Experimenting type

EXPERIMENTING TYPE

INDICE

DESIGN GENERATIVO

Un nuovo approccio alla creatività

HYPHA

Un font nato dalla stimolazioone del micellio

AIFONT

Carattere generato tramite deep learning

TYPE FORM CODE

Karsten Schmidt: tipografia programmabile

TIPOGRAFIA E IA

Creare immagini realistiche a partire da un linguaggio naturale

MIDJOURNEY

Gianpaolo Tucci e le sue Imperfezioni Estetiche

VERNACULAR

Come fondere audacemente tipografia e storia dell’arte

CREATIVE CODING

Il codice come mezzo di espressione artistica

ANDREA GYSIN

Unendo codice, grafica e animazione

POSTER 2.0

Tim Rodenbröker progetta poster digitali

DESIGN GENERATIVO

Un nuovo approccio alla creatività

Il design generativo include un’ampia gamma di definizioni, sebbene non tutte siano necessariamente appropriate. In primo luogo, si presume spesso che il termine “generativo” implichi un processo informatico quando non è necessariamente così. Prendiamo ad esempio la codifica, che è spesso associata a un processo informatico. La codifica affonda le sue radici nell’arte concettuale. Proprio come un codice di programmazione contiene istruzioni da eseguire per un computer, l’arte concettuale consiste spesso in un insieme di regole da applicare fuori dagli umani. Il linguaggio del codice di programmazione umano può essere ambiguo e contraddittorio, introducendo variabili alle regole che portano a risultati inaspettati. Nell’arte concettuale, e analogamente nel design generativo, il successo di un’opera è determinato dalla qualità l’idea e il grado in cui essa è stata effettivamente recepita nel processo. La forma è quindi un risultato inevitabile.Non tutti i lavori realizzati con o su un computer sono necessariamente generativi. C’è una differenza importante tra il design che è generativo e quello che è stato generato. Contrariamente al design convenzionale in cui il processo è il mezzo necessario per arrivare a un particolare risultato finale, nel caso del design generativo, il processo stesso è l’obiettivo del designer. Poiché ildesign generativo non si concentra apparentemente sulla creazione di un sistema per accelerare o semplificare il processo di progettazione, il suo valore aggiunto per i designer deve consistere in qualcos’altro. Si spera che un design generativo produca qualcosa di più ,e in qualche modo qualcosa di meglio, di quanto farebbe un processo di design convenzionale, controllato dall’autore.

Il progettista specifica e inserisce nel software di progettazione generativa tutti i criteri per la progettazione, in base a diversi parametri , ad esempio peso, materiale, dimensioni, colore, ecc., quindi il software utilizza algoritmi per esplorare le possibilità di questi parametri per generare

migliaia di design opzioni. Tuttavia, poiché non esiste un algoritmo predefinito per generare tutte le opzioni di progettazione, il progettista deve creare il proprio sistema da zero. Infine, il software basato sull’intelligenza artificiale analizza ogni progetto e determina quelli più efficienti. La cosa interessante del Generative Design è che è in grado di esplorare, convalidare e confrontare simultaneamente migliaia di alternative di progettazione, che vengono poi valutate dall’ingegnere o dal progettista, che effettua la selezione finale e sceglie le migliori. Ciò significa che il designer passa dall’essere il “creatore” a diventare l’”editore”. Ma anche se il Generative Design può generare migliaia di opzioni diverse, gli algoritmi non possono davvero distinguere le buone idee da quelle cattive, soprattutto quando si tratta di creatività e creazione artistica, quindi alla fine il designer è ancora necessario.

Poster Wall for the 21st Century, 2013, installazione interattiva al Walker Art Centre, Minneapolis

HYPHA

Pentagram ha creato l’identità visiva, gli spazi e la grafica espositiva per ‘Mushrooms: The Art, Design and Future of Fungi’ presso l’iconica Somerset House di Londra, andata in esposizione dal 20 gennaio al 26 aprile 2020. La variegata mostra spazia dal lavoro di artisti, illustratori e scrittori, a quello di product e fashion design e tecnologi, e mette in evidenza l’influenza dei funghi sulla cultura globale nel corso della storia. In parti uguali, mitico e psichedelico, informativo e ispiratore, il brief di Pentagram è stato quello di creare un’identità che catturasse la magia dei funghi pur essendo abbastanza robusto da accogliere una varietà di prospettive e toni all’interno del lavoro esposto. Il progetto di Pentagram si basa su un sistema a griglia tecnica, ispirato alla catalogazione scientifica degli archivi e all’analisi del campo micologico.

