Postimpresionismo Vida y obra de grandes artistas

POSTIMPRESIONISMO

Vida y obra de grandes artistas

Acevedo Torres Xochitl

Crisóstomo Pacheco Ana

POSTIMPRESIONISMO

Vida y obra de grandes artistas

Editorial IMCCAS

Primera edición, 2022 Impreso en México

Cuautitlán Izcalli, Estado de México Diseño y edición

Acevedo Torres Xochitl

Crisóstomo Pacheco Ana Dirigir correspondencia y colaboraciones a imccas.mx@gmail.com @imccas.mx

Cualquier forma de de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra sólo puede ser realizada con la autorización de sus titulares, salvo la excepción prevista por la ley.

INTRODUCCIÓN

Contexto

El XIX fue un siglo dinámico, caracterizado por cambios acelerados en las estructuras económicas, políticas y sociales de los países. La independencia de las colonias europeas en América sumada a la reorientación del colonialismo sobre África y Asia organizaron el mapa geopolítico del mundo.

A lo largo del siglo se consolidó el sistema republicano y democrático como forma de gobierno preponderante en Occidente, mientras comenzaban las decadencias de las monarquías absolutistas.

A partir de las revoluciones de los últimos años del siglo XVIII, surgió y se consolidó un nuevo tipo de Estado liberal y laico, con una administración centralizada y organizada en torno a la idea de nación, y no de dinastía reinante.

Se amplió la base electoral en diversos Estados europeos al incorporarse el voto universal que, de todos modos, continuó siendo masculino salvo pocas excepciones. Hacia mediados de siglo comenzaron las primeras luchas femeninas para que fuera reconocido el derecho a voto de la mujer.

Se produjo una nueva oleada de innovaciones en la industria y la tecnología, conocida como Segunda Revolución Industrial. Este proceso tuvo especial impacto en los transportes con el desarrollo del ferrocarril, los transatlánticos y el automóvil.

Se consolidó el positivismo, corriente de pensamiento que sostiene que el único conocimiento verdadero es el científico, basado en la experiencia. Como consecuencia, se afirmó el cientificismo como modo de explicar la realidad.

A partir del pensamiento positivista surgieron nuevas disciplinas con la pretensión de explicar cada aspecto de la realidad aplicando el método científico.

Entre ellas, la sociología orientada a la investigación de los fenómenos sociales. En economía, el socialismo cientificista de Karl Marx y Friedrich Engels dio un nuevo enfoque a las relaciones sociales y laborales en el nuevo sistema de producción capitalista.

La difusión de la industrialización generó un nuevo tipo de relaciones laborales. Aparecieron grupos políticos como los socialistas y los anarquistas, los cuales plantean críticas al orden social imperante.

Los nuevos modos de producción de bienes impusieron la industrialización sobre las formas manuales. Se inventaron máquinas y utensilios que facilitaron la vida cotidiana de las personas, por ejemplo la máquina de coser, la bicicleta de uso popular, distintos electrodomésticos, la cámara de fotos familiar, etc.

En el arte, los artistas comenzaron a reflexionar sobre su práctica al mismo tiempo que los movimientos artísticos se hacían más dinámicos. Durante el siglo XIX en Europa continuó el desarrollo del neoclasicismo y surgieron el romanticismo, el realismo, y el impresionismo, así como numerosas corrientes derivadas de estos movimientos, como el simbolismo y el postimpresionismo, entre otras.

La fotografía también tuvo un gran desarrollo y surgió el cine. Europa inició una carrera por establecer cada vez más colonias en los territorios que iban explorando, mientras que antiguas potencias como España perdían su hegemonía. Este reparto del planeta fue uno de los antecedentes de la Primera Guerra Mundial.

Los acontecimientos más importantes del siglo XIX fueron:

Los conflictos bélicos en 1799 y 1815 entre Francia, liderada por Napoleón Bonaparte, y diversas naciones de Europa, conocidas como guerras napoleónicas.

En 1825 se inauguró el primer ferrocarril, el cual se expandió por todo el mundo en las siguientes décadas.

En 1859 Charles Darwin planteó la teoría de la evolución de las especies y la selección natural, en su libro “Sobre el origen de las especies”.

En 1861 se produjo la unificación de los Estados italianos en un Estado monárquico encabezado por Víctor Manuel II. En 1866 se incorporó Venecia y en 1870, Roma.

En 1864 se fundó, en Londres, la Primera Asociación Internacional del Trabajo, que luchaba por los derechos de los obreros, pero fue disuelta por disputas internas en 1876 y en 1889 se fundó la Segunda Internacional.

POSTIMPRESIONISMO

Características principales

El postimpresionismo designa de manera conjunta a una serie de artistas de diferentes tendencias que trabajaron en las últimas décadas del siglo XIX, en el período comprendido entre la última Exhibición Impresionista, en 1886, y el cubismo, a principios del siglo XX.

