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Art Premium Art Premium EDICIÓN MARZO | ABRIL 2007

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JULIE MEHRETU EN EXCLUSIVA

US $4.95

VOL. 4 - NÚM. 18

CARMEN CORREA - ARTE CHINO EN EL MET - BUBU NEGRÓN - MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA - FAVIÁN VERGARA


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2007-1-23 9:46:20 PM


50 En exclusiva

Julie Mehretu, la reconocida artista plástica, ganadora del Premio MacArthur y cuyas obras forman parte de 18 colecciones públicas en 14 ciudades, comparte con nosotros, en exclusiva, una interpretación de sus cosmogonías visuales, su modo de enfrentarse al mundo, y nos revela sus proyectos futuros.

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Evento

Desde Madrid, Violeta Izquierdo escribe sobre la exposición “El Espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso” que se presenta en el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, la cual aborda por primera vez el estudio de este género en el arte del siglo XX.

Retrato

Conozca la exitosa carrera del joven artista puertorriqueño Jesús “Bubu” Negrón, quien está llevando el arte contemporáneo boricua muy lejos de sus fronteras.

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Estudio

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Nos encontramos con Favián Vergara, pintor y fotógrafo mexicano quien se trasladó a Puerto Rico para enriquecer su trabajo creativo y abrir una galería orientada a impulsar nuevos talentos. Portada: Julie Mehretu, Stadia II, 2004, acrílico y tinta sobre canvas, 108” x 144”. Colección The Carnegie Museum


EDICIÓN MARZO | ABRIL 2007 VOL. 4 - NÚM. 18

sumario 6 Noticias de Puerto Rico, Miami, el mundo. 22 Exposición

Para la artista puertorriqueña María de Mater O’Neill, el rompimiento con su obra anterior provocó una reflexión en su acto hacedor de arte. De esa evolución pictórica se trata la exhibición retrospectiva Artista interrumpida: obra selecta de María de Mater O’Neill del post al después, 1983-2006.

32 Exposición Miami

Sugar and Spice and Everything Nice estudia la imagen popular que define la feminidad en el mundo occidental, desde la perspectiva de mujeres fotógrafas.

36 Arte y Leyes

Luego de hacer una revisión a la legislación protectora del arte y el patrimonio cultural a nivel internacional, la Lcda. Frances Santiago explica en detalle sobre las leyes que escudan contra el robo de arte y bienes culturales en Puerto Rico

38 Arte e Historia

En Journeys: Mapping the Earth and Mind in Chinese Art el Metropolitan Museum of Art presenta una sinopsis milenaria del arte de China.

42 Acontecimiento

Esbozamos la emocionante y fuerte incursión de Galerías Prinardi en el mercado del arte contemporáneo internacional desde su nuevo establecimiento en West Palm Beach y a través de los medios digitales.

44 Fotografía Después de 26 años dedicado a fotografiar el pueblo de Huásadas, al norte de México, Werner Segarra da a conocer su experiencia profesional y su testimonio de vida. 60 Galería

Arte clásico puertorriqueño y arte contemporáneo confluyen en un mismo espacio. Apuesta que la especialista en arte Carmen Correa hilvana en … de Museo Galería de Arte y Carmen Correa Contemporáneo.

70 Biblioteca 72 Art Trivia

ArtPremium 1452 Ashford Avenue #306A San Juan, PR 00907 T 787 721-6021 F 787 721-6024 E info@artpremium.com www.artpremium.com

eric bonici

presidente

corinne timsit

publicadora jefa editora

daniela rusowsky debora ferdman carmen díaz maurice jeantot

redacción edición y corrección colaboradora de la redacción coordinador internacional

Colaboradores: Lda. Frances Santiago, Violeta Sánchez, Javier Román, Chemi González Matos, Violeta Izquierdo (Madrid), Ethan Banks (Nueva York), Maria de Mendoza (Londres), Abil Peralta Aguero, Alfredo Rivas, Laura Bravo, Ph.D. matilde santiago gerardo ayala eric bonici creative graphics

mercadeo circulación diseño y pre-producción imprenta

ArtPremium Puerto Rico (ISSN: 1548-1468) es una publicación bimensual de ArtPremium, Inc.. Copyright© 2004 ArtPremium Inc.. Por material compilado de fuentes de las cuales se presume veracidad, ArtPremium Inc. no asume responsabilidad por errores u omisiones. ArtPremium Puerto Rico acepta publicar anuncios de clientes de buena reputación. Aún así, no asume la responsabilidad de garantizar la autenticidad y la calidad de los productos promocionados mediante dichos anuncios. ArtPremium no asume tampoco responsabilidad por material fotográfico y escrito enviado. Todo material enviado sin solicitud por parte de la Revista debe estar acompañado por franqueo para cubrir su devolución. Se reservan todos los derechos, incluyendo la traducción de todo escrito y la fotografía. Se prohíbe reproducir algún material de esta publicación sin permiso expreso del publicador. Enviar toda correspondencia, incluyendo suscripciones, a : 1452 Ashford Ave. Ste. 306-A, San Juan, P.R., 00907.


de la editora ¿ Qué es lo que define el arte contemporáneo? El arte contemporáneo provoca pasión, perplejidad, interés, irreverencia o sospecha, pero sobre todo el choque con nuestras identificaciones y nuestras referencias. ¿Por qué debe obligatoriamente sorprender, asombrar o crear fuertes emociones? ¿Es que la referencia a la realidad es una fatalidad? Lo que sucede es que lo cotidiano supera, construye o destruye nuestras pasiones. Cuando exploramos la creación, no existe una fórmula válida, porque la sensación de poder participar en el nacimiento de una expresión aún inexplorada es la chispa reveladora de conciencia. La creatividad se mueve en un verdadero desorden, dirigida y modificada, por el alboroto interactivo entre el artista y el mundo del arte. Esta enormidad global de expresiones contemporáneas trata de competir con la creación. El reconocimiento de lo excepcional ya no es el vínculo directo de la expresión sino de los que la representan. Todo está permitido bajo el amparo de la “creación contemporánea”. Lo incongruente, lo indecente, lo raro, la evidencia de un objeto cotidiano puesto en escena, lo teatral, etc. Hacer lo que otros no se atreverían, concede la etiqueta de expresión libre, liberada de referencias, materiales, esteticismo, verdadero concepto, idealismo; así va la expresión contemporánea.

de expresiones sin verdaderamente servir de guía. Lo que el arte contemporáneo creó es un sello de reconocimiento y de éxito: artistas emergentes… La innovación puede ser un impulso efímero, mientras que la creación es el principio de un universo en formación. Mi encuentro con un universo de creación, percepción, visión, estética y sinceridad tuvo lugar durante nuestra entrevista para esta edición de ArtPremium con una excepcional artista joven, ampliamente reconocida por los más grandes museos del mundo, me refiero a Julie Mehretu. Su obra exalta dentro de una libertad de pensamiento, un lenguaje cósmico donde todo se organiza en el caos. La forma geométrica, la danza de los colores, el sonido de la composición restituye con emoción y actualización contemporánea la inspiración de Kandinsky. El intercambio natural y sensible del discurso de Julie Mehretu durante nuestra entrevista, nos demostró la autenticidad y la pasión de una obra y de una artista modulada dentro de la vorágine de la creación contemporánea. Hoy en día, la impaciencia de los artistas emergentes y de sus representantes es lo que frena el desarrollo de la pasión creativa. ¿O es que la pasión, uno de los elementos clave de la expresión contemporánea, no es suficiente para iniciar un proceso de creación que define al individuo creativo y revelador en un universo en formación?

Todo es posible y todo está permitido pero, ¿es que lo posible puede dar vida a una obra única y creativa? ¿Es que innovar significa unirse con la creación? El mundo del arte actual expone una multitud

Corinne Timsit

Como opinaba Hegel en 1937 en La razón en la Historia: “Nada grandioso se realizó en el mundo sin pasión”.

ctimsit@artpremium.com

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A pintar en vivo por el corazón de la mujer

La narrativa visual tuvo su espacio de expresión con Optika

Dentro del marco de la campaña “De Rojo por la mujer” de la Asociación Americana del Corazón y de la primera Noche de Galería del año, en la Plaza San José del Viejo San Juan, los artistas plásticos Quetzalcoatl, Javier David Ramos, Edwin Maurás, Ángel Rivera y Carlos Dávila, plasmaron en vivo, frente al público, sus obras sobre unas esculturas en forma de un vestido, símbolo de la mencionada iniciativa. Como parte de las actividades para concientizar sobre las enfermedades del corazón, la Asociación Americana del Corazón emprendió la búsqueda de artistas del país para que participaran en “De Rojo por la mujer” de una manera creativa y memorable. Ante tal convocatoria, los artistas accedieron inmediatamente a donar su talento y trabajar las esculturas que ellos utilizaron como lienzos en los cuales dieron sus propias interpretaciones de la mujer y el corazón, sin dejar de lado el mensaje de prevención de la campaña. La convocatoria de este año a los artistas, como parte de esta actividad será repetida por la Asociación anualmente. Los trajes -que están revestidos de una cobertura de cemento y miden 10 pies de alto con unos 4 pies de ancho- llevan una placa con el nombre del artista y una breve descripción de lo que realizó en la escultura. Estas obras serán ubicadas debajo de unas carpas en la Plaza y permanecerán allí hasta mayo para el disfrute del público. Posteriormente se buscará un centro comercial o un centro de alto tráfico, donde trasladar los trajes para que el público pueda verlos y recordar la causa.

La riqueza de la cultura visual y sus diversas corrientes de expresión fueron minuciosa y artísticamente exploradas en el simposio-exposición Optika 2 celebrado en febrero de 2007 en el Recinto Universitario de Mayagüez (RUM) de la Universidad de Puerto Rico. Optika 2 fue un evento cultural compuesto por un simposio académico, y la exposición de géneros como cine, vídeo, pintura, escultura, graffiti, performance, teatro, arte digital, el cual reunió a 33 ponentes académicos y 25 artistas procedentes de Puerto Rico, Estados Unidos, Canadá, Israel, Reino Unido,

España, Argentina, Chile y México, quienes ahondaron en la teoría y práctica de la narración visual. Entre las personalidades que expusieron sus trabajos estuvieron Teresa Hernández, escenógrafa puertorriqueña, quien brindó el performance: “Nada que ver: composiciones escénicas sobre el Yo”; Carlos Trilnik, artista multimedia, uno de los pioneros en la creación de vídeo en Argentina y la doctora Bracha Ettinger, artista israelí y escritora académica, prominente teórica postlacaniana de la sexualidad femenina. Para la exposición -que abarcó vídeo, fotografía, pintura, escultura e instalaciónpresentaron sus obras artistas del panorama puertorriqueño como Nora Rodríguez, Rafael Trelles, Elías Adasme, Teresa López, Amanda Carmona y Jeannette Betancourt, así como creadores plásticos de México, Estados Unidos y España. | ArtPremium |

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Optika 2 estuvo dirigido a un público diverso, desde académicos, estudiantes universitarios, artistas plásticos, actores, cineastas y cinéfilos hasta todo aquel interesado en la cultura visual. Este evento se llevó a cabo en distintos espacios del RUM: en el Anfiteatro Figueroa Chapel, en la Galería de Arte, en el vestíbulo del edificio Chardón, en la Sala de Arte del Centro de Estudiantes y en el Anexo a la Cafetería.

BBVA apoya al arte infantil en La Perla Bajo una gestión que apoya las actividades artísticas y culturales de Puerto Rico, -y que actualmente está en miras de continuar- el Banco Bilbao Vizcaya (BBVA) mantuvo durante un mes, en su sucursal del Viejo San Juan, una exposición de dibujos preparados por los niños del Taller de Arte Comunitario de La Perla. El grupo de estudiantes de arte se dio cita en la mencionada sucursal junto a su maestro, el artista Joabel Ortiz, para disfrutar de la inolvidable experiencia de formar parte de la exposición titulada Adelante es futuro. “El propósito de este taller es fomentar las artes plásticas como alternativa del desarrollo social, emocional y personal, y que al mismo tiempo sea un apoyo para el avance de los niños en nuestra sociedad”, señaló Ortiz. Los 30 dibujos que nutrieron la colección, preparados por niños de 6 a 14 años de edad, imparten mensajes de esperanza, fe y alegría, a la vez que demuestran las técnicas aprendidas en el taller de arte, auspiciado por el BBVA. Esta iniciativa se organizará anualmente.


No son molinos… son gigantes… en Carolina De la misma manera que Don Quijote de La Mancha veía gigantes en molinos de viento, usted podrá experimentar una sensación similar al divisar el mosaico titulado “No somos molinos, somos gigantes” el más reciente trabajo en proceso, de la compañía CERO Design de los artistas Celso González y Roberto Biaggi. Este trabajo de arte público se encuentra ubicado en la Ave. Baldorioty de Castro intersección con la Ave. Monserrate del municipio de Carolina, y consta de alrededor de 72,800 pedazos de loza rota que cubren una superficie aproximada de 2080 pies cuadrados. La obra presenta vistas coloridas unidas por abstracciones, utilizando como protagonistas a algunos de los personajes de la mundialmente conocida novela El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, del escritor español Miguel de Cervantes Saavedra.

El mosaico número 25 presenta una recreación de Don Quijote, Sancho Panza, animales y los molinos junto a otras 16 personalidades sobresalientes del pueblo de Carolina entre las que se encuentran Roberto Clemente, Julia de Burgos, Cecilia Orta, Roberto Alberti, Jesús T. Piñero, Dr. Carlos Hernández, Felipe Birriel, Fortunato Vizcarrondo, Jesús María Sanromá, Félix Castro, Benicio Sánchez Castaño, Alfredo Escalera, Wilfredo Benítez, Federico Cordero Vela y Juana Méndez.

El diseño de la obra pretende embellecer y proteger a lavez la pared y sus entornos de todo tipo de graffiti, pasquines y letreros publicitarios no autorizados. La obra, mayormente en azulejos con esmalte, brinda un juego de luces durante el día mientras que por la noche las luces artificiales y las de los carros proveen un efecto similar de reflejos en movimiento a través de toda la pared del mosaico. “No somos molinos, somos gigantes” mide aproximadamente 330 pies de largo por 6 de alto convirtiéndose en el más extenso de dicho municipio.

La uruguaya Paula Galíndez en Galería Espacio 304

Momentos y lugares desde el prisma de una mujer y una expresión altamente biográfica empapada de un tono íntimo componen las pinturas de la primera exposición individual de la artista uruguaya Paula Galíndez a efectuarse hasta el 10 de marzo de 2007 en la galería Espacio 304 localizada en la calle Eleanor Roosevelt #304 en Hato Rey. La exposición titulada Windows constará de pinturas de formatos grandes y pequeños las cuales conducen a los espectadores a apreciar el dominio técnico de Galíndez. Aunque proveniente de Uruguay, la pintora no es ajena a Puerto

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Rico debido a sus previas participaciones en exhibiciones colectivas que la han dado a conocer entre el público amante del arte de la Isla. De hecho, esa comunicación entre obra y espectador ha viabilizado que más de 20 obras de Galíndez hayan sido vendidas en la Isla. La dinámica de la más reciente muestra de Galíndez crea un paralelo entre el sistema operativo Windows que abre ventanas hacia lugares y momentos del mundo entero, y sus obras, que son un vínculo entre lo “interior” y lo “exterior” también abren ventanas a lugares íntimos, recuerdos y memorias personales ahora compartidas, o bien hacia la propia identidad o a su búsqueda. La artista, quien también ha trabajado la escultura, comenzó a exhibir en el 1988 y desde entonces ha combinado sus labores como maestra de escuela elemental con su trabajo artístico. Desde sus trabajos iniciales al principio de la década de los 90 -como parte del colectivo artístico “Hurgadores” de intervenciones urbanas, con quienes participó en el Primer Encuentro de Artistas del MERCOSUR en Santo Angelo, Brasil- Galíndez ha estado en la gesta de su producción artística.


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The Storehouse Group: Proyecto de autogestión puertorriqueño que dejó huellas en Art LA

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ste año, Art LA albergó a diversos expositores entre los que estaban el innovador proyecto puertorriqueño The Storehouse Group, cuya fórmula consiste en un programa internacional enfocado en un trabajo experimental y dinámico producido por artistas emergentes. El propósito de este grupo es convertirse en una plataforma de exhibición para artistas que persiguen trascender las percepciones tradicionales del panorama artístico local e internacional. No es de extrañar entonces que los artistas de The Storehouse Group –los puertorriqueños Gamaliel Rodríguez Ayala, Rogelio Báez Vega, Efrén Candelaria y la noruega Maria Jahr-, tengan como común denominador una amplia gama de acercamientos al acto hacedor del arte. Lo cotidiano y lo banal comulgan en las tres pinturas de la serie “Issues” presentadas por Gamaliel Rodríguez. Su propuesta se basa en el proceso de pintar íconos del presente para que sean “preservados” en la tela. Su trabajo se basa en los planteamientos propuestos por el semiólogo francés Roland Barthes y su teoría, en confluencia con ideas del neo-conceptualismo, el neodadaísmo y el post-minimalismo sobre la re-contextualización de objetos de preproducción rápida e imágenes del diario vivir.

En el evento también fue exhibida la fotografía “Surveillance” de Gamaliel y Juan Carlos Rodríguez – la cual pertenece a la serie “Flat Security Devices” y que formó parte de su propuesta para Photo Miami 2006- escogida por Art LA como la imagen oficial de la feria. Cuatro fotografías de Rogelio Báez, que fueron expuestas en Photo Miami 2006 en formato de pancarta publicitaria, se imprimieron en papel fotográfico en ediciones limitadas y junto a varios polípticos fotográficos constituyeron su presentación para Art LA. “Miss-ed” es el título de una serie de ensayos fotográficos que giran en torno a ‘situaciones frívolas y ordinarias’ de los concursos de belleza. El proceso creativo de esta propuesta tomó además un giro hacia “high and low photography”, “amateurist photography”, y temas como la publicidad de modas y los cánones estéticos que dicta la sociedad. Por otro lado, Maria Jahr en sus dibujos exploró ideas tales como la protección, la demarcación, la simbiosis, el parasitismo y la transformación. Al utilizar como referencia el clima de la biotecnología, su obra propone investigar cómo las formas naturales interactúan y se relacionan entre sí, cuestionando de esta manera la relación interdependiente o parasitaria del mundo botánico con el cuerpo como máquina. Efrén Candelaria, por otra parte, en sus pinturas y dibujos “de líneas” invita a | ArtPremium |

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estudiar la reducción en el proceso creativo, concepto principal que abarca y estimula a la vez su producción más reciente. El contexto del trabajo se ve “reducido” a una experiencia sensorial, tangible y sobre todo concreta, donde la línea se convierte en la protagonista del desarrollo de la obra. Guillermo Rodríguez, director del proyecto The Storehouse Group y de la galería La Casa del Arte, explica que Art LA abrió el camino para otras experiencias de trascendencia para el grupo. “Este es un grupo joven, formado por los propios artistas en un proyecto de autogestión. Allá en Art LA surgieron oportunidades para participar en la feria Scope New York, show paralelo a The Armory Show”, comenta Rodríguez mientras dice que el grupo llegó a la feria gracias a la invitación de Tim Fleming, director de photo Miami y Art LA. El director revela que The Storehouse Group espera regresar a la próxima edición de Art LA y que se avecinan exposiciones individuales de los jóvenes así como proyectos paralelos a CIRCA 2007. Actualmente el grupo se encuentra decidiendo si participará en Scope Miami, photo Miami y de New Art Dealers Alliance (NADA). Tras la experiencia de Art LA mucho está por venir para este talentoso grupo.


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Galería David Castillo presenta In Heaven Everything Is Fine y Kilowattzz

Festival Subtropics y Merge In Miami se unen para presentar oferta de arte, música y baile El 19th Annual Subtropics Experimental Music and Sound Arts Festival producido por el interdisciplinario Sound Arts Workshop (iSAW), presentará una serie de espectáculos musicales y eventos conjuntamente con el evento cultural Merge In Miami. Será una celebración de arte, música y baile a lo largo de la ciudad que se llevará a cabo, entre otros lugares, en el Carnival Center for the Performing Arts. Como parte de la oferta del festival se oirá la música del compositor e instrumentista estadounidense John Cage, quien fuera el director musical del Merce Cunningham Dance Company (MCDC), al igual que conciertos con Takehisa Kosugi, Christian Wolff, John King y David Behrman, compositores y músicos de esa compañía. Asimismo, a la lista de colaboradores para el concierto de Cage se une la compositora y vocalista Joan La Barbara quien interpretará, tal como lo hiciera en su famoso disco compacto «Singing Through Cage». Recordando la acogida de Cage al Fluxus, (el movimiento artístico que pavimentó el camino del arte conceptual e interdisciplinario) este año Subtropics invitó además a Alison Knowles y a Larry Miller para conducir el Fluxus Day a través de toda la ciudad como parte del ofrecimiento artístico del mencionado festival. El 19th Annual Subtropics Experimental Music and Sound Arts Festival continuará con su tradición de presentar a compositores, músicos y artistas del sur de Florida, así como a otros artistas invitados de alrededor del mundo.

Estudiantes de la Universidad de Florida exponen sus obras La Universidad de Florida presenta la exhibición anual de estudiantes, auspiciada por el consejo del Fine Arts College en la galería de la Universidad. Para los estudiantes que participan de ésta, la actividad representa una oportunidad cargada de emoción por llevar su trabajo a una exposición con jurado, mientras sus trabajos son expuestos en el marco de una galería. La exposición -que tiene como jurado a George Kinghorn, director ejecutivo del Museum of Contemporary Art Jacksonville- incluye pintura, escultura, fotografía y dibujo, al igual que vídeo instalaciones. Dicha exhibición cuenta con la diversidad artística de los estudiantes: Jo Anne Adams, Michael Bühler-Rose, Natalie Cisneros, Thaddeus Erdahl, Susan Feagin, Adam Frezza, Amy Gagnon, Magda Gluszek, Zarabeth Goldon, Yumiko Goto, C. Joseph Graves, Patrick Grigsby, Whitney Hackett, Victoria Hartman, Josh Hobson, Katherine Huerbsch, Anna Kell, Eva Olysha Magruder, Kristin Moore, Sonya McAlister, Zachary Ordonez, Jessica Orlowski, Jordon Padnuck, Kara Petraglia, Ladis Pietros, Sarah Ritz, Bailey Robb, Laura Sala, Ashley Schick, Steph Stuefer, Mary K. Tillman y Daniel Ypsilanti.