Il team ha creato un carattere generativo informato da modelli di crescita di spore di micelio e funghi. Pentagram ha commissionato a Rosie Emery di consultare i modelli di crescita Laplacian e a Counterpoint Studio di implementare una simulazione micelio algoritmica e costruire uno strumento di sviluppo basato su WebGL. Utilizzando questa simulazione della crescita miceliare, Pentagram ha progettato un sistema tipografico che compensa le aree fertili e infertili nello spazio tridimensionale, con possibilità di mutazione per creare forme letterali che sono illimitate dalla forma tipografica predefinita. I caratteri possono essere trasformati proceduralmente in forme uniche ogni volta che vengono digitati, bilanciando la leggibilità con variazioni inaspettate. Il sistema generativo ha prodotto modelli 3D che sono stati poi resi in un’animazione promozionale emotiva, con clip e fotogrammi utilizzati in altre risorse digitali.  Questo sistema generativo è stato sviluppato in uno strumento web, Hypha, che è stato visualizzato come un’opera d’arte all’interno della mostra stessa e potrebbe essere utilizzato dai visitatori per far crescere le proprie letterform. Pentagram ha anche prodotto una serie di forme scultoree astratte, entrambe realizzate come stampe 3D e utilizzate all’interno dello

Un font nato dalla stimolazione del micellio

spazio della galleria stessa, portando in vita l’algoritmo digitale intangibile. Proprio come l’influenza del fungo sia sulla cultura espressiva, sia sulla scienza e la tecnologia, il design dell’identità di Pentagram ha tentato di colmare il divario tra il tattile e organico, e il tecnico e all’avanguardia.

Hypha simula la crescita del micelio prima di applicare volume e colore

Carattere generato tramite deep learning AIFONT

L’AIfont è un sistema che genera nuovi caratteri. Più precisamente, cerca di imitare un carattere tipografico reale creando un output visivo simile. Il sistema utilizza il deep learning, un Deep Convolutional Generative Adversarial Network (DCGAN) e un set di dati composto da oltre 200 000 font diversi per crearne di nuovi. L’output generato mostra un nuovo tipo di carattere per fotogramma e un’oscillazione tra diversi stili e tipi di caratteri, se si mette un fotogramma di output dopo l’altro come sequenza. Insieme all’AImoji, l’AIfont fa parte dell’identità visiva della mostra UNCANNY VALUES, una mostra al MAK nel contesto della BIENNALE DI VIENNA FOR CHANGE 2019. È un’opera d’arte generativa e un processo, piuttosto che un singolo fotogramma fermo. Le varianti del carattere tipografico sono state ampiamente utilizzate in tutta la mostra e sono state presentate come un’installazione separata. Il duo di design viennese Process Studio ha sviluppato la mostra visiva, multimediale impartire conoscenze, nonché la comunicazione dei valori UNCANNY negli spazi pubblici. Come informatici, si sono fatti strada nei fondamenti tecnici delle reti neurali e, con l’aiuto di un cosiddetto Generative Adversarial Network (GAN), hanno sviluppato appositamente per la Biennale 2019 una forma unica di comunicazione che non era mai esistita prima. I Gans sono gruppi di algoritmi per l’apprendimento non supervisionato. Attualmente vengono utilizzati, ad esempio, per produrre immagini fotorealistiche di persone che non sono mai esistite o che suonano in modo ingannevole, testi generati dalla macchina che possono essere utilizzati per notizie false. Le implicazioni e i rischi di una tale tecnologia sono di conseguenza di ampia portata.

IA impara a scrivere il carattere ‘U’

Raffinamento del carattere ‘O’

Mostra UNCANNY estate 2019

Karsten Schmidt: tipografia programmabile TYPE FORM CODE

Lo studio Post-Spectacular, diretto da Karsten Schmidt, nel 2008 ha sviluppato un esperimento di tipografia dimensionale Type & Form che esplora i confini tra animazione, codice, poesia concreta e scultura. Sintetizzando elementi formali con abilità tecnica, Schmidt stabilisce un punto di riferimento per la tipografia digitale. Il carattere Type & Form è stato sviluppato in modo generativo utilizzando un modello di diffusione della reazione. I pixel migrano dentro e popolano le ruvide maschere a forma di lettera (isole che sono spuntate nel fluido di diffusione).

Le fette 2D di pixel che aderiscono ai limiti del substrato di questo processo algoritmico si combinano per formare un volume 3D. La metodologia prende in prestito le tecniche dalla scansione dei dati MRI. Il risultato finale viene emesso da una stampante 3D. Ma è tutto qui? È solo tipografia?

Se è così, allora perché considerarlo nel contesto della poesia digitale?Type & Form potrebbe sembrare a prima vista vulnerabile a tale critica. Privo di riferimenti diretti all’esperienza umana o alla natura organica, può essere interpretato come un esercizio progettuale superficiale.

