REVISTA A ESCENA nº 119-FEBRERO 2020

01 portada febrero 2020_Maquetación 1 24/01/20 12:33 Página 1

FEBRERO

2020

Nº 119 Año XII

a escena Revista gratuita de artes escénicas

NAUFRAGIOS DE Á LVAR NÚÑEZ

MAGÜI MIRA

AN A TORRENT

CARLOTA FERRER

CARMEN GALLARDO

NATALIE PINOT

ESPECIAL TEATRO DE IMPROVISACIÓN

RON LALÁ

Aescena_148x210.pdf

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21/1/20

15:11

13 FEB - 1 MAR

SALA GUIRAU

DE WILLIAM

8 FEB - 1 MAR

SALA JARDIEL PONCELA

SHAKESPEARE

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wasted

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DE

KATE TEMPEST

REY LEAR DE WILLIAM SHAKESPEARE

WASTED DE KATE TEMPEST

DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA RICARDO INIESTA CON CARMEN GALLARDO, JOAQUÍN GALÁN, MARÍA SANZ, RAÚL VERA, ELENA ALIAGA, SILVIA GARZÓN, LIDIA MAUDUIT, JOSÉ ÁNGEL MORENO Y JAVI DOMÍNGUEZ

DIRECCIÓN MARÍA SAN MIGUEL ESPACIO SONORO ZELTIA MONTES CON MARIANO ESTUDILLO, JAVIER AMANN Y NAKAREY

TEMPORADA 20 Programación sujeta a cambios

teatrofernangomez.com

03 sumario febrero_Maquetación 1 26/01/20 15:41 Página 1

REVISTA DE DIFUSIÓN

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NAUFRAGIOS DE ÁLVAR NÚÑEZ. Magüi Mira

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ANA TORRENT. Vuelve a protagonizar “Todas las noches de un día”

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NATALIE PINOT y JESSICA BELDA. Nos dan todos los detalles de la obra “Españolas. Franco ha muerto”, dirigida por Verónica Forqué

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YAYO CÁCERES y RON LALÁ. Presentan

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CARMEN GALLARDO. Da vida al Rey Lear en esta versión de la compañía Atalaya

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CARLOTA FERRER. Ha dirigido, junto a Darío

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JUAN JIMÉNEZ. Hablamos con el nuevo

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PROSTITUCIÓN en el Teatro Español

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Este mes en el CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

GRATUITA

En Teatros de Madrid, Teatros de la CAM, Centros Culturales, Programadores de Redes de Teatros de España y Ferias y Festivales de Artes Escénicas www.aescenarevista.com

EQUIPO: Dirección y edición: Olga González Braojos.

Redacción: Marta Vázquez.

Teléfono: 91 199 99 88.

Web: www.aescenarevista.com e-mail: redaccion@aescenarevista.com Colaboradoras: Cristina Carrasco y Raquel Villalba.

Maquetación: Susana Manrique.

Publicidad: Departamento Propio. (direccion@aescenarevista.com) Siguenos en: www.facebook.com (Revista A Escena)

@aescenarevista www.instagram/aescenarevista

@aescenarevista Depósito Legal: M- 49883-2008 (Todos los derechos reservados. Los contenidos de esta publicación no podrán ser reproducidos sin autorización previa de la Dirección de esta revista)

ha dirigido a un gran elenco en esta versión de la obra de José Sanchís Sinisterra

“Andanzas y entremeses de Juan Rana”

Facal, “La leyenda del tiempo” director del Teatro Galileo

36 ESPECIAL obras de Teatro de IMPROVISACIÓN. Improclan, Improimpar, Teatro Asura, Calambur Teatro, Cuá Teatro...

42 TAMBIÉN EN CARTEL 50 Obras de artes escénicas familiares 56 NORKA CHIAPUSSO nos informa sobre la próxima edición de DFERIA que dirige

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EN PORTADA

N AU F R AG I O S D E Á LVA R N Ú Ñ E Z Por Olga G. Braojos. Fotos de ensayos: CDN. Retrato Magüi: Sergio Parra

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MAGÜI MIRA ha versionado y dirigido esta magnífica obra llena de realismo mágico de José Sanchís Sinisterra.

Un viaje poético, muy metafórico, fascinante, con el que se cuenta la Historia de la Conquista y de los “descubrimientos” dándoles voz a los que sufrieron.

La llevan a escena Jesús Noguero, Pepón Nieto, Clara Sanchís, Karina Garantivá, Jorge Basanta, David Lorente y Rulo Pardo, entre otros.

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“Yo, señora, y todos los que vienen conmigo, vamos a pelear y conquistar muchas y muy extrañas tierras y gentes. Y tengo por muy cierto que, en la conquista, muchos habrán de morir.

Pero aquellos que queden regresarán muy ricos, porque hay noticia de la gran riqueza que esas tierras guardan...”. Son palabras del gobernador Narváez, antes de iniciar la desastrosa expedición a La Florida emprendida en 1527 y que supuso la muerte de muchísimas personas.

En vez de riqueza, lo que se encontraron los aventureros que huían de la miseria de la época en España y que consiguieron llegar a su destino, fueron toneladas de barro, insectos que picaban por doquier, mucha pobreza, enfermedades, hambre...Posteriormente, durante casi diez años, Álvar Núñez de Vaca y otros tres supervivientes recorrerán tierras inhóspitas, con huracanes y mucho hambre, huyendo de los indios esclavistas, desde la costa texana hasta la del Pacífico mexicano, en una caminata de más de tres mil kilómetros. Álvar fue el primer europeo en llegar a las cataratas del Iguazú y en adentrarse en el curso del río Paraguay. Fue nombrado segundo adelantado, capitán general y gobernador del Río de la Plata y del Paraguay, Paranáguazu y sus anexos por el rey Carlos I de España. En 1542 se publicó el relato autobiográfico que escribiera Álvar Núñez y que fué todo un éxito en la época.

Basándose en estos hechos históricos y en esa autobiografía, José Sanchís Sinisterra escribió esta obra que mezcla pasado con presente, recuerdos y vivencias, emoción y ensoñaciones...

Sobre ella explica que: “Los naufragios de Álvar Núñez no son tanto, pues, las zozobras y hundimientos de naves en el mar, como el desguace de sus coordenadas culturales, de sus esquemas ideológicos y espirituales, de sus estructuras psíquicas. Es todo su ser de europeo, español, hidalgo, cristiano, civilizado, blanco, conquistador... lo que naufraga en esta insólita peregrinación a las entrañas del mundo primitivo”.

Ahora Magüi Mira la ha versionado y dirigido para el Centro Dramático Nacional. Es la primera adaptación teatral de la misma. Con la actriz y directora charlamos.

MAGÜI MIRA * Esta obra mezcla el pasado siglo XVI y el presente, ¿cómo se plantean estas diferentes épocas y tiempos en escena?

Lo más importante es que en este texto hay un gran realismo mágico que a todos nos fascina e inquieta. Es una obra llena de anacronismos, de saltos en el tiempo e invitamos al espectador a ser el protagonista de esta realidad que “no existe”. * ¿Qué es lo que queréis transmitirnos tanto su autor como tú como adaptadora?

La gran metáfora del gran fracaso humano que supuso la Conquista de América. Les decimos que “si nos hubiéramos quedado en descubrir y no en conquistar”, nos habría ido mucho mejor. No se abrazaron las dos civilizaciones (la europea y la indígena), no hubo empatía. Habla de unos descubridores que, en realidad, descubren el horror desinhumano y su incapacidad patética y desesperante de comprender al diferente. Sólo sabían atacar y matar al otro, destruir. Los que volvieron lo hicieron transformados en dementes y en famélicos y regresaron gracias a que les ayudaron y cuidaron los indígenas. Habla del daño que hace el género masculino con esa obsesión por las guerras, con su ambición y su codicia y que, desgraciadamente, sigue ocurriendo. Por eso esta obra es tan actual. Sigue habiendo muchas personas que huyen, a la desesperada, de las guerras y de la miseria que crean otros hombres...

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EN PORTADA “En este texto hay un gran realismo mágico que a todos nos fascina e inquieta. Es una obra llena de anacronismos, de saltos en el tiempo, e invitamos al espectador a ser el protagonista de esta realidad que “no existe”

* Preséntanos a los personajes...

Narváez (al que da vida Pepón Nieto) simboliza la prepotencia, la crueldad, la codicia desmesurada y el máximo fracaso.

Era un pánfilo. No sabía ni dónde estaba. Su comportamiento resulta también humorístico a veces. A Álvar Núñez, que simboliza también el choque entre los dos mundos y la demencia, le da vida Jesús Noguero. Dice en una escena: “Aquí sólo están ellos, ellos… y tú, Dorantes, y tú, Castillo, y él, Esteban… Y por ahí, en alguna parte, dicen que estoy yo… Bueno… Ese que dice “yo” cuando yo hablo…”

Mariana (Clara Sanchís) es una de las mujeres de Álvar Núñez. Es una Penélope que espera, que lleva el rol histórico de la inmovilidad. Simboliza a esas mujeres que cocinan, hacen las tareas del hogar, esperan a que vuelvan los hombres. Está desesperada con ese rol pero lo acepta.

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Shila (Karina Garantivá) es la exmujer indígena de Álvar. Habla de la cultura de indígenas que nos han contado muy mal.

Ella sabe abrazar, está llena de luz y vive en la paz y en la pureza, no en la tragedia del tráfico europeo lleno de culpa.

Esteban, “El Moro”, es Jorge Basanta. El autor le sitúa “en ninguna parte”. Es casi un ángel justiciero, con parlamentos de una poética espectacular.

Castillo (Rulo Pardo) y Dorantes (David Lorente) conducen toda la función porque vienen a reclamar a Álvar Núñez Cabeza de Vaca que en esa crónica que escribió “Esto no sucedió de esta manera” o ¿Por qué a mí no me nombras?”. Con mucho humor, vienen a decirnos que la Historia depende de quién la cuenta o la escribe. La Historia no existe.

Son los que se encargan de ir llenando la cabeza de Álvar Núñez de todos los errores que se cometieron.

Claudia (Raquel Infante) es una soldada que decide sobre su destino y decide embarcarse con ellos. Es un personaje de ficción, lleno de humor, fuerte, que está instalada en el siglo XVI. Completan el reparto Nanda Abella, Olga Díaz, Cruz García y Lula Guedes (formando un coro de indias), Alberto Gómez Taboada como Figueroa, Pedro Almagro (Melchor Pérez), Kike del Río (padre Suárez) y Antonio Sansano (como Alaniz).

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“Esta obra es un viaje poético, muy metafórico, fascinante.

Es la primera vez que se cuenta la Historia de la Conquista de esta manera.

Es la voz de los que sufrieron”

* ¿Por qué aceptas dirigir esta función tan complicada y con tantos actores en escena?

Ernesto Caballero me lo propuso y, si me pongo a dirigir, tiene que ser un texto que me apasione. Me he inventado, desde mi cerebro de mujer, esta historia disparatada que se cuenta como un viaje poético, muy metafórico. A mí me interesa menos el psicologismo. Este texto no resistiría un análisis psicológico. * ¿Por qué debería ir el público?

El arte escénico es sanador, te ayuda a volar y a crecer como persona, a nutrir tus emociones.

En particular, esta obra es un viaje fascinante.

Esta temática nunca se ha contado así. Es la voz

de lo que sufrió esta gente. Deberían ir para saber ¿Por qué sufrieron?... ¿Por qué fueron víctimas de la avaricia y de la prepotencia de algunos...?

La Escenografía es de Curt Allen Wilmer y Leticia Gañán, la Iluminación de José Manuel Guerra, el Vestuario es una creación de Gabriela Salaverri y el Espacio sonoro es de Jordi Francés.