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Mientras uno presenta fotografías documentales que cuentan su historia, el otro realiza collages que giran en torno al espacio y las energías que circulan alrededor de éste. Se trata de las primeras exhibiciones individuales de los artistas Hugo Montoya y Ernesto Burgos las cuales se llevan a cabo simultáneamente en la Galería David Castillo. Por un lado, está la exhibición fotográfica In Heaven Everything Is Fine de Hugo Montoya, quien se graduó en el 2003 con un Bachillerato en Arte de la Universidad Internacional de Florida y quien ha participado en varias exposiciones colectivas en Miami. Cabe mencionar que el trabajo fotográfico de este artista puede ser en ocasiones completamente planificado, mientras que en otras es construido al azar teniendo a la música y a la luz como elementos centrales de su trabajo. De otra parte, en el salón de proyectos de dicha galería, Ernesto Burgos -quien se graduó en el 2004 con un Bachillerato

en Arte del California College of Arts y actualemente cursa Maestría en Arte en New York University- presenta su primera exposición individual Kilowattzz, aunque ya ha expuesto anteriormente en Miami y San Francisco. Para Burgos, Kilowattzz es un trabajo ligado a la arquitectura y a otras formas del espacio físico. El artista materializa estas ideas en collages donde maneja el espacio y la energía que lo rodea. Por tal razón, la discusión de estos trabajos supuso para el artista una confrontación con las interpretaciones imaginarias de lo físico, similar a los fallos y rompimientos del espacio urbano, el sistema eléctrico e incluso los elementos socio-políticos.


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Nueva exposición en el Museo Judío de Florida en el marco del Mes de la Historia Judía en Florida

Back Street Boys en la Galería Dot Fifyone

de una competencia entre estudiantes de todos los niveles de Miami Beach, que sometieron trabajos escritos y proyectos de arte inspirados en la relevancia histórica de la sinagoga. La idea que dio forma a la observación del Mes de la Historia Judía en Florida se gestó en el Museo Judío de Florida. Dicho centro cultural -el cual está acreditado por la Asociación Americana de Museoscolecciona, preserva e interpreta la experiencia judía en Florida desde el 1763.

Recaudación de fondos para becas a artistas del Miami El Museo Judío de Florida localizado en Miami Beach abrió la exhibición Bonim: Museum Member Month

Jewish Developers Building Florida and Building Community, que mantendrá abierta hasta el 11 de marzo, al mismo tiempo que celebra el cuarto año de observación del Mes de la Historia Judía en Florida. El tema de este año es la preservación histórica de la primera sinagoga en Miami Beach, la Congregación Beth Jacob que

celebra 80 años. Entre sus actividades habrá una exposición sobre la trayectoria de la congregación que tuviera un papel de gran importancia dentro de la historia judía de Miami Beach. El vínculo de esta congregación con el museo es innegable, pues a partir de 1929, la congregación ocupó la estructura de la Avenida Washington 311 y en 1936 se trasladó al edificio adyacente, diseñado por Henry Hohauser, en la Avenida Washington 301, estructura que actualmente alberga al museo. Para la apertura del evento, el museo invitó al senador de Florida, Gwen Margolis, quien habló sobre la legislación promulgada para la creación del Mes de la Historia Judía en Florida. Los ponentes en la celebración fueron Ted y Jonathan Nelson, vastamente versados en la historia de la Congregación y cuyas familias han estado involucradas con Beth Jacob desde el 1933. Como parte de la celebración, el museo premió monetariamente a los ganadores

Cada jueves por la noche, durante el mes de febrero, el hotel The Raleigh y la organización sin fines de lucro LegalArt unieron fuerzas en el marco del M4: Miami Museum Members Month para recaudar fondos que serán destinados a la creación de nuevas becas para artistas visuales de dicho estado. Por tal motivo, el diez por ciento de las ganancias recaudadas en el bar en el transcurso de la actividad denominada “Native Sedes II: LegalArt’s 2nd Annual Emerging Artist Grant” beneficiarán al mencionado programa de becas. Esta gestión forma parte de una iniciativa colaborativa sin precedentes del denominado M4: Miami Museum Members Month. La misma incluye 16 de las instituciones culturales más reconocidas de Miami, las cuales están comprometidas a fomentar un sentido comunitario permanente en el sur de Florida. Al pagar la cuota de socio a cualquiera de los museos participantes, se obtiene automáticamente un pase a los otros. De otra parte, LegalArt es la única organización de su tipo en Miami que provee una cantidad sustancial de servicios legales, culturales y profesionales a la comunidad artística. Su misión radica en proveerle a los artistas servicios legales económicos, así como una variedad de eventos y oportunidades educativas para fomentar una generación preparada para proteger sus creaciones bajo el marco de la ley. | ArtPremium |

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La galería Dot Fiftyone presenta la primera exposición individual de la artista italiana Natalie Silva denominada Back Street Boys, su más reciente producción con más de diez pinturas de gran formato, aparte de otros trabajos de esta serie que simultáneamente estarán expuestos en el On/Off del Royal Academy of Arts en Londres. Massimo Torregiani (editor de Rodeo Magazine y de Boiler Magazine) señaló sobre la obra de Silva: “Natalie Silva se considera a sí misma una pintora, no una artista… El material gráfico de los Back Street Boys es una serie de habitantes captados en la tela, casual (y patéticamente) en cualquier día en nuestros centros financieros y distritos comerciales alrededor del globo. Son hombres y mujeres, cuya energía traza líneas y reverbera colores, una cosmología de ciudades y humanidad… Son estructuras donde la simplificación del blanco y el negro es excedida, y los conceptos se entrecruzan de un brochazo. La muestra Back Street Boys de Natalie Silva permanecerá abierta al público hasta el 31 de marzo.


Paisaje romántico, 2006, óleo sobre lona. 72”x84”

NATHAN BUDOFF nbudoff@yahoo.com (787) 525-5415

CAROL JAZZAR PRESENTS

KUHL & LEYTON new works on tape

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Yale renueva galería con África como foco de atención

La renovación del edificio Louis Kahn de la Galería de Arte de la Universidad de Yale no es la única razón para visitar este centro cultural. Una nueva galería permanente consagrada a las artes del hechizante continente de África despunta tanto en tamaño como en calidad, llevándola así al tope de las galerías y museos universitarios de su tipo. Esta galería alberga una colección de cerca de 600 objetos africanos dados al museo por Charles B. Benenson (19132004), un promotor de bienes inmuebles y ex alumno de la Universidad. Aparte de dejarle a Yale uno de los regalos de arte más grandes en su historia, Benenson dotó una posición de curadoría en arte africano en el museo. Frederick John Lamp, antiguamente del Museo de Arte de Baltimore, tiene este puesto y fue quien diseñó la instalación inaugural. El edificio, que abrió sus puertas en el 1953, ostenta frescura y serenidad debido a las numerosas muestras de expresión africana entre las que se encuentran la blanca figura femenina que está en un santuario Yoruba a la entrada de la galería, una gran máscara de baile Baga que representa el ideal de la maternidad, figuras pequeñas alojadas en una plataforma con forma de diamante, muchas provenientes de Nigeria y Camerún, así como la feroz y elegante vestimenta para la cabeza de un espíritu de agua de Sierra Leona. La Galería de Arte de la Universidad de Yale está en la Calle Chapel 1111 de New Haven, Connecticut.

Bloomberg aumenta financiamiento para arte en Nueva York El alcalde de Nueva York, Michael R. Bloomberg y la Asamblea Municipal anunciaron, en conferencia de prensa, que habrá más presupuesto disponible para grupos de arte, el cual se otorgará a base de méritos y cuyo proceso de revisión será agudizado. Comenzando en el año fiscal de 2008, los grupos de arte de localidades que no pertenecen a la ciudad competirán entre marzo y junio de este año por $30 millones para financiamiento del Departamento de Asuntos Culturales. Para Bloomberg esta gestión -que beneficiará unos 1,000 grupos culturales- busca un proceso más justo para la obtención de fondos. Para eso, las solicitudes de dichas organizaciones serán evaluadas siguiendo una gama de criterios, desde sus programas de educación hasta la estabilidad financiera y directiva de éstas. Además, para las 34 organizaciones de arte con sede en edificios pertenecientes a la ciudad, conocidas éstas como el Grupo de Instituciones Culturales, les serán asignados $115.3 millones en el próximo año fiscal y $4.4 millones adicionales para “nuevas necesidades”. Cabe mencionar que ese grupo incluye a instituciones de renombre mundial tales como el Museo de Arte Metropolitano y el Carnegie Hall. Miembros del Grupo de Instituciones Culturales van a ser examinados bajo un nuevo programa llamado CultureStat, diseñado a semejanza del proceso de monitoría de desempeño del Departamento de la Policía. Bloomberg, conocido por su apoyo entusiasta para las artes, informó que la cultura produce más de $5 billones anuales en beneficios económicos para Nueva York.

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Al encuentro del Monet dibujante La faceta del Claude Monet dibujante, que el maestro del Impresionismo no quiso que se conociera, será el foco de la exposición “The Unknown Monet: Pastels and Drawings”, la cual estará en la Royal Academy of Arts de Londres desde el 17 de marzo hasta el 10 de junio, y en el Clark Art Institute en Williamstown, Massachussets desde el 24 de junio al 16 de septiembre. Cada vez que un periodista o coleccionista le preguntaba cómo trabajaba, Monet hablaba sobre la experiencia liberadora de pintar en exteriores, renunciando así a cualquier mención a los dibujos que produjo a lo largo de su vida. Fue la búsqueda de por qué el pintor no deseaba que se supiera que él dibujaba lo que llevó, hace tres años, a Richard Kendall y a James A. Granz (ambos curadores del Clark) a comenzar una verdadera aventura. El resultado es esta exhibición de sobre 100 trabajos, que contiene dibujos, borradores y pinturas relacionadas. Los curadores dicen que esta exposición señalará que Monet no era el antidibujante que él le hizo creer al público y que éste dependía del dibujo tanto para sus pinturas como para una forma independiente de expresión. Por eso, el dibujo acompañó a Monet durante las siete décadas de su carrera en las cuales dibujó de diferentes maneras utilizando diversos materiales, incluso en sus últimos años cuando realizó estudios para sus mundialmente reconocidas pinturas de nenúfares.


Crece el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego

El ampliado Museum of Contemporary Art San Diego (MCASD) cuenta con una transformación arquitectónica del histórico edificio del Santa Fe Depot a una estructura de tres pisos que pondrá de relieve comisiones históricas permanentes de artistas tales como Jenny Holzer y Richard Serra, así como aperturas de Eija-Liisa Ahtila, Roman de Salvo, Ernesto Neto y Richard Wright. La expansión del MCASD, en el centro de San Diego, proveerá a la ciudad y a la región un dinámico local cultural, con exhibiciones de arte contemporáneo junto a programas educativos para adultos y niños. En combinación con las galerías existentes al extremo de la calle, las ampliaciones del MCSAD tendrán más de 16,000 pies cuadrados de espacio para exhibiciones, un salón de conferencias y una sala educativa para actividades artísticas interactivas. El proyecto diseñado por Richard Gluckman presenta una pensada renovación al edificio Santa Fe Depot de 1915 (actualmente conocido como el Joan & Irwin Jacobs Building) y a la estructura contemporánea de tres pisos (el David C. Copley Building). Estos edificios junto a la localidad original del museo cerca de La Jolla, el MCASD dará una variedad sin precedentes de espacios de exhibición y experiencias para la comunidad. Fundado en 1941, el MCASD es la institución preeminente de artes visuales contemporáneas en el condado de San Diego, con dos localidades, una en La Jolla y otra en el centro de San Diego, con una colección de más de 4,000 trabajos de arte creado desde el 1950.

Análisis arroja dudas sobre pinturas atribuidas a Jackson Pollock Luego de un análisis científico a cargo de los museos de arte de la Universidad de Harvard a tres pinturas descubiertas en el 2003 y que fueron consideradas posibles trabajos del artista estadounidense Jackson Pollock, se ha encontrado que algunos de los pigmentos utilizados en éstas no fueron patentados ni estaban comercialmente disponibles hasta mucho después que el pintor muriera en el 1956. El análisis del maquillaje químico de las pinturas –realizado con el consentimiento de Alex Matter, quien encontró las piezas entre las posesiones de su padre, Herbert, amigo cercano de Pollock- no pone punto final al debate en torno a la atribución de éstas a Pollock. Sin embargo, los hallazgos arrojan dudas sobre esa posibilidad y sugieren que en última instancia, las pinturas pudieron haber sido alteradas posterior a la muerte del artista. En el caso de una de las tres piezas, el examen halló un pigmento dentro de la pintura anaranjada que no estuvo disponible hasta el 1971. Ese y otro de los tres trabajos también contiene sustancias dentro de la pintura que “probablemente” no estuvieron disponibles hasta 1962 o 1963, dijo el informe. Asimismo se encontró que la tercera pieza contiene una pintura marrón que fue desarrollada a principio de los 80 y que no entró al mercado hasta el 1986. Para examinar estas pinturas, Harvard confió en alguna de la más reciente tecnología utilizada para trabajos de arte en conflicto, incluyendo un microscopio de electrones. No obstante, previo a completarse el análisis y aún al presente, las pinturas han sido el tema de un intenso debate académico y científico que implica a Ellen Landau, una de las académicas más respetadas del trabajo del artista y a figuras de la Fundación Pollock-Krasner, entre otras personalidades.

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Un Rembrandt vendido por $25.8 millones Un raro trabajo del pintor holandés Rembrandt sobre el apóstol Santiago fue vendido en $25.8 millones por la casa subastadora Sotheby’s. La pintura “Saint James the Greater” realizada por el artista en el 1661, que tenía un precio estimado de pre-venta de $18 a $25 millones, fue comprada por un postor anónimo, vía telefónica. El trabajo ofrecido, como parte de una venta de viejos maestros, pertenece a un grupo de retratos individuales sobre figuras religiosas, de mediano tamaño, pintados entre el 1650 tardío y principios de 1660. El retrato, sutilmente iluminado, representa al santo patrón de los peregrinos con sus manos unidas en oración, su rostro triste y desgastado y un bastón de madera que descansa en una pared a su lado. “Saint James the Greater” fue expuesto recientemente en la Galería Nacional de Arte en Washigton, D.C., en el Museo J. Paul Getty en Los Ángeles y en el

Museo Staatliche en Berlín. El cuadro de 36x20 pulgadas había pertenecido a la colección de Stephen Carlton Clark, nieto del fundador de la Singer Sewing Machine Company y hermano del fundador del Clark Art Institute en Williamstown, Massachussetts. Recientemente, la pintura fue donada a una fundación que la consignó para la venta.


Bajo el sugestivo título de “El espejo y la máscara: el retrato en la época de Picasso” se presenta en Madrid una exposición antológica dedicada por completo a este género durante el siglo pasado. La muestra podrá verse en el Museo ThyssenBornemisza y la Fundación Caja Madrid hasta el 20 de mayo de 2007, para luego viajar al Kimbell Art Museum de Forth Worth en Texas donde permanecerá desde el 17 de junio hasta el 16 de septiembre de 2007.

EL RETRATO EN EL ARTE DEL SIGLO XX Primera exposición dedicada al retrato contemporáneo de Picasso a Warhol

P O R : V I O L E TA I Z Q U I E R D O ( M A D R I D ) Tan ambicioso proyecto ha sido posible gracias a la participación estereotipos pero también desvelar la fragilidad y vulnerabilidad del de colecciones particulares, museos y fundaciones de todo el mundo personaje representado. Con la modernidad, el género rompe por que han prestado los cuadros -y también algunas esculturas- en primera vez con el compromiso entre el modelo y su imagen para total unos 150 retratos de hasta 60 artistas diferentes, entre los que ofrecer nuevas formas alternativas en función de la mirada personal del artista, de la aplicación y experimentación de los nuevos se encuentran todos los grandes nombres del arte moderno. Tomando como eje referencial la emblemática figura y la época lenguajes plásticos, y de la transformación del individuo moderno, del universal artista Pablo Picasso, la muestra tiene como objetivo de los cambios en la forma de entender, mirar y representar al ser estudiar y dar a conocer las profundas transformaciones que ha humano. sufrido un género que había permanecido casi inalterable durante A lo largo del siglo XX se produce una crisis de identidad del siglos. hombre moderno, así como de la confianza del arte en la verdad Considerado uno de los géneros “clásicos” por excelencia, el de sus imágenes. Freud descubre a la sociedad de su época que retrato ocupa sin embargo un lugar muy destacado en la obra de la personalidad de un hombre se estratifica como si de una mina se tratase. Tiene túneles muchos de los artistas más angostos y pasos bloqueados. importantes e influyentes Con la modernidad, el genero rompe por primera vez tanto de las primeras La noción de “subconsciente” con el compromiso entre el modelo y su imagen para vanguardias como de los obliga a los pintores a dudar de la realidad visible. La diferentes movimientos de la ofrecer nuevas formas alternativas en función de la mirada personal del artista. obra de Kandisky, Munch modernidad. La insistencia y, especialmente, Dalí se en que el arte debe ser algo distinto de la naturaleza, incluso antagónico a la idea de parecido alimenta de los conceptos freudianos. que siempre fue la razón de ser del retrato, puede llevar a pensar La exposición se organiza en once espacios que agrupan a los que el género tendría poco interés para el arte esencialmente no autores y sus obras por orden cronológico y temático, divididos mimético de la modernidad; sin embargo, no fue así, y basta echar entre el Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid. En la primera un vistazo a la lista de nombres de artistas que han trabajado este sala del museo (El artista frente al espejo) sitúa al visitante ante los género en el siglo XX -todos ellos presentes en esta exposición- para experimentos de finales del Siglo XIX. Gauguin, Cézanne y Van darse cuenta de ello y para valorar el interés y la trascendencia de Gogh prueban retratarse a sí mismos, rompiendo moldes, probando este pionero proyecto expositivo. nuevas líneas en la soledad de su estudio, frente al espejo o utilizando En el retrato contemporáneo, es el signo personal del artista el la fotografía. Así, observamos unas líneas verdes en las cuencas que establece los nuevos códigos y, en consecuencia, el género se perturbadas de Van Gogh, reparamos en los espacios blancos en hace polivalente: puede acercarse a modelos tradicionales u oponerse Autorretrato, Andy Warhol,1986, pintura a base de polímero sintéticoy tinta a ellos, puede penetrar identidades o falsificarlas, puede crear serigrafiada sobre lienzo. Cortesía de Van de Weghe Fine Art, Nueva York | ArtPremium |

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cuadros de Cézanne, auténticos problemas pictóricos a los que el artista se enfrentaba con fruición y avanzamos hasta el Picasso Cubista donde las decompuestas formas de los rasgos faciales se transforman y mutan hacia geometrías cada vez más herméticas. esferas y cubos, todo parece anticipar un retrato sin retratado, Los muros del museo comparten espacio en la segunda sala (gesto y una abstracción en el rostro humano. Es un ejemplo más de expresión) con otros compañeros vanguardistas, de actitudes expresivas cómo los nuevos lenguajes artísticos de las vanguardias se van para los que la representación de la psicología del retratado se enfatiza imponiendo al compromiso figurativo del retrato, y relegan a un en el gesto, la postura o la actitud. Es el triunfo de los sentimientos y segundo plano la identidad de los retratados, situándose a un paso la emoción que encarnan Munch y Beckmann o artistas de la Viena de la abstracción. de principios de siglo: Klimt, Kokoshka o Schiele. Tras la Ira Guerra Mundial (imposible retorno a lo real) muchos El tercer espacio dedicado a la poética del color (colores modernos) artistas que habían participado en los grupos de vanguardia se sigue la estela de Van Gogh, los jóvenes expresionistas como proponen una vuelta a la figuración que significó, no sólo la Kirchner y Jawlensky, gritan con sus pinceles, o los pintores fauves, recuperación de la imagen del retratado, sino también de ciertas como Matisse o Vlaminck, otorgan un nuevo valor a la fuerza del convenciones del género que habían sido eliminadas. Así lo muestran color como medio para dotar al retrato de un aura simbólica, que los numerosos retratos realizados en el periodo de entreguerras, elevaba al individuo a la categoría de “tipo” un “ideal”. En la raya de nuevo muy particularmente, por Picasso, pero este retorno verde de Madame Matisse, el rostro se configura en torno a una a un cierto clasicismo en el género lo vemos también en la obra línea que sustituye la nariz de la retratada. de Matisse, Dalí, Lipchitz o Severini. En esos mismos años, otro El espectador podrá observar en el siguiente espacio (máscaras grupo de artistas -Grosz, Beckmann, Dix, Schad, Balthus o Freudde lo primitivo) los retratos de Madame Cézanne, en los que el ser trabajan el género recuperando la figuración y también el concepto humano era despojado de la mirada, del habla y de toda elocuencia de retrato de encargo, pero lo hacen con un nuevo enfoque: mostrar expresiva para convertirse en un una imagen de la sociedad Los nuevos lenguajes artísticos de las auténtico monumento de piedra, junto moderna a través de poses a la influencia del arte primitivo, que vanguardias se van imponiendo al compromiso acordes con la inestabilidad sirvieron igualmente de modelo a Matisse figurativo del retrato, y relegan a un segundo de los tiempos. y Derain, pero también a pintores como plano la identidad de los retratados, situándose Para cerrar el séptimo Modigliani, Rousseau o Picasso, quien a un paso de la abstracción. apartado de la muestra realmente acabó sustituyendo los rasgos dentro del Museo Thyssen individuales de la cara por una máscara (sueño y pesadilla) los retratos simbólicos de Miró, Dalí, De Chirico de claro corte indigenista, de facciones abstractas, abriendo así o Frida Kahlo, son auténticas metáforas de los personajes; en ellos, definitivamente el camino hacia la consolidación del retrato las imágenes y las identidades de los sujetos reales se transforman, contemporáneo. se disuelven y toman una nueva forma bajo la nueva doctrina de la La propuesta (el espejo roto) con Picasso y, detrás de él, otros imagen críptica del surrealismo. A destacar los retrato de Khalo al artistas de la estela del cubismo -Braque, Gris, Severini-, someten a calor del surrealismo, o el “retrato de Pablo Picasso” realizado por sus personajes a la fragmentación formal, convertidas en poliedros, Dalí. Este apartado concluye con los autorretratos de Käthe Kollwitz Retrato de Fernande Olivier, Pablo Picasso, 1909, óleo sobre lienzo. Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt. Fóto: Artothek

Modelo con autorretrato inacabado, David Hockney, 1977, acrílico sobre lienzo. Colección privada Retrato de Heriberto Casany, Joan Miró, 1918, óleo sobre lienzo. Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas


Autorretrato con literna china, Egon Schiele, 1912, óleo y tempera sobre tabla. Leopold Museum, Viena

Muchacha de ojos verdes, Henri Matisse, 1908, óleo sobre lienzo. San Francisco Museum of Modern Art.