Type & Form è un uso computazionale e poetico dei materiali che esplora il linguaggio come entità mediata. Per ora è un fossile statico, ma i futuri discendenti saranno cinetici. Prendendo in prestito algoritmi di diffusione fluida che imitano il flusso del sangue o degli estuari per svilupparne la forma, la matematica come generazione di significati, sovrapponendo strati complessi,l ’ambiguità e/o la classica cipolla striata degli studi letterari, estrudendo i dati in pietra fragile, algoritmi inversi di Frankenstein dove il processo si pietrifica, Type & Form contiene nel suo processo di sviluppo tutti i vettori cruciali di una post-post-modernità digitale. Poesie lineari di carta piatta diventano nodi architettonici la poesia concreta ottiene un aggiornamento dell’estrusione.

Scultura di copertina per la rivista ‘Print’, 2008

modello digitale 3d

prova di stampa 3d

TIPOGRAFIA E IA

A causa del suo nome, l’intelligenza artificiale suggerisce una realtà utopica in cui le macchine hanno preso il sopravvento. La stragrande maggioranza delle persone appartenenti alla comunità del design hanno abbracciato l’intelligenza artificiale e stanno attivamente cercando di capire il suo ruolo nel campo, mentre altri l’hanno rifiutata con veemenza proprio come la fotografia è stata inizialmente rifiutata dai pittori che avevano padroneggiato il loro mestiere. L’intelligenza artificiale di oggi è uno strumento e, sebbene potente, è limitato e il ruolo del designer è tutt’altro che obsoleto. L’intelligenza artificiale richiede un punto di origine, un pensiero, un’idea. Richiede un editore, un curatore, qualcuno che possa guidarlo. Richiede anche un punto finale: un uso per l’output, una ragione per le sue immagini. Al momento, ha bisogno di noi più di quanto ne abbiamo bisogno. Complessivamente nella progettazione, l’intelligenza artificiale potrebbe diventare parte integrante a due livelli: in primo luogo rendere qualsiasi compito procedurale più semplice, veloce e accurato e successivamente espandere le possibilità attraverso la sua produzione stilistica rapida ma profondamente ampia.

In tipografia sarebbe interessante vedere l’intelligenza artificiale raggiungere la capacità di tracciare rapidamente e accuratamente il materiale di origine fino alle sue radici e creare associazioni più ampie ad altri disegni o caratteri esistenti da fonti simili, per poter estrapolare idee (ad esempio, creare un intero alfabeto da un set di caratteri limitato disegnato) ed espandere le possibilità sfidando la nozione di forme delle lettere. Quest’ultimo punto è al centro della tipografia artificiale: tramite le esplorazioni tipografiche di MidJourney, potrebbe essere possibile imbattersi in forme di lettere che si collocano molto al di fuori delle nostre aspettative? O che ha persino riformulato il modo in cui comprendiamo quelle lettere? A volte è difficile mantenere lo stupore di fronte alle

interpretazioni fatte dall’IA, soprattutto quando si combinano materiali come la pietra con installazioni luminose.

L’assoluta velocità di produzione è sbalorditiva e questo cambia il ruolo dei designer. Il tempo dall’idea all’esecuzione è ridotto in modo esponenziale e l’enfasi per la figura del designer che utilizza strumenti come MidJourney o altre IA, ora è puramente concentrata sul concetto e sulla comunicazione.

È importante tenere a mente che l’intelligenza artificiale viene indubbiamente a cambiare è la storia del design grafico tra le altre discipline come la conosciamo oggi. Durante il tempo in cui solitamente lavoriamo al computer abbiamo costantemente la sensazione di fare qualcosa che presto sarà obsoleto, mettendo in discussione il metodo e pensando che sicuramente c’è qualcosa che lo rende più veloce o più efficace. Sembra che le capacità di grafici e artisti si stiano spostando da un luogo all’altro nel corso degli anni e questo spostamento si sta avvicinando a una terra inesplorata piena di risorse da scoprire. Le possibilità dello strumento sembrano infinite e sarà molto stimolante vedere come verranno sfruttate.

Creare immagini realistiche a partire da un linguaggio naturale

MIDJOURNEY

Gianpaolo Tucci e le sue Imperfezioni estetiche

Gianpaolo Tucci, uno dei coraggiosi professionisti che hanno condiviso il palco online del Typeroom Festival, è senza paura. Il designer multidisciplinare ha più di 15 anni di esperienza in direzione creativa, product design, UX e visual design per una varietà di marchi affermati tra i quali NOKIA, EBAY, PUMA, Zalando.

Tucci è recentemente entrato nel regno dell’apprendimento automatico attraverso il suo progetto ‘Imperfezioni Estetiche.’

Utilizzando Instagram come sua piattaforma per diffondere la parola su ciò che il futuro detiene, Tucci sperimenta implacabilmente con l’intelligenza artificiale Midjourney, simile a DALL-E di OpenAI, pubblicamente accessibile. Audace e pioniere per natura, Tucci è il creativo ideale per introdurre questo tema in questo mondo di molte meraviglie e le inevitabili sfide che l’IA porta al settore creativo.

Typeroom: Da NOKIA a Google attraverso Gucci, Fiat Group, e marchi più affermati, la vostra clientela nel design digitale aziendale è impressionante, per non dire altro. Come hai guadagnato interesse nell’esplorare il potenziale evidentemente pionieristico dell’IA nella tipografia?