Éste no fue un movimiento con un programa homogéneo, sino que el nombre designa al conjunto de estilos pictóricos originado por un fenómeno de individuos que desarrollaron investigaciones personales.

El nombre proviene de una exposición realizada en Londres entre 1910-1911 titulada Manet y los postimpresionistas, con lo que el ,movimiento intentana organizar de algún modo la obra de artistas de la generación posterior al impresionismo.

Si bien los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, se opusieron a reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión subjetiva del mundo, pues observaban en ellos un agotamiento del movimiento respecto a los temas y a las investigaciones pictóricas.

Así, hicieron gala de una mayor libertad formal y expresiva donde la importancia de los artistas postimpresionistas radica en lo novedoso de sus propuestas, que abrieron un amplio campo de investigación y fueron el punto de partida de varias de las vanguardias del siglo XX.

Sus principales figuras fueron Paul Gauguin (1848- 1903), Vincent van Gogh (1853-1890), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Edvard Munch (1863-1944), Paul Signac (1863-1935) y Georges Seurat (1859-1891), fundador del puntillismo, denominado neoimpresionismo por la crítica.

Algunos autores incluyen también dentro del postimpresionismo a ciertos movimientos de la época, como el simbolismo, los miembros del Salón de la Rose-Croix y los nabis.

Estos artistas consideraban que era necesario recuperar los elementos fundamentales del arte que habían sido dejado de lado por los impresionistas, como el tema, los sentimientos y la subjetividad del artista y las formas de los objetos.

PAUL GAUGUIN

Paul Gauguin (París, 1848 - Atuona, Polinesia francesa, 1903) fue un pintor francés considerado como uno de los principales representantes del postimpresionismo.

Cuando era todavía un adolescente, se enroló en la marina mercante; tras regresar en 1871 a París, entró a trabajar en una empresa financiera de la capital, contrajo matrimonio y llevó una vida acomodada.

En esta época Paul Gauguin empezó a desarrollar un fuerte interés por el arte, que le llevó a tomar clases de pintura y a reunir una copiosa colección de obras impr esionistas que incluía trabajos de Édouard Manet, Paul Cézanne, Claude Monet y Camille Pissarro.

En 1875 enlazó sus conocimientos personales con Pissarro y como resultado de tan fecunda colaboración fue la invitación a participar en la quinta Exhibición Impresionista de 1880, que sería reiterada en los dos años siguientes.

Café nocturno, Arles de Paul Gauguin, 1888. Museo Pushkin, Moscú, Rusia.

Visión tras el sermón

Paul Gauguin, 1888.

Museo National Gallery of Scotland, Edimburgo, Reino Unido.

En 1883, su creciente interés por la pintura se unió al desplome de la Bolsa parisina para conducirle a tomar la decisión de dedicarse íntegramente a la actividad artística.

Al año siguiente se trasladó a Copenhague, residencia familiar del padre de su esposa, en busca de apoyo económico, pero su empeño fracasó rotundamente y poco después abandonaría a esposa e hijos.

A partir de ese momento Gauguin vivió en la penuria, rechazado por una sociedad que con anterioridad le había abierto los brazos y que en breve iba a aborrecer.

Entre 1886 y 1888 su obra experimentó un giro radical, cuyo origen cabe buscar en dos experiencias vitales de gran importancia: su encuentro con Vincent van Gogh y su primer viaje a la Martinica.

Paul Gauguin conoció a van Gogh, un pintor holandés en París y quedó fuertemente impresionado por el modo en que éste conseguía plasmar sus inquietudes vitales en unos lienzos rebosantes de expresividad.

En 1888 incluso se desplazó a Arlés con la intención de trabajar conjuntamente con van Gogh, pero las incompatibilidades de carácter no dejaron que el trabajo marchase bien y el proyecto acabó en tan sólo unas pocas semanas.

En 1883, su creciente interés por la pintura se unió al desplome de la Bolsa parisina para conducirle a tomar la decisión de dedicarse íntegramente a la actividad artística.

Al año siguiente se trasladó a Copenhague, residencia familiar del padre de su esposa, en busca de apoyo económico, pero su empeño fracasó rotundamente y poco después abandonaría a esposa e

Poco antes, Gauguin se había trasladado durante un tiempo a la colonia francesa de la Martinica, donde había descubierto un paisaje repleto de sensual colorido y una sociedad, la indígena, en estrecha convivencia con la naturaleza.

Ambos factores se unieron para despertar en el artista una aguda nostalgia por lo primitivo, cauce en el que iba a encontrar una vía idónea para expresar una emotividad no contaminada por el naturalismo propio del arte refinado.