Desde el 12 de Febrero. T. Mª Guerero. www.cdn.mcu.es

JOSÉ SANCHÍS SINISTERRA Son obras suyas ¡Ay, Carmela!, El Cerco de Leningrado, El lector por horas, Ñaque o de piojos y actores, La noche de Molly Bloom, entre otras muchas. Como director teatral, ha montado obras de los mejores autores clásicos así como dramaturgias propias sobre textos narrativos de Joyce, Kafka, Beckett, Melville, Sábato. y ha dirigido también varias de sus obras.

Durante su trayectoria ha sido uno de los autores más premiados del teatro español contemporáneo. Los últimos han sido el premio

de la Sala Beckett de Barcelona, que dirige hasta

a toda una carrera, por la Federación Española de

finales de 1997, año en el que se traslada a

Teatro Universitario (2016) y el Premio Max de

Madrid

Honor a toda una carrera (2018).

FRONTERIZO en Lavapiés.

En 1977 funda y dirige la compañía Teatro

donde

funda

NUEVO

TEATRO

Ha impartido cursos, seminarios, talleres y

Fronterizo, que canaliza desde entonces su

laboratorios

actividad de dramaturgo, director e investigador.

dramática en numerosas ciudades españolas y,

de

dramaturgia

y

escritura

Desde 1984 hasta 1989 ejerce como profesor de

desde 1985, en casi todos los países de América

Teoría e Historia de la Representación Teatral en

Latina, así como en Francia y en Italia.

el Departamento de Filología Hispánica de la

Ha publicado ensayos y artículos de teoría

Facultad de Letras de la Universitat Autònoma de

teatral y pedagogía en numerosas revistas

Barcelona. En 1989 pone en marcha el proyecto

españolas e iberoamericanas.

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ENTREVISTA

Todas las noches de un día

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Por Marta Vázquez. Fotos: Pentación Espectáculos

Ana Torrent y Carmelo Gómez protagonizan esta obra tan llena de poesía como de misterio y en la que, desde un tiempo “indefinido”, se dirigen constantemente al público, el otro gran protagonista de la historia. Una producción de Pentación Espectáculos, dirigida por Luis Luque, en la que los dos grandes actores derrochan profesionalidad sobre un escenario en el que se aman, se odian, se miran, se esperan, se desean, se buscan, se llenan de dolor y de pena...

Nos cuentan que en algún lugar “cerca de nosotros” sobrevive un viejo jardín con su invernadero. Pero ha pasado mucho tiempo desde que los vecinos vieron por última vez a Silvia, la dueña de la casa. Allí sólo queda Samuel, el jardinero, afanado en preservar ese rincón olvidado y en “cuidar” de Silvia...

ANA TORRENT * ¿De qué relación nos hablais en “Todas las noches de un día”?

'Todas las noches de un día' es un viaje poético, narrado desde un espacio no temporal y con continuos recuerdos al pasado, en el que sus dos protagonistas se enfrentan a ellos mismos y a sus fantasmas.

Es la historia de una relación entre Silvia, la dueña de una casa y su jardinero. Ella ha desaparecido hace tiempo y un policía al que no vemos viene a preguntarle a Samuel, el jardinero, por el paradero de ella.

A través de lo que le va preguntando, el policía le va pidiendo datos, fechas y cosas concretas, pero lo que intentan Samuel y Silvia es algo mucho más difícil: saber ver qué ha pasado en la relación entre los dos.

“La obra va cambiando de espacio y de tiempo, va y viene, porque los dos protagonistas están jugando también con los recuerdos, con la realidad...

El público va colocando las piezas del puzle durante la función...”

* ¿Cómo es Silvia, tu personaje?

Silvia es una mujer con un pasado muy doloroso que se refugia en la casa de su tío.

Decide vivir allí e intentar olvidar ese pasado, intentar encontrar la felicidad como puede, a su manera. Es una mujer muy luchadora, una mujer que, pese a tener una herida muy grande, con un pasado tan doloroso y de abuso, sigue luchando. * Una función en la que el espacio y el tiempo no siguen un orden ni lógico ni cronológico...

Sí, así es. Incluso dentro de una misma escena, en una frase pueden estar en el pasado y a la siguiente frase hay un cambio (apoyado por la luz o por la interpretación), y, de repente, vuelve al presente. Va y viene porque están jugando también con los recuerdos, con los fantasmas, con la realidad.

El público va construyendo, va colocando las piezas del puzle durante la función.

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* Dicen que es una obra llena de “No es una obra fácil pero todo aquel que emocionante poesía... confía en la belleza, en la poesía, en los Sí. Yo creo que es un texto muy bello, de Alberto Conejero, con una silencios y que quiere escuchar una historia de amor sale muy emocionado del Teatro” poesía que llega muy dentro. Es muy difícil expresar a veces las cosas que dice, y no se expresarían igual con un lenguaje coloquial. Esa es la magia de este texto porque te lleva a lugares que no te imaginas... * Según Luis Luque, esta obra es “un combate entre la vida y los recuerdos, entre el amor y sus fantasmas”, ¿estás de acuerdo?

Sí, estoy de acuerdo. Creo que es una mezcla de todo eso en realidad. Es el amor vivido de diferentes formas, es la lucha que tenemos con nuestros pasados y con nuestros fantasmas en varios sentidos. * ¿Cómo está siendo la reacción del público en los Teatros en los que ya habéis representado esta función?

Muy buena. Creo que llevamos unas 150 funciones y ha sido muy bonito. Yo nunca había hecho una obra de teatro tanto tiempo, en una gira tan larga, y es muy emocionante ver la reacción

del público y su emoción. No es una obra fácil, pero todo aquel que confía en la belleza, en la poesía, en los silencios y que quiere escuchar una historia de amor con otro tipo de sensaciones, sale muy emocionado del Teatro.

Del 5 de Febrero al 1 de Marzo. T. Bellas Artes. www.teatrobellasartes.es

LUIS LUQUE, el director Es uno de los habituales directores de escena y el actual director adjunto del Teatro Español y de las Naves del Español en Matadero. Ha dirigido en los últimos años La cantante Calva, Lulú, Alejandro Magno, Oleanna, El pequeño poni, entre otras. Sobre esta función comenta que: “este proyecto nace con el espíritu de otorgar al espectador un gran instante de belleza emocional. Hay un equipo de artesanos del teatro con la responsabilidad de dar al espectador la alegría que se merece. La alegría del teatro del amor y de la vida...”

En 2015 Luis Luque también estuvo al frente de El señor Ye ama los dragones e Insolación. Anteriormente, en el año 2005, entró a formar parte del equipo de Miguel Narros con el que trabaja como ayudante de dirección hasta el fallecimiento del director español en el año 2013.

Trabaja con él en trece producciones teatrales. También en el mismo año conoce a Natalia Menéndez y se convierte, como ayudante de dirección, en colaborador habitual. Con Natalia Menéndez trabaja en más de seis producciones en títulos como Las cuñadas, Realidad, Don Juan Tenorio, La Sospecha o Tres versiones de la vida. Ahora la acompañará en la dirección de los dos Teatros de la capital.

Como docente ha sido colaborador habitual del Estudio Juan Codina, formando parte del elenco de profesores desde la creación del centro.

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27/1/20

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CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

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TAXI GIRL

NAUFRAGIOS DE ÁLVAR NÚÑEZ

De María Velasco Dirección Javier Giner

De José Sanchis Sinisterra Versión y dirección Magüi Mira

5 feb – 15 mar 2020 Teatro María Guerrero Sala de la Princesa

Coproducción CDN, Sociedad Cervantina y Celia Freijeiro

12 feb – 29 mar 2020 Teatro María Guerrero

Producción CDN

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entradasinaem.es 902 22 49 49

cdn.mcu.es @centrodramatico

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De Jez Butterworth Traducción Cristina Genebat Dirección Julio Manrique

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Teatro Valle-Inclán 22 ene — 1 mar 2020

JERUSALEM

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COMO UNA PERRA EN UN DESCAMPADO De Clàudia Cedó Traducción Matilde Castillo Dirección Sergi Belbel

31 ene – 16 feb 2020 Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Producción Sala Beckett y Grec 2018 Festival de Barcelona

Coproducción CDN, Teatre Romea y Grec 2019 Festival de Barcelona

12-13 españolas_Maquetación 1 23/01/20 13:00 Página 1

ENTREVISTA

ESPAÑOLAS, FRANCO HA MUERTO VERÓNICA FORQUÉ ha dirigido esta función protagonizada por muchas mujeres de la Transición democrática que nos recuerdan que “todavía hay mucho camino que recorrer para que las voces femeninas no sean silenciadas y para que no olvidemos a aquellas que tantos logros consiguieron...”. Jessica Belda, Natalie Pinot, Manuela Rodríguez y Roser Pujol la intepretan.

Por Marta Vázquez. Fotos: Javier Naval.

NATALIE PINOT Es una actriz que lleva más de veinte años sobre las tablas. Ha actuado en las últimas temporadas en “Luces de Bohemia”, dirigida por Alfredo Sanzol, en “Desatadas”, de Félix Sabroso, en “Fiesta, fiesta, fiesta”, de Lucía Miranda, en “La Valentía” de Sanzol o en “La Sección”, entre otras obras. * ¿De qué temas nos habla “Españolas.

Franco ha muerto”?

Este espectáculo nos habla del Feminismo

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en la Transición, que no tuvo la apertura que prometía, no rompió con el modelo de sociedad patriarcal y se continuaron cometiendo graves injusticias.

Las riquezas y los espacios de poder siguieron mal repartidos y la Iglesia siguió gozando de mucho poder político y moral.

Nos enfrenta a una visión muy poco contada de ese período de nuestra historia. *¿A qué personajes das vida?, ¿Cuáles son tus frases preferidas de ellos?

Represento a una de las mujeres que fueron entrevistadas para este espectáculo porque luchó por el Feminismo durante la Transición, también a Carmen Franco, a una monja de Patronato, a Don Landelino Lavilla Alsina, a Elena Francis versus Juan Soto Viñolo y a Mayra Gómez Kemp.

En algunos de ellos soy un poco “la mala” de la obra ya que formo parte de los que abusaron de su poder o que fueron un instrumento del poder, salvando a la entrevistada y a Mayra.

Me quedo con las frases de la entrevistada: “Fuimos fagocitadas por la política común.

Por el bien de todos.”

Y de la Monja (sobre los niños robados): “La justicia está conmigo. Archivos borrados. Nadie me ha condenado.”

12-13 españolas_Maquetación 1 23/01/20 13:00 Página 2

* ¿Qué mensaje crees que quieren enviarle al público las autoras?

Ruth Sánchez y Jessica Belda han realizado un trabajo de investigación minucioso y muy documentado. Otras partes del texto son muy poéticas y expresan profundos dolores y anhelos en nombre de todas nosotras.

Jessica Belda

*¿Por qué crees que es necesaria esta obra?

Para escuchar voces que se han callado demasiado tiempo de mujeres que han dedicado su vida para que nosotras pudiéramos tener derechos que ellas no tuvieron. Es muy necesario saber de dónde venimos para no volver atrás y perder unas libertades adquiridas de forma tan dura.

JESSICA BELDA Actriz, documentalista teatral y directora de escena, la hemos visto en los últimos años en la función “La Sección”, obra de la que también fue coautora junto a Ruth Sánchez. * Si tuvieras que presentarle a los espectadores esta función que has coescrito, ¿qué les dirías?

Habla de la Transición. De esa parte de la historia que no nos cuentan, la que nos afectó directamente a nosotras y que nos ayuda a entender nuestro presente, con los avances que se consiguieron y con todo lo que aún quedó por hacer. Habla del olvido y de cómo nos borraron de la historia a las mujeres, porque nosotras también luchamos contra el fascismo, contra el franquismo y contra la explotación. Nosotras también fuimos sujetos políticos. Habla de nuestros cuerpos y nuestros deseos, de la educación sexual que aún hoy sigue sobre nuestros hombros y de paciencia, aquella que nos pidieron cuando nos dijeron “Es el tiempo de la democracia, no del Feminismo”. 45 años después podemos darnos cuenta de que sin Feminismo no puede haber democracia. * Decís en la presentación “Son las voces de ayer que nos llevan a comprender a las mujeres que hoy somos...”

