que integran diversas disciplinas.

Con la meta de robustecer la conciencia cultural por medio del apoyo a artistas en desarrollo, estas becas consisten en un donativo de $7,000 y tienen un año para completarse. Los artistas seleccionados por el jurado fueron Abigail Pantoja Bermúdez de Vega Alta, Javier Olmeda Raya de Carolina y Rosalín Suero Castillo de San Juan cuyas propuestas incluyen instalaciones, que integran la fotografía, xilografías, arte digital y pinturas de gran formato.

Mario Dávila, presidente de Lexus en Puerto Rico, explicó durante la ceremonia de entrega de las becas celebrada en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), que los ganadores “representan esa búsqueda de la excelencia a través del proceso creativo” y aseguró que apoyar a estos talentos “es la mejor manera en que podemos desarrollar la educación en torno al arte puertorriqueño”.

Al cabo del año de producción de la obra, cada artista expondrá su trabajo en el MAC así como en un evento realizado para divulgar las obras producto del apoyo de las becas de Lexus.

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Junio - Julio 2007 Exposición individual al JACKIE MAUERBERGER - ARCE GALLERY Viena - Austria www.eluarddobal.com

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| ¿qué pasa en puerto rico? |

Estudiantes del MAC exhiben sus obras

Un nuevo esfuerzo hacia el arte Como parte del compromiso institucional con las artes, la empresa Wellborn Kitchen & Bath ha lanzado la organización sin fines de lucro ApoyArte, que tiene la misión de promover y retener el talento de los artistas puertorriqueños en todas sus manifestaciones.

“Con este esfuerzo institucional pretendemos mermar el éxodo de artistas locales a otros países en busca de mayor valor y apreciación por sus obras”, indicó Héctor J. Torres, portavoz de la entidad.

“La misión de ApoyArte es aportar a la educación y cultivar el intelecto hacia la creación de nuestros artistas y comprometernos con su desarrollo profesional”, añadió Torres.

La actividad inaugural de ApoyArte será una exposición colectiva, que unirá el el talento de los pintores Beto Torrens, Anna Nicholson y María Vázquez, junto al de la escultora Cecille Molina y la ceramista Beatriz Martí y que abrirá en el Palmas del Mar Country Club el próximo 2 de agosto.

Esta importante iniciativa se debe gracias al esfuerzo conjunto de Wellborn Kitchen & Bath y al Palmas del Mar Country Club, organizadores principales de la actividad.

Parte de los recaudos de la exposición beneficiará a la organización P.E.C.E.S., destacada por fomentar el desarrollo social, económico y educativo en Punta Santiago; una comunidad costera de Humacao con alrededor de 5,803 residentes y que también colabora con comunidades adyacentes.

La exposición estará abierta hasta el 5 de agosto en Palmas del Mar Country Club. Para más detalles escribir a apoyartepr@gmail.com

El Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC) invita al público en general a la exhibición de los trabajos de los estudiantes que participaron de la Segunda Sesión de Cursos Cortos del Programa Educativo del MAC. La muestra, que permanecerá en exhibición en el primer piso del Museo hasta el 5 de julio, exhibe las obras creadas por los estudiantes del curso-taller de mosaicos, brinda una introducción a la técnica del mosaico como expresión artística.

Durante el año, el MAC ofrece cursos de corta duración donde cada semestre se ofrecen dos sesiones de aproximadamente dos meses cada una. Dirigidos a la comunidad en general, el propósito de estos talleres es fortalecer el desarrollo integral del individuo a través del recurso del arte, por medio de actividades creativas que faciliten la comunicación de emociones y que promuevan una conducta positiva entre niños, jóvenes y adultos.

Íconos según Carlos Mercado Primer Piso Galería presenta Íconos, la más reciente exposición del artista Carlos Mercado. Para esta ocasión, Mercado tomó algunas imágenes de la clásica producción del fotógrafo americano Jack Delano para reinterpretarlas con una carga cultural que va desde lo Pop hasta el arte religioso occidental y elementos de arte africano.

Así, Mercado ha reinterpretado a íconos que de alguna manera afirman la cultura puertorriqueña. Para eso cuidó que dichas imágenes conservaran un carácter místico

Rayone Art Gallery, una nueva alternativa al arte Rayone Art Gallery nació unos meses atrás en Guaynabo con la intención de convertirse en un hogar tanto para artistas consagrados como para talentos emergentes donde concurra la habilidad y la sensibilidad artística.

Ray Quiñones, el propietario de la nueva galería, apunta que “deseamos brindarle a Puerto Rico un nuevo espacio para el arte, un lugar especial para encontrar las más recientes obras de pintores locales e internacionales. Además, brindaremos una serie de actividades durante el año para que la comunidad puertorriqueña pueda insertarse en el mundo del arte y compartir con nuestros artistas”.

Para Rayone Art Gallery, que cuenta con una sala de exposición de 700 pies cuadrados donde se llevan a cabo exposiciones individuales y colectivas, la meta estriba en brindar un espacio abierto a todo artista, tendencia y movimiento del arte nacional, aparte de brindarle tanto al coleccionista como a los espectadores la oportunidad de admirar y adquirir obras del arte contemporáneo. | ArtPremium |

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contemporizado, teniendo como objeto enaltecer la expresión cultural boricua con toda la carga estética e histórica que éstas contienen.

Con más de 20 exposiciones colectivas e individuales desde 1988 en Puerto Rico, Mercado ha cimentado los aspectos fundamentales de su producción artística gracias a su dedicación al medio así como a la seriedad de sus planteamientos. La búsqueda de nuevas visiones lo ha llevado a cambios graduales en su imaginario así como a modificaciones estilísticas que, en parte, han viabilizado que sus piezas pertenezcan a algunas de las colecciones privadas más importantes en la Isla.

Mercado es natural de Ponce y obtuvo un Bachillerato en Artes y Ciencias de la Universidad Católica de Puerto Rico.

| ¿qué pasa en puerto rico? | POR CARMEN GRACIELA DÍAZ

ELUARD DOBAL: Libre en su realidad abstracta

“La independencia artística es lo que me ha llevado a creer que en la emoción recae parte esencial de la inspiración”, con esas palabras el pintor Eluard Dobal traza el credo que lo ha acompañado en su carrera artística.

Para Dobal, la construcción de su identidad como artista puertorriqueño y el desarrollo de su carrera como pintor, ha respondido a su deseo de explorar otros horizontes que le permitan incorporarse a contextos fuera del puertorriqueño. Por eso, su reciente carrera internacional lo ha llevado a participar en ferias de arte que, posteriormente, han viabilizado exposiciones individuales.

Este pintor que actualmente opta por lo abstracto como lenguaje pictórico ha participado en la feria de arte internacional Lineart en Ghent, Bélgica tanto en el 2005 como el 2006. Luego de ahí, Austria conoció a Dobal en el 2006 a través de la colectiva “Salvador Dalí and Co.”, así como en el 2007 gracias a su más reciente exposición individual llamada “Color of Life”, ambas llevadas a cabo en jma Gallery ubicada en el centro de Viena.

En un ejercicio de retrospección, este artista asegura que la reacción del público en Bélgica fue “constructiva”, atribuyéndolo al hecho de que al haber ido dos veces “la gente va asociando a uno”. Orgulloso de haber formado parte de esa feria de arte etnográfico, moderno y contemporáneo, Dobal añade que “esa feria es muy importante porque hay muchos artistas que a veces aquí no son muy conocidos, pero en Europa son de mucho calibre”.

Allí en Bélgica, en el 2005, Dobal es presentado a Jackie Mauersberger, galerista de jma Gallery de Viena, quien se encontraba en la búsqueda de un pintor que completara el lineamiento de los artistas de su galería y quien, en parte, ha juntado las piezas del rompecabezas internacional de este sanjuanero.

Dobal siente una adhesión especial por jma Gallery, particularmente por haber figurado en “Salvador Dalí and Co.”. “Haber estado con Dalí es un prestigio que pocas personas tienen”, indica. En el marco de esta exhibición, que constó de esculturas realizadas por el genio surrealista junto a un conglomerado de pintores entre los que se hallaba Dobal, Mauersberger le propuso participar de la nueva temporada de exposiciones de esta galería, conocida por presentar arte contemporáneo con expresiones que van del figurativo al abstracto y desde el surrealismo hasta el Pop Art a través de diversos medios.

Aceptar la proposición de Mauersberger condujo a su exhibición individual “Color of Life”, celebrada hasta principios de junio del año en curso. Dicha exposición –que fue conformada por diez obras tanto en pequeños como grandes formatos- le regaló a Dobal, uno de los mejores recuerdos de su trayecto artístico. “Esa apertura fue impactante. Para un puertorriqueño que va a Viena, estar en una exposición como esta en la que me recibieron con bongos africanos y congas, a la que asistieron diversas personalidades como el primer ministro de cultura, la cónsul, embajadores, y un coro de Filipinas que cantó precioso, le recuerda a uno cuán difícil es aglutinar a este tipo de personas provenientes de diferentes países”, comenta este vehemente pintor.

Dobal recalca que le viste de honor el saber que con “Color of Life” se haya inaugurado esa serie de exposiciones de jma gallery. “Más aún, el que el anuncio de mi exposición y mi trabajo haya estado corriendo todo el mes en vagones de todos Metro cortado I, 2007, óleo, espatula y cuchillo japones, 24” x 20” || ArtPremium ArtPremium ||

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los trenes de allá, donde todos lo pueden ver, para mí es una gran emoción”, expresa matizado la exaltación que siente.

No es de extrañar que ante tales logros, lo próximo para la obra abstracta de Dobal es que continúe girando en torno al intercambio de inspiración y descubrimiento internacional pues ha sido una fórmula que ha funcionado cabalmente para este puertorriqueño de inquietudes cosmopolitas. Por tal razón, su trabajo estará en las ferias de arte Art-Karlsruhe en Alemania -en la que participan 140 galerías y la que cuenta con sobre 30,000 visitantesasí como Lineart en Bélgica, ambas en el 2008, así como próximamente en la Feria Internacional de Luxemburgo.

“Mi padre (Don Narciso Dobal) una vez me dijo ‘el artista es preso de su maestro’.

Y aunque yo empecé haciendo cosas más surrealistas y figurativas, la evolución misma me ha llevado a lo abstracto”, manifiesta este intenso artista. De hecho, la abstracción podría ser una metáfora de un arte sin fronteras geográficas y sin tendencias que repiquen en el insularismo. Ese arte sin límites no ha desvinculado a Dobal de su cultura puertorriqueña porque, después de todo, la práctica del color hace vibrar la cultura de uno transformándose en una sutileza última de la expresión pictórica.

23-26 de agosto de 2007

Ven y comparte junto a nosotros una trayectoria de ayuda y servicio a la comunidad.

Expo de Fondos Unidos de Puerto Rico

| ¿qué pasa en miami ? |

Dorsch Gallery presenta a Ralph Provisero

Imágenes de la cultura puertorriqueña en Orlando

Swimming with Sharks es el título de la exhibición individual de Ralph Provisero que se mantendrá abierta hasta el próximo 1ero de septiembre en Dorsch Gallery, ubicada en el Distrito de Arte Wynwood.

El trabajo más reciente de Provisero, que presenta sus nuevas esculturas y dibujos, está centrado en la dinámica de la forma y el efecto que ciertos objetos tienen cuando son integrados como materiales a la escultura.

Al fusionar íconos culturales del día a día con elementos específicos seleccionados según sus concepciones, Provisero es capaz de realzar, difundir, o modificar completamente las implicaciones de su trabajo. Temas de tanta seriedad como la forma pura hasta lo ligeramente cómico, son demostrados en la obra más nueva de este artista.

Provisero quien vive y trabaja en Miami, ha exhibido su trabajo en el Chicago’s

En el 1980, la Cooperativa de Seguros Múltiples de Puerto Rico comenzó su colección de arte puertorriqueño contemporáneo con el objetivo de preservar el patrimonio artístico y cultural de la Isla. Así, una muestra de más de 50 obras de artistas puertorriqueños pertenecientes a la colección, formarán el cuerpo de la exposición Imagen de la cultura, abierta del 23 de agosto al 28 de octubre en el Museo de Arte de Orlando.

Dicha exhibición contó con la curadoría de Juan Lugo, cofundador de la colección que cuenta con 600 piezas de exponentes puertorriqueños, y del artista Rafael Rivera Rosa, aparte de contar con el apoyo del crítico de arte José Antonio Pérez Ruiz.

Cabe mencionar que Imagen de una cultura exalta la obra tanto de artistas de la Generación del 50 como del presente. Por tal razón, el público que se dé cita a esta exposición disfrutará de la obra de artistas como Myrna Báez, Félix Bonilla Norat, Augusto Marín, Carlos Dávila Rinaldi, Fran Cervoni, Daniel Lind, Domingo García, Carmelo Sobrino, María de Mater O’Neill, Enoc Pérez, Julio Rosado del Valle, Rafi Trelles, Wichie Torres, Orlando Vallejo, Francisco Rodón, Yolanda Muñoz y Angélica Rivera, entre otros.

Navy Pier, The Bass Museum of Art, The MACAY Museum of Contemporary Art en Mérida, México, y The Kemper Museum of Contemporary Art en la ciudad de Kansas.

Este artista recibió su Bachilletaro en Bellas Artes con concentración en Escultura del Instituto de Arte de la ciudad de Kansas en el 1995. También ha sido artista visitante en instituciones educativas como la Universidad de Miami.

Metalmags en Pop Art Luego del éxito obtenido en mayo, Pop Art continuará hasta el 21 de julio como el after party oficial para las tres exhibiciones de la edición de junio de la galería Diana Lowenstein Fine Arts (DLFA) expuestas del Wynwood Art District Second Saturday Gallery Walk.

Dicha galería, siguiendo su tradición en torno a la serie “Young Generation”, | ArtPremium |

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presenta la exhibición “Young Generation 3: Die Young Stay Pretty” inspirada en la canción “Die Young Stay Pretty” de Blondie y la película “Logan’s Run”. La curadoría estuvo a cargo de José Carlos Díaz.

La apertura el 9 de junio en el after party oficial de la exhibición de DLFA contó con el performance Metalmags a cargo de Erica Magrey. La artista explora temas del autodescubrimiento y la imagen propia a través de la música, ambiente, disfraces y personas para poder aprender más acerca de las distintas maneras en las que la fantasía configura la realidad y la identidad. Esculturas, instalaciones, vídeos y performance sirven como extensiones tanto de su trabajo como de su persona, mientras los elementos de su entorno cobran vida en una mezcla caótica del espacio público.

Una mirada a las condiciones de exposición contemporáneas El renovado interés entre los artistas jóvenes de producir trabajo que rescate algunos de los gestos críticos de generaciones pasadas es capturado en la exposición Conditions of Display. Curada por Gean Moreno, esta muestra -que estará expuesta hasta el 14 de julio en The Moore Space- explora el significado de este reenfoque en estrategias de exposición y los contextos de presentación de trabajos de arte.

Fruto de una rigurosa investigación de sitio, esta muestra plantea cómo las preocupaciones de estos artistas conceptuales más jóvenes no se concentran tan sólo en la localidad inmediata donde el trabajo es exhibido, sino en los contextos de presentación así como los sistemas de distribución en que se desarrollan y funcionan. Más allá de eso, esta exposición ausculta de qué manera los gestos críticos proceden en las situaciones socio-culturales contemporáneas.

Art Miami se revitaliza en una nueva localidad

Una reinterpretación de a Tamayo trayectorias geográficas y creativas que siguen la evolución artística de Tamayo; en el MAM

El 2007 significará el año de la reinvención para Art Miami, con una gran carpa que debutará, esta vez, durante el mes de diciembre en el lugar de enero en el Wyndwood Gallery District. Este nuevo espacio será lanzado en el corazón de lo que se ha convertido en una de las escenas más efervescentes del arte en los Estados Unidos: Miami.

Del 6 al 10 de diciembre, durante la época de la feria Art Basel Miami Beach, Art Miami celebrará su decimoctava edición, con galerías internacionales –tanto establecidas como menos conocidas- que estarán presentando arte moderno y contemporáneo dentro de un pabellón temporero de 80,000 pies cuadrados, hecho a la medida, y con aire acondicionado. En el marco de Art Miami, dicha estructura acogerá aproximadamente 100 galerías en amplios espacios de exhibición.

La meta es contundente: que Art Miami se convierta en una plataforma para galerías de arte moderno y contemporáneo que representen primorialmente tanto a artistas mid-career como aquellos ya establecidos.

Las expectativas son altas y el público de Art Miami, exigente; por tal razón, se anticipa una prominente selección de galerías europeas, americanas y asiáticas, las cuales conformarán lo esencial de Art Miami. Mientras que la feria vislumbra proveer un espacio destinado a galerías, previamente cualificadas, para exhibir artistas de corrientes vanguardistas.

Tamayo reinterpretado, la exposición de mayor trascendencia que se realiza en Estados Unidos en 28 años sobre la obra del admirado artista mexicano Rufino Tamayo (1899-1991), estará exhibiéndose hasta el 16 de septiembre de 2007 en el Miami Art Museum (MAM).

Esta muestra internacional itinerante destacará pinturas provenientes de colecciones privadas e institucionales, incluyendo lienzos que por décadas no han sido expuestos al público. La exhibición fue organizada por Santa Barbara Art Museum (SBMA), donde se estrenó, y luego viajará al Museo Tamayo Arte Contemporáneo, en la Ciudad de México. Esta exposición de sobre 100 pinturas tiene como objetivo no sólo presentar una cuidadosa selección de las mejores obras de Tamayo, sino también ofrecer una reinterpretación contemporánea a este artista de renombre mundial.

Símbolo del arte moderno mexicano, Tamayo fue denominado “el cuarto grande”, aparte de haber sido investido en el “salón de la fama nacional” al lado de los tres grandes del muralismo mexicano: José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Pese a que se le ha contextualizado entre “los tres grandes”, en repetidas ocasiones T En todas partes, sus estupendas pinturas evocan imágenes conocidas de México; sus colores, texturas y siglos de cultura indígena e híbrida, tal vez representados en su aspecto más pintoresco y estereotipado por los mercados tradicionales del país, pero rebosantes de flores exóticas, frutas tropicales y arte popular indígena. Diana C. du Pont, curadora de arte moderno y contemporáneo del SBMA, y directora del proyecto de esta exposición explica: “La obra plástica de Tamayo, al igual que su historia personal y profesional, ostenta los sellos distintivos de las aspiraciones y luchas, triunfos y fracasos que definieron a México como una nación moderna”.

Las pinturas que componen esta exhibición fueron cuidadosamente seleccionadas y están organizadas en una secuencia cronológica aproximada, buscando enfatizar la interpretación temática. La exposición brinda a los espectadores una ventana a las muchas | ArtPremium |

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desde sus primeras pinturas, paisajes impresionistas y retratos picassianos, hasta sus últimas obras, y meditaciones sobre su propia mortalidad. Como retrospectiva, Tamayo reinterpretado presenta las contribuciones del artista al modernismo mexicano e internacional, explorando los diversos senderos que recorrió para orientar con éxito un diálogo estético y una prolífica carrera entre México, Estados Unidos y Europa.

Javier Téllez. The Lion of Caracas. 2004. Still

Los Jump Cuts del arte contemporáneo venezolano La exhibición Jump Cuts: Venezuelan Contemporary Art de la Colección Mercantil, que se mantendrá abierta hasta el 15 de julio en el Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), emerge de una examinación del trabajo de 30 artistas venezolanos cuyas obras caracterizan la evolución y la diversidad del arte contemporáneo creado en Venezuela y Latinoamérica.

Proveniente del léxico del laureado director Jean-Luc Godard, el concepto cinematográfico jump cut se refiere a la edición de escenas de un filme, las cuales causan un brinco en la continuidad de la película, la posición de la cámara o el tiempo.