Tras su desastrosa experiencia con van Gogh en Arlés, Gauguin regresó a París, donde su interés por las formas del arte popular se acrecentó por vía de su amistad con el joven artista Émile Bernard.

Van Gogh pintando girasoles

Paul Gauguin, 1888.

Museo van Gogh, Ámsterdam, Países Bajos

Cristo amarillo Paul Gauguin, 1889. Museo Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Estados Unidos.

PAUL

De resultas de sus propias experiencias en la Martinica y del aporte teórico de Bernard iba a surgir el sintetismo, estilo personal caracterizado por la representación no imitativa y la separación de la imagen pictórica en zonas de color fuertemente contrastadas y a menudo delineadas en negro.

Además de en lo formal, Gauguin buscó siempre una pureza emocional en sus temas, predicando la armonía entre hombre y naturaleza.

También le fascinó la intrusión de lo sobrenatural a la vida diaria, el folklore, el arte popular y la religión desde un punto de vista místico y la búsqueda del paraíso, que quizás nunca encontró.

Mujeres de Tahití Paul Gauguin, 1891. Museo d’Orsay, París, Francia.

¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? Paul Gauguin, 1897. Museo de Bellas Artes de Boston, Estados Unidos.

Entre 1891 y 1903 Paul Gauguin efectuó largas estancias en Tahití y las islas Marquesas, donde su primitivismo fue atemperando al abrirse a la influencia de neoclásicos como Jean Auguste Dominique Ingres o contemporáneos como el nabi Pierre Puvis de Chavannes.

Este proceso corrió de la mano de un creciente refinamiento tonal y de la presencia en su producción de una aura onírico poético que en modo alguno parece reflejar la enfermedad y los conflictos personales (particularmente sus enfrentamientos con las autoridades locales en defensa de las comunidades indígenas) que marcaron los últimos años de su vida.

Poco después de su muerte, su figura sería reivindicada por los dos grandes artistas modernos: Matisse, que quedó embrujado por su uso libre y expresivo del color, y Picasso,que se «enamoró» de la vida y obra del artista y copió su primitivismo para «Las señoritas de Avignon».

Las demás vanguardias, con el expresionismo a la cabeza, considerando que Gaugin asentó las bases del arte moderno.

Los comedores de patatas

Vincent van Gogh, 1885. Museo Van Gogh, Amsterdam, Países Bajos.

VINCENT VAN GOGH

Vincent van Gogh (Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) fue un pintor holandés, el mayor de los seis hijos. A los dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil, una sociedad de comerciantes de arte fundada por su tío Vincent. Animado por Theo, en 1880 decidió dedicarse a la pintura y fue a Bruselas, donde conoció al pintor Anthon Van Rappard.

Mantuvo con su hermano Theo una relación que sería determinante en su existencia y en su trayectoria artística documentando a través de cartas testimonios de las angustias humanas y creativas que atormentaron a van Gogh hasta el último día.

En 1886 se reunió con Theo en París donde el contacto con el impresionismo reorientó visiblemente su estilo y se relaciona con los impresionistas y postimpresionistas, y descubriría el arte japonés.

Theo le presentó a Camille Pissarro, Georges Seurat y Paul Gauguin, así como a Toulouse-Lautrec y Émile Bernard, y bajo ese nuevo ambiente llegaría a la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente clara y colorista y sus composiciones menos tradicionales, dando forma a su personal visión del postimpresionismo.

Las obras realizadas antes de su estancia en París conforman el l lamado periodo oscuro, retratando con rudeza el sufrimiento de los trabajadores humildes sometidos a considerables esfuerzos físicos y sus miserables condiciones de vida.

En 1886 llegó a París, donde permaneció dos años y cambió radicalmente su estilo pictórico alejándose de la tradición holandesa para inclinarse por las tonalidades claras.

Uno de los cuadros representativos de la estancia en París es el Autorretrato con sombrero de paja, donde la paleta y las pinceladas evidencian la influencia del divisionismo o puntillismo, vistas en obras de Seurat y Signac. Van Gogh consigue en esta obra una total asimilación de los principios neoimpresionistas

Autorretrato con sombrero de paja Vincent van Gogh, 1887 Museo Van Gogh, Amsterdam, Países Bajos.

Terraza de café por la noche

Vincent van Gogh, 1888.

Museo Kröller-Müller, Otterlo, Países Bajos.

Van Gogh se trasladó a la localidad de Arles, en el sur de Francia donde encontró su propio estilo más allá del impresionismo y del divisionismo. Se dejó seducir por los contornos nítidos y los extensos planos de color puro como se refleja en la obra El café de noche de Arlés, 1888.

Convenció a Gauguin para que se trasladara a vivir con él y crear una comunidad de artistas pero las divergencias y enfrentamientos entre ambos fueron múltiples. Gauguin rechazaba los empastes que van Gogh utilizaba porque le parecían desordenados, considerandolo como un artista impulsivo y romántico.