Nuestras identidades se conforman no solo con

lo que nos enseñaron, mediante los moldes de comportamiento que nos transmitieron individualmente, sino también con todos los aspectos que nos hicieron avanzar en cuanto a derechos que fuimos adquiriendo.

* Preséntanos a tus personajes...

Soy la entrevistadora, que no ha vivido la transición y que intenta reconstruir ese pasado preguntando a las que sí que lo vivieron para entender el tiempo presente en el que vive así como su propia identidad.

También interpreto a mujeres de aquella época: Dolors Calvet (que presentó la proposición de ley para que los delitos específicos de la mujer también fueran amnistiados), diferentes consultantes en el programa de Elena Francis, a una mujer que roba un hijo y a una internada dentro de uno de los Patronatos que hasta 1985 funcionaron como tal. * ¿Qué tipo de directora de escena está siendo Verónica Forqué? ¿Qué destacarías de ella?

Es maravillosa. Destacaría su entrega y pasión en todo lo que hace, su sonrisa eterna y su amplia experiencia, tanto en la vida como en la escena. Todas estamos aprendiendo muchísimo de ella.

Desde el 26 de Febrero. Sala Margarita Xirgu (Teatro Español). www.teatroespanol.es 13

14 andanzas-ron lalá_Maquetación 1 23/01/20 13:42 Página 1

ANDANZAS Y ENTREMESES DE JUAN RANA Por Marta YAYO CÁCERES ha dirigido esta coproducción de la Compañía Vázquez Nacional de Teatro Clásico y la compañía Ron Lalá.

Fotos: * ¿De qué nos habla vuestra versión?

David Es un juicio de la Santa Inquisición al actor Juan Rana. Acusado anónimamente Ruiz de comediante, de prostitución y de otras cosas. A partir de ahí, en el juicio (que

es a él y al humor o la risa), se utilizan sus entremeses como prueba.

El veredicto corresponde al público, que es el jurado de este juicio. Tengamos en cuenta que Juan Rana fue amigo de reyes, un actor cómico famosísimo y que para él escribieron Lope de Vega, Calderón o Moreto, entre otros. A raíz de la acusación de prostitución se escribió un entremés donde él era una mujer. Fue un hombre que fue capaz de reírse hasta el final de sus días. * ¿Cómo es vuestro Juan Rana?

Nuestro Juan Rana está encarnado por Miguel Magdalena (Peri) que es un comediante nato. Alrededor de él están Iñigo Echevarría, Daniel Rovalher, Juan Cañas y Fran García que representan a los inquisidores, a los verdugos o a Bernarda Ramírez, que fue su gran compañera en las tablas.

Además, es una versión con música en directo y con nuestro humor habitual.

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AF_Publi_TEATRO_ESPAÑOL_A_escena_148X210_enero_2020.pdf

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Temporada 2019/20

16 ene – 16 feb

Atentado

De Félix Estaire Dirección de Xus de la Cruz y Félix Estaire

17 ene – 23 feb

Prostitución Dramaturgia de Albert Boronat y Andrés Lima Dirección de Andrés Lima

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Jazzaescena Viernes 7 feb

Nueva dramaturgia francesa

Rodrigo Ballesteros Sextet

21 feb

Viernes 14 feb

Naíma Acuña Trío

De Pauline Peyrade Dirección de David Geselson

Viernes 21 feb

22 feb

Noa Lur Quartet Viernes 28 feb

Joan Saldaña Quintet

Poings

Samo, Tribute to Basquiat De Koffi Kwahulé Dirección de Verónica Forqué

26 feb – 15 mar

Españolas, Franco ha muerto Texto de Ruth Sánchez y Jessica Belda Dirección de Verónica Forqué

teatroespanol.es

16 andanzas-ron lalá 2_Maquetación 1 23/01/20 13:53 Página 1

Por eso esta obra que se basa en un actor del Siglo de Oro sigue siendo actual. * Preséntanos a los personajes...

Juan Rana será el Peri, Juan Cañas será Calderón y Velazquez, entre otros.

Daniel Rovalher será Bernarda Ramírez, Iñigo Echevarría el gran inquisidor y Fran García el verdugo. Y todos van encarnando muchos más personajes que están presentes en la obra.

YAYO CÁCERES * Decís: “Queremos preguntarnos y preguntar qué sucedería si no pudiéramos reírnos de nosotros y de las cosas de la vida que nos pasan...”

Creo que vivimos una época en los que todo el mundo anda “ofendido”. La capacidad de hacer humor se ha reducido considerablemente, no sólo en escena, sino en la vida también. La risa es la única manera de poder soportar el dolor de la existencia y de no tomarnos tan en serio. Además de esto, la participación de la gente en las redes sociales creo que agrava la situación con esta especie de “juicio público” ante cualquier cosa y de condena social.

Creo que es un debate largo y delicado, pero desde luego la pérdida del humor es un grave retroceso en la inteligencia y en la vida humana. Los animales tienen sentido del humor y nosotros lo estamos perdiendo. Mal síntoma.

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* ¿Cómo serán los elementos escenográficos?

La escenografía es de Carolina González y está basada en un cuadro de Francisco Ricci que se llama “Auto de fé en la Plaza Mayor de Madrid”. La música es libre y sin prejuicios, conviviendo los tanguillos, candombes y temas melancólicos. * Completa esta frase: “Subirme a dirigir a un escenario es...”

Generar espacios de creación y decisión en los que te rodean. Del 14 de Febrero al 8 de Marzo.

T. de la Comedia. www.teatroclasico.mcu.es

“La capacidad de hacer humor se ha reducido considerablemente, no sólo en la escena sino en la vida.

La pérdida del humor es un grave retroceso en la inteligencia y en la vida humana”

17 publi kamikaze_Maquetaciรณn 1 24/01/20 12:26 Pรกgina 1

18-20 rey lear_Maquetación 1 24/01/20 13:27 Página 1

Por Marta Vázquez

REY LEAR de RICARDO INIESTA Y ATALAYA “Al nacer, lloramos por haber venido a este gran teatro de locos...”. Es una de las frases más poéticas que ha escrito Shakespeare y lo dice El Rey Lear en una escena de esta obra.

Cuenta la cultura popular que este Rey quiso conocer el grado de afecto de sus tres hijas para designar sucesora a quien más le quisiera. Dos se deshicieron en halagos y la menor le contestó que le quería como padre y nada más. Le pareció poco al rey, que la castigó. El tiempo y las peripecias vendrían a demostrar más tarde que era la única digna del trono que, por fin, tras una guerra con las hermanas, consiguió.

Shakespeare amplía y transforma la trama, infundiéndole una visión personal. Paralelamente a la propia historia de Lear plasma la de Gloucester y sus hijos. El resultado supone una experiencia extrema de dolor, locura y destrucción expresada crudamente y sin reservas que Ricardo Iniesta ha versionado para su prestigiosa compañía ATALAYA. Una versión que ha conseguido seis premios del teatro andaluz y que fue el espectáculo más nominado a los premios Max 2019.

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En esta versión es la actriz CARMEN GALLARDO la que da vida al Rey Lear.

Con ella charlamos.

* ¿De qué nos habla principalmente vuestra versión de “Rey Lear”?

Habla del carácter universal y social de la obra. Son muchas las escenas en las que se habla de los desastres naturales como origen y resultado de las confrontaciones humanas, pero también son numerosos los parlamentos que se refieren a la desigualdad y la injusticia. Es la obra más humanista de Shakespeare, muy adelantada a su tiempo. Cuando mi personaje se encuentra con los desharrapados lanza proclamas en su favor y contra los poderosos. Si Hamlet es la “duda” y Otelo los “celos”, Lear nos habla de la “ceguera”… De la ceguera del propio Lear, pero también de Gloucester para reconocer a los hijos honestos y a los desleales.

Es una ceguera que se transmite a todo el entorno social, que confunde a los líderes que nos llevan al abismo con quienes nos pueden sacar de ahí… y eso resulta muy actual.

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* ¿Qué tipo de hombre es este viejo rey de Inglaterra?, ¿Cómo va evolucionando en escena?

Creo que es uno de los personajes más ricos del teatro universal por la cantidad de matices que tiene. Comienza repleto de despotismo y arrogancia, sin escuchar a sus consejeros; cuando se queda sin el poder, por su propia y errónea decisión, se torna agresivo, resentido, vengativo. Ahí es cuando descubre a los miserables y comienza a empatizar, se vuelve vulnerable y le sobreviene la locura, a veces justiciera y otras veces lúcida y filosófica, como la de un orate. Cuando se reencuentra con su hija, ya es tal la fragilidad y la sensibilidad que tiene que provoca una fuerte conmoción y ternura en quienes lo rodean y, también en el espectador.

A mí me inspiró un barilarín y coreógrafo alemán que se llama Harald Kreutzberg, al que conocí por la película “Paracelsus”, y sobre él empecé a hacer mi propuesta. Estuve mirando más coreografías suyas fuera de la película y también las de Mary Wigman. Ricardo me pidió que redujera la dinamoenergía para encarnar a Lear. Entonces le busqué la energía más contenida. Más adelante, Ricardo me pasó referentes como el trabajo de Ian Mckellen en “Esperando a Godot”, el de Ian Holm encarnando a Lear, entre otros, y, sobre todo, el de Yuri Yarvet en la versión del cineasta ruso Grigori Kozintsev. En cuanto a la voz y los textos, los trabajé con Ricardo para encontrar cuál era el timbre que más se acerca a este personaje. También porque su voz tiene que ir evolucionado en paralelo a su transformación de personalidad.

Carmen Gallardo en una escena

* Habías interpretado otros papeles masculinos en escena pero, ¿por qué aceptaste este personaje masculino tan importante?

Después de encarnar a Celestina y Madrecoraje, le dije a Ricardo Iniesta, el director, que quería hacer en el próximo montaje de “gato de escayola”, y él me propuso este personaje, pero, además, sin dejarme escapatoria posible. En Atalaya comenzamos siempre con propuestas escénicas creadas por cada actor.

“Nuestra versión habla del carácter universal y social de la obra. Son numerosos los parlamentos que se refieren a la desigualdad y la injusticia.

Es la obra más humanista de Shakespeare, muy adelantada a su tiempo ” CARMEN GALLARDO 19

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“Poderosos, ¡Sentid como sienten los miserables!, ¡Que acabe la injusticia del Mundo!

* ¿Con qué tres frases de Rey Lear te quedarías?

Hay una que, para mí, expresa su toma de conciencia cuando encuentra a los desharrapados: “Poderosos, ¡sentid como sienten los miserables! ¡Que acabe la injusticia del Mundo!”. Las otras corresponden a la escena más filosófica: “Esa es la imagen exacta del poder: un perro obedecido por su rango... A quien va con harapos aprensan... Los harapos no cubren vicios... Pieles y sedas lo tapan todo...

Vestid al criminal con oro y aguda la lanza de las leyes se romperá en dos contra él....

Cubridlo de harapos y habréis de ver cómo una simple brizna de paja lo atravesará... “ * Llevas 35 años trabajando junto a Ricardo Iniesta, ¿Qué destacarías de él como director?

Tiene una intuición impresionante y es fundamental trabajar con él porque es el que me guía. Y la verdad es que, aunque el trabajo sea riguroso y duro, muchas veces resulta muy divertido trabajar con él. Me siento muy muy muy segura, y, como él dice: “allá vamos los dos”. Me conoce muy bien después de tantísimos años, y sabe lo que tiene que pedirme. Para mí es muy grato y satisfactorio trabajar con él.

