NEWS COMPILATION POLYREY DESIGN AWARDS 2012, le concours lancé par le spécialiste de panneaux décoratifs Polyrey, s’est conclu avec l’attribution de 4 prix sur plus de 600 candidatures. La création du stratifié de demain était le thème du concours qui visait à valoriser les nouveaux talents dans les domaines de l’architecture et du design. Sélectionnés dans les 4 catégories envisagées par Polyrey, les créations de Anna Baztarrika (Espagne), thème Happy Color ; Cécile Fleuriet (France), thème Luxe Chic ; Shura Baggio (Italie), thème Natural Spirit et Gessica Mendilicchio (Italie), thème Urban Life, se sont imposées pour leurs créativité, originalité et aptitude à la commercialisation. Les projets lauréats intégreront la collection 2013 de Polyrey qui, face au succès remporté par cette édition, prévoit de mettre en place une seconde édition du concours d’ici 2014. POLYREY DESIGN Awards 2012, il concorso promosso dallo specialista di pannelli decorativi Polyrey, si è concluso con l’assegazione di 4 premi su oltre 600 candidature. La creazione dello statificato di domani, era il tema del concorso che aveva l’obiettivo di valorizzare i nuovi talenti nel campo dell’architettura e del design. Selezionate nelle quattro catergoria individuate dal Polyrey, le proposte di Anna Baztarrika (Spagna), tema Happy Color; Cécile Fleuriet (Francia), tema Luxe Chic; Shura Baggio (Italia), tema Natural Spirit e Gessica Mendilicchio (Italia), tema Urban Life, si sono imposte per creatività, originalità e attitudine alla commercializzazione. I progetti vincitori integreranno la collezione 2013 di Poyrey che, di fronte al successo di questa ediizione, prevede di lanciarne una seconda per il 2014.

L’ALUMINIUM pour l’eco-design 2013 est le concours organisé par le programme européen “L’aluminium pour les générations futures” à destination des écoles d’art, de design, d’architecture et de technologie. Délais d’inscription, 15/02/2013, délais de réception des dossiers 20/04/2013. L’ALUMINIUM pour l’eco-design 2013 è il concorso organizzato dal programma europeo “L’alluminio per le generazioni future” destinato alle scuole di arte, di design, di architettura e di tecnologia. Scadenza delle inscrizioni, 15/02/2013, scadenza invio elaborati 20/04/2013. L’ALUMINIUM pour l’eco-design 2013, is a competition organised as part of a European programme entitled “Aluminium for future generations” aimed at schools of arts, design, architecture and technology. Deadline for entries, 15/02/2013, deadlines for sending in projects, 20/04/2013 concours-alu.com

Shura Baggio

DESIGN ET innovation dans la conception des lignes électriques de demain, la RTE (Réseau de Transport d’Electricité) et l’Institut Français du Design ont lancé un appel à projet pour un nouveau concept de ligne aérienne haute tension de transport d’électricité en mesure de conjuguer aspects techniques et respect de l’environnement, esthétique, design et intégration en harmonie avec le paysage. Trois groupements finalistes : Nimos Design avec MaP3 et Cegelec, Hug Dutton avec Gritech et Concept Frenoy Design avec TVA Engineering et Ingé-St-Ar. Les trois projets pourront être développés par RTE, la réalisation de la première ligne de cette génération est prévue en 2017.

design. The projects Polyrey selected for the four categories were by: Anna Baztarrika (Spain) on the theme of Happy Color ; Cécile Fleuriet (France) on the theme of Luxe Chic ; Shura Baggio (Italy) on the theme of Natural Spirit; and Gessica Mendilicchio (Italy) on the theme of Urban Life. These projects stood out for their creativity, originality and marketing aptitude. The winning projects will become part of Polyrey’s 2013 collection and, due to the success of this edition, the company is planning to organise a second event in 2014. polyrey.com

Univerte, projet by Nimos Design

Cécile Fleuriet

Anna Baztarrika

POLYREY DESIGN AWARDS 2012, a competition organised by Polyrey, specialists in decorative panels, concluded with the awarding of four prizes from the total of over 600 entries. The competition theme was the creation of the laminates of the future and was aimed at unveiling emerging talents in the field of architecture and l’AI 109

Gessica Mendilicchio

DESIGN E innovazione nelle rete elettriche del futuro. La RTE (Rete dei trasporti elettrici francese) e l’Istituto francese del design hanno lanciato un concorso per un nuovo progetto di linea aerea per l’elettricità ad alta tensione in grado di couniugare agli aspetti tecnici, il rispetto dell’ambiente, l’estetica, il design e un’integrazione in armonia con il paesaggio. Tre i raggruppamenti finalisti, Nimos Design con MaP3 e Cegelec, Hug Dutton con Gritech e Concept Frenoy Design con TVA Engineering e Ingé-St-Ar. I tre progetti potranno essere sviluppati da RTE, la realizzazione della prima linea è prevista per il 2017. DESIGN AND innovation in projects for the electricity networks of the future. The RTE (French Electricity Transport Network) launched a competition on this topic, in conjunction with the French Design Institute, with a view to designing a new project for overhead electricity lines. The challenge was to create a highvoltage line capable of combining technical factors, respect for the environment, component design and seamless integration into the landscape. In June this year it was announced that the finalists are Nimos Design with MaP3 and Cegelec, Hug Dutton with Gritech, and Concept Frenoy Design with TVA Engineering and Ingé-StAr. The three projects may well be developed by the RTE, and the first line is planned to be constructed in 2017.

JK TECHNIC

Caillebotis

Création www.2502sa.com - Crédit photos JK - Fotolia

Acier I Inox I Aluminium I Polyester

www.jktEchnic.com JK TECHNIC I Parc Industriel Sud I Z.I. Edison Ru e Abbé Lo uis Verdet I F-57200 Sarreguemines Tél : +33 (0) 33 87 98 88 76 - Fax : +33 (0) 33 87 98 82 87 - e-mail : jktechnic@jktechnic.fr

BIOS SELF Cleaning Ceramics®, nouvelle ligne de carreaux en grès porcelaine autonettoyant, créée par Casalgrande Padana en partenariat avec l’entreprise japonaise TOTO, leader absolu dans le secteur des produits sanitaires et pionnier de la technologie photocatalytique HYDROTECT®, améliore l’habitabilité, la salubrité et la qualité ambiante. Ces prérogatives, basées sur un procédé nanotechnologique exclusif garantissant la réduction de 99% des quatre principales souches bactériennes présentes dans les milieux confinés, en justifient l’emploi dans la réalisation de surfaces soumises à un fort stress chimique et mécanique. Bios Self Cleaning Ceramics® est idéal pour les applications architecturales à l’extérieur et à l’intérieur des habitations.

Kengo Kuma, Casalgrande Ceramic Cloud

BIOS SELF Cleaning Ceramics®, nuova linea di piastrelle in gres porcellanato autopulente, nata dalla partnership tra Casalgrande Padana e la giapponese TOTO, leader assoluto nel settore dei prodotti sanitari e pioniere nella tecnologia fotocatalitica con marchio HYDROTECT®, migliora l’abitabilità, la salubrità e la qualità ambientale. Queste prerogative, basate su un esclusivo processo nanotecnologico che assicura l’abbattimento del 99% dei quattro principali ceppi batterici presenti negli ambienti confinati, qualificano l’impiego per la realizzazione di superfici soggette a forti stress chimici e meccanici. Tutto ciò rende Bios Self Cleaning Ceramics® ideale per applicazioni architettoniche sia in esterni, sia in interni abitativi. BIOS SELF Cleaning Ceramics®, the new line of self-cleaning ceramic tiles resulting from a partnership between Casalgrande Padana and the Japanese company TOTO, the world leader in the field of sanitary products and pioneer in photo-catalytic technology through the trademark HYDROTECT®, helps improve sanitary conditions, health and environmental standards. These prerogatives, based on an exclusive nanotechnological process that can reduce the four main strains of bacteria found in confined spaces by 99%, make it ideal for creating surfaces subject to high chemical/mechanical stress. All this makes Bios Self Cleaning Ceramics® ideal for both outdoor applications and use inside the home.casalgrandepadana.com CRISTINA RUBINETTERIE développe la série Rubinetto, conçue par Makio Hasuike, avec la version pour le lavabo (ru 224), pour la baignoire au sol (ru 190) et pour le bidet (ru 324). Autres nouveautés, la série New Day et le nouveau mélangeur pour baignoire (bo 190), faisant partie de la gamme Bollicine, conçu comme corps unique en forme de cylindre qui se dresse à partir du sol diffusant un jet d’eau en cascade régénérant dans la baignoire. CRISTINA RUBINETTERIE amplia la serie Rubinetto, progettata da Makio Hasuike, con la versione per il lavabo (ru 224), per la vasca a pavimento (ru 190) e per il bidet (ru 324). Altre novità, la serie New Day, l’ampliamento della gamma Bollicine con il nuovo miscelatore per vasca (bo 190) creato come unico corpo a cilindro che si erge dal pavimento, erogando un rigenerante getto a cascata nella vasca. l’AI 109

IMAGINA 2013, the annual European show devoted to 3-D technology, will open at the Grimaldi Forum in Monaco and run from 19th21st February. This edition will take a fresh look at numerical modelling and 3-D simulation technology in relation to the latest challenges facing the various sectors involved in the organisation of intelligent systems, sustainable management of the land and environmental conservation. imagina.mc

CRISTINA RUBINETTERIE is extending its range of faucets designed by Makio Hasuike with a new model for the basin (ru 224), floor tub (ru 190) and bidet (ru 324). New Day is another innovation extending the Bollicine range with a new mixer for bath rubs (bo 190) created as one single cylindrical unit that emerges from the floor to give off a regenerating jet of water cascading into the tub. cristinarubinetterie.com

IMAGINA 2013, rendez-vous annuel européen de l’univers de la 3D ouvrira ses portes au Grimaldi Forum de Monaco, du 19 au 21 février. Cette édition rapprochera de manière inédite les technologies numériques de modélisation et de simulation 3D avec les nouveaux enjeux liés à l’aménagement des villes intelligentes, la gestion durable des territoires et la préservation de notre environnement. IMAGINA 2013, appuntamento annuale europeo dell’universo 3D, si aprirà al Grimandi Forum di Moanco dal 19 al 21 febbraio. Questa edizione confronterà in modo inedito le tecnologie numeriche di modellizzazione e di simulazione 3D con le nuove sfide nei settori dell’organizzazione delle città intelligenti, della gestione sostenibile del territorio e della conservazione dell’ambiente.

MAPIC 2012 Rendez-vous annuel des professionnels de l’immobilier de commerce qui rassemble plus de 8 000 acteurs-clé du secteur provenant de 63 pays, le Mapic ouvre ses portes le 14 novembre à Cannes. Pendant trois jours(1416/11) le Palais de Festival de Cannes sera investi par la zone d’exposition complétée par un riche programme d’événements sur les dernières tendances du marché. Pays à l’honneur de cette édition, la Russie qui, grâce à son nombre de projets en cours de développement (le plus grand en Europe) offre de grandes opportunités d’investissement pour les opérateurs internationaux. MAPIC 2012 Appuntamento annuale dei professionisti dell’immobiliare commerciale, aprirà il 14 novembre a Cannes. Durante tre giorni (14-16/11) il Palais de Festivals accoglierà la vasta zona espositiva, completata da un ricco programma di eventi che informerà sulle ultime tendenze del mercato. Paese all’onore di questa edizione, la Russia che, grazie al numero di progetti in via di sviluppo offre delle grandi possibilità di investimento per gli operatori internazionali. MAPIC 2012 A yearly event for professionals working in the commercial real estate sector will officially open on 14th November in Cannes. Over three days (14-16/11) the Palais de Festivals will have a spacious exhibition area hosting an extensive schedule of events informing people about the latest market trends. This year Russia will be the honor guest offering great opportunities for international operators to make important investments in a considerable number of projects currently being developed. mapic.com

PIETRE DI MARMO 2012 la matière, la couleur, l’harmonie.

La collection TREE LINE est entièrement réalisée par moulage d’agrégats de granite ou de marbre, en diverses couleurs, finition sablé. La surface est protégée par un vernis satiné opaque. Le banc est doté de boucles de manutention pour la pose au sol. Cette ligne est composée de différents modules de base qui permettent des compostions à l’infini. La collezione TREE LINE è interamente realizzata con impasto di pietre di granito o marmo, in vari colori, con finitura sabbiata. La superficie è trattata con apposite vernici satinate opache. La panca è dotata di boccole armate per il sollevamento e il semplice appoggio alla pavimentazione. Questa linea è composta di diversi elementi di base che permettono composizioni infinite.

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LEADER SUR le marché de la piscine haut de gamme, Carré Bleu répond aux nouvelles tendances de voir et concevoir la piscine en proposant des projets sur mesure dédiés à l’intégration architecturale dans le respect des formes, des lignes, des couleurs et des matériaux. Grande tendance 2012, la piscine semi-enterrée permet de rattraper les pentes et les niveaux du terrain s’affirmant en tant qu’objet de décoration au service de la fonctionnalité. LEADER NEL mercato delle piscine d’alta gamma, Carré Bleu risponde alle nuove tendenze nel settore delle piscina, proponendo progetti su misura dedicati all’integrazione architettonica nel rispetto delle forme, delle linee, dei colori e dei materiali. Grande tendenza 2012, la piscina semi-interrata permette di risolvere le pendenze e le variazioni di livello del terreno affemandosi come oggetto di design al servizio della funzionalità.

Carré Bleu Pyrénées Atlantiques, Bidart, arch. Abadic-Courtois, ph. Ludovic Zeller.

LEADER on the top-ofthe-range swimming pools market, Carré Bleu offers a selection of customised projects to cater for the latest trends in envisaging and designing swimming pools that focus on architectural integration in relation to forms, lines, colours and materials. Semi-underground pools (the latest design for 2012) can accommodate variations in slope and changes in the contours of the ground, making it a highly functional and practical design object. carrebleu.fr l’AI 109

Confort e Active. Per la gamma Premium, garantita 30 anni, Vitrulan ha sviluppato una induzione particolarmente efficace antiurto (fattore R, tripla resistenza agli impatti) che la rende adatta al forte grado di sollecitazione nelle diverse unità di cura. IDEAL FOR ANY interior redevelopment or restructuring project in buildings in the health sector, wall coatings made of Systexx glass by Vitrulan offer architects a reliable, longlasting solution. The various ranges available include Premium, Confort and Active. For the Premium range, coming with a 30year guarantee, Vitrulan has developed a particularly effective shockproof induction system (factor R, triple resistance to impact) that makes it ideal for the powerful bumps and bangs occurring in healthcare facilities. systexx.com

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DES RADIATEURS RAYONNANTS, à inertie pilotée, en glace de verre massive ou en pierre de lave massive, et également des modèles rayonnants à inertie douce modulée en acier, la nouvelle gamme de radiateurs et sèche-serviettes électriques Campastyle, du fabricant français Campa, offrent un grand confort de chaleur, un design soigné et des prestations haut de gamme, avec un souci optimal d’efficacité énergétique. RADIATORI A PANNELLI radianti, a inerzia controllata, in vetro massiccio o in pietra di lava massiccia, e anche dei modelli radianti in acciaio a inerzia dolce modulata, la nuova gamma di rediatori e scaldasalviette elettrici Campastyle, del produttore francese Campa, offrono un elevato confort di calore, un design accurato e prestazioni di alto livello, con un’attenzione particolare all’efficienza energetica. RADIANT PANEL RADIATORS with inertia control, made of solid glass and solid lava stone and modulated soft inertia radiant radiators made of steel. The latest range of Campastyle radiators and electric towel rails manufactured by the French company Campa offer a high level of comforting warmth in a careful high-performance design paying special attention to energy efficiency. campa.fr ADAPTÉS A TOUS les projets d’aménagements ou de réhabilitation dans le secteur de la santé, les revêtements muraux en verre Systexx by Vitrulan offrent aux architectes une solution fiable et pérenne. Trois gammes disponibles : Premium, Confort et Active. Pour la gamme Premium, garantie 30 ans, Vitrulan a développé une induction haute performance pour une réponse antichocs durable (facteur R, triple résistance aux impacts). Grâce à sa résistance, Premium répond au fort degré de sollicitation dans les différentes unités de soin. ADEGUATI A OGNI progetto di sistemazione interna o di ristrutturazione nel settore degli edifici sanitari, i rivestimenti murali in vetro Systexx by Vitrulan offrono agli architetti una soluzione affidabile e duratura. Tre le gamme disponibili, Premium,

FRAME, DE Refin, est une collection en céramique exclusive, réalisée grâce à l’application de technologies céramiques avancées dans le cadre de la créativité. Le motif graphique est interprété par une multiplicité formelle et raffinée du dessin et des variations insolites dans l’échelle du décor qui permettent de créer des sols en céramique extrêmement personnalisés pour les domaines résidentiel et commercial. FRAME, DI Refin, è una collezione ceramica esclusiva nata dall’applicazione di avanzate tecnologie nel campo della creatività. Il motivo grafico interpretato attraverso una molteplicità formale e raffinata del disegno e insolite mutazioni nella scala del decoro che permettono di creare pavimentazioni ceramiche personalizzate per ambiti residenziali e commerciali.

FRAME, DI Refin is an exclusive ceramic collection resulting from the application of cutting-edge ceramic technology to the realm of creativity. The graphic pattern is based on a vast array of elegant stylistic touches and unusual changes in decorative scale making it possible to create highly personalised ceramic floors to be incorporated in housing and retail facilities. refin.it

KENGO KUMA a présenté le projet de la nouvelle gare internationale de Susa. L’architecte japonais a remporté le concours – lancé en décembre 2011, qui a vu la participation de 49 regroupements pour un total de 170 bureaux d’ingénierie et d’architecture, d’environnement et de paysage opérant dans un domaine international – avec le regroupement Kuma&Associates Europe (mandataire)/AIA Ingénierie/Lucigny Talhouët et associés/J&A Consultants, se révélant lauréatdu concours d’architecture lancé par LTF-Lyon Turin Ferroviaire. Le jury a choisi ce projet car il a pleinement saisi

l’objectif du concours, à savoir la concrétisation de la meilleure qualité conceptuelle de l’ouvrage, l’intégration de la nouvelle infrastructure avec le territoire, ainsi que la valorisation nationale et internationale du nœud échangeur. La gare, qui servira d’échangeur entre la Nouvelle Ligne Turin-Lyon, la ligne historique et le pôle intermodal relatif, se développera sur trois niveaux, avec une large vue sur toute la vallée et contiendra également un pôle de services pour les habitants. La zone intéressée par l’ouvrage est légèrement inférieure à 10 hectares dans la Ville de Susa, dans une zone déjà anthropisée qui sera requalifiée par des espaces verts ; le coût total de la gare est de 48,5 millions d’euros. KENGO KUMA ha presentato il progetto per la nuova stazione internazionale di Susa. L’architetto giapponese ha vinto il concorso – avviato nel dicembre 2011, che ha visto la partecipazione di 49 raggruppamenti per un totale di 170 studi di ingegneria e architettura, ambiente e paesaggio operanti in campo internazionale – con il raggruppamento Kuma&Associates Europe (mandataria)/AIA Ingénierie/Lucigny Talhouët et associés/J&A Consultants è risultato vincitore del l’AI 109

concorso di architettura bandito da LTF-Lyon Turin Ferroviaire. La giuria ha scelto il progetto in quanto ha colto pienamente l’obiettivo del concorso, ovvero di perseguire la più alta qualità progettuale dell’opera, l’integrazione della nuova infrastruttura con il territorio, nonché la valorizzazione nazionale e internazionale del nodo di interscambio. La stazione, che avrà funzione di interscambio tra la Nuova Linea Torino-Lione, la linea storica e il relativo polo intermodale, si svilupperà su tre livelli, con un’ampia vista su tutta la valle, e ospiterà anche un polo di servizi per i cittadini. L’area interessata dall’opera è di poco meno di 10 ettari nel Comune di Susa, in una zona già antropizzata che sarà riqualificata con spazi verdi; il costo complessivo della stazione è di 48,5 milioni di euro. KENGO KUMA has presented a project for the new international railway station of Susa. As leader of the Group Kuma&Associates Europe (agent)/AIA Ingénierie/Lucigny Talhouët et associés/J&A Consultants, the Japanese architect won the architectural competition announced by LTF-Lyon Turin Ferroviaire in December 2011—which saw the participation of 49 groups for a total of 170 engineering and architecture, environmental and landscape studios working on the international scene. The jury selected the project as it fully matched the purpose of the competition, which was to pursue the highest possible quality in terms of design, the integration of the new infrastructure within the territory, as well as the national and international development of the junction rail link. The railway station, which will serve as a link between the new Turin-Lyon line, the historical line and its intermodal connections, will rise three stories above ground with an all-around view of the valley, and will also host a service center for citizens. The total surface area covered is a little less than 10 hectares in the municipality of Susa, in a stretch that is already populated and that will be refurbished with green areas; the overall cost of the station is 48.5 million euros. ltf-sas.com, kkaa.co.jp

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LA COLLABORATION avec designers, couturiers et stylistes, a depuis toujours caractérisé les collections d’Allia dans l’univers du bain ; Antonio Citterio, C+B Lefebvre, code.2.design sont parmi les signatures de ses nouvelles lignes. A l’expression esthétique des collections s’associe le choix des matériaux céramiques qui intègrent la résistance et la stabilité naturelles, et une dimension technologique qui les rend hydrophobes et antidérapants. LA COLLABORAZIONE con designer, stilisti e creatori di moda caratterizza le collezioni di Allia nell’universo bagno; Antonio Citterio, C+B Lefebvre, code.2.design sono tra le firme delle nuove linee. All’estetica delle collezioni si coniuga la scelta di materiali ceramici che integrano la resistenza e la stabilità naturali e una dimensione tecnologica che li rende idrofobici e antiscivolo. WORKING with designers and fashion creators/ designers has always been a distinctive feature of the Allia bathroom collections; Antonio Citterio, C+B Lefebvre and code.2.design are just some of the big names behind the new ranges. The collections’ aesthetic traits are matched with a selection of ceramic materials combining natural durability and stability with technological properties that make them hydrophobic and slip-proof. allia.fr

Allia, Métaphore, design Antonio Cittero l’AI 109

CREEE PAR Olivier Lapidus, la collection des baignoires sur-mesure, modulaires à souhait Modul-ô de Aquamass Design est désormais disponible en plus de 35 modèles et dimensions, à poser sur le sol ou à adosser contre un mur. Réalisée en Cristalplant, matière exceptionnelle au toucher agréable et sensuel, Modul-ô est proposée dans la nouvelle version baignoire-meuble, Bilio.

CREATION è la nuova gamma di piastrelle e lame LVT (Luxury Vynil Tile) adesive di Gerflor, per gli spazi terziari. Finiture legno o cemento con un’ampia proposta di formati, colori e texture, uno strato di usura di 0,7 mm e uno spessore di 2,5 mm. Igiene rinforzata e manutenzione ridotta sono le caratteristiche della gamma, 100% riciclabile e declinata nelle tre tendenze disponibili: Urban, Authentic, Nature. CREATION is a new range of tiles and adhesive LVTs (Luxury Vinyl Tiles) by Gerflor designed for services facilities. Wood or concrete finishes in a wide selection of sizes, colours and textures, a durable surface of 0.7 mm and a thickness of 2.5 mm, reinforced hygiene, reduced maintenance and a 100% recyclable product are the distinctive traits of this new range that comes in three styles: Urban, Authentic, Nature. gerflor.fr UNE SURFACE CONTINUE, performante et aux multiples facettes qu’on peut utiliser pour recouvrir sols et murs mais aussi meubles et baignoires. Oltremateria est un système ecomortier monocomposant à base de produits naturels qui peut reproduire tout type de textures. Travaillé entre 1 et 3 mm d’épaisseur, ce matériau se compose de quartz et de différents polymères acryliques, ainsi que de composants naturels et de produits recyclés comme le verre, le marbre, la terre cuite, le caoutchouc. Résistant aux taches, au feu et au gel, facile d’entretien, hygiénique.

DISEGNATA DA Olivier Lapidus, la collezione di vasche da bagno su misura, modulari a piacere Modul-ô di Aquamass Design è ormai disponibile in oltre 35 modelli e dimensioni, da appoggiare a pavimento o da addossare alla parete. Realizzata in Cristalplant, un materiale dalle straordinarie caratteristiche tattili, Modul-ô è proposta anche nella nuova versione vasca da bagnomobile, Bilio. DESIGNED BY Olivier Lapidus, the collection of Modul-ô customised modular bathtubs by Aquamass Design is now available in over 35 models and sizes, to be set on the floor or attached to the wall. Made of Cristalplant, a material with extraordinary tactile properties, Modul-ô also comes in the new Bilio bathroom furniture version. acquamass.com CREATION est la nouvelle gamme de dalles et lames LVT (Luxury Vynil Tile) en pose collé de Gerflor, dédiée aux espaces tertiaires. Des décors bois et béton avec une grande diversité de formats et grains et couleurs, une couche d’usure de 0,7 mm et une épaisseur de 2,5 mm, une hygiène renforcée, un entretien réduit et un produits 100% recyclable sont ses principales caractéristiques, déclinées dans les trois tendances disponibles : Urban, Authentic, Nature.

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UNA SUPERFICIE CONTINUA, performante e dalle diverse applicazioni, utilizzabile per riverstire pavimenti e pareti, ma anche mobili e vasche. Oltremateria è un sistema ecomalta mono-componente a base di prodotti naturali che può riprodurre ogni tipo di texture. Lavorato tra 1 e 3 mm di spessore, questo materiale è composto da quarzo e polimeri acrilici, oltre che da componenti naturali e da prodotti riciclati come il vetro, il marmo, la terra cotta, il caucciù. È resistente alle macchie, al fuoco e al gelo, facile da pulire, flessibile e igienico. A CURTAIN SURFACE meeting the highest performance standards and serving various different purposes , which can be used to cover floors and walls, as well as furniture and pools. Oltremateria is a singlecomponent eco-mortar system based on natural products imitating every imaginable kind of texture. This material, measuring between 1-3 mm in thickness, is composed of quartz and various acrylic polymers, as well as natural components and recycled products like glass, marble, terracotta and rubber. Its main properties are stainresistance, fire-resistance, antifreeze, ease of cleaning, flexibility and hygiene. oltremateria.it

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PIONNIERE DANS le développement des bardages rapportés, la société Moeding Keramikfassaden est partenaire de nombreux architectes de renommée internationale collaborant à la réalisation d’importants projets. Parmi ses réalisation les plus spectaculaires, le mur de plaques terre cuite émaillée rouge brillant réalisé dans le centre commercial MyZeil à Francfort, conçu par Massimiliano Fuksas. La façade, en panneaux Moeding Alphaton®, est mise en valeur par des lignes lumineuses de lampes néon qui confèrent à l’ensemble une ambiance accueillante et harmonieuse. PIONIERA NELLO sviluppo di estrusi in cotto per sistemi di facciata, la società Moeding Keramikfassaden collabora con grandi architetti internazionali intervenendo nella realizzazione di importanti progetti. Tra gli interventi più spettacolari, la parete in pannelli di terra cotta smaltata rosso brillante realizzata nel centro commerciale MyZeil di Francoforte progettato da Massimiliano Fuksas. La facciata, in pannelli Moeding Alphaton®, è valorizzata dalle linee luminose di lampade al neon che coferiscono all’inseme un’atmosfera accogliente e calibrata.

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ALLIANCE ENTRE les propriétés extraordinaires d’HI-MACS®, la pierre acrylique de nouvelle génération et la vision futuriste de Karim Rashid, les cuisines Kook et Karan de Aran Cucine s’imposent par leur concept exclusif. Les lignes sinueuses de Kook ou celles fuselées de Karan sont rendues possibles grâce à la versatilité d’HI-MACS® qui s’est révélé essentiel pour répondre aux exigences esthétiques et fonctionnelles de ces cuisines. CONNUBIO TRA le proprietà straordinarie d’HIMACS®, la pietra acrilica di nuova generazione, e la visione futurista di Karim Rashid, le cucine Kook e Karan di Aran Cucine, si impongono per il concetto esclusivo. Le linee sinuose di Kook di Kook o quelle slanciate di Karan sono rese possibili grazie alla versatilità d’HI-MACS, che si è rivelato essenziale per rispondere alle esigenze estetiche e funzionali di queste cucine. PIONEERS in extruded bricks for facade systems, Moeding Keramikfassaden works with leading international architects on designing important projects. Some of its most spectacular enterprises include the shiny red enamelled terracotta panels created for the MyZeil shopping mall in Frankfurt designed by Massimiliano Fuksas. The facade, made of Moeding Alphaton® panels, is further enhanced by the brightly-lit rows of neon lights giving the entire construction a carefully gauged warm and welcoming feel. moeding.fr ESSENCES NATURELLES du bois, design exclusif, fabrication soignée, la collection de parquets Energia Natural est le résultat de la synergie entre le producteur espagnol, leader du secteur, Hérvas, et le créateur Joan Lao. Ensemble, ils ont conçu un produit unique et innovant : le sol d’auteur. La collection s’inspire des textures et couleurs naturelles du bois exposé aux agents météorologiques, telles que celles du bois décoloré par l’action de la mer ou celles argentées de l’écorce des arbres. ESSENZE NATURALI del legno, design esclusivo, fabbricazione accurata, la collezione di parquet Energia Natural è il risultato della sinergia tra il produttore spagnolo Hérvas e il designer Joan Lao. Insieme hanno concepito un prodotto unico e innovativo, il pavimento d’autore. La collezione si ispira alle texture e ai colori naturali del legno esposto agli agenti metereologici come quelle del legno scolorito dall’azione del mare o quelle argentate della corteccia degli alberi. THE NATURAL ESSENCES of wood, an exclusive design and careful manufacturing, the Energia Natural collection is the result of a synergy between the Spanish manufacturer Hérvas and the designer Joan Lao. Together they have created a unique and innovative product, a real designer floor. The collection is inspired by the natural colours and textures of wood exposed l’AI 109

AS A COMBINATION of the extraordinary properties of HI-MACS® (the latest generation of acrylic stone) and Karim Rashid’s futuristic vision, the Kook and Karan kitchens by Aran Cucine

feature an exclusive concept. Kook’s sinuous lines and Karan’s streamlined forms have been made possible by the versatility of HI-MACS, which turned out to be vital for meeting the aesthetic and functional needs of these kitchens. himacs.eu UN NOUVEAU salon consacré à la mode sera inauguré dans le Pavillon 3 de l’ex-Foire de Milan, à l’occasion de la Milan Fashion Week en février 2013. Il s’agit d’une initiative conjointe entre la Municipalité de Milan, Fiera Milano et Pitti Immagine, avec la collaboration de CityLife. Stefano Boeri, adjoint au maire pour la Culture, la Mode et le Design de Milan, a communiqué la publication d’un avis d’appel d’offres pour la requalification et la réalisation d’un parc, la restructuration du vélodrome Vigorelli et du Palazzo delle Scintille. E’ PREVISTO a Milano un nuovo salone dedicato alla moda donna che sarà inaugurato, negli spazi del Padiglione 3 della storica Fiera di Milano, in occasione della Milano Fashion Week del febbraio 2013. Si tratta di un’iniziativa congiunta tra il Comune di Milano, Fiera Milano e Pitti Immagine, con la collaborazione di CityLife, presentata ufficialmente lo scorso 21 settembre. Stefano Boeri, assessore alla Cultura, Moda e Design di Milano, ha comunicato la pubblicazione di un bando di gara per la riqualificazione e realizzazione del parco, la ristrutturazione del Vigorelli e del Padiglione delle Scintille. A NEW SHOW devoted to women’s fashion will be inaugurated in Milan, in the Pavilion 3 at the historic site of the Milan Trade Fair. The show is to be launched during the Milan Fashion Week in February 2013. The initiative was announced jointly by the Milan City Council, Fiera Milano and Pitti Immagine with the collaboration of CityLife. Stefano Boeri, Milan City Councilor for Culture, Fashion and Design, has announced the publication of a call for the creation of a park, the renovation of the Vigorelli (former cycling track) and the Sparks Palace. comune.milano.it

www.thg.fr

Sable, Moka ; les incrustations et les pièces spéciales sont nombreuses. Ce produit est indiqué pour le revêtement des sols et des murs des espaces résidentiels ainsi que des façades ventilées et des sols surélevés. BROOKLYN, DI MARAZZI, è un prodotto in gres fine porcellanato doppio caricamento – tecnologia ink-jet, assolutamente ecosostenibile, eseguito con processo produttivo a ciclo chiuso, con percentuale di riciclo dal 20% al 25%, spessore 10,5 mm e superficie satinata e leggermente strutturata - disponibile nelle misure: 30x60-60x60-60x120 cm. La ricca cartella colori prevede: White, Grey, Multigrey, Anthracite, Sand, Mocha, e sono numerosi gli inserti e i pezzi speciali. Il prodotto è indicato per rivestire pavimenti e pareti di ambienti residenziali, nonché per facciate ventilate e pavimenti sopraelevati.

AVIS DE CONCOURS pour le Mastère 1er niveau en “Préparation & Conception de Composantes” Année Académique 2012/2013 (directeur : Prof. Vincenzo Turiaco, Architecte), à la Faculté d’Architecture de l‘Université de Rome “La Sapienza”. La demande d’admission doit parvenir, par lettre recommandée A/R ou remise à la main, avant le 17 décembre 2012, à l’adresse suivante : Direttore del Master Prof. Arch. Vincenzo Turiaco, Facoltà di Architettura, via Gramsci, 53- 00197 Rome – ITALIE – à l’attention du Dr. M. Maresca (c/o DIAP). E’ STATO LANCIATO il Bando di Concorso per il Master di 1° livello in “Allestimento & Progettazione di Componenti ” Anno Accademico 2012/2013 (direttore: Prof. Arch. Vincenzo Turiaco), presso Facoltà di Architettura dell’Università degli Studi di Roma “La Sapienza”. La domanda di ammissione deve pervenire, mediante raccomandata A/R o consegna a mano, entro e non oltre il 17 dicembre 2012 al seguente indirizzo: Direttore del Master Prof. Arch. Vincenzo Turiaco presso Facoltà di ArchitetturaVia Gramsci, 53- 00197- Roma – att.ne Dott. M. Maresca (c/o DIAP). A COMPETITION WAS announced for the 1st level Master’s Degree in “Component Mounting & Design”, Academic Year 2012/2013 (director: Arch. Vincenzo Turiaco) at the Faculty of Architecture of the “La Sapienza” University in Rome. Applications for admission to the competition can be sent by certified mail or delivered by hand no later than December 17th 2012 to the following address: Director of the Master Prof. Arch. Vincenzo Turiaco, Faculty of Architecture, Via Gramsci, 53 – 00197 – Rome – attention of Mr. M. Maresca (c/o DIAP). w3.uniroma1.it/masterpac BROOKLYN, DE MARAZZI, est un produit en grès fin porcelaine à double couche – technologie ink-jet, parfaitement éco-durable, selon un procédé de production à cycle fermé, avec un pourcentage de recyclage de 20% à 25%, épaisseur 10,5 mm, surface satinée et légèrement structurée - disponible dans les mesures : 30x60, 60x60, 60x120 cm. La riche palette de couleurs prévoit : Blanc, Gris, Multigris, Anthracite, l’AI 109

MINIARTEXTIL, la XXIIe Exposition Internationale d’Art Textile Contemporain, est un point de référence dans le panorama international de la ‘fiber art’. Le thème de cette édition (Côme, Villa Olmo, jusqu’au 12 novembre) est “Agorà”, considéré comme place virtuelle, un lieu où se croisent réalité physique et multimédia. 354, projets parvenus de 46 pays des cinq continents et 54 minitextiles (mesures max. 20 cm de côté) finalistes sont présentés.

Narahira Noriko, Meeting place.

BROOKLYN BY MARAZZI is a range of double-loaded fine porcelain stoneware – completely eco-friendly ink-jet technology created based on a closed loop manufacturing process involving 20%-25% recycling, thickness of 10.5 mm and slightly textured satin-coated surface – available in the following sizes: 30x60-60x60-60x120 cm. The rich palate of colours includes: White, Grey, Multigrey, Anthoracite, Sand and Mocha with numerous inserts and special pieces. The product is ideal for covering floors and walls in residential quarters and also ventilated facades and raised floors marazzi.it ARTISSIMA (Turin, Oval, 9-11 novembre) rassemble les galeries les plus représentatives du panorama artistique mondial pour offrir aux collectionneurs et au grand public une exposition de très grande qualité ARTISSIMA (Torino, Oval, 9-11 novembre) raccoglie le gallerie più rappresentative del panorama artistico mondiale, scelte dal Comitato di Selezione della Fiera, per offrire ai collezionisti e al grande pubblico una rassegna di altissima qualità. ARTISSIMA (Turin, Oval, 9-11 November) brings together the most outstanding galleries in the international art scene, chosen by the Selecting Committee of the Fair, will offer collectors and the general public an event of the highest quality. artissima.it

Joseph Kosuth, (satisfaction) [pink], 2009 (Courtesy l’artista e Galleria Vistamare, Pescara).

MINIARTEXTIL, XXII Mostra Internazionale d’Arte Tessile Contemporanea, è il punto di riferimento nel panorama internazionale della fiber art. Il tema di questa edizione (Como, Villa Olmo, fino al 12 novembre) è “Agorà” inteso come piazza virtuale, come luogo in cui si intrecciano realtà fisica e multimediale. 354 i progetti pervenuti da 46 Paesi dei cinque continenti. In mostra i 54 minitessili (misure max 20 cm per lato) finalisti. MINIARTEXTIL, the 22nd International Contemporary Textile Art Exhibition is the reference point for the international scene of fiber art. “Agorà” is this edition’s theme (Como, Villa Olmo through November 12th), a sort of virtual square, a place where physical and multimedia reality interweave. The event saw 354 entries from 46 countries from around the world. On display are a selection of 54 of the presented mini-textiles (max 20 x 20 cm). miniartextil.it

styles in carpet tiles

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Alternative100. Hot couture! Style, class, charisma… creating the right setting can do wonders. Take hotel and office spaces to a higher level by styling the floor with modulyss Alternative100 carpet tiles. Next to beautiful, daring colours – a perfect match with the Cambridge collection – the structure of Alternative100 adds a fancy flair to each floor. This ecological loop pile tip sheared carpet tile – known for its stylish look de luxe – is made from 100% recycled nylon yarn (Econyl). Hot tuft! ®

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GUE(HO)ST HOUSE This project designed by Berdaguer et Péjus at the Contemporary Art Centre (Delme Synagogue), which officially opened in September as part of a public tender launched by the French Ministry of Culture and Communication, converts an existing building into a sort of ghost house. Covered by a white veil that completely envelops it, the house takes on a constantly changing dynamic form looking both back into the past and head into the future. Genuine phantasmagoric architecture (based on a pun invented by Marcel Duchamp, a Guest + a Host = a Ghost)) that provides both the general public and artists with a new cultural facility. cac-synagogudelme.org

Gue(ho)st House, Berdaguer & Péjus, Synagogue de Delme, © Adagp Paris 2012

GUE(HO)ST HOUSE Inauguré au mois de septembre dans le cadre d’une commande publique du Ministère de la Culture et de la Communication, le projet de Berdaguer et Péjus au centre d’art contemporain – la synagogue de Delme (Moselle), métamorphose un bâtiment existant en maison fantôme. Recouverte d’un voile blanc qui coule sur les abords et crée un corps vivant, la maison devient une forme en mouvement qui regard vers le passé et l’avenir. Véritable fantasmagorie architecturale, Gue(Ho)st House (du jeu de mots de Marcel Duchamp, a Guest + a Host = a Ghost) offre un nouvel espace d’accueil pour le public et les artistes. GUE(HO)ST HOUSE Inaugurato nel mese di settembre nel quadro di un incarico pubblico del ministero della Cultura e della Comunicazione francese, il progetto di Berdaguer et Péjus presso il centro d’arte d’arte contemporanea – la sinagoga di Delme (Mosella), trasforma un edificio esistente in una sorta di casa fantasma. Rivestita di un velo bianco che l’avviluppa completamente, la casa diventa un forma dinamica in continua metaforosi che si rivolge al passato come al futuro. Vera fantasmagoria architettonica, Gue(Ho)st House (dal gioco di parole di Marcel Duchamp, a Guest + a Host = a Ghost) offre un nuovo spazio culturale per il pubblico e gli artisti. l’AI 109

REMONTER PARIS dans le temps pour reparcourir la construction de la ville, découvrir les phases de son développement, revivre la naissance de ses monuments et de ses bâtiments symboliques, “Paris, la ville à remonter le temps” a offert une expérience inédite grâce aux nouvelles technologies de réalité virtuelle développées par Dessault Systems. Fruit de plus de deux ans de travail, ce docu-fiction alterne images exceptionnelles de Paris, scènes de fiction, effets spéciaux, reconstruction de monuments dans des environnements interactifs et immersifs. Réalisé par Xavier Lefevre, il est produit par Gédéon Programmes, Planète+, Canalsat, Studiocanal, Flamarion.