Gianpaolo Tucci: Sì, nella mia carriera essere aggiornati per garantire sempre le migliori soluzioni di design di classe per i miei clienti, è un must. Faccio sempre ricerca ed esperienza utilizzando nuove tecnologie emergenti, e cerco di incorporarle quando sono significative, per generare nuove opportunità strategiche che alla fine si traducono in esperienze digitali. IA, WEB3.0, Discord, e le comunità decentralizzate, il Metaverso, sono attualmente richiesti. Queste esperienze e scenari, sono le basi per una nuova era di essere, e diversi clienti sono veramente interessati come noi creativi. Dall’altro lato, sono innamorato delle tecniche retrò. Negli anni, ho fatto graffiti per molto tempo, esplorando come le lettere e la tipografia possano racchiudere il loro significato. Un anno fa, più o

meno, ho lavorato ad un incarico per il titolo di un logo cinematografico e relative sequenze di entrata/uscita per Warner Bros Italia su un film diretto da Andrea de Sica che è anche un mio amico. Durante il processo, ho deciso di creare l’intero titolo e la composizione di sfondo registrando come ferrofluidi e altri liquidi rispondessero agli elementi tipografici che ho creato usando una serie di magneti. I risultati sono stati piuttosto stimolanti. Mi sono quindi concentrato sulla componente visiva che mi piace di più aka la tipografia. Rimuovendo la funzione e le regole stabilite, esponendo il proprio valore estetico attraverso l’incrocio con algoritmi, e infine evolvendo il modo in cui gli elementi di tipo possono essere percepiti cognitivamente e artisticamente digitalmente è diventato uno sforzo creativo di grande interesse. Incorporare le mie conoscenze analogiche su materiali, luci e stili nel regno dell’IA è stata una rivelazione. Questo melting pot di stili e ispirazioni forma ciò che mi piace chiamare “Imperfezioni Estetiche.” Inoltre, ho usato il machine learning per incrociarerazze variazioni tipografiche della stessa forma letterale dei fotogrammi chiave per Latent Video Walks o FILM, questo significa che ML analizzerà e riconoscerà i punti di interpolazione delle immagini per creare una bella trasformazione che letteralmente dà vita alla tipografia. La tipografia diventa un organismo vivente, in grado di adattarsi, evolversi e morire.

Typeroom: Qual è la portata dei tuoi artefatti tipografici presenti sulla tua vetrina Instagram @aesthetics_imperfezioni?

Gianpaolo Tucci: Come in tutto l’ambito è in continua evoluzione. Inizialmente, è iniziato come una semplice raccolta dei miei esperimenti visivi, un archivio di tipografia sperimentale per me e per le persone a cui ispirarsi. Per condividere e discutere la possibile evoluzione dell’IA nel contesto della tipografia e per riflettere, attraverso i miei esperimenti, le infinite possibilità che offre

nella progettazione del tipo. Volevo fornire una documentazione visibile della mia evoluzione del lavoro su una linea temporale chiara. Nel frattempo, sto pensando di “tradurli” in più artefatti per un prossimo libroo rivista ibrida con lo scopo di esporre le mie esperienze intorno le uscite tipografiche sperimentali condivisi su Instagram.

Typeroom: Qual è stata la prima immagine che hai creato?

Gianpaolo Tucci: La mia prima immagine tipografica ben realizzata e co-creata con IA è stata fatta un paio di mesi fa, quando ho guadagnato l’accesso beta a vari strumenti come DALL-E, Disco Diffusion, e Midjourney che credo sia il mio preferito. Come potete vedere, la tipografia non era affatto riconoscibile. Sebbene gli accenni di lettering siano evidenti, mi ci è voluto un po’ per ottenere risultati decenti e leggibili. Dopo averli raggiunti, ho deciso di suddividere il processo concentrandomi su singole lettere, materiali, composizioni e così via, nel tentativo di definire ed eventualmente educare me stesso e le persone che seguono questo esperimento tipografico in corso sulle sue molte potenzialità.

Typeroom: Qual è la sua creazione preferita finora e perché?

Gianpaolo Tucci: È una domanda difficile, ma se dovessi scegliere sarebbe una puntata della mia serie Body de / con/ struction explorations. Adoro il corpo grafico a forma di R deformata, le sue connessioni fatte di ossa e i suoi muscoli luminosi realizzati con colori al neon. Ovviamente, amo l’anatomia e questo è il modo in cui immagino e interpreto l’anatomia perfetta per questo “tipo”.

Typeroom: Quali sono le sfide per i creativi nell’era dell’apprendimento automatico?