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De hecho, gran parte de “la culpa” de que yo esté donde estoy y haya llegado hasta donde he llegado, es suya, por supuesto. * También cumplís 35 años como compañía, ¿cuáles son los rasgos principales que distinguen a Atalaya?

Somos un grupo estable en el que los espectáculos se montan a través de largos procesos de investigación. Es Ricardo quien les transfiere su poética para que tengan el sello de Atalaya, pero antes tenemos plena libertad para crear. Nunca trabajamos sobre la emoción en el actor, sino en cómo provocarla en el espectador, a través de la poesía (tanto en el carácter poético de los textos que siempre elegimos como en las imágenes o en la utilización del espacio) y por medio de la energía en la interpretación de los actores, tanto en las acciones físicas como en los cánticos corales y en la propia interpretación de los textos.

Completan el reparto de esta función Joaquín Galán, María Sanz, Raúl Vera, Elena Aliaga, Silvia Garz, Lidia Mauduit, José Ángel Moreno y Javi Domínguez.

Del 13 de Febrero al 1 de Marzo. T. Fernán Gómez. www.teatrofernangomez.es

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ENTREVISTA

La leyenda del tiempo Por Marta Vázquez Fotos: Vanessa Rabade

perdidos, Esto no es la casa de Bernarda Alba o Blackbird, entre otros montajes.

Carlota Ferrer y Darío Facal presentan esta pieza creada a partir de 'Así que pasen cinco años' de Federico García Lorca. También la han dirigido. Con este título los directores quieren subrayar el misterio del tiempo como columna vertebral del montaje.

* “La leyenda del tiempo” nos habla principalmente de la finitud del tiempo, ¿De qué otros temas nos queréis hablar con vuestra versión de “Así que pasen cinco años”?

CARLOTA FERRER Actriz, directora y dramaturga, ha sido la directora del Festival de Otoño de Madrid el año pasado. Ha dirigido en los últimos años obras como El último rinoceronte blanco, Los cuerpos

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De un misterio del tiempo que habla del ser humano y se hace preguntas como ¿Hay que comerse los dulces o es mejor guardarlos para después? ¿Reside la belleza solo en la juventud, en los ideales platónicos? ¿Es el deseo inalcanzable el que dota de mayor vida al interior? ¿Muere el amor y el deseo una vez hecho carne?...

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* “El protagonista, el Joven, ha esperado durante cinco años a su prometida, a la que apenas recuerda, pero que simboliza todas sus ilusiones futuras...

El joven mantiene un diálogo interior con el viejo, el amigo 1 y el amigo 2, que son la representación de sus pensamientos contradictorios. El viejo le convoca a esperar, a la idealización platónica y el amigo 1 le invita a aprovechar el momento, el carpe Diem y la ruptura de la heterosexualidad normativa. El amigo 2 es la inocencia perdida. Pasados 5 años decide comprometerse y casarse, pero se encuentra con la negativa de la novia. Esa pérdida de la posible paternidad le lleva a ir en busca de la mecanógrafa que siempre ha estado enamorada de él... La función tiene una vigencia absoluta porque cuestiona los roles de las masculinidad y de la feminidad, habla del miedo a la muerte, de la lucha por mantener la juventud, de la pérdida de la inocencia, incluso de la necesidad de ganar dinero. * Lorca bautizó este Teatro como “irrepresentable”, ¿por qué crees que lo hizo?

Creo que este texto fue tan díficil en su momento como lo es hoy, por cuestiones técnicas, por la mezcla de verso y prosa, el desarrollo psicólogico de los personajes en el plano del inconsciente, la aparición de ecos y proyecciones extrañas, el maniquí, la máscara amarilla, el payaso, el arlequín, los jugadores de cartas, la ruptura de la unidad de tiempo con flash backs, los bucles oníricos, las repeticiones, las paradojas de cómo recordar el mañana...Junto con El público, creo que debería ser una obra pedagógica en los institutos como lo es La casa de Bernarda Alba. * Preséntanos a los personajes que interpretará cada actor...

Carmen Climent interpreta al joven, alter ego de Federico García Lorca. Deducimos que es un intelectual porque el primer acto transcurre en la biblioteca. Actualmente Carmen participa en la serie “Cuéntame” como María. Conchi Espejo es actriz y cantante. Interpreta a la Mecanógrafa, el niño y la muchacha. Selam Ortega, la más

joven del elenco, interpreta a la Novia, una mujer que se rebela contra lo establecido, al maniquí que es un personaje onírico, a la personificación del traje de novia que ya no va a ser usado y al gato. Alicia Pérez, actriz y bailarina, interpreta el viejo, el miedo a la muerte y la máscara amarilla, una reflexión cóncava de la madre del niño, la maternidad, el teatro. El amigo 1, la representación de la masculinidad, el Carpe Diem, el payasoy el jugador de cartas los interpreta Diego Cabarcos, actor y músico.Toni Galán interpreta el amigo 2, entre otros personajes. Joaquín Fernández será el padre de la novia, entre otros. * Descríbenos la escenografía y háblanos de la música que ambientará la función La escenografía es un escenario elevado de espejo y una escalera que se va tranformando en directo en una habitación, en un bosque, algún lugar dentro de la cabeza del joven. Hemos musicado todas las escenas en verso de la obra, con ritmos que transitan entre el bolero, el canto medieval, el rap y la música electro pop.

Del 6 de febrero al 8 de marzo. Pavón T. Kamikaze. www.teatrokamikaze.com “La función cuestiona los roles de la masculinidad y de la feminidad, habla del miedo a la muerte, de la lucha por mantener la juventud, de la pérdida de la inocencia...”

CARLOTA FERRER 23

24-26 juan teatro galileo y publi_Maquetación 1 28/01/20 15:38 Página 1

JUAN JIMÉNE Z DIRIGE

Por Marta Vázquez

EL TEATRO GALILEO * ¿Cómo va a ser la nueva temporada teatral del Teatro Galileo contigo como director?

Tenemos una oferta diversa basada en trabajos de autores y directores españoles contemporáneos. Además, el Teatro Galileo es un espacio al que tenemos mucho cariño las personas que nos dedicamos a las artes escénicas.

Es un lugar muy especial que trasciende su condición de teatro de barrio al tiempo que basa su cualidad en esa condición cercana, en el lugar en el que se inscribe, con ese patio histórico que forma ya parte del imaginario teatral de los madrileños. Lo que queremos hacer, en primer lugar, es poner en valor esas cualidades y hacer que la gente del barrio y de toda la ciudad sepan de este espacio singular y lo hagan propio. Por otra parte, queremos apostar firmemente por los jóvenes, ofreciendo propuestas escénicas que, por sus lenguajes y contenidos, sean atractivas

Le es fácil flotar

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para ellos. Y también queremos apoyar a los jóvenes en la creación y hacerles partícipes del universo completo de la escena.

Que crezcan con nosotros en la comprensión y el amor por el teatro. Y apoyaremos a los creadores mediante residencias artísticas y de ensayo. * ¿Qué medidas o líneas de actuación vais a seguir para atraer a los jóvenes?

Además de tenerlos en cuenta en las propuestas de programación estamos trabajando en la mediación entre ellos y el teatro. Buscando los canales adecuados, los prescriptores, pero también desarrollando una amplia campaña escolar dirigida a los colegios e institutos de Madrid, ya que entendemos que muchas veces el primer contacto teatral viene propiciado por el entorno académico. * Háblanos del Ciclo “Teatro Urgente” que iniciarán Ernesto Caballero y Javier Gomá. ¿En qué va a consistir?

Se trata de abrir vías de comunicación entre teatro y pensamiento, de dejar que ciertas ideas encuentren su materialización acortando la distancia que media desde la concepción a su realización. En ese sentido, me parece un magnífico comienzo el poder contar con Ernesto Caballero y Javier Gomá. El ciclo contará, como mínimo, con una propuesta anual.

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JUAN JIMÉNEZ , director del

Ernesto Caballero

TEATRO GALILEO * ¿Te da tiempo a ver el teaser o la propia obra en todas las ocasiones o sigues otra pauta para elegirlas?

Llegan muchas propuestas todos los días. Lo primero es filtrar qué puede ir en la línea de la programación y qué no. Para ello basta con ver el dossier o el teaser. En una segunda fase, si se adecua a nuestra programación, sí es necesario ver como mínimo un vídeo, un ensayo o la propia obra. También hay proyectos que te seducen cuando te los cuentan y según cómo y quién los cuente. En otros casos, cuando hay un actor, un dramaturgo o una compañía que me gusta, propiciamos el acercamiento.

“Queremos que la gente del barrio y de la ciudad sepan de este espacio singular y lo hagan propio. Apostamos por una oferta diversa basada en trabajos de autores y directores españoles contemporáneos.

Y también apostamos por los jóvenes, ofreciéndoles propuestas escénicas atractivas para ellos” Durante los próximos meses se podrá ver en este Teatro “Le es fácil flotar”, de la compañía Nuevenovenos. También “Rey Juan”, producida y protagonizada por Germán Torres y “El tiempo todo lo cura” con Silvia de Pé, Ángel Ruiz y Camila Viyuela. Posteriormente se representará “La lengua en pedazos”, de Juan Mayorga, con Jesús Noguero y Clara Sanchís.

El tiempo todo lo cura

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La lengua en pedazos

* Habrá también muchas propuestas de teatro familiar, ¿por qué?

Las experiencias más tempranas son fundamentales a la hora de acercarse al teatro.

Los niños tienen una sensibilidad increíble y mucha más capacidad de la que les atribuimos a la hora de disfrutar y crecer con el arte. El teatro es, además, un medio expresivo que resulta muy directo y enriquecedor cuando de lo que se trata es de explorar y dar cabida a las emociones. * ¿Qué has aprendido como director de los Teatros Luchana? Que estamos en un sector económicamente complejo que se mueve entre la fragilidad de la creación y la de los medios de producción. La perseverancia y la lucha son fundamentales. Hay que saber quién eres en el sistema teatral y, sabiendo quién eres, apostar hasta las últimas consecuencias. También he aprendido que el Teatro goza de buena salud porque son muchas las personas que eligen cada semana acercarse a los escenarios como modo de intensificación de su vida. * ¿Cuál debe ser la principal misión de las artes escénicas en la sociedad?

El teatro puede ser catártico, sublimador, espejo de la realidad, metafísico o mero entretenimiento.

Puede confrontar al hombre con su destino, explorar los abismos de la psicología humana o ser una mera válvula de escape. www.galileoteatro.es

26 prostitución_Maquetación 1 24/01/20 13:29 Página 1

“España es la capital europea de la prostitución”. Así comienza este teatro documental-musical que representan Carmen Machi, Nathalie Poza y Carolina Yuste.

Las tres actrices interpretan en total a 36 personajes. Sentadas en cubos de pintura mientras atienden clientes al teléfono o esperan que lleguen en coche, Poza, Machi y Yuste hablan de la violación, del tráfico de mujeres, de muchos temas relacionados con la Prostitución.

Albert Boronat yAndrés Lima, que también lo dirige, firman el texto y la dramaturgia de esta obra que les ha llevado dos años de preparación.

Lanza al público escalofriantes datos que salen de la boca de Nathalie Poza: “El consumo de prostitución en España solo es superado por Costa Rica y Tailandia. Hay 100.000 mujeres ejerciéndola, “el triple que dentistas”, y de ellas el 90% son extranjeras. Están censados 1400 locales de alterne y el gasto medio anual de sus clientes es de 1500 euros...”.

Nathalie Poza es Ana María, una de las prostitutas de la obra. “Hemos estado en el polígono Marconi, nos hemos acercado a

clubes, hemos conocido algunas escorts y madames... Todas las voces que aparecen en la función son reales. Los textos están sacados de la realidad”, comenta la actriz. Carmen Machi da vida, entre otros, al travesti Isabela, que comenta en escena que “los hombres encuentran en la calle lo que no tienen en la casa. A nadie le gusta la vida de puta; duele”. Carolina Yuste es Lucía, una estudiante de Derecho Laboral a la que un amigo le propone hacer cine porno para ganar más dinero y que empieza a prostituirse cuando descubre que “no es para tanto”.