The result of over two years’ work, this docu-fiction alternates incredible images of Paris, fictional scenes, special effects and also reconstructions of monuments in interactive, immersed settings. Devised by Xavier Lefevre and produced by Gédéon Programmes, Planète+, Canalsat, Studiocanal, Flamarion. 3ds.com/paris3D LES FRAC – Fonds régionaux d’art contemporain créés en 1982 par le ministre de la culture et de la communication Jack Lang, célèbrent les trente ans de leur naissance. Après l’exposition organisée au Centre Pompidou, un deuxième rendez-vous se tiendra dans l’ensemble des régions à partir du printemps 2013. Chaque Frac donnera carte blanche à un créateur qui choisira des œuvres parmi ses collection et inventera un dispositif original pour les présenter. Une exposition nationale réunissant les 23 propositions des artistes-commissaires sera ensuite présentée dans une capitale régionale.

Méca Région Aquitaine (Frac, Ecla, Oara ), Bordeaux, project by BIG – Bjarke Ingles Group (Copenhague - Danemark) associée à FREAKS (Paris)

RIPERCORRERE PARIGI nel tempo per scoprire la costruzione della città, rivivere la fasi del suo sviluppo e la nascita dei suoi monimenti e degli edifici sumbolo, “Paris, la ville à remonter le temps” ha offerto un’espeirenza inedita grazie alle nuove tecnologie virtuali sviluppate da Deassault Systems. Frutto di oltre due anni di lavoro, questo docu-fiction alterna immagini straordinarie di Parigi, scene di fiction, effetti speciali, ricostruzioni di monumenti in ambieti interattivi e immersivi. Realizzato da Xavier Lefevre, è prodotto da Gédéon Programmes, Planète+, Canalsat, Studiocanal, Flamarion. RETRACING PARIS across time to discover how the city was constructed, reliving the various stages in its development and the creation of its monuments and signature buildings, “Paris, la ville à remonter le temps” provided a unique experience thanks to new virtual technology developed by Deassault Systems.

I FRAC – Fondi regionali d’arte contemporanea creati nel 1982 dall’allora ministro della cultura Jack Lang, celebrano i trent’anni di vita. Dopo la mostra organizata al Centre Pompidou, un secondo appuntamento si terrà nelle regioni a partire dalla primavera 2013. Ogni Frac darà carta bianca a un artista che sceglierà delle opere della sua collezione e inventerà un dispositivo originale per presentarle. Un’esposizione nazionale che riunirà le 23 proposte degli artisti-commisari sarà successivamente presentata in una capitale regionale. FRACS – Regional funds for contemporary art created in 1982 by the Minister of Culture at the time, Jack Lang, have now been around for thirty years. Following the exhibition held at the Pompidou Centre, a second event will also take place out in the various regions starting in spring 2013. Each Frac will give a chosen artist free rein to select works from his/her collection and provide an original means of displaying them. A national exhibition displaying the 23 works by artists-commissars will later go on display in a regional capital. frac-platform.com

FLOOR GRES, marque appartenant à Florim Ceramiche, présente Floorthec/1.0, une collection en grès porcelaine intégrant la conception à la connotation naturelle de 9 grès porcelainé types de pierre. Résultat d’une technologie à l’avantgarde, la nouvelle collection offre une infinité de possibilités créatives grâce à la fantaisie de l’exécution et à des décorations géométriques et tridimensionnelles spectaculaires. Les nombreux formats disponibles, compris entre 60x110 et 20x80 cm, sont complétés par les mosaïques et les listels en trois types de surfaces : naturelle, soft et bouchardée.

de la société indienne dans le cadre d’une amélioration des conditions de vie des habitants des bidonvilles. Des 13 millions d’habitants de New Delhi, environ 6 millions vivent dans des bidonvilles à la périphérie de la métropole avec une grande carence d’infrastructures. IL PROGETTO Grow Your Home di Radim Tkadvec e Olga Krajkoricova (Repubblica ceca e Slovacchia) ha vinto la AWR Competition “Hof - Horizontal Farm in New Delhi”, con la quale si cercavano soluzioni per integrare la cultura e le tradizioni della società indiana nell’ambito di un miglioramento delle condizioni di vita degli abitanti degli slum. Dei 13 milioni di abitanti di New Delhi, circa 6 milioni vivono negli slum alla periferia della metropoli con grande carenza di infrastrutture.

FLOOR GRES, brand appartenente a Florim Ceramiche, presenta Floorthec/1.0, una collezione di gres porcellanato che integra la progettazione con l’offerta della connotazione naturale di nove tipi di pietra. Risultato di una tecnologia all’avanguardia, la nuova collezione offre infinite opportunità creative grazie alla fantasie delle lavorazioni e a decorazioni geometriche e tridimensionali spettacolari. Molteplici i formati disponibile compresi tra 60x110 e 20x80 cm, più mosaico e listelli, e con tre superfici: naturale, soft e bocciardato. FLOOR GRES, a brand belonging to Florim Ceramiche, presents Floorthec/1.0, a collection designed to complete the natural-style range coming in nine different types of stone. The product of cutting-edge technology, this new collection offers endless creative potential thanks to all the imaginative finishing touches, geometric decoration and spectacular threedimensional details. A number of different formats are available ranging from 60x110 and 20x80, plus mosaic and strip patterns, all coming with three different surfaces: natural, soft and bushhammered. florim.it LE PROJET Grow Your Home de Radim Tkadvec et Olga Krajkoricova (République Tchèque et Slovaquie) a remporté l’AWR Competition “Hof - Horizontal Farm in New Delhi”, apportante des solutions pour intégrer la culture et les traditions GROW YOUR HOME project by Radim Tkadvec and Olga Krajkoricova (Czech Rep., Slovakia) won the AWR Competition “Hof - Horizontal Farm in New Delhi” that wants to focus on finding a solution that integrates the culture and traditions of Indian society with improved living conditions of slums inhabitans. Of the New Delhi 13 million inhabitants, about 6 million live in slums in the suburb with lack of infrastructure. awrcompetitions.com l’AI 109

Caralan, Mezzalira, Pentimalli, Biblioteca Civica Berssanone (BZ).

MICHEL Carlana, Luca Mezzalira et Curzio Pentimalli ont été récompensés par le prix Young Italian Architects 2012 ‘under 35’. Le concours, organisé par presS/Tletter, ProfessioneArchitetto avec le parrainage de l’IUAV ALUMNI valorise les projets de jeunes architectes italiens ‘under 35’ “se distinguant par la recherche, l’innovation et la lecture de la réalité contemporaine”. MICHEL Carlana, Luca Mezzalira e Curzio Pentimalli sono stati eletti il migliore studio di architettura italiano under 35 con il premio Young Italian Architects 2012 . Il concorso è organizzato da presS/Tletter – Associazione Italiana di Architettura e Critica insieme a professioneArchitetto con il supporto e il patrocinio dell’ IUAV ALUMNI, associazione dei laureati IUAV, al fine di promuovere progetti di giovani architetti italiani under 35 “che si distinguano per ricerca, innovazione e lettura della realtà contemporanea”. MICHEL Carlana, Luca Mezzalira and Curzio Pentimalli were elected the best under 35 Italian architectural studio and were awarded the prize Young Italian Architects 2012. The competition organized by presS/Tletter – Italian Association of Architecture and Critique together with professioneArchitetto, with the support and patronage of IUAV ALUMNI promote projects by young Italian architects who are under 35 years of age and “who distinguish themselves for their research, innovation and interpretation of contemporary reality”. michelcarlana.com, curziopentimalli.com LE CABINET norvégien Snøhetta réalisera le Centre International de l’Art Pariétal de MontignacLascaux dit Lascaux 4 - Dordogne (ouverture prévue en juillet 2015). LO STUDIO norvegese Snøhetta realizzerà in Dordogna il Centre International de l’Art Pariétal di Montignac-Lascaux detto Lascaux 4 (apertura prevista nel luglio 2015). NORWEGIAN architect Snøhetta will realize the Centre International de l’Art Parietal MontignacLascaux, aka Lascaux 4 - Dordogne. (scheduled to open in July 2015). snoarc.no

LITE-POINT de Glassolutions France est le premier système de revêtement mural extérieur en verre émaillé. Il permet de réaliser des façades ventilées opaques à la fois esthétiques et performantes. Caractérisé par de hautes capacités de résistance aux intempéries et au vieillissement ainsi que par la durabilité de ses couleurs dans le temps, le verre émaillé utilisé dans le système Lite-Point convient parfaitement à la réalisation de façades ventilées adaptées au neuf comme à la rénovation.

LITE-POINT di Glassolutions France è il primo sistema di rivestimento murale esterno in vetro smaltato. Permette di realizzare facciate ventilate opache estetiche e performanti. Caratterizzato da elevate capacità di resistenza alle intemperie e all’invecchiamento, come dalla durata dei colori nel tempo, il vetro smaltato utilizzato nel sistema Lite-Point si adatta perfettamente alla realizzazione di facciate ventilate nel nuovo come nella ristrutturazione. LITE-POINT by Glassolutions France is the first system of siding enamelled glass. It allows for ventilated facades are opaque to both aesthetic and efficient. Characterized by high resilience to weathering and aging as well as the sustainability of its colours over time, the enameled glass used in the system Lite-Point is ideal for ventilated walls adapted to new as renovation. glassolutions.fr CAMPAGNE DE communication. L’organisation de la 39e édition de la MCE – Mostra Convegno Expocomfort, programmée du 18 au 21 mars 2014 à Fiera Milano est déjà en préparation. Forte du succès remporté par la MCE dans l’édition 2012 (+ 5,8% de participation des opérateurs étrangers), la campagne créative/publicitaire de sa prochaine édition sera basée sur ses quatre secteurs porteurs : la Chaleur, le Froid, l’Eau et l’Energie, ce qui répond au concept de “Global Comfort Technology”. CAMPAGNA DI comunicazione E’ in preparazione l’organizzazione della 39ª edizione di MCE – Mostra Convegno Expocomfort, la fiera leader mondiale nell’impiantistica, nella climatizzazione e nelle energie rinnovabili, programmata dal 18 al 21 marzo 2014 a Fiera Milano. Forte del successo registrato nel 2012 (+ 5,8% di operatori esteri), la manifestazione sta programmando la campagna creativa/pubblicitaria impostata sull’interpretazione grafica dei quattro settori portanti della manifestazione: il Caldo, il Freddo, l’Acqua e l’Energia. THE 39TH EDITION of MCE—Mostra Convegno Expocomfort—the world’s leading exhibition in civil and industrial plant design, air conditioning and renewable energy will take place from 18 to 21 March at Fieramilano. On the strength of the success of the 2012 MCE edition (which saw a 5.8% increase in the participation of foreign representatives), in line with the “Global Comfort Technology” concept, the organizers of the event are planning a creative advertising campaign structured on four main sectors: Heating, Cooling, Water and Energy. mcexpocomfort.it ARKÉ DE VIMAR est une nouvelle solution domotique optimisée qui, par sa fonctionnalité, privilégie la simplicité de la gestion de chaque espace domestique en optimisant la l’AI 109

news compilation

consommation. Le modèle Arké Classic se caractérise par la rationalité de son profil linéaire et ses angles droits, tandis qu’Arké Round a une surface tactile et souple légèrement recourbée et des angles arrondis. ARKÉ DI VIMAR è una nuova e ottimizzata soluzione domotica che privilegia la semplicità della gestione di ogni ambito domestico ottimizzandone i consumi. Il modello Arké Classic si distingue per la razionalità geometrica del profilo lineare e gli angoli retti, mentre Arké Round ha la superficie tattile e morbida leggermente curvata e angoli arrotondati. ARCHÉ, AN EXCLUSIVE new range of products byVimar, is a brand-new and carefully perfected domotics system, whose functionality simplifies the management of domestic space by optimising consumption. The Arké Classic model stands out for the geometric precision of its linear outline and right angles, while Arké Round has a gently-curving soft and tactile surface with soft edges. vimar.it

CAESAR CONTRACT SOLUTIONS est un ensemble de collections qui intègre la large offre de carreaux en grès cérame de Ceramiche Caesar. Les gammes de Caesar Contract Solutions associent simplicité et essentialité dans un mariage parfait entre technologie, performances, fonctionnalité, esthétique et respect de l’environnement. Les nombreux styles, formats, couleurs et finitions disponibles, assurent un grand nombre de solutions pour les sols et les revêtements intérieurs et extérieurs. CAESAR CONTRACT SOLUTIONS è un insieme di collezioni che integrano l’ampia offerta di piastrelle in gres porcellanato di Ceramiche

Caesar. Le gamme di Caesar Contract Solutions uniscono semplicità ed essenzialità in un perfetto connubio fra tecnologia, estetica e funzionalità, nel rispetto dell’ambiente. Queste collezioni, proposte in molteplici stili, formati, colori e finiture, garantiscono un elevato numero di soluzioni per pavimenti e rivestimenti, da interno ed esterno.

CAESAR CONTRACT Solutions is a set of collections that complement the wide range of porcelain tiles from Ceramiche Caesar. The ranges of Caesar Contract Solutions combining simplicity and essentiality in a perfect combination of technology, aesthetics and functionality, environmental. Caesar Contract Solutions Collections, offered in many styles, sizes, colors and finishes, provide a large number of solutions for floors and walls, indoor and outdoor. caesar.it

STARCK 2 DE Duravit est une gamme céramique qui représente à la fois une suite, un perfectionnement et un complément de son célèbre prédécesseur Starck 1. Starck 2 se réfère lui aussi aux origines du design sanitaire : les formes fluides épousent le mouvement pour ouvrir la voie à l’eau qui s’écoule invitant à découvrir la salle de bains sous un autre jour. STARCK 2 di Duravit è una gamma ceramica che è una continuazione, un perfezionamento e un completamento del suo famoso predecessore Starck 1. Anche Starck 2 si rifà alle origini del design dei sanitari: le forme fluide sposano il movimento per aprire la via all’acqua che scorre invitando a scoprire l’ambiente bagno sotto un’altra luce. STARCK 2 by Duravit, a range of ceramics that is the ultimate successor to its famous predecessor, Starck 1. Starck 2 also derives its inspiration from the origins of bathroom design: the ceramic forms embody the flowing movement of water and allow us to see the bathroom through a new set of eyes. duravit.com

PRESENTE EN AVANT-PREMIERE au Made expo 2012 de Milan par OKITE® (groupe Seieffe), producteur italien de tranches de quartz composite hygiéniques et super résistantes, OKITE® (groupe Seieffe), O-Kera® est la nouvelle plaque céramique pour revêtements indoor et outdoor qui associe légèreté et résistance à flexibilité d’utilisation. Idéale pour plans de cuisine, design d’intérieur, habillage de sols et murs, O-Kera® est proposé en format 3x1 m, épaisseur 6 mm, renforcée de fibre de verre.

infatti distinto in passato per gli studi sul patrimonio artistico e architettonico milanese, facendosi carico di restituire evidenza alle architetture di Giuseppe Terragni, di Luigi Moretti e di altri architetti razionalisti apprezzati in diverse università nel mondo. DURING A CEREMONY held on September 25th at the Museum of the Twentieth Century in Milan, Architect Peter Eisenman was awarded the seal of the City of Milan, an acknowledgement as a distinguished theoretician strongly tied to Italy, and especially to the city of Milan. He committed himself to pointing out architectural works by Giuseppe Terragni, Luigi Moretti and other rationalist architects now being studied and appreciated in various universities around the world. eisenmanarchitects.com LE PROJET ARCADIA, présenté à CERSAIE 2012 et conçu par Marco Poletti, est un concept d’aménagement d’une suite d’hôtel mettant en valeur l’espace salle de bains. Casalgrande, Das, Ego, Eurolegno, Giusti Portos, Huber, IConci. IVV, Olimpia et Suite N8 sont les entreprises qui ont participé à ce projet. IL PROGETTO ARCADIA, presentato al CERSAIE 2012 e ideato da Marco Poletti, ha proposto l’allestimento di una camera d’albergo allargata all’area home, rappresentativa dello spazio bagno, e realizzata grazie alle sinergie di aziende quali: Casalgrande, Das, Ego, Eurolegno,Giusti Portos, Huber, IConci. IVV, Olimpia e Suite N8. THE ARCADIA PROJECT, presented at CERSAIE 2012 events and was planned by Marco Poletti—has highlighted an unusual initiative by setting up a hotel room which includes a home area that makes the bathroom a special place. Working together with other companies such as Casalgrande, Das, Ego, Eurolegno,Giusti Portos, Huber, IConci. IVV, Olimpia and Suite N8, the project aims at creating new commercial partnerships. cersaie.it

PRESENTATA IN ANTEPRIMA al Made expo 2012 di Milano da OKITE® (gruppo Seieffe), produttore italiano di piani in quarzo igenici e super resistenti, O-Kera® è la nuova lastra in ceramica per rivestimenti indoor e outdoor che coniuga leggerezza e stabilità a flessiblità d’utilizzo. Ideale per piani cucina, arredo e design di interni, rivestimento di pavimenti e pareti, O-Kera® è proposta in formato 3x1 m, spessore 6 mm, rinforzata con fibra di vetro. PRESENTED FOR THE FIRST TIME at Made expo 2012 in Milan by OKITE® (Seieffe Group), an Italian manufacturer of super-resistant hygienic quartz surfaces, O-Kera® is the latest ceramic coating for indoor and outdoor surfaces that combines lightness and stability with flexibility of usage. Ideal for kitchen worktops, interior design and furniture, floor and wall coatings, O-Kera® comes in a 6-mm thick 3x1 m format reinforced with fibreglass. okite.com, o-kera.com LE SCEAU DE LA ville de Milan a été conféré à l’architecte Peter Eisenman pour sa portée de théoricien lié à l’Italie et en particulier à la ville de Milan. Ses études sur le patrimoine artistique et architectural milanais, ont mis en valeur les architectures de Giuseppe Terragni, Luigi Moretti et d’autres architectes rationalistes actuellement appréciés dans de nombreuses universités du monde entier. E’ STATO CONFERITO all’architetto Peter Eisenman, il sigillo della città di Milano quale riconoscimento a un insigne teorico fortemente legato all’Italia e particolarmente a Milano. Eisenman si è l’AI 109

WEBERT, entreprise spécialisée dans le secteur des salles de bains, a présenté à Cersaie 2012 la série de robinets Living destinée à l’usage professionnel, la série Aria, prix Red Dot Design Award, idéale pour la Beauty area et Easy-lift, et les nouvelles solutions pour la cuisine 360 Evolution e Micro. La série Living, conçue par Busetti Garuti Redaelli, est caractérisée par sa grande flexibilité : en effet, chaque élément peut être composé et personnalisé grâce à des leviers et des bouches différents, selon le choix et les exigences. WEBERT, azienda specializzata nel settore bagno ha presentato al Cersaie 2012 la serie di rubinetti Living destinati al contract, la serie Aria, vincitrice del Red Dot Design Award, per la Beauty area e easy-lift, e le nuove soluzioni per cucina 360 Evolution e Micro. La serie Living, disegnata da Busetti Garuti Redaelli,– si caratterizza per la grande flessibilità, ogni elemento può essere infatti composto e personalizzato abbinando leve e bocche differenti, secondo scelte ed esigenze.

AT CERSAIE 2012, Webert, a company specialising in the bathrooms sector, presented its Living range of taps and accessories designed for the contract industry, the Aria range, which won the Red Dot Design Award in the Beauty and

Easy-lift sectors, and its latest kitchen ranges, 360 Evolution and Micro. The Living range, designed by Busetti Garuti Redaelli, stands out for its notable flexibility, since each individual piece can be customised and combined with various different levers and spouts according to taste or requirements. webert.it LA PREMIÈRE CONFÉRENCE REbuilt à Riva del Garda, a mis en évidence que plus de 2 milliards de mètres carrés figurant au marché immobilier seront concernés par la requalification du patrimoine italien pour atteindre la durabilité demandée par la Communauté Européenne. REbuild a présentédes expériences réelles telles que celles de Coop Italia, Ikea, les Unités Socio-Sanitaires d’Arezzo et Rimini qui se signalent en tant que possibilités disponibles dans le secteur de la requalification. LA PRIMA CONVENTION REbuilt, svoltasi lo scorso settembre a Riva del Garda, ha evidenziato che oltre 2 miliardi di metri quadri indicati dal mercato immobiliare sono interessati alla riqualificazione del patrimonio edile italiano per raggiungere la sostenibilità richiesta dalla Comunità Europea. Coop Italia, Ikea, USL di Arezzo e Rimini sono state portate a esempio sulle opportunità disponibili mediante il settore della riqualificazione. THE FIRST REBUILD CONFERENCE, held in September at Riva del Garda, revealed that the real estate market has found that more than 2 billion square meters of Italy’s built heritage is to be redeveloped to achieve the sustainability required by the European Communities. Coop Italia, Ikea, and the local health authorities of Arezzo and Rimini have been indicated as references to this part of the real estate market on the opportunities that are available in the sector of redevelopment. re-build.biz

FloatingSpaces de SieMatic : un concept unique, des possibilités infinies

Autrefois simple lieu consacré à la préparation des repas, la cuisine est aujourd’hui devenue le cœur de la maison. Véritable pièce à vivre, la ‘cuisine living’ s’ouvre et se confond désormais avec le salon, donnant naissance à un espace où les frontières entre fonctionnel et esthétique s’estompent. En parfaite adéquation avec cette tendance incontournable, SieMatic lance FloatingSpaces, un système inédit de panneaux et d’étagères modulable à l’envi qui crée une transition toute en douceur entre les pièces et leurs fonctions.

Qui compare, constate avec SieMatic que des solutions originales adaptées et personnalisées à la réalisation de son projet existent comme nulle part ailleurs. Venez le vérifier chez l’un de vos conseillers SieMatic le plus proche : 01 SAINT GENIS POUILLY, JMD Concept 06 NICE, Albalat Cuisines & Bains 06 CANNES, C.D. Concept 13 MARSEILLE, Massilia Décoration 18 BOURGES, Ets Leconte 20 AJACCIO, Casissima 20 BASTIA, Art & Concept Cuisines 25 BESANCON, Cuisines Vaissier 30 NIMES, Somass MC2 31 TOULOUSE, SieMatic Esquirol 33 PESSAC, BO Carré 35 RENNES, Ets Guine 35 SAINT MALO, Cuisines Hamon 37 TOURS, Laroche Cuisines 44 ORVAULT-NANTES, Sanideco 45 ORLEANS, Hexagone 51 REIMS, Ménard & Ségalen 54 NANCY, R3C 56 AURAY, Artwood/Atelier G. Citeau 59 CYSOING, Kitchen Code 68 COLMAR, Colmar Cuisine Création 69 LYON, Ainay Cuisines 75 PARIS 7ème, Joniel PARIS 8ème, Haussmann Cuisines PARIS 12ème, Notre dame Décoration PARIS 16ème, Notre dame Décoration 78 VERSAILLES, Notre dame Décoration 83 CAVALAIRE, Ets Navarro 84 AVIGNON, Groupe Guérin – SieMatic. Retrouvez toutes les adresses des revendeurs sur www.siematic.com SieMatic France: info@siematic.fr tél: +33 (1) 56605893

I nuovi ascensori KONE Sintesi di Tecnologia e Design

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Precursore in tema di eco-effcienza e innovazione, KONE – leader nel mercato mondiale degli ascensori e delle scale mobili – ha sviluppato una gamma di ascensori all’avanguardia per risparmio energetico, comfort di marcia, design pluripremiato e sfruttamento ottimale dello spazio. La nuova gamma, destinata a coprire il 60% circa dell’offerta di ascensori, include KONE MonoSpace®, modello rivoluzionario di ascensore senza locale macchina per i mercati globali e KONE MiniSpace™ con locale macchina di dimensioni ridotte per il mercato asiatico. Grazie a KONE EcoDisc®, macchina di sollevamento completamente rinnovata, a un sistema di trazione ad alta efficienza e alle soluzioni avanzate di standby, i nuovi ascensori KONE MonoSpace® assicurano un‘efficienza energetica superiore al 35% rispetto alla precedente piattaforma di ascensori KONE. All’innovazione tecnologica, si accompagnano l’attenzione e la ricerca sviluppate da KONE per offrire soluzioni sempre più all’avanguadia per estetica e design. Qualità dei risultati apprezzata internazionalmente e riconosciuta con ben quattro premi red dot design. Concetto fortemente innovativo, la KONE Design Collection è stata creata per arricchire l’atmosfera e il comfort degli ascensori, valorizzando l’estetica e gli ambienti comuni degli edifici. Un sistema modulare d’interni di cabine ascensore permette di coniugare materiali innovativi caratterizzati da texture e da decorazioni esclusive, con modelli a effetto 3D e soluzioni di illuminazione inedite. Grazie all’ampio ventaglio di scelte tra i 6 temi di design disponibili, con oltre 52 allestimenti di cabine, questa collezione completa e diversificata risponde a molteplici esigenze in materia di stile e di ambienti. Inoltre, l’innovativo stumento KONE Car Design consente di associare all’ampia gamma di materiali disponibili, accessori e sistemi di illuminazione diversi, per creare interni personalizzati perfettamente in linea con la dimensione architettonica dell’edificio.

Nouveaux ascenseurs KONE Synthèse de Technologie et Design 2

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Pionnier de l’éco-efficacité et de l’innovation, KONE – leader sur le marché des ascenseurs et des escaliers mécaniques – a développé une gamme d’ascenseurs à l’avant-garde en matière de réduction de la consommation d’énergie, confort de déplacement, design pluri primé et utilisation de l’espace améliorée. La nouvelle gamme, qui devrait couvrir environ 60 % des ascenseurs commercialisés, comprend le KONE MonoSpace®, un modèle révolutionnaire d’ascenseur sans local de machine pour les marchés mondiaux et le KONE MiniSpace™ avec un local de machine réduit pour le marché asiatique. Grâce à KONE EcoDisc®, le nouveau système de traction entièrement remanié, un entraînement ultra-performant et des solutions de veille perfectionnées, les nouveaux ascenseurs KONE MonoSpace sont jusqu’à 35 pour cent plus écoefficients que ceux de la génération précédente. L’innovation technologique, se combine à l’attention et à la recherche développées par KONE afin d’offrir des solutions à la pointe de l’esthétique et du design. L’haute qualité des résultats internationalement reconnue a remporté quatre fois le Red dot award. Proposant un concept très innovant, la KONE Design Collection permet d’enrichir l’atmosphère et le confort des ascenseurs, valorisant l’esthétique et l’ambiance des immeubles. Un ensemble modulaire d’intérieurs de cabine d’ascenseurs offre la possibilité d’associer de matériaux innovants caractérisés par des textures et des décors exclusifs, avec des modèles à effet 3D, et des solutions d’éclairage inédites. Grâce au éventail de choix possibles parmi les 6 thèmes de design disponibles, comportant 52 intérieurs de cabine, cette collection diversifiée et complète réponde aux exigences les plus variées en matière d’ambiances et de style. L’innovant outil Kone Car Designer permet, en outre, de combiner la large gamme de matériaux avec divers accessoires et types d’éclairages afin de créer un intérieur personnalisé qui s’harmonise parfaitement à la dimension architecturale de l’édifice.

1) Nouveau Glamour, l’acciaio satinato, specchiato o con innovative finiture in vetro stampato 3D si combina alla pavimentazione in granito naturale e all’illuminazione a muro. - Nouveau Glamour, l’acier inoxydable brossé, le poli miroir, ou les finitions imprimées en verre 3D s’harmonisent au sol en pierre et à l’éclairage mural. - Nouveau Glamour, brushed steel, reflective steel or printed 3-D glass finishes fit in perfectly with natural stone flooring and wall lighting. 2) New Luxury, ricchezza di motivi e texture combinati a contrasti eleganti. - New Luxury, richesse des motifs et textures combiné à des contrastes élégants. - New Luxury, a wide palette of patterns and textures combined with elegant contrasts. 3) Industrial Chic, associazione dell’acciaio (colorato, stampato e satinato) o del laminato con una moderna illuminazione. - Industrial Chic, association de l’acier (coloré, imprimé et brossé) ou du stratifié, avec un éclairage moderne. - Industrial Chic, combines steel (coloured, printed and brushed) or laminate with modern lighting. 4) La combinazione di vetro scuro a motivi e acciaio specchiato con le finiture leggere e luminose del cielino. - Association de verre fumé à motifs décoratifs et acier inox poli miroir avec les finitions délicates et lumineuses du plafond. - Combination of dark patterned glass and reflective steel with delicate and brightly lit ceiling finishes. 5-6) Cool Vintage, associa acciaio lavorato, pareti in laminato plastico, innovativi sistemi di illuminazione LED e segnalazioni intuitive. - Cool Vintage, associe l’acier texturé et les matériaux de paroi en stratifié avec un éclairage à LED et une signalisation soignée. - Cool Vintage, combines textured steel, plastic laminate walls, innovative LED lighting systems and an intuitive control panel.

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New KONE Lifts A Combination of Technology and Design A real forerunner in the realm of eco-efficiency and innovation, KONE – a leading player on the world lifts/escalators market has developed a range of cutting-edge lifts geared to energy-saving, smooth running, multi-awardwinning design and the optimum usage of space. The new range, designed to cover approximately 60% of the market for lifts, includes KONE MonoSpace®, a revolutionary lift design with no machine room aimed at global markets, and KONE MiniSpace™ with a smaller than usual machine room for the Asian market. Thanks to KONE EcoDisc®, a totally updated lifting mechanism based on a high-efficiency traction system and other cutting-edge standby solutions, the new KONE MonoSpace® lifts can guarantee energy savings of over 35% compared to the old KONE lift platform. Technological innovation moves hand-in-hand with KONE’s carefully targeted research aimed at offering the most up-to-date solutions in terms of aesthetics and design. The results have been internationally admired and acknowledged, winning a total of four red dot design awards. Based on a highly innovative concept, the KONE Design Collection has been created to make lifts more comfortable and pleasant to be in, thereby enhancing the aesthetics and communal premises of buildings. A modular lift cabin interiors system allows innovative materials with exclusive textures and decoration to be combined with 3-D effect models and unusual lighting solutions. Thanks to the wide range of choice between the six different design themes available, including over 52 cabin furbishing designs, this complete and highly varied collection meets all kinds of different needs in terms of style and settings. Moreover, the innovative KONE Car Design tool makes it possible to integrate the wide range of materials available with various different lighting systems and accessories to create customised interiors perfectly in line with a building’s architecture. 7 7-12) Cool Vintage, associa acciaio lavorato, pareti in laminato plastico, innovativi sistemi di illuminazione LED e segnalazioni intuitive. - Cool Vintage, associe l’acier texturé et les matériaux de paroi en stratifié avec un éclairage à LED et une signalisation soignée. - Cool Vintage, combines textured steel, plastic laminate walls, innovative LED lighting systems and an intuitive control panel. 8) Nouveau Glamour, l’acciaio satinato, specchiato o con innovative finiture in vetro stampato 3D si combina alla pavimentazione in granito naturale e all’illuminazione a muro. - Nouveau Glamour, l’acier inoxydable brossé, le poli miroir, ou les finitions imprimées en verre 3D s’harmonisent au sol en pierre et à l’éclairage mural. - Nouveau Glamour, brushed steel, reflective steel or printed 3-D glass finishes fit in perfectly with natural stone flooring and wall lighting. 9) Bottoniera personalizzata. - Signalisation personnalisée. - Customised control panel. 10) Classic Chic, design moderno e minerale che coniuga le finiture di parete in laminato, vetro e acciaio satinato a motivi con una pavimentazione in granito ricomposto. - Classic Chic, design moderne et minéral qui marie les finitions de paroi en stratifié à motifs, en verre ou en acier inoxydable avec un sol en pierre naturelle. - Classic Chic, modern mineral design combining wall finishes in laminate, glass and stainless steel with natural stone flooring. 11) New Luxury, ricchezza di motivi e texture combinati a contrasti eleganti quali l’acciaio satinato o specchiato, il legno laminato e il vetro colorato. - New Luxury, richesse des motifs et textures combiné à des contrastes élégants, de l’acier brossé ou poli miroir au stratifié bois ou verre coloré. - New Luxury, a wide palette of patterns and textures combined with elegant contrasts, such as brushed or reflective steel, laminated wood and coloured glass. 12) Classic Chic, design moderno e minerale che coniuga le finiture di parete in laminato, vetro e acciaio satinato a motivi con una pavimentazione in granito ricomposto. - Classic Chic, design moderne et minéral qui marie les finitions de paroi en stratifié à motifs, en verre ou en acier inoxydable avec un sol en pierre naturelle. - Classic Chic, modern mineral design combining wall finishes in laminate, glass and stainless steel with natural stone flooring.

Nuovi strumenti per la progettazione: tutte le App per iPad su KONE.it (KONE Car Designer, KONE iBook ecc.)

Nuoveaux outils pour la conception : toutes les Apps pour iPad sur KONE.it (KONE Car Designer, KONE iBook etc.)

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New tools for designing : all the Apps for iPad at KONE.it (KONE Car Designer, KONE iBook, etc.)

KONE S.p.A. Via Figino, 41 20016 Pero (MI) Tel. +39 02 33923.1 Fax +39 02 33923.654 www.kone.it

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CREAD Fondée en 1972 et dirigée depuis 2006 par Patricia Lasserre et Christian Lasserre, l’école privée d’enseignement supérieur CREAD est une réalité dynamique et en développement perpétuel, axée sur les domaines de l’architecture d’intérieur et du design. L’école se compose de deux activités principales : - L’Institut CREAD, école d’enseignement supérieur privé qui forme les étudiants aux métiers de l’architecture d’intérieur et du Design Global Environnemental. La formation en 4 ans permet aux étudiants d’accéder au titre d’Architecte d’Intérieur certifié niveau II. L’équilibre entre les compétences techniques et le développement de la créativité, l’acquisition de savoirs et du savoir-faire, mais aussi la capacité à travailler en harmonie avec l’environnement, sont les objectifs des enseignements et des programmes de l’Institut ; - CREAD PRO, créé en 2007, est un centre de formation continue de courte durée pour les professionnels de l’architecture, l’architecture d’intérieur ainsi que les professionnels du design et de la décoration. L’objectif : faire évoluer la palette de formation des participants en fonction des besoins et des évolutions du marché. Créé en 2012, CREAD évolution Agence Tremplin est un nouveau pôle d’accompagnement au projet qui guide les agences, les entreprises dans leurs projets, et répond à leur surcroît d’activité. Elles peuvent bénéficier du savoir-faire d’une équipe d’experts du Design Global Environnemental et des jeunes talents de demain sortant de l’institut CREAD.

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Fondata nel 1972 e diretta dal 2006 da Patricia Lasserre e Christian Lasserre, la scuola privata d’insegnamento superiore CREAD è una realtà dinamica e in continuo sviluppo, specializzata in materia di architettura d’interni e design. La scuola è formata da due entità principali: - L’Istituto CREAD, scuola d’insegnamento superiore privato che prepara alle professioni di architettura d’interni e di Design Global Environnemental. La formazione di 4 anni permette agli studenti ottenere il titolo d’Architetto d’interni certificato livello II. L’equilibrio tra le competenze tecniche e lo sviluppo della creatività, l’acquisizione dei know-how professionale, ma anche la capacità di lavorare nel rispetto dell’ambiente, sono gli obiettivi degli insegnamenti e dei programmi dell’istituto; - CREAD PRO, dal 2007 è un centro di formazione continua di breve durata per i professionisti dell’architettura, del design e degli interni. L’obiettivo è sviluppare le diverse competenze dei partecipanti in base alle esigenze e all’evoluzione dei mercati. Fondata nel 2012, CREAD évolution Agence Tremplin è un nuovo polo d’accompagnamento al progetto che guida gli studi professionali e le aziende nei loro progetti in risposta allo sviluppo della loro attività. Essi possono beneficiare delle competenze di un’équipe di esperti del Design Global Environnemental e di giovani talenti di domani provenienti dall’istituto CREAD. CREAD private high school, founded in 1972 and run by Patricia Lasserre and Christian Lasserre since 2006, is a dynamic and constantly evolving facility specialising in interior architecture and design. The school is composed of two main entities: - The CREAD Institute, a private high school teaching interior architecture and Design Global Environnemental. The four-year teaching course qualifies students level II certified architects. The balance between technical skills and enhanced creativity, the learning of professional know-how, as well as the ability to work on an eco-friendly basis, are targets of the institute’s teaching programme and syllabus; - CREAD PRO, created in 2007, is a further education facility offering short courses for professionals working in the field of architecture, interior architecture and design. The aim is to develop the various skills required by people on the course in accordance with their personal needs and market developments. Created in 2012, CREAD évolution Agence Tremplin is a new facility designed to help professional firms and other companies to develop their own projects. They can take advantage of the skills offered by a team of experts in Design Global Environnemental and talented young people coming from the CREAD Institute.

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1-2-3) Maison passive Bois /Paille : Design Global environnemental (agence Tremplin Cread Evolution) 4) Echange international pédagogique, workshop à l’IAC de Barcelone : réalisation d’un prototype de fauteuil éch 1 /10 (étudiants de 1er année) 5-6-7) Réflexion globale sur l’Architecture Intérieure de l’école Cread pour son futur déménagement (étudiants de 4 ème année) 8-9) Réactualisation du concept d’un centre de remise en forme Elixia /Lyon. Identité visuelle et architecture commerciale réalisée (étudiants de 3ème année de Cread)

www.cread.fr

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THE DIGITAL INNOVATION CONGRESS TO DESIGN & PRESERVE THE WORLD

preview, © Cyril Lagel, GraphicObsession. Organisation SAFI, a subsidiary of Ateliers d’Art de France and Reed Expositions France. Tel. +33 (0)1 76 21 18 39. maison-objet@badgeonline.net

Home influences 18-22 JAN. 2013 PARIS NORD VILLEPINTE www.maison-objet.com The show for home-fashion Trade only. Saloni Internazionali Francesi Mme Patrizia Ferrandi Tel : +39 02 43 43 531 info@salonifrancesi.it

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Artiste plurim édias, Adel Abd essemed utilise vidéo, performa avec sin nce, sculpture ngul ulaarit ritéé ou ner son univer s à la fois cathar animaux vivants pou ur déc déclliitique et désesp est celui d’u n spectateur éré. Son on mo onde désabusé ma contemporain is lucide du . L’avenir s’annon u mo mon nde nde ce sombre, de peut-être déjà ce sombre qui celui du présen Vue de la faç est ade côté sud vaut reg t. Nulle illusio arder le mal en n à se faire, mie Calées sur la lign face, droit dan ux e horizontale peut servir, sug s les yeux. À existants, les gère Adel Abd deux parties de des chéneaux cela, l’art essemed. l’établissem sont clair

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« JE SUIS UN HOMM E D’IMA LES MOTS VIENNEN GES, T AP JE NE TRAVAILLE QU RÈS. ’AVEC LA TENSION ET MON MO TEUR EST LE DÉSESPOIR. »

2- Exit, 2007 11 néons jaun es 23,5 x 34,9 cm chacun Détail © Adel Abde ssemed, ADAG P Paris, 2012 Courtesy de l'artiste et de Davi Zwirner, New d York/London

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La revue internationale d’architecture, design et communication visuelle La rivista internazionale di architettura, design e comunicazione visiva The international magazine of architecture, design and visual communication

Novembre-Décembre/Novembre-Dicembre/November-December 109 2012

Contenuti Sommaire Summary

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L’antiarchitettura a Venezia Anti-architecture à Venise Anti-architecture in Venise

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EDITORIALE/EDITORIAL/EDITOR’S TEXT

Cesare M. Casati

02 MONITOR EXPO 2015

PROJECTS Gran Casino Costa Brava, Lloret de Mar, Spain b720 Fermín Vázquez Arquitectos

60 The London Bridge/Shard Tower, UK

Michele Bazan Giordano

Renzo Piano Building Workshop

06

68

DOMANI È IERI DEMAIN C’EST HIER TOMORROW IS YESTERDAY

12

CASO DI STUDIO/CAS D’ETUDE/CASE STUDY

Studio Fuksas Lycée Hôtelier Georges-Frêche, Montpellier, France

Villa “ La Menaluna ”, Finale Ligure, Italy Viviana Riccato with Studio Riccato/Virano and LVM Studio Associato

76 Glass House for Diver, Etajima-shi, Hiroshima, Japan Tetsuya Nakazono/naf architect & design, Sojo University

Joseph di Pasquale

22

82

Biennale Internazionale di Architettura di Venezia 2012

Alluminio: una storia naturale e artificiale Aluminium : une histoire naturelle et artificielle Aluminium: a natural and artificial history

FORUM

Maurizio Vogliazzo, Luigi Prestinenza Puglisi, Luca Zevi

28

PROVA D’AUTORE PREUVE D’AUTEUR AUTHOR’S ESSAY

Architecture forgiven by nature Gianni Pettena

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ARTS

Arte e Architettura Art et Architecture Art and Architecture Maurizio Vitta

Cover Junkspace (Rem Koolhaas, 2006)

DESIGN

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DESIGN COMPILATION

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AGENDA EXPOSITIONS EXHIBITIONS

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CRONACA DELLA CITTÀ CHRONIQUE DE LA VILLE CITY CHRONICLE

InfrastructURBAN® AUFO - Architectural & Urban Forum Lorenzo Degli Esposti

ÊTES-VOUS PRÊT À CHANGER ? NOUS AVONS TOUT RENVERSÉ. NOUS VOUS ÉTONNERONS ABONNEZ-VOUS La revue internationale d’architecture, design et communication visuelle La rivista internazionale di architettura, design e comunicazione visiva The international magazine of architecture, design and visual communication

L’ANTIARCHITETTURA A VENEZIA

ANTI-ARCHITECTURE À VENISE

ANTI-ARCHITECTURE IN VENISE

Ogni due anni, alla fine di agosto, si inaugura a Venezia la Biennale di Architettura. Unica grande manifestazione al mondo dedicata unicamente all’Architettura e sostenuta dallo Stato italiano con aiuti esterni di sponsor illuminati. Evento importante, perché organizzato in una città che è essa stessa sinonimo di architettura e perché, almeno in Europa, è ancora l’unica mostra dedicata al grande pubblico, che dovrebbe far conoscere biennalmente il punto di qualità e di innovazione che la realizzazione e il progetto di architettura hanno raggiunto nel mondo. Purtroppo anche quest’anno a Venezia, secondo la mia opinione, hanno inspiegabilmente prevalso mediocrità e provincialità, che ancora una volta hanno portato la Fondazione Biennale a nominare un direttore architetto, e per giunta straniero, senza tenere conto di meriti e competenze specifiche nell’organizzare grandi eventi internazionali. Come del resto è avvenuto nelle edizioni precedenti. Dico provincialità nella considerazione che la mostra è organizzata con denaro pubblico italiano, che l’Italia è famosa per la qualità dei suoi esperti di regia e di organizzazione di grandi mostre da sempre, e che scegliere un italiano per rappresentare la nostra immagine e competenza culturale non dovrebbe essere difficile. Esemplare per italica provincialità, la conferenza stampa tenuta strettamente solo in lingua inglese, senza traduzione per il pubblico professionale, dove a nostro riscatto, sempre in inglese, Chipperfield ha citato una frase esemplare, non ricordo di chi: “Se l’architettura è la madre di tutte le arti, l’Italia è la madre della madre”. Insomma la mostra, che in questo numero sommariamente documentiamo con commenti di critici e di docenti, diretta David Chipperfield e intitolata “Common Ground”, nel suo insieme non riesce a dare alcun aiuto al pubblico per capire cosa sia veramente, e soprattutto oggi, l’architettura. Ancora una volta viene raccontata come un prodotto di oscuri laboratori mentali coinvolti dal carrierismo universitario o da situazioni sociali estreme, sempre senza proposte di soluzioni legate alle possibilità del mondo attuale, alle tecniche costruttive e non a teoremi linguistici del passato. Allestimenti banali e tradizionalmente ermetici, migliaia di fotografie su carta e migliaia di proiezioni con videoproiettori usati come nel passato, dando sequenze di immagini come fossero diapositive. E pensare che ormai vediamo anche le partite di calcio in 3D. Anche in questa edizione, come ho già segnalato, competenza e esperienza sono assenti, soprattutto nella scenografia degli allestimenti e nella comunicazione al pubblico. Viviamo un’epoca formidabile di globalizzazione nello sviluppo dei mezzi di comunicazione che la Biennale sembra ignorare esprimendosi proprio come trenta anni fa. Forse è questo l’elemento che rende evidente la mediocrità che pervade tutta la immensa mostra, Arsenale o Giardini che sia. Naturalmente e per fortuna ci sono delle eccezioni in pochi Paesi esteri dei Giardini, nel padiglione Italia e all’Arsenale, curato sapientemente da Luca Zevi, dove finalmente, con un buon allestimento, si spiega anche l’importanza della committenza e del contributo della ricerca di tecnologie e materia dato dalle industri italiane. Che l’architettura non sia solo il risultato del progetto estetico architettonico, ma che sia un insieme di competenze come le tecniche costruttive, la ricerca scientifica, la situazione socio culturale dei siti e la qualità della committenza, non dovrebbe essere un concetto molto arduo da comprendere, ma sembra ogni volta che per Venezia sia difficile. Aspettiamo la Biennale del 2014.