Curada por Jesús Fuenmayor, Tahía Rivero y Lorena González de la Colección Mercantil, y Cecilia FajardoHill, jefa curadora de CIFO, Jump Cuts: Venezuelan Contemporary Art presenta pinturas, dibujos, ensamblajes, fotografías, esculturas, vídeos e instalaciones realizadas entre 1990 y 2006 las cuales están plagadas de referentes poéticos sobre las circunstancias políticas, sociales y artísticas así como la producción creativa resultante de éstas- que le han dado forma a la escena artística venezolana.

| ¿qué pasa en el mundo ? |

Museo Coca-Cola acoge la obra Liechtenstein: El museo comprador más grande de Europa de Andy Warhol El nuevo museo de Coca-Cola en Georgia atestigua con su colección que esta marca registrada no estuvo distante de la identidad comercial del Pop-Art gracias a las diversas obras realizadas por Andy Warhol sobre dicha bebida.

Un autorretrato y cerca de 30 interpretaciones que el artista realizara de las famosas botellas, se encuentran en esta muestra que está configurada por pinturas (que el Museo Andy Warhol de Pittsburgh prestara por un año), dibujos y screenprints.

Entre las obras de esta exposición se hallan un toque de color violeta que se derrama de una lata de Coca-Cola en un screenprint grande creado para una portada del 1985 de la revista Time que nunca fue publicada, al igual que una fotografía de los 1970 en blanco y negro de una botella vacía del refresco que se encuentra al lado de una lata de sopa de tomate Campbells, una de las representaciones pop de Warhol.

Warhol construyó su carrera artística convirtiendo caras famosas y objetos del diario vivir, tales como las botellas de Coca-Cola, en Pop-Art. La muestra es curada por Ted Ryan.

Pese a ser el país más pequeño de Europa, Liechtenstein está comprando para su colección nacional más obras que cualquier otro museo europeo.

Su población de 34,000 habitantes, la más baja en Europa, no parece ser un impedimento para el Príncipe Hans-Adam II, quien está sobrepasando su inversión a la de galerías en Inglaterra y museos nacionales en Berlín.

La adquisición de una obra maestra extremadamente cara en cualquier año podría desproporcionar las cifras, sin embargo, Hans-Adam II está comprando más que cualquiera de las dos galerías más importantes del Reino Unido, la Galería Nacional y la Tate, o que las 21 instituciones que los Museos de Berlín aglutinan.

Aunque sus gastos en las adquisiciones han sido mantenidos en secreto, probablemente sobrepasan diez millones de euros al año, superando por mucho las cantidades gastadas por la Colección Real inglesa.

A pesar que la influencia financiera del Museo Liechtenstein es muy conocida entre los marchantes de arte más importantes, la misma se ha mantenido confidencial en el mundo del arte. Incluso, en noviembre pasado, la organización benéfica inglesa Art Fund publicó una encuesta en la que comparaba el poder adquisitivo de los museos ingleses con importantes instituciones internacionales, y el museo Liechtenstein fue excluido.

Esto ha cambiado y el Príncipe se encuentra gastando fuertemente en desarrollar su colección de arte, gracias al éxito financiero del Banco LGT con sede en Vaduz, capital del principado, la principal fuente de ingresos de la familia.

El Museo de Arte de Seattle recibe $1 billón en donaciones El Museo de Arte de Seattle recibió una donación de 53 coleccionistas de arte valorada en cerca de un billón de dólares, considerada por muchos como una de las aportaciones más grandes e importantes que haya recibido un museo en la historia de la filantropía en los Estados Unidos.

Sobre mil piezas fueron entregadas al | ArtPremium |

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museo como parte de una campaña de adquisición que se lleva a cabo con motivo del aniversario 75 de esta institución, a celebrarse el próximo año.

Entre los regalos más destacados se hallan una versión en metal sobre “Pájaro en el espacio” de Constantin Brancusi, “Chop Suey” de Edward Hopper, y trabajos significativos de los artistas americanos expresionistas abstractos y de posguerra más trascendentales tales como Marsden Hartley. Asimismo hay una amplia gama de artistas y fotógrafos contemporáneos, muchos de los cuales están representados a profundidad en esta colección.

Franz Kline, David Smith, Mark Rothko, Philip Guston, Willem de Kooning, Sigmar Polke, Gerhard Richter, Anselm Kiefer y Ed Ruscha se encuentran además como parte de este valioso regalo.

También forman parte de esta colección, pinturas de Bartolomé Esteban Murillo y Balthasar van der Ast, John Singleton Copley, John Singer Sargent, así como representaciones del arte moderno japonés, arte aborigen americano, africano y australiano.

Cabe mencionar que cerca de 125 de estos trabajos fueron integrados a la colección permanente del museo mientras otros 100 están en una exhibición especial.

Asimismo, como parte de la campaña de aniversario, el nuevo parque escultórico olímpico del museo ha atraído sobre 200,000 visitantes en sus primeros tres meses. Diseñado por Weiss/Manfredi de Nueva York, el mismo contiene esculturas de Richard Serra, Roxy Paine, Tony Smith y Mark Dion.

Museo Guggenheim nombra 620 obras de arte como Colección Guggenheim Para honrar formalmente el legado de Solomon R. Guggenheim (1861–1949), y en celebración del aniversario 70 del establecimiento de la Fundación Solomon R. Guggenheim el 25 de junio, el Museo Guggenheim ha designado aproximadamente 620 piezas de arte realizadas por más de 60 artistas como la Solomon R. Guggenheim Founding Collection.

Estas propiedades de arte, que fueron obsequiadas o compradas por Solomon entre 1937 -año que creó la Fundación Guggenheim- y previo a su muerte, incluyen algunas de las obras maestras realizadas por artistas como Marc Chagall, Robert Delaunay, Albert Gleizes, Vasily Kandinsky, Paul Klee, Fernand Léger, Franz Marc, Amedeo Modigliani, László Moholy-Nagy y Pablo Picasso, entre otros.

En medio de una restauración transcendental del edificio histórico del museo a medida que éste se acerca a su aniversario 50, hasta el próximo 30 de septiembre se mantendrá abierta la exhibición Solomon’s Gift: The Founding Collection of the Guggenheim, 1937–1949, la cual está organizada por Tracey Bashkoff, Curadora Asociada de Colecciones y Exhibiciones. Alrededor de 65 trabajos estarán expuestos para así ofrecer un entendimiento más profundo sobre los orígenes de dicho museo, mientras brinda una aprehensión sobre la visión de los fundadores de esta institución.

En negro, blanco y gris el hombre que inspiró a Mapplethorpe La vida de Sam Wagstaff, una figura legendaria del arte internacional de los 70 y 80 es el foco del documental dirigido por James Crump llamado “Black White + Gray” y que será mostrado en el Tribeca Film Festival en Nueva York.

Wagstaff fue uno de los primeros coleccionistas de arte que comenzó a comprar fotografías en el 1973, mucho antes que hubiese un mercado serio para éstas. Pero su mística se profundiza a raíz de su relación amorosa con el fotógrafo Robert Mapplethorpe, quien era conocido por sus fotografías homoeróticas cargadas de controversia.

A través del filme, entrevistas a personalidades que conocieron a ambos hombres ofrecen una mirada íntima a sus vidas individuales y como pareja, entre los que se encuentran la rockera y poeta Patti Smith, quien brinda descripciones de la amistad que sostenía con ambos.

Pese a las actividades sibaríticas de Wagstaff y su relación con Mapplethorpe, de quien se convirtió en mentor, éste logró acumular una colección mundial de fotografías y, asimismo, moldear la carrera de su compañero. De las humildes Polaroids que Mapplethorpe estaba tomando cuando se conocieron hasta unas fotografías más provocativas y refinadas, la influencia de la sensibilidad estética wagstafiana sobre su trabajo es innegable.

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Japón establece “Premio Nobel” del Manga En una movida que responde a las tendencias de la cultura pop, el Ministerio del Exterior de Japón anunció la creación del primer “Premio Nobel” del Manga, el cual se otorgará a artistas del género del cómic.

Taro Aso, Ministro del Exterior y conocido admirador del manga, expuso que el Premio Internacional Manga será concedido a un artista que trabaje en el extranjero cuyo trabajo abone a la difusión del manga a nivel mundial.

El ganador y tres subcampeones recibirán un certificado y un trofeo en una ceremonia pautada para el 2 de julio. Los galardonados estarán diez días en Japón conociendo a artistas locales del cómic y editores. El Ministerio del Exterior espera que el jurado –que estará compuesto por artistas manga y editores- haga sus elecciones alrededor del 22 de junio.

Aso, quien compara el mencionado premio a un Nobel, expuso que la acogida a cómics y animaciones de Japón puede traducirse a un acogimiento hacia la política exterior japonesa. Él propuso además enviar a estos artistas como embajadores culturales e informó que el gobierno ha nombrado un panel de ejecutivos para que asesoren en torno a cómo mercadear la animación y cultura japonesa a audiencias extranjeras.

| ¿qué pasa en el mundo ? |

El Gran Tour del siglo 21 El siglo 21 parece darle un nuevo giro al turismo de arte gracias a la linealidad de las aperturas de ferias y exposiciones internacionales de arte más importantes del mundo llevadas a cabo en Europa.

La Bienal de Venecia; Art Basel en Suiza; Documenta y el Münster Sculpture Project en Alemania componen esta seductora coincidencia que ocurre una vez cada diez años debido a que la Bienal de Venecia se lleva a cabo cada dos años, Art Basel se repite anualmente, Documenta cada lustro y el Münster Sculpture Project cada diez años.

Las aperturas de estos cuatro acontecimientos artísticos, una detrás de la otra, ha dado pie a una especie de maratón donde coleccionistas, curadores, artistas y amantes del arte se desplazarán a lo largo de estas ciudades en todo un intercambio artístico y cultural que con la excepción de Art Basel, se extenderá hasta otoño.

artistas y grupos, algunas de éstas creadas especialmente para espacios específicos de la bienal.

Extendiéndose hasta el mes de noviembre, como parte de su oferta está la exposición central “Think with the Senses - Feel with the Mind. Art in the Present Tense” bajo la curaduría de Robert Storr así como proyectos paralelos alrededor de la ciudad.

ART BASEL Instalada en la ciudad de Basilea, la feria de arte contemporáneo más grande del mundo, este año en su edición 38 será el espacio donde más de 2,000 artistas expondrán sus trabajos y 300 galerías de 30 países muestran sus obras. Sin duda alguna, una fiesta para el mercado del arte.

DOCUMENTA Documenta 12 es el antónimo de la atmósfera adinerada y comercial de los anteriores eventos, la cual se extenderá hasta septiembre con la presentación de 120 artistas desde el Congo hasta Australia.

Su tema curatorial estriba en lo político y reflexivo y este año hace acercamientos a cuestionamientos filosóficos tales como “¿Es la modernidad nuestra antigüedad?”

por el ministro francés de Cultura, Renaud Donnedieu de Vabres, y el jefe del Departamento de Turismo de Abu Dhabi, jeque Sultán bin Tahnun Al Nahiyan, acontecimiento que contó con la presencia de altos directivos de museos franceses como Henri Loyrette, presidente del Louvre.

Todo el proceso ha estado matizado por el rechazo de parte de personas de Francia que catalogan dicho acuerdo como una movida del gobierno francés de “vender” sus museos. No obstante, mientras que para Abu Dhabi este pacto corresponde a su plan de construir el ostentoso complejo cultural y turístico de la isla de Saadiyat, por otro lado, para Francia el controvertido convenio indica una nueva manera para explotar su cultura para fines políticos y económicos.

Diseñado por el arquitecto francés Jean Nouvel, el Louvre Abu Dhabi será un complejo de 260,000 pies cuadrados, cuya construcción se espera tenga un costo que ronde los $108 millones. Aún con

MÜNSTER SCULPTURE PROJECT

El evento que transformará las calles de Münster en una galería viviente se llevará a cabo con trabajos de 35 artistas de todo el mundo y contará con la curadoría de Kasper König, Brigitte Franzen and Carina Plath.

¿Cuánto por el nombre Louvre? $520 millones…

BIENAL DE VENECIA La edición 52 de la Bienal de Venecia tiene la participación de 77 naciones ubicadas en pabellones entre el Arsenale y el Pabellón Italiano de los Giardini donde estarán expuestas obras de unos 100

Para ostentar el nombre ‘Louvre’, el precio podría ser lo de menos. Abu Dhabi, capital de los Emiratos Árabes Unidos acordó pagar la cantidad de $520 millones de euros para utilizar el nombre del Louvre en un museo que se contempla abrirá en el 2012 y que formará parte de un distrito cultural en la isla de Saadiyat. Pero eso no es todo, Abu Dhabi también pagará a Francia $747 millones adicionales para el préstamo de arte, exhibiciones especiales y consejería administrativa.

La construcción y la autorización para el uso del famoso nombre son producto de un contrato firmado en Abu Dhabi | |ArtPremium ArtPremium| |

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la planificación de este proyecto como un museo universal que incluirá arte de diferentes épocas y regiones, el foco de atención ha estribado en cómo el alquiler del nombre del Louvre ha entristecido a diversos franceses tradicionalistas.

Pese a eso, Francia sacará provecho de esta transacción: a cambio de $247 millones, rotará entre 200 y 300 trabajos a través del Louvre Abu Dhabi en un periodo de diez años; será pagado $214.5 millones sobre 20 años por pericia administrativa provista por su nueva agencia de museos; y brindará cuatro exhibiciones temporeras al año por 15 años a cambio de $253.5 millones.

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| estudio |

José García Campos El arte de modelar emociones “Cautivo”, la última exposición del escultor puertorriqueño José García Campos, nos invita a descubrir interesantes posibilidades del trabajo en metal, madera y otros elementos complementarios que forman composiciones balanceadas que invitan a la reflexión y transmiten armonía.

S

iempre activo y lleno de nuevos proyectos este artista graduado de la Escuela de Artes de Puerto Rico se ha ganado un merecido espacio en el arte puertorriqueño. Si bien la mayoría de sus trabajos son de mediana escala, se ha dado a conocer entre el público general con proyectos de arte urbano.

Tal vez su escultura más conocida es “Pescador de sueños” ubicada en Plaza Minillas, en San Juan, obra encomendada por el Banco Gubernamental de Fomento. Otras iniciativas fueron realizadas para Dorado Academy, el Columbia College (Caguas), Proyecto Vereda (Gurabo) y recientemente, finalizó el “Portal de las Artes”, ubicado en el municipio de Barceloneta. Su última exhibición realizada en la Galería Botello, es un recuento de su trabajo donde nos muestra todo aquello que lo maravilla y aprisiona.

Su obra “Atrapados en la Felicidad”, por el contrario nos lleva a una escala intramuros que narra la búsqueda de la felicidad mal entendida, aquella centrada en la obtención de dinero, fama o belleza. “La felicidad es una serie de cosas que pueden llevar a una persona a sentirse completamente feliz, pero hay muchas personas que agotan todas sus energías y su vida en alcanzar algo y cuando lo logran, pues mueren, sin haberla alcanzado”, comenta José García observando esta escultura con profundo apego a su trabajo, sentimiento que transmite al conversar sobre su obra. “Heridas de Amor” es un buen ejemplo de esta sinceridad. Sus formas ilustran sentimientos de dolor y angustia, pero en armonía. “Yo había hecho una pieza con partes similares, que hablaban de la vida, y tomé esas formas e hice esta pieza y vi lo que la obra me decía, pero generalmente no hago eso, sino que parto de una idea y después la desarrollo”.

POR DANIELA RUSOWSKY FOTOS: STEPHAN M. FUNK - DANIELA RUSOWSKY OTRAS FOTOGRAFÍAS: CORTESÍA DEL ARTISTA

A medida que pasa el tiempo ha ido evolucionando, incorporando otros elementos y manifestándose de otra forma, un proceso que ha surgido de manera natural. Claro en sus ideas, lentamente va buscando la forma de concretar aquello que visualiza en su mente.

Este proceso lo ha inducido a incorporar nuevos materiales y objetos, como flores, mosaicos y mariposas, que interactúan con los voluminosos soportes de metal y los detalles en madera.

Tu obra es principalmente hecha en metal. ¿Por qué elegiste este material como la base de tu trabajo escultórico?

En un principio yo comencé en el metal pues trabajé con un escultor, Pablo Rubio, y él trabajaba en metal. Al trabajar con un artista en la etapa de aprendizaje, de formación, la influencia es inevitable; y me hizo iniciar mis trabajos durante bastantes años en metal.

Pero a medida que fui desarrollando mi manera de expresarme, trabajé con otros artistas, como el pintor Arnaldo Roche, y eso me afectó positivamente. De ahí en adelante empecé a tomar un giro diferente en la manera de hacer mis esculturas, meterme en un tema y desarrollarlo.

A pesar de trabajar con elementos rígidos y fríos los temas que representas son delicados y muchos tienen que ver con la vida y la naturaleza. ¿Cómo logras armonizar un mensaje cálido con el uso de estos materiales?

Capullos, 2007, madera, metal y mosaico,120” x 19” x 17”

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| estudio |

Yo no me siento un innovador, en escultura todo está hecho prácticamente. Lo que se le da es ese toque personal, que lo tiene cada individuo, cada artista.

Amor cautivo, 2007, madera, cristal, mosaico, metal y resina, 14” x 14” x 51”.

Eso mismo es una de las cosas que ha llevado a muchas personas ha identificarse mucho con el trabajo, pues las piezas transmiten sentimiento, ternura, delicadeza. En la exhibición sobre la maternidad se transmitía paz, aunque las piezas fueran en metal. Puede ser que he podido entender tanto al medio como al material que sé las posibilidades que tiene y así he podido transmitir esa sensibilidad.

No es algo que me cuestiono, sino que vienen a mi mente ciertas formas que quiero decir y veo cómo puedo hacerlo. Con el tiempo no me he limitado a este material, he querido ir incorporando lo que sea necesario. Primero incorporé mármol, después la madera, y ahora los trabajos se han abierto mucho más. No es el hecho de que haya tenido aceptación, eso no me preocupa mucho. He aprendido con el tiempo que uno no puede limitar lo que uno está sintiendo por el qué dirán.

Estas son a escala a humana y son mucho más fáciles de visualizar.

Las voy trabajando yo mismo y tengo un mayor control de ellas, pero las piezas públicas uno las trabaja con una maqueta y el trabajo está en la mente.

Algunas de tus obras son bastante grandes. ¿Cómo logras trabajar y proyectar una escultura de varios metros de altura ?

Heridas de amor, 2007, acero inoxidable y esmalte, 108” x 36” x 36”. ¿Dónde están las flores?, 2007, mármol, metal y mosaico | 204 x 144 x 108”.

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¿En qué consiste tu proceso creativo para llegar a componer el diseño y la ejecución de un proyecto escultórico?

Ha sido distinto por exhibición. La que tiene que ver con la maternidad, se centró en algo que me afectó mucho positivamente.

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Busqué información, pero era lo que yo estaba viviendo en ese momento. Una exposición anterior a esta opté por una serie de situaciones sentimentales, entonces la quise llamar “Intimo”, porque eran situaciones que yo viví, pero que le pasan también a todo el mundo. Otras exhibiciones se llamaron “El Jardín de Sueños” y “Semillas de Vida”, ambas hablaban sobre la naturaleza y sobre mis experiencias personales. Esta exhibición es una mezcla de muchas cosas, no busqué información, sino que me senté y escribí sobre cómo me sentía, busqué palabras, ideas, pensamientos e hice ciertas formas de acuerdo a eso y así fue surgiendo. ¿Cuáles han sido las etapas que has vivido en el desarrollo de tu estilo propio?

Ha fluido de manera espontánea y natural. No creo que el que ve mi trabajo lo reconoce por tener cierta forma que caracterice lo que yo hago, sino por el sentimiento que transmite la pieza, que es algo que ha sido bien marcado sin importar el material que trabaje.

En este momento en Puerto Rico hay varios artistas trabajando la escultura en metal y los grandes formatos. ¿Crees que se trata de un movimiento relativamente organizado, o es más bien algo disperso y circunstancial?