En un duelo dialéctico Nathalie Poza y Carmen Machi dan vida también a las escritoras y exprostitutas Amelia Tiganus, abolicionista, y Virginie Despentes, a favor de la regulación.

La escenografía parte de un contenedor del que sale una pasarela iluminada magistralmente y por la que las prostitutas desfilan constantemente de manera más o menos trágica, de forma repetitiva... Una función ambientada con música de cabaret, de revista o de rock and roll. Hasta el 23 de febrero.

T. Español. www.teatroespanol.es

PROSTITUCIÓN

28-29 en el CDN feb_Maquetación 1 24/01/20 16:25 Página 1

En el CDN Les presentamos cinco piezas teatrales que se representarán este mes en los Teatros del Centro Dramático Nacional.

COMO UNA PERRA EN UN DESCAMPADO Anna Barrachina, Queralt Casasayas, Vicky Luengo, David Menéndez, Xavi Ricart y Maria Rodríguez llevan a escena esta función dirigida por Sergi Belbel. Según su director, “la obra no se limita a presentar de manera minuciosa y efectiva el proceso que lleva a una mujer embarazada de cinco meses a enfrentarse al dilema de poner fin o no a la gestación de su feto, sino que este conflicto sirve a la autora para realizar un auténtico canto a la vida y al amor entre las personas, a la solidaridad, a la fuerza, a la pasión que une a los humanos y que nos hace superar todos los traumas; las incertidumbres que hacen que todos nos Pablo Messiez, director de “Los días felices”

hayamos sentido o nos sintamos como perros aullando desesperados y perdidos en un descampado. Estos son, a fin de cuentas, los temas de verdad que Clàudia Cedó trata de manera sutil y poderosa en su obra...”.

Hasta el 16 de Febrero.

Sala Francisco Nieva (T. Valle-Inclán).

LOS DÍAS FELICES Francesco Carril y Fernanda Orazi protagonizan esta versión escrita y dirigida por Pablo Messiez (en la foto) que comenta que: “Con Los días felices es encontrarse con un mundo que no se parece a nada y que, sin embargo, nos interpela directamente. Las grandes obras, como la música, se inventan un tiempo. Un tiempo que se actualiza en la encarnación de un ahora-siempre. Golpean el centro del corazón humano. Y nos dejan temblando.

Intentando entender. Es un privilegio poder trabajar este material con este equipo y poder contar con Fernanda Orazi y Francesco Carril para convertir en cuerpo las palabras del texto. Ambos son también creadores de tiempos propios y singulares...”

Desde el 26 de Febrero. Sala Francisco Nieva (T. Valle-Inclán). www.cdn.mcu.es

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28-29 en el CDN feb_Maquetación 1 24/01/20 16:25 Página 2

TAXI GIRL Según su autora, María Velasco, “La obra se fija en un triángulo amoroso histórico, protagonizado por una taxi girl y dos pesos pesados de la literatura universal (Henry Miller y Anaïs Nin). Ambos escritores utilizaron la obscenidad y el erotismo para introducir un caos delicioso en las mentes bien pensantes. Esta ficción es fruto de la fascinación por aquellos y aquellas artistas que lucharon contra la censura, pero también de las mujeres que lo hicieron con su propia savia vital. ¿Cuál era el nombre de la chica taxi? ¿Cómo sonaba la voz de esa hembra de dudosa reputación que se rebelaba contra su condición de fetiche y comparsa?...”

Con Celia Freijeiro, Eva Llorach y Carlos Troya, dirigidos por Javier Giner.

T. Mª Guerrero (Sala de la Princesa).

Castells, Jan Gavilan, Adrian Grösser, David Olivares, Víctor Pi, Clara de Ramon, Albert Ribalta, Marc Rodríguez, Elena Tarrats, Pablo Carretero, Tomás Pérez y Robert Plugaru. Hasta el 1 de Marzo.

T. Valle Inclán.

JERUSALEM

ELENA FORTÚN (SENDERO FORTÚN)

PERE ARQUILLÉ es el protagonista de esta poética y profunda obra en la que se celebra el caos, el desorden y, sobre todo, la libertad individual frente a lo establecido por la sociedad.

Una comedia shakespeariana moderna que parte de la esencia de la antigua Inglaterra para reflexionar sobre el fin de las utopías y de la sociedad Universal actual. Esta función, considerada ya “un clásico contemporáneo”, ha sido dirigida por JULIO MANRIQUE. Pere Arquillé encabeza un reparto formado por Chantal Aimée, Guillem Balart, Anna

María Folguera ha escrito y dirigido esta función sobre Elena Fortún que fue la escritora más exitosa en castellano. Fue la creadora del personaje de Celia, de Cuchifritín, de Matonkikí, de cuentos, artículos, cancioneros, obras de teatro y novelas. Elena Fortún es el nombre artístico de una mujer que hizo su propio camino. Con Julia de Castro, Montse Diez, Irene Martín Guillén, Ana Mayo, Luis Moreno y Javier PérezAcebrón. Del 18 de febrero al 8 de marzo. Sala El Mirlo Blanco. Teatro ValleInclán.www.cdn.mcu.es.

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CáDIz

EL CRIMEN DEL LARA

En este mes siguen en la programación del

LARA tres estupendas obras:

LAVAR, MARCAR Y ENTERRAR En un local del barrio madrileño de Malasaña, cuatro personajes se ven forzados a compartir ochenta metros cuadrados durante una noche de armas sin seguro y peligrosos recuerdos. Lucas y Roberto, dos frustrados aspirantes a policía nacional, conviven durante horas con Gabriela y Fernando. Ella es la orgullosa dueña de la peluquería Cortacabeza y él su mejor pero más neurótico empleado.

Una divertida comedia que lleva varias temporadas en esta sala y que plantea preguntas como ¿Por qué los fantasmas no tienen pelos en la lengua cuando cuentan sus miserias? ¿Por qué intentamos alisar nuestro futuro cortando solo las puntas? ¿Consiguen horquillas, bigudís y rulos rizar un argumento?.

Con Mario Alberto Díez, Victoria Mora, Rebeca Plaza y Sergio Campoy.

LAVAR, MARCAR Y ENTERRAR 30

CÁDIZ Nacho López, Bart Santana y Fran Nortes protagonizan esta función que parte de la observación de la estupidez masculina y de la necesidad de cambio de la definición de ser “hombre”. Es la historia de esos amigos que son familia. Eugenio, Adrián y Miguel lo son desde niños, pero han dejado de tener cosas en común.

Eugenio piensa en futuro, Adrián en presente y Miguel vive en pasado. Con 40 años ninguno de los tres ha crecido lo suficiente para entender que los amigos no son los que ven las cosas de la misma manera, sino aquellos que se aceptan por muy diferente que sea su visión del mundo.

Dirigida por Gabriel Olivares.

EL CRIMEN DEL LARA El director y actor protagonista de una pequeña obra basada en el personaje de Sherlock Holmes espera impaciente junto al director técnico la llegada de la actriz coprotagonista para el ensayo. Cuando por fin ésta hace su aparición trae consigo una maleta en la que lleva a su marido asesinado. Pese al shock inicial de sus dos cómplices y compañeros, deciden seguir adelante con los ensayos y la representación de la función. Pero nada es lo que parece y los tres se ven envueltos en una pequeña lucha de poder, intrigas maquiavélicas, giros inesperados y maquinaciones de una mente perturbada en busca de un único objetivo.

Dirigida por Manuel M. Velasco y protagonizada por Patricia García Méndez, Manuel Tafallé y Antonio Meléndez.

T. Lara (Sala Lola Membrives). www.teatrolara.com

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32-40 Improvisacion_Maquetación 1 27/01/20 17:07 Página 1

3 en Impro

YO IMPROVISO, TÚ IMPROVISAS, nOSOTROS IMPROVISAMOS...

¡TODOS A IMPROVISAR! A continuación les presentamos los espectáculos de improvisación que se pueden disfrutar en la cartelera madrileña. La mayoría son de compañías que llevan años representando estos espectáculos y que vuelven a la cartelera una y otra vez por el respaldo del público que tienen.

El improvisador es el que lleva a cabo en un escenario la técnica de la Improvisación.

Ejerce, muchas veces de dramaturgo, director y actor de la obra cuando se va a representar.

Con esta técnica, literalmente, “cada función es diferente” porque es el público el que decide qué es lo que se va a representar, quiénes serán los personajes, sobre los diálogos e historia y el estilo de la obra. Los actores tienen que desarrollar la función con su creatividad, imaginación y muchas dosis de espontaneidad.

La Impro tiene un encanto especial que cautiva a más espectadores cada día.

Además, la mayoría de las compañías tienen ya su propia escuela y muchas representan montajes destinados a toda la familia.

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IMPRO IMPAR Su espectáculo más famoso y con el que llevan muchas temporadas en el Bellas Artes es 3 en Impro. Utilizan unos muñecos que el público puede lanzar en cualquier momento para transmitirles “su respuesta o su estado de ánimo” respecto a lo que está viendo. Según comenta la compañía, “el ritmo vertiginoso, la comedia más loca, la música más bailable, las risas y los más de 400 peluches se juntan las noches del fin de semana en la función más canalla. Más de 10 años de Impro Impar convertidos en un espectáculo ya veterano que ha hecho reír a más de 50.000 espectadores (aunque seguro que alguno ha repetido). Un espectáculo que podrás repetir las veces que quieras, ya que cada noche es distinta. Cada sketch de comedia se crea en el escenario con las propuestas del público. Incluso, en ocasiones, con espectadores voluntarios que suben al escenario...”

Lo representan Fer Molina, Edu Moraleda, Dani J, Karlos Trajano, Pablo Romo y Laura García-Marín.

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IMPROVISACIÓN Su “Cuentos irrepetibles” es un espectáculo familiar con el que llevan varias temporadas en los Teatros Luchana. Según la compañía, “se abre el telón y cualquier cosa puede suceder. Un escritor se prepara para su próximo cuento, una pluma, tinta, un pergamino. Los personajes, los lugares, las historias vienen volando del mundo de la imaginación. Hoy veremos representada la historia que más nos guste, protagonizada por un príncipe, un lobo, una princesa gruñona o un duendecillo del bosque... Este espectáculo de teatro improvisado necesita de la ayuda de los niños y las niñas del público, con los que vamos decidiendo qué ocurre con los personajes, qué queremos contar, qué queremos aprender y así crearemos un cuento único, un Cuento Irrepetible”.

En su Escuela imparten cursos de improvisación de distintos niveles y destinados a

IMPROCLAN La compañía fue fundada en 2012 por Edu Ferrés, Juan Dávila, Juan Vinuesa y Area Martínez. El mismo año crearon el primer espectáculo, IMPROVISA, TÍO!, que inició su andadura en diferentes salas alternativas de Madrid hasta recalar en el Teatro Alfil en el que estuvieron 3 años seguidos.

Ahora inician su décima temporada con él en el Teatro Infanta Isabel.

Según la compañía, “Improvisa, tío!‘ es un master-show improvisado en el que los espectadores se convierten en alumnos, sus butacas en pupitres y los cuatro actores en profesores de la improvisación. En el espectáculo sólo existen dos consignas: no juzgar nuestro imaginario y rozar siempre el ridículo. Porque hemos comprobado que el público es feliz observando las trampas

Cuentos irrepetibles diferentes tipos de alumnos/as y realizan espectáculos personalizados para eventos o particulares. “Llevamos casi 15 años intentando que nuestros espectáculos lleguen a todas partes y a todo el mundo…”, nos ha dicho la compañía. www.improimpar.com que nos ponemos entre nosotros. Y porque un problema compartido siempre es un problema menor. Llevamos 10 temporadas consecutivas en Madrid y, gracias a más de 250.000 espectadores, ya no tenemos dudas: “cuando la vida te ponga a prueba, "Improvisa, tío!...”