Gianpaolo Tucci: Il ML e l’IA potrebbero industrializzare le competenze e l’artigianato dei

designer, questo è abbastanza chiaro. Tuttavia, prevedo tre livelli generali di sfide. La prima è come noi, gli esseri umani, diamo forma agli strumenti di ML e IA per rendere evidente che queste tecnologie non sono destinate a sostituire i singoli creativi umani, ma forniscono invece una linea di strumenti per infinite opportunità quando si tratta di ridurre lo sforzo e il tempo in termini di produzione; noi siamo il prodotto che usiamo, le macchine e gli algoritmi si evolvono in base al nostro uso, quindi dovremmo essere etici nel modo in cui usiamo e consumiamo i loro rispettivi prodotti. Dove e come l’IA possa essere integrata nel processo di progettazione ha già un quadro chiaro e in continua evoluzione. Ma quale può essere un cambio di paradigma utopico in questa nuova era? Questa è probabilmente la seconda sfida: identificare gli scenari futuri per la nuova era che verrà e abbracciare l’IA e il ML come parte del processo e non come sostituzione. Vedo già una possibile tendenza degli strumenti di generazione di immagini con l’AI, che “dimostrano ancora una volta la motivazione e l’ispirazione creativa, dispiegando l’inaspettato”, e vedo che qui siamo di fronte a una preziosa opportunità di ridurre il tempo trascorso davanti al computer nella produzione di un concetto, e forse di recuperare ore di lavoro per esplorarlo ed evolverlo nell’artigianato fisico e nel rispettivo processo di produzione. La terza sfida che prevedo è, in ultima analisi, come noi creatori possiamo usare l’IA per generare un futuro più “umano”.

Typeroom: Quali sono gli strumenti più affidabili che consiglierebbe agli aspiranti creativi?

Gianpaolo Tucci: Mente, anima, emozioni e sensi per ispirarsi. Per me la creatività non è strettamente legata al senso artistico e alla sensibilità. La creatività è la capacità di immaginare, trovare soluzioni e innovare tutti gli aspetti della nostra vita, per migliorare la nostra società umana.

variazioni di peso ed equilibrio tra le varie textures

Esperimento di tipografia co-creato insieme all’intelligenza artificiale MidJourney

VERNACULAR

Come fondere audacemente tipografia e storia dell’arte

Buoni amici, collaboratori e designer Andrea A. Trabucco-Campos e Martin Azambuja si sono uniti per formare Yernacular, una piccola casa editrice con un focus primario su forma, tipografia e cultura. La loro prima pubblicazione, Artificial Typography, si pone all’incrocio tra storia dell’arte, tipografia e intelligenza artificiale, unendo passato e futuro in un’opera che vede le forme tipografiche ritratte nello stile di 52 celebri e iconici artisti. Per saperne di più sulle intuizioni e le scoperte dell’implementazione dell’IA, insieme allo svuppo del progetto, abbiamo fatto una chiacchierata con Andrea e Martin.

Interviewer: “Da dove è nata l’idea di realizzare questo libro?”

Vernacular:Ci siamo conosciuti a Pentagram, ed entrambi attualmente lavorano a tempo pieno a Porto Rocha (Martin) e Gretel (Andrea). Negli anni trascorsi dall’incontro, abbiamo condiviso molte idee di progetto vaghe e alla fine abbiamo deciso di sederci quest’estate per esaminarle e dar loro una struttura, dando vita a una piccola impronta editoriale, Vernacular, attraverso la quale pubblicheremo vari piccole e grandi esplorazioni di idee legate alla forma, al design, alla tipografia e alla cultura. La tipografia artificiale è il primo volume pubblicato su Vernacular, è il volume 0 (v0). La tipografia artificiale nasce dalla curiosità dello spazio AI: entrambi abbiamo ricevuto l’accesso a MidJourney all’inizio del 2022 e abbiamo iniziato a esplorarlo. Le esplorazioni iniziali di Andrea hanno portato l’intelligenza artificiale a immaginare alfabeti di famosi artisti, architetti e designer che non hanno mai veramente praticato la tipografia – persone come Le Corbusier, Picasso e Bridget Riley. I risultati erano spesso interessanti e inaspettati, ma in qualche modo familiari alla voce visiva da cui provenivano. Queste prime esplorazioni sull’intelligenza artificiale sono confluite con la fondazione di Vernacular e abbiamo visto l’opportunità di realizzare

un libro che fosse all’intersezione di cose apparentemente disparate: storia dell’arte, intelligenza artificiale e tipografia, che è al centro di entrambe le nostre pratiche di progettazione. Il libro contiene 26 lettere reinventate da un’intelligenza artificiale attraverso l’obiettivo di 52 artisti iconici attraverso vari media (pittura, scultura, tessuto). Lo spazio tipografico è particolarmente adatto a questa esplorazione, poiché è un mondo di idee dove regnano le convenzioni generali, ma dove c’è un’infinita possibilità di interpretazioni inaspettate delle forme delle lettere, modi sempre nuovi di rifare la ricetta di una forma delle lettere. In fondo, eravamo curiosi ed entusiasti di vedere come fossero possibili forme di lettere selvagge e diverse attraverso l’IA.