En el plano artístico, su estancia de poco más de un año en Arlés se tradujo en unos 200 lienzos. La habitación de van Gogh en Arlés (1889, Museo de Orsay, París) es uno de los más célebres. Representa el dormitorio del pintor, tema que trató en varias ocasiones con el deseo de expresar la idea de un “completo descanso” a través únicamente del uso de colores claros y empastados.

En él, con una extrema concisión, el pintor mostró el ambiente de la pieza, amueblada con suma sencillez con una cama, una mesa, dos sillas, un espejo, varios cuadros y dos dibujos. Una de las versiones de este lienzo fue acabada por van Gogh en 1889, durante su estancia en el asilo de Saint-Rémy-de-Provence.

Cuando a principios de diciembre de 1888 Gauguin realizó un retrato de Vincent van Gogh pintando Girasoles (1888, Museo Vincent van Gogh, Ámsterdam), van Gogh creyó ver representada su propia locura.

Después, con el lance turbulento de la mutilación de la oreja (nunca del todo esclarecido) terminó una tempestuosa convivencia de dos meses y, con ella, la utopía de crear una comunidad de artistas en el sur de Francia. Todo ello lo sumió en una gravísima crisis mental que acabaría con su internamiento en un hospital.

Dormitorio en Arlés

Vincent van Gogh, 1888.

Museo van Gogh, Ámsterdam, Países Bajos.

Los girasoles Vincent van Gogh, 1888. Museo: National Gallery, Londres, Reino Unido.

Cuando a principios de 1888 Gauguin realizó un retrato de Vincent van Gogh pintando Girasoles (1888) , van Gogh creyó ver representada su propia locura. Después, con el lance turbulento de la mutilación de la oreja (nunca del todo esclarecido) terminó una tempestuosa convivencia de dos meses y, con ella, la utopía de crear una comunidad de artistas en el sur de Francia.

Todo ello lo sumió en una gravísima crisis mental que acabaría con su internamiento en un hospital pues sufriría ya de crisis nerviosas y estuvo internado, primero, en el sanatorio mental de Saint-Rémy.

Las obras de este período final acusan un fuerte contraste y reflejan su íntima desdicha y los tormentos interiores que le afligía; el tratamiento formal, nervioso y desasosegado hasta el paroxismo, las pinceladas gruesas y ondulantes y los bruscos colores de su paleta expresan su zozobra.

También en esta última etapa abundan sus obras maestras; a ella pertenecen sus mejores autorretratos, entre los que sobresale el Autorretrato de 1890. El predominio de los tonos azules contrasta con los rojos y naranjas del pelo y el rostro; azules son también los ojos, cuya mirada fija y penetrante atrae inmediatamente la atención del espectador.

Autorretrato

Vincent van Gogh, 1889. Museo d’Orsay, París, Francia.

Aunque también puedan encontrarse lienzos de límpido esplendor, en sus últimos paisajes la belleza natural aparece a menudo turbada por una agitación, reflejo de la ansiedad del artista como en la obra Las barracas (1889) donde representan en apariencia un sencillo paisaje, sin embargo, ni una sola parcela del lienzo se halla libre de inquietud: todo está en tensión y todo se encuentra en impetuoso movimiento, el cielo es pintado con grandes pinceladas que parecen precipitarse sobre los cerros, los cuales a su vez se asemejan a fuertes oleadas de agua que se abalanzan sobre las construcciones. Las imágenes de las barracas tampoco irradian tranquilidad con sus quebradas siluetas. La misma tensión se aprecia en la gama cromática: predominan tonos verdes variados, pero con un tejado casi rojo que rompe el equilibrio.

Las barracas Vincent van Gogh, 1889. Museo del Ermitage, San Petesburgo.

Pelirroja

Toulouse Lautrec, 1889. Museo d’Orsay, París, Francia.

TOULOUSE LAUTREC

Henri de Toulouse Lautrec (Albi, Francia, 1864 - Malromé, 1901) fue un pintor, dibujante y cartelista francés, considerado como uno de los artistas más representativos de la bohemia parisiense finisecular, cuyos personajes y ambientes reflejaba en sus cuadros con una insólita libertada creativa, preludiando las nuevas tendencias del arte contemporáneo.

Nació en el seno de una familia aristocrática y tuvo una infancia y una adolescencia felices, aunque sufrió dos caídas graves que le atrofiaron los miembros inferiores y le impidieron alcanzar una estatura normal, pues medía 1.50 m aproximadamente y tenía una cabeza desproporcionadamente grande, lo cual le daba un aspecto deforme, condición que no le impidió relacionarse y mantener una vida social normal.