Improvisa, tío!

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pequeña sala de Delicias: Garaje Lumiere”.

Su obra “SHHH!​” fue la primera comedia gestual improvisada de España. Se les puede ir a ver a la sala La escalera de Jacob.

IMPROCLAN Edu Ferrés, uno de sus fundadores, tiene muy claro que lo que define la forma de trabajar de la compañía es “salir de la zona de confort, proponer al límite y, especialmente, reírnos de nosotros mismos, son algunos de los ejes sobre los que levantamos el telón cada semana. El crecimiento ha sido un viaje asombroso para los que lo vimos nacer en una

CüÁ IMPRO TEATRO Actualmente les pueden ver en La Encina Teatro con su espectáculo Cüá, el show de impro más ganso, en el que, antes de empezar, cada espectador escribe una frase en una tarjeta.

Los improvisadores irán sacando tarjetas al azar que se convertirán en los títulos de las historias de cada función, sin ningún tipo de preparación

Sobre ella dicen: “es mejor no decir nada y parecer estúpido que hablar y despejar las dudas definitivamente.” Groucho Marx sabía de lo que callaba.

Es nuestra cuarta propuesta escénica.

Desde la nada y sin más ayuda que la que nos proporciona nuestra compleja e imperfecta anatomía, daremos vida a las propuestas de ustedes, nuestro público, a través de la improvisación y el humor gestual. Bienvenidos a Shhh!, el espectáculo sin palabras que dará que hablar...”

También están con “Los Jackass de la Impro” en el Beer Station. previa. En el show de Cüá el público podrá ver varios sketches de humor, en diferentes estilos de Impro, llenos de trabas y complicaciones que llevarán su ingenio al límite, sobre todo teniendo en cuenta que las escenas comienzan sin comunicación previa entre los improvisadores.

Alba Pérez, Julián Contreras, Claudio González y Alberto Rego (también les dirige) son los actores que forman Cüá Impro Teatro.

“Ir a Cüá es terapéutico, si necesito reírme lo tengo claro”. Es una opinión extendida entre los fans (o como ellos dicen cüamigos) y resume muy bien su esencia. Desde nuestros comienzos en 2007 siempre hemos dado prioridad al humor. El show no ha perdido esa cercanía y ese humor que tiene la stand up comedy”, comenta su director.

También tienen una escuela de Improvisación.

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IMPROVISACIÓN

CALAMBUR TEATRO Elisa Espinosa y Steward Peña son los actores fundadores de esta compañía. Tardaron poco tiempo en integrar en Calambur a Miguel Ángel Moreno, Laura Andrés y Diego Rousselon. Es conocida en Madrid por su espectáculo “Las Guerras​ de​ Improvisación​ del​ Reino​ de Calamburia” que es una interactiva y divertida batalla en la que cada noche dos parejas recién llegadas del Reino de Calamburia se enfrentarán sobre la pista para conseguir ganar un combate improvisado. En la Escalera de Jacob.

También tienen en cartelera “Impro​ en femenino” en el que las improvisadoras crearán historias de mujeres hechas por mujeres. Sin guión previo, ni preparación, ni más ayuda que estímulos solicitados al público.

CORTA EL CABLE ROJO

Relatos espontáneos feministas que abordarán temas como el machismo, la vulneración de derechos, la desigualdad, el maltrato, los estereotipos. En Artespacio Plot Point.

Y “La comunidad” con el que descubren el día a día de un hilarante edificio, definido por el público. Será labor de los espectadores proponer qué personajes residen en el edificio y qué características tienen. La comedia y la locura serán los ingredientes principales de un formato de historias entrelazadas, trepidantes y nada convencionales. En Artespacio Plot Point.

Respecto a la faceta formativa, dan cursos sobre “Iniciación a la improvisación” o “Improvisación deportiva: (catch y match)”, entre otros, y le dan la oportunidad a los alumnos de formar parte de su cartera de artistas. www.calamburteatro.com Los tres componentes de este montaje (Carlos Ramos, Salomón y José Andrés) son cómicos profesionales aconstumbrados a llevar a escena sus monólogos.

Presentan desde 2012 una propuesta de Impro muy lúdica y gamberra. Consiguen su aspiración de hacer reír todo lo posible durante casi dos horas de espectáculo que puede verse en el Pequeño Teatro Gran Vía.

Consta de 10 escenas improvisadas diferentes.

Con algunos juegos clásicos llevados al extremo y otros más innovadores. www.cortaelcablerojo.com

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MAD IMPRO Impro en Inglés, dirigido por Jackie Koester. Tienen una escuela y un espectáculo que se puede ver en la Escalera de Jacob. Según la compañía, “Somos un grupo de improvisadores que creamos una función de la inspiración que nos da el público. Tenemos dos formatos de función: MAD​ About​ You en el que hacemos una entrevista con dos personas del público y basado en ella, improvisamos. Nuestra función del 13 de Febrero hablará sobre el Valentine’s Day. Y MAD​Jokes que es otra función en la que colaboramos con unos cómicos que hacen monologos en inglés e improvisamos utilizando sus palabras como inspiración”. www.madimpro.com

CASTING. YA TE LLAMAREMOS Un espectáculo directo, divertido y sin guión que habla de que la próxima superproducción del cine español busca a su superestrella en un casting. Un director de casting histérico, cinco aspirantes al estrellato muy singulares y unas pruebas de selección surrealistas. El público intentará averiguar quién será contratado para la próxima superproducción con tres focos y dos cromas del cine español: ¿Será el marginado social? ¿La del miedo escénico? ¿El enchufado? ¿La poligonera? ¿O ése que viene del teatro?. De Improducciones. PlotPoint. www.plotpoint.es

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ASURA TEATRO Ha sido la cuna y la escuela de aprendizaje de muchos de los actores-improvisadores actuales.

Es, además, un lugar de celebración de los maratones de improvisación y de multitud de eventos de Impro. Este mes tienen en su sala “Minusas​al​Vacío” en el que hay un espacio a definir en el escenario donde se encuentran cinco personajes femeninos y comparten anécdotas, momentos y recuerdos, creados en el momento.

Un doble juego de ficción: el del presente y el otro tiempo/espacio, el mundo imaginario de cada personaje. “Comprimido​de​IMPRO,​en construcción”, con tres grandes improvisadores que crearán sorprendentes y variopintas piezas.

Y “Alta​Graduación”, que presentan como “momentos de exaltación, éxtasis, locura y arrebato. Las bebidas cuentan historias. Y nos traen recuerdos...”. Actúan Álvaro Manso, Carla Vigara y Pablo Pundik.

Según Pablo Pundik, su fundador y director, “Asura es un taller de formación, es la I+ D de

la Impro, con cursos para gente sin experiencia, para aficionados y entrenamientos para profesionales. Caben todo tipo de proyectos relacionados con la Impro”. www.teatroasura.com

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IMPROVISACIÓN JAMMING Esta compañía tiene actualmente tres espectáculos en cartelera: Jamming Show, con cuatro actoresimprovisadores encargados de llevar el peso del espectáculo desarrollando las improvisaciones, y un técnico-improvisador que las ambienta con luz y sonido. Se escribe ante el público pero se realiza con las herramientas de la interpretación convencional.

La Golfa de Jamming, con artistas invitados y música en directo. Los dos en el Teatro Maravillas.

Y ChiquiJamming, un show infantil de improvisación divertido, activo, dinámico y educativo.

Los niños participan. En el Teatro Príncipe Gran Vía. www.jammingweb.com

BARBU2 Un espectáculo gamberro de improvisación teatral al más puro estilo de Barbu2, en el que el público es el verdadero protagonista. Además de las escenas de improvisación, los actores amenizarán el espectáculo con canciones de humor acompañados de la guitarra. Impro y risas, música y risas, risas y risas. Teatro Off Latina. www.offlatina.com

EL CLUB DE LA IMPRO Es una escuela y una asociación de improvisación. Representan algunos espectáculos en su sala como “Artylógico”, en el que los objetos del público son los principales protagonistas y hacen posible la magia que se crea. Seis improvisadores darán forma a las historias y llegarán al séptimo improvisador: su músico. O “Imprópolis”, que, según explica la compañía, “hay una ciudad, un torneo, un puñado de mega improvisadores y un trofeo: La Copa de la Sorpresa Mayúscula. Imprópolis acoge a los héroes y villanos de la improvisación para hacer realidad el sueño de su creador, el megalómano archimillonario Filántropus Diamond...” www.elclubdelaimpro.com

IMPRO CAFÉ SHOW Tres camareros, cansados de la rutina, hartos de poner cafés a velocidades trepidantes y lanzar comandas dignas de record guiness, deciden tomarse un descanso para elaborar sus propios cafés llenos de historias locas, fantásticas y puede que algo absurdas. Con Vero Andaluz, Teban Arroyo, Fran Cano, Noel León, Jorge López, Javi Palomino, Jota , Isa Aulló y Nico Arranz. En La Escalera de Jacob. www.laescaleradejacob.es 40

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en cartelera Una novelita lumpen

La fiesta del chivo Juan Echanove da vida al dictador Rafael Leónidas Trujillo, conocido como “el Chivo”, en esta versión teatral basada en la novela de Mario Vargas Llosa y dirigida por Carlos Saura.

Según nos ha comentado el actor, “lo más interesante de esta versión teatral es que estamos hablando de la historia de una víctima. La trama la sitúa en el centro. Vemos todos los acontecimientos políticos y sociales a través de sus ojos, los de una persona humillada por ese entramado social. A través del recuerdo de Urania Cabral, una mujer que fue violada por Fernando Trujillo cuando era niña y virgen, con el consentimiento de su padre, y que vuelve a la República Dominicana años después. Este personaje está muy bien escrito, basado en el personaje real, histórico. Su violenta, corrupta y dura dictadura se basaban en su personaje oscuro, implacable, que colocaba su nombre en lemas y letreros junto al de Dios... ” Completan el reparto Lucía Quintana como Urania Cabral, Gabriel Garbisu como Agustín Cabral, Manuel Morón como Johnny Abbes, Eduardo Velasco como Manuel Alfonso y David Pinilla como el Doctor Balaguer.

T. Infanta Isabel. www.teatroinfantaisabel.es 42

Una obra de Roberto Bolaño, adaptada y dirigida por Rakel Camacho.

Según su directora, “de manera directa, sencilla y brutal, Bolaño nos atrapa en una atmósfera de ensoñación repleta de imágenes en la que la adolescente Bianca, acompañada por su hermano, se adentrará en el universo adulto descubriendo las peores y más intrigantes facetas de la sexualidad y la delincuencia.

Una obra que trata de la infelicidad y de las recompensas falsas dentro de la infelicidad, de la valentía para cambiar de rumbo para crear un futuro inexistente y de la lucidez súbita sobre el rumbo real de la vida de cada cual: un pedazo de realismo inteligente sin sermones ni moralinas. Es una poesía frágil pero rotunda, y una maravillosa apuesta para el teatro, un delicado reto...”

Con Rebeca Matellán, Jorge Kent, Diego Garrido y Trigo Gómez.

Pavón Teatro Kamikaze. www.teatrokamikaze.com

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Entre ella y yo

La función que sale mal Ocho actores amateur se creen muy buenos pero en realidad son muy ineptos y esa contradicción provoca una sucesión de situaciones hilarantes en escena en la que, además, se cae a veces hasta el decorado de la función que pretenden protagonizar: «Asesinato en Haversham Manor».

Una comedia en la que todo se tuerce y en la que los actores escalan, saltan, reptan, se arrojan por la ventana, se golpean con los objetos del decorado… La llevan a escena Héctor Carballo, Carlos de Austria, Alejandro Vera, Carla Postigo, Noelia Marlo, César Camino, David Ávila y Felipe Ansola. Swing: Paula G. Lara, Ángel Saavedra y Avelino Piedad.