Fin août, tous les deux ans, on inaugure à Venise la Biennale d’Architecture, seule grande manifestation au monde consacrée uniquement à l’Architecture et soutenue par l’Etat italien avec l’aide extérieure de sponsors éclairés. Un évènement important, puisque organisé dans une ville qui est elle-même synonyme d’architecture et parce que, au moins en Europe, c’est la seule exposition consacrée au grand public qui devrait présenter, tous les deux ans, à quel point en sont dans le monde la qualité et l’innovation du projet en architecture. Malheureusement, selon moi, cette année encore à Venise, ce sont la médiocrité et le provincialisme qui ont prévalu et, encore une fois, inexplicablement amené la Fondation Biennale à nommer un directeur architecte, étranger par surcroît, sans tenir compte des mérites ni des compétences spécifiques pour organiser de grands évènements internationaux. Comme cela s’était d’ailleurs produit lors des éditions précédentes. Je dis provincialisme en considérant que cette exposition est organisée avec l’argent public italien, que l’Italie est célèbre pour la qualité de ses experts en mise en scène et en organisation de grandes expositions depuis toujours et que choisir un Italien pour représenter l’image et la compétence culturelle de l’Italie ne devrait pas être difficile. Exemplaire par son provincialisme “italique”, la conférence de presse tenue strictement en anglais, où Chipperfield a cité une phrase exemplaire, je ne me souviens plus de qui : “si l’architecture est la mère de tous les arts, l’Italie est la mère de la mère”. Bref, cette exposition, dirigée par David Chipperfield et intitulée “Common Ground”, et que nous documentons sommairement dans ce numéro par des commentaires de critiques et de professeurs, n’arrive pas, dans son ensemble, à apporter une aide au public pour comprendre ce qu’est vraiment l’architecture, surtout aujourd’hui. Une fois de plus, on la présente comme un produit d’obscurs laboratoires mentaux impliqués dans le carriérisme universitaire ou des situations sociales extrêmes, sans aucun proposition de solutions liées aux possibilités du monde actuel, aux techniques de construction et non pas à des théorèmes linguistiques du passé. Des aménagements banals et traditionnellement hermétiques, des milliers de photos et des milliers de projections au moyen de vidéoprojecteurs utilisés comme par le passé offrant des séquences d’images comme si c’étaient des diapositives. Et penser que nous voyons même les matchs de football en 3D ! Dans cette édition, comme je l’ai déjà signalé, compétence et expérience sont également absentes, surtout dans la scénographie des espaces et la communication au public. Nous vivons une époque formidable de mondialisation dans le développement des moyens de communication que la Biennale semble ignorer, s’exprimant exactement comme il y a trente ans. Peut-être est-ce là l’élément qui rend évidente la médiocrité qui imprègne cette immense exposition, que ce soit à l’Arsenale ou aux Giardini. Naturellement, et heureusement, il y a des exceptions dans quelques pays étrangers aux Giardini et dans le Pavillon d’Italie à l’Arsenale, dont Luca Zevi est le commissaire éclairé ; avec un bon aménagement, on y explique enfin l’importance du maître d’ouvrage et de la contribution apportée par la recherche de technologies et de matériaux, offerte par les industries italiennes. Le fait que l’architecture n’est pas seulement le résultat d’un projet esthétique architectural mais un ensemble de compétences, telles que les techniques de construction, la recherche scientifique, la situation socioculturelle des sites et la qualité des maîtres d’ouvrage, ne devrait pas être un concept si difficile à comprendre mais il semble que chaque fois pour Venise, il le soit. Attendons la Biennale de 2014.

The Venice Biennial of architecture opens every two years at the end of August. This is the world’s only major exhibition devoted uniquely to architecture, with the backing of the Italian government and outside aid from enlightened sponsors. An important event because it takes place in a city which is, itself, synonymous with architecture and also because, at least in Europe, it is still the only public exhibition designed to take stock every two years of the very best in terms of quality and innovation that architectural design and construction has to offer around the world. Unfortunately, in my opinion, once again this year mediocrity and provincialism holds sway here in Venice, as the Biennial Foundation has yet again appointed an architect-director (moreover, a foreigner) without taking into account specific merits and expertise in terms of organising major international events. Something which, of course, has already happened at previous editions. I say provincialism due to the fact that the exhibition has been organised using Italian public funding and Italy has always been famous for the calibre of its experts in directing and organising major exhibitions, and so it should not have been difficult to appoint an Italian to represent our nation’s cultural image and expertise. The press conference held in English only was exemplary of this provincialism I was referring to. Again in English, Chipperfield made an exemplary quote from somebody whose name I cannot remember, “if architecture is the mother of all the arts, then Italy is the mother’s mother”. The exhibition, directed by David Chipperfield and entitled “Common Ground”, which we will be commenting on briefly through the words of critics and other experts, does not, overall, manage to help the general public in any way to understand what architecture is really like and all about at the moment. Once again it is described like the product of some obscure mental workings influenced by such matters as university career-making and extreme social situations, without ever offering any ideas connected with the real possibilities offered by the modern-day world and the latest construction techniques, rather than linguistic theories of the past. Bland and conventionally hermetic installations, thousands of photographs on paper and thousands of slides using the kind of old-fashioned projectors for creating sequences of images like slideshows. And to think that we can now even watch football matches in 3D. As I have already mentioned, this year’s edition is particular lacking in terms of expertise and experience, notably in the set design of the installations and means of communication to the general public. We are living in an incredible period of globalisation in the development of new means of communication, which the Biennial appears to be completely oblivious to, expressing itself the same way it did 30 years ago. This is, perhaps, the thing that really highlights the mediocrity pervading this vast exhibition, both in the Arsenal and Gardens. Fortunately there are, of course, some exceptions from just a few foreign countries out in the Gardens and the Italian Pavilion in the Arsenal, cleverly curated by Luca Zevi. A fine installation, which also explains the importance of patronage and the contribution of research into technology and materials provided by Italian industries. It should not be very difficult to comprehend that architecture is not just the result of aesthetic architectural design, but the product of an array of skills such as building techniques, scientific research, the social and cultural situation of building sites, and the quality of clients, but this always seems the Venice Biennial always finds it hard to understand. We now eagerly await the 2014 Biennial.

EDITORIALE / EDITORIAL / EDITOR’S TEXT

Cesare Maria Casati l’AI 109 1

MONITOR Michele Bazan Giordano

EXPO 2015

Uomini in mare

Immaginiamo Expo 2015 come una nave il giorno del varo (6 aprile 2008) con le autorità festanti per la vittoria sulla concorrente, la turca Izmir (Smirne). L’ex sindaco Letizia Moratti, artefice dell’operazione, è l’armatrice. Paolo Glisenti, suo braccio destro, ex manager Montedison, comanda l’imbarcazione, certo che potrà navigare in acque serene. In breve, recluterà un equipaggio di tutto rispetto: architetti del calibro di Jacques Herzog, Richard Burdett, Joan Busquets, William McDonough, Stefano Boeri. Sul tavolo della plancia di comando c’è, infatti, solo un generico masterplan (redatto dallo studio 5+1AA) che era stato utilizzato per battere i turchi, mentre adesso urge un progetto ricco di contenuti. Il tema è poco milanese (Nutrire il pianeta, energia per la vita), ma allettante. Nel frattempo, il centrodestra trionfa alle elezioni. E le acque cominciano ad agitarsi. Gli altri soggetti coinvolti reclamano un CdA allargato e si fanno duri gli scontri anche all’interno dello stesso schieramento della Moratti. Il governo crea il Cipem (Comitato di indirizzo e programmazione Expo, un organo a base di ministri e amministratori locali), ma, poco dopo, come il dottor Frankenstein, il legislatore dichiara “un mostro giuridico” la propria creatura. Il Bie (Bureau international des expositions) comincia a 2 l’AI 109

spazientirsi (siamo già a fine 2008) così, finalmente, si dà vita alla società Expo 2015 SpA. Glisenti è l’AD in pectore, ma al Ministero del Tesoro paiono troppo alti i compensi dei consiglieri (tanto che Glisenti rinuncia agli emolumenti fino al 31 marzo 2009). “Secondo il conferimento d’incarico firmato il 20 luglio del 2006”, scrive la giornalista de “La Repubblica” Alessia Gallione nell’imperdibile Dossier Expo (Edizioni Bur, 2012), “Glisenti sarebbe stato pagato 900 euro lordi per ogni giorno di lavoro di almeno cinque ore con un tetto massimo di 165 mila euro all’anno”. Ma “il 16 febbraio 2009 in un vertice ad Arcore (residenza del Primo Ministro) si decide la prima rivoluzione per la società di gestione… Per sbloccare la macchina organizzativa ed evitare un ‘commissariamento’ da parte di Roma, il sindaco (Letizia Moratti) rinuncia al suo braccio destro. A guidare la SpA sarà l’ex ministro Lucio Stanca” con uno stipendio di “300 mila euro (330 mila con il compenso di consigliere), più 150 mila euro in base ai risultati”. E così (2009) Glisenti finisce fuoribordo. Uomo in mare numero uno. Nel settembre dello stesso anno gli architetti incaricati presentano i risultati del proprio lavoro: il Concept Plan ovvero un Orto botanico planetario, isola all’interno di un canale navigabile; architettura bio-soft

e padiglioni “viventi” con lotti di terra a disposizione delle variegate filosofie di coltivazione, in linea con il tema dell’alimentazione. Il 24 giugno 2010, però, finisce fuoribordo anche Stanca, assediato dalle polemiche sul suo doppio incarico di onorevole in Parlamento e commander in chief di Expo, e dalle restrizioni di poteri e di finanziamenti da parte del governo. Uomo in mare due. È sostituito dal manager Telecom Giuseppe Sala, attuale amministratore delegato di Expo che può contare su un compenso di “270 mila euro lordi fissi e un massimo di 130 mila variabili”, ricorda Gallione. Nel novembre 2011 si tufferà anche Boeri. Uomo in mare tre. Expo “nuova formula” boccia, infatti, e definitivamente, l’ipotesi del suo Orto planetario. I visitatori vogliono ipertecnologia, non orti, affermano i nuovi capi che promuovono, in alternativa, una vaga Smart City, per ora solo una scarna planimetria. Il primo Paese a candidarsi è la Svizzera e, per un bel po’, resta sola. Una delle ultime, la Germania. Le adesioni sono, a oggi, oltre 100, il che non significa ancora progetti... Più nebbioso il Padiglione Italia: doveva occuparsene Luigi Roth, uomo vicino a Formigoni, ex presidente della Fondazione Fiera Milano, ma, il 25 giugno 2012, anche lui si lancia fuori bordo:

“Non c’erano le condizioni”, scrive. E, da noi interpellato, preferisce il silenzio: “Io non ho nulla a che fare con Expo”. Uomo in mare quattro. Ora del Padiglione Italia è responsabile la manager del farmaco Diana Bracco che di Expo è anche presidente. In realtà, lungo la rotta, sono finite in mare decine di altri collaboratori… Finalmente, il 3 agosto 2011, dopo tre anni, tre mesi e tre giorni dalla Grande Festa per la vittoria su Izmir, si parte con il primo cantiere per i lavori per la realizzazione della agognata piastra di Rho-Fiera, nord ovest di Milano, area prescelta per Expo. Un’area di proprietà (in gran parte) di Fondazione Fiera Milano e Belgioiosa Srl, della famiglia Cabassi, che solo dopo estenuanti tira e molla fra enti locali (comodato o acquisto?) viene acquisita da Arexpo, società creata ad hoc (Comune di Milano e Regione più Fiera) per quasi 50 milioni di euro. Il primo approccio alle gare, però, non è incoraggiante: Cmc di Ravenna vince con un massimo ribasso del 42,83% (su un valore di 90 milioni di euro) e la Procura di Milano indaga Metropolitana Milanese (che gestisce l’appalto per Expo) per turbativa d’asta. Si tratta delle cosiddette “rimozioni delle interferenze”, cioè disboscamento. Qui, però, si tratta di “interferenze” delle mafie… I lavori verranno,

CLUSTER SPICES CASCINA TRIULZA

CHILDREN PARK

CLUSTER BIOMEDITERRANEUM LAKE ARENA

PALAZZO ITALIA

EXHIBITION ITALIA

CLUSTER ARID ZONES PLANET OF FOOD BIODIVERSITY

MEDIA CENTER CLUSTER LEGUMES, OIL SEEDS AND FRUITS

CIVIL SOCIETY

CLUSTER ISLANDS, SEA AND FOOD

EXPO CENTER

PASSERELLA EXPO FIERA SUSTAINABLE FOOD PAVILION

CLUSTER RICE

CLUSTER COFFEE

CLUSTER CEREALS AND TUBERS CONTEMPORARY ART INSTALLATIONS

PADIGLIONE ZERO

COLLINA MEDITERRANEA OPEN AIR THEATRE CLUSTER COCOA

infine, assegnati al consorzio veneto di imprese Mantovani. Per l’architettura, la formula più democratica di assegnazione dei progetti, il concorso di idee, Expo sembra disconoscerla: l’ha utilizzata soltanto per il logo. Eppure sarebbe stato un grande appuntamento internazionale con possibili contributi italiani e da tutto il mondo. I Paesi ospiti li bandiranno, invece, per i propri padiglioni? E Milano sarà pronta ad accogliere gli agognati 20 milioni di visitatori? E il dopo Expo? Solo una minima parte delle strutture espositive resteranno: 250 mila metri cubi circa su un milione e 200 mila. Infrastrutture come tangenziali, strade, percorsi d’acqua lungo i Navigli, nuove linee metropolitane, almeno per ora, restano solo allettanti idee. Ovvio che la crisi economica abbia scombussolato i programmi. Ma è pur vero che “in tre anni”, come scrive ancora Gallione, “e senza ancora aver praticamente iniziato a costruire niente, se ne sono andati anche più di 40 milioni di euro per la gestione”. La scarsa comunicazione con il pubblico ha fatto infine di Expo una sorta di casa dei misteri. Sulla home-page del sito ufficiale di Expo i giorni che mancano all’evento (900, 899, 898…) trascorrono minacciosi come sull’orologio di Jena Plissken in Fuga da New York di John Carpenter. Lui ce l’ha fatta.

FOOD IN ART

Hommes à la mer Imaginons Expo 2015 comme un navire le jour de son lancement (6 avril 2008) avec les autorités en fête en raison de la victoire remportée sur la concurrente turque Izmir (Smyrne). L’ancien maire Letizia Moratti, artisan de l’opération, en est “l’armatrice”. Paolo Glisenti, son bras droit, ancien manager Montedison, commande l’embarcation, sûr de pouvoir naviguer dans des eaux calmes. Bref, il recrutera un équipage tout à fait respectable : des architectes de l’envergure de Jacques Herzog, Richard Burdett, Joan Busquets, William McDonough et Stefano Boeri. En effet, sur la table, il y a seulement un plan d’ensemble générique (par 5+1 AA architectes) qui avait été utilisé pour battre les Turcs, tandis que maintenant c’est un projet riche de contenus qui est urgent. Le sujet est peu milanais (Nourrir la planète, énergie pour la vie), mais alléchant. Entre-temps, le centredroite triomphe aux élections. Et les eaux commencent à s’agiter. Les autres sujets réclament un CdA élargi et les affrontements deviennent violents même à l’intérieur de la coalition de Madame Moratti. Le gouvernement crée le Cipem (Comité d’orientation et de programmation Expo, un organisme formé de ministres et d’administrateurs

FUTURE FOOD DISTRICT

PASSERELLA EXPO CASCINA MERLATA

locaux) ; mais peu après, comme le docteur Frankenstein, le législateur déclare que sa créature est “un monstre juridique”. Le Bie (Bureau international des expositions) commence à s’impatienter (nous sommes déjà fin 2008) ; c’est ainsi que finalement on crée la société Expo 2015 Spa (Ministère de l’Economie et des Finances 40%, Municipalité de Milan et Région Lombardie 20% chacune, “Provincia” et Chambre de Commerce 10% chacune). Glisenti est l’administrateur délégué in pectore, mais au ministère du Trésor, les honoraires des conseillers semblent trop élevés (à tel point que Glisenti renonce à ses émoluments jusqu’au 31 mars 2009). “Selon l’attribution de la charge signée le 20 juillet 2006”, écrit la journaliste de “La Repubblica”, Alessia Gallione, dans l’incontournable Dossier Expo (Editeur Bur, 2012), “Glisenti aurait été payé 900 euros bruts pour chaque jour de travail d’au moins cinq heures avec un plafond maximal de 165 000 euros par an”. Mais “le 16 Février 2009, lors d’un sommet à Arcore (résidence du Premier Ministre), on décide la première révolution visant la société de gestion... Pour débloquer la machine organisatrice et éviter la désignation d’un commissaire gouvernemental de la part de Rome, le maire (Letizia Moratti) renonce à son bras droit. La société anonyme sera dirigée

par l’ancien ministre Lucio Stanca” avec un salaire de “300 000 euros (330 000 avec les honoraires de conseiller), plus 150 000 euros sur la base des résultats”. Et c’est ainsi que (2009) Glisenti finit hors-bord. Homme à la mer numéro un. En septembre de la même année, les architectes désignés présentent les résultats de leur travail : le Concept Plan, c’est-à-dire un jardin botanique planétaire, une île à l’intérieur d’un canal navigable ; une architecture biosoft et des pavillons “vivants” avec des lopins de terre à la disposition des différentes philosophies de culture, en ligne avec le thème de l’alimentation. Mais le 24 juin 2010, Stanca lui aussi finit ...hors-bord, assiégé par les polémiques sur sa double charge de parlementaire et commandant en chef d’Expo ainsi que par les restrictions de pouvoirs et de financements de la part du gouvernement. Homme à la mer numéro deux. Il est remplacé par le manager Telecom Giuseppe Sala, actuel administrateur délégué d’Expo, qui peut compter sur une rémunération de “270 000 euros bruts fixes et un maximum de 130 000 variables”, rappelle Gallione. En novembre 2011, Boeri plongera lui aussi. Homme à la mer numéro trois. Expo “nouvelle formule” rejette en effet, et définitivement, l’hypothèse de son jardin planétaire. Les visiteurs veulent de l’hypertechnologie l’AI 109 3

Men overboard

Preliminary rendering of Italian Pavilion.

et non des jardins, affirment les nouveaux chefs, préférant l’alternative d’une vague Smart City qui, pour le moment, n’est qu’une pauvre planimétrie. Le premier pays qui se porte candidat est la Suisse, qui reste seule pendant un long moment. Une des dernières est l’Allemagne. A l’heure actuelle, les adhésions sont plus de 100, ce qui ne signifie pas encore des projets... Plus nébuleux, le Pavillon d’Italie; c’est Luigi Roth, proche de Formigoni, ancien président de la Fondation Fiera Milano, qui devait s’en occuper mais, le 25 juin 2012, lui aussi se lance hors bord : “Les conditions manquaient”, écrit-il. Interpellé par nous, il préfère le silence : “Je n’ai rien à voir avec l’Expo”. Homme à la mer numéro quatre. Maintenant c’est la manager de l’industrie pharmacologique, Diana Bracco, également président d’Expo, qui est responsable du Pavillon d’Italie. En réalité, au long de la route, des dizaines d’autres collaborateurs finissent dans la mer… Enfin, le 3 août 2011, trois ans, trois mois et trois jours après la Grande Fête pour la victoire sur Izmir, c’est le départ du premier chantier de travaux pour la réalisation de la tant convoitée plaque de Rho-Fiera, au NordOuest de Milan, zone choisie pour l’Expo. Une zone appartenant (en grande partie) à la Fondation 4 l’AI 109

Fiera Milano et Belgioiosa Srl de la famille Cabassi qui, seulement après d’épuisantes tergiversations entre les organismes locaux (commodat ou achat ?), est achetée par Arexpo, société créée ad hoc (Municipalité et Région, plus la Foire) pour presque 50 millions d’euros. Toutefois, la première approche aux appels d’offres n’est pas encourageante : Cmc de Ravenne l’emporte avec un rabais maximal de 42,83% (sur une valeur de 90 millions d’euros) et le Parquet de Milan enquête Metropolitana Milanese (qui gère l’adjudication pour l’Expo) pour perturbation d’enchères. Il s’agit de ladite “élimination des interférences”. Mais ici il s’agit d’“interférences” de la mafia… Enfin les travaux seront attribués au consortium vénitien des entreprises Mantovani. Pour l’architecture, la formule la plus démocratique d’attribution des projets, le concours d’idées, Expo semble la méconnaître : elle ne l’a utilisée que pour le logo. Pourtant, cela eût été un grand rendez-vous international avec des contributions italiennes et provenant du monde entier. Les pays d’accueil les fourniront-ils, au moins pour leur propre pavillon ? Et Milan serat-elle prête à accueillir les 20 millions de visiteurs attendus ? Et l’après-Expo ? Seule une moindre partie des structures d’exposition restera : environ 250 000 mètres cubes sur un million 200 000.

Les infrastructures telles que des périphériques, des routes. des voies d’eau le long des Navilles, de nouvelles lignes de métro, ne sont que des idées alléchantes, du moins pour l’instant. Il est évident que la crise économique a bouleversé les programmes. Mais il est vrai “qu’en trois ans”, comme l’écrit encore Gallione, “et sans avoir pratiquement commencé à construire quelque chose, plus de 40 millions s’en sont allés pour la gestion”. La communication insuffisante avec le public a fini par faire de l’Expo une sorte de villa des mystères. A la page d’accueil du site officiel de l’Expo, les jours qui manquent à l’événement (900, 899, 898…) s’écoulent, menaçants, comme sur la montre de Jena Plissken dans Escape from New York de John Carpenter. Lui, il a réussi.

Let’s imagine Expo 2015 as if it were a ship on the day it is due to set sail (6th April 2008) with the local authorities celebrating its victory over its rival Turkish city of Izimir (Smirne). The former Lord Mayor, Letizia Moratti, the brains behind the operation, is the shipbuilder. Paolo Glisenti, her right arm and former manager at Montedison, is in charge of the vessel, certain he can sail it across calm waters. A fine crew is about to be assembled: architects of the calibre of Jacques Herzog, Richard Burdett, Joan Busquets, William McDonough and Stefano Boeri. There is just one generic master plan (designed by 5+1AA) on the table of the bridge, which had been used to beat the Turks, but a much more comprehensive project is now required. The topic is not very Milanese (Feed the planet, energy for life), but it is certainly intriguing. Meanwhile the centre/ right-wing coalition has just won the local elections. The waters suddenly start to get choppy. The other key players involved want a more extensive board of directors, and there are some real clashes even within Moratti’s own team. The government creates Cipem (Expo’s steering and planning committee, an organisation composed of ministers and local administrators), but shortly afterwards, just like Dr Frankenstein, the legislator announces he has created his own “jurisdicial monster”. The BIE (Bureau international des expositions ) is starting to lose patience (it is already late 2008) so, at last, Expo 2015 SpA is finally set up (Ministry of the Economy and Finances 40%, City of Milan and Lombardy Region 20% each, Provincial Council and Chamber of Commerce 10% each). Glisenti is appointed as the Managing Director in pectore, but the councillors appear to be overpaid in the Treasury’s eyes (so much so that Glisenti forfeits any salary until 31st March 2009). According to the contract signed on 20th July 2006”, so the journalist Alessia Gallione writes in the must-read Dossier Expo (Bur editions, 2012) published in “La Reppublica” newspaper, “Glisenti was paid €900 gross per every day’s work of at least five hours for a maximum of €165,000 a year”. But “on 16th February 2009 the first revolution in the management company was announced at a summit meeting

The Expo 2015 area.

held in Arcore (the residence of Prime Minister) on 16th February 2009… To get the organisational machinery running and prevent Rome from taking control, the Lady Mayor (Letizia Moratti) decided to part company with her right hand man. Former minister, Mr Lucio Stanca, was next appointed to run the company for a sum of €300,000 (€330,000 in total if we include his salary as an advisor), plus an extra €150,000 depending on the results he achieved”. And so (2009) Glisenti ends up overboard. The first man to end up overboard. In September of the same year the architects commissioned to carry out the project present the results of their work: a Concept Plan or, in other words, a planetary Botanical Garden, an island inside a navigable canal; bio-soft architecture and “living” pavilions with plots of land available for various different farming philosophies, in accordance with the main theme of food. Nevertheless, Stanca also ends up overboard on 24th June 2010 following all the polemics surrounding his two separate posts as a member of Parliament and Expo’s commander-inchief, and certain restrictions on authority and financing imposed by the government. Second man overboard. He is replaced by the Telecom manager, Giuseppe Sala, Expo’s current managing director,

who can count on a salary of “€270,000 gross and a maximum of €130,000 extra”, so Gallione tells us. In November 2011 Boeri also ends up in the water. Man overboard number three. The latest “Expo setup” decides the Planetary Botanical Garden is a bad idea. Visitors want hyper-technology not orchards, so the new bosses claim, putting forward the alternative of a rather vague Smart City, for the time being just a rather scanty master plan. The first country to apply to take part is Switzerland and for a while it is the only applicant. One of the latest adherents is Germany. So far over 100 nations have applied to take part, but that does not mean yet they have actually put forward their projects…. The Italian Pavilion is more hazy: Luigi Roth, a close friend of Formigoni and former President of the Milan Trade Fair Foundation, was supposed to be handling it, but he also jumped overboard on 25th June 2012: “The conditions weren’t right”, so he wrote. And when we tried to speak to him he preferred to remain silent: “I have nothing to do with Expo”. Man overboard number four. The Italian Pavilion is now in the hands of the manager of Diana Bracco, a manager in the pharmaceuticals industry, who is also the President of Expo. In actual fact, literally dozens

of other people working on the project have ended up in the sea along the way… Finally, on 3rd August 2011, three years, three months and three days after the great celebrations for the victory over Izmir, building work finally began on constructing the Rho-Fiera platform in the north west of Milan, the area chosen for hosting the Expo. An area (mainly) owned by the Fondazione Fiera Milano (Milan Trade Fair Foundation) belonging to the Cabassi family, which, after endless to-ing and fro-ing between local bodies (loan or purchase?), was finally purchased by Arexpo, a specially set-up company (Milano City Council and regional Council plus Trade fair) at a cost of almost €50 million. The initial approach to the tenders is not, however, very promising: Cmc from Ravenna made the lowest bid (42.83% lower than the actual value of €90 million) and the Milan city magistrates began investigating into Metropolitana Milanese (in charge of handling the Expo tender) for bid-rigging. The problem is so-called “removing interferences” only in this case the interfering is from the mafias…. The works were eventually commissioned to the Venetian business consortium Mantovani. Regarding architecture, Expo seem to be oblivious to the most democratic method of awarding

tenders, ideas competitions: it only adopted this approach for the logo. This would have been a great opportunity to draw in both Italian contributions and input from all over the world to this major international event. But will the gust nations be organising tenders for their pavilions? And will Milan be ready to handle the expected 20 million visitors? And what about after the Expo? Only a small part of the exhibition facilities will remain: about 250,000 m³ out of a total of 1,200,000. Infrastructures like highways, roads, waterways along the canals and new underground railway lines remain, for the time being at least, just captivating ideas. Of course the economic downturn, particularly after the financial collapse in 2008, has really disrupted planning. And yet it is also true that “in three years”, as Gallione once again writes, “and without having even started any of the building work proper, running costs have already amounted to over €40 million”. The lack of any effective communication with the general public has, in fact, turned the Expo into a sort of mystery. According to the homepage of the official Expo site, the number of days to the event (900, 899, 898…) are being counted down on Jena Plissken’s watch from the film Escape from New York by John Carpenter. He managed it in the end. l’AI 109 5

L’avenir appartient à ceux qui croient en la beauté de leurs propres rêves. Il futuro appartiene a coloro che credono nella bellezza dei propri sogni. The future belongs to those who believe in the beauty of their dreams. Eleanor Roosevelt

DEMAIN C’EST HIER / DOMANI È IERI / TOMORROW IS YESTERDAY 6 l’AI 109

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2 The Jacques Rougerie Foundation Awards are handed out each year to the most innovative ideas in the realms of the oceans and space. The 2011 edition prizes went to “Enercité” (1)by Camille Benoit and Bastiaan Vermonden, a positive energy city on water based around the well-being of its users and construction rationalism; “Apogeïos” (2)by Olivier Boisard and Pierre Marx, a concept for a spatial city that can accommodate 10,000 inhabitants using extra-terrestrial resources; and “Bamb’Loon” (3) by Yannick Legogeais, a house made of bamboo and fabric fibres, which is self-sufficient in terms of energy and provides shelter in case of natural disasters.

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PRIX FONDATION JACQUES ROUGERIE www.fondation-jacques-rougerie.com

Les prix de la Fondation Jacques Rougerie récompensent chaque année les projets les plus innovants dans les univers de l’océan et de l’espace. L’édition 2011 a attribué trois prix aux projets “Enercité” (1) de Camille Benoit et Bastiaan Vermonden, une ville à énergie positive sur l’eau axée sur le bien-être de l’usager et la rationalité constructive ; “Apogeïos” (2) de Olivier Boisard et Pierre Marx, concept de ville spatiale qui peut accueillir 10 000 habitants exploitant des ressources extraterrestres ; et “Bamb’Loon” (3) de Yannick Legogeais, maison en bambou et fibres tressées, autonome en énergie, qui offre une protection en cas de catastrophes naturelles. I premi della Fondation Jacques Rougerie ricompensano ogni anno le proposte più innovative negli universi dell’oceano e dello spazio. L’edizione 2011 ha attribuito tre premi ai progetti “Enercité” (1) di Camille Benoit e Bastiaan Vermonden, una città a energia positiva sull’acqua basata sul benessere dei fruitori e la razionalità costruttiva; “Apogeïos” (2) di Olivier Boisard e Pierre Marx, concetto di città spaziale che può ospitare 10.000 abitanti sfruttando delle risorse extraterrestri; “Bamb’Loon” (3) di Yannick Legogeais, casa in bamboo e fibre tessute, autonoma in energia, che offre una protezione in caso di catastrofi naturali. l’AI 109 7

The Russian company Orbital Technologies will build, launch and operate the Commercial Space Station as the first human spaceflight platform in low Earth orbit. The CSS will be able to accommodate several diverse industry functions that have been identified through years of research, operational experience and requests that have been made by the enterprise strategic partners, such as enabling space-based microgravity research and product development or acting as a backup and emergency safe haven for the International Space Station and its crew.

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COMMERCIAL SPACE STATION ORBITAL TECHNOLOGIES http://orbitaltechnologies.ru/en/home.html

La société russe Orbital Technologies construira, lancera et gérera la Station Spatiale Commerciale, première plate-forme pour vols spatiaux humains en basse orbite. La station sera en mesure d’assurer différentes fonctions industrielles qui ont été identifiées au cours d’années de recherche, d’expériences opérationnelles et de demandes venues de personnes stratégiques de l’entreprise, comme par exemple effectuer des recherches sur la microgravité dans l’espace ou le dévloppement de produits ; elle pourra également faire office de backup et de port d’urgence pour la Station Spatiale Internationale et son équipage. La società russa Orbital Technologies costruirà, lancerà e gestirà la Stazione Spaziale Commerciale, la prima piattaforma per voli spaziali umani in orbita bassa. La Stazione sarà in grado di svolgere varie funzioni industriali, identificate in anni di ricerca, esperienze operative e richieste di persone strategiche dell’impresa, come per esempio condurre ricerche sulla microgravità nello spazio o sviluppo di prodotti, e potrà anche fungere da backup e porto di emergenza per la Stazione Spaziale Internazionale e il suo equipaggio.

One of numerous amazing proposals for the new Taipei City Museum of Art, Kengo Kuma + Associates’ unique design is wrapped in a wavy steel mesh that incorporates all of the best in sustainable technology. In addition to an insulating green roof, EFTE cushions, and energy-efficient LEDs, this funky art museum, Called the Green Cell, is powered by building integrated solarpanels. Principally a cultural hub, this building is also a mixed-use development complete with retail facilities that creates a bridge to the nearby train station and cable car.

NEW TAIPEI CITY MUSEUM Kengo Kuma + Associates http://kkaa.co.jp

Parmi les nombreuses propositions séduisantes pour le nouveau Musée d’art à Taipei, le projet singulier de Kengo + Kuma Associates est enveloppé d’un grillage ondulé en acier qui incorpore toutes les meilleures technologies durables. A part le fait d’avoir une couverture verte isolante, des coussins EFTE et un système de LED énergétiquement efficace, ce curieux musée, dénommé “Green Cell”, est alimenté par des panneaux solaires intégrés. L’édifice, qui est principalement un centre culturel, est également un complexe à usage mixte, avec des espaces commerciaux créant un lien avec les gares proches du chemin de fer et du funiculaire. Tra le numerose affascinanti proposte per il nuovo Museo d’Arte a Taipei, il singolare progetto di Kengo + Kuma Associates è avvolto da una rete ondulata di acciaio che incorpora tutte le migliori tecnologie sostenibili. Oltre ad avere una copertura verde isolante, cuscini netti indi EFTE e un sistema di LED energeticamente efficiente, questo curioso museo, denominato “Green Cell”, è alimentato da pannelli solari integrati. L’edificio, principalmente un centro culturale, è anche un complesso a uso misto, con spazi commerciali che creano il collegamento con le vicine stazione ferroviaria e della funivia.

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Anders Berensson and Ulf Mejergren investigated the possibilities of a densification of inner Stockholm to solve the lack of housing that the city suffers from. Stockholm consists chiefly of blocks with inner courtyards, that are not used to their full potential, and it is here that the solution lies. They simply propose to change the planning regulations for the courtyards to allow a no limit height experimentation. Spröjs Castle can combine different modular towers into a magnum opus with various layout possibilities for the castle.

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SPRÖJS CASTLE, STOCKHOLM visiondivision www.visiondivision.com

Anders Berensson et Ulf Mejergren ont fait une recherche sur les possibilités d’une densification du centre d Stockholm pour résoudre le problème du manque de logements dont souffre la ville. Stockholm est essentiellement formé d’îlots avec des cours intérieures, dony le potentiel n’est pas utilisé. Comme solution, les architectes proposent de changer les règles de planification des cours afin de permettre une expérimentation sans limites de hauteur. Le Château Spröjs peut associer différentes tours modulaires en une seule grande structure. Il y a de nombreuses possibilités de tracé du château qui présente tous des avantages différents. Anders Berensson e Ulf Mejergren hanno indagato le possibilità di una densificazione del centro di Stoccolma per risolvere la carenza di alloggi di cui la città soffre. Stoccolma è costituita essenzialmente di isolati con cortili interni, che non sono sfruttati per il loro potenziale. I progettisti propongono di cambiare le regole di pianificazione per i cortili per consentire una sperimentazione senza limiti altezza. Il Castello Spröjs rende possibile combinare diverse torri modulari in un’unica grande struttura con diverse possibilità di layout del castello.

Turbine Bridge on the Amstel River is a connection between the traditional bridge and a hydroelectric power station. The rotating turbine is powered by river current and generates electricity. The bridge is self-sufficient and accumulates energy for additional needs. Moving facade creates dynamic, living architecture creating a multifunctional space. Curved shape of the blades makes that water flows back to the river after emersion. Plant rooms, turbine engines and storage are located underneath the deck.

TURBINE BRIDGE, AMSTERDAM DWAWU Architects - Adam Wiercinski/ Borys Wrzeszcz www.dwawu.com, www.evolo.us

Le Turbine Bridge sur l’Amstel unit le pont traditionnel et une centrale hydroélectrique. La turbine pivotante est alimentée par le courant du fleuve et produit de l’électricité. Le pont est autosuffisant et accumule de l’énergie pour des exigences ultérieures. La façade en mouvement détermine une architecture dynamique et vibrante, et crée un espace multifonctionnel. La forme courbe des lames fait en sorte que l’eau retombe dans le fleuve. Les salles techniques, les moteurs à turbine et la zone de stockage se trouvent sous la surface praticable du pont. Il Turbine Bridge sul fiume Amstel costituisce l’unione tra il ponte tradizionale e una centrale idroelettrica. La turbina rotante è alimentata dalla corrente del fiume e genera elettricità. Il ponte è auto-sufficiente e accumula energia per ulteriori esigenze. La facciata in movimento determina un’architettura dinamica e vibrante e crea uno spazio multifunzionale. La forma curva delle lame fa sì che l’acqua rifluisca al fiume dopo emersione. I locali tecnici, i motori a turbina e l’area di stoccaggio si trovano sotto il piano calpestabile del ponte.

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“Senza dubbio la lettura di una pianta dice molto... ma non abbraccia tutta l’architettura, anzi la spoglia del suo fondamentale privilegio, che è quello di possedere uno spazio completo, e non soltanto come oggetto massiccio, ma come stampo cavo che impone alle tre dimensioni un valore nuovo...”