Interviewer: “Poiché l’intelligenza artificiale si svolge nel regno digitale, perché hai deciso di creare una pubblicazione stampata?”

Vernacular: Il libro contiene una moltitudine di tensioni: voci consolidate nella storia dell’arte reinventate da uno strumento digitale amorfo che può rimodellare qualsiasi media in modi convincenti e inaspettati. La decisione di farne un libro è stata quella di appoggiarsi a queste tensioni generando in una forma fisica un processo digitale all’avanguardia: una conversazione tra il vecchio e il nuovo, analogico e digitale.  Un libro è anche qualcosa di permanente, che stiamo usando per segnare il tempo per questa specifica era del design, catturando qualcosa di piuttosto volatile come lo spazio dell’IA in continua evoluzione.

Interviewer: “Come ti sei trovata a lavorare con MidJourney? Perché hai scelto questo motore di intelligenza artificiale in particolare?”

Vernacular: “MidJourney è stato lo strumento scelto solo da quando abbiamo ottenuto l’accesso anticipato. Tuttavia, ora che ci siamo uniti alle comunità Dall-E e Stable Diffusion, è stato interessante eseguire alcuni degli stessi test e vedere

Fronte e retro di copertina di “Artificial Typography”, Vernacular

La lettera “Y” di Tadanori Yokoo reimmaginata da MidJourney

i risultati. Siamo fortunati ad aver iniziato con MidJourney, che genera immagini che non sono accurate come le altre, ma sono interpretazioni più poetiche dei suggerimenti. Ci è piaciuta molto la qualità visiva delle immagini e il modo in cui sono stati interpretati la forma delle lettere e i materiali.”

Interviewer: “Come speri che le persone interagiscano con il libro?”

Vernacular: “Il libro ha diversi punti di ingresso. Per i tipografi, contiene una selezione di forme di lettere inaspettate visualizzate in una serie di materiali e astrazioni. Per chi è interessato all’arte, lo spettacolo delle nuove interpretazioni della storia dell’arte. E per chi è curioso o esperto di intelligenza artificiale, questa è una galleria in formato cartaceo, in un formato più grande (6,5 x 12 pollici) per sperimentare ed esplorare le immagini che di solito si incontrano nei feed solo digitali, una alla volta: ogni lettera ha due interpretazioni di epoche diverse, dando vita a un dialogo che cresce man mano che il libro si svolge.”

Interviewer: “Pensi che questo progetto abbia cambiato il tuo modo di vedere la storia dell’arte?”

Vernacular: “No, percepiamo la storia dell’arte allo stesso modo e infatti questo libro sembra un tributo a molti dei nostri artisti preferiti. Ciò che l’intelligenza artificiale viene indubbiamente a cambiare è la storia del design grafico tra le altre discipline come la conosciamo oggi. Durante il tempo in cui solitamente lavoriamo al computer abbiamo costantemente la sensazione di fare qualcosa che presto sarà obsoleto, mettendo in discussione il metodo pensando che sicuramente c’è qualcosa che lo rende più veloce o più efficace. Sembra che le nostre capacità di grafici si stiano spostando da un luogo all’altro nel corso degli anni, ma non credo che questo spostamento ci stia avvicinando a un precipizio, ma piuttosto a una terra inesplorata. Le possibilità dello strumento sembrano infinite.”

Interviewer: “Cosa hai trovato più affascinante o perspicace del progetto?”

Vernacular: L’assoluta velocità di produzione è sbalorditiva e come questo cambia il ruolo dei designer. Il tempo dall’idea all’esecuzione è ridotto in modo esponenziale e l’enfasi per noi designer che utilizziamo strumenti come MidJourney o

altre IA, ora è puramente sul concetto e sulla comunicazione.

Interviewer: “Come vorresti vedere l’IA utilizzata nel testo, in futuro?”

Vernacular: “A causa del suo nome, l’intelligenza artificiale suggerisce una realtà utopica in cui le macchine hanno preso il sopravvento. Tasche della comunità del design hanno abbracciato l’intelligenza artificiale e stanno attivamente cercando di capire il suo ruolo nel nostro campo, mentre altri l’hanno rifiutata con veemenza proprio come la fotografia è stata inizialmente rifiutata dai pittori che avevano padroneggiato il loro mestiere. L’intelligenza artificiale di oggi è uno strumento e, sebbene potente, è limitato e il nostro ruolo di designer è tutt’altro che obsoleto. L’intelligenza artificiale richiede un punto di origine, un pensiero, un’idea. Richiede un editore, un curatore, qualcuno che possa guidarlo. Richiede anche un punto finale: un uso per l’output, una ragione per le sue immagini. Al momento, ha bisogno di noi più di quanto ne abbiamo bisogno. Complessivamente nella progettazione, l’intelligenza artificiale potrebbe diventare parte integrante a due livelli: il primo rendere qualsiasi compito procedurale più semplice, veloce e accurato e successivamente espandere le possibilità attraverso la sua produzione stilistica rapida ma profondamente ampia.