Reflejo (Autorretrato), Lucian Freud, 1981-1982, óleo sobre lienzo. Colección privada

y Felix Nussbaum, en los que se refleja la pesadilla vivida ante la amenaza del nazismo. Los cuatro últimos tramos de la exposición se articulan en torno a la sede de la Fundación Caja Madrid, en la denominada Sala de las Alhajas. El recorrido comienza en el capítulo (identidades metafóricas) protagonizado por un importante conjunto de retratos realizados por Picasso -también alguna escultura- en los años centrales del siglo XX; junto a ellos, obras de Dubuffet, Giacometti o Antonio Saura que muestran distintas formas de interpretar el retrato mediante la distorsión de las figuras. A través de una profunda metamorfosis del cuerpo y del rostro (la nueva imagen del hombre), Francis Bacon representó plásticamente la alienación del hombre contemporáneo, su vulnerabilidad. Los retratos de Bacon representan más el destino único de cada hombre que la descripción de unas características personales. En este apartado, las deformaciones carnales a las que Bacon somete a sus personajes se ponen en relación con los retratos de artistas como Auerbach o Kossoff. La décima sala expone los retratos de Lucian Freud y Stanley Spencer (arcilla humana) que muestran su interés por la representación de la soledad de la existencia humana a través de un mismo motivo: la desnudez del retratado. Para Freud la carne | ArtPremium |

es el elemento que materializa y define el retrato: “Quiero que la pintura funcione como si fuera carne para que mis retratos sean realmente de una determinada persona y no parecidos a ella”. Se incluyen también en este capítulo algunos retratos de Avigdor Arikha y de Antonio López, dos artistas igualmente interesados en la representación objetiva del cuerpo humano. Por último asistimos a una reinterpretación del retrato (Hockney, Kitaj yWarhol) como consecuencia de la recapitulación y replanteamiento del género que realizan algunos artistas desde la versatilidad de los lenguajes pictóricos contemporáneos: David Hockney, Ronald B. Kitaj o Andy Warhol, muestran en sus retratos algunos de los mejores ejemplos de esta evolución y diversidad, cerrando con su estilo inconfundible el recorrido de la exposición. La importancia de este género en la historia del arte del siglo XX no sólo radica en el notable número de obras que ha generado, en su personalidad, o en las posibilidades que ofrece de reconstruir nuestra imagen histórica artística y antropológica más reciente. Se da, además, el hecho de que la mayor parte de los pintores contemporáneos han sido grandes retratistas y algunos de ellos dedicaron una parte muy destacada de su producción a este tipo de imágenes. El retrato contemporáneo, al igual que en otros géneros, les permitió a todos ellos experimentar, crear nuevos lenguajes, conformar sus códigos visuales y actualizar las formas de la realidad, acorde a los nuevos presupuestos de la modernidad artística. 20

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José García Campos CAUTIVO marzo 29 - abril 21 2007

208 Del Cristo | Viejo San Juan T 787.723.9987 | 787.724.6776 F botello@botello.com www.botello.com Gestación, 2007 | madera, mármol, acero inóxidable, hierro | 120” altura (colgante)


| exposición | POR MARA NEGRÓN

En el Museo de Arte de Puerto Rico, hasta el 22 de abril.

MARÍA DE MATER O’NEILL, ARTISTA INTERRUMPIDA

E

l Museo de Arte de Puerto Rico organiza una retrospectiva de la artista María de Mater O’Neill desde el 3 de febrero hasta el 22 de abril titulada Artista interrumpida: obra selecta de María de Mater O’Neill del post al después, 1983-2006. Se han comisionado para esta exposición alrededor de cuarenta y cinco obras provenientes de colecciones privadas, museos y galerías que nos permitirá descubrir o redescubrir veinte años de su producción pictórica. Además, habrá unas treinta obras en proyección virtual. Esta retrospectiva, curada por la doctora Elaine King, no se ha organizado cronológicamente sino temáticamente siguiendo así una práctica cada vez más frecuente en la museología contemporánea. El paradigma historicista es esencial para contextualizar una obra pero no implica necesariamente una lectura de la misma. La exposición temática y espacial permite ver articulaciones, repeticiones y variantes de la obra que la cronología más apegada a una concepción lineal y lógica desdeña, en provecho de la idea de un progreso de la técnica y de una transparencia del significado que sólo el orden en el tiempo revelaría. El montaje de esta exposición se concibió como un panóptico que divide, sin oponer, el interior y el exterior del espacio en el que las piezas están colocadas. El espectador girará en torno a él. Se percibe así una estructuración del espacio que emana de la obra misma, un vaivén entre el mundo exterior apreciable en las series de paisajes y en los mapas y un mundo interior manifiesto en las series

Autorretrato #5,1987, medios mixtos sobre tela, 22 x 30”

posibilidades interpretativas. No es un gesto anodino. Por ello el paradigma cronológico nunca ha sido neutro. En el caso de esta artista urbana – María de Mater O’Neill así se reclama – se apreciarán así su gusto por ciertas categorías del arte (principalmente el retrato y el paisaje) y un diálogo con el relato oficial de la historia del arte en Puerto Rico y con ciertas obras emblemáticas del canon puertorriqueño. Así, las citas transplantadas del Pan nuestro (1905) de Ramón Frade

(1974) en Aún ficción, litografía (2000), entre otros. El gesto es doble: se rinde homenaje, como en el caso de Myrna Báez, o se cuestiona. Prueba de una discusión y de una cierta rebeldía con respecto a las representaciones estereotipadas del paisaje, de la ciudad y de la mujer. Esta obra se inserta en la historia de las instituciones del arte en Puerto Rico para invertir de forma jocosa y atrevida las concepciones folcloristas e idílicas promovidas por el ICP u otras instituciones, así como darle cuerpo EL MONTAJE DE ESTA EXPOSICIÓN SE CONCIBIÓ COMO UN PANÓPTICO a representaciones de género inexistentes en QUE DIVIDE, SIN OPONER, EL INTERIOR Y EL EXTERIOR DEL ESPACIO EN la pintura puertorriqueña; “la feminidad” es EL QUE LAS PIEZAS ESTÁN COLOCADAS. desplazada y desvestida de todos sus clichés y lugares comunes. Ver la obra de María de de autorretratos y espacios domésticos en Ella, la más artista de todos (1999), del Mater O’Neill es aceptar el reto de aprender de María de Mater O’Neill. Curar una Desnudo frente al espejo (1980) de Myrna a mirar, de dejar atrás cierta domesticad de la exposición implica imponer un significado Báez en Autorretrato número 8 (1987-88) mirada, de lo que nos gusta mirar, de cómo a la obra, es escoger entre un sinnúmero de o de Rafael Ferrer Istoria(¿ ?) de la isla nos gusta vernos a los puertorriqueños, de lo | ArtPremium |

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Mosaico, 2001, óleo sobre papel,23” x 901/2”

qué quiere ver la mirada amaestrada del arte oficial y nacional para descubrir que vivimos en un Puerto Rico que el siglo XX transformó vertiginosamente por el desarrollo urbano y las nuevas construcciones de género. Empleando una paleta de colores que ella considera urbana, la artista nos fuerza a

una exploración de medios y de estilos – el empleo de las tirillas en la exposición Fin de juego, por ejemplo – y el estudio del arte contemporáneo en lo que concierne a la forma. María de Mater O’Neill (San Juan, 1960…) se graduó de la Cooper Unión

Premio, PINTURA, III Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador, por el cuadro Donde moran los terribles y segunda Mención de Honor, en 2002 en el “34ème Festival Internacional de la Peinture”, ChâteauMusée Grimaldi, Côte d’Azur, Francia, por Balcón. Fue la única puertorriqueña incluida

MARÍA DE MATER O’NEILL ES LA ÚNICA ARTISTA MUJER DE ESTA GENERACIÓN QUE HA MANTENIDO UNA PRODUCCIÓN CONSTANTE DE RECONOCIDO MÉRITO EN PUERTO RICO Y EN EL EXTRANJERO mirar y a vivir en un Puerto Rico - en un área metropolitana – que no corresponde ya al pasado mítico del campo, del jíbaro y el de la mujer/madre abnegada. Tampoco se pliega a un imaginario popular. Para ello se despliega una paleta de colores que ha ido transformándose a lo largo de su carrera,

Ella, la más artista de todos,1999,medios mixtos sobre tela, 72” x 48”

School for the Advancement of Art and Science en New York. A esta ciudad, donde pasó diez años, se encuentra vinculado el origen de su biografía artística. Allí se configuran las primeras influencias: entre ellas el modernismo, el pop-art y sobretodo el neo-expresionismo, muy visible en el trazo grueso y colorido de sus pinturas. Se suele decir, aunque la fecha sólo vale para situar el momento de la producción y no constituye una apreciación de la obra, que la artista pertenece, en Puerto Rico, a la Generación de los 80 en la que se encuentran también destacados pintores como Arnaldo Roche o Nick Quijano, entre otros. Pero, María de Mater O’Neill es la única artista mujer de esta generación que ha mantenido una producción constante de reconocido mérito en Puerto Rico y en el extranjero como lo prueba la larga lista de premios y exhibiciones que engalanan veinte años de su carrera, no sólo como pintora sino también por sus incursiones en el vídeo, en el arte digital, en la internet (creación de El cuarto del Quenepón, revista electrónica), en el performance (colaboraciones con la bailarina de danza contemporánea Viveca Vázquez como Mira y qué, vídeo o Mundo debajo del piso, coreografía) y su trabajo de profesora en la Escuela de Artes Plásticas. Fue ganadora, en 1991 del Primer Gran | ArtPremium |

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en la exposición itinerante de Mujeres artistas latinoamericanas 1915-1995 (Milwaukee Art Museum, Phoenix Art Museum, The Denver Art Museum, The National Museum of Women in the Arts). Ha expuesto sus obras en Mallorca, Barcelona, Italia, Buenos Aires, y en 1999, fue artista residente en

Autorretrato #10,1989, medios mixtos sobre tela, 96” x 66”


| exposición |

Rutgers University (Center for Innovative Printmaking and Papermaking, New Jersey) durante tres semanas en las que ofreció conferencias y realizó la litografía Clasifícame ésta. Si acuñamos el título de una obra que forma parte de una de sus exposiciones más atrevidas, Fin de juego, “ella es la más artista de todos”. ¿Por qué? Una cierta ambición que la hace concebir el arte como una totalidad, el arte está por todos lados, todo se puede hacer con arte, es decir, pensando en la forma, y un deseo de querer aprehender el mundo desde el cielo (muchos de sus cuadros son perspectivas aéreas como la serie Paisajes en fuego, Mapas, Azul, o algunas obras de la serie Fin de Juego). A ello se añade un uso del lienzo de grandes dimensiones. De igual manera se destaca el gusto de la artista por la serie que denota una necesidad de ser exhaustiva, de repetir y agotar ya sea el color, la forma o la representación. Casi todas sus exposiciones individuales fueron concebidas como series, así los regios Autorretratos (1989) que marcan el inicio de su gran carrera, todo el largo periodo de exploración del paisaje en Paisajes en tiempo de ansiedad (1991), Mapas (1994), Azul (1995) con sus extraordinarias Suites del Caribe y las hazañas contadas en forma de tirilla cómica de su heroína lesbiana Julia en Fin de Juego. Esta exposición nos dará la ocasión de ver obras pertenecientes a cada unos de esos momentos en una contigüidad que nos hará desechar las mismas categorías tradicionales del arte que han organizado su producción: autorretrato, paisaje, naturaleza muerta… Hay retratos de María de Mater O’Neille que parecen paisajes y paisajes que parecen retratos. En su obra más reciente, la artista intenta abandonar toda forma narrativa y apegarse más a la forma, al color y a la textura como en Colors (To Donna Summer, 2004). Declara ella: «Es que toda narrativa tiene un lenguaje. Se ata a un discurso, que es lo mismo que una ideología. Y lo que te promete ese discurso, que es libertad, realmente es una falacia, no

Autorretrato #8, 1987-88, medios mixtos sobre tela, 943/4”x 65”

existe. El espacio en libertad, el genuino, es dinámico, pide ambigüedad, no puede estar fijo, tienes que estar en el paisaje donde el horizonte se mueve contigo. ¿Escuchaste? El horizonte se mueve contigo. Yo quiero una obra que no tenga agenda de narrativa... y no pienses que esto lo tengo todo planchado, no está asegurado, no es lineal». Y es que «estamos muy acostumbrados al cuento, a que el artista te diga qué es tal o cuál cosa. Como en la película Matrix, la gente está empeñada en vivir dentro de una geografía y a la larga el sistema se confunde con la vida, cuando el sistema debería ser sólo una guía”. María de Mater O’Neill se ha movido con el horizonte y ha hecho mover el de las artes plásticas en Puerto Rico. ¿Hay relato o no en su producción artística? Digamos que su obra nos propone diversos recorridos que parten tanto de la exploración de las categorías del arte, de la historia de la representación, de lo que la mirada conservadora de los artistas no ha querido representar y por último pero no menos importante una búsqueda de la forma y exploración de medios que no ha sido condescendiente con ninguna agenda. Un cierto instinto de libertad, como diría Kafka, ha hecho a esta artista trazarse un camino propio y firmar una obra singular. | ArtPremium |

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Colors (to Donna Summers),2004, medios mixtos sobre tela, 108 x 43”


Galerias Prinardi

presenta:

Arte en el NORMANDIE

Nuevo concepto

Hotel Arte Cada piso exhibe un ambiente diferente Piso 7

Área de exposiciones

temporeras PRÓXIMAMENTE: Elí Barreto /Febrero 2 Angélica Rivera /Marzo 0 Camilo Carrión /Abril 0 7 Diógenes Ballester /Mayo /Mayo

Ave. Muñoz Rivera #499, Esquina Rosales, San Juan, P.R. 00921 T. 787-725-1272 T. 787-729-2929 x 1042 F. 787-722-5226 1608 South Dixie Hwy. 1 st Floor West Palm Beach, Fl 33401 T. 561-337-9340 F. 877-326-8260 prinardi@prinardi.com www.prinardi.com info@prinardi-usa.com www.prinardi-usa.com


| estudio |


Favián Vergara

Obras que buscan contar una historia El artista mexicano Favián Vergara se trasladó hace un año a Puerto Rico, dispuesto a realizar un ambicioso proyecto que pretende continuar su trabajo creativo e impulsar a nuevos talentos. POR DANIELA RUSOWSKY


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pesar de no tener una formación académica como artista plástico, su talento natural lo ha posicionado en el mundo del arte, tanto en su país de origen, como a nivel internacional. Favián nació el 5 de octubre de 1958 en Guadalajara y ha residido en Ciudad de México, Nueva York y Miami. Desde hace un año se trasladó a Puerto Rico, cuando después de vivir siete años en Miami decidió que era momento de realizar un cambio en su vida y comenzar una nueva etapa en su carrera profesional. Cansado del estilo de vida impersonal y de la fuerte competencia que a su juicio no dejan espacio para recapacitar y crear, se propuso buscar un ambiente más latino para desarrollar nuevos proyectos y expandir su creatividad. Tras un viaje a la isla donde quedó cautivado por la atmósfera del Viejo San Juan, junto a su socio Michael Williams, instaló la galería Primer Piso, en la calle San José. Este nuevo espacio se ha convertido en una interesante plataforma para artistas jóvenes y talentosos, tanto boricuas como extranjeros. Favián no sólo se ha iniciado como galerista, también ha continuado su prolífero y multifacético trabajo Sus cuadros, en cambio, son más sutiles en la construcción de técnica mixta, con un importante predominio en el uso del óleo escénica. En su mayoría se centran en un personaje que explora y de los grandes formatos. Un apasionado por explorar nuevas un estado de ánimo, reflejado a través de la expresión corporal, la técnicas y estilos, en toda su obra siempre subyace la fotografía. luminosidad y el color. Sus lienzos se caracterizan por la profundidad Si bien estuvo siempre vinculado al mundo del arte, comenzó a de campo, las texturas, y un claro contraste entre la mímesis que pintar después de lo que él denomina la “crisis de los 40”. A pesar busca en la pintura del cuerpo humano y los contextos abstractos e de haberse consagrado como un exitoso diseñador de moda y haber imaginarios que los circundan. desarrollado incluso su propia colección, el deseo de pintar fue más fuerte. Su obra es principalmente figurativa y neorealista, tiene Eres fotógrafo y pintor. ¿Cuál de estas disciplinas te hace sentir más como tema central el cuerpo, y en especial el desnudo. Sus modelos cómodo? son muy diversos y se vuelven protagonistas de una historia, dando Horas conseguir un personaje o crear un personaje que va a estar dentro de mi cuadro y a veces la pura sesión de fotos que dinamismo y originalidad a su trabajo. ME COSTÓ CASI 20 AÑOS DE MI VIDA estoy usando para mi cuadro, la foto en sí ya puede ser otra pieza de arte. Entonces el primer escalón para mí es A principios de los 90, TOMAR LA DECISIÓN DE DEDICARME su carrera en el diseño de A LA PINTURA. ESTABA DENTRO DE MÍ, la fotografía y el segundo escalón es la pintura. Pero lo que disfruto más, una vez que estoy metido y procesando, vestuario comenzó a estar es la pintura. En la pintura se me van las horas y no lo cada vez más orientada a la PERO NO ERA VIABLE. siento. La fotografía tiene mucho tecnicismo. La pintura fotografía de las modelos, no, es algo que fluye y es como un acariciar y como una química exhibiendo la colección como una verdadera “puesta en escena”. Cada obra, ya sea una pintura o una fotografía es una dramatización maravillosa de colores, de formas y de técnicas. También mi técnica capaz de transmitir no sólo un momento, sino un relato implícito es muy propia, yo soy autodidacta, y yo fluyo, yo floto en ese espacio donde es misión del espectador descifrar el mensaje. Este interés y en ese momento. En los dos medios que hago, he tenido proyectos en captar un momento que refleje un contexto y una historia muy satisfactorios, que me han llenado mucho y que han tenido muy es especialmente evidente en su proyecto de foto-arte titulado buenos resultados en el sentido comercial, aunque no creo que sea Cancionero Kitsch, donde las fotografías reflejan el contenido de lo más importante, pero no puedo decir si lo mejor es mi pintura desgarradoras canciones de amor. Durante su exhibición, cada o la fotografía. fotografía –enmarcada en una rimbombante moldura de felpa acolchada- va acompañada de un CD player donde el espectador puede escuchar la canción mientras observa la obra, dando vida a la Madre Tierra, 2004, óleo sobre canvas - © Cortesía del artista Me golpeaste tanto anoche, 2005, fotografía - - © Cortesía del artista fotografía e invitándolo a expandir su imaginación. | ArtPremium |

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Manuelito, 2004, óleo sobre canvas. © Cortesía del artista

¿Te sientes parte de algún movimiento o corriente artística?

Nunca he buscado ser parte de una corriente o tendencia. Si por ahí calzo en alguna ha sido por puro accidente. Me inspiro en la vida cotidiana, en la gente que veo. Soy un enamorado del ser humano, hay belleza en todo el mundo, pero hacer algo para que se vea bonito no me da ningún tipo de placer. Me es más importante lo que quiera decir que lo que pueda producir económicamente. La base de mi obra es que cada una te cuenta una historia. ¿Cómo se desarrolla tu proceso creativo?

asfixiante a veces, como una forma de cortar el cordón umbilical. Me costó casi 20 años de mi vida tomar la decisión de dedicarme a la pintura. Estaba dentro de mí, pero no era viable. Mi madre quería que fuera actuario porque, según ella, yo era bueno para las matemáticas. Primero estudié diseño gráfico por un año, que era lo más. Parecido. Uno no se imagina poder vivir del arte. ¿Cómo emigraste del diseño de vestuario a la fotografía y luego a la pintura?

La fotografía nunca la dejé. Cuando diseñaba un vestuario, al final Paso un poquito de las experiencias, de lo que estoy viviendo, de lo me interesaba la foto, la modelo, el set up, más que la ropa en sí. La que veo, de la problemática, de las noticias. Para mí es importante pintura siempre estuvo ahí, pero no me atrevía. Iba de vacaciones a manejar una temática cada vez que pienso la casa de un primo pintor y me metía tener una exposición. La temática me la HAY MUCHO DE PSICOANÁLISIS EN LA en su estudio y me ponía a pintar con va a dar mi estado de ánimo y lo que me PINTURA, TÚ TE DEJAS FLUIR Y VAN él. Jorge Marín me invitó a su estudio está pasando a mí con relación al planeta SALIENDO Y APARECIENDO COSAS EN y le dije “sólo si me das clases”. Y fui y en el que vivo. Entonces la empiezo a MIS CUADROS Y NUNCA SÉ CÓMO VAN la clase fue “pinta lo que estás viendo”. desarrollar, empieza el proceso de crear A TERMINAR, NO LOS DISEÑO ANTES. Me puse a pintar y me atrapó la pintura. a mis personajes, de ver cómo lo quiero Vendí enseguida mi primer cuadro y realizar. Hay mucho de psicoanálisis en eso me sirvió de motivación. Cerré la pintura, tú te dejas fluir y van saliendo y apareciendo cosas en boutique, cerré fábrica, todo, y me dediqué a la pintura. mis cuadros y nunca sé cómo van a terminar, no los diseño antes. Los empiezo con un personaje, porque para mí es como mi base. Y ¿Cómo eliges los temas de tus obras? dentro del personaje empiezo a matizar cosas y comienzan a surgir Muchas veces muestro un poco de demanda o queja social, conciencia elementos que voy analizando, y los empiezo a destrozar y a raspar de lo que está pasando en nuestro mundo. Primero hago una sesión de fotos y les pido que hagan veinte mil cosas y de repente les pido y a golpear y al final acaba la obra, la termino. por ejemplo que griten, y encuentro algo en ese grito y de ahí sale la ¿Te costó tomar la decisión de dedicarte profesionalmente al arte? pintura. De un hombre rezando salió lo del sida, como una plegaria Yo estudié diseño de moda en Nueva York y me dediqué 20 años por encontrar una cura. Hay otro proyecto de “No más feminicidios”, a la moda, después me comencé a dedicar a la fotografia. Me fui a por matanza de mujeres en Juarez. Son problemas que a todos nos Nueva York por salir de la casa, del seno paterno y materno, un poco conciernen. | ArtPremium |

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La Despedida, 2005, fotografía. © Cortesía del artista

artista puertoriqueño, sino como una tendencia, otro movimiento de lo que está pasando en otro país. Puerto Rico puede ser tan internacional como cualquier otro lugar. Yo creo que el arte tiene que ser universal, no puede tener nacionalidades. Que aprendan a ver al artista extranjero como algo universal, y no nos cerremos a una isla. Llevo un año. Ya estoy teniendo una vida social interesante y lo que importa es conocer a la gente. A lo mejor me acaba de atrapar Puerto Rico y me quede aquí para siempre.