“Sans doute la lecture d’un plan dit beaucoup ... mais n’étreint pas toute l’architecture, elle la dépouille de son privilège fondamental qui est de posséder un espace complet, et non seulement comme un objet massif, mais comme un moule creux qui impose aux trois dimensions une valeur nouvelle...” “Studying the plan undoubtedly tells us a lot…. but it does not embrace the whole of architecture, indeed it deprives it of its fundamental privilege, which is that of possessing a complete space, and not only as a solid object but also as a hollow mould that instils new value on the three-dimensions…” Henri Focillon, Le vie des formes , Paris, 1934 14 l’AI 109

Joseph di Pasquale

CASO STUDIO CAS D’ETUDE CASE STUDY

FUKSAS LYCEE HOTELIER GEORGES FRECHE MONTPELLIER VISIONI DALLA CITTA’ FLUIDA VISIONS DE LA VILLE FLUIDE VISIONS FROM THE FLUID CITY

Credits Architectonic Project: Massimiliano e Doriana Fuksas Interior Design: Consultants: Fuksas Design Altia – acoustic Project Team (building site study; Neveuxphase): Damon Belusco (project Rouyer – landscaping; leader), Michele D’Arcangelo, Alma Consulting – kitchen Nicola Cabiati (model), Ana Gaucic Client: Région Languedoc(interiors) Roussillon Engineering: Iosis Delegated Client: Artistic Interventions: Matali Crasset Languedoc-Roussillon Aménagement Main Contractors: GFC – structure; Photos: Moreno Maggi SMAC – facades; Barsalou – frameworks

bella era pianta era io: se la e s e h c ar a E’ il contr ier dicev Le Corbus edificio, non è così. ta è bella. ian e l’ bello anch llo allora anche la p e b è io tait bon, l’edific i un plan é pas ainsi. s e u q it a n’est ier dis Le Corbus i était bon, mais ce on, le plan alors s s u s a ice e t b l’édifice e: si l’édif ir a r t n o c C’est le g plan i aussi . he buildin t est bon lu if t a h t not o say ier used t oo. That is Le Corbus an the building is t if the building is ul th round: is beautif osite way is too. p p o e h t true. It is n the building plan the beautiful

Joseph di Pasquale - La cosa che mi interessa PDJJLRUPHQWHLQTXHVWRHGLÀFLRqODYLVLRQHXUEDQD costituita dall’incrocio a “Y” al centro del progetto. Come LQDOFXQLHSLVRGLFKLDYHGHOODVWRULDGHOO·DUFKLWHWWXUDTXHVWR SURJHWWRVHPEUDDQWLFLSDUHODFLWWjFKHSRWUHPPRYHGHUHQHOIXWXUR Massimiliano Fuksas -ODFLWWjÁXLGD,QIDWWL 'DGRYHKDFRPLQFLDWRDSHQVDUHTXHVWRHGLÀFLR" /·HGLÀFLRqDLPDUJLQLGLXQTXDUWLHUHPDqLQVHULWRLQXQTXDUWLHUH&·HUDGDXQDSDUWH XQWHVVXWRFKHVLVYLOXSSDLQPRGRRUWRJRQDOHHGDOO·DOWURF·HUDXQRVSD]LRDSHUWR1RQ YROHYRIDUHXQXQLFRHGLÀFLR+RYROXWRVFRPSRUUHOHIXQ]LRQLGDQGRDGRJQLVLQJRODSDUWH XQUXRORSHUULSURGXUUHXQSH]]RGLFLWWjHDQFKHOHDWWLYLWjFKHIDQQRVRQRXQDSDUWHGHOOD FLWWjDGHVHPSLRLOULVWRUDQWHRSSXUHO·DOEHUJRGRYHF·qODKDOOSHUIDUHODVFXRODVRQRSDUWL GLXQFRPSOHVVRXUEDQR HLOSURJUDPPD" ,OSURJUDPPDDOODPLDHWjqXQLQFLGHQWHGLSHUFRUVR/DFRVDSULQFLSDOHqFKHWXGHYLVHPSUH SHQVDUHDFKLYLYUjGHQWURDFLzFKHVWDLGLVHJQDQGRFKHQRQqPDLXQIDWWRLQGLYLGXDOHROHJDWR DGHOOHVSHFLÀFKHSHUVRQH ODGHPDJRJLDGHOUDSSRUWRFRQLIXWXULXWLOL]]DWRUL 8QDYROWDXQDUDJD]]DPLKDIDWWRXQDGRPDQGDLQJHQXDLQXQDFRQIHUHQ]DVWDPSDD0RVFD ´PDTXDQGROHLSURJHWWDXQ·RSHUDFKLHGHDJOLXWLOL]]DWRULFKHFRVDGHVLGHUDQR"µ,RFUHGRFKH TXHVWDVLDXQDFRVDFKHQHVVXQDUFKLWHWWRDQFKHLQEXRQDIHGHKDPDLSRWXWRIDUHUHDOPHQWH 0DFRPHIDL"'RYUHVWLSDUODUHFRQWXWWLJOLVWXGHQWLFKHQRQVDLQHPPHQRDQFRUDFKLVRQR &RPHIXWXULFKHIDOPDVVLPRPLDYUHEEHURFKLHVWRXQDFXFLQDSLJUDQGH0DLRO·KR IDWWDHQRUPHPDQRQKRDYXWRELVRJQRGLLQWHUURJDUOLVHPSOLFHPHQWHYROHYRIDUOLVWDUH PHJOLR IDUVWDUPHJOLROHSHUVRQH %DVWDYLYHUHLQVLHPHDJOLDOWULDYHUHJOLRFFKLHQRQLVRODUVLGDOPRQGR6HWXVHL SDUWHGHOPRQGRODSULPDFRVDVHQRQVHLXQDUFKLWHWWRLQGHJQRGLTXHVWRQRPH GHYLFHUFDUHGLFDSLUHSURIRQGDPHQWHFRPHVLSXzIDUVHQWLUHPHJOLROHSHUVRQH FKHYLYUDQQRQHLWXRLVSD]L7XWWRLOUHVWRIDSDUWHGLTXHOODUHWRULFDFKHDGHVVRYD GLPRGDHFKHqTXHOODFKHVLYHGHDOODELHQQDOHDWWXDOPHQWHLQFRUVRGRYHWXWWR qÀQWRWXWWRTXHOORFKHYLHQHPRVWUDWRQRQqYHURHIDSDUWHGLXQDHQRUPH PLVWLÀFD]LRQH,RVRQRVWDQFRGLTXHVWHPLVWLÀFD]LRQL6WDPDWWLQDOHJJHYRXQ DUWLFRORLQFXL'H\DQ6XGMLFFLWDYDODPLDELHQQDOHGHO´OHVVDHVWKHWLF PRUHHWKLFVµGLFHQGRFKHIRUVHVRORRJJLVLFDSLVFRQROHUDJLRQLGLTXHO WLWROR ODIDFFLDWD 3RLVHF·qODFRVLGGHWWD´IDFFLDWDµOD´SHOOHµFKHKDXQVLJQLÀFDWR LPSRUWDQWHLQTXHVWRSURJHWWRSHUFKpDFFHQWXDLOIDWWRFKHO·HGLÀFLR QRQDEELDXQSXQWRGLDSSURGRDOORVJXDUGRHFKHULPDQGLVHPSUH GDXQ·DOWUDSDUWH/DUDJLRQHSHUFXL9HQH]LDqVWUDRUGLQDULDq SHUFKpqFRVWUXLWDLQPRGRTXDVLHOOLWWLFRF·qXQVLQXVRLGHFKH ULPDQGDVHPSUHORVJXDUGRGDXQ·DOWUDSDUWHLQTXHVWRPRGR VHPEUDLPPHQVDPDVHODYHGLGDOO·DOWRqPLFURVFRSLFD OHYDWRLO&DQDO*UDQGHHOD*LXGHFFDHLO%DFLQRGL6DQ 0DUFRULPDQHEHQSRFDFRVDPDTXHVWDPDJLDGL ULPDQGDUHVHPSUHORVJXDUGRDOWURYHHUDO·DVSHWWRFKH PLLQWHUHVVDYDLQTXHVWRSURJHWWRSHUFKpHVVRGHYH SHUPHWWHUHDOORVJXDUGRXQDYLVLRQHPROWHSOLFH 14 l’AI 109

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,QTXHVWRHGLĂ&#x20AC;FLRGL0RQWSHOOLHUF¡qORVYLOXSSRGLXQVXRFRQFHWWRPROWRLPSRUWDQWHFKHqTXHOORGHO FRQIRQGHUHIDFFLDWDWHWWRLQWUDGRVVRLQXQXQLFRHOHPHQWR4XDQGRqLQL]LDWDTXHVWDVXDULFHUFD" SĂŹ, è cosĂŹ, non volevo che si distinguesse il sopra dal sotto e il dentro dal fuori. Questa ricerca è iniziata negli anni Settanta quando facevo il palazzo dello sport ad Anagni in cui ho iniziato a usare forme piĂš FRPSOHVVHSHUFKpSHQVDYRFKHHUDĂ&#x20AC;QLWDO¡HSRFDGHOODSLDQWDHGHLSURVSHWWL/H&RUEXVLHUGLFHYDFKH VHODSLDQWDHUDEHOODDQFKHO¡HGLĂ&#x20AC;FLRHUDEHOOR1RQqFRVu(¡LOFRQWUDULRVHO¡HGLĂ&#x20AC;FLRqEHOORDOORUD DQFKHODSLDQWDqEHOOD1HOO¡LVRODWR6DLQW%HUQDUGDOOD%DVWLJOLDSHQVDWRQHOĂ&#x20AC;QDOPHQWHDYHYR annullato la differenza tra pianta, sezioni e prospetti e ottenni quella che si chiama la â&#x20AC;&#x153;quinta IDFFLDWDÂľ3HUPHODFRSHUWXUDRODIDFFLDWDRLOĂ&#x20AC;DQFRHUDWXWWRODVWHVVDFRVDWXWWLQDVFHYDQR dalla stessa generatrice, perchĂŠ anche quando qualcuno mi contesta che nessuno vedrĂ mai la FRSHUWXUDLRULVSRQGRFKHPDJDULQRQODYHGUDQQRJOLDOWULPDLRVRFKHF¡q 2JQLHGLĂ&#x20AC;FLRKDXQGHWWDJOLRFKLDYH4XDOqLOGHWWDJOLRSLLPSRUWDQWHGLTXHVWR HGLĂ&#x20AC;FLR" ,GHWWDJOLVLLQYHQWDQRVHQ]DGLUOR,RRGLRWXWWRTXHOORFKHqUHWRULFDGHOGHWWDJOLR&KL mi parla per ore di un dettaglio io lo odio perchĂŠ secondo me è una parte normale del lavoro. Il talento è sempre espressione di naturalezza, e quindi odio tutto quello che è stata la retorica degli ultimi venticinque anni in architettura. Il mito del dettaglio, LOPLWRGHOO¡DUFKLWHWWRDUWLJLDQRLOPLWRGHOO¡DUFKLWHWWRSHUVRQDSHUEHQHFKHSRL SHUEHQHQRQq In questo mi rifaccio a quelli che sono stati i miei maestri nella storia del-

ai la coedrĂ m nno v la i h ac dra o dice: m on la ve qualcun che magari n ci andrò mai. o d n a u â&#x20AC;ŚQ ondo e non ? Io risp anche s la pertura a io so che câ&#x20AC;&#x2122;è m ra Ă  voir gli altri i arrive ne la veru q is a n dit: m ue les autres existe quelquâ&#x20AC;&#x2122;u e sq â&#x20AC;Ś Quand e? Je rĂŠpond oi je sais quâ&#x20AC;&#x2122;ell r m u t is r a e v m u co pas ut-ĂŞtre ill ront pe nâ&#x20AC;&#x2122;irai jamais. body w i je that no may e m meme s o t ut ple points o her peo omeone I reply that ot there even s n e h â&#x20AC;ŚW of, it is I know e the ro ever se to see it but re. ble he not be a never go up t ll Iâ&#x20AC;&#x2122; h g u o th

O¡DU chitettura che si alzavano la mattina lavoravano e la sera andavano a cena o a mangiare, conosciuti dai potenti, ma loro magari i potenti non li conoscevano. VLSXzFRVWUXLUHWXWWR IDFHQGRFRVHVWUDRUGLQDULH ULVSHWWDQGRLFRVWLHOD FRPPLWWHQ]D Perciò non mi va di spiegare nulla, nemmeno questo progetto, nemmeno la nuvola, nemmeno che ho lavorato per venticinque anni intorno ai frattali su geometrie piĂš complesse FKHRJJLVHPEUDQRQDWXUDOLHFKHSRLKR realizzato. Quello che ho sempre cercato di far capire è che si può costruire tutto, facendo architetture straordinarie, restando nei costi e rispettando la committenza. ,OFKLORPHWURHVHLFHQWRPHWULGHOODĂ&#x20AC;HUDGL 0LODQRO¡KRFRVWUXLWRHUHDOL]]DWRLQPHVLH O¡HVHFXWLYRO¡DEELDPRIDWWRLQWUHPHVLLQGRGLFL SHUVRQHSHUFXLTXHVWDJUDQGHPLWRORJLDFKHV¡q FUHDWDLQWRUQRDOO¡DUFKLWHWWRqXQDJUDQGHVFLRFFKH]]D esiste solo il lavoro vero e credo che prima o poi saremo tutti costretti a tornare a quello che io per fortuna ho sempre rispettato molto.

-RVHSKGL3DVTXDOH²Ce qui mâ&#x20AC;&#x2122;intĂŠresse GDYDQWDJHGDQVFHWpGLĂ&#x20AC;FHF¡HVWODYLVLRQXUEDLQH FRQVWLWXpHSDUOHFURLVHPHQWHQ´<ÂľDXFHQWUHGX SURMHW &RPPHGDQVFHUWDLQVpSLVRGHVFOpVGHO¡KLVWRLUHGH O¡DUFKLWHFWXUHFHSURMHWVHPEOHDQWLFLSHUODYLOOHTXHQRXV SRXUULRQVYRLUjO¡DYHQLU 0DVVLPLOLDQR)XNVDV_ODYLOOHĂ XLGH(QHIIHW

'¡RHVWSDUWLYRWUHSURMHWSRXUFHWpGLĂ&#x20AC;FH"'XSURJUDPPHGX FRQWH[WHUDFRQWH]OHQRXV /¡pGLĂ&#x20AC;FHHVWHQERUGXUHG¡XQTXDUWLHUPDLVLOHVWLQWpJUpGDQVXQ TXDUWLHU'¡XQF{WpLO\DYDLWXQWLVVXTXLVHGpYHORSSHGHIDoRQ RUWKRJRQDOHHWGHO¡DXWUHLO\DYDLWXQHVSDFHRXYHUW&HTXHMHQ¡DLSDV YRXOXIDLUHF¡HVWXQVHXOpGLĂ&#x20AC;FH -¡DLYRXOXGpFRPSRVHUOHVIRQFWLRQVGRQQDQWjFKDTXHSDUWLHXQU{OHSRXU UHSURGXLUHXQPRUFHDXGHYLOOHDLQVLTXHOHVDFWLYLWpVTXLV¡\GpURXOHQWSDU H[HPSOHOHUHVWDXUDQWRXO¡K{WHORLO\DXQKDOOSRXU\LQVWDOOHUXQHpFROHFH VRQWGHVSDUWLHVG¡XQFRPSOH[HXUEDLQ lâ&#x20AC;&#x2122;AI 109 17

â&#x20AC;Śet le programme ? A mon âge, le programme est un incident de parcours. Le principal, câ&#x20AC;&#x2122;est quâ&#x20AC;&#x2122;on doit toujours penser Ă ceux qui vivront dans ce quâ&#x20AC;&#x2122;on est en train de dessiner, qui nâ&#x20AC;&#x2122;est jamais un fait individuel, liĂŠ Ă  des SHUVRQQHVVSpFLĂ&#x20AC;TXHV ...la dĂŠmagogie du rapport avec les futurs utilisateursâ&#x20AC;Ś 8QHIRLVXQHMHXQHĂ&#x20AC;OOHP¡DSRVpXQHTXHVWLRQLQJpQXHORUV dâ&#x20AC;&#x2122;une confĂŠrence de presse Ă  Moscou : â&#x20AC;&#x153;mais quand vous crĂŠez un ouvrage, est-ce que vous demandez aux utilisateurs ce quâ&#x20AC;&#x2122;ils dĂŠsirent?â&#x20AC;?. Je crois que câ&#x20AC;&#x2122;est quelque chose quâ&#x20AC;&#x2122;aucun architecte, mĂŞme en bonne foi, nâ&#x20AC;&#x2122;a jamais pu faire rĂŠellement. Mais comment fait-on? On devrait parler avec tous les ĂŠtudiants quâ&#x20AC;&#x2122;on ne connait pas encore. Comme futurs chefs, ils mâ&#x20AC;&#x2122;auraient peut-ĂŞtre demandĂŠ une cuisine plus grande : mais je lâ&#x20AC;&#x2122;ai crĂŠĂŠe immense sans les interroger car je voulais tout simplement les faire vivre mieux. ... faire vivre mieux les gens... ,OVXIĂ&#x20AC;WGHYLYUHDYHFOHVDXWUHVDYRLUGHV\HX[HWQHSDVV¡LVROHU du monde. Si on fait partie du monde, en premier lieu, si on nâ&#x20AC;&#x2122;est SDVXQDUFKLWHFWHLQGLJQHGHFHQRPRQGRLWHVVD\HUGHFRPSUHQGUH profondĂŠment comment on peut mieux faire en sorte que les gens TXLYLYURQWGDQVQRVHVSDFHVV¡\VHQWHQWELHQ Tout le reste fait partie de la rhĂŠtorique qui est Ă  la mode maintenant, celle quâ&#x20AC;&#x2122;on voit Ă  la Biennale actuellement en cours, oĂš tout est faux, tout ce qui est montrĂŠ nâ&#x20AC;&#x2122;est pas vrai et fait partie dâ&#x20AC;&#x2122;une ĂŠnorme P\VWLĂ&#x20AC;FDWLRQ-HVXLVODVGHFHVP\VWLĂ&#x20AC;FDWLRQV$XMRXUG¡KXLM¡DLOX XQDUWLFOHGH'H\DQ6XGMLFTXLUDSSHODQWPDBiennale de 2000 â&#x20AC;&#x153;less aesthetics, more ethicsâ&#x20AC;?, disait que ce nâ&#x20AC;&#x2122;est quâ&#x20AC;&#x2122;aujourdâ&#x20AC;&#x2122;hui quâ&#x20AC;&#x2122;on en comprend les raisons. ... la façade... (QVXLWHLO\DODVRLGLVDQW´IDoDGHÂľOD´SHDXÂľTXLDXQH VLJQLĂ&#x20AC;FDWLRQLPSRUWDQWHGDQVFHSURMHWFDUHOOHDFFHQWXHOHIDLW TXHO¡pGLĂ&#x20AC;FHQ¡DSDVGHSRLQWGHUHSqUHSRXUOHUHJDUGTX¡LO renaĂŽt toujours dâ&#x20AC;&#x2122;un autre cĂ´tĂŠ. La raison pour laquelle Venise est H[WUDRUGLQDLUHF¡HVWSDUFHTX¡HOOHHVWFRQVWUXLWHGHIDoRQSUHVTXH HOOLSWLTXHLO\DXQHVLQXVRwGHTXLUHQYRLHWRXMRXUVOHUHJDUGG¡XQ autre cĂ´tĂŠ. Elle semble immense mais, si on la voit dâ&#x20AC;&#x2122;en haut, elle est microscopique ; si on ĂŠlimine le Grand Canal, la Giudecca et le %DVVLQGH6DQ0DUFRLOUHVWHSHXGHFKRVHFHWWHPDJLHGHUHQYR\HU toujours le regard ailleurs câ&#x20AC;&#x2122;ĂŠtait ce qui mâ&#x20AC;&#x2122;intĂŠressait dans ce projet, parce quâ&#x20AC;&#x2122;il doit offrir au regard une vision multiple. 'DQVFHWpGLĂ&#x20AC;FHGH0RQWSHOOLHULO\DOHGpYHORSSHPHQWG¡XQGH YRVSULQFLSHVWUqVLPSRUWDQWVTXLHVWFHOXLGHFRQIRQGUHODIDoDGH OHWRLWO¡LQWUDGRVHQXQVHXOpOpPHQW4XDQGYRWUHUHFKHUFKHDW elle commencĂŠ ? 2XLF¡HVWFRPPHoDMHQHYRXODLVSDVTXHO¡RQGLVWLQJXHOHKDXWGX bas et lâ&#x20AC;&#x2122;intĂŠrieur de lâ&#x20AC;&#x2122;extĂŠrieur. Cette recherche a commencĂŠ dans les annĂŠes soixante-dix, quand je construisais le palais du sport Ă  Anagni pour lequel jâ&#x20AC;&#x2122;ai commencĂŠ Ă  utiliser des formes plus complexes car MHSHQVDLVTXHO¡pSRTXHGXSODQHWGHVSHUVSHFWLYHVpWDLWĂ&#x20AC;QLH/H &RUEXVLHUGLVDLWTXHVLOHSODQpWDLWEHDXO¡pGLĂ&#x20AC;FHpWDLWpJDOHPHQW EHDX,OQ¡HQHVWSDVDLQVL&¡HVWOHFRQWUDLUHVLO¡pGLĂ&#x20AC;FHHVW beau, alors le plan est ĂŠgalement beau. Dans lâ&#x20AC;&#x2122;ĂŽlot Saint %HUQDUGjOD%DVWLOOHj3DULVFRQoXHQ M¡DYDLVHQĂ&#x20AC;Q

A sinistra: schizzo e sezione del Centro sportivo di Anagni, 1979-1986. A destra: IlĂ´t de Candie, Paris, 1995. 1HOODSDJLQDDĂ&#x20AC;DQFRLOSRQWHWUDLGXHEORFFKLD0RQWSHOOLHU

­JDXFKHFURTXLVHWVHFWLRQGX&HQWUHVSRUWLIGŇ&#x2039;$JQDQL 1979-1986. Ă&#x20AC; droite : IlĂ´t de Candie, Paris, 1995. &LFRQWUHOHSRQWHQWUHGHX[EORFVj0RQWSHOOLHU /HIWVNHWFKDQGVHFWLRQRI$QDJQL6SRUWV&HQWUH 1986.Right: IlĂ´t de Candie, Paris, 1995. Opposite page: the EULGKHOLQNLQJWKHWZREORFNVLQ0RQWSHOOLHU

annulé la différence entre plans, coupes et perspectives, obtenant ce qu’on appelle la “cinquième façade”. Pour moi, la couverture ou la façade ou le ÁDQFF·pWDLWWRXMRXUVODPrPHFKRVHWRXWSURYHQDLWGHODPrPHJpQpUDWULFH (WTXDQGTXHOTX·XQFRQWHVWHTXHSHUVRQQHQHYRLWMDPDLVODFRXYHUWXUHMH UpSRQGVTXHSHXWrWUHOHVDXWUHVQHODYHUURQWSDVPDLVPRLMHVDLVTX·HOOHH[LVWH

Anamorfo si: t piante, fac otale identità tra ciate e co perture. Anamorph ose entre plan : identité parfaite s, façades et couver tures. Anamorph osis plans, faca : total identity amo ng des, and r oof.

&KDTXHpGLÀFHDXQGpWDLOFOp4XHOHVWOHGpWDLOOHSOXVLPSRUWDQWGHFHW pGLÀFH /HVGpWDLOVV·LQYHQWHQWVDQVOHGLUH-HGpWHVWHWRXWFHTXLHVWUKpWRULTXHGXGpWDLO &HX[TXLPHSDUOHQWG·XQGpWDLOSHQGDQWGHVKHXUHVMHOHVGpWHVWHFDUG·DSUqV PRLF·HVWXQHSDUWLHQRUPDOHGHO·RXYUDJH/HWDOHQWHVWO·H[SUHVVLRQGXQDWXUHO MHGpWHVWHWRXWFHTXLDpWpODUKpWRULTXHGHVYLQJWFLQTGHUQLqUHVDQQpHVHQ DUFKLWHFWXUH/HP\WKHGXGpWDLOOHP\WKHGHO·DUFKLWHFWHDUWLVDQOHP\WKHGH O·DUFKLWHFWHFRPPHKRPPHELHQPDLVTXLQHO·HVWSDV (QFHODMHP·LQVSLUHGHFHX[TXLRQWpWpPHVPDvWUHVHQKLVWRLUHGH O·DUFKLWHFWXUHTXLVHOHYDLHQWOHPDWLQWUDYDLOODLHQWHWOHVRLUDOODLHQWGvQHU RXVLPSOHPHQWPDQJHUFRQQXVGHVSXLVVDQWVPDLVTXHFHX[FLSHXWrWUH ne les connaissaient pas. RQSHXWWRXWFRQVWUXLUHIDLVDQWGHVFKRVHVH[WUDRUGLQDLUHVHQ UHVSHFWDQWOHVFR€WVHWOHVPDvWUHVG·RXYUDJH« &·HVWSRXUTXRLMHQHYHX[ULHQH[SOLTXHUPrPHSDVFHSURMHWPrPH SDVOHQXDJHPrPHSDVTXHM·DLWUDYDLOOpSHQGDQWYLQJWFLQTDQV VXUOHVIUDFWDOHVHWVXUGHVJpRPpWULHVSOXVFRPSOH[HVTXLVHPEOHQW QDWXUHOOHVDXMRXUG·KXLHWTXHM·DLUpDOLVpHVSDUODVXLWH &HTXHM·DLWRXMRXUVHVVD\pGHIDLUHFRPSUHQGUHF·HVWTX·RQ SHXWWRXWFRQVWUXLUHIDLVDQWGHVDUFKLWHFWXUHVH[WUDRUGLQDLUHVHQ UHVSHFWDQWOHVFR€WVHWOHVPDvWUHVG·RXYUDJH /HNLORPqWUHVL[FHQWVGHOD)RLUHGH0LODQMHO·DLFRQVWUXLWHW UpDOLVpHQPRLVHWO·H[pFXWLIQRXVO·DYRQVIDLWHQWURLVPRLV DYHFGRX]HSHUVRQQHVFHTXLIDLWTXHWRXWHFHWWHP\WKRORJLH TXLV·HVWFUppHDXWRXUGHO·DUFKLWHFWHHVWXQJUDQGEOXII LOQ·H[LVWHTXHOHYUDLWUDYDLOHWMHFURLVTXHW{WRXWDUG QRXVVHURQVWRXVREOLJpVGHUHYHQLUjFHTXHM·DLWRXMRXUV EHDXFRXSUHVSHFWpIRUWKHXUHXVHPHQW -RVHSKGL3DVTXDOH7KHWKLQJWKDWPRVWLQWHUHVWV PHDERXWWKLVEXLOGLQJLVWKHXUEDQYLVLRQFUHDWHG E\WKH´<µVKDSHGLQWHUVHFWLRQLQWKHPLGGOHRIWKH SURMHFW$VZLWKFHUWDLQRWKHUNH\HSLVRGHVLQWKH KLVWRU\RIDUFKLWHFWXUHDSUHÀJXUDWLRQRIKRZWKH FLW\RIWKHIXWXUHPLJKWEHLQIXWXUH« 0DVVLPLOLDQR)XNVDV _ WKHÁXLGFLW\7KDW·VULJKW :KDWZDVWKHEDVLVRI\RXUGHVLJQWKLQNLQJIRUWKLV SURMHFW" 7KHEXLOGLQJLVRQWKHRXWVNLUWVRIDQHLJKERXUKRRG WKDWLVDOVRLQFRUSRUDWHGLQDQHLJKERXUKRRG2QRQH KDQGLWZDVSDUWRIDKRUL]RQWDOO\GHYHORSHGSLHFHRI XUEDQIDEULFDQGRQWKHRWKHUWKHUHZDVDQRSHQVSDFH :KDW,GLGQRWZDQWWRGRRIFRXUVHZDVWRFUHDWHRQH VLQJOHEXLOGLQJ,ZDQWHGWREUHDNGRZQWKHYDULRXV IXQFWLRQVVRWKDWHDFKLQGLYLGXDOSDUWKDVLWVRZQUROH LQUHSURGXFLQJDIUDJPHQWRIWKHFLW\7KHDFWLYLWLHV WKH\DFFRPPRGDWHDUHIRUH[DPSOHSDUWRIWKHFLW\WKH UHVWDXUDQWRUWKHKRWHOZKHUHWKHKDOOIURPWKHVFKRROLV ORFDWHGDUHSDUWVRIDQXUEDQFRPSOH[ l’AI 109 19

actually microscopic. If you remove the Grand Canal, Giudecca and St. Markâ&#x20AC;&#x2122;s Basin there is not much else left, but this magical way of attracting our eyes elsewhere was the thing that interested me in this project, because it allows us to develop a multiple vision. And the program? At my age this program is like a mishap along the way. The main thing is that you must always consider who will actually be living in the place you are designing, which is never an individual PDWWHUFRQQHFWHGZLWKVSHFLĂ&#x20AC;FSHRSOH .. the demagogy associated with relations with future users.... 2QFHD\RXQJODG\DVNHGPHDUDWKHUQDLYHTXHVWLRQDWDSUHVV conference in Moscow: â&#x20AC;&#x153;When you design a building do you ask its users what they want?â&#x20AC;? I do not think that any architect can honestly say they have really been able to do that. What can you do? You would have to speak to those who will be attending the school in future and you do not even know who they are. Perhaps as chefs of the future they would have asked me to have a larger kitchen. So, I designed a huge oneâ&#x20AC;Ś no need to ask them, I just wanted them to feel more comfortableâ&#x20AC;Ś ... make people feel better... All you need is living together with others, keeping your eyes peeled and not FXWWLQJ\RXUVHOIRIIIURPWKHUHVWRIWKHZRUOG,I\RXDUHSDUWRIWKHZRUOGWKHĂ&#x20AC;UVW thing you really need to understand, provided you are not an architect unworthy of being called such, is how you can make the people who will be living in your spaces feel better. All the rest is connected with the kind of rhetoric that is now so in vogue and can currently be seen at the Biennial underway, where everything is fake, nothing on display is real and everything is part of a JLDQWSLHFHRIP\VWLĂ&#x20AC;FDWLRQ,¡PWLUHGRIWKHVHP\VWLĂ&#x20AC;FDWLRQV7RGD\,UHDG an article by Deyan Sudjic, who, ten years after his own Biennial, pointed out that back then there was a giant speculation bubble and that two years earlier I had organised a Biennial entitled â&#x20AC;&#x153;less aesthetics more ethicsâ&#x20AC;?, whose underlying reasons can only really be understood today. ... the facade... Then there is the so-called â&#x20AC;&#x153;facadeâ&#x20AC;?, the â&#x20AC;&#x153;skinâ&#x20AC;?, which plays an important part in this project, because it accentuates the fact that there not just one point of the building that catches the eye; there is always something else to be looked at. The reason why Venice is so extraordinary is because it is built in an almost elliptical fashion, there is a sinusoid constantly drawing our attention to somewhere else, in this way the city looks immense, but if you observe it from above it is

This building in Montpellier develops a concept you hold dear or, in other words, blending together the façade, roof and intrados to form one single feature. When did you begin this line of experimentation? Yes, that is right, I did not want the top to be distinguishable from the bottom or the inside from the outside. This line of research began in the 1970s, when I designed the sports arena in Anagni, where I began using more elaborate forms because I thought the age of plans and elevations was over. Le Corbusier used to say that if the building plan is beautiful than the building is too. That is not true. It is the opposite way round: if the building is beautiful then the building plan LVWRR,XVHG]LQFWLWDQLXPIRUWKHĂ&#x20AC;UVWWLPHRQWKHIDoDGHLQ the Saint Bernard neighbourhood of Bastiglia in Paris, which was usually only used for roofs. I designed that project in ,KDGĂ&#x20AC;QDOO\FDQFHOOHGRXWWKHGLIIHUHQFHEHWZHHQWKH plan, sections and elevations and obtained what is known as D´FXUWDLQIDFDGHÂľ6RIRUPHWKHURRIIDFDGHRUĂ DQNRID building are all the same thing, they are generated in the same way. This is a constant for me, because when someone points out to me that nobody will ever see the roof, I reply that other people may not be able to see it but I know it is there. Every building has its key detail, what is the most important of this building? You should invent details without mentioning them. I hate all that rhetoric of detail. I hate it when somebody talk for hours about some detail, because, in my opinion, it is just an ordinary part of work. Talent is an embodiment of naturalness, I hate all the rhetoric that has surrounded DUFKLWHFWXUHRYHUWKHODVWWZHQW\Ă&#x20AC;YH\HDUV7KHP\WKRI detail, the myth of the craftsman-architect, the myth of the respectable architect, who, in actual fact, never really is. In this respect I am rather like my maestros in the history of architecture, who used to get up in the morning and work and then have a meal or read something in the evening. Even though the rich and powerful new them, they probably did not know the rich and powerful. . ..anything can be built, achieving wonderful things, while keeping to budget and the clientâ&#x20AC;&#x2122;s requirements... So I really do not want to explain anything, not even this project, not even the cloud, not even the fact that I have worked around fractals on more complex geometric patterns IRUWZHQW\Ă&#x20AC;YH\HDUVVRWKH\VHHPTXLWHQDWXUDOQRZDQG, have managed to construct them. What I have always tried to point out is that it is possible to build anything, creating extraordinary works of architecture while keeping to budget DQGWKHFOLHQW¡VUHTXLUHPHQWV I built the 1600 metres of the Milan Trade Fair in just 26 months, and just three of us completed the executive project in three months, so this great myth that has grown up around WKHĂ&#x20AC;JXUHRIWKHDUFKLWHFWLVFRPSOHWHQRQVHQVHDOOWKDW matters is working properly and I believe that, sooner or later, we will all be forced to go back to what, fortunately, I have always respected very much. lâ&#x20AC;&#x2122;AI 109 21

BIENNALE DI VENEZIA 2012 13a Mostra Internazionale di Architettura

Grande crisi? Maurizio Vogliazzo Se la vera intenzione fosse stata davvero quella, perfida come non mai, va riconosciuto che la si sarebbe perfettamente realizzata: dopo aver visitato con grande scrupolo “Common Ground”, appena usciti dall’Arsenale si ha l’impressione di non avere visto nulla. Non ci si ricorda di niente. E’ la prima volta che succede, in ben tredici Biennali di Architettura: un risultato davvero notevole. Inutile ricercarne il perché con affilate riflessioni critiche sull’Attuale Grande Crisi o più in generale sulla debolezza di cui eventualmente soffrirebbe un generale Zeitgeist. Si tratta soltanto della totale assenza di un progetto curatoriale, visto che l’ottenimento di un istantaneo oblio non può dirsi tale (occorrerebbe, per questo, ben altra cattiveria e raffinatezza, e qui non ce ne è davvero la minima traccia). Tutto questo dispiace per una infinità di motivi. Non soltanto per il tedio inflitto a decine di migliaia di visitatori, o per la grave e sconsiderata dilapidazione di risorse. Per l’inevitabile ricaduta su standard culturali già piuttosto depressi, o per il cattivo esempio complessivamente fornito. Per l’occasione mancata, o per l’imperdonabile mauvais goût di tutto quanto, compreso il logo che richiama soltanto i piatti bianchi di ferro smaltato col bordo blu o le targhe delle toilette d’antan. Più egoisticamente dispiace molto perché non c’è più il terreno per discorsi possibili, niente motivi per polemizzare, nessuno 22 l’AI 109

stimolo per accapigliarsi in discussioni critiche. Insomma per andare avanti. In questo senso, tutte le edizioni precedenti, ora più ora meno, sono comunque sempre state utili. Nulla invece, come in questo caso, è peggio della mediocrità. Passare inosservati, senza per altro averne la minima intenzione, non ha niente da spartire con le virtù dell’understatement. In Common Ground viene anche compiuto un vero e proprio misfatto: l’azzeramento dell’allestimento. Un tempo onore e gloria dell’Italian Design nel mondo intero: in una Biennale veneziana non lo si dovrebbe dimenticare. Almeno per cortesia, oltre che per trarne lezioni oggi quanto mai utili. Nulla a che vedere con il baraccone pulp messo insieme da Urban Think-Tank, per questo anche incomprensibilmente premiati. Le sole tracce in qualche modo ancora rilevabili rimangono nella stanza del Kuwait, declinata con semplicità intelligente e abilmente evocativa, e nel Padiglione Italia, limitatamente però alla parte olivettiana, grazie al suo inscindibile imprinting. In qualche modo questo esprit de médiocrité, se così si può definire, trapela anche ai Giardini, dove però, grazie alla disposizione per padiglioni nazionali ciascuno curato in maniera abbastanza indipendente, è possibile imbattersi in qualche episodio interessante. Eccezion fatta per il Padiglione Centrale, sciatto e sconclusionato come non mai, insomma un look veramente “Common Ground”. D’altra parte non si deve dimenticare che, a sole due fermate di vaporetto di distanza, al Lido, attorno al vecchio Palazzo del Cinema in questi anni è accaduto e continua ad accadere ben di peggio. Ma con molte analogie profonde.

Grande crise? Maurizio Vogliazzo Si la véritable intention a vraiment été telle, il faut reconnaître qu’on l’a parfaitement réalisée : après avoir visité très scrupuleusement “Common Ground”, à peine sorti de l’Arsenal, on a l’impression de n’avoir rien vu. On ne se souvient de rien. C’est la première fois que cela arrive après bien treize Biennales d’architecture : un résultat tout à fait remarquable. Il est inutile d’en attribuer la cause, avec des réflexions critiques acérées, à la Grande Crise actuelle ou, plus généralement, à la faiblesse dont souffrirait un Zeitgeist. Il s’agit simplement d’une absence totale de plan d’organisation, d’où l’oubli instantané (il faudrait une cruauté et un raffinement tout autres pour y voir une telle volonté). Tout cela est regrettable pour une infinité de raisons. Non seulement pour l’ennui infligé à des dizaines de milliers de visiteurs ou pour le gaspillage inconsidéré de ressources ; pour sa retombée inévitable sur des standards culturels déjà plutôt déprimés ou pour le mauvais exemple fourni dans l’ensemble ; pour l’occasion manquée ou pour l’impardonnable mauvais goût de tout cela, y compris le logo qui rappelle seulement les assiettes blanches en fer émaillé à bord bleu ou les plaques des toilettes d’antan. D’un point de vue plus égoïste, cela est tout à fait regrettable, car il n’y a plus de terrain pour de possibles discours, plus de raisons pour polémiquer, plus de stimulus pour

s’empoigner lors de discussions critiques. Bref, pour aller de l’avant. Dans ce sens, toutes les éditions précédentes ont toujours été utiles, tantôt plus, tantôt moins. En revanche, rien, comme dans ce cas, n’est pire que la médiocrité. Le fait de passer inaperçu, sans en avoir la moindre intention, n’a rien à voir avec les vertus de l’understatement. Dans ce “Common Ground”, on accomplit également un véritable méfait, aménagement : degré zéro. On ne devrait pas oublier dans une Biennale vénitienne l’honneur et la gloire de l’Italian Design naguère reconnu dans le monde entier. Au moins par politesse, si ce n’est pour en tirer des leçons plus que jamais utiles à l’heure actuelle. Rien à voir avec la baraque foraine pulp qu’a réunie Urban Think-Tank qu’on a récompensé de façon incompréhensible. Les seules traces encore décelables en quelque sorte existent dans la salle du Kuwaït, qui se présente avec une simplicité intelligente et habilement évocatrice, ainsi que dans le Pavillon d’Italie, dans la partie “Olivetti” seulement, qui bénéficie de son irréfutable imprinting. En quelque sorte, cet esprit de médiocrité, si on peut le définir ainsi, transparaît également dans les “Giardini”, où cependant, grâce à la disposition par pavillons nationaux permettant à chacun de jouir d’une certaine liberté, il est possible de tomber sur quelques épisodes intéressants. Exception faite pour le Pavillon Central, inimaginablement négligé et incohérent, dont le look est pur “Common Ground”. Il ne faut pas oublier qu’au Lido, autour du vieux Palazzo del Cinema, ce qui s’est passé ces dernières années et continue à se passer est bien pire. Mais avec des profondes analogies.