Yo creo que son trabajos individuales. Dentro del medio del metal hay unas limitaciones y por más que se le busque salir de lo que tradicionalmente se hace, es muy difícil. Yo no me siento un innovador. En escultura todo está hecho prácticamente. Lo que se le da es ese toque personal, que lo tiene cada individuo, cada artista, pero no creo que haya una gran diferencia entre todos los escultores que están haciendo escultura en Puerto Rico.

Con la globalización estamos al nivel de cualquier otro país, la diferencia está en cómo se vende y presenta.

Algunas de tus obras forman parte de espacios públicos. ¿Cuál crees tú que es el rol del arte en este tipo de ambiente?

Educar, hermosear, crear lugares donde se pueda pasar un buen rato y apreciar el arte. No todo el mundo acostumbra a ir a museos y galerías, y es una forma de poder llegar a muchas personas que no tienen esa posibilidad.

Al ser convocado a la realización de un proyecto arquitectónico por encargo, ¿cómo enfrentas este desafío para equilibrar tu talento y creatividad con las necesidades o requerimientos de quien lo solicita?

Gestación, 2007, mármol, madera, acero inoxidable y acero, 102” x 53” x 10”

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“Vienen a mi mente ciertas formas que quiero decir y veo cómo puedo hacerlo.

Con el tiempo han venido otros temas y no me he limitado a este material, he querido ir incorporando lo que sea necesario.”

Eso es lo más difícil, depende mucho de quién venga la solicitud.

Yo dije que no voy a hacer más propuestas a desarrolladores. Los desarrolladores de proyectos de vivienda u otros proyectos tienen una imagen de su producto, y muchas veces lo que uno trae tiene que ayudar a venderlo. Se puede ver como un reto, pero se meten mucho en los que uno hace y quieren tomar decisiones en ese aspecto. Si uno quiere mantener cierta rectitud en el trabajo, y mantenerse fiel, a veces hay que decir no a ciertas cosas. ¿Si pudieras realizar una escultura e instalarla donde tú quieras, qué lugar escogerías y por qué?

En un lugar donde la mayor cantidad de personas la puedan ver.

Nunca pensé que fuera a poner una escultura frente al Museo de Arte de Puerto Rico y mira cómo son las cosas. Creo que me gustaría un sitio donde muchas gente vaya, tal vez algo frente a la costa. ¿Cómo te proyectas como artista plástico en el mediano y el largo plazo?

Yo voy a seguir haciendo escultura porque me apasiona mucho. El arte es parte de mi vida, pero también hay otras cosas. Lo veo proyecto a proyecto. Tal vez haga otras exhibiciones y también tengo algunos proyectos públicos por concretarse.

Conocer la obra de José García resulta sorprendente. Cada pieza es un mundo en sí misma, cuenta una historia y nos invita a viajar y descubrir sus secretos, los que guarda el autor y lo que nos provoca a nosotros mismos. Su obra “Gestación” es una matriz, un útero que alberga las semillas que simbolizan la vida y el desarrollo fetal, una obra en movimiento, donde al igual que en el vientre materno las semillas giran. “Capullos” representa lo efímero de la flor. Los mosaicos en su interior, uno blanco y otro negro, son el referente de la vida y la muerte, el nacimiento y el fin, en un ciclo interminable y sublime. “Amor Cautivo” es una mesita casi decorativa, ese rincón privado donde guardamos cosas especiales, recuerdos, cartas, joyas, fotografías que atesoran aquello a lo cual nos aferramos, una pieza muy emotiva que deja entrever un momento doloroso plasmado con gran belleza. “A través de” es una escultura inspirada en su hijo donde están incluidas escenas de la vida de él y lo que habita en su mente. Y así, cada proyecto escultórico es un artefacto único que atesora una historia propia, una que en parte nos ha sido confesada, y otra que deberemos imaginarla nosotros mismos.

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Museo de Las Américas, auspiciada por la Escuela Puertorriqueña del Arte Ecuestre.

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La figura del caballo ha estado presente a través de la historia del hombre. Sus formas han inspirado a los artistas desde tiempos inmemoriables y en la cultura puertorriqueña ha sido tema recurrente en la pintura, la escultura y en las expresiones populares. Recientemente estuvo en el Museo de las Américas la exposición “El caballo en la cultura puertorriqueña”, un concepto heterogénero que incluyó dibujo, cerámica, cine, literatura y publicidad, entre otras manifestaciones artístico-culturales, que cumplió su cometido de mostrar cuán vivo es el tema ecuestre en la vida cotidina del puertorriqueño.

El caballo en la cultura puertorriqueña Una entrevista con Adlín Ríos Rigau, curadora de la exposición.

E

sta muestra es la materialización de una idea de Jannette Figueroa quien procede de una familia puertorriqueña en la cual el caballo ha sido parte por cuatro generaciones.

El propósito del proyecto era promover una mayor comprensión del papel que el equino ha tenido en la vida y cultura del puertorriqueño. ¿Considera que se cumplió el objetivo propuesto?

Después de estudiar las manifestaciones culturales en las cuales este noble animal ha sido protagonista, se consiguió reunir un espléndido cuerpo de obras que prueba fehacientemente que el caballo ha sido parte integral de nuestro desarrollo. Su presencia ininterrumpida en Puerto Rico desde el siglo XVI hasta hoy ha sido extensamente documentada por nuestros artistas y artesanos aunque, al dar inicio a este proyecto, varias personas opinaron que no había suficiente obra sobre el tema para hacer la exposición. ¿Ha logrado la exposición realzar la figura del caballo como elemento obras de distintos medios fueron vehículo para celebrar la presencia de identidad cultural?

Ciertamente, la exposición ha sido un esfuerzo substancial para crear conciencia de la relevancia que ha tenido y sigue teniendo el caballo en nuestra sociedad. También se ha publicado un libro de gran formato que incluye todos los objetos de la exposición y documenta la misma para generaciones futuras. Este cuenta con textos de Ricardo Alegría, Teodoro Vidal y de esta servidora. Como colofón, se diseñó y realizó un programa educativo compuesto de conferencias y visitas guiadas durante todos los sábados de febrero y marzo. En estas participaron especialistas en temas relacionados.

El libro, diseñado por Lydimarie Aponte y el programa educativo complementan el objetivo de la exhibición.

del caballo en nuestra cultura. En la pintura, los siglos XVIII y XIX están espléndidamente representados por Campeche, Oller y Jordán.

Algunos maestros de principios del siglo XX son Frade, Pou y Colón Delgado, mientras la Generación del 50 está representada por obras de Homar, Tufiño, Meléndez Contreras y Samuel Sánchez, entre otros. También se aprecian pinturas de las generaciones de los 60 a los 90 como Martorell, Ballosi, Rosa, Sobrino, Roche, Trelles, Zeno, Tabales y French. ¿Con una exposición de esta magnitud, cómo se logró que la experiencia del visitante fluyera tan cómodamente?

Mi experiencia de 32 años como educadora del arte me ayudó a conceptualizar un recorrido racional, cronológico y claro. Un ¿Cuál fue el contenido de la exposición? estudiante comentó que la exhibición se asemejaba a una clase de Fue una muestra de carácter inclusivo y heterogéneo así como es arte; lo cual me complació debido a que la visión propuesta fue la cultura misma. Junto a las artes plásticas se presentaron las artes populares y otras manifestaciones de la vida cotidiana. Sobre 300 Francisco Oller | ArtPremium |

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Enoch Perez

Eric French

profundamente educativa. El fin de esta clase informal es que haya sido accesible para todo tipo de público.

y Jack Delano hasta la fotografía artística actual. De igual manera se apreció la presencia del caballo en el cine desde las películas de la División de Educación a la Comuninidad (DIVEDCO) hasta los cineastas de hoy. Como parte integral de nuestra cultura no podía faltar la publicidad; desde el clásico Cantalero y Cantalicio hasta los anuncios actuales. La labor de Jaime Suárez como diseñador de sala ha sido excepcional; trabajar con él fue un placer.

¿Cuáles pintores puertorriqueños se han inspirado en el caballo con mayor frecuencia?

En la obra de Oller hemos encontrado la figura del caballo en siete pinturas. Contemporáneamente, son cuatro los artistas quienes sobresalen en el tema: Epifanio Irizarry, Bonilla Norat, Augusto Marín y John Balossi, quien trató el tema del caballo casi con exclusividad.

¿Cuál es la procedencia de las obras?

Las obras proceden del Museo de la Universidad de Puerto Rico, el Instituto de Cultura Puertorriqueña, el Museo de Arte de Ponce, el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo de Arte de Puerto Rico, la Cooperativa de Seguros Múltiples, así como de las principales colecciones privadas del país. Agradezco la generosidad y el apoyo de los museos, instituciones, coleccionistas y artistas que hicieron posible la exposición. Un proyecto en el cual se unen voluntades y esfuerzos para beneficio de muchos.

¿Qué distingue esta exhibición de otras?

Su diversidad. Todas las artes son cultura, pero no toda la cultura es arte. El caballo en la cultura puertorriqueña es una muestra que presenta lo mejor de la pintura, dibujo, grabado, escultura y cartel dentro del tema ecuestre. También presenta otros aspectos culturales que nos definen como pueblo. Así las tallas de los reyes magos a caballo, los caballitos de pica, los caballitos de juguetes, la tarjeta de navidad y los proverbios son también protagónicos.

¿Cuál fue sido la respuesta del público visitante?

La opinión generalizada de los visitantes fue muy positiva. Me es grato compartir lo escrito en el libro de visitas por dos distinguidas críticas de arte. Federica Palomero: “Magnífica exposición. Un recorrido por la historia del arte puertorriqueño” y Bélgica Rodríguez: “Felicitaciones. Estupenda exposición.”

¿Fue el espacio un factor determinante en la exhibición?

Desde un principio supe que para realizar un proyecto tan abarcador sería indispensable usar la tecnología. A través de plasmas se presentó el tema de la fotografía; desde la época española, la norteamericana | ArtPremium |

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La Documenta es la exposición de arte más importante del mundo. Desde 1955, en Kassel, Alemania, se han celebrado 11 ferias quinqueniales en las cuales los principales exponentes del arte contemporáneo se dan cita para mostrar sus trabajos y replantearse los conceptos que mueven el desarrollo artístico y su rol en la sociedad actual.

DOCUMENTA 12

Más de medio siglo de vanguardia POR DANIELA RUSOWSKY

Documenta 12 abrirá sus puertas entre el 16 de junio y el 23 de septiembre, para continuar con una tradición que se lleva a cabo cada 5 años en la ciudad de Kassel y que con el tiempo ha expandido sus fronteras para convertirse en el principal evento del arte contemporáneo a nivel mundial. Fundada en 1955 por Arnold Bode como parte una feria de horticultura, esta primera Documenta, en contraste con la mayoría de las expectativas, resultó todo un éxito. Desde entonces, el número de visitantes ha crecido de 130 mil a más de 650 mil, cifra sólo comparable con la Bienal de Venecia.

Bode quería acercar el arte a la gente, sobre todo a los obreros, dando un especial énfasis al arte abstracto, principalmente la pintura de los años 20 y 30, oprimida en los tiempos del nacionalsocialismo.

La Documenta fue una forma de reintegrar y reinventar la Alemania de la post-guerra a través del arte y la creatividad como una herramienta crítica. En los años siguientes se empezó a dar mayor cabida y a incluir no sólo artistas europeos, sino de América, África y Asia. En ella participaron artistas como Pablo Picasso o Wasily Kandinsky cuya influencia ha sido significativa en el arte moderno.

Walter de Maria perforó un hueco en la tierra de un kilómetro de profundidad, y lo rellenó con barras macizas de latón de 5 cm. de diámetro. Desde afuera sólo se ve una chapa y, en el medio, el redondo corte transversal de la barra. Una de las pocas esculturas que fueron admitidas en la población de Kassel con gran entusiasmo fue realizada por Claes Oldenburg en 1982 durante la Documenta 7, donde el autor montó un pico de gran tamaño a la orilla del río Fulda. También se quedó en Kassel una parte del grupo de figuras “Fremde” (extraños) de Thomas Schuettes y la obra Man Walking To The Sky de Jonathan Borofsky de la Documenta 9, que se encuentra en la plaza de la estación central.

EL MUSEO DE LOS 100 DÍAS Esta reconocida feria de arte, llamada también el museo de los 100 días, no es solamente un espacio de exhibición, sino una plataforma para la educación, discusión e integración de las artes. En ella se refleja la visión de mundo de la sociedad en determinado momento histórico mediante el arte, la filosofía y también la política. Cada cinco años la feria renace a cargo de un nuevo director artístico, con una nueva propuesta conceptual y temática que marca la línea de trabajo del evento coherentemente. La Documenta navega entre la tradición y el cambio con gran habilidad, marcando las nuevas tendencias y validando iniciativas que para algunos pueden resultar sin sentido, pero que con el tiempo logran ser aceptadas y comprendidas.

El director de Documenta 12 es el internacionalmente reconocido organizador de eventos de arte, Roger M. Buergel, nacido en Berlín en 1962 quien trabaja junto a la historiadora Ruth Noack, curadora de esta feria. Ellos son los encargados de dar cuerpo al encuentro y poner en marcha una red de trabajo que pretende entrelazar los más diversos rincones del planeta y explorar diferentes medios de comunicación, de forma cohesiva e integrada. El primer paso para lograr este desafío fue la elección de tres conceptos centrales construidos en torno a una pregunta, dirigida tanto a los artistas

EL LEGADO PARA KASSEL Los habitantes de Kassel se sienten orgullosos de este evento que ya forma parte de sus vidas, sin embargo también ha propiciado conflictos. La exposición aprovecha diversos puntos de la ciudad que muchas veces están incluidas en las obras como contexto urbano, aunque pocas de las obras expuestas permanecen en los museos locales. Aún así, algunos trabajos exteriores se encuentran en Kassel, como el proyecto “7000 robles” de Joseph Beuys, el cual causó gran escepticismo en la comunidad, aunque actualmente es parte integral de la ciudad. El buque de sueño de Anatol Herzfeld, titulado “Tía Olga” fue fabricado de poliéster con la forma de un barco de papel doblado, encontró un lugar en el instituto HeinrichSchütz. En Friedrichsplatz, una de las plazas céntricas de la ciudad, | ArtPremium |

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Roger M. Buergel, director artístico y Ruth Noack, curadora. Foto: Marianne Menke. © documenta GmbH

como al público. La Documenta no sólo busca mostrar, sino que se propone descubrir, y el conocimiento sólo es posible a partir de preguntas que abren nuevas interrogantes.

La primera pregunta plantea el dilema entre qué es lo moderno y lo antiguo. Si bien parece un cuestionamiento sencillo, aún no se ha llegado a un acuerdo sobre la definición de lo moderno. Algunos hablan de posmodernidad, otros teóricos plantean que La Documenta navega la posmodernidad ya está en entre la tradición y el pasado, mientras algunos el cambio con gran simplemente declaran que habilidad, marcando nunca hemos dejado atrás el las nuevas tendencias modernismo. En un mundo donde cohabitan culturas y validando iniciativas cuyo acceso a las nuevas que para algunos pueden tecnologías, la educación, la resultar sin sentido, salud y el desarrollo de las artes pero que con el tiempo es dispar, es difícil situarse en logran ser aceptadas y la disyuntiva entre lo moderno comprendidas. y lo antiguo. Entender estas diferencias ayuda a comprender el arte tanto en su contexto cultural particular, como en la sociedad globalizada. “Parte de esa atracción puede surgir del hecho de que nadie sabe realmente si la modernidad esta viva o muerta. Parece estar en ruinas después de las catástrofes totalitarias del siglo XX, las mismas catástrofes que de alguna manera creó. Parece completamente comprometida con el uso parcial de los valores universales de libertad, igualdad, y fraternidad o por el hecho de que la modernidad y el colonialismo, fueron y probalemente aún, van de la mano”, comentó Roger M. Buergel. Frente a este planteamineto se derivan otras interrogantes que atañen directamente al artista. ¿Es posible que la humanidad sea capaz de reconocer un horizonte común en este mundo de contrastes? ¿Es el arte un medio para alcanzar este conocimiento?

La segunda pregunta cuesitona la vida misma. Según Buergel esto nos lleva a imaginarnos en situaciones extremas. “Aquí y allá, el arte hace desaparecer la separación entre la dolorosa subyugación y la liberación”. El pensar la vida como algo abstracto, removiendo de ella nuestra historia personal, nuesto pasado, presente y futuro, es a la vez reconfortante y aterrador. Por una lado dejamos de lado nuestras responsabilidades y errores, es posible zambullirse en un

mundo donde todo es factible, donde cada instante es valioso y donde la vida misma es un regalo absoluto que vale la pena disfrutar.

Por otro lado podemos situarnos en una disyuntiva que nos haga darnos cuenta de lo efímera de la existencia, tal vez la sensación de no haber hecho lo suficiente y de que en cualquier momento la vida misma puede desaparecer sin haber logrado nuestros sueños. ¿Puede el arte darnos esperanzas para lograr trascender? ¿Podemos sentir a través del arte que la vida tiene un sentido o por el contrario revelarnos lo fútil de nuestra existencia? A lo cual Buergel agrega “Hay una dimensión apocalíptica y evidentemente política sobre la vida misma, aquella que se manifiesta en situaciones de tortura o en campos de concentración. Sin embargo, también hay una dimensión lírica o incluso estética de ésta, una libertad para nuevas e inesperadas posibilidades, tanto en las relaciones humanas, en nuestro vínculo con la naturaleza o con el mundo en que vivimos en general”.

Kerry James Marshall, Could this be love, 1992, Painting Gallery, New York © Kerry James Marshall; Cortesía The Bailey Collection, Toronto; Jack Shainma | ArtPremium |

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Gerwald Rockenschaub, 2000/2007 PVC film (verde), blower.

Cortesía Georg Kargl Fine Arts, Wien. © Gerwald Rockenschaub, Foto Jens Ziehe.

Zheng, Computer is controlled by pig’s brain series two No. 13, 2006, óleo sobre tela© Cortesia Vitamin Creative Space, Guang Zhou

Aoki Ryoko, Untitled from the series Spring-Sow-Plum-Scene, 1996, mask 6, 2003. © Aoki Ryoko

La última pregunta es qué se debe hacer. Esta interrogante no va dirigida exclusivamente a los artistas, sino al público y a los gestores culturales, pues básicamente está vinculada a la educación. Los artistas se cultivan a sí mismos trabajando a través de la forma y tema en torno al cual desarrollan sus obras. El público en cambio, lo hace a través de una experiencia estética. Lo que interpreta al enfrentarse a una obra, lo que le despierta las emociones y pensamientos, lo que opina hasta provocar un análisis crítico de la misma. Es en este proceso donde se fundamenta el principal desafío de Documenta; en lograr construir puentes que unan a artistas y espectadores en un diálogo constructivo y dinámico, lograr que las opiniones se transformen en ideas que se alimenten de las propias voces de quienes han producido la obra. ¿El arte habla por sí mismo o debe ser contextualizado? ¿Los artistas trabajan para transmitir un mensaje a su público o sólo por una realización personal? ¿Cómo debería interactuar el arte con la sociedad en general? ¿Son los museos y ferias de arte un espacio necesario y adecuado para generar este diálogo? Las preguntas se abren como un abanico interminable. En Documenta estas preguntas abstractas tomarán cuerpo y contexto para analizar los trabajos y nuevas vertientes del arte, para entender el entorno donde fueron concebidas y conocer la historia de quienes las gestaron.

en el arte, aunque no necesariamente lo encasillará en cómo debería lucir el trabajo de un artista según su origen. El convertir al arte en un cliché etnográfico sin duda, atenta contra la capacidad de apreciar el arte en sí mismo. No obstante, si no se permite la conversación intercultural, se levantan barreras que vulneran la valoración estética La Documenta no de cada pueblo. sólo busca mostrar, Documenta 12 se ha propuesto sino descubrir. El labrar un camino que logre ajustar conocimiento sólo es un punto medio ante este dilema a través de lo que ha denominado posible a partir de la migración de las formas; un preguntas que abren peregrinar entre el arte tradicional nuevas ventanas e y la cultura local, formas que interrogantes. cambian según el contexto en el que son exhibidas, formas que invitan a imaginar otras latitudes, a través del uso de materiales que nos transportan a un mundo antiguo, pero concebido a través de nuevas tecnologías y un lenguaje de vanguardia. El vocabulario del arte es el de los sentidos y el de las preguntas, una conversación entre artistas y su público, que a pesar de las distancias, generan nuevas interrogantes.