Mirando al Cielo, 2004, óleo sobre canvas. © Cortesía del artista

¿Cómo crees que podrías desarrollar tu trabajo?

No me gusta la fórmula de esto con esto, “me quedó bonito, entonces voy a seguir así” . Yo soy de mucha búsqueda, todos los días tengo ganas de hacer algo distinto. Y repito lo que dije hace ocho años cuando empecé a pintar. Mi primer cuadro fue un niño de la calle que limpiaba vidrios con una botella de Coca-Cola llena de jabón, es muy diferente a lo que estoy haciendo ahora. Porque el mundo cambia, porque yo cambio, y la obra cambia. Nunca se termina de aprender. Hay muchisimo que aprender, la química, cómo reacciona la paleta de colores… Mucha búsqueda. Siempre quiero decir otra cosa.

Si bien Favián se declara tímido y poco elecuente con las palabras, los mensajes de sus obras hablan con fuerza y claridad sobre temas sociales y conflictos emocionales. Sus cuadros se inspiran en el amor, la política, su gente y su tierra. En un lenguaje directo, contundente y a veces hasta agresivo, el espectador no puede quedar indiferente frente a sus obras. En su estudio del Viejo San Juan ya han ido naciendo varias de las obras que formarán parte de su nuevo proyecto “Artefactos para volar”, y como en un cierre de ciclo, ha regresado a sus inicios al retomar la carpeta de fotografías que lo inspiró para pintar su primer cuadro. El niño de la calle esta vez no nos habla de su oficio en Ciudad de México, sino de la cruda situación de aquellos niños que inhalan productos químicos para volar lejos de sí mismos y evadir su realidad. De espíritu inquieto por naturaleza, destaca la constancia, la disciplina y la honestidad como características personales que lo han ayudado a desarrollar su talento y consagrarse profesionalmente. En apenas ocho años como artísta plástico, sus obras han sido exhibidas en Estados Unidos, México, España, Alemania, Francia e Italia. Ordenado, metódico y cuidadoso de los detalles para trabajar, pero no temeroso de romper esquemas, este artista es un hombre un poco nómada que no le teme al cambio y que sin duda es un gran aporte al arte contemporáneo en Puerto Rico.

¿Cuáles son tus proyectos profesionales y desafíos personales en este momento?

Actualmente estoy desarrollando un proyecto nuevo que se llama Artefactos para volar. Aunque estoy empezando por la parte más mágica y liviana, pretendo explorar otras facetas emocionalmente más complejas y potentes. Hay muchas formas de volar, volar con la mente, las fantasías, volarse a sí mismo y por qué alguien llega a ese extremo de matarse. Hay un doble mensaje en esto de volar. Hay una dualidad de lo fuerte. Está esta parte como muy mágica y por otro esta cuestión de grito, de demanda. A nivel personal estoy con el proyecto de la galería, que es algo nuevo para mí. El manejar artistas no es fácil, es un poquito delicado. Estoy trayendo artistas de lo mejor que tenemos en México, y me gustaría que la gente aprendiera a ver eso, no como una competencia al | ArtPremium |

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EN EL ART AND CULTURE CENTER OF HOLLYWOOD

Sugar and Spice and Everything Nice

L

POR MABEL RODRÍGUEZ Soldiers waiting for service at the military kiosk counter at Shaare Avraham Training Camp, Israel, Rachel Papo,C-print, 2004.

a imagen de la mujer en la cultura popular occidental, creada y manipulada por los medios de comunicación masiva, ha sido documentada de muchas formas. Sugar and Spice and Everything Nice, la exhibición curada por Samantha Salzinger en el Art and Culture Center of Hollywood, recoge las investigaciones hechas por tres artistas a través del medio fotográfico de temas tan distantes como la mujer en el ejército israelí, los concursos de belleza de niñas y la relación entre madre y bebé. Sus imágenes evocan la perenne opresión así como lo crudo, lo venerable y lo delicado que encontramos en el espacio existente entre las restricciones impuestas por la sociedad sobre la identidad femenina. Las obras de las artistas Gail Albert-Halaban, Rachel Papo y Colby Katz hacen recordar que aún en la era del post-feminismo, después de tanto luchar por la igualdad, la bóveda de cristal que limita las expectativas de la mujer ha sido quebrada, pero no eliminada. El título –un apotegma común de la cultura estadounidense – presupone ideas y percepciones que se han aplicado tradicionalmente a las niñas. La imagen de completa dulzura, picardía y docilidad también se aplicaba (y aún se intenta aplicar) a las mujeres adultas, para empujarlas a vivir su vida y su feminidad de manera aniñada. Dentro de ese marco, la exhibición nos muestra las percepciones disonantes de tres excelentes fotógrafas que independientemente atisban las vidas de tres grupos de mujeres contemporáneas, en su vasta mayoría blancas, y ofrecen expresiones a veces incómodas, dolorosas, jocosas, inesperadas o sospechosas. Atrae la frescura y la factura de los conjuntos así como la combinación propuesta por la curadora Salzinger. La exhibición, disponible hasta el 25 de marzo de 2007, implica un comentario social sobre los valores de la mujer en particular y la sociedad en general, y las expectativas que hoy se tienen de ella en varios contextos. | ArtPremium |

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LA OPRESIÓN FEMENINA LIMITABA EL DERECHO A LA CIUDADANÍA, A LA PROPIEDAD PRIVADA, A CONSERVAR EL SALARIO DEVENGADO, A TENER LA CUSTODIA DE SUS HIJOS DESPUÉS DE UN DIVORCIO Y A OBTENER GRADOS ACADÉMICOS UNIVERSITARIOS, ENTRE OTROS.

Para los hombres, las sociedades del mundo occidental han sido territorio de su dominio desde siempre. Para las mujeres, sin embargo, la travesía hacia sus derechos más basicos ha sido escabrosa. No fue sino hacia el 1848 que los asuntos pertinentes a la mujer (específicamente la mujer blanca) entraron de lleno a la palestra pública de los Estados Unidos. En ese año se celebró la primera convención sobre los derechos de la mujer en Seneca Falls, Nueva York. Muchas personas ignoran que fue ya entrado el siglo XX que las mujeres pudieron por primera vez ejercer el derecho al voto, exactamente 144 años después de que se declarara la independencia de los Estados Unidos y luego que miles de mujeres libraran encarnizadas batallas en las cortes y en sus hogares, para exigir algo que sus contrapartes disfrutaban por derecho de nacimiento. La opresión femenina limitaba el derecho a la ciudadanía, a la propiedad privada, a conservar el salario devengado, a tener la custodia de sus hijos después de un divorcio y a obtener grados académicos universitarios, entre otros. La década de los años setenta vio cierto progreso en las condiciones de vida de las féminas en los Estados Unidos. Los avances en el ámbito de los derechos de las mujeres eran ya evidentes y la opresión de antaño había menguado en muchos aspectos. En su libro The Feminine Mystique, Betty Freidan presentó argumentos desde una perspectiva feminista que liberaban a la mujer del coma inducido por la domesticidad y le inducían a pensar que era tan competente como cualquier hombre en la fuerza laboral y que podía luchar por igual trato y paga. Un popular anuncio para una marca de cigarrillos declaraba entonces “you’ve come a long way, baby” y aunque recurría a lo sexy para recalcar una verdad, también señalaba una ironía. En las últimas décadas del siglo XX, el capitalismo estadounidense se vio en la necesidad de abandonar los anuncios de enseres eléctricos y de efectos de limpieza utilizados para conquistar el poder adquisitivo de las mujeres. La pregunta que los ejecutivos corporativos se hacían era qué productos podían sustituirlos. El nuevo instrumento que encontraron para generar ventas resultó muy efectivo, pero asimismo cruel e injusto. Un anuncio publicado hace algunos años en una conocida revista de modas lo ejemplifica: caminando, una mujer de negocios lleva en una mano un portafolio y en la otra, sujeta la de su pequeño hijo; van rumbo a la escuela. El anuncio la presenta en el momento en el que ella capta el reflejo de su imagen en el cristal de una ventana. El mensaje leía: “lo tienes todo, eres una súper-ejecutiva, súper-mamá, pero te estás poniendo vieja”. En su libro The Beauty Myth, Naomi Wolf revela que la industria de los cosméticos ha substituido la de los enseres y productos de limpieza; en vez de ofrecer un paraíso doméstico, ahora se ofrece la fuente de la eterna juventud, ya que la mujer continuamente | ArtPremium |

Rayne-Lin, Little Miss Firecracker, LA, Colby Katz, C-print, 2006.

la está perdiendo y siempre debe tener… Esta falacia de la eterna juventud, a través de los cosméticos hace que las mujeres se sientan permanentemente insatisfechas consigo mismas. La opresión económica, a través de la manipulación emocional viene envuelta en nuevos temas, pero tiene un sabor parecido a la que predominaba a principios y mediados del siglo XX. Sugar and Spice and Everything Nice examina qué significa ser un ama de casa y madre, a tiempo completo, hoy en día, qué significa ser una reina de belleza o competir en trabajos “de hombres”. En su proyecto, la fotógrafa Gail Albert-Halaban, radicada en Nueva York, investiga la vida de mujeres que lo tienen todo. Son poderosas altas ejecutivas que luego de haber alcanzado el éxito profesional, renunciaron a él para dedicarse de lleno a ser madres. Estas mujeres no enfrentan la realidad común de la mayoría de las mujeres que no pueden elegir entre trabajar fuera del hogar y quedarse en él para ser madres a tiempo completo. Las fotografías de Albert-Halaban dejan ver cierta frustración en quienes renunciaron a una carrera donde tomaban decisiones importantes a nivel internacional para también tomar decisiones importantes de escala familiar y encontrar una realidad de trabajo menos remunerado, donde la calidad y la eficacia difícilmente son reconocidas. Además, más allá de mantener su familia feliz y su hogar en orden, la mujer de hoy tiene que cuidar siempre de su apariencia, ya que no hay excusa para no verse atractiva. El tema de los concursos de belleza para niñitas atrae a la fotógrafa Colby Katz, quien por varios años los ha frecuentado. Su interés en documentar estos eventos surge de su propia experiencia, ya que ella misma en su niñez participó en estos concursos. Los certámenes de 33

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|exposición miami |

LA INDUSTRIA DE LOS COSMÉTICOS HA SUBSTITUIDO LA DE LOS ENSERES Y PRODUCTOS DE LIMPIEZA; EN VEZ DE OFRECER UN PARAÍSO DOMÉSTICO, AHORA SE OFRECE LA FUENTE DE LA ETERNA JUVENTUD.

Addison, International Total Miss Beauty Pageant, TN, Colby Katz,C-print, 2005.

Untitled (salad), Gail Albert Halaban, C-print, 2003.

belleza constituyen una de las industrias de mayor crecimiento en los Estados Unidos, generando ingresos brutos de más de 5 mil millones de dólares anualmente. Se celebran en todos los estados, en lugares como centros comerciales, ferias municipales y hoteles. La honestidad de las excelentes fotografías, tras bastidores, de Kats capta a las niñitas escogiendo su ropa, peinándose o preparándose para desfilar. Para hacer que estas niñas se vean mayores y actúen de manera sensual y adorable se invierten miles de dólares; es un intento que muchas veces fracasa cuando las niñas actúan de acuerdo con su edad. Estos concursos marcan la realidad de la belleza como un instrumento mesurable de poder. Para estas niñitas, la presión para ser bellas – las más bellas – comienza muy temprano en sus vidas. Estas niñitas/muñecas constituyen una metáfora para la valoración que la sociedad le da a la identidad femenina, ya que no compiten para medir también su intelecto o sus destrezas, sino solamente la belleza superficial y su capacidad de entretener y encantar a los jueces. Finalmente, Rachel Papo, una israelí radicada en Brooklyn, presenta sus fotos de adolescentes, soldados en el ejército de Israel. La serie se titula Serial #3817131 a propósito de su número de identificación durante sus años de servicio militar obligatorio. Las imágenes captan sutilmente el momento en que la adolescencia que estas jóvenes atraviesan, cuando necesitan descubrir su identidad como mujeres, se ve interrumpida por su obligación de servir a su país. Son adolescentes confundidas, vestidas de uniforme en un grupo que, por definición, elimina la individualidad, exige la acción concertada

y unificada, y suprime el deseo de expresar sus emociones, ya que deben asumir la responsabilidad de respaldar a su país de la misma manera que lo hacen sus compañeros varones. Aún sin considerar el comentario social de esta exhibicion, la amplia realidad reflejada en estas fotógrafas apela eficazmente a los sentidos. La calidad estética de las composiciones y la elaboración temática de cada serie, permite conocer cada entorno, así como asimilar la visión y las cualidades que caracterizan y sellan la producción de estas artistas. Su yuxtaposición crea una dinámica que celebra la feminidad, a la vez que denuncia, en expresiones superficiales y profundas, la influencia de la imagen popular de la mujer sobre las vidas diarias de los seres que viven bajo esa imagen.

Two soldiers on break from basic training at Shaare Avraham Training Camp, Israel, Rachel Papo, C-print, 2004. | ArtPremium |

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Noche de Coleccionistas en Galería Trinitaria

Con la exhibición dedicada al maestro Julio Micheli, abrió la temporada de actividades del 2007 en Galería Trinitaria el jueves, 22 de febrero. La colección, además de incluir obras en acrílico y acuarela del reconocido artista, contó con piezas de Epifanio Irizarry, Miguel Pou, Wichie Torres, Lorenzo Homar, Tufiño, José Alicea, Alfonso Arana, Augusto Marín, Julio Rosado Del Valle, Angel Botello y José Azaustre, entre otros. El artista Andrés Rodríguez Santos, realizó una disertación sobre la obra y trayectoria de Julio, quien es uno de los precursores del arte abstracto puertorriqueño. Se presentó también un documental producido por Luis Rodríguez Munet. Invitamos a coleccionistas y amigos a que sean parte de estas actividades dedicadas a diferentes artistas durante los próximos meses. Para más información puede accesar nuestra página:

“Búsqueda”, acrílico/masonite 35.5” x 41.5”, 1968 (Julio Micheli)

www.galeriatrinitaria.com

Galería Trinitaria Arte para todos

2980 Avenida Emilio Fagot, Ponce P.R. 00716 | T 787.259.1034 | F 787.259.1334 www.galeriatrinitaria.com | info@galeriatrinitaria.com


| arte y leyes |

EL ROBO DE ARTE EN PUERTO RICO SEGUNDA PARTE LEGISLACION REGULADORA

Hoy retomamos el tema del robo de arte en Puerto Rico. Esta vez enfocaremos nuestro aporte hacia la legislación protectora del arte y el patrimonio cultural, esperanzados en que dicho conocimiento ponga en perspectiva la realidad jurídica sobre este tema. P O R F R A N C E S S A N T I A G O, L D A .

licenciadasantiago@gmail.com

E

l panorama mundial empieza a arrojar luz hacia una uniformidad jurídica para atacar el tema del expolio cultural, robo y malversación de arte en todo el planeta. Los países se están organizando para adoptar medidas, reglamentos y hasta protocolos similares y en algunos casos idénticos para poder actuar uniformemente cuando una pieza de arte es robada. En el aspecto internacional, existen varias leyes y tratados adoptados por los países miembros de estas convenciones para intervenir en problemas comunes de las naciones, con la aspiración de poder encontrar medidas que ayuden a resolver los mismos. Los tratados como la Convención de Viena1, suscrita por los Estados Unidos y de aplicación local por la relación política jurídica con Puerto Rico se analizan a continuación.

LEGISLACIÓN INTERNACIONAL

1. LA CONVENCIÓN DE VIENA: La Convención de Viena para la Protección de Obras Artísticas y Literarias, es un acuerdo internacional sobre derechos patrimoniales sobre creaciones artisticas (con sus excepciones legales), adoptado por los países reunidos en esa convención en Viena, Suiza en el año 1883. La máxima principal de este acuerdo es que los países miembros hacen extensivo a sus ciudadanos, la protección de los derechos patrimoniales y morales de las obras artísticas, sin importar, para otorgar dicha protección, el lugar de creación de dicho trabajo. Se entiende que esta Convención fue impulsada por la insistencia de Víctor Hugo2 y su afán para que se garantizaran los derechos de los artistas de la época, evocando así la corriente jurídica francesa y alemana del siglo 19 y 20 sobre protección para los artistas en los derechos morales de la obra creada. Como hemos discutido anteriormente, los derechos patrimoniales son los derechos del autor sobre la reproducción y lucro de su obra, las leyes de protección patrimoniales (Copyrigths) cubren solamente la forma y manera en que las ideas e información, entiéndase la creación artística, se manifiesta; en otras palablas: la forma material de la expresión. Los derechos morales, son aquellos inherentes a la obra, a la integridad de la misma, sin ser excluyentes de protección al autor sobre el uso que se le da a su creación, lugar de exhibición, mutilación y trato que recibe la pieza, entre otros. Es interesante señalar que antes de este tratado, los derechos patrimoniales de los artistas se preservaban con la legislación local de cada país, usualmente donde la obra fue creada. La Convención de Viena adoptó protección de los derechos morales de los artistas | ArtPremium |

posteriormente.3 Estados Unidos firmó el tratado de Viena mucho después de su adopción internacional. Su férrea oposición estaba basada en la redacción del documento y en protecciones particulares en el tema de los derechos morales de autor. El derecho moral de los autores fue reconocido estatalmente y luego a nivel de la nación norteamericana bajo el Visual Artists Right Act. Estados Unidos impulsó con éxito enmiendas a dichos derechos de reconocimiento internacional, ya que la redacción original incluía otorgar derechos a personas que no los habían inscrito o registrado, lo que iría en contra del pilar en teoría jurídica de los Estados Unidos sobre derechos patrimoniales de “Copyright”4. Es decir aquel que registra su obra, su creación, tiene por tanto garantizado su derecho. No hay derecho sin registración. Los derechos patrimoniales de creaciones artísticas o cualquier otra creación se hace a través de la Oficina de Patentes del Congreso y la Oficina de derecho patrimonial o “Copyrigths del Congreso federal.5 Actualmente 162 países son miembros del tratado de la Convención de Viena. A su vez, otras organizaciones se han unido al esfuerzo mundial para prevenir, y tramitar los robos de bienes culturales, así como el robo de arte, algunas de estas son: 2. United International Bureaux (Bureau) for the Protection of Intellectual Property6 3. Organización Mundial de Propiedad Intelectual7, creada en el 1974. 4. U.N.I.D.R.O.I.T.8 Esta convención y sus países miembros, es otra muy respetada. Ha adoptado medidas específicas sobre tráfico de bienes patrimoniales, ventas internacionales de objetos variados y uniformidad sobre contratos, entre otros. Por ser Puerto Rico un territorio estadounidense por adopción, estos tratados y estatutos también rigen nuestro patrimonio cultural, a menos que los mismos estuvieran en contravención de una ley federal, la cual tiene preeminencia en el “campo ocupado” es decir, esta legislación regiría el campo del derecho sobre cualquier otra, si así ha sido definido por el Congreso de los Estados Unidos. Veamos, entonces, los estatutos legales más importantes de los Estados Unidos:

ESTADOS UNIDOS

Los Estados Unidos, también tiene su propia legislación específica para tratar el tráfico de bienes culturales. Algunas de las leyes son: 36

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Instituto de Cultura de Puerto Rico. En la actualidad, dentro de sus múltiples funciones el Consejo investiga en archivos históricos unos 400 barcos hundidos en las costas de Puerto Rico, pero se presume que debe haber muchos más, porque los barcos estudiados son sólo los barcos oficiales registrados en las bitácoras de la época o los registrados en los archivos gubernamentales de los países que solían transitar por las aguas caribeñas. Sin embargo, es de conocimiento general que estos (los barcos oficiales) son sólo algunos en tránsito por las aguas caribeñas, ya que dicha ruta, en particular la de Puerto Rico, era la preferida para el tráfico de contrabando desde las Antillas hacia el Viejo Continente y de regreso, posteriormente, desde el “El Nuevo Mundo” hasta el Caribe, ¿ha cambiado algo? Hemos reseñado algunas de las leyes más importantes que gobiernan los procedimientos en caso de robo de bienes patrimoniales y objetos de arte. Estas legislaciones no se dan en un vacío jurídico. Su estudio profundo revela una creciente preocupación a nivel mundial por el trasiego de objetos de arte y la necesidad imperiosa de controlar, o por lo menos aminorar este impacto en todos los países. El acondicionamiento de las estructuras policíacas, gubernamentales y por supuesto la ciudadanía general para adoptar reglamentación y estructuras sencillas se hace urgente por la proliferación de este mal social. Intentar que la descripción, divulgación, investigación y seguimiento de casos de robo de arte se trabajen globalmente de una manera uniforme, promueve que los resultados de ese esfuerzo se vean a más corto plazo, que ciertos procesos desorganizados pueden proveer. Es natural que si un objeto es descrito de manera sencilla, con los datos adecuados, y entrado en una base de datos única, la divulgación de esta información mediante medios electrónicos y otros, pueda ser conocida por más personas en menor tiempo para intentar detener su tráfico por el globo. Tal vez si hubiésemos adoptado estas medidas como país, estaría el Betances13 en el Ateneo14. Esto en clara referencia al robo desalmado y casi de película de una estatua en bronce de diez (10) pies de alto, y más de mil (1,000) libras de peso. Este robo fue realizado durante el fin de semana del 4 de julio de 2006. Según los expertos, para realizarse era necesario un camión de arrastre y por lo menos tres personas. El valor del bronce en el mercado es mínimo en comparación con el valor de la escultura, por lo que las autoridades entienden que la misma pudo haberse robarse con propósitos de venta, con toda probabilidad fuera del país. Tal vez, si se adoptaran medidas uniformes para la divulgación de bienes robados, como las establecidas en estas legislaciones señaladas, Puerto Rico ya tendría de vuelta su Betances… El valor de los objetos se mide a base de las valuaciones profesionales, históricas y también culturales de los mismos. Cada país promueve sus valores como pueblo, si protege sus artefactos religiosos, históricos y artísticos. Los medios están ahí… al alcance de un dedo. Señores no hay que inventar la rueda, sólo echarla a andar. ¡Hasta la próxima!

1. Título 18, Código de los Estados Unidos (U.S.C.): a. Sección 659- “Theft from Interstate Shipment” b. Sección 1951- “Interferance with Commerce by Threaths and Violence” 9 c. Secciones 2314 y 2315- “Interstate Transportation of Stolen Property” d. Sección 668- “Theft of mayor Art Work” e. Sección 1170- “Illegal Trafficking in native American Human remains and Cultural Items” f. Secciones 641 y 2114- Theft Government Property g. Leyes de los estados de la unión. Todas estas legislaciones tienen que analizarse en el contexto del panorama de protección de bienes culturales a nivel mundial. Debe entenderse que la tendencia es a uniformar los procedimientos tanto de la divulgación del hecho del robo y venta de bienes robados, como la consecución de recuperar el objeto mismo. La uniformidad se extiende a realizar inventarios anuales sobre bienes culturales y arte robado por país. También se identifica en informes estructurados los bienes robados con la pretensión de que se pueda exponer y dar a conocer inmediatamente la situación del robo mediante medios electrónicos y otros. Otro aspecto a uniformar, es la forma en que las autoridades policíacas y portuarias reciben los reportes o querellas sobre el robo de los bienes y las investigaciones que se realizan, entre otros aspectos.