Grand Crisis? Maurizio Vogliazzo If the intention really was as truly perfidious as it seems, then we need to admit that it was achieved to perfection: after very scrupulously visiting “Common Ground”, I got the impression upon leaving the Arsenal that I had not seen anything at all. Nothing stuck in my mind. This is the first time that has happened in 13 Biennials of Architecture: a truly remarkable achievement. There is no point in trying to decipher the reason why by making poignant critical reflections on the Current Grand Crisis or, more generally speaking, on the general weakness characterising our Zeitgeist. It was actually just a total lack of any curatorial project, since managing to create something instantly forgettable cannot be considered proper planning (it would take a quite different kind of nastiness and refinement to achieve this, and there is not the slightest trace of that here). All this is disappointing for an endless number of reasons. Not just because of the boredom inflicted on tens of thousands of visitors or for a seriously reckless wastage of resources. But also due to inevitable repercussions on cultural standards that are already rather low or the overall bad example being set. Not to mention the missed opportunity or the unforgivable bad taste of everything, even including the logo that actually calls to mind those enamelled iron white plates with blue rims or the plaques on oldfashioned toilets. On a more selfish note, it is very disappointing because it gives us nothing to talk about, no

reasons for polemics, no stimulus for getting involved in critical debate. In a nutshell, nothing to keep us going. In this sense, all the previous editions, more or less, where at least of some use. Nothing however, as in this case, is worse than mediocrity. Going unnoticed, without the slightest intention to do so, has nothing to do with the undoubted virtues of understatement. An authentic crime has also been committed at “Common Ground”: the cancelling out of any installation. Once the real pride of Italian design around the world: and this should never be forgotten at a Biennial in Venice. At least out of courtesy, as well as to provide some useful lessons. A quite different matter from the pulp shack up put together by Urban Think-Tank, inexplicably awarded a prize for some reason. The only (in some sense) notable traces were in the Kuwait room, designed with intelligent simplicity and cleverly evocative, and also in the Italian Pavilion, but only the Olivetti section, thanks to its indelible imprinting. In some sense this spirit of mediocrity, if it might be described as such, also emerges in the Gardens, where, however, thanks to the layout of the national pavilions, each handled on a relatively independent basis, you can at least come across the odd interesting display. This does not apply to the Central Pavilion, more slovenly and scrappy than ever, indeed it really does look like Common Ground. Come to think of it, we should not forget that just a couple of boat stops away at the Lido, around the old Palazzo del Cinema, much worse things have gone on and are continuing to go on. Although, in actual fact, the analogies run deep. l’AI 109 23

ARSENALE

Italian Pavilion

Charis Christodoulou, Spyros Th. Spyros (Cyprus)

Italian Pavilion

Italy

Le quattro stagioni L’architettura del Made in Italy da Adriano Olivetti alla Green Economy Luca Zevi L’Italia è storicamente il luogo privilegiato in cui l’architettura, nella sua accezione più ampia, è terreno di incontro e sintesi tra processi economici e strategie culturali. Proprio in un momento di crescenti domande sul ruolo dell’architettura, il Padiglione Italia si trasforma nel racconto di un incontro possibile, della riscrittura di un patto in cui le ragioni dell’architettura, del territorio, dell’ambiente dialogano con quelle dello sviluppo economico. Produzione, creatività, sostenibilità, solidarietà: Prima stagione: Adriano Olivetti L’esperienza di Adriano Olivetti nell’Italia del secondo dopoguerra è un modello di sviluppo in cui politica industriale, politiche sociali e promozione culturale si integrano nella proposta di una strada innovativa nella progettazione delle trasformazioni del territorio. Dopo tanti misconoscimenti, la visione di Adriano Olivetti – che tiene insieme architettura, economia e territorio – si rivela oggi il punto di partenza dal quale ricominciare a scrivere il futuro del Paese, a individuare nel nostro passato una possibilità di futuro. 24 l’AI 109

Michelangelo Pistoletto, L’Italia Riciclata

Seconda stagione: dalla grande fabbrica all’industria pulviscolare Intorno alla metà degli anni ‘70 la grande industria entra in crisi. Emerge la resistenza, prima, e l’esplosione poi, di una miriade di piccole e medie imprese specializzate di “tipologia olivettiana” invadono il territorio nazionale, dando vita a quella stagione dell’“individualismo patrimonializzato” (Giuseppe De Rita) che rilancia in grande stile la produzione del Made in Italy. Terza stagione: dalla qualità del prodotto alla qualità dell’architettura Negli ultimi decenni alcuni marchi di eccellenza del Made in Italy avvertono la necessità commerciale di realizzare i propri stabilimenti e centri direzionali secondo un progetto architettonico d’eccellenza. Torna a instaurarsi, in maniera sporadica ma significativa, un rapporto fra architettura e industria nelle aziende che hanno tenuto alto il prestigio della produzione italiana nel mondo.

Hans Kollhoff

Les quatre saisons L’architecture du Made in Italy d’Adriano Olivetti à la Green Economy Luca Zevi L’Italie est historiquement le lieu priviliégié où l’architecture, dans son acception la plus vaste, est un terrain de rencontre et de synthèse entre les processus économiques et les stratégies culturelles. C’est précisément à un moment de demandes croissantes sur le rôle de l’architecture que le Pavillon d’Italie se transforme en récit d’une rencontre possible, de la réécriture d’un pacte où les raisons de l’architecture, du territoire et de l’environnement dialoguent avec celles du développement économique. Production, créativité, durabilité, solidarité

Quarta stagione: reMade in Italy… Questo rinnovato riconoscimento del ruolo produttivo dell’architettura può rilanciare un progetto di comunità sostenibile – imperniato sulla riduzione del consumo di suolo naturale, sulla rigenerazione delle città, sulla valorizzazione dello spazio pubblico – come percorso praticabile di uscita dalla crisi. … e un Padiglione Italia sostenibile Il Padiglione vuole esemplificare la Quarta stagione attraverso l’introduzione di un grande polmone verde – il Bosco Italia – e l’introduzione di un sistema di climatizzazione a bassissimo consumo.

Première saison : Adriano Olivetti L’expérience d’Adriano Olivetti dans l’Italie de l’après-guerre est un modèle de développement où la politique industrielle, les politiques sociales et la promotion culturelle s’intègrent à la proposition d’un parcours innovant dans la conception des transformations du territoire. Après un grand nombre de méconnaissances, la vision d’Olivetti – qui réunit architecture, économie et territoire – s’avère aujourd’hui le point de départ d’où recommencer à écrire l’avenir de ce pays et à identifier dans son passé une possibilité d’avenir.

Aires Mateus

Herzog & de Meuron

Àlvaro Sisa Vieira, Eduardo Souto Moura

Argentina

Valerio Olgiati

Republic Kosovo

Chile

Urban Think Tank

Perù

Deuxième saison : de la grande usine à l’industrie ‘pulvisculaire’ Vers le milieu des années 70, la grande industrie entre dans une période de crise. D’abord la résistance, puis l’explosion d’une myriade de petites et moyennes entreprises spécialisées, de “typologie olivettienne”, envahit le territoire national, marquant le début de la saison de l’“individualisme patrimonialisé” (Giuseppe De Rita) qui relance en grand la production du Made in Italy. Troisième saison : de la qualité du produit à la qualité de l’architecture Au cours de ces dernières décennies, quelques marques d’excellence du Made in Italy ressentent la nécessité commerciale de réaliser leurs usines et centres directionnels selon un projet architectural d’excellence. Un rapport entre l’architecture et l’industrie s’instaure de nouveau d’une façon sporadique mais significative dans les entreprises qui ont fait le prestige de la production italienne. Quatrième saison : reMade in Italy… Cette reconnaissance renouvelée du rôle productif de l’architecture peut relancer un projet de communauté durable – axé sur la réduction de l’utilisation du sol naturel, la régénération des villes, la mise en valeur de l’espace public – comme parcours praticable pour sortir de la crise. … et un Pavillon d’Italie durable Ce Pavillon veut illustrer la Quatrième saison par l’introduction d’un grand poumon vert – le Bois Italie – et d’un système de climatisation à très basse consommation.

The four seasons Italian-brand architecture from Adriano Olivetti to the Green Economy Luca Zevi Italy has historically been a privileged place where architecture, in the broadest sense of the word, has managed to bring together and blend economic processes and cultural strategies. Right at a time when greater demands are being placed on the role of architecture, the Italian Pavilion tells us about a possible encounter, a re-writing of a pact in which the needs of architecture, the land and environment interact with those of economic growth. Production, creativity, sustainability, solidarity First season: Adriano Olivetti Adriano Olivetti’s experience in Italy after the Second World War provides a model for growth in which industrial policy, social policies and cultural promotion combine to create a possible new way forward in planning territorial transformations. After being so badly misunderstod for so long, Adriano Olivetti’s vision – bringing together architecture, economic and the land – is now providing a starting point from which to write the future of the nation and discover a possibility for the future back in our past.

Second season: from big factories to small/ medium-size companies Around the mid-1970s, a crisis struck major industry. This subsequently led to an array of small and medium-sized companies specialising in the “Olivetti style” first resisting and then exploding across the nation to create what is known as the period of “asset-enhanced individualism” (Giuseppe de Rita), which relaunched Italian production in the field of Italian design on a grand scale. Third season. From quality products to quality architecture Over the last few decades leading brands of Italian design have realised the commercial need to construct their own factories and management centres based on architectural projects of the highest standard. Relations have been restored, on a sporadic but significant bases, between architecture and industry, which have helped Italian production to maintain its prestigious reputation around the world. Fourth season: re-Made in Italy… This renewed recognition of the productive purpose of architecture could feasibly launch a new project for a sustainable community hinging around reduced consumption of natural ground, the regeneration of our cities and enhancement of public space – as a feasible way of emerging from the current crisis. … and a sustainable Italian Pavilion The Pavilion sets out to exemplify the Fourth Season by introducing a giant “green lung” – the Italian Woodlands – and implementing a low consumption air-conditioning system. l’AI 109 25

GIARDINI

Australia

Austria

Italy

Belgium

Brazil

Canada

Egypt

Finland

France

Germany

Japan

United Kingdom

Holland

Russia

“Io e Paperino” Luigi Prestinenza Puglisi Non è necessariamente detto che ci voglia un critico di professione per curare una buona biennale. Anche perché le due più incisive sono state gestite da Paolo Portoghesi nel 1980 e da Massimiliano Fuksas nel 2000, cioè da uno storico e da un architetto. Ma un pensiero critico si che si vuole. E per pensiero critico non s’intende la capacità di lanciare un tema più o meno interessante, come, ammesso e non concesso, poteva essere “common ground” ma di saperlo sviluppare con coerenza. E invece in questo common ground si vede di tutto, tanto che si ha la sensazione che Chipperfield abbia lasciato agli invitati massima libertà, abdicando dal compito di orientamento. Esattamente l’opposto di quanto due anni prima aveva fatto la Sejima la quale, con soave pugno di ferro, aveva costretto i suoi invitati a recitare solo la parte da lei pensata e progettata. Risultato? La biennale della 26 l’AI 109

Sejima la si ricorda con piacere, questa di Chipperfield la si dimentica subito dopo essere usciti dalle Corderie e dai Giardini. Tutta da buttare dunque? No perché in contraddizione con l’assunto di farla finita con i capricci dello star system sono stati, per fortuna, invitati tutti i più capricciosi. I quali anche in assenza di direttive hanno saputo organizzare il loro spazio: penso a Foster, a Herzog & de Meuron, a Koolhaas e alla Hadid, forse la più solista dei protagonisti dell’architettura contemporanea che non si capisce proprio cosa potesse entrarci con un common ground, comunque inteso. Segno che alla biennale ci si diverte, anche se il curatore fa fiasco. Con bravi architetti, infatti, anche se il tema fosse “io e Paperino” e la curatela affidata a un orangotango, uno spettacolo a tratti piacevole verrebbe comunque fuori.

“Donald Duck et moi” Luigi Prestinenza Puglisi Il n’est pas dit qu’il faille nécessairement un critique professionnel pour obtenir une bonne Biennale. En effet, les deux biennales les plus marquantes ont été gérées par Paolo Portoghesi en 1980 et par Massimiliano Fuksas en 2000, c’est-à dire par un historien et un architecte. En revanche une pensée critique, est tout à fait nécessaire. Et par pensée critique, on n’entend pas la capacité de lancer un thème plus ou moins intéressant comme pouvait l’être “common ground” mais de savoir le développer avec cohérence. Or, dans ce “common ground” il y a de tout, à tel point qu’on a la sensation que Chipperfield a laissé la plus grande liberté à ses invités, renonchant à sa tâche d’orientation. Exactement l’opposé de ce que Kazuyo Sejima avait fait deux ans auparavant ; main de fer dans gant de velours, elle avait obligé ses invités à

Northen Countries

Greece

Israel

Italy

Poland

Spain

USA

Switzerland

Hungary

Venezuela

Uruguay

Romania

uniquement jouer le rôle qu’elle avait pensé et conçu pour eux. Résultat ? On s’en souvient avec plaisir la Biennale de Kazuyo Sejima, ; on l’oublie tout de suite à la sortie des “Corderie” et des “Giardini” celle de Chipperfield, A donc jeter en bloc ? Non, car contrariement à la volonté d’en finir avec les caprices du ‘star system’, fort heureusement on a invité tous les plus capricieux. Lesquels, malgré l’absence de directives, ont su organiser leur espace : je pense à Foster, à Herzog & de Meuron, à Koolhaas et à Zaha Hadid, peut-être la plus “soliste” des grands noms de l’architecture contemporaine, au point qu’on ne comprend vraiment pas ce quel avait à voir avec un “common ground”, quelle que soit la façon de l’entendre. C’est le signe qu’on s’amuse à la Biennale, même si le commissaire fait fiasco. En effet, avec de bons architectes, même si le thème était “Donald Duck et moi” et l’organisation confiée à un orang-outang, il en résulterait de tout façon un spectacle agréable par moments.

Serbia

“Donald Duck and Me” Luigi Prestinenza Puglisi It does not necessarily take a professional critic to be the curator of a good Biennial. This is shown by the fact that the two most incisive events were organised by Paolo Portoghesi in 1980 and Massimiliano Fuksas in 2000 or, in other words, a historian and an architect. It does, however, take critical thinking and by critical thinking we do not mean the ability to launch a more or less interesting theme, as may or may not be case with “common ground”, but to actually be able to develop the said theme with some consistency. In this case there is a bit of everything in this “common ground”, so much so that you get the feeling that Chipperfield left everything up to his guests, abdicating from the task of setting any real guidelines. Exactly the opposite to what Sejima did two years ago with such a suave yet powerful guiding hand, forcing her guests to merely act out what she had

already thought and designed. So what is the outcome? Sejima’s Biennial is still a present memory, Chipperfield’s is instantly forgettable as soon as you leave the Corderie or Gardens. So is there anything worth hanging on to? Yes, because contrary to the plan of doing away with the star system, all its most capricious exponents actually received invites, managing, even without any guidelines, to organise their own space: I am referring to Foster, Herzog &de Meuron, Koolhaas and Hadid, perhaps the most individualistic of the leading figures on the modern-day architectural scene, who would seem to be completely out of synch with a topic like “common ground”. This is proof that you can have fun at a Biennial, even if the curator has caused havoc. Indeed, even if the theme was “Donald Duck and me” under the directorship of an orangutan, good architects could still put on a fine show.

l’AI 109 27

FORGIVEN BY

NATURE

Gianni Pettena

.I

.I

Grass Architectures I,II, III, 1971

Andare per deserti è metafora del

“naturale”,

deserto è un luogo di tracce, di chi vi è passato

fare ricerca come andare per “natura”, scoprire che il non è il vuoto, l’assenza di vita, ma invece un luogo

prima,

a volte evidenti a volte impercettibili, e seguirle signi¿cherj capire che il tempo, le stagioni, guidano

le scelte.

Un nuovo territorio di conoscenza si apre e chiede soltanto di essere

indagato.

Natura Paesaggio Foreste Pianura Fiumi Laghi Montagne _ Vegetazione, Rocce, Scogliere luoghi frequentati da nomadi animali e umani _ gli animali migrano al cambio delle stagioni, la vegetazione ci mette un

po’ di

più

anni… secoli... hanno i loro luoghi, privati e di relazione, è ri-scoprire a migrare, ci mette molto di più… Ri-scoprire che gli animali

anche che l’uomo nomade ha i suoi luoghi, pubblici e privati, di vita lavoro cerimonia

amore morte:

anche i nomadi quindi hanno la loro “architettura”? Non so, architettura è de¿nire un veicolo di comunicazione di

luogo costruito,

uno status,

difesa da i “pericoli” della natura, un prodotto dell’uomo stanziale. E i “luoghi” dei nomadi cosa sono? Sono o non sono architettura, paesaggio o sono natura essi

stessi, come il nomade e

gli animali migranti e il mondo naturale e ¿sico, sono natura? Ecco, riconoscere la natura, sapere che è anche luogo di caccia, coltivazione, raccolta, “Il luogo” di tutto, essere

natura noi

stessi

essere anche ciò che chiameremo poi, diventati stanziali, architettura _ sembra (mi sembra) che riconoscere, riconoscersi

natura, essere natura,

sia anche fare architettura, nel trovarvi uno shelter così come i luoghi di cerimonia e i luoghi di riunione e i luoghi “sacri”. E’, questo fare architettura, essere architettura, il luogo concettualmente più chiaro, puro,

ancestrale.

Diventati stanziali, l’architettura (il costruito) segnalerj questo distacco, questa separazione della natura, l’architettura d’ora in poi ti proteggerj dalla natura, diventata altro da te, un’entitj da sfruttare sempre più consapevolmente, da cui difendersi, da esorcizzare - quindi possederla, difenderla da

tutti gli “altri”.

La caricherj anche di altri messaggi: segnalare lo status, il ruolo del potere rivestito e conquistato, il rango sociale e politico... architettura

addio,

incomincia un altro gioco.

La casa dell’Elba segnala questa consapevolezza, lavora su questo margine, sulla terra di nessuno tra

spazi concettuali e ¿sici: luoghi che segnalano memoria natura e architettura, rivisita e ¿sicizza del prima e i primi passi del dopo non ancora dopato. 30 l’AI 109

Imprisonment, 1971

.I Parcourir les déserts, c’est la métaphore de la recherche, tout comme parcourir la “nature”, découvrir que le désert est un lieu “naturel” ; qui ce n’est pas le vide, l’absence de vie, mais au contraire un lieu de traces de ceux qui y sont passés avant, parfois évidentes, parfois imperceptibles, et les suivre signi¿era comprendre que le temps, les saisons, guident les choix. Un nouveau territoire de connaissance s’ouvre et ne demande qu’à être exploré. Nature Paysage Forêts Plaine Fleuves Lacs Montagnes – Végétation, Roches, Falaises, lieux fréquentés par des nomades animaux et humains – les animaux migrent au changement des saisons, la végétation met un peu plus de temps à migrer… il lui faut beaucoup plus de temps...des années…des Ice House II, Minneapolis, 1972 siècles… Re-découvrir que les animaux ont leurs lieux, privés et de relations, c’est également re-découvrir que l’homme nomade a ses lieux, publics et privés, de vie, travail, cérémonie, amour, mort : donc les nomades ontils aussi leur “architecture”? Je ne sais pas, l’architecture dé¿nit un lieu construit, véhicule de communication d’un status, défense contre les “dangers” de la nature, un produit de l’homme sédentaire. Et les “lieux” des nomades, que sont-ils ? Sont-ils ou ne sont-ils pas architecture, paysage ; sont-ils nature eux-mêmes comme le nomade et les animaux migrants ; et le monde naturel et physique est-il nature ? Voilà, reconnaître la nature, savoir qu’elle est aussi un lieu de chasse, de culture, de récolte, “le lieu” de tout, être nature nous-mêmes, être aussi ce que nous appellerons, une fois sédentaires, architecture – il semble (il me semble) que reconnaître, se reconnaître nature, être nature, c’est aussi faire de l’architecture, en y trouvant un abri ainsi Clay House, Salt Lake City, 1971 que les lieux de cérémonie, les lieux de réunion et les lieux “sacrés”. C’est cela, faire de l’architecture, être architecture, le lieu conceptuellement le plus clair, pur, ancestral. Une fois devenu sédentaire, l’architecture marquera cette séparation de la nature ; dorénavant l’architecture vous protégera de la nature, devenue autre chose que vous, une entité à exploiter consciemment, dont il faut se défendre, à exorciser – donc à posséder, à défendre contre tous les “autres”. Elle la chargera également d’autres messages : signaler le status, le rôle du pouvoir revêtu et conquis, le rang social et politique, architecture adieu, c’est un autre jeu qui commence. La maison de l’Elbe marque cette prise de conscience, travaille sur cette marge, sur le no man’s land entre nature et architecture, revisite et rend physiques des espaces conceptuels et réels : des lieux qui tracent la mémoire de l’Avant et les premiers pas de l’Après pas Tumbleweeds Catcher, Salt Lake City, 1972 encore ‘dopé’.

.I ‘Roaming deserts’ is a metaphor in carrying out these search as if searching around “nature”, discovering that the desert is a “natural” place, not an empty space completely lacking in life but, on the contrary, a place full of tracks and traces of those who went before, sometimes clearly visible at other times imperceptible, and following them means realising that time and the passing seasons guide our choices. A new realm of knowledge opens up and is just asking to be investigated. Nature Landscape Forests Plains Rivers Lakes Mountings _ Vegetation Rocks and Cliffs are places inhabited by nomadic people and animals _ the animals migrate with the changing seasons, the vegetation takes longer to migrate, much longer… years…centuries... Rediscovering that animals have their private relational spaces is also a way of rediscovering that nomadic people also have their public and private places for working, taking part in rituals, loving and dying: so do even nomadic people have their “architecture”? I don’t know, architecture means de¿ning a place built for conveying status, taking shelter against the “dangers” coming from nature, a product of geographically-stable man. So what are the “places” of nomadic people like? Are they or are not they architecture and landscape or, like nomads, migrant animals and the natural/physical world, are they themselves part of nature? So recognising nature, realising that it is also hunting, farming and harvesting ground, “The place” for everything, being nature ourselves, also being what as stationary people we call architecture – it seems (to me) that recognising, recognising nature, being nature, also means creating architecture by coming up with a shelter, ceremonial places, meeting places and “sacred” places. This way of doing architecture, being architecture, is the conceptually clearest, purest and most ancestral. Having settled down, architecture (the built environment) marks this detachment, this separation from nature. From now on it is architecture that will protect you from nature, having become something different from you, an entity to be exploited more conscientiously, to be safeguarded against and exorcised hence possessed and protected from all “others”. This will imbue it with other messages: signifying status, the role of the power possessed and gained, social and political rank, farewell to architecture, another game is now beginning. The house on Elba points towards this new awareness, works on this margin, on the no man’s land between nature and architecture, revamping and physicalizing conceptual and physical spaces: places that mark memories of things gone by and the ¿rst steps in the yet-not-doped aftermath. l’AI 109 31

.II .II

Organizzare il proprio pensiero in strutture spaziali e comunicarlo anche abitandovici... ritrovarsi nel proprio pensiero fisicizzato nel tempo. Trascrivere... materializzando... nella scala dell’architettura, organizzando pensieri in spazi articolati. Questo era fin dall’inizio fare architettura, per me. E bisognava imparare e quindi andai alla scuola d’architettura. Ma mi accorsi subito che l’idea di architettura che vi si insegnava non corrispondeva alla mia ... Io volevo trascrivere il mio pensiero in architettura strutturando spazi, un’architettura come un racconto, non volevo neanche “trascrivere in”, ma “pensare in” termini d’architettura così come si pensa e si traduce in parole... E poi “anche” trascrivere il pensiero del mio tempo, dei miei vent’anni, negli anni Sessanta. Ma a scuola gli alfabeti e i linguaggi (e i pensieri) erano quelli dei vent’anni (quando andava bene) dei miei professori, che li avevano avuti tra le due guerre. Ma gli anni Sessanta erano anni luce lontani da tutto questo. E poi eravamo i primi non traumatizzati dalla guerra, volevamo tutto, sentivamo il diritto di raccontare il nostro tempo con il nostro linguaggio. E incominciai a frequentare gallerie dove i miei coetanei si esprimevano già con il loro linguaggio, con libertà e consapevolezza, il linguaggio del loro, del mio tempo. E così l’amore per l’architettura prese le forme e il

32 l’AI 109

Archipensiero, 2012 linguaggio del tempo, quello della mia generazione, ma in forma di spazi articolati, organizzati come un racconto, una narrazione. E il contesto era quello europeo, i Beatles, i Rolling Stones, Mary Quant, ma anche quello di Ginsberg, Corso, Ferlinghetti, Kerouac, e di Bob Dylan e di Joan Baez. Fare architettura significava per me non solo disegnarla, ma anche farla, se pure temporanea, non fare disegnini carini o magari fotomontaggi anche se allora senza Photoshop. E farla in Europa significava avere a che fare con la forte presenza del passato, entrare in dialogo o in contrapposizione con un contesto tutto disegnato, tutto trasformato dalla mano dell’uomo attraverso secoli, millenni. Nelle sovrapposizioni di tessuti

precedenti, nelle cui smagliature, o nei luoghi del passato, temporaneamente, intervenire. Ma come fare per arrivare alle radici dei luoghi, a una architettura che si relazionasse a luoghi intatti, senza preesistenze alcune? La tabula rasa, il foglio bianco dell’architetto, dov’era? Vagando per deserti, nel sud ovest degli Stati Uniti, mi sembrava di aver trovato questo luogo ideale salvo poi accorgermi che il deserto è vivo e complesso. Anche lì la natura ha le sue ragioni e i luoghi sono già stati percorsi. Hanno una storia, la storia dei nomadi che li anno vissuti e utilizzati, che lì vivono anche oggi e lì vi hanno riconosciuto anche le proprie architetture: Mesa Verde è un villaggio in un enorme anfratto, la Monument Valley la valle dei templi Navajo...capii che il livello concettualmente più puro per fare architettura, la radice prima, è quello di riconoscerla nella natura. Costruirla significa, lasciata la condizione nomadica per quella stanziale, già allontanarsi da questa condizione primigenia, non essere più natura noi stessi, ma essere “altro” da essa. Quindi per me, trovata la tabula rasa, il foglio bianco, ma non proprio, non rimaneva che documentare questa architettura “riconosciuta nella natura” fatta da chi mi aveva preceduto, e aveva lasciato un segno indelebile, anche se solo concettuale. Non si può fare architettura senza “peccare”, senza dimostrare ch’essa segnala una nostra “diversità” dalla natura e che la natura contamina, violenta. Un’Architettura che serva a... che interpreta funzioni... che può esistere solo se “utile”... Ma la storia dell’architettura, quella non di tipologie, dice che è sempre esistita l’architettura che interpreta un pensiero... che racconta la lettura degli astri... che è una

preghiera... e ancora... e ancora... Ecco, l’architettura per me è quella per la mente, quella che si racconta...non quella che serve... a chissà che. Poi! La donna che amo è l’architettura e non la svendo in cambio di un utile, l’amo e lei mi racconta la sua storia che è anche la mia storia.

.II Organiser sa pensée en structures spatiales et la communiquer tout en y habitant... se retrouver dans sa propre pensée matérialisée dans le temps. Transcrire... en matérialisant... sur l’échelle de l’architecture, organisant les pensées dans des espaces articulés. Pour moi – dès le début – c’était cela faire de l’architecture. Et il fallait apprendre, je suis donc allé à l’école d’architecture. Mais je me suis aperçu tout de suite que l’idée d’architecture que l’on y enseignait ne correspondait pas à la mienne... je voulais transcrire ma pensée en architecture en structurant des espaces, une architecture comme un récit, je ne voulais même pas” transcrire en”, mais penser en termes d’architecture comme on pense et on traduit en mots… Et puis transcrire “aussi” la pensée de mon temps, de mes vingt ans, dans les années Soixante. Mais à l’école, alphabets, langages (ainsi que les pensées) remontaient aux vingt ans (dans la meilleure hypothèse) de mes professeurs, qui les avaient vécus entre les deux guerres. Et ces années Soixante étaient à des années-lumière de tout cela. Et puis nous étions la première génération non traumatisée par la guerre,

nous voulions tout, nous sentions le droit de raconter notre temps avec nos mots. Et j’ai commencé à fréquenter des galeries où les gens de mon âge s’exprimaient déjà avec leur langage, librement et consciemment, le langage de leur temps et du mien. C’est ainsi que l’amour de l’architecture a pris les formes et le langage de l’époque, celle de ma génération, mais sous forme d’espaces articulés, organisés comme un récit, une narration. Et le contexte était européen : les Beatles, les Rolling Stones, Mary Quant, mais Ginsberg, Corso, Ferlinghetti, Kerouac, et Bob Dylan et Joan Baez. Faire de l’architecture signi¿ait pour moi non seulement la dessiner, mais aussi la faire, ne serait-ce que temporaire, ne pas faire de gentils petits dessins ou même des photomontages, même sans Photoshop. Et la faire en Europe signi¿ait avoir affaire avec la forte présence du passé, instaurer un dialogue ou une opposition avec un contexte tout dessiné, tout transformé par la main de l’homme à travers des siècles, des millénaires. Dans les superpositions de tissus précédents, intervenir momentanément dans leurs trames ou dans les lieux du passé. Mais comment faire pour arriver aux racines des lieux, à une architecture qui soit en relation avec des lieux intacts, sans aucune préexistence ? La table rase, la feuille blanche de l’architecte, où était-elle ? Errant à travers les déserts, dans le sudouest des Etats-Unis, il me semblait avoir trouvé ce lieu idéal, quitte à m’apercevoir ensuite que le désert est vivant et complexe. Là encore, la nature a ses raisons et les lieux ont déjà été parcourus. Ils ont une histoire, l’histoire des nomades qui les ont vécus et utilisés, qui les vivent encore aujourd’hui et y ont reconnu également leurs propres architectures : Mesa Verde est un village dans un énorme

renfoncement, la Monument Valley, la vallée des temples Navajo... j’ai compris que le niveau conceptuellement le plus pur pour faire de l’architecture, sa racine première, est celui de la reconnaître dans la nature. La construire signi¿e, après avoir abandonné la condition de nomade pour devenir sédentaire, s’éloigner déjà de cette condition primordiale, ne plus être nature nous-mêmes, mais être “ autre” qu’elle. Donc pour moi, une fois trouvée la tabula rasa, la feuille blanche, mais pas tout à fait, il ne restait qu’à documenter cette architecture “reconnue dans la nature”, faite par ceux qui m’avaient précédé et avait laissé un signe indélébile, bien que seulement conceptuel. On ne peut faire de l’architecture sans “pécher”, sans montrer qu’elle marque notre “diversité” par rapport à la nature et que la nature contamine, qu’elle viole. Une Architecture qui sert à... qui interprète des fonctions... qui ne peut exister que si elle est “utile”... Mais l’histoire de l’architecture, non pas celle des typologies, dit que l’architecture qui interprète une pensée.. qui raconte la lecture des astres... qui est une prière... et ainsi de suite... a toujours existé. Pour moi l’architecture c’est celle pour l’esprit, celle qui se raconte... et non celle qui sert... à je ne sais quoi ! La femme que j’aime, c’est l’architecture et je ne la brade pas pour de l’argent ; je l’aime et elle me raconte son histoire, qui est aussi mon histoire.

.II Setting your own thoughts in spatial structures and then conveying them while living inside them… finding yourself within your own thoughts physically set in time. Transcribing…

materialising… on an architectural scale, setting your thoughts in carefully arranged spaces. Right from the very beginning this is what creating architecture meant to me. This meant I needed to learn, so I went to a school of architecture. But I soon realised that the idea of architecture taught at the school was different from mine.... I wanted to transcribe my thinking into architecture by structuring spaces (architecture as a story), actually I did not even want to “transcribe in” but actually “think in” terms of architecture, in the same way you think and translate in words… And I “also” wanted to transcribe the thinking characterising my age, that of a 20-year-old in the 1960s. But the alphabets and languages (and thoughts) at the school were those my professors had when they were in their 20s (if I was lucky), the thoughts they had during the period between the wars. The 1960s were actually light years away from all that. We were the first generation not to be traumatised by the war, we wanted everything, we felt we had the right to talk about our times in our own language. And so I began visiting galleries, where people my own age were already expressing themselves in their own language, with freedom and awareness, the language of their and my time. And so my love of architecture took on the forms and language of its day, that of my generation, but in the form of carefully arranged spaces set out like a story, a narrative. The context was that of Europe, the Beatles, Rolling Stones and Mary Quant, but also of Ginsberg, Corso, Ferlinghetti, Kerouac, Bob Dylan and Joan Baez. For me, creating architecture did not just mean drawing it but actually doing it, at least temporarily, not just making cute little drawings or perhaps photomontages, even though there was no Photoshop

back then. And doing architecture in Europe meant confronting the powerful presence of the past, entering into interaction or clashing with a context already fully designated, entirely transformed by human hand across the centuries and millennia, in superimpositions of previous fabrics, within whose gaps or places from the past it was possible to temporarily intervene. But how can we get to the very roots of places, to a kind of architecture capable of relating to intact places, with no pre-existing constructions? A blank slate, a white sheet of paper at the architect’s disposal, where was all that to be found? Wandering around the deserts in the South West of the United States I thought I had found this ideal place, only to realise that the desert is actually alive and complicated. There, too, nature has its own reasons for being and the places in question have already been passed through. They have a history, the history of the nomadic people who once lived in and used them, who still live there today and have recognised their own works of architecture in these places: Mesa Verde is a village in an enormous ravine, Monuments Valley, the Valley of the Navajo Temples... I realised that the conceptually purest level for creating architecture, its deepest roots, is that of recognising it within nature. Building it means abandoning the primitive state of nomadic men in favour of settling down, no longer being nature ourselves but something “other” than it. So for me, having found the blank slate or blank sheet of paper (although that was not really the case), there was nothing left to do but document this architecture “recognised within nature”, created by those who went before me and who had left an indelible mark, even if only conceptually. It is impossible to create architecture without “sinning”, without showing that it points to our “diversity” from nature and that nature actually contaminates and violates. Architecture that is useful for… that interprets functions…. that can only exist if it is “useful”... but the history of architecture (not of architectural types) tells us there has always been a kind of architecture that interprets some kind of thinking… that tells us how to read the stars... that is actually a prayer… and so on.. and so forth. The woman I love is architecture and I will not sell her in exchange for something useful, I love her and she tells me her story that also happens to be my story.

Construction materials, 2012 l’AI 109 33

.III .III

Un pezzo dell’isola d’Elba, questo dicevo agli amici d’aver acquistato, a 35 anni… Senza sapere che, da Le Corbusier a Malaparte, stavo intraprendendo un’avventura che mi avrebbe segnato… in cui sarebbero confluiti, in questa mia microisola dentro l’isola, tanti pensieri, sogni, progetti, annotazioni, disegni, idee, materie, amici, studenti… Un pezzo di terra a picco sul mare, che guarda a sud ovest, verso la Corsica, che nelle limpide giornate chiude il golfo, sul fondo, costruendo un lago, la presenza inquietante di una delle superfici di questa visione spaziale, che si muove anche di notte, e un piccolo ricovero per la rete da tonni di famiglia del contadino (che coltivava la piccola valle e che si alternava alla pesca e alla pesca del tonno da maggio a luglio, posizionando la rete all’inizio della stagione e visitandola ogni giorno) e c’approdo di sotto… con un’altra capannuccia per l’attrezzatura da pesca lì, sul mare. Così, coinvolto nell’avventura della co-ricostruzione, ci andavo spesso, e spesso dopo le fortezze, marcando inconsapevolmente il territorio, proprio come un qualsiasi animale che si trovava, nelle migrazioni stagionali, nei territori prescelti da tempo. Mettersi ad ascoltare la natura, il rumore del mare, e quello dei cinghiali nel canneto, che già in febbraio arrivavano a insegnare ai piccoli a riconoscere i germogli di canna, che anch’io imparai a cogliere e macerare nell’aceto in insperate insalatine. Frequentare quel luogo divenne un’abitudine da cui traevo continui insegnamenti: la coppia di martore che aveva la tana a pochi metri la mantide che esplorava l’acciottolato di casa, i cormorani subito sotto. Imparai che tutto ciò era possibile durante tutto l’anno, e che si poteva evitare di assistere alla rottura dell’incanto in luglio e agosto con l’invasione dei cittadini che costringevano tutti gli animali a ritirarsi in alto sulle colline e io, imparando, a non andarci in quei mesi e lasciare la casa agli amici. È, questa avventura mia all’Elba, un entrare in sintonia con i ritmi della natura, una contemplazione, una riduzione dei ritmi cittadini a quelli, ancora esistenti, ma in esaurimento, del contadino e

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42°49’28’’ N 10°16’11’’ E

del pescatore, spesso la stessa persona che legge ogni traccia, ogni segnale di cambiamento, li comprende e quindi agisce di conseguenza…Io imparai questo, piano piano, fermandomi a contemplare ciò che succedeva, lì, nel mio pezzettino di isola d’Elba, e a capire ciò che il luogo mi diceva, nelle varie stagioni, spesso da solo, in contatto con alcuni abitanti, che sembravano felici, giusti nel luogo, innamorati di quelle attese e dei piccoli eventi intorno. Rendere il mio rudere abitabile, accessibile, significò farmi un po’ di spazio nella natura debordante, utilizzando i materiali, le pietre, le canne, attorno, facendo spazio anche per me e i miei, ma senza rompere gli equilibri, anzi concedendo alla natura e al mare tutti i loro diritti, e comprendendo i miei spazi. Essere all’Elba per me era svestirmi della mia cittadinitudine, era capire cosa ci stessi facendo lì e agire di conseguenza. Così la mia architettura che piano piano si definiva, acquistava connotazioni insolite, diverse ma simili in fondo a ciò che avevo fatto prima, altrove. Solo che qui acquistava una consistenza, una fisicità, che stavo imparando e mi rassicurava anzi, facevo cose e prendevo decisioni, anche minime, ma con un nuovo senso di responsabilità, e di, forse, verità. Così successe per anni, i segni si sovrapponevano e si integravano e ne usciva piano piano una specie di diario, di racconto per episodi successivi, che alla fine hanno preso una connotazione che ritengo ormai definitiva o quasi, con ancora tante cose pensate e non realizzate, tante piccole cose, ma che non impediscono di pensare che ormai il più è fatto, e tante tracce anche di altri che vi sono stati sono ancora lì, integrate in ciò che è stato detto e fatto. Tutti coloro che sono passati di lì dicono che ci vuole qualche giorno per comprendere ciò che lì è successo, e il perché di tutto questo, ma dopo un po’ le scoperte sono quotidiane e i risvolti sono gentili, e di piacere.

.III J’ai acheté un morceau de l’Ile d’Elbe, c’est ce que je disais à mes amis, à 35 ans… Sans savoir que, de Le Corbusier à Malaparte, je commençais une aventure qui m’aurait marqué... où auraient conflué, dans cette microîle dans l’île qui était la mienne, tant de pensées, de rêves, de projets, d’annotations, de dessins, d’idées, de matières, d’amis et d’étudiants... Un lambeau de terre à pic sur la mer, regardant au sud-ouest vers la Corse qui, quand les journées sont limpides, ferme le golfe construisant un lac, la présence inquiétante d’une des surfaces de cette vision spatiale, en mouvement aussi la nuit, et un petit abri pour le filet à thons de la famille du paysan (qui cultivait la petite vallée et alternait la pêche avec celle du thon de mai à juillet, plaçant son filet au début de la saison et allant l’examiner chaque jour) et l’amarrage audessous… avec une autre petite cabane pour l’équipement de pêche, là, sur la mer. Ainsi, engagé dans l’aventure de la co-reconstruction, j’y allais souvent et cela, souvent après l’époque des forteresses, marquant inconsciemment le territoire, exactement comme un animal quelconque qui se trouvait, lors des migrations saisonnières, sur les territoires choisis depuis longtemps. Se mettre à écouter la nature, le bruit de la mer, celui des sangliers dans les cannaies ; dès février, ils arrivaient pour apprendre à leurs petits à reconnaître les pousses des cannes, que j’ai appris aussi à cueillir et macérer dans du vinaigre pour concocter de petites salades inespérées. Fréquenter ce lieu est devenu une habitude dont je tirais des enseignements continus: le couple de martres qui avait sa tanière à quelques mètres, la mante religieuse qui explorait le chemin de la maison, les cormorans au-dessous. J’ai appris que tout cela était possible pendant toute l’année et que l’on pouvait éviter d’assister à la rupture de cet envoûtement en juillet et août lors de l’invasion des citadins, qui poussent tous les animaux à se retirer sur les hauteurs dans les collines et moi, apprenant à ne pas y aller pendant ces mois-là et à laisser ma maison aux amis. Mon aventure à l’Elbe est une entrée en syntonie avec les rythmes

de la nature, une contemplation, une réduction des rythmes citadins à ceux, encore existants mais en voie de disparition, du paysan et du pêcheur, souvent la même personne, qui sait lire chaque trace, chaque signal de changement, les comprend et agit en conséquence… J’ai appris ceci peu à peu m’arrêtant pour contempler ce qui se passait, là, dans mon petit lopin de l’ile d’Elbe, et comprendre ce que cet endroit me disait, au fil des saisons, souvent seul, en contact avec quelques habitants qui semblaient heureux, juste dans ce lieu, amoureux de ces attentes et des petits événements autour d’eux. Rendre ma ruine habitable, accessible, a signifié acquérir un peu d’espace dans la nature débordante, en utilisant les matières, les pierres, les cannes tout autour, créant également de l’espace pour moi et ma famille, sans toutefois rompre les équilibres, concédant au contraire tous leurs droits à la nature et à la mer, et comprenant mes espaces. Etre à l’Elbe signifiait pour moi me dépouiller de ma condition de citadin, c’était comprendre ce que je faisais là et agir en conséquence. Ainsi mon architecture, qui se dé¿nissait petit à petit, acquérait-elle des connotations insolites, différentes mais, dans le fond, semblables à ce que j’avais fait auparavant, ailleurs. Cependant là, elle acquérait une consistance, une matérialité, que j’étais en train d’apprendre et qui me rassurait, ou mieux, je faisais des choses et prenais des décisions, mêmes minimales mais avec un nouveau sens de responsabilité et, peut-être, de vérité. Il en fut ainsi pendant des années; les signes se superposaient et s’intégraient et il en ressortait petit à petit une sorte de journal, de récit par épisodes successifs qui ont pris à la fin une connotation que j’estime définitive ou presque, avec encore un grand nombre de pensées non réalisées, tant de petites choses mais qui n’empêchent pas de penser que l’essentiel est fait, qu’il y a tant de traces de ceux qui étaient là et y sont encore, intégrées à ce qui a été dit et fait. Tous ceux qui sont passés par là disent qu’il faut quelques jours pour comprendre ce qui s’y est passé et le pourquoi de tout cela, mais très vite, les découvertes deviennent quotidiennes et les conséquences sont positives et agréables.