Comenzó a dibujar en la infancia y posteriormente se formó en academias como las de Léon Bonnat y Fernand Cormon, donde conoció a Émile Bernard, Louis Anquetin y Vincent van Gogh, de quien hizo un excelente retrato (1887, Stedelijk Museum, Ámsterdam). En 1885 abrió un taller en Montmartre y desde entonces se dedicó a la creación pictórica, integrándose plenamente en el ambiente artístico parisino que en aquella época buscaba por diversos medios la superación del impresionismo.

Toulouse-Lautrec se relaciona con Paul Gauguin, del cual tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de los contornos pronunciados. Pero las obras que más influyeron en su peculiar estilo fueron las de Edgar Degas y las estampas japonesas ukiyo-e. Del grabado japonés tomó la liberación del color de toda función descriptiva, su extensión en amplias superficies y la línea sinuosa, mientras que de los maestros del impresionismo admiraba especialmente la captación de la realidad inmediata.

Una de las primeras obras en las que se encuentra ya su propio estilo es En el circo Fernando (1888, Art Institute, Chicago), en la que refleja el mundo del espectáculo. Los personajes del cuadro poco tienen que ver con la formación impresionista del artista, pues sus rasgos caricaturizados están más próximos al arte oriental.

En el circo Fernando Toulouse Lautrec, 1888. Museo National Gallery of Scotland, Edimburgo, Reino Unido.

En el Moulin Rouge: el baile. Toulouse Lautrec, 1890. Museo de arte de Philadelphia, Estados Unidos.

Con Baile en el Moulin Rouge (1890) comienza una serie de escenas de danza que constituyen el inicio de su período de madurez. La composición es una de las más ambiciosas y admirables del artista.

La acentuada perspectiva del local es introducida por el personaje femenino del primer plano; en un segundo término se reserva un espacio vacío para la danza de Valentin le Déssossé y la Goulue; al fondo, los espectadores, entre los que encontramos personajes del círculo de Lautrec, como su padre, con larga barba blanca, y el fotógrafo Paul Sescau, que retrató excelentemente al pintor; en el último plano, los árboles tras la ventana.

La escena nos sumerge en el bullicio nocturno iluminado por luces artificiales y refleja toda la tristeza oculta tras la supuesta alegría. El cuadro se expuso, desde 1890 hasta 1893, en el propio Moulin Rouge.

En el salón de rue des Moulins (1894, Museo Toulouse-Lautrec, Albi) es una obra representativa del ambiente de un prostíbulo que el artista solía frecuentar, logrando plasmar en el cuadro un espacio audazmente escalonado y con grandes extensiones de color. Además de cuadros llenos de vivacidad y movimiento, Toulouse-Lautrec realizó innumerables apuntes y dibujos rápidos, así como unos treinta carteles publicitarios de cabaret y productos comerciales.

Para los carteles, Toulouse-Lautrec creó un tipo de figura estilizada y adoptó unas tonalidades que ejercieron una influencia profunda y duradera en posteriores realizaciones de este tipo. La predisposición del artista a la síntesis y la acentuación de las formas permiten al espectador captar rápidamente el mensaje de los carteles, así como su eficaz estructura ornamental.

Moulin Rouge: La Goulue Toulouse Lautrec, 1891.

Museo Toulouse-Lautrec, Albi, Francia.

La Goulue entrando en el Moulin Rouge Toulouse Lautrec, 1892. MoMA, Nueva York, Estados Unidos.

En sus litografías retrató a personajes emblemáticos de la Belle Époque y despreciaba a los pintores de paisajes y de los impresionistas de la generación anterior, sólo respetó a Degas, por su gusto similar por las bailarinas, el circo y los interiores.

Sus óleos son escasos pero en ellos se puede ver el mismo gusto por los ambientes y personajes bohemios, la espontaneidad y el movimiento y los encuadres inusuales tomados de la fotografía y la estampa japonesa.

En 1899, Toulouse-Lautrec fue internado en una clínica para seguir un tratamiento de desintoxicación etílica. Allí profundizó en el estudio de la luz artificial coloreada y en su estilo expresionista. Las creaciones de esta última época, tras una grave crisis de salud, están imbuidas de tintes sombríos; el artista falleció prematuramente a los treinta y seis años de edad.

Toulouse-Lautrec fallecería en el recién nacido siglo a los 36 años de edad. La sífilis y eldelirium tremens destrozaron su cuerpo y mente. Embriagado de absenta, llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Poco después fallecería en su cama. El Moulin Rouge, el Mirliton, el Moulin de la Galette o Le Chat Noir, perdieron a su mejor cliente y promotor.

Salón de la Rue des Moulins

Toulouse Lautrec, 1894. Museo Toulouse-Lautrec, Albi, Francia.