PUERTO RICO

También en nuestro país existen varias leyes de protección contra el palio de bienes culturales y robo de pieza de arte: 1. Consejo para la Protección del Patrimonio Arqueológico Terrestre. Ley Número 112 del año 1988 (Según enmendada). 2. Ley para la Protección y Conservación de Cuevas, Cavernas y Sumideros. Ley 111 del 12 de julio de 1985: (Según enmendada), 3. Ley de Servidumbres de Conservación de Puerto Rico, de 1981. Otorga un crédito contributivo a las personas que donen servidumbres o derechos de paso al estado, sobre su propiedad a los fines de que el estado pueda preservar objetos culturales que se encuentren en la propiedad de los ciudadanos. Este es el caso conocido de cuevas con pretrogríficos indígenas en las fincas privadas. 4. Ley de Protección, Conservación y Estudio de los Sitios y Recursos Subacuáticos de Puerto Rico. Ley 10 del 7 de agosto de 1987, y su reglamento interpretativo. Reglamento número 2 del 12 de julio de 1988. Como cuestión de hecho histórico esta ley se crea luego de que un afamado buscador de tesoros Mel Fisher, creador del hoy “Mel Fisher Maritime Heritage Society”,10, ya fallecido, quien después de 20 años de búsqueda localizó los restos del Galeón español “Nuestra Señora de Atocha”11, el cual fue hundido en el 1622. En 1986, Fisher extrajo varios objetos de barcos hundidos en Vieques, isla al este de Puerto Rico, para vender sus hallazgos en casa de subastas, lo que provocó la creación de la Ley de Protección, Conservación y Estudio de los Sitios y Recursos Subacuáticos de Puerto Rico.12 . Según esta regulación, el interesado en realizar una extracción debe presentar documentación histórica que identifique el hallazgo y demostrar que se llevará a cabo con rigor arqueológico. Luego del hallazgo deberá clasificarse todo lo encontrado como patrimonio del Estado Libre Asociado de Puerto Rico, y su contenido deberá ser catalogado científicamente. Asimismo, el gobierno será recompensado con el 50% de las ganancias del hallazgo. 5. Consejo para la Conservación y Estudios de Sitios y recursos Arqueológicos, Subacuáticos. Este consejo es un organismo adscrito al | ArtPremium |

1

Berne Convention for the protection of literary and artistic works. 2 Poeta, novelista, ensayista,y dramaturgo francés (26/2/1802- 22/5/1885). 3 Se adoptaron los derechos morales en el 1928 en dicho tratado para los países firmantes del mismo. 4 Estados Unidos firmó el tratado por primera vez en 1988. 5 www. copyright.gov. 6 BIRPI, establecida actualmente en Ginebra y avalada por La Organización Mundial de Naciones Unidas (ONU). 7 www.wipo.int. 8 Instituto Internacional para la Unificación de Legislación Privada (Traducción nuestra). 9 También conocido como el “Hobbs Act”. 10 Http://www.melfisher.org. 11 http:// www.atocha.com. 12 Ley 10 del 7 de agosto de 1987, supra. 13 Ramón Emeterio Betances, médico, político, humanista puertorriqueño, (18/4/1827,Puerto Rico16/9/1898, Francia) - 14 Institución Cultural Puertorriqueña.

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En el Metropolitan Museum of Art

JOURNEYS: MAPPING THE EARTH AND MIND IN CHINESE ART POR MABEL RODRÍGUEZ

La exhibición Journeys: Mapping the Earth and Mind in Chinese Art abre una ventana hacia los últimos mil años de historia de China, un país que aún hoy resulta misterioso, atrayente y exótico para la mayoría de los occidentales. Esta muestra consiste en setenta obras que cubren los últimos diez siglos y exploran específicamente el tema de los viajes, tanto reales como imaginarios. La misma abrirá en el MET de Nueva York el 10 de febrero y permanecerá hasta el 26 de agosto de 2007.

The Kangxi Emperor’s Southern Inspection Tour (ca. 169198), Wang Hui (1632-1717) y sus asistentes, tinta y color sobre seda. Regalo de The Dillon Fund | ArtPremium |

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A

disfrutar de un descanso del “mundo polvoriento” de los mercados y la política. Las pinturas y los diseños de jardines idealizaban a menudo este peregrinar en busca de solaz. Los rollos pictóricos y álbumes de múltiples páginas replicaban esa sensación de movimiento físico, ya que los jardines no eran conceptualizados como vistas estáticas, sino como espacios complejos para explorar y recorrer. La recreación de la partida o la llegada se convirtió, desde la época de la dinastía Han (206 A.C. – 220 D.C.) en la forma por excelencia de presentar las procesiones rituales. Este enfoque en el momento de la partida o la llegada creó un paradigma para la representación de todos los viajes. La primera sala de esta exhibición cuenta con obras que revelan claramente dicho paradigma, entre ellas la obra titulada La Huida del Emperador Xuanzong hacia Shu. Ésta relata la partida abrupta del deshonroso viaje del soberano de la dinastía Tang en el año 755 D.C. cuando las fuerzas rebeldes amenazaban

pesar de compartir el mismo tema, estas obras muestran estilos y motivaciones muy variables, desde descripciones de viajes reales, esbozados en llegadas o partidas íntimas donde una o dos figuras acaparan la acción, hasta paisajes comisionados por emperadores donde se muestran, en toda su pompa, las misiones de inspección de terrenos y los minuciosos mapas del río Yangzé y el Gran Canal. El grueso de la obra de los artistas chinos ha sido inspirado por viajes de la imaginación: así atraviesan montañas, escapan a lugares remotos y boscosos o a paraísos que los acogen y les permiten olvidar los retos y amenazas de la realidad. Los artistas contemporáneos han ampliado estos temas, comenzando nuevos viajes a través de transformaciones de las formas de arte tradicionales. En el siglo once, los viajes reales a menudo ocurrían a consecuencia de decisiones, tanto profesionales (tales como la asignación a un nuevo puesto de trabajo o la jubilación) como

DURANTE LA DINASTÍA QING (1644-1911), LOS EMPERADORES KANGXI (1662-1722) Y QIANLONG (173695) AUSPICIARON UN NÚMERO AMPLIO DE OBRAS DOCUMENTALES A GRAN ESCALA QUE INCLUYEN ROLLOS DE PAISAJES PANORÁMICOS PARA CONMEMORAR LOS VIAJES REALES A LOS GRANDES CENTROS METROPOLITANOS DEL SURESTE. la capital. El emperador, vestido de rojo, mira atrás al punto donde yace sin vida su concubina favorita Yang Guifei—sospechosa de colusión con los rebeldes—asesinada por la guardia imperial, que exigía su muerte antes de escoltar al emperador a un lugar seguro. El paisaje refleja la narrativa de manera sutil: un pino y un árbol torcido y sin hojas simbolizan, respectivamente, al emperador y a la amante. La exploración de la tierra siempre ha sido fuente de inspiración para poetas y pintores. Las penurias vividas a causa de las inclemencias del tiempo o la dificultad de la travesía, así como el placer de descansar o guarecerse en posadas acogedoras, en parajes remotos, son temas populares presentes en muchas de estas obras,

políticas (que podían conducir al ostracismo). Los mercaderes también viajaban largas distancias transportando sus productos. El aumento en la actividad comercial fue recordado por artistas, así como las peregrinaciones a lugares santos y montañas sagradas. Los emperadores conmemoraban el progreso imperial y comisionaban mapas detallados de canales y ríos como manera de demostrar sus legitimidad y de asegurar su control sobre las arterias estratégicas de su imperio. Fuera cual fuera su causa, los viajes brindaban oportunidades nuevas para conocer el variado paisaje de China, siendo estos favorecidos por los habitantes citadinos que se trasladaban a jardines o templos lejanos para entrar en comunión con la naturaleza y

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| arte e historia |

frecuentemente creadas en rollos. La segunda sala de la exhibición, dedicada a la exploración de la espesura de los bosques, muestra cómo en tiempos de revuelo político estas pinturas en rollos simbolizaban el refugio (voluntario u obligatorio) que las personas encontraban en la naturaleza en momentos en que los oportunistas y mezquinos se apropiaban de los cargos públicos para su propio beneficio. Los artistas que laboraban en la Academia Imperial de Pintura

sicológica del pintor, llevando la pintura a un nivel similar al de la poesía y la caligrafía. Cuando la dinastía Jurchen Jin tomó el norte de China en el 1127 y más tarde, cuando la dinastía Song y toda China cayó en manos de los Mongoles en el 1279, la pintura se transformó en un arte escapista que expresaba el sentido de alienación y dislocación del pueblo y del artista. La imaginería escapista de otro periodo fraguado de inestabilidad política y falta de armonía, el de las Cinco Dinastías

de la dinastía Song del Sur (1127-1279) se deleitaban en crear (907-975), igualmente poblaba las obras de esta era y las llenaba de escenas que mostraran aspectos del clima y las estaciones. Estos abundantes templos aislados, árboles solitarios y refugios rústicos que pequeños dramas a menudo eran avivados con escenas de viajeros, les daban un respiro a quienes añoraban huir de la realidad. tal vez esperando una barca a la intemperie en pleno invierno o Los “retiros visionarios” surgieron a partir de finales del siglo XIV, tomados por sorpresa por un aguacero. Estos trabajos a menudo durante la dinastía Ming. A través de todo este periodo perduró iban acompañados de un poema y se el ideal de vivir en reclusión, un ideal creaban para evocar un estado de ánimo EL IDEAL DE VIVIR EN RECLUSIÓN particularmente predominante entre los o para describir imágenes captadas en PERDURÓ PARTICULARMENTE ENTRE estresados miembros de la burocracia verso. Esta práctica continuó hasta el LOS ESTRESADOS MIEMBROS DE LA Ming de principios del siglo XV. Una siglo XIV. BUROCRACIA MING DE PRINCIPIOS DEL obra típica del periodo es Retiro Rustico Los “retiros visionarios” ocupan el entre Pescadores creado por el pintor SIGLO XV. tercer salón e ilustran la transformación cortesano Zhou Wenjing, quien retuvo de la pintura que llega a ser un arte la representación naïve de figuras y el caligráfico expresivo. Dicha transformación había comenzado tratamiento caligráfico de la hierba y el follaje, característico de la a finales del siglo XI y principios del XII, cuando oficiales- pintura académica del periodo Yuan tardío. académicos comenzaron a crear pinturas que eran más evocativas Entrado el siglo XVI la competición para sobresalir en los que representacionales. Uno de los pioneros fue Mi Youren exámenes de admisión al servicio civil había hecho que el ideal de (1074-1151), quien presentaba en sus obras formas simplificadas trabajar en el gobierno estuviera fuera del alcance de la mayoría de y borrosas, creadas con puntos de pintura fresca. Estas fueron los precursores inmediatos de los paisajes en aguada de tinta, propios del Ten Thousand Miles Along the Yellow River periodo tardío de la dinastía Song del Sur y apuntan a la expresión artistas desconocidos (ca. siglo 18), tinta y color sobre seda. | ArtPremium |

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Living Aloft: Master Liu’s Retreat (ca.1543), Wen Zhengming (1470-1559), tinta y color sobre papel. Regalo prometido por Marie-Hélène y Guy Weill.

Old Trees, Level Distance, Guo Xi (ca. 1000-ca. 1090), tinta y color sobre papel. Colección John M. Crawford, Jr. Regalo de John M. Crawford, Jr., en honor de Douglas Dillon.

los miembros de la elite educada, de manera que la vida del retiro diagramación esquemática de los puntos geográficos importantes gentil fue idealizada en las artes. Nuevamente las escenas bucólicas de la región entera que cubría cerca de treinta millas, mientras que y aisladas del mundo exterior por una generosa enramada ocuparon en el de Quianlong, creado 75 años después, se utilizan las técnicas a los artistas como Wen Zhengming, cuya obra La Vida Elevada, de perspectiva (como el dibujo a escala) que los misioneros europeos habían introducido, de manera que el área ilustrada en los rollos de creada en 1543, se aprecia en la cuarta sala. Se pueden calificar de viajes oníricos las obras presentes en sesenta pies ya no cubría treinta millas, sino una o dos. A pesar de la quinta sala. Éstas evocan las muchas leyendas sobre parajes la presencia de occidentales en China, su influencia en la creación utópicos que a través de la historia han inspirado representaciones cartográfica fue muy limitada. El mapa siguió representando una de Shangri-la. Entre esas obras se encuentra Liu Chen y Ruan vivencia de un viaje más que una representación fiel y a escala del Zhao Entrando a las Montañas Tiantai, una fábula sobre un paraíso terreno casi hasta el comienzo del siglo XX. perdido que adquirió nuevo significado Los temas centrales de la pintura para los partidarios de la dinastía Song LOS TEMAS CENTRALES DE LA PINTURA y de la civilización incluidos en Y DE LA CIVILIZACIÓN INCLUIDOS EN esta exhibición tienen sorprendente que vivieron bajo el dominio mongol. Según se popularizaron los viajes, ESTA EXHIBICIÓN TIENEN SORPRENDENTE vigencia en la actualidad. Algunos los artistas también comenzaron a VIGENCIA EN LA ACTUALIDAD. ALGUNOS de estos, como la meta de escapar los límites políticos y sociales, ha trasladarse a regiones montañosas o DE ESTOS, COMO LA META DE ESCAPAR remotas para obtener inspiración. La cobrado nuevo significado en las obras manifestación de esta producción LOS LÍMITES POLÍTICOS Y SOCIALES, HA de artistas contemporáneos, quienes artística se ilustra en la sexta y séptima COBRADO NUEVO SIGNIFICADO EN LAS con frecuencia recontextualizan salas dedicadas al tema de los viajeros OBRAS DE ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS. paradigmas antiguos para retar formas tradicionales de arte. Hong Hao, y los turistas. Las guías ilustradas y las historias sobre viajes proliferaron en esta etapa. Estas guías a su vez por ejemplo, transformó una imagen de la capital de la dinastía contribuyeron al desarrollo de pinturas que documentaban viajes Song creada a principios del siglo XII, al insertar imágenes de específicos o puntos de gran atractivo turístico. La muestra permite figuras contemporáneas en una reproducción del rollo original o al apreciar las obras de los artistas de la región de Monte Huang en exhibirlas conjuntamente con éste. Por su parte, Michael Cherney la provincia Anhui quienes a partir del siglo XVII, animados por ha captado las varias topográficas de las capas de los picachos del la creciente prosperidad de los mercaderes locales, se animaron a monte Hua, que ha servido de inspiración artística por miles de años, en una sola fotografía que ha reformateado como un álbum pintar los paisajes de su tierra. Durante el periodo temprano de la dinastía Qing (1644- chino tradicional con pliegues de acordeón que se abre para revelar 1911), los emperadores Kangxi (1662-1722) y Qianlong (1736- un único paisaje. La concisa y simultáneamente abarcadora 95) auspiciaron un número amplio de obras documentales a gran presentación de Journeys: Mapping the Earth and Mind in Chinese escala; es por eso que la topografía en la pintura es el tema que Art conforma una oportunidad exquisita para apreciar un largo y concierne la ultima sala. Estas obras incluyen rollos de paisajes rico periodo de labor artística que refleja tanto las vivencias de este panorámicos para conmemorar los viajes reales a los grandes centros pueblo asiático como la transformación que la sociedad y el medio metropolitanos del sureste. Dos estilos surgieron en la creación de artístico experimentaron en el último milenio. estos rollos: en el de Kangxi, creado circa 1700, se presenta una | ArtPremium |

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En West Palm Beach el nuevo hogar de Galerías Prinardi–USA Entrevista con la galerista Judith Nieves POR MABEL RODRÍGUEZ

Nadie podrá negar que el 14 de diciembre de 2006 ocurrió un hecho de relevancia histórica para el arte puertorriqueño. En esa fecha abrió exitosamente Galerías Prinardi–USA, la primera galería puertorriqueña que da el paso para establecer operaciones más allá de las costas isleñas, específicamente en West Palm Beach, Florida. Este esfuerzo galerístico de los esposos Andrés Marrero y Judith Nieves, es el más reciente de muchos y diversos proyectos que dicha galería ha ejecutado a lo largo de los años en beneficio del arte local.

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alerías Prinardi–USA incluye en sociedad a Rafael Nieves y su esposa, Sandra Torres, hermano y cuñada de Judith Nieves. Sin dejar de ser experimental, esta incursión aspira a implantarse de manera duradera como enclave del arte de artistas de Puerto Rico en una de las áreas de mayor efervescencia artística en el hemisferio occidental. ¿Cómo y cuándo se desarrolló la idea de extender a los EE.UU. las gestiones de Galerías Prinardi?

Junto a mi hermano mayor, Rafael y su esposa Sandra, hemos estado dándole forma a este proyecto por varios años, con la intención de impactar y alcanzar al público coleccionista norteamericano, ya que sus sueños siempre habían sido tener una galería de arte. Vale notar que aparte de trabajar en importantes canales de televisión, Rafael tiene vasta experiencia internacional en los campos de las artes visuales, publicidad y animación para la televisión. Por muchos años tuvo una compañía, Pixelight, con sede en Nueva Jersey, la cual tenía oficinas en Time Square, Nueva York, así como en México y España. En Puerto Rico, la compañía operaba como Guastella Pixelight. Por su parte, Sandra se especializa en relaciones públicas y en producción de televisión. ¿Qué le ofrecerá al público este nuevo espacio de Galerías PrinardiUSA?

Hemos unido nuestros recursos y pericia para crear un equipo de trabajo que pueda desarrollar actividades artísticas innovadoras junto a actividades galerísticas tradicionales. Galerías Prinardi–USA tendrá un área de producción de documentales de stream videos para Internet y hay planes para hacer programas de arte e historia del arte para la televisión, aptos para las cadenas o los canales educativos. Haremos énfasis en los temas relacionados con Puerto Rico, como la importancia del grabado en el desarrollo del arte puertorriqueño y biografías de artistas importantes como, por ejemplo, Rafael Tufiño o Domingo Izquierdo, entre muchos personajes relevantes | ArtPremium |

en el mundo del arte de la Isla. Esto es parte de una campaña de promoción sumamente intensa que se le dará a los artistas que representemos, ya que nuestro interés es educar a la comunidad sobre las diversas facetas del arte y sobre los artistas cuya obra tenga un impacto en el mundo del arte local e internacional. El proyecto es nuevo e intenso, tanto para nosotros como para los artistas. Estamos abriendo puertas hacia otros aspectos de las artes. La experiencia y conocimientos que aportan Rafael y Sandra nos permitirán crear productos excelentes para que el público se identifique con la información que le presentemos en ellos. Una de nuestras metas es que, además de que el público aprecie las obras en la galería, también sea posible presentarlas a través de nuestras promociones en todos los EE.UU. y el mundo.

Estamos haciendo alianzas con otras galerías en los EE.UU. Además, a mediano plazo, también planificamos llevar nuestros artistas a Europa, comenzando, posiblemente, en España. West Palm Beach es sólo el comienzo.

¿Qué los llevó a elegir la localidad de West Palm Beach?

Para establecernos en West Palm Beach hicimos un estudio extenso de comunidad y de mercado. Inicialmente consideramos Miami, Fort Lauderdale y West Palm Beach. Utilizamos información de la 42

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Cámara de Comercio y del gobierno, los cuales ya se han efectuado y disponen de estudios de mercado. Revisamos los estándares de ingresos y los patrones de consumo de la población. Descubrimos que en West Palm Beach no existía ninguna galería de arte latinoamericano y decidimos ser los pioneros en dicha localidad. Estamos ubicados a pasos del Museo de Arte Norton. ¿Cuál será el enfoque de esta nueva galería que han abierto en EE.UU.?

Galerías Prinardi–USA se especializará en arte contemporáneo de Norte América, Europa, el Caribe y América Latina. Al igual que lo hemos hecho en Puerto Rico por treinta años, nuestro enfoque incluirá la promoción del arte puertorriqueño contemporáneo para lograr que éste se vaya acomodando en la corriente dominante internacional. Fuera de la Isla, pretendemos específicamente hermanarlo con el arte internacional, colocarlo en un sitial paralelo y llevarlo a otros países. Estamos seguros de que el arte puertorriqueño es de igual o mayor relevancia que el que se puede encontrar en cualquier foro internacional. Es con esa seguridad que estamos abriendo Galerías Prinardi–USA. Entre otros, actualmente tenemos artistas de Uruguay, Argentina, Holanda y España y estamos en conversación con artistas de Rusia. Sus obras representan medios variados, incluyendo la pintura, el grabado, la escultura y las instalaciones, por nombrar algunos. ¿Tienen otros proyectos para promocionar el arte puertorriqueño en el extranjero?

Por varios años hemos estado dando pasos para gradualmente posicionar el arte puertorriqueño internacionalmente. Desde el 2002 hemos participado y actualmente somos parte del Encuentro de Artistas Latinoamericanos de Cuzco, Perú, que se celebra anualmente y que reúne artistas de toda Latinoamérica, incluyendo todo el Caribe. En el 2002, Andrés y yo fuimos a este Encuentro junto a los artistas de la galería y en años subsiguientes también los hemos enviado a este foro. En Nueva York hemos hecho exposiciones con el Museo del Barrio y el Taller Boricua en el 2002-2003. Calladamente, a lo largo de los años hemos gestionado, asimismo, la participación de algunos de nuestros artistas en bienales y otros certámenes importantes. Por ejemplo, cuando Carlos Santiago estaba estudiando en París con la Beca Arana, hace tres años aproximadamente, nosotros conseguimos que él se quedara un año | ArtPremium |

más y así tuvo la oportunidad de exponer en esta ciudad con Plástica Latina. Al presente estamos haciendo alianzas con otras galerías en los EE.UU. Además, a mediano plazo, también planificamos llevar Sin dejar de ser experimental, nuestros artistas a Europa, comenzando posiblemente en esta incursión aspira a España. West Palm Beach es implantarse de manera sólo el comienzo.

duradera como enclave del arte de artistas de Puerto Rico en una de las áreas de mayor efervescencia artística en el hemisferio occidental.

¿Qué actividad marca la apertura de Galerías Prinardi– USA?