.III At the age of 35 I told my friends I had purchased a little piece of the island of Elba... without realising that, from Le Corbuiser to Malaparte, I was going on an adventure that would leave its mark... which would bring together all kinds of different thoughts, dreams, projects, notes, drawings, ideas, materials, friends, students on my tiny micro-island on the island... A piece of land directly above the sea looking out to the south west towards Corsica, which, on clear days, encloses the golf in the background to create a lake, the disturbing presence of one of the surfaces of this spatial vision that moves even at night-time, and a small storage place for the tunefishing net belonging to a peasant family (who farmed down in the small valley and alternated fishing and tuna-fishing from May to July, setting their net in position at the beginning of the season and then visiting it every day) and there is a landing point below... with another little shed for fishing tools, facing onto the sea. And so, since I was involved in a reconstruction enterprise, I used to go there, inadvertently marking the territory just like any other animal would have done during its seasonal migrations across lands preselected by time. Listening to nature and the sound of the sea, not to mention the noise of the wild boar in the cane thickets, which were already teaching young people how to recognise cane shoots as early as February, something I also learned to collect and grind in with vinegar to create some surprising salads. Visiting this place became a habit that taught me a lot: the pair of martens that had a den just a few metres away, the mantis that used to explore the house’s pebbles and cobbles, the cormorants just below. I learnt that all that could happen throughout the entire year and that I did not have to witness this spell being broken in July and August as city-dwellers invaded the area, forcing all the animals to retreat up into the hills, while I learnt to avoid the place during those months and let my friends take over the house. And this adventure of mine on the island of Elba, blending in with the rhythms of nature, enjoying contemplation and slowing down my usual hectic pace of city-style living in favour

of the more leisurely pace (still possible but on the decline) of the peasant or fisherman, often the same person capable of reading every trace, every sign of change, understanding them and acting accordingly... This is what I gradually learnt as I started to observe what was happening there on my little piece of the island of Elba, also understanding what the place was telling me during the changing seasons, often on my own in contact with just a few local folk, who seemed happy where they were, delighting in these long waits and enjoying any minor events going on. Making my little relic of a home inhabitable and accessible meant creating a bit of space amidst all this nature, using materials, stones and canes I found lying around, creating room for myself and my parents, but never breaking the equilibrium, indeed allowing nature and the sea everything they were entitled to, understanding my own spaces. Me being on the island of Elba meant abandoning my city habits, understanding what I was doing there and acting consequently. So that is how my architecture gradually took shape, taking on unusual connotations, ultimately different but similar to what I had already created elsewhere. Only here it took on greater consistency, physicality, something I was learning as I gained confidence, doing things and making decisions, even little ones, but with a new sense of responsibility and, perhaps, truth. This went on for years, the signs overlapped and mixed together into a sort of diary that slowly began to emerge, a story in a series of episodes, which ultimately took on a kind of definitive status or almost, with lots of other things envisaged but not created, lots of little things, which did not, however, prevent me from thinking that most of the work was complete, and lots of traces of those who were there before me are still there, incorporated in what has been said and done. Everybody who has passed through place tell me it takes a few days to really understand what is happening and the reasons why it is happening, but after a while these discoveries become quite commonplace but always a pleasant and enjoyable experience.

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Per Pettena, la sua casa all’Elba è “un posto per guardare le stelle”. […] L’effetto che fa la casa è quello di un collage primordiale..., isolata, modesta e improvvisata. […] Rappresenta un esempio di come i sopravissuti più fortunati potrebbero vivere dopo che la futura apocalisse ambientale che ci minaccia avrà costretto i fuggiaschi a vivere in lande desolate… Per molti aspetti, questa struttura è il proseguimento del percorso filosofico che Pettena aveva intrapreso con i primi progetti. E’ l’accettazione del fatto che, nello scenario ambientale finale, la natura vince su tutto. […] la casa all’Elba è un’elegia architettonica pensata per un clima più contemplativo. Si spoglia degli eccessi del consumismo ed è una dimostrazione del valore della modestia, della parsimonia, e di un senso primigenio di un’esperienza artistica che si traduce nella forma più semplice di architettura. James Wines Green Architecture, Taschen, 2000

Pour Pettena, sa maison à l’île d‘Elbe est ”un endroit pour regarder les étoiles”. […] L’effet que donne la maison est l’effet d’un collage primordial.. isolée, modeste et improvisée… […] Elle représente un exemple de la façon dont les rescapés les plus chanceux pourraient vivre après que la future apocalypse environnementale qui nous menace aura obligé les fugitifs à vivre dans des landes désolées... Sous de nombreux aspects, cette structure est la continuation du chemin philosophique que Pettena avait emprunté dans ses premiers projets. C’est l’acceptation du fait que, dans le scénario environnemental final, c’est la nature qui l’emporte. […] La maison à l’île d’Elbe est une élégie architecturale conçue pour un climat plus contemplatif. Elle se dépouille des excès du consumérisme pour prôner la valeur de la modestie, de la parcimonie et d’un sens primordial d’une expérience artistique qui se traduit par la forme d’architecture la plus simple. James Wines

Green Architecture, Taschen, 2000

Pettena sees his house on Elba as a “place to look at the stars”. […] The effect of the house is like a primordial collage….., isolated, unpretentious, and improvisational. [...It] stands as an example of how more fortunate survivors may live after the impending environmental apocalypse has driven escapees into the wilderness… In many ways this structure is a continuation of the philosophical direction established by Pettena’s early projects. It is a concession that, in the final ecological scenario, nature consumes all. [...] the house on Elba is an architectural elegy for a more contemplative climate. It strips away the excesses of consumer value and demonstrates the value of modesty, economy, and a primal sense of an art experience translated into the simplest form of architecture. James Wines

Green Architecture, Taschen, 2000 l’AI 109 39

Marco Pace

Andrea Branzi

Alessando Mendini

table Marano/Pettena

painted wall i Pace

table Coates

table Marano

mosaic Mendini

steps Marano/Pettena

wall + glass Pettena

fireplace Sottsass

girouette Branzi

totem Binazzi

Lapo Binazzi

Ettore Sottsass Jr.

Ugo Marano

Nigel Coates

“ Senza sapere (...) da Le Corbusier a Malaparte, stavo intraprendendo un’avventura che mi avrebbe segnato (…) “

Le Corbusier, Le Cabanon, Cap Martin, France, 1952 Design & Graphics: Camilla Tredici - Marco Pace

G.P.

Casa Malaparte, Capri, Italy, 1938 - 1943

Le Corbusier, Le Cabanon, Cap Martin, France, 1952

ARTS par/a cura di/by Maurizio Vitta

Robert Smithson, Spiral Jetty, Great Salt Lake (USA) 1970.

Il tema dei rapporti fra arte e architettura è stato, negli ultimi anni, ampiamente dibattuto in scritti, mostre e convegni. Se lo riprendiamo qui è solo per precisarne con maggiore accuratezza i contorni, dal momento che negli anni Dieci del XXI secolo il fenomeno sembra essersi ormai stabilizzato, se non addirittura normalizzato, dilatandosi, oltretutto, nei territori limitrofi della cultura progettuale. Del resto, non ci sarebbe neppure bisogno di tante parole per definirlo: basterebbe aver frequentato Venezia nell’ultimo ventennio per accorgersi che le Biennali di architettura somigliano sempre più alle Biennali d’arte, e quelle d’arte ricordano in misura crescente le esposizioni di design, le quali a loro volta... Ce n’è insomma abbastanza per affrontare la questione in una prospettiva più ampia, depurata da ogni tentazione didascalica e dal riferimento agli exempla più immediati, e senza peraltro rinunciare a un punto di vista squisitamente storiografico, che anzi potrebbe rivelarsi fonte di materiale prezioso. In effetti, già in partenza proprio la storia ci invita a non considerare le relazioni tra arte e architettura al di fuori del loro contesto culturale, e a vedere quindi in esse non un semplice gioco di rimandi e di reciproci rispecchiamenti formali, ma il segnale di un profondo e più generale travaglio, che va oltre le problematiche individuali per innestarsi a più complesse strategie di valori. Non sarà un caso che la vicenda dei rapporti fra arte e architettura nel nostro tempo è stata segnata, a Milano, dal passaggio della Scuola di architettura dall’Accademia di BB.AA. di Brera al neonato Politecnico, passaggio avviato da Camillo Boito nel 1865 e reso definitivo più di sessant’anni dopo. Ci fu, in questo trasferimento, il segno di una volontà di netta separazione fra i due territori, la ricerca di una sorta di riscatto della cultura progettuale, messa al riparo dal disordine dei fermenti scapigliati dell’arte e accolta nel rassicurante abbraccio della scienza e della tecnica. Ma quel lungo addio dell’architettura all’arte coincise anche con il turbolento

periodo delle avanguardie europee, prime fra tutte il Futurismo italiano ai suoi albori, con il prepotente emergere di nuovi paradigmi creativi che le travolsero entrambe. Al di là dei manifesti e dei programmi teorici, si delineò allora con pienezza una nuova sfida, vale a dire la definizione dello spazio moderno, non più inerte sottofondo di elaborate sperimentazioni formali (eclettismo, storicismo), bensì dinamico protagonista di percezioni, sensazioni, esperienze con le quali tanto la cultura artistica quanto quella progettuale dovevano fare quotidianamente i conti. Fu il Futurismo (e, in altra misura, il Cubismo) a interpretare con maggiore acutezza la novità, individuando nel dinamismo e nella velocità propri dell’età industriale la configurazione di una nuova spazialità, legata al tempo del movimento della macchina e allo scorrimento meccanico dell’esistenza. Lo spazio statico della tradizione apparve allora trasfigurato in uno spazio-tempo di cui non solo gli artisti, ma anche gli architetti (da Sant’Elia a Chiattone, da Tatlin a Tony Garnier, per non parlare di Josef Gocar e del Cubismo ceco) dovettero, ciascuno a suo modo, prendere atto, e che influì per vie sotterranee, ma incisive, sui successivi sviluppi della cultura artistica e progettuale. Da questo punto di vista, più problematico e intricato appare l’apporto dell’arte moderna ai modelli architettonici degli anni Venti e Trenta del XX secolo. Si sa che alle radici del Bauhaus è rimasto il conflitto, peraltro annoso, tra la pura creatività e il rigore progettuale, che neppure i tentativi di mediazione di Kandinskij riuscirono a risolvere. Fu però l’esperienza di De Stijl a porre la questione nella sua giusta luce, non tanto con le oscillanti affermazioni di Van Doesburg, che, dopo aver visto nella pittura “l’arte-guida” dell’architettura, proclamava che “la parola ‘arte’ non ha più nulla da dirci”, quanto con le riflessioni di Piet Mondrian, il quale, invocando una “civiltà delle pure relazioni”, insisté fino all’ultimo sulla ”unità completa” dell’opera, “che non si può stabilire chiaramente se non

ARTE E ARCHITETTURA

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Tony Garnier, Usine Métallurgique, 1917 (Musée Beaux Arts, Lyon).

con la forma neutra, la linea pura e il colore puro, a condizione che questi mezzi siano completamente assorbiti nella composizione”. Non c’è, nel Neoplasticismo, un vero e proprio punto di saldatura fra la ragione progettuale (certo non esauribile al semplice rigore tecnico, ma anzi proiettata verso precise utopie sociali) e l’energia creativa dell’arte, ma l’insistenza di Mondrian sul rigore geometrico e sulla ortogonalità dei piani e delle linee interpretò lucidamente una tendenza che fu accolta in molta parte dell’architettura moderna, fino a condensarsi, con significative distorsioni e priva di afflato ideologico, nella nebulosa etichetta dell’“International Style”, quale si configurò nella famosa mostra americana del 1932. Ma già nella seconda metà del secolo scorso i territori sempre più contigui dell’arte e dell’architettura hanno trovato un altro punto di tangenza, ovvero quello della costituzione dell’opera come pura immagine. Ciò vuol dire che l’artefatto architettonico, al pari di un’opera d’arte, viene in misura crescente considerato non attraverso la sua diretta esperienza percettiva, né con riferimento alla deriva spettacolare di

molti lavori contemporanei, bensì grazie al suo proporsi come struttura iconica, non simbolica né rappresentativa, ma fulcro di un’autonoma unità linguistica, dotata di coerenza interna e capace di farsi carico di tutte le tensioni (sociali, culturali, estetiche) che l’immediato intorno suscita in essa. Questo dato, che nel territorio dell’arte è da tempo presente, come alla fine del Novecento hanno dimostrato per un verso la polarizzazione delle ricerche (dall’Arte concettuale alla Transavanguardia) e per un altro il progressivo accostamento alla sfera della cultura progettuale (oggettualità, senso dello spazio, sperimentazione dei materiali, tecnicismo), in architettura ha introdotto una novità, dando vita a un fenomeno tradizionalmente legato alla problematica artistica, vale a dire una condizione di “insularità” dell’opera, di monumentalità assoluta, tale da rendere ogni prodotto architettonico un evento a sé, libero da ogni appartenenza a un sistema, a un contesto, o quanto meno a un principio generatore. Così negli sviluppi più recenti assistiamo al paradosso che vede nell’arte contemporanea un netto orientamento a mimetizzarsi nel tessuto sociale,

a farsi urbana, ecologica, ampiamente condivisa (Land art, Arte pubblica, Arte e natura), laddove invece l’architettura si frammenta in una serie di episodi individuali, isolati e in certo modo decontestualizzati, i cui presupposti critici vanno ricercati non più in una ideologia, in una filosofia sociale o, alla peggio, nella proposta di una teoria estetica, ma nella poetica personale del progettista, che aspira a farsi autore. È dunque su questo sfondo storico e critico che vanno collocati, per una migliore comprensione, i singoli eventi abitualmente ricordati a proposito del rapporto tra arte e architettura. Senza mai dimenticare, però, che l’architettura può essere bensì arte, ma solo nella misura in cui è arte di servizio. In ciò ci è ancora di ammonimento la celebre battuta di Claes Oldenburg, per il quale, a volte, l’unico modo di distinguere una scultura da un’architettura è quello di vedere se all’interno ci sono i gabinetti. Non so se questa osservazione possa servire per programmare le Biennali d’arte di Venezia. Per ripensare quelle di architettura (che anche dei gabinetti dovrebbero occuparsi), sicuramente sì. l’AI 109 45

Art et Architecture Le thème des rapports entre l’art et l’architecture a été amplement débattu au cours des dernières décennies dans des écrits, des expositions et des colloques. Si nous le reprenons ici, ce n’est que pour en préciser plus clairement les contours, vu que dans les années 2010, ce phénomène semble s’être stabilisé, et même normalisé, gagnant les territoires limitrophes de la culture conceptuelle. D’ailleurs, il ne faudrait même pas tant de mots pour le définir : il suffirait d’avoir fréquenté Venise lors des vingt dernières années pour s’apercevoir que les Biennales d’architecture ressemblent de plus en plus aux Biennales d’art, et que ces dernières rappellent d’une manière croissante les expositions de design qui, à leur tour... Bref, cela est suffisant pour affronter ce thème dans une perspective plus vaste, épurée de toute tentation didactique et d’une référence aux exempla les plus immédiats, sans renoncer pour autant à un point de vue purement historiographique qui pourrait se révéler une source de matériel précieux. En effet, déjà au départ, l’histoire nous invite à ne pas considérer les rapports entre l’art et l’architecture en dehors de leur contexte culturel, donc à y voir non pas un simple jeu de renvois et reflets formels réciproques mais le signal d’un labeur profond, plus général, qui va audelà des problèmes individuels pour se greffer sur des stratégies de valeurs plus complexes. Ce n’est pas un hasard si l’histoire des rapports entre l’art et l’architecture de notre temps a été marquée, à Milan, par le passage de l’Ecole d’architecture de l’Académie de BB.AA. de Brera à la néo-Ecole Polytechnique, mis en œuvre par Camillo Boito en 1865 et rendu définitif plus de soixante ans plus tard. Dans ce transfert, il y eut le signe d’une volonté de séparation nette entre ces deux territoires, à la recherche d’une sorte de rachat de la culture conceptuelle, d’une part mise à l’abri du désordre des scapigliati (ce terme italien signifie ébouriffés et correspond à

un mouvement artistique lombard de la fin du XIXe siècle, ndt) dans l’art et de l’autre accueillie dans les bras rassurants de la science et de la technique. Mais ce long adieu de l’architecture à l’art coïncida également avec la période turbulente des avant-gardes européennes, en tête du Futurisme italien à ses débuts, avec l’émergence impérieuse de nouveaux paradigmes créatifs qui bouleversèrent à la fois l’un et l’autre. Par-delà les manifestes et les programmes théoriques, un nouveau défi apparut clairement, à savoir la définition de l’espace moderne ; ce n’était plus un fond inerte d’expérimentations formelles élaborées (éclectisme, historicisme), mais un élément dynamique de perceptions, de sensations, d’expériences, avec lesquelles les cultures artistique et conceptuelle devaient avoir affaire quotidiennement. Ce fut le Futurisme (et, d’une autre manière, le Cubisme) qui interpréta la nouveauté d’une façon plus perspicace, identifiant dans le dynamisme et la vitesse propres à l’ère industrielle la configuration d’une nouvelle spatialité, liée au temps du mouvement de la machine et à l’écoulement mécanique de l’existence. L’espace statique de la tradition apparut alors transfiguré en un espace-temps dont non seulement les artistes, mais aussi les architectes (de Sant’Elia à Chiattone, de Tatlin à Tony Garnier, pour ne pas parler de Josef Gocar et du Cubisme tchèque) durent, chacun à sa façon, tenir compte, et qui influença, par des voies souterraines mais incisives, les développements successifs de la culture artistique et conceptuelle. De ce point de vue, l’apport de l’art moderne aux modèles architecturaux des années 1920 et 1930 apparaît plus problématique et plus embrouillé. On sait qu’à la base du Bauhaus il reste le conflit, par ailleurs épineux, entre créativité pure et rigueur conceptuelle, que les tentatives de médiation de Kandinsky n’arrivèrent pas non plus à résoudre. Mais ce fut l’expérience de De Stijl qui plaça le problème sous la juste lumière, non

pas tellement par les affirmations oscillantes de Van Doesburg qui, après avoir vu dans la peinture “l’art-guide” de l’architecture, proclamait que “le mot ‘art’ n’a plus rien à nous dire”, mais plutôt par les réflexions de Piet Mondrian qui, invoquant une “civilisation des pures relations”, insista jusqu’à la fin sur l’“unité complète” de l’œuvre, “qu’on ne peut établir clairement que par la forme neutre, la ligne pure et la couleur pure, à condition que ces éléments soient complètement absorbés dans la composition”. Dans le Néoplasticisme, il n’y a pas de véritable point de soudure entre la raison conceptuelle (qui ne s’épuise pas dans la simple rigueur technique, projetée au contraire vers de précises utopies sociales) et l’énergie créative de l’art ; mais l’insistance de Mondrian sur la rigueur géométrique et l’orthogonalité des plans et des lignes interpréta avec lucidité une tendance qui fut accueillie dans une grande partie de l’architecture moderne, jusqu’à se condenser, avec des distorsions significatives et sans cohésion idéologique, dans l’étiquette nébuleuse de l’“International Style”, tel qu’il se présenta dans la célèbre exposition américaine de 1932. Cependant, déjà dans la seconde moitié du siècle dernier, les territoires de plus en plus contigus de l’art et de l’architecture ont trouvé un autre point de tangence, à savoir celui de la constitution de l’œuvre comme image pure. Cela veut dire que l’ouvrage architectural, tout comme l’œuvre d’art, est considéré de façon croissante non à travers son expérience perceptive directe, ni en référence à la dérive spectaculaire de nombreuses œuvres contemporaines, mais plutôt grâce à sa structure iconique, ni symbolique ni représentative, noyau d’une unité linguistique autonome, dotée d’une cohérence intérieure et en mesure d’assumer toutes les tensions (sociales, culturelles, esthétiques) que l’entourage immédiat suscite en elle. Cette donnée, qui est présente depuis longtemps dans le domaine de l’art, comme à la fin du XXe siècle l’ont démontré, d’une part la

Giuliano Mauri, Installation, Palazzina Liberty, Milan 1976. 46 l’AI 109

polarisation des recherches (de l’Art conceptuel à la Trans-avant-garde) et, d’autre part, le rapprochement progressif à la sphère de la culture conceptuelle (aspect de l’objet, sens de l’espace, expérimentation des matières, technicisme), a introduit une nouveauté en architecture ; celle-ci a donné lieu à un phénomène traditionnellement lié à la problématique artistique, à savoir une condition d’“insularité” de l’œuvre, de monumentalité absolue, au point de rendre chaque produit architectural un événement à part, libre de toute appartenance à un système, à un contexte ou du moins à un principe générateur. C’est ainsi que, dans les développements les plus récents, nous assistons au paradoxe qui voit dans l’art contemporain une nette tendance à se camoufler dans le tissu social, à devenir urbain, écologique, amplement partagé (Land art, Art public, Art et nature), là où l’architecture se fragmente par contre en une série d’épisodes individuels, isolés et, d’une certaine façon, décontextualisés, dont les fondements critiques ne doivent plus être recherchés dans une idéologie, dans une philosophie sociale ou, pis encore, dans la proposition d’une théorie esthétique, mais dans la poétique personnelle du concepteur, qui aspire à devenir auteur. C’est donc sur ce fond historique et critique qu’il faut situer, pour une meilleure compréhension, les événements individuels habituellement rappelés à propos du rapport entre l’art et l’architecture. Toutefois, sans jamais oublier que l’architecture peut bien être un art, mais seulement dans la mesure où elle est un art de service. A ce propos, encore une fois le célèbre mot d’esprit de Claes Oldenburg est un avertissement : pour lui, la seule façon de distinguer une sculpture d’une architecture est parfois celle de voir s’il y a des toilettes à l’intérieur. Je ne sais pas si cette observation peut servir à programmer les Biennales d’art de Venise. Pour repenser celles d’architecture (qui devrait s’occuper également des toilettes), certainement si.

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1) Antonio Sant’Elia, La città nuova, 1914. 2) Vladimir Tatlin, Model for the Monument to the Third International, 1919-20. 3) Mario Chiattone, Bridge and study of Volumes, 1914. 4) Piet Mondrian, Trafalgar Square, 1939-1943. l’AI 109 47

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Art and Architecture

1) Frank O. Gehry, Fish, Barcelona 1992.

3) Miguel Arruda, Inhabitable Sculpture, Lisbon 2010.

2)Vito Acconci, City of Words, 1999.

4) Anish Kapoor, Leviathan, Monumenta Paris 2011.

Over recent years there has been plenty of written debate, exhibitions and conferences on the subject of how art and architecture are related. We are only taking up this issue here to try and clarify the boundaries of this subject, since the phenomenon seems to have settled down during the first decade of the 21st century, notably extending into the neighbouring territories of design culture. After all not much needs to be said to define matters: you only need to have visited Venice over the last 20 years to realise that the Biennials of Architecture are increasingly similar to the Biennials of Art and that the art exhibitions are increasingly similar to design shows, which in turn…. in other words, there is no lack of raw material for tackling this issue in a broader perspective, steering clear of any temptation to adopt a didactic approach or to merely refer to the most obvious examples, without however giving up on the idea of adopting an exquisitely historiographic viewpoint, which might indeed provide some invaluable insight. Right from the start, however, history itself suggests we should not consider how art is related to architecture outside their own specific cultural bounds, seeing in them not just a simple interplay of references and reciprocal stylistic 48 l’AI 109

reflections, but the sign of a deeper and more general malaise that goes beyond individual issues into more complex strategies of values. It is no coincidence that the question of relations between art and architecture in our age was marked in Milan by the BB.AA. Academy’s School of Architecture in Brera being transferred to the newly founded Polytechnic, a process set underway by Camillo Boito in 1865 and finalised over sixty years later. This transfer demonstrated a desire to clearly separate these two realms, an attempt to inject fresh impetus into design culture by safeguarding it from the disorder of all the wildly bubbling ferment in the world of art and accommodating it in the reassuring embrace of science and technology. But this long farewell between architecture and art coincided with the tumultuous period of the European avant-gardes, first and foremost Italian Futurism in its earliest days with the powerful emergence of new creative paradigms that overwhelmed both these realms. Alongside theoretical programmes and manifestoes, a new challenge came to the fore or, in other words, the need to define modern space, no longer just the inert substratum of elaborate formal experimentation (eclecticism, historicism), but a dynamic source of perceptions, sensations

and experiences that both art and design had to come to terms with on a daily basis. It was actually Futurism (and, to a different extent, Cubism) that interpreted this novelty most poignantly, identifying in the dynamism and speed of the industrial age the configuration of a new notion of space linked to the pace of the motions of machinery and mechanical unfolding of life. Back then the static space of tradition seemed to have been transfigured into space-time, which not only artists but also architects (from Sant’Elia to Chiattone, from Tatlin to Tony Garnier, not to mention Josef Gocar and Czech Cubism) had to take into account, each in their own way, and which influenced subsequent developments in artistic and design culture in subterranean but highly incisive ways. From this point of view, modern art’s contribution to the architectural styles of the 1920s-30s seems to be more tricky and elaborate. It is widely accepted that the (incidentally age-old) conflict between pure creativity and design rigour lay at the roots of the Bauhaus Movement and not even Kandinsky’s intervention could solve this dilemma. But it was the De Stijl movement that managed to really pose the question in its proper light, not so much through the wavering claims

Giuliano Mauri, Cattedrale Vegetale, Arte Sella, Malga

of Van Doesburg, whom, after discovering the “artistic guide” to architecture in painting, claimed that “the word ‘art’ no longer has anything to say”, but rather Piet Mondrian’s thoughts, who, by invoking a “civilisation of pure relations”, insisted right to the very end on the “absolute unity” of a work of art, “which cannot be clearly established except through neutral form, pure lines and pure colour, provided that these means are totally absorbed into the composition”. In Neo-plasticism there is no real point of juncture between design thinking (that certainly cannot be confined to just mere technical rigour and, indeed, must be projected towards definite social utopias) and the creative energy of art, but Mondrian’s insistence on geometric precision and orthogonal planes and lines was a clear-sighted interpretation of a tendency embraced by much of modern architecture, until it was eventually earmarked (with significant distortions but without ideology aspirations) under the rather vague label of the “International Style”, as set down at the famous American exhibition held in 1932 The neighbouring realms of art and architecture had already found another point of tangency in the latter half of the 20th century or, in other words, the conception of a work as pure image.

This means that an architectural artefact, just like a work of art, is increasingly assessed not so much through direct perceptual experience or reference to the spectacularity of many modern-day works, but rather thanks to its status as an iconic structure, not symbolic or representative but a hub of independent linguistic unity with its own internal consistency and capable of taking on all the tensions (social, cultural, aesthetic) deriving from its immediate surroundings. This fact, which has always been present in art, as demonstrated at the end of the 20th century on one hand by the polarisation of research (from Conceptual Art to the Transavantgarde Movement) and on the other by its gradual progression towards the realm of design culture (object-relatedness, sense of space, experimentation with materials, technicality), brought about a real innovation in architecture, introducing a phenomenon traditionally associated with artistic issues, i.e. the “isolated nature” of a work, its absolute monumentality, enough to make an architectural product an event in itself, no longer belonging to any system, setting or, even less so, generating principle. And so recent developments have allowed us to witness the paradox according to which contemporary art is clearly tending to camouflage

itself in the social fabric, becoming more urbane, ecological and widely shared (Land Art, Public Art, Art and Nature), whereas architecture, on the other hand, is being broken down into a sequence of isolated and in some sense, decontextualized events, whose critical grounding can no longer be found in some ideology, social philosophy or, worse still, idea for a theory of aesthetics, but rather in it the architect’s own personal poetics as he or she aspires to the status of “author”. And so it is against this historical and critical backdrop that the individual events usually referred to in connection with the relationship between art and architecture need to be set, in order to understand them better. Without ever forgetting, however, that architecture can indeed be art, but only to the extent it is an art at people’s service. A regards this matter, we should still take heed of Claes Oldenburg’s famous quip, according to whom, sometimes, the only way to distinguish a sculpture from a piece of architecture is to find out whether there are toilets inside. I do not know whether this remark might help plan Venice Biennials of Art, but it would certainly be useful for rethinking the Biennials of Architecture (which should also look after their toilets). l’AI 109 49

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“L’imagination est le début de la création. On imagine ce qu’on désire, on veut ce qu’on imagine et, enfin, on crée ce qu’on veut”.

“L’immaginazione è l’inizio della creazione. Si immagina ciò che si desidera, si vuole ciò che si immagina e, infine, si crea ciò che si vuole”. “Imagination is the beginning of creation. You imagine what you desire, you will what you imagine, and at last, you create what you will”. George Bernard Shaw in The Serpent, in Back to Methuselah, Part I, Act I (1921)

GEORGE BERNARD SHAW

George Bernard Shaw (26 Juillet 1856-2 Novembre 1950) a été un dramaturge irlandais et cofondateur de la London School of Economics. Il était également essayiste, romancier et écrivain de récits. Presque tous ses écrits affrontent les problèmes sociaux prééminents, mais ont une veine comique qui adoucit la dureté des thèmes traités. Parmi les problèmes ayant attiré l’attention de Shaw, l’instruction, le mariage, la religion, le gouvernement, l’assistance sanitaire et le privilège de classe. C’est la seule personne qui a obtenu aussi bien un prix Nobel pour la littérature (1925) qu’un Oscar (1938), respectivement pour sa contribution à la littérature ainsi qu’au film Pygmalion (adaptation de son texte théâtral homonyme).

George Bernard Shaw (26 luglio 1856-2 novembre 1950) è stato un drammaturgo irlandese e cofondatore della London School of Economics. Era anche un saggista, romanziere e scrittore di racconti. Quasi tutti i suoi scritti affrontano i problemi sociali preminenti, ma hanno una vena di comicità che ammorbidisce la durezza dei temi trattati. Tra i problemi che hanno attratto l’attenzione di Shaw ci sono l’istruzione, il matrimonio, la religione, il governo, l’assistenza sanitaria, e il privilegio di classe. E’ l’unica persona ad aver ottenuto sia un premio Nobel per la letteratura (1925) che un Oscar (1938), rispettivamente per i suoi contributi alla letteratura e per il suo contributo al film di Pigmalione (adattamento del suo testo teatrale omonimo).

George Bernard Shaw (26 July 1856 - 2 November 1950) was an Irish playwright and a co-founder of the London School of Economics. He was also an essayist, novelist and short story writer. Nearly all his writings address prevailing social problems, but have a vein of comedy which makes their stark themes more palatable. Issues which engaged Shaw’s attention included education, marriage, religion, government, health care, and class privilege. He is the only person to have been awarded both a Nobel Prize in Literature (1925) and an Oscar (1938), for his contributions to literature and for his work on the film Pygmalion (adaptation of his play of the same name), respectively.

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2010

GRAN CASINO COSTA BRAVA LLORET DE MAR, SPAIN b720 Fermín Vázquez Arquitectos Credits Project: b720 Fermín Vázquez Arquitectos (www.b720.com) Project Team Competition: Fermín Vázquez, Sebastián Khourian, Juan Pablo Porta, Markus Jacoby, Paulo Moreira Project: Fermín Vázquez, Peco Mulet, Sebastián Khourian, Juan Pablo Porta, Andrés Gorini, Nicolás Perfumo, Leonardo Novelo, Giusy Ottonelly, Valeria Merola, Ana Vicente-Arche, Paulo Moreira, Zelia Costa Alvés, Carles MartínezAlmoyna, Laura Marticorena Interior Design: David Pablo, Zelia Costa Alvés, Gaëlle Lauxerrois, Anaïs Blanc, Sandra Palou, Diana Singla 3D Images: Oriol Roig, Magdalena Ostornol, Iván Arellano Models: Miquel Lluch, Omar Vejar and Ángel Gaspar Visual Design: Alessandro Zanchetta Structural engineers: BOMA Services engineers: JG Asociados Quantity surveyor: Tècnics G3 Lighting engineer: Artec3 Landscape architect: Arquitectura Agronomía Building contractor: Proinosa Client: Gran Casino Costa Brava Photos: Adrià Goula, Wenzel Location: Historic Gardens Grand Hotel Monterrey Av. de la Vila de Tossa 27-43 Lloret de Mar, Spain Gross floor area: 31.123,38 m2 (14.830 m2 bgl and 16.293,38 m2 agl) Casino gross floor area: 3.660 m2 Hall gross floor area: 3.478 m2

L’édifice est réparti sur trois niveaux nettement différenciés qui s’intègrent au milieu environnant. Les plans inclinés des façades sont en béton armé coloré et planches de pin assemblées. Le niveau où se trouve l’espace polyvalent est délimité par une série de plans coupés en béton qui évoquent le mouvement tectonique du terrain d’où ils émergent. Le toit-jardin peut accueillir des manifestations en plein air. Les plans inclinés s’ouvrent sur une structure en treillis confinant avec le foyer, ayant une façade qui attribue une identité singulière au Casino 52 l’AI 109

grâce à un système d’éclairage numérique. Cet éclairage multimédia, en mesure de reproduire des images en mouvement, se compose de lumières à LEDs contrôlées par un système centralisé et un logiciel spécifique qui crée des effets de lumière spéciaux selon les activités se déroulant à l’intérieur. Le design de l’intérieur est défini par des couches ayant des valeurs décoratives distinctes. Le sol est une surface continue en moquette à poil court de couleurs différentes, associées à l’activité exercée dans chaque zone. Cet étage est entouré d’un fond (de 2,1 m de hauteur) recouvert de tissus différents, avec des bandes verticales de miroirs biseautés en bronze, de verre noir, de bronze et une terrasse dans les tons noir et sable. Au-dessus de ce niveau, il y a une bande horizontale plus neutre rétroéclairée par des lumières de grandes dimensions qui délimitent clairement la zone restaurant et l’espace night club. Enfin, l’éclairage au plafond dans la salle de jeu crée un impact visuel surprenant. Une lumière dorée, tamisée, émane d’une structure entrelacée qui est l’élément décoratif caractérisant particulièrement cet espace.

L’edificio è suddiviso in tre livelli chiaramente differenziati che si integrano all’ambiente circostante. I piani inclinati delle facciate sono di cemento armato colorato e assi di pino accoppiate. Il livello che ospita lo spazio polifunzionale è delimitato da una serie di piani spezzati di cemento che evocano il movimento tettonico del terreno da cui emergono. Il tetto-giardino può ospitare eventi all’aperto. I piani inclinati si aprono in una struttura a traliccio che confina con il foyer, con una facciata che conferisce un’identità singolare al Casino grazie a un sistema di illuminazione digitale. Questa illuminazione multimediale, in grado di riprodurre immagini in movimento, è composta da luci a LED controllate da un sistema centralizzato e da un software specifico che crea effetti speciali di luce in base alle attività che si svolgono all’interno. Il design dell’interno è definito da strati con valori decorativi distinti. Il pavimento è una superficie continua di moquette a pelo corto in diversi colori abbinati all’attività svolta in ciascuna zona. Questo piano è

circondato da uno sfondo (alto 2,1 m) ricoperto in tessuti differenti con bande verticali di specchi smussati di bronzo, vetro nero, bronzo, e terrazzo nei toni nero e sabbia. Sopra questo livello c’è una fascia orizzontale più neutra retroilluminata con luci di grandi dimensioni che delimitano chiaramente la zona pranzo e lo spazio discoteca. Infine, l’illuminazione a soffitto nella sala da gioco determina un impatto visivo sorprendente. Una luce dorata diffusa emana da una struttura intrecciata che è l’elemento decorativo che più caratterizza questo spazio. The building is divided into three clearly differentiated levels that are integrated in the surrounding environment. The inclined planes of the façades are made of integrally coloured reinforced concrete formed using tongue-and-groove pine boards. The floor that houses the multipurpose space is delimited by a series of broken concrete planes that evoke the tectonic movement of the ground from which they rise. The landscaped roof can stage outdoor events. The planes open onto a lattice structure that borders the foyer space, through a façade that confers a singular identity on the casino thanks to a system of digital lighting. This multimedia illumination, which can reproduce moving images, comprises LED lights controlled by a centralised system and specific software that creates special light effects according to the activities taking place inside. The interior design is defined by a number of strata with distinct decorative values. The floor is a continuous surface of low-pile carpeting in different colours to match the activity carried out in each area. This plane is surrounded by a background (reaching to a height of 2.1 m) covered in different fabrics with vertical bands of bronze bevelled mirrors, black glass, bronze, and terrazzo in black and sand tones. Above this level there is a more neutral horizontal band with large backlights that clearly demarcate the dining area and the nightclub space. Finally, hanging lighting in the gaming room makes a striking visual impact. Diffuse golden light emanates from a criss-cross structure that is the crowning decorative feature of this space.

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THE LONDON BRIDGE/SHARD TOWER LONDON Renzo Piano Building Workshop

Credits Project: Renzo Piano Building Workshop (www.rpbw.com) in collaboration with Adamson Associates Phase One (Planning Application), 2000-2003 Design team: J. Moolhuijzen (partner in charge), N. Mecattaf, W.Matthews with D.Drouin, A.Eris, S.Fowler, H.Lee, J.Rousseau, R.Stampton, M.van der Staay and K.Doerr, M.Gomes, J.Nakagawa, K.Rottova, C.Shortle; O.Aubert, C.Colson, Y.Kyrkos (models) Consultants: Ove Arup & Partners (structure and services); Lerch, Bates & Associates (vertical transportation); Broadway Malyan (consulting architect) Phase Two, 2004-2012 Design team: J. Moolhuijzen, W.Matthews (partner and associate in charge), B.Akkerhuis, G.Bannatyne, E.Chen, G.Reid with O.Barthe, J.Carter, V.Delfaud, M.Durand, E.Fitzpatrick, S.Joly, G.Longoni, C.Maxwell-Mahon, J.B.Mothes, M.Paré, J.Rousseau, I.Tristrant, J.Winrow and O.Doule, J.Leroy, L.Petermann; O.Aubert, C.Colson, Y.Kyrkos (models) Consultants: WSP Cantor Seinuk (structure); Ove Arup & Partners (building services); Lerch, Bates & Associates (vertical transportation); Davis Langdon (cost consultant); Townshend Architects (landscape); Pascall+Watson (executive architect for the station) Client: Sellar Property Group Location: 32 London Bridge Street, Southwark, London, UK Website: www.the-shard.com Height: 306m / 72 Public floors / 87 total Gross Floor Area: 126,712 m² Offices – Levels 4-28 : 55,277 m² Restaurant – Levels 31-33: 2,608 m² Hotel – Levels 34-52: 17,562 m²– 200 Rooms leased to Shangri-La Hotels Residential – Levels 53-65: 5,788 m² – 10 apartments Viewing gallery – Levels 68-72: 1,391 m² Car Parking – 48 spaces in car stacking machine Lifts – 44 lifts + 8 escalators

La London Bridge Tower, connue également comme Shard, est une tour multifonctionnelle de 72 étages, située entre la gare de London Bridge et la rive sud de la Tamise. Son aspect pyramidal élancé convient à la variété de ses fonctions : à la base, les étages les plus vastes sont des bureaux ; dans la partie centrale, des espaces publics et un hôtel ; au sommet, des appartements. Dans les derniers espaces publics, entre les niveaux 68 et 72, se trouve une galerie panoramique à 240 m au-dessus du niveau de la rue. Au-dessus, le “Shard” atteint les 306 m. Huit éclats de verre définissent la forme et la qualité esthétique de la tour. La double façade passive présente des vitres, munies d’un système mécanisé de brisesoleil enroulables dans la cavité intermédiaire. Les ouvertures dans les “fractures” entre les éclats permettent la ventilation naturelle des jardins d’hiver à l’intérieur, qui peuvent servir de salles de réunions ou d’espaces de relaxation pour les bureaux ou encore comme jardins aux étages résidentiels. Le principal élément structurel est le noyau central incliné en béton, où se trouvent les monte-charges de service, les ascenseurs et les escaliers de secours. Un total de 44 ascenseurs simples ou doubles relie les fonctions principales avec les diverses entrées au niveau de la rue aussi bien que de la gare. Le projet comprend également la requalification de l’accès à la gare de chemin de fer et à celle des autobus.