“El arte es la forma de la imagen que se forma sobre los nervios, el corazón, el cerebro y los ojos del hombre”.

EDVARD MUNCH

Edvard Munch (Løten, 1863-Oslo, 1944) fue un pintor y grabador noruego. Hijo del médico militar Christian Munch y Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana mayor murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era un hombre de economía modesta dominado por obsesiones de tipo religioso. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.

Desde muy joven, en la década de 1880, el artista Munch buscaba expresar sus experiencias emocionales en el arte. Así representó la ruptura con el predominante enfoque del naturalismo en lo externo y objetivo.

Se anticipó al cambio que inunda la década de 1890 hacia lo subjetivo y lo psicológico. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.

El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas.

Melancolía

Edvard Munch, 1891. Colección particular.

Anochecer en la Calle Karl Johan Edvard Munch, 1892.

Museo: Rasmus Meyer Collection, Bergen, Noruega.

Por ello, los temas más frecuentes en sus obras fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El grito), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso).

Munch fue influenciado por impresionistas como Édouard Manet y más tarde por artistas del postimpresionismo como Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Durante estos primeros años, experimentó con muchos estilos, incluidos el naturalismo y el impresionismo. Algunas obras tempranas recuerdan a Manet.

Muchos de estos intentos le acarrearon críticas desfavorables por parte de la prensa y le valieron constantes reproches por parte de su padre, quien, sin embargo, le proporcionó pequeñas sumas para los gastos de manutención.

En un momento, sin embargo, el padre de Munch, tal vez influenciado por la opinión negativa del primo de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional establecido), destruyó al menos una pintura (probablemente un desnudo) y se negó a adelantar más dinero para materiales de arte.

El grito Edvard Munch, 1893. Galería Nacional de Oslo, Noruega.

EDVARD

La mujer en tres etapas Edvard Munch, 1894. Kode Art Museum, Bergen, Noruega.

El grito es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de toda la historia del arte. Esta obra existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También hay varias litografías de El grito (1895 y posteriores).

Se ha interpretado ampliamente que representa la ansiedad universal del hombre moderno. Pintada con amplias franjas de color chillón y formas muy simplificadas, y empleando un punto de vista alto, reduce la figura agonizante a un cráneo ataviado en medio de una crisis emocional.

Con esta pintura, Munch cumplió su objetivo declarado “del estudio del alma, es decir, el estudio de mí mismo. Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura, estaba tensionado hasta el límite: la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder volver a amar”.

En su intento por expresar los “estados más sutiles del alma”, Munch desarrolló su característico estilo. Para expresar sentimientos fuertes y sutiles era necesario otra forma de expresión diferente al naturalismo. En la obra de Munch se mezclan la realidad interior y exterior en grandes superficies limitadas por contornos claros.

Después de numerosos experimentos, Munch llegó a la conclusión de que el lenguaje impresionista no le permitía una expresión suficiente. Lo encontró superficial y demasiado parecido a la experimentación científica.

Sintió la necesidad de profundizar y explorar situaciones llenas de contenido emocional y energía expresiva. Bajo el mandato de Jæger de que Munch debería “escribir su vida”, lo que significa que Munch debería explorar su propio estado emocional y psicológico, el joven artista comenzó un período de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su “diario del alma”

Munch a menudo usa sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual.

No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.

Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes. A pesar de su mal estado de salud, sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor.

Se le considera precursor del expresionismo por sus evocativas obras sobre la angustia y su fuerte expresividad de los rostros que influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX, además es considerado como el mejor pintor noruego de todos los tiempos.

Amor y dolor

Edvard Munch, 1895. Museo Munch, Oslo, Noruega.

Madona

Edvard Munch, 1895. Museo: Galería Nacional de Oslo, Noruega.

Munch murió en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir los 80 años. Su funeral orquestado por los nazis sugirió a los noruegos que era un simpatizante de los nazis, una especie de apropiación del artista independiente.

La ciudad de Oslo compró la finca Ekely a los herederos de Munch en 1946; pero su casa fue demolida incomprensiblemente en mayo de 1960. Tras su muerte, Ekely donó a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que obraba en su poder. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inauguró en 1960 el Museo Munch de Oslo.

“Vayamos a emborracharnos con la luz otra vez, tiene el poder de consolar”.

Domingo en la Grande Jatte Georges Seurat, 1886. Museo Art Institute of Chicago, Chicago, Estados Unidos.

GEORGES SEURAT

Georges-Pierre Seurat (París, 1859 - marzo de 1891) fue un pintor francés y uno de los fundadores del neo-impresionismo. Su trabajo Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es uno de los íconos de la pintura del siglo XIX.