La apertura ha sido marcada por una colectiva con todos nuestros artistas. Además de artistas internacionales como Carlos Pujol, Concha Vidal, Juan Waelder, Carolyn Nijman y Santiago García, también participa un número extenso de importantes artistas puertorriqueños. Entre ellos Carlos Santiago, Rafael Tufiño, Domingo Izquierdo, Angel Otero Vega, Angélica Rivera, el grafitero Nelson Figueroa, Brizaida Medina, Martín García, Jorge Zeno, Eli Barreto y otros. Será una buena muestra de lo que es el arte contemporáneo puertorriqueño.

En efecto, la apertura de este espacio fue todo un acontecimiento concurrido que cumplió su misión de atraer al público norteamericano e internacional. En adelante, Galerías PrinardiUSA promete seguir posicionándose para alcanzar a ésta y futuras generaciones de coleccionistas de arte, instituciones y artistas de todo el mundo a través de sus productos audiovisuales y su espacio en West Palm Beach. Este importante paso representa una nueva apertura para nuestros artistas hacia el mundo y viceversa. Es un eslabón adicional en la expansión que está experimentando el mundo puertorriqueño del arte contemporáneo.

GALERÍAS PRINARDI-USA 1608 S. DIXIE HWY. FIRST FLOOR, WEST PALM BEACH, FL 33401 43

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MEMORIA VISUAL DE HUÁSADAS, UNA BELLA HISTORIA DE VAQUEROS

Two soldiers on break from basic training at Shaare Avraham Training Camp, Israel, Rachel Papo, C-print, 2004.


Durante los últimos 26 años el fotógrafo Werner Segarra se ha dedicado a la construcción de un registro fotográfico de Huásadas, un pequeño pueblo al norte de México. Lo que partió como un hobby hoy se ha transformado en un proyecto de arte y un homenaje a sus habitantes siendo exhibido por primera vez en la Galería Petrus, en San Juan. POR DANIELA RUSOWSKY


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erner Segarra nació en Puerto Rico de madre alemana y fotógrafo amateur dio un giro y se dedicó de lleno a la fotografía padre boricua. Sus padres se divorciaron cuando él era publicitaria. En este período aprendió técnica fotográfica y ganó niño y a los nueve años se mudó junto a su madre y experiencia. El mundo de la moda logró deslumbrarlo y sin darse su padrastro, a Arabia Saudita. Desde entonces su vida ha estado cuenta su éxito comenzó a crecer. “Siempre he estado metido en la siempre en movimiento y a partir de los 10 fotografía, pero no lo tomé en serio hasta los 21 años comenzó a captar el mundo exterior “ES DIFÍCIL A VECES FOTOGRAFIAR A años en que estaba tratando distintas formas de a través de un lente. Pero de todas estas UN SOLO PUEBLO POR TANTO TIEMPO, ganarme la vida y me di cuenta que la fotografía experiencias sólo un lugar captó su alma IR ENCONTRANDO OTRAS COSAS… era algo para mí. Se me hizo fácil y al mismo por completo, una pequeña localidad en PERO AHORA SIENTO QUE ESTOY tiempo fue una forma de expresarme. Era algo natural para mí y de repente se convirtió en algo el Estado de Sonora, en México donde la TERMINANDO UNA OBRA.” gente es feliz y nunca se queja. serio”. “Yo empecé la fotografía porque era el Después de vivir durante 10 años en hobby de mi padrastro Víctor quien me regaló una cámara cuando yo Puerto Rico y de haberse consolidado como fotógrafo comercial tenía 10 años. Él me enseñó a revelar en blanco y negro y a imprimir. en las más prestigiosas agencias publicitarias, reflexionó sobre lo Eso fue en Arabia Saudita. Viví en Puerto Rico hasta los 9 años, soy que sería su vida en el mediano plazo y se dio cuenta que algo de Ponce y mi papá vive aquí”. Lo que empezó como un hobby se debía cambiar. Decidió dar un nuevo rumbo a su vida y trasladarse fue transformado en una pasión y posteriormente en un medio de a Arizona para iniciar una historia que traspasaría sus fronteras subsistencia. Poco a poco el ojo etnográfico e intuitivo de este joven personales y se convertiría en la voz de un pueblo. “Quería algo | ArtPremium |

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para mí, algo especial, pues mi fotografía me representa, representa mi alma”. Sin saberlo estaba soltando las amarras para internarse en el camino de la etnografía visual, una disciplina que conecta el arte y la antropología, una aproximación al conocimiento de una cultura a través de los aspectos visuales. La arquitectura, la vestimenta, el peinado, el maquillaje, los adornos, el arte, el uso del color, los gestos: todo lo visualmente observable nos va dando pistas para entender la visión de mundo de un grupo humano. Es esto lo que las fotografías de Segarra lentamente fueron formando, un archivo fotográfico de la memoria de Huásadas. Una visita a su madre en Montana fue la llave que abrió la puerta para iniciar este viaje. “Vi una caja que decía Werner y ahí estaban todos los negativos de lo que había fotografiado cuando fui a México cuando era joven. Y cuando empecé a verlas yo dije aquí tengo un libro, aquí tengo algo especial. Y entonces pensé: “yo debo ir a México y hacer algo más”. Werner Segarra visitó Huásadas por primera vez a los 14 años como parte de un programa de intercambio estudiantil. Se hospedó en casa de una familia mexicana dedicada a la ganadería y casi por | ArtPremium |

instinto se transformó en un vaquero más. Hace 15 años comenzó a desarrollar un trabajo serio y sistemático sobre este poblado internándose en la sierra madre en forma periódica. “Esa gente tiene una vida bien difícil, es gente muy simple, muy simpática, gente que nunca he oído quejarse de nada. Todo el mundo quiere ser vaquero, pero ser vaquero es una cosa difícil. Yo llevo tanto años fotografiándolos que ellos ya casi no me ven. Tengo miles y miles de fotos. Tengo niños de 10 años que ahora tienen 36 años y que son vaqueros de verdad. Algunas de esas fotos son bellísimas, porque no las tomé como fotógrafo, las tomé como niño inspirado. Ellos ya saben que yo no estoy ahí para degradarlos, sino para poner su corazón en alto”. Ha retratado a sus habitantes a lo largo de los años, se ha convertido en un testigo invisible captando las transformaciones sociales que lentamente se han ido produciendo. Sin embargo, de alguna forma este proyecto nunca va a terminar para Segarra, sólo va cambiar de etapa. La historia no tiene pausas, siempre habrá algo más que documentar o un nuevo rostro que se suma al paisaje. “Esta es la memoria de un pueblo que representa a otros pueblos. No 47

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todas son buenas, no todas son espectaculares, pero sí hay historia en fotos. Su meta es simplificar su técnica pues cree que una buena las fotos. Se ven los años en las fotos. Por ejemplo el regueton acaba de técnica es aquella que se convierte en algo automático para el llegar al pueblo, hace un par de años llegó Internet. Los muchachos fotógrafo e invisible para el espectador. están empezando a ponerse shorts, cuando antes nunca se había visto a Los habitantes de Huásadas son para él como su familia y él un vaquero en shorts”. se ha transformado en su voz. Tiene proyectado gestionar nuevas Su inspiración viene de la naturaleza, exposiciones en Nueva York y ESA NO ES UNA VIDA FÁCIL, ES GENTE MUY del desierto y de los vaqueros. Los que han México, además de un libro de 300 conocido su trabajo se sorprenden de la SIMPLE, MUY SIMPÁTICA, GENTE QUE NUNCA fotografías: “Yo quiero hacer un libro capacidad que tiene para armonizar sus HE OÍDO QUEJARSE DE NADA de 300 fotos y eso es costoso. He tenido personajes con el entorno. Su objetivo es algunas ofertas, y como he trabajado entrelazar el alma humana con el espíritu de la naturaleza. Segarra mucho en este proyecto no quiero hacer algo a medias, porque no es busca evidenciar la belleza del ser humano pese a la adversidad. para mí solamente, es para este pueblo que represento y del cual me Cansado de la labor extremadamente técnica de la fotografía siento muy orgulloso. Hubiera sido fácil ir a varios pueblos, pero yo me publicitaria, cuando viaja a Huásadas se libera de estas ataduras y dediqué a uno. Y es difícil a veces fotografiar a un solo pueblo por tanto trabaja sólo con luz natural, casi desafiando a la naturaleza, buscando tiempo, ir encontrando otras cosas… pero ahora me siento que estoy captar su esencia y transformando sus fotografías en delicados terminando una obra”. En sus proyectos futuros a nivel de galerías, cree que es importante suspiros de tiempo y espacio. “No uso reflectores, no uso flash, es algo que para mí debe quedarse natural. A veces es mucho más difícil para diferenciar cada exposición y contextualizarla con el lugar donde mí fotografiar con luz natural, porque no se puede poner filtros o flash, serán exhibidas. Esta primera experiencia en Puerto Rico tomó pero los resultados son también más sorprendentes. Esta fotografía es como referencia los santos, que es un tema común entre ambas sólo transparencias, sólo fílmico. No sé si quisiera fotografiar allá en culturas. Posiblemente la exposición en Arizona tenga un mayor digital. No sé si aguanten el calor de 120 grados las digitales, son muy énfasis en el tema vaquero. Este concepto busca darle dinamismo delicadas. Hay muchas cosas buenas de la fotografía digital pero hay y originalidad a la obra, como también generar puentes culturales muchas cosas que todavía le faltan. El look fílmico es todavía mejor, a través del arte. A pesar que no ha dejado su faceta comercial, este trabajo sin duda valida a Werner Segarra dentro del mundo del arte más tridimensional”. Su trabajo es delicado y personalizado hasta el último detalle. Él fotográfico y abre las puertas de las galerías para presentar al público revela, escanea, hace el ajuste de color e imprime cada una de sus una bella historia de vaqueros. | ArtPremium |

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EL UNIVERSO GEOMÉTRICO DE JULIE MEHRETU EL UNIVERSO GEOMÉTRICO DE JULIE MEHRETU

| en exclusiva |

EL UNIVERSO GEOMÉTRICO DE JULIE EL UNIVERSO GEOMÉTRICO DE JULIE MEHRETU EL UNIVERSO GEOMÉTRICO DE JULIE MEHRETU

GEOMÉTRICO DE JULIE MEHRETU

Ganadora del Premio MacArthur, Julie Mehretu es una artista joven con una carrera exitosa y consolidada. En esta edición de ArtPremium nos entregó una entrevista exclusiva para conversar sobre su trabajo y próximas iniciativas, entre las que destacan una exhibición en el Detroit Institute of the Arts y una muestra en la Guggenheim Berlin Commission. Mehretu se define a sí misma como una pintora abstracta, pero detrás de esta sencilla respuesta se esconde un trabajo sobresaliente, tanto conceptualmente como en el uso de una técnica prolija, cuyas capas superpuestas dan como resultado una obra que va anunciando una nueva era. Black City, 2005, acrílico y tinta sobre canvas, 108” x 192”. Colección Ovitz Family, Los Angeles. Fóto: Erma Estwick All works copyright ©Julie Mehretu, all rights reserved. All works courtesy of The Project, New York and carlier|gebauer, Berlin.

EL UNIVERSO GEOMÉTRICO D


JULIE MEHRETU

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EL UNIVERSO

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CO DE JULIE MEHRETU EL UNIVERSO GEOMÉTRICO DE JULIE MEHRETU

GEOMÉTRICO DE

JULIE MEHRETU

POR CORINNE TIMSIT Y DANIELA RUSOWSKY


| en exclusiva | al artista en sonido Stephen Vitiello, se dio un tiempo para dar una entrevista a Artpremium y conversar detenidamente con nosotros sobre su trabajo. La invitamos a partir desde el microcosmos, como por ejemplo historias personales, reflejadas en su obra, hacia el macrocosmos, donde se sitúa la historia universal. Le propusimos hacer un viaje desde el espacio exterior a las profundidades de su espíritu.

Nacida en la capital etíope, Addis Abeba, en 1971, su infancia, educación y trabajo profesional lo ha desarrollado principalmente en Estados Unidos. Tras una notable carrera que ha llevado sus obras por diversos puntos del globo. Su última exposición individual, Black City, recientemente exhibida en MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de León y Castilla) actualmente está en exhibición en la Kunstverein, Hannover, en Alemania, donde permanecerá hasta abril, para luego ser trasladada al Lousiana Museum of Modern Art de Dinamarca hasta agosto del presente año. Esta primera muestra individual en instituciones europeas representa un nuevo reconocimiento a su trabajo el que ya forma parte de 18 colecciones públicas en 14 ciudades, entre las que se destacan, el Seattle Art Museum, el Museum of Fine Arts en Boston, el Museum of Modern Art de Nueva York y la National Gallery of Art, Smithsonian en Washington D.C. En septiembre del 2005 recibió el Premio MacArthur, conocido como “la beca de los genios”. Este reconocimiento es otorgado anualmente a entre 20 y 40 residentes en los Estados Unidos quienes muestren méritos excepcionales en diversas disciplinas, con el fin de potenciar su trabajo creativo. La beca –que otorga un total de US$500.000 en un plazo de 5 años- no es un premio por trayectoria, sino una inversión en personas cuya originalidad y visión se consideran como un gran potencial. Su biografía también incluye una historia personal que es un verdadero torrente de conflictos pasados y sueños futuros que mantienen su vida en constante movimiento. Mientras preparaba su traslado a Alemania, donde estará por seis meses organizando una eventual exhibición con la Guggenheim Berlin Commission junto

UN PAISAJE QUE FLOTA El trabajo de Mehretu es concebido en etapas, las que ella denomina capas que se van superponiendo unas a otras hasta formar la obra. Estas capas, que pueden llegar a ser hasta seis en un solo cuadro, entregan gran profundidad de campo y dan la sensación de mantener sus dibujos, principalmente geométricos, suspendidos en el aire en un espacio abstracto y ausente de toda gravedad. Su método de trabajo consiste en dibujar el trazado en un papel y proyectarlo sobre un canvas, sobre el cual empieza a pintar basándose en su diseño original. Así, sus artefactos viajan a través de la luz para posarse en su pintura y quedar a merced de los vientos que soplan dentro de sus obras. Una de sus principales fuentes de inspiración es la arquitectura, la que para ella representa una manifestación del poder. Tal vez por eso, ha construido su propia arquitectura imaginaria, donde intenta albergar su identidad, su percepción del mundo y la mirada global de lo que está pasando en el planeta en un momento y un lugar presente e irrepetible. Estas construcciones son concebidas en grandes formatos que pueden ser observadas desde la distancia para captar el panorama global, pero también nos invitan a acercarnos a sus detalles los que buscan despertar nuevas emociones e interpretaciones en cada observador. La primera capa ha sido definida como la base del dibujo, una suerte de esqueleto de la obra, donde se van a sustentar los otros elementos. Este plano o matriz sigue líneas simples y de trazo muy fino, que van abriendo la perspectiva que tendrá la pintura. Si bien en esta primera capa ha tomado elementos de corrientes tan distintas como el cómic o la caligrafía china y japonesa, lo que predomina es el dibujo arquitectónico y la construcción cartográfica. Según Julie Mehretu este soporte es una metáfora de los esfuerzos que hace el ser humano por construir y racionalizar el mundo, que a la larga se traduce en una abstracción de la realidad, una búsqueda por organizarlo todo en un engranaje de sistemas y en un orden funcional. La segunda capa ha sido denominada como la de la arquitectura, representa edificios y construcciones públicas, como aeropuertos, estadios, museos, centros cívicos y en general todo aquello que refleje las estructuras de poder. Son estas construcciones donde las culturas cimientan sus prioridades y reflejan donde están sus principales fortalezas. Las redes de comunicación y transporte, los centros ceremoniales y los edificios corporativos son una muestra de Zero Canyon (a dissimulation), 2006, acrílico y tinta sobre canvas,120” x 84”. Foto: Erma Estwick

Su trabajo cosmogónico inevitablemente nos traslada a panoramas futuristas, una especie de universo en colores que despierta todos los sentidos. Tal como desplazarse a la velocidad de la luz es un viaje al pasado, cada obra de Mehretu es una invitación a abrir una caja de Pandora que nos revelará los secretos que viven en cada uno de nosotros.


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dónde está concentrado el poder y cómo éste se reafirma ocupando un lugar en el espacio público. Estas edificaciones muestran diferentes niveles de relación social: los emplazamientos, es decir la ocupación de un determinado territorio; las coexistencias, o espacios donde se relacionan los distintos elementos -objetos, animales, seres humanos-; las residencias, lugares donde habitan cada uno de estos grupos y los desplazamientos o migraciones de un lugar hacia otro. En su tercera capa, la de las resistencias, nace una serie de símbolos e íconos que forman parte de las relaciones que se establecen entre las minorías y los poderes fácticos, pero donde las primeras buscan legitimar un espacio y ser reconocidas. Tomando en cuenta la biografía de la artista, en su vida están presentes diferentes referentes minoritarios que le permiten situarse en diversas plataformas identitarias y observar el mundo desde cada una de ellas, ampliando su visión de mundo. Cada una de estas pequeñas voces pretende dejar con sus signos y símbolos su impronta personal el universo simbólico y conceptual en su momento presente. Estos conflictos que pueden parecer agresivos o fatalistas, no pretenden mostrar un mundo negativo o en decadencia, sino más bien la fuerza vital que mueve a la sociedad y que convierte a la historia en algo complejo, dinámico y maravilloso. Su trabajo cosmogónico inevitablemente nos traslada a panoramas futuristas, una especie de universo en colores que despierta todos los sentidos. Tal como desplazarse a la velocidad de la luz es un viaje al pasado, cada obra de Mehretu es una invitación a abrir una caja de pandora que nos revelará los secretos que viven en cada uno de nosotros. “No busco elementos de astronomía ni de física en mi obra, pero definitivamente tomo algunos elementos visuales asociados”, señala cuando le preguntamos por las similitudes de su trabajo con una visión gráfica del universo. Sus cuadros han sido catalogados como verdaderas cartografías imaginarias, técnica que ella ha mencionado como una forma de entender el mundo. Esta herramienta es, a su juicio, una forma de establecer límites conceptuales, es decir una representación de la realidad, pero no necesariamente una forma de dominación del espacio, la que se realiza de un modo concreto a través de los edificios que denotan el poder. “Yo creo que la cartografía y la elaboración de mapas han sido utilizadas de muchas maneras, y yo no lo llamaría dominación. Yo diría que es una forma de entender las cosas, aunque de alguna manera implique una cierta dominación del espacio. Pero no creo que la cartografía o los mapas hayan sido usados para eso”. Es así como uno de los temas más importantes en su proceso creativo es la arquitectura y su relación con el poder y los procesos sociales. “Creo que cuando alguien piensa en la arquitectura no piensa en el costo social. Yo la interpreto más como una manifestación física del poder o de las estructuras de poder. Pero no necesariamente pienso que la arquitectura debe de tener un costo social. Lo veo más como algo beneficioso, aunque pueda haber tenido un costo social en algún momento, pero es algo muy complejo”. A lo cual agrega: “Creo que todos valoramos estos grandes monumentos que tenemos. No puedo decir que no me importa el costo social que tuvieron, pero trato de ver un contexto más amplio. Me pregunto por qué es necesario crear algo como eso. Lo veo más como algo dinámico”. En sus lienzos


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Congress, 2003, acrílico y tinta sobre canvas, 72” x 96”. Colección Ann y Robert Fisher, CA. Foto: Stefan Maria Rother

Contemplar sus pinturas es sumergirse en un remolino de color que es capaz de envolver al espectador desde la distancia, invitarlo a caminar por sus edificios virtuales dede un punto medio y descubrir el significado de sus detalles simbólicos en sus primeros planos.

Página derecha Untitled (dervish), 2005, acrílico y tinta sobre canvas, 36” x 48”. Colección Ovitz Family, Los Angeles Foto: Erma Estwick | ArtPremium |

transitan pueblos completos peregrinando por el exilio y la guerra, la iconografía de la propaganda política que denota ideologías se ancla en sus dibujos como marcas registradas del poder, el trazado de cuadrículas translúcidas desbibuja los espacios arquitectónicos que conforman y distinguen nuestras ciudades. Un centro urbano se diferencia de otro por sus edificios, testimonios de lo alto que podemos llegar o de nuestro afán de conciliar lo antiguo con lo moderno. La mayoría suele seguir una tendencia global, pero cada ciudad rescata ciertos referentes visuales y los transforma en su silueta, una verdadera imagen corporativa de nuestras sociedades. En el pasado lo fueron los templos, palacios y monumentos fúnebres. Hoy lo son los centros legislativos y los edificios corporativos de entidades bancarias y compañías transnacionales que marcan presencia global. El arte ha transitado siempre entre estos mundos y la sociedad en general, construyendo un puente entre la realidad histórica y los grandes monumentos de nuestros tiempos. Julie Mehretu conjuga esta interacción de manera notable, situándose dentro de un museo de arte para mostrarnos todo lo que lo circunda. 56

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“La evolución de mis símbolos y la evolución de mi arte es muy compleja. No te puedo explicar esto en forma consciente, simplemente viene hacia mí y sale en mis pinturas.” COLECCIONES PÚBLICAS Brooklyn Museum, New York , NY Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, PA The Contemporary Museum, Honolulu, HI Des Moines Art Center, Des Moines, IA Hammer Museum, Los Angeles, CA The Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, MN The Museum of Fine Arts, Boston, MA Museum of Fine Arts, Houston, TX The Museum of Modern Art, New York, NY National Gallery of Art, Washington D.C.