Ha cautivado a más de 8 millones de espectadores desde su estreno en el West End en Londres (2012), logrando los mayores premios en su categoría y ha sido representada en más de 30 países.

¡Festejen la broma!

Joaquín Reyes presenta un nuevo espectáculo de humor. Ha preparado con gran esmero una amalgama de chorradas para deleite de su querido público y también, de algún despistado que se meta en el teatro buscando humor inteligente. Ironía fina y gorda, ideas “locas” y tonadas nihilistas en ¡Festejen la broma!.

T. La Latina. www.teatrolalatina.es 44

Valeria (a la que da vida Melani Olivares) y Diego (Carlos Chamarro). Un test de embarazo. Cinco minutos para saber el resultado. ¿Están preparados para ser padres? ¿Quieren serlo? ¿Es un paso adelante o un salto al vacío? ¿Cómo afectará a la pareja la llegada de un hijo? ¿Repetirán la historia de sus padres? ¿Positivo o Negativo?

Incertidumbre, ansiedad, miedo, esperanza...

Para Valeria, con cuarenta y cuatro años, ésta puede ser su última oportunidad de ser madre. Para Diego, la paternidad podría ser la excusa que necesita para finalmente madurar. Pero, ¿es eso lo que quieren?...

La función, dirigida por Zenón Recalde y escrita por Paco Mir (de “Tricicle”), nos dice que “la decisión de ser padres es cada vez más meditada. Planteamos sobre el escenario preguntas como ¿Cuáles son las causas de que cada día que pasa descienda más la natalidad? ¿Es egoísmo? ¿Es por miedo? ¿Indiferencia? ¿Cuándo es el momento ideal? ¿Existe? ¿Podemos ser felices sin hijos? ¿Somos capaces de asumirlo?...”

T. Marquina. www.grupomarquina.es

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revulsivo para sus frustraciones. Romina Paula, a partir de estas referencias, compone un espectáculo vibrante que tiende un sólido entramado de situaciones, personajes y discusiones.

El drama aflora en el escenario vivo, fluido, intenso, gracias también a la complicidad entre los actores. Con Esteban Bigliardi, Susana Pampín, Esteban Lamothe y María Villar.

T. del Canal. www.teatroscanal.com

Fortunata y Benito Laila Ripoll (en la foto) ha dirigido este montaje para La Joven Compañía. Sucede en Madrid y es un homenaje a los personajes femeninos del escritor Benito Pérez Galdós,“Partiendo de “la novela en el tranvía” llegarán a su “Fortunata”, pero no sin antes añadir un chorreón de “Episodios Nacionales”, algo de “Tristana”, una pizca de las Memorias de un desmemoriado, unas gotas de “Misericordia”, un aroma de “la desheredada” y una generosa cantidad de música y baile. “Fortunata”, Benito Pérez Galdós y Madrid, urbanos donde los haya, novela que se transforma ante nuestros ojos y que da paso a un Madrid moderno, canalla, contemporáneo y vital en el que, quizá, podemos encontrar a un Juanito en un restaurante, una Fortunata en un portal, una Jacinta en una cafetería, una Mauricia en cualquier acera o un Maxi al doblar cualquier esquina...”, dice la compañía.

El tiempo todo entero

“El zoo de cristal” es el texto que está en el origen de esta función.

No hay en la pieza de Romina Paula ningún diálogo de la de Williams, pero sí está la tensión, la inquietud y ese clima opresivo tan perturbador, el mismo conflicto familiar y un personaje, el de la hija, frágil, inestable y prisionero de sus temores.

Y en la pintora mexicana Frida Khalo encuentra esa hija inadaptada de la obra un 46

Wasted Tres amigos se reúnen para conmemorar el aniversario de la muerte de Toni, un amigo de la infancia. Para Edu, Dani y Carlota este acontecimiento que llevan arrastrando durante años les llevará a confrontar su pasado y su futuro.

Con un diálogo desenfrenado, la poeta y dramaturga Kate Tempest pinta un cuadro de vidas comunes en un despiadado mundo donde nuestros sueños nos ahogan.

Su aclamada obra habla de la vida, el amor y la locura. La inmediatez del mundo actual obsesiona a las nuevas generaciones con la necesidad de alcanzar sueños rápidamente.

Wasted conecta directamente con el espectador a través de la frustración por los sueños truncados, inalcanzables e inexistentes y la lucha diaria con la dura realidad que nos ha sido impuesta.

Dirigida por María San Miguel. Con Mariano Estudillo, Javier Amann y Nakarey. T. Fernán Gómez. Sala Jardiel Poncela. www.teatrofernangomez.es

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en cartelera Villa Dolorosa

Sé infiel y no mires con quién

La comedia de enredo con toques de vodevil, escrita por John Chapman y Ray Cooney, se presenta bajo la adaptación y dirección de Josema Yuste (que también es uno de los protagonistas). Una obra con mucho humor que nos habla de las infidelidades de todo tipo. Luis es propietario de una editorial de libros para niños en horas bajas y su amigo Álvaro le pide su apartamento para llevar a su última conquista. Al mismo tiempo, Rocío, la mujer de Álvaro, ha pedido el apartamento a Bea, la mujer de Luis, para tener una aventura.

Tres encuentros sexuales van a tener lugar en esa casa a la misma hora... ¿Será imposible?.

Según ha comentado Josema Yuste, “es una versión más moderna y actual, con personajes que se parecen más a los de hoy en día, pero se mantiene el espíritu y el argumento del original. Tiene un humor loco, casi de teatro del absurdo”.

Las tres hermanas Irina, Masha y Olga viven junto a su hermano Andréi en la mansión heredada de sus padres. La fortuna que poseían está desapareciendo y la casa amenaza ruina.

Sus vidas están inmersas en la infelicidad y la insatisfacción permanente. Año tras año suceden las mismas cosas. La soledad, la decadencia de la élite, la contradicción y la monotonía de la vida moderna en una comedia con mucho humor negro. Dirigida por Nathalia Paolini.

Fin de engaño

Carlos, recién prometido con una chica de clase alta, se queda dormido en un sofá tras la cena de nochevieja con su futura familia política, perdiéndose las doce uvas. Aunque Carlos no es supersticioso, al despertar descubrirá que todo puede torcerse en cuestión de horas. Una madrugada en la que sus dos cuñados, Fernando y la joven Mónica, e incluso su futura esposa, desvelarán secretos inconfesables que le afectan directamente. Pero, ¿y él? ¿Acaso es el único que es trigo limpio?.

Con Veki Velilla o Laura Calero, Edu Rejón o Naím Thomas, Rodrigo Poisón o Gonzalo Trujillo y Carlota Baró o Rocío Anker.

T. Luchana. www.teatrosluchana.es

Teté Delgado, Santiago Urrialde, Maribel Lara, Esther del Prado, Vicente Renovell, Kiko Ortega, Celine Tyll y Claudia Azcona completan el elenco.

T. Amaya. www.teatroamaya.com 47

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El Método Grönholm

Según Jordi Galcerán, el autor de esta hilarante comedia, “Todos nos sentimos

Calladitas estáis más guapas

identificados con los dilemas por los que transcurren los personajes, nos ponemos en su lugar y en el fondo dudamos de hasta dónde podríamos llegar si la recompensa es lo suficientemente alta. nos reímos de ellos, sentimos su ridículo, pensamos que nosotros nunca llegaríamos a esos extremos, pero…”

A los protagonistas les dan vida Luis Merlo, Marta Belenguer, Jorge Bosch y Vicente Romero, dirigidos por Tamzin Townsend.

Nos dicen: ¿Hasta dónde estamos dispuestos a llegar para conseguir el trabajo de nuestros sueños?.

T. Cofidis Alcázar. www.gruposmedia.com reivindicación”, dicen sus protagonistas.

Con Sil de Castro y Jessika Rojano.

Teatro Alfil. www.teatroalfil.es

En este espectáculo de comedia interdisciplinar, en el que prevalece el StandUp Comedy, participarán cómicas consagradas, cómicas emergentes y nuevas cómicas en un formato rotativo, creando un show irreverente en el que sus protagonistas nos contarán su particular visión del mundo.

“Recomendado para personas sin complejos y que sean capaces de escuchar verdades divertidas fuera de convencionalismos y con algo de

Here comes your man Los antiguos alumnos de una escuela religiosa 48

se han reunido el fin de semana en un pequeño hotel de las afueras de la ciudad para rendir homenaje y celebrar la jubilación del que fuera su tutor. Las obras en el edificio han obligado a Morales y a Torres a compartir habitación. No fueron demasiado amigos en clase y ahora tampoco parece que tengan demasiadas cosas en común. Morales no guarda muy buen recuerdo de los años de la escuela. Torres, en cambio, dice que fueron los mejores de su vida. De la Compañía Gracias a Ramón. Autor y director: Jordi Cadellans. Con Marc Ribera y Sergi Cervera.

Sala Tarambana. www.tarambana.net

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en cartelera siguientes de El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes. Es una triple lectura de la realidad, la subjetividad y el encantamiento.

Con Miguel Pérez-Muñoz, José Luis Sanz, Zalo Calero, Badia Albayati, Virginia Hernández y Mª Luisa Gª Budí, entre otros.

Amiga Yerma

El Teatre Akadèmia y Projecte Ingenu actualizan una de las más míticas obras del poeta y dramaturgo Federico Gª Lorca para contrastar su vigencia y contemporaneidad y para plantear “que la tragedia de Yerma se convierte en un espejo capaz de dialogar y cuestionarnos el sentido de nuestro presente”.

La relación entre Yerma y su marido se va deteriorando porque, aunque exista el deseo, ella no consigue quedarse embarazada. La vida pasa y la tristeza se apodera de Yerma: la nostalgia de un posible amor de adolescencia que nunca aconteció, el desencanto de las amistades que se alejan por los hijos, la pérdida de la juventud y el hogar conyugal que se convierte en una auténtica prisión… Un crudo retrato de los niveles más privados de nuestra sociedad donde ocurren las tragedias más reales, la tragedia íntima de Yerma, la tragedia de no poder desengancharse de su propio cuerpo. Dirigida por Marc Chornet.

Pavón Teatro Kamikaze. www.teatrokamikaze.com

“Quisiera redimir el derecho a la subjetividad, romper estereotipos llamados homosexualidad y crear un himno a la sensibilidad, la estética y el amor. Marina Tsvetáyeva y Sofía Parnok han abierto un camino ante el eterno problema social de ocultar la libertad sensorial entre personas del mismo sexo, una posibilidad de encuentro desde la sensibilidad rompiendo las fronteras entre lo físico y lo espiritual, entendiendo que en el ser humano la relación sexual no es un acto intrascendente sino un camino hacia el amor”.

Con estas frases presenta Irina Kouberskaya, su directora, esta pieza teatral de la Compañía Tribueñe en su Teatro.

T. Tribueñe. www.teatrotribuene.com

El vuelo de Clavileño Irina Kouberskaya ha hecho una adaptación teatral del capítulo XXXVI y 49

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FAMILIARES

FESTIVAL INTERNACIONAL DE MAGIA DE MADRID En su décima edición vuelve a estar dirigido por Jorge Blass. Durante la primera semana se celebra el espectáculo MAGIA DE CERCA, en la intimidad de la Sala Parish del Teatro Circo Price y para un público de 100 personas por función con Yann Frisch (Francia), Dani Ortiz e Inés la maga (España).

Después, la gala reunirá a ocho de los ilusionistas más prestigiosos del mundo en distintas disciplinas de la magia, participando juntos en un gran show.

Con Dania Díaz (Venezuela), Mike Caveney y Tina Lenert (EE.UU), Ramó, Jorge Blass y Héctor Mancha (España), Axel Adler (Suecia) y Magus Utopía (Holanda).