In tipografia, ci piacerebbe vedere l’intelligenza artificiale raggiungere la capacità di tracciare rapidamente e accuratamente il materiale di origine fino alle sue radici e creare associazioni più ampie ad altri disegni/caratteri esistenti da fonti simili, per poter estrapolare idee (ad esempio, creare un intero alfabeto da un set di caratteri limitato disegnato) ed espandere le possibilità sfidando la nozione di forme delle lettere. Quest’ultimo punto è al centro della tipografia artificiale: con le nostre esplorazioni tipografiche di MidJourney, potremmo imbatterci in forme di lettere che si collocano molto al di fuori delle nostre aspettative? O che ha persino riformulato il modo in cui comprendiamo quelle lettere? Siamo rimasti piacevolmente sorpresi da molte interpretazioni fatte dall’IA, soprattutto quando si combinano con materiali come la pietra o anche con installazioni luminose.

Lettera ‘A’ scolpita da Jean Arp

Lettera ‘R’ nella giungla dipinta da Henri Rousseau

CREATIVE CODING

Il codice come mezzo di espressione artistica

Ma cosa significa esattamente codice creativo? Ai miei occhi, la maggior parte delle definizioni fallisce perché cerca di spiegare il termine sulla base di un mezzo. La voce su Wikipedia è un buon esempio, perché elenca direttamente esempi di utilizzo, che restringono fortemente la visuale del lettore e quindi consentono una visione più limitata della tecnologia. Mi sembra più utile definire il termine in modo più astratto. Nella codifica creativa, i programmatori entrano in un dialogo creativo con il computer. Gli parlano in una lingua che comprende, il codice, e formulano istruzioni per visualizzare oggetti visivi su una superficie. All’inizio hanno poco controllo sul comportamento del computer. Va benissimo, perché i risultati sorprendenti portano sempre a nuove idee e prospettive. Più progredisce il processo di apprendimento, meglio i programmatori comprendono come funziona il computer. A poco a poco, si rivelano persino parallelismi tra il pensiero umano e la logica della macchina. In un certo senso, il codice creativo è un metodo che consente ai programmatori di formulare i propri pensieri e idee in un modo nuovo. Così, passo dopo passo, si apre loro l’ingresso in un nuovo mondo del design senza un medium precedentemente definito. A seconda del linguaggio di programmazione utilizzato, lo spettro dei possibili output cambia: alcuni strumenti sono adatti per lo sviluppo di applicazioni web interattive, altri più per il rendering di immagini in movimento, altri ancora per applicazioni di realtà virtuale. Un unico linguaggio di programmazione può consentire l’animazione 3D e la grafica per la stampa, nonché interazioni giocose sul web. Questo è esattamente il motivo per cui il codice creativo è così speciale e così sfuggente allo stesso tempo: è un metodo che non è legato a un singolo mezzo. È proprio qui che risiede l’enorme potenziale: un unico strumento, il linguaggio di programmazione, può essere utilizzato per un’ampia gamma di scopi applicativi. wDi conseguenza, anche i

risultati, per lo più visivi, della codifica creativa non sono direttamente prevedibili in anticipo e spesso sono solo vagamente predefiniti, emergono attraverso la sperimentazione. Rispetto alla programmazione convenzionale, il codice creativo riguarda principalmente l’espressione, la funzionalità passa in secondo piano. Il punto non è solo scrivere codice il più logico possibile, ma generare risultati creativi con il codice. Una caratteristica peculiare del Creative Coding e del Generative Design è il fatto che l’orizzonte di questi metodi supera di gran lunga quello dei normali strumenti software. Il software di progettazione è solitamente concepito per risolvere una gamma relativamente ristretta di compiti, in modo che emergano confini chiari. Nei termini più descrittivi possibili, il design generativo potrebbe essere descritto come un metodo per trasformare un input esistente sotto forma di dati o interazione in un output sotto forma di un nuovo medium. In questo modo, il design generativo rende possibile convertire i testi in animazioni, i dati meteorologici in sistemi di particelle tridimensionali, i prezzi delle azioni in sculture o le ultime notizie di Twitter in installazioni interattive.