Otro desafío de Documenta 12 es justamente la conversación con el espectador como una forma de replantear el rol del arte en términos políticos y sociales; abrir las puertas al entendimiento y bajar la guardia ante la desconfianza. “Documenta 12 se enfrenta con la clase media occidental, quienes tienden a volverse más activos

LA TRANSMUTACIÓN DE LAS FORMAS Documenta 12 también exhibirá obras y proyectos concebidos en y para realidades culturales completamente ajenas al contexto europeo occidental. Esta edición pretende captar la impronta local | ArtPremium |

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Museum Fridericianum - Foto: Katrin Schilling © Documenta GmbH / Katrin Schilling

James Coleman, Retake with Evidence, 2007, performance de Harvey Keitel. pelicula proyectada.© James Coleman. Cortesía: James Coleman; Marian Goodman Gallery; Simon Lee Gallery; Galerie Micheline Szwajcer.

y también más reaccionarios... o más específicamente activistas y curiosos. Es posible que esta situación, bajo mi punto de vista, tenga que ver con una actitud básica frente a las crisis. Se relaciona con la forma en que uno enfrenta las crisis. Las experiencias estéticas no entregan una falsa sensación de estar sobre un terreno firme, pero nos enseñan a tolerar las tensiones y la complejidad. Y nos enseñan a disfrutar al máximo cuando nos damos cuenta que , a pesar de nuestras expectativas, estas experiencias estéticas son en realidad un terreno fértil y productivo”, comentó Buergel.

Para logar un desarrollo coherente e integrador de sus En contraste con la mayoría conceptos centrales, la Docu- de las expectativas, la menta 12 tiene dos proyec- primera Documenta resultó tos principales: Documenta 12 Magazines y Documenta todo un éxito. Desde 12 Comité Asesor, los que entonces, el número de se desarrollarán simultánea- visitantes ha crecido de mentecon la feria. La inicia- 130 mil a más de 650 mil. tiva de Magazines es una revista de revistas que reunirá a más de 90 medios de comunicación impresos y electrónicos de todo el mundo. Esta será una plataforma que abrirá el diálogo sobre lo que se genere durante la feria. Será un espacio de discusión y una ventana sobre los temas más recurrentes del encuentro. Cada medio reaccionará desde su visión de mundo y experiencia, enriqueciendo un diálogo basado en el conocimiento local a través de una estrategia global.

Modernidad?, el primero de los tres números que tendrá la revista, fue presentado en en Wienes Secession el 26 de febrero pasado.

Cada revista hace referencia a uno de los leitmotifs del evento y su edición es el resultado de un complejo trabajo editorial en red liderado por Georg Schöllhammer. En la publicación, los autores | ArtPremium |

Danica Dakic, El Dorado Gießbergstraße, 2006–2007. © Danica Dakic / VG Bild-Kunst, Bonn 2007

escriben sobre las modernidades locales, dislocadas a veces de su pasado, desarrollos interrumpidos o, por el contrario, sociedades afectadas por la globalización. Estos modelos de modernidad cohabitan y se superponen en la realidad a veces de un modo inusual o inesperado, y se hacen más evidentes en estas páginas.

En este proyecto se incorporaron 300 ensayos, contribuciones de artistas, entrevistas, ensayos fotográficos, textos de ficción y otros documentos, de los cuales sólo una selección formará parte de las ediciones impresas de Modernidad?, Vida! y Educación:, publicadas por Taschen, que podrán adquirirse online.

El Comité Asesor, formado por 40 expertos de diversas disciplinas, marcará las pautas teóricas para la educación y relación directa con el público. Su trabajo se vinculará directamente con los visitantes y en particular con los habitantes de Kassel interesados en entender la historia política y social a través del arte, cuestionando el pasado y diseñando el futuro. Uno de los temas de esta Documenta es lograr comprender las motivaciones e intereses del público, e incluso algunos de los trabajos exhibidos serán acciones de arte más que obras en sí mismas.

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MICHAEL LINARES: REPRESENTANTE

DE UNA NUEVA GENERACIÓN DE ARTITAS PUERTORRIQUEÑOS

M P O R M A N U E L Á LV A R E Z L E Z A M A Michael Linares, Hello, My name is not Michael, 2006

ichael Linares, nacido en Puerto Rico en el 1979 y graduado de la Escuela de Artes Plásticas de PR en el 2004, no lleva mucho tiempo como artista “profesional”. No obstante en este momento es uno de los artistas jóvenes puertorriqueños más retantes y más cotizados. Tanto su exposición de marzo de 2007 en Galería Comercial, titulada Eight, Ocho Bizcocho, Cake, como su reciente y muy exitosa participación en Art Basel Miami Beach ‘o6 - MACO ’06, Mexico, The Galleries Show ’06 en Bélgica, ArtLA-06 en Los Ángeles, The Institute of Contemporary Art en Philadelphia, el Lawrimore Project en Seattle, Spray Show en Chicago, el Museo del Barrio en Nueva York, su “Robo (documentado) de chiclets” para The S-Files en el Museo de Arte de Puerto Rico, su pintura “My Name is Not Michael” para la subasta del MAPR y su participación en el proyecto llamado PULPO, hacen claro que estamos ante una fuerza importante dentro esta nueva generación de creadores puertorriqueños, donde reina un impresionante eclecticismo (desde el graffiti puro o el de galerías y el arte basado en los comics hasta arte conceptual de corte existencial inteligente o fascinantes versiones dentro del hiperrealismo de hoy), producto de las libertades que se abrieran con la postmodernidad y la globalización. | ArtPremium |

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Ha logrado cambiar dramáticamente los escenarios artísticos de Puerto Rico y ha forzado que muchos de nuestros más educados amantes o coleccionistas de arte reevalúen su visión sobre el arte contemporáneo revelan, a la vez, la preocupación del artista de crecer, de dejar de ser niño, de dejar de ser inocente

Como crítico de arte me inicié y me establecí en Puerto Rico e internacionalmente no solo reinterpretando la misión de la Generación de 50 y de la Generación del 60-70 (desde Julio Rosado del Valle hasta Melquíades Rosario Sastre, desde Domingo García hasta Rafael Ferrer y Marta Pérez Morales), y analizando sus nuevas propuestas décadas después, en los 90; o presentando abiertamente las aperturas a las que se acogieron muchos de los miembros de la Generación del 80 (RocheRabell, Carlos Collazo, Maria de Mater O’Neill, Rafael Trelles, Rosa Irigoyen, Jorge Zeno, Roberto Bonilla Ryan, Jaime Suárez, Julio Suárez y Nick Quijano, sólo para mencionar algunos artistas) que decidieron descubrir y compartir la esencia de su existencia: su estado existencial, la realidad política que los marcaba, su sexualidad, sus objetivos estéticos y éticos. Mi principal aportación fue la de dedicarme con convencimiento y energía a una nueva generación (muchos de los cuales habían sido mis estudiantes en la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico), la Generación del 90, a la que yo le di el nombre de “Los novísimos”, y a la que pertenecen artistas tales como Guillermo Calzadilla (que luego, con Jennifer Allora, se convierten “el equipo” Allora & Calzadilla), Chemi Rosado, Rabindranat Díaz, Carlo Ignacio Lang, Nayda Collazo, Ada Bobonis, Linda Pintor, José Jorge Román, Carlos Rivera Villafañe, Aaron Salabarrias, Ramón Berríos, Víctor Sosa, Antonio Fonseca, Annex Burgos y René Pérez (El Residente de Calle l3), otra vez, sólo para mencionar algunos artistas, que nos han representado internacionalmente haciendo que Puerto Rico se tome en serio en el mundo del arte globaliza do.

Existe, no obstante, una nueva generación de artistas en Puerto Rico, la generación que le sigue a Los novísimos del 90, que he comenzado a llamarle Los Global-Islados, y donde ya se pueden señalar artistas del calibre de Jesús “Bubu” Negrón, Cacheila Soto, Fabián Detres, Omar Obdulio Peña Forty, Radamés Figueroa, Sebastián Vallejo, Ismo, Sofía, Diego De la Cruz y, claro está, Michael Linares, que, como señaláramos antes, se ha distinguido enormemente tanto en los foros locales como en los internacionales por la fuerza, profundidad y originalidad de su obra.

En el caso de Linares, lo primero que hay que reconocer es que este joven e ingenioso artista posee enormes talentos en los campos del dibujo, de la pintura, de las instalaciones, y que busca los retos estéticos y éticos del arte conceptual inteligente y provocador.

Como muchos miembros de su generación, Linares se ha propuesto borrar con gracia y efectividad ser producto de una | ArtPremium |

Michael Linares, Wait till it (the tree) grows (The Shadow), 2004

educación clásica de excelencia, el problema de la “autenticidad” vs. la “apropiación”, los cánones de PopArt y del Arte Urbano, y los juegos de transgresión. Ha logrado cambiar dramáticamente los escenarios artísticos de Puerto Rico y ha forzado que muchos de nuestros más educados amantes o coleccionistas de arte reevalúen su visión sobre el arte contemporáneo y/o “cutting edge art” y los nuevos discursos estéticos y éticos mundo de las artes visuales globalizadas.

Y esta es la razón por la cual su arte – desde sus dibujos hasta sus pinturas, desde sus instalaciones hasta sus performances – ha causado que los amantes del arte y los coleccionistas locales e internacionales se interesen en toda su obra. Y es que Linares no se repite. Como lo hacia Stanley Kubrick con sus películas –que ninguna se parecía a las otras– este joven artista vive de “explosión en explosión”, reinventándose cada vez más distinto e interesante.

Es que esta nueva generación está definida por todo tipo de libertades/transgresiones y la guía un eclecticismo nunca antes visto.

Sus primeras obras de importancia fueron unas pinturas de corte existencial donde el artista “jugaba”/ “experimentaba” con el amor y el desamor, con la soledad y estar hecho de luz. En estas obras vemos ecos de los dibujos del artista Falon de los ’70, a pesar que Linares asegura haber desconocido su obra. Después decide incurrir con gran seriedad y profundidad en el arte conceptual, 31

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Michael Linares, Wait till it grows (Tree House), 2006

produciendo obras interesantes que van desde su documentado robo de una cajita de chiclets en un Walgreens (la documentación de este robo – fotos, documentos, recibos – fue exhibida en the SFiles del Museo del Barrio en NYC y luego en el MAPR) hasta el juego de la producción de la fotografia/afiche de un boxeador local que le llaman “El Zurdo” y que en la obra de Linares aparece sin su brazo izquierdo.

Como vemos, estamos ante un creador desafiante que recurrirá tanto a la parodia como al cinicismo, tanto a la ironía como a la verdad más brutal. Y es que no hay miedo a la insolencia y/o la falta de respeto porque de veras cree que no debe haber reglas y, si las hubiese el/ellos, tienen derecho a reinventarlas. Una de las máximas de “Bubu” Negrón es que “ser artista es mejor que trabajar en McDonalds…”

En su última exposición, Eight, Ocho Bizcocho, Cake, Linares – al igual que Allora & Calzadilla y “Bubu” Negrón -- ha tocado los botones correctos y ha logrado que el público y algunos críticos de arte que se quedaron en el Modernismo tengan que confrontar sus preconcebidos argumentos/creencias sobre lo que el arte debe ser y comenzar a entender sus posibilidades y futuros, que comenzaron hace muchos años con Duchamp, Picasso, Warhol, Buys, Basquiat, Mendieta, González Torres, Hirst.

La serie de instalaciones de Linares, donde usa unos pequeños árboles como protagonistas -que pueden ser interpretadas como inteligentes y honestas defensas ecológicas tridimensionales sobre lo que le estamos haciendo a la humanidad y al planeta Tierra en el presente y el futuro-, han tenido una enorme aceptación y le han ganado el respeto de los críticos y de los verdaderos conocedores del “cutting edge art” que buscan las necesarias profundidades en este tipo de “cuentos” que, desafortunadamente, se nos presentan por miles (con toda su superficialidad, con todos sus vacíos) en las distintas ferias y bienales internacionales. Wait till it (the tree) grows (The Shadow), 2004, Wait till it grows (Tree House), 2006 (presentado en Art Basel-06- Miami y en Bélgica) y Wait till it grows (Swing), 2007, revelan, a la vez, la preocupación del artista de crecer, | ArtPremium |

de dejar de ser niño, de dejar de ser inocente, y lo difícil que se lo estamos hacienda a la raza humana y al planeta Tierra para poder sobrevivir, crecer, seguir su curso natural.

Algunas de las pinturas en Eight, Ocho Bizcocho, Cake, muy distintas a su famoso “nametag”, My name is not Michael, 2006, y otras obras de corte lúdico que había hecho revelan una consciente preocupación por el futuro del planeta Tierra y la sobrevivencia de la humanidad y su capacidad de AMAR. Esperando es un hombre acostado en los rieles de un ferrocarril, esperando (esperando a qué o a quién: ¿A Godot? ¿Al Fin del Mundo?), Mis ideas no caben en este espacio es un trozo/pedazo/sección del Universo (negro con cuerpos celestiales fluorescentes) que nos hacen pensar en este Viaje solo de Ida, Yo no quiero sentir miedo – donde el Universo es otra vez el protagonista, vemos un par de zapatos vacíos y unos pies/ piernas ascendiendo o descendiendo, y en En el caso de Linares, lo primero que hay que reconocer Quiero enseñarte lo que no sé (Una constelación es que este joven e ingenioso llamada Agustina) artista busca los retos estéticos apreciamos las siluetas de y éticos del arte conceptual un caballo y una yegua jugando los juegos de inteligente y provocador. seducción, en un baile magistral que el artista convierte en su constelación.

Como vemos, Linares no es uno de esos creadores de “muñequitos”, o arte producto de los comics, o instalaciones prodigiosamente deslumbrantes que solo busca una galería internacional de renombre para hacerse rico y famoso (¿en ese orden?) confundiendo a coleccionistas ignorantes. Este artista puede ir, con entera libertad, de un lirismo impresionante a un existencialismo desgarrador que cae en la antipoesía. Como persona y como artista Linares no se considera como una persona iluminada o un pequeño dios. Como Pablo Neruda, el poeta chileno de Las Américas, que creía que el poeta no es dios sino un simple panadero que hornea el regalo del pan, su trabajo puede verse como el pan que él hace para alimentar(nos) de una manera distinta.

MANUEL ÁLVAREZ LEZAMA, Profesor de La Universidad de Puerto Rico – Recinto de Río Piedras. Ex Profesor de la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico. Ex Miembro de la Junta de Síndicos del Festival Internacional de Cine de Puerto Rico. Asesor del Comité de Colecciones del MAC. Miembro de la Junta de Directores del MAPR de 2000-2006. Crítico de Arte – AICA

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Michael Linares, Wait till it grows (Swing), 2007

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Los Desaparecidos: hacia un rescate de la memoria

América Latina vivió en la segunda mitad del siglo XX un período convulso y terrible. Varios países sufrieron la secuela de represivas dictaduras militares. Miles de personas fueron secuestradas, torturadas, asesinadas y “desaparecidas”. Aún hoy, muchos familiares de las víctimas reclaman justicia. The Disappeared / Los Desaparecidos reunió en el Museo del Barrio de Nueva York las obras de varios artistas latinoamericanos contemporáneos, cuyo trabajo refleja los horrores y la violencia durante los regímenes instaurados en Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Venezuela, Guatemala y Uruguay. La exposición organizada y curada por Laurel Reuter, directora de North Dakota Museum of Art, viajará por museos de Estados Unidos y América del Sur hasta el año 2010.

P O R R A I S A C L AV I J O Juan Manuel Echavarría, NN (No name/Sin nombre), 2005, instalación de 37 fotografías, dimensiones variables. Cortesía del artista. | ArtPremium |

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| evento |

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a idea de esta exhibición surge a mediados de los noventa. Entre 1987 y 1989, Lawrence Weschler1, escritor de la revista The New Yorker, reveló al público norteamericano la realidad sobre los desaparecidos en Latinoamérica. Estos textos fueron el detonante para que Laurel Reuter iniciara un viaje a través de la historia latinoamericana, para descubrir que muchos artistas visuales estaban creando obras elocuentes y rotundas sobre los desaparecidos. Paso a paso, fue naciendo el proyecto de una exposición que diera a conocer el trabajo de estos creadores, reivindicara a las víctimas y contribuyera a denunciar estos horrores ante el mundo.

The Disappeared agrupa las obras de: Nicolás Guagnini, Marcelo Brodsky, Fernando Traverso, Antonio Frasconi, Sara Maneiro, Iván Navarro, Arturo Duclos, Nelson Leirner, Cildo Meireles, Luis Camnitzer, Ana Triscornia, Luis González Palma, Juan Manuel Echavarría y Oscar Muñoz. También se incluye el proyecto Identidad, desarrollado por un colectivo de trece destacados artistas argentinos con el propósito de auxiliar a las Abuelas de la Plaza de Mayo, cuyos hijos, hijas y nietos desaparecieron durante la última dictadura militar en ese país.

“Desaparecer” significó en América Latina una táctica efectiva y macabra. Con el pasar de los años, las huellas de las personas desaparecidas se han ido borrando; sólo podemos acceder al pasado a través de imágenes y fotografías. Las imágenes de aquellos que ya no están encabezan las protestas y los reclamos de los familiares. Se han convertido en una forma recurrente de resaltar la incertidumbre y el vacío que dejan los ausentes. Las fotografías fabrican una temporalidad propia y nos devuelven al pasado. Nelly Richard señala acertadamente que “más que ninguna otra práctica, la fotografía se encuentra perturbadoramente ligada a la muerte, a

la desaparición del tiempo y del cuerpo vivo, a la consignación del recuerdo de lo ya sido, y es por esto que la fotografía desempeña un rol determinante en la reflexión crítica y social sobre la memoria”2.

En la era actual, completamente dominada por la imagen, los artistas reunidos en esta exposición han depositado en lo visual el peso de sus estrategias de denuncia, búsqueda de la identidad y rescate de la memoria. La mayor parte de ellos emplea la facilidad que ofrece el lenguaje fotográfico y la vídeo-instalación para dejarnos impresionantes testimonios. Algunos amplían o intervienen las fotos de los desparecidos, aprovechando la elocuencia de los rostros. Otros hurgan en lo conceptual, hallando códigos apropiados para difundir de manera subliminal sus mensajes y protestas, aprovechándose del simbolismo de los objetos y los materiales para burlar la censura.

Resulta imposible analizar en el corto espacio de este texto cada una de las 26 obras que componen la exhibición. Seleccionaremos al azar algunos ejemplos que transmitan una idea de la magnitud de esta propuesta.

Nicolás Guagnini (Argentina, 1966) presenta su obra 30,000, realizada entre los años 1998 y 2005. El título corresponde al

Marcelo Brodsky, Buena Memoria, 1997, instalación de 57 fotografías y 2 vídeos, dimensiones variables. Cortesía del artista. | ArtPremium |

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Oscar Muñoz, Proyecto para un monumento, 2005, proyección de 5 videos sincronizados, dimensiones variables. Cortesía del artista.

Oscar Muñoz, Proyecto para un monumento, 2005, proyección de 5 videos sincronizados, dimensiones variables. Cortesía del artista.

número de víctimas desaparecidas en Argentina durante la dictadura militar. La pieza consiste en el rostro de su padre desaparecido en 1977, representado como una fotografía en alto contraste, sobre una armadura de pivotes de metal. A medida que el espectador rodea la obra, el rostro del padre de Guagnini aparece y desaparece.