También habrá CONFERENCIAS MÁGICAS sobre la historia, evolución y curiosidades del ilusionismo con JUAN TAMARIZ, entre otros magos.

Y MAGIA EN LA OSCURIDAD que es un espectáculo a ciegas creado por Juan Esteban Varela (Chile) en el que todos, incluido el mago, se encuentran en una sala completamente oscuras y son parte de una experiencia única y asombrosa.

T. Circo Price. www.teatrocircoprice.es

ÉRASE UNA VEZ LA ÓPERA Una divertida dramatización de la Historia de la Ópera, llevada a cabo por un actor, una soprano, un tenor y una pianista. El actor interpreta a Mozart, el tenor a su ayudante de cámara, Luigi, la pianista a su cocinera Petra y la soprano a su alumna Isoldina Gato Sardina. En una clase abierta, el público escuchará música en vivo (grandes arias de la Hª de la Ópera) y, además de la narración histórica, se les introduce en el funcionamiento de la voz humana como instrumento musical. Todo en un tono divertido, didáctico y muy participativo. La dramatización se apoya en proyecciones multimedia. De la Compañía Ópera Divertimento.

T. Bellas Artes. www.teatrobellasartes.es 50

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¡PROMOCIONA TU ESPECTÁCULO FAMILIAR ! en www.aescenarevista.com

www.aescenarevista.com

Teatro Circo Musicales Danza Festivales Música

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FAMILIARES

PÉREZ, EL RATONCITO, NO NACE, SE HACE Ratoncito Pérez es un personaje muy querido entre los niños y niñas. Pero muy pocos saben dónde nació, como creció y que fue lo que le hizo llegar a ser el famoso y querido Ratón de los dientes. El Pero, nombre dado al ratoncito al nacer, nace en el agujero de un edificio de ciudad, justo al lado de una pastelería-bombonería. Cada día y acompañado de su mejor amiga, Ratita bonita, hacen largas y arriesgadas excursiones para recolectar dulces para llevar a sus amigos. Un día después de haber celebrado un goloso festín, algunos ratones empiezan a ver que sus dientes están ennegreciéndose. Después de muchas aventuras y en busca de ayudar a sus compañeros, El Pero, es decir el futuro Ratoncito Pérez, se encontrará con su destino. Un espectáculo de Titirigai.

ADEL Adel (Coke Viaga) está perdida en una pomposa fiesta a la que ha tenido que ir con sus padres. Nadie parece reparar en ella y, jugando, recorre las estancias hasta llegar a un gran desván. Al abrir una caja llena de trastos comienza un maravilloso viaje lleno de aventuras y mágicos amigos. Para introducirse en su mundo fantástico el público tiene que abrir su mente y disfrutar con ella de la imaginativa puesta en escena y de los títeres que la acompañan. T. Infanta Isabel.

EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO (el musical) Sin duda este sueño es una mágica, divertida y enredosa comedia de Shakespeare. Los amores contrariados de cuatro enamorados (Hermia, Lisandro, Helena y Demetrio) sumergen a los espectadores en los palacios de la Antigua Grecia, con sus severas normas y costumbres pero también en los bosques, mundo fantástico y liberal de los sueños donde reinan la magnífica Titania, el sorprendente Oberón y el travieso Puck. Todos están rodeados de hadas, duendes, ninfas y gnomos.

La Compañía “La Bicicleta” de la Sanpol presenta una nueva producción con dramaturgia y dirección de Ana María Boudeguer, puesta en escena de Natalia Jara y con la música original de Ángel y Ricardo Padilla.

T. San Pol. www.teatrosanpol.com 52

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FAMILIARES

MIS PRIMERA S CUATRO ESTACIONES / MI PRIMER VIVALDI El joven violinista Simón García es el director musical de este espectáculo y Marisol Rozo es la que se encarga de los textos, la narración y la dirección escénica. Y con ellos, están los músicos Gala Valladolid, Carlos Martín, Blanca García Nieto y Marta Mulero, que tratarán de hacer llegar a los niños la experiencia de la música clásica de un modo lúdico y elocuente. Explican y dramatizan antes de cada movimiento los sonetos que el propio Vivaldi redactó para estos conciertos.Vivaldi hace referencia durante toda la obra a situaciones, fenómenos naturales, animales, personajes, estados de ánimo, celebraciones que conforman la música. T. Lara. www.teatrolara.com

BARRIENDO RE-MI-FA-SOL Un espectáculo de teatro, música y danza que gira alrededor del jazz y hace un homenaje a los cuentos clásicos y a los musicales más conocidos. Una obra llena de sorpresas en la que, gracias a la técnica del Teatro negro de Praga, la música, las canciones y los bailes, se llenará el escenario de magia, luz y color.

Un texto ágil y en muchas ocasiones cómico, provocado por el contraste de los dos personajes. De Carmen López Mendoza.

FABULOSAS TRAVESURAS Es el cumpleaños de Suras y Trave le ha preparado una sorpresa muy especial. En la biblioteca del bosque los niños y las niñas serán cómplices de las aventuras de nuestros simpáticos duendes. Confabulándose con el público descubrirán diferentes formas de contar tres de las fábulas más relevantes de la historia: “La Cigarra y la Hormiga”, “La Liebre y la Tortuga” y “La Zorra y la Urraca”.

Música, baile, marionetas, magia y risas en escena. T. Luchana. www.luchanakids.com 54

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EL LIBRO DE LA SELVA. EL MUSICAL La obra narra de forma dinámica, divertida y llena de sorpresas, las aventuras del niño rescatado de las garras del maligno tigre Shere Khan y criado por lobos, que crece feliz aprendiendo junto a sus hermanos lobos las Leyes de la Selva que imparten los educadores Baloo el oso y Bagueera la pantera y enseña a los peques muchos valores humanos y sociales.

Con casi 30 personajes en el escenario, con magia, números aéreos e inolvidables canciones, convirtiendo el escenario en una auténtica selva. Los actores interpretan de forma bilingüe (utilizando también el lenguaje de signos).

T. Maravillas. www.teatromaravillas.com

EMOTICOLOR S Una obra de Eva Bedmar que nos cuenta la historia de un color, el negro (Black), que llega al País de los Colores Primarios, (Red, yellow y blue). Desde el principio Blaci es rechazado por la sociedad de los primarios por su condición de diferente y se ve obligado al exilio por la incomprensión y la crueldad de la ignorancia. Tiene que marcharse y probar suerte en el País de los Colores Secundarios (Green, orange y violet), pero tampoco es aceptado.

Los miedos, las inseguridades, los enfados y un montón de emociones que los colores sienten harán que Black pase por un largo trayecto de penurias, pero también de aprendizaje de que casi siempre las diferencias resultan beneficiosas y crean un futuro brillante.

Sala Tarambana.www.tarambana.net

ELENA, ¿SABÍAS QUÉ?

Un espectáculo de CantaJuego con las canciones más conocidas por los pequeños: “Soy una taza”, “La mané”, “Cosquillas”, “Chuchuwuá”...

Un show más cercano en el que también participarán Coco, Pepe y Buby, junto a muchos otros personajes.

Una fiesta familiar donde aprenderán nuevas y sorprendentes historias para que los más peques de la casa dejen volar su imaginación al ritmo de las canciones más conocidas de CantaJuego.

T. Reina Victoria. www.elteatroreinavictoria.com 55

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Norka Chiapusso Dir ector de

DFERIA * El tema elegido para la edición de este año es “La pasión”. ¿Todas las obras de público adulto tienen, de una u otra forma, una relación con este tema?

Desde hace unos años se decidió que cada edición tuviera un leit motiv que la inspirara, una manera de crear un ingrediente más de interés, que enriqueciera dFERIA y suscitara un cierto debate. Únicamente algunas de las propuestas, alrededor de un 20%, tratan de una manera u otra la temática elegida para cada edición.

Lo que más valoramos es la valentía en los contenidos de las piezas, el mestizaje en las propuestas, o bien por la confluencia de distintos lenguajes o de distintos conceptos escénicos, o que la ficha artística esté formada por artistas de distintos países. Y su multidisciplinariedad.

Y obviamente, tomamos en consideración la frescura y la aportación intelectual y/o estética a la sociedad. * ¿Cuáles son los cambios más destacables de la edición de este año?

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Cada año mejoramos dFERIA, y, año tras año, pretendemos llevarla hacia la “excelencia”.

Es un ‘”no parar” continuado durante muchos años. Por insistencia y persistencia y escuchando las críticas y las aportaciones, vamos mejorándola poco a poco.

Durante esta próxima edición presentaremos un Foro de Negocios atípico, pensado exclusivamente para nuestra Feria, que permita trabajar mucho, ocupando menos tiempo, con el objeto de que sea compatible con el resto de las actividades de la Feria.

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* ¿Cuáles son los principales criterios de selección que tienes para que una función de artes escénicas pueda estar en dFERIA? Es una tarea compleja. Para que dFERIA pueda ser año tras año el escaparate de la creación en artes escénicas en España y se convierta en un instrumento útil para que los programadores y profesionales del medio puedan desarrollar su labor correctamente, los contenidos de dFERIA, lógicamente, tienen que cumplir esas expectativas aportando novedad, compromiso, emergencia y valentía.

También se deben cumplir una serie de equilibrios: entre danza y teatro, entre la creación vasca y la que no lo es. Y, por supuesto, las propuestas tienen que ser de alta calidad. * ¿Qué destacarías de la presencia internacional de este año en la Feria?

La presencia de agentes y promotores culturales latinoamericanos es una constante desde hace años. Cada edición mejoramos en cuanto a la presencia de programadores y directores de festivales y de teatros europeos. Y acuden profesionales más solventes y relevantes de Europa. * Preséntanos tres piezas de danza que vaya a haber en dFERIA...

Damos la bienvenida a la compañía vasca Osa & Mujika que nos presentará su Kenophobia sobre los miedos y los vacíos. La Cía. Mario Vargas & Chloé Brûlé traerá Los Cuerpos Celestes, que es una partitura coral en siete movimientos, un fresco sobre los seres humanos donde cada individuo es pieza fundamental pero insignificante en el gran tablero universal. Y Fabio Liberti representará Don’t kiss, espectáculo que simboliza la pasión en el amor, planteando una coreografía en la que los intérpretes, mientras bailan, se besan durante toda la pieza. * ¿Cómo organizáis los encuentros entre compañías /productoras y/o programadores y distribuidores?

Hay dos facilitadoras (Iva Horvat y Pepa Marteles) que se encargan de poner en contacto 58

durante toda la Feria a los distintos profesionales cuando no se conocen y les animan a participar en las muchas actividades de encuentro. Además existen espacios para encontrarse de día en el Teatro Victoria Eugenia y de noche en el Convent Garden.

Este año en la Feria se representarán 42 funciones. 32 espectáculos de 32 compañías.

Más de la mitad de ellos se estrenarán esos días en San Sebastián. Algunos de los montajes que se podrán ver son: Deje su mensaje después de la señal, de Tanttaka Teatroa, Future Lovers (Unplugged), de La Tristura, Próximo, de Timbre 4, Yo, la peor del mundo, de Vaivén Producciones, Amiga, de Teatro Tribueñe, Coneja, de Esperanza Pedreño, Dream, de la Compagnie Julien Lestel, ¿Cómo hemos llegado a esto?, de Erre Produkzioak, Más de 45.000, de Seguidor de Pléyades o Cuando todo cambia (Clic), de Teatro Calderón & Fran Ávila.

Del 9 al 12 de Marzo. San Sebastián. www.dferia.eus

“Lo que más valoramos en las piezas es la valentía en sus contenidos.

También su mestizaje, por la confluencia de distintos lenguajes o de distintos conceptos escénicos, o porque la ficha artística esté formada por artistas de distintos países. Y las propuestas tienen que ser de alta calidad”

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