La London Bridge Tower, nota anche come Shard, è una torre a uso misto di 72 piani situate tra la stazione London Bridge e il Southbank sul Tamigi. La forma piramidale slanciata si adatta alla varietà di uso: alla base, i piani più ampi per gli uffici; nella parte centrale, aree pubbliche e un albergo; in cima, appartamenti. Gli ultimi piani pubblici, tra i livelli 68 e 72, ospitano una galleria panoramica a 240 m sopra il livello della strada. Al di sopra, “la scheggia”arriva fino a un’altezza di 306 m. Otto schegge di vetro definiscono la forma e la qualità estetica della

torre. La doppia facciata passiva usa vetri a basso contenuto di ferro, con un sistema meccanizzato di frangisole avvolgibile nella cavità intermedia. Le aperture nelle “fratture” tra le schegge aperture consentono la ventilazione naturale ai giardini d’inverno all’interno, che possono essere usati come sale riunioni o aree relax per gli uffici o come giardini ai piani residenziali. L’elemento strutturale principale è il nucleo centrale di cemento inclinato che contiene i montacarichi di servizio, gli ascensori e le scale di sicurezza. Un totale di 44 ascensori singoli o doppi collega le funzioni principali con i diversi ingressi a livello sia della strada che della stazione. Il progetto include anche la riqualificazione dell’accesso alla stazione ferroviaria e a quella degli autobus. London Bridge Tower, which is also known as the Shard, is a 72 storey mixed use tower located besides London Bridge Station on the south bank of the river Thames. The slender pyramidal form is suited to the variety of uses proposed: large floor plates for offices at the bottom, public areas and a hotel in the middle, apartments at the top. The final public floors, levels 68-72, accommodate a viewing gallery 240 m above street level. Above, the shards continue to 306 m. Eight glass shards define the shape and visual quality of the tower. The passive double façade uses low-iron glass throughout, with a mechanised roller blind in the cavity providing solar shading. In the “fractures” between the shards opening vents provide natural ventilation to winter gardens. These can be used as meeting rooms or break-out spaces in the offices and winter gardens on the residential floors. The main structural element is the slip formed concrete core in the centre of the building. It houses the main service risers, lifts and escape stairs. A total of 44 single and double-deck lifts link the key functions with the various entrances at street and station concourse level. The project also includes the redevelopment of the train station concourse and bus station. l’AI 109 61

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Michel Denancé

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Skyscrapercity

Skyscrapercity

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VILLA “LA MENALUNA” FINALE LIGURE, ITALY Viviana Riccato con Studio Riccato Virano e LVM Studio Associato

Credits Architectonic Project and Works Management: Viviana Riccato con Studio Riccato / Virano e LVM Studio Associato (www.studiolvm.com) Structures: Mario Granata SAP Studio Engineering Plants: PRODIM Progettazione di Impianti –Rapetti Construction: Impresa F.lli Buscieti Inox and Metalworks: C.G.R. Carpenterie Generali Rasero with the specialistic collaboration for inox of Gerich External Frameworks: Skyline (with Shüco) Electrical, PV and Safety Plants: LA EMME di. Antonucci Michele Hydraulic and Thermo-Sanitary Plants: Fanuzza Paolo Greenery: Gaetano Puglisi Roofing: Rehinzink – (installed by Galavotti) Lift: DomusLift - IGV Group External Lighting: Bega Internal Floors and Mosaics: Cigna Ceramic Carpets and Lava Tiles: Madeamano Aegean White Marble: EL-TI – Lavorazione Marmi e Graniti Glass Floors: Ferrara, Seves Vetri pedonabili Glass Railing and Mirrors: Bi Vetro External Wooden Floor: Denaldi Architetture in Legno External Luserna Stone Floor: Euromarmi External Cladding with Giandolino Stone: Morina Pietre Furniture: Durante Arredamenti Doors and Partitions: Fornengo Ergofocus Fireplace: FOCUS Client: Private Photos: David Vicario

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“Menaluna” : c’est ainsi que les maîtres d’ouvrage du projet appellent leur résidence secondaire à Finale Ligure, s’inspirant du toponyme de la colline morainique turinoise où ils vivent, aux pieds du Musée d’Art Contemporain de Rivoli, mais avec de subliminales nostalgies procheorientales du phonème auquel est sensible celui qui, comme eux, a subi l’exode de Lybie dans les années 70, tout en gardant et en développant des liens de plus en plus forts de culture entrepreneuriale avec la Mediterranée. Ce projet est une intervention de restructuration d’une maison des années Soixante-dix ; il s’inspire de deux principaux critères : d’une part, la réinvention de l’espace extérieur comme nouvelle conception du paysage naturel et le renouvellement de son accessibilité pour une utilisation plano-altimétrique plus libre des surfaces vertes et pour une vie en plein air sans solution de continuité, comprenant des jardins, balcons, terrasses et zones dallées couvertes et découvertes ; d’autre part, l’interprétation de l’espace intérieur comme “new domestic landscape” axé sur le rôle conceptuel de la lumière (naturelle et artificielle). Par le rehaussement de la couverture au moyen d’une structure en acier, on a réalisé un étage en plus et, par la création d’une passerelle piétonne en forme de pont de presque 5 m allant de la rue à l’édifice, on a configuré l’accès à la maison directement sur le toit, avec une distribution verticale successive descendant sur trois niveaux donnant l’un sur l’autre autour d’un volume creux de 10 mètres environ, parcouru sur toute sa hauteur par un chemin suspendu, pour l’usage résidentiel hivernal. Dans ce vide, il y a une échelle ayant une structure en acier inox, suspendue au toit par des tirants, avec des marches, des paliers et des chemins en pavés de verre. Là où les sols ne sont pas en verre sur treillis inox, il y a le blanc uniformisant du marbre statuaire de l’Egée avec l’intégration de grands “tapis de céramique”, décorée comme des azulejos modernes, rendant hommage à la sensibilité méditerranéenne/ proche-orientale des maîtres de céans, de même que les revêtements analogues dans les chambres à coucher et l’usage de mosaïques polychromes dans les salles de bains.

“Menaluna” : così i committenti del progetto chiamano questa loro casa di vacanza a Finale Ligure, mutuando il nome dal toponimo della collina morenica torinese in cui vivono, ai piedi del Museo d’arte Contemporanea del Castello di Rivoli, ma con subliminali nostalgie mediorientali del fonema a cui è sensibile chi, come loro, ha subito l’esodo dalla Libia negli anni ’70, mantenendo però, e sviluppando nel tempo, legami sempre più forti di cultura imprenditoriale con tutta l’area mediterranea e nordafricana. Il progetto è un intervento di ristrutturazione di una casa degli anni Settanta e si ispira a due criteri principali: da un lato la reinvenzione dello spazio esterno come ridisegno del paesaggio naturale dell’area e rinnovo della sua accessibilità per una più libera fruizione planoaltimetrica delle superfici verdi e per la vita en plain air senza soluzione di continuità tra giardini , balconi, terrazzi e zone pavimentate coperte e scoperte; dall’altro l’interpretazione dello spazio interno come “new domestic landscape” imperniato sul ruolo progettuale della luce (naturale ed artificiale). Con l’innalzamento della copertura con una struttura in acciaio si è realizzato un piano in più e, con la creazione di una passerella pedonale a ponte di quasi 5 metri dalla strada all’edificio, si è configurato l’accesso alla casa direttamente sul tetto con una successiva distribuzione verticale a scendere su tre livelli che si affacciano l’uno sull’altro intorno a un volume cavo di circa 10 metri, percorso per tutta la sua altezza da un camino sospeso per l’ uso residenziale invernale. In questo vuoto si sviluppa una scala, a struttura in acciaio inox, appesa con tiranti al tetto, con gradini, pianerottoli e camminamenti in mattonelle di vetro. Dove i pavimenti non sono di vetro su reticolo inox, c’è il bianco uniformante del marmo statuario dell’Egeo con l’inserto di grandi “tappeti di ceramica” decorata come moderni azulejos che rendono omaggio alle sensibilità mediterraneo-mediorientali dei padroni di casa così come gli analoghi rivestimenti nelle camere da letto e l’uso dei mosaici policromi nei bagni.

“Menaluna” is the name the clients have given to this holiday home in Finale Ligure, playing on the actual name of the morenic Ligurian hill they live at the foot of Castello di Rivoli Contemporary Art Museum, adding subliminal nostalgic middleeastern phonemic reverberations of great significance to people like them, who were subjected to the exodus from Libya in the 1970s, but who, nevertheless, have maintained and developed increasingly powerful business links with the entire Mediterranean and North African area. The project involves the restructuring of a 1970s house and works along two main guidelines: on one hand, the reinventing of outside space by redesigning the area’s natural landscape and making it more accessible, so that the green areas and outdoor living spaces can be used more freely in a seamless flow between the gardens, balconies, terraces and covered/uncovered paved areas; on the other hand, interpreting the interior space as a new domestic landscape hinging around the design function of light (natural and artificial). Raising the roof by means of a steel structure has created an extra level and, by creating a bridge-style pedestrian path extending almost 5 metres from the road to the building, the house can now be entered directly from the roof. It then descends down three levels facing onto each other around a hollow structure measuring approximately 10 metres with a suspended chimney extending along its entire length for residential use in winter. This space also accommodates a stairway with a stainless steel structure attached to the roof by tie-rods with steps, landings and passageways made of glass bricks. Where the floors are not made of glass over a stainless steel frame, everything is made of uniformly white Aegean marble with large “ceramic rugs” inserted decorated with modern azulejos paying tribute to the Mediterranean-Middle Eastern sensibility of the house owners, as do the similar claddings in the bedrooms and the use of multicoloured mosaics in the bathrooms.

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2011

GLASS HOUSE FOR DIVER ETAJIMA-SHI, HIROSHIMA, JAPAN Tetsuya Nakazono / naf architect & design, Sojo University

Credits Architects: Tetsuya Nakazono / naf architect & design (naf-aad.com), Sojo University Engineer: Kenji Nawa / NAWAKENJI-M Site area: 442.00 m2 Building area: 104.46 m2 Total floor area: 97.26 m2 Design period: December, 2008 – April, 2010 Construction period: May, 2010 – August, 2011 Photographer: Toshiyuki Yano

La construction se base sur un simple système de blocs de 1x1x1,5 m empilés les uns sur les autres pour constituer une structure semblable à celle d’un brise-lames. Ces grands blocs de béton sont réalisés dans une usine à Etajima City, Hiroshima, à de tout petits prix car, pour les fabriquer, on utilise les déchets d’usinage du béton avec lequel on réalise des murs de contention ou des ancrages pour les plates-formes des élevages d’huîtres. La construction de l’édifice n’a donc pas obéi à un calendrier standard, mais, pour procéder aux travaux, on a attendu qu’il y ait une quantité de blocs de béton adéquate : une “slow architecture”, plutôt ridicule dans notre monde du bâtiment contemporain. La surface des blocs est sillonnée d’entailles permettant aux grues de les soulever. Les blocs sont superposés en suivant la ligne verticale de ces sillons; entre l’un et l’autre, on a introduit des renforts en acier afin d’assurer leur résistance aux tremblements de terre. La méthode d’empilement compose des variations et des intervalles, de sorte qu’à certains endroits il y a des ouvertures et des passages pour faciliter la vue et 76 l’AI 109

le flux du vent, et dans d’autres, des fermetures pour obtenir un espace privé. L’espace intérieur est fermé non seulement par la structure des blocs mais aussi par des parois et une couverture transparente. Les blocs ne sont pas abrités par la couverture ; par conséquent, les rayons solaires peuvent se refléter sur eux et filtrer à l’intérieur. En outre, différentes espèces de plantes et de fleurs grimpantes ont été plantées le long des blocs, ce qui transformera la structure semblable à un brise-lames en une sorte de colline verdoyante.

La costruzione si basa su un semplice sistema di blocchi di 1.0x1.0x1.5 m accatastati uno sull’altro a costituire una struttura simile a quella di un frangiflutti. Questi grandi blocchi di cemento sono realizzati in un cementificio a Etajima City, Hiroshima, a prezzi molto bassi in quanto per farli si utilizzano gli scarti di lavorazione del cemento con cui si realizzano muri di contenimento o ancoraggi per le piattaforme delle locali coltivazioni delle ostriche. La costruzione dell’edificio, dunque, non si è basata su una tempistica standard, bensì per procedere coi lavori si è atteso che ci fosse una adeguata disponibilità di blocchi di cemento a disposizione: una “slow architecture”, percepita come abbastanza ridicola nel mondo edilizio contemporaneo. La superficie dei blocchi è solcata dai tagli necessari a consentirne il sollevamento con le gru. I blocchi sono sovrapposti seguendo la linea verticale di questi solchi e tra uno e l’altro sono stati inseriti rinforzi di acciaio per assicurare la resistenza ai terremoti. Il metodo di accatastamento è impostato in modo da comporre variazioni e intervalli cosicché in alcuni punti ci sono aperture e passaggi per favorire la visuale e il flusso del vento e in altri chiusure per la privacy. Lo spazio interno è racchiuso, oltre che dalla struttura dei blocchi, da pareti e da una copertura trasparenti. I blocchi non sono riparati dalla

copertura, perciò i raggi del sole possono riflettersi su di loro e filtrare all’interno. Inoltre, varie specie di piante e fiori rampicanti sono stati piantati lungo i blocchi, il che modificherà la struttura simile a un frangiflutti in una sorta di collina verdeggiante. The building is based on a simple system of stacking large concrete blocks of 1.0x1.0x1.5 m like building blocks on top of one another to make a structure with big undulation like breakwater or wavedissipating blocks. These large concrete blocks are manufactured at any cement factory in Etajima city, Hiroshima, at a very low price as excess cement is reused and often used for surface of retaining wall or anchors of rafts for cultured oysters. The construction of this building was not based on the time schedule, as in standard construction progress, but waited for the stock of large concrete blocks to continue the work; a “slow architecture” perceived ridiculous in modern construction work. Groove is cut on the surface of these blocks to have them lifted by cranes. By stacking blocks to make vertical line of this groove, reinforcing steel can be placed through the blocks to secure quake resistance. This method of stacking is made standardized to give variation of direction and intervals; at a place giving view and making passage of the wind and at another place securing the privacy. Overall composition of the building consists of roof and transparent glass to enclose interior space with the concrete block structure. There is no roof over the concrete blocks. Therefore rays of the sun pour over the blocks, and the reflection of the light shines inside the house. Furthermore, vines of various flowers will be planted along the block, changing breakwater-like structure to a hill of flower and greenery in the future.

Deformed bar D -22 L=2,650 Deformed bar D -19 L=1,650 1

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Deformed bar D -22 L=350 Cast-in-place concrete only this block 3 Système de construction fait de grands blocs de ciment (1x1x0,5 m) présentant des rainures en surface et réalisés avec des restes de production. Des renforcements en acier peuvent facilement être insérés dans la rainure verticale entre les blocs empilés pour obtenir une structure asismique.

Sistema costruttivo fatto di grandi blocchi di cemento (1x1x0.5 m), realizzati solo con scarti di produzione, con solchi lungo la loro superficie. Rinforzi di acciaio possono essere facilmente inseriti attraverso il solco verticale tra i blocchi accatastati, realizzando una struttura antisismica. Masonry construction system of large concrete blocks (1x1x0.5 m), manufactured with excess concrete only and having grooves on their surface. Reinforced steel may be placed easily through the blocks by using the vertical groove of stacked concrete blocks, realizing anti-seismic structure.

4

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1) Toit: Tôle ondulée/Lamiera grecata 2) Poutre/Trave 3) Poutre en biais/Trave diagonale 4) Mur extérieur/Muro esterno 5) Structure en grands blocs de ciment Costruzione muraria di grandi blocchi di cemento

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L’édifice se compose d’une couverture et de parois en verre qui délimitent l’espace, outre les blocs de ciment sus-mentionnés. Ces blocs n’étant pas couverts par le toit renvoient les rayons du soleil qui glissent sur eux et éclairent l’intérieur de la maison. En outre, des fleurs et des plantes grimpantes ont été plantés le long des blocs, structure qui de brise-lames actuel deviendra colline verdoyante.

La composizione generale dell’edificio consiste di un tetto e di vetro trasparente che racchiudono lo spazio, oltre ai succitati blocchi di cemento. I blocchi non sono coperti dal tetto, così i raggi del sole scivolano su di essi e riflettono la luce all’interno della casa. Inoltre, lungo i blocchi sono stati piantati vari fiori e rampicanti che renderanno questa struttura, ora simile a un frangiflutti, una collina verdeggiante. Overall composition of the building consists of roof and transparent glass to enclose interior space with the aforementioned concrete block structure. There is no roof over the concrete blocks, therefore rays of the sun pour over them, and the reflection of light shines inside the house. Furthermore, vines of various flowers will be planted along the blocks, changing breakwater-like structure to a hill of flowers and greenery in the future. l’AI 109 79

Alluminio: una storia naturale e artificiale Aluminium : une histoire naturelle et artificielle Aluminium: a natural and artificial history L’alluminio è di gran lunga il più giovane tra i metalli di uso industriale, essendo stato prodotto per la prima volta su larga scala industriale poco più di 100 anni fa. Come altri metalli l’alluminio esiste in natura solo sotto forma di composto; deriva il suo nome da Alum, più tardi allume, un solfato di alluminio conosciuto e utilizzato sin dall’antichità per la preparazione di tinture e medicinali.

L’aluminium est de loin le plus jeune des métaux à usage industriel, produit pour la première fois sur une grande échelle industrielle il y a un peu plus d’un siècle. Comme d’autres métaux l’aluminium n’existe dans la nature que sous forme de composé. L’aluminium tire son nom d’Alum, plus tard Alun, un sulfate d’aluminium utilisé dès l’antiquité pour teintures et médicaments.

Aluminium is by far the most recently discovered of the metals used for industrial purposes, since it was only manufactured on an industrial scale for the first time just over 100 years ago. Like other metals, aluminium only exists in nature as a compound. The word aluminium comes from Alum, later known as ‘allume’, an aluminium sulphate used since ancient times for preparing dyes and medicines.

La “scoperta” dell’alluminio risale al 1807 quando il chimico inglese Sir Humphrey Davy (17781829) ipotizzò che l’“alum” fosse il sale di un metallo ancora sconosciuto a cui diede il nome di “alumium”, successivamente modificato in “aluminium”. Il tentativo di Davy di ottenere l’alluminio attraverso un processo di elettrolisi di una soluzione di ossido di alluminio e potassa non diede, però, esiti positivi. Solo nel 1825 il fisico danese Hans Cristian Oersted riuscì a produrre alcune gocce di alluminio, tramite l’applicazione di una fonte di calore ad un amalgama di potassio e alluminio. Le ricerche furono proseguite in Germania da un suo discepolo, Freidirich Wohler, che dimostrò molte delle proprietà del metallo, tra cui la sua leggerezza. Fu questa scoperta ad animare il mondo scientifico e ad attrarre maggiori fondi per la ricerca. Nel 1854, il francese Henri Sainte-Claire Deville sviluppò un complesso processo termo-chimico che permetteva una limitata produzione industriale. Tuttavia il processo, diffuso in tutta Europa, era estremamente costoso e rendeva il metallo addirittura più caro dell’oro. Nonostante i miglioramenti conseguiti nel tempo, il metodo usato non consentiva la produzione industriale. Occorre arrivare al 1886 perché l’americano Charles Martin Hall e il giovane scienziato francese Paul Heroult, scoprissero contemporaneamente, seppur in modo indipendente, il primo processo di fusione elettrolitica per la produzione di alluminio metallico dall’allumina. Le casualità non finiscono qui: i due scienziati erano nati lo stesso anno, brevettarono insieme le loro scoperte e morirono lo stesso anno! Il loro metodo consentì la realizzazione di elevati quantitativi di alluminio a basso costo dati anche gli enormi progressi avvenuti nella produzione di energia elettrica. Il metodo di Hall-Heroult è ancora oggi il sistema utilizzato per la produzione ed è stato migliorato dalle successive scoperte, quale quella dell’austriaco Karl Bayer, che nel 1888 brevettò la tecnica per l’estrazione dell’ossido di alluminio dalla bauxite. La storia dell’alluminio, tuttavia, non finisce qui poiché ancora oggi continuano la ricerca e la scoperta di nuove applicazioni di questo metallo.

La “découverte” de l’aluminium remonte à 1807, lorsque le chimiste anglais Sir Humphrey Davy (1778-1829) supposa que l’“alum” était le sel d’un métal encore inconnu auquel il donna le nom d’“alumium”, transformé par la suite en “aluminium”. Toutefois, la tentative de Davy pour obtenir l’aluminium selon un processus d’électrolyse d’une solution d’oxyde d’aluminium et de potasse ne donna pas de résultats positifs. Ce n’est qu’en 1825 que le physicien danois Hans Christian Oersted réussit à produire quelques gouttes d’aluminium par l’application d’une source de chaleur à un amalgame de potassium et d’aluminium. Les recherches furent reprises en Allemagne par l’un de ses disciples, Friedrich Wöhler, qui démontra de nombreuses propriétés du métal, dont la légèreté. Ce fut cette découverte qui intrigua le monde scientifique et attira de fonds pour la recherche. En 1854, le Français Henri Sainte-Claire Deville créa un procédé thermochimique complexe qui permettait une production industrielle limitée. Toutefois ce procédé, répandu dans toute l’Europe, était extrêmement coûteux et rendait le métal plus cher que l’or. Malgré les améliorations obtenues avec le temps, la méthode utilisée ne permettait pas de production à caractère industriel. Il faut arriver à 1886 pour que l’Américain Charles Martin Hall et le jeune scientifique français Paul Héroult découvrent en même temps, bien que d’une façon indépendante, le premier procédé de fusion électrolytique pour la production d’aluminium métallique à partir de l’alumine. Les hasards ne s’arrêtent pas là : les deux scientifiques étaient nés la même année, ils brevetèrent leur découverte ensemble et moururent la même année ! Leur méthode permit la réalisation de grandes quantités d’aluminium à bas coût, étant donné les énormes progrès obtenus dans la production d’énergie électrique. La méthode de Hall-Héroult est, encore aujourd’hui, le système utilisé pour la production de l’aluminium ; elle a été améliorée par des découvertes successives ; ainsi l’Autrichien Karl Bayer, en 1888, breveta la technique de l’extraction de l’oxyde d’aluminium à partir de la bauxite. Toutefois l’histoire de l’aluminium ne s’arrête pas là car, même à l’heure actuelle, la recherche et la découverte de nouvelles applications de ce métal se poursuivent.

Aluminium was “discovered” back in 1807, when the English chemist Sir Humphrey Davy (17781829) guessed that “alum” was a salt belonging to some unknown metal, which he named “alumium” later altered to “aluminium”. Unfortunately David did not manage to obtain aluminium. It was only in 1875 that the Danish physicist, Hans Cristian Oersted, managed to produce a few drops of aluminium by applying heat to an amalgam of potassium and aluminium. Experimentation was then continued in Germany by his student, Friedrich Wohler, which revealed many of the metal’s distinctive properties, not least its lightness. This was the discovery that really got the scientific world excited and attracted research funds. In 1854 the Frenchman Henri Sainte-Claire Deville developed a complex thermochemical process that allowed industrial production on a small scale. Nevertheless this process, widespread throughout Europe, was extremely costly and actually made the metal more expensive than gold. Despite gradual improvements down the years, the method used up until then did not allow industrial scale production. It was not until 1866 that the young American, Charles Martin Hall, and the young French scientist, Paul Heroult, simultaneously discovered, although working independently, the first electrolytic fusion process for manufacturing metallic aluminium from alumina. The coincidences did not end here though: the two scientists were born in the same year, patented their discoveries together and died the same year! Their method allowed the manufacture of large quantities of aluminium at low costs, thanks also to great progress in electricity production due to the modern dynamo. The Hall-Heroult method is still the system used today for manufacturing aluminium although it has been improved by subsequent discoveries, such as that made by the Austrian, Karl Bayer, who patented the method of extracting aluminium oxide from bauxite in 1888. The history of aluminium does not end here, however, because even today research is continuing and discoveries of new applications of this metal are still being made.

Tratto da www.cial.it (sito del Consorzio Imballaggi Alluminio)

Extrait de www.cial.it (site du Consortium Emballages Aluminium)

Taken from www.cial.it (website of the Consorzio Imballaggi Alluminio)

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DESIGN COMPILATION To create the bench a simple tube has been stretched and optimized much like an elasticized fabric via interactive simulation to create an optimal form. The form is then “baked” to lock in the parametric shape, at which point no further manipulation is possible. This shape becomes the base for the 3d model which

TUBE BENCH

Peter Donders http://peterdonders.com/

in turn is used to create the final sand mold for casting. The aluminium bench is then finished and painted in the manner of the finest sports car.The Tube bench has been realized in a limited edition of 12 + 3 designer proofs. Its dimensions are: L 3082mm, W 914mm, H 766mm, weight +/- 96 kilos.

Per creare questa panchina, si è usato un semplice tubo che è stato allungato e ottimizzato, in modo molto simile a quanto si fa con un tessuto elasticizzato, tramite una simulazione interattiva per creare una forma ottimale. Tale forma è stata quindi “cotta” per bloccarla in una forma parametrica; a questo punto non sono più possibili ulteriori manipolazioni. Questa forma diventa la base per il modello 3D che a sua volta viene utilizzato per creare lo stampo finale di sabbia per la colata. La panca di alluminio viene poi rifinita e verniciata come fosse un’auto sportiva. La panchina Tube è stata realizzata in edizione limitata di 12 pezzi + 3 prove di design. Le sue dimensioni sono: lunghezza 3.082 mm, larghezza 914 mm, H 766 mm, peso + / - 96 chili.

Pour créer ce banc, on a utilisé un simple tube qui a été allongé et optimisé, d’une façon très semblable à ce que l’on fait avec un tissu ‘stretch’, par une simulation interactive afin de créer une forme optimale, après quoi cette forme a été “cuite” pour la bloquer selon une forme paramétrique ; à ce moment-là, les manipulations intérieures ne sont plus possibles. Cette forme devient la base du modèle 3D qui, à son tour, est utilisé pour créer le moule de sable final pour la coulée. Le banc en aluminium est ensuite fini et verni comme s’il s’agissait d’une voiture sportive. Le banc Tube a été réalisé en édition limitée de 12 pièces + 3 essais de design. Ses dimensions sont les suivantes : longueur 3 082 mm, largeur 914 mm, H 766 mm, poids + / - 96 kilos. l’AI 109 83

Clouds Catcher is a device for recovering water from clouds in desert regions. Consisting of a large balloon inflated with helium and covered with aluminium sheeting to favour condensation, a rope and a funnel for draining off the water collected, it is connected on the ground to a tanker-lorry that also acts as a weather station. “In dry areas, the sometimes violent winds

CLOUDS CATCHER

Yoann Vandendriessche www.aluminium-futur.fr “L’Aluminium pour l’éco-design 2011” Award

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drive away the clouds preventing any kind of rain from falling on the regions they pass over”, so Yoann Vandendriessche points out, “when placed in direct contact with the aluminium, a heat conductor favouring condensation, the water vapour from the clouds first forms drips on the structure and then dribbles over it so water can be recovered”.

Clouds Catcher è un dispositivo che permette di recuperare l’acqua delle nuvole nelle regioni desertiche. Costituito da un pallone di grandi dimensioni gonfiato di elio e rivestito da una maglia in alluminio che favorisce la condensa, da una corda e da un imbuto per drenare l’acqua raccolta, è collegato a terra a un camion cisterna che funziona anche da stazione meteo. “Nelle zone aride, i venti talvolta violenti fanno correre via le nuvole impedendo ogni tipo di precipitazione sulle regioni attraversate” sottolinea Yoann Vandendriessche, “messo in contato diretto con l’alluminio, conduttore termico che favorisce la condensa, il vapore dell’acqua delle nuvole, prima imperla la struttura e poi le scivola sopra permettendo di recuperare l’acqua”.

Clouds Catcher est un dispositif permettant de récupérer l’eau des nuages dans les régions désertiques. Composé d’un ballon de grande dimension gonflé à l’hélium et habillé d’un maillage en aluminium favorisant la condensation, d’un filin et d’un entonnoir pour drainer l’eau récupérée, il est relié au sol à un camion citerne faisant également office de station météo. “Dans les zones arides, les vents parfois violents font filer les nuages leur interdisant toute précipitation sur les régions traversées ” précise Yoann Vandendriessche ; “mis en contact direct avec l’aluminium, conducteur thermique favorisant la condensation, la vapeur d’eau des nuages vient perler puis ruisseler sur la structure permettant la récupération de l’eau”.

Rolls-Royce Phentom has an aluminum space frame chassis instead of steel monocoque. The chassis is constructed from more than 200 aluminum extrusions, and 300 castings and pressed aluminum sheets mainly, with steel front subframe and aluminum rear subframe for mounting suspensions. Most exterior panels are aluminum, except the composite front wings and steel boot lid. The whole body-in-white weighs 550 kg.

TUBE BENCH

Peter Donders http://peterdonders.com

La Rolls-Royce Phantom ha uno chassis spaceframe in alluminio al posto della monoscocca di acciaio. Lo chassis è composto da più di 200 profilati estrusi e 300 parti di lamiera di alluminio pressato o in fusione, con una sub-struttura frontale di acciaio e una posteriore di alluminio che alloggia le sospensioni. La maggior parte dei pannelli esterni sono di alluminio, eccetto i parafanghi anteriori e il cofano che sono di materiale composito. Il peso complessivo è di 550 Kg.

La Rolls-Royce Phantom a un châssis ‘spaceframe’ en aluminium à la place de la monocoque en acier. Le châssis se compose de plus de 200 profilés extrudés et 300 parties de tôle en aluminium pressé ou en fusion, avec une substructure frontale en acier et postérieure en aluminium, où se trouvent les suspensions. La plupart des panneaux extérieurs est en aluminium, sauf les garde-boue antérieurs et le capot qui sont en matière composite. Le poids total est de 550 kg.

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Sanders’ idea for a folding bicycle came about in 1984 while completing his studies in the Imperial College’s Industrial Design Engineering program in London. His concept revolved around being able to easily transport a bike on the National Rail trains or in the trunk of a compact European car. Produced by Strida Bicycle, it has a whole aluminium (5000) frame and weights 10 Kg. It and can be folded in five seconds to the dimensions of 114x51x23 cm.

STRIDA FOLDING BIKE Mark Sanders www.strida.com

86 l’AI 109

Sanders ha avuto l’idea per questa bicicletta pieghevole nel 1984, mentre stava completando gli studi di Ingegneria del Disegno Industriale presso l’Imperial College di Londra. Il suo concetto ruotava intorno alla possibilità di trasportare facilmente una bici sui treni della National Rail o nel bagagliaio di una normale auto europea. Prodotta da Strida Bicycle, la bici ha un telaio completamente di alluminio (5000) e peso complessivo di 10 kg. Può essere piegata in cinque secondi e diventare delle dimensioni di 114x51x23 cm.

Sanders a eu l’idée de cette bicyclette pliable en 1984, pendant qu’il achevait ses études d’ingénierie de Design Industriel à l’Imperial College de Londres. Son idée envisageait la possibilité de transporter facilement une bicyclette dans les trains de la National Rail ou dans le coffre d’une voiture européenne courante. Produite par Strida Bicycle, cette bicyclette a un châssis entièrement en aluminium (5000) et un poids total de 10 kg. Elle peut être pliée en cinq secondes, atteignant les dimensions suivantes : 114x51x23 cm.

This stool has its origin in the Inhabitable Sculpture built in 2010, at the Belém Culture Center, in Lisbon, which reports to a base module exhibited also in Lisbon, in 1968. Disassembing the Inhabitable Sculpture in geometrical shapes, provides us, among others, the cylindrical shape. From this small cut can be provided two different implementations of the cylinder, allowing ergonomically

CORK STOOL

Miguel Arruda www.miguelarruda.com

two distinct options for sitting. The material used for this prototype is cork in its variant of black agglomerate (obtained adding grinded and pressed recycled tyres) or in its natural color. By introducing a suitable thickener and pressure, the cork reaches a density consistent with the desired resistance in order to achieve both the physical reality and the aesthetics of the cylindrical shape.

Questo mobile ha la sua origine nella Scultura Abitabile costruita nel 2010, presso il Centro Culturale di Belém, a Lisbona, che si rifà a un modulo base esposto, sempre a Lisbona, nel 1968. L’esercizio di disassemblaggio della Scultura Abitabile in forme geometriche, ha fornito, tra le altre, la forma cilindrica. Questo piccolo intaglio può dare origine a due diverse applicazioni del cilindro, permettendo due distinte opzioni ergonomiche per la posizione seduta. Il materiale di questo prototipo è il sughero nella sua variante di agglomerato nero (ottenuto con l’aggiunta di copertoni riciclati) o nel suo colore naturale. Grazie a un addensante adeguato e con una giusta pressione, il sughero raggiunge una densità coerente con la resistenza desiderata per ottenere la forma cilindrica.

Ce meuble tire son origine de la Sculpture Habitable construite en 2010 au Centre Culturel de Belém, à Lisbonne, inspireé par un module de base présenté en 1968. Le désassemblage de la Sculpture Habitable en formes géométriques a abouti, entre autres, à la forme cylindrique. Cette petite entaille peut être à l’origine de deux applications différentes du cylindre, permettant deux options ergonomiques pour la position assise. La matière utilisée pour ce prototype est le liège dans sa variante d’aggloméré noir (obtenu par l’ajout de pneus recyclés, triturés et pressés) ou de sa couleur naturelle. En introduisant un épaississant approprié avec une pression adéquate, le liège atteint une densité cohérente avec la résistance voulue pour obtenir la forme cylindrique. l’AI 109 87

Metra aluminium profile (RIS certification).

Motorcycle wheel rim made of forged aluminum alloy.

RaphaĂŤl Hoesli, O-Thirteen, aluminium circular seat, 2009.

Ducati Motor, engine of 999 motorcycle.

Aziz Sariyer, modular aluminium seat Liquirizia, Altreforme 2008.

Mist-o Tommaso Nani & Noa Ikeuchi, Nest, micro-forated metal sheet suspension lamps, 2009.

Aziz Sariyer, Mariu consolle, Alreforme 2008.

Aziz Sariyer, Cioccolata bookshelf, Alreforme 2008.

88 lâ&#x20AC;&#x2122;AI 109

aluminum body is called the warm electronics box, or “WEB” for short. Like a car body, the rover body is a strong, outer layer that protects the rover’s computer and electronics. The rover body thus keeps the rover’s vital organs protected and temperature-controlled. NASA/JPL-Caltech

When the “Curiosity” rover was sent to Mars in 2011 to explore the red planet and determine whether the planet has ever – or still could – support life, aluminum was part of the mission. The three-metre-long, 700-Kg robot is made mostly of aluminium and powered by a nuclear generator. Curiosity’s

CURIOSITY ROVER

Mars Science Laboratory Project www.nasa.gov

Quando il rover “Curiosity” è stato inviato su Marte nel 2011 per esplorare il pianeta rosso e determinare se il pianeta ha mai potuto – o ancora potrebbe – sostenere la vita, l’alluminio ha preso parte della missione. Il robot di tre metri di lunghezza e 700 kg di peso è fatto soprattutto di alluminio e alimentato da un generatore nucleare. Il corpo di alluminio del “Curiosity” è chiamato “la scatola calda dell’elettronica”, o “WEB” (Warm Electronics Box). Come il corpo di un’automobile, quello del rover è uno strato esterno resistente, che protegge i computer e l’elettronica del mezzo. Il corpo del rover serve dunque a mantenere protetti gli organi vitali di “Curiosity” e a controllarne la temperatura.

Lorsque le rover “Curiosity” a été envoyé sur Mars en 2011 pour explorer la planète rouge et déterminer si celle-ci avait déjà – ou pourrait encore – héberger la vie, l’aluminium a pris part à la mission. Le robot de 3 m de longueur et 700 g de poids est principalement en aluminium ; il est alimenté par un générateur nucléaire. Son corps est appelé “la boîte chaude de l’électronique” ou “WEB” (Warm Electronics Box). Tout comme le corps d’une automobile, celui du rover a une couche extérieure résistante, qui protège les ordinateurs et l’électronique du véhicule. Le corps du rover sert donc à protéger les organes vitaux du “Curiosity” et à contrôler leur température.

l’AI 109 89

Amiel Lapalme, Chaise Tabouret, 2012.

Peter Donders, Bato Idea Chair, 2011.

Diane Bisson et Pierre Laramée, La Gamelle Urbaine, 2012.

El Ultimo Grito, Grito de Mathmos, 2002.

Frédéric Sofia, Sixties, Fermob, 2010.

Luigi Colani, Colani Bench.

90 l’AI 109

Giulio Iacchetti, Napoletana Bialetti

Illycaffè, Mika Illy, limited edition, recycled aluminum

Torsten Neeland, Cube, 2012.

Apple, MacBook Air, 2008.

“Aluminium”, by Faber-Castell and Porsche Design, 2012.

Zero RH, Sunglasses.

Schüco, Aluminium frameworks.

Easton, Rocky Turbo Team SC, 2001.

Alu-Zen, aluminium radiator by Vasco

Donatello Ferrara, Zebecca lamp, MKD Group.

Sergio Borella e Supra Architetti, GASS Chaise longue, 2009.

Sergio Borella, Bridge table, 2009.

l’AI 109 91

COLLECTIONNEURS D’AVANT-GARDE AU HAVRE Le Cercle de l’art moderne Paris, Musée du Luxembourg Through 6/02/2013 www.museeduluxembourg.fr L’exposition présente environ 90 œuvres et invite à pénétrer l’univers intime des collectionneurs qui se sont retrouvés au sein du Cercle de l’art moderne, cette association fondée au Havre en 1906 par un groupe d’artistes – tels Georges Braque, Raoul Dufy, Emile Othon Friesz – et quelques-uns des plus importants amateurs d’art havrais.

La mostra presenta circa 90 opere e invita a penetrare nell’universo dei collezionisti che si sono ritrovati in seno al Cercle d’art moderne, questa associazione fondata a Le Havre nel 1906 da un importante gruppo di artisti, quali Georges Braque, Raoul Dufy, Emile Othon Friesz, e alcuni tra i più grandi amanti d’arte della città. The exhibitions presents about 90 works and invites us to enter the world of collectors, who met together at the Cercle d’art modern, a French association set up in Le Havre in 1906 by an important group of artists like Georges Braque, Raoul Dufy, Emile Othon Friesz and some of the city’s leading art lovers. Albert Marquet, La Femme blonde, 1919, ancienne collection Olivier Senn (© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN – Grand Palais / Philippe Migeat © Adagp, Paris 2012).

AGENDA

Christophe Dessaigne, The Last Dance, 2012 (Courtesy MIAAO).

TORINO, EX MANIFATTURA TABACCHI Photissima Art Fair 8/11/2012-11/11/2012 www.photissima.it Conçue et organisée par la Fondation Artevision, Photissima Art Fair est la nouvelle foire consacrée à l’art photographique. A côté de la foire, qui a comme thème la Street Photography, un festival de la photographie ouvert pendant tout le mois de novembre envahira les rues de la ville.

Ideata e organizzata dalla Fondazione Artevision, Photissima, Art Fair è la nuova fiera dedicata all’arte fotografica. Accanto alla manifestazione fieristica, che ha come tema la Street Photography, è previsto un festival della fotografia aperto per tutto il mese di novembre e diffuso anche per le vie della città. Planned and organized by the Artevision Foundation, Photissima, Art Fair is a new Italian Fair devoted to photography. The show at the fair—devoted to Street Photography—will be accompanied by a photography festival that will be open throughout November and will spread out all over the city streets. BABEL Palais des Beaux-Arts de Lille Through 14/01/2013 www.pba-lille.fr 85 œuvres (peintures, photographies, sculptures, installations, films et planches originales de bande dessinée) illustrent les multiples facettes du mythe babélien dans l’art contemporain. Respectant l’évolution du récit biblique, cette sélection compose avec la symbolique de la Tour, de son édification à sa destruction.

85 opere (dipinti, sculture, fotografie , istallazioni, film e tavole originali di fumetti) illustrano la varie sfaccettature del mito di Babele nell’arte contemporanea. Seguendo l’evoluzione del racconto biblico, la selezione presentata intepreta la simbologia della Torre, dalla sua edificazione alla sua distruzione. 85 works (paintings, sculptures, photographs, installations, films and original carton strips) illustrate the various facets of the myth of Babel in modern-day art. Following the development of the Biblical story, the selection on display interprets the symbolic force of the Tower from its construction to its destruction. Eric De Ville, La Tour de Bruxelles 08/2008 - 4 (Collection de l’artiste © Eric de Ville / DR). 92 l’AI 109

TRACES OF CENTURIES & FUTURE STEPS Venezia, Palazzo Bembo Through 25/11/2012 www.globalartaffairs.org, www.palazzobembo.org 57 architectes, provenant de cultures et nationalitĂŠs diffĂŠrentes, rĂŠvèlent au travers les 32 salles du palais un panorama unique dâ&#x20AC;&#x2122;approches, tendances et idĂŠes parmi les plus actuelles de lâ&#x20AC;&#x2122;architecture internationale. Lâ&#x20AC;&#x2122;exposition est introduite par une section dĂŠdiĂŠe Ă lâ&#x20AC;&#x2122;artiste chinois Ying Tianqi, qui prĂŠsente Traces of Centuries.