La escultura fue originalmente concebida como un monumento público para el Parque de la Memoria en Buenos Aires. Esta versión realizada para la exhibición en el Museo del Barrio, pasará a engrosar las colecciones de esta institución.

El también argentino Marcelo Brodsky (1954) se ha concentrado en los rostros de aquellos que conoció. Durante la dictadura militar, Brodsky tuvo que exiliarse. Su hermano y su mejor amigo fueron secuestrados y desaparecidos. Cuando regresó a Argentina, localizó a sus amigos y esas pesquisas dieron como resultado la instalación Buena Memoria (1997). El autor usó la foto de su clase en primer año del Colegio Nacional de Buenos Aires, tomada en 1967 y la intervino, agregando comentarios y reflexiones acerca del destino de sus compañeros. Más tarde se realizó un acto y una exposición de fotografías de la época para recordar a los alumnos del Colegio que fueron masacrados. Esas fotografías eran los vestigios que quedaban de los 105 estudiantes desaparecidos, un intento por materializarlos y hacerlos más cercanos. La segunda parte de la instalación tiene como centro a su hermano Fernando. A partir de una serie de fotos extraídas del álbum familiar, Brodsky construye la historia de Fernando, incluyendo su última fotografía cuando fue retenido y torturado en la ESMA (Escuela de Mecánicos de la Armada).

Buena Memoria, está acotada por dos enormes imágenes del Río de la Plata. Sus aguas fueron el destino final de numerosos argentinos y uruguayos, quienes eran lanzados desde pequeñas aeronaves durante la noche.

En la obra de Fernando Traverso (Rosario, Argentina, 1951), el tema es su ciudad y los hechos traumáticos que marcaron su paisaje.

Para Traverso, quien formó parte de la resistencia, las bicicletas abandonadas son el símbolo de los desaparecidos. El artista creó una instalación con 29 banderas de seda, cada una de las cuales ostenta la imagen fantasmal de una bicicleta en memoria de sus compañeros. La silueta de la bicicleta constituye una metáfora de la ausencia. El artista también intervino la ciudad de Rosario.

Trabajando sin ser visto, delineó con aerosol la silueta de 350 bicicletas recostadas contra varios edificios, en diferentes zonas de la ciudad, una para cada uno de los ciudadanos que desaparecieron a

lo largo de aquellos años. En Rosario, donde las marcas urbanas del terrorismo de Estado todavía estaban frescas; Traverso se encargó de hacerlas aún más visibles.

Sara Maneiro (1965) aborda la represión que sufrió Venezuela durante el “Caracazo” de 1989 que arrojó más de 300 muertos.

Años más tarde se descubrieron las fosas comunes. Maneiro tomó fotos de los restos y esta recopilación dio como resultado Mueca de Berenice (1995). Es una serie de placas fotográficas de la dentadura de uno de los cuerpos anónimos. En Latinoamérica, la falta de recursos impide que muchos restos sean sometidos a exhaustivos exámenes forenses. Su obra demuestra cómo con el tiempo las huellas de los cuerpos de los desaparecidos se convierten en polvo, se olvidan, se pierden y se confunden con la tierra.

Por su parte Luis Camnitzer (Alemania, 1937) crece en Uruguay y emigra a los Estados Unidos en 1964. Desde la distancia se identifica con la suerte de sus amigos y crea De la serie de la tortura uruguaya (1983). Usa su propio cuerpo como modelo y como material para la experimentación. Obtiene así un conjunto de fotograbados que evocan las torturas sufridas por sus compatriotas. Obras como Practicaba todos los días y Su fragancia permanecía son piezas producto del sufrimiento, de la soledad, obras llenas de oscuridad, dolor y alusión a la muerte. Títulos compuestos por frases cortas acotan el sentido de las imágenes, develando al torturador como un ser humano carente de moral. Camnitzer trata de explicarse cómo los asesinos pudieron cometer semejantes atrocidades.

Luis González Palma (1957) obliga a través de sus fotografías a mirar a los ojos del pueblo maya de Guatemala. A lo largo de décadas de brutal guerra civil, la población indígena maya ha sido uno de los grupos sociales más perjudicados. González Palma induce a aprender a verlos primero como seres humanos para llegar a sentir su dolor. Entre Raíces y Aire (1996-1997) nos muestra los ojos de hermosas mujeres mayas que miran desde campos repletos de cruces improvisadas.

Juan Manuel Echavarría (Colombia, 1947) se auxilia de procesos fotográficos para mostrar el deterioro que produce el paso del tiempo.

Así, alude a las continuas guerras civiles que han afectado a su país.

NN (Sin Nombre, 2005) es una monumental instalación que capta la autopsia fotográfica de un maniquí que el autor encontró roto y olvidado en una fábrica de Bogotá. Las fotografías apuntan a la descomposición de la materia, y de la memoria, producto de las desapariciones. El maniquí funciona como símbolo de las personas

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| evento | Luis Camnitzer, Practicaba todos los días / De la Serie de la Tortura Uruguaya, 1983, serie de 35 fotograbados a cuatro planchas de color, 291/2” x 22”. Cortesía del artista.

masacradas y mutiladas que yacen anónimas en fosas comunes en el campo colombiano.

Por su parte Oscar Muñoz (Colombia, 1951) cuestiona la relación entre el retrato y la memoria, el duelo, la muerte. En su país son tan comunes las muertes por violencia que las personas ya optan por no protestar. Sus piezas ofrecen un mensaje que se puede aplicar a toda la exposición y es que los muertos sólo vivirán en el recuerdo y en el aliento de los vivos. En obras como Proyecto para un Monumento (2005), una serie de vídeos sincronizados que muestran cómo el artista dibuja una y otra vez sobre una piedra el rostro de los desaparecidos e incesantemente éste desaparece, al igual que los rasgos de los rostros de los muertos que se borran paulatinamente de la memoria.

Iván Navarro (Chile, 1972) escoge a los asesinos como tema.

Maletín (2004)) muestra el asesinato de tres norteamericanos y del ministro de defensa chileno Orlando Letelier por órdenes del presidente Pinochet en 1976. Navarro utiliza el verdadero maletín de uno de los asesinados en el que incluye información de primera mano sobre el caso, recolectada de diferentes medios informativos.

Otra de sus obras Joy Division, (2004) representa una mesa de cóctel hecha con lámparas fluorescentes y tubos plásticos rojos en forma de swástica. Alude así a la influencia del pensamiento nazi en la ideología de los gobiernos militares sudamericanos. Por su parte, su coterráneo Arturo Duclos (1959) construye una monumental bandera chilena con 75 fémures humanos. Su obra pretende relacionar el símbolo patrio que define a Chile como nación, con las macabras circunstancias que marcaron su destino durante varias décadas.

Cildo Meireles (Brasil, 1948) se apropia de códigos conceptualistas para manipular y subvertir los sistemas de comunicación. En un momento en que la libertad de expresión en Brasil era escasa, Meireles intervino botellas de Coca Cola, usando técnicas serigráficas y pintura vítrea para dejar mensajes de protesta con connotaciones políticas y sociales. Estas piezas formaron parte de un proyecto que el artista llamó Inserción en los Circuitos Ideológicos (1970). | ArtPremium |

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Por su parte, Identidad (1998) aglutinó a trece destacados artistas argentinos. En el proyecto participaron: Carlos Alonso, Nora Aslán, Mireya Baglietto, Remo Bianchedi, Diana Dowek, Leon Ferrari, Rosana Fuertes, Carlos Gorriarena, Adolfo Nigro, Luis Felipe Noé, Daniel Ontiveros, Juan Carlos Romero y Marcia Schvartz.

Su principal objetivo fue ayudar a las Abuelas de la Plaza de Mayo, cuyos hijos e hijas habían desaparecido entre 1976 y 1983. En muchos casos, esas personas fueron secuestradas con sus hijos o en estado de gestación. Los padres desaparecieron y los niños fueron entregados en adopción a las familias de los militares. La obra consiste en una larga línea de fotografías y espejos colgados a nivel de los ojos. Son reproducciones ampliadas de fotos de pasaporte, anuarios escolares o fotos de identidad de los desaparecidos. Al lado de cada foto hay un espejo que representa el hijo robado que pudiera ser cualquiera de nosotros. La hilera continúa hasta sumar 200 niños desaparecidos. Bajo cada pareja de padres aparecen sus datos, la fecha aproximada en que debió haber nacido el niño, la fecha y lugar en que ocurrió el secuestro y las últimas noticias acerca de su paradero. En diciembre de 1998, cuando se inauguró Identidad en el Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires, tres personas descubrieron sus identidades anteriores.

The Disappeared obliga a situarse cara a cara ante miles de tragedias que aún no ha encontrado justicia. Quiebra ese silencio traumático y cómplice del olvido. A través de sus obras, los artistas luchan contra la amnesia para evitar que estos horrores puedan repetirse.

Esta propuesta expositiva ha sido exhibida además en North Dakota Museum of Art, Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires y el Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay). Hasta inicios del 2010 viajará por varias instituciones como: Museo de Arte de San Marcos (Lima, Perú), SITE Sante Fe (Nuevo México, USA), Centro Cultural Matucana (Santiago de Chile), Museo de Arte Moderno (Bogotá, Colombia), Art Museum of the Americas, OAS (Washington, DC, USA), University of Wyoming Art Museum y Weisman Museum of Art (Minneapolis, USA).

RAISA CLAVIJO (curatum@aol.com): Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de la Habana y Máster en Museología por la Universidad Iberoamericana (México D.F.). Curadora, museóloga y crítico de arte.

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Los artículos publicados por Lawrence Weschler fueron recogidos en el libro A Miracle, A Universe: Settling Accounts with Torturers. Chicago, University of Chicago Press, 1990.

2 Richard, Nelly. “Imagen-recuerdo y borraduras”. En: Richard, N. Políticas y estéticas de la memoria. Santiago de Chile, Cuarto Propio, 2000:165.

1. Nicolás Guagnini, 30,000, 1998 – 2005, acrílico sobre madera, 451/2”x 451/2” x 5”.

Colección El Museo del Barrio, Nueva York.

2. Fernando Traverso, En Memoria, 2000 – 2001, 29 pancartas de seda, dimensiones variables. Cortesía del artista.

3. Iván Navarro, Maletín, 2004, maletín con objetos, 11” x 18” x 121/2”.Cortesía del artista 4. Colaboración de los artistas: Carlos Alfonso, Nora Aslán, Mireya Baglietto, Remo Bianchedi, Diana Dowek, Leon Ferrari, Rosana Fuertes, Carlos Gorriarena, Adolfo Nigro, Luis Felipe Noé, Daniel Ontiveros, Juan Carlos Romero y Marcia Schvartz.

Identidad, 1998, 132 espejos, 224 fotografías, 1 video. Producción: Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires. Colección Asociación de las Abuelas de la Plaza de Mayo.

5. Iván Navarro, Joy Division, 2004, Luces fluorescentes, tubos de plástico, portalámparas de metal, electricidad, 24” x 48” x 48”. Foto: José E. López.

6. Cildo Meireles, Inserción en Circuitos Ideológicos: Proyecto Coca-Cola, 1970, 3 botellas de Coca Cola/textos transferidos. 71/8”. Cortesía del artista y Galerie Lelong, New York.

7. Sara Maneiro, Mueca de Berenice, 1995, 12 C-prints, 16” x 20”. Cortesía de la artista.

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Sol LeWitt y su legado imperecedero L A partir de la década del 60, Sol LeWitt decidió realizar su propio arte, dándole un sí definitivo a su impulso y a sus deseos de hacer de su arte el torrente de su vida. Ese apetito por los colores, las formas geométricas, así como las exhaustivas horas creativas se tornarían claves para transformarlo en uno de los pilares del arte conceptual y del minimalismo.

POR CARMEN GRACIELA DÍAZ Sol LeWitt, Brushstrokes, 2000, gouache sobre papel, 22½” x 29½”. © The LeWitt Collection, Chester, CT. | ArtPremium |

eWitt falleció el pasado 9 de abril a los 78 años de edad como consecuencia de una enfermedad. No obstante, su obra y su legado se mantendrán tan vigentes como aquel ímpetu que lo llevó a reinventar el modo de ejecutar y ver el arte.

La muerte de este visionario coincidió con la exhibición LeWitt x 2 en el Museo de Arte de Miami (MAM). La multiplicación por dos en el título de la muestra no es ornamental, sino que encierra dos de los caminos más transitados por el artista.

En primer lugar, Sol LeWitt: Structure and Line provee una retrospectiva del trabajo del artista que data del 1960 hasta el más reciente. La muestra incluye 45 estructuras, término que acuñó para definir sus trabajos tridimensionales, y trabajos sobre papel.

Esta sección de la exhibición abarca el dibujo y estrena sus obras más recientes en scribble. Además contiene sus estructuras derivadas del cubo, incluyendo ejemplos de su serie open cube, que desarrolló a través de varias décadas y pinturas gouache que cubren el periodo del 1986 hasta el 2005.

Selections from The LeWitt Collection, por otro lado, recoge la colección de arte contemporáneo que el artista reuniera junto a su esposa Carol Androccio. Esta colección, cabe señalar, presenta obras claves de los tempranos años del arte conceptual al igual que trabajos asociados al arte povera. La misma se nutre de aproximadamente 100 obras realizadas por artistas y amigos del matrimonio entre los que se encuentran: Carl Andre, Alice Aycock, Bernd e Hilla Becher,

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Como unidad, las dos partes de esta exhibición demuestran la valoración estética y los parámetros que rigieron la inventiva y la visión artística de quien fuera considerado uno de los artistas norteamericanos más distinguidos de la segunda mitad del siglo 20.

Jan Dibbets, Jackie Ferrara, Gilbert y George, Eva Hesse, Donald Judd, Alex Katz, Robert Mangold, Brice Marden, Mario Merz, Robert Ryman y Pat Steir.

Como unidad, las dos partes de esta exhibición demuestran la valoración estética y los parámetros que rigieron la inventiva y la visión artística de quien fuera considerado uno de los artistas norteamericanos más distinguidos de la segunda mitad del siglo 20. Además, para hacerle compañía a las obras que cobija la exposición, el MAM comisionó una de las celebradas “wall drawings” (pinturas sobre la pared) gestadas por LeWitt que no se ausentan de la mayoría de las conversaciones que giran en torno a la obra del artista.

Organizada por el Madison Museum of Contemporary Art y curada por Dean Swanson, LeWitt x 2 recoge un cúmulo de la obra más sobresaliente e influyente del artista: sus estructuras hechas con cubos abiertos o rejillas, así como sus dibujos sobre la pared.

La variación revolvió a lo largo de toda la carrera de LeWitt.

Su visión de privilegiar la fusión en su proceder artístico, dotó a su obra de altas cargas de estética y complejidad. Este dibujante y grabador se caracterizó por sus estrictas formas geométricas en diversos colores y por experimentar con la litografía y el aguafuerte.

Aparte de sus cuadros, LeWitt hizo esculturas geométricas en materiales como la madera, el acero o el plexiglás y creó cubos de acero, con barras o en forma de jaula.

Como artista minimalista y arte conceptual, LeWitt pudo emprender una búsqueda que desembocó en su propio estilo de hacer arte. Su minimalismo quedó reflejado en el manejo de patrones repetitivos y la simplicidad de los elementos que componían su obra, y de otra parte, como artista conceptual antepuso la idea sobre la realización del arte o los valores estéticos. Como producto de sus acercamientos y sus prácticas artísticas, LeWitt decía que “la idea es la máquina que hace el arte” y que en esa idea residía la importancia de la obra.

“En el arte conceptual, la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma conceptual, hay que entender que previamente ha realizado todo un proceso de planificación y de toma de decisiones, de forma que la ejecución pasa a ser una cuestión mecánica. La idea se convierte en una máquina que crea arte. Este tipo de arte no es teórico ni ilustra teoría alguna: es intuitivo, está implicado en todos los procesos mentales y no tiene ningún objetivo concreto”, expuso en una ocasión LeWitt, quien antes de comenzar su carrera en el arte, entre otras ocupaciones trabajó como dibujante y diseñador gráfico para el arquitecto I.M. Pei. | ArtPremium |

Dicha experiencia le llevó a aseverar que “un arquitecto no se va con una pala a cavar su cimiento y colocar cada ladrillo. Aún así es artista”. Paradójicamente, con esa declaración el artista criticó los significados que la sociedad en general otorga al arte y a los artistas, y de los que posteriormente él se iría en contra mediante la filosofía que subyacía en su trabajo.

LeWitt también laboró durante dos años en la Guerra de Corea como diseñador gráfico así como en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) donde conoció a personajes claves de las corrientes artísticas como Dan Flavin, Robert Ryman y Robert Mangold. Allí, de igual forma, entró en contacto con la obra de Jasper Johns y Frank Stella. Confluencia artística que indudablemente marcó a LeWitt a tal punto que ésta lo provocó a fundamentar su carrera formalmente en el arte.

Para mediados de los años 60, la experimentación de LeWitt con dibujos sobre la pared tanto en espacios públicos como privados, fue catalogada de manera inmediata como radical. Sus ideas eran ejecutadas por sus asistentes luego de ver los bocetos y las instrucciones que él redactara. Siguiendo cuidadosamente sus directrices, los asistentes lograban materializar los colores y las líneas que LeWitt quería para la obra en cuestión.

De esta manera, más de 1,200 murales de carácter efímero fueron ideados por LeWitt que, a petición del propio artista, tenían que ser borrados o destruidos dependiendo del caso, una vez concluyera su exposición temporal. Esa cualidad efímera que LeWitt otorgó a su obra, era una clara antítesis a las nociones de la permanencia y el valor del arte, entre otros elementos que él pretendía subrayar.

Los wallpaintings estaban compuestos de colores básicos como amarillo, rojo, azul y gris, los cuales se aplicaban directamente sobre la pared con movimientos circulares en capas transparentes. Es por tal razón, que LeWitt formulaba estos dibujos no como un cuadro, sino como parte del diseño arquitectónico de la sala de exposición y como tal debían ser interpretados por los espectadores.

Sol LeWitt, Open Geometric Structure 2-2,1-1, 1991, madera pintada, 20” x 29½” x 20”. © The LeWitt Collection, Chester, CT.

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La multiplicación por dos del título de esta muestra del arte del artista no es un mero elemento ornamental: LeWitt x 2 es una exhibición compuesta de dos ramificaciones.

Sol LeWitt, Form Derived from a Cubic Rectangle, 1991, gouache sobre papel, 22¼” x 29¾”. © The LeWitt Collection, Chester, CT.

Sylvia Plimack Mangold, Untitled (Study for “Portrayal”), 1979, óleo sobre canvas, 24” x 24”. Cortesía The LeWitt Collection, Chester, CT. © Sylvia Plimack Mangold.

Cuando el MoMA presentó una retrospectiva del arte de LeWitt en el 1978, la curadora de dibujo Bernice Rose declaró que las pinturas sobre la pared del artista fueron “tan importantes para el dibujo como el uso de la técnica del chorreado (dripping) de Pollock para la pintura de los años 50”.

Aparte de los méritos de su trayectoria artística, LeWitt fue conocido también en los círculos de arte por su generosidad, habiendo expuesto su trabajo en diversas ocasiones junto a artistas jóvenes en galerías pequeñas para así darles un empuje. Ayudó a fundar Printed Matter, la organización de artistas que produce libros de artistas e intercambió obras con otros artistas, usualmente con aquellos con mayor necesidad, cuyo arte él también compraba.

Mecenas y amigo de sus homólogos, LeWitt antagonizaba con la imagen del artista-celebridad al rechazar premios y ser muy tímido para las cámaras y esquivo para conceder entrevistas. De hecho, la mera idea de que en el periódico apareciera una foto suya le causaba aversión.