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New Museum of Contemporary Art, New York, NY Philadelphia Art Museum, Philadelphia , PA San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco Seattle Art Museum, Seattle, WA Studio Museum in Harlem, New York , NY Virginia Museum of Fine Arts, Richmond,VA Walker Art Center, Minneapolis, MN Whitney Museum of American Art, New York, NY

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| en exclusiva | LA FUERZA DE LA MEMORIA Si bien siempre se ha tratado de buscar en la obra de Mehretu un referente tangible de su pasado y cultura ancestral etíope, ella insiste en que es su mirada multicultural la que prima, y no un afán por reconstruir una memoria lejana. “Soy una persona en un lugar y un momento determinado. Trato de pensar dónde estoy ahora, en este momento. La forma en que plasmo mis pinturas es la forma en la que veo el mundo, y lo miro desde diferentes plataformas en una manera que hace sentido a quien soy yo. No estoy realmente mirando a algo para describirlo o a decir quién soy en relación a mi historia”. El arte, es para ella un espejo de la realidad histórica, pero en el cual es difícil encontrar el reflejo, como si esa lectura fuera un código que sólo podrá ser descifrado con el tiempo. “Pienso que en la forma en que trabajo trato de mostrar lo que está pasando en el mundo actualmente. Mostrar lo que veo como una artista de la ciudad de Nueva York, que es parte de Estados Unidos, un país que a su vez es parte del resto del mundo; y también como un individuo que es capaz de participar de esto. Pero me parece que el arte no es la única forma en que esto se puede lograr, hay muchas formas de hacerlo”. En su obra están presentes elementos muy poderosos como parte de su inspiración. La guerra y desastres naturales son temas recurrentes en su imaginario. Sin embargo, la fuerza de lo negativo no es lo único que da movimiento y cobra vida en sus telas, también hay elementos positivos que formen parte de su impronta. “Pienso en el desarrollo, el crecimiento de la civilización, la democracia. Creo que la humanidad es muy compleja. No es maravilloso?!” Y tal como en su trabajo creativo conviven el bien y el mal, las fuerzas opuestas también forman parte de su vida. Abriendo una pequeña puerta de su espacio íntimo nos declara: “Un buen chiste me hace reír. Y… no lo sé… pero historias de madres e hijos, me ponen triste. A lo mejor porque soy madre hace poco”. Es justamente la maternidad una experiencia que inevitablemente despierta recuerdos sobre nuestra propia infancia, aquella donde se sustentan los pilares de nuestra identidad, donde se forjaron nuestros intereses y se cultivaron nuestros talentos. “No tengo un recuerdo en particular al que me pueda remitir. Yo siempre quise hacer arte, desde que era muy pequeña estaba siempre haciendo dibujos o pequeñas pinturas. No tengo un recuerdo preciso que haya gatillado algo en mí. Fui recolectando distintos tipos de experiencias que de alguna manera me fueron inspirando”. Al trasladarse en el tiempo hacia ese pasado a un lugar y a un continente que hoy le es casi ajeno, se pone a analizar cómo “Lo que trato de hacer es esta experiencia se ha pintura abstracta y a través de manifestado en su trabajo esta ser capaz de entender la creativo y continúa: “Yo complejidad de este mundo, nací en Etiopía, pero mi dónde estamos y cómo estamos madre es estadounidense, y y cómo hemos llegado a la viví en Etiopía hasta los seis años y medio o siete años, o situación que estamos viviendo.” sea muy niña, y después me crié en Estados Unidos. Por lo tanto en muchos aspectos soy bastante norteamericana, pero también tengo algo de esta otra cultura. Digo esto para que quede bien claro quién soy. Por lo tanto, la evolución de mis símbolos y la evolución de mi arte es muy compleja. No te puedo explicar esto en forma consciente, simplemente viene hacia mí y sale en mis pinturas”. Esta cultura mixta le ha entregado originalidad y también la ha hecho consolidar su propio estilo, dibujando el mapa de quién es y de dónde se sitúa en su cartografía. Julie Mehretu se define con simpleza | ArtPremium |

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y sin titubeos: “soy una pintora abstracta, etíope y norteamericana”. Pero es difícil clasificar a Julie Mehretu, ha sido asociada a corrientes tan distintas como el barroco, el arte renacentista, el surrealismo y el posmodernismo. Y es justamente esa mezcla de estilos lo que la hace única y original. Ella ha sacado lo mejor de cada una de estas corrientes para crear su propia impronta. “No diría que me siento identificada, pero sí me he inspirado en muchos artistas desde Da Vinci, Altdorfer, Kandinsky, Turner, Smithson, Hammonds hasta Emma Kunz. También Gego, Hesse, Kara Walter, y muchos otros. (...) Lo que trato de hacer es pintura abstracta y a través de ésta ser capaz de entender la complejidad de este mundo, dónde estamos y cómo estamos y cómo hemos llegado a la situación que estamos viviendo. También cómo esto es parte de una historia más amplia, de una psicología más amplia. Tratar de mostrar el presente dentro de un contexto mayor”. Le preguntamos si esta mirada podría considerarse un enfoque cósmico que de alguna manera busque transformar el mundo real y el universo en una abstracción mediante una obra de arte: “Tal vez hace algunos años podría haber contestado esa pregunta de un modo más directo. Cuando eres más joven tienes más claro lo que te gustaría hacer, hacia dónde te gustaría ir, pero en la medida que empiezas a trabajar como artista empiezas a buscar un sentido de tu | 03/04 2007|


propio trabajo, a desarrollar tu propio lenguaje que tenga sentido con el mundo que está a tu alrededor, pero también con las imágenes que nacen de ti. Y tal vez mi deseo de hacer cosas en un arte abstracto es tal vez eso a lo que tú te refieres, tratar de darle sentido a estas formas en vez de articularlas”. UN PASO MÁS ADELANTE Muchos podrían pensar que está en la cima de su carrera o que seguirá explorando este estilo, pero sus sueños la están llevando más allá de los bordes de sus propias cosmogonías. Los próximos retos de su carrera la están conduciendo a la realización de trabajos interdisciplinarios. Su interés por la música se ha sumado a la exploración por la escultura, un formato tridimensional y multisensorial que al parecer será una invitación a sumergirse en su universo geométrico y abstracto. Sus pinturas están en movimiento y de ellas prácticamente emanan los sonidos de la urbe, bocinas y motores rujen a lo lejos, la fuerza de la naturaleza se despliega como el viento y la voz de las minorías habla como un suspiro sobre la tela. Stadia II, 2004, acrílico y tinta sobre canvas, 108” x 144”. Colección The Carnegie Museum | ArtPremium |

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Una de sus fuentes de inspiración es la música, compañera permanente en su taller, y posible motivación para experimentar con otros soportes como forma de expresión de su arte. Junto al artista en sonido Stephen Vitiello, ha presentado obras de arte cinético en el Kunstlerhaus, en Viena y en la bienal de Sydney, del 2006. En este último evento, su trabajo consistió en un mural dibujado por Julie en interacción con 20 parlantes y seis canales de audio que transmitían desde señales inaudibles hasta grabaciones de fuegos artificiales, truenos, disparos, entre otros sonidos. “Estoy trabajando con artistas que utilizan el sonido y esculturas. Estamos recién comenzando en nuestra próxima idea, pero queremos desarrollar algo con Stephen Vitiello, y estamos en proceso de conceptualización de una escultura móvil, con parlantes y sonidos genéricos para formar una nueva escultura cinética para una posible exposicion en Berlín”. Actualmente tiene proyectada una exhibición para el 10 de noviembre en el Detroit Institute of the Arts para luego dar paso a la antes mencionada exhibición en Berlín, en septiembre del 2008. Esta demandante carrera en el mundo del arte va acompañada de una gran dedicación y profesionalismo. Su estudio en Nueva York parece haberse convertido en su alma mater, nicho perfecto para generar una obra principalmente urbana y cosmopolita. El trabajo de Mehretu nos deja en un silencio acústico parecido al de Kandinsky. Pienso en el desarrollo, el Contemplar sus pinturas es crecimiento de la civilización, sumergirse en un remolino la democracia. Yo creo que la de color que es capaz de humanidad es muy compleja. envolver al espectador No es maravilloso?! desde la distancia, invitarlo a caminar por sus edificios virtuales desde un punto medio y descubrir el significado de sus detalles simbólicos en sus primeros planos. Sus cuadros son cosmogónicos y a su vez minimalistas. En ellos conviven palomitas origami, banderas, tormentas de arena, símbolos ideológicos, estrellas, códigos de barra y múltiples cuerpos geométricos en colores básicos y bien definidos. Esta explosión de color casi teatral no le resta fuerza a su mensaje, sino que le otorga el equilibrio necesario para desplegar planteamientos críticos sin caer en en una atmósfera lúgubre y pesimista. Al preguntarle cómo le gustaría ser considerada por los artistas del futuro ella responde con sabiduría y certeza: “Como una buena artista”. | 03/04 2007|


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UN CAMBIO DE FILOSOFÍA EN EL PRESENTE NO EQUIVALE NECESARIAMENTE A UNA ANIQUILACIÓN DEL PASADO. AL MENOS ASÍ LO VE LA ESPECIALISTA EN ARTE CARMEN CORREA, QUIEN ENÉRGICAMENTE HA CONFLUIDO DOS MODELOS DISTINTOS EN UN MISMO ESPACIO.

Una apertura a la dualidad de los siglos: Carmen Correa Contemporáneo y … de Museo Galería de Arte ¿Quién dijo que lo clásico y lo contemporáneo no pueden E N T R E V I S TA C O R I N N E T I M S I T convivir sosegadamente en un mismo espacio? Ese camino para REDACCIÓN CARMEN GRACIELA DÍAZ muchos intransitable, pero latente en los senderos del universo del arte, no detuvo el espíritu inquieto y emprendedor de quien La plataforma de fotógrafos con los cuales Carmen se alineó para ha sostenido una carrera de sólida reputación dentro del arte lanzar su propuesta contemporánea en photo Miami fue completada clásico puertorriqueño, para atreverse a evolucionar hacia un con Rosario Fernández -fotoperiodista del diario puertorriqueño El nuevo mercado que desborda radicalismo, donde la vanguardia Nuevo Día- al ésta llegar referida por la reconocida galerista Sylvia comulga con la tradición. De esta forma, el arte clásico y el arte Villafañe, antes que Carmen Correa Contemporáneo fuera presentada contemporáneo se abrazan en … de Museo Galería de Arte y Carmen en la mencionada feria. Correa Contemporáneo. “El resultado de photo Miami fue que vendimos 11 fotografías, Entre el 1999 y 2000, Carmen Correa, directora de la galería de las cuales una de Jason se vendió a una coleccionista en Santa … de Museo, cimentó un hogar para el mercado y la exposición Mónica, California; dos de Jason se vendieron a una coleccionista del arte clásico puertorriqueño desde finales del siglo XIX hasta en Boca Ratón; dos de Marcos se vendieron a un matrimonio de mediados del siglo XX, lugar en el cual desde Campeche, De Oller trustees del Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, a los 40, hasta el tronco de la Generación del 50 de Rosario cuatro se vendieron localmente, y dos observan atentamente al Puerto Rico del siglo LO MISMO QUE HE HECHO más de Marcos se vendieron localmente”, detalla XXI. CON EL ARTE CLÁSICO Carmen. Sin embargo, una inquietud profesional y PIENSO HACERLO CON EL Otro resultado de esa participación y de una corazonada la condujeron a prestarle una la acogida que photo Miami trajo consigo, es ARTE CONTEMPORÁNEO… cuidadosa atención al arte contemporáneo. que Tim Fleming, director de la feria, le dio la Carmen comenta que empezó a comprar arte bienvenida a Carmen Correa Contemporáneo a la contemporáneo en distintas galerías y cuando descubrió la obra próxima edición de la feria junto a una valiosa recomendación a mi del artista Jason Mena, comenzó su deseo formal de entrar en el hermano José (subdirector de Carmen Correa Contemporáneo) para mercado y en la promoción de arte contemporáneo. Fue así como que participáramos en Art L.A. y Photo New York”. en el 2006, Carmen cambia de lugar para darle espacio a una nueva Tras participar en photo Miami, la cosecha ya se empieza a ramificación a su galería que tomaría el nombre de Carmen Correa recoger y todo apunta a que los frutos no cesarán. A raíz del éxito Contemporáneo. alcanzado en Miami, Carmen y sus artistas recibieron la invitación La empresaria abunda en torno a cómo Jason fue un acicate para para exponer en Arteaméricas, una feria de arte latinoamericano, dar el brinco de lo clásico a lo contemporáneo, y así mirar a otros además de ser aceptados en CIRCA, la feria de arte internacional artistas emergentes: “Jason me despertó la curiosidad. Además, de Puerto Rico. Asimismo están pensando para fin de año ir a Foto yo creo mucho en la obra de Linda Sánchez Pintor a la que había Buenos Aires, a la cual también fueron invitados. firmado en escultura y ya la tenía como artista. Eran los únicos Cabe mencionar que desde el momento que Carmen habló con dos artistas con los que quería trabajar. Luego de conocer a Jason, Jason hasta el momento que siguió desarrollando conexión con otros empecé a ver su trabajo, fui a la feria Arwy y conocí a Marcos Ruiz. artistas, conformó un proceso rápido pues ésta se confiesa amante de Allí estuve junto a Jacobo Carpio -que es un galerista costarricense las decisiones rápidas, aún cuando nunca había pensado tener tantos muy conocido- y coincidimos en lo que vimos en el trabajo de artistas. Es así como actualmente Carmen Correa Contemporáneo se Marcos. Así decidí experimentar también con él. | ArtPremium |

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Carmen Correa y su hermano JosĂŠ


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nutre de la presencia y el trabajo de Jason Mena y Yianitza Febles quienes trabajan foto y vídeo; Marcos Ruiz y Rosario Ross Fernández en foto; Rafael Vega e Iván Girona en pintura; y Linda Sánchez Pintor en escultura. Equipo que estará completo en CIRCA. “En CIRCA voy a presentar dos espacios: Carmen Correa Contemporáneo con mis siete artistas y … de Museo Galería de Arte donde habrá un Campeche, un Oller, Julio Rosado del Valle, Myrna Báez y todos los grandes del arte clásico puertorriqueño y del arte moderno, aunque en Arteaméricas vamos a presentar solamente a Carmen Correa Contemporáneo”, informa la galerista mientras comenta orgullosa sobre la obra y la relación que sostiene con sus artistas. Al preguntarle a los artistas que conforman Carmen Correa Contemporáneo si el conocer que Carmen ha trabajado toda su vida con el arte clásico fue una barrera al momento de recibir su acercamiento profesional, todos hablaron con beneplácito de la experiencia de estar a su lado en este proyecto. Linda Sánchez Pintor, escultora del grupo de Carmen Correa Contemporáneo y quien también es la Directora del Departamento de Escultura de la Escuela de Artes Plásticas habla de la experiencia. “Los siete que estamos aquí tenemos una formación académica, lo académico no es algo que nos abandona, LA FOTOGRAFÍA TIENE es algo que rige nuestro QUE SALIR PARA DARSE A proceso formativo y mucho CONOCER Y PARA QUE UNO más el creativo. El hecho PODER DECIR: “TENGO UN de ser contemporáneos no GRAN FOTÓGRAFO”. implica que abandonemos lo académico o su conocimiento en nuestro proceso de creación. Ciertamente una cosa va atada a la otra. No hay tal cosa como una división entre lo clásico y lo contemporáneo, al contrario, uno es consecuencia del otro, así que no hay tal cosa como esa dicotomía entre un lenguaje y otro. Somos parte de un proceso generacional de un proceso histórico y vivimos nuestro momento”. Las gestiones de Carmen se diferencian de muchas galerías porque no ha querido vender únicamente, sino también desarrollar el mercado y la promoción de sus artistas. Siendo las ventas del arte clásico las que precisamente viabilizan el dinero y los recursos para la promoción y el mercado de sus artistas contemporáneos, dice la galerista: “lo que estoy pensando ahora mismo con mis artistas es exponerlos en ferias, y fuera de Puerto Rico. Sí, haré una exposición al año en Puerto Rico pero lo que me interesa ahora mismo es exponerlos en el exterior”. ArtPremium: Aquí hay un cambio drástico en tu carrera. Pero eso no quiere decir que estés erradicando tu pasado debido a que estás conformando tu futuro en relación con la actualidad al hablar del desarrollo del arte contemporáneo en el mercado. ¿Por qué razón decidiste ahora dar un giro radical a la expresión en tu galería?

No hay un cambio como tal porque mi galería … de Museo se queda idéntica a como está. El arte clásico puertorriqueño nunca lo voy a abandonar porque es el arte que entiendo que me ha sostenido, es el arte que conozco súper bien y eso nunca lo voy a dejar.

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¿Por qué razón te sentiste más cómoda con la fotografía si tú vienes de una formación más clásica? Hablando de pintura y figuración, ¿cómo diste ese salto?

Me gusta mucho la fotografía porque a mí me gusta todo lo que nunca se ha explorado. La fotografía en Puerto Rico todavía está en pañales. Cuando yo me dirigí a hacer el arte clásico puertorriqueño yo sabía que había un nicho de los artistas que nadie conocía como Eduardo Vera Cortés, José Marino García, Julio Tomás Martínez. Pero la técnica, ¿no te da miedo en cuestión de que aquí en Puerto Rico se vende tan poco dibujo y además poca fotografía?

A mí me gustan los riesgos. Grandes riesgos, grandes ganancias. No me gustan las cosas fáciles. Creo en el arte contemporáneo, ya sea en la pintura, ya sea en la escultura, ¿qué más hay por explorar? Sí, hay muchos artistas que están surgiendo pero verdaderamente ya no me interesó. La fotografía me intrigaba. Me gustaban los grandes fotógrafos como Mapplethorpe y Manuel Álvarez Bravo, pero nunca he podido tener fotografías de ellos porque están en precios incosteables y yo veía a muchos artistas jóvenes que están tratando de realizar algo y no lo pueden lograr porque se quedan en el mismo lugar. La fotografía tiene que salir para darse a conocer y para que uno poder decir: “Tengo un gran fotógrafo”.

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¿Cómo te llegó la invitación a photo Miami?

El galerista costarricense Jacobo Carpio me invitó a su espacio donde ubicamos las obras de Jason, Marcos y Rosario. Durante el montaje, el director de la Feria, Tim Fleming me felicitó por la calidad de las obras y al final de la misma me invitó a la reunión relacionada con la próxima feria.

Ahora mismo tuve photo Miami, Arteaméricas, CIRCA y voy a Foto Buenos Aires. Tengo un promedio de cuatro, cinco ferias por año en las que voy a participar. Yo soy muy buena administradora y tengo mis bases cubiertas. Mi galería de arte clásico puertorriqueño no se va a ver afectada porque si yo tengo que llevar mis muertos -como yo digo- a los vivos, que son mis clientes, los llevo.

¿En qué se encuentran trabajando los artistas de Carmen Correa Contemporáneo?

¿Crees que tus coleccionistas más clásicos se están abriendo a los artistas más jóvenes?

Jason acaba de hacer un video que trataremos de presentarlo en CIRCA. Allí expondremos una escultura monumental de Linda que cuenta con más de 10 pies de alto, y dos de sus esculturas adicionales en Arteaméricas. Estamos además con Rafael en pintura y Rosario que sigue con sus fotografías tanto en CIRCA como en Arteaméricas. Con Iván tenemos una exposición aquí en la galería el 7 de febrero, además de participar en las dos ferias con Marcos y Jason. Asimismo Yianitza Febles, una nueva joven fotógrafa presentará fotografía y vídeo en ambas ferias.

Con algunos me ha costado trabajo pero otros están más abiertos. Ellos comprenden y saben cómo yo soy y tienen confianza en lo que yo hago. Lo mismo que he hecho con el arte clásico pienso hacerlo con el arte contemporáneo… En sólo ocho años Carmen ha desarrollado una galería de arte clásico, está abriendo un espacio de arte contemporáneo y se encuentra implicada en cuatro o cinco ferias de arte en el mundo. Aquella mirada inicial al arte contemporáneo dejó de ser prestada… hoy día es una mirada enfocada entre movimientos de arte separados por una brecha generacional, pero unidos en esencia creadora, pasión y el ingenio creativo de sus exponentes.

Tú tienes muchos proyectos, muchas ferias. ¿Qué va a pasar aquí? ¿Quién va a estar a cargo de galería … de Museo porque tú vas a estar viajando a menudo.

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JESÚS “BUBU” NEGRÓN

“ Va llegar un momento en que ya lo habré dicho todo”

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E S T E I N N OVA D O R A RT I S TA - O R I U N D O D E B A R C E L O N E TA - S E H A C O N V E R T I D O E N UN RECONOCIDO REPRESENTANTE DEL ARTE PUERTORRIQUEÑO A NIVEL INTERNACIONAL, QUIEN CON GRAN SENCILLEZ SE DECLARA ORGULLOSO DE CUMPLIR ESTE ROL Y ATRIBUYE A LA SUERTE EL ÉXITO QUE HA CONSEGUIDO.

FÓTO: DANIELA RUSOWSKY

POR DANIELA RUSOWSKY Jesús “Bubu” Negrón es un artista joven, irreverente y lleno de nunuevos proyectos. En su obra predomina el uso de espacios públicos donde busca establecer vínculos entre la gente común y el arte contemporáneo. Tal como él un día descubrió que las fronteras del arte iban mucho más allá que la pintura o la escultura tradicional, espera que el público que habitualmente no frecuenta las galerías o museos se sorprenda con las enormes posibilidades de creación que ofrecen las nuevas tendencias. Su trabajo comenzó casi en forma fortuita cuando estudiaba en la escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico, ubicada en el Viejo San Juan. Este espacio le ofreció la posibilidad de relacionarse con artistas consagrados, cuyo trabajo lo inspiró para desarrollar sus propios proyectos. En su opinión, conocer la gente adecuada en el momento preciso y establecer lazos de amistad, fue la clave para expandir su carrera profesional. Algunas de sus creaciones pueden catalogarse como intervenciones sociales, pues para él es vital trabajar con la gente que habita un determinado lugar y hacerlos partícipes de su proyecto, pero sin asumir un rol paternalista o una actitud de superioridad intelectual sino, por el contrario, convertirse en un equipo de trabajo. En sus proyectos busca promover una interacción social enfrentada a las autoridades o estructuras de poder. El resultado se convierte en un objeto o documento de arte, el cual para él es un vehículo entre las relaciones que desarrolla en el espacio público y los lugares para exhibir arte. Entre sus acciones de arte más sobresalientes se destacan “Abra de las colillas” (2002), la instalación de colillas de cigarrillos en una calle de adoquines, “Brite Bike”, (2005) bicicletas con tela reflectante, “Igualidad” (Igualdad ¿?) (2004), video de 5 minutos sobre el encendido de la chimenea de una fábrica abandonada, “Rosa Tecata (Junkie Rose)” , construida con alambre y hojas de palma, “Valet Parking Service” (2004) , el desarrollo de la imagen corporativa y uniformes de quienes trabajan ofreciendo servicio de Valet Parking en el Viejo San Juan y “VIP Sketch (Art Basel Miami Beach)” (2003) de técnica mixta sobre papel. Desde su taller, ubicado en la calle Sol, nos abrió sus puertas durante su “break” de fin de año, para contarnos sobre su visión del arte, su obra y sus proyectos futuros.


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LA VIDA ES MÁS ALLÁ QUE ESTO. ANTES DE QUE SE DAÑE LO QUE HA TENIDO FUERZA, MEJOR ME RETIRO, TRANQUILO.

Bueno, ese es mi sueño. Lo artístico es temporero. Cuando uno hace este tipo de arte está vivo mientras está la bienal. Y yo no lo estoy criticando, yo lo reconozco. Como en este proyecto la gente que trabaja, este valet parking y este curador, no les interesa conectarse, esa es la realidad. En ese caso yo intenté hacer algo más, pero no se logró por otras razones, gubernamentales, pero están las herramientas.

Brite Bike, 2005, Bicicletas y cintas adhesivas reflectoras, C-print, varias dimensiones. Cortesía del artista.