Con 15 años Seurat ingresa en su escuela municipal de dibujo, y después ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París. Sin embargo todavía no destaca por su talento artístico, por lo que decide hacer algo nuevo, basado en el impresionismo. Es así como nace el puntillismo, que como su nombre indica, es la ubicación armónica de puntos de colores para que el ojo humano ordene la escena en la retina.

Seurat fue el fundador del llamado neoimpresionismo (o puntillismo), que lleva la ciencia a la pintura mediante el estudio del color. El artista teorizó sobre la aplicación científica del color, que como cualquier otra ley natural, podría llevarse a la pintura. Podría ser el ojo quien mezclaba los colores, y no el artista. Es el propio espectador quien hace la función de paleta.

Otros artistas contemporáneos como Signac tomarán de Seurat esta técnica, que a la larga desencadenaría movimientos de vanguardia como el fauvismo, también interesada en el estudio del color e incluso podemos aventurarnos y afirmar que los píxeles en los que ustedes están leyendo esto fueron invento suyo.

Seurat encarnó una nueva generación de pintores que anunciaron la desintegración del ideal impresionista y el advenimiento de nuevas concepciones.

Superó decididamente la inmediatez de la pintura impresionista para desarrollar un método pictórico que pretendía basarse en leyes científicas y revolucionar el propio concepto de arte figurativo.

Su problema era encontrar un vínculo entre el arte y la ciencia y, más concretamente, entre la pintura, la fisiología y la psicología de la percepción.

Según la teoría de Chevreul, un color no existe en sí mismo, sino sólo en relación con los que lo rodean. A partir de estos resultados y de los del físico Ogden Rood, en particular sobre su teoría de los colores, expuesta en su libro Modern Chromatics (1879), relativa a los fenómenos de descomposición y recomposición de la luz, Seurat experimentó una nueva técnica pictórica llamada puntillismo.

El proceso consiste en acercarse al lienzo con numerosos puntos pequeños de color puro de manera que se cree la distancia deseada mediante la mezcla y la vibración de la propia luz.

Modelos

Georges Seurat, 1886.

Museo Fundación Barnes, Philadelphia, Estados Unidos.

La Torre Eiffel Georges Seurat, 1889 Museo Fine Arts Museums of San Francisco, EstadosUnidos

Mientras los impresionistas yuxtaponían numerosas manchas de color puro, Seurat, en lugar de confiar en el instinto y la percepción inmediata, basaba su método en una rigurosa justificación científica.

Con esta pintura inacabada – el pintor murió de difteria a los pocos días – Seurat vuelve a unir arte y ciencia. Recordemos que en esa época la ciencia estaba viviendo un momento de gran florecimiento que causaba furor pues también tenía mucho de espectáculo.

La repentina muerte de Seurat en 1891 provocó una gran consternación entre sus amigos y partidarios. Se consideraba al artista como un gran renovador de la pintura cuya muerte temprana daba al traste con todas las ideas y planes que había confiado a unos pocos de sus amigos.

Por otro lado, en el propio grupo marginal de los neoimpresionistas habían surgido tensiones y rivalidades que habían llevado a Seurat, un año antes, a escribir a Fénéon una carta de protesta en la que hacía hincapié en su posición de guía en la creación del puntillismo.

El circo Georges Seurat, 1891. Museo de Orsay, París, Francia.

El circo (detalle)

Georges Seurat, 1891. Museo de Orsay, París, Francia.

Mientras los impresionistas yuxtaponían numerosas manchas de color puro, Seurat, en lugar de confiar en el instinto y la percepción inmediata, basaba su método en una rigurosa justificación científica.

La combinación de colores es la clave. Seuratutiliza básicamente los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul, que distribuye en pequeñas pinceladas.

Con todo esto, el artista consigue dos espacios yuxtapuestos: el escenario y los artistas, de líneas curvas, arabescos estilizados y dinámicas espirales; y las gradas, de líneas rígidas, ortogonales, inmóviles.

El motivo había sido un ensayo de Fénéon sobre Signac (La Peinture Optique: Paul Signac) en el que se ocupaba de la mezcla óptica y de las teorías cromáticas de los neoimpresionistas sin citar ni una sola vez a Seurat.

Sin el espíritu investigador de Seurat, el movimiento neoimpresionista se quedó sin una verdadera fuerza de convicción tanto en Francia como en Bélgica, aun cuando muchos pintores se sirvieran de este estilo de una forma más o menos superficial.

Incluso Camille Pissarro, que al principio estuvo firmemente convencido de este método y creó algunas de sus mejores obras con la técnica del puntillismo, pronto se sintió desilusionado y volvió la espalda a este sistema pictórico, para dedicarse otra vez a la pintura paisajística de carácter impresionista.

El can can Georges Seurat, 1890. Museo Kröller-Müller, Otterlo, Países Bajos.