Nacido en el 1928 en Hartford, Connecticut, LeWitt obtuvo su Bachillerato en Bellas Artes en la Universidad de Syracuse de Nueva York en el 1949. Para el 1965 tuvo su primera exposición individual en la galería John Daniels de Nueva York.

A partir de ese momento, LeWitt comenzó a exhibir en galerías y museos alrededor del mundo incluyendo el MoMA, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York, el Gemeentemuseum de Den Haag, la Tate Gallery de Londres, el Centro Pompidou de París, el Stedelijk Museum de Amsterdam y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, entre otros. Con su partida, LeWitt deja un legado artístico en importantes colecciones tales como la del MOMA, el Guggenheim y el Dia Center for the Arts en Nueva York. | ArtPremium |

Aparte de logros a LeWitt no le faltaron detractores. Hubo críticos de arte que llegaron a burlarse de él al comentar que éste viajaba a sus exposiciones para también enterarse de cómo habían quedado sus obras, refiriéndose así a labor de sus asistentes como parte de la tónica de trabajo del dibujante.

Sin embargo, ante esas críticas LeWitt entablaba una comparación con la música al considerar firmemente que sus diseños, aún siendo presentados por el mejor o el peor de los intérpretes, no perderían su carácter.

En relación a ese lenguaje de la obra, la historiadora J. Fiona Ragheb escribió en el catálogo de la colección del Museo Guggenheim, “LeWitt desarrolló un método de trabajo para crear obras de arte basadas en simples direcciones, obras que pueden ser ejecutadas por otros en lugar del artista. Rechazó la noción de arte como un objeto único y precioso”.

Según LeWitt, los artistas son místicos en vez de racionalistas porque ellos saltan a conclusiones que la lógica no puede alcanzar.

Y es que él planteó un nuevo discurso estético con los medios artísticos que su arrojo le condujo a experimentar. Los 60, década de convulsión, rebeldía y desenfreno en los más variados aspectos, fue la que presenció el surgimiento del minimalismo y el arte conceptual y que guarda íntima relación a las contribuciones de Sol LeWitt, quien con sus cubos, sus pinturas en paredes, sus fotografías, sus cuadros, y toda su obra revolucionó también la escena artística estadounidense y consecuentemente, la del mundo.

El legado de LeWitt a las generaciones del presente radica en el optimismo, la estética y el dinamismo de sus obras y en otorgar a la idea una dimensión de superioridad sobre la ejecución.

Jonathan Borofsky, I Dreamed Someone Cut up my Duchamp Book, 1976, pintura y charcoal sobre canvas, 20” x 16”.

Cortesía The LeWitt Collection, Chester, CT. © Jonathan Borofsky.

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JAMES COHAN GALLERY “NO HAY QUE PERDER DE VISTA QUE SOMOS UNA INSTITUCION CULTURAL”

La galería James Cohan ha sabido ganarse un espacio en el competitivo mundo del arte newyorkino. Las actividades culturales trascienden las paredes de su espacio de trabajo y su fama ha sobrepasado fronteras.

Es plataforma de exhibición de artistas consagrados y está atenta a los talentos emergentes como el de Beatriz Milhazes, cuya obra fue exhibida recientemente por segunda ocasión en la galería.

POR DANIELA RUSOWSKY

| galería |

E

n 1999 una nueva apuesta cultural abrió sus puertas en la calle 57 en Nueva York. En las paredes se exhibían las obras en negro, blanco y rojo de Gilbert y George y así se inauguraba un proyecto de vida que James Cohan había comenzado a gestar varios años antes. Después de cuatro años de trabajo como director de la galería Paula Cooper y otros cuatro en la John Weber Gallery, ambas localizadas en Nueva York, decidió tomar un poco de distancia y se radicó en Londres por algunos años, ganando experiencia en el mercado del arte internacional. La galería se mudó el 2002 a 533 W26 St., un antiguo garage de taxis, que fue completamente remodelado, con líneas simples y adaptables a la más diversa gama de exponentes del arte contemporáneo.

Una vez al año realizan una exhibición que contempla un tema capaz de abarcar desde la historia del arte hasta la actualidad. Este año, entre el 11 de enero y el 10 de febrero, fue el turno de las Cosmologías, una exhibición que exploró una amplia gama de estrategias utilizadas para representar lo universal. La muestra contó con la yuxtaposición de diversas piezas, entre las que se destacan una cerámica del siglo X con un meticuloso trabajo que grafica el cielo estrellado, textos europeos ilustrados del siglo XVII, cosmologías de la India y una instalación contemporánea, las que en conjunto dan vida a diversas visiones de mundo.

La exposición buscaba describir un denominador común en muchas culturas, el deseo del ser humano por definir su lugar en el universo, ya sea a través de la religión, la filosofía o una interpretación personal. Los curadores de la exhibición fueron James Cohan, Elyse Goldberg, Arthur Solway, Jessica Lin Cox y Ginger Cofield; y en ella participaron los artistas Allora & Calzadilla, Kamrooz Aram, assume vivid astro focus, Ingrid Calame, Dawn Clements, Joseph Cornell, Simon Evans, Cerith Wyn Evans, Nancy Holt, Alfred Jensen, Jess, Jasper Johns, Laleh Khorramian, Anselm Kiefer, Kimsooja, Yayoi Kusama, Mark Lombardi, Josiah McElheny, Dominic McGill, Matt “QUE SE EXHIBA MUCHO Mullican, Ad Reinhardt, Matthew Ritchie, Thomas ARTE NO QUIERE DECIR QUE HAYAN MUCHAS COSAS Ruff, Ward Shelley, Shahzia Sikander, Robert REALMENTE BUENAS. Smithson, Fred Tomaselli, EL TIEMPO DIRÁ QUE Sara VanDerBeek, Martin TRASCIENDE Y QUE NO.” Wilner, Terry Winters y Adolf Wolfli.

Otra de sus características es el haber salido de sus instalaciones para la edición de publicaciones y organización de eventos complementarios a sus exposiciones, los que se llevan a cabo en otros espacios. Obras de teatro, presentaciones de danza, instalaciones al aire libre y encuentros con artistas y catedráticos son algunas de las actividades desarrolladas. En mayo participarían de la serie de arte público del Madison Square Park Conservancy’s 2007 y exhibirían tres esculturas de acero diseñadas por la artista conceptual Roxy Paine. Las obras evocan enormes árboles de metal como una forma de relacionar lo natural con lo industrial. La artista ha definido su trabajo no como una interpretación de la realidad, sino como una alucinación de la misma. Su principal tema de crítica es el contrasentido entre un mundo controlable hecho por el ser humano, versus el mundo creado por la naturaleza, que es inevitablemente incontrolable. Esta colección de árboles ha sido exhibida en numerosas exposiciones de arte público en Estados Unidos y Europa. | ArtPremium |

Nam June Paik, Tower, 200, media mixto, 187” x 87” x 87”.

Foto: Jason Mandella. Cortesía de James Cohan Gallery, New York

EXPLORACIÓN Y BÚSQUEDA

James Cohan declara que su inspiración nace de fuentes diversas, la historia del arte, la forma de relacionarse de la sociedad actual, las nuevas tecnologías, pero siempre manteniendo una mirada antropológica del arte y su entorno. Gracias a su capacidad de observar la sociedad ha logrado mantener un buen equilibrio entre artistas consagrados y la sabia apuesta a nuevos talentos. “Es un mercado exigente, pero no debemos perder de vista que somos una institución cultural que además tiene ganancias. La mayoría de la gente que visita la galería no va a comprar, pero es una gran satisfación que se transforme en una especie de espacio de prueba para nuevos talentos. La galería se volvería estática si sólo trabajáramos con artistas ya establecidos. Además, los artistas senior de nuestra galería respetan que demos espacio a los artistas emergentes”.

Una de las artistas que ha crecido junto a su galería es Beatriz Milhazes; esta consolidada pintora brasilera expuso su más reciente trabajo de grabados entre el 9 y 31 de marzo pasado, en colaboración con Duham Press, una de las más reconocidas compañías de impresión de arte del mundo, quienes realizaron un trabajo impecable en un formato de grandes dimensiones. James Cohan conoció por primera vez el trabajo de Milhazes durante el 2001 a través de una publicación de ésta en el Museo de Arte Moderno de Nueva York e inmediatamente quedó maravillado con su arte. “Me di cuenta que no era apreciada del todo en EEUU y era una gran oportunidad. Beatriz es una artista que integra una 46

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Erick Swenson, Sin título, 2007, Polyurethane resin, acrílico, MDF, polystyrene, 30” x 181” x 280”.

Foto: Christopher Rawson. Cortesía de James Cohan Gallery, Nueva York

visión cultural, toma lo que es el arte brasilero pero lo reinventa.

Me evoca el arte brasilero barroco, cuando los portugueses fueron a Brasil y llevaron cierta sensibilidad europea que de alguna manera ella ha importado también”. A lo cual agrega “ Su obra es recibida extraordinariamente bien, por la complejidad de su trabajo. Está muy centrada en su trabajo, como cualquier artista se preocupa del público, pero su principal objetivo es hacer arte”.

TECNOLOGÍA Y VANGUARDIA

Una de las temáticas presentes en la galería es el de las nuevas tecnologías aplicadas a la creación artística. Instalaciones que integran distintos soportes plásticos y tecnológicos hacen que a veces más que una visita, la muestra se convierta en una experiencia.

En esta línea, un ejemplo reciente fue la exhibición de cinco trabajos de Nam June Paik, considerado por algunos como el padre del vídeo arte y parte del movimiento Fluxus, que se focaliza en encuentros inmediatos, temporales o casuales entre conceptos, un objeto y el público. Este artista, fallecido en enero del 2006 a la edad de 73 años, usó la tecnología como una forma de criticar irónicamente a una sociedad consumida por ésta.

Otro ejemplo es el trabajo presentado por Bill Viola entre el 2 y el 5 de mayo en colaboración con Peter Sellars y el director Esa-Pekka Salonen con la Filarmónica de Los Angeles. Este consagrado artista del vídeo arte ha participado anteriormente en la galería y presentará tres vídeos inspirados en la ópera de Richard Wagner, Tristán e Isolda. Según Viola el tema central de la ópera es un amor tan profundo que trasciende la vida material de los amantes para la realización completa de su amor. Las | ArtPremium |

imágenes de sus trabajos pretenden funcionar como símblos que representan los temas centrales de la ópera desde lo consciente hasta las profundidades del amor.

En opinión de James Cohan no son sólo las posibilidades creativas las que se abren gracias a las tecnologías, sino la ampliación de los mercados del arte y tal vez hasta una mayor democratización del arte. “La tecnología es un gran beneficio para los artistas. Hay tantas nuevas avenidas para que la gente conozca su trabajo. La gente no tiene que estar en Nueva York, Los Angeles o Chicago para saber lo que esta pasando. Hasta cierto grado pueda que protega al arte, porque el arte es más que la gente que visita una galería o un sitio web”, precisó.

Cohan es conciente de que el mercado del arte está pasando por una etapa de expansión, donde India y Rusia están marcando su presencia, mientras que el desarrollo económico de China ha prefilado a esta potencia como importador. Sin embargo, prefiere seguir apostando a los mercados tradicionales, pero trabajando con artistas de vanguardia, pues considera que en este fenómeno de expansión es importante no perder de vista una mirada de largo plazo. “El gran ‘boom’ en el mercado nos permite abrirnos a artistas jóvenes y asumir mayores riesgos. Que se exhiba mucho arte no quiere decir que hayan muchas cosas realmente buenas. El tiempo dirá que trasciende y qué no”.

Nuevas tecnologías, arte conceptual, pintura abstracta o arte figurativo, todo tiene cabida en este espacio, mientras el denominador común sea la calidad y originalidad de los trabajos.

Aquí hay momentos para rendir tributo a los grandes exponentes del arte contemporáneo y para conocer nuevos artistas que marcan la pauta de las nuevas formas de expresión.

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Beatriz Milhazes:

“Los colores hacen que todo funcione” Al conocer la obra de la artista brasilera Beatriz Milhazes lo primero que llama la atención es la abrumadora composición de sus formas y colores. Pero detrás de esa fachada de desplante escénico nos encontramos con una mujer que se declara tranquilla, metódica y muy racional en el diseño y confección de su trabajo. Esta connotada pintora latinoamericana se ha consolidado en el mundo del arte de más alto nivel y en esta entrevista exclusiva con ArtPremium narró el devenir de su obra, habló de su reciente exposición en Nueva York en la galería de James Cohan y nos entregó algunos adelantos sobre sus polifacéticos proyectos.

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S

u biografía se aleja del estereotipo de artista rebelde. Miembro de una familia marcadamente intelectual y con una fuerte impronta católica, Beatriz Milhazes creció en un entorno donde su opción de vida fue apoyada y respetada. La mayoría de los artistas de su generación se especializaron en otra disciplina antes de decidir dedicarse al arte, y ella no fue la excepción. Tras estudiar tres años de comunicación social, su vocación dio un giro para entrar a la escuela de Artes Visuales de Río de Janeiro donde comenzó a desarrollar su talento. A los 23 años tuvo la oportunidad de viajar a Europa, donde visitó museos y pudo ver en directo importantes obras de la historia del arte. Este viaje tuvo un profundo impacto en ella y al parecer la motivó a desarrollar su carrera profesional sin importar las fronteras.

Su trabajo ha sido asociado con múltiples referentes visuales tales como el diseño gráfico y textil, patrones de arte árabe y oriental, y el modernismo europeo, los que se hacen presente a través de su obra, que ella considera una expresión inconsciente que refleja una inspiración que nace tanto del mundo del arte tradicional como

no es su intención alcanzar un resultado espiritual o convertir sus pinturas en una ventana hacia la meditación, lo que indirectamente se logra cuando aquellos que se sitúan frente a su trabajo se sumergen en su colorido imaginario y navegan por su propuesta abstracta y dinámica. Considera el círculo una figura geométrica interesante pues tiene la propiedad de llamar la atención visualmente y no tiene ni principio ni fin, dando la sensación de estar permanentemente girando. “Busco movimiento, pues en mis pinturas no hay ningún centro, sino diferentes tipos de centros. No se puede parar, la vista va de un lugar a otro. Por eso el círculo es mi principal figura geométrica. No tengo referentes espirituales en mi trabajo, es más bien una organización orgánica”.

Su técnica contrasta con el resultado exuberante y con una marcada fuerza vital. Aquellas imágenes que evocan caminatas por la selva, las fragancias de un mercado de frutas tropicales o incluso, el glamour de la moda y las pasarelas, son el resultado de un trabajo metódico, ordenado y a puertas cerradas. Concentrada en su estudio Beatriz organiza sus diseños con precisión geométrica.

ME GUSTA LA BLANCURA DE MI CIUDAD, LA NATURALEZA, ES ALGO INTENSO; CUYO COLORIDO ME INSPIRA. PERO MI ENTORNO NO ES COLORIDO, ESTOY MÁS BIEN AISLADA HACIENDO COLORES. de la vida cotidiana. “Creo que mi arte está muy conectado con el modernismo, tanto europeo como brasilero. Pero también tengo una gran influencia del diseño en general y el folk art, el arte primitivo, el arte naive. También he sido muy influenciada por el arte decorativo, porque se conecta el significado de la pintura con objetos que son de mi interés. Tengo una atmósfera, una remembranza, una vitalidad que espero que se refleje en mi obra. Siempre quise ser pintora y no diseñadora, pero tengo algunos patrones que vienen de las herramientas del arte aplicado”.

Si bien su arte cautiva al espectador como un caleidoscopio

“Trato de lograr una sana relación entre cosas que son muy distintas la una de la otra, pero lo que verdaderamente une a la pintura son los colores, porque los colores hacen que todo funcione”. Con cuidado va imprimiendo los colores capa sobre capa, creando transparencias y perspectiva hasta completar una obra armónica y equilibrada, en la cual no se notan las pinceladas ni se genera textura sobre la tela.

Esta técnica, basada en la impresión de un diseño estampado en plástico, le permite superponer colores con gran intensidad, en lo que ella describe como una gran pieza de madera compactada en una pequeña superficie. Basada en una estructura de trabajo racional donde cada detalle tiene una razón de ser, su meta es logar una buena pintura.

SUMANDO CONOCIMIENTOS Su historia personal se vislumbra entre líneas, pero también derrumba estereotipos. “Mi trabajo artístico es diferente de lo que yo soy. Creo que toda mi energía se vuelca en mi trabajo, porque soy muy tranquila, todo el mundo se sorprende, pero es verdad. Mi arte es muy racional porque en la técnica que utilizo cada pequeño motivo tiene una razón de ser. Ese proceso es más como soy yo como persona, más que el resultado”, confiesa en la entrevista, dejando claro que su pasión por el arte es canalizada con organización y disciplina, lo que nos permite comprender el secreto de su éxito y la versatilidad de su trabajo.

Beatriz Milhazes, Fig (Figo), 2006, silkscreen y woodblock, Hiromi Handmade DHM-11 Triple Thick.

70” × 47”. Edición de 30. Cortesía de James Cohan Gallery, New York y Durham Press Inc. Beatriz Milhazes, Pacaembu, 2004, acrílico sobre canvas, 105 3/4” X 135”.

Cortesía de James Cohan Gallery, New York

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| en exclusiva | Los referentes culturales tradicionales de Brasil no están presentes en su obra en forma explícita y concreta, pese a sentirse identificada con sus raíces. Su inspiración es universal y compleja. “Mi generación es una generación de Brasil que fue completamente colonizada por la cultura norteamericana.

En mi familia hubo mucha resistencia a eso y el concepto (era el) de preservar la cultura brasilera. Era una generación en que la gente no quería ser brasilera sino norteamericana y llevar ese tipo de vida, pero no en mi familia, y eso nos influyó mucho a mi hermana y a mí, para estar orgullosas de nuestros orígenes y nuestra cultura”. Para ella el arte brasilero se ha caracterizado por ser más conceptual que colorido y muy influenciado por el arte moderno europeo. El modernismo brasilero trató de juntar su cultura con el arte europeo durante la década del 30 y Beatriz se identifica en parte con esa intención, pues también tiene una formación mixta y busca mezclar el significado de sus pinturas con varios referentes. “Mi cultura no es tan colorida como la gente piensa. Me gusta la blancura de mi ciudad, la naturaleza, es algo intenso; me inspira. Pero mi entorno no es colorido, estoy más bien aislada haciendo colores”, agrega.

Esta visión de mundo también se hace presente con su referentes musicales. Amante de la ópera y cautivada por el Bosa Nova, el ritmo y cadencia de este estilo musical brasilero define un estado de ánimo y una forma de vida con el que se identifica. En su opinión el arte es ritmo, una conexión interesante que ha comenzado a explorar. Su primer paso ha sido su trabajo en conjunto con su hermana -dedicada a la danzapara quien ha realizado varias escenografías para sus presentaciones.

“Somos muy amigas y podemos compartir diferentes intereses en la vida y en el arte, por lo tanto fue muy fácil trabajar juntas, pero yo no me involucro en todo el proceso”. Las últimas dos actuaciones han sido un mayor desafío para ella. Lo que en un inicio fue un simple panel de fondo frente al cual el elenco mantenía completa independencia, poco a poco comenzó a expandirse hacia el escenario convirtiendo su trabajo en algo más tridimensional. En la última presentación diseñó un candelabro que se instaló en el medio del escenario, con el cual los artistas en escena necesitaban interactuar. “Para la próxima coreografía tendremos que pensar más sobre eso, porque será algo más activo y tendremos que tener mayor intercambio de ideas. Sé que en el futuro tendré que dedicar más tiempo con mi hermana y los bailarines planeando un poco más la escenografía”.