57 architetti di culture e nazionalitĂ diverse tracciano nelle 32 sale del palazzo un percorso tra approcci, tendenze e idee tra le piĂš attuali dellâ&#x20AC;&#x2122;architettura internazionale. La mostra è introdotta da una sezione dedicata allâ&#x20AC;&#x2122;artista cinese Ying Tianqi che presenta Traces of Centuries. 57 architects of different nationalities and cultural backgrounds are outlining some of the latest approaches, trends and ideas in international architecture in the 32 rooms of the building. The exhibition starts with a section devoted to the Chinese artist Ying Tianqi, which is presenting Traces of Centuries.

Takasaki Masaharu, Kihoku, Kagoshima-ken, Japan, 1995. Photo: Takasaki Architects

INHABITED ARCHITECTURE Bilbao, Guggenheim Museum Through 19/05/2013 www.guggenheim-bilbao.es Lâ&#x20AC;&#x2122;exposition invite les visiteurs Ă rĂŠflĂŠchir sur lâ&#x20AC;&#x2122;occupation de lâ&#x20AC;&#x2122;espace comme lieu pour des narrations dĂŠjĂ  crĂŠĂŠes ou qui vont lâ&#x20AC;&#x2122;ĂŞtre de la part de celui qui regarde. ExposĂŠes pour la première fois au Guggenheim de Bilbao, des Ĺ&#x201C;uvres telles que How are you going to behave? A kitchen cat speaks (2009) de Liam Gillick ; Untitled (2008) de Doris Salcedo ; Home (1999) de Mona Hatoum ; Life Forms 304 (2003) de Pello Irazu.

La mostra invita i visitatori a riflettere sullâ&#x20AC;&#x2122;occupazione dello spazio come luogo per narrative giĂ create o che stanno per esserlo da parte di chi guarda. Per la prima volta in mostra al Guggenheim Bilbao opere quali How are you going to behave? A kitchen cat speaks (2009) di Liam Gillick; Untitled (2008) di Doris Salcedo; Home (1999) di Mona Hatoum; e Life Forms 304 (2003) di Pello Irazu.

Cristina Iglesias, Sin tĂ­tulo (CelosĂ­a II), 1997, wood, resin and bronze powder, 260x350x300 cm, Guggenheim Bilbao Museo.

The exhibition invites visitors to reflect on the occupation of space as a place for narratives that have already been created or are about to be created by the viewer. Shown for the first time at the Guggenheim Bilbao, the works featured in this exhibition include Liam Gillickâ&#x20AC;&#x2122;s How are you going to behave? A kitchen cat speaks (2009); Doris Salcedoâ&#x20AC;&#x2122;s Untitled (2008); Mona Hatoumâ&#x20AC;&#x2122;s Home (1999); and Pello Irazuâ&#x20AC;&#x2122;s Life Forms 304 (2003).

EDGAR DEGAS. I CAPOLAVORI DI DEGAS DEL MUSĂ&#x2030;E Dâ&#x20AC;&#x2122;ORSAY Torino, Palazzina della SocietĂ Promotrice delle Belle Arti Through 27/1/2013 www.mostradegas.it

LA VILLE MAGIQUE Villeneuve-dâ&#x20AC;&#x2122;Ascq, LaM Lille MĂŠtropole Through 13/01/2013 www.musee-lam.fr PrĂŠsentĂŠe dans le cadre de la nouvelle ĂŠdition de lille3000 â&#x20AC;&#x201C; Fantastic 2012 â&#x20AC;&#x201C; lâ&#x20AC;&#x2122;exposition propose une plongĂŠe dans diffĂŠrents mythes urbains de lâ&#x20AC;&#x2122;Entre-deux-guerres. StructurĂŠe autour de quatre mythes urbains â&#x20AC;&#x201C; Manhattan, Metropolis, Quand la ville dort, Dark Passage â&#x20AC;&#x201C; lâ&#x20AC;&#x2122;exposition rĂŠunit plus de 200 oeuvres.

Il sâ&#x20AC;&#x2122;agit de la collection dâ&#x20AC;&#x2122;Ĺ&#x201C;uvres la plus complète organisĂŠe en Italie pour prĂŠsenter lâ&#x20AC;&#x2122;art dâ&#x20AC;&#x2122;Edgar Degas, 80 chefs-dâ&#x20AC;&#x2122;Ĺ&#x201C;uvre comprenant des peintures, des dessins et des sculptures. Lâ&#x20AC;&#x2122;exposition rĂŠunit la grande variĂŠtĂŠ des sujets et des thèmes de Degas, tels que le milieu familier, le monde parisien de lâ&#x20AC;&#x2122;ĂŠpoque, les paysages, les chevaux, les ballerines les plus cĂŠlèbres et le nu fĂŠminin.

Presentata nel quadro della nuova edizione lille3000 â&#x20AC;&#x201C; Fantastic 2012 â&#x20AC;&#x201C; la mostra propone un excursus tra i diversi miti urbani del periodo tra le due guerre. Strutturata attorno a quattro miti urbani â&#x20AC;&#x201C; Manhattan, Metropolis, Quand la ville dort, Dark Passage â&#x20AC;&#x201C; la mostra riunisce oltre 200 lavori. Presented as part of the latest edition of lille3000 â&#x20AC;&#x201C; Fantastic 2012 â&#x20AC;&#x201C; the exhibition provides an overview of the various urban legends from the period between the wars. Structured around four urban legends Manhattan, Metropolis, Quand la ville dort, Dark Passage â&#x20AC;&#x201C; the exhibition features over 200 works.

A un passo da Degas.

 
   

 

  
     PRESENTANO

Degas. Capolavori dal MusĂŠe dâ&#x20AC;&#x2122;Orsay 
 


   

      
    
      
     
    
    
  

   
Si tratta della piĂš esauriente www.mostradegas.it
rassegna di opere organizzata in Italia per presentare lâ&#x20AC;&#x2122;arte di Edgar Degas che, comprende 80 capolavori tra dipinti, disegni e sculture. La mostra consente unâ&#x20AC;&#x2122;escursione generale sulla grande varietĂ di soggetti e tematiche di Degas, quali lâ&#x20AC;&#x2122;ambiente famigliare, il mondo parigino del tempo, il paesaggio, i cavalli, le celeberrime ballerine e il nudo femminile.

Aenne Biermann, Portrait mit Champs-Ă&#x2030;lysĂŠes, vers 1929. Museum Folkwang, Essen (Germany). Photo : DR. Š DR)

This is the most comprehensive show organized to present Edgar Degasâ&#x20AC;&#x2122;s art in Italy, with 80 masterpieces comprising paintings, drawings, and sculptures. The exhibition offers the opportunity for a general survey of Degasâ&#x20AC;&#x2122;s great variety of subjects and themes, such as the family environment, the Parisian world of the time, the landscape, horses, the artistâ&#x20AC;&#x2122;s famous ballerinas and his female nudes. lâ&#x20AC;&#x2122;AI 109 93

Balthazar Auxietre, Le C Cecil Beaton - Edith Sitwell. Esposizione multipla, 1962 (Courtesy dell’Archivio Cecil Beaton presso Sotheby’s, Londra).

Giuseppe Terragni e Pietro Lingeri , Danteum, 1938.

UN ALTRO TEMPO. LE VITE NELL’ARTE (1912-1957) Rovereto, MART Through 13/1/2013 www.mart.tn.it

GIUSEPPE TERRAGNI. IL PRIMO ARCHITETTO DEL TEMPO Foligno, CIAC Centro Italiano Arte Contemporanea Through 9/12/ 2012 www.centroitalianoartecontemporanea.com

Conçue par Lea Vergine, l’exposition “Un altro tempo. Le vite nell’arte (19121957)” comprend une centaine d’œuvres surprenantes, appartenant à un XXe siècle anglais aussi extraordinaire que peu connu, exposées et racontées pour la première fois. Sculptures, peintures, dessins, objets d’usage courant, graphique d’édition, livres, photos et éléments de décoration, la particularité de ce qui est exposé évoque des émotions et introduit dans l’extraordinaire vécu d’“un autre temps”. D’après Lea Vergine : “…une exposition ne se fait pas seulement pour regarder et voir mais également pour savoir”.

Consacrée à Giuseppe Terragni et organisée par Attilio Terragni et Italo Tomassoni, l’exposition montre l’œuvre de l’architecte et lui rend hommage par des modèles, des dessins, des revues, des livres et autres écrits. La puissance intellectuelle du grand maître du rationalisme, s’est manifestée par des déclarations historiques qui considèrent l’architecture non comme un acte individuel mais comme un instrument très puissant d’analyse et de transformation sociale et politique, devenant une procédure publique et une référence responsable du consensus social. En outre, on documente le projet du Danteum qui, envisagé pour un centre d’études de Rome consacré à la figure de Dante, a été réalisé en collaboration avec Daniel Libeskind.

Ideata da Lea Vergine, la mostra “Un altro tempo. Le vite nell’arte (1912- 1957)” è costituita da un centinaio di opere sorprendenti, appartenenti a un Novecento inglese tanto straordinario quanto poco noto, esposte e raccontate per la prima volta. Sono comprese sculture, dipinti e disegni, nonché oggetti d’uso, grafica editoriale, libri, fotografie e arredi. La particolarità di quanto esposto non richiama specificatamente l’arte, ma evoca emozioni e introduce nella straordinarietà del vissuto di “un altro tempo” attraverso oggetti unici e inconsueti per l’ambito delle arti figurative. Dice Lea Vergine: “…una mostra non si fa solo per guardare e vedere ma anche per sapere”. Curated by Lea Vergine, “Another time. Lives in Art (1912-1957)” includes about a hundred surprising works belonging to almost unknown but extraordinary twentiethcentury English art on show for the first time. On display are sculptures, paintings and drawings, as well as everyday objects, editorial graphics, books, photographs and furniture. The special quality of the objects on show does not specifically refer to art, but arouses emotions and introduces visitors to the exceptionality of “other times” through unique and unusual objects in the sphere of figurative art. Lea Vergine says:”…an exhibition is not organized only to look and observe, but also for the sake of knowledge”.

Dedicata a Giuseppe Terragni e curata da Attilio Terragni e Italo Tomassoni, la mostra ne evidenzia e omaggia l’opera attraverso modelli, disegni, riviste, libri e scritti. La potenza intellettuale del grande maestro del razionalismo, espressa da dichiarazioni ormai storiche che intendono l’architettura non atto individuale ma strumento potentissimo di analisi e di trasformazione sociale e politica, divenendo procedura pubblica e riferimento responsabile del consenso sociale. Viene inoltre documentato il progetto del Danteum che, pensato per un centro studi di Roma dedicato alla figura di Dante, è stato realizzato in collaborazione con Daniel Libeskind. Through models, drawings, magazines, books and writings, this exhibition, curated by Attilio Terragni, is devoted to works by Giuseppe Terragni. The intellectual power of this great master of rationalism emerges, expressed by what have become historic statements which see architecture not as an individual act but as an extremely powerful tool of analysis and social and political change, thus becoming a public procedure and a responsible reference in terms of social consensus. The Danteum project is also shown: an academic facility in Rome devoted to the figure of Dante, implemented in collaboration with Daniel Libeskind.

Balthazar Auxietre, Le Conseil aux 100 clochers.

REVER ROUEN Rouen, Abbatiale Saint-Ouen Through 16/12/2012 www.rouen.fr L’exposition s’interroge sur les relations et interactions entre art et espace public présentant les projets d’artistes-plasticiens, urbanistes, designers et architectes qui livrent leur regard sur l’utopie et l’imaginaire dans la ville et esquissent un nouveau visage, cataclysmique, poétique ou politique de Rouen.

La mostra si interroga sulle relazioni e interazioni tra arte e spazio pubblico, presentando i progetti di artisti, urbanisti, designer e architetti che proiettano la loro riflessione sull’utopia e l’immaginario della città e schizzano un nuovo volto, catastrofico, poetico o politico, di Rouen. The show examines the relations and interactions between art and public areas, presenting projects by artists, city planners, designers and architects who cast their reflections on a Utopian and imaginary vision of the city, drawing a new, catastrophic, poetic and political picture of Rouen. 94 l’AI 109

IN THE NETWORK OF MODERNISM. Kirchner, Braque, Kandinsky, Klee… Richter, Bacon, Altenbourg and their critic Will Grohmann Dresden, Staatliche Kunstsammlungen Through 6/01/2013 www.skd.museum L’SKD consacre une exposition à Will Grohmann (1887-1968), un des critiques d’art allemands les plus influents du XXe siècle. L’exposition présente les activités du critique par une sélection de 220 œuvres d’art de ses artistes préférés, allant de Die Brücke à l’Art Informel en passant par le Bauhaus. Des stations multimédias permettent aux visiteurs de tracer le réseau global que le critique construisit autour de lui.

L’SKD dedica una mostra a Will Grohmann (1887-1968), uno dei critici d’arte tedeschi più influenti del XX secolo, attraverso una selezione di 220 opere d’arte dei suoi artisti preferiti. Si va dal Die Brücke all’Arte Informale attraverso il Bauhaus e i molti altri movimenti intermedi. Stazioni multimediali consentono ai visitatori di tracciare la rete globale che il critico costruì attorno a sé e utilizzò. The SKD dedicates an exhibition to Will Grohmann (1887-1968), one of the most influential German art critics of the 20th century, through a selection of some 220 artworks by those artists he championed. The spectrum ranges from the Die Brücke to Art Informel via the Bauhaus and many other movements in between. Multitouch media stations will allow each visitor to trace the global network that the art critic built up around him and harnessed to promote “his” artists. Paul Klee, Sonnenuntergang, 1930 (© Art Institute of Chicago).

SNØHETTA. ARCHITECTURE – LANDSCAPE – INTERIOR Helsinki, Museum of Finnish Architecture Through 25/11/2012 www.mfa.fi L’exposition présente une anthologie des œuvres - de la fameuse Bibliothèque d’Alexandrie à la Norwegian National Opera and Ballet House à Oslo - de l’agence d’architecture norvégienne Snøhetta, parmi les vingt plus appréciées du monde.

La mostra presenta un’antologia delle opere, incluse le famose Biblioteca Alessandrina e la Norwegian National Opera and Ballet House a Oslo, dello studio norvegese di architettura, paesaggio e interior design Snøhetta, considerato tra i venti studi più acclamati al mondo. The exhibition presents a compilation of the works, including the world famous Bibliotheca Alexandrina and Norwegian National Opera and Ballet in Oslo, of Norwegian architecture, landscape architecture and interior design office Snøhetta, which is among the top twenty most acclaimed architectural design firms in the world. The Norwegian wild reindeer pavilion in Tverrfjellet, (Photo: diephotodesign.de)

A LONG-AWAITED TRIBUTE: FRANK LLOYD WRIGHT’S USONIAN HOUSE AND PAVILION New York, Guggenheim Museum Through 13/02/2013 www.guggenheim.org L’exposition, qui regroupe des documents d’archives de la Salomon R. Guggenheim Museum, rend hommage aux deux premiers bâtiments réalisés par Wright à New York, repris dans le titre de l’exposition.

Questa mostra, che comprende materiali degli archivi del Solomon R. Guggenheim Museum, rende omaggio alle due strutture citate nel titolo, i primi due edifici realizzati da Wright a New York. This presentation, comprised of selected materials from the Solomon R. Guggenheim Museum Archives, pays homage to these two structures, the first Wright buildings erected in New York City.”

Frank Lloyd Wright: sketch sent to James Johnson Sweeney, illustrating the pavilion and Usonian house, May 23, 1953 (Copy in the Estate of James Johnson Sweeney collection. M0006. Drawing © Frank Lloyd Wright Foundation, Scottsdale, Arizona).

ZAHA HADID ARCHITECTS: PLEATED SHELL STRUCTURES Los Angeles, SCI-Arc Gallery Through 2/12/2012 www.sciarc.edu Le Southern California Institute of Architecture présente une installation site specific de Zaha Hadid Architecture, Pleated Shell Structures, un prototype qui est le fruit de la recherche dans le domaine du design paramétrique axé sur la méthode et sur la démarche conceptuelle de la conception à la réalisation.

Il Southern California Institute of Architecture presenta un’installazione site specific di Zaha Hadid Architecture, Pleated Shell Structures, un prototipo di ricerca nell’ambito del design parametrico che si concentra sul metodo e sul percorso progettuale che va dalla concezione alla realizzazione. The Southern California Institute of Architecture presents Zaha Hadid Architects’ site specific installation Pleated Shell Structures, a research prototype that posits itself within the argument of parametric design research to focus its efforts on design methods that encompass an operative pathway from design intent to manifestation. l’AI 109 95

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InfrastructURBAN Città-ponte da 10 milioni di abitanti tra Marsala (Italia) e Kelibia (Tunisia) altrimenti conosciuta come “Marsibia” o anche “Ponte Bellum”.

un’idea di / une idée de / based on an idea by: AUFO - Architectural & Urban Forum www.aufo.it

InfrastructURBAN ®, città-ponte tra Marsala (Italia) e Kelibia (Tunisia), è un’infrastruttura abitata costellata da 10 città nuove (da un milione di abitanti ciascuna) sull’acqua, progettate da urbanisti europei e africani, funzionale al transito e alla diffusione di persone, merci, idee e diritti fondamentali. InfrastructURBAN ® garantisce il presidio della costa settentrionale africana e un accesso privilegiato alle sue terre e alle sue risorse e al contempo regola i processi migratori verso il continente europeo, dotando le masse in arrivo di infrastrutture, urbanizzazione, spazi di lavoro e abitazioni vista mare, in modo che le pratiche dell’integrazione siano agevolate da un clima vacanziero mediterraneo. La fattibilità tecnica di InfrastructURBAN ® è garantita dalla vicinanza tra le coste tunisine e quelle italiane, dalle basse profondità del fondo marino e dalla prossima costruzione del ponte sullo Stretto di Messina. La fattibilità economica di InfrastructURBAN ® è assicurata dall’intervento congiunto e sinergico di istituzioni pubbliche (impegnate nel rilancio dell’economia mediante il sostentamento dei processi di urbanizzazione e mediante la realizzazione di grandi opere) e di promotori privati di credito (impegnati nella ricerca di occasioni in cui investire i capitali, in quanto tramite la costruzione dell’infrastruttura, l’urbanizzazione della stessa e l’acquisto delle unità immobiliari da parte delle masse migranti viene generata la domanda).

In alto a destra: InfrastructURBAN ®, Vista notturna, 2011 En haut à droite : InfrastructURBAN®, Vue nocturne, 2011 Top right: InfrastructURBAN®, night-time view, 2011

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Sopra: InfrastructURBAN ®, Mappa mediterranea, 2011 Ci-dessus : InfrastructURBAN®, Carte de la Méditerranée, 2011 Above: InfrastructURBAN®, Mediterranean map, 2011

InfrastructURBAN

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Ville-pont de 10 millions d’habitants entre Marsala (Sicile) et Kelibia (Tunisie) autrement connue comme “Marsibia” ou également “Ponte Bellum” InfrastructURBAN®, ville-pont entre Marsala (Italie) et Kelibia (Tunisie), c’est une infrastructure habitée constellée de 10 nouvelles villes sur l’eau (d’un million d’habitants chacune), conçues par des urbanistes européens et africains, servant au transit et à la diffusion de personnes, marchandises, idées et droits fondamentaux. InfrastructURBAN® constitue la défense de la côte nord-africaine et un accès privilégié à ses terres et à ses ressources. Elle régule tout en modérant les mouvements migratoires vers le continent européen, en équipant les masses qui arrivent d’infrastructures, d’urbanisation, d’espaces de travail et d’habitations vue mer, afin que les pratiques de l’intégration soient facilitées par un climat vacancier méditerranéen. La faisabilité technique d’InfrastructURBAN® est garantie par la proximité des côtes tunisiennes et italiennes, par les basses profondeurs du fond marin et par la construction imminente du pont sur le détroit de Messine. La faisabilité économique d’InfrastructURBAN® est assurée par l’intervention conjointe et synergique d’institutions publiques (engagées dans la relance de l’économie grâce au soutien des processus d’urbanisation et à la réalisation de grands ouvrages) et de promoteurs de crédit privés (engagés dans la recherche d’occasions où investir des capitaux, dans la mesure où la demande est générée par la construction, l’infrastructure, l’urbanisation de celle-ci et l’achat des unités immobilières de la part des masses migrantes).

InfrastructURBAN

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City-bridge accommodating 10 million inhabitants between Marsala (Italy) and Kelibia (Tunisia) otherwise known as “Marsibia” or even “Bellum Bridge” InfrastructURBAN®, a city-bridge between Marsala (Italy) and Kelibia (Tunisia), is an inhabited infrastructure composed of 10 new cities (each with 1 million inhabitants), built on water, which was designed by European and African town-planners for the purpose of transporting and distributing people, goods, ideas and fundamental rights. InfrastructURBAN® presides over the North African coast line providing privileged access to its lands and resources while, at the same time, controlling migration towards Europe. It offer all the people arriving with infrastructures, urbanization and work-living facilities overlooking the sea, so that integration procedures can be made easier through a Mediterranean holiday-style atmosphere. InfrastructURBAN®’s technical feasibility is guaranteed by the relative closeness of the Tunisian and Italian coastlines, the comparative shallowness of the seabed, and forthcoming construction of a bridge across Messina Strait. InfrastructURBAN®’s economic feasibility is guaranteed by a joint synergic enterprise between public institutions (involved in re-launching the economy by supporting urbanisation processes and through the creation of major building works) and private credit agencies (looking for opportunities to invest capital, since demand is inevitably created by constructing and then urbanising infrastructures ready to be purchased by immigrants).

Architectural & Urban Forum L’Architectural & Urban Forum, in breve AUFO, è una struttura di ricerca non-profit con sede in Milano, avente come obiettivo lo studio delle realtà metropolitane e il miglioramento delle capacità critiche delle cittadinanze su temi civici e urbani. L’attività di AUFO è svolta da un gruppo di lavoro multidisciplinare diretto da Lorenzo Degli Esposti e coordinato da Paolo Lazza e Stefano Antonelli, coadiuvati da un comitato scientifico internazionale. AUFO ha ideato e coordinato i progetti “No-Spot City” (2009), un’indagine sull’alta densità in contesti urbani consolidati, “Aequus Actor”(2009), un’indagine sulle aree ferroviarie e militari in dismissione a Milano e “MilanoStadtKrone2030” (2010), una visione per la città basata su un’innovativa metropolitana triangle-line che mette a sistema gli aeroporti milanesi, coordinando un gruppo di 14 studi di architettura under40 da tutto il mondo, tra cui MAD office, Ian + e Rojkind Arquitectos e con la partecipazione speciale dell’architetto Guglielmo Mozzoni con la sua Città Ideale. Dal 2010 AUFO sta lavorando al progetto InfrastructURBAN ®, ponte abitato tra Sicilia e Tunisia, che vede la partecipazione di gruppi di lavoro formati da docenti e ricercatori di università europee e africane. No-spot city Progetto di opere di ampliamento e sopralzo di città esistente, adiacenze Parco Sempione, protocollato come D.I.A. il 19/06/2009 presso il Comune di Milano (atti PG 473371/2009).

Projet d’ouvrages d’agrandissement et de surélévation de la ville e à proximité du Parc Sempione, enregistré comme D.I.A.le 19/06/2009 à la Mairie de Milan (actes PG 473371/2009). Project to extend and raise the existing city in the vicinity of Parco Sempione, protocolled as D.I.A. on 19/06/2009 at Milan City Hall ( PG 473371/2009 acts).

Architectural & Urban Forum L’Architectural & Urban Forum (AUFO) est une structure de recherche sans but lucratif basée à Milan, ayant pour objet l’étude des réalités métropolitaines et l’amélioration des capacités critiques des habitants sur des thèmes civiques et urbains. L’activité d’AUFO est exercée par un groupe de travail multidisciplinaire dirigé par Lorenzo Degli Esposti et coordonné par Paolo Lazza et Stefano Antonelli, avec l’aide d’un comité scientifique international. Aequus Actor Progetto di nuovo assetto politicoeconomico per la penisiola italiana e di nuovo sistema geografico globale, protocollato presso il Comune di Milano il 15/10/2009 (atti PG 774706/2009).

Projet d’un nouvel aménagement politico-économique pour la péninsule italienne et d’un nouveau système géographique global, enregistré à la Mairie de Milan le 15/10/2009 (actes PG 774706/2009). Project for a new political-economic layout for the peninsula of Italy and new global geographical system, protocolled at Milan City Hall on 15/10/2009 (PG 774706/2009 acts).

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AUFO a conçu et coordonné les projets “No-Spot City” (2009), une enquête sur la densité élevée dans des contextes urbains existants, “Aequus Actor”(2009), une recherche sur les zones ferroviaires et militaires qui vont être désaffectées à Milan, et “MilanoStadtKrone2030” (2010), une vision pour la ville basée sur un métro innovant triangle-line qui réunit dans un système les aéroports milanais, coordonnant un groupe de 14 bureaux d’architecture under40 provenant du monde entier, parmi lesquels MAD office, Ian + et Rojkind Arquitectos, et avec la participation spéciale de l’architecte Guglielmo Mozzoni avec sa Ville Idéale. Depuis 2010, AUFO travaille au projet InfrastructURBAN®, pont habité entre la Sicile et la Tunisie, qui voit la participation de groupes de travail formés par des professeurs et des chercheurs d’universités européennes et africaines. MilanoStadtKrone2030 Progetto per Milano e il suo territorio, protocollato il 15/10/2010 come Osservazione al PGT adottato da parte del Comune di Milano (atti PG 884896/2010).

Projet pour Milan et son territoire, enregistré le 15/10/2010 comme Observation au PGT adopté par la Mairie de Milan (actes PG 884896/2010). Project for Milan and its surrounding territory, protocolled on 15/10/2010 as PGT Watchtower adopted by Milan City Hall (PG 884896/2010 acts).

Architectural & Urban Forum Architectural & Urban Forum, known under the acronym AUFO, is a nonprofit research facility based in Milan, whose aim is to study metropolitan life and raise people’s critical understanding of civil and urban issues. AUFO’s operations are carried out by a multidisciplinary work team headed by Lorenzo Lazza and coordinated by Stefano Antonelli with the aid of an international scientific committee. AUFO devised and co-ordinated the “No-Spots City” project (2009), an enquiry into high density in consolidated urban settings, the “Aequus Actor” project (2009), an enquiry into abandoned railway and military zones in Milan and “MilanoStadtKrone2030” (2010), a vision for the city based on an innovative metropolitan triangle-line systematically coordinating all Milan’s airports run by a group of 14 architecture firms of under 40s from all over the world, including MAD office, Ian + e Rojkind Arquitectos and the special contribution of the architect Guglielmo Mozzoni and his Ideal City. AUFO has been working on the InfrastructURBAN® project since 2010, an inhabited bridge running between Sicily in Tunisia involving work teams composed of European and African University professors and researchers. InfrastructURBAN ® Proclama per l’arruolamento nel corpo di spedizione dei Mille AUFO, per la posa della prima pietra del ponte Italia-Tunisia.

Annonce pour l’adhésion au corps expéditionnaire des Mille AUFO pour la pose de la première pierre du pont Italie-Tunisie Proclamation for enrollment in the AUFO Mille expedition for the laying of the cornerstone of the bridge Italy-Tunisia.

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PROCESSO DI PROGETTAZIONE E COSTRUZIONE DI InfrastructURBAN

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Il progetto InfrastructURBAN ®, ideato dall’Architectural & Urban Forum, ha coinvolto gruppi di studiosi e progettisti di università europee e africane (Politecnico di Milano, Alexandria University, Universidad Europea de Madrid, Robert Gordon University), i quali nel marzo 2011 sono stati invitati a sviluppare la loro idea di città sull’acqua per un milione di abitanti. Nel giugno 2011, ottenute le prime bozze progettuali, il corpo di spedizione dei Mille AUFO ha posato, in prossimità del Monumento ai Mille sul lungomare di Marsala, la prima pietra di InfrastructURBAN ®, un plinto in calcestruzzo (dimensioni 50cm x 50cm, h 15cm) con targa commemorativa in marmo di Carrara, a rappresentare la solidarietà e la vicinanza tra i popoli europei e quelli africani. Nel luglio 2012, le versione definitiva dei progetti, una selezione dei cimeli della spedizione e i contributi pervenuti da parte di intellettuali e architetti sono stati esposti a Milano presso l’Istituto Internazionale di Studi sul Futurismo. AUFO sta attualmente organizzando un nuovo corpo di spedizione, che avrà il compito di posare, nel giugno 2013, la prima pietra africana del ponte, a Kelibia in Tunisia.

PROCESSUS DE CONCEPTION ET CONSTRUCTION D’InfrastructURBAN Le projet InfrastructURBAN®, conçu par Architectural & Urban Forum, a fait appel à des groupes de scientifiques et de architectes d’universités européennes et africaines (Ecole Polytechnique de Milan, Alexandria University, Universidad Europea de Madrid, Robert Gordon University) lesquels, en mars 2011, ont été invités à développer leur concept de ville sur l’eau pour un million d’habitants. En juin 2011, après avoir obtenu les premières ébauches du projet, le corps expéditionnaire des Mille AUFO a posé, à proximité du Monument aux Mille, sur le bord de mer de Marsala, la première pierre d’InfrastructURBAN®, une plinthe en béton armé (dimensions, 50cm x 50cm, h 15 cm) avec une plaque commémorative en marbre de Carrare, représentant la solidarité et le voisinage entre les peuples européens et africains. En juillet 2012, la version définitive des projets, une sélection des trophées de l’expédition et les contributions parvenues de la part d’intellectuels et d’architectes ont été exposées à Milan à l’Institut International d’Etudes sur le Futurisme. A l’heure actuelle, AUFO est en train d’organiser un nouveau corps expéditionnaire qui aura la tâche de poser, en juin 2013, la première pierre africaine du pont, à Kelibia, en Tunisie.

DESIGN AND CONSTRUCTION PROCESS FOR InfrastructURBAN

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The InfrastructURBAN® project, devised by Architectural & Urban Forum, involved teams of scholars and architectural designers from European and African universities (Milan Polytechnic, Alexandria University, Universidad Europea de Madrid, Robert Gordon University), who, in March 2011, were invited to develop their ideas for a city built on water accommodating a population of one million. Having received the first design sketches, the first stone of InfrastructURBAN®, a concrete plinth (measuring 50 x 50 cm, 15 cm h) with a commemorative plaque made of Carrara marble, was set in place in Marsala in June 2011 by the Mille Aufo exhibition team, representing solidity and closeness between European and African nations. In July 2012 the final version of the projects, a selection of expedition relics, and contributions from intellectuals and architects, were displayed at the International Institute of Studies into Futurism in Milan. AUFO is currently organising a new expedition, whose task will be to lay the bridge’s first African stone in Kelibia, Tunisia, in June 2013.

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1. FARFALLA SPERANZA Hisham Seoudy con / avec / with Ebtissam Farid, Mohamed Zaghloul, Khalid El Amir, Taymour Senbel.

6. MedMOB Farm Marco Scarpinato, Lucia Pierro, Carmelo Vitrano con / avec / with Fabrizio Mucera, Peder Pili, Gundersen Strand.

2. MEDITERRANIDE Juan Carlos Dall’Asta, Paola Bracchi, Giulia Setti con / avec / with Felipe Barrera Castellani, Daniele Galas, Carlo Lunelli, Fabio Zinna, Yi Wang, Shen Yuanjie.

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3. TALIA Lorenzo Degli Esposti con / avec / with Armando Bettella, Nicola Basile, Ombretta Bellomi Francesco Degli Esposti, Giulia Mazza, Patrizio Pelosi Emanuele Riboldi, Andrea Zecchetti, Daniele Zerbi.

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4. KORALLION Giuseppe Boi, Roberto Podda con / avec / with Mirco Vescio, Matteo Taramelli, Jacopo Berlendis, Anna Vorfolomeeva.

5. WETSCAPE CITY Matteo Fraschini con / avec / with Giancarlo Tonoli, Giacomo Moretto, Emanuele Re, Filippo Pasini.

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7. PRISCILLA Irma Coello + Álvaro Guinea, Ramiro Losada, Jorge Vidiella Huget con / avec / with Jose Miguel Prada Poole, Dario Gazapo, Emilio Luque, Jose Luis Esteban Penelas, Javier Hernandez, Sandra Alba Gomez, Jorge Bonito Piñana, Jose Luis Esteban Penelas, Javier Hernandez, Sandra Alba Gomez, Jorge Bonito Piñana, Guillermo Candil Garcia, Manuel Diaz Sanchez, Andrea Estevez Casteñeira, Francisco Fernandez Fernandez, David Ingacio Garcia Garcia, Maria del Carmen Garcia Lucas, Ana cristina Garcia Mouro, Natalia Garcia Sanz-Pastor, Manuel Jimenez Garcia, Ivan Jimenez Guerrero, Elena Klinnert Vlachopoulou, Adan Molinos Tolon, Rocio Peña Garrido, Ricardo Pernas Reboredo, Anna Strobol Bardo.

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8. MECANICA Stefano Antonelli con / avec / with Andrea Zecchetti.

9. AFREUR Michele Moreno con / avec / with Chiara Pradel, Sabina Caruso, Salvatore M. Moreno.

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10. THE AFRICAN GATE Amar Bennadji con / avec / with Harry Pei, Abdullah Mahdi, Sam Auchterlonie, David Eagleton, Jessica Horler, Volha Druhakova David Fleck, Christopher Smith.

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MOSTRA InfrastructURBAN

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Il 4 luglio 2012, presso la sede dell’ISISUF Istituto Internazionale di Studi sul Futurismo in Milano, è stata inaugurata la mostra InfrastructURBAN ® relativa al ponte italo-tunisino e alla spedizione siciliana dei Mille AUFO del giugno 2011, con una tavola rotonda alla quale hanno preso parte Marco Biraghi, storico dell’architettura del Politecnico di Milano, Cesare Casati, direttore della rivista l’Arca, Ernesto d’Alfonso, direttore della rivista ArcDueCittà, Lorenzo Degli Esposti, direttore creativo di AUFO e Gianni Pettena, artista e architetto, protagonista della stagione dell’architettura radicale italiana. I temi trattati sono stati il rapporto tra realtà e utopia nel progetto, l’attività artistica come performance e il ruolo della rappresentazione e dell’immagine nel progetto architettonico e urbano. L’allestimento della mostra (in esposizione i progetti delle città lungo il ponte, i cimeli della spedizione e i contributi di Yona Friedman, Guglielmo Mozzoni e di altri progettisti e pensatori) è stato curato dallo studio ZüFFdesign.

Immagini dell’allestimento Images de l’aménagement Pictures of the installation

EXPO InfrastructURBAN

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Le 4 juillet 2012, au siège de l’ISISUF, Institut International d’Etudes sur le Futurisme à Milan, a été inaugurée l’exposition InfrastructURBAN® relative au pont italo-tunisien et à l’expédition sicilienne des Mille AUFO de juin 2011, avec une table ronde à laquelle ont pris part Marco Biraghi, historien de l’architecture de l’Ecole Polytechnique de Milan, Cesare Casati, directeur de l’Arca, Ernesto d’Alfonso, directeur de la revue ArcDueCittà, Lorenzo Degli Esposti, directeur créatif d’AUFO, et Gianni Pettena, artiste et architecte, protagoniste de la saison de l’architecture radicale italienne. Les thèmes traités ont été le rapport entre la réalité et l’utopie dans le projet, l’activité artistique en tant que performance et le rôle de la représentation et de l’image dans le projet architectural et urbain. L’aménagement de l’exposition (y sont exposés les projets des villes le long du pont, les trophées de l’expédition et les contributions de Yona Friedman, Guglielmo Mozzoni et autres concepteurs et maîtres à penser) a été organisé par le bureau ZüFFdesign.

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InfrastructURBAN EXHIBITION The InfrastructURBAN® exhibition on the Italian-Tunisian bridge and Sicilian exhibition of the Mille AUFO of June 2011 was held at the ISISUF (International Institute of Studies into Futurism) in Milan with a roundtable involving Marco Biraghi, an architecture historian at Milan Polytechnic, Cesare Casati, editor-in-chief of the l’Arca, Ernesto d’Alfonso, editor-in-chief of the magazine ArcDueCittà, Lorenzo Degli Esposti, creative director of AUFO and Gianni Pettena, an artist and architect, a leading figure in radical Italian architecture. The topics examined during the event were the relationship between reality and utopia in architectural design, artistic activity as performance and the role of representation and image in architectural-urban design. The exhibition installation (displaying projects of cities along the bridge, expedition relics and contributions by Guglielmo Mozzoni and other designers and thinkers) was organised by the ZüFFdesign firm.

02-06-2011 EU Al fine di sveltire i processi decisionali politici e di attirare i finanziamenti privati, il Corpo dei Mille AUFO, gruppo di ardimentosi e temerari, si è imbarcato a Genova il 1° giugno 2011, è sbarcato in Sicilia il 2 giugno e ha posto la prima pietra di InfrastructURBAN ® in prossimità del Monumento ai Mille sul lungomare di Marsala, al cospetto delle autorità locali.

Spedizione dei Mille AUFO e posa della prima pietra del ponte Italia-Tunisia.

Expédition des Mille AUFO et pose de la première pierre du pont Italie-Tunisie Mille expedition AUFO and laying of the first stone of the bridge between Italy and Tunisia.

Afin d’accélérer les processus décisionnels et politiques et d’attirer les financements privés, le Corpo dei Mille AUFO, groupe de hardis et téméraires, s’est embarqué à Gênes le 1er juin 2011, a débarqué en Sicile le 2 juin et a posé la première pierre d’InfrastructURBAN® à proximité du Monument aux Mille sur le bord de mer de Marsala, en présence des autorités locales. In order to speed up decision-making processes and attract private financing, the bold and daring Mille AUFO team set sail from Genoa on 1st June 2011 and landed in Sicily on 2nd June so lay the first stone of InfrastructURBAN® near the Monumento ai Mille along the Marsala seafront in the presence of local authorities.

02-06-2013 AFRICA

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NELLA PRIMAVERA DEL 2013

AU PRINTEMPS DE L’ANNÉE 2013

IN THE SPRING OF 2013 FROM PALERMO TO REACH

DA PALERMO ALLA VOLTA

DE PALERME VERS

DELLE COSTE TUNISINE

LA CÔTE TUNISIENNE

THE TUNISIAN COAST

PER LA POSA DELLA

POUR LA POSE DE LA PREMIÈRE

FOR THE LAYING OF THE AFRICAN

PRIMA PIETRA AFRICANA

PIERRE AFRICAINE

CORNERSTONE

L’Architectural & Urban Forum sta radunando gli artisti e i temerari che costituiranno il corpo di ardimentosi che nel giugno 2013 si recherà a Kelibia, in Tunisia, a posare la prima pietra africana di InfrastructURBAN ®, opera d’arte tra due continenti. Gli interessati si offrano volontari mandando una e-mail a info@aufo.it.

L’Architectural & Urban Forum est en train de réunir les artistes et les téméraires, qui constitueront le corps des hardis qui, en juin 2013, se rendra à Kelibia, en Tunisie, pour poser la première pierre africaine d’InfrastructURBAN®, ouvrage d’art entre deux continents. Que les intéressés s’offrent bénévolement en envoyant un e-mail à info@aufo.it. Architectural & Urban Forum is bringing together artists and other enterprising people to form the party that will travel to Kelibia in June 2013 to lay the first African stone of InfrastructURBAN®, a work of art stretching between two continents. Those interested can volunteer by sending an e-mail to info@aufo.it.

AUFO - Architectural & Urban Forum VIA SANTA CROCE 9 - 20122 MILANO T + 39 02 8360062 F + 39 02 8356406 www.aufo.it info@aufo.it

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La revue internationale d’architecture, design et communication visuelle La rivista internazionale di architettura, design e comunicazione visiva The international magazine of architecture, design and visual communication

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Editeur Editore Publisher S.A.M. M.D.O. Société anonyme monégasque 31, avenue Princesse Grace MC 98000 Monaco Tél. +377 92 16 51 51 Fax +377 93 50 49 78 mdo@groupep.mc Représentant Légal Rappresentante legale Legal Representative Edmond Pastor Secrétariat de l’éditeur Segreteria dell’editore Publisher assistant France Lanza mdo@groupep.mc Directeur de la pubblication Direttore responsabile Editor Cesare Maria Casati dir.arca@arcadata.net Comité de direction Comitato di direzione Management committee Niccolò Baldi Matteo Citterio Joseph di Pasquale Consultants culturels Consulenti culturali Cultural consultants Aldo Castellano Maurizio Vitta Maurizio Vogliazzo Comité scientifique Comitato scientifico Scientific committee William Alsop, Piero Castiglioni, Angelo Cortesi, Odile Decq, Gillo Dorfles, Giorgietto Giugiaro, Gianpiero Jacobelli, Dominique Perrault, Paolo Riani, Joseph Rykwert, Alain Sarfati, Piero Sartogo Rédaction de Milan Redazione di Milano Editorial staff in Milan Elena Tomei via A. Raimondi, 10 20136 Milano Tél. +39 02 36517220 Fax +39 02 36517229 red.arca@arcadata.net

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