PAUL SIGNAC

Paul Victor Signac (París, 1863 - 1935) fue un pintor neoimpresionista francés famoso por su desarrollo de la técnica divisionista junto a Georges Seurat. Siguiendo las enseñanzas de Seurat, es uno de los principales representantes de la liberación del color con respecto al objeto.

Al principio tuvo influencias de Monet, pero después de la fundación del Salón de los Independientes de París se convirtió en un neoimpresionista. Es uno de los principales representantes de la liberación del color con respecto al objeto.

Dedicándose de lleno a la carrera artística, Signac tomó lecciones, a comienzos de 1880, con el artista Emile Bin, quien en su momento era el alcalde de Montmartre.

En un inicio tuvo influencias de Monet, Pissarro y Renoir, pero después de la fundación del Salón de los Independientes de París se convirtió en un neoimpresionista, cuando conoció a Seurat, en 1884.

Route de Gennevillier Paul Signac, 1883. Museo d’Orsay, París, Francia.

Retrato de Payl Signac Paul Signac, 1990.

La escuela pictórica del puntillismo nació oficialmente en 1886 y de ella formaron parte, además de Signac, Georges Seurat (el fundador), Henri-Edmond Cross, Camille Pissarro, Maximilien Luce y Théo van Rysselberghe, pintores reunidos por la común aspiración de dar a sus telas la mayor luminosidad posible.

Bajo la influencia de Seurat, y convirtiéndose en su más fiel seguidor, abandonó las pinceladas impresionistas para adentrarse en la experimentación plástica con los puntos de color puro, que tenían como único objetivo combinarse entre ellos sin mezclarse en la tela, para poder hacerlo en el ojo de quien contemplara sus obras.

La temática de su obra se centra, en su mayoría, en el paisaje de los puertos, donde se observan los elementos propios de la vida marinera: faros, cuerdas, veleros y navegantes.

En 1899 escribió De Delacroix al Neoimpresionismo, un libro sobre teoría del arte, que a su vez pasó a ser el manifiesto del nuevo movimiento.Para lograr estas imágenes viajó por toda Europa; era un apasionado de la navegación, y con su pequeño barco llamado «Olympia», en homenaje al cuadro de Manet, que recorrió ciudades portuarias del norte y sur de Francia, desde El Havre hasta Marsella, los puertos de Venecia, Constantinopla, vistas de París, La Rochelle, Aviñón, Collioure, Saint-Tropez y Antibes.

Retrato de Félix Fénéon Paul Signac, 1990. Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos

El puerto al atardecer Paul Signac, 1892. Colección privada.

En sus pinturas al óleo, Signac es voluntarioso y reflexivo, siguiendo ese sistema exacto y casi científico de aplicación de los puntos. En las acuarelas, en cambio, el pintor francés utilizó el principio de una manera mucho más libre, develando su sensibilidad, y expresando sus pinceladas con rapidez, precisión, soltura y espontaneidad.

El pintor dijo una vez que dos colores opuestos colocados uno junto al otro modifican la percepción de su verdadero color. Un ejemplo magistral de esto se puede comprobar en algunas de sus obras más famosas: Palacio Papal de Avignon y La Rochelle evidencian su interés por la luz y los colores.

Las mezclas de colores sombríos del último periodo impresionista son así reemplazados por luminosos e intensos colores.

En sus pinturas al óleo, Signac es voluntarioso y reflexivo, siguiendo ese sistema exacto y casi científico de aplicación de los puntos.

En las acuarelas, en cambio, el pintor francés utilizó el principio de una manera mucho más libre, develando su sensibilidad, y expresando sus pinceladas con rapidez, precisión, soltura y espontaneidad.

Mujer con paraguas Paul Signac, 1893.

Museo d’Orsay, París, Francia.

El postimpresionismo no fue un movimiento con un programa homogéneo, sino que el nombre designa al conjunto de estilos pictóricos originado por un fenómeno de individuos que desarrollaron investigaciones personales.

Los artistas postimpresionistas tuvieron relación con el impresionismo en sus comienzos, pero todos ellos coincidieron en observar un agotamiento del movimiento respecto a los temas y a las investigaciones pictóricas.

La importancia de los artistas postimpresionistas radica en lo novedoso de sus propuestas, que abrieron un amplio campo de investigación y fueron el punto de partida de varias de las vanguardias del siglo XX.

Sus principales figuras fueron Paul Gauguin (1848- 1903), Vincent van Gogh (1853-1890), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Edvard Munch (1863-1944), Paul Signac (1863-1935) y Georges Seurat (1859-1891), fundador del puntillismo, denominado neoimpresionismo por la crítica.

Los postimpresionistas se alejaron de París, que era el centro cultural de la época. Buscaron espacios para desarrollar sus investigaciones fuera de los circuitos urbanos fuera de Francia convirtiéndose en un fenómeno internacional.