UN ARTE RACIONAL Con la pintura como base de su trabajo ha comenzado a explorar otros soportes creativos que la han hecho pensar en nuevas posibilidades de creación. Empezó a hacer collage, después paneles que han abierto diferentes facetas a su trabajo. Hasta ahora los paneles han sido elaborados específicamente para un lugar, en un principio fueron parte de exhibiciones temporales, pero su última experiencia | ArtPremium |

fue concebida como una estructura permanente. Benedikt Taschen la invitó a colaborar con Philip Stark para su tienda de Nueva York para la cual diseñó cinco paneles del tamaño de las paredes, los que marcan la pauta para construir la atmósfera del lugar. “Yo no trabajo directamente en el panel, sino en un plano. Los hago a mano en un papel y luego los paso al computador. Nunca había trabajado en pequeña escala, y pensé que era más fácil, pero no es así. Al final todo se convierte en algo enorme, así que es un gran desafío”.

A esta nueva faceta de su trabajo se suman algunas obras que han sido instaladas en espacios públicos. “Me gustan los museos y galerías porque es bueno que el arte tenga su propio espacio, para hacerlo especial en un momento especial, como artista y como espectadora. Eso no significa que no se pueda hacer arte público, porque el arte no debe perder la posibilidad de llevar a una persona a una experiencia diferente”. Esto le genera sentimientos encontrados, por una parte está maravillada frente a las infinitas posibilidades de exploración, pero su mayor satisfacción está en el trabajo tradicional, Recluida en su estudio, Beatriz crea las piezas que serán exhibidas y apreciadas, como si quisiera invitarnos a descifrar un reto matemático. Esa es la magia de su obra tornasol, sus pinturas se presentan a primera vista naive, decorativas, simples, pero una vez que el espectador engancha su mirada con mayor detenimiento, se inicia un viaje abstracto hacia un mundo en permanente movimiento. Esta hipnosis del color nos llena de formas de antaño, Beatriz Milhazes, Mariposa, 2004, acrílico sobre lienzo, 98” X 98”.

Cortesía de James Cohan Gallery, New York

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TRABAJO EN EXPANSIÓN Su trabajo fue desarrollándose poco a poco dentro de Brasil y Sudamérica, y a partir del año 2000 su carrera comenzó a tener marcada presencia en los mercados internacionales de alto nivel.

Un paso importante fue el generar varias series de impresiones de alta calidad, que le han permitido consolidar un cuerpo de trabajo.

En 1996, durante su primera exhibición en Nueva York, conoció a Jean Paul Russel, editor e impresor de Durham Press, quien es mundialmente reconocido por la dedicación en la producción de su trabajo. “No es solamente ir y hacer algunas impresiones.

Trabajar en su estudio en el campo cerca de Pennsylvania, es un espacio para pensar y crear nuevas perspectivas para mis pinturas y mi trabajo en general”. Beatriz recuerda sus primeras reuniones con

nos trae a la memoria recuerdos defigurines recortados del teatro de sombras, dibujos de tinta china y caligrafía oriental. La fuerza del flower power, la simpleza de un calidoscopio construido por un niño con espejos y pedacitos de vidrio, como si Beatriz Milhazes quisiera ofrecernos un viaje visual que no nos permite anclarnos en ninguna parte y nos induce a perdernos en nuestro propio insconsciente. Tal como ella lo ha dicho, sus obras no tienen centro, principio ni fin, tampoco hay un referente cultural preciso, porque no se ha cerrado a lo propio, sino que se ha abierto al mundo.

Beatriz Milhazes, Jamaica, 2006, silkscreen y woodblock, Hiromi Handmade DHM-11 Triple Thick. 70” × 70”. Edición de 30. Cortesía de James Cohan Gallery, New York y Durham Press Inc. | ArtPremium |

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Beatriz Milhazes, Phebo, 2004, acrílico sobre lienzo, 771/2” X 1173/8”.

Cortesía de James Cohan Gallery, New York

Jean Paul Russel como una experiencia clave en el desarrollo de su trayectoria profesional. Logró aprender y conocer un proceso técnico diferente, entender su mecanismo para poder trabajar con precisión un trabajo de tantas capas y reproducirlo con fidelidad.

En su reciente exhibición en la galería James Cohan en Nueva York, presentó en colaboración con Russel, las impresiones de mayor tamaño que ha producido Milhazes en su carrera. Las obras inéditas Figo, Noite de Verao y Jamaica, marcaron la pauta combinando la densidad de color con las transparencias. En estas tres obras de gran formato, la artista mezcla -con gran sofisticación y destreza- técnicas de película de seda y bloques de madera. Las

mujer y latinoamericana eso hace que tu arte sea inferior’. Cuando empiezas a tener éxito empiezas a pensar en estas cosas. Como llegué a un nivel al cual no muchas mujeres latinoamericanas llegan es ahí cuando te empiezas a encontrar con este tipo de situaciones”. Pero estos pequeños obstáculos parecen no ser importantes para Beatriz.

Serena, dedicada, constante y creativa, esta destacada artista hace de su trabajo el motor de su vida.

Después de un año de ausencia por trabajos de remodelación, regresó a su estudio. Actualmente está preparando proyectos editoriales en Londres, un libro para Taschen sobre su trabajo y un libro de arte, que será una obra de arte en sí mismo. Este verano estará

BUSCO MOVIMIENTO, PUES EN MIS PINTURAS NO HAY NINGÚN CENTRO, SINO DIFERENTES TIPOS DE CENTROS. NO SE PUEDE PARAR, LA VISTA VA DE UN LUGAR A OTRO. composiciones elegidas van desde imágenes altamente saturadas y superpuestas en profundos verdes, azulados con toques de violeta y anaranjados de “Figo”, pasando por los decorados arabescos y espirales que evocan una cálida y danzante “Noche de Verano”, hasta llegar a una impresión en formato cuadrado con una intensa explosión de color que se sostiene con ligereza sobre un punto de apoyo, en la obra titulada “Jamaica”.

En las primeras etapas de su trabajo el ser una mujer sudamericana ni siquiera fue un tema que se cuestionara para consolidarse como artista plástica, sin embargo declara que ahora la competencia es más intensa y las diferencias a veces se transforman en prejuicios. “Hace poco alguien me dijo que ‘considerando que era | ArtPremium |

presente en Nueva York en una exposición colectiva en el MOMA y a fin de año tendrá una exposición en Sao Paulo. Esta artista captura en el fondo la esencia de su trabajo, ella también está siempre en movimiento y busca mantener el perfecto equilibrio para que todo funcione. Capaz de distinguir lo importante de lo urgente, Beatriz Milhazes no pierde de vista que lo más importante es trabajar paso a paso para lograr un buen resultado final. Finalmente, le pedimos un consejo para motivar a otros jóvenes artistas latinoamericanos que deseen seguir sus pasos y abrirse un espacio en las grandes galerías: “Estar bien concentrado en su trabajo. Sé que suena muy simple, pero si no te concentras realmente en tus intereses no eres capaz de lograr nada”.

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ABA Art Contemporani - Palma De Mallorca / George Adams Gallery - New York / Evelyn Aimis Fine Art - Miami Gallery Paule Anglim - San Francisco / Art First - London / Art Nueve - Murcia / Galerie Benden & Klimczak - Viersen Galerie Renate Bender - Munich / Black & White Gallery - New York / Roy Boyd Gallery - Chicago Brancolini Grimaldi Arte Contemporanea - Florence / Rudolf Budja Gallery - Salzburg David Castillo Modern and Contemporary - Miami / Chelsea Galleria - Miami / CHINABLUE Gallery - Beijing Clampart - New York / Contessa Gallery - Cleveland / Galleria D'Arte Contini - Venice / Betty Cuningham Gallery - New York Danese - New York / De Soto - Los Angeles / Dot Fifty-One - Miami / Dunn and Brown Contemporary - Dallas Envoy - New York / Rosamund Felsen Gallery - Santa Monica / Forum Gallery - New York / Barry Friedman Ltd - New York Alfredo Ginocchio, Arte Internacional - Mexico DF / Goedhuis Contemporary - London / Gomez Fine Art - Galeria - San Juan James Graham & Sons - New York / Alexander Gray Associates - New York / Greene Contemporary - Sarasota Joan Guaita Art - Palma de Mallorca / Hackett-Freedman Gallery - San Francisco / Dwight Hackett Projects - Santa Fe Galerie Hafenrichter & Fluegel - Nurenberg / Haines Gallery - San Francisco / Hasted Hunt Gallery - New York Galerie Kashya Hildebrand - Zurich / Hirschl & Adler Modern - New York / Galerie Caprice Horn - Berlin Galerie Huebner - Frankfurt / Charlotte Jackson Fine Art - Santa Fe / Galerie Koch - Hannover Jennifer Kostuik Gallery - Vancouver / Galeria Kreisler - Madrid / Greg Kucera Gallery - Seattle Kunsthaus sf/Kunsthaus Miami - San Miguel de Allende/Miami / Anna Kustera - New York / Galerie Helene Lamarque - Paris Galerie Bernd A. Lausberg - Dusseldorf / Lennon, Weinberg, Inc - New York / Richard Levy Gallery - Albuquerque Apama Mackey Gallery - Houston / McCormick Gallery - Chicago / McKenzie Fine Art - New York Andrea Meislin Gallery - New York / Jerald Melberg Gallery - Charlotte / Laurence Miller Gallery - New York Yossi Milo Gallery - New York / Nichido Contemporary Art - Tokyo / Jonathan Novak Contemporary Art - Los Angeles Olyvia Oriental Ltd. - London / Galleria Pack - Milan / Pan American Art Projects - Miami / Franklin Parrasch Gallery - New York Plus Gallery - Denver / Quint Contemporary Art - La Jolla / Red Dot Contemporary - West Palm Beach Yancey Richardson Gallery - New York / Rose Gallery - Santa Monica / Juan Ruiz Galeria - Maracaibo Sakshi Gallery - Mumbai / Santa Giustina/Arevalo Arte - Lucca/Coconut Grove / Lucas Schoormans - New York Galerie Schuebbe Projekt - Dusseldorf / Senior & Shopmaker Gallery - New York / William Shearburn Gallery - St. Louis Soka Contemporary Space - Taipei / SolwayJones - Los Angeles / Spanierman Modern - New York Stefan Stux Gallery - New York / Sundaram Tagore Gallery - New York / TAI Gallery - Santa Fe / Susan Teller Gallery - New York Leslie Tonkonow Artworks + Projects - New York / Leon Tovar Gallery - New York / Tresart - Coral Gables Galerie von Braunbehrens - Munich / Alejandra Von Hartz Fine Arts - Miami / Von Lintel Gallery - New York Westwood Gallery - New York / Wetterling Gallery - Stockholm / Stephen Wirtz Gallery - San Francisco Galerie Erhard Witzel - Wiesbaden / Xin Dong Cheng Gallery - Beijing / Zolla/Lieberman Gallery Inc - Chicago

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list as of October, 2007

VIP Preview 3pm - 6pm Opening Night Celebration 6pm - 9pm

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Anónimo, Estatua de mujer envuelta, conocida como Diane de Gabies, mármol, Primer siglo DC.Paris, Museo del Louvre, Departamento de Antigüedades Griegas, Etruscas y Romanas, SR. 154 (Mi 529) © Musée du Louvre / Daniel Lebée y Carine Deambrosis | ArtPremium |

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POR CARMEN GRACIELA DÍAZ

El movimiento, la vehemencia y el dramatismo con los cuales el escultor griego Praxíteles impregnó a su obra trastocaron el rumbo de la tradición escultórica, convirtiéndolo en el más célebre de los escultores de la Grecia clásica, dejando así una trayectoria indeleble que se catapultó de la cultura ática al mundo.

Praxíteles: Inspirador de la escultura sensual de todos los tiempos

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on Praxíteles, el Museo del Louvre de París dedicó por primera vez una exhibición de carácter monográfico a un artista de la Grecia o Roma clásica. La exhibición que estuvo hasta el 18 de junio, fue por Alan Pasquier, conservador general del departamento de antigüedades griegas, etruscas y romanas del Louvre y Jean-Luc Martínez, conservador en jefe del mismo departamento y se de más de un centenar de obras de Praxíteles -algunas propiedad del Louvre y otras prestadas por diferentes museos europeosentre las que se encuentran las valiosas Afrodita de Cnido, el Apolo Sauróctonos y el Eros de Tespias.

Reconocido por haber sido el primer escultor griego que tuvo la osadía de representar la desnudez femenina en estatuas monumentales, se estima que Praxíteles vivió probablemente entre el 400 y el 330 adC., y que alrededor del 360 adC., llegó a la cumbre de su carrera artística.

Pese a que el prestigio y la reputación de su obra y figura son justificaciones válidas para realizar una exposición que conglomere su producción artística, las dificultades generadas por la exploración arqueológica y el golpe impetuoso del tiempo, plantean escollos que obstaculizan a los historiadores delinear un recuento exacto de la vida y el cuerpo de trabajo de este escultor griego.

Por tal razón, la información que ha trascendido hasta el presente es posible gracias a copias de sus obras así como de los testimonios literarios de escritores como Plinio el Viejo, Luciano y Pausanias.

Lo que sí se conoce de Praxíteles, a rasgos artísticos y personales, está matizado por la leyenda que al transcurrir de los siglos se ha encontrado con la historia. Ante ese Praxíteles idealizado, tanto en los contornos de su obra como de su figura, esta exposición aglutina el mayor número posible de trabajos en mármol y bronce que han sido reclamados a su práctica de esculpir. La misma funge como una fuente de luz que disipa la vaguedad resultante del cruce intenso entre realidad y leyenda, aparte de las vicisitudes del tiempo y la historia. Son entonces los remanentes de su obra los que se levantan como una oportunidad para redescubrir las huellas que éste dejara en el panorama mundial del arte escultórico.

La estructuración de esta exhibición -que transcurre del siglo IV adC. al presente- traza un perfil historiográfico de las características del estilo praxiteliano. Organizada en seis secciones, cada división de esta muestra en torno a Praxíteles corresponde a un período de la historia marcado por la influencia del artista.

A continuación un recorrido por la exhibición que honra la obra de este escultor que dominó el arte del cincel con elegancia, gracias a la flexibilidad y delicadeza que otorgó a la curva con la que modeló las figuras:

Anónimo, Estatua de Afrodita, conocida como Venus de Arles, Mármol del Monte Hymette (para la parte antigua), finales del primer siglo AC. París, Museo del Louvre, Departamento de Antigüedades Griegas, Etruscas y Romanas, SR. 365 (Mi 439) © RMN/H. Lewandowski | ArtPremium |

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PRAXÍTELES REDESCUBIERTO

Las inscripciones y las fuentes indican que Praxíteles nació en Atenas y que provenía de una familia de tradición escultórica, ya que su padre era Cefisodoto el Viejo. No obstante, lo que se sabe del resto de sus días es producto de anécdotas extraídas de fuentes latinas o griegas, donde la leyenda tiene prioridad sobre la historia. De hecho, se han mitificado las relaciones íntimas con Friné, celebrada cortesana y una de sus modelos.

Mientras la mayoría de la escultura monumental era de bronce, Praxíteles prefirió trabajar en mármol, conformando así dos tercios de la totalidad de sus creaciones. El maestro era un auténtico genio en el manejo de este material, y en gran medida Las dificultades generadas responsable por la extensa fama por la exploración del sorprendentemente mármol arqueológica y el golpe¡ blanco de Paros.

Esta primera sección de impetuoso del tiempo, la exhibición se enfocó en los obstaculizan que los trabajos ‘originales’ del artista, historiadores puedan es decir aquellos que datan del delinear un recuento período conocido de la actividad exacto de la vida y el de Praxíteles y su escuela.

Monumento a Leto y a sus cuerpo de trabajo de este hijos, un bajo relieve que decora escultor griego. la base de una de las esculturas del maestro, y una cabeza de dimensiones gigantescas severamente dañada, que representa a Artemis, son dos de los trabajos que indudablemente recogen el estilo de Praxíteles. Aunque esta última pieza, recientemente identificada por G. Despinis, ha inestabilizado seriamente la | ArtPremium |

percepción del artista. Pese a ello, este fragmento podría ser la cabeza de la Artemis Brauronia que Pausanias mencionara en sus escritos, que previo a su descubrimiento, había sido catalogada como correspondiente al mismo estilo artístico que la Diana de Gabies, reconocida como la perfecta manifestación del estilo praxiteliano como está generalmente entendido.

EN LA BÚSQUEDA DE PRAXÍTELES: CONSIDERANDO DIVERSOS TIPOS REPRESENTADOS EN TEXTOS, MONEDAS Y REPRODUCCIONES

Para fortuna de los arqueólogos y los historiadores de arte, los romanos estaban enamorados del trabajo de Praxíteles. Esta fascinación los inspiró a traer a Roma cierto número de sus trabajos para poblar lugares públicos. Pero este saqueo pronto resultó inadecuado para avanzar al compás de la demanda y por tal razón, los artistas romanos comenzaron a crear copias de las estatuas más reconocidas de Praxíteles.

Estas copias romanas promovieron una mayor apreciación de la escultura griega y constituyen la mayoría de los trabajos expuestos en esta exhibición. Para ciertos modelos griegos, la exhibición incluye un número de trabajos en mármol que reproducen un mismo tema, brindando así la oportunidad de hacer una comparación con las copias.

Este acercamiento es iluminador al aplicarse a tipos estatuarios que se han atribuido a Praxíteles, de acuerdo a fuentes literarias, como el Apolo Sauróctonos y la Afrodita de Cnido, el primer desnudo femenino en la escultura griega monumental y por eso, la estatua más celebrada de la antigüedad.

Jean-Léon Gérôme (1824 - 1904) Phryné devant l’Aréopage, 1861, óleo sobre tela, Hamburger Kunsthalle. © BPK, Berlin, Dist. RMN © Elke Walford

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“… Praxíteles fue casi como un símbolo de la belleza griega, del arte griego de una manera general. Praxíteles es definitivamente uno de los grandes nombres del arte griego”.

EN EL MODO DE PRAXÍTELES: CREACIONES HELENÍSTICAS Y ROMANAS INSPIRADAS POR EL MAESTRO

Comenzando en el tercer siglo adC., la influencia de Praxíteles en escultores posteriores era considerable. Pero los artistas griegos y romanos no se limitaron a realizar reproducciones del trabajo del maestro. Estos combinaron características de las obras praxitalianas con sus propios toques estilísticos, que resultó en estatuas que ofrecen un mero eco del estilo del escultor ateniense.

Cuatro agrupaciones permiten apreciar el arte de Praxíteles, cada una levantando un asunto específico que permita redescubrirlo; Diana de Gabies (cabezas femeninas inspiradas por Praxíteles), Eros de Centocelle (reproducciones clásicas), trabajos de Pasiteles y Stephanos (el estilo praxiteliano en Roma), y la escultura de Apollino (creaciones inspiradas por Praxíteles y modelos clásicos).

PRAXÍTELES IMAGINADO

Dejando la Antigüedad a un lado, la exhibición en el Louvre también ofreció una visión de Praxíteles en la modernidad, en el marco de su redescubrimiento, recepción y restauración. Seis trabajos producidos entre los siglos 16 y 19, mostraron cómo una estatua de mármol puede dar paso a otra siguiendo el estilo Manierista, Clásico, Neoclásico o Académico. La “contaminación” del mármol original de un estilo y período específico, en este caso, Praxíteles en el período helénico y romano, demuestra que aunque no existiera una obra original en los tiempos modernos que lleve su estilo, este coloso inspiró de diversas formas la producción escultórica de los más grandes artistas de todos los tiempos, incluyendo a Miguel Ángel.

Estas restauraciones revelan a un Praxíteles que, con el beneficio de estudios recientes, podría considerarse incomprendido o ensoñado. Probablemente, el toque final que completa la visión fantástica del artista estriba en la popularidad de la historia de Friné en el siglo 19. Sin embargo, por encima de la leyenda, los investigadores buscaron hasta el cansancio identificar cuál de las cabezas de mármol esculpidas por Praxíteles -según las fuentespodría ser un retrato de aquella cortesana etérea.