ANDREAS GYSIN

Unendo codice, grafica e animazione

Il lavoro di Andreas Gysin unisce grafica, animazione e creative coding per sviluppare programmi personalizzati orientati verso un output diverso a seconda del medium scelto. Nato nel 1975 a Zurigo, Svizzera, vive e lavora a Lugano. Andreas è anche metà del duo Gysin-Vanetti che è stato inserito nella “Collection Cahiers d’Artistes” di Pro Helvetia nel 2013. La sua pratica artistica si concentra principalmente su programmi, oggetti e installazioni cinetici e interattivi. Le caratteristiche visive e le configurazioni (colore, forma) e gli interni (meccanica, elettronica) sono gli aspetti centrali del suo lavoro, iniziato nel 2007 con la progettazione e la programmazione di un display split-flap su misura. Successivamente questo approccio si è esteso ad altri sistemi e oggetti di segnaletica, cinetica e statica. Un aspetto importante del lavoro è lo spostamento e la riconfigurazione di questi elementi informativi, rimuovendo la funzione originaria ma consentendo una diversa e nuova lettura delle forme. Insegna design dell’interazione e programmazione all’ECAL, Losanna e alla SUPSI, Lugano e in workshop in tutto il mondo.

Sequenze programmate semi-generative

Sequenze programmate semi-generative animate usando la matrice alfanumerica del display

POSTER 2.0

Tim Rodenbröker progetta poster digitali

Il manifesto stampato, da secoli il principale mezzo di comunicazione visiva nello spazio pubblico, subisce trasformazioni fondamentali. Il “poster 2.0” è molto più di una superficie con caratteri, colori e immagini: è un’applicazione interattiva, animata, udibile, guidata dai dati e interattiva. Coinvolge tutti i sensi e le discipline. E fonde il design grafico con le tecnologie più avanzate. Il designer ed educatore Tim Rodenbröker insegna Design Generativo all’Università Rhine-Waal in Germania. Per preparare il suo recente corso intitolato “Programming Posters”, ha sviluppato più di 40 sistemi di design generativo per mostrare le possibilità visive del design grafico algoritmico. All’inizio del progetto i suoi studenti di design hanno dovuto affrontare una sfida: è possibile creare un design grafico di qualità con un linguaggio di programmazione e senza alcuna conoscenza preliminare? Tim Rodenbröker doveva dimostrarlo prima dell’inizio del corso. Il risultato di questa ricerca è quello che vedete in questo caso-studio. Per garantire un’elevata osservabilità e concentrazione, ha deciso di limitare i suoi studenti a lavorare esclusivamente con due colori e un tipo di carattere definito. Questo ha garantito la massima concentrazione sul punto giusto: le infinite possibilità creative del coding. Per visualizzare le restrizioni del progetto, di solito utilizza una tecnica di creatività chiamata “Triangolo magico”: ogni bordo della forma rappresenta una regola o una restrizione. Tutti e tre i bordi insieme costruiscono una cornice intorno allo spazio creativo, che è letteralmente l’area in cui esistono le idee. Processing è lo strumento ideale per questo progetto. Rispetto ad altre metodologie basate sul codice, questa semplice applicazione non richiede complicati strumenti di costruzione. Si adatta perfettamente alle esigenze dei grafici e dei principianti grazie a comandi intuitivi, a un’ampia gamma di tutorial, a un ottimo riferimento e a una vasta comunità. Inoltre, è stato utilizzata TouchOSC, una semplice applicazione per qualsiasi

piattaforma che invia valori a virgola mobile a qualsiasi applicazione di elaborazione. Questa ha permesso di controllare qualsiasi parametro delle applicazioni poster.

“Triangolo magico”, tecnica di creatività

Versione di poster generato dal codice

Versione di poster generato dal codice

Elaborazione del codice

Sitografia

patrik-huebner.com ertdfgcvb.xyz timrodenbroeker.de gysin-vanetti.com adht.parsons.edu generative-gestaltung.de uncannyvalues.org hyphahypha.com wenzeldaniel.com the-brandidentity.com vernacular.is inscript.tf behance.net/manoloide behance.net/gallery/8838353/Growing-Data flickr.com/photos/solaas/page10 timrodenbroeker.de/programming-posters patrik-huebner.com uncannyvalues.org

Iconografia

Annachiara Barbanti Politecnico di Milano - Scuola del Design Design della Comunicazione Corso di Typographic Design C2 Prof. Giangiorgio Fuga / Annunziato Mazzaferro A.A. 2022/23

La definizione di font sperimentale non è ancora ben definita, ma si può pensare che sia così: un font sperimentale è qualsiasi cosa che non rispetti le regole del design tipografico tradizionale. L’aspetto più importante quando si progettano o si utilizzano caratteri tipografici sperimentali è il rapporto tra unicità e leggibilità. Quando si lavora con questo tipo di elementi tipografici, c’è un delicato equilibrio tra la tipografia come arte e la tipografia per trasmettere un messaggio. Mentre i caratteri tipografici sperimentali si distinguono per la loro innovazione, il criterio principale per esaminarli è la reazione del pubblico: “Sembrano nuovi, ma la domanda che sta dietro a un carattere tipografico sperimentale di successo è piuttosto quella dello Zeitgeist. La gente si relazionerà con esso? Le persone saranno incuriosite da questa novità, piuttosto che respinte? La domanda sul perché una creazione e un carattere tipografico abbiano successo in un determinato momento è per me la più intrigante”.