¿Tu trabajo partió como artista y desde ahí comenzaste a desarrollar un arte conceptual, o a partir de tus conceptos llegaste a hacer arte?

Siempre he estado ligado a las artes. Cuando llegué aquí a San Juan me encontré con toda esta escena contemparánea local. No es el arte tradicional, que uno conoce desde pequeño. Me dio así como una cierta pequeña rebeldía. Después empecé a mezclarlo y empecé a entender. Poco a poco, con ese encuentro con el arte del pueblo, encontré una herramienta para poder acercarme a la gente que yo quería, sin perder el arte, pero sin llegar a lo social. En tu camino por el arte, ¿cuál fue tu proceso educativo o más bien te consideras autodidacta?

Mucha gente me considera autodidacta, pero yo no me creo autodidacta porque aunque tuve una formación irregular, es educación. (...) Siempre he estado en el mundo del arte, haciendo mis murales, artesanías, educación, y me decían “debes estudiar esto, estudia esto”, pero hasta que salí de la Escuela Superior no les hice caso. Quería ser maestro de arte, pero no artista o pintor. Pero por circunstancias de la vida, se me acercó este profesor de la Escuela Superior, José Julio Rivera, y me dijo: “ La escuela de Artes Plásticas es para ti”, y entonces me gustó el ambiente y me quedé. ¿Cuáles son los principales temas que te gusta transmitir?

Siempre he tocado el lado social. Lo que he tratado es de sacarlo del mundo del arte, que es bien grande pero exclusivo, y devolverlo a donde vengo, o sea al pueblo. Muchos trabajos que he hecho son de un mundo del arte que se rechazan, como la artesanía, como ciertos dibujos de murales. ¿Cuáles son tus ideas de fuerza?

A mí me interesa hacer algo educativo, llevar algo a la gente de más abajo que no tiene acceso, no necesariamente porque sea pobre, sino por los muchos límites que tiene el mundo el arte. Todo el mundo hace arte, está en todas partes, pero el mundo del arte es el que rige. Yo me metí ahí y han pasado todas estas cosas, estas aventuras como yo las llamo. ¿Crees que en algún momento podrías dejar lo meramente artístico y convertirlo en un proyecto social? | ArtPremium |

¿Cómo fue que te catapultaste hacia un escenario más internacional?

Una cosa clara es que siempre he estado trabajando. Yo le doy mucho mérito a la suerte y a la gente que me encontré en el camino. Empecé como voluntario y aunque ya estaba envuelto en ideas y cosas, no las hacía porque no estaba en esa, no tenía recursos ni nada. De ahí pasó Puerto Rico 00, que fue un boom y fue la primera vez que vi tantos artistas internacionales, y me di cuenta que la cosa va más allá. Entonces conocí su trabajo y me entró curiosidad. Agarré confianza de hacer cosas y seguí adelante. ¿En qué proyecto estás trabajando ahora?

Vengo de un proyecto en Costa Rica, y ahora en el 2007, tengo uno en Arabia, en los Emiratos Árabes. Fui a una reunión allá pero la Bienal es en abril. Hay varios proyectos, tal vez haga algo aquí también. ¿En qué consiste el proyecto de los Emiratos Árabes?

Tal vez haga algo con una de las bahías que hay allá. Todavía no es oficial pero estoy armando algo. Hay varios barcos pesqueros abandonados, y es todo desierto. La idea es trabajar con la misma gente que hay allá y forjarlo todo de arena y hacer un barco de arena encallado. Pero esa es una de las cosas que encuentro todavía un poquito raras, que te pidan las cosas por asignación. En Dubai están haciendo islas artificiales, una ciudad entera, toda esa explotación que está teniendo esa área y los cambios drásticos con respecto a la tradición y el ambiente. Para mí es un reto porque de ahí yo no sé nada. A la gente no le interesa el arte en absoluto. Tú aquí encuentras algo, rebuscas en las personas y bueno sí, les gusta el arte. Pero allá no les interesa, punto. Hicieron un museo de arte contemporáneo y va nadie. Están haciendo todo tan acelerado porque alguien le dijo a algún jeque que si quería ricos, tenía que tener arte contemporáneo. Hay un interés, pero se ve que no es solamente cultural. Con este nuevo proyecto, ¿Cómo fue para ti enfrentarte a un paisaje completamente opuesto al de Puerto Rico?

Es completamente opuesto pero es bien cosmopolita. En estos tiempos nada es diferente, en todos los lados que he ido me siento igual que aquí, a menos que uno vaya a lugares más recónditos del mundo donde la vida no ha cambiado para nada. Pero en todos lados es lo mismo, la gente va al trabajo, con su carro... es lo mismo con esta loca globalización. Abra de las Colillas, 2002, colillas de cigarillos, varias dimensiones. Cortesía del artista

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La Promesa, 2003, DVD 00:19:03. Cortesía del artista Igualdad, 2004, DVD 00:05:03; C-print. Cortesía del artista

¿Cómo crees que eres percibido como artista puertorriqueño por otros artistas en otros lados?

Al mismo nivel. Cuando tú estás afuera eres casi un diplomático. Yo represento a Puerto Rico y es un orgullo a fuego. Cuando salgo del país trato de pensar que hay más de 4 millones de personas que están detrás de mí. Porque dicen el puertorriqueño, no dicen Bubu, es el artista que lo hizo mal o lo hizo bien. Eso te da seriedad y coraje para tratar de hacerlo bien, y eso ayuda muchísimo. ¿Crees que a largo plazo vas a seguir en el mundo del arte y continuar en esta línea?

Pues yo no sé. Yo lo veo como comenzó, de la nada, y así va a terminar. Pero sigo, sigo... me gusta pero no me aferro para siempre. Siempre me lo han refutado, pero el que no tiene nada más que decir se va. Yo trato de decir cosas, pero va llegar un momento en que ya lo habré dicho todo. La vida es más allá que esto. Antes de que se dañe lo que ha tenido fuerza, mejor me retiro, tranquilo. A veces no es lo que tú eres, es como te venden. ¿Eso genera un conflicto?

Te genera un conflicto pero nadie se da cuenta. Yo conozco a mucha gente que está en una galería y está ganando dinero, pero te encajonan. Si tú quieres pintar o hacer otra cosa, te van a obligar a seguir haciendo eso, es el contrato. Y eso es bien peligroso porque te limita como artista. Por eso estoy pensando hacer otro negocio que no sea el arte, y hacer arte porque quieres y porque te gusta y no como una industria. No se puede escapar de eso porque eso es lo que es, pero hay que saber decir no, no tanto. ¿Qué es lo que te falta por decir?

Lo que sí sé es que he dicho bastantes cosas. Yo sigo creciendo, pero la vida es como una ola, que va creciendo hasta que te cae encima. El mundo del arte es así. Yo empecé de una manera rebeldona, medio romántica, de que esto me gusta y no me interesa más nada. Pero con el tiempo me metí al mundo del arte, de galerías, ferias, vender, pero como que me contaminó un poquito lo que llevaba adentro. Me podría ir por este lado y hacer dinero, pero no es la felicidad que | ArtPremium |

quisiera tener. Y después de seis años que llevo con esto, y aunque he llegado a lugares donde nunca había pensado llegar, nada ha cambiado, sigo siendo de Barceloneta, la misma gente la misma casa, la misma economía, como si no hubiese pasado nada. Es una cosa bien confusa, porque ha pasado mucho, es obvio. Quisiera ser maestro, porque quisiera decir cosas, no porque las haya aprendido en la academia, sino porque lo viví, esa es una de las cosas que quiero seguir diciendo. ¿Te complica el hecho de que haya otros artistas que no son valorados?

Me ha importado siempre. Y ni siquiera artistas o estudiantes, gente que tú ves en la calle y que te dice “por qué no haces esto”, y uno dice Dios mío, esto es mejor que lo que uno hace, y el tipo simplemente trabaja en una oficina o en otra cosa. Pero si hay gente interesada yo les digo síguela sin miedo. A mucha gente le ha pasado como a mí, que ha empezado a conocer grupos y de repente entra. Después depende de ellos seguir. Lo más difícil es mantenerse a flote. Bubu Negrón es un hombre simple y sin grandes discursos. No se considera más creativo ni más talentoso que otras personas, sólo que tuvo la suerte de entrar en los círculos formales y ha sido capaz de mantenerse vigente. Sus primeros trabajos, más bien experimentales, le han servido de base para explorar nuevas facetas que involucran mayor profundidad conceptual. Temeroso de lo efímero de este trabajo, su esperanza es que si bien esta obra no perdure en el tiempo y el espacio, sea capaz de generar reflexión y mantenerse en la memoria de quienes forman parte de sus creaciones colectivas. Bubu se despide de nosotros con la risa a flor de labios y el corazón expandido al mirar los tejados del Viejo San Juan desde la azotea de su taller, porque para él es ahí donde nace su inspiración, de donde parte todo su universo creativo. 68

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ü ...y algo más má

Cosas de Ayer y Hoy donde comprar y vender es un arte

Milagros Cruz

Compra - Venta Consignación

787.782.4566 Paz Granela 1777 Urb. Santiago Iglesias Río Piedras, PR 00921


biblioteca

Graffiti Women: Street Art From Five Continents Nicholas Ganz Abrams, 223 páginas, id. inglés, $29.95

Dentro del graffiti, ambiente dominado por los hombres y basado en la frecuentemente competitiva escena urbana, las mujeres graffiteras han estado inmersas en este movimiento artístico desde sus comienzos cuando éste se levantó como arte emergente en las calles de Nueva York y Filadelfia en la década de los 70. Para la mujer graffitera, la lucha por alcanzar reconocimiento ha sido ardua, ya que se consideraba que no era capaz de trabajar bajo duras condiciones. Sin embargo, fieles al espíritu competitivo de este juego, muchas féminas han desafiado este estereotipo, lanzándose a las calles con vigor y realizando algunas de las obras más arriesgadas y creativas de la historia del graffiti. Graffiti Women: Street Art From Five Continents es la primera y única obra que examina ampliamente el trabajo de mujeres graffiteras y artistas callejeras. Este libro, el cual es un seguimiento a la exitosa publicación Graffiti World del mismo autor, pone de relieve el trabajo de sobre 125 de las más prominentes artistas de todo el mundo. Con más de 1,000 ilustraciones a todo color y un texto autoritario, este libro se encarga de ubicar a las mujeres en la vanguardia de esta forma de arte emocionante y siempre evolutiva.

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10 x 10_2 100 Architects 10 Critics Phaidon, 464 páginas, id. inglés, $75.00

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Para la producción de 10 x 10_2, se solicitó a diez de los más respetados profesionales, curadores y críticos de arquitectura que seleccionaran a diez arquitectos cuyos diseños hayan despuntado internacionalmente durante los pasados cinco años. Organizado alfabéticamente por nombre de firma, el trabajo de cada uno de los 100 estudios se presenta aquí en cuatro páginas acompañadas de un texto escrito por el colaborador seleccionado. Variadas expresiones estéticas son mostradas a través de las más de 400 páginas, que comprimen unas 1,500 imágenes, 250 edificios y proyectos y 28 países. De China, Eslovenia y Corea del Sur emergen nuevos espacios arquitectónicos y tambien una nueva cepa de profesionales quienes ininterrumpidamente mezclan educación y perspectivas tanto vernáculas como internacionales, con las cuales nutren las obras que realizan. El volumen aparte de proveer al lector una fascinante visión general sobre la actual escena arquitectónica a nivel regional así como global, incluye además diez ensayos originales escritos por los colaboradores de esta publicación donde éstos expresan sus puntos de vista sobre la arquitectura contemporánea. Asimismo ellos han recopilado una lista de diez referencias culturales –desde libros y películas hasta diseño de arte y moda- con las cuales revelan la gama de influencias de la cultura de diseño internacional del presente.


Voces de la Cultura 1 Ángel Collado Schwarz La Voz del Centro, 331 páginas, id. español, $48.00 Voces de la Cultura 2 Ángel Collado Schwarz La Voz del Centro, 311 páginas, id. español, $95.00

Son unos libros donde convergen las voces y las obras de Ramón Emeterio Betances, Lola Rodríguez de Tió, Francisco Oller, Luis Muñoz Marín, Nilita Vientós Gastón, José Campeche y Manuel Alonso, entre muchísimas figuras más, y donde a pesar de lo disímiles que puedan ser unos de otros, estos personajes comulgan en un punto clave: el legado que dejaron a la historia de Puerto Rico. Se trata de Voces de la Cultura 1 y 2, publicaciones que emanan del programa radial “La Voz del Centro” conducido por Ángel Collado Schwarz, presidente y fundador de la Fundación Voz del Centro. De experimento a proyecto cultural, esta transmutación dio como resultado no sólo la producción de un programa radial y un ciberespacio de gran validez educativa y cultural sino que también produjo estas publicaciones que sostienen testimonios no sólo de personajes sino de instituciones y eventos históricos de Puerto Rico y el Caribe. Cabe mencionar que mientras Voces de la Cultura 1 tiene un prólogo por el Dr. Efrén Rivera Ramos, Voces de la Cultura 2 hace lo propio con el escritor Edgardo Rodríguez Juliá. Herramienta útil y pertinente para todo aquel que tenga el impulso de aprender sobre la cultura puertorriqueña o para quien desea salvaguardar y apropiarse de un trozo de la historia colectiva de Puerto Rico, Voces de la Cultura 1 y 2 son libros que no deben faltar en su colección.

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Este libro brinda un acceso tras bastidores a la vida fotográfica de Christopher Makos del 1976 al 1987, cuando éste compartió casi diariamente con Andy Warhol, el máximo exponente del arte pop. Warhol | Makos In Context incluye más de 100 hojas de contactos de Makos, reproducidas junto a comentarios y marcas de edición nunca antes vistos. La publicación comprende el material crudo del trabajo generado Warhol | Makos In Context por Makos durante esos años, el cual incluye las experiencias y amistades que él compartió con el pintor, los Christopher Makos viajes que dieron, al igual que escenas PowerHouse Books, 256 de trabajo en los estudios de Warhol páginas, y Makos en Nueva York. Este libro id. inglés, $37.80 es asimismo un registro visual de la diversión y high jinks de La Factory, que además se transforma en un documento que pone a Warhol en el contexto de Makos. Warhol | Makos In Context presenta a íconos del mundo del arte captados por Makos entre los que se encuentran: Liza Minnelli, Madonna, David Geffen, John Lennon, Mick y Bianca Jagger, Keith Richards, Diana Ross, Debbie Harry, David Byrne, Jimmy Buffett, Sonny Bono, la Princesa Carolina de Mónaco, Jimmy Carter, Muhammad Ali, Steve Rubell, Halston, Calvin Klein, Diana Vreeland, Tom Ford, Jack Nicholson, Elizabeth Taylor, Jodie Foster, Matt Dillon, Marianne Faithfull, Olivia Newton-John, Robert Duvall, Christopher Reeve, Ron Wood, Rainer Werner Fassbinder, David Hockney, Robert Rauschenberg, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Norman Mailer y Truman Capote, entre otros. La publicación también contiene comentarios de Tom Ford, Ultra Violet, Debbie Harry, Vincent Fremont y Glenn O’Brien.

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art trivia 1.¿Qué movimiento de arte en Europa fue contemporáneo a la emergencia del Pop Art en Inglaterra y Estados Unidos? a.Nuevo realismo b.Hiperrealismo c. Surrealismo d.Expresionismo

2. En febrero de 2007, una pieza de arte de un valor de 12.400 euros, fue robada de una galería de Noruega. ¿De qué material está hecha esta obra? a.Agua b.Oro c. Plata d.Billetes (dinero)

3. ¿Cuál es el movimiento artístico que sostiene que las piezas de arte no tienen que comunicar ni emociones, ni información? a.Op-Art b.Arte conceptual c. Minimalismo d.Junk art

4. ¿Qué cuadro famoso sufrió una agresión en el 1974, donde un fanático escribió en letras rojas: “Mueran todas las mentiras”? a.La Monalisa b.Guernica c. La Danza d.El Jardín de las Delicias

5.¿Quién pintó esta obra representando a Marilyn Monroe?

6.¿Qué fotógrafo tomó esta foto de la pintora Frida Kahlo?

a.Andy Warhol b.Jackson Pollock c. Jean-Michel Basquiat d.Willem de Kooning

a.Manuel Álvarez Bravo b.Robert Mapplethorpe c. Helmut Newton d.Anne Leibowitz

7. ¿Cómo se llama el premio que se

8. ¿Cuál es el arquitecto(s) que

considera la “beca de los genios”?

construye(n) el Centre GeorgesPompidou?

a.Premio MacArthur b.Premio del Castillón c. Turner Prize d.Premio Joan Miró

a.Frank Gehry b.Jean Nouvel c. Herzog & de Meuron d.Richard Rogers & Renzo Piano

¿Quién dijo? “SOY MÁS UN AMIGO DEL ARTE QUE UN PRODUCTOR DE PINTURA”

CLAUDE MONET EDGAR DEGAS

PAUL CÉZANNE CAMILLE PISSARRO

“EL ARTE ES SOBRE TODO UN ESTADO DEL ALMA”

RENÉ MAGRITTE MARC CHAGALL

MIGUEL BARCELÓ GIORGIO DI CHIRICO

“LA PINTURA ES POESÍA MUDA; LA POESÍA PINTURA CIEGA”

LEONARDO DA VINCI EL GRECO EL BOSCO RAFAEL

1. Nuevo Realismo - 2.Billetes (dinero) - 3.Minimalismo - 4. Guernica - 5. Willem de Kooning- 6. Manuel Álvarez Bravo - 7. Premio MacArthur - - 8. Richard Rogers & Renzo Piano 1. Paul Cézanne - 2. Marc Chagall - 3. Leonardo Da Vinciz | ArtPremium |

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THE ARMORY SHOW INTERNATIONAL FAIR OF NEW ART NEW YORK CITY FEBRUARY 23–26, 2007 PIER 94 / 12TH AVENUE AT 55TH STREET WWW.THEARMORYSHOW.COM

AACHEN Adamski Gallery for Contemporary Art AMSTERDAM Annet Gelink Gallery; Galerie Diana Stigter ANTWERP Stella Lohaus Gallery; Zeno X Gallery ATHENS The Breeder BERLIN Arndt & Partner Berlin/Zurich; Galerie Guido W. Baudach; Galerie Crone; Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin; Johann König; Galerie Aurel Scheibler; Galerie Thomas Schulte; Galerie Barbara Thumm; Galerie Barbara Weiss; Galerie Jan Wentrup; Jan Winkelmann/Berlin BROOKLYN Pierogi CAPE TOWN Michael Stevenson Gallery CHICAGO Shane Campbell Gallery CLUJ-NAPOCA, ROMANIA Plan B COLOGNE Galerie Christian Nagel; Johnen/Schöttle Cologne/Berlin/Munich DRESDEN Galerie Gebr. Lehmann DUBLIN Kerlin Gallery DUSSELDORF Sies + Höke GLASGOW Sorcha Dallas; The Modern Institute HAMBURG Produzentengalerie Hamburg ISTANBUL Galerist KARLSRUHE Meyer Riegger Galerie LONDON The Approach; Corvi-Mora; Thomas Dane Gallery; Dicksmith Gallery; Frith Street Gallery; greengrassi; Haunch of Venison; Herald St; Hotel; IBID Projects; Alison Jacques Gallery; Lisson Gallery; Victoria Miro Gallery; Maureen Paley; The Paragon Press; Stuart Shave/Modern Art; STORE; Sutton Lane; Timothy Taylor Gallery; Vilma Gold; White Cube/Jay Jopling LOS ANGELES Angles Gallery; Black Dragon Society; Blum & Poe; China Art Objects; Marc Foxx; Anna Helwing Gallery; Daniel Hug; David Kordansky Gallery; Patrick Painter, Inc.; Peres Projects; Sandroni Rey; Richard Telles Fine Art MADRID Galería Pepe Cobo MEXICO Galería Enrique Guerrero MIAMI Fredric Snitzer Gallery MILAN Galleria Massimo De Carlo; francesca kaufmann NAPLES Lia Rumma NEW DELHI Nature Morte NEW YORK 303 Gallery; Bellwether; Peter Blum Gallery; Marianne Boesky Gallery; Tanya Bonakdar Gallery; Bortolami Dayan; CANADA; Cheim & Read; James Cohan Gallery; John Connelly Presents; CRG Gallery; D’Amelio Terras; Deitch Projects; Ronald Feldman Fine Arts, Inc.; Zach Feuer Gallery; Foxy Production; Fredericks & Freiser; GERING LóPEZ Gallery; Greenberg Van Doren Gallery; Greene Naftali; Harris Lieberman; Casey Kaplan; Paul Kasmin Gallery; Sean Kelly Gallery; Anton Kern Gallery; Leo Koenig, Inc.; Andrew Kreps Gallery; Lehmann Maupin; Matthew Marks Gallery; Sara Meltzer Gallery; Robert Miller Gallery; Mitchell-Innes & Nash; Murray Guy; Carolina Nitsch; David Nolan Gallery; PaceWildenstein; Friedrich Petzel Gallery; The Project New York/Los Angeles; Daniel Reich Gallery; Rivington Arms; Jack Shainman Gallery; Taxter & Spengemann; Team Gallery; Wallspace; David Zwirner OSAKA Kodama PARIS Art : Concept; Galerie Chez Valentin; COSMIC Galerie; Galerie Chantal Crousel; in SITU; Yvon Lambert Paris/New York; Galerie Loevenbruck; Galerie Kamel Mennour; Galerie Emmanuel Perrotin; Galerie Praz-Delavallade; Galerie Almine Rech; Galerie Thaddaeus Ropac Paris/Salzburg ROME Magazzino d'Arte Moderna SAN FRANCISCO Jack Hanley Gallery SAN GIMIGNANO Galleria Continua SEOUL Arario Gallery; Kukje Gallery STOCKHOLM Andréhn-Schiptjenko; Galleri Magnus Karlsson; Milliken TEL-AVIV Sommer Contemporary Art TOKYO Taka Ishii Gallery; Tomio Koyama Gallery; Shugoarts; Hiromi Yoshii TURIN Galleria Franco Noero VIENNA Georg Kargl; Galerie Krinzinger; Galerie Meyer Kainer WEST PALM BEACH Gavlak ZURICH Mai 36 Galerie; Galerie Eva Presenhuber; Hauser & Wirth Zurich London

Video still from “Homo Sapiens Sapiens Complex” by Pipilotti Rist. Presented by global law firm

ArmArtPremium.indd 1

COURTESY OF THE ARTIST, HAUSER & WIRTH, ZURICH LONDON, AND LUHRING AUGUSTINE, NEW YORK

1/25/07 1:37:23 PM



ArtPRemium #18