TEMAS ACTUALES DE INVESTIGACIÓN: EL SÁTIRO DE MAZARA DEL VALLO, UNA NUEVA ATRIBUCIÓN

El cierre del recorrido carga con la paradójica presentación de un trabajo que pese a su belleza y a su espectacularidad, no parece ser considerado un original de Praxíteles. Sin embargo, para ser fieles a la tónica y al concepto de la exhibición que persigue una síntesis de todo lo conocido del escultor, se consideró significativo presentarle al público el caso más reciente debatido entre los académicos de los estudios praxitelianos: el Sátiro de Mazara del Vallo.

La pieza en bronce, rescatada del fondo del mar por pescadores de esta localidad siciliana en el 1997, está considerada por Paolo Moreno como un trabajo original del legendario maestro. Aunque la atribución de esta escultura a Praxíteles es cuestionable por falta de consenso entre los especialistas, ofrece un cierre de oro para la sublime muestra.

Sobre Praxíteles, Pasquier ha afirmado “fue un gran escultor, cuyo nombre ha sido celebrado desde el siglo IV adC., hasta en los textos de autores del período bizantino. Más tarde, durante el Renacimiento, cuando se redescubrió el arte antiguo, Praxíteles fue casi como un símbolo de la belleza griega, del arte griego de una manera general. Praxíteles es definitivamente uno de los grandes nombres del arte griego”.

Más allá del trabajo escultórico de Praxíteles, que marcó un hito en la historia del arte, el escultor transformó su obra en un referente al otorgarle un nuevo significado al ideal femenino, al desnudo y la sensualidad. Sin lugar a dudas, esta avasalladora exposición reveló a ese artista tantas veces imaginado y ahora disponible para el público.

LA REFUTADA CARRERA DE PRAXÍTELES: UN DEBATE DEL SIGLO 19

La quinta sección intentó reconstruir la carrera de Praxíteles tal como fuera imaginada en el siglo 19, época en el cual se creía que la actividad de un artista debía ser dividida principalmente entre trabajos de la juventud y aquellos ejecutados en la madurez.

En el caso de Praxíteles, la primera categoría incluiría, por ejemplo, la Venus de Arles, el Sátiro escanciador o la Dresden Artemis; la segunda categoría acogería trabajos tales como la Olimpia Hermes, Sardanapalus, al igual que una serie de trabajos representando a las Musas.

Aunque esta amplia categorización y acercamiento generoso a la atribución han sido refutadas por académicos del arte antiguo, esta sección de la exhibición tiene el potencial de enriquecer los estudios de los diferentes tipos estatuarios, que comparten la misma condición: si deberían ser ligados al cuerpo de trabajo de Praxíteles. | ArtPremium |

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El fotógrafo Miguel Rocafort ha sabido combinar la seguridad en sí mismo y en su talento, con la sencillez necesaria para aprender de otros, perfeccionar su técnica y explorar nuevas posibilidades. Actualmente su estudio se ha convertido en una verdadera plataforma desde donde impulsa, a través de proyectos que combinan el arte, la moda y el diseño, su trabajo realizado en Puerto Rico, Estados Unidos e Italia.

LAS COSAS QUE ME ENCUENTRO EN EL CAMINO POR DANIELA RUSOWSKY

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uando Miguel Rocafort habla de su trabajo el rostro de Fotografía y Cine aprendió el trabajo técnico del blanco y se le ilumina. En esta entrevista con ArtPremium nos negro, fine arts printing, silver printing, ampliación, diferentes reveló cómo encuentra la inspiración en cada esquina, texturas de papel, pero sobre todo conoció el trabajo de otros caminando por la vida, observando el mundo pasar a su lado, fotógrafos, quienes se convirtieron en el motor de su inspiración descubriendo la poesía estética que se esconde en objetos de y catapultaron en él las bases de su estilo. “Me impresionó el nuestra vida cotidiana. Un cambio en la luz o un detalle de trabajo de Albert Watson, que es ciego de un ojo. A nivel comercial color pueden ser suficientes para despertar en él una curiosidad ha hecho todo tipo de campañas, pero en su trabajo artístico tiene innata que lo invita a explorar las posibilidades que ese instante retratos impecables. Trabaja muy bien el proceso del platinum le otorga, para rescatarlo del olvido e inmortalizarlo en una paleidium, que es bien difícil porque es sólo con luz solar. Son muy fotografía. pocas las personas que hacen ese tipo de trabajo. Otros fotógrafos Su afición se fue desarrollando de a poco y sin darse cuenta importantes serían el fotoperiodista Sebastián Salgado, Richard se transformó en el motor de su vida. “Todo comenzó durante Abedon, Marie Helen Mark, Eugene Richards, entre otros. El lado mi época de Escuela Superior. Tenía unos amigos que tenían fashion que tengo, ese lado fetiche, fashion erotic es del estilo de cámara de 35mm, y así empezó ese hobby que después se desarrolló Helmut Newton. Como la foto que tomé de los zapatos, ese es un en una pasión”. Al terminar la fetichismo, ese lado sexy kinky que escuela se compró una cámara Su fotografía no pretende generar algo aunque no haya gente en la foto se y empezó a sacar fotos por particular en el espectador, sino por el siente ese feeling. La vida nocturna, la calle, mientras estudiaba el high fashion”. contrario, busca que sean una ventana para bachillerato en psicología. Al Con su portafolio de finalizar sus estudios se dio que el observador le de su propia lectura. estudiante en una mano y una cuenta que eso no era lo suyo y maleta de sueños en la otra, en que su verdadera vocación la vivía detrás del lente. “Comencé 1998 regresó a Puerto Rico donde comenzó a dar servicios a trabajar de asistente con un fotógrafo en el área de Río Piedras. fotográficos y a trabajar en revistas locales. Después de casi una Quería estudiar algo que fuera intenso, profesional y que no fuera década, ha trabajado con todas las agencias de publicidad y con muy largo. Entonces postulé a una escuela excelente que se llama numerosos proyectos editoriales, ha ido consolidando su estilo y Main Photographics Workshops, presenté el portafolio que tenía, desarrollando paralelamente su trabajo de foto-arte. Si bien sabe y me aceptaron”. que técnicamente ha ganado mucha experiencia, declara que en Miguel se mudó al estado de Main donde se dedicó a el fondo su escencia es la misma. estudiar intensivamente fotografía artística. En esta escuela Su obra nos muestra principalmente objetos que va

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encontrando a su paso, como si quisiera rescatar de ellos su Mientras Miguel narra sus experiencias y relata cómo tomó escencia, el alma de las cosas que salen a saludarlo en su deambular. cada una de sus fotos, uno comienza a darse cuenta que lo que “Cuando encuentro cosas que son interesantes, trato de llevarme esa él busca es capturar ese instante de luz, esa fracción de tiempo y imagen en la cámara. Cuando tiene algo de información que me suspenderla en el papel para que se transforme en una invitación a parece atractiva, algo viejo, que ya está oxidado, una textura, colores otros viajes. Su fotografía no pretende generar algo particular en el que solamente va a dar en ese momento”. Esa exploración da forma espectador, sino por el contrario, busca que sean una ventana para a su técnica, su ojo instintivo que sale a que el observador haga su propia Hay personas que ven algunas fotos mías y me la caza de imágenes, en lo que él mismo lectura. “Es una historia más bien de ha definido como un trance hipnótico, dicen : cuándo vas a empezar a hacer cine o esas documentar y llevar todas esas cosas un estado de búsqueda sensorial que lo fotos tuyas están contando una historia. Tienen que me encontré en el camino. Tengo ayuda a atrapar un instante detrás del aparentemente un feeling cinematográfico, que experimentar tal vez con el cine. lente. pero no lo hago a propósito. Están contando una Porque lo tiro casi todo horizontal, mucho wide angle, tiro con luz de historia que sin querer la hice.

VIAJE SOBRE RUEDAS ambiente, me puedo meter en sitios Miguel Rocafort ha sido dueño de 8 motoras y ha viajado oscuros y tomo fotos sin problemas. La gente me dice “mira parece una bastante, especialmente a Italia, donde ha realizado varios foto de tal película”, como que los lleva al cine, a Fellini, a películas recorridos en automóvil y motocicleta. “Siempre me han gustado italianas viejas”. los medios de transporte. Tengo fotos de trenes, de bicicletas, de En su reciente exposición Italrock: Immagini in diretta motorinos, scooters. Lograr captar la velocidad en cámara. Hay una dall’Italia, se exhibió una colección de 19 fotografías tomadas en foto de un túnel en Suiza que es una luz roja completa. Cuando tú Roma y Toscana, muy diversas en encuadres, escenarios y temáticas. vez la imagen es pura velocidad. Hay otra del Coliseo Romano que Esta colección es el resultado de 2 años de trabajo y 4 viajes a Italia, parece que el coliseo se está yendo”. En su obra todo es movimiento y seleccionadas según criterios de composición, movimiento, color color, o la ausencia de éstos. Juega con el encuadre y el equilibrio, y textura. “De eso yo creo que se trata Italrock. De ese viaje a Italia, la luz y sombra, los tiempos acelerados o inmóviles, fragmentos de lo que yo pude captar, lo nocturno, los objetos que había en el camino, la memoria congelados en una imagen sugerente. que siempre iba con prisa. Italia tiene esa textura y esa iluminación. | ArtPremium |

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Cuando tú vas en invierno la luz está casi a 45 grados siempre, plástica. La cámara utiliza un formato 120, que es catalogado como una sombra de ladito bien pronunciada, bien fuerte. En verano los no profesional y en opinión de Rocafort, son los defectos de ésta cielos son bien bien azules y anaranjados en el atardecer. Los colores lo que permite la experimentación artística. “La maravilla es que, a de las paredes son impresionantes, parecen pinturas”. Rocafort se ha pesar de ser una cámara que cuesta como $10, considerada como una contactado con fotógrafos italianos y uno de sus planes futuros cámara de juguete, da unas fotos impresionantes. Te crea unos efectos es trasladarse definitivamente para impulsar su carrera desde un de fuera de foco y de foco, tiene muchos problemas de iluminación y la película se quema, es un defecto que a la vez se ve super interesante”. escenario internacional.

A pesar de sus sueños de volar un poco más lejos, en este momento La muestra está organizada en seis imágenes de Puerto Rico, Italia y Estados Unidos, además de algunas está concentrado en consolidar su labor en Puerto Rico, donde cree se “Cuando llego a un sitio nuevo no conozco a fotografías de Ital Rock. Las fotos de están abriendo posibilidades para el nadie pero los objetos siempre están ahi y les esta muestra son bien contrastadas en luz, contienen información de trabajo de foto arte. “Yo creo que la trato de sacar la esencia a eso puesto allí” iluminación de sombras y destaca el fotografía se está empezando a mover. uso de espacios azules, blanco y negro No sé cómo se estén vendiendo, pero las galerías tienen fotos. De medio mixto de pintura y fotografía, y y color. “En Puerto Rico ese formato no mucha gente lo conoce y no se digital art hay bastante, pero fotografía tradicional, de la cámara al atreven a utilizarlo como medio de arte. Quizás están enfocados a que rollo y del rollo al papel eso en Puerto Rico tiene que crecer más. En necesitas una cámara cara para sacar buenas fotos o que tiene que salir foco”.

Estados Unidos, en Sudamérica, en Europa, hay galerías dedicadas todo en foco” Otra idea innovadora ha sido la creación de la línea de ropa exclusivamente a eso”.

Italrock. Si bien la primera experiencia se limitó a la impresión CÁMARA DE JUGUETE de camisetas con las fotografías de la exhibición, ha empezado Su próximo proyecto, podría ser definido como lúdico y a incursionar en el uso de la fotografía artística para líneas de experimental. La exhibición sería abierta al público a fines del mes del vestuario, ampliando así no sólo las posibilidades comerciales, sino abril en su estudio ubicado en Santurce y será titulada Holgatrón, en la reproducción de esos recuerdos indelebles, de esas pequeñas cosas honor a la cámara Holga, que es “made in China” y completamente que va encontrando en el camino. | ArtPremium |

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biblioteca Ice Cream: Contemporary Art es el resultado de una encuesta que pretendió delinear a los artistas emergentes más significativos de hoy día. Una selección de 100 artistas, por un equipo de diez curadores reconocidos internacionalmente, compone este imponente libro descrito como “una exhibición en un libro”, que sirve de guía para una mayor comprensión hacia las tendencias del mañana.

Inside Africa: South and West L. Dougier and F. Couderc Fotógrafo: Deidi von Schaewen Editor: Angelika Taschen Taschen, 463 pág. id. inglés, $125.00

Cada curador nominó a diez artistas que considerara como representantes Ice Cream: Contemporary Art de la “crema” del arte 10 Curators contemporáneo para 100 Contemporary Artists luego, en equipo, hacer un minucioso escogido de las 10 Source Artists piezas más representativas que serían incluidas en el Ten curators libro. Los curadores, además, Phaidon, 443 pág. seleccionaron a diez artistas de id. inglés, $69.95 una generación anterior que hayan servido de inspiración, tanto a los artistas como a ellos mismos, brindándole al lector la oportunidad de entender la emergencia artística a través de otros puntos de vista.

La crema del arte contemporáneo puede ser visitada gracias a este libro donde priman hermosas imágenes. No hay duda que Ice Cream: Contemporary Art es un libro que se convierte en una rica fuente de estudio sobre el arte mientras ofrece una panorámica sobre un entorno globalizado que no deja de influenciar a los hacedores de arte y sus obras.

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El vistoso libro Inside Africa, South and West pasa a través de los desiertos, las junglas, las ciudades, la flora y fauna, las islas y montañas de este increíble y diverso continente para así destapar sus viviendas más inspiradoras.

Suntuosos y modernos hogares mezclados con chozas, estudios de artistas, elegantes hospedajes, hogares minimalistas, viviendas tradicionales, impresionantes patios, opulentos mosaicos y lounges, municipios y mucho más, fueron capturados fotográficamente, para este libro que no falla en demostrarle al lector la forma en que todo lo africano, mostrado a través de sus páginas, fue construido y decorado con sensibilidad, creatividad, artesanía, individualidad y sensualidad.

Cabe mencionar que Inside Africa, South and West es el segundo volumen de la serie, cuyo primer libro se llama Inside Africa, North and East. Para este segundo tomo, los países incluidos son: Benín, Burkina Faso, Camerún, Ghana, Costa de Marfil, Malí, Mauritania, Níger, Nigeria, Senegal, Sudáfrica y Togo.

Sin lugar a dudas, este monumental estudio fotográfico atrapa exitosamente la belleza y la diversidad de la vida africana.

Top Jóvenes Arquitectos Europeos May Cambert Atrium Group, 359 pág. id. español, $69.95

Las nuevas tendencias en arquitectura de jóvenes arquitectos de los países escandinavos, Italia, Alemania, España y otros lugares son mostradas a lo largo y ancho del libro Top JJóvenes Arquitectos Europeos. Dicho libro muestra las nuevas ideas de los profesionales del arte de la arquitectura, presentándolos gráficamente, con las últimas técnicas de la infografía mientras éstas son complementadas con textos de los propios arquitectos, además de comentarios de conocidos profesionales del sector.

Fundada en el 1992, la Colección DaimlerChrylser ha establecido un claro perfil sobre la base de la historia del arte expandiendo consecuentemente sus posiciones abstractas-constructivistas y minimalistas, mientras desarrolla sistemáticamente estos puntos focales en términos de contenido.

Las múltiples nociones del arte minimalista –aparte de inspirar este libro- han sido el objeto de atención de la serie de exhibiciones Minimalism and After. Estas Minimalism and After: comenzaron con la noción de Traditions and Tendencies posicionar formalmente conceptos in European and American Minimal Art from 1950 to the visuales y la abstracción geométrica que habían sido reducidos como Present fenómenos artísticos al lado del arte minimalista clásico. Esto hizo Renate Wiehager Hatje Cantz Publishers, 551 pág. posible que la historia del arte Edición bilingüe alemán e inglés, minimalista y sus efectos fueran redescubiertos, empezando con $69.95 la “emigración” del Bauhaus y el Constructivismo, y su recepción en la década del 30 en los Estados Unidos, lo que eventualmente condujo al arte contemporáneo de hoy día.

La presente publicación pretende plasmar las tendencias del panorama actual arquitectónico internacional mediante una recopilación de los trabajos realizados por una veintena de jóvenes figuras europeas que proponen, con sus diseños, nuevas maneras de afrontar la realidad contemporánea. En ese hecho precisamente este libro hace hincapié: en que los arquitectos reseñados en sus páginas han sabido ajustarse a las exigencias de una sociedad galopante y tornadiza que requiere cada vez más resultados completos provenientes de un proceso investigativo extremo.

Esta publicación presenta aproximadamente 200 trabajos realizados por 100 artistas que figuran entre las adquisiciones añadidas a la colección entre el 2000 y 2006. Los artistas son introducidos en este libro a través de monografías sobre sus trabajos, complementados por ensayos que analizan las características nacionales y estilísticas del minimalismo.

Top JJóvenes Arquitectos Europeos es un importante libro de referencia para arquitectos profesionales que estén interesados en conocer de primera mano las predisposiciones de los arquitectos europeos del futuro.

Estamos ante un grupo de profesionales que ha superado el pánico que produjo en la anterior generación de arquitectos reconstructivistas el hecho de vivir en un mundo cada vez más globalizado. | ArtPremium |

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art trivia 1.¿Quién es el arquitecto que construyó este edificio?

2. ¿Quién es el artista que envolvió a las islas de Miami con una tela fucsia?

a. Raúl González Blanco b. Antoni Gaudí c. Santiago Calatrava d. Anna Gavalda

a. Thelonious Monk b. Lulu c. Christo d. John Arne Grafiken

3. ¿A cuál museo tengo que ir para contemplar esta obra de Frederic Leighton?

4. ¿Qué arquitecto español famoso construyó este edificio? a. Iker Casillas b. Antoni Gaudí c. Santiago Calatrava d. Miguel Ángel Muñoz

a. Museo de Arte de Ponce b. Museo de Arte de Puerto Rico c. Museum of Modern Art - NYC d. Tate Gallery - Londres

5. ¿Quién pintó esta obra en el 1942?

6. ¿Cuál es el artista italiano que es famoso por sus retratos de personajes compuestos de frutas y vegetales?

a. Edward Munch b. Edward Hopper c. Luc Thymans d. Marlene Dumas

a. Sandro Botticelli b. Amedeo Modigliani c. Paul Véronèse d. Giuseppe Arcimboldo

7. ¿Cuál es el pintor que nombró a algunos de sus trabajos “number 5, number 8, number 32”?

8. ¿Qué hizo, en particular, el fotógrafo Spencer Tunick para una de sus obras? a- Consiguió que 18,000 personas posaran desnudas b- Tomó una foto de una ejecución c- Capturó una cena de unos caníbales d- Es el autor de “La Tierra vista desde el cielo”

A- Franck Olivier Giesbert B- Marcel Duchamp C- Brent Everett D- Jackson Pollock

¿Quién dijo?

“EL ARTE NO REPRODUCE LO VISIBLE. EL ARTE HACE VISIBLES LAS COSAS”

PAUL KLEE JASPER JOHNS

GUSTAV KLIMT REMBRANDT

“POR MUCHO TIEMPO ME HE LIMITADO A UN SOLO COLOR, COMO UNA FORMA DE DISCIPLINA”

YVES KLEIN PABLO PICASSO

MARLENE DUMAS ANDY WARHOL

“YO NO PINTO LA NATURALEZA, YO SOY LA NATURALEZA”

TOMAS SANCHEZ WIFREDO LAM

JACKSON POLLOCK ARNALDO ROCHE-RABELL

1. El “trompe-l’oeil” - 2. Salon des Réalités Nouvelles - 3. valora la intensidad de la expresión - 4. Egon Schiele - 5. Nouveau Réalisme - 6. Georges Braque - 7. El Arte Cinético - 8. Bill Viola 1. Paul Klee - 2. Pablo Picasso- 3. Jackson Pollock | ArtPremium |

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| 07/08 2007 |

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